DP MAGAZINE (Spanish-German Edition) Year 9 Issue 55

00055 9 771886 221001

SPANISH & GERMAN EDITION dp55 Junio-Julio 2010 1euro

Fotografía de portada/Fotografie Titelseite Album artwork for “Underdog Victorious”, Jill Sobule, Artemis Records Julian Hibbard

dppalma Costa de sa Pols, 6 local 16_07003 Palma de Mallorca t. +34 971 72 78 90 revistadpalma@yahoo.es / info@d-palma.com www.d-palma.com Editor y Director Creativo Herausgeber und Creative Director Gori Vicens Coordinador de Redacción / Redaktionsleiter Joan Vich Montaner Redacción alemán / Deutsche Redaktion Alexandra Wilms - media & more s.l.

Diseño y maquetación / Design und Layout doctormari.com Publicidad / Werbung Tito Fuster 677 42 95 42 Colaboradores / Freie Mitarbeiter Manuela Redondo, Elisa Reus, Miquel Orfila, Dani Nicolau, Joan Cabot, Magda Albis, Aina Riera, Ana M. Mas, Marcos Augusto, Eduardo Ramos Serrano, Antoni Cristina Gómezdelacuesta, Elisa Domenech, Cati Bestard, Mireia Font Daniel Canchado, Marcos Jávega, Bárbara Celis (New York) Fotografía / Fotografie Pep Bonet, Rif Spahni y Gori Vicens Reservados todos los derechos, prohibida la reproducción total o parcial de los artículos, fotografías, ilustraciones y demás contenidos, sin permiso previo del editor.

dp no se hace responsable de las opiniones de sus colaboradores ni se identifica con las mismas.

Alle Rechte vorbehalten: Die teilweise oder vollständige Reproduktion der Fotos und Inhalte ohne Genehmigung durch den Herausgeber ist verboten.

dp ist für die

Meinungen unserer Mitarbeiter nicht verantwortlich.

Depósito Legal: DL-PM-2307-2001

dp 2www.d-palma.com

By CANIZALES

DP15 Julian Hibbard The Noir A-Z

Index 5 8 13 26

Conversaciones en privat Privat-Gespräche Gao Xingjian Al fons del mon - Das Ende der Welt Carles Congost We can change the world Machines Désirantes Artefactos anhelantes de amor liebesbedürftige Apparate

30

Blend Danger, danger...

dp 3www.d-palma.com

Conversaciones en privat

Privat-Gespräche

El otro día me invitaron a una tertulia sobre arte, exposiciones y Palma. Con dos artistas conocidos de Ciutat y un crítico de arte/comisario, también conocido y de Ciutat. Esta es la enésima vez, este mes, que me surge esta incógnita: ¿cómo se puede ser crítico de arte y a la vez ser comisario de exposiciones? ¿Te imaginas a Robert Hughes de Time Magazine o a Michael Kimmelman del New York Times comisariando exposiciones que después amplifican en pro de la ortodoxia artística en sus periódicos? No, yo tampoco me lo imagino, perderían toda su credibilidad y contribuirían a empobrecer el conjunto de críticos y comisarios. ¡En fin! No diré los nombres de los artistas que compartían mesa conmigo ni el nombre del crítico de arte/comisario “para no herir la sensibilidad del espectador”. Hablábamos de Palma, de sus espacios, de sus comisarios, de sus críticos, de sus artistas, de sus galeristas. Hablábamos y lo hacíamos como lo solemos hacer todos los mallorquines. Criticando cualquier acción o movimiento cultural en el que no te invitan a participar. Aún recuerdo, hace ya unos años, que alguien escribió en un blogspot sobre el DP: “pseudo fashionism urban ads & nonsenses from/for friends-pretending-to-be artists”. Creo que aún sigue colgada en la red. La crítica venía de alguien a quien no habíamos invitado a participar en nuestras páginas. A veces las críticas te abren los ojos, y otras veces te los cierran para siempre. Sentados en esta especie de mesa redonda nos llamó mucho la atención “En Privat 2, la opción desamable”. Una exposición que, en teoría y según el cartel de la entrada, “puede herir la sensibilidad del espectador”. La particularidad de esta exposición es que las obras proceden de coleccionistas privados y que posiblemente no se hayan expuesto por su índice de brutalidad o sensacionalismo. Aunque no compartamos los mismos criterios ni las mismas afinidades por el arte contemporáneo, respeto a Carlos Jover -comisario de En Privat 2- como crítico de arte, pero como comisario pierde credibilidad viendo esta exposición. Algunas de las obras expuestas ya se habían visto en galerías de arte de Palma y no hace mucho tiempo. Además, me llamó también la atención que alguna obra expuesta proviniera de la colección privada del mismo artista. No diré los nombres, “para no herir la sensibilidad del espectador”. No sé si es por amistad con los artistas, con los galeristas o simplemente por llenar las paredes del Museu, pero desentonan del resto de las piezas expuestas. Un artista, del cual tampoco diré su nombre “para no herir la sensibilidad del espectador”, expuso su obra en un Art Report y parte de esa obra fue censurada por otro crítico de arte-comisario por su alto contenido pornográfico y religioso. Esta obra no ha sido expuesta, ha sido censurada, ha sido adquirida por un coleccionista privado y “puede herir la sensibilidad del espectador” por su alto contenido desamable e incómodo, cosa que no gustó al comité de selección de Art Report. A lo que me refiero, y aunque mi amigo crítico de arte/comisario sentado a mi lado en la mesa redonda intente convencerme de lo contrario, es que si uno quiere comisariar exposiciones que lo haga y que si otro quiere criticarlas que también lo haga, pero que no venga uno y me diga que hace las dos cosas a la vez porque a mí me provoca un desconcierto generoso y pierde toda la credibilidad tanto en su crítica como en su comisariado...

Neulich war ich zu einer Podiumsdiskussion über Kunst und Ausstellungen in Palma eingeladen. Es diskutierten zwei bekannte Künstler unserer Stadt und ein Kunstkritiker/ Kurator, ebenfalls bekannt und auch aus Palma. Und zum wiederholten Male in diesem Monat fragte ich mich: Wie kann man gleichzeitig Kunstkritiker und Kurator sein? Kannst du dir vorstellen, wie Robert Hughes vom Time Magazine oder Michael Kimmelmann von der New York Times Ausstellungen organisieren, die sie dann in ihren jeweiligen Zeitungen anpreisen? Nein, natürlich nicht, sie würden all ihre Glaubwürdigkeit verlieren und nicht nur dem Ansehen von Kritikern, sondern auch dem von Kuratoren schaden.

Ich werde weder die Namen der beteiligten Künstler noch den des Kritikers/Kurators verraten, “um die Gefühle des Betrachters nicht zu verletzen”. Wir sprachen über Palma, über die Ausstellungsräume, die Kuratoren, die Kritiker, die Künstler und die Galeristen der Stadt. Und zwar wie die Mallorquiner es zu tun pflegen: Jede kulturelle Veranstaltung oder Bewegung, zu der man selber nicht eingeladen war, wird kritisiert. Ich weiß noch, wie vor einigen Jahren jemand in einem Blogspot über die DP schrieb: “pseudo fashionism urban ads & nonsenses from/for friends-pretending-to-be artists”. Das steht glaube ich immer noch im Netz. Die Kritik kam von jemandem, den wir nicht eingeladen hatten, an der Gestaltung des Heftes mitzuwirken. Den Teilnehmern der besagten Podiumsdiskussion fiel vor allem “En Privat 2, la opción desamable” (“Privat 2, die nicht liebenswerte Option”) auf. Eine Ausstellung, die theoretisch und laut einem Schild am Eingang “die Gefühle des Betrachters verletzten kann”. Das Besondere an dieser Ausstellung ist, dass die Werke allesamt aus privaten Sammlungen stammen und vermutlich wegen der dargestellten Brutalität oder um Sensationsgeheische zu unterbinden noch nie ausgestellt worden waren.

Auch wenn wir weder die gleichen Kriterien noch die gleiche Affinität zur zeitgenössischen Kunst teilen, respektiere ich Carlos Jover, den Kurator von En Privat 2, als Kunstkritiker – als Kurator verliert er aber angesichts dieser Ausstellung an Glaubwürdigkeit. Einige der ausgestellten Arbeiten waren bereits in einer Galerie in Palma gezeigt worden, und zwar vor nicht sehr langer Zeit. Außerdem fand ich es bemerkenswert, dass diverse Werke aus der Privatsammlung eines der ausstellenden Künstlers selbst stammten. Ich sag jetzt keine Namen, “um die Gefühle des Betrachters nicht zu verletzen”. Ich weiß nicht ob es ein Freundschaftsdienst für den besagten Künstler oder den entsprechenden Galeristen war oder ob es einfach darum ging, die Wände des Museums zu füllen, aber es passte einfach nicht zum Rest der Bilder. Ein weiterer Künstler, dessen Name ich auch nicht erwähnen werde, “um die Gefühle des Betrachters nicht zu verletzen”, stellte sein Werk im Art Report aus, und ein Teil davon wurde von einem anderem Kunstkritiker/Kurator wegen des pornografischen und religiösen Inhaltes zensiert. Das Werk wurde nicht gezeigt, sondern zensiert, es wurde von einem privaten Sammler erworben und kann aufgrund des wenig liebenswerten und unbequemen Inhaltes “die Gefühle des Betrachters verletzen”, das fand die Jury von Art Report wohl nicht so gut. Was ich damit sagen will (auch wenn mein Kurator-Kunstkritiker-Freund, der neben mir am runden Tisch saß, mich vom Gegenteil zu überzeugen versucht) ist folgendes: Wenn jemand gerne Ausstellungen organisieren möchte, dann soll er das tun, und wenn ein anderer diese kritisieren möchte, dann soll er das ebenfalls tun – aber komme mir keiner an und sage, er macht das beides gleichzeitig, das irritiert mich maßlos, und sowohl seine Kritiken als auch seine Ausstellungen verlieren damit jegliche Glaubwürdigkeit.

Véase columna “La Galería” del crítico de arte/comisario Carlos Jover en el diario el mundo de los días 5, 18 y 31 de mayo 2010 escribiendo sobre en privat 2 la opción desamable. Véase también la crítica de en privat 1 del 30 de julio de 2008.

Siehe die Kolumne „La Galería“ des Kunstkritikers/Kurators Carlos Jover in der Tageszeitung El Mundo vom 5., 18. und 31. Mai, in der er die Ausstellung “En privat 2, la opción desamable” bespricht.

Por/Von & Foto Gori Vicens

www.rifphotos.com

Rif Spahni

El día que aprendí a deletrear Estenopeica

Loch statt Linse

“De pequeño me pasaba el día haciendo dibujos”, explica Rif Spahni. “Por eso me metí a estudiar ilustración. En la clase de enfrente enseñaban fotografía”. Su futuro estaba en la clase de enfrente.

De padre suizo y de madre alemana, Rif se llama Rif porque fue concebido en esa región de Marruecos. Intento relacionar ese dato con sus trabajos en el Sáhara. “Es curioso, porque nunca he visitado esa zona”.

Estamos sentados en una mesa del Antiquari. Rif me muestra sus fotos y me habla del mar. “Tengo que estar cerca del mar. Siempre que puedo intento hacer algún trabajo de vela”. Es su otra afición. La principal la convirtió en oficio hace años. Spahni es fotógrafo. “Cuando estudié fotografía todavía no había cámaras digitales. Ahora ya no se ven ese tipo de cámaras”. Su última colección, que esa misma mañana ha descolgado de las paredes de la galería Maneu de Palma, se componía de una serie de paisajes de un Llucalcari tras la tormenta. “Las tomé con mi cámara estenopeica. En realidad es una cámara oscura de madera con un sólo agujero. No veo ni lo que estoy encuadrando”. El proceso combina lo artesanal y lo digital. “Sólo para corregir, no falsear”, explica. “Pasé unos meses en México y volví con los valores trastocados. Empecé a chocar con la gente que me rodeaba. Ha sido una temporada bastante dura”. Su forma de superar aquello fue visitar Llucalcari tras una tormenta, fotografiar árboles caídos y raíces arrancadas de la tierra.

Su otro proyecto, el que viene desarrollando en sus viajes al Sáhara, ofrece en cambio una reflexión sobre los hábitats, precisamente en una zona donde son más extremos. En esos trabajos también lo acompaña su cámara estenopeica.

“Siempre me han llamado la atención esos fotógrafos que van ahí y en un segundo le disparan una foto en la cara a un niño y se largan. Este tipo de cámaras en cambio exigen tiempo. Si la persona no quiere que se la hagas, no la podrás hacer. Hay que crear una relación”.

Rif también es miembro del colectivo Samakineta, organizadores del ciclo Visionaris (del 27 de mayo al 18 de junio en la Fundació Pilar i Joan Miró).

“Hay muchos y buenos fotógrafos. Pep Bonet es probablemente uno de los mejores del mundo. Pero falta un punto de apoyo, una plataforma que acerque la fotografía al público”. Este año el hilo argumental de Visionaris se ha fijado en torno a la realidad inmediata de los fotógrafos. La conversación deriva hacia la popularización de las cámaras digitales y su efecto en la percepción de la fotografía como arte o hobby. “Nunca ha sido tan fácil hacer fotos. Yo mismo hago más que nunca, incluso con el móvil. Está bien que se haya popularizado. La gente se vuelve más crítica”.

“Als kleiner Junge habe ich den ganzen Tag lang gemalt”, erklärt Rif Spahni. “Deshalb habe fing ich auch an, Illustration zu studieren. Im Raum gegenüber wurde Fotografie gelehrt.” Im Raum gegenüber lag seine Zukunft.

Sein Vater ist Schweizer und seine Mutter Deutsche, und Rif heisst er, weil er in der gleichnamigen Region in Marokko gezeugt wurde. Ich versuche, dieses Detail mit seinen Arbeiten in der Sahara in Zusammenhang zu bringen. “Das ist merkwürdig, weil ich noch nie in der Gegend dort war.”

Wir sitzen an einem Tisch des Antiquari. Rif zeigt mir seine Fotos und erzählt mir vom Meer.

“Ich muss nah am Meer sein. Wann immer möglich versuche ich, etwas mit Segelbooten zu machen.” Das ist seine zweite Leidenschaft. Die erste hat er schon vor Jahren zu seinem Beruf gemacht. Spahni ist Fotograf. “Als ich Fotografie studierte gab es noch keine Digitalkameras.

Die damaligen Fotoapparate sieht man heute gar nicht mehr.” Seine letzte Austellung, die er erst heute morgen von den Wänden der Galerie Maneu in Palma abgehängt hat, bestand aus einer Serie von Landschaften der Llucalcari nach einem Gewitter. “Die habe ich mit meiner Lochkamera aufgenommen. Das ist eigentlich eine hölzerne Camera Obscura ohne Linse. Ich sehe nicht einmal, was ich im Visier habe”. Der Prozess kombiniert handwerkliches und digitales Arbeiten. “Nur zur Korrektur, nicht zum verfälschen”, erklärt er. “Ich war einige Monate in Mexiko, und als ich zurück kam waren meine Werte etwas durcheinander. Ich fing an, mit Menschen aus meinem unmittelbaren Umfeld aneinander zu geraten. Das war eine ziemlich harte Zeit”.

Seine Art das ganze zu überwinden bestand darin, nach einem Gewittersturm nach Llucalcari zu fahren und Fotos von umgestürtzten Bäumen und in der Luft hängenden Wurzeln zu machen.

Sein anderes Projekt, das er auf seinen Reisen in die Sahara weiterentwickelt, bietet eine Reflexion über Lebensräume, vor allem in einer Gegend, in der sie am extremsten sind. Auch bei diesen Arbeiten begleitet ihn seine Lochkamera. “Mir fielen immer diese Fotografen auf, die dort hinkommen, sekundenschnell das Gesicht eines Kindes fotografieren und sich sofort wieder vom Acker machen. Die Art von Kameras, mit denen ich arbeite, verlangt einem Zeit ab. Wenn die Person sich nicht fotografieren lassen will, kannst du kein Foto machen. Man muss eine Beziehung aufbauen.”

Rif ist auch Mitglied des Kollektivs Samakineta, das den Visionaris-Zyklus organisiert (vom 27. Mai bis zum 18. Juni in der Fundación Pilar i Joan Miró). “Es gibt viele und gute Fotografen. Pep Bonet ist vermutlich einer der besten der Welt. Aber es fehlt ein Drehpunkt, eine Plattform, welche die Fotografie dem Publikum nahe bringt.” In diesem Jahr ist der rote Faden des Visionaris-Zyklus die unmittelbare Wirklichkeit der Fotografen.

Das Gespräch schweift ab zur Popularisierung der Digitalkameras und deren Auswirkung auf die Wahrnehmung der Fotografie als Kunst oder Hobby. “Es war noch nie so einfach, Fotos zu machen. Ich selbst mache auch mehr als je zuvor, sogar mit dem Handy. Es ist gut, dass das populär geworden ist. Die Leute werden so kritischer.”

dp 6www.d-palma.com

Por/Von Joan Cabot

© Gao Xingjian. Le Vide, 2008

© Olivier Roller

Gao Xingjian Al fons del món

Das Ende der Welt

L’exposició de Gao Xingjian al Casal Solleric, amb el patrocini de CAM, esdevé un dels luxes culturals d’aquest estiu.

Die Ausstellung von Gao Xingjian im Casal Solleric ist eines der Kultur-Highlights in diesem Sommer.

Dramaturg, novel·lista, pintor..., nascut a Jiangxi, Xina, el 1940, i nacionalitzat francès, les seves obres comencen a circular per l’estranger a partir dels anys vuitanta. La seva novel·la més coneguda és La muntanya de l’ànima, escrita entre 1982 i 1989. L’any 2000 rebé el Premi Nobel de Literatura i és el primer escriptor nascut a Xina a aconseguir-ho. Les seves obres han estat traduïdes a molts idiomes al llarg d’aquests darrers anys. Tot i ser una de las figures fonamentals de la literatura universal, el seu vessant com a pintor –de dilatada trajectòria– s’ha exposat a nombroses individuals i col·lectives a Àsia, els Estats Units i Europa –a espais tan importants com el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, 2002)– i compta amb el reconeixement de la crítica internacional. La seva obra és present a importants col·leccions de tot el món.

Dramaturg, Autor, Maler,... Die Werke des 1940 in Jiangxi, China, geborenen Künstlers, der seit 1998 die französische Staatsbürgerschaft besitzt, haben seit Mitte der 80er Jahre internationale Anerkennung erfahren. Sein bekanntester Roman “Der Berg der Seele” entstand zwischen 1982 und 1989. Im Jahr 2000 erhielt er als erster in China geborener Schriftsteller den Nobelpreis für Literatur. In den letzten Jahren sind seine Bücher in unzählige Sprachen übersetzt worden. Obwohl er eigentlich als einer der großen der Weltliteratur bekannt wurde, konnte er auch als Maler international Erfolge feiern, seine Werke wurden in Asien, den USA und Europa in so wichtigen Museen wie dem Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, 2002) in Einzel- und Sammelausstellungen gezeigt. Auch in den bedeutenden Kunstsammlungen in aller Welt haben seine Bilder einen festen Platz.

La seva pintura neix d’una personal fusió de les cultures d’Orient i Occident, i es caracteritza per l’ús gairebé dominant de materials de tradició xinesa –paper d’arròs, tinta i pinzells xinesos–, alhora que constata una tècnica totalment moderna que atorga una importància essencial al mateix acte físic de la pintura, a la indagació de la matèria pictòrica i, molt especialment, a l’autonomia del llenguatge de la pintura.

Els seus treballs constaten una tècnica fluida, amb un gest que sembla espontani i lleuger amb el que explora les possibilitats matèriques de la tinta, on el blanc i el negre, la llum i l’ombra li permeten aconseguir una gran varietat de tonalitats i li confereixen un efecte sensual i poètic replet de matisos. Són imatges que fluctuen entre la figuració i l’abstracció, representacions de paisatges gairebé còsmics, de visions o estats interiors; una poètica visual carregada de simbolisme, inspirada en les reflexions de l’artista sobre el sentit de l’individu i l’espiritualitat humana.

Seine Malerei entsteht aus einer persönlichen Fusion der Kulturen des Orient und des Okzident und zeichnet sich durch die fast ausschließliche Verwendung von traditionellen chinesischen Materialien aus – Reispapier, Tusche und chinesische Pinsel -, gleichzeitig verwendet er modernste Maltechniken, die dem physischen Akt des Malens, der Erforschung der Malerei und der Autonomie der Bildsprache große Bedeutung zukommen lässt. Seine Bilder zeugen von der Flüssigkeit seines Arbeitens, mit spontan und leicht erscheinendem Pinselzug modelliert er die Tusche, das Spiel mit Schwarz und Weiß, mit Licht und Schatten erlaubt ihm ein großes Variantenreichtum und rufen einen sinnlichen und poetischen Eindruck hervor. Die Bilder schwanken zwischen dem Figürlichen und der Abstraktion, nahezu kosmischen Landschaften, der Abbildung seiner Visionen und Geisteszustände: eine visuelle Poesie voller Symbolik, inspiriert von den Gedanken des Künstlers über den Sinn des Individuums und die menschliche Spiritualität.

dp 8www.d-palma.com

Por/Von Elisa Reus

© Graciela Iturbide. México, 1969

Graciela Iturbide En el Solleric

im Solleric

Fruto de la colaboración entre el Ayuntamiento de Palma y MAPFRE, el Casal Solleric acoge –coincidiendo con PalmaPhoto– una soberbia retrospectiva de la fotógrafa mexicana Graciela Iturbide (Ciudad de México, 1942), autora de una obra amplia, intensa y singular, y uno de los grandes nombres de la fotografía artística de inspiración social y cultural, que a lo largo de cuatro décadas ha ido constituyendo una obra absolutamente única, fundamental para comprender la evolución que ha tenido la fotografía en México y en el resto de América Latina.

A lo largo de su carrera ha recibido numerosos reconocimientos internacionales, como el premio Eugene Smith Memorial Foundation, el Gran Premio del Mois de la Photo de París, el Gran Premio Internacional del Museo de Fotografía de Hokaido, Japón, el Premio Hasselblad (2008) –el más alto galardón al que un fotógrafo puede acceder en la actualidad–, el premio Nacional de Ciencias y Artes de México o el Lucie Award en Nueva York, ambos en 2009.

Célebre por sus retratos de los indios Seris, que habitan en la región del desierto de Sonora, por su visión de las mujeres de Juchitán (en el Istmo de Tehuantepec, Oaxaca) o por su fascinante ensayo sobre los pájaros que lleva años fotografiando, el itinerario visual de Graciela Iturbide ha recorrido, además de su México natal, países tan distintos como España, Estados Unidos, India, Italia y Madagascar. Su curiosidad por las distintas formas de diversidad cultural han convertido el viaje en una dinámica de trabajo a partir de la cual expresa su necesidad como artista: “fotografiar como pretexto de conocer”, según sus mismas palabras.

La muestra, formada por más de 180 fotografías, presenta una de las más completas panorámicas realizadas hasta la fecha, prestando al mismo tiempo especial atención a su trabajo más reciente, prácticamente desconocido en Europa.

Dank der Zusammenarbeit zwischen der Stadt Palma und MAPFRE zeigt das Casal Solleric pünktlich zur PalmaPhoto eine hervorragende Retrospektive der mexikanischen Fotografin Graciela Iturbide (Mexiko-Stadt, 1942). Das umfassende Werk der Künstlerin ist eindringlich und einzigartig, und ihr Name gilt als einer der großen im Bereich der sozial und kulturell motivierten Kunst-Fotografie. Das Ergebnis ihres 40jährigen Schaffens steht stellvertretend für die Entwicklung der Fotografie in Mexiko und Südamerika.

Im Laufe ihrer Karriere hat sie unzählige internationale Preise gewonnen, beispielsweise den der Eugene Smith Memorial Foundation, den Mois de la Photo-Preis von Paris, den internationalen Preis des Fotografiemuseums von Hokkaido (Japan), den HasselbladPreis (2008) – die bedeutendste Auszeichnung, die ein Fotograf momentan erhalten kann – , den Nationalen Preis für Kunst- und Naturwissenschaft in Mexiko oder den Lucie Award in New York (beide 2009).

Berühmtheit erlangten unter anderem ihre Porträts der Seri-Indianer, die in der Wüstenregion Sonora leben, ihre Fotos der Frauen von Juchitán (in der Landenge von Tehuantepec, Oaxaca) und ihre faszinierenden Vogelstudien, die sie seit Jahren betreibt. Ihre Fotos wurden weltweit ausgestellt, neben Mexiko auch in Spanien, den USA, Indien, Italien und Madagaskar. Ihre Neugier auf die verschiedenen Ausprägungen der kulturellen Vielfalt führte sie auf Arbeitsreisen um die ganze Welt. Die Dynamik ihrer Werken ist Ausdruck ihres Bedürfnisses als Künstlerin: “Fotografieren als Vorwand, um Neues kennen zulernen”, so drückt sie es aus.

Die Schau zeigt über 180 Fotografien und ist eine der vollständigsten Ausstellungen der Künstlerin, die bisher stattgefunden haben. Gleichzeitig stellt sie auch die neuesten Arbeiten der Künstlerin vor, die in Europa nahezu unbekannt sind.

dp 9www.d-palma.com

Por/Von Elisa Reus

Alejandro Clavo Eclecticismo fotográfico Alejandro Clavo es un fotógrafo residente en Palma de Mallorca con una dilatada experiencia de más de 25 años en el mundo de la publicidad en diferentes áreas de la creatividad. Empezó su carrera en Madrid, principalmente ejerciendo de director de arte en distintas agencias publicitarias. Fue entonces cuando pudo trabajar con algunos de los fotógrafos que él mismo considera sus referencias: Miguel Oriola, Iñaki Preysler, Lorenzo Caprile, Anel Fernández o Enrique Cano.

En su obra Clavo abarca distintas disciplinas, que él mismo separa en dos espacios cibernéticos con su mismo nombre, uno dedicado a fotografía más enfocada a publicidad (www.alejandroclavo.com) y el otro a sus trabajos de fotografía contemporánea no publicitaria (www.alejandroclavo.es). En el primero prioriza la fotografía de retratos, bodegones y social, en una representación que incluye la serie titulada Mallorca Atávica en la que se pueden ver algunas fotos de las típicas matances mallorquines.

dp 10www.d-palma.com

En el segundo entra en un territorio mucho más personal y conceptual, explayándose en series fotográficas temáticas. Desde Blood, selección de imágenes en blanco y negro y rojo (el de la sangre que aparece en las fotos), que por razón obvia recuerda a los créditos que aparecen en la conocida serie sobre el asesino Dexter; hasta Agnus Dei, una colección de fotografías cuyo concepto se basa en situar una oveja lejos de su hábitat natural, en distintos escenarios más propios de las personas, en lo que supone algo parecido a la humanización del animal.

Es en este terreno en el que Clavo desarrolla también una serie de fotografía conceptual, -que puede remitir a la obra de Chema Madoz-, de imágenes protagonizadas por objetos cotidianos a veces descontextualizados, modificados o yuxtapuestos con otros elementos, que obtienen un nuevo significado. Por último destaca su trabajo de poesía visual, un ejercicio en el que se adentra en otro terreno mediante el uso de tipografías combinadas con ilustración.

Fotografischer Eklektizismus Der in Palma lebende Fotograf Alejandro Clavo arbeitet seit 25 Jahren in den unterschiedlichsten Kreativ-Bereichen der Werbewelt. Seine Karriere begann er in Madrid, wo er als Art Director für verschiedene Werbeagenturen tätig war. Dies ermöglichte ihm die Zusammenarbeit mit verschiedenen Fotografen, die er als Vorbilder bezeichnet: Miguel Oriola, Iñaki Preysler, Lorenzo Caprile, Anel Fernández oder Enrique Cano.

Für sein Schaffen vereint Clavo unterschiedliche Disziplinen, er selbst hat sie im Cyberspace auf zwei Seiten aufgeteilt, die beide seinen Namen tragen. Während die eine Seite (www.alejandroclavo.com) sich der Werbefotografie widmet, präsentiert er auf der anderen (www.alejandroclavo.es) nicht-kommerzielle, zeitgenössische Fotos. Die erste zeigt Porträts und Food-Fotografie sowie die Galerie “Atavistisches Mallorca” mit Aufnahmen von einem typisch mallorquinischen Schlachtfest (matanzas).

Seine andere Webseite ist deutlich persönlicher und konzeptioneller und zeigt breit angelegte Foto-Serien.

Von Blood in schwarz-weiß und rot (das Blut auf den Bildern), deren Fotos ganz klar an den Abspann der Kultserie über den Auftragskiller Dexter erinnern, bis hin zu Agnus Dei, einer Sammlung von Fotos, auf denen ein Schaf an von seinem natürlichen Umfeld weit entfernten Orten abgelichtet wird. Das Schaf in menschlichen Räumen steht so auch für die Humanisierung des Tieres.

In die gleiche Richtung geht auch eine weitere konzeptionelle Serie Clavos, die – in Anlehnung an die Arbeiten von Chema Madoz – eine Reihe von Alltagsgegenständen zeigt, welche dekontextualisiert, verändert oder mit anderen Elementen neu zusammengesetzt werden und so eine ganz neue Bedeutung erhalten.

Schließlich ist auch noch seine visuelle Poesie erwähnenswert, für die er Typografie und Illustration kombiniert.

Por/Von Cati Bestard

Carles Congost

We Can Change The World III, Fotografía. ( 2009 ) .

109 cm x 130 cm. Ed. 5 + 1 p.a

We can change the world Muchos eventos artísticos de nuestra comunidad son como el interior de una nave espacial abandonada, brillan por fuera y por dentro nada, como la canción de Fangoria. Al PalmaBrunch me fui con la sana esperanza de desayunar con mucho arte, pero no fue posible. La desidia de muchos galeristas y la poca participación ciudadana hicieron que el desayuno se me antojara tibio e indigesto.Ahora bien, no en todas partes fue así. La galería Horrach-Moyà presentó a un artista de su nómina y que ya hacía unos años que no habíamos podido disfrutar en nuestra ciudad. Carles Congost aterrizó con las particularidades de su universo creativo, donde el terreno impreciso de la adolescencia, la querella entre nuevos medios y la pintura tradicional y un lenguaje que remite a la publicidad y al videoclip son las marcas distintivas y distinguidas de la casa. Marcas que hacen que, al pensar en la obra de Carles, se te crucen por las autopistas mentales palabras como las siguientes: universo propio, trayectoria coherente, compromiso temporal, entre otros bólidos. La exposición, donde no hay presencia de video, consta de ocho fotografías de diferentes series que abarcan los últimos años, mostrando una suerte de pequeña selección de trabajos. Las de la serie “We Can’t Change The World”, que se pudieron ver hace muy poquito tiempo en la Joan Prats de Barcelona, son un muestrario de su obra más reciente. Esta serie es justamente la que da nombre a la muestra palmesana. Muy recomendable la exposición -y el desayuno-. Ya que un desayuno es informal y una exposición es un pequeño fragmento de alta cultura, de diletantismo. Y la obra de Carles es lo uno y lo otro. Para quien sólo busque una estética atrayente, le interesará y mucho, pero quien quiera rascar y ver los múltiples referentes estéticos e intelectuales que maneja el artista –al margen de que decida que la fotonovela es un medio adecuado, o justamente por eso- son muy ricos y diversos. En fin, una exposición que no pueden perderse y un artista al que, de no conocerlo –cosa difícil-, tienen que seguir.

dp 12www.d-palma.com

Viele Kulturveranstaltungen auf unseren Inseln gleichen einem verlassenen Raumschiff: Außen glitzernd, innen hohl und leer. Zum PalmaBrunch ging ich in der irrigen Annahme, ein schönes Frühstück mit viel Kunst genießen zu können – wie gesagt, irrig. Denn die Schlampigkeit vieler Galeristen und das mangelnde Interesse der Leute haben mir nicht nur die Laune, sondern auch den Appetit verdorben. Um es klar zu stellen: Es war nicht alles schlecht. Die Galerie Horrach-Moyà stellte einen der eigenen Künstler aus, den wir in unserer Stadt schon seit Jahren nicht mehr sehen durften. Carles Congost präsentierte die Eigenheiten seines kreativen Universums, dessen Kennzeichen betont jugendliche Panoramen, der Dauerzwist zwischen neuen Medien und traditioneller Malerei und eine Bildsprache, die an Werbe- und Videoclips erinnert, sind. All das führt dazu, dass dir bei der Nennung des Namens Carles Congost vollkommen unterschiedliche Begriffe durch den Kopf schießen: eigenes Universum, kohärenter Werdegang und befristete Verbindlichkeit, um mal einige zu nennen. Die Ausstellung, in der kein Video zu sehen ist, besteht aus acht Fotografien aus verschiedenen Serien der letzten Jahre, eine gelungene Auswahl hervorragender Arbeiten. Die Aufnahmen aus der Serie „We Can’t Change The World“, die bis vor kurzem im Joan Prats in Barcelona zu sehen waren, sind quasi eine Mustermappe seiner neuesten Arbeiten. Nach dieser Serie ist auch die Ausstellung in Palma benannt. Wirklich empfehlenswert, diese Ausstellung – und das Frühstück. Denn ein Frühstück ist eine informelle Sache, und eine Ausstellung ist ein Fragment der Hochkultur, des Dilettantismus. Und die Arbeiten von Carles sind sowohl das eine als auch das andere. Wer sich nur für eine anziehende Ästhetik interessiert, kommt hier auf seine Kosten; wer aber am Lack kratzen und die verschiedenen ästhetischen und intellektuellen Anspielungen, mit denen der Künstler spielt, genießen will, der ist hier genau richtig. Zusammenfassend: Eine Ausstellung, die ihr sehen müsst und ein Künstler, den ihr – wenn ihr ihn tatsächlich noch nicht kennt – nicht aus den Augen verlieren solltet.

Por/Von Marcos Augusto

Visionaris x Short stories El colectivo fotográfico Samakineta y la Fundació Pilar i Joan Miró presentan, un año más, el ciclo de proyecciones y talleres VISIONARIS X. En su tercera convocatoria, con el título “Closer”, la proximidad entre el autor y su entorno será el nexo que relacione los portfolios de los fotógrafos invitados.

Familia, hogar, trabajo, relaciones, amistades, la normalidad de un entorno, el día a día de una vida, acciones cotidianas… Cada fotógrafo nos muestra su alrededor visto desde un punto de vista muy especial: el suyo propio. Una ventana íntima abierta al espectador, a la que nos podemos asomar y ver, como si de un voyeur se tratase, mundos muy personales.

Las proyecciones de VISIONARIS X se realizarán en los jardines de la Fundació Pilar i Joan Miró de Palma los días 27 de mayo, 3 y 10 de junio, clausurando el ciclo con una fiesta en el Passeig des Born el día 17 de junio , con la proyección del trabajo de todos los autores y la actuación combinada con las imágenes de un DJ. Se proyectarán los trabajos de un total de 18 fotógrafos, 6 cada velada y una repetición de todos los ensayos fotográficos el día de clausura.

Paralelamente a las proyecciones, Samakineta propone al fotógrafo Clemente Bernad para presentar su taller “Algunas preguntas…”. En el workshop, el autor pretende reflexionar sobre la actividad fotográfica y sobre los diferentes usos de las imágenes, tanto en sus soportes tradicionales como en los más novedosos.

La corta historia de la fotografía está llena de dudas y de inseguridad, aunque éste parece ser un momento de especial confusión, en el que probablemente sea necesario plantearse preguntas y buscar respuestas, sin confiar en encontrarlas.

En el taller se analizarán diversos aspectos de la situación actual de lo fotográfico, con un énfasis especial en el llamado fotoperiodismo y sus derivados.

dp 14www.d-palma.com

Das Fotografenkollektiv Samakineta und die Fundació Pilar i Joan Miró laden auch in diesem Jahr zum Bilder- und Workshop-Zyklus Visionaris X ein.

In der dritten Auflage mit dem Titel „Closer“ steht die Nähe zwischen dem Künstler und seiner Umwelt im Mittelpunkt und ist der gemeinsame Nenner des Portfolios der GastFotografen. Familie, Zuhause, Arbeit, Beziehungen, Freundschaften, die Normalität der Umgebung, das tagtägliche Leben, Alltagsgeschichten… Jeder der Fotografen zeigt uns seine Umgebung aus einem ganz speziellen Blickwinkel heraus: Seinem eigenen.

Ein inneres Fenster steht dem Betrachter offen, durch das wir unsere Köpfe stecken und dort, als wären wir Voyeure, sehr persönliche Welten entdecken.

Die Fotovorführungen des VISIONARIS X finden in den Gärten der Fundació Pilar i Joan Miró in Palma am 27. Mai und 3. und 10. Juni statt, die Abschlussveranstaltung wird dann am 17.

Juni auf dem Passeig des Born gefeiert: Eine Party, auf der die Arbeiten aller teilnehmenden Künstler gezeigt werden, ein DJ liefert die passende musikalische Untermalung.

Insgesamt vereint die Schau die Werke von 18 Fotografen, an jedem der drei Abende sind je sechs Künstler und am Abschlusstag nochmals alle zusammen zu sehen.

Parallel zu den Fotoschauen konnte Samakineta den Fotografen Clemente Bernad für die Durchführung des Workshops „Algunas preguntas…“ (Einige Fragen) gewinnen.

Der Fotokünstler wird nicht nur über das Fotografieren an sich referieren, sondern auch über den unterschiedlichen Gebrauch von Bildern, sowohl traditionell als auch innovativ. Die kurze Geschichte der Fotografie steckt voller Unschlüssigkeit und Unsicherheit, auch wenn die Verwirrung gerade in diesen Momenten besonders groß erscheint, in denen man sich sicherlich Fragen stellen und Antworten suchen sollte – ohne darauf zu vertrauen, diese auch zu finden. Der Workshop behandelt diverse Aspekte der aktuellen Fotografie-Szene mit einer besonderen Betonung auf dem so genannten Fotojournalismus und seinen Derivaten.

Por/Von Miquel Orfila

Joan Roig El ojo derecho

Das rechte Auge

Joan Roig (Campos, 1978) lleva desde 2006 trabajando como asistente del fotógrafo Pep Bonet. Roig se especializó hace años en retoque fotográfico: suyo es el color, la expansión del alma de una imagen que otro toma. Un trabajo extraño.

“Somos un equipo”, explica él. “Para empezar, es uno de mis mejores amigos. De hecho, creo que le tengo más respeto como persona que como fotógrafo. En el ámbito profesional es una de las personas más exigentes que conozco, nadie le ha regalado nada. Ambos trabajamos para que la imagen sea lo mejor posible.

Un buen retoque es aquél que se nota pero que no se come la imagen”. En cuanto a su trabajo junto a Bonet, comenta: “Me gusta llamarlo postproducción.

Es una herramienta más del proceso. De hecho, lo que hago se parece bastante a las ampliadoras. Modifico de manera selectiva la exposición y el contraste, la saturación, pulir dominantes de luz... Se trata de hacer una interpretación para potenciar los puntos de lectura de la imagen. Pero sin una buena imagen yo sólo puedo disfrazarla. Para tener una buena imagen lo principal es un buen fotógrafo, después una buena cámara, que es más importante de lo que la gente piensa, y finalmente, a nivel profesional, una buena postproducción”.

Roig lleva los últimos años trabajando junto a un fotógrafo que ha ganado dos veces el World Press Photo, todo un lujo. A pesar de ello, o precisamente debido a ello, es bastante cauto a la hora de plantearse una carrera tomando sus propias imágenes: “Entré en este mundo queriendo ser fotógrafo, pero hace tiempo que tengo claro que quiero ser un buen retocador. Me parece un mundo muy interesante. Lo que me gusta a mí es viajar y este trabajo me lo permite. Tengo mucha libertad”.

Entre trabajo y viajes, Joan lleva años dando talleres sobre retoque -el último durante el pasado festival Alternatilla- y dando a conocer una técnica que todavía suscita debates en el mundo de la fotografía: “El problema es el mismo PhotoShop. Mucha gente cree que sabe utilizarlo cuando lo único que hace es aplicar filtros usando un botón, creando efectos antinaturales, intentando convertir en bonitas fotos que en realidad son malas, lo que hace bastante daño a la fotografía. Después, en el ámbito profesional, hay dos tipos de fotógrafos: los objetivos, que piensan que la imagen ha de ser lo más parecida posible a la toma original, y los subjetivos, que piensan como nosotros que una fotografía permite cierta interpretación, aunque sin manipular la imagen”. Mirando algunos de sus trabajos uno acaba pensando lo mismo que viendo ciertas películas o escuchando ciertas canciones: a veces la obra es más real que la realidad. Y que todo es mentira. Incluso esto.

Joan Roig (Campos, 1978) arbeitet seit 2006 als Assistent des Fotografen Pep Bonet.

Vor Jahren spezialisierte er sich auf Fotobearbeitung: Er retuschiert die Farbe und die „Seele“ der Fotos, die ein anderer gemacht hat. Ein seltsamer Beruf.

“Wir sind ein Team”, erklärt er. “Erstens ist Pep einer meiner besten Freunde. Ich habe glaube ich sogar mehr Respekt vor ihm als Person als vor ihm als Fotografen. Was die Arbeit angeht ist er eine der anspruchvollsten Menschen, die ich kenne; niemand hat ihm je etwas geschenkt. Wir arbeiten beide daran, dass das Bild so gut wie möglich wird. Eine gute Retusche ist diejenige, die man zwar bemerkt, die das Foto aber nicht auffrisst.” In Bezug auf seine Zusammenarbeit mit Bonet erklärt er: “Ich nenne es gerne Postproduktion. Es ist eines der vielen Instrument, die den Prozess ausmachen. Eigentlich gleicht meine Tätigkeit der eines Vergrößerungsgerätes. Ich ändere auf selektive Weise die Belichtung, den Kontrast, die Sättigung, glätte Überbelichtungen Es geht darum, das Bild zu interpretieren und es so besser “lesbar” zu machen. Aber ohne ein gutes Motiv kann ich das Bild nur maskieren. Um ein gutes Bild zu erhalten braucht man einen guten Fotograf, eine gute Kamera “das ist wichtiger, als die Leute glauben “ und am Ende, zumindest auf professionellem Gebiet, eine gute Postproduktion.”

Roig arbeitet seit Jahren an der Seite eines Fotografen, der schon zwei Mal den World Press Photo-Award gewonnen hat, das ist der pure Luxus. Trotzdem oder vielleicht gerade deshalb ist er vorsichtig, was die Planung seiner eigenen Karriere als Fotograf angeht: „Als ich anfing wollte ich ein guter Fotograf werden, aber mir ist schon vor langem klar geworden, dass ich ein guter Retuscheur sein möchte. Ich finde das wahnsinnig interessant. Ich liebe es, zu reisen, und das erlaubt mir diese Arbeit. Ich habe viel Freiheit.”

Wenn er nicht gerade arbeitet oder reist, gibt Joan schon seit Jahren Workshops über das Retuschieren “ den letzten gerade auf dem Alternatilla Festival “ und über eine Technik, die in der Fotografie-Welt immer noch hitzige Diskussionen auslöst: “Photoshop selbst ist das Problem. Viele Leute denken, sie würden das Programm beherrschen, dabei legen sie nur per Klick ein paar Filter über die Bilder, erzeugen unnatürliche Effekte, versuchen, schlechte Fotos in hübsche zu verwandeln - damit tun sie der Fotografie nichts gutes. Im professionellen Bereich gibt es zwei Arten von Fotografen: die Objektiven, die meinen ein Bild muss der Originalaufnahme so ähnlich wie nur möglich sein, und die Subjektiven, die wie wir finden, dass ein Foto einen gewissen Interpretationsspielraum erlaubt, ohne aber dabei das Bild zu manipulieren.” Wenn man seine Bilder betrachtet denkt man dasselbe wie bei gewissen Filmen oder bestimmten Songs: Manchmal ist das Werk realer als die Realität. Und alles ist Lüge. Selbst das hier.

dp 16www.d-palma.com

Por/Von Joan Cabot Foto © Pep Bonet

www.julianhibbard.com

Julian Hibbard The Noir A-Z Las imágenes enigmáticas de Julian Hibbard reflejan su interés en la memoria, en los sueños, en lo cinematográfico y en su rol de espectador. Sus fotos son conceptuales, oscuras y lúdicas. La cuidadosa iluminación y el color son elementos utilizados para crear relaciones de misterio en sus fotografías. Suele presentar un momento suspendido seductor al igual que incómodo.

Die rätselhaften/geheimnisvollen Bilder von Julian Hibbard spiegeln sein Interesse an Erinnerungen, Träumen, Kino und seiner Rolle als Zuschauer wider. Seine Fotos sind konzeptuell, düster und gleichzeitig verspielt. Sorgfältige Beleuchtung und Farben sind die Elemente, mit denen er seinen Aufnahmen etwas Geheimnisvolles verleiht. Seine Momentaufnahmen sind gleichzeitig verführerisch und unbequem.

Hibbard es un fotógrafo conceptual formado en la Universidad de Kingston de Londres, donde estudió “Intermedia Fine Art Photography”. Su trabajo se ha expuesto en Londres, Escocia, Santiago de Chile y Los Ángeles.

En España, sus fotografías han sido expuestas en la prestigiosa Galería Fundación RAC de Pontevedra. Su primer libro lo publicó en 2009: “The Noir A-Z” es un libro que recuerda por su formato a los libros infantiles, pero éste evoca provocación con una estética oscura, emparejando una palabra con una fotografía para las 26 letras del alfabeto.

Hibbard ist ein konzeptueller Fotograf, der sein Handwerk an der Kingston University in London im Studiengang „Intermedia Fine Art Photography“ erlernt hat. Seine Arbeiten wurden bereits in London, Schottland, Santiago de Chile und Los Angeles ausgestellt.

In Spanien konnte man seine Bilder bereits in der berühmten Galerie Fundación Rac in Pontevedra sehen. Sein erstes Buch veröffentlichte er 2009: „The Noir A-Z“ erinnert auf Grund seines Formates an ein Kinderbuch, doch die düstere Ästhetik der Fotografien provoziert. Neben jeder Aufnahme steht ein Wort: Von A wie Abandoned bis Z wie Zoomorphic sind alle 26 Buchstaben des Alphabets vertreten.

dp 17www.d-palma.com

Por/Von Alou

dp 18www.d-palma.com

www.romantorre.com

Román Torre Inquietud creativa

kreative Unruhe

“El arte de intentar hacer lo que te propongas, sea fácil o no”, así define Román Torre su trabajo. Y es que este asturiano, residente en Barcelona, no pone límites a sus creaciones y tal vez sea por esto que sus obras sobrepasan el ámbito estético para convertirse en piezas en las que confluyen el arte, la investigación, el conocimiento y la tecnología. Defensor del DIY y autodidacta, cuando se siente atraído por alguna idea intenta “llevarla a cabo apasionadamente, con o sin conocimientos” y “aprender haciendo”. El pasado mes de abril estrenó en el Museo Reina Sofía el espectáculo interactivo de danza AVATAR*, en el que trabaja conjuntamente con el colectivo Erre que Erre.

Visualizando el miedo es uno de sus recientes trabajos, un proyecto en tiempo real que extrae información de Twitter para realizar una búsqueda semántica y aislar los miedos que se muestran en la red. A partir de esta información, Torre investiga sobre cómo elaborar una guía audiovisual que muestre el miedo global en tiempo real. ¿Y cuáles son los miedos globales? “Los miedos globales son de todo tipo, raza, condición y posición social. Una pequeña búsqueda nos puede llevar a intuir la situación de un país en cuanto al miedo a alguna idea, cosa o situación con una precisión en coordenadas geográficas y con un rango de acierto mucho más efectivo que los medios tradicionales.

Por supuesto en la red no está todo, pero nos vamos acercando hacia una digitalización total de nuestras vidas, para bien y para mal. Mi idea para este proyecto es mostrar todos los miedos, aglutinarlos y usarlos como material creativo haciéndolos visibles”.

Para entender sus obras, algunas instrucciones de uso: “No hay que estar muy preocupado con la estética, para mí es algo muy importante pero no primordial.

Hay que estar dispuesto a comprender, a interesarse por la obra final y su proceso de creación, el porqué he llegado ahí y con qué herramientas. No me atrae proponer grandes retos conceptuales y no confío mucho en el arte para resolverlos”.

“Die Kunst das zu versuchen, was du dir vorgenommen hast – egal ob es einfach ist oder nicht”: so definiert Román Torre seine Arbeit. Der gebürtige Asturianer lebt in Barcelona und setzt seinen Kreationen keinerlei Limit – vielleicht sprengen seine Werke deshalb manchmal den Rahmen des Ästhetischen und verwandeln sich in eine Mischung aus Kunst, Forschung, Wissen und Technologie. Wenn der Autodidakt, Verfechter von Do-it-yourself, einen unwiderstehlichen Einfall hat, versucht er „ihn leidenschaftlich umzusetzen, egal ob ich was davon verstehe oder nicht“, und „beim machen zu lernen“. Im April stellt er im Museo Reina Sofia in Madrid das interaktive Tanzspektakel AVATAR* vor, das er gemeinsam mit dem Kollektiv Erre que Erre erarbeitet hat. Visualizando el miedo (Visualisierung der Angst) lautet der Titel einer seiner neuesten Werke, ein Projekt in Echtzeit, das Twittermeldungen einer semantischen Suche unterzieht und so die Ängste isoliert, die im Netz zum Vorschein kommen. Von diesen Informationen ausgehend untersucht Torre, wie sich ein audiovisueller Führer erstellen lässt, der die globale Angst in Echtzeit darstellt. Und, was sind denn nun die globalen Ängste? „Die decken die ganze Bandbreite ab: Hautfarbe, Lebensumstände, soziale Position… Mittels einer kleinen Suche kann man die Angstsituation in einem Land bezüglich eines bestimmten Aspektes darstellen, und das mit einer präzisen Bestimmung der geografischen Koordinaten und mit einer Aussagesicherheit, die traditionelle Medien nie erreichen können. Natürlich repräsentiert das Internet nicht die komplette Bevölkerung, aber wir nähern uns der totalen Digitalisierung unseres Lebens an, im guten wie im schlechten Sinne. Meine Grundidee für das Projekt ist es, alle nur möglichen Ängste aufzuzeigen, sie zu sammeln und als kreatives Material zu verwenden, in dem ich sie sichtbar mache“.

Hier ein paar Gebrauchsanweisungen zum Verständnis seiner Werke: „Man sollte sich nicht zu sehr um die Ästhetik kümmern, sie ist mir zwar wichtig, aber nicht vorrangig.

Wichtiger ist es, den Willen zum Verstehen mitzubringen, Interesse für das fertige Werk und den Entstehungsprozess, auch für die Frage wie ich dort hingekommen bin und welche Instrumente ich dazu benutzt habe. Große konzeptuelle Herausforderungen zu stellen interessiert mich nicht besonders, und ich traue der Kunst auch nicht zu, diese lösen zu können“.

dp 20www.d-palma.com

Por/Von Cati Bestard

Programa Cultural Mallorca ADDAYA CENTRE D´ART CONTEMPORANI

BARTOLOMÉ MARCH SERVERA

ABA ART

“PROJECTE NOVES PRESÈNCIES”

Colección de Escultura Contemporánea

Juan Antonio García

Juny i juliol

C/ Alexandre Rosselló, 10 07340 Alaró (Mallorca) www.addaya-art.com Horaris: de dimarts i dimecres de 17,00 a 20,30 h – de dijous a dissabte de 10,30 a 13,30 h i de 17,00 a 20,30 h. Dilluns i diumenges tancat.

CASAL SON TUGORES “MARIA DEL MAR BONET” Juny i juliol

Clastra de Son Tugores s/n 07340 – Alaró (Mallorca) sontugores@ajalaro.net Horaris: de dilluns a divendres de 16,00 a 20,00 h / dissabtes de 11,00 a 13,00 h / diumenges tancat

GALERIA MAIOR POLLENÇA Joan Cortés

(Rodin, Chillida, Henry Moore, etc.)

Belén Napolitano del siglo XVIII Cartografía Mallorquina Palau Reial, 18 07001 Palma de Mallorca Horario de visita: lunes a viernes: 10:00 a 18:30 horas.

Sábados: de 10:00 a 14:00 horas Domingos y festivos cerrado Precio: 3,60 €

Del 10 de julio al 15 de agosto Plaça Major, 4 07460 Pollença, Mallorca galeriamaior.es

Postcards

Del 18 de junio al 11 de septiembre Plaça Porta de Santa Catalina 21 07012 Palma abaart.com Horario: De lunes a Sábado 11h - 14h y 17h - 20.30

CAIXA FORUM PALMA Mujeres.

Espejo de culturas Hasta el 25 de julio

Paisajes neuronales Hasta el 13 de junio

La estética de Anglada- Camarasa Exposición permanente Los dibujos preparatorios de Anglada- Camarasa Plaza de Weyler, 3 07001 Palma laCaixa.es/ObraSocial Horario: De lunes a sábado de 10 a 21 h Domingos i festivos, de 10 a 14 h Entrada gratuita

JOAN GUAITA ART Palma-Photo Exposición Colectiva Verí, 10 07001 Palma joanguaitaart.com Horario Invierno: Lunes a Viernes de 10:30 a 13:30 hrs. y de 17:00 a 20:30 hrs.

Sábado de 11:00 a 13:30 hrs.

MUSEU ES BALUARD Los sitios de la Abstracción Americana Selección de la colección Ella Fontanals-Cisneros Hasta el 20 de junio

FUNDACIO PILAR I JOAN MIRO

Calle pelaires, 5 07001 Palma de Mallorca

Espais: exterior de la Fundació,

Zero, Cúbic i Auditori Intervencions a la ciutat Comisaria: Piedad Solans

Democracia.

“Contra el público”

En Privat 2 Del 20 de mayo al 05 de septiembre

C. Saridakis, 29 07015 Palma miro.palmademallorca.es

GALERÍA HORRACH MOYA

Del 18 de junio al 18 de agosto C/ Catalunya, 4 07011 Palma horrachmoya.com

GALERÍA LA CAJA BLANCA Bartomeu Sastre

Can Sales, 10 07012 Palma galeriamaior.es

Exposición individual. Obra realizada específicamente para La Caja Blanca.

Selección Noves Presencies

SKL GALLERY

2010. Fotografía y Performance

Kyunwoo Chu Fotografía y Performance Junio y julio

Costa Santa Creu, 8 07012 Palma de Mallorca sklgallery.com

GALERIAALTAIR Palma Photo 2010 SHOTS. Muestra colectiva Cindy Sherman, Andrés Serrano, Thomas Ruff, Robert Rauschenberg, Juan Muñoz, Vik Muniz, Chema Madoz, Miguel Río

Junio Julio Calle Can Verí 9 07001 Palma lacjablanca.com Horarios: de 11:00 a 14:00 y 17:00 a 20:00 (sábados de 11:00 a 14:00 y domingo cerrado)

PELAIRES CENTRE CULTURAL CONTEMPORANI Jason Martin “New works” Julio

Branco, Candida Höffer

Inauguración el 18 de junio Sant Jaume 15 07012 Palma de Mallorca

FUNDACIÓN

pelaires.com

CASAL SOLLERIC Gao Xingjian Al fons del Món

Hasta el 11 de julio

Graciela Iturbide

Espai Estrella.

A partir del 4 de mayo

Adriana Duque “Infantes”

Del 24 de julio al 24 de octubre

Williams.

Col·lecció permanent de Joan Miró

Comisariado. Cristina ros

Del 9 de julio al 31 de agosto

Justin Beal, Walead Beshty, Drew Heitzler, Nancy de Holl, Nathan Hylden, Kirsten Stoltmann, John

Hasta el 4 de julio

Hasta el 17 de Junio

Miradas a la colección de Es Baluard

Palma Photo 2010

Impuls al Diseny industrial 2009

Nuevas Adquisiciones

Susana Solano

Del 18 de junio al 15 de agosto

Junio y Julio

Carles Congost

Pep Llambias “Septem”

Naia del Castillo

Exposición temporal: 4,00 €

Comisariado: Juan Ledezma

GALERÍA MAIOR PALMA Hasta el 12 de junio

SALA PELAIRES

porxo de l’entrada, hall,

Inauguración el 18 de junio

Hasta el 3 de julio

José Manuel Broto

Palma Photo 2010

Plaça Porta Santa Catalina, 10 07012 Palma esbaluard.org Horario: Martes a domingo de 10 a 20 hrs.

Lunes cerrado Entrada general: 6,00 €

Calle Verí,3 07001 Palma pelaires.com

Del 10 de junio al 4 de julio

Del 17 de Junio al 5 de septiembre

Passeig del Born, 27 07012 Palma Horario Martes a sábados de 10 a 14h. y de 17 a 21h.

Domingos y festivos de 10 a 13.30h.

ESPAI QUATRE MP&MP Rosado

Hasta el 11 de julio

SES VOLTES Parc de la Mar s/n 07003 Palma Horario hasta el 31 de mayo Martes a sábados de 10 a 17.45 h.

Domingos y festivos de 10 a 13.45h.

Horario del 1 de junio al 30 de septiembre Martes a sábados de 10 a 13.45h. y de 16.45 a 20.30 h.

Domingos y festivos de 10 a 13.45h.

CENTRE CULTURAL LA MISERICÒRDIA Andy Dom Dom La Huida

Hasta el 20 de junio Sala multiusos segon pis Plaça de l’Hospital, 4 07012 Palma (Mallorca) Illes Balears

FONDAMENTA espacio de Arte y Cultura Ample de la Mercè, 1 07002 Palma Exposición aniversario de Fondamenta:

Mariano Soto: Pintura Oriental y Sumi-e + Ikebana.

Hasta el 16 de junio

Eliseo Coloma Ferrándiz

Del 15 de julio al 29 de julio

Kulturprogramm Mallorca CCA Andratx Paradise Lost-Holidays

TEATRE MUNICIPAL D’ARTA

Horario de jueves a sábado de 22.00h. a 06.00h.

MALLORCA ROCKS HOTEL

in Hell

Tiempos Modernos

TEATRE PRiNCIPAL

Calvin Harris, Example

comisariado por Saskia Drexler y Christian Nagel Artistas: Martin Erik Andersen, Monika Baer, Michael Beutler, Lutz Braun, Keren Cytter, Sven Johne, Kalin Lindena, Lone Haugaard Madsen, Christian Mayer, Cornelius Quabeck, Michael Riedel, Alexander, Rischer, Hanna Schwarz, Stephanie Taylor, Jan Timme, Mirjam Thomann, Amelie von Wulffen, Heimo Zobernig

Hasta el 27 de junio

Catalina Canoves Rigo Ciudades y puertos Hasta el 31 de julio

Un repàs al passat segle XX i a tots els seus avenços tecnològics. Un espectacle indescriptible interpretat pel, “possiblement”, millor humorista del món Idea, direcció i

interpretació: Juan Mateos Sábado 12 de junio Preu: 10 Presentació del llibre

Senyor Ahir, de Jaume Fuster Sala d’actes

LITERANTA Llibres i Cafè C. Can Fortuny, 4A 07001 Palma El escritor Manuel Vilas presentará, junto a Agustín Fernández Mallo, Aire nuestro, su última novela, y leerá una selección de sus poemas, con motivo de la celebración del XV Aniversario de La Bolsa de Pipas.

Viernes 25 de junio a las 20 horas

Concert a Carrossa.

Dansa a Carrossa & Andreu Galmés Jazz Quartet Diumenge Diumenge 4 de juliol

Concert a Ses Païsses.

Biel Ballester Trio

26 de julio

31 de julio

PLACEBO 20 de julio

CASTELL DE BELLVER 10 edición de Waitng for Waits

Richard thompson Sábado 10 de julio

Entradas: 18/20 euros

ESCENARIO ROBERT GRAVES

www.teatrearta.cat

Festival Idea Barber Chico, Johson Francisco, Pa Amb Oli Band, Nin Petit, King Dza Dza, Tatalone, Cinnamon

Najwa Nimri

Dizzee Rascal

The Cramberries

Del 8 als 10 de julio a las 21h.

El 11 de julio a las 19h.

C Ciutat,1 07570 Artà

8 de julio

19 de julio

Residents

CAMPO DE FÚTBOL DE DEIA

Nada Surf

The Courteeners

PLAZA DE TOROS DE PALMA

Diumenge 11 de juliol

CULTURA CLUB

5 de julio

El 1 de julio a las 21h.

The Sunday Drivers

PORRERES

Antoni Lliteres).

www.ccandratx.com

El 9 de junio a las 21 h.

Sent el Patrimoni

Comisariado por Freiderike

C/Estanyera 2 07150 Andratx

Triphasic

Riera, 2A 07003 Palma

(XXII Festival de Música Clàssica

Hasta el 31 de octubre

Del 3 al 5 de junio (21h.)

Domingo 6 de junio (19h.)

Viernes 18 de junio

THe Berlin Box Nymphius

La dona i el debutant

Chasers, Maral Salmassi

Viernes 16 de julio a las 21h.

9 de ljulio

TEATRE DE SANTANY

Love Of Lesbian

Mark Eitzel

5º Aniversario Cultura Club 17 de septiembre

American Music Club

18 de julio

Paseo Marítimo, 26 Palma

ESPAI PATROCINAT PER

Matías Uris Suena brillante

Hochglanz-Erotik

Matías Uris (Abenójar, Ciudad Real, 1982) empieza como fotógrafo coolhunter de zonas y personas vip en Madrid; hoy sus fotos se publican en revistas de tendencias y queer de todo el mundo. Es autodidacta y ha creado un lenguaje propio y autónomo, a base de radiografías del individuo al que asocia elementos ajenos para narrar tanto la realidad más desnuda como escenas de su propio imaginario.

Matías Uris (Abenójar, Ciudad Real, 1982) begann als Trendscout und fotografierte wichtige Menschen in wichtigen Vierteln Madrids; heute werden seine Fotos in Trendund Schwulenmagazinen aus aller Welt veröffentlicht. Er ist Autodidakt und hat eine ganz eigene Sprache entwickelt, die auf Radiografien des Individuums basieren, denen er fremde Elemente zufügt und auf diese Weise sowohl die ungeschminkte Realität als auch Szenen aus seiner Phantasie abbildet.

¿Qué papel desempeña La Mancha dentro de tu trabajo?

La Mancha es una tierra con unas costumbres y una forma de vivir muy particulares.

Mi niñez y adolescencia la pasé allí y es algo que me ha marcado mucho. Es mi tierra y si bien en la actualidad no me siento muy atraído ni entra en mis planes volver a vivir allí, creo que es algo que me ha enriquecido mucho y que con el tiempo estoy aprendiendo a valorar.

Dices que prefieres en tus fotos el erotismo a la pornografía. Pero, en tu opinión, ¿dónde está el límite entre uno y otra?

Esta pregunta se la hicieron a Claudia Schiffer hace unos 15 años, ella decía que es más excitante sugerir e insinuar que mostrar, es super cursi y recurrente esta contestación. Yo creo que las medias luces son muy excitantes y eróticas, aunque a veces también está bien verlo todo con pelos y señales, de momento no hago porno porque no me apetece pero lo mismo llega el momento.

Publicas en revistas homo-eróticas, ¿crees que en España hay público para este tipo de revistas?

Cada vez más. Es curioso cómo algo muy poco manido se ha conver tido en tema mainstream. Butt en 2001 abrió la veda a las revistas homoeróticas de nueva generación, y se convir tió en referencia estética para otras muchas publicaciones que nada tenían que ver con el tema. Desde entonces han aparecido miles de publicaciones similares, muchas llegaron a buen puer to y otras no. En España, la versión de Paco y Manolo (“KINK”) y una multitud de revistas online dedicadas al tema hacen que nos entretengamos lo nuestro. Es algo que hago de vez en cuando. Me gusta y me lo paso bien haciéndolo.

Porque introduces la iconografía cristiana en muchas de tus fotos? ¿Por transgresión/provocación o simplemente por estética?

No hay ninguna intención de provocar, la historia cristiana (como historia épica) es una tragedia romántica preciosa. La estética del ar te sacro refleja esto y me transmite sensaciones de mi niñez que me gustan. De pequeño jugaba a hacer procesiones, la carroza era una caja de zapatos y la virgen una Barbie. Es un recurso que utilizo bastante y que seguiré utilizando. Parece que ahora atravesamos una temporada en la moda en la que cruces, triángulos e imágenes es el new Black. Dentro de poco la gente se cansará de ello, yo no.

Welche Rolle spielt La Mancha in deiner Arbeit?

La Mancha ist eine Region mit sehr eigenen Traditionen und Lebensweisen. Ich habe meine Kindheit und Jugend dort verbracht, und das hat mich sehr geprägt. Es ist meine Heimat, und auch wenn es mich im Moment nicht dort hin zieht und ich nicht vorhabe, je wieder dort zu leben, hat sie mich doch sehr bereichert, was ich erst mit der Zeit zu schätzen lerne.

Du sagst, dass du in deinen Fotos die Erotik der Pornografie vorziehst. Wo liegt denn deiner Meinung die Grenze zwischen dem einen und dem anderen?

Die Frage wurde Claudia Schiffer vor ungefähr 15 Jahren gestellt, und sie antwortete, es sei aufregender anzudeuten und anzuregen als zu zeigen - diese Antwort ist total affig und rekursiv. Ich denke, dass Halbschatten erregend und erotisch sind, aber trotzdem ist es manchmal gut, auch alles zu zeigen, inklusive Haare und Narben.

Momentan mache ich kein Porno, weil ich keine Lust darauf hab, aber vielleicht kommt ja irgendwann mal der Moment.

Du veröffentlichst in homo-erotischen Magazinen, glaubst du dass es in Spanien ein Publikum für solche Zeitschriften gibt?

Zunehmend mehr. Es ist seltsam, dass ein ursprüngliches Nischenthema plötzlich zum Mainstream wird. Das Erscheinen der Zeitschrift Butt war 2001 so eine Art Startschuss für die Gründung von homoerotischen Magazinen der neuen Generation, und sie wurde zum ästhetischen Referenzblatt für viele ähnliche Publikationen, die gar nichts mit dem Thema zu tun haben. Seitdem sind unzählige Magazine in diesem Stil auf den Markt gekommen, manche erfolgreich, andere weniger. In Spanien sind zum Beispiel die Version von Paco und Manolo („KINK“) und sehr viele Online-Magazine erfolgreich.

Ich mache hin und wieder gerne Fotos dafür, das macht mir Spaß.

Warum nimmst du christliche Ikonografie in deine Fotos mit auf? Aus gezielter Provokation oder einfach nur wegen der Ästhetik?

Ich will auf keinen Fall provozieren, die christliche Geschichte (als epische Geschichte) ist eine wundervolle, romantische Tragödie. Die Ästhetik der religiösen Kunst spiegelt dies wieder, und weckt in mir Gefühle aus meiner Kindheit, die mir sehr gefallen. Als kleiner Junge spielte ich Prozessionen nach, der Umzugswagen war ein Schuhkarton und eine Barbie war die Jungfrau. Ich verwende dieses Mittel häufig und werde das auch in Zukunft tun. Anscheinend sind wir gerade in einer Modesaison, in der Kreuze, Dreiecke und Heiligenbilder total hip sind. In Kürze wird die Leute das langweilen, mich aber nicht.

dp 25www.d-palma.com

Por/Von Magda Albis

Maria Antònia Mir Sigue la línea de puntos (una hoja de ruta) -Extracto del catálogo editado con motivo de la exposición de Maria Antònia Mir titulada Parcel.les d’intimitats en la Galeria Bennàssar de Pollença, julio de 2010Siempre hay que tomar algo de distancia, cierta perspectiva, para ver las cosas con mayor claridad. Desde una altura relativa todo se aprecia mucho mejor y a vista de pájaro cualquier geografía parece más definida; es entonces cuando el orden comienza a ganar al desorden, el conjunto empieza a mostrar su verdadera integridad y aquello que pudiera parecer caótico, poco a poco, va cobrando un sentido. Es curioso, pero cuando pretendemos que las cosas queden claras solemos dibujarlas desde arriba, a menudo recurrimos a ese punto de vista cuando hacemos un plano, un croquis, un diseño, cuando queremos explicar una ruta o cuando marcamos hitos importantes en alguno de nuestros mapas, en nuestras ciudades o en nuestras vidas. Y es que la ciudad contemporánea, desde dentro, desde sus mismas entrañas y a ras de suelo, puede resultar confusa mientras que cuando le damos distancia y cogemos algo de altura, todo se va ordenando; de la misma forma, los itinerarios de sus habitantes, sus vidas, también son inciertos cuando los vemos de cerca, cuando nos rozan, pero suelen ir adquiriendo sentido a medida que los contemplamos en toda su peculiar, individual e intransferible extensión.

Paradójicamente los artistas –expresivos en esencia, comunicadores a menudo- no han empleado de manera muy continuada esta visión cenital tan elocuente. Mondrian, que quizá sí lo hacía, ortogonalizaba sus ciudades obligando al urbanita a recorrerlas en líneas rectas que se cruzaban en ángulos igualmente rectos: su pulsión neoplasticista –en aquella Europa convulsa de entreguerras que le tocó vivir- intentaba conferir una tranquilidad y un sosiego que estaban ausentes en el desconcierto de su tiempo, ordenando el desorden para comenzar a construir la paz desde cierto equilibrio. Pollock vivió otra época, no mucho tiempo después, y sobre todo vivió otra vida; sus cuadros más reconocibles y reconocidos tienen, sin duda, perspectiva celestial y en ellos los itinerarios vitales, revirados como el suyo, como los nuestros, comparten escenario sobre unas urbes tan dinámicas como aquellas trayectorias a las que dan cobijo.

Ambos artistas, sin embargo, sabían que para lograr la perspectiva adecuada no era preciso alejarse demasiado, había que evitar a toda costa perder de vista los sentimientos para que la distancia no se convirtiera, simplemente, en absoluta indolencia. Es por eso que desde arriba pero lo suficientemente cerca como para poder observar la realidad sin perder la pasión por lo esencial y el gusto por el detalle, Maria Antònia Mir traslada sus territorios más íntimos, sus parcelas más privadas, a la publicidad vibrante de sus obras; unas pinturas, unos collages, que reflejan a la perfección, no sólo la geografía sentimental de la artista, observada desde cierta altura, sino también la de todos y cada uno de nosotros. Un mapa de emociones, de recuerdos, de presentes y de futuros, sobre lugares reales, imaginados y transformados, que nos traen a la memoria, a la vez que anticipan, las coordenadas necesarias para las infinitas vidas que esta frenética actualidad, globalmente interrelacionada, nos hace vivir y compartir.

dp 26www.d-palma.com

Por/Von & Foto Gómezdelacuesta.

Miquel Serra i tu d’on surts?

Wo kommst du denn her?

La primera vez que escuché “Opilions” de Miquel Serra aluciné. La segunda vez empecé a preguntarme quién carajo era Miquel Serra y de dónde había salido. La respuesta es Manacor.

“Empecé a componer las canciones de ‘Opilions’ el día que me compré ‘Merriweather Post Pavilion’ de Animal Collective”, confiesa por correo electrónico. Serra vive en Lyon, Francia, junto a su novia Helyett. “Realmente fue la envidia sana al descubrir a un grupo tan innovador lo que me animó. De repente parecía factible grabar buenas canciones fuera del formato clásico de guitarra-bajo-batería, con los recursos que hubiera a mano y mucha imaginación”. Esa es la palabra clave: “Opilions” derrocha imaginación. Como salido de la nada, Serra traslada la actitud liberadora de AC a un terreno nuevo, realmente personal, inventando en el camino un nuevo folk.

Hasta “Opilions”, se había dedicado a acompañar a su hermano en varios proyectos de trascendencia restringida (Els Crancs, Pau Gaiscoigne) y a grabar maquetas para sus amigos, pero esta vez todo ha sido diferente. “En unos tres meses tenía una idea principal para las canciones, y luego comprendí que no podía grabarlas en casa, así que me puse de acuerdo con Miquel y Guillem de los estudios Can Racó. Estaba acostumbrado a componer sobre la marcha, pero en esta ocasión me tuve que aplicar”.

En la grabación del disco se implicaron de una u otra forma un puñado de amigos que le ayudaron a convertir en realidad una obsesión. “De todo el proceso de composición hay dos momentos que me encantan: cuando redescubro un esbozo olvidado y veo en él nuevas posibilidades, y cuando tengo que arreglar una canción añadiendo ruidos, pequeños fragmentos de guitarra, percusiones o lo que haga falta. En ambos casos me lo paso bomba”.

“Opilions” conserva, además, cierto aire artesanal: un sonido austero y una edición cuidada (aunque también puede descargarse el disco libremente desde el blog del músico). “La intención es aprovechar este verano para tocar tanto como podamos y componer nuevas canciones”, explica Serra. “Evidentemente no se puede reproducir todo lo que se escucha en el disco, pero también me gusta eso de versionar mis propias canciones. Además, tocamos canciones de trabajos anteriores, que no son tan raras”. ¿Por qué será que ‘raro’ suele signficar ‘bueno’ en tantas ocasiones?

Als ich das erste Mal “Opilions” von Miquel Serra hörte war ich baff. Beim zweiten Hören fragte ich mich, wer zum Teufel Miquel Serra ist und wo genau er wohl herkommt. Die Antwort lautet: aus Manacor.

“Mit der Komposition der Lieder auf “Opilions” fing ich an dem Tag an, an dem ich mir ‚Merriweather Post Pavilion‘ von Animal Collective gekauft hatte”, gesteht er per Mail. Serra lebt gemeinsam mit seiner Freundin Helyett in Lyon. “Es war ehrlich gesagt gesunder Neid auf diese innovative Band der mich dazu verleitete. Plötzlich erschien es möglich, gute Songs abseits des klassischen Gitarre-Bass-Schlagzeug-Formats zu machen, mit den mir zu Verfügung stehenden Mitteln und viel Fantasie.” Und das ist auch das Stichwort: “Opilions” strotzt nur so vor Fantasie. Als wäre er aus dem Nichts aufgetaucht, überträgt Serra die befreiende ACHaltung auf ein neues und wirklich persönliches Terrain und erfindet so eine neue Folkrichtung.

Bis zur Aufnahme von “Opilions” hatte Miquel seinen Bruder bei verschiedenen Projekten mit begrenzter Tragweite (Els Crancs, Pau Gaiscoigne) begleitet und Tapes für Freunde aufgenommen, aber dieses Mal war alles anders. “Innerhalb von drei Monaten hatte ich die Grundidee für die Songs, und dann begriff ich, dass ich die nicht zuhause aufnehmen konnte, also einigte ich mit Miquel und Guillem von den Can Racó Studios. Ich war daran gewöhnt, genau dann zu komponieren wenn es mir gerade passte, aber dieses Mal musste ich mich eben den Umständen anpassen.”

Während der Aufnahme der Platte war eine ganze Handvoll seiner Freunde auf die ein oder andere Art daran beteiligt, seine fixe Idee Wirklichkeit werden zu lassen. “Während des ganzen Kompositionsprozesses gibt es zwei Momente, die mir wirklich gefallen: wenn ich einen schon vergessenen Entwurf wieder finde und neue Möglichkeiten in ihm entdecke, und wenn ich ein Lied arrangiere, indem ich Geräusche einfüge, kleine Fragmente von Gitarrenmusik, Schlagzeug oder was eben fehlt. In beiden Fällen macht es mir so richtig Spaß”.

“Opilions” bewahrt sich darüber hinaus einen gewissen hausgemachten Touch: einen nüchternen Sound und eine sorgfältig gemachte Edition (auch wenn man sich die Platte gratis von seinem Musikblog herunterladen kann). “In diesem Sommer wollen wir so oft wie nur möglich spielen und neue Songs komponieren”, erklärt Serra. “Natürlich kann man nicht alles genau so wiedergeben, wie es auf der Platte zu hören ist, aber ich mache gerne einen Remix aus meinen eigenen Liedern. Außerdem spielen wir auch ältere Stücke, die nicht so seltsam sind.” Wieso bedeutet “seltsam” eigentlich so häufig “gut”?

dp 28www.d-palma.com

Por/Von Joan Cabot

Machines Désirantes Artefactos anhelantes de amor liebesbedürftige Apparate Amor vincit Omnia. Estas palabras del poeta Virgilio -o canción de Deep Purple, según se mire- coronan la bitácora virtual de José Salas, artista, videocreador y diseñador madrileño coordinador del proyecto pluricelular Machines Désirantes.

Tiene Berlín por centro de operaciones y considera que montar espacios expositivos en Madrid -como hace con el colectivo Fast Gallery- requiere mucha dedicación y esfuerzo que, eso sí, luego se ven recompensados por la calurosa respuesta de la gente. Más que un activista del arte se considera activo, de lo que damos fe por la ramificación de su afán creador, al fin y al cabo, bifurcaciones de un arte independiente que pasa por el concepto de hibridación.

Según tengo entendido, el nombre de “machines désirantes” hace referencia al libro de Félix Guattari.

Sí, hace referencia al primer capítulo de “El Anti-Edipo”, escrito por él y Gilles Deleuze en los años 70; algo más que un libro de filosofía para muchos y una “introducción a la vida no fascista” para Foucault. Aparte de referencias filosóficas rebuscadas, el término tal cual (Máquinas Deseantes) es más que interesante. ¿De dónde surge la necesidad de diversificar tanto tu trabajo (blog, vídeos, ilustraciones...)? ¿Dónde pones de verdad el corazón?

Aunque en la vida real puedo trabajar por encargo en cosas que más o menos (o nada) me interesan, no concibo los proyectos de Machines sin estar mínimamente interesado/fascinado por ellos. Por eso puedo decir que pongo el corazón en todo, también la cabeza y las manos y a veces los pies. Tanta diversificación y esparcimiento viene dado por mi manera de ser y mi manera de entender el trabajo, que por suerte o desgracia va muy unido. Respecto a la multiplicidad, la mayor parte de mi trabajo surge de la colaboración estrecha con gente de ámbitos muy diferentes, esto ha “deformado” aún más mi producción. ¿Cómo ves la evolución de tu trabajo durante todos estos años? ¿Qué elemento nuevo hay en tu mecanismo de trabajo que antes no había?

Veo una evolución positiva ya que cada vez estoy dedicando más tiempo a proyectos de los que formo parte directa o que simplemente me gustan. Eligiendo proyectos, sí, pero también creando nuevos embolados donde explayarme. La experiencia me está enseñando a controlar cierto caos y a aprovechar la energía de lo accidental, del desorden y de lo aleatorio. Así que esos podrían ser los nuevos elementos que han aparecido dentro del proceso. ¿Qué encuentras en la escena actual berlinesa y qué diferencias ves con la madrileña? ¿Aporta algo el panorama artístico de Berlín a tus creaciones?

En Berlín encuentro un clima propicio para mucha gente que está en mi situación; intentando sacar adelante proyectos de carácter personal. Y aunque ya esté anunciado su ocaso, hoy por hoy Berlín sigue siendo un foco importante de absorción-irradiación en este viejo continente que es Europa. la mayor diferencia que encuentro sería que la calidad de vida es mejor aquí en Berlín, con todo lo beneficioso que esto proporciona a cualquier tipo de persona. Eso sí, tampoco es la panacea, ciertas comodidades pueden actuar como un limbo donde quedarse atrapado, por ejemplo.

Me ha llamado la atención que algunos de tus trabajos expresan cierto grado de ¿rebeldía?

Sí, por qué no. No atenerse a lo establecido en cualquier ámbito de la vida, eso es rebeldía, desde un simple gesto como qué vestir a cosas más complejas y meditadas como puede ser con quién trabajar.

Cuéntanos algunos de tus proyectos más inmediatos.

Fui invitado a comisionar la programación de las Picnic Sessions que se llevan a cabo en el Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles y estamos, en estos momentos, cerrándolo todo. También están los proyectos de FAST GALLERY, que trazamos con mucho mimo y dedicación, lo más cercano es que presentamos simultáneamente nuestro FAST GALLERY KIT en Sant Jordi, en Barcelona, y en La Noche de los Libros Mutantes de Madrid. También se expondrá en la 7ª Bienal de arte Leandre Cristòfol en el Centre d’Art la Panera de Lleida, hasta el 29 de agosto. También pretendo seguir con mis proyectos más relacionados con el diseño y la dirección de arte, las visuales y la realización de vídeos, tanto en España, Berlín o donde surjan.

Aquí en Berlín estoy emprendiendo proyectos muy chulos con diferentes creadores, espacios de arte y clubes… Por ejemplo, trabajo como director de arte para el grupo Jeans Team, estamos finiquitando el lanzamiento de su próximo vídeo-single.

Además estamos montando juntos una serie de eventos en diferentes sitios de la ciudad. Pronto habrá noticias…

dp 30www.d-palma.com

Amor vincit Omnia. Diese Worte des Dichter Virgil – oder des Deep PurpelSongs, je nach Betrachter – zieren das virtuelle Logbuch von José Salas, dem Videokünstler und Designer aus Madrid, der das mehrzellige Projekt Machines Désirantes koordiniert. Seine Operationsbasis liegt in Berlin, und alternative Ausstellungsräume in Madrid auf zu treiben (wie er es mit dem Kollektiv Fast Gallery macht) kostet ihn zwar viel Hingabe und Mühe, doch die überschwänglichen Reaktionen des Publikums entschädigen für alles. Er selbst sieht sich eher als künstlerisch Aktiver denn als künstlerischer Aktivist, bestätigt wird diese Aussage allein schon durch sein weit verzweigtes Schaffen: die letzte Gabelungen seiner künstlerischen Unabhängigkeit führte ihn zur Hybridisierung.

Wenn ich das richtig verstehe ist der Name “Machines Désirant” eine Anspielung auf ein Buch von Félix Guattari?

Stimmt, es spielt auf das erste Kapitel vom “Anti-Ödipus” an, das er gemeinsam mit Gilles Deleuze in den 70ern geschrieben hat. Für viele war das mehr als nur ein Philosophie-Band, für Foucault gar eine “Einführung in das nicht-faschistische Leben”. Neben philosophischen Anspielungen ist einfach schon der Terminus an sich (begehrende Maschinen) überaus interessant.

Nach dem Boom in den 80ern und der heutigen Massenpopularisierung der digitalen Medien, wie steht es da eigentlich mit der Videokunst?

Es gibt immer noch Arbeiten, die mich beeindrucken, sowohl neue als auch solche aus der nicht mehr ganz so kurzen Geschichte dieser Kunstform. Allerdings hat die angesprochene Massenpopularisierung einige seltsame Auswüchse mit sich gebracht, mangelnde Qualität und viel Müll. Für Galerien und Museen gleicht Suche nach gutem Material deshalb oft der berühmten Suche nach der Nadel im Heuhaufen. Aber es gibt sie noch... Und auch jenseits dessen, was wir unter Videokunst verstehen, hat der audiovisuelle Sektor meines Erachtens viel zu bieten.

Wie beurteilst du die Entwicklung deiner Werke während der vergangenen Jahre? Welche neuen Elemente hast du in deine Arbeit aufgenommen?

Ich sehe meine Entwicklung positiv, denn ich widme den Projekten an denen ich beteiligt bin oder die mir gefallen immer mehr Zeit. Bei neuen Projekten lege ich auch Wert darauf, neue Dinge auszuprobieren. Aus meiner Erfahrung habe ich gelernt, ein gewisses Chaos kontrollieren zu können und die Energie des Zufälligen und Ungeordneten für mich zu nutzen. Das könnten also die neuen Elemente sein, die im Laufe der Zeit dazu gekommen sind.

Was macht die Berliner Szene aktuell aus, und wo liegen die Unterschiede zu Madrid? Hat das künstlerische Umfeld Berlins Einfluss auf deine Arbeit?

Berlin bietet einfach ein günstiges Klima für Leute in meiner Situation, die Projekte, die ihnen persönlich wichtig sind, vorantreiben wollen. Auch wenn viele bereits ihren Untergang beschreien, ist die Stadt momentan trotzdem immer noch ein wichtiger Hot-Spot des alten Kontinents Europas. Der größte Unterschied zwischen Berlin und Madrid ist wohl, dass die Lebensqualität hier besser ist als in Berlin, mit all den Vorteilen die das bringt. Das ist zwar auch kein Allheilmittel, aber gewisse Bequemlichkeiten wirken wie eine Art Limbus, an dem man kleben bleibt.

Einige deiner Werke drücken einen gewissen Grad an Rebellion aus.

Warum auch nicht. Der Bruch mit dem Altbekannten ist in vielen Bereichen gleich Rebellion, angefangen von der Frage was man anzieht bis hin zu komplexeren und wohl überlegteren Aspekten wie die Frage, mit wem man arbeitet.

Erzähl mal was über deine aktuellen Projekte.

Ich war als Kurator an der Gestaltung des Programms von Picnic Sessions beteiligt, die im Centro de Arte Dos de Mayo in Móstoles stattfinden und deren Planung wir gerade abschließen. Dann sind da noch die Projekte von FAST GALLERY, die wir mit viel Liebe und Hingabe gestalten, ganz aktuell haben wir unser FAST GALLERY KIT simultan auf den Büchermessen Sant Jordi in Barcelona und La Noche de los Libros Mutantes in Madrid vorgestellt. Das Kit wird auch auf der 7.

Kunstbiennale Leandre Crsitòfol im Kunstzentrum La Panera in Lleida ausgestellt, vom 15. Mai bis zum 29. August. Ich will auch mit meinen Design und ArtdirectorProjekten weiter vorankommen, und mit Videos, sowohl in Spanien als auch in Berlin oder wo auch immer. Hier in Berlin laufen ein paar sehr coole Projekte mit verschiedenen Designern, Kunsträumen und Clubs… Ich arbeite zum Beispiel als Kreativ-Direktor für das Jeans Team, da kommt in Kürze die neue Video-Single auf den Markt. Außerdem machen wir zusammen eine Reihe von Veranstaltungen an verschiedenen Orten der Stadt. Demnächst mehr dazu…

�Berlin by Bike� http://machines-desirantes.net http://fastgallery.net http://jeansteam.de/

Por/Von Dani Nicolau

Fundació Pilar i Joan Miró de Palma hasta el 5 de julio.

Fundació Pilar i Joan Miró in Palma, bis zum 5. Juli.

Democracia Contra ti, quieras o no Unbequem Entras en el recinto de la Fundació Pilar i Joan Miró y al fondo divisas una estatua sedente. Al aproximarte, te das cuenta de que la figura de un suicida-bomba nada tiene que ver con el conjunto escultural del artista barcelonés, y de que el mensaje inscrito en la placa del pedestal no te da la bienvenida precisamente: “Todos sois culpables, salvo yo”. No te has metido aún a ver la exposición y ya has advertido dos cosas: a) esto no va a ser un cómodo recorrido contemplativo al uso y b) vas a tener que cavilar. En efecto, ese va a ser el tono predominante durante el breve pero intenso circuito propuesto por Iván López y Pablo España, directores de la revista Nolens Volens.

Una vez estás ante la primera instalación, algo huele mal. Literalmente. Tienes ante ti unos containers de basura mientras se proyecta un vídeo de gente rebuscando en la suciedad. No muy lejos, en el suelo, te encuentras con una escultura realizada en oro que alude a las víctimas del terrorismo. Respecto a la reflexión sobre nuestra historia, el Proyecto Baleares rescata nuestra memoria a través de la prensa falangista, al igual que el Proyecto Ideal se convierte en la pasarela espaciotemporal entre la Granada de la muerte de Lorca y la del presente. Incluso los más futboleros verán confrontada su habitual percepción de las hinchadas con un curioso experimento en el que se incluyen máximas descontextualizadas. Con el nombre de Ne vous laissez pas consoler (No os dejéis consolar), se ha intentado buscar un lenguaje común entre los pensadores de Democracia y los ultramarines, los ultras del equipo Girondins de Burdeos.

Justamente el otro día, escuché por la radio la canción B Movie de Gil Scott Heron en la que hablaba sobre lo que la instalación Welfare States cuenta, del paso de una sociedad productiva a una sociedad de consumo donde el consumidor disfuncional queda relegado a la categoría de detrito. Queda patente pues, en este contexto, la fragilidad de lo que se ha etiquetado como sociedad del bienestar, donde se encuentran yuxtapuestas una sociedad integrada y otra marginal. ¿Cómo expresar todo esto de manera creativa? Te sientas en unas gradas habilitadas en la sala del final a ver un turbador espectáculo consistente en la demolición de un poblado chabolista.

La relación entre público y violencia, las ideas revolucionarias de Guy Debord y Jacques Rancière, la exclusión social y las sensibilidades sedadas. Todo este espectro de semas y otros muchos más se recogen en Democracia, que se paladea más -al menos en mi caso- de vuelta a casa que durante la visita porque te deja poso, no sólo en lo intelectual, sino en lo emocional. No muchas exposiciones llegan a ser tan estimulantes como ésta, y pocas se cuestionan y dinamitan aquellos significados que damos por sentados. ¿Vendrá de ahí lo de la estatua del principio?

Contra el público.

dp 32www.d-palma.com

Beim Betreten des Grundstücks der Fundación Pilar i Joan Miró machst du am Ende des Gartens eine sitzende Statue aus. Beim näher kommen merkst du, dass die Figur eines Selbstmordattentäters nicht viel mit den Skulpturen von Miró zu tun hat, und dass die Inschrift auf der Plakette am Fuß der Statue dich nicht gerade willkommen heißt: „Ihr seid alle schuldig, außer mir.“ Du hast die Ausstellung noch nicht einmal betreten und trotzdem schon zwei Dinge bemerkt: a) Das hier wird kein gemütlich-kontemplativer Spaziergang und b) du wirst ins Grübeln geraten. Das ist in der Tat der vorherrschende Gedanke dieses kurzen, aber intensiven Rundgangs, den Iván Lopez und Pablo España, die Herausgeber der Zeitschrift Nolens Volens, da zusammengestellt haben.

Sobald du bei der ersten Installation angekommen bist fängt es an zu müffeln. Im wahrsten Sinne des Wortes. Denn vor dir stehen Müllcontainer, auf die die Bilder von Menschen projiziert werden, die im Abfall herumsuchen. Nicht weit entfernt, auf dem Boden, stößt du auf eine Skulptur aus Gold, die auf die Opfer des Terrorismus anspielt.

In Bezug auf Gedanken über unsere Geschichte rettet das Proyecto Balear unsere Erinnerungen mittels falangistischer Presse, und das Proyecto Ideal verwandelt sich in einen raumzeitlichen Laufsteg zwischen dem Granada zu der Zeit vom Tode Lorcas und dem hier und jetzt. In einem seltsamen Experiment mit maximaler Dekontextualisierung sehen sich selbst die größten Fußballfans mit ihrer gewöhnlichen Wahrnehmung von Schlachtenbummler konfrontiert. Unter dem Namen Ne vous laissez pas consoler (Lasst euch nicht trösten) startet der Versuch, eine gemeinsame Sprache von den Denkern der Democracia und den Ultras des Fußballvereins Girondis Bordeaux zu finden.

Vor wenigen Tagen hörte ich im Radio den Song B Movies von Gil Scott Heron, in dem er von dem singt, was auch die Installation Welfare States erzählt, vom Wandel einer produzierenden Gesellschaft hin zu einer Konsumgesellschaft, in der der dysfunktionale Konsument als Ausschuss geächtet wird. In diesem Kontext wird die Zerbrechlichkeit der so genannten Wohlstandsgesellschaft offensichtlich, in der eine integrierte und eine Randgesellschaft nebeneinander her leben. Wie kann man all das auf kreative Weise zum Ausdruck bringen? So: Von den Stufen im letzten Saal aus blickst du auf ein verstörendes Spektakel in Form des Abrisses eines Slumdorfes.

Die Beziehung zwischen Publikum und Gewalt, die revolutionären Ideen von Guy Debord und Jacques Rancière, der soziale Ausschluss und die betäubte Sensibilität.

Das ganze Spektrum der Seme und noch vieles mehr vereint Democracia, eine Ausstellung, die man – wenigstens in meinem Fall – erst auf dem Heimweg wirklich genießt, denn die Schau selbst zieht dich – sowohl intellektuell als auch emotional – eher runter. Nur wenige Ausstellungen sind so anregend wie diese hier, und wenige sprengen oder hinterfragen Bedeutungen, die wir als feststehend wahrnehmen.

Vielleicht deshalb die die Statue vom Anfang?

Por/Von Dani Nicolau Foto Rif Spahni

BLEND Danger, danger...

Cuando los hermanos Martínez Magnusson decidieron poner fin a Plan Martzzz, cada uno de ellos empezó a trabajar por su lado. David Martzzz, centrándose en su faceta de DJ y productor, además de poner en marcha el sello Illa Recordings. Marcos se convirtió en Blend y Blend se convirtió, casi por accidente, en el nuevo proyecto de los hermanos Martínez Magnusson.

Porque Blend es un grupo. Además de con su hermano David, Marcos cuenta con Andrés Moral a la guitarra y la voz de Coloma Ndongo. “Yo escribo y produzco todos los temas”, explica Marcos sobre el proceso creativo en Blend. “El trabajo en estudio es individual. Soy yo, mi ordenador y mis sintes virtuales. En directo, intentamos ser fieles a los temas originales, aunque algunos cambian un poco.

Andrés añade su toque con la guitarra y David y Coloma también proponen ideas”.

“Todo empezó con Myspace”, cuenta Marcos. “Colgué mis temas y empecé a recibir ofertas y felicitaciones de Inglaterra, Hollywood Rock Conference... Me di cuenta de que lo que hacía le gustaba tanto a la gente de la electrónica como a la gente del rock. Fue entonces cuando decidí montar el grupo”. Su hermano fué el primer recluta. Desde entonces han estado dando conciertos, acumulando visitas en su Myspace (ya va por los dos millones) y grabando el que debe convertirse en su disco de debut. “Los temas están terminados. Cuando tengamos el máster decidiremos qué hacer, si buscar una discográfica o publicarlo nosotros mismos”.

La música de Blend usa bases electrónicas y ritmos de baile para abordar el rock. Entre sus influencias Marcos cita a grupos tan dispares como Jane’s Addiction, Afrika Bambaata, Depeche Mode y Suicidal Tendencies, aunque el resultado de tan diverso input no es nada que se pueda apreciar a primera escucha. Él ya lo tenía claro cuando llamó a su proyecto Blend: el futuro está en la mezcla.

dp 34www.d-palma.com

Nachdem die Gebrüder Martínez Magnusson beschlossen hatten, ihr gemeinsames Projekt Plan Martzz zu beenden, trieben sie ihre jeweiligen Solokarrieren voran. David Martzz konzentrierte sich auf seine Rollen als DJ und Produzent und rief nebenbei noch das Label Illa Recordings ins Leben. Marcos verwandelte sich in Blend und Blend verwandelte sich, quasi zufällig, in das neue Projekt der Brüder Martínez Magnusson.

Denn Blend ist eine Band. Neben seinem Bruder David wird Marcos auch von Andrés Moral an der Gitarre und von Sängerin Coloma Ndongo unterstützt. “Ich schreibe und produziere alle Songs”, erklärt Marcos auf die Frage nach dem kreativen Prozess von Blend. “Im Studio arbeite ich allein. Ich, mein Computer und meine virtuellen Synthesizer. Live versuchen wir, den Originalversionen gerecht zu werden, auch wenn ein paar ein wenig abgeändert werden. Andrés verleiht dem ganzen mit der Gitarre seinen eigenen Stil und auch David und Coloma bringen ihre Ideen ein.”

“Alles fing auf Myspace an”, so Marcos. “Ich stellte meine Songs dort ein und bekam plötzlich Angebote und Glückwünsche aus England, von der Hollywood Rock Conference... Ich merkte, dass meine Sachen sowohl den Elektronik-Fans gefielen als auch den Rock-Liebhabern. Das war der Moment in dem ich entschied, die Band zu gründen.” Als erstes wurde sein Bruder rekrutiert. Seitdem geben sie Konzerte, bekommen immer mehr Besucher auf Myspace (sie gehen schon auf die 2 Millionen zu) und nehmen Songs für ihr Debütalbum auf. “Die Songs sind fertig. Sobald wir sie auch wirklich abgemischt haben überlegen wir, wie es weitergeht, ob wir uns ein Plattenlabel suchen oder das Album in Eigenregie herausbringen.”

Die Musik von Blend setzt tanzbare Rhythmen auf ein elektronisches Fundament und wird so zu Rock. Zu den musikalischen Vorbildern gehören laut Marcos so unterschiedliche Bands wie Jane’s Addiction, Afrika Bambaata, Depeche Mode und Suicidal Tendencies, auch wenn das Ergebnis eines so vielschichtigen Inputs nicht gleich beim ersten Hören wahrnehmbar ist.

Das wusste er auch schon, als er sein Projekt Blend taufte: In der Mischung liegt die Zukunft.

Por/Von Antoni Cristina

American Perez Bound for glory Como la novela de Woody Guthrie, son únicos. Natalia Pérez y Jorge Bolado fueron los triunfadores el pasado febrero en El Ego de Cibeles. Renovadores, muy creativos y perfeccionistas. A pesar de su juventud ya han sacado tres colecciones inspiradas en América en sus múltiples facetas: desde el tropicalismo art decó de Miami hasta el rock and roll, los diners y la virginidad de Laura Palmer. God bless American Pérez.

Sie sind ebenso einzigartig wie die Biografie von Woody Guthrie: Natalia Pérez und Jorge Bolado waren der Überraschungserfolg auf El Ego, dem Forum für junge Designer auf der Modewoche “Cibeles” in Madrid. Neu, extrem kreativ und perfektionistisch, haben die beiden trotz ihrer jungen Jahre gleich drei Kollektionen herausgebracht, die von Amerika in seinen zahlreichen Facetten inspiriert sind: vom tropischen Art Deco Miamis über Rock’n’Roll bis hin zu American Diners und der Jungfräulichkeit Laura Palmers. God bless American Pérez!

¿Cómo se sobrevive en el mundo de la moda en estos tiempos de crisis?

Lo costoso que es producir una colección, más la bajada de las ventas y la publicidad, la escasez de ayudas...

“Sí que es un momento difícil, aunque nosotros no conocemos otra cosa. Acabamos de empezar y no sólo vivimos de esto, lo compaginamos con otras muchas cosas siempre dentro del ámbito de la moda”.

En España hay gente muy creativa y que hace cosas muy buenas, sin embargo vendemos y nos promocionamos fatal.

“Creo que no todo el mundo se promociona mal, sin embargo lo que pasa mucho en España es que se buscan muchas subvenciones y ayudas que en lugar de gastarlas en formar una empresa, que es en lo que consiste la moda, la gente se lo gasta en poner aire acondicionado en el estudio…”.

Elio Berhanyer dijo en una entrevista reciente: ‘la gente joven quiere llamar la atención y para ello hacen disparates’. ¿Qué opináis?

“Es cierto que los jóvenes queremos llamar la atención, pero no por ello hacemos disparates (o no todos). Es como si yo digo “La gente mayor está pasada de moda y sólo diseñan para cuatro viejas”. Es una tontería, no?”.

Hablando de estos grandes diseñadores españoles ‘de toda la vida’, da la sensación de que no dejan espacio a los jóvenes talentos, incluso a veces parece que llevan haciendo lo mismo desde hace 20 años. ¿Creéis que existe esa especie de ‘monopolio’?

“En nuestra opinión la moda sigue siendo la misma que hace 20 años o incluso 50, sólo cambian pequeños matices. Hay casas de moda que tienen su clientela y diseñan lo que les gusta a sus clientes, cosa que parece lógica. Lo que es cierto es que les cuesta mucho acercarse a los jóvenes, o a la cultura de lo juvenil. Todo lo contrario que pasa por ejemplo en Chanel, que lo que hacen es rejuvenecerse todo el rato”.

Con la colección ‘A woody place’ os dieron el premio L’Oréal. ¿Qué supone haber ganado este premio?

“Pues reconocimiento a nivel nacional y un empujoncito económico para poder realizar nuestros sueños. ¡La verdad es que estamos contentísimos!”.

Wie überlebt man in diesen Krisenzeiten in der Modewelt? Eine Kollektion zu produzieren ist schließlich sehr teuer, rückläufige Verkaufszahlen und Werbebudgets sowie fehlende Finanzhilfen tun ihr übriges…

“Ja, es ist im Moment nicht einfach, aber das war es eigentlich noch nie. Wir fangen gerade erst an und leben nicht allein davon, wir machen noch viele andere Sachen, die aber alle etwas mit dem Modebereich zu tun haben.”

In Spanien gibt es sehr kreative Leute die tolle Sachen machen, trotzdem verkaufen wir (uns) schlecht.

“Nicht alle verkaufen sich schlecht. Trotzdem passiert es in Spanien häufig, dass die Leute Subventionen und Fördermittel beantragen und diese dann statt in die Gründing einer Firma zu stecken – und daraus besteht die Modewelt nun einmal – für eine neue Klimaanlage im Atelier ausgeben…”.

ElioBerhanyersagtekürzlichineinemInterview:‘DiejungenLeutewollenAufmerksamkeit erregen, und deswegen entwerfen sie solchen Unsinn’. Was haltet ihr davon?

“Natürlich wollen wir jungen Designer Aufmerksamkeit erregen, aber das ist nicht (ausschließlich) der Grund für den “Unsinn”. Das ist als ob ich sagen würde “Die alten Leute sind nicht mehr in Mode und entwerfen nur noch für ein paar alte Schachteln.”

Das wäre doch doof, oder?

Da wir gerade von alt bekannten spanischen Designern sprechen: es scheint fast so, als ob sie jungen Talenten keinen Raum lassen würden, manchmal sogar als würden sie seit 20 Jahren das gleiche machen. Gibt es sie tatsächlich, diese “Monopolisten”?

“Wir persönlich finden schon, dass die Mode heute immer noch die gleiche ist wie vor 20 oder sogar 50 Jahren, sie unterscheidet sich höchstens in Nuancen. Es gibt Modehäuser, die haben ihre Klientel und entwerfen eben das, was die Kunden haben wollen, das ist ja auch durchaus logisch. Aber in der Tat fällt es ihnen schwer, sich Jugendlichen oder der Jugendkultur anzunähern. Ganz im Gegensatz zu Chanel beispielsweise, die verjüngen sich ja andauernd selbst.”

Für die Kollektion ‘A woody place’ habt ihr den L’Oréal-Preis gewonnen. Was genau gewinnt man da? „Anerkennung auf nationalem Niveau und eine kleine Finanzspritze, um unsere Träume verwirklichen zu können. Wir freuen uns echt total darüber!“.

dp 36www.d-palma.com

Por/Von Magda Albis

Exhumación Futuro fantasmal

gespenstische Zukunft

¿Quién no aspira a la excelencia intelectual, la proyección pública como objeto de deseo erótico? (Exhumación, Alpha Decay, 2010)

¿Wer strebt nicht nach intellektueller Vortrefflichkeit, nach öffentlicher Projektion als Objekt der erotischen Begierde?(Exhumación, Alpha Decay, 2010)

Exhumación es un mini libro editado por Alpha Decay y escrito a cuatro manos, las dos de Luna Miguel y las dos de Antonio J. Rodríguez, literatos insultantemente jóvenes –sobre todo en el caso de Luna- que pertenecen a una generación que ha nacido con un blog debajo del brazo, construyendo su propia voz de forma pública y conquistando con cada palabra a sus múltiples seguidores.

Exhumación es la suma de dos mentes cultas, una obra en la que conviven elementos tan distintos como la cultura de club, los dioses o las drogas mezclados con una infinidad de referentes ya sean literarios (algunos de ellos clásicos) o audiovisuales, y lo envuelve todo en una prosa poética, sutil y directa, que devora. Una historia de amor y desesperación, de huida, de futurismo catastrófico a lo Blade Runner, de predicción nihilista sobre lo que podría ser el futuro de cualquier megalópolis en un momento en que la Academia de las Letras ha degenerado en la Academia de Letras Google Text. Una narración sobre unas amantes adolescentes que sucede entre paredes de restaurantes chinos de comida barata y la pista de baile del antro Rostro Expresivo, un local que colecciona inexpresividad.

Exhumación es un Ghost World urbano y sofisticado, que en ocasiones remite al universo Lynch -como cuando un enano Dj conquista la pista con un vinilo dorado-, en una manifestación que corrobora la teoría que profesa que “el otro lado” siempre forma parte de lo cotidiano.

Exhumación es importante porque representa una nueva generación de creadores que llega pisando fuerte, que tienen opinión, palabra y criterio. Y aunque hay momentos en los que queda claro que estamos delante de una obra que algo tiene de cadáver exquisito, funciona a la perfección.

Exhumación significa acción de exhumar. Y exhumar es desenterrar un cadáver o restos humanos.

Exhumación ist ein kleines Buch, dass bei Alpha Decay erschienen ist und von den unverschämt jungen Autoren Luna Miguel und Antonio J. Rodríguez geschrieben wurde. Unverschämt jung ist vor allem Luna, doch beide gehören zu einer Generation, die mit einem Blog unter dem Arm zur Welt gekommen ist, gerade öffentlich ihre eigene Stimme etablieren und mit jedem Wort noch mehr Leser erobern.

Exhumación ist die Summe zweier gebildeter Geister, ein Werk in dem so unterschiedliche Elemente wie die Club-Kultur, Götter und Drogen mit einer unzähligen Menge an Bezügen vermischt werden, seien es literarische (zum Teil klassische) oder filmische, und all das umrahmt von einer poetischen, subtilen und direkten Prosa, die aufwühlt. Eine Geschichte von Liebe und Verzweiflung, von Flucht, einem unheilvollen Futurismus à la Blade Runner, nihilistischer Vorhersagen über die potenzielle Zukunft egal welcher Megalopolis zu einem Zeitpunkt, an dem die Geisteswissenschaften gerade von den Google-Wissenschaften abgelöst werden.

Eine Geschichte von zwei jungen Liebenden, die sich zwischen billigen ChinaRestaurants und der Tanzfläche des Clubs „Ausdrucksvolles Gesicht“, einem Lokal in dem die Ausdruckslosigkeit gesammelt wird, abspielt.

Exhumación ist eine urbane und affektierte Geisterwelt, die manchmal an das Universum von Lynch erinnert – wenn beispielsweise ein DJ-Zwerg mit einer goldenen Platte die Tanzfläche erobert –, und die Theorie bestätigt die besagt, dass „die andere Seite“ immer Teil des Alltäglichen ist.

Exhumación ist wichtig, denn es repräsentiert eine neue Generation von Künstlern, die sich Gehör verschaffen, eine Meinung haben und auch die Worte und Kriterien, um diese zum Ausdruck zu bringen. Und auch wenn manchmal klar wird, dass es sich um ein Werk mit einem Hauch von Cadavre Exquis handelt, funktioniert es perfekt.

Exhumación heißt der Vorgang des Exhumierens. Und exhumieren heißt, eine Leiche oder menschliche Überreste auszugraben.

dp 38www.d-palma.com

Por/Von Cati Bestard

www.casabierta-ed.org

Casa Abierta La casa de todos

ein Haus für alle

Un proyecto que se llama Casa Abierta solo puede entenderse desde la generosidad.

Y, si tenemos en cuenta que es un proyecto editorial, la generosidad tiene que ser la base del mismo. El propio nacimiento de la historia parte de un gesto de amistad.

“En 2004, Avelino Hernández murió dejando un poemario inédito, y Javier Vellé y Pedro Andreu le pidieron permiso a su viuda para publicarlo. Desde entonces ya han pasado seis años”, nos dice Lourdes Duran, una de las que pilota este artefacto junto a Teresa Ordinas, Javier Vellé, Laura Pernía, Pedro Andreu y Miquel Àngel Lladó.

Hace muy poquito tiempo, en el CRCC de Palma, se presento el último libro que han editado, “Las Máquinas de Leonardo”, una publicación que mezcla poemas y relatos breves, y que constituye un juego de enmascaramiento. “Hemos creado varias colecciones, como Palma de Naranja de poesía, o Palma de Violeta de relatos, pero Las Máquinas de Leonardo se encuadraría en otra colección, la Palma de los otros”, sentencia Duran, que defiende que este tipo de editoriales periféricas al mercado “en mayúsculas” están publicando “un tipo de literatura de mucha calidad y con mucho criterio. Existe otro sector de lectores al margen de las grandes editoriales”.

En cuanto al factor económico, Casa Abierta sólo busca que un libro pueda pagar el siguiente, ya que es un proyecto autogestionado y autoeditado que, pese a todos los impedimentos que a uno se le puedan ocurrir, ha conseguido que sus libros se presenten en casi todas las comunidades -menos la andaluza, y por motivos ajenos a los editores- y que tiene buenos canales de distribución, como por ejemplo internet. “Cuando compras un libro de Casa Abierta, lo pagas después. Estamos convencidos que la persona que quiere un libro nuestro es una persona que lo que ama es la literatura”. Y seguramente es cierto que no hay una forma mejor de entender el amor por los libros, que entender que de la publicación de uno se engendre el siguiente.

Ein Projekt namens Casa Abierta (offenes Haus) kann nur aus dem Blickwinkel der Großzügigkeit heraus verstanden werden. Da es sich um ein Verlagsprojekt handelt, mag manch einen die Assoziation mit „großzügig“ zunächst verwundern. Muss sie aber nicht. Die Geburtsstunde dieser Geschichte liegt in einem Freundschaftsdienst. „Als Avelino Hernández 2004 verstarb, hinterließ er einen nicht veröffentlichten Gedichtband.

Javier Vellé und Pedro Andreu baten die Witwe um die Erlaubnis zur Veröffentlichung.

Und nun gibt es den Verlag schon seit sechs Jahren“, erzählt uns Lourdes Duran, die Casa Abierta gemeinsam mit Teresa Ordinas, Javier Vellé, Laura Pernía, Pedro Andreu und Miquel Àngel Lladó leitet.

Vor kurzem erst stellten sie im CRCC in Palma das neueste Werk des Verlages vor, „Las Máquinas de Leonardo“, ein Werk mit Kurzgeschichten und Gedichten. „Wir haben bereits verschiedene Sammelbände herausgebracht, zum Beispiel den Gedichtband Palma de Naranja und eine Sammlung von Erzählungen in Palma de Violeta, aber Las Màquinas de Leonardo lässt sich einer anderen Kollektion zuordnen: la Palma de los otros“, meint Duran. Diese Art von Nischenverlag veröffentlicht laut Duran „hochqualitative und ausgewählte Literatur. Es gibt eine große Leserschaft jenseits der Großverlage.“ Was das finanzielle angeht, so ist Casa Abier ta tatsächlich großzügig: Solange ein Buch das nächste finanzieren kann, reicht das aus. Der Selbstverlag trägt sich auch finanziell selbst, und wider aller erdenklichen Hindernisse ist er in fast allen Autonomen Regionen Spaniens – außer in Andalusien, aus Gründen die nicht in den Händen der Herausgeber liegen – ver treten und hat gute Ver triebskanäle, wie zum Beispiel das Internet. „Wenn du ein Buch von Casa Abier ta kaufst, bezahlst du es erst nach Erhalt. Wir sind überzeugt, dass die Käufer unserer Bücher Literaturliebhaber sind.“ Die Liebe zu Büchern kann man sicherlich nicht besser demonstrieren als so: Dass ein Buch die Veröf fentlichung des nächsten ermöglicht.

dp 40www.d-palma.com

Por/Von Marcos Augusto

Foto: Natxo Bassols

Sasai

Los arcanos mayores del arte “Yo pinto para no tener que dar explicaciones”. Juan Miguel Arrom “Sasai” (Palma, 1970) se muestra reacio a hacer una exégesis de su trabajo. Ahora quedaría bien decir que su obra habla por sí misma o algún otro cliché por el estilo. El problema es que ésta permanece tan callada como su autor, anclada en su sugestivo hermetismo. Problema que no es tal, desde luego, pues ante una pintura tan sensorial uno no puede menos que abandonarse a la hiperestesia y olvidarse de esas conceptuaciones “tranquilizadoras” que siempre se revelan estériles.

La pintura de Sasai consigue que la asunción del riesgo y la voluntad de indagación se combinen con una coherencia compositiva de índole clasicista.

En efecto, en sus lienzos predominan los juegos cromáticos perfectamente integrados, la disposición armónica de los elementos (con cierta querencia por las simetrías) y el gusto por las tonalidades homogéneas. Todo esto en aras de un compromiso estético inflexible, que parece querer escudriñar los recodos más sombríos del espíritu.

Son cuadros en los que las atmósferas frías se conjugan con un expresionismo de singular languidez, el marco idóneo para el desfile de las criaturas de Sasai: siluetas en descomposición, dolientes figuras que transmiten una sensualidad mórbida, a un paso del tortuoso ingreso en esa “continuidad” dionisíaca de la que nos habla Georges Bataille y a la que sólo puede accederse mediante la muerte, el goce carnal o el sacrificio. Se trata también de un arte introspectivo y cadencioso –no en vano su creador es también profesor de piano en el Conservatorio Profesional de Música y Danza de Palma-, que desazona por ese carácter enigmático al que antes aludimos. Un misterio guardado celosamente por Sasai, un artista enfrascado en la admirable tarea de conseguir que la creación plástica no pierda su capacidad de turbación.

dp 42www.d-palma.com

Por/Von Eduardo Ramos Serrano

Manuel Monroy Con M de México

M wie México

Al contemplar las ilustraciones de este diseñador gráfico mejicano de cuarenta años -que ha protagonizado exhibiciones por medio mundo y recibido premios en la otra mitad-, uno percibe impresiones ambiguas: sensación de familiaridad y extrañeza, de calidez y cercanía, pero a la vez también nota la extraña presencia de un elemento árido, incorpóreo y distante, que como un animal palustre repta juguetón bajo el pigmento. Aún así, lo que realmente me fascina de las ilustraciones de Manuel Monroy es el uso de la luz y del color, que tienen en común la desproporción cuando aborda lo figurativo, pero que no siempre pretende caricaturizar: dibujos con un aire infantil pero con un sutil componente adulto. También llama la atención la gama cromática que utiliza, aunque tiende a explotar el color gris que le sirve de marco de referencia para todo lo demás y define más certeramente los estados anímicos, en este caso influenciado por el arte de su compatriota Rufino Tamayo. En su web, www.mmonroy.com, él mismo divide su trabajo en secciones temáticas como Gente, Infantil, Portadas y Temas Culturales. Los dibujos orientados al público infantil desprenden candidez, con ese toque naif inconfundible y son desmesuradamente evocadores, derrochando imaginación y, lo que es más importante, estimulando la fantasía de los bambinos. Escenarios fantásticos que lleva dibujando desde los cinco años, cuando practicaba sus primeros trazos copiando las pinturas de los grandes maestros como Leonardo o Miguel Ángel.

Un factor esencial a la hora de ilustrar es que Monroy, en términos visuales, no plantea un único camino, pues no le gusta detallar excesivamente. Tanto en la temática costumbrista, en la ilustración editorial y sobre todo en su vertiente surrealista-pop puede advertirse un sentido del humor muy personal. Sin embargo, a la hora de abordar sus encargos, a sus clientes les pide confianza y poder trabajar con ellos en equipo e integrarlos en sus decisiones creativas para que ellos cubran sus necesidades mientras él va conociendo de primera mano el mercado. Si el hecho de dibujar le sirve a Monroy para mantener un equilibrio personal diario, su trabajo nos ayuda -tanto a zagales como al restoa seguir desarrollando el sentido de la maravilla. En suma: su arte plástico nos hace accesibles y transparentes universos que de otra manera resultarían más opacos y escarpados.

Seine Ausstellungen sind schon um die halbe Welt gereist, und er wird mit Auszeichnungen überhäuf t. Die Bilder des 40jährigen mexikanischen Grafikdesigners rufen beim Betrachter gemischte Gefühle her vor: Familiäres und Fremdar tiges, Wärme und Nähe, sind aber gleichzeitig trocken, körperlos und distanzier t.

Was mich an den Bildern von Manuel Monroy wirklich fasziniert ist der Einsatz von Licht und Farben und das ihnen gemeinsame Missverhältnis in den figurativen Bildern Monroys, selbst dann wenn er nicht karikieren will: So entstehen Bilder mit einem zwar kindlichen Touch, aber auch mit einer subtilen erwachsenen Komponente. Auch der von ihm verwendete Farbbereich fällt auf, obwohl er dazu neigt, die Farbe Grau in all ihren Abstufungen auszuschöpfen und sie zum Bezugsrahmen für alles andere zu machen. Tatsächlich gelingt ihm so eine treffende Definition der verschiedensten seelischen Befindlichkeiten, in diesem Fall unter dem Einfluss der Kunst seines Landmannes Rufino Tamayo.

Auf seiner Website (www.mmonroy.com) unterteilt der Künstler selbst seine Arbeiten in die thematischen Bereiche Menschen, Kinder, Titelseiten und Kulturelle Themen. Die für Kinder gedachten Zeichnungen verströmen Unschuld, einen unverkennbaren Hauch von Naivität, beschwören ganze Ströme von Erinnerungen herauf, und das wichtigste: Sie stimulieren die Vorstellungskraft der Kleinen. Diese fantastischen Szenarien malt er schon, seit dem er im Alter von fünf Jahren damit begann, die Bilder großer Meister wie Leonardo und Michelangelo zu kopieren.

Ein im visuellen Sinne wichtiger Faktor ist, dass Monroys Bilder nicht eindeutig sind, dass er nicht zu sehr ins Detail geht. Sowohl in seinen Milieuschilderungen als auch in Buchillustrationen und vor allem in seinen unzähligen pop-surrealistischen Arbeiten lässt sich ein sehr persönlicher Sinn für Humor erkennen. Doch wenn er einen neuen Auftrag annimmt, dann bittet er seine Kunden nicht nur um Vertrauen, sondern möchte mit dem Auftraggeber im Team arbeiten und ihn in die kreativen Entscheidungsprozesse einbinden. So deckt der Kunde seine eigenen Bedürfnisse, während der Künstler den Markt aus erster Hand kennen lernt.

Seine Malerei hilft Monroy, im Alltag sein persönliches Gleichgewicht zu bewahren.

Uns wiederum – sowohl Kleinen als auch Grossen – hilft sie, den Sinn für Wunder zu entwickeln und zu bewahren. Alles in allem eröffnet uns seine Kunst Einblicke in Welten, die uns sonst wohl verschlossen bleiben würden.

dp 44www.d-palma.com

Por/Von Dani Nicolau

Club B-Side Be friendly

Situado en el Paseo Marítimo 29 de Palma (antiguo King Kamehameha), este nuevo espacio, y después de su completa renovación, se ha convertido en una sala con una cultura y filosofía 100% de club. Con dos ambientes distintos, B Side enfoca su programación musical a le electrónica más vanguardista y fresca de la escena europea, siempre con una selección muy cuidada de artistas. Próximamente podremos disfrutar de Dj´s y Directos como Superpitcher(Kompakt), Wagon Cookin´, The Hacker, The Glimmers… y de sus residentes Marcos Banez(Nice´n Nasty), Tatalone, Ascii Disko, Ainz, Dushan, Marcos InDub(Goa) y Nobisaki. La sala pequeña, llamada “La Carbonería” y con un ambiente opalescente a modo de oasis gay friendly “friendly”, donde se pueden revivir grandes momentos de la movida, desde las películas de Marisol a grandes divas de la música –de Gloria Gaynor a Sara Montiel, hasta Gloria Trevi o Divine-, pasando por el electropop y el indie más gay como Chico y Chica o Hidrogenese.

Centro de Arte Contemporáneo de Andratx BienvenidoalCentrodeArtecontemporáneo más grande de Mallorca

Situado al Sur de la Sierra de Tramuntana, a tan sólo 30 minutos de Palma, el CCA Andratx es un Centro de Arte dedicado a la creación y exposición de arte contemporáneo, local, nacional e internacional. Ofrece al público una experiencia cultural única, al tiempo que su programa de residencias acoge artistas de todo el mundo. Fundado en 2001 por Jacob y Patricia Asbaek, el edificio de 4.000 m2 de estilo minimal y con referencias a la arquitectura tradicional se integra perfectamente en el impresionante paisaje de montaña, convirtiéndose en uno de los centros de arte contemporáneo más grandes de las Baleares y del resto de Europa. Visitantes, coleccionistas y artistas están invitados a pasar un día descubriendo el arte y la naturaleza al tiempo que disfrutan de todas las facilidades que les ofrece el CCA. Estanyera, 2 Andratx. www.ccandratx.com

Diablito Porto Pi Enciende tus sentidos

Las pizzas del Diablito se hicieron famosas, hace ya unos años, por su calidad y por su originalidad en la presentación. Ahora, después de años de elaboración, su franquicia en Porto Pi sigue deleitando a sus comensales con esas gustosas pizzas que tanto dieron que hablar. En Porto Pi, en el mismo centro comercial y con unas vistas impresionantes a su emblemático faro. Su terraza abierta encima de la pequeña bahía de Porto Pi, los barcos atracados a pocos metros, y su barra especial de cócteles son el reclamo perfecto para pasar esas tardes-noches de verano, saboreando una bebida refrescante de su exitosa carta de cócteles o probando sus ya famosos mojitos o caipirinhas esperando el frescor de la noche. Tanto en la terraza como en el interior del restaurante puedes degustar su carta “more” con sus exquisitos platos realizados de forma especial y que sólo puedes degustar en este restaurante. Su plato estrella es la espectacular hamburguesa además de los nachos, ensaladas, pastas y sus llamativos postres. Está abierto todos los días de la semana y este verano, además, programarán sesiones de música tranquila y sugestiva.

Centro Comercial Porto Pí, Vistas al mar. Tel 971 701414 www.diablitofoodandmusic.com

Dalt de Sa Ràpita Beach Club Un estilo de vida

Este Beach Club, situado en una de las partes mágicas de Mallorca, te hará pasar momentos increíbles en un ambiente muy exclusivo y familiar, que te invita a la relajación, al disfrute y al culto al cuerpo en sus instalaciones deportivas. Beach Club Dalt de Sa Ràpita organiza periódicamente eventos deportivos. Todos los sábados y domingos celebran torneos de pádel con los mejores jugadores del mundo. Para este verano, además de ubicar un Spa en la terraza superior han abierto una barra en la terraza exterior, donde elaboran una carta extensa de cócteles. Para los niños hay talleres de teatro y actividades al aire libre, además de piscina infantil, parques, zonas ajardinadas, etc. Los sábados y domingos a mediodía puedes degustar su barbacoa al mismo tiempo que descorchas una botella de vino. Si quieres tener mas información y fotos de los últimos eventos, búscalos y únete a su facebook, dalt de sa ràpita beach club. El horario hasta finales de junio es de 10.00h. a 00.00h. cerrando los lunes y a partir de julio abierto todos los días de la semana de 8.30h. a 02.00h.

C/ Girasol s/n Dalt de Sa Ràpita Teléfono. 971641172 www.sa-rapita.com

Chill Out Na Foradada Lujo frente al sol

Para los que aún no conocen este lugar, está situado en un enclave majestuoso de la Serra de Tramuntana (posiblemente declarada Patrimonio mundial por la UNESCO), en la carretera Valldemossa-Deià Km 65,5, en el Predio de Son Marroig. Su posición de privilegio sobre el acantilado le proporciona unas vistas espectaculares, con una panorámica excepcional sobre el mar mediterráneo. De momento su horario, y sin descartar abrir todos los días de verano, es viernes, sábados y domingos a partir de las 17 horas y hasta el cierre. La mezcla entre sus gustosos cócteles (caipirinha, mojito, daikiri) con la puesta de sol del poniente mallorquín, el mar azul mediterráneo y la Foradada de fondo, convierten este lugar en uno de los más bellos y más tranquilos del mundo. Además de poder disfrutar de la tranquilidad que este espacio te ofrece, regularmente hacen eventos transformando la Serra en un lugar de culto para los amantes de la buena música y el Chill Out. Para abrir boca, el próximo domingo 27 de junio Tito Fuster llevará a Son Marroig La Fábrika del Funk (en su versión más calmada y reposada), un momento privilegiado para escuchar música negra frente a la imponente puesta de sol. El restaurante de Son Marroig ofrece comidas y cenas todos los días de la semana, y cierran el lunes por descanso de personal, aunque el bar se mantiene abierto todos los días de la semana.

Teléfono: 971 636341 y 971 638600

Mooncala Samba/Sushi

Mooncala ante todo es un bar con una selección de música y unas vistas excepcionales que te hacen sumergir en un deleite de sensaciones y emociones refrescadas por el mar mediterráneo. A tan sólo unos metros del Club Náutico de Calanova y al pie de las rocas puedes degustar su nueva carta, renovada en su totalidad. Ahora Mooncala ofrece comida japonesa y Sushi, además de sus clásicos platos de Fideos Thai y su Strogonoff . La cocina, realizada por el Chef brasileño/japonés Nakano es una mezcla explosiva de gustos diferentes y exóticos provenientes de países tan opuestos como Japón y Brasil, de los que este chef ha recopilado lo mejor de cada uno y lo mezcla en cada uno de sus platos. Ofrece menús a mediodía para todos los bolsillos: de 9, 12 y 16 euros, para que la crisis no sea un problema a la hora de recibir sensaciones gustativas en nuestro paladar. Los postres son también una delicia: no te vayas sin probar el Banoffee. Ambiente selecto y distendido donde su nueva terraza, aún más cerca de las olas de Calanova, se abre cada vez más al mar azul. A partir del 11 de junio se podrán ver todos los partidos del Mundial. No esperes más para visitarlo, la combinación es perfecta: Sushi, cerveza, mar, piscina y fútbol. Búscalos en facebook y hazte amigo suyo.

Joan Miró, 305, San Agustín. Teléfono de reservas: 971404310

El Peñón Ya es verano en la bahía

Si todavía no conoces El Peñón, no puedes decir que conoces Palma ni uno de los mejores secretos de la bahía. Hace ya más de 50 años que se abrió este local de rancio abolengo y ahí aún sigue, desde 1957, alimentando el estómago y el paladar de sus clientes y amigos con su cocina y nutriendo su espíritu con las privilegiadas vistas que hacen de este lugar un enclave especial para los sentidos, a diez minutos del centro de Palma. El local está dirigido ahora por su tercera generación, Juan y Miguel, que le ha dado un ambiente más urbano y vanguardista y al mismo tiempo calmado, con música, comidas, copas y una variedad de cócteles. El Peñón compagina el encanto de la tradición marítima con el atractivo de la modernidad más cosmopolita.

Su especialidad son las paellas, pero también pescados de todo tipo, como tiene que ser en un local que está situado a escasos metros del mar. Tienen una amplia variedad de tapas, pa amb olis, etc. Todo mientras disfrutas de la puesta de sol que es su activo más espectacular, saboreando uno de sus cócteles favoritos: el mojito.

La terraza de arriba está abierta todos los días de la semana por la noche y también la abren de viernes a domingos los mediodías para que puedas disfrutar de tu comida favorita mientras te refrescas en la playa, situada a 5 metros.

C/ Isla de Samos s/n. Tel. 971 26 04 28 www.elpeñon1957.com