Amici del Musical #18 by Amici del Musical

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Rugantino Cats Best of Musical Cercasi Cenerentola Der Besuch der Alten Dame Artus Stephen Ward From Here To Eternity Sunset Boulevard 49 Shades & 1/2 Alessio Impedovo ...e tanto altro!

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Sister Act Newsies Cabaret Vacanze Romane Il Marchese del Grillo Kinky Boots Franco Travaglio Koen Schoots

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Le Bal des Vampires Daniele Carta Mantiglia RaffaÃ«lle Cohen Next to normal SarÃ perchÃ© ti amo Mary Poppins Angelo Di Figlia Chitty Chitty Bang Bang Beauty and the Beast Dirty Dancing Casanova Houdini Le nozze di Figaro Risate sotto le bombe Trasteverini

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yes, everything as if we say goodbye di Francesco Moretti

Bè, sì, vi diro la verità: un po’ è stata colpa di Glenn Close. Della cocente delusione di quel 21 aprile 2016, al Coliseum di Londra, quando assieme ad altre 2000 persone accorse da ogni dove per vedere l’attrice americana nei panni della “sua” Norma Desmond, mi sono trovato di fronte al laconico comunicato appeso nel foyer, che vedete qui.

Sì, ok. Ria Jones è stata grande. Sì, ok. Ha affrontato un pubblico attonito, ammutolito, frustrato, maleducato (c’è stato un forte ritardo, quella sera, nell’avvio di Sunset Boulevard, perché parte del pubblico assediava la biglietteria chiedendo un vano rimborso del biglietto o un cambio data), boooh prevenuti all’apparizione del portavoce sul palco che annunciava pubblicamente la sostituzione, ma anche applausi e incitamenti dai fan che invece erano riusciti ad avere i biglietti della serata proprio perché c’era Ria Jones a sostituire l’ammalata Glenn Close, e ha vinto. E insomma, è stata una strana, amara serata. Lo spettacolo in sè, impeccabile. Non una sbavatura, orchestra di cinquanta musicisti assolutamente grandiosa, performer calati perfettamente nella parte, intuizioni sceniche e di regia geniali - il cadavere di Joe Gillis che sale dalla buca orchestrale appena dopo l’ouverture a rifare l’iconica inquadratura con la quale inizia il film di Billy Wilder, la fuga e l’inseguimento in auto simulata dai performer con in mano i fari, l’apparizione nei momenti giusti di Norma da giovane (e quando balla con Joe durante The Perfect Year, prendendo il posto di Ria Jones, ecco, mi sono commosso), Joe che all’inizio del secondo atto sale dalla buca di cui sopra in costume da bagno per la gioia delle fan, il fascio di luce di Hog Eye che, prima di abbagliare Norma nell’introduzione di As if we never said goodbye, dilaga sulla platea e per un attimo ha abbagliato pure me, e mi sono sentito parte della scena. Tutto questo per dire cosa? Che Glenn Close non c’era, ecco, e per chi come il sottoscritto ha amato alla follia la sua interpretazione e consumato il cd sognando di vederla in scena, e trovarsi di fronte alla pur brava sostituta, è stato un duro, durissimo colpo da digerire. Tanto che non ho neppure scritto nulla sul mio blog, che pur si chiama Viale del Tramonto. Ma altri motivi, ben più importanti di questo (suvvia, the show must go on, Glenn Close o meno), e la continua evoluzione nella fruizione dei contenuti veicolati dal web, mi spingono a chiudere qui la bella avventura della webzine. Cinque anni e venti numeri (compresi il numero zero e uno sdoppiato) che hanno raccontato con passione uno spaccato del musical italiano ed europeo, dal punto di vista degli spettatori, degli addetti ai lavori, degli appassionati. Ci siamo riusciti? Sì, no, forse. L’abbiamo fatto sempre in buona fede, in ogni caso. La nostra bella squadra non si ferma qui, però: torneremo all’antico, cioè al nuovo: al web, in un blog (amicidelmusical.blogspot.it) che affiancherà il sito storico di Amici del Musical e il frequentatissimo gruppo su facebook. Restate sintonizzati! Intanto, godetevi quest’ultimo numero;spero, come sempre interessante. Sfogliatelo, leggetelo, condividetelo, scaricatelo; e arrivederci a presto.

Amici del Musical www.amicidelmusical.it sito ideato da Franco Travaglio webzine issuu.com/amicidelmusical ideazione e coordinamento editoriale Francesco Moretti

in redazione Stefano Bonsi, Alessandro Caria, Enrico Comar, Laura Confalonieri, Sara Del Sal, Diana Duri, Matteo Firmi, Roberta Mascazzini, Roberto Mazzone, Valeria Rosso, Enza Adriana Russo, Franco Travaglio n. 18|2016 14 luglio 2016 - aggiornato il 17 luglio 2016 in copertina: tutte le copertine della webzine Abbiamo fatto il possibile per reperire foto autorizzate e ufficiali. Per ogni informazione e/o chiarimento scrivete a: francesco.moretti@gmail.com

Facts & Figures

dallâ&#x20AC;&#x2122;Italia Jersey Boys Fame Footloose Il Giardino Segreto Titanic

dallâ&#x20AC;&#x2122;estero Don Camillo & Peppone A Chorus Line Evita le interviste Maya Hakvoort Andrea Marchetti

letto / visto / ascoltato Notre Dame De Paris Tanz der Vampire PrIMO 2016

scarica la webzine in pdf: http://bit.ly/adm_18_download

6 12 18 24 60 28 38 42 34 48 52 54 56

Quei bravi ragazzi dal Jersey

di Roberto Mazzone

Jersey Boys Milano, Teatro Nuovo 15 aprile 2016

Rivive a teatro la storia dei Four Seasons, tra classici intramontabili

Ha debuttato sul palcoscenico del Teatro Nuovo di Milano Jersey Boys, juke-box musical con musiche di Bob Gaudio, liriche di Bob Crewe e libretto di Marshall Brickman e Rick Elice. Il musical che ha ispirato l’omonimo film di Clint Eastwood (2014), nel quale viene raccontata la storia dei Four Seasons - la celebre band poprock fondata negli anni Sessanta dal cantante italoamericano Frankie Valli - coloro che hanno portato al successo intramontabili singoli come Sherry, Big Girls Don’t Cry, Can’t Take My Eyes Off of You, Let’s Hang on! e Rag Doll, vendendo oltre cento milioni di dischi. Le loro canzoni sono state interpre-

tate anche da celebrità della musica tra cui Diana Ross & The Supremes, i Muse, i Killers, i Pooh, Mina, Gloria Gaynor e tanti altri.

Lo show racconta - anche con l’ausilio di proiezioni video che sanno “lasciare il segno” sul pubblico - la formazione e l’ascesa del gruppo – impostosi in America ben prima dei Beatles – fino al declino e alla separazione definitiva, seguendo una linea narrativa impostata su quattro “stagioni”, ciascuna illustrata da uno dei componenti della band. Il produttore Lorenzo Vitali ha scommesso sulla versione italiana di un musical di successo a Londra e negli Stati Uniti - ma poco cono-

sciuto in Italia - e, per il momento, sembra averci visto giusto, in primis affidando la regia a Claudio Insegno, che confeziona uno spettacolo dinamico, dal ritmo incalzante, quasi cinematografico (nel primo atto succedono molte cose troppo in fretta, ma il rischio di incorrere nelle lungaggini rimane sempre in agguato), sostenuto dal forte impatto visivo (disegno luci di Gianluca Brunelli, scene di Roberto e Andrea Comotti) e dalla presenza dell’orchestra dal vivo (in buca e sul palco), impeccabilmente diretta da Angelo Racz, con la supervisione musicale di Emanuele Friello. Il regista ha puntato molto sulla direzione degli attori sul palco; il coreo-

grafo Valeriano Longoni riesce nell’intento di far muovere con appropriata coordinazione e dirompente energia anche i componenti del cast meno abituati alla danza; a eccezione dei quattro protagonisti, tutti quanti – ensemble compresa - si cimentano in ruoli primari e comprimari, in una girandola di personaggi anche dal non eccessivo spessore, ma accuratamente tratteggiati. A dare vita a una delle band più amate della storia della musica internazionale sono quattro eccellenze del musical italiano, ognuno di loro con peculiarità adatte al proprio ruolo: Marco Stabile regala il suo carisma, unito a un’accattivante pre-

senza scenica, al chitarrista malavitoso Tommy DeVito; Flavio Gismondi, dopo il personale successo nel musical Newsies, fornisce un’ulteriore interpretazione sicura e convincente nel ruolo del tastierista Bob Gaudio; Claudio Zanelli, nei panni del bassista Nick Massi, si ritaglia un ruolo capace di “lasciare il segno”, interpretando uno dei personaggi meglio “riusciti”, a livello drammaturgico, di tutto lo spettacolo. Infine, Alex Mastromarino ha il difficile compito di interpretare Frankie Valli. La sua estensione vocale, accompagnata da un timbro caldo e avvolgente, gli permette di svolgere in maniera molto convincente il suo compito, sfoderando un falsetto che fa venire la pelle d’oca. Un discorso analogo vale per il duetto My Eyes Adored You, interpretato in coppia con Alice Mistroni, spiazzante e struggente nel ruolo di Mary Delgado, moglie di Frankie. Insieme ai Four Seasons, i migliori talenti del musical italiano, tra cui Felice Casciano, nel ruolo di Gyp DeCarlo, boss dal cuore tenero e con uno spiccato

foto | Selene Porcaro

senso della lealtà, Brian Boccuni (il discografico Bob Crewe, un’interpretazione spassosa ed elegantemente “sopra le righe”) e Giulio Pangi, nei panni giovanili e divertenti dell’attore Joe Pesci. Sulle note di intramontabili hit come December, 1963 (Oh,What a Night), Who Loves You e tante altre, il pubblico ha l’occasione di vivere un’esperienza indimenticabile, con tanto di titoli di coda sul finale, come al cinema. Giunti al termine di una stagione teatrale, ormai ci si può sbilanciare, mettendo nero su bianco che questa è, insieme a Newsies – altro titolo poco conosciuto dal pubblico italiano - una delle produzioni di teatro musicale di maggiore qualità. Il produttore Lorenzo Vitali è riuscito nell’intento di suscitare l’interesse perfino del pubblico parigino e porterà in scena gli interpreti italiani alle Folies Bergère dal 30 settembre al 15 ottobre prossimi. Poi lo spettacolo tornerà a Milano dal 3 novembre e successivamente partirà in tour per i maggiori teatri italiani.

Voglia di successo

di Roberto Mazzone

Fame Milano, Teatro Nuovo 7 aprile 2016

In occasione dei 35 anni del classico Fame, debutta a teatro una nuova versione del celebre musical degli anni Ottanta

Federico Bellone è il “motore” artistico della nuova versione italiana del musical Fame – Saranno famosi (la prima nella nostra lingua risale al 2003, prodotta da Lorenzo Vitali), realizzata in occasione dei 35 anni dall’uscita del film, con la produzione esecutiva ora affidata a Wizard Productions srl e una decina di altri soci operanti nel settore dello spettacolo dal vivo, che partecipano al progetto attraverso varie quote di finanziamento. La vita di studenti e insegnanti della prestigiosa High School for Performing Arts di New York – come nella versione teatrale americana realizzata da “Father Fame”, David De Silva - appare raccontata scevra da qualsiasi

rapporto con l’esterno, come se la scuola fosse un ambiente protetto, una sorta di “grande famiglia”, dove passioni, paure, pregiudizi, dolori e dissapori vengono potenzialmente espressi, pur rimanendo in una dimensione circoscritta all’insegnamento e al desiderio di farcela inseguendo i propri sogni, che però sono “altro” rispetto alla realtà e alle caratteristiche di ognuno. Ecco perché, se non fosse per le canzoni, che in qualche modo aiutano a non perdere il filo degli eventi che coprono quattro anni di studio – dalle audizioni nel 1980 al diploma nel 1984 - anche i personaggi risulterebbero ancora meno completi di quanto in effetti non sono: ognuno ha

un proprio tratto caratterizzante, che però si esaurisce nel momento in cui termina una scena da interpretare o una canzone da cantare. L’elemento più dinamico e completo dello spettacolo sono le coreografie firmate da Gail Richardson. La scena di Hella Mombrini e Silvia Silvestri introduce a un clima intimo, scolastico e allo stesso tempo ricco di energia, ma pur apprezzando l’utilizzo calibrato di qualsiasi elemento utile sotto il profilo scenografico, la forma dello spettacolo risulta comunque “light”. Il regista Bellone conserva, anche in questo caso, un asso nella manica: un taxi giallo in scena, ma lo riserva al termine dello spettacolo (dopo i sa-

luti), quasi come “bis”, sulle note della celebre Fame. Il cast italiano di questa edizione – ensemble e ruoli protagonisti – è stato selezionato grazie alla collaborazione con la SDM – La Scuola del Musical di Milano, che ha messo a disposizione della produzione alcuni dei suoi ex-allievi diplomati. Tra questi, Luca Giacomelli Ferrarini, reduce da significative esperienze in spettacoli come Next to Normal e Romeo e Giulietta – Ama e cambia il mondo, è un determinato Nick Piazza, un ruolo che non sembra però valorizzare il suo potenziale artistico, almeno dal punto di vista vocale; risulta invece piuttosto credibile nella recitazione.

Molto apprezzato Renato Tognocchi nel ruolo dell’irrefrenabile Joe Vegas; convincente nella recitazione e abile e spontaneo nel tenere il palcoscenico. Un discorso analogo, a livello interpretativo, vale per Roberto Tarsi, nel ruolo di Schlomo Metzenbaum. Rajabu Rashidi è un ottimo ballerino con uno stile indiscutibile, ma per il ruolo di Tyrone Jackson (nella serie Leroy Johnson, il “marchio di fabbrica” di Fame), questo non è abbastanza; esattamente come il personaggio che interpreta, gli sarebbe di giovamento un più approfondito impegno nella danza e nella recitazione (che, per il momento, colpisce solo per l’elevato numero di parolacce che pronuncia). A onor del vero, va detto che nell’esecuzione insieme a Marta Melchiorre (Iris Kelly) del passo a due nel secondo atto, ha dimostrato una grazia inaspettata e fuori dal comune. Michelle Perera nei panni di Mabel Whashington è l’autentica rivelazione di questa edizione di Fame: una voce piena e controllata, capace di un vir-

tuosismo finora raramente riscontrato in tessiture vocali analoghe. L’interpretazione del brano in cui descrive il suo rapporto con il cibo ha strappato applausi fragorosi e sbalorditi, ma anche una standing ovation sarebbe stata più che appropriata. I quattro ruoli adulti (gli insegnanti della scuola) non sono da meno, pur essendo, anch’essi, non completamente definiti: Donato Altomare e gipeto sono convincenti professori di recitazione e musica. Francesca Taverni (una integerrima Ms. Sherman) e Simona Samarelli (Ms. Bell, insegnante di danza, precisa, ma fuori dalle convenzioni didattiche) superano loro stesse nel duetto riguardante il destino di Tyrone e del suo potenziale talento. Un ensemble di talenti che emanano ritmo ed energia restituiscono al pubblico l’immagine più appropriata (la determinazione e la voglia di farcela), di uno spettacolo che però potrebbe essere molto di più di uno spaccato di sogni e aspirazioni di aspiranti artisti completi.

Scarpe, gioventĂš e musica

di Alessandro Caria

Footlose Bologna, Teatro Duse 26 maggio 2016

Il poco frequentato Footloose trova nuova energia e vitalitĂ grazie alla BSMT in questo Summer Musical Festival

Fantastica serata con Footloose della BSMT di Bologna. Merito di questa Scuola se mi hanno fatto rivalutare uno spettacolo non certamente tra i miei preferiti, spesso massacrato dalla critica sia a Broadway che nel West End (che ne denunciava sostanzialmente la banalità nel raccontare la classica storia “boy meets girl” e “boy overcomes doubting father” con scontato e consolatorio lieto fine). Questo trionfale successo bolognese è figlio di tante scelte azzeccate: l’imprescindibile musica dal vivo (sempre eccellente la direzione di Maria Galantino); la vigorosa potenza della parte corale confezionata con la consueta maestria da Shawna Farrell. Efficace e funzionale la regia di

Mauro Simone che è riuscito a iniettare un po’ di sano umorismo in tutto lo spettacolo, dando un’aria senza pretese e – merito maggiore ha saputo evitare con intelligenza di cadere nella retorica (quando l’argomento riguarda tre principi fondamentali come l’importanza delle emozioni, la gioia di vivere ed il bisogno di libertà il rischio del cliché è dietro l’angolo) e ha saputo trovare una chiave di lettura semplice quanto struggente: racchiudere il confronto generazionale in quelle scarpe giovanili abbandonate per troppo tempo e diventate luogo della memoria in attesa di tornare a “vivere”. Splendido il lavoro di Gillian Elizabeth Bruce, che si conferma ancora

una volta la Numero Uno nella capacità di raccontare qualcosa attraverso la danza, non si adagia su quell’aerobics style che uno si aspetta di trovare in questo genere di show, ma sa sempre cosa mettere a fuoco per comunicare qualcosa: se le gambe e i piedi degli allievi della BSMT viaggiano alla velocità di un Frecciarossa (il vigoroso opening è da togliere il fiato!) è merito della sua passione nell'insegnare e far emergere le qualità di ogni allievo (se poi teniamo conto che del nutritissimo Cast non tutti sono ballerini, si può gridare al “miracolo”).

Oltre a routine vivaci e contagiose, resta particolarmente suggestiva la coreografia con l’idea di onde che si infrangono per comunicare quella energia, quella esuberanza repressa e che cerca di esplodere nella piccola e bigotta comunità della provincia americana, serbatoio di contraddizioni e ansie giovanili; l’utilizzo di oggetti che diventano funzionali al ballo (stavolta dei copertoni di gomma): TOP!! Molto curate le luci e i cambi scena (mentre l'audio deve ancora essere messo a punto...). Il Cast… Beh, considerando che sono davvero degli esordienti, il risultato è ottimo e,

visto anche quello che gira nel panorama italiano di oggi, si ha la chiara sensazione di vedere un prodotto professionale a tutti gli effetti. Tutti cercano con intelligenza e passione di superare i propri limiti, e ci riescono in scioltezza e brillantezza. Mi piace ricordare il convincente e spigliato Ren di Andrea di Bella, l’impeccabile e repressivo Reverendo Shaw (ma che bravo!) di Andrea Busato, la materna e comprensiva Vivian di Concetta Castagnozzi, l’esilarante Wendy Jo di Martina de March, la divertente e innamorata

Rasty di Silvia Riccò, l'azzecato Willard di Francesco Galuppi (tempi comici perfetti!) che ferma lo spettacolo e la grande conferma rispetto il passato Summer Festival: l’Ariel di Giulia Bellanzoni, che merita fino in fondo gli applausi che il pubblico concede con dovizia. Recita, canta e balla con sorprendente sicurezza, cambia registro con disinvoltura passando dall’iniziale cinismo alle sfumature malinconiche e riflessive del finale... insomma troviamo già anche quella personalità, essenziale per il grande salto.

Giardini segreti e fantasmi

di Alessandro Caria

Il Giardino Segreto Bologna, Cortile del Baraccano 9 giugno 2016

Una ghost story con un happy ending, la nuova prova della BSMT per il festival estivo

Complimenti ai ragazzi della Bernstein School of Musical Theatre, che facendo un doppio (forse triplo!) salto mortale passano dalla “leggerezza” di Footloose alla atmosfere “pesanti” de Il Giardino Segreto, definito al suo debutto – credo a ragione – qualcosa come “a Freudian ghost story with a happy ending”, secondo appuntamento del Summer Festival bolognese. Che poi, a pensarci bene, la base, il nocciolo della vicenda del racconto da cui è tratto il musical è un ingrediente sfruttato in precedenza a Broadway (The Sound of Music? Annie?), con un orfanella che deve vincere le resistenze di uno scorbutico zio tra nostalgia del suo passato e ricerca della propria identità... I creatori di questo musical hanno

forse intellettualizzato troppo una storia per bambini: i fantasmi dei genitori morti della piccola Mary e di sua zia infestano quasi tutte le scene, perché nessuno dimentichi (quasi un severo monito) che la Morte e la Rinascita (come in Natura) sono i temi di The Secret Garden. Facendo così, però, ogni volta che la storia sembra fare un passo avanti

poi ne fa due indietro!... Poche volte questo schema dà i suoi frutti, come ad esempio nel meraviglioso trio I Heard Someone Crying dove Mary, suo zio e la zia defunta, vagando tra le stanze, alcuni fantasmi proiettano le loro più profonde nostalgie familiari nel suono del pianto notturno di un bambino. Detto questo, merito maggiore alla regia di Shawna Far-

rell, ai movimenti coreografici di Daniele Palumbo e alla efficace traduzione di Andrea Ascari che insieme hanno saputo districarsi in questo “labirinto di incubi”. Last but not least mi preme ricordare la deliziosa Zia Lily della bravissima Rosalba Veniero che mi ha sinceramente commosso... una voce come la sua è davvero cosa rara ed è incredibile il modo raffinato con il quale si è calata nel personaggio (più grande di lei come età): in scena esprime una magnetica, soave e delicata serenità! Alla fine una piacevolissima serata con un finale radioso e fresco perché chi, dopo incubi e contrarietà, non accoglie l’aria fresca, il risveglio della natura con i fiori profumati e... un po’ di pioggia?!? Applausi.

Il mondo piccolo non passa mai di moda

di Matteo Firmi

Don Camillo & Peppone Theater St. Gallen (CH) 7 maggio 2016

foto | Andreas J. Etter

Debutta in Svizzera la piĂš italiana delle storie, un affresco di unâ&#x20AC;&#x2122;epoca rivisitato in chiave tedesca

L’idea di mettere in scena un musical basato sulle novelle di Giovannino Guareschi poteva, anzi forse doveva, essere una idea italiana. Invece non è stato cosi, il teatro di San Gallo (Svizzera) in coproduzione con i Teatri Riuniti Viennesi ha messo in scena Don Camillo e Peppone – Il musical, un lavoro nato dalle mani di Dario Farina (musica) e di Michael Kunze (libretto). In questo cantone della Svizzera tedesca si viene catapultati improvvisamente negli anni Quaranta-Cinquanta della nostra pianura padana. Il soggetto tratto dal Il Mondo Piccolo vede un collage tra le celebri scene dei film interpretati da Fernandel e Gino Cervi e le piccole novelle di Guare-

schi. Kunze fa un lavoro molto certosino, mescolando linguaggio popolare italiano e testo strettamente tedesco. Dario Farina si presenta in punta di piedi nel mondo del musical, però conferma con il passar dello spettacolo di esser un compositore con la “C” maiuscola. Koen Schotts,nel ruolo del supervisore musicale (rimandiamo il lettore all’intervista nel numero di dicembre) riesce con la solita maestria a sfruttare le potenzialità dei piccoli gruppi (poco più di 20 musicisti) per uno spettacolo che spazia su vari generi. Il musical, strutturato nella classica forma dei due atti, vede una narratrice di primo piano come Maya Hakvoort a raccontare le avventure

spensierate del paese. Le scenografie portano lo spettatore nel paese di Don Camillo non dimenticando nulla: la chiesa, il comune, la casa e la stalla del Filotti (il proprietario terriero del paese) e perfino uno scorcio di fiume, sfruttando tutti gli spazi che il palcoscenico offre (ottimo il lavoro fatto da Peter J. Davison). I costumi affidati a Yan Tax, semplici ma funzionali, danno l’idea di quell’Italia povera ma combattiva di quegli anni. Andreas Gergen cura una regia lineare, che è riuscita nel difficile compito di non trasformarsi in kitch. Veniamo ora ai ruoli dello spettacolo. Don Camillo è interpretato da Andreas Lichtenberger: costruisce il

personaggio incentrandosi molto sulla figura di Fernandel e ciò è tutto a suo favore, riuscendo ad essere comico e divertente nelle scazzottate e nelle scene d’insieme, profondo e quasi commovente nei numeri musicali più “intimi”. Frank Winkels cerca con difficoltà di esser un buon Peppone, ma nel primo atto risulta un po’ in difficoltà, migliorando decisamente nel secondo. La vecchia signora Gina è un’incredibile Maya Hakvoort: in un ruolo di enorme difficoltà riesce a camuffare oltre al fisico anche la voce, rendendola sempre chiara e d’una coloratura che è raro trovare. Gina e Mariolino (gli innamorati del

paese) rispettivamente interpretati da Jaqueline Reinhold e Kurosch Abbasi sono la coppia su cui è costruito tutto il musical, sono freschi, leggeri, semplici. Reinhard Brussmann nel ruolo di Filotti incarna perfettamente il piccolo proprietario terriero italiano, deciso, orgoglioso, convincente. Il Brusco (uno degli scagnozzi di Peppone), un po’ burbero e con le mani sempre per aria, è interpretato da Thorsten Tinney. Divertente e molto preparato Andreas Muller nel ruolo del nonno di Gina; la sua badante Laura Castelli è

interpretata dalla bella ed elegante Femke Soetenga. Lo spettacolo è accompagnato dalla Don Camilo & Peppone Band diretta da Robert Paul, ottima compagine con ottimi musicisti di tutto il mondo. Lo spettacolo si conclude con 15 minuti di applausi scroscianti, e una standing ovation. Don Camillo e Peppone, scritto negli anni Cinquanta in Italia, sembra non passare mai di moda e continua a far riflettere. Risate e qualche lacrimuccia; si replica in Svizzera fino a fine 2016.

Maya Hakvoort BACKSTAGE

di Matteo Firmi traduzione e adattamento Cecilia Zoratti

da principessa austriaca a popolana emiliana passando per mille ruoli

In Italia è stata la prima performer ad interpretare Elisabeth: è Maya Hakvoort, 49 anni, voce perfetta e presenza scenica ammaliante. La troviamo a San Gallo, in Svizzera, nel ruolo della “vecchia signora Gina” e, dopo anni dal suo debutto, la troviamo ancora in spledida forma. Abbiamo approfittato della sua presenza in Don Camillo & Peppone per una bella chiacchierata.

Spesso tra attore e musical è amore a prima vista. Quando e come è avvenuto il primo incontro con il mondo del musical? All’età di 7 anni ho visto per la prima volta Jesus Christ Superstar. Al termine dello spettacolo avevo perfettamente chiaro in mente che cosa volessi diventare: volevo cantare, ballare e recitare. In poche parole: volevo diventare una musical performer!

Quali particolarità dovrebbe avere un musical per conquistare il pubblico? Per toccare il cuore del pubblico, un musical necessita di diverse componenti: la trama deve essere interessante, la musica diretta e coinvolgente. È inoltre fondamentale un’atmosfera piacevole all’interno del gruppo di lavoro: ci deve essere una grande sintonia all’interno del cast e tra gli attori e il direttore d’orchestra. Ma un musical non può esistere senza un librettista e un compositore!

È vero che i ruoli interpretati influiscono sulla personalità dell’attore?

Certamente! Ognuno di noi entra in contatto con un personaggio diverso da se stesso, e chiaramente ciascuno si approccia al ruolo da interpretare in base al proprio carattere e alla propria personalità. Per noi è sempre un grande arricchimento anche a livello personale.

L’imperatrice Elisabeth è stata molto importante per la Sua carriera. Che relazione ha con questo ruolo? Dal punto di vista caratteriale la comprendo molto bene. Se fosse nata e vissuta in quest’epoca, probabilmente la sua vita non sarebbe stata così complicata e tormentata.

Ogni performer ha un ruolo preferito: qual è il Suo? E c’è un ruolo che sogna di interpretare? Non saprei dire quale sia il mio ruolo preferito! Indubbiamente Elisabeth mi ha influenzata molto. Mi piacerebbe continuare a interpretare Diana in Next to Normal e interpretare di nuovo Norma Desmond in Sunset Boulevard. Tra i ruoli ‘nuovi’ mi piacerebbe interpretare la madre in Das Wunder von Bern (Il miracolo di Berna) o Mrs Johnstone in Blood Brothers. Mi piacerebbe anche recitare in nuove produzioni.

Nel corso di una produzione, per più sere di fila deve interpretare lo stesso ruolo. È emozionante ogni volta o con il tempo si trasforma in una sorta di routine? Nel nostro lavoro non si dovrebbe

mai parlare di routine: se così fosse significa che si sta sbagliando qualcosa, e questo viene percepito anche dal pubblico. Dal 2005 il mio calendario cambia ogni sera intervallando musical con spettacoli prodotti da me. Adesso interpreto Diana in Next to Normal a Dortmund alternato alla vecchia Gina di Don Camillo & Peppone a San Gallo. Nel frattempo proseguo con il mio spettacolo 4 Voices of Musical.

Attualmente fa parte del cast di “Don Camillo & Peppone”: come è entrata nel ruolo della vecchia Gina? Si sta divertendo a interpretare questo personaggio? Cosa ci può raccontare di questo nuovo musical? È particolarmente interessante vivere in quel piccolo mondo in cui si svolge tutta la vicenda. Mi piace osservare il mondo con gli occhi della vecchia Gina. Spero di avere la sua stessa visione della vita anche quando starò

per morire! Cosa vi posso dire? Abbiamo un cast fantastico, un coreografo molto preparato e un direttore d’orchestra formidabile!

Che rapporto ha con i tanti fans che la seguono sui social? Come ha avuto l’idea di Maya Quakvoort? Quando il tempo me lo consente, cerco sempre di ringraziare tutti coloro che mi seguono così fedelmente. Alcuni dei miei fans arrivano

appositamente dal Giappone! L’idea di Maya Quakvoort mi è venuta quando ho visto la paperella in un negozio. Adesso l’ho un pochino trascurata, ma presto torneremo a viaggiare insieme!

Dopo questa chiacchierata aspettiamo con ansia il 17 ottobre quando, in occasione del suo compleanno, proporrà Maya Hakvoort 50 al Raimund Theater di Vienna.

Quella linea senza tempo

di Sara Del Sal

A Chorus Line Klagenfurt (A), Stadttheater 31 marzo 2016

Il musical per antonomasia, teatro nel teatro allo stato puro in un nuovo allestimento austriaco

Un successo annunciato. Lo Stadttheater di Klagenfurt ha scelto di portare in scena uno dei titoli più noti al mondo, sinonimo quasi del genere musical e il pubblico continua ad affollare la sala con una serie di sold out meritatissimi. Le maestranze americane si sono trasferite in Austria e il ben noto Michael Kunze ha tradotto in tedesco il libretto, lasciando solo la celeberrima One in lingua originale, troppo famosa per necessitare una traduzione e un risultato da standing ovation. Lo spettacolo viene portato in scena nella sua versione originale, tutto filato, senza interruzioni, e ancora una volta, il pubblico diventa testimone del casting più famoso della storia, stupendosi, come sempre, di quanto sia

faticoso e stressante trovarsi di fronte a un regista che deve selezionare un numero esiguo di artisti rispetto a tutti quelli che si sono presentati all’audizione, ma ancor più quando capisce che tutta questa fatica, e tutto il tempo, è stato investito solo per trovare delle persone che non saranno i protagonisti dello spettacolo. Eppure è così, ci si casca ogni volta, trovandosi a sentire le loro storie, a valutare i loro passi e restandoci male quando viene ribadito che loro sono solo il contorno. Un contorno fatto di ragazzi che hanno sogni o che li stanno ormai abbandonando, ma tra i quali spunta Cassie, la star che ha bisogno di pagare l’affitto come tutti gli altri, dopo che la sua stella ha iniziato ad affievolirsi, e che con questo pro-

vino deve anche chiarire la fine del suo rapporto con il regista. Sarah Bowden è una Cassie elegante, forse però poco incisiva nel canto, con una voce che non lascia un segno forte. Chi di voce ne ha da vendere è WeiKen Liao, che però non è credibile come Paul San Marco, perche i suoi tratti orientali si abbinano ben poco a un personaggio che dovrebbe avere invece tutte le caratteristiche di un uomo latino o italiano. La Diana Morales di Jane-Lynn Steinbrunn è davvero uguale a quella del film, ma anche nel suo caso la vocalità è penalizzante. Carsten Lepper invece è un Zach incisivo, forte e molto convincente. Chi però svetta in ogni senso sul palco è la Sheila Bryant di Ines

Hengl-Pirker. Alta, bella, elegante e con una voce da paura è lei, la snob del gruppo, a dimostrarsi la più completa e quella più dotata in tutte le discipline. Il fatto di avere a disposizione un’orchestra dal vivo è un punto in più per uno spettacolo che chiede tantissimo agli artisti e che riesce ad essere sempre fresco e ricco. Ricco di emozioni e di tematiche universali, che porta sul palco non solo degli artisti ma delle persone, fragili, strane, diverse o anche comuni.Vedere A Chorus Line fa sempre bene, perché è uno spaccato di vita costruito su una semplicità disarmante, ma che sa essere completo, non dimenticando i sorrisi, le lacrime, i sogni infranti e quelli realizzati di chi ha scelto di calcare il palcoscenico.

Donâ&#x20AC;&#x2122;t cry for me, Evita

di Sara Del Sal

Evita Vienna (A), Ronacher 31 maggio 2016

foto | VBW / Deen van Meer

Un allestimeno impeccabile, ma cast non azzeccato: luci e ombre in questa Evita in salsa viennese

Tra i vari motivi per andare a Vienna, al Ronacher Theater, a vedere Evita, il primo della lista è sicuramente il brivido di trovarsi di fronte a Thomas Borchert e Drew Sarich che condividono il palco. Katharine Mehrling, colei che interpreta il ruolo del titolo, passa indubbiamente in secondo piano nel momento della scelta dello spettacolo. Avere due musical star sul palco è sicuramente un’occasione da non perdere, ma, come è noto a chi conosce lo spettacolo, buona parte delle canzoni sono affidate proprio alla protagonista che dovrebbe quindi sbaragliare tutto e tutti. Non è così. Purtroppo lo spettacolo pensato da Vincent Paterson, che firma una

regia ricca di idee e delle coreografie molto interessanti, è come la sua stessa protagonista: bellissimo, ma incapace di andare a segno. Bellissima l’idea di risolvere la scelta del candidato premier in una bancarella di tiro a segno, elegantissima la soluzione di impostare la camera di Peron in una specie di loft di vetro, cattivissima la scelta di denudare gli inglesi che contrastavano Evita e le sue scelte. Insomma, tutto funziona, e tutto è curato nel minimo dettaglio. Si può restare a bocca aperta all’inizio, trovandosi in un cinema in cui proiettano un film con la vera Eva Peron, e ringraziare per la scelta di non mettere un pubblico di comparse che apprendono la notizia della

sua morte, annunciata direttamente al pubblico in sala. Molte delle scene vengono risolte con una nuova freschezza, che funziona e rende molto agile lo spettacolo, ma nonostante tutto qualcosa non scatta. Eppure Drew Sarich Ă¨ un Che iperattivo, pronto a tutto e capace di destreggiarsi tra palco e platea, ma leggermente sacrificato dalle canzoni che raramente gli permettono di sfogare tutta la grinta di cui Ă¨ capace, e che qui risulta solo accennata. Un discorso che diventa ancora piĂš oppressivo per Borchert, intrappolato in poche, pochissime canzoni che non gli permettono mai di fare sfoggio di tutta la sua incredibile estensione vocale. La Mehrling invece potrebbe fare qualsiasi cosa ma in realtĂ nonostante continui a dimostrare di essere in grado di giocare con le note con grande eleganza, la sua voce non

colpisce. Il fatto che sia scenicamente troppo matura completa l’opera. Evita muore a 33 anni. La Mehrling, che ha passato i quaranta, li dimostra tutti, risultando troppo vecchia per il ruolo. Insomma, lo spettacolo di Tim Rice e Andrew Lloyd Webber trova a Vienna un allestimento che lo rinnova e lo porta dritto nel nuovo millennio, ma che fa uscire di sala ponendosi delle domande: perché curare i dettagli e sbagliare clamorosamente la protagonista? Perché non fanno cantare due canzoni a caso alle due superstar, dopo il finale, che rendano loro giustizia? Come è possibile che dopo aver fatto la Morte in Elisabeth e Krolock in Tanz il povero Borchert sia condannato a guardare impotente la sua amata morire come se non sapesse cosa c’è dopo? Ma soprattutto, perché si ha la sensazione che manchi qualcosa?

Andrea Marchetti BACKSTAGE

di Roberta Mascazzini

da Tarzan a Love Never Dies ad Amburgo, il passo non Ă¨ poi cosĂŹ breve

Andrea, dopo l'intervista di tre anni fa, confidasti che il tuo sogno fosse di far parte del cast di The Phantom of the Opera. Il musical in cui lavori ne è il seguito. Si tratta, in un certo senso, della realizzazione di un sogno? Certamente sì! È importante conoscere bene i propri sogni, saper fissare i propri obiettivi e lavorare intensamente per realizzarli. Essere in Liebe stirbt nie per me rappresenta la realizzazione di più sogni: essere nel cast del “fantasma”, far parte di una produzione firmata Andrew Lloyd Webber, cantare la sua musica per lui durante il processo creativo, potermi esibire in questo storico e meraviglioso teatro dell’Operettenhaus, lavorare per Stage Entertainment in Germania... Direi che sto vivendo nella concretizzazione di più sogni.

E lo hai fatto direttamente nella città che per Stage riveste maggiore importanza! Sì, Amburgo è molto importante per Stage. È una città viva di musica e di teatro, specialmente il quartiere di St. Pauli dove ci troviamo. Anche la società per la quale lavoravo precedentemente, Aida Entertainment, ha sede in questa zona. Aida è un’ottima palestra per i performers, con i suoi programmi da 15 spettacoli a contratto: credo di aver imparato più di una trentina di show in tre anni di lavoro per loro. Il ritmo di apprendimento è davvero frenetico. Si impara ad essere molto veloci. Sia Aida che Stage si avvalgono di artisti provenienti da tutto il mondo. Siamo in 37 nel no-

stro cast e proveniamo da 14 nazioni differenti! Ammiro davvero tanto ciascuno dei miei colleghi, persone semplici con talenti straordinari!

Il talento degli italiani, sembra esser apprezzato in Germania, e non solo. Questo dimostra che i professionisti italiani son ben preparati, che la meritocrazia funziona e che ci sono buone opportunità di lavoro.

Sei mai stato a vedere i tuoi colleghi e connazionali? Cerco di andare a teatro il più possibile. In Germania ho potuto ammirare alcuni connazionali in Tarzan, Aladdin, Das Wunder Von Bern, Dirty Dancing e Rocky.

Grazie a questo musical, hai avuto l’onore di incontrare Sir Andrew Lloyd Webber. Qual è la sensazione che hai provato? Più soggezione, per la sua grandezza, o più emozione? Direi un grande senso di rispetto. Webber è molto riservato e sul lavoro sa bene a chi e come rivolgere le sue richieste. È stato presente durante il periodo di prove per apportare delle modifiche alla versione precedente di Love Never Dies. Un vero work in progress per il nuovo arrangiamento musicale e per l’allestimento di due nuovi importanti numeri d’Ensemble: Beauty underneath e Streets of Coney Island. Cantare per lui la sua musica mentre lui stesso in persona la sta componendo e modificando in base al risultato ot-

tenuto dal lavoro diretto con noi artisti, è stata un’esperienza davvero eccitante, di cui sarò per sempre molto grato e fiero.

A parte queste modifiche, sembra proprio tutto perfettamente uguale al dvd, senza errori, senza sbavature. Il set scenografico e i costumi sono stati trasportati dall’Australia, dove è stato girato il video. L’adattamento delle scene ha richiesto molta attenzione dato che il nostro palco è più piccolo di quello di Melbourne e Sidney. Il fascino del set è che gli elementi scenografici si muovono con un calcolo millimetrico e i cambi scena sono decisamente affascinanti e sorprendenti.

Tu sei un swing e uno dei ruoli che ricopri prevede l’uso dei trampoli. Com’è stato imparare? Ammetto che all’inizio mi ha spaventato l’idea di perdere l’equilibrio e di cadere. Ora, dopo il giusto training e la pratica giornaliera, mi è del tutto naturale. Senti i trampoli come un prolungamento delle tue gambe: diventa facile sia tenere l’equilibrio, che svolgere alcuni passaggi complessi di coreografia come il penchè, il batman, la promenade in arabesque... Le repliche termineranno il 25 settembre 2016. È prevista una tournée? È annunciato il tour USA per il 2017. Sembrerebbe che il Lord miri a portare al più presto LND a Broadway!

Note sullo show

Rachel A. Moore è una Christine Daeé eccezionale.Voce da usignolo e recitazione intensa. Molto bravo e convincente Robert D. Marx (Raoul), che stavolta non ha le difficoltà vocali dimostrate in ruoli passati. Fra i migliori sul palco c’era, oltre ai già citati, Maria D. Bansen (Meg Giry).

Perfettamente calato nella parte anche Mathias Edenborn, più a suo agio in questa partitura che in quella di The Phantom of the Opera, dove non convinse nessuno. Eccezionale tutto il cast. Amburgo, 25 maggio 2016

letto / visto / ascoltato Notre Dame De Paris Trieste, Politeama Rossetti 6 aprile 2016

Quando si riprende uno spettacolo ci sono sempre mille se e tanti ma, ma l’operazione fatta da David Zard con il Notre Dame de Paris è riuscita a mettere d’accordo tutti. Richiamare sul palco i protagonisti storici, quelli che hanno dato vita ai personaggi che tutti conosciamo è stata un’impresa molto interessante e riuscitissima, che continua a registrare l’esaurito ovunque. Ma come si presenta dopo 14 anni lo spettacolo? Per la prima volta è stato portato in scena dentro un teatro, il Rossetti, e vederlo con distanze ravvicinate è stato un valore aggiunto. Bello rivedere in scena Matteo Setti, e soprattutto riascoltare la sua voce, elegante, piena e potentissima. Il suo Gringoire è più in forma che mai, come il Quasimodo di Giò Di Tonno, emozionante e ricco di energia. Alla prima triestina era più contenuto vocalmente Graziano Galatone, un Febo che però ancora sa rubare i cuori delle giovani. Vittorio Matteucci è sempre Frollo, un prete innamorato con maggiore intensità interpretativa, ma talvolta al risparmio nel canto per privilegiare gli acuti (una “moda” che sicuramente si è consolidata con Romeo e Giulietta, nel quale era uno sport che accomunava

visto da Sara Del Sal

letto / visto / ascoltato quasi tutto il cast). Lola Ponce è sempre Esmeralda, fresca, sensuale, bellissima, ma in difficoltà con gli acuti, al punto da fare dubitare, in svariati momenti del secondo atto, di playback (la distanza ravvicinata non lasciava spazio a grandi dubbi in merito). Solido, nei panni di Clopin, Leonardo Di Minno, che è un performer completo e che non perde occasione per dimostrarlo. L’inserimento di Tania Tuccinardi nei panni di Fiordaliso invece non convince, né vocalmente né fisicamente, togliendo al personaggio la sua elegante raffinatezza e la perfidia che la porta a far sacrificare la sua rivale. Non è un musical, ma un’opera moderna, e ha la capacità di incantare i pubblici, facendoli cantare, sospirare e sognare, insomma, non c’è da stupirsi se questo spettacolo ha una tournée in continua espansione, anche se sarebbe preferibile che il pubblico riuscisse ad apprezzarlo senza per forza dividersi in fazioni di fan a supporto solo di questo o di quell’artista.

letto / visto / ascoltato Tanz der Vampire Berlino,Theater Des Westens 16 giugno 2016

L’assenza dalla terra natìa è stata breve per Tanz der Vampire, musical cult tedesco, che torna a Berlino, con gran gioia dei fan. E stavolta ci sono 6 italiani nel cast! Il conte Von Krolock è impersonato, fino a metà luglio, da Mark Seibert, che, nonostante l’impegno, non ha certo la vocalità adatta al personaggio e ha diverse incertezze vocali. Forse per questo, o forse volutamente, emerge nella sua caratterizzazione la rabbia, mentre mancano il tormento interiore e la sensualità. Cosa comunque che non impedisce alle ammiratrici di regalargli gli applausi più fragorosi. Nonostante la sua giovanissima età e la difficoltà della lingua, convince Veronica Appeddu, nel ruolo di Sarah, giovanissima protagonista femminile, che dà voce col conte al celeberrimo duetto Totale Finsternis (oscurità totale). La sua è sicuramente una scommessa vinta. L’inizialmente timida ragazza vive segregata in casa a causa del vampiresco pericolo e si sente morta dentro, vorrebbe la libertà, vorrebbe vivere.Von Krolock – proprio lui che è morto – rappresenta ai suoi occhi la vita. A rinchiudere Sarah in casa per proteggerla, ci pensa l’apprensivo padre,

visto da Roberta Mascazzini

letto / visto / ascoltato Chagal/Nicolas Tenerani, ormai un veterano di Stage Entertainment in Germania, che ancora una volta ha convinto il pubblico, tanto da esser definito in qualche blog uno Chagal nato, il migliore visto finora. CosĂŹ come con Chagal, anche con Koukol/Paolo Bianca le risate sono garantite seppure il personaggio, ispiri, a dire il vero, anche tenerezza per la sua condizione fisica. Bravissima Alessandra Bizzarri, ballerina solista nel bellissimo numero di danza Rote Stiefel (stivali rossi), uno show stopper. A completare il nutrito gruppo di connazionali ci sono Marina Maniglio, altra veterana Stage, Michael Anzalone e... Nicole Ollio, che venendo dal Canton Ticino, si puĂ˛ considerare una cuginetta dâ&#x20AC;&#x2122;oltreconfine. Se passate da Berlino o da Monaco, non dimenticate di vedere il musical e di passare a salutare i nostri amici, che ne saranno felicissimi e vi accoglieranno con calore.

PrIMO 2016 PRIMO CLASSIFICATO La Spada nella Roccia di Andrea Cecchi, Alessio Fusi, Andrea Sardi

SECONDO CLASSIFICATO Orfeo ed Euridice di Gianfranco Salvio e Nicola Salvio

TERZO CLASSIFICATO Cookies di Lorenzo Vacchi e Stefano Bonsi

PREMIO DELLA CRITICA ex aequoCookies di Lorenzo Vacchi e Stefano Bonsi e Il Giudizio Universale di Stefano Sauro e Filippo PaternÃ²

Doppio evento quest’anno per il Premio PrIMO, il Premio Italiano del Musical Originale creato e diretto da Franco Travaglio con Amici del musical. Oltre alla consueta premiazione al Teatro degli Oscuri di Torrita di Siena, andata in scena lo scorso 10 giugno con la partecipazione dei team creativi vincitori, martedì 19 aprile la Palazzina Liberty di Milano ha ospitato una serata di showcase. Tutte le sette opere finaliste (Alice di Leonardo Abbate e Ilaria Fontana; Anna dei sentieri di Simone Oliva e

Cristian Cattini; Casanova di Anna Hurkmans e Raffaele Paglione; Cookies di Lorenzo Vacchi e Stefano Bonsi; Il Giudizio Universale di Stefano Sauro e Filippo Paternò; La spada nella roccia di Andrea Cecchi, Alessio Fusi, Andrea Sardi; Orfeo ed Euridice di Gianfranco Salvio e Nicola Salvio) hanno avuto la possibilità di presentare un breve medley della colonna sonora, grazie all’interpretazione dei cast originali e di prestigiose guest star, tra cui Riccardo Sinisi (Priscilla, Newsies, Jesus Christ Superstar), e le star emergenti Martina

Foto di gruppo alla serata a Torrita di Siena

Lunghi e Maurizio Misceo. Importantissimo l’intervento nel pubblico di molti addetti ai lavori, per garantire l’incontro tra il talento dei creatori e l’attenzione delle più grandi realtà produttive del musical italiano: Marco Iacomelli (STM), Gianni Marras (BSMT), rappresentanti di Compagnia della Rancia, Bags Entertainment, Stage Entertainment, Wizard Production. Alla fine dell’evento, dopo la proclamazione in anteprima dei vincitori finalisti, tutti gli artisti sono stati omaggiati con una creazione originale

ispirata a PrIMO dello scultore Cislaghi Artist. La serata è stato presentata dai bravissimi Daniela Ferrari Boschi ed Egidio La Gioia (Jesus Christ Superstar, Evita,Tommy) ed è stata è stata organizzata per PrIMO da Daniela Ferrari Boschi e Isabella Rotti, e dall’Associazione Culturale U.O.E.I. Sezione Milano - Ettore Boschi – Mila e dalla Compagnia Teatro Giovani Torrita. Realizzata in collaborazione con il Comune di Milano e la Zona 4, nell’ambito delle iniziative di Palazzina Liberty in Musica.

Il pubblico alla Palazzina Liberty di Milano

La notte del Titanic

di Alessandro Caria

Titanic - The Musical Bologna, Teatro Comunale 13 luglio 2016

foto | Renato Morselli

Il festival estivo della BSMT si chiude con il sontuoso allestimento del pluripremiato musical di Yeston & Stone

“In every age, mankind attempts to fabricate great works at once magnificent and impossible”, canta il progettista Thomas Andrews all’inizio dello spettacolo. La sua “grande opera” è, naturalmente, il Titanic che affondò nel suo viaggio inaugurale. Una “grande opera” avevano in mente pure Maury Yeston e Peter Stone creatori del musical Titanic (vincitore del Tony Awards nel 1997) visto al Comunale di Bologna. Ci sono sfide all'interno di questo musical (al di la’ dell’eccellente edizione della BSMT) che non sono state vinte o forse, per citare ancora Andrews, “impossibili”; ma ci sono

anche molti momenti di magnificenza. Le sfide impossibili in cosa consistono? Titanic, probabilmente per limiti strutturali dello script, non riesce a capitalizzare le due evidenti carte vincenti sul quale è basato il suo soggetto: sentimentalismo e suspense. Il lungo primo tempo si ferma (troppo?) a lungo nel dare informazioni storiche, tecnologiche, tecniche, statistiche, mettendoci dentro anche l’immancabile lotta di classe; tutto ciò, ovviamente, fa cadere a tratti la tensione narrativa. Nel frattempo, canzone dopo canzone si sottolinea ciò che il transa-

tlantico ha rappresentato per suoi creatori, per l’equipaggio, per i passeggeri: è, come dice il testo più volte, una “'nave dei sogni”, che incarna diverse speranze di progresso, sia sociale che scientifico. Se da una lato lo spettacolo è davvero magistrale nel definire le diverse forme di questa fantasia collettiva, dalla visione del suo progettista, Andrews (un febbrile ed intenso Brian Boccuni), che paragona la nave a cose come la Cappella Sistina e le grandi piramidi, agli immigrati di terza classe che immaginano nuove possibilità di scalata sociale, dall’altro offre una così (troppo?) impressionante galleria di

personaggi che seppur sostanzialmente definiti, raramente trascendono le loro funzioni simboliche o di trama. In poche parole, lo spettatore non riesce ad identificarsi in maniera totale con un personaggio, il suo cuore non entrerà in totale empatia con quello di uno dei protagonisti dello spettacolo, non riuscirà a seguirlo fino alla fine, gioendo o piangendo per la sua sorte nel celebre disastro. La magnificenza dello spettacolo (e della serata!) sta tutta in alcuni passaggi musicali davvero meravigliosi, che l’immensa e impeccabile bravura degli allievi della BSMT e degli ex allievi e oggi validi professionisti, esal-

tano come poche volte capita di vedere e sentire. Porto con me quattro momenti particolarmente ispirati: (1) il lungo, trascinante e roboante opening, l’imbarco dei passeggeri sul Titanic: una stupenda “coreografia” stile Art Déco da Ballo Excelsior (ottime le soluzioni escogitate dalla regia di Gianni Pilade Marras e la gestione delle masse/movimenti coreografici del numerosissimo Cast da parte di Gillian Elizabeth Bruce – una solida garanzia) con un crescendo musicale da togliere il fiato e dove emerge prepotente la sontuosità dei cori (magistrale direzione musicale di Shawna Farrell); (2) “Lady's Maid” con le tre Kate della terza classe

(dove emerge un’ottima Federica Laganà) che cantano del loro “american dream”; (3) un duetto nel quale il Marconista di bordo e uno dei fuochisti (Renato Crudo e Filippo Strocchi, entrambi eccellenti) cantano delle rispettive ossessioni, la tecnologia moderna e la ragazza in attesa a casa: un numero musicale che riesce a fondere in modo vivace e commovente quel senso di solitudine dell’individuo nel contesto del suo lavoro; (4) una irresistibile Ileana Pipitone che ruba la scena con la sua esilarante Alice, voce deliziosa e tempi comici perfetti, l’arrivista di seconda classe che sgomita per viaggiare fianco a fianco con i miliardari. Complimenti e applausi a tutti!

amici del

musical di Nome Cognome testo testo testo testo

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Un bar a New York, un bancone, dei tavoli: una ambientazione metropolitana per una commedia musicale Grande successo anche nella capitale romantico-pop francesce Le Bal des Vampires, Parigi - Teatro Mogador, data

per i vampiri di Roman Polanski