art by Joseph Yammouni

N째 2

2-5

L’Art, un Combustible de la Lumière! Art, the Fuel of Light! Kunst – der Treibstoff des Lichts! L’Arte, Combustible della Luce! ¡El Arte, Combustible de la Luz! Искусство – топливо света!

6 - 10

Zurich Kunsthaus

38 - 41

Pamela Rozenkranz

42 - 45 Idrissa

46 - 49 Massoudy

50 - 53

André Raboud 40 années de sculpture

11 - 13

54 - 57

14 - 17

58 - 62

Journées de danse contemp Peinture Contemporaine Suisse Chinoise à l’encre Days of Swiss Contemporar Contemporary Chinese Ink Painting

L’Art Contemporain d’Asie du Sud South Asian Contemporary Art

18 - 21

L’Art Contemporain Libanais Lebanese Contemporary Art

22 - 25

Klein & Rotraut

26 - 29 Rudin, Noir Désir

30 - 37

Des Artistes au Service de la Paix Artists in the Service of Peace Peter Cerutti Douglas Grenville Hafis K-Soul Manika Marianne GB Laurent Rima

Magdolna Keel

63 - 79 Kurt Abel anaka

Boun Jean-Marc Clairet Evelin Corm Serge Diakonoff Karin Grillet Hafis Heidy Su Hanselmann Elouni Janahoui Elisabeth Jobin-Sanglard Madeleine Van Der Knoop Gérald Vizio Edouard Vizz Heyraud Mark Walker Willoft Claude Wira

80 - 84 La beauté? Beauty?

85 - 88 Byblos Gallery

INDEX IMPRESSUM Publisher & Editor Dr Joseph Yammouni Art Director Gérard Vizio Layout & Infography Christel Javori

poraine

Dance

Translation Chinese: Tao Song English: Stephen Rifkind German: Gabi Hüttemann Italian: Francesca Campisi Russian: Denis Morozov Spanish: Jose Errea Proof-reading Arabic: Oussama Rabi, Hala Yammouni Chinese: Tao Song English: Nathalie Hill Pollmann Français: Stella Sofia Milici German: Barbara & Guido Lumina-Schönfeld Italian: Manuela & Dr William Pertoldi Spanish: José Errea Distribution: Art Basel, Liste (Bâle), MAG (Montreux), Kunst & Art International (Zürich), Europ’Art (Genève), Artistes Contemporains (Lausanne), Voltashow, SCOPE Basel, Art galeries, Museums, Art foundations, exhibitions, Art events, kiosks, etc... 1’000 VIP adresses 2’500 to 3’000 waiting rooms (barristers, doctors, dentists, consulting, spas, hairdressers, etc...) & 30 Hôtels***** & **** in Genève, Lausanne, Montreux, Villars, Crans-Montana, Basel, Zürich,... Next issues: Byblos Art, April 2010 Byblos Switzerland, July 2010 International Advertisement Office Le Byblos 11, rue de Malagny CH-1196 Gland Tel : +41 22 364 86 57 Mobile : +41 79 646 10 59 LeByblos@bluewin.ch

UN COMBUSTIBLE DE LA LUMIERE L’Art, un combustible de la lumière ! De la préhistoire au XIXème, l’art a toujours trouvé son sujet dans le monde extérieur, mais dans une richesse de styles exprimant époque, courants, écoles ou artistes. Cependant, la représentation artistique n’a jamais été dénuée de sens, voire d’une fonction : recherche de nourriture dans des scènes de chasse de l’art rupestre, passage à un monde parallèle dans l’art pariétal localisé dans la profondeur des grottes, hors de portée de la lumière du jour, conjuration du sort dans l’art africain, ou plus proche de nous, expression du pouvoir ou des valeurs … En tout cela le souci de la beauté ou l’évacuation de l’angoisse accompagnaient l’élan créatif. L’extraordinaire développement de la science, ces 100 dernières années, a renvoyé l’artiste dans un retranchement intérieur, vers les abîmes du moi. Là où la science ne s’est pas encore hasardée, seul domaine où il peut se croire encore maître de sa destinée, son anarchie exprime sa liberté. « S’exprimer » remplace « représenter » et le souci de la beauté est chassé de l’élan artistique, reflet des mœurs et des sentiments de notre civilisation. Même les hommes de sciences, effrayés par le dérapage de la technique dans beaucoup de domaines n’attribuent plus à la raison que la rigueur de la méthode et se retournent vers l’art comme vers une planche de salut, ce qui explique un étonnant engouement pour ce dernier. Cet engouement est devenu universel, et il a pris une proportion telle que le prix de certains tableaux peut nourrir une ville du Tiers-Monde. Une création d’un homme vaudrait beaucoup plus que la vie de plusieurs hommes !!! Cela explique aussi l’impossibilité de certaines cultures, restées sur le quai, de sauter dans le TGV du progrès, lancé à pleine vitesse. S’il est vrai que notre lumière avait été conçue dans nos propres ténèbres, notre propre abîme n’aura pas de sens que s’il arrive à la lumière. Il est lui-même le combustible de cette dernière. Il serait peut-être plus judicieux d’allumer une mèche que de cracher du magma.

Joseph Yammouni Editor

Art, the fuel of light! From prehistory to the 19th century, art always looked outwards for inspiration, but with a wealth of styles expressing different times, currents, schools, and artists. Nevertheless, artistic representation never lacked a sense, not even a purpose: hunting for food in the hunting scenes in cave art, passage to a parallel world in the parietal art found in the depth of grottos, out of reach of the light of day, a conjuration in African art, or, closer to us, an expression of power or values… In all this, the striving to create beauty or release pent-up anguish accompanied the creative spirit. The extraordinary development of science in the last one hundred years has forced artists inwards in self-defense, towards the unknown depths of the I. There, where science has yet to venture, is found the only domain where they can still believe that they are masters of their own destiny, with their anarchy expressing their freedom. “To express oneself ” has replaced “to represent reality” and the search for beauty is banished from the artistic spirit, reflecting the lifestyle and feelings of our civilization. Even scientists, frightened by the sight of technology sliding away in many areas, no longer praise the intellect for anything but its rigorous methodology and have returned to art like to a safety line, which explains the surprising passion for the latter.

Idrissa, Ontologie de l’art pictural, (temps passé - temps présent) 105 x 85 cm, 2009 Claude WIRA, Combustion

bestürzten Wissenschaftler schätzen die Vernunft nur noch wegen ihrer strengen Methode und wenden sich der Kunst wie einem Rettungsanker zu, was die erstaunliche Begeisterung für die Kunst erklärt. Dies ist eine universelle Begeisterung geworden und hat ein solches Ausmass angenommen, dass mit dem Preis einiger Gemälde eine Stadt der Dritten Welt ernährt werden kann. Ein Werk eines Menschen ist sehr viel mehr wert als das Leben mehrerer Menschen!!! Dies erklärt auch, warum es für einige, auf der Strecke zurückgebliebene Kulturen unmöglich ist, auf den D-Zug des Fortschritts aufzuspringen, der mit voller Geschwindigkeit gestartet ist. Wenn es stimmt, dass unser Licht in unserer eigenen Finsternis geschaffen wurde, hat unser eigener Abgrund nur dann Sinn, wenn er zum Licht findet. Er selbst ist der Treibstoff dieses Lichts. Vielleicht wäre es klüger, einen Docht anzuzünden, als Feuer zu speien. L’Arte, combustibile della luce!

Victor Haddad, Byblos, 126 x 96 cm. 7000 ans d’histoires sont restitués à l’humanité : Phéniciens, Amorrites, Hyksos, Egyptiens, Assyriens, Babyloniens, Perses, Grecs, Romains, Arabes, Croisés... etc. photographie onefineart.com

This passion has become universal and reached such a proportion that the price of certain paintings could feed a Third World city. A creation of a person would be worth much more than the lives of several people!!! This also explains the inability of certain cultures, stuck waiting at the station, to jump on the Bullet Train of progress hurling down the track at full speed. If it is true that our light was only conceived through our own darkness, the depths of our soul will only become meaningful if we shine light on them. It is in itself the fuel of the latter. It might be wiser to light a candle than spit out magma. Kunst – der Treibstoff des Lichts! Von der prähistorischen Zeit bis zum XIX. Jahrhundert fand die Kunst ihre Sujets immer in der Aussenwelt, jedoch mit zahlreichen Stilrichtungen, die Ausdruck von Epoche, Strömungen, Schulen oder Künstlern waren. Die künstlerische Darstellung

verkörperte indes immer einen Sinn oder sogar einer Funktion: Nahrungssuche bei den Jagdszenen der Felsbilder oder Übergang in eine Parallelwelt bei der Höhlenmalerei, die in den Tiefen der Höhlen, weit entfernt vom Tageslicht entdeckt wurde, Schicksalsbeschwörung in der afrikanischen Kunst oder uns näher, Ausdruck von Macht oder Werten … Bei allem war der kreative Elan von dem Streben nach Schönheit oder der Befreiung von Ängsten begleitet. Die ausserordentliche Entwicklung der Wissenschaft in den letzten 100 Jahren hat den Künstler zu einem Rückzug nach innen bewegt, zu den Abgründen des Ichs. Dort, wo die Wissenschaft sich noch nicht hingewagt hat – das einzige Gebiet, auf dem er noch glauben kann, Herr seines Schicksals zu sein – drückt seine Anarchie seine Freiheit aus. „Sich ausdrücken“ ersetzt „darstellen“ und das Streben nach Schönheit wird vom künstlerischen Elan vertrieben – ein Spiegel der Sitten und Gefühle unserer Kultur. Selbst die über die Entgleisungen der Technik auf vielen Gebieten

Dalla preistoria fino al XIX secolo, l’arte ha sempre preso a soggetto il mondo esterno, raffigurandolo con una varietà di stili che rivelavano l’epoca, le correnti, le scuole o gli artisti. La rappresentazione artistica, tuttavia, non era mai spoglia di significato, né di funzione: la ricerca del cibo nelle scene di caccia dell’arte rupestre, il passaggio a un mondo parallelo nelle incisioni parietali nascoste nelle profondità delle grotte, lontane della luce del giorno, l’invocazione della buona sorte nell’arte africana e infine, più vicina a noi, l’espressione del potere e dei valori… La ricerca della bellezza o la liberazione dalle angosce hanno sempre accompagnato la creazione artistica, in qualunque epoca. Negli ultimi 100 anni, invece, gli straordinari progressi della scienza hanno spinto l’artista a trincerarsi in se stesso, negli abissi dell’io. Là, dove la scienza non osa ancora arrivare, unico luogo dove l’artista possa sentirsi ancora padrone del suo destino, esprimendo con l’anarchia la propria libertà. «L’espressione di se stessi» ha rimpiazzato «la rappresentazione», portando ad abbandonare la ricerca della bellezza nell’arte, specchio degli usi e delle sensazioni della nostra civiltà. Persino gli scienziati, intimoriti dai successi della tecnica negli ambiti più diversi, attribuiscono ormai alla ragione nient’altro che la rigorosità del metodo, ricorrendo all’arte come unica ancora di salvezza. Si spiega così la sorprendente attrazione generale per l’arte stessa. Un’attrazione divenuta ormai universale e dalle proporzioni tali che oggi, con il costo di alcuni dipinti, si potrebbe sfamare un’intera città del terzo mondo. La creazione di un solo individuo varrebbe molto di più della vita di numerose persone!!! Ecco perché diventa impossibile, per alcune culture in attesa sulla banchina, saltare su quel treno ad alta velocità che è il progresso, lanciato al massimo della potenza. Se è vero che la nostra luce è stata concepita dalle tenebre di ognuno di noi, allora il nostro abisso interiore non avrà alcun senso fino a che non vedrà quella luce, poiché esso stesso è il combustibile di quest’ultima. Forse allora sarebbe più saggio accendere una miccia che attendere la risalita del magma. ¡El Arte, combustible de la luz! Desde la prehistoria hasta el siglo XIX, el arte siempre ha encontrado sus temas en el mundo exterior, dentro de una riqueza de estilos que plasmaban épocas, corrientes, escuelas o artistas. Sin embargo, la representación artística jamás ha estado desprovista de significado, ni tampoco de función: búsqueda de alimento en las escenas de caza del arte rupestre, paso a un mundo paralelo en el arte parietal ubicado en la profundidad de las grutas, lejos del alcance de la luz diurna; conjuro de sortilegios en el arte africano o, más cerca de

nosotros, expresión de poder o de sus valores... En todo esto el interés por la belleza o la evacuación de la angustia acompañaban al impulso creativo. El extraordinario desarrollo de la ciencia a lo largo de los últimos cien años ha devuelto a los artistas a un atrincheramiento interior, a los abismos del yo. Allí donde la ciencia todavía no ha osado aventurarse, al único lugar en el que aún pueden considerarse dueños de su destino; y su anarquía expresa su libertad. «Expresarse» reemplaza a «representar» y el interés por la belleza es excluido del arrebato artístico, reflejo de las costumbres y de los sentimientos de nuestra civilización. Incluso los hombres de ciencia, aterrados por el patinazo de la técnica en muchas áreas, ya sólo atribuyen a la razón el rigor del método, y se vuelven hacia el arte como si fuese un salvavidas, lo que explica el sorprendente entusiasmo por lo artístico. Este fervor es ahora universal y ha adquirido tales proporciones que con el precio de determinados cuadros se podría alimentar a una ciudad del Tercer Mundo. ¡La creación de un hombre valdría bastante más que la vida de muchos de sus semejantes! Esto explica asimismo la imposibilidad de ciertas culturas, que permanecen clavadas en el andén, para subir de un salto a un tren del progreso que avanza lanzado a toda velocidad. Si es cierto que nuestra luz fue concebida en nuestras propias tinieblas, nuestro propio abismo sólo tendrá sentido si alcanza la luz. No en vano, aquél es el combustible de ésta. Tal vez sería más juicioso encender una vela que vomitar magma. Искусство – топливо света! С древнейших времен до XIX века искусство всегда черпало сюжеты во внешнем мире, используя богатство стилей, выражающих свое время, течение, школу или художника. Художественное выражение никогда не было лишено смысла и даже функции: поиск пропитания в охотничьих сценах наскальной живописи, переход в потусторонний мир в рисунках на стенах в глубине пещер, куда не проникает солнечный свет, заклинание судьбы в африканском искусстве, или, ближе к нам – выражение могущества или ценностей. Во всех этих случаях забота о красоте, об утешении печалей сопровождала творческий порыв. За последние 100 лет невиданное развитие науки привело к тому, что художник погрузился в свой внутренний мир, в глубину своей души – в ту единственную область, куда наука еще не рискнула проникнуть, где он еще может почувствовать себя хозяином своей судьбы, выражая свободу через анархичность. «Выразить себя» заменяет «отобразить», а забота о красоте уступает место художественному порыву, отражающему чувства и нравы нашей цивилизации. Даже ученые, напуганные вторжением техники во многие сферы, теперь оставляют за разумом только строгость методов. Они поворачиваются к искусству, как к спасательному кругу. Этим и объясняется странное увлечение искусством. Это увлечение стало всеобщим, и оно приняло такие масштабы, что на деньги, вырученные от некоторых картин, можно прокормить целый город из стран третьего мира. То, что создано одним человеком, стоит гораздо дороже, чем жизнь многих людей! Это объясняет неспособность некоторых культур, оставшихся на обочине, впрыгнуть в скоростной поезд прогресса, несущийся на всех парах. Если верно, что наш свет зародился в наших собственных потемках, то наша же пропасть имеет смысл только в том случае, если ведет к свету. Тьма – его топливо. Наверное, было бы более разумно зажечь светильник, чем извергать лаву.

Claudine Grisel, Filiation I. De vie en vie comme à travers ce que nous recevons de nos ancêtres, de nos parents et de nos maîtres , nous sommes appelés à devenir des êtres de plus en plus lumineux sous le regard des autres. Gianni Motti. “Higgs”, à la recherche de l’Anti-Motti, 2005, Performance dans l’LHC (Large Hadron Collider), CERN, Genève 5h5o mn. Gianni Motti s’est comparé à un proton. Descendu dans le tunnel circulaire du LHC (Large Hadron Collider) il a parcouru les 27 kilomètres à pied, à la vitesse moyenne non accélérée de 5 km/h. (env 6 heures). En comparaison, les particules effectueront 11000 fois le tour de l’anneau en une seconde.

Galya Lutzky, ➤ acrylic on canvas, 60 x 70 cm. HAFIS, Nature explosive, ➤ pastel sur papier, 25 x 18cm, 2009

ZURICH KUNSTHAUS Rendez-vous

avec les choses qui comptent

vraiment

Lisez-vous Byblos ou le dévorez-vous des yeux? Dans tous les cas, nous devrions nous rencontrer! Car nous avons quelque chose en commun, l’amour de ce qui est exceptionnel et des valeurs durables. Le Kunsthaus Zürich fait partie des principaux musées d’Europe et c’est le plus vieil institut d’exposition de Suisse. En tant que membre de la Société des Beaux-arts zurichois, vous êtes en très bonne compagnie. Le mécénat et l’engagement qui lui est lié, de même que le bon goût, ont ici une tradition, tout comme l’Avant-garde. Pablo Picasso a laissé des traces en 1932, lorsqu’il fit à l’époque ce qu’aucun artiste n’avait le droit de faire : il choisit lui-même plusieurs centaines d’œuvres pour sa toute première exposition dans un musée – grâce à la généreuse carte blanche que lui avait donnée alors le directeur. En 2010, nous nous en souviendrons en rendant hommage au Maître espagnol, dont l’œuvre et l’art de la séduction sont aujourd’hui dans toutes les bouches. Rendez-vous! Les Classiques Modernes et l’Impressionnisme sont parties intégrantes de la collection permanente. Dans les salles historiques et modernes, nous présentons 500 peintures, sculptures et dessins contemporains mais remontant aussi jusqu’au 15ème siècle : une mer de couleurs, des lignes aériennes, des regards languissants, un cri. Vous serez sans doute étonnés d’apprendre que nous exposons le plus grand nombre d’œuvres d’Edward Munch en dehors de la Norvège. Et la découverte des bronzes, des plâtres et des dessins d’Alberto Giacometti ne laisse pas de marbre, nulle part au monde il est possible de les admirer avec une telle densité et dans une si grande diversité. Le jour de notre rencontre sera donc à marquer d’une pierre blanche. Du jardin de Miró, notre regard se porte sur les sculptures de Moore, Miró bien sûr, et Maillol. Nous entendons le clapotis de l’eau dans le bassin à nos pieds et le champagne pétille dans les coupes. Seul le léger bruissement de la circulation rappelle que nous sommes au centre de Zürich – à deux pas du lac, de l’opéra et de la Bahnhofstrasse, où nous nous sommes plongés d’abord dans Byblos puis égarés dans le monde du Kunsthaus : un rendez-vous avec les choses qui comptent vraiment, et avec nous-mêmes. An encounter with the truly important The Kunsthaus Zurich is one of the leading museums of Europe and the longest standing exhibition institution in Switzerland. The patronage and commitment synonymous with its name, as well as the good taste and its connection to the avant-garde, are a long tradition here. Pablo Picasso left his mark here in 1932 when he did at the time what nobody had the right to do: he himself chose the several hundred works for his first exhibition in a museum, thanks to the generous carte blanche given to him by the director. In 2010, we will commemorate this in rendering homage to the Spanish Master whose work and art of seduction is today universally praised. Come and see it! The Modern Classics and Impressionism represent an integral part of the permanent collection. In the historic and modern halls, we show 500 paintings, sculptures and drawings, from the 15th century until today: a sea of colors, airy lines, languished looks and a scream. You will no doubt be surprised to learn that we exhibit the largest number of works by Edward Munch outside of Norway. At the same time, the discovery of the bronzes, plaster

Björn Quellenberg Directeur du service presse & communication, Head of Press & Communications Photo © Markus Bühler

Cuno Amiet Sunspots, 1904 Oil on eternit, 200 x 120 cm Kunsthaus Zürich, Society of Zurich Friends of Art, 1995 © 2009 Peter Thalmann Giovanni Antonio Canaletto Reception of an Ambassador at the Doge’s Palace 1730 Oil on canvas, 152 x 222 cm © 2009 Kunsthaus Zürich, The Betty and David Koetser Foundation, 1986

casts and drawings of Alberto Giacometti will move even hearts of stone. Nowhere else in the world is it possible to admire them in such quantity and diversity. The day of our meeting will therefore be etched in our memories. In the Miró garden, we gaze at the sculptures of Moore, Miró of course, and Maillol. We hear the lapping of the water in the pool at our feet while the champagne sparkles in our glasses. Only the light whirr of the traffic reminds us that we are in the center of Zurich, right next to the lake, opera and the Bahnhofstrasse, where we first immersed ourselves in Byblos and then got lost in the world of Kunsthaus: an encounter with the truly important and with ourselves. Rendez-vous

mit den

Dingen,

die wirklich

zählen

Das Kunsthaus Zürich gehört zu den führenden Museen Europas und ist das älteste Ausstellungsinstitut der Schweiz. Mäzenatisches Engagement und guter Geschmack haben hier Tradition – wie auch die Avantgarde. Pablo Picasso hinterliess 1932 seine Spuren, als er im Kunsthaus tat, was damals keiner durfte: mehrere hundert Werke für seine allererste Museumsausstellung selber aussuchen – dank der Carte Blanche eines grosszügigen Direktors. 2010 erinnern wir daran mit einer Hommage an den spanischen Meister, dessen Werk und Verführungskunst heute in aller Munde sind. Rendez-vous! Die Klassische Moderne und der Impressionismus sind fester Bestandteil der permanenten Sammlung. In historischen und modernen Sälen präsentieren wir 500 Gemälde, Plastiken und Zeichnungen von der Gegenwart bis zurück ins 15. Jahrhundert: ein Meer von Farben, luftige Linien, sehnsüchtige Blicke, ein Schrei. Dass wir den umfassendsten Bestand an Werken Edward Munchs ausserhalb Norwegens zeigen, dürfte Sie überraschen. Und die Begegnung mit den Bronzen, Gipsen und Zeichnungen von Alberto Giacometti bleibt nicht ohne Folgen, sind sie doch nirgends auf der Welt in dieser Dichte und Vielfalt zu bestaunen. Es wird daher ein besonderer Tag sein, an dem wir uns treffen. Vom Miró-Garten aus streift der Blick über Skulpturen von Moore, Miró und Maillol. Im Becken zu unseren Füssen plätschert das Wasser und der Champagner perlt im Glas. Nur das leise Rauschen des Verkehrs erinnert daran, dass wir mitten in Zürich sind – nur einen Sprung vom See, von der Oper und der Bahnhofstrasse entfernt, wo wir uns zunächst in Byblos vertieft, dann in der Welt des Kunsthauses verloren haben: zum Rendez-vous mit den Dingen, die wirklich zählen und uns selbst.

Appuntamento

con le cose che contano

davvero

La Kunsthaus Zürich è uno dei principali musei europei nonché il più antico palazzo delle esposizioni in Svizzera, dove mecenatismo e impegno, così come il buon gusto, sono una tradizione – naturalmente accanto alle avanguardie. Pablo Picasso vi lasciò traccia nel 1932, con un gesto che all’epoca nessuno aveva il diritto di compiere: fu lui stesso infatti a scegliere diverse centinaia di opere per la sua prima esposizione, grazie alla generosità del direttore che gli aveva lasciato carta bianca. Nel 2010 l’istituto ricorderà l’episodio rendendo omaggio al grande maestro spagnolo, la cui opera e arte seduttoria sono oggi sulla bocca di tutti. Da non perdere! I Classici Moderni e l’Impressionismo fanno parte integrante della collezione permanente. All’interno delle nostre sale storiche e moderne sono esposti 500 dipinti, sculture e disegni sia contemporanei che datati fino al XV secolo: un mare di colori, linee aeree, sguardi languidi e... un urlo. Vi stupirà forse apprendere che il museo possiede il più alto numero di opere di Edward Munch al di fuori della Norvegia. E non rimarrete certo di ghiaccio davanti alla scoperta dei bronzi, delle opere in gesso e dei disegni di Alberto Giacometti, poiché in nessun altro luogo al mondo è possibile ammirarne una selezione così ampia ed eterogenea. Il giorno della vostra visita resterà inciso nella vostra memoria. Dal giardino di Miró, spazierete con lo sguardo verso le sculture di Moore, dello stesso Miró e di Maillol. Sentirete lo sciabordio dell’acqua nella fontana, sorseggiando calici di champagne. Soltanto il leggero brusio del traffico vi rammenterà che siete nel cuore di Zurigo – a due passi dal lago, dal teatro dell’opera e dalla Bahnhofstrasse, dove prima vi sarete immersi tra le pagine di Byblos per poi perdervi nel mondo della Kunsthaus: un appuntamento con le cose che contano davvero, ma anche con se stessi. Cita

con

las

cosas

que

verdaderamente

cuentan

El Kunsthaus de Zürich forma parte de los principales museos de Europa y es el centro de exposiciones más antiguo de Suiza. Aquí existe una tradición de mecenazgo y de compromiso, que suele estar acompañada por el buen gusto; como la Vanguardia. Pablo Picasso ya dejó huella en 1932, cuando hizo lo que nadie en aquella época tenía derecho a hacer: gracias a la generosa carta blanca que le concedió el director del museo, él mismo seleccionó varios centenares de obras para su primera exposición. En 2010 lo recordaremos con un homenaje al maestro español, cuya obra y cuyo arte seductor están hoy en día en boca de todo el mundo. Atentos a la cita. Los clásicos modernos y el Impresionismo son partes integrantes de la colección permanente. En las salas históricas y modernas, presentamos medio millar de pinturas, esculturas y dibujos contemporáneos pero que se remontan también al siglo XV: un mar de colores, líneas ingrávidas, miradas lánguidas, un grito. Sin duda les sorprenderá saber que exponemos el mayor catálogo de obras de Edward Munch fuera de Noruega. Y el descubrimiento de los bronces, de las escayolas y de los dibujos de Alberto Giacometti no deja a nadie indiferente, ya que en ningún otro lugar del mundo es posible admirar una muestra tan densa y tan diversa. El día de nuestro reencuentro deberá, por tanto, ser señalizado con una piedra blanca. En el jardín de Miró, nuestra mirada se posa sobre las esculturas de Moore, de Miró por supuesto, y de Maillol. Escuchamos el chapoteo del agua en el estanque a nuestros pies, el champán burbujea en las copas. Tan sólo el ligero rumor de la circulación nos recuerda que nos encontramos en el centro de Zürich; a dos pasos del lago, de la ópera y de la Bahnhofstrasse, donde primero nos zambullimos

Sigmar Polke Levitation, 2005 Synthetic resin on gauze on

en Byblos para después extraviarnos en el mundo del Kunsthaus: una cita con las cosas que verdaderamente cuentan, y con nosotros mismos.

Встреча с тем, что имеет значение Кунстхаус (художественный музей) города Цюриха входит в число главных музеев Европы. Это самая старая выставочная площадка Швейцарии. Здесь прочно укоренились традиции меценатства со свойственной ему щедростью и хороший вкус. По той же традиции здесь присутствует авангард. Пабло Пикассо оставил здесь след в 1932 году. Он сделал то, что в то время не мог сделать никто другой: сам выбрал несколько сотен произведений для своей первой выставки в музее. Сделать это ему позволил карт-бланш, который он получил от тогдашнего директора. Мы вспомним об этом в 2010 году, воздавая должное испанскому мастеру, творчество и искусство обворожения которого сегодня у всех на устах. Не пропустите! Современные классики и импрессионисты составляют неотъемлемую часть постоянной коллекции. В залах истории и модерна мы представляем 500 картин, скульптур и рисунков от XV века до наших дней. Это море красок, воздушных линий, завороженных взглядов. Это крик. Вы, вероятно, будете удивлены узнать, что мы выставляем самое большое число произведений Эдварда Мунка за пределами Норвегии. Вы сможете увидеть произведения Альберто Джакометти: его рисунки и изделия из бронзы и гипса. Нигде в мире нельзя больше полюбоваться на них в таком количестве и разнообразии. Наша встреча станет для вас знаменательным днем. От сада Миро наш взгляд переходит к скульптурам Мура, снова Миро, и, конечно же, Майоля. Мы слышим плеск воды в бассейне у наших ног, шампанское пенится в наших кубках. Только легкий шум его течения напоминает, что мы находимся в центре Цюриха – в двух шагах от озера, оперы и Банхофштрассе, где мы погрузились сначала в Библос, затем затерялись в мире Кунстхауса. Это встреча с вещами, которые в самом деле имеют значение, и встреча с самими собой.

Claude Monet - The Water Lily Pond with Irises, ca. 1914/1922. Oil on Canvas,

Giovanni Segantini Alpine Pasture, 1893/94 Oil on canvas, 169 x 278 cm © 2009 Kunsthaus Zürich Jeff Wall Tattoos and Shadows, 2000 Transparency in lightbox, 195.5 x 255 cm Kunsthaus Zürich, Society of Zurich Friends of Art, 2002 © 2009 Jeff Wall

L’ART CHINOIS CHINESE INK PAINTING Peinture contemporaine chinoise à l’encre

Leda Fletcher Galeriste spécialiste en art chinois

Fung Ming Chip, Purple Desire, 89 x 90 cm Lee Chun Yi , 9.5 x 68 cm Liu Guo Sung, Dawn, 89,5 x 57,8 cm Wang Tiande

Le marché de l’art contemporain chinois a connu récemment un essor fulgurant, auquel ont contribué plusieurs facteurs: un nombre croissant de galeries s’intéressant à cet art, des expositions organisées par des musées, le développement des musées en Chine, des biennales et des ventes aux enchères dans le domaine de l’art. En quelques années seulement, les prix ont enregistré une forte hausse et, pour la première fois, des artistes contemporains chinois ont atteint les mêmes niveaux que leurs homologues occidentaux. Alors que le marché occidental se concentrait sur les peintures à l’huile, les installations et une photographie plus familières, un marché sous-évalué et fascinant a continué de se développer parallèlement et en toute discrétion: la peinture contemporaine chinoise à l’encre. De nombreux artistes recherchaient à l’évidence de nouvelles expressions contemporaines, inspirées de leurs origines orientales ; ils souhaitaient les adapter à l’évolution culturelle des lieux géographiques où ils vivent. La peinture contemporaine à l’encre a tout d’abord attiré surtout les amateurs et collectionneurs d’art chinois, déjà familiarisés avec les codes relevant de leur propre tradition, alors que le public occidental était encore quelque peu réticent à comprendre les racines profondes de la culture chinoise. Plus récemment, les nombreux « events » axés sur la peinture contemporaine chinoise à l’encre, organisés aux quatre coins du monde, ont suscité l’intérêt du public international. Il suffit de citer quelques exemples d’expositions muséales récentes : Biennales de Shenzhen, Ink painting Association (Hong-Kong), ainsi que les efforts déployés par les galeries, et centrés sur des artistes qui, certes, utilisent le matériau traditionnel, mais expriment une nouvelle philosophie. Tous ces éléments ont permis aux collectionneurs et aux amateurs d’art occidentaux de se sentir plus à l’aise dans leur approche et dans leurs choix. En conséquence, la peinture contemporaine à l’encre a atteint des prix très élevés, même dans les ventes aux enchères. Voici que se dessine donc un nouveau mouvement mené par des amateurs d’art enthousiastes, prêts à investir et à s’investir dans cette nouvelle page, désormais accessible, de l’art contemporain chinois: la peinture à l’encre de Chine qu’ils entendent hisser au rang qu’elle mérite dans le monde de l’art contemporain. Contemporary Chinese Ink Painting The contemporary Chinese art market has recently experienced a dazzling boom, to which several factors have contributed: a growing number of galleries that have become interested in this art, exhibitions organized by museums, the development of museums in China biennial exhibitions, and auctions in the art field. In only a few years, the prices have risen markedly. For the first time, contemporary Chinese artists have reached the same levels as their western counterparts. While the Western market has been focused on the more familiar oil paintings, setups, and photographs, an underappreciated and fascinating market has continued to quite unobtrusively develop in parallel: contemporary Chinese ink painting. Many artists apparently are searching for new contemporary forms of expression inspired by their Eastern origins. They seek to adapt them to the cultural development of their place of residence. Contemporary ink painting initially attracted enthusiasts and collectors of Chinese art, already familiar with the codes arising from their own tradition, while the Western public was still somewhat reticent to understand the deep roots of Chinese culture. More recently, numerous «events» centered on contemporary Chinese ink painting, organized around the world, have sparked international public interest.

It is only necessary to mention a few examples of recent museum exhibitions: The biennial Shenzhen exhibitions, Ink Painting Association (Hong-Kong), as well as the efforts invested by galleries and focusing on the artists that, while utilizing the traditional material, express a new philosophy. All these elements have allowed collectors and enthusiasts of Western art to feel more comfortable with their approach and choices. As a result, contemporary ink painting has commanded very high prices, even at auctions. Suddenly, a new movement has appeared, led by enthusiastic art fans, ready to invest their money and time in this new and now accessible page of contemporary Chinese art: Chinese ink painting, which they desire to raise to the level of respect that it deserves in the world of contemporary art. Zeitgenössische chinesische Tuschemalerei Der Markt für zeitgenössische chinesische Kunst erlebte in letzter Zeit einen fulminanten Aufschwung, zu dem mehrere Faktoren beitrugen: immer mehr an dieser Art Kunst interessierte Galerien, von Museen organisierte Ausstellungen, die Entwicklung von Museen in China, Biennalen und Auktionen im Bereich Kunst. Innerhalb weniger Jahre sind die Preise stark gestiegen und zum ersten Mal erreichten zeitgenössische chinesische Künstler das gleiche Niveau wie ihre westlichen Pendants. Während der westliche Markt sich auf die vertrauteren Gebiete Ölgemälde, Installationen und Fotografien konzentrierte, entwickelte sich ein unterbewerteter, faszinierender Markt parallel dazu still und leise weiter: die zeitgenössische chinesische Tuschemalerei. Zahlreiche Künstler suchten offensichtlich nach einer neuen zeitgenössischen, von ihren östlichen Wurzeln inspirierten Art des Ausdrucks. Ihr Wunsch war eine Adaption dieser Wurzeln an die kulturelle Entwicklung der Orte auf der Welt, an denen sie leben. Die zeitgenössische Tuschemalerei begeisterte zunächst vor allem Liebhaber und Sammler chinesischer Kunst, die bereits mit den Codes dieser Tradition vertraut waren, während das westliche Publikum nur verhaltenes Verständnis für die tiefen Wurzeln der chinesischen Kultur zeigte. In jüngerer Zeit riefen zahlreiche, in aller Welt organisierte „Events“ rund um die zeitgenössische chinesische Tuschemalerei das Interesse des internationalen Publikums hervor. Man braucht nur einige Beispiele von Museumsausstellungen der letzten Zeit zu nennen: Die Biennalen von Shenzhen, die Ink painting Association (HongKong), sowie das Engagement der Galerien für Künstler, die zwar das traditionelle Material verwenden, aber eine neue Philosophie zum Ausdruck bringen. All diese Dinge trugen bei den Sammlern und Liebhabern westlicher Kunst dazu bei, dass sie dieser Kunst näher kamen und sich bei ihrer Wahl wohler fühlten. Infolgedessen erzielte die zeitgenössische Tuschemalerei sehr hohe Preise – selbst bei Auktionen. So zeichnet sich also eine neue Kunstrichtung ab, angeführt von begeisterten Kunstliebhabern, die bereit sind, in dieses neue, nun verständliche Kapitel zeitgenössischer chinesischer Kunst zu investieren und sich zu investieren: Die chinesische Tuschemalerei, der sie zu ihrem verdienten Platz in der Welt der zeitgenössischen Kunst verhelfen möchten. Pittura Cinese Contemporanea ad Inchiostro Il mercato d’arte cinese contemporanea ha conosciuto negli ultimi tempi un successo folgorante, determinato da diversi fattori: l’interesse da parte di un numero crescente di gallerie, l’organizzazione di mostre specifi che nei musei, lo sviluppo in Cina di musei, biennali e aste in ambito artistico. In soli pochi anni, si è registrato un forte incremento delle quotazioni e, per la prima volta, gli artisti cinesi contemporanei hanno raggiunto gli stessi livelli dei colleghi occidentali. Mentre il mercato occidentale si concentrava sulle più familiari pittura a olio, installazioni e fotografi e,

un altro mercato, sottovalutato e affascinante, si faceva strada in parallelo, con grande discrezione: la pittura cinese contemporanea ad inchiostro. Raccoglie numerosi artisti alla chiara ricerca di nuove espressioni contemporanee, ispirate alle origini orientali, che essi desiderano adattare all’evoluzione culturale dei luoghi geografi ci in cui vivono. Inizialmente la pittura contemporanea ad inchiostro attirava soprattutto amanti e collezionisti di arte cinesi, già avvezzi ai codici della propria tradizione, mentre il pubblico occidentale si mostrava ancora reticente a comprendere le radici profonde della cultura cinese. Ultimamente, tuttavia, i numerosi «eventi» centrati sulla pittura cinese contemporanea ad inchiostro, organizzati ai quattro angoli della terra, hanno suscitato l’interesse del pubblico internazionale. Esempio ne sono le recenti esposizioni in Musei, le Biennali (Shenzhen), la Ink painting Association (Hong-Kong), nonché gli investimenti delle gallerie su alcuni artisti che, pur utilizzando materiali tradizionali, esprimono una nuova fi losofi a. Questi fattori hanno portato i collezionisti e gli appassionati d’arte occidentali ad avvicinarsi con maggior serenità alla pittura contemporanea ad inchiostro che di conseguenza ha raggiunto quotazioni molto elevate anche alle vendite all’asta. Si delinea così una nuova corrente guidata dall’entusiasmo di appassionati d’arte, pronti ad investire e a mettersi in gioco in questo nuovo panorama, ormai accessibile, dell’arte contemporanea cinese: la pittura cinese ad inchiostro, che grazie ad essi potrà raggiungere la posizione che merita nel mondo dell’arte contemporanea. Pintura contemporánea china a la tinta El mercado de arte contemporáneo chino ha conocido recientemente un auge fulgurante, al que han contribuido distintos factores: un número creciente de galerías interesadas por este arte, exposiciones organizadas por museos, el desarrollo de galerías en China, la organización de bienales y las subastas en el ámbito artístico. En unos pocos años, los precios han experimentado un alza notable y, por vez primera, los artistas contemporáneos chinos han alcanzado la misma cotización que sus homólogos occidentales. Mientras el mercado occidental se centraba en las pinturas al óleo, en las instalaciones y en una fotografía, disciplinas que le resultan más familiares, en paralelo y con total discreción se ha desarrollado un mercado subestimado y fascinante: la pintura contemporánea china a la tinta. Numerosos artistas investigaban la evidencia de nuevas expresiones contemporáneas, inspiradas en sus orígenes orientales; anhelaban adaptarlas a la evolución cultural de los entornos geográficos en los que viven. La pintura contemporánea a la tinta ha atraído sobre todo a los aficionados y a los coleccionistas de arte chinos, ya familiarizados con los códigos establecidos por su propia tradición, mientras que el público occidental se mostraba un tanto reticente a comprender las profundas raíces de la cultura china. Más recientemente, los numerosos “eventos” centrados en la pintura contemporánea china a la tinta, organizados en los cuatro rincones del mundo, han suscitado el interés del público

Yao JuiChung, Wonderful, Yao Listening i pod, 140 x 46 Wilson Shieh David de Donatello Wang Chuan, abstract, 68 x 68 cm

Qu Leilei, Tibetan Lady, 122x 114 cm Qiu De Shu, Fissuring, 120 x 122 cm Collage Gu Gan, Forest, 120 x 80 cm

internacional. Basta con citar algunos ejemplos de exposiciones museísticas recientes: las bienales de Shenzhen, la Ink Painting Association (Asociación de Pintores de Tinta, Hong-Kong); así como los esfuerzos realizados por las galerías y que están centrados en artistas que, por supuesto, utilizan el material tradicional pero que expresan una nueva filosofía. Todos estos elementos han permitido a los coleccionistas y a los aficionados al arte occidentales sentirse más cómodos en su apro-ximación y en sus elecciones. En consecuencia, la pintura contemporánea a la tinta ha alcanzado precios muy elevados, incluso en las subastas. He aquí que se perfila, por tanto, un nuevo movimiento dirigido por entusiastas aficionados al arte, listos para invertir y para investirse en esta nueva página, en adelante accesible, del arte contemporáneo chino: la pintura a la tinta de China; la cual están dispuestos a elevar al rango que merece en el mundo del arte contemporáneo. Современная китайская живопись чернилами Рынок современного искусства Китая недавно пережил резкий подъем, которому способствовали многие факторы: растущее число галерей, интересующихся этим направлением, организованные музеями экспедиции, развитие музеев в Китае, биеннале и аукционы предметов искусства. В течение всего нескольких лет цены показали существенный рост и впервые современные китайские художники достигли того же уровня, что и их западные коллеги. В то время когда западный рынок концентрировался вокруг масляной живописи, инсталляций и хорошо знакомой фотографии, недооцененный и привлекательный рынок современной китайской живописи чернилами продолжал свое тихое параллельное развитие. Было очевидно, что многие художники ищут новые, современные способы выражения, навеянные их восточным происхождением. Они хотели адаптировать их к культурной эволюции тех географических мест, где они жили. Современная чернильная живопись привлекла прежде всего любителей и коллекционеров китайского искусства, уже знакомых с культурными кодами их собственной традиции. В то же время западная публика несколько отставала от понимания глубоких корней китайской культуры. В последнее время многочисленные «события» в области современной китайской чернильной живописи, организованные повсюду в мире, вызвали интерес международной общественности. Достаточно упомянуть в качестве примеров несколько последних музейных выставок: биеннале в Шеньчжене, Ink painting Association в Гонконге, а также усилия, предпринятые галереями и ориентированные на художников, которые используют традиционные материалы, но выражают новую философию. Все эти элементы позволили коллекционерам и любителям восточного искусства почувствовать себя более уверенно в своем подходе и в своем выборе. Как следствие, современная чернильная живопись достигла очень высоких цен даже на продажах с аукциона. Стало заметным новое движение, ведомое энтузиастами и любителями искусства, готовыми вкладывать свои силы и средства в эту новую, отныне доступную область: современное китайское искусство. Они намерены поднять чернильную живопись Китая до уровня, которого она заслуживает в мире современного искусства.

Wang Tiande, New Chinese Clothes VIII, 133 x 66 cm Luo Qi

L’ART D’ASIE DU SUD SOUTH ASIAN ART L’Art Contemporain d’Asie du Sud chez Christie’s L’engouement toujours croissant du public pour l’Art Contemporain d’Asie du Sud est l’une des caractéristiques du marché de l’art à l’échelle internationale de ces dernières années. Ce phénomène est le fruit d’une économie indienne florissante qui a permis à de nombreux collectionneurs de soutenir la nouvelle scène artistique locale. L’enthousiasme pour l’Art d’Asie du Sud est non seulement lié aux collectionneurs locaux, mais aussi à une demande internationale comme nous avons pu le constater chez Christie’s lors des ventes d’Art Moderne et Contemporain d’Asie du Sud. A titre d’exemple, en septembre 2008, les trois œuvres majeures de la vacation ont été acquises par des collectionneurs privés américains. Citons également les grands collectionneurs d’art contemporain anglais Charles Saatchi et Frank Cohen qui illustrent parfaitement cette tendance. « Il y a une clientèle internationale pour ses œuvres, entre autre en Allemagne, en Suisse, en Italie, en France, en Grande-Bretagne, aux Etats-Unis et au Moyen-Orient » indique Yamini Mehta, directeur du département d’Art Moderne et Contemporain Indien chez Christie’s à Londres. Musées et institutions s’intéressent également de plus en plus à ce domaine; ils achètent et organisent des expositions, renforçant ainsi le marché et assurant sa pérennité. Les principales ventes d’art contemporain indien, pakistanais et du Bangladesh se déroulent chez Christie’s à Londres, New York, Hong-Kong et Dubaï où la croissance du marché est assurée par un groupe comprenant entre 35 et 50 artistes. Parmi eux, on trouve aussi bien les 20th Century Progressive Artists group tels Francis Newton Souza et Tyeb Mehta ou encore des artistes émergeants comme Subodh Gupta, Rashid Rana, Ashim Purkayastha, Jitish Kallat, Hema Upadhyay et Bharti Kher. Cette nouvelle génération a insufflé une grande variété de styles, du travail urbain de Kallat, à l’engagement politique de Purkavastha en passant par le travail conceptuel de Rana, un des artistes pakistanais les plus brillants aujourd’hui.

Alexandra Kindermann European PR Manager Christie’s London

South Asian Contemporary Art at Christie’s The rapid growth in the popularity of contemporary South Asian art has been one of the most remarkable features of an international auction market over the past few years. The driving force behind this transformation has been the success of the Indian economy allowing more individuals to support their country’s burgeoning art scene by collecting. But the popularity of South Asian art is not only due to collectors who are from the sub-continent; there is a worldwide demand for such works as shown at Christie’s auction of South Asian Modern and Contemporary Art. In September 08 the three top works were bought by American private collectors. In Britain major purchasers include Charles Saatchi and Frank Cohen, the country’s two biggest contemporary art collectors. “There is an international clientele for these works including collectors in Germany, Switzerland, Italy, France, the US, the UK and the Middle East,” says Yamini Mehta, Christie’s Director of Modern and Contemporary Indian Art in London. Museums and institutions are also becoming increasingly interested in buying works by emerging artists and are organising exhibitions of South Asian art, all of which has given the market a depth which makes it both strong and sustainable. Christie’s principal auctions of contemporary art from India, Pakistan and Bangladesh currently take place in London, New York, Hong Kong and Dubai where the market’s growth is led by a group of between 35 and 50 artists. These range from the best-known names in the early 20th century Progres-

South Asian Modern & Contemporary Art Christie’s New York 20 March 2008 Francis Newton Souza (1924-2002) Oil on canvas, 58 x 45 in. (147.3 x 114.3 cm.), Painted in 1961 Estimate: 350’000 - 500’000 U.S. $ Sold: 385’000 U.S. $ Bharti Kher (B. 1969) Signed and dated «Bharti Kher 2005» (on the reverse), bindis on mirrored glass, 24 x 24 in. (61 x 61 cm). Executed in 2005 Estimate: 30,000 - 50,000 U.S. $ Sold: 109,000 U.S. $

Zeitgenössischer Südasiatischer Kunst bei Christie’s festzustellen war. So wurden beispielsweise im September 2008 die drei bedeutendsten Werke der Auktion von amerikanischen Privatsammlern erworben. Genannt seien auch die grossen Sammler englischer Zeitgenössischer Kunst, Charles Saatchi und Frank Cohen, die diesen Trend genau widerspiegeln. „Diese Werke sprechen eine internationale Kundschaft aus Deutschland, der Schweiz, Italien, Frankreich, Grossbritannien, den USA und dem Mittleren Osten an“, erklärt Yamini Mehta, Abteilungsdirektor für Moderne und Zeitgenössische Indische Kunst bei Christie’s in London. Auch Museen und Institutionen interessieren sich zunehmend für dieses Gebiet. Sie kaufen und organisieren ferner Ausstellungen, wodurch der Markt gestärkt und sein Fortbestand gesichert wird. Die wichtigsten Auktionen Zeitgenössischer Kunst aus Indien, Pakistan und Bangladesch finden bei Christie’s in London, New York, Hongkong und Dubai statt, wo das Wachstum des Marktes durch eine aus 35 bis 50 Künstlern bestehende Gruppe von Künstlern gewährleistet ist. Zu ihnen zählen ebenso Mitglieder der 20th Century Progressive Artists group wie Francis Newton Souza und Tyeb Mehta als auch junge Künstler wie Subodh Gupta, Rashid Rana, Ashim Purkayastha, Jitish Kallat, Hema Upadhyay und Bharti Kher. Diese neue Generation brachte eine grosse Stilvielfalt mit sich, von der urban geprägten Arbeit Kallats über die konzeptuelle Arbeit von Rana – einer der brillantesten heutigen pakistanischen Künstler – bis zum politischen Engagement von Purkavastha. Da Christie’s, L’Arte Contemporanea Sudasiatica

South Asian Modern & Contemporary Art Christie’s New York 20 September 2007 Subodh Gupta - (B. 1964) Steal 2 Estimate: 800’000 - 1’000’000 U.S. $ Sold: 1’166’500 U.S. $ Subodh Gupta - (B. 1964) Oil on canvas 66 1/8 x 90 in. (168 x 228,6 cm) Painted in 2005 Estimate: 600’000 - 800’000 U.S. $ Sold: 962’500 U.S. $ Ashim Purkayastha (b. 1967) He Is Not My Enemy titled and dated «He Is Not My Enemy» (on the reverse) Acrylic on canvas 66 1/4 x 59 1/2 in. (167 x 151 cm) Painted in 2004 Estimate: 90’000 - 120’000 U.S. $ Sold: 134’500 U.S. $

sive Artists Group such as Francis Newton Souza and Tyeb Mehta to the most promising emerging artists such as Subodh Gupta, Rashid Rana, Ashim Purkayastha, Jitish Kallat, Hema Upadhyay and Bharti Kher. This new generation has injected a tremendous range of talent with Kallat’s work having an urban subtext and Purkayastha’s revealing strong political undercurrents while Rana is one of the most brilliant conceptual artists working in Pakistan today. Zeitgenoössische Südasiatische Kunst Bei Christie’s Die anhaltend wachsende Begeisterung des Publikums für Zeitgenössische Südasiatische Kunst war in den letzten Jahren eines der wesentlichen Merkmale des internationalen Kunstmarktes. Ursprung dieses Phänomens ist die florierende indische Wirtschaft, die vielen Sammlern die Unterstützung der lokalen Künstlerszene ermöglichte. Der Enthusiasmus für die Südasiatische Kunst ist jedoch nicht nur den lokalen Sammlern zu verdanken, sondern auch auf die internationale Nachfrage zurückzuführen, wie bei der Auktion Moderner und

Una delle principali caratteristiche del mercato d’arte internazionale degli ultimi anni è l’inarrestabile crescita d’interesse da parte del pubblico per l’arte contemporanea sudasiatica. Tale fenomeno è frutto della fiorente economia indiana che ha consentito a numerosi collezionisti di sostenere la nascente scena artistica locale. L’entusiasmo per l’arte sudasiatica non è legato soltanto ai collezionisti locali, ma è anche il risultato della richiesta internazionale, come abbiamo avuto modo di constatare da Christie’s, in occasione delle aste di Arte Moderna e Contemporanea Sudasiatica. Per fare un esempio, nel settembre 2008 le tre maggiori opere presenti all’asta sono state acquistate da collezionisti privati americani. Possiamo citare inoltre i grandi collezionisti inglesi d’arte contemporanea Charles Saatchi e Frank Cohen, che illustrano perfettamente tale tendenza. «Per queste opere abbiamo clienti a livello internazionale, dalla Germania, alla Svizzera, all’Italia, alla Francia, alla Gran Bretagna, agli Stati Uniti, fino al Medio Oriente» afferma Yamini Mehta, direttore del Dipartimento d’Arte Moderna e Contemporanea Indiana di Christie’s, a Londra. Anche i musei e le istituzioni si avvicinano sempre più all’arte sudasiatica, acquistando le opere, ma soprattutto organizzando mostre, che rafforzano il mercato e ne assicurano la durata nel tempo. Le principali vendite d’arte contemporanea indiana, pakistana e del Bangladesh hanno luogo da Christie’s a Londra, New York, Hong-Kong e Dubai, dove la crescita del mercato è garantita da un gruppo di 35-50 artisti, tra cui troviamo naturalmente i membri del Gruppo degli artisti progressisti nato alla metà del XX secolo, come Francis Newton Souza e Tyeb Mehta, ma anche nomi emergenti come Subodh Gupta, Rashid Rana, Ashim Purkayastha, Jitish Kallat, Hema Upadhyay e Bharti Kher. La nuova generazione si distingue per la grande varietà di stili, dalle opere urbane di Kallat, all’impegno politico di Purkavastha, passando per le creazioni concettuali di Rana, uno degli artisti pakistani più brillanti dei nostri giorni. El Arte Contemporáneo del Sudeste Asiático, en Christie’s El entusiasmo siempre creciente del público por el arte contemporáneo del Sudeste Asiático es una de las características del mercado artístico internacional en los últimos años. Este fenómeno es fruto de

la floreciente economía india, que ha permitido a numerosos coleccionistas sostener la nueva escena artística local. El entusiasmo por el arte del Sudeste Asiático no está solamente vinculado a los coleccionistas autóctonos, sino que también es resultado de la demanda internacional, como se puede comprobar en las ventas de arte moderno y contemporáneo del Sudeste Asiático registradas en Christie´s. Como ejemplo, en septiembre de 2008 las tres principales obras de la temporada fueron adquiridas por coleccionistas privados estadounidenses. Es preciso citar también a los grandes coleccionistas ingleses de arte contemporáneo, Charles Saatchi y Frank Cohen, quienes ilustran perfectamente esta tendencia. «Existe una clientela internacional para estas obras en Alemania, en Suiza, en Italia, en Francia, en Gran Bretaña, en los Estados Unidos y en Oriente Próximo», indica Yamini Mehta, director del Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo Indio en la sede londinense de Christie´s. Asimismo, museos e instituciones se interesan cada vez más por este campo; compran, pero también organizan exposiciones, lo que refuerza al mercado y garantiza su perdurabilidad. Las principales ventas de arte contemporáneo indio, paquistaní y de Bangladesh las lleva a cabo Christie´s en Londres, Nueva York, Hong-Kong y Dubai, y el crecimiento del mercado está asegurado por un grupo formado por entre 35 y 50 artistas. Entre ellos, encontramos también a miembros del colectivo Artistas Progresivos del Siglo XX (20th Century Progressive Artists Group) como Francis Newton Souza y Tyeb Mehta, y también a artistas emergentes: Subodh Gupta, Rashid Rana, Ashim Purkayastha, Jitish Kallat, Hema Upadhyay y Bharti Kher. Esta nueva generación ha transmitido una gran variedad de estilos, los trabajos urbanos de Kallat, el compromiso político de Purkavastha, pasando por la obra conceptual de Rana, uno de los artistas paquistaníes más destacados de la actualidad. Современное искусство Южной Азии на аукционе Кристи Постоянно растущее увлечение публики современным искусством Южной Азии – одна их характерных черт международного рынка произведений искусства в последние годы. Это явление – результат процветающей индийской экономики. Оно позволило множеству коллекционеров поддержать новую художественную арену Индии. Энтузиазм по отношению к южноазиатскому искусству связан не только с местными коллекционерами. Он проистекает из международного спроса, в чем мы могли убедиться на аукционе Кристи во время продаж нового и современного искусства Южной Азии. В качестве примера можно привести тот факт, что в сентябре 2008 года три главных произведения торгов были приобретены частными коллекционерами из Америки. Упомянем и главных коллекционеров современного искусства из Англии Чарльза Саатчи и Френка Коэна, которые отлично иллюстрируют эту тенденцию. «На эти произведения есть спрос во всем мире, в частности в Германии, Швейцарии, Италии, Франции, Великобритании, США и на Ближнем Востоке», - говорит Ямини Мехта, директор департамента нового и современного искусства Индии на аукционе Кристи в Лондоне. Музеи и учреждения также проявляют все больший интерес к этой области: они покупают, а также организуют выставки, что увеличивает рынок и обеспечивает его стабильность. Основные продажи современного искусства Индии, Пакистана и Бангладеш совершаются на аукционе Кристи в Лондоне, Нью-Йорке, Гонконге и Дубаи. Рост рынка на них поддерживает группа художников из 35-50 человек. Среди них можно встретить членов 20th Century Progressive Artists, например Френсиса Ньютона Соузу и Таеба Мехта, а также таких заметных художников, как Субод Гупта, Рашид Рана, Ашим Пуркавашта, Джитиш Каллат, Хема Упадхая и Бхарти Кер. Это новое поколение породило огромное

Asian Contemporary Art (Day Sale) Hong Kong 01 December 2008 Hema Upadhyay (B. 1972) Bleeding Hearts Gouache, acrylic paints, dry Asian Contemporary Art (Day Sale) Hong Kong 01 December 2008 Rashid Rana (B. 1968) Re-Ornamented II Chromogenic print; the image reproduced has been provided by the artist, gold frames are unique and variable within the edition, 96 x 74 cm. (37 3/4 x 29 in.), edition 8/10, Executed in 2004 Estimate: 250’000 350’000 Hong Kong $ Sold: 312’000 Hong Kong $

South Asian Modern & Contemporary Art South Kensington 11 Jun 2008 Tyeb Mehta (B. 1925) (Figure on Rickshaw) Oil on canvas 59 x 47 in. (150 x 120 cm), Painted in 1984 Estimate: 300’000 500’000 British Pounds Sold: 982’050 British Pounds World auction record for the artist

pastels, graphite and photograph on paper, 183 x 122 cm. (72 x 48 in.). Painted in 2005 Estimate: 300’000 - 500’000 Hong Kong $ Sold: 375’000 Hong Kong $

разнообразие стилей от урбанистических работ Каллата до политических произведений Пуркавашты. Среди них и концептуальные работы Раны, одного из самых блестящих пакистанских художников наших дней.

South Asian Modern & Contemporary Art Christie’s New York 20 September 2007 Atul Dodiya (B. 1959) Three Painters, 1996 Estimate: 150’000 - 200’000 $ Sold: 541’000 $ RASHID RANA (B. 1968) A Day in the Life of Landscape, 2004 Estimate: 50’000 - 70’000 $ Sold: 133’000 $ T.V. Santhosh (B. 1968) Across an Unresolved Story, 2005 Estimate: 30’000 - 40’000 $ Sold: 217’000 $

L’ART AU LIBAN LEBANON ART L’art contemporain libanais et les 30 ans de guerre Je suis citoyen du monde. Je viens du pays berceau de l’Alphabet. J’appartiens à l’ère nucléaire et à la conquête de l’espace. Le Louvre ouvrira bientôt ses portes aux Emirats. La Sorbonne, première université créée au Xème siècle, érigera ses facultés mille ans plus tard dans les déserts du Golfe. Elle y répandra la magie de notre Alpha, Bêta, lettres tombées du ciel sur la côte Phénicienne, à Byblos, et permettra d’engendrer les livres et tout le mécanisme des ‘relations’ depuis qu’ « Europe », princesse de chez nous, enlevée par Zeus à Tyr, a conquis le continent auquel elle donnera son nom et a permis le siècle de Périclès ainsi que le miracle Grec. Je me souviens de mes longues courses dans l’espace du Grand Palais, les salons, les galeries, les musées, à Paris comme à Beyrouth, devant nos modestes cimaises… Je n’y trouvais aucune différence de culture ; toutes les écoles étaient présentes : du figuratif, au cubisme, à l’abstrait, au tachisme, à l’irréel… Le mouvement artistique en peinture est le même. Nos journaux et revues francophones ou anglophones, nos festivals joyeux à Baalbeck, Byblos, Beit-eddine… nous offrent des images et des scènes, des livres et des analyses critiques d’une tenue semblable à celles des meilleurs, produits à Paris, Londres ou New York. La planète est devenue un petit village de tribus voisines, où les échanges se font à la vitesse du temps. L’art a brisé toutes les frontières y compris celles des âmes ; la communication est généralisée. Seuls les noms changent. Au lieu de contempler un Rouault ou un Braque à Paris, on admire ici à Beyrouth un Onsi, un Gebran ou encore un autre. Au lieu d’écouter Paul Valéry là-bas, on écoute ici Saïd Akl, Charles Corm et d’autres… J’ai choisi pour le lecteur une quinzaine d’artistes qui ont laissé en moi une conviction et qui représentent une infime partie de la diversité de l’art au Liban.

Joseph Matar Peintre et poète

Andre Kalfayan - Window. Peinture à l’huile. Elie Kanaan. Peinture à l’huile. 120 x 120 cm. Antoine Berberi - La visite. Sculpture en bronze. 21 x 14 x 11 cm. Flavia codsi Fruit of the Womb. Peinture à l’huile. 120 x 80 cm.

I am a citizen of the world. I come from the birthplace of the Alphabet. I belong to the era of the nuclear bomb and the conquest of space. The Louvre will soon open its doors to the Emirates. The Sorbonne, the first university created in the 10th century, a thousand years later will set up its faculties in the deserts of the Persian Golf. It will spread the magic of our Alpha and Beta, the letters that fell from the heavens onto the Phoenician coast at Byblos, and will allow books to be created as well as the entire mechanism of ‘relations’ that have existed since “Europe,” our local princess, taken by Zeus to Tyr, conquered

Hrair - Oil. 100 x 100 cm. Joseph Matar House in Bkaakafra. Peinture à l’huile. 46 x 50 cm.

Hassan Jouni - Grand café. Peinture à l’huile. 100 x 80 cm.

Joseph Faloughi Lumiéres Musique. Peinture à l’huile. 100 x 150cm.

the continent that was named after her and lead to the Century of Pericles as well as the Greek miracle. I remember the many hours spent in the halls of the Grand Palais, the art exhibits, the galleries, the museums, both in Paris and Beirut, in front of our humble picture rails. I didn’t find any cultural difference; all the schools were present: figurative, cubism, abstract, tachsim, surreal… The artistic movement in painting is the same. Our French and English language newspapers and magazines, our joyful festivals in Baalbeck, Byblos, Beiteddine … provide us with images and scenes, books and critical analyses at a level equal to the best produced in Paris, London, or New York. The planet has become a small village of neighboring tribes where exchanges are made at the speed of light. Art has broken all the barriers, including that of souls; communication is generalized. Only the names change. Instead of contemplating a Rousault or a Braque in Paris, in Beirut people admire an Onsi, Gebran, or another painter. Instead of listening to Paul Valéry there, here people listen to Said Aki, Charles Corm, and others.

Jean Lahoud. Peinture à l’huile. 50 x 60 cm.

I have chosen for the readers some fifteen artists who have left me with a conviction of purpose and represent a tiny part of the diversity of Lebanese art.

Ich bin ein Weltenbürger. Ich komme aus dem Land, das die Wiege des Alphabets ist. Ich bin Teil des Nuklearzeitalters und der Eroberung des Weltraums. Bald wird der Louvre in den Vereinigten Arabischen Emiraten seine Türen öffnen. Die Sorbonne – die erste, im X. Jahrhundert gegründete Universität – errichtete ihre Fakultäten tausend Jahre später in den Wüsten am Golf. Dort verbreitet sie die Magie unseres Alphas und unseres Betas, der Buchstaben, die in Byblos an der phönizischen Küste vom Himmel fielen, und die Entstehung der Bücher und des gesamten „Beziehungsmechanismus“ ermöglichten seit „Europa“, die aus unserer Heimat stammende und von Zeus aus Tyrus entführte Prinzessin, den Kontinent, dem sie ihren Namen gab, eroberte und das Perikleische Zeitalter sowie das Griechische Wunder ermöglichte.

Ich erinnere mich an meine langen Ausflüge in die Räume des Grand Palais, die Salons, die Galerien, die Museen – in Paris wie auch in Beirut in unseren bescheidenen Ausstellungsräumen. Einen Unterschied zwischen den Kulturen konnte ich dort nicht entdecken. Alle Schulen waren vertreten – Figuration, Kubismus, Abstraktion, Tachismus, Irrealismus usw. Die künstlerische Entwicklung in der Malerei ist die gleiche. Unsere französisch- oder englischsprachigen Zeitungen und Zeitschriften, unsere fröhlichen Festivals in Baalbeck, Byblos, Beit-eddine und an anderen Orten bieten uns Bilder und Szenen, Bücher und kritische Analysen, die denjenigen der besseren, in Paris, London oder New York entstandenen ähneln. Die Welt ist zu einem kleinen Dorf mit verwandten Volksstämmen geworden, unter denen ein Austausch entsprechend der Schnelligkeit unserer Zeit erfolgt. Die Kunst hat alle Grenzen niedergerissen, auch die in den Köpfen; die Verständigung hat sich ausgeweitet. Nur die Namen ändern sich. Anstatt in Paris einen Rouault oder einen Braque zu betrachten, bewundert man hier in Beirut einen Onsi, einen Gebran oder noch jemand anderen. Anstatt dort Paul Valéry zu lauschen, hört man hier Saïd Akl, Charles Corm und andere. Ich habe für die Leser fünfzehn Künstler ausgewählt, die mich überzeugt haben, und die einen winzigen Teil der künstlerischen Vielfalt im Libanon repräsentieren. Sono cittadino del mondo. Provengo dal paese di origine dell’alfabeto. Appartengo all’era del nucleare e della conquista dello spazio. Presto il Louvre aprirà le sue porte agli Emirati Arabi. La Sorbona, celeberrima università nata nel X secolo, dopo mille anni costruirà le sue facoltà nei deserti del Golfo e vi diffonderà la magia delle nostre Alfa e Beta, lettere cadute dal cielo sulla costa fenicia, nella città di Biblo. Vi farà nascere i libri e tutto quel sistema di ‘relazioni’ esistente da quando «Europa», nostra principessa, cresciuta da Zeus nella città di Tiro, conquistò il continente cui diede il suo nome, rendendo possibile l’età di Pericle e il miracolo greco. Ricordo ancora le mie lunghe corse all’interno del Grande Palazzo, i saloni, le gallerie, i musei, a Parigi come a Beirut, davanti alle nostre modeste cimase… non vedevo alcuna differenza di cultura; erano presenti tutte le scuole: dallo stile figurativo, al cubismo, all’astrattismo, al tachismo, all’irrealismo… Le correnti artistiche in pittura sono le stesse. I nostri giornali e riviste francofoni o anglofoni, i nostri vivaci festival di Baalbek, Biblo, Beiteddine… presentano immagini e scene, libri e analisi critiche di una qualità paragonabile a quelle dei migliori giornali e festival di Parigi, Londra o New York. Il nostro pianeta è come un villaggio di tribù vicine, in cui gli scambi avvengono alla velocità del tempo. L’arte ha valicato ogni confine, compreso quello degli animi; la comunicazione è globale. Soltanto i nomi cambiano. Mentre a Parigi ammiriamo un Rouault o un Braque, qui a Beirut si contempla un Onsi, un Gebran o l’opera di qualche altro artista. Se in Francia si leggono le poesie di Paul Valéry, qui abbiamo quelle di Saïd Akl, Charles Corm e altri ancora… Ho scelto per i nostri lettori una quindicina di artisti che mi hanno particolarmente convinto e che rappresentano solo un’infinitesima parte della diversità artistica libanese.

Marie-Claude Kawak Tapis Floral. Peinture bas-relief sur bois.

Silwan Ibrahim Les Marionnettes planétaires. Peinture à l’huile. 160 x 120 cm

Naim Doumit - L´attente. Bronze. 25 cm

людскими душами, общение стало всеобщим. Меняются только имена. Вместо того, чтобы рассматривать Руо или Брака в Париже, здесь, в Бейруте, можно полюбоваться на Онси, Гебрана или другого художника. Вместо Поля Валери здесь можно послушать Саида Акля, Шарля Корма или кого-то еще... Я выбрал для читателя полтора десятка художников, которые кажутся мне наиболее убедительными, и которые представляют лишь небольшую часть художественного разнообразия Ливана.

Rememoro mis carreras sin fin por las estancias del Gran Palacio, los salones, las galerías, los museos… tanto en París como en Beirut, frente a nuestros modestos cimacios… No encontraba diferencias de cultura; todas las escuelas estaban presentes: desde la figurativa hasta el cubismo, la abstracción, el tachismo, lo irreal… El movimiento artístico en pintura es lo mismo. Nuestros periódicos y revistas francófonos o anglófonos, nuestros alegres festivales de Baalbeck, Biblos, Beiteddine… nos ofrecen imágenes y escenas, libros y análisis críticos con un rigor comparable al de los mejores, producidos en París, Londres o Nueva York. El planeta se ha convertido en una pequeña aldea de tribus vecinas en la que los intercambios se hacen a la velocidad del tiempo. El arte ha roto todas las fronteras, también las espirituales; la comunicación se ha globalizado. Tan sólo cambian los nombres. En lugar de contemplar un Rouault o un Braque en París, en Beirut admiramos un Onsi o un Gebran. En vez de escuchar allí a Paul Valéry, aquí resuenan Saïd Akl, Charles Corm y tantos otros. He elegido para los lectores una quincena de creadores que han hecho germinar en mí una convicción y que representan una parte ínfima de la diversidad artística de Líbano.

Yvette Achkar “Où le sommeil carnassier s’accouple à son horaire” 1996, oil on paper. 29 x 42 cm. Wajih Nahle. Peinture à l’huile. 145 x 103 cm.

Soy un ciudadano del mundo. Procedo del país que fue cuna del alfabeto. Pertenezco a la era nuclear y a la de la conquista del espacio. El Louvre abrirá pronto sus puertas en los Emiratos. La Sorbona, primera universidad creada en el siglo X, erigirá sus facultades mil años después en los desiertos del Golfo. Esparcirá por doquier la magia de nuestras alfa y beta, letras caídas del cielo sobre la costa fenicia, en Biblos, y permitirá engendrar los libros y todo el mecanismo de “relaciones” vigente desde que nuestra princesa Europa, raptada por Zeus en Tiro, conquistó el continente al que da nombre e hizo posible el siglo de Pericles y el milagro griego.

Я – гражданин мира. Я родом из страны, в которой зародился алфавит. Я живу в эпоху ядерной энергетики и покорения космоса. Лувр скоро откроет свои двери Объединенным Арабским эмиратам. Сорбонна, первый университет, созданный в X веке, тысячу лет спустя откроет свои факультеты в пустынях Персидского залива. Она распространит там магию наших альфа и бета – букв, упавших с неба на финикийский берег в Библосе, которые позволили создать книги и породили те отношения, благодаря которым «Европа», наша принцесса, похищенная Зевсом в Тире, завоевала континент, которому дала свое имя. Благодаря этому наступил век Перикла и греческое чудо. Я вспоминаю мои долгие прогулки по Гран-Пале, по салонам, музеям и галереям, в Париже и Бейруте, перед нашими скромными картинными галереями. Я не находил в них никакого различия культур: были представлены все школы, начиная от фигуративной и заканчивая кубизмом, абстракционизмом, ташизмом, ирреализмом... Так же и с художественным движением в живописи. Наши газеты и журналы, на французском или английском языках, наши веселые фестивали в Баалбеке, Библосе, Бейт-Эддине показывают нам сцены, книги и аналитические материалы, похожие на самые лучшие образцы из Парижа, Лондона или Нью-Йорка. Планета превратилась в маленький поселок соседствующих племен, где взаимообмен происходит с невероятной скоростью. Искусство разрушило границы, в том числе границы между

KLEIN & ROTRAUT L’exposition Yves Klein & Rotraut se présente comme une proposition d’exposition critique inédite de l’oeuvre d’Yves Klein (1928-1962) dans les salles du Museo d’Arte auxquelles se joignent dans les espaces plein air de la Ville, dans les places et les jardins, vingt-deux sculptures métalliques de Rotraut. L’exposition organisée par Bruno Corà et Daniel Moquay – réalisée en collaboration avec les Archives Yves Klein de Paris – a pour but de mettre au point l’oeuvre de Klein, un des protagonistes de l’art qui s’est affirmé dans les années soixante, ainsi que son association avec Rotraut, artiste dont la poétique et l’imagination fertiles lui sont proches et qui a été sa compagne dans la vie. L’aventure des deux artistes se poursuit pendant quelques années et suit un même parcours. Elle subit cependant un changement inattendu lors de la mort prématurée de Klein en 1962. L’oeuvre de Klein deviendra dès lors une référence mythique pour la génération européenne et internationale, tandis que celle de Rotraut se modifiera lentement en s’orientant vers une aptitude plastique tendant à symboliser, avec des formes de synthèse pure, des états d’âme aussi simples qu’universels. L’exposition de Klein est la première grande rétrospective qui lui est dédiée au Tessin. Elle offre une vision complète de l’oeuvre de ce grand représentant de la révolution esthétique qui a eu lieu à partir des années soixante, chef de file du Nouveau Réalisme, ainsi que précurseur de la monochromie du deuxième après-guerre. L’exposition tient compte de tous les cycles (Anthropométries, Peintures de feu, Reliefs planétaires, Monochromes, Cosmogonies, Sculptures éponges, Portraits reliefs) les plus importants de son oeuvre qui, comme un météore, a traversé la scène de l’art, l’espace de quelques années seulement. Yves Klein & Rotraut is a new critical exhibition covering the work of Yves Klein (1928-1962), taking place in the halls of the Museo d’Arte, alongside twenty-two metallic sculptures by Rotraut distributed throughout the city in squares and parks. The exhibition, curated by Bruno Corà and Daniel Moquay and organized in collaboration with the Archives Yves Klein in Paris, focuses on the work of Klein, established as one of the leading artists of the Sixties, and his partnership with Rotraut, an artist close to him in terms of both poetics and imagery as well as being his wife. The adventure of the two artists had continued along parallel paths for a period, but was suddenly interrupted in 1962 when Klein prematurely passed away: while Klein’s work would become a mythical reference for the European and international generation, Rotraut’s work instead slowly changed towards a plastic attitude representing, through forms of pure synthesis, simple and at the same time universal states of mind. The Klein retrospective is the first great anthology dedicated to him in Ticino, and offers a complete vision of the work of this great representative of the aesthetic revolution which took place from the Sixties onwards, one of the principal members of New Realism, as well as harbinger of post-war monochromatism. The exhibition considers all the most important cycles (Anthropométries, Peintures de feu, Reliefs planétaires, Monochromes, Cosmogonies, Sculptures éponges, Portraits reliefs) of his work which, meteor-like, crossed the art scene for just a few, short years.

prof. Bruno Corà, direttore del Museo d’Arte e coordinatore del Polo Culturale della Città di Lugano.

Yves Klein ANT 8, Anthropométrie sans titre, 1960 ca. pigmento puro e resina sintetica su carta bruciata. 102 x 73 cm © Yves Klein, ADAGP, Paris Yves Klein ANT 148, Anthropométrie sans titre, 1960 pigmento puro e resina sintetica su carta. 104 x 68 cm © Yves Klein, ADAGP, Paris

Yves Klein Un homme dans l’espace! Le peintre de l’espace se jette dans le vide! 1960 azione artistica di Yves Klein, fotomontaggio di Harry Shunk e John Kender © Yves Klein, ADAGP, Paris / © Harry Shunk e John Kender

Rotraut Uecker La Gitane 1997 alluminio dipinto 300 x 217 x 36 cm © Rotraut, ADAGP, Paris Yves Klein PR 1, Portrait relief d’Arman, 1962 pigmento puro e resina sintetica su bronzo montato su pannello ricoperto di foglia d’oro. 176 x 94 x 26 cm © Yves Klein, ADAGP, Paris Yves Klein RP 7, Globe terrestre bleu, 1957 pigmento puro e resina sintetica su gesso. 36 x 21,5 x 19,5 cm © Yves Klein, ADAGP, Paris

Yves Klein S 9, «Victoire de Samothrace» pigmento puro e resina sintetica su gesso, 1962 52 x 24,5 x 24 cm © Yves Klein, ADAGP, Paris

Rotraut Uecker Skywatcher alluminio dipinto 376 x 271 x 50 cm 2002 © Rotraut, ADAGP, Paris

Yves Klein & Rotraut ist eine neue, kritische Präsentation des Werkes von Yves Klein (19281962) in den Räumen des Museo d’Arte; dazu gesellen sich in den offenen Räumen der Stadt, auf Plätzen und in den Parks, 22 Metallskulpturen von Rotraut. Die Ausstellung wurde von Bruno Corà und Daniel Moquay in Zusammenarbeit mit den Pariser Archives Yves Klein organisiert und will das Werk von Klein veranschaulichen, einem der Protagonisten der Kunst der sechziger Jahre, und darüber hinaus die Beziehung zu Rotraut, der ihm aufgrund poetischer und bildschöpferischer Übereinstimmung nahe stehenden Künstlerin, und später Gattin. Der Weg der beiden nimmt für einige Jahre die gleiche Richtung, erfährt allerdings 1962, mit dem viel zu frühen Tod von Yves Klein, einen abrupten Wandel: das Werk Kleins wird von nun an für die europäische und internationale Generation zu einem mythischen Bezugspunkt, während sich das Werk von Rotraut langsam ändert, zum Plastischen hin wendet, und mit synthetischen Formen ebenso einfache wie universale Seelenzustände verkörpert. Die Retrospektive von Klein ist die erste große, ihm gewidmete Anthologie im Tessin und zeigt eine vollständige Ansicht des Werkes dieses großen Vertreters der ästhetischen Revolution, die sich seit den 60er Jahren herausgebildet hat. Klein war einer der Hauptvertreter des Nouveau Réalisme und in der Zeit nach dem zweiten Weltkrieg ein Wegbereiter des Monochromatismus. Die Ausstellung beschäftigt sich mit den wichtigsten Phasen (Anthropométries, Peintures de feu, Reliefs planétaires, Monochromes, Cosmogonies, Sculptures éponges, Portraits reliefs) seines Schaffens, das während weniger Jahre wie ein Meteor die Kunstszene durchquerte. La mostra Yves Klein & Rotraut si presenta come un’inedita proposta espositiva critica dell’opera di Yves Klein (1928-1962) nelle sale del Museo d’Arte a cui sono affiancate nello spazio aperto della Città, in piazze e giardini, 22 sculture metalliche di Rotraut. L’esposizione a cura di Bruno Corà e Daniel Moquay – realizzata in collaborazione con gli Archives Yves Klein di Parigi – ha l’obiettivo di mettere a fuoco l’opera di Klein, uno dei protagonisti dell’arte affermatosi negli anni sessanta, e il sodalizio con Rotraut, artista a lui vicina per poetica e condivisione immaginifica oltre che sua consorte. L’avventura dei due artisti procede per alcuni anni su uno stesso percorso, subendo un improviso mutamento alla scomparsa prematura di Klein nel 1962: se l’opera di Klein diverrà da allora in poi un riferimento mitico per la generazione europea e internazionale, quella di Rotraut si modifica lentamente orientandosi verso un’ attitudine plastica volta a raffigurare, con forme di pura sintesi, stati d’animo semplici quanto universali. La mostra retrospettiva di Klein è la prima grande antologica a lui dedicata in Ticino e offre una visione completa dell’opera di questo grande esponente della rivoluzione estetica determinatasi dagli anni sessanta in poi, membro capofila del Nouveau Réalisme, nonché antesignano del monocromatismo del secondo dopoguerra. L’esposizione tiene conto di tutti i cicli (Anthropométries, Peintures de feu, Reliefs planétaires, Monochromes, Cosmogonies, Sculptures éponges, Portraits reliefs) più importanti della sua opera che, come una meteora, ha attraversato la scena dell’arte per pochissimi anni solamente.

Yves Klein «Giboulée de mars…»(COS 39) 1960 pigmento puro e legante su carta riportata su cartone. 50 x 65 cm © Yves Klein, ADAGP, Paris Yves Klein Peinture feu couleur sans titre (FC 9), 1962 ca. pigmento puro e resina sintetica bruciati su cartone. 73 x 54 cm © Yves Klein, ADAGP, Paris

Rotraut Uecker Cro Magnon Plaza, 2005 allumino dipinto su base in metallo. 365 x 365 cm © Rotraut, ADAGP, Paris

Yves Klein Sculpture éponge bleue sans titre (SE 89), 1960 ca. pigmento puro e resina sintetica, spugna naturale su base in pietra. 42 x 20 x 10 cm © Yves Klein, ADAGP, Paris

Огненная живопись, Планетные рельефы, Монохромия, Космогония, Скульптуры из губки, Рельефные портреты). Как метеор, Кляйн пронесся по сцене искусства, успев сделать это всего за несколько лет.

Yves Klein Monochrome bleu sans titre (IKB 22), 1957 ca. pigmento puro e resina sintetica su carta. 23,5 x 18 cm © Yves Klein, ADAGP, Paris

La exposición Yves Klein & Rotraut se presenta en las salas del Museo de Arte como una muestra crítica inédita de la obra de Yves Klein (1928-1962), a la que se unen, en espacios urbanos abiertos como plazas y jardines, veintidós esculturas metálicas de Rotraut. Organizada por Bruno Corà y por Daniel Moquay –en colaboración con los Archivos Yves Klein de París–, la exposición tiene como propósito revisar la obra de Klein, uno de los protagonistas del arte que se consolidó en los años sesenta, así como su colaboración con Rotraut, artista cuyo sentido poético y fértil imaginación le resultaban muy cercanos y que no en vano fue su compañero. La aventura de los dos artistas continuó durante algunos años y siguió un mismo camino. No obstante, sufre un cambio inesperado tras la prematura muerte de Klein en 1962. Su obra se convierte desde ese momento en una referencia mítica para toda una generación europea e internacional; mientras que la de Rotraut experimentará una lenta modificación, orientándose hacia una aptitud plástica tendente a simbolizar, con formas de síntesis pura, los estados de ánimo más íntimos y los más universales. La exposición de Klein es la primera gran retrospectiva que se le dedica en el Ticino. En ella se ofrece una visión completa de la obra de este magno representante de la revolución estética que tuvo lugar a partir de los años sesenta, jefe de filas del Nuevo Realismo y precursor de la monocromía de la segunda posguerra. La muestra abarca los ciclos (Antropometrías, Pinturas de fuego, Relieves planetarios, Monocromos, Cosmogonías, Esculturas esponjosas, Retratos en relieve) más importantes de una obra que, como un meteoro, cruzó la escena artística sólo durante unos pocos años.

Выставка Ив Кляйн и Ротро презентуется, как новая критическая экспозиция творчества Ива Кляйна (1928-1962) в залах Museo d’Arte. К нему будут добавлены двадцать две металлические скульптуры Ротро, размещенные на городских площадях и в садах под открытым небом. Экспозицию организовали Бруно Кара и Даниэль Могуэй совместно с парижскими архивами Ива Кляйна. Ее цель – продемонстрировать творчество Кляйна, одного из главных деятелей искусства, который проявил себя в шестидесятых годах в компании Ротро, художника, поэтика и богатое воображение которого ему были близки и который был его спутником в жизни. Приключения двух художников продолжались в течение нескольких лет. Они следовали одним путем. Однако неожиданно все изменилось после преждевременной смерти Кляйна в 1962 году. С тех пор творчество Кляйна стало легендой для европейской и мировой публики. А творчество Ротро медленно изменялось в сторону пластики, стремящейся к символизму, с формами чистого синтеза и состояниями души, столь же простыми, сколь и универсальными. Выставка Кляйна – первая большая ретроспектива, посвященная ему в Тичино. Она демонстрирует полную картину творчества этого великого представителя эстетической революции, развернувшейся в шестидесятые годы, лидера движения Нового реализма, а также предшественника монохромной живописи послевоенного периода. В экспозиции представлены самые важные циклы его творчества (Антропометрия,

Jérôme RUDIN Rudin, Noir Désir Témoin ou acteur des grands drames cosmiques et des grandes farces de la comédie humaine, le goudron, à l’instar du silex et de l’ordinateur, archive la mémoire collective. Le temps s’y envase, la vie s’y embourbe dans un noir désir. C’est précisément cette substance épaisse et visqueuse que le peintre Jérôme Rudin s’est approprié pour la confection de certains de ses tableaux. Déposé sur la toile en longues bandes éraflées par les dents d’un grattoir ou d’un râteau, le goudron délimite sans transition des frontières abruptes, enlise tout ce qui a été peint ou collé précédemment dans un silence fossile. Matières plastiques, papier peint, tissus et brou de noix, tous figés dans la glu noire, n’abdiquent pas pour autant et affleurent à la surface comme les stigmates de la vie sourdent à l’entour des paupières ou des lèvres. La toile acquiert un relief que la capture de la lumière accentue et magnifie. En enlisant la manière noire, Jérôme Rudin s’est assombri, assagi, agrandi. Il enterre sa vie de garçon dans les strates de sa peinture, sans la renier pour autant. Car les mains sales, plongées dans la veuve noire, perpétuent son goût jamais démenti pour les matières et les mélanges alchimistes. Seulement, l’artiste passe à autre chose et cette gravité du moment requiert de l’ombre. Rudin broie du noir avec un ineffable plaisir et apprivoise lentement ce matériau d’apparence inhospitalière et dérangeante qui n’en renferme pas moins des propriétés plastiques extraordinaires. Il faut apprendre à regarder la peinture de Jérôme Rudin et s’y noyer.

Christophe Flubacher Historien d’art

Jérôme Rudin ebcb1110@yahoo.fr

Six Vases au journal, 2004. 120 x 100 cm, huile sur toile. Deux Vases au figuier, 2008. 60 x 90 cm, huile sur toile. Empreintes, 2008. 220 x 80 cm, goudron sur toile.

Empreintes aux quatre figuiers, 2008. 130 x 50 cm, huile sur toile.

Rustin, black desire As a witness or actor in the great dramas or farces of the human comedy, tar, like a flint or a computer, holds the collective memory. Time gets bottled up and life becomes bogged in the black desire. It is exactly this thick and viscous substance that the painter Jérôme Rudin has made his own for the production of some of his paintings. Placed on the canvas in long strips and scraped by the teeth of a scraper or rake, the tar divides abrupt borders without the transition, holding down everything that was painted or attached previously in a fossil silence. Plastic materials, painted paper, material, and walnut stain, all blotted up in the black glue, do not nevertheless give up and instead rise to the surface like stigmas of life bursting up around the eyelids and lips. The canvas acquires the effect of depth, accented and magnified by light. In sticking the black material, Jérôme Rudin makes himself somber, wiser, and grander. He buries his youth in the layers of his painting, without disowning it at the same time. His dirty hands, plunged in the black widow, perpetuate his love, never denied, for the alchemist’s materials and potions. Only this time, the artist goes on to another matter. This moment’s gravity entreats the shadow. Rudin broods with an unspeakable pleasure and slowly makes his own this visually inhospitable and vexing material, which nonetheless possesses extraordinary plastic properties. You have to learn to how to look at the painting of Jérôme Rudin and immerse yourself in it. Rudin, Noir Désir – Dunkles Verlangen

Vase aux fleurs, 2008. 120 x 100 cm, huile sur toile. Tabatière à la fenêtre, 2008. 100 x 100 cm, huile sur toile.

Teer ist Zeuge grosser kosmischer Dramen und grosser Possen auf der Bühne der Menschheit, wie auch der Feuerstein und der Computer ein Archiv des kollektiven Gedächtnisses sind. Die Zeit versinkt dort im Schlamm, das Leben bleibt dort in einem dunklen Verlangen stecken. Genau dieser dichten, dickflüssigen Substanz hat sich der Maler Jérôme Rudin bei der Anfertigung einiger seiner Bilder bemächtigt. Der auf die Leinwand in langen, von den Zähnen eines Schabers oder eines Rechens zerkratzten Streifen aufgetragene Teer zeichnet übergangslos abrupte Grenzen und lähmt alles, was zuvor gemalt oder geklebt wurde, in einer fossilen Ruhe. Formbare Materialien, bemaltes Papier, Stoffe und Nussschalen – alles ist in dem schwarzen Klebstoff erstarrt, ohne jedoch zu kapitulieren, und kommt an der Oberfläche zum Vorschein wie die Zeichen des Lebens rund um Augen und Lippen hervortreten. Das Bild erhält ein Relief, das durch eingefangenes Licht betont und verschönert wird. Durch die Versenkung in den schwarzen Stoff, ist Jérôme Rudin dunkler, ruhiger und erwachsener geworden. Er begräbt das Jungenhafte in den Schichten seiner Gemälde, ohne es deswegen zu verleugnen. Die schmutzigen, in die schwarze Witwe getauchten Hände, sind eine Fortsetzung seines niemals dementierten Gefallens an Materialien und alchimistischen Mischungen. Nur geht der Künstler zu etwas anderem über und der Ernst dieses Augenblicks erfordert Schatten. Rudin zermahlt das Schwarz mit einem unsäglichen Vergnügen und zähmt dieses scheinbar unwirtliche und störende Material, das nicht weniger ausserordentliche plastische Eigenschaften birgt. Man muss lernen, die Malkunst von Jérôme Rudin zu betrachten und sich in sie zu versenken. Rudin, desiderio nero Testimone o attore di intensi drammi cosmici e delle grandi farse della commedia umana, è il catrame, anziché la selce o il computer, a costituire l’archivio della memoria collettiva. Il tempo vi rimane ingolfato, la vita impantanata in un desiderio nero. Il pittore Jérôme Rudin ha scelto proprio questo materiale denso e vischioso per creare alcuni suoi quadri. Applicato sulla tela in lunghe strisce graffiate con i denti di un raschietto o di un rastrello, il

catrame delimita i confini bruscamente e senza transizione, avvolgendo in un silenzio fossile qualunque elemento dipinto o incollato in precedenza. Materie plastiche, carta da parati, tessuto e mallo di noce, tutto sprofonda in quella pania nera, senza però arrendersi, affiorando in superficie come le stimmati della vita che compaiono attorno alle palpebre o alle labbra. La tela acquisisce un effetto rilievo che si accentua ed esalta se colpito dalla luce. Invischiato in quella corrente nera, Jérôme Rudin si incupisce, ammansisce, perfeziona. Seppellisce gli anni giovanili tra gli strati di pittura, senza tuttavia rinnegarli, poiché le mani sporche, affondate nella vedova nera, perpetuano il suo interesse mai smentito per la materia e le fusioni alchimistiche. L’artista decide però di passare ad altro e la gravità del momento richiede l’ombra. Rudin brancola nell’ombra con piacere ineffabile e lentamente addomestica quella materia a prima vista inospitale e inquietante che, tuttavia, racchiude in sé proprietà plastiche straordinarie. È necessario imparare a leggere la pittura di Jérôme Rudin, tuffandosi nei suoi quadri. Rudin, oscuro deseo Testigo o protagonista de los grandes dramas cósmicos y de las grandes farsas de la comedia humana, el alquitrán, a semejanza del sílex y del ordenador, archiva la memoria colectiva. El tiempo se enfanga, la vida queda atrapada en una ciénaga de oscuro deseo. Es precisamente esta sustancia espesa y viscosa la que el pintor Jérôme Rudin ha hecho suya para la confección de sus cuadros. Presentada sobre el lienzo en largas bandas arañadas por los dientes de un rascador o de una horqueta, la pez delimita sin transición fronteras abruptas, paraliza en un silencio fósil todo lo que se pintó o se pegó con anterioridad. Materiales plásticos, papel pintado, tejidos y cáscara de nuez, todos ellos atrapados en la brea, sin embargo no claudican y afloran a la superficie como los estigmas de la vida brotan alrededor de los párpados o de los labios. El lienzo adquiere un relieve acentuado y magnificado por la captura de la luz. Al hundirse en ese estilo negro, Jérôme Rudin se ha oscurecido, sosegado y agrandado. Entierra su existencia infantil en los estratos de su pintura, no obstante sin renegar de ella. Sus manos sucias, bañadas por la viuda negra, perpetúan su gusto jamás desmentido por los materiales y las mezclas alquímicos. Solamente, el artista pasa a otra cosa y esta gravedad del momento necesita una sombra. Rudin lo ve todo negro con un placer inefable y domestica lentamente ese material de apariencia lúgubre y perturbadora que no deja de encerrar propiedades plásticas extraordinarias. Es preciso aprender a contemplar la pintura de Jérôme Rudin y sumergirse en ella. Черная страсть Жерома Рюдена Смола – свидетельница и участница великих космических драм и высших сил человеческой комедии. Она хранит коллективную память, так же как кварц или компьютер. В ней сгущается время, жизнь погружается в пучину черных страстей. Именно это густое и вязкое вещество художник Жером Рюден использует в некоторых своих картинах. Положенная на полотно длинными полосками, расчерченная зубцами скребка или граблей, смола устанавливает пределы, не переходя строгих границ, вбирает в себя все, что было нарисовано или наклеено прежде, в тиши времен. Пластмасса, обои, ткань и ореховая скорлупа – все скреплено черной смолой, но не теряется в ней, а проявляется, как морщины от тяжелой жизни вокруг век или губ. Полотно приобретает рельеф, который усиливается и акцентируется от игры света. Погрузившись в работу с черным материалом,

Vase aux lauriers, 2008. 90 x 60 cm, huile sur toile. Grottes de Lascaux, 2008. 80 x 175 cm, goudron sur toile. Empreintes aux quatre ronds no 1, 2008. 50 x 130 cm, goudron sur toile.

Жером Рюден стал возвышеннее, степеннее, сумрачнее. Не отвергая свою жизнь, он хоронит ее в пластах своих красок. Его испачканные руки, погруженные в черное вещество, увековечивают его вкус, который ни разу не подвели его материалы и алхимические смеси. Художник переходит к другому творению, и важность момента становится призрачной. Рюден обрабатывает черноту с невыразимым удовольствием. Он медленно приручает этот внешне такой неудобный и беспокойный материал, который, тем не менее, не теряет от этого своих необыкновенных пластических качеств. Нужно учиться смотреть на картины Жерома Рюдена, нужно тонуть в них.

Empreintes aux quatre ronds no 2, 2008. 50 x 130 cm, goudron sur toile. Printemps, 2009. 120 x 100 cm, huile sur toile.

Deux vases à la fenêtre, 2000. 100 x 100 cm, huile sur toile. Trois vases au journal no 2, 2004. 120 x 100 cm, huile sur toile.

Des Artistes au Service de la Paix Artists in the Service of Peace Des artistes au service de la Paix Onze artistes ont répondu par un grand OUI à l’initiative de Byblos, mettant leur énergie créatrice au service de la paix. Ils ont choisi de travailler l’un des deux thèmes proposés: « L’art, sauvera-t-il le monde ? » ou « La soif dans le monde ». Les pages suivantes sont consacrées à sept d’entre eux. Quatre autres artistes rejoindront l’exposition collective, avec six tableaux supplémentaires. L’exposition aura lieu à l’ONU et en ville. Elle culminera par une vente aux enchères, dont 40% des recettes iront résoudre un problème de soif, à Madagascar, à travers les services de l’organisation humanitaire suisse, MEDAIR SA. Vous pouvez d’ores et déjà commencer par miser sur votre tableau préféré : LeByblos@bluewin.ch. A travers ce genre d’expositions, nous espérons sensibiliser l’opinion publique aux problèmes majeurs de notre monde, source potentielle de conflits menaçant la paix universelle. En acquérant une de ces belles œuvres, vous l’investissez d’un sens supplémentaire : l’art au service de la Paix. La proposition thématique annuelle de Byblos est ouverte à tous les artistes qui le désirent. Thèmes pour 2010 : La faim dans le monde & Dialogue ou confrontation de civilisations ? Thèmes pour 2011 : Réfugiés économiques et réfugiés politiques & L’autre, une menace ou une richesse ? Artists in the service of peace Eleven artists have responded with a resonating YES to the Byblos initiative, choosing to apply their creative energy to the service of peace. They have chosen to tackle one of the two proposed themes: Art, will it save the world? or Thirst in the world. The following pages are dedicated to the seven of these artists. Four other artists will take part in the collective exhibition with six additional paintings. The exhibition will take place at the UN and in the city. It will culminate in an auction, from which 40% of the revenues will go to solve the problem of lack of drinking water in Madagascar through the Swiss humanitarian organization MEDAIR, SA. You can already start putting your stake on your favorite painting. LeByblos@bluewin.ch. Through this type of exhibition, we hope to increase public awareness of the major problems of our world, a potential source of conflict threatening universal peace. In acquiring one of these beautiful works, you give it an additional significance: art in the service of peace. Byblos’s annual thematic proposal is open to any artist who desires to participate in it. Themes for 2010: Hunger in the world & Dialogue or confrontation of civilizations? Themes for 2011: Economic and political refugees & Different – threatening or enriching? Künstler für den Frieden Elf Künstler haben der Initiative von Byblos ihre Unterstützung zugesagt und werden ihre künstlerische Energie in den Dienst des Friedens stellen. Sie haben sich zur Beschäftigung mit einem der beiden vorgeschlagenen Themen „Wird die Kunst die Welt retten?“ oder „Der Durst in der Welt“ entschieden. Die folgenden Seiten sind sieben dieser Künstler gewidmet. Vier weitere Künstler werden mit sechs zusätzlichen Gemälden an der Gemeinschaftsausstellung teilnehmen. Die Ausstellung wird bei der UNO und in der Stadt zu sehen sein. Ihr Höhepunkt wird eine Auktion werden, deren Erlöse zu 40 % der Bekämpfung eines Wassermangel-Problems in Madagaskar zugutekommen werden, um das sich die Schweizer Hilfsorganisation MEDAIR SA kümmert. Bereits jetzt können Sie unter folgender E-Mail-Adresse für Ihr Lieblingsbild bieten: LeByblos@bluewin.ch. Wir hoffen, die Öffentlichkeit durch diese Art Ausstellung für die drängenden Probleme unserer Welt sensibilisieren zu können, die eine potenzielle Quelle für die Bedrohung des Weltfriedens darstellen. Durch den Kauf eines dieser wundervollen Werke investieren Sie im doppelten Sinn: Kunst für den Frieden. Der jährliche Themenvorschlag von Byblos steht allen interessierten Künstlern offen. Themen für 2010: Der Hunger in der Welt & Dialog oder Konfrontation der Kulturen?

Themen für 2011: Wirtschaftsflüchtlinge und politische Flüchtlinge & Andersartigkeit – eine Bedrohung oder eine Bereicherung? Artisti al servizio della pace Undici artisti hanno accolto l’iniziativa di Byblos con un grande SÌ, mettendo la propria energia creativa al servizio della pace. Hanno scelto di elaborare uno dei due temi proposti: L’arte salverà il mondo?/La sete nel mondo. Le pagine seguenti sono dedicate a sette di questi artisti. Gli altri quattro parteciperanno alla mostra collettiva, con sei quadri aggiuntivi. La mostra avrà luogo presso la sede dell’ONU e nel centro città. L’evento culminerà con una vendita all’asta, di cui il 40% dei ricavati andrà a risolvere in piccola parte il problema della sete in Madagascar, attraverso i servizi dell’organizzazione umanitaria svizzera MEDAIR SA. Chiunque fosse interessato, potrà fin da ora lanciare un’offerta per il quadro preferito scrivendo a: LeByblos@bluewin.ch. Tramite esposizioni come questa, speriamo di riuscire a sensibilizzare l’opinione pubblica sui maggiori problemi della nostra terra, potenziale fonte di conflitti che minaccia la pace universale. Acquistando una delle belle opere in mostra, la investirete di un ulteriore significato: l’arte al servizio della Pace. La proposta tematica annuale di Byblos è aperta a tutti gli artisti che desiderino partecipare. Temi per il 2010: La fame nel mondo & dialogo o confronto tra civiltà? Temi per il 2011: Rifugiati economici e rifugiati politici & l’altro, una minaccia o una ricchezza? Artistas al servicio de la paz Once artistas han respondido con un gran SÍ a la iniciativa de Byblos y han puesto su energía creadora al servicio de la paz. Para inspirar sus obras, se les dio a escoger entre dos temas: «¿Salvará el arte al mundo?» o «La sed en el mundo». Las páginas siguientes están dedicadas a siete de estos creadores. Otros cuatro se les unirán con seis cuadros adicionales en una exposición colectiva que tendrá lugar en la sede de la ONU y en nuestra ciudad. La muestra culminará con una subasta en la que el 40% de las pujas ganadoras se destinará a dar solución a un problema relacionado con la sed en Madagascar a través de la organización humanitaria suiza MEDAIR SA. Ya pueden pujar por su lienzo preferido en: LeByblos@bluewin.ch. Por medio de este tipo de exposiciones, esperamos sensibilizar a la opinión pública acerca los grandes problemas de nuestro mundo, fuente potencial de conflictos que amenazan la paz universal. Quienes adquieran una de estas hermosas obras estarán haciendo una inversión doble: en arte al servicio de la paz. La propuesta temática anual de Byblos está abierta a cualquier artista que desee participar. Temas para 2010: «El hambre en el mundo» y «¿Diálogo o lucha de civilizaciones?». Temas para 2011: «Refugiados económicos y refugiados políticos» y «El otro: ¿me amenaza o me enriquece?». Художники в борьбе за мир Одиннадцать художников с готовностью ответили «Да!» на инициативу Библоса. Они готовы вложить свою созидательную энергию в дело защиты мира. Выбор, который они сделали, касался работы над одной из следующих тем: «Спасет ли искусство мир?» и «Жажда в мире». Следующие страницы посвящены семерым из них. Четыре оставшихся художника присоединятся к коллективной выставке с шестью дополнительными полотнами. Выставка состоится в ООН, и в городе. Она окончится аукционом, 40 % доходов от которого пойдут на решение проблемы нехватки воды на Мадагаскаре в рамках акции швейцарской гуманитарной организации Медэр. Вы уже можете начинать делать ставки на понравившуюся вам картину. Наш адрес LeByblos@bluewin.ch. С помощью этой выставки мы хотим привлечь общественное мнение к крупнейшим мировым проблемам, которые являются потенциальным

источником конфликтов, угрожающих миру во всем мире. Приобретая одно из этих прекрасных произведений, вы вкладываете средства в программу «искусство в борьбе за мир». Ежегодное тематическое предложение Библоса предназначено для всех художников, которые этого пожелают. Темы на 2010 год: «Голод в мире» и «Цивилизации: диалог или конфронтация?» Темы на 2011 год: «Экономические и политические беженцы» и «Другой человек – враг или друг?»

Joseph Yammouni Editor

Peter CERUTTI 33

Peter Cerutti petercerutti@bluewin.ch

CER-1 Molecules 6 140 x 100 cm CER-2 Nature Vivante 92 x 73 cm CER-3 Couples (esquisse) 73 x 54 cm CER-4 Dessin animé 1 100 x 120 cm CER-5 Couples 7 160 x 110 cm CER-6 Narziss und Goldmund 140 x 100 cm

We agree with Nietzsche when he says “Ohne Kunst wäre das Leben ganz schön leblos.” But the interest in the Arts and the capacity to appreciate its multiple manifestations require education. Contemporary art often attempts to circumvent this need for sensitization and instruction and has become political and commercial show-business. It has lost its esotheric mission of “L’Art pour l’Art”. We are constantly assailed by an ocean of visual impressions by the daily press, publicity and television and works of art remain unnoticed if they are not using the same language and the same means of promotion. Should we condemn the artist when he plays by the same rules ? But let us not yield to temptation - there is a light at the end of the tunnel !

Douglas GRENVILLE 34 I paint ecosystems, my impressions of environments that most of us know. I paint them, not only because they are beautiful, but because we cannot live without them. No one ecosystem can exist alone, they, and we, are all interconnected. Art cannot save our planet. It can only attempt to show what is ultimately important in life. My four paintings represent the earth, sea and our future generations. We all know that we have not been good caretakers of the earthâ&#x20AC;&#x2122;s ecosystems. Now it is urgent that we take much better care, for those who will be conceived and born into our future.

Douglas Grenville, www.douglasgrenville.com

GR-1 Un monde incertain.

GR-2 Gestation. GR-3 Naissance.

GR-4 Mer en pĂŠril.

HAFIS 35

Hafis Bertschinger hafis@sunrise.ch

HAF-1 Arte Pax, 2003, oil pastel + acrylic on Paper, 29.7 x 21 cm HAF-2 Arte Pax, 2001, acrylic on pavatex, 83.5 x 41.8 cm

All photos : Hassan Jradi

HAF-4 Open passage, 2003, acrylic on pavatex, 69.8 x 51 cm HAF-3 Rain clouds, 2003, acrylic on pavatex, 80 x 43.5 cm

Arte Pax Arte for freedom art as connector and international binder origin of creation â&#x20AC;&#x201C; creator pact, as brother and sister reminder. Art as world of heritage source and inspiration. In and through Art we recognise each other as mirrored in poetry, music in all of the visual arts, in architecture, engineering, mathematics, science, in medicine, philosophy and religions etc. In Art we meet once more â&#x20AC;&#x201C; never to let go again.

K-soul Holokinetism - From the Greek Holos: Whole, All, Unity; and Kinema: movement.

36 The Holokinetism abolishes technoelectronic slavery. Contemporary people are face to face with the abyss. The modern version of the voyage of Dante and Virgil is rising on the horizon. The infernal spiral of mechanical forces absorbs the magma of human Essence and attracts it imperceptibly to the world of worms. The spell of this clicking emanating from this chaos renders Man a consumer of technological excrement. The poetic force of holokinetic artworks transforms this techno-terrestrial racket into a soft docile silence. Like a loyal servant, this poeticized technique reveals bright maps of the infinite horizons to those who have remained in port. The purpose of the Holokinetic Cosmic Garden Laboratory is the synthesis of science and art for the creation of High-Tech futuristic works. The Warmth of the Verb - Light and Darkness - Movement of life - Salt of a person - Upheaval of the world - The integrated Universe - The holocinematic work - The poetry of color - The spirit of the Earth

K-soul www.jardincosmique.com

KSO-1 Jardin Cosmique MIR Holokinetic Light Jewel

KSO-2 Jardin Cosmique Holokinetic Light Painting 1

KSO-3 Jardin Cosmique Holokinetic Light Painting 2

KSO-4 Jardin Cosmique AQUALITH Holokinetic Light Sculpture

MANIKA 37 Manika Falquet-Maison Plasticienne, surréaliste, symboliste The eye looks over a surrealistic world and observes symbols with a perspective that leads to the infinite. One can find there a graphics influence resulting from her training at the Ecole Superieure d’Arts Graphiques in Paris after having studied at the private workshop (or studio) of Met de Penninghen and Jacques d’Andon. The French/Swiss artist, with her passion for the desire to create, invites you to daydream or, even yet, transports you the deepest realm of philosophical reflection.

Falquet-Maison manika_falquetmaison@yahoo.fr

Technique: huile sur toile MAN-1 - L’éclosion de l’art : 46 x 65 cm

MAN-3 - Vision de l’art : 60 x 60 cm MAN-2 - L’arbre de l’art de la vie : 60 x 60 cm

Marianne GB 38 A self-taught artist, I have always loved to create… Watercolors, oil paint, egg tempera …, each is a means; each is an excuse to create. The medium becomes a privileged accomplice by, as a matter of its nature, leaving a colored, vibrating mark. Meditation on shadow and light, depth and transparence, figure and movement, I try to capture the time that is flowing at the moment. Passion, curiosity, and marvel are the paths that lead me to silence. While creating, I discover a reflection of my own essence within life. The world is thirsty…!! Could Art change the world...? As part of the process of considering a great artist, both themes are fused into orgonite, a mixture of metal, resin, and crystal, with highly environmentally friendly qualities… Together with love, Art, a beautiful and subtle Energy, serves as a free bond that renders the material sacred. I explore that which constantly occupies me, just to witness.

Marianne GB www.mariannegb.ch

MAR-1 Au sein de l’Univers Verre et orgonite – 20x20 cm MAR-2 MJ entre ciel et terre huile sur toile – 90x70 cm MAR-3 Gaïa Verre et orgonite – 28x28x13cm MAR-4 Le monde à soif Verre et orgonite – 13x9cm

Laurent RIMA 39 While living through music for thirty years, Laurent Rima has always kept painting in his mind. As a teenager, he was attracted by abstract art and read the writings of Kandinsky, Klee, and Mondrian. Later, he discovered Jackson Pollock. It was a shock! The man danced around his canvases, without limits, creating rhythm through movement, in other words, instinct rediscovered in a sort of celebration and ritual. It was an explosion of energy! Today, Laurent Rima has made painting his first priority and is thoroughly dedicated to it.

Laurent Gianini Rima www.laurent-rima.ch

RIM-1 Lâ&#x20AC;&#x2122;eau source de vie. RIM-2 La vie se ressource. RIM-3 La vie sans ressource.

PAMELA ROSENKRANZ Pamela Rosenkranz interroge ce qu’est l’art en soi et per se, tout autant que la manière dont il se comporte dans son présent par rapport à l’histoire. Le spectateur se trouve souvent confronté à des expériences irritantes du fait que les œuvres ont pour principal but d’étudier les règles de la perception du temps subjectif. Les travaux tournent autour du motif d’un centre vide. Formellement, ils sont marqués par une composition stricte qui s’articule en répétitions, doublons, effets de plis, reflets de miroirs et rotations. Dans ses installations tridimensionnelles et ses séries de photogrammes petits formats de comprimés d’aspirine ou de médicaments recrachés, l’artiste remet en question à la fois le statut précaire de l’œuvre d’art en tant qu’objet et celui du sujet regardant. Dans certains travaux de Rosenkranz, le spectateur fait soudain face à lui-même. Les œuvres se dissimulent – souvent par un effet de miroir – derrières les surfaces qui rejettent les définitions explicites. Elles n’appliquent aucune structure thématique et ceci à tel point qu’une interprétation univoque est impensable. Ce faisant, Rosenkranz donne à ses œuvres la plus grande ouverture possible, s’aventurant parfois dans un jeu ironique sur l’insignifiance de la signification. En 2005, Rosenkranz participe à l’exposition collective Off-Key à la Kunsthalle Berne. Depuis, son travail a été présenté dans de nombreuses institutions comme le Drawing Center de New York, le ZKM de Karlsruhe, le Kunsthaus Zürich et le Kunstverein Bregenz. Ses interventions à la 5. Berlin Biennale et à Manifesta 7 l’ont établie sur la scène internationale. Diverses expositions collectives et monographiques sont en préparation à Venise, Zurich et Londres. Au printemps 2010 s’ouvrira une importante exposition personnelle au Centre d’Art contemporain de Genève. A Art Basel 40, elle sera représentée par la jeune galerie zurichoise, Karma International, dans la section Art Statements.

Karolina Dankow

Pamela Rosenkranz

NO-ONE-NO, 2005, slide projection, loop Asa-Tab (Generika of Aspirin), Photogram, 25 x 31 cm each, 2006 Aspirin, Photogram, Series of 7, 25 x 31 cm each, 2006 Asa-Tab (Generika of Aspirin), Photogram, 25 x 31 cm each, 2006 Firm Being, 2007 / 2009. lipstick, pin, pedestal Spill (Prospan), 2008, photogram, 30 x 24 cm

(*1979 à Sils Maria, vit et travaille à Zurich)

Pamela Rjosenkranz investigates what Art actually is and how it functions in the present as compared to the past. Observers often find themselves facing irritating experiences since the main purpose of the works is to study the rules of perception of subjective time. The works revolve around the theme of an empty center. Formally, they are marked by a strict composition expressed in repetitions, doubles, folding effects, mirror reflections, and rotations. In her three dimensional constructs and small size photograms of aspirin tables and spit-out medicine, the artist calls in question the precarious status of the work of art as a subject as well as that of a viewed object. In certain works of Rosenkranz, observers suddenly face themselves. The works conceal themselves, often through a mirror effect, behind the surfaces that reject any specific definitions. They involve no thematic structure, to the point that an unequivocal interpretation is unthinkable. In so doing, Rosenkranz infuses her work with the widest possible open-mindedness, sometime playing an ironic game on the insignificance of meaning. In 2005, Rosenkranz participated in the Off-Key collective exhibit in Kunsthalle in Berne. Ever since, her work has been shown in numerous institutions, including the Drawing Center in New York, the ZKM in Karlsruhe, the Kunsthaus

Photos: Courtesy Karma International

in Zurich, and the Kunstverein in Bregenz. Her exhibits at the Biennial 5 Berlin and the Manifesta 7 established her name in the international scene. Various collective exhibitions and monographs are being prepared in Venice, Zurich, and London. In the spring of 2010, a major personal exhibition will open in the Contemporary Art Center of Geneva. At Art Basel 40, she will be represented by the recently established Zurich gallery, Karma International, in the Art Statements section. (*1979 at Sils Maria, lives and works in Zurich)

Hole Sun, Low Rise, 2006, poster, ink HOLO, Installationview STORE, Ink on Folded Posters, 2006 Im Widerstand gegen die Gegenwart, Installationview Neue Nationalgallerie Berlin, Detail I forgot about almost Everything, World map and Acrylic Latex paint, 2007

Pamela Rosenkranz setzt sich mit der Frage auseinander, was Kunst an und für sich ist und wie sich ihre Gegenwart in Bezug zur Geschichte verhält. Dabei wird der Betrachter oft mit irritierenden Erfahrungen konfrontiert, denn die Werke beschäftigen sich vorwiegend mit den Regeln der Wahrnehmung von subjektiver Zeit. Die Arbeiten kreisen um die Motive einer leeren Mitte. Formal zeichnen sie sich durch eine strenge Komposition aus, die sich in Wiederholungen, Verdoppelung, Spiegelungen, Faltungen und Drehungen artikuliert. In ihren raumgreifenden Installationen aber auch in den Serien von kleinformatigen Fotogrammen von Aspirintabletten oder ausgespuckten Medikamenten befragt die Künstlerin sowohl den prekären Status des Kunstwerks als Objekt wie auch denjenigen des Subjektes seiner Betrachtung. So gibt es Arbeiten von Rosenkranz, in denen sich der Betrachter plötzlich selbst gegenübersteht. Die Werke verschliessen sich - oft durch Spiegelungen - hinter Oberflächen, die eindeutige Bestimmungen abweisen. Sie entsprechen keiner thematischen Struktur und verschließen sich als Kunst derart, dass eine eindeutige Interpretation nicht möglich ist. Auf diese Weise schreibt Rosenkranz den Werken eine größtmögliche Offenheit ein und treibt sie manchmal in ein ironisches Spiel mit der Bedeutungslosigkeit von Bedeutung. Im Jahr 2005 wurde Rosenkranz mit ihrer Teilnahme an der Gruppenausstellung Off-Key in der Kunsthalle Bern erstmals einer breiten Öffentlichkeit bekannt. Seitdem nimmt sie an zahlreichen Gruppenausstellungen in Institutionen wie beispielsweise dem Drawing Center in New York, dem ZKM in Karlsruhe, dem Kunsthaus Zürich und dem Kunstverein Bregenz teil und konnte sich letztes Jahr mit ihren Beiträgen zu der 5. Berlin Biennale und an der Manifesta7 etablieren. In Vorbereitung befinden sich neben zahlreichen weiteren Gruppenausstellungen auch Einzelausstellungen in Venedig, Zürich und London. Im Frühjahr wird 2010 eine umfangreiche Einzelausstellung im Centre d’ Art Contemporain in Genf eröffnet. Mit Karma International, einer jungen Galerie aus Zürich, wird sie an der diesjährigen Art Basel 40 in der Sektion Art Statements vertreten sein. (*1979 in Sils Maria, lebt und arbeitet in Zürich)

Pamela Rosenkranz s’interroga sull’arte in quanto tale e sulla maniera in cui l’arte si colloca nel presente, in rapporto alla storia. Lo spettatore si trova spesso a confronto con esperienze irritanti poiché le opere hanno come scopo principale lo studio delle norme di percezione del tempo soggettivo. I lavori dell’artista ruotano attorno al motivo del centro vuoto. Dal punto di vista formale, si caratterizzano per la composizione rigida, articolata in ripetizioni, doppioni, effetti piega, gioco di specchi e rotazioni. Nelle installazioni tridimensionali e nelle serie di fotogrammi in piccolo formato di compresse sputate di aspirina o di altri medicinali, l’artista mette allo stesso tempo in discussione lo statuto precario dell’opera d’arte in quanto oggetto, ma anche quello del soggetto rappresentato. In alcune realizzazioni di Pamela Rosenkranz, lo spettatore si trova di colpo faccia a faccia con se stesso.

Le opere si nascondono – spesso grazie a un gioco di specchi – dietro la superficie che respinge ogni definizione esplicita. Non vi è alcuna struttura tematica, al punto che un’interpretazione univoca sarebbe impensabile. In questo modo, Pamela Rosenkranz dona al suo lavoro la più ampia apertura possibile, avventurandosi talvolta in un gioco ironico basato sull’insignificanza del significato. Nel 2005, l’artista ha partecipato alla mostra collettiva Off-Key della Kunsthalle di Berna. Da allora, le sue opere sono state esposte presso numerosi istituti come il Drawing Center di New York, il ZKM di Karlsruhe, la Kunsthaus di Zurigo e il Kunstverein di Bregenz. La partecipazione alla V Biennale di Berlino e a Manifesta 7 ne ha consolidato la fama sulla scena internazionale. Attualmente sono in preparazione diverse esposizioni collettive e monografiche a Venezia, Zurigo e Londra. Nella primavera del 2010 sarà inaugurata un’importante personale dell’artista presso il Centro d’Arte contemporanea di Ginevra. Ad Art Basel 40, sarà rappresentata da una giovane galleria di Zurigo, Karma International, nella sezione Art Statements. (nata nel 1979 a Sils Maria, l’artista vive e lavora a Zurigo)

Pamela Rosenkranz se interroga sobre qué es el arte en sí mismo y sobre la manera en que se comporta en el presente con respecto a la historia. El espectador a menudo se enfrenta a experiencias irritantes, ya que sus obras tienen como objetivo principal estudiar las reglas de la percepción del tiempo subjetivo. Los trabajos giran alrededor del principio de un centro vacío. En lo formal se caracterizan por una composición estricta que se articula en repeticiones, parejas, efectos de pliegue, imágenes de espejos y rotaciones. En sus instalaciones tridimensionales y en sus series de fotogramas en pequeño formato de aspirinas o de medicamentos escupidos, la artista cuestiona a un tiempo el precario estatus de la obra de arte en tanto que objeto y el del sujeto que la contempla. En determinados trabajos de Rosenkranz, el espectador repentinamente se enfrenta a sí mismo. Las obras se disimulan –a menudo por medio de un efecto de espejo– detrás de superficies que rechazan las definiciones explícitas. No aplican ninguna estructura temática, hasta el extremo de que una interpretación unívoca resulta impensable. Con esto, Rosenkranz dota a sus obras de la mayor amplitud posible, lanzándose en ocasiones a un juego irónico sobre la insignificancia del significado. En 2005, Rosenkranz participa en la exposición colectiva Off-Key en el Kunsthalle de Berna. Desde entonces, su obra ha sido presentada en numerosas instituciones como el Drawing Center de Nueva York, el ZKM de Karlsruhe, la Kunsthaus de Zurich y el Kunstverein de Bregenz. Sus intervenciones en la V Bienal de Berlín y en Manifesta 7 la han establecido en la escena internacional. Tiene en preparación diversas exposiciones colectivas y monográficas en Venecia, Zúrich y Londres. En la primavera de 2010 se inaugurará una importante muestra personal en el Centro de Arte Contemporáneo de Ginebra. En Art Basel 40, estará representada por una joven galería de Zúrich, Karma International, en la sección Art Statements. (*1979 en Sils Maria; reside y trabaja en Zúrich)

Resistance, Slide projection installed in a blackbox, 81 Slides, 2005 ROOM, 2007 / 2008, wood, acrylic glass, fabric, 200 x 80 x 80 cm Spill (Dafalgan), 2009, photogram, 30 x 24 cm

Unfade, Video Looped, 2008 ROOM, Object from plexiglass, Fabric and Frames, 80 x 80 x 200cm, 2007/2008 installation view: Cahier d’ Artistes, Fri-Art, Fribourg, 2007

них нет никакой тематической структуры. Это явление доходит до такой степени, что однозначная интерпретация становится невозможной. Поступая таким образом, Розенкранц придает своим произведениям максимально возможную открытость, иногда увлекаясь иронической игрой с незначительностью значений. В 2005 году Розенкранц принимает участие в коллективной выставке Off-Key в бернском Кунстхалле. С этих пор ее работы были представлены во многих учреждениях, таких как Drawing Center Нью-Йорка, ZKM в Карлсруэ, Кунстхаусе Цюриха и в Кунстферайн Брегенц. Ее участие в пятом берлинском биеннале и в Manifesta 7 открыли перед ней международную сцену. Разнообразные коллективные и персональные выставки готовятся в Венеции, Цюрихе и Лондоне. Весной 2010 года откроется большая персональная выставка в Центре Современного Искусства в Женеве. На Art Basel 40 ее будет представлять молодая цюрихская галерея Karma International в разделе Art Statements.

Resistance, 2005, Slide Projection

Unfencing, Installationview Kunsthaus Zurich, DVD, 4 minutes Loop, 2007

Памела Розенкранц ставит вопрос о том, что такое искусство в себе, и о том, каким образом оно ведет себя в настоящем по отношению к прошлому. Зритель часто сталкивается с будоражащими экспериментами, поскольку произведения имеют главной целью изучить правила восприятия субъективного времени. Работы строятся вокруг мотива пустого центра. С формальной точки зрения их отличает строгая композиция, которая находит свое выражение в повторах, дублировании, эффекте складок, зеркальных отражений и поворотов. В своих трехмерных инсталляциях и сериях малоформатных фотографий таблеток аспирина или выплюнутых медикаментов художница одновременно ставит под вопрос шаткий статус произведения искусства как объекта и статус того, кто его наблюдает. В некоторых работах Розенкранц зритель неожиданно сталкивается с самим собой. Произведения прячутся – часто благодаря зеркальному эффекту – под поверхностями, которые отталкивают ясные определения. У

(*1979 в Силь Мария, живет и работает в Цюрихе)

IDRISSA Idrissa Savadogo est un peintre prolifique. Il mêle rigueur dans la composition et fantaisie dans le graphisme des personnages atypiques, issus pour la plupart de la tradition villageoise et du vécu quotidien. Paysans, femmes aux travaux domestiques, pêcheurs, musiciens et surtout les bergers, il rend hommage à cette classe laborieuse en magnifiant les instants captés au gré d’un regard tendre et sensible. Dans ses tableaux, la prédominance de couleurs chaudes et la terre d’ombre naturelle rappelle le Sahel dont Idrissa se réclame. Il peint à l’huile ou à l’acrylique, n’hésitant pas à mêler collage, ficelle, cuir, coton mais aussi matières et pigments... Né à Abidjan (Côte d’Ivoire) en 1985, Idrissa suit ses études classiques jusqu’au secondaire. Dès son plus jeune âge, son étoile le prédestine aux arts plastiques. Au primaire, le futur peintre se distingue auprès de ses camarades et enseignants par son talent de caricaturiste. Plus tard, au secondaire, ses professeurs d’arts plastiques remarquent ses capacités, développées au travers des thèmes imposés. Les peintres qui vinrent s’établirent dans la cour paternelle accentuèrent chez Idrissa une volonté déjà affirmée. Lorsque son grand frère, Souleymane Savadogo, artiste plasticien, quitte son atelier sur la route de Bassam pour se rendre au Togo, Idrissa, alors en cinquième, prend le relais, assurant au pied levé une première commande de dix toiles. Ces expériences l’ont définitivement orienté vers son destin. Au fil du temps, la compréhension de l’art de la peinture fait du jeune Idrissa un artiste confirmé. En 2005, il retrouve son frère au Village Artisanal de Ouagadougou où il se joint à un collectif de créateurs. Désormais Idrissa évolue en solo et expose de manière permanente en Afrique (Burkina Faso, Bénin, Côte d’Ivoire, Sénégal) et aussi en Europe. Il est représenté en Europe par Mr. Paul Pambou basé en France. Idrissa Savadogo is a prolific painter. He blends compositional rigor with graphic fantasy in portraying unusual characters derived mainly from village tradition and daily life. Depicting peasants, women doing household work, fishermen, musicians, and especially shepherds, he pays homage to this laboring class while magnifying the captured moments through a soft and sensitive look. In his paintings, the predominant use of warm colors and the grounding of natural shadowing are reminiscent of le Sahel, by whom Idrissa is inspired. He paints in oil and acrylic, not hesitating to mix collage, string, leather, cotton as well as materials and pigments… Born in Abidjan (Ivory Coast) in 1985, Idrissa took classical studies until high school. From a very early age, he was destined for the plastic arts. In elementary school, the future painter impressed his teachers and fellow students with his ability to draw caricatures. Later, in high school, his plastic arts teachers watched his skills develop though his work on the assigned themes. The painters who would come to paint in his father’s courtyard accentuated for Idrissa an already existing desire. When his older brother, Souleymane Savadogo, a plastic artist, left his workshop on the Bassam road to go to Togo, Idrissa, in 7th grade at the time, took over for him and delivered on the fly an initial order of ten canvases. His experiences clearly pushed him towards his destiny. Over time, his understanding of the art of painting turned the young Idrissa into a professional artist. In 2005, he was reunited with his brother in the Artisans Village of Ouagadougou, where he joined an artist group. Since then, Idrissa has developed on his own, with his paintings in permanent exhibition in Africa (Burkina Faso, Benin, Ivory Coast, and Senegal) and Europe. He is represented in Europe by Mr. Paul Pambou, based in France.

Jean-Pierre Tardivel Réalisateur

Idrissa Savadogo www.artactif.com/idriss

Couple - 90 x 80 cm relief en ficelle, huile sur toile.

A la recherche de l’eau 90 x 80 cm relief en ficelle, huile sur toile.

Danse mystique 90 x60 cm collage, acrylique sur toile.

Idrissa Savadogo ist ein sehr produktiver Künstler. Bei seinen hauptsächlich der Dorftradition und dem täglichen Leben entstammenden atypischen Personen mischt er eine strenge Komposition mit einer fantasievollen Linienführung. Bauern, Frauen bei der Hausarbeit, Fischer, Musiker und vor allem Hirten – er würdigt diese arbeitende Klasse, indem er Momentaufnahmen mit einem zärtlichen, sensiblen Blick grandios einfängt. In seinen Bildern erinnern die vorherrschenden warmen Farben und die natürlichen erdfarbenen Umbratöne an die Sahel- Region, der er angehört. Er malt mit Öl- oder Acrylfarben, und kombiniert Collagen, Fäden, Leder, Baumwolle sowie andere Materialien und Pigmente ohne zu zögern. Der 1985 in Abidjan (Elfenbeinküste) geborene Idrissa macht bis zur weiterführenden Schule eine klassische Ausbildung. Schon in frühester Jugend zeigt sich, dass die bildenden Künste sein Leben bestimmen werden. In der Grundschule hebt sich der zukünftige Maler von seinen Mitschülern durch sein Talent für Karikaturen ab. Später in der weiterführenden Schule fallen seinen Lehrern seine durch ihm auferlegte Themen weiterentwickelten Fähigkeiten auf. Die Maler, die sich auf dem väterlichen Hof niederliessen, bestärkten bei Idrissa die schon klar vorhandenen Bestrebungen. Als sein älterer Bruder, der Künstler Souleymane Savadogo, sein Atelier auf dem Weg nach Bassam

Femmes au quotidien 60 x 90 cm relief en ficelle, huile sur toile collection privée. Femme au lever du soleil 60 x 20 cm relief en ficelle, huile sur toile. Cueillette du coton 90 x 60 cm relief en ficelle, huile sur toile collection privée.

aufgibt, um nach Togo zu gehen, tritt der Fünftklässler Idrissa seine Nachfolge an und erledigt aus dem Stegreif einen Auftrag über 10 Bilder. Durch diese Erfahrungen wurde sein Weg endgültig bestimmt. Im Laufe der Zeit wird aus dem jungen Idrissa durch das Verständnis der Kunst der Malerei ein bewährter Künstler. 2005 trifft er im Künstlerdorf Village Artisanal Ouagadougou wieder mit seinem Bruder zusammen und schliesst sich einem Kollektiv von Künstlern und Handwerkern an. Nun entwickelt Idrissa sich alleine weiter und stellt ständig in Afrika (Burkina Faso, Benin, Elfenbeinküste, Senegal) und auch in Europa

aus. In Europa wird er von dem in Frankreich ansässigen Paul Pambou vertreten. Idrissa Savadogo è un pittore prolifico che unisce il rigore compositivo alla fantasia grafica dei suoi personaggi atipici, ispirati in gran parte alla tradizione paesana e alla vita quotidiana. Dipingendo contadini, donne impegnate in faccende domestiche, pescatori, musicisti e soprattutto pastori, l’artista rende omaggio alla classe operosa, celebrandone gli istanti di vita vera, che cattura con occhio tenero e sensibile. Nei suoi quadri predominano i colori caldi e la terra d’ombra naturale che ricordano il Sahel da cui Idrissa proviene. L’artista dipinge a olio o acrilico, cui aggiunge, senza esitazione, ritagli di carta, spago, cuoio e cotone, mescolando materiali e pigmenti vari... Nato ad Abidjan (Costa d’Avorio) nel 1985, Idrissa si dedica agli studi classici fino alla scuola secondaria. Fin dalla tenera età, però, il suo destino sembra essere quello delle arti plastiche. Alla scuola primaria, il futuro pittore si fa notare da compagni e insegnanti per il suo talento di caricaturista. Più avanti, durante gli studi secondari, i professori di arti plastiche ne riconoscono le capacità, emerse attraverso i compiti assegnati. I pittori che vivono alla corte paterna non fanno che accentuare in Idrissa un desiderio già consolidato. Non appena il fratello maggiore, Souleymane Savadogo, artista plastico, abbandona il suo atelier sulla via di Bassam per stabilirsi in Togo, Idrissa, che allora frequenta la scuola media, ne prende le consegne, ottenendo subito una prima commissione di dieci tele. L’esperienza contribuisce ad orientarlo definitivamente verso il suo destino. La comprensione dell’arte pittorica, acquisita nel corso degli anni, rende il giovane Idrissa un artista del tutto affermato. Nel 2005, ritrova il fratello al Village Artisanal di Ouagadougou, dove si unisce a un collettivo di artisti. Oggi Idrissa lavora da solo, esponendo in maniera permanente in Africa (Burkina Faso, Benin, Costa d’Avorio, Senegal) ma anche in Europa, dove è rappresentato da Paul Pambou, che ha sede in Francia. Idrissa Savadogo es un pintor prolífico. Combina el rigor de la composición y la fantasía del grafismo de personajes atípicos, surgidos en su mayoría de la tradición rural y de sus vivencias cotidianas. Con sus campesinos, sus mujeres encargadas de las tareas domésticas, sus pescadores, sus músicos y sobre todo con sus pastores, rinde homenaje a esta clase trabajadora magnificando los instantes captados por su mirada tierna y sensible. En sus lienzos, el predominio de los colores cálidos y terrosos evoca la región de Sahel, que Idrissa reivindica. Pinta al óleo o al acrílico, y no duda en mezclar encolado, hilo, cuero, algodón pero también materias y pigmentos… Nacido en Abidjan (Costa de Marfil) en 1985, Idrissa cursó estudios clásicos hasta secundaria. Desde la niñez, su estrella parece predestinarle a las artes plásticas. En primaria, el futuro pintor destaca ante sus compañeros y profesores por su habilidad como caricaturista. Más adelante, en secundaria, sus profesores de artes plásticas destacan su talento, desarrollado a través de los temas que le son impuestos. Las siguientes pinturas se inspiraron en el patio familiar y recalcaron en casa de Idrissa una voluntad ya suficientemente afirmada. Cuando su hermano mayor, el artista plástico Souleymane Savadogo, abandona su taller en la carretera de Bassam para trasladarse a Togo, Idrissa, por aquel entonces en quinto curso, toma el relevo, garantizando sin mayor preparación un primer encargo de diez lienzos. Estas experiencias lo orientan definitivamente hacia su destino. Transcurrido un tiempo, la comprensión del arte pictórico convierte al joven Idrissa en un artista contrastado. En 2005 se reencuentra con su hermano en el Poblado Artesanal de Ouagadougou, donde se incorpora a un colectivo de creadores. A partir de entonces, Idrissa evoluciona en solitario y expone de manera permanente tanto en África (Burkina Faso, Benín, Costa de Marfil, Senegal) como en Europa, donde está representado, desde Francia, por Paul Pambou.

Dozos à la chasse 40 x 30 cm relief en ficelle. Vendeuse de fruits 60 x 27 cm relief en ficelle, huile sur toile. Tradition des griots 90 x 80 cm collage, huile sur toile. Porteuse de fagot 60 x 20 cm relief en ficelle, huile sur toile.

Идриса Савадого – плодовитый художник. Он примешивает строгость к композиции и фантазию к изображению необычных персонажей, вышедших в большинстве случаев из деревенской традиции и повседневного быта. Крестьяне, женщины за домашней работой, рыбаки, музыканты и особенно пастухи – он отдает дань этому рабочему классу, делая акцент на пойманных им моментах, увиденных восприимчивым и доброжелательным взглядом. В его картинах особое место занимают теплые цвета. Почва с естественной тенью напоминает Сахель, к которому Идриса себя относит. Он пишет маслом или акрилом, не сомневаясь смешивает коллаж, бечевку, кожу, хлопок, а также пигментные материалы... Родившись в Абиджане (Кот д’Ивуар) в 1985 году, Идриса получает в школе классическое образование. С самого юного возраста его звезда зовет его к пластическим искусствам. Вначальнойшколебудущийхудожникотличается от своих товарищей и преподавателей талантом карикатуриста. Позже, в средних классах, его преподаватели классических искусств отмечают его способности, которые получают развитие благодаря специальным занятиям. Художники, которые находили приют в доме его отца, видели в Идрисе уже сложившегося творца. Когда его старший брат, пластический художник Сулейман Савадого, покинул свою мастерскую, чтобы отправиться из Бассама в Того, Ирдиса, в то время ученик пятого класса, пришел ему на смену и выполнил без предварительной подготовки первый заказ на десять полотен. Опыт окончательно обратил его к своему предназначению. С течением времени понимание искусства живописи сделали из молодого Идрисы опытного художника. В 2005 году он присоединяется к своему брату в Поселке ремесленников в Уагадугу, где он примыкает к коллективу авторов. С тех пор Идриса развивается самостоятельно

Musiciens noirs 100 x 80 cm relief en ficelle, huile sur toile. Porteuses de jarres 105 x 85 cm collage, huile sur toile.

и постоянно выставляется в Африке (Буркина Фасо, Бенин, Кот д’Ивуар, Сенегал), а также в Европе. В Европе его представляет Поль Памбу, живущий во Франции.

MASSOUDY Hassan MASSOUDY est né en 1944 dans une ville du sud de l’Irak, Najaf, entourée par le désert et dont les monuments sont couverts de calligraphies. Dès son plus jeune âge, il dessine et calligraphie. En 1961, il part pour Bagdad comme apprenti chez différents calligraphes. Mais il rêve de faire des études d’art. En 1969, nouveau départ, pour Paris cette fois, où il entre à l’Ecole des Beaux-Arts. Paris est pour lui un océan d’images par contraste avec sa ville natale où l’image est inexistante. Aux Beaux-arts, il fait de la peinture figurative. Il n’abandonne néanmoins pas la calligraphie, petit à petit elle va s’infiltrer dans sa figuration pour, à la fin, prendre sa place et la faire disparaître. A partir de 1972, avec le comédien Guy Jacquet et le musicien Fawzi Al Aïedy, il commence à réaliser, en public, des improvisations de calligraphie projetée sur grand écran. Cette expérience marque un tournant dans son travail. Le tracé de sa calligraphie devient plus rapide et son geste plus large. Il introduit la couleur afin de mieux exprimer ses sensations. Le contenu : le mot, la phrase calligraphiés ont été écrits par des poètes, des écrivains ou dits simplement par la sagesse populaire. Depuis bientôt quarante ans, il a fait connaître dans son pays d’accueil, la France, l’art de la lettre arabe, où se marient les cultures d’Orient et d’Occident. Son apprentissage de la calligraphie traditionnelle et sa confrontation avec l’art contemporain lui ont permis de tracer un nouveau chemin à l’art de la calligraphie arabe. Il expose ses oeuvres régulièrement et publie des livres.

Hassan Massoudy

Hassan Massoudy was born in 1944 in Najaf, a city in southern Iraq, which is surrounded by deserts and whose monuments are covered with calligraphies. From a very early age, he has drawn and done calligraphy. In 1961, he left for Baghdad to serve as an apprentice for several calligraphers. However, he dreamed of studying art. In 1969, he once again left, for Paris this time, where he entered the Ecole des Beaux-Arts. Paris is for him a sea of images in contrast to his city of birth, where the scenery is bare. In the Beaux-Arts, he studied figurative painting. Nevertheless, he did not abandon calligraphy, with it gradually entering his figurative art until the former completely displaced it. Since 1972, in conjunction with the comedian Guy Jacquet and the musician Fawzi Al Aïedy, he has done public calligraphy improvisations shown on a large screen. This experience marks a turning point in his work. The drawing of his calligraphy has become more rapid with his movements larger. He has introduced color in order to better express his feelings. The content: the calligraphied word and sentence have been written by poets and writers or simply stated as popular wisdom. For almost forty years, he has educated his host country, France, about the art of Arab lettering, in which the Eastern and Western cultures meet. His apprenticeship with traditional calligraphy and his confrontation with contemporary art have allowed him to break a new path to the art of Arab calligraphy. He regularly exhibits his works and publishes books.

Au lieu de fulminer contre les ténèbres, il faut mieux allumer une petite lanterne. Proverbe chinois

Aucun homme ne peut prendre la place d’un autre. Mahabarata

Considère-toi libre ou esclave. Cela dépend de toi. Sénèque

La chute n’est pas un échec, l’échec est de rester où l’on est tombé. Socrate

Hassan MASSOUDY wird 1944 in der südirakischen, von Wüste umgebenen Stadt Najaf geboren, in der die Denkmäler mit Kalligrafie verziert sind. Schon in frühester Jugend zeichnet er und übt sich in Kalligrafie. 1961 geht er nach Bagdad, um bei verschiedenen Kalligrafen in die Lehre zu gehen. Aber er träumt von einem Kunststudium. 1969 bricht er erneut auf – diesmal in Richtung Paris, wo er die École des Beaux-Arts besucht. Paris ist für ihn im Gegensatz zu seiner Geburtsstadt, wo Bilder unbedeutend waren, ein Bildermeer. An der École des Beaux-Arts widmet er sich der figurativen Malerei. Doch auch der Kalligrafie bleibt er treu. Nach und nach dringt sie in seine Figurationen ein, nimmt schliesslich ihren Platz ein und lässt sie verschwinden. Ab 1972 beginnt er mit dem Schauspieler Guy Jacquet und dem Musiker Fawzi Al Aïedy mit auf Leinwand projizierten Kalligrafie-Improvisationen vor Publikum. Diese Erfahrung stellt einen Wendepunkt für seine Arbeit dar. Die Linienführung seiner Kalligrafie wird schneller und ausladender. Er lässt Farbe einfliessen, um seine Gefühle besser auszudrücken. Das Wort oder der Satz, die den Inhalt seiner Kalligrafie bilden, wurden von Dichtern oder Schriftstellern geschrieben oder sind ganz einfach Volksweisheiten. Seit fast vierzig Jahren hat er in seinem Gastland Frankreich die Kunst der arabischen Buchstaben bekannt gemacht, in der sich die Kulturen von Orient und Okzident harmonisch zusammenfügen. Seine Ausbildung in traditioneller Kalligrafie und seine Konfrontation mit der Zeitgenössischen Kunst haben es ihm ermöglicht, einen neuen Weg für die arabische Kalligrafiekunst einzuschlagen. Er stellt seine Werke regelmässig aus und gibt Bücher heraus.

Hassan MASSOUDY nasce nel 1944 a Najaf, città dell’Iraq meridionale, circondata dal deserto, i cui monumenti sono ricoperti di calligrafie. Massoudy disegna e riproduce calligrafie fin da giovanissimo. Nel 1961 si reca a Bagdad, dove lavora come apprendista per diversi calligrafi. Il suo sogno, però, è quello di studiare arte. Nel 1969 un nuovo viaggio lo porta a Parigi, dove si iscrive all’Ecole des Beaux-Arts. Per l’artista, abituato alla sua città natale dove l’immagine è inesistente, Parigi rappresenta al contrario un oceano di immagini. Alla scuola di Belle Arti studia pittura figurativa. Tuttavia, non abbandona la calligrafia, che a poco a poco s’infiltra nelle sue rappresentazioni figurative, finendo per prenderne il posto ed eliminare le immagini. A partire dal 1972, l’artista inizia a riprodurre in pubblico, assieme al comico Guy Jacquet e al musicista Fawzi Al Aïedy, calligrafie improvvisate, proiettate su grande schermo. L’esperienza segna una svolta nello stile di Massoudy : il tratto della sua calligrafia diventa più rapido e il movimento più ampio. Introduce inoltre il colore per esprimere meglio le sensazioni. Il contenuto delle sue calligrafie rappresenta parole e frasi di poeti e scrittori o, più semplicemente, detti di saggezza popolare. Da quasi quarant’anni, l’artista fa conoscere al suo paese d’accoglienza, la Francia, l’arte della scrittura araba, unendo la cultura orientale a quella occidentale. Lo studio della calligrafia tradizionale e il confronto con l’arte contemporanea gli hanno consentito di tracciare un nuovo percorso per l’arte della calligrafia araba. Oggi l’artista espone le sue opere regolarmente e pubblica libri.

Hassan MASSOUDY nació en 1944 en Nayaf, una ciudad del sur de Irak rodeada por el desierto y cuyos monumentos están cubiertos de caligrafías. Desde su infancia, dibuja y escribe. En 1961, se traslada a Bagdad como aprendiz de distintos calígrafos, aunque sueña con cursar estudios de Arte. En 1969, otro traslado, esta vez a París, donde se incorpora a la Escuela de Bellas Artes. La capital francesa se le antoja un infinito océano visual, sobre todo en contraste con su ciudad de origen, donde la imagen sencillamente no existe. En la Escuela, se interesa por la pintura figurativa. Sin embargo, no abandona la caligrafía, que poco a poco se introducirá en su figuración para, finalmente, ocupar su lugar y hacerla desaparecer. A partir de 1972, y en compañía del cómico Guy Jacquet y del músico Fawzi Al Aïedy, Massoudy comienza a realizar improvisaciones públicas de caligrafía que son proyectadas en pantalla grande. Esta experiencia supone un momento crucial para su trabajo. El trazo de su escritura se hace más pausado, al tiempo que su gesto se alarga. Con el fin de expresar mejor sus sensaciones, introduce el color. El contenido: palabras y frases caligrafiadas que fueron rubricadas por poetas y escritores, o bien pertenecientes a la sabiduría popular. Desde hace casi cuarenta años, ha dado a conocer en su país de acogida, Francia, el arte de la letra árabe, en el que se unen las culturas de Oriente y de Occidente. Su aprendizaje de la escritura tradicional y su confrontación con el arte contemporáneo le permitieron abrir un nuevo camino para el arte de la caligrafía árabe. Massoudy expone regularmente sus obras y también publica libros.

позволили ему проложить новый путь арабскому каллиграфическому искусству. Он регулярно выставляет свои произведения и публикует книги.

➤ Le parfum est l’intelligence des fleurs. Henri de Montherlant ➤ Le saule peint le vent sans pinceau. Saryû

Si tu veux avoir des fleurs, ne coupe pas les racines. Proverbe japonais Si la civilisation n’est pas dans le cœur de l’homme, et bien, elle n’est nulle part. Georges Duhamel

Хасан Масуди родился в 1944 году в Наджафе, городе на юге Ирака, окруженном пустыней, памятники которого покрыты каллиграфическими надписями. С самого юного возраста он рисует и занимается каллиграфией. В 1961 году он отправляется в Багдад как ученик разных каллиграфов. Но он мечтает о том, чтобы учиться искусству. В 1969 году – новое путешествие, на этот раз в Париж, где он поступает в Школу искусств. Париж для него – океан картин, особенно выделяющийся на фоне его родного города, где живописи просто нет. На факультете искусств он занимается символической живописью. Однако он не оставляет и каллиграфию: малопомалу она проникает в его изображения, чтобы в конце концов полностью вытеснить их и занять их место. Начиная с 1972 года вместе с комедийным актером Ги Жаке и музыкантом Фавзи Аль-Айеди он начинает выступать на публике с импровизациями по каллиграфии, проецируемой на большой экран. Этот опыт знаменует поворот в его работе. Начертание его рисунков становится более быстрым, жесты – более широкими. Он применяет цвет, чтобы лучше выразить свои ощущения. Текст – каллиграфические слова и фразы, написанные поэтами, писателями, или просто народные мудрости. Вот уже в течение без малого сорока лет он знакомит принявшую его страну, Францию, с искусством арабской письменности, в котором смешиваются культуры Востока и Запада. Его обучение традиционной каллиграфии, его столкновение с современным искусством

André raboud André Raboud - 40 années de sculpture Si l’on considère les 40 années de sculpture d’André Raboud, on constate deux éléments de résurgence artistique : la constance dans l’élégance et la fidélité à une envoûtante sacralisation. Ces deux composantes de l’œuvre du sculpteur imposent un respect profond. La première se justifie par la sensualité des lignes et des formes, par leur aspect charnel, leur beauté plastique, la délicatesse de leur harmonie et par la force évocatrice des messages qu’elle dégage dans leur fine minéralité. Ce mélange de douceur et d’énergie « à fleur de pierre » suggère une sensibilité « à fleur de peau » et attribue à son œuvre un fil, une unité et une gravité qui interrogent, émeuvent et fascinent tout à la fois. La seconde - à mes yeux la plus importante sinon la plus poignante - c’est cette secrète référence à une intime valorisation du sacré, comme si nous vivions la transcendance de signes tribaux, l’objectivation de symboles pluriculturels, une forme de langage sacral. Ses imposants monolithes - les couples notamment - évoquent la puissance des totems et leur force protectrice et morale. La sculpture d’André Raboud possède ce pouvoirlà, créant une symbolique du sens, à la fois dans le temps et hors du temps, moderne et ancestrale, nimbée d’une sorte de pureté « high-tech » porteuse de légende et d’histoire, dans le même instant empirique et futuriste qui nous laisse stupéfaits et donne à toute son œuvre une rare unicité. Cette intense dualité sémantique ne place ainsi le sculpteur dans aucune école, aucune mouvance, ni ne l’apparente à aucun style. Une lecture pertinente de ces 40 années de sculpture d’André Raboud - un travail prolixe, hétérogène, complexe - nous oblige à en reconnaître l’indéniable valeur, l’étonnante disparité et la plus pure authenticité. ANDRÉ RABOUD – 40 years of sculpture In viewing the 40 years of sculpture by André Raboud, two elements of artistic resurgence are discerned: constant elegance and a loyalty to a captivating sacralization. These two elements of the sculptor’s work leave you with a feeling of deep respect. The first is justified by the sensuality of the lines and forms, by their carnal aspect, their plastic beauty, the delicacy of their harmony, and the evocative force of the messages evoked in their fine mineral fiber. This mixture of softness and energy “on the surface of the stone” suggests a very acute sensitivity and gives his work the attributes of a thread, a unity, and an importance that question, touch, and fascinate, all at the same time. The second – in my eyes the more important if not the most poignant – is the secret reference to an intimate rendering of value of the sacred, as if we lived the transcendence of tribal symbols, the objectification of multicultural symbols, a form of sacred language. His imposing monoliths, especially the couples, evoke the power, protective force, and moral force of totems. The sculpture of André Raboud possesses that power, creating a symbolism of sense, simultaneously temporal and timeless, modern and ancestral, enshrouded with a “high-tech” purity bearing legend and history, at the same time empirical and futuristic, leaving us amazed and rendering each of his works unique in a way seldom seen. This intense semantic duality places the sculptor outside the realm of all schools and circles of influence, giving him a style of his own. A careful review of these 40 years of sculpture by André

Christian Michaud

André Raboud

Raboud, a prolific, heterogeneous, and complex creation, gives us no choice but to recognize in it the undeniable value, the surprising disparity, and the most pure authenticity. ANDRÉ RABOUD – 40 Jahre Bildhauerei

➤➤ Tête pensante Granit des Indes, 2008 135 x 35 x 20 cm

➤ La tête dans les nuages Granit d’Afrique, 2008 475 x 90 x 90 cm

Blickt man auf das 40-jährige Schaffen André Rabouds als Bildhauer zurück, sind zwei wiederkehrende künstlerische Elemente zu erkennen: fortwährende Eleganz und ein beständig fesselnd sakraler Charakter. Diese beiden Komponenten des Werks des Künstlers gebieten hohen Respekt. Die erste ist in der Sinnlichkeit der Linien und Formen zu erkennen, in ihrem körperlichen Aspekt, ihrer plastischen Schönheit, ihrer fein abgestimmten Harmonie und des von ihrer feinen Mineralität ausgehenden Assoziationsgehaltes. Diese Mischung von Zartheit und Energie an der Oberfläche des Steins deutet auf eine äusserst ausgeprägte Sensibilität hin und verleiht seinem Werk eine Ader, eine Kohärenz und ein Gewicht – Aspekte, die zugleich Fragen aufwerfen, bewegen und faszinieren. Der zweite – meines Erachtens wichtigste, wenn nicht sogar ergreifendste Punkt – ist dieser versteckte Bezug zu einer stillen Wertschätzung des Sakralen, als wenn wir die Transzendenz von Stammeszeichen, die Objektivierung multikultureller Symbole, eine Art sakraler Sprache erlebten. Seine imposanten Monolithen – insbesondere die Paare – erinnern an die Macht der Totems mit ihrer schützenden und geistigen Kraft. Die Skulpturen von André Raboud besitzen diese Macht, da sie eine Sinnsymbolik schaffen, die zugleich zeitgemäss und zeitlos, modern und urtümlich, von einer Legenden und Geschichte enthaltenden Art “Hightech“-Klarheit umgeben, gleichzeitig empirisch und futuristisch ist, die uns verblüfft und seinem ganzen Werk eine aussergewöhnliche Einzigartigkeit verleiht. Aufgrund dieser intensiven semantischen Dualität ist der Bildhauer keiner Schule und keiner Bewegung zuzuordnen und weist keine Ähnlichkeit zu einem Stil auf. Bei einer scharfsinnigen Betrachtung dieser 40 Jahre Bildhauerkunst von André Raboud – eine weitschweifige, heterogene, komplexe Arbeit – müssen wir deren unleugbarem Wert, deren erstaunlicher Vielschichtigkeit und der absoluten Reinheit ihrer Authentizität Beifall zollen.

Le septième élément Granit des Indes, 2006 1 x H 260 x Ø 180 cm 6 x H 180

➤➤ Blessure verticale Granit des Indes, 2006 195 x 29 x 20 cm

ANDRÉ RABOUD – 40 anni di scultura

Sous ton aile Granit des Indes, 2008 210 x 70 x 45 cm

Monolithe aux petites traces Granit des Indes, 2008 160 x 55 x 35 cm

Photographies : Philippe Burdel

Ripercorrendo i 40 anni di scultura di André Raboud, si notano due elementi artistici ricorrenti: l’eleganza costante e l’interesse fedele per una sacralizzazione che affascina. Le due componenti dell’opera dello scultore richiedono un profondo rispetto. La prima si manifesta attraverso la sensualità delle linee e delle forme, l’aspetto carnale, la bellezza plastica, la delicata armonia e la forza evocatrice dei messaggi che esse emanano nella loro raffinata mineralità. Una mescolanza di dolcezza ed energia «a fior di pietra», che suggerisce una sensibilità «a fior di pelle» e conferisce all’opera un filo conduttore, un’unità e una gravità che interrogano, commuovono e seducono allo stesso tempo. La seconda – a mio parere la più importante, se non la più toccante – è il riferimento implicito a una valorizzazione intima del sacro, come se l’artista volesse farci vivere la trascendenza dei segni tribali, l’oggettivazione dei simboli pluriculturali, una forma di linguaggio sacrale. Gli imponenti monoliti di Raboud – in particolare quelli in coppia – evocano la potenza dei totem e la stessa forza protettrice e morale. La scultura di André Raboud possiede il medesimo potere, poiché crea una simbologia della sensazione, sia nel tempo che fuori dal tempo, moderna e ancestrale, avvolta da una sorta di purezza «hightech», portatrice di leggenda e di storia, in un solo istante empirico e rivolto al futuro, che riempie di

stupore e investe tutta l’opera di una rara unicità. Questo intenso dualismo semantico fa sì che lo scultore non si collochi all’interno di alcuna scuola, né alcun movimento, né all’apparenza alcuno stile. Una lettura competente dei 40 anni di scultura di André Raboud – un lavoro prolisso, eterogeneo e complesso – obbliga a riconoscerne l’indiscutibile valore, la sorprendente diversità e la purissima autenticità. André Raboud: cuarenta años de escultura Si analizamos los cuarenta años que André Raboud lleva dedicado a la escultura, constatamos dos elementos de renacimiento artístico: su constante elegancia y su fidelidad a una seductora sacralización. Estos dos componentes de la obra del escultor imponen un profundo respeto. El primero se justifica por la sensualidad de las líneas y de las formas, por su apariencia carnal, por su belleza plástica, por la delicadeza de su armonía y por la fuerza evocadora de los mensajes que desprende su sutileza mineral. Esta mezcla de dulzura y de energía «a ras de piedra» sugiere una pasión «a flor de piel» y proporciona a su obra un hilo conductor, una cohesión y una gravedad que interrogan, conmueven y fascinan al mismo tiempo. El segundo –a mis ojos, el más importante si no el más desgarrador– es la referencia secreta a una valoración íntima de lo sagrado, como si viviésemos la trascendencia de los signos tribales, la objetivación de los símbolos multiculturales, una forma de lenguaje sacro. Sus imponentes monolitos –las parejas, sobre todo– evocan el vigor de los totems y su fuerza protectora y espiritual. La escultura de André Raboud tiene el poder de generar un sentido simbólico tanto dentro como fuera del tiempo, moderno y ancestral, rodeado por una aureola de pureza «high-tech» portadora de leyenda y de historia en un mismo instante empírico y futurista, que nos deja estupefactos y que proporciona a toda su obra una extraña unicidad. Esta intensa dualidad semántica impide encasillar al escultor en escuelas o movimientos, ni emparentarlo con estilo alguno. Una lectura pertinente de estos cuarenta años de escultura de André Raboud –un trabajo prolijo, heterogéneo, complejo– nos obliga a reconocer su innegable valor, su asombroso contraste y su virtuosa autenticidad. Андре Рабу – 40 лет занятий скульптурой Если взглянуть на результаты сорокалетней скульптурной деятельности Андре Рабу, то можно заметить два элемента его художественного стиля: неизменную элегантность и колдовскую сакрализацию. Эти составные части творчества скульптора внушают глубокое уважение. Первая из них находит свое выражение в чувственности линий и форм. Их телесный аспект, красота пластики, тонкость гармонии и выразительная сила послания высвобождаются в их тонком аромате. Эта смесь мягкости и энергии в стиле «каменного цветка» вызывает ощущение легкого прикосновения. Произведение приобретает протяженность, единство и гравитацию, которые одновременно вопрошают, волнуют и очаровывают. Вторая – на мой взгляд самая важная и самая эмоциональная – это скрытая ссылка на особое значение священного и его личный характер, как если бы мы ощущали всю значимость племенных знаков, объективацию символов разных культур, форму сакрального языка. Его величественные монолиты – в частности пары людей – наводят на мысль о величии тотемов и их моральной и оберегающей силе. Скульптура Андре Рабу обладает этой силой. Она создает символ из смысла. Она находится сразу в своем времени и вне времен. Она современная и древняя, она

Les amants Granit des Indes, 2008 280 x 145 x 70 cm Roméo et Juliette Granit d’Afrique, 2008 233 x 300 x 100 cm Eternité Granit des Indes, 2008 256 x 156 x 45 cm Grand monolithe Granit des Indes, 2004 333 x 80 x 53 cm

Détail Tête dans les nuages

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La mémoire et la mer Ensemble de trois sculptures Granit d’Afrique, 2002 333 x 300 x 1333 cm

A gauche : Les amants Granit des Indes, 2008 275 x 150 x 100 cm A droite : Monolithe Granit des Indes, 2008 275 x 150 x 100 cm

обладает своеобразным нимбом в духе «хай-тек», несущем и историю, и легенду. Она эмпирическая и футуристическая, она вызывает у нас изумление и придает всему его творчеству уникальность. Благодаря этому насыщенному семантическому дуализму скульптор не принадлежит ни к одной школе, ни к одному движению, не обладает сходством с другими стилями. Правильное прочтение сорокалетнего творчества Андре Рабу – это длительная, разнообразная, сложная работа. Она заставляет нас признать его неоспоримую ценность, удивительную неодинаковость и самую искреннюю правдивость.

DANSE Dance Journées de Danse Contemporaine Suisse Tous les deux ans, et ce depuis 1998, les Journées de Danse Contemporaine investissent une région de Suisse pour en faire une véritable plateforme promotionnelle de la danse. En 2009 elles se sont installées au Tessin et ont permis, quatre jours durant, de découvrir près d’une vingtaine de spectacles et performances, représentant les développements récents en termes de création chorégraphique contemporaine suisse. La danse contemporaine est en plein essor. Cet art qui aime tant flirter avec les autres disciplines n’a de cesse de bousculer nos codes de référence autour du corps, de ses habitudes culturelles et sociales. Depuis la moitié des années 1980, une multitude de chorégraphes indépendants sont apparus dans le sillage des ballets. Leurs compagnies s’imposent aujourd’hui autant dans les lieux expérimentaux que sur les grandes scènes internationales. Chaque année, une quarantaine de compagnies suisses sillonnent les cinq continents. Les Journées de Danse Contemporaine s’adressent donc en premier lieu aux programmateurs étrangers. Grâce à l’excellence de ses compagnies, la Suisse a pu s’inscrire dans les réseaux internationaux de diffusion. La plupart des chorégraphes de renom sont co-produits par des théâtres et festivals étrangers. Cette situation reflète également le mode de fonctionnement de la profession, puisque l’absence d’une formation reconnue en Suisse a contraint les danseurs à s’expatrier, et permis à des professionnels du monde entier de trouver des engagements sur le territoire, voire de s’y établir. De ces influences culturelles multiples, la danse helvétique en a fait une richesse artistique, libérée de naissance des barrières linguistiques. La prochaine édition des Journées de Danse Contemporaine aura lieu à Berne en janvier 2011. Days of Swiss Contemporary Dance Since 1998, every two years, the Days of Swiss Contemporary Dance takes over a region of Switzerland to turn it into a genuine promotional stage for dance. In 2009, Tessin was the chosen spot, allowing the visitors to experience during its four days almost twenty shows and performances, representing the latest developments in contemporary Swiss choreographic creation. Contemporary dance is truly flourishing. This art, which so much loves to flirt with the other disciplines, never ceases to shake up the cultural and social norms of our codes of reference regarding the body. Since the mid-1980’s, numerous independent choreographers have sprung up from the ballets. Their companies now impress as much on the small experimental stages as on large international theatres. Each year, some forty Swiss companies appear worldwide. Therefore, the main audience of the Days of Contemporary Dance is foreign program directors. Due to the excellence of its companies, Switzerland has been able to enter the international distribution networks. Most of the well-known choreographers are co-produced with foreign theatres and festivals. This situation also reflects the way in which the profession functions. The absence of officially recognized training in Switzerland has forced dancers to go abroad and allowed professionals from throughout the world to find opportunities in Switzerland and eventually establish themselves. From these multicultural influences, Swiss dance has enriched itself artistically, unhampered from the very beginning by any linguistic barriers. The next edition of Days of Contemporary Dance will take place in Berne in January of 2011.

Murielle Perritaz Directrice de RESO

Zoo / Thomas Hauert “Accord” © Filip Vanzieleghem YoungSoon Cho “Whisky Gorilla” © Nina Tyack Nicole Seiler “Ningyo” © Nicole Seiler

Zeitgenössische Schweizer Tanztage Seit 1998 schwärmen die Zeitgenössischen Schweizer Tanztage alle zwei Jahre in eine Schweizer Region aus und verwandeln diese in eine wahrhafte Plattform zur Förderung des Tanzes. 2009 fanden sie im Tessin statt und ermöglichten es vier Tage lang, etwa zwanzig Aufführungen und Performances zu erleben, die die jüngsten Entwicklungen der zeitgenössischen schweizerischen choreografischen Kreationen vorführten. Der zeitgenössische Tanz erlebt einen regelrechten Boom. Diese Kunst, die so gerne mit den anderen Disziplinen flirtet, stellt unsere Grundvorstellungen vom Körper, sowie kulturelle und soziale Gewohnheiten immer wieder auf den Kopf. Seit Mitte der 1980er Jahre tauchten viele unabhängige Choreografen im Zuge dieser Tanzspiele auf. Ihre Compagnies haben sich heute sowohl auf experimentellen Podien als auch an den grossen internationalen Bühnen einen Platz erobert. Jedes Jahr bereisen etwa vierzig Schweizer Compagnies die fünf Kontinente. Die Zeitgenössischen Schweizer Tanztage wenden sich daher in erster Linie an ausländische Programmdirektorinnen und –direktoren. Dank ihrer erstklassigen Compagnies konnte die Schweiz Bestandteil der internationalen Verbreitungsnetze werden. Die meisten berühmten Choreografen arbeiten in Co-Produktion mit ausländischen Theatern und Festivals. Diese Tatsache zeigt auch auf, wie dieser Berufszweig funktioniert. Aufgrund der fehlenden anerkannten Ausbildung in der Schweiz waren die Tänzer gezwungen, ins Ausland zu gehen. Andererseits war es Tänzern aus der ganzen Welt möglich, auf Schweizer Boden Engagements zu finden und sich sogar dort zu etablieren. Aus diesen zahlreichen kulturellen Einflüssen ist ein künstlerisch reicher schweizerischer Tanz hervorgegangen, der keine sprachlichen Barrieren kennt. Die nächsten Zeitgenössischen Schweizer Tanztage werden im Januar 2011 in Bern stattfinden.

Giornate di Danza Contemporanea Svizzera

YoungSoon Cho “Whisky Gorilla” © Nina Tyack Hideto Heshiki “ Sympathetic Vibration” © Christian Glaus

Ogni due anni, dal 1998, le Giornate di Danza Contemporanea Svizzera invadono una regione della Svizzera per farne una vera piattaforma promozionale della danza. Nel 2009 si sono svolte nel Canton Ticino, proponendo al pubblico, nell’arco di quattro giorni, quasi una ventina di spettacoli e performance, che rappresentano i recenti sviluppi svizzeri in termini di creazione coreografica contemporanea. La danza contemporanea è in piena crescita. È un’arte che ama molto flirtare con le altre discipline e non cessa di sconvolgere i nostri codici di riferimento relativi al corpo e ai suoi comportamenti culturali e sociali. A partire dalla metà degli anni 80, sulla scia dei balletti, ha fatto la sua apparizione una schiera di coreografi indipendenti, le cui compagnie oggi sono affermate sia in ambito sperimentale che sulla grande scena internazionale. Ogni anno, una quarantina di compagnie svizzere percorre i cinque continenti. Le Giornate di Danza Contemporanea sono dunque rivolte in primo luogo ai programmatori provenienti dall’estero. Grazie alla bravura delle proprie compagnie, la Svizzera è entrata a far parte dei maggiori circuiti internazionali di diffusione: la maggior parte dei coreografi di fama sono co-prodotti da teatri e festival di altri paesi. La situazione rispecchia il funzionamento stesso della professione: l’assenza di scuole di formazione riconosciute costringe i ballerini a studiare all’estero, ma i professionisti di tutto il mondo riescono a trovare occupazione sul territorio svizzero e vi si stabiliscono. Le molteplici influenze culturali hanno fatto la ricchezza artistica del mondo elvetico della danza, che nasce libero da barriere linguistiche. La prossima edizione delle Giornate di Danza Contemporanea avrà luogo a Berna, nel gennaio 2011.

Jornadas de Danza Contemporánea Suiza

Cada dos años, desde 1998, las Jornadas de Danza Contemporánea se adueñan de una región de Suiza para convertirla en una verdadera plataforma promocional de la danza. En 2009 han elegido Tessin y, durante cuatro días, han permitido descubrir cerca de una veintena de espectáculos y actuaciones que han mostrado los logros más reciente en términos de creación coreográfica contemporánea suiza. La danza contemporánea está en pleno auge. Este arte que tanto gusta de flirtear con otras disciplinas no se detiene hasta que atropella nuestros códigos de referencia sobre el cuerpo y sobre sus hábitos culturales y sociales. A mediados de los años ochenta, los ballets dejaron una estela de coreógrafos independientes. Hoy en día sus compañías destacan tanto en plazas experimentales como en los grandes escenarios internacionales. Cada año, una cuarentena de compañías suizas recorre los cinco continentes. Las Jornadas de Danza Contemporánea se dirigen en primer término a los programadores foráneos. Gracias a la excelencia de sus compañías, Suiza ha podido integrarse en las redes internacionales de difusión. La mayor parte de los coreógrafos de renombre están coproducidos por teatros y festivales extranjeros. Esta situación refleja asimismo el modo de funcionamiento de la profesión, ya que la ausencia de una formación reglada en Suiza ha obligado a los bailarines a expatriarse y ha permitido a profesionales de todo el mundo comenzar de nuevo en el país, e incluso establecerse aquí. Gracias a sus múltiples influencias culturales, la danza helvética ha creado una riqueza artística y ha superado las barreras lingüísticas ya desde su nacimiento. La próxima edición de las Jornadas de Danza Contemporánea tendrá lugar en Berna, en enero de 2011. Дни современного танца в Швейцарии Каждые два года начиная с 1998, Дни современного танца превращают швейцарский регион в настоящую рекламную платформу для танцев. В 2009 г они проходили в кантоне Тичино и за четыре дня позволили провести два десятка представлений и перформансов, представляющих новейшее развитие современной швейцарской хореографии. Современный танец находится на подъеме. Это искусство, которое так любит заигрывать с другими дисциплинами, не переставая меняет наши представления о теле, о его культурных и социальных аспектах. С середины восьмидесятых годов по следам балета пошло множество независимых хореографов. Их труппы выступают сегодня и на экспериментальных площадках, и на крупнейших международных сценах. Каждый год четыре десятка швейцарских трупп находятся в разъездах на всех пяти континентах. Дни современного танца предназначены в первую очередь для иностранных постановщиков. Благодаря совершенству своих трупп Швейцария смогла попасть в число международных программ. Большинство известных хореографов представляют также иностранные театры и фестивали. Эта ситуация отражает особенности профессии, поскольку отсутствие образования, признаваемого в Швейцарии, вынуждало танцоров покидать родину, и позволило профессионалам со всего света найти работу на ее территории и даже получить право на постоянное проживание. Из этого множества культурных влияний швейцарский танец, от рождения свободный от языковых барьеров, впитал свое артистическое богатство. В следующий раз Дни современного танца пройдут в Берне в январе 2011 года.

YoungSoon Cho “Whisky Gorilla” © Nina Tyack Nicole Seiler “Ningyo” © Nicole Seiler

Hideto Heshiki ➤ “ Sympathetic Vibration” © Christian Glaus YoungSoon Cho ➤ “Whisky Gorilla” © Nina Tyack Hideto Heshiki ➤ “ Sympathetic Vibration” © Christian Glaus

Magdolna KEEL L’artiste nomme son style « réalisme poétique ». Elle désire que ses tableaux (peints avec diligence) réjouissent l’âme et le cœur des gens. Le spectateur aimant la beauté de la nature et la simplicité des objets communs appréciera les œuvres charmantes et exquises de Magdolna Keel. Magdolna Keel, née en Hongrie, quitte son pays d’origine après la répression de l’insurrection populaire de 1956 et vit dès lors en Suisse. Elle étudie l’architecture à l’Ecole Polytechnique Fédérale de Zürich et termine avec un diplôme en 1968. Elle expose comme artiste peintre depuis 1980. Elle contemple le monde objectivement et le transforme dans ses tableaux de manière artistique et esthétique. En amalgamant réalité, beauté et poésie, elle crée des compositions pleines d’imagination aux couleurs intensives, réalisées avec beaucoup de vigueur et de joie de vivre. L’artiste peint des objets arrangés dans des groupes harmonieux, au milieu d’espaces apparemment illimités, afin que ces objets paraissent tangibles. Ces objets représentés sous différentes positions sont montrés grâce à des reflets de tous leurs côtés. Les pierres, plumes et coquillages se présentent dans leur unicité et beauté, inéluctables du point de vue couleur, forme et surface. Sachant qu’elle nage à contre-courant, l’artiste étudie aussi l’art contemporain et repousse consciemment certaines tendances. Elle aime dire d’ellemême : « Qui nage à contre-courant ne s’attend pas à ce que le fleuve change de direction ». Ses tableaux rayonnants enchantent l’âme et le cœur, et c’est en ceci que Magdolna Keel voit sa contribution à l’art. The artist calls her style « poetic realism. » She would like her paintings (composed with diligence) to bring joy to the heart and soul of people. Any observer who loves the beauty of nature and the simplicity of everyday objects will appreciate the charming and exquisite works of Magdolna Keel. Magdolna Keel, born in Hungary, left her native country after the suppression of the popular revolt of 1956, and has since lived in Switzerland. She studied architecture at the Ecole Polytechnique Fédérale in Zurich and received her degree in 1968. She has been exhibiting her paintings since 1980. She views the world objectively as well as artistically and esthetically transforms it in her paintings. In fusing reality, beauty, and poetry, she creates works filled with imagination portrayed with intense colors and achieved with much vigor and joy of life. The artist paints the objects arranged in harmonious groups in the middle of seemingly unlimited spaces so as to make the objects appear tangible. These objects, represented in different positions, are seen thanks to the reflections of all their sides. Stones, feathers, and shells are presented in their uniqueness and beauty, ineluctable in terms of color, form, or surface. Knowing that she is going against the current, the artist has also studied contemporary art and consciously rejects certain tendencies. She herself likes to say: “Whoever swims against the current does not expect the river change direction.” Her bright paintings enchant the heart and soul. That is how Magdolna Keel sees her contribution to art.

Hedy Barothy Journalist

Magdolna Keel www.magdolnakeel.ch

Kathrin’s Garten Oel auf Leinwand 100 x 140 cm Kleine Spuren eines grossen Sommernachmittags Acryl auf Leinwand 115 x 150 cm Quitten spiegeln sich auf Silbertablett Acryl auf Leinwand 50 x 60 cm

Pitypang Oel auf Leinwand 100 x 140 cm Grosse Federskizze Acryl auf Leinwand 100 x 140 cm

Poesie der Pflastersteine Acryl auf Leinwand 100 x 120 cm

Trauben spiegeln sich auf Silbertablett Acryl auf Leinwand 50 x 60 cm Herbst Acryl auf Leinwand 90 x 160 cm

Die Künstlerin selbst bezeichnet ihren Malstil als poetischen Realismus. Ihr grösster Wunsch ist, dass die Bilder, die sie mit grosser Sorgfalt und Präzision malt, den Sinn und das Herz der Menschen erfreuen. Der Betrachter, der die einzigartige Schönheit der Natur und die Schlichtheit der einfachen Dinge liebt, wird die reizvollen Bildkompositionen und aparten Stilleben von Magdolna Keel zu schätzen wissen. Magdolna Keel in Ungarn geboren und aufgewachsen, verlässt ihre Heimat nach der Niederschlagung des Volksaufstandes 1956, und lebt seitdem in der Schweiz. Hier studiert sie an der ETH in Zürich Architektur, und schliesst 1968 mit dem Diplom ab. Als Malerin tritt sie ab 1980 regelmässig mit Ausstellungen an die Oeffentlichkeit. Sie versucht die Welt zwar objektiv zu betrachten, beschränkt sich aber nicht auf deren blosse, detailtreue Wiedergabe. Vielmehr gelingt es ihr, diese Welt in ihren Bildern künstlerisch-ästhetisch umzusetzen. Reales mit der Schönheit der Poesie vermischend, entstehen bei ihr fantasievolle, farbintensive Kompositionen, die sie immer wieder mit viel Kraft und Lebensfreude gestaltet. Alltägliche Dinge zu einer harmonischen Gruppe arrangierend zeichnet und malt die Künstlerin die Gegenstände in scheinbar unbegrenzte Räume so, dass sie dreidimensional, greifbar, also plastisch erscheinen. Die Darstellung der Objekte in verschiedenen Positionen und mittels Spiegelungen ermöglicht ihr, diese gleichzeitig von allen interessanten Seiten zu zeigen. Ausserdem präsentiert sich dem Betrachter bezüglich Farbe, Form und Oberfläche jeder Stein, Feder, Muschel usw. in seiner Einzigartigkeit und naturgegebenen Schönheit. Magdolna Keel weiss, dass sie mit ihren Bildern heute gegen den Strom schwimmt. Sie setzt sich intensiv mit der zeitgenössischen Kunst auseinander und lehnt bewusst gewisse Tendenzen ab. So zitiert sie gerne: „Wer gegen den Strom schwimmt, kann nicht erwarten, dass der Fluss seine Richtung ändert.“ Aber ihre schönen, strahlenden Bilder erfreuen die Seele und das Herz vieler Menschen, und darin versteht Magdolna Keel ihren Beitrag zur Kunst dieser Welt.

Blick ins Unendliche Acryl auf Leinwand 100 x 140 cm

Auf weiche Wolken gebettet verlieren die härtesten Gesellen ihre Standhaftigkeit... Farbstift / Oelkreide 50 x 210 cm Stilleben mit Muschel Acryl auf Leinwand 80 x 110 cm Kapuzinerli Acryl auf Leinwand 100 x 160 cm

L’artista definisce il suo stile « realismo poetico » e desidera che i suoi quadri (dipinti con zelo) allietino l’animo e il cuore della gente. Lo spettatore che ama la bellezza della natura e la semplicità delle cose comuni apprezzerà senz’altro il fascino e la squisitezza delle opere di Magdolna Keel. Magdolna Keel nasce in Ungheria, ma abbandona il suo paese d’origine dopo la repressione dei moti popolari del 1956 e da allora vive in Svizzera, dove ha studiato architettura al Politecnico Federale di Zurigo, diplomandosi nel 1968. Dal 1980 espone come pittrice. L’artista contempla il mondo con sguardo oggettivo, poi lo trasforma nei suoi quadri con abilità artistica ed estetica. Amalgamando realtà, bellezza e poesia, Magdolna Keel crea composizioni dai colori intensi, cariche di immaginazione, realizzate con estremo vigore e grande gioia di vivere. L’artista dipinge insiemi armoniosi di oggetti, disposti al centro di spazi apparentemente illimitati, di modo che appaiano tangibili. Gli oggetti sono rappresentati in diverse posizioni e visibili da ogni lato, grazie a particolari effetti di luce. Pietre, piume e conchiglie sono presentati nella loro unicità e bellezza, ineluttabili dal punto di vista del colore, della forma e della superficie. Consapevole di nuotare controcorrente, l’artista si avvicina anche all’arte contemporanea, ma rifiuta con decisione certe tendenze. Riferendosi a se stessa, ama dire: « Nuotando controcorrente, non si è colti di sorpresa se il fiume cambia direzione ». I suoi quadri luminosi incantano anima e cuore ed è proprio questo il contributo che Magdolna Keel vuole dare all’arte.

Mikado Farbstift auf Karton 50 x 70 cm

La artista califica su estilo como « realismo poético ». Desea que sus lienzos (pintados con diligencia) alegren el alma y el corazón de la gente. El espectador amante de la belleza natural y de la simplicidad de los objetos cotidianos apreciará las fascinantes y exquisitas obras de Magdolna Keel. Nacida en Hungría, Keel abandonó su país de origen tras la represión del levantamiento popular de 1956 y desde entonces reside en Suiza. Estudió arquitectura en la Escuela Politécnica Federal de Zürich, donde se diplomó en 1968. Expone como artista desde 1980. Contempla el mundo objetivamente y lo transforma en sus lienzos de manera artística y estética. Fundiendo realidad, belleza y poesía, crea composiciones rebosantes de imaginación y con colores intensos, realizadas con enorme vigor y alegría de vivir. La artista pinta objetos ordenados en grupos armoniosos, en medio de espacios aparentemente ilimitados, para que esos objetos parezcan tangibles. Los elementos representados desde diferentes perspectivas se muestran gracias a los reflejos de todos sus lados. Piedras, plumas y conchas se presentan en su unicidad y en su belleza, ineludible desde el punto de vista del color, de la forma y de la superficie. Sabedora de que nada a contracorriente, la artista también estudia el arte contemporáneo y rechaza conscientemente algunas tendencias. Suele decir de sí misma: “Quien nada a contracorriente no espera que el río cambie de dirección”. Sus deslumbrantes cuadros hechizan el alma y el corazón, y en ello ve Magdolna Keel su contribución al arte.

Художница называет свой стиль «поэтическим реализмом». Она стремится к тому, чтобы ее старательно написанные картины радовали сердца и души людей. Посетитель, любящий красоту природы и простоту обычных предметов, оценит очаровательные и изысканные произведения Магдольны Кеель. Магдольна Кеель, родившаяся в Венгрии, покинула свою родную страну после репрессий против народного восстания 1956 года и с тех пор живет в Швейцарии. Она изучает архитектуру в Федеральной Политехнической школе Цюриха и в 1968 году получает диплом. Как художница она выставляется с 1980 года. Она рассматривает мир объективно и трансформирует его в своих картинах в эстетическо-художественной манере. Смешивая реальность, красоту и поэзию, она создает полные воображения композиции в ярких цветах, исполненные с большой убедительностью и радостью жизни. Художница рисует предметы, объединенные в гармоничные группы, посреди пространства, которое кажется ограниченным, но делает эти объекты более осязаемыми. Эти объекты, представленные в разных положениях, благодаря отражениям показаны со всех своих сторон. Камни, перья и ракушки предстают во всей своей уникальности и красоте, которые они приобретают благодаря цвету, форме и поверхности. Художница знает, что плывет против течения. Она изучает также современное искусство и сознательно отвергает некоторые тенденции. О себе она любит говорить: «кто плывет против течения – не ждет, что река повернет вспять». Ее лучезарные полотна очаровывают душу и сердце, и именно в этом Магдольна Кеель видит свой вклад в искусство.

Kurt ABEL 65

Art Schow Zürich 15-17 Mai 2009 Puls 5 Hallen, Moosgrün 150 x 200 cm Jahr 2007 in Peking, Ausgestellt Tianyi PALLACE Library MUSEUM Ningbo, und German Embassy Peking Wolke Namnuforrest China realisation 2010 Exhibition Leopold Hoesch Museum Düren, Germany Jahr 2006- Autoreliquie Ostensorium Bildausschnit der Messebeteiligung der Art Schow Zürich: Sonne Orange, Ornakelt, Gelbrotbla Farbgitter!

Kurt Abel Kurt-abel2000@yahoo.de

Art of Kurt Abel (*1973 Aachen Germany ) baroque expressionism - painting installation. Pictures: Garish paints, moved brushwork show Abels radical being. His red pictures are calligraphic subscriptions in oil paint. These emit immediately to lava, energyglistening strength. His green and blue pictures swear to the elements of nature. *Baroque Expressionism, called by Nadya Bascha Artcritic Special exhibitions: Kurt Abel-culturally Representant to the city of Aachen in the Chinese Ningbo 2007Tianyi Library Pallace museum 1600 m ² only for the solo exhibition of Kurt AbelIncredibly into younger German Chinese history! His Installation extend the aesthetic event by a political statement. In 2006 the first installation Germany: Autorelic Ostensorium lay out of his private car like a Holy one the car is the sanctum of 20 jhrd. Comparably with the emperor Karlsschrein in Aachen , the Leninmausoleum in Moscow . His new environmental project is called “CloudAgainst climatchanging” Realisation China , in particular world exhibition in 2010 Shanghai .

anaka 66 anaka, through the looking glass... anaka was born in Paris in 1965. She has lived in

Haute-Savoie for more than twenty years. A plastic artist, she has exhibited her work since 2001. Her artistic journey as expressed in her writing came to a forefront when she encountered plexiglas. Its transparent nature has the unique characteristic of placing in the forefront that which was painted first. Here, the indication, the mark, is conceived first, which is logical. Slowly, each layer covers the one before it, until depth, more or less opaque, is achieved, allowing the previous stages to be seen as strata lain to create the matter, to give body to the primal scream released and trapped behind the smooth surface of the plexiglas. The words are written in mirror images from the left hand in a text completely reversed, written from right to left, which is decoded in turning the plexiglas. The letters leave a trace and slowly make the successive layers disappear, alternately scratched or underlined. All that remains is the undetectable mark, the invisible story that is discovered piece by piece.

anaka www.anaka.org

anaka gives live performances with her companion, Jacky Mouvillat, a Stick Chapman player. Together, they give performances based on a live demonstration of full screen mirror-writing on plexiglas in which the music and colorful calligraphy feed off each other.

Pour tous les tableaux : Techniques mixtes sur plexiglas, peinture à rebours, écriture-miroir, acryliques. Mandala SOL. Diamètre 63 cm sur plexi 10 mm Selon G., IV Format 150 cm x 100 cm sur plexi 5 mm Silhouette Trash Format encadré : 75 cm x 43 cm sur plexi 5 mm

Mon Coeur éperdu Format : 100 cm x 55 cm sur plexi 10 mm

Selon M. Format 100 x 75 cm sur plexiglas 10 mm d’épaisseur

BOUN 67

BOUN art.boun@yahoo.fr

Jeux au Soleil Couchant 97 x 130 cm. Oil on linen Sunset in Wudalianchi 81 x 65 cm. Oil on linen

Beautiful Day Come 150 x 200 cm. Oil on linen

Happy Wind 150 x 200 cm. Oil on linen

Horse Race in the Desert 100 x 200 cm. Oil on linen

BOUN, a Chinese-Vietnamese painter, was born in 1965. He has lived in FRANCE since 1973. A member of the European Academy of Arts and the National Federation of French Culture, European Art Group, this multilingual globetrotter has from his childhood been influenced by both oriental and western culture. A talented communicator, he is passionate about Culture and Art as well as people. He has never lost his capacity to marvel. Some of his colors are produced using natural pigments. Knowledgeable, crazy about painting, he furiously works, taking no breaks. His absolute freedom allows him to be completely audacious and provides him with an almost unlimited amount of sources of inspiration. His passion for colors and his extreme physical involvement can be seen in his works. Emotion and power burst out at you, creating magnetism.

Jean-Marc CLAIRET 68 It took me many years of being a fashion photographer and preparing a variety of documentaries to understand that photography is only a set of tools that allows the photographer to reveal the image. Once I understood that, I no longer had any limits aside from the beauty that compelled me to create. Through photography, my artistic freedom is fully expressed. From the real to the imaginary, as from the figurative to the abstract, it is only one small step.

Jean-Marc Clairet www.jean-marc-clairet.com jeanmarcclairet@hotmail.com

Dos en fleurs.

Le Jour Bleu.

Magic Zigzags.

Lâ&#x20AC;&#x2122;Ombre de Budapest.

Bandage Girl.

LumiĂ¨re.

Evelin CORM 69

Evelin Corm - peintures à l’huile s.corm@bluewin.ch

Evelin Corm is fascinated by nature, the source of life, which she expresses pictorially with a quite personal vision. She frees herself from the initial object, with her personal vision supplanting the real. The observer sees in her paintings the eloquent marriage of emotion, interpretation, and externalizing of passions, all which burst out from the brightness, colors, and softness.

Paysage du Nord : 54 x 73 cm Sardaigne : 60 x 80 cm Au Bord de l’Etang : 60 x 73 cm Islande : 80 x 100 cm

Serge DIAKONOFF 70 A human portrait may be the mental picture created by the painter of the person. The observer should not see a mutant or an entity coming from another world in the representation, but instead a human being as of now, the person as he exists in his soul. For me, the job of artists is not mainly to produce “beautiful” works, but primarily to feel and express their universe and, through that, everybody’s world. Artists cannot actually decide to be avant-garde. They join it if they meet one condition: their sensitivity makes them perceive and translate for the first time what the collective feels or will feel. Real painters must never think they are doing Art.

Serge Diakonoff serge.diakonoff@vtxnet.ch

Objet magique multi-usages 2008. Sculpture/montage. L. 145 cm Dans mon jardin. 2007. Huile sur toile et relief. 60 x 60 cm

Photos : André Longchamps Messie arrivant avec retard 2008. Dessin à l’encre et collage sur toile. 50 x 70 cm

Karin Grillet 71 I was born in Bâle in 1957 into an artistic family. Today I live and work in Rolle on the shores of Lake Léman. As long as I can remember, I have expressed myself through drawing and painting. These means of expression have always been a way of externalizing what was cooking inside me, knowing that I was nevertheless incapable of explaining a picture. This is not about an intellectual process, but instead something instinctive, intuitive, sensual, and absolutely vital. Between 1992 and 2003, I took courses in various Art Schools and have exhibited regularly since 1998. Karin Grillet karingrillet@yahoo.fr

Peinture à l’huile et techniques mixtes. 120 x 120 cm 100 x 100 cm 120 x 120 cm 100 x 100 cm 120 x 120 cm 120 x 120 cm

HAFIS 72

Photos : Bernard Sperling, Dubai 2009 1 - “Vagues” acrylic sur vlies, de 24 m de long. 2 - “Vagues”, Bastakiya Art Fair, Dubai, 2009 3 + 4 - Deux versions de la sérigraphie “vagues” 2009, sur papier, toit du Consulat Général Suisse à Dubai, mars 2009 5 - Détail de l’installation à Bastakiya Art Fair, Dubai, 2009

Hafis Bertschinger hafis@sunrise.ch

Heidy Su HANSELMANN

Heidy Su Hanselmann www.heidyhanselmann.ch Eva Wandobjekt 30 x 30 cm

Susanna Acryl 80 x 100 cm Michelle Acryl 40 x 40 cm

Cinderella Skulptur 50 x 200 cm

Angelina Acryl 40 x 40 cm

Born in the canton of Aargau, under the sign of Aquarius, I was already painting and dancing as a small child. I received training in fashion design at the Grace School of Fashion in Zurich. I learned gymnastics and dance. I danced in fashion shows and performances. I acted in the theatre. I designed the wedding dresses of my friends and painted silk clothes. I had additional training at the graphics school in Bienne as well as in body and oil painting in Bern. I live with my husband at Magglingen. For 10 years, I have given silk painting lessons to children and adults. In Bienne, I have painted in various workshops. In 2005, I opened my own studio and gallery “Lo Spazio”. It is a place to paint, meet people, and experiment. I have a passion for working with acrylic, ink, chalk on paper and canvas. I experiment with textiles, jean fabrics, undersides, or stilettos as my subjects. I am in constant movement, using my head, body, or paintbrush and probe what makes us tick, us women. My current subject: What do women dream about ….. and what do men dream about!

Elouni JANHAOUI 74 Born in April, 1966 in Tunisia, I grew up in Kasserine. I have lived in Switzerland since 1988. I have slowly started to release and express my feelings through drawing, painting, and later sculpture. I communicate entirely with the various materials and am self-taught. All is new for me, but not unfamiliar. I experience the material. From there, everything takes form: power, pain, beauty, spirituality, joyâ&#x20AC;Ś. I have the impression that I am merely unveiling what already exists. I have also worked with bronze. In October of 2005, I had the pleasure of being designated by the Art Forum as the Swiss Representative as the honored guest to the International Salon of Contemporary Art and Design, Art Sud Design in Sanary sur Mer in France.

Elouni Janhaoui www.patte-blanche.ch

Tendresse.

Les Pics.

Seul.

Le Voile.

Lâ&#x20AC;&#x2122;inconnu.

Elisabeth JOBIN-SANGLARD

Elisabeth Jobin-Sanglard elisa.jobin@bluewin.ch

Méditation Rouge et Or 2009, papier de riz à la feuille d’or de rite bouddhique, marouflé sur toile de 20 x 20 cm.

“The concept of tracing is alive throughout the work of Elizabeth Jobin-Sanglard. A trace perceived like a sign left by the artist is similar to animals that leave their footprints in the snow, airplanes leaving their wake in the sky, and the shadow acting as a witness to a presence. This is the trace of life, feeling, presence and absence. One after another, black or white, colored spots, fluid, nervous, or blurred, these traces resonate as if they were meditations on nature, the countryside, the body, or emotions.” Françoise-Hélène Brou, art historian, at the special opening of the personal exhibition of the artist Art Work created in 2008-2009, inspired by the sun setting over the Polynesian sea. Acrylic painting with gluedon paper created by the artist on a canvas with rubber bands and bamboo of 2.48/1.55 m exhibited at FARB (Delémont, beginning of 2009) and in Europe’art 09, (Palexpo, Geneva in April of 2009) View of a paper relief created by the artist provided by the texture of the mosquito net upon being pressed. Piece of a work of 2.48 / 2.08 m, (2008-2009), with orange, black, and gold tones, with gluing of papers created by the artists and silver-leaved rice papers of the Buddhist rite for the cult of the ancestors. Work of 2.78 / 2.48 m (20098-2009), with, in addition to the gluing of papers created by the artist and silver-leaved rice papers, three papers by the artist Huber Böckle de St. Gall, a member, as is the artist, of IAPMA www.iapma.infoserait - www.europart.ch

Dinosaures II, 2007 Peinture acrylique sur toile 50 x 40 cm, marouflage des papiers créés en 2000 à partir de peaux de bananes et poils de kangourous.

Légende de Détail d’ETERNITE 2,48/2,08m, (2008-09), aux tons orangés, noirs et ors, avec marouflage de papiers créés par l’artiste et de papiers de riz à la feuille d’argent de rite bouddhique, pour le culte des ancêtres.

Madeleine VAN DER KNOOP

Perroquet sur branche Bronze patiné, sur socle en granite noir. Hauteur 145 cm.

My passion is to express in the bronzes that I create of human figures and animals, the perceptions that touch me; the state of mind of a person or the characteristics of the animal. The proportions of my sculptures are natural, with a personal interpretation that accentuates the individual features of my model. Next to my free work, I create sculptures on commission; portraits or persons life size.

Grand duc Bronze patiné. Hauteur 100 cm. Madeleine Van Der Knoop www.madeleinevanderknoop.com

Guépard Bronze patiné. Longueur 135 cm.

Couple de perroquets Bronze patiné, sur socle en granite noir. Hauteur 175 cm.

Paon Bronze patiné, incrusté de verres en bleu cobalt et feuille d’or. Hauteur 200 cm.

Détail d’un perroquet sur branche. Bronze patiné.

Gérald VIZIO 77

Gérald Vizio vizio.gerald@gmail.com

Edouard VIZZ HEYRAUD Through the dynamic evolution of his “bionic art concept,” Edouard HEYRAUD, a young DESIGN artist, alias VIZZ, has succeeded in creating his own style. Each object is unique and can be found midway between the living and robotic world. A pure product of the imagination, his creatures, coming from another world, maybe past civilizations, between the already outdated future of the post-apocalyptic era and near future of the cyber punk movement, remind us of the tortured characters and hostile universe of Tank Girl in which vulgarity and sensuality blend; the observer can also find the indulgent inspiration of the greatest (Hewlett, Bilal, Giger and many others…) The intentionally aggressive and provocative aspect both amuses and annoys. Gradually, observers make the subject their own, interpret it, and make it speak to them. Without a doubt, at this precise instant, the artist has succeeded in transmitting his message. The metallic presentation and the search for the quality of the surface state intentionally create a distance from the tortured structure of the object. The creative approach is continuously renewed by the variety of materials and the diversity of techniques used.

Edouard Vizz Heyraud www.myspace.com/vizzz_dpz

VIZZ - Tyson (Tequila Obsession) 90 x 70 cm. Technique mixte

VIZZ – Divabou 29 x 41cm. Technique mixte VIZZ & Jeanspezial Urban-Chic, 196 x 158 cm. Technique mixte

VIZZ – Sam, 190 x 160cm, Technique mixte

VIZZ - Lady Tekila (Tequila Obsession) 190 x 160 cm. Technique mixte

Mark WALKER 79 Their genesis is marked by a vision: the never ending story of human eternity and transcendental power of love. The works of Mark Walter interpret this universe filled with suspense in a dazzling, futuristic, and mysterious way. The sculptures play on the levels of visualization. A refined labyrinth of elements attracts the interest of the spectators, allowing them to better guess, glimpse, and apprehend what is hiding behind the facade. A shadow game, sometimes severe and sometimes unclear, related to an intense and enveloping light, creates a space-light relation as complex as it is varied and fills the coldly esthetic metal sculptures with warmth. By means of the gleaming light and reflection, the interior of the sculptures causes observers to see themselves, in a light and cheerful way. The artist, born in 1953 in Berne, did his studies at the Accademia di belle arti of Florence. He has lived in Switzerland since 1976.

Mark Walker markwalker@laser-sculptures.ch

Mystery 2000 steel 250 x 39 cm, collection Schweizer Paraplegiker Zentrum Nottwil. Far-Sighted steel 2002 steel 300 x 160 cm, collection Headquarter C&A Fashion Bruxelles. On the Way 2006 steel 250 x 40 cm, collection Raiffeisen Bank Hildisrieden. In My 2009 steel 250 x 39 cm. Female 2000 steel 80 x 30 cm, collection Andrea Fischbacher

Willoft

Vazy Vaza Acryl on plexiglass. 102 x 74 cm. Cheminée Iron. 180 x 30 x 40 cm.

80 Olivier Wilhem, a plastic artist, was born in 1954 in Porrentruy in Switzerland. Since 2008, he has worked in his studio in Montevideo, Uruguay. Contemporary abstract creation celebrating the emotional, irrational, random, unconscious, and colors; acrylic, spray, Indian ink, or silkscreen painting are applied on transparent supports, Plexiglas, or glass on the opposite side or, more rarely, on paper or sometimes on canvas. The creative objects are constructed of recycled items from daily life: wood, metals, various objects. “There is joy and humor in the artistic approach of Willoft. In painting, he speculates. Playing with the transparency of the support, Plexiglas, or glass, with the brilliance of free, young, loud, and spontaneous colors applied on the reverse side of the support, he shows his vision of the world. Willoft appears to be very thrifty with melancholy in his work, yet .... he expresses his emotions through the clear light of day. He uses tricks. He often divides his paintings into strips, playing with the shadows so obtained to consider an interval or obtain the third dimension, the reverberation of things through a bevel.”

Olivier Wilhem www.willoft.com

Looping Acryl on plexiglass. 102 x 74 cm. Calque 4 Acryl on calque paper. 50 x 70 cm.

Suite 4 Ink on paper. 100 x 35 cm.

High Frequency Acryl on plexiglass. 102 x 74 cm.

Claude WIRA 81 Wira, a French-Swiss neo-surrealist. Born on November 8, 1947 in Bisel, he received the GIFT of pictorial art in his cradle. In the beginning, it was mainly portraits with red chalk and pencil, followed by copying Velasquez and Ingresâ&#x20AC;Ś With a passion for mythologies and esotericism, he became interested in Salvador Dali and discovered mediumship and visionary painting.

Claude Wira cwira@neuf.fr

Canzone Blue : 81 x 60 cm Roses du Soleil : 65 x 54 cm La Naissance du Monde Nouveau : 130 x 89 cm

LA BEAUTE La beauté? Il n’est pas de bon ton de se servir du terme «beauté» pour qualifier une nouvelle œuvre. On peut comprendre les artistes actuels. Quel mot galvaudé que la beauté: bon certes pour l’art ancien, objet de constantes spéculations; bon pour l’art académique, pour les arts artisanaux ou décoratifs, le design; bon, encore, pour les concours de beauté, la cosmétique, le tourisme, la publicité… bon pour l’esthétisme, quoi! Or l’art contemporain des artistes à la mode, installateurs, vidéastes, auteurs de performances, n’a cure de critères de beauté. Il faut plutôt viser l’émotion, la peur, parfois l’humour, et surtout entretenir la provocation, en intégrant des éléments de laideur comme le kitsch, la pornographie ou la politique. En sortant d’un événement artistique on ne devrait plus s’écrier: «Que c’est beau!», mais: «Que c’est grand!», «Que c’est fort!», «Quel courage!», pis encore : «C’est bien!» - entendez par bien: correct! Tout cela serait néanmoins en train de changer. Discrètement réapparaît la beauté dans certains propos artistiques, dans certains écrits. Pourquoi, on ne le sait. Certains artistes veulent encore y croire, à la beauté. Nostalgie? Ainsi, parler de beauté ne semble plus tellement scandaleux, ainsi que le craignait il y a deux ans encore l’écrivain sinofrançais François Cheng, dans l’introduction de ses Cinq entretiens sur la beauté (1). Il faut comme lui avoir fait l’expérience de la beauté pour pouvoir en parler, si profondément. Il avoue avoir été «terrassé par la beauté», enfant, lors de vacances au Mont Lu de sa Chine natale, dans la province du Jangxi. Il y découvrait une montagne immaculée, des forêts, des lacs, des cascades beauté de la nature et des éléments - et puis de jeunes femmes occidentales, au bain! Vint ensuite la découverte de la beauté artistique, de la beauté intérieure. Sa beauté inclut le bien, mais elle contient autre chose: le mystère. Mystère de la beauté, présente dans chaque vie, unique en soi. Beauté de la présence, éphémère comme la vie, d’où son caractère tragique. C’est aussi la singularité de chaque œuvre d’art. Beauté sculpturale représentée dans les Vénus grecques, beauté picturale, avec la Vénus aux yeux clos de Giorgione… pour ne citer qu’elle. Beauté de la musique allemande, de l’opéra italien, du piano de Chopin, de la poésie anglaise, du roman russe: - … la beauté sauvera-t-elle le monde, ne cesset-on de se demander après Hippolyte, le jeune moribond de Dostoïevski (2)?

Pierre Hugli, journalist «ph+arts» Magazine

Alberto Giacometti : Annette, 1954 Huile sur toile, 92 x 73 cm

Beauty? It is not correct form to use the term «beauty» to describe a new work. One can understand the point of view of contemporary artists. No word is bandied about more than beauty: It is certainly appropriate for ancient art, having been endlessly analyzed; appropriate too for academic art and for the artisanal or decorative arts, design; appropriate also for beauty contests, cosmetics, tourism, advertising … appropriate for estheticism, yes! Yet, the contemporary art of the popular artists, technicians, video artists, and performers is indifferent to the criteria of beauty. It is more important to aim for emotion, fear, sometimes even humor, above all adding provocation while integrating elements of ugliness such as kitsch, pornography, or politics. When leaving an artistic event, one should not be exclaiming: «How beautiful!» but instead: «How fantastic!» «How powerful!» «Such courage!»; Even worse would be: «How good!»

(1) Albin Michel, Paris, 2006 (2) L’Idiot

Félix Valloton : Le sommeil, 1908 Huile sur toile, 113,5 x 162,50 cm Musée d’art et d’histoire, Genève

Greek Venuses, pictorial beauty of the Venus with closed eyes of Giorgione, to name just one, the beauty of German music, Italian opera, Chopin piano pieces, English poetry, and the Russian novel. …«Will beauty save the world,» as Hippolyte, the young moribund hero of Dostoevsky is constantly wondering (2)? Yes, it has been a long time since beauty saved the world! Die Schönheit?

Paul Klee : A toute sa tête, bon pied, la main et du cœur, 1930 Aquarelle et plume sur carton, 41,8 x 29 cm. Düsseldorf Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen

Tête de divinité cycladique. Amorgos, C. 2400-2200, marbre de Paros. Musée National, Athènes

Rembrandt : Saskia en flore, 1634, peinture, 125 x 101 cm. St-Petersbourg, Musée de l’Hermitage

Pablo Picasso : Portrait de Jacqueline, 1963 Huile sur toile, 92 x 60 cm Galerie Rosengart

it being understood that good means correct! Nevertheless, all of this seems to be changing. Beauty is discretely making a comeback in certain artistic areas and in certain written works. The reason for it is unknown. Some artists still want to believe in beauty. Could it be nostalgia? Thus, speaking of beauty no longer seems as scandalous as the Chinese-French author Francois Cheng so feared two years ago in the introduction to his Cinq Entretiens Sur La Beaute (1) [Five Discussions on Beauty]. It is necessary to have experienced beauty like he did to be able to speak about it so profoundly. He confesses to have been «floored by beauty,» as a child during vacations in Mount Lu in his native China in the Jangxi province. He discovered there a pristine mountain with forests, lakes, waterfalls – the beauty of nature and elements - as well as that of young Western women bathing! Later came the discovery of artistic and interior beauty. His beauty includes goodness, but also something else: mystery. The mystery of beauty is present in each life, unique within itself. The beauty of presence is fleeting like life itself, hence its tragic nature. Such also is the uniqueness of each work of art: the beauty of sculpture represented by the

Den Begriff „Schönheit“ zur Charakterisierung eines neuen Kunstwerkes zu verwenden, gehört nicht zum guten Ton. Man kann die Künstler von heute verstehen. Was ist Schönheit doch für ein strapaziertes Wort: Gut ist es sicherlich für die alte Kunst, die Gegenstand ständiger Spekulationen ist; gut für akademische Kunst, Kunsthandwerk oder Kunstgewerbe und Design; gut auch für Schönheitswettbewerbe, Kosmetik, Touristik, Werbung … kurz gesagt: gut für den Schönheitskult! Nun, die zeitgenössische Kunst der modernen Künstler, der Installations-, Video- und Performancekünstler macht sich nichts aus diesen Schönheitskriterien. Eher müssen Emotionen, Angst, manchmal auch Humor angesprochen werden und vor allem muss für Provokation gesorgt werden, indem hässliche Elemente aus Kitsch, Pornografie oder Politik eingebunden werden. Beim Verlassen einer Kunst-Veranstaltung sollte man nicht mehr rufen. „Wie schön!“, sondern „Wie groß!“, „Wie stark!“, „Wie mutig!“, schlimmer noch ist „Das ist gut! “ – „gut“ bedeutet „korrekt!“ All dies soll sich jedoch in einer Phase des Wandels befinden. Unauffällig taucht die Schönheit in einigen künstlerischen Äußerungen und Schriftstücken auf. Warum, das weiß man nicht. Einige Künstler möchten immer noch an sie glauben, an die Schönheit. Nostalgie? Es scheint nicht mehr so äußerst skandalös zu sein, wie es noch vor zwei Jahren der chinesisch-französische Schriftsteller François Cheng in der Einleitung seiner Cinq entretiens sur la beauté [Fünf Meditationen über die Schönheit] (1) befürchtete. Man muss wie er die Schönheit erlebt haben, um darüber so tief gehend sprechen zu können. Er gesteht, als Kind, während der Ferien am Lushan Berg in der Provinz Jiangxi seines Geburtslandes China, von der „Schönheit überwältigt“ gewesen zu sein. Dort entdeckte er ein unberührtes Gebirge, Wälder, Seen, Wasserfälle – die Schönheit der Natur und der Elemente – und dann westliche Frauen beim Baden! Anschließend erschlossen sich ihm die künstlerische Schönheit und die innere Schönheit. Seine Schönheit schließt das Gute ein, aber sie enthält auch etwas anderes: das Geheimnis. Das in jedem Leben vorhandene Geheimnis der Schönheit, das als solches einzigartig ist. Die Schönheit der Gegenwart, die vergänglich wie das Leben und daher tragisch geprägt ist. Auch die Einzigartigkeit jedes Kunstwerkes zählt dazu. Die skulpturale Schönheit der griechischen Venusfiguren, die malerische Schönheit, wie bei Giorgiones Venus mit geschlossenen Augen … um nur ein Beispiel zu nennen. Die Schönheit der deutschen Musik, der italienischen Oper, der Klavierkunst von Chopin, der englischen Poesie, des russischen Romans: - … Wird die Schönheit die Welt retten, fragt man sich unablässig wie der im Sterben liegende Hippolyt von Dostojewski (2)? - Ja, es ist wirklich schon lange her, dass die Schönheit die Welt gerettet hat! La bellezza? Il termine «bello» mal si presta a definire un’opera nuova, ne conveniamo con gli artisti di oggi. Bello è una parola di cui si fa uso e abuso: adatta certo alle arti antiche, oggetto di continue speculazioni; oppure all’arte accademica, alle arti decorative e artigianali, al design; e, ancora, adatta ai concorsi di

bellezza, alla cosmetica, al turismo, alla pubblicità... a tutto ciò che è estetica, insomma! L’arte contemporanea degli artisti di tendenza autori di installazioni, videoarte e performance art - al contrario, non si cura affatto dei criteri di bellezza. Mira piuttosto a suscitare emozioni, paura e a volte humour, ma soprattutto provocazione, inserendo elementi sgradevoli come il kitsch, la pornografia o la politica. Dopo aver assistito a tali rappresentazioni artistiche, non potremo certo esclamare: «Bello!», ma dovremo ripiegare su: «Grande!», «Forte!», «Che coraggio!», o peggio ancora: «Non male!» - che naturalmente significa... così così! Pare comunque che le cose stiano cambiando. Il bello riappare con discrezione in alcune proposte artistiche e in certi scritti. Il perché non è chiaro. Forse alcuni artisti vogliono crederci ancora, in fondo, al bello. Nostalgia? Resta il fatto che parlare di bellezza non sembra più fare tanto scandalo, come temeva lo scrittore sino-francese François Cheng, tanto da scriverne due anni fa nell’introduzione alla sua opera Cinque meditazioni sulla bellezza (1). Per poter raccontare la bellezza in maniera così profonda, è però indispensabile averla vissuta. Cheng afferma di essere stato «messo al tappeto dalla bellezza», in occasione di una vacanza sul Monte Lu, nella provincia dello Jangxi della sua Cina natia. Laggiù scopre una montagna immacolata, foreste, laghi, cascate – bellezza della natura e degli elementi – e poi alcune giovani occidentali, mentre fanno il bagno! Ne consegue la scoperta della bellezza artistica, della bellezza interiore. La bellezza per Cheng comprende il bene, ma contiene anche altro: il mistero. Il mistero della bellezza, presente in ogni vita, e di per sè unico. Bellezza dell’esistere, effimera come la vita, e dunque tragica. Da qui la singolarità di ogni opera d’arte. La bellezza scultorea delle Veneri greche, la bellezza pittorica della Venere dormiente del Giorgione… per non citarne altre. E poi la bellezza della musica tedesca, dell’opera italiana, del pianoforte di Chopin, della poesia inglese, del romanzo russo: - …ma la bellezza salverà il mondo? - ci si chiede usando le parole di Ippolit, il giovane moribondo di Dostoevskij (2). - La risposta è: Sì, è da un bel pezzo che la bellezza salva il mondo! ¿La belleza? No es de buen gusto servirse del término «belleza» para calificar una nueva obra. Uno puede comprender a los artistas actuales. No hay palabra más denigrada que la belleza: ciertamente resulta adecuada para referirse al arte antiguo, objeto de constantes especulaciones; también para el arte académico, para los oficios artesanales o decorativos, para el diseño; incluso para los concursos de belleza, la cosmética, el turismo, la publicidad… ¡y hasta para la estética! Sin embargo, el arte moderno de los artistas de moda, los instaladores, realizadores de vídeos o autores de performances carece de criterios de belleza. Es mejor centrarse en la emoción, el miedo, a veces el humor y, sobre todo, la provocación, integrando elementos que incluso resultan grotescos como el kitsch, la pornografía o la política. Al salir de un espectáculo artístico ya no deberíamos decir: «¡Qué bonito!», sino: «¡Qué grande!», «¡Qué fuerte!», «¡Qué valiente!», o peor aún: «¡Está bien!» (entiéndase por “bien”: “correcto”). Todo esto, sin embargo, parece estar cambiando. La belleza vuelve a aparecer discretamente en ciertas propuestas artísticas y en determinadas obras escritas. ¿Por qué? No se sabe. Algunos artistas desean seguir creyendo en la belleza. ¿Nostalgia? De esta forma ya no resulta tan escandaloso hablar de la belleza, como el escritor franco-chino François Cheng temía todavía hace dos años, en la introducción de sus Cinco entrevistas sobre la belleza (1). Es preciso haber experimentado la belleza como él para poder hablar de ella con tanta profundidad. Este escritor confiesa haberse sentido «abatido por

la belleza» cuando todavía era un niño, durante unas vacaciones en el Monte Lu de su China natal, en la provincia de Jangxi. Un día descubrió una montaña inmaculada, bosques, lagos, cascadas -la belleza de la naturaleza y de los elementos- y, después, ¡a las jóvenes occidentales que se bañaban! A continuación llegó el descubrimiento de la belleza artística y de la armonía interior. Su belleza incluye el bien, pero también contiene otra cosa: misterio. El misterio de la belleza, presente en cada vida, única en sí misma. La belleza de la presencia, efímera como la propia vida, de la que toma su carácter trágico. Es además la singularidad de toda obra de arte. La belleza escultural representada en las Venus griegas, la belleza pictórica, con la Venus de ojos cerrados de Giorgione… por no citarla más que a ella. La belleza de la música alemana, de la ópera italiana, del piano de Chopin, de la poesía inglesa o de la novela rusa: - … ¿salvará la belleza al mundo?, nos preguntamos constantemente junto a Hipólito, el joven moribundo de Dostoievski (2). - ¡Sí, la belleza lleva al menos un siglo salvando al mundo!

О красоте При разговоре о современном искусстве употреблять слово «красота» - не очень хороший тон. Можно понять современных художников: уж очень не к месту употребляется это слово. Конечно, оно годится для древнего искусства… годится для искусства академического, декоративноприкладного, для дизайна. Оно хорошо подходит к конкурсам красоты, к косметике, туризму, рекламе, к эстетике наконец! Однако современное искусство модных художников, инсталляторов, постановщиков видеофильмов и авторов перформансов совершенно лишено такого критерия, как красота. Тут речь идет скорее об эмоциях, страхе, иногда юморе, и в особенности – о провокационности. В нем присутствуют элементы безобразности – такие, как кич, порнография или политика. Говоря о событии в мире искусств, следует восклицать не «как это красиво!», а «как это грандиозно!», «как это сильно!», «какая смелость!». Если вы слышите: «это хорошо!», то понимать нужно: «это верно!». Однако сейчас ситуация, кажется, меняется. Красота незаметно вновь возникает в речах некоторых художников, в некоторых текстах. Почему – неизвестно. Некоторые художники снова хотят в нее верить. Ностальгия? Разговор о красоте уже не представляется скандальной темой, чего опасался два года назад китайско-французский писатель Франсуа Ченг в предисловии к своим Пяти разговорам о красоте (1). Чтобы говорить о красоте с такой глубиной, нужно иметь его опыт. Он признается, что ребенком был «сражен красотой» горы Лю во время каникул в его родном Китае, в провинции Гуанси. Он обнаружил нетронутую гору с ее лесами, озерами и водопадами, он обнаружил красоту природы и стихий, а после – красоту купающихся восточных женщин. После пришло открытие красоты искусств – внутренней красоты. Его понимание красоты включает в себя добро, но в ней есть еще и загадка. Загадка красоты присутствует в каждой жизни, уникальной по своей сути. Красота существования, эфемерная, как и сама жизнь, приобретает трагический характер. Сюда же относится и уникальность каждого произведения искусства. Красота скульптуры, представленная греческими Афродитами, красота живописи, представленная Венерой с закрытыми глазами Джорджоне – достаточно упомянуть лишь ее. Красота немецкой музыки,

Amedeo Modigliani : Elvire, 1919. huile sur toile, 92 x 60 cm Coll. Leonard Zborowskyi, Paris Frida Kahlo : Autoportrait au singe, 1938. Huile sur fibre dure, 40,6 x 30,5 cm Buffalo, Albright-Knox Art Gallery, legs A. Conger Goodyear, 1966

Giorgione : Vénus endormie Huile sur toile, 108,5 x 175 cm, vers 1507. Gemäldegalerie, Dresde Edouard Vallet : Valaisannes endormies, 1928 Huile sur toile, 115, 5 x 185, 5 cm Bâle, Offentliche Kunstsammlung, Confédération suisse

итальянской оперы, фортепиано Шопена, английской поэзии, русского романа. -Спасет ли красота мир? – этот вопрос звучит, не переставая, со времен Ипполита, молодого героя Достоевского (2). - Да она уже давно его спасает!

Paestum (Poséidonia). Tombe 11 (détail) Profil féminin, fresque. C.340-320. Musée de Paestum Tch’en Hong-Chéou (1599-1632) La Montagne aux cinq cataractes Encre sur soie, détail d’un rouleau 118,2 x 53,2 cm. Cleveland Museum of Art

Byblos Gallery 87 Une oeuvre d’art crée de l’émotion, une émotion qui nous arrache à notre quotidien pour nous révéler, au fond de nous-mêmes, les horizons nobles de notre âme. A work of art creates emotion, one that tears us away from our daily routine in order to reveal to us, deep down, the noble horizons of our soul.

Hyun Hee Ok Love Burden, Paper porcelain, 130 x 130 cm, 2008 hyunheeoak@hotmail.com

Ok Hyun Hee is graduated from Muthesius Kunst Hochschule Fine Arts. She had been honoured with winning the First Prize at Ceramic, Offenburg. Presently she is concentrating on creation activity in Germany and Korea. Ok hyun-hee’s work is connected with contemporary ceramic art in the same vein in that it is the plastic work whose material is soil, but its impression or principle is close to painting rather than ceramic sculpture in that the tendency of plane delineation is strong. Especially, the canvas, associated with the feast of various brilliant colors, strengthens such an impression as painting. La Dérive des Continents © 2007 Catherine de Saugy 120 x 160 cm - Inks on acrylic glass panel PMMA

Catherine de Saugy Swiss artist. catherine.de.saugy@gmail.com

Her work on acrylic glass panels creates depth of field and luxurious brilliance breaking the limits of space, taking you into a light kingdom. By its innovative nature, it forms an outstanding contribution to the story of contemporary art. J. St Aubin – art critic – Cambridge Magazine

Janusz Szpyt “Sitting woman” oil/canvas, 105 x 95 cm SPACE GALLERY Kraków, Poland www.spacegallery.com.pl

Janusz Szpyt was born in 1960 in Lubaczów. He studied at the Academy of Fine Arts in Katowice and then at the Academy of Fine Arts in Cracow. He painted numerous portraits, landscapes and generic scenes of many topics. Szpyt’s creative activity is strongly rooted in realistic painting. He widely presents the everyday life of a human, his fight against adversities of life. There is a collection of his various paintings in Space Gallery’s offer. The Gallery (founded in 1992 by Barbara Zambrzycka-Sliwa a sculptress from Kraków) specializes in both classical and contemporary Polish art .

Agnieszka Gorla-Bajszczak Roi de la Consommation Installation ciment patiné, boites d’aluminium, fut acier 145x90x120 cm Sculpture, 45x45x55 cm

Anthony Caro (b. 1924) Catalan Spur, 1987-88 Steel, bronze and wood 48 3/4 x 29 x 25 1/2 inches 123.8 x 73.7 x 64.8 cm A 12515 The artist Private collection Courtesy: Knoedler gallery mdemedeiros@knoedlergallery.com

Image de notre société. L’envie aveugle de gagner le plus d’argent possible, pour ensuite le dépenser sans réfléchir et générer des déchets qui polluent notre environnement

Agnieszka Gorla-Bajszczak, sculpteur, poète mais aussi biologiste moléculaire, originaire de Pologne. L’artiste s’intéresse aux sujets liés à l’homme et à la vie dans leur aspects psychologique et sociologique. Son oeuvre s’attache au mouvement de la nouvelle figuration. Chaque sculpture transmet le message et invite à la réflexion. Artiste travaille avec son propre code des symboles et des allégories en employant les fragments du corps au niveau macro et microscopique. Chacune de ses œuvres est accompagnée d’un texte évocateur.

On the occasion of Anthony Caro’s first one-man show, held at the Whitechapel Gallery in London in 1963, critic Charles Spencer wrote: This remarkable and intriguing exhibition will probably usher in the new school of British sculpture which has been rather too politely knocking at the door. . . . In purely sculptural terms Caro is not dealing with volume but space, he has rejected the traditional figure or totem form, the solid mass of sculpture, for a concern with space more in common with painting.

www.ogidev.ch/agnieszka.html Babita Das babitadas22@hotmail.com

Helen Frankenthaler (b. 1928) Summer Harp, 1973 Acrylic on canvas 108 x 75 1/2 inches 274.3 x 191.8 cm A 12616 Courtesy: Knoedler gallery mdemedeiros@knoedlergallery.com

TINKU DAS transcended from figurative to abstract paintings early in his career. Thus stated his journey into giving colours to his emotions and eventually as he matured his content became more harmonious. The blending of the sound and rhythm of music into his canvas became his forte .The expression of music provided his works with colours which flowed in every conceivable pattern to form the mystic web. Visual images, Music and literature have constantly been with Tinku Das as his major form of self expression.

Across the surface, a variety of vertically-determined lines establishes the “harp” of the title; interestingly, “stringed” forms and harp-like shapes—with their attendant musical associations—appear in other works by the artist, even among her steel sculptures created during the summer of the previous year. Frankenthaler’s colors—red, ochre, green, blue on white— recall other summer-themed pictures, from her Seascape with Dunes and Cool Summer, of 1962, to her bold Summer Banner of 1968, and Summer Insignia of 1969. In all of these “summer” pictures, expanses of pristine color are laid out on open fields of unprimed canvas. Gianni Motti «hedge Flag» 2009 (Prix du Quartier des Bains 2009) giannimotti@hotmail.com

Marinella Owens, EVAGELISMOS (2009) info@marinella-art.ch

« En ce moment de déstabilisation économique, sociale et politique, écrit Gianni Motti, je propose des drapeaux complètement blancs. Pas de signe, de logo, d’information ou d’image mais une trêve aussi pour le spectateur. Le drapeau blanc symbolise la trêve et la reddition. Ces derniers temps, le système capitaliste en crise vient aussi, pour la première fois, de sortir le drapeau blanc. La place de Genève est la capitale mondiale de la gestion de fortune privée avec 120 banques et 500 conseillers de fortune indépendants. Ce serait intéressant de voir cette trêve ou reddition flotter au vent sur le Pont du Mont-Blanc, juste en face de banques. »

I started this painting on the 18th of February, 2009 and finished it on the 10th of May, 2009. It is an oil on canvas and measures 100 x 160 cm. It’s the 3rd (of a projected 8) Byzantine inspired work. The main difference between my painting and the normal traditional version is that Mary is holding her stomach. She’s doing this because I know as a mother that she must have known she was already pregnant, and for me the angel is giving a blessing to all pregnant women, believers or not. The Byzantine image is a clear and simple message of truths which still have value today, the miracle called birth and respect for the pregnant woman.

Carlos K Dès l’enfance, je prenais plaisir à toucher et à malaxer toutes sortes de matériaux. En effet, j’aimais me perdre dans les bacs à sable pour créer des volumes et des épaisseurs. Depuis, je travaille avec la matière. Ma recherche est d’approcher, par des séries, l’équilibre entre l’épaisseur du ciment, du sable, de la colle, de l’acrylique ou d’autres matériaux. Mon combat reflète l’importance de la lumière et de la matière. Combat intérieur, combat de vie. Vie sensuelle, vie d’abstraction ou vie de démesure. Par cette démarche, je ressens la solidité de la matière en opposition à la fragilité de la vie. Comme l’a dit Braque : «L’art est une blessure qui se termine en lumière.» J’essaie par diverses techniques d’approcher et de faire vivre cette lumière. M’illumino d’immenso didier@carlosk.ch

Gianni Motti “Moneybox”, exhibition in Paris La ferme du Buisson, du 9 Avril au 7 juin 2009 giannimotti@hotmail.com (..) Gianni Motti, spécialisé en actions qui jouent avec le système d’information médiatique, expose son nouveau projet au Centre d’art contemporain de la ferme du Buisson. Dans ces temps où la crise financière est à la une, son inspiration vient du monde de l’économie. Les voies de l’argent sont parfois mystérieuses, indéchiffrables. Dans ce contexte, Gianni Motti décide de convertir entièrement le budget de l’expo en coupures de 1 dollar, devise symbole du trade mondial, et maintenant de la crise actuelle. Les billets sont suspendus au plafond du lieu d’exposition à l’aide de trombones. Le divin dollar, suspendu sur les têtes des visiteurs, si près mais toujours inatteignable, matérialise l’objet du désir en forme de guirlande de billets (...)

Christine Collet, Citadelle chriscol58@gmail.com http://chriscolor.com/

89 The Art of self-taught artist Christine Collet is abstract, but shows from time to time more figurative inputs. Her passion for painting was born during her time abroad ; in Corea and Central America. It is in Mexico that she acquired pictural techniques such as acrylic, structure and oil painting. The colours are soft and heat is omnipresent. The observer is challenged between dream and reality and is dragged into her imaginary world to come out rejuvenated. Peter Gospodinov “ Levels ” 2008 mixed media on canvas 150 x 70 cm www.peter-gospodinov.com

A post-structural sense of life is artistically reflected: landscapes are contextualized in what appear to be technical fields and lines. Textual structures and surface collages continue the adjoining traces scratched in colour which move towards us in a simple and direct manner, like cave drawings. Painted surfaces accentuate sprayed surfaces, photography and its alienating effect complement what has been painted. The artist manages to assert himself in these diversities without becoming arbitrary. The old and the new are combined and optimized. Each element represents its uniqueness and yet remains in relation to all the others. As in a flock of flying birds, each organism finds its way in the magical movement of the whole. This unity creates a field of force in which each element takes its place.” Dominique Zimmermann, writer und philosopher, Basel Peter Gospodinov is a young artist, who lives and works in Basel, Switzerland.

Ernest Hiltenbrand “Morning after dark night”, 2009 Oil on canvas, 60 x 120 cm Courtesy: Gallery Artleasing, Vaduz, Lichtenstein www.artleasing.li www.hiltenbrand-art.ch

Born in 1945 in Strasbourg (France), Ernest Hiltenbrand studied classical music and mastered in stained-glass art. In the early stages he worked as an stained-glass maker, afterwards he dedicated many years to the Symphony Orchestra of Winterthur (Switzerland), where he played the french Horn. Today, he is a fulltime Painter and Music Composer. His main artwork is in oil on canvas. A lot of his paintings are located in national and international private art collections. E. Hiltenbrand regularly goes puplic with exhibitions. His work is also represented in the gallery Artleasing in Vaduz (Liechtenstein) and the gallery Staecker in Bischofszell (Switzerland). Lara Medilanski Sculptures fil de fer 21 x 27 x 9 cm www.galerienotabene.ch

Lara Medilanski a fait ses preuves en tant que sculpteur capable d’explorer les thèmes sociaux avec détachement et désinvolture. Prix du public pour la réalisation d’une sculpture sur le thème de la Migration à Chêne-Bourg, en 2007. Lara Medilanski plie et emmêle les fils de fer pour leur donner des formes ambivalentes dignes de Markus Raetz ou de Hans Peter Kamm. Humour et poésie naissent du mouvement que les fils empruntent.

Marfa Indoukaeva Gravure www.galerienotabene.ch

Marfa Indoukaeva s’est formée à Moscou avant de décrocher le prix de Marc Jurt en Suisse. Fidèle à la gravure, elle est sensible aussi bien aux traditions de l’avant-garde russe qu’à l’expérimentation cher à l’art conceptuel. La technique mixte de l’artiste est très soignée, ce qui n’empêche pas le recours aux lois du hasard. En se servant d’une vieille planche en bois pour sa série de gravures, elle ouvre sur une dimension métaphysique. La réflexion sur le temps cyclique et l’infini va de paire avec l’intérêt prononcé pour le fragment. Alexandra Kaourova, historienne de l’art, curatrice.

Guillermo Kuitca Untitled, 2009 ink and oil on canvas 88 1/4 x 77 1/8 inches (224 x 196 cm) Courtesy the artist and Sperone Westwater, New York www.speronewestwater.com

Born in 1961 in Buenos Aires, Kuitca is a key figure in the history of Latin American art. Internationally acclaimed for work inspired by cartography, architecture and theatre, his work has been exhibited extensively around the globe and is included in many important public collections. Kuitca was the chosen representative of Argentina at the Venice Biennale. A major retrospective of Kuitca’s work will premiere at the Miami Art Museum in October 2009 before embarking on a national tour, stopping at the Albright-Knox Art Gallery in Buffalo, NY, The Walker Art Center in Minneapolis, Minnesota, and the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden in Washington, D.C.

Sylvia Monnat mixed paintings “Composition Céleste” Oil and acrylics, sand, collages and plant on canvas, 100 x 100 cm www.monnat.de

Born in Germany, Sylvia Monnat is an autodidactic artist who lives and works in Geneva. Her work is an expression of a kaleidoscopic vision, pieces of reality (grass, moss, roots etc) all coming together to enhance her paintings and creating a depth of texture right to the soul level of her canvasses. Each element used links the artist with the universe in which we all travel and the very nature of this planet on which we live. Sylvia Monnat demonstrates in her paintings her profound desire that we all be in touch with ourselves and realize that we are an integral part of this universe. Piero Dorazio “Borealis II” oil on canvas 1986 33 1/2 x 43 1/4 in. (85 x 110 cm) verso signed and dated with dedication Private collection (acquired directly from the artist)

The renowned Italian painter Piero Dorazio was born in Rome on June 29, 1927. While studying architecture (1945-51), he developed an almost concrete painting style based on Cubism and Futurism. He joined the group ‘Arte Sociale’ in Rome in 1946, a year later wrote the ‘Manifesto del formalismo’ and then moved to Paris, where he attended the École National Supérieure des BeauxArts and became acquainted with a great many of the famous classical Modern artists, the Russian avant-garde, Constructivists, and soon thereafter the avant-garde of his own generation. In 1948 he became involved with the ‘Art Club’ in Rome and founded a gallery forum, ‘Age d’Or’, in Rome and Florence, as well as the ‘Fondazione Origine’ exhibit and information center.

Bridget Riley London 1931 “Reverse Curve” gouache and graphite on paper 1979 38 1/8 x 24 3/8 in. (96,8 x 62 cm) signed, titled and dated lower left Provenance Galerie Beyeler, Basel Exhibited Galerie Beyeler, Basel 2003. Bridget Riley. With ill.

Inspired by futurism, pointillism and the op-art works of Vasarely, Riley developed a style recognisably her own. Her works, at first black and white, present a great variety of geometric forms that produce sensations of movement or colour. In the early 1970s, Riley travelled extensively and began to explore colour and contrast. In the present work, curved lines of colour are used to create a shimmering effect. Jan Worst The Great Rain Cloud, 2009 oil on canvas 78 3/4 x 59 inches (200 x 150 cm) Courtesy:the artist and Sperone Westwater, New York www.speronewestwater.com

Dutch painter Jan Worst believes his work falls “between a rigid academic painting [and] a form of art which ‘cynically’ appropriates everything it can use.” The collagelike quality of his large canvases – which depict images of lavish, traditional European interiors; beautiful, languorous women; and wide-eyed, jaded children culled from architectural and fashion magazines – is in sharp contrast to the meticulous, realist style in which they are painted. Whether one reads this artist’s work as a critique of the dolce farniente of the idle rich; as a wistful lament for a kind of decorum that is quickly becoming extinct; or as a “shameless homage to the beautiful,” it remains impossible “to make a clear distinction between reality and fantasy, between the objective and the subjective, between the actual and the virtual.”

HAFIS ; “Double Colombe”, acrylic sur carton, 100 x 80 cm

Byblos, colombe de la Paix, annonce l’arrivée du beau temps. Un vrai gage d’espoir, un vrai gage de bonheur, la lueur dans les yeux de nos bambins. Oh, que c’est beau de se lever chaque matin et voir rire nos enfants !