SPANISH & GERMAN EDITION dp57 Oct-Nov 2010 1euro
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Paris Photo 2010
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By CANIZALES
Daniel Canogar
Foto © Juan Antonio Briñas
© Gilbert Ortiz
Daniel Palacios
El Solleric o l’epicentre das Epizentrum der de la nit de l’art Nit de l’Art Un any més, el Casal Solleric s’ha convertit en l’epicentre de la Nit de l’Art. Les quatre propostes expositives presentades aquella nit configuren en el seu conjunt una oferta variada i de primera magnitud de la que es podrà gaudir fins el mes de novembre. La planta noble del Casal Solleric acull una retrospectiva de Ferran Aguiló –que permet revisar la seva trajectòria al llarg de vint-i-cinc anys–, protagonitzada per un corpus creatiu replet de formes zoomòrfiques i orgàniques a partir de la seva obsessió per les possibilitats estètiques del material procedent dels desfets industrials. Una vegada més el còmic torna a aquest centre de la mà de Wally Wood, un mite al que els comissaris Florentino Flórez i Frédéric Manzano han consagrat l’exposició Woodwork, integrada per gairebé 200 originals i que permet un minuciós recorregut per totes les etapes i personatges d’aquest creador nord-americà. Una esplèndida publicació de més de 350 pàgines acompanya la mostra, i esdevé el llibre de referència d’aquest geni del món del còmic. Com a novetat, el Casal Solleric inclou a la seva programació un nou projecte conceptualitzat per Joan Carles Gomis i comissariat per Pau Waelder i Fernando Gómez de la Cuesta anomenat ZONA ZERO, una proposta oberta als nous llenguatges de l’art contemporani i que es mantindrà sensible a les noves dinàmiques d’una cultura més oberta a la relació obra-públic, a les ciències i la tecnologia i als espais urbans. “Espai Reservat” –títol genèric d’aquest primer cicle de Zona Zero– s’enceta amb “Outcomes”, de l’artista cordovès Daniel Palacios, que presenta una instal·lació interactiva que genera sons davant la presència del públic. Finalment, l’Espai Quatre acull “Enredos”, una instal·lació de Daniel Canogar – artista que malgrat la seva joventut gaudeix d’una ampla projecció internacional–, que fa al·lusió a les noves xarxes digitals que d’una banda ens connecten, però que, d’altra, ens “atrapen” i “embullen”.
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Das Casal Solleric war auch in diesem Jahr wieder das Epizentrum der Kunstnacht Nit de l’Art. Die vier abwechslungsreichen und hochkarätigen Ausstellungen, die in jener Nacht eröffnet wurden, können noch bis November besucht werden. Im ersten Stock ist eine Retrospektive von Ferran Aguiló zu sehen, die einen Überblick über sein Schaffen der vergangenen 25 Jahre gibt. Seine Skulpturen zeigen vor allem zoomorphische und organische Formen, bevorzugtes Rohmaterial des Künstlers sind industrielle Abfälle wie zum Beispiel Alteisen. Auch der Comic ist im Solleric mal wieder vertreten, und zwar in Form der Werke von Wally Wood, einem wahren Mythos des Genres, dem die Kuratoren Florentino Flórez und Frédéric Manzano die Ausstellung Woodwork gewidmet haben. An die 200 Originalzeichnungen erlauben eine minutiöse Übersicht der verschiedenen SchaffensEtappen und Figuren des nordamerikanischen Künstlers. Ein schöner und über 300 Seiten starker Katalog ergänzt die Schau und wird zum Pflichtwerk für alle, die sich für dieses Genie der Comicszene interessieren. Ein Neuheit im Solleric ist das von Joan Carles Gomis konzipierte und von Pau Waelder und Fernando Gómez de la Cuesta kommissarisch betreute Projekt ZONA ZERO, das den neuen Ausdrucksformen der zeitgenössischen Kunst einen Platz bieten will. Die Ausstellungen des Projekts zeichnen sich durch eine frische Dynamik aus und öffnen sich der Kunst in Richtung der Beziehung Werk-Zuschauer, aber auch für Wissenschaft und Technologie. Espai Reservat , so der Name des ersten Projektzyklus, wird mit der Ausstellung Outcomes des aus Cordoba stammenden Künstlers Daniel Palacios eröffnet: in seiner interaktiven Installation erzeugen die Besucher durch ihre bloße Anwesenheit Geräusche. Im Espai Quatre wird schließlich Enredos gezeigt, eine Installation von Daniel Canogar. Der Künstler hat sich trotz seiner jungen Jahre bereits international einen Namen gemacht, „Enredos“ nimmt Bezug auf die neuen digitalen Netzwerke, die uns einerseits verbinden, andererseits aber „fangen“ und „einwickeln“. Por/Von Elisa Reus
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Miqui Otero Montañas rusas
Achterbahnen
Cuando suena una canción, la letra y la melodía conjuran muchos sentimientos e historias asociadas que crecen como las ondas del agua cuando cae una piedra. La piedra sólo cae en un punto, pero todo el estanque se alborota. (Hilo Musical, Alpha Decay, 2010)
Wenn ein Lied erklingt beschwören Text und Melodie viele Gefühle und damit verbundene Geschichten hervor, die sich weiter und weiter ausbreiten wie die Wellen, wenn man einen Stein ins Wasser wirft. Der Stein fällt nur auf einen Punkt, doch das ganze Becken gerät in Bewegung. (Hilo Musical, Alpha Decay, 2010)
Debe de hacer un año aproximadamente desde que oí hablar de la novela de Miqui Otero. No era él quien lo decía sino uno de sus más fieles amigos. Tampoco me lo decían a mí, pero Barcelona es un pueblo que puede llegar a ser más pequeño que la comunidad de animales disfrazados que habita Villa Verano, parque de atracciones donde transcurre la novela. Conocido agitador cultural, periodista musical, miembro del sello discográfico Doble Vida Discos que edita vinilos de 7”, jefe de cultura del diario ADN. ¿Algo más? Sí, desde ahora uno de los escritores pop referentes del panorama nacional. Hilo Musical es musical, valga la redundancia. Por su ritmo, sus constantes referencias a la banda sonora que envuelve nuestras vidas, sus onomatopeyas, sus personajes que compran guitarras de contrabando, sus espacios en blanco equivalentes al silencio y su cinta de cassette de Las Rápidas y las Lentas. Pero es más cosas. Con toques de divertido surrealismo, la novela narra la historia de iniciación de un chico viejoven en el mundo de los adultos, una pérdida de virginidad -literal y metafórica- en la que el inocente sale vencedor, y que tiene como escenario un parque de atracciones con empleados disfrazados de animales que acatan las estrictas y abusivas normas de los propietarios. Pero no lo hacen sin rechistar y crean una comunidad alternativa que organiza fiestas y cuyos miembros tramarán una gran venganza, una catarsis final de bombas fétidas y fuegos artificiales a la que se llega por un camino entretenido, al más puro estilo de una novela de aventuras. Otero ha construido una excelente ópera prima, que se verá pronto seguida de un segundo libro, esta vez en la editorial Blackie Books.
Vor etwa einem Jahr hörte ich zum ersten Mal von dem Roman von Miqui Otero. Nicht er selbst erzählte davon, sondern einer seiner treuesten Freunde. Und er erzählte es auch nicht mir, aber Barcelona ist ein Dorf, das manchmal noch kleiner sein kann als die Gemeinschaft der Tierkostümträger, die die Villa Verano bewohnen: den Vergnügungspark, in dem der Roman spielt. Der bekannte Kultur-Agitator ist Musikjournalist, Mitglied des Labels Doble Vida Discos, das 7-Zoll-Schallplatten herausbringt, Kulturchef der Zeitung ADN. Sonst noch was? Ja, seit neuestem ist er einer der Pop-Autoren des Landes. Hilo Musical (zu Deutsch: Musikberieselung) ist musikalisch, man möge die Redundanz verzeihen. Wegen des Rhythmus, der konstanten Verweise auf den Soundtrack unseres Lebens, der Onomatopoesie, der Figuren, die geschmuggelte Gitarren kaufen, und wegen der weißen Stellen im Buch, die für Stille stehen. Und das ist noch nicht alles. Mit einem Hauch von vergnüglichem Surrealismus erzählt der Roman die Geschichte der Initiation eines Jungen in die Welt der Erwachsenen, von dem Verlust der Unschuld (sowohl übertragend als auch wörtlich), und all das vor dem Szenario eines Vergnügungsparks, dessen als Tiere verkleidete Mitarbeiter brav die strengen Regeln der Parkbesitzer befolgen. Ganz so brav dann doch nicht: sie schaffen sich eine alternative Gemeinschaft, die Partys organisiert und deren Mitglieder eine große Racheaktion aushecken, eine finale Katharsis in Form von Stinkbomben und Feuerwerk. Der Weg dorthin ist – wie bei einem klassischen Abenteuerroman – äußerst unterhaltsam. Otero hat ein wunderbares Erstlingswerk geschrieben, auf das bald ein zweiter Roman folgen wird, diesmal im Verlag Blackie Books.
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Por/Von Cati Bestard Foto Dani Cantó
Joaquín Secall
La viñeta como escaparate poliédrico “Españoles. (Pausa dramática). Imitar a Chiquito ya no es tendencia”. Esta sentencia lapidaria enunciada por el busto parlante y malrrollista de Arias Navarro, bien podría pertenecer a una de las tiras cómicas de Joaquín Secall, dibujante de cómics, ilustrador y guionista que se ha dado a conocer masivamente máxime por sus tiras cómicas publicadas en el suplemento EP3 del diario El País y en La Gaceta Universitaria. La comic strip Si Secall es capaz de verle la vis burlesca a un icono gris de la Dictadura, transmutándolo en un termómetro fashionista, en la tira Ataque Culjanter critica la obsesión por lo cool y estar a la última en todo momento. La Culjanter –personaje que con su fijación fetichista por el pantalón pitillo cuenta con una plétora de fans- esgrime un humor que pone a caldo el lado más frivolón del mundo de la moda, mundo que Secall sí conoce desde que trabajó una temporada como escaparatista y diseñador de interiores, además de su vigente trabajo en editoriales de moda como Madriz. La inmediatez y accesibilidad del formato narrativo de la tira le sirve para hacer alarde de un sarcasmo que pone en su punto de mira cítrico tanto la sociedad de consumo, como se posiciona con los antitaurinos, o critica la labilidad con la que adoptamos costumbres urbanas de una temporada a otra. Queda patente, pues, que goza de una gran capacidad de observación de su entorno, de libertad en el tono, y que entra a saco en temáticas sociales delicadas cuando le apetece, sin presiones impuestas. El hombre de la ilustración Si en sus viñetas encontrábamos trazos sintéticos, una explosión de color y evocaciones oníricas se encuentran en sus ilustraciones, que cubren portadas de libros o la parte gráfica de CDs, como la del grupo Emak Bakia. Aquí, su estética se vuelve más seductora y corretea por las lindes del pop art, de la provocación, de lo sexy. Trastoca su delineación simplificada por una más figurativa y vectorial, más expresiva. Como ilustrador, destaca por su versatilidad estilística y temática, que nos adentra en el mundo de la magia, de los ritos paganos, y activa el sentido de la maravilla para trascender lo redundante y huir de lo mundano. El abajo firmante siente debilidad por Anillo de Fuego (Acuarela Libros), comic book que cuenta con sus ilustraciones y texto de Javier Lucini sobre los aspectos más remarcables de la trayectoria del Hombre de Negro, Johnny Cash. La obra gráfica de Secall explora referencias (guiños con rímel tóxico) y destila ironía generacional que esboza de manera ceñida en situaciones cotidianas pasadas por el tamiz de lo moderno: estilos de vida que la mayoría reconocemos de inmediato y que, las más de las veces, también aborrecemos más rápido aún.
Kurz, frech und witzig sind die Comic-Strips von Joaquín Secall. Der Zeichner, Illustrator und Drehbuchautor ist einem großen Publikum durch die Veröffentlichung seiner Comics in der Wochenendbeilage EP3 der Zeitung El País bekannt geworden. Comics In der Serie Ataque Culjanter kritisiert Secall humorig das zwanghafte Verlangen, cool und modisch upto-date zu sein. Die Figur des Culjanter (Verballhornung von „Coolhunter“) verfügt ob der fetischistischen Fixierung auf Röhrenhosen über eine riesige Fangemeinde und spottet mit viel Humor über die oberflächliche Modewelt: Eine Welt, die Secall während einer Saison lang als Schaufensterdekorateur und Inneneinrichter kennen gelernt hat. Die Unmittelbarkeit und der leichte Zugang zu der Erzählform des Comic-Strips ermöglichen ihm einen sarkastischen Blick auf die Konsumgesellschaft oder auf die Selbstpositionierung der Stierkampfgegner, er kritisiert aber auch die Labilität, mit der wir uns von einer Saison auf die andere urbanen Trends anpassen. Womit bewiesen wäre, dass er über ein unglaubliches Observationsvermögen gegenüber seiner Umwelt verfügt und dass er sich ohne Tabus ausgiebig schwierigen sozialen Themen widmet, wenn ihm danach ist. Der Illustrator Während in seinen Comics synthetische Züge vorherrschen, sprühen seine Illustrationen nur so vor Farbe und Traum-Reminiszenzen. Sie zieren Buchcover oder CD-Booklets wie beispielsweise das der Band Emal Bakia. Hier wird seine Ästhetik verführerischer und er tollt zwischen Grenzen von Pop Art, Provokation und Sexappeal herum. Seine Illustrationen fallen wegen der stilistischen und thematischen Vielseitigkeit auf, die uns in eine Welt der Magie und der heidnischen Bräuche entführt und den Sinn für das Wunderbare weckt. Die grafische Arbeit Secalls erforscht Bezugssysteme (augenzwinkernd mit giftiger Wimperntusche) und destilliert Generations-Ironie, die auf sparsame Art moderne Alltagssituationen skizziert: Lebensstile, welche die Mehrheit von uns sofort wieder erkennt und die uns in den meisten Fällen noch schneller auf die Nerven gehen.
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joaquinsecall.com joaquinsecall.blogspot.com
Comic als polyedrisches Schaufenster
Por/Von Dani Nicolau
Fotografía realizada en peluquería caballeros Buades
Zona Zero
El corrupto negocio del arte Das korrupte Kunstgeschäft Ya tengo un titular, explico al abrir la libreta. Ah, ¿sí? ¿Cuál?, me pregunta Fernando. “El corrupto negocio del arte”. Fernando es Fernando Gómez de la Cuesta, vecino de páginas en esta revista, y junto a él está sentado Pau Waelder, compañero de Fernando en la crítica de arte y co-comisario junto a él de Zona Zero y del ciclo de exposiciones Espai Reservat, una nueva propuesta del Casal Solleric que les ha permitido ocupar la sala pequeña del casal para desarrollar un proyecto autónomo con total libertad de movimientos. “La idea es que sea en cierto sentido una sala autónoma, que como el espacio que dejaron las Torres Gemelas es un territorio vacío en el que está todo por construir. Queremos aprovechar también que la sala da a la calle y que es la primera que te encuentras cuando entras en el Solleric”. Su primera exposición ha sido ‘Outcomes’ de Daniel Palacios, quien estuvo unos días en la isla ofreciendo un taller en el Quarter d’Intendència, algo que Waelder asegura que van a repetir siempre que sea posible. Una serie de pilares de metal interconectados que producen diferentes ritmos y sonidos dependiendo de la proximidad del espectador o espectadores. “Sabíamos que el público tocaría las piezas, pero los ha habido que han ido bastante más lejos tumbando los cilindros para ver qué había dentro”, explican. En un momento dado Gómez de la Cuesta pronuncia las palabras “la suspensión de la reverencia”. Tanto Gómez de la Cuesta como Waelder están de acuerdo conmigo en que deberían cobrarte un euro cada vez que uses la palabra ‘emergente’, ‘interactivo’ o ‘sinergia’. “Pero en este caso es complicado no usar la palabra ‘interactivo’, porque lo es”. También está clara la apuesta por artistas jóvenes y por dotar al proyecto de una vida más allá del Casal Solleric. Uno de los detalles más interesantes del proyecto y el que puede generar mayores sinergias (-1€) es el blog de Zona Zero, con ramificaciones en Flickr, Youtube y Facebook. “La forma en que nos relacionamos está cambiando, también la forma en que consumimos arte. En el blog contamos todo el proceso que ha culminado en la exposición, mostrando incluso los bocetos. La idea es que no sea necesario estar en la sala para visitar la exposición”. Y que el público pueda debatir, comentar, criticar. “El arte contemporáneo genera incertidumbre”, comenta alguno de los dos, aunque podrían ser ambos. Y yo pienso que en realidad la incertidumbre nos viene de fábrica y que el arte quizás no sea un negocio tan corrupto, al fin y al cabo. No más, al menos, que la repostería y la ciencia.
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Ich hab schon eine Überschrift, erkläre ich beim Aufschlagen des Notizbuchs. Ach ja? Welche?, fragt mich Fernando. “Das korrupte Kunstgeschäft”. Fernando ist Fernando Gómez de la Cuesta, Autor dieser Zeitschrift, neben ihm sitzt Pau Waelder, wie Fernando Kunstkritiker und Co-Kurator von Zona Zero und dem Ausstellungszyklus Espai Reservat. Das Casal Solleric hat ihnen für die Entwicklung dieses neuen Projektes den kleinen Saal zur Verfügung gestellt, in dem sie völlige Handlungsfreiheit haben. „Der Raum soll in gewissem Sinn eigenständig sein, so wie der Raum, der nach dem Einsturz der Twin Towers entstand, und dessen Leere erst ausgefüllt werden muss. Wir wollen uns zu Nutze machen, dass der Saal im Erdgeschoss liegt und das erste ist, was der Besucher des Sollerics sieht.“ Die erste Ausstellung war „Outcomes“ von Daniel Palacios: Eine Reihe metallener, unter einander verbundener Säulen, die verschiedene Klänge erzeugen, je nach dem wie weit sich der Zuschauer ihnen annähert. „Wir wussten, dass die Besucher die Säulen anfassen würden, aber einige haben die Zylinder sogar umgeworfen um zu sehen, was sich in ihnen befand“, erzählen sie. Gómez de la Cuesta spricht in diesem Zusammenhang von „Aussetzung der Ehrerbietung“. Sowohl Gómez de la Cuesta als auch Waelder stimmen mir zu, dass man jedes Mal einen Euro bezahlen müsste, wenn man die Worte „aufstrebend“, „interaktiv“ oder „Synergie“ in den Mund nimmt. „Aber in diesem Fall ist es schwer, das Wort „interaktiv“ nicht zu verwenden, denn genau das ist es“. Die Zona Zero setzt auf Nachwuchskünstler und will dem Projekt auch außerhalb des Solleric Leben einhauchen. Eines der interessantesten Details, das die meisten Synergien (-1€) hervorbringen könnte, ist der Zona Zero Blog, der mit Flickr, Youtube und Facebook vernetzt ist. „Die Form der Kontaktaufnahme ändert sich, und auch die Art unseres Kunstkonsums. Im Blog erklären wir den ganzen Prozess, der schließlich in der Ausstellung gipfelte, zeigen sogar Entwürfe. Die Idee dahinter ist, dass man den Raum nicht betreten muss, um die Ausstellung zu sehen“. Und dass das Publikum debattieren, kommentieren und kritisieren kann. „Die zeitgenössische Kunst erzeugt Unsicherheit“, erklärt einer der beiden. Und ich denken, dass die Unsicherheit schon ab Werk mitgeliefert wird und dass die Kunst am Ende vielleicht doch kein so korruptes Geschäft ist. Wenigstens nicht korrupter als Konditorei oder Wissenschaft. Por/Von Joan Cabot Foto Gori Vicens
llautdigital.com
Llaüt Digital Matar a un panda
Den Panda töten
Esta es la historia de cuatro amigos que fantaseaban con poder vivir de sus ideas, una historia que no tendría mucho de especial si no fuera porque están a punto de conseguirlo. Lluís Prieto es el capitán de esta fantasía, junto con Miguel Ángel Torres, Jaime Carlos y Brian Pin, fundadores de Llaüt Digital, una productora afincada en Mallorca que ha realizado trabajos para Chupa Chups en Japón, Barça TV o la editorial RBA, pero que ha logrado el reconocimiento local gracias a los videoclips del grupo Papá Topo. “Cuando quise volver de Barcelona no tenía ningún proyecto, así que tuvimos que crearlo. Forma parte de nuestra filosofía, si no hay carretera, la hacemos”, afirma Prieto sobre los inicios de una empresa que tiene dos años de vida. Gracias a sus contactos de Barcelona, Llaüt Digital tuvo la posibilidad de empezar con proyectos de fuera de la isla, hasta que un día escucharon Oso Panda, una canción de un curioso y pegadizo grupo formado por dos adolescentes. “Les llamamos y les propusimos hacer el videoclip de Oso Panda, les contamos nuestra idea y nos dijeron que ellos lo que querían era matar al panda. Y así lo hicimos”. De ese primer encuentro surgió una colaboración y una amistad que continúa a distintos niveles y acumula excelentes resultados: Oso Panda ostenta más de 100.000 visitas en Youtube. Y su segundo vídeo, Lo que me gusta del verano lleva más de 20.000 a pocas semanas de su estreno. La clave, el entusiasmo. “Cuando algo nos apasiona nos liamos tanto que perdemos totalmente la perspectiva económica”. A pesar de la multitud de referencias que muestran sus realizaciones, Prieto reconoce que “no está al día” y que su inspiración proviene básicamente de ir por la calle escuchando música y observando escenas cotidianas. Entre sus planes inmediatos, tres videoclips, uno de Bla! (Elefant Records), uno de un nuevo grupo de Palma y la conclusión de la trilogía Papá Topo con su nuevo single La chica vampira, otro vídeo que sin duda dará que hablar.
Dies ist die Geschichte von vier Freunden die davon träumten, von ihren Ideen leben zu können. Die Geschichte wäre eigentlich nichts besonderes, wenn sie nicht kurz davor stünden, sie auch wahr werden zu lassen. Lluís Prieto ist der Kopf dieser fixen Idee, die er gemeinsam mit Miguel Ángel Torres, Jaime Carlos und Brian Pin, den Gründern von Llaüt Digital, Wirklichkeit werden lässt. Llaüt Digital, Produktionsfirma mit Sitz auf Mallorca, hat schon Arbeiten für Chupa Chups in Japan, für Barça TV und den Verlag RBA realisiert, auf der Insel wurden sie aber erst mit den Videoclips für die Band Papá Topo bekannt. “Als ich aus Barcelona zurückkehren wollte hatte ich kein neues Projekt in petto, also mussten wir uns selbst eines ausdenken. Das ist Teil unserer Philosophie: Wenn es keine Straße gibt, dann bauen wir sie halt”, so erklärt Prieto de Anfänge einer Firma, die jetzt seit zwei Jahren besteht. Dank der in Barcelona geknüpften Kontakte konnte Llaüt Digital mit Projekten außerhalb der Insel anfangen, bis sie eines Tages Oso Panda hörten, Ohrwurm einer eigentümlichen Band aus zwei Halbwüchsigen. “Wir riefen sie an und schlugen ihnen vor, den Videoclip zu Oso Panda zu drehen, und sie sagten uns, sie wollen den Panda töten. So haben wir’s gemacht.” Aus diesem ersten Treffen wurde eine enge Zusammenarbeit und Freundschaft, die sich auf verschiedenen Ebenen weiterentwickelt und großartige Ergebnisse hervorbringt: Oso Panda kam auf Youtube auf stolze 100.000 Besucher. Und ihr zweites Video zu Lo que me gusta del verano haben sich schon wenige Wochen nach dem Erscheinen über 20.000 Leute angeschaut. Das Geheimnis: Der Enthusiasmus. “Wenn wir von etwas begeistert sind hängen wir uns so rein, dass wir die finanzielle Perspektive total aus den Augen verlieren.” Trotz der unzähligen Anspielungen in ihren Videos gesteht Prieto, dass er “nicht up-todate” ist und seine Inspiration hauptsächlich daraus bezieht, Musik hörend durch die Straßen zu streifen und Alltagsszenen zu beobachten. In nächster Zeit stehen drei neue Clips an, einer für Bla! (Elefant Records), einer für eine neue Band aus Palma und der letzte Teil der Papá Topo-Trilogie für die neue Single La chica vampira – auch dieses Video wird ganz sicher von sich reden machen.
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Por/Von Cati Bestard
toormix.com
Toormix Cocina de ideas
IdeenKüche Cocina de ideas
Ferran Mitjans y Oriol Armengou celebran este año el décimo aniversario de Toormix, un estudio creativo especializado en diseño y dirección de arte que empezó con un claro objetivo: “trabajar cerca del cliente, con una estructura pequeña y ganas de innovar -en la medida de lo posible- en códigos gráficos y visuales”. Su sede está en Barcelona, urbe que recibe con la misma crítica que entusiasmo el apodo de “ciudad del diseño”. En este sentido, desde su punto de vista, la ciudad condal está “sobrevalorada”, aunque es innegable que cuenta con “buenos estudios y una buena imagen internacional que beneficia a las empresas dedicadas al diseño”. Fieles seguidores de publicaciones y revistas como Creative Review, Etapes, Beautiful Decay, Wallpaper, Foam, Butt Magazine, Fantastic Man o Monocle y blogs y revistas online como Itsnicethat, Formfiftyfive, The Dieline o Swissmiss, estos configuran algunos de los referentes de diseño que pueden encontrarse de una u otra manera en sus trabajos. No en vano cuentan en su haber con trabajos realizados para importantes firmas como Camper, Desigual o Nike, pero también con una larga lista de clientes institucionales como el Mercat de les Flors, el FAD o el Institut de Cultura de Barcelona. Una de las quejas recurrentes de muchos creativos es la dificultad de acuerdo con el cliente durante el desarrollo de un trabajo. Ellos, sin embargo, lo solucionan con “un briefing claro, un proyecto coherente y bien estructurado”, un hecho que reduce las dificultades al mínimo. “Si trabajas bien el briefing, las únicas valoraciones que pueden surgir al final son las clásicas de este color no me gusta, ante lo cual es muy difícil luchar”. Entre sus clientes y proyectos actuales e inmediatos se encuentran la elaboración de la identidad de marca y el diseño de dos restaurantes y una institución en EE.UU., una tienda de ropa online, la identidad de una fundación polaca y un proyecto de reducción de residuos a nivel estatal, entre otros.
Ferran Mitjans und Oriol Armengou feiern in diesem Jahr den 10. Geburtstag von Toormix, ein auf Design und künstlerische Leitung spezialisiertes Kreativstudio, das mit einem klaren Ziel gegründet wurde: „Nah am Kunden arbeiten, mit kleiner Struktur und Lust auf Innovation –im Rahmen des Möglichen– im Bereich der grafischen und visuellen Codes.“ Sitz des Studios ist in Barcelona, der „DesignStadt“, wie sie sowohl Kritiker als auch Fan bezeichnen. In diesem Sinn wird die Stadt aus Sicht der beiden Designer „überschätzt“, auch wenn sie nicht bestreiten, dass Barcelona über „gute Studios und ein gutes internationales Image“ verfügt, die sich positiv auf den Werbe-Sektor auswirken. Die beiden sind treue Leser von Magazinen wie Creative Review, Etapes, Beautiful Decay, Wallpaper, Foam, Butt Magazine, Fantastic Man und Monocle und von Blogs und Online Magazinen wie Itsnicethat, Formfiftyfive, The Dieline oder Swissmiss, und die bilden eine Art Design-Referenz, die sich auf die ein oder andere Art in ihren Arbeiten wieder findet. Nicht umsonst zählen so bedeutende Unternehmen wie Camper, Desigual oder Nike zu ihrer Kundendatei, in der auch Institutionen wie der Mercat de les Flors, das FAD oder das Institut de Cultura de Barcelona zu finden sind. Eine in Designerkreisen immer wieder zu hörende Klage ist, wie schwer eine Übereinstimmung mit dem Kunden während der Entwicklungsphase einer Arbeit zu erreichen sei. „Ein klares briefing und ein schlüssiger und gut strukturierter Projektentwurf“, damit reduzieren die beiden dieses Problem auf ein Minimum. „Wenn das briefing stimmt, sind die einzigen Bewertungen am Ende die Klassiker wie diese Farbe gefällt mir nicht, gegen die man natürlich kaum ankommt.“ Momentan arbeiten sie unter anderem an einer Markenidentität, dem Design zweier Restaurants und einer amerikanischen Institution, einer Online-Modeboutique, dem Erscheinungsbild einer polnischen Stiftung und an einem Projekt zur Abfallreduzierung auf staatlicher Ebene.
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Por/Von Cati Bestard
Nos vino a buscar Ken Loach, estábamos en el casting de Big Brother. Tercer homenaje a la ciudad de Londres. [Brick Lane Street. 22 de julio de 2010] Jong Ki Love®
Quise ser pantonero pero me falló el modus operandi. MUSAC, León Jong Ki Love®
20,30 horas, 32 grados. Sólo quería ir de cacería. Fucking hell. Plaza frente al Congreso de los Diputados, Madrid. 30 de junio de 2010. Jong Ki Love®
Jong Ki Love Los “ciudadanos” toman las calles Cuando pasees por Madrid, unos pequeños ojos pueden estar observándote desde cualquier lugar: son los ciudadanos... Miniaturas, pequeñas figuras que pueblan la capital y otras ciudades como Barcelona o Cádiz y representan escenas que quedan plasmadas en instantáneas que toma su creador, Jong Ki Love, de estas pequeñas obras surrealistas o con aires “románticos” o reivindicativos. Este artista madrileño se considera un reformador callejero y sus herramientas son un bote de pegamento extrafuerte Loctite Superglue 3 con pincel y una Sony DSC T-10. El resto imaginación, ironía y originalidad en el proyecto que Jong Ki Love ha titulado “We are not alone” y al que internet también da acceso para todos los que no encuentren a los Ciudananos en los rincones más inesperados donde los ubica su creador. El objetivo de Jong Ki Love es modificar la realidad y sus escenas de lo más variopintas: desde un hombre y una mujer “adosados” en Cercedilla, al buzo perdido sobre una piedra que echa de menos el mar en plena carretera vallisoletana, o las que con ironía tratan la realidad como la mujer en cuclillas en la barandilla de una estación de metro reclamando servicios mínimos. Estas figuras de pocos centímetros han formado parte durante meses de la vida de algunas personas como la mujer atrapada en las taquillas del Cine Doré de Madrid, una más ya entre los trabajadores de este emblemático establecimiento. Con más satisfacción que al encontrar la rana sobre la calavera de la portada de la Universidad de Salamanca cualquiera se puede topar con las miniaturas de Jong Ki que se presentan en cualquier lugar como mini-instalaciones y que terminan cuando el espectador siente la necesidad imperiosa de arrebatarlas de su lugar original y las rapta. Estos nuevos Ciudadanos instan a vivir y a mirar la realidad con otros ojos en El Manifiesto por la Visibilidad de los Ciudadanos porque “Yo veo cosas que no creeríais”. Jong Ki Love ofrece una nueva perspectiva del arte y la realidad.
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Wenn du durch Madrid spazierst könnte es sein, dass kleine Äuglein dich von allen Seiten beobachten: das sind die Bürger. Die kleinen Miniaturfiguren bevölkern die Hauptstadt und andere Städte wie Barcelona oder Cadiz und stellen Momentaufnahmen dar, die sich Jong Ki Love ausdenkt: der Madrilene ist der Erschaffer dieser kleinen, surrealistischen Werke. Der Künstler selbst betrachtet sich als einen Reformer der Straße, und seine Werkzeuge sind eine Dose Sekundenkleber der Marke Loctite Superglue 3 samt Pinsel und eine Sony DSC T-10. Weitere Zutaten des Projektes „We are not alone“ sind Fantasie, Ironie und Originalität, und dank des Internets sind seine Protagonisten auch für diejenigen sichtbar, die die kleinen Städter nicht dort finden, wo ihr Schöpfer sie aufstellt: nämlich dort, wo man sie am wenigsten erwartet. Ziel von Jong Ki Love ist es, realistische Szenen möglichst unterschiedlich zu verändern: vom kopulierenden Pärchen im Madrider Vorort Cercedilla bis hin zum verirrten Taucher auf einem Stein, der sich mitten auf der Landstraße nach Valladolid nach dem Meer sehnt. Die nur wenige Zentimeter großen Figuren stehen teilweise über Monate an ihrem Platz, so wie die Frau, die im Kassenhäuschen des Cine Doré in Madrid gefangen ist und quasi schon zur festen Belegschaft des emblematischen Gebäudes gehört. Rein theoretisch kann jeder diesen kleinen Moment des Glückgefühls erleben, wenn er eine der Mini-Installationen entdeckt. Doch oft bereiten die Zuschauer selbst der Installation ein Ende, wenn sie das unwiderstehliche Bedürfnis überkommt, die Figuren vom Originalplatz zu „entführen“. Der Künstler hat für seine kleinen Figuren sogar ein „Manifest für die Sichtbarkeit der Bürger“ geschrieben und fordert darin, die Realität mit anderen Augen zu sehen und zu leben: „Ich sehe Dinge, die ihr nicht glauben würdet“. Jong Ki Love bietet eine neue Perspektive auf Kunst und Realität. Por/Von Elisa Domènech
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Federico Acal Nunca podrás huir del hombre
Kein Entkommen vom Menschen
“Hoy en día es casi imposible encontrar un paisaje que no haya sido tocado por la mano del hombre”, explica el artista gaditano Federico Acal. “Incluso algunos parques naturales, que han sido completamente replantados, no tienen nada de natural”. Con Acal, uno debe citar a JG Ballard y al antropólogo Marc Augé, el teórico de los no-lugares, porque a Acal le atraen los no-lugares. Sus videocreaciones se inspiran en ese punto en que la presencia del hombre queda difuminada, presente por la presencia de su creación. “Se puede hablar de las personas a partir de estos lugares. Al fin y al cabo, son nuestra creación”. En ‘Automobile Landscape’, su último trabajo para la Sala Caja Inmaculada del Puerto de Santa María (Cádiz), se inspira en los no-lugares por excelencia: las carreteras y autopistas. “Son lugares extraños, sólo cumplen una función: que puedan circular por él los coches. Como lugar no tiene ningún sentido, ningún tipo de profundidad”. Y observarlos detenidamente te obliga a darte cuenta de ello y te acuerdas de Ballard y de la alienación. Anteriormente, Acal había colaborado con Paula Llull de la galería La Caja Blanca de Mallorca en la creación de ‘Lighthouses’: en tres pantallas se podían ver imágenes de los dieciséis faros que circunvalan la isla, otro caso de acción humana+acción natural = un paisaje nuevo. “Creo que sí hay interés en la videocreación”, comenta Acal, “el problema es que es mucho más difícil de vender que la fotografía o la pintura. Algunos coleccionistas y fundaciones están empezando a comprar, pero todavía hay una diferencia de precio abismal respecto a otras disciplinas”. Él ha acumulado en los últimos años un currículum impresionante y sigue manteniéndose fiel a la atracción que lo llevó al mundo de la videocreación: “Poder representar el tiempo, algo que una fotografía no puede hacer”.
“Heutzutage ist es nahezu unmöglich eine Landschaft zu finden, in der der Mensch noch keine Spuren hinterlassen hat, “ erklärt der aus Cadíz stammende Künstler Federico Acal. “Es gibt sogar Naturparks, die komplett umgepflanzt wurden und nichts natürliches mehr an sich haben”. Über Acal kann man nicht schreiben, ohne den Antropologen Marc Augé zu zitieren, Vater der Theorie der Nicht-Orte, denn Acal fühlt sich von Nicht-Orten angezogen. Seine Videokunst ist inspiriert von dem Punkt, an dem die Präsenz des Menschen angesichts der Präsenz des Erschaffenen diffus verschwimmt. “Von diesen Orten ausgehend kann man über die Menschen reden. Denn letztendlich sind sie von uns erschaffen”. Für ‘Automobile Landscape’, seine letzte Arbeit für den Sala Caja Inmaculada in Cádiz, hat er sich von den Nicht-Orten per se inspirieren lassen: Schnellstraßen und Autobahnen. “Das sind seltsame Orte, die nur eine einzige Funktion erfüllen: Autos Platz zum Fahren zu bieten. Als Ort selbst haben sie keinerlei Sinn”. Bei gründlicher Beobachtung fällt auf, wie recht er hat. Zuvor hat Acal mit Paula Llull von der Galerie La Caja Blanca in Mallorca das Projekt “Lighthouses” geschaffen: auf drei Leinwänden waren Aufnahmen der 16 Leuchttürme der Insel zu sehen, also ein weiterer Fall der Formel “Einfluss des Menschen + Einfluss der Natur = neue Landschaft”. “Ich denke schon, dass es ein Interesse an Videokunst gibt”, erklärt Acal, “das Problem ist, dass sie viel schwerer zu verkaufen ist als Fotografie oder Malerei. Einige Sammler und Stiftungen beginnen gerade zu kaufen, aber es gibt immer noch einen gewaltigen Preisunterschied im Vergleich zu anderen Disziplinen.” In den letzten Jahren hat er ein beeindruckendes künsterlisches Portfolio zusammengetragen, und noch immer ist er der Faszination, die ihn zur Videokunst gebracht hat, treu: “Zeit abbilden zu können, was mit einem Foto nicht möglich ist”.
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Por/Von Joan Cabot
Programa Cultural Mallorca ADDAYA CENTRE D´ART CONTEMPORANI TONI BARRERO “V2”
Inauguración: viernes día 8 de octubre de 2010 abierta del 8 de octubre al 27 de noviembre de 2010. C/ Alexandre Rosselló, 10 07340 Alaró (Mallorca) www.addaya-art.com Horaris: de dimarts i dimecres de 17,00 a 20,30 h – de dijous a dissabte de 10,30 a 13,30 h i de 17,00 a 20,30 h. Dilluns i diumenges tancat.
GALERÍA 14 Paul Spencer
Del 16 de septiembre al 12 de noviembre San Feliu, 14 - 07012 Palma info@galeria1.com
GALERIA MAIOR POLLENÇA Vint anys de la galeria Hasta finales de noviembre Plaça Major, 4 07460 Pollença, Mallorca galeriamaior.es
GALERÍA MAIOR PALMA Pedro Croft Inauguración 29 de octubre Can Sales, 10
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FUNDACIÓN BARTOLOMÉ MARCH SERVERA Colección de Escultura Contemporánea (Rodin, Chillida, Henry Moore, etc.)
Belén Napolitano del siglo XVIII Cartografía Mallorquina Palau Reial, 18 07001 Palma de Mallorca Horario de visita: lunes a viernes: 10:00 a 18:30 h. Sábados: de 10:00 a 14:00 h. Domingos y festivos cerrado Precio: 3,60 €
CAIXA FORUM PALMA La estética de Anglada- Camarasa Exposición permanente Los dibujos preparatorios de AngladaCamarasa
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Anglada- Camarasa Del 29 de junio al 10 de octubre de 2010
ABA ART IBIZA Artistas: Michel Buades – Carles Guasch – Gilbert Herreyns – Cis Lenaerts – Enric Riera Blanc Hasta el 27 de octubre de 2010 Ibiza Gran Hotel Paseo de Juan Carlos I, 17 07800 Ibiza abaart.com Horario: Lunes a domingo de 11 a 22h.
JOAN GUAITA ART Dennis Oppenheim, Betty Gold, Pepe Dámaso, Rafael Mahdavi, Euphrosyne Doxiadis, Pedro Vidal, Jesús Soto, Milton Becerra, Eder Santos, Martín Mas, Antoni Miralda, Hugo Zapata. Verí, 10 07001 Palma joanguaitaart.com Horario Invierno: Lunes a Viernes de 10:30 a 13:30 hrs. y de 17:00 a 20:30 h. Sábado de 11:00 a 13:30 h.
FUNDACIO PILAR I JOAN MIRO URA FRIJITZEN / FRIENDO AGUA Elena Arzak, Xabier Gutiérrez, Igor Zalakain
Cuiners: Elena Arzak, Xabier Gutiérrez, Igor Zalakain Comissària: Marta Arzak Col·laboradora/fotògrafa: Begoña Zubero Espai Zero Hasta el 9 de enero de 2011
Col·lecció permanent de Joan Miró Espai Estrella. C. Saridakis, 29 07015 Palma miro.palmademallorca.es
GALERÍA HORRACH MOYA Background VI Carles Congost ,Adriana Duque,Girbent ,Susy Gómez ,Jorge Mayet ,Yuko Murata,Jaume Simó Sabater i Garau ,Montserrat Soto, Joana Vasconcelos ,Agustí Torres ,Peter Zimmermann Hasta el 25 de octubre
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Calle Verí,3 - 07001 Palma pelaires.com
SALA PELAIRES Jordi Alcaraz, Rafa Forteza, Pep Llambías, Santi Moix, Guillem Nadal Quién mató a Bambi…? Hasta finales de noviembre Calle pelaires, 5 07001 Palma de Mallorca pelaires.com
CASAL SOLLERIC Picasso Mediterráneo Del 26 de noviembre al 9 de enero
Joaquim Chancho Al límit de la geometria Del 26 de Noviembre al 9 de enero
Ferran Aguiló Esculturas 1986 - 2010 Hasta el 7 de noviembre
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GALERIA BENNASSAR Colectiva de artistas de la galería Hasta finales de Noviembre Plaça Major 6 07460 Pollença, Mallorca galeriesbennassar.com
SKL GALLERY AGGTELEK, Slash theater of my mundo. Part 1 Hasta finales de noviembre Costa Santa Creu, 8 07012 Palma de Mallorca sklgallery.com
GALERIAALTAIR Alicia Llabrés “Nèixer és arribar a un país estranger” Hasta principios de noviembre
ABA ART PALMA Céline Lachkar – Maïa Jancovici – Nadia Yosmayan – Sophie Truant – Veronica Seidel comisariado por GomezdelaCuesta Home
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ABA ART en Hotel Convent de la Missió: Ignasi Gelabert Umbrales. Situación y Semblanza
Hasta el 1 de noviembre de 2010 Plaça Porta de Santa Catalina21 07012 Palma abaart.com Horario: De lunes a Sábado 11h - 14h y 17h - 20.30
C/ Catalunya, 4 07011 Palma horrachmoya.com
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“Rumor del mundo: del informalismo a las nuevas abstracciones, 1950 – 2010” Hasta 30 de enero 2011
Colección permanente “ Dona, Dona”, Picasso ceràmiques, “ Diàlegs en l’abstracció”, “Joan Miró. Sèrie Mallorca” i “Modernisme i Postmodernitat” de la sèrie Mirades a la col·lecció d’Es Baluard. Plaça Porta Santa Catalina, 10 07012 Palma esbaluard.org Horario: Martes a domingo de 10 a 20 h. Lunes cerrado Entrada general: 6,00 € Exposición temporal: 4,00 €
GALERÍA LA CAJA BLANCA Noa Lidor In the Chambers of the Sea (En los aposentos del mar) Instalación, Escultura y Dibujo sobre papel Hasta finales de noviembre de 2010 Calle Can Verí 9 07001 Palma lacjablanca.com Horarios: de 11:00 a 14:00 y 17:00 a 20:00 (sábados de 11:00 a 14:00 y domingo cerrado)
PELAIRES CENTRE CULTURAL CONTEMPORANI Bernadi Roig Spielraum Hasta el 25 de octubre
Rachel Howard “Still life-Still here” Del 29 de octubre al 30 de enero
Daniel Canogal Hasta el 7 de noviembre
Jacobo Castellano Del 26 de noviembre al 9 de enero
CCA Andratx Third Thoughts Exposición colectiva comisariada por Barry Schwabsky y Carol Szymanski Hasta el 24 de octubre
The Berlin Box Comisariado por Freiderike Nymphius
Hasta el 31 de octubre
Nymphius Hasta el 31 de octubre C/Estanyera 2 07150 Andratx www.ccandratx.com
PEPNOT GALERIA FESTA DE LA LLUM / LICHTERFEST / FESTIVAL OF LIGHT Del 13 al 27 de octubre C./ Pep Not, 34 07570 Artà galeriapepnot@hotmail.com
Kulturprogramm Mallorca GALERIA BERLIN Miguel Aguilar
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TETRE PRINCIPAL The Campbell Brothers
Hasta el 28 de octubre
JUEVES 21
Pz de Santa Magdalena, 4 A
Culturaclub en b side club: dj benjamin + batidora dj ( bcn, pop bar razzmatazz)
Victor Uris boogie thing
VIERNES 22
L’art de la fuga
07012, Palma de Mallorca
ESPAI D’ART B2 galería y proyectos de arte (otras) Realidades fotografía contemporánea Calle de la luna, 127 07100 Sóller, Mallorca www.espaidartb2.es
TEATRE MUNICIPAL D’ARTA COOL DAYS FESTIVAL Música, teatro, danza e instalaciones Mishima Concierto
Trestrece live heineken club: dj mendez + albert cupper dj
www.teatrearta.cat
CULTURA CLUB JUEVES 14
Culturaclub en b side club: dj benjamin colin peters (uk, rocks nights, ibiza) SABADO 16
Sala culturaclub presenta: we are standard + heineken club: jaume gost dj
17 de octubre
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Subtalk Danza
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Horacio “el negro” Hernández & Italuba
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SABADO 30
Volem Anar Al Tibidabo Treatro
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Sala culturaclub presenta: vinila von bismark delicatessen club: dj mendez + batidora dj (bcn, pop bar razzmatazz)
22 De octubre
23 de octubre
13 de octubre
viernes 29 de octubre y sábado 30 de octubre
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Halloween club: dj benjamin + dj toni pla Paseo Marítimo, 26 Palma Horario de jueves a sábado de 22.00h. a 06.00h.
Jazz Voyeur Club WE´R COMING! 16 de octubre
BIG YUYU “hot blues nites...” 17 de octubre
ALEX MALDONADO & CRIS WHITE 20 de octubre
Apuntadores, 5 Palma jazzvoyeurfestival.com
ESPAI PATROCINAT PER
Gohar Dashti, Today’s life and War, 2009 Cortesia Silk Road Gallery, Teheran
ParisPhoto 2010 Mon amour París ha sido, es y será la ciudad romántica y la ciudad de la luz especial. Ingredientes necesarios para cautivar con fotografías al resto de la humanidad. Una buena luz y un sentimiento romántico forman el eje fundamental de cualquier fotógrafo a la hora de captar y cautivar con sus imágenes a los espectadores. Enseñar lo que es bello y hacerlo de forma sensual utilizando la luz. París tiene esto, la luz y el romanticismo ideales para hacer la mejor foto, prueba de ello son los fotógrafos que durante este siglo se han formado y curtido entre sus calles. 105 expositores, 90 galerías y 15 editores de fotografías se darán cita del 18 al 21 de noviembre en el Carrusel del Louvre para convertir el ParisPhoto en uno de los festivales más importantes de fotografía que se celebran en el mundo. Este año, y conociendo la importancia que la fotografía supuso para la expresión artística de los países de Europa Central a comienzos de siglo, ParisPhoto se centra en esta parte de Europa: Hungría, Polonia, Eslovaquia, Eslovenia y la República Checa. Recordemos que estos países fueron casa de intelectuales de la vanguardia fotográfica de principios del siglo pasado. Muchos de ellos revolucionaron el mundo de la fotografía, desde André Kertész y Moholy-Nagy hasta Frantisëk Drtikol, Josef Sudek, Brassaï y Robert Capa. En este festival se podrá ver el trabajo de más de 90 fotógrafos de estos países que, con su lenguaje visual, convirtieron las ideas políticas de comienzos de siglo en movimiento de vanguardia de entonces. La comisaria invitada para esta exposición, “Spotlight on Central Europe”, es Natasa Petresin-Bachelez. En este festival tampoco se olvida la fotografía más contemporánea del momento.
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Paris war, ist und bleibt die Stadt der Romantik und des ganz besonderen Lichts, genau die richtigen Zutaten für Fotos, die den Rest der Menschheit entzücken. Das richtige Licht und eine romantische Grundstimmung sind die Grundpfeiler für jeden Fotografen wenn es darum geht, die Betrachter seiner Bilder zu fesseln: auf sinnliche Art das Schöne zeigen und dafür das natürliche Licht zu nutzen. Paris hat genau das, das ideale Licht und die nötige Romantik für das perfekte Foto, das beweisen allein die vielen Fotografen, die ihr Handwerk in den Straßen der Stadt erlernt und perfektioniert haben. 105 Aussteller, 90 Galerien und 15 Herausgeber von Fotografiebänden werden sich vom 18. bis zum 21. November im Carrousel du Louvre treffen und das Paris Photo so zu einem der wichtigsten Foto-Festivals der Welt machen. Da die Fotografie im vergangenen Jahrhundert eine der wichtigsten künstlerischen Ausdruckformen in den Ländern Zentraleuropas war, konzentriert sich Paris Photo in diesem Jahr auf diesen Teil Europas: Ungarn, Polen, Slowakei, Slowenien und die Tschechische Republik. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts waren diese Länder die Wiege der intellektuellen Avantgarde-Fotografen. Viele von ihnen revolutionierten das Metier mit ihren Arbeiten, von André Kertész und Mohology-Nagy über Frantisëk Drtikol, Josef Sudek und Brassaï bis hin zu Robert Capa. Auf dem Festival werden die Arbeiten von über 90 Fotografen aus Mitteleuropa gezeigt, die mit ihrer Bildsprache die politischen Ideen des beginnenden 20. Jahrhunderts in eine Avantgardebewegung verwandelten. Gast-Kuratorin für die Ausstellung “Spotlight on Central Europe” ist Natasa Petresin-Bachelez. Natürlich findet auch die heutige zeitgenössische Fotografie auf dem Festival ihren Platz. Por/Von Gori Vicens
Anna Fabricius Fruzsina, 2007 Cortesia Faur Zs贸fi-R谩day Galery, Budapest
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Qiu Zhen My Bride and I-Satan’s Wedding, 2007-2009 Cortesia del artista y 798 Photo Gallery, Beijing
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Michel de Broin Solitude, 2002 Cortesia Toni TĂ pies, Barcelona
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Gran Sol
Un mar oscuro y terrible
Ein dunkles und schreckliches Meer
Para que conste en acta: Demonio Sánchez no sólo fueron un grupo importante en mi vida, sino que lo fueron a una edad en que estas cosas te marcan de verdad, te configuran. De ellos, recuerdo especialmente bien la sensación de peligro, el aura de locura, que irradiaba Toni Pujalte, cuya muerte, literalmente tragado por el mar, no fue más que un acto final a la altura de su arte. Eran un grupo único, y todavía hoy, escuchando sus canciones, tengo la impresión de que provenían de un lugar misterioso y secreto que nunca voy a visitar. Tras la muerte de Pujalte en 1993, el guitarrista Rafa Adrover y el bajista Sebastián Rosselló intentaron mantener con vida el proyecto, pero fue imposible sobreponerse a la ausencia de Toni, a la presencia de su ausencia. En realidad, han tenido que pasar muchos años y Demonio Sánchez no son ya más Demonio Sánchez, son Gran Sol y desde el principio han querido dejar claro que esto es otra cosa. Sebas comenta que “en realidad, cuando nos reunimos para actuar en el festival Malafama en 2009, Rafa ya tenía algunas canciones, algunos bocetos. Ya tenía un proyecto en mente, cantando en inglés y con una chica al frente”. Demonio Sánchez ofrecieron algunos conciertos con Jordi Herrera (Satellites) y Pascale Saravelli (Vacabou) alternándose para poner voz a sus viejas canciones. “No nos sentíamos identificados, ya no estábamos allí”, comenta el batería Emilio Navarrete. Es aquí donde entra Noemí Garcies, una cantante tan diferente a Toni Pujalte que podríamos calcular la distancia en universos. “Xisco Vich nos habló de Noemí y en seguida tuvimos claro que era lo que necesitábamos”, explican. Garcies tiene una voz elegante y sensual, con un hálito de cantante de jazz. Es importante recalcar que Demonio Sánchez eran, y Gran Sol son, uno de esos grupos en que cada uno de sus miembros tiene una personalidad definida y un estilo propio, y es precisamente en esa intersección no exenta de fricción donde se genera un vocabulario propio. “El secreto de que todo fluya”, explica Noemí, “es que cada uno sabe cuál es su papel. Rafa trae las canciones casi hechas, y luego cada uno aporta algo. Ahora, además, Rafa compone teniendo en mente que yo voy a cantar esa canción”. Gran Sol están más cerca de la cadencia del Trip Hop, del rock áspero de PJ Harvey y de las atmósferas inquietantes de David Lynch que de sus viejas influencias. No queda rastro de esa antigua fiebre latina. Sus primeras canciones son tensas, volátiles y oscuras. Y a pesar de que el grupo ha quedado finalista en el concurso SonoPalma y actuaron en el festival Monkey Week del Puerto de Santa María, ellos no sienten ninguna presión: “Ahora es por diversión. No hay ningún tipo de presión. Sí hay ilusión, pero no un objetivo concreto. Por ahora, nos lo pasamos muy bien ensayando y el objetivo es hacer tantos conciertos como podamos”.
Nur damit das klar ist: Demonio Sánchez waren eine wirklich bedeutende Band in meinem Leben, und das in einem Alter, in dem dich solche Dinge wirklich prägen. Ich erinnere mich gut an das Gefühl von Gefahr und die Aura von Verrücktheit, die Toni Pujalte umgab. Sein Tod – er wurde buchstäblich vom Meer verschluckt – war der Schlussakt auf dem Höhepunkt seiner Kunst. Die Band war einzigartig, und noch heute rufen ihre Songs bei mir den Eindruck hervor, dass sie von einem geheimnisvollmysteriösen Ort stammen, den ich niemals besuchen werde. Nach dem Tod Pujaltes 1993 versuchten Gitarrist Rafa Adrover und Bassist Sebastián Rosselló das Projekt am Leben zu erhalten, aber die Lücke, die Toni hinterlassen hatte, war einfach nicht zu füllen. Nach vielen Jahren haben die beiden eine neue Band gegründet, Gran Sol, und sie haben von Anfang an klar gemacht, dass das hier etwas anderes ist. Sebas erklärt: „Als wir uns für den Auftritt auf dem Malafama-Festival 2009 wiedervereinigt haben hatte Rafa schon ein paar Songs und Entwürfe fertig, ihm schwebte schon ein Projekt vor: Eine Band mit Ladsängerin und englischen Songtexten.“ Als Demonio Sánchez gaben sie ein paar Konzerte mit Jordi Herrera (Satellites) und Pascale Saravelli (Vacabou), die ihren alten Songs eine Stimme verliehen. „Aber das waren einfach nicht wir“, so Schlagzeuger Emilio Navarrete. Und hier kommt Noemí Garcies ins Spiel. „Xisco Vich erzählte uns von Noemí und wir wussten sofort, dass wir sie für die Band haben mussten“, erzählen sie. In Garcies eleganter und sinnlicher Stimme schwingt ein Hauch von Jazz mit. Gran Sol hat mit Demonio Sánchez eines gemeinsam: sie sind (respektive waren) eine dieser Bands, in denen jedes Mitglied eine eigene Persönlichkeit und einen eigenen Stil hat, und genau an dieser reibungsfreien Schnittstelle entsteht ein eigenes Vokabular. „Das Geheimnis ist, dass jeder seine Rolle genau kennt“, so Noemí. „Rafa bringt die quasi fertigen Songs mit, und dann trägt jeder etwas dazu bei. Und jetzt hat er beim komponieren natürlich im Hinterkopf, dass ich diesen Song singen werde“. Von den alten Einflüssen ist heute kaum noch etwas vorhanden, Gran Sol ist eher in Richtung Trip Hop, dem groben Rock PJ Harveys und den unheimlich-sphärischen Klängen eines David Lynchs einzuordnen. Keine Spur mehr von dem alten Latin-Fieber. Die ersten Songs sind spannend, flüchtig und düster. Und obwohl die Band als Finalist aus dem SonoPalma-Wettbewerb hervorgegangen ist und im Oktober auf dem Monkey Week Festival (8. bis 12.10. in El Puerto de Santa Maria) spielt, fühlen sich die Musiker nicht unter Druck: „Jetzt machen wir Musik aus Spaß, ganz ohne Stress. Mit Freude, aber ohne konkretes Ziel. Momentan haben wir viel Spaß beim Proben und wir wollen auf so vielen Konzerten wie möglich spielen.“
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Por/Von Joan Cabot Foto Pablo Atfield
serradetramuntana.net
S’Arxiduc Living Landscape L´any 1869 recala a Mallorca l´Arxiduc Lluís Salvador d´Habsburg-Lorena i Borbó d´àustria (Florència-1847 - Praga, 1915), localment conegut com s´Arxiduc. Captivat per la bellesa de la costa nord, l´any 1872 compra Miramar i paulatinament va adquirint la major part de finques situades entre Valldemossa i Deià. D´esperit viatger i científic, gran enamorat de la natura, construeix camins i miradors en aquestes possessions. En les dècades següents, Miramar es converteix en el centre de les seves possessions: allà rep a totes les seves visites, que es van sentir atretes per la bellesa del paisatge i que es poden considerar com els primers turistes de Mallorca: Gastón Vuillier, Bartoli i Cartailhac, Odón de Buen, Roberto H. Chorat, Margarita D´Este, Rubén Darío, Francisco Manuel de los Herreros, Miguel de Unamuno... L´Arxiduc es va integrar amb la població local, aprenent la llengua catalana i indagant en la cultura tradicional. Com a resultat publica, entre altres obres, Rondalles de Mallorca (1895). Però l´aportació fonamental de l´Arxiduc fou Die Balearen geschildert in Wort und bild (Les Balears descrites per la paraula i el gravat, 1897), una radiografia completa de la realitat de les Illes Balears en la segona meitat del segle XIX en què descriu els usos, costums i paisatges de l´arxipèlag balear, poblat i treballat tan sols pels seus habitants i per algun viatger ocasional. Al marge de la contribució de l´Arxiduc Lluís Salvador al coneixement de la realitat etnogràfica i cultural de la Serra de Tramuntana, es pot destacar l´empremta de diversos investigadors i científics com François Aragó, Dorothea Bate, Guillem Colom, Emil G. Racovitza i William Waldren, que han contribuït al coneixement del medi natural de la Serra de Tramuntana i han impulsat la tasca desenvolupada posteriorment per altres investigadors.
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In 1869 Archduke Ludwig Salvator of Habsburg-Lorraine and Bourbon of Austria arrived in Mallorca, becoming known locally as s´Arxiduc. He was so captivated by the beauty of the north coast that in 1872 he purchased Miramar and gradually acquired most of the estates located between Valldemossa and Deià. He had the spirit of a traveller and a scientist, and was a great nature lover too, building paths and vantage points on these estates. Over the following decades, Miramar became the centre of his possessions. It was there that he received all his visitors, who were drawn by the beauty of the landscape, and they can be considered Mallorca´s first tourists. They include the French painter and writer Gastón Vuillier; the prehistorians Bartoli and Cartailhac; the Spanish naturalist Odón de Buen; the botanist and rector of the University of Geneva, Roberto H. Chorat; the writer Margherita D´Este; and the poets Rubén Darío and Jacinto Verdaguer. He became integrated into the local population, learning the Catalan language and investigating traditional culture. As a result he published Rondalles de Mallorca (Folktales of Mallorca, 1895), among other works. But the Archduke´s fundamental contribution was Die Balearen geschildert in Wort und Bild (The Balearic Islands Described in Words and Pictures, 1897), a complete radiography of the reality of the Balearic Islands in the second half of the 19th century in which he describes the habits, customs and scenery of the Balearic archipelago, populated and worked just by its inhabitants along with the occasional traveller. This extensive work would later achieve international recognition. In fact, Jules Verne based a part of his novel Clovis Dardentor (1896), set in Mallorca, on this book, since Verne himself never visited the island. Aside from the contributions that Archduke Ludwig Salvator made to broadening knowledge of the ethnography and culture of the Tramuntana area, we must also stress those of other researchers and scientists, such as François Aragó, Dorothea Bate, Guillem Colom, Emil G. Racovitza and William Waldren. They contributed to a knowledge of the natural environment of the Tramuntana area and boosted work carried out subsequently by other researchers. Por/Von Redacción DP
Alva Noto I wanna get Physical Su nombre de guerra es Alva Noto. El del pasaporte, Carsten Nicolai. Uno diría que sus padres ya sabían que de mayor se dedicaría a esto al bautizarlo, pero sería ir algo demasiado lejos. Nicolai (Karl-Marx-Stadt, Alemania del Este, 1965) es una de las figuras más importantes y cruciales de la electrónica experimental alemana, que es como decir que lo es de la electrónica experimental en general. Vale la pena recordar aquí, para situar su obra, que antes de dedicarse a la música estudió arquitectura y paisajismo. Lo digo porque en gran medida sigue dedicado a ambas a través de su creación artística. Alva Noto es uno de esos artistas que uno podría cometer el error de considerar abstractos, esa manera que tenemos algunos educados en el pop a la hora de hablar de los conceptos experimentales que no entendemos. En realidad, la música de Alva Noto tiene más que ver con lo físico, en una forma deliberadamente cruda. Supongo que hay algo paradójico en abordar lo físico a partir de la manipulación de cacharros y ecuaciones matemáticas, pero es que en muchos sentidos deberíamos elegir el término ‘esculturas sonoras’ antes que ‘canciones’ a la hora de referirnos a su obra. Sólo que él esculpe a través del sonido. Cualquier sonido: ambientales, concretos, digitales, ritmos, notas, R&B, clásica contemporánea... siempre uniendo el componente sónico a la imagen: Alva Noto es explícito, quiere veamos su música, que la entendamos, que comprendamos la dimensión del proceso y cómo éste afecta a nuestra percepción. Su carrera le ha llevado a crear su propio sello (Raster-Noton), comparte con Frank Bretschneider y Olaf Bender el proyecto Signal y con Ryoji Ikeda formó Cyclo. También ha compuesto una ópera junto a Michael Nyman inspirada en el famoso periquito inglés Sparkie. Suena a broma, pero no lo es. Sparkie sabía más de 500 palabras, lo he leído en Wikipedia. Alva Noto ha sido la figura más importante de la última edición del festival Centremàtic, celebrado en el Centre de Cultura “Sa Nostra” de Palma el pasado 28 de septiembre. Junto a él actuaron Radian, Etienne Jaumet y Sinsalaudio entre otros. Fue una gran noche.
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Hinter dem Künstlernamen Alva Noto versteckt sich Carsten Nicolai. Der 1965 im damaligen Karl-Marx-Stadt geborene Nicolai ist eine der wichtigsten und entscheidenden Figuren der deutschen Experimental-Elektronik, man könnte als sagen der Experimental-Elektronik im Allgemeinen. Um seine Arbeit einordnen zu können sollte an dieser Stelle erwähnt werden, dass er sich vor der Musik mit Architektur und Landschaftsgärtnerei beschäftigte – ich erzähle das, weil er sich über sein künstlerisches Schaffen im weitesten Sinne immer noch beidem widmet. Alva Noto ist einer dieser Künstler, deren Arbeit man fälschlicherweise als abstrakt bezeichnen könnte – so wie die Pop-Generation das heute eben macht, wenn sie das experimentelle Konzept nicht versteht. In Wirklichkeit hat seine Musik mehr mit dem Physischen zu tun, und zwar auf wohlüberlegt rohe Art. Es hat vermutlich etwas Paradoxes, sich dem Physischen anhand der Bearbeitung von Töpfen und mathematischen Gleichungen anzunähern, doch in vielen Fällen müsste man zur Beschreibung seiner Arbeiten eigentlich eher den Begriff „akustische Skulptur“ als den des „Songs“ verwenden. Er meißelt eben Töne, und zwar Töne aller Art: natürliche, konkrete, digitale, rhythmische, Noten, R&B, zeitgenössische Klassik…stets vereint er die Tonkomponente mit dem Bild. Alva Noto ist explizit, er will dass wir seine Musik sehen können, dass wir sie verstehen, dass wir die Dimension des Prozesses begreifen und wie sich diese auf unsere Wahrnehmung auswirkt. Er hat sein eigenes Label gegründet (Raster-Noton), ist gemeinsam mit Frank Bretschneider und Olaf Bender Teil des Projektes Signal und arbeitet mit Ryoji Ikeda als Cyclo. Er hat auch zusammen mit Michael Nyman eine Oper komponiert, zu der ihn der sprechende englische Wellensittich Sparkie inspirierte. Klingt wie ein Scherz, ist aber keiner. Sparkie konnte über 500 Worte, hab’ ich auf Wikipedia gelesen. Alva Noto war auch einer der wichtigsten Teilnehmer des letzten Centremàtic Festivals, das am 28. September im Kulturzentrum „Sa Nostra“ in Palma stattfand. Neben Noto spielten an diesem großartigen Abend unter anderem auch Radian, Etienne Jaumet und Sinsalaudio. Por/Von Joan Cabot
LLUÍS CORUJO Hot Couture La cuota mallorquina en la semana de la moda de Madrid se quedó temblando tras las deserciones de Carmen March, Alberto Tous y José Miró. Los consagrados dejan paso a los que denominan jóvenes. Lluís Corujo presenta por primera vez en el Ego de Cibeles, ante amigos, modernas y crítica. Todos a sus pies. Formas orgánicas en pedrería que dibujan constelaciones y hojas estampadas en tejidos que acompañan el cuerpo forman Petalone, la primera colección del diseñador. “Es la unión de pétalo y alone, soledad en inglés. Pétalo, por el intento del ser humano de intentar imitar y mimetizarse con la naturaleza. Y alone, porque cuando empecé la colección terminaba de romper una relación de cinco años, además era la primera vez que hacía algo solo y me sentía así”. Corujo se formó en la Royal Academy de Amberes y se nota. La calidad y el nivel artístico de sus diseños pone en evidencia un sistema y una manera de hacer las cosas que podría considerarse un adolescente problemático. “El sistema español tiene cosas muy malas y cosas que no tienen ni pies ni cabeza, pero por otro lado te dan una oportunidad. Si yo esto lo quisiera presentar en París, en Nueva York o en Milán, o tienes más de 200.000 euros o no lo puedes hacer. En El Ego sólo te haces cargo de la producción de la colección, no tienes que pagarte modelos, ni técnicos de luces o sonido ni alquilar el espacio”. Después de su graduación, hace 2 años, regresa a Mallorca y se convierte en la mano derecha del diseñador Miquel Adrover, al que hizo un pequeño homenaje en El Ego, en mi opinión, saliendo a saludar con unas Clergerie de esparto. En Petalone se presiente la época genial de Adrover en las superposiciones de texturas, así como el refinamiento geométrico del diseñador belga Dries Van Noten. “Lo interesante de la escuela belga es su espontaneidad, no tiene un estilo determinado. Dries Van Noten, no tiene nada que ver con lo que hace Van Beirendonck o con Ann Demeleumeester. Lo que más he aprendido en Amberes aparte del rollo de la moda, las modelos, las fotos, lo divino y lo maravilloso, es que o trabajas 24 horas al día u olvídate”. Se trata de una colección adulta que, sin duda, ha despuntado por su madurez y elaboración. Estrellas, telas brocadas y pelo se complementaban con la joyería de Lafiore, imitando corales vivos. Los zapatos, entre castellanos y oxford de Carmina by Jose Albaladejo, terminan de inclinar la balanza en el lado del buen gusto.
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Nach der Absage von Carmen March, Alberto Tous und José Miró stand die mallorquinische Vertretung auf der Cibeles Modewoche in Madrid mal kurz auf der Kippe – aber nur ganz kurz. Die etablierten Granden haben Platz für die so genannten jungen Designer gemacht. Und so präsentierte Lluís Corujo in Madrid zum ersten Mal seine Kollektion vor Freunden, Fashion-Victims und den Kritikern. Und alle lagen ihm zu Füßen. In seiner ersten Kollektion mit dem Titel „Petalone“ bilden glitzernde Schmucksteine Sternbilder nach, fließende und mit Blattmustern bedruckte Stoffe umschmeicheln den Körper. „Der Name ist eine Mischung aus pétalo (Blütenblatt) und dem englischen alone. Pétalo wegen des menschlichen Versuches, die Natur zu imitieren und nachzuahmen. Und alone, weil ich gerade eine fünfjährige Beziehung beendet hatte, als ich mit der Kollektion anfing, und mich genau so fühlte“. Corujo hat an der Royal Academy in Antwerpen studiert, und das merkt man. Trotzdem ist er überzeugt: „Das spanische System hat seine Tücken und manchmal weder Hand noch Fuß, aber andererseits eröffnet es Möglichkeiten. Wenn ich meine Mode in Paris, New York oder Mailand vorstellen wollte bräuchte ich 200.000 Euro, sonst wäre das nicht drin. Bei El Ego (Forum für junge Designer auf der Cibeles) musst du nur die Produktionskosten für deine Kollektion aufbringen –Models, Beleuchter, Soundtechniker und Saalmiete sind umsonst.“ Nach seinem Abschluss vor 2 Jahren kam er nach Mallorca zurück und wurde rechte Hand von Miquel Adrover, jetzt wagte er den Schritt in die Selbstständigkeit. Petalone erinnert durch die Übereinanderschichtung unterschiedlicher Stoffe an die geniale Epoche Adrovers, die geometrischen Muster wiederum lassen an den belgischen Designer Dries Van Noten denken.“ Das Interessante an der belgischen Schule ist die Spontaneität, das Fehlen eines bestimmten Stils. Dries Van Noten hat nichts mit den Arbeiten von Van Beirendonck oder Ann Demeleumeester gemein. Die wichtigste Lektion, die ich in Antwerpen gelernt habe, ist die: Entweder du arbeitest 24 Stunden am Tag, oder du vergisst es besser.“ Für eine Erstlings-Kollektion ist Petalone erstaunlich erwachsen, vor allem die Reife der Entwürfe und deren Verarbeitung stechen positiv hervor. Sterne, Brokatstoffe und Fell werden mit Schmuck von Lafiore ergänzt, der lebende Korallen darstellt. Und die Schuhe, eine Mischung aus Castellanos und Oxford von Carmina by Jose Albaladejo, lassen die Waage zugunsten des guten Geschmacks ausschlagen. Por/Von Magda Albis Foto Aurelio López de Diego
Bioteca 100% ecológico
Pinchos, pa amb olis, tablas de embutidos, quesos, ahumados y patés, ensaladas variadas de pasta, arroz, legumbres y cus-cus, sopas y potajes… todo ello elaborado con productos de temporada 100% elcológicos. Además también podrás disfrutar de desayunos , panninis, zumos naturales de frutas y hortalizas, tes, pan y repostería artesanal ecológica de elaboración propia. Bioteca, el primer bar/cafetería 100% ecológico de Palma, es el resultado de una forma de vivir y entender la vida, una biocolección cuidadosa, fruto de una larga experiencia como productores y vendedores, un espacio tranquilo y armónico para recrearte con placer de las cosas sencillas y hechas a consciencia. Bioteca es sol, pan, verdura, producto local, fruta, merienda, vino, arte, literatura, salud Bioteca, una opción de futuro. Costa de Santa Creu, 20 (cerca del Museu Es Baluard) tel. 971 713 239 www.bioteca.cat - info@bioteca.cat
Es Porxo Cocina de mercado
Situado en las afueras de Palma, en el pueblo de Establiments, en la carretera de Esporlas número 107. Este establecimiento se encuentra dentro de lo que antiguamente era un hostal donde paraban los carros. Bajo nueva dirección desde el noviembre 2009, Es Porxo es un bonito local donde disfrutar de la buena cocina mallorquina e internacional. Un ambiente desenfadado y acogedor que invita a una larga sobremesa. Además, en Es Porxo se pueden apreciar 43 litografías off set de Picasso: trabajos preparatorios que hizo el artista para pintar su famosa obra “Guernica”. Nos explican que su intención es una cocina perfecta, acompañada de un servicio correcto. “Queremos que la gente se sienta como en casa y a la vez que disfrute de los variados platos”. Sus especialidades Arroces Secos y Caldosos, Caldereta de Bogavante, escalibada con Bacalao, caracoles, callos, manitas de cerdo, Tártaro de carne y tártaro de atún, solomillo a la pimienta y strogonoff y ostras. Además tienen una carta exquisita de vinos donde incluyen vinos españoles, mallorquines y franceses. Se puede reservar para fiestas y cenas de empresas y un comedor privado. Horario de cocina todos los mediodías de 13.00h. a 16.00h. y los jueves viernes y sábados de 20.00h. a 23.00h. Teléfono de reservas 971 768643
La Parada de los Monstruos Cultura Urbana
La Parada de los Monstruos es un multiespacio decorado al más estilo urbano con las paredes inacabadas y pintadas de graffitis, destinado a la gastronomía, al arte y a la moda: todo entremezclado. Situado en la calle San Lorenzo, 9, en pleno centro histórico de Ciutat, este multiespacio, como su nombre indica, se dedica a la promoción de artistas emergentes además de ofrecer una suculenta cocina, En estos momentos hay dos exposiciones: una de MYMO (graffiti - Berlín) y la otra de No Body Like You. En su espacio gastronómico abierto a partir de las 17,00 h. de martes a sábado, encontrarás pizzas, sandwiches, ensaladas, tapas, etc, además por las tardes tienen Cup Cakes y bizcochos. Todos ellos realizados con productos caseros. También puedes pasar por su espacio de moda donde puedes encontrar marcas como Poti Poti, Motel, Capdemoix, Lazy Oaf, etc. El multiespacio de La Parada de los Monstruos es eso, un multiespacio donde tienen cabida infinidad de acciones culturales emergentes enmarcadas dentro de las tendencias de este espacio. Performances, conciertos, exposiciones, etc.
Mooncala Otoño frente al mar
Mooncala ante todo es un bar con una selección de música y unas vistas excepcionales que te hacen sumergir en un deleite de sensaciones y emociones refrescadas por el mar mediterráneo. A tan sólo unos metros del Club Náutico de Calanova y al pie de las rocas puedes degustar su nueva carta, renovada en su totalidad. Ahora Mooncala ofrece comida japonesa y sushi, además de sus clásicos platos de fideos thai y sus delicias con curry . Una mezcla explosiva de gustos diferentes y exóticos provenientes de países tan opuestos como Japón y Brasil, de los que su chef ha recopilado lo mejor de cada uno y lo mezcla en cada uno de sus platos. Ofrece menús para todos los bolsillos: de 9, 12 y 16 euros. Lugar idóneo donde relajarte durante el día, al sol y olvidar tus problemas laborales y para que la crisis no sea un problema a la hora de recibir sensaciones gustativas en nuestro paladar. Los postres son también una delicia: no te vayas sin probar el Banoffee. Ambiente selecto y distendido ahora, en otoño puedes disfrutar de sus interores decorados con muy buen gusto. No esperes más para visitarlo. Búscalos en facebook y hazte amigo suyo. Joan Miró, 305, San Agustín. Teléfono de reservas: 971404310