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Portada de cada uno de los temas con índice de contenidos.
Contexto
Arquitectura
Rasgos generales
Columnas: órdenes
El templo griego
Obras
Escultura
Rasgos generales
Autores y obras
Comentario
Partenón
Laocoonte y sus hijos
A partir del siglo VIII a.C., el Mediterráneo fue testigo del surgimiento de civilizaciones que dejaron una huella profunda en la historia occidental. Tras la influencia fenicia, cuya cultura mercantil se extendió por las costas norteafricanas e ibéricas, la hegemonía griega se evidenció con la dispersión de sus pobladas polis hacia colonias de gran importancia en Asia Menor y el sur de Italia, conocida como Magna Grecia
Este fenómeno se debió a la naturaleza marítima, comercial y expansionista de la civilización griega. A pesar del terreno accidentado, que dificultaba la agricultura y las comunicaciones internas, su extensa costa favorecía la expansión ultramarina.
La unidad política era la polis (ciudad-estado), que incluía la ciudad y su territorio circundante, otorgándoles un alto grado de libertad y autonomía política
Inicialmente influenciado por las civilizaciones minoica y micénica, así como por Egipto y Mesopotamia, el arte griego pronto desarrolló características distintivas.
Cada uno de los temas tiene su contexto histórico, para que puedas comprender todo mejor.
En el ámbito filosófico, los griegos centraron su vida en la RAZÓN, considerada la guía suprema del ser humano Este racionalismo se reflejó en la arquitectura griega, donde se combinaban elementos para crear los órdenes griegos (dórico, jónico y corintio).
La cultura griega fue la primera en ser plenamente ANTROPOCÉNTRICA, con el ser humano en el centro del universo La arquitectura y escultura griegas priorizaban la belleza, entendida como armonía, proporcionalidad y equilibrio, visibles en sus templos y esculturas
Introducción: arquitectura
A partir del siglo VII a C, la cultura griega se va consolidando alrededor de unos conceptos básicos como son:
– El antropocentrismo, con la famosa frase de Protágoras “El hombre es la medida de todas las cosas” Esto se plasma en la escultura, con la visión ideal de los aspectos del hombre
– La reflexión científica que trataba de dar una explicación racional a las cosas
– La capacidad de abstracción, que dan como resultado las bases de modelos filosóficos, literarios y artísticos, los cuales siguen vigentes en la actualidad.
Todos estos conceptos también se aplicarán a la arquitectura, creada para mostrar la armonía entre el hombre y la naturaleza Es un producto de la razón, por ello está llena de proporciones, matemáticas, medidas, etc
Material
El material utilizado inicialmente (época arcaica) fue la madera, y el adobe. Hasta mitad del siglo V a. C., el material más usado fue el conglomerado o piedra arenisca. En la época Clásica, se introdujo el mármol (templo de Apolo en Delfos o Partenón), más difícil de trabajar
Colores
Se utilizaban colores (hoy perdidos): azul en los triglifos; rojo en el fondo de las metopas.
Sistema de construcción
El sistema de construcción es adintelado con la columna como elemento sustentante y el entablamento como elemento sustentado Se basaba en el uso de columnas o pilares que sujetan cubiertas horizontales (rectas)
Antropocentrista
Es una arquitectura antropocentrista que se aleja del colosalismo. Ello explica que las proporciones de los edificios estén en armonía con el ser humano y sean construcciones de reducidas dimensiones, salvo en la etapa helenística.
Rasgos arquitectura
Belleza
Es una arquitectura que intenta plasmar la idea de belleza mediante la simetría y con el uso de las matemáticas. La simetría está acorde con la consecución de la belleza para lo cual incorporan una doble entrada en los templos y una disposición de columnas proporcional (doble columnas en los lados que en los frontales)
Espacio exterior
El espacio exterior del templo era más importante que su interior, puesto que el rito religioso se desarrollaba en el exterior del edificio que presentaba el máximo esplendor policromándose las metopas, los triglifos y el friso.
Órdenes
Inventaron la idea de ORDEN (Dórico, Jónico y Corintio) siguiendo el planteamiento racionalista griego. Ello conlleva que todos los edificios estuvieran compuestos por un basamento, con una pequeña escalinata (3 escalones) denominada krepis (estilóbato y estereóbato).
Un soporte compuesto por las columnas y el entablamento (constituido por el arquitrabe, el friso y la cornisa) y la cubierta compuesta por el frontón y el tímpano
Techumbre
La techumbre de los edificios griegos era a doble vertiente o a dos aguas permitiendo desplazar el agua de lluvia hacia fuera con el apoyo de las acróteras.
Tipologías
Existían 2 tipologías, la religiosa y la civil, basadas en la construcción de templos y teatros respectivamente
Trascendencia
La arquitectura griega va a tener una enorme trascendencia a lo largo de la Historia del Arte, de tal forma que va a ser la base fundamental de la arquitectura romana
Por otro lado, todo el arte clásico (griego y romano) será, a su vez, el que inspire estilos artísticos posteriores como el arte renacentista, barroco y neoclásico.
Comienzan a establecerse los órdenes arquitectónicos
Etapa de mayor esplendor y originalidad, protagonizada por Atenas.
El arte se abre a las influencias orientales.
Ajustes formales
La columna tiene un papel fundamental en la arquitectura griega ya que no es solo un soporte material, sino que también es una metáfora sobre el orden del mundo, especialmente cuando forma parte de un templo que simboliza la armonía entre el cielo y la tierra
El éntasis de las columnas, con lo que se aminora el efecto de concavidad de las columnas de lados rectos.
Desigual distancia de los intercolumnios, siendo mayor entre las columnas de entrada a la cella, y más reducida en las columnas laterales.
Curvaturas del entablamento y del estilóbato hacia arriba, para evitar el efecto de pandeo, de vencimiento por el centro.
Todos los temas son imprimibles y están diseñados con este tipo de disposición.
Inclinación de las columnas hacia adentro para impedir la sensación de caída y crear el llamado efecto piramidal.
Mayor anchura de las columnas de los ángulos, anulando cualquier presión de debilidad en ese punto.
Los órdenes
El producto de la importancia que los griegos daban al orden racional es la creación de los órdenes arquitectónicos. Son formas básicas para diseñar edificios.
Orden dórico
Expresa robustez y fuerza Estas columnas no tienen basa, su fuste está tallado en arista viva y presenta un ensanchamiento en la parte central (éntasis).
El capitel consta de dos piezas: el equino (forma convexa) y encima un dado cuadrangular llamado ábaco
Las columnas sujetan el entablamento que consta de dos niveles: arquitrabe y friso En el friso se alternan los triglifos y metopas, que pueden ser pintadas o esculpidas.
Orden jónico
Es más esbelto y elegante Tiene basa el fuste no tiene éntasis y suele ser más alto que el dórico No presenta aristas vivas, sino suaves acanaladuras
El capitel está decorado con volutas enrolladas en espiral
Orden corintio
Se incorpora a partir del siglo IV a.C. Es el más esbelto y decorado de los tres. La gran diferencia se encuentra en el capitel, que está decorado con hojas de acanto
basa columna Sin basa
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Con basa
Con basa fuste columna
Fuste estriado con éntasis acusado
capitel columna Sin decoración
arquitrabe
friso
etapa/ejemplo
Contenidos imprimibles
Todos los temas son imprimibles y están diseñados con este tipo de disposición.
Liso sin decoración
Decorado con triglifos y metopas (pintados o esculpidos)
Arcaica/Clásica | PARTENÓN
Fuste más esbelto, alto y con acanaladuras
Decorado con volutas
Decorado con 3 bandas
Friso corrido decorado con relieves escultóricos
Clásica/Helenística | ATENEA NIKÉ
Fuste más estilizado que el jónico
Decorado con hojas de acanto
Decorado en 3 bandas
Friso corrido decorado con relieves escultóricos
Helenística s.t. | TEMPLO DE ZEUS
El templo griego
Para los griegos, el templo era la casa de dios, un espacio destinado a contener la estatua del dios, no un lugar de reunión de los fieles Las ceremonias tenían lugar en el exterior, por lo que el terreno situado en los alrededores, llamado témenos, también se consideraba sagrado
Los primeros templos eran como pequeñas cabañas de madera. La forma definitiva de los templos se fija en la época arcaica (siglo VII-VI a.C.).
Representaba la máxima expresión del arte griego y eran construidos en honor a las divinidades de la ciudad
Se situaba, fundamentalmente, en la parte más alta e importante de la polis griega, en la acrópolis
La Acrópolis de Atenas era la más representativa de todas las polis griegas
Contenidos imprimibles
Tenía una función defensiva, religiosa y civil al ser el lugar donde se guardaban los tesoros de la ciudad.
Todos los temas son imprimibles y están diseñados con este tipo de disposición.
Un edificio sostenido por columnas se alza sobre una plataforma con varios escalones llamada crepidoma. El último escalón se llama estilóbato.
Una parte esencial de los templos era la decoración escultórica con temas míticos y religiosos Tenían forma de relieve y se concentraban en determinados puntos: Los dos frontones (grandes triángulos en las fachas delantera y trasera) El friso: Metopas y triglifos del friso dórico o Friso corrido del orden jónico
Periodo Arcaico
El foco esencial es la Magna Grecia (Sicilia y sur de Italia)
– Paestum (dórico)
– Segesta (dórico)
– Selinunte (dórico)
Periodo Clásico
El foco más importante se sitúa en la acrópolis de Atenas
– Partenón (dórico) (Ictino y Calícrates)
– Atenea Niké (jónico anfipróstilo) (Calícrates)
– Erecteion (jónico)
Periodo Helenístico
Monumentalismo El foco artístico se desplaza hacia oriente en torno a Alejandría, Rodas, Pérgamo
– Altar de Zeus en Pérgamo (jónico)
– Templo de Zeus en Atenas (corintio)
– Mausoleo de Halicarnaso (corintio)
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Frontón Friso Triglifos Metopas CrepidomaLa planta del templo
La planta de los templos griegos, por lo general, era rectangular, aunque existían algunos casos con una planta circular que son conocidos como tholos
La estructura de la planta de un templo griego estaba compuesta por:
– la Pronaos, pórtico delantero, como un vestíbulo que precede a la naos
– Naos o Cella, sala rectangular en la cual se localizaba la estatua de la divinidad a la que estaba dedicada el templo
– Opistodomos, pórtico trasero del templo, simétrico al pronaos delantero, que solía albergar los tesoros. No tenía comunicación directa con la naos
Contenidos imprimibles
– Columnas: se encontraban en la fachada principal, casi siempre A veces también había columnas en la parte posterior y en los laterales
Todos los temas son imprimibles y están diseñados con este tipo de disposición.
Según número de columnas y fachada
Cuando tiene columnas tanto en la parte delantera como en la trasera del templo
Periptero
Cuando el templo está totalmente rodeado por una hilera de columnas que constituyen lo que se denomina como peristilo del templo
Frontón
C. dóricas
C. jónicas
Pronaos
Opistodomos
Naos
Friso de las Panateneas
Díptero
Cuando el templo se encuentra rodeado por una doble hilera o peristilo de columnas
Tolo
Circular, con columnas alrededor
Áptero
Sin columnas
Monóptero
Cuando el templo tiene planta circular y está rodeado por una hilera o peristilo de columnas www.creativemindly.com
Comentarios obras
En el mismo lugar, ya había existido un templo dedicado a Atenea, diosa protectora de Atenas, que fue destruido por los persas durante las guerras médicas
La nueva construcción tiene un valor doble, por un lado, la tradición y por otro la muestra del triunfo de los griegos sobre los persas.
Esta construcción tiene un carácter especial, ya que sus autores quisieron que representara una imagen de la propia Atenas Por ello debía ser un monumento de máximo esplendor, una unión entre la fortaleza dórica y la elegancia jónica Una mezcla de cultura y capacidad guerrera Esto explica que el templo sea dórico, pero con muchos elementos jónicos.
Las 92 metopas, de 1 3 m2 cada una, narran las cuatro luchas mitológicas: la Centauromaquia (batallas entre lapitas y centauros), la Gigantomaquia, la Amazonomaquia y la guerra de Troya
En el friso superior, se representa la procesión de la fiesta de las Panataneas.
Los frontones fueron la última parte en ser decorada y la parte de la que menos se conserva Los frontones contenían:
– El frontón oeste, una representación de la disputa entre Atenea y Poseidón por el patronazgo de Atenas – El frontón este, el nacimiento de Atenea.
En cada uno de los temas comentamos las obras más significativas.
Ictinos y Calícrates (arquitectura); Fidias (escultura)
447-432 a.C.
Arquitectura religiosa
Acrópolis de Atenas
El Partenón fue realizado en la segunda mitad del siglo V a C (447-432) y constituye uno de los edificios clave en la historia de la arquitectura.
Está situado en la Acrópolis de Atenas y forma un monumental conjunto con el Erecteion, el Templo de Atenea Niké y los Propileos (se trata de la gran entrada al conjunto en la que se alternan columnas dóricas y jónicas)
El Partenón formaba parte del proyecto de Pericles para embellecer Atenas y mostrar su poder y liderazgo entre las polis griegas tras las guerras médicas.
Los arquitectos encargados del proyecto fueron Calícrates e Íctinos Fidias era el escultor favorito de Pericles y el encargado de supervisar las obras y embellecer el templo con sus relieves
El Partenón es un rectángulo de aproximadamente 30X70 metros. Esta proporción 9:4 se repite en todo el edificio, ordenando el conjunto.
– Es un templo períptero, de 8 x 17 columnas dóricas muy esbeltas.
– Sobre ellas, se sitúa un friso dórico de triglifos y metopas. Los triglifos tienen una particular y es que no coinciden con el eje de las columnas
– Encima del friso, hay otro friso, de tipo jónico, corrido y sin divisiones.
El espacio interior presenta dos características significativas:
– La división interior de la naos se hace mediante una triple fila de columnas que rodea el lugar destinado a la escultura de la diosa
– También destaca el desarrollo del espacio posterior (opistodomos), sostenido por las cuatro únicas columnas jónicas del edificio.
La decoración escultórica fue realizada por Fidias Se encargó de dirigir un taller que creó un proyecto destinado a ensalzar a la ciudad de Atenas a través de sus dioses y sus fiestas cívicas.
En el conjunto, destaca la estatua crisoelefantina (oro y marfil) de Atenea que se colocó en el interior del templo.
El Partenón representa la obra culminante de una civilización griega, cuya importancia e influencia ha sido notable en las culturas posteriores
En su construcción se dejó constancia de los grandes avances griegos en matemáticas. Un claro ejemplo de ellos son las correcciones ópticas para adaptar el edificio al ojo humano. Es el caso de la fachada, el entablamento y el estilóbato que son ligeramente curvados; las columnas tienen éntasis y los intercolumnios son desiguales
El Partenón se conservó en buenas condiciones hasta 1687, fecha en la que estalló el polvorín que los turcos colocaron en su interior. En el año 1822, el británico Lord Elgin compró parte de sus esculturas, que hoy pueden admirarse en el Museo Británico de Londres.
En la actualidad continúa la lucha de las autoridades por conservar y preservar “El Partenón” de la contaminación de Atenas Para tratar de conservarlo en mejores condiciones, por ejemplo, se han trasladado las Cariátides del Erecteion al interior de un museo y han sido sustituidas por copias.
Las obras
Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
Ficha técnica
Ictinos y Calícrates (arquitectura); Fidias (escultura)
447-432 a.C.
Arquitectura religiosa
Acrópolis de Atenas
Artista y época
El Partenón fue realizado en la segunda mitad del siglo V a. C. (447-432) y constituye uno de los edificios clave en la historia de la arquitectura.
Está situado en la Acrópolis de Atenas y forma un monumental conjunto con el Erecteion, el Templo de Atenea Niké y los Propileos (se trata de la gran entrada al conjunto en la que se alternan columnas dóricas y jónicas).
El Partenón formaba parte del proyecto de Pericles para embellecer Atenas y mostrar su poder y liderazgo entre las polis griegas tras las guerras médicas
Los arquitectos encargados del proyecto fueron Calícrates e Íctinos. Fidias era el escultor favorito de Pericles y el encargado de supervisar las obras y embellecer el templo con sus relieves.
Las obras
Mirón
Plasma el movimiento en su máxima expresión y representar el cuerpo humano en tensión. con un tratamiento anatómico mucho más perfeccionado que en la etapa arcaica. Siglo V a.c
Obras
Discóbolo:
Solo lo conocemos por copias romanas. Se trata de un atleta en el momento previo al lanzamiento. Su actitud es tensa y concentrada.
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Se trata de una gran composición geométrica, con equilibrio inestable. El cuerpo describe un arco ideal. En ella podemos ver la admiración de la cultura griega por el ideal de un cuerpo atlético, que alberga la inteligencia.
El grupo Atenea y Marsias
Mirón Discóbolo
Las obras Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
Las obras
Policleto
Consideraba que el arte debía estar regido por las matemáticas. Escribió un tratado, Kanon, donde establecía las relaciones matemáticas entre las partes del cuerpo y sus proporciones ideales. Su mayor interés lo puso en el cuerpo masculino desnudo, al que quiso representar con proporciones perfectas. Partió del concepto de simetría ( relación armónica de las partes entre sí y con el conjunto)
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Sus aportaciones fundamentales son:
El canon escultórico (de 7 cabezas) visible en la obra del Doríforo, considerado como la representación perfecta del canon griego.
El contraposto escultórico (perfecta armonía de las diversas partes del cuerpo humano) en el Diadúmeno.
Obras
Doríforo
Es su obra clave, a la que también llamó Kanon. En ella se pueden ver todas sus teorías sobre el cuerpo humano. Se trata de un joven desnudo que porta una lanza en su mano izquierda. La pierna derecha es la que recibe el peso y la izquierda se adelanta, dando la sensación de iniciar el movimiento. Aunque la figura está en reposo, se aprecia su dinamismo.
Diadúmeno
Posible representación del dios Apolo.
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Las obras Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
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Las obras
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Las obras
Escuela de Pérgamo
El gran altar de Zeus
Para celebrar la victoria sobre los gálatas. Situado en un podio de 7 metros, el muro principal estaba decorado con un friso escultórico. Las figuras tenían un tamaño superior al natural, algunas incluso se salían del friso y apoyaban sus manos y rodillas en los escalones.
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Otras esculturas de la escuela: Galo moribundo y Galo suicida.
El Gran Altar de Zeus
Las obras
Escuela de Rodas
Pertenecen dos de las obras cumbre del helenismo:
La Victoria de Samotracia.
Erigida en el Santuario de los Grandes Dioses de Samotracia en agradecimiento por una victoria naval. Estaba colocada sobre un pedestal con forma de proa de barco. Con las alas extendidas irrumpe en la proa, mientras el viento agita y moja sus ropas, que dejan traslucir sus formas femeninas El conjunto es de un gran dinamismo y destacan en el mismo los efectos de claroscuro.
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El Laooconte
La Victoria de Samotracia
Escuelas
Las obras Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
Comentarios obras
En cada uno de los temas comentamos las obras más significativas.
Agesandros, Polydoros y Athenodoro
Aproximadamente el 50 d. C.
Escultura en mármol y 2.42 m de altura.
Museos Vaticanos de Roma.
La obra recoge todas las características de la escultura helenística:
– Tridimensionalidad
– Nuevas proporciones, iniciadas por Lisipo
– Delicadeza de las formas, heredada de Praxíteles
– Dramatismo y naturalismo exagerado, observable ya en Scopas.
Todas estas características nos permiten relacionar al Laooconte con algunos gigantes del friso del Altar de Pérgamo
La escultura trata el tema mitológico del castigo al que fue sometido Laooconte, sacerdote troyano de Apolo, por los dioses favorables a los griegos en la Guerra de Troya
Laooconte sospechaba que el caballo de madera de los griegos era una trampa y se lo advirtió a los troyanos. En el momento en el que estaba advirtiéndoles, salieron del mar dos serpientes monstruosas, que lo atacaron a él y a sus hijos. Solo uno de los hijos, el situado a la izquierda logró sobrevivir.
La obra recoge el momento en que Laocoonte y sus hijos luchan desesperadamente contra las serpientes Es lo que los griegos denominan el pathos, el momento más dramático, de máximo sufrimiento de los protagonistas En la escultura los personajes tratan de liberarse de unas serpientes que se enroscan en sus cuerpos.
– Destaca el tratamiento de la musculatura, que aparece a muy marcada por el esfuerzo. Además, en sus rostros se muestra un gran sufrimiento, especialmente en el padre, que expresa miedo e impotencia por no poder salvar a sus hijos
La composición es piramidal y está marcada por diagonales, centradas en escorzo del padre, que proyectan la escultura hacia el exterior. Esto hace que es multipliquen los puntos de vista y que se generen efectos de claroscuro. Esta escultura fue creada con el objetivo de ser vista de frente, algo frecuente en la escultura griega
Por otro lado, también destacan la sensación de movimiento y de tensión, características propias del helenismo, las cuales sustituyen al equilibrio y a la serenidad de la época clásica.
Desde el punto de vista técnico podemos comentar las superficies.
El gran realismo minucioso con el que se han trabajado los cuerpos de los personajes, destacando los músculos tan marcados
La blandura de las serpientes.
El movimiento o plasticidad del pelo, especialmente el de Laocoonte, trabajado a trépano.
También es interesante destacar que los niños no son representados como niños, sino como hombres pequeños
Todas estas características convierten al Laocoonte en un gran ejemplo de los cambios estéticos que se producen entre el periodo clásico y el helenismo.
La obra se encontró en Roma a principios del siglo XVI, como consecuencia del espíritu renacentista que llevó a realizar numerosas excavaciones para encontrar obras de la antigüedad Fue hallada en un viñedo, entre las ruinas de lo que habían sido unas termas En ese momento fue adquirida por el Papa Julio II, que la trasladó a su palacio
Cuenta la tradición que Miguel Ángel Buonarrotti se encontraba presente en el momento de desenterrar la escultura, aunque no se sabe si esta información es cierta. Se considera que Laocoonte es la escultura que dio origen a los Museos Vaticanos
Esta obra, junto con otros conjuntos de escultura helenística, tuvieron una gran influencia entre los artistas del renacimiento y en otros artistas de distintas épocas, como El Greco, Dalí y el escultor abstracto Alfaro, entre otros.
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Arquitectura
Rasgos generales
La iglesia y el monasterio
Escultura
Rasgos generales
Autores y obras
Pintura
Rasgos generales
Autores y obras
Obras
Catedral de Santiago
Pórtico de la Gloria
Pantocrátor San Clemente Taüll
Santa María de Taüll
Portada Portada de cada uno de los temas con índice de contenidos.Finalidad: Sirven para acoger la masiva afluencia de peregrinos de las diferentes rutas europeas Destino final Santiago de Compostela
Ejemplos: San Martín de Tours, San Marcial de Limoges, Santa Fe de Conques, San Sernín de Toulouse y Santiago de Compostela
Las iglesias de peregrinación se distinguen por sus grandes dimensiones, llegando a tener de 3 a 5 naves, un transepto muy desarrollado, con monumentales portadas laterales flanqueadas por torres Algunas se han perdido y otras FUERON proyectadas, pero nunca construidas
Contenidos imprimibles
Adoptaron la planta de cruz latina, que simboliza la cruz de Cristo, con la nave central más ancha y alta que las laterales.
Todos los temas son imprimibles y están diseñados con este tipo de disposición.
La cabecera de la iglesia corresponde con la cabeza de Cristo y simboliza el ámbito divino de la iglesia, punto final del camino hacia la salvación La cabecera se orienta hacia el este para que la primera luz del sol entre por el ábside.
Eje longitudinal
Compuesto por una nave central y varias naves laterales Termina en una cabecera semicircular, denominada ábside donde se encuentra el presbiterio con el altar mayor
Tribuna
Galería situada sobre la nave lateral y de su misma anchura La tribuna se conecta con la nave central a través del triforio La función de la tribuna es doble:
– Proporciona estabilidad al edificio, contrarrestando el peso de las grandes bóvedas de piedra
– Amplía la capacidad de los edificios, permitiendo el alojamiento de los peregrinos si fuera necesario
Acceso
Estas iglesias poseen nártex , pórtico cubierto a la entrada El acceso suele estar flanqueado por dos torres que tienen la función de campanario
Zona 2
Eje transversal o transepto
Formado por 3 ó 5 naves donde también se solían abrir un conjunto absidiolos.
– El lugar donde se cruzan la nave principal y el transepto, lo denominamos crucero
– Se remata desde el interior con una cúpula y desde el exterior con un cimborrio o torre exterior que aportaba luz a la iglesia
– Al transepto también se podía acceder por fachadas laterales.
El coro
Suele aparecer en iglesias bajo órdenes monásticas que necesitan coros para sus cantos Se sitúan cerca del crucero y tiene una gran acústica
Zona 3
La girola
Uno de los elementos más característicos de las iglesias de peregrinación, también llamada deambulatorio
– Es una nave-corredor situada entre el presbiterio y el ábside de la iglesia
– Se permitía el tránsito de los peregrinos por el templo sin entorpecer los oficios religiosos.
– A su alrededor se encuentran, los absidiolos que eran las capillas donde podían venerarse las reliquias
– La girola, según algunos historiadores, se originó en las criptas carolingias La cripta subterránea: está debajo de la cabecera y contiene los restos del santo a quien se venera.
Contexto
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Catedral de Santiago
Pórtico de la Gloria
Pantocrátor San Clemente Taüll
Santa María de Taüll
Portada Portada de cada uno de los temas con índice de contenidos.Comienza con la construcción de la catedral de San Denis en la isla de Francia (París) en el año 1140 (mediados del siglo XII)
Son edificaciones fundamentalmente religiosas, siendo la catedral el símbolo del templo cristiano por excelencia Se convertirá en el punto de referencia del auge urbano europeo a partir del siglo XII, convirtiéndose en un monumento dedicado a la gloria de Dios y en un símbolo del prestigio de las ciudades
Los materiales constructivos empleados son la piedra y el vidrio utilizados, respectivamente, en la elaboración de los muros y en la instalación de las vidrieras
Contenidos imprimibles
planta
Todos los temas son imprimibles y están diseñados con este tipo de disposición.
Se mantiene la planta de cruz latina, con 3 o 5 naves con bóvedas de crucería, siendo la central mucho más alta que las laterales.
Aparece la planta rectangular en la que el crucero casi no se aprecia y las naves laterales tienden a ser de parecido tamaño a la nave central.
La cabecera de la catedral se orienta hacia el este para que las primeras luces del sol entren por las vidrieras del ábside. La cabecera corresponde con la cabeza de Cristo y simboliza el ámbito divino de la iglesia, punto final del camino hacia la salvación
Cubierta
Bóveda de ojiva
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Todos los temas son imprimibles y están diseñados con este tipo de disposición.
Arcada
Nave lateral
Contrafuerte
Botarel
Sistema de contrarresto
Naves laterales también ayudarán a desviar el peso de la nave central hacia los lados.
Arbotantes
Arcos externos que sostienen la estructura.
Botareles (estribos separados del muro)
Aquí se apoyan los arbotantes y ayudados por los pináculos.
Los contrafuertes:
Se siguen utilizando para reforzar la estructura
Pináculos.
Elementos verticales que se colocan sobre los botareles y que desvían los pesos de manera vertical
Sistema de soporte
Arcos formeros ojivales (que separan la nave principal de las laterales.
Pilares
Los pilares fasciculados de las que parten los nervios de las bóvedas permitiendo una mejor transmisión de las cargas El capitel deja de tener importancia
Muros
El alzado
El sistema constructivo era el abovedado está basado en el arco ojival (apuntado), utilizan las típicas bóvedas de crucería que con el tiempo se van complicando, surgiendo las bóvedas de terceletes, estrelladas y abanico
Verticalidad
Las catedrales góticas se caracterizan por un gran verticalidad e impulso ascensional, gracias a la altura de las torres, chapiteles y agujas, con el objetivo de dar una sensación de trascendencia celestial en un intento de elevarse hacia Dios
Ejemplo: esto puede observarse en la catedral de Colonia, uno de las más altas del mundo con 157 metros de altura. Para realizar estas catedrales utilizaron técnicas constructivas innovadoras.
El vano predominará sobre el muro. Se abrirán grandes ventanales cubiertos de vidrieras y rosetones que incorporan una gran luminosidad en los edificios
Un claro ejemplo es la Sainte Chapelle de París El muro deja de tener una función de soporte y pasa a servir para cubrir la estructura Esto aportará una mayor elevación de los edificios,
Muchos de ellos están pensados para potenciar el impulso ascensional y verticalismo de las catedrales como los arcos ojivales, gabletes, tracerías, cresterías, agujas y chapiteles, pináculos, gárgolas y quimeras
También aportarán una gran riqueza ornamental junto a esculturas, relieves y otros elementos decorativos integrados en la arquitectura.
Se emplean también para decorar las fachadas (los portales y otros elementos)
También realizan vidrieras y rosetones que además tienen la función de iluminar el templo
Siguen siendo abocinadas, con mayor número de arquivoltas donde las figuras seguirán la dirección del arco
Tienen una mayor riqueza y finura escultórica. Las portadas más lujosas llevan imágenes de apóstoles y de otros santos bajo doseletes flanqueando el ingreso.
El portal suele estar dividido por un parteluz que sirve de apoyo a una estatua de la Virgen María o del santo al que se dedica la iglesia
Decoración de los capiteles
La decoración de los capiteles deja de ser narrativa y comienza una decoración vegetal Con el tiempo el capitel gótico deja de tener importancia llegando a desaparecer convirtiéndose las columnas fasciculadas directamente en los nervios de la bóveda También se usan arcos trilobulados, carpaneles, conopiales (en el gótico flamígero),
Arbotante CubiertaContenidos imprimibles
Todos los temas son imprimibles y están diseñados con este tipo de disposición.
Contenidos imprimibles
Todos los temas son imprimibles y están diseñados con este tipo de disposición.
Contexto
Quattrocento
Arquitectura
Pintura
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Cinquecento
Arquitectura
Pintura
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Escultura
Obras
Cúpula Santa María de las Flores
Anunciación Fra Angelico
Nacimiento Venus
Escuela de Atena
Pietá del Vaticano
Portada Portada de cada uno de los temas con índice de contenidos.Los arquitectos prestaron atención a la función de los edificios que diseñaban, buscando crear espacios que fueran prácticos y útiles para sus usuarios (antropocentrismo)
Tipologías
Los tipos de edificios son muy variados. Junto a las iglesias se realizan también edificios civiles como palacios y villas campestres para nobles y burgueses Características
El artista
Estos arquitectos, pasaron del anonimato del artesano a una nueva concepción de la profesionalidad, marcando en cada obra su estilo personal Escribían tratados sobre arquitectura como por ejemplo De re aedificatoria de Alberti Uso de elementos clásicos
Contenidos imprimibles
Los órdenes clásicos (dórico, jónico, corintio, toscano y compuesto) se emplean en arquitectura tanto civil como religiosa. Racionalismo
Todos los temas son imprimibles y están diseñados con este tipo de disposición.
La arquitectura se caracteriza por el racionalismo de las formas, fruto de elaborados cálculos matemáticos. Buscan el equilibrio, la simetría, el orden, la unidad del conjunto y la armonía de las proporciones. Los edificios muchas veces se construían a partir de un módulo. Perspectiva
Fue utilizada como herramienta escénica en la concepción espacial creando ilusiones de profundidad y espacio en sus diseños
El dibujo
Se hizo el principal medio de diseño.
Sistema constructivo
Utilizan tanto el sistema constructivo abovedado como el adintelado. El arco de medio punto, las cubiertas de cañón y de arista, la cúpula de media naranja, frontones y los techos artesonados, fueron muy utilizados
Plantas.
Los artistas trabajaron varios modelos de planta para los edificios
– Cruz latina
– Planta basilical con tres naves y cúpula en el crucero.
– Planta centralizada (cruz griega o circular)
Fachadas
Domina la horizontalidad y como decoración se utilizan muros almohadillados y adornados con guirnaldas y medallones Hay una preferencia por las líneas rectas frente a las curvas.
Integración con el entorno:
Se buscó integrar los edificios en el entorno circundante, utilizando técnicas como la perspectiva y el paisajismo para crear una relación armoniosa entre el edificio y el espacio que lo rodea.
Espacio interior:
Es importante el espacio interior y por ello se utilizan formas geométricas claras: cuadrado, círculo, cubo, cilindro, esfera. Hay una referencia por un espacio diáfano y claro a partir solamente de los elementos constructivos remarcados mediante el color y la luz
Decoración interior:
Los interiores se decoran con motivos tomados de la antigüedad clásica como los grutescos, amorcillos (putti), veneras, cornucopias medallones y guirnaldas...
Materiales
Los materiales empleados son el ladrillo, el sillar almohadillado y la mampostería revestida de mármol.
Discípulo de Brunelleschi. Su obra clave fue el Palacio Médici-Ricardi. Este palacio junto con el Rucellai de Alberti constituye el modelo de edificio que se integra en la ciudad, aunque está cerrado sobre sí mismo
– Su planta cuadrada y las habitaciones se ordenan en torno a un patio porticado.
– En la fachada los tres niveles se superponen según los órdenes clásicos de las pilastras adosadas (de abajo a arriba: dórico, jónico y corintio.
– El paramento de la planta baja está terminado con un almohadillado rústico.
– La gran cornisa y las molduras entre pisos contribuyen al efecto horizontalidad
Nació en Florencia y allí realizó sus obras más importantes. Está considerado junto al escultor Donatello y el pintor Masaccio, como uno de los artistas que marcaron la ruptura con el gótico e introdujeron el nuevo estilo renacentista
En 1401 marchó a Roma y allí pudo estudiar los restos arqueológicos de la antigua Roma que luego reinterpreta. En 1410 regresó a Florencia formado ya como arquitecto escultor e incluso pintor.
Sin embargo, no tenía pleno conocimiento de los diferentes órdenes sistematizados en el lenguaje clásico, lo cual se pone en evidencia cuando acaba creando un lenguaje arquitectónico propio, en el que los elementos clásicos aparecen, pero no responden al estilo antiguo.
Contenidos imprimibles
Introdujo en sus obras las leyes de la proporción y la perspectiva. Por ello en sus realizaciones predominan las líneas rectas las y los volúmenes cúbicos produciendo espacios claros y diáfanos en los que a veces emplea el color.
Todos los temas son imprimibles y están diseñados con este tipo de disposición.
Fue capaz de dar una solución constructiva novedosa para la terminación de la cúpula de la Catedral de Santa María de las Flores utilizando una doble cúpula sustentada por un tambor octogonal con óculos.
Brunelleschi, quedará en la historia del arte como el responsable de haber trazado el camino que prácticamente todos los arquitectos del Renacimiento seguirán para realizar sus obras
Autor: F. Brunelleschi
Interior de la Iglesia de San Lorenzo
Autor: F. Brunelleschi
Autor: F. Brunelleschi
Beato Angelico o Fra Angelico fue como conocieron a Giovanni da Fiesole fraile dominico. Comenzó como iluminador de manuscritos, algo fundamental para sus pinturas sobre tabla y fresco. Sus obras son herederas del gótico. Realiza obras religiosas de un gran idealismo, en las que introduce elementos clásicos en la decoración.
El retablo de la Anunciación 1430
Utiliza colores brillantes y fondos dorados, imágenes estilizadas y una luz que dota al cuadro de un ambiente primaveral.
Obras del Convento de San Marcos de Florencia
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En 1438, se produce un hecho fundamental en su vida, Angelico recibe el encargo de decorar la sala capitular, el claustro y las celdas del Convento de San Marcos de Florencia. Cincuenta frescos, con una técnica detallista y minuciosa. Su pintura es más cercana al gótico que a las nuevas tendencias humanistas. Pudo deberse a la presión de la aristocracia y la Iglesia.
Todos los temas son imprimibles y están diseñados con este tipo de disposición.
Destaca por representar la figura humana desde todas las perspectivas posibles. Sus cuadros de batallas contienen escorzos forzados que demuestran su maestría a la hora de reflejar posturas diversas.
Niccolò Mauruzi da Tolentino en la batalla de San Romano
La cacería
San Jorge, el dragón y la princesa
Masaccio 1401-1428
Su nombre original era Tommaso di Giovanni. Pese a su corta carrera, se le puede considerar como el fundador de la pintura moderna Construye con el color, se preocupa de los volúmenes y de los efectos tridimensionales
Frescos Capilla Brancacci
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Todos los temas son imprimibles y están diseñados con este tipo de disposición.
Tributo de la Moneda | Masaccio
En la iglesia del Carmine, en Florencia. Felice Brancacci, un rico comerciante, quiso decorar su tumba con un ciclo iconográfico dedicado a San Pedro Fragmenta en tres escenas yuxtapuestas:
En el centro, Cristo es requerido por el recaudador de impuestos para que pague el derecho de portazgo antes de entrar en la ciudad.
– A la izquierda, San Pedro pescando un pez en el lago de Genezaret; dentro del pez, encontró una moneda con que poder pagar el tributo
– A la derecha, Pedro entrega la moneda al recaudador
Los personajes están tratados con la intención de mostrar los rasgos psicológicos de cada uno. También se puede observar una corporeidad de las figuras, inspiradas, seguramente, en las esculturas que Donatello había realizado en los santos de Or San Michele
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La Trinidad | Masaccio
Se puede observar el conocimiento que tenía de la perspectiva de Brunelleschi Los tres grupos: el Padre Eterno, el Calvario y los donantes, se recortan sobre un tabernáculo, cubierto por una bóveda. Esto ayuda a crear una ilusión de profundidad.
La pintura puede leerse en sentido vertical ascendente, como la ascensión hacia la salvación eterna, desde el esqueleto (símbolo de la muerte) hasta la Vida eterna (Dios Padre), pasando por la oración (los donantes), la intercesión de los santos (San Juan y la Virgen), y la redención (Cristo crucificado).
Piero della Francesca 1420-1492
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Todos los temas son imprimibles y están diseñados con este tipo de disposición.
Su primera gran obra fue la decoración de la capilla familiar de los Bacci, en la basílica de San Francisco, en Arezzo. En ella desarrolló la Historia de la Vera Cruz, en diez episodios extraídos de la Leyenda Dorada:
Comienza en el momento en que los hijos de Adán colocan bajo su lengua una ramita del Árbol de la Vida, con cuya madera se haría luego la cruz en que Jesús fue crucificado.
El árbol fue talado por Salomón y se utilizó su tronco para construir el puente situado delante de su palacio.
Las siguientes escenas relatan el recorrido de la madera después de la resurrección de Cristo:
Santa Elena descubrió la reliquia, los persas se la arrebataron, pero el emperador Heraclio la recuperó La llevó descalzo y a cuestas a Jerusalén
Las características de esta obra son:
– Modelación de los hombres, los objetos y el paisaje a través de la luz y el color
– Reducción de la naturaleza a figuras geométricas.
– Uso de la perspectiva con rigor matemático.
Vista de una ciudad ideal
Experimentó con el estudio de la perspectiva, como en Vista de una ciudad ideal en donde se trabaja con la perspectiva central de un punto de fuga. Es la figura cumbre de esta tendencia. Armonizó lo intelectual (es autor de un tratado sobre la perspectiva pictórica) con lo científico.
Doble retrato de los Duques de Urbino
Federico de Montefeltro y Battista Sforza, en Urbino. En Urbino redactó sus estudios sobre la perspectiva y entró en contacto con la pintura flamenca, comenzando a aplicar la técnica de las veladuras
Pala de Brera de Milán | P.Francesca
En esta obra aplica la técnica de las veladuras.
Historia de la Vera Cruz
Desarrolla obras con temas mitológicos y contenido moralizante. Muy influido por los Medici, que gobernaban en Florencia en ese momento.
– A la derecha, Céfiro abraza a la ninfa Cloris.
– De su unión, nace Flora, que ofrece una túnica a Venus.
– Según la mitología clásica, Venus nació de los testículos de Urano al contacto con el mar, cuando fue castrado por Cronos
Ficino, un filósofo neoplatónico de la época, interpretó el mito como el nacimiento de la Belleza en la mente del hombre.
Todos los temas son imprimibles y están diseñados con este tipo de disposición.
Es un horóscopo para celebrar las bodas de su propietario, Lorenzo de Pierfrancesco, de la familia de los Medici:
– El fondo es un bosque de naranjos y flores. Venus, diosa protectora de la educación humanista, libera a las gracias que bailan a su derecha, junto a Mercurio.
– También libera a Flora, que es producto de la unión entre el viento Céfiro y la ninfa Cloris
Con esta pintura, Botticelli representa la doble naturaleza del amor: la gracia de las artes liberales y los vientos de la pasión en un paisaje de ensueño. Otra visión es la de la novia casta y sensual que hará feliz a su esposo.
Palas domando al Centauro
Se repite el modelo femenino de postura agraciada y bucles, presente en la Venus y en la Primavera
– Esta vez, Palas Atenea representa la Sabiduría al haber nacido de la cabeza de Júpiter (Zeus).
– Los anillos que decoran su vestido son el emblema de Lorenzo “el Magnífico”.
La obra es una alegoría del conocimiento político de Lorenzo Medici y de su buen gobierno sobre la ciudad de Florencia.
Savonarola llegó a la escena política y religiosa en Florencia, lo que influyó en el cambio de la obra de Botticelli.
Este fraile dominico predicó contra el lujo y la opulencia, se enfrentó a los neoplatónicos y a los pintores y coleccionistas de cuadros.
En este contexto, Botticelli se convirtió en seguidor el fraile, por lo que su arte se volvió más dramático. Sus últimas obras están dotadas de un gran sentido religioso.
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Todos los temas son imprimibles y están diseñados con este tipo de disposición.
La Natividad Mística
S. Botticelli
Los Milagros de San Cenobio
S. Botticelli
Es el escultor más influyente del siglo XV Sus cualidades más importantes como escultor son:
– El dominio de todas las técnicas y materiales
– La profundidad psicológica que expresa en los sentimientos humanos.
– Su capacidad para definir y dar forma renacentista a construcciones como la tumba, el púlpito, el altar, etc
Fase inicial: adolescencia y madurez en Florencia
1404-1443
Aprendió las técnicas de la fundición del bronce en el taller de Ghiberti. Sus primeros trabajos son estudios psicológicos para decorar edificios góticos de la ciudad. Destaca la talla de San Marcos y un San Jorge.
Esta imagen del “santo que venció al dragón” tiene a sus pies un relieve de la Muerte del Dragón en el que combina por primera vez la perspectiva lineal con el schiacciato; la sucesión de planos aplastados dotan al relieve de un efecto pictórico
Todos los temas son imprimibles y están diseñados con este tipo de disposición.
En esta etapa forma equipo con el arquitecto Michelozzo De su trabajo saldrá la forma de la tumba y el púlpito renacentista. La más importante es la tumba del Cardenal Rainaldo Branacci, en la iglesia de Sant’Angelo a Nilo de Nápoles
Construcción de púlpitos al aire libre. En 1428, construyeron uno en la esquina sur de la catedral de Prato, para guardar la principal reliquia del templo, El Cinturón de la Virgen que presenta dos novedades principales: – La plataforma está colgada de la pared, en vez de apoyarse en una columna con base en el suelo – El antepecho se decora con niños danzantes. Son los típicos putti, que a partir de ahora se convertirán en un adorno frecuente.
También se centra en los altares de piedra o bronce que iban a sustituir al retablo de madera policromada típico del Gótico. El primero fue el tabernáculo de la Capilla Cavalcanti, en la iglesia de la Santa Croce de Florencia, con el tema de la Anunciación
Al final de la etapa realiza una de sus obras más conocidas: la estatua en bronce de un David adolescente para el Palacio de los Medici. Es el primer desnudo masculino del arte europeo.
Autor: Donatello
Primera etapa
Autor: Donatello
Primera etapa
DavidLlegó a Padua con 58 años y era el escultor más famoso de Italia. En esta etapa realiza bajorrelieves con los Milagros de San Antonio
Realiza una de sus obras más famosas, la estatua ecuestre de Erasmo da Narni, más conocido como “el Gattamelatta” . El personaje es un capitán de mercenarios que había defendido la República de Venecia contra Milán. Quería ser enterrado en Padua y el gobierno de Venecia encargó a Donatello una estatua que le sirviera de sepultura Se sirve del modelo romano de la estatua de Marco Aurelio Una imagen de un militar poderoso con caballo, armas, armadura, con un rostro sereno para simbolizar el ideal humanista.
Al regresar a Florencia tenía más de 65 años, momento en el que sufrió una crisis religiosa anti-humanista
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En ese momento Donatello esculpe su Magdalena penitente, una mujer demacrada que parece la negación de la belleza. Es el comienzo de una serie de obras del mismo tipo que reflejan la angustia vital y que anticipan parte de lo que va a ser la escultura del Cinquecento
Todos los temas son imprimibles y están diseñados con este tipo de disposición.
Autor: Donatello Segunda etapa
Autor: Donatello Tercera etapa
GattamelattaÁngel del Candelabro
Miguel Ángel consiguió escapar de Florencia en 1494 antes de que el gobierno de Savonarola le persiguiese como uno de los miembros del círculo de Piero de Medici. En Bologna el noble Giovanni Francesco Aldrovandi, cercano a los Medici, acoge al joven artista. Allí realiza esta obra.
Baco
Se ven los referentes temáticos de la Antigüedad y el contraposto, algo muy común en la época que también se verá en su David
Esta obra es uno de los resultados del primer viaje a Roma de Miguel Ángel, donde el cardenal Riario le hizo un encargo que luego rechazó.
Piedad del Vaticano
Su estructura es piramidal que expresa estabilidad, con una diagonal producida por el cuerpo de Cristo – Existe una belleza ideal. El rostro de María es el de una adolescente para expresar la belleza incorrupta e incorruptible de María, su juventud imperecedera, – Gran naturalismo de los ropajes y la postura de los cuerpos. El cuerpo de Jesús es un poco más pequeño que el de la Virgen, quizás para conmemorar la infancia del Salvador – Mármol muy pulido
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Todos los temas son imprimibles y están diseñados con este tipo de disposición.
Realizada después de terminar la Piedad y antes de comenzar el David, Miguel Ángel realizó esta escultura Perteneciente al periodo clasicista exhibe el equilibrio típico de este estilo. Su belleza reside precisamente ahí, en la armonía entre las partes que la forman y en una expresión equilibrada
A partir de entonces las esculturas de Miguel Ángel experimentaran el cambio que se aprecia en el David o el Moisés
La escultura representa al rey bíblico David, un personaje bíblico que luchó contra el gigante Goliat
La obra simboliza el triunfo de la maña sobre la fuerza, la valentía y la perseverancia El David de Miguel Ángel es considerado un símbolo de libertad de Florencia, ya que representa el poder y la independencia
Está idealizado según el canon de belleza proporcionado clásico, con un preciso trabajo de anatomía del cuerpo.
El Moisés
Representa al hombre bíblico con las tablas de la ley, indignado y colérico al ver a su pueblo idolatrando otros dioses
Es una obra monumental, dotada de gran realismo, de una fabulosa musculatura y en la cual parece palpitar la vida
La fiereza de su mirada y sus poderosas manos ejemplifican fenomenalmente la terribilitá.
Forma parte del sepulcro del papa Julio II
Contenidos imprimibles
Todos los temas son imprimibles y están diseñados con este tipo de disposición.
Utilizó un solo bloque de mármol de más de 5 metros de alto para crear la figura de David.
La obra se caracteriza por su realismo, detalle y por el uso del mármol como material principal
Por su tamaño colosal causó una gran impresión en los florentinos tras su colocación en la Plaza de la Señoría
Representa al hombre bíblico con las tablas de la ley, indignado y colérico al ver a su pueblo idolatrando otros dioses .
Es una obra monumental, dotada de gran realismo, de una fabulosa musculatura y en la cual parece palpitar la vida
En sus últimos años de su vida su amargura y su angustia vital le llevan al artista a verdaderos arrebatos religiosos, sintiéndose atraído de nuevo por el tema de la Pietá Las de ahora son mucho más dramáticas
Pietá de Palestrina
Pietá Rondanini
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Todos los temas son imprimibles y están diseñados con este tipo de disposición.
Trascendencia
Miguel Ángel ha pasado a los anales de la historia del arte como uno de los grandes escultores que ha tenido la humanidad siendo sus obras un claro referente para los artistas de su generación y de las posteriores como por ejemplo Rodin
De hecho, se denomina Manierismo a todo el estilo del Renacimiento final, donde los artistas realizaban sus obras “a la maniera de” Miguel Ángel, Rafael y Leonardo
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Autor: Miguel Ángel
Nació en Florencia y allí realizó sus obras más importantes. Está considerado junto al escultor Donatello y el pintor Masaccio, como uno de los artistas que marcaron la ruptura con el gótico e introdujeron el nuevo estilo renacentista.
En 1401 marchó a Roma y allí pudo estudiar los restos arqueológicos de la antigua Roma que luego reinterpreta. En 1410 regresó a Florencia formado ya como arquitecto escultor e incluso pintor.
Sin embargo, no tenía pleno conocimiento de los diferentes órdenes sistematizados en el lenguaje clásico, lo cual se pone en evidencia cuando acaba creando un lenguaje arquitectónico propio, en el que los elementos clásicos aparecen, pero no responden al estilo antiguo. Introdujo en sus obras las leyes de la proporción y la perspectiva. Por ello en sus realizaciones predominan las líneas rectas las y los volúmenes cúbicos produciendo espacios claros y diáfanos en los que a veces emplea el color.
Las obras Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
Fue capaz de dar una solución constructiva novedosa para la terminación de la cúpula de la Catedral de Santa María de las Flores utilizando una doble cúpula sustentada por un tambor octogonal con óculos.
Brunelleschi, quedará en la historia del arte como el responsable de haber trazado el camino que prácticamente todos los arquitectos del Renacimiento seguirán para realizar sus obras.
Autor: F. Brunelleschi
Filippo Brunelleschi (1377-1446)
Las obras Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
Autor: F. Brunelleschi
Autor: F. Brunelleschi
Las obras
Beato Angelico o Fra Angelico fue como conocieron a Giovanni da Fiesole fraile dominico. Comenzó como iluminador de manuscritos, algo fundamental para sus pinturas sobre tabla y fresco. Sus obras son herederas del gótico.
Realiza obras religiosas de un gran idealismo, en las que introduce elementos clásicos en la decoración.
Obras
Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
El retablo de la Anunciación 1430
Utiliza colores brillantes y fondos dorados, imágenes estilizadas y una luz que dota al cuadro de un ambiente primaveral.
Obras del Convento de San Marcos de Florencia
En 1438, se produce un hecho fundamental en su vida, Angelico recibe el encargo de decorar la sala capitular, el claustro y las celdas del Convento de San Marcos de Florencia. Cincuenta frescos, con una técnica detallista y minuciosa. Su pintura es más cercana al gótico que a las nuevas tendencias humanistas. Pudo deberse a la presión de la aristocracia y la Iglesia.
Retablo de la Anunciación
Autor: Fra Angelico
Las obras
Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
Su nombre original era Tommaso di Giovanni. Pese a su corta carrera, se le puede considerar como el fundador de la pintura moderna. Construye con el color, se preocupa de los volúmenes y de los efectos tridimensionales.
Frescos Capilla Brancacci
Tributo de la Moneda
La Trinidad
La Trinidad | Masaccio
Se puede observar el conocimiento que tenía de la perspectiva de Brunelleschi. Los tres grupos: el Padre Eterno, el Calvario y los donantes, se recortan sobre un tabernáculo, cubierto por una bóveda. Esto ayuda a crear una ilusión de profundidad.
La pintura puede leerse en sentido vertical ascendente, como la ascensión hacia la salvación eterna, desde el esqueleto (símbolo de la muerte) hasta la Vida eterna (Dios Padre), pasando por la oración (los donantes), la intercesión de los santos (San Juan y la Virgen), y la redención (Cristo crucificado).
Las obras
1397-1475
Destaca por representar la figura humana desde todas las perspectivas posibles. Sus cuadros de batallas contienen escorzos forzados que demuestran su maestría a la hora de reflejar posturas diversas.
Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
Niccolò Mauruzi da Tolentino en la batalla de San Romano
San Jorge, el dragón y la princesa
La cacería
San Jorge, el dragón y la princesa
Autor: P. Ucello
Las obras
Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
Las obras
Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
Las obras
Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
Piero della Francesca 1420-1492
Las obras
Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
Piero della Francesca 1420-1492
Las obras
Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
Historia de la Vera
Episodio III: Entierro de la Cruz en un foso
Historia de la Vera
Episodio X: Regreso de la cruz a Jerusalén (detalle)
Las obras
Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
Doble retrato de los Duques de Urbino | P. Francesca
Federico de Montefeltro y Battista Sforza, en Urbino En Urbino redactó sus estudios sobre la perspectiva y entró en contacto con la pintura flamenca, comenzando a aplicar la técnica de las veladuras
Virgen de Senigallia| P. Francesca
En esta obra aplica la técnica de las veladuras.
Piero della Francesca 1420-1492
Las obras
Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
En esta obra aplica la técnica de las veladuras.
Las obras
Desarrolla obras con temas mitológicos y contenido moralizante. Muy influido por los Medici, que gobernaban en Florencia en ese momento.
El nacimiento de Venus
– A la derecha, Céfiro abraza a la ninfa Cloris.
Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
– De su unión, nace Flora, que ofrece una túnica a Venus.
– Según la mitología clásica, Venus nació de los testículos de Urano al contacto con el mar, cuando fue castrado por Cronos.
Ficino, un filósofo neoplatónico de la época, interpretó el mito como el nacimiento de la Belleza en la mente del hombre.
La Primavera
Palas domando al Centauro
El Nacimiento de Venus
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Las obras
Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
Primavera
Autor: S. BoticelliEl nacimiento de Venus
La Primavera
Es un horóscopo para celebrar las bodas de su propietario, Lorenzo de Pierfrancesco, de la familia de los Medici:
– El fondo es un bosque de naranjos y flores. Venus, diosa protectora de la educación humanista, libera a las gracias que bailan a su derecha, junto a Mercurio.
– También libera a Flora, que es producto de la unión entre el viento Céfiro y la ninfa Cloris.
Con esta pintura, Botticelli representa la doble naturaleza del amor: la gracia de las artes liberales y los vientos de la pasión en un paisaje de ensueño. Otra visión es la de la novia casta y sensual que hará feliz a su esposo.
Palas domando al Centauro
Sandro Botticelli 1447-1510
Las obras
Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
Autor: S. Boticelli
Las obras
Demuestra una gran habilidad con la perspectiva, realizando monumentales representaciones de los cuerpos humanos casi estatuarias. Aunque reproduce paisajes de la región, también conoce la arquitectura clásica e introduce fielmente en sus obras arcos de triunfo antiguos y bóvedas clásicas.
Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
Cristo muerto
Frescos de la cámara de los esposos
Cristo muerto
Autor: A. Mantegna
Las obras Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
Frescos de la cámara de los esposos
Autor: A. Mantegna
Las obras
Se formó en Flandes, y a su vuelta a Italia trabajó en el norte de la Península, donde difundió el uso del óleo y el tratamiento objetivo de la realidad.
Una característica es su gusto por el cromatismo y también la importancia que le da a la representación del paisaje de manera realista.
Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
Cristo muerto sostenido por un ángel
La María de la Anunciación
La María de la Anunciación
Autor: A. Messina
Cristo muerto sostenido por un ángel
Autor: A. Messina
Las obras Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
Las obras Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
Segunda fase: Padua 1443-1453
Llegó a Padua con 58 años y era el escultor más famoso de Italia. En esta etapa realiza bajorrelieves con los Milagros de San Antonio
Realiza una de sus obras más famosas, la estatua ecuestre de Erasmo da Narni, más conocido como “el Gattamelatta” . El personaje es un capitán de mercenarios que había defendido la República de Venecia contra Milán. Quería ser enterrado en Padua y el gobierno de Venecia encargó a Donatello una estatua que le sirviera de sepultura. Se sirve del modelo romano de la estatua de Marco Aurelio. Una imagen de un militar poderoso con caballo, armas, armadura, con un rostro sereno para simbolizar el ideal humanista.
Autor: Donatello
Segunda etapa
Autor: Donatello
Primera etapa
Las obras
Tercera fase: Florencia 1453-1468
Al regresar a Florencia tenía más de 65 años, momento en el que sufrió una crisis religiosa anti-humanista.
En ese momento Donatello esculpe su Magdalena penitente, una mujer demacrada que parece la negación de la belleza. Es el comienzo de una serie de obras del mismo tipo que reflejan la angustia vital y que anticipan parte de lo que va a ser la escultura del Cinquecento.
Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
Autor: Donatello Tercera etapa
Las obras
Miguel Ángel Buonarroti 1474-1564
Obras
Batalla de los Centauros
La virgen de la escalera
Ángel del candelabro
Baco
Se ven los referentes temáticos de la Antigüedad y el contraposto, algo muy común en la época que también se verá en su David.
Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
Esta obra es uno de los resultados del primer viaje a Roma de Miguel Ángel, donde el cardenal Riario le hizo un encargo que luego rechazó.
Las obras
Obras
Piedad del Vaticano
Su estructura es piramidal que expresa estabilidad, con una diagonal producida por el cuerpo de Cristo.
– Existe una belleza ideal. El rostro de María es el de una adolescente para expresar la belleza incorrupta e incorruptible de María, su juventud imperecedera,
– Gran naturalismo de los ropajes y la postura de los cuerpos.
Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
El cuerpo de Jesús es un poco más pequeño que el de la Virgen, quizás para conmemorar la infancia del Salvador.
– Mármol muy pulido.
La escultura representa al rey bíblico David, un personaje bíblico que luchó contra el gigante Goliat.
La obra simboliza el triunfo de la maña sobre la fuerza, la valentía y la perseverancia. El David de Miguel Ángel es considerado un símbolo de libertad de Florencia, ya que representa el poder y la independencia.
Las obras Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
Está idealizado según el canon de belleza proporcionado clásico, con un preciso trabajo de anatomía del cuerpo.
Utilizó un solo bloque de mármol de más de 5 metros de alto para crear la figura de David.
La obra se caracteriza por su realismo, detalle y por el uso del mármol como material principal.
Por su tamaño colosal causó una gran impresión en los florentinos tras su colocación en la Plaza de la Señoría.
Obras
El Moisés
Representa al hombre bíblico con las tablas de la ley, indignado y colérico al ver a su pueblo idolatrando otros dioses .
Es una obra monumental, dotada de gran realismo, de una fabulosa musculatura y en la cual parece palpitar la vida…
Las obras Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
La fiereza de su mirada y sus poderosas manos ejemplifican fenomenalmente la terribilitá.
Forma parte del sepulcro del papa Julio II
En sus últimos años de su vida su amargura y su angustia vital le llevan al artista a verdaderos arrebatos religiosos, sintiéndose atraído de nuevo por el tema de la Pietá. Las de ahora son mucho más dramáticas.
Pietá de Palestrina
Pietá Rondanini
Las obras
Además de los apuntes imprimibles, te he dejado las imágenes de forma individual, para que veas todo mejor.
Pietá de Palestrina
Autor: Miguel Ángel
Pietá Rondanini
Autor: Miguel Ángel