BARROCO •
El barroco nace en Italia, en Roma, impulsado por los Papas, con el objetivo de manifestar la veracidad, validez y grandeza de la Iglesia y de sus tesis a través de las creaciones artísticas, sin embargo su difusión por Europa hace que el movimiento se diversifique y se diferencien tres modelos de barroco según el área geográfica donde se desarrolle:
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El Barroco de la Contrarreforma: Extendido por los dominios de los Hagsburgos, Italia y España, cuyas temáticas coinciden con la finalidad de comunicar exaltadamente los postulados del Concilio de Trento.
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El Barroco del Absolutismo: Desarrollado en Francia y a partir de la entrada de los Borbones en España, de carácter más clásico, con una finalidad de actuar como argumento convincente del poder real.
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El Barroco protestante: Desarrollado en los Países Bajos y Holanda, dirigido a una clientela de carácter burgués, con una predilección por los temas costumbristas, naturalezas muertas, interiores y paisajes.
I Contexto 1. Ubicación temporal : Se desarrolló entre los siglos XVII y parte del XVIII.
2.Ubicación geográfica: El punto de partida fue Italia, Roma, de allí pasó al resto de Europa y llegó incluso a Rusia. A través de España, el Barroco se difundió por toda América y alcanza su momento culminante en el siglo XVIII.
3. Origen 3.1. Origen del nombre:
La palabra "barroco", como la mayor parte de las designaciones de un período o de un estilo, fue inventada por críticos posteriores más que practicantes de las artes en el siglo XVII y principios de siglo XVIII. Es una traducción francesa de la palabra portuguesa "barroco" (en español sería barrueco), perla irregular, o joya falsa. Una palabra antigua similar, barlocco o brillocco, es usada en el dialecto romano con el mismo sentido. Una definición común, antes del término Barocco fue Vuelo de Formas.
El término "barroco" fue después usado con un sentido despectivo, para subrayar el exceso de énfasis y su abundancia de ornamentación, a diferencia de la racionalidad más clara y sobria del siglo de la Ilustración.
El término "barroco", en sentido figurado, significa confuso o artificioso, y fue utilizado peyorativamente como expresión de decadencia.
3.2 Origen ideológico-filosófico: Sus orígenes son muy discutidos; ciertos autores lo consideran como evolución de las formas manieristas que sirven para la expresión del arte de la Contrarreforma, o bien como manifestación de las ideas filosóficas y políticosociales de la época; es, en sí, la expresión de una etapa histórica ambigua y confusa, presidida por la crisis en todos los órdenes de la sociedad, pero que no debe ser considerada como un período de estancamiento, sino mas bien de profundos cambios, en el que se crean modelos fundamentales que sientan las bases de siglos posteriores, tanto en el orden artístico como ideológico, científico técnico, etc. En este período el arte es el vehículo de propaganda tanto de la Iglesia de la Contrarreforma, como de los Estados absolutistas o de la burguesía protestante.
3.3. Principales Causas: •
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Se suele decir que el Arte Barroco es el arte de la Contrarreforma; para reaccionar contra la severidad del Protestantismo, la Iglesia Católica alentó la edificación de templos con profusión de esculturas. También dirigió a los artistas a alejarse de los temas paganos, así como a evitar los desnudos y las escenas escandalosas. La influencia de la Iglesia sobre los artistas iba dirigida a emocionar y enardecer la devoción mediante estímulos psicológicos. Estas normas aparentemente conservadoras y austeras derivaron, sin embargo, en este arte suntuoso y recargado. El siglo XVII fue una época de guerra y violencia como en pocas fases de la historia europea. La vida se veía frecuentemente atormentada por el dolor y la muerte. Por eso también era más necesaria que nunca la exaltación de la vida agitada e intensa. En ese contexto, se experimentaba el empuje de amar las pasiones de la vida así como el movimiento y el color, como si se tratase de una representación teatral. Entre los valores civiles que favorecieron la suntuosidad barroca, hay que considerar la institución monárquica y el lujo que los príncipes creían necesario para su prestigio.
3.4. Contexto histórico • •
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El absolutismo se generaliza en Europa durante los siglos XVII y XVIII con la excepción de Inglaterra y Holanda, fortaleciéndose con el despotismo a comienzos del S. XVIII. (Rey era rey "por la gracia de Dios" y "Ley Viviente“) Políticamente, en el siglo XVII los intereses nacionales se exacerbaron y las naciones pretendieron imponer por la fuerza su hegemonía en Europa. (guerra de los 30 años (1618-1648), en la que se enfrentan los príncipes protestantes alemanes apoyados por Dinamarca, Suecia y Francia con los austríacos católicos apoyados por España.) Finalizó con la Paz de Westfalia, que inicia la hegemonía francesa en Europa bajo los Borbones. Guerra de Sucesión Española. A nivel económico, la teoría imperante será el Mercantilismo, un auténtico nacionalismo económico que reforzaba el nacionalismo político hasta hacer posible a las propias monarquías absolutas. (Francia, Luis XIV) Las epidemias, las hambrunas, la deficiente alimentación tanto en calidad como en cantidad, la falta de higiene contribuyeron al estancamiento demográfico. La sociedad tiene una estructura estamental. Nobleza y clero privilegiados (gran influencia a través del poder territorial (mayorazgo)) y súbditos. Burguesía, que se enriquece con negocios comerciales y financieros. Los grupos sociales dominantes son la aristocracia y la burguesía, detentadoras de la fortuna y constituyen la clientela de los artistas. Galileo (funda la ciencia moderna), Newton (trabaja en los ámbitos de las matemáticas, mecánica, astronomía y la óptica), Descartes, Spinoza y Leibniz desarrollaron el racionalismo. En poesía y novela el estilo Barroco desarrolló sus notas características: exageraciones expresivas, búsqueda del efectismo (Góngora, Quevedo, y Cervantes.) El teatro cobró un nuevo impulso dirigiéndose a un público muy variado (Moliere, Shakespeare, Lope de Vega y Calderón de la Barca.) Aparición de la música moderna (Vivaldi, Bach, Haendel, Telemann)
II ARTE 1. Conceptos artísticos: •
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El arte barroco, a diferencia del arte clásico en que primaba la razón, es un arte en que se exacerban los sentidos y la sensibilidad se pone al límite. Si ya el manierismo comienza a usar los cánones clásicos con artificiosidad, el barroco que le sucede, abandona la serenidad clásica para expresar un mundo en movimiento y agitación de los sentidos. Por tanto, la tendencia del barroco es a la exageración y la ostentación. Se centra en el realismo y la luz. Busca modelos de la naturaleza sin la idealización del manierismo. Se pierden los detalles menudos, contornos no precisados. La figura humana se alza como objeto decisivo del arte, pero no en su forma idealizada, sino en cualquier aspecto, ya sea este bello o feo o cotidiano. El barroco intenta reproducir la agitación y vistosidad de la representación teatral. Al igual que una representación dramática se apoya en un decorado vistoso y efímero, gran juego de luces y sombras; en la estética del barroco, son muy importantes los contrastes violentos.
3. Arquitectura •
En el barroco la arquitectura prevalece sobre cualquier otra manifestación artística; la escultura y la pintura contribuyen al efecto fastuoso del conjunto.
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Domina la línea curva produciendo un efecto dinámico en las masas constructivas. Se adopta la forma elíptica, la forma oval y otras.
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Las paredes son cóncavas y convexas, es decir siempre onduladas. Se llega al abandono de líneas rectas y superficies planas.
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Se adopta un nuevo tipo de planta que ofrece planos oblicuos para dar sensación de movimiento (espacios dinámicos), en la más estática de las artes. Fachadas con gran profusión de decorados.
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Gusta de representar o sugerir el infinito (un camino que se pierde, una bóveda celeste, un juego de espejos que altere y haga irreconocibles las perspectivas).
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Éxito del orden gigante, con columnas que abarcan 2 o 3 pisos. No faltan los campanarios, solos o en pareja, muy decorados.
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Se utilizan efectos de luz, juegos de perspectiva. Da importancia a la luz y a los efectos luminosos, a través del claroscuro. Búsqueda de la sorpresa. Gusto por lo dramático, escenográfico y teatral.
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Gran riqueza decorativa y exuberancia formal tanto en los espacios interiores como al exterior. Gran uso de la columna salomónica. Arcos y frontones mixtilíneos, ventanas ovaladas.
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Las obras son: palacios, religiosas, urbanísticas, grandes jardines, galerías (que luego daría lugar a las galerías de arte).
3.1. El Urbanismo •
Durante el siglo XVII se desarrolla el concepto de urbanismo, los edificios se proyectan para un lugar concreto dentro del espacio urbano; aparecen los grandes espacios en las ciudades, como plazas, jardines, etc.
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El rechazo de la simplicidad y la búsqueda de lo complejo no reniega de las formas clásicas (columnas, arcos, frontones, frisos), pero las transforma de manera fantasiosa. A veces el edificio llega a ser como una gran escultura.
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La ciudad del barroco se ve como la imagen de su gobernante, cuya importancia se mide por su tamaño y por el número de sus habitantes.
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En las cortes más poderosas de Europa, la estructura urbana intentará ostentosamente asentar los valores y la estructura política creada por los dirigentes.
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La ciudad se va a estructurar en torno a un centro, como el poder absoluto tiene como centro el Rey, al que confluyen grandes vías, rectas de amplias perspectivas. Las plazas serán uno de los grandes elementos, reflejo y símbolo del poder civil o religioso, entendidas como escenarios de fiestas y representación.
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Los cambios se reflejan mejor en las pequeñas cortes europeas, donde las realizaciones pueden cambiar y determinar la imagen de toda la ciudad, como es el caso de Würzburg, mientras que en los grandes organismos urbanos como París o Roma, la complejidad y la aparatosidad de los proyectos va a chocar con la ciudad preexistente, que dificulta en gran medida la transformación pretendida, consiguiéndose mejores resultados en las nuevas residencias de los soberanos, fuera de la ciudad, como es el caso de Versalles.
3.2. Desarrollo histórico y geográfico •
La génesis de la arquitectura barroca se inicia en Italia, con figuras tan determinantes como Bernini y Borromini.
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En Francia el barroco adquiere caracteres más sobrios que en Italia, con plantas menos complicadas, fachadas más severas, mayor respeto por las proporciones y renuncia a los efectos violentos, es un arte fundamentalmente al servicio de la monarquía absoluta, y su gran realización será el Palacio de Versalles.
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En España, la arquitectura barroca va a estar presidida por el gusto por la desornamentación y la sobriedad que había introducido el estilo herreriano, con importantes edificios en los que impera un estilo mesurado y casi clásico.
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En Alemania y en Austria la inspiración italiana combinada con la francesa creará edificios de gran exuberancia decorativa, sobre todo en los interiores, de luminosidad brusca, que darán paso al estilo Rococó.
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En Inglaterra predomina el equilibrio y la austeridad.
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En las colonias españolas, en ese entonces México y Perú entre otros, el estilo barroco se combinó muchas veces con el arte popular indígena. Se manifestó principalmente en las iglesias pues eran éstas poseedoras de una gran riqueza durante esa época.
Francesco Borromini (Francesco Castelli, 1599-1667)
Iglesia San Ivo della Sapienza
Borromini
Iglesia de Santa InĂŠs
CĂşpula San Carlo
Borromini
Escalera Palacio Barberini
Iglesia San Carlo alle Quattro Fontane
Giovanni Lorenzo Bernini (1598-1680)
Iglesia San AndrĂŠs del Quirinal
Bernini
Plaza Navona Fuente de los cuatro rĂos
Bernini
BaldaquĂn de San Pedro (29mt altura)
Nicola Salvi (1697-1751) Fontana di Trevi
Jules HardouinMansart (1646 - 1708) Palacio de Versalles
Versalles
Santiago Bonavía (1705-1758) Jardín del Rey
Palacio de Aranjuez
Palacio de Aranjuez
Filippo Juvara y Giovanni Battista Sacchetti. Palacio Real de Madrid
Palacio Real de Madrid
Jard铆n Real Sal贸n del Trono
4. Escultura •
La escultura barroca se desarrolla a través de las creaciones arquitectónicas, sobre todo en estatuas, y también en la ornamentación de ciudades en plazas, jardines o fuentes. En España también se manifestó en imágenes religiosas talladas en madera, en la llamada imaginería que esperaba despertar la fe del pueblo.
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Tendencia a la representación naturalista.
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Representación de los estados anímicos y de los sentimientos, la expresión del contenido psicológico.
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Libertad compositiva (asimétrica, con predominio de las diagonales) y dinamismo: el movimiento se extiende en el espacio con la expansión de los miembros y la amplitud de los ropajes de los personajes. Plasmación del movimiento en un momento transitorio.
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Muchos escorzos y contornos discontinuos, que proyectan la obra hacia el espectador, con un carácter abierto y fuertemente expresivo.
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Se concede gran importancia a la iluminación, que incide sobre superficies diversas (unas veces muy pulidas y otras veces meramente desbastadas), creando una contraposición entre luces y sombras. Contrastes violentos.
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Carácter decorativo: no suele ser concebida para su visión aislada, sino para ser contemplada integrada en un conjunto más amplio.
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Utilización preferente de la piedra, mármol y bronce. Policromía (mármoles de colores, bronces dorados ...).
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Predomina el tema religioso en los países católicos, especial atención a los momentos gloriosos o dramáticos, martirios, éxtasis, como expresión de los ideales contrarreformistas.
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Representaciones de los reyes y poderosos, muchas de éstas son ecuestres (los caballos con las patas alzadas).
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En la escultura funeraria se exalta el poder y las virtudes del difunto, que suele ser presentado en actitud heroica, aparecen detalles que muestran la fragilidad y lo efímero de las glorias terrenales.
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La temática mitológica se desarrolla en jardines y palacios.
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Debido al auge urbanístico del barroco, se desarrolla un tipo de escultura destinada a la ornamentación de la ciudad, dotada generalmente de significación alegórica, en forma de decoración múltiple para las fachadas y fuentes.
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En los países protestantes, por su condición iconoclasta, la escultura alcanzará menor desarrollo, quedando reducida a los temas funerarios, a los retratos y a las obras encargadas por las corporaciones y Ayuntamientos.
Bernini
La Beata Ludovica
Bernini El Rapto de Prosperina
Bernini Eneas
Apolo y Dafne
Constantino
Bernini
Busto de Luis XIV
Medusa
Bernini
David
Bernini
Musa de Fontainebleau
El ĂŠxtasis de Santa Teresa de Avila
Gregorio Fernรกndez (1576 - 1636) La Piedad
San Miguel
Cristo yacente
Pedro de Mena (1628 - 1688)Magdalena
La Inmaculada
La Dlorosa
4. Pintura •
En el último tercio del siglo XVI se hace necesaria la introducción de nuevos elementos para superar la crisis manierista, a la vez que los nuevos postulados emanados del Concilio de Trento (Contrarreforma) obligan al cambio en la iconografía.
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Realismo: se buscan los modelos de la naturaleza, huyendo de la idealización manierista.
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Luz: dominará el color sobre la línea -las figuras se realizan por manchas de luz y color, pérdida de contornos, falta de detalles menudos-, la luz destaca los objetos o figuras según su importancia.
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Marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo y los efectos ópticos.
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Composición: se simplifican en cuanto a la ausencia de figuras inútiles o episódicas, buscando la unidad y la claridad compositivas, enmarcándose dentro de esquemas asimétricos.
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El desnudo: el tema de mayor desarrollo, persistiendo únicamente en las temáticas mitológicas y alegóricas.
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Se enriquece la iconografía con gran cantidad de temas, especialmente los combatidos por la Reforma protestante -Inmaculada Concepción, sacramento de la Eucaristía, etc.-, difundiéndose igualmente los relativos a martirios, visiones místicas de los santos, etc.
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Aparecen composiciones de naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos y de Cristo.
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Las representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas normales, pero en los retratos de clase social alta, son más adornadas las vestimentas,
Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573 - 1610)
La incredulidad de Santo Tom谩s
La Crucifixi贸n de San Pedro
Caravaggio
Judith decapitando a Holfernes
El sacamuelas
Asunci贸n de la Virgen
Annibale Carracci (1560-1609) Cristo muerto
Carracci
El comedor de judĂas
Retrato de un hombre bebiendo
Pieter Paul Rubens (1577 – 1640)
El juicio de Paris
Baco
Rubens
Daniel y los leones
Alegor铆a de la bendici贸n de la paz
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606 - 1669)
El Tacto
Lecci贸n de anatom铆a del Dr. Tulp
Rembrandt Fil贸sofo sonriente
Mujer barbuda
Rembrandt
La ceguera de Sim贸n
El martirio de San Felipe
Johannes Vermeer (1632 – 1675)
La encajera
La lechera
El Ge贸grafo
Lecci贸n de m煤sica
Vermeer El Astr贸nomo
Vista de Delft
Diego Rodríguez De Silva y Velázquez (1599 –1660)
Las Meninas
El bautismo de Cristo
Velรกsquez
Vieja friendo huevos
La fragua de Vulcano
Velรกsquez
El triunfo de Baco
Las Hilanderas
BartolomĂŠ Esteban Murillo (16171682) NiĂąo mendigo
El aseo
Murillo Las gallegas en la ventana
Ni帽os comiendo mel贸n
Francisco de Zurbar谩n (1598-1664) San Serapio
Meditaci贸n de San Francisco
El cordero místico
Zurbarán
Bodegón
Georges de la Tour (1593 – 1652) La riña de los músicos
Ciego tocando la zanfonía
De la Tour
El sueño de San José
José, el carpintero
De la Tour
Santo Tomรกs
Magdalena penitente
Fin