100grados fanzine número11 "A cada cerdo le llega su San Martín" by 100grados fanzine

Portada: Ink Bad Company www.behance.net/inkbadcompany 2

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gradosfanzine NĂşmero 11 Ink Bad Company Anima 2015 Cerditos en el cole A cada cerdo le llega su san MartĂn 2015

Fanzine Nº 11| Abril 2015 Equipo editorial Cristian Fish Xavi Barrachina Redacción Daniel Bartual Paco Ortuño Victor Lovicz Lucía Gómez Inma Pérez Javier Undiano Que Maten Al Diseñador Irene Roca Barbara Cachán Colaboran en este número Ink Bad Company (Portada), François Chalet, SAM, Juli Disla y Toni Agustí de El Hombre Menguante, Los niños de 3A del CEIP Fernando de Loaces de Orihuela, Chica Calamidad, Clara Dios, Daniel Bartual, Tiracajas, Jotawi, Ana Pérez López, Cora Marín, Silvia Carballo, Esther Hijano, Jotaká, Bezdrz, Gabriela Zurda, Adrián Rodríguez, Asclé Oliveíra, María José Endrino, Hersson Noé, Maitane Gartziandia, Abi, Spookydelight, Alejandra Morenilla, Marta Chaves, Vizca Nicolis, Boris Ramírez, Manuel Gutierrez, Victoria Soto Madrid y Sergio Montal. 4

Agradecimientos A Juan Carlos, A.K.A Ink Bad Company, por no solo regalarnos su tiempo y su gran trabajo, también atreverse a salir de su zona de confort e investigar con nosotros. A TODOS los colaboradores. A todos los lectores y seguidores de 100grados fanzine. © de los proyectos de sus autores. Recepción de proyectos / normas de publicación: colabora@100grados.es Contacto 100grados.es holaquetal@100grados.es

La negociación. Para una matanza como Dios manda, hay que comprar al cerdo en Marzo. No es nada fácil, nada de darle unos golpecitos como a las sandías del mercadona, hay que mirar al cochino a los ojos, cojerlo en brazos y balancear la pieza. Sin olvidar el peso de los anteriores nos preguntarémos ¿Será este? ¿Y si no engorda? ¿Y si no llega? El estrés de elegir un buen “Candidato” puede acabar con el más cuerdo tumbado en un diván. La duda podría ser eterna, pero no hay que distraerse, si nos lo pensamos demasiado será tarde. El engorde. Nuestro éxito futuro depende en gran parte de esta fase. Sí, hay que atiborrar al “Candidato”, sacarlo a cenar y llevarlo a saraos, pero no basta con eso, si queremos que nuestro lechón sea el ganador es absolutamente necesario quererlo, mimarlo como a un hijo. Si pasados los primeros meses de cariño vemos que su peso no mejora quizás sea el momento de cambiarlo (a la desesperada podemos comprar uno a medio engordar). Por el contrario si su peso incrementa no habrá lugar a dudas, nuestro candidato está preparado. El paseo. Procesionar con nuestro candidato es esencial, queremos que todo el mundo lo vea, que lo escuchen. Hay que llevarlo a la tele, platós y auditorios. Tiene que ser intelectual, parecer un economista, es crucial que hable de todo sin concretar nada. Aquí es donde probaremos su resistencia, hay que exponerlo a otros “candidatos”, que todo el mundo vea que el nuestro es mejor, el más robusto, el más guapo, el mejor preparado. El día D. Pasados siete u ocho meses, las lluvias abril, el polen de mayo y el calor del verano habrá llegado el momento. Nuestro lechoncito se habrá convertido para entonces en un mastodonte, solo tendremos que vestirlo bien, enderezar la corbata, hacer la foto, imprimir los carteles y preparar el champán. Llegado San Martín y con todo preparado pasaremos a la siguiente fase. Las urnas... Paco Ortuño

ACCIONES DEL PRO

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OCESO DE TRABAJO

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INDIC

AUT ORES EN TOR NO A A CADA CERDO TEC LE LLEGA NO SU SAN LOGÍA MARTÍN 11

Entrevista a Ink Bad Company Entrevista a François Chalet Entrevista a Sam El Hombre Menguante Cerditos en el Cole Recomendados por Dadá Esperando Turno La matanza del Cerdo Recomendados Estudio 65 Anima 2015 Del Museo a la Tumba Esto son unos Diseñadores que entran a un Taller Fallero y... Mywigo

INK BAD COM PANY

ENTREVISTA A

de Cristian Fish

Como ya viene siendo costumbre, no nos conformamos con la portada de el creativo al que liamos en cada número si no que tenemos que exprimirle en una entrevista para que nos cuenten todos los secretos detrás de su trabajo, sus comienzos, su manera de trabajar, etc. Y por supuesto Juan Carlos a.k.a Ink Bad, no podía ser menos. Esta ocasión no hemos podido acercarnos personalmente a su estudio, ya que actualmente Ink Bad esta en su Jerez natal, aunque pronto estará de nuevo por la terreta dejándonos trabajos increíbles de buena tinta. Pese a la distancia y gracias al mundo de internet, pudimos hablar tranquilamente por videoconferencia y aquí tenéis el resultado.

LA ENTREVISTA

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François Chalet ENTREVISTA A

Por Daniel Bartual

N E STA

I V E R T N E EL 5 1 0 2 A M ó I s a N p A e u q e r b u c ! l s a e v i ¡D t s e f l e n e

Nada más aterricé en el Festival Anima 2015 se me dió la oportunidad de entrevistar a François Chalet, creador de la identidad gráfica del festival. François combina el sintetismo típico del Estilo Internacional suizo con una vivacidad en los colores y en sus personajes muy caracerística. La charla que mantuvimos fue muy agradable a la par que interesante tal y como usted, querido lector, podrá comprobar a continuación.

Daniel Bartual: Primero de todo François, cuéntame, ¿cómo te acabaste metiendo en esto de la animación y la ilustración? François Chalet: Me metí porque inicialmente cuando era joven quería ser un dibujante de comics. Desde que tenía 4 años que dibujo todos los días así que con el tiempo me di cuenta que quería convertirme en un artista del cómic. Acudí a un festival pero allí un editor me dijo que era muy buen dibujante pero que no tenía estilo. Era muy joven y no acababa de entenderlo así que decidí permanecer en el contexto del arte pero haciendo otras cosas. Pensé en ser profesor de dibujo así que hice los exámenes de acceso para dichos estudios aunque 18

al mismo tiempo hice los de diseño gráfico. Los de profesor no salieron pero los de diseñador gráfico sí, así que me dijo “pues entonces seré diseñador gráfico”. Así que hice 1 año en la escuela preliminar de Zurich y 4 años en la de Berna así que al finalizar los estudios me convertí en diseñador pero mientras tanto seguía ilustrando y haciendo comics. Tras estudiar diseño gráfico hice unas prácticas de empresa en un estudio de diseño de Berlín llamado “Monitor” durante dos meses. Al finalizar decidí hacer mis propios proyectos así que volví a Suiza y después abrí mi propio estudio en 1996. Continuaba compaginando el cómic con el diseño gráfico mediante el

cual trabajaba para agencias pero no hacía cosas que realmente me interesasen, las hacía únicamente para conseguir dinero. Y entonces, en 1998, llegó un encargo de MTV para preparar una campaña para ellos. En principio se interesaron por el trabajo de mi compañero de estudio, pero el no pudo acudir a la entrevista que habían concertado con él así que acudí yo en su lugar. El encargo consistía en finalizar la parte gráfica de una campaña para la cadena de televisión, la cual se llamaba “MTV Alarm”, que una agencia estaba trabajando con ellos. Yo presenté una prueba a dicha agencia la cual había hecho la noche antes, les gustó, la presentaron a MTV y también les gustó así que pude finalizar yo la parte gráfica. Desde entonces estuve trabajando sin parar para campañas de MTV, para los European Music Awards y para muchos otros clientes con los que pude desarrollar y aplicar mi propio estilo de ilustración. Además, MTV también me pidieron que hiciera animaciones y las hice pese a que nunca había hecho animación. A partir de 2004 comencé a trabajar en otros medios gracias a clientes como la compañía de danza de Thomas Duchatelet, empecé a hacer instalaciones en incluso a hacer de DJ para (preguntar nombre musicos Berlin). Así que al final ha sido como que la ilustración el diseño gráfico han sido el tronco y de ahí empezaron a surgir ramas que me han derviado a hacer otras cosas. Y es lo que sigo haciendo hoy en día, trabajar en distintos campos en los que aplico la animación, la ilustración, el diseño gráfico y sus distintas formas de mezclarla. D.B.: ¿Cómo llegaste a encontrar este estilo de para tus ilustraciones y animaciones? ¿Tienes algún tipo de referente que te ha influenciado? F.C.: Vino a partir de que mis padres me dijeran que tenía que estudiar algo para ganarme la vida. En un principio quisieron que estudiara matemáticas, antes de ir a la escuela de diseño gráfico. No entendí nada pero las formas geométricas que veía en los libros y demás se me quedaron en la cabeza y lo volqué en mi estilo. Además, en la escuela de diseño imperaba un estilo muy a lo Bauhaus, con lo de decir reducirlo todo al máximo y demás utilizando formas geométricas simples como cuadrados, 19

triángulos o líneas. Así que esas dos influencias junto a mi pasión por el manga japonés con obras como Doraemon... D.B.: ¿Y cosas como el kawaii? F.C.: No, el kawaii no creo, más bien los mangas con estilo que recuerda a formas geométricas simples. Aparte, yo era totalmente contrario al ordenador pero tras obtener mi diploma vi que tenía que utilizarlo porque era el futuro. Creo que era el año 1996 cuando empecé a utilizar el ordenador y lo que hacía es que utilizaba los programas de diseño de forma distinta: dibujando tipografías con Photoshop, tratando de hacer ilustraciones con QuarkXpress... Y entonces aprendí a utilizar Freehand que en aquel entonces estaba pensado para diseñar cosas como tarjetas de visita, no ilustraciones. Así que cuando empecé a hacer ilustraciones con este programa eran distintas. Todas estas mezclas fueron las que depuraron mi estilo, al fin y al cabo eso se define por todo lo que te influye y cómo lo combinas. D.B.: Tu vienes de Suiza, un país reconocido, entre otras cosas, por el Estilo Internacional del diseño gráfico. ¿Ha supuesto una gran influencia para ti? Porque además me da la sensación de que en Suiza hay más diseñadores que ilustradores debido a esa influencia. F.C.: Si porque cuando ves mi estilo observas que está muy metido dentro de esa filosofía: muy reducido, muy riguroso, menos es más... Así que si que está muy influenciado y es verdad que no hay mucha tradición de ilustración en Suiza. Lo más gracioso es que gente de distintos campos como el diseño, el cómic y demás entienden y les gusta mi estilo por lo que mi estilo de ilustrar supone un puente para gente de distintos ámbitos lo cual es genial. 20

D.B.: Hablemos ahora un poco del trabajo que has desarrollado para esta edición del Anima. ¿Cómo recibiste el encargo para encargarte de desarrollar la imagen del festival? ¿Y cómo lo resolviste? F.C.: Había ya un presupuesto prefijado en el que yo tenía que encargarme de hacer el poster y el tráiler oficial del festival. Pero yo le propuse a la organización algo distinto. No únicamente iba a ocuparme de hacer esas dos cosas sino algo un poco mayor, quería crear un mundo de personajes que se adaptaran de distintas formas. Como sé utilizar programas como el Flash o el After Effects podía reutilizar ese material gráfico de distintas formas, lo que haga para el trailer puedo cogerlo y aplicarlo a una instalación. Puedo realizar una gran cantidad de pequeñas animaciones mediante recursos como los bucles y demás y eso me sirve para que un mismo trabajo lo pueda emplear en distintos medios. He visto que hoy en día eso es muy importante, estar en distintos medios. D.B.: ¿De dónde viene el concepto principal para la creación de la imagen del festival? F.C.: Fui invitado al festival el año pasado y me dieron el típico welcome pack que dan a los invitados y dentro había un paraguas. Normalmente en otros festivales a los que había sido invitado en los welcome pack habían cosas como chocolate pero en este una de las cosas que se regalaba era un paraguas. Yo le pregunté al director del festival “¿por qué un paraguas?”, a lo que él me contestó “bueno, es que en Bruselas siempre está lloviendo”. Y de ahí vino precisamente el punto de partida. Siempre que trabajo procuro hacerlo con conceptos simples y sencillos y que de alguna manera tengan algo que ver con el cliente para el que voy a trabajar. Así que creé una serie de personajes cuya cara recuerda a la de un paraguas. 21

D.B.: Y ahora que estás aquí en esta edición del Anima, ¿cómo percibes el cómo el público está respondiendo ante el trabajo que has desarrollado para la imagen del festival? F.C.: Por supuesto cuando vine al festival estaba preocupado por saber de qué manera reaccionarían tanto por un lado el equipo organizador del festival como por otro el público asistente, sobre si lo iban a aceptar o no. Muchas veces cuando trabajo para un cliente procuro establecer una relación de confianza mutua por lo que todo el trabajo que hago para ellos lo hago cuidándolo mucho. Sin embargo lo que me he encontrado es con un feedback muy positivo y he podido ver que el público, en espeial los niños, jugaban con los elementos que he creado para el festival. Además, mucha gente me ha dicho que les encantan los personajes. Creo que ha funcionado realmente bien. D.B.: Ya para ir acabando, ¿cuales son tus proyectos futuros? ¿En qué estás trabajando últimamente? F.C.: Primero he de decir que aparte de mi trabajo como ilustrador, animador y diseñador también soy profesor en una escuela de animación de Suiza. Procuro enseñar lo que precisamente hago en mi trabajo, el cómo unir la ilustración con la animación y el diseño gráfico. Esto es algo que ando haciendo todo el tiempo pero tampoco demasiado. También procuro buscar proyectos que supongan nuevos retos para mi. Por ejemplo, tengo un proyecto de animación improvisada en Zurich que hago junto a un director interactivo y creamos un acuario interactivo proyectado sobre agua que interactúa con el público. Será una gran instalación que será mostrada en Octubre. Acabo de terminar también un videoclip para un grupo de música suizo en el que he hecho una animación en stop motion con el tren de juguete de mi hijo. Estoy también dentro de un equipo para un proyecto del Túnel de San Gotardo, uno de los túneles más grandes del mundo el cual será abierto en 2016. Hemos realizado la animación para la presentación del proyecto con la que ganamos el proyecto. Ahora mismo no sé exáctamente qué haremos pero hemos hecho una propuesta de apliación para móviles, sin embargo habrán muchas más cosas que hacer que están aún por concretar. D.B.: Mucho trabajo por hacer entonces (risas). Genial, pues con esto terminamos la entrevista. Muchas gracias François. F.C.: Gracias a vosotros. 22

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ENTREVISTA A

SAM Por Daniel Bartual

N E A T S I V E R T EN EL 5 1 0 2 A M 贸 I s a N p A e u q e r b u c ! l s a e v i 隆D t s e f l e en

Resulta curioso que el primer encuentro que tienes con alguien como Samuel Ortiz, alias “Sam”, una de las figuras representativas del stop motion valenciano, tenga que ser en una ciudad como Bruselas tan apartada de la capital del Turia. Sin embargo fue todo un placer el poder hablar de él tanto de su última película titulada “Pos Eso” como de su manera de pensar y de entender la animación. He aquí el resultado de dicha entrevista la cual tuvo lugar en las inmediaciones del Café Belga. Daniel Bartual: “Pos Eso”, primer largometraje que haces si no me equivoco tras varios cortometrajes que has hecho como “Werepig”, “Encarna”, etc. ¿Cómo ha sido el hecho de afrotar este primer largo? Sam: La verdad es que tenía un proyecto de largometraje anterior a este que consistía en unir los cortos, los últimos que hice, lo que pasa es que tuve problemas con el productor y al final tuvimos que renunciar a ese proyecto. Pero entonces apareció un segundo productor que quería hacer un largometraje y que quería retomar aquel proyecto pero yo dije que no, que era mejor hacer uno nuevo. La verdad es que no fue algo premeditado, fue algo más de puta casualidad porque no estaba en mis planes meterme a hacer un largo de stop motion 26

con plastilina, de hecho mi idea era dejármelo. Pero claro, en plena crisis a poca gente se le ofrece la oportunidad de hacer una peli y como lo otro se había quedado a mitad, me sentía un poco insatisfecho por no haberlo terminado y había surgido esta oportunidad, aunque no era lo que más me apetecía en el mundo en ese momento, decidí enfrentarme a ello. Ha sido muy largo (risas). D.B.: Pero bueno, yo creo que ha salido una peli bastante maja y además que has reunido a mogollón de peña: Santiago Segura, Carlos Areces, Mariví Bilbao, Álex Ángulo, etc. ¿Cómo pudiste reunir a toda esa gente para que participara en el proyecto? Sam: Pues hombre, digamos que hay dos vertientes: una que son amiguetes que conozco de ir a festivales, amiguetes que te presentan a otros

amiguetes...toda esta digamos que es la parte de Segura (risas) con el que ya llevo años colaborando. Y luego otros que los contactamos desde la producción porque pensamos que eran apropiados para interpretar al personaje, se habla con ellos y si les parece bien lo hacen y si no, no. Nosotros afortunadamente todos los que queríamos participaron. Tuvimos la inmensa suerte de poder contar con Álex Angulo que estuvo en la cuerda floja porque hubo un momento en el que no sabíamos si ibamos a poder contar con él por el tema de fechas, pero afortunadamente pudimos adelatnar un día las cosas y se pudo hacer. Es algo de lo que le estoy inmensamente agradecido pues como sabrás ya no está con nosotros. Y por otro lado también Mariví Bilbao, han sido dos experiencias muy gratificantes. Si has visto la peli, han 27

aportado tanto...Mariví además es que tiene un papel muy pequeño pero muy muy importante en la peli. Entonces, ser capaz de transmitir tanto en tan pocas frases es realmente complicado y esta mujer lo hizo extraordinariamente bien. Pero bueno, estoy muy contento con el casting porque yo soy un admirador absoluto de “El Día de la Bestia”, probablemente mi película española favorita, y tener al casting de esa película me hacía mucha ilusión. Aunque a Santiago Segura y a Álex Angulo les cambie un poco los papeles con respecto a los que hicieron en “El Día de la Bestia” pero bueno, a uno le puse de cura y al otro no lo puse de heavy (risas).Estoy contento con el casting y creo que ses muy importante pero como siempre digo los actores vienen y trabajan 3 días en un trabajo de 4 años. Y luego son los nombres más grandes que se ven en los créditos (risas). Es un poco injusto no para ellos, que ellos lo hacen y lo hacen muy bien pero si que es injusto para mucha gente que ha estado 2 años trabajando alo mejor y su nombre aparece muy pequeñito, muy rápido y si no te paras no te da tiempo ni a leerlo. Pero bueno, el mundo de la animación es un poco así. D.B.: Luego además la película tiene todos los elementos característicos de tu manera de hacer cine, tanto homenajes a la cultura del heavy metal como también a la cultura cañí. Sin embargo luego también vi que tiene bastante de producción del País Vasco. No sé si por eso tuviste que meter ciertos elementos como la Ikurriña o ya tenías pensado meterlos desde un principio. Sam: La película en realidad es una co-producción entre Valencia, aunque Valencia no ha puesto un duro, y el País Vasco. La parte de Valencia porque gran parte del equipo es de allí pero luego la otra parte del equipo es del País Vasco y gran parte de la producción que no implicaba animación stop motion se hizo allí. Entonces, por el tema este de las coproducciones necesitabamos que hubiera equipo vasco. No es exactamente por eso pero gracias a ello tuvimos la suerte de poder contar con actores vascos también. Entonces, dado que Mariví Bilbao es vasca entonces decidimos otorgarle un 28

papel que le fuera más afín a ella y sabíamos que la madre del personaje iba a ser comunista. A mí me daba igual que fuera comunista de Las Urdes que comunista del País Vasco. Pero, ya te digo, por afinidad al tema la pusimos más vasca, más euskera y por eso está la Ikurriña. A mí me pareció también mucho más subersivo, tengo amigos del País Vasco cuyas familias lo pasaron bastante mal con el alzamiento y todo esto y era también una forma de rendir homenaje. Allí se les metió bastante caña, luego pasa lo que pasa. D.B.: Y en la película en general metes caña a todo el mundo: a los curas, la telebasura, etc. ¿Muchas de las escenas las tenías ya planificadas y a medida que ibas haciendo ibas insertando nuevos elementos? Sam: No no, en una película de animación no se te pueden ocurrir demasiadas cosas. Estaba todo escrito desde antes de empezar. Pero sí, toda la película gira entorno a un tema y el tema es por qué hay gente que se hace famosa, popular y además se permiten el lujo de decirnos a los demás lo que tenemos que hacer, lo que tenemos que decir, cómo tenemos que vestir cuando son gente completamente cateta que no ha hecho nada absolutamente salvo por ser parido por o acostarse con quien, que no tiene ningún tipo de cultura ni ningún tipo de preparación. Y son los que están más tiempo en la televisión dando ejemplo. A mí esto me asusta profundamente. Toda la peli giraba en torno a esto lo que pasa es que claro, lo que hemos estado viendo todos estos dos o tres últimos años ha empequeñecido mucho mi tema. Si el guión lo hubiera escrito después hubiera girado en torno más a la política que en torno al famoseo. Saber que estos famosos nos están dando lecciones es muy triste pero ver a Cospedal explicarnos como le han pagado a un tipo en negro es algo que no tiene precio. Entonces creo que habríamos girado más en torno a ese tema pero el final es lo mismo, la gente que sale en la tele diciéndonos cómo nos van a dar por culo y por qué. Y nosotros tenemos que tragárnoslo. A mí me parece realmente indignante. Por eso la peli gira en torno a ese tema, al principo era todo un poco más blanco, enfocaba a la Pantoja pero porque fue lo 29

que vivi en ese momento. Fíjate, la Pantoja tiene que disfrutar ahora de esta peli entre rejas. No creo de que ni se entere de que existe perosería divertido para mí (risas). D.B.: Además “Pos Eso”, si no me equivoco, en este Festival Anima ha sido la primera vez que se ha visto fuera de España. Justo anoche fue la premiere. ¿Cómo viste la reacción del público? Sam: La verdad es que fue muy sorprendente porque a mí me gusta mucho este festival y la verdad es que aquí mis cortos han tenido muy buena acogida siempre, pero no me esperaba que el cine iba a estar hasta la bandera. Ya te digo, vengo bastante a este festival y la sala se llena a la mitad habitualmente siendo una sala bastante grande. El día de la inaguración, la clausura y la Nuit Animée son los días que mas llena está. Pero ayer estaba casi casi llena, igual faltaban 40 personas para acabar de llenarse. Fue muy sorprendente, me gustó mucho y la gente se lo pasó muy bien y luego todo el mundo quería decirme lo mucho que le había gustado y demás. Es un tanto gratificante. De alguna manera compensa, bueno, no compensa pero ayuda a sobrellevar estos años de producción (risas). D.B.: Si, porque 4 años y sobre todo en stop motion es bastante demoledor me imagino. 30

Sam: Pues si, la verdad es que yo hago esto porque me apasiona mucho la técnica pero hay que entender que llevo 5 cortos anteriores a esto en los que yo hacía un poco no lo mismo pero si dentro del mismo universo que es animación de stop-motion con plastilina, España cañí, muchos referentes al cine de terror...y claro, seguir con esto durante cuatro años más cuando el plan era cambiar de registro y hacer otra cosa ha sido más pesado de lo que yo creía que iba a ser. Pensaba yo que iba a ser como hacer el trabajo de 3 cortos juntos y no ha sido así, ha sido mucho más pesado. Yo creo que el cansancio ha sido exponencial, el primer año lo llevé más o menos bien pero los últimos tres años me costaba mucho mantener la frescura inicial. Supongo que cada vez te haces más profesional y lo llevas por dentro pero no ha sido tan divertido como luego puede ser divertido ver la peli. En los cortos si que era igual, yo me lo pasaba muy bien dirigiéndolos y luego me lo pasaba muy bien viendo la peli. Aquí el dirigir la peli ha sido...había días que tenía que autoconvencerme de que tenía que levantarme para ir a trabajar, no era fácil. Pero bueno, es lo que hay, también hay que decir que trabajabamos 7 días a la semana, 1415 horas, no hay vacaciones (risas), no hay nada...solo hay trabajo y más trabajo. Entonces bueno, ahora estamos descansando (risas).

D.B.: Y disfrutando del festival también, que volviendo un poco a ese tema yo sé que tu eres una persona que te pateas todos los festivales de animación posibles. ¿Cómo ves este festival con respecto a los festivales españoles o otros festivales en los que hayas estado? Porque me has comentado que este festival en concreto te gusta bastante además. Sam: Si, la verdad es que si. Yo he ido a muchos festivales pero no estos últimos años, estos últimos años ya te digo que he ido a pocos. Vine a Anima hace 3 años, estuve además 10 días todo el festival porque traje una exposición sobre sobre mi obra. Fue un momento importante para mí porque aproveché esos 10 días que estuve distanciado de la producción para tomar decisiones muy importantes que ayudaron a que pudieramos acabar la película. Pero la verdad es que no he ido a muchos festivales hasta que hemos terminado la peli. En ese aspecto si que he ido a varios en España, estuve en Sitges, estuve en la Semana del Terror de Donosti, estuve en Gijón... todos esos grandes festivales en los que me lo paso muy bien, Sitges en concreto es el festival de cine fantástico de mi vida, he intentado ir todos los años que he podido. La Semana del Terror es sin duda el festival más divertido que existe no solo en España sino en el mundo, tiene el mejor público que yo he visto nunca en un festival. Y el Festival de Gijón yo creo que es en el que mejor me lo paso, es donde están allí todos los amiguetes pasándolo en grande. 31

Y, retomando el hilo, en cuanto a festivales internacionales he ido a unos cuantos fuera de España pero la verdad es al de Bruselas le tengo especial cariño. Primero porque tratan muy bien a las películas españolas que eso para mí es importante, sobre todo cuando estás fuera de España tiendes a idealizar un poco más tu patria y a intentar luchar un poco más por ella de lo que lo haces cuando estás dentro, pero yo que mi filmografía es más “española” que a lo mejor otras pues agradezco que nos traten bien. Entonces yo creo que es un festival muy variopinto y muy hecho para el público, lo cual también es importante porque hay festivales que son muy endogámicos y en realidad se hacen el festival para ellos y para ver pelis que solo a ellos les gustan. Yo creo que aquí hay una variedad muy amplia de lo que es la animación. Si dices animación automáticamente lo que la gente primero hace es que lo identifica como algo para niños. En Anima hay animación para niños pero es lo menos, aquí puedes ver todo tipo de animación: experimental, surrealista, ayer había documentales en animación que es un género que cada vez tiene más presencia...luego hay también animación comercial y hay mucha animación sobre todo de autor que solo se puede ver en estos festivales. Yo creo que es un festival muy completo, tienes la oportunidad de venir aquí y de conocer a mucha gente, Bruselas es una ciudad estupenda y aunque hace un poquillo de frío (risas) pues tienes la oportunidad de venir aquí. Bruselas es uno de los centros del cómic en Europa y tanto la animación y el cómic comparten un lenguaje que es similar. Está muy bien, a mí todo lo que puedo decir de este festival es bueno. D.B.: Ya para ir acabando, hablemos un poco del futuro. No sé si tienes algún proyecto ya en mente, no sé si con el tema Youtube estás mirando algo porque yo sé que Pablo Llorens por ejemplo, al cual conozco y admiro, me ha comentado que el estaba mirando cosas. No sé si si tu por ese lado estás también planteando algo. Sam: Estuve el otro día con Pablo y me lo estuvo comentando. Me pareció brillante la idea que él tiene, creo que está muy bien. Ojalá tenga la paciencia para esperar a recabar los frutos porque yo creo que no va a ser llegar y besar el santo, creo que va a ser una carrera de fondo como lo suele ser siempre el mundo de la 32

animació. Pero tal cual me lo planteó el me pareció que estaba bien y tuve la oportunidad de ver cosillas y me gusta mucho. Yo soy un gran admirador de Pablo y me gusta que siga haciendo cosas. Probablemente yo se lo eche en cara pero la verdad es que es muy atrevido. Pablo siempre se reinventa, siempre hace cosas nuevas y esto que está haciendo se puede parecer a algo que ya has visto pero yo creo que tiene cosas realmente novedosas. En cuanto a mi futuro no va por esa vertiente, no quiero hacer ese tipo de cosa ahora mismo. Estoy pensando en la posibilidad de hacer una serie de televisión con la temática y un poco el estilo de los cortos anteriores. Estoy pensando en producirla, no en dirigirla, espero que lo haga otro ya que no quiero estar metido dentro del foco de esta producción en el caso de que lleguemos a hacerla, que está aún por verse, pero si que me gustaría que se hiciera. Y por otro lado estoy con proyectos de largometraje y quiero volver a la idea que tenía hace 4 o 5 años que era hacer producciones de acción real, con actores, con muchísima postproducción y animación. Yo creo que ahora mismo la tecnología te permite hacer

producciones muy espectaculares a muy bajo coste. Y todo lo que hemos aprendido haciendo estas pelis de animación puede ser perfectamente aplicable a la acción real y creo que podemos hacer cosas, ya te digo, novedosas, por lo menos en lo que es el cine español, y desde un punto de vista audiovisual muy atractivas. Hasta ahora cuando hablabas con los productores te decían “no, eso es imposible porque es carísimo”. Yo creo que no y seguiré luchando para demostrar que es que no. Pero vamos, básicamente serán producciones con actores y probablemente con muchas animación de por medio. Pero bueno, no te puedo decir mucho más alrededor de eso. D.B.: Muy bien, de todos modos estaremos al tanto de lo que vaya saliendo. Pues nada Sam, esto es todo. No sé si quieres decirle algo a la gente que nos lee en 100grados. Sam: Pues...que no pasen mucho calor porque 100 grados (risas) no se lleva bien, aunque aquí en Bruselas podrían pasarnos unos cuantos. D.B.: Pues muchas gracias Sam. Sam: Gracias a vosotros, hombre.

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Los día 18 y 19 de Abril estará en LAS NAVES “El hombre menguante” de Perez&Disla. Una sala, luz general, público y tres individuos que tratan de sobrevivir. 36

EL HOMBRE MEN GUAN TE

Por Irene Roca

“Vivimos entre expectativas y esperanzas inciertas. Enmudecemos cuando nos preguntan qué planes de futuro tenemos. Nos han robado el derecho a crearnos un proyecto de vida. ¿Qué hacer cuando aquello que nos sustenta se contrae o integra?” Perez&Disla ¿Os resulta familiar? “El hombre menguante” escenifica esta búsqueda. Vi esta obra hace algunos meses y creo que es una de esas cosas con las que te encuentras por sorpresa y de vez en cuando te vuelve a la mente, una frase, una imagen, una idea que te vino cuando estabas frente a ella. Tiene la peculiaridad de hacer que la mayoría de la gente se sienta identificada con muchos aspectos que plantea y, a la vez, que cada uno viva la experiencia de una manera diferente. Debido a que al sentirnos identificados conectamos con recuerdos y vivencias que condicionan la interpretación personal de lo que nos transmite la obra. La producción, a pesar de la trascendencia del trasfondo, sigue un ritmo ligero, desenfadado, rozando la locura y la comedia sin pretenderlo. Es como respirar aire fresco. Cuando acabó me invadía una ola de positivismo al darme cuenta de que con ganas, esfuerzo y creatividad se pueden conseguir cosas como esta. La obra es el tercer trabajo de la compañía Perez&Disla, el resultado de la unión de fuerzas de Jaume Perez y Juli Disla. Con su segundo trabajo, “La Gente”, llegaron a estar nominados para los premios Max en la categoría de Mejor Autoría Revelación. Hemos realizado una entrevista a Juli Disla, escritor de la obra, y a Toni Agustí, actor.

Y nos han contado . . . Contarnos de qué va la obra. Juli: La obra, contada como argumento, puede ser “tres tipos que se proponen hacer algo sea como sea, a pesar de las circunstancias hostiles, a pesar de no tener medios. Tres tipos que nos quieren contar la historia de El hombre menguante” Juli , ¿Cómo surgió la idea? ¿En qué os inspirasteis? El proceso creativo de las obras que hacemos en Pérez&Disla empieza entre Jaume Pérez y yo dándole vueltas a lo que nos apetece contar. Encontrar el tema o la cosa en sí para después darle la forma escénica adecuada. En este caso encontramos el tema de la supervivencia y más tarde llegó la película de 1957. Ya que lo nombras, ¿ como es el proceso creativo que seguís para construir la obra? Una vez decidimos que queremos hablar de la supervivencia y de la capacidad para superar las adversidades nos ponemos a pensar en lo que no queremos hablar. A veces tenemos más claro lo que no queremos que lo que sí queremos. Después vemos en qué condiciones reales podemos tener el proceso creativo: ¿Cuántos intérpretes? ¿Hay escenografía? ¿Hay iluminación? ¿Dónde se va a exhibir? En este caso decidimos que tres intérpretes es buena opción y que no tendríamos ni elementos escenográficos ni iluminación ni nada. Esto, evidentmente, más que una opción es una resignación. A partir de la película con el mismo título, encontramos una serie de enlaces temáticos que nos interesaban. Queríamos contar la peli sin contarla. Se generan los textos y Jaume Pérez piensa cómo ponerlos en escena. Toni, como actor, ¿como viviste tú ese proceso? Desde la interpretación es un proceso bastante abierto por la singularidad propia del camino. “El personaje” bebe mucho de “la persona” y el director y el autor saben aprovecharlo, 39

de hecho es una de las marcas de la compañía. Basarse en nuestra realidad, la más cruel y la más poética. Dada la situación que se vive en nuestro país y el poco apoyo que recibe la cultura. ¿Resulta muy complicado montar una obra de teatro en Valencia? Toni: No hay facilidades. Ninguna. Es tremendamente complicado que un producto de estas características no solo vea la luz, si no que se desarrolle en el tiempo. Valencia es una ciudad enormemente mermada por los recortes en cultura y particularmente abandonada en cuanto a las artes escénicas se refiere. No hay ningún tipo de interés por parte de los gestores y, lo peor, ningún conocimiento de la realidad. Juli: Por eso intentamos adecuarnos al contexto. Por eso decidimos hacer exactamente lo que nos diera la gana sin pensar en las posibilidades que podría tener, que sabíamos que eran pocas. Aun así, la oportunidad de estrenar con una residencia en Espacio Inestable facilitó muchisímo las cosas. Y ahora, la opción de mostrarla en Las Naves es otra buena oportunidad. La obra tiene un recorrido natural que no siempre se realiza. En nuestro caso en breve empezará a recorrer otras ciudades ya que ha sido seleccionada en el Circuito de la Red de Teatros Alternativos 2015. 40

Comparte o comenta esta entrevista ¿Es posible y probable vivir del teatro en una ciudad como Valencia? Toni: Jajajajaja. Juli: No. Juli, háblanos de la compañía Perez&Disla. Hicimos la compañía por la necesidad de hacer las cosas que nos interesan y por la urgencia de tener algo de trabajo. Pero como siempre las cosas nacen un poco por casualidad. En Russafa Escènica 2011 nos propusieron presentar algo y así nació. Luego llegó La gente, casi como un experimento y se quedó. Ahora El hombre menguante. ¿Tenéis algún próximo proyecto entre manos? Como compañía no. No hay prisa. No vale la pena. Tenemos la gira con La gente todavía y la gira con El hombre menguante para este 2015 y parte del 2016. Como artistas con muchos años de experiencia que siguen luchando por ganarse la vida haciendo lo que les gusta, podríais dar un consejo a los lectores del fanzine, también artistas pero en otras disciplinas. Toni: Que sigan haciendo el amor al arte. Juli: La resistencia es dura y complicada. Pero casi siempre vale la pena. 41

CERDITOS EN EL COLE Por Cristian Fish

Nos fascinan los niños. Su manera de decir las cosas, su manera de ver el mundo, su manera de expresarse. ¡Bendita inocencia! Con la premisa de descubrir que tienen que decir los niños sobre el tema de este número nos hemos acercado al colegio Fernando de Loaces en Orihuela, y junto al blog trabajando con personitas, nos hemos acercado a una clase de infantil de tres años, los más pequeños del colegio, y les hemos llevado nuestros cerdos. Les sacamos una cantidad considerable de materiales y medios. Les enseñamos que habían3 hecho alguno de nuestros colaboradores en la charla del circuito de ilustración donde intervinieron los mismos cerdos y solo le dimos una premisa: haced lo que queráis. Líneas de rotulador manchas de color con papel, gomets de colores y formas varias, y muchísima creatividad virgen y sin alterar por las modas de estilo ni por los problemas sociales de la actualidad. Composición, manchas, líneas y disfrute. ¡Quién fuera niño!

Si quieres ver un pequeño video sobre el proceso de trabajo, entra en minipersonas. blogspot.com y ¡disfruta!

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RECOMENDADOS La editorial Terranova llegó hace unos meses a Dadá. Como viene ya siendo habitual, contactaron conmigo por correo electrónico y comentaron que eran una pequeña editorial de Barcelona, que estaban a punto de sacar un título nuevo, y querían que viese si lo que editaban podía encajar en nuestra librería. Nada más revisar lo que me mandaban me encantó, era fresco y diferente. Unas semanas más tarde recibí las publicaciones no sin maravillarme más. Me encantaron. Una de las mejores cosas de nuestro trabajo en la librería es recibir material, ese deleite de abrir la caja y descubrir su interior, tocar y oler por primera vez los libros. No tiene precio. 46

Dirigida por Luis Cerveró y supervisada por la diseñadora y directora de arte Ana Domínguez, Terranova nace, textualmente, “desde una doble necesidad: la de hacer frente a la virtualidad cultural contemporánea con objetos físicos y palpables; y la de dar voz a una serie de nuevos artistas cuya generación está siendo silenciada o apartada de los cauces mayoritarios por las estructuras capitalistas que dominan el panorama cultural nacional.” Reivindican su vocación de independientes sin reñir en la producción de objetos bellos, fruto de un árduo trabajo de equipo, editores y artistas, que aúna esfuerzo, voluntad y diálogo a partes iguales. El primer libro publicado como editorial es Schlecker de Rafa Castells, que surgió de un encuentro casual, en un concierto de Don The Tiger, en el que Rafa y el editor empezaron hablando de la posibilidad de hacer algo juntos y terminaron con la idea ya prácticamente desarrollada y una primera cita para hablar de cómo ponerlo en marcha. Una selección de fotografías, de entre 3000 que tenía Rafa en sus carretes guardados en cajones, y un largo proceso de ordenación y edición para mostrar un repaso a su vida, pues las fotografías se tomaron con la intención de documentar su día a día. El título del libro corresponde a los carretes que usó y que tienen una especial relevancia además en la propia edición del mismo, toda una delicia. Recomendables son también Tropical Apache de Nuria Marqués o Gong! #1 de Mirena Ossorno, pero estos casi que mejor venís a descubrirlos a nuestra librería. www.terrranova.com

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Inma Perez

www.libreriadada.com

ESPERANDO

TURNO de Lucía Gómez

Cansados ya de escuchar la palabra “crisis”, y aun sabiendo que debería haber sido la oportunidad de frenar el movimiento uniformemente acelerado que llevan las economías y la esperanza de “conciencia”, simplemente ignoran la realidad persiguiendo su tan codiciado “crecimiento sostenido”, en un mundo con recursos limitados. No es necesario ir muy lejos para darse cuenta de la gravedad del asunto en el mundo del arte – “mercado” lo llaman ahora. Y nunca mejor dicho porque de mundo poco ya le queda. Pues bien, al “mercado” del arte también le afecta dónde se producen las manzanas y las fresas, y la conciencia. Recientemente hemos podido comprobar que en España se ha bajado al 10% (antes 21%) los impuestos de arte a la hora de efectuar una compra en una galería española1. Y es que competir con los países “grandes” de Europa en una moneda común se nos hace difícil. 48

http://www.elmundo.es/cultura/2014/01/24/52e25ddbe2704e1b188b457c.html 2 http://es.wikipedia.org/ wiki/Oscar_Murillo_%28artista%29

Últimamente también se puede haber estado observando en ferias, galerías y otras organizaciones el aumento de interés por la adquisición de arte de los llamados países “en vías de desarrollo”. Las nuevas estrellas de los países de Hispano America, Asia y ahora África no han pasado desapercibidas para el ojo avizor, con todos los posibles efectos segundarios que conlleva la sociedad de usar y tirar o cómo lo llaman en inglés: fast-moving consumer goods (FMCG) . El principal ejemplo de éste nuevo fenómeno lo podemos ver en la obra del pintor Oscar Murillo, un joven emigrante colombiano lanzado a la fama tras dudosas pujas en la casa de subastas Christie´s de Londres . “Oscar Murillo salta a la fama internacional en Junio del 2013 debido a las 253.875 libras que se pagaron por una de sus obras en la casa de subastas Christie’s lo que levanta una gran polémica en el mundo del arte que ha acusado a la galería que lo representa (Saatchi Gallery) de inflar una burbuja en el mercado del arte.”2 La última exposición que refleja esta tendencia la podemos encontrar por ejemplo en esta misma galería Saatchi de Londres, “Pangea II”. Sin entrar en pormenores de la calidad del arte expuesto de dicha exposición, decir que se hace mucho hincapié en artistas emergentes y/o exiliados de los ya mencionados países “en vías de desarrollo” (lo del 2º mundo ya no se lleva) y en lo que se inspiran. La exposición colectiva como era de esperar es bastante política, o al menos eso quiere transmitir, pero lo interesante está detrás de las obras, el más grande de los conflictos ideológicos del arte contemporáneo: El arte quiere ser libre pero el artista tiene que comer. Y como lo quieren las leyes del “crecimiento sostenido” hay que comer cada vez más y más rápido – y tirar. Curiosamente, los patrocinadores de esta exhibición son los grandes protagonistas del colonialismo ideoló49

gico que como José Manuel Naredo estudia, está desintegrando las sociedades tradicionales de dichos países. Pero hablemos de los artistas y sus obras. La muestra comienza en Gallery 1 a mano izquierda nada más entrar a la galería. Tout doit disparaître!, Jean-François Boclé, 2014. Un mar de bolsas de plástico de color azul inunda la primera sala dejándonos saber dónde comienzan y dónde terminan los límites del observador. En exilo. Un abismo, una sensación desagradable enfrenta la conversación con la obra. Un memorial del colonialismo y del esclavismo en el mar de las Antillas, todo ha de partir.

Tout doit disparaître!, JeanFrançois Boclé, 2014

The Poetics of Reflection, Diego Mendoza Imbachi, 2014. Colombiano de nacimiento, del departamento de Cauca en el pueblo de Venta Cajibio, el artista refleja el rápido proceso de industrialización que su región está sufriendo proyectando la mutación del paisaje en enormes dibujos que sugieren futuras realidades. Inmersos ya en la “crisis”, transformación o confrontación, nos topamos con las obras de Alida Cervantes. Natural de Tijuana, Cervantes re-imagina los limites percibidos acerca de las condiciones socio-económicas y políticas que permanecen contingentes de la comarca. La artista explora la dinámica de la dominancia y sumisión de la naturaleza humana. Sus pinturas adoptan un fuerte carácter Mejicano donde se observa implicada la represión de la época colonial y post-colonial de la zona. Saltando hacia África el artista Eddy Ilunga Kamuanga

nos presenta Sans Titre, 2014. La diversidad cultural contemporánea de Kinshasa es capturada por unos misteriosos símbolos y formas que sin duda reflejan la fuerte influencia de la globalización en la identidad africana.

Sans Titre. Eddy Ilunga Kamuanga.

No muy lejos de su compañero Kamuanga, las obras de Dawit Abebe. No.2 Background 1, 2014. Cuerpos viajando al compás de signos y símbolos. Documentos oficiales, trozos de paisajes urbanos y dispositivos que anuncian a la sociedad contemporánea bajo la vigilancia del gobierno. Abebe critica el rápido desarrollo tecnológico que está envolviendo y cambiando el África cosmopolita y cómo éste ha producido la alienación de los valores tradicionales entre ciertos grupos, comunidades y sociedades. Todos estos artistas (como muchos otros), intentan reflejar la sociedad cómo ellos la perciben desde sus circunstancias. En el reciente artículo de la controversa revista de arte contemporáneo Art Monthly, la colaboradora Lizzie Homersham, expone en el artículo Artists Must Eat el conflicto económico en el que se encuentra el artista contemporáneo frente a la mencionada sociedad de consumo. Lo contradictorio aquí se da cuando la propia crítica artística es “absorbida” por los criticados, y es que como a todos los cerdos les llega su San Martín, a estos artistas también. Comparte o comenta este artículo.

LA MATANZA DEL CERDO Por una nueva industria del cine valenciano. de Victor Lovicz

En Valencia se ha convertido en odiosa costumbre que las administraciones local y autonómica organicen eventos cuyo objetivo principal es atraer rápidamente la atención con el fin de obtener un rápido beneficio económico. Hace mucho tiempo que la ciudadanía valenciana no percibe los beneficios de las inversiones publicas emprendidas por sus representantes dado que estas no están diseñadas para permanecer en el tiempo. Y uno puede preguntarse, ¿qué tipo de cosas dentro del ámbito público están diseñadas para permanecer en el tiempo? Aquellas que suponen en sí una mejora de la calidad de vida de todos como la sanidad, la educación, la cultura, los servicios públicos y sociales, la industria, etc. 52

Hemos venido a tratar aquí el asunto del cine como manifestación cultural fundamental en el desarrollo de una conciencia colectiva qué carece en nuestro país en general pero muy especialmente en nuestra ciudad, de tejido industrial capaz de asimilar el gran número de titulados que producen sus universidades. Por el contrario se toman determinaciones que guiadas por los recortes producidos por la crisis económica se dedican a desmantelar estructuras mínimas que permiten la inserción laboral de estos jóvenes a modo de primer empleo. En este sentido el cierre de RTVV o la desaparición del IVAC tal y cómo lo conocimos desde 1999 hasta 2011, tras su inserción en CulturArts1 , han resultado catastróficas. Y si bien siempre existieron muchas cosas que mejorar, el objetivo de hacerlo precisamente suponía un reto para muchos. El resultado de esta degradación es que existe menos gente con trabajo, menos empresas dentro del sector y una ciudadanía que ha visto mermados sus derechos.

Para más información visitar: www.valenciaplaza. com - CulturArts cierra un primer ejercicio marcado por el ERE y los recortes. Diciembre (2013)

Tampoco sería justo en ningún caso tachar a Valencia de una ciudad en la que el talento únicamente escapa. También recibe de muchos lugares, gente con ganas de participar de forma dedicada en proyectos independientes de aquí, en muchas ocasiones de tipo colectivista y popular, que pretenden garantizar el potencial autodidacta de la ciudadanía y la capacidad de “Propuestas de pequeñas autogestión. Pequeñas productoras productoras son mucho más y cineastas independientes que interesantes que cualquier piensan en trabajar duramente cada día, preocupados por forjarse una iniciativa emprendida por identidad profesional en lugar de la administración.” en pagar la cuota de autónomos. En nuestra opinión muchas de estas iniciativas que se emprenden en Valencia se encuentran muy adelantadas a sus representantes y suponen sin duda alguna el principal foco de interés. Otro asunto que, pensamos, debería abordarse con urgencia a partir de ahora es la necesaria sinergía entre el sector educativo y los sectores industrial y empresarial, posición 53

por la que han apostado otra comunidades en nuestro país y que ha dado buenos resultados en otros ámbitos de la industria. No existe en toda la región a día de hoy ninguna escuela de cine oficial. El flujo de jóvenes estudiantes que se marchan de nuestra ciudad porque no encuentran oferta educativa es alarmante. Es importante tratar el asunto de nuestra ausencia de industria desde la semilla que empieza por no germinar en nuestras instituciones de enseñanza. Si los jóvenes son incapaces de hacer cine aquí, o de insertarse como primera experiencia en un entorno profesional donde puedan recibir el relevo de profesionales senior (la televisión ha funcionado en este sentido magníficamente en muchos países) éstos se verán obligados a marcharse. En muchas ocasiones, estas personas llegan, principalmente a Madrid o a Barcelona, con solo un expediente académico bajo el brazo, muy pocos cuentan con experiencia, y en ocasiones se ven abrumados antes de empezar. Muchos, en un esfuerzo académico admirable, deciden seguir invirtiendo en su educación a su llegada a estas ciudades haciendo terribles esfuerzos para pagar los estudios de cine que ofertan instituciones privadas. Pero no nos engañemos, este camino no es el que emprende la mayoría de personas que quieren dedicarse a hacer películas. Casi todas ellas se preocupan en primer lugar de sobrevivir en estas ciudades, e intentar de alguna manera ahorrar para invertir en equipo, en educación, en proyectos personales, o en las tres a la vez. Es sin duda una vocación precaria y muy cara. Pero, como vocación, es algo que no se elige, o por lo menos no se percibe como una elección, o se trata de algo tan temprano e intuitivo que todavía no se asume la responsabilidad de dicha elección. Es un crimen precoz, una dulce condena. Y desde aquí animamos a todos los condenados a seguir resistiendo y cambiando las cosas. Si es que las próximas elecciones suponen realmente un relevo, y por tanto una oportunidad de transformar las políticas que administran la industria del cine en nuestro país, esto es, en primer lugar la mejora de las ayudas del ministerio y las autonomías a la realización de proyectos; en segundo lugar la adecuación del régimen fiscal a aquellas pequeñas y medianas empresas, que en cine se llaman productoras, y que en la mayoría de los casos son incapaces de mantenerse de forma prolongada en el tiempo; y en tercer lugar la garantía de una educación pública o concertada de 54

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“Si los jóvenes son incapaces de hacer cine aquí, se verán obligados a marcharse” estudios de cine que garanticen la formación de personal humano que enriquezca un sector de la industria cultural que puede resultar altamente lucrativo. Todas aquellas políticas que no avancen en este sentido, que opten por más recortes o bien por el inmovilismo, contribuirán a la destrucción de una industria que cuenta con mano de obra pero que sin embargo es incapaz de armar una estructura para darle cabida. Esto demuestra a todas luces la inviabilidad de este modelo productivo. Resulta, en fin, cuanto menos destacable que la tierra en la que nació Berlanga, un territorio que supone el tercer núcleo poblacional del país, y que cuenta con todo tipo de paisajes, se encuentre con que sus representantes decidan no apostar por el cine. La batalla entre inversión pública y grandes eventos ha tenido un claro vencedor en nuestra ciudad, y el cine, hacerlo y consumirlo, ha sufrido la humillación, cómo muchos otros sectores de la cultura, de haber sido elevado a producto de lujo, algo caro y difícil, arriesgado y poco rentable. Nosotros decimos que con trabajo se puede empezar a construir desde los restos más respeto por nuestro cine. Noviembre será este año un mes de elecciones, mes en el que, curiosamente, a cada cerdo le llega su San Martin. ¿Se cumplirá el proverbio? 55

RECOMENDADOS 56

Javier Undiano

Es el momento de elegir y recomendar nuevos “productos” de entre todas las estanterías de Estudio 64. Hay tanto dónde escoger que para poder hacer una selección de SÓLO cinco productos he dividido la librería en los siguientes apartados: infantil/ juvenil, libro teórico/práctico, obra gráfica, álbum ilustrado/narrativa y peculiaridades. El resultado de la selección ha sido el siguiente: Mi nueva casa, de Marta Altés. Ed. Blackie Books. A la hora de elegir libro infantil/juvenil me he ido directo a libros que tenían un mensaje, en su mayoría positivo, y no sé si eso es bueno o malo. Dejando esto a un lado, Mi nueva casa es un libro bonito al 100%. Los personajes simpáticos, los dibujos sencillos y detallistas y lo que se cuenta es una historia en la que nos hemos visto todos reflejados más de una vez. Cambiar de casa, de ciudad o de barrio es cambiar muchas cosas como por ejemplo los amigos… Todos tenemos miedo a los cambios, pero estos pueden ser positivos y emocionantes. Open Every Day, de Isidro Ferrer. Ed. Los Libros Libérrimos. Isidro Ferrer, uno de mis ilustradores favoritos, realizó un viaje a Nueva York, origen de este libro. Un cuaderno de viaje que es un collage de imágenes, etiquetas, dibujos, colores, texturas, fotografías... dando como resultado un libro sugerente y muy visual. Quiero destacar también su peculiar formato plegado en acordeón que desplegado mide 250 cm y además se cierra con una goma elástica, lo cual lo acerca más al sketchbook. 57

Kit para collages. Varios. Supongo será influencia del ilustrador Julio Antonio Blasco que Estudio 64 esté tan metido en el mundo del collage. Comenzamos seleccionando revista antiguas en mercadillos que ponemos a la venta en nuestra maleta de collage, después continuamos ofreciendo talleres en nuestro espacio, buscamos libros teóricos o especializados en este arte que se pueden encontrar en las estanterías de la librería, y acabamos en el proyecto ‘Los días contados’ con su calendario de imágenes listas para trabajar y subir al blog del proyecto de Álvaro Sobrino, gurú del collage en España junto con Sr. García. Pues así es que tengamos tanto producto para todos aquellos que quiera hacer arte con el corta y pega, con la tijera y el pegamento o con el ratón. Londres en las novelas de Sherlock Holmes. Ed. Aventuras Literarias. Siempre he tenido muy claro que si ponía en marcha el proyecto Estudio 64, tendría un rincón para mi personaje literario favorito, Sherlock Holmes. El rincón se ha convertido en dos estanterías donde se puede encontrar cómic, narrativa, novela pulp y esta rareza que os recomiendo: un plano que recorre las calles de Londres a través de las palabras del doctor Watson. Dos mapas de finales del siglo XIX con 119 localizaciones relacionadas con 4 relatos del mítico investigador. Al plano se añade un código con acceso privado para obtener más información e imágenes a través de la web de la editorial, la cual se caracteriza por la publicación de libros muy peculiares. 58

Aida Tejero, obra gráfica.

Aida es una artista oscense con un estilo muy personal, autora de ilustraciones coloristas y muy positivas, lo cual es de agradecer en los tiempos que corren. Tengo que añadir una nota sobre la presentación de las obras en cartón, protegida por plástico y atada con cuerda y etiqueta de la autora, lo cual imprime calidez al conjunto y puede ser un regalo perfecto para amigos, pareja o para uno mismo. Son prints numerados y firmados, y Estudio 64 tiene la fortuna de ser punto de venta exclusivo en Valencia.

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FESTIVAL

ANIMA

2015 por Daniel Bartual

Si resulta que estás en una ciudad como Bruselas, uno de los centros indiscutibles del cómic en Europa, a consecuencia de unas prácticas de empresa que andas haciendo y de repente te enteras de que casualmente al lado del sitio donde vas a trabajar van a hacer un festival de animación, lógicamente tienes que ir. Y si encima eres miembro de 100grados, con más razón vas a hacer posibles para acudir y por conseguir un pase de prensa con tal de acceder al evento para poder hablar de él.

EL FESTIVAL Para ser la primera edición de este Festival Anima a la que acudo la verdad es que me ha sorprendido gratamente. Los dos fines de semana que pude asistir al evento siempre me encontraba con que había bastante gente asistiendo a las distintas proyecciones y actividades que propuso el festival en plena Cinematek, la filmoteca principal de la ciudad, en su sede de Place Flagey. Gente de todo tipo, no únicamente familiares con sus niños sino también gente joven, entendidos en animación y, por supuesto, los invitados al evento. Un síntoma que evidencia sobremanera la naturalidad con la que los belgas apoyan sus eventos culturales. La imagen del evento corría a cargo de François Chalet, animador, ilustrador y diseñador gráfico de orígen suizo, de estilo sintético y estética alegre. No únicamente se limitaba a el cartel promocional del 61

evento y a su respectivo trailer, sino que también a distintos elementos que el asistente podía toparse a lo largo y ancho de toda la sede de la Cinematek. Anima hacía uso de los 5 “Studios” que posee la Cinematek de Flagey para realizar su distintas actividades, siendo el Studio 4 el destinado para las proyecciones y actos más importantes como lo fueron los actos de inauguración, entrega de premios y clausura o el de la Nuit Animée, por poner algunos ejemplos. Además, muchas de las actividades más importantes eran introducidas por una presentadora que en perfecto inglés, francés y neerlandés explicaba a partes iguales y con todo detalle lo que estabamos a punto de visionar. Aparte, el asistente podía adquirir en un puesto de venta de algunas joyas de la animación como las últimas películas del Studio Ghibli o el recopilatorio de los mejores cortos de Jan Svankmajer, charlas y encuentros con los invitados al festival, exposiciones, firmas de autores de cómic e incluso un evento de Pecha Kucha realizado expresamente para esta edición del Anima. Por si fuera poco, a modo de complemento encontrábamos unas pocas exposiciones que, a mi parecer, era lo que más flojeaba dentro de Anima. La dedicada al Stop Motion, por ejemplo, parecía más la colección de figuras de un coleccionista de personajes de animación de plastilina que una expo con una entidad y cuerpo propio. 62

LAS PELÍCULAS Fueron varias las películas y cortos de los que pude disfrutar en esta edición de Anima. No pude disfrutar eso si de la proyección de “Shaun the Sheep”, lo nuevo del Studio Aardman, que el festival ofrecía en la premiere y, desafortunadamente, no volvieron a proyectarla a lo largo del festival. Sin embargo si que pude disfrutar de una nueva obra del stop-motion valenciano, concretamente, de “Pos Eso”, lo nuevo de Sam y su estudio “Conflictivos Productions” al cual también tuve la oportunidad de entrevistar. “Pos Eso” nos ofrece la mezcla de películas de terror clásicas (siendo las elegidas en esta ocasión principalmente “El Exorcista” y “La Profecía”) y de la España cañí a la que Sam nos tiene acostumbrados pero, en esta ocasión, aprovecha para hacer mofa y befa del mundo del faranduleo, la prensa rosa, la telebasura y las figuras eclesiásticas. Una película muy divertida de ver y que el público belga, pese a ser ajeno a los referentes tan marcados que la cinta trata, también disfrutaron y rieron a lo largo de toda la proyección. Sin embargo, no fue “Pos Eso” la primera película que vi en el festival sino “108 Rois-Démons”, una co-producción entre Bélgica, Francia, Luxemburgo y China que nos cuenta las aventuras de un grupo de héroes proscritos que hacen todo lo posible por derrocar al gobernante corrupto 63

actual...o al menos eso creo que era de lo que iba, porque la película se proyectó con el doblaje original francés y con subtítulos en perfecto neerlandés. No obstante, el estilo de animación de la película en 3D resulta bastante apabullante, llegando a veces a dar la sensación de que muchos personajes extra eran en realidad actores reales y con unos escenarios maravillosamente pintados en digital. “When Marnie was there” es una de las últimas obras de Studio Ghibli tras la marcha de Hayao Miyazaki. Tenía muchísima curiosidad de ver esta obra de Hiromasa Yonebayashi, autor al cual se le atribuye el estar detrás de otra de las películas del estudio nipón como es “Arriety y el mundo de los diminutos”, con tal de comprobar si Ghibli realmente podía seguir dando de si tras el retiro de su fundador y figura más representativa. Efectivamente esta película no posee al 100% la esencia de Miyazaki pero si muchos de los elementos que identifican la filmografía de Ghibli: niños protagonistas (niñas en este caso), escenarios que lindan con la naturaleza, encuentros con seres y situaciones fantásticas, etc. Esta cinta en concreto nos narra las vacaciones de verano de una niña en el pueblo de sus tíos y el cómo la amistad que entabla con una chica bastante singular del sitio le marcará para siempre. La “Nuit Animée” fue una de las actividades más interesantes sin lugar a dudas, una oportunidad perfecta para conocer un montón de cortos de animación de autor de una tacada. Sin embargo hay que ir mentalizados de que la actividad dura hasta las 3 de la madrugada. No obstante, la recomiendo encarecidamente ya que concretamente todos los cortos que pude ver en la edición de ese año de Anima eran muy interesantes tanto a nivel de técnica como de narrativa. También tuve la oportunidad de poder ver, y en perfecto francés además, la nueva entrega de las aventuras de Bob Esponja en un largo. Sinceramente, la primera de las películas me pareció mucho más entretenida y divertida que esta nueva entrega. Antonio Banderas no lo hace mal como villano pero es que tras ver a David Hasslehoff haciendo de lancha motora es muy difícil superar ese 64

nivel de absurdez. No obstante, recomiendo su visionado ya que, pese a no ser tan buena como la primera, lo suyo entretiene. Por último, “The Satellite Girl and Milk Cow” es una película de factura surcoreana con un argumento totalmente loco y absurdo. Trata de como un satélite se enamora de un joven cantante y baja a la Tierra adquiriendo forma humana en el descenso pero conservando sus propiedades como máquina: piel ultraresistente, cuerpo extremadamente pesado y articulaciones que puede disparar como cohetes a placer. Pero al aterrizar a la tierra descubre que la persona de la que se ha enamorado ha sido transformada en vaca y juntos se unirán con tal de revertir la situación y acabar con el malvado que la ha provocado. EN DEFINITIVA... ¿Merece la pena asistir a Anima? Depende. Si eres un profesional de la animación y te invitan al festival lo disfrutarás, en especial si eres un invitado ajeno al país ya que en tal caso el trato será excelente. Si estás de paso por la ciudad sea por el tipo de estancia que sea, también merece la pena pasarse por el festival para ver, como mínimo, un par de películas. En cuanto a networking personalmente no pude comprobar si el festival estaba enfocado en ese aspecto también aunque a priori, viendo el plantel de actividades del horario no me dio esa impresión. No obstante, le otorgo un notable como nota al Anima, sin lugar a dudas ofrece una experiencia muy completa a sus participantes y da cabida a todo tipo de animación. Y eso es muy de agradecer. 65

de Bárbara Cachán

Paseando por cualquier ciudad del mundo, nos encontramos con una plaga de la que resulta difícil escapar: los museos. Hoy por hoy, el museo constituye un auténtico símbolo no solo a nivel regional o nacional, sino que, a gran escala, forma parte del “patrimonio de la humanidad”. Su función no es otra que cumplir con el cometido digno de contener en sí mismo todo el saber del mundo, o lo que es lo mismo, del hombre. Claramente, en su propia definición nos encontramos con un primer problema: ¿cómo organizar tantas ramas del saber, hazañas y leyendas? 66

Como bien somos conscientes de ello, la mejor solución pareció encontrarse en la proliferación de una amplia tipología museística. De ahí que surgiese desde el museo arqueológico pasando por el museo de historia natural, el museo de arte; museo del cine; museo etnográfico; museo de la minería; museo del automóvil; museo del ferrocarril; museo del cuento; museo de cera; museo del perfume; museo del abanico; museo de saleros y pimenteros… y así hasta un sinfín de museos, cada vez más extravagantes en cuanto a especie se refiere. ¿Por qué sucede esto? Porque el criterio que establece qué es lo que entra en un museo y qué no, radica en una vaga relación de semejanza entre varios elementos, de la que también se debería replantear su dudoso criterio. Por lo tanto, este despliegue condena al museo como institución que, paradójicamente, ya no guarda nada de valor porque todo es “susceptible” de ser guardado y, por tanto, cualquier cosa puede ubicarse en el museo. Todo es cultura; incluso lo que antes no lo era. Pero tal vez lo importante de este asunto no se encuentre tanto en la sensación de museo como “lista numerable de cosas”, si no en entender el propio por qué de su función. ¿Qué sentido tiene acumular y etiquetar todo en este mundo y guardarlo en museos? En este sentido, y más concretamente haciendo alusión al museo de arte, Adorno relaciona la palabra alemana “museal” (traducido así como “propio del museo”) con la palabra mausoleo hacia un sentido mucho más sustancial que simplemente fonético; y es que, para el filósofo, “los museos son los sepulcros familiares de las obras de arte”, puesto que “describe objetos con los que el observador ya no tiene una relación vital y que están en proceso de extinción”. Por tanto, se entiende aquí que el museo es un intento fatuo de hacer que algo prevalezca en el tiempo. 67

En territorio del arte (o lo que sería lo mismo, en el museo de arte), llega un momento en que la concepción el museo como acumulador del pasado sufre una crisis. En 1980, a coalición de una exposición de pintura del Salón del siglo XIX en el Metropolitan Museum de Nueva York, el crítico de arte Kramer cree que el carácter del museo acaba con la obra de arte una vez entra en él. No entiende cómo hacen una exposición de algo que debería haberse enterrado hacía años; y peor aún, cómo podía estar compartiendo espacio con obras contemporáneas. En este pastiche de objetos, encontramos el problema que unas líneas más arriba comentábamos: la relatividad de valores con los que se escoge la ubicación de una y no otra obra, hace que nos encontremos ante un grave problema. ¿Quién toma la decisión de qué es lo que entra y lo que no a formar parte del mundo de la cultura? A pesar de la gran cantidad de museos especializados, siempre va a ver algo que no esté; y que, por supuesto, forma parte de las decisiones y por tanto de las responsabilidades del museo. Él es quién desde su dirección dictamina según criterios estéticos, funcionales e históricos, aquello más conveniente, reduciendo en sí mismo una pequeña porción de una gran realidad. ¿Eso quiere decir que todo lo que se escapa fuera de los muros encriptados del museo no es cultura? Es obvio que tal afirmación sería una auténtica estupidez; pero sí es verdad que el museo juega aquí un papel importante que lo hace permanecer más allá en el tiempo, aunque su presencia resulta fútil en cuanto a ser contenedor cultural. De hecho este aspecto se recoge muy bien en la novela de Gustave Flaubert, Bouvard et Pécuchet, donde a través de los personajes se parodia esa obsesión de archivación al intentar diferentes tipos de actividades sin éxito. La novela pone en cuestión esa arrogante pretensión de guardar el saber, pues resulta imposible abarcar la gran biblioteca del conocimiento que el racionalismo del siglo XVIII fomentaba. Y es que al legitimizar en igual de condiciones todo lo que se coloca en él (lo mismo que les sucede a los personajes de la novela de Flaubert), evidencia su fracaso. El museo se constituye como una institución encargada de estudiar, analizar y difundir; 68

Comparte o comenta este artículo. la cuestión es el qué, que no lo llega a decir. No es que haya pocas cosas en el mundo como para que todas puedan tener cabida en este espacio; estamos hablando del problema del museo como un problema de heterogeneidad. Con todo ello, sin embargo, el museo sigue su expansión, y su perdurabilidad viene dada por dos razones muy sencillas: la primera, por respeto histórico, (ya que aparte de guardar, el museo ordena en el tiempo) y la segunda por ser depositario de un poder y valor que ha sido atribuido por una comunidad a la representa (humanidad). Por esa misma totalidad es por la que la destrucción de un símbolo como el museo, conllevaría una serie de consecuencias nefastas, entre ellas, la consideración en el pensamiento colectivo del fin de la cultura y, quien sabe, el comienzo de la barbarie, si bien realmente la cultura seguiría existiendo fuera de la institución. Y es que la pérdida del museo tal y como hoy lo concebimos, no beneficiaria absolutamente en nada en cuanto a que peligraría todo aquello que llamamos cultura, al estar tan recíprocamente unidas. El museo necesita de cultura, y la cultura necesita de él. Por esta misma relación, se debiera revisar el concepto de museo; de todos modos, llegará el día en que la imposibilidad de contener la cultura, hará que no quede otro remedio que solicitar su expansión no como una multiplicación de sus paredes (que es lo que ahora mismo sucede), sino de su esencia. Es decir, se tiene que producir una inversión del contexto, de tal forma que todo debe sentirse susceptible a formar parte del museo aunque este no exista como institución. Tal vez sea ese momento, en que las puertas de la cripta se abran, y deje de ser esa lápida de encumbramiento del pasado que impide pensar en futuro. 69

ESTO SON UNOS DISEÑADORES QUE ENTRAN A UN TALLER FALLERO Y… de Que Maten al Diseñador

Escribir un artículo no es fácil. Escribirlo después de unos cuantos días destroyer de fallas es aún peor. Y no lo decimos por las resacas, os lo aseguramos. Cuando pensamos en poder colaborar con 100 grados fanzine, no pensamos que la respuesta iba a ser tan rápida y receptiva. La fecha de entrega era para el día 20 de marzo. Vale, empezamos regular. Fue una respuesta tan fugaz que tuvimos que excusarnos pensando que no llegaríamos, porque nuestro estudio está vinculado en gran parte al mundo de las Fallas y en esas fechas la saturación de proyectos en relación a estas fiestas es máxima. Y mira tú por donde el equipo de 100 grados nos pidió que contáramos justamente eso, el periplo pre-fallero que vivimos en el estudio.

Por si has abierto la revista de repente en esta página random, y no sabes muy bien qué hacemos: somos Que Maten al Diseñador, un estudio de diseño gráfico, ilustración y diseño de producto, afincado en Valencia; que intentamos sobrevivir al no menos incesante intento de hundir el diseño valenciano por parte de los del piso de arriba. Podéis imaginar que el trabajo se desarrolla durante todo el año, o igual no podéis imaginar nada, por esto de la crisis. Aún así, cuando pasan las fiestas navideñas, es cuando ya se comienza a notar la cercanía y la presión va en aumento. Por si no fuera bastante tener que preparar nuestro ya clásico calendario, empieza el acelerómetro: llibrets de falla, cartelería para los casales, adaptación y rotulación de espacios en la Plaza del Ayuntamiento para las empresas que reciben a sus clientes en estas fiestas… Y por último, pensar, bocetar, terminar y plantar fallas. Sí, habéis leído bien, fallas. Los chicos del Estudio QMAD también hacen fallas. Las fallas son una fiesta que todo valenciano moderno que se precie debe odiar, si quiere estar dentro del 71

mundillo moderno. Son unas fiestas realmente impresionantes y bonitas, pero que por alguna razón, no gustan a una parte de los valencianos. Y gran culpa de ello la tienen nuestros excelentísimos políticos. Nuestro trabajo consiste en diseñar y bocetar las distintas escenas y ninots, o en presentar el boceto final de la falla; pero según corre el tiempo también nos ponemos manos a la obra con los pinceles. Hace cinco años, comenzamos colaborando con el taller fallero Imaginarte - Taller Creatiu. Y oficialmente, desde el pasado año formamos parte de él. Hacemos fallas infantiles, porque son nuestras preferidas y son donde más podemos desvariar. Tenemos que diseñarla pensando en los niños. Sabemos que de tontos no tienen un pelo; es más, cada vez son más inteligentes y más perspicaces en darse cuenta del mundo en que viven y en su duración. En nues72

tros dibujos, consecuentemente, los tratamos como pequeñas personas. A la hora de proyectar el monumento, nos gusta aplicar nuestros conocimientos de diseño a la misma pero sin necesidad de convertirla en una falla experimental. Jugamos con formas, espacios llenos y espacios vacíos que ayudan a guiar visualmente el monumento. Pero muchísimo antes de todo esto, antes incluso de sentarnos junto a nuestros cuñados en las cenas navideñas, las comisiones falleras presentan los bocetos de los monumentos: una ilustración previa de como será la obra. Y es ahí donde entramos a matar. Para nosotros es uno de las faenas que más nos gusta hacer, y es que presentamos los que las comisiones ya han apodado cariñosamente como no-boceto: un cartel que puede servir por sí solo, sin necesidad de tener un uso; como si de la portada de un cuento infantil se tratara. Así, plantamos la curiosidad y la intriga tanto en niños como en no-niños (no tienen por qué ser adultos, no precisamente). El no-boceto porta el lema de la falla y una breve pincelada de lo que se encontrará la gente cuando el monumento esté en la calle. La mayoría de las veces, incluso, lo que dibujamos en el no-boceto no llega a estar en el monumento final. Nos encanta poder suscitar emociones entre la gente. Nuestro trabajo también consiste en diseñar e ilustrar personajes nuevos cada año, sin la necesidad de recurrir a los típicos moldes de Mickey Mouse y compañía. Incluso cuando el tema nos obliga a contar con personajes conocidos, les damos una pequeña vuelta de tuerca. Como por ejemplo, en la falla Cotxera de 2015 había personajes literarios con nuestro punto: una Alicia en el País de las Maravillas a la que nos encontramos fumando junto a la oruga, una Caperucita Roja que no es tan santa como aparenta o incluso que en lugar de Sherlock aparezca el verdadero protagonista de las historias: John Watson. Todo el equipo, como el buen vino, intentamos mejorar 73

en todos los aspectos, desde nuestro dibujo o el modelado de las manos de Javi y Luís. Pero tenemos que destacar el fabuloso trabajo de las manos llenas de pintura de Fani, que con el aerógrafo, los pinceles o los rotuladores, hace posible que la falla tenga ese acabado colorido que destaca tantísimo o incluso que te guíe por gamas de color. En los carteles que explican con versos las distintas escenas de la falla, también aplicamos diseño gráfico, y para cada año y en cada falla son totalmente distintos. Como hemos dicho antes, también se diseñan para los niños; tenemos que contar con la elección de la tipografía correcta, la gráfica y las formas para que se entiendan perfectamente a distancia y queden integrados con el resto del monumento. Como en esta vida nunca dejamos de aprender (y mucho menos los diseñadores, en nuestra continua formación), de un tiempo a esta parte, le hemos cogido gusto a la caligrafía y el lettering y este año hemos comenzado a aplicarlo a la hora de hacer detalles o el acabado de algunos ninots. Además, contamos con el 74

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obstáculo de que estamos aplicando el pincel sobre una superficie que no es para nada lisa: contamos con piezas entre tu mano y la parte de la pieza en la que quieres dibujar letras, o tienes que escribir a varios metros de altura, sobre una escalera. A pesar de lo costoso del proceso, el resultado al final de la corrida es BIEN. La filosofía del Estudio QMAD, como bien representa el símbolo de nuestra marca, es distinta. Nuestra forma de diseñar no suele ser la típica, nos gusta aplicar color e ilustración y no mantenerlo todo bajo las reglas. Las reglas están para saltarlas, y esto mismo lo aplicamos al diseño de las fallas. Con Imaginarte plantamos fallas infantiles y le aplicamos diseño a las mismas, como hacen también otros diseñadores que se han metido sin quererlo a artistas falleros, aunque no se lo reconozcan a menudo. No consideramos que una falla tenga que ser experimental para que contenga diseño, y tampoco que por contener algo de diseño ya es una falla experimental. Para empezar, creemos que la separación entre fallas experimentales y… ¿normales? ya es un error gravísimo. Pero toda esta sentencia nos llevaría a otro extensísimo artículo que, por ahora, no sabemos muy bien dónde plantar. 75

REVIEW MYWIGO MAGNUM

de Xavi Bonobo

Una marca que no había pasado por 100grados aún. De Valencia, (la ‘terreta’!). Está pegando fuerte con unos productos que, pese a no crear nada nuevo, hacen llegar al consumidor lo que pide: buenas prestaciones y buen precio.

chicacalamidad.tumblr.com 84

bartufolio.com 85

tiracajas.deviantart.com 86

behance.net/Jotawi 87

coramarinartworks.wordpress.com 88

cargocollective.com/silviacarballo 90

behance.net/jotakaillustration 91

bezdrz.wix.com/bezdrz 92

behance.net/adriaguez 93

María José Endrino 94

facebook.com/herssonoe 95

the-hood-life.blogspot.com.es

gabrielazurda.com 97

cargocollective.com/maitanegartziandia 98

ilustracionesraquel.wordpress.com 99

Spookydelight.com 100

amorenillailustracion.blogspot.com.es 101

anaperezlopez.tumblr.com 102

Marta Chaves 103

vizcanicolis.tumblr.com 104

behance.net/ascledeoliveira 105

borisramirezbarba.wordpress.com 106

manuel-gutierrez.es 107

mademoisellechocolat-shirts.blogspot.com.es 108

estherhijanomunoz.es 109

sergiomontal.com 110

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