Experiencia Konex #41

EXPERIENCIA KONEX

#41

ENERO / FEBRERO / MARZO 2018

PALITO, BOMBÓN

VERANO

PH Nacho Sรกnchez

#41

Sumario Experiencia Konex

Staff CIUDAD CULTURAL KONEX Director ejecutivo Andy Ovsejevich Contenidos y Programación Artística Gerente de Programación y Contenidos: Noel Yolis Jefe de Programación y Contenidos: Mario Burgueño Programadores artísticos: Giuliana Kiersz y Alejandro Jontade Asistente de Programación y Contenidos: María Gabriela Nieto Terán Comercial y Marketing Gerente Comercial y Marketing: Enrique López Goñi Jefe Comercial: Fernando Hassan Asistente Comercial: Amanda Silvera Medina Jefe de Comunicación y Marketing: Pablo Scioscia Coordinadoras de Comunicación y Marketing: Cecilia Tangir y Florencia Salvador Diseñador gráfico: Nicolás Galanzino Administración Gerente de Administración: Lucía Annone Asesor administrativo-contable: Eduardo Hernández Jefa contable: Lourdes Robledo Rocha Coordinador contable: Mauricio Goldman Sandacz Jefa de Tesorería: Melissa León Aponte Asistente de Administración: Nicolás De Elia Salgado Recepción: Natalia Chinelatto

Operaciones Gerente de Operaciones: Alvaro Ramos Etcheverry Jefa de Producción: Gabriela Sánchez Sandobal Coordinadores de Producción: Fiorella Fenley, Javier Otero y Magdalena Magrini Asistente de Producción: Javier Asaro Asistente de Producción Jr: Pablo Zumblick Asesor técnico: Leonardo Aspra Supervisor de Técnica: Fernando Pomies Asistente de Producción Técnica / Operador: Ariel Gurdo Asistentes de Producción técnica: Santiago Cabrera y Ramiro Bruno Quistre Operador de luces: Sebastián Frías Encargada de Boletería: Andrea Salas Asistente de Boletería: Javier Ferrando Jefe de Mantenimiento: Ramón Ruiz Asistentes de Mantenimiento: Eduardo Gabriel García y Jorge Chávez Tirado Limpieza: Haydeé García Martel, Paola Cerdán Muñoz y Enrique Escobedo Jefa de Bar: Sofía Villareal Encargada de barra: Julieta Destefani Asistentes de barra: Diego Silva y Whilmar Jair Velandia Gómez.

Cajera de Bar: Mónica Escobar Montegut

Staff EXPERIENCIA KONEX Coordinadora Florencia Salvador

Diseño gráfico Nicolás Galanzino

Contenidos Ilan Kazez

Correctora Florencia Sarratea

Colaboración Lala Key

Revista Experiencia Konex: Año X · Nº 41 Distribución gratuita. Prohibida su venta. Se terminó de imprimir en enero de 2018 en Latingráfica, Rocamora 4161, C1184ABC, CABA. La revista Experiencia Konex es una publicación de Ciudad Cultural S.A. Registro DNDA: 5323215. El contenido corre bajo exclusiva responsabilidad de sus autores y las publicidades bajo exclusiva responsabilidad de los respectivos anunciantes. No se permite la reproducción parcial o total, el almacenamiento, el alquiler, la transmisión o la transformación de esta publicación, en cualquier forma o por cualquier medio, sea electrónico o mecánico, mediante fotocopias, digitalización u otros métodos, sin el permiso previo y escrito del área de Comunicación de Ciudad Cultural Konex. La programación de espectáculos publicada en esta edición puede sufrir cambios; los mismos serán comunicados a través de la página oficial de Ciudad Cultural Konex: www.cckonex.org Sarmiento 3131, CABA (C1196AAG) - Buenos Aires, Argentina - T. (+54 11) 4864 3200 @cckonex /CIUDADCULTURALKONEX /cckonex /Ciudadculturalkonex www.cckonex.org

Louta / Morbo y Mambo

APERTURA EK #41

Nota: Ilan Kazez

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PARADOR KONEX “Originalidad” y “talento” son las dos palabras que describen a los shows que serán parte de la apertura de la décima temporada del Parador Konex. Hablamos de Louta y de Morbo y Mambo, dos de las propuestas más innovadoras de la escena actual. Sus estilos son bien diferentes, pero ambos se destacan por ofrecer espectáculos divertidos, desprejuiciados y cargados de intensidad.

EK #41

Louta / Morbo y Mambo

“Quiero hacer el mejor show del mundo”, dice, sin tapujos, Louta. Y para lograrlo, hace lo que sea necesario. Una burbuja gigante que recorre el público, coreografías milimetradas con bailarines, escenografías, lluvia, plumas, pop, rap, trap, cumbia, reggaetón. En su show, hay de todo.

Louta, de 23 años y cuyo verdadero nombre es “Jaime James”, irrumpió en la escena en diciembre de 2016, cuando colgó en YouTube un disco homónimo, de canciones cortas y pegadizas, con variedad de géneros y marcadas por un lenguaje coloquial y contemporáneo. Con títulos como Alto uach o Cuadradito de prensado, en pocos meses el disco acumuló miles de reproducciones. Pero su verdadero impacto, lo que logró que se llevara todo por delante y se convirtiera en uno de los sucesos de 2017, fue la fuerza de su show en vivo.

“Nací dentro de un teatro, quieras o no así me formé, y hay cosas del oficio mismo que aprendí por estar parado ahí”, explica.

Es que arriba del escenario, Louta combina con carisma y soltura su ADN con la ansiedad juvenil. Sus padres son nada menos que Diqui James y Ana Frenkel, fundadores de los grupos de teatro De la Guarda y Fuerza Bruta, pero aclara que eso es solo una parte de su esencia: “No me pone en un lugar de ventaja, son algunas condiciones que pude aprender y mamar, pero después, uno tiene que hacer su propio camino”.

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Ese “propio camino” es lo que encara a través de un espectáculo ecléctico y performativo, que captura la velocidad de la era de las redes sociales. “Estamos acostumbrados al ritmo del scrolleo, en el quehay una persona tocando el piano, un video de Maradona, de repente, un discurso político y de repente un video de una chica tocando el ukelele en la playa”, comenta al hablar sobre la organización de los tiempos de su show.

En su espectáculo no todo está cerrado de antemano, y siempre hay lugar para la sorpresa: “Hay 50% de cálculo y 50% de improvisación. Está todo armado, pero después, hay mucho que surge de lo que nos guste jugar ahí. Cuanto más armado está, mejor es la improvisación. Es como si jugás al fútbol sin pelotas, sin arcos, sin la cancha marcada, es un embole. Pero cuando uno pone las condiciones, el juego es mucho más divertido”, señala.

8 9 Tal vez, uno de los rasgos que explican su éxito sea su enorme ambición. “El 2017 fue un año muy fuerte, pero es el principio de todo”, cuenta entusiasmado. “Del shampoo, es como la muestrita que viene en la revista. Es el comienzo de una gran cosa. Tenemos un sueño gigantesco”, concluye.

Morbo y Mambo la juega distinto. Con la fuerza de una música principalmente instrumental, prefieren evitar los personalismos y encarar el show como una energía colectiva. “Si bien nos encanta tocar, no esperamos que nos vengan a ver a nosotros, sino que vengan a tener la sensación”, explica Mateo Aguilar, baterista de la banda. “A nivel visual, no es tan trascendente lo que podamos estar haciendo nosotros, y una buena manera de sacarle a la gente la presión de mirar a los músicos es utilizar visuales, escenografías específicas o las luces y el humo. La idea es que se desdibuje la banda y que el escenario sea la fuente, pero que la energía esté por todos lados”, añade el bajista Manuel Aguilar.

Cuando se le pide una definición del show de Morbo y Mambo, Mateo lo resume de la siguiente manera: “Nuestro show es como el hijo bastardo de James Brown, Pink Floyd y Daft Punk”. La síntesis revela las multiplicidades de influencias con las que carga la banda. Está la calentura de la música negra (James Brown), el cálculo del rock progresivo (Pink Floyd) y la mirada futurista de la electrónica (Daft Punk). Parece contradictorio, pero no lo es. “El show de Morbo y Mambo es algo que apunta mucho a moverte el cuerpo, pero por la cantidad de capas que tiene, todo el tiempo te lleva como a una especie de diálogo interno, de introspección”, desgrana Manuel.

Sus estilos son bien diferentes, pero ambos se destacan por ofrecer espectáculos divertidos, desprejuiciados y cargados de intensidad.

Durante 2017, la banda originaria de Mar del Plata se dedicó a trabajar en su tercer disco, Muta, que vio la luz en septiembre.

Se trata de un trabajo fuerte, que volvió a patear el tablero de lo que venían haciendo, con un sonido orientado más al pop y a las texturas electrónicas y, por primera vez en muchos años, le dieron letra a algunas de las canciones, de la mano de invitados como Andrés Nusser (Astro), Nick Allbrook (Pond) y Santiago Motorizado (El Mató a un Policía Motorizado). “Es la premisa que nos pusimos al principio: ‘No seamos una banda de género, seamos una banda degenerada”, sostiene Mateo. “Si vos deconstruís la música de Morbo, te das cuenta de que, por ejemplo, la línea de batería o los caños son de funk y el bajo es mucho más tecnoso. Esa cosa de poner, en una batidora de géneros, elementos que no están acostumbrados a vivir juntos fue una premisa, y en cada disco intentamos reformular esa idea”, agrega.

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Louta / Morbo y Mambo

En este sentido, el título del disco parece ser bien ilustrativo de su espíritu inquieto.

“La mutación es, un poco, la capacidad de adaptación y pensar que hay una cierta anomalía desde el origen. La mutación en el sentido teórico es como una transformación, un alterado, un raro, un sobrenatural desde el origen de las cosas, no desde la evolución”, indica Manuel.

El ser una banda instrumental es un aspecto clave que juega a favor de esta postura libre y experimental. “La idea de saltar al vacío, al ser instrumental se hace más fácil, porque se hace más intuitivo todo”, comenta Manuel. “No hay una voz, una melodía que gobierne al tema. Hay un trabajo de capas que hasta el último momento en el estudio no se da por terminado, siempre puede aparecer algo más”, compelta. Este rasgo también es importante para poder moverse en vivo, y por eso, cada show de Morbo y Mambo puede ser completamente distinto del anterior: “Pensamos dónde vamos a estar tocando y cuál es la paleta de la noche. Hace poco tocamos con Pez y en octubre tocamos en el Konex, en el Festival Viaje de Agua, de Poseidótica, entonces sabíamos que los temas iban a ser

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más rockeros. Es distinto si estamos en una fiesta a las 3 de la mañana o con una banda de cumbia o en un festival de jazz contemporáneo a la tarde. También, cambia mucho si es al aire libre o cerrado. Siempre elegimos qué carácter va a tener el show, incluso antes de subir, e incluso cuando ya estamos arriba del escenario”, continúa Manuel.

La maleabilidad del sonido de Morbo y Mambo sucede a tal punto que de un show a otro, los temas pueden llegar a sonar distinto. “Nos pasó con todos los discos a la hora de tocarlos en vivo, empezamos a tocarlos más seguros y luego aparecieron espacios de improvisación o variaciones dentro de las estructuras”, comenta Mateo. “Tal vez, la duración es la misma, pero si vas a varios de nuestros shows, te das cuenta de que los mismos temas dentro de su parte interna, van mutando”, finaliza.

Con estas dos propuestas, la noche inaugural de la nueva temporada del Parador Konex estará repleta de música de alto vuelo que apuntará a estimular todos los sentidos. •

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Cada lunes, La Bomba de Tiempo ofrece una experiencia para todos los sentidos. Improvisación, sistema de señas, músicos invitados, luces y visuales son los condimentos que hacen a los shows de La Bomba únicos e irrepetibles. Quizás, por todo eso, este evento se haya convertido en un icono entre las actividades culturales que se desarrollan en la ciudad de Buenos Aires desde hace más de once años. En septiembre, el grupo comenzó la temporada a cielo abierto en el Patio. Así, los tradicionales #LunesBomba se llenan de esa brisa de verano mientras la música suena, los tambores hablan y el público vibra bajo las estrellas.

Con un escenario más amplio y una puesta de luces más desarrollada, La Bomba se renueva y redobla la apuesta escénica de cada show.

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Pedro Aznar

ENTENDÍ QUE ES MEJOR HACERSE AMIGO DEL OYENTE Pedro Aznar llega por primera vez al Patio del Konex en un contexto de revisión de su propia carrera. Durante 2017, el músico se embarcó en la titánica tarea de recorrer sus 35 años como solista para lanzar en enero una caja especial que incluye la reedición completa de sus 18 discos, un libro autobiográfico de casi cien hojas y un EP de cuatro temas nuevos, titulado Resonancia. Ahora, el ex-Serú Girán prepara un show único que combina lo más clásico de su obra con el material más reciente.

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Nota: Ilan Kazez

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Pedro Aznar

¿Con qué te encontraste al hacer un repaso por toda tu carrera?

Me sentí muy satisfecho con las cosas logradas. Vi que el espíritu que me movió a hacer mi primer disco en 1982, se mantuvo intacto a lo largo de todo este tiempo. A pesar de que estéticamente he ido cambiando, la intención de hacer una música intensa, comprometida, que saliera de lo mejor de mí, se sigue transparentando a lo largo de todos mis discos, cosa que me dio mucho gusto encontrar. ¿Te topaste con algo que te haya hecho sentir distante o decir “Esto no lo volvería a hacer”?

Sí, hay cosas que hoy haría de manera distinta, pero en realidad, no estuve en serio desacuerdo con nada. Me reconocí a mí mismo en todas las etapas, y la conclusión a la que llego es que, en cada momento de mi carrera, lo que hice estuvo bien y fue coherente con mi propuesta. ¿Hubo sorpresas?

Sí, hubo sorpresas, y por suerte, muy gratas. Por ejemplo, volver a pasar por un disco como Fotos de Tokyo (1986). Hicimos una reedición completa porque volví sobre la cinta original sobre la que hicimos las mezclas, la remasterizamos con mi supervisión y rehicimos todo el arte. Fue como volver a lanzar el disco una vez más. Salvo tocar las canciones, hicimos todo de nuevo. Y encontrarme, por ejemplo, con canciones como Esto lo estoy tocando mañana, que está escrita sobre un cuento de Julio Cortázar acerca de Charlie Parker, en el que un tipo entra como en una fisura del tiempo y sale espantado del estudio, diciendo: “Esto lo estoy tocando mañana”. Me sorprendió encontrarme con el tratamiento y lo osado de esa canción, habiéndola hecho a los 26 años. La verdad es que me dio mucho gusto.

A lo largo de tu carrera, afrontaste proyectos experimentales, como el que mencionás. ¿Qué te movilizaba?

De alguna manera, lo sigo haciendo, pero tal vez, con una mirada más cómplice con el oyente. En algún momento, sentí que tenía que desafiar al oyente, empujarlo hacia un borde. De una manera amorosa, no violenta. Pero empujarlo hasta una frontera para que se produjera algún quiebre, una emoción profunda, una inspiración o una epifanía. Y hoy, como producto de una cierta madurez, entendí que es mucho mejor hacerse amigo del oyente e invitarlo a caminar juntos.

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El oyente, ¿respondió como esperabas?

En algunos casos, sí; en otros, no. Sabía que ese tipo de propuestas no eran masivas, cosa que no era algo que me preocupara seriamente, porque la masividad no era una meta. Si después apareció una cosa de mayor popularidad, fue resultado del trabajo, pero no fue un norte.

16 17 ¿Por qué se te ocurrió hacer este repaso ahora? El número 35 es algo raro.

No me preocupó lo que tuviera de arbitrario el número, me preocupó que fuera en un momento de redondez dentro de mi propia carrera. Es el momento justo para hacer esta revisión y pegar el salto hacia lo que viene. Contraluz (2016) es un disco que cierra un círculo. Es un momento en que siento que el fruto maduró.

“El espíritu que me movió a hacer mi primer disco, en 1982, se mantuvo intacto a lo largo de todo este tiempo”. ¿Qué significa que la fruta maduró?

En mi trabajo como creativo, tuve que hacer un montón de cambios de piel. Y tuve que ir encontrando lo medular en lo que hago, ir descartando ciertas cosas para encontrarme con lo central de mi trabajo. Entre otras cosas, está esto de hacerme amigo del oyente, más cómplice de él. Como esas, hay muchas otras. Necesité pasar por muchas investigaciones de estilos distintos, de modalidades de composición distintas, de arreglos y de conceptos de sonido para ir encontrándome con mi propio vocabulario. Hoy, lo que hago está firmemente basado en la canción de rock como centro. Me nutro muchísimo de la música de raíz latinoamericana, tomando algunos elementos del jazz y de la música clásica, pero mi centro operativo es la canción de rock. ¿Cómo cambió tu faceta en vivo en estos 35 años?

Cambió de muchas y de muy buenas maneras. Hoy disponemos de tecnología para hacer shows en vivo que hace 35 años no existía o estaba en forma muy primigenias. Había muchas cosas que intentaba hacer con las herramientas de la época, y era difícil y riesgoso. Una vez, di un show en Cemento donde no funcionó nada de lo que yo quería que funcionara. Tuvimos que terminar tocando otras cosas (risas). Hoy contamos con equipamiento tremendamente sofisticado y seguro. Podés confiar en que te vas a subir al escenario y van a salir las cosas bien. Y lo que predominantemente cambió fue la cercanía con la gente. Se fue estrechando el vínculo con el público. Además de darte seguridad, te da la confianza de pisar el escenario sabiendo que la escucha que vas a tener, va a ser una escucha amorosa. La gente va a estar dispuesta a lo que le ofrecés. Cuando empezás, podés encontrarte con públicos hostiles o que no conocen lo que hacés. A medida que vas forjando un público, te sentís más acompañado. •

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Hermeto Pascoal

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Nota: Ilan Kazez

"RESPIRO MÁS MÚSICA QUE AIRE"

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No hay exageración en afirmar que Hermeto Pascoal es una leyenda viva de la música.

Con 81 años, el brasileño creador de la Música Universal sigue en pie con decenas de nuevas composiciones y shows vibrantes e imprevisibles. La última vez que Hermeto estuvo en Buenos Aires fue hace un poco más de un año, en octubre de 2016, cuando participó del ciclo en homenaje a Astor Piazzolla, Experiencia Piazzolla, que se realizó en el Konex. Ahora, regresa al país para ofrecer un show de verano, en el Patio, que promete ser una experiencia única. Antes de su nueva visita, dio detalles sobre sus preferencias a la hora de tocar en vivo y sobre la felicidad que le genera seguir creando música.

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Hermeto Pascoal

Tus shows son muy descontracturados y, en general, pueden durar más que el tiempo estipulado ¿De qué depende que sea así?

De la energía, porque se divide. Estamos todos juntos sobre un escenario: el público, la banda y yo. De ahí, viene la razón de porqué son largas mis presentaciones. Simplemente, no quiero tocar poco, no me gusta. No me imagino realizando shows de media hora o cuarenta minutos. Mi banda es como si fuera un avión Concorde, de tan rápida que es. Y la pista es pequeña. A los shows suele concurrir mucha gente, que también quiere escucharnos un buen tiempo. Y realmente me gusta tocar más, siempre y cuando el lugar lo permita. ¿Cuáles son las condiciones ideales a la hora de realizar un show?

Mi preferencia es siempre por teatros, pero por la propia naturaleza de la Música Universal, hay estilos que se adaptan específicamente a cada tipo de lugar. Existen determinados repertorios y señas con las que aviso a la banda que vamos a tocar ritmos más rápidos. Son alternativas para tener en cuenta cuando uno toca Música Universal.

“Soy una persona completamente intuitiva y autodidacta, no premedito nada”.

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Tenés una conexión especial con el público argentino. ¿Qué es lo que más apreciás de tocar acá?

Me siento muy cómodo en Argentina. Es un pueblo maravilloso, sensacional. El público argentino es similar al resto, porque no existe nada relevantemente diferente. Es por esto que me refiero siempre al concepto de “música universal”. Existen algunas diferencias en la musicalidad, pero somos muy semejantes. Incluso en la calle, algunos argentinos me llaman “Maradona”. Parece un sueño, pero es la realidad.

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La última vez que tocaste en este país fue en Experiencia Piazzolla. ¿Qué recordás de aquel show?

Recuerdo la canción que escribí en homenaje a Piazzolla y la reacción del público. Sobre todo en la parte en la que hice entrar un pandeiro que no hizo perder el estilo propio del tango, acompañó muy bien la composición. El público se quedó aplaudiendo de pie.

Después de tantos años en la música, ¿cuál es tu mayor motivación para componer? ¡Mi principal problema es que compongo de más! No paro. ¡Respiro más música que aire! El componer, para mí, representa una situación de mucha felicidad. Ya realicé, por lo menos, diez mil composiciones. Y ahora, pueden llamarme Dr. Hermeto Pascoal, ya que hace poco recibí una mención honoris causa por parte de la Universidad de Boston. Estoy realmente muy feliz hoy en día. ¿Qué es lo que más te entusiasma de la música?

En todo hay música. Puede encontrarse musicalidad en todo tipo de contextos. Soy una persona completamente intuitiva y autodidacta. Llegar al escenario y tocar no tiene comparación alguna. •

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Javier Malosetti

NO ME SEPARO NUNCA DE LA OBRA DEL FLACO El 23 de enero es una fecha especial para la cultura argentina: el natalicio de Luis Alberto Spinetta, y por ello se conmemora el Día Nacional del Músico. Para celebrarlo, el Patio del Konex se llenará de emoción con la segunda edición de Spinetta, El Marcapiel, el homenaje al gran músico nacional.

La primera edición se realizó el 16 de octubre de 2016, en el marco de las actividades por los diez años de Ciudad Cultural Konex (el Flaco fue quien inauguró el Patio en febrero de 2004). La celebración contó con la dirección de Javier Malosetti y la participación de grandes músicos que acompañaron a Spinetta a lo largo de su vida, como Emilio del Guercio, Rodolfo García, Machi Rufino, David Lebón, Dhani Ferron y el Mono Fontana, entre otros.

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Nota: Ilan Kazez

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PH Laura Tenenbaum

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“Fue muy lindo, muy movilizador”, recuerda hoy Malosetti. En esta ocasión, se repetirá la experiencia con casi todos los mismos músicos y, además, se sumará Ricardo Mollo y León Gieco. “La lista de temas es increíble”, adelanta el bajista. “Recorre Almendra, Invisible, Pescado Rabioso, Spinetta Jade, sus grupos solistas. Y los recorre con miembros originales de cada uno de esos proyectos. Transita distintos capítulos y distintas instancias de la profusa lista de canciones, discos y bandas”, expresa. ¿Qué es lo que más recordás de la primera edición de El Marcapiel?

La otra vez se hizo en octubre de 2016 y esa fecha era significativa porque eran los diez años de las actividades en el Konex, y se tomaba como punto de partida un show de Luis en ese mismo Patio. Habíamos tenido acceso a la lista de temas que él hizo en ese show, así que tocamos mucha de la música que interpretó esa día. También, incluimos algunas canciones del disco Los amigo, que salió luego de que Luis falleciera, y nunca se habían tocado en vivo. Fue todo muy lindo, muy movilizador. En el Konex, me siento muy a gusto. Tengo una particular simpatía por todo el predio, por todo lo que genera y todo lo que significa. Tengo dos premios Konex en mi haber, así que le guardo especial cariño.

Inclusive, yo toqué también en ese concierto de Luis que toman como punto de partida.

Estaba todo medio en obra, no se entendía bien cómo era, qué pasaba, nos parecía una locura. Incluso ahora, ya lo conocemos y todo, pero la verdad es que es un lugar bastante bendito ahí en el medio de la ciudad oscura y borrosa. Ese lugar tan lindo de música y arte me parece que es una bendición.

“Spinetta nunca dejó de ser mi héroe, para mí toqué con un marciano”. ¿Qué te genera volver a la obra de Spinetta?

Yo no me separo nunca de la obra de El Flaco. Acá está muy presente. Hay una sola cagada, y es que escucharlo, siempre, me provoca una pequeña congoja. No lo puedo escuchar de vuelta con la tranquilidad de antes o disfrutarlo sin que me pinte automáticamente un poquito de congoja. Entonces, esto también lo tomo como un exorcismo, de volver a involucrarme con la música de Luis sin que me haga mierda. ¿Como una sanación?

Sí. Lo escucho acá en mi casa, y me hace llorar. Con mis amigos lo disfrutamos más relajadamente, nos cagamos de risa, lo recordamos todo el tiempo. Recordamos sus salidas. Fue una de las personas que más nos ha hecho reír a todos con su humor payasote, deforme, loco.

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¿Te acordás de la primera vez que te cruzaste con el Flaco?

Tuvimos varias instancias. Yo iba a verlo mucho de chico, y después me quedaba a saludarlo, a tocarle el hombro. Y él no tenía registro de mí, era un pendejo ahí en la puerta del lugar donde había tocado. Después, pasaron los años, yo tenía un grupo con el Mono Fontana y Jota Morelli y ellos tocaban en la banda que había grabado Tester de violencia, en 1988. Empecé a caer en los ensayos de Luis, en los que también estaba el maestro Machi Rufino, que era el bajista en ese momento. Y yo iba a los ensayos, a temblar, porque era como… no sé… era demasiado verlo en acción, me producía una histeria beatle. Me quedaba sentado, callado. La primera vez que fui a un ensayo, manotié una púa y una lista de temas de su puño y letra. Todavía estaba en un estado de fan, que en realidad, creo que no lo dejé nunca, porque él nunca dejó de ser mi héroe. Cuando uno tiene la posibilidad de interactuar con un artista al que admiró toda la vida y después lo ves ahí que habla con la boca llena y cuenta dos o tres boludeces, decís: “Ah bueno, es un tipo”. Pero para mí yo toqué con un marciano, una persona de otro planeta. Y eso que llegamos a hacer pis juntos en el mismo inodoro. ¿Cuáles son tus temas preferidos del Flaco para tocar?

Me gustan los temas que yo no toqué, los temas que recibí como fan de un disco. Me gusta tocar canciones de Almendra, temas de Los niños que escriben en el cielo, de Spinetta Jade, o Iris, del último disco. Con él, también me pasaba que la lista de temas que tocábamos incluía más que nada, temas nuevos, pero tenía la posibilidad de tocar Alma de diamante, algún tema de Pescado o algo inédito. Estaba bueno porque tenía la oportunidad de tocar aquellos de los que no había conocido la cocina. Eso es lo que más me gustaba en esa época, y creo que es lo que más me gusta ahora. ¿Cuál, dirías, fue la enseñanza más grande que te dejó el Flaco?

De su mano, todos entendimos la música. Pero eso, él ni lo sabía. Y yo era su fan antes de conocerlo. Esos discos me han enseñado mucho. Pero, concretamente, cuando trabajé con él, lo vi interactuar con sus músicos, llevar una banda adelante, desarrollar la canción y darle el trabajo a cada uno de sus componentes. Lo veía muy capo. Si bien era un tipo muy intuitivo porque nunca había estudiado música, dominaba la armonía y el ritmo. Con los bateristas, era muy puntilloso en lo que debían tocar, tal vez, conmigo no se metía tanto. Con el Mono, tampoco, le decía: “Tocá lo que quieras”. Con la batería no, era muy detallista con lo que tenía que tocar el batero. • EK #41

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“Convertimos el Patio del Konex en una gran caverna”, resume Darío Sztajnszrajber sobre su espectáculo Salir de la caverna. ¡A no asustarse que es solo una metáfora! Es que el filósofo parte de la Alegoría de la caverna, uno de los más célebres emblemas de Platón, acerca de un grupo de hombres encadenados cuyo único conocimiento sobre el mundo son unas sombras proyectadas en una pared. “Jugamos a que todos los presentes son prisioneros, que lentamente se dan cuenta de que muchas de las cuestiones que uno vive de manera normal, en realidad, remiten a otro tipo de interés, son cosas que uno cree que son obvias e incuestionables y que pueden ser vistas desde otra perspectiva”, explica el filósofo.

Una de las herramientas de Sztajnszrajber para acompañar al público a “la salida de la caverna” es escuchar clásicos del rock nacional. “Temas de los Redondos, de Soda, de Fito, de Charly o de Divididos pueden ser resignificados y releídos en diálogo con la filosofía”, detalla y ejemplifica: “Un tema como Prófugos de Soda Stereo, al que escuchamos diez millones de veces, suena distinto en el medio de una charla filosófica. Una frase como ‘Estar así despierto es un delirio de condenados’ remite a la inquisición filosófica. ¿Y por qué escapar? Es escapar de la caverna de Platón”, concluye.

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28 29 Después de un 2017 intenso en el que lanzaron su décimo trabajo de estudio, On the Good Road, Dancing Mood arranca 2018 con un show en el Parador Konex. Y si bien los discos son importantes, Hugo Lobo es consciente de que la fuerza que emana de sus shows es única. “Creo que lo más interesante de la música es lo que se puede lograr en vivo”, señala. “Cuando grabamos, tratamos de hacerlo lo más espontáneo posible, pero lógicamente, no se compara con lo que pasa cuando hay público presente. Lo que va pasando en la canción es segundo a segundo con lo que le transmite la gente a uno”, agrega. A eso se suma que los shows de verano tienen un gusto particular, especialmente si se trata del ska reggae, y en este sentido, Lobo recomienda maridarlos con “una cerveza bien fría o una copa de vino”.

Fanático de Atlanta, cuando está arriba del escenario, nunca le falta alguna prenda bohemia, pero aclara que no tomaría represalias si viera a alguien del público con una camiseta rival. “Jamás tendría nada en contra de alguien que simpatizara por un club que no fuera el mismo que el mío. Menos, dentro de un show. Respeto a todos los rivales.

La música es la música, la tribuna, la tribuna.

Soy de barrio y tengo códigos, porque siempre me dejaron patear tranquilo por todos lados”, expresa.

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“El verano es como la energía de nacimiento para Onda Vaga. Es otra vuelta alrededor del sol”. Así, la banda explica la íntima relación que tienen con la primera estación del año, y esta relación está fundada, principalmente, en el espíritu de fogón que los rodea. “El fogón, la ronda, son cosas que pueden aparecer siempre, que están ahí, por eso el verano le sienta muy bien a la banda porque permite shows al aire libre, que es lo más lindo para compartir”, sostienen. Para mantener intacta esta relación y sus rituales, Onda Vaga dará el presente en el Parador Konex, y así, para seguir presentando su último material OV IV y repasar los clásicos de su discografía.

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Vuelve la banda que propone un clima veraniego colmado de sorpresas, invitados y sensación, para presentar su ciclo Balneario Cacharrito, el momento más esperado del año para la mayoría de los vertebrados. Un espacio para el disfrute familiar y una buena oportunidad para la sobrevaloración de la especie. La música y el frenesí se saludan con la liebre y la tortuga en una carrera hacia la nada.

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El Festival Insurgente es una propuesta cultural que busca reunir las distintas ramas del arte argentino. Con una impronta marcada por la fusión de distintos géneros musicales y actividades, a lo largo de toda la jornada se desarrolla esta nueva forma de vivir y sentir la música.

Bandas, humoristas, charlas, pintura en vivo y mucho más, en una sola edición.

LINE UP • Karamelo Santo • Edu Schmidt • Caracol a contramano • Alma bouquet • Kime • Profesores de tennis • Pum • La sonora chimichanga • Juanma Mato • La ciudad bajo la niebla • Arde Roma • Y más...

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Un resentido que anota en su lista negra a todo aquel que en algún momento de su vida le hizo mal, un hombre que no para de cambiar de gustos y de ideologías, otro que busca a toda costa no ser de la mayoría y aborrece a la democracia. Y la nómina puede seguir. Las canciones del Cuarteto de Nos están protagonizadas por personajes con toda clase de neurosis. “La mayoría de las veces, nunca exceden a la normalidad de los mortales”, aclara Roberto Musso, líder de la banda uruguaya que este verano vuelve al Patio. “Creo que el secreto de por qué estos seres generan tanta empatía, sobre todo, con gente joven, es que hacen que se sientan identificados y atraídos a la vez”, añade. ¿Y cuáles son sus preferidos? “Uno de mis favoritos es el de Buen día Benito, que sufrió bullyng toda la vida, y va en busca de ese delgado límite entre la venganza y la justicia. También, el personaje de Calma Vladimir, que va a apoyar emocionalmente a Vladimir, pero termina más exacerbado que él”, revela.

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36 37 En los últimos años, la música urbana vivió una notable expansión. Hip-hop, rap y trap son algunos géneros insignia de este fenómeno mundial que en Argentina encuentra sus grandes exponentes en artistas independientes. It’s a Trap! es el festival que reúne a algunos de ellos y que este verano llega al Konex encabezado por dos grandes nombres: XXL Irione y Malajunta Malandro.

XXL Irione es uno de los raperos de estudio más conocidos de la escena argentina (solo por poner un ejemplo, sus videos en YouTube tienen más de cien millones de reproducciones), aunque él prefiere no definirse como referente. “Estaremos hablando de referentes de acá a unos diez años, cuando la mayoría de los MC que están empezando a pisar fuerte lleguen a los 40. Hay que darles tiempo”, reflexiona.

Sin apoyo de ninguna empresa discográfica, Irione fue creciendo gracias al boca a boca, incluso antes de la llegada de las redes sociales. Parte de ese éxito se explica por el magnetismo que generan sus canciones y sus presentaciones en vivo, plantadas siempre desde las pasiones. “Mi materia prima para componer es el estado de ánimo”, sostiene.

“Si tengo bronca, escribo con bronca. Si uno tiene amor, va a escribir de amor. No escribo a demanda, escribo sobre lo que tengo ganas de escribir. Después, la música se adapta a mi forma de decirlo y sentirlo, si lo estoy gritando, si lo estoy susurrando o si lo estoy cantando”, agrega.

Esa pasión también se traslada al escenario.

“Mi show es muy emocional, va acorde con el estado de ánimo de cada canción”, afirma.

“Trato de revivir el momento de la escritura de la canción, y expresarlo con el cuerpo. Un show no es solo el rapero cantando. No es solo el momento de mostrar las canciones con la voz, el rapeo y la habilidad. Es el conjunto de cosas. El show es donde se demuestra si el cantante está preparado para poder demostrar lo que siente”, concluye.

“Eso es trap, pero no el trap que conocés”, canta Malajunta Malandro en Ahora quieren pan, una de sus canciones más populares, y revela así su incomodidad ante las etiquetas.

Por eso, tampoco quiere hablar de sí mismo como un referente del género. “Yo no sé si soy un referente del trap, yo sí soy un referente que habla de la calle”, dispara. “Eso se perdió, ya nadie habla de la calle, está todo el mundo en otra. Yo estoy respondiendo por la gente del barrio, explica”.

Desde el barrio Las Tunas, en Tigre, y a fuerza de canciones hipnóticas llenas de jerga callejera, Malajunta se hizo popular, en buena medida, gracias a que se movió sin imposiciones. “Lo que yo tengo que no tienen lo demás es la originalidad, de hacer lo que se me canta, no ir para el lado donde van todos, sino ir para el lado donde tenga ganas de ir yo. Uno tiene que agarrar para donde uno quiere, pero para eso, hay que tener huevo y personalidad”, manifiesta.

En este sentido, Malajunta no cree mucho en el futuro del trap, pero sí ve un futuro expansivo en la música urbana. “El trap es algo que va a ser pasajero, es algo medio moda”, subraya.

“Lo que sí se está expandiendo es la música urbana, porque llegó la independencia, los pibes están laburando por su cuenta, tienen sus estudios, nadie les roba un peso y laburan”.

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“El FestiPez volvió por presión popular”, confiesa Ariel Sanzo, líder de Pez. En febrero de 2015, el grupo porteño organizó la que, en teoría, iba a ser la última edición del mítico ciclo en el que invitan a participar a bandas amigas y emergentes, pero como dice la frase popular, “todo vuelve”. Un año después, realizaron en el Patio una nueva presentación del festival en formato hard y stoner. Ahora regresan de nuevo, esta vez apostando a una grilla ecléctica, que incluye a Las Taradas, Científicos del Palo y Flopa Lestani.“Ya tocamos mil veces con nuestras bandas amigas y en esta ocasión queremos hacer una edición diferente”, explica Sanzo. “Diferentes sonoridades, diferentes palos y diferentes públicos: mezcla”, concluye.

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Llega la quinta edición del evento que nuclea a los mejores exponentes de diversas ramas del arte en un solo lugar. Bandas en vivo, artistas plásticos, ilustradores, estilistas, diseñadores, fotógrafos, maquilladores, vestuaristas, VJ y grafiteros expresan su arte en tiempo real durante el festival. La curaduría, además, siempre es atractiva, novedosa y sorprendente, y logra que cada edición sea una experiencia única e irrepetible.

Durante 2017, pasaron por el Festival Buena Vibra bandas como Louta, Perras on the Beach, Usted señálemelo, Lo Pibitos, Tobogán Andaluz, Yataians, Militantes del clímax, Jvlian, Bandalos Chinos, Barco, Indios, Nairobi, Banzai, Juan Ingaramo, Warlock, Morbo y Mambo y Las Sombras.

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“La cumbia es diversión”, sentencia Miguel Ángel D'Anibale, voz de Amar Azul. Así de directo, así de simple. “Para nosotros, la cumbia es alegría, por eso está en todos los hogares”, agrega. El grupo, uno de los más importantes de Argentina, este año será parte de Cumbia Konex, el ciclo que trae lo mejor del género. Por supuesto, habrá canciones clave que no formarán parte de su set. “Yo tomo vino y cerveza, Yo tomo licor y El polvito son los temas que la gente celebra más, nos identifican así”, comenta el vocalista, y aclara: “Aunque cada tema que la gente escucha de Amar Azul no siempre es éxito, sí tiene mucha alegría, mucha simpatía. Por más que la gente no lo conozca, lo disfruta igual”.

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Vuelve Club 3131, la propuesta de Ciudad Cultural Konex para combatir el verano. A partir de enero, todos los miércoles desde las 19 el Patio se convierte en un punto de encuentro en el que la música en vivo, la gastronomía y los juegos se combinan en este plan ideal para cortar la semana.

El Club tendrá su apertura oficial el 17 de enero, en del marco de la décima temporada de Parador Konex. Food trucks, bandas y juegos estarán a la orden de quienes asistan a disfrutar de esta experiencia: arcades, mesas de ping-pong, canchita de fútbol-tenis, metegol y X-box. ¡Viva el verano!

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Para los que se plantean hacer un corte de semana y para quienes disfrutan la música en su máxima expresión, el Konex acerca este ciclo que permite vibrar con los mejores discos. Una propuesta sensorial que lleva al espectador a vivir una experiencia que lo hará reconectarse con sus sentidos. Lo mejor de artistas como Pink Floyd, The Beatles, Soda Stereo, Queen o Daft Punk, a oscuras.

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Jorge Fandermole y Juan Quintero, dos de los exponentes más destacados de la música popular argentina, se reunirán en el Patio del Konex para dar un espectáculo a pura trova. Su acercamiento comenzó hace algunos años, a partir de una relación de admiración profesional y personal. “El primer vínculo fue musical, por escuchar nuestras canciones bastante antes de encontrarnos personalmente”, cuenta Fandermole. Se conocieron gracias a amigos en común, compartieron conocimientos y le dieron rienda suelta a la idea de hacer shows con repertorio participativo. “Ante todo, nos une un profundo cariño”, añade el músico rosarino.

“Los lenguajes y las vías sensibles que se comparten en lo artístico deben ser, seguramente, determinantes, pues se entraman con conceptos y visiones del mundo semejantes y siempre puestas en crítica. Cuando trabajamos, intentamos una simbiosis en la que cada uno pone lo mejor que tiene, sin restricciones”, subraya.

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Como ya es costumbre en todos los veranos, Raly Barrionuevo llega al Parador Konex para mostrar lo mejor de su folklore. Nacido en Frías, Santiago del Estero y hoy establecido en Unquillo, Córdoba, las fronteras nunca fueron un problema para él, que sabe que sus canciones pueden funcionar tanto para la tranquilidad del interior como para el ritmo acelerado de la gran ciudad. “Me interesa que mi música se lleve bien con el público que nos acompaña en cada presentación y nada más”, explica. “Disfruto de la energía de cada persona que asiste a nuestro concierto, me nutro de ella arriba del escenario, y sé que hacen un gran esfuerzo en muchos niveles para poder ir. Valoro ese esfuerzo, en Buenos Aires o en donde sea”, agrega.

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La Delio Valdez irradia cumbia. Pero cumbia desde las profundidades del género y de las raíces de la región. “Tratamos de representar a Latinoamérica a través de este ritmo, nacido para ser bailado”, explica el saxofonista Pablo Broide. “Son las tristezas y las alegrías que nos atraviesan en este lado del mundo. La cumbia surge como la luz de una vela en los momentos oscuros de la vida. Como otras músicas ancestrales y populares, es el ritual de salir de las cosas mundanas, del laburo, de lo triste. Un ritual para juntar fuerzas, para seguir pateando el camino de todos los días”, agrega.

Con su formato de orquesta típica colombiana, La Delio encarna ese ritual, desplegando un show para todos los sentidos, que encaja perfecto en el calor de verano. “Nuestro show es un banquete para el cuerpo, la mirada y la oreja”, señala Broide. “La orquesta se brinda desde una puesta visual cuidada. Cada rincón del escenario es parte del juego musical, del encuentro con la cumbia. Danzar en una rueda, en pareja, solo, emborracharse o no, o estar ahí, simplemente, comiendo algo rico con unas cumbias de fondo”, finaliza.

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Matías Madueña aka Payaso Mate

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Depende de cómo se mire, los payasos son personajes que tienen la capacidad de divertir y de aterrorizar. En Circo del horror prefieren la segunda opción. Este verano, el freak show más espeluznante de Argentina vuelve a la Gran Sala y para ir preparando el terrreno, Matías Madueña aka Payaso Mate, el terrorífico clown que protagoniza el espectáculo, cuenta cuáles son sus cinco payasos favoritos:

CAPITAN SPAULDING

MICHAEL MYERS

STITCHES

EL JOKER, DE BATMAN, INTERPRETADO POR JACK NICHOLSON

“Es el que aparece en la película La casa de los mil cuerpos, la opera prima de Rob Zombie, y en su secuela, The Devil’s Rejects. Está más que bien logrado en maquillaje, vestuario, humor y acidez contundente. Su risa y su psicótica forma de convencer a sus víctimas son inolvidables. Rob Zombie sacó este nombre de un personaje de Groucho Marx, del musical Animal Crackers”.

“Cuando vi esta película el payaso me pareció una genialidad. Creo que es la venganza de cualquier payaso hacia los niños. En él, viven la irreverencia, el mal gusto, el desprecio y el humor negro que a mi gusto debería tener todo clown”.

“Se esconde tras la máscara famosa de Halloween, una película independiente de John Carpenter. Cuando Michael era niño, provocó unos asesinatos, usando una máscara de payaso. Tiene mucha ternura y, al mismo tiempo, mucha oscuridad. Esa imagen siempre me impactó mucho”.

“Los movimientos, la acidez y la locura de ese malvado son inolvidables”.

GACY

“La historia del payaso Pogo. Lo más tétrico es que si bien no es una gran producción, es terrorífica porque está basada en hechos reales: un hombre que en el 70 se disfrazaba de payaso y salia a animar fiestas y desfiles proyectando a sus próximas víctimas. Da, realmente, mucho miedo. Una historia truculenta y mórbida”.

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Las creadoras de la experiencia Usted Está Aquí vuelven con un formato de teatro inmersivo; la invitación a un casamiento gitano que sumerge al espectador en los ritmos, colores y caracteres propios de una de las minorías más controvertidas de la historia. Esta propuesta inicial es una excusa para el intercambio entre dos culturas que se perciben como extrañas, pero que luego descubren sus puntos de encuentro. Así, en esta experiencia, marcada por la música de los Balcanes, el manouche, el klezmer y el swing, los personajes despliegan su singularidad, exponiendo sus modos de vida y revelando su salvaje mirada del mundo.

Como otras propuestas de esta compañía, RROM busca posicionar al espectador en esa delgada línea donde ficción y realidad se fusionan de tal manera que el presente se vuelve tangible.

Más que un espectáculo, RROM es una gran celebración gitana.

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ADVERTENCIAS • RROM es una experiencia interactiva que requiere de un compromiso físico de sus participantes.

• Se recomienda el uso de ropa cómoda y zapatos planos o de taco bajo.

• Lamentamos que algunas escenas podrían no ser adecuadas para personas con movilidad física reducida.

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No es una obra, tampoco, un recital. Es, más bien, una experiencia multisensorial, una instalación sonora. La compañía El sueño de los elefantes, en sus siete años de trayectoria, se caracterizó por proponer prácticas en las que lo sensorial, la espacialidad del sonido y el cruce de disciplinas se utilizan como vínculo primordial del discurso artístico, generando una condición perceptual extra ordinaria que posibilita nuevos horizontes de comprensión por parte del público participante.

El sueño de los elefantes es una experiencia que propone una nueva percepción del espacio y del tiempo. Preparada para transcurrir en una sala a oscuras, el público es guiado hasta recostarse en colchonetas.

Cuando la obra comienza, cada participante emprende un viaje por lugares imaginados, mediante músicas, sonidos, diálogos, olores, climas y los movimientos de las fuentes sonoras.

Los músicos/actores son los conductores que los invitan a sumergirse en una nueva realidad en la que aparecen recuerdos, tristezas, alegrías, miedos, paz, infancia y todos los caminos que puedan desprenderse de la imaginación.

La obra es ininterrumpida, es decir, sin aplausos intermedios que corten la continuidad y el hilo conductor.

Esto es esencial, porque enriquece la situación casi ritual que se genera en la sala.

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Santiago Spirito

Santiago Cabaio Spirito, empezó a pintar hace quince años. Salía de trabajar a la noche, tarde, y en el regreso a su casa, atravesaba una ciudad tranquila, oscura. Este era, según sus palabras, “un contexto óptimo para intervenir el espacio público”. Y así lo hizo.

Utilizando la técnica de esténcil, a la que a veces le incorpora otros métodos y materiales, se convirtió en Cabaio y, con ese nombre, pintó las paredes de Buenos Aires, Valencia y Brasil.

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Hubo un tiempo en que estudió Arquitectura, pero no terminó la carrera. No obstante, considera que esa formación le dejó “una base práctica y teórica para el desarrollo de ideas, proyectos” y también se encuentra presente en el contexto en el cual desenvuelve su trabajo. “Nunca retoqué ni arreglé algo que haya pintado en la calle, no me interesan la durabilidad ni la manutención de mis trabajos en la calle, creo que cada intervención que se hace en el ámbito público tiene su ‘vida propia’ y me interesa mucho más ver su proceso en tiempo y espacio que su durabilidad”, reflexiona el artista.

De todos los trabajos que realizó, hay uno que le gustaría volver a ver, una intervención que hizo en 2016 en Valencia. “Volvería a verlo, no por el resultado final del mural, sino por los buenos recuerdos que tengo de los días que estuve pintando ahí”, aclara Spirito.

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“Me inspiran distintas cosas en diferentes momentos, mi contexto personal y político es lo que alimenta mi trabajo”, observa Cabaio con respecto a de dónde vienen sus ideas y teoriza, además, sobre la recepción que tienen en la gente: “No sé bien qué magnitud tiene lo que hago, creo que para cada persona que lo recibe, es diferente.

Intento transmitir distintas cosas que me pasan, qué pienso, cuestionamientos. De todos modos, soy consciente de que las cosas son interpretadas de diferentes maneras, dependiendo del universo de quien se cruce con mi trabajo”.

Quienes ven a Santiago desarrollar su labor reaccionan de maneras diversas.

“Dependiendo de quién esté pasando por la calle, cada quien percibe mis obras de manera diferente; el lugar donde estoy pintando, de cuándo y qué pinto también influyen”, analiza y agrega: “A través de los últimos años, los transeúntes fueron aceptando e interesándose por las manifestaciones de este tipo”.

Cabaio produjo una serie de doce piezas que podrán verse durante el 2018 como parte de la programación artística de Ciudad Cultural Konex. Su obra es una propuesta ad hoc realizada para comunicar la diversidad de disciplinas que en el espacio conviven. •

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Actividades en familia

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Nota: Ilan Kazez

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ASTRONOMÍA PARA CHICOS Las vacaciones son una gran oportunidad para que los chicos hagan actividades que despierten su curiosidad. Por eso, en este verano, el Konex ofrece un taller de astronomía, en el que los chicos aprenderán a observar los fenómenos del cielo.

La actividad está pensada para que los niños se diviertan, se instruyan y estimulen su creatividad.

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Actividades en familia

Se trata, simplemente, de saber observar. ¿Y qué es lo que se observa? “Lo que se ve a simple vista en el cielo y qué pasa ahí”, indica con simpleza Alejandro Blain, de la Asociación Argentina Amigos de la Astronomía, a cargo de la actividad. El objetivo es que los chicos puedan aprender a mirar aquellos fenómenos que se ven todos los días en el cielo (la posición del Sol, la forma de la Luna, las constelaciones, etc.) para saber interpretarlos. Es, en definitiva, un formato para volver a adquirir el conocimiento que está presente en la humanidad hace siglos. “¿Cómo hacían antes para saber cuánto dura un año? Hace miles de años que sabemos cuánto dura un año, y no teníamos reloj ni telescopios. Son cosas que se ven a simple vista en el cielo, con solo prestar atención a indicadores, como de dónde salió el sol o a qué altura pasa al mediodía”, agrega.

La actividad se divide en dos partes. Primero, los chicos arrancan con una explicación general del cielo y los astros, realizada mediante un planetario virtual. Allí podrán tomar noción del tamaño de los planetas y del lugar en que está la Tierra en el Sistema Solar. “Es lo que más les llama la atención”, comenta Alejandro. “Vos leés un libro, y dice: ‘La Tierra tiene trece mil kilómetros de diámetro’ y no tenés idea de cuánto es. Al verlo en escala y comparándolo con otros planetas o con estrellas, es otra cosa.

Ahí es cuando más ves a los chicos con la boca abierta”, agrega.

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La segunda parte de la actividad es la de observación del cielo en el Patio. Allí, trabajan con el reconocimiento de las constelaciones y con un telescopio para ver en detalle la Luna. “Si vos les enseñás a los chicos a observar, después ellos se van de la actividad con capacidad de reconocimiento”, sostiene Alejandro. ¿Hace falta algún conocimiento previo para participar de la actividad? “No, ni importa la edad”, responde. “El grupo me propone la complejidad conceptual, de acuerdo con lo que me preguntan o lo que me dicen. No necesitan conocimiento previo porque se trata de mirar el cielo. Son cosas que pasan ahí y que cualquiera las reconoce”, aclara. •

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Abran Mancha vuelve con una propuesta de dos talleres de dos horas cada uno para que los niños y sus familias puedan participar de una gran variedad de espacios de juego, de todo un abanico de actividades que invitan a crear, construir y reciclar. A partir de un recorrido que se indicará a la entrada, los chicos van a conseguir participar en todas las propuestas.

Podrán construir juegos, juguetes, disfraces y diferentes tipos de objetos con materiales de descarte, y explorar distintas disciplinas artísticas desde un abordaje lúdico. En tanto, en los espacios de juego, podrán descubrir otras maneras de entretenerse, no solo con juegos hechos con materiales de descarte, sino a gran escala o con consignas novedosas, que también pueden inspirar para seguir la fabricación en casa.

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Ciencia Divertida trae dos propuestas de taller y una kermés para disfrutar del verano en la ciudad. El domingo 28 de enero los chicos podrán ingresar al Laboratorio del profesor Frío, donde experimentarán con los distintos cambios de estado de la materia: gases misteriosos que se convierten en hielo, sublimación, vasitos voladores, espuma y burbujas congeladas. El sábado 10 de febrero, el taller será Yo quiero ser científico… y hago muchos experimentos. En él se explicará paso a paso el método científico, para comprender la importancia de plantearse interrogantes, elaborar hipótesis y probar para poder sacar conclusiones. Entre los experimentos, habrá líquidos que cambiarán de color, pelotas que flotan, agua que desaparece, se tratará de meter un huevo en una botella y se descubrirá la arena movediza. En ambas tardes, también podrán recorrer la kermés de ciencia, donde será posible que fabriquen Miki Moco, además de realizar lanzamiento de cohetes, paracaídas y crear vórtices de viento o burbujas gigantes.

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El circo y sus destrezas, la música, la danza y la relación de estos dos clowns se combinan para transportar al público a un mundo ficcional donde lo que se propone es Volver a jugar.

Dos amigos se encuentran de casualidad después de mucho tiempo. Juntos recuerdan haber escondido un tesoro en un lugar que han olvidado. La búsqueda despierta increíbles aventuras y emociones a través del circo. Un saludo secreto, objetos que vuelan por el aire, un panel del tiempo, sorprendentes burbujas, la bicicleta más pequeña del mundo, un globo gigante, una máquina para rebotar objetos y los inventos de un fontanero, son las pistas que los guiarán en este viaje para descubrir el tesoro.

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Es un club de cine internacional para chicos de 6 a 12 años, que los invita a descubrir el placer del cine en pantalla grande y los introduce en el lenguaje cinematográfico de forma didáctica y divertida. Cada socio recibe una revista mensual en su casa que lo ingresa en el mundo de la película del mes. Antes de cada proyección, los chicos presencian una obra de teatro, a modo de introducción, en la que se trabajan conceptos cinematográficos relacionados con el filme y con el cine en general.

La Linterna Mágica se creó en Suiza a principios de los 90 y rápidamente se extendió por Europa y algunos países africanos. Las películas, seleccionadas especialmente, abarcan todas las épocas del cine, los países, las lenguas y las estéticas más diversas.

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