DJ Mag ES #154 by DJ Mag España

Cerramos el año en DJ Mag España, un año de muchas emociones y grandes eventos. Para celebrarlo y despedir este 2023, en esta casa tenemos el placer de recibir en nuestra portada a un artista nacional que está dando mucho de qué hablar: Vidaloca. Su dedicación total a la música ha posicionado a Vidaloca como uno de los artistas más interesantes de la escena electrónica. Desde su adolescencia hasta la actualidad, ha pasado por una evolución orgánica y progresiva que le ha llevado a su sonido actual: fresco, pistero y underground. Charlamos con él largo y tendido para que nos cuente sus últimas novedades y futuros proyectos. Seguimos en clave nacional para introducir al productor revelación con quien todos quieren trabajar: BizZa. Con cerca de 30 temas lanzados en lo que va de año, ya sea en colaboración o en solitario, el ritmo frenético de su producción es tan impresionante como inspirador. BizZa, que hasta los tiempos del confinamiento se dedicaba exclusivamente a pinchar, descubrió que tenía entre manos un don: producir muy bien, y muy rápido. A continuación, charlamos con Roberto García y Jorge Saura. Ambos conforman el epicentro creativo de Awen Records, un sello discográfico con sede en Murcia. Especializado en los dinámicos reinos del techno y los sonidos melódicos y deep, este sello discográfico se ha establecido firmemente como pionero, combinando a la perfección creatividad, administración y visión estratégica. En clave internacional, os introducimos en el nuevo álbum de Deena Abdelwahed. La artista adopta un enfoque pionero en la creación de nuevas formas de música electrónica inspiradas en las tradiciones musicales del mundo árabe. Nos cuenta más acerca de su estudio de los estilos de música de baile regionales, la naturaleza de las colaboraciones y la apertura de miras a nuevas posibilidades. En cuanto a reportajes, reflexionamos sobre la conexión que existe entre el contexto social, económico y político y la música predominante en la escena más masiva de la electrónica. ¿Existe una vinculación directa? ¿Son estos fenómenos coyunturales causa o consecuencia? Revisando épocas anteriores, ¿podemos adivinar un futuro para la escena electrónica? En cuanto a crónicas, este año hemos tenido el honor de visitar la duodécima edición de MIRA Digital Arts Festival. Por un lado, el festival ha cumplido su promesa de proporcionar a los tenedores de tickets de esta edición un banquete sensorial bajo el lema An Outer Taste. Por otro lado, ha reunido una ecléctica selección de músicos y artistas audiovisuales que representan el hallazgo de ese delicado punto de encuentro entre las propuestas más vanguardistas y todo aquello que es susceptible de apetecer a cualquier persona que oiga y/o vea y respire. En nuestra nueva entrega de tendencias, este mes os llevamos hasta Londres para adentraros en el colectivo United Visual Artists (UVA). Bajo la dirección del artista británico Matt Clark, la práctica multimedia de UVA investiga la naturaleza de la percepción y la cognición, reflejando las formas en que intentamos comprender y dar sentido al mundo y a nuestro lugar en él. Y como siempre, os traemos las mejores secciones y críticas musicales. Gracias, lectores, por seguir confiando en nosotros mes a mes. ¡Feliz Navidad! PATRICIA PAREJA Directora

DIRECCIÓN Patricia Pareja Casalí | patricia@djmag.es REDACCIÓN Patricia Pareja Casalí | patricia@djmag.es Borja Comino | borja@allinpress.com Caterina Günther | gunthercaterina@gmail.com Helena Bricio | redaccion@djmag.es NiZ | niz@djmag.es DIRECCIÓN DE ARTE Y MAQUETACIÓN Carlos Peggo | c.peggo@djmag.es FOTOGRAFÍA DE PORTADA Julia Buruleva FOTOGRAFÍA Y VIDEO Pierre Navy | pierre@allinpress.com MARKETING Y PUBLICIDAD Carlos Peggo | carlos@allinpress.com MARKETING INTERNACIONAL Jack Howell | jhowell@protonmail.com / jh@djmag.es DIRECCION COMERCIAL Jassi González | jassi@djmag.es

Información General | info@djmag.es Notas de prensa | redaccion@djmag.es Eventos | tour@djmag.es

COLABORADORES Eduardo Carbonell, Bruno Garca, Sergio Parrado, Sergio Bifeis, Victor Fernández, Willy Alcocer, Salvatore Maldera, Luís V. Kali, Victor Santana, Alejandro Serrano.

EDICIÓN Revista DJ Mag España SL Passatge Carsi, 16 08025 - Barcelona (España)

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CONTENID O DJ MAG 154 / DICIEMBRE 2023

Secciones 06 08 10 11 12 14 16

BREVES 60 SEGUNDOS – N1NJA MIS FAVORITOS – ROSSI. OFF THE RECORD – JOESKI FOCUS ON – DRUMMA RECORDINGS 5 TRACKS – BEN STERLING ELECTRÓNICA & ROLL – PIEL

18 20 22 24 26 28 30 78

COCINAMOS CON – WILLIAM DJOKO LUCKY 7 – MANU GONZLAEZ NEXT GEN – BOIX & BREAKLOOP MI HOGAR – MALANDRA JR TENDENCIAS – UVA: SYNCHRONICITY CÓMO PRODUZCO – NICOLA CALBI EL RINCÓN DE KALI TECH - IZOTOPE: OZONE 11

Artículos 34 44 48 52 56

VIDALOCA HARD TIMES. HARD MUSIC. AWEN RECORDS DEENA ABDELWAHED BIZZA

Críticas 70 72 73 74 75 76 77

ÁLBUMES – BRUNO GARCA EDM – WILLY ALCOCER TECHNO – VICTOR SANTANA UK GARAGE – BORJA COMINO HOUSE – ALEJANDRO SERRANO DRUM&BASS– DANIEL PANIAGUA BREAKS – EDUARDO CARBONELL

Crónicas 64

AAA – MIRA: DIGITAL ARTS FESTIVAL

Breves Autor: REDACCIÓN

APHEX TWIN, DISCLOSURE, JAMES BLAKE Y OTROS RECIBEN NOMINACIONES A LOS GRAMMY Se han dado a conocer los nominados a los premios GRAMMY 2024, en los que varios artistas electrónicos serán galardonados por primera vez este año. Los GRAMMY 2024, que se celebrarán el 5 de febrero en el crypto.com Arena de Los Ángeles, introducirán una serie de nuevas categorías, entre ellas: Mejor Interpretación de Música Africana, Mejor Álbum de Jazz Alternativo y Mejor Grabación Pop Dance. Fred Again... ostenta el mayor número de nominaciones en las categorías basadas en la música dance, con tres, al tiempo que obtiene una nominación como Mejor Artista Revelación. Entre los nominados a Mejor Grabación Dance/Electrónica se encuentran Aphex Twin por 'Blackbox Life Recorder 21f', Disclosure por 'Higher Than Ever Before', James Blake por 'Loading', Romy y Fred Again.. por 'Strong', así como Skrillex, Fred Again.. y Flowdan por ‘Rumble'. + info: es.ra.co

LA NUEVA FUNCIÓN DE TIKTOK TE PERMITE GUARDAR CANCIONES DIRECTAMENTE EN SPOTIFY, APPLE MUSIC Y MÁS TikTok ha lanzado una nueva función que permite a los usuarios añadir canciones directamente a plataformas de streaming como Spotify, Apple Music y Amazon Music. Las canciones se pueden añadir directamente desde los vídeos a la aplicación de streaming de música preferida del usuario haciendo clic en "añadir canción" en la parte inferior de la pantalla, donde podrá elegir las plataformas a las que añadirlas. "TikTok ya es la plataforma más potente del mundo para el descubrimiento y la promoción de música, lo que ayuda a los artistas a conectar con nuestra comunidad global para impulsar el compromiso con su música", afirma Ole Obermann, director global de desarrollo de negocio musical de TikTok. + info: tiktok.com

PEGGY GOU SE UNE A LENNY KRAVITZ EN SU NUEVO TEMA 'I BELIEVE IN LOVE AGAIN’ Peggy Gou ha lanzado su nuevo single ‘I Believe In Love Again’ en el que colabora el icono del R&B Lenny Kravitz. El nuevo tema, que ya está a la venta a través de XL Recordings, se incluirá en el álbum de debut de Gou, que saldrá a la venta en 2024. En un comunicado de prensa, el DJ y productor habla del tema: "Los años 90 han tenido una gran influencia en mi música. La gente conoce mi amor por la escena dance/house/rave de aquella época, pero siempre he sido un gran fan del R&B, y también de Lenny”. Y continuó: "Escuché sin parar su álbum de 1998 '5' -mi favorito personal-, pero toda su discografía es genial, totalmente atemporal. Vino al estudio y transformó la voz guía en magia, escribiendo nuevas letras y creando ese increíble riff de guitarra. 'I Believe In Love Again' es un fuerte mensaje de positividad y esperanza, y esperamos que todo el mundo lo sienta cuando escuche la canción.” Para celebrar el nuevo sencillo, Peggy salió a las calles de Seúl para un evento pop-up de venta de merch exclusiva durante el día en Itaewon antes de una fiesta posterior en el local Ferments de Yongsan con un DJ set de la artista y otros. + info: pitchfork.com

FOUR TET PUBLICA UN ÁLBUM EN DIRECTO DE SU CONCIERTO EN EL ALEXANDRA PALACE DE LONDRES Four Tet ha autoeditado un álbum en directo con una actuación completa en el Alexandra Palace de Londres. Con una duración de dos horas, la actuación tuvo lugar a principios de este año, el 24 de mayo. El álbum en directo divide las actuaciones en seis secciones separadas e incluye el ruido del público. Se mueve a través de varios estados de ánimo, que abarcan la música ambiental con brisa, cuatro a la pista de patadas y secciones de ruido experimental. Temas como ‘Kool FM’, ‘Spirit Fingers’, ‘My Angel Rocks Back And Forth’, ‘Green’ y ‘Teenage Birdsong’ aparecen a lo largo del disco, con material extraído de álbumes como ‘Rounds’, ‘Beautiful Rewind’, ‘New Energy’ y ‘Sixteen Oceans’. + info: bandcamp.com

N1NJA ¿Cuáles son tus principales influencias? ¿Cómo llegaste a ellas? Mis primeras influencias fueron las compilaciones de Buddha Bar. Las descubrí en las cenas familiares y me obsesioné con la fusión de instrumentos del Este con los estilos de producción vanguardistas del Oeste. A partir de esto, mis principales influencias han sido las producciones de David August y Nicolas Jaar... Como ávida guitarrista, las líneas de bajo y estilos de producción de ambos me cautivan infinitamente. También tendría que rendir homenaje a Pink Floyd y Led Zeppelin. Has lanzado música en sellos como Mobilee y Sol Selectas. ¿Qué te inspira cuando produces? Profundizando en mis raíces, los tonos sagrados de instrumentos como la Veena y la Ney de la India inspiran profundamente mis producciones. La naturaleza también me inspira enormemente para dejar que las cosas fluyan, con interconexión y equilibrio, creando un viaje sonoro que va más allá de los reinos del tiempo y el espacio. Has superado la dispraxia, ¿qué desafíos has enfrentado al hacer música? A los 15 años me diagnosticaron dispraxia, que es un retraso en la coordinación motora. Cosas como la secuenciación, la coordinación y las habilidades motoras son desafiantes, entre muchas otras cosas. Cuando piensas en ser músico, es obvio cuánto depende de tener una coordinación motora excepcional. Al principio, experimenté mucha dificultad para mantener la precisión rítmica, dominar instrumentos y aprender técnicas de producción complejas. Me diagnosticaron muchos años después de haber encontrado mi propósito musical y estaba decidida a perseguirlo. Una gran parte ha sido dedicar más de 10.000 horas para perfeccionar mi oficio, lo que dio como resultado la reconfiguración de las redes neuronales a través de la práctica repetitiva y pensar fuera de lo común para navegar por el intrincado mundo de la creación musical.

Hola N1NJA, un placer saludarte. Para quien no te conozca, ¿cómo te describirías? Hola, mi nombre es Farah Nanji, nací en Londres y he recibido grandes influencias por mis raíces del Este de África e India. Me encanta pintar mi lienzo creativo a través de una profunda exploración de instrumentos de estas regiones, entrelazados con techno melódico. Además de mi carrera artística, también soy "podcaster", curadora en IMS en Ibiza y piloto de carreras.

¿Qué nos puedes contar sobre tu podcast, Mission Makers? El podcast nació en las montañas de Davos en 2020. Llevamos a nuestros oyentes en un fascinante viaje a los reinos de la música, los deportes de motor y los negocios a través de la perspectiva de algunas de las personas más motivadas del planeta. Me enorgullece decir que actualmente estamos en el Top 2% de los podcasts en todo el mundo y que algunos de nuestros invitados han sido Carl Cox, Lee Burridge o el ex piloto de F1 convertido en DJ, Squire, entre muchos otros.

Eres de Londres, ¿cómo ves la escena electrónica de la ciudad? ¿Y de Reino Unido en general? El Reino Unido tiene un legado enorme en música electrónica. Une a muchas comunidades y su impacto se puede sentir a través de muchas perspectivas culturales. En este momento, géneros como el Amapiano y el Afro House están arrasando en Londres con promotores como Labyrinth, organizando eventos excelentes. Si bien nuestro legado es incuestionable, la preservación de nuestra cultura enfrenta una gran crisis. Más del 50% de los clubes en el país han cerrado en la última década. Esto está relacionado con la crisis del coste de vida, el Brexit, las tensiones políticas y la recuperación desde la pandemia. Nuestro país se encuentra en una situación frágil con poco apoyo gubernamental, pero después de la pandemia, la música ha demostrado ser una fuerza imparable y Londres siempre será un centro de creatividad donde los actores clave de la industria convergen y forman una escena siempre cambiante.

Finalmente, N1NJA, pedimos a los invitados de 60 segundos que planteen una pregunta al siguiente. La última fue de Nicola Calbi: “¿Cuál fue la canción más inapropiada que te pidieron que pusieras?” Me pidieron ‘Daddy Cool’ con motivo de celebrar un cumpleaños. Y a cambio, nos tienes que dejar una pregunta para el siguiente… ¿Cuál es el significado detrás de tu nombre?. ¿Sientes que resuena con tu camino musical?

M I S

F AV O R I T O S

Mis Favoritos

Escanea el QR y descubre lo último de Rossi.

Rossi. ÁLBUM 'Khruangbin - Con Todo El Mundo' Sin duda uno de mis álbumes preferidos, de una de mis bandas favoritas: Khruangbin. Esta banda es increíble y la música que hacen está inspirada en la música tailandesa de los años 60 y 70. Me encanta ver las entrevistas que les hacen por la inspiración que extraen de todo el mundo. La razón por la que me gusta tanto este álbum es porque la música suena muy distinta y cada canción parece mezclarse perfectamente con la siguiente. Muchos de los temas que componen no tienen letra, ¡suenan como una colección de jams en la que los tres miembros de la banda han improvisado en el estudio! El álbum se adapta a todas las emociones, y las canciones pueden tener significados muy diferentes en función del estado de ánimo. Me gusta escuchar este álbum cuando estoy trabajando, cocinando, montando en bici, relajándome en vacaciones o viajando. Es un álbum que puedo poner en un día lluvioso en el sofá o en un día soleado en el parque. ‘August 10' es mi canción favorita del álbum, me encanta el flow y el groove de esta canción. Por favor, escuchad a esta banda, son increíbles.

LIBRO Shoe Dog - Phil Knight No diría que soy un gran lector si soy honesto, pero de los libros que he leído me gustó mucho Shoe Dog de Phil Knight. Son las memorias e historias del creador de la infame marca Nike. Me gustó este libro porque te da una idea de cómo cada gran idea tiene que empezar con un pequeño pensamiento, o un amor por algo que alguien persigue lo suficiente como para convertirse en un producto acabado. También cuenta historias de cómo algunas de las cosas más grandes de la empresa, fueron las primeras ideas más simples. A veces, las cosas más importantes que funcionan lo hacen porque son muy sencillas. Así que aprendí de este libro a no complicar siempre las cosas, si tienes una idea... simplemente hazla. PELÍCULA Prisioneros (2013) y Triángulo de tristeza (2022) Tuve que elegir dos, ¡es demasiado difícil elegir una! Soy muy fan, me encanta ver películas casi tanto como escuchar música. Prisioneros es una de mis películas favoritas y siempre le digo a todo el mundo que la vea inmediatamente. Tiene tantos giros y vueltas que uno está constantemente al borde del asiento. La he visto siete veces e incluso más. Triángulo de tristeza es una película preciosa, no os dejéis engañar por el título, no es una película realmente triste. Es un viaje emocionante que explora las relaciones y el estatus de diferentes personas cuando se encuentran en situaciones completamente diferentes.

SERIE DE TV Severance (Apple TV) Veo muchas series cuando viajo. He elegido una que ha sido mi favorita últimamente y que puede que no te la hayan recomendado todavía. Severance es una serie que cuenta la historia de un mundo en el que puedes borrar la memoria de ir a trabajar todos los días para que parezca que nunca has ido a trabajar. Al principio es un poco lenta, pero el final merece la pena. ¡Me muero de ganas de que salga la segunda temporada! DEPORTE Fútbol y pádel Mi deporte favorito siempre ha sido el fútbol. Para mí, jugar al fútbol a mitad de semana entre mis conciertos siempre ha sido una gran liberación. No hay nada más humilde que jugar un partido de fútbol y recibir patadas, empujones y tirones durante 90 minutos un martes por la noche. También me he enamorado del pádel... es un deporte que se aprende muy rápido y el juego es veloz y a veces implacable. Intento jugar una o dos veces a la semana desde que empecé hace un año y me estoy volviendo adicto.

M I S

F AV O R I T O S

Off The Record

Escanea el QR y entérate de las novedades de Joeski

Joeski ¿Cuándo fue tu última mentira y por qué? Parece que últimamente siempre me comprometo a trabajar mucho. En cuanto a las remezclas, siempre disfruto con lo que hago, pero sin duda sería "la remezcla está casi hecha", mientras que en realidad acabo de empezar con ella (risas).

¿Qué es lo primero que te gusta hacer cuando llegas a un club? Normalmente cuando estoy de gira lo primero que me gusta hacer es situarme, ver lo que pasa en la pista de baile, tomarme un cóctel, por supuesto, y ver en qué dirección voy a llevar al público.

¿Esa cosa que siempre has querido que te pregunten pero nadie te ha preguntado nunca? Estoy completamente obsesionado con el arte en todas sus formas: tatuajes, pinturas, esculturas, etc., así que creo que tendría que ser: ¿quiénes son tus pintores favoritos?, ¿cuáles son tus estilos de tatuaje favoritos?, etcétera.

¿Cuál es tu comida favorita para la resaca? Cualquier cosa grasienta. Siempre me apetece comida basura después de una noche de copas: pizza, patatas fritas… ¡Cualquier cosa frita! ¿Qué tema no puede faltar en tu set ahora mismo? Joeski feat Hector Lavoe - ‘Día De Ayer’, ha sido definitivamente uno de mis mayores lanzamientos en los últimos años y siempre ha estado en mis sets, así que hice un montón de otros remixes solo para mis DJ sets. Este es uno de los que he estado tocando mucho últimamente con el ‘Joeski Unreleased Vocal Mix’.

¿Cuál ha sido el mejor momento de tu carrera hasta ahora? Ha habido muchos momentos increíbles a lo largo de todos estos años… Pero tendría que decir que fue conseguir el reconocimiento mundial, cosa que me permitió viajar por todo el mundo por primera vez de gira. El momento más embarazoso de tu vida... Ha habido unos cuantos, pero prefiero no revelarlos. Uno que fue bastante malo fue cuando paré el CDJ equivocado delante de unas cuantas miles de personas. De alguna manera me las arreglé para usarlo a mi favor y la gente pensó que lo había hecho a propósito (risas).

FOCUS ON

DRUMMA RECORDS Autor: Sergio Parrado

Para concluir este año 2023 presentamos Drumma Records, un destacado sello discográfico chileno bajo la dirección del experimentado y talentoso Felipe Venegas. En diálogo con él, emerge claramente el perfil de un individuo que prefiere la discreción personal, enfocándose exclusivamente en la esencia de Drumma: "No deseo que se divulgue mi imagen, hablemos exclusivamente del sello", expresó. Venegas se distingue por su sencillez, dedicación y pasión, liderando con determinación lo que indiscutiblemente podría considerarse la principal etiqueta musical en Chile hablando en términos electrónicos.

Esta distinción no es casualidad, ya que artistas de renombre mundial como Ricardo Villalobos, Luciano, Livio & Roby, Alex Kid, Jorge Savoretti, Vinyl Speed Adjust, Argenis Brito, Nima Gorji, Mathias Kaden, Javier Carballo y Dani Casarano han dejado su huella en este sello, consolidándolo como un verdadero "peso pesado" en la escena. Drumma Records se erige como un referente en el ámbito del minimal house, distinguiéndose por su enfoque atemporal y desafiante de las modas y tendencias musicales. Ahora bien, ¿quién mejor que el propio líder del sello para compartir su historia?

DJ MAG MINI TEST ¿Género favorito? Microhouse, deep house, Detroit techno y ambient ¿Fuente de inspiración? La naturaleza y la humanidad ¿Ciudad favorita para tocar? Berlín, Ibiza, Londres, Buenos Aires

¿Vinilo, digital o ambas? Ambas ¿Qué palabra describe tu creatividad? Innovación, mixtura, y amplitud ¿Qué color asocias con la energía de Drumma? ¡Drumma es multicolor!

Hablando del inicio del sello, ¿cómo ha evolucionado tu visión desde entonces? ¿Hubo algún hito o cambio significativo en tu enfoque estratégico que haya moldeado la dirección del sello a lo largo del tiempo?

Indudablemente hemos transitado por un proceso a lo largo del tiempo, atravesando diversas etapas. En la actualidad, nos encontramos adentrándonos en una nueva fase, donde el formato digital se vislumbra en nuestro horizonte. Si bien siempre hemos mantenido un profundo respeto por el vinilo y comprendemos su significado, con su peso y compromiso hacia la música, ahora nos proponemos realizar un cambio hacia lo nuevo. Queremos abrazar la era digital como un desafío emocionante. A lo largo de nuestro recorrido, hemos alcanzado numerosos primeros lugares en los charts y hemos tenido el honor de firmar con artistas icónicos de la cultura electrónica. Estos logros han marcado hitos musicales poderosos para nosotros. En épocas pasadas, organizamos showcases en diversas capitales alrededor del mundo, momentos que, sin duda, se han convertido en hitos emblemáticos en nuestra trayectoria.

¿Cuáles fueron tus motivaciones para abrir Drumma Records? ¿Hubo alguna experiencia o visión específicta que te inspirara a embarcarte en esta aventura musical? ¿Qué metas te propusiste desde el principio para el sello? En realidad, empecé mi carrera en la industria musical bastante temprano con Drumma, justo cuando comenzaba a tener reconocimiento a nivel internacional. Mi deseo siempre fue crear mi propio sello, un espacio donde pudiera no solo lanzar mi música, sino también la de mis amigos. Siempre creí que era más valioso esforzarse por liderar una etiqueta que depender de otros. Esta convicción fue mi principal fuente de motivación para crecer. En ese momento estaba en estrecho contacto con grandes productores de la escena. Utilicé esas conexiones para respaldar los primeros lanzamientos de Drumma, aportando peso y contexto al sello. El objetivo fundamental de Drumma es sonar contemporáneo y alejarse de las tendencias de moda, manteniendo siempre una intención de sonido moderno para el club. Una de mis premisas fundamentales es que en Drumma siempre hay espacio para mostrar tu lado artístico y creativo. Aquí buscamos romper con lo convencional y fomentamos la expresión individual. Ser parte de Drumma no solo significa formar parte de un sello, sino también de una élite que valora la originalidad y la innovación en la música electrónica."

A medida que el sello ha crecido, ¿cómo has abordado la selección de artistas y qué consideraciones clave influyen en tu decisión? ¿Buscas un sonido específico o te enfocas en la originalidad y la innovación? Siempre he tenido el placer de colaborar con artistas que resuenan con mi gusto personal. En algunas ocasiones, soy yo quien se acerca a ellos, mientras que en otras, son ellos quienes se acercan a mí. En ambos casos, he establecido un criterio claro: quiero ver su lado más creativo. No busco pistas que estén atadas a obligaciones comerciales; aquí, es una invitación a innovar desde el sonido. Este espacio se presenta como una plataforma esencial para aquellos músicos que desean mostrar su faceta más innovadora. Por otro lado, Drumma se ha convertido en un semillero de nuevas generaciones de músicos jóvenes, y esto me llena de felicidad. Considero esta responsabilidad como algo noble, ya que contribuye al desarrollo y la promoción de talento emergente en la escena musical.

¿De dónde viene ese nombre? ¿Es por algo en especial? Drumma tiene sus raíces en la canción cubana ‘Drume Negrita’, la cual solía interpretar en mis tiempos como estudiante de guitarra clásica. La elección del nombre está intrínsecamente ligada al contexto de la percusión, evocando la esencia del ritmo. Este sello musical encapsula la esencia de los sonidos intensos, reflejando la conexión profunda con la riqueza percusiva. En cada ritmo y nota, Drumma busca transmitir la pasión y la energía que caracterizan la música que me inspiró.

Mirando al futuro, ¿cuáles son tus planes y aspiraciones para el sello discográfico en los próximos años? ¿Hay nuevos proyectos, colaboraciones o direcciones que estás explorando para seguir evolucionando? Después de unos años más bien discretos sin tanto bombo en la promo, sino más bien sacando música, mi intención es regresar de manera mensual ofreciendo lanzamientos digitales mensuales, así como algunas ediciones en vinilo donde presentaremos los tracks más atemporales.

5 TRACKS Ben Sterling

ADAM TEM & MITA GAMI REMIX ‘Renegade’ [Crosstown Rebels] Este es un nuevo disco que he estado tocando en mis sets. Adam y Mita han estado haciendo algunos discos increíbles que han sido super inspiradores para mi trabajo de estudio.

S. PRODUCT ‘TNT’ [Label Engine] ¡Este disco es una joya y me hace sentir como en casa! Siempre me he inspirado por el sonido de Berlín y cuando tuve la oportunidad de tocar en Watergate hace unas semanas, este track estuvo en mi set a pesar de que sea corto… Si alguien encuentra la versión extendida de este, por favor, ¡que me la envíe!

JG ALIM ‘Make Your Mind Up’ (Nathan Coles Remix) [Wiggle] Un groover con el que arranco muchos sets. Nathan Coles fue una de mis mayores inspiraciones como artista y este es uno de mis discos favoritos que ha sacado.

BEN STERLING ‘Don’t Truss’ ft. Caitlyn Scarlett [Crosstown Rebels] Una producción mía que me sacó completamente de mi zona de confort como artista. Esta fue la primera vez que trabajé con un vocalista y experimenté con sonidos muy diferentes. ¡Estoy muy contento con el resultado!

ART DEPARTMENT ‘Vampire Nightclub’ feat. Seth Troxler [Crosstown Rebels] Me encanta este disco: es diferente, raro y único. Es el tipo de track que me gusta incorporar en mis sets para sorprender a la gente. ¡Los samples vocales aquí son muy duros!

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ELECTRÓNICA

& ROLL Autor: SERGIO BIFEIS

La vida es un constante cambio. En los procesos creativos es algo que se agudiza de manera habitual. Todo artista quiere, si no evolucionar, tomar diferentes caminos para expresar lo que siente dentro de sí mismo. A José Cabrera lo hemos conocido con distintos pseudónimos. Primero como Kasper en unos inicios de corte más minimalista cuando prendió la noche de Madrid. Una consolidación bajo las siglas J.C. para conquistar las pistas de techno del país abriéndole las puertas de una jugosa residencia en el mítico Tresor de Berlín que se tradujo en ser solicitado en cabinas alrededor del globo. De Europa a Asia pasando por todo el continente americano. Su faceta como productor a lo largo de los últimos 20 años está fuera de toda duda con trabajos para sellos internacionales como Soul People Music de Fred P, Tresor, Deeply Rooted y L.I.E.S. de Ron Morelli; además de para el suyo propio, A Harmless Deed que codirige junto a su buen amigo, y otro productor para ponerse en pie cuando se le nombra, Damian Schwartz. Un currículum envidiable para seguir agrandando su figura dentro del techno. Entonces llegó un giro inesperado. La pandemia en 2020 trajo consigo una mutación sonora. Tomando dis-

tancia de los sonidos más oscuros y experimentales; y bajo su nombre real, José Cabrera, comenzó a abrazar un estilo que siempre ha amado pero que pocas veces había trabajado como es el house. Esa idea ha fructificado en Le Bateleur que se configura como un elegante y personal álbum sin límites estilísticos.

PIEL El tercer trabajo en largo de su carrera mantiene las esencias de Detroit y Chicago pero con una personalidad muy marcada a lo largo de los 13 cortes que lo compone. El respeto por la vieja escuela es evidente en un sonido analógico emanado de cajas de ritmos Roland, sintetizadores Juno y teclados Casio. La autenticidad sale a flote y se complementa por su gusto por el hip-hop y el jazz dando más matices al espíritu familiar que traslada. En Le Bateleur se percibe energía y viveza al entrar en el espacio más personal del artista. Se muestra arropado al rodearse de amigos que participan en el álbum no solo con cuidadas colaboraciones, sino también en los distintos skits que presenta a modo de grabaciones de voz de amigos y familiares trasladando

ciertos códigos de los discos de rap. No diremos quiénes son porque la magia está en descubrirlos. En el apartado musical la presencia de Persa, Jae Franklin, NBlue y Damian Schwartz aporta una riqueza que genera más variedad. Cálidas e irresistibles melodías jazz, como la introducción, y sonoridades de rock progresivo cósmico generan más aristas dentro de la creatividad de un Cabrera que no se guarda nada. El arranque del álbum con ‘Endless Dream’ y ‘Live Your Life’ ya indica que va a pecho descubierto. Dos bombas para la pista de baile, una más cruda y otra más clásica con pianos y vocales arrebatadoras. También apuesta por dar una velocidad más con ‘Track For Clau’ con un enfoque más futurista que funciona muy bien pero su concepción clásica en 'I Thought You Were the One', 'RL Stadium 92', 'Halftime Report (For Little José)' y 'For Princess L (I Love You)' son el corazón de un disco que bombea un groove cautivador para erizar la piel. Una piel que José Cabrera ha mudado en un disco hecho en Madrid pero que tiene auténtico sabor americano. No me tiembla el pulso al afirmar que ha publicado uno de los mejores LPs de este año que cerramos ya. Lo mejor siempre para el final.

PASTA FRESCA AL HUEVO CON CALABACINES Y PARMIGIANO REGGIANO INGREDIENTES › 3x calabacines › 500 gr de espaguetis frescos › 1/4 taza de aceite de oliva virgen extra › 1 cebolla pequeña › 1 cucharadita de pimienta › 1 cucharadita de sal picante › 2 cucharaditas de nuez moscada › 200 gr Parmigiano Reggiano rallado › 100 gr de Crescenza

Este es un plato perfecto, delicioso, sano y rápido antes de mis entrenamientos diarios. Salto a la comba con bastante fanatismo y como este plato unas tres veces por semana. Es ideal para equilibrar mi vida nocturna durante la semana, combatir el cansancio y sacar el máximo partido a mi día a día, siendo responsable de tomar carbohidratos (algo que he aprendido con el paso del tiempo, ahora que soy DJ profesional desde hace casi 20 años). Pero sí, como dicen los italianos: "allora.."

Tiempo: 15-20min

Nivel de dificultad: Fácil

Pax: 3 pers

• Con una espumadera saca los espaguetis y añádelos a la sartén... Importante: coge dos cucharadas de agua de pasta hervida y añádelas a la sartén para mantener el proceso de ebullición. Ahora puedes empezar a mezclar la pasta, las medias lunas y el puré todo junto a fuego lento y ya estás listo para añadir un poco de Parmigiano Reggiano rallado a tu gusto.

• Empieza lavando y cortando tres calabacines en medias lunas. Limpia una cebolla pequeña por la mitad y pon un poco de aceite en tu sartén con pimienta negra.. Añade tanto las partes de cebolla como los calabacines a la sartén y deja que se calienten, mientras remueves de vez en cuando para asegurarte de que nada se quema... al mismo tiempo pon a hervir abundante agua para los 500 gramos de pasta en tu olla favorita.

• Para rematar, puedes añadir un buen trozo de crescenza por encima para darle un poco de grasa y textura (algún día lo haré, unas aceitunas negras también pueden quedar muy bien). Añade también un poco de sal picante, en mi caso pongo muy poca ya que estoy intentando reducir la sal, la añado solo al final y no en la preparación del aliño.

• Para darle sabor, añade la nuez moscada (a tu gusto) y mézclalo todo bien hasta que los calabacines estén cocidos y blandos a fuego lento. • A continuación, pon a hervir la pasta fresca en agua salada durante 3 minutos. Mientras esperas a que la pasta esté cocida, haz una línea en medio de las verduras y con una batidora de inmersión haz un puré con una mitad. Así, una mitad se convierte en puré y la otra se queda en medias lunas. Apaga el fuego, añade un poco de aceite y remueve.

• ¡Así que ya lo tienes! Rápido, sano y fácil para que todos lo disfrutéis. No puedo esperar a veros en la pista de baile y por ahora; ¡buon appetito

MANU GONZALEZ Autora: PATRICIA PAREJA CASALÍ

¿Qué canción te recuerda a tu infancia? Cualquier canción de Julio Iglesias. Mi padre escuchaba mucho a Julio, y cuando llegaba a casa de mis padres el 80% de las veces tenía música puesta, ¡y el 90% de estas veces era Julio Iglesias! (Risas) ¿El primer disco que compraste? Todd Terry ‘Ready For a New Day’ (Original Mix). Se lo compré a un amigo sin tener ni si quiera unos platos para escucharlo, lo escuchaba en su casa :-) ESCANEA EL QR Y DESCUBRE A MANU GONZALEZ

¿El disco más cursi de tu colección? Aqua 'Barbie Girl’. Quise samplear hace muchos años algún sonido de Aqua 'Barbie Girl’, ¡todavía tengo el disco! (risas) ¿Qué canción te pone sentimental? Sade ‘Kiss Of Life’ (Original Mix). ¿Algún disco que estés escuchando? Estoy en Nueva York ahora mismo y estoy escuchando mucho hip-hop. Ahora mismo suena en mi habitación de hotel un álbum de NAS. Para ser concretos, el álbum se titula IllMatic y el track que suena es ‘Memory Lane (Sittin’ In Da Park)’.

¿A qué disco de tu colección le guardas más aprecio? A mi primer disco en vinilo. Lo saqué con uno de mis mejores amigos, quien me ayudó mucho a afinar mi sonido y a trabajar en el estudio, un verdadero genio: Oscar Hervas. El release salió por el sello Natural Rhythm Berlin bajo el nombre de Govas (go de Gonzalez y vas de Hervas). ¿Cuál es tu canción favorita de todos los tiempos? The Police ‘Message In A Bottle’. Y del género electrónico: Paul Jonhson ‘Get Get Down’.

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GEN La sección NextGen de este mes es especial por dos motivos. Por un lado, es la primera vez que recibimos en esta sección no a un DJ, sino a una formación (dúo, en este caso); pero, sobre todo, es la primera vez que traemos aquí a quienes, dentro de esta próxima generación -que ya está aquí- de la música electrónica en España, están destacando en el mundo de la producción musical como faceta artística por encima incluso de la de DJ. Os presentamos con orgullo, queridos lectores, a los castellonenses Enrique Boix Montesó (Boix) y Tony Vincent Quiroz Vidaurre (Breakloop).

BOIX & BREAKLOOP DICIEMBRE

2023

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GEN

Autor: WILLY ALCOCER

En esta sección siempre empezamos por el principio: el origen de Boix & Breakloop: ¿cuándo y por qué surgió la idea de dedicaros al mundo de la música electrónica?

Musicalmente hablando, ¿qué sonidos os definen? Nos define el estilo “House” con las ramas Tech House, Latin House y Urban House.

Tony (Breakloop) y yo (Boix) nos conocimos a través de las redes sociales hace 5 años. Estuvimos intercambiándonos maquetas y remixes bastante tiempo hasta que llegó un momento en el que decidimos juntarnos y formar el grupo Boix & Breakloop.

Hacednos, por favor, un repaso por lo más importante de vuestra trayectoria discográfica. Sobre todo, el hecho de crear un vínculo bastante consolidado con Blanco y Negro Music y el sello holandés Storm Music Group. Gracias a ellos y a su promoción constante, hoy en día nuestro trabajo se está visibilizando mucho en redes y en plataformas de streaming como Spotify o Instagram. Cabe destacar también que entramos en dos editoriales oficiales de Spotify: Hit ITaliane y Viral Hits.

Esta pregunta también es fija por el interés que despierta en los lectores de DJ Mag España que también desean tener una carrera profesional: ¿qué primera acción llevasteis a cabo para que esa idea empezase a cumplirse? Empezamos a enfocarnos 100% en la producción. Gracias a ello aparecieron los contactos con sellos discográficos, A&R y, sobre todo, llamamos mucho la atención a artistas de talla mundial como Nicky Romero y Lost Frequencies, que han hecho sonar nuestros temas en sus shows.

¿Qué recomendaríais a quien os pidiera consejo sobre cómo conseguir ser un productor musical al que los sellos discográficos “hagan caso”? Para destacar como productor musical ante los sellos discográficos es fundamental adquirir habilidades técnicas, educación musical y elaborar un extenso portfolio. Es importante tener una buena conexión con otros artistas, trabajar con ellos y estar activos en redes, enviar a los sellos que se adapten a tus gustos, siguiendo tus pautas. La paciencia y la persistencia son importantes, ya que el éxito en la industria musical lleva mucho tiempo. La formación en el ámbito musical y la actualización de las tendencias y tecnologías es esencial para adaptarse a la evolución constante de la industria.

¿Fuisteis autodidactas o, por el contrario, recibisteis formación en una escuela, academia o FP? Prácticamente hemos sido autodidactas, pero Tony (Breakloop) años después empezó sus estudios en “Millenia Valencia” en el curso de ingeniería de sonido y producción. Vamos al primer día de Boix & Breakloop en la cabina de una sala: ¿cuándo y dónde fue? ¿qué fue lo que provocó que se os convocase para pinchar ese día y qué sentisteis?

Terminemos con el futuro: ¿cómo os gustaría que fuera vuestra vida profesional en el mundo de la música (en vuestras dos facetas) a partir de este momento?

Todo empezó en un concurso de DJs donde nos inscribimos: presentamos un “vídeo DJ” a la organización del concurso y fuimos seleccionados para la actuación. Nos sentimos muy ilusionados y en parte muy nerviosos porque no sabíamos cómo sería la aceptación del público… pero afortunadamente todo salió como esperábamos, supimos y aprendimos ese día lo que significa leer la pista.

Nos encantaría que nuestra vida profesional en el mundo de la música siga evolucionando y creciendo de manera emocionante. Además de nuestra faceta como DJs, buscamos seguir investigando y experimentando con diferentes géneros y estilos, manteniéndolos siempre frescos y relevantes. Queremos continuar creando experiencias memorables para nuestro público, ya sea en eventos en vivo o a través de nuestras producciones musicales.

La actualidad: ¿cómo es vuestra vida hoy en día en vuestra faceta de DJs? Estamos fomentando, de cara a la Navidad, un nuevo concepto de fiestas con nuestro nombre “Boix & Breakloop And Friends” en diferentes salas de la ciudad natal de Enrique (Boix), donde invitaremos a diferentes DJs de distintos puntos de la Comunidad Valenciana.

En cuanto a la producción musical, nos gustaría llevar nuestras habilidades al siguiente nivel, colaborando con otros artistas talentosos y explorando nuevas fronteras creativas. También queremos ayudar a la escena musical, ya sea a través de de nuevos talentos, organizando eventos únicos o participando en proyectos innovadores.

Vamos ya con vuestra faceta principal: dentro del mundo de la música, ¿qué os provocó querer ser, concretamente, productores musicales? En nuestros inicios escuchábamos lanzamientos todos los días, y empezamos a montar sesiones DJ y radio shows. Pero llegó un momento en el que nos causó mucha intriga el mundo de la creación musical. Queríamos algo diferente, algo llamativo en nuestra marca, así que nos adentramos y conocimos “FL STUDIO” hasta que conseguimos que nuestras ideas y pensamientos se vieran reflejados en notas musicales.

Malandra Jr Mi Hogar - Abruzzo

He elegido algunos de los lugares donde nací y crecí, lugares de la infancia y actuales donde me refugio, donde me siento en casa, el único lugar en el que puedo crear, en Abruzzo, Italia. Lo llaman el pulmón verde de Europa… Podrías saltar desde 2000 metros y aterrizar en la playa amarilla canaria para disfrutar del mar. Yo nací aquí, entre las montañas más extremas y el mar. Entre inmensas extensiones de olivos y ríos. Es una tierra situada en el centro, un reducto al norte del reino de las dos Sicilias, del sur de Italia. Desde los Abruzos, Italia cambia: cambian los colores, cambian los sabores, cambia la percepción de la vida y quizás como en el sur, solo hay un camino como maestro de vida. Me gustaría que todo siguiera aquí como siempre, y para no sufrir el cambio completamente inexorable, intento quedarme el mayor tiempo posible. Tengo una hija, y me gustaría que entendiera la importancia de valorar los lugares donde ha nacido. Estoy un poco en contra de la emigración masiva, aunque la comprendo, pero haré todo lo posible para que se enamore de estos lugares mágicos antes de volar del nido.

Vengo a esta terraza de montaña desde que era niño. Venía a coger regaliz, a viajar psicodélicamente en la adolescencia, a hacer el amor reconfortado por las montañas y las estrellas... Este lugar me ha visto en diferentes fases, aquí es muy fácil perder la noción del tiempo. Si vienes de noche, puedes oír los aullidos de los lobos. Esta es mi Tierra. No podría vivir sin ella… He vivido en ciudades increíbles como Roma, Milán, Berlín, pero aquí aunque solo sea por un día tengo que volver. Vivo con colores, perfumes, imágenes mentales e imaginación, y aquí todo fluye un poco más despacio. Mi vida es cada vez más agitada, así que este lugar es sagrado para mí. El tiempo se detiene y solo estás tu y la naturaleza.

¿Cómo explicar la italianidad del ritual de la barba cuando estás agotado tras un día de trabajo? Tu Fígaro, Giulio, es personal y sabe afeitarte, tiene un bisturí hasta el final. Lo que te pasa en la garganta, rápido e inexorable.... tienes que confiar en tu barbero que sabe ponerte guapo: perfumado, un paño caliente, el olor de la lavanda… Allí estás en paz con el mundo. También me pone dos discos de ácido hialurónico en los ojos, placer infinito. Cuando estoy en Casalincontrada siempre acudo a él. Contamos historias, hablamos de todo, de todos, aquí tengo una buena vara de medir para entender si lo estoy haciendo bien, ya que Giulio es un gran amante de la escena discotequera.

He eliminado casi por completo la carne de mi dieta, algo muy difícil para una persona de Abruzzo… De hecho, creo que nunca podré salir a viajes largos sin haber comido mis kebabs en el caserío. En el pasado, este local situado en Casalincontrada era una discoteca donde durante el día jugábamos a las cartas y veíamos a los ancianos familiarizarse con la cirrosis hepática inducida por el vino, y luego por la noche dejábamos que el aire circulara, rejuvenecía un poco, y se convertía en una discoteca 2000 para todos. Efectivamente, a un tiro de piedra de casa, fue para mí el lugar para entender el arte de pinchar, entretener, cautivar, aunque te encuentres delante a un público que no es precisamente culto. De hecho, recuerdo que muchas veces me decían: “¿qué es esta música? Esto es una mierda”. Todo una mierda. Hoy en día, uno de esos chicos que estaba de fiesta allí se convirtió en el propietario e hizo de este lugar un restaurante conocido y muy popular. Patrizio d’ Alessandro es mi amigo íntimo, y es un ejemplo de pequeño negocio italiano que hay que apoyar. Aquí me siento como en casa, un lugar donde disfruto del afecto de mucha gente. Aquí satisfago mi gusto y caliento mi corazón, a veces con veladas que nunca terminan.

Esta espeluznante puerta es tan grande y de hierro macizo que pesa mucho. Representaba para mí el acceso a la música callejera, aquella en la que se toca en las fiestas de los pueblos y en los funerales. Aquí elegí durante 8 años conocer el mundo de las bandas, la música callejera, y experimentar el arte de saber vivir con la música. Yo venía de la ciudad, y con mis primeros estudios de piano a los 5 años hice mi primer recital, siendo muy niño. Pero el piano no era mi instrumento cromosómico, ya que procedo de una familia de instrumentistas de viento, saxofonistas, trombonistas y clarinetes. Después del piano elegí el clarinete. Fui durante un par de años a clases de mi tío Franco Salvatore. También me consideraban una joven promesa del fútbol que no debía desaprovechar, pero soñaba con tocar en la banda. Las muchas generaciones que tocábamos el clarinete dormíamos fuera y luego íbamos en minibus a los conciertos. Comíamos todos juntos y por la noche, en el frío, había ensayos. Este ambiente era un sueño para mí, y entonces mi tío a los ocho años me dijo: “ahora puedes entrar por esa puerta”. La banda la dirigía otro de mis tíos, Peppino Malandra, y no había mala sangre entre los dos a pesar de que eran parientes. Pero a mí estas cosas no me importaban, yo quería estar cerca de Roberto el Lobo, a quien dedico todas mis entrevistas. Tocaba la caja, me intrigaba su vida un tanto exagerada y a través de la música y la banda también conocí todos los vicios posibles. Esta puerta era el acceso a la vida con sus ganancias y sus derrotas.

TENDE UVA: SYNCHRONICITY Autora: HELENA BRICIO

Fotografía: JACK HEMS Y UVA fallecida Mira Calix, Robert Del Naja de Massive Attack (en Present Shock II), el diseño de sonido de Ben Kreukniet, y el diseño del sistema de audio por Dave Meckin, además de la composición de Daniel J Thibaut. El resto de obras cuentan con el cerebro de los artistas de UVA: Matt Clark, Willem Kempers, Will Laslett, Maximo Recio, Lee Sampson y Jon Skerritt.

El colectivo londinense United Visual Artists (UVA) ha contribuido a definir una generación de artistas multimedia que trabajan con la luz, el espacio, el sonido y el código desde hace veinte años. Bajo la dirección del artista británico Matt Clark, la práctica multimedia de UVA investiga la naturaleza de la percepción y la cognición, reflejando las formas en que intentamos comprender y dar sentido al mundo y a nuestro lugar en él.

Tomando su título de la obra de Carl Jung, la sincronicidad se refiere a las coincidencias significativas que no pueden vincularse causalmente ni explicarse adecuadamente sólo mediante la racionalidad científica. En la obra de UVA, a menudo se ponen de manifiesto fenómenos naturales inexplicables: la elasticidad del tiempo, la relación entre el color y las frecuencias sonoras, la precisión matemática de las órbitas celestes y la teoría del caos.Inspirándose en la ciencia y las matemáticas, la psicología y la filosofía, la práctica de UVA refleja los marcos culturales y los sistemas simbólicos que conforman y rigen nuestra realidad.

La colaboración interdisciplinar ha sido fundamental en la práctica de la UVA desde que Clark fundó el estudio con Chris Bird y Ash Nehru en 2003. El énfasis en el trabajo colectivo y la creatividad compartida como método para cuestionar las nociones de genio individual o autoría singular, se convierte en la razón por la que el estudio se autodenominó United Visual Artists (artistas visuales unidos). Centrándose en su experiencia en actuaciones en directo, UVA crea "entornos coreografiados" que transfiguran el espacio arquitectónico. A través del estudio de los ritmos cinéticos, las relaciones espaciales y la interacción de la luz y el sonido, sus obras dan forma a conceptos abstractos y fuerzas inefables que no pueden medirse del todo, señalando la importancia de sorprender a quien se acerque a las obras y las instalaciones y también la capacidad para la intuición en un mundo cada vez más cuantificado.

Synchronicity está comisariada por 180 Studios en colaboración con Julia Kaganskiy, comisaria y estratega cultural de arte, ciencia y tecnología. Kaganskiy es conservadora general de la LAS Art Foundation de Berlín y anteriormente fue directora fundadora de NEW INC, la primera incubadora cultural dirigida por un museo, una iniciativa del New Museum de Nueva York. Su labor curatorial explora el potencial del arte como interlocutor clave de la ciencia y la tecnología emergentes, facilitando la indagación crítica y la exploración estética. Ha comisariado numerosas exposiciones y realizado nuevos encargos de arte y ciencia con Borusan Contemporary, Matadero Madrid, Science Gallery, Nokia Bell Labs o Accenture Labs, Eyebeam Center for Art & Technology.

Synchronicity es la mayor exposición del estudio hasta la fecha y destaca su continuo interés por el descubrimiento de patrones y el impulso humano de encontrar estructura y orden en un universo que, de otro modo, sería caótico. La exposición ha sido encargada y producida por 180 Studios, el centro de la comunidad creativa de Londres que a través de su red de espacios expositivos apoya el talento artístico nuevo y emergente. Algunos de los artistas que han pasado por el espacio han sido Ryoji Ikeda, Es Devlin, Hito Steyerl, Kahlil Joseph, United Visual Artists, Gabriel Moses y Julianknxx.

En la exposición encontraremos ocho obras distintas que nos hacen reflexionar acerca de la existencia cotidiana, el tiempo, el color, el espacio. En el caso de Present Shock II marca un punto de partida en la práctica de UVA y reimagina la instalación de datos en tiempo real que el estudio creó en colaboración con Robert Del Naja para la gira 100th Window de la banda Massive Attack en 2003. Este proyecto ayudó a lanzar la carrera de UVA e inició dos décadas de colaboración visual con Del Naja

Synchronicity presenta nuevas obras de UVA creadas con diversos colaboradores, como por ejemplo el bioacústico Bernie Krause (en la obra Polyphony), la coreógrafa Dana Gingras (en Ensemble), la música de la

N CI AS

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Present Shock II enfrenta al espectador a un aluvión de relojes estadísticos que muestran titulares de noticias generados algorítmicamente a partir de acontecimientos actuales, así como datos sobre el mundo extraídos de Internet: es una manifestación del "colapso del contexto" que define nuestro momento actual, perturbando nuestro sentido del tiempo, la coherencia, la narrativa y la realidad consensuada. El sonido de la pieza es generado por un sistema de audio dinámico, creado por Del Naja en colaboración con el productor adaptativo Robert Thomas.

estudio en tres partes que analiza la relación evolutiva entre el movimiento corporal y el sentido de la musicalidad de nuestra especie, inspirado en las investigaciones emergentes de los campos de la biología, la neurociencia, la antropología y la musicología. El compositor Daniel J. Thibaut creó una partitura dinámica mediante una colaboración sensible entre el hombre y la máquina para Chromatic, un instrumento óptico controlado por software que explora la armonía de las formas y la interacción del color y el sonido. Cada línea, forma y color desempeña un papel en la construcción de esta instalación audiovisual generativa. Un sistema programado por ordenador y basado en reglas ensambla y reensambla sin cesar formaciones abstractas y secuencias armónicas, produciendo composiciones geométricas que juegan con el bloqueo del color, la profundidad de campo y la profunda interacción entre estímulos auditivos y visuales.

El tiempo también es el protagonista de la instalación Our Time, un "instrumento espacial" a gran escala que revela la naturaleza elástica y enigmática del tiempo. La instalación combina movimiento, luz y una partitura personalizada de la fallecida música electrónica Mira Calix en un entorno multisensorial que pone de manifiesto la relatividad del tiempo: cómo puede acelerarse, ralentizarse o detenerse por completo. Los péndulos oscilan, cada uno a su ritmo, sincronizándose y desincronizándose, sin que las leyes de la gravedad lo impidan, como una metáfora de nuestro propio tiempo.

Por último, terminamos este Tendencias del lado más cósmico, con la obra Musica Universalis que rastrea las frecuencias resonantes y las sincronicidades que se producen a escala cósmica y explora su relación con nuestro sentido de la armonía, siguiendo la idea de la "música de las esferas" que se remonta a los antiguos griegos y que se utilizaba para describir el complejo sistema de proporciones matemáticas que rige los movimientos de los cuerpos celestes: el Sol, la Luna, los planetas y las estrellas.

La figura humana y su movimiento a través del tiempo y el espacio constituyen el núcleo de las instalaciones inmersivas y los "entornos coreografiados" de la UVA, que se centran en el cuerpo del visitante. La obra Ensemble, coreografiada por Dana Gingras, se centra en la propia figura en un

NICOLA CALBI >2023

ÓMO PRODUZC

NICOLA CALBI Siempre busco un sonido principal, ya sea un sintetizador, un riff, una voz, una percusión o un ritmo de batería. Me gusta capturar recuerdos, por eso mis obras son siempre muy coloridas. Esto es importante para mí, ya que indirectamente significa que la gente ha aceptado algo de mí. He cambiado varias veces mi enfoque en la música. Hubo un tiempo en el que la abundancia reinaba, trabajaba en cada sonido con automatizaciones complejas, perdiendo de vista el verdadero significado de hacer música bailable: la repetitividad y la sencillez. Con el tiempo, eso ha cambiado. Ahora trabajo con pocos sonidos, colocados estratégicamente, y les doy importancia máxima.

Mi aproximación a la música comenzó a una edad temprana, a los 18 años con Logic, pero actualmente estoy invirtiendo mucho en Ableton, lo que me está dando buenos resultados. Desde la década de 2000 he investigado mucho, aprendiendo lo necesario para forjar mi camino a través de tutoriales y consejos de artistas a quienes respeto y considero ejemplos. No me gusta poner límites ni etiquetar ni encasillarme en un solo subgénero o contexto que vaya en contra de mi conexión con la música. Mi música debe ser libre para expresarse sin restricciones. Mis influencias abarcan desde el sonido del hip-hop hasta el bluegrass, pasando por el jazz, el blues, el pop, el folclore, y siempre con referencias que van desde el house y el funky hasta ideas minimalistas más tecnológicas, underground o incluso adentrándose en sonidos latinos, cálidos, instrumentales y tribales.

‘Chuck Inglish’ es un ejemplo de esto. Tiene un ritmo más lento, y factores como los hi-hats o shakers, que podrían hacerlo más agresivo, se mantienen en un segundo plano para dar prioridad a las notas vocales y las señales del sintetizador. La voz es del rapero Chuck Inglish, a quien quería homenajear con el título de la pista, y los versos que tengo en esta canción son exclusivos.

En mi estudio personal, he creado "Insomnia Studios" en Reggio Emilia, Italia. El espacio es amplio y cuenta con una excelente sala de grabación y cabinas vocales roja y verde equipadas con Allen & Heath GSR24 motorizado y Komplete Kontrol A49, además de monitores Genelec, herramientas Fabfilter, Autotune y VST como Omnisphere en Ableton.

Cuando se trata de la ecualización, los sonidos deben complementarse entre sí y entrar en una especie de alquimia. Deben ser sinceros, ya que solo de esta manera el mensaje puede llegar claramente al público. Por lo tanto, el trabajo de compresión, mezcla y masterización es fundamental para obtener un buen resultado.

Actualmente, paso menos tiempo en el estudio debido a mis giras. Cuando regreso, aprovecho la suerte de haber escuchado música de todo el mundo y llevarla a casa. A veces, visito los estudios de amigos para colaborar desde una perspectiva diferente. La música necesita tiempo para reaccionar; la respuesta no es inmediata. El oído puede desarrollar nuevos sonidos día tras día, y lo que pudo ser especial para ti un día, puede que ya no lo sea al siguiente.

Un consejo que quiero dar a los jóvenes en este mundo es que busquen su propia personalidad y su identidad. Si bien es importante mantenerse dentro del mercado y ser parte de un concepto más mainstream, también es importante tener la audacia de explorar si deseas destacar, reimaginar o incluso descubrir. La música nos rodea constantemente, y lo que creas dice mucho sobre ti. La música es el lenguaje universal más grande que tenemos cuando las palabras no son suficientes. Apreciémosla.

En mi single ‘Chuck Inglish’, un proyecto que se lanzará en un EP el 29 de diciembre de este año en el sello Nervous de Mike Weiss, un sello histórico de Brooklyn, la creación tuvo lugar hace unos años en mi casa, en mi portátil. El proyecto se detuvo temporalmente debido a la falta de inspiración.

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(GAMEBOYZ, LUIS V PR, COMO LAS GRECAS)

DICIEMBRE Y ENTRAMOS EN EL 2024 Parece mentira mirar el calendario y ver que entramos en el 2024. Ha pasado el año volando entre tantas referencias, noticias impactantes, adelantos, publicaciones, premieres, bolos, campañas, producciones, remezclas, dj sets, clases, podcasts,… Un no parar. Para entrar el año solo quiero agradecer a los lectores sus incansables ganas de estar al día en cuanto a música electrónica se refiere y a través de la revista más importante y especializada que tenemos en nuestro país, DJ Mag España y su inagotable trabajo en equipo. ¡Vamos Diciembre! Bienvenido 2024.

DAD OF THE YEAR – LOVE DOTY: Sinónimo de downtempo Magician On Duty El dj y productor de Montreal acaba de lanzar un nuevo EP titulado Love. Un original con más de cinco remixes publicados en el sello estadounidense Magician On Duty. La clase y finura de DOTY está más que representada en un 2023 lleno de lanzamientos en etiquetas como Random Collective, Leveldva, EXPmental Records o este nuevo Love EP en Magician on Duty que además viene complementado con los remixes de Landhouse, Nährwerk, AmuAmu, Richard Elcox & Matija's Love to Love y Joe Carl. Especialista en vibraciones downtempo y grooves potencialmente peligrosos, Dad of The Year es el sinónimo perfecto de “menos es más”. TRACKLIST 01. LOVE (ORIGINAL MIX) 02. LOVE (LANDHOUSE REMIX) 03. LOVE (NÄHRWERK REMIX) 04. LOVE (AMUAMU REMIX)

05. LOVE (RICHARD ELCOX & MATI-

JA'S LOVE TO LOVE REMIX)

06. LOVE (JOE CARL REMIX)

ADRIÁN ALEGRIA – PLAY THE KEY Producto Interior Bruto: 100% House Xarma Music

¿Cuál fue la inspiración y el significado de Play The Key? ¿Cómo fue el proceso de creación del álbum y cuánto tiempo llevó hacerlo?

Pamplona exporta el mejor sonido house underground para el resto del mundo desde su sello Xarma Records. Con base en el Pais Vasco, Adrián trabaja incansablemente mes a mes en lanzamientos como el que hoy motiva esta entrevista, Play The Key. Profesor y productor a jornada completa, Adrián nos habla un poco de su sonido, su pasión y su trabajo.

Play The Key tiene un doble significado para mí. Significa “dar con la tecla” y por una parte lo digo en modo irónico porque en la industria musical nunca sabes cuándo se va a dar con esa tecla mágica que hace que algo funcione. Y por otra parte, porque todos los tracks que componen este álbum contienen pianos o teclados. El proceso de creación fue largo, ya que había temas empezados 2 o 3 años antes de su lanzamiento. Pero el nexo entre todos es que respiran una esencia House y que el piano es uno de los elementos principales.

Hola Adrián, un placer tenerte en DJ Mag España. En primer lugar, enhorabuena por el álbum Play The Key, tiene un estilo y sonido propio ¿Cómo surgió el álbum? La historia de este álbum es bastante curiosa. Llevaba cerca de un año queriendo darle forma, pero lo había enfocado de otra manera. La intención inicial era hacer un álbum con todas las producciones que se salían de lo preestablecido y no sabía muy bien clasificar, ya que eran trabajos muy personales y eclécticos. Sin embargo, durante el proceso de selección, me di cuenta que contaba con muchas producciones House que respiraban una misma esencia, así que decidí tirar por ese lado, y PLAY THE KEY es el resultado.

¿Quién ha sido la mayor influencia en tu carrera musical?

Naciste en el País Vasco y creciste en Pamplona, ¿cómo ha influido la escena musical del norte en tu música y en tu carrera?

Una de las pasiones que ha crecido en mí en los últimos años es la cocina. Nunca lo hubiera imaginado pero es algo que me relaja y que disfruto mucho, y ya comiendo ni te digo (risas). Además, me encanta estar en contacto con la naturaleza y salir con el perro es una gran forma de oxigenar mi cabeza y desconectar.

Creo que no podría nombrar sólo a una persona ni aunque me apuntaran con una pistola. Soy una gran mezcla de influencias. Pero por nombrar unos pocos y variados del mundo de la electrónica, serían St. Germain, Silicone Soul, Sebastian Leger, Super Flu, Butch, Joris Voorn, Claptone… ¿Qué te gusta hacer cuando no estás en el estudio haciendo música?

Aunque mi base está en Pamplona, mis raíces están muy ligadas al País Vasco. Además, he tenido la suerte de residir en varios clubes importantes de la zona. La escena del norte ha influido muy positivamente en mi carrera ya que antes de ser productor o DJ fui (y soy) clubber y hemos tenido un buen circuito de clubes durante muchos años, aunque desgraciadamente muchos de ellos ya han desaparecido.

¿Qué otras labores realizas más allá del lanzamiento? Adelántanos alguna noticia importante. Ahora mismo estoy muy centrado en la docencia como profesor de Producción Musical, Técnico de Sonido y Directo. Además, desde mi sello Xarma Music estamos preparando los primeros eventos y todo esto sin parar de producir y componer, por supuesto. Como adelanto, os puedo contar que, tras el álbum, Play The Key seguirá haciendo ruido con los remixes que llegarán en formato single y que darán mucho que hablar con nombres como PIEK, GarcyNoise, Daniel Lera o Discodelia entre otros.

PORNBUGS – COATS MY SKIN El sonido deep que nunca se olvida EXPmental Records

Sven & Sven, Mr. C & Mr. G o su aka más conocido, Pornbugs, son un dúo que no ha dejado de avanzar con el tiempo. Un par de chicos “rurales” cuya aportación al sonido deep de club es incuestionable… Hablamos con ellos con motivo de su nuevo lanzamiento en la etiqueta franco-española EXPmental Records, Coats My Skin.

mente, hemos permanecido fieles a nuestro sonido, apostando por un tono más profundo. Con más de 75 lanzamientos a través de la etiqueta, ¿tienen alguno que destaquen como favorito? Elegir favoritos es complicado, pero nuestro primer álbum en Bondage-Music, Mihai Popoviciu - Home, fue definitivamente un hito especial del que nos sentimos muy orgullosos. También destacaría el triple vinilo del 15º aniversario en 2021 con la participación de artistas como Steve Bug, quien nos inspiró a fundar el sello en 2006.

Para comenzar y situar a nuestros lectores más jóvenes, ¿podríais brindarnos una breve introducción sobre quiénes son Pornbugs? ¡Claro! Mr. C & Mr. G somos dos individuos originarios de una pequeña ciudad rural. Iniciamos nuestra trayectoria en la escena a principios de la década de 2000 bajo otro nombre como un grupo de techno llamado I.D.O.G. & Crypton. En 2006, fundamos Pornbugs con la intención de explorar un estilo más house. Elegimos el nombre Pornbugs para transmitir que éramos más de una persona en el proyecto. Fusionamos deep house y minimal house con grooves soul para crear una experiencia envolvente en la pista de baile, nuestro estilo está muy influenciado por Herbie Hancock, Astor Piazolla, Lisa Bella Dona o Richie Hawtin.

¿Podríais explicar vuestro proceso de producción, especialmente en Coats My Skin en EXPmental Records? ¿Colaboráis en el estudio? El proceso creativo suele ser lento debido a nuestras ubicaciones separadas, pero constantemente intercambiamos ideas. Coats My Skin en EXPmental Records fue resultado de esta colaboración a distancia. Afortunadamente, a Eddy Romero le encantó la idea. También estamos emocionados por la remezcla de NTFO, artistas de nuestro sello.

Bondage Music, ha sido una referencia importante para muchos DJ. ¿Podríais compartir cómo comenzasteis y qué os distingue de otros sellos?

Finalmente, ¿podéis adelantarnos algo de lo que nos espera en 2024?

Pornbugs y Bondage Music nacieron simultáneamente en 2006. Queríamos crear un espacio para publicar nuestra música y proporcionar una plataforma a otros artistas. El nombre "Bondage" refleja nuestra intención de crear música que amarre a la gente a la pista de baile. No buscamos solo producir música para escuchar, sino que sea funcional y efectiva en un entorno club. La conexión con nuestros artistas es esencial; hemos construido una especie de familia a lo largo de los años. A lo largo de los 17 años, hemos mantenido nuestra lealtad al vinilo, incluso en un mundo cada vez más digital. Esto, combinado con lanzamientos exclusivamente digitales, ha sido crucial para nosotros. Musical-

A principios de diciembre de 2023 lanzaremos un nuevo EP en vinilo, una colaboración con nuestro amigo Frink. La versión digital especial llegará en enero de 2024, con remezclas destacadas de Jamahr, Mirojola y Roger Gerressen. También estamos trabajando en cuatro temas finales con Sascha Dive, pero aún no hemos decidido dónde se publicarán. Y, por supuesto, habrá un nuevo EP en Acker Dub. ¡Eso es un pequeño adelanto para principios de 2024; mantendremos el resto en secreto por ahora!

FURIA X MEDHU – CLOSING UP

El madrileño cierra el año junto a su alumno predilecto Medhu XTR Records

¿Cómo ha sido el proceso de producción? Escuchamos una vocal que ya nos resulta familiar… Dadnos detalles de vuestro set up y cómo os organizáis para producir.

‘Closing Up’ es el último single con el que profesor y alumno cierran el año a lo grande. Un track de techno sintético y eléctrico a más no poder. Hablamos con ellos para que nos den detalles de esta colaboración debutante de su alumno, Medhu.

Furia y Medhu: El proceso fue bastante colaborativo. Trabajamos en el estudio de Furia, aprovechando sus habilidades y mi entusiasmo. La vocal que han identificado es un elemento clave que queríamos incorporar para darle un toque distintivo al track. En cuanto a nuestro set up, contamos con una combinación de hardware y software que nos permite explorar una amplia gama de sonidos.

Hola chicos, un placer teneros en El Rincón de Kali de DJ Mag España. Lo primero y antes de nada, ¿cuál es vuestra relación y por qué comenzasteis a trabajar juntos? Furia: El placer es nuestro. Nuestra relación se remonta al año pasado cuando yo era profesor de producción y Medhu uno de mis alumnos más destacados. Desde el primer momento tuvimos una conexión por nuestros gustos en la música electrónica. Un día, Medhu me propuso colaborar en un proyecto que tenía en mente y yo acepté encantado. Así se dio ‘Closing Up’, el resultado de muchas horas de trabajo y creatividad.

¿Tenéis pensado publicarlo por XTR? ¿Qué manera tiene el artista de poder enviar demos a la etiqueta? Furia: ‘Closing Up’ está disponible desde el día 2 de diciembre en las plataformas de venta y streaming. Para los artistas que deseen enviar demos, pueden hacerlo a través de nuestro sitio web o contactarnos directamente a través de nuestras redes sociales. Estamos siempre abiertos a descubrir nuevos talentos.

¿Fueron las clases que recibía Medhu un comienzo para darle rienda suelta a ‘Closing Up’? Medhu: Creo que las clases fueron una gran ayuda para desarrollar mi habilidades y confianza como productor. Furia, para mí, más que un profesor es un amigo y mentor. ‘Closing Up’ es una canción que refleja tanto su personalidad como la mía, y que nació de una colaboración muy natural y fluida entre los dos. Durante el proceso aprendí algunas técnicas y trucos que Furia ha usado a lo largo de su carrera. Así que yo diría que las clases fueron un comienzo, pero no lo único que influyó en la creación.

Y para finalizar, ¿Alguna novedad que nos queráis adelantar para el 2024? Medhu: ¡Por supuesto! Estamos trabajando en nuevos proyectos emocionantes que esperamos lanzar en 2024. Sin revelar demasiado, puedo decir que exploraremos diferentes facetas del techno y la música electrónica, manteniendo siempre nuestra pasión por la innovación y la calidad.

VIDALOCA “ME ENCUENTRO EN UN MOMENTO MUY DULCE DE MI CARRERA”

Autora: Patricia Pareja Casalí

Fotografía: Pierre Navy

Cerramos el año en DJ Mag España y para la ocasión, tenemos el auténtico placer de despedirlo con un artista nacional en portada que está dando mucho de qué hablar: Vidaloca. Su dedicación total a la música ha posicionado a Vidaloca como uno de los artistas más interesantes de la escena electrónica. Desde su adolescencia hasta la actualidad, ha pasado por una evolución orgánica y progresiva que le ha llevado a su sonido actual: fresco, pistero y underground. En cuanto a sus principales inspiraciones, en términos musicales es amante de todo tipo de música, todo aquello que dé una cierta energía puede inspirarle. Jamie Jones, Carl Cox o Paco Osuna están entre sus artistas más influyentes, y también personas como Nelson Mandela, Pepe Mujica y Nayib Bukele, entre otros. En cuanto a su faceta de DJ, Vidaloca es de esos selectores a los que le gusta guiarse por la intuición y los sentimientos, suyos y del público. Le apasiona crear fiesta e intentar que la música despierte sensaciones de liberación y disfrute en la gente. Sabe leer la pista como pocos, conectando a la perfección con el público y adaptándose al momento emocional del ambiente para poner a temblar los cimientos con su selección musical. A lo largo de su carrera ha pinchado en infinidad de fiestas, clubes y festivales de renombre por Europa y Latinoamérica. Además, es dueño de su propia marca Underground Rebels que continúa creciendo como un auténtico meteorito en la escena. En cuanto a producciones, Vidaloca cuenta con varios lanzamientos exitosos a sus espaldas y ha recibido el apoyo de artistas de renombre como Carl Cox en el mítico closing de Space, ‘Ravers From Barcelona’ pinchado por Jamie Jones en Londres, ‘Facintacion’ apoyado por Paco Osuna y Marco Carola, ‘Mornings At Mandarino' en honor al mítico club Italiano que le ha abierto las puertas recientemente, ‘Una Rosa’ incluido en el podcast de Ants Ibiza, ‘Where Is The Party’ firmado en el sello de Issues y que le ha ayudado a abrirle paso en el mercado de Inglaterra, entre otros. Actualmente el artista se encuentra en un momento muy dulce de su carrera y en DJ Mag España nos hemos sentado a charlar con él para que nos cuente más acerca de sus próximos lanzamientos, proyectos, objetivos y mucho, mucho más.

Cerramos el año en DJ Mag España y estamos muy felices de poner el broche a 2023 con Vidaloca en portada. ¿Cómo estás? Acabas de llegar de Fuerteventura y poco antes estuviste en Chile, ¿cómo ha ido por allí?

Me gusta mucho esta vuelta que le has dado, me has hecho cambiar el concepto que tenía yo en la cabeza. Y qué cierto es, la vida es una locura… A veces estamos arriba, a veces estamos abajo,… Son etapas.

Hola equipo, gracias por recibirme. Sí, he llegado hace nada de Fuerteventura, fue muy bien, incluso pude bañarme en el mar. Como dices, estuve en Chile hace dos semanas haciendo un pequeño tour de una semana. Toqué en Halloween en un festival en Viña del Mar y fue espectacular, además, el público chileno es muy entregado.

Sí, también es cierto que es un nombre al que le puedes dar el concepto que tú quieras. Pero yo, personalmente, le doy este. ¿Será Vidaloca porque lleva una vida loca? No, no es así, soy una persona mucho más sentimental al respecto. Me gustaría viajar ahora al inicio de todo: ¿cómo empezó en tu caso? ¿Cuántos años llevas ahora en la electrónica?

Muchos artistas me decís lo mismo, no solo de Chile sino de Latinoamérica en general.

Con exactitud no sé decirte, pinchando llevo desde los 14 y lo hacía en mi casa. Salía del colegio, venían todos mis amigos conmigo, nos metíamos en mi habitación y allí pasábamos las horas. Pero dedicándome profesionalmente llevo desde los 22 años, me ponían a pinchar para abrir la sala en algunos clubes pequeños de Barcelona a cambio de que les trajera a gente. Así hice mis primeros y pequeños pinitos en la ciudad, pero llega un punto en el que eso no es suficiente y te estancas, y si quieres crecer un poco más debes pensar en meterte en la producción.

Sí, es un público muy fanático, les encanta el mundo del DJ y la música electrónica. Pones una canción, le quitas el grave, la pones y el público explota, ¿sabes? Lo viven de manera muy intensa. No sé si te lo han preguntado muchas veces o no, pero tenemos mucha curiosidad por saber de dónde viene tu nombre artístico. ¿Siempre te has hecho llamar así? Empecé con otro nombre, pero nunca toqué en ningún sitio. Los primeros eventos que tuve ya fueron como Vidaloca, estuve pensando ideas para un nombre artístico, dándole vueltas a la vida. La gente tiende a pensar que me lo puse haciendo referencia a “vive la vida loca, la noche, etc.”. Pero realmente soy una persona bastante profunda al respecto, me puse ese nombre artístico porque creo que engloba todo de la vida, te hace pensar en que hoy estamos aquí, pero mañana quizás no. A lo largo de la vida pasas por miles de sentimientos y etapas. No sé, creo que es una locura la vida, por eso creo que es un buen nombre que engloba todo. Si eres una persona de mente abierta, lo puedes interpretar de cualquier forma, me pareció curioso y creo que con el tiempo está cuajando bien.

¿Fue entonces cuando empezaste a producir? Sí, a los pocos años de empezar a pinchar empecé a producir, tendría unos 27 años. Al empezar, fue bastante enfermizo porque estaba ocupado 24/7 ya que yo tenía otro trabajo, he sido cocinero toda mi vida y lo combinaba con eso. Estaba en el restaurante todo el día y por la tarde echaba el resto de horas en el estudio. Poco a poco fui firmando buenas canciones y esa fue la manera de entrar en el sector para ser conocido fuera de mi ciudad. Hoy en día, las redes sociales ayudan bastante a esto.

Y, ¿cómo aprendiste a producir? Hice un curso aquí en Barcelona con Coco Circo, un gran productor, él me formó mucho. Aún así, tienes que echarle muchas horas, porque por mucho que te formes necesitas dedicarle tiempo.

Por otra parte, Paco Osuna también pinchó un release mío en Rumanía, Franky Rizado, Seb Zito, Detlef, Latmun, WADE, Bastida,… He recibido bastante apoyo.

En mi caso, lo que hacía era ponerme las canciones que me gustaban, me las montaba en el Logic y miraba cómo las hacían, porque no tenía ni idea. Y así es como fui empezando a aprender las estructuras, a por qué un clap va en un sitio, a cómo hacer un bajo bien para que no se pegue con el kick,… Y mil historias más.

Ahora tengo 12 canciones preparadas pero todavía no las he mandado a ningún sello. Estoy esperando al momento idóneo para poder enviarlas ya que es mi trabajo, ha costado muchas horas y solo quiero compartirlas cuando crea que es el momento.

Tengo una curiosidad, ¿disfrutas más en el estudio solo o colaborando o con alguien?

Entonces, ¿no tienes ningún lanzamiento próximo a la vista?

Hace mucho que no colaboro con nadie, pero siempre estoy abierto a tener alguna colaboración. Me gusta mucho estar solo en el estudio porque al final tú tienes tu visión de una canción y, si la haces con otra persona, debéis tener una cierta sinergia. A veces lo he probado, no ha salido bien y nunca salieron a la venta. Me gustan las dos partes, pero solo estoy muy cómodo.

Sí, tengo un EP firmado por el sello de Tony Guerra, Overtones. Estoy muy contento porque es el primer EP que he mandado desde que tengo música nueva y nada más mandarlo ya me dijo que sí. Es muy importante mirar a quién le mandas tu música y creo que él está haciendo un gran trabajo con el sello. Este es el primer EP que tengo bastante firme, tengo varias otras cosas pero, como aún no están firmadas tampoco las quiero decir porque se gafa, ¿sabes? (risas)

Y, ¿te fuerzas a entrar en el estudio cada semana o fluyes un poco y vas solamente en momentos de inspiración?

¡Entiendo! Pues estaremos atentos a tus redes sociales para enterarnos de qué es lo próximo. Por otra parte, nos hemos fijado y este año ha sido un boom para ti en cuanto a fechas, ¿verdad?

Al principio era obsesivo, los primeros años necesitaba meterme a diario, casi diría que era enfermizo. Echaba una barbaridad de horas. Con el tiempo, cuando he conseguido tener más poder económico y he podido empezar a vivir de ello, he podido tomármelo con un poco más de calma y lo que busco ahora es hacer cosas mejores. Hoy en día hay momentos en los que sí me fuerzo un poco, pero como tú dices hay otros que fluyo. Hay días que no tienes ganas, es como ir al gimnasio, hay momentos en los que no te apetece pero una vez allí ya está, te sale una buena idea y cuando sales es como… ¡uf! Qué bien me siento.

Así es, ha sido increíble. Creo que he doblado, quizás triplicado al año pasado. La verdad es que estoy muy contento con todo el trabajo que se está haciendo desde el management y desde desde la agencia de booking también. Estoy en un momento en el que me siento muy cómodo, personalmente creo que también estoy trabajando bien a nivel de cabina y musicalmente estoy dedicando bastante tiempo a desarrollar un set, sobre todo a acordarme de las canciones que quiero poner, porque tenemos tanta, tanta música en un pen drive a día de hoy que hay ocasiones en las que acabo la sesión y digo… ¡Vaya! No he puesto aquella, ni aquella otra,… Pero porque no me acuerdo del título, muchas veces me descargo tracks el día anterior y es difícil acordarse de todas. Creo que estoy viviendo un momento muy dulce y realmente creo que va a ir a mucho más.

Aprovecho también para felicitarte porque creo que hay lanzamientos que salieron no hace mucho y recibieron el apoyo de grandes de la industria. Sí, en mis últimas producciones he tenido apoyos muy fuertes como, por ejemplo, Jamie Jones que subió un post en redes sociales con uno de mis tracks, cosa que me hizo mucha ilusión porque es uno de mis artistas favoritos. Uno de los objetivos que tengo para el año que viene es firmar en su sello, pero para ello tengo que trabajar fuerte.

Esta es un poco complicada pero, ¿querrías decirme algún highlight de este año que te haya marcado especialmente? Quizás alguna fecha en algún lugar que tenías muchas ganas,… En Río Electronic Music, en Argentina. Llevo bastante tiempo yendo a Argentina y pinchar allí ha sido como un sueño. Es algo así como tocar un día en un fiestón en Ibiza, ¿sabes? Y lo cierto es que fue increíble. Debo decir que cuando llegué me puse un poco nervioso, me suele pasar, pero ese día en especial fue como… Wow, por fin estoy aquí. Ya sabes, por fin ha llegado el día. Momentos previos al evento me tuve que tomar un par de chupitos de tequila para relajarme. Además, en Argentina el público es muy exigente y lo recuerdo como un momento de superación personal, un objetivo que tenía marcado.

Esto pasa a nivel artístico, pero en ocasiones también pasa en la vida en general. Por supuesto, pasa en el día a día. Te lo estoy poniendo a nivel artístico porque es lo que yo vivo o siento, pero también pasa en la vida cotidiana, creo que todo el mundo en general está en una tendencia de autodestrucción, cuando realmente debería ser todo lo contrario. Al final, lo que las las personas muestran comportándose así son sus carencias, creo yo.

¿Tienes pensado volver pronto por allí, por Latinoamérica?

Y a nivel de escena, ¿cómo ves Barcelona?

Creo que vamos a finales de enero hasta principios de Febrero, no sé bien, bien aún las ciudades ni los clubs. Sé que hay cosas en Colombia, hay algo en Costa Rica, Ecuador y algo más, pero no te puedo decir nada porque justamente lo están cerrando ahora.

Estamos a tope, tenemos donde elegir. El mismo día de la semana o, si me apuras, el mismo fin de semana… ¿cuántas discotecas tenemos? Muchas y con variedad de electrónica, todas funcionando a la vez. Creo que la ciudad está viviendo un momento muy bueno, la verdad. Estoy súper orgulloso de la ciudad en general.

Entonces, al igual que con tus próximos lanzamientos… ¡estaremos atentos a tus RRSS! En cuanto al sector, ¿cómo ves la escena hoy en día? El panorama musical tanto aquí como en Barcelona como en otros sitios.

Hemos hablado muchísimo de tu faceta como artista, pero ahora sí que me gustaría llevarte un poco a tu faceta de promotor. Cuéntame, ¿cómo es trabajar desde el otro lado? Es heavy! Ya hacía tiempo que tenía ganas de crear mi propia marca. De hecho, ya hace tiempo que la tenía activada, pero este ha sido el año que le he empezado a dar más vida porque tengo más oportunidades. Underground Rebels tiene ahora cuatro años pero tuvo paradas, ahora la hemos vuelto a activar y estamos en un proyecto muy gordo con mi socio Rubén. Visto desde atrás, todo es muy diferente. Te das cuenta de muchísimas cosas como promotor, como por ejemplo lo complicado que es contratar a artistas, los precios que manejan, qué retorno tienen por el caché que se pide, te das cuenta de todo el tiempo que tienes que invertir a nivel de marketing, en publicidad,… Le tienes que dedicar mil horas. Si eres DJ, promotor, haces música y tienes que llevar las redes sociales (porque tienes que ser medio instagramer también), pues es un poco locura.

A nivel artístico creo que que hay una tendencia un poco autodestructiva a criticarnos mucho unos a otros, lo cual creo que es algo que se debería trabajar un poco, porque al final a todos nos cuesta mucho trabajo llegar a conseguir nuestras metas o nuestros objetivos. Entre artistas, algunos opinan de una forma destructiva y es algo sobre lo que yo, personalmente, me intento mantener al margen. Ahora estoy haciendo una cura de humildad desde hace tiempo, y rechazo todo ese tipo de comentarios. Al final, el artista o la persona que juzga a otro dice más del que critica que del que juzga. Todos tenemos carencias pero, en vez de juzgar tanto a los demás, uno debería hacer un poco de autocrítica y pensar oye, ¿por qué siento envidia?, ¿por qué siento frustración? o, ¿por qué me creo superior? Creo que cada uno debería trabajar un poco en sí mismo y afrontar las cosas de otra forma. No por dejar a otra persona mal tú vas a mejorar. Creo que todo lo contrario. En este aspecto, a nivel artístico me siento así, sobre todo a nivel local. Viajando por ahí no me pasa tanto, pero creo que a nivel local, no solo en Barcelona sino en general, los DJs de las mismas ciudades se dan mucha caña unos a otros y creo que eso es algo que todo el mundo debería trabajar.

Es un es un trabajo fuerte de empatía, ¿no? Muy bestia. Y sobre todo tienes que estar bien mentalmente. Si no tienes un horario no puedes cumplir con todas estas metas. Como promotor, puedo decir que es duro de narices, no me lo esperaba. Siempre hay alguna cosa que mejorar, cosas que pulir, pasan cosas,… Pero yo creo que lo bonito es ir aprendiendo, es una faceta nueva que estoy descubriendo y me gusta mucho hacerlo. Realmente me encanta ver cómo empieza una cosa pequeña y va creciendo con trabajo y esfuerzo. Tengo un problema con esto y es que, cuando hago un evento y salen las entradas a la venta, cada cinco minutos actualizo para ver cuántas se han vendido… ¡no puedo evitarlo!

Mi segundo consejo, controlar de producción y controlar de marketing digital, que hoy en día es casi tanto o más importante que la producción. No debería ser así, pero si te das cuenta, los artistas que están saliendo ahora se hacen más famosos por hacerse viral que por el trabajo que han hecho antes. Para finalizar, Jordi, ¿qué objetivos tienes para 2024? ¿Qué podemos esperar de Vidaloca este nuevo año que empieza?

Bueno, eso no es un problema, ¡eso son unas ganas locas de que salga bien! Una preocupación positiva.

Tengo varios, uno de ellos es mover mi marca, Underground Rebels, por toda España y crear el sello discográfico. Quizás quiero ir muy rápido, pero sé que se puede hacer. De hecho, ya estoy hablando con promotores para hacerla por España y estoy teniendo buen feedback. Ese sería uno. Otro sería seguir creciendo como artista, como productor y como persona. Y entrar en Ibiza, esa es una de mis principales metas y creo que es lo que me falta ahora mismo, porque prácticamente toco en toda España, en Europa y en Latinoamérica. Pinchar en EEUU también sería un sueño.

Es cierto. Es que lleva lleva mucho esfuerzo y mucha dedicación. Como promotor, creo que los DJs y el resto de personas no se dan cuenta realmente del esfuerzo que hace un promotor para crear un evento. Es tremendo todo lo que hay que hacer y lo que se sufre… ¡y que el día del evento todo salga bien! Y cuando parece que lo tienes todo, todo controlado, que nada va a salir mal,… ¡algo pasa! Y a veces no, ¿eh? (risas)

Pero bueno, poco a poco, ¿sabes? Estoy muy contento con lo que estoy haciendo y creo que si sigo trabajando bien y haciendo las cosas como se deben hacer, todo es posible. Así que lo voy a pelear a muerte. Hay que hacerlo, así que, salga o no salga bien, al menos que no sea porque no se ha intentado.

Así es. He tenido momentos maravillosos, otros muy malos también, pero realmente creo que los momentos malos son para que uno, en vez de agachar la cabeza, tenga más ganas e intente mejorar todo lo que pueda de su faceta como promotor 100%. ¿Qué consejo darías a alguien que quiere empezar en la industria? A nuevos DJs.

Me quedo con esta última frase, que me encanta, para cerrar esta interesante charla. Muchas gracias por tu tiempo, Jordi.

Lo primero, que tenga un trabajo formal antes de empezar. A no ser que sea un millonetis, que tenga algo que le dé dinero. Si tú quieres empezar desde cero, tienes que estar preparado para que te digan que no siempre. Lo sé por experiencia. Entonces: tener un trabajo, un horario y en tu tiempo libre dedicarle toda tu energía al tema del DJ y de la producción.

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HARD TIMES. HARD MUSIC.

¿Por qué la escena electrónica está cada vez más dura?

Autora: NiZ

El mundo está patas arriba. Vivimos momentos convulsos y complejos a nivel planetario. Violencias de todo tipo, polarización política, clima descontrolado, brecha social, caos económico, extremismo general, individualismo exacerbado… Mientras tanto, la pista de baile está más salvaje que nunca. El mainstream se ha apoderado de la zona más dura y potente de la electrónica y promete arrasar con todo. En esta edición, me gustaría reflexionar sobre la conexión que existe entre el contexto social, económico y político y la música predominante en la escena más masiva de la electrónica. ¿Existe una vinculación directa? ¿Son estos fenómenos coyunturales causa o consecuencia? Revisando épocas anteriores, ¿podemos adivinar un futuro para la escena electrónica? Comencemos.

CENTENNIALS VS MILLENNIALS El primer motivo de esta escaldada de bpms y contundencia es, sin duda, que vivimos un momento complicado en términos generales. La vida cada vez está más cara, el mundo laboral más precario, las relaciones personales son harto complicadas y vivimos instalados en el desapego, la responsabilidad y el compromiso emocional están en peligro de extinción y el culto a la imagen, la perfección y la pelea encarnizada por acaparar nuestro pequeño momento de gloria, a la orden del día, marcando por completo nuestras vidas virtuales y físicas. Tenemos más sensación de libertad que nunca, pero a la vez esta nos genera nuevas necesidades y dependencias que nos asfixian y constriñen en la cotidianeidad. La gente más joven está desesperanzada. A diferencia de lxs millennials, la generación Z o centennials (nacidos entre 1996 y 2011), ya ha crecido con la garantía de un presente crudo y un futuro inexistente. No hay luz al final del túnel. Lxs de la generación anterior, lxs que nacimos entre 1981 y 1995 somos lxs hijxs de la generación que más ha prosperado (lxs baby boomers); crecimos con la promesa de un mundo que se abriría ante nosotrxs si nos esforzábamos mucho, así que festejamos cada instante de nuestra juventud. Si pensamos en la música que sonó en los festivales más multitudinarios de principios de los 00s, detectaremos claramente esa euforia musical, reflejo de los buenos tiempos. El EDM, cuando la electrónica salta del underground a la cara comercial de la música, no es otra cosa que una celebración constante. La burbuja inmobiliaria, un periodo sin sobresaltos bélicos, la democratización del turismo y el “lujo“, el acceso masivo a la universidad (somos la generación más preparada), la “ruptura” de la brecha social de clase (un obrero ganaba más que un maestro), la proliferación de empleo tras la recesión anterior, el boom de la cirugía plástica, la estética ostentosa del brilli-brilli y gafas de sol gigantes. Musicalmente este exceso también era evidente. Los temas eran barrocos en cuanto a instrumentación, recargados a más no poder de sonidos festivos y brillantes, melodías happy y naif que recordaban lo bien que nos iba y la despreocupación que nos invadía. Era un momento de derroche, una oda a la riqueza más visible y hortera. Ibiza, barcos, relojes, coches, cocaína, perlas falsas y rosarios colgando… Daba igual si tenías mucho o poco, el plan era imitar a la clase pudiente. Es también cuando lxs DJs y procutorxs empiezan a comportarse como estrellas de rock.

LA CRISIS, MOTOR DE RABIA Con la crisis de 2008 se acaba la fiesta. Las hordas de universitarios no encuentran trabajo, la construcción se paraliza, el ascensor social, si es que alguna vez funcionó, se detiene, y todo lo que que brillaba se opaca. Lxs centennials son lxs hijxs de esta desgracia. Son lxs que vieron a sus progenitores en paro y a sus hermanxs mayores poli tituladxs trabajando en el súper; son lxs que entendieron que no había futuro y lxs que lidiaron con un presente plagado de desahucios, despidos y recortes. De esta generación emerge el trap y el posterior auge de la cultura urbana, un género paupérrimo en recursos e instrumentación, unas melodías lloronas que son el lamento de una generación entera, una oda al barrio y a la clase baja, una apología clara a la pobreza y la miseria. Pero esa es otra escena y otro artículo. Por su parte, la electrónica se iba oscureciendo y endureciendo de nuevo, lentamente, pero imparable. Los sonidos ácidos y raveros de los 90 empezaban a recuperar terreno y los bpms subían a paso firme. No es la primera vez que una generación necesita una válvula de escape con urgencia. En 1993 vivimos una crisis muy dura en España. En aquel momento La Ruta, que anteriormente, había sido movimiento contracultural en Valencia (la movida valenciana), nido de artistas y creadores de vanguardia, herramienta de una juventud rebelde y abierta postfranquista, en ese punto, ya estaba desatada y fuera de control. Los medios de comunicación y el fenómeno fan se encargaron de destrozar —con el estigma y la saturación— lo poco que quedaba del concepto inicial. La gente joven estaba desesperada, en paro, sin recursos ni expectativas y, lxs más afortunadxs, asfixiadxs por trabajos precarios y nada gratificantes. ¿Os suena? Cuando la desesperanza se apodera de lxs que se supone que deberían dominar el futuro, la pista de baile se vuelve imprescindible, pero también rabiosa. Descargar la furia, la impotencia y el aburrimiento a 150 bpms se convierte en imperativo para no caer en el pozo de la pena y el tedio más absolutos. Y así es, en tiempos duros, música más dura. En 2023, el grueso de la población no puede pagar ni un triste alquiler, por no hablar de viajar ni de comer fuera ni darse caprichos, especialmente lxs más jóvenes, que ni sueñan ya con independizarse. Salir, bailar, volar y olvidar son los únicos asideros para una generación hastiada y gris. Todxs necesitamos esa válvula de escape que nos permita huir de un contexto complejo, pero más ellxs, a los que la realidad no promete nada de nada. Los sonidos más hard y oscuros se han convertido en el nuevo grito de rebeldía en un mundo preapocalíptico que amenaza con desmoronarse de un momento a otro. POST COVID. LOS LOCOS AÑOS 20 A pesar de que la crisis económica de 2008 marca el inicio de esta metamorfosis hacia el lado oscuro de la música, bajo mi humilde punto de vista, el detonante final de este cambio de paradigma es, sin duda, el COVID y su confinamiento. Lxs más mayores de lxs jóvenes, esxs que estaban a punto de retirarse de la noche, aquellxs que salían cada vez menos, estxs a los que las resacas ya les suponían una baja laboral, a todxs ellxs, el confinamiento, las restricciones y el cierre del ocio nocturno lxs jubiló para siempre de la pista. En sustitución llegaron los cachorros, lxs que cumplieron la edad de salir, beber y el rollo de siempre mientras la mascarilla se convertía en complemento obligatorio y su primer contacto con la música electrónica se producía a través de los streamings y TikTok. Al reabrir el ocio nocturno, esxs nuevos ravers, clubbers y dancers salieron en estampida en busca de su dosis de libertad en forma de electrónica. Y lo hicieron sin miedo, sin medida, sin culpas, sin resacas infernales, sin frenos y, muy pronto, sin dientes. Son los locos años 20, y no solo me refiero a la edad de lxs recién llegadxs, sino a la década de confusión, locura y conflicto que nos espera (como ya ocurrió en los años 20 del siglo pasado tras la primera guerra mundial). La música hard solo es el acompañamiento natural para esta generación que ha estado contenida y recluida durante dos largos y angustiosos años, es la banda sonora previsible en un contexto post simulacro de fin del mundo. La crisis económica posterior al Covid y la guerra de Ucrania, más la pandemia de salud mental que nos asola tras los acontecimientos más recientes, no han hecho sino reforzar la premisa de ‘BAILA O MUERE’, popularizada por el señor Nando Dixkontrol. Ya no salimos a celebrar, salimos a escapar, a quemarlo todo metafóricamente.

VIOLENCIA, ODIO Y POLARIZACIÓN Por desgracia, vivimos un momento histórico cargado de hostilidad, crispación, descontento y agresiones de todo tipo. El propio Congreso parece, por momentos, el escenario de un conflicto armado (o el debate de un reality de la cadena amiga). Por otro lado, el ascenso imparable de la extrema derecha en Europa, la legitimación de los discursos de odio y la desconfianza y el aislamiento crecientes derivados de la pandemia, han hecho que estemos todxs con los nervios de punta, y lo que es peor, que lo asumamos y nos retroalimentemos. Se suponía que saldríamos mejores del confinamiento, pero lo cierto es que estamos bastante peor que antes. Es un bombardeo constante de malas noticias y violencias de gran calibre. Nos hemos vuelto depredadores emocionales, estamos cabreadxs y queremos soltar la rabia acumulada como sociedad. Esto hace que los ritmos frenéticos, las atmósferas oscuras y los sonidos agresivos se hayan convertido en una necesidad para nuestras almas decepcionadas, y la pista de baile, cada vez más enloquecida, en nuestro campo de batalla contra el mundo. Cadenas, pinchos, arneses, cueros, plataformas, maquillajes oscuros… Luego ya podemos entrar a valorar cuánto de marketing hay o no en la perpetuación de estos modelos o quién se lucra de ellos. Pero de lo que no cabe duda es de que cuanto más violento está el mundo, más duro lo bailamos. Por suerte, esta vez, esa escena potente y agresiva en cuanto a estética y música se refiere, está desvinculada de los grupos neofascistas y de la delincuencia y el tráfico de drogas (no como en los 90). Y esto es gracias en parte a la incorporación en el mainstream de todo el arco queer que ha conseguido que la pista masiva y sus propuestas comerciales se tornen más amables, respetuosas, diversas e integradoras. Ahora bien, de lo que no está tan alejado, por desgracia, es de un consumo de drogas desmedido, sustancias en muchos casos de muy baja calidad, en gran medida debido a los bajos recursos de los más jóvenes. La necesidad de evasión está muy presente. CAMBIO DE CICLO Como todo lo demás en la vida, la electrónica es cíclica. Lxs más antiguos del lugar ya sabemos lo que pasó a principios de los 00, cuando todo el boom de la makina, el trance, el gabber y demás gamberradas tocó techo (y fondo) y se evaporó. De la noche a la mañana, en mi Valencia natal solo había minimal y electro house. Caída de bpms, cambio de tercio y a tomar viento la contundencia de los años anteriores. Pues bien, tras años de remontada, estamos a punto de hacer tope de nuevo. Cuando un género o subgénero underground salta al mainstream y este lo devora, lo convierte en un producto en serie y lo pervierte e infantiliza, es momento de despedirse de él. Los edits, los bootlegs y los temas pop sonando indiscriminadamente en sesiones “techno”, lxs artistas creados a imagen y semejanza del mercado, los hits producidos en serie, replicados, son indicativo de que el fin de esta era se acerca. La escena volverá a relajarse en breve. Y en un par de años, esta nueva generación de amantes de la electrónica habrá crecido, con suerte, madurado, y aprendido (si ponemos un poco de nuestra parte lxs que estamos dentro de la cabina). Estarán listxs para pasar al siguiente nivel, abrirse a otras propuestas, relajarse, dejar la furia atrás y empezar un camino más sosegado y adulto. Muchxs de lxs que ahora bailan a 160bpms, visten rejillas y disfrutan enloquecidxs de los sonidos más estridentes y veloces bajo el anonimato de sus gafas de sol, saltarán al siguiente proceso de ascenso y descenso de moda, como ya ocurrió con el dance, el big room y el tech house. Pero algunxs se quedarán, aprenderán y conocerán otras caras de la electrónica más maduras y sofisticadas. Y en el siguiente ciclo de dureza creciente, ellxs serán lxs antiguxs del lugar, lxs que reflexionen y anticipen el fin de esa etapa. Se avecina un cambio y no creo que se haga esperar mucho. La escena hard techno, por llamarla de alguna manera (porque ya no se parece en nada a la original), está al borde de la extinción. Exprimir, agota. Y de este cóctel delirante nos quedan cuatro sorbos antes de que aparezca el/la siguiente mesías que reinvente una suerte de deep minimal hipnotic tech, o vaya usted a saber. Que el Dios del techno nos pille confesados, porque viendo cómo está el mundo, no me quiero imaginar hacia dónde se dirigirá la electrónica más masiva. Pondremos velas; negras, por supuesto. Esperando la hecatombe, con el monóculo puesto y los dedos cruzados, se despide NiZ. *Me gustaría aclarar que no soy historiadora ni musicóloga, por lo que esta reflexión es personal, aunque contrastada y completada con conversaciones con veteranxs de la escena y con la lectura de diferentes capítulos del libro Loops 1. Historia de la música electrónica en el siglo XX de Javier Blánquez y Omar León (Reservoir Books), y el visionado de varios documentales sobre la historia de la música electrónica global. Para más rigor, os recomiendo encarecidamente leer el libro.

AWEN RECORDS “CADA LANZAMIENTO ES UNA EXPLORACIÓN, Y LA PALETA DE INFLUENCIAS ES TAN AMPLIA COMO NUESTRO AMOR POR LA MÚSICA”

Autora: Caterina Günther Awen Records, cuyo significado en lengua celta es inspiración, es un sello discográfico con sede en Murcia que mantiene una línea definida apegada a la tendencia actual y que navega entre el techno, el deep house y el tech house europeo. El sonido del label se define por su contundencia y armonía a la misma vez, siempre destacando la progresión musical. En este amplio universo de la electrónica, Awen Records se erige como una fuerza novedosa que ayuda a redefinir este sonido en la escena española. Especializado en los dinámicos reinos del techno y los sonidos melódicos y deep, este sello discográfico se ha establecido firmemente como pionero, combinando a la perfección creatividad, administración y visión estratégica. En el epicentro creativo de Awen Records se encuentra Roberto García, un virtuoso tanto de la dirección creativa como de la gestión web. El enfoque visionario de García no solo da forma a la identidad artística del sello, sino que también garantiza una experiencia digital sin fisuras para los apasionados musicales. Como complemento a su destreza creativa está Jorge Saura, el meticuloso arquitecto de los entresijos administrativos. Guiando a este dúo dinámico con un oído inquebrantable para la innovación está Andreas Wenz, fundador de Sound Dispenser Radio DJ y productor musical mexicano con 25 años de experiencia musical. Wenz, además también es A&R del sello y virtuoso del marketing digital. Juntos, este triunvirato forma el corazón de Awen Records, fomentando un entorno en el que prospera el ingenio musical. La variada lista de artistas del sello presenta un panteón de talento, con artistas que han dejado una huella en el panorama de la música electrónica, como es el caso de Mila Journeé. Dentro de la ilustre constelación de artistas de Awen Records, algunos de los artistas son el maestro del techno Noissier, con su release ‘Naranja’ que dió luz en mayo de este año o Patrick Ruprecht, un virtuoso de las expresiones melódicas que contribuye al polifacético paisaje sonoro del label con su ‘Infinity System’ o ‘Space Light’. Si profundizamos en el rico tapiz del roster de Awen se descubre un abanico de talentos excepcionales. Desde los tracks elevadores de Dark Matter hasta el sonido único de The Timeless, Haze-M y Dellucht cada uno de ellos han ayudado a contribuir la diversidad y profundidad del sello. En esta entrevista exclusiva para DJ Mag España, hablamos con las cabezas pensantes del proyecto para abordar temas como la filosofía del sello, así como su evolución musical a lo largo de los años, la colaboración del reputado Sasha Carassi en la masterización y los planes futuros que tienen para llevar el ‘Awen’ al siguiente nivel. ¡Vamos allá!

Awen Records tiene un claro enfoque en el género electrónico. ¿Cuál ha sido la evolución musical del sello?

Hola chicos, es un placer teneros en las páginas de esta nueva edición de DJ Mag España. Para aquellos lectores que no os conozcan, ¿cómo os introduciríais?

Nuestro viaje comenzó en el mundo del techno melódico, pero eso fue solo el punto de partida. Como equipo de A&R, managers y creativos, exploramos ritmos rotos y nos aventuramos en el terreno del house progresivo. La evolución es parte de nuestra identidad: queremos ser innovadores sin limitarnos a un solo género. Ahora, sin barreras, buscamos que cada EP sea único y atemporal, marcando nuestro camino en géneros como el progressive house, el techno y el indie dance.

¡Hola, equipo! Nos emociona estar aquí. Somos Awen Records, un equipo apasionado por la música electrónica. Roberto García lidera la creatividad y la gestión web, Jorge Saura se encarga de la administración, contratos y todos los detalles detrás de escena, mientras que Andreas Wenz dirige el equipo como A&R y maneja el marketing digital. Juntos, formamos el corazón creativo de Awen Records. Profundizando en el label, ¿en qué se inspira el nombre Awen Records y cómo se relaciona con la filosofía del sello?

Vuestro equipo está formado por Roberto García (aka Yon-x), Jorge Saura (aka Noisek), y Andreas Wenz. ¿Cómo surgió esta colaboración internacional entre España y México? ¿Qué papel desempeña cada miembro en la configuración del sonido del sello?

Awen es una palabra galesa que significa "inspiración poética", es la esencia que da vida a nuestra música. Elegimos este nombre porque queríamos capturar la esencia de la creatividad que impulsa a los artistas y poetas. Queremos que nuestro sello lleve consigo la misma inspiración que ha impulsado a los creadores a través de los tiempos, pero ahora traducida en beats y sintetizadores.

Fue una convergencia musical única. Nos conocimos en 2017, cada uno aportando su sabor único. Roberto infunde creatividad, Jorge aporta orden y Andreas lidera la visión global. Juntos, como A&R, managers y con conocimientos en marketing digital, damos forma a nuestro sonido, fusionando influencias internacionales en una experiencia musical única.

MANAGERS

Vuestro sello cuenta con artistas como Jeancy, Alain Fanegas, Silver Season, Saintbull y Andreas Wenz, que contribuyen al sonido único del sello. ¿Podéis hablarnos más de los releases y de cómo conforman la identidad de Awen?

Awen Records ha atraído a numerosos productores deseosos de unirse a este legado. ¿En qué basáis el proceso de selección de artistas y las características que hacen que encajen bien en el sello? La selección es como explorar un vasto paisaje sonoro. Buscamos artistas que desafíen la norma, que no tengan miedo de romper reglas y crear algo único. Queremos ser el hogar de aquellos que buscan innovar. Como A&R y managers, nuestro proceso de selección busca la originalidad. Buscamos artistas que exploren nuevas fronteras, que se atrevan a desafiar las expectativas y que contribuyan a nuestra visión sin restricciones.

Cada release es como una nueva capa en nuestra tela sonora. Jeancy nos lleva a los días dorados, Silver Season explora nuevos horizontes, y Alain Fanegas y Saintbull son como la última palabra en la experiencia del clubbing. Andreas Wenz, en su primer EP, es como la sorpresa musical que todos esperábamos. Como A&R y managers, buscamos artistas que aporten una voz única a nuestra narrativa musical. El sello está asociado con Sasha Carassi, un reputado ingeniero de masterización y mezcla. ¿De qué manera su colaboración ha elevado el sonido de los artistas de Awen y qué diferencia su trabajo en la industria?

Algunos colaboradores notables, como Mila Journeé, comenzaron sus carreras aquí. ¿Qué papel ha desempeñado el sello en la formación de nuevas estrellas de la música electrónica? Somos como ese laboratorio de sonidos donde las promesas encuentran su fórmula mágica. Mila Journeé es un claro ejemplo. Cuando llegó, apenas era conocida, y ahora se ha convertido en un nombre fuerte en la industria. Es un gusto ver a artistas como Senses Of Mind, Arash Shadram y Antonio Ruscito crecer y evolucionar tras compartir su talento con Awen. Cada lanzamiento es una puerta de entrada a un nuevo capítulo en la carrera de nuestros artistas, y nos enorgullece ser parte de ese viaje.

Sasha Carassi es nuestro arquitecto de sonido elevando cada producción a nuevas alturas. Su toque mágico no solo mejora la calidad técnica, sino que también añade una capa única a cada pista. Es más que un ingeniero, es un colaborador creativo que comparte nuestra visión musical sin restricciones. Su trabajo es la piedra angular de nuestro sonido distintivo.

ARTISTAS

El estilo del sello se describe a menudo como una versión elegante y conmovedora del techno melódico. ¿Cuáles han sido vuestros referentes?

Awen Records ha cautivado a los oyentes desde su creación en 2017. Podéis compartir algunos de los hitos del sello y los logros de los que os sentís más orgullosos a lo largo de los años?

Nos sumergimos en el techno melódico, encontrando inspiración en las emociones que evoca. Referentes como Afterlife, Innervisions, Atlant y los maestros del género nos han guiado, pero también exploramos rincones menos conocidos, buscando sonidos únicos y frescos. Nuestra identidad sonora se nutre de la diversidad. Cada lanzamiento es una exploración, y la paleta de influencias es tan amplia como nuestro amor por la música.

Cada lanzamiento es un hito en sí mismo, pero momentos como la presencia de Awen Records en festivales donde artistas destacados como Tale Of Us eligen nuestra música, ya sea en Tomorrowland o Awakenings, y sentir la vibración única de Awen en las playas de Tulum, son experiencias que nos llenan de orgullo. La emoción de escuchar nuestros sonidos en los mayores festivales del mundo o en manos de los líderes de la escena siempre nos impacta, inspirándonos a seguir evolucionando y explorando nuevos horizontes.

¿Nos podéis explicar el significado del triángulo isósceles y cómo influye en la identidad visual y la marca del sello?

A medida que el proyecto discográfico sigue evolucionando y dando forma a la escena de la música electrónica, ¿qué podemos esperar de Awen en un futuro próximo en términos de lanzamientos musicales, colaboraciones y showcases?

El triángulo isósceles es nuestra puerta hacia el descenso al underground, una invitación a un viaje sonoro inolvidable. Visualmente, representa la fusión de elementos únicos en nuestra música. Inspirado en clubes berlineses, también simbolizando un play al revés: la entrada a un mundo donde no hay barreras. Cada ángulo cuenta una historia, y esa historia es la esencia de Awen Records.

El futuro nos entusiasma. Seguiremos desafiando límites, lanzando música que no solo suene bien, sino que también provoque emociones. Grandes colaboraciones están en camino, explorando nuevos territorios sonoros. Nuestros showcases serán experiencias inmersivas, conectando con nuestra audiencia global. Awen Records no se detiene; seguimos siendo arquitectos de sonidos, exploradores de lo desconocido, y nuestro futuro será una continuación de nuestra narrativa musical sin restricciones. Estamos comprometidos con llevar nuestra creatividad más allá de los límites establecidos, y cada paso que damos es una nueva aventura sonora que compartiremos con todos vosotros. La música de Awen está destinada a seguir evolucionando y emocionando.

EQUIPO

Fotografía: Yassine Meddeb Hamrouni

DEENA ABDELWAHED EL FUTURISMO FORJADO A PARTIR DE LA TRADICIÓN En su nuevo álbum 'Jbal Rrsas', Deena Abdelwahed adopta un enfoque pionero en la creación de nuevas formas de música electrónica inspiradas en las tradiciones musicales de todo el mundo árabe. En esta entrevista habla con Martin Guttridge-Hewitt sobre su estudio de los estilos de música de baile regionales, la naturaleza de las colaboraciones y la apertura de miras a nuevas posibilidades. Autor: Martin Guttridge-Hewitt

Traducción: Helena Bricio

"Con mi primer álbum, quería hacer lo que he hecho hoy con 'Jbal Rrsas'. Pero sabía que no era lo suficientemente capaz. No tenía suficiente confianza. Tenía que estudiar más. Y, sobre todo, creo que entonces la gente no estaba preparada. No era lo mismo que ahora". DJ Mag lleva 20 minutos al teléfono con Deena Abdelwahed, y una cosa está clara. La polímata de la electrónica afincada en París, de ascendencia tunecina y educación qatarí, contrasta su densa e intelectual producción musical con respuestas directas y una refrescante honestidad, encantada de hablar de las limitaciones y los logros de su trabajo. Su segundo álbum de larga duración, 'Jbal Rrsas', aterriza en el sello francés InFiné Music como una obra visceral y mutante. Se abre con las trompetas apocalípticas y la tensión de 'The Key To The Exit', y te sumerge en un mundo de baterías y armonías que suenan en directo, con tintes de rave experimental, compartiendo el protagonismo con sintetizadores extraídos de las culturas industrial y bass. Diverso pero coherente, fue creado con un único objetivo en mente. "En el mundo árabe, los estilos de música de baile, que siguen siendo folclóricos, percusivos, en los que sólo se consigue el groove si se utilizan muestras de percusionistas reales: me preguntaba de qué manera podía hacerlo de forma sintetizada, sin que pareciera experimental, extravagante, vanguardista o lo que fuera. ¿Cómo hacerlo orgánico, cercano a la gente? Para mí, ése es el mayor reto", afirma Abdelwahed, que desvela su ambición de retomar los cimientos de su primer LP, 'Khonnar', donde los tonos árabes se mezclaban con los planos electrónicos británicos y europeos, pero esta vez "el esqueleto", las estructuras musicales básicas, proceden por completo "del mundo árabe".

"Principalmente me centré en jugar con las leyes de la música árabe, rítmica y melódicamente", responde cuando se le pregunta si el nuevo álbum tiene temas globales similares a su debut de 2018, que tocaba temas como la identidad y el género. "La idea era hacer algo que no pusiera ninguna región por encima de otra. Una particularidad fundamentalmente del baile, rítmica o melódica, de cada país, puesta en cada tema, música tradicional de baile. No utilizo música académica o clásica de esos países. Utilizo mi investigación basada en su música de baile". Este enfoque puede entenderse sin problema si tenemos en cuenta la trayectoria de Abdelwahed hasta la fecha.

"¿Qué significa colaborador? Creo que la colaboración en este caso consistió en realidad que yo hiciera una cosa, luego llamara a Khalil y le dijera: 'Por favor, escúchalo. Dime, ¿es correcto? ¿No es correcto?" Al recordar su traslado desde Doha para estudiar en el Instituto Superior de Bellas Artes de Túnez cuando cumplió 18 años, hacia 2008, se sincera sobre el traslado. Para ella, la música, la danza y las exposiciones formaban más "parte de la cultura viva, de la vida cotidiana" en la ciudad norteafricana, a diferencia de las grandes orquestaciones habituales donde creció. A su vez, los profesionales estaban "más expuestos al cambio... más abiertos de mente". La afinidad de Abdelwahed con las escenas y los sonidos de base se refleja de forma aún más vívida cuando recuerda a los b-boys y las chicas que pinchan en las filiales tunecinas de la Maison des Jeunes et de la Culture, una organización francesa sin ánimo de lucro que gestiona espacios culturales juveniles, a menudo en zonas desfavorecidas.

Esto sembró las semillas de su primer gran amor por la música electrónica, el footwork. "Para mí era algo entre el breakdance que veía, la bass music que oía y también los polirritmos que tenemos en las tradiciones folclóricas de la música de baile". La idea de elementos musicales compartidos entre estilos dispares dio lugar al primer larga duración de Abdelwahed, y a los sonidos que contiene. 'Jbal Rrsas' da el siguiente paso. En su opinión, países como Marruecos o la región del Golfo Pérsico aún no han establecido escuelas definidas de producción de música electrónica de baile como las que ha desarrollado su amado bass -término que aplica a una familia de géneros que incluye el jungle y el dubstep-, y en muchos sentidos todo el proyecto podría considerarse un ejercicio de creación de un nuevo lenguaje musical electrónico. Uno alejado de los cánones básicos establecidos durante el desarrollo de la rave occidental. El disco, que es un gran esfuerzo, empezó a esbozarse en 2019, y durante la pandemia dedicó mucho tiempo a investigar en qué consisten determinados tipos de música, desde las reglas del ritmo hasta las jerarquías de los instrumentos. La lista de colaboradores también habla de un objetivo de lograr autenticidad mientras se forja algo completamente nuevo. Entre ellos, el compositor y multiinstrumentista tunecino Khalil Hentati, el músico e investigador iraquí-británico Khyam Allami y la ingeniera de masterización egipcia Heba Kadry. Hasta la portada contribuye a ello, con una imagen de una montaña cercana a Túnez (de la que toma su título el álbum), tomada por Abdelwahed y su amigo fotógrafo Yassine Meddeb, y pintada en tonos sutilmente psicodélicos por cortesía de Niculin Barandun, que también crea los visuales para los conciertos.

ESCANEA EL QR Y ESCUCHA ‘JBAL RRSAS’

Los resultados de estas consultas pueden escucharse en el cautivador brebaje de géneros específicos regionales de 'Jbal Rrsas'. Elaborado sin los instrumentos estándar que forman su base, Abdelwahed crea una versión modernista de las manifestaciones originales de estilos como el mezwed, un pop tradicional norteafricano basado en una escala de ritmos para la que normalmente se necesitarían tres bateristas de darbouka, el mahraganat egipcio, que según Abdelwahed "me recuerda un poco al baile funk de Brasil", y el maqsoum, un derivado rítmico de la danza folclórica baladi. "He abordado, o me he abierto, a algunas cosas que me daban mucho miedo, que pensaba que a la gente no le gustarían o no entendería", dice Abdelwahed, y añade que las actuaciones en directo con este nuevo trabajo han cosechado reacciones increíbles.

"¿Qué significa colaborador? Creo que la colaboración en este caso consistió en que yo hiciera una cosa y luego llamara a Khalil y le dijera: 'Por favor, escúchalo. Dime, ¿es correcto? ¿No es correcto? Y ellos se tomaban su tiempo para decirme sinceramente: 'No me gusta esto', o 'Es mejor que pongas eso ahí'", explica Abdelwahed. Su trabajo comenzó realmente después de que Hentati se acercara a Abdelwahed convencido de que "el mundo ya está preparado" para escuchar música árabe hecha con herramientas electrónicas, ya que antes consideraba esta tarea demasiado difícil tanto para los músicos como para el público. "Me preguntó si podía meterse conmigo, y yo le dije: 'Claro, por favor, ayúdame', porque él sabe cómo es esto. Yo, sólo conozco la bass music... lo que salga hoy de Bristol, o lo que sea. Él tiene una visión más amplia".

En el festival Rewire de La Haya, por ejemplo, un kuwaití le dijo que el tema de clausura 'Pre Island' era como el khaliji, un sonido específico de su país y de estados vecinos como Bahréin. "Se quedó perplejo, no sabía cómo sentirse, no entendía cómo el groove le hacía bailar como el khaliji, que tiene una percusión orgánica, pero que no está sampleada en el tema", recuerda. Aunque gran parte de nuestra conversación ha dibujado una imagen evocadora de quién es Abelwahed, éste es quizá el comentario más acertado: una artista decidida a remezclar lo convencional, forjando futurismo a partir de la tradición, buscando oídos dispuestos a escuchar y cuerpos dispuestos a moverse.

Al recordar cómo empezó su relación con Allami, Abdelwahed explica que se conocieron en 2013, cuando él vivía en Túnez desde hacía un par de años. Ambos coincidieron rápidamente, salieron de fiesta juntos y surgió una gran amistad. "Empezó a hablarme de las herramientas para afinar en Ableton o de cualquier DAW que estuviera usando. Le gustó el primer álbum, 'Khonnar', pero me dijo que era una pena que no afinara nada. Le contesté que me encantaría aprender, pero no sólo para decir que había retocado la afinación. Necesitaba un propósito, así que empezó a enseñarme".

BizZa

CONOCEMOS AL PRODUCTOR REVELACIÓN CON QUIEN TODOS QUIEREN TRABAJAR Autor: Borja Comino

Fotografía: Alejandro Cabezas Ruano

Con cerca de 30 temas lanzados en lo que va de año, ya sea en colaboración o en solitario, el ritmo frenético de su producción es tan impresionante como inspirador. BizZa, que hasta los tiempos del confinamiento se dedicaba exclusivamente a pinchar, descubrió que tenía entre manos un don: producir muy bien, y muy rápido. En este caso, la velocidad no es sinónimo de prisa, sino que es el resultado de la economización del tiempo propia de alguien que controla y conoce bien lo que él quiere y, sobre todo, lo que los demás quieren. Desde sus humildes comienzos hasta su rápido ascenso en la escena, BizZa comparte la importancia de rodearse de un equipo humano sólido, con el que ha logrado cambiar el panorama musical en su provincia y crear una familia unida por la pasión hacia la música electrónica. La entrevista también ofrece un vistazo a los emocionantes proyectos futuros de BizZa, con lanzamientos previstos en sellos de prestigio y giras internacionales que incluyen destinos desde Chile a París. En resumen, nos adentramos en la mente y el corazón de BizZa, un artista cuya dedicación y autenticidad están forjando un camino único en la escena musical electrónica.

He contado que, solo en lo que llevamos de 2023, has subido cerca de 30 temas. Algunos son en colaboración, otros en solitario. De todas formas, es una cifra loquísima.

¿Cuál es el estudio en el que te ha gustado más trabajar?

(Risas). Me lo suelen decir bastante, pero es fácil de descifrar. Se trata de, sin más, perseguir mi sueño. Catorce años en la escena musical de mi país… Te das cuenta de que, si no trabajas en el estudio, hay metas que jamás podrás lograr. Me lo propuse y he cogido mi rutina diaria, además de que he encontrado el momento de máxima motivación e inspiración de mi carrera, o eso siento ahora mismo.

Sin duda, en SAE Madrid. Pasé una mañana entera, habiendo dormido muy muy poquito… Aun así disfruté muchísimo. Me sentí muy cómodo y sonaba todo increíble. ¿Dónde tienes tu estudio? ¿Trabajas también en otro estudio fuera de tu hogar?

¿Cómo estas compaginando todo ese tiempo invertido en hacer música con tener que ir de un sitio para otro para pinchar, y además sacando energía Ohana Music y tu fiesta Ohana House Parties?

El estudio lo tengo en mi misma casa, justo en mi habitación. Sí, donde duermo (risas). Afortunadamente no tengo vecinos en ningún lado, porque vivo en una casa y eso me hace poder trabajar a cualquier hora del día y tampoco tengo nada que vibre en mi habitación. He encontrado el habitáculo perfecto con la posición perfecta, en la cual me suena genial y me siento muy cómodo trabajando. Además, mi madre (que vive conmigo) ya está más que acostumbrada.

He de decir que todo esto es gracias también al equipo humano de buenos amigos y compañeros que tengo a mi lado, como Pastel (Jesús), que es mi mano derecha desde que prácticamente empecé en la música. Hemos crecido juntos, compartimos gustos y nos apasiona la música electrónica, es mi compañero, socio y gran amigo, toma las decisiones junto a mí en casi todo lo que engloba a Ohana. Manu Hdez, socio también de la marca, gran amigo, el cual sabe sacar el lado bueno de las cosas que proponemos y siempre aporta una de las partes más positivas. Donde nosotros vivimos hay poca escena, y los tres decidimos intentar cambiar un poco las cosas en nuestra provincia y crear esta pequeña familia de locos por la música electrónica.

Normalmente siempre trabajo en mi estudio, a no ser que vaya a estudios de otros compañeros, que también me gusta porque es muy divertido colaborar con otros artistas y amigos. He visto que fue en pandemia cuando te compraste tus primeros monitores. ¿Cuán importante fue esa adquisición en tu faceta como productor? Voy a ser transparente: actualmente, mis monitores no son míos (risas). Explico por qué. Hace ya algunos años yo comencé con un dúo que se llamaba Twins Up, con una persona muy importante y especial en mi vida, Sergio Márquez, él me enseñó prácticamente casi que todo lo que sé, tanto en mi faceta como DJ/productor como en la de promotor de eventos de música electrónica. Estuvimos unos cuantos años aprendiendo a hacer música juntos. Él hacía bastante más música que yo puesto que el estudio lo teníamos en su casa y él disponía de los materiales para ello. Yo, en aquel entonces, no estaba en mi mejor etapa económica y no tenía absolutamente nada, pero él apostaba siempre por mi talento. Siempre ha sido y será uno de mis principales apoyos (incluso mi pañuelo de lágrimas) y siempre le estaré agradecido. Antes de pandemia nuestros caminos se separaron, porque él es mayor que yo, tiene familia y tal, y decidió que yo tenía que seguir mi camino.

Para el label contamos con la ayuda de Red Effetcs (Javi) y Carbajo (Chema). Ellos son los A&R del sello, los cuales conocen perfectamente el sonido que nos gusta y también nos asesoran cuando nos mandan tracks. Realmente hay un gran trabajo y esfuerzo detrás de ello. Nos vamos repartiendo un poco el trabajo y actualmente estamos logrando posicionar bastante bien tanto el sello como las fiestas, pudiendo ofrecer DJs y productores de todas partes del mundo consiguiendo mucho support también de artistas que son referentes a nivel mundial, como Loco Dice, Mochakk, The Martínez Brothers, Manda Moor, y muchos otros más que están apoyando música del sello ahora mismo. Realmente estoy feliz y contento de que ellos estén apostando por este proyecto porque tienen un talento inmenso y sin ellos yo no sería capaz de repartir todo mi tiempo ahora mismo. Y por supuesto quiero darle las GRACIAS a ELLOS. ¡SÚPER TEAM!

Justo llegó la pandemia y, por mi situación económica, no pude llegar a comprarme unos monitores; solo tenía mi ordenador. Al ver que no podíamos trabajar decidí empezar a hacer música como BizZa, y empecé con mi Mac, un ratón inalámbrico encima de una libreta, y mis cascos de pinchar. Así es como hice mis 3 o 4 primeros tracks, hasta que pude comprarme unos JBL que me duraron solo unos meses por mi mala cabeza (también los usaba para pinchar en casa). Ese día, mi buen amigo Pastel (Jesús) me prestó unos Mackie que él tenía en casa sin darles uso. A día de hoy son los que tengo porque me he enamorado de ellos y me da miedo cambiarlos porque estoy muy acostumbrado a su sonido. ¡¡¡Gracias, Sergio y Pastel!!!

De entre todos los grandes artistas que han estado pinchando tu música esta última época, ¿quién te ha pillado más por sorpresa? Muchísimos. Pero me impactó especialmente la respuesta de Ilario Alicante, es un DJ que yo escuchaba cuando era un niño, y de repente vi en Instagram una historia suya, hace como cosa de un mes, tocando unos tracks míos. Me emocioné mucho, pero realmente lo bueno llegó después. Hace relativamente unas semanas, viajando de Valencia a mi casa, en Extremadura, a mitad de trayecto, Ilario me mandó un mensaje por Instragram y comenzó a seguirme. Y hasta aquí puedo leer de momento…

¿Plugin favoritísimo? Para calentar y saturar, ¿qué sueles utilizar? Si tuvieses que invertir solo en una cosa, ¿serían unos buenos monitores, o un buen tratamiento acústico?

Tengo unos cuantos plugins que me gustan especialmente y los utilizo mucho, como el Roland SH101, el Glitch2 o el Magic Stereo. Me flipan.

100% tratamiento acústico. Soy de los que piensan que de poco sirven unos monitores de miles de euros si la habitación en la que trabajas suena mal. En una habitación que no suene bien, estás tirando el dinero de esos preciosos monitores.

Para saturar, uso el saturador nativo de ableton que creo que es bastante sutil. También me gusta uno de FabFilter, el Saturn 2 . ¿De dónde sacas las vocales?

¿Cuál es tu proceso para producir? ¿Qué es lo primero que sueles hacer?

Son el mayor rompe cabezas de mis días. Suelo sacarlas de librerías, o de YouTube, respetando siempre las licencias. Actualmente estoy buscando vocalistas junto a mi equipo de management para futuros tracks. Si hay algún alma caritativa que se anime, ¡estoy abierto a propuestas!

Lo primero es mi ritual: un buen vaso de colacao, ¡y a trabajar! (Risas). Soy una persona muy sincera. Normalmente trabajo siempre con librerías. Más que nada porque a día de hoy, con la era digital, podemos conseguir librerías de muy buena calidad y facilitan mucho el tiempo de no parar tanto a grabar sonidos manualmente. Siempre que arranco un track, siempre, arranco por el kick y el bajo. Después, cuando ya consigo algo que me convence o siento que me mueve, sigo añadiendo el resto de elementos.

Con este ritmo frenético de lanzamientos, ¿cuál dirías que es la media de tiempo que inviertes en cada track? Esta es la pregunta de oro. Todo el mundo me la hace, pero la verdad es que me lo tomo como una filosofía. Realmente, hago lo que me gusta y lo que me salga en cada momento, independientemente de que me guste más o menos, nunca se sabe cuál es el track que más le va a gustar al oyente. Entonces, creo que todos los tracks que hago tienen algo para ese alguien de ahí afuera que los escuche. Sinceramente, a todos les doy el cariño que se merecen, pero no pierdo mi tiempo con bloqueos. Hay que ser realistas: “esto es lo que me ha salido hoy de dentro y confío en que habrá alguien a quien le guste”, ya sean labels, DJs u oyentes. Confío plenamente en mi instinto y también he aprendido a confiar en mi sonido, cosa que no me ha sido nada fácil. Y aún no lo es del todo. No invierto más de tres o cuatro horas en un track. Intento fluir y no pensarlo. Pero, por supuesto, no perder mucho tiempo. Soy de los que piensa que la era digital ya no es como lo que había antes. Antes matabas por comprar ese disco que tanto estabas esperando, buscando… Ahora, se publica en un montón de plataformas a las cuales tenemos muy fácil acceso. Todo se ha comercializado, entonces el track sale y, ¿qué dura? ¿Un mes? ¿Dos meses? Se lanza música constantemente, todos los días. Creo que no podemos perder tanto tiempo en hacerlos. Si será un hit es el oyente el que lo va a decidir, no tú. Tú has hecho lo que sentías en ese momento. Confía en que alguien se sentirá identificado con él o le hará sentir lo que hiciste. Fin, sin más.

Precisamente, el kick es algo muy reconocible en tu sonido. ¿Sueles reciclar los mismos samples de bombos? ¿O tratas de crearlos desde cero? Soy de reciclar muchísimo, sobre todo los kicks, tengo tres o cuatro que me gustan mucho y suelo usarlos casi siempre según el tipo de línea de bajo que me salga. Otros sonidos, si los hago desde cero, o modifico un poco con las librerías que trabajo. Por ejemplo, si cojo un top loop que me gusta, siempre le cambio algo. O el tono; o alguna percusión; o le añado algún efecto que lo modifique. Soy un poco maniático para eso, no me gusta dejar las librerías tal y como vienen. Me gusta innovar un poco con todas las herramientas que tiene Ableton 11. ¿Hay alguna pieza de Hardware que utilices mucho? No suelo utilizar ninguna máquina, porque pierdo mucho tiempo. Si tiene botones, me lío a querer tocar todo y al final te metes en una pompa que no te deja aprovechar el tiempo realmente.

Cuando colaboras, ¿tiene que ser en el estudio mano a mano con el otro artista? ¿O te lo montas a distancia? Hombre. Si puede ser juntos, las risas están aseguradas. Y, ¿todo lo que se aprende mutuamente y todo lo que te diviertes? Eso no hay dinero que lo compre.

¿Quieres aprovechar y anunciar algo más que aún no se sepa?

Siempre intento que sea mano a mano, excepto cuando nos separa una distancia bastante grande. Por ejemplo, con Bastian Bux lo tuve que hacer a distancia, un poco también por el ritmo de trabajo que tenemos en shows, y creo que el resultado gustó mucho. En cambio, con mi amigo argentino Discip, hicimos un EP en su casa cuando estuve yo de gira por Argentina y aproveché para quedarme unos días con él y trabajar. Nos reímos muchísimo, aprendimos el uno del otro y también tomamos mucho mate. Fue una gran experiencia el conocernos en persona haciendo música, aunque ya nos conocíamos de hablar por redes sociales.

2024 viene cargado de grandes lanzamientos, nuevas colaboraciones y shows en otros países. Debutaré en un nuevo sello de Ilario Alicante que verá la luz muy pronto y en el label de Classmatic, Organic Pieces, con un EP de dos temas originales más un remix de Bassel Darwish. Vuelvo a lanzar un nuevo track en Viva Music, sello de Steve Lawler. Este es en colaboración también, pero no voy a decir aún con quién es. (Risas). También debuto en Futura, el sello de Leon. Por supuesto, también verán la luz nuevas colaboraciones que tengo con artistas como Caal, Kirik, Discip, VidaLoca, Tommy Phillips y Niteplan.

Supongo que aún se vienen más lanzamientos antes de que termine el año.

En cuanto a los shows, tengo confirmados varios tours en USA, Chile, Argentina, Costa Rica…Incluso tengo confirmaciones por primera vez en Holanda o París. ¡Nervioso de que empiece este 2024!

¡Por supuesto! Acabamos de lanzar, el pasado 24 de noviembre, el esperado ‘In-Vision EP’ en colaboración con Discip en el label de Dennis Cruz y Eddy M, Müse. Se trata de un EP de tres cortes muy groove y muy hot con los temas ‘In-Vision’, ‘Qué Chulo’ y ‘High Contact’ Los tres tracks están supporteados por casi toda la escena mundial. Entre otros, Ilario Alicante, Loco Dice, Fisher, Dennis Cruz, Cuartero, Héctor Couto, Yaya, Latmun, Wheats, Alisha, Rendher, Classmatic, y un largo etcétera.

Por último, muchas gracias a vosotros DJ Mag España, por todo vuestro apoyo siempre y, por supuesto, a mi equipo y amigos por aguantarme en mis aventuras.

También, antes de que acabe el año saldrá un single mío en Mood Child de Manda Moor. A finales de diciembre lanzaré un EP en colaboración con Toni Varga, que saldrá en Moan. Es un EP de tres cortes y un remix de Sante Sansone.

Fotografía: @AlbaRuperez

MIRA

DIGITAL ARTS FESTIVAL'23 Un viaje anual al futuro de la creatividad digital en Barcelona Autor: Borja Comino MIRA 2023, que este año ha celebrado su duodécima edición, se ha llevado a casa un par de medallas de oro en las Olimpiadas de los festivales españoles. Por un lado, ha cumplido su promesa de proporcionar a los tenedores de tickets de esta edición un banquete sensorial bajo el lema An Outer Taste, cuya campaña previa y dirección gráfica se han ejecutado con el gusto y visión de Martin Verastegui y Erques Torres, dos de los creativos más de moda de Barcelona. Por otro lado, ha reunido una ecléctica selección de músicos y artistas audiovisuales que representan el hallazgo de ese delicado punto de encuentro entre las propuestas más vanguardistas y todo aquello que es susceptible de apetecer a cualquier persona que oiga y/o vea y respire. Las cartas que se jugaban este año consistían en el despliegue de 32 artistas repartidos en dos jornadas de casi 12 horas de duración cada una en el interior de la Fira de Montjuïc, que cuenta con más de mil metros cuadrados en los que se repartieron los más de 8000 asistentes que acudieron a esta edición del festival. El primer escenario, The Cloud, albergaba shows audiovisuales y arte visual de gran formato. El segundo, The Ground by Dice, estaba destinado a conciertos y DJs un poco más underground. Ambos rincones se convirtieron en un lienzo para la creatividad. Las instalaciones artísticas juegan un papel fundamental en la experiencia del MIRA Festival con experiencias audiovisuales montadas por artistas, colectivos y estudios como media.tribe, ONIONLAB, Pedro Torres o 11v151131_m06. Desde la escultura de luz dinámica Espills de Playmodes, un conjunto de figuras geométricas que flotan en el aire y que tantas veces se compartió en Instagram durante el fin de semana, a la estructura tridimensional Solardust de Quiet Ensemble que crea todo un universo luminiscente a partir de una estructura tridimensional que se fusiona con sonidos relajantes que invitan a trascender.

Fotografía: @Leafhopper

Una de las instalaciones más atractivas fue la del artista y performer sueco Goto80 y el compositor y diseñador Jacob Renim con Infinite Acid Machine, donde extremidades robóticas se encargaban de hacer música modificando los parámetros de algunas de las piezas de hardware más míticas de la historia de la música electrónica como el TB-303 de Roland y Electribe ER-1 de KORG, agentes esenciales del nacimiento del género acid. El panel Intersecting Disciplines: Today and Tomorrow y la instalación Reflections on Interdisciplinarity, y MIRA Dome, con sus proyectos inmersivos de 360º como Astro por Weidi Zhang presentado por Casa Asia, Nascense de Julios Horsthuis, Pax Rata Fiat de Masso & 1V4N o Black Hole de Ouchhh; que llevaban a los asistentes a mundos alternativos, sumergiéndolos en experiencias visuales que desafiaban la realidad, encapsulando la innovación y la experimentación que caracterizan a este evento. El viernes, día 11 se dio el pistoletazo de salida a las 17:00. La atención por parte de los trabajadores, las barras, los puestos de comida, estaban perfectamente organizados de forma que por momentos uno se encontraba todo el recinto y sus posibilidades al alcance de la mano en un instante.

La primera en subir los faders fue la estambulí Hüma Utku, con una original fusión de música bizantina antigua con elementos de música electrónica muy avanzada. Y unos bombos calentadísimos que hacen temblar las orejas. Seguidamente, subió Pépe a la cabina. Es valenciano pero bien podría haber nacido en Londres o, más precisamente, en Brighton. Fue en esa ciudad donde conoció géneros, y los infragéneros de los subgéneros más específicos que hoy le dan ese toque tan actual y tan lo-que-la-gente-quiereescuchar. Pépe sabe muy bien –y mucho de– lo que hace. Una hora más tarde estaba James Holden, siendo todo lo diferente que él sabe ser. Para esta ocasión se acompañó de dos colaboradores que añadían percusiones orgánicas en vivo con un músico encargado de tocar distintos instrumentos de viento étnicos. Una masterclass de organología en MIRA 2023. Holden lleva ya más de dos décadas encargándose de rizar el rizo cogiendo elementos que, en un principio, son sencillos. Progresiones de acordes bastante universales y estructuras que no parecen demasiado enrevesadas que, de repente, tras pasar por las manos del productor, se convierten en ese tipo de música que solo se halla en las estanterías de vinilos más remotas e inexploradas de cada barrio. Mientras esto sucedía, Oma Totem y Nation ya habían inaugurado el segundo escenario, que complicó un poco la situación. Pues a partir de ese momento fue cuando los asistentes tuvieron que empezar a tomar decisiones. “¿Van a acompañarme mis colegas si quiero ver un rato de Johnny Jewel, pedir una cervecita durante el trayecto a The Ground, y ver la segunda mitad del set de Tirzah? ¿Vamos a llegar a tiempo para reunirnos con la otra mitad del grupo de amigos que estaban en el Dome tomándose un descanso y ver el inicio del set de Overmono?“. Suena a sufrimiento. Pero ojalá sufrir eso cada fin de semana. Por cierto, el set de Overmono, un 9,5/10.

Fotografía: @Leafhopper

Evian Christ, cuyo Live A/V se convirtió en un momento culminante, fue uno de los momentos álgidos del fin de semana precisamente por evitar a toda costa ese momento. Es decir, se esforzaba elegantemente por construir una ascensión sensorial a base de sintetizadores arpegiados del trance más dosmilero y, cuando el público ya estaba abocado a despojarse de toda esa tensión creada; cuando ya solo quedaba decidirse a saltar por el precipicio, Christ echaba mano del freno de emergencia y, tras la bruma de una cola de reverb, lo único que quedaba era paz, calma, y una ausencia ensordecedora de elementos percusivos. Un método ciertamente disruptivo, rompedor en el sentido más literal, que creó división de opiniones in situ pero que, tras la digestión de esa experiencia, escaló todas las posiciones de la lista hasta posicionarse directamente como una de las sesiones más interesantes a las que se puede asistir actualmente. La puesta en escena hacía pensar que el público tenía delante a una divinidad. Los destellos de luz surgían y se dividían incesantemente a través de un muro de paneles sobre los cuales Christ emergía como una figura hercúlea de varios metros de estatura, –de verdad, llegué a pensar que se trataba de un holograma. Aun imponente e impactante, no tuvo ningún reparo en bajarse del burro e introducir su ya conocido aporte de humor británico, previamente comentado en algún que otro foro de Reddit. Su jugada consiste en hacer que, sin comerlo ni beberlo, el público se halle a sí mismo sintiendo en lo más profundo del alma el himno de la Champions League de futbol. Puede que, incluso, hubiese habido lágrimas de emoción y sollozos existenciales si Christ hubiese decidido colar el tema de la intro de The Office. La importancia del contexto.

33EMYBW hizo un set que es la representación pura de la vanguardia. Empezando por su nombre artístico, siguiendo por sus polirritmias y sonidos fuera de lo común y una estética que se basa en el mundo de los artrópodos, la artista de Shanghai encarna todo lo que tiene que ver con apostar por la innovación. Básicamente es la personificación del espíritu de MIRA. Para terminar la noche, después del Live de Sandwell District y el repaso por todos los géneros y estilos que se puedan mixear de la mano de CRYSTALMESS, vino el mejor remate posible: Hudson Mohawke y Nikki Nair. El escocés y el de Atlanta, respectivamente, llevan bastantes meses siendo inseparables (tanto es así que comparten la misma foto de perfil de Instagram) desde el lanzamiento de su EP ‘Set The Roof’ y viajan por todo el mundo presentando esa visión de lo que debería ser un buen DJ set y que combina lo mejor de ambas personalidades. Previamente, en depende de qué actuaciones, pudiera parecer que el público no sabía muy bien dónde se estaba metiendo, pero durante la sesión de esta nueva dupla dejó de existir la gente despistada o desconocedora y se bailó a muerte hasta que hubo que marcharse a casa. Al día siguiente, de vuelta al ruedo. Nivhek enseñó su propuesta llamada ENGINE, que se compone a partir del ruido que hacen distintos tipos de motores de trenes junto con otros elementos como sintetizadores, en un contexto muy ambient. Pasaron también por el mismo escenario Zoë Mc Pherson (imperdible su sesión en HÖR Berlin) con Alessandra Leone, Lanark Artefax y Aïsha Devi mientras en el ala opuesta del recinto actuaban Julia Reidy, Oren Ambarchi y Shelly. Mura Masa, uno de los pesos pesados de esta edición, subió al escenario acompañado de Fliss y otra colaboradora en un intento de ceder el protagonismo a alguien que no fuera él mismo; fruto de su personalidad especialmente reservada. Aunque su nombre lleve sonando por todos lados desde hace una década, Mura Masa aún tiene 27 años y, pese a hacer un repaso por todos sus hits que amasan cientos de millones de reproducciones en las plataformas, pecó de ingenuo al pensar que quizás a los asistentes no les importaría tanto que fuese, prácticamente un figurante en su propia actuación.

Después de esta catarsis, se reunió a todo el mundo en un mismo escenario para disfrutar de las últimas horas de música de esta edición del festival de forma colectivísima. Kassem Mosse y Mad Miran, que tomaron relevo del momento más loco, punk e intenso del día con Special Interest, cerraron un MIRA Digital Arts Festival que deja la ventana abierta al futuro. O, como mínimo, al MIRA 2024. Y tenemos muchas ganas.

Fotografía: @Leafhopper

Críticas | ÁLBUMES Autor: BRUNO GARCA | bruno@djmag.es

PAN-POT FORTE Second State

El planteamiento de Thassilo y Thomas no ofrece dudas. Ellos, Pan-Pot, cumplen dos décadas a pleno rendimiento donde ha ocurrido de todo. Convivir con el éxito y la intensidad es lo que tiene. Su nuevo LP ‘FORTE’ desgrana a la perfección todas esas buenas y malas experiencias vividas. Algo que queda reflejado en un rosario de hasta diez cortes donde reina la fuerza. Un viaje de autodeterminación que además de ser altamente pistero es un potente ejercicio de reflexión. El dúo es consciente de dónde viene y adonde quiere ir. El camino que marcan es tan decidido como el techno versátil que representan. Destaco de este nuevo lanzamiento pistas como ‘NOVA’ (una bestia eléctrica), ‘UTOPIA’ (por jugar con el magnetismo y las hostias a mano abierta) y ‘FUTURA’, por proporcionar semejante ‘trance’.

FOREST SWORDS Bolted

SAYTEK Twenty

Ninja Tune

AwesomeSoundwave

Otro compañero que cumple dos décadas metiendo chicha. Joseph Keevill aka Saytek, quien, como muchos de nosotros, se considera un amante de la 303, ya está en marcha presentando en directo -acompañado de cacharrería- esta efeméride que a su vez tiene forma de disco. Mucho carácter en su particular manera de concebir techno y house de tintes analógicos y underground. Su “regreso” nos pilla confesados si estamos acostumbrados a sus bolos y lanzamientos como el realizado hace unos meses en R&S Records. Trascendente y machacón. Sonidos de club neuronales con la firmeza de lo cíclico. Bombos que raspan, un sampleo demente y un constante repicar de tónicos ácidos. En ‘Neuro Divergence’ domina todo esto. Es capaz también de innovar el pasado (‘Sequences Of Self Sabotage’) o de labrar techno dubby y rítmico de primer nivel (‘Box Groove’).

La música de Matthew Barnes como Forest Swords define a la perfección lo que más me fascina y necesito encontrar ahora mismo en un largo. Flotan a nuestro alrededor un total de 11 canciones donde se experimenta y se huye de la estética simplona. Este álbum está tejido por electrónica repleta de capas -sintes, voces, texturas- inquietantes y eufóricas. Bases enérgicas a la vez que fantasmagóricas. Intercambio de atmósferas y beats donde incluso se suman -de manera atípica- artistas como Neneh Cherry, sampleada en ‘Butterfly Effect’. Otros nombres ilustres como Lee Scratch Perry también tienen su sitio en este trabajo. Su espíritu asoma por ‘Line Gone Cold’. Escuchando el LP ‘Bolted’ nos damos pronto cuenta del terrorífico potencial de un artista que camina firme en la vanguardia. En el destrozo y la hermosura.

MIKE SHERIDAN Atmospherics

LIVIO IMPROTA Fondamentalismi

hfn music

Tiella Sound

Es muy fácil encontrar rodeado de mar a este productor de aires destartalados. Detrás de esa barba y típico bigote italiano estaría Livio Improta. Un napolitano que mucho me temo pasa absolutamente de lo que más suena en las listas o está de moda, para rendirse a su particular gusto por excarcelar géneros electrónicos como el electro, el house y los ritmos rotos. Los difumina y ensombrece a través de ambientes pizca bizarros. Sin ser un excéntrico, explora. ‘Iblis’ como modelo. Una especie de house atmosférico y analógico del que es complicado saber por donde va tirando. Hasta que te haces con él, claro. Ambientes magnéticos que también se recrean con los efectos sucios y el groove voluble. Una santa sorpresa toparse con cortes como ‘Posidone’ o ‘Comunicando’, este último, directo a mi playlist del 2023.

Fácilmente uno de los mejores álbumes de electrónica a los que he tenido el gusto de prestar los oídos este año. Mike Sheridan compone de una manera emotiva y crepitante. Cambia de formas en su discurso, uno bastante valeroso y personal. Demuestra porque es uno de los nuevos talentos relevantes de la actual escena nórdica. Se dice que comenzó a hacer música con tan solo 8 años y que su primer contrato musical lo firmó a los 14. Precocidad de un aventajado. ‘Atmospherics’ -su tercer largo- confronta esa enorme capacidad con collages sintéticos, instrumentación clásica, melodías impolutas, voces no menos cristalinas y algún que otro empuje más techno o de IDM (‘Subspace’, ‘Universal Automation’). Cuenta además con invitados de excepción que redondean y colorean este bendito disco. La cantautora sueca Agnes Aldén y el joven dúo BYLJA, entre otros.

Críticas | ÁLBUMES Autor: BRUNO GARCA | bruno@djmag.es

CRISTIAN VARELA My Way Black Codes Experiments

Vuelve el Clásico. Esto lo escuchamos por lo menos un par de veces al año, dentro del ámbito más futbolero. Pero pocas, muy pocas veces, lo haremos para celebrar el regreso a lo grande de un artista respetado y de tantos galones. Cristian Varela suma ya más de tres décadas peinándonos hacia atrás gracias a una carrera impoluta y a su singular apuesta por las cadencias agitadas. Por sus venas corren las notas electrónicas, en especial las emparentadas con el Techno. Pero por su pasión y veteranía, también lo hacen delirios de dark-electro, EBM y ambient. El repertorio de ‘My Way’ así lo demuestra. Un LP que aunque abra y cierre con tintes atmosféricos, nos va a dejar hidracina de la buena. Doce cortes donde, con permiso del maestro, me voy a quedar con ‘Ultrahuman’, ‘Yknalb’, ‘Helion’ y ‘Earendel’.

TTEO Lovexpress 77

BOOZOO BAJOU Finistère

Sonar Kollektiv

Pilotton

Una vuelta que he recibido con mucho interés. La música de este dueto alemán formado por Florian Seyberth y Peter Heider no solía faltar en mis sesiones downtempo más cálidas. Boozoo Bajou acaba con la sequía dejada desde 2014 con ‘4’ para marcarse un nuevo LP que hará las delicias de todo amante del dub jazzie electrónico amaestrado con texturas suaves y atmosféricas. Son sus raíces. También cuando se embarran un poco de ritmos rotos alicaídos y son poseídos por algún que otro demonio blues, ragga o funk. ‘Dust My Broom’ me partió lindamente en dos. Dicho esto, ‘Finistère’ resulta como una hermosa experiencia auditiva. De esas que arropan con calma tus sentidos. En el nuevo LP participan Fürsattl, JULES y Steve Spacek, este firmando ‘Sparks’, uno de los temas más emotivos de este regreso.

Uno de esos álbumes que, si fuese una película, sería para todos los públicos. Catorce temas que se desarrollan entre atractivos ritmos de house, funk, gospel, lofi y Balearic. Piezas donde no se escatima en melodías pegadizas (vocales y notas de guitarra sobre todo) y un groove de fondo muy cálido y llevadero. Ejemplarizando esto que acabo de decir, ‘Samba, Samba, Samba’. Notamos igualmente el sentir nómada de este italiano por su eclecticismo y exotismo moderado. Y por supuesto el apego hacia su padre, quien tocaba en los 70 en una banda de funk… de ahí el título del disco y muchos de los sampleos usados en el mismo. TTeo se inspira en el pasado familiar y lo reincorpora a nuestros días. Temas destacados del álbum: ‘Figli Delle Stelle’, ‘42h 04’ y ‘Follow Me’.

INNELLEA The Belonging

SUNESIS Orbital

[PIAS] Recordings

Autoeditado

No la conocía. Ha sido una amiga harto melómana y amante de este tipo de hechuras electrónicas quien la presentó a través de su Bandcamp. Melisa, a quien estará genial conocer desde ya por su seudónimo Sunesis, es un rara avis en nuestro territorio. La ‘barcelonesa’ de adopción debuta en formato largo con una transmisión espacial donde se conecta el polvo cósmico con nebulosas melódicas y viajes astrales con el tempo sin prisas. Su voz se combina con las capas sintéticas, y viceversa. Se percibe su querencia por maestros como Moebius y la ciencia-ficción de los 80s-90s. Este discarral, de hecho, podría servir perfectamente de banda sonora a un film neo-noir a medio camino entre ‘Blade Runner’ y ‘Terciopelo azul’. Su oscuridad te abraza al tiempo que sus notas nos masajean la psique. Grandes títulos en este relato galáctico: ‘New Horizon’, ‘Silence’...

‘The Belonging’ es un largo repleto de sensaciones encontradas. Emocionalmente puede resultar a veces una pendiente, pero si nos centramos en su carga bailable, un complejo vitamínico perfecto para combatir el cansancio y ese sabor agridulce que nos pueden dejar algunos de los temas. Sin mucho margen de error puede decirse que este trabajo agita y rompe las posibles barreras entre EDM, pop lloroso, 2-step Garage (‘Insanity’), Bass e incluso Trance (‘Downfall’, ‘Silence’). El muniquense se rodea de artistas como Flowdan -quien más palotudo me ha puesto gracias a ‘Forward Forever’- CamelPhat, Monolink o Karin Park para que su propuesta final resulte más desbordante. En resumen, un disco que gravita bien en cuanto a secuencias (especialmente las tranceras), y los beats urbanos (‘Transformation of God’), pero que peca de vocales desiguales y un superávit de parón-subidón.

Críticas | EDM/DANCE Autor: WILLY ALCOCER | willy@djmag.es

TIËSTO, DA HOOL Meet Her

NITRON (SONY MUSIC) Tijs Michiel Verwest aka Tiësto, para muchos el DJ/productor más importante de la historia. Me parece objetivo afirmar que está entre los tres primeros: un Grammy, más de 8 billones de reproducciones sumando todas las plataformas, 36 millones de discos vendidos, multi-platino en decenas de países. Es el único artista que ostenta los títulos de "mejor DJ de todos los tiempos" de Mixmag, "DJ número 1", de Rolling Stone, y "Padrino del EDM", según Billboard. He aquí su remezcla del eterno ‘Meet Her At The Love Parade’ creado por Da Hool (Frank Tomiczek) en 1997, pieza absolutamente imprescindible de la historia de la electrónica, como uno de los temas fundacionales del Progressive. Esto tiene absolutamente todo para triunfar. La mítica melodía envuelta en una insuperable factura técnica.

HARDWELL & AFROJACK Push It

SYN COLE FEAT. KATIE PEARLMAN Edge of the world

REVEALED RECORDINGS & WALL RECORDINGS

HELIX RECORDS

El productor y músico estonio Rene Pais comenzó su carrera en el sello LE7ELS de Avicii. Es el responsable de las remezclas oficiales de ‘Silhouettes’ y ‘Hey Brother’. Estas, mas sus propios lanzamientos acumulan más de 1,5 billones de reproducciones y han sido protagonistas en películas y anuncios, incluido un anuncio de TV de Sprite. Como DJ, Syn Cole ha actuado en Tomorrowland, Creamfields, EDC Las Vegas, o Ultra Miami. Es decir: uno de los líderes actuales del movimiento. Con la voz de la cantante y compositora Katie Pearlman, nos presenta el que puede ser un auténtico himno Dance esta temporada: guitarra, melodías alegres, contrabombos, palmadas,… todo está perfectamente pensado y ensamblado para asegurar el beneplácito de un público masivo generalista. El sonido es tan nítido como potente.

Robbert Van De Corput nació en la misma ciudad holandesa que Tiësto, Breda. Icono masivo de la música electrónica actual -con dos números uno en el Top 100 DJs de DJ Mag-, Hardwell es uno de los creadores del EDM y uno de los líderes más carismáticos del movimiento social y cultural que acompaña a este género. Se une al no menos masivo e igual de holandés Afrojack para dar a luz a un lanzamiento conjunto de los sellos propiedad de cada uno de los artistas: Revealed y Wall. Una melodía tipo Techno Big Room (concepto creado y nombrado por Hardwell en su álbum Revels Never Die) se mezcla con la hipnótica voz de la cantante Meryll resultando en una auténtica bomba pistera y festivalera.

THE PRESSURE Body Heat

CHROMEBODIES FEAT. VALENTINA CY I Could Be

HELIX RECORDS

The Pressure es un dúo electrónico formado por dos amigos que escriben canciones y saltan por el estudio mientras lo hacen, según ellos mismos explican. Aunque parezca raro, con eso tienen mucho ganado. La producción musical es el núcleo del proyecto del dúo londinense formado por Harry Buggé y Joe Andrew. Su enfoque de la música Dance ha sido reconocido por Pete Tong, quien comparó a The Pressure con New Order en su programa de la BBC Radio1. Body Heat apunta a ser todo un himno de club que garantiza un nuevo éxito de la pareja. La presión sonora del tema canaliza perfectamente la melodía de sintetizador junto a un efecto de voces magnéticas y futuristas. Todo ello apoyado por una línea de bajos enérgicos, subidas, bajadas, y clímax. Calidad suprema.

‘I Could Be’ es el debut en el sello Helix de Chromebodies, el nuevo proyecto Euro-Dance de los viejos amigos y colaboradores Manilla Killa y Hotel Garuda, ambos estadounidenses. El dúo se sube a la ola -varias veces ya referida en esta sección- del sonido Hardance que está arrasando en Europa y que hoy en día es parte ya del sonido Mainstream en todos los festivales del mundo. Se suben y la llevan a su EEUU natal, donde la nueva pareja artística se presentó como tal en el Altered-Ego Fest en el Brooklyn Mirage de Nueva York a principios de verano. El tema presenta una impecable factura a nivel creativo y de producción. Vocal suave acompañada de bajo lleno de energía. Tal vez más radiofónico y pistero que festivalero.

YORCHS 01. GABRY PONTE 'Easy On My Heart (Gabry Ponte Vip Mix)' [Warner Music] 02. BENNETT 'Vois Sur Ton Chemin' [Warner Music Central Europe] 03. SASH!, INNA, R3HAB 'Rock My Body' [Spinnin Records] 04. DARIO NUNEZ, CESAR SANCHEZ FEAT. ESTELA 'Vamos A Jugar' [Tactical Records] 05. SERGEI REZ 'Saxy Speech' [And Dance] 06. GABRY PONTE 'Easy On My Heart' [Warner Music] 07. LIZOT, PRISKA 'On the Move' [Zeitgeist] 08. DVBBS, BORGEOUS 'Tsunami (Gabry Ponte Remix)' [Spinnin Records] 09. BRISBY & JINGLES 'L`amour Toujours Black Toys Remix' [Attention.Inc Music] 10. DAVID GUETTA, ANNE-MARIE, COI LERAY 'Baby Don't Hurt Me' [Parlophone UK]

Críticas | TECHNO Autor: VICTOR SANTANA | victorsantana@djmag.es

VVAA We Are Secta, Vol. 1

Secta El colectivo musical y de eventos Secta, con sede en Dubai, lanza su división de label centrada en el techno con la compilación de varios artistas We Are Secta Vol. 1. El VA incluye catorce temas sobresalientes que varían desde el techno de alta energía hasta cortes más oscuros e hipnóticos. Destacaría muchos cortes de esta compilación, pero estad atentos al sonido de ‘CRAVO - Kemu’. Secta logró abrir un espacio underground muy necesario para una escena alternativa de nicho en el país, una escena que desde entonces ha crecido rápidamente hasta límites increíbles. Estas propuestas son las que merecen la pena, ya que en este país es muy delicado la libertad de expresión respecto a la música. Os deseo todo el éxito del mundo, compañeros.

VVAA Anaoh Invites 02

NUKE Legal Vacuum EP

Anaoh

Hardgroove

Desde México nos llega la segunda compilación de Anaoh, el sello de los artistas mexicanos Dig-It y Fixon. Como anfitriones del sello invitan a dos artistas a unirse a ellos y lanzar 4 temas originales en una edición especial en vinilo de 12'. En este segundo capítulo contamos con la presencia de un veterano al que respetamos y queremos profundamente, uno de los principales responsables del sonido hardgroove clásico, Mark Williams. Así como uno de nuestros chicos maravilla, el virtuoso CRAVO. Conseguid rápido vuestra copia porque son de estos discos atemporales que nunca defraudan.

Desde las oficinas de Dispersion UK nos llega esta maravilla de EP de uno de los artistas españoles más activos de nuestra escena: Nuke. Conozco a Rodrigo desde hace muchos años, lleva trabajando en el techno media vida y este single es una muestra más de su bagaje. Los cuatro tracks son perfectos para reventar cualquier pista de baile o festival. Podría comentar el implacable staccato de la primera canción, ‘Cookie Love’ o la endiablada percusión del tema que da título al disco, ‘Legal Vacuum’. Este EP viene con cuatro tracks perfectos para subir y bajar tus sets en cualquier momento. Nuke sabe muy bien leer la pista de baile, con más de 20 años siendo residente de uno de los clubes más importantes del mundo. Larga vida a Code (Fabrik), ¡y feliz cumpleaños!.

VVAA COD3 QR 015

BROKEN ENGLISH CLUB Puritan EP

COD3 QR

Blueprint

Desde las oficinas de Epm nos llega otra compilación del sello de Laurent Garnier y Scan X. Sabemos bien que la plataforma COD3 QR nunca defrauda por su versatilidad y por su mirada a muchos estilos donde lo verdaderamente importante es la música. Lo único que quedará escrito en el camino serán los discos, lo demás se suele olvidar. Esta maravilla de VVAA contiene electro, breaks, techno, electrónica, etc. Todos los discos que salen en esta plataforma suelen ser discos de coleccionista. Destacaría el track Detroit techno ‘Cosmos’, una auténtica maravilla.

Oliver Ho es un pilar en la escena techno desde mediados de los 90, se hizo un gran nombre junto a Regis, Surgeon y James Ruskin como parte de la nueva generación de techno británico que se inspiraba no solo en la escena techno, sino también en la rica herencia de la música industrial y post-punk del Reino Unido. Después de numerosos seudónimos como Raudive, Birdland y Zov Zov, Ho volvió a esas primeras influencias con el inicio de su proyecto Broken English Club. Esta vez Ho vuelve a Blueprint con una granada de mano en forma de disco. ‘The Hunt ‘ es un track arrollador pero ‘Chambers’ es increíble. Oliver nunca defrauda a los amantes del techno atemporal, lo sabemos todos, lleva media vida haciendo buena música.

FINALVERSION3 [CLUB GORDO] 01. COSMIC ANOMALY ‘Altered Engram’ [Gordo Trax] 02. ATISBO ‘Las Máquinas del Olvido’ [Gordo Trax] 03. LEWIS FAUTZI ‘Total Absence’ [PoleGroup] 04. QUELZA ‘Ellipsis’ [Mord] 05. CONCEPTUAL ‘L’Irs Dei Dannati’ [ARA] 06. LAKEJ 'The Breach’ (Michel Lauriola Remix) [Ucker Records] 07. LIVDALL ‘Touch It’ [Unterwelt] 08. YEARSASTRAY ‘Oxidació Controlada’ [Newrhythmic] 09. OXYGENO ‘Condenados’ [Lost Verses] 10. SLUGOS ‘Punishment’ (Not A Headliner Remix) [Caedite Eos]

Críticas | UK GARAGE Autor: BORJA COMINO | borja@allinpress.com

ENZO SIRAGUSA, LAVILLE Searching

Simple Records Enzo y Laville han creado conjuntamente esta lección de historia de la música. Me explico. Para empezar, se oyen claras influencias de Detroit al estilo Kerri Chandler hasta la línea de bajo ondulante y los ganchos vocales que recuerdan al apogeo del deep tech. Ahora nos vamos a Reino Unido con un UK dub que recuerda inmediatamente a otra época clásica: la carrera imperial de Armand Van Helden en los 90 con la mítica remezcla ‘Spin Spin Sugar’. La producción de ‘Searching’ es impecable, alargando las voces hasta convertirlas en un tafetán digital al estilo de los primeros drum & bass y con un breakdown jungle super duro que, de golpe, presenta un tinte mucho más oscuro de lo que al principio parecía que iba a ser light y llevadero. En definitiva, se trata de un pequeño viaje a través de la historia de la música dance, sobre todo, de Reino Unido.

LP GIOBBI, REDFIELD, DJ RAE Waiting

DARBY Crush

Higer Ground

bitbird

Algunos de los artistas más prometedores de la electrónica, como LP Giobbi, el productor británico Redfield y DJ Rae, han unido sus fuerzas para producir un gigantesco trabajo conjunto que huele a piezas hardware caras y a ingenieros de sonido muy buenos. ‘Waiting’ golpea en la cara con su energía de alto octanaje contenida en su percusión que marca el tono desde el principio de la pieza junto con los sintetizadores arremolinados y las voces con mucho eco que, a medida que avanza el tema, implica más y más euforia que se convierte en un wall of sound del que uno no quiere escapar. El tema empezó a partir de la voz de DJ Rae y, Redfield, que se enamoró de la idea desde el principio, ha luchado por finiquita el tema con todas las ganas del mundo porque sabía que lo iba a petar en las pistas de baile. Y así ha sido, ya que él y LP Giobbi llevan cerca de un año pinchando este tema alrededor de todo el mundo a modo de arma infalible.

Darby, un productor de música electrónica de 23 años procedente de Melbourne acaba de lanzar su última obra maestra musical: el EP ‘CRUSH’, que supone la mezcla perfecta entre el house más actual y el UKG. Aun siendo muy joven, estos nuevos temas suponen una especie de resurrección del australiano representan un salto monumental en su evolución artística encapsulando todo lo que le ha sucedido en los últimos meses. El título del EP tiene un profundo doble significado, ya que simboliza tanto el embriagador encanto del amor como el tumultuoso viaje del desamor.

SOFIA KOURTESIS How Music Makes You Feel Better

RE:ABEL Carbonceramics

Ninja Tune

Mammal Sounds Records

Mientras Madres detalla lo que Kourtesis tuvo que pasar durante el susto de salud de su madre, este tema en específico del álbum se desvía de la historia que hila todos los temas para hablar de las propiedades terapéuticas de la propia música. "Durante todas las tormentas, durante todos los altibajos, el dolor y la pena, la música es siempre lo más hermoso que te va a hacer sentir mejor", dice Kourtesis de la canción. Para mí, la que más me ha llegado de todo el álbum. Con su ojo para las texturas, la artista peruana nos sumerge en la historia a través de grabaciones de campo extraídas directamente de esas escenas que ha vivido estos últimos meses con suaves sintetizadores que salpican y se dispersan como gruesas gotas de sol sobre un parabrisas, los arpegios vocales se convierten en un coro angelical y las bisagras de una puerta que crujen con angustia.

Con una influencia de estilo garage en el núcleo de los paisajes sonoros que ofrece, Re:abel traspasa los límites de la música convencional con un estilo de composición muy experimental en cada uno de los temas del proyecto. Ryan Gasparini, paisano del previamente mencionado Darby, se inspira en su amor por el dance y la electrónica del Reino Unido para crear una mezcla única de electrónica future garage con influencias de bass music. Toda una rebanada atmosférica que se combina con las tan apetecibles voces choppeadas que no nos cansamos de oír aún en 2023, pads retumbantes y los míticos samples de breaks de soul que los más curtidos podrán reconocer fácilmente.

ISKY 01. SAMMY VIRJI, FLOWDAN ‘Shella Verse’ [Positiva/EMI] 02. LAUREN MURRAY, TYRONE ‘Out Out’ [BE83 Music] 03. ESKVY ‘Summer Breeze’ [ESKVY] 04. SPENCE ‘Hybrid’ [Bingo Bass] 05. DIGITAL KOALA, SK ‘Icon’ [Sight By Sight] 06. ZAPRAVKA ‘Cocea’ [Gazgolder] 07. AYYBO ‘Bass Glide’ [GBD Records] 08. GARRET LODGE, KXNE ‘Nasty’ [Lodge Records] 09. DLB ‘late night’ [Streaming Club/Rhymes Music Inc.] 10. DOM SCANLON ‘Only You’ [Yosh]

Críticas | HOUSE Autor: ALEJANDRO SERRANO | alejandroserranopr@gmail.com

DJ SNAKE Chicago House

Frappé La carrera de DJ Snake es un testimonio de una vida dedicada a su oficio. Ahora vuelve y lo hace irrumpiendo a lo grande, como siempre, en un sello tan genuino como Frappé. En este trabajo, Sneak mantiene más vivo que nunca su inconfundible estilo, retrotrayéndonos esta vez a sus raíces. Los beats y bajos vuelven a ser tan duros y poderosos como siempre. Su música parece que esté hecha para ser tocada en directo; una música hecha para la pista de baile, los clubes, los sistemas de sonido que pueden manejar trabajar con frecuencias bajas... Todos estos elementos parecen unirse en la pista. El sonido de DJ Snake tiene una característica común reconocida por temas recurrentes como la nostalgia, la melodía y la profundidad cósmica, que te atrapa, pero sin perder energía. Música, en definitiva, para hacer estallar las mejores salas con una calidad que no tiene parangón.

N1NJA Midnight in Detroit

THOMAS HELMICH Dogma

Midnight Riders

luft&liebe

N1NJA aterriza en Midnight Riders de Robbie Akbal con Zayn Mohammed, un guitarrista premiado y el talento creativo detrás de las guitarras de blues que suenan de fondo en este nuevo y fascinante single. Con un sonido house conmovedor, agrega profundidad y emoción a 'Midnight In Detroit' narrando la historia de la ciudad, contando relatos de su pasado, presente y futuro a través de cada nota. ‘Midnight In Detroit’ captura la majestuosidad musical de una ciudad icónica que nunca duerme, guiado con un bassline con toques de acid de TB-303. Esta fusión mística de tradición y futurismo es tan hechizante como sugerente. Estamos ante una excentricidad tan onírica como apabullante que no te dejará indiferente.

‘Dogma’, la nueva creación del productor alemán Thomas Helmich para luft&liebe, abre un nuevo camino en su carrera. Sintes deslumbrantes con arpegios estimulantes que elevan el nivel de energía hasta caer en una explosión de pura épica y capas de sonido que culmina en un clímax de tensión. Los temas que están grabados en este disco demuestran la particular forma de entender el sonido de Helmich, situado en el extremo opuesto de lo comercial, lo genérico, lo que funciona: lo que hace es, por el contrario, una especie de magma inestable de pulsaciones y resplandores, de trazos melódicos y texturas difuminadas, persiguiendo una expresión serena, espiritual, casi ascética. Todos esos lenguajes e influencias de los que se nutrió dialogan en este disco, creando organismos sonoros nuevos, diferentes y muy evolucionados, hasta diseñar un sonido amplio y frágil para escuchar y sentir desde lo más profundo.

SOUTHBOUND SOUNDS Educator

TURNER CLUB Hearts and Minds EP

Deeper Groove Recordings

Turner Club Music

‘Educator' se lanza en Deeper Groove Recordings, es un trabajo tan simple pero a la vez tan efectivo que hace que se nos impregne en cada uno de nuestros poros. Este trabajo aterriza con un flagrante bassline guiado por un sintetizador arpegiado que nos dispara a las nubes. Demuestra la particular manera del productor de entender el sonido situado a las antípodas de lo comercial, de lo genérico, de lo que funciona. Al final, en conjunto, se acaba conformando un disco donde se da un equilibrio muy cuidadoso entre la ambición de sus intenciones y la grandeza de sus resultados, consiguiendo ir más allá, tarea que no es nada fácil. Pero el nivel está ahí arriba, y este productor puede estar orgulloso de haber rubricado esta pieza musical.

Turner Club es una aventura de dos amigos que se conocieron en una pista de baile en el noreste de Inglaterra en 2004. Ese encuentro también los llevó a lanzar su nuevo sello discográfico, Turner Club Music. En esta obra se entrelazan temas de bucles infinitos, recreando pasajes musicales psicodélicos, pero vivos. Es como si en cada canción hubiera un equilibrio preciso entre tonos melancólicos y alegres. Así, este disco parece nacer para avanzar en una concepción de las cosas que nos haga contemplarlas, con moderación y delicadeza, pero sin perdernos en ellas. En este principado electrónico, donde todo se rige por conceptos como la pureza, la elegancia y la devoción por la música, se admira a personas como ellos que pretenden llegar más lejos.

THOMAS HELMICH 01. PLASMATIQUE ‘Obsidiana’ [luft&liebe] 02. DEPECHE MODE ‘Fantasmas otra vez' (Massano Remix) [Columbia] 03. ZYON ‘No Fate’ (Adam Beyer Remix) [Embassy One] 04. BORIS BREJCHA ‘Feuerfalter’ [Harthouse] 05. ANYMA ‘Conciencia’ (Eric Prydz Remix) [Afterlife Records] 06. CIREZ D ‘On Off’ [Mouseville] 07. REPRENSIÓN ‘Resplandor’ [Era Music] 08. ANNA Y MISS KITTIN ‘Forever Ravers’ [Kompakt] 09. ARTBAT ‘Horizonte’ [superior] 10. THOMAS HELMICH ‘Dogma’ [luft&liebe]

Críticas | DRUM & BASS Autor: DANIEL PANIAGUA AKA D-PR | drumandbass@djmag.es

DUB ELEMENTS Lose My Mind

DEM Recordings El dúo sevillano Dub Elements vuelve a hacerlo otra vez, saca todo un bangerazo. Con ‘Lose My Mind’ suma su propuesta al creciente 4x4 Dancefloor Drum & Bass que ya estamos acostumbrados a hacer. Este tema lleva todo el verano siendo un fijo en sus sesiones por todo el mundo y en los mejores festivales como Let It Roll en la República Checa, ¡no dejes de añadirlo a tu playlist!

MIDKNIGHT MOON MidKnighT MooN

ONE MINDZ Just A Game (Mughte Remix)

Lizplay Record

Low Syndicate Audio

El productor neozelandés Nicholas Olliver conocido como MidKnighT MooN cierra el año en Lizplay Records, el sello granadino especialista en Liquid Drum & Bass atmosférico y la propuesta del kiwi-producer cuenta con un plus a este género. Unos pads preciosos que te envuelven y te transportan a un viaje a tu destino favorito, así que, como dice el título del tema, ‘Take Me Away’!

El sello a orillas del río Turia y con salida al pleno Mediterráneo nos trae su primer EP compilación de remixes. A desatacar sin duda la propuesta del joven productor Mughte que le da una vuelta al ‘Just A Game’ del productor brasileño One Mindz en un tema con unas baterías potentes que junto con el subgrave lo hacen perfecto tanto para elevar una sesión, como para lanzarlo al double drop.

BERMAN Going Down

PABLO DREAD Hardcore Blips

Ketapasando

Beat Machine Records

El sello madrileño Ketapasando también cierra el año por todo lo alto. Aunque perteneciendo a un lanzamiento del mes de noviembre no podíamos dejar de largo otro bombazo que va para tu carpeta de Jungle. Berman nos introduce al comienzo del tema con una buena vocal y una buena atmósfera para luego soltarnos un elegante bajo tipo foghorn con una baterías amen perfectas.

El conocido dj y productor de la escena malagueña Pablo Dread llega con una propuesta old-school con Hardcore Blips y mucha frescura. Tema club con pontentes synthes emulando la época dorada de los Hardcore Breaks y unas baterías hacia el mejor drum & bass de club, una simbiosis perfecta y para mí uno de los temas del año Made in Spain.

MR MARBLE [Zerotonine] 01. MYSELOR 'The Feeling Expands' [Blackout Music NL] 02. MYSELOR 'Universalis' [Blackout Music NL] 03. KUMARION 'Right Now' [UKF] 04. SOLA & TENGU 'The Law' [High Tea Music] 05. SOLA & REPLETE 'Mosquito' [BrainRave Music] 06. VECSTER 'Another Dimension' [High Resistance] 07. BLANKE & RAY VOLPE 'Laserbeam' (Blanke's ÆON:REMIX) [Disciple] 08. MANDIDEXTROUS & TANUKICHI 'Higher' [RAM Records] 09. JIROBASS 'Deep Darkness' [Monkey B Studio] 10. MEFJUS 'Disclosed' [Critical Music]

Críticas | BREAKS Autor: EDUARDO CARBONELL / evilsound@djmag.es

DIGITAL BASE & ANDY VIBES The Magician of Finesse

Old Skool Records El mago de la buena vibra, Digital Base alias Andy Vibes, continúa publicando joyas sonoras desde su sello Old Skool Records. En esta ocasión se trata de su nuevo single ‘The Magician of Finesse’, una sólida producción de breakbeat atemporal con clásicos ritmos y melodías que transmiten buena energía. Tampoco te puedes perder sus anteriores lanzamientos 'Darling', 'Hechizo' y 'Naughtytalking', muy en la misma línea del Andy actual. Alejándonos del formato digital, recientemente también ha publicado un EP en formato vinilo titulado 'He Didn´t Do It On Purpose', que incluye algunos de sus trabajos recientes como son 'Criticize', 'Dioses del Mar, 'Jungle Family' y el single que da título al trabajo. Una lástima que se haya agotado en tan solo unos días.

RE-AB PRODUCTIONS 2 Funky In Here (Maceo Rivas & Dr Black Sheep Remix)

CHOTEN Pure

Cleveland City

Sonic Heavy

Cleveland City evolucionó a partir de la tienda especializada en EDM con sede en Wolverhampton, Ruby Red Records, creada por Mike Evans en 1972. El sello, enfocado principalmente en el house, estuvo activo entre 1993 y 2003, pero revivió a finales de 2020. El pasado año, se desmarcaban puntualmente del house con los lanzamientos breaks 'I Don't Wanna Wait' de WeZ WhaTevR y 'Don't You Say You Love Me' de Nomadi, y con algunas pistas con breakdows breakbeat como 'Come with Me' de SolarTrak y Secret Agenda, 'I Can't Help It' de Nick Coles y Kirstin Keegan, 'Keep on Pumping It Up' de K69 o 'Tocas Wave' de SteveO. En su nuevo lanzamiento, nuestro granadino Maceo Rivas se marca una excelente remezcla de breakbeat hardcore junto a Dr. Black Sheep.

El nombre de Choten a pocos les sonará, pero si decimos Apex seguro que a más de un amante del nu skool break más clásico le trae buenos recuerdos. Matt Jarrett es el cerebro detrás de Apex, rebautizado como Choten. Jarret tuvo un gran éxito en el mítico sello Marine Parade con su lanzamiento debut ‘Bangin', seguido de 'Break 2000 / Acid Dred', ambos de 1999. En 2000, Jarrett remezcló 'The Red Pill', de los maestros del Florida breaks Scratch D vs. H Bomb. Continuó publicando otros grandes trabajos por Marine Parade como el EP 'Symmetry' y los singles 'Totem Soul' y 'Bass Design'. En 2013 Jarrett fundó el sello Sonic Heavy, por el que recientemente publicaba este álbum que reúne todos aquellos trabajos junto a varios inéditos más.

NITRO Sunrise

AKOV Vivace / Cognitive Dissonance

Vinyl Crazy Records

Audiogore

Vuelve a nuestras páginas Fernando Moreno, más conocido como DJ Nitro. El sevillano lanza bajo su sello Vinyl Crazy Records el single 'Sunrise'. Un trabajo de tracey breaks, que sin duda gustará a los amantes de los ritmos rotos más melódicos. No te pierdas otros trabajos publicados por esta casa como el potente 'Ilustrus', los raveros 'One Shot', 'Gelatina' y 'Follow The Rythm' o la nueva revisión que le hace a su 'Tell Me Sound'. Por Distorsion Records, también ha publicado los funky breaks 'Fresh' y 'Sweet Love' y el pistero 'Whitout You', junto a Basstyler, por ElectroBreakz, el contundente 'Butter', por Ravesta Records, los ácidos 'Caffeine' y 'Acid People' y por 13monkeys Records, el funky 'Inerzia', junto al master del género Sekret Chadow.

El pasado mes hablábamos sobre el nuevo álbum 'Inertia' del inglés Alexander Ushakov, más conocido como AKOV. Este trabajo de larga duración se publicaba bajo el sello Symbiotik Records, el cual dirige junto al también inglés Pluvio. En esta ocasión, es el sello nacional Audiogore el encargado de lanzar estos dos singles cargados de neuro breaks con un sonido impecable. Si te gusta este lanzamiento, no dejes de darte una vuelta por el catálogo de esta casa, enfocada principalmente al sonido más alternativo dentro de los ritmos rotos. Desde neuro breaks como este de AKOV, hasta el breaks industrial y oscuro del ruso BASSCHAOS y su EP 'Idols' o el single 'Fuku' de Overpeak, pasando por el tear out de Kelle en 'Human Resource'.

DJ JONAY [THE RAVE KULTURE RECORDS] 01. DJ JONAY ‘I Miss You 2023 (Jonay Solo Mix)’ [The Rave Kulture Records] 02. RASCO & JONAY ‘Here 4 You (Original Mix)’ [Pure Bassline & The Rave Kulture Records] 03. RATPACK ‘Rushin (Original Mix)’ [Dubplate] 04. DAKOTA & ADAN ‘Gotta Believe (Original Mix)’ [Hardship Records] 05. RAVE DOCTOR ‘Ruff In The Jungle (Dj Jonay, Suga7, Obscene Frequency Mix)’ [The Rave Kulture Records] 06. SUGA7 ‘Bass Shock (Original Mix)’ [Elektroshock Records] 07. DJ JONAY ‘Sun Goes Down (Original Mix)’ [The Rave Kulture Records] 08. DJ KRUGER ‘Deep Inside (Original Mix)’ [Golden City Records] 09. RASCO & BUBBLE COUPLE ‘Old Groove (Original Mix)’ [Guachinche Records] 10. RE-AB PRODUCTIONS ‘2 Funky In Here (Maceo Rivas & Dr Black Sheep Remix)’ [Cleveland City]

IZOTOPE OZONE 11 Este mes os traemos la última versión del plugin de masterización estándar de la industria. Hablamos del Ozone 11 de la empresa estadounidense Izotope, que ahora forma parte de Native Instruments. Para quien todavía no conozca Ozone, se trata de un plugin que ofrece la posibilidad de conseguir resultados de mastering profesionales, sea cual sea tu nivel de conocimientos. Hoy veremos las novedades y mejoras que trae respecto a su predecesor y si realmente cumple con ese objetivo. IA Assistant - Ozone 11 incorpora ahora un asistente de inteligencia artificial en su funcionamiento. Ozone promete un master profesional en solo un clic pero, ¿puede una herramienta de IA reemplazar los oídos entrenados y las habilidades de un ingeniero de masterización? Comprobémoslo…

Stem Focus - Además, Ozone 11 ofrece la posibilidad de trabajar con stems. Stems Focus utiliza la inteligencia artificial para solventar distintos problemas en tu mezcla, aplicando distintas configuraciones de sus módulos. Básicamente, lo que puedes hacer es centrarte en aplicar ciertos procesos en determinados elementos de tu mix, principalmente: bajo, drums y vocales. Una vez más, los resultados son sorprendentes.

Yo he probado de hacerlo con muchos de mis tracks y los resultados son realmente buenos. En 8 segundos en que Ozone está analizando tu track te ofrece un increíble primer punto de partida basado en referencias del género de tu música. Una de las cosas que más me ha gustado es la función de cargar tus propias referencias. Aunque esté pensado para Mastering, me parece una herramienta para mezcla increíble. A menudo, pasamos muchas horas escuchando un mismo tema y podemos perder el foco del balance de nuestra mezcla. Tener la posibilidad de escuchar tu tema de distintas formas puede ser de gran ayuda para darte cuenta de posibles problemas y/o proporcionarte ideas creativas de cómo colocar tus elementos en el mix. Así pues, posteriormente puedes volver a tu mezcla para modificarlo de forma manual.

Nuevos módulos y otras mejoras - Una vez probado el resultado que nos ofrece Ozone 11, vamos a echar un vistazo a los distintos elementos que trae para que esos resultados sean posibles. Es prácticamente imposible que miremos detenidamente cada uno de los elementos que están incluidos, así que vamos a poner el foco en sus novedades y en las distintas mejoras respecto a Ozone 10.

Clarity - Este es un nuevo módulo que contornea de forma dinámica el espectro de frecuencia hacia un objetivo basado en ruido. Utiliza 256 bandas para separar los elementos a tiempo real. Este tiene la posibilidad de balancear el sonido hacia terrenos más brillantes o más oscuros, según las necesidades o el carácter que le queramos dar al track. También permite modificar el ataque y el release, lo que nos ofrece un mayor control del comportamiento del módulo frente a nuestro track. Se puede modificar el rango de frecuencias sobre el que actúa, pero siempre entre 300 Hz y 20 kHz.

Hay otros módulos que trabajan de forma parecida pero con distintos objetivos: · Low End Focus, como su nombre indica, se centra en aportar claridad y distinto carácter al low end de nuestro track, pudiendo hacerlo más “punchy” o “smooth”. · El Spectar Shaper está más enfocado a atenuar que no en aportar brillo como en el Clarity. Este utiliza 64 bandas en lugar de 256.

Su funcionamiento es increíblemente sencillo y el resultado es realmente sorprendente. Aporta una gran claridad entre los distintos elementos y aumenta el volumen percibido. Encuentro importante tener en cuenta la cantidad del efecto que aplicamos sobre el track, si nos pasamos, podemos llegar a descompensar la mezcla.

· Stabilizer se centra en estabilizar el tema acorde a la referencia del género en el que estamos trabajando o bien a la referencia que le hemos cargado.

Upward Compress y mejoras del Maximiser - Al margen de las novedades de Ozone 11, existen pequeñas mejoras en sus ya existentes módulos. Si ya trabajaste con versiones anteriores de Ozone podrás ver que el Maximizer es algo distinto y trae nuevas funciones. El resultado que saca ahora el Maximizer es mucho más preciso, cosa que demuestra que Ozone 11 no solo vale la pena por su salto tecnológico previamente mencionado, sino también por las mejoras en pequeños detalles que, al final, marcan una gran diferencia. Una de sus grandes novedades es el “upward compress”. Ofrece un resultado transparente, potenciando las zonas más flojas del track y manteniendo los transitorios rápidos sin clipear. Delta - Este botón, que ha incluido ahora Ozone, me parece otro claro ejemplo de que los pequeños detalles es lo que le dan valor al “upgrade” del 10 al 11. Este botón te da la opción de escuchar las diferencias entre el audio procesado y sin procesar, lo que va muy bien tanto para terminar de afinar procesos tanto como para darse cuenta de si estás aplicando demasiado proceso en algún módulo concreto.

Opinión - Como ya sabréis, el uso de la inteligencia artificial en el mundo del arte es un tema que genera mucha controversia. Yo, personalmente, creo que cada caso es distinto y debe mirarse de forma aislada. En el caso de Ozone 11, me parece que es una herramienta beneficiosa para todos los músicos. El hecho de que yo pueda trabajar con este plugin, no quita que vaya a dejar de trabajar con un ingeniero de mastering. De hecho, todos mis tracks pasan por un ingeniero antes de lanzarlos. Aun así, por cosas como las que comentaba anteriormente, Ozone 11 me parece un must para el estudio. Así pues, Ozone cumple con el objetivo de conseguir masters profesionales de forma rápida sin tener gran conocimiento en la materia. Eso te lleva a darte la posibilidad de poder escuchar tus tracks con un posible resultado final, así como, tal y como comentaba antes, utilizarlo de referencia para tus mezclas, etc. Mi experiencia con Ozone 11 hasta el día de hoy ha sido muy interesante y productiva, convirtiéndose ahora en una herramienta que ha llegado a mi estudio para quedarse. Podéis consultar toda la información de precios y las diferencias entre sus distintos productos a través del código QR. Yo, personalmente, os recomiendo haceros con el Advanced ya que contiene todas las herramientas clave que hemos comentado en estás páginas.

Escanea el QR y encuentra más información sobre el producto en la web de IZOTOPE.