Solomonos Magazine N°1 Português by Solomonos Magazine

01 Magazine

Erwin Gómez Viñales Margarita Cid Lizondo PamelaRiveros Raúl Manrupe Erwin Gómez Viñales Nicolás Bustamante Laia Machado Prin María Ignacia Pavez Travisany Héctor Zurita Manuel Ortiz Ossandón “Bear Story”Punk Robot Felipe Ferreira de Moraes Diego Akel

Editor geral Produtora Executiva Jornalista Artigo convidado Chefe de Desenho Desenhista Produção Internacional Correções Editor de Texto Entrevista em vídeo de Álvaro Arce Capa Tradução Tradução Outubro 2014, Santiago do Chile

01 Magazine

Bear Story • Zumbástico Studio • Alvaro Arce • Chilemonos 2014 • Alberto Rodríguez • Cristiani • Game of Thrones

HISTÓRIA DE UM URSO/08

O curta-metragem dirigido por Gabriel Osorio e produzido por Punkrobot foi um dos ganhadores do Festival Chilemonos. Conheceremos a inspiração que levou a realizar esta excelente obra de animação, onde um urso de lata vive uma história de exílio e sofrimento.

ZUMBÁSTICO STUDIO/22

Um extenso recorrido pela trajetória das séries de animação deste estúdio chileno, o qual realizou mais de 200 obras audiovisuais ao longo de sua história. Hoje conta dentro de seu portfólio importante séries animadas que alcançaram grande sucesso na televisão aberta e a cabo.

ÁLVARO ARCE/36

Realizamos um perfil da destacada trajetória deste artista chileno, que desenvolveu grande parte de sua carreira nos mais prestigiosos estúdios de animação nos Estados Unidos, como Hanna Barbera, Disney, Warner Bros. Conheceremos sua experiência de porta em porta em Hollywood e como chegou ao grupo de criação que deu vida a série Scooby Doo.

CHILEMONOS 2014/52

Foi de grande sucesso o festival de animação mais relevante do país. A premiação convocou aos destacados artistas latino-americanos, potencializando a co-produção e abrindo pela primeira vez MAI! que se transformou no mercado mais importante no Chile em respeito à indústria de animação.

ALBERTO RODRÍGUEZ/66

O diretor mexicano da Anima Estudios nos conta como foram as gestões e como se ganhou a confiança de Chespirito para levar Chaves (“Chavo del 8”) aos desenhos animados, já que este artista nunca antes havia aceitado levar seu precioso personagem à animação.

CRISTIANI/78

Raúl Manrupe, destacado pesquisador e diretor argentino, nos aproximam da história da animação em Argentina. Este nos relata como surgiu o primeiro filme realizado no país e no mundo, com os recursos que se encontravam nesta época, e como Quirino Cristiani recusou trabalhar para Disney, preferindo seguir produzindo nas terras que lhe acolheram.

ABERTURA GAME OF THRONES/86 Entrevistamos ao diretor de arte por trás da grandiosa abertura da série The Game of Thrones. Robert Feng nos contou sobre os processos criativos, o trabalho em equipe e como chegaram a este eficaz e extraordinário conceito, que lhe atribuiu prêmios e reconhecimentos mundiais.

HISTÓRIA DE UM URSO Olhando para o seu próprio forma de animação

Foi o curta-metragem ganhador do Festival Chilemonos 2014. O protagonista é um urso que conta uma dura história da escravidão em um circo. O realizador desta obra quis materializar a história de seu avô, que foi exilado do Chile em 1973. O relato foi contado mediante a utilização de personagens fictícios, onde a vida na tela recorda os anos em que um expatriado teve que viver separado de sua família.

Por Pamela Riveros Ríos 8

É uma história de ficção que possui muito da realidade e que já encantou sua audiência. Gabriel Osorio, realizador de “Historia de um Oso” (História de um Urso) conta que este curta-metragem em 3D foi a maneira de transmitir a história de seu próprio avô, que por anos esteve no exílio após o Golpe de Estado em 1973. “Esteve muito tempo fora, esteve preso também, e quando voltou, sua família havia mudado. Então, o terrível de estar longe é o ponto, por isso é triste, porque nasce de uma idéia que é super dura”, conta. Por muito tempo Gabriel guardava esta história em sua memória e quis apresentá-la para sua equipe em Punkrobot, estúdio audiovisual especializado em animação. Através de sessões de trabalho e brainstorming, conseguiram chegar ao conceito. O conceito de arte por trás das duas histórias

Gabriel Osorio sempre pensou que o protagonista do curtametragem seria um urso, porque via a seu avô como uma pessoa corpulenta e grande, que representava fortaleza. Por ele a diretora artística, Antonia Herrera, criou a um personagem com uma costa ampla e braços robustos. 10

A história do exílio de seu avô poderia ser contada de uma forma literal, entretanto a equipe de trabalho deste curtametragem decidiu criar um relato mais geral relacionado à ausência de um ente querido, representado em uma metáfora sobre um urso que é raptado por um circo. Assim se mostra o abandono, a separação, a dor e a solidão. “Queríamos contar a ruptura com a família, porém sem contar do Golpe, não ser específico. Queríamos que fosse mais universal e estávamos pensando em como traduzilo”, comenta Antonia Herrera, Diretora de Arte. “Meu avô era super grande, então eu o associei com um urso”, acrescenta Gabriel, que deu finalmente o pontapé para começar a trabalhar no conceito de arte que teria “Historia de um Oso” e conta, “a idéia de que fosse este

Antonia Herrera, Diretora de Arte do curta-metragem.

animal começou a se formar porque o iam raptar, então qual poderia ser o mais procurado para trabalhar em um circo? Isso nos levava a este mamífero porque, além disso, poderia realizar funções de humanos, como malabarismo”. Uma vez que o animal foi selecionado, deviam pensar nos outros elementos, como por exemplo o objeto que serviria ao urso protagonista para contar sua história de rapto. Assim chegaram ao Organillero (pessoa que toca música através de uma caixa), que é muito típico da cultura chilena. Esta caixa funciona através de uma manivela, com o qual se ativa uma música atraente para as crianças. Através desta, ele deveria mostrar porque abandonou sua família e relatar sua vida no circo. Todavia, o Organillero somente toca uma melodia e não possui fantoches em seu interior. Por isso a equipe fez um trabalho de investigação, encontrando o teatro de sombras chinês que utiliza marionetes de papel para narrar Gabriel: “A parte do urso verdadeiro, histórias. Dessa forma, somaram estes conceitos para chegar a uma caixa musical única, a qual seria capaz de desenvolver em seu interior um relato com ursos de latas. Um urso real Uma vez que o urso de lata e a caixa que contaria o relato estavam resolvidos, o trabalho que veio depois representou um desafio em termos estéticos e conceituais. Queriam contextualizar o curta-metragem através de um urso que contaria uma história com marionetes de latas, contudo o primeiro, ao menos, devia ser um urso mais real. As primeiras tentativas mostravam um animal que parecia muito fidedigno, mas que deixava de lado a essência

que possui pêlos, esse foi o desafio maior nos términos de tudo, do modelado, de render, de animação... Narrativamente, para mim, fazer uma história dentro de outra tem a ver com refletir o que eu conheço, que é a animação. As coisas se misturam e o urso tem uma parte do meu avô e tem uma parte de mim, como animador que se dedica a fazer estes bonecos e a contar histórias. É um reflexo do trabalho que nós fazemos todos os dias”.

Antonia: “Nós gostamos desses desenhos metálicos, também se vê bem em 3D” Gabriel: A produtora nomeamos Punkrobot porque Antonia um dia me presenteou um robô de metal, que dá corda e caminha. De alguma maneira esses bonecos são muito similares a estes de metal”.

humana, “passamos por muitos conceitos e o que fizemos finalmente foi passá-lo a massa de modelar. Vê-lo em 3D serviu para dimensionar a estrutura”, conta Antonia e Gabriel acrescenta, “no princípio, tínhamos de modelo um mamífero super realista e pensamos que parecia ser um pouco estranho e que não funcionava bem. Devíamos mostrar dois mundos com ursos distintos, então tinham que ser entre ambos muito diferentes, mas tampouco funcionava que se visse tão real”. Muitas vezes tivemos que voltar ao esboço original; se mudou a proporção dos olhos para que fossem maiores e que se conseguisse ver a pupila para dar a ele um conceito de cartoon. Resolvido o look de um urso real, pensaram logo na vestimenta que o personagem teria. Pelo que se pesquisou sobre que roupa usavam as pessoas dos anos 70, para chegar a um conceito antigo e nostálgico. “A parte da história dentro da mala já tínhamos pronta à quase dois anos”, pontua Antonia e Gabriel acrescenta, “ o urso mais real, de pêlos, foi o desafio maior nos termos de Gabriel: “A idéia original sempre foi modelagem, de render, de animação”.

mostrar as pessoas que fabricava estes bonecos. A história foi mudando, ao princípio a idéia era partir com os jogos e que dessa fora íamos descobrindo ao urso real, e isso foi modificando-se, por coisas de storyboard e roteiro. A idéia Uma cidade industrializada foi sempre mostrar estes bonecos, mas que havia uma história real, um mundo Gabriel cresceu em Quinta Normal, um setor da Região Metropolitana, que possui empresas e indústrias. A idéia fora”. “A ação de fazer uma história dentro de outra têm por objetivo refletir um pouco do que fazemos, que é a animação. Possui uma parte de meu avô e uma minha, onde um personagem modela os ursos de metal”, conclui este diretor.

deste urso contando esta história através de sua caixa de madeira devia ser em um espaço com muitos edifícios e

pessoas, com concreto fazendo referência a Santiago mais antiga. Assim foram buscando elementos para que a audiência se sentisse identificada, “nos inspiramos nas casas onde viviam nossos antepassados”, assinala Gabriel e acrescenta “e no interior são muito similares as casas de minha avó. Os detalhes, como o tipo de móveis e as camas como estão feitas, são universais e característicos dos avôs de todo o mundo”. Antonia Herrera foi a responsável de pesquisar sobre os objetos que mais utilizavam os pessoas nestes anos, “Eram coisas nostálgicas para recordar a essa época, como o tipo de louças e toalhas de mesa. Tínhamos referências bem específicas nesse sentido. Os bonecos, por exemplo, também são de latas e são típicos brinquedos antigos”. No total, foram quatro anos em que Gabriel e Antonia foram afinando os detalhes, tanto na parte artística como do relato da própria história. Uma vez finalizado “Historia de um Oso”, a sensação de cada membro da equipe foi satisfatória e depositaram seus esforços em realizar a difusão deste curta-metragem.

Gabriel:”É um curta super nostálgico e pessoal. Eu o sinto próprio. Mas além disso acredito que ao final se voltou de todos os que trabalharam, porque cada um colocou sua parte, O tema dos bonecos é porque meu avô tinha um monte destas caixas que se dá corda e que gira um boneco com música, eu tinha essas caixas na minha cabeça”.

Desta forma, uma de suas primeiras experiências foi no Terceiro Festival Internacional de Animação Chilemonos. Foi parte das estréias e participou também da “Competição Nacional de Curta-Metragem”, levando o primeiro lugar nesta categoria. Desse modo, “Historia de um Oso” se exibiu pela primeira vez fora do país durante o Festival de Annecy 2014, França, e ganhou dois prêmios na recente versão do Festival Internacional de Animação Animamundi, do Brasil, como Melhor Direção de Arte e Melhor Curta-Metragem Infantil. SM

“História de um Urso” estreou a nível nacional no Festival Internacional de Animação Chilemonos. Depois, foi parte da seleção oficial fora da competência do Festival de Annecy 2014 e obteve dois prêmios no prestigioso Festival Anima Mundi do Brasil.

ANIMA MUNDI 2015 BRAZIL AUGUST RÍO DE JANEIRO/SAO PAULO http://www.animamundi.com.br/ EXPOTOONS 2015 ARGENTINA SEPTEMBER BUENOS AIRES http://www.expotoons.com/ CUTOUT FEST 2014 MÉXICO 13TH - 16TH NOVEMBER QUERÉTARO http://www.cutoutfest.com/ AXIS 2015 MÉXICO APRIL MONTERREY http://axisfest.mx/ ANIMA 2015 ARGENTINA OCTOBER CÓRDOBA http://www.animafestival.com.ar/

FOURTH INTERNATIONAL ANIMATION FESTIVAL FROM 5TH TO 10TH MAY 2015

ZUMBÁSTICO STUDIO O risco é parte do aprendizado em animação

A trajetória deste estúdio chileno se traduz nas cerca de 200 obras de animação. Em 2014 celebram 10 anos de realização de sua primeira série, “Block”, período em que também conquistaram sua internacionalização graças a Cartoon Network, e hoje se encontram apostando pela produção de dois filmes. Tudo foi parte do risco e evolução.

Por Pamela Riveros Ríos 22

“Puerto Papel” will be premiered in 2015

A nova sede da ZumbásticoStudios apresenta um símbolo do que foi o crescimento desta produtora de animação chilena. O casarão localizado no meio do bairro Bellavista abrange mais de 500 metros quadrados, nos quais se esperam aplicar o fluxo de trabalho que adquiriram através da experiência; uma ampla trajetória que hoje permite contar com mais de 200 obras audiovisuais, realizadas em 10 anos. Parte deste crescimento se reflete nos projetos atuais: um longa metragem animado em técnica 2D e outro em stop-motion, junto com a consolidação de duas equipes de trabalho de animadores. Álvaro Ceppi (37), sócio fundador, recorda o início de uma produtora que funcionava no lugar que era conhecida como “o cinzeiro” (por ser pequeno e com odor de cigarro), no qual faziam videoclipes. Desde então, Zumbástico Studio vem crescendo, acumulando séries e curta-metragem, junto com viagens a festivais e exibições em canais internacionais. Os videoclipes que deram vida a Block! “Estou na animação por acaso e não a chamaria uma casualidade, que é uma pré-determinação pessoal de criança”, diz Álvaro Ceppi sobre o início no rubro e acrescenta, “sempre vi muita animação e foi tempo depois que me dei conta que ia a ser um dos caminhos que ia seguir”. Sua amizade com integrantes do grupo musical chileno Papa Negro, permitiria encontrar a equipe que o acompanharia na animação: Gabriel Noé e Claudio “Guayi” Mas. Cristian Louit também formaria parte desta equipe, e em conjunto realizaram vídeos para festas eletrônicas. 24

Graças a este trabalho, uma executiva da Televisión Nacional de Chile (TVN) os descobriu e os encarregou de realizar a continuidade no espaço infantil deste canal, chamado “Tronia”. Paralelamente desenvolveram o videoclipe do single “Papa Negro”, dessa mesma banda chilena, “ tivemos uma idéia e não podíamos executá-la na realidade. Era muito difícil”, relembra Ceppi em vista de que deviam criar personagens que se parecessem recortados de um papel, e lhes dar movimentos por meio de stop-motion. Não sabiam como realizar este trabalho. Foram cerca de seis mil fotos selecionadas através de um programa de edição de imagens, para depois poder animar estes recortes fotográficos. ”Não sabíamos que estávamos fazendo animação em Final Cut. Não podíamos avançar o render e nos caia, estivemos todo um verão fazendo isso” explica Álvaro Ceppi. Após o sucesso de “31 minutos” junto com a pré produção de uma das primeiras séries animadas no Chile chamada “Clarita”, TVN já pensava em outras apostas que pudessem aproximá-los a uma audiência menor. Dessa forma, o vídeo “Papa Negro” foi visto por um executivo deste canal, que pensou que poderia levar a cabo um produto infantil a mesma técnica e estética. Assim nasceu “Block!”. Com um estúdio que acabava de ser criado, chamado “Solo para Niñas”, Álvaro Ceppi e seu grupo de trabalho se inscreveram ao fundo de financiamento que entrega ao Consejo Nacional de Televisión (CNTV), o qual ganharam.” O incrível é que Block! Foi a chave em nossa história, e não sabemos como fazê-lo, sem ter ideia de animação”, enfatiza. “El Ogro y el Pollo” 2008

Deviam armar vinte episódios de quinze minutos cada um, que haviam sido prometidos na inscrição. A produção significou para este equipe um grande processo de aprendizagem, cometendo muitos erros. Por exemplo, não tinham todos os roteiros prontos desde o princípio, o que gerava erros na continuidade visual da série e provocava que um mesmo personagem aparecesse com três vestimentas distintas em um mesmo capitulo. O experimento: Wayapolis Com a experiência prévia da primeira série dirigida a um público infantil, “Solo por las Niñas” decide iniciar a segunda produção desta linha.

Quantificando o trabalho realizado até agora por ZumbásticoStudios, se pode resumir em 10 peças de publicidades , mais de 40 videoclipes, 3 curta metragens, 3 documentários, 20 capítulos de “Block!”, 13 de “Wayapolis”, 15 de “Achú”, 17 de “Zumbástico Fantástico”, 23 de “El Ogro y el Pollo”, 26 de “Horacio y los Plasticines”, 26 de “Cagemates”, e 26 que se estão realizando de “Puerto Papel”. É dizer, somam até a data 222 peças.

Queriam planificar da melhor maneira, outorgando espaços para o processo criativo. “ Nos surgiu uma ideia que era fazer uma série onde podíamos subdividir a produção em partes mais pequenas, então ia ser mais fácil realiza-las. Depois editaríamos isto como uma conformação, uma narração que cruze toda a série”, explica Álvaro Ceppi.

Héctor Velozo operando o boneco de Horacio

“Experimento Wayapolis” seria a segunda aposta, que simbolizava de alguma maneira o processo pelo qual atravessava a produtora, porque se ensaiava muito e se criava ideias mas, sem ter muito claro como seria realizada. Significou então três anos de trabalho junto a destacados músicos e artistas da atual cena chilena, tais como Rodrigo Salinas, Matías Iglesias,integrantes de Papa

SessĂŁo de trabalho no estĂşdio.

Negro (“Gabriel Noé” y Guayi”), y Cecilia Toro que criou a “pottiil astronauta inamoratto”. “Foi uma loucura, super ambicioso, é o mais arriscado que fizemos, e acredito que é minha série favorita” comenta Álvaro Ceppi e acrescenta “ entre Block! Y Wayapolis não ganhávamos dinheiro e tínhamos o regime que todos recebiam o mesmo. O “Ogro y el Pollo” (Ogro e o Frango) Até este momento, a produtora já não contava com a equipe de animadores 2D que havia participado na primeira produção de “Block!” já que resultava muito custoso mantê-lo, e externalizaram estes serviços a outros estúdios. Isto deixou com ânsias a equipe criativa de Solo por las Niñas de recuperar o grupo de trabalho e armar um projeto maior que conseguisse conservá-los no tempo. Foi somente no ano 2007 que começaria a nascer a oportunidade para levantá-los de forma mais concreta. O canal de televisão aberta chilena Chilevisión (CHV) começou a licitação de sua nova grade infantil. Então, esta produtora se centraria em um novo projeto, capaz de encher o espaço que correspondia a eles, que deu vida a série “Zumbástico Fantástico”. “Havíamos feito durante todo este tempo muitas séries loucas, muito musicais, com muitos personagens e de alguma maneira queríamos voltar a base de animação, curtos de sete minutos, que tivesse vários estilos”, pontua Ceppi. Este formato de programa se assimila ao que havia realizado o canal Cartoon Network durante os anos 90, lançando ao estrelato séries como “ Johnny Bravo”ou “As Meninas Super Poderosas”. 28

Hugo Covarrubias animando as massinhas de modelar da série “Horacio y los Plasticines”

Finalmente CHV cancela o projeto da área infantil e “Zumbástico Fantástico” passa para as mãos de TVN, junto com outra série que tinha em mente para o canal público: “El Ogro y el Pollo” (O Ogro e o Frango”), que ficou a cargo desta produtora. Ambos foram inscritos no fundo concursado de CNTV, obtendo o prêmio. Este trabalho implicou trazer talentos que circulavam pela rede de animadores. Para conformar a equipe de stopmotion (que pemitiu realizar “El Ogro y el Pollo) se recrutou no ano de 2008 Cecilia Toro (direção de arte da série “Enetenetu”) e Hugo Covarrubias (“La Noche Boca Arriba”). Desse modo, vinha a estréia de “Achúl” no ano de 2009. Graças a participação dos irmãos llabaca, integrantes da banda chilena Chancho en Piedra, conseguiram criar a quinta série infantil que realizaria Solopor La Niñas, e que consistia em videoclipes animados com fins pedagógicos. Participaram nestes trabalhos artistas tais como Jossie Malis (destacado ilustrador de Zumbakamera e quem realizou a gráfica da versão doFestival Chilemonos 2014), Sol Díaz (ilustradora de “Bicharracas”), e Bernardita Ojeda (criadora de “Clarita” e “Hostal Morrison”). “O interessante é que muita gente passou pela produtora e começou a formar suas equipes, ou outros tinham experiências em suas próprias séries, como Bernardita Ojeda. Eu creio que é um sintoma bastante sano da indústria começar a trabalhar colaborativamente com outros”, comenta Álvaro Ceppi. No ano de 2010 se estréia finalmente “O Ogro e o Frango” (“El Ogro y El Pollo”), série de animação que teve grande êxito no Chile e que ganhou vários prêmios, entre o que destaca o Best (Gold) Public Service Announcement Campaign Promax BDA 2011, nos Estados Unidos.

“Block!” foi a primeira série que realizou este estúdio, a qual tocavam temáticas que conectavam com o mundo mais adulto. Por exemplo, o protagonista era uma criança de 12 anos que devia fazer cargo da administração do edifício em que vive (Estes blocos de apartamentos são característicos no Chile). Da mesma forma, também trata do tema da imigração, que nessa época estava recém começando no país, pelo que se mostra a vizinhos com sotaque estrangeiro.

Flo da série “Horacio y Los Plasticines”

A participação de Cecilia Toro como diretora de Arte da série grande titereiro chileno. Combinaram técnicas utilizadas marcaria a linha de stop-motion que teria a produtora. em “O Ogro e o Frango” e “Achú” para criar esta nova série. Estreou em TVN e conseguiu manter dois equipes de A plenitude da experiência: Horacio e as Plastilinas (Massas animadores, um exclusivo para 2D e outro para 3D. de Modelar) “Horacio y Los Plasticines” estreou, além disso, na Enquanto se estreava “Experimento Waya polis” e “Achú!”, televisão estatal argentina, canal PakaPaka. no ano de 2009 ganharam um novo fundo de CNTV para “Horacio y los Plasticines” (“Horacio e as Plastilinas”). “Nós O período de internacionalização com “Zumbástico o que mais valoramos é a aprendizagem e as pessoas que Fantástico” foram chegando, o que permitiu que apostáramos para realizar esta série musical para crianças que misturava Enquanto isso, “Zumbástico Fantástico” contava com peças fantoches, o que se assimilava a “Wayapolis”, conta Ceppi. realizadas por talentosos artistas, tais como Sol Díasz Aqui se fez presente o talento de Héctor “Tito” Veloso, que criou “Telonio y sus demonios”; Pablo Castillo e “El 30

Sorprendente Ombligo de Edgar”; Bernardita Ojeda com “Chanchi Perry”; Claudio “Guayi” Mas e “La Liga de los Semihéroes”; e Álvaro Ceppi com “Pepe AL cuadradro em um mundo redondo”. “Trabalhamos em espanhol neutro, as vozes as fizemos nós nas séries anteriores, e chegou Carlos Bleycher como roteirista”, conta Ceppi. Em um mercado internacional, a equipe já estava na mira de executivos da Cartoon Network, a quem apostaram para que a série fosse estreada em seu canal. “Tivemos a sorte que em uma feira internacional, uma pessoa viu nosso trabalho e o compraram para estreá-lo em toda a América Latina. Para nós foi um impulso muito grande. Mudamos muito a produtora desde esse ponto em diante, começou

nossa outra etapa que foi a internacional”, assinala Ceppi. Com 17 meias horas realizadas, “Zumbástico Fantástico” foi vendida no ano 2014 a México, depois de 4 anos de sua estréia. Consolidação e o nascimento de Puerto Papel Depois apareceram outros projetos que podiam ser financiados, que se internacionalizaram. Com a idéia de fazer paperstoy, com aventuras e comédia é que surgiu “Puerto Papel”, o qual começaria a ser co-produzida com o canal infantil Gloob, da televisão brasileira e pertencente a O Globo. Neste período já eram conhecidos como os “Zumbásticos” a nível internacional, pelo que decidiram deixar para trás o nome Solo por las Niñas e mudá-lo para ZumbásticoStudios. 2 Longa Metragens “The Mango Brothers” e “Antonio y el extraño manual para reparar gente” são dois filmes que já começaram a ser produzidos por este estúdio. A primeira delas se trabalhará em conjunto com o estúdio chileno Punkrobot e já foi apresentada no Festival Annecy 2014, em busca de financiamento. A segunda, no entanto, se trabalhará com técnica de stopmotion, misturando-a com live action. SM

2000 - 2002 Primeiros videoclipes (realizaram vídeos até 2008). Trabalhos com a banda Papanegro. 2002 - 2004 Continuidade Tronia “Urban Bicho” Nasce “Sólo por las Niñas Audiovisual”. 2004 Ganha “Block!” o CNTV. 2006 Estréia “Block!” Começa o Experimento Wayápolis (ganha o CNTV). Rodrigo Salinas e Matías Iglesias se somam a este projeto.

2008 Funda CNTV com “Zumbástico Fantástico” e “El Ogro y el Pollo”.

2012 Fonda CNTV “Puerto Papel” (co-produção com Gloob, Brasil).

2009 Estréia “Achú” e “Experimento Wayaápolis”. Fundo CNTV “Horacio y los Plasticines”.

2013 A produtora muda seu nome para “Zumbástico Studios”.

2010 Estréia “El Ogro y el Pollo”. Cartoon Network Latinoamérica compra “Zumbástico Fantástico” (início etapa internacional).

2014 Começo dos projetos de cinema: “Los Mango Brothers” e Antonio y “Antonio y el extraño manual para reparar personas”./ Produção da nova temporada de “Horacio y los Plasticines” gerando 2011 52 episódios (em co-produção com Pakapaka Estréia “Zumbástico Fantástico” em Cartoon Network. Argentina). Começamos a trabalhar em Puerto Papel (nesse tempo chamado (“Amigos de Papel”)). 2015 Estréia de “Puerto Papel”.

“The Ogre and the Chicken” 2008

MARKET ANIMATION INDUSTRY

SANTIAGO 26th to 28th november 2014 www.mai.cl

ÁLVARO ARCE Uma vida nos grandes estúdios Hanna – Barbera, Disney, Warner Brothers, três dos tantos lugares em que este animador deixou estampado seu talento. Uma de suas obras mais reconhecidas é “ScoobyDoo” onde foi parte da equipe criativa. Sem dúvida que este animador possui o portfólio mais surpreendente da animação chilena.

Por Pamela Riveros Ríos e Manuel Ortiz Ossandón. 36

Ă lvaro Arce em Jamieson Film Co. Dallas - Texas 1960

O talento de Álvaro Arce deu o que falar na indústria norteamericana da animação, em pleno apogeu dos anos 60. Seu rumo que criava este estilo de vida foi graças à casualidade e o destino que quis que o mundo inteiro conseguisse ver suas atitudes para o desenho. Chegou a realizar storyboards, layouts e sketches para “Os Simpsons”, “O Rei Leão”, “Os Flinstones”, “Os Jetsons”, “Zé Coméia”, “Os Ho-ho-límpicos”, “Pepe Legal”, e “As Tartarugas Ninjas”. Através de toda sua história, conheceu a um incontável número de pessoas, uma grande quantidade de lugares, entre Estados Unidos, Europa, Brasil e Chile. O começo da carreira Somente queria ser professor, por isso entrou na “Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile”. Ali conheceu a sua futura esposa, e se casou. Conseguiu uma oportunidade de trabalho em uma agência de publicidade e desde então não pararia de desenhar, e começaria a traçar um caminho que o levaria, sem pensar, aos Estados Unidos. “Eu nunca havia pensado antes em Estados Unidos”, assinala com surpresa. Seu irmão, piloto comercial, foi contratado a esse lugar e, em vista que se sentia muito sozinho, pediu a seu irmão que lhe fizesse companhia. “Conseguiu-me um trabalho, cheguei a trabalhar como diretor de arte em uma agência de publicidade muito pequena em Kansas City”, agrega.

a respeito de sua primeira experiência profissional de animador. Nessa ocasião vê uma mesa com um orifício no meio, um disco, luz e pivôs. “Não vai acreditar no que fiz. Tomei um papelzinho, coloquei nos pivôs. Desenhei aos macaquinhos em uma esquina e os animei até a outra esquina...em um só papel. Então quando terminei, chega Depois foi a Dallas. Era o ano de 1959 e Jamieson Film minha chefe e me diz ‘mmm...uma forma curiosa de Company o contrata depois de ver seus desenhos. “Cheguei animar’. Disse ‘ Assim nós fazemos na América do Sul’”, em casa e disse ’Pequena, comecei minha carreira nos recorda um pouco incômodo, ao que agrega, “Mas assim desenhos animados!’.” iniciei minha carreira em desenhos animados”. “Como fui me meter em uma coisa assim? E mentir a Hollywood esta mulher tão descaradamente?, recorda Álvaro Arce 38

“El Sastrecillo Valiente” Um colega de trabalho lhe sugeriu que buscasse trabalho em Hollywood, onde pagavam mais. O próximo estúdio foi um pequeno, dentro da Paramount Pictures no ano de 1966, mas durou pouco,” E agora o que faço?” Estava já em Hollywood. Não sei de que forma terminei nas portas da Warner Bros. “Aí começou minha carreira de verdade”. La casa de las termitas (A casa dos Cupins) Warner Brothers era um grande estúdio de animação, onde abrigava uma cidade simulada. Ao fundo desse complexo estava a “Casa de las Termitas”. Ali começou a trabalhar em sua experiência de filmes de

“The Prince and the Pauper” Estúdios Disney (1988-1990). 40

animação, nos layout de Papa-léguas, que duravam sete minutos. “ Não era muito difícil, era toda uma estrada para lá, estrada para cá, morros, uma rocha...Era muito divertido, porque quando ia ao cinema naquela época, a gente que ia a ver um filme em imagem real não ficavam conformadas se não passassem um filme animado no princípio. Tinha que lhes dar animação e quem fazia isso era Warner Brothers”, destaca. Depois de trabalhar alguns meses nessa produtora, Álvaro emigra a vários estúdios de animação pequenos. “Naquela época, éramos poucos os que sabiam de animação exceto Disney. Estava em uma montanha, acima e havia nuvens. Você precisar passar pelas nuvens e chegar a vários escalões e tocar uma porta enorme com um elo. A porta se abria, saia um ogro que te dizia ‘não há trabalho’ e fechava a porta. Pensar em buscar trabalho na Disney naqueles anos era....não se pensava nunca”. Então trabalhou na UPA, United Pictures of America, como freelance. “Se me nomear algum show daquela época em que não trabalhei, é muito estranho. Eu trabalhei em tudo”, responde com humor. Ali circulava por um restaurante onde também transitava gente da Paramount Pictures, onde conheceu a Claudio Guzmán, chileno e produtor da série “Jeannie é um Gênio”. “E estava iniciando um show que se chamava StarTrek. Por que? Aconteceu que ele foi um dos criadores desta série, foi o primeiro que desenhou a nave Enterprise. Me mostrou. Não sei se alguém a redesenhou, mas os interiores e tudo,quem fez foi o chileno”, pontua. Hanna-Barbera e o nascimento de “ScoobyDoo” Nos Estúdios Disney (1988-1990).

A essas alturas Hanna-Barbera já havia crescido. Este 41

a Nova York. Naquela época, os únicos que compravam desenhos animados eram NBC, CBS ou ABC. “Não se esqueçam de colocar uma mascote” Em um dos seus tantos retornos ao escritório, Barbera chama um grupo de criadores, incluindo a Arce, para lhes dizer que CBS havia pedido a realização de um show de detetives e mistério. “Não se esqueçam de colocar uma mascote”, agregou Joe. “Ele gostava de animais. Fazendo graça, começamos a desenhar diferentes cachorros e tivemos a idéia de um bem grande. O levei para vendê-lo. Voltou e disse que não haviam gostado”, recorda Álvaro. Rearmaram o produto. Em uma segunda viagem, Barbera volta com um dos diretores de CBS que vinha escutando no avião Frank Sinatra, “Então havia uma canção que terminava assim...Scoobydoobydoo...tarara...Então disse ScoobyDoo...esse é um bom nome para o show e para o cachorro”. Conta. Alvaro Arce com Joe Barbera

estúdio de animação mantinha um edifício que hoje é patrimônio de Hollywood. “Eu entrei e me disseram ‘para conseguir trabalho, fale com o produtor’. Estava cheio de gente, havia muito trabalho. Então havia um show chamado “Abbott¨Costello Show”. Me perguntou se poderia fazer seu layout, e para mim seria um prazer. E fui contratado”, recorda Arce. Álvaro se instala com seu escritório em um dos corredores da produtora e começa a desenhar. Um dos seus chefes, William “Bill” Hanna, o viu um bom tempo trabalhando sem saber quem era e porque razão estava ai, quer dizer, para esse então e sem saber, Arce não se encontrava oficialmente contratado. “Você tem se integrado muito

ScoobyDoo foi um grande sucesso de bilheteria nos Estados Unidos e no mundo, show que leva mais de 36 anos de bem ao departamento criativo. Mas deixe-me contar uma vida e do qual há surgido alguns filmes em live action. coisa, eu nunca o contratei, você chegou, e não tive a coragem de te dizer vá e venha outro dia”, recorda Álvaro Seu afastamento de Bill as palavras deste grande personagem da indústria. Trabalhando para o show de “Os Três Mosqueteiros”, Álvaro Desde então, Álvaro se engaja em “Abbott&Costello”, Arce começa uma forte discussão com seu amigo Mike realiza um par de desenhos para “Os Flinstones”, “Os Allens. Um dia, em uma segunda-feira, este desenhista jetsons”, “Zé Colméia”, “Os Ho-ho-límpicos”, “Pepe chileno começa a buscar os desenhos que havia deixado em seu escritório, descobrindo com surpresa que estavam Legal”, entre outros. na lata de lixo. “Que fazem aí?” perguntou Álvaro ao O funcionamento dentro do estúdio consistia em que Bill que Mike responde, “estava vendo e há que refazer”. Hanna tinha seu escritório e Joseph “Joe” Barbera o manteria Sem conter sua incerteza o pergunta, “Desde quando é em frente. Hanna se encarrega do orçamento e Barbera o diretor?. Assim começou a discussão, esta não pode ser das relações públicas e criativas, viajando constantemente resolvida, assim que tiveram que acudir a Bill Hanna. “ 43

Entra Bill e digo ‘Olha o que está acontecendo’ Como é a questão?’. E me disse, ‘ele é o diretor, Não?’ e digo, ‘Ele não é o diretor! Começamos a alegar. Joguei-lhe os desenhos. Pode enfiar seu estúdio onde queira, porque eu neste momento vou embora. Saio e me grita, ‘Não voltará a trabalhar em um estúdio jamais! Fui, cheguei ao meu escritório, tomei minhas maletas e fui me mudar”. Mas seu intento de independência não teve muito êxito. Fundou “Dimensión 70” a qual durou somente oito meses. Até que sua secretária o avisa de uma curiosa chamada. “Bill Hanna? Tem certeza? Tomou o telefone e me disse: ‘Al, tenho alguns show novos e quero que venha conosco. Venha para cá porque possui trabalho’”, recorda Álvaro, quem voltou a Hanna-Barbera no dia seguinte. Reencontro com Claudio Guzmán e primeiro retorno ao Chile Em pouco tempo, recebe uma ligação do chileno Claudio Guzmán, que recém havia ganhado um fundo para fazer “Aladdin” foi uma primeira tentativa para o filme. Queriam usar os personagens clássicos da Disney. uma série educativa para o Governo dos Estados Unidos. Seria um dos últimos trabalhos antes de voltar ao Chile Contudo, teve bons olhos à respeito de “Os Simpsons”, novamente, de modo que vende tudo que possuía na As Tartarugas Ninja onde decidiu trabalhar em alguns capítulos quando América do Norte, vive um tempo em São Paulo, Brasil, e retorna novamente a seu país em vista de que os negócios De volta aos Estados Unidos e a Hanna-Barbera em o estúdio ainda era muito pequeno e se chamava específico, teve a oportunidade de receber em suas mãos KlaskyCsupo. não andavam bem. um novo projeto, “As Tartarugas Ninja”. “Que diabos é No Chile funda a Grafilms junto com Enrique “Puma” isto? De que se trata esta porcaria?”. Me mostram o rato, O primeiro filme animado. Bustamante e Carlos Gonzáles, realizador da Tevito. as tartarugas que saiam do esgoto em Nova York, e minha Durou somente até 1984, o estúdio não durou mais de famosa frase “eu não vejo nenhum futuro nessa questão”, Eram os Scrabble, uns jogos novos que haviam sido sete anos, visto que os processos de produção neste eram comenta Arce que realizou os storyboards e layouts de um lançados em Nova York. A companhia de jogos convida muito complexos. Conseguiram realizar as séries animadas par de capítulos. “Os fiz, ficaram bem bonitos e disse “não Álvaro Arce a realizar um filme com um dos jogos, o “Condorito” e “Los chistes de Lukas”, junto com alguns quero trabalhar mais nesta porcaria” e tchau. Agora sabe encarregando dessa posição em Argentina. Em resumo: a fama que possuem, me enganei”, reflete. essa pessoa não termina a produção e é este desenhista trabalhos de publicidade. quem deve se trancar um mês em um hotel na cidade de 44

Carlos González en Sabados Gigantes 1987

Víctor Jara junto a Carlos Gonzalez interpretando “Charagua” para cortinas de Tevito (1973).

Nos Estúdios Hanna - Barbera em 1968

Buenos Aires para completar o trabalho. “Eu me esqueci de tudo, me esqueci de minha esposa, meus filhos, tudo. Terminei o filme de forma penosa. Eu cortando o filme porque tinha que apresentá-lo”, recorda. Quando chegou a Nova York, se deu conta que o filme estava defasado. “Que faço? Alguém me disse “Há um lugar aqui onde você pode formatá-lo”. Ao final terminei. Levei-a ao hotel, me ligaram de Long Island, entreguei a fita, me deram meu dinheiro, voltei ao hotel, tomei um avião e me fui. Uma das anedotas mais espantosas de minha vida”, conclui. Dois dias antes sua esposa havia chegado a essa cidade, sem saber que seu marido estava neste lugar. Conseguiram se reencontrar, depois de estarem esse tempo distanciados. Alcançando as portas do céu: Walt Disney Instala-se em Walt Disney para desenhar, um dia seu portfólio desaparece e se dá conta que o haviam levado Alí Babá foi uma nova produção de Disney para a série “Mini Classics” ao “estúdio grande”, quer dizer, ao lugar onde se realizam os filmes. Existia um projeto para levantar uma equipe de criadores, igual aos tempos quando o próprio Walt Disney e sketches para “O Rei Leão”. “Nessa época chegou um e para Don Bluth na Irlanda, decidiu regressar em 1990, o diretor muito famoso que se chama Steven Spielberg, com fazendo de forma definitiva em 1995. estava vivo. um filme chamado “Uma Cilada para Roger Rabbit”. Havia Álvaro Arce aceita se integrar a este grupo, mas com a que fazer alguns curtas. Ele chegava lá, muito simpático, Uma das coisas que tem em mente é voltar à idéia condição de que pudesse seguir realizando trabalhos uma maravilha...e gostava de tudo. Nunca disse “isto está inicial: ensinar. “tenho dado classes online a algumas crianças”, conta. Mantêm uma produtora nos Estados free-lance para outros lugares, acertando com ele que ruim” não gostei’. Ele morria de rir”. Unidos e assessorou ao curta “La Mujer de Tierra” entre não teriam os benefício que mantinham os empregados Que está fazendo agora? outros, os quais ganharam um fundo concursado para habituais desse estúdio. sua realização. SM Chegou a esta equipe Brenda Chapman, Kevin Lima, Álvaro Arce mora de forma definitiva no Chile há 18 Kelly Asbury, Chris Sanders, entre outros animadores que anos. Depois de ir e voltar de seu país natal aos Estados hoje possuem fama mundial. Ali realizou desenhos para Unidos, como também a outras partes do mundo, como “My Fair Birdie”, para “ArmyAnts”, começo de “Antz”, Europa onde trabalhou nos estúdios Lápiz Azul de Espanha 46

Junto a equipe criativa na Disney, Brenda Chapman (“Valente”), Kevin Lima (“Tarzán”), Kelly Asbury (“Shrek”), Chris Sanders (“Como Treinar seu Dragão”), entre outros.

1968 Hanna-Barbera “Pepe Legal” 1968-69 Hanna-Barbera “Os Ho-ho-límpicos” 1969-70 Hanna-Barbera “Os Três Mosqueteiros” 1961 Warner Bros. “Papa-Léguas”

1970 – 71 Dimension ‘70 Produção spots educacionais para “Sesame Street”

1966-67 Hanna-Barbera “Abott & Costello

1970 – 77 Hanna- Barbera Trabalho free-lance

1967 Hanna-Barbera “Os Flintstones”

1975 – 77 Bilingual Childrens Television” BCTV Serie “Villa Alegre”

1967-68 Hanna-Barbera “Scooby Doo Where Are You”

1977 Trabalho em Brasil

1968 Hanna-Barbera “Os Jetsons”

1979 - 84 Grafilms - Santiago,Chile “Condorito” “Una Sonrisa con Lukas”

1968 Hanna-Barbera “O Urso Zé Colméia”

1984-85 Murakami-Wolf Studios USA “As Tartarugas Ninja”

1985-86 Arce Studios Scrabble People Toy Co. - Productor N.Y. “Un Zapallo Sin Sentido” - “A Pumpkin Full of Nonsence” 1988 Klasky/Csupo “Os Simpsons” 1988-90 Walt Disney Studios Feature Animation “My Fair Berdie” “The Prince and the Pauper” “Army Ants” “The Rescuers Down Under” “Beauty and the Beast” “Lion King” 1990 - 94 Lápiz Azul (Madrid, España) 1994 – Até a data Retorno a Chile Trabalho desde o Chile para distintas casas produtoras européias e norte-americanas. 2011 Tournier Animación “Selkirk el verdadero Robinson Crusoe”

NBC 1967 assistente de Diretor de Arte em “The Show de Bob Hope”.

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CHILEMONOS 2014 O festival da familia latino americana

Durante a semana de 6 a 11 de maio no Chile, cinco festivais de animação assinaram um acordo que busca potencializar a indústria latino americana. Este enfoque foi o coração de Chilemonos 2014, onde através de um esperado mercado de animação MAI!, junto a exibições em todo o país, se pôs ênfases na produção da vizinhança.

Por Pamela Riveros Ríos 52

Homenagem aos precursores da animação chilena, durante a inauguração de Chilemonos 2014 53

Cerimônia de premiação de Chilemonos 2014

O Terceiro Festival Internacional Chilemonos 2014 teve um claro selo latino americano. Diretores, produtores, roteiristas, executivos, traziam as mãos grandes projetos e produções de seus próprios países: Argentina, Chile, Colômbia, Peru, México, Uruguai e Brasil. Estúdio polaco SE-MA-FOR entrevistado por Solomonos Magazine

Este de fato se realizou entre os dias 6 e 11 de maio, onde, através de diversas atividades, foi possível ver este enfoque, tanto nos filmes e séries que se mostraram, como também nas classes magistrais e laboratórios que se realizaram. Se somou a tudo isto um importante acordo entre festivais latino americanos, com o fim de potencializar o desenvolvimento entre países vizinhos. Presença Latino Americana

Master class de Alberto Rodríguez

Soledad Suit entrega prêmio Novasur

Em CHILEMONOS-LAB, Nelson Luty transmitiu seus anos de experiências apoiados de seu imenso portfólio, onde é possível encontrar seu trabalho como Diretor de Arte do filme “Metegol” e seus fundos em “Gaturro”, ambas produções argentinas. Com dinâmicas estabelecidas, este talentoso desenhista conseguia soltar a mão de participante deste laboratório, para que pudessem criar uma paisagem digna de um grande filme animado. Do mesmo modo, cinco artistas realizaram três das masterclasses programadas durante o festival. A primeira dela foi Jossie Malis, ilustrados e criador de “Bendito Machine” onde explicou sua experiência como estúdio independente e sua forma de produzir esta saga com sombras chinesas, imaginários pré-hispânicos e máquinas que controlam tudo. Também a audiência pôde escutar ao grande Alberto Rodríguez, diretor de “Chaves Animado”, série que há alcançado grandes sucessos, e onde o resultado do trabalho deste executor, junto de sua equipe, conseguiram

Jossie Malis

trasladar uma das sitcom mais populares do imaginário latino americano, a animação. A classe magistral “Três diretores” somou em uma mesma mesa artistas provenientes da Argentina e México. Comentaram sobre seus longa metragens animados realizados em co-produção; experiência enriquecedora para aqueles que buscam financiar seus futuros projetos. O argentino Gustavo Cova, de “Gaturro” e “Boggie El Aceitoso”, contou como havia funcionado esta forma de trabalho, relacionando-se, incluso, com países da Ásia. O também argentino David Bisbano, com seu filme “Rodencia y El Diente de La Princesa”, apresentou uma forma de produção eficiente, onde estúdios de Peru e Argentina compatibilizaram para levar essa peça à cabo. Finalmente, o mexicano René Castillo, que se encontra realizando seu primeiro longa metragem animado em 3D “Poncho Balón”, deixando de lado o stop-motion com o qual tem sido multi premiado, comentou sobre seu trabalho e como tem sido a experiência onde duas casas produtoras de seu país estão por detrás de seu projeto. Há que agregar que este festival recebeu uma visita muito importante em sua master class, visto que Douglas Wood foi Vice Presidente de Produção e Animação e Assuntos Criativos na Universal Pictures, Turner Pictures e Warner Bros, como também Criador Executivo das séries de TV “Tiny Toons Adventures” e “Animaniacs”. Sua classe foi transcendental para ensinar ”O instinto no roteiro animado”.

Mesa redonda na Escuela Comunicaciones de la Universidad Católica sobre Políticas Gubernamentales em MAI!

Convidados ao jantar inaugural do anfitrião acadêmico Universidad Mayor e Embaixada da Polônia.

Freeze – Encontro Internacional do stop-motion Foi um sucesso a primeira versão de FREEZE, um espaço de conversação que espera seguir convocando aos máximos referentes do stop-motion mundial. Nesta primeira versão tivemos ao emblemático estúdio polonês SE-MA-FOR Conferência Nickelodeon em MAI!

Inauguração de Chilemonos 2014 GAM. TERCER FESTIVAL INTERNACIONAL DE ANIMACIÓN 6 AL 11 DE MAYO 2014

ganhadores de dois Oscar. Do México estiveram presentes René Castillo, ícone do stop-motion mexicano, autor dos remunerados curtametragens “Si Sostén” e “Hasta los Huesos”; e Lui Tellez realizador junto a Carla Castañeda de “La Noria” premiado na segunda versão do Festival Chilemonos.

“Rodencia y el Diente de la Princesa” (Rodencia e o Dente da Princesa)

De Espanha se somou a esta interessante conversação a produtora de “El Apostol”, Marta García, quem explicou os processos e dimensões para realizar este longa metragem. O grande momento que vive o stop-motion chileno foi representado pela produtora Diluvio, a qual está integrada pelos jovens artistas Joaquín Cociña e Cristóbal León, quem buscou suas próprias formas de expressão, chegando a criar um conceito novo desta técnica. “Acordo de Festivais Latino Americanos”

“Metegol”

Durante a premiação –e como último ato oficial de Chilemonos 2014- cinco festivais, Expottons (Argentina), Axis Fest (México), CutOutFest (México), Anima Mundi(Brasil) e o próprio Chilemonos (Chile), assinaram um acordo com o fim de potencializar a produção latino americana. Dentro dos pontos acordados, estão o de favorecer a coprodução, manter um mínimo de programação latino americana nestes festivais, e facilitar o traspasso dos trabalhos realizados entre os países assinantes, de modo tal que comece a circular pela vizinhança das obras animadas, valorizando assim o potencial e o grande trabalho que existe detrás dos longa metragens, curta-metragem e séries, do continente americano.

“Boogie El Aceitoso” (Boogie O Oleoso)

“La leyenda de la Llorona” (A lenda da Chorona)

Mesa redonda sobre Políticas Governamentais em MAI!

Conferência de SE-MA-FOR em Freeze

“Rodencia y el diente de la princesa” no cinema com o director em Cineplanet.

Conferência de Platige Image

David Bisbano na Master Class “Três diretores Latino Americanos”.

Curso de animação “SEMAFOR en tu escuela”

Laboratório “Concept art para largometrajes animados” com Nelson Luty

Reuniões de estúdios latino americanos em MAI!

Master class “Cinemáticas de Video Juegos” de Grzegorz Kukus, do estúdio polaco PlatigeImage.

Master class de roteiro para animaĂ§ĂŁo, com Douglas Wood

MAI! Mercado Animação Indústria

Prêmio Novasur nas escolas do Chile

O primeiro Mercado, Animação, Indústria, MAI! Se levou a cabo nesta terceira versão do festival, onde produtores, diretores e animadores puderam reunir-se e conversar sobre seus projetos e ver uma forma de financiá-los mediante a co-produção. Diversas atividades deram forma a este esperado primeiro mercado de animação, com mesas de negócios, master class, conferências de canais e marcos legais, que buscaram aproximar a vinte estúdios provenientes do Chile, Brasil, Colômbia, Argentina, México e Perú.

MA ! MERCADO ANIMACION INDUSTRIA

Prêmio Novasur nas escolas do Chile

Devido a este exitoso começo, MAI! prepara sua seguinte No ano 2014, durante o festival, se versão, onde experimentará um crescimento nas atividades criou o mais importante mercado e espera alcançar mais países Novasur e Dibam Em um trabalho conjunto entre Chilemonos e a televisão cultural e educativa da CNTV, Novasur, conseguiram que 12 mil crianças em todo o Chile vissem séries de animação latino americanas, eles votaram por suas favoritas, e outorgaram o Prêmio Novasur.

No cinema com o diretor

O ganhador foi a série brasileira “Sítio do Pica pau Amarelo” de Humberto Avelar, e foi premiada no festival, levado a cabo no sábado dia 10 de maio. Somado a isto, a Direção de Bibliotecas, Arquivos e Museus, Dibam, junto a Chilemonos, criaram a atividade “Chilemonos em sua Bliblioteca”, que busca exibir animação latino americana nestes espaços. As duas primeiras foram do diretor argentino Gustavo Cova: “Gaturro” e “Boogie El Aceitoso”, os quais puderam ver as famílias localizadas nas regiões de Antofagasta, Atacama, Valparaíso, Los Lagos e Aysén. SM

No cinema com o diretor

de animação, MAI!. Sua primeira versão foi um sucesso, congregando a produtoras, canais de TV e estúdios, provenientes da América Latina. Chilemonos pôs seu foco no continente, na incessante busca por contribuir a formação de uma indústria no auge, que busca sua própria identidade para inserir a animação da vizinhança em um mercado global. Por esse motivo, em novembro de 2014, se realizará uma segunda versão de MAI!, tendo ênfase na qualidade que devem ter os convidados, quem são os atuais promotores da indústria da animação a nível mundial.

ALBERTO RODRÍGUEZ

“O Chaves Animado” Como Processo de Criação e Aprendizagem Alberto Rodríguez pertence a um dos mais prestigiosos estúdios de animação em México, Anima Estudios. Ali se iniciou na animação e dirigiu “O Chaves Animado”, que está sendo visto em mais de 22 países e foi a única proposta que convenceu Chespirito para que sua série fosse levada aos desenhos animados. Graças a isto, Anima Estudio experimentou um grande crescimento que permitiu hoje planificar sua produção para cinco anos, algo nunca antes visto em um estúdio de animação na América Latina. Por Pamela Riveros Ríos

Alberto Rodríguez chegou ao mundo da animação por casualidade. Se bem era amante dos desenhos animados quando era menor, sua vida profissional se desenvolveu em uma primeira instância em live action como produtor. Trabalhou em Anima Estudios e se distanciou dois anos desta produtora. Depois, voltou para editar o segundo filme desta empresa. “ Eu creio que Deus me escutou, disse” Ah! Vingança!” disse Alberto referindo-se a seus inícios e agrega, “Tenho muitos amigos animadores e os visitava. Quando eu os via eu pensava “que quantidade de trabalho que fazem, eu jamais poderia fazer algo assim”. Assim o destino marca o caminho de Rodríguez e o pôs a cargo da primeira série animada de Anima Estudios, e que implicou em um grande desafio, visto que havia que convencer ao Grupo Chespirito para que sua famosa sitcom, “Chaves”, fosse levada aos desenhos. Finalmente conseguiram e começaram a produzir no ano de 2006. Foram ao ar em 2008 e hoje podem dizer que realizaram sete temporadas de 26 capítulos cada uma, quer dizer, mais de 180 episódios. Qual foi o desafio de passar uma história como Chaves, uma série muito famosa e querida na América Latina, à animação?

O “Chaves” animado começamos a produzir no ano de 2006 com o Grupo Televisa e o Grupo Chespirito, que são donos da marca. Se deram conta do potencial da Anima Estudios. Estávamos no terceiro filme quando nos aproximamos deles e os mostramos uma demo de que

DR. ﾂｩﾃ］ima Estudios S.A de C.V., 2011

podíamos fazer, e também demos uma pequena prova de animação, e gostaram. Então nos demos conta que nos deram luz verde e estávamos muito contentes, para fazer 26 capítulos de 22 minutos cada um, o qual é muito grande. E, além disso, tínhamos que fazê-lo em um processo muito curto. Prontamente nos demos conta que tínhamos que atuar com muita rapidez, e o primeiro que estabelecemos foi uma linha de produção muito clara para ter uma relação com Roberto Gomés Bolaños. Os primeiros esboços de Chaves íamos explicando porque o queríamos assim, e ele nos dava seu retorno. Preparamos os personagens, depois as rotações. Eram como 18 mil assinaturas para as autorizações. Eram passos muito pequenos. E aí era desenhar a vizinhança, que decidimos fazê-la em 3D, e o barril, que era o coração, e foi o que primeiro fizemos. O barril nós o fizemos mil vezes e nos mandaram corrigi-lo 3 mil vezes, e uma vez que tivemos o barril, se começou a gerar toda a vizinhança. Sabíamos que tínhamos que fazer tipo de animação cutout e que não íamos poder animar em full animation. Não nos dava o orçamento para fazer tal coisa, então decidimos fazer uniões nas bonecas que não tiveram articulação marcada nem visível, para que estivessem unidas. Isso fazia parecer que os personagens parecessem marionetes. Por que finalmente Chespirito aceita o projeto de vocês? Havia visto outros projetos de animação? O Chaves é um dos projetos de animação mais buscados na América Latina, desde que foi um sucesso nos anos 70 e 80 ,quase imediatamente começou a receber ofertas. E no final dos 70 recebeu uma proposta muito séria da Hanna-

Barbera para fazer a série, mas Chespirito queria fazê-la no México. E o limitante no México é que fazê-lo aí era muito caro, não havia a capacidade de fazer uma série dessa envergadura. Foi a animação digital que permitiu oferecer essas duas coisas: a qualidade e velocidade necessária e o preço, para poder fazer um projeto assim tão grande. Nós fomos ao escritório de Chespirito muitas vezes junto a outros estúdios, e ele nunca quis se comprometer com ninguém, e foi até que nós o enviamos um esboço de Chaves e que gostou. E foi quando nos mandaram chamar e foi quando nós dissemos “já a temos” e foi um momento de muita felicidade para Anima Estudios. Que recursos da animação potencializam esta série animada de Chaves? A série originalmente era um teatro, os personagens entravam pela esquerda e pela direita, caminhavam, chegavam ao centro e davam seu diálogo na metade do pátio, e os animadores diziam “mas para que vemos caminhar essa distância, melhor os vemos reagir e fazemos um blur e em dois quadros já está deste lado””. Ao princípio éramos muito tímidos em fazê-lo e quando começamos a fazê-lo o Grupo Chespirito disse “claro isto está muito mais dinâmico e muito mais bonito”. Por exemplo, o tapa que Dona Florinda dava em Seu Madruga evidentemente na sitcom dos anos 70 não era um tapa, mas na animação lhe dá umas bofetadas, e se dava volta o personagem e se escutava, se estirava, e ficava dando volta com estrelinhas. Todas essas licenças parecem muito simples, mas nosso cliente era muito claro com o que queria. Não era fácil convencê-lo. 74

E depois já começamos a fazer estes jogos que os personagens puderam fazer coisas, que se imaginava que estavam fazendo alguma coisa. Na série original, Chaves se imaginava dirigindo um carro, então aqui não somente imaginava, mas também se via dirigindo um carro, e isso foi muito agradável.

Atualmente se vê em mais de 22 países, em Canadá e em Patagônia também, se vê em todo o continente americano.

Imediatamente Televisa impulsionou a série, e a partir da primeira temporada entrou os primeiros níveis de popularidade. Imediatamente ganhou outras séries deste momento, Bob Esponja estava nesse momento nos primeiros lugares, entrou Chaves e o desbancou.

músculo impressionante e cada vez trabalhamos mais rápido e efetivo, e isso permitiu ao estúdio que a operação fosse muito mais rápida.

Que significou Chaves Animado para a Anima Estudios?

Nos formou a todos, foi nossa maior escola, tanto para os produtores, como artistas, animadores, desde coloristas Como foi a reação da audiência e que níveis alcançou fundistas, a toda a gente que fazia o composto digital. Chaves Animado? Trabalhamos a um nível extenuante. Isso formou um

Durante e depois de Chaves começamos a produzir longa metragens, porque nós fazíamos filmes antes, e a diferença A reação dos adultos era desconfiada, mas para as crianças as que esta experiência nos havia dado quanto à execução, e encantou. E imediatamente se viu a repercussão, começaram em quanto a capacidade, e em quanto a rapidez se deixou ver. Para nós, na Anima Estudios, é impensável nossa a sair produtos e camisetas, e sair a obra de teatro. existência sem “Chaves Animado”. SM 76

CRISTIANI Sobre Quirino Cristiani e de o primeiro filme de animação da história. “Aquí também podemos fazê-lo” foi consigna de muitos argentinos e imigrantes nos primeiros anos do ciclo XX. Pela distância geográfica com os centros culturais do mundo ocidental, tal vez com revanches daqueles que se aventuravam a cruzar o Oceano Atlântico deixando atrás um presente escuro, essa mentalidade estava presente na fundação do melhor e do pior do engenho argentino”.

Por Raúl Manrupe

IImagens gentileza do Museu do Cinema Pablo C. DucrósHicken (Buenos Aires).

Quirino Cristiani, jovem desenhista italiano em Buenos Aires, encontrou um mentor em Federico Valle, outro italiano e pioneiro das atualidades filmadas. Sendo Argentina um país com grande tradição na caricatura política, surgiu a idéia de incluir nos últimos metros do filme dos FilmrevistaValle, um comentário animado sobre algum tema do momento. Eram desenhos de animação limitada e realização rápida e espírito astuto, que como novidade, funcionaram e foram festejados pelo público. A criatividade, o engenho, sempre tem sido algo apreciado nas pampas.

Quirino Cristiani é sem dúvidas o que iníciou a animação na Argentina. Inventou técnicas nas quais persistiu durante muito tempo e que conseguiram consolidar-se nos anos 40. Negou a Walt Disney ser parte de seu grupo de criadores, preferindo desenvolver a arte no país que lhe acolheu.

negros) sobre cartolina. Eram milhões de bonecos planos, com distintas atitudes dos personagens, baseados no estilo de Diógenes Taborda, famoso caricaturista do momento, em um mix entre cartoon e stop-motion muito particular. A inexperiência levou a iluminá-los com luz natural, o que fez que ao variar o ângulo do sol ao longo de uma jornada, muito material se descartava. Mas a persistência era uma das características do jovem Quirino.

Incluindo segmentos que incluíam uma maquete da cidade – destruída por exigências do roteiro – “El Apostol”, se estreou As coisas foram bem e rápida, e o jovem Quirino fez o com muito sucesso, permanecendo semanas em cartaz na referente local do desenho animado. Isto o animou. Por que capital argentina e salas simultâneas do resto do país, com não fazer desenhos animados com uma maior duração, uma muito boas críticas. sátira sobre o poder político na Argentina e com o presidente Hipólito Yrigoyen como protagonista? Era algo assim como a redenção máxima do artesanato Como muitas vezes quando se encara algo totalmente novo industrial: feito a mão, mas com pretensões de conseguir e não se tem contato com alguém que haja feito algo similar, o sucesso econômico. Anos depois, outro sonho. Um longa levar a cabo o ambicioso projeto, levou criar um sistema sonoro que chega tarde: Peludópolis, outra crítica ao próprio. Não foi precisamente o mais simples: em lugar do presidente Yrigoyen (o chamavam de O Peludo) já em sistema já então tradicional, Cristiani idealizou um pessoal, seu segundo mandato presidencial que desembocaria no trabalhoso, complicado, incrível. primeiro golpe de estado em 1930. Se falarmos de sermos os primeiros, preferimos destacar outro referência: Peludópolis Cada personagem e suas ações estavam representados por é o primeiro longa metragem animado sonoro da história. desenhos realizados em negativo (linhas brancas, fundos

Fotogramas das animações de Quirino Cristiani recentemente resgatadas pelo Museu do Cinema Pablo C. DucrósHicken (Buenos Aires).

“El Mono Relojero” realizada por Cristiani em 1938 Corte. Princípios da década de 1940

Ali se perderam os longas e os curtas de Cristiani, dos que sobreviveram durante anos, algumas cópias de “El mono Quando Disney recorreu a América Latina, perguntou a relojero”, muito posterior. Se perderam. Até agora. Cristiani quanta gente havia formado parte de seus projetos. Ao inteirar-se que ambos longas eram obra de um só homem, Na década de 1920 Julián de Ajuria, um produtor e Walt o quis levar de imediato a seus estúdio. Cristiani recusou distribuidor espanhol que vivia na Argentina, quis devolver a oferta, que recaiu em Florencio Molina Campos. a seu novo país algo do que muito o haviam dado. Se propôs então a fazer um longa metragem sobre a guerra Estava bem estabelecido como referente máximo da da independência argentina...produzido em Hollywood. O animação local. Os laboratórios Cristiani eram garantia de resultado, com o astro Francis X. Bushman como protagonista prestígio e trabalho. e direção de Albert H. Kelley (se usava colocar a inicial do segundo nome), foi custosa e muito bem ambientada “ uma Como ocorreu muitas vezes com o nitrato, impiedoso, nova e gloriosa Nação”. Nos Estados Unidos se chamou dois incêndios destruíram seu acervo. O último a princípio “Charge of the gaúchos”. Depois sua estréia local em maio dos anos sessenta, definitivo. E com o remorso de que o de 1928, se exibiu por anos em escolas primárias, nas datas primeiro acidente não havia servido para gerar prevenções. pátrias.

Depois, como tantos filmes, desapareceu do mapa e por décadas se pensou que estava perdida. A história reservava uma volta por cima feliz: 2013, em um arquivo italiano e por gestão da investigadora Andrea Cuarterolo, se encontra uma cópia em excelente estado da versão internacional. Assim os investigadores e colecionadores vem ao conto de que há alguns anos também no Museu do Fim do Mundo, em Ushuaia, Tierra Del Fuego, gente do Museu do Cinema argentino encontrou umas velhas animações de Cristiani, que formavam parte dos noticiários de Federico Valle. Se exibiram em Malba de Buenos Aires em função especial. Não é muito, mas é muito importante: fazia anos que se acreditava inexistente todo o material sobre o pioneiro. Hoje que se abrem as arcas dos muito arquivos, compartir os conteúdos é uma tendência global incontrolável, este achado é por um lado um feito a celebrar e por outro, um indício de certa esperança de que há mais surpresas. Uma dica interessante: fazemos a prova de buscar algo no Google. Comprovarão – e os convido a fazê-lo- que muita informação que pode supor “fácil de achar” ou está óbvia, não surge tão rapidamente como um acredita. É o inverso, muita informação que um poderia supor “difícil” ou de acesso limitado, está disponível, ao alcance para quem saiba buscá-la. No mundo, incluindo nossos arquivos muitas vezes descuidados (países jovens, em formação, sem tempo para pensar nestas coisas), possuem tesouros que muitas vezes devem estar aí, dispostos a ser projetados, restaurados, curados e descobertos. Metrópolis e seu metragem reaparecido – no Museu do Cinema também e as instâncias dos colecionador e investigador Fernado Martin Peña – é um marco nesse caminho. 84

“El Apóstol” realizada por Cristiani em 1917

Algo mais: os longas de Cristiani não foram, como aconteceu com os trabalhos de outros pioneiros de bohemia similar, cópias únicas. El apóstol e Peludópolis tiveram estréias comerciais a nível nacional e circularam cópias por todo o país, de norte a sul. As atualidades de Valle também vieram por anos a nível nacional. Hoje, que os arquivos se abrem, é possível acreditar que existam novos achados, alguns fragmentos da história que felizmente acreditamos que não está fechada. A democratização da informação é cada vez maior. A digitalização dos meios gráficos põe ao alcance do leitor coleções inteiras de publicações. Algo similar ocorre com os arquivos públicos das imagens em movimento. O conceito egoísta da posse de material está mudando fortemente. Pesquisadores italianos como Giannalberto Bendazzi ou Gabrielle Zuchelli resgataram na última década a importância de Quirino Cristiani. Na Argentina ocupa um lugar de pioneiro fundador. A esse espaço reconquistado na memória cinéfila e coletiva, é de se esperar que cheguem novos exemplos recuperados de sua arte. Para que deixem de ser um mito e sejam objeto de estudo e desfruto. SM Raúl Manrupe. Realizador, pesquisador de cinema e da cultura popular argentina. Autor do livro “Breve História do Desenho Animado na Argentina”, o qual foi o primeiro livro editado em seu país sobre o tema. Também escreveu junto a Alejandra Portela o livro “Um dicionário de filmes argentinos” de três partes. Há colaborado em diferentes revistas e publicações relacionadas com o cinema e a animação a nível mundial. Tem sido jurado em diferentes festivais e está a cargo da Área de Cinema do Centro Cultural Rojas, de Buenos Aires (UBA). (Foto gentileza de Alejandra Del Castello)

GAME OF THRONES OPENING

Robert Feng, diretor de arte atrás do abertura de sucesso Robert Feng esteve trabalhando intensamente por quatro meses, para conseguir um main title que fosse adequado para uma grande produção que ia estrear na HBO, chamada Game of Thrones. Premiado pelo Emmy, tem sido reconhecido a nível mundial, inclusive gerando dedicatórias por meio de aberturas de outros programas de televisão. A obra, que foi inspirada no trabalho e mecânica de Da Vinci, destaca por seu especial cuidado os detalhes e formas que formaram uma peça única em 3D. Por Pamela Riveros

Simon Tofield y su gato.

O Castelo Negro

Sabíamos que na série queriam transmitir, na abertura, o sentido de geografia, para entregar à audiência uma janela até este mundo. O brief inicial somente indicava “faça um mapa”. Essa linha inicial nunca foi mudada, mas nós fizemos uma busca para fazer algo um pouco diferente”.

A inspiração foi Leonardo Da Vinci. Assim foi como se Resultou ser um trabalho exaustivo que implicou ter começou a criar o conceito que teria a abertura da próxima muito presente o desenvolvimento de um produto único, série que estava realizando HBO, “Game of Thrones”. elaborado e complexo, representado em uma sequência que pudesse ordenar a cabeça da audiência a respeito de Quem recebeu esse encargo foi o estúdio Elastic, os que onde pertencia cada família protagonista. deviam criar um mundo capaz de situar o expectador na terra do Poniente e Esso, história relacionada com as Foi Robert Feng quem rememorou a Leonardo da Vinci vivências das variadas casas nobres que disputam o Trono e como a obra desse artista e científico podia ajudar no de Ferro dos Sete Reinos. desenvolvimento da imagem, enquanto planejavam uma forma de definir a linguagem conceitual que Assim se formou a equipe com Angus Wall (Diretor teriam. Definitivamente esse trabalho deste destacado Criativo), HammedShaukat (Produtor), Kirk Shintani (CG personagem conseguiria marcar o desenho, visto que a Supervisor) y Robert Feng (Diretor de Arte) para conseguir tecnologia que idealizou este inventor nos parâmetros de armar uma peça com uma meta clara: devia ser geográfica. uma época medieval.

Eyerie Concept Art

Um dos elementos que surgiu foi satisfatório, que apoiaria a idéia de situar a estes domínios familiares no mundo antigo e que de alguma forma simboliza a idéia de uma terra única orientada pelos pontos cardeais. Robert Feng e sua equipe trabalharam cerca de quatro meses nesta abertura, com um total de 24 pessoas envolvidas no processo. Assim conseguiram gerar uma peça com movimentos e traslação de câmeras retro-futuristas, mostrando um mapa com castelos e lugares medievais, levantados graças à mecânica de Leonardo Da Vinci. Assim a peça realizada entre Robert Feng e sua equipe monopolizou as visões de um mundo inteiro, com uma série exitosa e que há entregado visibilidade a um Main Title que depois foi premiado no Primetime Emmy Award como “Outstanding Main Title Design”. Solomonos Magazine entrevistou a este destacado artista Dothrak Concept Art para saber sobre o processo por trás e sobre os interesses que o motivaram a realizar esta obra como Diretor de Arte. que esquecer quanto importante é o som e a música. Meu sinal favorito a respeito do título de Game of Thrones Qual, acredita você, é a razão pela qual as aberturas têm Quero dizer que isso é muito importante, se não é o mais foi a paródia de Os Simpsons em sua abertura. Que surpresa maravilhosa. adquirido relevância neste último tempo, convertendo-se importante. em uma peça de arte por si mesma? Qual consideraria Meu título favorito mais recente foi “Halt and Catch Fire”. Minha segunda favorita foi a interpretação de “ The relevante atualmente e no passado? Era tão hipnotizante e efetivo, incluso considerando o curto Legend of Zelda”. Há tanto conteúdo de fácil acesso que se pode transmitir que era. Que conceito foi considerado para a criação da abertura? ou baixar instantaneamente, que deve diferenciar-se e Como se sente como animador quando vê que seu trabalho Que informação manejavam da série? isso se torna cada vez mais difícil. A necessidade de captar se converteu em um referente internacional e que em de forma mais rápida a audiência nunca havia sido tão todas as partes se reconheça seu grau de qualidade? Sabíamos que a série queria transmitir, na abertura, importante. o sentido da geografia, para entregar a audiência uma É uma sensação genial e me mantenho humilde com isto. janela até este mundo. O brief inicial somente indicava Mais na televisão que nos títulos dos filmes, a quantidade Mentiria se dissesse que sabia que se converteria em algo “faça um mapa”. Essa linha inicial nunca foi alterada, de tempo para os títulos parece estar diminuindo, pelo que tão reconhecido. Os criadores da série nos deram muita mas nós fizemos uma busca para fazer algo um pouco qualquer coisa que faça, necessita destacar e ter impacto. liberdade e gostei da idéia de fazer algo diferente. Sem diferente. Eu gostaria de dizer que o visual é tudo, mas não temos seu apoio e, claro, sem o grande sucesso da série, não Como foi o trabalho em equipe para chegar na proposta acredito que teria muita notoriedade. 92

Astrolabio Escena de “The Simon’s Cat Story” .

planilha, modular como se fosse um padrão a seguir. A lógica e o fluxo de trabalho se estabeleceram na primeira temporada, e nas seguintes se relacionou com fazer novos esquemas. Através dos anos, se há adquirido mais eficiência e se toma menos frações de tempo para realizá-los. Que acredita que deveria considerar um Diretor de Arte em uma produção como a de Game of Thrones? Que conceitos são básicos e que poderia aconselhar aos próximos animadores? Creio que a melhor estratégia que tivemos para a conceitualização dos títulos foi começar por não somente relativizar o material. Aprofundamos e buscamos em suas resenhas históricas, e vimos como se parecia quando Escudo da família Stark. comparávamos suas características.

“Gastamos muito tempo pesquisando antes de começar a produção da mesma. Desenhamos um par de idéias sobre como seria a mecânica geral do mundo que trabalharíamos. Quando começamos a ter um foco mais claro, realizamos um par de coisas chaves da cena, antes que o CG começara a ser construído. Nesse ponto tudo se converteu em um processo maravilhoso e fluido, onde pudemos desenhar os edifícios e esboçamos chaves para a arte”. 94

de abertura? Como estavam distribuídos os papéis dentro Quando sentíamos que íamos até um final inevitável ou do grupo? refazendo conceitos que já havíamos feito, não tínhamos Gastamos muito tempo pesquisando antes de começar a medo de apertar o botão, apagar, e começar de novo. produção da mesma. Previamente a armar uma colagem Isso nos forçava a baixar arquétipos que nunca tivera de coisas que nos ocorreram, desenhamos um par de considerado de outro modo.

idéias sobre como seria a mecânica geral do mundo que Em que projetos está trabalhando agora e o que poderia trabalharíamos. Quando começamos a ter um foco mais contar a revista Solomonos Magazine? claro, realizamos um par de coisas chaves da cena, antes que o CG começasse a ser construído. A maior parte do tempo dirijo comerciais. Faço mais trabalho de live-action, na verdade usualmente os projetos Nesse ponto tudo se converteu em um processo maravilhoso tendem a ter uma “técnica” ou um componente de e fluido, onde pudemos desenhar os edifícios e esboçamos desenho. Além disso, estou trabalhando com a companhia chaves para a arte, enquanto o CG modelava e fazia a pré- de Jim Henson para estabelecer um estúdio satélite na visualização da trajetória do sobrevôo. China, para sua HDPS (Henson Digital PuppetrySystem), Esta seqüência muda a cada temporada, Que dificuldades como também trabalhando em adaptar uma novela de fantasia clássica para um filme. Perdão, mas não posso supõe para o Projeto? lhes dizer o que é. SM Significa que tivemos que construir seqüências em uma

Godswood Concept Art

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CHILEMONOS

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