VFMK Frühjahr 2013 by Verlag für moderne Kunst

Caroline Bachmann / Stefan Banz

One Hundred Years of Chocolate Grinder Kunsthalle Marcel Duchamp at Mathildenhöhe Darmstadt

Editor Ralf Beil TEXT Bradley Bailey, Stefan Banz, Ralf Beil, Martin R. Dean, Dalia Judovitz and Thomas Zaunschirm German / English 210 pages, ills. in color Linen, 14 × 10,5 cm Euro 20,– ISBN 978-3-86984-416-9

Erstmals wechselt die Kunsthalle Marcel Duchamp, in Cully am Genfer See beheimatet, ihren Standort. Das kleinste Museum der Welt ist zu Gast auf der Mathildenhöhe Darmstadt: Den ganzen Sommer über zeigt die gerade einmal einen halben Kubikmeter große Kunsthalle vor dem wegen Sanierung geschlossenen Ausstellungsgebäude eine hochkarätige Themenausstellung zum 100-jährigen Jubiläum von Duchamps Schokoladenreibe, konzipiert von den Erfindern und Betreibern der Kunsthalle Marcel Duchamp: den Schweizer Künstlern Caroline Bachmann und Stefan Banz. Mit bedeutenden Werken von Marcel Duchamp, Joseph Beuys, Meret Oppenheim, Roy Lichtenstein, Dieter Roth, Ed Ruscha, Vic Muniz, Robert Gober, Sonja Alhäuser – im Miniaturformat, und deshalb umso eindrucksvoller.

For the first time the Kunsthalle Marcel Duchamp, normally at home in Cully on Lake Geneva, changes its location. The smallest museum in the world is a guest at the Mathildenhöhe Darmstadt: All summer long, the half-a-cubic metre-large Kunsthalle is presenting in front of the exhibition building, closed for renovations, a high-quality themed exhibition to celebrate the 100 year anniversary of Duchamp’s Chocolate Grinder, designed by the inventors and operators of the Kunsthalle: Swiss artists Caroline Bachmann and Stefan Banz. With significant works by Marcel Duchamp, Joseph Beuys, Meret Oppenheim, Roy Lichtenstein, Dieter Roth, Ed Ruscha, Vic Muniz, Robert Gober, Sonja Alhäuser – in miniature format, which makes them all the more impressive.

Twisted Entities Zeitgenössische polnische Kunst Contemporary Polish Art

Die Werke der 14 polnischen Gegen wartskünstler fordern uns zu Perspektiv wechseln auf. Mit unterschiedlichen Medien und Sehweisen entwickeln sie die Idee des »Drehens«, die als hintergründige Kraft auf Körper oder Räume, auf Prozesse oder Handlungen, auf Dinge oder Informationen überspringen kann. Spielerische Leichtigkeit, taumelnder Witz, absurdes Alltägliches oder auch explosive Kraft deformieren oder brechen Strukturen auf bis zu ihrem wörtlichen oder metaphorischen Kollabieren. Das Aufgreifen dieser Thematiken ist einerseits auf die Rolle zurückzuführen, die das Land beim gesamtgesellschaftlichen Wandel der ehemaligen Ost-West-Verhältnisse am Beginn der 1980er Jahre gespielt hat, und andererseits auf den Diskurs kritischer Zeitgenossenschaft durch die Künstler.

The works by the 14 contemporary Polish artists forces us to assume changes in perspective. Using different media and ways of seeing, they develop the idea of »twisting«, which as a subversive force can jump onto bodies or spaces, onto processes or actions, onto things or information. Playful airiness, lurching humour, absurd everyday matters or even explosive force deform or break up structures until they literally or metaphorically collapse. The fact that these subjects are taken up is down to the role that the country played during the transformation in all layers of society from former East-West structures and conditions at the beginning of the 1980s on the one hand, and to the discourse of critical contemporaneity raised by the artists on the other.

Editor Stefanie Kreuzer for Museum Morsbroich, Leverkusen Preface Markus Heinzelmann Text Stefanie Kreuzer, Karol Sienkiewicz, Noemi Smolik German / English approx. 112 pages, numerous ills. in color Paperback, 25,5 × 19,0 cm approx. Euro 28,– ISBN 978-3-86984-404-6

Artists Wojciech Ba˛kowski Mirosław Bałka Michał Budny Aneta Grzeszykowska Zuzanna Janin Maciej Kurak Robert Kusmirowski Agata Madejska Jan Mioduszewski Anna Molska Marzena Nowak Konrad Smolen´ski Monika Sosnowska Honza Zamojski Exhibition Museum Morsborich, Leverkusen 27. 1. – 28. 4. 2013 Aneta Grzeszykowska, »Headache«, 2008, HD Video, 11'37", courtesy the artist and Galerie Raster, Warsaw

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»Self-Portrait«, Montauk, Long Island, 1980, from portfolio »Photographs«, gelatin silver print, edition of 250, Galerie Bruno Bischofberger, Zürich

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Image Machine Andy Warhol and Photography Der Katalog reflektiert die Bedeutung der Fotografie im Werk Andy Warhols. Der Schwerpunkt liegt auf dem Einfluss der Fotografie für seine Porträtmalerei. Die heute omnipräsenten Bilder von kommerziellen Produkten und glamourösen Stars bestimmen unsere Wahrnehmung von Andy Warhol. Oft wird dabei das umfangreiche fotografische Werk vergessen, das als Bildquelle Ausgangspunkt zahlreicher Werke war und für die Dokumentation der New Yorker Szene eine ungemein große Rolle spielte; im Grunde als Basis seiner kreativen Arbeit bezeichnet werden kann. Die Publikation zeigt Polaroids und Porträtfotografien in Gegenüberstellung mit berühmten Gemälden und Siebdrucken sowie eine bislang nicht gedruckte Fotostrecke mit Aufnahmen von Jon Gould und ein Interview von Henry Santoro mit Andy Warhol, das eigentlich ein Interview von Andy Warhol mit Henry Santoro ist!

The catalog reflects the importance of photography in the work of Andy Warhol. The focus lies on the influence of photography on his portrait painting. The pictures of commercial products and glamorous stars, omnipresent today, define our perception of Andy Warhol. But often the extensive photographic work is forgotten, which as an image source was the point of departure for numerous works, and which played a huge role in the documentation of New York society; fundamentally it can be seen as the basis of his creative work. The publication shows Polaroids and portrait photographs juxtaposed with paintings and silkscreen prints, as well as a photo series by Jon Gould, not before printed, and a transcript of Henry Santoro interviewing Andy Warhol, which actually becomes Andy Warhol interviewing Henry Santoro!

Editor Joseph D. Ketner II PREFACE Roy Dawes, Raphaela Platow Text Joseph D. Ketner II Interview Andy Warhol with Henry Santoro English 200 pages, 220 ills. in color Paperback, Swiss Brochure, 30 × 24 cm Euro 30,– ISBN 978-3-86984-316-2

Featuring images of icons such as Elizabeth Taylor, Gianni Versace, Cheryl Tiegs and Jackie Kennedy. Previously unpublished: photo series by Jon Gould and interview with Henry Santoro. EXHIBITIONS The Center of Contemporary Art, Cincinnati, Ohio 22. 9. 2012 – 13. 1. 2013 Rose Art Museum, Brandeis University, Waltham, Massachusetts 19. 9. – 20. 12. 2013

»Jon Gould on the Beach«, gelatin silver print LR embossed: »© Andy Warhol«

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Fotos Österreichische Fotografien von den1930ern bis heute

Where does Austrian photography stand, and where is it going? The exhibition »Photos. Points of view in Austrian Photography from the 1930s until today« in the 21er Haus in Vienna attempts to answer such questions. The focus is not so much on the actors, but rather their motifs, via which impartially and associatively access to the art discourse is gained. The selection of works is based on historical to contemporary still-life photography, images of people, snapshots of small gestures, which open up the interpersonal and the characteristic, and pictures dealing with photography itself. Both exhibition and catalog avoid any hierarchical or chronological classifications. The image pages of the catalog are bound in random order, giving each catalog an exclusive character.

Michael Neumüller, still life »Trauben«, undated, silver gelatin, 39 × 29,5 cm, Belvedere, Vienna

Wo steht die österreichische Fotografie, und wohin geht sie? Fragen wie diese versucht die Ausstellung im 21er Haus in Wien zu beantworten. Im Mittelpunkt stehen weniger die Akteure, sondern vielmehr deren Motive, über die un befangen-assoziativ Zugänge zum gegenwärtigen Kunstdiskurs geschaffen werden. Gezeigt werden historische bis zeitgenössische Stilllebenfotografie, Porträts, Momentaufnahmen kleiner Gesten, die Zwischenmenschliches und Charakteristisches offenbaren, ergänzt mit Bildern, die sich mit der Fotografie an sich beschäftigen. Ausstellung und Katalog vermeiden jede Hierarchisierung oder chronologische Ordnung. Die Bildbögen der Kataloge werden per Zufallsprinzip aufgebunden, wodurch jeder einzelne Band einen exklusiven Charakter verliehen bekommt.

Editor Agnes Husslein-Arco, Severin Dünser, Axel Köhne and Bundesministerium für Unterricht, Kunst und Kultur preface Agnes Husslein-Arco, Claudia Schmied text Ruth Horak, Miriam Halwani, Margit Zuckriegl Conversation between Severin Dünser and Axel Köhne German/English 272 pages, 200 ills. in color Paperback with stamped cover, 24 × 19 cm approx. Euro 35,– ISBN 978-3-86984-403-9

Exhibition 21er Haus, Vienna 30. 1. – 5. 5. 2013 Manfred Willmann, »Branko Lenart«, 1975, BW-photography, 30,5 × 40,4 cm Fotosammlung des Bundes/Österreichische Fotogalerie/Museum der Moderne Salzburg

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»There was a sense of family …« The Friends of Mark Morrisroe

editor Teresa Philo Gruber Preface Elisabeth Lebovici text Teresa Philo Gruber English 144 pages 80 ills. in color Paperback with banderole, 31,5 × 22 cm Euro 29,– ISBN 978-3-86984-379-7

Der amerikanische Künstler Mark Morrisroe starb 1989 mit 30 Jahren an Aids. Er hinterließ ein beachtliches fotografisches Werk, das in den letzten Jahren auf zahlreichen internationalen Ausstellungen gezeigt wurde. Die 16 Protagonisten des Buches waren mit Morrisroe befreundet. Neben ihrer Rolle als zentrale Sujets in seinen Fotografien verbindet sie die Erinnerung an eine exzentrische Persönlichkeit mit einem nahezu manischen Schaffensdrang und einer künstlerischen Experimentierfreudigkeit.

Teresa Philo Gruber, who since 2008 has been in charge of the Mark Morrisroe estate (the Ringier collection) in the Fotomuseum Winterthur, became acquainted with Morrisroe’s friends in talks and with the camera. Each interview tells a small story, coming together to form a complex biography, far beyond the purely anecdotal. Gail Thacker, April 2009, New York, NY

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American artist Mark Morrisroe died from Aids in 1989, at the age of 30. He left behind an outstanding photographic work, which in recent years has been the subject of numerous international exhibitions. The 16 protagonists presented in this book were all friends of Morrisroe. As well as their roles as central subjects in his photographic work, they are connected by their memories of an eccentric personality with an almost manic creative urge and an artistic love of experimentation.

Maison de Plaisance Rosemarie Trockel / Paloma Varga Weisz

Rosemarie Trockel und Paloma Varga Weisz haben erstmals eine Ausstellung gemeinsam konzipiert, in der sie nicht nur die Interaktion ihrer Arbeiten mit der Arbeit der jeweils anderen Künstlerin anstrebten, sondern sich auch intensiv mit dem besonderen Ort und der Atmosphäre von Schloss Morsbroich auseinandersetzten. Ein Drittel der rund 100 Zeichnungen, Installationen und Keramiken sind eigens für die Räume dort entstanden. Ähnliche Materialien bei beiden Künstlerinnen – wie Keramik oder Zeichnung – lassen ein enges Bezugsgeflecht zu bestimmten Themen erkennen: der Mensch, die Reflexion über das eigene Tun und Handeln (auch im Kunstkontext) sowie die spezifische Problematik weiblicher Kunst im traditionell männlich dominierten Kunstbetrieb.

Rosemarie Trockel and Paloma Varga Weisz will for the first time design an exhibition together in which they not only strive for the interaction of their works with those of the other artist, but also engage intensively with the special location and atmosphere of Schloss Morsbroich. One third of the 100 drawings, installations and pottery pieces have been created specially for the rooms there. Similar materials used by both artists – such as ceramics or drawings – allow a close web of relationships on certain subjects to be made out: the person, the reflection on one’s own deeds and action (also in an art context) and the specific problems of female art in a traditionally maledominated art world.

Editor Museum Morsbroich, Leverkusen Preface Markus Heinzelmann, Stefanie Kreuzer Text Markus Heinzelmann, Stefanie Kreuzer German / English 122 pages (with a supplement), numerous ills. in color Hardcover with jacket, 28 × 23 cm Euro 28,– ISBN 978-3-86984-360-5

With an insert on the works of the artists Robert Elfgen, Michail Pirgelis and Stephanie Stein in the park of the Museum Morsbroich, created to correspond with the exhibition. Rosemarie Trockel is one of the most wellknown contemporary international artists. Paloma Varga Weisz is part of an artist generation that grew up after the 1980s, which were so significant for art. She studied at the Academy in Düsseldorf under Tony Cragg and Gerhard Merz.

Paloma Varga Weisz, »Ohne Titel (Kleines Fass)«, 2012 courtesy Konrad Fischer Galerie, Düsseldorf Berlin photo: Stefan Hostettler

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Tony Cragg MATRIX

EDitor Veit Görner, Antonia Lotz Preface Veit Görner Text Tony Cragg, Antonia Lotz German / English 128 pages, numerous ills. in color Hardcover, 34 × 22,5 cm Euro 34,– ISBN 978-3-86984-378-0

Anthony Cragg (*1949 in Liverpool, lebt in Wuppertal) zählt zu den international einflussreichsten und bekanntesten Bildhauern weltweit, 1988 erhielt er den Turner Prize und bespielte den britischen Pavillon auf der Venedig Biennale. Seitdem war er mehrfach auf der documenta in Kassel vertreten. Die Publikation bietet einen Einblick in sein umfassendes Œuvre: die Werkserien »Early Forms« und »Rational Beings« aus den letzten zwei Jahrzehnten sind genauso vertreten wie frühere Arbeiten, die sich mit Arte Povera und Land Art auseinandersetzen. Diese bilden noch heute zusammen mit einem ausgeprägten Interesse für organische und molekulare Prozesse und Formen einen inhaltlichen Schwerpunkt im Werk von Cragg, der mit der Schaffung jeder neuen Skulptur Energien und Potenzial des von ihm bearbeiteten Materials freisetzt. Es liegt ein beeindruckendes neues Künstlerbuch vor, das Tony Cragg selbst konzipiert hat.

Anthony Cragg (*1949 in Liverpool, lives in Wuppertal) is internationally one of the most influential and well-known sculptors worldwide, won the Turner Prize in 1988 and exhibited in the British pavilion at the Venice Biennale. Since then he has been shown a number of times at the documenta in Kassel. The publication offers an insight into his extensive œuvre: the work series »Early Forms« and »Rational Beings« from the past two decades are presented, as are earlier works which focus on arte povera and land art. Today, together with a strong interest in organic and molecular processes and forms these still make up a thematic focus in the work of Cragg, who with the creation of every new sculpture releases energy and potential from the material processed by him. This is an impressive new artist’s book, designed by Tony Cragg himself.

»Versus«, 2010, wood, 280 × 295 × 100 cm, photo: Michael Richter, courtesy Nancy A. Nasher and David J. Haemisegger New Releases

ARCHITEKTONIKA

Gabriele Knapstein Matilda Felix (Hg. / eds.)

Architektonika

Gabriele Knapstein Matilda Felix

(Hg. / eds.)

ARCHITEKTONIKA

Kunst, Architektur u

Die Ausstellung Gegenwart – Ber mische Werke vo nehmen. Es ging wie vielfältig bilde an der Schnittste reflektieren sie n plikationen von B Publikation wird d tet, und einzelne Autorinnen und A

Art, Architecture an

The exhibition Ar Gegenwart – Ber and films that rela sentation sought interface between sign, they also re spaces. This publi whilst focusing on

Mit Texten von / w Lepik, Christine N Friederike Wappl

Die Ausstellung »Architektonika« im Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin stellte skulpturale, malerische, fotografische und filmische Werke vor, die in unterschiedlicher Weise auf Architektur Bezug nehmen. Es ging in dieser thematischen Präsentation darum, zu zeigen, wie vielfältig bildende Künstler seit den 1960er Jahren an der Schnittstelle von Kunst und Architektur gearbeitet haben. Dabei reflektieren sie nicht nur die Gestaltung, sondern auch die sozialen Implikationen von Bauwerken und urbanen Räumen. In der vorliegenden Publikation wird die Ausstellung aus verschiedenen Blickwinkeln betrachtet, und einzelne Aspekte des facettenreichen Themas werden von den Autoren vertieft.

The exhibition »Architektonika« at the Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin displayed sculptural works, paintings, photographs and films that relate to architecture in a variety of ways. The thematic presentation sought to illustrate how differently artists have approached the interface between art and architecture since the 1960s. Besides the desgin, they also reflect on the social implications of buildings and urban spaces. This publication considers the exhibition from various viewpoints, whilst focusing on individual aspects of this multifaceted topic.

Editor Gabriele Knapstein, Matilda Felix for the Nationalgalerie – Staatliche Museen zu Berlin Text Matilda Felix, Gabriele Knapstein, Andres Lepik, Christine Nippe, Marjetica Potrcˇ , Jane Rendell, Anthony Vidler, Friederike Wappler German / English 184 pages, numerous ills. in color Paperback with flaps, 25 × 19,5 cm Euro 39,90 ISBN 978-3-86984-397-1

Art, Architecture and the City Artists Absalon, Jürgen Albrecht, Carl Andre, Stan Douglas, Nina Fischer & Maroan el Sani, Peter Fischli / David Weiss, Isa Genzken, Dan Graham, Rachel Khedoori, Sol LeWitt, Gordon Matta-Clark, Bruce Nauman, Roman Ondák, Manfred Pernice, Andrea Pichl, Hermann Pitz, Dieter Roth & Björn Roth, Anri Sala, Albrecht Schäfer, Thomas Schütte, Thomas Struth, James Turell, Jeff Wall and Tobias Zielony Exhibition Hamburger Bahnhof, Berlin 15. 9. 2011 – 13. 1. 2013

Tobias Zielony, »The Group«, 2010, from the series »Vele«, © Courtesy Tobias Zielony und KOW, Berlin

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Opening of the Austrian Pavilion, Giardini della Biennale, May 12, 1934, courtesy Pedro Kramreiter, Vienna

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Österreich und die Biennale di Venezia 1895 – 2013 Die Publikation erscheint begleitend zur 55. Biennale di Venezia 2013. Mit bislang unveröffentlichten Fotografien, Plänen und Korrespondenzen aus öffentlichen und privaten Archiven präsentiert dieses grundlegende Referenzwerk erstmalig einen umfassenden Überblick über Österreichs Teilnahme an der Kunstbiennale von 1895 bis heute. Die Liste der Künstler, die von Österreich während der letzten 120 Jahre bei der Biennale in Venedig präsentiert wurden, beinhaltet einen Großteil der führenden Akteure der nationalen kulturellen Avantgarde: von Gustav Klimt, Egon Schiele und Oskar Kokoschka über Hermann Nitsch und Arnulf Rainer bis zu Valie Export, Maria Lassnig und Franz West. Unter den Kommissären befinden sich wichtige Persönlichkeiten wie Josef Hoffmann, Hans Hollein, Otto Benesch und Peter Weibel. Die Publikation wird außerdem die Geschichte der Errichtung des öster reichischen Pavillons untersuchen, der 1934 von den Architekten Josef Hoffmann und Robert Kramreiter geplant und ausgeführt wurde.

To accompany the exhibition in the Austrian Pavilion for the 55th Biennale di Venezia, a landmark publication titled »Austria and the Venice Biennale 1895–2013« will be launched in May 2013. This scholarly, 400-page publication will present, for the first time, a comprehensive overview of each individual exhibition, with the help of previously unpublished photographs, plans and correspondence drawn from public and private archives in several different countries.

Österreich und die Biennale di Venezia 1895 – 2013

Editor Jasper Sharp, commissioner, Austrian Pavilion 55th Biennale di Venezia, 2013 Text Christina Bartosch, Philipp Blom, Rainald Franz, Martin Hochleitner, Antonia Hoerschelmann, Günther Holler-Schuster, Harald Krejci, Susanne Neuburger, Jasper Sharp, Judith Stöckl

German / English approx. 400 pages, numerous ills. in color Hardcover, 30 × 23 cm approx. Euro 48,– ISBN 978-3-86984-407-7

The list of artists presented by Austria at the Venice Biennale over the last 120 years includes most, if not all, of the leading figures of its cultural avantgarde: from Gustav Klimt, Egon Schiele and Oskar Kokoschka, Hermann Nitsch and Arnulf Rainer to VALIE EXPORT, Maria Lassnig and Franz West. Its commissioners, given the responsibility of organising the different exhibitions, have included important individuals such as Josef Hoffmann, Hans Hollein, Otto Benesch and Peter Weibel. The book will also examine the story behind the construction of the Austrian Pavilion in 1934, from plans drawn up by the architects Josef Hoffmann and Robert Kramreiter.

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Stephanie Senge Der starke Konsument Ikebana als Wertschätzungsstrategie

text Bernhart Schwenk as well as statements by renowned figures from the world of art and culture CONVERSATION between Bazon Brock and Peter Weibel on Stephanie Senge’s works Including »100-Yen-Shop-Manifesto« and »Making of« by Stephanie Senge German / English 160 pages, approx. 80 ills. in color Neon-red, cloth-bound volume with gold embossing and picture, 24,5 × 18 cm Euro 28,– ISBN 978-3-86984-395-7

»A strong consumer does ikebana when shopping!«

Die Künstlerin und Konsumaktivistin Stephanie Senge zeigt in ihrem neuen Buch alle Arbeiten, die sie in den letzten Jahren zum Thema Ikebana entwickelt hat. Die japanische Blumensteckkunst hat sie in Tokyo studiert und sich für ihre Arbeit über unsere Konsumwelt zunutze gemacht. Für ihr Buch hat die Künstlerin einen eigenen Text »Making of« geschrieben, in dem sie für alle nachvollziehbar beschreibt, wie sie ihre Arbeit entwickelt. In ihrem »100-YenShop«-Manifest (100-Yen-Shops sind japanische 1-Euro-Shops) fordert sie uns Konsumbürger auf, beim Einkaufen Ikebana zu machen. Stephanie Senge will, dass wir alle starke Konsumenten werden! Mit Stephanie Senges Arbeiten, Fotoarbeiten, Objekten, Aktionen und Performances und ihrem Buch können wir uns selbst und unsere Konsumwelt neu hinterfragen.

Artist and consumer activist Stephanie Senge presents all the works that she has developed in recent years on the subjet of ikebana. She has studied Japanese flower arrangement in Tokio and used this for her work about our consumer world. The artist has written her own »Making of«-text for her book, in which she describes how she develops her work in a way that can be understood by all. In her »100-YenShop-Manifesto« (100-yen shops are Japanese 1-Euro shops), she asks we consumer citizens to perform ikebana when shopping. Stephanie Senge wants us all to become strong consumers! With Stephanie Senge’s works, photo works, objects, actions and performances, and her book, we can reappraise ourselves and our own consumerism.

Stephanie Senge

»Stephanie Senge holds a mirror up to consumerism.« Wolfgang Fritz Haug, philosopher and author

»Stephanie Senge builds her works based on a strictly formal concept. And precisely because they are so strictly conceptual, they go far beyond Pop Art and Rauschenberg.« Peter Weibel, Director, ZKM – Center for Art and Media Karlsruhe »Kundgebung Konsumprozession Der starke Konsument«, ZKM, Karlsruhe, 2008

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Smoky Pokership Raum, Kunst, Ausstellung, Transformation, Performance

»Smoky Pokership« reflektiert im Kontext der Erforschung der performativen Praxis und performativen Installationen den Wechsel von der Performance zur Installation und wieder zurück. In den letzten zehn Jahren ist innerhalb der Geschichte der zeitgenössischen Performance-Kunst eine Verlagerung des Interesses weg vom Körper des Performenden hin zum relationalen Raum und Kontext der Performance festzustellen. Dahinter steht auch die Beobachtung, dass die heutige Performance-Kunst immer mehr auch in Ausstellungsräumen sichtbare Spuren hinterlässt. Die Architektur des Raumes, welcher für die Performance vorgesehen ist – Bühne, öffentlicher Raum, Ausstellungsformat –, fordert in der Entwicklung der Performance neue Formen heraus, beispielsweise jene des Environments oder der Aktion, der politisch engagierten Projekte oder der Handlungen der Kunst im gesellschaftlichen Raum.

In the context of researching performative practice and performative installations, »Smoky Pokership« reflects the change from performance to installation and back again. In the past ten years within the evolution of contemporary performance art, a shift has been discerned away from the body of the performer to the relational space and context of the performance. Behind this also lies the observation that today’s performance art leaves behind ever more traces in exhibition spaces. The design of the space that is intended for the performance – stage, public space, exhibition format – calls for new forms in the development of the performance, for example that of the environment or of the action, of politically committed projects or activities of art in the social sphere.

editor Sibylle Omlin Preface Sibylle Omlin text Katya Garcia Anton, Barnaby Drabble, Sally De Kunst, Federica Martini, Sibylle Omlin, Dorothee Richter, Gavin Wade German / English 224 pages, approx. 50 ills. in color Paperback, 21 × 13,5 cm approx. Euro 30– ISBN 978-3-86984-413-8

ARTISTS Janusz Bałdyga Christoph Fellay Simon Kindle / Sophie Hofer Pe Lang Davor Ljubicˇic´ Valerian Maly / Klara Schilliger Victorine Müller Denis Romanovski Dorothea Rust Katja Schenker Berclaz Dorothea Rust, »Newton’s Äpfel«, 2010, K3 Project Space, Zürich, photo: Christian Glaus, courtesy of the artist

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Geartete Kunst Die Nürnberger Akademie im Nationalsozialismus

Editor Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg Text Sabine Brantl, Thomas Heyden, Frank Matthias Kammel, Edith Luther, Werner Lutz, Joanna Maxellon, Pascal Metzger, Hans Ottomeyer, Anja Prölß-Kammerer, Birgit Rauschert, Timo Saalmann, Alexander Schmidt, Herbert Schott, Birgit Schwarz, Melanie Wager, Julia Maria Woltermann 320 pages, with numerous ills. in b / w Paperback, 21 × 15 cm Euro 20,– ISBN 978-3-86984-375-9

Anlässlich ihres 350-jährigen Bestehens im Jahr 2012 setzt sich die Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg auch mit der Geschichte der Institution in der Zeit des Nationalsozialismus auseinander. Das von Studenten gestaltete Buch wendet sich den verschiedensten Aspekten des Lebens und Arbeitens an der ältesten Kunsthochschule im deutschsprachigen Raum während dieser Zeit zu. Es leistet einen wichtigen Beitrag zur Aufarbeitung des Geschehens während jener Jahre.

To mark its 350th anniversary in 2012, the Academy of Fine Arts in Nuremberg is also examining the institution’s history during the period of National Socialism. The book designed by students is devoted to a wide range of aspects concerning living and working at the oldest art high school in the Germanspeaking region during this period. It makes an important contribution to the coming to terms with events during those years.

/ Prospekt / Vorhang auf … Editor Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg und Neues Museum – Staatliches Museum für Kunst und Design in Nürnberg Text Angelika Nollert and Ottmar Hörl

German Paperback with flaps, Paperback, 24 × 17 cm Euro 15,– ISBN 978-3-96984-396-4

Diese Publikation – ebenfalls von Studenten gestaltet – zeigt Arbeiten von 14 künstlerischen Klassen der Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg. Die Klassen wurden eingeladen, sich in zwei Durchgängen in den Fassadenräumen des Neuen Museums in Nürnberg zu präsentieren und damit auch in den Stadtraum hinein zu wirken. Mit diesem Projekt setzen beide Institutionen ihre Zusammenarbeit fort.

Exhibition 9. 11. – 9. 12. 2012 (Part 1) 14. 12. 2012 – 20. 1. 2013 (Part 2)

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This publication – also designed by students – shows the works of 14 art classes at the Academy of Fine Arts in Nuremberg. The classes were invited to present their work in the exhibition rooms of the Neues Museum in Nürnberg, and were therefore also able to make an impression on and into the urban space. With this project, both institutions are continuing their cooperation.

Mike Parr Edelweiß / Edelweiss

Der radikale Performancekünstler Mike Parr (geb. 1945, lebt und arbeitet in Australien) provoziert seit den 1970er Jahren mit Auftritten, in denen er die Grenzen des Körpers und der eigenen physischen Leistungsfähigkeit bis hin zur Selbstverletzung austestet. Er steht für eine extreme Ausrichtung der Body Art, so ließ er sich bspw. in der Performance »Un Australian« 2003 als direkte Antwort auf die Situation von Flüchtlingen in Australien den Mund zunähen. Mike Parr arbeitet mit Schock, Schmerz, Ekel und Tabu, um das Publikum zu aktivieren und zur Diskussion über Kunst und Ethik anzuregen. Konzept und Layout des Buches sind einer Art Skizzenbuch des Künstlers nachempfunden. Die einzelnen Seiten sind perforiert und können herausgetrennt werden. Der Katalog zur ersten umfassenden Ausstellung in Europa in der Kunsthalle Wien zeigt neben einer Auswahl seiner wichtigsten Performances auch Zeichnungen, Druckgrafiken und Skripte.

Radical performance artist Mike Parr (b. 1945, lives and works in Australia) has been making provocative appearances since 1970s in which he tests out the boundaries of the body and of his own physical capabilities and limits, down to self-mutilation. He stands for an extreme orientation of body art, for example in the performance »Un Australian« in 2003 he had his mouth sewn up as a direct response to the situation of refugees in Australia. Mike Parr works with shock, pain, disgust and taboos in order to activate the audience and stimulate it into a discussion about art and ethics. The concept and layout of the book are based on a kind of sketchbook of the artist. The individual pages are perforated and can be pulled out. Apart from a selection of his most significant performances, the catalog, made for his first comprehensive exhibition in Europe in the Kunsthalle Wien, also presents drawings, prints and scripts.

Editor Kunsthalle Wien, Synne Genzmer Preface Lucas Gehrmann, Synne Genzmer text Synne Genzmer, Gregory L. Wilding, Anne Marsh INTERVIEW Gerald A. Matt with Mike Parr 216 pages, numerous ills. in color and b / w Paperback, 28 × 21 cm Euro 38,– ISBN 978-3-86984-390-2 German edition ISBN 978-3-86984-392-6 English edition

Exhibition Kunsthalle Wien Museumsquartier 7. 11. 2012 – 24. 2. 2013 From the performance series »100 Breaths, Arthouse Perth, Australia«, 1992 »Selbstportrait« from the series »[ALPHABET / HAEMORRHAGE] Black Box of 100 Self Portrait Etchings«, 1992 photo: The audience collection of the artist

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above: from »Ballet Méchanique«, Fernand Léger & Dudley Murphy, FR,1924; middle: Interactive computercode, Moswitzer / Jahrmann / Kayali, 2012 below: from »Bird Eye Peas Commercial«, Birds Eye Country, UK, 1958

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Play & Prosume

Das reich illustrierte Buch blickt mit Essays, Interviews und Bildgeschichten hinter die gezeigten medialen Bilder und untersucht die erstaunlichen Beziehungen zwischen künstlerischer Innovation und kommerzieller Verwendung in Film, Fernsehen und Computergames. Es verfolgt technologische Veränderungen in der Mediengeschichte und geht dem Widerschein der Avantgarde in alltäglicher Werbung nach, deren Gestaltung mit der Nutzung künstlerischer Ideen in den jeweils neuen Medien der Zeit eng verbunden ist.

Play & Prosume

This richly illustrated book takes a look behind the media images we are shown, and in essays, interviews and picture stories, examines the amazing relationships between artistic innovation and commercial use in film, television and computer games. It follows technological changes over the course of media history and looks at how the avant-garde is reflected in everyday advertising, the design of which is closely connected to the use of artistic ideas in whatever media was new at a particular time.

Editor Margarete Jahrmann and Brigitte Felderer contributions by Among others Gerald Bast, Martha Blassnigg, Rudmer Canjels, Brigitte Felderer, Barbara Fränzen, Bert Hogenkamp, Margarete Jahrmann, Fares Kayali, Johann Lurf, Thomas Macho, Mark Paul Meyer, Max Moswitzer, Lydia Nsiah/ Joachim Schätz, Robert Pfaller, Michael Punt, Bernhard Seiter, Wilbert Schreurs, Ernst Strouhal, Gejus van Diggele, Michael Wallraff, Martyn Woodward German / English approx. 180 pages, numerous ills. in color Paperback, 24 × 17 cm Euro 25,– ISBN 978-3-86984-411-4

Analyses of advertising in film, television, experimental and industrial films, as well as computer games. The book is being published on the occasion of the media installation »Play & Prosume« in the Project Space of the Kunsthalle Wien, based on a scientific research project conducted by the Universities of Plymouth and Amsterdam, the University of Applied Arts Vienna, the EYE Film Institute Amsterdam and the Netherlands Institute for Sound and Vision.

EXHIBITION Project Space, Kunsthalle Wien 6. 3. – 17. 3. 2013

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Hans Schabus 1:1

Editor Culturgest, Lissabon, IAC Villeurbanne, Lyon text Pablo Fernandez Fanego, Miguel Sequeira Wandschneider German / English 128 pages, numerous ills. in color Hardcover, 31 × 23 cm approx. Euro 28,– ISBN 978-3-86984-393-3

Der Katalog von Hans Schabus (geb. 1972, A) kann sowohl als eine Art Maßstab wie als Zwischenergebnis zum Schaffen des Künstlers verstanden werden. Von jedem der darin gezeigten Kunstwerke wurde ein Ausschnitt von 31 × 23 cm fotografiert, der im Verhältnis von 1:1 im Katalog reproduziert ist. Wie in einem Musterbuch oder einer wissenschaftlichen Untersuchung ist es dadurch möglich, Vergleiche und Analysen der Kunstwerke und deren Medien und Materialitäten vorzunehmen. Welcher Ausschnitt von welchem Kunstwerk stammt, zeigt sich in den Ausstellungsansichten, die während der beiden großen Einzelausstellungen von Hans Schabus im Jahr 2011 – »Nichts geht mehr« am Institute d’Art Contemporain Villeurbanne / Lyon und »Space of Conflict« bei Culturgest in Lissabon – aufgenommen wurden.

The catalog by Hans Schabus (b. 1972, A) can be seen both as a kind of gauge and as an interim report on the work of the artist. A detail in the dimensions 31 × 23 cm was photographed of each of the works of art shown there, and these are now reproduced in the catalog in exactly this format, that is, in the proportion of 1:1. It is possible through this to make comparisons and analyses of the artworks and their media and material qualities with one another, as with a sample book or a scientific experiment. Which section comes from which artwork is revealed in the final part of the catalog. This presents an exhibition view of each work, and these were photographed during the two large solo exhibitions by Hans Schabus in 2011 – »Nichts geht mehr« at the Institute d’Art Contemporain Villeurbanne / Lyon and »Space of Conflict« at Culturgest in Lisbon.

Hans Schabus has been known to a large international audience at the latest since his design of the Austrian Pavilion for the Venice Biennale in 2005. The catalog records the most important films, collages and sculptures by Hans Schabus from the years 1999 to 2011. left: »Zuspiel, Abspiel«, 2007–2011, variable size, 25 balls; right: »Reissbrett Nr. 84 (Das letzte Land – Venedigerplatte)«, 2005, 110,4 × 146,4 × 5,6 cm, map, paper, pencil, ink, color pencil, foil, wood, cardboard, glass, aluminium New Releases

Andreas Fischer In der Wolle

Der Katalog »In der Wolle« zeigt Maschinen-Skulpturen von Andreas Fischer (geb. 1972). Aus vorgefundenen Materialien und Gegenständen baut Fischer mithilfe von Motoren und Mikroprozessoren bewegte und sprechende Skulpturen, die in ihrem neuen Verbund eigene Handlungsmotive und Funktionen erlangen. Fischers Mensch-MaschinenParodien konfrontieren den Betrachter mit existenziellen Fragen und zeigen die physischen und psychischen Zwänge und gesellschaftlichen Normen, die einerseits als notwendig für das soziale und kulturelle Gefüge gelten und gleichzeitig als sozialer und individueller Konfliktpunkt ausgemacht werden. Unermüdlich vollziehen die Maschinen ihre Mission: Sie müssen funktionieren, Pausen oder gar Stillstand sind nicht vorgesehen.

The catalog »In der Wolle« presents machine sculptures by Andreas Fischer (b. 1972). With the aid of motors and microprocessors, Fischer builds moving and speaking sculptures from found materials, which in their new form achieve their own motivations and functions. Fischer’s man-machine parodies confront the viewer with existential questions and show the physical and pyschological pressures and social norms, which on the one hand are considered necessary for the social and cultural fabric and at the same time are identified as a source of social and individual conflict. The machines complete their mission untiringly: they have to function – breaks, or even stopping altogether, are not on the agenda.

Editor Jasmina Merz, Museum Ludwig, Cologne preface Kasper König Text Peter Lange-Berndt & Dietmar Rübel, Friedrich Wolfram Heubach, Jasmina Merz Interview Paola Malavassi with Andreas Fischer German / English 144 pages, 140 ills. in color Paperback with flaps, 25,5 × 21 cm Euro 24,– ISBN 978-3-86984-394-0

Exhibition Museum Ludwig, Cologne 30. 11. 2012 – 31. 3. 2013 »Wirds Bald«, 2011, 280 × 56 × 85 cm, privat collection, courtesy Galerie Reinhard Hauff, Stuttgart photo: Michael van den Bogaard

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David Moises Stuff Works

text Heinrich Dubel, Brigitte Felderer, Margarete Jahrmann, David Moises, Norbert Pfaller German / English 200 pages, numerous ills. in color and illustrations by the artist Linen, 24 × 17 cm Euro 32,– ISBN 978-3-86984-229-5

Der Künstler, Techniker und Bastler David Moises ist fasziniert von mechanischen Gerätschaften, die er analysiert, zerlegt und neu zusammenfügt. Dabei verändert er Funktion und Wirkung und schafft gänzlich neue Sinnzusammenhänge. Als leidenschaftlicher Sammler des Heimwerkermagazins »Hobby« illustriert David Moises in Anlehnung daran in Zeichnungen seine Erfindungen und zeigt uns (How) »Stuff Works«. Im Maschinenpark des Künstlers geht es bestimmt nicht darum, das Leben bequemer zu gestalten, menschliche Arbeitskraft zu ersetzen oder auch nur Langsames zu beschleunigen. Die technische Innovation seiner Geräte besteht auch nicht darin, noch nie da gewesene Konstruktionsprinzipien zu suchen. Und doch geht es darum, technisch Mögliches zu überwinden. David Moises setzt seine Maschinen in Gang und dabei deren eigentliche Funktionen außer Kraft.

»Steckenpferd«, 2006

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The artist, technician and do-it-yourself enthusiast David Moises is fascinated by mechanical devices, which he analyses, takes apart and puts together again in a different way. In doing so he changes cause and function, creating entirely new contexts. As a passionate collector of the handyman magazine, »Hobby«, David Moises illustrates his inventions through drawings based on those of the magazine, and shows us (how) »Stuff Works«. In the artist’s machine park, things are certainly not about making life more comfortable, or replacing manpower, or even just speeding up things that are slow. The technical innovations of his appliances are also not aimed at finding never before seen principles of construction. And yet it is all about conquering what is technically achievable. David Moises sets his machines in motion, at the same time cancelling out their actual functions.

Axel Lieber The long way home Skulpturen und Installationen 1989 – 2012

Axel Lieber nutzt Alltagsgegenstände, zerlegt diese, verfremdet deren Materialität, schrumpft deren Maßstäbe oder bläht sie auf. Die auf diese Weise geschaffenen Objekte versieht er mit neuen Inhalten und, im Ensemble ausgestellt, neuen Bedeutungszusammenhängen. Axel Lieber ist ein Künstler, der die klassischen bildhauerischen Techniken beherrscht und dem traditionellen Skulpturenbegriff eine neue Dimension verleiht. »The long way home« zeigt in einer wunderbaren 120-seitigen Bildstrecke zahlreiche Arbeiten aus den letzten 25 Jahren und lässt den Leser durch die Installationen und Parallelwelten wandern, wodurch wesentliche Merkmale des Gesamtwerks veranschaulicht werden.

Axel Lieber uses everyday objects, takes them apart, alienates their materiality, shrinks them in scale or inflates them. He gives the objects created in this way a new content, and presented in the ensemble, confers them with new contextual meaning. Axel Lieber is an artist who is proficient in the classic sculptural techniques and provides the traditional concept of sculpture with a new dimension. In a wonderful, 120page picture series, »The long way home« presents numerous works from the past 25 years, taking the reader on a tour through the installations and parallel worlds in which important characteristics of his overall work are illustrated.

Editor Institut für moderne Kunst Nürnberg Text Stefanie Kreuzer, Axel Lieber German / English 144 pages, numerous ills. in color Paperback with flaps Euro 24,– ISBN 978-3-86984-384-1

»Short Cuts« (chair), fragments of furniture, felt, 2006

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Susan Hodel

Editor Kunstmuseum Solothurn text Patricia Bieder, Franz Müller, Christoph Vögele German / English 144 pages, approx. 60 ills. in color Linen, 27,5 × 21 cm approx. Euro 30,– ISBN 978-3-86984-415-2

Susan Hodel

Die Ausstellung der Malerin und Zeichnerin Susan Hodel (geb. 1962) im Kunstmuseum Solothurn konzentriert den Blick auf die Basis ihrer Malerei, auf die Leinwand und deren Grundierung. Damit verbunden ist die prinzipielle Befragung des Bildes, seiner Beschaffenheit, Wirkung und Funktion. So minimal die Erscheinung der Werke, so langwierig ist ihr Entstehungsprozess. Als formale Paradigmen fallen Flechtwerk und Faltung auf. Daher sprechen die Werke sowohl über ihre Farbigkeit wie ihre Struktur an. Die Publikation fasst vor allem Werke der Jahre 2008 bis 2012 zusammen, bezieht aber auch einige frühere Arbeiten ein.

Exhibition Kunstmuseum Solothurn 23. 2. – 12. 5. 2013 Ohne Titel, 2011–2012

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The solo exhibition by painter and graphic artist Susan Hodel (b. 1962) in the Kunstmuseum Solothurn concentrates attention on the basis of her painting, on the canvas and its priming coat. Associated with this is the principle questioning of the picture, of its texture, effect and function. Although the appearance of the works is minimalistic, the process of their creation is a very lengthy one. As formal paradigms, wickerwork and folding are noticeable.This is why the works make an impact, both through their colorfulness and through their structure. Susan Hodel’s publication embraces above all works from the years 2008 to 2012, but also makes reference to a number of earlier works.

Jason Dodge A hole through speaking.

Der Amerikaner Jason Dodge (geb. 1969, lebt und arbeitet in Berlin) prägt den Begriff der Bildhauerei neu. Seine Arbeiten bestehen meist aus Gegenständen, die aus dem Alltag bekannt sind, und einem Titel, der eine Erzählung evoziert und damit auf die poetischen Potenziale der Realität verweist. Jason Dodge ist interessiert an Naturphänomenen (dem Himmel, dem Wetter, Licht, Luftströmungen), an der Art, wie sich die Persönlichkeit von Menschen in ihren Dingen und ihrer Lebensumgebung widerspiegelt, an Poesie, an Musik. Er hat eine Affinität zu Dingen, zu ihrer Präsenz im Raum. Er lässt uns teilhaben an seiner Faszination daran, wie Dinge zirkulieren, mit Wert aufgeladen werden oder eben nicht, wie sie von Ereignissen infiziert werden, in denen sie eine Rolle spielen.

The American Jason Dodge (b. 1969, lives and works in Berlin) redefines the concept of sculpting. His works usually consist of objects familiar to us from everyday life, and a title. The gap between the two evokes a story, a fiction, thus making a reference to the poetic potentials of reality. Jason Dodge is interested in natural phenomena (the sky, the weather, light, air currents), in the way that the personality of people is reflected in their things and their living environment, in poetry, in music. He has an affinity with things, with their presence in the space. He allows us to share his fascination in how things circulate, how they are charged with value, or not, as the case may be, how they are infected by events in which they play a role.

Editor LENTOS Kunstmuseum Linz Text Oriane Durand, Dieter Roelstraete, Stella Rollig 256 pages, numerous ills. in color Paperback, 23 × 16 cm approx. Euro 32,– ISBN 978-3-6984-409-1

Exhibition Lentos Kunstmuseum Linz 22. 3. – 9. 6. 2013

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Caro Suerkemper Roasted in hot love

EDitor on behalf of Frankfurt am Main’s cultural office by the Frankfurt Museum of Applied Art, Sabine Runde, Fine German Gallery and Caro Suerkemper Text Jean-Christophe Ammann, Tanja Langer, Sabine Runde German/English 100 pages, numerous ills. in color Hardcover, 18,5 x 13,5 cm Euro 24,80 ISBN 978-3-86984-400-8

Die Berliner Künstlerin Caro Suerkemper greift die Idee der Porzellankunst des 17. und 18. Jahrhunderts auf und schafft Keramiken, die skurril überzeichnete Frauenfiguren in provokant lustvollen Szenarien zeigen: mehr oder weniger bekleidete, ungelenk-gelenkig ineinander verschlungene weibliche Körper. Suerkemper fand in den Epochenräumen der Historischen Villa Metzler des Museums für Angewandte Kunst Frankfurt die ideale Bühne für ihre freiplastischen, glasierten Figuren und Figurengruppen. Diese konfrontierte sie mit dem historischen Ambiente, den Stilmöbeln und edlen Tapeten der Frankfurter Villa. Die humorvolle Inszenierung der skurrilen Bildwelten wurde für das Buch in herrlichen Fotografien festgehalten.

Berlin artist Caro Suerkemper takes up the idea of 17th and 18th century porcelain art to create ceramics that display women who are comically overdrawn, in provocatively stimulating scenarios: females bodies in various states of undress, entwined awkwardly yet lithely in one another. In the period rooms of the Historic Villa Metzler of the Frankfurt Museum for Applied Art, Suerkemper found the ideal stage for her free-standing enamelled figures and groups of figures. She confronted these with the historical ambience, period furniture and fine wallpaper of the Frankfurt Villa. The humorous staging of the bizarre image worlds was recorded for the book in splendid photographs.

»Frozen Charlotte«, 2012, made for Edition 5 Erstfeld, five pieces, slip cast, kiln-fired, glazed, underglaze painting, each 65 × 31 × 14 cm New Releases

Goldrausch Gegenwartskunst aus, mit oder über Gold

Für die zeitgenössische Kunst scheint der Reiz im Umgang mit Gold gerade in den mannigfaltigen Ausdrucks- und Bedeutungsebenen zu liegen, die sich mit dem auratischen Werkstoff assoziieren. Denn hieraus ergeben sich spannende Fragen: Wie kann Gold in einer neuartigen und überraschenden, bisweilen humorvollen oder auch irritierenden Weise eingesetzt werden? Welche Bildlösungen können gefunden werden, damit die Verwendung von Gold nicht als konservativer Traditionalismus oder rückwärtsgewandte Dekorationslust missverstanden werden kann? Welche künstlerischen Strategien können entwickelt werden, um das Pathos des Materials zu hinterfragen? Wie kann Gold zum Symbol einer aktuellen Thematik werden? Gold ruft unweigerlich Reaktionen hervor – ein Potenzial, das die internationalen Künstlerinnen und Künstler vielfältig nutzen.

The appeal in dealing with gold for contemporary art seems to lie in the multifaceted levels of expression and significance that are associated with this auratic material. Because this throws up some fascinating questions: how can gold be deployed in new and surprising ways, sometimes humorous, but also bemusing at times? What visual solutions can be found to prevent the use of gold from being misunderstood as a conservative traditionalism or a backwardlooking appetite for decoration? What artistic strategies can be developed to question the pathos of the material? How can gold become the symbol of a current hot topic? Gold invariably invokes reactions – a potential that is exploited with great diversity by the international artists.

Editor Kunsthalle Nürnberg, Villa Merkel Esslingen PREFACE Andreas Baur, Ellen Seifermann text Klaus H. Orth, Anne Schloen, Harriet Zilch German, English 204 pages, numerous ills. in color Hardcover Euro 32,– ISBN 978-3-86984-387-2

ARTISTS Paweł Althamer Joseph Beuys Michał Budny Anja Ciupka Jürgen Drescher Félix González-Torres Filip Gilissen Daniel Knorr Alicja Kwade Kris Martin Jonathan Monk Alexandra Müller Roman Ondák Martin Pfeifle Claus Richter Michael Sailstorfer Johannes Vogl Claudia Wieser Exhibition Kunsthalle Nürnberg im KunstKulturQuartier 18. 10. 2012 – 13. 1. 2013 Villa Merkel, Esslingen 17. 2. – 14. 4. 2013

Paweł Althamer, »Der Goldene Ritter«, 2010, 14 kt / gold cast, unique, private collection, Dana Charkasi, Vienna, photo Michael Goldgruber © Paweł Althamer / Dana Charkasi

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Ingo Gienzendanner rundherundherundherum

Editor Kunstmuseum Thun, Petra Giezendanner and Siri Peyer text Petra Giezendanner, Siri Peyer German / English 112 pages, illustrated throughout Hardcover, 23,5 × 16,5 cm Euro 24,– ISBN 978-3-86984-377-3

Der Schadaupark in Thun beheimatet das weltweit älteste erhaltene Panorama. Es entstand zwischen 1809 und 1814 und stammt von Marquard Wocher. Ausgangspunkt für Ingo Gienzendanners »rundherundherundherum« bildet (ähnlich wie bei Wocher) auch eine Reise – in diesem Fall in die sich ganz ähnlich anhörende und sich fast auf dem gleichen Längengrad wie Thun befindende Stadt Tunis. Auf einem öffentlichen Platz etwas abseits des Zentrums sitzend, hat Gienzendanner dort in einer 360-GradZeichnung das Geschehen rund um ihn herum dokumentiert.

The Schadaupark in Thun, Switzerland, is home to the world’s oldest surviving panorama of the world, painted from 1809 to 1814 by Marquard Wocher. The starting point for Ingo Gienzendanner’s »rundherundherundherum« is also formed (as with Wocher) by a journey – in this case to the very similar sounding city, situated on almost the same degree of longitude as Thun, Tunis. Sitting in a public square some distance from the city centre, he documented events happening there around him in a 360 degree drawing.

Ingo Giezendanner is a flaneur, a chronicler of his local surroundings. He records all that surrounds him down on paper. In doing so he is less interested in the spectacular, in places of historic or tourist interest, and more in places where everyday life takes place and leaves its traces. »GRR49: rundherundherundherum«, exhibition Thun-Panorama, Kunstmuseum Thun

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Liu Xiaodong The Process of Painting

Liu Xiaodong ist einer der berühmtesten chinesischen Maler der Gegenwart. Seine Staffeleimalereien sind großformatig und realistisch. Er malt im Freien, um Zustände, die vor Ort über längere Zeiträume existieren, durch eine Vielzahl an Schnappschüssen sowie gezielte Aufnahmen in Filmen Fotografien und Tagebüchern festzuhalten. Er fügt diese wie Puzzleteile zu einem großen Ganzen zusammen. Für die Ausstellung im Kunsthaus Graz war Liu Xiaodong im steirischen Eisenerz, wo er mit der Bevölkerung gelebt und den Ort beobachtet hat. In der Industrie- und Kulturlandschaft rund um Eisenerz in der Obersteiermark (A) fand der Künstler eine Parallele zur eigenen Biografie. Eisenerz wird hier zu einem Modellfall, an dem soziale Veränderungen besonders sichtbar werden.

Liu Xiaodong is one of the most famous painters in present day China. His easel paintings are large-scale and realistic. He paints in the open air to record conditions that have existed over long periods of time. These he records with a wide range of snapshots, along with specific recordings in films, photographs and diaries, adding them like pieces of a puzzle to a large whole. For the exhibition in the Kunsthaus Graz, Liu Xiaodong spent one month in Eisenerz, Styria, where he lived among the people and observed the place. In the industrial and agricultural landscape surrounding Eisenerz in Upper Styria (A), the artist found parallels with his own life. Here Eisenerz becomes a model case in which social changes become particularly visible.

Editor Günther Holler-Schuster, Peter Pakesch, Kunsthaus Graz Preface Peter Pakesch text Zandie Brockett, Günther Holler-Schuster, Liu Xiaodong INTERVIEW Heinz-Norbert Jocks with Liu Xiaodong German / English / Chinese 176 pages, numerous ills. in color Paperback with flaps, 28 × 22 cm With DVD, 26 min. Euro 29,90 ISBN 978-3-86984-382-7

With exhibition views, documentary photographs from Eisenerz and Liu Xiaodong’s diary »In Eisenerz«. In addition the 26 min. documentary film »Liu Xiaodong in Eisenerz«.

Liu Xiaodong’s artistic practice combines disciplines such as reportage, visual anthropology and »en plein air« painting into an overall visual composition. Exhibition view »Liu Xiaodong. The Process of Painting«, Kunsthaus Graz, photo: N. Lackner / UMJ

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Konstanze Feindt Eißner Grafiken, Skulpturen, Objekte

Editor Konstanze Feindt Eißner (www.kfe-arts.de) Text Cornelia Ackermann, Astrid Nielsen, Jens-Uwe Sommerschuh German 152 pages, numerous ills. in color Hardcover, 24 × 17 cm Euro 30,– ISBN 978-3-86984-398-8

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Die deutsche Bildhauerin und Zeichnerin Konstanze Feindt Eißner stellt Skulpturen und grafische Arbeiten der Jahre 2004 bis 2012 vor. Hinzu kommen die in jüngster Zeit vom Voodoo angeregten »Wächter«-Figuren aus Federn, Ketten und Materialmix. Die menschliche Figur ist die Basis ihrer Arbeit. Sie schafft Metaphern über quälende Wahrheiten des menschlichen Seins in einem fast ungleichen Kampf mit dem Stein. Das Katalogbuch zeigt die außergewöhnliche Formsprache der Künstlerin in ihrer Suche nach größtmöglicher Reduktion bei gleichzeitig narrativer Umsetzung.

The book gives an overview of the graphics, sculptures and objects from 2004 onwards by Konstanze Feindt Eißner. Across various media the artist frequently creates metaphors that stand for human conditions and attitudes. She deals with the essential, her works revolve around existential themes and complementary opposites: these are death and mourning, or suicide or living with losses. They are also about pleasure and cheerfulness, about love, about inner balance and the loss of inner balance, or finding this again in the past, present and future.

»Balanceversuch«, mixed media, bees wax, 86 × 62 cm, 2012

»Schreitende«, Carrara marble, 100 × 32 × 16 cm, 2010

Appassionata Die Sammlung Selinka im Dialog

Mit der Eröffnung des neuen Kunst museums Ravensburg übergibt die Stiftung Selinka der Stadt Ravensburg über 200 bedeutende Kunstwerke des 20. Jahrhunderts als Dauerleihgabe. Das Konvolut an Werken aus dem Expressionismus sowie der Gruppen Cobra und Spur bildet die Grundlage für die zukünftige Ausstellungstätigkeit des neuen Hauses. Die Eröffnungsausstellung trägt den Titel »Appassionata« nach dem gleichnamigen Gemälde Asger Jorns aus der Sammlung. Das Buch behandelt »Private-Public-Partnerships«, hinterfragt den Begriff des Gefühls in den Programmen der Künstlergruppierungen Expressionismus, Cobra und Spur und dokumentiert in einem Gespräch zwischen der künftigen Direktorin, Nicole Fritz, und der Sammlerin Gudrun Selinka die Entstehung der Sammlung.

With the opening of the new Kunst museum Ravensburg, the Stiftung Selinka is presenting to the city of Ravensburg more than 200 significant works of art of the 20th century on permanent loan. The bundle of works from the Expressionist period, as well as from the Cobra and Spur groups, forms the basis for the future exhibition activity of the new institute. The opening exhibition bears the title »Appassionata«, after the painting of the same name from the collection by Asger Jorn. The book examines »private-public-partnerships«, questions the concept of feeling in the programmes of the artist groupings of Expressionism, Cobra and Spur, and documents how the collection was created in a talk between the future director, Nicole Fritz, and collector Gudrun Selinka.

Editor Nicole Fritz for Kunstmuseum Ravensburg Preface Nicole Fritz, Daniel Rapp Text Nicole Fritz, Katja Weitering German approx. 168 pages, approx. 80 ills. in color Hardcover, 28 × 21 cm Euro 28,– ISBN 978-3-86984-405-3

Opening Ceremony Kunstmuseum Ravensburg 8. 3. 2013 Alexej von Jawlensky, »Spanisches Mädchen«, 1912, Collection Gudrun Selinka

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Gerhard Rießbeck Grönlandnacht

editor Gerhard Rießbeck text Hans-Peter Miksch German 88 pages, 61 ills. in color Paperback, 21 × 24 cm Euro 25,– ISBN 978-3-86984-401-5

Auf zahlreichen Reisen in die Arktis und Antarktis hat sich der Maler Gerhard Rießbeck (geb. 1964) der menschenabweisenden Natur der Polarregionen angenähert. Seine Erfahrungen, Tagebucheintragungen und Reiseskizzen bilden die Grundlage für die oft großformatigen reduzierten Landschaftsbilder, die nach einem langwierigen Klärungsprozess im Atelier entstehen. »Grönlandnacht« präsentiert seine neuesten Werke, die durch einen Winteraufenthalt in der Ortschaft Upernavik im Nordwesten Grönlands im Jahr 2009 angeregt wurden. In irreales Licht getauchte Eisberge stehen dabei einer Serie von farbstrahlenden Häusern gegenüber, die auf die Anwesenheit des Menschen in einer lebensfeindlichen Umwelt weisen.

On numerous journeys to the Arctic and Antarctic, painter Gerhard Rießbeck (b. 1964) has become acquainted with the forbidding nature of the polar regions. His experiences, diary entries and travel sketches form the basis of often large-scale, reduced landscape pictures, which arise after a lengthy clarification process in the studio. »Grönlandnacht« presents his newest works, which were inspired by a winter stay in the town of Upernavik in the north-west of Greenland in 2009. Icebergs bathed in an unreal light, emerging from the black of the polar night, are contrasted here with a series of brightly colored houses pointing to the presence of people in a hostile environment.

»Das Haus des Malers (Innenansicht)«, 200 × 200 cm, oil on canvas, 2012

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Rudolf Goessl Verwandlungen

Rudolf Goessl (geb. 1929) beschäftigte sich bereits Ende der 1960er Jahre als einer der Ersten in Österreich mit monochromer Malerei. Schon damals kreiste sein Schaffen um die großen Fragen des Seins, und es gelang ihm, die Spuren dieser Suche in meditativen Farbräumen von »unendlicher« Tiefe festzuhalten. Als gut informierter, aber grüblerischer Einzelgänger bewegte er sich gerne etwas abseits des Kunst betriebs und entwickelte in den folgenden Jahrzehnten in aller Stille sein bedeutendes malerisches Werk. Die umfassende Retrospektive versammelt nicht nur viel Unbekanntes, sie belegt zudem Goessls Rolle als »missing link« zur Generation der »Neuen Wilden«.

At the end of the 1960s, Rudolf Goessl (b. 1929) was one of the first artists in Austria to be involved with monochrome painting. Even then he was motivated by the great questions of existence, and he managed to record the traces of this search in meditative color spaces of »infinite« depth. As a well informed, but brooding loner, he liked to move somewhat outside the art scene, and in the following decades quietly developed his important body of paintings. This comprehensive retrospective not only brings together many unknown works, it also affirms Goessl’s role as a »missing link« to the generation of the »Neue Wilden«.

Editor ZEIT KUNST NIEDERÖSTERREICH Landesgalerie für zeitgenössische Kunst St. Pölten Krems text Andrea Jünger, Christian Reder, Christine Goessl REPRINTS Josef Donnenberg, Reinhard Priessnitz INTERVIEW Alexandra Schantl with Rudolf Goessl German / English approx. 216 pages, numerous ills. in color Paperback with flaps, 26 × 21 cm Euro 29,– ISBN 978-3-86984-414-5

Exhibition Landesgalerie für zeitgenössische Kunst St. Pölten im Landesmuseum Niederösterreich, St. Pölten www.zeitkunstnoe.at 16. 2. – 12. 5. 2013 View into the studio of Rudolf Goessl, 2011, photo: Ernst Kainerstorfer

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Simona Koch Organisms

Preface Simona Koch text Karin Harrasser, Florianne Koechlin, Werner Kogge, Andreas Weber 224 pages, numerous ills. b / w, 8 fold-out pages Linen, 16 x 12 cm Euro 29,90 ISBN 978-3-86984-386-5

Simona Kochs spürt in »Organisms« den Strömen und Verbindungen des Lebendigen als Teil des großen Weltorganismus, des Weltganzen nach. Sie erforscht wissenschaftliche Fragen mit künstlerischen Strategien und kann – frei von den Zwängen wissenschaftlichen Arbeitens – Perspektiven erarbeiten, die das Spiel des Lebendigen in seinen immer wieder neuen Facetten und Verflechtungen zeigen. »Organisms« ist dabei das Skizzenbuch des kreativen Geistes, dessen Fragen zum Antrieb einer nie endenden Weltwanderung geworden sind. Essays von Biologen und Philosophen stehen ergänzend neben den Arbeiten der Künstlerin, deren Werk in seiner Verbindung aus Ästhetik und Wissenschaft forschende Neugierde und Schaulust gleichermaßen zu Recht kommen lässt. In letzter Konsequenz entwickelt »Organisms« die Perspektive einer gemeinsamen Entwicklung von Natur und Kultur.

»Erbe«, 2012

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In »Organism«, Simona Koch traces the currents and connections of the living as part of the great world organism, the world as a whole. She explores scientific questions with artistic strategies and, free from the constraints of scientific work, is able to open up perspectives which show the game of life in its ever new facets and interconnections. »Organisms« is the sketchbook of the creative spirit whose questions have become the driving force of a never-ending world transformation. Essays by biologists and philosophers supplement the work of the artist, which in its combination of aesthetics and science allows inquisitive research and curiosity to be given equal treatment. Ultimately »Organisms« develops the perspective of a shared development of nature and culture.

Karim Noureldin

Karim Noureldin arbeitet mit Blei- und Farbstiften. Seine Zeichnungen, oft als Serien angelegt, haben unterschiedliche Formate, sind abstrakt und schaffen eine erstaunliche Räumlichkeit. Seine Installationen nehmen bisweilen ganze Ausstellungsräume ein: »Es schlagen sich feine Linien und Schraffuren an der Wand nieder […]. Dabei versteht es Noureldin, die Eigenheiten der bestehenden Architektur aufzunehmen, sie mittels seiner gewählten Struktur und seinem Rhythmus zu verstärken und dergestalt den Raum in eine schwingende oder vibrierende Situation zu überführen.« (Christina Végh) Die Monografie gibt einen umfassenden Überblick über die Entwicklung der Zeichnungen und ortsspezifischen Arbeiten von 2002 bis 2012.

Karim Noureldin works with pencils and crayons. His drawings, often conceived as part of a series, have different formats, are abstract and create an astounding sense of spaciousness. His installations at times take up entire exhibition spaces: »Fine lines and hatchings are precipitated on the wall […]. In doing so, Noureldin understands how to take up the peculiarities of the existing architecture, reinforce these through his selected structure and rhythm and transform the space into a resonating or vibrant situation.« (Christina Végh) The monograph provides a comprehensive overview of the progression of the drawings and sitespecific works from 2002 to 2012.

Editor Christina Végh Text Ralf Christofori, Dieter Koepplin, Roman Kurzmeyer, Christina Végh, Max Wechsler Interview Reto Thüring with Karim Noureldin German / English / French approx. 256 pages, approx. 200 ills. in color Hardcover, 30 × 22 cm Euro 38,– ISBN 978-3-6984-410-7

With a large number of drawings, site-specific works and wall paintings, as well as many works conceived in cooperation with Swiss architects. Exhibition Karim Noureldin – Adbe Kunstraum Fuhrwerkswaage, Cologne, Spring 2013 »Evo«, 2009, color pencil on paper, 153 × 122 cm courtesy Von Bartha Basel / Roche Collection

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Direkter Urbanismus / Direct Urbanism transparadiso Barbara Holub / Paul Rajakovics

Editor transparadiso Text Jane Rendell Interview Paul O’Neill and Mick Wilson with transparadiso German / English 216 pages, numerous ills. in color With supplement and poster Paperback with linen, 27,5 × 19,8 cm Euro 32,– ISBN 978-3-6984-408-4

Nach über zwölf Jahren transdisziplinärer Praxis wird in diesem von Lupo & Burtscher, Bozen, gestalteten Buch die umfassende Arbeit von »transparadiso« vorgestellt: Das Œuvre reicht dabei von einer engagierten Architekturpraxis bis zu den vielfältigen künstlerisch-urbanen Interventionen, die nunmehr methodisch geschärft als »direkter Urbanismus« die Dichotomie zwischen Planung und urbaner Handlung aufheben. Die unterschiedlichen Projekte vereint der Wunsch nach einem kollektiven Topos, welcher von kollaborativen Handlungsräumen und dem Potenzial von MakroUtopien getragen wird. Ein Interview von Paul O’Neill und Mick Wilson sowie ein Text von Jane Rendell vernetzen den Diskurs mit den Projekten in ihren vielfältigen Kontexten.

»Commons kommen nach Liezen«, 2012

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After more than twelve years of trans disciplinary practice, the book designed by Lupo & Burtscher, Bolzano, introduces the extensive work of »transparadiso«: The œuvre ranges here from a committed architectural practice down to diverse artistic-urban interventions which, now methodically sharpened as »direct urbanism« lift the dichotomy between planning and urban activism. The desire for a collective topos that is supported by collaborative actions and the potential of macro-utopias is common to all the different projects. An interview with Paul O’Neill and Mick Wilson as well as a text by Jane Rendell link the discourse to the projects with their wildly diverse contexts.

Özlem Sulak Fictive Presence

Özlem Sulaks (geb.1979 in Kayseri / Türkei) Erfahrungen von Heimat und Fremde, von kultureller Identität und Migration, von Sprache und »Fremd«-Sprache bilden den Ausgangspunkt ihrer Arbeiten. Der dritte türkische Militärputsch von 1980 und dessen gesellschaftliche und kulturelle Auswirkungen wie die massive Zensur von Büchern kommen dabei ebenso zur Sprache wie Aspekte ihrer individuellen Lebenssituation als türkische Künstlerin in Westeuropa. Paradoxe Facetten des europäischen Ausländerrechts wie etwa die deutsche »Fiktionsbescheinigung«, ein vorübergehender Aufenthaltstitel, der die Künstlerin über Monate in der Ungewissheit ihrer künftigen Auf enthaltserlaubnis zurückließ, dienen Sulak als Anlass, die Fiktionen von kultureller Identität und territorialen Grenzen zu hinterfragen, die das aktuelle Europa definieren.

Özlem Sulak’s (b. 1979 in Kayseri / Turkey) experiences of native and foreign lands, of cultural identity and migration, of language and »foreign« language, form the starting point of her works, which are both political and personal. The historical event of the third Turkish military putsch of 1980 and the social and cultural consequences of this, such as the massive censorship of books, are expressed here, as are aspects of her individual life situation as a Turkish artist in western Europe. Paradoxical facets of the European law on foreigners, such as the German »Fictional Certificate« a temporary resident permit, which left the artist in the dark for months about her future residence permit, prompted Sulak to question the fictions of cultural identity and territorial borders which define the Europe of today.

editor KulturKontakt Austria, Bank Austria UniCredit Group, Bank Austria Kunstforum Preface Willibald Cernko, Andrea Ecker text Heike Eipeldauer interview Annemarie Türk with Özlem Sulak German/English 64 pages, numerous ills. in color Paperback, 23,5 × 16,5 cm Euro 22,– ISBN 978-3-86984-391-9

»Fictive Presence«, 2012, © Özlem Sulak

New Releases

Kunst und Klima Art and Climate

Editor Landesgalerie Linz, Salzburger Kunstverein, Raimar Stange Preface Hemma Schmutz, Gabriele Spindler text Raimar Stange German/English 128 pages, numerous ills. in color Paperback with flaps, 23,5 × 16,5 cm Euro 24,– ISBN 978-3-86984-383-4

Die Publikation zeigt Möglichkeiten, sich künstlerisch mit der Klimakatastrophe auseinanderzusetzen. Vorgestellt werden diverse Optionen, mit denen Kunst auf das Unbewohnbarwerden unseres Planeten reagiert: z. B. kritische Analyse, provokantes Warnen oder das Aufzeigen von alternativen Lebensweisen. Neben aktuellen Positionen werden auch »historische« Arbeiten präsentiert, die zeigen, dass Kunst bereits seit dem frühen 20. Jahrhundert den Klimawandel reflektiert.

The focus is on the possibilities of confronting the climate catastrophe through art. A variety of options will be presented in which art reacts to our planet becoming uninhabitable, such as critical analysis, provocative warning, or pointing out alternative ways of life. In addition to current positions, »historical« works are also presented, showing that art has been reflecting climate change since the early 20th century.

Artists Allora & Calzadilla Joseph Beuys KP Brehmer Bureau d’études Tue Greenfort Friedensreich Hundertwasser Klimabündnis Almut Linde Helen Mirra Anri Sala Otto Rudolf Schatz Exhibition Salzburger Kunstverein 27. 9. – 25. 11. 2012 Landesgalerie Linz 6. 12. 2012 – 20. 1. 2013 Tue Greenfort, »Medusa (Pelagia noctiluca)«, 2007, Murano glass, H 25 cm, Ø 12,5 cm, 3 / 5 + 1 AP courtesy private collection, Frankfurt and Johann König, Berlin. Exhibition view Salzburger Kunstverein 2012 photo: Andrew Phelps, © Salzburger Kunstverein New Releases

Reinigungsgesellschaft

REINIGUNGSGESELLSCHAFT steht für eine Kunstpraxis im gesell-schaftlichen Dialogfeld. Sie arbeitet mit Partnern aus verschiedenen Hintergründen und stellt eine Plattform für interdisziplinäre Aktivitäten dar. Die Arbeitsweise basiert auf dem Potenzial, welches sich aus der Verknüpfung verschiedener gesellschaftlicher Sphären ergibt. Sie versteht zeitgenössische Kunst als Katalysator sozialer und politischer Prozesse. Mit einem einleitenden Manifest der Reinigungsgesellschaft, das die wichtigsten Schlagwörter, Themenfelder und Einsatzgebiete der Gruppe beschreibt.

REINIGUNGSGESELLSCHAFT stands for an art practice in the field of social dialogue. It works with partners from various backgrounds and represents a platform for interdisciplinary activities. The art of Reinigungsgesellschaft sees contemporary art as a catalyst of social and political processes. With an introductory manifesto by Reinigungsgesellschaft, describing the most important keywords, subjects and fields of activity of the group.

Editor REINIGUNGSGESELLSCHAFT Text REINIGUNGSGESELLSCHAFT German / English 96 pages, approx. 80 ills. in color Paperback, 24 × 16,5 cm Euro 24,– ISBN 978-3-86984-388-9

»Grazing for Liberty – The Cow Demonstration«, 2009

New Releases

Thomas Schmidt In Ordnung

EDitor Institut für moderne Kunst Nürnberg Text Ann Cotten, Ludwig Seyfarth German / English 112 pages, approx. 60 ills. in color Paperback Euro 25,– ISBN 978-3-86984-381-0

Seit 2000 arbeitet der in Köln lebende Thomas Schmidt an einer Reihe thematisch organisierter Werkgruppen, die unter präzisen konzeptuellen und bildmotivischen Vorgaben kombiniert, variiert und weiterentwickelt werden. Die gezeigten Bilder und Papierarbeiten behandeln immer wieder die gleichen Motive – weibliche Körperpartien wie Brüste, Hüften, Schenkel und Füße – und operieren bewusst mit dem männlichen fokussierenden Blick bzw. männlichen Projektionen. Die hierdurch evozierten Themen wie Normierung und Individualität, Verführung und Begehren oder Voyeurismus und Fetischismus dürfen aber nicht darüber hinwegtäuschen, dass sich die Arbeiten des Künstlers gleichzeitig als abstrakte Form-, Farb- und Flächendiskussion lesen lassen, als eine konzeptuelle Reihenuntersuchung mit stets neuem Ausgang.

»M004«, 2010

New Releases

Thomas Schmidt, who lives and works in Cologne, has since 2000 been working on a series of thematically organised works that are combined, varied and further developed under precise conceptual and visual definitions. Thomas Schmidt’s oval pictures and paper works keep on dealing with the same motifs – female body parts such as breasts, hips, thighs and feet – and operate deliberately with the focusing male perspective and male projections. The subjects evoked through this, such as standardisation and individuality, seduction and desire or voyeurism and fetishism, however, should not obscure the fact that the works of the artist can be interpreted at the same time as an abstract discussion of form, color and surface, as a conceptual serial examination that continually has a new outcome.

Felix Schramm Intersection

Felix Schramm arbeitet zumeist mit industriell gefertigten Materialien, die aber in seinen raumbildenden Prozessen wie ein organisches Gewächs erscheinen. In seinen Skulpturen und Installationen wird der Umraum des Objekts als Teil des Raumes gesehen, der das Objekt beschreibt: Er hält die zerfließenden und klaffenden Formen, ihr Ausdehnen der Kräfteverhältnisse, optisch als Gefüge zusammen. Seine Bilder, Objekte und Rauminterventionen arbeiten an einem Auflösen bereits vorhandener Strukturen, das sich physisch im Umdenken von Raum materialisiert und konkretisiert. Schramm erzeugt Ordnungssysteme, die erst durch die Auflösung der (architektonischen) Ordnung ihre Struktur gewinnen.

Felix Schramm usually works with industrially produced material, which appear in his space-forming processes, however, as an organic growth. In his sculptures and installations we have seen the space surrounding the object as part of the space which describes the object: it holds the dissolving and gaping shapes, their stretching of relative strengths, visually together as a structure. His pictures, objects and spatial interventions work on a dissolution of already existing structures, which is materialised and concretised physically in the reappraisal of space. Schramm generates order systems which achieve their structure only through the dissolution of the (architectural) order.

EDitor Institut für moderne Kunst Nürnberg and Magazin4 text Wolfgang Fetz and Christina Irrgang Interview Stephan Berg with Felix Schramm German / English 176 pages, numerous ills. in color Paperback with jacket, 28 × 22 cm approx. Euro 28,– ISBN 978-3-86984-406-0

»Savage Salvage«, 2008, photo: Knut Kruppa

New Releases

Ursula Kreutz meta

text Ecke Bonk , Thomas Eller Interview Dunja Schneider with the artist German / English approx. 112 pages, 95 ills. in color Hardcover, 23,5 × 16,5 cm approx. Euro 28,– ISBN 978-3-86984-402-2

Ursula Kreutz (geb. 1969) geht ihre Themen in unterschiedlichen Techniken an, die sie verknüpft. So wird aus einer Performance über fotografische Ergebnisse, reproduziert auf textilem Trägermaterial, schließlich eine Installation. Doppelung und Schichtung von Motiven erzeugen skulpturale Effekte auch bei Wandarbeiten. Die Themen ihrer Arbeiten kreisen um Fragen der (Geschlechter-)Identität und der Selbstvergewisserung. Im Spiel von Transparenz/Hülle und Intransparenz /Kern werden die Fragestellungen sinnlich. Modelle einer alternativen Weiblichkeit (Thomas Eller) im Sinne einer aktuellen Refeminisierung entstehen überraschenderweise in der Beschäftigung der Künstlerin mit dem Mythos.

Ursula Kreutz (b. 1969) approaches her subjects using different techniques, and then links them together. Thus a performance about photographic results, reproduced on textile carrier material, ultimately becomes an installation. The duplication and layering of motifs generate sculptural effects even on wall works. The subjects focus on questions of (gender) identity and self-assurance. In the interplay of transparency/covering and intransparency/core, the issues become sensual. Models of an alternative femininity (Thomas Eller) in the sense of a current refeminisation are surprisingly created through the artist’s involvement with the myth.

»selbstabwicklung (self-processing)«, 2008, two part double spiral 1000 × 300 cm each, diameter: 360 × 414 cm, digital print on chiffon fabric, bent piping, aluminum rods, photos (documentation): Ursula Kreutz photos: Bruno Weiß New Releases

German Stegmaier

German Stegmaier (geb. 1959 Mühldorf Inn, lebt und arbeitet in München) macht in seinen Leinwänden und Zeichnungen die Durchdringung von komplexen Beziehungen möglich. Dafür tastet er sich Schritt für Schritt voran, immer in Reaktion auf das Material. Im fertigen Werk, das oftmals Jahre in Anspruch nehmen kann, bedingen sich Farbe, Fläche und Raum gegenseitig. Konrad Bitterli beleuchtet das zeichnerische Werk von German Stegmaier in einem ausführlichen Essay und Jens Peter Koerver beschäftigt sich mit den verschiedenen Aspekten von German Stegmaiers Malerei.

German Stegmaier (b. 1959 Mühldorf Inn, lives and works in Munich) makes possible the penetration of complex relationships in his canvases and drawings. To this end he creeps slowly forwards, step by step, always in reaction to the material. In the finished work, which can often take years, color, area and space are conditional on each other. Konrad Bitterli explains the graphic work of German Stegmaier in a detailed essay, and Jens Peter Koerver deals with various aspects of German Stegmaier’s paintings.

EDitor Galerie Zink Text Konrad Bitterli, Jens Peter Koerver Conversation Michael Zink with German Stegmaier German / English 184 pages, 137 ills. in color Paperback, 24 × 17 cm Euro 28,– ISBN 978-3-86984-399-5

»o.T.«, 2000 / 2003 / 2009, 35,4 × 32,3 cm, courtesy Galerie Zink, Berlin

New Releases

Verena Waffek

die berührung der dinge durch den blick

EDitor Institut für moderne Kunst Nürnberg Text Hansfried Defet, Maria Eger, Gerhard Falkner, Thomas Heyden, Mary Kingsley, Heinz Neidel, Eva Schickler German / English 240 pages, approx. 200 ills. in color Paperback, 21 × 28 cm Euro 32,– ISBN 978-3-86984-380-3

Verena Waffeks Buch verbindet Malerei, Zeichnung, Installation und Objektkunst und führt durch ihre poetischen künstlerischen Bildwelten und Wunderkammern. Sie schöpft aus dem Reservoir unserer Vorstellungen von »Natur«, wie sie sich in Sprache, Bild und Inszenierung manifestieren. Wörter, Bilder, Geschichte können Anlässe eines neuen Themas sein. Ihre Arbeiten zeichnen sich vor allem durch Sinn für Schönheit wie formale Ästhetik aus, sie erscheinen zart und fragil und stehen für einen respektvollen Blick. Verena Waffek hat ein ganz besonderes Gespür für die Ordnung der Dinge, für die Ordnung der Welt – eine Welt, die sich von Erscheinungen der Erfahrungswirklichkeit unterscheidet und neue, ungewohnte Sichtweisen ermöglicht.

Verena Waffek’s book combines painting, drawings, installation and object art and takes us through her poetic, artistic image worlds and chambers of wonders. She draws from the reservoir of our ideas of »nature«, as manifested in language, pictures and installations. Words, pictures, stories can be the sources of a new subject. Her works stand out above all through their sense of beauty and of formal aesthetics, they seem to be tender and fragile and represent a perspective that shows respect. Verena Waffek has a very special feeling for the order of things, for the order of the world. A world which is distinct from the way we normally experience reality, and which enables new and unusual perspectives.

»Zelt«, 2012, installation, material-metal construction, 320 cm diameter, exhibition view »Ein naturschöner Plan«, zumikon, Nürnberg, 2012 New Releases

Originaleditionen / Collector ’s Editions Zilla Leutenegger Tears of a Clown

Special edition for the exhibition catalog »The Circus as a Parallel Universe / Parallelwelt Zirkus«, in a limited edition of 29 (+ 3 AP): handkerchief with an embroidery designed by Zilla Leutenegger, catalog and handkerchief are packed in a specially made, stamped, numbered and signed box.

Euro 200,–

Bernhard Frue Phesbuk

192-page artist’s book by Bernhard Frue with fully colored and illustrated pages throughout, with drawings, illustrations and collages. Hardcover, 35 × 27,5 cm in a limited edition of 150 signed copies.

Euro 270,– 43

Collector’s Editions

David Moises Stuff Works

Special edition of the monograph »Stuff Works«, each with a cyanotype in the format 29,7 × 21 cm. Comes in a separate folder together with the book, 10 different motifs in an edition of 10 copies each. Book with one cyanotype: Euro 200,– Special Edition: book with all 10 cyanotypes: Euro

Nicole Six & Paul Petritsch

1800,–

Caroline Bachmann & Stefan Banz

Aussicht kann durch Ladung verstellt sein

Tenderness and Temperature Order a special edition of »Tenderness and Temperature« – inkjet print in the format 24 × 35 cm, motif: »GeorgenParochial-Friedhof IV, Berlin-Friedrichshain, 8. September 2010« – and receive another volume of your choice from the publication series of the Kunsthalle Marcel Duchamp. On request we will send you a PDF with all available titles.

Euro 200,–

Numbered and signed special edition by Nicole Six and Paul Petritsch in an edition of 20 copies, with a photograph by Tatiana Lecomte, in total 20 different photos available, we will be pleased to send you a PDF with all the different motifs on request.

Euro 150,–

Collector’s Editions

Rainer Prohaska City Map Vienna

To mark the planned monograph by Rainer Prohaska, 20 ink drawings are available, 40 × 40 cm, stamped, numbered and signed.

Euro 2.000,–

Clemens Wolf A Story of Holes, Grids and The Great Mess

The book by Clemens Wolf comes in a slipcase made of 1 mm thick steel plate, laser cut and waxed. The slipcases are numbered and signed. The included book comes with a cut-out on page 196. Packed in a black canvas bag designed specially by Clemens Wolf.

Euro 480,–

Collector’s Editions

Vanity

No Fashion, please!

Willy Maywald

Mode / Fotografie aus der Sammlung F. C. Gundlach

Photography between gender and lifestyle

Ein deutscher Fotograf der Haute Couture in Frankreich

N OW

Euro 14,95

editor Kunsthalle Wien

editor Kunsthalle wien

TEXT Isabelle Azoulay, Synne Genzmer, F. C. Gundlach, Gerald A. Matt Frédéric Monneyron

TEXT Eugenio Viola, Peter Weiermair

German / English 240 pages Hardcover, 28 × 21,5 cm

German / English 160 pages Hardcover, 30 × 25 cm

N OW

Euro 14,95

Editor Industriemuseum Chemnitz in cooperation with Association Willy Maywald, Maisons-Laffitte and Institut français d'Allemagne, Leipzig

N OW

Euro 19,95

Text Jörg Feldkamp, Florence Muller, Jutta Niemann, Katharina Sykora, Franck Trouilloud, Sabine Weiss German / French 228 pages, ills. in color Hardcover, numerous ills. in color

Earlier Euro 34,– ISBN 978-3-86984-270-7

Earlier Euro 35,– ISBN 978-3-86984-269-1

Earlier Euro 40,– ISBN 978-3-86984-165-6

Jonathan Meese

Personal Kill

Erznahrung

Beate Geissler & Oliver Sann –

Voyage autour de ma chambre

Johan Frederik Hartle

Eine photographische Exkursion

Editor Robert Eikmeyer TEXT Robert Eikmeyer, Jonathan Meese, Karl Gerhard Schmidt, Wolfgang Ullrich

N OW

Euro Euro 14,95 14,95

N OW

German / English 120 pages, 150 ills. in color Hardcover with jacket

Euro 14,95

Earlier Euro 30,– ISBN 978-3-86984-110-6

Earlier Euro 25,– ISBN 978-3-86984-167-0

Barbara Klemm

Archäologie in der zeitgenössischen Kunst

Helldunkel – Fotografien aus Deutschland

Editor Kunsthaus CentrePasquArt Biel / Bienne

Editor Institut für Auslandsbeziehungen e. V. (ifa) Text Matthias Flügge, Elke aus dem Moore, Alexander Lisewski, Ursula Zeller

TEXT Dolores Denaro, Ulf Ickerodt and Andreas Schäfer, Audrey Norcia

Euro 9,95

Earlier Euro 28,– ISBN 978-3-86984-253-0

Backlist

German / French 240 pages Hardcover, 23,5 × 16,5 cm

N OW

Euro 9,95

arkhaiologia

N OW

TEXT N. David, Xavier de Maistre, Durian Gray, Wolfgang Herman, Gerald A. Matt

Text Johan Frederik Hartle

German 120 pages Hardcover, 23 × 17 cm

Earlier Euro 28,– ISBN 978-3-86984-231-8

Preface Gerald A. Matt

Editor Institut für moderne Kunst Nürnberg

N OW

Euro 19,95

German / English 196 pages Hardcover, 28 × 24,5 cm

Earlier Euro 45,– ISBN 978-3-86984-031-4

German 152 pages, 64 ills. in color Linen

Twisted Entities approx. Euro 28,– ISBN 978-3-86984-404-6

Andy Warhol Euro 30,– ISBN 978-3-86984-316-2

Fotos approx. Euro 35,– ISBN 978-3-86984-403-9

Architektonika Euro 39,90 ISBN 978-3-86984-397-1

Österreich und die Biennale di Venezia approx. Euro 48,– ISBN 978-3-86984-407-7

Stephanie Senge Euro 28,– ISBN 978-3-86984-395-7

Mike Parr German edition Euro 38,– ISBN 978-3-86984-390-2

Mike Parr English edition Euro 38,–

Axel Lieber Euro 24,– ISBN 978-3-86984-384-1

Mark Morrisroe Euro 29,– ISBN 978-3-86984-379-7

Trockel / Weisz Euro 28,– ISBN 978-3-86984-360-5

Tony Cragg Euro 34,– ISBN 978-3-86984-378-0

Smokey Pokership approx. Euro 30,– ISBN 978-3-86984-413-8

Geartete Kunst Euro 20,– ISBN 978-3-86984-375-9

/ Prospekt / Vorhang auf ... Euro 15,– ISBN 978-3-96984-396-4

Play & Prosume Euro 25,– ISBN 978-3-86984-411-4

Hans Schabus approx. Euro 28,– ISBN 978-3-86984-393-3

Susan Hodel approx. Euro 30,– ISBN 978-3-86984-415-2

Jason Dodge Euro 32,– ISBN 978-3-6984-409-1

Caro Suerkemper Euro 24,80 ISBN 978-3-86984-400-8

Goldrausch Euro 32,– ISBN 978-3-86984-387-2

Ingo Gienzendanner Euro 24,– ISBN 978-3-86984-377-3

Liu Xiaodong Euro 29,90 ISBN 978-3-86984-382-7

Konstanze Feindt Eißner Euro 30,– ISBN 978-3-86984-398-8

Appassionata Euro 28,– ISBN 978-3-86984-405-3

Gerhard Rießbeck Euro 25,– ISBN 978-3-86984-401-5

Rudolf Goessl Euro 29,– ISBN 978-3-86984-414-5

Simona Koch Euro 29,90 ISBN 978-3-86984-386-5

Karim Noureldin Euro 38,–

Barbara Holub Euro 32,–

ISBN 978-3-6984-410-7

ISBN 978-3-6984-408-4

Özlem Sulak Euro 20,– ISBN 978-3-86984-391-9

Kunst und Klima Euro 24,– ISBN 978-3-86984-383-4

Reinigungsgesellschaft Euro 24,– ISBN 978-3-86984-388-9

Thomas Schmidt Euro 25,– ISBN 978-3-86984-381-0

Felix Schramm approx. Euro 28,– ISBN 978-3-86984-406-0

Ursula Kreutz approx. Euro 28,– ISBN 978-3-86984-402-2

Michael Stegmaier Euro 28,– ISBN 978-3-86984-399-5

Verena Waffek Euro 32,– ISBN 978-3-86984-380-3

John Cage Euro 20,– ISBN 978-3-86984-385-8

One Hundred Years of Chocolate Grinder Euro 20,– ISBN 978-3-86984-416-9

ISBN 978-3-86984-392-6

Andreas Fischer Euro 24,– ISBN 978-3-86984-394-0

David Moises Euro 32,– ISBN 978-3-86984-229-5

EAN / ISBN

Verlag für moderne Kunst Nürnberg Publisher: Dr. Karl Gerhard Schmidt Management: Martina Buder Sales: Johann Zenger Königstraße 73 D – 90402 Nürnberg Telephone +49-911-2373100-0 Telefax +49-911-2373100-99 E-Mail verlag@moderne-kunst.org www.vfmk.de Vienna Office Silvia Jaklitsch Project Management Telephone +43-1-23630126 Mobil +43-680-1405739 E-Mail post@silviajaklitsch.com

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VG Bild-Kunst, Bonn, 2013 for the Works by Tony Cragg, Konstanze Feindt Eißner, Stefan Hostettler, Ursula Kreutz, Axel Lieber, Karim Noureldin, REINIGUNGSGESELLSCHAFT, Michael Richter, Hans Schabus, Thomas Schmidt, Stephanie Senge, Nicole Six and Paul Petritsch, Rosemarie Trockel, German Stegmaier, Paloma Varga Weisz

PUBLISHING HOUSE / DISTRIBUTION

Benelux Berend Bosch Westeinde 3 NL – 2201 HA Noordwijk Telephone +31-71-3625631 E-Mail berend.bosch@worldonline.nl

Cover

Axel Lieber, »Sockel mit Bildhauer«, 2002, photography, sizes variable

»I have nothing to say and I am saying it.« John Cage

James Klosty, »John Cage at the piano at Westbeth«, 1972, courtesy James Klosty

John Cage | Thomas Wulffen Rrose to the Occasion Ein Gespräch | A Conversation | Une Conversation

Editor Kunsthalle Marcel Duchamp, Cully Preface and TEXT Thomas Wulffen INTERVIEW Thomas Wulffen with John Cage German, English, French 112 pages, 2 ills. in b / w Linen, 14 × 10,5 cm Euro 20,– ISBN 978-3-86984-385-8

John Cage gab 1984 in der Akademie der Künste in Berlin ein Konzert. Thomas Wulffen nahm dies zum Anlass mit ihm über seine Arbeit, über Berlin, die Arbeit mit Computern, James Joyce, McLuhan und Deutschland zu sprechen. Das bisher unveröffentlichte Gespräch zeigt den grossen Avantgardisten entspannt, locker und mit einer unbeschwerten Ironie. Ein historisches Dokument.

In 1984, John Cage (born 1912) gave a concert at the Akademie der Künste in Berlin and art critic and curator Thomas Wulffen (born 1931) seized the opportunity to talk with Cage about his work. This previously unpublished interview shows the composer in a relaxed and generous mood.