2. 70mm Todd-AO Festival Schauburg-Cinerama, Karlsruhe

Marienstr. 16 / 76137 Karlsruhe / Tel.: 0721-3 50 00 18 Web: www.schauburg.de

Filmtheater Schauburg

MANY THANKS TO: Georg Fricker, der die Todd AO - Fahne stets hochhielt!

Christian Appelt Nikolas Banspach Mychael Berg François Carrin Dieter Gaebler Wolfram Hannemann Thomas Hauerslev Hans Helf

Christine Kummer Gunter Oehme Maik Rügemer Clemens Scherer Frank Schmitz Norbert Thäder Rene Wolf Patrick Wurster

and many special thanks to Hooman Afshari and applause to the projection team: Vincent Koch & Markus Vetter

Das große 70mm Filmfestival - Schauburg Karlsruhe

Inhalt Titel 100 Jahre Schauburg

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von Dr. Peter Kohl

The Greatest Show in Todd-AO

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von Thomas Hauerslev

Tribute To Robert Gaffney

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Zur Entstehung von „Baraka“

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Zur Entstehung von „Grand Prix“

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Zur Entstehung von „Spartacus“

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Zur Entstehung von „Meuterei auf der Bounty“

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Zur Entstehung von „In einem fernen Land“

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Filme des Festivals auf einen Blick

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Zur Entstehung von „South Pacific

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Südseetraum im Farbfilm-Rausch

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Eine Todd-AO-Farbfilmbetrachtung von Christian Appelt

Zur Entstehung von „Titanic“

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Zur Entstehung von „Agenten sterben einsam“

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Zur Entstehung von „Cleopatra“

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Cleopatra - Hintergründe, Legenden und ein bisschen Kritik

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Eine Todd-AO Breitfilmbetrachtung von Hans Helf

Zur Entstehung von „Terminator 2“

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Die Geschichte der Schauburg

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Fotos vom 70mm Filmfestival 2005

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Das große 70mm Filmfestival - Schauburg Karlsruhe

100 Jahre Schauburg „70mm-Filme können süchtig machen, das durfte eine große Zahl von Filmfreaks beim Todd-AO-Festival im letzten Jahr erfahren und in diesem Jahr gibt es schon wieder den Stoff, aus dem die schönsten Kinoträume sind.“

Etwas mehr als ein Viertel des Jahrhunderts, seit dem in der Marienstrasse Kino vorgeführt werden, habe ich miterlebt, teils aus privaten, teils aus beruflichem Interesse, wobei sich beides ohnehin schwer trennen läßt. Natürlich ist die Schauburg vor allem ein Kino, aber sie war auch mehrere Jahre Schauplatz des legendären Festivals, das der Karlsruher Jazzclub alljährlich veranstaltete. Da wurde nicht nur jeder Saal, sondern auch auch das Foyer bespielt.

Gegen Mitternacht gab es da kaum noch ein Durchkommen und die Luft war geschwängert von Nikotin und Bratwurstduft. Ich habe aber auch erlebt, wie hier ein einmaliger Literaturmarathon namens „Lichts“ über die Bühne ging, bei dem die literarische Prominenz gegen Morgengrauen ebenso erschöpft war wie die hartnäckigsten Literaturfreunde. Und ich habe erlebt, dass nicht nur der Vorhang vor der großen Schauburg-Leinwand aufging, sondern die Leinwand selbst verschwunden war und die Bühne sichtbar wurde, die dahinter bzw. darunter steckt.

Dann wurde auf der Schauburg-Bühne Musik gemacht oder auch Theater. Unvergeßlich die Auftritte des Schwarzlicht-Theaters aus Prag, das hier seine alte Illusionskunst vorführte, aber auch die Auftritte von Sissi Perlinger, die damals gerade am Beginn ihrer Karriere stand. Mit solchen Variete-Veranstaltungen knüpfte die Schauburg ganz nebenbei an die Tradition des Apollo-Theaters an, das früher mal an dieser Stelle mit einer Mischung aus VarieteDarbietungen und Filmvorführungen für Kurzweil sorgte. Aber, wie gesagt, die Schauburg ist in erster Linie ein Kino - und was für eins! Einmalig in der Karlsruher Kinolandschaft ist die Mischung aus aktuellen Filmen, die in der Regel aus dem HollywoodRahmen fallen, und Filmklassikern sowie ausgesprochenen Publikumslieblingen. Erinnert sei nur an die „Rocky Horror Picture Show“, die lief und lief und lief

- und dabei ganz nebenbei dafür sorgte, dass die Schauburg auch einige Durststrecken überstehen konnte. Ein ganz spezieller Kinoliebling wurde auch „Sugarbaby“ . Weil der Film nirgends besser lief als in der Schauburg, ließ es sich Regisseur Percy Adlon nicht nehmen, nach Karlsruhe zu kommen zur Vorpremiere seines nächsten Films „Out of Rosenheim“, der Sugarbaby Marianne Sägebrecht, die ebenfalls in der Schauburg vorbeischaute, beinahe zum Hollywoodstar gemacht hätte. Auch viele andere Filmemacher sind in die Schauburg gekommen: Hark Bohm mit seinem multikulturellen Liebesfilm „Yasemin“; Heiner Carow, der hier in der aufregenden Wendezeit 1989/90 den ersten und letzten Schwulenfilm der DDR „Coming Out“ vorstellte; Michael Hanecke war mit seinen schwierigen, sperrigen Filmen hier; der Russe Alexander Askoldov plauderte mit dem Publikum über seinen einzigen Film „Die Kommissarin“, der zwanzig Jahre lang unter Verschluß gehalten worden war; Edgar Reitz stand den übermüdeten Zuschauern Rede und Antwort, die sich eine ganze Nacht um die Ohren geschlagen hatten, um „Heimat III“ am Stück zu sehen. Schauburg - das ist eben auch ein Synonym für lange Kinonächte mit mehreren „Star Trek“- und „Star Wars“-Folgen hintereinander oder „Krieg und Frieden“ in der vollen Pracht der achtstündigen russischen Filmversion und des 70mm-Filmformats, das die Schauburg wie wohl kein anderes Kino in Deutschland hegt und pflegt. 70mm-Filme können süchtig machen, das durfte eine große Zahl von Filmfreaks beim Todd-AO-Festival im letzten Jahr erfahren und in diesem Jahr gibt es schon wieder den Stoff, aus dem die schönsten Kinoträume sind.

Es lebe die Schaulust und die Schauburg.

Dr. Peter Kohl

Das große 70mm Filmfestival - Schauburg Karlsruhe

The Greatest Show in Todd-AO

„A chance to see what movie-going was like, 40 years ago on a large curved screen.“

In the 1970s I saw my first 70mm film. I was a teenager and at the times I was so impressed that the interest stayed with me for 30 years. The high-impact experience of seeing 70mm still gives me goosebumps the bright image, the small subtitles, the rock steady and ultra sharp images and last but not least – the wonderful 6-track magnetic sound. On several occasions I have travelled outside Denmark to see the classics - rarely missing an opportunity to see yet another film „in 70mm”. I'm very pleased to be here in Karlsruhe for the second time.

The 2nd Todd-AO Festival here at the unique Schauburg Kino has a very strong line-up of movies - old and new, faded and new prints, rarely seen films and some recent blockbusters. Something for everyone’s taste.

The Schauburg celebrates the wonder of 70mm and offers the audience a and breath-taking experience.

A chance to see what movie-going was like, 40 years ago on a large curved screen.

You’ll be able to enjoy some films of a unique nature – the dinosaur of motion picture exhibition. A film format which has been declared „dead” since about 1980. Against all odds, some rare 70mm prints have survived in dusty corners of old warehouses and in dark projection rooms. This weekend you will witness why 70mm means BETTER, BIGGER and BRIGHTER images.

Race through the streets of Monaco with James Garner - 250 kilometres pr. hour -- if you dare. Share a hot bath with Tibetan monkeys or riot against Rome with Spartacus and friends. Go to Tahiti with

Marlon Brando and get the wide perspective of pleasure in Ultra Panavision 70. Feel the agony (or pleasure) of seeing Tom Cruise losing his Technicolor smile with a punch to his nose. See the tantalizing swimsuit fashions of 1957 when Mitzi Gaynor is washing men out of her hair. Hit an iceberg with wonderful Kate Winslet in the sweeping splendour of 6-track DTS digital sound. Experience „Guvornator” Schwarzenegger, in his best 70mm role, against the evil man of liquid - the T1000. Through the clarity of Todd-AO, see Frau Taylor’s cleavage in ancient Egypt and see why Herr Burton fell for her beauty.

Help Clint to understand who is who and what is going on in the castle of Eagles. And what is it about Darren Nesbit’s lip when he teaches a beautiful British female spy how to have „one more schnapps”.

Exhibition of movies is rapidly converting to the digital domain, and soon film may be gone as the main exhibition format. Digital projection looks very promising and I’m certain the technology will continue to improve. One day we may see a format that will equal or most likely exceed the 70mm experience.

Until that day, when „in Super Digital 70“ is displayed on the marquee, I can only hope that cinemas like the Schauburg, will continue to play 70mm.

It gives me great pleasure to introduce this festival brochure and I truly hope you will enjoy „The greatest show in Todd-AO”.

Thomas Hauerslev www.in70mm.com

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Das große 70mm Filmfestival - Schauburg Karlsruhe

Tribute To Robert Gaffney Bob Gaffney was born on October 8, 1931 in The Bronx, NY. He has been in the film business for over 55 years. He left Iona College at the end of his sophomore year to work with Louis de Rochemont, creator of „The March of Time”, as an office boy, film editor, producer, and ultimately as a Director / Cameraman. While with De

„That submarine scene emerging from the ocean waters is the single most impressive shot I have ever seen on a motion picture screen.”

Sir David Lean

Rochmont, Bob worked on „Cinerama Holiday” and designed, built and operated the camera for Cinemiracle’s film „Windjammer“.

He is the only cameraman we know of who was run over by a submarine while filming it.

Bob then started his own company, Seneca Productions, where he concentrated on documentaries many of which were shot in 70mm; a format that he really loves. Three of these short films were nominated for Academy Awards for best cinematography: „Sky over Holland“, „Fortress of Peace”, and „Rooftops of New York”. He also co-wrote, directed and shot the now cult film „Frankenstein Meets the Space Monster.”

While still at Seneca Bob travelled with Stanley Kubrick filming all the second unit footage for „Lolita” and later filmed the end sequence of „2001:A Space Odyssey” at Monument Valley, Utah.

In 1968 Kubrick asked Bob to come to England to produce his next picture „Napoleon.” Bob spent over two years in pre-production on this film budgeting, scouting locations, negotiating, and working out of the MGM studio in England. Unfortunately the picture was never produced.

Upon his return to the United States in 1970 Bob started directing and shooting television commercials for major advertising agencies. He opened his own production company, Bob Gaffney Productions, where he did hundreds of commercials for such clients as Miller Beer, Dannon

Yogurt, Eastern Airlines, Gulf Oil, Honda, The Golden Nugget Hotel and Casino, Ford and Sony.

Production of these commercials took him all over the world from many countries in Europe, to the Sahara Desert, to New Zealand to Russia. He directed celebrities such as Telly Sevalas, Bing Crosby, Frank Sinatra and Orson Wells.

The Miller Beer „Christmas Card” shot in 1974, a member of the Commercial Hall of Fame, is still running on the air every Christmas.

Bob is now retired and lives in Brewster, N.Y. He recently spoke at Manhattanville College for an intersession course, on Kubrick and Wells. He is a member of the Directors Guild of America and the International Cameraman’s Guild.

Windjammer Experiences as told by Bob Gaffney 9/20/06 On the first take of the underwater footage the camera was bolted to the diving plane fin on the front of the submarine. When they opened the submarine doors, jeans, mops, sponges and other debris came out and into full view of the camera.

We surfaced to develop a new plan.

The submarine and the camera ship would come towards each other. The camera would be lowered to a depth of 80 feet and the submarine would be at 100 feet and fire its torpedo under the camera. They lowered the camera with me hanging on to it and I discovered myself at 100 feet, in the direct path of the torpedo. A navy diver surfaced to tell them to pull the camera up 20 feet but it was

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1 too late. I heard terrible whirring noises and when I looked behind me there was the submarine. It hit me and spun me in circles; luckily away from it and I swam as quickly as I could. The camera caught me doing my fastest swim ever.

Again it was time to surface and make a new plan.

As they were raising the camera I noticed that it was bleeding air around the entire circumference of the O-ring sealing the camera housing. I sat on the camera as it was raised and opened the gate valves.

The yard freighter that was pulling us up caught a wave and knocked the camera and me into the side of the ship. All three magazines broke off. Time for another conference.

I was on deck reloading and putting new castings on the camera when I looked out towards the horizon and saw the submarine that launched the torpedo getting ready to go again. The Captain of the submarine didn’t remember that all the front and aft torpedo tubes were loaded with water. The submarine got ready to dive and immediately sank with its nose in the air at a 90-degree angle. The sub Captain discharged water from the aft tubes and the submarine righted itself.

On the next take all went well. The submarine fired the torpedo.

Everyone was at the proper depth and we got the shot. I had been at depth and up so many times that I had to be re-lowered to depth to decompress and avoid getting „The Bends” (too much nitrogen in the blood.) It took about an hour to get me out of the water and it probably should have been slower as for years I had itchy joints also known as „Diver’s Itch.”

By the way, none of the footage was used in the film.

An aside: One of the Navy Divers assigned to me saw the submarine coming at us and immediately took off his watch and put it in his bathing suit pocket so he could put in a claim for a new watch.

Awards Gold Lion - Venice Film Festival Palm d’Or - Cannes Film Festival Clio Award - Dannon Yogurt„Russian Old People” Advertising Club of New York multiple ANNY Awards Art Directors Club - multiple ANDY Awards Commercial Hall of Fame

Thought you might like a few fun stories....

During one of the flight sequences in „Sky Over Holland“ the pilot pulled too many G's and became quite sick. Bob landed the fighter jet and no he does not have a pilot's license.

Also during „Sky“ the ice skating sequence where the people are in single file skating from right to left; the Producer was yelling at Bob to turn off the camera as he was wasting film once the people came through the frame...Bob kept rolling and another group came through.....this is probably Bob's favourite shot in the film.

Again during „Sky“- the glass blowing sequence. As the camera moves in closer and closer to the blue bottle being made you can see Bob's reflection (behind the camera) in the bottle. You have to look closely.

During „Fortress“ one of the tanks going over Bob's head was slight-

2 ly misaligned and knocked the magazines off the camera. Bob was very lucky that day!

Back to „Sky“ - Bob says the most difficult shot in the film is in the Van Gogh sequence. The camera was hand held through the roof of a VW as the car moved quickly down the road through the autumn leaves.

Also in „Sky“ - the fishermen in the little boats were not waving at Bob as he came very close to them in a helicopter. They were waving him away as he was scaring the fish. The same is true of the Shot on the Rhone, done from a jet...they were only 20 feet or so above the boats.

1. Robert Gaffney rigging the MCS70 under the wings of a plane shooting "The March of Todd-AO" 2. Robert Gaffney in hole in front of a tank. Filming of „Fortress of Peace“

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The MCS 70mm reflex camera, used to photograph „Motion” and „Sky Over Holland”.

Designed by Jan Jacobsen, camera is of simple design and rugged construction.

New handheld version is much more compact and lighter in weight.

Camera runs on a 16-volt battery, accommodates lenses ranging from 17½ mm to 6OO mm.

Das große 70mm Filmfestival - Schauburg Karlsruhe

fully blimped camera with a lens covering 150 degrees. There is only one prototype of this model, and I have not seen or used it, but my assistant, Dieter Giebler, from Munich, has used it and states that it is quite good.

The lenses are of the following manufacture: Bob loved making „Sky Over Holland“.

He travelled and lived in Holland for 1 year during the filming. He considers it one of his greatest achievements and a personal legacy to film lovers everywhere.

Footnotes To The Production Of „Motion“ And „Sky Over Holland“ By Robert Gaffney, Director Of Photography Written by: American Cinematographer, August 1967 Date: 12 September 2006 The overworked word „intrepid“ applies most precisely to cameraman Gaffney. He is shown nonchalantly draped over the rail of an iceboat to operate the 70mm camera as skittish craft is about to

With door open, extremely simple threading pattern of M.C.S. camera is revealed.

Though movement is of simplified design, picture it produces is rock-steady on the Screen.

Camera held up well under the most demanding conditions, including repeated drops from aircraft.

take off over the ice at tremendous speed. Sequence appears in „Sky Over Holland”, which I s part of Netherlands EXPO exhibit.

However, since Dutch pavilion has no 70mm projection facilities, pictorially beautiful film is shown only two evenings a week in CN Pavilion theatre.

The camera used for the filming of both the Canadian National film, „Motion”, and the Netherlands film, „Sky Over Holland”, was the M.C.S. 65mm Reflex Camera.

Lenses consist of a full complement ranging from 600mm to 17½ mm wide-angle. The camera was designed by Jan Jacobsen, who has also built a 65mm hand held,

17½ mm - Jan Jacobsen special built 21 mm - Jan Jacobsen special built 25 mm - Enna 37 mm - Enna 52 mm - Angenieux 80 mm - Carl Zeiss 100 mm - Cannon 135 mm - Kilfitt 600 mm - Kilfitt The camera itself is of very simple design and rugged construction. It has with it 1000-foot and 500-foot magazines, matte-box, sunshade, variable speed motor, and sync motor. With additional motors, I have run this camera successfully from 1 through 40 F.P.S. To run at high speeds some gear changing must be made, but it can be done. All of the extra motors are used by piggy-backing them on the main variable speed motor.

Thus, the sync motor is very small and light as the main drive motor is doing all of the work, while the sync motor is sort of a hold-back.

The camera runs on a 16-volt Arriflex battery, and does quite well even under very cold conditions, as there is only one gear in the main drive system. The rest is done by gilmer belts. The temperature when going out of the airplane at 14,000 feet for the sky diving sequence was -15 degrees F, and there was only one battery running the camera at 30 F.P.S.

the wide-angle lens entering the light path of the 45-degree reflection to the ground glass. However, this is minimal. It occurs on the left side of the frame, looking at the image erect, and only covers one/seventh of the field on the 37mm, 25mm, 21mm, and 171hmm lenses. These lenses are used mostly for those effect shots where looking through the camera, except for initial set-up, are quite impossible.

There were many interesting and difficult situations during the shooting of both films. The sky diving presented the biggest challenge for me. Most people in the busi-

The camera body itself has all the standard three- eights-sixteen screw holes for mounting on American heads and tripods.

ness would say, „Why not give up and shoot it 35mm squeeze“. Like Lin Dunn, I am a 70mm nut, and always will be. No one will ever convince me that Technirama, Techniscope, etc. (including 35mm Panavision) can ever match the quality of a good 65mm negative.

The N.A.S.A. 35mm Panavision material in the „Motion” film does not begin to compare in quality with the 65mm material. Also, in any kind of squeeze system, the lenses are not wide-angle enough to do some of the things that are essential in my kind of filming. For example, what lens could I use when the only place available to mount the camera on an aerobatic airplane places the lens 14 inches away from the pilot's head? I have never heard of a squeeze lens equivalent to the M.C.S. 21mm or 25mm spherical lenses. It would have to be a 10 mm anamorphic!

The viewing system, while not as classy as that of the new Todd-AO hand-held reflex camera, is quite good. It affords an excellent image on all the lenses down to the 52mm. Then, there is same cut-off in the viewing due to the barrel of

We decided for whatever reasons to stick to the 65mm format. The story of the free-fall filming is pretty accurately covered in the preceding article. The technical part of it is another story in itself. When we decided not to try any more jumps

1. On location of FORTRESS OF PEACE - Robert Gaffney (left) and director John Fernhout

2. WINDJAMMER - Cinemiracle camera under the sea

with the camera tied to the sky diver, we had to build a device for the camera to free fall by itself. This was not easy, as we only had one camera, which was constantly being used on the production. The next best thing was to make a mold of the camera and send it ahead of us to California, so that work could begin on the free-fall rig. As it turned out, I finished shooting the rest of the film before the camera mold was ever needed. It took 2 months to figure out the right shape to drop so that it would fall at exactly the right speed. Once the shape was determined, the rest was just a matter of waiting nervously on the ground for the chute to open. The camera seemed to have an affinity for landing at least one mile away {sometimes more) from the nearest road where we could get in with a jeep. The winters in northern California are quite wet: Hand carrying the 195-pound camera system out of muddy fields for a mile or more got to be a running gag. The skydivers, of course, could steer their chutes to the road. They would then say to me, „Gaffney, your camera is out there in the field“.

In the Dutch picture, „SKY OVER HOLLAND”, everyone wonders why, during the sea scenes, there was no water on the lens. „We have worked out a very simple device which is completely foolproof. We can shoot during mist, spray, waves hitting the camera, driving rain, and you-name-it. The lens remains absolutely clean and clear. I am not permitted to go into any more detail just now, as the patents are still pending, but I will say merely that it is a simple operation requiring little extra equipment and it can be run off the camera battery.

The camera, with the 500-foot magazines, weighs about 55 pounds. When I told the dragster driver that I wanted to mount the camera up front on a welded steel stand 4 feet off the ground facing him, he gulped hard, and said he would do it if his own man did the welding. When the welding job was finished, the driver approved it, and said that we had better film on the first run because „these crazy dragsters can blow an engine rather easily“. Off he went without even feeling how the car would react with all the extra weight out front-from stand-still to 200 MPH in 13 seconds. The car gave one short agonizing swerve; the driver straightened it out, and went for the rest of the run. We then moved the camera to the position over his shoulder for the reverse, and I'll be damned if he didn't match the same swerve.

Afterwards he informed us that he thought „You'd like a little of the same action in the second shot“, even though I hadn't had the nerve to ask him to repeat his former act.

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„Motion“ For sheer visual beauty and drama, 70mm production which relies neither on projection gimmicks nor exotic format is hard to beat at the Fair Written by: American Cinematographer, August 1967 Date: 12 September 2006 Canadian Nation Pavilion

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The auditorium is thrown into darkness and the screen lights up.

An airplane nose-dives earthward through the clouds... a baby takes her first worldly step... a small girl laughs happily as she swings slowly backwards and forwards on a 75foot swing... teenagers gyrate to deafening music in New York's Cheetah Club... a space craft is slowly lifted off its launching pad to the roar of igniting rockets...

American astronauts „walk“ weightlessly in space... the shattering thud of a house crumbling under the impact of a bulldozer is juxtapositioned with the tumble of a headon collision in a football game... and dozens of whirling bicycle wheels give way to the thundering of a horse stampede, and then to the silent flight of wild geese.

Only a film can present such a variety of experience in the short space of 14 minutes. The title of the film is „Motion” and it is being presented by Canadian National Railways in its Pavilion at EXPO 67. A few sentences, spoken in English and French, are the only narration. For the rest, the film tells, through an unusual and ima-

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3. GRAND PRIX - Dieter Gaebler and the MCS-70 shooting at Riverside, California

4. Using the top of his „bug“ as a camera platform, Gaffney sets up to photograph horse fair.

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1. Robert Gafney.

Director of Photogrophy for „Motion” and „Sky Over Holland”. Both are“ cameraman's pictures.' and owe much of their impact to his camera artistry.

Das große 70mm Filmfestival - Schauburg Karlsruhe

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2001 Opening Gala - Keir Dullea (left) and Robert Gaffney

these uses. Among the film's most exciting footage is the first free fall parachute drop ever filmed in 70mm. The free-fall sequences were shot in California, but the film also includes many scenes filmed all over the world. One of the most memorable sequences in the picture is a funeral, filmed in New Orleans' famous Bourbon Street.

After the sombre hymn singing and wreath-laying, the funeral party marches off to a band's brassy rendering of „When The Saints Go Marching In.“

ginative use of photographic techniques, what motion means to man and how it affects man from his birth to his death

Robert Gaffney shooting DANONE commercial in Russia

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„Motion” is an extraordinary cinematic achievement. Except for a few split-screen compositions it relies on no format gimmicks whatsoever to create its stunning impact upon the audience. There is only breathtaking 70mm photography, dramatic action and a soaring musical score... but all this adds up to one of the most beautiful films being presented at EXPO. Man employs motion for enjoyment, entertainment and thrills and the film dwells on many of

This black, fibre glass sphere is the behind-the-scene. star af Canadian Natianal Railway's film „Motion”. It took 2½ months to design this capsule which haused a $25,000 M.C.S. camera used to shoot the first free-fall sequence ever filmed an 70mm. This shape was engineered to fall freely through space at the same rate as the jumpers, 125 mph.

Sky-divers show haw exciting free-fall parachute drop was filmed for „Motion”.

With the 70mm camera in place, director of photography Robert Gaffney makes a final inspection of the capsule containing the M.C.S. 70mm camera. The capsule was tossed from the plane at an altitude of 14,500 feet. It took 2½ months lo perfect techniques that would allow it to fall al the same speed as six free-failing jumpers.

Hurtling earthward at 125 miles an hour, a California sky diver steadies the camera capsule. The sequence look 2½ months of testing and over 50 jumps before it was ready for the 14-minute, 70mm film, produced by Crawley Films, Ottawa.

Produced in 70mm color and shown on a 40 foot curved screen with full stereophonic sound, CN's „Motion” is essentially a fun-film.

From time to time, to give added impact and variety, the single 7Omm screen breaks into triple screen technique.

The film was produced by CRAWLEY FILMS LIMITED of Ottawa which brought together a talented production team that included: Eric Boyd-Perkins, sound editor for many well-known feature films; Tony Gibbs, consulting editor, whose credits include TOM JONES and THE KNACK ; Vince Vaitiekunas, director-editor, whose Canadian documentary and television work includes the former CBC program THIS HOUR HAS SEVEN DAYS, and Robert Gaffney, Director of Photography.

The music score was composed and conducted by Larry Crossley.

After more than 50,000 feet of film and six months in the making „Motion“ is running 33 times daily in CN's 200-seat theatre.

Filming some of the complex and unusual sequences for „Motion” amounted to a kind of cinematic obstacle course, and it included at least one unique problem: How do you get a 65-pound camera, falling 12,000 feet at the rate of 125 miles an hour to properly photograph a group of free-falling skydivers?

This is the challenge that Director of Photography Robert Gaffney took on to produce one of the most exciting sequences in the picture.

Gaffney, whose credits include „Windjammer”, „Cinerama Holiday”, „Vigllant Switzerland” (nominated for an Academy

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The first test indicated more weight was needed. On the second drop, the automatic firing devices failed to trigger the chute and Gaffney watched the capsule plummet to the ground and smash to pieces.

Award), and „Sky over Holland“, has been involved in Cinerama, Todd-AO and other wide screen processes since 1955. However, the problem of capturing the 60 second free fall sequence on 70mm was one of the most challenging experiences he has encountered, and he spent more than three months researching and testing various methods of shooting the sequence.

Gaffney, who works out of Seneca Productions in New York, likes the realism involved in putting speed and excitement on the big screen. „It's always intrigued me,“ he says, „that by using the big camera and a wide angle lens and putting it in the position of being the pilot- driver, or sky diver, you can give viewers in the audience an experience they could never attain themselves.“ It was while filming at the Reno Air Races late last year, that Gaffney met Bill Berry, a hot air banoonist from Concord, California. Berry and his 75-foot high balloon appear in „Motion” and it was he who first got Gaffney interested in trying to film a sky diving sequence in 70mm.

The first tests took place at Reno, Nevada, where Gaffney experimented with the conventional methods used when filming sky diving in 16mm or 35mm. These involve attaching the camera to one of the jumpers.

But the weight and size of the bulky German built MCS reflex camera, equipped with a 25mm wide angle lens, posed problems from the start. A rectangular box was made to house the camera and it was strapped to a jumper's chest.

However the unit did not allow the diver freedom of movement and during the first fall he experienced dangerous lack of control and had difficulty pulling the rip cord to release his parachute. On another attempt the box housing the camera slipped and one arm became entangled in the straps, causing a jarring, one-arm-controlled descent after the chute opened.

It was at this stage that Gaffney decided the camera must fall as a separate entity, much to the relief of the sky divers. Re and Bill Berry moved the project to California.

Berry began organizing the sky divers, a group cantered in Livermore, with an average of over 1,000 jumps each to their credit.

Then began two months of tests and consultations with physicists, professors of aerodynamic sciences and missile experts. The big problem was to come up with a container of the right shape and weight which would drop in a stable fall and at the same rate of descent as the sky divers.

From a great variety of designs, ranging from boxes to bombs, a spherical shape with a stabilizing ring around it was found to work best. The camera required the case to be a minimum of 26“ wide by 24“ high by 18“ in depth. The capsule was made from durable fibre glass and metal. Black in color, the jumping crew nicknamed it the „eight ball“.

The lens window was covered with plexiglass and two barometric pressure devices were installed to automatically open the parachute at a height of 2500 feet. Then came a series of tests without the camera, to determine what the unit should weigh to provide the proper control.

Another capsule was built and a manual opening device was added. In this manner, the diver could trigger the parachute himself and only if he failed, would the barometric device be activated.

Using this method the correct total weight of the camera, film, and capsule was quickly found to be 195 pounds. The unit was weighed accordingly and shooting began.

To achieve a 60-second free-fall, divers must jump from 14,500 feet-and at that height, the chilly winter air over the central California location was between 20 and 30 degrees below zero.

The nose of this Dutch Airforce „Hunter“ jet was specially rebuilt to mount the M.C.S. 70mm camera.

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Das große 70mm Filmfestival - Schauburg Karlsruhe

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3. Blimped MCS-70 on location with Dieter Gaebler shooting which movie? Win a free festivalpass for 2007 and send the name of the movie until October 31st, 2006 to born@schauburg.de 1 MOTION The NYC team - Robert Gaffney, Dieter Gaebler

2. FORTRESS OF PEACE Robert Gaffney (left), Dieter Gaebler (at camera) and director John Fernhout .

For complete safety, jumpers must pull the rip cord by the 2000-foot level. Allowing 15 seconds after leaving the plane to reach the camera and get in position and another 15 seconds to break formation and release the chutes, left only 30 seconds of free-fall filming on each jump. The battery-driven camera was usually turned on before it was pushed from the open-door Fairchild aircraft. It was up to the control diver to shut the camera off and pull the rip cord as he pushed away from it.

There were more than 50 jumps made over the entire period.

Success finally came over a threeday span when five good six-man jumps were caught on film. On one jump air currents tore the camera out of the hands of the jumper and the capsule began

spinning wildly. But as it tumbled earthward it shot a magnificent series of pictures as the divers tried desperately to grab the camera on the way down. As it turned out the automatic release triggered the parachute at the 2000 foot level and this footage was used in the final film.

For Gaffney, who watched every jump from the ground, the hardest part of the entire assignment was „looking up to see that $25,000 camera hurtling down toward earth at 125 mph and waiting for the parachute to open.“ Fortunately, except for the dry-run failure, it opened every time. As a result, visitors to CN's EXPO pavilion can see for themselves, some of the most exciting film footage ever to go through a 70mm camera.

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Baraka ZUR ENTSTEHUNG Was beseelt die Menschheit in Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft? Was treibt ihn Tag für Tag und Jahr für Jahr an und um?

Regisseur Ron Fricke ist mit seinem Team und einer computergesteuerten 70mm-Todd-AOKamera durch die Welt gereist, um eine filmische Antwort auf diese nicht ganz einfachen Fragen zu finden. In vierzehnmonatiger Arbeit entstanden ist ein 96-minütiger Bilderflug über die Erde, der immer mal wieder Halt macht, um mit den Lebewesen in aller Welt zu verweilen und sie ein kurzes Stück ihres Weges zu begleiten: Etwa einen Affen, der im Wasser eines Bergsees sitzend, zu meditieren scheint; buddhistische Mönche, die sich dem Gebet hingeben, Hunderte von Kerzen entzünden; australische Ureinwohner, die ihre Jahrtausende alten Riten zelebrieren; Menschenmassen, die aus den U-Bahnschächten Tokios

quellen, durch New Yorker Straßenschluchten irren oder den Müll der Millionenmetropole Kalkutta durchwühlen; Frauen in Katmandu, die des Morgens ihre Götzenbilder schmücken; ein hinduistischer Mönch, der seine Mantras murmelt; orthodoxe Juden an der Klagemauer in Jerusalem; Urvölker, die sich ihre Gesichter bemalen und im Tanz Mutter Erde huldigen. Und die Landschaften ziehen vorüber.

Wüsten, Berge, Krater, das Meer, die Sterne – ein einziger Bilderreigen. „Zum Geheimnis des Lebens und zum Geist der Natur“ will Ron Fricke den Zuschauer mit seinem „Baraka“ führen, der nicht als Dokumentarfilm im gewohnten Gewandt, sondern als assoziativer, teils auch sehr meditativer Sinnesrausch daherkommt. Somit gibt es auch keine vordergründige

Handlung. Fricke reiht Landschafts- und Menschenaufnahmen aneinander, begleitet von einer Mischung aus sphärisch-hypnotischer und ethnologisch-adaptiver Musik. Der Titel des Films ist ein Wort aus der Sufi-Sprache und heißt übersetzt in etwa: Atem des Lebens. Den hat Fricke in Tansania, China, Brasilien, Japan, Kuwait, Kambodscha, Iran, Nepal und 16 weiteren Ländern auf sechs Kontinenten eingefangen und die Puzzleteile zu einer grandiosen Doku vereint, die in ihrer Machart stark an die Qatsi-Trilogie von Godfrey Reggio und seinem bekanntesten, weil besten Vertreter „Koyaanisqatsi“ aus dem Jahre 1983 erinnert. Ohne beschreibende oder erklärende Worte zu Hilfe zu nehmen wird der Kontrast zwischen Mensch und Natur allein mit visuellen und atmosphärisch-akustischen Ausdrucksmitteln abgebildet und

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kommentiert, so lautet das hehre Konzept von Filmen dieser Machart.

Ohne sich all zu sehr in seinem Sujet zu verlieren, gelingt es Fricke mit seiner Kombination aus Naturaufnahmen und kulturellen Beobachtungen Strukturen offen zu legen, die unserem von Zivilisation und Alltagsstress umnebelten Bewusstsein für gewöhnlich gänzlich verborgen bleiben. Ein bedachter Kameraschwenk verbindet Zeitrafferaufnahmen, welche die besondere Schönheit und Komplexität von Mondphasen oder Wolkenformationen zum Ausdruck bringen. Das sind Bilder voll Poesie und Szenen, die ebenso zu faszinieren verstehen wie die rein dokumentarischen Momentaufnahmen; etwa wenn Fricke den Zuschauer mit den beklemmenden Lebensverhältnissen in den südamerikanischen Slums konfrontiert.

Die offensichtliche Verwandtschaft zwischen „Baraka“ und der „Qatsi“-Trilogie kommt derweil nicht von ungefähr: Schon bei „Koyaanisqatsi“ führte Ron Fricke

die Kamera und tat sich als CoAutor hervor, doch wirkt von einer technischen Warte aus betrachtet „Baraka“ vielleicht sogar noch einen Tick ausgereifter als sein großes Vorbild. Ein bildgewaltiger cineastischer Trip zu den Naturschönheiten, den Kulturen und Religionen, aber auch Zivilisationssünden unserer Erde.

Die Bilder atemberaubend, die Klänge berauschend, eine schier überwältigende Pracht an Eindrücken, ein Kinoerlebnis! Da bleibt nur noch mit offenen Augen wie Ohren im Atem inne zu halten – nur sollte man ob der betörenden Augenblicke nicht vergessen, dem Filmtitel gebührend gelegentlich auch mal wieder ganz tief Luft zu holen.

Baraka USA 1992 Erstaufführungskopie aus 1993 Präsentiert in 70mm (1:2.21) 6-Kanal Dolby (A) Stereo Magnetton 96 Minuten Aufgenommen in Todd-AO (65mm Negativfilm)

Stab Produktion: Mark Magidson; Regie: Ron Fricke; Buch: Bob Green, Ron Fricke, Mark Magidson; Kamera: Ron Fricke; Musik: Michael Stearns; Schnitt: David E. Aubrey, Ron Fricke, Mark Magidson

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Grand Prix ZUR ENTSTEHUNG

Es soll Menschen geben, die für ein Formel 1-Rennen jedes noch so bedeutende Fußballspiel wegzappen. Der Kampf Maschine gegen Maschine, Mann gegen Mann im Rausch der Geschwindigkeit hat denn auch etwas zutiefst Heroisches – das birgt auch immens viel an cineastischem Potenzial. Und welches Autorennen könnte für einen Kinofilm spannender sein als der „Große Preis von Monaco“ mit seinem traditionellen Stadtkurs quer durch Monte Carlo? Den wählte John Frankenheimer, der dank großartiger Filme schon einsame Runden im Movie-Circus drehte, mit seinen Projekten aber ebenso oft auch im Kiesbett gelandet ist, denn auch für seinen ganz persönlichen „Grand Prix“. Vier geradezu prototypisch konzipierte Rennfahrer aus England, Frankreich, Italien und den USA lassen im Kampf um die Weltmeisterschaft auf europäischen Rennplätzen die Motoren heulen. Das war 1966 und wie fast alle seine großen Erfolge filmte er das Rennfahrerdrama in Frankreich, mit 21 Kameras parallel.

Es beginnt mit einer annähernd 20-minütigen Sequenz, zu sehen gibt’s spektakuläre Rennszenen en masse und der Zuschauer erhält ausgiebig Gelegenheit, die Akteure kennen zu lernen. Als da wären der erfolgsverwöhnte Ferrari-Pilot Jean-Pierre Sarti (Yves Montand), Scott Stoddard (Brian Bredford), der den Triumphen seines tödlich verunglückten Bruders Roger hinterherfährt, und dessen TeamKollege Pete Aron (James Garner), welcher seit seinem Weggang von Ferrari die ChampagnerPlatzierungen stets vor sich wähnt. Und es passiert, was passieren muss: Aron überholt und drängt Stoddard von der Piste.

Während ersterer den Vorfall unbeschadet übersteht, bezahlt Stoddard das waghalsige Manöver beinahe mit dem Leben und muss schwer verletzt ins Krankenhaus eingeliefert werden.

Für ihren gemeinsamen Teamchef Grund genug, Aron die Papiere in die Hand zu drücken. Der hat dann auch zunächst seine liebe Müh, ein neues Engagement bei einem Rennstall zu finden – bis sich der japanische Firmenchef Izo Yamura (Toshiro Mifune) für den Geschassten zu interessieren

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beginnt. Dessen Team ist bislang nicht der Rede wert, was fehlt ist ein echter Champion. Und Aron will es noch einmal wissen; kann sowohl die nächsten beiden Rennen als auch das Herz von Stoddards vernachlässigter Frau Pat (Jessica Walter) gewinnen.

Stoddard selbst gelingen nach seiner Gesundung mehrere Rennsiege und so wird der einstige Kollege zum schärfsten Konkurrenten im Kampf um den WM-Titel. Die Fehde entwickelte sich zu einem Kopf-an-KopfRennen, der finale Lauf in Monza muss die Entscheidung bringen.

Automobile Verfolgungsjagden auf der Leinwand sind – wie es Altmeister Alfred Hitchcock einst zu sagen pflegte – der „definitive Ausdruck des filmischen Mediums“ und aus seiner Vorliebe für schnelle Autos hat ein John Frankenheimer nie groß Hehl gemacht. So wird dem Rennsport-Fanatiker auch nur zu gerne nachgesagt, dieses Stilmittel in seinen Filmen des bloßen Selbstzwecks wegen einzusetzen; um sie als Autorennen zu inszenieren, wie etwa im Actionthriller „Ronin“, der dem 1930 geborenen Filmemacher Ende der 90er trotz teils mäßiger Kritiken ein unerwartetes Comeback bescherte bevor er im Jahr 2002 an den Folgen eines Schlaganfalls verstarb. Sein „Grand Prix“ gehört mit „French Connection 2“ und „Die den Hals riskieren“ zu seinen ganz großen Würfen – Pole-Position: Dreimal angetreten, ging das Rennfahrerdrama bei den „Oscars“ in allen Kategorien auch als erster über die Ziellinie: Schnitt, Ton und Toneffekte erklommen das oberste Treppchen.

Und seine große Hingabe zum Autosport-Genre wird in jedem Moment „Grand Prix“ manifest.

Nicht umsonst werden auf dem Filmplakat Formel 1-Fahrer wie Graham Hill, Jim Clark oder Juan Manuel Fangio gezeigt, deren Teams sich nach anfänglicher Skepsis so angetan von Frankenheimers Vorhaben zeigten, dass mit ihnen in Nebenrollen auf Originalkursen in Monaco, Spa und Monza gedreht werden konn-

te. Hauptdarsteller James Garner indes ließ es sich angesichts der wahren Helden des Motorsports denn auch nicht nehmen, in seinen Szenen höchstselbst am Steuer zu sitzen.

Den Plot splittet der Regisseur in mehrere Nebenstränge auf und mit nahezu drei Stunden Laufzeit gibt er sich dafür jede Menge Spielraum. So hat etwa der verheiratete Sarti eine heftige Affäre mit Reporterin Lousie Frederickson (Eva Marie Saint).

Von bleibenderer Erinnerung als die Handlung, die sich doch größtenteils um die amourösen Verfehlungen der Piloten rankt, sind die Aufnahmen der Rennen selbst. Sind doch vor allem anderen die von den Kameramännern um Lionel Lindon und John M. Stephens eingefangenen Bilder Garant dafür, dass „Grand Prix“ über die gesamten 179 Minuten stets mit hohen Drehzahlen läuft.

Dabei glückten Bilder aus für damalige Verhältnisse ungewöhnlichsten Perspektiven, etwa mittels schwenkbarer Kamera direkt an der Radaufhängung.

Doch Frankenheimer teilt nicht nur Handlung, sondern auch die Leinwand oftmals in mehrere Frames auf, um damit die Gleichzeitigkeit des dramatischen Geschehens zu vermitteln. Man rufe sich dazu nur den Filmbeginn und seine fantastische Sequenz mit dem Nebeneinander von Monaco als ruhiger SonntagMorgen-Stadt im Kontrast zur selben Lokalität als Rennstrecke in Erinnerung. Das hat wahrhaft Züge eines echten Kunstwerks!

Teilweise aus dem Cockpit bei Originalgeschwindigkeit gedreht, findet sich der Zuschauer mitten drin in den rasanten Pistenduellen statt nur dabei; gerade so, als ob er selbst am Steuer säße.

Tollkühne Männer in ihren rasenden Kisten, Drehzahlen am Limit, spektakuläre Bilder und persönliche Schicksale sorgen für packende Kinominuten; und vielleicht ja auch einen kleinen Moment des Innehaltens hernach. Die Überholspur zu nehmen ist bei weitem nicht das Wichtigste im Leben.

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Grand Prix USA 1966 Erstaufführungskopie von 1967 mit leichtem Farbfading Präsentiert in 70mm (1:2.21) 6-Kanal Stereo Magnetton Deutsche Fassung 179 Minuten Aufgenommen in SuperPanavision 70 (65mm Negativfilm)

Stab Produktion: Edward Lewis; Regie: John Frankenheimer; Buch: Robert Alan Aurthur; Kamera: Lionel Lindon; Musik: Maurice Jarre; Schnitt: Fredric Steinkamp

Darsteller James Garner (Pete Aron), Yves Montand (Jean-Pierre Sarti), Eva Marie Saint (Louise Frederickson), Toshirô Mifune (Izo Yamura), Brian Bredford (Scott Stoddard)

Oscars Best Effects, Sound Effects: Gordon Daniel; Best Film Editing: Fredric Steinkamp, Henry Berman, Stu Linder, Frank Santillo; Best Sound: Franklin Milton (MGM SSD)

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Spartacus ZUR ENTSTEHUNG

Als „notwendiges Übel“, so bezeichnete der 1999 gestorbene Filmemacher Stanley Kubrick seinen „Spartacus“, der bis heute mit Fug und Recht als einer der Bedeutendsten seines Genres gelten darf. Doch war es dem kommerziellen Erfolg eben jenes Monumentalwerkes zu verdanken, dass er sich als Regisseur etablieren und fortan seine eigenen cineastischen Visionen verwirklichen konnte: „Dr. Seltsam oder: Wie ich lernte, die Bombe zu lieben“, „2001: Odyssee im Weltraum“, die Verfilmung von Anthony Burgess’ „A Clockwork Orange“ oder seine Spätwerke „Shining“, die Adaption des Romans von Stephen King, und natürlich das Antikriegs-Drama „Full Metal Jacket“. Eine Meinungsverschiedenheit zwischen „Spartacus“ Kirk Douglas, der als ausführender Produzent die Fäden zog, und dessen ursprünglich vorgesehenen Regisseur Anthony Mann hatte zur Folge, dass der damals noch relativ unbekannte 31-jährige Kubrick mit der Regie für den amerikanischen Sandalenfilm über den größten Sklavenaufstand der antiken Geschichte betraut wurde.

Man kannte sich bereits, hatte

1957 gemeinsam den Antikriegsfilm „Wege zum Ruhm“ („Paths Of Glory“) gedreht. Die Hintergründe des dem Film zugrunde liegenden Sklavenaufstands aus dem Jahre 73 vor Christus sind historisch verbürgt, über den Heroen Spartacus selbst ist indes nur wenig bekannt, die Darstellung seines Lebens deshalb zu großen Teilen fiktiv. Vielmehr basiert die Handlung auf dem gleichnamigen Roman von Howard Fast, den Dalton Trumbo zum Drehbuch veredelte – unter Pseudonym, da er im Zuge der McCarthy-Ära und ihrer bis zur Hysterie gesteigerten Hatz nach Kommunisten auf der „Schwarzen Liste“ stand.

Doch er ließ sich nicht unterkriegen, ebenso wenig wie sein Hauptakteur, der thrakische Sklave und Gladiator Spartacus (Kirk Douglas), welcher in Folge die Sklaven Roms zum Kampf gegen ihre Unterdrücker führen und sich den schwer bewaffneten Legionen des Weltreichs stellen sollte. Beinahe wäre es soweit gar nicht gekommen, denn Spartacus findet sich zu Filmbeginn noch als Zwangsarbeiter im Steinbruch wieder, wo er wegen Aufruhrs zum Tode verurteilt wird. Gerade

noch rechtzeitig kauft ihn der Römer Lentulus Batiatus (Peter Ustinov), bewahrt Spartacus somit vor der Hinrichtung und lässt ihn mit etlichen anderen vom tyrannischen wie sadistischen Marcellus (Charles McGraw) in seiner Gladiatorenschule ausbilden. Dort wird ihm Varinia (Jean Simmons) zugewiesen, Spartacus verweigert sich jedoch dem Befehl, ein Kind mit ihr zu zeugen. Vielmehr verliebt er sich unsterblich in die attraktive Sklavin. Dann kommt der römische Senator Marcus Licinius Crassus (Laurence Olivier) nach Capua, um Gladiatoren für die große Arena zu erwerben. Und weil der wissen möchte, wofür er sein Geld ausgibt und auf eindringlichen Wunsch des weiblichen Gefolges (Nina Foch und Joanna Barnes) müssen die Sklaven auf Leben und Tod vorkämpfen.

Spartacus unterliegt seinem Freund Draba (Woody Strode), doch der verschont ihn und geht stattdessen auf Crassus los. Ein Speer beendet das Leben des Äthiopiers, doch ist es das Zeichen zum Aufstand für die bereits seit längerem rebellischen Gladiatoren: Als Marcellus Spartacus wenig

später bis aufs Blut reizt und demütigt, ertränkt dieser den Peiniger im Suppentopf. Auch die anderen Gladiatoren begehren auf und können die Soldaten schließlich besiegen. Die Überlebenden fliehen und füllen ihre Reihen weiter auf, indem sie einerseits Besitzungen großer Sklavenhalter überfallen und obendrein großen Zulauf entflohener Sklaven erhalten. So sammelt sich bald ein Heer von mehr als 100.000 Mann um Spartacus; der spontane Gladiatorenausbruch erwächst zum dritten Sklavenkrieg, der auch als Spartacus-Aufstand in die Geschichtsbücher eingeht.

In die seinen schrieb Stanley Kubrick die Verfilmung allerdings nie, betonte stets, er habe im Auftrag von Kirk Douglas gehandelt; wenngleich der langfristige Ruhm wohl nicht zuletzt von seinem Platz in eben jener Kubrick-Filmographie herrührt.

Zu sehr sah er sich von Douglas in seiner künstlerischen Freiheit beschnitten. Ungeachtet dessen gilt das Plädoyer für moralische Integrität, Loyalität und den mutigen Einsatz zugunsten der persönlichen Freiheit als einer der besten Monumentalfilme überhaupt. Dass dies nicht ohne Pathos und Klischee zu inszenieren ist, versteht sich von selbst. Doch prägen auch und gerade die überwältigende Kampfszenen das Werk – allein sechs Wochen der 167-tägigen Dreharbeiten wurden von Kubrick darauf verwendet, die monumentalen Schlachten zu drehen, an denen annähernd 9.000 Statisten mitgewirkt haben. Auch die geschmackvolle Photographie und die bis zu den Nebenrollen großartig besetzten Schauspieler trugen dafür Sorge, dass „Spartacus“ im Jahr 1961 mit vier „Oscars“ bedacht wurde: Peter Ustinov krönte man zum „Besten männlichen Nebendarsteller“, obendrein gab es Goldjungen für Ausstattung Kamera und Kostümdesign. In den Kategorien „Beste Musik“ und „Bester Schnitt“ wurde „Spartacus“ nominiert, konnte sich aber nicht durchsetzen.

Apropos Cut: Erst im Jahr 1991 wurde korrigiert, was in den 60er Jahren noch dem Schnittraum zum Opfer fiel: Im Zuge der Restaurierung durch Robert A.

Harris vervollständigte man den Film wieder mit den für seine Zeit zu prekären Szenen; unter anderem jene homoerotische im Badehaus, in welcher sich Laurence Olivier in seiner Rolle des Prätors Crassus am jungen Sklaven Antoninus alias Tony Curtis erregt und seine Bisexualität offenbart: „Ich mag Austern und Schnecken.“ Das Problem: Die Tonspur war in der Zwischenzeit unauffindbar geworden und so musste die Szene nachsynchronisiert werden.

Olivier war allerdings zwei Jahre zuvor verstorben, weshalb Anthony Hopkins verpflichtet wurde, die Zeilen Crassus’ zu lesen. Tony Curtis gab einmal mehr seinen Antoninus und damit präsentiert sich Kubricks einzige Auftragsarbeit seiner Karriere heute wieder genau so, wie man es dem Regisseur seinerzeit zugestanden hat.

Technirama 70 (35mm Negativfilm / 8-Perf horizontal)

Stab Produktion: Edward Lewis; Regie: Stanley Kubrick; Buch: Dalton Trumbo; Buchvorlage: Howard Fast (Roman); Kamera: Russell Metty, Clifford Stine; Musik: Alex North; Schnitt: Robert Lawrence, Robert Schulte, Fred A. Chulack

Darsteller Kirk Douglas (Spartacus), Laurence Olivier (Marcus L. Crassus), Jean Simmons (Varinia), Charles Laughton (Gracchus), Peter Ustinov (Lentulus Batiatus), Tony Curtis (Antonius), John Gavin (Julius Cäsar), Nina Foch (Helena Glabrus), Herbert Lom (Tigranes), John Ireland (Crixus), John Dall (Glabrus), Charles McGraw (Marcellus), Joanna Barnes (Claudia Marius), Woody Strode (Draba), John Hoyt (Caius)

Spartacus

Oscars

USA 1959/60 Restaurierte Fassung (1992) Präsentiert in 70mm (1:2.21) 6-Kanal Dolby (SR) Stereo Magnetton Englischsprachige Originalfassung 198 Minuten Aufgenommen in Super-

Best Actor In A Supporting Role: Peter Ustinov; Best Art DirectionSet Decoration, Color: Alexander Golitzen, Eric Orbom, Russell A. Gausman, Julia Heron; Best Cinematography, Color: Russell Metty; Best Costume Design, Color: Valles, Bill Thomas

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Meuterei auf der Bounty ZUR ENTSTEHUNG Ihr Name könnte mit Wohltat, Spende, Güte oder gnädiger Gabe übersetzt werden. Schenkt man allerdings nicht Geschichts-, sondern dem Drehbuch zu Lewis Milestones berühmter Verfilmung Glauben, so war der Kapitän der HMS „Bounty“ das genaue Gegenteil der Gnade: Nicht eiserne Disziplin, ein sadistisches Terrorregiment führte Captain William Bligh (Trevor Howard) an Bord. Doch Hollywoods Filmemacher haben sich die Historie ein klein wenig zurechtgebogen, ist

doch mittlerweile erwiesen, dass dieser nicht mehr oder weniger gestreng war als andere Schiffskapitäne seiner Zeit. Die amerikanische Autorin Caroline Alexander etwa hat vor gut zwei Jahren nach eingehenden Recherchen in Tageund Logbüchern, Gerichtsprotokollen und Zeitungsartikeln eine Kurskorrektur vorgenommen: „Die wahre Geschichte der Meuterei auf der Bounty“ lautet der Untertitel und

nimmt den historischen Geschehnissen ihren letzten Mythos. Die Matrosen kamen nach ihrem monatelangen Aufenthalt im Paradies schlicht nicht mehr mit dem rauen Seemannsleben zurecht. Anfang der 60er jedoch hält man sich noch an die einseitigeren, aber dramaturgisch weitaus effektvolleren Zeugenaussagen der Meuterer, diffamiert Bligh als grausamen Despoten der Meere und dreht mit dem Remake des Klassikers von 1935 ein weiteres Original.

1787 verlässt die „Bounty“ den Hafen von Portsmouth und der ehrgeizige Captain Bligh ist fest entschlossen, so schnell wie möglich sein Ziel Tahiti zu erreichen.

Von dort soll er eine Ladung Brotbäume nach England bringen, eine der Süßkartoffel ähnelnde Frucht; als Ersatz für die Getreidelieferungen aus den nordamerikanischen Kolonien Englands, welche wegen des

amerikanischen Unabhängigkeitskrieges schon viel zu lange Zeit ausgeblieben waren.

In den englischen Kolonien gibt es daraufhin mehrere Hungersnöte, denen zwischen den Jahren 1780 und 1787 mehr als 15.000 Menschen zum Opfer fallen, weshalb die Besitzer der Zuckerrohrplantagen King Georg III. um ein ständig verfügbares wie preiswertes Grundnahrungsmittel für ihre Sklaven ersuchen. Der willigt ein und betraut seine Admiralität mit einer ungewöhnlichen Expedition.

Doch auf der Fregatte von Euer Gnaden gehört die neunschwänzige Katze – eine Riemenpeitsche mit neun geflochtenen Tau-Enden – bei den kleinsten Vergehen zum guten Ton, Bligh lässt Matrosen kielholen und den Haien zum Fraß vorwerfen.

Nach zehn langen Monaten endlich auf der paradiesischen Südpazifikinsel angekommen, ist die Pein jedoch schnell vergessen: Das Schiff liegt fünf Monate vor Anker, da Bligh Befehl hat, auf der Rückreise die Endeavour-Straße zu erforschen, dazu allerdings das Einsetzen des Ost-Monsuns abwarten muss. Für die 44 Mann starke Besatzung haben sich die Wochen der Entbehrung auf hoher See gelohnt; man verbringt glückliche Momente mit den wohlfeilen einheimischen Hula-Damen und der Erste Offizier und Schiffs-

führers Freund Leutnant Fletcher Christian (Marlon Brando) bandelt gar mit des Häuptlings Tochter (Tarita Teripaia) an. Die beiden wurden später übrigens auch im wahren Leben ein (Ehe-)Paar. Sein Begehren, die schöne Maimiti mitnehmen zu dürfen, wird von seinem Vorgesetzten allerdings mit Vehemenz verneint. Die „Bounty“ legt samt Brotfrucht im Laderaum wieder ab und des Käpt’ns Lust am Quälen nimmt alsbald immer drastischere Ausmaße an: Bligh reduziert die tägliche Wasserration für seine Crew, damit er die Pflanzen wässern und von den Südseeinseln unbeschädigt zu den westindischen Kolonien Englands bringen kann.

Für die Mannschaft indes ist das Maß längst voll: Am 28. April 1789 kommt es zur Meuterei. Christian schwingt sich zum Rädelsführer auf, setzt Bligh mit 18 Getreuen, Sextant und Logbuch in einem Beiboot aus und überlässt alle miteinander ihrem Schicksal.

Anschließend kehren die Meuterer zunächst nach Tahiti zurück. Zu ausgedünnt ist die Besatzung – und viel zu männlich. Nachdem sie auch die ihnen zugetanen Frauen an Bord genommen haben, steuert die Crew ihr eigentliches Ziel an, das jedoch auf keiner Seekarte verzeichnet ist: die Insel Pitcairn.

Dort wähnt man sich sicher vor der zu erwartenden Verfolgung durch die britische Admiralität.

Doch der Friede der Abtrünnigen, er währt nur für kurze Zeit.

Der Abenteuerfilm „Meuterei auf der Bounty“ aus dem Jahr 1962 ist die erste Farbverfilmung der historisch verbürgten Geschehnisse, die bereits zu dem von Frank Lloyd inszenierten Schwarzweiß-Klassiker inspirierten; seinerzeit mit Charles Laughton und Clark Gable in den Hauptrollen. Für den Regisseur des Remakes, Lewis Milestone, sollte es der letzte Spielfilm werden bevor er sich in den Folgejahren endgültig aus dem Geschäft zurückzog.

Gedreht hatte er über zehn Monate an Originalschauplätzen auf Tahiti und Moorea in FranzösischPolynesien mit Einheimischen wie Laienstatisten. Unter anderem weil Marlon Brando als Co-Produzent das Budget immer weiter aufstock-

te, standen am Ende 19 Millionen US-Dollar Produktionskosten zu Buche, von denen die Hälfte allein in den Vereinigten Staaten wieder eingespielt werden konnte. Über die Definition von Erfolg mag sich streiten lassen, der 178Minüter gilt jedoch zu Recht auch heute noch als eines der optisch eindrucksvollsten Werke der 60er Jahre – auch ohne einen „Oscar“ gewonnen zu haben. Obgleich er bei der Verleihung 1963 neben der Kategorie „Bester Film“ in sieben weiteren nominiert war. Jene des „Besten männlichen Hauptdarstellers“ gehörte nicht dazu.

Dabei besticht das Remake doch in erster Linie durch die überzeugende Besetzung der Besatzung; und vor allen anderen glänzt ein Goldjunge ganz besonderer Art: Nicht umsonst gilt der 2004 gestorbene Marlon Brando als vielleicht bedeutendster Charakterdarsteller des 20. Jahrhunderts – und als eines der letzten wahren Originale.

Meuterei auf der Bounty (OT: Mutiny On The Bounty) USA 1961 Erstaufführungskopie von 1962 mit Farbfading Präsentiert in 70mm (1:2.76) 6-Kanal Stereo Magnetton Deutsche Fassung / 178 Minuten Aufgenommen in Ultra Panavision 70 (65mm Negativfilm)

Stab Produktion: Aaron Rosenberg; Regie: Lewis Milestone; Buch: Charles Lederer, Eric Ambler (ungenannt), William L. Driscoll (ungenannt), Borden Chase (ungenannt), John Gay (ungenannt), Ben Hecht (ungenannt); Buchvorlage: James Norman Hall (Roman), Charles Nordhoff (Roman); Kamera: Robert Surtees; Musik: Bronislau Kaper; Schnitt: John McSweeney jr.

Darsteller Marlon Brando (Fletcher Christian), Trevor Howard (Kapitän Bligh), Richard Harris (John Mills), Hugh Griffith (Alexander Smith), Richard Haydn (William Brown)

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In einem fernen Land ZUR ENTSTEHUNG Lieben und vor allen Dingen geliebt zu werden, vielleicht ist das der einzig wahre Motor allen menschlichen Strebens. Und gesetzt den Fall, diese These entspräche den Tatsachen – wie mag es da einem ergehen, der des Liebens fähig, selbst nicht geliebt wird, so sehr er sich auch mühen mag? Die Antwort ist naheliegend: bescheiden. So widerfährt es auch einem, wenn nicht dem bestbetuchtesten, Protagonisten im weiten Hollywood. Sein Name: Tom Cruise. Seit Jahr und Tag strebt er nach Anerkennung seiner Kollegen. Wenngleich sie ihm den „Oscar“, welchem Cruise hinterherhechelt wie dem heiligen Gral, bislang versagt haben – Anerkennung, die genießt er längst. Aber lieben, das tun ihn die Wenigsten. Derzeit versucht Katie Holmes hinter das Mysterium des Klassenstrebers zu kommen; ein Unterfangen, das Penélope Cruz ebenso aufgegeben hat wie Nicole Kidman. Im Sommer 1989 standen die beiden für „Tage des Donners“ gemeinsam vor der Kamera und ein eben solcher durchfuhr die beiden während der Dreharbeiten in Daytona Beach: Tom Cruise trennte sich von Ehefrau Mimi Rogers, tat sich mit

seiner Filmpartnerin zusammen und seit der Hochzeit am 24.

Dezember 1990 samt nachfolgender Adoption zweier Kinder galt die Familie Cruise-Kidman als unzertrennlich. Nichtsdestotrotz zog er Weihnachten 2000 überraschend einen Schlussstrich unter die Liaison.

Zu Beginn der 90er, da war ihre Welt noch in Ordnung. Tom Cruise und Nicole Kidman standen unter Anweisung von Ron Howard, der im Frühjahr 2006 mit der Kinoadaption von Dan Browns „Sakrileg“ für weltweiten Wirbel gesorgt hat, am Set von „Far And Away“, der hierzulande unter dem Titel „In einem fernen Land“ in die Kinos kam. Er gibt darin den irischen Bauernburschen Joseph Donnelly, der sich zu Beginn der 1890er Jahre für des Vaters Tod am Großgrundbesitzer Christie (Robert Prosky) rächen will.

Joseph begibt sich völlig unerfahren im Waffengebrauch mit einer alten Büchse im Gepäck zum Schloss der Christies, wo er sich fürs erste im Pferdestall verschanzt. Doch die Tochter des Hauses (Nicole Kidman) entdeckt den Eindringling, Joseph unternimmt einen letzten verzweifelten

Versuch, deren Vater Daniel zu erschießen und verletzt sich dabei mit seiner eigenen Waffe. Der todgeweihte Großgrundbesitzer beschließt, den Attentäter zu verarzten, um ihn hernach wiedergenesen den Ordnungshütern zu übergeben. Seine snobistische Tochter Shannon indes zeigt mehr und mehr Interesse an dem adretten jungen Mann und auf einer Teeparty kommt es zum Eklat: Stephen (Thomas Gibson), Verwalter der Christies, aktueller Verehrer sowie künftiger Ehemann von Shannon, erscheint auf der Bildfläche und Joseph erkennt in ihm jenen Mann, der kurz zuvor noch das Haus seiner Familie niedergebrannt hatte. Doch zum angedachten Duell der beiden Männer kommt es nicht: Shannon flieht mit Joseph. Nicht aus lauter Rührseligkeit wohl gemerkt; sieht sie in ihm doch die Chance aufblitzen, sich ihren sehnlichsten Wunsch zu erfüllen: Auswandern in die Vereinigten Staaten. Da es Frauen zu jener Zeit nicht gestattet war, alleine zu reisen, fungiert Joseph bei der Überfahrt als Steigbügelhalter.

In Boston angekommen teilt man sich als Geschwister getarnt ein

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Zimmer in einer schäbigen Absteige und Shannon behandelt ihren Begleiter zunehmend herablassend. Der muss sich sein Geld hart als Profi-Boxer erkämpfen und der Dame aus besserem Hause fällt die Arbeit in der Hühnerfabrik sichtlich schwer. Eine Niederlage später endet die Karriere im Ring und so stehen Joseph und Shannon mitten im Winter ohne einen Cent in der Tasche auf der Straße. Und sie werden schon gesucht, denn mittlerweile ist auch der Christie-Clan samt Stephen nach Boston übergesiedelt, um die verlorene Tochter wieder zu finden.

Für seine Auswanderer-Saga konnte sich Regisseur Ron Howard, der gemeinsam mit Bob Dolman das Drehbuch ausarbeitete, lose an der Geschichte seiner eigenen Familie orientieren und mit dem damaligen SuperstarEhepaar Tom Cruise und Nicole Kidman spannte er zwei attraktive Zugpferde vor sein prächtig anzusehendes Siedler-Epos, dessen 65mm-Format allerdings erst auf der entsprechenden Leinwand seine volle Wirkung entfalten kann: Irisches Landleben, die Erschließung des Westens, eine Milieustudie der Arbeiterschicht und die hohe Kunst des Boxsports vereint durch vitales Schauspiel und wundervolle Bilder sorgen über die 139 Minuten hinweg für beste Unterhaltung. Das Werk besticht jedoch zuvorderst

durch seine wirklich gigantischen Landschaftsaufnahmen, welche die durchaus vorhanden Handlungs-Schwachpunkte sowie manch arg kitschig geratene Szene gut und gerne zu übertünchen verstehen. „Oscars“ gab’s zwar keine, dafür konnte der Film aber zwei Nominierungen für den „MTV Movie Award“ verbuchen.

Etwas weniger rühmlich mutet es dagegen an, dass sich die irische Musikerin Enya mit dem Titelsong „Book Of Days“ als Anwärterin für den Spottpreis der „Goldenen Himbeere“ führen lassen musste.

Auch unter finanziellen Gesichtspunkten und in Anbetracht der hochkarätigen Namen war „In einem fernen Land“ eher mäßig erfolgreich: USEinspielergebnis und Produktionskosten hielten sich mit jeweils rund 60 Millionen Dollar so eben die Waage.

Und Tom Cruise? Der HollywoodBeau befindet sich nach wie vor auf seiner ganz persönlichen „Mission Impossible“: Den Goldjungen der Academy hat er bis heute nicht entgegennehmen dürfen, auch nicht für sein aufwändig-imposantes Schwert-Epos „Last Samurai“ aus dem Jahre 2004. Aber er wird ganz sicher weiter danach streben, genau wie der japanische Kriegeradel nach Perfektion. Ein disziplinierter Kämpfer, das ist er. Doch Samurai bedeutet auch Diener – und vielleicht sollte Mister Cruise mehr

erpicht darauf sein, seinem Publikum dienlich zu sein und etwas weniger seiner selbst. Denn wie hat es der „Stern“ Bezug nehmend auf seine Person in der ersten Ausgabe des Jahres 2004 so treffend formuliert: „Streber kommen sehr weit – geliebt werden sie nie.“

In einem fernen Land (OT: Far And Away) USA 1992 Erstaufführungskopie aus 1992 Präsentiert in 70mm (1:2.21) 6-Kanal Dolby (A) Stereo Magnetton Deutsche Fassung 139 Minuten Aufgenommen in Panavision Super 70 (65mm Negativfilm)

Stab Produktion: Brian Grazer, Ron Howard; Regie: Ron Howard; Buch: Bob Dolman; Kamera: Mikael Salomon; Musik: John Williams; Schnitt: Michael Hill, Daniel Hanley

Darsteller Tom Cruise (Joseph), Nicole Kidman (Shannon), Thomas Gibson (Stephen), Robert Prosky (Christie), Barbara Babcock (Nora Christie), Cyril Cusack (Danty Duff), Colm Meaney (Kelly), Douglas Gillison (Dermody), Michelle Johnson (Grace)

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Baraka

Grand Prix

LAND / JAHR:

LAND / JAHR:

USA 1992

USA 1966

BESETZUNG:

BESETZUNG: James Garner (Pete Aron), Yves Montand (JeanPierre Sarti), Eva Marie Saint (Louise Frederickson), Toshirô Mifune (Izo Yamura), Brian Bredford (Scott Stoddard)

STAB:

STAB:

Produktion: Mark Magidson Regie: Ron Fricke Buch: Bob Green, Ron Fricke, Mark Magidson Kamera: Ron Fricke Musik: Michael Stearns Schnitt: David E. Aubrey, Ron Fricke, Mark Magidson

Produktion: Edward Lewis Regie: John Frankenheimer Buch: Robert Alan Aurthur Kamera: Lionel Lindon Musik: Maurice Jarre Schnitt: Fredric Steinkamp

INHALT

INHALT

Eine bildgewaltige Reise zu den Naturschönheiten, den Kulturen, Religionen, aber auch Zivilisationssünden der Erde.

Vier Rennfahrer aus England, Frankreich, Italien und den USA im Kampf um die Weltmeisterschaft auf europäischen Rennplätzen.

OSKARS Ausgezeichnet mit 3 Oscars (Best Effects, Sound Effects: Gordon Daniel; Best Film Editing: Fredric Steinkamp, Henry Berman, Stu Linder, Frank Santillo; Best Sound: Franklin Milton (MGM SSD))

Erstaufführungskopie aus 1993 Präsentiert in 70mm (1:2.21) / 6-Kanal Dolby (A) Stereo Magnetton / 96 Min. Aufgenommen in Todd-AO (65mm Negativfilm)

Erstaufführungskopie von 1967 mit leichtem Farbfading Präsentiert in 70mm (1:2.21) / 6-Kanal Stereo Magnetton / Deutsche Fassung / 179 Min. Aufgenommen in Super-Panavision 70 (65mm Negativfilm)

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Spartacus LAND / JAHR:

Meuterei auf der Bounty

USA 1959/60

LAND / JAHR: USA 1961 ORIGINALTITEL: Mutiny On The Bounty

BESETZUNG:

BESETZUNG:

Kirk Douglas (Spartacus), Laurence Olivier (Marcus L. Crassus), Jean Simmons (Varinia), Charles Laughton (Gracchus), Peter Ustinov (Lentulus Batiatus), Tony Curtis (Antonius), John Gavin (Julius Cäsar), Nina Foch (Helena Glabrus), Herbert Lom (Tigranes), John Ireland (Crixus), John Dall (Glabrus), Charles McGraw (Marcellus), Joanna Barnes (Claudia Marius), Woody Strode (Draba), John Hoyt (Caius)

Marlon Brando (Fletcher Christian), Trevor Howard (Kapitän Bligh), Richard Harris (John Mills), Hugh Griffith (Alexander Smith), Richard Haydn (William Brown)

STAB:

STAB:

Produktion: Edward Lewis Regie: Stanley Kubrick Buch: Dalton Trumbo Buchvorlage: Howard Fast (Roman) Kamera: Russell Metty, Clifford Stine Musik: Alex North Schnitt: Robert Lawrence, Robert Schulte, Fred A. Chulack

Produktion: Aaron Rosenberg; Regie: Lewis Milestone; Buch: Charles Lederer, Eric Ambler (ungenannt), William L. Driscoll (ungenannt), Borden Chase (ungenannt), John Gay (ungenannt), Ben Hecht (ungenannt); Buchvorlage: James Norman Hall (Roman), Charles Nordhoff (Roman); Kamera: Robert Surtees; Musik: Bronislau Kaper; Schnitt: John McSweeney jr.

INHALT

INHALT

Die Geschichte des Sklavenaufstandes gegen die unmenschliche Gesellschaft Roms um 74 v. Chr. unter dem thrakischen Sklaven Spartacus.

Überzeugend besetzte und äußerlich aufwendige Verfilmung der historisch beglaubigten Meuterei auf einem englischen Schiff, das Ende des 18.

Jahrhunderts auf schnellstem Wege nach Haiti segeln soll

OSCARS: Ausgezeichnet mit 4 Oscars (Best Actor in a Supporting Role: Peter Ustinov; Best Art DirectionSet Decoration, Color: Alexander Golitzen, Eric Orbom, Russell A. Gausman, Julia Heron; Best Cinematography, Color: Russell Metty; Best Costume Design, Color: Valles, Bill Thomas) Restaurierte Fassung (1992) Präsentiert in 70mm (1:2.21) / 6-Kanal Dolby (SR) Stereo Magnetton / Englischsprachige Originalfassung / 198 Min. Aufgenommen in Super-Technirama 70 (35mm Negativfilm / 8-Perf horizontal)

Erstaufführungskopie von 1962 mit Farbfading Präsentiert in 70mm (1:2.76) / 6-Kanal Stereo Magnetton / Deutsche Fassung / 178 Min. Aufgenommen in Ultra Panavision 70 (65mm Negativfilm)

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In einem fernen Land

South Pacific

LAND / JAHR: USA 1992 ORIGINALTITEL: Far And Away

LAND / JAHR:

BESETZUNG:

BESETZUNG:

Tom Cruise (Joseph), Nicole Kidman (Shannon), Thomas Gibson (Stephen), Robert Prosky (Christie), Barbara Babcock (Nora Christie), Cyril Cusack (Danty Duff), Colm Meaney (Kelly), Douglas Gillison (Dermody), Michelle Johnson (Grace)

Rossano Brazzi (Emile De Becque), Mitzi Gaynor (Nelli Forbush), John Kerr (Lt. Joseph Cable), Ray Walston (Luther Billis), France Nuyen (Liat), Candace Lee (Ngana), Doug McClure

STAB:

STAB:

Produktion: Brian Grazer, Ron Howard Regie: Ron Howard Buch: Bob Dolman Kamera: Mikael Salomon Musik: John Williams Schnitt: Michael Hill, Daniel Hanley

Produktion: Buddy Adler; Regie: Joshua Logan; Buch: Paul Osborn; Buchvorlage: James A. Michener (Erzählungen), Joshua Logan (Bühnenstück), Richard Rodgers (Bühnenstück), Oscar Hammerstein II (Bühnenstück); Kamera: Leon Shamroy; Musik: Richard Rodgers, Oscar Hammerstein II; Musikalische Leitung: Alfred Newman; Schnitt: Robert Simpson

INHALT

INHALT

Aufwendiges Kino-Epos über die Erlebnisse eines jungen Iren armer Herkunft und einer aufsässigen Grundbesitzerstochter in der neuen Wahlheimat Amerika um 1892.

Auf einer exotischen Insel verliebt sich 1943 eine amerikanische Krankenschwester während des Pazifikkrieges in einen französischen Plantagenbesitzer.

GB 1958

OSCARS: Ausgezeichnet mit 1 Oscar (Best Sound: Fred Hynes (Todd-AO SSD))

Erstaufführungskopie von 1992 Präsentiert in 70mm (1:2.21) / 6-Kanal Dolby (A) Stereo Magnetton / Deutsche Fassung / 139 Min. Aufgenommen in Panavision Super 70 (65mm Negativfilm)

Deutschlandpremiere der restaurierten 70mmFassung (2006) Präsentiert in 70mm (1:2.21) / 6-Kanal DTS-Ton / Englischsprachige Originalfassung / 151 Min. Aufgenommen in Todd-AO (65mm Negativfilm)

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Titanic LAND / JAHR: USA 1997

BESETZUNG: Kate Winslet (Rose DeWitt Bukater), Leonardo DiCaprio (Jack Dawson), Billy Zane (Cal Hockley), Kathy Bates (Molly Brown), Bill Paxton (Brock Lovett), Bernard Hill (Captain Smith), Jonathan Hyde (Bruce Ismay), Victor Garber (Thomas Andrews)

STAB: Produktion: James Cameron, Jon Landau; Regie: James Cameron; Buch: James Cameron; Kamera: Russell Carpenter; Musik: James Horner; Schnitt: Conrad Buff, James Cameron, Richard A. Harris

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70mm Shorts / Trailers & Surprises Sky Over Holland LAND / JAHR: Niederlande 1967 ORIGINALTITEL: Le Mariage De Fanny STAB: Produktion: Douwes Fernhout; Regie: John Fernhout; Buch: Simon Koster; Kamera: Robert Gaffney, Douwes Fernhout; Musik: Robert Heppener Wiederaufführungskopie von ca.1994 / Präsentiert in 70mm (1:2.21) / 6-Kanal Stereo Magnetton / Originalfassung / 22 Min. / Aufgenommen in MCS70 Superpanorama (65mm Negativfilm) Nominiert für 1 Oscar (Best Short Subject, Live Action Subjects)

INHALT Die Neuverfilmung des mythisch besetzten Stoffes vom Untergang des Passagierschiffes „Titanic“ schildert an Hand einer Klassenschranken übergreifenden Liebesgeschichte zwischen einem Maler und einer jungen Frau aus der Upper-Class die viertägige Jungfernfahrt des englischen Luxusliners. Trotz einer fast manischen Fixierung auf eine möglichst originalgetreue Rekonstruktion des Schiffes und seiner Interieurs sowie des gigantischen Aufwandes entstand dabei mehr als ein Kostüm- und Katastrophenfilm: Der angenehm ruhige Rhythmus, teilweise herausragende Schauspieler sowie die kunstvolle Kameraarbeit lassen das Epos zu einer berührenden Love-Story werden.

Motion LAND / JAHR: Kanada 1967 STAB: Produktion: Crawley Films Limited; Regie: Vince Vaitiekunas; Kamera: Rober Gaffney; Musik: Larry Crossley; Schnitt: Vince Vaitiekunas Erstaufführungskopie von 1967 / Präsentiert in 70mm (1:2.21) / 6-Kanal Stereo Magnetton / Originalfassung (Englisch/Französisch) / 14 Min. / Aufgenommen in MCS-70 Superpanorama (65mm Negativfilm)

OSCARS: Ausgezeichnet mit 11 Oscars (Best Art Direction-Set Decoration: Peter Lamont (art director); Michael Ford (set decorator); Best Cinematography: Russell Carpenter; Best Costume Design: Deborah Lynn Scott; Best Director: James Cameron; Best Effects, Sound Effects Editing: Tom Bellfort, Christopher Boyes; Best Effects, Visual Effects: Robert Legato, Mark A. Lasoff, Thomas L. Fisher, Michael Kanfer; Best Film Editing: Conrad Buff IV, James Cameron, Richard A. Harris; Best Music, Original Dramatic Score: James Horner; Best Music, Original Song: James Horner (music), Will Jennings (lyrics) for the song „My Heart Will Go On“, performed by Céline Dion; Best Picture: James Cameron, Jon Landau; Best Sound: Gary Rydstrom, Tom Johnson, Gary Summers, Mark Ulano) Erstaufführungskopie von 1997 Präsentiert in 70mm (1:2.21) / 6-Kanal DTS-Ton / Englischsprachige Originalfassung / 194 Min. Aufgenommen in Super-35 (35mm Negativfilm)

Fortress Of Peace LAND / JAHR: USA 1965 STAB: Produktion: Lothar Wolff´; Regie: John Fernhout; Buch: Dr. Gustav Däniker, Dr. Rudolf Farner, John Fernhout, Dr. Niklaus Gessner, Hans Looser; Kamera: Robert Gaffney, Tony Braun; Musik: Robert Blum Erstaufführungskopie von 1965 mit Farbfading Präsentiert in 70mm (1:2.21) / 6-Kanal Stereo Magnetton / 20 Min. Aufgenommen in MCS-70 Superpanorama (65mm Negativfilm) Nominiert für 1 Oscar (Best Short Subject, Live Action Subjects)

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Agenten sterben einsam

Cleopatra

LAND / JAHR: USA 1968 ORIGINALTITEL: Where Eagles Dare

LAND / JAHR:

BESETZUNG:

BESETZUNG:

Richard Burton (John Smith), Clint Eastwood (Lt. Morris Schaffer), Mary Ure (Mary Ellison), Michael Hordern (Vizeadmiral Rolland), Patrick Wymark (Col. Turner), Donald Houston (Christiansen), Derren Nesbitt (Major van Hapen)

Elizabeth Taylor (Cleopatra), Richard Burton (Mark Anton), Rex Harrison (Julius Cäsar), Pamela Brown (Hohepriesterin), George Cole (Flavius), Hume Cronyn (Sosigenes), Cesare Danova (Apollodorus), Martin Landau (Rufio), Roddy McDowall (Octavian), Robert Stephens (Germanicus), Kenneth Haigh (Brutus), Andrew Keir (Agrippa), Francesca Annis (Eiras), Grégoire Aslan (Pothinos)

STAB:

STAB:

Produktion: Jerry Gershwin, Elliott Kastner Regie: Brian G. Hutton Buch: Alistair MacLean Kamera: Arthur Ibbetson Musik: Ron Goodwin Schnitt: John Jympson

Produktion: Walter Wanger Regie: Joseph L. Mankiewicz Buch: Joseph L. Mankiewicz, Ranald MacDougall, Sidney Buchman Buchvorlage: Carlo Maria Franzero (Roman) Kamera: Leon Shamroy Musik: Alex North Schnitt: Dorothy Spencer

INHALT

INHALT

Ein Sonderkommando des englischen Geheimdienstes soll im Zweiten Weltkrieg einen in deutsche Gefangenschaft geratenen amerikanischen General aus einer Alpenfestung befreien.*

Publikumswirksamer Monumentalfilm über das legendäre Leben der Cleopatra. Die bislang kursierende, stark gekürzte Kinoversion präsentierte sich als ein von Gefühlen überlagertes Werk nach dem Motto, daß Geschichte auf dem Schlachtfeld entschieden und Politik im Schlafzimmer gemacht wird.

USA 1962

OSCARS: Ausgezeichnet mit 4 Oscars (Best Art Direction-Set Decoration, Color: John DeCuir, Jack Martin Smith, Hilyard M. Brown, Herman A. Blumenthal, Elven Webb, Maurice Pelling, Boris Juraga, Walter M. Scott, Paul S. Fox, Ray Moyer; Best Cinematography, Color: Leon Shamroy; Best Costume Design, Color: Irene Sharaff, Vittorio Nino Novarese, Renié; Best Effects, Special Visual Effects: Emil Kosa Jr.) Erstaufführungskopie von 1969 mit leichtem Farbfading Präsentiert in 70mm (1:2.21) / 6-Kanal Stereo Magnetton / Deutsche Fassung / 157 Min. Aufgenommen in Panavision (35mm Negativfilm)

Europapremiere der restaurierten 70mm-Fassung (2006) Präsentiert in 70mm (1:2.21) / 6-Kanal DTS-Ton / Englischsprachige Originalfassung / 240 Min. Aufgenommen in Todd-AO (65mm Negativfilm)

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Terminator 2 Judgment Day LAND / JAHR: USA 1991

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Generelles zu den Vorführungen: Alle Filme werden im 70mm-Format auf die gekrümmte Leinwand der Schauburg projiziert. Beim Projektor

BESETZUNG:

handelt es sich um eine Philips DP70

Arnold Schwarzenegger (Terminator), Linda Hamilton (Sarah Connor), Edward Furlong (John Connor), Robert Patrick (T-1000), Earl Boen (Dr. Silberman), Joe Morton (Miles Dyson), S. Epatha Merkerson (Tarissa Dyson), Gastullo Guerra (Enrique Salceda), Danny Cooksey (Tim)

Maschine, ausgestattet mit einer nagelneuen Schneider-Optik sowie einem brandneuen TecconMagnettonkopf und einem DTSReader für 70mm-Film. Der Ton von 70mm-Kopien mit DTS-Track werden mittels eines DTS XD 10 Cinema

STAB: Produktion: James Cameron Regie: James Cameron Buch: James Cameron, William Wisher Kamera: Adam Greenberg Musik: Brad Fiedel Schnitt: Conrad Buff, Mark Goldblatt, Richard A. Harris

Media Player decodiert und extern in einen Dolby CP650 XO Prozessor eingeschleust. Die sechs Tonkanäle von 70mm-Kopien mit Magnetton werden über einen Dolby CP200 Prozessor mit modifiziertem Dolby MPU-1 Vorverstärker korrekt aufbereitet.

Wiedergabe der Ultra-Panavision 70 Kopie MEUTEREI AUF DER BOUNTY in reduzierter Bildhöhe, verlängerter Grundbrennweite und unter Vorschaltung eines Original UltraPanavision Anamorphoten. Als Endstufen sowie Bühnenlautsprecher

INHALT

dienen Geräte der Firma „d&b audio”.

Der Terminator, ein Maschinenwesen der Zukunft, eilt einem Zehnjährigen zu Hilfe, der von einem weiterentwickelten Terminator-Modell umgebracht werden soll, weil er dereinst zum Anführer des Widerstandes der Menschen gegen die Maschinen ausersehen ist.*

Die Schauburg verfügt sowohl über das klassische Todd-AO-Layout mit fünf Frontkanälen sowie einem Surroundkanal sowie dem heute gebräuchlichen Digitalton-Layout mit drei Frontkanälen, zwei Surroundkanälen und einem

OSCARS: Ausgezeichnet mit 4 Oscars (Best Effects, Sound Effects Editing: Gary Rydstrom, Gloria S. Borders; Best Effects, Visual Effects: Dennis Muren, Stan Winston, Gene Warren Jr., Robert Skotak; Best Makeup: Stan Winston, Jeff Dawn; Best Sound: Tom Johnson, Gary Rydstrom, Gary Summers, Lee Orloff) Erstaufführungskopie von 1991 Präsentiert in 70mm (1:2.21) / 6-Kanal Dolby (A) Stereo Magnetton mit Split Surround / Englischsprachige Originalfassung / 137 Min. Aufgenommen in Super 35 (35mm Negativfilm)

Subbasskanal. Vorgeführt wird mit einer Geschwindigkeit von 24 Bildern/Sekunde. Präsentiert werden die Filme in echtem ”Roadshow”Ambiente, d.h. mit Ouvertüre, Pause, Intermezzo sowie Exit Music (sofern vom Regisseur so vorgesehen).

Alle Angaben ohne Gewähr. Änderungen und Irrtümer vorbehalten, jedoch nicht beabsichtigt.

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South Pacific ZUR ENTSTEHUNG

Auch wenn Mel Brooks mit „The Producers“ unlängst einen der meistgelobten Broadway-Hits auf die große Leinwand gewuchtet hat, sie sind etwas rarer geworden in den Kinoprogrammen dieser Tage. Die Blütezeit der Filmmusicals – sie liegt hinter uns.

In den späten 1940er und 50er Jahren entwickelte sich das Genre noch zu einer mächtigen Unterhaltungsindustrie; und wurde hernach immer unpopulärer.

Angetrieben von der Entwicklung des Tonfilms in den 30ern feierten seinerzeit viele Produktionen ihre großen Erfolge zuerst auf den Bühnen des Broadways, der bis zum heutigen Tag als Schmelztiegel unterschiedlichster Nationalitäten, Hautfarben, Konfessionen, Kulturen und sozialer Schichten gilt. So vermengten die ersten Musicals denn auch mannigfache Einflüsse: Swing und Jazz der Afroamerikaner, Revuen englischer Einwanderer und hinzu kam natürlich der gewichtige Einfluss der Operetten aus Wien und Paris. Je exotischer, pompöser und aufwändiger, desto eher war einer Produktion der Erfolg gewiss.

Zunehmend ergaben sich die Songs in den Broadway-Musicals auch aus der Handlung heraus und führten deren Dramaturgie weiter, ohne sie wie bisher mit ihren Einlagen zu unterbrechen. In Folge löste sich das Genre allmählich von der bloßen Nummernshow; mehr und mehr thematisierte man auch Sozialkritisches und zumindest in vorsichtigen Ansätzen finden sich diese Tendenzen auch in „South Pacific“ wieder, in welchem sich eine amerikanische Krankenschwester während des Zweiten Weltkrieges auf einer exotischen Insel in einen französischen Plantagenbesitzer verliebt.

Nach der Uraufführung am 7. April 1949 im Majestic Theatre zu New York wurde das Stück nahezu 2.000 Mal am Broadway gespielt und mit dem „Tony-Award“ als bestes seiner Kunstform ausgezeichnet.

Zwischen dem Musical-Nabel Broadway und Hollywood als Mittelpunkt der Filmproduktion fand bald ein reger Austausch statt. So wurden viele der Broadway-Erfolge verfilmt, genau-

so wie später unter umgekehrten Vorzeichen Filme als MusicalVorlage dienen durften. Das neue Medium, welches es nun auch ermöglichte Ton und Bewegtbild zu vereinen, eröffnete dem Musical völlig neue Dimensionen der Entfaltung: Das Illusionstheater auf der Bühne wich realistischen Landschaftsbildern, rasche Szenenwechsel ohne lästige Umbaupausen waren ebenso realisierbar wie Nahaufnahmen, die dem Zuschauer erstmals das Gefühl vermittelten, in den vordersten Reihen des Theaters zu sitzen.

Unter diesen Vorzeichen stand im Jahre 1958 auch die Leinwandadaption von „South Pacific“, in welchem der smarte US-Leutnant Joseph Cable (John Kerr) das Briefing erhält, die Truppenbewegungen der Japaner auf einer kleinen Insel im Südpazifik auszukundschaften.

Um seine Mission erfüllen zu können, benötigt er die Hilfe des alteingesessenen französischen Farmers Emile DeBeque (Rossano Brazzi), der schon seit vielen Jahren dort lebt. Doch DeBecque

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seinerseits hat Probleme ganz anderer Natur, denn er versucht verzweifelt, die Liebe der MarineKrankenschwester Nellie (Mitzi Gaynor) zu gewinnen. Da Cable seinen Auftrag ohne DeBecque nicht zu Ende bringen kann, vertreibt er sich die Zeit auf der nahe gelegenen Insel Bali Ha'i und lernt dort die hübsche Eingeborene Liat (France Nyen) kennen. Für die weibliche Hauptrolle der Krankenschwester Nellie waren zu jener Zeit Topstars wie Elizabeth Taylor, Doris Day oder Audrey Hepburn im Gespräch, letztendlich füllte aber Mitzi Gaynor den Part.

Im Vordergrund der äußerst farbenprächtigen Todd-AOVerfilmung des gleichnamigen Broadway-Stückes, welches auf die Vorlage „Tales Of The South Pacific“ des Autors James Michener zurückgeht, steht zwar ganz klar die doppelte Romanze vor exotischem Hintergrund; zugleich widmet sich das Musical von Joshua Logan, Richard Rodgers und Oscar Hammerstein II aber auch in milder Form dem Aufeinanderprall der Kulturen; bewegen sich doch die Liebenden im Bannkreis tief verwurzelter Rassenprobleme. Die damit einhergehenden 151 Minuten teils dramatischen Geschehens leben denn in erster Linie von ihrer Verquickung der Motive Menschlichkeit, Friedensliebe, Toleranz wie Sentimentalität; und die Kompositionen – sicherlich mit die besten von Rodgers und Hammerstein – machen „South Pacific“ schlicht unverwechselbar.

Manch einer zählt Songs wie „Some Enchanted Evening“, „Bali Ha’i“, „Happy Talk“, „This Nearly Was Mine“ und „Younger Than Springtime“ gar zu den schönsten des Musicals überhaupt. So muss es nicht verwundern, dass der einzige „Oscar“, den „South Pacific“ erhielt, aus einer die Akustik bewertenden Kategorie stammt. Und mag die Blütezeit der Filmmusicals auch hinter uns liegen, ihr süßer Duft hat über die Jahrzehnte nichts von seiner betörenden Note eingebüßt.

South Pacific USA 1958 Deutschlandpremiere der restaurierten 70mm-Fassung (2006) Präsentiert in 70mm (1:2.21) 6-Kanal DTS-Ton Englischsprachige Originalfassung 151 Minuten Aufgenommen in Todd-AO (65mm Negativfilm)

Stab Produktion: Buddy Adler; Regie: Joshua Logan; Buch: Paul Osborn; Buchvorlage: James A. Michener (Erzählungen), Joshua Logan (Bühnenstück), Richard Rodgers (Bühnenstück), Oscar

Hammerstein II (Bühnenstück); Kamera: Leon Shamroy; Musik: Richard Rodgers, Oscar Hammerstein II; Musikalische Leitung: Alfred Newman; Schnitt: Robert Simpson

Darsteller Rossano Brazzi (Emile De Becque), Mitzi Gaynor (Nelli Forbush), John Kerr (Lt. Joseph Cable), Ray Walston (Luther Billis), France Nuyen (Liat), Candace Lee (Ngana), Doug McClure

Oscars Best Sound: Fred Hynes (ToddAO SSD)

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Südseetraum im Farbfilm-Rausch Eine Todd-AO-Farbfilmbetrachtung von Christian Appelt

Es fing damit an, daß ich die Farben von Technicolor verabscheute, besonders bei Außenaufnahmen.

Für mich sah alles nach billigem Farbdruck aus, der Himmel wirkte zu blau, die Bäume zu grün, die Erde zu braun, und Blumen - meine Güte, diese Farben muß jemand erfunden haben, der Geburtstagstorten dekoriert. [...] Eliot Elisofon [Farbberater z. B. für Hustons MOULIN ROUGE] sagte zu mir: „Wenn Sie SOUTH PACIFIC als Technicolor-Postkarte drehen, sollte man Sie erschießen.“ – „Was soll ich denn sonst tun?“ – „Egal was!

Nehmt Filter, Überbelichtung, hängt einen Schleier oder eine Indianerdecke vor die Kamera – Hauptsache, es sieht nicht nach einer Uns Postkarte aus, auf die man ‘U geht’s gut im farbenfrohen Tahiti’ geschrieben hat.“ [...] Ich war Elisofon dankbar für seinen Anstoß oder das, was ich für seinen Rat hielt, und so machte ich einen der größten Fehler meiner Laufbahn.

Joshua Logan in seiner Autobiografie MOVIE STARS, REAL PEOPLE AND ME

JOSHUA LOGAN (1908-1988) hatte seit den 1940er Jahren eine Reihe klassischer Musicals wie ANNIE GET YOUR GUN (1946), WISH YOU WERE HERE (1952) oder FANNY (1954) zum Bühnenerfolg geführt. James Micheners bemerkenswerte Geschichtensammlung TALES OF THE SOUTH PACIFIC (dt.: DIE SÜDSEE) entstand während seines Militärdienstes im Zweiten Weltkrieg und wurde 1948 mit dem Pulitzerpreis ausgezeichnet. Logan erwarb eine Option auf die Filmrechte zu TALES und überzeugte – gegen den Rat seines Geschäftspartners Leland Hayward - Richard Rodgers und Oscar Hammerstein II, eine Dramatisierung für die Musicalbühne in Angriff zu nehmen.

SOUTH PACIFIC, hauptsächlich basierend auf der Geschichte FO‘ DOLLARS und von Logan inszeniert, hatte 1949 Premiere und lief mit großem Erfolg bis 1954 in insgesamt 1.925 Vorstellungen.

OKLAHOMA! (1955), die erste Verfilmung eines Rodgers & Hammerstein-Musicals durch ihre eigene

Firma Magna hatte trotz spektakulärer Todd-AO-Bilder nicht den gewünschten Erfolg, wofür R&H auch den Regisseur Fred Zinnemann verantwortlich machten. Als nun SOUTH PACIFIC zur Verfilmung anstand, glaubten sie auf Nummer Sicher zu gehen, indem sie den musicalerfahrenen Logan engagierten, der Kassenerfolge wie PICNIC (1955), BUS STOP (1956) und SAYONARA (1957, ebenfalls nach einem Stoff von James Michener) vorweisen konnte und mit Stars wie Kim Novak, William Holden, Marlon Brando und Marilyn Monroe gut ausgekommen war.

Gedreht wurde SOUTH PACIFIC auf der Hawaii-Insel Kauai und den Fiji-Inseln unter der fotografischen Leitung von Leon Shamroy, A.S.C. Die Schönheit des exotischen Schauplatzes sollte im Todd-A0-Format (65/70mm) festgehalten werden. Shamroy war keineswegs begeistert von Logans eingangs zitierte Absicht, die natürlichen Farben über Gebühr zu manipulieren und erklärte:

Film ist ein realistisches Medium.

Sobald man daran herumbastelt, verwirrt man den Zuschauer. Er sieht das Getriebe des Mediums und konzentriert sich nicht mehr auf die Handlung.

Schließlich gab er aber Logans Drängen nach und ließ Farbfilter mit Verlauf herstellen, die während der Aufnahme vor dem Objektiv gedreht wurden und bühnenartige Farbwechsel erzeugten. Zur Sicherheit wurden die betreffenden Szenen zunächst doppelt gedreht, einmal mit und einmal ohne Filtereffekt.

Plötzlich tauchte [Produzent] Buddy Adler, der in Kalifornien die Muster gesehen hatte, am Drehort auf. Ich hätte ahnen müssen, daß etwas im Busch war. Während Shammy [Leon Shamroy] die nächste Szene ausleuchtete, nahm Buddy mich beiseite und sagte: „Gute Neuigkeiten, Josh.

Du mußt nicht mehr alles doppelt drehen. Filmt nur mit Farbwechseln. Wenn es Dir später nicht gefällt, kann das Kopierwerk die Filterung herausnehmen, ich habe das überprüft.“ Shamroy wurde hinzugerufen und fragte mißtrauisch nach, worauf Adler wiederholte, die Vorsichtsmaßnahme des Doppeldrehs sei unnötig, der Film koste ohnehin schon zuviel Geld. Shamroy ging schulterzuckend wieder an die Arbeit. Es ist mehr als zweifelhaft, daß ein versierter Techniker und Künstler wie Leon Shamroy geglaubt haben soll, man könne die extremen Farbverfälschungen, wie sie durch die bewegte Filterung entstanden, durch irgendeine zeitgenössische Kopiertechnik wieder entfernen, vermutlich gab er nur dem Druck des Produzenten nach.

Joshua Logan selbst kannte – siehe Zitat am Anfang - nicht einmal den Unterschied zwischen Technicolor und Eastmancolor.

Immerhin hat der Regisseur später niemals versucht, die Verantwortung für seine „bengalische Beleuchtung“ abzuwälzen:

Nie hätte ich gedacht, daß die Farbe derartig schreiend ausfallen würde.

Leon Shamroy hatte mir versichert, es werde subtil wirken. Die Farbwechsel hatten nichts Subtiles.

Man hatte Shamroy verweigert, bei der Lichtbestimmung im Kopierwerk dabei zu sein. [...] Es hätte drei Monate gedauert, die Farben im Kopierwerk zu korrigieren, aber Oscar [Hammerstein] und Dick [Rodgers] konnten [Magna Geschäftsführer George S.] Skouras nicht zwingen, den Start zu verschieben. Damals wie heute hätte ich am liebsten ein Schild vor jeder Kinokasse hin- und hergetragen mit der Aufschrift: ICH BIN DER REGISSEUR UND MAG DIE FARBEN AUCH NICHT! - Aber SOUTH PACIFIC entwickelte sich zur erfolgreichsten Arbeit meiner Karriere und spielte mehr Geld ein als alle meine anderen Filme und Bühnenshows zusammengenommen.

Soviel zu den berüchtigten Farbeffekten von SOUTH PACIFIC. Wirklich irritierend ist an diesen Wechseln gar nicht einmal das Einsetzen der Wirkung, sondern

daß am Ende einer Musiknummer, statt dem Zuschauer beispielsweise durch eine Schwarzblende eine Pause zu gönnen, geradezu mechanisch die Filterung „herausgekurbelt“ wird und schlagartig das satte Eastman-Blau des hawaiianischen Himmels zurückkehrt!

Daß auf die „Sicherheits-Aufnahmen“ ohne Filter verzichtet wurde, deutet auf ein anderes Problem der Produktion hin: Es mußte gespart werden. Anfangs war noch geplant, die weibliche Hauptrolle mit A-Stars wie Doris Day oder Audrey Hepburn zu besetzen, mit Mitzi Gaynor fand man einen kostengünstigeren Kompromiß. Gaynor ist stets nett anzusehen, singt als einzige ihre Rolle selbst und agiert furchterregend gutgelaunt. Der Produzent Arthur Hornblow riet Logan, Mitzi Gaynor müsse streng kontrolliert werden (unübersetzbar: „She’s got to be policed.“), denn sie sei zwar ein echter Profi, man müsse sie aber auf ein vertretbares Maß herunterbremsen. Faustregel: Werden im Song Körperteile genannt, so berührt Miss Gaynor diese synchron Leon Shamroys Filter-Notizen „magenta nr.

85 + smoke in set for mood“ Und so sieht das Ergebnis dann aus.

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und andächtig mit der flachen Hand.

Hornblow weiter: „Mitzi gives you too much for your money. You’ve got to get your exact worth, then she’s great.“ - Ob und wie gut das Joshua Logan gelungen ist, mag jeder Zuschauer selbst entscheiden.

Rossanno Brazzi, der als Partner von Katherine Hepburn in David Leans SUMMERTIME (1955) Lob geerntet hatte, durfte nicht selbst singen, sondern mimte (unter Protest) zur Playback-Stimme des Operntenors Giorgio Tozzi.

Rodgers & Hammerstein wollten kein Risiko eingehen, selbst Juanita Hall, die die „Bloody Mary“ jahrelang am Broadway gesungen hatte, wurde mit fremder Stimme gedoubelt, ebenso John Kerr und sämtliche Seeleute außer Ray Walston. Bei soviel Playback kann man nur bedauern, daß die reizende Liz Taylor ihr Vorsingen beim Anblick des grimmigen Richard Rodgers platzen ließ, sie wäre als „All American Girl“ Nellie Forbush ideal gewesen.

Magna hatte die Unterstützung der amerikanischen Marine in Form von Soldaten und Kriegsgerät aller Art. Einige Aufnahmen am Strand wurden während eines laufenden Manövers der Pazifikflotte gedreht, übrigens auch die einzigen Einstellungen, die mit dem berühmten „Bug Eye“, dem 128-Grad-Weitwinkelobjektiv des Todd-AOSystems entstanden. Die Marine stellte auch einige tausend Soldaten als Publikum für die im Film aufgeführte USO-Bühnenshow, diese wurde allerdings erst später in Hollywood gedreht, was auch die unterschiedliche Lichtstimmung zwischen Bühne und Publikum erklärt.

Der Zwang zum sparsamen Arbeiten paarte sich bei SOUTH PACIFIC ungünstig mit Joshua Logans unbeholfener Inszenierungstechnik.

Seine stärkeren Filme waren stets von charismatischen Stars wie Brando, Holden oder Monroe getragen worden. Zwar hatte er am Broadway sein Talent für zugkräftige Musicalinszenierungen bewiesen, doch leiden Logan-Filmmusicals unter seiner Unfähigkeit, eine Musiknummer unter Einbe-

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ziehung der Kamera dynamisch zu inszenieren, wie es etwa Vincente Minnelli oder Stanley Donen verstanden.

In SOUTH PACIFIC stehen die Schauspieler mehr oder weniger unbewegt in der Bildmitte und singen die Musiknummer durch, unterbrochen allenfalls von einer gelegentlichen Nahaufnahme. Wenn Logan die Kamera einmal bewegt, verdirbt er die Wirkung oft durch Anwendung der vignettierenden Fettfilter, deutlich zu sehen in der Strandszene von I’m in Love With a Wonderful Guy. Treten mehrere Protagonisten auf, werden sie ordentlich über die Bildbreite verteilt und dürfen allenfalls ein wenig hin- und herlaufen. Diese „Choreografie“ wurde von dem Musicalkenner Glenn Wheelan treffend als „Logan’s stand-aroundography“ verspottet. Nebenrollen besetzte man aus der amerikanischen Militärkolonie am Drehort, was etwa die recht grobmotorisch und asynchron tanzenden Krankenschwestern in der Nummer I’m Gonna Wash That Guy Right Out of My Hair erklären könnte. Aus unerklärlichen Gründen nutzte man Mitzi Gaynors tänzerisches Können gar nicht, auch die komödiantische Ader von Ray Walston (hervorragend in Billy Wilders KISS ME STUPID) erfuhr keine Unterstützung durch Script und Regie.

SOUTH PACIFIC bleibt auch fast 50 Jahre nach seiner Uraufführung ein Film, an dem sich die Geister scheiden. Entweder genießt man ihn gutgelaunt und staunend als eine Art überlebensgroßen und quietschbunten Südsee-Cocktail mit den Zutaten Kitsch, Klischee, Militärschwank und R&H-Musik, oder man schüttelt als Liebhaber des „guten Musicals“ den Kopf über soviel Trash-Ästhetik und haarsträubendes ham acting. Die Handlung ist kaum der Rede wert, auch wenn Drehbuchautor Osborne zusätzlich zum Bühnenstoff drei weitere Kurzgeschichten aus Micheners Vorlage verarbeitet hat. Zeitgeschichtlich interessant ist die klare Aussage gegen Rassendiskriminierung, die sich im Song You’ve Got to Be Carefully

Taught manifestiert. In der Liebesbeziehung zwischen dem amerikanischen Leutnant Cable und dem Mädchen Liat wurde bei der Broadway-Uraufführung Ende der 1940er von vielen noch als gewagt empfunden.

Größter Pluspunkt bleibt sicher die Musik, denn Rodgers&Hammerstein schufen eine Reihe von eingängigen Songs, von Alfred Newman arrangiert und dirigiert, garniert mit den atmosphärischen Chorgesängen unter Ken Darbys Leitung. Die Musik war im sechskanaligen Magnetton des Todd-AO-Formats wirklich beeindruckend und erwies sich auch auf LP als Best- und Longseller.

Malerische Landschaftsbilder lassen bereits im Vorspann ahnen, wie groß die Faszination der Südseeinseln für ein Publikum lang vor der Ära des Ferntourismus gewesen sein muß. Diese Impressionen durchbrechen Logans spartanische Inszenierung immer wieder angenehm, und auch die Szenen auf der mystischen Insel Bali Ha’i und am Wasserfall sind als Schauwert recht beeindruckend. In einigen wenigen Bildern kann man ahnen, was ein Meister der Kamera wie Shamroy mit Licht, Farbe und dem Todd-AO-System leisten konnte, wie es sich später noch bei PORGY AND BESS, CLEOPATRA und THE AGONY AND THE ECSTASY zeigen sollte.

Kommen wir zum Happy End – anders als OKLAHOMA! wurde SOUTH PACIFIC ein großer Erfolg

an der Kinokasse. Hören wir zum Abschluß noch einmal Joshua Logan: Jahre später kam ich nach England, wo SOUTH PACIFIC im alten Dominion Theatre im Londoner West End fünf Jahre ohne Pause gelaufen war. Allein in diesem einzigen Kino hatte man genug Pfund, Shilling und Pence eingenommen, um die gesamten Produktionskosten des Films zu decken. Die Engländer haben ein so tristes Klima, daß die Farbigkeit ihnen aufmunternd erschienen sein muß. Gegenüber der dortigen Presse entschuldigte ich mich für die Farbwechsel, worauf ein Reporter sagte: Aber Mr. Logan, gerade die Farbe war das, was uns besonders gefallen hat! [...]

Nun frage ich Sie, war es richtig, die Filtereffekte einzusetzen? Die Antwort ist Nein.

QUELLEN: Joshua Logan, MOVIE STARS, REAL PEOPLE AND ME, New York 1978 Glenn Whelan zu SOUTH PACIFIC, Beschreibung der einzelnen Musiknummern: http://www.geocities.com/TelevisionCit y/Studio/8849/Moviemusicals/DitesMoi/BaliHai.htm Lebendaten und Film-/Bühneninszenierungen von Joshua Logan: http://de.wikipedia.org/wiki/Joshua_Logan http://en.wikipedia.org/wiki/Joshua_Logan

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Titanic ZUR ENTSTEHUNG Bis zum heutigen Tage ist kein Filmprojekt in Sicht, das James Camerons fabelhafter „Titanic“ das eiskalte Wasser reichen könnte.

Der Film über das jähe Ende der viertägigen Jungfernfahrt des englischen Luxusliners machte ihn zwar nicht zum König der Welt, zum Hollywood-Krösus jedoch allemal. Gilt das Melodram doch bis heute als erfolgreichster Blockbuster aller Zeiten, mitsamt seiner elf „Oscars“, inklusive jenem für den „Besten Film“, die „Beste Regie“ sowie den „Besten Filmsong“, womit der seit 1959 bestehende Rekord von „Ben Hur“ eingestellt war. Gigantisch geradezu mutet das weltweite Einspielergebnis von über 1,8 Milliarden US-Dollar an, dem vergleichsweise lächerliche 250 Millionen an Produktionskosten gegenüberstehen. Allein in Deutschland lockte die Kreuzfahrt auf den Grund des Meeres mit Leonardo DiCaprio und Kate Winslet in den Haupt-

rollen 18 Millionen Kinozuschauer.

Und Cameron setzt viel auf das Wirken seiner beiden Hauptakteure, versetzt den mythisch besetzten Stoff vom Untergang des vermeintlich unsinkbaren Passagierschiffes mit einer fiktiven Liebesgeschichte zwischen Lebenskünstler und Upper-ClassGirl. Am 10. April 1912 legt die „Titanic“ im Hafen von Southampton ab. Ihre Jungfernfahrt hat das Ziel New York und schenkt man den Gerüchten Glauben, so sollte dies auch die letzte Reise ihres Kapitäns Edward John Smith vor dessen Pensionierung werden. Seine finale wurde es dennoch – wenn auch auf tragische Weise. Zuvor kommt es inmitten der Weiten des Atlantischen Ozeans an Bord des größten und luxuriösesten Passagierschiffs aller Zeiten noch zur rührseligen Begegnung des unglücklichen Aristokratenmädchens Rose DeWitt Bukater (Kate Winslet) und des mittellosen Malers Jack Dawson (Leonardo DiCaprio).

Doch die Liebe kennt bekanntlich kein Standesdünkel; die 17-jährige Amerikanerin vom Oberdeck, welche so sehr unter den gestrengen Regeln und Erwartungen der edwardianischen Gesellschaft leidet, und der freigesinnte DritteKlasse-Passagier knüpfen zarte Bande. Gerade noch rechtzeitig

entfacht Jack ihre verloren gegangene Lust am Leben, indem er Rose Wege außerhalb des goldenen Käfigs gesellschaftlicher Konvention aufzeigt.

Als die „Titanic“ in jener schicksalhaften April-Nacht gegen 23.40 Uhr einen riesigen Eisberg rammt, bricht an Bord Panik aus. Der aufgeschlitzte Luxusliner füllt sich rasend schnell mit Wasser und beginnt im Nordatlantik zu versinken. Innerhalb von nur zwei Stunden und 40 Minuten ist alles vorbei. Nahezu in Realzeit begleitet Cameron die „Titanic“ auf ihren letzten Minuten nach der Kollision und zur gleichen Zeit eskaliert auch die sich zuspitzende Dreiecksgeschichte zwischen Rose, Jack und deren ebenfalls an Bord befindlichen Verlobten Cal Hockley (Billy Zane). Während mehr als 2.000 Menschen in Todesangst Platz in einem der wenigen Rettungsboote suchen und das Schiff sich immer mehr aufbäumt, um schließlich in zwei Teile zu zerbersten und unterzugehen, fechten Jack und der arrogante Hockley ein nicht weniger dramatisches Duell um Rose und das nackte Überleben aus. Bei Umgebungstemperaturen von nur zwei Grad Celsius hatten jene Passagiere, die sich nicht in einem der rettenden Boote wähnen konnten, nahezu keine Überle-

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technologische Innovation mit einer dramaturgisch aufwändig erarbeiteten Story, die durchaus auch als ein filmisches Mahnmal für menschliches Versagen und die Fehlbarkeit des technologischen Fortschritts stehen darf. Die Details stimmig, die Illusion perfekt, der Kampf ums Lieben und Leben packender und spannender als alles andere, was 1997 produziert wurde. Die „Titanic“ sinkt ein weiteres Mal – ein Filmklassiker ist gehoben.

benschance: 1.504 der 2.208 an Bord befindlichen Personen starben und der Untergang des Ozeandampfers, der bis zum heutigen Tag in über 3.800 Metern Tiefe ruht und rostet, ging als eine der großen Katastrophen der Seefahrt in die Geschichtsbücher ein.

Schon kurz nach Filmbeginn findet sich der Zuschauer in eben jenen Tiefen wieder, wo atemberaubende Aufnahmen vom Wrack des einstmals so majestätischen Schiffes für die standesgemäße Einstimmung sorgen. In den Überresten suchen Forscher nach dem „Herz des Ozeans“, einem sagenumwobenen, verschollenen Diamanten-Kollier, welches beim Untergang an Bord gewesen sein soll; fördern aber stattdessen die Geschichte der mittlerweile über 100 Jahre alten Rose DeWitt Bukater (Gloria Stuart) zutage, die das Unglück überlebt hat. Die abstrakten Koordinaten der Katastrophe erhalten somit von Anbeginn menschliches Antlitz.

Auch wenn Cameron den Untergang des weltberühmten Schiffes für eine Spielfilmproduktion sehr detailgetreu wiedergibt, triumphiert in seinem Meisterwerk zu jeder Zeit Emotion über Effekt. Trotz dieser beinahe schon manischen Fixierung auf eine möglichst originalgetreue Rekonstruktion, entstand im Ergebnis weit mehr als eine Mischung aus Liebes-, Kostümund Katastrophenfilm. Denn gerade die Lovestory glückt ihm trotz Céline Dion und dem Titelsong „My Heart Will Go On“ erfreulich klischeefrei. Cameron vermengt handwerkliche Perfektion und

Titanic USA 1997 Erstaufführungskopie von 1997 Präsentiert in 70mm (1:2.21) 6-Kanal DTS-Ton Englischsprachige Originalfassung 194 Minuten Aufgenommen in Super-35 (35mm Negativfilm)

Stab Produktion: James Cameron, Jon Landau; Regie: James Cameron; Buch: James Cameron; Kamera: Russell Carpenter; Musik: James Horner; Schnitt: Conrad Buff, James Cameron, Richard A. Harris

Darsteller Kate Winslet (Rose DeWitt Bukater), Leonardo DiCaprio (Jack Dawson), Billy Zane (Cal Hockley), Kathy Bates (Molly Brown), Bill Paxton (Brock Lovett), Bernard Hill (Captain Smith), Jonathan Hyde (Bruce Ismay), Victor Garber (Thomas Andrews)

Oscars Best Art Direction-Set Decoration: Peter Lamont (Art Director); Michael Ford (Set Decorator); Best Cinematography: Russell Carpenter; Best Costume Design: Deborah Lynn Scott; Best Director: James Cameron; Best Effects, Sound Effects Editing: Tom Bellfort, Christopher Boyes; Best Effects, Visual Effects: Robert Legato, Mark A. Lasoff, Thomas L. Fisher, Michael Kanfer; Best Film Editing: Conrad Buff IV, James Cameron, Richard A. Harris; Best Music, Original Dramatic Score: James Horner; Best Music, Original Song: James

Horner (Music), Will Jennings (Lyrics) For The Song „My Heart Will” Go On, Performed by Céline Dion; Best Picture: James Cameron, Jon Landau; Best Sound: Gary Rydstrom, Tom Johnson, Gary Summers, Mark Ulano)

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Agenten sterben einsam ZUR ENTSTEHUNG

„Broadsword ruft Danny Boy.“ Längst ist der Funkspruch an die englische Geheimdienstzentrale auf der Insel zur geflügelten Redewendung geworden. Er entstammt der Rolle von Richard Burton aus „Where Eagles Dare“ von 1968, der in Deutschland unter dem Titel „Agenten sterben einsam“ angelaufen ist. Die Handlung des Films ist indes 24 Jahre früher angesiedelt, am Ende des Zweiten Weltkriegs nämlich, unmittelbar vor dem D-Day. Nach einer Vorlage von Thriller-Autor Alistair MacLean mischt Burton als souveräner Gruppenführer gemeinsam mit Clint Eastwood als schweigsame rechte Hand die Nazis auf und jagt über 157 Minuten den Bodycount kontinuierlich nach oben.

Ziel ihrer beider Mission ist die Befreiung des amerikanischen Generals George Carnaby (Robert Beatty) aus einer Festung in den Alpen, dicht hinter den deutschen Linien. Über Bayern abgeschossen, transportiert ihn die Wehrmacht in ein schwer befe-

stigtes Schloss, wo er über die bevorstehende Invasion der Amerikaner verhört wird. Um zu verhindern, dass der General wichtige Informationen preisgeben kann, soll ihn das Geheimkommando rechtzeitig aus der Gefangenschaft holen. Der englischen Einheit als Elitekämpfer zugeteilt ist der amerikanische Leutnant Morris Schaffer (Clint Eastwood). Doch aus dem Auftrag wird ein Himmelfahrtskommando: Nachdem der Trupp über den nächtlichen Alpen abgesprungen ist, kommen mehrere Mitglieder unter mysteriösen Umständen ums Leben. Smith und Schaffer gelingt es dennoch, in die bestens behütete Festung einzudringen, und dort enthüllt der Major sein eigentliches Vorhaben: Man vermutet eine Gruppe deutscher Spione innerhalb des britischen Geheimdienstes. Der Abschuss war fingiert, um die Verräter beim MI6 ausfindig zu machen.

Carnaby entpuppt sich obendrein als amerikanischer Schauspieler, der dem echten General zum Verwechseln ähnlich sieht. Der

Gruppe gelingt nach wilden Schießereien die Flucht aus dem Schloss, auf dem Flug zurück nach England kann Smith seinem Vorgesetzten Wyatt Turner (Patrick Wymark) den Namen des deutschen Top-Spions preisgeben.

Doch dessen Name ist dem Cornel weitaus geläufiger als ihm lieb sein kann.

Ein anderer Name war im Hollywood der 60er Jahre weit mehr als nur geläufig und für eine Hand voll Dollar gab er sich schon lange nicht mehr her. Es brauchte einiges an Gage, um einen Clint Eastwood, der zu jener Zeit zu den populärsten Action-Heroen des Kinos zählte und an Hauptrollen gewöhnt war, das zweite Glied schmackhaft zu machen. 800.000 US-Dollar sollten denn aber auch der Argumente genug sein. Eastwood besticht zwar mit unerschütterlich cooler Präsenz – im Mittelpunkt stehen sollte jedoch ein anderer Hollywood-Star: Richard Burton, dessen Karriere dank einiger Flops einen kleinen Knick erlitten hatte.

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Filmproduzent Elliott Kastner hatte diesen wieder glatt zu bügeln und betraute Alistair MacLean, der 1961 mit dem epischen Weltkriegsabenteuer „Die Kanonen von Navarone“ auf einen globalen Erfolg verweisen konnte, ein geeignetes Drehbuch aufzusetzen, das wenig später zum Roman umgeschrieben ein weiterer Kassenschlager wurde.

Gewiefte Alliierte gegen depperte Nazis. Brian G. Hutton pflegt in seinem „Agenten sterben einsam“ so manche Spionage- und andere Klischees, einige wenige werden bewusst gebrochen, viele aber auch geradezu genüsslich überdehnt. Dennoch glückte dem Regie-Oldtimer dank straffen Erzählstils, atmosphärischer Dichte, stimmiger Kameraführung einhergehend mit fließender Schnittarbeit ein spannend inszenierter Agentenfilm mit hohem Unterhaltungswert. Daran haben auch die Schauplätze mit ihren schneeverwehten Wipfeln großen Anteil. Anstelle der bayerischen Alpen darf das österreichische Hochland herhalten, Schloss Adler ist im wahren Leben die etwa 40 Kilometer südlich von Salzburg gelegene Festung Hohenwerfen.

Und handwerklich betrachtet blickt man auf 157 Minuten leinwandgewordene Perfektion, die bis heute von ihrem attraktiven Schauwert zehren kann.

Insbesondere Burton legt seine Rolle geschickt aus, nährt immerzu Zweifel im Zuschauer, auf wessen Seite sein Protagonist nun eigentlich steht. Der Beobachter des Doppelagentenspiels hält sich derweil lieber an den schweigsamen Eastwood, dessen Integrität zu keiner Zeit zur Debatte steht.

Getragen durch die dynamische Filmmusik von Ron Goodwin wissen gerade die Actionsequenzen zu überzeugen. Man denke etwa an die legendäre, schwindelerregende Szene, in welcher Burton mit einem Soldaten auf der Seilbahn-Gondel ein modernes Duell austrägt, das schließlich in einer rund 20-minütigen Verfolgungsjagd gipfelt; oder Eastwoods wilde Motorradfahrt im Schneegestöber. Action wie sie heutzutage wohl nur eine Jerry

Bruckheimer-Produktion zustande brächte. Doch auch „Agenten sterben einsam“ hat seine Momente, in denen er mehr ist als ein simpel gestrickter Agententhriller. Zwar werden der Krieg und seine Folgen bisweilen arg verharmlost, gar romantisiert; hie und da vermag es das Werk jedoch tatsächlich, auch die wenig angenehmen Dinge solch blutiger Auseinandersetzungen herauszustreichen.

Die wenigen Skriptschwächen übersieht man angesichts derart grandioser Action doch nur zu gerne. „Agenten sterben einsam“ agiert ohne Netz und doppelten Boden und ist mit dieser Konsequenz zu einem zeitlosen Stück Film geworden, das an Spannung nur schwer zu toppen ist. Agenten mögen im echten Leben einsam sterben, auf der Leinwand indes ist ihnen das Publikum gewiss.

Agenten sterben einsam (OT: Where Eagles Dare) USA 1968 Erstaufführungskopie von 1969 mit leichtem Farbfading Präsentiert in 70mm (1:2.21) 6-Kanal Stereo Magnetton Deutsche Fassung 157 Minuten Aufgenommen in Panavision (35mm Negativfilm)

Stab Produktion: Jerry Gershwin, Elliott Kastner; Regie: Brian G. Hutton; Buch: Alistair MacLean; Kamera: Arthur Ibbetson; Musik: Ron Goodwin; Schnitt: John Jympson

Darsteller Richard Burton (John Smith), Clint Eastwood (Lt. Morris Schaffer), Mary Ure (Mary Ellison), Michael Hordern (Vizeadmiral Rolland), Patrick Wymark (Col. Turner), Donald Houston (Christiansen), Derren Nesbitt (Major van Hapen), Robert Beatty (George Carnaby)

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Cleopatra ZUR ENTSTEHUNG Es ist ein Name, den gar nicht wenige ägyptische Regentinnen aus der Dynastie der Ptolemäer trugen: Kleopatra. Beinahe ebenso zahlreich sind die Verfilmungen, doch beziehen diese sich allesamt auf eine ganz bestimmte unter ihnen: Kleopatra, die siebte nämlich, Geliebte von Gaius Julius Cäsar und nicht umsonst auch „Die Große“ genannt. Nicht weniger groß und bedeutend ist die Verfilmung ihres Lebens aus dem Jahre 1963 mit Elizabeth Taylor in der Titelrolle. Die Hauptdarstellerin nährte sich stetig und damit auch die Regenbogenpresse: Die Dreharbeiten kamen immer wieder ins Stocken. Angesichts des Nervenkrieges um diese Großproduktion dürfte so manch

antike Schlacht in den Schatten gestellt worden sein.

Er hingegen hat schon zahllose tapfer geschlagen. Doch auch ein großer Feldherr kann einmal erliegen ohne deshalb gleich verloren zu haben. So wie Julius Cäsar (Rex Harrison): Der verfällt im Jahre 48 vor Christus in Alexandria den Verführungskünsten der schönen wie klugen Cleopatra, die damit nicht nur den Familienstreit um den Thron von Ägypten für sich entscheidet, Jahre später zieht sie mit beider Sohn auch noch in Rom ein. Nach Cäsars jähem Ende tröstet sich die Pharaonin schnell und macht den ungestümen Markus Antonius (Richard Burton) zu ihrem Lieb-

haber. Der müsste zwar aus politischen Gründen die Schwester Octavians (Roddy McDowall) heiraten, aber an Cleopatras verführerischen Argumenten zerschellt die Staatsräson. Antonius indes nimmt sie zur zweiten Frau, was ihm die rachsüchtigen Truppen Octavians beschert. Am Ende verliert Antonius nicht nur die See schlacht von Actium sondern auch sein Leben; Octavian behält das seine, erobert obendrein Ägypten und Cleopatra geht mit ihren beiden getreuesten Dienerinnen in den Freitod.

Der Größenwahn des römischen Imperiums schien regelrecht abzufärben. Bis heute gilt Liz Taylors triumphaler Einzug in Rom als eine der prunkvollsten aber auch teuersten Szenen der Filmgeschichte – ein Mammutfilm in jeglicher Hinsicht: Über vier Stunden Laufzeit, mehrjährige Dreharbeiten und damit verbundene Kosten von 44 Millionen Dollar, die auch Jahre später trotz Erfolg an den Kinokassen noch nicht ausgeglichen waren, machen „Cleopatra“ inflationsbereinigt zum teuersten Film der Geschichte. Die Produktion trieb den Verleih 20th Century Fox beinahe in den Ruin. Vornehmlich durch Krankheit und Starallüren der Hauptdarstellerin mussten die Dreharbeiten immer wieder über Monate unterbrochen werden: Nicht genug, dass Beauty Liz immer wieder mit ihren Pfunden zu kämpfen hatte, zog sie sich während der Dreharbeiten eine lebensgefährliche Lungenentzündung zu und konnte nur knapp vor dem Erstickungstod bewahrt werden. Auch im Film gut zu sehen ist jene Narbe des Luftröhrenschnitts, der ihr damals das Leben gerettet hat.

Obendrein sorgte ihre heiße Affäre mit Filmpartner Richard Burton für so manche weitere Schlagzeile, doch es wurde weit mehr daraus: Ein Jahr nach Abschluss der Dreharbeiten, am 15. März 1964, machte sie ihn sogar zum fünften ihrer insgesamt acht Ehemänner.

Nummer drei war übrigens kein Geringerer als der 1958 bei einem Flugzeugabsturz ums Leben gekommene Filmproduzent Michael Todd, nach dem das

gemeinsam mit American Optical (AO) entwickelte Todd-AO 70mm System benannt ist.

Auch „Cleopatra“ wurde einst im Königsformat des Films gedreht und ist nun – nachdem man das ursprünglich sechsstündige Ausstattungsopus seinerzeit auf die lange Zeit kursierende, stark gekürzte Kinoversion von 220 Minuten gestaucht hatte – wieder um 20 Minuten erweitert. Mit opulenter Ausstattung, makellosen Darstellern und pointierten Dialogen gewann Joseph L. Mankiewiczs Werk 1964 denn auch vier „Oscars“ (Kamera, Ausstattung, Kostüme, visuelle Effekte) und wurde für fünf weitere Academy Awards nominiert; neben der Kategorie „Bester Film“ stand auch Rex Harrison als „Bester männlicher Hauptdarsteller“ zur Wahl. Seine Gegenüber indessen kam auch ohne Nominierung genügend zur Geltung. Aller Eskapaden zum Trotz hat Dame Elizabeth Taylor das Filmbild der leidenschaftlichen ägyptischen Pharaonin geprägt wie keine Zweite; damit ihre „Cleopatra“ auf den KlassikerThron des intelligenten Monumentalfilms gehievt. Und uns hat man wieder einmal gelehrt, dass Geschichte zwar auf dem Schlachtfeld geschrieben, die Politik aber immer noch im Schlafzimmer gemacht wird.

Cleopatra USA 1962 Europapremiere der restaurierten 70mm-Fassung (2006) Präsentiert in 70mm (1:2.21) 6-Kanal DTS-Ton Englischsprachige Originalfassung 240 Minuten

Aufgenommen in Todd-AO (65mm Negativfilm)

Stab Produktion: Walter Wanger; Regie: Joseph L. Mankiewicz; Buch: Joseph L. Mankiewicz, Ranald MacDougall, Sidney Buchman; Buchvorlage: Carlo Maria Franzero (Roman); Kamera: Leon Shamroy; Musik: Alex North; Schnitt: Dorothy Spencer

Darsteller Elizabeth Taylor (Cleopatra), Richard Burton (Markus Antonius), Rex Harrison (Julius Cäsar), Pamela Brown (Hohepriesterin), George Cole (Flavius), Hume Cronyn (Sosigenes), Cesare Danova (Apollodorus), Martin Landau (Rufio), Roddy McDowall (Octavian), Robert Stephens (Germanicus), Kenneth Haigh (Brutus), Andrew Keir (Agrippa), Francesca Annis (Eiras), Grégoire Aslan (Pothinos), Martin Benson (Ramos), Herbert Berghof (Theodotus), John Cairney (Phoebus), John Doucette, Andrew Faulds , Michael Gwynn, Michael Hordern (Cicero), John Hoyt (Cassius), Desmond Llewelyn (Senator)

Oscars Best Art Direction-Set Decoration, Color: John DeCuir, Jack Martin Smith, Hilyard M. Brown, Herman A. Blumenthal, Elven Webb, Maurice Pelling, Boris Juraga, Walter M. Scott, Paul S. Fox, Ray Moyer; Best Cinematography, Color: Leon Shamroy; Best Costume Design, Color: Irene Sharaff, Vittorio Nino Novarese, Renié; Best Effects, Special Visual Effects: Emil Kosa Jr.

Cleopatra Hintergründe, Legenden und ein bisschen Kritik Eine Todd-AO Breitfilmbetrachtung von Hans Helf Alle wahren Märchen beginnen bekanntlich mit einem „es war einmal“, und deshalb möchte ich hier keine Ausnahme machen. „Es war einmal“ eine enorm ehrgeizige Schauspielerin, die schon auf eine 15-jährige Berufserfahrung zurückblicken konnte, als ihr gegen Ende der 50er Jahre ein einzigartiges Angebot unterbreitet wurde.

Die immer noch recht junge Dame, die schon in Kindertagen mit Hollywoods Filmhunden vor der Kamera schmusen durfte, war es mittlerweile endgültig leid, sich von den Knebelverträgen eines Louis B. Mayer und dessen Nachfolgern weiterhin versklaven zu lassen. Sie suchte nach einer Möglichkeit, aus ihrer Abhängigkeit von MGM – ja, die mit dem Löwen – herauszukommen. Logischerweise wollte man sie dort nicht gerne ziehen lassen, denn sie war zweifellos eines der zugkräftigsten Pferdchen in Metros beeindruckendem Stall.

Mindestens einen Film sollte sie noch für MGM machen, bevor sie – nicht nur als erste Frau der Welt, sondern als erster Filmstar über-

haupt – für die damals einfach sagenhafte Summe von einer runden Million Dollar zur Konkurrenz wechseln durfte. (Zum Vergleich: unser erfolgreichster nationaler Filmstar Heinz Rühmann erhielt seinerzeit etwa 100.000,- DM pro Film, also ein zweiundvierzigstel ihrer Gage nach damaligem Wechselkurs.) Ironischerweise bekam sie dann auch noch ausgerechnet für diese, eigentlich ungeliebte, ihr aufgezwungene Rolle als Callgirl in Butterfield 8 den ersten ihrer beiden Oscars.

Jetzt bin ich aber ziemlich sicher, dass der Leser inzwischen gemerkt hat, von wem hier nur die Rede sein kann. Genau! Es handelt sich natürlich um den englischen Superstar Elizabeth Taylor – schon seit Anfang der 50er Jahre als „schönste Frau der Welt“ gehandelt (und behandelt). „Es war einmal“ eine Hollywoodfilmgesellschaft – genauer gesagt eine Produktions- und Verleihfirma mit dem schönen Namen 20thCentury-Fox, die war es endgültig leid, hinter den Herrschaften mit

dem Löwen immer nur die zweite Geige zu spielen. Sie brannte förmlich darauf, es der arroganten Konkurrenz mit einem umwerfenden Prestigeprojekt einmal richtig zu zeigen. Die Metro drehte gerade in Italien ihr Remake von Ben Hur, und alles deutete auf einen phänomenalen Erfolg hin. Da wollte die Fox einfach nicht länger zurückstehen. Ausgerechnet mit dem größten weiblichen Star dieser Konkurrenzfirma (der allerdings erst noch abgeworben werden musste) wollten sie ebenfalls in den römischen Zirkus einsteigen: ebenfalls mit einem Remake – einer Neufassung von Paramounts sehr erfolgreicher Cleopatra vom Anfang der Tonfilmzeit.

Das Remake sollte aber kein simpler Sandalenschinken werden, der nur auf schlichte Schauwerte abgestellt sein würde. Nein, vielmehr wollte man die sagenumwobene, legendäre vorchristliche Herrscherin des Nilstaates auch als ehrgeizige und weitblickende Politikerin präsentieren – und dabei natürlich auch ihre immensen erotischen Talente und

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Verführungskünste zeigen. Außerdem wollten die Produzenten die Herrschaftsstrukturen der damaligen Zeit sowie Intrigen und Verstrickungen aufzeigen, dabei aber leinwandfüllende Kämpfe und Schlachten keineswegs außer Acht lassen. „Es war einmal“ ein ungeheuer ehrgeiziger Mann, der nicht zu Unrecht sehr stolz darauf war, es als einziger nichtjüdischer Kinomogul an die Spitze einer der größten Hollywoodfilmgesellschaften geschafft zu haben. Er behauptete diese einträgliche Position etliche Jahre, bevor er schließlich Mitte der 50er – sicherlich nicht ganz freiwillig – seinen Stuhl zunächst einmal räumen musste.

Spiros Skouras wurde sein Nachfolger und er war immerhin verantwortlich für einige der größten Filmprojekte, die die Fox bis dahin realisiert hatte wie z. B. die Musicalhits South Pacific und Can Can. Dieser Mann dagegen versuchte sich als unabhängiger Produzent und schaffte fast auf Anhieb einen überwältigenden Erfolg – die Verfilmung von Cornelius Ryans Weltbestseller Der längste Tag über die Normandieinvasion. Als er diese beendet hatte, war das CleopatraProjekt schon heillos festgefahren: und in einem wahren Staatsstreich riss er als Retter in der Not die ganze Macht bei den „Füchsen“ wieder an sich. Nun oblag es ihm zu retten, was noch zu retten war.

Die Rede ist natürlich vom legendären Fox-Boss „Darryl F. Zanuck“, und in gewisser Weise wurde dieser nun zum Totengräber von Cleopatra.

Mein viertes „es war einmal“ müsste ja nun eigentlich dem Regisseur Joseph L. Mankiewicz gelten; doch leider hatte der gute Mann mit der endgültigen Fassung von Cleopatra – wie wir sie heute kennen – nur noch herzlich wenig zu tun. Er galt in Hollywood als absolut anspruchsvoller Regisseur für Literatur- und speziell Theaterverfilmungen. Hatte mit „Frauenfilmen“ wie dem oscargekrönten Alles über Eva Furore gemacht und (wieder einmal) für MGM Shakespeares Julius Caesar mit Marlon Brando als Antonius auf die Leinwand gehievt. Seine Wahl

als Regisseur und Mitautor am Drehbuch sollte, wie gesagt, den durchaus hohen literarischen Anspruch des stark an historischen Quellen orientierten OriginalScriptes deutlich machen. Aber ich möchte an dieser Stelle noch nicht zu viel vorwegnehmen...

Der Film sollte ursprünglich 1959 in England gedreht werden. Doch wie so häufig bei solchen Großprojekten verzögerte sich alles erheblich. Schließlich waren die Studios komplett gebucht und alle Aufbauten einschließlich Cleopatras großem Palast bereits fertiggestellt, als der Star plötzlich nicht mehr zur Verfügung stand.

Elizabeth Taylor war lebensgefährlich erkrankt und konnte nur mittels Luftröhrenschnitt in einer Notoperation gerettet werden – war damit also erst einmal ausgefallen. Als ihre Partner waren der Australier Peter Finch als Cäsar und der durch seine Rolle als Messala in Ben Hur gerade groß herausgekommene Stephen Boyd als Mark Anton verpflichtet wor-

den. Sie alle mussten aus ihren Verträgen entlassen werden, denn der Drehtermin in England war nicht mehr zu halten. Die fertigen Bauten mussten allesamt wieder demontiert werden, und somit war Cleopatra schon jetzt – obwohl noch nicht ein einziger Meter gedreht worden war – die teuerste Filmleiche der Geschichte!

Mit mehr als einjähriger Verzögerung sollte es endlich in Italien weitergehen. Mittlerweile hatte man den englischen Bühnen- und Filmstar Rex Harrison als Cäsar und den Waliser Richard Burton als Antonius engagiert. Als Drehort waren die berühmten italienischen Cinecitta Studios bei Rom bestimmt worden, wo schon die größten jemals gedrehten Römerschinken Quo Vadis und Ben Hur produziert worden waren. Es wurde ein zweiter Königspalast, natürlich noch verschwenderischer als der erste, in der Nähe von Ostia errichtet. Mittlerweile war bereits soviel Kapital in dieses Projekt geflossen, dass bei Fox

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ein Hang zur völligen Gigantomanie entstanden war. Nach dem bewährten Prinzip „Klotzen nicht kleckern“ setzte sich vorübergehend eine „jetzt erst recht“ Haltung durch. Bei der Ausstattung wurde an gar nichts mehr gespart: Cleopatras goldene Prunkgewänder, ihre grandiose palastartige Barke, die Sphinxnachbauten für den Triumphzug in Rom verschlangen Unsummen. Immerhin drehte man extra zur Dokumentation des schönen Wahnsinns den Film The 4th Star, in dem es neben den drei „menschlichen“ Superstars primär um den vierten „Stern“ des Films geht: seine verschwenderische Ausstattung.

Als Liz Taylor einigermaßen wiederhergestellt war, konnten die Dreharbeiten endlich beginnen. Sie und Burton hatten noch nie gemeinsam vor der Kamera gestanden.

Anfangs sollen sie sich etwas misstrauisch beschnüffelt haben, doch was dann zwischen den beiden abging – als es richtig funkte – beschäftigte die Klatschgazetten noch Jahrzehnte. Niemals zuvor hatte es eine vergleichbare Presseberichterstattung über die Arbeiten an einem neuen Film gegeben.

Böse Zungen behaupteten schon zu dieser Zeit, dass der fertige Film niemals so spannend und aufregend werden könne wie es die Geschichte seiner Herstellung war. Der Rummel trieb aberwitzige Blüten. Um an Fotos von der nackt planschenden Liz im Bade heranzukommen, hatte die italienische Presse die Darstellerinnen ihrer Palastbediensteten bestochen, sich Minikameras in ihre Hochsteckfrisuren einarbeiten zu

lassen. Am nächsten Tag kursierten die eindeutig zweideutigen Fotos der Diva in ganz Rom...

Zusätzlich zermürbten ständige Drehplanänderungen alle Beteiligten. Das Script musste daher andauernd umgeschrieben werden, um es den veränderten Gegebenheiten anzupassen. Schließlich war es so umfangreich, dass der fertige Film mindestens 8 Stunden gedauert hätte. Die Fox verlor die Geduld mit ihrem Regisseur – langsam aber sicher ging das Geld aus und die Aktionäre begannen zu grollen und zu zittern. Der Druck, der auf dem armen Mankiewicz lastete, muss beinahe unerträglich gewesen sein, und trotzdem nahmen die Dreharbeiten einfach kein Ende. Die Direktion schickte ein Memo an den Set, dass den mehrmaligen Gebrauch von Pappkaffeebechern vorschrieb (wirklich kein Witz), um noch mehr Kosten einzusparen. Nun, von da an hatte also auch noch jedermann für seinen eigenen Kaffeebecher zu sorgen...

Eine wirkliche Katastrophe ereignete sich jedoch im Kopierwerk.

Durch einen Unfall wurde das gesamte gedrehte Material der Pharsalos-Schlacht – die berühmt gewordene Einleitung des Films – unbrauchbar und musste neu gedreht werden. Zu diesem Zeitpunkt stand aber Richard Burton schon längst nicht mehr zur Verfügung, weil er inzwischen wieder in London Theater spielte, und so kam es, dass Burton im fertigen Film erst nach einer halben Stunde zum ersten Mal auftritt.

Zu Hause bei der Fox in Hollywood hatte sich mittlerweile schon so etwas wie Untergangsstimmung breitgemacht. Zanuck hatte wie erwähnt wieder übernommen, war nach seiner glanzvollen Premiere von Der längste Tag – den die Fox immerhin noch sehr erfolgreich verleihen und auswerten konnte – an das Set gestürmt, um die Sache in die Hand zu nehmen.

Falls nötig wollte er Mankiewicz zur Beendigung oder gar Abbruch der Dreharbeiten zu zwingen. Fast alle anderen Projekte ruhten oder waren bis auf ein paar noch profitable Fernsehserien eingestellt worden, weil einfach kein Kapital mehr aufzutreiben war. Mankiewicz wollte den Film in zwei Teilen von etwa je drei Stunden in die Kinos bringen, was von Zanuck rundheraus abgelehnt wurde. Er nahm dem Regisseur seinen Film schlichtweg aus der Hand und beaufsichtigte den Schnitt selbst. Heraus kam dabei eine auf nicht viel mehr als vier Stunden heruntergekürzte Fassung, welche nach nicht ganz so durchschlagendem Kinostart schon kurz nach der Eröffnung um eine weitere Stunde gekürzt wurde – die vielen sicher aus dem Fernsehen bekannte Fassung. So blieb also von Mankiewiczs großartigem historischem Superepos nicht einmal ganz die Hälfte übrig.

Flau fielen denn auch die Kritiken aus: „Weltgeschichte auf Schlafzimmerniveau, Cocktailtalk in historischer Verkleidung“ und ähnlich höhnte die Presse. Man muss schon einräumen, dass die FilmCleopatra gegenüber ihrem historischen Vorbild, das ja schließlich die eigenen Geschwister hat umbringen lassen, schon ein wenig geschönt daherkommt – hier wurde die historische Handlungsführung in einigen Bereichen, sagen wir mal, etwas geglättet.

Nichtsdestoweniger hatte es bis dato noch nie einen Antikfilm gegeben, der sich (zumindest relativ gesehen) so eng an die überlieferten historischen Fakten gehalten hat wie dieser. Jedoch auch dieser Umstand konnte anscheinend keinen Kritiker milder stimmen.

Liz Taylors Darstellung der Hauptfigur ist beeindruckend: ihr brennender Ehrgeiz, ihr Machthunger und bisweilen auch Fanatismus,

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aber auch die Verletzlichkeit und Einsamkeit der Figur – all das findet sich auf der Leinwand wieder.

Es ist auch unbestreitbar: Diese Frau wird von der Kamera einfach geliebt. Richard Burton ist als Antonius, weinselig, ausschweifend, triebhaft und triefend. Rex Harrison als Cäsar, hingegen elegant, charmant, autoritär und letztlich verblendet vom eigenen Machtstreben. Auch Burton und Harrison geben eindrucksvolle Vorstellungen. Leider hat es für keinen von ihnen zur Oscarnominierung gereicht. Alex North schuf hierzu eine gewaltige Musik, von der im Anschluss an diesen Artikel noch ausgiebig die Rede sein wird.

Immerhin: Elizabeth Taylor und Richard Burton („Liz und Dickie“) heirateten nach Beendigung der Dreharbeiten einander. Also zumindest im privaten Bereich gab es (wenigstens vorerst) ein kleines Happy-End. Der Film konnte seine irrsinnigen Herstellungskosten von angeblich über 40 Mio. $ natürlich nicht sofort wieder einspielen – was wohl keinen ernsthaft überrascht haben dürfte. Er schaffte es aber beim Erst-Einsatz immerhin knapp 25 Mio. $ einzuspielen – damals eine märchenhafte Summe.

Etwa doppelt soviel wie der ganze große Ben Hur von William Wyler insgesamt gekostet hat – zu dessen Herstellungskosten produziert wäre Cleopatra also ein mehr als beachtlicher Erfolg an der Kasse beschieden gewesen.

Durch anschließende zahlreiche Wiederaufführungen, Verkauf an weltweite Fernsehanstalten, Videoauswertung usw. hat der Film seine Produktionskosten auf lange Sicht (mehr als nur) wieder hereingeholt – die Mär vom TotalFlop gehört somit zu den Hollywood-Legenden. Doch das nutzte der 20th-Century-Fox im schlimmsten Krisenjahr ihrer Geschichte 1963 natürlich herzlich wenig. Sie schrammte haarscharf am Konkurs vorbei und musste fast zwei Jahre lang den Atem anhalten, bis mit dem sagenhaften Erfolg ihrer Musicalverfilmung The Sound of Music mit Julie Andrews diese schlimme Durststrecke endlich ihr Ende fand.

Zumindest bei den Mitgliedern der Academy of Motion Picture, Arts

and Sciences fand der Streifen noch eine gewisse Gnade; sie zeichneten ihn mit immerhin vier Oscars aus: „für die beste Photographie, die besten Bauten, Ausstattung, Kostüme und Spezialeffekte“. Wie gesagt, vermutlich hat ihn niemand in der vom Regisseur ursprünglich beabsichtigten Fassung zu sehen bekommen. Es ist schon ein faszinierender Gedanke, sich vorzustellen, wie diese wohl ausgesehen haben könnte und wie die damaligen Kritiker auf sie reagiert hätten. Im Zeitalter von rekonstruierten Filmen auf DVD ist es – bestimmten Informationen zur Folge – wohl auch nur noch eine Frage der Zeit bis eine „definitive“ Cleopatra vorliegen wird. Immerhin ist die Premierenfassung von gut 4 Stunden schon vor einigen Jahren erfolgreich wieder restauriert worden und wird in Kürze auch auf DVD erhältlich sein. Leider ist davon aber keine einzige Kinokopie nach Deutschland gekommen; in Paris dagegen lief sie monatelang in großen Häusern...

Hierzulande ist man fast ausschließlich auf die Privatinitiative von einzelnen Sammlern und Kinobetreibern angewiesen, die sich in hohem Maße verdient machen, um wenigstens die deutsche drei-Stunden-Version in wunderschönen Technicolorfarben noch einem begrenzten Publikum zugänglich zu machen. Immerhin lief diese Version im letzten Jahr noch in verschiedenen Düsseldorfer und Berliner Kinos, in Museen und Open-Air Veranstaltungen.

Wenn sich Ihnen als Filmfan eine solche Gelegenheit bieten sollte, bitte lassen Sie diese im eigenen Interesse nicht ungenutzt verstreichen. Glauben Sie mir: Auch die sorgfältigste Laserdisc- oder DVDWiedergabe kann Ihnen niemals (auch nur annähernd) den grandiosen Eindruck einer Originalprojektion auf einer großen möglichst gebogenen Leinwand vermitteln. Nur so können Sie Leon Shamroys wunderbare Kameraeinstellungen, seine großartigen Farb-Tableaus in Vollendung genießen.

Logischerweise ist heutzutage alles irgendwo auch ein Kompromiss – die „geretteten“ alten Kopien haben in der Regel nicht mehr die voll-

ständige Länge, weil die LangFassung frühzeitig aus dem Verleih genommen wurde. Bis auf wenige Magnettonkopien gibt es den Film auch nicht mehr in stereophonischem Ton – hier kann eine hervorragende DVD schon einige Lücken schließen.

Vor einigen Jahren wagte sich ein mutiger Fernsehproduzent an eine dreistündige Neuverfilmung von Cleopatra – mit einer drolligen chilenischen Model-Actrice namens Lenor Varela (klingt wirklich irgendwie nach Waschmittel) in der Titelrolle, die sich augenrollend und schwertschwingend abmüht, der Legende neues Leben einzuhauchen. Vollmundig verkündeten die Produzenten, dass Ihre Neuauflage des alten Stoffes den „alten Schinken“ in den Augen der Fernsehzuschauer vergessen lassen werde. Nun, dieses zweifelhafte „Meisterwerk“ hat es auf eine einzige magere Wiederholung gebracht, während im gleichen Zeitraum von Arte bis Kabel der Taylor Film sogar auf unterschiedlichsten Kanälen immer wieder im Programm war – soviel zum Recyceln von Legenden.

Es gibt eben filmhistorische Meilensteine, die nicht umsonst so genannt werden. Cleopatra ist ganz sicher einer davon: einer der farbenprächtigsten und sicherlich kolossalsten „MonumentalSchinken“ aller Zeiten.

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Das große 70mm Filmfestival - Schauburg Karlsruhe

Terminator 2 – Judgment Day ZUR ENTSTEHUNG

„I'll Be Back!“ Keine leere Versprechung, wie sich 2003 herausstellte. Zwölf Jahre nach dem „Judgment Day“ kehrt der „Terminator“ in Gestalt von Arnold Schwarzenegger doch tatsächlich wieder. James Cameron, Regisseur der ersten beiden Teile, konnte sich für das Projekt „Rebellion der Maschinen“ allerdings nicht mehr begeistern: „Hasta la vista, Baby!“ Und es war genau dieser flotte Spruch zur Verabschiedung, welcher zwölf Jahre zuvor endgültig für ein zweifaches „Hallo!“ auf der Hollywoodbühne gesorgt hat.

Denn die ersten beiden „Terminator“-Filme begründeten nicht nur die Karriere von Regisseur Cameron, sie ließen auch den Genredarsteller Schwarzenegger, einen bis dato als hohlen Muskelberg belächelten Ex-Bodybuilding-Champion, in seiner recht wortkargen Titelrolle endgültig zum Superstar der breiten Masse mutieren.

1984 gab der Österreicher zum ersten Mal den futuristischen

Killer-Cyborg mit von menschlichem Gewebe umhüllten Metallskelett; von den Maschinenherrschern der Zukunft nackt wie man ihn schuf in die Gegenwart zurückgeschickt. Seine Mission: eine arglose Kellnerin mit Namen Sarah Connor (Linda Hamilton) zu eliminieren. Die wird nämlich in Bälde einen künftigen Widerstandskämpfer gebären – und das gilt es für die zukünftigen Regenten der Erde mit allen Mitteln zu verhindern. Der Terminator scheitert, weil sein Zielobjekt unerwartete Unterstützung erhält: Kyle Reese (Michael Biehn) eilt Sarah aus der Nachzeit zu Hilfe. Am Ende fällt der tapfere Soldat zwar der alles terminierenden Tötungsmaschine zum Opfer, doch Sarah steht ihre Frau, bringt den Terminator selbst zur Strecke und ihr von Kyle gezeugtes Kind zur Welt.

Sieben Jahre später schlägt dann im Kino der „Judgement Day“: Axel Rose und seine Gunners rocken auf dem Höhepunkt ihrer Karriere mit „You Could Be Mine“

den Soundtrack, und Cameron inszeniert als „Terminator“-Sequel eine leichte Variation des Originals; aber eben alles eine ganze Hausnummer größer und – was das Wesentliche ist – unter umgekehrten Vorzeichen: mit Arnie als Sympathieträger nämlich. Gleich zwei Terminatoren aus dem Jahr 2029 suchen nun nach dem mittlerweile 10-jährigen John Connor (Edward Furlong), zukünftiger Revolutionsführer und Maschinenbezwinger. Doch die beiden Männer aus Stahl haben gänzlich konträre Absichten. Die letzte Hoffnung der Menschheit ist eine gutartige Replik des allseits bekannten Terminators (Arnold Schwarzenegger), in die Gegenwart gebeamt von John Connor selbst, um sein zehnjähriges Ebenbild vor der High-TechKillermaschiene T-1000 (Robert Patrick) zu beschützen. Dieser soll zu Ende bringen, was der T-800 nicht geschafft hat. Der junge John und sein neuer Kumpane T800 befreien Sarah (abermals gespielt von Linda Hamilton) aus der Nervenheilanstalt und ent-

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kommen im Laufe der 137 Minuten ein ums andere Mal nur knapp den Attacken des T-1000.

Mit Hilfe des Computerfachmanns Dyson (Joe Morton), jenem Mann, der die Weltherrschaft ergreifenden Maschinen der Zukunft entwickeln wird, wollen sie den bevorstehenden atomaren Holocaust verhindern. Es endet in einem Showdown, wie er heroischer und dramatischer nicht sein könnte, denn der Prototyp des T-1000 ist Arnies Vorgängermodel in jeder Hinsicht überlegen.

Auch wenn Camerons Sequel aus dem Jahr 1991 inhaltlich wiederum nur wenig mehr als eine kompromisslose Verfolgungsjagd aufzubieten hat, kam sein „Terminator 2“ daher wie ein visionärer ActionKracher aus dem nächsten Jahrtausend, der dem ScienceFiction-Genre folgerichtig einen ganz neuen Impuls verliehen hat: Indem der „Wagner der Stahlopern“ das immense Budget – es war der erste Film überhaupt, der sich mehr als 100 Millionen US-Dollar Produktionskosten rühmen konnte – hervorragend in wegweisende Spezialeffekte investierte, konnte er zu Beginn der 90er Maßstäbe im Popcornkino setzen. Fünf gleichzeitig beschäftigte Special Effects-Firmen zauberten ein Spektakel auf die Leinwand, wie es in dieser Form bislang noch nicht gesehen ward; allen voran die bei T-1000s Flüssigmetall-Effekten angewandte Technik des Computermorphing.

Das begeisterte nicht nur das

Publikum in aller Welt, sondern auch die Academy Of Motion Picture Arts And Sciences und die würdigte Camerons Feuerwerk der Effekte mit vier einschlägigen „Oscars”.

Als dessen eigentliche Leistung darf jedoch das Paradoxum gelten, einen martialischen ScienceFiction-Actionreißer mit einer unmissverständlichen pazifistischen Botschaft gedreht zu haben. Perfekt und extrem gradlinig inszeniert, birgt sein Film außerdem ein genreuntypisches Maß an Ironie, Gefühl und Schrecken. Für letzteren sorgen Camerons Projekte auf eine gewisse Art und Weise eigentlich immer: Sind sie doch vor allem auch berühmt-berüchtigt für ihre explodierenden Produktionskosten. Die haben sich allerdings in fast allen Fällen bezahlt gemacht: Seine Filme sind auch große kommerzielle Erfolge, die im Business in vielerlei Hinsicht lange ihresgleichen suchen müssen und die investierten Gelder um ein Vielfaches wieder einspielen. Da macht auch „Terminator 2“ keine Ausnahme; und Arnold Schwarzeneggers Schlacht ums Schicksal der Erde zum spektakulärsten Filmereignis seiner Zeit.

Terminator 2 – Tag der Abrechnung (OT: Terminator 2: Judgment Day) USA 1991 Erstaufführungskopie von 1991 Präsentiert in 70mm (1:2.21) 6-Kanal Dolby (A) Stereo Magnetton mit Split Surround Englischsprachige Originalfassung 137 Minuten Aufgenommen in Super 35 (35mm Negativfilm)

Stab Produktion: James Cameron; Regie: James Cameron; Buch: James Cameron, William Wisher; Kamera: Adam Greenberg; Musik: Brad Fiedel; Schnitt: Conrad Buff, Mark Goldblatt, Richard A. Harris

Besetzung Arnold Schwarzenegger (Terminator), Linda Hamilton (Sarah Connor), Edward Furlong (John Connor), Robert Patrick (T1000), Earl Boen (Dr. Silberman), Joe Morton (Miles Dyson), S. Epatha Merkerson (Tarissa Dyson), Gastullo Guerra (Enrique Salceda), Danny Cooksey (Tim)

Oscars Best Effects, Sound Effects Editing: Gary Rydstrom, Gloria S. Borders; Best Effects, Visual Effects: Dennis Muren, Stan Winston, Gene Warren Jr., Robert Skotak; Best Makeup: Stan Winston, Jeff Dawn; Best Sound: Tom Johnson, Gary Rydstrom, Gary Summers, Lee Orloff

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Das große 70mm Filmfestival - Schauburg Karlsruhe

Die Geschichte der Schauburg 1906 - 2006 Das altehrwürdige Anwesen in der Marienstraße 16 hat ein nicht unbedeutendes Stück Kino- und Kulturgeschichte der Fächerstadt mitgeschrieben. Grund genug, um den weißen Fleck mit lebendigen Bildern zu füllen; so bezeichnete man die ersten Filmstreifen, die hier einst liefen. Die Kinochronik des Hauses Schauburg begann mit einem auf den ersten Blick ganz gewöhnlichen Inserat des Apollo-Varietés in der „Karlsruher Zeitung“ vom 1. September 1906. Darin war als abschließender Programmpunkt aufgeführt: „Starkes Amerika. Bio-Tableau, Lebende Photographie“. Wohl kaum einer der Bürger in der beschaulichen badischen Residenz dürfte damals eine Ahnung davon gehabt haben, was er sich unter diesem Titel vorstellen durfte. Wie die Be-

zeichnung „Lebende Photographie“ zeigt, war Film damals noch ein völlig unbekanntes Medium.

Zumindest in Karlsruhe, denn es dürfte sich angesichts der damaligen Kommunikationswege wohl noch nicht herumgesprochen haben, dass gerade ein Jahr zuvor in Berlin das erste Kino eröffnet worden war.

Der in der Geschichte des Bewegtbildes bewanderte Filmfreund weiß natürlich, dass mit der Bezeichnung „Bio-Tableau“ nichts anderes gemeint war als die Vorführung von Filmstreifen mit dem von Max Skladanowsky entwickelten Projektionsapparat Bioskop. Im Apollo war ein Modell jenes Apparates installiert, mit dem die Brüder Skladanowsky am 21. November 1895 im Berliner Wintergarten die

erste deutsche Filmvorführung veranstalteten. Die immense Anziehungskraft, welche das neue Medium Film ausübte, führte dazu, dass der Betreiber des ApolloVarietés den bislang saisonalen Programmwechsel auf einen wöchentlichen umstellen konnte.

Begünstigt wurde dies durch ein zunehmend in Gang kommendes Verleihwesen. Schließlich vereinnahmte man noch die offizielle Bezeichnung des Projektionsapparates und nannte den Programmpunkt schlicht „ApolloBioskop“. Mit der Verknüpfung des eigenen Namens und der Bezeichnung jener Vorrichtung zur Projektion von Filmrollen war der Grundstein gelegt, um den Raum ausschließlich zur Vorführung von Filmen zu nutzen.

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Die Umwandlung des ApolloVarietés in ein festes Filmtheater ließ allerdings bis 1912 auf sich warten. Vermutlich fürchtete man durch die Reduzierung auf Filme, das traditionelle Varieté-Publikum zu verprellen und am Ende zu verlieren. Möglicherweise spielte auch der etwas abgelegene Standort in der Südstadt eine Rolle; hatten sich doch bereits sechs feste Filmtheater in bester Innenstadtlage etabliert. Dass man sich dann doch dazu durchrang, im Apollo ein Kino einzurichten, lässt etwas von der enormen Attraktivität des neuen Mediums erahnen. Der Betrieb eines Filmtheaters wurde zum lukrativen Geschäft, das zeigt nicht zuletzt die rasche Vermehrung der Kinos über das ganze Land – und das trotz schärfster Zensurmaßnahmen seitens der Ordnungsbehörden.

Edorado-Kinerama. Mit diesem schillernden Namen tauchte das Anwesen in der Marienstraße 16 im Karlsruher Adressbuch von 1912 erstmals unter der Rubrik „Filmtheater“ auf. So klangvoll der Name, so kurios war auch die Raumgestaltung des Kinos: Kurios vor allem deshalb, weil die Projektion der Filme nicht wie sonst üblich von der rückwärtigen Seite des Raumes auf die Leinwand vorne erfolgte, sondern von einem Projektionsraum aus, der sich hinter der Leinwand an der Rückseite der ehemaligen Bühne des Varietés befand. Die Folge war, dass die rund 340 Besucher des Eldorado-Kineramas die ersten Filme stets seitenverkehrt sahen, was in der damaligen Zeit der „Flohkischd“-Kinos durchaus nicht unüblich war.

Entscheidend für diese Art der Raumgestaltung dürfte die sicherheitstechnische Auflage der Brandschutzpolizei gewesen sein.

Diese verlangte, dass in den Filmtheatern der Projektionsraum hermetisch vom Zuschauerraum abzutrennen ist. Eine durchaus notwendige Verordnung, bestanden doch die Filme damals noch aus sehr leicht entflammbarem NitroMaterial. Nicht selten kam es vor, dass der Film durchschmorte oder ganz in Flammen aufging.

Filmvorführer, das war sprichwörtlich der heißeste Job im Kino. Um

einen solchen Projektionsraum im alten Apollo auf die übliche Weise einzurichten, hätte unmittelbar am Eingang ein drei mal drei Meter großer brandsicherer Kasten errichtet werden müssen, wovon man schließlich absah. Stattdessen wurde ein bereits vorhandener Raum hinter der ehemaligen Bühne genutzt, den man nur noch feuerfest abschotten musste. Die seitenverkehrte Projektion wurde gelassen in Kauf genommen, denn auf filmästhetische Gesichtspunkte legte man damals noch keinen gesteigerten Wert.

Hauptsache, es bewegte sich etwas auf der Leinwand – das Publikum strömte ohnehin in Massen.

Sieben Jahren lang hatte das Eldorado-Kinema Bestand, dann verschwand es plötzlich wieder aus dem Filmtheater-Register des Adressbuchs. Der Grund dürfte wohl darin zu suchen sein, dass sich der Filmtheaterpark in der Innenstadt weiter verdichtet hatte und auch die Ausstattung der Kinos immer luxuriöser wurde. Die Raumgestaltung glich sich immer mehr jener des Theaters an; der Gang ins Kino wurde zu einem gesellschaftlichen Ereignis. Damit konnte die kahle Halle des Eldorado-Kinemas nicht mehr mithalten. Nachteilig wirkte sich nun auch die seitenverkehrte Projektion aus. Plötzlich galten andere Maßstäbe an die technische Präsentation und unter diesem Gesichtspunkt waren die Innenstadtkinos um Längen voraus.

Zehn Jahre ruhte der Filmbetrieb in der Marienstraße 16.

Stattdessen wurde wieder Varietée geboten. Dann aber, im Oktober 1929, schlug die große Stunde: Karlsruhes erstes 600-Plätze-Kino wurde eröffnet – die Schauburg.

Das in Karlsruhe bereits mit einem Filmtheater vertretene Kino-

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Das große 70mm Filmfestival - Schauburg Karlsruhe

Unternehmen Mansbacher und Sohn hatte das mehr schlecht als recht wirtschaftende ApolloTheater erworben und es nach den neuesten filmtechnischen Erkenntnissen zu Karlsruhes erstem Großraumfilmtheater umgestaltet. Für den Umbau waren allerdings tiefgreifende Veränderungen in der alten Raumkonstruktion erforderlich: So mussten sämtliche Pfeiler und Stützen im Innenraum ent-

fernt werden, die den freien Blick zur Leinwand verstellten.

Desgleichen musste die tragende Deckenkonstruktion völlig neu angelegt werden, da die Zugstangen – insbesondere für die Balkonplätze – ebenfalls das Blickfeld entzweiten. Das Ergebnis war ein riesiger, 16 Meter breiter Raum, der den rund 600 Besuchern allerorten eine uneingeschränkte Sicht auf die Leinwand bot. Ebenso neu geschaffen wurde der Vorraum mit Kasse, die Garderobe sowie ein Erfrischungszimmer. Mit einem Kostenaufwand von 125.000 Reichsmark ist aus dem ehemaligen Apollo-Varieté-Theater eine Kino-Arena entstanden, deren Raumwirkung dem neuen Medium Tonfilm, welches sich gerade anschickte, das Land zu erobern, eine adäquate Stätte bot.

Eröffnet wurde die Schauburg mit dem Film „Es flüstert die Nacht...“ mit Lil Dagover und Hans Stüwe.

Es folgten Filme wie „Heimatland – mein Heimatland“, „Mädchen, mein Mädchen, wie lieb’ ich dich“, Luis Trenkers „Die Heiligen drei Brunnen“ und „Die weiße Hölle von Piz Palü“ mit Leni Riefenstahl in der weiblichen Hauptrolle. Und die Entscheidung der Mansbachers, im Apollo-Theater ein Großraumkino einzurichten, sollte sich auszahlen. Den Betrieb der „Flohkischd“ Weltkino in der Kaiserstraße 133 neben der

Kleinen Kirche gaben sie anschließend auf. Die neue Tonfilmtechnik machte das Großraumkino schon aus ökonomischen Gründen erforderlich; verursachte doch die Umrüstung der gesamten Apparatur für die Tonfilmprojektion nicht unbeträchtliche Kosten, die am ehesten durch einen massenhaften Besuch wieder eingespielt werden konnten. Die Schauburg war dafür bestens ausgerüstet.

Sie war in Karlsruhe der ideale Schauplatz für den Tonfilm.

So war es nicht verwunderlich, dass bereits ein halbes Jahr später, im April 1930, der erste vollsynchronisierte Film in der Karlsruher Schauburg lief: „The Singing Fool“. Der in die Geschichte eingegangene Film mit Al Jolson ist ein für die Anfangszeit des Tonfilms typischer Operettenfilm. Der von den Warner Bros. produzierte Streifen war noch nach dem alsbald überholten Vitaphone-Verfahren hergestellt worden, bei dem der Ton mittels riesiger Schallplatten mit 80 Zentimeter Durchmesser synchron zum Film eingespielt werden musste.

Nahezu parallel mit dem Tonfilm schlug man auch in der Politik eine andere Tonart an. Die Nationalsozialisten erschienen auf der Bildfläche, was zur Folge hatte, dass nach der Machtergreifung 1933 die Tage des Kino-Unternehmens Mansbacher gezählt waren. Es fiel dem Antisemitismus der Nazis zum Opfer. Als Jude war dem Schauburg-Gründer Willy Mansbacher nach dem NaziBoykott von 1935 jegliche Tätigkeit untersagt. Er musste das Kino abgeben. Das Unternehmen wurde daraufhin in Schauburg GmbH umbenannt und unterstand der Leitung des Bauingenieurs Richard Brannath, der dann 1937 auch das Rheingold in Mühlburg eröffnete. Mansbacher emigrierte 1937 nach Amerika und konnte sich so dem traurigen Schicksal vieler jüdischer Glaubensgenossen entziehen.

Brachte die Boykott-Verordnung den Schauburg-Gründer um die Betriebsrechte, so führte der von den Nazis provozierte Bombenterror der Alliierten gegen Ende des Zweiten Weltkrieges zur rest-

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losen Vernichtung des Kinobetriebs. Die Karlsruher Südstadt war durch ihre Nähe zum Bahnhof von den Luftangriffen besonders betroffen und im Bombenhagel des Herbstes 1944 wurde die Schauburg bis auf die Grundmauern zerstört.

Drei Jahre lang war das Anwesen Marienstraße 16 eine Trümmerlandschaft, ehe Brannath finanziell wieder in der Lage war, seine Schauburg von neuem aufzubauen. Er konnte sich dabei sowohl der Unterstützung durch die amerikanische Besatzungsmacht als auch der Stadt Karlsruhe sicher sein. Die Amerikaner benötigten nach dem Krieg massig Kinos für ihr Re-Education-Programm, das auch über den amerikanischen Film vermittelt werden sollte. Für die Stadt hingegen waren die Kinos eine lukrative Einnahmequelle, denn Film war das soziale Beruhigungsmittel im Nachkriegsdeutschland; und die Kinos das florierendste Gewerbe der Stadt.

Zum Verbleib in der Südstadt entschloss sich Brannath, weil hier die Grundstückspreise gegenüber der Innenstadt um ein Beträchtliches niedriger lagen. Die daraus resultierenden Ersparnisse wurden umso mehr in den eigentlichen Kinobau investiert. Nicht nur der Kinoraum, der zu Großteilen aus Trümmersteinen gefertigt wurde, sondern auch der komfortable Vorführraum mit eigenem Schlafzimmer für den Vorführer, die Haupthalle mit einer freitragenden Treppe sowie die 25 Meter lange Wandelhalle, die nunmehr den Kinoraum mit dem Eingang an der Marienstraße verband, übertrafen in ihren Ausmaßen alles bislang in der Karlsruher Kinolandschaft Dagewesene. Die neue Schauburg fasste nunmehr 1.000 Besucher, auch dies ein Novum in der Karlsruher Kinogeschichte. Hinter der Leinwand befand sich eine große Bühne, die mit einem regelrechten Schnürboden versehen war, ihr vorgelagert ein Orchesterraum, der 70 Personen fasste.

Mit der wiedererrichteten Schauburg wurde vier Jahre nach Kriegsende in Karlsruhe ein Stück Kinokultur der 20er Jahre nachgeholt.

Erstmals wurde in der Fächerstadt ein Kinopalast realisiert wie sie seit

Beginn der Tonfilm-Ära etwa in Berlin gebaut wurden. Wenngleich sie nur halb so groß war, glich die Schauburg in vielen Punkten der Berliner Lichtburg, die 1929 mit einem Fassungsvermögen von 2.000 Zuschauern eröffnet wurde.

Wieder einmal war es die Schauburg, die einen Höhepunkt der Karlsruher Kinogeschichte setzte. Der Höhepunkt war aber zugleich ein Schlusspunkt: Ein Kino wie dieses wurde im Anschluss nie wieder gebaut. Der schnörkellose Betonklotz sollte in der Wirtschaftswunder-Ära zum kinoarchitektonischen Grundprinzip avancieren.

In der Folgezeit durchlebte das Haus eine wechselvolle Geschichte: Der deutsche Heimatfilm der 50er Jahre bescherte den Kinos einen bislang ungeahnten Zuschauerstrom; um nur „Grün ist die Heide“ als Beispiel anzuführen, den 1951 innerhalb von drei Wochen 75.000 Besucher sahen. Rechnet man diese Zahl einmal auf Tag und Vorstellung um, so bedeutet das ausverkauftes Haus über drei Wochen hinweg. Doch auch die Schauburg bleibt von der Kinokrise der 60er Jahre und ihrem Zuschauerschwund nicht verschont. Man hatte sich an den Ersatzwelten der Heimatfilme satt gesehen, Western- und Actionfilme sprachen nur noch einen kleinen Interessentenkreis an.

Die Folge war, dass Willy Mansbacher, der nach seiner Rückkehr aus dem Exil das Kino wieder übernommen hatte, sich dem allgemeinen Branchentrend anschloss und die Schauburg für 20 Jahre der zum amerikanischen Cinerama-Konzern gehörenden Deutschen Cinerama verpachtete.

Im Zuge der Übernahme wurde die Schauburg 1968 in ein Cinerama-Kino mit Todd-AOLeinwand samt 120 Grad Panorama-Krümmung umgestaltet. Eröffnet wurde die neu gestaltete Schauburg mit Stanley Kubricks „2001 – Odyssee im Weltraum“. Die Zukunftsvision dauerte allerdings nur zwei Jahre.

Danach geriet das Unternehmen in Zahlungsschwierigkeiten, woraufhin Mansbacher den langfristigen Pachtvertrag wieder aufkündigte. Anfang der 70er erwarb

Willy Mansbacher

Georg Fricker

Herbert Born dann Georg Fricker die Schauburg, der sie bis zum Jahr 2004 auch persönlich geleitet hat.

Mit ihm übernahm ein Mann die Regie, der nicht nur einen filmischen Sachverstand mitbrachte, sondern der auch das technische Handwerk des Film- und Kinometiers von der Pike auf erlernt hat. Kurz nach seiner Amtsübernahme beteiligte sich Fricker

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Das große 70mm Filmfestival - Schauburg Karlsruhe

an der Gründung der „Arbeitsgemeinschaft Kino“, deren Ziel es war und immer noch ist, die verbliebenen Filmtheater in ihrem Existenzkampf gegenüber den Kino- und Verleihmonopolen zu unterstützen. Die Grundkonzeption, welche die Arbeitsgemeinschaft in Folge entwickelte, wurde

auch in der Schauburg verwirklicht: Ein Prinzip, das darin besteht durch ein wöchentlich oder täglich wechselndes Filmangebot eine Vielzahl von Filmen – insbesondere des Neuen Deutschen Films, aber auch des internationalen anspruchsvollen Films – vorzuführen, und damit wiederum eine Vielzahl von Interessenten mit unterschiedlichen Vorlieben für bestimmte Filmgenres und -themen sowie Filmemacher ansprechen zu können. Der Erfolg dieser neuartigen Programmpolitik dokumentiert sich in den zahlreichen Auszeichnungen, die Fricker vom Bundesinnenministerium für seine beispielhafte Programmgestaltung erhalten hat. So ist die Schauburg bis heute das einzige Kino Karlsruhes, welches der „Gilde Deutscher Filmkunsttheater“ angehört.

Im Zuge dieser Neugestaltung des Programmangebots entschloss sich die Kinoleitung, den Balkon – das heutige Cinema – vom Hauptraum abzutrennen, um so eine weitere Spielstätte hinzu zu gewinnen. Wenig später baute man einen Nebenraum links der Wandelhalle in einen dritten Kinoraum um, das Bambi. Diese Aufteilung des Kinoraumes hat allerdings nichts mit der in den Kinocentern der Innenstadt durchgeführten Zellteilung nach dem Motto „Aus eins mach fünf“ zu

tun. Dort wurde nämlich die ehemalige Raumkonstruktion in mehrere Schachtelkinos zerlegt, die nichts mehr von der Architektur des ehemaligen Kinos erahnen lassen. In der Schauburg hingegen blieben die Räume erhalten, so wie sie erdacht wurden.

Nach dieser wechselvollen Geschichte, der Zerstörung im Krieg und dem Wiederaufbau mit Hilfe der Amerikaner und der Leitung über mehr als drei Jahrzehnte hinweg durch Georg Fricker übergab dieser die Schauburg Ende 2004 an seinen Nachfolger Herbert Born. Dem Umstand, dass sowohl Fricker als auch Born absolute Kinofanatiker sind, ist es zu verdanken, dass das Haus heute trotz aller finanziellen Sorgen als eines der letzten Filmtheater in Europa über die aufwendige ToddAO-Technik verfügt und deshalb noch in der Lage ist, 70mm-Filme auf die speziell gekrümmte ToddAO-Leinwand zu projizieren.

Unvergessen auch die „Star Trek“Nächte mit Frühstück, „Rocky Horror Picture Show“-Events und natürlich die legendären Silvesterparties. Nie verlor man die Tatsache aus den Augen, dass die Schauburg einst aus einem Varieté-Theater entstanden ist. So gab es immer wieder Gastspiele des Schwarzen Theaters Prag,

auch André Eisermann gastierte mit seiner Bühnenshow, einer Hommage an das fahrende Volk, in der Marienstraße. Bei diesen Gelegenheiten konnte die alte Bühne, eine der größten in ganz Karlsruhe, genutzt werden.

Natürlich gab es auch immer wieder Kooperationen mit dem nahe gelegenen Badischen Staatstheater. In der Reihe „Theater und Film im Dialog“ beispielsweise werden ausgewählte Theaterinszenierungen immer wieder mit Filmen verglichen, die sich dem gleichen Stück widmen.

Doch hat die Schauburg natürlich nicht nur für das erwachsene Publikum etwas zu bieten: Das „Kinderkino“, täglich um 15 Uhr, ist nicht mehr aus der Karlsruher Kinolandschaft weg zu denken.

Generationen von Kindern konnten sich schon an Pippi Langstrumpfs Abenteuern, den Geschichten von Michel aus Lönneberga und Walt Disneys Klassikern erfreuen; regelmäßige Schulvorstellungen mit pädagogisch anspruchsvollen Filmen tragen zum leichten Lernen bei.

Ein weiteres Highlight im Karlsruher Kulturkalender sind die „Open Air Kino-Nächte“ am Schloss Gottesaue, mit welchen die Schauburg in diesem Jahr bereits zum zwölften Mal und über annähernd zwei Monate hinweg Film unterm Sternenhimmel präsentierte. Die Bildwand von 24 x 10 Meter macht die Open AirNächte vor der idyllischen Schlosskulisse allsommerlich zu einem Kinoerlebnis für bis zu 3000 Zuschauer pro Abend.

Und nicht zuletzt erfreut es, dass Qualität ihre Würdigung erfährt: 28 Mal bereits wurde die Schauburg über die Zeit vom Bundesminister des Inneren für ihr hervorragendes Jahresfilmprogramm ausgezeichnet, 18 Male ehrte das Ministerium für Kunst, Wissenschaft und Kultur in Baden-Württemberg das hochwertige Programm der Schauburg, die auch im 100. Jahr ihres Bestehens eifrig dabei ist, Karlsruher Kino- und Kulturgeschichte zu schreiben.

Gala - Vorführung in Abendgarderobe von

Titanic Am Samstag, 7.10.06

VIELEN DANK AN UNSERE SPONSOREN, OHNE DEREN UNTERSTÜTZUNG DIESES FESTIVAL NICHT MÖGLICH GEWESEN WÄRE: