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SUMARIO MAYO 2024

Pág. 6 NOTICIAS /Pág. 18 REY LEAR de William Shakespeare. Una de las producciones más importantes de año / Pág. 21 Reportaje a EDUARDO ALBANO, director de la Comediay LUIS LONGHI, adaptador y director de Rey Lear / Pág. 26 SONY WORLD PHOTOGRAPHY AWARDS. El argentino JORGE MÓNACO se consagró como Ganador Global de la Categoría Portafolio /Pág. 30 CAE LA NOCHE TROPICAL por Alelí Jait / Pág. 32 JOEL VILLAGRA, primer argentino en integrar el coro The Tabernacle Choir / Pág. 36 LAURA O MUSICAL por Nicolás Isasi / Pág. 38 "NORMA", la emblemática obra de Bel canto, por cuatro únicas funciones/ Pág. 42 BATMAN ETERNO. 85 aniversario del hombre murciélago por Nicolás Isasi / Pág. 46 LA VIDA SIN FICCIÓN por Alelí Jait / Pág. 48 LITERARIAS / Pág. 56 PLÁSTICA / Pág. 70 MUSEOS / Pág. 74 CARTELERA TEATRAL / Pág. 144 MÚSICA /Pág. 182 CINE.

Rosana Laudani y Diego Bros en “UN TANGO ITALIANO”

Sobre una idea original de Rosana Laudani, Diego Bros y Héctor Ferreira Libro y Dirección Sebastián Pajoni Página 86

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Revista MiráBA Nº 178 mayo 2024. Revista ¨MiráBA¨ es una publicación mensual de interés general. Director: Ángel Luís Díaz. e-mail: diazal@revistamiraba.com.ar Propietario: Angel Luís Díaz. Ciudad Autónoma de Buenos Aires. República Argentina. Versión digital Registro DNDA 5344536. ISSN 23449446 Los artículos firmados y las opiniones de los entrevistados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial y/o dirección. El contenido de los avisos publicitarios es exclusiva responsabilidad de los anunciantes. Se permite la reproducción total o parcial del material gráfico o escrito publicado originalmente en “Revista MiráBA” con expresa mención de la fuente. Revista MiráBA en Internet: www.revistamiraba.com.ar - www.miraba.com.ar Contacto redacción: redacción@revistamiraba.com.ar Publicidad: publicidad@revistamiraba.com.ar Suscripción digital: suscripcion@revistamiraba.com.ar

NOTICIAS

“Pequeños grandes momentos” estrenó a sala llena

El pasado lunes 15 de abril se estrenó “Pequeños Grandes Momentos”, la comedia dramática basada en la popular serie “Tiny Little Things”, en el Teatro Multitabaris Comafi. Funciones lunes y martes 20.30 h. Entradas a la venta por Plateanet.

La obra está encabezada por Tomás Fonzi, Sabrina Garciarena, Malena Sánchez y Michel Noher, bajo la dirección de Dalia Elnecavé.

Acompaño al elenco el público y amigos celebrities que ovacionaron a los actores una vez finalizada la obra. Entre ellos estaba Zoe Go-

tuzzo, Cande Molfese, Gaston Soffritti, Dolores Fonzi, Gabriela Sari, Daniela Herrero, Panam, Inés Palombo, German Paoloski, Nicolás Goldschmith, Connie Isla, Guillermo Pfenning, Caro Kopelioff, entre muchos otros.

Aclamada en Broadway y en México, “Pequeños Grandes Momentos” estrena por primera vez en Buenos Aires, en una producción de Valentina Berger y Morris Gilbert. Nia Vardalos (conocida por su personaje en Mi Gran Casamiento Griego), adaptó este texto a una obra de teatro que, dirigida por Thomas Kail (el director de Hamilton), y

desde que estrenó en el The Public Theater, en 2017, se transformó en un rotundo éxito.

Preguntas que nunca hicimos, respuestas que jamás llegaron, secretos ancestrales, anhelos, sueños rotos. Y la profunda convicción de que compartiendo con otros todo es más fácil y siempre hay un hermoso lugar detrás del arco iris. Esta profunda obra llega al corazón del público a través de la empatía y la reflexión en una entrañable experiencia grupal que nos recuerda la importancia de estar atentos y apreciar los pequeños pero grandes momentos de la vida. Mirá

NOTICIAS

“Con las manos atadas”

de Claudia Piñeiro

“Con las manos atadas” una comedia dramática de Claudia Piñeiro dirigida por Sara Mon ha sido seleccionada por el jurado del CPTI (Consejo Provincial de Teatro Independiente de la provincia de Buenos Aires) para ser parte de la Fiesta Regional de Teatro Independiente 2024.

Continúa además su segunda temporada en la plata con funciones los sábados de mayo en Teatro Espacio44.

SEGUNDA TEMPORADA

Todos los sábados de mayo a las 20.30 h

En TEATRO ESPACIO 44 Av 44 nº496 e/4y5 La Plata Reservas por alternativa Teatral https://www.alternativateatral.com

Humana, sorprendente, desopilante y profunda, esta comedia dramática despliega una mirada atenta y sutil sobre las relaciones humanas.

Una historia policial, un asalto en una escribanía, dos víctimas de un robo.

La escribana y su secretario quedan encerrados, atados espalda con espalda en el archivo de la escribanía donde ambos trabajan. En el lugar

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más inhóspito el caos original deviene en un planteo intimista de “dos personas solas, dos solitarios “ como los describe la autora.

La brecha social y jerárquica se desvanece, como en una especie de Saturnalia y el lugar dominante alterna de uno a otro al menos en ese momento único fuera de las reglas donde solo cuentan el uno con el otro.

Elena y Gutiérrez que han compartido el mismo espacio de trabajo por horas durante años desconocen todo el uno del otro y no saben aún

que impedidos de liberar sus cuerpos nadie los rescatará hasta el día siguiente.

Tampoco imaginan que ninguno de los dos será el mismo al finalizar esa larga noche.

Actúan Mariana ArrupeMario Mahler

Música original y Efectos sonoros: Osvaldo Aguilar Diseño de luces Nahuel López

Dirección Sara Mon

Contacto: Sara Mon saramon56@gmail.com

EMILIA deslumbró con un show sin precedentes

Con una puesta en escena deslumbrante, despliegue coreográfico con bailarines fuera de serie y cuatro sorprendentes cambios de look, Emilia fue la primera artista en innovar con una plataforma voladora que atravesó el Movistar Arena llevándola desde el escenario principal al escenario secundario ubicado en el otro extremo del bowl en su primera noche de los 10 shows completamente agotados, producidos por Fenix Entertainment.

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Invitados

Emilia recibió en su noche de apertura a sus colegas DUKI, TIAGO PZK, CALLEJERO FINO, FMK y NICKI NICOLE con quienes compartió diferentes momentos de la noche.

Temas:

“Los del espacio”: FMK, DUKI, TIAGO PZK

“Una Foto”: TIAGO PZK, NICKI NICOLE

“En la intimidad”: CALLEJERO FINO

“Rápido lento”: TIAGO PZK

Emilia en alianza con Spotify EQUAL eligió sus 5 artistas teloneras, afianzando su compromiso con el talento emergente y la apuesta por el desarrollo local. Con sus diversos géneros que van desde el indie folk y pop, las artistas invitadas serán: Connie Isla, Yami Safdie, Clara Cava, More Navarro y Malena Villa.

Prensa: Indigo Press nicolastavella@indigopress.c om.ar

MUNI, la referente indiscutida del mundo de las infancias, presenta

“SOY MUNI”

Su nuevo programa televisivo por Canal 13

Tras su debut en la pantalla de Canal 13, MUNI causa sensación entre los televidentes más pequeños de todos los hogares de Argentina. No se pierdan SOY MUNI Sábados de 9.15h a 9.30h y Domingos de 9.30h a 9.45h.

Muni celebrará el reencuentro con su público a través de canciones, bailes, sketch y juego, los sábados de 9.15h a 9.30h y Domingos de 9.30h a 9.45h por la pantalla del trece.

De esta manera, la cantante y actriz, refuerza su perfil en el que el entretenimiento y la diversión no deja de lado un lúdico aprendizaje. Contará además con participaciones especiales. Siempre recordada por su entrañable participación en “La casa de Disney Junior” Muni promete un 2024 cargado de sorpresas y novedades.

MÁS SOBRE MUNI

Mariana Seligmann, más conocida como Muni, vive en Buenos Aires , Argentina. Muchos la conocen como la animadora infantil de Disney, trabajo que le otorgó una nominación al Latín Grammy y

un Martin Fierro por su labor como actriz.

Ha dejado una huella imborrable en todos los niños y no tan niños, que aún hoy tararean sus canciones. Muni además de desarrollarse como actriz y cantante, es conductora, bailarina y compositora, y en todas estas expresiones artísticas se puede apreciar su verdadero y genuino Ser.

Después de trabajar en obras de teatro de texto con actores consagrados como el Puma Goity y Carola Reyna; haber conducido programas de TV como Redes por ESPN, y de

haberse convertido en madre, Muni decide reencontrarse con su público infantil a través de “Soy Muni”, programa que será emitido Sábados de 9.15h a 9.30h y Domingos de 9.30h a 9.45hs por la pantalla de El Trece.

“Siempre sentí mucho compromiso a la hora de trabajar para los niños. Son esponjas. Entonces lo que yo presente quiero que esté cuidado. Porque los marca. Me gustan las cosas de calidad, sin subestimar al público. Disfruto de jugar, de entregarme. Soy una persona lúdica y con humor. Es por eso que me siento muy cómoda en el segmento y sobre todo porque siento la responsabilidad de generar contenido que no les haga quemar etapas. Siento la responsabilidad, hoy más que nunca después de ser madre, de crear un programa que tenga todas las cosas que me gustan: canciones, baile, sketch, juegos, participaciones especiales, que sea educativo, con humor y de buena calidad.”

Contacto: https://www.instagram.com/ soymuni/

Vicky Roa Comunicaciones vicky@vickyroa.com.ar

NOTICIAS

PARIS PALOMA

Anuncia disco debut “Cacophony” y adelanta el single “Labour”.

La sensación británica Paris Paloma convierte las palabras en armas con su voz ardiente y lirismo vulnerable. Desde lo tierno y desgarrador hasta lo sublime agresivo y vengativo, su sonido etéreo toma influencias del pop oscuro, el folk y el indie, creando una discografía que evoca algo primario, poderoso e innato femenino.

Paris anuncia que su trascendental álbum debut, Cacophony, está listo para ser lanzado. el 30 de agosto. El álbum de 15 pistas incluye sus temas previamente publicados “My mind (now)” “Drywall, “As good a reason”, “Yeti, y el sencillo viral de las listas de Billboard: “Labour”.

Lanzamientos Nettwerk Argentina

Paris Paloma, la nueva sensación del alt-folk británico. Originaria de Ashbourne, Derbyshire, Inglaterra, Paloma comenzó a escribir música cuando tenía 14 años, y empezó a grabar y lanzar su propia música en 2020. Al comienzo de la pandemia, llamó la atención del dueño y CEO de High Plateau Productions, David Fernández, cuando fue invitado a asistir

virtualmente a una sesión de composición de canciones. “Paris fue la primera en cantar y literalmente, en cuanto abrió la boca, le envié un

mensaje en Instagram”, recuerda. “Le dije: ‘Oye, soy el tipo raro en la habitación… hablemos por teléfono’”. Fernández se unió oficialmente como su mánager en marzo de 2021. Si bien la voz de Paloma es lo que atrajo de inmediato a Fernández, pronto se enamoró aún más de su composición: “El contenido que escribe y la significación de sus letras me conmueven como oyente de música”.

Paula Alberti Prensa y comunicación! paulaalbertipress@gmail.co m

(Imagen: Jennifer McCord)

Video

Paris Paloma - LABOUR (the cacophony)

https://youtu.be/2JDFRTRjozc?feature=shared

El Anfiteatro del Parque Centenario renovósu espacio

Como resultado de un acuerdo entre el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires y Peabody, se reinauguróel Anfiteatro del Parque Centenario con localidades agotadas para las dos funciones de Carmina Burana.

Con dos funciones de Carmina Burana protagonizadas por el Ballet Estable del Teatro Colón, el Anfiteatro del Parque Centenario volvió a abrir sus puertas luego de renovar su infraestructura. Las obras fueron realizadas junto con la marca de electrodomésticos Peabody, en el marco de la ley de patrocinio de la Ciudad de Buenos Aires.

La puesta a punto y revitalización integral del Anfiteatro, que cuenta con más de 70 años de trayectoria, incluyó una mejora en las condiciones técnicas y estéticas del lugar, que acompaña el proyecto del Ministerio de Cul-

tura de la Ciudad de fomentar una programación de eventos artísticos de calidad para todas las audiencias.

Este acompañamiento de Peabody a la cultura porteña, que abarcará un período de dos años, surge en el contexto de celebración del vigésimo aniversario de la marca. La empresa destacó que se propone no solo contribuir al embellecimiento y la modernización de las instalaciones del anfiteatro, sino también respaldar activamente el arte argentino y las diversas expresiones culturales del país, elevando la experiencia con tecnología de

última generación.

Además de su apoyo para mejorar la infraestructura, se comprometió a la realización de diversas actividades y espectáculos que serán propuestos por la misma marca.

“Con este patrocinio reafirmamos, una vez más, nuestra misión como marca, que va más allá de la excelencia en productos; buscamos, además, contribuir activamente en el enriquecimiento cultural de la sociedad argentina”, dijo Dante Choi, presidente de Goldmund S.A.

Entre los diversos cambios en la infraestructura y tecnología del espacio, se incorporó Mirá

equipamiento para las telecomunicaciones internas de las áreas y para perfeccionar el sonido de los espectáculos. También se agregaron luminarias al escenario para mejorar la calidad de los espectáculos y se restauraron los baños de uso públicos y de los artistas. Además, se actualizó la fachada de las gradas y pasillos que conducen al escenario y la cartelería externa del anfiteatro, y se sumarán equipos de aire acondicionado a las diferentes áreas de trabajo del personal.

El Anfiteatro cuenta con capacidad para 1640 espectadores y un escenario de 18 por 12

metros más foso de orquesta de 18 por 5 metros. Posee una parrilla de luces de 9 metros de altura, pantalla de proyección de 17 por 7 metros (front y back) y cabina de sonido e iluminación en el FOH. Además, posee depósitos, cuatro camarines vip y dos generales e incluso cuenta con un taller bajo el escenario para el personal escenotécnico, dos puentes de maniobra de cada lado y 6 telones con apertura central. Por fuera de lo que es escenografía, en este espacio también conviven las oficinas de administración y técnica; sistema de seguridad contra incendios y baños públicos para mujeres, hombres y dis-

capacitados.

A diferencia del Anfiteatro original, cuyo escenario miraba al lago, el espacio actual es una construcción totalmente integrada al Parque Centenario. Su ingreso es por la calle Lillo y su intersección con Leopoldo Marechal.

El predio del Parque Centenario fue diseñado por el prestigioso paisajista Carlos Thays e inaugurado a principios del siglo pasado para celebrar los cien años de la patria. Es además el pulmón verde más grande de Caballito, el barrio más densamente poblado de la Ciudad, con 200 mil habitantes.

El Gobierno de la Provincia de Buenos Aires, a través del Instituto Cultural presenta la temporada 2024 de la Comedia Provincial.

UNA DE LAS PRODUCCIONES TEATRALES MÁS IMPORTANTES DEL AÑO.

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Con una versión innovadora, moderna y audaz del director Luis Longhi, Rey Lear, la monumental obra de William Shakespeare, abrirá la temporada teatral en el mes de mayo en la ciudad de La Plata.

Este clásico del teatro universal, se pondrá en escena por primera vez en la historia de la Comedia, y se convertirá en una de las cinco producciones más importantes y de mayor envergadura de sus 66 años de trayectoria.

Producción integral con 23 artistas en escena y 220 profesionales de todas las áreas al servicio de la producción durante más de 3 meses. Diseño original de luces con 150 grabaciones lumínicas y sonido de última generación 5.1 en sala.

3 toneladas de peso para el armado de la estructura escenográfica, 55 cambios de vestuario.

Rey Lear

William Shakespeare

Rey Lear de William Shakespeare

SIPNOSIS:

El anciano rey Lear ha tomado una decisión: entregar su reino a las hijas equivocadas; la hija menor, la repudiada Cordelia, quiere salvarlo, pero ella misma es víctima de la intriga. Poco tardará quien quiso separar el

poder y repartirlo, en enloquecer y al mismo tiempo en ver con más claridad.

El destino de Lear se refleja y se generaliza en una trama paralela, la tragedia en torno al conde de Gloster traicionado por Edmond su hijo bastardo y salvado por el primogénito Edgar.

Y en ese clima no puede haber más que un camino que lleve a los protagonistas al sufrimiento individual, el caos social y la descomposición del cuerpo del Estado.

La ingratitud filial, las conspiraciones, la falsedad y la traición, la locura, la ceguera metafórica y física, pero por sobre todo la actitud soberbia de un monarca egocéntrico, arbitrario y extremista, son el nudo de la tragedia más cruel, difícil de soportar y representar del autor.

En esta versión, el humor, relaja un poco las tensiones, pero no esconde que Rey Lear es un espejo que refleja a la humanidad en estado puro, al individuo desnudo en un u

mundo absurdo e irracional que reafirma con nitidez que en todos los tiempos “La silla más alta es también la más resbaladiza”.

ELENCO:

Rey Lear: Gaby Almirón

Goneril: Sofía González Gil

Regan: Maia Francia

Cordelia: Agustina D´Angelo

Albany: Francisco Pesqueira

Cornwall: Emilio Rupérez

Kent: Iván Esquerré

Gloster: Marcelo Bucossi

Edmund: Nacho Pérez Cortés

Edgar: Francisco González

Gil

Bufón: Federico Lehmann

Osvaldo/Sepulturero 1: Matías Milanese

Francia/Soldado 1/Secretario/Mensajero 1: Carlos Vignola

Soldada/ Médica: Erica Basaldella

Borgoña/ Soldado 2/Mensajero 2/Sepulturero 2: Oscar Ferreyra

CANTANTES:

Daniela Rubiatti y Nico Cucaro

MÚSICOS

Juan Cristóbal Sleigh (Batería y asistencia en la dirección musical)

Eugenio Masa (Bajo)

Agustín Araneda Rogers (Teclados y sintetizador)

Jeremías (Guitarra)

Composición y Dirección

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Musical: Juan Ignacio López

Diseño de Escenografía y Vestuario: Micaela Sleigh

Coreografía: Manuco Firmani

Diseño Lumínico: Esteban

Ivanec

Asistente y Coordinación de Vestuario: Magalí Salvatore Asistentes de Escenografía: Julia Seras y Maia Doudchitzky

Versión y Dirección General: Luis Longhi

FUNCIONES:

Estreno: Sábado 11 de Mayo (solo invitados)

Funciones: Viernes y sábados 21:00 hs / domingos 20:00 hs.

Sala Armando Discépolo Calle 12 e/ 62 y 63, La Plata.

Teléfono: (0221) 457 9925 de 9:00 a 18:00 hs.

Entrada libre y gratuita

Se retiran por orden de llegada en la Boletería del teatro (una hora antes del inicio de cada función).

Duración: 105 minutos

La Comedia de la Provincia de Buenos Aires se comunica a través de sus redes sociales:

Instagram: @comediapba

Facebook: Comedia de la Provincia de Buenos Aires

X: @comedia_rrpp

WhatsApp: 221 5777705

Correo electrónico de Prensa y difusión: comediaprensa@gmail.com

Reportaje al Director de la Comedia de la Provincia de Buenos Aires EDUARDO ALBANO

A Eduardo Albano lo conocemos desde hace mucho tiempo. Tiene una extensa trayectoria como funcionario en La Comedia de la Provincia, institución que en este 2024 cumplirá 66 años de vida.

Desde la inauguración de la Sala Armando Discépolo junto a Antonio Lorenzo, ha puesto en escena grandes clásicos de la dramaturgia nacional y universal. MiráBA recuerda los títulos que fueron tapa de la revista: El conventillo de la paloma de Vacarezza; Antígona 1.11.14 del Bajo Flores, la versión de la obra de Sófocles escrita y dirigida por de Mar-

celo Marán; La Jaula de las locas de Poiret, con más de 36 artistas en escena; Stéfano, de Armando Discépolo; Otelo, de William Shakespeare, con el protagónico de Juan Palomino; y diversos programas de gestión en escuelas, hospitales, y apoyo a festivales provinciales de teatro, entre otros.

En la sala de la Comedia de la Provincia, de calle 12 entre 62 y 63 de La Plata, charlamos con él.

¿Cómo será el año para la Comedia de la Provincia?

Estamos transcurriendo un año muy particular, la cultura a partir de decisiones políticas drásticas a nivel nacional, está viviendo momentos de gran dificultad por el cierre de áreas emblemáticas, recortes y despidos.

Hay una visión ideológica que entiende a los espacios culturales como un gasto innecesario, sean estos académicos, de formación barrial,

Como siempre, intentamos poder brindarle al público una programación de calidad, abarcando distintos géneros, estilos y autores, cumpliendo con la misión principal del organismo, que es la producción integral de espectáculos teatrales.

difusión o producción, en todas las disciplinas.

Buscan primero su estigmatización creando la falsa idea de sobrepoblación de trabajadores, y a partir de esa idea, que el Estado debe correrse de su rol formador, generador y promotor de política pública en favor de la actividad.

Consideran innecesario no incentivar, no promover servicios, no invertir en bienes y por lo tanto paralizar la actividad y dejarla en manos de gerentes y ceos, cuya labor es reubicar profesionales en otras áreas del Estado.

Esta no es la misión, ni la visión que se tiene desde la Provincia de Buenos Aires, aquí por decisión del Gobierno Provincial y del Instituto Cultural, se entiende a la cultura como un espacio ordenador y formador que necesita ser incentivado, y que toda expresión artística sea estimulada con inversión. Lo producido por el pueblo se cuida, se atiende y se promueve.

Mientras otros cierran espacios, en la provincia se cuida lo existente, se propicia la creación de nuevos ámbitos culturales, y se potencia su tarea.

Se valoran las acciones de todas las disciplinas, aportando sustento y dándole a artistas nóveles, jóvenes formadores y gestores, un lugar preponderante para el desarrollo de su especialidad.

Desde la Comedia de la Provincia, lógicamente hoy más

que nunca, profundizamos el criterio de que es tiempo de agudizar la imaginación, de ser creativos y de optimizar al máximo los recursos, bajo un lema:

Defendemos la cultura trabajando.

El plan es seguir produciendo.

El teatro tiene algo que decir.

¿Cómo nació la idea de poner en escena Rey Lear?

No debe haber una obra que mejor nos retrate este momento histórico. Me refiero a un momento complejo, cruel y brutal que nos atraviesa como sociedad. Esta obra de Shakespeare reflexiona como ninguna otra, sobre el poder y el abuso. ¿Hasta dónde el ser humano puede soportar el dolor físico y psicológico provocado por sus errores, y tolerar terribles sucesos en un mundo caótico e irracional?

En Lear opera el engaño, el lenguaje altisonante, la ceguera, la desmesura, el dolor y lo frágil de la condición humana. Nos hace reflexionar acerca de que las decisiones que tomamos, por más ligeras y mejor intencionadas que nos parezcan, pueden afectar lo individual y lo colectivo, y tanto, que tal vez no haya retorno sobre lo que ocasione.

En esta versión original su director Luis Longhi, nos invita a adentrarnos en una puesta en escena muy personal de este clásico universal.

Es una mirada moderna, audaz y al límite de lo imaginable.

¿Hablando con los trabajadores nos dicen que es una gran producción?

Rey Lear es sin duda una de las cinco producciones más grandes e importantes en la historia de la institución y será la primera vez que se ponga en escena.

Más de tres meses intensos de trabajo de todas las áreas: convocatorias, ensayos, producción y funciones. Una estructura escenográfica de más de dos toneladas sobre el escenario. Tres cambios de vestuario por actor, 23 artistas inmensos en escena, música en vivo creada especialmente para esta versión.

Una renovación e incorporación de bienes muy importante, como micrófonos ambientales e inalámbricos de mano, sonido 5.1, consola de iluminación nueva, tendido de energía eléctrica adicional para cubrir las necesidades de la puesta lumínica. El Estado ha realizado una gran inversión adquiriendo toda esta tecnología de última generación, para una producción que el espectador no va a olvidar fácilmente.

¿Algo más para el resto del año en la Comedia?

En primer lugar, considerando la envergadura de la puesta de Rey Lear, la misma merece una continuidad en cartel y mayor cantidad de

funciones que las que se realizan habitualmente en otras producciones.

Dentro de lo programado para 2024, hay proyectado para el receso de la actividad escolar, en julio, un espectáculo para todo público orientado específicamente a las infancias: El mundo de Oz, basado en el clásico El maravilloso mundo de Oz, de Lyman Frank Bau. Será una puesta en platea en 360 grados, con dirección de Diego Rinaldi y un gran elenco, para el que se-

guramente realicemos una audición de actores, actrices y bailarines.

Hemos programado una obra más, de un autor bonaerense que dirigirá Toni Lorenzo. Una producción nuevamente con puesta en platea, y de la que estamos tramitando los derechos de autor, como cierre de la temporada.

El programa Titirinautas de Hospital también seguirá este año realizando su tarea de transformar la realidad a tra-

vés del arte en hospitales públicos, recorriendo las salas y montando sus pequeños retablos al pie de las camas, para acompañar a niños en recuperación, a sus mamás, papás y acompañantes. Se suma, además, la tarea pedagógica que incentive a generar nuevos grupos de trabajo en la provincia.

Además, llevaremos el Teatro a las Escuelas, programa con obras ya conformadas y que saldrán de una selección de proyectos.

Reportaje al adaptador y director de REY LEAR

LUIS LONGHI

¿Cuál es la motivación para dirigir Rey Lear en este momento histórico y de qué nos habla esta versión?

El poder del arte es una motivación en mi vida. La maquinaria de acciones, gestos, palabras, melodías, sentires y pensamientos que se ponen

en movimiento con un hecho artístico, es el estímulo de todo artista comprometido con su tiempo.

Rey Lear atravesó las fronteras de los siglos y las geografías. Los abusos del poder, la vejez, la locura, la soledad, son padecimientos de hombres y mujeres de toda la historia. Esta versión, respetando el cuento shakespeariano, busca penetrar el alma del espectador que experimentará empatías y antipatías en ritmo frenético y vertiginoso. Los gestos de amor y de crueldad se irán entrelazando al compás del drama con ráfagas de humor que intentarán atenuar las desavenencias intolerables de mentes perversas que vuelcan toda su maldad sobre quienes deberían proteger.

La música y las canciones, ejecutadas en vivo, y la escenografía imponente, enmarcan la puesta hacia un estadio de pureza teatral en donde el todo es una gran partitura ejecutada al ritmo de una obra dramática escrita por alguien que supo expresar como nadie la sinrazón de la humanidad.

¿Cómo es la experiencia de llevar a cabo este proyecto en la Comedia de la Provincia de Buenos Aires?

La Comedia de la Provincia de Buenos Aires es mi casa. Me transformé en artista profesional en el año 1988 actuando allí en Hoy debuta la finada, de Patricia Zángaro; dirigida por el recordado

Jorge Lauretti. Luego vinieron Demoliendo Tangos y Stéfano.

La Comedia es el ámbito propicio para un hecho artístico de esta talla, el compromiso profesional, humano y social de cada una de sus áreas de trabajo es conmovedor.

Esta obra es un laberinto de pasiones desatadas, requería de una escenografía monumental, un vestuario acorde con más de 50 cambios a lo largo del espectáculo, músicos en vivo, no se me ocurre en este momento de la Argentina otro lugar posible, que no sea la Comedia de la Provincia de Buenos Aires, para la realización de la obra más compleja de William Shakespeare.

¿Qué espera que experimente el público o se lleve consigo después de presenciar esta versión de Rey Lear?

Vale recordar que todas las funciones de nuestro Rey Lear van a ser gratuitas.

La Comedia de la Provincia de Buenos Aires entiende que nadie, pero nadie en este país, por más que atraviese momentos económicos difíciles puede privarse de la experiencia espiritual y emocional que implica un hecho teatral.

Gaby Almirón como Rey Lear con adaptación y dirección de Luis Longhi.

Nadie va a salir “indemne” de esta obra. Los seres humanos percibimos de manera muy personal cada experiencia artística que se presenta ante nuestros ojos. La subjetividad manda, pero también la situación social comunitaria puede generar un palpitar común entre quienes padecen las sinrazones de un estado enloquecido. Aquellos que se quedaron sin trabajo, que se sienten desprotegidos, que viven en su cotidiano la angustia de “haber sido y el dolor de ya no ser” (diría Gardel), todos ellos van a vibrar de emoción, tal vez de rabia, y se van a reír y ojalá tengan ganas, cuando salgan del teatro, de abrazarse con un semejante, y quieran bailar y batallar por un mundo más solidario, pues ésta, entre otras, es la función social del arte, movilizar el espíritu para intentar vivir cada día un poquito mejor y no dejarse avasallar por la incoherencia de un cotidiano que nos bastardea.

SONY WORLD PHOTOGRAPHY AWARDS

El argentino JORGE MÓNACO se consagró como

Ganador Global de la Categoría Portafolio.

La World Photography Organisation anunció hoy a los ganadores de los premios

Sony World Photography Awards 2024 en una ceremonia de gala especial realizada en Londres. El argentino Jorge Mónaco se coronó campeón global de la categoría Portafolio, con su serie Retratos y Paisajes, con

la que busca concientizar y promover la inclusión, ofreciendo una perspectiva reflexiva sobre la diversidad humana.

“Mi foco está en la sinceridad y la autenticidad, invitando al espectador a profundizar en las historias íntimas de los protagonistas”, comentó Jorge.

Nacido en Buenos Aires, Jorge Mónaco es profesor de fotografía impartiendo cursos, talleres y seminarios. Desde 1995 es director de la Escuela Nacional de Fotografía ENFO en Buenos Aires, Argentina. Sus fotografías forman parte de colecciones oficiales y privadas, que han sido exMiráBA 26

puesta en Argentina, Estados Unidos, Francia, Inglaterra, Alemania, Japón, Malasia, Singapur, China, Hong Kong, Macao, India, Sri Lanka, Canadá, México, Rusia, Luxemburgo, Sudáfrica, Italia, España, Portugal, Escocia, Austria, Bélgica, Nueva Zelanda, Australia, Turquía, Rumania, Estonia, Filipinas y Kazajstán.

Respecto a este importante premio, Mónaco comentó: “Recibir el primer lugar en la categoría Portafolio de la competencia Profesional de los Sony World Photography Awards 2024 por mi serie de Retratos y Paisajes es un reconocimiento significativo. Este logro confirma el esfuerzo y dedicación que he invertido en mi trabajo y me motiva a seguir explorando y captando la belleza del entorno que me rodea. Estoy profundamente agradecido por la oportunidad de compartir mi visión artística con el mundo.”

En su 17° edición, la ceremonia de los premios es un importante evento anual donde se premia a las mejores fotografías del mundo contemporáneo, y se homenajean imágenes e historias que han tenido resonancia en públicos de todo el mundo el año anterior. Las imágenes ganadoras, finalistas y preseleccionadas se exhibirán a partir del 19 de abril en la muestra de los premios Sony World Photography Awards 2024, en la Somerset House de Londres.

FOTÓGRAFO DEL AÑO

Juliette Pavy obtuvo el prestigioso premio Fotógrafo del Año por su serie Spiralkampagnen: Forced Contraception and Unintended Sterilisation of Greenlandic Women. Pavy ganó un premio en efectivo de USD 25 000, una variedad de equipos de imagen digital de Sony y la oportunidad de

presentar una nueva serie de sus obras en la exhibición de los premios Sony World Photography Awards 2025. La serie de Juliette es un proyecto documental que explora los graves y perdurables impactos de la campaña de control de natalidad realizada por las autoridades danesas en Groenlandia en los años 60 y 70.

Pavy fue elegida entre los 10

ganadores de las diferentes categorías de la competencia Profesional, anunciados hoy junto con los ganadores de los 2.° y 3.° puestos de cada categoría. Desde apremiantes historias que documentan el cambio climático y nuestra relación con la naturaleza, hasta retratos íntimos de personas y comunidades, los ganadores y los finalistas de la competencia Profesional de este año son una muestra de la extraordinaria variedad de prácticas fotográficas de todo el mundo.

CEREMONIA DE PREMIA-

CIÓN

En particular, durante esta ceremonia también se homenajeó al aclamado fotógrafo internacional Sebastião Salgado, ganador del premio Outstanding Contribution to Photography (Contribución destacada a la fotografía), cuyas obras en blanco y negro han capturado la atención durante las últimas cinco décadas de su carrera. Salgado ha sido reconocido por su permanente contribución al lenguaje visual de la fotografía.

También se dio a conocer a

los ganadores de las competencias Abierta, Estudiantil y Juvenil, además del ganador del premio a la sostenibilidad (Sustainability Prize). La competencia Abierta, que premia a fotógrafos en diferentes momentos de sus carreras, destaca el poder de una única imagen, mientras que las competencias Estudiantil y Juvenil destacan el trabajo de la próxima generación.

El premio a la sostenibilidad, creado el año pasado, premia a los fotógrafos que destacan un cambio positivo para nuestro planeta.

La exhibición de los Sony World Photography Awards 2024 se realizará en la Somerset House de Londres del 19 de abril al 6 de mayo de 2024.

Esta importante exhibición, uno de los eventos fotográficos más emocionantes del calendario cultural de la primavera en Londres, exhibe más de 200 impresiones y cientos de imágenes digitales adicionales de los fotógrafos ganadores y finalistas, e incluye una retrospectiva de las obras del ganador del premio Outstanding Contribution to Photography de este año, Sebastião Salgado.

Así mismo, los trabajos de los ganadores del Latin America Professional Award, estarán incluidos en la exhibición.

En esta edición los ganadores fueron, en primer lugar, el peruano Ernesto Benavides, con su serie Cautivos; en segundo lugar, el colombiano Iván Valencia, con su serie Las ballenas jorobadas atraen a miles de visitantes a un pequeño puerto en la costa del Pacífico de Colombia; y en tercer lugar el argentino Nico Muñoz, con su serie Pescadores del desierto.

Para consultar el listado completo de los ganadores y finalistas de todas las categorías, puedes acceder a https://www.worldphoto.org /2024-winners-and-shortlistgalleries

Para obtener más información de prensa, contactarse con:

Aldana Gola aldana.gola@ketchum.com.ar

Lara Jose Mollard: lara.josemollard@ketchum.c om.ar www.ketchum.com

Cae la noche tropical

Por Alelí Jait @alelijait

Cae la noche tropical vuelve a la calle Corrientes por 3 únicas funciones durante el mes de mayo.

Protagonizada por Ingrid Pelicori, Leonor Maso y Eugenia Guerty, la obra es una trasposición de la novela de Manuel Puig que retrata la vida de dos hermanas argentinas de ochenta años viviendo en Río de Janeiro.

Al igual que la novela, el con-

texto político se filtra en las largas conversaciones que mantienen estas dos hermanas en un departamento que linda con una vecina que a sus cuarenta y tantos años las nutre con sus amoríos, vida sexual e infortunios. Las plantas y la lluvia son testigos de las confidencias que las sostienen y tejen una complicidad propia de los vínculos de sangre con mucha comicidad y picardía.

Con dirección de Leonor

Manso y adaptación de Santiago Loza y Pablo Messiez, la pieza reconstruye sin fisuras el texto original plagado de imágenes y concebido casi para su puesta en escena, teniendo en cuenta también los orígenes de Puig como cineasta.

En este sentido, todo apunta a crear una atmósfera reconfortante y un espectáculo necesario porque logra erigir un mundo propio durante las casi MiráBA 30

dos horas de función, llevando al espectador a compartir una experiencia que lo posiciona como un espía. Se percibe tan vívida la obra que se siente una intromisión en la vida de los tres personajes.

Y sin dudas esto es pura responsabilidad de la destreza actoral de Ingrid Pelicori, Leonor Maso y Eugenia Guerty, que convierten sus cuerpos, voces y gestualidades en la piel que respiran Luci, Nidia y Silvia, respectivamente. No muchas veces ocurre este acto de magia; y, en este punto, la dirección de Leonor Manso también es precisa porque marca una paridad y precisión que hace que se luzcan simétricamente.

La visión del mundo desde la vejez como un lugar de autonomía que sostiene un cúmulo de

recuerdos pero también la certeza de la finitud por aquellos pares que ya no están; y, que a su vez, convive en estas mujeres con la vitalidad que es estimulada por la compañía. Y también, la experiencia del exilio, de la persecución política y la represión de los setenta frente a un florecimiento de la sexualidad, y las libertades en los ochenta que son abordados desde la comicidad generando una risa continua en el público.

Conmovedora hasta el final, al igual que la novela, Cae la noche tropical representa una oportunidad para disfrutar de todos los elementos que hacen al teatro.

Ficha técnica

Autor: Manuel Puig. Versión escénica: Santiago Loza, Pablo

Messiez. Dirección de reposición: Leonor Manso. Dirección: Pablo Messiez. Elenco: Leonor Manso, Ingrid Pelicori, Eugenia Guerty. Producción Ejecutiva y artística: Alejandra García. Voces en Off: Ñato, Javier Rodríguez Cano; Comisario de abordo, Lalo Rotavería. Colaboración artística: Patricio Binaghi. Preparación física: Lucas Condró. Música original: Carmen Baliero. Diseño de iluminación: Rodolfo Eversdijk. Diseño de vestuario: Renata Schussheim. Diseño de escenografía: Mariana Tirantte. Stage Manager: Fernanda Machado. Asistencia de Producción: Claudia Quinteros. Prensa: Natalia Bocca.

Teatro: Astros

Dirección: Av. Corrientes 746

Funciones: Domingos - 20 hs Entrada: $ 12000.-

JOEL VILLAGRA, primer argentino en integrar el coro The Tabernacle Choir.

Joel Villagra, cantante, director, músico y productor artístico de música y espectáculos, se convirtió en el primer argentino en integrar uno de los coros más grandes y longevos del mundo, THE TABERNACLE CHOIR, con sede en Salt Lake City, Utah, Estados Unidos, desde donde realizan sus giras internacionales. El coro ha recorrido varios países del mundo, incluyendo México, Filipinas, Canadá, Brasil, Australia e Israel, así como casi todos los países de Europa.

Los 360 miembros de The Tabernacle Choir y los 110 miembros de la Orchestra at Temple Square ensayan y realizan sus presentaciones cada semana de manera voluntaria. Sin embargo, es muy difícil ser parte de este coro, ya que requiere una sólida formación musical y un exigente programa de audiciones y preparación previa antes de formar parte del Coro o la Orquesta.

Hasta el momento, sólo podían integrar este coro personas que vivieran cerca de Salt Lake City, la sede donde se realizan los ensayos y las transmisiones del broadcast cada semana en el mítico Tabernáculo. El coro ensaya cada jueves y realiza una transmisión cada domingo

desde 1929, convirtiéndose en el broadcast más longevo del mundo transmitido ininterrumpidamente.

A partir de 2023, el coro ha hecho una iniciativa para incorporar a 50 personas que no residan en Estados Unidos MiráBA

y que representen a distintas naciones del mundo durante los próximos 5 años. Joel Villagra y su esposa Florencia Battista fueron seleccionados para representar a la Argentina.

Joel Villagra estuvo 18 días durante marzo y abril de 2024 ensayando en Estados Unidos, representando a Argentina junto a otros 11 participantes de Francia, Suecia, Ghana, Corea del Sur, Dinamarca, Austria, Chile, Guatemala e Inglaterra, para luego presentarse en la Conferencia General de la Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días. En octubre, se sumará Florencia Battista, cantante, directora, música y productora artística, convirtiéndose en la primera mujer argentina en participar en THE TABERNACLE CHOIR, uno de los más prestigiosos

del mundo.

SOBRE JOEL VILLAGRA:

Joel Villagra es productor de espectáculos en Buenos Aires, Argentina, director de coros y orquestas, y cantante. Ha realizado espectáculos como “Navidad en las películas” con más de 150 artistas en escena en el icónico estadio Luna Park e “It ‘happen’ to be show!”, un increíble show de jazz en el Teatro El Nacional. Realizó su formación musical en la Universidad Nacional de las Artes; Buenos Aires bajo la tutela de los maestros Néstor Zadoff y Pablo Di Mario.

Actualmente, cuenta con la tutela de Craig Jessop, el anterior y prestigioso director del Tabernacle Choir. Junto con su esposa Florencia Battista, son propietarios de la

marca Colegas Música, de la que se desprende una productora y una academia de música. Cientos de personas ya han pasado por su formación musical y miles de personas han visto sus espectáculos.

SOBRE EL CORO:

El Coro del Tabernáculo de la Manzana del Templo, anteriormente conocido como Coro del Tabernáculo Mormón, es el conjunto coral estadounidense formado por miembros de La Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días. Se fundó en 1847 y su lugar principal de actuación es el Tabernáculo de Salt Lake City, Utah, donde cuentan con un órgano de 11 623 tubos para su acompañamiento, y desde el año 2000 cuentan también con la orquesta. El actual director mu-

Mirá

sical del coro es Mack Wilberg.

En 2007, ganaron un premio Emmy por sus 4000 transmisiones desde 1929 del programa llamado Música y Palabras de Inspiración, a través de la radio. El coro ha realizado más de 150 grabaciones, con las que ha ganado cinco discos de oro y dos de platino, así como un premio Grammy. Ha actuado en los Juegos Olímpicos de Invierno de 2002 y ha sido invitado a numerosas tomas de posesión de presidentes estadounidenses, como la de Donald Trump en 2017.

Su repertorio de himnos religiosos proviene del himnario moderno oficial de la iglesia, publicado en 1985 y que contiene unos 341 himnos. Sin embargo, su vasto repertorio incluye música de películas y musicales, música clásica, canciones folclóricas estadounidenses, gospel, música afroamericana, entre otros géneros. El coro ha actuado con numerosos artistas de renombre mundial como Andrea Bocelli, Sting, Yo-Yo Ma, John Williams, Lea Salonga, Natalie King Cole y Sissel, entre otros.

HISTORIA DEL CORO:

El coro se ha presentado en ferias y exposiciones mundiales, en tomas de posesión de presidentes de EE. UU., y en aclamadas salas de conciertos desde Australia y Europa

hasta Asia y Medio Oriente, además de transmisiones de televisión y plataformas de streaming como Spotify y Apple Music. Incluso se ha hecho referencia al coro como “El Coro de Estados Unidos”, debido a su alto nivel de música coral popular. Es uno de los coros más prestigiosos del mundo.

Cuando los Santos de los Últimos Días se mudaron al Valle de Salt Lake en el oeste americano bajo la dirección del Presidente de la Iglesia Brigham Young, se formó un pequeño coro que cantó por primera vez en una conferencia de la Iglesia el 22 de agosto de 1847. Conocido desde sus inicios como el Coro del Tabernáculo Mormón, el Coro cambió su nombre en octubre de 2018 para alinearse más estrechamente con su organización patrocinadora, La Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días. El Coro ahora se llama “El Coro del Tabernáculo de la Manzana del Templo”.

Desde este pequeño co-

mienzo, el Coro se ha convertido en una sensación musical internacional. En 1929, el coro comenzó a transmitir Música y Palabras de Inspiración por radio. Ahora, el programa, transmitido por más de 2.000 estaciones de radio y televisión y actualmente a través de Youtube tambien, y con más de 4.500 episodios, es la cadena de transmisión continua más larga del mundo. Esta organización musical única trasciende las fronteras culturales y generacionales y reúne personas de todo el mundo a través de una música conmovedora.

MP Comunicación

María Peluffo maria@mariapeluffo.com

MN.Prensa y Comunicación Lic. Marcela Nuñez www.mncomunicacion.com.ar

Video (4/28/24) | Music & the Spoken Word | The Tabernacle Choir (#livestream)

https://www.youtube.com/liv e/t5InOenKxwo?feature=shar ed

LAURA O MUSICAL

Por Nicolás Isasi

@isasi.nick

Laura o musical, es la nueva propuesta creada por Filipe

La Féria, que rinde homenaje a la mítica actriz portuguesa

Laura Alves, considerada la reina de la comedia y admirada por el director portugués desde niño.

La obra comienza en vísperas de la demolición del Teatro Monumental de Lisboa en la década del ochenta, con una Laura anciana, despidiéndose del escenario de su teatro en soledad. Allí donde comienza

un viaje nostálgico, emotivo pero enérgico, que nos mostrará los logros y las peripecias de la carrera artística de una diva. Con un sinnúmero de cambios escenográficos, como las puertas de la infancia, la tienda de Milu estilo Channel o el dúo en el piano de cola giratorio, las coreografías y melodías, ayudarán a mostrar esa época esplendorosa del teatro de revista, la comedia y el cine portugués por varias décadas del siglo XX. El despliegue de efectos

visuales, entre bastidores, carteles luminosos y vestuarios lujosos con pieles o pelucas, hace del espectáculo un show atractivo y mágico para grandes y chicos.

Protagonizada por una talentosa Sissi Martins, la obra cuenta la historia de vida de Laura Alves (1921-1986), nacida en una familia pobre de Lisboa que llegó a estudiar en la Escuela de Danza del Conservatorio Nacional. Debutó profesionalmente el 20 de

agosto de 1935, en el Teatro Politeama con 13 años (a días de cumplir los catorce), protagonizando junto al gran actor Alves da Cunha la obra As duas garotas de Paris. Con el paso del tiempo, llegó a trabajar en los escenarios portugueses más importantes de la época, como el Politeama, el Nacional, el Capitolio o el Monumental, además del cine, la radio y la publicidad. La mirada que el libreto tiene sobre la historia de amor de Laura con Vasco es genuina y está bien narrada desde el punto de vista dramático, de modo que no importa la edad o nacionalidad del espectador para poder entender la historia y conmoverse con ella.

Aclaro esto luego de haber estudiado en detalle a muchos de los artistas y parte de sus carreras en la historia cultural portuguesa que aparecen en el espectáculo. Pero puedo afirmar que tanto el casting actoral como el cuerpo de baile, coreografiado por Marco Mercier, demuestran estar a la altura de las circunstancias con un estado físico y una memoria digna de Broadway durante las 3hs de duración. La orquesta dirigida por Miguel Teixeira interpreta la partitura de Filipe La Féria y Miguel Amorim, que deja algunas canciones para el recuerdo con la dirección vocal de Tiago Isidro y Daniel Galvão.

Sissi Martins es una Laura fenomenal, tanto vocal como actoralmente. Su personaje es fuerte y logra matices de gran contraste a lo largo de toda su vida, de la gloria al ocaso. Su trabajo de interpretación es profundo y logra una versión muy potente de Laura tanto en el baile como en la actuación. Rui Andrade interpreta a Vasco Morgado con gran elegancia y presencia escénica, que conquista no solo a las actrices sino también a la audiencia. João Frizza es un histriónico y maravilloso João Villaret. Su personaje aporta comicidad y simpatía, sumado a una correcta proyección vocal, logrando encarnar un personaje para el recuerdo. Paula Sá despliega el glamour de la gran Palmira Bastos. Su voz de gran lirismo

tiene un peso importante en la escena y deleita al público como la Norma Desmond de Sunset Boulevard. Rúben Madureira interpreta a Ribeirinho, uno de los actores y directores más aclamados del cine portugués. Rosa Areias es la fiel Teresa y Sara Cabeleira, una desopilante y divertida Milu. Filipe de Albuquerque hace un convincente Frederico Valério (el único director portugués que verdaderamente trabajó en Broadway), aunque la sorpresa de la noche fue la gran “pequeña Laurinha” interpretada por una pizpireta adolescente llamada Maria Inês Gomes, que canta, baila y actúa de una forma arrolladora demostrando todo su talento, tanto en las canciones infantiles como en sus partes más dramáticas. Completan el elenco Luís Garcia, Jonas Cardoso, Élia Gonzalez, Paulo Miguel Ferreira, Andreia Ventura, Benedita Borges, Maria Gomes, Leonor Duque, Sara Esteves, Margarida, Maria Parreira, Mel Barbosa, Luna Duarte, Lara Sousa y Luísa Bacalhau.

Una mención especial para todos los técnicos de escenario, luces, peluquería y peinado que logran armar un discurso visual con el pasar del tiempo, mediante detalles sutiles pero interesantes de las distintas décadas. Una producción sólida y atractiva que deslumbra y eleva la escena del musical actual en la península ibérica.

Teatro Empire y Música en escena presentan:

Teatro Empire y Música en escena presentan “Norma”, la emblemática obra de Bel canto, por cuatro únicas funciones: sábado 4 y 25 de mayo a las 20 h, viernes 24 de mayo a las 20 h y domingo 12 de mayo a las 17 h.

La versión cuenta con un destacado elenco de voces solistas, el coro y la orquesta de la compañía “Música en escena” con becarios de la Fundación MusiZap.

En esta puesta Antonio Leiva (Regisseur) y Silvana D’Onofrio (Directora musical) proponen una mirada centrada en el deber ser de las mujeres, y la relación entre oprimidos y opresores que nos remite a temas de la más absoluta actualidad.

“Norma es una ópera icónica que ha perdurado en el tiempo por las múltiples lecturas que podemos tener sobre ella. La realidad actual de las mujeres nos permite tener una mirada de género sobre un material inagotable. Está puesta está pensada desde esta perspectiva.” dice Silvana D´Onofrio.

Los druidas devastados por la ocupación romana y la dominación cultural claman por sangre y venganza. Norma atravesada por sus deberes como sacerdotisa de los druidas y amante del cónsul romano se debate entre su deseo y su deber. Lo divino y lo terrenal se entrelazan en la vida de Norma y Adalgisa, ambas víctimas del engaño de Pollione.

Además, nos complace anunciar que Música en Escena estará presentando “Cavalleria Rusticana” de Pietro Mascagni en el Teatro Empire con un gran elenco:

FUNCIONES:

- Sábado 4 de Mayo 20h

- Domingo 12 de Mayo 17h

- Viernes 24 de Mayo 20h

- Sábado 25 de Mayo 20h

TEATRO EMPIRE

Hipólito Yrigoyen 1934CABA

Tel: 4953 8254 de 16 a 21h boletería.empire@gmail.com o por Alternativa Teatral. Entradas: $10.000.-

Jubilados y estudiantes: $8.000.-

Para compra anticipada con descuento en: musicaenescena4@gmail.co m

Duración: 165 minutos

FICHA TECNICA:

Título: Norma

Autor: Vicenzo Bellini

Solistas:

Norma

Susana Palomeque Flores

Renata Cavazzani

Adalgisa

Virginia Scavino

Lídice Robinson

Pollione

Germán Polón

Rodrigo Olmedo

Oroveso

Jorge Balagna

Alejandro Shijman

Flavio

David Reinhardt

Pablo Cena

Clotilde

Carolina Béjar

Martina Gioiosa

Coro de la compañía Música en escena:

Sopranos

Marlene Vega

María Belén Bengochea

Carolina Béjar

Maia Lenge

Cecilia Mailen Otero

Marisa Soler

Luciana Rondán

Victoria Barra

Mezzos

Mariángeles Notta

Aldana Belén Calabrese

Romina Maggi

Patricia Lopez

Tenores 1

René Castro

Pablo Cena

Diego Nuñez

Tenores 2

Alejandro Pujalte

Claudio Pérez

Bajos 1

Alberto García Fernández

Bajos 2

Gabriel de Dios

Agustín Adúriz-Bravo

Camilo Manuel Brambilla

Pianista de ensayo: Mario

Dardis

Traducción y sopratitulado:

Ana Maria Rizzi de Bergel

Dirección musical: Mtra. Silvana D’Onofrio

Dirección de coros internos: Rocio Lagos

Orquesta de la compañía

Música en escena en colaboración con la fundación Musizap

Regie: Antonio Leiva

Equipo técnico:

Diseño de Luces: Stefani

Briones Leyton

Diseño y realización de vestuario: Liliana Palacio

Prensa y Difusión: Analía

Cobas – Cecilia Dellatorre

Duración 165 minutos

Mini Bio:

Silvana María D’Onofrio:

Nació en la ciudad de Buenos Aires. Completó sus estudios musicales en el Conservatorio Superior de Música “Manuel de Falla”, de donde egresó con los títulos de Profesora Artística de Piano y Dirección de Orquesta, siendo la primera alumna en egresar de esta institución dirigiendo ópera (Dido y Eneas de Purcell).

Perfeccionó sus estudios con destacados maestros en Argentina y en el exterior. Es docente titular por concurso y sub-jefa del departamento de música en el Colegio Nacional de Buenos Aires.

Entre 1997 y 2021 ejerció u

como pianista acompañante en el Conservatorio Superior de Música Manuel de Falla. Desde 2019 y hasta la fecha es directora musical del Teatro Empire de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Reconocimientos y premios

En 2016 su trabajo “Maestros Argentinos” recibe la “Mención de Honor” en el TIM (Torneo internacional de música) realizado en Turín Italia. En 2018 el “Museo del gueto de Terezin” recibe el trabajo musical y plástico realizado por la compañía y su directora Silvana D’Onofrio sobre el melodrama “Terezin, ayer y hoy” de N. Gómez, incorporándolo al patrimonio cultural del museo.

El mismo año la compañía “Música en escena” y su directora reciben “La bandera de la paz de Nicolás Roerich” otorgada por la fundación internacional “Mil milenios de paz” por la enorme dedicación en pos de la difusión de la cultura y la música.

versión de la canción “Botoncito” de L. Cimaglia que grabara en Buenos Aires participó de la Bienal Woman & peace en Salerno (Italia) y Ámsterdam (Holanda.)

En 2021 recibió el diploma “Cuore di Donna International Award “Greast Honor Artist (Roma 2021)

Como pianista acompañante se presentó en escenarios internacionales: Sala de conciertos del Conservatorio de Música de Turín (Italia), La

Escenarios nacionales: Teatro Colón de Buenos Aires (150 aniversario del CNBA), Sala J. B. Alberdi (Centro Cultural San Martín), Teatro Roma de Avellaneda, Museo Isaac Fernández Blanco, Teatro York (Olivos), Catedral Metropolitana, Aula Magna del CNBA, Casal de Catalunya, Asociación amigos de las artes de Quilmes, Salón dorado del Liceo Naval de la Ciudad de Buenos Aires Auditorio San Rafael (Fundación Hermes) Foyer del Teatro Empire de CABA entre otras.

Como Directora de Orquesta se presentó en: Teatro Concepción (Chile) con la Or-

questa de la Universidad, Auditorio del Banco Central del Paraguay con la OSCA, Catedral Metropolitana de la Ciudad Autónoma de Bs. As, Auditorio AMIA, Sala “El Aleph” del CCR, Parroquia San Ignacio, Basílica San Carlos, Sede central del CMMF, Sala Juan B. Alberdi, YMCA (Asociación Cristiana de Jóvenes), Salón de actos de la municipalidad de Lanús con la orquesta de cámara de la municipalidad, Colegio de Abogados de Lomas de Zamora, Teatro York (Olivos), Teatro Empire (CABA). Es directora y cofundadora de la compañía “Música en escena” con la cual ha dirigido y producido títulos como: “El maestro de música” de Pergolesi, “Suor Angelica” de Puccini, Amahl de Menotti, Dido y Eneas de Purcell (2008 y 2021 /Versión transmitida por Canal Allegro HD) Bastián y Bastiana de Mozart, Hänsel y Gretel de Humperdinck y La Flauta mágica de Mozart en adaptaciones para el público infantil, Terezin ayer y hoy” de N. Gómez (declarada de interés cultural por la legislatura porteña, La voz humana de Poulenc, Cavalleria rusticana de Mascagni y Norma de Bellini y ha producido el estreno comercial de la micro ópera “Mien-

tras el auto espera” de Mario Dardis (compositor argentino

Actualmente se encuentra trabajando en la producción y dirección del estreno mundial de “El Reñidero” de Sergio de Cecco con música del compositor argentino Mario Dardis. Textos pedagógicos editados: En mayo de 2012 presentó en la feria del libro de Buenos Aires su ensayo pedagógico. “Música y artes visuales” que editó el grupo editorial Lumen.

Actualmente se encuentra en edición “Música” (Recursos técnicos para la apreciación musical) Editorial UDEBA (Colección Libros del Colegio)

Antonio Leiva:

En 1968, se integra al estudio de Ana Itelman, comenzando su carrera actoral en el mismo año, formando parte de un elenco de unitarios para la televisión, bajo la Dirección de Carlos Mathus, con Juan Silbert y Ana Itelman . Desde entonces su trabajo ha sido constante, alternando su tarea de actor, director y productor. En ese carácter y hasta el año 2004, ha participado en los siguientes espectáculos: “Todos Ganan” de Carlos Mathus (TV) “La Araña” de Carlos Mathus, basado en un texto de Ewers, con Ana Itelman. (TV) “Machado de Hoy” de Antonio Machado /Itelman /Mathus en el Teatro Astral de Buenos Aires. “El Jardín de los Placeres”, de Carlos Mathus, en el Teatro Altos de Florida, de Buenos Aires ”El Jardin de

las Delicias” de Carlos Mathus, estrenada en el Teatro de la Opera de Nancy, Francia, y luego presentada en temporadas en los Teatros Coliseo y Empire de Buenos Aires. “La Cantante Calva” de Eugene Ionesco, en los Teatros Caese y Empire, de Buenos Aires.”El Profesor Taranne” de Adamov, en el Teatro Caese, Buenos Aires “Briga de Foice” de Carlos Mathus, con Denise Stoklos, en el Teatro SESC POMPEIA de Sao Paulo, Brasil “Doce Rounds”, de Carlos Mathus, con Raquel Rossetti, en el Teatro Esmeralda de Buenos Aires “Vida y Muerte de P.P.Pasolini” de Michel Azama, con dirección de Mathus, en los Teatros Empire y Blanca Podestá, de Buenos Aires. “La Brigada Antiterrorista” de Dacia Maraini , en los Teatros Esmeralda y Empire , de buenos Aires, bajo la dirección de Mathus. “Las Sabanas de Hilo” de Dacia Maraini, en el Teatro Esmeralda, de Buenos Aires. “El Misterio de Irma Vaps” de Charles Ludlam, con Daniel Miglioranza, en el Teatro Arte, de Buenos Aires, con dirección de C. Mathus. “Payasos” de Timochenko Whebbi, en Theatron, de Buenos Aires, dirección de Mathus. “Cendrillon” (Opera) de Jules Massenet , en los Teatros Roma de Avellaneda y IFT de Buenos Aires. Regisseur Ana Bergel. “Mesa Redonda” de Carlos Mathus, en el Teatro del Hotel República, de Buenos Aires “La Lección de Anatomía” de Carlos Mathus: Participa del

estreno de esta obra como actor, en 1972, hasta el 2008, realizando en este carácter aproximadamente 9000 funciones, dirigiéndola luego en Caracas y en Maracaibo (Venezuela), Rio de Janeiro (Brasil), Santiago y Viña del Mar, (Chile). Actualmente la dirige en Buenos Aires. “El Organito”de Discépolo en el Teatro Gloria (B.Aires) “Homenaje a Drummond de Andrade”, dirigido por Antonio Abujamra, en el Teatro Gloria de Rio de Janeiro. “Crímenes Delicados “de De Souza, dirección de Antonio Leiva Además, durante los años 1992, 1993, 1996 y 2004 ha trabajado formando parte de ciclos de radio dedicados al teatro, la poesía y la música. Autor, director y actor en “El huérfano feliz”, temporadas 2015-2018. Director de “La lección de anatomía”, de Carlos Mathus, desde 2017 a la actualidad. Director de “Navaja en la carne”, de Plinio Marcos, en 2019. Durante los años 1999 y 2000, trabajó como productor de los espectáculos extranjeros auspiciados por el Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires. Durante el año 2000 reside en Rio de Janeiro, donde, además de su actividad habitual, colaboró en los planes de educación y recuperación de los niños de las favelas. Prensa. Analía Cobas analiacobas@gmail.com

Cecilia Dellatorre pnlp83@gmail.com www.masprensa.com.ar

BATMAN ETERNO

85º ANIVERSARIO DEL HOMBRE MURCIÉLAGO

Por Nicolás Isasi

@isasi.nick

Batman es un superhéroe único. Bajo el traje inspirado en los murciélagos, fue un justiciero inquebrantable frente a todo tipo de villanos combatiendo el mal en todas sus formas. Con su característica máscara de dos puntas, su larga capa y un par de botas, él no usaba poderes especiales, sino la inteligencia, su físico y un ilimitado uso de bati-inventos y frases, propios de esa atmósfera que mostraba la lucha del bien contra el mal. Desde lo profundo de su Baticueva, debajo de la mansión de Bruce Wayne (Bruno Díaz en español), aparece por primera vez el 27 de mayo de 1939, creado por el ilustrador Robert Kane y la pluma de Bill Finger (desacreditado por muchos años), como personaje de la revista Detective Comics. Finger relató al ver los bocetos de Kane por primera vez: “tenía una pequeña máscara, colgando de una soga. Le salían dos alas rígidas que parecían de murciélago. Y debajo del dibujo había un gran cartel... BATMAN”. En abril de 1940, un año después, Batman aparece junto a su fiel compañero Robin (en nuestras latitudes conocido como el Joven Maravilla o Ricardo Tapia, pero en EE.UU. también conocido como Dick Grayson, Jason

Mirá

Todd, Tim Drake, Stephanie Brown o Damian Wayne, dependiendo de la época).

El personaje de Batman resultó ser tan popular que em-

pezó a expandirse de forma exponencial. La historia cuenta que el millonario matrimonio Wayne fallece a causa de un asesinato del cual Bruce, con 8 años, fue testigo.

Ese hecho lo marcó de por vida y es ahí donde decide vengar la muerte de sus padres haciéndole pagar a todos los villanos de la ciudad. De esa forma nace el hombre murciélago, o el caballero de la noche/oscuridad como se lo apodó en las últimas películas. De día es un empresario exitoso, pero por las noches se transforma en Batman para derrotar el mal. Sólo Alfred, su fiel mayordomo y Robin, su aliado compañero, son los únicos que conocen la verdadera identidad de Batman y tienen acceso a la Baticueva secreta, escondite del superhéroe debajo de su propia casa. La ciencia y la tecnología fueron siempre elementos emblemáticos que ayudaron a Batman a resolver diversos problemas. Y allí donde está el mal, una galería de atractivos y exóticos villanos como el Guasón (Joker), El Pingüino, Gatúbela, Dos Caras, Mr. Freeze o El Acertijo, entre tantos otros. Una vez que llegó a la edición #713, en septiembre de 2011, The New 52 reinició la continuidad de DC. Hoy se cumplen 85 años de su creación y

a modo de homenaje, destacamos los múltiples formatos en los que se instaló y expandió mundialmente como un fenómeno asombroso de la cultura popular.

El mundo de Batman se puede cuantificar en diversos medios.

Quizás uno de los más memorables por el impacto que ha generado en distintas generaciones, luego del comic, es el cine. A lo largo de los años se han realizado muchas películas sobre Batman con diferentes actores. A continuación algunos de los actores más reconocidos que lo han interpretado: Lewis Wilson (Batman, 1943), Robert Lowery (Batman y Robin, 1949), Michael Keaton (Batman, 1989/Batman Returns, 1992, ambas dirigidas por Tim Burton), Val Kimer (Batman Forever, 1995), George Clooney (Batman & Robin, 1997), dirigidos por Joel Schumacher en las películas más criticadas en la historia del superhéroe, Christian Bale (Batman Begins, 2005/The Dark Knight, 2008/The Dark Knight Rises,2012). La tercera y última entrega de esta trilogía dirigida por Christopher Nolan llego a recaudar mundialmente más de mil millones de dólares en taquilla, siendo la segunda película basada en un personaje de DC Comics en llegar a esa suma. Entre las últimas producciones cinematográficas, el éxito de la batman-manía no termina. The Batman (2022) de Matt Reeves alcanzó los $505.8 millones de dólares y logró 4.2 millones de reproducciones en la primera semana de su estreno en HBO Max. Mientras que The Flash (2023), del argentino Andy Muschietti, incluye a Batman con aquel actor icónico de la saga burtoniana. Robert Pattinson volverá a interpretarlo en The Batman - Part II en 2025

Otro de esos mundos en los que conquistó varias. u

generaciones, es el de la animación. Batman tuvo un papel estelar en la serie de ABC Súper Amigos (1973-1986), animada por los estudios Hanna-Barbera con las voces de Olan Soule y luego de Adam West. En 1992, se estrenó el programa de televisión Batman: La Serie Animada, producida por Warner Bros. Allí se puede ver un Batman más oscuro con detalles del Art Decò que nos remontan a la década del treinta, y el éxito de esa serie condujo a un spin-off cinematográfico titulado Batman: La máscara del fantasma (1993), así como a la creación de otras series de la franquicia animada: Las nuevas aventuras de Batman, Batman del futuro y Liga de la Justicia. En el siglo XXI, siguieron The Batman (2004), Batman: The Brave and the Bold (2008) y Beware the Batman (2013).

Uno de los casos más emblemáticos fue la serie televisiva Batman de la década del sesenta, interpretada por Adam West y Burt Ward, que con un total de 120 capítulos entre 1966 y 1968, marcó toda una era en la cultura pop. El uso de colores extravagantes y las placas animadas en forma de comic que aparecían durante las peleas (BAM, WOW), le hicieron honor a la estética del pop-art y también se popularizó como fenómeno cultural en distintas partes del mundo. Con sus divertidos guiones y personajes, extraños ángulos de cámara (como las escenas subiendo edificios) y esa estética pop anteriormente mencionada, calaron en los espectadores transformándola en una serie de culto. La canción de presentación, Batman Theme, compuesta por el músico y arreglador de jazz estadouni-

dense Neil Hefti, funciona como un jingle pop y sirvió de inspiración para la composición de Taxman (1966) de The Beatles donde el grito a coro antes del solo, a modo de cómica comparación ubica al Batman del comic en el lugar del recaudador de impuestos (el juego de palabras en inglés se da por la similitud fonética entre Batman y Taxman). Otra de las series televisivas actuales, que no llegó a tener la fuerza de la anterior, fue Gotham (20142019) interpretada por Ben McKenzie y David Mazouz, creada por Bruno Heller.

Pero además del comic, Batman se presentó en series de libros, juguetes, disfraces, videojuegos, documentales, artículos de merchandising, publicidades, apariciones en marcas como LEGO, en las Comic-Con para reunir acto-

res del universo Batman con sus fanáticos, o en múltiples cosplayers que con un disfraz, aparentan ser el hombre murciélago por un momento. Uno de estos curiosos y destacables casos, es el del platense Maximiliano Altavista, que durante una década (20132023) mantuvo su identidad oculta con fines benéficos, vestido con el traje de Batman para ayudar de forma solidaria en hospitales como el Alejandro Korn o el Hospital de Niños de la ciudad de La Plata. El último episodio que muestra la vigencia de Batman y la repercusión de sus películas o personajes fue en la 96.ª edición de los Oscars de este año, donde Arnold Schwarzenegger y Danny DeVito (que actuaron de villanos en diferentes películas) enfrentaron de forma cómica a Michael Keaton (Batman), ubicado en la primera fila de la platea. Los emblemáticos actores que interpretaron a Mr. Freeze y El Pingüino en las últimas décadas, protagonizaron uno de los momentos más destacados, que también se volvió viral en otro mundo paralelo: el de las redes sociales. Quizás la única escena actoral de toda la ceremonia que, recordó de forma improvisada pero genuina a esos grandes personajes de la cultura popular, la cinematografía y el entretenimiento.

Video

The Batman– Trailer https://youtu.be/U4gsRsTmQ ws?feature=shared

CURIOSIDADES:

El personaje de Batman posee más historias que cualquier otro personaje ficticio, esto incluye: más de 8000 Cómics en distintos idiomas (713 oficiales por DC), 321 episodios de TV, 43 vídeo juegos, 14 adaptaciones a películas y teatro. 27 fueron las veces que Alfred ha sido secuestrado. 84 tarjetas de efectos de sonido (como ‘BAM!’) fueron utilizadas en la serie de televisión de la década del ‘60. 356: el número de “Santos” (Holly) pronunciados por Robin en la serie de TV. 1.075.000: el número de dólares pagado por una copia de Detective Comics N°27, en el año 2010. 6 millones de dólares cobró Jack Nicholson para interpretar al Guasón. La serie de TV se emitía en 106 países y tenía una audiencia de 400

millones de espectadores.

NOMBRE: Batman (Bruce Wayne / Bruno Díaz)

AÑO DE APARICIÓN: 1939 (85 Años)

CREADOR: Robert Kane (1915-1998) y Bill Finger (1914-1974)

LUGAR: Gotham City (Ciudad Gótica) – Batcave (Baticueva)

VESTUARIO: Traje gis al cuerpo con símbolo, botas, cinturón amarillo, guantes, capa y capucha.

TRANSPORTE: Batimóvil, Batilancha, Baticóptero, Batimoto.

FRASES: “¡Soy Batman!”, “¡A la Baticueva, Robin!”, “Holy Horseshoes” (Santas Herraduras), “Holy Nick Of Time, Batman!!” (¡¡Santo Justo a Tiempo, Batman!!), “Para dominar los miedos ajenos, primero hay que dominar los propios”

AMIGOS: Alfred, Robin, Batichica, Comisionado Gordon.

ENEMIGOS: El Guasón, El Acertijo, El Pingüino, Hiedra Venenosa, El Señor Frío, entre otros.

La vida sin ficción

Por Alelí Jait

@alelijait

La premiada obra del actor y dramaturgo Franscisco Lumerman vuelve a presentarse los sábados a las 20 hs en el espacio Moscú Teatro del barrio de Villa Crespo. Tres actores se multiplican para encarnar diferentes personajes que representan tres historias que, en un punto, se entrecruzan y tie-

nen como hilo conductor la muerte y el duelo.

Cómo personificar a la idea fantasmática que genera el vacío; cómo registrar y narrar la finitud y la mortalidad desde la vitalidad. Son preguntas que se realiza esta obra en una búsqueda por paliar la certeza del final y de la propia existencia frágil.

Y no es casual que el disparador que le da título sea un libro inacabado como si aún hubiera algo por escribir, una herida que cerrar desde la cicatriz, una hoja de ruta o camino por recorrer hacia aquello que se sabe inevitable. Y esta novela inconclusa se convierte, con el paso del

Mirá

tiempo, en best seller y su argumento es traspuesto a una película.

De allí parten las historias que se entrecruzan: la de los amigos que se juntan a filmar un documental para dar testimonio de aquello que los unió mientras uno de ellos está muriendo; la de la actriz que se reencuentra con su hermano discapacitado; y la de un escritor que se aísla con el objetivo de terminar su relato y se encuentra con compañías inesperadas.

La constante mutación es parte de la obra que tiene como tópicos la salud, la enfermedad, los vínculos familiares y las responsabilidades que conllevan; la pérdida, el fracaso, entre otros temas que son parte de la vida cotidiana que sin dudas precisa de la metáfora y de la sublimación para escapar de la crudeza de lo real.

Si bien hay un carácter trágico en el espíritu de La vida sin ficción también se vuelve corpórea la inefable potencia de la creación y de la amistad como formas de transitar el presente. El valor del amor, del cariño y de los lazos sociales son los portadores de un capital que traza un diferente modo de caminar en compañía.

En este sentido, la versatilidad de las actuaciones de Ignacio Gracia, Francisco Lumerman y Rosario Varela son para destacar al representar tres roles distintos en la misma pieza; y en ese juego, la escenografía también requiere de una renovación que se realiza a la vista del público con paneles móviles pero basta el vestuario y la postura corporal para indicar que nos encontramos frente a otra secuencia.

Es singular cómo resuelven el entrecruzamiento entre las historias y novedosa la puesta que incluye la simulación de un videojuegos con

movimientos en línea, mecánicos y coreográficos al ritmo de esa musiquita electrónica típica del género.

La vida sin ficción se estrenó a fines del 2022 y ganó el Premio Estímulo a la producción independiente del Complejo Teatral de Buenos Aires; y la FIESTA CABA del Instituto Nacional de Teatro 2023, además de haber sido seleccionada para participar en festivales.

Ficha técnica

Dramaturgia y dirección: Francisco Lumerman. Elenco: Ignacio Gracia, Francisco Lumerman, Rosario Varela. Movimiento: Manuel Attwell. Vestuario: Betiana Temkin. Escenografía: Micaela Sleigh. Iluminación: Ricardo Sica. Realización de vestuario: Florencia M. Tutusaus. Audiovisuales: Nadia Benedicto. Música original: Agustín Lumerman. Diseño 3d: Mantrixa. Fotografía: Laura Mastroscello. Diseño gráfico: Laura Tavacca. Asistencia de escenografía: Guadalupe Borrajo. Asistencia de dirección: Manon Minetti. Asistencia de escenas: David Subi. Producción ejecutiva: Zoilo Garcés. Dirección de actores: Jorge Eiro. Prensa: Carolina Alfonso.

Moscú Teatro – J. R. de Velasco 535

Funciones: Sábados 21:00 h Entradas con descuento para estudiantes y jubilados.

EL NUEVO LIBRO DE EL MASTER COACH MARTIN DAULERIO

EXPEDICION UN CAMINO CON PROPÓSITO

El master coach Martín Daulerio nos invita a sumergirnos en un viaje transformador a través de su libro, Expedición, un camino con propósito. En esta obra, Martín comparte no sólo un relato apasionante sobre su travesía de autoexploración y crecimiento, sino que también nos guía a descubrir el propósito que da sentido a nuestras vidas. A lo largo de las páginas, el autor narra cómo, en la búsqueda de contenido y anotaciones para su libro, se encontró con una carpeta repleta de fotos y capturas de pantalla que le recordaron el impacto de su trabajo en la vida de otras personas.

Expedición, un camino con propósito es más que una narrativa personal; es una herramienta para quienes buscan profundizar en su propio ser, explorar sus talentos y vivir una vida plena y significativa. Martín Daulerio nos ofrece no solo su testimonio, sino también un espejo en el que podemos ver reflejadas nuestras propias búsquedas y

aspiraciones.

“Cuando estaba creando Expedición, redescubrí el propósito que había impulsado mi vida y mi carrera”, comparte Daulerio. “Esa conexión profunda con las personas que han sido tocadas por mi entrenamiento y las declaraciones de propósito de cada uno, me hizo ver que este viaje tan espectacular no era solo mío”.

Daulerio revela cómo, después de años de compartir y enseñar, el propósito que creía exclusivamente suyo, se había expandido, tocando la vida de otros de maneras que nunca imaginó. “Expedición es una invitación a compartir, a conectar con lo que verdaderamente nos mueve y a vivir en bienestar y abundancia”, afirma.

SINOPSIS

¿Quién dijo que tener un

propósito es un lujo? Muchos piensan que en esta vida primero tienen que trabajar, pagar las cuentas, educar a los hijos y recién después podrían dedicarse a buscar su propósito. Pero debería ser exactamente al revés. Porque cuando conectamos con el propósito, conectamos con el sentido, y eso le da valor a todo lo que hacemos. En este libro, el experimentado coach Martín Daulerio MCC acompaña a encontrar ese propósito que permita no solo sostener con firmeza cada objetivo que encaremos, sino que además nos trascienda en el mundo. Con ejercicios, dinámicas y ejemplos claros y concretos, Expedición: un camino con propósito permitirá construir una identidad poderosa con la que los resultados lleguen por sí solos en lugar de estar persiguiéndolos. Porque encontrar el propósito es convertirnos en quien siempre estuvimos destinados a ser para vivir con pasión y volumen.

BIO Martín Daulerio

“Mi misión es apoyar a las personas a conectar con su Ser Creativo para lograr una vida en plenitud con pasión y propósito.”

Master Coach Metacreativo.

Autor del libro “Expedición, un camino con propósito”

Coach Ontológico.

Coach Sistémico.

Supervisor de coaching certi-

ficado ICF

Mentor Coach Certificado ICF.

Coach ICF MCC.

Speaker Vivencial. Creativo y Comunicador.

Co-Fundador de Expedition Purpose Academy (EPA)

Co-Fundador de Faiketen Studio: Productora de audio y podcasting.

Co-Fundador y co-director de la Escuela del Potencial Humano Integral

Sistémico (EPHIS) con presencia en Argentina, Colombia y USA.

Co-creador y co-director de la Certificación en Coaching Ontológico Metacreativo. Formador de Coaches. +3200 horas de Coaching.

EXPERIENCIA

Expedition Purpose Academy - Co-Fundador y Entrenador 2023 - PRESENTE

Director programa y entrenador del programa “Expedición”, que está orientado a rediseño personal y el desarrollo de liderazgo a través del propósito.

EPHIS Latam — Co-Fundador y Director Académico 2018 - PRESENTE

Director y mentor de la Certificación en Coaching Ontológico con Enfoque Metacreativo y Speaker Vivencial, programa Nivel 2 avalado por ICF.

ILC Academy, Miami (USA) — Mentor coach asociado 2021 - PRESENTE. u

Mentor coach para los graduados de la certificación en Master Life Coach, dirigida por Fernando Celis PCC.

Expedición — Creador y facilitador

2014 - PRESENTE

Entrenamiento de 3 días enfocado en propósito y sentido. Llevamos realizadas ya más de 15 ediciones en distintas ciudades de hispanoamérica. Súperhumanos, Colombia | Misión Vital, Los Ángeles (USA) — Entrenador en Potencial Humano 2019 - PRESENTE

Entrenador de taller “Consciencia”

ICF Capítulo Argentina, CABA 2018 - 2019

Coordinador de Comunicación y Prensa de la institución.

Nueva Visión Argentina, CABA — Coach Ontológico 2015 - 2019

Docente de la Formación en Coaching Ontológico y Liderazgo Transformacional que dicta la empresa.

Nueva Visión Argentina, CABA — Entrenador en Potencial Humano 2014 - 2019

Entrenador de Talleres Vivenciales - Tres Niveles

Entrenador de Talleres Adicionales “La Expedición”, “Ser Abundante” y “DSM”.

Consultora que opera con empresas en temas de liderazgo organizacional, competencias comunicacionales,

trabajo en equipo, desarrollo de programas de transformación y talleres variados.

Buenos Aires 1, CABA — Entrenador en Potencial Humano

2007 - 2010

2007-2010 Entrenador de Programas de Liderazgo. 2011-2012 Entrenador de Taller Básico.

EDUCACIÓN

TEA Periodismo, Buenos Aires — Técnico en Periodismo General

MARZO DE 1996 - DICIEMBRE DE 1998

Formación profesional como periodista.

ICC Group Consulting, Miami | Buenos Aires— Coach

MARZO DE 2009 - DICIEMBRE DE 2010

Formación en Coaching Modelo Ontológico especializada en Management y Liderazgo

Espheras Coaching (Delia Chudnovsky), Buenos Aires — Diplomado en Coaching Onto Corporal

AGOSTO DE 2012 - AGOSTO DE 2013

Posgrado para Coaches Certificados apuntado a desarrollar herramientas y habilidades para la intervención Corporal.

Goldvarg Consulting Group, Buenos Aires | Los Angeles — Mentor Coach

MARZO DE 2017 - JUNIO DE 2017

Certificación en Mentor Coaching avalada por la International Coach Federation (ICF)

CoachingxValores Buenos Aires — Certificación

OCTUBRE DE 2018

Primera promoción argentina de la Certificación Internacional de CoachingxValores

Marco Leone MCC, Buenos Aires | Córdoba

MARZO DE 2018 - ACTUALIDAD

Entrenamiento Sistémico (CCE - ICF)

Alain Cardon MCC, Buenos Aires | Certificación

OCTUBRE DE 2018 - NOVIEMBRE 2020

Integrante de la primera camada de Coaches Sistémicos certificados de la escuela de Alain Cardon en Latinoamé-

rica. (CCE - ICF)

Melina Vicario (Staff Richard Bandler), Buenos Aires | Certificación Internacional

MARZO DE 2019 - ACTUALIDAD

PNL Licensed Practitioner

Goldvarg Consulting Group, — Supervisión de Coaching MARZO DE 2023 - DICIEMBRE DE 2023

Certificación en Supervisión de Coaching avalada por la International Coach Federa-

tion (ICF)

REDES SOCIALES www.martindaulerio.com

Lic. Marcela Núñez marcela@mncomunicacion.c om.ar

Luisa Ahumada lanzó su nuevo libro en la Feria del Libro de Bs. As.

La mujer y sus siete enanos farsantes

de Editorial El Emporio se presentó el pasado lunes 29 de abril, 16.00 horas en la Sala Sarmiento en el predio de la Rural.

Una mujer rompe el silencio con sus palabras cuando escribe y cuando lee. Hay una voz que podrá ser juzgada, pero que existe y vale por sí misma.

Ocho cuentos que se anclan en el clásico de Blancanieves y los siete enanitos para interpelar la idea de que aquellos personajes que parecen contribuir a la valorización de lo femenino, pueden ser una farsa.

El nuevo libro de cuentos de la

escritora cordobesa Luisa María Ahumada reúne historias diferentes sobre violencia y microviolencia hacia la mujer en una sociedad que todavía conserva narrativas tradicionales; una invitación para repensar los conceptos de igualdad y justicia desde la fuerza poética de la literatura. “Las historias son cuentos independientes que tratan desde la ficción, situaciones reales de mujeres violentadas en diferentes niveles que nos interpelan y nos hacen pensar cuánto nos falta aún respecto a la justicia y a la igualdad en la sociedad“, señala Ahumada.

“Este libro es importante en mi vida porque, como en el clásico de Blancanieves, simboliza un despertar. Mirarme al espejo con los ojos bien abiertos y escuchar mi propia voz, hablándome de la realidad. Es un despertar a mi vocación y a mis deseos”, asegura la autora.

Acerca de la autora

Luisa María Ahumada (Cruz del

Eje, 1984). Comunicadora y profesora. Participa con obras literarias en diversas antologías narrativas. Libros anteriores: “Ciclotimias” (Poesía. Editorial llantodemudo, 2009), “Habla Conmigo” (Cuentos. El Emporio, 2019), “Palabra de Mamá. Sin etiquetas que limiten” (Ensayo literario. El Emporio, 2020) y El deseo es una razón (Novela. El Emporio 2022). En Nombre Propio (Novela. El Emporio 2023). Más información: www.luisamariaahumada.com

FLOR CARROZZA

Prensa y Comunicación

https://florcarrozza.webnode.es/

Microcentro Cuenta

El concurso literario Microcentro Cuenta Cuentos anunció el nombre de la persona ganadora de su convocatoria

Se dieron a conocer las nueve obras seleccionadas, entre casi 3 mil postulaciones provenientes de autoras y autores de todas las provincias de Argentina, que conformarán una antología a publicarse en formato físico. Además, entre esas nueve obras, se eligió a una ganadora que recibirá el premio de 1 millón de pesos.

Microcentro Cuenta, plataforma comunicacional y de generación de contenidos que busca integrar, promover y articular las posibilidades del arte en el microcentro

porteño, anunció el fallo de Microcentro Cuenta Cuentos, un concurso de cuentos que tiene el objetivo de conocer nuevas narrativas sobre la ciudad y fomentar la creación literaria. La iniciativa fue una oportunidad para descubrir autoras y autores, y reconocer, a través de sus historias, las redes de sentido que constituyen la esencia de la vida urbana actual.

El anuncio oficial tuvo lugar en Banco Macro. Allí, se dio a conocer que Renata Begna con su cuento Desde la ven-

tana, es la persona ganadora del premio de 1 millón de

pesos. En ese marco, un jurado integrado por Mariana Enríquez, Lala Toutonian y Fabián Casas, bajo la coordinación de Nacho Iraola, expresó unas palabras respecto a la obra seleccionada: “Con un disparador muy sencillo como la espera, construye un cuento en el que consigue jugar con la temporalidad y la ambigüedad. La voz del personaje es melancólica: duda, tiene miedo, se enoja, se resigna, recuerda. Es muy complejo y vívido. La autora juega con las expectativas del lector, dejándolo inquieto y cautivado”.

El resto de los finalistas que integrarán la antología que publicará la editorial Emecé y que se presentará durante la 48° Feria Internacional del

Libro de Buenos Aires son: Emiliano Pérez Garay, El olor; Nicolás Fernández Muriano, Tu yuta es mi yuta; Sofía De Cucco Alconada, Cancelo cancelo cancelo; Julia Díaz Luque, El trámite; Gabriel Avalos Abuin, La sonrisa de Quasimodo; Leandro Manuel Calle, Panadería; Nicolás Hochman, Resistir un poco más y Julián Di Benedetto, Vaso de café.

La convocatoria se abrió en noviembre de 2023 y la temática estuvo vinculada a la es-

cena urbana, con el foco en el microcentro de la Ciudad de Buenos Aires.

Microcentro Cuenta es un proyecto declarado de interés cultural por el Ministerio de Cultura de la Ciudad, a través de Mecenazgo Participación Cultural, cuenta con el apoyo de Banco Macro, Leyendo.Arg y Emecé Editores del grupo Planeta.

Marisol Cambre prensa@marisolcambre.com. ar

Te cuento el vino

Marisol de la Fuente

Secretos, mitos y maravillas del mundo del vino

En la victoria lo merecemos, en la derrota lo necesitamos.

Te cuento el vino es el primer libro de Marisol de la Fuente, editado por Grijalbo, que nos invita a resetear de una manera rápida y amena el mundo de esta bebida milenaria.

Recorre su origen, deja atrás viejos conceptos y nos recuerda que el vino se toma como a cada uno le guste, lo importante es el disfrute. Solo, con soda, jugos, gaseosas, fríos, a temperatura ambiente; a la medida del gusto y goce propio. El vino conecta.

Venid pronto, estoy bebiendo estrellas

“El vino es cultura, es tradición y nos devuelve recuerdos –como los míos o como los tuyos-; el vino es trabajo, es un producto agrícola, es alimento, ciencia y, hoy también, mucha tecnología. El MiráBA 54

vino es parte de la gastronomía y, sobre todo, es parte de nuestra historia como humanidad, al punto que, originalmente, era interpretado como la bebida que nos unía con los dioses”, dice Marisol de la Fuente.

Vino, enséname el arte de ver mi propia historia

Este libro no pretende tener rigor académico, tan solo enseñar con sencillez y pasión a valorar y disfrutar todos los momentos que se viven alrededor de una copa.

Recuerdos que se vuelven experiencias

Nuevas experiencias, renovados temas de conversación, mitos derribados y curiosidades de esta antiquísima pócima que a través de los años construyó nuevos cimientos de la mano de la tecnología.

Te cuento el vino de Editorial Grijalbo puede encontrarse en todas las librerías del país y en cadenas de gran distribución. Valor $6000.-

Sobre Marisol de la Fuente

Sommelier internacional graduada en la Escuela Argentina de Sommeliers y Bartender del Centro Internacional de Coctelería. Comunica sobre el mundo del vino y las bebidas con el objetivo de acercarlo a los consumidores. Es columnista en el Canal de la Ciudad donde presenta una nota diferente cada semana de manera simple y divertida. En Vinimos, su podcast de vinos, responde las preguntas más habituales de los consumidores junto a Ariel Torres, periodista del Diario La Nación.

Dicto un curso “El vino, sin vueltas” en formato online y en vivo y, también, es docente en la carrera oficial de sommelier.

Además de su pasión por el vino, es Licenciada en Comunicación y tiene 20 años de experiencia en marketing, comunicación & PR en compañías multinacionales y es docente de Marketing Digital y asesora en Marketing Digital para empresas del sector.

Marisol es sommelier, bartender y Lic. en Comunicación.

Ofrece numerosas capacitaciones presenciales, y lleva sus conocimientos a través de sus cursos online en vivo y cursos gratuitos que ofrece en su página web www.solsommelier.com.ar

Participa de columnas sobre el vino en numerosos programas del Canal de La Ciudad y tiene su columna en Radio Continental.

Para más información: On Demand: https://elvinosinvueltas.com

Cursos Online y en vivo: https://www.solsommelier.c om.ar/cursodevinos

Cursos Online y en vivo: https://www.solsommelier.c om.ar/cursodevinos

Vinimos podcast: https://www.solsommelier.c om.ar/vinimospodcast y https://anchor.fm/vinimos

Todas las actividades: https://www.solsommelier.c om.ar/cursosycharlasdevinos

Redes sociales: https://www.instagram.com/ solsommelier

https://www.facebook.com/s olsommelier

https://www.youtube.com/c/ Solsommelier

https://www.tiktok.com/@so lsommelier

https://www.linkedin.com/in /marisoldelafuente/

Florencia Pérez Roldán www.prcomunicaciones.com .ar

Artes plásticas

Fundación Cazadores presenta

Multi/médium de Ramuntcho Matta

La exposición pone en diálogo la obra del artista francés con obras de los argentinos María Marta Fasoli, Florencia Walfisch, Anna-Lisa Marjak, Sofía Mastai y Alec Franco.

Fundación Cazadores presenta, por primera vez en Argentina, al artista francés Ramuntcho Matta, con su exposición Multi/medium. La muestra inauguró el pasado viernes 26 de abril a las 18 hs. y se podrá visitar hasta el 8 de junio en Villarroel 1440 (CABA), con entrada gratuita.

Bajo la curaduría de Eduardo Stupía y Virginia Fabri, la obra de Matta dialoga con piezas de cinco artistas locales: María Marta Fasoli, Florencia Walfisch, Anna-Lisa Marjak, Sofía Mastai y Alec Franco -estos últimos dos artistas transitaron el programa Clínica Cazadores en la Fundación-, estableciendo cruces dinámicos y experimentales, y una amalgama de lenguajes visuales.

MiráBA 56

“Es un honor recibir a Ramuntcho Matta en esta muestra que reúne su obra con la de creadores argentinos. Fundación Cazadores propone, desde sus cimientos, un espacio que invita y abre sus puertas al diálogo entre artistas de distintas generaciones y recorridos, ha-

Alec Franco - Indefinido 180 x 130cm

ciendo hincapié en la multiplicidad de medios como soporte de la expresión artística. Multi/medium pone en el centro de la escena a los artistas, a sus obras y al aporte indiscutible que otorga el arte a la sociedad en su conjunto”, sostiene Viviana Romay, directora de Fundación Cazadores.

La exposición reúne una selección de dibujos cotidianos con impronta de cómic, que Ramuntcho produce en una suerte de ritual diario. Desde

las redes sociales, el artista acude a estos dibujos para interactuar con los internautas, sus activos y anónimos interlocutores, con el ojo agudo de un curioso observador, que juega con las formas y la mirada del espectador, apelando al sentido crítico de la sociedad mientras nos deja entrever sus propias vivencias cotidianas.

En una segunda sección, una serie de videos revela instancias de la vida musical del artista junto al extraordinario

performer y poeta sonoro británico Brion Gysin y el poeta Allen Ginsberg, una de las figuras más destacadas de la generación Beat de los años 50. Desde una pantalla y en una continua metamorfosis, los dibujos bailan hasta su desintegración, al ritmo de la canción “Je sais tu sais”, de su autoría.

“Como un médium malabarista, Ramuntcho Matta despliega sus poliédricas facetas de cantante y compositor, dibujante, diseñador de soni, u

María Marta Fasoli - Sin título 136 x 124 cm

dos, poeta excéntrico y juglar cibernauta con un fin superior: comunicarse con la gente, modificar su entorno, transformar el espíritu y crear un mundo más habitable”, expresan los curadores en su texto curatorial. “La obra genera un intenso y productivo diálogo visual con las piezas de los artistas invitados”, agregan.

Además, un largo friso continuo pintado sobre papel, con un lenguaje gestual y una paleta de colores vibrantes, será intervenido por las y los artistas invitados en una acción performática colectiva du-

rante la estadía de Ramuntcho en Buenos Aires. Dentro de las actividades programadas, el artista francés ofrecerá un taller de dibujo y expresión experimental abierto al público, que se anunciará próximamente.

Multi/medium da cuenta de la versatilidad y la multidisciplina en la obra de Ramuntcho Matta, de lo sensible y lo furtivo del proceso de producción. En sus palabras: “Mi obra es un registro de rastros y huellas, a través de un dispositivo en el que el visitante está expuesto a estos flujos. Mi trabajo gira en torno al

placer de la experimentación. Y utilizo todo tipo de materiales para expresar diferentes categorías de experiencia”. Ante nuestros ojos, una explosión de colores, formas y ritmos.

Multi/medium se puede visitar del 26 de abril al 8 de junio, de miércoles a domingos, de 16 a 20 hs., en Fundación Cazadores (Villarroel 1440, CABA), con entrada gratuita.

Sobre Ramuntcho Matta

Ramuntcho Matta nació en París en 1960. Vive y trabaja

Ramuntcho Matta MiráBA

entre París y Epaux-Bézu, donde dirige un espacio de residencias artísticas.

Comenzó su carrera artística en la música a fines de los años 70, mientras utilizaba las artes visuales para dar forma a temas creativos más singulares, utilizando a veces el sonido, el dibujo, el video, el espacio, las palabras.

Realizó colaboraciones con artistas de la talla del trompetista y compositor norteamericano de jazz Don Cherry; el escritor, músico y performer inglés Brion Gysin -quien colaboró con William Burroughs en varias de sus novelas-; el poeta de la Generación Beat Allen Ginsberg, y el músico, compositor y filósofo estadounidense John Cage, una de las principales figuras de la vanguardia de posguerra.

Matta grabó una veintena de discos en solitario y otros tantos con otros artistas. En el año 2008, fundó en las afueras de París el centro cultural Lizières, del cual es director, una plataforma de reflexión e intercambio en torno a las nociones de cultura y arte, con el objetivo de sacar a la vanguardia de su aislamiento y dar rienda suelta a la experimentación de prácticas artísticas contemporáneas.

En 2011 presentó su documental Intimatta, un registro con grabaciones realizadas a su padre, el artista Roberto Matta. Heredó los archivos so-

Florencia Walfisch - La pintura en el centro 200 x 142 cm

noros de Brion Gysin y creó la instalación The Cat Inside, una evocación personal al artista.

Ha realizado exposiciones individuales en París, Nueva York, Londres, Madrid, Barcelona, Tokio y Roma, y participado de exposiciones colectivas en el espacio Louis Vuitton de París, los Museos de Bellas Artes de Valencia, San Diego y Chile y el Palais de Tokyo en París.

Sobre las y los artistas invitados

María Marta Fasoli nació en Mar del Plata. Se formó en el taller de Jorge Demirjian, mientras trabajaba como ilustradora en varias agencias de publicidad. Cursó la carrera de Fotografía en la Escuela Andy Goldstein y un posgrado de Dibujo en la Universidad Torcuato Di Tella. Realizó Clínicas de obra con Juan Travnik. u

Fabiana Barreda y Tulio de Sagastizábal. En el 2008 obtuvo el segundo Premio en el Salón Nacional de Artes Visuales en Grabado y fue seleccionada en reiteradas oportunidades en Dibujo y Pintura en dicho Salón.

En el 2018 presentó la muestra individual “Vuelos y caídas” como parte del ciclo La línea piensa en el Centro Cultural Borges, curada por Eduardo Stupía.

Alec Franco nació el 7 de agosto de 1972 en Buenos Aires, donde actualmente reside. Es diseñador gráfico desde 1995. Comenzó a pintar en 1991 y en 1993 asistió a los talleres de dibujo y aerografía de Ignacio Otero. Su formación continuó en los talleres de Expresionismo Abstracto de Marco Otero, de Esencialismo junto a Heriberto Zorrilla y Helena Distéfano. Hacia 2012 profundizó su técnica junto a Sergio Bazán y más tarde se perfecciona en la clínica de Fabiana Barreda y en la de María Carolina Baulo, quien fue curadora de una de sus últimas muestras, “Harena”. Durante 2022 y 2023 fue parte del programa Clínica Cazadores, a cargo de Florencia Qualina, Sergio Bazán y Leila Tschopp.

Francia en 1959 y vive actualmente en Argentina. Estudió Antropología en México y Pintura en New York. A lo largo de su trayectoria, ha recibido importantes distinciones.

Realizó videoarte, videoinstalaciones, performances. Actualmente se dedica exclusivamente a la pintura.

en Europa. Su obra hace foco en el color y la convivencia del dibujo con la pintura. Hoy sigue estudiando pintura con Margarita García Faure y Cintia Fernández Padin, y se encuentra trabajando en una muestra individual en Miami, Estados Unidos.

Anna-Lisa Marjak nació en

Sofía Mastai nació el 10 de junio de 1983, en Barcelona, España. Se recibió de Diseñadora de Indumentaria. Comenzó a pintar en 2012 con Cecilia Rubudi y se formó con Margarita García Faure, Cinthia Fernández Padin, Eduardo Stupia, Tulio, Sergio Bazán y Silvia Gurfein. Realizó muestras en Argentina, Uruguay y

Florencia Walfisch nació en Buenos Aires en 1970. Es artista visual y escritora. Realizó muestras individuales en el país y el exterior, en Galería Van Riel, Galería Michael Schultz, Gallery Molly Krom, Centro de Expresiones Contemporáneas de Rosario, entre otros. Participó de salones, muestras en colaboración y colectivas. Su obra recibió el Primer Premio Adquisición en la 28° Bienal de Arte Textil, Museo Eduardo Sívori (2023), Segundo Premio (2011) y Mención (2007) en Salón Nacional de Artes Visuales. Como escritora, publicó Sopa de ajo y mezcal, que recibió el Premio Internacional de Poesía Jaime Sabines 2004 y Reunida materia, que obtuvo una mención del jurado en el VI Premio Latinoamericano de Poesía de Medellín 2007.

Prensa Ana Quiroga anaq@fundacioncazadores.or g.ar

Sofia Mastai - Sin titulo 200x156

Galería Aldo de Sousa presenta en su nuevo espacio sobre la calle Paraguay

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SALTO AL POTRO de

Alexis Minkiewicz

El particular e intrigante punto de vista de Alexis Minkiewicz se materializa en una amplia serie de esculturas y dibujos recientes en los cuales el cuerpo, y los diferentes problemas que aborda desde el mismo, son los protagonistas de la exposición que inaugura en el nuevo espacio de la galería Aldo de Sousa.

“Salto al potro” es el propio desafío del artista. La destreza gimnástica de Minkiewicz derrama en la búsqueda por el dominio de diferentes técnicas y materialidades que ponen en valor el oficio del escultor: bocetos, arcillas,

yesos, bronces y mármoles dan cuenta de los sucesivos pasos creativos y las definiciones perseguidas en torno a cada pieza. Este nuevo abordaje en su producción funde en un conjunto en el que la exquisita sensualidad de los materiales y sus superficies nos invita a develar las tensiones de sentido que propone Minkiewicz en cada una de las obras: latencias, torsiones, posturas contra natura y sutiles mutilaciones o exageraciones indagan tanto en la identidad de la corporeidad como en la concepción de la escultura contemporánea y la permanente mirada a la historia del arte.

En paralelo, carbonillas de gran tamaño representan y exhiben otros cuerpos y permiten encontrar los hilos de una trama en la que -desde lo simbólico- los modelos institucionales que han marcado nuestra historia inciden y determinan el plano de lo identitario. Así, la exposición propone un escenario en el que cada capa de sentido permite ser complejizada por los ecos y reverberaciones de cada mirada.

Aldo de Sousa galería arroyo@aldodesousa.com.ar PARAGUAY 675 (entre Florida y Maipú)

Galería Jacques Martínez inauguración “Lo denso y lo extenso”

La exposición se llama “Lo denso y lo extenso” e inaugura un proyecto mayor. Las obras hablan sobre su creador pero nosotros queremos exponer también su pensamiento. Desde los trabajos colgados en la pared nos vamos a su archivo en el cual, a cada vuelta, nos topamos con textos de extraordinaria lucidez y belleza.

Su archivo es denso y este

proyecto que hoy empieza será extenso y tiene la ilusión de que, alrededor de lo que Héctor Giuffré escribió hace 40 años, nos unamos para pensar en temas como La situación de la Artes Plásticas en la Crisis Nacional (1) que hoy es absolutamente relevante.

(1) Documento disponible en el Fondo de Héctor Giuffré que tomamos como punto de partida para nuestro proyecto.

Héctor Giuffré

Nació en Buenos Aires el 5 de agosto de 1944. Comienza a estudiar dibujo a los 7 años. Impulsado por Benito Quinquela Martín, a quien conoce a los 12 años en una salida escolar, comienza a tomar clases de pintura en San Telmo con el maestro Mateo Mollo. Giuffré asiste diariamente a su taller durante 6 años.

Concurre a los talleres libres MiráBA 62

de la Asociación Estímulo de Bellas Artes, estudia y pintura a la tinta aguada con el maestro Jiro Mizutani. Forma parte de los cursos de la Escuela Superior de Bellas Artes “Ernesto de la Cárcova” y realiza estudios Economía en la Universidad de Buenos Aires y de Filosofía en la Universidad del Salvador.

Expone con regularidad desde 1964. Publicó los manifiestos realistas titulados “De la íntima estructura de lo real” (1968), “Manifiesto de los pintores libres” (1973), “Hacia un realismo estructural” (1975), “Lineamientos del realismo estructural” (1976), “El realismo en que creo” (1976), “Realismo estructural como posibilidad de ser de la pintura” (1978) y “Manifiesto Re-

alista y Relacional” (1984), en los cuales establece su posición dentro del arte.

Participó de numerosas muestras individuales y colectivas tanto en Buenos Aires, como en Bogotá, Medellín, New York, México DF. Sus obras forman parte de gran cantidad de museos y colecciones públicas, entre ellos el Museo Nacional de Bellas Artes de Argentina, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el Museo Provincial de Bellas Artes “Rosa Galisteo de Rodríguez” de la Provincia de Santa Fé, el Museo de Arte de la Biblioteca Nacional de Beyrut, La Essex Collection of Art from Latin America (ESCALA), la Unilever Collection de Londres. En la década del noventa se

radicó en Chicago, Illinois (EE.UU.), ciudad en la que falleció el 26 de septiembre de 2018.

DÍAS Y HORARIOS DE ATENCIÓN

Lunes, martes y miércoles: días de trabajo de nuestro equipo. Visitas EXCLUSIVAMENTE con cita previa Reservas telefónicamente o correo electrónico 11 3589 2701 galeriajacquesmartinez@gm ail.com)

Jueves y viernes de 14 a 19 h Sábados de 11 a 18 h

Atención general al público sin cita previa

Roque Sáenz Peña 267, San Isidro Tel 11 4979-3347/ 7917-1596

www.galeriajacquesmartinez.com

Alberto Greco en Fundación PROA

Lo que la noche le cuenta al día

Desde el Padiglione d’Arte Contemporanea de Milán llega a las salas de Proa una exhibición de obras emblemáticas producidas en los últimos cincuenta años por un conjunto de artistas argentinos consagrados de la escena local e internacional. A través de esculturas, fotografías, instalaciones, vídeos y performances “Lo que la noche le cuenta al día” examina las diferentes representaciones de una cultura a veces caracterizada, tanto en el pasado como en la actualidad, por distintas formas de violencia.

Curaduría: Andrés Duprat y Diego Sileo

En Roma, Alberto Greco conoce a Carmelo Bene a través de su amigo Giuseppe Lenti. Bene dirigía entonces una sala independiente, el Teatro Laboratorio, donde él y Greco proyectan la realización de una obra experimental, titulada Cristo 63. Concebida como “spettacolo Arte Vivo”, la obra debía transcurrir, según Greco, “en medio de la calle o dentro de un tranvía o en el andén del subterráneo, ... con toda la aventura de lo real, incorporando lo imprevisto”. El pú-

blico, por su parte, podía “intervenir cuando se le de la gana y contar una historia, si es la suya mucho mejor”. La obra recurría a la improvisación, con una estructura no definida de antemano, aunque incorporaba referencias a la pasión de Cristo y fragmentos tomados del Ulises de James Joyce y de Genet. La misma noche del estreno, el 4 de enero de 1963, la policía intervino, clausurando la obra y cerrando el teatro. Greco, que interpretaba al apóstol Juan, estaba vestido con una túnica de terciopelo verde azulado, que levantó en determinado momento de

Greco. Ph. Claudio Abat. Albertus Grecvs. 30 x 30 cm. Gelatina de plata en papel fibra. Año 1962 / Copia 2020.. Edición 5 + 1 prueba de estudio.

la obra y, según algunos testimonios, orinó en la platea, donde se encontraba el embajador argentino. Los medios gráficos se hicieron eco de la clausura de la obra, a la que califican de vulgar y blasfema, de un “simbolismo bizarro” propio de esos personajes que “los tratados de psicopatología definen como exhibicionistas”. Tras el precipitado cierre de Cristo 63, Greco se ve forzado a huir de Italia, con destino a Madrid.

“LO QUE LA NOCHE LE CUENTA AL DÍA”

El pasado sábado 16 de marzo, Fundación Proa inauguró su temporada 2024 con la exhibición “Lo que la noche le cuenta al día”, concebida por el Padiglione d’Arte Contemporanea (PAC) de Milán y con la curaduría u

Alberto Greco. Sin título (Arte Vivo, Roma) 30 x 30 cm.. Gelatina de plata en papel fibra. Circa 1962 / Copia 2020 Edición 5 + 1 prueba de estudio. @archivioclaudioabate

Alberto

conjunta de Andrés Dupratdirector del Museo Nacional de Bellas Artes- y Diego Sileo, del PAC. Con la presencia de artistas e invitados, en el mes de noviembre de 2023 se inauguró en el espa-

cio de esta prestigiosa institución, en el marco de un programa que lleva adelante con el objetivo de mostrar el arte contemporáneo de otros países en el contexto italiano. Desde ese momento

Proa estuvo involucrada en la exhibición, colaborando con la difusión del arte argentino en el exterior.

Mediante un conjunto de fotografías, instalaciones, es-

Alberto Greco. Cristo 63. Impresión de gelatina de plata sobre papel de fibra. Set de 10 fotografías. 24 x 24 cm cada una. Edición 5 + 1 AP. Año 1963 / Impresión 2020. @archivioclaudioabate MiráBA 66

culturas, videos y performances realizadas por 22 artistas argentinos consagrados en la escena internacional, “Lo que la noche le cuenta al día” explora la diversidad de miradas y expresiones de la cultura de un país que en el pasado fue destino de las grandes migraciones europeas. A modo de homenaje, la muestra toma el título de la novela homónima del escritor argentino Héctor Bianciotti, cuya trama argumental se entrelaza con la cuidadosa selección de los curadores, dado que en ella se relata la migración de sus padres y su propia migración a Europa.

El público se encontrará con piezas históricas como La civilización occidental y cristiana de León Ferrari; los célebres tajos de Lucio Fontana; las provocadoras performances de Alberto Greco en Italia; la serie de fotografías que registran la performance de Liliana Maresca desnuda en la revista El libertino; también verá imágenes de Marta Minujín durante la emisión de un programa de Canal 7 en el que la artista creó una performance en directo; más fotografías y una instalación de Liliana Porter. El itinerario enriquece su narrativa con obras recientes producidas por artistas destacados que, mediante soportes y poéticas

diversas, abundan en aquellos episodios clave de la historia argentina.

Los artistas: Eduardo Basualdo, Mariana Bellotto, Adriana Bustos, Matías Duvi-

lle, Leandro Erlich, León Ferrari, Lucio Fontana, Ana Gallardo, Alberto Greco, Jorge Macchi, Liliana Maresca, Marta Minujín, Cristina Piffer, Liliana Porter, Nicolás Robbio, Miguel Rothschild, Graciela Sacco, Alessandra Sanguinetti, Tomás Saraceno, Mariela Scafati, Juan Sorrentino y Adrián Villar Rojas.

La exposición se comple-

menta con un extenso programa de actividades organizadas por el Departamento de Educación para profundizar en las temáticas de las obras y sus alcances en el arte contemporáneo. Cuenta con la colaboración y el auspicio de Tenaris en Italia y Argentina, y la empresa Ternium. 16 de marzo — junio, 2024

Fundación Proa sigue comprometida con el accionar artístico nacional e internacional, apoyando acuerdos con instituciones de otros países.

Desde su creación, Del Infinito ha sido sede de una gran variedad de exposiciones dedicadas a los principales artistas de algunas de las vanguardias más relevantes de Argentina, los cuales han dialogado armónicamente con las obras de artistas más jóvenes. Al entender a la galería como una unidad didáctica, Del Infinito colabora con diversos proyectos en los cuales se favorece el intercambio, la reflexión y el interés por el arte contemporáneo. Miembro de Meridiano, Cámara argentina de galerías de arte contemporáneo.

Del Infinito Arte Quintana PTE AV 325 Piso PB, Buenos Aires, 1014 Argentina

CENTRO CULTURAL RECOLETA

¿Cuánto pesa el amor?

Más de 60 artistas nacionales y extranjeros

El pasado jueves 18 de abril a las 18 h inauguró la muestra colectiva “¿Cuánto pesa el amor?”, con la curaduría de Daniel Fischer. Puede visitarse en la sala Cronopios, J y C del Centro Cultural Recoleta (Junín 1930), dependiente del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, con entrada libre y gratuita.

Luego de “Breve historia de la eternidad”, realizada en estas mismas salas en 2023, Fischer presenta “¿Cuánto pesa el amor?”, una exhibición que ocupa 1500 metros cuadrados donde se podrá disfrutar de las obras de más de 60 artistas nacionales e internacionales, de todos los tiempos y en todos los formatos: fotografías, instalaciones, pinturas, esculturas, videos y fragmentos textuales provenientes de la ciencia ficción o que surgen de

Mirá

Nicola Constantino - Madonnav

conceptos filosóficos y comparten tópicos, mitos y relatos sobre el amor.

Los artistas que participan son: Amalia Amoedo, Manuel Ameztoy, Gabriel Baggio, Fabiana Barreda, Fabián Bercic, Antonio Berni, Delia Cancela, Claudia Casarino,

Ailí Chen, Cynthia Cohen, Nicola Costantino, Angela Copello, Flavia Da Rin, Petu de Mareca, Claudia del Río, Elisa Estrada, León Ferrari, Mónica Fierro, Yiyú Finke, Ana Gallardo, Daniel García, Nicolás García Uriburu, Edgardo Giménez, Sara Goldman, Carlos Gorriarena,

Vicente Grondona, Yuyo Gardiol, Carlos Herrera, Roberto Jacoby, Daniel Joglar, Alexandra Kehayoglou, Fernanda Laguna, Fabiana Larrea, Pablo Lehmann, Marcos López, Matilde Marín, Hernán Marina, Ulises Mazzucca, Paloma Mejía, Adriana Minoliti, Marta Minujín, Margarita Paksa, Alberto Passolini, Teresa Pereda, Débora Pierpaoli, Josefina Robirosa, Jéssica Sandoval, Diana Schufer, Paula Senderowicz, Cindy Sherman, Pablo Suárez, Paola Sferco, Soledad Sánchez Goldar, Mariana Tellería, María Torcello, Paula Toto Blake, Monica Heller, Liliana Porter, Silvia Rivas, Susana Perez, Anatole Saderman, Mónica Van Asperen y Silvia Hauton.

Daniel Fischer se pregunta, como lo hiciera Raymond Carver, “¿de qué hablamos cuando hablamos de amor?

¿Cuál es su estatuto? ¿Cuál es esa pulsión que gobierna nuestros cuerpos y sentidos? Llenos de pistas y señales, cuidadosamente seleccionadas, el peso del amor se hace presente en esta muestra de manera ingrávida y a la vez contundente”, apunta Fischer.

Y agrega: “La exposición, llena de nostalgia neblinosa y por momentos sombría, actúa como un inframundo límbico, como un borde para el espectador que medita y reflexiona sobre las distintas tecnologías que se ponen de manifiesto, físicas y emocionales, a la

hora de pensar en el amor (...). La creación en este recorte de obra es concebida como un portal o ventana mágica que permite adentrarnos y pensar en la mística, en el misterio y en la espiritualidad sostenida con el amor, el dolor y el silencio”.

Daniel

Fischer

Es profesor y curador independiente de arte contemporáneo. Es miembro de la Asociación Argentina de Críticos de Arte (AACA). Se ha formado en Arquitectura y Artes Visuales. Es docente de la Facultad de Artes, Diseño y Ciencia de la Cultura, (FADyCC) y de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Nacional del Nordeste (UNNE). Participa como investigador y académico para la Sociedad de Estudios Morfológicos en Argentina (SEMA). Ha obtenido becas del Consejo Federal de Cultura, Fundación Telefónica, Fondo Nacional

de las Artes, Ciencia y Técnica, Oficina Cultural de la Embajada de España, Fundación Volpe y Fundación Antorchas. Fue director del Museo de Bellas Artes René Brusau (Resistencia, Chaco). Ha realizado curadurías y ha diseñado grandes exposiciones para museos, galerías y ferias nacionales e internacionales de arte contemporáneo. Ha sido jurado de bienales, salones nacionales y provinciales. Es Doctorando de la Universidad Nacional de La Plata.

“¿Cuánto pesa el amor?” puede visitarse en el Centro Cultural Recoleta (Junín 1930) desde el 18 de abril a las 18 h, de martes a viernes de 13.30 a 22 h y sábados, domingos y feriados de 11.15 a 22 h, con entrada libre y gratuita.

http:/www.centroculturalrecoleta.org.

Prensa: Cecilia Gamboa info@ceciliagamboa.com.ar

Ulises Mazzucca - Nuestro baile de noche

Museos

El Museo de Esculturas Luis Perlotti celebra el rol de la mujer en el arte. Del 11 de abril al 25 de mayo se presenta:

“De musa a creadora. El rol de la mujer en el arte”

Con obras provenientes del acervo patrimonial del museo.

El Museo de Esculturas Luis Perlotti (Pujol 644) inauguró el pasado jueves 11 de abril a las 18 h “De musa a creadora. El rol de la mujer en el arte”, una selección de obras provenientes del acervo patrimonial del museo que se centran en la evolución del papel de la mujer en el mundo del arte. La muestra se presentará hasta el 25 de mayo.

La exposición visualiza un cambio de paradigma: las mujeres pasaron de ser representadas con una óptica netamente masculina a representarse a sí mismas como productoras y protagonistas culturales. El testimonio más cercano y reconocido localmente, ya adentrado el siglo pasado, fue el de la escultora Lola Mora. Actualmente, el patrimonio del museo cuenta con obras de escultoras

MiráBA 70

contemporáneas como Nelly Schneider, quien desafió a su época para desarrollarse en el arte.

Cabe destacar que las vidas de las mujeres y sus trayectorias históricas e intelectuales fueron también motivo de inspiración artística, obteniendo gran relevancia durante la primera mitad del siglo XX. Ejemplos son los retratos y figuras de la cultura porteña del escultor Luis Perlotti, quien donó el taller-hogar donde hoy funciona el museo.

Como destacados de la muestra se incluyen dos modelos a escala de obras monumentales concebidas por escultoras y que se encuentran emplazadas en la ciudad de Buenos Aires: la fuente monumental Las Nereidas, de Lola Mora (Argentina), y el Monumento al Cid Campeador, de Anna Hyatt Huntington (EE. UU.). La realización de los mismos estuvo a cargo de Gustavo De Coro.

Museo de Esculturas Luis Perlotti (Pujol 644)

Horario:

Lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19 h. Sábados, domingos y feriados de 11 a 20 h. Martes cerrado.

Público general: $500 Extranjeros no residentes: $2.000

Miércoles gratis. Jubilados, estudiantes universitarios presentando acreditación, personas con discapacidad

más un acompañante, menores de 12 años y grupos de estudiantes de colegios públicos, sin cargo.

Se

incorpora al patrimonio del Museo Sívori una obra de Cecilia Marcovich, pionera del arte argentino.

La escultura Desnudo femenino fue donada al Gobierno de la Ciudad por la nieta de la artista, en conmemoración al Mes de las Mujeres.

El Ministerio de Cultura anuncia la incorporación al acervo cultural del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires de una destacada obra de Cecilia Marcovich, pintora, escultora, educadora y activista por los derechos de las mujeres. La escultura “Desnudo femenino” ha sido donada al Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori por Susana Tubert, nieta de la artista, en conmemoración al

Desnudo femenino de Cecilia Marcovich. Escultura en piedra, 123 x 36 x 40 cm, Buenos Aires, 1950 MiráBA 72

Mes de las Mujeres.

La obra es una escultura en piedra realizada en Buenos Aires, en 1950, y la primera de la artista en el museo, lo que resulta una valiosa ampliación del panorama del arte argentino contemporáneo presente en la colección.

La escultura tuvo un rol protagónico en la exhibición “Mu-

jeres en Marcha. Cecilia Marcovich (1894-1976)”, llevada a cabo en el Museo Sívori entre septiembre y noviembre de 2023. Esta exposición, bajo la curaduría de Talía Bermejo, presentó por primera vez el trabajo de la artista a través de una minuciosa selección de 140 piezas en diversos formatos y técnicas. A su vez, permitió una aproximación a las distintas etapas de una

labor galardonada tres veces en el Salón Nacional (1935, 1940, 1960).

En su obra, Marcovich dio preponderancia a la mujer afrodescendiente, que aparece como tema central en escenas callejeras y de trabajo, maternidades y retratos, junto a la mujer mestiza, como en la célebre serie de Altos Hornos Zapla.

Cartelera

SEGUNDA TEMPORADA DE ÉXITO!

Basado en la novela literaria de Johan Wolfgang Von Goethe

MiráBA

De: Joaquín Stringa, Gastón

Brian Gliksztein y Ale Dolina

Puesta en escena y Dirección general: Gastón Brian Gliksztein

REESTRENO 3 DE ABRIL.

Funciones:

Miércoles a las 21hs.

Itaca Complejo Teatral Humahuaca 4027. CABA

Entrada General: $9.000 en boletería del teatro o por Alternativa Teatral Duración: 65 minutos

SINOPSIS:

“Fausto” (Tragedia Musical) es una fascinante adaptación al teatro musical, del clásico Fausto del autor alemán Johann Wolfgang Von Goethe, que se sumerge en un universo de pasión y muerte.

La historia gira en torno a Fausto, un hombre sediento de conocimiento y poder, que establece un

trascendental pacto con Mefistófeles, un enigmático ser que lo llevará a través de un viaje lleno de consecuencias impredecibles.

En la noche de Walpurgis la bruja Lilith, figura proveniente de la tradición judía se une al diablo, convirtiéndose en la madre de los demonios y arrastrando al protagonista en una trampa mortal.

En esta perturbadora historia, Fausto se enfrenta a dilemas morales y cuestiona los límites de la ambición humana.

adicional: Gastón Brian Gliksztein.

Música Original y Arreglos Vocales/Corales: Ale Dolina

Piano y Dirección Musical: Damián Henquin

Cello: Valeria Tartara

Coro (Lilim, Súcubos): Diego

Soler- Evgenia Lisina- Aldana Gribnicow

Puesta Coreográfica: Agus

Cumba

Diseño de Luces: Gastón Brian Gliksztein

Vestuario: Carla Liguori

La tragedia se avecina, en esa noche pagana, al encontrarse con una joven púdica.

La virginal Gretchen representa la inocencia, el contraste entre el mundo humano y lo sobrenatural, entre la fe y la duda.

A medida que su pacto con Mefistófeles se desarrolla, Fausto descubre que el precio de la sabiduría, la juventud eterna y el poder puede ser más alto de lo que imaginaba.

La narrativa se sumergirá en la complejidad del alma humana y hará cuestionar las decisiones que tomamos en nombre de nuestros deseos más profundos.

FICHA TECNICA:

Fausto: Charley Rappaport

Mefistófeles: Emmanuel Degracia

Gretchen: Maia Barrio

Lilith: Aimará Vázquez

Dramaturgia: Joaquín Stringa

Letras de canciones y material

Fotografías: Marcela Russarabian

Prensa: Natalia Bocca

Identidad Grafica: Wilfredo Parra

Producción Ejecutiva: Gastón

Brian Gliksztein

Puesta en escena y Dirección

General: Gastón Brian Gliksztein

SOBRE EL AUTOR:

Joaquín Stringa

Periodista, guionista, autor teatral, conductor de televisión y productor de espectáculos. Joaquin

Stringa es una persona que cubre un amplio abanico dentro de la producción, la comunicación y la puesta en marcha de diferentes tipos de proyectos artísticos.

Profesor de la cátedra de Práctica

Integral de Televisión y de Teorías de la Comunicación (Eter).

Como guionista cinematográfico destacamos: “La Sesión de Iara” (Streaming en vivo), “El Caballero Inmaculado” (Canal Orbe 21), “Diego y Josefina” (Serie de animación infantil), “Tan Paki” (Pod

75 MiráBA

Mirá

cast en Radio TrendTopic) y los documentales Menucos, el viento en la cara e Historia de la inmigración argentina entre otros.

Como Dramaturgo destacamos: “Historia de amor bajo la lluvia”, “Brochero”, “Invicto”, “El Extraño Caso del Doctor Jekyll y el Señor Hyde”, “La Caída de la Casa Usher” y “Mujercitas Argentinas”.

SOBRE LA MÚSICA ORIGINAL:

Ale Dolina

Compositor. Músico argentino que se graduó en Composición en la UCA. Es integrante del sexteto vocal Cabernet, con el que ha grabado cuatro discos y ganado un premio del Fondo Nacional de las Artes. Ha colaborado con reconocidos artistas como Mercedes Sosa, Silvio Rodríguez, Les Luthiers, entre otros.

Alejandro Dolina realizó las siguientes participaciones:

La representación teatral de la opereta Lo que me costó el amor de Laura, en el Teatro Avenida y Teatro Argentino de La Plata (cantante).

Radiocine (Planeta): (libro + CD –cantante)

Bar del infierno: (programa de TV y posterior obra de teatro – cantante, arreglador y dirección vocal). La obra de teatro fue representada con éxito en toda la Argentina, Montevideo, Sevilla, Madrid y Granada.

Actualmente, participa del bloque de música en vivo del programa

de radio La Venganza Será Terrible (Radio Am750, Fm Del Sol en Uruguay), como cantante, bajista y arreglador. Con dicho programa, se ha presentado en los más importantes escenarios de la Argentina, y ha sido parte de las giras internacionales (España, Francia, Italia, Uruguay).

Trabajó como productor musical en el film El Arca (2007), de Juan Pablo Buscarini, ganadora del “Cóndor de Plata” a la mejor película animada.

Ha compuesto música original para diversas producciones audiovisuales, algunas dirigidas por Juan José Campanella.

También ha creado música para obras de teatro como “Invicto” , “El Extraño Caso del doctor Jekyll y el Señor Hyde”, “La Caída de la Casa Usher” y “Mujercitas Argentinas”

SOBRE EL DIRECTOR:

Gastón Brian Gliksztein, director

Es actor, cantante, director, dramaturgo, productor y especialista en historia del teatro musical.

Se desempeña como cantor litúrgico en las sinagogas más importantes de Buenos Aires y como docente y gestor cultural en instituciones judías, destacándose su labor para AMIA Cultura.

Es el director de la página “Sonidos de Broadway” y conductor del programa homónimo en Radio Tu, la radio de APTRA.

Su primer musical “El hijo pródigo —ópera rock—”, junto a Santiago Lusardi con más de veinticinco artistas en escena marcó el comienzo de su carrera como dramaturgo.

Le siguió el musical infantil “Ieladim Sakranim”, primera comedia musical en hebreo con fines didácticos.

Se ha desempeñado como autor, director de espectáculos originales de AMIA Cultura, destacándose la puesta de “Prinsengracht 263 — la casa de atrás”, estrenada en el auditorio de AMIA en 2019 y luego llevada al circuito teatral comercial.

En 2023 llegó al Teatro Apolo de calle Corrientes con El Golem de Praga (Opera Klezmer) de su autoría junto a Matias Linetzky.

Es coautor y director de los musicales argentinos “El Extraño caso del Doctor Jekyll y el Señor Hyde. ”La caída de la casa Usher” y “Mujercitas Argentinas”

Prensa Natalia Bocca nataliabocca@gmail.com

TODOS LOS SÁBADOS 21.30

H

MiráBA 78

HUMBERTO

Detrás de los Espejos

MUSEO BARBERÍA LA ÉPOCA

Neuquén 761 - CABA

Tickets $5500.-

Entradas por Alternativa Teatral

La obra nos invita a recorrer una barbería porteña desde 1930, donde los personajes desafían al tiempo que parece no darles tregua.

En el pequeño mundo de la infancia se han escondido los anhelos de Humberto.

Como en el juego de las escondidas, ¿podrá reencontrarse con ese Niño, que espera ansioso ser descubierto tras los espejos de la barbería?

Los invitamos a ver una obra de teatro dentro de un museo. Viví una experiencia diferente ¿Estás preparado para reflejarte en los espejos?

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Dramaturgia: Creación Colectiva

Actúan: Walter Bau, Constanza Magali, Lucas Mercuri, Nora Piriz, Ale

Pissoni, Ángel Silvero, Diego

Caruso, Natali Araneda

Operación de sonido: Mauro

Postta

Diseño gráfico: Natali Araneda

Asistencia de dirección: Fabricio

Soza

Marketing: Natali Araneda

Producción: Teatro & Tertulias

Dirección: Agustina Liebehenz

Duración: 50 minutos

ALGUNAS OPINIONES DEL PÚBLICO EN ALTERNATIVA

TEATRAL

¡Una propuesta súper original! Emotiva, profunda. Excelente actuación. Súper recomendable.

Excelente la obra, ambientación y los actores, el lugar aporta un fuerte contenido emocional, para que podamos compartir y viven-

ciar esta magnífica historia.

Original propuesta en una escena y espacio inmersivo que hace imposible no transportarse en el tiempo.

¡Excelente! Espectacular el lugar y la modalidad de la obra. Sentís que sos partícipe de la historia, que está muy buena y te deja mucho para reflexionar. Un aplauso para los actores y para la dirección. ¡Súper recomendable!

Una maravillosa obra que nos lleva en un viaje por el tiempo haciéndonos repensar y emocionarnos. Te sentís parte de la obra. Geniales las actuaciones de todos los personajes, dirección, y historia hermosa contada

sobre un escenario mágico. Recomiendo 100%

Un viaje mágico con un mensaje que nos hace pensar sobre el “tiempo real”, que vivimos y nos ocupamos de las pequeñas cosas que sí importan. La historia es muy buena. Dirección genial y las actuaciones de los actores excelentes. Recomendable.

Viaje catártico en el que sumergirlos en la magia de un museo increíble y guiados por el encanto de su directora, los actores juegan con solo dos personaje llevándolos a redención.

Excelente obra que alcanza el corazón de todos, en busca del 79 MiráBA

niño perdido que todos buscamos allí podremos encontrarlos. Muy recomendable.

Acerca de AGUSTINA LIEBEHENZ (Directora)

Comenzó a estudiar teatro a los 12 años en Quilmes. Como actriz se formó 4 años en la escuela de AGUSTÍN ALEZZO y realizó seminarios con Teresita Galimany en el CELCIT, y con Pompeyo Audivert, Javier Daulte y Marcelo Savignone, entre otros. Fue asistente de dirección de “Subterraquo” de Dardo Dozo.

Estudió la carrera de Profesora de Artes en Teatro en la UNA de 2010 al 2014 y fue ayudante de Cátedra de la materia ACTUACIÓN del profesorado de la U.N.A en la cátedra de Kricun del 2012 al 2014.

Comenzó a impartir clases de Teatro en 2011. Se especializó haciendo el postítulo de didáctica Teatral en ANDAMIO 90 y “Pedagogía Teatral” con Raúl Serrano. Creó su propia escuela de formación actoral “Teatro Liebe”.

SOBRE MUSEO BARBERÍA LA ÉPOCA

En este espacio se despliega la fascinante vida de una Argentina de principios del siglo XX. Desde hace 33 años, los sueños de Miguel Barnes cobran vida, inaugurando su primer Museo Barbería el 7 de agosto de 1998. Desde entonces, lo imaginado se convierte en realidad. En este mágico rincón, cada objeto, mobiliario, fotografía y afiche publicitario nos ofrece un auténtico retrato de la vida en un salón creado por y para hombres. Cada elemento describe un lugar único, incluyendo un atractivo pasadizo secreto que nos transporta al submundo de antaño, con sus prohibiciones, negocios turbios y la sombra de la mafia de aquellos tiempos, con salones de juegos clandestinos, ruletas, pianos y mujeres disponibles para los hombres.

MiráBA 80

De esta manera, el Museo Barbería La Época introduce a sus visitantes a una época pasada, haciendo que cada espacio cobre vida. Es un lugar anclado en el tiempo, cargado de historias. Hoy en día, sigue ofreciéndose como escenario para los sueños de aquellos que, por medio del arte dramático, logran reflejar la vida de tiempos pasados a través de los espejos.

Contacto de Prensa IG @medioshabiles FB @medioshabilescom medioshabilescom@gmail.com

LLEGA AL TEATRO BORDER

Desde el 23 de abril, todos los martes a las 20:00h con un entusiasta y talentoso elenco y equipo juvenil, comprometidos con el arte y el cuidado del planeta.

En elTeatro Border un clásico de Roberto Cossa, “LA NONA”, dirigido por Francisco Martínez Bosch. Las funciones serán todos los martes a las 20:00h y las entradas se pueden adquirir en el teatro (Godoy Cruz 1838, CABA) o en su página web.

LA NONA es una producción de Paka Producciones y Francisco Martínez Bosch y cuenta con un elenco integrado por Tobías Bearzotti, Alejandro Kersfeld, Sofía Zorraquín, Guido Javier Masso, Luciana Sosa, Bianca Di Pasquale, Emiliano Kenyou y Clarita Campos.

Una producción sustentable en

un teatro sustentable

SINOPSIS:

Una familia argentina de origen italiano convive con una abuela conocida por todos como “La Nona”. A pesar de su avanzada edad, come sin parar, mientras la familia lucha con las cuentas para alimentarla y con llegar a fin de mes, al mismo tiempo.

La impronta, el concepto y el respeto por la sustentabilidad del Teatro Border contagiaron al equipo de LA NONA a sumarse a esta movida y decidieron incluir a la ONG “Dar Sentido”, que se encargará de confeccionar los programas de la obra en materiales reciclables y también producirán cuadernos reciclables que se venderán en el hall del teatro después de cada función y un porcentaje de estas ventas estará destinado a cola-

borar con distintas ONGs.

Un equipo joven y entusiasta, liderados por su director de 21 años

Con tan sólo 21 años, Francisco Martínez Bosch se enamoró de la obra y convocó a un equipo de jóvenes del ámbito del cine y del teatro, para que se sumen a la aventura de realizar LA NONA, obra clásica atemporal que resuena en cualquier época, cuestionando las bases de la sociedad al abordar conflictos humanos arraigados que persisten y se manifiestan en formas diversas.

LA NONA, de Roberto Cossa Elenco

LA NONA: Tobías Bearzotti

CARMELO: Alejandro Kersfeld

MARÍA: Sofía Zorraquín

CHICHO: Guido Javier Masso

ANYULA: Luciana Sosa

MARTA: Bianca Di Pasquale

DON FRANCISCO: Emiliano Kenyou

ALTERNANTE DE MARTA: Clarita Campos

ASISTENTE DE ARTE: Melina Giménez

ASISTENTES DE PRODUCCIÓN: Felipe Baeck, Ulises

Montanaro y Gaspar Parera

ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Sofia Desimoni

DIRECCIÓN DE ARTE: Catalina Larrán Butler

REALIZACIÓN ESCENOGRÁFICA: Guido Lombardo

MAQUILLAJE: Lucía Sanzol

FOTOGRAFÍA: Clara Muruzábal

DISEÑO GRÁFICO: Clara Muruzábal

FILMMAKING: Mauro Divita

COMMUNITY MANAGER: Sol Galassi

PRENSA: BMZ Comunicaciones

PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Candela Monzón

PRODUCCIÓN GENERAL: Paka Productions y Francisco Martínez Bosch

DIRECCIÓN GENERAL: Francisco Martínez Bosch

LA NONA de Roberto Cossa

Desde el 23 de abril, todos los martes a las 20:00h

Teatro Border, Godoy Cruz 1878, CABA

Duración de la obra: 90 min

Entradas en venta en la boletería del teatro y en su página web https://www.border.com.ar

PRENSA: BMZ Comunicaciones marcelo@bmzcomunicaciones.c om.ar

Tobías Bearzotti

Sofía Zorraquín

Guido Javier Masso

Luciana Sosa

Clarita Campos

Emiliano Kenyou

Alejandro Kersfeld

Bianca Di Pasquale 83 MiráBA

¡ESTRENO!

La verdad es falsificable. Los límites se vuelven difusos. La máscara se vuelve realidad. Locura y cordura se confunden. Igual que víctima y victimario.

Con precisión quirúrgica, Galcerán estructura su obra milimétricamente, develando paso a paso, sin anticipar, los elementos que nos llevarán a tomar partido por uno o por otro. Con personajes con una lógica de conductas que no reflejan aparentemente conductas lógicas, pero que en el devenir de la historia van cobrando sentido y nos obliga a cambiar de opinión.

Casi que no es tan importante su contenido, como su mecanismo y funcionamiento, que nos pone en cuestión nuestras propias creencias de cómo engañamos, somos engañados, creándonos una ficción de la que terminamos convencidos, hasta que descubrimos que es eso: una ficción.

FUNCIONES:

Palabras encadenadas

Sábados a las 21 horas

En Ítaca Complejo Teatral Humahuaca 4027

MiráBA 84

Entradas desde $7.000

En venta por Alternativa Teatral

FICHA TÉCNICA:

Autoría: Jordi Galcerán

Actúan: Ernesto Falcke, Natalia Pascale

Vestuario: Pheonía Veloz

Realización: Pablo Figueroa

Dispositivos escénicos y banda sonora: Guillermo Ghio

Diseño de luces: Tamara Josefina Turczyn

Realización de videos y fotografía: Fiero Fuego (productora creativa)

Diseño gráfico: Horacio Carro

Prensa: Mutuverría PR

Gestión institucional: Emilia Cornier

Asistencia de dirección: Iranda Acosta Toloza

Ayudante de dirección: Pablo Turchi

Dirección general: Guillermo Ghio

Agradecimientos: Mirta Tamayo, Silvia Ribera, Sole Ayardi, Marcelo Velázquez, Marcelo Rodríguez, Gonzalo Arias y Gerardo García.

Duración: 80 minutos

C.A.B.A.

SOBRE LA OBRA

Toda la obra de Jordi Galcerán se caracteriza por ser de una tensión dramática extrema y una capacidad de sorpresa que nos mantiene en vilo hasta su -sorpresivo- final. Esto gracias a una estructura impecable en la que cada elemento está puesto en el lugar que debe estar puesto, generando un sistema de “cajas chinas” donde los giros y quiebres en la historia mantienen la atención de los espectadores, haciendo que éstos quieran anticiparse a los próximos aconteci-

mientos, pero siempre son superados.

Cómo va develando cada elemento es vital para mantener dicha atención y a su vez, no generar tal angustia que el espectador desconecte de la historia. Dicha revelación va confirmando, ratificando y poblando de sentido las conductas que hasta ese momento podían resultar incomprensibles. Y mucho más que eso: esos comportamientos que habían generado un juicio previo en el espectador, ahora se desmoronan y adquie-

ren otro sentido, sino el inversamente proporcional al que habían tenido, poniendo cuestionando toda nuestra percepción de la realidad.

Un asunto como un femicidioque es un tema álgido desde siempre, no sólo ahora porque en estos tiempos tenga más visibilidad- es el contexto en dónde se desarrolla esta historia feroz. Y claro, todas las reflexiones sobre el amor y las pasiones, la cultura y los mandatos sociales y familiares, son puestos en cuestión.

Clásicos italianos versionados a tango en un thriller de los años 50

“UN TANGO ITALIANO”

Con Rosana Laudani y Diego Bros

Sobre una idea original de Rosana Laudani, Diego Bros y Héctor Ferreira

Libro y Dirección Sebastián Pajoni

Debido al éxito de público (todas las funciones de 2023 con localidades agotadas), desde el 04 de abril regresó al Café la Humedad (Carlos Calvo 2540, CABA) el thriller musical “Un Tango Italiano” con Rosana Laudani y Diego Bros, escrito y dirigido por Sebastián Pajoni sobre una idea original de Rosana Laudani, Diego Bros y Héctor Ferreira.

“Un Tango Italiano” es un musical que enlaza el “milagro económico italiano” que se reflejaba en todos los ámbitos, principalmente en el

MiráBA 86

esplendor de su música, con la “época de oro del Tango en Buenos Aires” que, salido de prostíbulos y orilleros, brillaba en Sociedades Italianas con grandes orquestas y los mejores cantautores.

“Un Tango Italiano” es un thriller musical que debate a los personajes entre el amor y la justicia, la pasión y la ambición, la vida y la muerte. Es la historia de un amor, entre opuestos, cómo no hay otro igual. Es la historia de un tango. Es la historia de clásicos italianos versionados a tango en un thriller de los años 50.

Foto Nacho Lunadei

SINÓPSIS:

¿Una pareja arregla cita en clave secreta, o la clave secreta termina uniendo lo imposible? Ladrona y detective inmersos en una atracción fatal, luchan entre lo que sienten y su deber. Los convoca el robo del siglo, ella va a realizarlo y él debe impedirlo; pero la magnífica ciudad de Florencia los confunde atrapándolos con su seducción. La ladrona es ambiciosa, la mujer apasionada. El detective cree en la justicia, el hombre es fiel a su deseo más profundo. El reencuentro es en Buenos Aires para el triunfo del amor, cuando nos sorprende la muerte tendiendo su velo negro hacia un final inesperado.

Este espectáculo cuenta con el Apoyo Institucional del Instituto Italiano de Cultura, Agregaduría de la Embajada de Italia en Argentina.

UN TANGO ITALIANO

Libro y dirección de Sebastián Pajoni sobre una idea original de Rosana Laudani, Diego Bros y Héctor Ferreira

Con Rosana Laudani y Diego Bros Actúa: Martín Cruz Reemplazo: Mauro Martucci Dirección

Musical: Hugo Hoffmann Piano: Hugo Hoffmann Bandoneón: Ignacio Claramonte Batería: Roberto Saver Coreografía: Diego Bros Fotografía: Nacho Lunadei Prensa y Redes: BMZ Comunicaciones Coordinadora de Prensa: Vero Larrea Diseño de Sonido: Ariel Mascali Diseño de Luces: Nacho Velino Diseño de

Vestuario: Héctor Ferreira Diseño de Maquillaje: Oscar Rodriguez Proyección Animada: Alejandro Perrotta y Gustavo Glusman Postproducción de Sonido: Joaquín Rosson Asistencia de Vestuario: Brian Verón Asistencia De Dirección: Martín Cruz Segundo Asistente: Tomás Gatti Producción Ejecutiva: Melina Gonzalez Producción Italia: Emiliano Pelizzari Producción Argentina: Seda Producciones Dirección General: Sebastián Pajoni.

Este espectáculo cuenta con el Apoyo Institucional del Instituto Italiano de Cultura, Agregaduría de la Embajada de Italia en Argentina

Todos los jueves (apertura de puertas 20:30 - show 21:30)

Café la Humedad, Carlos Calvo 2540, CABA

Duración: 60 minutos

Reservas al whatsapp 11 61659130

www.cafelahumedad.com

DIJO LA CRÍTICA

Rosana Laudani y Diego Bros se entienden muy bien en escena y logran que cada movimiento milimétricamente calculado, sea natural y fluya a la perfección; lo mismo sus voces se ensamblan muy bien logrando bellos dúos, como así también los solos.

Punto aparte para Héctor Ferreira a cargo del diseño de vestuario, ya que tienen un cambio descomunal de indumentaria para un espectáculo de este tipo.

Cecilia Accorinti - Espectáculos de Acá.

“Un Tango Italiano” en Café La Humedad, es una obra imperdible, si conocés el idioma, tiene un doble valor estar ahí porque disfrutás de la obra de punta a punta y si no, de todas maneras la entendés, la sentís porque es una obra muy sensible. Se las quiero super recomendar. Con dos animales arriba del escenario, Rosana Laudani y Diego Bros, son dos artistas increíbles. Vayan a verlo.

Sandra Borghi - Radio Mitre

Un material con arte, con clima, con mucha sensibilidad… yo que vengo de familia italiana, me hicieron estar en Italia…

Luis Vazquez - Hechos y Personajes

“Un tango italiano” es una joya en la ciudad de Buenos Aires, no sólo por el hecho de estar en un lugar reconocido y muy visitado, sino también por su creatividad, calidad artística y unos intérpretes que deslumbran en escena.

Gus Scuderi - Foco Teatral

La puesta de Sebastián Pajoni para “UN TANGO ITALIANO” en un espacio más reducido, apela a la creatividad y a las buenas ideas para que todo el talento que hay en escena se potencie y se logre un espectáculo de un gran nivel. Rosana Laudani logra con Diego Bros una química perfecta que es otro de los grandes logros del espectáculo.

Mario Cafferata para Ludico News

ESTRENO 2024 de Lautaro

Delgado Tymruk y Sofía Brito Maur

El actor es tomado por una voz. ¿El espectador estará presenciando un acto de posesión? Seré es un manual de supervivencia. Un instructivo de fuga. A partir del testimonio que dio Guillermo Fernández en 1985 durante el Juicio a las Juntas sobre su secuestro y fuga del centro clandestino de detención llamado Mansión Seré, un actor pondrá su cuerpo.

FUNCIONES:

Beckett Teatro

Guardia Vieja 3556 - Caba

Reservas: 11 41681505

Domingo - 19:00 hs

Estreno: 05/05/2024

Duración: 75 minutos.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Dramaturgia:

Sofia Brito, Lautaro Delgado Tymruk

Actúa:

Lautaro Delgado Tymruk

Escenotécnia:

Richy Salguero

Iluminación:

Ricardo Sica

Maquetas:

Gustavo Brito, Isolda Maur

Producción ejecutiva:

Adriana Yasky

Dramaturgista:

Conrado Beretta

Dirección:

Sofia Brito, Lautaro Delgado Tymruk

SOBRE LA OBRA

Seré es un circuito que se cierra. Hace más de diez años conocí a

Guillermo Fernández en el rodaje de la película Crónica de una fuga dirigida por Adrián Caetano. Este film narra el doloroso y épico escape de cuatro militantes políticos secuestrados en la Mansión Seré en la última dictadura cívico militar Argentina. Los que sobrevivieron a aquella pesadilla fueron Guillermo Fernández, Carlos García, Claudio Tamburrini y Daniel Rusomano.

Se me ocurrió entonces tomar su voz y poner mi cuerpo. Entonces la voz de Guillermo y de los presentes (el juez, fiscales, defensas, murmullos del público) en aquel registro sonoro sería la plataforma de la puesta en la que transcurriría la obra.

La obra condena el horror y vuelve presente ese pasado de

forma dialéctica en tres niveles: El pasado narrado por Guillermo, con todo lo que implicó el calvario del secuestro y la fuga. El presente de Guillermo en su declaración, con sus recuerdos, sus olvidos, sus fallidos y sus revelaciones. Por último el aquí y ahora de la obra, el tiempo de su representación, con su opinión sobre lo sucedido en esta actualidad, en esta época.

No es poca cosa la intriga de la misma, su final: la fuga. Aquí una pequeña victoria ocurrida el 24 de marzo de 1978, nada más y nada menos. El mismo día del golpe militar del 76. Ese dato histórico genera mito. En medio de la oscuridad cuatro hombres escapan. Seré es también reivindicación de aquella peripecia y de las treinta mil personas secuestradas y desaparecidas en la época más oscura de nuestra historia.

Lo que verán será una emulación, un truco de magia, ventriloquía, siendo más específicos. La sonoridad será documental y la puesta en acción ficción. Un cuerpo tomado por las voces de aquel testimonio valiente, desgarrador y

necesario con el fin de reactualizar la memoria colectiva. Un cuerpo que hará circuito y cortocircuito con el relato. Que se dejará hablar y opinará sobre lo que está “diciendo”. Una boca que permanecerá cerrada a veces, porque no tolerará pronunciar lo que dice. Una boca que vocalizará lo enunciado porque es necesario que se sepa lo ocurrido. Una voz significante y un cuerpo significado. Una voz significado y un cuerpo significante. Un esta-

llido a metros de la butaca.

Seré también es un estudio sobre el sonido y la voz. Sobre la palabra, sobre la materialización de la palabra. La palabra como conjuro que al conjurar crea. El poder creador de la palabra.

Seré es una obra de teatro urgente y provisoria. Urgente porque no hay tiempo y hay que reactualizar la memoria antes que la cabeza borradora de la hiperin-

LAPLATA C.A.B.A.

formación no deje rastros de la historia reciente. Provisorio porque esta es una propuesta que irá mutando. En principio lo actuará Lautaro Delgado Tymruk pero más adelante se harán relevos. Además la misma escenografía y vestuario irá expandiéndose. Es una puesta de combate y portátil. De combate porque es rústica, sin muchas pretensiones de belleza. Portátil porque la idea es que pueda ser actuada en cualquier espacio y rápidamente. u

LAUTARO DELGADO TYMRUK

Es actor, performer, director y docente.

Se formó en la escuela de Arte Dramático de Alejandra Boero durante nueve años. Es egresado de la Carrera de Dramaturgia de la EMAD y estudió dirección de cine en la FUC y en el IDAC. Estudió magia en la Escuela Fumanchú.

En teatro trabajó con directores como: Daniel Veronese, Roberto Villanueva, Edgardo Cozarinsky, Gustavo Tarrío, Marcelo Minnino, Luciano Cáceres, Joaquín Bonet, Calixto Bieito, Claudio Tolcachir y Juan Pablo Gómez.

Protagonizó películas de alcance internacional por las que tuvo varias nominaciones y premios.

“El corazón del mundo” de Santiago Loza fue su primera obra como director que se estrenó en simultáneo con su documental

Treplev en codirección junto a Esteban Perroud en el DOCBA. Treplev puede verse en www.cine.ar y en www.cont.ar

SOFIA BRITO

Es actriz, performer, realizadora audiovisual y docente.

Se formó como actriz en Buenos Aires con numerosos maestros. Fue seleccionada para los Talents de Berlín, México y Buenos Aires, donde estudió con Jean-Loui Rodrigué. Protagonizó películas de alcance internacional por las que tuvo varias nominaciones y premios.

En cine se formó con Andrés Di Tella, James Benning, Vanessa Ragone, Miguel Ángel Pérez. Realizó la Diplomatura en dirección

MiráBA 90

de PCI. Su ópera prima como directora “?? 61. La Verdad Interior” se estrenó en la competencia Internacional de DocLisboa, 2019.

Está desarrollando su segunda película Sólo que el silencio no existe, largometraje de ficción, con el que participó del Taller con Perspectiva de género de la DAC y del 12 Concurso de desarrollo de Raymundo Gleyser 2021, fue seleccionada para Mecenazgo y por el FNA.

AGRADECIMIENTOS:

Carlos García, Ana María Careaga, Damian Loreti, Emiliano Ruy, Carola Noriega, Eugenia Levin, Sabrina Osowski, Archivo de la memoria, Andrea Copani.

Esta obra cuenta con el apoyo de

“Instituto Espacio para la Memoria”

“Asociación Seré por la Memoria y la Vida” “Teatro x la identidad” “Fundación Sagai” y fue declarada de Interés Cultural por la Facultad de Ciencias Sociales de la UBA

Contacto: Adri Yasky adriana.paula.yasky@gmail.com www.adriyasky.com.ar

Video

Trailer Seré https://youtu.be/wl-cjy4gPvQ?feature=shared

Ni rotas, ni descosidas Drama Cómico Musical

“Ni Rotas Ni Descosidas” nos sumerge en las vidas de tres mujeres de 60 años, explorando la amistad, la elección consciente de cómo vivir y la búsqueda de la realización personal en medio de las expectativas sociales y las limitaciones autoimpuestas. La obra destaca la importancia de perseguir los sueños, independientemente de la edad, en un relato emocional y reflexivo sobre la existencia.

Estas mujeres que en su juventud cantaban boleros como El Trío D’amor se reencuentan para participar en una Maratón musical, destinada a recaudar fondos y así, salvar la radio de su pequeño pueblo en la provincia de Buenos Aires. A través de la trama, se devela la historia de una profunda amistad que ha perdurado a lo largo de los años.

La relación de amor entre mujeres es uno de los componentes de la obra que relata la importancia de las elecciones de cada una. Un tema que va más allá de la sexualidad, y que abarca aspectos como la elección entre la vida en el pueblo o en la ciudad, renunciar a los propios sueños y deseos, y el desafío de escucharse. El amor en sus diferentes formas.

Ro, enfrentando las limitaciones de su entorno, decide abandonar el país en busca de una vida MiráBA 92

plena. Por otro lado, Mara elige una vida más simple y tradicional, renunciando a oportunidades más amplias. Mientras que Dalila, a los 60 años, ve este evento como una oportunidad para perseguir sus anhelos más profundos, desafiando la noción de que el envejecer nos imposibilita perseguir nuestros sueños.

Dirección General: Gabi Goldberg

Dirección Musical: Daniela Basso Primavera

Dramaturgia: Dana Basso

Actúan: Dana Basso, Cecile Caillon y Mariana Smibiansky

Escenografía: Carlos Di Pasquo

Vestuario: Paula Molina

Diseño de Luces: Ricky Sica

Puesta Coreográfica: Gabi Goldberg

Asistencia de dirección: Facundo La Fuente

FUNCIONES:

Sábados 18:30 hr.

Moscú Teatro

Juan Ramírez de Velasco 535, Villa Crespo - 011 2074-3718

Entradas $7000 - Estudiantes y jubilados $5600 Ig @nirotasnidescosidas.laobra

Gabi Goldberg

Dirección General

Egresada de la Escuela Nacional de danzas. Se formó en Danza con maestros como Ricky Pashkus, Moira Chapman,

Freddy Romero. En Comedia Musical con Ricky Pashkus, Carlos Gianni y Mariano Moruja En teatro en la Escuela de Arte Dramático, Agustín Alezzo. Coreografía con Ana Itelman. Entrenó Clown con Marcelo Katz y Hernán Carbon. Egresada de la Escuela Formación de líderes.

Como Directora: Ballet 40/90, La Bobe, Había una vez Rock (Daniela Herrero), A esta altura (Eureka – Co Dirección con R. Segal, El Busto es Nuestro, Tito y Coloso, Quién te quita lo bailado (Ballet 40-90), Derechos Torcidos (PakaPaka), Qué Hermosa Kermesse (Ciertas Petunias), Objetos Maravillosos (Vocal 5), Festejemos la Historia Flashmob. Como Coreógrafa: Ballet 40-90,

Damas Bravas, Vientre... El hueco de dónde venimos, Derechos Torcidos Pakapaka, Rauch, Qué Hermosa Kermesse, Objetos Maravillosos, Los Fabulosos Singer, Festejemos la Historia Flashmob, Revolución de un Mundo, Graves y Agudos, Derechos Torcidos Premio Argentores 2006. Coreografía Original / Mención Teatro Del Mundo 2005 Dirección Coreográfica.

Como Docente: ATRÉVETE Taller de Baile +50 Gabi Goldberg, Clases de Comedia Musical en el barrio La Carbonilla, Directora en Estudio de Comedia Musical de Gabi Goldberg, Taller de Comedia Musical de Ricky Pashkus, Carlos Gianni y Mariano Moruja., Teatro en la escuela Río Plateado de Hugo Midón, Cursos de capacitación y Talleres para empresas., Capacitación en el Congreso de Teatro Musical en Escuela Municipal de Teatro de Venado Tuerto.

Como Actriz: Desenchufados (La abuela Mabel), Los Locos Addams (Abuela), Midoneando en el Festival de Teatro para toda la familia Hugo Midón, Tempo, La Biblioteca, Huesito Caracú (La Mama), El Salpicón, Noche Corta, Rebelión en la Granja, Pierrock, El Gato con Botas (La Princesa), Gypsy (Amanda), Calle 42 (Anny).

Daniela Basso

Dirección Musical

Nace en Buenos Aires, Argentina, pero su raíz es brasileña y la confluencia de tradiciones marcará su formación desde los inicios. Estudia técnica vocal con Ani

Grunwald, Víctor Torres y Malvina Parnas. Se forma en audioperceptiva, armonía y piano con diversos maestros, entre ellos María del Carmen Aguilar, Laura Baade, Adriana de los Santos y Hugo Espíndola. Además, complementará su formación pedagógica y docente en diversas instancias de perfeccionamiento junto a Alicia Lurá, Violeta de Gainza, Marcela Pietrokovsky, Katie Viqueira, y profesionales del exterior como Marianne Sébastien (Suiza), Eugene Rabine y Renata Parussel (Alemania).

Desarrolla su carrera como cantante especializada en la música popular del Brasil, aunque siempre vinculada al canto popular de Latinoamérica, gestando y participando en diversos proyectos. Junto a Ernesto Salgueiro crea el Dúo Basso-Salgueiro y editan en forma independiente “Fotografía” con gran repercusión en el público y la crítica. Integra, también, el quinteto vocal Camaleones –músicos mimetizables, con quienes editó el disco “Alevare”. Comparte escenarios con destacados músicos de la escena local:

Oscar Alem, Fernando Pugliese, Pablo Bronzini, Agustín Pereyra Lucena y Guillermo Bazzola, entre otros. Se desempeña como Profesora Titular de Entrenamiento vocal para actores en la Universidad Nacional de las Artes (UNA); es docente de iniciación al canto coral en diversas instituciones de la Ciudad de Buenos Aires y, desde hace más de dos décadas, trabaja como coach vocal y profesora de canto de manera independiente.

Recientemente, realizó el diseño sonoro para la obra teatral NOMBRARSE (Dir. Dana Basso, estreno Nov 2021, Sportivo Teatral) en la cual también interviene como voz en escena y participó como cantante en la última edición de la Bienal de Performance - BP 21 en la obra “El Ala Interior” (Dir. de Agustina Muñoz y Mercedes Azpilicueta).

TEHAGOLAPRENSA

Andrea Feiguin - Comunicación y prensa info@tehagolaprensa.com.ar andrea@tehagolaprensa.com.ar www.tehagolaprensa.com.ar

“Pequeños Grandes Momentos”

Comedia dramática basada en la popular serie “Tiny Little Things”

El pasado lunes 15 de abril se estrenó “Pequeños Grandes Momentos”, la comedia dramática basada en la popular serie “Tiny Little Things”, en el Teatro Multitabaris Comafi. La obra está encabezada por Tomás Fonzi, Sabrina Garciarena, Malena Sánchez y Michel Noher, bajo la dirección de Dalia Elnecavé.

Aclamada en Broadway y en México, “Pequeños Grandes Mo-

mentos” estrena por primera vez en Buenos Aires, en una producción de Valentina Berger y Morris Gilbert. Nia Vardalos (conocida por su personaje en Mi Gran Casamiento Griego), adaptó este texto a una obra de teatro que, dirigida por Thomas Kail (el director de Hamilton), y desde que estrenó en el The Public Theater, en 2017, se transformó en un rotundo éxito.

Preguntas que nunca hicimos, respuestas que jamás llegaron, secretos ancestrales, anhelos, sueños rotos. Y la profunda convicción de que compartiendo con

otros todo es más fácil y siempre hay un hermoso lugar detrás del arco iris. Esta profunda obra llega al corazón del público a través de la empatía y la reflexión en una entrañable experiencia grupal que nos recuerda la importancia de estar atentos y apreciar los pequeños pero grandes momentos de la vida.

Entradas a la venta por Plateanet Seguinos en redes: @pequenosgrandesmomentosok

Lo que saben de nosotros de Matias Vitali

Lo que saben de nosotros es una obra escrita y dirigida por Matías Vitali, producida por Jauría Teatro, una compañía teatral fundada hace más de 15 años con el propósito de explorar nuevas estéticas y de estimular el pensamiento teatral.

RESEÑA:

Una comunidad de un barrio porteño atravesará diferentes circunstancias que los va a enfrentar a incómodas preguntas cómo ¿dónde vivimos, si en una ciudad, o tal vez, en el mismo internet? ¿Acaso el algoritmo está fuera de control? ¿Cabe el mundo en un megapíxel? ¿Po-

demos resolver el planeta con un like? Hasta llegar el cuestionamiento de la propia existencia: ¿Dónde está la verdad, afuera o dentro de una pantalla? ¿La realidad es la que nos rodea, o es la que mostramos en las redes sociales? ¿Soy el relato que construyo para Instagram o soy lo que un comentario de Twitter define de mí? Estos personajes se van a cuestionar si controlamos la tecnología o es ella quien nos controla ¿Qué pasaría si las inteligencias artificiales sobrepasaran algunos permisos, La verdad y el mundo serían los mismos?

Todos estos interrogantes se desatarán en esta comedia de enredos sobre un puñado de personajes rotos, desesperados y perdidos en la metrópolis, que buscarán la satisfacción a cualquier costo, mucho más aún cuando una misteriosa entidad pondrá en jaque a sus más bajos instintos. Un retrato hilarante, preciso y áspero sobre lo que nos hace humanos.

FICHA TÉCNICA:

Actúan (por orden alfabético):

Alejandro Souto, Araceli Napoli, Delfina Ibañez, Diego Nardomarino, Elizabeth Coolen, Erica Zaza, Flor Cardelino, Flora Aylen, Gabriel Ahumada, Hanna Lukac, Isco Waddington, Laura Laiguera, Leandro Patané, Mara González, Mariana Ailén Currá, Matias Vitali, Michelle Laffitte, Silvina Galas, Thiago Abalo

Diseño escenográfico y realización: Lucas Pardeau Asistente

de realización escenográfica:

Juana Adriana Silva Vestuario: Lucas Pardeu, Jauría Teatro Diseño de iluminación: Lucas Pardeu Community manager: Mich Guyot Prensa: Caro Arellano.

Expansión Teatral Diseño gráfico: Laura Laiguera, Diego Nardomarino Producción ejecutiva: Alejandro Souto, Matías Vitali

Asistente de producción: Florencia Scófano Asistente de dirección: Karina Obstoj

Dramaturgia: Matías Vitali

Dirección: Matías Vitali

Duración aproximada: 120 minutos

Teatro Border, Godoy Cruz 1838, C.A.B.A.

Desde el sábado 04/05 hasta el 06/07 inclusive.

Sábados a las 18:30 hs

Género: comedia de enredos

Para Jóvenes y Adultos

IG: @loquesabendenosotros @expansionteatral

Venta de Entradas: https://www.border.com.ar/teatro_programacion.php

Sobre Jauría Teatro:

Lo que saben de nosotros es una obra escrita y dirigida por Matías Vitali, producida por Jauría Teatro, una compañía teatral fundada hace más de 15 años con el propósito de explorar nuevas estéticas y de estimular el pensamiento teatral.

Jauría Teatro es una compañía teatral fundada por Matías Vitali y Alejandro Souto. Desde el

2007 producen espectáculos en el circuito de teatro off.

Normalmente, la compañía realiza puestas en escena sobre la dramaturgia del mismo director, Matías Vitali. Llevan más de una docena de espectáculos estrenados a la fecha. Realizaron temporadas localmente en la Ciudad de Buenos Aires y funciones de gira en el Conurbano Bonaerense, por las provincias y en Uruguay, donde fueron invitados a realizar presentaciones e impartir seminarios.

La búsqueda estética tiene que ver con el desarrollo de nuevas poéticas y la ruptura y reutilización de convenciones. Los procesos creativos suelen ser arduos, de mucha búsqueda y ensayo, llevando al extremo mecanismos de producción inusuales en el teatro independiente de Argentina. El resultado se refleja en las excelentes críticas cosechadas a lo largo de los años, al cada vez más caudaloso público que los sigue y a la entusiasta y gratificante devolución de los espectadores. Su última creación “Reprogramación” logró ser declarada de interés nacional.

Sobre Matías Vitali:

Es escritor, actor, director, dramaturgo y docente teatral. Colabora con Revista Meta como crítico teatral. En su formación teatral están los maestros: Pompeyo Audivert, Raúl Serrano, Andrea Garrote, Irina Alonso, Alicia López Heredia, Débora Astrosky, Eduardo Pavelik, Marcela Rodríguez Blanco, Ricardo Lago Olivera, Néstor Sabattini, Alejandro Mag-

none, Andrea Valencia, Paula Rosenfeld, entre otros.

Trabajó con los siguientes directores: Galo Ontivero, Andrea Valencia, Alicia López Heredia, Ricardo Ademar, Jorge Gonzáles, Alejandro Borgatello, Verónica Shon, Juan Pablo Barrios, Gustavo Lioy, Juan Carlos Trichillo, Andrea Garrote, Tomás Grounauer, Sol Miranda, Martina Nikolle Ansardi, entre otros.

Dicta un taller de entrenamiento/iniciación actoral desde el año 2007 a la actualidad. Imparte clases y prepara actores en todo el territorio nacional y en el exterior

Sobre Alejandro Souto:

Es actor y productor ejecutivo.

Se formó con Irina Alonso, Eugenia Levin, Ricardo Lago Oliveira, Néstor Sabatini, Matías Vitali, Francisco Lumerman y Lisandro Penelas, entre otros.

Realizó seminarios con Diego Starosta, Cristina Moreira, Cristian de Marco, Mauricio Kartun, Mariano Pensotti, Alejandro Tantanian y Juan Pereyra.

Estudió distintas disciplinas, como teatro musical, canto coral y danza.

Participó en los cortos Los días que son últimos, de Federico Blauzik, Fucking Clown, de Alexandra L. Rosse y N.N. de Rocío Belén Moser.

Con Consuelo Amal, escribió, dirigió y actuó la obra Ponéte en mi lugar.

Prensa: Caro Arellano

Expansión Teatral expansionteatral@gmail.com

TEATRO DEL PASILLO

“LA DE TU MADRE Concert” de Silvia Geijo y Viviana Salomón

“¿Tanto lío por una manzana? Vamos, como si el otro no hubiese sido tan responsable como yo, pero claro, como soy mujer.” (dice Eva, la primera según la Biblia).

¿Me lo vas a decir a mí? Soy Santa y Virgen y nadie me cree” (le contesta la Virgen María).

” A mí me reventaron a piedrazos, hasta que vino el Hijo de ésta (la Virgen María) y me salvó” (acota María Magdalena).

Este diálogo entre tres mujeres de la historia es solo uno de los muchos momentos delirantes que tiene “La de tu Madre”, un espectáculo cómico musical presentado

a modo Concert, con distintos cuadros donde aparecerán mujeres de todo tipo de culturas y creencias en situaciones absurdas que desde el humor nos permitirán reflexionar sobre las desigualdades de género y el rol que ellas han tenido en la sociedad a través de los años y hasta nuestros días.

Además, como corolario, el espectador tendrá el conocimiento del origen de la palabra vagina y su influencia en el agravio por todos conocido: “Por qué no te vas a la...de tu madre?”

Elegimos ubicar (desde el vestuario, la música y la escenografía) la acción en la década del 60 porque en esos años comenzó la segunda ola feminista.

En conclusión, esta obra, en tiem-

pos de empoderamiento, es un divertido homenaje a la mujer en general y a la vagina en particular.

“LA DE TU MADRE Concert” de Silvia Geijo y Viviana Salomón.

VIERNES A LAS 20:30 HORAS

Teatro del Pasillo

Colombres 35. CABA

Entrada general: $6.000

A la venta en Alternativa Teatral

Duración: 60 minutos

FICHA TÉCNICA

Actúan:

Silvia Geijo, Viviana Salomón y Julieta Nieva.

Dirección coreográfica: Marcelo Duran Música Original: Juan

José Bartolomeo Diseño y Realización de vestuario: Mario

Pera Ochoa Realización Escenográfica: Jorge Lorenzo - Norberto Lorenzo Voz en off: Luis Albano Fotos: Celeste PalmaMartín Borra Salomón Prensa: Natalia Bocca Edición de video: Martín Borra Salomón - Juan José Bartolomeo Diseño gráfico: Nahuel Lamoglia Producción ejecutiva: Elena Avena Asistencia de dirección: Claudia García Meza

Dirección general: Jorge Lorenzo

SOBRE LAS ACTRICES

Silvia Geijo, actriz y autora.

TRABAJOS EN TELEVISIÓN

“Chiara”, “Supernova”, “Amar

después de amar”, “Esperanza Mía”, “Entre Canibales” “En Terapia”, “Dulce Amor”, “Quitapenas”, “Lobo”, “Caín y Abel”, “Casi Ángeles”, “Herencia de amor”, “Valientes”, “Don Juan y su Bella Dama”, “Mujeres de nadie”, “Vidas Roba-

das”, “Lalola”, “Montecristo”, “Sos mi vida”, “Amo de casa” y “Alma Pirata” EN CINE “La herida”, “Alicia”, “El peor día de mi vida”, “Justo en lo Mejor de mi Vida”, “Paco”, “Derecho de Familia”, “Erreway 4 cami-

C.A.B.A.

nos”, “Vivir intentando”, “El polaquito”, “Apasionados”, “Papá es un Ídolo”, “Plata Quemada”, “Esa Maldita Costilla”. EN TEATRO “Del barrio la mondiola”, “La de tu madre”, “Ciervo Pie Blanco”, “Atemporal: Madre -

Padre” – Dir. Susana Nova – Primer premio mejor actriz.

“Las dos carátulas” – Radio Nacional. “Teatro semi montado” Dir. Julio Baccaro, “La magia de Pinocho y Cenicienta” – Gira Gobierno de San Luis y Gran Bs. As. “Los cuentos de Martita” – Gira por el Gobierno de Córdoba. “Teatrísimo” El movimiento continuo”, “Muerte accidental de un anarquista” “Que siga la milonga”, “Tango que me hiciste amar”, “Copetín de actores”.

Viviana Salomón, Actriz y autora.

Trabajo en ficciones de TV tales como: “La Elegida”, “Ricos y Famosos”, “Gasoleros”, “Son Amores”, “Padre Coraje”, “Media Falta“, Son de Fierro”, “Mujeres de Nadie”, “Valientes”, “Malparida”, “Verano del 98”, “Chiquititas”, “Luna Salvaje”, “Franco Buenaventura”, “Máximo Corazón”, “La Niñera”, “Amor en custodia”, “Culpable de este Amor”, “Hermanos y Detectives”, “Don Juan y su bella Dama”, entre otros.

Cine: “Los Ängeles” (Juan Baldana), “Sensaciones” (Hernán Aguilar), “Anita” (Marcos Carnevale).

Teatro: “Colón y Za 2”, Estocolmo, Suecia-“Mustafá”, “El conventillo de la Paloma”, “El Organito”, “Bar La Esperanza”, “Un oficio como cualquier otro”, “Radioteatro para aplaudir” (Ciclo teatral en Argentores), “EfectoManiquí.com”, “Vidas Paralelas”, entre otros.

Radio Nacional: “Las dos carátulas” desde 1990 hasta el 2023. “Radio Cine” (Rodolfo Graciano)

Premio: “Galardón Susini” (trayectoria en radio otorgado por ARGENTORES

Julieta Nieva, Actriz, bailarina y docente de teatro.

2022- 2024 • Maestra de teatro en esc. Primaria c/ intensificación en artes, esc. 20 de. 11, “Antonio Alice”.

2022 - Cooperativa teatral infantil “grupo azul” como actriz en la obra “Pinocho y Cenicienta”.

2017 – 2020 • Bailarina en grupo de danzas “HyC Tango”

2016 – Actriz en producción teatral “fértil” (proyecto pedagógico final creado y realizado en la E.M.A.D.)

2014 – 2015 • Bailarina del grupo de danzas “conjunto folklórico del plata” con participación en diversos festivales folklóricos nacionales e internacionales.

2011 – 2012 • Participación en el proyecto “aprender trabajando” como coordinadora de talleres de teatro para nivel primario.

SOBRE EL DIRECTOR

Jorge Lorenzo es actor, director y dramaturgo.

TEATRO: “Del barrio la mondiola”, “Potestad”, “Rojos Globos Rojos” (2018/19 “Las Paredes” (2016/2017)“Cámara Lenta” (2015) “Potestad” ( 2013/14) “El Pacto” (2013) “Tango, que me hiciste amar” (autor/actor) (2011)“Oveja Gris…no me dejaron ser negra” (Como Director) (2007)“Acaloradas” (Asist. direc) (Gira) (2005) “Muero por ella” (Asist. direc) (Teatro Premier) (2004) “Si yo tuviera el corazón” (autor/ actor) (2002/03) “Claudette, amor y tango” (autor/ actor) (1999/2001) “Bodas de sangre”(1999)“Las de Barranco”(1998)“Prohibido suicidarse en primavera” (1997) “La tempestad”(1995) “La lección de anatomía” “Doña Flor y sus dos maridos” “El Diluvio que viene”.

CINE: “La larga noche de Francisco Sanctis” (2016) “El fin del deseo” (Cortometraje)“¿De qué sirvió?” (Cortometraje)“Cargo de conciencia” (Dir. Emilio Vieyra) (2005) “Hermanas” (Dir. Julia Solomonoff) (7º Fest. Intern. Cine Indep.) “I love Torito” (Dir. Edmund Valladares) “La Rosales”. TELEVISIÓN: “Argentina, tierra de amor y venganza 2”, “El Marginal” (temporadas 1, 2 ,3 ,4 y 5), “Edha”, “El jardín de bronce”, “Jungle Nest”, “Somos familia”, “Casi Angeles”, “La Ley del Amor” “Alma Pirata”, “Amor mío”, “¿Quién es el jefe?”, “Un cortado…historias de café”, “Amor mío”, “Los pensionados”, “Jesús, el heredero”, “Costumbres argentinas”, “Soy Gitano”, “Son Amores”, “Rincón de Luz”, “099 Central”, “Por ese palpitar”.

Prensa: Natalia Bocca nataliabocca@gmail.com

Todo lo que nombro desaparece

Segunda temporada de un monólogo que cautiva y conmueve “Todo lo que nombro desaparece” es un unipersonal escrito e interpretado por Hernán Lewkowicz, quien comparte dirección con Jesi González Ajón. Cuenta la historia de La Deseo: transformista que narra su propia invención.

Es la segunda temporada en Buenos Aires de esta obra que viene de realizar funciones a sala llena en España -Teatro L’estranger (Barcelona) y La Íntegra (Madrid)- y su reestreno se realizará el domingo 14 de abril a las 18:00 horas en el Teatro El Extranjero (Valentín Gómez 3378, CABA). Las entradas se pueden conseguir a través de la plataforma Alternativa Teatral o en la boletería del teatro.

Realizado con el apoyo del Insti-

LAPLATA C.A.B.A.

tuto Nacional del Teatro, PROTEATRO y el Fondo Nacional de las Artes.

SINOPSIS

La Deseo es transformista. Ni hombre ni mujer: voz que narra su propia invención. La promesa de un admirador que escribiría su biografía la mantiene en pie, pero el pasado se vuelve presente y el presente está infectado por los recuerdos. En una relación casi erótica con el lenguaje, la realidad se ficcionaliza, se maquilla para bordear algo que no se puede nombrar: una verdad que duele.

FICHA TÉCNICA

Escrita e interpretada por Hernán Lewkowicz

Diseño de iluminación: Ricardo Sica

Diseño de vestuario: Natividad Guerrero

Realización de vestuario: Soledad Argañaraz

Asesoramiento de escenografía: Nicolás Ancona

Diseño sonoro: Facundo Rodríguez Borgia

Asesoría de movimiento: Soledad Argañaraz

Fotografía: Favuel Urbina

Diseño gráfico: Manuel Sáez

Producción ejecutiva: Pablo López

Prensa: Kevin Melgar (0km Prensa)

Co-dirección: Hernán Lewkowicz, Jesi Gonzalez Ajón

TEATRO EL EXTRANJERO

Valentín Gómez 3378

CABA - Buenos Aires - Argentina http://www.teatroelextranjero.co m

Entrada: $ 8.000,00 - Domingo18:00 h

Del 14/04/2024 al 02/06/2024

PRENSA: KEVIN MELGAR info@0kmprensa.com.ar

“CABARET PORTEÑO”

Espectaculo de Tango Burlesque

Cabaret porteño es un espectáculo de tango burlesque que rescata y resignifica la esencia de la noche milonguera de Buenos Aires.

Con música en vivo del grupo Siempre Tango, 12 artistas en escena y vestuarios que nos transportan a la noche del burdel, nos invita a sumergirnos en un show único. El espectador ingresa a un mundo de delirio, risas, excesos y placeres. Más que un espectáculo es una experiencia.

En clave de humor y a través de la danza nos adentramos en un antiguo cabaret porteño. El teatro La comedia espacio ubicado en pleno barrio de Recoleta, llamada “la Paris Argentina” en la época dorada del tango, hacen de excelente locación para que el espectador viaje a través del tiempo. Un sótano será el marco ideal para zambullirse en esta experiencia de tango, cabaret, bailarines y burlesque.

Mirá

En palabras de uno de sus directores, Emmanuel Calderón: “Cabaret porteño es la invitación a experimentar nuestra historia y nuestra identidad cultural desde una mirada actual, como quien mira a través de un vidrio empañado y al pasar la mano se encuentra con un espejo, que nos muestra que lo que somos no está distante de nuestro pasado. Somos el tango en movimiento

contando historias nuevas en melodías antiguas”.

Y agrega: “ Nuestra identidad cultural se nutre de las raíces y tradiciones que nos han precedido, y a través del Cabaret porteño, estas historias y melodías antiguas encuentran una nueva forma de expresión y narración en el presente”.

FICHA TÉCNICA:

Elenco: Sabrina Castro, Lucía Be, Angela Melendez, Guille Cerneaz, Enzo Somoza, Juampy Ramirez , Emmanuel Calderón

Tecnica de sonido y luces : Paul Quant

Fotografia: Rocio de la Torre

Producción: Mariano Alvarez

Direccion Coreografica: Juampy Ramírez

Direccion General: Emmanuel Calderón

Musica en vivo: Orquesta “Siempre Tango”

Arreglos musicales: Tango Bardo

Más Prensa: Analia Cobas y Cecilia Dellatorre

“CABARET PORTEÑO” FUNCIONES: Viernes - 21 h

Teatro La Comedia

Rodriguez Peña 1074 - CABA

Localidades en venta: General: $8000.-

Anticipadas: $6000.-

Promos:

Entrada + Copa de vino o bebida sin alcohol $10.000.Entrada + copa de vino o bebida sin alcohol + 2 empanadas: $12.000.-

Espectáculo recomendado para mayores de 18 años.-

Prensa Analía Cobas analiacobas@gmail.com

Cecilia Dellatorre pnlp83@gmail.com

TEATRO

PICADERO - TEMPORADA 12º

FOREVER YOUNG ¿Cómo vas a estar en el 2050?

El geriátrico Teatro Picadero, abre sus puertas nuevamente para recibir la temporada número DOCE de “FOREVER YOUNG”, la exitosa comedia musical originada en Noruega. Los traviesos y adorables viejitos regresan al escenario del emblemático teatro, con funciones los lunes de mayo, junio, julio y agosto a las 20 hs. en versión adaptada por los catalanes de Tricicle. Con Dirección General de Daniel Casablanca, Dirección Musical de Gaby Goldman, Coreografías de Elizabeth de Chapeaurouge y Producción General de Pablo Kompel y Sebastián Blutrach.

FOREVER YOUNG es a su vez la comedia musical que marcó la reapertura del mítico Teatro El Picadero Pasaje Santos Discépolo 1857 (a media cuadra de Av. Corrientes y Callao) el 22 de mayo de 2012.

El elenco de esta versión de FOREVER YOUNG representa un verdadero seleccionado de la comedia musical en nuestro país: Walter Canella (Sweeny Todd), Christian Gimenez (Tita), Melania Lenoir (Chicago), Andrea Lovera (Drácula), Ivanna Rossi (Raffaela),

Germán Tripel (Avenida Q), acompañado por el maestro Hernán Matorras

FOREVER YOUNG obtuvo:

* Tres Premios ACE 2012: Mejor Musical y/o Music hall, Actuación femenina en Musical: Ivanna MiráBA 104

Rossi, Dirección de Musical: Daniel Casablanca.

*Premio HUGO 2012: Gimena Riestra como Mejor Actuación de Reparto Femenina.

*Estrella de Mar 2024: Actriz de Reparto: Andrea Lovera

Sinopsis

Estamos en el 2050. Siete ancianos pasan sus días plácidamente en un geriátrico entre ejercicios de rehabilitación, medicinas y gratos recuerdos. Sin embargo, cuando la enfermera

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se retira, el espíritu del pop y el rock & roll mágicamente toma vida y nuestros queridos mayores deciden resistir el paso del tiempo con un arma secreta imbatible: la música.

FOREVER YOUNG es un musical divertidísimo, tierno e inteligente para “jóvenes” de cualquier edad; con las canciones e himnos musicales de los 70s, 80s y 90s que ya que forman parte de nuestro ADN; incluyendo los mayores hits de Queen, Eurythmics, Alphaville, The Rolling Stones, Bob Marley, The Beatles, Bob Dylan, Nir- u

vana, y hasta un bloque de rock nacional creado especialmente para nuestra versión. Una bocanada de aire fresco en el mundo del musical convencional. Entre los temas musicales más celebrados de FOREVER YOUNG se destacan: I Love Rock & Roll – Roxanne - Sweet DreamsGet Up Stand Up - Smells Like Teen Spirit - Barbie Girl - I Will Survive - Forever Young.

FOREVER YOUNG

Autor

ERIC GEDEON

Versión

PACO MIR, JOAN GRACIA y CARLES SANS,PABLO KOMPEL y SEBASTIAN BLUTRACH

MiráBA 106

Dirección

DANIEL CASABLANCA

Dirección Musical

GABY GOLDMAN

Coreografías

ELIZABETH DE CHAPEAUROUGE

Diseño de Iluminación y Supervisión Técnica

MARCELO CUERVO

Supervisión de Vestuario

HECTOR FERREIRA

Asistente de Dirección & Stage Manager

GUADALUPE BERVIH

Stage Manager Asistente ANDRÉS SAHADE

Producción Gráfica

ROMINA JUEJATI

Comunicación Visual

GABRIELA KOGAN

Productores Asociados TRICICLE

Productor Ejecutivo

LUCIANO GRECO

Productores Generales

PABLO KOMPEL y SEBASTIÁN BLUTRACH

FUNCIONES

Lunes 20 hs

Teatro Picadero

Pasaje Enrique Santos Discépolo 1857

Venta de entradas en: www.plateanet.com

011 5238-3000

o boletería del teatro

Raúl Casalotti. SMWPress raulcasalotti@smwpress.com

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“Cita a ciegas” de Mario Diament en El Método Kairós

SINOPSIS

Mario Diament evoca, nada más y nada menos, que a Jorge Luis Borges y plantea la existencia de realidades paralelas. Una plaza, un banco y un famoso escritor ciego. Los caminos trazados o desdibujados por el tiempo y una cantidad infinita de ramificaciones que presentan otras posibilidades.

Una plaza, un banco y un famoso escritor ciego. Los caminos trazados o desdibujados por el tiempo y una cantidad infinita de ramificaciones que presentan otras posibilidades. Aquellos encuentros y desencuentros. Lo que sucedió y lo que podría haber sucedido. Hipótesis que ponen en jaque al destino de los personajes, historias que se enlazan con el amor. El amor que no siempre tiene la misma cara, el amor que sacude, el amor inevitable.

Mario Diament evoca, nada más y nada menos, que a Jorge Luis Borges y plantea la existencia de realidades paralelas. Cita a ciegas fue representada en Estados Unidos, Suecia, Australia,

Italia, México, Venezuela, Perú, Uruguay, Colombia y Panamá. Y traducida a varios idiomas logrando ser un éxito en todas sus representaciones.

¡NUEVA TEMPORADA

Domingos a las 17 horas

El Método Kairós

El Salvador 4530

Entradas desde $8.000

En venta por Alternativa Teatral

FICHA TÉCNICA

Autor: Mario Diament

Actúan: Hugo Cosiansi, Mario Petrosini, Nayla Noya, Iardena

Stilman, Silvina Muzzanti

Diseño de espacio escénico:

Héctor Calmet

Diseño de vestuario: Paula Molina

Música original: Pablo Viotti

Diseño de luces: Samir Carillo

Realización de escenografía: Paula Molina y Rina Gabe

Diseño gráfico: Nahuel Lamoglia

Fotografía: Nahuel Lamoglia

Comunicación y prensa: Mutuverria PR

Diseño de proyecciones: Sonia Aleman

Dirección de arte: Héctor Calmet

Asistencia de producción: Nare-

lla Rios

Producción ejecutiva: Valeria

Ormeño Brizuela

Asistencia de dirección: María

Victoria Giacoia

Dirección: Mauro J. Pérez

Duración: 100 minutos

PALABRAS DEL AUTOR

En 1984 fui a entrevistar a Jorge Luis Borges en su departamento, en el sexto piso de la calle Maipú 994. Hablamos por varias horas, porque Borges tenía tiempo y le gustaba tener compañía. Entre las cosas que me dijo, rescaté especialmente su reflexión sobre la función de la metáfora. “El zorro puede ser una metáfora de la astucia, pero una vez que se establece esa relación, la lealtad del escritor es con el zorro y no con la metáfora”, me dijo. Yo recordé este principio mientras escribía Cita a ciegas. Inicialmente, el personaje de El Ciego evocaba, para mí, la figura de Borges, pero a medida que la trama cobraba vida, mi lealtad dramática residía en el personaje de El Ciego y no en la fidelidad a la personalidad de Borges. Y sin embargo, mágicamente, estas dos aparentes paralelas se interceptan en el infinito. u

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Cuando Cita a ciegas se estrenó en el Teatro Nacional Cervantes, alguien me comentó que había un espectador que había visto la obra ocho veces. Sorprendido, pedí que averiguaran de quién se trataba. Resultó ser José Martínez Suárez, admirado director de cine y hermano de Mirtha Legrand. Tiempo después, en un viaje a Buenos Aires, fui a visitarlo para que me explicara su obsesión con la obra. “Yo fui muy amigo de Borges”, me dijo, “y cuando me siento allí, en la sala a oscuras, me parece estar escuchándolo.”

Mucho antes de que la mecánica cuántica se convirtiera en la teoría fundamental de la física, Borges ya había explorado la ilusión del tiempo y el espacio y especulado sobre la existencia de mundos paralelos. Yo decidí retomar este concepto caleidoscópico del tiempo para contar una historia de amor, pasión y encuentros fortuitos. Cita a ciegas se presentó en más de veinte países, fue traducida al sueco, al húngaro, al rumano, al danés, al francés, al inglés y al italiano y recorrió el mundo desde la Argentina a Australia. Andrée Ruth Schammah, la legendaria directora del Teatro Franco Parenti de Milán, insistió en venir a Buenos Aires para sentarse en un banco de la Plaza San Martín antes de abordar su magnífica puesta.

Por eso le agradezco a mi amigo Mauro J. Pérez el haber emprendido esta nueva versión con un elenco de estupendos actores. Porque la casa de Cita a ciegas fue siempre Buenos Aires.

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DIJO LA PRENSA

“Quedé absolutamente fascinado con esta versión de Cita a ciegas, con un elenco estupendo y muy bien dirigida por Mauro J. Pérez”

Victor Hugo Morales - AM 750

“La puesta y dirección de Mauro J. Pérez dejan subyacente la sensación de posibilidad; las posibilidades reales y las imaginarias. Cita a ciegas es sensible, filosófica y atrapante”

Flor Cosentino - El programa Buenos Aires

“Una concreción artística inolvidable: magníficas interpretaciones y una estupenda dirección de Mauro J. Pérez”

Jaime Tarasow

“Diament realiza una profunda y

poderosa reflexión sobre el amor en una obra que vuelve con dirección de Mauro J. Pérez y un fenomenal elenco”

Maximiliano Curcio - Revista

Siete Artes

“Cita a ciegas es una obra magnífica que muestra los diferentes tipos de amor que existen en la vida, y que el hilo rojo del amor sí existe”

Quellen Rodrigues - Espectáculos de acá

“Cita a ciegas es una maravilla que vuelve a la cartelera porteña y no se la pueden perder”

Juan Cantafio - On Radio

Mario Diament

PRENSA MutuverriaPR info@mutuverria.com

INHÓSPITOS, rehenes de sī mismos

INHÓSPITOS, REHENES DE SĪ MISMOS. muestra las debilidades humanas con las que tenemos que aprender a convivir.

Siete pecados capitales representando en cada uno de sus personajes. Cada uno de sus protagonistas se encuentran en un lugar inhóspito del cual no pueden salir, siendo rehén de sí mismos Un callejón de Buenos

Aires, una cita, una reflexión sobre la moral, lo vil y visceral que cada uno llevamos dentro.

¿Hay salida?

ELENCO:

Matias Mocciaro

Manuel Acebo

Cleiton Enrique

Nahuel Jimenez

Juan Pedrouzo

Franco schafer

Agustín Fernández

Fotografía: Cleiton Enrique

Producción ejecutiva y asistencia de dirección: Leiza Garay

Libro y Direccion General: Ezequiel Castillo

Sábados 21:00hs

Teatro “De la Fábula” Aguero 444

Contacto: sequi castillo

sequicastilloteatro@gmail.com

¡Nuevas funciones en Buenos Aires!

CONSAGRADA

vuelve a El Galpón de Guevara

Gabi Parigi ganadora del Premio

Actriz Revelación María Guerrero 2023

Obra declarada de Interés en el ámbito del deporte por la Legislatura Porteña

“Consagrada, el fracaso del éxito” es un biodrama que parte de la historia personal de Gabi Parigi como ex gimnasta olímpica y deportista de alto rendimiento de la Selección Nacional Argentina.

¿Qué hay detrás del éxito y las medallas? ¿Cómo elabora una niña la presión de periodistas, entrenadores y familiares, cuando compite representando a su país?

¿Cuáles son los sueños, los miedos, los deseos al volverse adolescente? ¿Qué nos revela el cuerpo de una atleta adulta? El podio – nuestro altar de sacrificio contemporáneo – será el lugar desde donde dar luz a esos interrogantes y volverlos cuerpo.

Gabi Parigi, actual actriz, acróbata y bailarina, encarna mediante un lenguaje tragicómico, los matices de la vida de una gimnasta de élite dentro y fuera de la

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pista. En un viaje que va de lo personal a lo colectivo, esta pieza indaga en las lógicas de la meritocracia y el éxito más allá del deporte. El humor, la acrobacia y el teatro físico y de texto, se fundirán en el cuerpo canal de la intérprete, que invitará a los espectadores a desandar el camino de sus propios sacrificios o zonas sagradas. Y la pregunta que quedará latente: ¿qué se hace con todo esto?

¡NUEVA TEMPORADA!

Viernes a las 21 horas. El Galpón de Guevara

Guevara 326

Entradas desde $6.000

En venta por Alternativa Teatral

Luego de sus presentaciones México en el Festival Internacional de Artes Vivas Bordes Escénicas en Mazunte y en el Centro Cultural España en Ciudad de México, la obra regresa a El Galpón de Guevara.

En el año de los Juegos Olímpicos, CONSAGRADA reflexiona sobre el deporte de alto rendimiento, las exigencias físicas y las consecuencias en la salud mental.

FICHA TÉCNICA

Autoría: Flor Micha, Gabi Parigi

Intérpretes: Gabi Parigi

Música: Juan Barone

Piano grabado: Santiago Martínez

Mezcla: Juan Barone, Julián Scarinci

Vestuario: Sharon Luscher

Objetos: Sharon Luscher, Flor

Micha, Gabi Parigi

Iluminación: Laura Saban

Entrenamiento vocal: Silvina

Garcia

Fotografía: Macarena De Noia

Video: Fernando Sánchez

Imagen y Diseño gráfico: Lima

La imagen de les artistas

Redes sociales: Carmen Brailu

Comunicación y prensa: Mutuverría PR

Asistencia de producción: Gabriel Baigorria

Producción: Emilia Cortelletti, Gabi Parigi

Dirección: Flor Micha

Duración: 60 minutos

SOBRE GABI & FLOR

Gabi Parigi es ex gimnasta de la Selección Nacional Argentina de Gimnasia Artística. Hizo la carrera de formación profesional en La Escuela de Circo La Arena en Buenos Aires y en Centre des Arts du Cirque Le Lido, Toulouse. Formó parte de la Compañía de Circo “La Arena” dirigida por Gerardo Hochman, con la que realizó varios espectáculos. Fue parte del espectáculo “Cuisine et

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Confessions”, de la compañía canadiense “Les 7 doigts de la Main”. Actuó en el espectáculo “Un Domingo”, dirigido por Florent Bergal, y en su espectáculo unipersonal “Consagrada”. Es miembro activa de la Cooperativa Cultural Proyecto Migra que impulsa diversos proyectos apostando al desarrollo del nuevo circo y las artes escénicas, y cuenta con una carpa que funciona como entro cultural itinerante. Es creadora y directora pedagógica de la Formación Profesional EUREKALaboratorio Escénico de Circo Contemporáneo en Buenos Aires y de FiCiCO-Formación Integral de Circo Contemporáneo, en Montevideo. También es docente de la formación Especialización en Movimiento Experimental en Bs As, dirigida por Jesús Guiraldi. Da seminarios de acrobacia de suelo e investigación acrobática en Argentina, Uruguay, Chile, Francia, Italia, España, México, Colombia. Da seminarios de Laboratorio escénico y Circo Contemporáneo. Es directora artística de las compañías: “Pulsa” - “Simbionte” - “Va Pa i” - “Velar la noche”.

Flor Micha es egresada de la Diplomatura en Artes Circenses de la Universidad Nacional de San Martín. Dentro del circo se especializa en el entrenamiento y la investigación de las técnicas de aro aéreo, acrobacia de suelo y parada de manos. En paralelo desarrolla sus estudios de teatro y actuación con Alejandro Catalán, Carolina Milli, Andrea Garrote, César Brie, Daniel Casablanca, María Romano, Marcelo Savignone, Paula Bronner, Leticia Vetrano, y de dramaturgia con

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Mauricio Kartun, Ariel Barchilón, Rafael Spregelburd y Mariana Mazover. En danza contemporánea se forma con Lucas Condró, Vanina Goldstein, Magalí del Hoyo, Germán Fonzalida, Gabriela Prado, Manuel Quesada, Lucio Baglivo. Estudia entrenamiento rítmico expresivo y percusión corporal con Rubén Segal y Santiago Ablin. Participa como intérprete en los espectáculos de la Compañía La Arena: Tiempos que corren, Sanos y Salvos, y Leonardo TP Nro 1, con dirección de Gerardo Hochman. También es intérprete y co-autora de Tocame y no me mires, con dirección de Fernando Rosen, y del grupo de intervenciones urbanas Los aviadores, con dirección de Matías Plaul. Trabaja como actriz en las obras de César Brie: El paraíso perdido, La voluntad, Karamazov y ¿Me decís de mañana? Obtiene los premios Teatro de Mundo y Luisa Vehil en los rubros mejor actriz y actriz revelación, respectivamente, por las obras La Voluntad y El Paraíso Perdido. Protagoniza el cortometraje Vecinas, de Camila Forteza. Brinda talleres grupales y particulares de entrenamiento físico y escénico, y talleres de herramientas dramatúrgicas para artistas físicos. Guía el entrenamiento corporal en los talleres de teatro de César Brie, y es docente de la formación profesional de circo contemporáneo Eureka, con dirección pedagógica de Gabi Parigi. Es directora y coautora del espectáculo unipersonal Consagrada, interpretado por Gabi Parigi.

“Un hermoso trabajo, con una hermosa dirección. Un trabajo

muy conmovedor, y de mucha valentía”

Mauricio Dayub - Actor, director y dramaturgo

“Un trabajo muy riguroso, muy emocionante. La verdad que lo super recomiendo”

Daniel Hendler - Actor y director

“Me sentí interpelada por lo que representa la carrera deportiva en el alto rendimiento. Me encontré con una gran artista con una inmensa capacidad para contar con su cuerpo todo vivído a lo largo de todos esos años y construir con eso una hermosa obra”

Inés Arredondo - Secretaria de Deportes de la Nación

“Me hizo pensar en lo importante que es el propio instrumento. Muy conmovedor porque la obra se transforma en metáfora. El cuerpo como una herramienta al servicio de la competencia, del exitismo. Es una reflexión, una crítica más de lo que es este sis-

tema”

Leonardo Sbaraglia - Actor

“Mi corazón y todo mi ser necesitaban vivir esta obra. De un segundo a otro me hizo llorar y me hizo reir. Gabi expresó todo y más de lo que alguna vez yo sentí”

Delfina Pignatiello - Ex Nadadora Olímpica

“La dupla Parigi-Micha logra concebir una pieza extraña y muy atractiva que aborda un tema espinoso sin golpes bajos”

Carolina Prieto - Página/12

“Excelente, una obra maravillosa e inolvidable. Salí emocionado y fascinado”

Osvaldo Quiroga - TV Pública/Radio Provincia

“La pieza tiene potencial de relato universal y consigue tocar fibras profundas, privadas”

Fabiana Solano - El Destape

Mutuverría PR info@mutuverria.com

¡ESTRENO

2024! Manuel Attwell presenta

“El hombre que se fue”

El hombre que se fue es una obra fragmentada, un Rashomon de perspectivas sobre una hipótesis: lo que no te mata te hace más débil. Los distintos personajes funcionan como boyas de dramaturgia que dibujan un mapa conceptual sobre la falta, la orfandad, la carrera de Alicia por encontrar una lógica, el deseo de Dorothy de volver a casa. Monólogos desesperadosatravesados por el humor y el pesimismoy canciones con piano y voz sugieren un rompecabezas de la inadecuación propia de las pesadillas, una sensación de intemperie que delinea lo visual, el trabajo vocal y la instrumentación. Esa atmosfera de anhelo e intimidad se ancla en un limbo que cruza el cabaret con la revista musical, la tragedia con el cafe concert, para hablar de las formas del amor, la soledad y la muerte.

FUNCIONES

Jueves a las 21.30 horas

Actúa: Manuel Attwell

Bailarina: Selene Irrazábal

Piano: Sebastián Sonenblum

Escenografía: Rodrigo Gonzalez Garillo

Diseño de vestuario: Laura Cacherosky

Realización de vestuario: Catalina Willimburgh

Diseño de iluminación: Matias

Planta Inclán - Inclán 2661

Entrada general: $8.000

A la venta en Alternativa Teatral

FICHA TÉCNICA

Sendón

Coreografía: Manuel Attwell, Selene Irrazábal

Diseño de flyer: Lucia Vanin

Prensa: Mutuverría

PR

Producción: Maxi Muti

Dramaturgia y Dirección: Manuel Attwell

SOBRE EL DIRECTOR

Manuel Attwell es actor, cantante, coreógrafo y performer. Se formó con maestros como Nora Moseinco, Andrea Garrote, Alejandro Tantanian, Ariel Farace, Matias Feldman y Florencia Vecino.

Desde 2011 formó parte del ciclo Los Solemnes como autor, actor y director. Es uno de los creadores e intérpretes de El Rebenque (ACE al mejor espectáculo de café concert) dirigido por Vivi Tellas. Entre sus trabajos más destacados están Lorca, el teatro bajo la arena de Laura Paredes, Pobre Daniel de Santiago Gobernori, La piel del poema y Piedra sentada Pata corrida de Ignacio Bartolone y Watt de Inés Rampoldi y Leticia Mazur. En cine participó como actor en El perro que no calla de Ana Katz y El Público de Mariano Pensotti y como coreógrafo colaboró con Damián Szifron, Luis Ortega, Daniel Burman y González Iñárritu.

Mutuverria PR info@mutuverria.com

Leticia Coronel estrena: Estoy acá s in fin

El domingo 5 de mayo a las 19h se estrena Estoy acá sin fin, la nueva creación escénica escrita y dirigida por Leticia Coronel, en Estudio Los Vidrios: Donado 2348

(Villa Urquiza). La obra resultó ganadora del segundo premio Germán Rozenmacher XV a la nueva dramaturgia y el texto fue publicado en 2023 por la Editorial

Eudeba en edición trilingüe.

Estoy acá sin fin se propone abrir la escena real de vivir de una madre y su hija para estar más

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cerca de los movimientos internos que hacen a una maternidad desesperada, excesiva, apasionada, caótica y moldeada por la actuación. Y así tratar de entender qué hace el amor con el crecimiento de las personas que se quieren y se tienen cerca. La madre querrá todo, la hija querrá poco. Esta combinación trazará diálogos, cartas, desencuentros y caminatas como si en el cielo la vida fuese sólo una película.

SINOPSIS

Estoy acá sin fin es un homenaje a mi hija Amanda, el gesto de dejarle en papel y obra mi amor como madre para el resto de su vida.

Palabras de Leticia Coronel

Estoy acá sin fin es una obra para mi hija, la escribí en el año 2022 queriendo y deseando dejarle algo para siempre, si es que la fuerza poética del tiempo me lo permite. A mi hija Amanda no le gusta el teatro, no quiere saber nada con este mundo, le tocó acompañarme a ensayos desde sus primeros meses de vida, tiene más horas de ensayo que de hogar. Imagino que por esto no le gusta y también recuerdo que en más de una oportunidad me compartió su enojo con las dinámicas de producción en las artes escénicas: “Mamá, la vida de ustedes es muy estresante, siempre les falta algo, siempre”.

Creo que, de alguna manera, hacer esta obra es reafirmar mis dos amores en esta vida: mi hija y la actuación, juntarlas a las dos y homenajearlas. No puedo pen-

sarme en el teatro sin mi hija y tampoco pensar en mi hija sin el teatro. Viene todo junto. Una cuando hace obras concreta emociones, las dedica e intenta darle forma, realiza gestos que tienen que ver con el afecto, a veces salen mejor y otras veces no tanto.

Creo profundamente en la escena como un lugar para pensar la vida y llenarla de emociones. Creo en un teatro emocional, en cuerpos profundamente emocionales. Creo en la poética por encima de todo, es lo que más me interesa y hacia ese lugar voy.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Actrices y creadoras escénicas:

Nazarena Amarilla, Maira Annoni, Blanca Anzoategui, Damiana Gamarra, Jennifer Romina Hernández, Leticia Coronel Dirección de arte y diseño de vestuario: Uriel Cistaro Realización de arte: Luisa Vega Asistencia de dirección: Matías Lozza (etapa inicial) Asistencia de dirección y puesta en escena: Anastasia Villán Asistencia de escena y producción ejecutiva: Sol Tuñón Asistencia coreográfica: Lucía Cuesta Fotografía: Nora Lezano Diseño gráfico y producción visual: Alonso Gil Gil Prensa: Marisol Cambre Co-producción: Estudio Los vidrios, Ujo teatro. Asesoría y colaboración artística: Lisandro Rodríguez Dramaturgia y dirección general: Leticia Coronel

ESTRENO:

Domingo 5 de mayo a las 19h

Funciones domingo 19h

Estudio Los Vidrios

Donado 2348 (Villa Urquiza)

Duración: 60 minutos

Entrada general: $7000

Estudiantes y jubilados: $6000

Reservas: estoyacasinfinobra@gmail.com

Hasta el domingo 30 de junio

Amanda Ph: Nora Lezano

Sobre Leticia Coronel

Dramaturga, directora escénica, docente, actriz y productora. Es docente de entrenamiento en actuación y escritura en el Teatro

Abasto Social Club y en El Centro Cultural Ricardo Rojas. Coordina desde hace seis años los talleres de escritura en primera persona

Adentrarse. Se especializa en talleres de escritura para mujeres + 50 años. Actualmente se encuentra trabajando como actriz en Diario Inconsciente de Santiago Loza y dirigida por Lisandro Rodríguez.

Su último trabajo como dramaturga, actriz y directora general es Hacer vivir un corazón (Teatro Abasto Social Club).

Recibió el premio Germán Rozenmacher de Nueva Dramaturgia organizado por el Centro Cultural Ricardo Rojas UBA y el Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA 2023) Estoy acá sin fin, Premio Estímulo Banco Ciudad y CTBA año 2021: Producción de obra escénica Yo duermo con la ropa del día y Bienal Arte Joven de Buenos Aires 2019: producción de obra escénica Hijas.

PRENSA. Marisol Cambre cambremarisol@gmail.com

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Marcelo Subiotto protagoniza

Los Pájaros en el Teatro del Pueblo

En el Teatro del Pueblo (Lavalle 3636) “Los Pájaros”, el unipersonal dirigido por Juan Ignacio González y protagonizado por Marcelo Subiotto, con dramaturgia de Juan Ignacio González e Ignacio Torres. Los Pájaros, que puede verse los domingos a las 20 hs., es una obra que invita a viajar junto a su protagonista, a través de una poética de texto e imagen, que irá adquiriendo distintas capas de sentido cuando se hilvanen los paisajes que recorrerá hasta llegar a destino.

El prestigioso actor Marcelo Subiotto, recientemente reconocido internacionalmente por su labor protagónica en la premiada película “Puan”, lleva un extenso re-

corrido en su profesión en cine, teatro y TV.

SINÓPSIS

La pieza se construye a partir de los pensamientos de Aldo, que se ligan con el recorrido de la ruta que fue atravesando en su moto y con el trayecto migratorio de Los Pájaros. Estas tres capas van confluyendo, y nos revelan su mundo interior, su propia experiencia, para terminar fundido en la nada, en el absoluto, en el salar.

Los Pájaros. Funciones

Teatro del Pueblo

Domingos 20hs

Entradas disponibles en Alterna-

tiva Teatral

Duración 50 minutos

Comentarios del director sobre la obra

Nos reunimos para investigar y crear sobre ciertas temáticas que nos convocan, nos generan preguntas y desafíos. Nos interesa revelar, poner en discusión, dar a conocer ciertos comportamientos que emergen en las prácticas escénicas. La obra pretende pensar en la subjetividad, la construcción de la identidad y en la otredad. Nos proponemos abordar ciertos paisajes, como parajes únicos que generan un universo simbólico y una geografía particular, que lleMiráBA 118

nan de significado a las personas que las habitan y recorren, conformando un ser o una narrativa particular.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Actúa: Marcelo Subiotto

Vestuario: Nadia Sandrone

Escenografía: Julieta Potenze

Iluminación: Lucia Feijoó

Diseño sonoro: Alfredo García, Jorge Lagos

Música: Alfredo García, Clara

Maydana

Fotografía: Federico Perez Gelardi

Diseño gráfico: Sergio Calvo

Asistencia: Moises Rivas Mora

Prensa: Antonela Santecchia

Redes: Moises Rivas Mora

Colaboración artística: Sergio

Calvo, Marcelo Subiotto

Dramaturgia: Juan Ignacio

Gonzalez, Ignacio Torres

Dirección: Juan Ignacio Gonzalez

Marcelo Subiotto | Actor

Desempeña su trabajo en teatro, cine, televisión. En teatro participó en más de cuarenta obras, tanto en el circuito off, como en teatros oficiales (Complejo Teatral de Bs As y Teatro Nacional Cervantes), y en festivales internacionales (Alemania, España, Inglaterra, Francia, Noruega, Suiza, Italia, Rusia, Corea, México, Brasil, Chile, Colombia, Estados Unidos, entre otros). En el 2002 fundó el teatro “Puerta Roja”, y creó la compañía “Colectivo teatral Puerta Roja”, con el que estrenó más de quince espectáculos durante los años 2002 y 2012, desarrollando diversos

LAPLATA C.A.B.A.

roles (actor –director – dramaturgo). Recibió los premios Cóndor de Plata, Sur y Die Seriale. Recientemente terminó de filmar la serie audiovisual El Eternauta bajo la dirección de Bruno Stagnaro y con funciones de “Los Años” (dir: Mariano Pensotti) y Los Pájaros (dir: Juan Ignacio González)

Juan Ignacio González | Director - Co-Dramaturgo

Nació en Adrogué, provincia de Buenos Aires. Actualmente vive en CABA. Egresado de la Escuela metropolitana de arte dramático (EMAD) de la Ciudad de Buenos Aires. Escribió y dirigió “Los pájaros” estrenada en el CC Rojas en 2019. Haciendo funciones en Amia Cultura; en el teatro York de Vicente Lopez; en formato radioteatro para el Ministerio de Cultura de la Provincia de Buenos Aires y recientemente en el teatro Timbre 4 de la Ciudad de Buenos Aires. Anteriormente dirigió y escribió “Ocaso”, presentada en el teatro Beckett en 2018 y en teatro “El método Kairos” en

2019 - seleccionada para la fiesta Caba del Instituto Nacional del Teatro - Su primera obra “Con el mar tal vez un poco” con funciones en el Abasto Social Club en 2015 y 2016, fue ganadora del tercer lugar en el concurso de obras inéditas del Fondo Nacional de las Artes. Terminó de escribir su cuarta obra en dupla dramatúrgica con Marcelo Subiotto, “El mundo no es para nosotros sino para la nada que nos viste”. Publicó “En reposeras descalzos” en la editorial Zindo & Gafuri y a fines de 2024 se publicará su nuevo libro “Pleamar” en la editorial Maravilla. Acompañó y asistió el laboratorio III dirigido por Ciro Zorzoli en el teatro Cervantes. Forma parte del programa Escuelas Lectoras del Ministerio de Educación de la Ciudad de Buenos Aires y realiza contenidos y entrevistas para la am110, radio pública de la Ciudad. Coordina el área de teatro del Colegio de la Ciudad, CABA.

Prensa: Antonela Santecchia antonelasantecchia@gmail.com

PALABRAS URGENTES

de Mario Benedetti

¿Qué es el imperialismo? ¿Cómo será el mundo cuando ya no estemos? ¿Cuáles son las verdaderas grietas, las que separan la maravilla de lo humano de los desmaravilladores? ¿Qué suerte corremos al sur del Río Grande? ¿Por qué cantamos? ¿Por qué amamos? ¿Para qué luchamos? Desde la poesía, Mario Benedetti intentó dar respuestas a estas cuestiones. En Palabras urgentes, la palabra deviene cuerpo y el cuerpo poesía, y la voz del poeta viaja a través del tiempo para ayudarnos a reflexionar y buscar la salida de un presente preso de lo peor de nuestro pasado.

Segunda temporada de esta puesta con características performáticas que toma elementos del teatro, la danza y el canto, en donde los poemas se constituyen como un entramado de voces y corporalidades que permiten el surgimiento de una voz colectiva.

FICHA TÉCNICA

Elenco: Nicolás Bustos, Fernanda Calderón, Eva Capusotto, Guadalupe Farina, Pablo Paillaman Pieretti, Nayla Perujo, Matías Quiroga, Khalil Romero, Armando Serrato - Diseño y realización de escenografía y vestuario, Diseño sonoro, Diseño de luces: Grupo Teatral Rayuela –: - Diseño gráfico: Iván Cerrato y Nayla Perujo -

Fotografía: Gabo Rugiero -

Prensa: Ditirambo TeatralAsistente de dirección: Leandro Mayer.

Dirección general y puesta en escena: Gustavo Armas

DICE LA CRÍTICA:

“Tanto para el fiel lector como para el iniciado en aquella sala, la vivencia es una: las palabras pronunciadas son históricamente urgentes, y se nos depositan en las palmas para que no dejemos de hacer algo de ellas”. Toia para Circular de arte

“No saben lo que pasa detrás en el público. Yo que estaba entre el público, se generaban unos silencios tan incómodos, porque la gente estaba muy atravesada por lo que estaban diciendo y por cómo lo estaban montando, porque es un teatro muy físico”. Gabo Rugiero para Brujito Maya, Radio Tú

“La búsqueda de teatralizar lo llevó a lograr un espectáculo que se aleja tanto del recitado poético como de una mesa debate (...). El espectáculo emociona y pone en el centro la palabra de uno de los autores más prolíficos y representativos de Latinoamérica”. Daniel Giovannini para Hormigas y Cigarras

“No se trata –como ocurre en otros casos- de poemas recitados. Sino que se le da vida a las palabras del poeta en forma integral: las voces, los cuerpos dinámicos y expresivos, los desplazamientos en el escenario y también, como muy buen logrado recurso, el uso de la iluminación para generar y sostener

la atención activa y la expectativa de cada texto enlazado con el siguiente”. Adriana Prado para Voces y Contextos.

“”Con una mirada actual, en 60 minutos logran conmover, a través de sus actuaciones comprometidas con la tragedia y la esperanza que claman. Con el paso al frente, cada actor/a escapa del mero recitado, para

apropiarse de los textos. También en otras escenas donde las múltiples voces se van turnando para darles un cariz especial a los textos”. Emiliano Delio para Algo Pasa, Buenos Aires

“En esta puesta nos daremos cuenta que los interrogantes encaran algo de la existencia misma”. María Riccheri para Periódico El Duende.

Domingos de mayo a las 18 hs. Teatro Movaq Malabia 852 - CABA Facebook: https://www.facebook.com/palabrasurgentes Instagram: @palabrasurgentesteatro

Contacto:Guadalupe Farina guadalupefarina@gmail.com

POTESTAD de Tato Pavlovsky

4 únicas funciones los viernes de Mayo a partir del 10

Potestad se considera una de las obras más significativas del teatro argentino.

Dirección: Norman Briski

Elenco: Eduardo Misch y Damián Bolado

Música original: Martín Pavlovsky

Diseño y Realización escenográ

fica: Guillermo Brethold

Diseño de Iluminación: BriskiMisch

Asistencia de dirección: Iván

Domnanovich

Gráfica y diseño audiovisual: Antonio Fernández

Prensa y difusión: Adriana

Schottlender

FUNCIONES

Viernes 22 h Teatro Payró, San Martín 766 - CABA

Entradas por Alternativa y descuentos a estudiantes y jubilados.

SINOPSIS

Potestad encarna uno de los temas que nos legó la dictadura militar: la problemática del “raptor de niños” a través de un plan sistemático, organizado por las fuerzas armadas.

La complejidad de la represión es un tema ya abordado por Pavlovsky en “Telarañas” 1977; “Sr. Galíndez” 1973; “El Sr. Laforgue” 1983.

Es, dentro de la dramaturgia de Pavlovsky, una clave para comprender su estilo y el diseño de su multiplicidad autoral. Representó al Teatro Argentino en más de 50 Festivales Internacionales.

Sobre esta tercera versión de esta obra, el actor y director Norman Briski nos dice sobre la puesta en escena:

“Siendo el director de la primera versión de Potestad estrenada en la Sala del Teatro del Viejo Palermo, en mayo de 1985. con Eduardo Pavlovsky y Mandy Suárez, surgieron después otras puestas en escena que me halagaron, y ahora también, porque me vuelven a pedir nuevas versiones sobre esta obra tan significativa de Tato, que fue muchas veces hecha, no solamente en nuestro país sino

también en Francia y otras capitales como San Francisco. Hoy aparece otra versión posible de Potestad que hace que otra vez aparezcan una alternativa estética, que pasó inclusive al hacerlo con Maria Onetto a quien también dirigí al hacerlo con el dogma del teatro Noh. En esta ocasión Eduardo Misch, compañero de siempre, me transmite su inquietud por hacer Potestad y buscar una versión en la que me obliga, en términos creativos y que no sean reiterativos o repetidos, entonces esta versión, se me ocurre, tiene la posibilidad de que el personaje central sea un jugador de golf con su cadi, con el cual va reflexionando el texto mientras trata de cumplir con los requisitos del juego, en ese sentido es una aventura creer que trascendiera el tema principal que está basado en los sucesos de la dictadura. Conociendo la potencia que tiene como actor Eduardo Misch, hace que la proyección de esta propuesta esté garantizada.”

PAVLOVSKY en el Teatro Payró

Primero “Sr. Galindez” y posteriormente “Telarañas” donde sufrieron un atentado de bomba, luego varias veces “Potestad” y hace poco Eduardo Misch y Susy Evans hicieron presentaciones de “En Fin”, textos inconclusos del autor.

El Payró es un bastión fundamental para el arte y la cultura de la ciudad de Buenos Aires.

Eduardo Pavlovsky: Fue médico, psicoanalista, psicodramatista, actor, escritor, dramaturgo. En estos ámbitos encontró su

forma de expresión y creatividad que, como afirmaba, “siempre fueron un estímulo para seguir luchando contra la injusticia.” Entre sus obras teatrales se destacan El señor Galíndez (1973), Telarañas (1977), Potestad (1985), Paso de dos (1990), Rojos Globos Rojos (1994) y Variaciones Meyerhold (2005), más.

Norman Briski: Actor, dramaturgo, director de escena y director de cine argentino. Es uno de los actores más destacados de su generación, con una extensa carrera principalmente en cine y teatro. Entre sus obras se destacan No te vayas con amor o sin él: El barro se subleva ; El pararrayos ; Escalera real ; Partido en dos ; El ojo del río ; Hermana rueda, más.

Eduardo Misch: Actor nacional, egresado de la Escuela Nacional de Arte Dramático. Desde 1990 se involucra en distintos proyectos actorales, de arte y salud e institucionales. Militante artístico dicta talleres de teatro desde el año 2006.

Participó en 28 Festivales Internacionales como actor, director y asistente de dirección. Desde 1999 al 2015 trabajó con Pavlovsky como secretario personal y asistente de dirección de sus obras junto a Norman Briski en “Potestad” (2000), Daniel Veronese en “La muerte de Marguerite Duras” (2002/3/4), Susy Evans en “Imperceptible” (2004), Elvira Onetto en “Largo Encuentro” (2006) y Martin Pavlovsky en “Variaciones Meyerhold ”(2005 /6/7). y “Asuntos Pendientes” su última obra. (2013/15).

En 2006 funda el grupo El Soporte apadrinado por Pavlovsky. Dirige y/o actúa en “Locuración”, “Textos Balbuceantes”, “Dirección Contraria-artesanía teatral”, “Solo Brumas”, “Circus Loquio”, “Asuntos Pendientes”, “El Barro se subleva”

“EN FIN” texto inconcluso de Tato Pavlovsky (2018/19/2)

Productor independiente de teatro como director y actor.

Desde hace 3 años se desempeña como gestor cultural en Café Vinilo (EEUU 2483, CABA), programa y organiza ciclos de música, teatro y festivales.

Damián Bolado: Actor. Participó del teatro callejero patagónico. En CABA, se formó con Norman Briski y Pompeyo Audivert en actuación.

Con Claudio Martínez Bel en Clown.

Participó en una decena de obras como actor y algunas como director.

En 2023 estrenó Pena negra de Martín Diese sobre textos de Néstor Perlongher.

Actuó en Sagrados y mestizos, una creación colectiva supervisada por Pompeyo Audivert. Es profesor de historia, técnico operador de maquinaria escénica, carpintero y buzo Open Water certificado.

IG @potestadpavlovsky

PRENSA Y DIFUSIÓN: Adriana Schottlender

IG y X @adrischottlender

ESTRENO JUEVES 2 DE MAYO 22:30 HORAS

Rock para una abuela virgen ¡Una pieza teatral con rock, coreografías y actuaciones deslumbrantes!

“Rock para una abuela virgen” es una alocada comedia escrita por Rodolfo Santana, con la dirección de Pablo Ocanto, la producción de Theatron Producciones y un deslumbrante elenco conformado por Agustina Tarsitano, Lau Demartino, Facundo Martinez, Carlos Quintero, Hernán Martin, Gregory Preck, Renzo Ferrari y Cesar Perez, con coreografías de Juan Damián Benitez.

Esta comedia se presentará desde el jueves 2 de mayo a las 22:30 horas en el Teatro Multiescena (Av. Corrientes 1764) y las entradas se pueden conseguir a través de Plateanet o en la boletería del Teatro.

SINOPSIS

Antonieta, mujer de principios de siglo, educada cual dama de sociedad, se enfrenta a un nuevo mundo cuando de improvisto es despertada de su sueño eterno por un borracho que sin imaginarlo tocó la “Nota Celestial” que levantaría a los muertos el día del juicio final, ocasionando así grandes turbas en los cielos donde todos esperan la decisión de Dios, de si deben arrebatar nuevamente la vida o no a Antonieta, siendo ésta la única que escucho la trompeta y reviviendo en la flor de su juventud, habiendo muerto a los 93 años. Desorientada decide buscar a su familia; a Mónica, su nieta, chica divertida, bailarina en bares, desenvuelta en su libertad que irá demostrándole a su “abuela” las ventajas de vivir en esta nueva época, sin limitaciones ni falsas moralidades. Pero no todo le será fácil, un Arcángel muy peculiar, el recuerdo de Roberto,

conocer a Francisco, generaran un alboroto en su vida cambiando los planes de Antonieta o por lo menos lo que ella pensaba que era su misión en la tierra tras su resurrección.

Rock para una abuela virgen, nos plantea el dilema del ¿Qué haríamos con una segunda oportunidad?, sentarnos en el letargo a solo esperar el designio divino, o salir a confrontar el nuevo presente. Resucitar, virgen, ser aún más joven que tu pequeña nieta, y comprender que vivir, es luchar por llegar a la cima de nuestros sueños, sin importar los límites divinos que se quieran imponer.

FICHA TÉCNICA

Elenco: Agustina Tarsitano, Lau Demartino, Facundo Martínez, Carlos Quintero, Hernán Martin, Gregory Preck, Renzo Ferrari

Coreografías: Juan Damián Benítez

Producción: Leonardo Ramírez

Asist. Producción: Daniela Bravo – Alejo Ron Vestuarios: Carlos Mendez

Moda – Maira Zamora, Alta

Costura - Oniria TiendaApresto Calzados

Maquillaje: Nayr Estudio

Estilismo: Ambar Inspire

Dirección general: Pablo Ocanto

PRENSA: Kevin Melgar info@0kmprensa.com.ar

8 ÚNICAS FUNCIONES

Desde el 5 de mayo en el Teatro PICADERO

ANDREA GARROTE y su desopilante profesora Claudia Pérez Espinosa inaugura una nueva

temporada de clases magistrales, para reír sin parar, a partir del 5 de mayo los domingos a las 18h en el teatro Picadero (Pasaje Santos Discépolo 1857, CABA).

Luego de una extensa gira internacional y del marcado éxito de la obra en Madrid, el unipersonal escrito e interpretado por Andrea Garrote -con la co- dirección de Rafael Spregelburd- desembarca en el Picadero para ponerle mucho humor a las tardes de domingo porteño.

Pundonor: s. m. Sentimiento de orgullo o amor propio que anima a mantener una actitud y apariencia dignas y respetables, nunca inferiores a las de los demás. Autoestima, dignidad.

La profesora Claudia Pérez Espinoza ha enseñado Foucault en la universidad toda su vida profesional. En este monólogo, que constituye su mejor clase, debe enfrentarse al pensador francés para sobrevivir un día más. La clase se ve interrumpida constantemente debido a su frágil situación. En su desesperación, Claudia, se vuelve imprevisible, vulnerable.

PUNDONOR es una obra hilarante y emotiva que, a través de la risa reflexiona sobre temas muy actuales como las redes sociales, el rol de la mujer, el poder y la línea de la “normalidad”, entre otros.

Por su trabajo en PUNDONOR, Andrea Garrote recibió el premio Konex 2021 al mejor unipersonal de la década, la nominación a los Premios Trinidad Guevara en el rubro mejor actuación protagónica. El Premio Teatro XXI a la mejor obra dramática y la reciente nominación a los Premios María Guerrero en la categoría actua-

ción unipersonal.

La obra ha sido editada en España y en Argentina a través de la editorial Blatt & Ríos.

Escrito e interpretado por Andrea Garrote

Dirección Rafael Spregelburd & Andrea Garrote

Escenografía e iluminación: Santiago Badillo

Vestuario: Lara Sol Gaudini

Música original: Federico Marquestó

Producción: Carolina Stegmayer

Comunicación & prensa: Cecilia

Gamboa

FUNCIONES:

Teatro PICADERO

Pasaje Santos Discépolo 1857, CABA.

Localidades $15.000 disponibles en PLATEANET

8 únicas funciones: domingos de mayo y junio, 18h.

2X1 con Club La Nación, Clarín 365, 10 % de descuento Comunidad Picadero y Paraíso Club.

ANDREA GARROTE

Es actriz, directora, dramaturga y docente.

Directora de la maestría en Dramaturgia de la Universidad Nacional de las Artes, titular de la cátedra Dramaturgia II y tutora de los proyectos de graduación de la carrera de Dirección escénica. Es fundadora, junto a Rafael Spregelburd, de El Patrón Vázquez, uno de los grupos más prolíficos y longevos de la escena argentina actual. Como actriz, ha participado en más de una veintena de obras te-

atrales bajo la dirección de artistas de gran trayectoria, tanto en el circuito oficial como independiente, además de varios cortometrajes, films y programas de tevé. Recientemente se destacó como co- guionista y actriz en el film “El Rapto”, con dirección de Daniela Goggi.

Publica varios artículos sobre el quehacer artístico y pedagógico y funda el ciclo Perfecta Anarquía que nuclea los trabajos de teatro breve que se producen en sus talleres de entrenamiento y dramaturgia para actores. Trabajó en la maestría de dirección de la Universidad de Cali y dictó talleres en Colombia, Uruguay y España.

En el rol de directora se destaca en la exitosa “Una casa llena de agua” de Tamara Tenembaum protagonizada por Violeta Urtizberea y próximamente tendrá a su cargo la dirección de “Prima Fascie”, monólogo de la dramaturga australiana Suzie Miller, que contará con la interpretación de la actriz Julieta Zylberberg. Hacia fin de año también dirigirá “La Madre” de Florian Zeller con Cecilia Roth y elenco.

Protagonista absoluta de PUNDONOR inicia su octava temporada en Buenos Aires con uno de los unipersonales de la década. La obra cuenta con dos ediciones bilingües, premios en varios rubros y giras nacionales e internacionales.

CECILIA GAMBOA

Comunicación & Prensa info@ceciliagamboa.com.ar www.ceciliagamboa.com.ar

¡ÚNICAS 9 FUNCIONES!

UNA CASA LLENA DE AGUA de Tamara Tenenbaum a Caras y Caretas

En plena década del 90, una joven estudiante de Biología entra a trabajar como niñera en la casa de una familia acomodada. Entre peluches y frascos de compota Milena le irá contando a Angie, la bebé que cuida, su vida en tiempo real: sus miedos, sus romances, sus fantasías y el nudo en el que todas esas líneas se cruzan, la pregunta por un futuro incierto. Milena, despliega un universo que tiñe sus formas de sentir y de pensar: el fondo del mar y los seres que lo pueblan. La metáfora del océano como un lugar de posibilidades y también de peligro se va volviendo cada vez más intensa a medida que Mi-

lena intenta entender su propia búsqueda y los costos económicos, éticos y emocionales de la adultez.

¡ÚNICAS 9 FUNCIONES!

Jueves mayo a las 20 horas

Caras y Caretas 2037

Sarmiento 2037

Entrada general $9.000

Estudiantes y jubilados

$4.500

En venta por Alternativa Teatral

FICHA TÉCNICA

Autoría: Tamara Tenenbaum

Actuación: Violeta Urtizberea

Diseño de escenografía e iluminación: Santiago Badillo

Diseño de vestuario: Lara Sol Gaudini

Diseño sonoro y música original: Federico Marquestó

Asistente de escenografía: Lara Stilstein

Asistente de vestuario: Victoria Bianchi Plaza

Asistente de iluminación: Lucía Feijoo

Asistente de producción: Loli Crivocapich

Asistencia de dirección: Pablo Cusenza, Mercedes Aranda

Fotografía: Nora Lezano

Producción ejecutiva: Carolina Castro

Producción general: Compañía

Teatro Futuro

Dirección: Andrea Garrote

Esta obra cuenta con apoyo de Mecenazgo y el Cultural San Martín.

PALABRAS DE LA AUTORA

“Esta es mi primera obra de teatro, pero se inserta en un trabajo de escritura que vengo haciendo hace bastante sobre qué es ser mujer en un mundo. Por eso Milena se mueve siempre entre mundos, entre la clase media baja y la media alta, entre la tierra y el agua, entre la fantasía y la realidad: los navega, los conquista, los confunde, los padece. Quizás la obra trata sobre todo de eso: de su inestabilidad, de su ser acuoso, de la voz y la subjetividad que va encontrando en ese desajuste permanente”. Tamara Tenenbaum

EQUIPO CARAS Y CARETAS

2037

Coordinación de proyecto: Lucrecia Álvarez

Dirección artística y producción ejecutiva: Marcelo Melingo y Horacio David

Asistencia de producción: Giuliana Zinga MiráBA 128

Diseño y fotografía: Patricio Vegezzi

Comunicación y prensa: Mutuverría PR

Difusión y Redes Sociales: Juan Yacar

Luces: Emiliano Huala y Daniel Bonanni

Sonido: Matías Ganem y Mariano Katz

Escenario: Joaquín Montoro y Henan Caleca

Sala: Christian Perafan

Auxiliares de sala: Estefanía

Veira Darriba (Coordinación), Guadalupe Casal, Lucio Martínez, Willy Bestetti y Jony

Maiorino

Boletería: Juan Ignacio Barea

PRENSA:

Mutuverria PR info@mutuverria.com

LAPLATA C.A.B.A.

UNA OBRA QUE NOS HARÁ

REFLEXIONAR Y ESTREMECER

“VIDA ARTIFICIAL” de Santiago Cánepa Idea y dirección de Carolina Perrotta

Cuatro obras cortas sobre nuestro actual vínculo con la tecnología, pero también sobre los futuros distópicos que podrían avecinarse si esa relación se nos va de las manos.

4 obras en una - Con 1 entrada el espectador verá 4 obras cortas de 15 minutos en donde vivirá la magia del teatro en vivo ya que se armará y desarmará frente a su atenta mirada.

FUNCIONES:

Desde el jueves 02 de mayo, y sólo por 5 jueves, se presentará el ciclo de obras cortas “VIDA ARTIFICIAL” en Páramo Cultural, Carlos Calvo 3974, CABA. Las funciones serán a las 20:00h y las entradas están en venta en Alternativa Teatral

“Vida Artificial” es un ciclo teatral compuesto por cuatro obras cortas que indagan sobre la compleja y cada vez más intrincada relación entre la humanidad y la tecnología.

Desde la implantación de personalidades en robots para superar la pérdida de un ser querido, hasta los desafíos éticos de la realidad virtual, cada obra plantea preguntas cruciales, abordando temas como la hiper vigilancia, el confort, y la comodidad frente a la aparente seguridad, destacando la soledad y la conexión humana afectadas por las pantallas.

“VIDA ARTIFICIAL” es un ciclo compuesto por cuatro obras cortas de 15 minutos de duración.

Serán 4 en 1. Con la misma entrada, el espectador verá las 4 obras cortas y vivirá la magia del teatro en vivo, ya que se armará y desarmará frente a su atenta mirada.

“Vida Artificial” invita a reflexionar sobre los beneficios y riesgos de la inteligencia artificial, la realidad virtual y otras tecnologías que están transformando nuestras vidas.

De hecho, para dar testimonio de esto, y además para reducir costos, tanto el texto como muchos otros aspectos del ciclo, tales como la música y la gráfica, fueron creados o procesados con IA (Inteligencia Artificial).

Podemos afirmar entonces que: ¡La inteligencia artificial llegó al teatro!

VIDA ARTIFICIAL de Santiago Cánepa

Elenco

Estefanía Alati, Sofía Gelpi, Marco Gianoli y Javier Salas

Asistente de escena

Marcos Lopez

Asistencia general Damián Janza

Diseño de Iluminación

Stefany Briones Leyton

Diseño de proyecciones y voces bots IA

Prensa y difusión: BMZ Comunicaciones

Coordinadora de prensa: Vero Larrea

Idea y Dirección: Carolina Perrotta

FUNCIONES:

Todos los jueves a las 20:00h en PÁRAMO CULTURAL

Carlos Calvo 3974 CABA

Localidades en Alternativa Teatral y en la boletería del teatro

PRENSA: BMZ Comunicaciones marcelo@bmzcomunicaciones.c om.ar

LAPLATA C.A.B.A.

131 MiráBA

Las Ramponi presentan Nacidas con Fórceps

Donde el rock es el protagonista.

La Papo, La Enana y Turbina son amigas. Hace 17 años ensayan en un garage del conurbano. La banda es Nacidas con Fórceps. El garage se llama El Manantial.

Las vidas rockeras son frágiles como un acople. Podrán morir las personas. El rock, nunca.

FUNCIONES:

Viernes 22:30 hs. (Hasta el 28/06/24) Cultural Morán Pedro Morán 2147Entrada general: $5000 online / $5800 puerta Compra online / reserva:

MiráBA 132

https://www.passline.com

FICHA TÉCNICO/ ARTÍSTICA:

Idea: Las Ramponi

Dramaturgia: Las Ramponi, Laura Fernández

Intérpretes: Fiorella Cominetti (Enana), Carolina Ferrer (Turbina), Julieta Filipini (Papo).

Vestuario: Julieta Capece

Escenografía: Julieta Capece

Iluminación: Diego Becker

Diseño de Sonido: Jorge Lagos

Producción musical: Francisco Cirimele

Música original: Las Ramponi

Fotografía: Luisina Jacinto

Diseño gráfico: Luisina Jacinto

Prensa: Valeria Franchi

Asistencia de dirección: Iraitz

Gómez Cabrera

Producción ejecutiva: Zoilo Garcés

Dirección: Las Ramponi, Laura Fernández

Duración del espectáculo: 60 minutos

Redes sociales: Instagram @lasramponi

ACERCA DEL ESPECTÁCULO

Nacidas con Fórceps es una obra de teatro. Pero también es un recital de rock. Es una fiesta, con humor, cerveza y mesitas donde tomar algo mientras escuchamos las canciones pegadizas de un grupo de chicas del conurbano. La Papo, la Enana y Turbina nos contarán sus historias de amistad, aventuras y fracasos mien-

tras suenan los acordes de este ritual rockero del que todos somos parte.

Las siete canciones que integran este espectáculo son música original del grupo Las Ramponi.

SOBRE LAS RAMPONI Grupo de teatro nacido en 2011 que de manera colectiva crea espectáculos utilizando el humor y la música. A la fecha han estrenado los espectáculos “Cuando ya no importe” (2012), “Myrian Cardozo y las Golondrinas del Monte” (2015), “Myrian Cardozo y las Golondrinas del Monte en FICA TV” (2020) y “Recordarás mi nombre” (2021).

También lanzaron el disco “Myrian Cardozo y las Golondrinas del Monte. Grandes éxitos”.

El grupo está compuesto por Fiorella Cominetti, Carolina Ferrer y Julieta Filipini

PRENSA. Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com

MiráBA 134

LA DUPLA BONA - CIVIT

regresa luego de la exitosa y galardonada obra

“SECRETOS A LA LUZ” ¡Una comedia dramatica imperdible!

FUNCIONES

SABADOS 19:30 HORAS

TEATRO ANDAMIO 90

SECRETOS A LA LUZ

“Secretos a la luz” es una comedia dramática, un policial paranormal con una orquesta que acompaña la pieza a cada momento, creado por Nilda Bona con dirección de Francisco Civit; se presenta todos los sábados a las 19:30 horas en Andamio 90 (Paraná 662, CABA). Las entradas se pueden adquirir en la plataforma Alternativa Teatral o en la boletería del teatro.

La dramaturgia de Gilda Bona es abordada nuevamente por Francisco Civit. Esta dupla vuelve a darse varios años después de su último trabajo que fue la galardonada “24 horas viraje”, que cosechó premios y nominaciones como los Trinidad Guevara, Premio Municipal, Premios Ace, Teatro Del Mundo y otros tantos.

SINOPSIS

Esteban irrumpe en plena noche en el departamento de luz y Mariano pidiendo ayuda. Tiene rastros de sangre y está golpeado. Junto a sus dos amigos desentrañarán los hechos que lo llevaron ahí. Se adentrarán en un universo de traiciones, celos, mentiras, amenazas, venganzas, armas y

mucha, pero mucha pizza.

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia: Gilda Bona Actúan: Graciela Barreda, Cristina Blanco, Gabriela Calzada, Vanesa Cardella, Natalia Chiesi, Ariel Cortina, Gisella Crimi, Daniela Delgado, Alejandro Faggioni, Violeta Federman, Diego López, Juan Pablo Maicas, Verónica Romero Sierralta, Luciana Serio, Mar Bel Vazquez Delgado, Gabriel Yeannoteguy.

Vestuario: Cecilia Zuvialde

Iluminación: Facundo Estol Música original: Cristina Blanco, Gabriela Calzada, Vanesa Cardella, Natalia Chiesi, Francisco Civit, Ariel Cortina, Gisella Crimi, Daniela Delgado, Diego López, Juan Pablo Maicas, Verónica Romero Sierralta, Mar Bel Vazquez Delgado Fotografía: Leandro López

Diseño gráfico: Adrián Riolfi

Prensa: Kevin Melgar (0KM Prensa)

Asistencia De Producción: Lautaro Medina

Asistencia de dirección: Carlos Farías

Producción ejecutiva: Anabella Moreno

Dirección musical: Francisco Civit, Juan Pablo Maicas

Co-producción: Teatro El Crisol

Dirección: Francisco Civit

Prensa: KEVIN MELGAR info@0kmprensa.com.ar

PROGRAMACIÓN DE MAYO

LUNES A VIERNES a las 18

HAPPY HOUR + JAZZ EN VIVO

Ahora de lunes a viernes: Gustavo Cortajerena trompeta, Sebastián Marcial Álvarez saxo tenor, Dante Carniel piano, Fran Nava contrabajo, Camilo Zentner batería.

Con entrada al sobre y tragos con descuento!!

LOS LUNES a las 20.30

LUNES DE JAZZ

SUCHERAS / DE MÓNACO / ZENTNER

MiráBA 136

La Biblioteca Café a puro Jazz, presenta, en su 16º año al trío integrado por Angel Sucheras piano, Gerardo de Mónaco contrabajo y Camilo Zentner batería.

LOS MARTES a las 16 NUEVO TALLER: X LA DRA.

OLGA GIENINI

MITOS Y LENGUAJES EN EL ORIGEN

“¿Qué son los mitos y por qué el lenguaje es tan importante en ellos? No son sólo una ficción, las palabras tienen poder. Es necesario volver al origen para entender y sanar. En este ciclo trataremos un nuevo tema, siempre relacionado con nuestra historia y nuestra identidad cultural: a partir de la idea del mito indagaremos en aquellos que componen un relato sobre el origen

del mundo. Lxs espero” Olga Gienini

LOS MARTES a las 20.30 BANDA BRODER BASTOS CONVIDANDO MÚSICAS DE BRASIL

Todos los martes el guitarrista, bajista, compositor y cantante Broder Bastos junto al baterista Camilo Zentner, presentan un show de música popular brasilera. Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque, Milton Nascimento y mas! Con Miguel Oyuela en guitarra y como invitado especial Rodrigo Aberastegui en piano.

Jueves 2 a las 21

MARIANO CASTRO CLERICI TRÍO

Los destacados músicos de la escena joven de jazz porteño

Mariano Castro Clerici en piano, Ailén Antú en contrabajo y Patricio Piñero en batería, se presentan en La Biblioteca Café con un programa en el que homenajean la música de los grandes pianistas de los años ’50 y ’60, como Bud Powell, Ray Bryant, Sonny Clark, Red Garland, entre otros, junto con un repertorio de standards clásicos de jazz. Compartiremos una noche alrededor de la música, recreando piezas tradicionales del jazz y estilos que oscilan entre el swing y el bop.

Viernes 3 a las 21

SILVINA WASSINGTON +ENSAMBLE

JAZZ & MOVIES

A través de las películas hemos conocido y se han inmortalizado casi todos los clásicos que seguimos escuchando, tocando y reversionando hasta el día de hoy. La cantante SilvinaWassington se presenta con un repertorio de jazz que evoca aquellos primeros musicales y películas taquilleras de los años

40’, rememorando clásicos de la gran Ella Fitzgerald, pasando por la inolvidable Judy Garland con temas de George Gershwin, Irving Berlin, Mc Hugh, Henderson y llegando hasta el genial Ennio Morricone con su música para Cinema Paradiso. Entre baladas, blues, un poco de historia y swing, acercaremos la magia de aquellos tiempos.

Sábado 4 a las 17 DE AQUI, DE ALLÁ Y DE

TODAS PARTES

ANNABEL PERSONENI / BRODER BASTOS

La cantante parisina Annabel Personeni y el guitarrista y cantante brasileño Broder Bastos se presentan en esta ocasión juntos con un potpourri que abarca canción francesa, música latinoamericana, jazz y folclore argentino, un lujo!!!

Sábado 4 a las 21 EVA BRUNA PRESENTA: MUJERES

TANGO

Eva Bruna, Edith Margulis, Nicole Jabulij y Claudia Contice-

llo, acompañadas por los músicos Miguel Pereiro piano,Guillermo Martel guitarra, Rubén Sloninsky bandoneón, Paula Liffschitz flauta traversa, Pata Corvani percusión, y pareja de baile con Carlos Bouza

Domingo 5 a las 17 DARREN MAY presenta

MIND, BODY & SOUL

Compilation G sharp, Classical Guitar. A personal journey into terra incognito.

Domíngo 5 a las 20.30

ANNABELLA CASALES Y ALEJANDRO DE CARLO MPB

AnnaBella Casales, cantante y comunicadora, con Alejandro De Carlo en guitarra interpretan un repertorio de autores de la más linda música del Brasil, samba, choro, bossa nova, MPB, con sus ricas historias.

Miércoles 8 a las 21

REUNION CUARTET

UN TRIBUTO AL TRIO DE OSCAR PETERSON CON MILT JACKSON..

Ignacio Grosso en piano,

Franco Caffa en batería, Federico Esper en contrabajo, Pedro Montes de Oca en vibráfono.

Jueves 9 a las 21 HECTOR RIAL – TANGO SIEMPRE SE VUELVE A BUENOS AIRES

Hector Rial músico, letrista, actor y cantor argentino de larga trayectoria en Argentina y España, se presenta entre nosotros como parte de la gira que realiza, junto a Jorge Foscaldo en piano, Leonardo Amoroso guitarra, Javier Abel bajo y Alejandro Szabo bandoneón, bajo la

dirección musical del maestro

Diego Sauchelli

Viernes 10 a las 21

EL ASUNTO / AGUSTÍN LÓPEZ

NÚÑEZ Y PATRICIA MALANCA

BOLERO / TANGO / HUMOR

Agustín López Núñez y Patricia Malanca presentan El Asunto, el espectáculo romántico musical que con toques de humor y amor desentraña las relaciones entre dos géneros rebeldes: el tango y el bolero. Acompañados en piano por Paula de Ovando Agustín López Núñez, humorista, conductor, locutor, imitador y cantante. Humorista en Radio El Destape Sin Fin. Patricia Malanca, cantante, compositora, ganadora del Premio Gardel 2022.

Sábado 11 a las 17 TRAMPA MÁGICA

6 piezas musicales, 106 objetos, 3 textos y una sucesión de hechos inesperados. Irene Marin artista visual y flauta traversa, Fernanda Gonzalez piano, Curadora, Lucia Kuschnir

Sábado 11 a las 21 PARLAMI D’AMORE CANCIONES DE LA ITALIA ROMÁNTICA - SÉPTIMA TEMPORADA

Porque el amor nos salva, porque el amor nos eleva, porque el amor nos transforma. Hablemos de amor! Soñamos, sufrimos y vibramos con las más bellas MiráBA 138

canciones y canzonettas de todos los tiempos. La soprano Susana SánchezLaganá y el tenor Rodrigo Charmiello. nos llevan a recorrer los tiempos de Modugno, Di Bari, Zanicchi ó nos traen imágenes de Cinema Paradiso y El Padrino sin dejar de volar con Bellini ó Tosti. Acompañan otros dos fanáticos del amor: Ezequiel Dalairac al piano y Simón Martins en violín.

Domingo 12 a las 17 QUERIDO EN BUENOS AIRES / ORILLAS

GUSTAVO ALVAREZ GHIBAUDI / CRUZ - FERNÁNDEZ DÚO

Primera parte: Gustavo Alvarez

Ghibaudi Tango para conectarnos con nuestras veredas, con nuestras calles, con nuestra identidad. Envuelto en un corazón porteño que late con su pulso... que respira y anida afectos con sus encuentros y desencuentros. Obras a interpretar: El día que me quieras, Flor de Lino, La última curda, Uno, Pasional y otros.

Segunda parte: Cruz/ Fernández dúo, Andrea Cruz Quevedo voz y textos. Miriam Alicia Fernández piano. presentan “Orillas” un espectáculo que reúne canciones de cantautores argentinos y uruguayos. Las intérpretes proponen navegar alternando ambas regiones

musicales, atravesando ritmos que van desde la murga, el tango, el candombe, a la canción, el rock y el folklore.

Domingo 12 a las 20.30

JUANJO HERMIDA EN BANDA

Improvisación, clásicos del jazz, blues y composiciones originales de la banda.

Juanjo Hermida piano, Leo Páez contrabajo, Camilo Zentner batería

MIÉRCOLES 15 A LAS 20.30

JAZZ STANDARDS

SCAGLIA - ELÍAS - COVITOBECERRA .

Jazz Cuarteto. Integrantes: Pablo Scaglia saxo, Fernando Elías piano, Francisco Covito contrabajo, Santiago Becerra batería

Jueves 16 a las 21

JUAN CORNEJO

MOMENTOS

Juan Cornejo trae un renovado repertorio romántico de boleros y baladas, siempre con el excelente acompañamiento musical de Pablo Martinez Zuviria en

LAPLATA C.A.B.A.

piano y dirección musical, Damien Poots en guitarra y Lucas

Argomedo en bajo, Por El, Si Tuviera que Elegir, Momentos serán algunas de sus interpretaciones que podremos disfrutar.

Viernes 17 a las 21

DIANA MARIA CANTA

AL MAESTRO AZNAVOUR

A cien años del natalicio del gran artista armenio-francés Charles Aznavour el próximo 22 de mayo, Diana María rendirá una vez más su homenaje a quien fuera inspirador y guía en su camino de cantante y compositora. Canciones inolvidables como “La Bohème”, “Venecia sin ti”, “Te espero”, “Tous les visages de l’amour”, (She), “Une vie d’amour”, “Hier encore”, entre otras se enlazarán con clásicas melodías de Edith Piaf, Gilbert Becaud, Jaques Brel, Michele Legrand, sus propias canciones nacidas del universo musical que Aznavour despertó en ella y clásicos temas de su repertorio como “Memory”, “Para vivir un gran amor”, “Parla Piú piano”, sin olvi-

dar algunas de sus personales interpretaciones del repertorio de Piazzolla - Ferrer.Otra noche irrepetible con la voz y el piano de Diana María en la calidez de La Biblioteca Café. También serán de la partida la Maestra Estela Ojeda, en piano, y el Maestro Luis Alberto Simó, en violín.

Sábado 18 a las 17 LEGATO CON INVITADOS FUSIÓN DE CLÁSICO, JAZZ Y FOLCLORE

Sábado a 18 las 21 MARISA INI + TRÍO JAZZ

Marisa Ini acompañada por Dante Carniel piano, Leo Páez contrabajo y Camilo Zentner batería canta temas de jazz y de música popular americana rociados de un toque de humor y buena onda. Para disfrutar y endulzar tu día.

Domingo 19 a las 17 TARDE DE ÓPERA Y ZARZUELA CLÁSICO Y ROMÁNTICO

Arias, dúos y conjuntos en escena de Carmen, Las bodas de Figaro, Don Giovanni, El barbero de Sevilla, Luisa Fernanda y La Gran Vía. Gladys Albicoro Marin, mezzosoprano, Florencia González, soprano, Gerardo Russo, barítono, Juan Spaini, barítono, Viviana Lazzarin, piano.

Domíngo 19 a las 20.30

ANTÍDOTO DE DOMINGO

PAULINA TORRES

Los domingos se llenan de música, poesía y buena energía con Antídoto de Domingo. En este ciclo musical, la actriz y cantante Paulina Torres nos transportará a través de sus canciones e interpretaciones por diversos géneros y temáticas artísticas. Acompaña el maestro Pablo Figueroa en la guitarra y los arreglos. Una experiencia única. No se lo pierdan, les esperamos.

Miércoles 22 a las 21

TARANTINO Y LES MAFIOSI CUARTETO DE JAZZ FUSION

Temas originales de Jazz fusión con diversas influencias de estilos y géneros. Podríamos decir que los temas tienen un formato canción, aunque sean instrumentales, con melodías muy cantables y ritmos cercanos al Neosoul, Pop, Rock, Bossa Nova, Funk, incluso algo tanguero en alguna composición. Integrantes: Cosme Tarantino saxos y composición, Martin Luisi teclados, Francisco Fernandez guitarra, Emiliano Dilon bajo, Eloy Lopez batería.

Jueves 23 a las 21

ARIEL PRAT es NO SOLO MURGA

“Con un repertorio variado, basado esencialmente en mi discografía y colaboraciones con artistas como Bersuit, María Volonte, Bebe Ponti o León Gieco, ofreceré una noche íntima pero intensa. Me acompañará en guitarra Manu Sacco, aunque no descarto la presencia de varias habituales y queridas estrellas musicales” Ariel Prat.

Viernes 24 a las 21

CHET A LA CARTA JAZZ QUINTETO

Chet a la Carta es un homenaje al trompetista y cantante Chet Baker, el quinteto integrado por: Martin Delp voz y guitarra, Abel Rogantini piano, Marcelo Gallo trompeta, Paula Guillen batería y Fernando Galmarini contrabajo.

Sábado 25 a las 17 “SENTÉMONOS UN RATO EN ESTE BAR …”

De Chico Novarro a Louis Armstrong. Baladas de todos los tiempos en la interpretación de DianaYandemian acompañada en piano por Carlos Giorgio.

Sábado 25 a las 21 HARD BOP LEGACY 5tet

JAZZ

El quinteto integrado por Gustavo Cortajerena trompeta / Dante Carniel piano / Fran Nava contrabajo / Sebastián Marcial Álvarez saxo / Camilo Zentner batería interpreta composiciones de Jazz de finales de los años 50´s. Con temas de Hank Mobley, Art Blakey & the Jazz Messengers, Jimmy Heath, Freddie Hubbard, entre muchos otros más....

Domingo 26 a las 17 BASTIEN UND BASTIENNE ÓPERA EN UN ACTO DE W. A. MOZART

Música: W. A. Mozart, Libreto: F. W. Weiskern. Intérpretes: Bastienne: Sol Viard, Bastien: Antonio Franconetti, Colas: Raúl Raña. Cantada en alemán con breves relatos en español. Dirección musical y acompañamiento al piano: Mtra. Susana Cardonnet. Organización general: Lic. Santiago Vinelli, maestro de canto.

Domingo 26 a las 20.30 RETRATOS DE UN TIEMPO

LAPLATA C.A.B.A.

LUCAS TROSMAN GRUPO

Lucas Trosman presenta la obra musical - literaria “Retratos de un tiempo”. Una propuesta que incluye un álbum de nueve composiciones originales y un libro de relatos homónimos.La música puede enmarcarse en el jazz contemporáneo con influencias de la música latinoamericana. Este es el primer álbum de Lucas Trosman Grupo, integrado por IgnacioGaztañaga en bajo eléctrico, Patricio Guinle en piano y teclados, Demian Pozzo en guitarra eléctrica y Lucas Trosman en batería y dirección musical. De manera simultánea se presentará el libro homónimo de relatos breves, publicado por la editorial Merodeo. El espectáculo contará con invitados especiales en cada oportunidad.

Miércoles 29 a las 21 RICARDO TAYLOR + TRÍO / A MI MANERA

SINATRA Y STANDARDS JAZZ

Las canciones más emblemáticas de Frank Sinatra y los temas de la era dorada del jazz en la voz de Ricardo Taylor junto al trío formado por Dante Carniel piano, Leo Páez contrabajo y Camilo Zentner batería.

Jueves 30 a las 21 HUGO GONZÁLEZ

CANTOS AL SUR DEL MUNDO

Hugo González (Talca, Chile)

presenta una colección de músicas folclóricas de Argentina y Chile (Atahualpa Yupanqui, Violeta Parra, Víctor Jara, Jaime Dávalos); poesía española del siglo XX musicalizada; canciones tradicionales del repertorio hispanoamericano y algunas otras sorpresas. En guitarra: Oscar Ballester. Músicos invitados: Samy Mielgo guitarra y

Germán Gómez percusión.

Viernes 31 a las 21

CARLA ALGERI EN DUO CON ARMANDO DE LA VEGA TIEMPO ESPERADO

La Maestra Carla Algeri llega de la mano de la obra del Maestro Néstor Marconi para sumergirnos en este Tiempo Esperado, un proyecto musical de la Maestra Carla Algeri que llevará ade-

lante este año, y en el que incluirá por primera vez repertorio de su autoría, sumado al de su Maestro e incluyendo música de la autoría de quienes la acompañaran en el escenario. En esta oportunidad junto al Maestro Armando de la Vega, lleva adelante este encuentro con el deseo de transmitir a través de la música, la historia que los une. Después de Juntos 20 Años, Dos y Dos son Tres, Lo que Vendrá… Finalmente llegaron a este… Tiempo Esperado… Un momento musical para emocionarse.

Carla Algeri bandoneón, Armando de la Vega, guitarra.

Música

Sol Margueliche presenta una nueva canción en clave reggae:

“Natural”

Esta nueva canción en clave reggae es un llamado a la conexión con la sabiduría ancestral que reside en las plantas, como motor de conocimiento y bienestar, a abrazar lo que la tierra nos ofrece y a cultivar un futuro donde la armonía con la naturaleza sea nuestra guía.

Su letra nos invita a pensar en las propiedades de las plantas que nos curan y ayudan a sanar nues-

tro estar en el mundo. “Natural” de Sol Margueliche se encuentra disponible en todas las plataformas digitales desde el viernes 12 de abril.

Ficha técnica “Natural”

Autora y compositora:

Sol Margueliche.

Productor musical:

Sol Margueliche - Juampi Espina.

Voz y coros:

Sol Margueliche.

Guitarra y bajo: Juampi Espina.

Teclados/sintetizadores, programaciones: Matías Gómez.

Ingeniero de grabación y mezcla: Juampi Espina.

Máster: Nicolas Lijtmaer (Sonidos del Sur el estudio).

Grabado entre abril de 2023 y marzo de 2024 en Estudio Santa

Espina (La Plata, Buenos Aires. Argentina).

Arte de Tapa/Foto: Jero Roldán.

Sol Margueliche vive actualmente en la ciudad de La Plata. Se destaca como cantante y compositora con sus canciones en clave reggae. Su trayectoria se ha forjado desde 2007, participando en numerosos shows en vivo, lanzando discos y colaborando con reconocidos artistas del underground.

Con un estilo vocal distintivo arraigado en el género reggae, su música conecta emociones con el mundo que nos rodea. Logrando una experiencia auditiva envolvente y enriquecedora para sus oyentes.

En 2014, fundó en Catamarca su proyecto En Clave Reggae y lanzó un álbum debut: “Soma” (2020), que la llevó a presentarse en distintas provincias y en España. Tras regresar a La Plata, continuó en festivales y con formato banda hasta 2022.

Luego, en 2022 ya como solista, Sol Margueliche lanzó “Amarte”, un EP que marcó un nuevo capítulo musical en su carrera.

En 2023, Sol Margueliche compartió sencillos, colaboró en diferentes proyectos, y se presentó en diversos escenarios, concretando giras por Córdoba, Mar del Plata y participó del festival Gesell Reggae.

El 2024 arrancó con mucha fuerza para Sol Margueliche, tocando en Makena Club, La Bicicletería Cultural y La Tangente, entre otras salas.

En sus shows en vivo, se presenta con su formato sound sys-

tem, con instrumentales propios, creando una experiencia minimalista y cautivadora.

Más info:

https://www.instagram.com/solmargueliche/ https://www.facebook.com/msol. margueliche

Spotify

YouTube https://linktr.ee/SolMargueliche

LUCAS SEOANE - PRENSA lucas.seoaneprensa@gmail.com Instagram: lucas.seoane

Video

Natural - Sol Margueliche https://youtu.be/FpkOUei2XKY?f eature=shared

Nadiah Demarco, conocida como la “Dama del Bolero”, presenta Boleros Eternos primera

vez en Café Berlín.

La artista brindará un concierto que se presenta como un recorrido por los más grandes hits del bolero en el mundo y las historias y anécdotas que los rodean, en el mítico club de música de origen español.

Nadiah Demarco llega a Café Berlín el domingo 19 de mayo para presentar su espectáculo Boleros Eternos, un recorrido por éxitos del bolero en el mundo, sus orígenes y las anécdotas que los rodean, tanto a las com-

MiráBA 146

posiciones como a sus autores.

A Nadiah se la llama la “Dama del Bolero” por su tarea de estudio e investigación sobre el género además de la calidad interpretativa que la llevó a ser una referente en Argentina y en toda América. Nadiah, ahijada artística de Rafael Basurto Lara (la última primera voz del Trío Los Panchos original), se ha destacado en la industria musical. Por ejemplo, dió su primer espectáculo Cuanta Historia Este

Bolero en el Auditorio Losada con gran éxito, resultando en la Declaración de Interés por parte del Ministerio de Cultura de la Nación.

Recientemente, Nadiah participó de la Gala del quinto Festival de la Canción Argentina realizada en el Teatro Gran Rex de Buenos Aires, transmitida para todo el país por la TV Pública. La artista ha sido designada por los organizadores como Embajadora de la Sexta Edición, con el fin de

promocionar a este Festival en cada rincón del país.

Durante la pandemia filmó el audiovisual Sabor a Mi junto a su padrino Rafael Basurto Lara y la Banda Sinfónica Nacional de Ciegos Pascual Grisolía para la Dirección Nacional de Elencos Estables del Ministerio de Cultura.

En octubre de 2022 presentó Boleros Eternos en el Auditorio Jorge Luis Borges de la Biblioteca Nacional. En diciembre del mismo año se presentó por primera vez en el CCK por el 75 aniversario de la Banda Sinfónica Nacional de Ciegos para el Ministerio de Cultura compartiendo escenario con Leon Gieco, Ligia Piro y Rafael Basurto Lara.

En 2023 debutó con Boleros Eternos en el Palacio Tango (sala Carlos Gardel) en un ciclo con mucho éxito, presentándose todos los viernes. En noviembre del año pasado se presentó con Homenaje a Chico Novarro en el Teatro Gran Rex, en el marco del Festival de la Canción Argentina.

En su próximo show, Nadiah estará acompañada por Marco Hernández en dirección musical, guitarra y voz, Vitto Troilo en guitarra y voz, Luis Castro en Percusión y Tute Hernández en bajo.

Boleros Eternos se presentará el domingo 19 de mayo, a las 20:30h, en Café Berlín (Av. S. Martín 6656, CABA). Las entradas están a la venta a través

Nadiah es una cantante, música, productora, conductora, actriz y bailarina argentina.

En 2014 lanzó su primer disco: Cuanta Historia Este Bolero, con producción de Roly Hernández (director artístico de Emi Odeón durante 15 años) para Pattaya Récords.

Realizó conciertos en Bares Notables, La Biblioteca Café, Los 36 Billares, el Velma Café, el Teatro Palacio la Argentina, entre otros. En el 2018 y el 2020 protagonizó el varieté musical De Clu en Clu en el Teatro 25 de Mayo del Gobierno de la Ciudad.

Actualmente está presentando

su show Boleros Eternos donde interpreta los grandes éxitos de los boleros en un ambiente íntimo y reflexivo.

Sobre Café Berlín:

Llega a Buenos Aires la sala de conciertos que forma parte de la memoria musical, sentimental y noctámbula de Madrid. Durante décadas su nombre ha sido sinónimo de la mejor música en vivo de dicha capital.

Café Berlín Buenos Aires está ubicado en Villa Devoto (avenida San Martín 6656) y, con un aforo de 180 personas, permite vivir la experiencia de la música con una intensidad inigualable, gracias a un excelente sonido y a la cercanía inusitada de los artistas con el público.

Prensa

Joaquin Basile Patron joaquinbasilecontacto@gmail.co m

Video

Nadiah Demarco - Nos hizo falta tiempo (video clip) https://youtu.be/_OjqO5vPJZ0?f eature=shared

Sobre Nadiah Demarco:

Cci Kiu presenta “Sea donde estés” El primer adelanto de su nuevo trabajo Glitter

“Sea donde estés” es el primer single de Glitter, cuarto álbum de la artista cordobesa que saldrá hacia fines de 2024. Se trata de una nueva apuesta donde la multiinstrumentista (que hasta hace poco comandaba los teclados en la banda de Raly Barrionuevo) demuestra una vez más su versatilidad y dominio para lograr climas y texturas irresistibles.

A diferencia de su anterior disco

La Machine (2021), donde compuso y se hizo cargo de todos los instrumentos, softwares y contro-

ladores midi, Cci Kiu regresa esta vez en formato banda. Con una concepción más groovera, entremezcla con originalidad influencias del indie, el hip hop y el soul. En sus letras están presentes el concepto de luminosidad, lo frutal, lo colorido, lo saboreable. La naturaleza, el amor, la contemplación y el placer pasan a ser elementos fundamentales en el desarrollo estético.

Cci Kiu afirma: “Hay una madurez musical fuerte, la búsqueda sonora de este disco es clave. La reducción de elementos, el

concepto de groove, el fraseo vocal acompañando ese groove son herramientas nuevas en este álbum. A diferencia del beat de La machine, aquí hay algo más grande que es la búsqueda de ese latido, pegando en el pecho sin la necesidad de bailar sino disfrutar en el lugar en donde estés”.

“Sea donde estés” nuevo tema de Cci Kiu (HD recomendado)

Ficha Técnica

Cci Kiu: composiciones, letras, programaciones, sintetizadores y

producción artística y general.

Rodrigo Lagos: bajo

Matias Herrera: batería

Bruno Cravero: teclados, controladores midi

Guadalupe Toledo: coros

Daniel Kogan: pre-producción, grabación y edición

Lautaro Della Vecchia: Drum Doctor y grabación de batería

Tweety González: Mezcla

Mario Breuer: Masterización en Sensei Estudio

Pablo Oliver: Arte Visual

Foto: Hermit Holmes

Sobre Cci Kiu

Cci Kiu nació en Córdoba en 1982. Es compositora, cantautora, multiinstrumentista, productora y arregladora de diversos estilos que van desde el género canción hasta la música contemporánea fusionada con electrónica folk y experimental. Estudió en el Conservatorio provincial Félix Garzón, donde egresó como profesora de piano. También estudió la carrera de composición musical en la Universidad Nacional de Córdoba.

Desde 2015 hasta 2020 formó parte de la banda de Raly Barrio-

nuevo ejecutando teclados, controladores midi, violín, programaciones y coros. Compuso música contemporánea para orquesta, danza y teatro entre otras disciplinas. Dentro de su trabajo de música para teatro se destaca la obra “Papá Barbie” de Elisa Gagliano y “Lengua Madre”, novela de María Teresa Andruetto. Esta última fue ganadora del Fondo Nacional de las Artes y del Festival del Teatro del Mercosur 2021.

Tiene tres discos editados: Permiso para ser yo (2015), Camaleónicx (Melopea, 2018) con invitados como Raly Barrionuevo, Lisandro Aristimuño, Claudio Cardone, entre otros y La Machine (Goza records, 2021) mezclado

por Tweety González y masterizado por Martín Bergallo en Sensei Mastering. Este último trabajo contó con amplia aceptación por parte de la prensa especializada. En 2024 planea editar su cuarto trabajo bautizado Glitter a través del sello Elefante en la Habitación!, otra vez con Tweety González en la mezcla y con la masterización de Mario Breuer.

Prensa Florencia Meluso Enlazadora de Mundos florenciameluso@gmail.com @flormeluso

Video

CCI KIU - Sea Donde Estes https://youtu.be/LGGPv2YefHU?f eature=shared

AISLES y la cantante DULCE y AGRAZ lanzan “MIRA NIÑITA”

Incluida

en

el ep de reversiones “Obras de los Jaivas”

La banda chilena de rock Aisles anuncia la salida de la reversión del tema “Mira niñita”, incluido en el EP “Obras de Los Jaivas”, el cual será publicado el 24 de mayo en todas las plataformas digitales y también en formato físico a través de Presagio Records. El EP consiste de cuatro canciones que fueron escritas por Los Jaivas, cuya historia se extiende por más de seis décadas y ha sido fundamental para el rock sudamericano.

“Mira niñita” (publicada originalmente como single e incluida en

el disco “La ventana” de Los Jaivas, de 1973), para la cual Aisles invitó a la cantante Dulce y Agraz para contribuir en la voz, fue reversionada con una plena admiración por Los Jaivas con un estilo pop electrónico. “Lo que teníamos en mente era crear una versión muy melancólica, y creímos que Dulce y Agraz sería la más idónea para interpretarla, por su habilidad para transmitir ternura y también ese lado más melancólico”, cuenta Germán Vergara, guitarrista de Aisles. “Mira niñita” es el tercer adelanto del EP tras la salida de “La poderosa muerte”, que fue grabada

con Jaime Sepúlveda de Kuervos del Sur, y “La conquistada”, donde Aisles cuenta con la participación de Nico Borie.

“Obras de Los Jaivas” es un trabajo donde la banda imprime su respeto por la querida agrupación viñamarina, reversionando cuatro canciones clásicas al estilo de Aisles: con uso de guitarras pesadas, melodías intrincadas y sonidos atmosféricos. Es, además, el segundo trabajo que lanza Aisles como cuarteto, tras la suite instrumental “Bahamut” (2023), con el lineup formado por Germán Vergara (guitarra), Juan Pablo Gaete

(teclados) y Daniel Concha (bajo) y Álvaro Poblete (batería), y el primero donde cuentan con letras en español.

La banda publicará cada uno de los tracks en forma individual, para culminar con la salida del EP en el mes de mayo. Todos ellos cuentan con cantantes invitados, que se revelarán a medida que se publiquen las canciones.

Lista de canciones:

1. La conquistada (ft. Nico Borie)

2. La poderosa muerte (ft. Jaime Sepúlveda de Kuervos del Sur)

3. Mira niñita (ft. Dulce y Agraz)

4. Sube a nacer conmigo hermano

Foto: Ignacio Orrego

BIOGRAFÍA

Originarios de Santiago de Chile, y con cinco aclamados discos de estudio, Aisles se ha convertido en la banda progresiva sudamericana más importante de las últimas dos décadas. Sus melodías intrincadas y su apertura sonora reflejan su incomparable enfoque musical. El grupo se ha presentado en Norteamérica, Sudamérica y Europa, y ha tocado en vivo

en Chile abriendo para bandas icónicas como Marillion, Focus y Riverside, y también en shows en diversas localidades del país.

En 2005, publicaron su álbum debut, titulado “The Yearning”, el cual fue editado en Chile y Estados Unidos, y reconocido por su elegante y delicado trabajo melódico, especialmente en temas épicos como “The Wharf that Holds His Vessel” y “Grey”. En 2009, su segundo álbum, “In Sudden Walks”, inspirado en la literatura existencialista y el teatro, fue nominado a Mejor Disco Extranjero en los Prog Awards en Italia. Asimismo, el grupo participó en la 11ª versión del Festival de Rock Progressif Crescendo en Francia. Su tercer trabajo, “4:45 AM”, que indagaba en la soledad del ser humano, publicado en 2013, recibió elogiosas críticas y se ubicó entre los mejores álbumes de ese año en numerosas publicaciones especializadas en rock progresivo.

“Hawaii” (julio de 2016), un disco doble conceptual que narra la vida de la humanidad en el espacio tras la destrucción de la Tierra, fue elegido entre los mejores ál-

bumes del año por medios como Prog (Inglaterra), NeoProg (Francia), Headbangers Latinos (México), Aural Moon (EE.UU.) y Rockaxis (Chile). El éxito del álbum les permitió girar en Europa, Estados Unidos y México.

En 2018, a modo de cierre del ciclo de “Hawaii” publicaron el EP “Live from Estudio del Sur”, complementado con cuatro videos registrados en vivo que se encuentran en YouTube. La banda lanzó su quinto trabajo, “Beyond Drama”, el 5 de abril de 2023, tras la salida de tres miembros y la reconfiguración del grupo. El 30 de junio de 2023 lanzaron la suite instrumental “Bahamut”, inspirada en la novela homónima de ciencia ficción del autor Francisco Ortega.

Para más información, contáctanos:

María de los Ángeles Cerda| Presagio Records angeles@presagiorecords.com

Video

Aisles feat Dulce y Agraz - Mira niñita (lyric video) https://youtu.be/WaaYQGEN5jo? feature=shared

Maria Codino presenta nueva sesión ‘En Vivo en MCL Records’

‘En Vivo en MCL Records’ es una invitación a ver el lado más íntimo y orgánico de “Tiene Que Haber Un Mapa”, disco debut de Maria Codino. A través de cinco tracks interpretados en directo junto a su banda, la artista porteña regresa al estudio donde produjo y grabó las canciones que conforman su primer disco de estudio y las dota de una nueva dimensión, donde vibran al compás de la energía del vivo y se vislumbran todos los matices que sólo son perceptibles cuando la música cobra vida en la ejecución en tiempo real.

A través de esta sesión audiovisual, Maria Codino defiende la nueva escena de rock femenino y se reafirma como guitarrista

líder al frente, cristalizando letras que escapan del romanticismo y abren camino a una nueva posibilidad, donde habitan frases que observan y plantean una interrogante.

Sábado 4 de mayo: show en Humboldt (Niceto)

De la mano de la nueva sesión, Maria Codino anuncia su próxima fecha en vivo: la cita será el sábado 4 de mayo en Humboldt (Niceto) junto a la cantante, compositora y actriz Marte Lupardo

Marte Lupardo es una artista multifacética en la escena pop performativa porteña. Autoproclamada como “Mostra del pop”,

sacó sus primeros temas en 2019 y demostró una habilidad única linkeando personajes icónicos sin vínculo aparente por fuera de su música y que sin embargo congenian a la perfección gracias a su notable carisma.

Ambas se presentan por primera vez juntas en vivo para proponer una fiesta irrepetible donde se fusionan el rock y el pop de la mano de dos propuestas singulares.

“Tiene Que Haber Un Mapa”

Maria Codino se afianza como creadora de melodías inmortales de la mano de su primer disco de estudio, “Tiene Que Haber Un

Mapa”. La artista porteña se consolida como uno de los proyectos femeninos más interesantes del panorama independiente, y da salida definitiva a su carrera con siete tracks eclécticos cuyo hilo conductor no es otro que la exploración de latitudes sonoras que atraviesan el alma.

Es por ello que “Tiene Que Haber Un Mapa” se siente como una puerta que se abre y cuya intención no tiene límites. Se suceden canciones situacionales (“Cockta”, “Nöche”), temas eufóricos (“Aforismos” –con colaboración de Carmen Sánchez Viamonte–, “Decir Hacerlo”), himnos que tienden a la épica (“Desconcierto”, “Cine Especial” –junto a Todo Aparenta Normal–) y hasta hay lugar para los sonidos experimentales (“Ataques Que Calmé”).

“Siento que con mis canciones vengo haciendo un recorrido siempre de búsqueda personal y sonora, y en este preciso disco se mezcla con viajes y cuestiones geográficas que se dieron después de la pandemia. El desplazamiento de seres queridos, los tiempos que ya no volverán, lugares nuevos que descubrí, y toda-

vía un optimismo en ver las cosas hacia adelante”, explica la artista.

Producido íntegramente por ella misma, “Tiene Que Haber Un Mapa” puede resumirse como la inquietud activa resultado de cuestionarse el contexto que habitamos. Un LP que toma a la perfección el pulso del mundo post-pandémico: frenético, acelerado, confuso y lleno de contradicciones.

Sobre Maria Codino

Maria Codino es compositora, productora y diseñadora audiovisual de Buenos Aires, Argentina. Combinando un estilo particular e innovador con la voluntad de retornar a lo esencial del pop y la canción, trasciende los moldes del indie con una propuesta que ha sido etiquetada como “pop de diseño”.

Inició su proyecto solista en 2020 con la publicación de un EP “Ese Fragmento Velado”, que le valió argumentos para ser considerada como una de las apuestas más firmes de la escena independiente argentina. En agosto de 2023 presenta su disco debut,

“Tiene Que Haber Un Mapa”, un LP de siete tracks eclécticos donde se afianza como creadora de melodías inmortales.

Acompañada de un arrollador show en vivo, que cabalga entre lo rockero y lo melancólico e intimista, Codino se presentó en algunas de las salas más emblemáticas de la Ciudad de Buenos Aires: Niceto Club, La Tangente, Ciudad Cultural Konex, La Rural y El Recoleta, entre otras. En 2022 hizo parte de la grilla de festivales del calibre de Primavera Sound, Music Wins y Ciudad Emergente, y arrancó el 2023 tocando como parte del cartel de Rock en Baradero y como banda invitada de Massacre en La Trastienda. Actualmente se encuentra inmersa en la gira de presentación de su primer álbum, mientras prepara nueva música para 2024.

Indie Folks prensa@indiefolks.com.ar

Video: Maria Codino en vivo en MCL Records

https://youtu.be/isUvRyVPTvE?f eature=shared

RAFAEL DELGADO SEXTETO

En abril de 2024 salió editado el disco Chelfie 2 MIGRANTE en formato de vinilo que fue producido gracias a una campaña de financiamiento colectivo, en el que participaron colaboradores de 14 ciudades.

La agrupación RAFAEL DELGADO SEXTETO aborda un repertorio de músicas populares latinoamericanas contemporáneas de manera camarística, teniendo al violonchelo de cinco cuerdas como actor principal. Está integrada por Rafael Delgado (violonchelo de cinco cuerdas), Juan Pablo di Leone (flauta traversa), Leandro Cacioni (guitarra), Carolina Cajal (contrabajo), Mario Gusso (percusión) y Mariano Fernández (teclados y dirección musical). Desde la presentación del disco “Chelfie 1Territorios” en 2017, el grupo se

ha presentado en escenarios de Buenos Aires (Centro Cultural Kirchner, La Usina del Arte, Teatro 25 de Mayo, Café Vinilo, Hasta Trilce, Domus Artis, Museo Fernández Blanco), en Tierra del Fuego (Río Grande y Ushuaia) y en Chubut (Rada Tilly y Sarmiento). Ha recibido el apoyo de Mecenazgo Cultural de la Ciudad de Buenos Aires en dos oportunidades y fue ganador de la convocatoria Fomento Nacional del Instituto Nacional de la Música en el 2019 y el 2021. En 2022 fue uno de los seleccionados en la convocatoria Música

Argentina para el Mundo del MICA

y el Ministerio de Cultura de la Nación. Gracias a IMPULSAR MICA – Ministerio de Cultura, en octubre de 2023 realizó una gira de conciertos por dos ciudades de Perú.

PRESENTACIÓN:

CHELFIE 2 - MIGRANTE

MIÉRCOLES 29 de MAYO 20:30 hs, en Centro Cultural de la Cooperación, Av. Corrientes 1543, CABA. Entradas $4.500 Reservas por

Alternativa Teatral https://publico.alternativateatral.com/entradas85405-rafael-delgado-sext eto-presenta-chelfie-2-migrante?o=14, la boletería o la página web del Centro Cultural de la Cooperación https://www.centrocultural.coop/e spectaculos-venta-de-entradas

SÁBADO

1º de JUNIO

21:30 hs, en Teatro Municipal de Santa Fe, San Martín 2020, Santa Fe.

Entradas desde $4.000 en venta en la boletería del teatro (lunes a sábados de 9 a 13 y de 17 a 21 hs; domingos de 17 a 21 hs.)

CHELFIE 2 - MIGRANTE

Este disco se empezó a gestar a mediados de 2019. En ese momento Rafael Delgado y Mariano

Agustín Fernández - productor musical del álbum - fueron abordando músicas latinoamericanas, explorando sonoridades, probando arreglos, siempre con el violonchelo como actor principal, pero integrando un espacio colectivo. Y a pesar de haber sido atravesado por la pandemia, el trabajo de producción continuó, aunque a un ritmo más pausado. En ese momento se logró contar con un apoyo de Cultura la Ciudad de Buenos Aires que permitió cubrir parte de los gastos de producción y grabación en estudio, quedando algunos detalles pendientes que fueron cubiertos gracias a una campaña de financiamiento colectivo.

El repertorio del álbum aborda composiciones de Carlos Aguirre, Rafael Delgado, Hugo Fattoruso, Guido Martínez, Henry Martínez, Elizabeth Morris, Silvio Rodríguez y Caitro Soto. Músicas de Argentina, Brasil, Chile, Cuba, Perú, Uruguay y Venezuela. Músicas que, sin recurrir a las palabras, nos hablan de nuestras raíces e identidades, las fronteras que nos han impuesto, las nostalgias que siempre vuelven, los idiomas y dialectos que debimos aprender, los sabores que nos sorprendieron, las músicas que compartimos y, a fin de cuentas, las riquezas culturales que fuimos descubriendo en este transitar. De todas ellas trata Chelfie 2 –Migrante.

FICHA TÉCNICA

Chelfie 2 – Migrante

Rafael Delgado Sexteto

Lado A

1. HURRY, Hugo Fattoruso

2. CHACARERA PARA LUZ, Rafael Delgado

3. MILONGA GRIS, Carlos Aguirre

4. CRIOLLÍSIMA, Henry Martínez y Luis Laguna

Lado B

1. TORO MATA, Caitro Soto

2. SERENA, Rafael Delgado

3. INFLUENCIA BOSCO, Guido Martínez

4. CANCIÓN DE AGUA Y VIENTO, Elizabeth Morris

5. CANTO ARENA, Silvio Rodríguez

Rafael Delgado, violonchelo de 5 cuerdas

Juan Pablo Di Leone, flauta traversa

Leandro Cacioni, guitarra

Carolina Cajal, contrabajo

Mariano Agustín Fernández, piano

Mario Gusso, percusión

Productor Musical: Mariano Agustín Fernández

Productor Fonográfico: Rafael Delgado

Todos los temas interpretados por Rafael Delgado Sexteto, excepto Canción de agua y viento interpretado por Rafael Delgado con sobregrabación de violonchelo 5 de cuerdas.

Arreglos:

Mariano Agustín Fernández: Hurry, Milonga gris, Criollísima y Canto arena

Rafael Delgado: Canción de agua y viento

Mariano Agustín Fernández y Rafael Delgado: Chacarera para Luz, Serena, Influencia Bosco Yuri Juárez y Mariano Agustín Fernández: Toro mata Grabado en Estudio Fort Music por Gustavo Segal (16 de junio de 2022) y en Sombracine por Mariano Agustín Fernández y Juan Krymkiewicz (entre abril y junio de 2023).

Masterizado por Gustavo Segal en Estudio Buenos Aires Arte y diseño: Fran Pontempié

VIDEOS de Rafael Delgado Sexteto: https://www.youtube.com/user/vi oloncelat

BIOGRAFÍA

Rafael Delgado es uno de los más activos exploradores y difusores del violonchelo en las músicas populares latinoamericanas. Ha participado en más de 50 producciones discográficas de folclore, tango, música afroperuana, pop y rock, entre los que destacan: el Quinteto de Tango La Grela, Hernán Crespo Sexteto, Vuela Chiringa, Georgina Hassan Trío y Rafael Delgado Sexteto. A tal fin utiliza un violonchelo alemán de fin del siglo XIX y un violonchelo de cinco cuerdas construido especialmente por el luthier argentino Gervasio Barreiro.

En sus discos solistas “Chelfie 1 - Territorios” (2017), “Rafael Delgado Trío, en vivo” (2021) y el más reciente “Chelfie 2 - Migrante” (2023), propone una sonoridad moderna para el chelo

en las músicas populares. Además, desde 2021 es creador y director del “Festival Puntal”, evento pionero en su tipo en Sudamérica ya que está dedicado exclusivamente a las diferentes expresiones del violonchelo no clásico. En sus dos ediciones, el festival ha ofrecido talleres para estudiantes de violonchelo y chelistas profesionales, así como conciertos gratuitos para

la comunidad. www.rdelgado.com.ar

Prensa: Yamila de la Fuente yamiladlf@gmail.com

Video

1. HURRY!, Hugo Fattoruso https://youtu.be/smtjEUjCE8E?fe ature=shared

NORAH JONES presenta su nuevo y vibrante álbum de estudio

“VISIONS”- Producido por Leon Michels

La cantante, compositora y pianista ganadora de nueve GRAMMYs, Norah Jones, lanzó su noveno álbum de estudio en solitario “Visions”, una colaboración con el productor y multiinstrumentista Leon Michels, así como el video oficial de la canción “Paradise” dirigida por Joelle Grace Taylor. que celebra la montaña rusa de la vida. “Visions” es un conjunto vibrante y alegre de 12 canciones que es el yang del yin que fue “Pick Me Up Off The Floor”, el último álbum de Jones de nuevas canciones originales que se lanzó a principios del bloqueo pandémico de 2020 y presagió muchas de las emociones oscuras. de ese periodo.

“Cuando escuché por primera vez las canciones del nuevo álbum de Norah, Visions, fue evidente que ella había capeado la tormenta y había salido con una perspectiva iluminada”, dice el presidente de Blue Note, Don Was. “Ella canta sobre estar despierta, querer bailar, sentirse finalmente libre, estar en camino de hacerlo bien y aceptar lo que la vida trae. Ella está viendo la luz al final de un túnel que la había envuelto cuatro años antes y ofrece orientación, consuelo y alegría a otras personas que pueden encontrarse en una encrucijada similar”.

“La razón por la que llamé al álbum ‘Visions’ es porque muchas de las ideas surgieron en medio

de la noche o en ese momento justo antes de dormir”, dice Jones. “Hicimos la mayoría de las canciones de la misma manera: yo estaba al piano o a la guitarra y Leon tocaba la batería y nosotros simplemente tocábamos cosas. Me gusta la crudeza entre Leon y yo, la forma en que suena algo garagero pero también algo conmovedor, porque de ahí viene

él, pero tampoco demasiado perfeccionado”.

Michels tocó el saxofón en Sharon Jones & The Dap-Kings y ha actuado con Lee Fields & The Expressions, la banda de Dan Auerbach, The Arcs, Menahan Street Band y su propio proyecto El Michels Affair. Michels y Jones colaboraron por primera vez en el sencillo “Can You Believe” y luego trabajaron juntos en el álbum navideño de Jones de 2021, I Dream of Christmas. Visions también cuenta con contribuciones del trompetista Dave Guy, el bajista Jesse Murphy y los bateristas Brian Blade y Homer Steinweiss.

Prensa: CyG Prensa cygprensa@gmail.com

Video

Norah Jones - Visions (Visualizer)

https://youtu.be/JdN6Lpvz_fI?feature=shared

El pianista ABRIL MUSASHI presenta “ENERO EN CASA FRIDA” su álbum debut solista.

ENERO EN CASA FRIDA es un disco doble de improvisación libre en piano publicado en dos partes.

Lanzamiento Segunda Parte: Sábado 4 de mayo.

Este álbum marca una nueva etapa en el camino de Abril Musashi, ya que siempre integró proyectos colectivos, tanto en grupos musicales como en trabajos en artes escénicas. Enero en Casa Frida es su primer trabajo 100% solista. Cada música parte de un estado

de silencio y quietud interno. Ese estado se practica y se trabaja con la misma dedicación con que se estudia armonía, contrapunto, escalas y demás herramientas compositivas. Desde esa quietud surge una idea inicial, un primer impulso, el cual se recibe y se desarrolla desde un estado de continua expresión espontánea.

Durante el mes de mayo, Abril Musashi invita al ciclo de conciertos en vivo “AGUA CALMA” desde su Canal de YouTube:

JUEVES 9, 16, 23 y 30 DE MAYO, a las 22hs.

Cada sesión, con una duración de aproximadamente 40 minutos, sumerge a los espectadores en un viaje introspectivo y sensorial a través de la música.

La fusión de improvisaciones en el piano con grabaciones de campo crea una atmósfera sonora única, donde cada nota es un paso más en un diálogo íntimo entre el artista

y su audiencia.

ENERO EN CASA FRIDA

Ficha técnica:

Grabado el 23 y 24 de enero de 2024 en el estudio Casa Frida

Todos las músicas fueron improvisadas por Abril Musashi con un piano Yamaha C 5.

Técnico de afinación: Adrian Martinez

Ingeniero de grabación, mezcla y masterización: Hernán Caratozzolo.

Arte de Tapa: Damián Vergani.

Fotos: Cecilia Cisneros

BIO:

Abril Musashi nació en Buenos Aires en 1981.

Estudió Contrabajo en el Conservatorio Alfredo Ginastera continuando luego su formación musical con maestros particulares y también de forma autodidacta. Integró proyectos musicales interpretando diversos géneros e instrumentos: música popular de Brasil en el contrabajo, tango en guitarra y bajo eléctrico en distintas bandas de rock. Los últimos años se dedicó a realizar diseño sonoro y música original para obras de teatro y performances de danza butoh. Actualmente continúa sus estudios de armonía y contrapunto con el Maestro Francisco Sicilia, dedicándose al piano como instrumento principal, mientras trabaja en colaboraciones con otros artistas y compone las músicas de su próximo disco.

INSTAGRAM: https://www.instagram.com/abril.

musashi?igsh=dGZ3NDdybDM0 ZmVx

Prensa: Yamila de la Fuente yamiladlf@gmail.com

Video

Abril Musashi | ENERO EN CASA FRIDA - Parte 1

https://youtu.be/l5UYEdfv0eQ?fe ature=shared

“El Sabor que los pario”

SON MAMBO presentó la versión del single Payaso del disco “El Sabor que los pario” en vivo durante el show de Circus en octubre 2023 con invitados músicos amigos y productores.

Esta canción fue compuesta en el trascurso de la pandemia por el invierno del 2020 después de mutar por varios estados, como en son y una rumba, se decidió que debía ser el Bolero del artista.

La composición fue inspirada en las orquestas de los años 50tas por la presencia del piano, los

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arreglos de cuerdas, por el solo de trompeta y el condimento de rock que acompaña con guitarra eléctrica lap, Steel y una poesía sensible que relata el amor y el desengaño.

Además; SON MAMBO para mediados de abril se prepara para grabar la sesión en vivo con canciones de su nuevo álbum “El Sabor que los pario”.

“Tocando una pequeña variedad de nuestro repertorio para que se pueda proyectar y disfrutar en sus hogares y en todas las pantallas a través de nuestro canal

de youtube.”, señaló Gustavo Villarreal, el cantante de Son Mambo.

SON MAMBO ES:

Gonzalo Villarreal: Voz

Hernán Ortiz: Tres Cubano

Gustavo Medina: Contrabajo y Coros

Rubén Escobar: Congas

Ezequiel Carabajal: TimbalPercusión

Miguel Estevez: Guitarras y Coros

Cristian Chirino: Bongó y campanas.

BIO:

SON MAMBO banda formada por amigos del oeste del conurbano bonaerense, que se mueven bajo el radar de la zona de Isidro Casanova al límite con Laferrere .

Gustavo Medina (contrabajista) y Hernán Ortiz (tres cubano) fueron los iniciadores de esta idea que representa el Son Cubano “Matancero” (de Matanza Cuba? no.. de la Matanza del Oeste de BSAS Argentina!)

Durante el 2012 el proyecto fue mutando hasta consolidarse en 2014 con la llegada de Gonzalo Villarreal (Voz), Miguel Estévez(Guitarras) y los percusionistas Daniel Sosa, Rubén Escobar y Ezequiel Carabajal.

La banda lanza EL SON DE LA MATANZA (Tronador Records 2019) su álbum debut donde suenan los clásicos del son cubano (influencia directa de Buena Vista Social Club) en forma de covers con un estilo personal que rescata las raíces

del genero pero que va un poco más allá de los purismos.

En 2020, durante el encierro pandémico, empiezan a componer canciones para seguir adelante con el proyecto y reinventarse, para lo que sería su segundo trabajo de estudio, ahora con canciones propias en su totalidad.

En 2021 la banda trabaja este material nuevamente con la producción artística integral de la dupla de productores/músicos de Tronador Records :

-Lautaro Merzari (Alegrias De A

Peso, Soneros Del Calamani, Sonora Marta La Reina, Mel Muniz entre otros).

-José Lavallen (Las Bodas Químicas, Alegrías de A Peso, The Keruza, Keruzones; entre otros).

Prensa

Lic. Marcela Núñez marcela@mncomunicacion.com. ar

Video SON MAMBO en vivo Circus 2023

https://youtu.be/XXzsCPF55BI?f eature=shared

BILLORDO lanza

Gente hazlo tú Mismo

Su nuevo disco. Presentación: sábado 4 de mayo en Niceto Bar.

Gente Hazlo Tú Mismo, presenta al cantautor indie folk punk de La Plata con una nueva sonoridad en su disco n° 19. BILLORDO invita a disfrutar de ocho flamantes canciones tras 24 años de carrera en el underground.

Gente Hazlo Tú Mismo, se encuentra disponible en todas las plataformas digitales:

https://linktr.ee/Billordo Spotify: YouTube:

Después de grabar discos con celulares, reportes de periodis-

tas, viejos walkmans, portaestudio KC7, antiguas caseteras, Tascam digital, Adat VHS, home estudios y más aventuras Low Fi, BILLORDO se decidió a visitar Romaphonic (ex Circo Beat) y realizar por primera vez un álbum 100% Hi Fi. En esta oportunidad, llegó a usar hasta 11 micrófonos en simultáneo con el objeto de poder grabar su guitarra folk criolla, y sin perder su esencia anti-folk punk indie, presenta ocho canciones tan aguerridas como sentidas. Las mismas fueron elegidas en las giras y shows a partir de las re-

acciones del público.

En todas las letras, se advierte su esencia. El trabajo contiene palabras clave y guías: Autogestión, Hazlo Tú Mismo, Comunidad, Hermandad, Underground, Independencia, Amistad, Empatía y el reclamo ante un mundo egoísta y cada vez más individualista.

Registrado en Romaphonic con Eric Kamatsu (Andrés Calamaro, La Vela Puerca, Bersuit, Tan Biónica, Ramón Ayala, Tito Fargo), etc. Mezcla y producción en es-

tudio + maestro yoda por Luis Baumann. Masterizado en Chicago, Estados Unidos por Carl Saff, productor que trabajó con Sonic Youth, Dinosaur Jr, Thurston Moore, Bill Callahan, Guided By Voices, Weezer, Fumanchu, Bonnie Prince Billy, Silver Jews, Coco Rosie, The Residents, Lee Hazlewood & Nancy Sinatra y más.

Gente Hazlo Tú Mismo está integrado por los siguientes ocho temas: 1- “Gente Hazlo Tú Mismo” que tendrá videoclip, 2“No Llores Madre”, 3- “Con Acordes De Punk Rock”, 4- “Hi How Are You (Gang Gang Gang)”, 5“No Soy Romántico Soy Boludo”, 6- “Letra Mal”, 7- “Yo Quiero Un Mundo Mejor” y 8- “Amor Al Prójimo”. Productor general: la gente, el público del underground.

Link video “Letra Mal”: https://youtu.be/479OGMTdtsQ

La cita para presenciar la presentación oficial de Gente Hazlo Tú Mismo en Capital Federal es el sábado 4 de mayo a las 20 h en Niceto Bar, Niceto Vega 5507, Palermo. Anticipadas limitadas a la venta

a través de Passline.com: https://www.passline.com/eventos/billordo-presenta-su-nuevodisco-gente-hazlo-tu-mismo-en-n iceto-bar

Luego del show en Niceto, el cantautor iniciará un extenso tour por Argentina y buena parte de Latinoamérica.

BILLORDO es un músico de indie folk acústico proveniente de la ciudad de La Plata. Tiene 19 discos editados a través de una extensa carrera de 24 años de trayectoria.

Brindó shows en Argentina, Brasil, Paraguay, Chile, Uruguay, España, Francia, Alemania. Holanda, República Checa, Austria, Dinamarca, Italia, Escocia, Inglaterra, Gales y Catalunya. Se maneja en forma absolutamente independiente y en vivo se presenta sólo con su voz y su guitarra. Auténtico emblema de la autogestión.

Compartió shows con Palo Pandolfo, Rosario Bléfari, Leo García, Boom Boom Kid, El Mató a un Policía Motorizado, Miranda, Flema, 2 Minutos, Daniel Melero, Juana La Loca, Javier Manal Martínez, Loquero, Katarro Van-

dáliko, Patrick Smitten, Nerdkids, Los Látigos, Peligrosos Gorriones, Francisco Bochatón, Jaime Sin Tierra, Fantasmagoria, Checha Superuva y muchos otros.

Videoclips anteriores: “En un robot” (Junio 2021): https://youtu.be/72ZXhTiNZWU “Soy tu peor artista” (Julio 2022): https://youtu.be/AjH5tju0qUY

BILLORDO: 56 giras, 22 videos, 19 discos, 2 manos, 1 corazón.

Crédito: Barullozine

Más info en: Instagram: @billordo Facebook: https://www.facebook.com/diegobillordorock Bandcamp: www.billordo.bandcamp.com

PRENSA

Diego Perri perridiego69@gmail.com

Video

Billordo - Gente Hazlo Tú Mismo (full album 2024) https://youtu.be/d6aAANutYY?feature=shared

CRISTIAN LOPEZ

El arte de romper fronteras

Feat Karla Lazo

Nuevo simple y videoclip

El músico y compositor Cristian López presenta su nuevo simple “El arte de romper fronteras”, que cuenta con la destacada colaboración de la cantante mexicana Karla Lazo.

Una bella y potente canción en donde se puede apreciar la influencia del rock argentino de Lopez y la cadencia latinoamericana de Lazo, lo cual le da al tema una frescura especial que rápidamente se traslada a quien la escucha.

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“Creo que esta canción, y el disco que estoy terminando, es lo mejor que hice en mi vida” afirma el artista, reconocido tanto en Argentina como en México.

“El arte es lo que nos libera y rompe banderas, y rompe fronteras”

El simple además viene acompañado de un videoclip, con participación de ambos artistas.

Esta canción se suma a los re-

cientes lanzamientos de “Ciudad Fachion” y “Así se va el dolor”, y todos ellos serán parte del nuevo disco de Cristian López, que será lanzado en los próximos meses.

EL ARTE DE ROMPER FRONTERAS Créditos

Músicos: Cristian Lopez: Voz

Karla Lazo: Voz

Fede Garcia Vior: Acordeón

Max Kamienomosky: Guitarras, sintetizador, bajo y coros

Juan Berger: Teclados

Leonardo Angullo Pallota: Teclados

Michelle Desachy: Vihuela

Tito Vanini: Batería

Letra y música: Cristian Lopez. Producción Musical: Max Kamienomosky.

Dirección musical: Cristian Lopez y Max Kamienomosky. Grabación: Max Kamienomosky en “Estudios Las Plantas”, Buenos Aires, Argentina.

Dirección Vocal (Karla Lazo): Pajaro Canzani en “Studio de la Source” París, Francia.

Grabación Vocal (Karla Lazo): Manuel Sanchez. Paris, Francia.

Producción Ejecutiva: Cristian López y “Seguir Producciones”.

Co-producción Ejecutiva y Artística: Michelle Desachy, “Astrum7”.

Mezcla y Mastering: Juan Puget, “Astrum7” en Rec On Estudios CDMX

BIOGRAFIA

Cristian López es un cantautor nacido en Buenos Aires, Argentina, compone canciones desde

niño y comparte sus canciones de manera evolutiva, creciendo día a día con cada nueva canción que publica.

Entendiendo que no hace falta correr sino volar, llevando su música para todo aquel que guste escucharle. Compone sus canciones abordando diferentes temáticas, las graba, las publica y las presenta en vivo con full band de rock y en sets acústicos, desde el año 2008 (producido por integrantes de Los Fabulosos Cadillacs).

Hasta su último disco Motivos Equivocados donde participaron músicos e ingenieros de primer nivel en cada una de sus canciones grabadas en los estudios de Juan Gabriel en México, de Litto

Nebbia en Argentina, también con participación de Willi Piancioli Los Tipitos, Ignacio Montoya Carlotto, Bersuit Vergarabat, entre otros.

Lleva un extenso recorrido presentándose en escenarios importantes de Argentina (Sala Siranush, La tangente, Lucille, entre muchos otros escenarios de Buenos Aires y las provincias argentinas) y acaba de realizar una gira de 8 meses brindando 14 conciertos en 6 estados diferentes de México.

El primer single de su nuevo disco a lanzarse pronto es El Arte de Romper Fronteras, el segundo es Así Se Va el Dolor una canción que lo lleva nuevamente a sus raíces como artista surgido desde las entrañas del rock argentino. Y su tercer Single Ciudad Fachion.

Iván Salomonoff Director de Proyectos www.facebook.com/animaprensa animaprensamail@gmail.com

Video

Cristian Lopez - El arte de romper fronteras (ft. Karla Lazo) https://youtu.be/eec16nz0ew?feature=shared

Sonido Primario presenta su nuevo EP “Lados B”

“Lados B” es el nuevo EP de Sonido Primario, que ve la luz a fines de marzo de 2024, enmarcado en un doble lanzamiento que incluye este EP y el ya presentado “El momento es ahora”, editado en febrero y que incluyó 4 canciones.

El flamante EP “Lados B” está conformado por cinco tracks que abordan una faceta distinta en la banda, permitiendo jugar con canciones más volcadas hacia conceptos de pop rock y también incursionar en melodías más experimentales, pero siempre te-

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niendo como principal componente el rock como lo concibe Sonido Primario. Es decir, una conjunción de melodías, de canciones que se pegan al oído con fundamento en guitarras protagonistas.

Sonido Primario despliega en “Lados B” su alter ego, otra cara distinta y muestra toda su versatilidad musical.

Escuchá “Lados B”, el nuevo EP de Sonido Primario en Spotify: https://open.spotify.com/intles/album/3TtPlRSzjsDdWgutIywrlU

Ficha técnica

Producido por Andrés Muras. Ingenieros de sonido mezcla y master: Facundo Campi, Tomás Vigo y Javier Pares.

“Lados B” estuvo grabado, mezclado y masterizado en los Estudios el PIE, Estudio Ingravido y Estudios Kimono entre enero y junio de 2023.

Canciones: 1) Lo hago por vos2) Amaneciendo - 3) Siempre ahí - 4) No te guardes nada - 5) Polvo y plata.

Sonido Primario son: Jorge Repp (voz). Andrés Muras (guitarra y voz). Mauro Elías (bajo).

Wilfredo Suárez (batería).

Sonido Primario es una banda de rock proveniente de la Ciudad de Buenos Aires. Formada en 2020, sus integrantes han pasado por diversas bandas en el pasado, confluyendo todos sus caminos en esta agrupación que engloba pasión por la música y amistad.

Preocupados en encontrar un sonido pulcro, preciso, pero sin

dejar de lado las raíces rockeras de todos sus integrantes, la búsqueda de la melodía, la armonía, conjuntamente con lograr plasmar la pasión y la energía del rock más primario, son el objetivo del grupo.

El estilo de la banda está influenciado por las melodías del brit rock y la fuerza y vigor del hard rock. Entre las influencias más fuertes de Sonido Primario están el brit rock al estilo Oasis, y reminiscencias de hard rock al estilo Foo Fighters, todo esto junto con

coletazos del punk al estilo Arctic Monkeys.

Más info: https://www.instagram.com/sonidoprimario/ https://www.tiktok.com/@sonidoprimario

LUCAS SEOANE - PRENSA lucas.seoaneprensa@gmail.com Instagram: lucas.seoane

Video. Lo Hago Por Vos https://youtu.be/ojjs93rt7l0?feature=shared

LUZ DE LUNA

“Luz de Luna” es el nuevo material de IRIS, banda de pop rock, que estuvo a cargo en la producción Búho Rocino y Macabre (ex Catupecu Machu) en los estudios Flamingo.

Sobre este ep, Sebastián, cantante de Iris sostiene que “imagino que la gente se va a encontrar con canciones que ayudan a olvidarse un poco donde estamos parados y viajar a un sitio donde lo único que nos importe sea sentirnos vivos. Una inyección de energía, que tanto necesitamos, a través de tres paseos musicales y un videoclip”

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“Luz de Luna” – 2023

Además, en cuento a la creación de este material y la elección del lugar del video, Sebastián dice “Creo que es lo más especial que hicimos hasta ahora, no sólo por el nuevo estilo musical que buscamos, sino también porque las canciones nacieron en una escapada espontánea de fin de se-

mana a Villa Gesell, lugar que significa mucho para mi hermano Yamil y para mí. Desde que nacimos vacacionamos todos los veranos allí y para nosotros es una fuente de inspiración muy grande, pienso que el EP de alguna forma está dedicado al sentimiento que tenemos por este lugar mágico.”

“Las canciones nos teletranspor-

tan automáticamente a estar allá y por eso tuvimos la idea de filmar el video de la canción “Luz de Luna” en esas playas, mostrando como una banda de amigos disfrutan sus vacaciones”.

FICHA TÉCNICA GRABACIÓN

Producción Artística: Agustín

Rocino y Macabre

Grabación, edición, mezcla y mastering: Agustín Rocino y Macabre

Letra: Sebastián Prado

Voz, bajo y coros: Sebastián

Prado

Guitarras: Yamil Capalbo y Pablo Molina

Teclado: Lautaro Bellomo

Saxo: Franco Lambertucci

Batería y percusión: Hugo Alexandre

Grabado en Flamingo Estudio, Buenos Aires, Argentina – 2023

FICHA TÉCNICA VIDEO

Producción: La Taberna Producciones – IRIS

Dirección, edición y color: Damián Pantaleone

Guión: Damián Pantaleone –IRIS

Producción Ejecutiva: IRIS

Extras: Mateo Desimoni –

Randy Filmado en Villa Gesell, Buenos Aires, Argentina – Balneario

Iris es una banda de pop/rock nacida en 2020 en el barrio porteño de Almagro, en la Ciudad de Buenos Aires, Argentina.

Producidos por grandes artistas de la escena local (Catupecu Machu y El Bordo), esta banda de jóvenes músicos lleva su amplio repertorio a todas las ciudades del país con una propuesta no sólo musical, sino también visual, abarcando desde lo nostálgico hasta lo futurista.

Iris se ha presentado en lugares

como La Trastienda, Makena Club, La Rural, Studio Theater en Córdoba, Club Lucille y hasta una gira reciente por toda la costa argentina, pisando la gran Feria Pimienta en la ciudad de Mar de Plata.

Su último trabajo “Luz de Luna” ya se puede escuchar en todas las plataformas digitales y lo estarán presentando en su vuelta a Capital Federal: el Domingo 9 de junio en La Tangente (Honduras 5317, Palermo).

INTEGRANTES

Sebastián Prado (Voz y Bajo) Yamil Capalbo (Guitarra) Pablo Molina (Guitarra) Lautaro Bellomo (Teclados) Franco Lambertucci (Saxo) Hugo Alexandre (Batería).

MN.Prensa y Comunicación

Lic. Marcela Nuñez www.mncomunicacion.com.ar marcela@mncomunicacion.com. ar

Video

Luz de Luna - Iris - Video Oficial https://youtu.be/Oqpuf-2Vj74?feature=shared

BIO

Alan Sutton y las criaturitas de la ansiedad presentan su nuevo single “Hijo Pródigo”

Años de tecnología, globalización y consumo han hecho de nosotros individuos ansiosos, inseguros y sobre estimulados. Alan Sutton y las criaturitas de la ansiedad tratan esta problemática en su flamante canción “Hijo Pródigo”, una suerte de crítica social con tintes paródicos que, a su vez, no deja de mostrar el desgarrador vacío que se presenta en la era del “No aburrimiento”. Intentando combatir esta temática oscura y entristecedora, la producción de Jerónimo Romero logra un sonido enérgico, “dosmilero” y poderoso.

Acompañado por un videoclip y varios otros contenidos audiovi-

suales, desde el 12 de abril ya se encuentra disponible “Hijo Pródigo” en todas las plataformas digitales y será presentada en vivo en más de 20 ciudades de Argentina, Latinoamérica y España.

Escuchá “Hijo Pródigo” en

Spotify: https://open.spotify.com/intles/album/4mCVdScYosy3ANwFj 98dk4

Mirá el video de “Hijo Pródigo”: https://www.youtube.com/watch? v=eCsNXpLx1_s

Alan Sutton y las criaturitas de la ansiedad es una banda de Buenos Aires, Argentina, formada en 2017, que surge del encuentro entre Jerónimo Romero y Alan Sutton.

Ya sea desde una dura crítica social, un existencialismo desgarrador, o un optimismo exultante, escuchar a “Las Criaturitas” es

siempre un viaje distinto. Cada canción tiene su propia búsqueda, su propia identidad y su propio universo sonoro. Resultado de la unión entre cantautor y productor, la banda no busca definirse en un género, sino más bien ampliar sus propios horizontes. El cambio y la transformación como motor en un mundo repleto de estímulos y ansiedad.

Alan era un músico callejero que había comenzado a escribir sus primeras canciones y buscaba grabarlas de alguna manera. Su intención no era hacer un disco, ni formar una banda, sino más bien tener un registro de sus escritos. Por una de esas vueltas de la vida, Alan conoció a Jero, un joven apasionado de la producción musical, quien le dijo las palabras que cambiarían su vida: “Tus canciones son increíbles, grabemos un disco y hagamos una banda”. Fue ese entusiasmo, esa mutua intensidad y esa química lo que, aunque no lo supieran, empezó a darle forma a un universo de juego y creación, al que nunca podrían haber accedido sin el otro.

Entre 2018 y 2023 lanzaron 3 álbumes de estudio con múltiples éxitos virales. “No tengo hambre, tengo ansiedad” fue el sencillo bisagra que llegó a los oídos de millones de oyentes en Latinoamérica gracias al fenómeno de viralización en redes sociales.

También se presentaron en vivo, tanto local como internacionalmente, con una propuesta escénica y musical que busca, ante

todo, conectar emocionalmente con sus fans. En cada show el tiempo pareciera detenerse y la felicidad y el llanto aparecen como conector entre generaciones, en lo que es una experiencia enérgica y, a su vez, íntima. Además de recorrer las provincias de la Argentina, algunos de los países que visitaron son México, Colombia, Perú, Guatemala, El Salvador, Chile y Uruguay.

Discografía:

“Algo tiene que cambiar”, 2023. “Hombrecito con los pies en la Tierra”, 2020. “Alan Sutton y las criaturitas de

la ansiedad”, 2018.

Más info:

https://www.instagram.com/alansuttonylascriaturitas/ https://www.tiktok.com/@alansuttonylascriaturita

LUCAS SEOANE - PRENSA lucas.seoaneprensa@gmail.com Instagram: lucas.seoane

Video

HIJO PRÓDIGO (Videoclip Oficial) - Alan Sutton y las criaturitas de la ansiedad https://youtu.be/eCsNXpLx1_s?f eature=shared

Martin García León

El Director de Orquesta nacido en la Patagonia debutará el 11 de mayo en la ciudad de Houston, Texas.

Martín, quien ha conquistado escenarios en los tres continentes (América, Asia y Europa) recorriendo países como República Checa, Rusia, y Vietnam, dará su primer concierto en el país anglosajón como director invitado con la orquesta de El Sistema Texas, una organización vinculada al famoso Sistema de Venezuela. El concierto tendrá lugar el día 11 de mayo a las 5 p.m (hora de Houston) en 433 Barker Cypress Rd. Houston, Tx 7709.

Martín García León, el primer director de orquesta nacido en suelo patagónico, ha decidido proyectar su carrera en el llamado País de las Oportunida-

des. Desde sus inicios, en su General Roca natal, tuvo perfectamente claro lo que quería, siempre con un objetivo firme, esa constancia en el estudio y su arduo trabajo lo fue acercando a los grandes

Nace en la ciudad de General Roca, provincia de Rio Negro, Argentina en donde comienza sus estudios en piano a la edad de 14 años. En 2012 decide mudarse a la ciudad de Buenos Aires para realizar sus estudios en dirección orquestal. En 2018, a menos de un año de haberse recibido es seleccionado como alumno activo para tomar clases con Alexander Polyanicho en la ciudad de San Pe-

tersburgo (Rusia), lugar donde fue nuevamente evaluado y galardonado para dirigir en concierto a la Sinfónica de San Petersburgo en concierto siendo el primer argentino en dirigir dicha orquesta.

En 2019, logra afianzarse en el ámbito internacional al ser invitado por la Opera y Ballet nacional de Vietnam (VNOB) para dirigir el concierto de inicio de temporada y el 60 aniversario de dicha institución. Aclamado por el publico asiático, desarrollo 2 funciones a sala llena y a cargo de un elenco de mas de 150 personas que involucraron bailarines, cantantes solista, coro y orquesta completa. Ese mismo año, gana mediante conMiráBA 172

curso un concierto como director invitado con la Filarmónica de Moravia (Republica Checa), y es invitado a dirigir en el festival de música contemporánea Distat Terra en donde dirigió a músicos del calibre de Mariano Ceballos, Fabricio Rovasio, Francesco Dilon y Emanuelle Torquatti. En 2020, debido a al contexto de la pandemia y su compromiso social crea un coro llamado Los Abuelos Cantores de la Patagonia, proyecto que buscaba contener a los adultos mayores de 60 contra la depresión y ansiedad generadas por la cuarentena. El coro termino albergando cantantes de varias regiones del país y tuvo una continuidad de 3 años. Ese mismo año, es seleccionado entre mas de 100 aplicantes para la Pasantia Federal de Directores de Orquesta, organizadas por el CFI y el Gobierno de Entre Ríos en donde se planteaban compromisos en diferentes orquestas del país incluida la Orquesta Sinfónica de Entre Ríos.

En 2022 es invitado por la Orquesta Filarmónica de Rio Negro para dirigir en una gira por la estepa Patagónica y Galardonado con un beca para realizar sus estudios de Maestria en la Universidad de Houston, lugar en donde asignan por primera vez a un director que no solo realizará actividades con la orquesta sinfónica sino también la Opera de la universidad. Previo a su embarque a Estados Unidos fue convocado y seleccionado por la Universidad Nacional de las Artes para realizar

un concierto con al Orquesta Académica UNA bajo el marco de ‘Nuestros Graduados’ que busca reconocer la trayectoria artistica de sus graduados como así también fomentar sus exitos en el campo profesional Ese mismo año, también fue seleccionado como finalista en las siguientes competencias: Primer competencia de directores de orquesta organizada por la Fundación Cultural Patagonia, Call for Conductors 2022 Budapest (Hungria) y Feliz Mendelssohn Competition en New York (USA 2023).

https://www.youtube.com @martingarcialeon2218/videos https://www.instagram.com/leonmartingarcia

Prensa Prensacciiones Gustavo Antonopollos gustavoantonopollos@gmaiill.co m

Video

Martín García León. Egmont Overture/ Moores Chamber Orchestra https://youtu.be/AzhcAjjT27s?fea ture=shared

SABOR CANELA

Festeja sus 10 años en La Trastienda el 17.05

El año pasado estuvieron nominados a Mejor Álbum Grupo Tropical a los Premios Gardel junto a Los Palmeras y La Nueva Luna.

SABOR CANELA festeja sus 10 años en La Trastienda el 17/05! La banda de cumbia cordobesa llega a Buenos Aires para una verdadera fiesta

Entradas a la venta: https://www.latrastienda.com

SABOR CANELA, la banda de cumbia cordobesa, festeja sus 10 años de vida en Buenos

Aires. La cita es el 17 de mayo a las 23.30 hs en La Trastienda, ubicada en la calle Balcarce 460 en el barrio de San Telmo, CABA.

Luego de su paso por el Cosquín Rock; el Carnaval de Los Tekis; el Festival Nacional De la Esquila; “Estudio Teatro” (Córdoba); y de una gira por la Patagonia, vuelven a la Ciudad de Buenos Aires con un show imperdible, para reencontrarse con su público bonaerense y festejar los 10 años de existencia, con alegres rituales bailanteros. El show será extenso, contará con muchas sor-

presas, grandes invitados y repasarán toda su discografía. Sabor Canela es una banda integrada por 7 músicos y 3 músicas de distintos puntos del país. Consolidaron su sonido en su último álbum de estudio “After en Hong Kong”, nominado a “Mejor Álbum Grupo Tropical” en los Premios Gardel 2023, al crear una cumbia actual y renovada, combinando elementos clásicos del estilo con sonoridades modernas, forjando así una identidad única que trasciende el género.

El festejo incluye una “Gira de Cumpleaños” en la que visitarán

las provincias de San Luis, Mendoza, La Pampa, Santa Fe, Entre Ríos, el interior de Córdoba, la ciudad de La Plata y mucho más. Además, hace unos meses lanzaron un EP en vivo grabado en su provincia, en dónde reflejaron la fiesta que se vive cada vez que se hacen presente en un escenario, para que el público pueda ir adentrándose en lo que serán los próximos shows.

“Gente de CABA y alrededores, Sabor Canela los espera en “La Trastienda” para festejar los 10 años de vida con alegría. ¡Sigue la fiesta y sigue el amor!”

Algo más sobre SABOR CANELA

Sabor Canela es una banda de cumbia que nace en el 2013 en la ciudad de Córdoba, formada por 10 integrantes de diferentes partes de Argentina. Con esta formación diversa, federal y heterogénea, crean una propuesta de música original que fusiona tradición latinoamericana con recursos de otros géneros como el rock, la música urbana, el indie y el pop. Sabor Canela se caracteriza por producir canciones bailables con una gran carga de energía positiva y fresca que se desprende de cada sonido.

Desde sus comienzos han recorrido gran parte del país compartiendo escenario con La Delio Valdéz, Los Auténticos Decaden-

tes, La Barra, Chico Trujillo, entre muchos otros.

Sabor Canela:

Emanuel Oliva - Voces

Negra Marta Rodriguez - Guitarra eléctrica y voz

Sergio Vera Roldán - Guitarra eléctrica

Trinidad Bertero - Bajo y coros Bruno Spilman - Timbaletas y batería

Sergio “Checho” Flores - Congas

Jonatan Vargas - Acordeón y teclas

Anabella “Pinu” Torres – Güira

Diego Tercel – Bongó y accesorios

Diego Gomez – Guitarra eléctrica, teclas, programaciones y coros

Discografía:

- “En Vivo en Quality”, EP 2024

- “After en Hong Kong”, álbum (2022)

- “Suena Miel”, single (2021)

- “Movimiento eléctrico” Lado A, EP (2019)

- “Cumbia master wey”, álbum (2017)

- “La Parranda”, single (2016)

- “Acústico en Favela”, álbum (2014).

Prensa & Comunicación

Romina Girardi

rominagirardiprensa@gmail.com https://linktr.ee/rominagirardiok

Video

Sabor Canela - Serena / Muchacha Triste (EN VIVO EN QUALITY)

https://youtu.be/lLMJrH1FvLg?fe ature=shared

La banda santafesina SIN HILOS estrena su nuevo single La Costa se aleja

El primer adelanto de su nuevo

Este jueves 18 de abril se estrenó «La Costa se aleja», el nuevo trabajo de la banda Sin hilos donde los músicos santafesinos continúan surfeando en las olas del rock/blues. Luego de lanzar Mocasines y Revólveres (2022) e Ilusiones de Mediateca Vol. 1 (2023) donde se lanzaron a explorar diferentes géneros y sonidos, ahora llega el turno de “Hojalata Corazón”, su último EP que pronto saldrá a la luz.

“La Costa se aleja” su nueva canción, está influenciada por el blues, el rock y la psicodelia de los años 60 y 70, contando sobre nuestro lugar de confort y la valentía de aquellos que lo superan. La grabación, mezcla, y masterización estuvo a cargo de Nicolás Sancio, en los estudios Nimbus y Nómade, de la Ciudad de Santa Fe, y la producción estuvo a cargo de Maximiliano Sodero, integrante de Sin Hilos.

ACERCA DE SIN HILOS

Formada en febrero de 2021 en la ciudad de Santa Fe, Sin Hilos comienza a elaborar canciones propias rockeras pero con la libertad de experimentar dentro de otros estilos y sonidos, con la convicción de contar historias y transmitir mensajes en sus letras, que continúen el legado del rock latinoamericano.

El grupo está formado por Maxi-

EP.

miliano Sodero en voz y guitarras; Lucio Carande en bajo; Matías Vidal en batería y percusión, e Ignacio Bisordi en guitarra eléctrica.

Agrupación en constante actividad, se han presentado en distintos espacios culturales, festivales, bares y programas de televisión de la región, con una firme voluntad de continuar difundiendo sus canciones.

En el año 2022 lanzaron su primer EP Mocasines y Revólveres, grabado en el estudio Penny Lane de la ciudad de Rosario, producido y mezclado por Renzo Alberá y Maximiliano Sodero, y masterizado por Carlos Altoaguirre. Contó con la participación de Jonás Barros como drum doctor. En el año 2022/2023 lanzaron los EPs en vivo “Ilusiones de mediateca Vol. 1 y 2”, grabados en los

estudios de la municipalidad de la ciudad de Santa Fe por Federico Teiler, mezclados y masterizados por Nicolás Sancio.

Actualmente se encuentran presentando las canciones de su nuevo EP “Hojalata Corazón”, el cual saldrá a la luz a mediados del 2024, finalizando así la primera etapa conceptual de la banda.

D&M Prensa y Diseño

Daniela Fortonani danielafortonani@gmail.com

Video

Sin hilos. La costa se aleja. https://youtu.be/gtOM1j85bRg?fe ature=shared

TIMBRE 18 PRESENTA SU EP AZUL NARANJA

Transcurridos dos meses desde la aparición del sencillo “Así debe ser” como primer corte de difusión, Timbre 18 nos presenta AZUL NARANJA. Su EP debut que ya está disponible en todas las plataformas.

Grabado en Casa Frida

Estudio durante el mes de diciembre 2023 (y con una portada lo suficientemente llamativa como para hacer honor a su nombre) estas son las canciones que nos van a recibir al darle Play.

Como focus track, Timbre 18, nos presenta ¨Noche blanca¨ tema con el que da inicio al EP.

Con esta canción nos proponen, desde el primer segundo, una melodía rock sumamente contagiosa y enérgica. Sostenida sobre una base de guitarras siempre al frente, la letra sugiere ser parte de una experiencia poco común, tan extraña como atractiva, de esas que rozan lo prohibido y despiertan instintos que creíamos no tener.

A medida que el tema se desarrolla, la sucesión de acordes imprimen la velocidad necesaria para recorrer un camino que desemboca en el estribillo 100% coreable (que podría repetirse varias veces en loop y sin embargo nunca cansar). Una canción con tintes de Hit, con la que difícil-

mente puedas evitar mover el pie marcando el pulso.

INTEGRANTES

El Yukeri: Voz principal Feli Contino: Guitarra y coros Fede Krivitzky: Guitarra Gustavo Vella: Bajo Pablo Pucheta: Batería

ACERCA DE TIMBRE DIECIOCHO

Timbre 18 es el resultado de la unión de 4 músicos de la Ciudad de Buenos Aires, que cruzaron sus caminos y estilos en épocas de pandemia con el fin de armar un nuevo proyecto Pop Rock /

Canción, reuniendo influencias de grandes referentes de la canción argentina para volcarlas en nuevas melodías.

Durante su primer año de existencia, la banda se abocó a la composición de lo que sería su primer material y paralelamente realizar varias presentaciones en diversos lugares del circuito porteño, ofreciendo shows cargados de energía, tanto en formato acústico como full band.

Durante el último trimestre de 2023 entraron a estudio para dar forma a su primer EP, que ya se encuentra disponible.

Prensa. Nadya Cabrera nadyacabreraprensa@gmail.co m

Video Noche Blanca https://youtu.be/GEjBfHAr0jk?feature=shared

El Más Acá presenta single y vídeo “Sin Oscuridad”

El Más Acá sigue con su racha creativa y trae al ruedo su nuevo single y video “Sin Oscuridad”, una pegadiza canción que renueva el fuego musical para la banda en este 2024 luego de los exitosos sencillos “La Trampa”, “Despertar” y “Milagro” (junto a Agustin Ronconi y Georgina Hassan).

La banda oriunda de Quilmes apuesta fuerte a seguir creciendo en la escena, y cuenta de ello fue su exitosa presentación el pasado 9 de marzo en Zadar Club, donde brindó un contundente show en el cual reafirmó su presente musical plagado de creatividad.

“Sin Oscuridad” es una rola pegadiza con un mensaje de fondo, como todas las canciones de El Más Acá. El vídeo cuenta con el protagónico de Sacha Fer y la realización de Trampa Cine, los ya clásicos generadores de contenido audiovisual del grupo.

“En estos días. En estos tiempos. La oscuridad, lo gris, parece apoderarse de todo y de todos. Pero allí está siempre nuestro amanecer. Esa luz que retoman los pasos verdaderos. La humildad que destruye nuestros sesgos. Por esa senda va esta canción, que es nuestra vida. Todo es luz y un amanecer” #masacaquenunca.

El Más Acá es una banda de

Rock formato canción oriunda del conurbano Sur de la Provincia de Buenos Aires (Berazategui, Quilmes) que en el año 2023 está cumpliendo sus 15 años de trayectoria. En este tiempo editó dos discos en formato físico “El Más Acá” (2009) e “Inefable” (2017). Actualmente, con su nueva formación, la banda se dedica a la publicación de sencillos, acompañados por su video oficial, que desde fin de 2022 llamaron la atención de medios de renombre.

Próximo show de El Más Acá: Sábado 18 de Mayo, 23hs. Zadar Club, Mitre 6675. Wilde

SG PRENSA Y DIFUSIÓN

Susana Galarza sgprensaydifusion@gmail.com https://linktr.ee/sgprensaydifusion

Video

Sin oscuridad - EL MÁS ACÁvideo oficial - marzo 2024 https://youtu.be/WoXJw1saI8U?f eature=shared

SIGO ESTANDO presenta “Frágil y autodestructivo”

Éste es el tercer disco de SIGO ESTANDO y comenzó a gestarse a mediados del año 2022. el primer objetivo fue darle forma y estilo a las 9 canciones que contiene el álbum, pasando del lápiz y papel a los instrumentos, para luego armar las maquetas en el propio estudio de la banda. La segunda etapa consistió en plasmar los matices que buscaban reflejar en las canciones. Para eso, se volcaron en la sala de ensayo y lograron imprimir la identidad de Sigo Estando en cada una de ellas.

En Mayo del 2023 se realizó la grabación en el Estudio El Cuzco donde se grabaron las baterías y bajos. La parte técnica estuvo a cargo de Javier Eistein. Luego se grabaron las guitarras y las teclas en el estudio propio de la banda, y la parte final de

grabación de voces, arreglos de teclas y retoques de producción en el estudio Dulce de Leche, de Adrian “Burbuja” Perez (ex Intoxicados).

SIGO ESTANDO es un cuarteto de Rock del partido de La Matanza de la ciudad de Tapiales, cuya formación actual es Mariano Álvarez en voces y guitarra, Leandro de la Torre en batería y coros, Santiago Casas

en bajo, Leandro Romero en las teclas, y Ezequiel “Geremías” Galván en la otra guitarra.

NR Prensa & Booking nrprensabooking@gmail.com para agenciapacourondo

Video

Indiferente. En vivo en Lucille. 29-11-23

https://youtu.be/NkQWWsQx6bg ?feature=shared

CLAUDIO PEDREIRA PRESENTA “Sólo un disfraz”

El cantante Claudio Pedreira lanza “Sólo Un Disfraz”, una canción escrita hace casi 40 años, en tiempos en los que lideraba la histórica banda “Can Can”, una leyenda de los años ’80 del interior de la provincia de Buenos Aires que todavía hoy queda en la retina de sus fans y cada tanto vuelve a revivir viejos clásicos en vivo.

“Sólo Un Disfraz” tiene la frescura lírica de la juventud y la sobriedad artística de la actualidad del artista, conjugando todo su bagaje solista revisitando una vieja historia que viaja entre Francia, Madrid y la Costa Atlántica argentina.

“¿Eras vos o solo un disfraz? Me dijiste no soy yo, tengo que trabajar”

Además de Claudio Pedreira en la voz y los teclados, el track cuenta con la participación de Mauro Conforti en teclados adicionales, Lucas Sedler en guitarra, Manuel Caizza en batería, Paco Arancibia en bajo y Luciano Pedreira en coros, además de ser el productor del mismo. También cuenta con Nicolás Mucci como músico invitado en guitarra eléctrica.

El single fue grabado en Spector Studios, en la Ciudad de Buenos

MiráBA 180

Aires. La mezcla y mastering fue realizado por Nelson Pombal.

Claudio Pedreira es un cantante y compositor argentino de canciones. A mediados de los años 80 lideró la banda de pop-rock argentina “Can Can” entre 1986 y 2005 con la que grabó tres discos: “Ticket” (1987), “Backgamon” (1991) y “Vírgenes y Santos” (2002).

En 2008 comenzó su etapa solista y recién en 2012 editó su su

primer álbum “Quien” en los legendarios Estudios Circo Beat. En 2016 llegó el turno de “Crack”, grabado en Spector Studios. Ambos trabajos fueron grabados en la ciudad de Buenos Aires con la producción artística de Vandera y la participación de destacados músicos sesionistas.

A lo largo de su carrera ha cantado junto a notables figuras de la música argentina como Hilda Lizarazu, Nito Mestre y Marcelo Moura, entre otros.

Prensa

Nadya Cabrera nadyacabreraprensa@gmail.com

Video

Claudio Pedreira - Sólo Un Disfraz (Video Lyric) https://youtu.be/naERGbBJ2eI?fe ature=shared

“Noticias

de mi¨

La cautivadora balada de Persse.

“Noticias de Mí” es una cautivadora balada pop que fusiona elementos de la melancolía con destellos de esperanza, mientras incorpora códigos rítmicos del funk brasileño para añadir un toque distintivo y vibrante.

Además, la canción incluye samples de “Vaina Loca” y “Solo” de Frank Ocean, que añaden un toque de nostalgia y familiaridad, así como una capa adicional de complejidad y profundidad a la experiencia auditiva.

disciplinas la forma de expresar su sensible visión del mundo.

La instrumentación sutil pero poderosa crea una atmósfera íntima y reflexiva, mientras que la voz emotiva de Persse, guía la narrativa con una profundidad y sinceridad inigualables. Con una producción impecable a cargo de Cieloazul, cada nota y cada acorde se combinan para crear una experiencia auditiva que deja una impresión duradera en el corazón del oyente.

Guido Caruso (Persse) es un músico y productor argentino nacido en noviembre de 1995.

Criado en un ambiente rodeado de arte con un padre músico y una madre poeta, Persse encontró en la combinación de estas

Luego de un tiempo codeándose con el ambiente artístico, a los 20 años formó su banda “Lxs Familia” con la que recorrió casi todas las provincias de su país natal (Cordoba, Mendoza, San Luis, Santa Fé, Jujuy) tocando en diferentes salas y festivales como el Cosquín Rock, La

Nueva Generación, Niceto Club, Groove, CCMatienzo, Estadio Unico de La Plata, Ciudad Emergente, Baradero Rock, y más.

En diciembre del 2021 Lxs Familia lanzaron su segundo disco “Gira Mundial”, en la cual también produjo algunas canciones. En una búsqueda personal por expresar sus más profundas motivaciones

Persse lanzó su primer disco como solista en este 2023

Prensa

Nadya Cabrera nadyacabreraprensa@gmail.co m

Video

Noticias de Mí - Persse https://youtu.be/wAAl4oMJ83o?f eature=shared

Cine

Llega a Argentina el estreno de

Amor, mentiras y sangre

(Love Lies Bleeding) protagonizada por Kristen Stewart

El jueves 2 de mayo se estrena en todos los cines del país la nueva película dirigida por Rose Glass y protagonizada por Kristen Stewart, Katy O’-

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Brien, Ed Harris, Dave Franco, Jena Malone. Un thriller romántico que lo tiene todo: acción brutal, venganza, erotismo y amor. Amor, mentiras y sangre (Love Lies Bleeding) es el regreso triunfal de Kristen Stewart luego de su nominación al Oscar por encarnar a Lady Di en Spencer. u

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SINOPSIS:

Lou (Kristen Stewart), la solitaria encargada de un gimnasio, se enamora perdidamente de Jackie (Katy O’Brien), una ambiciosa físicoculturista que se dirige a Las Vegas en busca de su sueño. Pero su amor enciende la violencia, arrastrándolas profundamente en la red criminal de la familia de Lou.

Llega una nueva y electrizante historia de amor dirigida por Rose Glass, directora de cine y guionista británica, quien Hizo su debut cinematográfico con la película de terror Saint Maud de 2019, estrenada en el Festival Internacional de Cine de Toronto, y ganador de una mención honorífica como mejor película en el London Film Festival, en 2019.

Amor, mentiras y sangre (Love Lies Bleeding) debutó en el Festival de Sundance a principios de este año. También tuvo un vistoso paso por el Festival de Cine de Berlín en febrero y recientemente se presentó con funciones agotadas en el BFI Flare de Londres, encuentro cinematográfico especializado en temáticas queer y LGBT.

FICHA TÉCNICA

Película: Amor, Mentiras y Sangre

Estreno: Mayo 2

Tïtulo Original: Love Lies Bleeding

País: Estados Unidos

Duración: 104 minutos

Año: 2024

Género: Acción, Romance

Dirección: Rose Glass

Elenco:

Kristen Stewart, Katy O’Brien, Ed Harris, Dave Franco, Jena Malone

Producción: A24, Film4

SOY PRENSA

soy.prensaa@gmail.com

Video

Amor Mentiras y Sangre (Trailer Oficial)

https://youtu.be/MwXH5hk8nDc? feature=shared

MiráBA 186

MUBI ANUNCIA FECHA EXCLUSIVA EN STREAMING DE ASCENSO Y CAÍDA

John Galliano, El profundo documental de Kevin Macdonald

“Una de las historias de ascenso y caída en formato documental más fascinantes de los últimos tiempos”

– IndieWire

“Un retrato cautivador de un ícono deshonrado“

The Times

“Sutil y provocador”

The Observer

MUBI, la distribuidora global de películas, servicio de streaming

y productora, ha anunciado el estreno en streaming del nuevo y provocador documental de Ascenso y caída - John Galliano, del director ganador del Oscar® Kevin Macdonald (Whitney, Marley), que estará disponible en exclusiva en MUBI en Argentina a partir del 26 de abril de 2024.

Galliano vistió a algunos de los hombres y mujeres más bellos y prominentes del mundo durante casi 15 años en Givenchy y Dior, y fue ampliamente reconocido como uno de los diseñadores de moda más exitosos de las décadas de 1990 y 2000. Sin embargo, su carrera terminó abruptamente cuando en 2011 fue grabado profiriendo insultos antisemitas y racistas a los transeúntes que se encontraban

fuera del Café La Perle de París.

El fascinante documental de Macdonald recorre la carrera de Galliano desde estudiante de moda en la Central Saint Martins hasta director creativo de algunas de las mayores casas de moda del mundo, investigando con franqueza sus luchas con la adicción y la presión de la industria a la que se enfrentó por el camino.

Con material de archivo de las impresionantes pasarelas de alta costura y alta moda de la época y extensas entrevistas con el propio Galliano, además de conversaciones con Naomi Campbell, Kate Moss, Penélope Cruz, Charlize Theron, Anna Wintour y Edward Enninful, entre otros, 187 MiráBA

Mirá

esta mirada matizada de Galliano confronta la tóxica cultura del trabajo entre bastidores de la industria de la moda.

Ascenso y caída - John Galliano está producida por Chloe Mamelok (The Rescue) y Kevin Macdonald a través de la productora de Macdonald, KGB Films, en asociación con Condé Nast Entertainment. El editor, Avdhesh Mohla (Sachin: A Billion Dreams, Billie, The Ripper), fue nominado al Mejor Montaje en los British Independent Film Awards 2023 por la película. La banda sonora original está compuesta por Tom Hodge (The Mauritanian, McMafia), nominado al Ivor Novello, y los directores de fotografía son David Harriman, la nominada al BIFA 2021 Magda Kowalczyk (Cow, Last Song from Kabul), el nominado a los Premios César (1988, 2003, 2007) Patrick Blossier y Nelson Hume (Whitney).

BIOGRAFÍA DE KEVIN MACDONALD

Kevin Macdonald nació en Glasgow en 1967. Ha realizado numerosos documentales y largometrajes galardonados, entre ellos One Day In September (ganadora del Oscar® 1999), Touching The Void (BAFTA a la mejor película británica en 2003), The Last King Of Scotland (ganadora del Oscar® y el BAFTA en 2006), Life In A Day (2010 y 2020), State Of Play, y los biodocs Skyladder, Marley y Whitney. También ha trabajado como productor en numerosos documentales, como

Senna, The Rescue y Rebellion. Su largometraje más reciente como director, The Mauritanian, fue nominado a cinco premios BAFTA, incluido el de mejor película de 2021.

ASCENSO Y CAÍDA – JOHN GALLIANO ESTARÁ DISPONIBLE EN MUBI EN ARGENTINA

A PARTIR DEL 26 DE ABRIL DE 2024

Para más información por favor

contactar a another: mubi@another.co

PRENSA

Camila Cuevas camila.cuevas@another.co

VIDEO

ASCENSO Y CAÍDA - JOHN GALLIANO | Tráiler Oficial | Próximamente https://youtu.be/GBblGXqXSQ?feature=shared

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MUBI REVELA EL NUEVO TRÁILER Y PÓSTER PARA

GASOLINE RAINBOW

Y anuncia su fecha de estreno en streaming

UNA PELÍCULA DE BILL ROSS IV Y TURNER ROSS

“Un viaje por el camino de la Generación Z... Desborda euforia juvenil”

Christian Zilko, INDIEWIRE

“Un estudio sincero y conmovedor de lo que significa (y lo que se siente) crecer en la década de 2020”

Calum Baker, RADIO TIMES

“Desafía cualquier categorización... Los hermanos Ross son cineastas brillantes y auténticos”

Brian Tallerico, ROGEREBERT.COM

“Reveladora... Un vibrante y despreocupado viaje”

Tim Grierson, SCREEN

Presentando a Tony Abuerto, Micah Bunch, Nichole Dukes, Nathaly Garcia y Makai Garza

EN STREAMING EN EXCLUSIVA EN MUBI EN ARGENTINA

A PARTIR DEL 31 DE MAYO DE 2024

MUBI, la distribuidora global, servicio de streaming y productora, ha lanzado hoy el nuevo tráiler y el póster oficial, así como la fecha exclusiva en streaming para la producción de MUBI GASOLINE RAINBOW, la última película del aclamado dúo de directores los hermanos Ross (Bloody Nose Empty Pockets, Contemporary Color). Los hermanos Ross han aplicado su innovador enfoque híbrido al road trip cinematográfico

con un retrato indudablemente sincero, pero profundamente amoroso, de la nueva generación contado en sus propias palabras.

La película se estrenó en el Festival de Cine de Venecia de 2023, seguido de su estreno en los Estados Unidos en SXSW. Se estrenará en exclusiva en MUBI en Argentina el 31 de mayo de 2024.

Con el colegio en el espejo retrovisor, cinco adolescentes del interior de Oregón se embarcan en una última aventura. Amontonados en una camioneta con una luz trasera rota, su misión los lleva a un lugar donde nunca han estado: la costa del Pacífico, a quinientas millas de distancia. El plan, en su totalidad: “Vamos, al carajo”.

A través del desierto, zonas industriales y calles de la ciudad, se

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conectan con marginados y descubren que sus vidas estarán determinadas por los caminos que ellos mismos abran. Estos son niños olvidados de una ciudad olvidada, pero tienen su libertad y se tienen el uno al otro, avanzando hacia un futuro desconocido y la fiesta del “Fin del mundo”.

GASOLINE RAINBOW es una historia coming-of-age salvaje y real con un corazón palpitante y un espíritu incontenible, esta mirada poética al Oeste norteamericano actual nos recuerda las alegrías eternas de la comunidad.

LOS HERMANOS ROSS son un equipo de cineastas estadouni-

denses cuyo trabajo los ha llevado a ser reconocidos como algunos de los cineastas independientes más innovadores de hoy en día, impulsando el arte de presentar retratos desinhibidos de personas y lugares con toda la verdad compleja, humanística y lírica que eso implica. Su trabajo ha sido presentado en museos y festivales de todo el mundo, incluyendo la Berlinale y Sundance (donde estrenaron Bloody Nose Empty Pockets en 2020), y han recibido un Premio Especial del Jurado por Western en 2015. Han sido galardonados con un Premio Spirit Award, así como elogios de CPH:DOX, Full Frame y SXSW.

Según Metacritic, están empata-

dos con Paul Thomas Anderson como los sextos cineastas mejor reseñados del siglo XXI. En 2023, su obra fue celebrada con una retrospectiva en el Centro Pompidou, París. Son miembros de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.

GASOLINE RAINBOW estará disponible en streaming en exclusiva en Mubi en Argentina a partir del 31 de mayo de 2024

PRENSA. Camila Cuevas camila.cuevas@another.co

Video

GASOLINE RAINBOW | Trailer oficial

https://youtu.be/zGLKFDQ1890?f eature=shared