MiraBA 177

SUMARIO ABRIL 2024

Pág. 6 NOTICIAS /Pág. 20 “MEJOR NO DECIRLO”. Mercedes Morán & Imanol Arias juntos por primera vez y dirigidos por Claudio Tolcachir /Pág. 24 HOMENAJES ANIMADOS, FESTIVAL MONSTRA por Nicolás Isasi / Pág. 28 MODELO VIVO MUERTO. Los Bla Bla & Cía. en la Sala Caras y Caretas / Pág. 30 Talentos para “APOCALIPSIS NO” / Pág. 32 SONY WORD PHOTOGRAFHY AWARDS 2024 / Pág. 34 BILL KINDER, SU CINE ANTES Y DESPUÉS DE PIXAR. Por Nicolás Isasi / Pág. 40 ARTES VISUALES al C C RECOLETA / Pág. 44 STOMP, DEL RUIDO AL RITMO por Nicolás Isasi/ Pág. 48 LITERARIAS / Pág. 56 PLÁSTICA / Pág. 60 MUSEOS / Pág. 70 CARTELERA TEATRAL / Pág. 148 MÚSICA /Pág. 202 CINE.

María Figueras en NO ME LLAMES

Breves tragedias virtuales

Dirección: Mariela Asensio Página 108

Revista MiráBA Nº 177 Abril 2024. Revista ¨MiráBA¨ es una publicación mensual de interés general. Director: Ángel Luís Díaz. e-mail: diazal@revistamiraba.com.ar

Propietario: Angel Luís Díaz. Ciudad

Autónoma de Buenos Aires. República Argentina. Versión digital Registro DNDA 5344536. ISSN 2344-

9446 Los artículos firmados y las opiniones de los entrevistados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial y/o dirección. El contenido de los avisos publicitarios es exclusiva responsabilidad de los anunciantes. Se permite la reproducción total o parcial del material gráfico o escrito publicado originalmente en “Revista MiráBA” con expresa mención de la fuente. Revista MiráBA en Internet: www.revistamiraba.com.ar - www.miraba.com.ar

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NOTICIAS

Manu Viale / Sebastián Badilla protagonizan la Película Argentina: ¡Como si fuéramos solo amigos!

De los creadores de éxitos de comedia en el cine chileno como El Limpiapiscinas, El Babysitter, Mama Ya Crecí, No Quiero Ser Tu Hermano, Eternamente Adolescente y de obras teatrales argentinas como La Novia de Mi Mejor Amigo ahora ¡Como Si Fuéramos Solo Amigos! a estrenar en Octubre.

Protagonistas: Manu Viale / Sebastián Badilla - Idea y Guion Original: Sebastián Badilla - Productor Ejecutivo: Sebastián Badilla - Productora: Bufonada Producciones / Yay Producciones - Director: Gonzalo Badilla.

Sebastián Badilla continúo en el pasado marzo con la obra La novia de mi mejor amigo.

Dos mejores amigos de toda la vida, se encuentran inesperadamente durante una noche de verano donde pondrán en duda su amistad y reconocerán que ambos comparten sentimientos por la misma mujer.

Sebastián Andrés Badilla Castro (Santiago, 18 de octubre de 1991) es un director de cine, guionista, productor y actor chileno. Es conocido por su extenso trabajo fílmico por haber protagonizado y di-

rigido las películas El limpiapiscinas (2011), El babysitter (2013), Mamá ya crecí (2014), Maldito amor (2014), No quiero ser tu hermano (2019) y Eternamente adolescente (2023).

Desde el 2023 se encuentra radicado en Buenos Aires, Argentina dedicado a la producción de cine y teatro. Su novena película Noches de sol la cual protagoniza junto a la animadora y actriz española Eva Gómez tiene programado su estreno para enero 2024 en todos los cines de Chile.

@sebastianbadillaoficial

Sebastián Badilla (guionista y protagonista), Manu Viale (protagonista) y Gonzalo Badilla (director) de “Como Si Fuéramos Solo Amigos”.

NOTICIAS

Georgia Viero llegó para el rodaje de la nueva película de Gaby Smiths

La actriz, escritora y productora italo-argentina Georgia Viero, reconocida por su recorrido no sólo como conductora televisiva, sino por sus innumerables trabajos como actriz y productora, arribó a la Argentina junto a su pareja Christian Vit (actor y productor italo-británico que actuó en producciones internacionales como “Game of Thrones” y “Vikings”) para el rodaje de la nueva película independiente de terror del director argentino Gaby Smiths “La hacienda. El regreso de los malditos”.

Georgia Viero, junto a Roberta Pedrelli escribió y produjo en Italia la serie web “Le tifose”, sobre la hinchada femenina de los Clubes de fútbol S.S.Lazio y A.S. Roma, donde también actúo. Recientemente ha producido y actuado en la película de horror ‘Behave” -junto a su pareja, el actor Christian Vit y ha producido y actuado en el cortometraje “The Hairdo” junto a la reconocida actriz Stacy Thunes.

“Amo la Argentina y mi gran deseo es apostar a mi país natal para trabajar como actriz y poder filmar películas aunque no sea un buen momento. Hay que sostener a la cultura de un país tan rico. Argentina representa inspiración, fe, nos-

talgia, corazón y no solamente es un país lleno de recursos sino que lleno de capital humano. Los actores argentinos tienen algo especial que no se ve con facilidad y el país tiene una cantidad de lugares hermosos e interesantísimos para filmar”, detalla Viero. Este nuevo proyecto de Smiths se está rodando en las ciudades de Pinamar y Madariaga de nuestro país. El largometraje narra la historia de un grupo de amigos que se reencuentra para emprender un viaje al pueblo de su infan-

cia en el que tendrán que enfrentarse a sus más oscuros recuerdos.

De corte rural, con paisajes típicos de las afueras de Buenos Aires, esta particular historia cuenta con las actuaciones de Georgia Viero, Christian Vit y Facundo Vrdoljak, entre otros.

El estreno de La Hacienda se espera para este 2024 en los cines argentinos.

@georgiaviero @christian.vit

Christian Vit y Georgia Viero.

Rodo Castañares, el papá de Nacho de GH, estrenó

“Le decían Manuel”

“Le decían Manuel”, es la historia escrita por Dino Stella, dirigida por Marcelo Silguero y producida por Luciano Diaz para Stella Producciones que estrenó en calle Corrientes y sin lugar a dudas, el público se identificó con hermosos momentos donde río, aplaudió y reflexionó con escenas en las que Rodo Castañares, Flor Padilla, Taro Disi y Marcelo Silguero encontraron el punto exacto para cada momento.

Padre de uno de los jóvenes del momento, Nacho (ex GH), Rodo Castañares interpreta a Manuel, un argentino que regresa al país luego de muchos años, quien se encuentra con su amigo de toda la vida, la hermana de su amigo, con quien también creció y con su hijo a quien hace años que no ve.

La vida hace que, más allá de su exitosa carrera en Europa, Argentina sea su lugar en el mundo y en donde, su regreso hace que la vida le

haga recordar hermosos momentos del pasado y lo atraviese para vivir nuevas historias.

La obra se presenta todos los jueves 21hs en CPM Multiescena, sobre Avenida Corrientes. Las entradas se encuentran a la venta por Plateanet.

Ale Benevento Agencia AB prensa @agenciaAB prensa@alebenevento.com

NOTICIAS

Muscari renueva el show. Los nuevos

nombres de SEX

La experiencia creada en 2019 por Jose Maria Muscari junto a Mati Napp en coreografías y Paola Luttini para Pronoia Producciones, se renueva en la próxima temporada camino al quinto aniversario.

Un nuevo show desembarca en Gorriti Art Center desde el 14 de marzo con la fusión de artistas que debutan por primera vez en el espectáculo y regresos inesperados.

“SEX, experiencia renovada” con su protagonista icónico, el actor Diego Ramos, llega a su encendido público para que sigan disfrutando de un show que se supera cada semana de la mano de bailarines, cantantes y performers destacados a nivel nacional.

leste Muriega, Srta Bimbo (quien fue integrante de la experiencia virtual), la activista y modelo plus size Brenda

dalgo, Johana Bettina - Tina y Agus ¨La Tana¨.

Mientras que siguen los geniales Adabel Guerrero, Martín Salwe, Sebastián Francini, Flor Anca, Manu Victoria, Rodrigo Jara, Fernando Goncalves Lemas, Tato Ortiz, Cami Espino.

Mato y la sensual Viktoria Fuego quien regresa después de su paso por varias versiones del show.

“SEX es libertad, juego, fantasía sensualidad, música, baile y artistas que en siete funciones semanales brindan una experiencia que atraviesa los sentidos y las emociones de cada persona. Cuando salís de SEX, ya no sos el mismo que entró y que eso suceda es la misión de la troupe de artistas”, remarcó Muscari.

Quienes se suman en esta etapa son Andrea Ghidone, sólo por el mes de marzo, Ce-

Y también habrá renovación de bailarines que debutan en SEX: Fio Gimenez, Ampi Peña, Dori Ganino, Jona Hi-

SEX se presenta de jueves a domingo en Gorriti Art Center. Las entradas están a la venta en Alternativa Teatral, solo para mayores de 18 años.

NOTICIAS

Angela Leiva protagonizará SCHOOL OF ROCK

Basada en la película de Paramount de Mike White+. Con arreglos especiales de The Really Useful.

De los productores y equipo creativo de Matilda, obra que alcanzó más de 160.000 espectadores en Buenos Aires, sube al escenario del Teatro Gran Rex, SCHOOL OF ROCK, el Musical, la obra más esperada para toda la familia con Angela Leiva como Rosalie “Roz” Mullins, directora del colegio Horace Green.

La cantante y actriz argentina es una referente de nuestra cultura, que viene de llenar teatros como el mismísimo Gran Rex y es apodada como La Reina de la Canción desde el lanzamiento de su carrera musical. En 2021 alcanzó una gran popularidad al ser parte de la tira de Pol-ka La 1-5/18 y se convirtió en la revelación para todos sus seguidores.

El 20 de junio de 2024 en el Teatro Gran Rex se abrirá paso para el estreno de SCHOOL OF ROCK, el musical en Buenos Aires, luego del éxito mundial de sus producciones en Nueva York, Londres, China, Australia, Nueva Zelanda, San Pablo, Sudáfrica, Madrid y Corea.

Para toda la familia y con una gran apuesta de producción nacional formada por tres elencos de 39 niños y niñas, SCHOOL OF ROCK, el Musical, será el único espectáculo en la cartelera Argentina con una banda de niños y niñas, actuando, bailando y TOCANDO INSTRUMENTOS EN VIVO.

La obra del aclamado compositor Andrew Lloyd Webber, con letra de Glenn Slater y libro de Julian Fellowes, basada en la película protagonizada por el mítico Jack Black, será co-producida por las cuatro productoras de teatro más importantes de Argentina: MP Producciones, OZONO Producciones, Carlos y Tomas Rottemberg y PRELUDIO Producciones.

El equipo creativo está com-

puesto por el prestigioso director Ariel Del Mastro, que tendrá a su cargo la Dirección General, Marcelo Caballero en la Dirección Actoral, Analía Gonzalez en la dirección coreográfica, Jorge Ferrari en el diseño escenográfico, Federico Vilas en la Producción Musical, Sebastián Mazzoni en la Dirección Vocal.

SCHOOL OF ROCK, el Musical, narra las desventuras de Dewey Finn, un desocupado que, tras ser echado de su propia banda de rock, asume la identidad de su compañero de cuarto y comienza a dar clases de música en una prestigiosa escuela. Allí, enseña a sus alumnos sobre la pasión que genera el rock and roll y todos deciden formar una banda para competir por un gran premio.

La película se convirtió en una de las más taquilleras de 2003 y su show en vivo viene recorriendo el mundo con un éxito a la altura de sus legendarios creadores.

ESTRENO: 20 de Junio 2024

TEATRO GRAN REX

La preventa ya está disponible sólo en TUENTRADA

@schoolofrockmusicalar

NOTICIAS

BAFA. Distrito de moda de la Ciudad de Buenos Aires

BAFA, el Distrito de moda de la Ciudad de Buenos Aires, que privilegia la calidad, el trabajo artesanal y la puesta en valor de los oficios en los sectores que lo integran lanzó su Agenda 2024, en una velada que contó con la presencia de funcionarios y de prestigiosos empresarios y celebridades.

El presidente y Fundador de Distrito BAFA, Sebastián Calfun, dio unas palabras de apertura en un marco de extravagantes esculturas de papel y una exquisita decoración que llenó de arte al Museo de Arquitectura y Diseño de la Ciudad de Buenos Aires.

“La fuerza de este Distrito está reflejada en el espíritu colectivo de todos aquellos que hicimos de este proyecto una realidad que vino a cambiar nuestra querida Ciudad para siempre, potenciando su riqueza cultural y su vasta oferta comercial de calidad internacional”, expresó Sebastián Calfun.

A continuación, Roberto García Moritán, Ministro de Desarrollo Económico de la Ciudad de Buenos Aires, invitó a la audiencia a reflexionar sobre la industria de la moda.

“La moda es encuentro. Es

una gran industria que genera 190.000 puestos de trabajo en la Ciudad de Buenos Aires”, dijo, y agradeció la valentía y determinación del sector privado como motor de crecimiento en Argentina.

El Distrito recibió a su vez el reconocimiento del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, plasmado en una placa, de la mano del Subsecretario de Relaciones Institucionales, Eduardo Boccardo, por su compromiso en la generación de empleo artesanal y la puesta en valor de los oficios en los sectores que conforman el Distrito de la Moda.

Para finalizar, la periodista y conductora María Belén Ludueña fue nombrada ma-

drina oficial de Distrito BAFA, y agasajada con flores y una placa.

“La ciudad, a través de BAFA, se convierte en un ícono cultural y comercial de Latinoamérica”, fueron sus palabras en medio de un elocuente discurso en el cual visibilizó a los distintos sectores y oficios, y reforzó su apoyo a los emprendedores y empresarios argentinos.

Es en esta coincidencia de valores, que Distrito BAFA resalta su apuesta Slow. Con más de 200 socios que lo conforman, BAFA privilegia la calidad, el trabajo artesanal y la puesta en valor de los oficios en los sectores que lo conforman, haciendo hincapié en la responsabilidad social empresaria.

Belén Ludueña, Jorge Macri, Roberto García Moritán.

Inspirado en el Quadrilatero della Moda en Milán y en el Miami Design District, su misión es posicionar la zona de Recoleta como un verdadero símbolo cultural y comercial en Latam.

Estuvieron presentes relevantes personalidades tales como Jorge Macri, Jefe de Gobierno porteño, el empresario Martín Cabrales, el arquitecto Javier Iturrioz, la diseñadora Evangelina Bomparola, la diseñadora Leticia Carossella, la modelo Carolina Oltra y Leo Mateu de Red Carpet Agency.

En palabras de Verónica Santesteban, Representante del

sector moda, “a través de BAFA es posible conocer y recorrer proyectos comprometidos con los saberes heredados, con el resguardo de técnicas ancestrales, la celebración de lo propio y el uso cuidado de materiales exquisitos.”

“El sector de arte agrega valor simbólico en el Distrito, entendiendo que los artistas argentinos son un referente cultural indispensable para la proyección de nuestra cultura al mundo”, agrega Julián Mizrahi, Representante del sector de arte.

El presidente de BAFA Sebastián Calfun dio cierre al

evento anunciando dos grandes eventos en 2024 en el espacio público, en las temporadas de OtoñoInvierno y Primavera-Verano, generando una puesta en valor de la vasta oferta comercial y cultural del Distrito, para quienes visitan Buenos Aires tanto desde el interior de nuestro país como desde el exterior. A su vez, anunció la realización del primer concurso de nuevos talentos del diseño, realzando el compromiso de BAFA en potenciar el desarrollo humano.

Fotos oficiales @distritobafa

NOTICIAS

El concurso Microcentro Cuenta

Cuentos cerró su convocatoria.

Microcentro Cuenta, plataforma comunicacional y de generación de contenidos que busca integrar, promover y articular las posibilidades del arte en el microcentro porteño, cerró la convocatoria a Microcentro Cuenta Cuentos con la recepción de casi 3 mil cuentos inéditos, un concurso de cuentos que tiene el objetivo de conocer nuevas narrativas sobre la ciudad y fomentar la creación literaria. La iniciativa fue una oportunidad para descubrir autores y autoras con el fin de reconocer, a través de sus historias, las redes de sentido que constituyen la esencia de la vida urbana actual.

Un jurado integrado por Mariana Enriquez, Lala Toutonian, Fabián Casas y bajo la coordinación general de Nacho Iraola, será el encargado de seleccionar nueve obras inéditas en la categoría cuentos que conformarán una antología a publicarse en formato físico durante el mes de mayo de 2024. De las nueve obras, se seleccionará un cuento ganador y su autor/a recibirá un premio, que se incrementó a 1 millón de pesos.

La convocatoria se abrió en noviembre de 2023 y la temática estuvo vinculada a la

escena urbana, con el foco en el microcentro de la Ciudad de Buenos Aires. A partir de esa fecha, y hasta el 28 de febrero de 2024 inclusive, se recepcionaron 2945 cuentos de autores y autoras de todas las provincias de Argentina. En el mes de abril se anunciarán los nombres de las y los seleccionados y durante el mes de mayo se realizará la presentación de la publicación en formato físico durante la edición de la 48° Feria Internacional del Libro de Buenos Aires. La antología será editada y publicada por EMECE.

“Un nuevo premio literario siempre es una gran noticia. Más si ese premio tiene un jurado excepcional. Y más aún si el detonante de ese

concurso es una zona emblemática de Buenos Aires. Microcentro Cuenta Cuentos reúne todas esas virtudes pues es un nuevo premio literario, de cuentos, con Mariana Enriquez, Lala Toutonian y Fabián Casas como jurados, y con el Microcentro porteño como eje de las historias que concursaron. Es un premiazo” , Nacho Iraola, coordinador general de Microcentro Cuenta Cuentos.

Microcentro Cuenta es un proyecto declarado de interés cultural por el Ministerio de Cultura de la Ciudad, a través de Mecenazgo Participación Cultural, cuenta con el apoyo de Banco Macro, Leyendo.Arg y Emecé Editores del grupo Planeta.

Mercedes Morán & Imanol Arias juntos por primera vez y dirigidos por Claudio Tolcachir “MEJOR NO DECIRLO”

“¡Es mejor mantener la boca cerrada y parecer un estúpido; que abrirla y confirmarlo!” (Mark Twain)

MERCEDES MORÁN e IMANOL ARIAS - juntos por primera vez - protagonizan el estreno de la comedia “MEJOR NO DECIRLO” de Salomé Lelouch, con dirección de CLAUDIO TOLCACHIR y producción general de Pablo Kompel. El estreno está previsto para el 22 de marzo de 2024 y por una temporada limitada de 10 únicas semanas, en la Sala Pablo Neruda del Paseo La Plaza (Av. Corrientes 1660, CABA), con funciones de miércoles a domingo.

Ella (Mercedes) y El (Imanol) son un matrimonio que lleva muchos años juntos. Su fórmula, imbatible: saber cuándo hablar y cuándo callar. ¿Pero, qué sucedería si por una vez en la vida se plantearan decir todo, absolutamente todo? MEJOR NO DECIRLO es una comedia deliciosa, en la que todos nos veremos reflejados. Sobre todo los que no nos gusta que nos hablen cuando estamos interrumpiendo.

Luego de concluida la temporada limitada en Argentina, Mercedes Morán e Imanol Arias realizarán una gira regional por países limítrofes, para luego presentar la comedia en España durante la temporada 2025, liderando así el reconocido

intercambio teatral entre ambos países.

Comenta Claudio Tolcachir, director: “Mejor No Decirlo es una provocación, un disfrute de actuación. Dos jugadores encendidos, abriendo las puertas de lo que siempre pensamos que es mejor no mencionar. Poniendo en duda todos los lugares comunes. cambiando el punto de vista con mucho humor, complicidad y una infinita ironía. Para mí es un placer personal este encuentro de gente que admiro y quiero. Para compartir con el público una comedia estimulante y dinámica. Y cada uno sabrá si finalmente era mejor o no: decirlo.”

El equipo creativo de MEJOR NO DECIRLO se completa con el diseño de escenografía de Mariana Tirantte, el diseño de vestuario de Mariana Seropian, el diseño lumínico de Matías Sendón y el diseño sonoro de Guido Berenblum.

MEJOR NO DECIRLO

Mercedes Morán - Imanol Arias

Autora Salomé Lelouch

Traducción Fernando Masllorens & Federico González Del Pino

Dirección Claudio Tolcachir

Diseño de Escenografía Mariana Tirantte

Diseño de Iluminación Matías Sendón

Diseño de Vestuario Mariana Seropian

Diseño de Sonido Guido Be-

renblum

Diseño de Maquillaje y Peinados Emmanuel Miño

Versión Pablo Kompel

Asistente de Dirección y Stage Manager Mariana Zourarakis

Comunicación Visual Romina Juejati

Prensa SMW / SIlvia Santos & Raul Casalotti

Comunicación Digital Bushi Contenidos / Andra Papini & Damian Armocida

Fotografía Estudio Alejandra López

Jefe Técnico Jorge H. Pérez Mascali

Asistente de Escenografía

Emilia Pascarelli

Realización de Escenografía

Mauricio Moriconi

Set Electric Hernando Teijeiro

Vestidora LIdia Quiroga

Productor Ejecutivo Mano Szereszevsky

Productor Ejecutivo Damián Zaga

Director de Producción Ariel Stolier

Productor General Pablo Kompel

La Obra “Fallait Pas Le Dire” de Salomé Lelouch es representada por la Agencia

DRAMA – París (Francia)www.dramaparis.com – y es presentada en Argentina a través de la Agencia Literaria F&F: Fernando Masllorens y Federico González del Pino (Buenos Aires).

FUNCIONES:

MIÉRCOLES 20:15h / JUEVES 20:15h / VIERNES 21h / SÁ-

BADO 19:30 y 21:30h / DOMINGO 19:00h

Venta online y telefónica www.plateanet.com 5236-3000

IG TW FB @paseolaplazaok

Actividad teatral protegida. ley 12.576. Secretaria de Cultura de la Provincia de Buenos Aires.

Quién es quién en MEJOR NO DECIRLO

MERCEDES MORÁN (Ella). Mientras cursaba la carrera de sociología se anotó en un taller de actuación con el actor Lito Cruz y este fue el puntapié de su carrera como actriz. En teatro ha interpretado El Último de los Amantes Ardientes; Las Mujeres de Juan; Ángeles Perdidos; Cristales Rotos; Humores que Matan; Pequeños Crímenes Conyugales; Agosto: condado de Osage; Buena Gente; ¡Ay, Amor Divino! y Theodora. También ocupó el rol de directora en Amor, Dolor y Qué me Pongo con un elenco de destacadas actrices. Entre sus trabajos para la televisión destacan “Gasoleros”; “Amas de Casa Desesperadas”; “Socias”; “El Hombre de tu Vida”; “En Terapia”; “Guapas”; “Culpables”; “La Celebración”; “El Reino” (Netflix); “Maradona: sueño bendito” (Amazon) y “Iosi, el espía arrepentido” (Amazon). Para la gran pantalla ha intervenido en importantes títulos tanto del cine argentino como del cine latinoamericano como “La Ciénaga”; “Diarios de Motocicleta”; “Whisky Romeo Zulu”; “La Niña Santa”; “Luna de Avellaneda”; “Cara de Queso”; “Los Marziano”; “Betibú”; “Neruda”; “El Amor Menos Pensado”; “El Ángel”; “Familia Sumergida”; “Sueño Florianópolis”; “Araña”; “Las Rojas”; “Empieza el Baile”; “Elena Sabe” y “Norma”. Por su rica trayectoria cinematográfica el Festival de Cine de Mar Del Plata le concedió el Premio Astor; fue invitada a ser Jurado en el Festival de Cine de San Sebastián y en 2022 los festivales de cine de Málaga y Lima le rindieron homenaje por su carrera. Asimismo ha recibido en diversas ocasiones los Premios Cóndor de Plata, Martín Fierro y los Premios Sur de la Academia de Cine, destacando sus trabajos en los distintos medios.

IMANOL ARIAS (El). Su inquietud artística le lleva a los 19 años a Madrid donde se introduce en el ambiente actoral con pequeños papeles. En teatro ha interpretado Muerte de un Viajante; El Coronel No Tiene Quién le Escriba; La Vida a Palos; Calígula; La Comedia sin Título; Sueño de una Noche de Verano, entre otras, tanto en España como en Argentina con los más destacados directores. Entre sus trabajos de televisión destaca su papel en “Cuéntame Cómo Pasó” con más de veinte años de emisión. Y resaltan también sus papeles en “El Mejor Infarto de mi Vida”; “Velvet Colección” (Movistar +); “Anillos de Oro” o “Brigada Central”. En cine en Latinoamérica ha trabajado con directores argentinos como Marcelo Piñeyro, Daniel Burman, Pablo Agüero, Mª Luisa Bemberg o Alberto Arvelo, el cubano Humberto Solás o el colombiano Sergio Cabrera. Y en España, con más de 50 filmes, con directores como Pedro Almodóvar, Vicente Aranda, Mario Camus, Jaime Chávarri, Manuel Gutiérrez Aragón, Imanol Uribe, Pedro Olea, Manuel Gómez Pereira o Gerardo Herrero entre otros. De sus muchos reconocimientos se destaca la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes de España, la Concha de Plata al Mejor Actor en el Festival de Cine de San Sebastián, Premio Latino de Oro al Mejor Actor Iberoamericano, la Espiga de Oro de Honor en la Seminci de Valladolid, 9 TP de Oro al mejor actor de televisión o 5 Fotogramas de Plata al mejor actor. Fuera de España, 2 Premios A.C.E. (Críticos de Nueva York) y Mejor Actor revelación en el Festival de Berlín.

CLAUDIO TOLCACHIR (Director). Actor, director, docente, y dramaturgo. Nació en Buenos Aires en mayo de 1975. Como actor participó en más de treinta obras, con directores como Daniel Veronese, Norma Aleandro, Carlos Gandolfo y Roberto Villanueva, entre otros. Como director fundó, junto con su

grupo, la compañía Timbre 4 en 1998 con la que montó Chau Misterix, de Mauricio Kartún; Euridice, de Jean Anouilh; Jamón del Diablo, sobre textos de Roberto Arlt; Lisístrata, de Aristófanes; La Omisión de la Familia Coleman; Tercer Cuerpo; El Viento en un Violín y Emilia (también la montó en España e Italia), Dinamo y Próximo, estas últimas de su autoría. También dirigió Atendiendo al Sr. Sloane de Joe Orton;

Agosto, de Tracy Letts y Todos Eran mis Hijos, de Arthur Miller; montaje realizado en Buenos Aires y también en el Teatro Español de Madrid; Tribus, de Nina Raines; Ay amor divino de Mercedes Moran y La Chica del Adiós de Neil Simon, y los musicales Sunset Boulevard y Cabaret. En España también dirigió Tierra del fuego de Mario Diament; La verdad de Florean Zeller y Copenhague de Michael Frayn. Por sus traba-

jos recibió los premios ACE, Clarín, María Guerrero, Teatros del Mundo, Teatro XXI y ganó el premio Konex como mejor director de la década. Sus obras se representaron en más de veinte países y fueron traducidas a seis idiomas. Desde 2001 dirige junto con su grupo el espacio cultural TIMBRE 4. En 2023 volvió a los escenarios con el unipersonal Rabia sobre la novela de Sergio Bizzio en codirección con Lautaro Perotti en España.

SALOME LELOUCH (Autora). Actriz y autora nacida en 1983 en París; es hija de Claude Lelouch y Évelyne Bouix y fue criada por Pierre Arditi. Entre sus obras como autora se destacan, además de Mejor no Decirlo (Fallait pas le dire) estrenada en el Théâtre de la Renaissance en 2023; Qu’est ce qu’on Attend, estrenada en 2021 en el Ciné 13 Théâtre; Politiquement Correct, estrenada en 2016 en La Pépinière; Horizontal, (Ciné 13 Théâtre, 2012); Ce jour-là (Théâtre du Chêne noir, Avignon, 2011) y La Réunion (Ciné 13 Théâtre, 2010). Actualmente es la directora de Le Theatre Lepic.

www.paseolaplaza.com.ar @paseolaplazaok

PRENSA

Silvia Santos: silviasantos@smwpress.com

Raul Casalotti: raulcasalotti@smwpress.com IG / FB / X: @smwpress

HOMENAJES ANIMADOS FESTIVAL MONSTRA

Por Nicolás Isasi @isasi.nick

Sobre el estuario del río Tajo, entre tentáculos y tridentes, surge del agua un majestuoso monstruo de melena pelirroja que arrastra barcos y marineros hasta las profundidades del mundo animado en cada una de las presentaciones propuestas por el Festival de Animación Monstra en su 23º edición. Ese maravilloso personaje de rasgos irlandeses fue la cara e imagen del spot oficial que anunciaba la proyección de cada película, creado por el animador

Toom Moore, cofundador de los estudios Cartoon Saloon, haciendo honor al país invitado: Irlanda.

Las competencias fueron bastante variadas en términos de técnicas, nacionalidades, calidad y temática.

Entre los cortometrajes destacados y también premiados, “O estado de Alma” de la portuguesa Sara Neves, aborda los cambios anímicos de una joven ante la mirada de la sociedad poniendo de manifiesto una problemática común, pero sin banderas ideológicas, dejando un espacio sincero para la reflexión. Narrado con una bellísima fragilidad, el atinado uso de la paleta de co-

lores se manifiesta en los distintos cambios visuales que atraviesa tanto ella como su hogar ante la mirada exterior. El otro cortometraje que fue furor en la audiencia durante la proyección, y posteriormente premiado por ese público, fue “Mee and Burd” de Greg

McLead, en donde un joven (probablemente él mismo) dialoga con un pájaro. La animación rústica y simple, cobró su punto de mayor interés en la audiencia por lo ácido de sus diálogos y un timing particular entre la ironía que se establece entre ambos personajes.

El largometraje ganador resultó ser “Linda veut du poulet!”, película franco-italiana dirigida por Chiara Malta y Sébastien Laudenbach. Premiada en Annecy y en los premios César 2024, esta explosión de color animada narra la historia de una madre viuda que intenta cumplir el deseo de su hija a modo de excusa por un reto equivocado. Allí comienza una travesía para poder conseguir un pollo en medio de una París desolada. El universo animado de esta dupla tiene colores vivos y saturados, poco detalle, pero líneas que expresan personajes encantadores. La disparatada comedia en torno a un pollo terminará involucrando a toda la vecindad en una hilarante historia apta para todo público. También vale destacar a otra de las premiadas por el público que fue “Robot Dreams” del español Pablo Berger, recientemente nominada a los Premios Oscar como película animada (aunque derrotada por “El niño y la Garza”). Entre las muestras especiales destacadas, se encontró la de “Animación y Arquitec-

tura” y la “Monstrinha” dedicada a los más chicos donde “Nuvem” se llevó el gran premio. En total se han proyectado alrededor de 400 películas entre cortometrajes y largometrajes, exposiciones, clases magistrales, talleres, intercambios y encuentros, en el Cine São Jorge, la Cinemateca Portuguesa – Museu do Cinema, la Cinemateca Júnior, el Cine Fernando Lopes y el Cinema City Alvalade.

Pero sin dudas lo mejor del festival fueron las secciones que homenajearon a dos grandes personalidades ligadas al mundo de la animación como el irlandés Aidan Hickey y el suizo Georges Schwizgebel. Ambos presentes en el festival participaron de charlas, conferencias y de las proyecciones que mostraron parte de su trabajo en las últimas décadas. Hickey estudió pintura con Maurice McGonagle en la NCA de Dublín y realizó estudios de posgrado en dirección cinematográfica en Hornsey College of Art. Su vida laboral la desarrolló en el mundo animado, diseñando, escribiendo y produciendo películas para televisión infantil con técnicas artesanales en dos dimensiones que también utilizan personajes en vivo o fotografías intervenidas con animación. Todo este proceso creativo de alguna manera muestra el trabajo

minucioso de sus personajes y creaciones, que abordan la épica irlandesa de otras épocas con el humor y la ironía de varios cortometrajes realizados en las décadas de los setenta y ochenta. Cuando el mundo digital llegó al mercado animado, Hickey volvió al mundo de la pintura, donde realizó destacadas series sobre Esperando a Godot o su último gran desafío sobre el Ulises de James Joyce.

Georges Schwizgebel es un director y animador suizo, conocido también por su trabajo en cortometrajes animados en conjunto a la música académica, para crear secuencias de reflexión y análisis sobre distintos aspectos filosóficos de la vida. Lo interesante y también atractivo de sus cortometrajes es que están realizados casi por completo por él solo en un estudio desde hace varias décadas, fotograma por fotograma, llegando a realizar un cortometraje cada dos años desde la década del setenta. Con mucha meticulosidad y cierta abstracción, suele valerse de recursos como el loop (repetición) para crear secuencias en donde la cámara gira y se mueve por los espacios, reconfigurando la perspectiva constantemente para generar un juego de formas que predispone al espectador a zambullirse en sus espacios. Una de sus obras aclamadas

en los últimos años fue “L’homme sans ombre” (2004), pero también se presentaron “Fugue” (1999) o su reciente trabajo “Darwin’s Notebook” (2020) que muestra el pasaje de Charles Darwin por nuestras tierras.

Entre las clases magistrales, se destacaron las de Bill Kinder “Make the cut at Pixar: The Art of Editing Animation” donde brindó una detallada forma de trabajo en equipo a lo largo de sus años en Pixar Animation Studios y las de los anteriormente mencionados, Moore y Schwizgebel. La ceremonia de clausura contó también con algunos homenajes y recuerdos de personas cercanas al festival, las respectivas premiaciones y proyecciones de algunos extractos de films ganadores. Quizás lo único

que hizo lenta la ceremonia fue tener al jurado o los premiados dispersos en la gran sala lejos del escenario. Ante los ausentes, fue una buena idea contar con la participación virtual de algunos personajes y sus creadores que a la distancia dejaron cálidos mensajes para el festival y también para el público. Por último, se conoció el nuevo país invitado para el año próximo

que será Austria. Monstra 2024 demostró una vez más, ser un festival de gran nivel internacional, con presencia de grandes maestros, cuidando las nuevas visiones, pero también el legado de la animación y lo más importante: muy concurrido y celebrado por el público.

Video. Jeu (2006) https://youtu.be/hWn8GDegJE?feature=shared

Modelo vivo muerto

Con la reposición de Modelo Vivo Muerto, los Bla Bla & Cía. vuelve a presentarse los viernes y sábados a las 22.30 h en la Sala Caras y Caretas.

Una comedia que linda con el género policial al contener notas de suspenso en su es-

tructura dramática sin perder de vista su objetivo principal: hacer reír. Y eso es lo

que logran en el público Manu Fanego, Sebastián Furman, Pablo Fusco, Ju-

lián Lucero, Tincho Lups, y Carola Oyarbide, quien se incorpora a la troupe en esta obra.

A partir de una convocatoria realizada por la Sala Caras y Caretas, este grupo de actores que lleva ya más de 10 años de trabajos colectivos, decide reformularse y em-

prender una nueva búsqueda alejada de los sketches de varieté que supieron presentar desde sus comienzos. Para ello convocan a la actriz Carola Oyarbide pero también a Gustavo Listacomo colaborador en dramaturgia e iluminador- y a Francisca Ure, como directora.

El resultado es Modelo Vivo Muerto una obra cuya trama trata sobre tres estudiantes (Fusco, Lups y Oyarbide) que están por rendir el examen final, para diplomarse en una academia de pintura ante el profesor (Lucero), que consiste en retratar valiéndose solo de un lápiz al modelo (Fanego) quien inesperadamente y en un episodio confuso es asesinado. Allí entra en escena para resolver el misterio la psicopedagoga, encarnada también por Fanego sustituido en su rol de modelo por el “dudoso” maniquí de un niño yaciendo en el suelo.

Los guiños hacia la gente son continuos y hasta rompen con la cuarta pared para correr entre las butacas y hacer partícipes de la escena a los espectadores que acompañan con carcajadas cada acierto. La música también es protagónica al crear climas, producir sus propios gags, más allá de los pasajes en los que la obra gira hacia la comedia musical.

Todas las actuaciones son desopilantes, construidas con un histrionismo, un minimalismo y la delicadeza que hace del humor una variante naif por la textura que reviste a los chistes y a las situaciones que Los Bla Bla construyen; y les permite mostrar la solidez interpretativa que los une y los destaca. Fusco, Fanego, Furman, Lucero, Lups y Oyarbide rompen todo estereotipo del humor para generar su propio lenguaje escénico y lucirse como compañía.

Ficha técnica

Dramaturgia: Creación Colectiva. Elenco: Manu Fanego, Sebastián Furman, Pablo Fusco, Julian Lucero, Tincho Lups, Carola Oyarbide. Diseño de vestuario: Sandra Szwarcberg. Diseño de escenografía: Sol Soto. Diseño de luces: Gustavo Lista. Redes Sociales: Diego Bocha Fernández.

Música: Sebastián Furman. Diseño gráfico: Manu Fanego, Patricio Vegezzi. Producción: Maribel Villarosa. Colaboración en dramaturgia: Gustavo Lista. Colaboración coreográfica: Jorge Thefs

Dirección: Francisca Ure. Prensa: Mutuverria PR.

Teatro: Sala CARAS Y CARETAS 2037

Dirección: Sarmiento 2037 Funciones: viernes y Sábados - 22:30 hs

Entrada: $ 9.000

Talentos para “APOCALIPSIS NO”

La cantante y compositora Fabiana Cantilo ícono del rock nacional, está convocando talentos para actuar en su nuevo espectáculo, la ópera rock.

“No viene el apocalipsis. Lo que viene es un nuevo comienzo…”

FABIANA CANTILO, busca talentos para formar parte de su nuevo espectáculo musical, la Ópera Rock APOCA-

LIPSIS NO, que tendrá lugar el próximo 21 de junio en el estadio Luna Park de la ciudad de Bs As.

La búsqueda consiste en hombres jóvenes, de pelo largo oscuro que canten y, bailen.

Requisitos para participar:

1. Los participantes deberán subir a sus historias personales de IG un video de máximo 1 minuto de duración.

2. El video debe de contener: Nombre completo o nombre artístico

En el video deben de decir: “YO QUIERO ACTUAR EN EL LUNA PARK DE FABIANA CANTILO”

Cantar y bailar un fragmento

de alguna canción de Fabiana (máximo 45 segundos)

FUNDAMENTAL etiquetar a @fabitacontenta para compartirlo en sus historias de IG y así poder participar del casting.

Se recibirán los materiales entre el 25 de marzo y el 25 de abril.

Fabiana está muy entusiasmada en que de esta búsqueda puede surgir un futuro GRAN ARTISTA.

La voz femenina más emblemática del rock nacional sorprende con el anuncio de UN NUEVO SHOW, una ópera rock de su autoría, un show diferente a los que ofreció el año pasado en el Gran Rex donde el público podrá disfrutar de experiencia renovada e impactante a nivel puesta escénica con una lista de temas que armaran el correlato del espectáculo y donde no faltaran sus éxitos grandes hits cosechados durante más de 40 años de carrera y que tendrá lugar en el mítico Estadio Luna Park el 21 de junio.

“Apocalipsis NO” Es un concepto de esperanza, un nuevo comienzo, no es el fin del mundo. Hoy en día la hu-

manidad está en la vibración más baja que existe y necesitamos dar el salto cuántico que va a dar la tierra a la 5ta dimensión.

Es muy importante que tratemos de vibrar más alto, conectar con la frecuencia de la luz del espíritu, es un esfuerzo de libre albedrío que tenemos que hacer cada uno individualmente.

A mí me toca ser puente, plasmando a través de mis canciones la idea del paso de lo más denso a lo más elevado, de los más oscuros a lo más iluminado.

Fabiana Cantilo comenzó su carrera en los años ´80 con el grupo Las Bay Biscuits y Los Twist y luego formó parte de la banda de Charly García y de Fito Páez. Su carrera como solista está llena de grandes éxitos como “Mi Enfermedad”, “Mary Poppins”, “Nada es para siempre”, “Una Tregua”, entre otros.

Entre su primer disco solista, “Detectives”, de 1985, producido por Charly García, y el enormemente popular “Algo mejor”, de 1991, producido por Fito Páez, Fabi se establece como una de las pocas estrellas femeninas del rock nacional.

En el año 2015 lanza su disco número 12 titulado “Superamor”, que contó con la producción artística de Lisandro Aristimuño y la participación de Ricardo Mollo como invitado. Ese mismo año Fabi recibe su segundo Premio Konex en la disciplina Mejor solista femenina de rock.

Durante el 2016, Cantilo formó parte de “Giros”, 30 años, acompañando a Fito Páez en cada presentación. Participó en el rodaje de Hipersomnia, película que se estrenó en marzo de 2017 y editó “Proyecto33”, doble CD y DVD en vivo, un viaje musical donde la artista hace un recorrido por sus 33 años en la música. Además, ese año gana el Premio Gardel a la Mejor artista femenina de rock.

En su edición de junio de 2018, fue portada de la icónica revista Rolling Stone en un merecido reconocimiento por su trayectoria y aporte a la música argentina. En 2019 editó su disco número 14 titulado “Cuna de piedra” que fue a presentar a Europa.

Además, Fabi es pintora, escultora y actriz, pero ante todo una mujer empoderada y resiliente. Su creatividad no tiene límites, más allá de la música editó “Desvío”

su primer libro de poemas y también incursionó en cine con la película “Lágrimas de fuego” donde debutó como autora, protagonista y compositora de la banda musical.

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Vicky Roa Comunicaciones PR | MKT | COMUNICACIÓN

vicky@vickyroa.com.ar

Ganadores y finalistas latinoamericanos de los

“Sony World Photography Awards 2024

” entre

los que se destacan dos argentinos.

GANADORES LATINOAMERICANOS 2024

Exhibición: del 19 de abril al 6 de mayo de 2024. Somerset House, Londres

La World Photography Organisation se complace en anunciar al fotógrafo ganador y la lista de finalistas del Latin America Professional Award. Ahora en su quinto año, el Premio Profesional de América Latina celebra a los fotógrafos latinoamericanos que presentan una serie destacada en la Competencia Profesional.

GANADORES LATIN AME-

RICA PROFESSIONAL AWARD

El primer lugar del Latin America Professional Award lo obtuvo el peruano Ernesto Benavides, fotoperiodista, con su serie llamada Cautivos, que explora y captura la imagen dramática de los rituales religiosos entre los participantes de la peregrinación de Ayabaca, que está en el corazón de las tradiciones católicas profundamente arraigadas en la región de Sudamérica. En esta peregrinación buscan al Señor Cautivo, representado con una corona de púas siendo condu-

cido a su crucifixión.

“Ganar en los Sony World Photography Awards me da mucha felicidad; representa la validación a la creatividad, dedicación y tiempo invertido en la fotografía, además de ser reconocido a nivel internacional,” comentó Benavides. “Este logro es un impulso inspirador que me motiva a seguir explorando en mi trabajo y compartirlo con el mundo.”

Iván Valencia, de Colombia, ganó el segundo lugar con su trabajo Las ballenas jorobadas atraen a miles de visitantes a un pequeño puerto en la

Nico Muñoz

costa del Pacífico de Colombia. En esta serie fotográfica, Iván documenta el avistamiento de ballenas jorobadas en Bahía Solano, mientras migran desde las gélidas aguas del Pacífico sur hacia las cálidas aguas de Colombia. Esta bahía se ha convertido en uno de los lugares más famosos de Colombia para esta actividad, y cada verano recibe miles de visitantes.

El argentino Nico Muñoz logró el tercer lugar de Latinoamérica con su serie Ecos del lago: Pescadores del desierto, que retrata a la pequeña comunidad del grupo étnico Uru, una cultura ancestral que se mantiene resiliente ante el cambio climático, a orillas del lago Poopó en Bolivia.

fotógrafos ganadores y una lista de finalistas, por sus in-

creíbles imágenes individuales presentadas en la competencia Abierta.

GANADORES LATIN AMERICA REGIONAL AWARDS

También se dieron a conocer los ganadores de los premios Regional Awards de este año, una iniciativa creada por la World Photography Organisation y Sony para respaldar a las comunidades fotográficas locales de todo el mundo, con 54 países participantes este año. Los Latin America Regional Awards reconocen a tres

El ganador del primer lugar es el argentino Marcos Azulay con su imagen Fidel, que retrata a su hijo unos días después de haber cumplido 20 años. “Quiero expresar mi sincero agradecimiento por haber sido seleccionado como Ganador del Premio Regional para América Latina en los Sony World Photography Awards 2024. Es un honor inmenso recibir este prestigioso reconocimiento. Mi profundo

agradecimiento al jurado, a los organizadores y a Sony por hacer posible esta oportunidad”, comentó Azulay.

El segundo puesto lo obtuvo Jair Fernando de Colombia, con su fotografía Estrella de Belén; mientras que el tercer lugar fue para el chileno Marco Chacana, por su trabajo Tango.

Los premios Sony World Photography Awards 2024 recibieron más de 395 000 imágenes de más de 220 países y territorios.

Todos estos fotógrafos ganadores recibirán equipos de imagen digital de Sony y sus obras serán incluidas en la exhibición y el anuario de los premios Sony World Photography Awards.

Los ganadores de las competencias Estudiantil, Juvenil, Abierta y Profesional de los premios Sony World Photography Awards 2024 se anunciarán el 18 de abril de 2024 y las obras serán parte de la muestra que se realizará en la Somerset House de Londres, del 19 de abril al 6 de mayo de 2024. Para obtener más información sobre los próximos anuncios y los ganadores visita

www.worldlphoto.org

Marcos Azulay, Argentina

BILL KINDER, SU CINE ANTES Y DESPUÉS DE PIXAR

UN GENIO DEL MONTAJE ANIMADO

Por Nicolás Isasi. @isasi.nick

Bill Kinder comenzó su carrera como productor y editor. Durante sus dieciocho años en Pixar, fundó el departamento de Edición y Postproducción, que llegó a ser conocido como el plato giratorio en el centro de una ola de éxitos de taquilla sin precedentes. Allí puso de relieve el rol fundamental que desempeñan los montajistas en algunas de las películas animadas más aclamadas por el público y la crítica de todos los tiempos. Conoció Argentina

veinte años atrás durante un experimento fallido de Disney que por primera vez en la historia hizo el doblaje hispanoamericano (porteño) de la película Los Increíbles (2004). Es coautor junto a Bobbie O’Steen de Making the Cut at Pixar: The Art of Editing Animation , donde detalla todas las fases de producción de una película animada. Hoy aplica sus conocimientos como consultor y productor desde París al mundo. Después de una grandiosa

clase magistral, como pocas veces he visto en festivales de cine tras su paso por el Festival Monstra, la revista MiráBA habló en exclusiva con Bill Kinder.

IN: ¿Pensás que para ser montajistanecesitabas una formación estricta en edición, animación o ambas?

BK: “Creo que mi camino, siendo estudiante, fue querer hacer películas. Trabajé en proyectos desde diferenMiráBA 34

tes roles hasta darme cuenta de que cada vez me metía más en el proceso de montaje. Ahí era donde estaba la magia para mí, más que la presión de estar en el set. Supongo que eso fue lo primero, porque empecé a hacer películas y quería formar parte de ellas. No estaba seguro de cómo, por supuesto, todo el mundo empieza diciendo que quiere ser director. Pero me di cuenta de que mi pasión, mi entusiasmo no, estaba en la edición. Me encantaba pasar días editando cosas. Durante un tiempo, filmaba para poder editar y tenía en mente cómo quería editarlo, así que creo que lo primero fue descubrir ese patrón. Me gusta mucho el proceso de edición y cómo se puede construir desde allí. La magia de poner dos tomas juntas y obtener una tercera cosa que no es ninguna de las dos. Pero de alguna manera el espacio entre ellas o la combinación, la idea de transmitir un sentimiento, una sorpresa y, encontrar esas posibilidades era lo divertido para mí. La técnica fue cambiando tanto a lo largo de mi vida que he visto pasar de la película analógica a la digital, y ahora editar algo en mi computadora portátil. En mi opinión, el software no importa. Creo que centrarse en qué software en mi experiencia es un error, es mucho más la parte subyacente de la edición: las

ideas, la estructura y el lenguaje de la película. Cualquiera que entienda lo que quiere hacer, puede resolverlo con Premier con Avid, Final Cut en 2024, pero quién sabe lo que será dentro de cinco años. El nivel profundo es mucho más importante: qué querés hacer, cuál es tu objetivo y cómo podés manejar esas herramientas para obtener ese resultado. Esto tiene que ver con conocer la historia del cine, ver muchas películas y entender por qué te gustan, lo que significan. Y luego, como siempre digo, descubrir lo que te gusta y leer sobre ello. Estudiar realmente una película, el efecto del montaje, el sonido, la música, lo que pasa. Cómo lo entendemos requiere una inmersión en las películas. Ver esas películas una y otra vez, hasta que realmente las tenés dentro tuyo y entonces empiezan a salir en tu propio trabajo”.

IN: ¿Cómo es el proceso de construcción de las historias en Pixar y ese famoso trabajo en equipo?

BK: “En Pixar existe una super colaboración, diría que una buena idea puede venir de cualquier parte. Creo que vale la pena señalar que el punto de vista de Pixar es muy diferente a la mayoría de los estudios que apuestan por la persona y no la idea. En Pixar dicen

‘Nicolás tenés algo, tenés una visión, sos un gran narrador, queremos que hagas la próxima película para Pixar’. No se trata de comprar los derechos de una novela famosa, sino de que alguien aporte ideas creativas, imaginativas y visionarias. Porque esto va a tomar cuatro años, un montón de gente, millones de dólares y mucha presión, por lo que también están buscando a alguien fuerte que pueda ponerse de pie para defender su idea, ya que será atacado inevitablemente por diversos intereses comerciales, de marketing o ejecutivos. Es mucho lo que está en juego: en Up (2009), de repente estás haciendo una película sobre un anciano cuya esposa acaba de morir y se va a América del Sur con un boy scout . Tenés que ser capaz de hacer frente a eso y convencer a otras personas de que es una gran idea y Pete Docter obviamente lo hizo. Quería hacerlo, aceptó ideas que sabía apoyaban eso y también dijo que no cuando eran ideas diferentes. Hay que gestionar ambas cosas y hacerlo con diplomacia durante años, con mucha presión y todo el mundo diciendo Pete esto, y esto otro… es agotador. El director tiene que ser capaz de mantener a todo el mundo en su cabeza para lo que estás creando, por lo que los directores tienen un talento u

especial y tenía mucho sentido para mí ver que Pixar diría, Pete o Brad Bird, queremos que dirijas esto. Empezaría como… quiero que presentes tres ideas para la próxima película que querés hacer, te daremos un equipo para desarrollar lo que quieras, pero necesito tres ideas que estarías feliz de hacer. Y, a continuación, obtendrán los recursos para desarrollar esas ideas hasta el lanzamiento, entonces, se elegirá una y se pondrá en marcha. Luego dirían, te daremos equipos de desarrollo, artistas de storyboard y artistas para crear algunos personajes en los próximos seis meses. Todo

el departamento de arte que crea estos mundos y estos personajes comienzan de forma tradicional. La gente suele pensar que todo se hace en un ordenador, y ese es el último lugar en donde se hace. Siempre comienza con arcilla. Construyen los personajes a partir de escultores de increíble talento, una colección diversa de artistas visuales viene a dibujar los personajes en sus estilos, con diferentes sensibilidades. Por ejemplo, Carl (el anciano de Up ) te darás cuenta que es como un cuadrado y Russell (el niño), como un círculo. Se empieza a trabajar en estas

ideas hasta que ese tipo de cosas surgen luego de hacer un montón de diferentes tratamientos, de esculpirlos, de ver qué se puede hacer en 3D, y empezar a imaginar cómo será la animación, cómo van a moverse, y cómo vamos a conseguir la expresión en el personaje: la personalidad, el carácter, y esas son cosas increíbles para poder ver la creación del mundo”.

IN: ¿Qué consejo podrías dar a los jóvenes montajistas del siglo XXI?

BK: “Les diría que todo proyecto necesita un editor. Hay muchos proyectos de

Bill Kinder junto a Nicolás Isasi en la 23º MONSTRA Festival de Animacão de Lisboa

estudiantes, sobre todo de animación, que no se dan cuenta de ello así que, si les interesa el montaje, ponerse a disposición de otros estudiantes que quizá ni siquiera sepan lo que puede ofrecerles un montajista. Y utilizar esas ideas para recordarles el papel que puedes desempeñar para mejorar su película. Mirar muchas películas. Volver a ver películas, porque en la animación hay que crear todo desde cero, nada viene dado. En acción real podés salir a la calle, poner una cámara y filmar esta conversación. Pero si quieres hacer eso en animación, ¿por dónde vas a empezar? Conocer las películas y lo que te gusta. Tener ese tipo de enciclopedia para consultar por tu cuenta es algo genial y empezás a encontrar colaboradores afines, que tienen películas similares en mente. Mi ejemplo favorito es de una proyección de la primera Indiana Jones durante un almuerzo en Pixar, con varios animadores que tenían esa película como referencia en su cabeza. Era emocionante la proyección de una copia original y algo raro sucedió, no recuerdo lo que era, pero el sonido se fue en un momento culminante. Se quedó muda, y Brad Bird (director de Ratatouille ), que estaba en el público, comenzó a decir el diálogo en sincronía con los actores, línea por línea, con

efectos de sonido y música durante unos dos minutos hasta que el sonido volvió. Fue como si supiera cada momento que iba a venir. Básicamente Brad reemplazó el diálogo durante dos minutos en la oscuridad de la sala para 200 personas. Cuando el sonido volvió, todo el mundo comenzó a aplaudir su increíble actuación, y eso demuestra lo que es la mente, para tener toda la película o cientos de películas como esa”.

IN: ¿Cuáles son tus mejores escenas de Pixar y por qué?

BK: “‘La vida conyugal’ (apertura de Up ) es especial, un cortometraje en sí mismo que tiene un gran impacto emocional. Creo

que por eso volví a ella cuando quise escribir sobre cómo se construyó, eso está en el libro. Otra es la escena de Toy Story 3 (2010) en la que van a la incineradora. Estábamos trabajando en ello y cuando empezamos, no podía creer que estuviéramos llevando a esos personajes al infierno. Pensé esto es demasiado. Lo hicieron de tal manera que realmente sentís como si estuvieras al borde de la muerte con algunos de tus personajes favoritos de Pixar. Creo que la apuesta tenía que ser tan alta, que la película necesitaba mostrar que sí, este es el final. Aparece lo existencial, cómo ayudó esa elección a contar la historia y algo sobre cada personaje que también está desarrollado en el libro”. u

IN: Entre mis favoritas, recuerdo la del circo de Bichos: Una aventura en miniatura (1998). ¿Estuviste ahí?

BK: “Eso fue durante mis primeros meses en Pixar, trabajando en storyboard. Heimlich (la oruga) era tan divertido, gran parte del corazón de los personajes que pude ver, venía de un tipo llamado Joe Ranft, brillante artista encargado de la historia, que lamentablemente falleció hace algunos años. Él hizo la voz de Heimlich y era tan divertido, les daba el alma a los personajes y llegué a ver cómo cobraban vida para emerger de estas personas, era algo increíble”.

IN: Este año se cumple una década del fallecimiento del gran actor Robin Williams. Sé que trabajaste en Jack (1996). ¿Lo conociste? ¿Cómo fue trabajar con él?

BK: “Trabajé brevemente con Robin Williams, en la postproducción de Jack . Hicimos algunos ADR (Automated Dialogue Replacement) que son cambios de diálogos. Una vez vino al estudio y almorzamos. Francis Ford Coppola siempre preparaba la comida en las reuniones grupales: buena comida, buen vino, muy italiano y siempre era maravilloso. Robin después de grabar algunos

diálogos vino a ese almuerzo y fue genial. Un corazón abierto, divertido, pero reconociendo a todos en la mesa y sacándolos a relucir, tenía una fuerza, un poder increíble”.

IN: ¿Qué podés adelantarnos sobre el documental Her Name Was Moviola (2024) escrito por Walter Murch?

BK: “Es una gran idea preservar la forma en que las películas se editaron durante casi un siglo desde la era del sonido. Soy un gran fan de este proyecto y documentar el proceso antes de que las personas que sabían cómo hacerlo se hayan ido. Cómo se construye una película sonora, las cuestiones de edición que hemos discutido antes. Y Walter es la persona indicada para hacerlo. Entendió ese proceso y ayudó a llevarlo a la era digital, así que quién mejor que él para mirar hacia atrás y darse cuenta de algunas de las cosas que hemos per-

dido. Desde el croma hasta las dificultades de los procesos analógicos. Aún no la he visto pero sé que la han terminado, estoy emocionado por verla. Yo no trabajé en ella, la apoyé porque pensé que era una gran idea. Recuerdo el proceso, cómo tenías que codificar la película y llevar un libro de registro, algo que es muy arduo, increíblemente organizativo y podría decirse que es el tipo de cosa que una computadora es lo más adecuado para hacer. Sin embargo, algo se ha perdido de todo eso y ahora la gente puede ver de dónde vienen muchas de las metáforas en el espacio virtual digital. Por eso creo que esta película es importante”.

Video

Una de las mejores escenas de Pixar

Up (2009) - "Married Life" Opening Scene

https://youtu.be/XO77YuyMOek?feature=shared

ARTES VISUALES al CCRECOLETA

El pasado martes 19 de marzo el Centro Cultural Recoleta (Junín 1930, CABA), dependiente del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, inauguró de forma simultánea seis nuevas propuestas, recuperando así el protagonismo de las artes visuales en este espacio icónico de la Ciudad. Integran la nueva propuesta múltiple en el Recoleta: historia, arte visual y un reconocimiento a las editoriales independientes.

El nuevo director del centro cultural porteño, Maximiliano Tomas, presentó las novedades y el rediseño del espacio. La sala de dibujo se amplió y pasó al final de la planta baja. La entrada presenta la historia del lugar. Lo visual se ordenó en torno a formas de abordar el cuerpo.

Tomas presentó un nuevo diseño del espacio que incluye una señalética clara y orientadora. Para el flamante director, la sala 1 que es la que recibe al público debía tener otro rol -era hasta entonces una sala de dibujo-. Como espacio que introduce a los visitantes, decidieron ubicar allí la Sala Histórica, destinada a narrar la historia de la institución y que a su vez albergará un homenaje a los artistas míticos en la vida del Recoleta. El primero de ellos será León Ferrari, que regresa al Centro Cultural después de 20 años con la exposición de dos de sus obras originales: Rosas y una segunda pieza sin título (caja collage con mariposas), en colaboración con la Fundación Augusto y León Ferrari. Arte y Acervo.

En la sala 3, llamada Sala Abierta, se muestra la exhibición “Nueva edición Argentina. 1999-2024, 25 años de edición independiente” curada por Damián Tabarovsky con una mirada sobre la producción de libros, el papel de las editoriales independientes y la exhibición de

De izquierda a derecha: Victoria Liguori, El Pelele, Carla Barbero, Javier Villa, Bruno Gruppalli y

primeras ediciones con más de 50 tapas de libros.

Luego podemos encontrar cuatro muestras de arte contemporáneo argentino propuestas por el nuevo equipo de programación de Visuales del Recoleta, integrado por los curadores Carla Barbero y Javier Villa, con la producción de Verónica Otero.

Con curaduría de Barbero

llegan las exhibiciones “Centinelas” de la artista Victoria Liguori (sala 4) y “La multitud agazapada” de El Pelele (sala 10). Liguori presenta una serie de dibujos que abordan la relación entre cuerpo y tecnología desde la ciencia ficción. El Pelele dará a conocer diez obras, entre pinturas e instalaciones, desde una narrativa que oscila entre lo monstruoso y lo romántico.

Con curaduría de Villa inau-

Jazmín Berakha.

El director Maximiliano Tomas durante la inauguración.

guran “Función privada” de Bruno Gruppalli (sala 6) con pinturas de gran formato protagonizadas por personajes solitarios sentados a la mesa de algún café concert , donde experimenta con nue-

vos protocolos de uso y percepción del espacio pictórico y “Odaraia” de Jazmín Berakha (sala 5), una de las artistas pioneras en la reelaboración contemporánea de disciplinas como el bordado,

el tapiz o el pachtwork , técnicas que habían sido relegadas al ámbito doméstico.

En palabras de los curadores, “iniciamos la programación 2024 con cuatro artistas que exploran en profundidad la representación del cuerpo en la contemporaneidad. La selección se basó en una búsqueda de empatía con los cuerpos que han estado presentes en el Centro Cultural en los últimos tiempos, a través de experiencias de danza urbana, espacios de trabajo compartidos y actividades recreativas. Al destinar varias salas para las artes visuales, estas primeras exposiciones buscan generar un diálogo y una apertura a la imaginación entre los cuerpos presentes y

los representados”.

Finalmente en las salas 7, 8 y 9 comenzará la exhibición “ Grupo Joven, arte y desacato en los años 50 ”, que recorre el camino histórico de la agrupación artística con sus primeras experimentaciones geométricas en papel construidas lúdica y colectivamente. Con obras de José Arcuri, Diana Chalukian, Alfredo Carracedo, Augusto Cuberas, Domingo Di Stefano, Eduardo Mac Entyre, Víctor Magariños D., Pedro De Simone y Miguel Ángel Vidal . Y el diálogo de ellos con artistas contemporáneos como Francisca Amigo, Amadeo Azar, Tulio De Sagastizábal, Silvia Gurfein, Cristian Mac Entyre,

www.centroculturalrecoleta.org.

CENTRO CULTURAL RECOLETA

Junín 1930, CABA.

Entrada libre y gratuita. Martes un viernes de 13.30 a 22h. Sábados, domingos y feriados de 11.15 a 22 h.

Roger Mac Entyre, Marina De Caro, Andrés Sobrino y otros.

STOMP, DEL RUIDO AL RITMO

UNA ENTREVISTA PERCUSIVA

Por Nicolás Isasi @isasi.nick

Surgido en Brighton en la década del noventa, STOMP es un grupo de percusión que utiliza distintos objetos de uso cotidiano y el propio cuerpo como instrumentos musicales, en un juego de acrobacias y coreografías. Como parte

de su gira europea 2024, en una pausa de sus ensayos en Lisboa para las presentaciones en el Teatro Tivoli BBVA, la revista MiráBA habló en exclusiva con Phil Batchelor, uno de los integrantes actuales de STOMP.

IN: ¿Cómo es el proceso de creación de las canciones?

PB: “Tenemos dos directores del espectáculo, Luke Cresswell y Steve McNicholas, que en realidad crearon STOMP en los años 90. Tenían la idea de llevar los instrumentos

con ellos a donde quisieran, poder ver lo que hay alrededor, y tocar con aquello que se puede encontrar. Y así se propusieron crear algunas piezas de música utilizando sólo cubos de basura o escobas, lo cual fue un concepto original, creando todas estas rutinas diferentes que tenemos ahora en donde todo lo que hay es usado como instrumento de percusión. Por un lado, está Luke, el cerebro musical detrás de cada canción, de cómo debe sonar y

qué tipo de cosas se van a utilizar. Por otro, está Steve, para asegurar que todo se vea agradable en un entorno teatral, porque inicialmente lo que solía ser en la calle ahora está representado más tradicionalmente en un teatro, con iluminación, sonido, tiene que sonar bien, y tiene que estar bien coreografiado”.

IN: ¿Empiezan con la partitura o con la coreografía?

PB: “Creo que en términos musicales tradicionales no, pero hay una notación musical particular que viene del cerebro de Luke por lo que va a tocar el intérprete, cómo debe sonar a su manera. Vienen a nosotros y nos dicen, por ejemplo, vamos a crear una pieza usando sólo pintura, entonces todo el mundo va a girar sobre esta línea. Cada persona en el escenario representará y aprenderá un patrón rítmico que será su compañero, su guía para contar algo. Puede que cuatro personas formen parte de esa pieza, y entonces haremos eso, contaremos los compases, cada uno con el patrón aprendido, y luego todo se junta. Cada patrón de alguna manera es como si fuera un instrumento de orquesta, o un personaje, de manera tal que uno puede cambiar de personaje depende la actuación. Si, por ejemplo, hacemos una pieza donde todos tocamos el mismo instrumento, como las escobas, cada uno tiene su patrón rítmico, pero claro que

los patrones rítmicos cambiarán de un personaje a otro y mañana puede que uno cambie incluso de personaje. Es fácil aprender una pieza con todos los demás. Claro que puedes aprender por tu cuenta, pero como somos una compañía de giras, a veces alguien se enferma o se lastima y de repente tenemos que cambiar de personaje para la próxima semana. Es importante repasar los números, cada pieza que hacemos tiene una estructura. Comienza con los ritmos y luego tenemos puntos de giro o nodos particulares que sabemos desde dónde ir, o retomar durante los ensayos. Todos entrarán a su debido momento, cada uno tocando su parte individual hasta que nos juntamos todos. Tenemos ocho compases para tocar nuestro ritmo, luego haremos una pausa y tocaremos otros ocho para pasar a la siguiente sección. Así ensayamos y repasamos cada pieza, sección por sección. Si tenemos un problema o algún error, por ejemplo, que se rompe una escoba en el medio del show, ese personaje tiene que salir y buscar una nueva, por lo que empezamos desde uno de los nodos o puntos de giro para retomar en conjunto”.

IN: ¿Cuáles son las influencias de STOMP?

PB: “STOMP es un show global, los creadores viajaron por todo el mundo y han tenido influencias por ejemplo

de Brasil, algunas influencias tribales, especialmente con el uso de percusión. Tal vez no tanto de la música moderna actual que es más simplificada. Creo que todo ahora es bastante digital, y este es un espectáculo muy analógico, en términos de cómo crear, jugar y tocar”.

IN: ¿Cómo gestionan el estado de ánimo del público durante el espectáculo?

PB: “La estructura del espectáculo en sí es buena porque realmente podemos interactuar con la audiencia. Uno de los personajes tiene un rol de líder del grupo y realmente nos gusta lo que llamamos respuesta de llamada, que enseñará a la audiencia algunos patrones rítmicos simples, generalmente utilizando las manos y los pies. Eso comienza a construir una especie de relación con la audiencia. De hecho, cuando

estás sentado entre la multitud, intentamos que el público se sienta colectivamente como si fuera en verdad un personaje más. Pero queremos que la audiencia entienda lo que estamos haciendo, como si estuviéramos teniendo una conversación: nosotros mismos en el escenario, pero también con el público, una conversación que es completamente no verbal. Solo usando ritmos, lo cual también es divertido. Creo que sí hay una necesi-

dad real de tener una estructura en el espectáculo, porque algunas de las cosas que hacemos son bastante peligrosas. Las piezas fluyen entre nosotros, pero a veces parece como si estuviéramos peleando con palos y hay que tener cuidado, no se puede improvisar”.

Stomp Live Part 5 Dishwashers are crazy1

https://youtu.be/lU4lVmQxHeI?feature=shared

Cooperativa Mandíbula Producciones y

Edito-

rial Serial presentan “LIRISMO FALOPA

”

De Álvaro Fernández - Con Prólogo de José Bellas

“LIRISMO FALOPA” el primer libro de poemas de Álvaro Fernández, donde el autor nos invita a un viaje por las sombras de su alma, a un lugar donde la marginalidad, la soledad y el dolor se maquillan con versos. A través de su poesía cruda y visceral, nos demuestra que no hay verdades absolutas ni moralejas en la vida, sino solo la lucha diaria por encontrar un sentido en medio del caos. Este libro es un testimonio honesto y valiente de una experiencia de vida que muchos prefieren ocultar. En sus páginas, encontraremos la belleza y la humanidad que se esconden detrás de las sombras, así como la necesidad de liberación y redención que todos llevamos dentro.

La presentación de LIRISMO FALOPA se llevará a cabo en el CAFÉ DE LOS PATRIOTAS, Nicasio Oroño 2200, La Paternal, el sábado 20 de abril a

partir de las 18hs. El autor estará firmando ejemplares, habrá música en vivo y vino tinto para brindar. ¡Los esperamos!

Sale el libro nomás.

Mi primer libro ¡Por fin! Se hizo esperar, el guacho, para mí, demasiado, pero para mí terapeuta y para los que me

quieren, llega en el momento justo. Llega en el instante en el que algunas de mis confesiones —así las llamó un lector— sienten la necesidad de salir del closet. Sí, después de cuarenta años de oscuridad, estas introspecciones, estos descargos del subconsciente, levantan la persiana y dejan entrar al sol. Dejan de pertenecer a un código secreto y oculto, a una jerga que puertas adentro y en la soledad de mil noches se alimentaba en el virtual anonimato.

Imposible contener tantas palabras, pero aparece la verguenza, la falta de confianza y el perfeccionismo estúpido e inútil ¿Qué estoy contando acá? ¿Cuentos o poemas? ¿Mitad y mitad? ¿Con rima o sin rima? ¿Por qué en verso y no en prosa? ¿Es esto poesía?

Y los de afuera con sus interpretaciones, con sus dudas y

certezas ¿A quién le estás escribiendo? Muy retorcido lo tuyo ¿Mirá si lo leen tus hijas, las madres del colegio o los pibes del barrio?

Imposible esconder tantas palabras, porque aparece la imprenta y los artículos. Porque en el baúl de la baja autoestima, aparece una voz que rompe el silencio y se pone a latir, una voz que blinda los cristales de la generación de los platos rotos, una voz a la que llaméLirismo Falopa y que sale en libro nomás.

Mi nombre es Álvaro Fernández y este poemario, esta antología de una obra sin publicar, es un milagro. Quiero agradecer a las personas que me acompañaron en este proceso: a mi familia y amigos, a la gente de @serialeditorial y @mandibulaproducciones que confiaron en la propuesta, a José Bellas y Gustavo Di Pace por el prólogo y la contratapa y a todas aquellas personas que después de encontrarse en alguna de estas “confesiones” me abrieron su corazón.

ÁLVARO FERNÁNDEZ es un escritor y poeta argentino nacido y criado en el barrio de la Paternal, Ciudad de Buenos Aires. Bajo el seudónimo de Lirismo Falopa, ha creado una voz poética que aborda temas como la infancia en la calle, la marginalidad, la amistad, las adicciones, el amor, el sexo, la noche y la privación de la

libertad, entre otros. Aunque no cuenta con publicaciones anteriores, ha tenido un blog y ha colaborado en revistas literarias y antologías de poemas. También ha sido finalista en diversos concursos de cuentos. Actualmente se encuentra trabajando en varios proyectos editoriales y comparte su obra en redes sociales a través de posteos dominicales que lectores y seguidores esperan y comentan. Su estilo crudo y original, ha sacudido el avispero de la crítica, que lo considera un soplo de aire fresco —y espeso, muy espeso— en la es-

cena literaria argentina.

Redes sociales

ALVARO FERNANDEZ Instagram y Facebook @lirismofalopa

El libro puede adquirirse en la tienda de la Editorial Serial

www.mandibula.com.ar/tien da

Para contacto con el artista NR PRENSA & BOOKING

+5491154029699

nrprensaybooking@gmail.co m

Se presenta “Odisea del Hambre”

de

Mariela Ghenadenik en la Feria del Libro de Buenos Aires

La autora argentina radicada en España presenta su nueva novela del 25 de abril al 13 de mayo en el Predio Ferial de la Ciudad.

Editada por Del Nuevo Extremo, Odisea del hambre, la nueva novela de la autora argentina Mariela Ghenadenik, se presenta este 2024 en la nueva edición de la Feria del Libro de Buenos Aires.

Disponible en el pabellón verde de la Editorial, la autora nos invita a sumergirnos en una distopía en la que en un futuro cercano, el planeta Tierra es un planeta pacífico, sin fronteras entre los países y con un sistema único de gobierno. La novela emerge como una historia apasionante que devela cómo tras

un discurso de justicia, libertad y protección se puede encubrir una de las versiones más salvajes y discriminadoras de la sociedad humana.

En la novela, gracias a la erradicación del hambre, el control del desastre ambiental y la llegada de una era de paz, el mundo es un lugar de bienestar. Pero, como consecuencia, el planeta se encuentra superpoblado.

Surgen teorías conspirativas y preocupaciones sobre una posible modificación de la órbita terrestre que acercaría el planeta al Sol con consecuencias terribles. Por este motivo, la Tierra no debe aumentar más su peso ya que supuestamente estaría en el límite de lo que la órbita puede soportar a causa de la superpoblación.

En este mundo, la policía de los cuerpos vigila cada ingesta de alimentos y persigue a los “abundantes gravitacionales”, quienes son obligados a pedalear en busca de su redención para producir energía limpia.

La protagonista, Sofía, es una joven de 27 años decidida a cumplir las leyes y a luchar contra el hambre que la aqueja diariamente. Tiene

como objetivo recuperar los privilegios que le permitirán vivir con más libertad y, al mismo tiempo, salvar a su abuela, que se encuentra al límite de la edad vital permitida.

De lo contrario, deberá enfrentar el regreso a un centro de rehabilitación donde la mujer de su padre la encerrará años atrás.

Pero no hay esfuerzo que alcance: la realidad se muestra muy diferente a la del relato oficial. ¿En quién confiar, qué hacer, cómo escapar cuando todo cambia de sentido?

A través de un relato distópico, Odisea del hambre es una historia apasionante acerca de la capacidad de resiliencia, el amor y la lealtad, aún en las situaciones más extremas. Y también devela cómo tras un discurso de justicia, libertad y protección se puede encubrir una de las versiones más salvajes y discriminadoras de la sociedad humana.

“Odisea del Hambre se centra en explorar las consecuencias de naturalizar la deshumanización. Cuando perdemos el sentido y nos vaciamos de significado, nos volvemos vulnerables y somos fáciles de

manipular y abrazamos cualquier relato”, señala la autora.

“Escribí esta novela animándome a un nuevo género (la ficción especulativa / distopía) sin planificarlo, solo persiguiendo la historia que quería contar. Y encontré un espacio que amplió mi creatividad. Porque, a partir de una trama absolutamente irreal que se ancla en ideas normalizadas, encontré un espacio inesperado para decir y cuestionar aspectos que me parecen un delirio de la actualidad.”

Odisea del hambre también habla de amor, de lealtad y de resiliencia: “Las coordenadas que nos devuelven a casa, a nuestra humanidad aún en las situaciones más extremas porque el amor siempre nos permite sacar belleza dentro del caos.”

“En un contexto saturado de sensaciones efímeras, la lectura nos instala en una pausa que nos conecta con ideas duraderas y por eso es tan tranquilizadora. Leer es un acto de resistencia contra la exigencia de ser mejores o diferentes, como a veces nos pasa después de consumir demasiado tiempo en las redes”.

La 48.° Feria Internacional del Libro de Buenos Aires se realizará del 25 de abril al 13 de mayo de 2024 en el Predio Ferial La Rural. De lunes a viernes de 14:00 a 22:00.

El acto de inauguración de la 48.° Feria se llevará a cabo el jueves 25 de abril a las 18:00. La escritora Liliana Heker estará a cargo del discurso de inauguración.

tivas de la nueva narrativa argentina. Varios de sus cuentos han sido premiados y publicados en antologías de Penguin Random House Mondadori, suplementos culturales y revistas digitales, entre los que se destacan: “En Celo” (2007, Mondadori), “De Puntín” (2008, Mondadori), entre otros.

En 2012, su primera novela DESDE EL AIRE, finalista del Concurso Internacional de Novela Letra Sur, fue publicada en Nueva York por Díaz Grey Editores y reeditada en 2014.

Mariela Ghenadenik nació en Buenos Aires. Es licenciada en Ciencias de la Comunicación de la Universidad de Buenos Aires y de posgrado de la Universidad de San Andrés. Es considerada una de las escritoras significa-

En 2019, Del Nuevo Extremo Editorial (Buenos Aires) publicó su novela UNA FELICIDAD POSIBLE.

Actualmente vive en Málaga (España) donde trabaja en estrategias digitales y creación de contenido, capacita en redacción profesional a empresas y particulares y continúa su actividad como escritora de ficción.

@marieghena

Prensa. Flor Carrozza mfcarrozza@gmail.com

“¿Quiénes eran, en realidad, Ernesta y Don Camilo?”

Y otros cuentos de la pandemia -

Con la misma regularidad de las entregas de sus admirados folletinistas del siglo

XIX, Jorge Andrade, entre los años 2020 y 2022, escribió y publicó en las redes sociales relatos vinculados, de un modo u otro, con la pandemia que por entonces gobernó el mundo. Una selección de esos textos es el material que constituye este libro.

Reconociendo su carácter de criatura indefensa ante los poderes desatados por los desafueros cometidos por la especie a la que pertenece, Andrade acudió a la herramienta que mejor maneja para interponer barricada

Jorge Andrade

que contuviera los atropellos de las potencias superiores irritadas: la literatura.

De su ejercicio nacieron estos cuentos marcados por la traza del mal planetario, y en particular por su efecto más crítico, el del enclaustramiento.

Y aunque el lector no se topará con ningún relato que tenga por argumento explícito el de la enfermedad, se sentirá envuelto por los estados de ánimo que las alternativas del mal acarrearon; siendo que padecerá de la melancolía y la tristeza del tiempo de la desesperanza, o disfrutará del humor y la ironía que contienen la fuerza de iluminar la oscuridad.

JORGE ANDRADE, narrador y ensayista argentino, ha publicado numerosas novelas, entre ellas Los ojos del diablo, por la que obtuvo el premio internacional Pérez Galdós en España; Proyección en 8 mm. y blanco y negro, saga familiar que transcurre durante el primer gobierno de Perón; Desde la muralla, en la que anticipa el estallido de la crisis global de 2008 vigente aun hoy y Vida retirada, cuya acción se desarrolla en las cloacas de París y que narra metafóricamente el choque entre la opción ferozmente

competitiva que impone el capitalismo del siglo XXI con una alternativa solidaria de convivencia. Es autor también de los volúmenes de cuentos Ya no sos mi Margarita, Nunca llega a amanecer y Cuentos subversivos, estos dos últimos publicados por nuestra editorial, a los que ahora se suma la presente colección que también nos honramos de editar. Como ensayista, Andrade ha publicado Cartas de Argentina, trabajo al que se deben sumar varios otros del mismo género que han visto la luz en formato digital. En este mismo formato ha publicado Fuegos de San Telmo, recopilación de aguafuertes urbanos aparecidos en diversos periódicos de la ciudad.

Además del ya citado premio Pérez Galdós, Jorge Andrade ha recibido el primer premio del Fondo Nacional de las Artes de Argentina por Signos, su primera novela, y por el género cuento el premio internacional Villa de Avilés, de España.

Andrade fue colaborador del diario El País y de las revistas El Urogallo y Cuadernos Hispanoamericanos de España, así como del diario La Nación de Argentina. Economista, profesor de adultos de la Federación Española de Univer-

sidades Populares especializado en el campo sociocultural, crítico literario y traductor, vivió treinta años en España, Inglaterra y Portugal. Actualmente reside en Bue-

nos Aires, su ciudad natal.

Otros títulos de Jorge Andrade en Relatos del Dragón

Nunca llega a amanecer

Cuentos subversivos

El maestro, el gato y otros

Contacto:

María Fernanda Lara mariaflarao@gmail.com

Visiones e Innovaciones

Medardo Chiapponi

Diseño para la transformación de la cultura material contemporánea

Formato: 14CM X 23CM

Páginas: 270

ISBN 978-987-3970-42-9

En un panorama actual donde las innovaciones tecnológicas son tan articuladas y rápidamente cambiantes como no lo han sido nunca, es ilusorio pensar que se puede ejercer un control absoluto sobre una realidad tan compleja.

En Visiones e Innovaciones

el autor nos guía hacia las vías que parecen más prometedoras considerando no tanto las innovaciones tecnológicas en sí o sus aplicaciones genéricas, sino la contribución que su uso hace a la transformación de la cultura material contemporánea. Y nos invita a poner bajo la lupa los efectos reales y potenciales de las innovaciones tecnológicas en la vida cotidiana donde el diseño puede desempeñar un papel crucial a este respecto.

Visiones e Innovaciones Medardo Chiapponi Diseño para la transformación de la cultura material contemporánea

Formato: 14CM X 23CM

Páginas: 270

ISBN 978-987-3970-42-9

Un apasionante y moderno panorama del diseño industrial de nuestros días

Medardo Chiapponi, Reggio Emilia, Italia. Ha sido profesor de Diseño Industrial en la Hochschule für Gestaltung Schwäbisch Gmünd (Alema-

nia), de Diseño Medioambiental en el Politécnico de Turín y de Diseño Industrial en el Politécnico de Milán. Desde 2001 es Profesor de Diseño Industrial en la Università Iuav di Venezia donde fue Director del Máster en Diseño Médico, Director del Departamento de Artes y Diseño Industrial, Decano de la Facultad de Diseño y Artes y Director del Departamento de Diseño y Planificación en Medios Complejos. Presidente de la Sociedad Italiana de Diseño. Fundador y Presidente del Cluster de la Universidad Iuav de Venecia “MEDLABMedical Design Laboratory on Service & Product Innovations”. Miembro del Comité Científico de la RIR de la Región del Véneto “TECH4LIFE - Innovative Network for Health Technologies”.

Cristina Menéndez

Ediciones Infinito SRL

www.edicionesinfinito.com facebook; Ediciones Infinito Editorial twitter; @edinfinito instagram; edicionesinfinito

Historias Eróticas de Eduardo Kovalivker

Por primera vez el autor compila en esta antología sus cuatro novelas eróticas: Bianca, Clavelina, Jannah y Mali.

Con la delicadeza que lo caracteriza en estos relatos entrelaza magia, misterio y hechos reales e imaginarios en estas historias interactúan hombres y mujeres que se aman profunda y eróticamente sin prejuicios ni vergüenzas.

Bianca es la historia de una noble italiana que vive en un palacete en la Liguria sobre el mar y no se sabe si es un fantasma que se corporiza cuando lo aman o es un ser de carne y hueso o un producto de la mente enferma de su supuesto amante.

Clavelina es una hermosa mulata caribeña a la cual el personaje masculino trata de arrancarla de la prostitución a la que la obliga su familia.

Jannah es la historia de dos mujeres. Jannah en Israel y Lili en Argentina unidas por el amor de un mismo hombre. Acontece en la década del ´70. La primera es una víctima psiquiátrica de los avatares de la guerra y la segunda en Argentina involucrada en las luchas contra la dictadura militar.

Mali es una indígena patagónica de imponente belleza y tremenda personalidad, de-

sestabilizada por los celos originados en las infidelidades de Avi, su pareja, le prepara una asombrosa venganza en medio de una orgía ritual en su honor.

“Tendrá algo que ver Eduardo con los protagonistas masculinos de las cuatro obras? Vaya uno a saber.

Eduardo tiene fe en sus historias y tal cual el lo dice se divierte escribiéndolas, lo cual se nota sobradamente cuando recorre sus páginas. Las compilaciones de Kovalivker respi-

ran sinceridad. Es en esa palabra, “sinceridad”, donde hay que buscar la clave de su literatura; su verso es un verso sustantivo, que no apela a adjetivaciones preciosistas sino que busca manifestarse de la manera más clara, elocuente y vigorosa posible “para que todos me comprendan”, como él suele decir. Al vocablo “sinceridad” deberíamos añadir otro: “fervor”, o sea el anhelo de comunicar, de tender puentes de palabras, de hablar por su corazón al corazón de los demás”.

Antonio Requena

Ya se encuentra disponible en todas las librerías del país a $65000

Acerca del autor:

Eduardo Kovalivker: es escritor e ingeniero químico recibido en la Universidad de La Plata. Vivió en Israel y en Francia antes de regresar a la Argentina en 1973. Edito numerosos libros de poesía, cuentos y novelas. Entre sus libros se destacan Las horas que quedaron (1984) y la edición corregida y aumentada

del año 2000. En Poesía también publicó Coloquio de fantasmas (2005, Los ríos de mi sangre (2006), Siempre (2008), Algo Más (2012), Rebelión y ensueño (2015), Los ríos de mi sangre en versión corregida y aumentada (2015), Antología poética (2003), Cosas perdidas, también antología (2011), Poemas compartidos (2014) y Obra poética 1970-2017 (2018). Sus novelas publicadas son El Informe (2010), Clavelina (2015), Bianca (2016), Jannah (2016), Mali (2018), Los lucha-

dores judíos, conjuntamente con Yosi Goldstein (2018), El Pacto (2020), Los luchadores indígenas conjuntamente con Felipe Pigna (2020), Alienígenas y dioses (2022). En 2022 publicó también, junto a Felipe Pigna Los Granaderos de San Martín y Los Cuadernos de Juan Chepoya. Sus obras han sido publicadas en Italia, México, Bélgica, Cuba e Israel.

Prensa: Flor Carrozza mfcarrozza@gmail.com

Lanzamiento:“Mardelplata”

La novela de Andrés Soto en el marco del 150° aniversario de la ciudad.

El periodista y escritor marplatense Andrés Soto, presentó su novela

“Mardelplata”. La presentación forma parte además de los actos por el 150° aniversario de la ciudad de Mar del Plata, que se cumplieron el 10 de febrero y se festejan a lo largo de todo el mes.

“Mardelplata” es un retrato coral que refleja la ciudad de los marplatenses desde el interior de sus protagonistas. Los varones forman en los años sesenta un equipo de fútbol más que amateur. Las chicas son empleadas de tienda, alumnas del Normal y muchachas recién llegadas que imaginan un futuro venturoso. Sus pequeñas aventuras cotidianas se entrelazan con los recuerdos de una niñez reciente que les parece lejana.

Entre chalets californianos y casillas de madera, “asaltos” y bailes de clubes, despertares amorosos y bicicletas olvidadas, sus historias reseñan la sociedad de una época, en un retrato alternadamente íntimo y panorámico. Hasta que el futuro estalla como no lo esperaban. Diáspora y dolor.

Viento y nubarrones. Momentos dulces y amargos. Logros y decepciones.

“Mardelplata es una ficción en escenarios reales”, sintetiza el autor.

“No existe un libro así contando Mar del Plata”, sentencia el referente cultural Nino Ramella.

“Es un caleidoscopio de emociones, personas y objetos, mezcla fuerte de leer y tal vez de volver a vivir”, detalla Félix Fassone.

Andrés Soto es marplatense. Trabajó desde 1960 hasta 1977 en medios locales. Luego dirigió, creó o supervisó más de cien revistas en Argentina, Brasil, Chile y Perú. Editó, entre otros libros, “Mi pueblo se llama Mar del Plata”, de Mario Trucco.

Artes plásticas

El universo fantástico de Benito Larenen Witcomb

El Giocondo

En Galerías Witcomb, la más antigua de Argentina, se inaugurará el miércoles 3 de abril la muestra “El Giocondo”, de Benito Laren, famoso por sus obras en

brillantina y creador de su propio mundo: Larenland.

El artista presentará sus trabajos más recientes; la exhibición está compuesta por

una obra central, El Giocondo, y variaciones de la misma a través de 2 lenticulares, 20 digitales y 20 litografías, todas en un mismo tamaño, que se expondrán

en la prestigiosa galería.

Benito Laren ha participado de ferias y muestras en los EEUU, Casa Faena y Sope Art durante “Miami Art Week” y “Scope Art NY”, en el marco de Armony Show.

En Argentina, su última gran exhibición se realizó en Colección Fortabat, cuando a través de “Fabularen” irrumpieron en ese museo decenas de obras en una retrospectiva que puso en relieve su trayectoria. En esa ocasión, también fue proclamado “Rey de Larenland”, un país imaginario de un metro cuadrado, que se encuentra en su propia casa.

El Giocondo

Inauguración: miércoles 3 de abril a las 19 horas

Del 4 al 30 de abril, entre las 11 y las 19 horas

Galería Witcomb, Avda. Santa Fe 1161 CABA

Ingreso gratuito

Humor y excentricidad

Benito Laren se ha convertido en uno de los personajes más llamativos del arte argentino. No sólo por su manera de vestir y su vocación por los juegos de palabras delirantes, sino fundamentalmente por sus obras.

Pintor y escritor autodidacta, egresó como técnico químico en 1983, actividad que suma a su obra por medio de la experimentación y combina-

ción de elementos, junto a sus conocimientos de dibujo técnico. En 1987, creó una técnica de pintura sobre vidrio a la que llama “Pop Oh Art”, por tratarse de una mezcla entre el Arte Pop y la exclamación que produce la gente (¡Oh!) cuando observa sus obras.

Utiliza toda clase de materiales y objetos como papel holográfico, brillantina (glitter), vidrio líquido, y esmalte que, de acuerdo al punto de observación y a la luz, cambian y adquieren características cinéticas.

En 1991, formó parte del reconocido “Grupo del Rojas”, un conjunto de artistas que exponían en la Galería de Artes Visuales del Centro Cultural Rojas, dirigida por Jorge Gumier Maier. Durante 2010, participó de Recovering Beauty en el Museo Blanton (Austin, Texas) y su obra “Buscando precios” es la imagen de la muestra.

En San Nicolás, ciudad donde nació el 12 de enero de 1962, se realizó en 2016 un homenaje a su trayectoria y los niños de todos los colegios pintaron y dibujaron a la manera de Laren. Incluso, se instaló un OVNI en la plaza principal donde se expusieron esos trabajos junto a una exhibición del artista.

Su obra se encuentra en las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes (ARG),

el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (CABA), el Museo Castagnino + macro (Rosario), The Blanton Museum of Art (Austin, Texas) y The Corning Museum Of Glass (New York), entre otros.

Acerca de Witcomb

Galerías Witcomb comenzó siendo un taller fotográfico fundado en 1868 por Alejandro Witcomb, quien retrató la vida de Buenos Aires desde todas las miradas, llegando a ser el taller más tradicional de nuestro país. La demanda de espacios donde exhibir obras de arte hizo que se realizaran, en 1896, las primeras exposiciones. Varios de los artistas más consagrados de la Argentina, como Quinquela Martín, Antonio Berni, Martín Malharro Santiago Cogorno, Leopoldo Presas, Molina Campos, Raquel Forner, Raul Russo, Carlos Alonso, Vito Campanella, entre muchos otros, realizaron allí sus primeras exposiciones. En 1971, luego de más de 1900 muestras, Witcomb cerró sus puertas, y en 2010 Jorge Calvo tomó el legado de Alejandro

Más información en https://larenland.com/ https://galeriaswitcomb.com .ar/

Contacto:

Francisco Cerdan francisco@inprensa.com

GALERÍA MAR DULCE

Canción del interior

Dibujos de Diego Ontivero

“Canción del interior” es la tercera exposición individual de Diego Ontivero en Galería Mar Dulce. Presenta dos series de dibujos nuevos en tinta, acrílico y collage sobre papel (30 obras en total) más unas pinturas en acrílico sobre tela.

Inaugura sábado 16 de marzo, 16-19hs

Visitas martes a sábado 1619hs hasta el 4 de mayo 2024 en Uriarte 1490

El trabajo de Diego Ontivero es de una profundidad y densidad poco frecuentes.

En esta obra se encuentran todos los temas fundamentales de la filosofía del lenguaje: la posibilidad de un lenguaje privado, la hipótesis saussureana de la arbitrariedad del signo, la resistencia frente a una contemporaneidad reaccionaria a la idea de las gramáticas universales, la discusión sobre el poder de penetración de la raigambre cultural que determina nuestra forma de leer el mundo.

Las múltiples melodías que encierran las partituras pri-

vadas de Ontivero son el escarabajo en la caja del que hablaba Wittgenstein, son una forma íntima intraducible a un lenguaje común, son un dispositivo hermenéutico para repensar lo universal en el lenguaje.

Aun así, sin atentar contra el carácter universal de los temas que abordan, las partituras se sitúan en un espacio y un tiempo precisos: Se trata de dispositivos de un inocultable origen porteño, mecanismos ensamblados con acribia en un taller del sur MiráBA

de Buenos Aires; sur que, como decía Borges, es el centro secreto de esa ciudad.

Hay en esa ubicación geográfica y en el hecho de que se las nota antiguas un gesto al que es importante atender: Sólo desde esa no-centralidad, desde esa atenta mirada desde la periferia, es posible hablar de las ideas universales con tanta originalidad y lucidez.

Diego Ontivero (Buenos Aires, 1979) es artista visual, diseñador gráfico y docente en FADU, Universidad de Buenos Aires. Tras la carrera de diseño, estudió con Daniel Roldán, Cristian Turdera, Mauro Koliva, Mónica Weiss y Horacio Spinetto, en la Fundación Artes Visuales, bajo la dirección de Hermenegildo Sábat. Entre el 2008 y el 2010 participó en el taller de análisis de obra de Tulio de Sagastizábal.

Desde 2008 expone su trabajo en muestras individuales y colectivas, como Ligustrina (Casa Borges, Buenos Aires, 2023), String Music (Ubicua Gallery, Londres, 2022), Sincronías (Multiespacio Pasco, Buenos Aires, 2012), Siete líneas es igual a un punto (Centro Cultural Recoleta, 2010), La penitencia (Casa de la Cultura de Adrogué, Buenos Aires, 2009) y, desde 2017, con frecuencia en la Galería Mar Dulce. En 2020, fue finalista en la Segunda Bienal de Ilus-

tración de América Latina, exhibiendo su trabajo en la Ciudad de México.

Junto a Roque Larraquy publicaron la novela Informe sobre ectoplasma animal y próximamente publicará Bonaerencia, su propia novela. Vive y trabaja en la Ciudad de Buenos Aires.

Galería Mar Dulce se especializa en obras de pequeño y mediano formato de pin-

tura, dibujo, grabado, libros de artista y objetos, realizadas por artistas rioplatenses clásicos y contemporáneos. Junto a la exposición principal presentamos +COLECTIVA83, una curaduría de obras realizadas por otros artistas de la galería.

Galería Mar Dulce

Linda Neilson / Ral Veroni galeriamardulce@gmail.com

Uriarte 1490

C1414 DAN. CABA

Museos

Muestra “Tramas infinitas”

El Museo de La Plata presenta ilustraciones de Julia Rouaux sobre la biodiversidad sudamericana en peligro. Desde el pasado 15 de marzo en la Sala Víctor de Pol.

La exposición itinerante

“Tramas infinitas” nació con el objetivo de divulgar y revalorizar la fauna sudamericana en peligro, desde una perspectiva interdisciplinaria entre arte, ciencia y conservación.

Mirá

Las obras presentadas son ilustraciones de fauna realizadas con técnica digital en escala de grises, utilizando la trama como unidad básica de construcción de la imagen. Cada una de ellas fue elaborada imitando la téc-

nica tradicional de dibujo a mano alzada, sin recurrir en ningún caso a la Inteligencia Artificial para su creación.

En línea con el enfoque interdisciplinario, cada especie ilustrada se acompaña de in-

formación sobre su distribución geográfica, morfología y estado de conservación. De esta manera, se busca recuperar la conexión con los procesos naturales, generando empatía con los frágiles elementos que componen las redes biológicas.

“Tramas Infinitas” no es sólo una exposición, es un llamado a la acción, donde los trazos que conforman cada imagen nos invitan a tejer una historia singular y recuerdan la capacidad de forjar un destino diferente.

Julia Rouaux creció en Zárate, provincia de Buenos Aires, en un entorno donde la naturaleza y el arte se entrelazaban. Después de obtener su licenciatura en Biología en la Facultad de Ciencias Naturales y Museo,

ingresó en el mundo de la Ilustración Científica, fusionando así sus dos grandes pasiones.

En 2015 se doctoró en Ciencias Naturales y continuó su formación como ilustradora científica a través de cursos y estadías de capacitación en

México, Portugal, Brasil y Chile.

En la actualidad se dedica exclusivamente a la Ilustración Científica, desempeñándose como ilustradora y formadora en la disciplina. Su portfolio incluye ilustraciones para publicaciones

Dra. Analía Lanteri, Julia Rouaux y la artista plástica Graciela Suárez Marsal.

científicas, tesis, guías de campo, material didáctico y salas de museos.

Además, ha participado como organizadora y/o expositora en diferentes Muestras de Ilustración Científica y ha impartido numerosos cursos y talleres sobre ilustración científica y arte naturalista en Argentina, Alemania, Bolivia, Brasil, España, Perú y Uruguay.

La muestra cuenta con el auspicio de la Fundación Azara y el apoyo de la Fun-

dación Museo de La Plata “Francisco P. Moreno”. Puede visitarse de miércoles a domingo de 10 a 18 horas hasta agosto de 2024.

Más información:

www.juliarouaux.com

https://www.instagram.com/ julia_rouaux/

Museo de Arte Popular José Hernández

Artesanas originarias

Retratos de tres comunidades: pilagá, mocoví y selk’nam.

Con sus fotografías, Diego Chiari recorre las comunidades pilagá, mocoví y selk’nam. La exposición cuenta, además, con piezas del Museo y un ciclo de podcast documentales.

El Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires presenta la exposición “Artesanas originarias. Retratos de tres comunidades: pilagá, mocoví y selk’nam”, convocada por el Museo de Arte Popular José Hernández. La inauguración de la muestra fue en la sede de la institución (Av. del Libertador 2373) el pasado miércoles 27 de marzo a las 18 h.

El fotógrafo Diego Chiari da a conocer en esta muestra, y a través de sus retratos, a las artesanas de las comunidades originarias pilagá en Formosa, moqoit en Chaco y selk’nam en Tierra del Fuego, junto a su gente, los entornos, las realidades y los paisajes naturales.

La exhibición está acompañada por piezas de la colección del Museo y podcast documentales acerca de estos pueblos originarios. Las piezas so-

noras se realizaron en 2023 como parte de un proyecto institucional de dicho espa-

cio, puerta abierta a las artesanías y artesanos del país.

Chiari ha recorrido Argentina desde la Patagonia hasta la puna, desde los Andes hasta el litoral. En la actualidad lleva adelante el Proyecto Colores Originarios junto a la artista plástica Carolina Ortiz Maldonado, brindando talleres de arte para niños de comunidades autóctonas, y el colectivo de fotógrafos Diez en Foco.

“Entre palabras y artesanías, en las voces de las comunidades indígenas” es un ciclo de podcast documentales, disponible gratis en Spotify, en el que los propios integrantes de las comunidades indígenas narran sus historias. Los podcast se elaboraron durante 2023 a partir de viajes que realizó el Museo de Arte Popular a tres comunidades ligadas a la artesanía: pilagá (Formosa), que trabajan en fibra de carandillo, mocoví (Chaco), que se dedican a la alfarería, y selk’nam (Tierra del Fuego), idóneos en cestería de juncos.

La exposición será acompañada por una programación de actividades públicas y gratuitas especiales. Habrá visitas guiadas todos los miércoles a las 12:30 h, mientras que el 19 de abril se realizarán actividades en conmemoración del Día del Aborigen Americano, con un recorrido especial a cargo del fotógrafo Diego Chiari. La muestra, que permanecerá hasta el 13 de mayo, cuenta con el apoyo de Mecenazgo

BA y del Taller Animal.

Entrada al Museo:

Público General, $500. Extranjeros no residentes, $2.000. Miércoles gratis. Jubilados, estudiantes universitarios presentando acreditación, personas con discapacidad más un acompañante, menores de 12 años

y grupos de estudiantes de colegios públicos, sin cargo.

Museo de Arte Popular José Hernández

Av. del Libertador 2373

De miércoles a viernes de 11 a 19 h Sábados y domingos de 11 a 20 h

Lunes de 11 a 19 h Martes cerrado.

En el corazón de Buenos Aires, en el barrio de Montserrat

Sitio Arqueológico La Cisterna

Uno de los más grandes descubrimientos arqueológicos de los últimos tiempos en Latinoamérica ofrece nuevos horarios a partir del 6 de marzo. El Sitio Arqueológico La Cisterna, en Moreno 550, en el casco histórico porteño, permite comprender la complejidad urbana y la riqueza histórica de la ciudad a través de cuatro siglos.

El descubrimiento de esta estructura dio lugar a veintiuna excavaciones arqueológicas que motivaron la creación de un nuevo espacio expositivo

por parte de la Dirección General de Patrimonio, Museos y Casco Histórico del Ministerio de Cultura en 2023. Y La Cisterna es la pieza fundamental. Por sus dimensiones es una de las más grandes de la región.

El recorrido museológico del Sitio Arqueológico La Cisterna propone un acercamiento a las sucesivas ocupaciones funcionales del lugar, que en los tiempos de Juan Manuel de Rosas funcionó como Casa de Gobierno de la Confederación

Argentina. Del conjunto de elementos recuperados se expone una selección de los más de 15.000 restos arqueológicos y paleontológicos, entre vajillas, frascos, juguetes, restos de alimentos, etc.

A la muestra permanente acompañan dos muestras temporales. En estos primeros meses, la misma rinde homenaje al Dr. Mario Jorge Silveira, pionero de la arqueología urbana y zooarqueología, y de larga trayectoria pública en la cultura y la educación. La segunda muestra MiráBA 66

temporal visibiliza el ambiente y la fauna que habitó la ciudad hace 10.000 años.

Horarios de apertura marzo:

Miércoles, jueves y viernes de 13 a 18 h. Feriados cerrado.

Visitas guiadas para escuelas: Las visitas para instituciones educativas están destinadas a todos los niveles. Para reservar comunicarse al mail: actividadespatrimonio@gmail.co m

Visitas guiadas:

Miércoles, jueves y viernes 16 h, sin inscripción previa. Con capacidad limitada. El recorrido tiene una duración aproximada de 40 minutos.

Todas las actividades son gratuitas.

Sitio Arqueológico La Cisterna. Moreno 550

CNB EXHIBICIÓN RECARTOGRAFIAR EL MUNDO

Obras de Fernanda Rege

La Casa Nacional del Bicentenario inaugura Recartografiar el mundo, una exposición de obras de Fernanda Rege. Más de veinte trabajos realizados a partir de costuras de filtros de té, pigmentos, pinturas y bordado a mano alzada.

Inaugura: jueves 11 Abril Hasta el 2 junio (De miércoles a domingos de 15 a 20 h) Riobamba 985. Gratis

Un recorrido por una producción artística que se apoya en motivos como el mapa, lo cotidiano, lo natural, lo desechable, el artificio, lo duradero, la mirada, la fragilidad, el movimiento, el horizonte. Una idea espacial del tiempo como una piel que recubre, que envejece, que recoge momentos, que acumula huellas. Que provoca mareas. De la naturaleza como un paño. Y de

los colores como un reflejo y un potencial.

La exposición se podrá visitar en la planta baja y el tercer piso de la Casa, hasta el domingo 2 de junio.

Sobre la muestra

Las preguntas acerca del tiempo y el espacio atraviesan todas las obras que componen esta exposición. Lo MiráBA 68

temporal puede ser como un río y a la vez como una colección de fragmentos. Una piel que recubre, que envejece, que recoge momentos. Y el espacio como una evocación permanente a lo colectivo.

Un registro de la vulnerabilidad, de la finitud; pero también de la permanencia y de las mutaciones. De aquello que se esconde en su individualidad y que brilla en el conjunto.

El desplazamiento como representaciones contemporáneas de la desintegración y el re-emplazamiento como la reintegración de las culturas y las sociedades, de la formación de otros lazos, de nuevas identidades.

En esta serie de obras, Fernanda Rege se propone algo más que reformular la imagen de los territorios. Su objetivo es “re-establecer la imagen mental del mundo”, incluyendo o excluyendo elementos que permitan volver a nombrarlo. Presentar nuevos mapeos es ofrecer nuevas palabras, porque un mapa no es otra cosa más que una manifestación arbitraria de una mirada sobre un territorio.

El objetivo de esta recartografía es, entonces, aportar una nueva mirada acerca de aquellas cosas que están a la vista y se ven sin pensar, a través de la opacidad del cotidiano.

“¿Para qué sirve un mapa si no es para representar un espacio, un mundo posible al alcance? ¿Quién determina las direcciones, las distancias y las dimensiones?”, se pregunta la artista. La respuesta que se desprende de este conjunto de obras es que estas representaciones pueden ser ese espacio, ese mundo, no sólo su encarnación. Que las direcciones, distancias y dimensiones son tan subjetivas como esa mirada mental del mundo que queda plasmada en la intensidad de los colores, en el orden de los objetos, en la fragilidad de los hilos que los unen. En la historia detrás de cada material utilizado. En el tiempo y el espacio que confluyen, una y otra vez, en cada cartografía.

Sobre la artista

Fernanda Rege nació en 1973 en Buenos Aires (Argentina), donde vive y produce obra visual. En sus prácticas artísticas aborda imágenes que condensan silencios y vacíos, multitudes que se mueven sin destino, y mapas imposibles que tensan el origen de la propia cartografía occidental y moderna. En el devenir de experimentación con materiales, produce sentido a través de metáforas visuales que dan cuenta de la vulnerabilidad y la fragilidad de los seres que habitan el mundo.

Se fue formando como artista dentro de talleres y clínicas

de arte coordinadas por artistas e investigadores. Cursó la Maestría en Curaduría de Artes Visuales en la Universidad Nacional Tres de Febrero (UNTREF). Desde 2005 participa en exposiciones individuales y colectivas. Fue seleccionada en el 8vo Salón del Libro de Artista del Museo Fueguino de Arte (2021), por el Museo Provincia de Artes de La Pampa con la exposición Recartografiar el mundo (2022), que también fue exhibida en la Sala Municipal Lidaura Chapitel, de San Martín de los Andes (2022). Obtuvo una mención con la obra ‘Desaguadero’ en el XVII Salón de Artes Visuales de Junín (2022). Fue seleccionada para el 27° Salón de Arte Textil del Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori y para el Salón Textil 3D 2022 del Centro Argentino de Arte Textil. Fue seleccionada para el 2° Premio Nacional de Artes Visuales del Chaco, Museo de Bellas Artes “Rene Brusau”, con mención honorífica por la obra ‘Crear un territorio’ (2023). En 2024 expuso Recartografiar el mundo en la Sala de Arte “Emilio Saraco”, Ciudad de Neuquén.

Producción, curaduría y textos: equipo CNB.

+ Info en

https://casadelbicentenario.cultura.gob.ar/

Facebook: /CNBLaCasa

Twitter: @Cnb LaCasa

IG: @Cnb LaCasa

Cartelera

Teatro Musical / estreno 2024

Gómez-Brothers

Vaudeville en tiempos de guerra

Protagonizado por Nicolás Armengol y Diego Bros, el espectáculo dirigido por Emiliano Samar cuenta con músicos en vivo. Describe la incertidumbre vivida por dos artistas frente en un momento bisagra del mundo y del esplendor de los medios de comunicación.

FUNCIONES:

Sábados, 22:30 h

TEATRO EL EXTRANJERO Valentín Gómez 3378 Entradas: $7000 general/ $6000 para estudiantes y jubilados (presentando acreditación en boletería) / $10000 (Valor de colaboración).

También el Alternativa Teatral

Corren los ̈alarmantes años 40 ́, en el momento en que Norteamérica confirma su participación en la segunda guerra mundial. José quiere sostener su legado familiar en el vaudeville ya acabado, realizando actuaciones en lugares decadentes como su propia vida... Juan, el menor,

ya consciente de la situación desea un cambio drástico que logra con las tropas aliadas. Celos, envidia, manipulación, aceptación, perdón y amor son puntos claves en esta relación.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Intérpretes:

Nicolás Armengol, Diego Bros Diseño de vestuario: Héctor Ferreyra

Diseño de escenografía: Martín Manrique

Música En Vivo:

Nahuel Facundo Armentia, Mariano Frumento, Federico Perez, Augusto Rosario, Fefo Velasco

Diseño de Iluminación:

Malena Miramontes Boim

Fotografía:

Alejandra Viviana Aranda

Prensa:

Paula Simkin

Asistencia de dirección: Andy Monet

Arreglos musicales:

Mariano Frumento

Dirección musical:

Mariano Frumento

LAPLATA C.A.B.A.

Dramaturgia: Diego Bros

Dirección: Emiliano Samar Palabras del director, Emiliano Samar

“La pieza describe la incertidumbre vivida frente a los cambios que se imponen en el devenir de la historia. Lo incierto del contexto y del propio relato. En este caso representada por el vínculo de dos hermanos, la tensión entre la repetición de los mandatos y la búsqueda de horizontes propios se enmarca en un vaudeville devaluado ante el avance de la televisión y de la radio, de las crisis económicas y la víspera de la guerra.

Sostener una ficción cargada de pasos de baile y canciones pareciera ser la última carta de un truco de magia que deja entrever el artificio. Con una puesta despojada el espacio escénico es tarácompuesto por un carro de carga y valijas apiladas en él. Con el devenir de la acción las valijas irán ocupando diferentes lugares, definiendo ámbitos mientras despliegan su contenido: vestuarios, objetos, accesorios e incluso luces saldrán de las maletas acompañando y dando sentido a la historia. En una zona liminal, un ensamble de jazz acompañarálos momentos musicales del vodevil pero también seráel paisaje sonoro de trastiendas y estaciones de tren. Llegaráentonces, luego del viaje, el momento de elegir si el show debe continuar.”

Prensa:

Paula Simkin

paulasimkin@gmail.com

TEATRO EMPIRE presenta

GALERÍA

de Carlos Mathus.

RESUMEN DE LA OBRA:

La palabra día lleva implícita la palabra noche, cuando decimos que somos “débiles” estamos di-

ciendo, en realidad, que no usamos nuestra fortaleza. Y cuando contamos quienes somos, no hacemos más que mostrar todo lo que no somos. Ocho perso-

LAPLATA C.A.B.A.

nas contando quiénes son, dejando entrever todo lo que no son, todo lo que no se han atrevido a ser.

La palabra día lleva implícita la palabra noche, cuando decimos que somos “débiles” estamos diciendo, en realidad, que no usamos nuestra fortaleza. Y cuando contamos quienes somos, no hacemos más que mostrar todo lo que no somos. Ocho personas contando quienes son, dejando entrever todo lo que no son, todo lo que no se han atrevido a ser.

8 personajes, 8 escenas de 8 minutos cada uno, un prólogo y un epílogo.

FUNCIONES:

Sábados a las 20.30 horas

Teatro Empire

Hipólito Yrigoyen 1934

Entradas desde $8.000

En venta por Alternativa Teatral

FICHA TÉCNICA

Autor:

Carlos Mathus

Dirección:

Antonio Leiva

Adaptación:

Ana María Rozzi De Bergel

Actúan: Marcos López, Elisa Calvo, Sofía Gelpi, Cristian Frenczel, Candela Baez, Omar Ponti, Yamila Gallione, Javier Salas

Camarógrafo:

Nahuel Sanchez Painequir

Voz en off:

Arnaldo Corombaroli

Realización de vestuario:

Mirta Palacio

Operación de luces:

Pablo Barbetta

Técnico:

Miguel Ángel Segovia

Diseño de luces:

Antonio Leiva y Stefany Briones Leyton

Fotos: Nacho Lunadei

Comunicación y prensa: Mutuverría PR

Asistencia de dirección:

Cristian Emmanuel Frenczel

Producción ejecutiva:

Cristian Emmanuel Frenczel

Dirección general y puesta en

escena:

Antonio Leiva

Duración: 70 minutos

PRENSA. Mutuverria info@mutuverria.com

MARIA JOSEFA

“UN GRITO DE LIBERTAD”

de Natalia Arce y Mario Moscoso

La Escena Móvil. En las puertas de la Basílica Nuestra Señora del Rosario de la Defensa y Reconquista de Buenos Aires, María Josefa Ezcurra, confronta con su pasado y con el silencio de un presente que ha callado su historia. Son sus fantasmas del pasado que la invaden. Entre sus recuerdos se alza la figura del General Belgrano, que yace en un catre de campaña. El espacio escénico será por momentos sepulcro de Belgrano, campo de Batalla en la Gesta del Norte.

Esta es la historia de un amor que desbordó todas las convenciones de su época y que, a pesar de estar signado por la adversidad, tuvo sus frutos. María Josefa Ezcurra y Manuel Belgrano compartieron la pasión en un tiempo de desencuentros, y un amor desesperado en un clima de conspiración y de traiciones. Ella, hermana de Encarnación la futura esposa de Juan Manuel de Rosas, había sido cedida en matrimonio a un primo hermano, Juan Esteban Ezcurra, quien la abandonó para buscar ventura en España. Belgrano, que ya bordeaba los cuarenta años, había encontrado en ella la juventud, la frescura y el sosiego que su trajín de servidor de la Patria le negaba.

Esta es también la historia que albergó muchas voces y algunos misterios. Por las intrigas palaciegas que, generalmente en torno a Rosas, tuvieron lugar entre sus paredes, llegó a decirse que era

una casa de gobierno paralela. María Josefa y Manuel tuvieron el mismo sueño, quisieron la misma tierra. Vivieron un romance intenso, entre alegres tertulias y furtivos encuentros a la hora de la

siesta. María Josefa selló su destino cuando decidió, desoyendo todos los mandatos sociales, acompañar a Belgrano en su campana al Norte al mando del Ejército Auxiliar. A poco de regresar nació el hijo de su amado Manuel. Para evitar el escándalo de la pacata Santa María de los Buenos Aires, Rosas decidió que él y su esposa criarían al niño como propio.

María Josefa lucha durante toda la obra para saber dónde están sus gritos de libertad, su lucha, su memoria. La importancia de María Josefa Ezcurra reside en aquello que representa. Por un lado su vida, valiente, resistiendo las prohibiciones, el silencio, un amor prohibido y la guerra. Por el otro, la participación de las mujeres que también existieron en la historia fundacional de nuestro país.

FICHA ARTÍSTICO TÉCNICA

Actúan: María Josefa Ezcurra: Natalia Arce

Manuel Belgrano: Mario Moscoso

Escenografía: La Escena Libre

Vestuario: Claudia Rotman

Música: Fernando Giusiano

/Fotos: Gianni Mestichelli

Asistencia de Dirección: Elías Oscar Jali

Producción General: Compañía

La Escena Libre

Dramaturgia: Natalia Arce y Mario Moscoso

Dirección y Puesta en Escena: Mario Moscoso

Este espectáculo cuenta con el auspicio del Museo Sarmiento.

FUNCIONES:

Domingos a las 17 hs (marzoabril - mayo)

Teatro: La Máscara

Dirección: Piedras 736, CABA

Informes y reservas: laescenalibre@gmail.com

Entradas: $5000.-

Duración: 60 minutos

https://laescenalibre.wixsite.com/t eatro

Entradas a través de ALTERNATIVA

TEATRAL

Descripción del proyecto

El teatro: “histórico - realista - social y político” es así como defino a este teatro que es un un pretexto para reflexionar sobre nuestra historia, para bajar a nuestro próceres de sus pedestales de bronce y para acercarnos a ellos, desde un punto de vista más humano.

Un año de investigación histórica nos ha llevado a la materialización de este espectáculo. La dramaturgia está basada sobre escritos, libros, cartas y declaraciones reales de María Josefa Ezcurra, Manuela Rosas, Encarnación Ezcurra, Camila O’ Gorman, Juan Manuel de Rosas y Manuel Belgrano.

El teatro como “espejo del tiempo” nos hace no obviar nada: penetrar en lo más profundo de las pasiones humanas, el amor, la traición, la locura, los sueños, el conocimiento, la ambición, la desesperación.

Esta obra puede ayudarnos, como sólo el arte puede hacerlo, a entender nuestra época, dura,

contradictoria y en plena transformación, muy parecida a la de las mujeres y hombres que forjaron nuestra patria”.

Mario Moscoso

Destacado actor y director profesional argentino/español.

Ha trabajado en más de 90 FICCIONES para la TV nacional e internacional algunas de ellas PREMIADAS con el PREMIO EMMY INTERNACIONAL y el PREMIO MARTIN FIERRO. Entre las cuales se encuentran: “Buenos Chicos”, “Atav 1 y 2”, “División Palermo”, “El Tigre Verón”, “Monzón La Serie”, “La Fragilidad de los Cuerpos”, “Un Gallo para Esculapio”, “Amar Después de Amar”, “La Leona”, “Educando a Nina”, “Farsantes”, “Trátame Bien”, “Para Vestir Santos”, “Vecinos en Guerra”, “Violetta”, “Camino al Amor”, “Señores Papis”. En mas de 10 FILMS: “El Fútbol o Yo”, “8 Tiros”, “Rouge Amargo”, “Romper el Huevo”, “El Día Fuera de Tiempo”, “El Niño de Barro” junto a la actriz Maribel Verdu, “Un Novio para mi Mujer”y en más de 20 OBRAS DE TEATRO entre las cuales se encuentran: “Otelo de William Shakespeare Dir. Nicolàs Prado Comedia de la Prov. De Bs. As.”, “Sarmiento y su Sombra Dir. Mario Moscoso Ministerio Cult. De la Nación”, “Shakespeare Conspirador sobre textos de William Shakespeare Festival Shakespeare Bs. As.”, Ricardo III de William Shakespeare Dir. Mario Moscoso”, “La Revolución es un Sueño Eterno”, Dirección Raúl Serrano, “El Rey Candol” de André Gide, Dirección Daniel Ruiz (Teatro Municipal

Gral. San Martín). “El Guapo y La Gorda” de Serralunga Dirección Alfredo Allende, “La Madre” de Bertolt Brecht / Máximo Gorki Dirección Raúl Serrano, “El Solitario de la Provincia Flotante de y Dirección de Raúl Serrano, “Sacco y Vanzetti” de Mauricio Kartún, “Dido la Reina de Cartago” de Christopher Marlowe, “Sarmiento y su Sombra” sobre textos de Domingo Faustino Sarmiento, “Shakespeare Conspirador” sobre texto de William Shakespeare y del mismo autor “Othelo” en La Comedia de la Provincia de Buenos Aires.

Es el único artista argentino Miembro del AMERICAN ZOETROPE STUDIO cuyo Director es FRANCIS FORD COPPOLA en la corrección de guiones de artistas noveles para el cine norteamericano.

La máscara, el entremés, la investigación teatral y el teatro en verso me han llevado a participar especialmente del XI Congreso Internacional del Teatro Español en el Siglo de Oro en el TEATRO NACIONAL CERVANTES.

En el año 2007 representó a la Argentina en la semana de “Autores en las sombras” realizado en Marsella - Francia.

En el año 1996 junto al Maestro de Actores Raúl Serrano fundan la compañía “La Escena Libre”. En su trayectoria construyó dos teatros: “El conventillo de la fulana” en los años ‘80 y ‘90 y posteriormente fundador del “Teatro del Arte Facto” junto al maestro Raúl Serrano.

En el año 2017 llevó de gira a Europa el unipersonal “El Canto del Ladrón de Poemas y otros Tex-

tos” realizando funciones en Madrid, Barcelona, Roma y París.

http://moscosomario.wixsite.com/ actor

https://es.wikipedia.org/wiki/Mario _Moscoso

Natalia Arce - María Josefa Ezcurra -

Destacada actriz argentina. Ha realizado su formación artística con Raúl Serrano, Pompeyo Audivert y Mario Moscoso. Incursionó tanto en la Técnica de las Acciones Físicas de Konstantin Stanislavski como la Técnica del Arte del Movimiento desarrollada por Jacques Lecoq. Realizó seminarios sobre William Shakespeare, El Grotesco Criollo, La Comedia dell’ arte y Lee Strasberg. Junto a Mario Moscoso integra la COMPAÑÍA TEATRAL

“LA ESCENA LIBRE” dedicada al teatro Histórico-Social- PolíticoEntre sus trabajos se destacan “Babilonia de Armando Discépolo”, “Bodas de Sangre de Federico García Lorca”, “Todas somos

Federico sobre textos de Federico García Lorca”, “Sarmiento y su Sombra Ministerio de Cult. De la Nación”, “El Gigante Amapolas de Juan Bautista Alberdi”, “La Isla Desierta de Roberto Art”, “Gris de Ausencia de Roberto Cossa”, “Una Libra de Carne de Agustín Cuzzani”, “Yerma de Federico García Lorca”, “Las Tres Hermanas de Antón Chejov”. Junto a Mario Moscoso han dictado cursos de Formación Actoral sobre Shakespeare, Federico García Lorca y de Actuación ante Cámara para TV y Cine.

Encontrá y seguí a María Josefa

“Un Grito de Libertad” en las redes sociales

Instagram: @mariajosefa.teatro

https://www.facebook.com/mariajosefabelgrano

MARIO MOSCOSO

Director Compañía La Escena Libre Teatro

+54 911 5956 5022

laescenalibre@gmail.com

https://laescenalibre.wixsite.com/ teatro

NUEVO ESTRENO TEATRO PICADERO

de David Eldridg

El pasado viernes 29 de marzo de 2024 se estrenó la obra “COMIENZO” del dramaturgo británico David Eldridge, protagonizada por Vanesa González y Gastón Cocchiarale, en el Teatro Picadero (Pje Enrique Santos Discépolo 1857- CABA), bajo la dirección de Daniel Veronese y producción de Sebastián Blutrach.

“Comienzo” se presentará los días sábados a las 22 hs y domingo a las 18 h.

SÍNTESIS

“Tengo 38 años y he sido sensible toda mi vida, Danny”, dice Laura. Esta noche, sin embargo, podría ser diferente. La nueva obra de David Eldridge es una meditación irónica, divertida y conmovedora sobre la soledad, esa vergüenza privada de no estar en pareja en la era de Tinder y de alardear fraudulentamente en las redes sociales. Escrita con profundidad, humor, compasión y un agudo sentido del ridículo, la pieza se desarrolla inmediatamente después de la fiesta de inauguración del departamento de Laura.

La obra Beginning (Comienzo) de David Eldridge se representó por primera vez en el National Theatre de Londres, en el auditorio Dorfman, en octubre de 2017. Es la primera de una trilogía de obras que exploran el amor y las relaciones.

David Eldridge (nacido el 20 de septiembre de 1973) es un dramaturgo y guionista británico, nacido en Romford, Gran Londres, Reino Unido.

Descrito como “un poeta del desbordamiento del East End” por The Observer, David Eldridge es ampliamente considerado como una de las voces dramaturgas más prominentes de su generación, cuyas producciones se han estrenado en todo el Reino Unido en lugares como The National, The Royal Court, The Royal Exchange y El Donmar.

FUNCIONES

Entradas a la venta en boletería del teatro o por plateanet.com Sábado 22 hs / Domingo 18 hs www.plateanet.com o boletería del teatro

COMIENZO

Autor: David Eldridge

Director: Daniel Veronese Elenco

Vanesa González

Gastón Cocchiarale

Diseño de escenografía: Rodrigo González Garillo

Diseño de vestuario: Daniela Dearti

Fotos: Nacho Lunadei

Diseño Gráfico: Martín Garricho

Iluminación: Marcelo Cuervo

Prensa: SMW

Comunicación en redes: Bushi Contenidos

Producción Ejecutiva: Luciano Greco y Bárbara Rapoport

Asistente de dirección: Adriana Roffi

Producción General: Sebastián Blutrach

DIJO LA PRENSA:

“Una meditación irónica, divertida y conmovedora sobre la soledad,

esa vergüenza privada del soltero en la era de las aplicaciones de citas y de la jactancia fraudulenta en las redes sociales... escrita con una profundidad real de perspicacia, humor, compasión y un agudo sentido del ridículo. ...” The Independent

Eldridge combina una sensibilidad enormemente comprensiva con un poder dramático poco común, y uno sale de esta obra excepcional regocijándose por su talento e impaciente por la siguiente” The Telegraph

Lo que Eldridge capta la forma en que las emociones y los deseos de las personas rara vez están en perfecta sincronización… The Guardian

“…irónica y conmovedora sobre la vergüenza de la soledad, escrita con verdadera compasión y un agudo sentido del absurdo.”

The Theatre Times

“…bellamente escrito, lleno de corazón, humor y pequeñas debilidades humanas, y Eldridge se preocupa profundamente por sus personajes. Está muy en sintonía con las ansiedades específicas de la edad, el género y, particularmente, la clase social…” Variety

“Una obra íntima y bellamente cómica sobre arriesgarlo todo y llevar el corazón en la manga.” The Royal Exchange

Raúl Casalotti

SMW - asesores de prensa raulcasalotti@smwpress.com

FB: smwpress

TW / IN : @smwpress

“MONGO Y EL ANGEL”

De Héctor Oliboni - Dirección: Marcelo Velázquez

¿Qué soñará el indescifrable futuro? Soñará que podremos hacer milagros y que no los haremos, porque será más real imaginarlos.

Jorge Luis Borges - Los conjurados.

Tres personajes marginales y entrañables, Mongo, Pino y Liliana, construyen un necesario encuentro desde sus soledades más profundas. Sus vidas transcurren a la intemperie, entre los despojos, mendigando comida y afecto. En las cercanías de un teatro cerrado, estos seres invisibilizados y sin voz existen en el desamparo y en la hostilidad de la calle. Están ahí -multiplicándose día tras día en este presente- y nos devuelven, como un espejo, la imagen de lo que no querríamos nunca llegar a ser. Mongo y el Ángel, nos sumerge, también, en un mundo de creencias que posibilita la aparición de lo mágico-

maravilloso en el que los personajes esperan que algo mejor suceda: un milagro. En tiempos oscuros, lo angelical atraviesa la obra -y nuestras vidas humanascomo la esperanza de lo que está por venir.

FUNCIONES:

Todos los viernes a las 20 hs hasta el 31 de mayo en Teatro del Pueblo. Sala Teatro Abierto

Lavalle 3636, Almagro, CABA. Localidades por Alternativa Teatral o en boletería del teatro. www.alternativateatral.com

Entrada general: $ 7.000.- (Descuento para estudiantes, jubilados y vecinos del barrio de Almagro).

Duración 60 minutos

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA:

Dramaturgia: Héctor Oliboni Elenco (por orden alfabético)

Mongo: Bautista Duarte

Liliana: Silvina Katz

Pino: Martín Urbaneja

Diseño y realización de escenografía:

Ariel Vaccaro

Diseño de iluminación:

Alejandro Le Roux

Diseño de vestuario y caracterización:

Paula Molina

Música original y ambientación

sonora:

Fernando Laub

Fotografía:

Lucas Suryano

Diseño:

Ana Willimburgh

Prensa y comunicación:

Kasspress

Redes: Carolina

Krivoruk

Producción ejecutiva:

Cristina Sisca

Asistencia de dirección:

Lucas Suryano

Dirección:

Marcelo Velázquez

Agradecimientos: Comisión Directiva Fundación SOMI – Teatro del Pueblo y a todo su personal. Hernán Costa. Mateo García (@matsmagic).

LAPLATA C.A.B.A.

BAUTISTA DUARTE (Mongo)

URBANEJA (Pino)

Prensa y comunicación:

Kasspress

Laura Mathieu

kassyarte.producciones@gmail. com

SILVINA KATZ (Liliana)

MARTIN

Reestreno sábado 13 de abril 20.30hs

LOS INVISIBLES

Comedia satírica sobre espiritismo

Los Invisibles,un retrato de la Argentina que nos divierte y nos cuestiona al mismo tiempo. La obra de Gregorio De Laferrere, de la directora Eleonora Maris-

tany, vuelve a tomar forma en una muestra que potencia su vigencia para devolvernos una cara de nuestra sociedad que, un siglo más tarde, vuelve a caer en los mismos miedos y desencuentros.

Autor:

Gregorio De Laferrere

Dirección:

Eleonora Maristany

Elenco:

Rubén Ramirez, Laura Dantonio, Laura Wich, Anabella Valencia, Miranda Bruckner, Charlie Lombardi, Mauro Pelle, Miguel Vallcaneras, Juan López, Alejandra López Molina, Lucas Ghiglione y Atilio Farina

FUNCIONES

Sábados 20:30 hs.

Teatro el Popular

Chile 2080, Balvanera, CABA Entradas: $5000 – Jubilados y estudiantes $3000 – Pase vecino $2500 alternativateatral.com

En Los Invisibles, Laferrere aborda con lúcido sarcasmo la práctica del espiritismo. Se vale para ello de un drama familiar en donde todos sus integrantes se someten con docilidad al padre de familia, quien resulta ser el legítimo intermediario con los espíritus que vagan por esta vida.

LAPLATA C.A.B.A.

Esa ceguera colectiva trae aparejada la ruina económica de la familia y la definitiva pérdida de la cordura. La sinrazón se apodera sin piedad de todos los personajes, y los hechos de carácter fantástico se suceden sin continencia alguna. Ramón, el padre de familia, intenta frustrar el casamiento de su hija al afirmar que él mismo, en otra vida, asesinó al ilusionado novio. El hijo mayor intenta suministrar la cordura que perdió la familia al enfrentar duramente a sus padres, pero ningún argumento resulta válido para tal fin. La sugestión y las falsas creencias ya captaron las emociones de los personajes y las acciones consecuentes llevan a todos a la locura y a la irracionalidad.

EL GRAN REGRESO DE NANCY DUPLÁA AL TEATRO

EXIT

En una comedia desopilante con dirección de Corina Fiorillo

El miércoles 10 de abril llega Exit al Multiteatro Comafi, la comedia

más divertida con el regreso tan esperado a las tablas de Nancy Dupláa, junto al reconocido actor Juan Pablo Geretto, y la multifacética y desopilante, Fernanda Metilli. La comedia cuenta con la dirección de la prestigiosa Corina Fiorillo y la producción general de Tomás Rottemberg.

Exit teje una trama hilarante, donde el humor se convierte en el protagonista. Este trío actoral excepcional no solo hará reír, sino que también invitará a reflexionar sobre situaciones cotidianas que todos vivimos alguna vez.

Una combinación perfecta de taMirá

LAPLATA C.A.B.A.

lento actoral, ingenio y una puesta en escena que convierte a los objetos y al espacio en cómplices de esta explosión de humor.

SINOPSIS

En su primer día de trabajo como directora de Recursos Humanos, Lidia (Nancy Dupláa) enfrenta un enorme desafío, del que depende su futuro profesional. Manu (Juan Pablo Geretto) y Maite (Fernanda Metilli) son dos empleados de la compañía que llegan dispuestos a ayudarla… o a complicarle las cosas. Bajo la dirección de Corina Fiorillo, Exit es una comedia disparatada para reír durante 80 minutos sin parar.

Ficha Técnica

Autor:

Agustí Franch

Elenco:

Nancy Dupláa, Juan Pablo Geretto, Fernanda Metilli

Dirección y adaptación:

Corina Fiorillo

Asistente de dirección:

Montserrat Godia

Diseño de escenografía:

Lula Rojo

Diseño de vestuario:

Romina Giangreco

Diseño de iluminación:

Ricardo Sica

Diseño gráfico:

Nico Rejlis

Fotografía:

Emanuel Combin

Comunicación:

Pablo Scioscia

Prensa:

Soy Prensa

Producción ejecutiva:

Rocío Gómez Cantero

Producción general:

Tomas Rottemberg y ALT Teatro

Estreno: 10 de abril 2024

Género: Comedia FUNCIONES

Miércoles a viernes 20.30 h

Sábado 20 hs y 22 hs

Domingos 20 h

Multiteatro Comafi

Entradas a la venta por PLATEANET

@exitlaobra

SOY PRENSA

soy.prensaa@gmail.com

ESTRENAN NAZARENA Y GLADYS EN CALLE CORRIENTES

Después del éxito en Villa Carlos Paz , las reconocidas y talentosas actrices Nazarena Vélez y Gladys Florimonte (ganadora del Premio Carlos Mejor Actriz de Comedia 2024), desembarcan en Calle Corrientes con la exitosa comedia de Ramón Paso que hará reír, emocionar y reflexionar a todo el público. Gladys y Nazarena se sacan

chispas en el escenario y aportan lo mejor de cada una para hacer brillar a la otra y lograr excelentes actuaciones.

Juntas cuentan la historia de dos hermanas que se reencuentran luego de muchos años y con escenas reales y emocionantes revelan sentimientos fuertes en donde más de uno se sentirá identificado.

Tras un exitoso verano en las sierras cordobesas, Nazarena y Gladys llegan a Buenos Aires por 8 únicas semanas!

ESTRENO viernes 29 de MARZO 21h

FUNCIONES EN CAPITAL VIERNES y SÁBADO 21h

TEATRO PICADILLY (Avenida Corrientes 1524) ENTRADAS en PLATEANET

¡GIRA LOS DOMINGOS!

SINOPSIS:

La historia narra el reencuentro de dos hermanas que se vuelven a ver las caras después de 20 años en un duelo divertido y desopilante, donde tendrán que superar su pasado para poder tener un futuro, dando lugar a una disparatada tragicomedia que muestra el trasfondo social de las complejas relaciones familiares. Todos estamos a un paso de la locura. La familia sirve para los bue-

nos momentos, para los regulares, para los malos, y para hacer todo aquello que nunca le harías a un desconocido, por miedo a las consecuencias”. Esta lacónica sentencia es la que sostiene la filosofía de “Dos Locas de remate”.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Autor: Ramón Paso

Adaptación y dirección general: Manuel González Gil

Elenco:

Nazarena Vélez / Gladys Florimonte

Música Original:

Martín Bianchedi

Diseño de iluminación:

Manuel González Gil / Hernando Teijeiro

Adaptación escenográfica: Héctor Pata Esquivel

Asistente de dirección:

Valeria Elhalem

Diseño gráfico:

Lucila Gejtman

Fotografía:

Gabriel Machado

Prensa:

Agencia AB - Alejandra Benevento

Producción ejecutiva: Claudio Cabré

Producción General:

Juan Manuel Caballé / Joséy Ricardo Gallo Productores

Asociados: José Luis Letona / Carlos Bessone

Ale Benevento

Agencia AB prensa prensa@alebenevento.com

@agenciaAB

REESTRENO 2024 - SEGUNDA TEMPORADA

Con 19 funciones a sala llena en el 2023 “Con las manos atadas” una comedia dramática de Claudia Piñeiro dirigida por Sara Mon, Abre el 1 er viernes de abril su segunda temporada en La Plata.

FUNCIONES:

Todos los viernes de abril a las 20.30 h.

En Teatro Espacio 44. Av 44 nº496 e/4y5 La Plata. Entradas por Alternativa teatral. https://www.alternativateatral.co m

Humana, sorprendente, desopilante y profunda, esta comedia dramática despliega una mirada atenta y sutil sobre las relaciones humanas.

Una historia policial, un asalto en

una escribanía, dos víctimas de un robo.

La escribana y su secretario quedan encerrados, atados espalda con espalda en el archivo de la escribanía donde ambos trabajan. En el lugar más inhóspito el caos original deviene en un planteo intimista de “dos personas solas, dos solitarios “ como los describe la autora.

La brecha social y jerárquica se desvanece, como en una especie de Saturnalia y el lugar dominante alterna de uno a otro al menos en ese momento único fuera de las reglas donde solo cuentan el uno con el otro.

Elena y Gutiérrez que han compartido el mismo espacio de tra-

bajo por horas durante años desconocen todo el uno del otro y no saben aún que impedidos de liberar sus cuerpos nadie los rescatará hasta el día siguiente.

Tampoco imaginan que ninguno de los dos será el mismo al finalizar esa larga noche.

Actúan Mariana Arrupe - Mario Mahler.

Música original y Efectos sonoros: Osvaldo Aguilar

Diseño de luces Nahuel López

Dirección Sara Mon

Contacto: Sara Mon saramon56@gmail.com

Estreno del Domingo 7 de abril 17h

CHICAS EN ACCIÓN

en Teatro El Espión

CHICAS EN ACCIÓN se despliega una trama encantadora que va más allá de las convenciones típicas del teatro dirigido a niños. Tres heroínas naciona-

les emprenden un viaje único hacia la redefinición de la heroicidad, no solo enfrentando amenazas externas, sino descubriendo que la verdadera

transformación comienza desde adentro. De manera ingeniosa, la escenografía física se transforma en un vibrante mundo virtual a través del animé, con

ilustraciones y animaciones magistralmente creadas por Lonzo Meneghelli.

FUNCIONES:

Domingos 17hs

Teatro El Espión: Sarandí 766 –CABA

Entrada a la gorra

Instagram: @chicasenaccionobra

Para todas las edades

En CHICAS EN ACCIÓN se despliega una trama encantadora que va más allá de las convenciones típicas del teatro dirigido a niños. Tres heroínas nacionales emprenden un viaje único hacia la redefinición de la heroicidad, no solo enfrentando amenazas externas, sino descubriendo que la verdadera transformación comienza desde adentro. De manera ingeniosa, la escenografía física se transforma en un vibrante mundo virtual a través del animé, con ilustraciones y animaciones magistralmente creadas por Lonzo Meneghelli.

La narrativa se entrelaza con hilos de inclusión, explorando diversas formas en las que cada individuo puede convertirse en un héroe. Un personaje desafía las convenciones de género al ser interpretado por un hombre que encarna a una mujer, resaltando la importancia de aceptar y celebrar la diversidad de identidades de género. Este enfoque se presenta de manera accesible para la audiencia, evitando ser chocante para aquellos que aún no han explorado abierta-

mente estas temáticas.

Además, la obra no se limita a las temáticas tradicionales infantiles, sino que se aventura a abordar temas más profundos y relevantes para cualquier edad. Se tocan problemáticas como el calentamiento global, la diversidad cultural, la escasez de recursos y amor para todos, así como el derecho a la cultura y a la vida. La obra, lejos de ser antiinfantil, invita a niños y niñas a sumergirse en una experiencia teatral que va más allá de las canciones y coreografías convencionales.

Este montaje desafía los valores actuales, cuestionando el individualismo predominante y promoviendo el respeto hacia la vida y hacia el otro. A través del juego, las risas y el despliegue corporal de las actrices, la obra simboliza una invitación a compartir y disfrutar mientras se exploran temáticas sociales profundas. Las protagonistas, siendo niñas argentinas, convocan a repensar y divertirse con la riqueza de la diversidad cultural y la importancia de abordar asuntos sociales

desde la infancia. Esta propuesta teatral se presenta como un viaje encantador y educativo que no solo entretiene, sino que también invita a reflexionar sobre la magia que surge de la aceptación, la diversidad y la transformación personal, siendo una experiencia enriquecedora para espectadores de todas las edades.

CHICAS EN ACCIÓN

Dramaturgia y dirección general:

Helena Nesis

Actúan:

Lola Frangi, Julieta Brea y Treve Candia

Voces en off:

Helena Nesis (Locutora) y Eduardo Meneghelli (Maleficon)

Música original:

Nicolas Chaco Pedrero

Iluminación:

Dante Bruno

Realizador escenográfico:

Osmar Rodriguez

Dibujos y animaciones:

Lorenzo Meneghelli

TEHAGOLAPRENSA

info@tehagolaprensa.com.ar

Estreno: domingo 7 de abril 16.30 h

“600 gramos de olvido”

De Daniel Dalmaroni

Claudia y Pablo son prisioneros de un futuro que les está irremediablemente negado, pero conserva toda la fuerza del deseo. Una fuerza cuya potencia juvenil, intelectual, espontánea y sexual ansía un futuro que no puede ver con claridad.

Los personajes hablan más allá de los hechos y del sueño eterno. Sin embargo, sus voces no son difusas, ya que la vida late.

“La vida late en ellos con toda la fuerza del anhelo”

Diseño de iluminación: Claudio del Bianco

Estreno: domingo 7 de abril 16.30 h

Funciones: domingos 16.30hs

Teatro del Pueblo

Lavalle 3636 - Caba

Entradas por Alternativa Teatral

Entrada general: $7000

Estudiantes y jubilados: $6000

Promoción limitada: $5000

Vecinos de Almagro: $5000Ficha artística y técnica

Autor: Daniel Dalmaroni

Actúan: Nelson Rueda y Alexia Moyano

Diseño de Escenografía y Vestuario: Alejandro Mateo

Música original y diseño sonoro: Tom CL

Producción ejecutiva: Adriana Yasky

Asistencia de dirección: Anto Ciuffo

Puesta en escena y dirección: Marcelo Moncarz

PALABRAS DEL AUTOR:

“Los personajes de “600 gramos de olvido” son prisioneros de una lógica dual, donde el futuro está irremediablemente negado, pero lo observan y conservan con toda la fuerza del deseo. Una fuerza cuya potencia juvenil, intelectual, pasional, espontánea y sexual ansía un futuro que no pueden ver con claridad. Lo desean con

más fuerza, incluso, cuando sospechan que nunca lo alcanzarán. La obra insinúa a jóvenes que pudimos ser y nunca fuimos y adultos que somos pero que ellos nunca pudieron ser. En esa encrucijada dramática, una pareja narra su breve historia. Simple, pero no por eso menos extraordinaria. Lo que nos cuentan es fácil de comprender, pero complejo de haber vivido. A estos dos seres no los mueve otra cosa que el amor, por su futuro y por el futuro de los otros.”

Daniel Dalmaroni, marzo de 2024

Marcelo Moncarz

Formado con Julio Chávez en actuación, y con Augusto Fernandes en actuación y dirección. Dirigió los siguientes espectáculos: ¿Cuánto vale una heladera?

(Claudia Piñeiro), Verona (Claudia Piñeiro), El enganche (Julio Mauricio), Tres viejas plumas (Claudia Piñeiro), Afterplay (Brian Friel), Mi querida (Griselda Gambaro), La maldecida de Fedra (Patricia Suárez), El año de la ilusión (Patricia Suárez), Ángel (Patricia Suárez), Soy una canción (Paula Marull), Reconstrucción de una ausencia (Gonzalo Marull), Geografías (Leandro Airaldo), Mary para Mary (Paloma Pedrero), Baltasar contra el olvido

(Mauricio Koch y Marcelo Moncarz), Réquiem (Hanoch Levín). Premios y nominaciones: “Afterplay” fue nominada a los Premios ACE en las categorías a: Mejor espectáculo alternativo (ganador), Mejor director, Mejor Actor y Mejor Actriz.

“Mi querida” fue nominada a los Premios ACE en la categoría

Mejor actriz espectáculo unipersonal (Georgina Rey) Y nominada a los Premios Trinidad Guevara en las categorías: Mejor actriz, Mejor diseño de vestuario (Jorge López).

“Soy una canción” fue nominada al premio Trinidad Guevara en la categoría: Mejor diseño lumínico (Sergio Iriarte)

“La maldecida de Fedra” fue nominada a los Premios ACE en la categoría: Mejor actriz espectáculo alternativo (Eleonora Wexler) Ganadora Y Premios Florencio Sánchez (ganadora)

“Reconstrucción de una ausencia” fue nominada a los Premios ACE en la categoría: Mejor actor espectáculo para un solo personaje (Jorge Gentile) Y a los Premios Trinidad Guevara en las categorías: Mejor director. Mejor actor (Jorge Gentile) Mejor diseño de escenografía (Jorge López) y Mejor diseño lumínico (Daniela García Dorato).

Nelson Rueda

Actor egresado de la EMAD y estudió con docentes como Julio Chávez y Alejandro Catalán, Javier Daulte, entre otros.

Trabajó en diversas obras en el Complejo Teatral de Buenos Aires: en 2022 interpretó a Luis en “Las manos sucias” dirigido por Eva

Halac, en la sala Casacuberta. En 2019 “El Avaro” dirigido por Corina Fiorillo en el Teatro Regio, 2014 “El principio de Arquímedes”, dirigido por Corina Fiorillo; en 2011, en “El especulador”, dirigido por Francisco Javier; en 2009 en “Titulares”, dirigido por Cocho Paolantonio y en 2006, en “El perro del hortelano”, dirigido por Daniel Suarez Marzal.

Trabajó en “Camila, el musical”, en el Teatro Lola Membrives (2013).

En teatro independiente participó de muchas obras entre las que se destacan:

“Las noches blancas” dirigido por Ariel Gurevich. “La bestia rubia” dirigido por Tatiana Santana. “Desdichado deleite del destino” y “Kalvkott, carne de ternera”, dirigidas por Corina Fiorillo y “Brutus”, dirigido por Oscar Barney Finn, en el Teatro Payró. Recibió nominaciones por su trabajo como actor en los premios ACE, María Guerrero, Florencio Sánchez y Teatro del mundo.

En audiovisual participo este año en “Después del final “ largometraje dirigido por Pablo Cesar y en 2022 participo de “Amores inesperados “ dirigido por Marcos Carnevale, entre otros.

Alexia Moyano

Actriz de teatro, cine y televisión. Se formó en Buenos Aires con Helena Tritek, Londres (London Academy of Music and Dramatic Art) y París (Conservatoire National Supérieur d´Art Dramatique) en teatro clásico, contemporáneo, cuento y poesía. Se desempeñó en teatro independiente, oficial y comercial; y en

cine en producciones nacionales e internacionales. En teatro se destaca el unipersonal ¨El empapelado amarillo¨ basado en el cuento homónimo de Charlotte Perkins Gilman, una puesta multimedia dirigida por Sebastián Kalhat en el Centro Cultural San Martin, Miranda en ¨La Tempestad¨ dirigida por Penny Cherns para el Teatro San Martín, la narración de ¨Sueño de una noche de verano¨ en un concierto sinfónico vocal dirigida por Pedro Pablo Prudencio en el Teatro Avenida para la productora Buenos Aires Lírica, la creación performática ¨VOCES¨, sobre el universo femenino, “Filosofía de vida” dirigida por Javier Daulte, y recientemente la obra “Marmol” dirigida por Oscar Barney Finn (nominada a los premios ACE 2023 – mejor obra de teatro alternativo). En cine trabajó en gran número de largometrajes, entre ellos “The Penguin & The Fisherman” dirigida por David Schurmann, “Adios Buenos Aires” de German Krall, “Juego de Brujas” de Fabián Forte, “Devoto” de Martín Basterretche, “El Prisionero Irlandés” de Carlos Jaureguialzo y Marcela Silva y Nasute, “Verdades Verdaderas” de Nicolás Gil Lavedra, “El Cóndor Ciego” de Normal Ruiz entre otros. En series se destaca Monzón (Disney), El reino (Netflix) y Limbo -temporadas I y II- (Disney) y recientemente la comedia “Familia de diván” y el thriller “La mente del poder” (Flow). En televisión durante el 2022 grabó “El primero de nosotros” y durante el 2023 “Tierra de Amor y Venganza 2”.

Prensa: Adri Yasky www.adriyasky.com.ar

ESTRENO - TEATRO MAIPO - 8 ÚNICAS FUNCIONES

AVENIDA Q

Funciones todos los martes 20.30 h.

El musical galardonado con tres Premios Tony como Mejor musical, Mejor libreto y Mejor música original ya tiene fecha de estreno en Argentina.

Avenida Q cuenta la historia

de Princeton y un peculiar grupo de vecinos que buscan juntos el propósito de la vida abordando de manera irreverente temas como la pornografía, la homosexualidad y los diferentes prejuicios.

El reconocido musical combina títeres y actores de carne y hueso. Su trama gira en torno a un joven graduado (Prince-

ton) con grandes expectativas pero poco dinero que se ve obligado a alquilar un departamento en el modesto barrio de Avenida Q donde conoce a un grupo de vecinos que le ayudarán a descubrir su objetivo en la vida.

SINOPSIS EXTENDIDA

“Avenida Q” es un musical que

cuenta la historia de Princeton, un veinteañero recién recibido que llega a la Avenida Q con ganas de hacer algo importante con su vida. Pero se encuentra con que el único lugar donde puede alquilar un departamento es en este barrio medio pelo, donde vive un grupo de personajes muy particulares: Kate Monster, una maestra de jardín de infantes que está en busca del amor; Rod, un inversor que todavía no salió del placard; Nicky, un vago con buen corazón que comparte departamento con Rod; Brian, un humorista a quien acaban de echar de la pizzería; Kimchi, una terapeuta coreana que no tiene clientes y está de novia con Brian; Trekkie Monster, un adicto a la pornografía en internet; Lucy, una cantante de cabaret que hace vibrar a los hombres, y Manu, el pibe prodigio de la música que ahora es el encargado de mantenimiento en un edificio. Con sus nuevos vecinos, Princeton va a experimentar los sinsabores de la adultez mientras intenta descubrir cuál es su propósito en la vida.

Con dirección de Mela Lenoir, producción integral de Producciones Franca’s (Luli Brindisi y Franco Castronuovo; productores argentinos radicados en New York) y Pegasus (Nicolás Dal Farra; La Tiendita del Horror, Rock of Ages), y un elenco de actores consolidados y nuevas promesas del musical, Avenida Q apuesta a la escena local con un musical que dará de qué hablar.

ELENCO:

Princeton/Rod:

Nacho Pérez Cortes

Kate/Lucy:

Lali Vidal

Trekkie/Nicky:

Manu Victoria

Manu:

Manu Ntaka

Brian:

Julián Rubino

Osito/Bulbaseca:

Stefi Ribisich

Osito:

Juan Martín Giménez

Kimchi:

Andy Cho

Ensamble:

Caro Liask, James Cowan y Joaco Catarineu

FICHA TÉCNICA:

Traducción y adaptación:

Nati Del Castillo - Tato Fernández - Edu Morales

Dirección general:

Mela Lenoir

Dirección musical:

Tomás Mayer Wolf

Dirección vocaL:

Silvana Tomé

Coreografía:

Luli Brindisi

Asistente de dirección:

Mica Pierani Méndez

Asistencia de coreografía: Pedro Vega

Entrenamiento en títeres:

Eduardo Pacha Paglieri

Coaching vocal y locuciones: Pablo Gandolfo

Producción ejecutiva:

Mechi Villegas - Luli Lami

Dozo - Feli Carman

Asistencia de produccion:

Ignacio Valdés - Lucía Yasmin Vázquez

Títeres:

Gustavo Garabito

Diseño vestuario:

Javier Ponzio - Silvina Falcón

Diseño de maquillaje:

Sole Capano

Diseño de peinados:

Gustavo Quiroga - Francisco de los Santos

Diseño escenografía:

Tati Mladineo - Luli Peralta Bó

Diseño iluminación:

Gaspar Potocnik

Identidad visual y diseño audiovisual:

Drama (Matías Gordon / Guido Wainstein)

Animación:

Nazareth Moreno

Producción técnica:

Juan Zorraquín

Stage manager:

Mili Polledo

Community manager: Naty Martins

Comunicación y comercial:

Santiago Cano Moffat

Prensa: Varas Otero

FUNCIONES

MARTES 20.30 HS

Teatro Maipo, Esmeralda 443, CABA

Entradas desde $ 9.000 - Sistema y link de venta: https://www.plateanet.com

Lic. Susan Lonetti

Periodista - Comunicación susan.lonetti@gmail.com @suvalo

3 únicas funciones en el Espacio Experimental Leónidas Barletta Pater

Dramaturgia Pablo Albarello – Dirección Hernán Verteramo Producción Del Borde Teatro

Una comedia delirante sobre la docencia y otros males

Un padre pierde a su hijo a la salida del jardín de infantes y arriba al despacho de Dirección de la institución, contrariado y angustiado, en busca de ayuda para encontrarlo. Allí lo reciben la directora y su asistente, que lo arrastrarán desenfrenadamente hacia una resolución absurda e inesperada.

Funciones:

Sábado 30/3 y Domingos 31/3 y

7/4 a las 19:30 h Teatro Espacio Experimental Leónidas Barletta

Diagonal Norte 943Entrada general: $6000 Compra online / reserva: www.alternativateatral.com

Acerca de la obra:

“Una comedia alucinante y grotesca; una auténtica ametralladora despiadada, cuyo objetivo es una crítica irreverente y corrosiva al Sistema Educativo y a la pasividad con la que nuestra sociedad acepta a los institucionali-

zados, como tales”. Antonio Carlos Brunet (Festival Rosario Do Sul. Brasil. Noviembre de 2019).

A través del humor grotesco, Pater propone una reflexión sobre el sistema educativo. La conducta perversa de las autoridades de un jardín de infantes, nos conecta con nuestros propios tránsitos institucionales y nos interroga.

La obra ha sido seleccionada en varias oportunidades para participar en festivales, obteniendo premios por su puesta en es-

cena y actuaciones en más de una ocasión.

Hizo temporada en CABA, en diciembre de 2021, en el Teatro Buenos Aires (Corrientes y Rodríguez Peña).

Ficha técnico/artística:

Dramaturgia:

Pablo Albarello

Actuaciones:

Paula Echalecu (Sra. Directora), Laura Álvarez (Amelia), Diego Arnaiz (Taborda)

Luces:

Hernán Verteramo

Vestuario:

Del Borde Teatro

Escenografía:

Hernán Verteramo

Maquillaje:

Nieves Gorchs - Del Borde Teatro

Prensa:

Valeria Franchi

Producción:

Del Borde Teatro

Dirección:

Hernán Verteramo

Duración del espectáculo: 50 minutos

Pablo Albarello (Dramaturgo) (1965, Junín, Buenos Aires) Dramaturgo, narrador y periodista argentino. Ha publicado los libros de cuentos Bicho Martínez ataca (Sudamericana, 2007), Pensarás que estoy loca (Simurg, 2010) y Mi padre fue un destacado Hombre Bala (Simurg, 2019). Como dramaturgo ha editado cuatro libros de teatro y sus obras han sido llevadas a escena en España, México, Chile, Uruguay,

Brasil Venezuela y los Estados Unidos. Entre otras distinciones ha recibido el Primer Premio Municipal de Literatura de la Ciudad de Buenos Aires y el Premio Alija de la Asociación de Literatura Infantil y Juvenil.

Hernán Verteramo (Director)

Es Actor Nacional, formado en el IUNA; gestor, docente, técnico y director teatral.

Es diplomado en Escenotecnia por la UNA y el INT.

Co-dirige Del Borde Teatro, con sede en Las Flores, provincia de Buenos Aires. Es director-organizador del Encuentro Internacional de Teatro Del Borde y gestiona el Espacio Teatral Del Borde. Ha dirigido espectáculos con los que ha participado en festivales y encuentros, presentándose en salas de Argentina y el exterior.

Paula Echalecu (Actriz)

Actriz, directora, dramaturga, gestora cultural y docente de Teatro. Es co-directora de Del Borde Teatro, con sede en Las Flores, Buenos Aires.

Como actriz, participó en numerosas puestas en escena, recibiendo premios y nominaciones por su desempeño en varias oportunidades.

Como dramaturga, obtuvo el 2º Premio en el Concurso Dramaturgias Escritas por Mujeres (INT, 2020), 1º Mención (2 veces) y 3º Premio en el Concurso de Obras de Humor para el Cigomático Mayor V, VI y VII (Municipalidad de Santa Rosa, La Pampa, INT y Argentores), Mención de Honor en el Primer Concurso Internacio-

C.A.B.A.

nal de Dramaturgia para Mujeres 2022 “La Tempestad” (Chile), Mención Honorífica en el Concurso Potencia y Política (2023), organizado por la Cámara de Diputados de la Nación, entre otros.

Diego Arnaiz (Actor)

Actor formado en los Talleres de Teatro Del Borde, que conforma desde hace 15 años la grupalidad que lleva el mismo nombre.

Ha participado en numerosas puestas en escena, desde el año 2006 hasta la fecha.

Laura Álvarez (Actriz)

Actriz y Cantante. Se recibió en el IUNA, y estudió actuación, canto, acrobacia entre otras cosas. Cursó talleres con los maestros

Horacio Acosta, Deby Watchtel, Carlos Rivas, Norman Brisky, Lidia Borda, Natasha Sterman, entre otros.

Desde 1996 participa en obras teatrales, con las que ha recorrido el país.

Canta Rock, Blues, Jazz; eligiendo el Tango como estilo principal, con el que ha realizado giras por Argentina y Brasil. Actuó en cine. Ganó una mención como dramaturga. Es narradora. Coreuta. Actualmente hace conciertos junto al guitarrista Juan Martínez y la cantante Ana Luque y es parte del Grupo de Teatro Del Borde.

Redes sociales: Instagram @delbordeteatro

Prensa. Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com

Reestreno 2° Temporada Galego

Dramaturgia Gabriel Fernández y Julio Molina

Actuación Gabriel Fernández - Dirección Julio Molina

Un hombre mayor, migrante, despliega su memoria en un presente que lo re interpela, su relación lejana con su otro espacio de origen y la referencia del construido acá. Nos habla en un gallego entre porteño, corrido hacia nuestros pagos. La memoria no es lineal, su relación con él mismo, tampoco.

Funciones:

Sábados 18 hs.

Teatro del Pueblo

Lavalle 3636Entrada general $7000 / $6000 jubilados y estudiantes / consultar otros descuentos.

Compra online: www.alternativateatral.com Efectivo en boletería del teatro

Declarada de Interés Cultural por la Legislatura Porteña

Acerca de la obra:

Las vertientes de los textos que fueron conformando la obra son en parte biográficos, de narraciones orales, de investigación documental. Luego el proceso de ensayo generó estrategias de actuación, espacialidad, visuales, sonoras, y de ruptura lineal del relato. El espacio teatral es abierto, la actuación, una vez más, el eje primordial del sostenimiento monologado en las relaciones creativas. Desde el

lenguaje se buscó que sonara un gallego entre aporteñado, ese híbrido que agrega un nuevo cruce, sin soltar lo inicial.

Ficha técnico/ artística

Dramaturgia:

Gabriel Fernández y Julio Molina.

Intérprete:

Gabriel Fernández

Asesoramiento escenográfico:

Alejandro Mateo

Iluminación:

Ricardo Sica

Música original y diseño sonoro: Rony Keselman

Fotografía y audiovisuales:

Tiago Fernández y Martina Ocampo

Colaboración en idioma gallego:

Trinidad Fernández

Prensa:

Valeria Franchi

Asistencia de dirección y puesta: Federico Fernández Mardaráz

Dirección y puesta en escena: Julio Molina

Duración del espectáculo: 60 min

Redes sociales del espectáculo: Instagram @obragalego

Este espectáculo cuenta con el apoyo de Proteatro

Gabriel Fernández

Desarrolla su labor como actor desde 1984. Formado en actuación, dirección, puesta en es-

cena, y dramaturgia por diferentes profesionales, reconoce a Lorenzo Quinteros como su maestro. Ganador del premio SAGAI 2019 a mejor Actor, y nominado como revelación a los premios A.C.E. 1999. Participó en más de 35 obras de Teatro en circuito comercial y no comercial, destacando entre ellas “Angelito”, “Lisandro”, “Democracia”, “La imagen fue un fusil llorando”, “Hormiga negra” y “La extraña tarde del Dr. Burke”. Entre la más de 60 participaciones en cine y tv se destacan “Los simuladores”, “German, últimas viñetas”, “Una cabrita sin cuernos”, las recientes “El amor después del amor”, “Casi feliz”, “El fin del amor “, y hasta ahora su labor más importante en ”Argentina 1985”. Actualmente filmando “El Eternauta”.

Julio Molina

Comienza a estudiar a partir de 1984, despliega una formación sólida y extensa con diferentes maestrxs, en actuación, puesta en escena y dramaturgia. Es docente en la UNA dramáticas, EMAD, y El Rojas. Su labor en escritura dramática está editada por Nación INT, la UBA y de manera independiente. Se inicia como director y dramaturgo en el mítico Parakultural de Venezuela, a fines de los ochenta, dirigió más de cuarenta materiales, propios y ajenos, en

el ámbito local y en España, Paraguay, Bolivia, Uruguay, Colombia.

Fue distinguido recibiendo la Beca Antorchas como director, Mención Honorífica CABA como dramaturgo, Trinidad Guevara como actor, entre varios otros prestigiosos premios.

Opiniones de Prensa:

La Nación: Muy Buena

“Resulta muy potente la interpretación de Gabriel Fernández, quien logra desde el inicio atrapar la atención de quien lo escucha, lo observa, lo acompaña en esa travesía en la que brotan de

LAPLATA C.A.B.A.

manera muy efectiva múltiples momentos que el espectador irá recreando en su mente.”

Clarín, Revista Ñ:

“... Gabriel Fernández interpreta a un viejo que podría ser su abuelo o su padre o cientos de miles de hombres de antes y de ahora e incluso los que serán ancianos en el futuro. Hay un no tiempo en el pasado que evoca el personaje de esta obra, una cinta de Möbius, un eterno retorno que se activa cada vez que una persona deja su hogar y emigra.” Débora Campos

Página 12: Entrevista al director

Julio Molina, por Cecilia Hopkins

“A mí me interesa que el espectador perciba más que entienda. En el fenómeno de la percepción entran los sentimientos, que muchas veces no pueden explicarse con palabras.”

La Mirada Circular: Muy Buena

“Este “cuadro viviente” diseñado de a dos con su equipo de escenógrafo, músico y asistentes, lo hacen con un profundo afecto hacia el público…” Juan Carlos Fontana

Revista Llegás:

“Un relato en el que la melancolía, o más bien la morriña, se va filtrando como esa lluvia finita e insistente que cae sobre el verde de Galicia.” Paula Boente

Pensador Teatral:

“…gracias a esta maravillosa obra que el teatro independiente nos regala y tuvimos el enorme privilegio de ver.” Javier Rosso

Tenerte al Tanto:

“Un espectáculo entrañable, hondo, abismal, conmovedor…” Stella Matute

Cultura del Ser:

“Una obra conmovedora y una actuación extraordinaria... Excelente” Fernando Casiraghi

Luna Teatral:

“…un trabajo actoral impecable, nos presenta un personaje construido desde la postura corporal, la ascendencia y los años, la picardía de la mirada y la nostalgia por la tierra...” Mariángeles Sanz

Arte Críticas:

“Fernández logra con sutiles mi-

radas y gestos la empatía del público; se lo escucha a él, pero de su boca emergen otros...”

Paula Güd

Hendidura Teatral:

“Galego es una obra para ver sin lugar a dudas, resulta imposible tomar distancia y desentendernos de este relato…” Sergio Di Crecchio

Circular de Arte:

“…es un flechazo directo a la emoción, al recuerdo sin mediación, a la alegría de las cosas más sencillas…” Javier Echarri

Dame Pelota:

“Con una receta que parece simple (cuatro cebollas, una mesa,

un tablón, una lámpara y un kilo de hojas secas), en una hora

Gabriel nos hace reír y llorar.”

Pablo Lisotto

Eclécticamente Arte:

“…excelente dramaturgia, la cual ha sido el resultado del trabajo compartido entre el director (Julio Molina) y el propio Fernández.” Mirtha Mato

Periódico El Duende:

“Con un cuerpo que se tuerce mientras habla, podremos soñar todo lo que va relatando.” Maria Riccheri

Prensa

Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com

JORGELINA ARUZZI reestrena ANIMAL HUMANO

Teatro Astros

Luego del éxito obtenido en el 2023, Jorgelina Aruzzi bajo la dirección de Guillermo Cacace regresa con ANIMAL HUMANO al Teatro Astros (Av. Corrientes 746. CABA), desde el 24 de marzo 2024 y por solo cuatro funciones.

ANIMAL HUMANO es una obra escrita por Jorgelina Aruzzi y Guillermo Cacace que se presentará los domingos 24 y 31 de marzo a las 20.30hs. 7 y 14 de abril a las 20.30 h.

Entradas a la venta en boletería del teatro o por www.teatro-astros.com

Sinopsis:

Jorgelina Aruzzi pone en juego toda su potencia actoral para encarnar el tormento de una mujer que ha sido puesta en el blanco de los prejuicios del barrio. Un humor que toca aristas desopilantes será parte de los recursos para este montaje a cargo de Guillermo Cacace.

Jorgelina Aruzzi en “ANIMAL HUMANO”

De: Aruzzi - Cacace

Dirección: Guillermo Cacace

Asistencia de dirección: Amida Quintana Gomez

Diseño de escenografía: Isabel Gual

Diseño de luces: Fernando Berreta

Diseño de música: Nelson Giménez

Realizador de Escenografía: Omar Páez

Diseño de vestuario: Anabella Jacky Guzmán

Diseño gráfico: Disartmedia Group USA

Fotos: Fuentes2Fernandez Prensa: SMW asesores de prensa

Producción ejecutiva: Amida Quintana Gómez

Producción general: La mamma Producciones

Raúl Casalotti

SMW - asesores de prensa

FB: smwpress

TW / IN : @smwpress

Raúl Casalotti -SMWPress raulcasalotti@smwpress.com

SINOPSIS

Noche de verano y lluvia torrencial en el cementerio municipal del pueblo de Carhue, en el límite con Epecuén, provincia de Buenos Aires. Dos empleadas del crematorio y su jefe se debaten ante una cir-

cunstancia que podría cambiar de forma radical el destino de sus vidas. Pero la llegada inesperada de diferentes personajes a la escena en cuestión, provoca que los mismos terminen estando aún más acorralados en sus propias decisiones y acciones.

FICHA TÉCNICA

Actúan: Mónica Driollet (Graciela), Cecile Caillon (Esther), Claudio Depirro (Arismendi), Silvia Fortunato (Myriam) y Diego

Torben (Oficial Salvatierra)

Escenografía: Sol Soto

Vestuario y caracterización:

Paola Delgado / Sol Soto

Iluminación: Alejandro Le Roux

Diseño Sonoro y fotografía: El Pájaro Films

Asistencia Artística: Martín Bertani

Producción: Otra | Producciones

Escénicas

Dramaturgia y dirección: Juan Mako

FUNCIONES:

Sábados 6, 13 y 20 a las 21 h

ABASTO SOCIAL CLUB

Yatay 666 CABA

Reservas por Alternativa Teatral

Esta obra cuenta con el apoyo de Proteatro, El Fondo Metropolitano de las Artes y Las Ciencias y la Beca Creación del Fondo Nacional de las Artes

Participó del Mes de la Cultura In-

dependiente del Gobierno de la Ciudad de Bs As en conjunto con el Abasto Social Club (2023)

¿QUÉ PASÓ EN EPECUÉN?

Villa Epecuén es el nombre de un pueblo turístico argentino en ruinas, ubicado en el partido de Adolfo Alsina, provincia de Buenos Aires. Situada a 7,3 km de la ciudad de Carhué, fue fundada en 1921 a orillas del lago del mismo nombre, y llegó a tener cerca de 1.500 habitantes, siendo un promedio de 25 mil turistas durante el verano. El lago Epecuén, uno de los 6 lagos que componen el sistema de lagunas encadenadas del oeste, se transformó en el balneario más exclusivo del país.

Era el destino de la moda de esa época y el lugar escogido para la aristocracia bonaerense como destino no solo para el ocio, sino también para curar enfermedades reumáticas y de la piel.Sus aguas altamente mineralizadas eran famosas por su similitud con las propiedades de Mar Muerto. Por esta razón, el agua termal ha tenido una función curativa y la OMS (Organización Mundial de la Salud) se incluye dentro de la medicina tradicional.

En 1985 una inundación provocada por una crecida del lago sumergió a la ciudad completamente bajo el agua, obligando a su evacuación total.

Opiniones y críticas

“LAS ENCADENADAS: LA REVUELTA” (parte 2)

“Las muy buenas actuaciones sostienen los personajes con la

misma solvencia de la primera parte, parece no haber pasado el tiempo, porque son los mismos, en una noche que se suma a la anterior, con una problemática que por añadidura integra a nuevos testigos indeseables de una situación que no se sostiene, ante la precariedad de la solución. “Las encadenadas: La revuelta” es volver sobre una temática que había dejado en su final la posibilidad de continuar, y que ahora, nos deja la sensación de que queremos saber más de estos personajes y sus peripecias. Una buenísima propuesta teatral.” Mariángeles Sanz (LUNA TEATRAL).

“La estructura dramática se vale de un buen ritmo con silencios cargados de sentido, esto último está muy logrado y asimismo los cuerpos de los actores y actrices crean atractivas imágenes en momentos muy precisos y de gran eficacia. La elección de los actores y actrices es muy acertada, con construcciones parejas y muy verosímiles. El dispositivo escénico cuyo diseño destaco, pone cada elemento al servicio de la acción. Asimismo el vestuario, el diseño sonoro crea los climas y le da esa atmósfera de suspenso. En síntesis, una obra original por donde se la mire y con un tema que nos interpela como individuos sociales que no pueden escaparle a lo trágico. Para no perderse” Patricia Carro (LA LETRA TEATRO)

“De la puesta de Juan Mako, queremos volver a elogiar el logrado diseño escenográfico de Sol Soto, que reproduce el perturba-

dor crematorio municipal y ya lo habíamos elogiado en la primera parte. El diseño lumínico de Alejandro Le Roux contribuye al clima oscuro y de suspenso que presenta el relato, al igual que el diseño sonoro de El Pájaro Films, con esa lluvia persistente que presenta la noche de la historia y que recuerda al hecho histórico que se recrea. Disfrutamos de una muy atractiva noche de teatro, con esta segunda parte de Las Encadenadas que nos acerca la historia fascinante de Epecuén desde otro ángulo, con un relato que tiene muy buenas cuotas de suspenso y humor, de la mano de una dramaturgia que atrapa y de personajes queridos por el publico” Javier (PENSADOR TEATRAL)

“Gracias a la creatividad de todo el equipo técnico, la puesta en escena resulta impresionante y muy cinematográfica. Bajo la dirección y dramaturgia de Juan Mako, “Las encadenadas: la revuelta” logra volver a cautivar al público con una nueva historia intrigante que se desarrolla a través de actuaciones destacadas y una producción técnica de alto nivel. Esta obra teatral es una muestra de excelencia en el mundo del teatro alternativo y una experiencia que vale la pena disfrutar” Cristian Dominguez (NOTA AL PIE)

“Juan Mako logra de esta manera enfrentar con éxito aquel dicho común sobre la poca trascendencia de las segundas partes, cuyo origen se desconoce.” Aníbal Villa Segura (Recomendador de Teatro)

PREMIOS / DISTINCIONES

MEJOR actriz de reparto Premios

Luisa Vehil para Cecile Caillon2018

NOMINADA a los Premios Estrella de Mar - Monica Driollet comoMEJORactriz de reparto - 2020

FESTIVALES Y ENCUENTROS

Seleccionada para el ciclo + TEATRO de SAGAI (2023)

Seleccionada para el 1° FESTIVAL PRIMAVERA APDEA de la Asociación de profesionales de la

“No es fácil hacer una comedia con un cadáver en el fondo, y en este caso es posible gracias al juego con la complicidad del público (no necesariamente moral), que sabe lo que se oculta, sumado a un contrapunto entre actuaciones exageradas y contenidas. Esto también es difícil de combinar en la misma escena, pero se justifica por la situación específica y la personalidad de cada uno de los personajes. Así, se logra variedad y dinamismo en una historia que, en la superficie, es simplemente la de un grupo de personas que quieren quemar un cadáver”. Sofía Castaño (REVISTA LAS BRUJAS)

Dirección Escénica - Abasto Social Club (2022)

Formó parte del ciclo ARGENTINA FLORECE TEATRAL (Volumen 2) del Instituto Nacional del Teatro - Abasto Social Club (2022)

Seleccionada para el MES DE LA CULTURA INDEPENDIENTE del Gobierno de la Ciudad en el Centro Cultural Sábato (2021)

Seleccionada para el programa EL CONTI NO SE ACHICA en el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (2019)

Seleccionada para el V Festival de Teatro Mar del Sud en escena - Mar del Sur, Provincia de Bs As (2020)

Seleccionada para la Temporada de Verano - Teatro AuditoriumMar del Plata, Provincia de Bs As (2020 )

Contacto:

Juan Mako

juanmako84@gmail.com www.juanmako.com.ar

Video

TRAILER “LAS ENCADENADAS: LA REVUELTA” de Juan Mako

https://youtu.be/sPD95g480N0?f eature=shared

C.A.B.A.

LE DECÍAN MANUEL dirigida por Dino Stella

Llega a calle Corrientes una comedia dirigida por Dino Stella que te hará reír, emocionar y reflexionar sobre los vínculos y el amor entre amigos.

SINOPSIS

Cuenta la apasionante historia de dos amigos Manuel (Rodo)quien regresa de España después de 7 años y Julian (Marcelo Silguero), con su aferrado amor a Buenos Aires el desparpajo de Ana (Flor Padilla),

hermana de Julián,y las permanentes desventuras de Cayetano(Lautaro Disi), hijo de Manuel, transformarán el regreso en desopilantes situaciones de verdades y mentiras para esconder un misterio que seguramente ustedes podrán descubrirlo, reírse y hasta emocionarse con un inesperado final.

FICHA TECNICA:

Elenco: Rodolfo CastañaresMarcelo Silguero - Flor PadillaLautaro Disi Autor: Dino Stella

Director: Marcelo Silguero

Prensa y Comunicación: Agencia

AB - Alejandra Benevento.

Fotografía: Racoon Publicidad:

MM agency Marketing digital:

Sandbox Productor: Luciano

Diaz

FUNCIONES:

Abril: jueves 20h

TEATRO CPM MULTIESCENA

Avenida Corrientes 1764

ENTRADAS:

Plateanet y boleterias del teatro

Agencia AB prensa prensa@alebenevento.com @agenciaAB

Una historia sanjuanina

LO TEJIO LA JUANA

Ignacio Sánchez Mestre

El pasado viernes 22 de marzo llegó LO TEJIÓ LA JUANA, la última creación del dramaturgo, actor y director Ignacio Sánchez Mestre al teatro TIMBRE 4 (México 3554, Boedo, CABA).

Autor de las elogiadas La Savia

y Para Partir, entre otras, Sánchez Mestre es uno de los autores más sobresalientes de la escena teatral contemporánea. En esta oportunidad, con Lo tejió la Juana, el escritor emprende un viaje hacia sus orígenes ubicados en la provincia de San Juan, sus paisajes, atmósferas y universos.

¿Cómo funcionan los recuerdos? Es uno de los grandes dis-

paradores de la obra que intenta tomar algunas memorias personales del autor para transformarlas y entregarlas por completo a los diferentes personajes que habitan esta pequeña/gran historia con sede en San Juan.

“Lo tejió la Juana es un tejido enorme de recuerdos de mi infancia en San Juan. Una historia en donde la forma de relacionarse o la de demorarse para re-

accionar, la de pedir las cosas, la de reclamarse y la de querer tiene que ver con el hecho de haber nacido y crecido ahí. Por eso, la mayoría de sus intérpretes somos sanjuaninos, como si hubiese una confianza absoluta en ese compartir”, declara Sánchez Mestre.

SINOPSIS:

El Negro y el Cabezón acaban de perder a su madre y tienen que decidir qué hacer con una casa. La Gringa, una prima embarazada y llena de futuro, llega de Buenos Aires para sacudir ese presente que rebalsa de pasado. Sánchez Mestre apunta:

“Lo tejió la Juana habla de un tiempo otro, de un tiempo corrido que no es un tiempo detenido pero que tampoco avanza con prisa; un tiempo sanjuanino. En la obra una madre se murió, dos hijos no saben bien cómo seguir y una prima viene desde Buenos Aires para ayudarlos o para que finalmente se ayuden entre todos. La actriz que interpreta a mi prima en la obra, es también mi prima en la vida real, con la que venimos pensando e imaginando esta obra hace un tiempo largo, una obra donde la realidad y la ficción se mezclan para convertirse en otra cosa.”, concluye el autor.

LO TEJIO LA JUANA de

Ignacio S. MESTRE

TIMBRE 4 - México 3554.

Viernes a las 21h hasta el 26/4.

Localidades: $7000. Promo 2x $12.000 disponibles en Alternativa.

Duración: 70 minutos.

Actúan:

Pilar Mestre, Juan Francisco

López Bubica, Maitina De Marco, Paula Trucchi, Federico Buso e Ignacio Sánchez Mestre

Realización escenográfica:

Victor Salvatore y Guillermo Manente

Asistencia de iluminación y set electric: Rodolfo Eversdijk

Asistencia de escenografía:

Marina Gurman

Diseño Gráfico:

Alpha Cobra

Foto:

Ignacio Coló.

Música:

Luiza

Diseño de escenografía:

Laura Copertino.

Diseño de iluminación:

David Seldes.

Diseño de vestuario:

Lara Sol Gaudini.

Producción:

María La Greca.

Asistencia de dirección: Nina Horowitz.

Dramaturgia y dirección: Ignacio Sánchez Mestre.

IGNACIO SÁNCHEZ MESTRE

Nació en San Juan, Argentina, en 1982. Es actor, guionista, dramaturgo y director de teatro. Como autor y director estrenó obras en el circuito independiente, en el Teatro Nacional Cervantes y en el Complejo Teatral de Buenos Aires. Actuó en obras de Ariel Farace, Laura Kalauz, Pablo Sigal y Lucía Seles, entre otrxs. En cine trabajó para Vladimir Durán, Luz Orlando Brennan, Pablo Levy y Lucía Seles.

Co-escribió películas junto a Martín Piroyansky, Florencia Percia, Diego y Pablo Levy y fue uno de los autores de División Palermo, para Netflix (Cóndor de Plata al Mejor Guión 2023), y Soy tu fan: La fiesta continúa, para Star+.

Realizó residencias artísticas en la Sala Beckett (Barcelona) y en el Kunstenfestivaldesarts (Bruselas). Sus obras “demo” y “Lunes Abierto” fueron publicadas por la editorial Libros Drama y “Despierto” en la Colección Novísima Dramaturgia Argentina, de Ediciones del CCC.

CECILIA GAMBOA Comunicación & Prensa info@ceciliagamboa.com.ar www.ceciliagamboa.com.ar

A partir del viernes 5 de abril vuelve

NO ME LLAMES

Breves tragedias virtuales

Escrita y dirigida por Mariela Asensio

Elenco: Vane Butera - María Figueras - Paola Luttini y Pablo Toporosi

Una mirada descarnada sobre un mundo hiperconectado que no logra detenerse nunca.

Luego de una exitosa temporada a sala llena, regresa no me llames al Teatro del Pueblo.

FUNCIONES:

VIERNES 22H

TEATRO DEL PUEBLO

LAVALLE 3636

A partir del viernes 5 de abril

VIERNES 22H

Entradas en venta por Alternativa Teatral

¿Qué pasa cuando las relaciones estallan en la virtualidad? ¿En qué deviene la comunicación cuando es intervenida todo el tiempo por las redes sociales?

¿Cómo se resuelve lo afectivo en la era de la inmediatez y los emoticones?

Una pareja discute por WhatsApp, un grupo de amigas intenta resolver la tristeza a través de las redes sociales, un matrimonio quebrado quiere ponerse de acuerdo vía Zoom y un chat de

amigos busca concretar un encuentro presencial. Se trata de historias cruzadas y virtuales que navegan por los complicados laberintos de la red.

Con canciones, sensibilidad, humor y situaciones delirantes, se abre el juego a la reflexión y la identificación.

Una mirada descarnada sobre un mundo hiperconectado que no logra detenerse nunca.

¿Acaso no estamos todos presos de nuestros dispositivos electrónicos?

Con historias cruzadas y virtuales, No me llames propone un viaje con destino incierto por los complicados laberintos de la red.

Mariela Asensio trabaja en la hiperconexión, el individualismo y la alienación a partir de cuatro tragedias virtuales que dan lugar a que nos preguntemos cómo nos relacionamos con los dispositivos y los conflictos vinculares que pueden generar.

Vane Butera, María Figueras, Paola Luttini, y Pablo Toporosi abren el juego a la reflexión y la identificación mediante canciones, humor y situaciones delirantes.

FICHA TÉCNICA:

Dramaturgia y dirección:

Mariela Asensio

Elenco:

Vanesa Butera, María Figueras, Paola Luttini,Pablo Toporosi

Ilustraciones:

Marina Lovece

Estilismo:

Javier Vön Tschudy

Animación:

Marina Lovece

Diseño De Iluminación:

Ricardo Sica

Fotografía:

Nacho Lunadei

Fotos escena:

Sergio Furmamski

Asistencia de dirección:

Eleonora Di Bello

Prensa:

Varas & Otero

Producción ejecutiva:

Celeste Martinez Cal, Antonella Schiavoni

Dirección:

Mariela Asensio

Agradecimientos:

Vale Camino

Dijo la prensa

“Mariela Asensio como dramaturga y directora toma la virtualidad desde una perspectiva crítica y la somete al desencanto. Mues-

tra lo que ese estado de conexión permanente hace con nosotrxs pero, a su vez, da cuenta de una existencia virtual que puede ser tan determinante como la realidad de la convivencia entre los cuerpos”

Alejandra Varela, Las 12

“No me llames es un grito contra la virtualidad alienante”

Leni González, La Nación

“Sin la presencia del otro, la comunicación degenera en un intercambio de información: las relaciones se reemplazan por las conexiones, y así solo se enlaza con lo igual”. Byung Chul Han www.varasotero.com.ar

LAPLATA C.A.B.A.

“En una especie de Black Mirror del teatro, en la obra ‘No me llames’, de Mariela Asensio, vemos episodios donde los humanos podemos volvernos monstruosos mediante el uso de la tecnología”. Vicky Casaurang, La Agenda

Prensa. Lic. Susan Lonetti susan.lonetti@gmail.com @suvalo

TEATRO/ ESTRENO 2024

Pá ja ros q u e a n i da n e n c ua l q u ie r pa rte

Actúan Gabriela Villalonga y Luciana Procaccini

Se perfectamente que la poesía es inconsumible en lo más profundo.

Pier Paolo Pasolini

Dorita e Inés, una anciana y una joven, se han quedado solas por distintas y desafortunadas razones. A raíz de un accidente, Inés salva la vida de Dorita, y esto genera un fuerte vínculo entre ellas. Ambas comparten sus tristes historias de vida. A partir de la poesía deciden participar juntas de un concurso, para torcer un destino adverso.

Un día Dorita confiesa un secreto muy especial, que modifica su conducta extrañamente. Inés tendrá que aprender a convivir con algo que desconoce, si desea conservar la amistad. Finalmente, la poesía podrá sublimar el dolor, aliviando los cuerpos.

Dice Alfredo Martín, el director:

“Esta obra nos plantea,en clave de comedia dramática, el valor de la solidaridad y de los vínculos humanos, en medio de estos tiempos de individualismo e indiferencia. La idea de juntarse con un otro distinto, en este caso una persona mayor, y poder escuchar y ayudarse.

Muestra además la fortaleza de MiráBA 110

dos mujeres solas y diferentes, decididas a poner el cuerpo y cambiar un destino triste y desgraciado, construyendo una amistad; proyectando una vida más humana.”

Ficha artístico-técnica

Dramaturgia: Miriam Russo

Dirección: Alfredo Martín

Actrices: Gabriela Villalonga, Luciana Procaccini

Asistencia de dirección: Débora

Lopez

Asesoría Artística: Marcelo Bucossi

Producción ejecutiva: Gabriel Cabrera

Escenografía y vestuario: Alejandro Mateo

Iluminación: Fernando Diaz.

Musicalización: Maestro Quique

Sosa

Fotografía: Ignacio Verguilla

Diseño gráfico: Gustavo Reverdito

Prensa: Paula Simkin

Redes: Luis Cardozo

Duración: 65 minutos

FUNCIONES:

Viernes 20h

ITACA COMPLEJO TEATRAL

Humahuaca 4027 - CABA

Localidades en Alternativa / General: $7000 / Descuentos $6000 para estudiantes y jubilados

Miriam Russo se formó en dramaturgia con los maestros Mauricio Kartún (Argentina), José Sanchís Sinisterra (España) y Marco Antonio de la Parra (Chile). Dentro de sus obras estrenadas, podemos mencionar:

“El Cuadro que habla” (Títeres).”Yo digo cuando hay que dar los besos”. “Esperando al Negrito”; “Corpiñeras” 1er premio “III Concurso de Dramaturgia, Facultad de Filosofía y Letras de la UBA”. 2do. Premio “Concurso Nacional de Dramaturgia. Fondo Nacional de las Artes”. Elegida por Prov. B.A. INT. Con tres nominaciones a los premios ACE, ganando Claudia Lapacó y también ganando el Florencio Sánchez y el Trinidad Guevara. Desde su estreno ha sido representada por más de 60 elencos en casi todas las provincias de Argentina, y en Montevideo, Uruguay. “Por Culpa del Chuker”, “Para qué tenemos dos nombres” y “Ojalá se te dé vuelta el kayak”, Argentores. “Víspera de Cumpleaños” Unipersonal femenino, a estrenarse en abril del corriente, en Complejo Teatral La Plaza.

Alfredo Martin es actor, director, dramaturgo y docente. Presidente de APDEA. Extensa carrera en teatro independiente con autores clásicos: Dostoyevski, (“El otro Señor G.” / “El prestamista que citaba a Goethe”) Fernando Pessoa, (“Escrito en su nombre”) Franz Kafka, (“El proceso” y “La Metamorfosis”) Gombrowicz, (“Detrás de la Forma” y “La fachalfarra”) Mary Shelley (“Frankenstein, la criatura”) Collodi (“Títeres de madera”). Y autores argentinos: Roberto Arlt (“La vida puerca” y “Como si fuera un crímen”), Florencio Sánchez, (“Abandonemos toda esperanza” y “Los derechos de la salud”) Silvina Ocampo (“Todo disfraz repugna a quien lo

lleva”) Haroldo Conti (“Lo que llevo de ausencia”) Participó en Festivales nacionales e internacionales. Ha recibido distintos premios y nominaciones: Argentores. Luisa Vehil, ACE, Florencio Sánchez, ATINA, Teatros del Mundo, y Trinidad Guevara. En 2023 dirigió “Un mar de luto”, sobre La casa de Bernarda Alba y “Si alguna vez te hace falta mi vida” obra de su autoría.

Marcelo Bucossi nació en Chacabuco (Bs.As.) y comenzó a trabajar en teatro como actor en esa ciudad en 1974, por lo que este año 2024, cumple sus bodas de oro como actor. Se radicó, luego, en Buenos Aires, estudió “Actuación” con distintos maestros y se recibe en La Escuela Nacional de Arte Dramático y en el I.U.N.A. de Profesor Superior de Teatro. Se desempeñó como vicerrector de la Escuela de Teatro Andamio 90, cuya fundadora fue Alejandra Boero. Ha sido nominado a diferentes premios a lo largo de su carrera, tales como: Florencio Sánchez, A.C.E., María Guerrero y Trinidad Guevara. Desarrolla su oficio como actor dentro del ámbito del teatro independiente, oficial y comercial.

Gabriela Villalonga es actriz, directora, docente y técnica en comunicación e intervención grupal.

Como actriz participò en: “Palabras para ellas, sobre poemas de Francisco Pesqueira” “Cocinando con Elisa” de Lucía Laragione y dirección Mariana Giovine; “La mejor solución” escrita y dirigida por Hernán

Morán, “Entrenamiento revolucionario” de G. Virtuoso y “Detrás de la forma” dirigida y escrita por Alfredo Martín; “Romeo y Janette” de Jean Anuille, “Contando las maneras” de E. Albee, “El malentendido” de Albert Camus, “Antigona” de Jean Anouill, “Mujeres de carne podrida” y “Pornografía emocional” estas dos últimas de M. Méndez con la dirección de J.M.Muscari, entre otras. Su trabajo como directora incluye “Deviniendo Tato” de Gabriela Villalonga y Rodrigo Cárdenas; “4 tipos de Mujeres”; “Mi niño Marilyn” de M. Méndez, “Porca Prole” de G. Virtuoso, “Familia” de Fernando León de Aranoa.

Luciana Procaccini es actriz y profesora de teatro. En teatro actuó en “Cocinando con Elisa” de Lucía Laragione con dirección de Mariana Giovine, “Milena e Irene, periodistas” con dirección de Román Caracciolo , “La fachalfarra”, “La Vida Puerca”, “Abandonemos toda esperanza”, “El jardín de los cerezos”, “Detrás de la Forma” todas ellas con dirección y adaptación de Alfredo Martín, “Adorables Criaturas” de L. S. Cunningham; con dirección de Tatiana Santana, “Saverio el cruel” de Roberto Arlt, con dirección de Guillermo Ferraro, entre otras obras. En cine participó en el largometraje “Lo que escriben los espejos” y en el cortometraje “Reproches”.

Prensa: Paula Simkin paulasimkin@gmail.com

SILENCIO AMEN

Ariel después de su recuperación de las drogas impulsado por su madre, regresa al barrio creyendo haber superado lo peor de su vida, encuentra en la parroquia una tranquilidad ficticia, que nubla su cabeza y su voluntad, la necesidad de contención, de afecto, hacen de él la presa perfecta para su depredador.

De eso no se habla¡¡¡… Silencio Amen, una historia basada en un hecho real

Santiago Ures

Cristian Del valle

Mónica Cuilliere

Gabriel Cáceres

Iam Domínguez

Libro y dirección:

Sergio Luis Lobo

Duración: 55 minutos

Género drama

FUNCIONES:

Teatro La ratonera cultural

Sábados 21 h marzo

Valor entrada $5.000

Contacto: sad Lopez serchu1973@gmail.com

Por cuarto año vuelve

“PERDIDA MENTE” a la Calle Corrientes

La comedia dirigida por Muscari y escrita por Muscari y Mariela Asensio regresa a la calle Corrientes luego de ganar el Premio Estrella de Mar como mejor comedia dramática en su exitosa temporada en Mar del Plata.

Leonor Benedetto, Ana María Picchio, Iliana Calabró, Emilia Mazer y Mirta Wons vuelven a deleitarnos con sus maravillosas actuaciones que les valieron aplausos y felicitaciones del público de todo el país.

Una obra brillante que comienza su cuarto año consecutivo en cartel con gran éxito con producción de Tomas Rottemberg.

REESTRENO

Miércoles 20 de marzo 20h

MULTITEATRO

Corrientes 1283

SINOPSIS:

Una comedia sobre la inteligencia.

Una jueza de la Nación (Benedetto) siente que su mente no funciona muy bien últimamente, MiráBA 114

LAPLATA C.A.B.A.

por eso decide reunir a las mujeres más importantes de su vida para solicitarles ayuda.

Su hija (Mazer), con la que se sacan chispas; su hermana (Wons), con la que no se ponen de acuerdo; su abogada y amiga (Calabró), con la que suelen discutir; y su mucama de toda la vida (Picchio), su verdadero apoyo.

La obra nos cuestiona:

¿Cómo funciona tu cabeza?

¿Cuánto afectan tus emociones a tus actos de cada día?

¿Qué hay que hacer para poner el cerebro en off?

Una comedia con pensamientos - Una comedia ferozUna comedia con emociones.

MULTITEATRO COMAFI

Corrientes 1283, CABA

FUNCIONES

Miércoles, Jueves y Viernes 20h

Sábados 19:30 hs y 21:30h

Domingo 19:30h

Pueden adquirir sus entradas a través de:

https://www.plateanet.com/

FICHA TÉCNICA

Elenco: Leonor Benedetto, Ana María Picchio, Iliana Calabró,

Emilia Mazer, Mirta Wons.

Libro: Mariela Asensio, José Maria Muscari.

Dirección: José Maria Muscari

Diseño de vestuario: Alejandra

Robotti

Diseño de escenografía: Mariana Tirante

Diseño de luces: Marcelo Seguí

Asistente de dirección: María

Laura Espinola

Prensa: Agencia AB

Producción general: Tomás Rottemberg

Prensa y Difusión: Ale Benevento prensa@alebenevento.com @agenciaab

Surrealismo teatral multidisciplinario

UN DOMINGO

Un espectáculo de circo-teatro

Las funciones son sábados 22,30 h y domingos 19 h en Galpón de Guevara - Guevara 326, Chacarita. En un domingo en fa-

lan entre lo inquietante y lo ridículo. Desde la mentalidad medieval hasta los impulsos de sueños americanos, romances torcidos y delirios imperiales, te sumergirás en una familia Felliniana donde el amor y el odio desbordan. Un homenaje a la teatralidad que celebra el telón rojo, con entradas, salidas, apariciones, desapariciones, pasajes y fugas. Los cuerpos comprometidos al extremo, los sentimientos crudos y las refinadas atenciones se entrelazan en una experiencia única. La danza, danza acrobática y el humor te invitan a una catarsis constante, donde la fantasía se vuelve accesible, y un invitado inicia o se ve atrapado en esta vida de familia deplorable. Los domingos, a veces, son un día de fiesta, ¡y qué fiesta! MiráBA 116

milia, todos se congregan alrededor de una gran mesa, inmersos en un mundo donde la aristocracia ha perdido su brillo y la tensión reina. Objetos con vida, cuerpos acrobáticos y contorsionados proyectan emociones potentes, creando un escenario surrealista donde las reglas sociales y psíquicas osci-

Un Domingo es una producción de Proyecto Migra y Galpón de Guevara, dirigida por el reconocido director Frances Florent Bergal con performers argentinos y uruguayos. Lleva 6 temporadas a sala llena en Buenos Aires y giras por América Latina y Canadá.

FICHA TÉCNICA

Actuan:

Gabi Parigi

@gabi_parigi

Tomi Sono

@tomisoko

Sofía Galeano

@galliano.sofia

Juan Fernández

@untaljuanfernandez

Tato Villanueva

@tatovillanuev

Flor Valeri

@florenciavaleri

Dirección:

Florent Bergal

Producción General:

Pierpaolo Olcese

Un Domingo es una producción de Proyecto Migra y Galpón de Guevara, dirigida por el reconocido director Frances Florent Bergal con performers argentinos y uruguayos. Lleva 6 temporadas a sala llena en Buenos Aires y giras por América Latina y Canadá.

UN DOMINGO es un espectáculo de circo-teatro estrenado en noviembre de 2018 en el 6to Festival Internacional de Circo independiente - FICI en coproducción con cooperativa Pro-

LAPLATA C.A.B.A.

yecto MIGRA y el Galpón de Guevara.

Para su creación se convocó al director francés Florent Bergal que llevó adelante la creación junto a un elenco seleccionado de la compañía Proyecto MIGRA. Una vez estrenada se mantuvo en cartel con funciones 2 veces por semana dando cuenta del impacto que esta pieza escénica logró generar en su salida al circuito.

13000 espectadores. Más de 100 funciones, 6 temporadas en Buenos Aires

Participó de festivales como: Festival “Montréal Complètement Cirque”, Festiclown Santa Fe

Festival Payasadas, Rosario, Festival de Teatro de RAFAELA,

Santa Fe, Festival NEVADAS ESCENICAS, Bariloche, Festival Internacional de Circo de MON-

TEVIDEO

PROYECTO MIGRA

Proyecto Migra es una plataforma fundada en 2015 especializada en el circo contemporáneo, con una fuerte impronta teatral. En el transcurso de estos 9 años, se ha constituido como un referente en Argentina y en America Latina por la calidad y singularidad de sus propuestas. La compañía se compone por un equipo de artistas, productores y técnicos que impulsan las cinco propuestas de la plataforma:

-Cartelera de espectáculos adultos y ATP

-FICI Festival Internacional de

Circo Independiente

-Carpa teatro con capacidad para 200 espectadores

-ENLACE: residencia de creación dirigida para artistas profesionales

-FICICO Formación integral de Circo Contemporáneo.

Florent Bergal (Francia) Director

Florent Bergal se formo en el ‘Centre des Arts du cirque de Toulouse le Lido’, y fue fundador y director de la Compañía Les Bistaki. Se presento en el Polo Circo con el espectáculo Les Oktubre. Entre sus otros espectáculos, Pop Corn Machine, por MyLaika, Cirkopolis por Cirqueon Prague, Cirk VOST’, Finding no man’s land. Despues de su formación en Le Lido Centre des Arts Du Cirque de Toulouse sigue su formación en la danza Contemporánea que traslada a su trabajo en el Circo. Como bailarin trabaja en la compañía de Danza de Roberto Olivan y Nadi Brocante, y es maestro de danza en las escuelas de Circo de Toulouse, Lille, Nîmes, Milan, Turin, Rotterdam y el Instutut de Teatro de Barcelona. Desde 2008 co-dirige la el Centro de experimentación del Lido.

Instgram @un.domingo @proyectomigra

TEHAGOLAPRENSA

Andrea Feiguin info@tehagolaprensa.com.ar

ESTRENO 5 ABRIL

Dos amigos, Mario y Paco, se encuentran aislados en un monte debido a una gran inundación. Sus miedos y fantasías son expresados en la metáfora del urutaú (pájaro fantasma del litoral guaraní). Lo único que los conecta con otra realidad es un radio de transmisión y Ana, una joven periodista que hace del rescate de Mario y Paco su causa. Junto a Elisa, su madre, Ana descubrirá un entramado de relaciones, que cambiará sus vínculos, rodeados de intrigas y

secretos. Esta situación pone a prueba en los cuatro personajes, sus sistemas de ideas y creencias, sus formas de conectar con los otros y con sus miedos. La literatura y la música son balsas que los mantienen a flote en medio de la gran tormenta. “Urutaú. Más allá del río”, plantea un problema ético: ¿es posible la salvación individual, o sólo es posible la salvación colectiva?

ESTRENO 5 ABRIL.

Funciones: Viernes a las 20:30h Teatro La Máscara.

Piedras 736. CABA

Entrada General: $5.000. Descuento a jubilados, estudiantes y afiliados de Radar, o por Alternativa Teatral

Duración: 70 minutos

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia:

Miriam Eva Rellán

Actúan:

César Amarilla, Antonela Nanni, Guillermo Perini, Miriam Eva Rellán

Escenografía:

Agostina Uribarri

Diseño de vestuario: Verónica Díaz Benavente

Community manager: Emmanuel Bertolotti

Diseño De Iluminación: Gastón Díaz

Fotografía: Ana María Ferrari

Diseño gráfico: Marito Falcón

Asistencia de dirección: Emmanuel Bertolotti

Prensa: Natalia Bocca

Producción ejecutiva: Miriam Rellán

Dirección:

Rodrigo Cárdenas

LAPLATA C.A.B.A.

SOBRE EL DIRECTOR

Rodrigo Cárdenas

Es autor, actor y director teatral.

En la actualidad tiene dos obras en cartel de su autoría que también dirige: “Los días más felices” y “ Mujeres en sesión”. También en cartel “El acompañamiento (entre mujeres)” una adaptación de la obra de Carlos Gorostiza.

Trabajó como actor en: “Todo eso fuiste” Dirección Ramiro Cárdenas. “El caso RC” Unipersonal que lleva en cartel 20 años en todo el país. “El chico bomba” Dirección Roxana Albarracín Galtés. Fue dirigido por Jaime Kogan, Rubén Szuchmacher, Susana Torres Molina, Diego Kogan, Eduardo Lamoglia, entre otros.

Autor teatral de: La última lluvia, segundo premio nacional y mención de la Secretaría de cultura de la Nación por su obra “Hijos nuestros”- Guionista de Afectos especiales en TV Pública. Sus trabajos en cine fueron: “Operación México”. “Tiempo de descuento”. “Historia Oficial” de Luis Puenzo y “Fuiste” junto a Gilda.

Prensa: Natalia Bocca

nataliabocca@gmail.com

Segunda temporada en Belisario Club de Cultura

“Y A OTRA COSA MARIPOSA”

de Susana Torres Molina - Dirección: Federico Tombetti

“Y a otra cosa mariposa” de Susana Torres Molina, dirigida por Federico Tombetti , tendrá su segunda temporada en CABA desde el Sábado 16 de marzo a las 22h en el Belisario Club de

Cultura. La obra es protagonizada por Ana Belén Capistrano, Lucia Marshall, Lucia Di Carlo y Malena Pereyra.

Esta comedia, es una incursión

de cuatro actrices al mundo privado de los varones. Ellas interpretan a cuatro amigos en distintas etapas de sus vidas: la niñez, la adolescencia, la adultez y la tercera edad.

Las costumbres, modismos y prácticas vinculares entre ellos y con el entorno se van afianzando y modificando con el paso del tiempo y sobre todo, se van volviendo cada vez más recalcitrantes.

Siguiendo las palabras de su autora Susana Torres Molina: “Al ser mujeres las que encarnan situaciones machistas, lo “habitual”, lo “naturalizado” culturalmente deja de serlo,

surge la distorsión, la desmesura. La intención es producir nuevos sentidos en lo trillado y agitar la mirada domesticada”.

Y en el camino, la exageración, el tratamiento corporal y el devenir de los personajes nos sitúan en una atmósfera que, paradójicamente, permite la risa liberadora.

FICHA TÉCNICA:

Actúan:

Ana Belén Capistrano es El Gordo

Lucía Marshall es El Inglés

Lucia Di Carlo es El Pajarito Malena Pereyra es El Flaco

Dirección general y puesta en escena: Federico Tombetti

Asistencia de dirección y realización audiovisual: Natalia Castro

Abizanda Entrenamiento corporal y diseño coreográfico: Maite Gago

Diseño de escenografía: Sabrina López Hovhannessian

Diseño de vestuario: Nelida Bellomo

Música original y diseño sonoro: Leo Costa

Diseño de iluminación: Lailén Álvarez

Diseño Gráfico: Patricio Alcalde

Realización escenográfica: Mané González - Sergio Galván

Asesoramiento vocal: Florencia

García Casabal

Diseño de maquillaje: Analía Verónica Arcas

Producción: Marisol Sousa y Miguel Z Grinbank

Redes: Ailén Pereyra

Más Prensa: Analía Cobas, Cecilia Dellatorre

FUNCIONES MARZO:

Sábados - 22 h

Belisario Club de Cultura

Av. Corrientes 1624 - CABA

Localidades en venta: $6.000 (gral.) y $5.000 (jubilados) Venta de entradas en Alternativa

Sobre Federico Tombetti

Director general de la Escuela de Formación actoral Agustin Alezzo y profesor de cursos de adolescentes y adultos. Se formó como actor con el maestro Agustin Alezzo y como profesor en el Colegio Superior de Artes del Teatro y la Comunicación “Andamio 90”. Se ha desempeñado como actor y director en importantes teatros de la Argentina como el Teatro Nacional Cervantes y abordó textos de grandes autores de la dramaturgia universal como Harold Pinter, Luigi Pirandello y Antón Chéjov. Es Miembro del Consejo de Participación Cultural de CABA, encargado de la selección y aprobación de proyectos de Mecenazgo. Organizó durante 10 años el Festival Mundial de Teatro Adolescente “Vamos Que Venimos”. Participó del 8vo Congreso internacional de arte educadores IDEA París 2013, proyecto Jóven IDEA.

Contacto: @aotracosa.teatro

Prensa:

Analía Cobas

analiacobas@gmail.com

Cecilia Dellatorre

pnlp83@gmail.com

www.masprensa.com.ar

VUELVE Pajarita

Cuatro únicas funciones en Andamio 90

La pieza es una versión de 300 millones reescrita y dirigida por Guillermo Parodi que explora el puente entre el mundo retratado por Arlt y el presente. Lorena Szekely encarna a Sofía y recorre el universo de personajes de humo interpretados por Pablo Mariuzzi. El equipo es el que originó el proyecto Mandinga (La Capilla del Diablo) y que se está presentando ahora con un elenco ampliado.

Premio Estrella de Mar por la categoría Actor de Drama

Premios ACE por Mejor Actor y Mejor Espectáculo Alternativo

Premio EEBA Mejor Actor

Dos Nominaciones Estrella de Mar por mejor de Actriz de Drama y Drama

Dos nominaciones ACE por Mejor Actriz y Mejor Director

FUNCIONES:

Se presenta en cuatro únicas funciones

Domingos 7,14,21 y 28 de abril a las 19h

ANDAMIO ´90: Paraná 660

Una mujer muere víctima de la indiferencia. Sueña que gana una fortuna y vive la vida de una gran señora. Es como Dorothy en el “Mago de Oz”, como Alicia en “El país de las maravillas”. La acción se da entre el sueño, la vigilia, la vida y la muerte. Pajarita se atreve a soñar de

nuevo, sumergiéndose desde una mirada actual, en el mundo y la poética de Roberto Arlt. Se pregunta por el amor y homenajea al teatro argentino.

La relación con 300 millones: El prólogo -y el desarrollo del texto- del clásico de nuestro teatro resultaron inspiradores para Parodi. En la versión original, surgida de un hecho verídico, Arlt registra a una mujer moribunda que sueña que hereda 300 millones. A 90 años de aquel estreno la historia sigue repitiéndose, con algunas pequeñas diferencias. El sistema sigue abandonando a los más débiles, que sueñan aún en medio de pesadillas.

Ficha Técnica:

Actúan: Lorena Szekely y Pablo Mariuzzi / Dramaturgia y Dirección: Guillermo Parodi / Trabajo corporal de actores: Sofía Ballvé / Asistencia de Dirección: Lucas Soriano / Diseño de vestuario: Jorgelina Herrero Pons / Realización de vestuario: Titi Suárez, Jorgelina Herrero Pons / Diseño de escenografía: Fernando Díaz / Realización de escenografía: Fernando Díaz, Analía Schiavino / Diseño de luces: Guillermo Parodi, Fernando Díaz / Videos: Fernando Díaz / Composición y producción musical: Juan Pablo Martini /

Músicos intérpretes: Piano: Juan Pablo Martini, Bandoneón: Nicolás Lastra, Violín: Martín Elter Canciones en off: Guillermo Parodi – Teresa Parodi / Prensa: Paula Simkin / Fotografía y diseño de imagen: Mariana Melinc / Diseño gráfico: Mariela Segado

FOTO: Carlos Vizzotto

Agradecimientos: Marcelo Bucossi, Alfredo Martín, Teatro del Pueblo, Héctor Oliboni, Roberto Perinelli, Teresa Parodi, Luciano Szekely, Verónica Parodi por la melodía de de “la nana” y a Francisco “Pancho” Ramírez eternamente en nuestra memoria y nuestro corazón.

Dijeron de Pajarita:

“Pajarita es una obra muy sensible, conmovedora, que inquieta por la revalorización de una historia que Parodi logra reescribir desde esa profunda conmoción que le promueve el universo arltiano, sin dejar de lado sus valores primigenios.” Carlos Pacheco, La Nación

“De tanta magia, de tanto teatro, de tan buena puesta en escena, de tan buen juego de luces, de tan magnífico vestuario y de tan grandes actuaciones no sólo no me olvidaré, sino que voy a tomar nada más que un poquito

de distancia para verla otra vez (…)” Víctor Hugo Morales, Am 750

“”Pajarita” es una obra mágica, una ensoñación sobre el hambre, el desamparo, el deseo y la falta de esperanza. Sofía, la maravillosa Lorena Szekely va del cielo al infierno de la mano de un singular Psicopompo, que muta delante de nuestros ojos en una galería de personajes fellinescos, Pablo Mariuzzi. Está bellísima reescritura de 300 millones derrocha poesía y melancolía y

nos interpela a cada uno de nosotros. No dejen de verla.” Luis Formaiano

““Pajarita” es un espectáculo distinto, no solo por su imaginativa puesta, que eleva la emoción a medida en que transcurre sino porque trasunta una sensibilidad creativa en la que los factores dramáticos y estéticos se alinean como pocas veces.” Héctor Puyó, Télam

LAPLATA C.A.B.A.

“(…) Así como la muerte, viven en ella [Sofía, por Lorena Szekely] sus sueños de salir de ese entorno de fuego, el amor, los viajes, y la posibilidad de futuro; que desfilan ante sus ojos encarnados en el cuerpo del actor Pablo Mariuzzi, que impacta con su pre-

sencia, su ductilidad, su voz, creando el contraste necesario entre los dos personajes, el real y el soñado. El espacio construido desde la iluminación, la escenografía, el vestuario y la música original de Juan Pablo Martini, es el marco perfecto para el encuadre de los dos, para sus desplazamientos coreográficos, y la exaltación de sus sentimientos. Es también interesante como un alivio a la tensión dramática, y como guiño al espectador la inclusión de las voces en off, de Guillermo y Teresa Parodi a través de canciones, y el recuerdo de una historia de amor que paralizó al país por más de un año, allá por los años setenta, la de la novela de un taxista y una chica de la alta sociedad, escrita por Alberto Migré: “Rolando Rivas, taxista” como objeto de deseo para Sofía (...)” Mariángeles Sanz, Luna Teatral

“(…) Si Roberto Arlt viera esta puesta en escena quedaría, realmente, deslumbrado. Porque es puro teatro. Una teatralidad formada por la imagen, sonido, vestuario, luz y actuaciones que logra con distintos registros teatrales una unidad coherente de teatro que te tiene atrapado durante más de una hora (…) la obra se va a preguntar, de alguna ma-

nera, por qué los pobres no pueden soñar. O ¿qué sueñan los pobres? (…) Te la recomiendo. Un teatro novedoso, atractivo, interesante y alejado del realismo.”

Jorge Nicosia

“La puesta es estupenda al igual que el trabajo de dirección de actores. Pablo Mariuzzi es un actor que digo que va a ser uno de los más grandes actores del teatro argentino (…)” Héctor Oliboni, La Tribu

“(…) Guillermo Parodi, logra adaptar, al valor intrínseco del texto original, nuestras falencias sociales contemporáneas dado la profundidad de su contenido (…) La magnífica actriz, Lorena Szekely, domina su personaje a la perfección; entra y sale de la desdicha y la ensoñación, inmejorablemente. Realiza un trabajo inolvidable. El majestuoso actor, Pablo Mariuzzi, nos subyuga. Su calidad interpretativa es impresionante. Sus personajes tienen diferentes tintes que nos cautivan; distinción en el “galán”, manipulación en el “demonio”, crueldad en la “muerte, deslumbre en la “madame”. Una actuación memorable (…) ¡Imperdible!” Estela Gómez

“En esta Pajarita que mantiene el nombre de la Sofía de Arlt, no

existe un trabajo fijo, ni una casa en la que se pudiera soñar. Va saltando desde el desesperado delirio compensatorio a un nuevo chasquido de las tripas vacías. En cambio, el hacedor de los deseos, no tiene personaje fijo y va alternando los deseos de Sofía, desde diferentes desempeños. En ambos casos, pudimos disfrutar de una ductilidad escénica notable. Grandes trabajos dramáticos de Lorena Szekely y Pablo Mariuzzi” Adriana Libonati

“Un excelente trabajo de Parodi, como dramaturgo y director. Lorena Szekely es Pajarita-Sofía, su interpretación es de una sensibilidad y entrega conmovedora, sus alegrías, sus personajes de ensueño y de trágica realidad se despliegan con intensidad y frescura. Pablo Mariuzzi es todo lo que Arlt había descrito en su obra como sus personajes de humo (…) Abarca el escenario con sus composiciones y transiciones magistralmente, porte, elegancia, actitudes siniestras y decadentes según el personaje y cierta complicidad con el público. Su actuación es un Capolavoro.” Lilian Kovalenko

Prensa: Paula Simkin paulasimkin@gmail.com

ESTRENA EL LUNES 15

DE ABRIL EN EL MULTITEATRO COMAFI

“Pequeños grandes momentos”

El lunes 15 de abril se estrenará “Pequeños Grandes Momentos”, la comedia dramática basada en la popular serie “Tiny Little Things”, en el Teatro Multitabaris Comafi. La obra está encabezada por Tomás Fonzi, Sabrina Garciarena, Malena Sánchez y Michel Noher, bajo la dirección de Dalia Elnecavé.

Aclamada en Broadway y en México, “Pequeños Grandes Momentos” estrena por primera vez en Buenos Aires, en una producción de Valentina Berger y Morris Gilbert. Nia Vardalos (conocida

por su personaje en Mi Gran Casamiento Griego), adaptó este texto a una obra de teatro que, dirigida por Thomas Kail (el director de Hamilton), y desde que estrenó en el The Public Theater, en 2017, se transformó en un rotundo éxito.

Preguntas que nunca hicimos, respuestas que jamás llegaron, secretos ancestrales, anhelos, sueños rotos. Y la profunda convicción de que compartiendo con otros todo es más fácil y siempre hay un hermoso lugar detrás del arco iris. Esta profunda obra llega

al corazón del público a través de la empatía y la reflexión en una entrañable experiencia grupal que nos recuerda la importancia de estar atentos y apreciar los pequeños pero grandes momentos de la vida.

Teatro Multitabaris Comafi Entradas a la venta por PLATEANET

Seguinos en redes: @pequenosgrandesmomentosok SOY PRENSA soy.prensaa@gmail.com

Mandinga (La capilla del Diablo...)

El equipo de Pajarita se vuelve a reunir, casi completo, en el mismo teatro, con nuevos actores y dos músicos en escena.

La obra, escrita y dirigida por Guillermo Parodi cuenta con un maravilloso elenco integrado por Lorena Szekely, Marcelo Rodríguez, Lucía Palacios, Camilo Parodi, Julia Funari, Natalia Rey y Lucas Soriano. Los Músicos: Juan Pablo Martini y Nahuel del Valle.

La pieza reflexiona sobre el engaño, la traición y el miedo. lo hace a partir de una historia real. en medio de una plantación de

naranjos, una cúpula negra asoma su aguja en el campo de la provincia de corrientes: la capilla del diablo. un pacto y el tiempo sin tiempo que abre sus puertas y desata el infierno en la tierra y lo infernal en nosotros.

FUNCIONES:

Sábados a las 22h

Sala Somigliana del Teatro del Pueblo

Lavalle 3636

Entradas: Alternativa teatral $7000/ Descuentos para jubilados, estudiantes y vecinos.

Cuenta la leyenda que a finales del S XIX, un terrateniente de origen europeo, semianalfabeto, y católico ferviente -que vivió en Corrientes- tuvo una hija que falleció, pero no estaba muerta. Una carreta que transportaba troncos se salió del eje y aplastó a la niña, quien quedó inconsciente. El padre se volcó a la oración, haciendo todo tipo de promesas a Dios para que la muchacha pueda despertarse. Al no obtener respuesta, pactó con el Diablo hacer una capilla en su nombre y como insulto mayor al altísimo, la hizo bendeMiráBA 128

cir por un cura.

A partir de este mito rural surge este espectáculo en donde se indaga en la siguiente pregunta: ¿qué pasa con los cuerpos hoy? Este es un país con infinidad de cuestionamientos, silencios y catástrofes vividas en “los cuerpos”. Buceando en las respuestas es que Mandinga es, ahora, un hecho escénico. Poner el cuerpo, ocupar el espacio, la calle, la sala, la escena. ¿Qué otra cosa hace, si no, quien actúa? ¿Qué otra cosa, si no, es finalmente el teatro? Habitar el espacio. Y por detrás del presente se tejen recuerdos, se filtran historias de cuentos de abuelas y relatos escuchados a escondidas entre la peonada y el personal doméstico en el campo. Historias de monte, infierno y ataduras.

Dice Guillermo Parodi:

“Supe de la historia de una capilla dedicada al Diablo. Negra y sin ventanas. En medio de una plantación de naranjos. Con ese material, histórico, propio real y mítico se fue gestando este espectáculo. Desde la dramaturgia hace décadas y en acto ahora. ¿Cómo? En los cuerpos de las actrices y actores, ahí convive el encuentro. Relevando el artificio, volviéndolo atemporal, eterno y atávico a su vez. El espacio y el sonido crean un universo reconocible.

Escribí esta pieza hace más de dos décadas. En la época en que, en este país, una crisis social terminaba con la salida de un presidente en helicóptero. Mientras, en la plaza, entre gases, sablazos, balas de goma y de las otras, un pueblo reclamaba “que se vayan todos” En ese caos aparecen imágenes y noticias que no están lógicamente relacionadas pero que forman parte de un imaginario recurrente y claro… Cromañón aún arde en la retina… Por aquel entonces, otra noticia resonaba en radios y televisores (aún las redes no copaban tanto la circulación de información): Una joven actriz y bailarina, había perdido su vida en el incendio de una sala de ensayos. Murió quemada, en un accidente poco claro. Finalmente, en las escaleras del Congreso de la Nación, entre gases y explosiones un hombre moría en cámara, mientras un periodista le acercaba el micrófono. El hombre pedía abrazar a su hijo antes de irse. Podía verse la ausencia de ese cuerpo en el abrazo imaginario que se dibujaba. Y de vuelta las llamas quemaron la Plaza Congreso. Cuerpos, fuego, ausencias y muerte. Tópicos que viajan atravesando todavía la memoria, dando forma a este espectáculo hoy, cuando parece que el país vuelve a estar al rojo vivo”.

Camilo Parodi - Toribio Velásquez (hijo de Alcibíades)

Natalia Rey - Magdalena (hija de la nana)

Dramaturgia y dirección

Guillermo Parodi

Trabajo corporal de actores Sofía Ballvé

Asistencia de dirección

Macarena Lopez

Diseño de vestuario

Jorgelina Herrero Pons

Diseño de escenografía

Fernando Díaz

Realización de vestuario y escenografía

Talleres del Teatro Argentino de La Plata - TACEC

Diseño de luces

Guillermo Parodi - Fernando Díaz

Composición y producción musical

Juan Pablo Martini

Músicos:

Piano: Juan Pablo Martini -

Fuelle: Nahuel del Valle - Voz: Camilo Parodi

Canción final en off

Guillermo Parodi

Prensa

Paula Simkin

Diseño de imágen

Mariana Melinc

Ficha técnica:

Actores por aparición

Lorena Szekely - Calavera (el santo)

Lucía Palacios - Dolores Velásquez (hija de Alcibíades)

Lucas Soriano - Don Ángel (el cura)

Marcelo Rodríguez - Alcibíades Velásquez (terrateniente)

Julia Funari - Crecencia (la nana)

Diseño gráfico

Leandro Almendro

Redes:

@mandingalacapilladeldiablo

Este espectáculo es una producción de El Centro Provincial de las Artes Teatro Argentino de La Plata

Prensa: Paula Simkin

paulasimkin@gmail.com

TEATRO Y MÚSICA/2024

La vida no viene sola

Con dramaturgia e interpretación de Alex Pandev Bajo la mirada de Lía Jelín

«La vida no viene sola» es la historia de una desilusión de amor que se transforma en una conquista de vida. ¿Como hacer para pasar de ser una idiota sumisa a dueña de la propia vida (y menos estupida)?

DICE LA DIRECTORA:

«Verla en vivo es como una es-

pecie de viaje Almadovariano, cargado de guiños que caen en la cursilería; y otros tan hormonales que nos permite hundirnos en el Punk -Cabaret -Tango con acento francés, muy gracioso, que nos lleva directo del Obelisco hasta la Tour Eiffel. Alex Pandev es dramaturga, columnista, actriz y cantante pero

sobre todo es una provocadora profesional. Diva chic que causa shocks. Morocha con cuerpo de gacela y voz de tango. Un espectáculo jubiloso, transgresor y descarado. Una comedia espumosa, ¡como el mejor Champagne ..francés!»

Lia Jelín

LAPLATA C.A.B.A.

FICHA TÉCNICA

Dirección

Lía Jelín

Dramaturgia e interpretación

Alex Pandev

Al piano

Gabo Illanes

Arte Visual

Sophie Veber

Música

Minino Garay - Nury Taborda

Prensa

Paula Simkin

Asistente de producción:

Nora Saul

FUNCIONES:

Desde el 28/3:

jueves a las 20.30h

Tinglado Teatro: Mario Bravo 948/

Entradas en Alternativa Teatral

Alex Pandev

Después de estudiar Ciencias Políticas y terminar en el Conservatoire National Supérieur de París, Alex tuvo una trayectoria como actriz en los más prestigiosos teatros de Francia. Actuó y cantó en New York durante casi 2 años, escribió cinco comedias de teatro y varias producciones. Luego se enamoró de un músico argentino y de

Buenos Aires. Decidió vivir entre Argentina y Francia, para desarrollarse artísticamente. Es columnista en Marie Claire Argentina, y crítica de espectáculos de TDU la única revista francesa de Buenos Aires, grabó 2 CDs en español distribuidos por Aqua Records, ideó la webserie Las Yeguas de Palermo -de 22 capítulos- y dirigió 4 clips/videos de sus canciones. Toda su música está en YouTube y Spotify.

PRENSA:

Paula Simkin

paulasimkin@gmail.com

ESTRENO:

La noche de las Tríbadas

Autor: Per Olor Enquist

Traducción: Francisco J. Uriz - Dirección Rodrigo Cárdenas

La noche de las Tríbadas es la noche donde nace el amor entre dos mujeres, lo que no es un dato menor, teniendo en cuenta la época donde nace el conflicto; fines del siglo XIX en Copenague. También se entrelazan viejas y nuevas costumbres, formas de vivir y sentir.

La Noche de las Tríbadas se trata de la pieza sueca más traducida —a más de 20 idiomas— y representada en el mundo durante el siglo pasado. Este gran escritor sueco nos presenta un retrato de Strindberg con todos sus complejos y debilidades.

ELENCO

Sonia Boll - Siri Von Essen

Graciela Clusó - Marie Caroline David

Juan Medina - Viggo Schiwe

Jorge Schwanek - August Strindberg

EQUIPO TÉCNICO

Asistencia de Dirección

Gabriela Urban y Aramis Schwanek

Escenografía y vestuario

Alejandro Mateo

Realización de vestuario

Mirta Liliana Palacio

Iluminación

Horacio Novelle

Diseño Gráfico

Carolina Erbes

Producción

Fabi Maneiro

Dirección

Rodrigo Cárdenas

FUNCIONES: viernes 22 a las 22.15 h. Teatro MUY

Humahuaca 4310 Almagro

C.A.B.A.

Funciones: viernes 22.15 hs.

SINOPSIS

En 1889, en el teatro Dagmar de Copenhague, se ensaya una obra de August Strindberg, “La más fuerte”, protagonizada por su primera esposa, Siri von Essen, y su amante, Marie Caroline David. El ensayo se convierte en un drama personal, en el que se revelan los conflictos, las pasiones y las frustraciones de los tres personajes. Strindberg es un genio atormentado por su misoginia, su celosía y su fracaso matrimonial. Siri es una actriz que busca su independencia y su reconocimiento profesional. Marie es una mujer libre y rebelde, que vive al margen de las convenciones sociales. La obra de Enquist nos presenta un retrato del gran dramaturgo sueco y de las mujeres que marcaron su vida y su obra, así como una reflexión sobre el arte, el amor y la violencia de género.

SOBRE EL AUTOR

Per Olov Enquist. 1934-2020 Novelista, dramaturgo y crítico litera-

rio sueco. Licenciado en Filosofía y Letras, está considerado como el escritor sueco contemporáneo más importante. Escritor analítico, intelectual y experimental, describe contextos muy complejos de una manera esencial y pura. Ha sido galardonado con el Premio de Literatura del Consejo Nórdico de 1969 y propuesto varias veces al premio Nobel. Es autor de una veintena de novelas y ensayos, nueve obras de teatro y cinco guiones de cine. Con respecto a La noche de las Tríbadas Enquist parte de una profunda investigación sobre la persona y la obra de Strindberg, uno de los más grandes dramaturgos de la historia de la literatura que contribuyó a cambiar radicalmente la forma de escribir y hacer teatro a finales del siglo XIX y, a partir de hechos reales, construye una hipnótica acción de ‘teatro dentro del teatro’ que nos habla de las relaciones entre hombres y mujeres, el empoderamiento femenino y la misoginia enfermiza, la creación artística y sus procesos, la libertad, la identidad personal, el miedo a la soledad, el amor, el dolor…Una obra recorrida por el espíritu revolucionario, polémico y extremo de Strindberg que no dejará a nadie indiferente.

SOBRE AUGUST STRINDBERG

August Strindberg fue un escritor

y dramaturgo sueco, considerado uno de los más importantes de su país y del teatro moderno. Nació en Estocolmo en 1849, en una familia de clase media baja. Estudió en la Universidad de Upsala, pero no terminó sus estudios. Trabajó

como maestro, actor, periodista y bibliotecario. Se casó tres veces y tuvo seis hijos, pero sus matrimonios fueron conflictivos y terminaron en divorcio. Escribió más de setenta obras, entre las que se destacan El padre, La señorita

LAPLATA C.A.B.A.

Julia, Inferno y El sueño. Su estilo literario fue variando desde el naturalismo al simbolismo, pasando por el expresionismo y el surrealismo. Experimentó con la fotografía, la pintura y la alquimia. Sufrió de problemas mentales y se sintió perseguido por sus enemigos. Murió en 1912, a los 63 años, de cáncer de estómago. Su funeral fue multitudinario y se le reconoció como una figura notable de la cultura sueca.

La personalidad de August Strindberg era compleja y contradictoria. Se le ha descrito como un genio, un visionario, un rebelde, un misógino, un esquizofrénico, un polemista y un perseguido.

Algunos rasgos que caracterizaban su personalidad eran:

Su gran sensibilidad artística, que lo llevó a explorar diversos géneros y formas de expresión, desde el teatro al ensayo, pasando por la poesía, la novela, la fotografía y la pintura.

Su espíritu crítico e inconformista, que lo hizo cuestionar las convenciones sociales, religiosas y políticas de su época, y lo enfrentó a numerosos conflictos con la autoridad, la prensa, la academia y sus contemporáneos.

Su tendencia a la introspección y al autoanálisis, que lo impulsó a escribir varias obras autobiográficas, en las que plasmó sus experiencias, pensamientos, sueños y alucinaciones, a veces con un tono confesional y otras con una intención ficcional.

Su inestabilidad emocional y psicológica, que lo llevó a sufrir crisis nerviosas, depresiones, delirios y paranoia, y que influyó en su vi-

sión del mundo y de las personas, especialmente de las mujeres, con las que tuvo relaciones tormentosas y fallidas. Su curiosidad intelectual y su afán de conocimiento, que lo hizo interesarse por temas tan diversos como la historia, la filosofía, la ciencia, la religión, la alquimia, el ocultismo y los misterios, y que lo llevó a buscar la verdad más allá de la realidad aparente.

La relación entre August Strindberg y su primera esposa Siri von Essen fue muy conflictiva y terminó en un divorcio en 1891. Strindberg acusó a Siri de tener una relación amorosa con su amiga Marie Caroline David, una escritora danesa que conoció en Francia. Strindberg sentía un gran desprecio por Marie David y la atacó físicamente en una ocasión. También la retrató de forma negativa en su novela La defensa de un loco (1893). Siri y Marie vivieron juntas por un tiempo en Suecia y Finlandia, pero su relación también fue problemática. Marie tenía problemas con el alcohol y murió joven en un convento católico en Alemania. Siri se casó de nuevo y murió en 1912, el mismo año que Strindberg.

PROPUESTA ESCÉNICA DEL DIRECTOR RODRIGO CÁRDENAS

La noche de las tribadas es la noche que desata el conflicto. Una noche traumática a fines del siglo XIX en Copenague. La obra contiene muchas capas para transitar y manipular.

Un elenco de teatro dos actrices, un actor y la presencia de August Strindberg (emblemático autor surgido en esos tiempos)

La historia nos cuenta un ensayo teatral que cuesta llevar adelante. Esta es la capa relacionada con la acción de la obra y es en esta etapa que decidimos llevar el lineamiento argumental.

Dentro de esta capa funciona a modo de ensoñación aquel hecho traumático de aquella noche de las tríbadas.

Las relaciones personales se entremezclan con el ensayo y a su vez el ensayo de la obra que se representa en la obra se mezcla con el mundo de los actores reales de esta puesta.

Así se cuenta, aparentemente confusa y jugando con esas capas que propone el dramaturgo.

Las profundidades de las capas se cuentan en un estilo cada uno, esto juega como un rasgo constitutivo de la puesta.

Esta aparente confusión también la propongo con los hábitos y las formas de aquel tiempo, pero también de éste. Los lenguajes, los elementos escenográficos, el vestuario y el tipo de actuación son un aporte para contar simultáneamente estas capas entrelazadas, arbitrarias, pero con un destino final donde se juntas piezas y capas.

Por otra parte, y a modo de corolario atiendo a un tema que atraviesa con convicción la obra: la independencia femenina, la misoginia y el poder patriarcal porque es justamente en esta línea temática que se apoya el disparador. La noche de las Tríbadas es la noche donde nace el amor entre dos mujeres, lo que no es un dato menor, teniendo en cuenta la época donde nace el conflicto. Acá también se entrelazan viejas y nuevas costumbres, formas de vivir y sentir.

PRENSA Haydée Marocchi haydeemarocchi@yahoo.com.ar Alfredo Monserrat alfredomonserrat@gmail.com

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SEGUNDA TEMPORADA

Una obra de Clara Charrúa - Funciones domingos 19h

“El emperador (tres noches)”, la obra escrita y dirigida por Clara Charrúa en su segunda temporada en el Teatro ÑaCa (Julián Álvarez 924, Villa Crespo). Protagonizada por Andrés Terigi, se presenta los domingos de marzo y abril a las 19h.

LA OBRA

“¿Qué quiere decir ‘pensar en alguien’? Quiere decir: olvidarlo” Dice Barthes en Fragmentos de un discurso amoroso.

Toda ausencia narra una presencia. Todo episodio amoroso comienza y termina desde el desajuste temporal entre el sujeto y el objeto de deseo.

“El emperador (tres noches)” es un unipersonal sobre el amor y el desencuentro. Entre los tangos, cervezas, fiestas, hilos de twitter y tiradas de tarot que atraviesan las conversaciones con sus amigos, Tomás cavila durante tres días y tres noches qué hacer ante la incorrespondencia de afecto de la persona que le gusta.

¿Se puede o no se puede querer en la inconstancia?

EQUIPO CREATIVO

Dramaturgia: Clara Charrúa

Actúa: Andres Terigi

Fotografía: Santiago Mai

Sonido y utilería: Emilia Costagliola

Community Manager y Prensa: Alexis Mazzitelli

Diseño gráfico: Julieta Garros

Asistencia de dirección: Ana Laura Castañiza

Dirección: Clara Charrúa

Entradas por Alternativa Teatral

INSTAGRAM

@elemperadorobra

Contacto:

Alexis Mazzitelli

alexismazzitelli@gmail.com

Merceditas Elordi, artista de gran trayectoria, presenta su nueva obra:

“Cuando el chajá canta las horas”

Una tragedia rural de principios del siglo XIX. Dramaturgia y Dirección Merceditas Elordi

Tragedia rural que transcurre en la provincia de Buenos Aires, casi en el límite del llamado “nuevo sur”, antes de la llegada de Juan Manuel de Rosas a la gobernación.

Una puestera, sus dos hijos adolescentes de distinto padre, un patrón de estancia y un peón guacho son los protagonistas de esta historia de sobrevivientes, donde

se manifiesta el poder, la marginalidad y el patriarcado, como así también se indaga en los vínculos filiales y el amor.

FUNCIONES:

Sábados 20 hs.

Teatro del Pueblo -Lavalle 3636Entrada general $7.000 / $6.000 est. y jub. Compra online / Reserva:

www.alternativateatral.com

ACERCA DE LA OBRA:

Cuando el chajá canta las horas cuenta la vida de personas olvidadas del mundo, incapaces de poder tomar decisiones sobre su propio destino, porque no tienen otro camino posible más que el que los obliga a tomar un contexto económico y social injusto,

desigual y patriarcal, naturalizado a principios del siglo XIX.

Se trata de una ficción en un marco verosímil, ya que para su escritura se ha investigado profundamente en la estructura y funcionamiento social y económico, en la vida del gaucho, el rol de las mujeres, la vida en los ranchos y en las estancias, la aplicación de la justicia, como así también en el uso del vocabulario propio de la época.

FICHA TÉCNICO/ ARTÍSTICA:

Elenco:

Juli De Moura (Amalia, hija de Ema), Mauricio Méndez (Mateo, enamorado de Amalia), Pablo

Paillaman (hijo de Ema), Edgardo Rosini (Beltrán, dueño de estancia), Mariel Rueda (Ema, puestera)

Guitarra:

Pablo Paillaman

Percusión:

Bruno Lo Bianco

Escenografía, Iluminación: Edgardo Aguilar

Diseño y Realización de Vestuario:

Mariana Carranza

Diseño gráfico:

Artio Estudio Silvia Cantero

Fotografía y Video: Cristian Holzmann

Prensa:

Valeria Franchi

Redes Sociales:

Georgy Burgos Funes

Producción Ejecutiva:

Emilio Zinerón

Asistencia de Dirección:

Facundo Darío Altonaga

Dramaturgia y Dirección:

Merceditas Elordi

Duración del espectáculo: 70 minutos

Merceditas Elordi

Es actriz, directora, dramaturga y gestora cultural. Actualmente se encuentra protagonizando la comedia “Burguesa” de Alfredo Allende dirigida por Sebastián Bauzá en el Complejo Teatral San Martín. Autora y directora de las obras “Conjuro Anómalo” (Teatro Cuatro Elementos, Mar del Plata), “Fuerte como el vidrio frágil” (Patio de Actores), “La Música del Viento” (Centro Cultural de la Cooperación y Centro de Arte MDQ) y “Entropía o el Orden de lo Vano” (Belisario, Teatro Auditorium y Festival Medellín en Escena 2017

en Colombia), entre otras. Protagonizó el unipersonal “El Legado” por el que obtuvo numerosas distinciones como Premio Derechos Humanos en escena, Vilches, Estrella de Mar y participó en festivales nacionales e internacionales. Dirigió la obra “Magallanes.0” de Jeroni Obrador con Claudio Pazos (CELCIT, Payro y Cuatro Elementos). Alguna de las obras en las que se destacó como actriz son “Lúcido” de Rafael Spregelburd, con dirección de S. Bauzá; “La Fundación” de Susana Torres Molina y la trilogía de Marcelo Savignone basada en obras de Chéjov: “Un Vania”, “Ensayo sobre la Gaviota” y “Mis Tres Hermanas, Sombra y Reflejo”. Ha recibido Premio Estrella de Mar en varias oportunidades y distinciones internacionales a Mejor Actriz en el Festival Iberoamericano Cumbre de las Americas y Mejor Interpretación Festival S’ Illo, Mallorca de España. Como autora recibe nominaciones al Premio Estrella de mar 2018 (La música del viento), 2024 (Conjuro Anómalo) y mención especial concurso Potencia y Política 2022 (Cayetana. La madre del nuevo monte), entre otros.

Formación académica. Profesora y Licenciada en Ciencias Biológicas, UNMDP. Posgrado en Gestión y Comunicación en Políticas Culturales FLACSO, Argentina. Socia activa de APDEA (Asociación de Profesionales de la Dirección Escénica). Integrante de DRAMAR (Agrupación de Dramaturgas Marplatenses)

PrensaValeria Franchi

valeriafranchiprensa@gmail.com

Atte.Tus vecinos

Vodevil Musical - Reestreno en Galpón de Guevara

ATTE. TUS VECINOS Vodevil Musical con Dirección general de Rubén Viani, Elenco: Belén Amadio, Julieta Molina, Renato Pinto, Agustina Quaglia, Joaquín Scotta, Clara Suárez, Micaela Vargas, Lucía Clavel, Dolores

Basualdo, Elías Bevacqua. Las funciones son miércoles 20.30hs en Galpón de Guevara: Guevara 326, CABA

Luego de que su compromiso se haya arruinado por un engaño y

después de una amenaza de desalojo por parte del consorcio, Verónica decide hacerse pasar por su ex prometido, Marcos, inquilino adorado por todo el edificio. Bajo esta inesperada identidad, se sumerge en un enredo de si-

tuaciones hilarantes. La trama se teje con enredos amorosos dignos de un vodevil clásico. En medio de los pasillos llenos de puertas que se abren y cierran a un ritmo frenético, y al compás de risas contagiosas y melodías pegajosas, se desarrolla nuestro vodevil cómico y desenfrenado: “Atte. tus vecinos”. La historia cobra vida en un colorido edificio, donde cada puerta esconde se-

cretos, cada escalera es un camino hacia el caos controlado y cada habitante tiene su propio estribillo. Los celos, malentendidos y coincidencias imposibles se entrelazan en esta comedia musical vodevilesca, donde las canciones son la banda sonora de las locuras que suceden en cada esquina. Una celebración de enredos exagerados y melodías pegajosas que dejarán a la audiencia con una sonrisa en el rostro y tarareando las canciones mientras salen del teatro.

Tus vecinos

DRAMATURGIA:

Belén Amadio, Julieta Molina, Renato Pinto, Agustina Quaglia, Joaquín Scotta, Clara Suárez, Micaela Vargas

ACTÚAN:

Belén Amadio, Julieta Molina, Renato Pinto, Agustina Quaglia, Joaquín Scotta,Clara Suárez, Micaela Vargas, Lucía Clavel, Dolores Basualdo, Elias Bevacqua

Supervisión de escenografía: Micaela Sleigh

Diseño de vestuario:

Laura Staffolani

Diseño de escenografía:

Micaela Sleigh

Comunicación Digital:

Now Agencia Creativa

Asistencia coreográfica:

Milagros Polledo

Asistencia de dirección:

Victoria García Montealegre

Composición Musical:

Juan Pablo Schapira, Joaquin Scotta

Orquestación Musical:

Pablo Flores Torres

Producción ejecutiva:

Camila Villalba

Supervisión dramatúrgica:

Juan Francisco Dasso

Dirección musical: Juan Pablo Schapira

Dirección Coreográfica: Vanesa Garcia Millan

Dirección general: Rubén Viani

ARTISTAS CON ROLES

Olga: Julieta Molina

Claudia: Agustina Quaglia

Raquel: Micaela Vargas

Verónica: Belén Amadio

Emma: Clara Suárez

Antonio: Joaquín Scotta

Gerbaldo / Marcos: Renato Pinto

Covers Femeninos: Lucia Clavel (Claudia y Olga) – Dolores Basualdo (Verónica, Emma y Raquel)

Cover Masculino: Elias Bevacqua (Antonio, Gerbaldo/Marcos)

Rubén Viani

Dirección General

Actor, director de teatro y docente. Se formó en actuación con Julio Chávez, Augusto Fernández y Carlos Rivas. En dirección y puesta en escena con Augusto Fernández y Rubén Szuchmacher; en dramaturgia con Mauricio Kartun y en artes platicas con Elena Visnia, Nora Dobarro y Pablo Suarez. Ganador del Premio HUGO a mejor director de actores por Despertar de primavera. Realizó la dirección general de los espectáculos musicales Espíritu traidor, Los fabulosos ¡BUU! y Delirio Encantado. Y la dirección actoral y puesta en escena en los

musicales Por amor a Sandro, Despertar de primavera, Cabaret y Aladín… será genial. Actualmente dirige Lo que la naturaleza no da, de Juan Francisco Dasso y Como Juegan los perros, de Lucas Ranzani (3ra temporada). Dirigió las obras de texto: Opción Múltiple de Luis Maria Moncada, Cabaña Suiza de Lautaro Vilo, Fuera de juego de Alfredo Allende, La Tienda. Poder. Pueblo. Revolución y Breve reseña sobre el final de las cosas de Gustavo Lista, El efecto de los rayos gamma sobre las caléndulas y Largo adiós de Tennesse Williams, Sobre el daño que hace el tabaco de Antón Checov, El bello indiferente de Jean Cocteau, La señorita Julia de Agust Strindberg, La última cinta de Samuel Becket, El difunto de René de Obaldia y El montaplatos de Harold Pinter, entre otras. Adaptó y dirigió Diario de un loco de Gogol. En cine co-protagonizó la película Por tu culpa dirigida por Anahí Berneri.

Hace 30 años dirige y es docente de RV – Estudio de Entrenamiento Actoral Rubén Viani. Además de ser docente, coordinador pedagógico y académico de la Licenciatura en Artes Escénicas de la Universidad UADE.

Fue nominado y galardonado en numerosas ocasiones como, por ejemplo, la obtención del Premio Hugo a “Mejor Dirección de Actores” por Despertar de primavera en 2010 y el Premio Mejor Docente UADE en 2018. A su vez, cumplió con su rol de jurado en las Fiestas regionales de Teatro Independiente, Buenos Aires (en dos ocasiones), en “Cosecha escénica”, Rosario, Santa Fe y en el

Concurso de teatro de La Comedia de la Ciudad de La Plata.

Juan Pablo Schapira

Dirección musical – Composición musical Músico, cantante y actor. Estudió teatro con Ramón Díaz y con Mónica Bruni. Canto con Marcelo Albamonte; piano con Ariel Mizrahi; armonía y composición con Silvio Arocha.

Dentro de sus últimos trabajos, destaca su rol como autor de música y letras, arreglador, director musical y director vocal en proyectos como “ Personas que se encuentran en lugares” (2022), “Solita y sola” (2019), “Lo quiero ya” (2017-2019), “Mamá está más chiquita” (2017 – 2019) y “Hotel Neurotik” (2019).

Vanesa Gracía Millan Dirección coreográfica Formada en el Instituto Coreográ-

fico Argentino (ICA), en las disciplinas de Danzas Clásicas, Jazz, Tap y Danzas Españolas. Ha perfeccionado sus estudios a nivel nacional con Josefina Serrano, Alfredo Gurkel, Rodolfo Olguín, Noemí Coelho, Moira Chapman, Elizabeth de Chapeaurouge, Laura Roatta, entre otros, y a nivel internacional en New York en Broadway Dance Center y Steps Studios. Ha realizado el Curso de Pedagogía para la Danza dictado por la Maestra Teresa Kulka. Completando su formación con estudios de Canto y Actuación.

Ha participado como bailarina en Caravan, The Jazz Musical, Teatro El Nacional, Romay Producciones, Sweet Charity, Teatro Lola Membrives, Grimback Producciones, Revista Nacional, Teatro Ópera Suar Producciones, Peter Pan todos podemos volar, Teatro Ópera, Cie Producciones, Jazz Swing Tap, Teatro Broadway, Producción Alejandro Romay, La Magia de la Danza, Complejo La Plaza, Kally Garrido Producciones, Antígona Vélez, Teatro Colón de Bs. As. Dirección Juan Carlos Zorzi, Grandes Valores del Tango, entre los más destacados y en diferentes convenciones y shows televisivos.

Entre sus últimos trabajos destacamos su rol de coreógrafa en “Regreso a Patagonia” (2022), “Exacto! Live España” (2021), “La Granja de Zenón” (2018-20192021), “Casi Diva” (2015) y “Heathers” (2023), entre muchas otras.

TEHAGOLAPRENSA

Andrea Feiguin info@tehagolaprensa.com.ar

ESTRENO

“Café Central” de Mario Diament en El Tinglado

CAFÉ CENTRAL sucede a lo largo de un día en 1913 y otro similar en 1933. Las historias se entrecruzan y las conversaciones se enlazan, empujadas por los inevitables sucesos que se avecinan. El Café Central de Viena era el lugar de encuentro clave de esta extraordinaria elite. Entre sus habitués se contaban los escritores Stefan Zweig, Franz Werfel y Karl Kraus.

En los años previos a la Primera Guerra Mundial, Viena fue el centro del mundo intelectual y político europeo. La capital austríaca cobijaba simultáneamente a prominentes figuras locales y a un extraordinario grupo de refugiados de toda Europa.

El Café Central de Viena era el lugar de encuentro clave de esta extraordinaria elite. Entre sus habitués se contaban los escritores Stefan Zweig, Franz Werfel y Karl Kraus; los psicoanalistas Sigmund Freud y Alfred Adler, el filósofo Ludwig Wittgenstein, el pintor Oskar Kokoschka; Alma Mahler, la viuda del compositor y exiliados políticos como Trotsky, Stalin y el futuro mariscal Tito. También acudía ocasionalmente a vender sus acuarelas un extraño personaje llamado Adolf Hitler.

CAFÉ CENTRAL sucede a lo largo de un día en 1913 y otro similar en 1933. Las historias se

entrecruzan y las conversaciones se enlazan, empujadas por los inevitables sucesos que se avecinan. Las referencias son históricas pero lo que trasuntan son presagios de asombrosa actualidad, tan válidos para la Argentina de hoy como para el mundo.

¡ESTRENO EL 30 DE MARZO!

FUNCIONES: Sábados 20hs y

Domingos 18hs.

El Tinglado - Mario Bravo 948

Entradas desde $10.000

En venta por Alternativa Teatral

FICHA TÉCNICA

Autoría: Mario Diament

Actúan: Marcos Woinski, Junior

Pisanu, Gabriel Nicola, Mariano Engel, Amanda Bond, Alejo Mango, Sebastián Dartayete,

Nacho Stamati, Camila Truyol, Lucas Matey, Toto Salinas, Beni Gentilini, Arnoldo Tytelmamol

Diseño de vestuario: Daniela Taiana

Diseño de escenografía: Héctor Calmet

Diseño de luces: Miguel Morales

Realización de escenografía: Rina Gabe

Diseño gráfico: Nahuel Lamoglia

Asistencia de dirección: Marta Barnils

Prensa: Mutuverría PR

Producción ejecutiva: Alberto Teper y Mauro J. Pérez

Dirección: Daniel Marcove

Duración: 80 minutos

Prensa

Mutuverría PR

https://mutuverriapr.com/

PROGRAMACIÓN DE ABRIL

DE LUNES A VIERNES A LAS 18

HAPPY HOUR + JAZZ EN VIVO

AHORA DE LUNES A VIERNES:Gustavo Cortajerena trompeta, Sebastián Marcial Álvarez saxo tenor, Dante Carniel piano, Fran Nava contrabajo, Camilo Zentner batería. Entrada al sobre Descuento en tragos

LOS LUNES A LAS 20.30

LUNES DE JAZZ

SUCHERAS / DE MÓNACO /

ZENTNER

La Biblioteca Café a puro Jazz, presenta, en su 16º año al trío integrado por Angel Sucheras piano, Gerardo de Mónaco contrabajo y Camilo Zentner batería.

MARTES 9-16-23 Y 30 A LAS 16

NUEVO TALLER: X LA DRA.

OLGA GIENINI

MITOS Y LENGUAJES EN EL ORIGEN

“¿Qué son los mitos y por qué el lenguaje es tan importante en ellos? No son sólo una ficción, las palabras tienen poder. Es necesario volver al origen para entender y sanar. En este ciclo trataremos un nuevo tema, siempre relacionado con nuestra historia y nuestra identidad cultural: a partir de la idea del mito indagaremos en aquellos que com-

ponen un relato sobre el origen del mundo. Lxs espero” Olga Gienini.

MARTES 9-16-23 Y 30 A LAS 20.30

BANDA BRODER BASTOS CONVIDANDO MÚSICAS DE BRASIL

Los martes el guitarrista, bajista, compositor y cantante Broder Bastos junto al baterista Camilo Zentner, presentan un show de música popular brasilera. Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque, Milton Nascimento y más! Con Miguel Oyuela en guitarra y como invitado especial Rodrigo Aberastegui en piano. Promoción en tragos.

Martes 2 a las 20.30

ANNABEL PERSONENI PRESENTA SUS CANCIONES

La cantante parisina Annabel Personeni se presenta nuevamente en La Biblioteca Café, esta vez con sus temas originales. Acompañada por su ukelele y por Jesús Gómez en cello nos llevará con ella en sus aventuras viajeras en tres idiomas.

Miércoles 3 a las 21

JENNG SINGS NEW YORK

PIANO BAR

JennG canta temas que ha tocado a lo largo de su vida en clubes nocturnos de Grecia, bares parisinos, piano bars de Nueva York, y aquí en Buenos Aires. Su repertorio incluye desde los estándares de jazz hasta éxitos de los años 60 y 70, incluyendo canciones popularizadas por Ella, Sinatra, Nina, Carole King, Joni, Bacharach y más. Esta noche invita a la audiencia a las peticiones de su extenso repertorio. Con Nacho Moze en batería.

Jueves 4 a las 21

EVA BRUNA presenta: MUJERES

4 mujeres cantan tango: Eva Bruna, Aisha la Polaca, Edith Margulis y Claudia Centicello, acompañadas por los músicos Juan Martínez en guitarra y arreglos, Carla Algeri en bandoneón, Paula Liffschitz en flauta traversa y Pata Corvani en percusión.

Viernes 5 a las 21 LOS TEMIBLES BLUES

Los Temibles Blues es una banda que ha dejado su huella en la escena musical local con su talento y su amplio repertorio que abarca desde el blues y el rhythm and blues hasta baladas, show, boleros, soul y jazz. Componen la Banda: Gerardo Russo voz y guitarra, Ezequiel Romio bajo y Roberto Willis batería, y en esta oportunidad, con la participación de Maximiliano Ghielmetti en armónica. Con una atmósfera íntima y acogedora, La Biblioteca Café proporcionará el ambiente ideal para disfrutar de la música en vivo en su máxima expresión.

C.A.B.A.

Sábado 6 a las 21

ALMALUSA / CASA DE FADOS NOVENA TEMPORADA

En su novena temporada Almalusa presenta su ya clásico espectáculo de fados y música portuguesa, con un intenso recorrido por el fado que nos permitirá sumergirnos en la calidez y la intimidad del género. Integran Almalusa: María Laura Rojas y Dulio Omar Moreno voz, Juan Pablo Isaía guitarra portuguesa, Luis Cativa Tolosa guitarra Martin Pantuso contrabajo

Domingo 7 a las 20.30

MARISA INI + TRÍO

JAZZ Y MAS

La voz de Marisa Ini junto a Dante Carniel en piano, Leo Páez contrabajo y Camilo Zentner batería

Miércoles 10 a las 21

REUNION CUARTET

UN TRIBUTO AL TRIO DE OSCAR PETERSON CON MILT JACKSON..

Ignacio Grosso en piano,

Franco Caffa en batería, Federico Esper en contrabajo, Pedro Montes de Oca en vibráfono.

Jueves 11 a las 21

MARIANO CASTRO CLERICI JAZZ TRIO

Los destacados músicos de la escena joven de jazz porteño Mariano Castro Clerici en piano, Fran Covito en contrabajo y Nicanor Faerberg en batería, se presentan en La Biblioteca Café con un programa en el que homenajean la música de los grandes pianistas de los años ’50 y ’60, como Bud Po-

well, Ray Bryant, Sonny Clark, Red Garland, entre otros, junto con un repertorio de standards clásicos de jazz. Compartiremos una noche alrededor de la música, recreando piezas tradicionales del jazz y estilos que oscilan entre el swing y el bop.

Viernes 12 a las 21

ROBERTO SERESTEIRO & CONJUNTO CADÊNCIA DO CHORO

Música tradicional brasileña. valsa, seresta, canção, modinha, choro, samba, samba-canção y samba-de-breque. Reviviendo la época de oro de la radio!El repertorio de este show nos traslada a las décadas de 1920, 30 y 40, abarcando emblemáticos compositores como Noel Rosa, Catullo da Paixão Cearense, Bororó, João de Barro, Pixinguinha, Germano Mathias, Cartola, Ciro Monteiro, Francisco Malfitano,

entre otros. Roberto Seresteiro canta acompañado por Federico Szenkierman guitarra, Mercedes Ragusa bandolim, Joan Bergunker pandeiro, Nicolas Medel cavaquinho, Agustín Shifres flauta, Javier Mozzi guitarra.

Sábado a 13 las 21 HARD BOP LEGACY 5tet JAZZ

El quinteto integrado por Gustavo Cortajerena trompeta, Dante Carniel piano, Fran Nava contrabajo, Sebastián Marcial Álvarez saxo y Camilo Zentner batería interpreta composiciones de Jazz de finales de los años 50´s. Con temas de Hank Mobley, Art Blakey & the Jazz Messengers, Jimmy Heath, Freddie Hubbard, entre muchos otros mas.

Domingo 14 a las 17

TARDE DE ÓPERA Y ZARZUELA

LÁSICO Y ROMÁNTICO:

Arias, dúos y conjuntos en escena de Carmen, Las bodas de Figaro, Don Giovanni, El barbero de Sevilla, Luisa Fernanda y La Gran Vía. GladysAlbicoro Marin, mezzosoprano, Florencia González, soprano, Gerardo Russo, barítono, Juan Spaini, barítono, Viviana Lazzarin, piano

Domíngo 14 a las 20.30 JAZZ 4

Jazz 4 recrea la música de Duke Ellington, Benny Goodman, George Gershwin y mas. J4 tiene más de treinta años de trayectoria, destacándose por sus arreglos y el swing de su propuesta. Está integrado por Nestor Barbieri en guitarra, Gustavo Firmenich en saxo tenor y clarinete, Agustina Lucero contrabajo y Francisco Martinez batería.

Miércoles 17 a las 21

RICCARDO MANFREDI QUAR-

TET

Vuelve a Buenos Aires el saxofonista tenor italiano Riccardo Manfredi con un repertorio bop revisado en forma moderna. Riccardo Manfredi es conocido por su forma versátil de tocar el saxo, particularmente en el registro muy alto. En Italia en los años noventa fundó un grupo de música latin jazz llamado Calypso Night con el que se dio a conocer a nivel nacional. Además del jazz, Manfredi ha compartido profesionalmente el campo del soul con músicos de Memphis. En esta oportunidad lo acompañan Lautaro Julio piano, Nicolás Chamorro contrabajo, Aro Cáceres batería

Jueves 18 a las 21

JUAN CORNEJO MOMENTOS

Juan Cornejo trae en esta oportunidad un renovado repertorio romántico de boleros y baladas, siempre con el excelente acompañamiento musical de Pablo Martinez Zuviría en piano y dirección musical, Damien Poots

LAPLATA C.A.B.A.

en guitarra y Lucas Argomedo en bajo, se completa la propuesta de esta noche tan especial. Por El, Si Tuviera que Elgir, Momentos serán algunas de sus interpretaciones que podremos disfrutar

Viernes 19 a las 21 RODRIGO CHARMIELLO CANCIONES DE TANGO Y OTRAS YAPAS

Canciones de variados géneros y temáticas comunes a todos los que vivimos y amamos con pasión e intensidad pero también con incertidumbre, desengaños y fragilidad. Un paseo por sentimientos tan simples y humanos como los que nos depara vivir… a través de una canción. Rodrigo Charmiello voz, Ezequiel Dalairac piano

Sábado 20 a las 21 MEDIANOCHE EN PARIS

Los grandes poetas de la canción francesa, desde los antiguos trovadores hasta los cantautores que revolucionaron la música popular, a partir de Charles Trenet hasta Edith Piaf,

Barbara, Jacques Brel y Georges Brassens, en la voz de Edith Margulis y el acompañamiento de Simón Martins en piano y voz.

Domingo 21 a las 17

DÚO SOLDINI-ZARB OBRAS DE BEETHOVEN Y SCHUMANN

El dúo de cámara conformado por Román Zarb cello y Carlos Soldini piano interpretarán: Doce variaciones sobre un tema del Oratorio de Händel “Judas Maccabeus”; de Ludwig Van Beethoven. “Fantasiestücke”, Op. 73, en La mayor, de Robert Schumann. Sonata para cello y piano N° 3, Op. 69, en La mayor, de Ludwig Van Beethoven.

Domingo 21 a las 20.30

CARLA ALGERI EN DUO CON ARMANDO DE LA VEGA TIEMPO ESPERADO

La Maestra Carla Algeri llega de la mano de la obra del Maestro Néstor Marconi para sumergirnos en este Tiempo Esperado, un proyecto musical de la Maes-

tra Carla Algeri que llevará adelante este año, y en el que incluirá por primera vez repertorio de su autoría, sumado al de su Maestro e incluyendo música de la autoría de quienes la acompañaran en el escenario. En esta oportunidad junto al Maestro Armando de la Vega, lleva adelante este encuentro con el deseo de transmitir a través de la música, la historia que los une. Después de Juntos 20 Años, Dos y Dos son Tres, Lo que Vendrá… Finalmente llegaron a este… Tiempo Esperado… Un momento musical para emocionarse. Carla Algeri bandoneón, Armando de la Vega, guitarra.

Jueves 25 a las 21

GISELA SARA / ARIEL ARGAÑARAZ

TANGO Y MÚSICA LATINOAMERICANA

Gisela Sara voz, Ariel Argañaraz guitarra. Invitado Quique Sinesi

Viernes 26 a las 21

ARGENTINA... VO’ QUIEN

SO’?

CARLOS DEL PINO Sos el habitante originario? Sos la mezcla gaucha de indio con español? Sos hija del inmigrante europeo? Tu música es el mejor testigo de quién sos! Zamba, tango, chacarera, candombe, milonga...Carlos del Pino acompañado en el piano por Ezequiel Dalairac te propone un viaje histórico musical para desandar caminos con música y relatos donde tal vez entre todos podamos responder esa pregunta...

Sábado 27 a las 17

JAZZTEROIDE JAZZ CUARTETO

Somos Oscar Cammarota piano y teclados, Sergio Meirovich saxos, Ernesto De Vittorio bajos, Félix Spector batería Hace tiempo que venimos tocando, tratando de hacer buena música para defender nuestra cultura. Nos dedicamos fundamentalmente a reversionar temas de jazz ,bossa y soul de importantes compositores como Weather Report, Yellow Jackets, Chick Corea, Michel Legrand, Wayne Shorter y otros.

Sábado 27 a las 21

PARLAMI D’AMORE CANCIONES DE LA ITALIA ROMÁNTICA - SEXTA TEMPORADA

Porque el amor nos salva, por

LAPLATA C.A.B.A.

que el amor nos eleva, porque el amor nos transforma. Hablemos de amor! Soñamos, sufrimos y vibramos con las más bellas canciones y canzonettas de todos los tiempos. La soprano Susana SánchezLaganá y el tenor Rodrigo Charmiello. nos llevan a recorrer los tiempos de Modugno, Di Bari, Zanicchi ó nos trae imágenes de Cinema Paradiso y El Padrino sin dejar de volar con Bellini ó Tosti.

Acompañan otros dos fanáticos del amor: Ezequiel Dalairac al piano y Simón Martins en violín.

Domíngo 28 a las 20.30 SEXTETO AZAHARES CANTO EN LA RAMA

Azahares es un sexteto vocal mixto, surgido a partir de la inquietud y el deseo de abordar arreglos desafiantes sobre temáticas invisibilizadas en nuestra cultura. Está formado por un conjunto de jóvenes, directores, mú-

sicos y cantantes, y en este proyecto indaga en las identidades forjadas a partir de la canción y la poesía de noroeste argentino, urbana rioplatense y latinoamericana en su sentido más amplio. Los arreglos son de músicos muy reconocidos Eduardo Ferraudi, Mario Esteban y Javier Zentner, y también del director del grupo Tamino Andrenacci, Integran Azahares: Alejo Trosman bajo, Tamino Andrenacci barítono y dirección, Fernando Panyagua tenor, Anastasia Dillon mezzo, Maia Wierzbinzky y Camila Warner sopranos

RESERVAS

116515-9514 y 4811-0673

Marcelo T. de Alvear 1155 edith@labibliotecacafe.com.ar

KARINA CORRADINI presenta Tributo a Natalie Cole Música

La cantante argentina radicada en Los Ángeles vuelve a Buenos Aires para homenajear a la gran artista norteamericana.

SÁBADO 27 DE ABRIL

20:30h en JAZZ VOYEUR, Posadas 1557, Recoleta.

Entradas $7.500 y $8.500 disponibles en Passline

Karina Corradini junto a Ro-

mina Fuchs (piano), Emanuel Brusa (saxo), Leonel de Francisco (trompeta), Leonel Cejas (contrabajo) y Bruno Varela (batería).

En este espectáculo Karina recorrerá el cancionero de la destacada intérprete estadounidense de jazz Natalie Cole con un grupo de músicos nacionales de primer nivel.

El repertorio será basado en arreglos originales de la pianista argentina Romina Fuchs y del pianista Mark Massey, quien integra el quinteto de Karina en Los Angeles.

Karina interpretará algunos éxitos que la cantante Natalie Cole ha presentado en varios de sus mejores discos, abordando una gran variedad de ritmos que,

además de swing, incluyen blues, baladas, boleros, chachachá y música soul.

Radicada desde hace más de 20 años en Los Angeles, California, la cantante Karina Corradini se ha presentado en los mejores clubes de jazz de esa ciudad junto a prestigiosos músicos de la escena internacional.

En el año 2019 Karina lanza su primer disco, “Bridge to Infinity: Tribute to Zane Musa”, con el extraordinario contrabajista, arreglador y director musical, Christian McBride (Ganador de 8 Grammys y actualmente director del Newport Jazz Festival) quien arregla, dirige y toca en 9 de los 15 temas del álbum.

Este trabajo cuenta con la participación de artistas de altísima trayectoria, como el trompetista Nolan Shaheed, (quien fue director musical de Marvin Gaye y ha tocado con Duke Ellington y Sarah Vaughan, entre otros), Munyongo Jackson (percusionista de Miles Davis y actualmente de Stevie Wonder), Mahesh Balasooriya en piano, Zane Musa en saxo (ambos músicos de Arturo Sandoval) y la colaboración de otros talentosos artistas.

Tiempo antes de la edición de “Bridge to...”, se conoció la noticia de la muerte en un accidente automovilístico del saxofonista Zane Musa, motivo por el cual Karina decidió homenajearlo desde el título del álbum. El disco obtuvo excelentes comentarios de la prensa especializada, en medios como DownBeat Magazine, All About

Jazz, JazzPage.com, Jazz Weekly, entre otros. Así mismo, fue difundido en importantes radios de EEUU, incluyendo WBGO de New York City y KJazz de Los Angeles.

“Si bien la cantante deja mucho espacio para que la banda de acompañamiento se estire, es su presencia vocal lo que capta la atención de los oyentes.” J.Poet - DOWN BEAT MAGAZINE

https://downbeat.com/reviews/de tail/bridge-to-infinity

“Bridge to Infinity: Tribute to Zane Musa” está disponible en formato CD y en las plataformas Spotify, Apple Music, iTunes, Amazon y Deezer:

https://karinacorradini.hearnow.c

om

VIDEOS:

EPK “Bridge to Infinity: Tribute to Zane Musa”:

https://www.youtube.com/watch? v=cp8q60eKsRo&t=292s

“What a little moonlight can do” en vivo:

https://www.youtube.com/watch? v=GfEo31wcoOo

BIOGRAFÍA

Karina Corradini es originalmente de Buenos Aires, Argentina, donde comenzó a cantar profesionalmente a la edad de 18 años, liderando su propio sexteto de jazz, “Karina Corradini y la Summer Band”. Ha trabajado con muchos prominentes músicos de la es-

cena del jazz local, incluyendo a Horacio Larumbe, Luis Salinas, Carlos “Patan” Vidal, Willy Crook, Juan M.Valentino, Alambre Gonzalez, Jorge Pasquali, Oscar Giunta, Juanjo Hermida, Manuel Fraga, Angel Sucheras, Pablo Motta, Quintino Cinalli, Hernan Jacinto, Pablo Raposo, Leo Cejas, etc.

Su repertorio está basado principalmente en standards de jazz y bossa nova. Karina ha tocado en algunos de los más prestigiosos jazz clubs y teatros de Buenos Aires por más de 15 años, como el Teatro Coliseo, Jazz Club de La Plaza, el ciclo Jazzología, Thelonious Bar, Notorious, Bebop Club, Virasoro,Clásica y Moderna, Niceto, Las Cortaderas, La Dama de Bollini, La Peña del Colorado, Oliverio Mate Bar, Tobago, Mundo Bizarro y muchos otros.

Durante 1994 y 1995 Karina realizó dos giras con su propio quinteto en el sur de Brasil, presentándose con gran éxito en distintos clubes de las ciudades de Camboriú y Florianópolis.

En 1999, Karina se mudó a Estados Unidos para estudiar música e Inglés. Comenzó cantando con Tyrone Marriner en su banda “US”, de Rhythm and Blues, con quien actuó en varios sitios de Los Angeles. Luego comenzó a tocar con su propio grupo de jazz en importantes jazz clubs y restaurants.

En el año 2005 fue invitada a cantar en el Harlem Renaissance Festival, en New York,y

diez años después se presentó en La Habana Cuba, como invitada especial del prodigioso y aclamado pianista cubano Dayramir Gonzalez Vicet.

En Los Angeles Karina ha tocado y aún trabaja con algunos de los mejores músicos de la ciudad, como Mahesh Balasooriya, Rene Camacho, Zane Musa, Roy McCurdy, Will Lyle, Murray Middlemam, Stephan Oberhoff, Larry Steen, Mike Shapiro, Otmaro Ruiz, Aaron Serfaty, John Belzaguy, John B. Williams, Chris Colangelo, Vardan Ovsepian, Jimmy Branly, Tom Garvin, Mark Massey, Rickey Woodard, Munyungo Jackson, Nolan Shaheed, Clayton Cameron y muchos más.

Estudió la carrera de Jazz Studies en Los Angeles Community College y se formó en la técnica vocal de Seth Riggs (Speech Level Singing, profesor de Natalie Cole, Barbra Streisand, Michael Jackson, Stevie Wonder, entre otros). Además, se perfeccionó con maestros del jazz como Sheila Jordan, Jay Clayton, Mark Murphy, Rhiannon, Kevin Mahogany y Luciana Souza participando de clases e intensivos seminarios con los mismos en varias ocasiones.

En el año 2019 lanzó “Bridge to Infinity, Tribute to Zane Musa”, su album debut, con el reconocidísimo contrabajista de jazz Christian McBride, quien hace de productor musical, arreglador y bajista en la placa discográfica.

Actualmente Karina se encuen-

tra trabajando en su segundo disco, con arreglos de Josh Nelson, pianista de Natalie Cole, y Marcel Camargo, el guitarrista de Michael Bublé, álbum que planea presentar el próximo año.

Página Web:

http://karinacorradini.com

Facebook:

https://www.facebook.com/karinacorradini.music

Instagram:

https://www.instagram.com/kari-

nacorradinijazz/

Canal YouTube:

https://www.youtube.com/KarinaCorradini

Contacto Prensa: Yamila de la Fuente yamiladlf@gmail.com

Video

Bridge to Infinity Tribute to Zane Musa - EPK Complete

https://youtu.be/cp8q60eKsRo?f eature=shared

EMA TAHIEL presenta su disco

“Entre tiempo”

grabado en Primera Toma

Ema Tahiel, virtuoso cantante, compositor y multiinstrumentista chileno presenta mundialmente su nuevo álbum titulado “Entre Tiempo”, una magnífica pieza grabada a la vieja usanza, en crudo y en primera toma, dándole entonces una mística particular al mismo.

Un compendio en formato trío se hace presente en este nuevo álbum acústico, donde Ema Tahiel agrega, como track inédito, “Precipicio”; single folk que manifiesta la jauría de versos que el compositor nos tiene acostumbrados a recibir. Disco inmortalizado en una jornada de tres horas de grabación, en el cual, las siete piezas escogidas, dan testimonio del oficio del cantautor al defender sus canciones.

Este nuevo álbum nos demuestra el nivel de complicidad entre Ema Tahiel y sus camaradas, Christian Carrasco e Iván Fredes, mientras, en directo, ejecu-

tan el juego. Nos permite reconocer potencia, sensibilidad, junto a todos los factores posibles para considerar “Entre Tiempo”, un disco de clásicos que nos permitirá volar de principio a fin.

Ema Tahiel ha sido destacado por la fundación Pablo Neruda tras descubrir su llamativa lírica, al momento de contarnos histo-

rias; esta virtud, se refleja abiertamente en canciones como “Estrella”, “Tiempo” y, sin lugar a dudas, en cual desee el oyente profundizar, al sentirse representado.

Escuchá “Entre tiempo” en Spotify

Escuchá “Entre tiempo” en Youtube:

Seguí a Ema Tahiel en IG:

https://www.instagram.com/ematahiel.oficial/?hl=es-la

SG PRENSA Y DIFUSIÓN

Susana Galarza

sgprensaydifusion@gmail.com

https://linktr.ee/sgprensaydifusion

Video

Los ojos de Betty Boop

https://youtu.be/XlkaJI0YX-Q?feature=shared

MARINA FAGES presentó ¨EL MUNDO PEQUEÑO¨

Entre el hardcore punk y el sonido experimental, Marina Fages invoca el sonido del viento para entregarlo a su público y lo transforma en un grito gutural que aviva el fuego o atrae tormenta. Su último disco “El mundo pequeño” combina un rock oscuro y textural con elementos del hardcore, el mathrock y el pop punk.

El pasado 23 de marzo Fages presentó su nuevo disco en Niceto Club junto a su banda de talentosas músicas e invitados muy especiales que vendrán a compartir otras canciones, mientras se prepara para una gira en

Europa que la llevará a tocar por España, Francia, Inglaterra, Islandia y Alemania.

Con una performance en vivo explosiva, intensa, emotiva y onírica, Marina desarrolla toda su versatilidad artística en pos de entregar al público una experiencia única e irrepetible como su sensibilidad artística.

“Quiero gritar estas canciones con ustedes y sacarnos la mierda. El mundo es cada vez más oscuro y necesito volver a creer que todo puede ser mejor. Lxs espero con mis canciones y mis amigas para crear un refugio

donde podamos sentirnos más fuertes para enfrentar todo lo malo que pasa afuera”.

“El mundo pequeño” (elegido por la Rolling Stone como uno de los mejores 5 discos de Argentina en 2023) es el primer disco que Marina Fages compone y produce artísticamente en búsqueda de una visión más nítida y sincera de su mensaje.

La Sirena Punk, música y muralista presenta “El mundo pequeño” cuyas canciones exploran un rock más oscuro y textural, con influencias de math-rock, hardcore punk y stoner pero también arreglos experimentales y baladas de ensueño, transitando por este pequeño mundo donde se concentra el todo, y la dualidad humana de ser destructores y creadores al mismo tiempo. Hay guitarras aullantes como viento patagónico, ritmos feroces y cantos de sirena que suenan mientras el mundo se acaba y

todos fingen demencia.

La puerta de entrada a este pequeño mundo está acompañada del videoclip de “Aguardiente”, la tercera canción del disco, que nos invita a un viaje iniciático en clave hardcore punk. Fue grabado en la parte en construcción del nuevo C.C.Matienzo y dirigido por Marina Fages y Gustavo Fabián.

“El mundo pequeño” fue grabado en Buenos Aires con producción musical integral de Marina, quien además realizó todo el registro de las guitarras, bajos y vientos, y contó con el apoyo en mezcla e ingeniería de audio de Martin Misenta, y el mastering de Brian Iele. Además, para las baterías se contó con la potencia de la virtuosa Mailén Eliges y Germán Rodríguez (Avernal, Eterna Inocencia) quienes brindaron el tono preciso a las composiciones de Fages, dada su especial atención a las baterías. El disco también cuenta con invitados es-

telares de la talla de Melanie Williams, la banda de hardcore punk Eterna Inocencia y el gaitero español Germán Ruíz.

Marina Fages es una artista multi-disciplinaria. Crecer en Tierra del Fuego, sur de Argentina, fue el combustible elemental para pintar paisajes de bosques y rocas, así como los aullidos de guitarras, voces y flautas que en sus composiciones asemejan al viento incesante de la Patagonia. Este año sacó su disco “El Mundo Pequeño”, producido por la artista, cuyas canciones ex-

ploran un rock más oscuro y textural, con influencias de mathrock, pop, hardcore punk y stoner. Grabó 4 discos e hizo giras musicales, muestras y murales en Latinoamérica, Europa y Japón. Fue telonera de Metallica, participó en las sesiones de la radio estadounidense KEXP y del Primavera Sound en Buenos Aires además de girar por varias ciudades de Argentina. En 2024 planea seguir presentando su disco en Argentina y Europa.

Tanto en formato solista como acompañada de su banda, ya sea en una sesión de KEXP o abriendo para Metallica en un estadio Marina Fages une intensidad y sensibilidad en su performance en vivo, alternando momentos de energía explosiva con estados oníricos donde experimenta con su rango vocal.

Prensa:

Nadya Cabrera nadyacabreraprensa@gmail.co m

Video: Marina Fages - Aguardiente https://youtu.be/FdqOkSXiJxE?f eature=shared

MAURO CONFORTI & LA VIDA MARCIANA presentan MISMO LUGAR

(nuevo single y video lyric)

Mauro Conforti dió inicio al emocionante proyecto de su álbum conceptual “Esplendor” en el año 2020.

Su visión era crear una obra musical que capturara la esencia de las cuatro estaciones del año, y para lograrlo, planeó lanzar veinte canciones divididas en cuatro volúmenes (EPs). El volumen de primavera “Esplendor Vol 1” se lanzó en 2021, seguido por el volumen de verano “Esplendor Vol2” y el de otoño “Esplendor Vol 3” en 2022.

En 2023 se lanzó “Todo de mí(todo de vos)”, el primer sencillo adelanto del Vol 4.

Antes de cada lanzamiento se lanzaron singles adelanto, lo que permitió explorar una variedad de contenidos visuales para cada canción.

“MISMO” LUGAR, es el segundo sencillo del último EP “Esplendor Vol4”, el volumen del invierno se revelará un mes y medio luego de este lanzamiento, culminando así un proceso creativo y un

viaje musical de cuatro años. Este increíble álbum también contará próximamente con una destacada presentación en vivo en ciudades de Argentina, México y España, y además estará disponible en una exclusiva edición en vinilo.

Grabado en Spector Studios, uno de los estudios más importantes de la Ciudad de Buenos Aires en 2023 por Mauro junto a su su banda La Vida Marciana y en coproducción con Luciano Pedreira.

ACERCA DE MISMO LUGAR

Esta nueva canción con influencias de Los Gatos y George Harrison captura la esencia de la repetición constante en nuestra búsqueda individual, donde cada uno encuentra su propio camino de manera única. A través de una comparación poética con las cuatro estaciones del año, la canción muestra cómo, al igual que las estaciones, todos coexistimos con nuestra propia esencia. Además, invita a reflexionar sobre la transición de una estación a otra, donde dejamos atrás lo antiguo para dar paso a la mejora y evolución personal. El video lyric es una cautivadora compilación de imágenes en súper 8 del archivo familiar de Mauro.

FICHA TÉCNICA

(Música y letra: Mauro Conforti y Mariano Romano)

Mariano Romano: Guitarras

Manuel Caizza: Batería y percusión

Paco Arancibia: Bajo

Mariano Campoliete: Guitarra acústica

Mauro Conforti: Teclados y voz

Grabado en Spector Studios en 2023

Ingeniero de grabación y coproducción: Luciano Pedreira

Ingeniero de mezcla: Juan Jacinto

Ingeniero de mastering: Danel Ovie

Arte de tapa: Tian Firpo y Mauro Conforti

DISPONIBLE EN PLATAFORMAS DIGITALES

ACERCA DE MAURO CONFORTI

Músico, productor, tecladista y compositor argentino. Tras haber colaborado con distintos artistas, en 2008 da vida al proyecto Mauro Conforti y la Vida Marciana.

Con 5 álbumes grabados en Spector Studios de la ciudad de Buenos Aires: La Vida Marciana (2009), Los Anteojos (2013), La Bestia de la Energía (2018), Torino, Música de Película (2020),

Esplendor Vol 1, 2 y 3 (20212023).

En sus discos Mauro ha sumado importantes colaboraciones como Fito Páez, Ariel Rot, Juliana Gattas (Miranda), Rayos Láser y María Barracuda (JotDog), entre otros. Su disco La Bestia de la Energía fue nominado a los Premios Gardel 2019 en la categoría “Mejor Álbum Masculino Pop”.

También realizó dos soundtracks de películas Torino (2010) y Weekend (pronta a estrenar) Actualmente se encuentra lanzando Esplendor, un disco conceptual inspirado en cuatro volúmenes (EP) inspirado en las cuatro estaciones del año.

Contacto de Prensa

Jorge Pereira - Martín Craver IG @medioshabiles

FB @medioshabilescom

TW @Medioshabiles

medioshabilescom@gmail.com

Video

Mauro Conforti & La Vida Marciana - Mismo Lugar (Video Lyric)

https://youtu.be/94E3N1nh6A?feature=shared

VANESA MARTÍN presenta ‘4 PAREDES’

Junto a YAMI SAFDIE

Vanesa Martín es una de las artistas femeninas referentes y más consolidadas de España y Latinoamérica. Una artista hecha a sí misma, autora e intérprete de todos sus temas, con una personalidad y capacidad de conexión única, que fusiona de manera versátil diferentes géneros como el pop contemporáneo, el rock y la música de raíz. Después del lanzamiento de su octavo disco de estudio “Placeres y pecados”, nominado al Latín Grammy el pasado año, y de una gira exitosa por España, Latinoamérica y EEUU presenta “4 paredes” junto a Yami Safdie.

Yami Safdie es una cantante argentina de 26 años cuyo sonido particular y letras sinceras han llegado a millones de corazones. Nacida en Haedo, Buenos Aires, Yami ha estado cantando desde que nació y comenzó sus estudios en teatro musical a los 9 años. A los 19 años decidió compartir su voz en redes sociales, lo que la llevó a tener 3.7 millones de seguidores en Tik Tok y más de 1 millon en Instagram. En 2022, Yami lanzó su primer álbum “Dije Que No Me Iba a Enamorar” el cual ya acumula más de 100 millones de reproducciones solo en Spotify y más de 3 millones de oyentes, y ha sido nominado para los Premio Gardel. Actualmente, está a punto de comenzar su primera

gira nacional junto con su nuevo álbum “SUR”.

Producida por Mercaderlab, “4 paredes” es una canción que nació en la última edición de She

Sounds en 2023, un camp de composición para mujeres compositoras, artistas y productoras en Madrid que contó también con la colaboración de Road Ramos como productora. Un

tema con una influencia de chacarera, de gran profundidad y llena de emoción donde ambas artistas conjugan perfectamente su talento e interpretación. Y como resultado tenemos esta maravillosa canción.

Vanesa: “ Conocí a Yami un día en las oficinas de Warner. Una persona de su equipo insistía en que teníamos que conocernos y juntarnos. Cuando llegué a casa busqué su música, y me gustó mucho su propuesta, su personalidad y su mensaje. En She Sounds finalmente nos juntamos. Teníamos claro que queríamos hacer algo con mucha identidad, llegar a ese punto de mestizaje entre su cultura y la mía. Argentina es un país que amo, al que llevo años yendo de gira, me ha llenado de momentos inolvidables y su folclore me fascina. Fue muy fácil navegar con ella en esta aventura. Es maravillosa, tiene un talento increíble y estoy feliz con el resultado y la verdad que guarda”.

Yami: “Estar en el estudio con Vanesa es muy loco, porque ella es una gran referente y una gran compositora con una gran trayectoria. Al principio me dio un poco de miedo, un poco de vergüenza estar con ella y opinar y trabajar juntas. Pero la verdad es que desde el primer momento ella fue super amorosa y amable y me hizo sentir súper cómoda. Empezamos a fluir muy bien juntas, hablamos de qué teníamos ganas de decir en la canción, qué tipo de música teníamos ganas de hacer. A ella le interesó mucho probar algo parecido a una chacarera, pero fusionado también con sonidos españoles.

Entonces Vanesa agarró una guitarra, empezó a tocar unos acordes y a raíz de eso empezó a fluir toda esta historia de “4 paredes”. Terminamos la canción, después grabamos las voces cada una desde su país, y luego nos juntamos en Madrid nuevamente para grabar el vídeo, y quedó esta canción hermosa”.

Indigo Press

nicolastavella@indigopress.com. ar

YAMANDU COSTA en

Buenos Aires

Única presentación en Argentina

Viernes 19 de abril 19:30 Hs Gran Sala de la Ciudad Cultural Konex

Sarmiento 3131, CABA.

Entradas a la venta en: https://www.cckonex.org/espectaculo/yamandu-costa/

Ganador del Latin Grammy 2021 a Mejor Álbum Instrumental y considerado un revolucionario de la guitarra y uno de los más grandes fenómenos de la música brasileña de todos los tiempos, Yamandú se presentará ante el público argentino luego de casi 5 años.

Con su singular guitarra de siete cuerdas mezcla su espíritu creativo con la música clásica brasileña del choro, la bossa nova o la samba, y también de las milongas, tangos o zambas.

Un vuelo sonoro por las raíces de Latinoamérica en una propuesta musical intimista en la que despliega su increíble desempeño instrumental y la forma apasionada de transmitir su arte.

EL CONCIERTO

En formato solista, con su guitarra de siete cuerdas, durante 80 minutos su espíritu creativo visitará las músicas brasileñas como el choro, la bossa nova o la samba. Además de algunas milongas, tangos o zambas.

Un vuelo sonoro por las raíces de Latinoamérica en una propuesta musical intimista en el que, uno

de los más grandes guitarristas de Brasil y referente mundial de la música latinoamericana, desplegará ante el público argentino, su increíble talento instrumental y la forma apasionada de transmitir su arte.

ACERCA DE YAMANDU COSTA

Aclamado por la crítica, Yamandu

Costa ha encantado al público allá donde vaya con sus inusuales habilidades y su sonido. En sus inolvidables actuaciones –solo, acompañado de otros músicos o con orquestas– lleva la impronta de la música del sur del continente americano, pero incursiona admirablemente en diferentes géneros musicales, formando una rara simbiosis con su guitarra

de siete cuerdas.

A pesar de ser joven, Yamandu Costa ha tenido una larga trayectoria. Nacido en el seno de una familia de músicos del sur de Brasil, subió por primera vez a un escenario a los 5 años, cantando; a los 6 años su padre le regaló su primera guitarra. A los 21 años ganó el Premio Visa Instrumental, entonces el mayor reconocimiento de la música brasileña que le permitió grabar su primer disco solista. A partir de entonces inició una fructífera carrera: son varios álbumes, en solitario o en colaboración; innumerables conciertos en Brasil y en el extranjero e importantes premios y reconocimientos.

EN EL MUNDO

Es hoy el músico brasileño con mayor presencia en el exterior. Se ha presentado en escenarios de Francia, Portugal, España, Bélgica, Alemania, Italia, Austria, Suiza, Liechtenstein, Países Bajos, Monte Carlo, Suecia, Noruega, Dinamarca, Finlandia, Estonia, Eslovenia, Rusia, Lituania, Serbia, Grecia, Macedonia, Israel, Chipre, India, China, Japón, Corea del Sur, Zimbabue, Cabo Verde, Angola, La Reunión, Emiratos árabes Unidos, Turquía, Australia, EE.UU., Canadá, Ecuador, Cuba, Colombia, Chile, Argentina, Uruguay, México y Costa Rica.

ARTISTAS CON QUIENES TRABAJÓ

Compartió escenarios junto a artistas renombrados como: Bob McFerrin, Melody Gardot, Naná

Vasconcelos, Baden Powell, Richard Galliano, Stefano Bollani, Gilberto Gil, Djavan, Seu Jorge, Shelly Berg, Matt Rollings, Víctor Wooten, Vicent Peirani, Daniel Mille, Sylvain Luc, Stochelo Rosenberg, Sebastien Giniaux, Alfredo Rodríguez, Edmar Castañeda, Antonio Zambujo, Mayra Andrade, Carminho, Susana Travassos, Pepe Romero, Romero Lubambo, Slava Grigoryan, Juan Falú, LuisSalinas, Lucio Yanel, Pedro Jóia, Carlos Nuñez, Doug de Vries, Gerardo Núñez, Vladimir Sumin, Vladimir Markushevich, Hermeto Pascoal,

Mario Adnet, Sergio Assad, Paulo Jobim, Toquinho, João Bosco, Zeca Pagodinho, Ney Matogrosso, Marisa Monte,Roberta Sá, Dominguinhos, Renato Borghetti, Hamilton de Holanda, Armandinho Macedo, Elba Ramalho, Guinga, Ricardo Herz, Baby Consulelo, Henrique Cazes, Robertinho Silva, Época de Ouro, Trio Madeira Brasil, Guto Wirtti, Nina Wirtti, Grazie Wirtti, Rogerio Caetano, Alessandro Penezzi, Nicolas Krassik, Bebê Kramer,Danilo Brito, Zé Nogueira, Edu Ribeiro, Tiago Espírito Santo, Jazz Cigano Quinteto, Luis Carlos

Borges and Alegre Côrrea.

MÚSICA ACADÉMICA

En el campo de la música académica ha trabajado junto a los principales directores orquestales: Kurt Masur, Kristjan Järvi, Alondra de Parra, Roberto Minczuk, Leandro de Carvalho. Junto a Orquesta Nacional de Francia, Orquestra Nacional de Bélgica, Orquesta de Paris, Orquesta Sinfónica MDR-Leipzig, Orquesta Filarmônica de Rotterdam, Orquesta Filarmónica de Calgary, Queensland Symphony Orchestra, Adelaide Art Orchestra, OSBOrquesta Sinfónica Brasileña, Orquesta de la Provincia de Mato Grosso, Orquesta Nacional de Música Argentina, Orquesta Filarmônica de Monte Carlo, Talin Chamber Orchestra y The Plankton Orchestra.

PREMIOS Y RECONOCIMIENTOS:

Obtuvo el Grammy Latino en 2021 al mejor álbum de música instrumental con “Toquinho & Yamandu Costa – Bachianinha” (En

vivo en el Festival de Jazz de Río Montreux). En 2020, fue nombrado Embajador EXIB de la Diversidad Musical Iberoamericana para el “Fomento de las colaboraciones musicales en el ámbito iberoamericano.Resguardo de la memoria musical Iberoamericana”

Álbum “BACHIANINHA: TOQUINHO E YAMANDU COSTA”

Latin Grammy 2021 ganadorUSA.

Álbum “Festejo“ nominado al Latin Grammy 2020 - USA. Yamandu Costa nominado en 2020 por “ EXIB Música - Iberoamerican Music Expo“, Embajador de música

Iberoamericana”https://www.exib project.org/exib-musica

Albums “Recanto“ y “Borghetti Yamandu“ nominados al Latin Grammy 2018 - USA.

Álbum “Quebranto“ – Yamandu & Penezzi - Premiados como mejor álbum instrumental y mejor solista del Brazilian Music Award (Prêmio da Música Brasileira) – Brazil 2018.

Álbum: “Tocada à Amizade“: mejor álbum instrumental del Prêmio da Música Brasileira –Brazil 2016.

Álbum “Mafuá“: premio Cubadisco International 2012 Cuba. Entre muchísimos otros reconocimientos.

PRODUCCIÓN GENERAL: Ponte Producciones- Booking Internacional

info@ponteproducciones.com www.ponteproducciones.com

https://linktr.ee/ponteproducciones

Prensa: Ana Garlandl: anagarland@gmail.com

Video: Yamandu Costa - Diplomata https://youtu.be/Zj2A8Vlh55Y?feature=shared

Virginia Borches presenta Marea inevitable

Virginia Borches edita su primer álbum solista con canciones propias de raíz latinoamericana, combinadas con textos de reconocidos poetas como Alejandra Pizarnik, Alfonsina Storni y Juan Gelman.

Presentación Oficial

Viernes 26 de abril a las 21h Cultural Thames, Thames 1426, Palermo, CABA. Entradas a través de Alternativa Teatral

Marea Inevitable (Club del Disco) es la primera producción discográfica de Virginia Borches como solista, luego de colaborar con diferentes proyectos grupales. Está conformado por 9 canciones en donde se enlazan

poesías y melodías que parten de una raíz folclórica latinoamericana. En la selección de su repertorio, presenta una variedad de momentos que van de la calma de la vera del río a la vorágine de la ciudad. Las letras son en su mayoría, de mujeres como Alfonsina Storni, Amalia Boselli, Alejandra Pizarnik. También incluye poesías del admirado Juan Gelman, además de la propia Virginia. También se anima a versionar a Palo Pandolfo. Se enfoca en una mirada singular desde ese sentir - vivircrear femenino que, como en tantas otras mujeres desde hace un tiempo, busca ser escuchado, difundido, valorado y reconocido como una realidad hecha arte. Nos encontramos con ritmos del

folklore argentino y latinoamericano, sin pretender purismos pero claramente arraigados en este continente.

En este trabajo se afianza la búsqueda de una sonoridad propia, creada de forma colectiva y colaborativa. El Virginia Borches Grupo está formado por Virginia Borches en voz, cuatro venezo-

lano y composición, José Ferrufino en guitarra, Ricardo Capria en contrabajo, Fernando Rodríguez en violín y Matías Keller Sarmiento en percusión. Los arreglos han sido realizado por los músicos que conforman el quinteto, todos ellos de larga trayectoria en diversos géneros de la música popular, ampliando la mirada y filtrando sus influencias al sonido grupal. Hay músicos invitados para sumar otros colores y matices: Juan Manuel Colombo en guitarra en “Lloro por ti” y “Huella Palomita”, David Bedoya en maracas y voz en “Los pensamientos”, Laura Cestona en piano en “Tu Mirada” y Luis Sampaoli en voz “La Parca”.

“Cogollito de algarroba” - Virginia Borches Grupo

Sobre Virginia Borches

Virginia Borches es porteña de nacimiento e isleña por adopción. Es compositora, docente y cantante Egresada Escuela

de Música Popular de Avellaneda. Se formó además de manera particular con diferentes docentes de canto, guitarra, percusión, audioperceptiva y arreglos vocales: Iris Guiñazú, Moira Santa Ana, Gustavo Mozzi, Edgardo Cardozo, Facundo Guevara, Pedro Rossi, Juan Manuel Colombo, Eduardo Ferraudi y María del Carmen Aguilar, entre otros. Actualmente, se desempeña como profesora de música en instituciones educativas de la provincia de Buenos Aires de los niveles inicial, primario y terciario.

Formó parte de diversos grupos a lo largo de su trayectoria artística como “Manzana de tierra”, “Violetas” con quien grabó Lejas Tierras abordando diferentes cantos del mundo a varias voces. Fue corista del grupo Raíces de Beto Satragni, cantante de Oduduwa, Yamba entre otras agrupaciones relacionadas con la música latina. El antecedente del Virginia Borches Grupo es el disco Semillas, de Mientras Tanto Trío, que se encuentra en diversas plataformas digitales y en formato físico. Ese disco está conformado en su mayoría por composiciones de la cantautora. Actualmente, es parte de La Guacharaca, además de estar presentando su primer disco solista Marea inevitable (Club del disco, 2024).

Florencia Meluso

Enlazadora de Mundos

florenciameluso@gmail.com @flormeluso

Video

Virginia Borches Grupo - Cogollito de Algarroba

https://youtu.be/RfAwFwyBBM?feature=shared

Roxana García Pannelli & Héctor Gurvit presentaron su disco:

Ensueño Una representación onírica de quien duerme, el placer de la fantasía y el sentido de la ilusión.

Casi siempre los proyectos comienzan en un bar, café de por medio. Y una conversación que va de lo circunstancial a lo esencial. La cita esta vez fue en una confitería de Corrientes y Lacroze, una tarde de un mes y un año que se ha borrado con el tiempo. Unas letras de Héctor Gurvit para futuras canciones a las que Roxana García Pannelli enriquecería con melodías

Cadencias y poesías de barrios

y puertos, de amor y desamor, de encuentros y desencuentros. Cada canción está acompañada por instrumentos que le dan musicalidad e impronta propia. Transitan por su recorrido géneros diversos: el fado, la milonga, el vals, la habanera, el pasodoble, entre otros.

El primer tema lo compartimos un melancólico día domingo: “Tristeza de la tarde”. Le siguieron otros. Cuando ese puñado

de canciones tomó consistencia comenzaron las presentaciones en diversos bares y teatros. Las condiciones en las que este tipo de iniciativas se realizan son difíciles y el apoyo a las ediciones de autor no llegan o llegan tarde.

“Ensueño” es su título, tomado del tema del mismo nombre y de otras canciones que se nutren de ese sustantivo para expresar esa representación onírica de quien duerme, el placer de la

fantasía y el sentido de la ilusión. La misma que impulsa a seguir adelante.

Grabado en el estudio de César Silva, está compuesto de canciones propias, con melodías de Roxana García Pannelli, letras de Héctor Gurvit, arreglos y dirección musical de Matías Bulgarelli.

MÚSICOS que participan de ENSUEÑO

Matías Bulgarelli (guitarra y arreglos)

Damián González Gante (violín)

Paula Araujo (flauta traversa)

Nora Guzzetti (violoncello)

Diana Arias (contrabajo)

Berni Santiago (percusión)

María D´Adamo (voz)

Carmen Donneys (clarinete)

Carlos Solman (laúd)

Diego Capa (guitarra)

Juan Pablo Isaía (guitarra portuguesa)

BIOGRAFIA:

Roxana García Pannelli es cantante y compositora. Interpreta diversos géneros entre los que se encuentran el fado, el tango, la copla española, entre otros. Se viene presentando en bares, teatros y centros culturales desde hace 15 años.

Héctor Gurvit es escritor, poeta y letrista en sus diversas expresiones: vals, milonga, candombe, fado y otros ritmos ibéricos. Coordina talleres literarios, es Mención de Honor de la SADE y conduce el programa

Tapa Lomo y Contratapa por

Radio Asamblea.

Videos de Roxana García Pannelli:

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https://www.youtube.com/@roxanagarciapannelli536

Redes:

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Sonia R. Cabral

Prensa + Gestión cultural prensasoniacabral@gmail.com

IG: @soniacabralprensa

FB: Sonia Cabral

https://youtu.be/t1ROZIMDBc?feature=shared

NICOLA lanza

“Quiero verte bailar” su nuevo single y videoclip

NICOLA tiene nuevo single y videoclip. Se trata de “Quiero verte bailar”, corte que sucede a “La vida es un rato”. El flamante sencillo tiene un contagioso fraseo inicial que induce al baile y lo convierte en un pop rítmico y radial con una letra directa y sincera, características que distinguen al cantante.

“Quiero verte bailar” es una canción compuesta en su totalidad por Nicolás Higuaín y Mariano Otero que tiene un mensaje de superación ante las turbulencias de la vida.

Luego de haber lanzado “Concepción Arenal” y “La vida es un rato”, NICOLA presenta su tercer y último adelanto de lo que será su próximo álbum de estudio.

QUIERO VERTE BAILAR

Solo escucho tu voz

Nadie sabe por dónde voy Veo lluvia caer

Y la mugre que vive ahí

Hago todo bien

Hice todo mal

Me gusta pensar con los pies

Suelo apostar con el corazón

Siempre estoy al pie del cañón

Y no puedo dejar de pensar los secretos que vos ya sabes El que come bien sabe esperar

Quiero verte bailar

Quiero verte una vez más Tu sonrisa cambió Brilla el sol en la tempestad

Siempre me habla tu voz Cuando estás lejos de mi Tu pupila archivó Lo que pasa en la ciudad.

En tanto, “La vida es un rato” es un bello vals con una cálida letra sobre lo realmente importante de la vida. Compuesto por Mariano Otero, Mellero y Nicola.

La vida es un rato es una frase que utilizo como latiguillo coti-

diano en muchas circunstancias. Me pareció oportuno tirar desde esa frase para poder contar mi historia de vida, las ciudades donde me tocó estar, la ciudad donde nací, donde vivo y darle también el lugar a la amistad, la familia, los amigos, porque para mí, una vida sin ellos sería una vida sin sentido.

NICOLA

Tanto esta canción como “Concepción Arenal” son adelantos de lo que será su nuevo trabajo que llevará por título Qué importa la

etiqueta.

El flamante disco saldrá el 27 de marzo y será presentado el jueves 4 de abril en Lucille.

Durante buena parte del año pasado NICOLA presentó en vivo Amistad es lo primero, su álbum debut y fue adelantando material inédito. Lo hizo varias veces en el escenario de Lucille, en The Roxy como en La Tangente y otras salas.

A fines de 2022 había lanzado dos singles a modo de avances. Primero fue “Vamos” y luego “Tan espiritual” que integran Amistad es lo primero, su álbum debut disponible en todas las plataformas digitales.

NICOLA es autor y cantante, nació en Mataderos, localidad ubicada al suroeste de la Ciudad de Buenos Aires, Argentina que inicia su carrera solista, a través de canciones impregnadas de una fuerte impronta de rock y pop argentino.

El álbum se registró durante cuatro jornadas en Unísono, el estudio de Gustavo Cerati en la localidad de Florida, con Pato

Lange y Gonzalo Aloras como coproductores. La letra y música de todos los temas pertenecen a Nicolás Higuaín y Pato Lange.

Integrado por las siguientes ocho canciones: 1- “Vamos”, 2- “El último round”, 3- “Marinero”, 4- “Tan espiritual”, 5- “Lo bueno”, 6- “Lo que nunca fui”, 7- “Gafas desordenadas” y 8- “Yo me acuerdo”.

El álbum fue producido por Pato Lange y se grabó con algunos de los músicos más destacados de la escena emergente argentina.

Más datos:

En su adolescencia, Nicolás Higuaín fue jugador de fútbol profesional en la primera división del

Club Atlético San Telmo. Más tarde, se convirtió en mánager de fútbol de talla internacional, viajó por todo el mundo y manejó las carreras de algunos de los jugadores más importantes del planeta.

“Me crié en una familia que amaba el deporte y la música,especialmente el tango-, y crecí escuchando tango y rock argentino”, señala Higuaín.

Ahora transita una nueva etapa abocada a su faceta musical con Amistad es lo primero, su ansiado disco debut, sumado a los flamantes singles “Concepción Arenal”, “La vida es un rato” y el flamante “Quiero verte bailar”.

Contacto

Management:

Valeria Facchini

@flashmusic.ok

valefacchini1@gmail.com

Diego Perri - 114-946-7985

perridiego69@gmail.com

Fotos: Crédito: Agustín Dusserre

Video

NICOLA - “Quiero verte bailar” (Video oficial)

https://youtu.be/XWYoaisGlEY?f eature=shared

Antes de la salida de nuevo disco, MARKI, presenta

Radiohead

“RADIOHEAD” es el último single adelanto del próximo disco de MARKI titulado “YASS”. RADIOHEAD es un clásico sad-trap profundo e introspectivo, creado en el seno del dolor de una profunda separación y desarraigo, proyecta el lado más oscuro del artista. Grabado en un campamento musical en marzo del 2023 fue en verdad el tema que le dio inicio a esta nueva etapa en la vida musical de Marki. Es el inicio del mundo YASS. La superación del dolor transformado en música que da lugar a un nuevo rumbo de aceptación y descubrimiento de nuevos estilos y frecuencias. Inspirado en la mítica banda Radiohead, la letra recorre esos momentos donde solo queremos escuchar música

triste para sanar. El videoclip por su parte recorre el año de Marki en shows y giras con material de archivo inédito

Acerca de Marki

Marki nació en el barrio de Once un verano de 1996. Fue criado

por su abuelo italiano, baterista por hobby, quien desde joven le inculcó el amor por la música. Fue con un cassette de canciones clásicas italianas que su abuelo ponía cuando lo llevaba al jardín, que Marki sintió los primeros acordes resonar dentro. En su familia, se juntaban a tocar canciones y a veces iban a ver a las orquestas barriales donde veía como los trombones, los pianos y las guitarras le generaban sensaciones completamente nuevas.

Más tarde, su primo comenzó a inculcarle lo que terminaría de formar su imagen: desde los RHCP, Gorillaz hasta Los Piojos. Una cruza entre el sonido anglo y la belleza que solo el rock nacional, sus lunfardos y el barrio

podían darle.

Comenzó a componer a los 12 años con un bajo y armó su primera banda en el secundario. Armó festivales con bandas amigas y tocó en varias bandas desde ese momento.

La pandemia, se encontró componiendo sus propias canciones y las subió así como estaban a Spotify. Su simpleza, su honestidad y su profundidad fueron grabadas a fuego en esas letras que sus primeros oyentes abrazaron de inmediato. De esta manera y con un formato completamente DIY, Marki se abrió su primer pequeño lugar en el indie argentino. Luego, se junto con Axel Fiks e hicieron lo que fue para muchos jóvenes el hit del verano pospandemia que sonaba en fogones y juntadas en balcones al aire libre: “Musikita del Cielo” así

dio paso una serie de singles como ¨Matando el tiempo¨ ¨Retrovisor¨ ¨Parque Avellaneda¨ ¨ Luna Llena¨ ¨Comer &Mechar¨ ¨Piyama Pary¨ y su exitoso feat con Connie Isla ¨No te puedo decir que no¨ que no han dejado de sorprender, revolucionar y sumar escuchas.

Marki se encuentra en constante movimiento y continuó lanzando singles entre los cuales podemos destacar ¨Kidz¨, canción

con la cual fue destacado Artista Radar para Spotify, ¨Hora de irte¨, Fugitivos, Nefertiti, entre otros.

Marki es un artista está virando hacia una nueva identidad musical, sin perder su esencia, pero con actitud y fuerza.

Video

Marki | RADIOHEAD

https://youtu.be/lVHMEdDHJ_k?f eature=shared

Manu & Lolità

Concierto Despedida

El músico y la escritora de vida nómade presentan su espectáculo en el Konex antes de partir nuevamente de viaje.

Lolità Campos es una inquieta y joven escritora que ama viajar. Manu Pozzi es un músico que decidió recorrer el mundo de la mano de sus canciones. Cada uno llevaba una vida nómade hasta que se conocieron en viaje: juntos empezaron a realizar conciertos de música y lectura para poder sustentar sus travesías por el universo, primero por Europaen una pequeña e improvisada gira- y más tarde recorriendo desde Alaska hasta Argentina en

una casa rodante. Su propuesta fue creciendo en convocatoria: de presentarse a dúo en cafés y pequeños centros culturales, pasaron a realizar conciertos en banda y a sala llena en teatros de diferentes ciudades del mundo.

El próximo domingo 7 de abril en el patio del Konex presentan “Concierto Despedida”, un encuentro de música y lectura que da cuenta del camino recorrido juntos y de cada uno por su lado. Lolità comparte fragmentos de sus cuatro libros editados, que se entrelazan con las canciones en vivo de los cinco discos de Manu. Estarán acompañados por su

banda: el guitarrista Ignacio Gulias, Christian Silvosa en teclados, Mauro Saini en bajo y Lorenzo Guller Frers en batería. Parte de la escenografía será su motorhome, un colectivo escolar reconvertido en cabaña rodante, construido por ellos mismos con maderas recicladas y materiales en desuso. La propuesta incluye también visuales con imágenes de sus travesías y momentos representativos de su modo de vivir en movimiento.

El “Concierto Despedida” precede un nuevo viaje: después del nacimiento de su primera hija en pandemia y algunas giras por la

Argentina, países vecinos y Europa, Manu y Lolità vuelven a la vida nómade. Primero recorrerán Uruguay y Brasil, donde estarán un tiempo en Itamambuca -la reserva natural donde se casaron en 2019- para luego continuar por Paraguay, Bolivia, Chile, Perú, Ecuador y Colombia, donde realizarán una pausa antes de continuar hacia América del Norte, sin fecha de regreso.

Lolità comparte en sus libros su modo de ser en el mundo, y eso incluye –además de los viajesuna historia de vida compleja con una infancia difícil. Es una de las escritoras independientes más vendidas de la Argentina: “Mi Adorable E.” -editado por Penguin Random House- fue best seller del país durante su lanzamiento. A partir del relato de su historia y del proceso para superar ciertas situaciones traumáticas de pequeña, Lolità se volvió una abanderada de la defensa de los derechos de niñas y niños y de la lucha contra la vulneración de las infancias. Sus libros acompañan a muchas personas que atraviesan sus propios caminos dolorosos y procesos de búsqueda.

Manu y Lolitá se han presentado en diferentes escenarios del mundo. En Buenos Aires, sus últimos conciertos fueron en el Teatro Coliseo, Margarita Xirgu (doble función) y ND Teatro, siempre con entradas agotadas. Han compartido escenario con El plan de la Mariposa y con Ainda. Actualmente se encuentran grabando un disco de música y lectura que verá la luz en 2025.

Por otro lado, la productora audiovisual Oklahoma prepara un documental que relata sus viajes, su estilo de vida, su arte, su historia y su presente, mediante distintos capítulos que comenzarán a presentarse en plataformas digitales hacia mediados de este año, intercalando material audiovisual filmado durante sus travesías por el mundo y entrevistas realizadas por la periodista argentina Lorena Barros.

CONCIERTO DESPEDIDA

7 de abril a las 18 h / Ciudad Cultural Konex

Lecturas: Lolità Campos. Guitarra y voz: Manu Pozzi

Guitarra y Producción musical: Ignacio Gulias. Teclados y Co-Producción musical: Christian Silvosa. Bajo: Mauro Saini. Batería: Lorenzo Guller Frers

Producción general: Paula Rivera

Prensa: Marina Belinco

Link de venta:

https://www.cckonex.org/espectaculo/manu-lolita/

Mientras viajaba por África, Loli se encontró una guitarra pintada y escrita en español, preguntó de quién era y su nuevo dueño le dijo que había pertenecido a un músico llamado Manu Pozzi. Así comenzó a escuchar sus canciones en Spotify para musicalizar su viaje por Mozambique. Tiempo después le escribió a Manu para contarle sobre su azaroso encuentro con su antiguo instrumento y desde ese día no dejaron de hablar hasta encontrarse un año más tarde… a partir de ese momento andan juntos por la vida.

Acerca de Lolità Campos:

Nació en Buenos Aires y a los tres años partió a Francia, donde pasó su primera infancia. Luego la recibió la provincia de Santa Cruz. Creció en un pueblito del sur argentino, Rospentek, rodeada de montañas. La ciudad de Buenos Aires volvió a invitarla en su juventud para más tarde despedirla en su traspaso a San Martín de los Andes y verla regresar en su adolescencia. El resto de su vida le perteneció al mundo entero y su dinámica nómade continúa hasta hoy. Lo que antes sucedía por obligación familiar hoy lo elige por obligación interior. El deseo de recorrer, interna y externamente. Supo ser diseñadora y maestra, y hoy escribe el recorrido de su mayor vocación, ser. Lolità busca dentro de la escritura su talismán, encontrar sus propias revelaciones de aprendizajes en la vida. Y así como alguien te invita a su casa y te comparte mate, ella te invita a su casa interior y te comparte líneas y emociones. (Hay más información sobre su historia en esta nota publicada en Infobae).

Tiene cuatro libros editados: “28 Rulemanes” (2018, edición independiente), una autobiografía novelada que relata los viajes por el mundo y su visión romántica de la vida, desde su crecimiento en muchos diferentes hogares siguiendo la profesión de sus padres hasta sus años de vida en Argentina y posterior emigración al mundo llevando una vida nómade. “Peritos de una fuga” (2020, edición independiente junto a P.A.M. Publicaciones),

una nueva autobiografía novelada que comienza compartiendo recuerdos dolorosos de su infancia que se abrieron en su adultez, y continua con una búsqueda exhaustiva de su niña interior para poder abrazarla. “Mi adorable E.” (2022, Penguin Random House), donde narra cómo escribió un diario para su adorable E., una niña por nacer, y marca el contraste de la oscuridad que vivió en esos momentos y la luz con la que quiso retratar el mundo para E. Así, se enfoca en un mensaje hermoso y sanador que tal vez sirva de acompañamiento para personas que hayan sufrido la vulneración de sus infancias. “Alba” (2024, edición independiente junto a P.A.M. Publicaciones), un libro ilustrado dirigido a niños y adultos elaborado junto a profesionales convocados para transformar su experiencia de vida en una herramienta para el abordaje de la prevención y acompañamiento de las vulneración de las infancias.

Sobre Manu Pozzi:

Es un músico viajero que recorre el mundo de la mano de su arte. Al terminar sus estudios escolares comenzó una vida en viaje intercalada con algunos años salteados estudiando Producción Musical en la Escuela de Música de Buenos Aires hasta terminar la carrera, para pasar el resto de su vida en un estilo nómade. En su recorrido por el universo, se interesó mucho por las culturas y las músicas tradicionales, viajó por África y Oceanía donde registró rituales que formarían parte de un documental. Ha tocado en

numerosos festivales del mundo, compartiendo line up en Australia con Jack Johnson y Ben Harper por ejemplo. En Estados Unidos fue telonero de Donavon Frankenreiter. Sus cinco discos editados de manera independiente relatan la percepción sociocultural y el acercamiento a la naturaleza que sus viajes le dieron, sumando a sus canciones instrumentos y sonidos de todas partes del globo. El primero es “Me voy” (2012), con canciones propias marcadas por un estilo de trovador viajero. Luego “Across the seas” (2015, Universal Music), un EP de canciones en inglés compuestas para acompañar un viaje extenso y giras por Australia, Nueva Zelanda y Estados Unidos, sustentando su vida nómade con pequeños conciertos en bares y cafés alrededor del mundo. Más tarde lanzó “Equinoccio (2017, Universal Music), grabado tras su tercer viaje por África y un nuevo recorrido por islas de la polinesia en Oceanía, donde buscó crear un álbum elaborado con instrumentos tradicionales y contemporáneos, combinando nuestras raíces con un estilo moderno. Su cuarto material, “Siempre se irá el tiempo”

(2019), de estilo Indie pero sin perder sus orígenes de cantautor, relata sus viajes bajo una perspectiva más profunda y menos ingenua de la que llevaba en sus primeras aventuras por el mundo. El más reciente es “Venado” (2022), compuesto al mismo tiempo que el libro “Peritos de una fuga”, de su pareja Lolità. Desde su posición de compañero y acompañante, este disco tiene el foco en las personas que han visto sus infancias vulneradas desde el poder transformador que tiene el arte. Manu y Lolità hicieron juntos “Alma Restaurada” (2019), un disco que representa una vida compartida en viaje y un camino profesional y artístico juntos.

IG Lolitá Campos: @camposlolita

IG Manu Pozzi: @soymanupozzi

Prensa: Marina Belinco marinabelinco@gmail.com

Video

VIDEO CONCIERTOS

https://youtu.be/7YVgYx61BmY? feature=shared

JUAN ROSASCO EN BANDA PRESENTA P E D A C I T O S

JUAN ROSASCO EN BANDA, consolidado referente de la nueva canción argentina, y CUCUZA CASTIELLO, un clásico del tango nacional del Siglo XXI, unen sus fuerzas y regalan “Pedacitos”, una canción sentida y melancólica, con versos profundos y un estribillo crudo y poderoso.

La voz arrabalera de Cucuza le agrega una cuota de nostalgia a la firmeza compositiva de Juan Rosasco. El tango y el pop/rock una vez más confluyen de manera antológica gracias al poder de la canción. El videoclip refleja

diferentes situaciones de espera y melancolía, y cuenta con la actuación estelar de Thelma Fardin.

“Mas no habrá estrellas hasta que vuelvas…”

“Pedacitos” llega tras el gran éxito de “Lápiz libertad”, canción editada junto al prócer de la música popular nacional León Gieco hace tan solo dos meses, la cual sigue sonando en los medios nacionales y arrasando en las plataformas digitales.

Durante 2023 Juan Rosasco en Banda giró por distintos puntos del país como San Miguel de Tu-

cumán, Córdoba, Cosquín, Rosario, Santa Fe, Escobar, entre otros, y lanzó la canción “El milagro” con la participación especial de Manu Quieto (La Mancha de Rolando), presentándola en el Teatro Gastón Barral a sala llena en el mes de octubre. Al mes siguiente salió a la luz “Lápiz libertad” junto a un prócer de la música popular argentina como lo es León Gieco, con gran repercusión en los medios de comunicación y las plataformas digitales. En el año 2022 se lanzó “Colores al azar” ft. Juani Rodríguez (Andando Descalzo) con un video que contó con las actuaciones de Mirta Busnelli y el pe-

riodista Lautaro Maislin.

JUAN ROSASCO EN BANDA

lanzó en 2021 NORTE, su sexto disco de estudio que articula las canciones de sus EPs “Niebla de Otoño” (2018) y “Mañanitas” (2019), más los simples lanzados este año: “Gritos de madrugada” y “Las luces de siempre”. La canción que da nombre al álbum y cuenta con la participación especial de Daniela Herrero en voz invitada.

Los simples “Gritos de madrugada” y “Las luces de siempre”. El primero contó con la voz de Palo Pandolfo y su video fue grabado en el Parque de la memoria y la Ex ESMA, con la participación de Abuelas, Madres, Hijos y Nietos de desaparecidos durante la última Dictadura Militar. El segundo tuvo a Rodrigo Manigot como cantante invitado y un videoclip con las actuaciones de Paola Barrientos y Gerardo Chendo.

Durante 2020 la banda presentó su EP “Vivo” con tres canciones grabadas en La Trastienda el 21 de septiembre de 2019, en el

marco del festejo de sus 15 años de historia. En ese mismo 2019 editó el EP Mañanitas, cuyo corte homónimo tuvo invitado a Dani Suárez (Bersuit) y a los actores Esteban Prol y Ramiro Agüero en el videoclip. Fue producido por Walter Piancioli de Los Tipitos, quien también fue parte de los anteriores trabajos: “Niebla de otoño” (con 500 mil visitas y la presencia de Leo García, Julieta Ortega y Nacho Toselli) y el disco Cuentos Para Coleccionar (2014).

En sus discos anteriores participaron invitados como Chano, Fabulosos Cadillacs, Auténticos Decadentes y Blues Motel. En

estos últimos años la banda se ha presentado en los escenarios más importantes de la escena porteña como Teatro Opera, C.C. Konex, La Trastienda, Niceto, The Roxy, Teatro Sony y La Tangente entre otros, así como también por distintas ciudades en todo el país.

JUAN ROSASCO EN BANDA:

Juan Rosasco (voz, teclado y guitarra acústica)

Sergio Maza (bajo y voz)

Bruno Fornasari (batería y voz)

DISCOGRAFÍA

Mil Corbatas -solo piano- (2004) / Oscurito (2005) / Paseo en Menta (2007) / Rie la Puerta que da al Jardín (2011) / Cuentos Para Coleccionar (2014) / Niebla de Otoño -EP- (2018) / Mañanitas -EP- (2019) / Vivo -EP(2019) / Norte (2021)

PRENSA

Nadya Cabrera

nadyacabreraprensa@gmail.co m

VIDEO

Juan Rosasco en Banda & Cucuza - Pedacitos

https://youtu.be/4DteQCKbxnw?f eature=shared

JACOB COLLIER presentó su nuevo y esperado álbum

Djesse Vol. 4

Cuatro álbumes, siete años, cientos de colaboraciones y cientos de miles de voces: Djesse vol. de Jacob Collier. 4 ya está disponible

Con Aespa, Brandi Carlile, Camilo, CHIKA, Chris Martin de Coldplay, John Mayer, Kirk Franklin, Lizzy McAlpine, Madison Cunningham, Michael McDonald, Shawn Mendes, Stormzy, 150.000 miembros del coro del público y más, la última entrega de la épica serie Djesse de cuatro partes, llega inmediatamente después de la presentación histórica del GRAMMY® con Joni Mitchell, el sexto premio GRAMMY® de su carrera y la presentación en vivo de Jimmy Kimmel.

Lo que comenzó como una idea ambiciosa de hacer un álbum masivo, estalló en una serie épica e incomparable de cuatro partes que durante los últimos siete años ha abarcado todos los géneros bajo el sol. Culmina con un gran final, y la última entrega ya está disponible.

Con 53 canciones y casi 50 artistas invitados, una nominación al GRAMMY® Álbum del Año por Vol. 3 y tres premios GRAMMY®, además de cientos de músicos y miembros de orquesta que representan sonidos de casi todos los rincones del mundo: Djesse es una hazaña impresionante de Collier, considerado “el colorido Mo-

zart de la Generación Z” por el New York Times, y una de las fuerzas de creatividad más demandadas del momento.

Djesse vol. 4 cuenta con un conjunto repleto de estrellas y Collier ha lanzado varios sencillos y videos musicales: “Bridge Over Troubled Water” (con John Legend y Tori Kelly) Camilo, “Witness Me” con. Shawn Mendes, Stormzy y Kirk Franklin, “Dondequiera que vaya” hazaña. Michael McDonald y Lawrence, hazaña “Little Blue”. Brandi Carlile, “Never Gonna Be Alone” hazaña. John Mayer y Lizzy McAlpine, y coescrito con Remi Wolf. El álbum

también cuenta con Chris Martin, aespa, Madison Cunningham, Chris Thile, Yelle, CHIKA, Anoushka Shankar, The Aeolians 2018 Choir, Lindsey Lomis y su madre Suzie Collier.

El hilo conector y el corazón palpitante son un “Coro de Audiencia” colectivo de 150.000 fans, voces que Collier grabó en todos los rincones del mundo durante sus dos últimos años de gira. “Collier colabora ampliamente mientras canta, toca instrumentos, hace arreglos, produce y diseña él mismo”, como dijo Vulture al nombrar a Djesse Vol. 4 uno de los álbumes más esperados de 2024.

Ha sido un período previo emocionante a Djesse Vol. 4. Collier interpretó “Both Sides Now” con Joni Mitchell en los premios GRAMMY®, ganó el sexto GRAMMY® de su carrera y regresó a Jimmy Kimmel Live para ofrecer una interpretación conmovedora de “Witness Me”.

Collier también se desempeñó como director musical de la edición de febrero de Harper’s Bazaar y respondió preguntas musicales de Twitter. para WIRED y ha aparecido en Rolling Stone, Billboard, Elle, Hypebeast, NPR Music y más.

La gira norteamericana más grande de la historia de Collier comenzará en abril, e incluye un Radio City Music Hall con entradas agotadas, así como The Greek en Los Ángeles en mayo.

Además, Collier ha presentado un nuevo instrumento coral en colaboración con Native Instruments.

Aprovechando la experiencia cruda y emocional de los conciertos de Collier - donde “dirige a su público como un coro” - el software libre permite a cualquiera

experimentar lo que sólo el propio Collier ha experimentado hasta ahora: tocar el coro de su público como un instrumento y añadir un coro de voces de la vida real de todo el mundo para cualquier canción. El instrumento presenta momentos que fueron capturados en 22 conciertos en vivo, y Collier lo usó cuando creó Djesse Vol. 4.

Djesse ha explorado y ampliado los sueños creativos más locos de Collier y, si bien cuenta con una gran cantidad de colaboradores, este proyecto fue grabado, producido e interpretado por él. Un esfuerzo hercúleo al que Collier ha dedicado los últimos años, fue elaborado en el famoso estudio de su casa en Londres y en la

carretera mientras cruzaba el mundo.

Si bien su música es orgullosamente inclasificable, Collier ingresa a un universo sonoro distinto con cada volumen. La saga termina con la combinación incandescente de arcos narrativos, alquimizando un espectro completo de emociones en un momento masivo y alegre de despertar y potencial humano.

Además de los invitados antes mencionados en el vol. 4, los otros tres volúmenes abarcan desde Ty Dolla $ign, T-Pain, Jessie Reyez, Mahalia y Daniel Caesar, hasta Chris Thile, Kimbra, Rapsody, JoJo, Lianne La Havas, Oumou Sangare, Hamid El Kasri, Laura Mvula, Steve Vai y toma 6.

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Video

Jacob Collier - Mi Corazón (feat. Camilo) [Official Music Video]

https://youtu.be/0I9BNvcVhkU?f eature=shared

GABRIEL RIVANO presenta INVERNAL

Antes de su gira europea, el bandoneonista y compositor dará dos conciertos en Buenos Aires para presentar su nuevo disco.

JUEVES 4 DE ABRIL

22:30h

en Hasta Trilce, Maza 177, Almagro

En formato camarístico junto a Sebastián Jakimczuk (piano), Diego Suarez (flautas), Fabrizio Zanella (violín) y Carlos Vega (contrabajo).

Entradas $6.500

Anticipadas $4.500 disponibles en Alternativa Teatral

MIÉRCOLES 8 DE MAYO

20h en BEBOP CLUB, Uriarte 1658, Palermo.

En formato jazzístico junto a Abel Rogantini (piano), Fernando Galimany (contrabajo), Leandro Savelón (batería) y Diego Suarez (flautas).

Musico invitado: Patricio Villarejo (cello).

Entradas disponibles en Passline.

Gabriel Rivano brindará dos presentaciones en vivo antes de su gira europea anual, en la cual este año se destaca el concierto en el castillo de Bad Homburg

(Alemania) donde grabará un disco de bandoneón solo para el prestigioso sello alemán de música clásica K&K Verlagsanstalt.

Su disco “La Luminosa” - grabado en vivo en 2007 por el mismo sello con Monica Taragano en flauta y Victor Villadangos en guitarra - fue elegido en su oportunidad como Disco de Mejor Sonido del Mes por la revista de audiófilos “Stereoplay” y seleccionado entre producciones como las de Sinead O’Connor, Bon Jovi, Paul Mac Cartney y otras destacadas figuras internacionales.

INVERNAL

Disponible en todas las plataformas digitales.

Este disco -el número 15 de su carrera solista- contiene composiciones de los últimos años donde pueden reconocerse influencias del tango, el jazz y la música de cámara.

Temas que conjugan la potencia de la música de Buenos Aires con la vitalidad y el colorido característicos de las composiciones de Rivano.

INVERNAL fue grabado durante 2023 por Gabriel Rivano (bandoneón composición y arreglos) junto a notables músicos como Abel Rogantini (piano), Guido Martinez (bajo eléctrico y contrabajo), Diego Alejandro (batería y percusión), Fabrizio Zanella (violín), María Teresa Fainstein-Day (cello), Carlos Vega (contrabajo), Diego Suarez (flauta) y Sebastián Jakimczuk (piano).

“INVERNAL”

1. Ayer y hoy

2. Invernal

3. Tango para Jorge

4. Mimí

5. De amor

6. Un día después

7. Felicidade sim

8. September rain

9. Fallen Angel

10. Never give up

Temas 1,2,3,6,7,8,9 y 10 grabados en estudios Libres en abril 2023 por Gonzalo Manco.

Temas 4 y 5 grabados en estudios Panacea en junio 2023 por Ale Saro.

Mezcla y Masterización: Ale Saro

Producido por Gabriel Rivano

Diseño de tapa: Pablo Mitla

Fotos: Vera Khay

GABRIEL RIVANO

Nació en 1958 en Buenos Aires en el barrio de Almagro. Descendiente de una familia de músicos, es nieto de Adolfo Pérez Pocholo, bandoneonista y compositor de la guardia vieja del tango, de quien heredó el bandoneón con el que su abuelo tocó con Firpo, Canaro, Gardel y grabó discos 78 con su orquesta típica.

Entre 1979 y 1988 estudió bandoneón con Daniel Binelli, Rodolfo Daluisio, Alejandro Barletta y Rodolfo Mederos.

Desde 1981 ha integrado numerosos grupos de tango y ha tocado junto a artistas de distintos géneros, como Orquesta típica de Roberto Pansera -acompañando a los cantores Alberto Podestá y Roberto Rufino, entre otros-, Hermeto Pascoal, Cuarteto Cedrón, Gustavo Beytelmann, Jaime To-

rres y Antonio Agri.

Grabó dos discos de tango libre”Será una noche” y “La segunda”en el monasterio de Gándara, Provincia de Bs As, para el sello japonés Marecordings con los músicos Santiago Vazquez, Marcelo Moguilevsky, Pedro Aznar, Lidia Borda y Edgardo Cardozo.

También formó parte de la grabación de “Las tardecitas de Minton’s” de Adrián Iaies Trío, álbum nominado a los Latin Grammy.

Tocó en dúo junto a Victor Villadangos, Ensamble La Chimeraagrupación con la que registró un disco en una iglesia de Italia y realizó exitosas giras por todo el mundo- y con un Sexteto de cámara presentando sus composiciones en la Opera de Zurich.

Ha realizado conciertos ininterrumpidamente desde 1981 hasta la actualidad, como solista y con diferentes proyectos, en prestigiosos auditorios de numerosos países de América, Europa, Oceanía y Asia.

Tocó en cinco oportunidades en el Teatro Colón con distintos ensambles.

Fue primer bandoneón y arreglador de “Tango, Vals, Tango” de la coreógrafa A.Stekelman entre 1999 y 2004.

En 1997 estrenó su “Concierto para bandoneón, guitarra y orquesta”.

En el año 2007 ganó el primer premio en el concurso internacional de composición “30 años de

vida venciendo a la muerte” organizado por la Secretaría de Cultura de la Nación y la Asociación Madres de Plaza de Mayo por su “Concierto para bandoneón y orquesta”. La obra fue interpretada por el compositor junto a la Orquesta Juan de Dios Filiberto dirigida por el Maestro Popi Spatocco.

En 2015 estrenó su Concierto para “Bandoneón y Banda Sinfónica” junto a la Banda Sinfónica de Bs.As.

Actualmente reparte su actividad artística entre Argentina y Europa, donde realiza conciertos de bandoneón solo y participa de otros proyectos junto a reconocidos músicos.

DISCOGRAFÍA SOLISTA

1990: Gabriel Rivano

1993: Mestizo

1997: Tradición

2000: Porto Seguro

2002: Bach en Buenos Aires

2003: Infierno Porteño

2003: Tangos y Milongas

2003: Piazzola en bandoneón

2005: Asado Criollo

2006: Meditación Beat

2007: La Luminosa

2007: Luna y Misterio (con Leonardo Ferreyra y Quique Sinesi)

2009: Tangos Nuevos

2022: Tango feliz

2023: Invernal

Web: www.bandoneon.eu

Youtube:

https://www.youtube.com/channel/UCmuHyZ5WAZsr_gTFUPU-

Jicg

Spotify:

https://open.spotify.com/artist/2M PzN1SQ5kEKSbeB512zXH

Facebook:

Bandoneón Gabriel Rivano

Instagram: @gabrielrivano

Contacto Prensa: Yamila de la Fuente yamiladlf@gmail.com

Video: Ayer y hoy https://youtu.be/AEqwh_fe9dI?feature=shared

DALMANEREA lanza COLOR su nuevo álbum de estudio.

DALMANEREA tiene un nuevo trabajo de estudio. COLOR, es el título del flamante disco que la banda presentará el próximo viernes 5 de abril a partir de las 20 hs en Lucille, Gorriti 5520, Palermo.

Anticipadas a través de Passline.

El año pasado, la agrupación lanzó dos sencillos. Primero fue una potente versión de “Héroes”, el clásico de David Bowie y luego “Palabra”, anticipos del álbum que llegará a las plataformas el 5 de abril, mismo día del show presentación.

COLOR contiene siete canciones enroladas dentro del electro rock. Fue preproducido a mediados de 2023 en la Dalmasala (Longplay Salas) e Indigo Studio. Grabado, mezclado y masterizado en La Base Estudio, bajo la producción de Daniel Castro y la ingeniería de Esteban Kahayan.

La música de DALMANEREA mezcla diversos estilos: rock, electrónica, pop, indie, punk, tecno, rap, disco y se funde en un estilo propio y autorreferencial denominado “m3ZKla argentina”.

Los shows en vivo cuentan con el sonido de una contundente base de rock, condimentada por el fuerte soporte electrónico y visual. Tienen extrema interactividad, algunas licencias teatrales, y un abanico de climas que va

Con más de dos décadas transitando el circuito, la banda integrada por ex miembros de un grupo de Olavarría llamado Disculpen al Nono, se encuentra radicada hace varios años en la ciudad de Buenos Aires.

Cuenta con cinco discos de producción propia: Mundo Guz-Kar, Falta de Medicamentos, Diván de Historias, Bomba! y COLOR. Participó además de varios álbumes colectivos junto a otros artistas, y una extensa recorrida por los circuitos indie y alternativos de Gran

Buenos Aires y de Capital Federal.

DALMANEREA está formada por Betolón en batería, Petrungaro-1 en voz y percusión, Guzza2K en bajo, Varmando en voz, programaciones y bailes exóticos, DJRickYMendó como deejay, y Lex-Loro en guitarra.

Crédito foto: Diego Lapiz

https://www.instagram.com/estudio.lapiz

Más info en:

Web: dalmanerea.com

Contacto:

Diego Perri

perridiego69@gmail.com

Prensa

Valeria Ledesma

ladyvale@outlook.es

Video

Palabra

https://youtu.be/jjrCeVVnFUI?feature=shared

desde lo reflexivo al desenfreno.

FR4NZ estrena nuevo single “COMETA AL CIELO”

Tras un increíble comienzo de año para Fr4nz, ahora llega el momento de nuevo single “Cometas al Cielo” bajo la producción de 3 Musica.

La canción es una declaración de amor, un reencuentro de amor que nació en la infancia y a través de los años la llama se mantuvo viva.

Su canción tuvo un preestreno en el festival de Villa María 2024 frente a más de 12 mil personas, en un set exclusivo de 40 minutos entre La Konga y María Becerra y fue transmitido por la televisión pública e internet.

Este joven cantante es una de las nuevas apuestas de la mú-

sica Argentina. Con su versatilidad y carisma, ya se instaló en Buenos Aires para darle rienda suelta a su carrera artística afianzando su relación con los medios para realizar su proyección a nivel nacional e internacional.

Fr4nz nació en Córdoba, el 18 de junio de 1998. A los 7 años

sus hermanos mayores lo introdujeron en la música, y aprendió velozmente a tocar piano, guitarra y batería. Inquieto, necesitaba expresarse de manera completa, por lo que el canto y la composición cobraron importancia.

En su adolescencia formó parte de la banda Nivel 3 y telonearon a las Pastillas del Abuelo en Córdoba, tras resultar ganadores del concurso Maravillosa Música en el año 2013.

Mientras tanto el abanico de sus ídolos musicales continuaba en expansión: primero fueron Queen, Michael Jackson, Soda Stereo, pero también Pappo, Memphis y Rata Blanca. Luego

llegaron los Chilli Peppers, Bruno Mars y Nathy Peluso.

En Miami perfeccionó sus estudios junto a Cesar Franko, autor de varios hits de Reik, Sin Bandera, Cristian Castro, Diego Torres entre otros, y seguidamente grabó junto a Julián Pelusa Navarro un EP (productor de Ricardo Montaner, entre otros).

En La Colmena de Córdoba, hizo la carrera de composición, producción y arreglos de música.

En el año 2020 recibió una invitación del Festival de Villa María para abrir los shows de Mau y Ricky y de Sebastián Yatra. En el 2022 fue convocado nuevamente por el Festival para presentarse previo a los shows de Emilia Mernes, Duki y Tini.

Presencias en eventos claves a pedido de los anfitriones tales como Festival Confluencia ,

Apertura de Helena Beach en Mar del Plata, 40 principales, CM, etc.

2024 Fr4nz comenzó el año con una increíble presentación en Villa María, donde recibió un reconocimiento especial por su participación.

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WEB

Fr4nzmusic

Vicky Roa Comunicaciones PR | MKT | COMUNICACIÓN

Video:

FR4NZ - Cometa al Cielo |Video Oficial|

https://youtu.be/tgEAK7Gd_o?feature=shared

Cintia Arévalo presentó su álbum Somos sólo partículas

Donde interpreta temas de Gabriela, la primera mujer del rock argentino.

En Somos sólo partículas (Los años luz, discos), Cintia Arévalo revisita el repertorio de Gabriela, la pionera del rock y nos ofrece exquisitas versiones especialmente elegidas. Una vez más, Juan Pablo Ferreyra estuvo a cargo de la dirección musical. Si bien la mano de Ferreyra ya es parte de la identidad de la propuesta como en los dos trabajos anteriores, en esta ocasión destaca claramente su aporte más experimentado, maduro e, incluso, arriesgado. También cuenta con la colaboración de grandes artistas como Fernando Cabrera, Don Vilanova, Flor Bobadilla Oliva, Lorena Astudillo, Nicolás Sanucci y Cecilia Gauna entre otros.

Dice Cintia:

“Nunca lo pensé como “voy a cantar a Gabriela por su persona”, sino que fue al revés. Me conmovieron e interpelaron sus canciones, en muchos aspectos y resultaron ser de Gabriela. Quiero decir con esto: más que la idea de hacer un tributo, fue componer nuevas versiones de esas canciones hermosas que escribió esta maravillosa compositora.” Y agrega: “Definitivamente este es el trabajo más maduro en varios aspectos: me encuentra mejor parada como productora, pudiendo tomar decisiones que antes se me tornaban tediosas, confusas y difíciles. Desde lo vocal e interpretativo sin dudas es

mi momento más presente, en el que siento que puse en ese proceso interpretativo todo lo que soy hasta hoy, pero desde un lugar sutil, desde las pequeñas decisiones que me llevaban al resultado que buscaba, que me hacía sentido”.

Canciones

1- Imágenes del Amazonas (Gabriela) con Flor Bobadilla Oliva

2- Ecos de allá atrás (GabrielaBill Frisell) con Lorena Astudillo

3- Viento Rojo (Gabriela)

4- Noches de Tilcara (Gabriela) con Teresa Cruz y Carolina Gómez

5- Llévame a ver la Luna (Gabriela)

6- La Furia (Gabriela) con Fernando Cabrera

7- Duerme / Ubalé (Gabriela) con Cecilia Gauna y Don Vilanova

8- Haz tu mente al invierno del sur (Gabriela - Litto Nebbia)

9- Sueño transparente (Gabriela)

Ficha técnica

Cintia Arévalo: Voz.

Juan Pablo Ferreyra: Guitarras, ronroco en 2 y 6, bajo eléctrico en 5, 7 y 8, voces en 8.

Sebastián Forero: Bajo en 1, 2, 4, 6 y 9, marimba en 7.

Federico Ferraro: Percusión en 1, 2, 4, 6 y 9.

Músicos invitados:

Flor Bobadilla Oliva: voz en 1

Lucía Gómez: cello en 1

Lorena Astudillo: voz en 2

Santiago Álvarez: armónica en 2

Carolina Gómez: voz en 4

Teresa Cruz: caja y voz en 4

Diego Escobar: piano en 4

Lautaro Lunadei: sintetizadores y texturas electrónicas en 5

Fernando Cabrera: voz en 6

Braian Arévalo: sintetizadores en 6

Cecilia Gauna: voz en 7

Don Vilanova (Botafogo): guitarra en 7

Conce Soares: percusión africana y accesorios en 7, cajón y accesorios en 8 y djembé en 9

Nicolás Sanucci: batería en 7

Participación especial:

Amparo Ferreyra Arévalo en “Imágenes del Amazonas”.

Los arreglos fueron compuestos por todos los músicos participantes con la dirección de Juan Pablo Ferreyra. Este álbum fue grabado entre los meses de junio y octubre de 2023 por Federico Nicolao y Francisco Baeza para Eleven Palace Studio (Bs. As.), Hernán Blanco y Julián García para El Cubo Estudio (Ing. Maschwitz) y Nicolás Sanucci para PAN Estudios (Merlo, Bs. As.) Fue mezclado y masterizado por Federico Nicolao para Eleven Palace Studio (Bs. As.)

Arte de tapa: Licia Cháves (elementos orgánicos sobre papel vegetal)

Fotografía: Julieta González

Producción ejecutiva: Amparo Fernández

Producción ejecutiva por adhesión: Néstor Cruz García, Gabriela Sánchez Labraga y Gabriel Patrono.

Sello discográfico: Los Años Luz

Producción fonográfica: Cintia Arévalo y Juan Pablo Ferreyra

Producción Musical y Artística: Cintia Arévalo y Juan Pablo Ferreyra

Foto: Julieta González

Sobre Cintia Arévalo

Cintia Arévalo es cantante y actriz. Nació y se crió en Dique Luján, un pueblo del litoral bonaerense perteneciente al partido de Tigre. Su abanico de trabajos incluye el folclore latinoamericano, el teatro musical y la docencia. La búsqueda de la exquisitez en la interpretación, la profundidad y redondez de su voz y su contundente presencia en el escenario son las características que destacan a Cintia como una de las nuevas referentes vocales de la región. La selección del repertorio y los arreglos originales de sus producciones discográficas, son la perfecta fusión entre la música de raíz ancestral y su impronta fresca y novedosa.

Tiene tres discos editados: Mujer Río (2017), Navegante (2021) y el más reciente Somos Sólo Partículas (2024), estos dos últimos a través del sello

discográfico Los Años Luz.

Realizó presentaciones en más de 50 ciudades de la Argentina desde 2018. Paralelamente a su carrera como cantante ejerce la docencia en canto, interpretación, teatro y comedia musical desde hace varios años. En sus comienzos, su carrera se desarrolló principalmente dentro del teatro musical como integrante de importantes obras dirigidas por Pepe Cibrián Campoy y Ángel Mahler con quienes participó de temporadas y giras nacionales. Su formación es constante e incluye estudios con grandes maestros y maestras en canto y técnica vocal, teatro, danza, expresión corporal, clown y entrenamiento físico, entre otros

Este trabajo cuenta con el apoyo de SOLUCIONESCN S.A.S., INaMu, Cristian Avejera y Julieta González Fotografía.

Prensa: Florencia Meluso florenciameluso@gmail.com

Video

Cintia Arévalo - “Somos sólo partículas” (Full álbum)

https://youtu.be/ipR7HDqKEg4?f eature=shared

CHAPEAU presenta su segundo disco “PÓCIMA”

Luego de editar en el 2018 su primer disco “Tango de Autor”, el dúo tanguero formado por Valeria Martin en violín y Daniela Mercado en piano, presentan su segundo trabajo “Pócima”, que saldrá de la mano de EPSA Music el próximo 8 de marzo en todas las plataformas digitales

“Pócima” sigue fiel al estilo de estas dos talentosas artistas, el seguir indagando y explotando al máximo los recursos acústicos tanto del violín como del píano, para dejar una interpretación netamente tanguera, explosiva pero sin falsos artificios y dulce y sentida sin caer en la sensiblería.

En este nuevo disco el repertorio hace un recorrido que nos llevará desde tangos y valses muy antiguos a sonoridades del siglo XXI de la mano de composiciones actuales.

Cada pieza fue buscada y pensada para esta formación, que sigue pisando fuerte con una identidad propia en el panorama tanguero actual.

“En textos literarios, especialmente infantiles, las pócimas se vinculan a brebajes preparados por brujas, magos o hechiceros, que mediante ellas, lograban encantamientos, el despertar del amor, controlar voluntades, en-

fermar, matar, etcétera. Son los personajes antagónicos de las hadas.

Pensamos este nombre para nuestro disco porque consideramos que es una mezcla poderosa de músicas, que van a generar muchas emociones y sensaciones en quienes las escuchen.”

Este disco contiene 10 temas

1 -“A Evaristo Carriego” de Eduardo Rovira – Arreglo de Daniela Mercado para Chapeau. Tango de corte netamente rítmico que está construido por una parte rítmica y una melodía cantábile que flora sobre esta base.

2- “Fetiche” de Julián Peralta –Tango contemporáneo, comienza con una gran cadencia de violín, donde este despliega todo su arsenal de recursos técnicos y expresivos, para luego seguir con el ingreso del piano en un registro grave y oscuro. Tema fuerte e impactante.

3 - “Pequeña” de Osmar Maderna y Homero Expósito – Arreglo de Damián Torres para Chapeau.

Precioso vals de carácter dulce y maternal. El arreglo de Torres juega rítmicamente con sonoridades que nos recuerdan a la impronta jazzera del gran Bill Evans.

4 - “Gallesco” de Daniela Mercado

Tango que tiene la particularidad de estar en 3/4 , le debe su nombre al ser una especie de homenaje de Mercado hacia el violinista y compositor Ramiro Gallo, figura de gran relevancia en el tango actual.

5- “De floreo” de Julio Carrasco –Adaptación de Daniela Mercado para Chapeau

Este no es un tango, es un tangazo de aquellos. Tango clásico en el que tanto el violín como el piano hacen gala de los recursos del género.

6 – “Jardín de Francia” de Romeo Gavioli – Arreglo de Valeria Martin para Chapeau

Vals emotivo y bien criollo de tradición, en este arreglo podemos escuchar fraseos y cambios de tempo tan propios del género plasmados exquisitamente por Martin.

7 – “Psicosis” de Daniela Mercado

Tango inspirado en la película ho-

mónima de Alfred Hitchcock . Mercado acá también busca la sorpresa al ser un tango en un tiempo irregular también, está escrito en 5/4 , lo que nos da una sensación de inestabilidad y/o renguera constante. Busca con este efecto retratar la psicología enfermiza de Norman Bates.

8 – “Mala junta” de Julio de Caro y Pedro Laurenz – Arreglo de Damián Torres para Chapeau Tango clásico de aquellos, pero que se renueva a partir de esta recreación fabulosa que hace Torres de este tema, pareciera que lo estrujara hasta sacarle todo el jugo al mismo, arreglo tremendamente desafiante, del cual las músicas salen airosas.

9 – “Agosto” de Julián Peralta Tango que se mezcla con ritmo de vidala, pareciera evocar el agosto ventoso del sur de nuestro país, Argentina. Melodías nostálgicas interpeladas con frases de un ritmo enérgico t profundo.

10 – “Niebla del Riachuelo” de Juan Carlos Cobián y Enrique Cadícamo – Arreglo de Ramiro Gallo

Uno de los más bellos tangos canción que nos dejó esta dupla genial del tango.

En este arreglo de Gallo el violín es protagonista indiscutido (resuelto magistralmente por Martin) el piano contiene y acompaña, creando entre los dos instrumentos una atmósfera de ensueño.

Ficha técnica

Valeria Martin: violín y arreglos Daniela Mercado: piano, composición y arreglos

Grabado en locación por Estudio

Móvil Desdémona el 13 y 14 de octubre del 2023.

Grabado por Martín y Sebastián Bergallo

Mezclado por Sebastián Bergallo para Desdémona Estudio

Masterizado por Martín Bergallo para Sensei Mastering

Diseño de portada por Guillón Monde

Técnico de afinación de piano: Miguel Puch

Esta producción cuenta con el apoyo del INAMU

Sobre Chapeau

El dúo nace a principios del año 2015 por iniciativa de la destacada violinista de reconocida trayectoria en el ambiente musical cordobés, Valeria Martín, quien convoca a la pianista Daniela Mercado para completar la formación del mismo. El proyecto adquiere un sonido sorprendentemente compacto, con mucha identidad y con la fuerza de dos mujeres cuyo vasto conocimiento del género tanguístico les permite moverse cómodamente al momento de interpretar obras de distintos arregladores y compositores, tanto contemporáneos como clásicos.

Esta formación de dúo nace de una búsqueda estética de un sonido compacto alejado de las grandes formaciones de orquesta típica pero sin perder la esencia y los yeites del género, que se puede apreciar desde el primer hasta el último compás de cada una de las obras que interpreta el dúo. El repertorio está conformado por obras adaptadas y/o arreglos compuestos especialmente para el dúo por grandes arreglistas y compositores de reconocida trayectoria en el país. CHAPEAU cuenta además con composiciones propias que afirman aún más esta búsqueda estética y que exponen de manera contundente la pasión por la música y por el género de sus integrantes.

CHAPEAU grabó su primer CD de producción totalmente independiente “Tango de Autor” en diciembre del 2017, con un repertorio exquisito compuesto por creaciones y arreglos de referentes actuales de nuestra música ciudadana (Cesar Salgan, Daniela Mercado, Damián Torres ,Jorge Martínez, Hernán Soria, Nicolás Ledesma ,Pablo Jaurena).Participa como músico invitado Christian Esquivel en contrabajo. Este trabajo fue presentado el 22 de junio del 2018, en el Salón de Actos del Pabellón Argentina de la UNC, con una excelente y cálida acogida del público y el mismo se encuentra disponible, tanto en formato físico (gracias a lo recaudado en una exitosa campaña de financiamiento colectivo) como en todas las plataformas digitales.

CHAPEAU ha realizado conciertos en importantes salas de la ciudad de Córdoba como el Teatro El Libertador (Sala Luis de Tejeda), Lécole, Espacio cultural y de arte Isaías Goldman, Festival Tango Movimiento Vivo (donde fueron premiados), Auditorio de CEFyN de la UNC , Cocina de Culturas, Espacio Cultural La vuelta del Rio en Villa La Bolsa, Paseo Nicolasa,Perluigi en Rio Ceballos, etc.

En noviembre del 2018 fueron premiadas por el INAMU (Instituto Nacional de la Música) con un vale para producir 300 discos en formato de vinilo.

En el 2023 ganó un subsidio del INAMU para grabar su segundo disco “Pócima” que será editado en marzo del 2024 por el sello EPSA Music. Este Disco cuenta con diez composiciones y plantea un recorrido vasto y florido por el tango, desde clásicos del género de De Caro, Rovira y Carrasco, entre otros, a compositores actuales como Peralta y Mercado.

Chapeau Tango

chapeautango@gmail.com

“Soledad” Astor Piazzolla

https://youtu.be/x1WQagDeGbY?feature=shared

ALEX UBAGO PRESENTA SU NUEVO SINGLE ‘SI ES POR LOS DOS’

“Si es por los dos” es el tercer adelanto de lo que será el próximo disco de Alex Ubago, y que verá la luz este año. Tras editar “Idiota” y “No volveré a pensar en ti”, los dos primeros lanzamientos de este nuevo álbum, llega esta emotiva canción con la que el artista recupera la esencia de otros temas míticos de su repertorio como “Estar contigo” o “Sigo aquí”.

“Habla de apostar por el amor, de creer en una relación y poner todo lo que está en tus manos y tu corazón por tu pareja. De no quedarse con la incertidumbre de saber qué hubiera pasado si hubiera dicho o si hubiera hecho”, cuenta Ubago sobre este medio tiempo cargado de fuerza y emoción.

Alex Ubago - Si es por los dos.

Todavía celebrando sus más de 20 años de carrera llevando sus más grandes éxitos a los escenarios más míticos de España y Latinoamérica, Alex Ubago está a escasos días de empezar su gira por USA, con la que pisará ciudades como Los Ángeles, Miami, New York, Chicago, Dallas, o Houston, entre otras. Indigo Press

María Nolte

mnolte@indigopress.com.ar Nicolás Tavella

nicolastavella@indigopress.com. ar

Video

Alex Ubago - Si es por los dos (Lyric video oficial)

https://youtu.be/1qc_tCrgOj0?feature=sharedv

Cerquita de los Gardel

“Canciones para no morir”

Está seleccionado como Disco conceptual Obras de Hamlet Lima Quintana Vol1 y Vol2

“Canciones para no morir” es absolutamente sin fines de lucro.

Artistas notables participan en “Canciones para no morir”:

Teresa Parodi junto al Coro de SADAIC y la dirección de Damián Sánchez, León Gieco, Víctor Heredia, Peteco Carabajal, Raly Barrionuevo, Suna Rocha, Dúo Coplanacu, Mónica Abraham, Laura Albarracín, Joel Tortul, Chiqui Ledesma, Pablo Fraguela, Mery Murúa, Paola Bernal, Migue Rivaynera, Luis Gurevich, Manu Sija, Orozco Barrientos, Pancho Cabral, Cuar-

teto Karé, Luis Chazarreta, Juan Iñaki, Lucrecia Rodrigo, Eli Fernández, Jorge Martínez, Edith Rossetti, Popi Spatocco, Julio Lacarra, Gloria de la Vega, Josho González, Casiana Torres, Lucia Ceresani, Martin Castro, Nahuel Porcel, Rocío Toledo, Renzo Rodríguez, Litto Nebbia, Ricardo Mollo con Filarmonica de Mendoza, Enrique Llopis, Marián Farías Gómez, Liliana Herrero, Susanna Moncayo, Horacio Berdini, Lidia Barroso y Lucho González, Gabriel Senanes y Nancy Ocampo, Carlos Bergesio, Miguel Ángel Toledo, José Ceña y Mario Diaz, Samy

Mielgo, desde Brasil Tango Revirado con Martín Lima y la participación especial de Felipe Lima en un recitado; además de la voz del mismo Hamlet en otros poemas.

En todas las plataformas Volúmen 1 y Volúmen 2

Ficha técnica:

Grabado en estudio Fidelius y estudio El Dorado

León Gieco grabó en Velaluna y HankStudios

Víctor Heredia grabó en Zar Estudio

En Córdoba se grabó en estudio Islandia, estudio Riva, estudio Pal Fondo y estudio Jade. En La Rioja se grabó en estudio Nemesio y estudio CO récord. En Mendoza se grabó en Underplace Studio, en Santa Fe se grabó en Cinturón de Orión Y en Río de Janeiro (Brasil) se grabó en Nosso Estúdio

Masterización Estudio El Dorado

Distribuye: Acqua Records

Producción Musical: José Ceña

Arte de Tapa: Crist-o

Diseño de Tapa: J.M.Lima / V.Echevarría / G.Gil / H.Maggi

Producción Ejecutiva: Eduardo Fisicaro

Producción General: Silvia Majul

Este sueño no hubiese sido posible sin la ayuda de mucha gente, artistas, músicos, técnicos, productores, la Familia de Lima Quintana, Mecenazgo de la Ciudad de Buenos Aires (a través del Banco ITAU), el INAMU y la Dirección de políticas culturales del instituto cultural de la PBA.

Sobre Hamlet Lima Quintana

Hamlet Lima Quintana nació el 15 de septiembre de 1923 en Morón, Provincia de Buenos Aires y aprendió a caminar en Saladillo. Desde niño accedió familiarmente a la cultura ya que sus padres le enseñaron piano, guitarra y le leyeron todos los clásicos.

Fue durante el boom de los 60´ que la poesía se suma con una renovación profunda en el folklore. Junto a poetas como Tejada Gómez, entre otros, logran

cambiar esa realidad costumbrista y paisajista del clásico folclore y colocar la metáfora, la imagen con pensamiento y el realismo social en el canto. Zambas como “La amanecida” (con música de Arnedo Gallo) y “Zamba para no morir” (con música de Ambros y Rosales) marca un antes y después en el repertorio argentino y latinoamericano. Además de estas contribuciones en el campo de la canción popular, Hamlet escribió más de 30 libros de poemas, cuentos, realizó investigaciones sobre sus ancestros: los pueblos originarios en la provincia de Buenos Aires, escribió una biografía – la única al momento- de Osvaldo Pugliese. Hamlet fue periodista y trabajó para medios como el Diario Clarín. El nombre de Hamlet Lima Quintana se asocia al mundo intelectual y artístico de Miguel Ángel Asturias, Rafael Alberti, Elvio Romero, Augusto Roa Bastos, Juan Gelman, pintores como Carlos Alonso, Carlos Terribili, Rodolfo Campodónico, El “Gordo” Mattalia, Manuel Oliveira, el titiritero Javier Villafañe y los cantautores como Silvio Rodríguez, Serrat, Paco Ibáñez, entre otros que lo citan

como un referente. Su obra, como la de Borges, Sábato, Juarroz, Pizarnik, es parte fundamental de la cultura argentina que se asoció a la canción popular.

Contacto:

SilviaMajul

silviamajul@gmail.com

Video

CANCIONES PARA NO MORIR

Centenario Hamlet Lima QuintanaVolumen 1

https://youtu.be/d9yiPjK-do8?feature=shared

Video

Hamlet Lima Quintana - Canciones para no morir - Volumen 2

https://youtu.be/v_YcDodgng?feature=shared

Andrés Hayes presenta su nuevo álbum Luces hoy

Lanzamiento en todas las plataformas: Viernes 22 de marzo Presentación en vivo: Domingo 7 de abril, 21.30h, BeBop, Uriarte 1658, CABA. Entradas desde: $6500

El saxofonista y compositor Andrés Hayes presenta su octavo álbum, Luces hoy (Club del Disco, 2024) en el que propone un recorrido intimista por canciones propias y otras de Johann Sebastian Bach y de Branislau Kaper, que dialogan con el jazz y el formato canción de alto vuelo

lírico. En Luces Hoy, Andrés Hayes está acompañado por la cantante Juana Sallies; el trompetista Juan Cruz de Urquiza; el contrabajista Ezequiel Dutil; el baterista Bruno Varela; los guitarristas Damien Poots y Pablo Passini, y Facundo Flores en la percusión como músico invitado.

En Luces hoy Hayes continúa con la misma formación que su disco anterior, Siete (2021). El grupo ya lleva más de cuatro años tocando juntos; el único cambio es la incorporación de Pablo Passini en

guitarra y de Facundo Flores en la percusión como músico invitado. Dice Hayes: “Me siento muy cómodo con el grupo, existe una fuerte conexión que consolidó un sonido. Siempre está bueno contar con sus miradas, las composiciones terminan de cerrarse y tomar forma ahí, en el momento grupal; trabajar con ellos es un constante aprendizaje. También en otros aspectos hay una continuidad importante: con el ingeniero de sonido Juan Pablo Alcaro ya llevamos cinco discos trabajando juntos y Jano Seitún

es el autor de las tapas de mis discos anteriores Marea Alta y Siete, y ahora ésta de Luces hoy.”

Si en Siete se percibía un aire folclórico en algunas de sus propuestas, en Luces hoy predomina un color más de canción. De los ocho temas del disco, hay cuatro cantados por la personalísima Juana Sallies. Dice Hayes: “Con Juana venimos trabajando hace muchos años en una dinámica que se da de forma muy natural en la que yo propongo la música sobre la que Juana escribe la letra. Sus letras se sumergen climas metafóricos, oníricos, de texturas e imágenes que se llevan muy bien con mi música. En un mundo donde lo que predomina es la literalidad, animarse a la poesía es ese salto al vacío que también tiene el músico de jazz y Juana lo entiende a la perfección porque conoce esos dos mundos.”

Asimismo, se pueden apreciar guiños que tienden un puente con el disco anterior: el tema Los siete locos, por ejemplo, puede leerse como una continuidad o respuesta al tema Juguete rabioso, de su disco anterior, y una clara intención de incluir a un creador como Roberto Arlt en su universo de inspiraciones. En este sentido, dice Hayes: “Ambos temas tienen una impronta rockera y manejan un mismo lenguaje a nivel melódico, de alguna manera inspirados en los personajes marginales de Arlt”. Sobre el resto de las composiciones, Hayes comenta: “Colibri es un tema más tradicional de jazz dedicado a un colibrí que nos visita en casa. ‘Coral

Bach’ es uno de los 386 corales de Bach que me animé a rearmonizarlo jugando y rompiendo algunas reglas que cuando uno estudia armonía tradicional no están permitidas, como las octavas y quintas paralelas. ‘El largo adiós’ está dedicado a los seres queridos que partieron. Hay un standard de jazz, ‘Invitation’, que lo arreglé pensando en Nirvana, aprovechando el recurso de las dos guitarras. Creo que es el primer standard que incluyo en un disco mío, a excepción de “Alondra”, que fue un disco sólo de standards que hice con Gustavo Hernández”.

Andrés Hayes breve bio:

Andrés Hayes (Buenos Aires 1978) es un músico de jazz argentino con una sólida formación y oficio como saxofonista y una fuerte convicción en el aporte que significan las composiciones originales. Comenzó su carrera musical a la edad de 14 años en el Conservatorio “Juan José Castro”. Continúo su formación en la Universidad Católica Argentina y

en forma particular con los profesores Hugo Pierre, Carlos Lastra y Rodrigo Domíngue. Realizó estudios de piano, armonía y composición con Gustavo Hernández, Ernesto Jodos, Diego Schissi y Mono Fontana. Entre los años 2005 y 2008 residió por periodos en España, donde tomo clases de saxofón con los maestros Perico Sambeat (Valencia) y Jesús Santandreu (Valencia). Sus estudios más recientes los ha realizado con el saxofonista estadounidense George Garzone.

Ha ejercido como docente de Lenguaje Musical y Audioperceptiva en el Instituto de Música Contemporánea (ITMC); la Escuela San Andrés (Prov. Buenos Aires), y la Orquesta Juvenil del Club Atlético Boca Juniors. Es docente de saxofón y clarinete en Lincoln y en Escuela Bedees (Prov. Buenos Aires).

Integró los conjuntos de jazz Mazaki Tazaki (Mazaki Tazaki, 2007); Deshoras (Deshoras, 2008); Artistry Big Band (Artistry Big Band, 2012) y Del Norte Big Band (Ida y vuelta, 2013). Junto a músicos austríacos grabó Maybe (Club del disco 2012). Participó en los discos de Carlos Álvarez (Viejo Cactus, 2006); Teo Cronemberg (Atonalismo de bar, 2013); Pablo Sanguinetti (Dionisio, 2016) y Gonzalo Levin (Árbol, Uruguay, 2016), Melmac (Club del disco 2023). Como músico sesionista acompañó a diferentes solistas y grupos (Fito Paez, Divididos, Alejandro Lerner, La Voz Argentina, Los Cafre s, Mike Amigorena, Ángela Torres

, entre otros). También se desempeña como arreglador de la cantante Delfina Oliver.

Como solista ha editado 7 discos: El silenciero (2009), Desde un jardín (2011) y El imperio de las luces (2013) con Ernesto Jodos (piano), Patricio Carpossi (guitarra), Jerónimo Carmona (contrabajo) y Pedro Ahets Etcheberry (batería) y la participación de George Garzone en El imperio de las luces. Alondra (2016, La Croqueta Records) junto a Gustavo Hernandez y quinteto de jazz y cuerdas. Marea Alta (Club del disco, 2019) junto a Ernesto Jodos (piano), Hernán Merlo (contrabajo), Rodrigo Domínguez (saxo alto), Sergio Wagner (trompeta) y Rene Gatica Bahamonde (batería). Siete (Club del disco 2020) junto a Juan Cruz de Urquiza (trompeta), Francisco Fransechin (guitarra), Juana Sallies (voz), Damien Poots (guitarra), Bruno Varela (batería) y Ezequil Dutil (contrabajo). Actualmente, se encuentra presentando su octavo álbum, Luces hoy.

Ficha técnica

Lista de temas

1. Las Flechas (Música Andrés Hayes / Letra Juana Sallies)

2. Arca del Recuerdo (Música Andrés Hayes / Letra Juana Sallies)

3. Coral Bach (Música Johann Sebastian Bach)

4. Colibrí (Música Andrés Hayes)

5. Invitation (Música Bronisław Kaper)

6. Los siete locos (Música Andrés Hayes)

7. El largo adiós (Música Andrés Hayes)

8. Luces Hoy (Música Andrés Hayes / Letra Juana Sallies)

Saxo y composición: Andrés Hayes

Trompeta: Juan Cruz de Urquiza

Guitarra: Damien Poots

Guitarra: Pablo Passini

Contrabajo: Ezequiel Dutil

Batería: Bruno Varela

Voz: Juana Sallies

Percusión: Facundo Flores Grabación, mezcla y masterización: Juan Pablo Alcaro

Arte de tapa: Juan Ángel “Jano”

Seitún

Sello discográfico: Club del Disco

Grabado el 30 de agosto 2023 en los Estudios Fortmusic (Buenos Aires, Argentina).

Prensa

Marta del Pino mardepinos@gmail.com

Video Colibrí

https://youtu.be/p1nmhnrIXcM?fe ature=sharedv

JORGE ARAUJO PRESENTA “EL IMPOSTOR”

El primer adelanto de su nuevo álbum

Presentación oficial de su nuevo álbum:

Martes 21 de mayo – 20:45HS Café Berlín

Av. San Martín 6656 (Villa Devoto)

Entradas a la venta en https://livepass.com.ar

“El Impostor” es el primer adelanto del tercer y nuevo álbum de estudio de Jorge Araujo, a editarse en el mes de mayo.

En este single resaltan la mixtura entre intimidad, tracción a sangre y música electrónica, que también habitan el todo el álbum.

En palabras de Jorge sobre la canción: “El Impostor es una canción en la cuál fueron surgiendo la letra y la música prácticamente en simultáneo. En la música jugando con distintas afinaciones de guitarra y en la letra con la idea de que uno cree pertenecer por siempre a un lugar. Pero a veces las circunstancias nos mueven a empezar de nuevo, a cambiar de ámbito, del cemento al verde”.

Acerca de Jorge Araujo

Jorge Araujo formó parte de Divididos, Monos Con Navajas y Gran Martell en batería.

A lo largo de su trayectoria tocó con artistas como: Armando Man-

zanero, Alejandro Lerner, Luis Salinas, Willy González, Pollo Raffo, Juan Cruz Urquiza, Mono Fontana, Adrián Iaies,F. Rivero, G. Moretto, Fat Fernández, E. Beilin y Harry Waters, entre otros.

En 2023 Araujo realizó una extensa gira en la que visitó: Montevideo y Las Piedras (Uruguay), las ciudades argentinas de Villa María, Córdoba, Cosquín, Gral. Roca, B.B., Tres Arroyos, Benito Juárez y Mar Del Plata.

También desembarcó en el Café Berlín de Buenos Aires, presentando su último single “Vida de topos”.

En agosto de ese mismo año participó en el concierto de Genetics junto a Steve Hackett en el Luna Park a sala llena.

Como solista grabó los discos: “A un minuto de envejecer” (2018) y “Cuerpocomoderno” (2021).

Crédito fotos: Mariano Otamendi.

Indigo Press

María Nolte

mnolte@indigopress.com.ar Nicolás Tavella

nicolastavella@indigopress.com. ar

Video

Jorge Araujo | El Impostor

https://youtu.be/B2xvPvhlqkk?feature=shared

Anabella Paraber presenta el video del single “Arena y Piedra”

La cantautora, Anabella Paraber, presenta el video del single “Arena y Piedra”; una balada que habla del amor ambiguo, donde se encuentran los sonidos del rock y lo melódico.

Sobre el single, la cantante comenta que “la canción Arena y Piedra es una de mis primeras composiciones musicales cuando vivía en la ciudad de Córdoba donde nací. Representa para mí una balada de amor ambiguo, el sonido logrado oscila entre el rock y lo melódico generando un clima dulce y fuerte a la vez. Decidí reali-

zar el videoclip de la canción en Pinamar ya que la letra de la historia versaba sobre la arena y la piedra, la marea y todo lo que implicaba el espacio playa”.

FICHA TECNICA DEL SINGLE

ARENA Y PIEDRA

LETRA Y MÚSICA:

Anabella Paraber. PRODUCCIÓN MUSICAL, ARREGLOS, GUITARRAS Y BAJO:

Adi Azicri.

BATERÍA:

Claudio Di Cicco.

GRABACIÓN:

Estudio Panda.

INGENIERO DE SONIDO:

Leo López.

DISEÑO DE PORTADA SIN-

GLE:

Vegan Frank.

FICHA TECNICA VIDEO

ARENA Y PIEDRA

DIRECCIÓN Y POS-PRODUC-

CIÓN:

Gaby Smiths.

PRODUCTORA:

Lion Films.

LOCACIONES:

Pinamar y Mar Chiquita.

ASISTENTE DE DIRECCIÓN:

Mechi Perez.

MAQUILLAJE:

Erika Cores.

AÑO:

diciembre 2023, enero 2024.

BIO Anabella Parabe

Nació en la provincia de Córdoba y reside en la Ciudad Autónoma de Bs As. Realiza sus primeras presentaciones a los 19 años como cantante en los canales 8 y 12 de la TV de Córdoba. Posteriormente fija su residencia en CABA.

En el año 2000 realiza un viaje a México DF donde se presenta como cantante en vivo en Radio City México y hace notas para Televisa Radio y en la prensa gráfica: Excélsior. Al cabo de un año regresa al país y realiza presentaciones como cantante en distintos escenarios de la ciudad.

Entre los años 2006 y 2007, en paralelo a sus composiciones

solistas, realiza teatro musical. Escribe e interpreta sus propias obras en formato de unipersonal: Tertulia una velada épica (2006) y Crucifixión en Roma (2007) con ambas obras se presenta en los teatros: Manzana de las Luces, teatro El Convento y la Asociación Dante Alighieri. Participa en otras producciones musicales: con la dupla Carlos Abregú-Ángel Mahler Estrenando en el Auditorio de Belgrano, Eufrasia el amor que cruzó el océano.

Posteriormente, en el año 2008, edita el libro de poemas, Tedio Rosa, y participa en distintas antologías y obtiene el premio de finalista en el concurso Cálida Esperanza de Madrid.

Realiza un intervalo para formarse académicamente: Cursa y egresa en la carrera de grado: Profesora de Artes en Teatro y de posgrado: Especialista en Lenguajes Artísticos Combinados en el Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA-UNA).

Prosigue sus presentaciones solistas y en 2020 lanza el EP: “Anabella Paraber Canciones “.

En mayo de 2021 estrena el single “Quiero hablarte”, una obra conceptual que incluye lanzamiento del videoarte “Quiero hablarte”, disponible en todas las plataformas digitales. El 2 de noviembre de 2022 la cantante publica el single “Al centro del paraíso”.

En enero de 2023, lanza el videoclip de “Al centro del paraíso”, una nueva versión de esta, su primera canción compuesta, acompañada con piano de cola por por Martín Morita en arreglos y ejecución.

En julio lanza el single “Te pido una visión” con letra y música de su autoria.

El 9 de diciembre lanza el single “Arena y piedra”.

MN.Prensa y Comunicación

Lic. Marcela Nuñez

www.mncomunicacion.com.ar marcela@mncomunicacion.com. ar

Video

ARENA Y PIEDRA Anabella Paraber. Video Oficial.

https://youtu.be/Y97lRtGfwrg?feature=shared

ANA MENA logro su doble disco de platino “MADRID CITY”

Ana Mena sigue rompiendo records. Recientemente, ha compartido con sus fans que ha recibido el doble disco de platino por su último disco ‘Madrid City’. Esto significa que ha alcanzado las 80.000 copias vendidas certificadas. De esta manera la cantante malagueña acumula ya 48 discos de platino en su carrera. ¡Todo un verdadero récord!

Ahora se encuentra en Los Ángeles en el estudio de grabación preparando desde hace algunas semanas lo que será su próximo material, junto a dos grandes de la industria, Andrés Torres y Mauricio Rengifo, quienes están detrás de algunos de los nombres más potentes del momento como Aitana, Tini, Emilia, Lola Índigo y Tiago PZK; y son además los responsables de dos de

los temas más populares y exitosos de la malagueña, Las 12 y Madrid City.

Además “Madrid City” cumplió 14 semanas como N°1 en la Lista Oficial de Radios de España, avalada por PROMUSICAE y AGEDI, los entes oficiales encargados de elaborar este listado.

Ana Mena ha empezado el año a lo grande, demostrándolo en cada momento, como cuando deslumbro con su talento, la gala final de Operación triunfo, el programa más visto del año en España y rompiendo récords en todas las plataformas con su exitoso single ‘Madrid City’.

La joven estrella, ha consolidado una carrera de éxito que arrancó

siendo una niña al ganar en 2006 los Premios Veo Veo. Tenía solo nueve años y desde entonces su trayectoria ha sido imparable, consolidándose como una de las artistas femeninas más exitosas e imprescindibles de la nueva escena pop y urbana con una gran proyección internacional gracias a los éxitos que está consiguiendo en Latinoamérica, Francia e Italia.

+ SOBRE ANA MENA

Con tanto talento, los reconocimientos no tardaron en aparecer. Con solo doce años ya contaba en su haber con doce premios nacionales, entre los que destaca el Primer Premio de Andalucía del programa Veo Veo (2006). Pero sin duda una de sus mayores gratificaciones

llegó con trece años, al resultar ganadora de My Camp Rock 2, un concurso musical de Disney Channel.

Como adelanto de lo que sería su primer álbum se lanzaron 3 canciones en 2016 “No soy como tú crees” “Loco como yo” “Se fue”.

Con tan solo 19 años, Ana Mena nos mostraba una impresionante madurez vocal y artística y rápidamente recibió el reconocimiento a su trabajo con el éxito de sus canciones en las plataformas digitales. También la radio apostó con fuerza por ella y fue nominada como Artista Revelación para Los Premios “40 Music Awards 2016”.

Ana Mena fue galardonada con el “Premio Málaga Joven 2016” en la modalidad de ARTE, por el Instituto Andaluz de Juventud de la Junta de Andalucía y a finales del 2016 se lanzó su colaboración en el tema de Bromas Aparte “Dama y vagabundo”, que entró directamente a la lista de “Los 40” y cosechó unas excelentes críticas y excelentes comentarios en RRSS.

Su primer lanzamiento del 2017 fue “AHORA LLORAS TÚ” con la colaboración de CNCO, el artista latino revelación de ese año en España y Latinoamérica.

El tema, que consiguió el DISCO DE ORO en España, sonó con apoyo máximo de Los 40, con los que Ana Mena realizó una extensa gira de presentaciones durante todo el verano de 2017.

También estuvo presente en los conciertos de CCME del 2017.

En marzo de 2018, Ana Mena lanzó su single “Ya Es Hora” junto a Becky G y De La Ghetto, dos de las superestrellas latinas más importantes del momento.

Su primer álbum INDEX entró directo al nº 9 de la lista de ventas de promusicae en España.

Ana Mena se posicionó como una de las artistas españolas más relevantes siendo elegida por la plataforma Spotify como artista Spotlight, nominada como revelación en los Premios 40, premiada como “ARTISTA ESPAÑOL FAVORITO” en los Kids’ Choice Awards 2018 y seleccionada por Spotify España como uno de los artistas de su campaña de formatos digitales y publicidad exterior.

Ana Mena ha sido nominada a cuatro candidaturas en los 40 Music Awards 2022: Mejor Artista, Mejor Canción y Mejor Videoclip, además de mejor colaboración junto a Abraham Mateo y ha conseguido el premio a mejor canción con MÚ-

El año 2023 ha empezado con dos nuevos éxitos para la carrera de Ana Mena UN CLÁSICO y ME HE PILLAO x TI, junto a Natalia Lacunza; los singles que lanzó como adelanto de su nuevo álbum, BELLODRAMA, un álbum lleno de grandes canciones, que se editó el 24 de marzo y entró directo al Nº1 en la lista de ventas española consiguiendo rápidamente el disco de Oro en España.

Vicky Roa Comunicaciones vicky@vickyroa.com.ar

Ana Mena - Madrid City (Video Oficial)

https://youtu.be/sh2lLZBnrfA?feature=shared

SICA LIGERA.

AISLES & KUERVOS DEL SUR lanzan

“La poderosa muerte” Segundo adelanto de su EP “Obras de Los Jaivas”

“La poderosa muerte” es el segundo adelanto que publica la banda y lo puedes escuchar acá.

La banda chilena de rock progresivo Aisles anuncia la salida de la reversión del tema “La poderosa muerte”, incluido en el EP “Obras de Los Jaivas”, el cual será publicado el 24 de mayo en todas las plataformas digitales y también en formato físico a través de Presagio Records. El EP consiste de cuatro canciones que originalmente fueron escritas por Los Jaivas, cuya historia se extiende por más de seis décadas y más de diez discos de estudio.

“La poderosa muerte” (incluida originalmente en el disco “Alturas de Macchu Picchu” de Los Jaivas), para el cual Aisles invitó al cantante Jaime Sepúlveda del grupo de rock de raíz Kuervos del Sur para contribuir en la voz, fue reversionada con una plena admiración por Los Jaivas en un estilo influido por la sonoridad pesada actual. “La canción pide un desgarro propio del rock, y creímos que Jaime sería el más idóneo para interpretarla, por su forma de cantar tan desde el corazóncuenta Juan Pablo Gaete, tecladista de Aisles-, por otro lado, Jaime tiene una conexión muy fuerte con el público y con esta

versión nos queremos acercar a la audiencia en Chile, así es que él fue un excelente catalizador”. “La poderosa muerte” es el segundo adelanto del EP tras la salida de “La conquistada”, donde Aisles cuenta con la participación de Nico Borie.

“Obras de Los Jaivas” es un trabajo donde la banda imprime su respeto por la querida agrupación viñamarina, reversionando cuatro canciones clásicas al estilo de Aisles: con uso de guitarras pesadas, melodías intrincadas y un frenesí innato. Es, además, el segundo trabajo que lanza Aisles como cuarteto, tras la suite instru-

mental “Bahamut” (2023), con el lineup formado por Germán Vergara (guitarra), Juan Pablo Gaete (teclados) y Daniel Concha (bajo) y Alvaro Poblete (batería), y el primero donde cuentan con letras en español.

La banda publicará cada uno de los tracks en forma individual, para culminar con la salida del EP en el mes de mayo. Todos ellos cuentan con un cantante invitado, que se revelarán a medida que se publiquen las canciones.

Lista de canciones:

1. La conquistada (ft. Nico Borie)

2. La poderosa muerte (ft. Jaime Sepúlveda de Kuervos del Sur)

3. Mira niñita

4. Sube a nacer conmigo hermano

Foto: Ignacio Orrego

BIOGRAFÍA

Originarios de Santiago de Chile, y con cinco aclamados discos de estudio, Aisles se ha convertido en la banda progresiva sudamericana más importante de las últimas dos décadas. Sus melodías intrincadas y su apertura sonora reflejan su incomparable enfoque musical. El grupo se ha presentado en Norteamérica, Sudamé-

rica y Europa, y ha tocado en vivo en Chile abriendo para bandas icónicas como Marillion, Focus y Riverside, y también en shows en diversas localidades del país.

En 2005, publicaron su álbum debut, titulado “The Yearning”, el cual fue editado en Chile y Estados Unidos, y reconocido por su elegante y delicado trabajo melódico, especialmente en temas épicos como “The Wharf that Holds His Vessel” y “Grey”. En 2009, su segundo álbum, “In Sudden Walks”, inspirado en la literatura existencialista y el teatro, fue nominado a Mejor Disco Extranjero en los Prog Awards en Italia. Asimismo, el grupo participó en la 11ª versión del Festival de Rock Progressif Crescendo en Francia. Su tercer trabajo, “4:45 AM”, que indagaba en la soledad del ser humano, publicado en 2013, recibió elogiosas críticas y se ubicó entre los mejores álbumes de ese año en numerosas publicaciones especializadas en rock progresivo.

“Hawaii” (julio de 2016), un disco doble conceptual que narra la vida de la humanidad en el espacio tras la destrucción de la Tierra,

fue elegido entre los mejores álbumes del año por medios como Prog (Inglaterra), NeoProg (Francia), Headbangers Latinos (México), Aural Moon (EE.UU.) y Rockaxis (Chile). El éxito del álbum les permitió girar en Europa, Estados Unidos y México.

En 2018, a modo de cierre del ciclo de “Hawaii” publicaron el EP “Live from Estudio del Sur”, complementado con cuatro videos registrados en vivo que se encuentran en YouTube. La banda lanzó su quinto trabajo, “Beyond Drama”, el 5 de abril de 2023, tras la salida de tres miembros y la reconfiguración del grupo. El 30 de junio de 2023 lanzaron la suite instrumental “Bahamut”, inspirada en la novela homónima de ciencia ficción del autor Francisco Ortega.

Prensa:

María de los Ángeles Cerda

Presagio Records angeles@presagiorecords.com

Video

Aisles & Kuervos del Sur - La Poderosa Muerte (Lyric video) https://youtu.be/lqFMaCveA2I?fe ature=shared

Cine

«Las dos Mariette»

nuevo documental de Poli Martinez Kaplún, llega a las salas porteñas en abril

Luego de su paso por el 38º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, Las dos Mariette, tercer film documental de Poli Martinez Kaplún llega a las salas porteñas el jueves 11 de abril.

SINOPSIS

Cuánto tiempo se puede mantener un secreto?

La protagonista de la película, Mariette, lo hizo durante 70 años y en el ocaso de su vida se decide a contarlo. Teme traicionar a su madre y lastimar a sus seres queridos.

Mariette se enfrenta hoy a su lado oculto, invadida de dudas, con

miedo al rechazo y al prejuicio.

FICHA TÉCNICA

Título original: Las dos Mariette Duración: 80 min.

Idioma: Español

País: Argentina

Año: 2023

POLI MARTINEZ KAPLUN - DIRECTORA

Poli Martínez Kaplun es directora, productora y guionista.

Junto a Lucas Werthein y Carlos Winograd crean “LIfestories” una compañía de cine independiente. Lifestories produjo los documentales «Lea y Mira dejan su huella» (2016) y «La Casa de Wannsee» (2019, esta última resultó ganadora del Premio de la Audiencia al Mejor Documental en el Festival Judío de Miami y estrenó comercialmente en Estados Unidos

en 2019 .

«Las dos Mariette» completa una trilogía de documentales que toman como tema el trauma, la identidad, la Argentina y la transmisión entre sucesivas generaciones.

SOBRE EL PROYECTO

Mi primera película «Lea y Mira» buscó indagar en la llama de la sabiduría y superación del dolor filmando a dos mujeres de más de 90 años que habían sobrevivido al Campo de Exterminio de Auschwitz. La temática me apasionaba, aunque también me parecía ajena, como si eso no tuviera que ver con mi familia.

Al filmar la película, atravesada por la barbarie de la Segunda Guerra, el nazismo y los campos de exterminio, comencé a interrogarme sobre cómo mis abuelos,

alemanes que vivían en Berlín cuando Hitler asumió el poder, habían logrado escapar de Alemania y cómo, paso a paso, habían logrado reconstruir sus vidas.

Mis abuelos, de origen judío, habían emigrado cinco veces antes de llegar a la Argentina escapando de Europa. Hasta ese entonces conocía su historia como un episodio exótico, despojado de todo dolor; aunque siempre sentí una sombra oscura y densa sobrevolando mi vida, sin poder ponerla en palabras.

En el proceso de realización de la película, empecé a entender que mi hermana y yo éramos tercera generación de una familia que había logrado sobrevivir al Holocausto y que nuestro desconocimiento acerca de la historia de nuestros antepasados nos constituía en herederas de ese trauma.

Entre aquellos que han padecido

un drama de esa magnitud no había palabras, no había recuerdos; el pasado era algo difuso y de lo que se evitaba hablar. El silencio era un refugio, la posibilidad de dejar atrás, olvidar. Por eso, tal vez mi madre y mis tías no hablaban de la historia de sus padres. Es por eso, tal vez también, que yo no conocía casi nada.

Hacer «La Casa de Wannsee», mi segunda película, significó abrir el telón de mi propia vida, lo borroso comenzaba a tomar sentido. Los sucesos del pasado repentinamente, se inscribían como un camino hacia adelante, lejos de ser anecdóticos y difusos.

Y es así como llegué a Mariette y a interesarme por su historia. Durante una de las presentaciones de «La Casa de Wannsee» alguien me dijo: “Tenés que conocer a una señora que hace poco empezó a hablar de un pasado oculto”.

Mariette Diamant tiene 90 años, vive en Buenos Aires y pertenece a la segunda generación, al igual que mi madre. Cuando tomé contacto con ella, me contó en voz muy baja su historia, encontrando todos los eufemismos que evitaban la palabra Holocausto, persecución, guerra y judíos.

Luego vino la pandemia y el confinamiento, pero también decenas de llamadas que se convirtieron para ella, de algún modo, en una confesión. Mariette intentaba expresar lo que había empezado a contar para un libro de testimonios de sobrevivientes y ahora, con la decisión de participar en una película, buscaba que sus hijos y amigos supieran su historia, que pudieran oírla. No quería morir, decía, sin sacarse este gran peso de encima; el del secreto que ella con los años iba descubriendo y que a su vez seguía perpetuando… El secreto que encerraba el trauma, la estigmatización y la necesidad de ser

reconocida y aceptada.

De ese modo me transformé, quizás, no sólo en una escucha atenta, pero también en un hilo transmisor. Una cámara que al presentarse creaba una realidad que, más que registrarla, la producía. Al escuchar, al preguntar, al generar encuentros entre tres generaciones de una familia, ese silencio se llenaba de sentido. Aparecían las expresiones, los gestos, lo que se trataba de decir sin querer hacerlo. La escena salía a resquebrajar un statusquo denso y lleno de equívocos… Porque lo que no se dice, también encuentra su manera entreverada y padeciente de recostarse sobre nosotros.

Quizás este documental es testimonio de la reconstrucción de una memoria familiar enterrada y con su aparición, la magia del impacto en varias generaciones. Y al producirse, nos hace preguntarnos qué hacemos las personas con aquellos rastros que nos deja la vida de quienes nos precedieron, aunque evitemos mirarla.

Las dos Mariette

Con Mariette Diamant

Y la participación de:

Sebastián Diamant

Hélène Gutkowski

Marta Rojas

Carmen Foster

Patricia Cosentino de Girod-APetit-Louis

Valeria Cosentino de Sarciat

Paulo Cosentino

Tessi Vallarino

Carmen Oyharzabal de Luchetta Carolina Gonzalez Venzano

Lucila Andrade

Chloé Girod -A-Petit-Louis Panchi Cosentino

Gonzalo Cosentino

Paz Sarciat

Matías Andrade

Lea Zajac de Novera

Josette Laznowski

Betty Wainsztok

Catherine Stad

André Gattegno

Mirta Miliavsky

EQUIPO TÉCNICO

Dirección y Guión Poli Martinez

Kaplun Producción ejecutiva

Lucas Werthein Carlos Winograd Poli Martínez Kaplun Producción Nora Acrich - Mariana C. Martínez Edición Lucio Pien (EDA) Ernesto Felder (SAE) Supervisión argumental Esteban Student Fotografía & Cámara

Hernan Menendez Sonido Damian Calabro Prensa Erica Denmon

Prensa: Erica Denmon erica@denmon.com.ar

Video

Trailer de “Las dos Mariette”, tercer film documental de Poli Martínez Kaplun

https://youtu.be/hDlq0GFklTg?fe ature=shared

“HEMSHEJ”

ópera prima documental de Julieta Lande llega a las salas argentinas el 4 de abril.

Luego de su estreno mundial en DOC BS AS, Hemshej, ópera prima de la directora Julieta Lande, llega a las salas argentinas el jueves 4 de abril.

SINOPSIS

En 1939 Joel y Jana escapan de su pueblo en Polonia por la llegada de los nazis, convirtiéndose en los únicos sobrevivientes de su familia. En Argentina, tienen un hijo al que apodan Hemshej, una palabra que en ídish y hebreo significa continuidad. Hoy, su nieta Julieta, decide desandar sus pasos para entender qué hay detrás del silencio de su padre. Comienza a sospechar que hay una parte de su propia historia que le fue omitida.

FICHA TÉCNICA

Título original: HEMSHEJ

Duración: 71 min.

Género: Documental

Idioma: Español /Polaco /Inglés

País: Argentina / Polonia

Año: 2023

JULETA LANDE - DIRECTORA

Julieta Lande es Licenciada en Artes Combinadas de la Universidad de Buenos Aires y posee un Máster en Investigación en Prácticas Artísticas y Visuales de la Universidad de Castilla - La Mancha, como becaria de la Fundación Carolina de España.

En 2022 participó del Programa

de Cine de la Universidad Torcuato Di Tella.

Realizó obras de video e instalaciones exhibidas internacionalmente, entre ellas el cortometraje Arjiv (2021). Su ópera prima, Hemshej, largometraje documental realizado con el apoyo del INCAA, recibió la beca Creación del Fondo Nacional de las Artes así como la declaración de interés de Mecenazgo Cultural y fue estrenada en el Doc Buenos Aires, Muestra Internacional de Cine Documental, en el año 2023. Actualmente, se encuentra desarrollando una nueva obra titulada Las excursiones.

A PROPÓSITO DEL PROYECTO

Hemshej es una película que nació en una búsqueda por querer saber más sobre la historia de mis abuelos, sobrevivientes de la Shoá, y se convirtió en un proceso de deconstrucción y aprendizaje personal. La película reflexiona sobre la identidad en

términos políticos y afectivos: el viaje que emprendí a lo largo de todos estos años de proceso implicó cuestionarme cómo se construyó mi identidad judía, una identidad marcada por la ausencia y los silencios, una identidad en la que la narrativa del Estado de Israel y la figura de la otredad palestina fueron componentes esenciales. Los interrogantes que tengo son muchos, pero mientras escribo estas líneas, hay una pregunta que resuena sobre las demás. Una pregunta que nace de una identidad en constante contradicción: ¿Hasta cuándo

vamos a seguir reproduciendo una sola narrativa?

Escribo vamos intencionalmente, porque este proceso no evita que siga siendo parte de un nosotros. Es inevitable, como diría Donna Haraway, situarme: no puedo negar el lugar desde donde miro, aunque mi mirada actual no sea la misma que la del pasado. Como escribe la autora: “¿Con la sangre de quién se crearon mis ojos?”. Tenemos emociones asociadas a una serie de ideas en relación a nuestra identidad que se encuentran muy arraigadas a par-

tir de la narrativa que recibimos y de las experiencias vividas. Nos criamos en un universo que instaló una variedad de premisas de forma lo suficientemente profunda como para que se nos hagan carne. Esta película busca desentrañar algunos de los elementos que conforman esa identidad y preguntarse sobre la narrativa con la que fui educada. Porque, volviendo a Haraway, “ocupar un lugar implica una responsabilidad en nuestras prácticas”. Y yo, como judía descendiente de hombres y mujeres que sufrieron el nazismo, siento que hoy no puedo permanecer en silencio ante la violencia producida en nuestro nombre.

Hay un precepto del judaísmo que escuché desde que tengo memoria, “Ve igadeta le binjá”: “Y le contarás a tus hijos”. Ese precepto habla de la importancia de la transmisión de la historia, de la necesidad de que exista un relato entre una generación y la siguiente, un relato que constituya y defina nuestra identidad. Este

documental me llevó a reformular ese precepto, a repensar qué estamos contando. Aunque los nosotros y los otros sigamos existiendo, aunque nos separen las fronteras territoriales e identitarias, eso no implica que sea imposible proponer otras narrativas posibles y ampliar nuestros campos de visión.

El cine tiene una potencia micropolítica y confío en que Hemshej puede ser portadora de un poder de contagio en su recepción. Deseo con este documental incluir en el problema a quienes lo observan y aunque sea desde un humilde lugar, proponer una nueva cartografía desde donde trazar nuestros mapas identitarios.

EQUIPO TÉCNICO

Dirección & Guión Julieta Lande

Producción Julieta Lande - Fla-

men Films Producción Ejecutiva

Maria Eugenia Lombardi Cámara Julieta Lande & Pablo Linietsky Sonido Directo Julieta Lande & Pablo Linietsky Montaje Miguel Goya Correción de color Clara Bianchi / AFS Diseño de sonido Emiliano Biaiñ & Marcos Zoppi Edición de sonido & Mezcla Estudio Zub sonidoEmiliano Biaiñ & Marcos Zoppi Coach vocal Mariana García Guerreiro Diseño gráfico Eliana

Tujschinaider Animaciones

Tomas Lerer Diseño de afiche

Marcelo Granero Distribución

Cantata Films

Prensa Erica Denmon erica@denmon.com.ar

Video

Hemshej , ópera prima documental de Julieta Lande - Trailer

https://youtu.be/KmhXwvN79s?feature=shared