100grados fanzine número 14 "nuevo, cambios, renovación” by 100grados fanzine

Miedo 12 Renovaci贸n, cambios La animaci贸n que viene Tierre Noir 2016

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grados

N煤mero 14

Portada: Miedo12 www.instagram.com/miedo12

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gradosfanzine N煤mero 14 Miedo12 Renovaci贸n, cambios. La animaci贸n que viene Tierre noir 2016

Fanzine Nº 14 | Marzo 2016 Equipo editorial Cristian Fish Xavi Bonobo Redacción Victor Lovicz Lucía Gómez Paco Ortuño Estudio64 Librería Dadá Daniel Bartual Alberto Silla Sanserif Creatius Colaboran en este número Miedo12 (Portada), Pablo Bosch (tipografía Atiza Text), África Leiva (Lettering de las portadillas), Alejandro Noguera, Ana Alonso, Ana Salguero, Anduluplandu, Araceli Callado, Diana Hinojosa, Eduardo García Mena, Estefanía Clotti, María Martín García, Eveline Rodríguez Cuesta, Pochila, Fran Niño, Giselfust, Hortensio Panclasta, Guille Suki, Inso Inso, Javier Pajuelo, Jennifer Galeana, Jhulian Gómez, Joan Gabriel Lindes, Jotawi, Tiracajas, Lola Marín, Lisbel Gavara, María Zavala, Marmonie MRHndz, Monochrome, Noelia Whol, Raquel Sarabria, Cio DesignLAB, Noxpy, Rafa Mir, Sandra López, Sebas Martín, Sergio Montal, Sonia Rico, Julio Antonio Blasco (Sr. López), Victoria Ripalda y Uli Martínez.

Agradecimientos A Miedo12, por ese mural que nos pone cara. A TODOS los colaboradores. A todos los lectores y seguidores de 100grados fanzine. © de los proyectos de sus autores. Recepción de proyectos/normas de publicación: colabora@100grados.es Contacto 100grados.es holaquetal@100grados.es

EDITORIAL Cambios. Es normal para algo que está en constante movimiento. Todo lo nuevo implica dejar algo viejo atrás y con ello, reflexionar y aprender sobre todo lo que ha pasado.

100grados para nosotros no deja de ser un proyecto experimental. Buscamos mirar a nuestro alrededor para generar contenidos que sean interesantes para todos vosotros, pero a la vez buscamos crecer de nosotros mismos. Intentamos dar a conocer a nuevos talentos y a la vez conocer más a los talentos conocidos. En definitiva, queremos generar ese cambio, ese movimiento. Intentamos ser la chispa que genere creatividad en vuestras cabezas. Y seguirá siendo así, pese a que el proyecto crezca, evolucione y, en definitiva, cambie. Todo cambia y a la vez perdura. Así debe ser. ¿No es algo contradictorio?

Atiza

A friendly typeface for editorial use

Pablo Bosch

The Designers Foundry

Opentype

Atiza is a contemporary serif typeface designed for editorial purposes with a close and friendly personality that makes very pleasant the experience of reading. High x hight, relatively low contrast and strong asymmetrical serifs make Atiza an extremely legible typeface, even at very small sizes. At larger sizes the full details can be seen and the type reveals many new details that canâ&#x20AC;&#x2122;t be appreciated at smaller sizes. For example the brush stroke like endings are more visible. The system comes in three styles; Atiza Text Regular, Atiza Text Regular Italic and Atiza Text Bold, that provides a su cient range of styles for work perfectly as typeface for long texts. Atiza supports over over 200 latin languages and comes with a bunch of opentype features including: standard ligatures, case sensitive forms, tabular gures, small caps, capital spacing, localized forms, fractions, superiors and inferiors.

Siempre intentamos dar valor a lo que nos es próximo, y siendo de tal calidad Atiza (una tipografía “de casa”), no dudamos en que sería mejor opción que Archer, que la hemos usado desde el primer número de 100grados fanzine. Gracias Pablo, por no pensarlo dos veces y compartir con nosotros tu trabajo. ¡Estamos muy contentos con ella!

S O LO

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Autores

RENOVACIÓN, CAMBIO.

Recom ENTREVISTA Miedo12

Selección de colaboraciones

ESTUD

ENTREVISTA Pedro Rivero

LIBRERÍA DADÁ

Índice

mendados

Tecnología

DIO 64

SURFACE PRO 3

124 Mesa redonda 100grados #13 - en Pepita Lumier La animación que viene - por María Gil Los 3 Cerditos, Una fábula sobre el valor de los materiales - por Sanserif creatius Tierre Noir - por Paco Ortuño La contradicción absorbente de Emmanuel Lubezki - por Victor Lovicz Trasciencia - por Lucía Gómez Prostitución Pop - por Alberto Silla (QMAD)

R E U G .NO

♦♦ Alejandro Noguera

♦♦ Ana Alonso

♦♦ Ana Salguero

♦♦ anduluplandu

♦♦ Araceli Callado

♦♦ Cristian Fish

♦♦ Diana Hinojosa

♦♦ Eduardo García Mena

La década de los cuarenta es una mala edad para quedarte en paro, ser madre, y divorciada. Sin darte cuenta te aparece un luminoso en la cabeza de color estridente con algo parecido a “No tengo pene, utiliza compresas (no tampones) y los uniformes de empresa siempre me quedan pequeños” Tu puesto de administrativa, lo tiene ahora una becaria guapísima de unos siliconados vente años, y una melena rubia mucho más larga que su falda. El cargo de dirección, curiosamente ha sido ocupado por aquel asexual individuo que se colocaba la entrepierna cada vez que se acercaba a la ya nombrada tetona rubia. Por lo que la gorda, pechos caídos, y crema hidratante del Mercadona (yo) recibe un finiquito en su última nómina y una palmadita en la cintura/culo con una media sonrisa. El primer mes de luto después de un despido, lo dedicas a cocinar bollos, cambiarte de peinado, y contar las penas a tus hijos de seis y ocho años, los cuales escuchan atentamente a esos ojos llorosos. Te planteas ponerte sujetadores de relleno, comprarte ampollas flas, y apuntarte al gimnasio, hasta que entiendes lo complicado, ingenioso, y surrealista que es para una mujer poder mostrar tu mente, sin que exista un cuerpo. Renovarse no es solo convertirte en polivalencia, entendida como la capacidad del individuo para realizar diferentes puestos de trabajo. ¿Y si soy en realidad un escritor de novela negra? ¿ No que es también necesario ocultar tu sexo?. Eres buena, pero meas sentada. Hasta hoy.

♦♦ Escribe: María Martín García. Ilustra: Eveline Rodriguez Cuesta

♦♦ Pochila

♦♦ Giselfust

♦♦ Hortensio Panclasta

♦♦ Guille Suki

♦♦ Inso Inso

♦♦ Javier Pajuelo

♦♦ Jennifer Galeana

♦♦ Jhulian Gómez

♦♦ Joan Gabriel Lindes

♦♦ Jotawi

♦♦ Tiracajas

♦♦ Lola Marín

♦♦ a

♦♦ Lisbel Gavara

♦♦ María Zavala

♦♦ Marmonie MRHndz

♦♦ Monochrome

♦♦ Noelia Whol

♦♦ Raquel Sarabria

♦♦ Cio DesignLAB

♦♦ Noxpy

♦♦ Rafa Mir

♦♦ Sandra López

♦♦ Sebas Martín

♦♦ Sergio Montal

♦♦ Sonia Rico

♦♦ Julio Antonio Blasco, Sr. López

♦♦ Victoria Ripalda

.UNCA ME HE C SIDhADO MȌSICO .UNCA FUI AL C ShVATtIO

#LASES DE GUIT^A DESDE LOS SIETE AȅOS Y MUCHO ENSAYO _t

3IEMPRE HE SIDO UNA PhS A QUE SE RIE DE SUS _tES C S RISA FALSA

♦♦ Uli Martínez

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Vamos a hacc Chicken de Jaco Pasttius

El bajo es primmdial

Yo empiezo ...

Me estĂĄn mirando mucho .

Mierda , esta la he metido mal .

ARGhghgffhfhff!!., ,

Lo tienen que haber notado .

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VAMOS JUNTOS Â&#x2022;VALE

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♦♦ Uli Martínez

♦♦ Estefanía Clotti

*Entrevista a Miedo12 *Entrevista a Pedro Rivero

Entrevista a

Miedo12 por Cristian fish

Emilio, también conocido como Miedo12 y autor de la portada de este número, nos ha abierto las puertas de su casa para hablarnos de su vida profesional y de su trayectoria en el mundo del graffiti. Todo un placer hablar con él y hemos aprendido mucho en esta pedazo de entrevista.

*miedo12 Volver y jn2. al Valencia índice 2015

Su trabajo

AUTORES

#100grados14

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La entrevista Volver al Ăndice

ENTORNO A

ENTREVISTA

Pedro Rivero Por Daniel Bartual

#100grados14

Dado que mi estancia en Bruselas se está alargando más de lo que en principio pensaba, llego otra vez a la siguiente cita del Festival Anima, el principal festival de cine de animación de Bélgica. Si en la edición anterior tuve la ocasión de poder entrevistar a Sam por su “Pos Eso”, en esta ocasión tuve el enorme placer de poder entrevistar a Pedro Rivero, guionista y director junto al dibujante de comics e ilustrador Alberto Vázquez de “Psiconautas”, una película de animación de reciente factura que rompe con todos los esquemas de lo que se ha estado haciendo últimamente en cuestión de animación en España en cuanto a narración y temática se refiere. Quedo con él en la cafetería de la Cinematek de Flagey, lugar en donde se celebra el festival, para poder interrogarle y que me aclare unas cuantas dudas que tengo hacia su persona y hacia esta última obra que ha orquestado. Daniel Bartual: Yo he estado mirando un poco por internet y claro, como no tienes página en Wikipedia desconozco cuáles son tus orígenes exactos dentro del mundo de la animación. Sí que conozco los tres largos animados que has dirigido y guionizado pero me gustaría saber en primer lugar cuales fueron tus comienzos en estos mundos de la animación. Pedro Rivero: Cuando era joven hacía comics, todo esto viene a partir de los comics. Haciendo comics, que también los dibujaba, empecé a hacer guiones para otros amigos dibujantes. Esto coincidió con que en aquellos inicios tuve mis primeras experiencias dentro de la animación dibujando para las primeras producciones que hubo en el País Vasco como “La Leyenda del Viento del Norte” y poco a poco las cosas se fueron desarrollando de tal manera que me acabé profesionalizando como guionista de dibujos animados. Hice un par de proyectos de serie de televisión con Gregorio Muro, guionista de San Sebastián tanto para revistas de comics como para animación. Y ese fue el comienzo, por amistades y por las cosas que tocaba, la gente con la que me rodeaba y, sobre todo, por el momento que estaba teniendo en aquel entonces la animación en el País Vasco pues estuve trabajando como guionista de encargo hasta el año 99 más o menos. Ahí es cuando decidí pasar a hacer mis propios proyectos.

68 D.B.: Como guionista que eres, ¿Cuáles consideras que son tus influencias a la hora de construir una historia? P.R.: Bufff...pues la verdad es que nunca me lo había planteado. Por un lado, más que la construcción de historias las haces siguiendo impulsos de ideas que se te ocurren, igual hay ciertos autores, sobre todo en el campo del cine, que saben crearte emociones y tu quieres reproducir, ¿no?. No solo como espectador sino también ser capaz de generarlas. Entonces a mi me ha influido mucho David Lynch y su cine desde siempre, desde sus inicios incluso cuando yo era niño “El Hombre Elefante” me fascinó. Y luego hay tantas, tantas influencias que por el lado del mundo de la animación es evidente que Miyazaki tiene un peso específico muy grande que yo creo que en esta última película (se refiere a Psiconautas) se puede apreciar que tiene partes de Lynch y partes de Miyazaki. D.B.: Eso precisamente te iba a decir, sin pretensión de hacer spoilers, pero si que es cierto que hay ciertos momentos en “Psiconautas” que a la gente les va a recordar mucho a Miyazaki. También vi mucho de Otomo porque casualmente tu película se proyectó el día después en el que proyectaron “Akira”, sobre todo por la explosión que hay al inicio de la película aunque eso se ve mucho más explicitado en el cortometraje de “Birdboy” que precedió a “Psiconautas”. No sé si lo tomasteis a Otomo al igual que a Miyazaki como referencia para esta historia. P.R.: Pues hombre, temáticamente se ve que hay una conexión en los inicios de ambas historias no obstante es un detalle que está ya en el cómic original de Alberto por lo que no tiene una influencia tan directa. Si es cierto que evidentemente “Akira” es una película que cuando la vi por primera vez cuando salió en el año 88 me fascinó el enorme trabajo que tiene, sobre todo en la animación de los personajes aunque no solo eso, es todo lo que tiene. Yo creo que la estructura y el argumento de la película de “Psiconautas”, también partiendo desde el cómic, en comparación a la de “Akira” en occidente estamos más acostumbrados a que haya una correlación causa-efecto continua en las historias y, en este caso, lo que nos enseña mucho el cine japonés o la

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sensibilidad especial que tiene Miyazaki es la simultaneidad de determinados hechos o emociones, lo que yo creo que eso sí que puede ser una influencia en un plano espiritual. D.B.: Retomando un poco el tema de tus comienzos, la primera película que consta bajo tu autoría como guionista es “Goomer”. ¿Podrías contarme un poco sobre la experiencia de hacer una película como esa? P.R.: Bueno, no fue mi primer trabajo como guionista para cine, hice muchos años antes una adaptación para niños en dibujos animados de la vida de San Ignacio de Loyola pero “Goomer” en realidad fue un encargo que llegó a mis manos y a las de Gregorio Muro porque no sé si sabes que se intentó hacer una serie, de hecho se animaron varios episodios, pero se quedaron digamos sin financiación, era una serie en la que en la producción estaba Canal +, entonces los derechos los adquirió FIlmax y con un productor detrás que les aseguró que el material que ya estaba animado se podía remontar para convertirlo en un largometraje. Entonces hablé con Ricardo y con Nacho (autores originales del cómic de Goomer) antes de abordar esta reconstrucción del material que había y acometer un guión con la idea de ser lo más fiel posible a la obra original. Lo que pasa es que teníamos un poco la limitación de que teníamos que encajar dentro de un argumento animaciones que ya estaban hechas. Fue realmente como hacer un puzzle, sobre todo en lo que es entre la primera mitad y los dos tercios, pero en la parte final todo era un poco más libre. Pero realmente fue un poco caótico en el sentido de que tenías que crear algo a partir de material ya creado, incluso referenciar en el guión qué planos tenías que utilizar de ese material. Y bueno, el resultado es el que es. Yo creo que la película es un poco irregular (risas). D.B.: Yo personalmente te digo que en su momento fui a verla al cine y incluso me compré el VHS original de la película. De hecho, creo que también algún álbum en cómic de “Goomer” me llegué a comprar. PINCHA PARA SEGUIR LEYENDO LA ENTREVISTA

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RECO MEND DOS

ODA-

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Estudio 64

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Ya llevamos dos meses de 2016 y echábamos de menos nuestras recomendaciones. Se acabó la espera. Libros, obra gráfica y algo más que nos prepare para la primavera, que se está haciendo de rogar. La ilustración es nuestra opción, nuestros libros deben tener ilustraciones, aunque sólo sea en la cubierta. Publicaciones ilustradas, cuidadas, bien maquetadas, hechas y seleccionadas con cariño, es el caso de nuestras recomendaciones para el apartado de lectura. Dos álbumes infantiles y un estudio-ensayo para quienes buscan libros peculiares, gran palabra para nosotros.

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Fascinante descenso al submundo. La Felguera es una editorial que nos fascina por su temática, su presentación y su edición. “Mundo subterráneo”, libro que recomendamos, es un recorrido por otros lares de la mano de algunos de los escritores más reconocidos de este país, Frank G. Rubio, David Bizarro o Álex Portero entre otros. Con conceptos como la teoría de la ‘Tierra Hueca’, los escritos de Julio Verne o Lovecraft y temas de ocultistas como Helena Blavatsk, tenemos ante nuestros ojos otros universos y otras dimensiones que no están tan lejos como creemos. Perfecto para viajar sin salir de casa.

El fanzine desde sus orígenes hasta nuestros días. Teal Triggs es el autor de “Fanzines”, uno de los libros más completos sobre el mundo y la cultura del fanzine. Texto en inglés con abundantes fotos de zines de los años 50 y 60, pasando por la época dorada de los años 70 y 80 para acabar en nuestros días.

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No hay lectura sin ilustración. Oliver Jeffers es uno de los ilustradores más conocidos en la actualidad, y a partir de su nueva publicación “Érase una vez un alfabeto. Una historia para cada letra” se tendrá más en cuenta su faceta como escritor. Un trabajo redondo donde el artista irlandés nos presenta un libro ilustrado con cada letra del abecedario, letras que a su vez dan lugar a historias. La mejor manera para adentrarse en el mundo de la literatura. Y por si nuestros lectores todavía son muy peques, os recomendamos “Linterna mágica” de Liz Boyd, donde la imaginación fluirá en la mente de nuestros pequeños, siempre con el apoyo de los padres. Un paseo a través de un bosque donde la oscuridad se rompe gracias a la luz de una linterna para ir descubriendo animales y árboles creando una atmósfera mágica. Un libro sin texto lleno de poesía que cada vez que se lee se convierte en una nueva experiencia.

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Librería Dadá o n re

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Es complicado para nosotras elegir publicaciones que recomendar, porque siempre hay muchas cosas. Lo que realmente nos gusta es que vengáis a la librería, con tiempo, y os dejéis llevar.Nuestro aperitivo:

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Sirio, Martin López Lam. Editado por Fulgencio Pimentel.

“ Una crisis de pareja en el contexto de unas vacaciones en temporada baja, una muerte sin resolver y un misterio aun más profundo en la observación de la naturaleza. Las nubes, las rocas, el comportamiento de los perros y los niños del vecindario se convierten en señales que se ofrecen a sus/nuestros ojos atónitos. Un thriller terrenal, muchas preguntas y una sola respuesta, o una insinuación, en las estrellas.” Nos encanta todo lo que hace Martín, logra sorprendernos siempre, y esta edición de Fulgencio Pimentel no puede gustarnos más. Hay que leerlo con todos los sentidos, además, por que hay sutiles detalles en su ilustración, en los colores...que armonizan con la narración de la historia.

Aviario, Mario Tascón. Editado por Prodigioso Volcán

Aviario es una publicación que nos llegó un día a la librería y no pudimos evitar sonreír cuando la vimos. Bellamente editada, abrimos sus páginas y nos encontramos con la materialización del proyecto personal del periodista Mario Tascón., quien metió en esta “jaula de papel” a todas las rara avis que sobrevuelan por la red social Twitter y las compara con distintas especies de pájaros. “Aviario” propone también la imagen que el ilustrador Javier Tascón ha imaginado de cada ave, y con ellas el perfil de cada usuario queda descrito de una manera peculiar.

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Dibujar un árbol, Bruno Munari. Editado por Anti.

Cualquier persona que se dedique al diseño o la ilustración sabrá quién es Bruno Munari, uno de los artistas italianos más relevantes del siglo XX: fue diseñador, poeta, escultor y autor de libros infantiles y ensayos. Gran parte de su labor fue además pedagógica, haciendo hincapié en que, desde las escuelas, el arte y el diseño formaran parte de la vida de los más pequeños. Este libro que os recomendamos se publica por primera vez en castellano y es ejemplo claro de su trabajo: Brunari nos muestra de forma muy clara, simple y directa cómo son los árboles y la manera de dibujarlos. Para disfrutarlo.

Thisispaper issue 4 Cuando la revista Thisispaper llegó por primera vez a Dadá a finales de 2013 no sabíamos exactamente si iba a funcionar, porque la trajimos casi de forma instintiva. Desde Varsovia, el estudio del mismo nombre de la revista contactó con nosotras por correo y nos propuso ser punto de venta, y aceptamos. Desde el primer número nos cautivó porque Thisispaper tratan de trasladar al papel, de una forma realmente cuidada, ese trabajo que ya hacen en su magazine online, mostrando a los nuevos diseñadores, artistas, artesanos que trabajan por el mundo y que para ellos son especiales, referentes. El número 4, con un formato reducido, huele estupendamente, hay tres portadas diferentes y se centra en los lugares donde se crea, se trabaja, donde nace la inspiración. Thisispaper nace como edición limitada de 1000 ejemplares numerados y está en inglés y polaco. Si no la conocéis no la podéis dejar pasar. Volver al índice

*Mesa redonda 100grados #13 *La animaci贸n que viene *Los 3 Cerditos, una f谩bula sobre el valor de los materiales *Tierre Noir *La contradicci贸n absorbente de Emmanuel Lubezki *Transciencia *Prostituci贸n Pop

Mesa redonda

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100grados#13 “Vendrán por lana y saldrán trasquilados” - en Pepita Lumier

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¿Cómo ha afectado el libre mercado al sector creativo? Las influencias han deteriorado la calidad de la ilustración. O no. ¿Es todo un problema de comunicación? ¿Vale más el creativo aquí o allí?

Como viene siendo habitual en cada uno de nuestros números, no sólo generamos contextos colaborativos digitales en 100grados fanzine, sino que también salimos a la calle, o mejor la calle entramos. No se puede rechazar una propuesta como Pepita Lumier, (más que) una galería reciente, creciente y exigente de Valencia. Cristina Chumillas y Lucía son las dos rebeldes que se lanzaron a enriquecer nuestro entorno cultural. Aquí la mesa redonda, un buen cartel: Cristina Chumillas (Pepita Lumier), Ángel Martínez (vicepresidente ADCV) Aitana Carrasco (vicepresidenta APIV) Jesús Gallent (COMUNITAD) Andrés Sanchis, nuestro moderador en plantilla (Squid & Pig y OFN)

VER MESA REDONDA

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La animaci贸n que viene Mar铆a Gil soriano.

Comparten un espacio en el que bullen las ideas. Con sus sedes a pocos metros, Silly Walks studio, Pterodactive, Loopy Teller Studio, y The NeverEnding Wall se desarrollan bajo el amparo de la Universitat Politècnica de València y la iniciativa Start-UPV. Un equipo joven, la inquietud de ir más allá de lo que les enseñaron en las aulas y la animación como modo de contar historias es el sello de identidad de estas start-ups y colectivos que han decido dar el salto a lo profesional en una ciudad levantina, que se va haciendo un nombre, poco a poco, en el mundo de la animación. Luchan por formar parte del presente de la animación española y, con un poco de suerte, serán también de los que marquen su futuro.

*Loopy Teller Studio

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Silly Walks studio- De las locuras nacen proyectos Con guiño a los Monty Phyton incluido, nació Silly Walks Studio S.L. Hoy en día ya son una empresa pero empezaron como start-up para poder aprovechar los espacios y facilidades que la universidad brindaba a esta figura jurídica. “Realmente no conocíamos el término hasta que lo necesitamos. No te enseñan administración de empresas en Bellas Artes”, relata Martín Martínez, integrante del equipo. Un estudio sin jerarquías ni cargos que componen, además de Martínez, tres artistas más, y un ingeniero informático y líder empresarial Javier Giménez, que también es el CEO de Wildframe Media, grupo del que Silly Walks studio forma parte. Autodidactas, no han dudado en combinar proyectos propios con encargos para empresas de la talla de Nickelodeon. Aunque la animación 2D es su gran especialidad, no abandonan la experimentación de otras técnicas. “Nos encanta encontrar excusas para probar procedimientos nuevos y explorar medios narrativos que nos sorprendan”, explica Martínez. Y, de los encargos más convencionales... a

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los proyectos propios con menor carga comercial y que nacen de la diversión y el tiempo que pasan juntos “los Sillys”, como cariñosamente algunos les han apodado. “Tenemos un par de ideas de género comedy adventure. Hay muchas en el cajón esperando su momento. Somos un estudio creativo, y de las ideas que más nos motivan preparamos un consistente proyecto y tratamos de venderlas o conseguir financiación para realizarlas”, revela Martín. No piensan parar quietos y, tras presentar sus ‘locuras’ en el pasado 3D Wire, confían en hacer lo propio en el Cartoon Forum de este año y el 360º de Barcelona. “Seguimos moviéndolos”, sentencian. Volver al índice

The NeverEnding Wall-Talento y apoyo institucional suman La buena acogida de su anterior cortometraje de animación, Alienation, ha permitido a Silvia Carpizo afrontar su próximo proyecto con el respaldo del Master en Animación de la UPV, el Grupo de Investigación Arte e Industria con la productora Abano Producións de Galicia, y las subvenciones del ICAA y de Culturarts Filmoteca de Valencia. El corto titulado The NeverEnding Wall, con el Muro de Berlín como telón de fondo, está actualmente en fase de preproducción, pero ya sabe lo que es traspasar fronteras. “Fuimos seleccionados representando a España en el Festival Internacional de Clermont Ferrand, para ello realizamos un tráiler con planos ya finalizados”, narra Carpizo, que también se marca el verano como fecha clave para tener terminado el proyecto y presentarlo en certámenes. Ocho profesionales que vienen del campo de las Bellas Artes, la informática, la historia del arte y postproducción digital, componen el equipo de The NeverEnding Wall. Este corto lo han abordado con una técnica mixta (paperless) que integra la animación 2d en la imagen real. “Se trata de animar grafitis, pinturas ya existentes y eso conlleva unos retos técnicos, adaptando el medio al objetivo, es decir, primero nos cuestionamos los que queremos hacer y cómo queremos que sea el resultado. Para mi es súper importante nunca supeditar el concept a la técnica, sino lo contrario”, asegura la directora.

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Loopy Teller Studio- El cómic como casilla de salida La animación está en el horizonte de Loopy Teller Studio, aunque su principal objetivo no entiende de técnicas. “Nos interesa sobre todo contar, transmitir una serie de ideas o una historia, y la animación es uno de los recursos de los que hacemos uso para llegar a este fin. Sí que hay uno de nuestros integrantes que es un gran entusiasta de la animación, y está experimentando ahora con el 3D y el cellshading, pero el resto estamos más centrados en el aspecto de guión”, explica Carlos Valles, coordinador general de esta startup “de rebote” constituida en 2015 y que está integrada por cuatro graduados en Bellas Artes. Smooth Tea Lyceum es esa historia que les trae de cabeza y que abarca tanto el proyecto de serie de animación -que mueven por festivales e intentan vender a productoras- como el correspondiente cómic autoeditado, primera materialización de su seña de identidad: “usar la narración gráfica para contar historias hilarantes, de humor absurdo y humor negro”.

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Pterodactive- Crearse un máster ‘a medida’ Tampoco se quedan en la ‘zona de confort’ los integrantes de Pterodactive, que acaban de regresar del Animac, celebrado en Lleida a finales de febrero, donde han presentado su start-up en general, y el proyecto de El ladrón de corazones, en particular. Este corto realizado en cut-out digital y 2D es uno de los dos proyectos propios que están desarrollando en el estudio del dinosaurio, que cuenta con un equipo mayoritariamente femenino. “Acabamos de terminar la fase de preproducción, ahora la idea es revisar todo el material, enseñárselo a gente y recibir feedback para poder corregir errores antes de ponernos a animar”, cuenta Julia Cruz, CEO de Pterodactive, que confía en que esté acabado antes de verano para poder llevarlo a festivales y concursos.

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El resto de sus esfuerzos se reparten entre los encargos para empresas, especialmente en el campo publicitario, y la otra historia propia que tienen entre manos, Apolo 21, realizada con la técnica del stop-motion con la integración de algunos planos en 2D que les permiten jugar con la perspectiva y el volumen en los escenarios. Para Pterodactive la start-up ha sido la única manera de dar forma a sus ideas con poco presupuesto y nada de financiación: “Después del grado no nos veíamos preparadas para meternos en una empresa de animación, sentíamos que necesitábamos experimentar y aprender más. Ningún máster se ajustaba a nuestras exigencias, así que decidimos tomarnos esta aventura de emprender como un máster propio”.

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Los 3 Cerditos, Una fábula sobre el valor de los materiales de Sanserif Creatius ¡Quién teme al Lobo Feroz, al Lobo, al Lobo! ¡Quién teme al Lobo Feroz, al Lobo Feroz! El cuento de los tres cerditos es una de esas historias que todos, de una y otra forma, hemos oído en nuestra infancia. Una de esas historias que permanecen en nuestros recuerdos y que no sabemos muy bien porqué permite explicar muchas cosas de las que nos pasan.

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Hay quien se queda en la epidermis de la narración y sólo verá a tres cerditos cantando y bailando en el bosque acechados por un lobo. Hay quien vagamente recordará la lección infantil de la fábula. Ya saben, para poder disfrutar de la vida, primero hay que esforzarse, bien sea construyendo una casa, o haciendo los deberes, o desarrollando un producto o un mueble que responda “con solidez” a la necesidad para la que ha sido concebido. Claro que siempre hay una lectura más profunda en toda historia. Y los 3 cerditos no es una excepción. Para nosotros es una fábula sobre el valor de los materiales. La importancia de las prestaciones de un material frente a otro, en una situación concreta. Y, por supuesto, de la calidad y la eficiencia en el uso de éstos. Eso sí, no nos olvidemos que se trata de un cuento infantil y que, a pesar de las diferentes versiones del mismo que nos han llegado, sus primeras ediciones datan del siglo XVIII. Hemos cambiado mucho desde entonces. No tanto la esencia de la fábula. Aunque sí es necesario revisar alguna de sus ideas para actualizarla. Ya

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no se construye sólo con ladrillos y muchos menos con paja, por ahora. Y tampoco se pensaba en la necesaria implantación de conceptos, nosotros preferimos hablar de valores, como sostenibilidad o respeto medioambiental.

1 Chenoune, F. (2000): Jean Paul Gaultier. En la colección Universo de la Moda, Madrid, Ediciones Poligrafía. P.6

Lo que sí se repite es la historia una y otra vez. Es como si existiera una válvula de escape cuando llegamos a un punto de saturación. Jean Paul Gaultier llegó a la moda cuando la alta costura tenía el aspecto de “un suntuoso campo de ruinas, por el que desfilaban las sombras prestigiosas de una elegancia pasada, adormecida en unas convenciones ciegas a las renovaciones de su tiempo” 1. Justo en un momento en el que la palabra crisis se instaló en el lenguaje habitual de la sociedad y los medios. Cuando los punks pintaban en los muros el grito de guerra de la juventud: No future! Vivimos una época con una profunda recesión económica que ha sacado del letargo a la palabra crisis. Un periodo en el que la Volver al índice

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innovación ha permanecido adormecida casi tres décadas. Y, aunque el punk ya no sea el movimiento rompedor de la década de los setenta del siglo pasado, su mensaje pervive en el ánimo de las generaciones actuales. Quizá ha llegado el momento de “otra forma de entender el Hábitat”, y recordar la lección de Los tres cerditos... ¡Quién teme al Lobo Feroz, al Lobo, al Lobo! ¡Quién teme al Lobo Feroz, al Lobo Feroz! Nosotros no lo tememos. Y también somos conscientes de que la sociedad actual demanda algo más que un mueble o producto que responda a una necesidad, que sea adecuado y cuide la estética. Somos conscientes de que los usuarios buscan valores añadidos, muebles y productos con alma. Que transmitan valores culturales, sociales y medioambientales. En ese camino encontramos un material que reúne todos los elementos; el cartón. Un material que ha evolucionado junto a nosotros, y que se ha posicionado como un referente de la producción sostenible y que ha dado origen a una nueva generación de piezas que, además de cumplir con su función, aportan valores. Eso es lo que vas a ver en Los tres cerditos. Una bocanada de aire fresco para la industria actual, que no renuncia a nada de lo conseguido, y que aporta mucho más de lo que la mayoría imagina. [...]El mayor de ellos regañó a los otros dos por haber sido tan perezosos y poner en peligro sus propias vidas, y si algún día vais por el bosque y veis tres cerdos, sabréis que son los Tres Cerditos porque les gusta cantar: - ¡Quién teme al Lobo Feroz, al Lobo, al Lobo! - ¡Quién teme al Lobo Feroz, al Lobo Feroz! Fin.

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Thierry Noir Por Paco Ortu単o.

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Llega cubierto por una chaqueta reflectante amarilla que utiliza como mono de trabajo “Es para darle una segunda oportunidad a los policías, pero lo cierto es podría entrar y salir de la caja fuerte de un banco a plena luz del día y nadie me vería” dice Thierry Noir (Lyon, 1958). Carga con una mochila y varios botes de pintura que deposita en el suelo, su espalda cruje “Ya no tengo 55 años” y es cierto, Thierry, con 57 cumplidos el verano pasado, no ha parado desde que llegó a Londres hace algo más de 3 semanas.

*Thierry Noir - Battery Park, Nueva York

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Su ritmo de trabajo es frenético; en los últimos días ha pintado 5 murales en Dubai, 4 en Londres, comenzado a preparar su próxima instalación y pintado varias obras que pronto serán recogidas por sus respectivos coleccionistas. “Yo siempre vengo para un par de semanas, pero el tiempo pasa rápido y cuando me doy cuenta han pasado más de dos meses”. Mientras habla con nosotros da los últimos retoques a un Lienzo en Howard Griffin Gallery donde pronto se abrirá una instalación con algunos de sus trabajos más icónicos. Thierry vive en Berlín desde 1982; desde la ventana de una casa ocupada en el oeste veía cada día a los soldados desfilar al otro lado del muro y en 1984 cansado de ver el miedo de los berlineses hacia el Telón de Acero decidió transformarlo en un gigantesco lienzo. Pintó más de 5km y se convirtió en leyenda. Tras la sorpresa inicial los berlineses empezaron a molestarse y comenzaron los reproches. “En vano repetía una y otra vez que nadie me

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pagaba, yo no estaba allí para hacer más bonita esa maquina de matar sino que reaccionaba a su tristeza. Pero no lo entendían. Es importante decir cuánta emoción había en todo lo que rodeaba el muro ya que más de 100 personas habían muerto intentando cruzarlo, la atmósfera era violenta”.

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*Muro de Berlin en 1980s fotos de Thierry Noir

Pintar el muro era todo un desafío ya que había sido construido a 5 metros de la frontera oficial y por lo tanto acercarse estaba completamente prohibido. “Era necesario pintar acompañado, de ese modo siempre había testigos en caso de ser detenido” aunque a Thierry nunca le cogieron. El estilo de Thierry se simplificaba con el tiempo dando paso al trazo fresco y limpio que le permitía pintar con más rapidez. “Trabajábamos con una idea y dos colores, eso es todo. Desde el principio todo el mundo hacía preguntas, así es como me di cuenta que estábamos haciendo algo especial, simplificaba mis trazos para poder pintar y hablar al mismo tiempo, sin dejar de vigilar por si venían los soldados. Era increíble ver como los colores se comían el hormigón, era ácido puro”. Volver al índice

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Considerado uno de los pioneros del Street Art en Europa y una de las pocas leyendas vivas del Arte Urbano Europeo no fue hasta el año 2014 cuando realizó su primera exposición en una galería de arte profesional. Retrospective mostraba las obras más icónicas de Thierry Noir pero esta vez pintadas sobre lienzo, para mostrarlas se construyó un muro dentro de la galería que sumergía al espectador en el Berlín de los ochenta. En JAZZ (su última exposición) Thierry creó un universo en que todos sus personajes aparecían rodeados de instrumentos, notas y colores; exploraba la armonía entre arte y música “fue una manera de pagar tributo a la música; de no ser por la movida musical de aquellos años y de gente como David Bowie o Iggy Pop yo probablemente nunca habría ido a Berlín”.

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*Vista Exterior de JAZZ. Foto de Marcus Peel *Thierry Durante la entrevista Foto de 100Grados

Que siempre ha estado relacionado con la música no es ningún secreto, sobre la mesa enfrente de nosotros hay una copia del vinilo The Fly uno de varios en los que Thierry colaboró con la banda de rock U2 y aquí vemos la obra de Thierry en el escenario de su última gira, pero el tema principal de su obra ha sido siempre la Libertad “La Libertad es el motivo por el que me convertí en artista” Thierry no ha pintado de manera ilegal desde la caída del Telón de Acero pero nunca a dejado de pintar en la calle, es por eso por lo que está ahora en Londres y por lo que viaja a Francia esta semana. “Pintar en la calle es siempre algo político, cuando pintas en la calle transformas la ciudad, influencias a la gente a nivel cívico y eso es en definitiva la política”. Volver al índice

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LA CONTRADICCIÓN ABSORBENTE DE EMMANUEL LUBEZKI Por Victor Lovicz

Emmanuel Lubezki (Mexico D.F., 1964) ha venido demostrando en los últimos años un gran talento. El director de fotografía, galardonado en las últimas tres ediciones de los premios de la Academia de Hollywood, se encuentra en el momento más dulce de su carrera.

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*The revenant

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Si bien Lubezki empezó a llamar la atención por su exquisito trabajo en Como Agua Para Chocolate (Alfonso Arau, 1992) y por la que consiguió el premio Ariel a la mejor cinematografía, será desde el año 1995 que acumulará ocho nominaciones al premio Oscar y se alzará con tres estatuillas. Ha ganado en las últimas tres ediciones (Gravity, Birdman, The Revenant) convirtiéndose en el mexicano más premiado de la historia de la gala. El trabajo de Emmanuel Lubezki ha venido evolucionando en un estilo basado en la exploración de las posibilidades de la luz natural. En este sentido haber trabajado con un autor como Terrence Malick le influyó y le ayudó a crecer como artista, como demuestra el resultado

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*Como Agua Para Chocolate

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de su trabajo juntos (The New World, The Tree of Life, To The Wonder). Su forma de iluminar la escena sobrepasa en algunos casos los niveles del naturalismo, adquiriendo una especie de mística que casa muy bien con la poética trascendentalista de Malick.

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*Birdman

Por otro lado se trata de un cinematographer que se siente cómodo con los largos movimientos de cámara, que no tiene problemas en hacer uso de las posibilidades de la tecnología digital, y que posee una gran imaginación y destreza para los planos secuencia. Si recordamos su aclamado trabajo en Birdman (A.G. Iñarritu, 2014), encontramos que está plagado de movimientos imposibles, omnipresentes, que ayudados de efectos digitales transmiten una sensación de fluidez en su más estricto sentido, haciendo asomar esa cualidad líquida de la imagen digital que desplaza a la realidad como fin poniendo en el centro a la técnica que la cubre. Volver al índice

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Es muy interesante observar la contradicción intrínseca que existe dentro del estilo de Emmanuel Lubezki, que baila entre una deconstrucción de metodologías de iluminación cinematográfica clásicas basada en la manipulación de la luz natural por un lado, y el uso deliberado de movimientos de cámara irreales, que si bien poseen fluidez y gracia propias, se alejan de toda vocación realista. Una contradicción que no se señala aquí en forma de acusación, sino que por el contrario pretende dar cuenta de su honestidad en la materialización de sus principios, y de su humildad de aprendizaje, que habilita su progreso, y es capaz de evolucionar en su forma de transmitir sentido. Una cualidad muy difícil de apreciar entre el torrente de luces que sin contenido brillan en las actuales sociedades mediáticas.

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*Gravity

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Trans cien cia 110

Por Luc铆a G贸mez

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Resulta redundante, pesado, incluso algo ya fastidiado hablar del impacto que ha tenido en nuestras vidas la evolución de la tecnología en las últimas décadas. No obstante de vez en cuando nos llega ese saborcillo nostálgico de tarde de fin de semana de la que sin embargo no podemos escapar.

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*Michael Craig-Martin, Cassette, 2002, acrílico sobre lienzo

Todavía recuerdo la llegada de mi primer ordenador a casa. Era de color negro, pesaba una barbaridad y en el teclado a mano izquierda una tecla roja que ponía – Esc – que me prohibieron apretar a menos que fuera una emergencia de vida. Yo tenía ocho años, hablamos de mediados de los años 90’ y como no tenia mascotas aquello fue la revelación de la temporada. Poco tiempo duró aquel mastodonte en mi casa cuando me “consiguieron” otro ordenador. También enorme, esta vez la tecla prohibida – Esc – quedaba camuflada bajo un color gris claro junto a todas las demás. Ahora, la máquina del futuro venía además con una “torre” donde se podía insertar diskettes en los que poder grabar cosas. En menos de cinco años y para mi suerte ya había explorado los sinfines del Paint Brush, la enciclopedia Encarta 98, algo llamado Word, e incluso impreso todos los caracteres posibles y dibujitos que “venían” con el programa de mi primera impresora a color, un lujo. Hacía un ruido espantoso – aunque eso no ha cambiado tanto – parecía que iba a cobrar vida e iba a saltar del escritorio, los garabatos del Paint Brush ya impresos quedaban.

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Walkmans que destrozaban cassettes, videos reproductores que enganchaban las cintas VHS y hornos-microondas que daban miedo. Los de mi generación hemos visto como los Joysticks, Game Boys, faxes y consolas han sidos sustituidos por la Wii, Diskmans, DVD’s, scanners, los primeros “móviles”, los segundos, el mp3, el 4, los smartphones, cámaras analógicas por digitales, relojes de agua, wireless, wifi, Starbucks... Como no va a ser menos, el arte, de nuevo no ha querido o (podido) perderse la oportunidad de criticar el llamado progreso. Siendo uno de los compromisos de éste para con la sociedad la provocación y la reflexión, el artista irlandés Michael Craig-Martin no ha querido dejar pasar este dilema por alto para hacernos recapacitar no sólo sobre el pasado en el tiempo sino sobre el presente, y cómo no, el futuro. Su última exposición individual en Londres en la Serpentine Gallery, Transience, recoge trabajos desde 1981 a 2015, incluyendo los más representativos. Pinturas pop nos deslumbran con colores chicle de objetos una vez familiares pero ya obsoletos en los que

*Michael Craig-Martin, Eye of the Storm, 2002, acrílico sobre lienzo

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*Michael Craig-Martin, Untitled (Xbox control), 2014, acrílico en aluminio.

televisiones blanco y negro, bombillas incandescentes o videoconsolas son el principal componente de su obra. De seguida nos vienen a la cabeza las redundantes, y nunca mejor dicho, Campbell Soups del master Warhol, las Marilyn o las botellas Coca Cola, todas ellas apiladas en serie aclamándonos – ¡Mírame! – como un radiante anuncio de tele-tienda. Pero mucho ha llovido ya desde entonces, ahora, los objetos de anuncio ya no existen, pues ya no son nuevos y se han quedado obsoletos. Craig-Martin nos muestra en Transience, desde sus primeros trabajos, un dibujo mural de 1981, hasta pinturas de 2014 que muestran las minimalistas líneas de un iPhone, sin duda, un profundo estudio del impacto que la electrónica ha tenido en la sociedad de – consume y comunica – del presente. Su obra explora el vertiginoso cambio del proceso analógico a la tecnología digital que da paso a la producción y distribución de nuevos tipos de objetos de finales del siglo XX y principios del XXI. Las obras de Craig-Martin examinan las posibilidades conceptuales del arte contemporáneo, probando los límites entre la funcionalidad del objeto y su forma. Así como las primeras televisiones literalmente empotradas en cajas de madera Sapeli que todavía hoy alguna de nuestras abuelas conserva, o la forma de pera de una simple bombilla. El aumento de la fugacidad de la innovación tecnológica ha

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*Michael Craig-Martin, Inhale (Yellow), 2002, acrílico sobre lienzo

resultado que objetos que hasta no hace tanto eran del “hoy” pronto se han convertido en el “ayer”. La aparición de la tecnología digital en los últimos años ha resultado en la ruptura de la relación entre forma y función, un proceso que Craig-Martin captura en sus pinturas de sucesivos inventos, desde la conocida pila al cassette al ordenador portátil. Marshall McLuhan afirma en su libro Entender los medios de comunicación, que: “El cambio tecnológico altera no sólo los hábitos de vida, sino también los patrones de pensamiento y valoración” .“La obra de Craig-Martin es un espejo de estas alteraciones, que nos recuerda que estamos tanto producidos por los objetos que inventamos, ya que son inventados por nosotros.” 1

1. http://www.serpentinegalleries.org/exhibitions-events/ michael-craig-martin-transience

Todo este asombroso crecimiento trascendental que ha tenido la tecnología en nuestras vidas nos muestra claramente que no sólo nos ha cambiado, sino que ya no podames vivir sin ella. ¿Mas ella sin nosotros? Volver al índice

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Prostituci贸n Pop de Alberto Silla

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La cultura pop es una ramera cruel y deslenguada con ansias de dominatrix. Una gran industria destrozahogares que explota al fan sin ningún tipo de reparos, y que lo condena a una vida de merchandising, horror y blu-ray’s de edición limitada. La vida de un fanpiro (como bien tuvo en llamarlo Cels Piñol) está desolada desde el principio, con una perpetua sensación de insatisfacción que acabará con uno de los dos muertos, nuestro individuo o su disposición de liquidez. Sólo puede quedar uno.

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119 Cuando hablo de cultura pop me refiero a todo aquello que consideramos subcultura, a saber: cómics, películas de ciencia ficción, artistas musicales desentendidos en guerra con la sociedad... y no, no me equivoco al llamarlo cultura pop. ¿Tiene sentido hablar de subcultura o cultura marginal en un tiempo en que las camisetas de los Ramones se venden en el Zara? ¿Cuando lo atractivo ahora es ser geek? La industria que tanto nos quiere, muy lista ella, ha visto en el frikerío un filón para poder vender chorradas a gente tan desesperada como yo y más gente que siente la necesidad de tener, por ejemplo, una camiseta de los X-Men. Ser friki es ahora el nuevo ser hipster, y es algo que tiene un gritón de cosas buenas. Coronado Mister Obi-Wan Kenobi en mi fiesta de graduación (dato TOTALMENTE real) mi pubertad fue más o menos difícil por ser “el friki” de la clase. Un apelativo ganado a pulso que no hacía sino cerrarme bastantes puertas y ganarme algún insulto que otro (aunque pocos, no os voy a mentir). Menos mal que hoy en día un chaval no tiene que sufrir ni para comprar el último número de Spider-man ni para llevar en clase una sudadera de Juego de Tronos. Esto es bueno. La parte negativa de todo esto es, sin duda, todas las pandas de buitres que han visto un nuevo mercado virgen -no es un chisteque saquear y robar. Y aunque no puedo evitar mis alegrías al ver tantas películas o series de ciencia ficción y terror durante estos años, ya se ha llegado a un punto de sobreexplotación del producto que no va a beneficiarnos nada. Un -a veces- desastroso intento de vender el producto a frikis y no frikis. Una serie “friki” que vende lo pop a la gente normal es The Big Bang Theory, y una serie friki de verdad es Community, para que me entendáis. Los rastros están viviendo todo un revival estos días con la cantidad de hipsters y frikis impostados que buscan un nuevo ítem con el que decorar sus casas. El coleccionismo ha muerto, y ya no tiene sentido nunca más. ¿De qué sirve hacer cola para hacerse con una Edición Especial de tu peli favorita si han sacado mercancía como para llenar las tiendas o si al cabo de pocos meses sacan la Edición del Director, la Edición Mega con figuritas o la Edición con la Saga Completa? No, Lucas, no, que se te nota la erección debajo de tu camisa de cuadros. Volver al índice

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Estoy bastante seguro de que en unos 30-40 años se acabarán los precios astronómicos para hacerse con objetos singulares, dado que habrán mil opciones para hacerte con ellos. ¿Quién no tiene la edición especial de El Señor de los Anillos?. Quiero decir que de nada sirve tener el número 500 de una serie de cómic si no tiene un valor que lo haga único. Por supuesto que va a seguir llenando nuestro corazoncito y que para nosotros seguirá siendo nuestro número 500, pero la masificación de productos hace que pierda valor. Además, es justo este querer vender de todo para todos lo que provoca muchísimas veces el vergonzante bajo nivel de su contenido para todos los públicos, algo que hará mella en esta nueva industria en unos pocos años hasta el punto de agotarla. Me encantaría poder hablar de este síndrome de prostitución aplicado al diseño, y es que no es la primera vez que me enfrento a la dicotomía entre hacer algo vendible o algo bien hecho, conceptos que no suelen ir de la mano (y si van, ¡aleluya!) Pero lo peor de todo es que al fan no nos queda más remedio que apechugar y disfrutar de todo esto aunque con mala cara, como de no disfrutar mucho (aunque sea mentira). Estamos condenados a gastar y gastar dinero en objetos que nunca llegarán a satisfacernos del todo. Seguiremos alimentando al monstruo que hemos creado en pos de llenar nuestras estanterías a tope.

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*Surface Pro 3

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TECNOLOGĂ?A

Surface pro 3 Por Cristian Fish

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Surface es uno de esos productos que, hasta que no lo pruebas, no te das cuenta la utilidad en tu día a día y la verdad es que, después de un mes de uso, hemos tenido una experiencia muy satisfactoria. ¿Quieres saber más sobre este interesante producto de Microsoft?

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