Concepto y tipología de las artes escénicas. Esta entrada procede del Blog ARTES ESCÉNICAS de la profesora Fuensanta Muñoz IES Floridablanca de Murcia.
Comenzaremos definiendo el conjunto de las Artes Escénicas en aquello que todas ellas tienen en común, para lo cual tendremos que deslindarlas del resto de las Artes. Las artes se definen en función de las habilidades y capacidades humanas que ponen en juego, pero también en función de los materiales que se utilizan, sus formas y elementos estructurales y su finalidad última. Cuando hablamos de finalidad no nos podemos referir a una finalidad utilitaria ni práctica, sino espiritual, emocional, anímica, social, y en definitiva, cultural. Existen artes espaciales y artes temporales: la pintura, por ejemplo, sería espacial y, por tanto, visual, mientras que la literatura o la música son artes consideradas temporales y en consecuencia auditivas. Existe también una diferencia importante según los materiales usados en sentido estricto: la pintura o la escultura utilizan materiales concretos y perceptibles directamente, como tierras, aceites, piedra, etc., y su lenguaje es visual, formado por color, luz y sombra, iconos, símbolos, etc.. La música y la literatura utilizan sonidos como material básico, pero con lenguajes auditivos diferentes, aunque sea susceptible de tomar aspecto visual en la transcripción (texto escrito, partitura). Si consideramos el ejemplo de la pintura, encontramos que en una obra pictórica se plasma de una vez por todas, sobre un espacio limitado, la expresión de la luz, el color, las formas, la estructura general, para ser visto también de una vez. La escultura tiene esa misma cualidad pero es de carácter tridimensional, al menos en el bulto redondo y su contemplación completa precisa del desplazamiento del espectador, pero sigue siendo de las llamadas Artes Plásticas o visuales. Ante la música, tenemos un caso diferente. La creación original queda por escrito, en su particular lenguaje, o es transmitida auditivamente en el caso de música tradicional, pero precisa de un intermediario o intérprete que la actualice cada vez, y ese proceso de actualización la hace diferente en cada ocasión, aunque su estructura nos la haga identificable. El receptor precisa tiempo; la obra no es percibida en su totalidad de una vez, sino que la recepción no puede considerarse terminada hasta la total ejecución de la obra. Pues bien, las Artes Escénicas encuentran su primera característica en que resultan de la conjunción de lo visual y de lo auditivo, en un espacio tridimensional y con sus elementos en movimiento. Son artes temporales y espaciales a la vez, visuales y auditivas al mismo tiempo. Su finalidad es la exhibición pública, generalmente ante una colectividad de espectadores, aunque sus fines artísticos son, como en todas las artes, la creación de belleza mediante la armonización de determinados elementos en una estructura concreta, la expresión artística de un individuo o grupo de individuos, la creación de formas culturales propias de un colectivo o grupo humano, y la celebración lúdica. Una definición más o menos precisa sería la siguiente: Las artes escénicas comprenden el estudio y la práctica de formas expresivas que se inscriben en el universo de la interpretación, como el teatro, la danza y la música, así como otras formas de espectáculo, como el circo, la performance,
etc., que utilicen a la vez todos estos recursos y tengan como fin la exhibición pública. Los elementos fundamentales comunes a todas las Artes Escénicas son los siguientes: a) El espacio y el tiempo utilizados en estrecha relación como elementos estructurales y de expresión. Lo que es propio de las Artes Escénicas en este aspecto es la presencia inmediata de la interpretación, lo que se llama el “aquí y ahora”. b) La acción (física o verbal). La representación escénica nunca es estática, ni en lo físico, ni en lo expresivo ni en lo emocional: el movimiento en todos estos sentidos es lo que les da fundamento. c) La estructura y sus componentes (texto, personaje, conflicto, situación). De la ordenación de los elementos en una estructura nace la belleza y la expresión. Pueden considerarse Artes Escénicas todas estas modalidades: 1. El teatro, incluidos todos sus géneros y modalidades. 2. La música, en cuanto a la puesta en escena y las convenciones determinadas de la interpretación. 3. La danza, incluidos todos sus géneros y modalidades. 4. El circo. 5. Formas alternativas de representación, nacidas en movimientos vanguardistas contemporáneos y que resultan de la combinación y estrecha relación entre diferentes artes. Suelen ser formas próximas al teatro y a la danza.
El teatro El teatro es la forma escénica básica, a partir de la cual se desarrollan otras muchas formas derivadas por combinación u omisión de elementos. Teatro es un nombre genérico que abarca un gran número de formas de representación y de géneros. Distinguimos el teatro que se representa por medio de seres humanos (actores) y el que se lleva a cabo mediante objetos manejados desde el exterior por personas especializadas, como el teatro de títeres, marionetas y sombras. Así mismo, el teatro puede ser musical o no musical, según incorpore la música como elemento fundamental (ópera, zarzuela, comedia musical, etc.), o simplemente la trate como un elemento de expresión accesorio, de apoyo a la expresión, formando parte de la estructura con otros muchos elementos visuales y auditivos. Según la organización y los recursos empleados, podemos distinguir también entre el teatro formal, institucionalizado, tanto en sus formas empresariales y privadas como públicas, y el teatro informal, callejero, o de grupos de aficionados. Según el público al que se dirige el teatro puede ser de corte popular, que abarca
formas ancestrales fijas (como en el teatro oriental) o formas estables sobre las cuales se pueden realizar variantes (como en la Comedia del Arte). También puede dirigirse a un público ilustrado e interesado en las formas de expresión dramática, en cuyo caso suele tratarse de un teatro de base literaria que es representado en diferentes montajes firmados por una compañía o director concreto. El teatro occidental culto se mueve en estas coordenadas creativas. Las variantes intermedias son muy numerosas. Atendiendo a sus fines, el teatro puede tener diferentes modalidades: puede ser puramente lúdico, con el único fin de entretener o celebrar, y puede tener una intención didáctica en cualquier aspecto: transmisión de ideas, análisis psicológico, etc. También entre ambos extremos existen gran número de variantes graduales, pues todas las formas teatrales tienen siempre una finalidad común que es la revelación de la realidad humana en alguno de sus aspectos. La música La música se considera una de las Artes Escénicas en cuanto que participa de la representación inmediata (el aquí y ahora). Su interpretación se desarrolla en un determinado espacio y en un tiempo concreto, se dirige a un público determinado y, según los géneros, tiene sus propias convenciones de representación. Como ejemplo, basta pensar en las diferencias de puesta en escena entre un concierto clásico, una performance musical contemporánea, un espectáculo flamenco o el concierto de un grupo de música popular moderna (rock, heavy, etc.). Las convenciones de representación son totalmente diferentes en todos esos casos, y lo único que persiste es la representación y la interpretación única en el tiempo y en el espacio. La danza Considerada una de las artes más antiguas del mundo, se supone que es anterior al teatro y está en el origen de su nacimiento. Consiste en mover el cuerpo guardando una relación consciente con el espacio e impregnando de significación la acción de los movimientos. El concepto o la idea de la danza está asociado al de música, pero no como asociación necesaria. Ambas artes son acciones en el tiempo, tienen una duración, poseen un principio y un fin, y una estrucutra determinada. Pero la danza puede realizarse sin sonidos que la acompañen, porque la base de la musica, el ritmo, se expresa en la acción misma de danzar (movimientos corporales armónicos en un espacio). La danza utiliza el movimiento del cuerpo como medio expresivo. La belleza de los movimientos, tanto individuales como en los conjuntos, se dan por medio de una armonía que se basa en la simetría y el equilibrio. Un movimiento será bello en función de su finalidad expresiva, y por la armonía que guarde con el sentimiento que la origina. El espacio es donde el bailarín proyecta su emoción y del cual recibe estimulo o respuesta. La danza busca siempre que el bailarín dance por una necesidad interior, mucho más cercana al campo espiritual que al físico. En el ser humano los movimientos van ordenándose en tiempo y espacio, y constituyen formas de expresar los sentimientos: deseos, alegrías, pesares, gratitud, respeto, temor, pode. Estos están relacionados con las necesidades de
amparo, abrigo, alimento, defensa, conquista, de procreación, salud y comunicación. Primitivamente se usó la danza para invocar y adorar a los dioses, para propiciarlos a favor del grupo humano, para cortejar y buscar la reproducción, para festejar las cosechas y las estaciones del año. Naturalmente, ha tenido siempre la función de cohesionar al grupo humano que la practica y crear identidades. La danza aparece siempre como un hecho colectivo en su origen, aunque más tarde se pueda producir una individualización expresiva, Existen, como en la música diferentes tipos de danza, clasificadas según su origen: popular rural, popular urbana, por ejemplo. Según su procedencia, existe danza tradicional oriental, muy tipificada, así como danza clásica occidental, o danza contemporánea. Como es un impulso natural en los seres humanos, continuamente aparecen nuevas formas de danza, desde la creatividad de grupos populares, desde clases sociales o colectivos que buscan su identidad en formas de movimiento armoniosos y rítmicos. El circo Se considera el circo un tipo de arte escénica especial, pues reúne características y elementos de otras de estas artes, como el teatro, la música y la danza. El circo es siempre la mostración de lo extraordinario, tanto en sus aspectos nobles como en sus aspectos grotescos o paródicos. Las diferentes modalidades circenses tienen su origen en las demostraciones de fuerza y habilidad de pueblos primitivos para realizar trabajos especiales, las capacidades defensivas y el valor. Acróbatas, trapecistas, funambulistas y domadores de fieras representan estas habilidades perfectamente. La doma y amaestramiento de animales, muchas veces salvajes y peligrosos, muestran el dominio del hombre sobre la fuerza irracional de los animales. La belleza femenina es mostrada también en el circo con el uso de trajes de fantasía y con la desnudez inusual de las artistas. Los payasos representan siempre lo grotesco y lo ridículo, los equívocos y las acciones banales y fallidas. El circo suele ser un espectáculo ambulante que se desarrolla bajo carpas y su espacio escénico es circular. Una tradición circense de siglos ha conformado una estructura bastante fija y la presencia casi imprescindible de determinados artistas y números, aunque actualmente y desde finales del siglo XX se viene produciendo una renovación de la estética circense, que modifica su estructura tradicional y la hace más acorde a la sensibilidad social de nuestra época. La performance y otras formas escénicas de vanguardia. Una performance es una muestra escénica, muchas veces con un importante factor de improvisación, en que la provocación o el asombro, así como el sentido de la estética juegan un rol principal. El término performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa performance art con el significado de arte en vivo. Está ligado al arte conceptual, a los happenings, al movimiento fluxus events y al body arte. La palabra performance comenzó a ser utilizada especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta. Este medio artístico tuvo su auge durante los años setenta.
La historia del “performance art” empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al dadaísmo y al surrealismo realizaban exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. El arte de la performance es aquel en el que el trabajo escénico lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto. La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración. Se trata de una “acción artística” en cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre éste y el público. El sniggling es una forma activista de performance art en público, que se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se dan cuenta de que se está ejecutando una performance.
Los géneros dramáticos (1) Antes de iniciar la explicación de los géneros dramáticos, nos detendremos brevemente en mencionar las formas discursivas del texto dramático, es decir, la forma que adopta el texto para trasladar al lector-espectador el contenido del texto. Podemos fijar tres formas discursivas básicas: Diálogo: Es el intercambio de parlamentos entre dos o más personajes en los que se alternan el papel de emisor y receptor. Monólogo: Es la forma de discurso que permite que un personaje solo en escena pueda expresar sus ideas sin dirigirse a nadie, sino como revelación de su pensamiento más íntimo. Soliloquio: Es también una forma de discurso para un personaje que está solo en escena, pero la ligera diferencia que tiene con respecto al monólogo es que el personaje dirige sus palabras a alguien. Los géneros literarios, desde Aristóteles, se clasifican según criterios de contenido y de forma. Las explicaciones que siguen pretenden dar una visión general de los géneros dramáticos, es decir, de las distintas formas de imitación de la realidad representándola, como diría Aristóteles. En cualquier caso, hay que tener en cuenta que la dramaturgia actual, especialmente aquellos autores que buscan nuevas formas de expresión, difícilmente se reconocen en uno solo de estos géneros. Por eso, animo a los alumnos a que, una vez estudiados los géneros “clásicos”, dediquen una parte de su esfuerzo a leer textos dramáticos de todas las épocas. El género dramático se diferencia de otros géneros literarios porque su alcance sobrepasa lo literario y entra en lo teatral. Los textos serán interpretados por actores y la ficción se transformará en una realidad específica dentro de las coordenadas espacio-temporales-causales, diferentes de las de la vida real. Tradicionalmente se distinguen géneros dramáticos mayores y géneros dramáticos menores, por las dimensiones y, a veces, por la consideración que han merecido a los autores y al público.
Géneros dramáticos mayores: Tragedia: Es la representación de acciones que suceden a personajes nobles y heroicos enfrentados a un destino que, a menudo, termina por destruirlos. En su origen, especialmente con las tragedias de Esquilo, los dioses son los que mueven a los personajes y poco a poco la tragedia se va despojando del carácter religioso. En cualquier caso, se trata de enfrentar al hombre con fuerzas que le obligan a actuar, a veces contra ellos mismos. Decía Aristóteles que la contemplación de estas pasiones produce en el espectador un efecto de purificación (la catarsis) al identificarse con lo que vive el protagonista. En la tragedia de todos los tiempos hay elementos que se repiten y que sirven de hilo a lo largo de la historia: a) La caída del héroe. El que se nos presenta como poderoso, joven, lleno de posibilidades, cae en el abismo como en una metáfora de la vida y la muerte. El coro griego se encarga constantemente de recordarle al héroe su condición de mortal. b) La relación entre el hombre y Dios. El personaje trágico siente la fuerza de la divinidad, aunque no la entiende ni puede comunicarse con ella. c) El sentimiento de culpa. El castigo de los dioses a las acciones de los hombres provoca una cadena de sufrimiento y de culpas interminables que termina alcanzando a todos. d) La búsqueda de la verdad como una necesidad ética. Comedia: En la comedia, unos personajes se enfrentan a un conflicto, igual que en la tragedia, pero la diferencia está en que dicho conflicto no les va a llevar al extremo de su resistencia porque siempre hay una salida que permita a los personajes resolver el conflicto de forma positiva. Por otra parte, los conflictos que se plantean no tienen que ver con la relación del hombre con la divinidad o con el destino, sino con la relación entre los seres humanos. Este carácter “positivo” de la comedia ha llevado a algunos a considerarla un género menos importante que el de la tragedia ya que carece del efecto catártico del que hablamos antes, además de tener un público más “popular” que el de la tragedia. Nada más lejos de la realidad. La comedia no sólo pretende entretener de forma superficial mediante la risa. Pretende también transmitir una manera de ver la realidad, una crítica de costumbres. Por otra parte, no se debe dudar del efecto purificador de la risa. Otra cosa es que en nombre de la comedia se han escrito piezas intrascendentes que lo son no por ser comedias, sino porque están vacías de contenido y dejan al público en el mismo estado en el que entraron en el teatro. Miguel Mihura escribió sobre el humor: «El humor es un capricho, un lujo, una pluma de perdiz que se pone uno en el sombrero; un modo de pasar el tiempo. El humor verdadero no se propone enseñar ni corregir, lo único que pretende es que nos salgamos de nosotros mismos y demos una vuelta alrededor contemplándonos por un lado y por otro y descubramos nuevos rasgos y perfiles que no conocíamos. El humor es verle la trampa a todo, darse cuenta de por dónde cojean las cosas; comprender que todo tiene un revés, que todas la cosas pueden ser de otra manera, sin querer por ello que dejen de ser tal como son, porque esto es pecado y pedantería». Por otra parte, cuando hablamos de comedia no nos referimos a un único tipo de texto dramático, así podemos hablar de:
a) Comedia de costumbres: presentan formas de vivir o de comportarse reconocibles por el público aunque pertenezcan a un tiempo o grupo determinado. b) Comedia de situación: en la que se plantea y resuelve un conflicto de forma rápida y concreta. c) Comedia burlesca: muestra personajes y costumbres a los que ridiculiza y ataca. Tiene su origen en autores como Aristófanes, aunque no faltan comedias burlescas en el teatro actual. d) Comedia sentimental: plantea los conflictos provocados por el amor: el amor no correspondido, los impedimentos sociales, el conflicto entre el amor y el interés, etc. e) Comedia de carácter: en ella, el peso del conflicto lo sostiene un personaje en el que confluyen rasgos de carácter dignos de imitar o de repudiar. Podríamos establecer muchos más tipos de comedias, pero los anteriores sirven para dar una idea de la complejidad de temas, personajes, conflictos, etc. que se entrecruzan en este género. Tragicomedia: Se trata de un género mixto en el que se mezclan lo trágico y lo cómico. Tal como decía Lope en el Arte nuevo de hacer comedias: Lo trágico y lo cómico mezclado,/ y Terencio con Séneca, aunque sea / como otro Minotauro de Pasife, / harán grave una parte, otra ridícula, que aquesta variedad deleita mucho; / buen ejemplo nos da naturaleza, que por tal variedad tiene belleza. En este género, el autor propone a menudo una temática cercana a la tragedia, pero sin renunciar a momentos de humor. Este género triunfó y triunfa en el teatro español desde el Siglo de Oro.
Géneros dramáticos menores: Farsa: Pieza teatral en la que se produce una exageración de situaciones, personajes y lenguaje que hace que el espectador sea consciente del alejamiento de la realidad. Se cultiva desde la Antigüedad clásica hasta nuestros días, unas veces con intención moralizante, otras para hacer crítica social, otras como expresión artística, etc. Paso, entremés y sainete: Piezas teatrales breves, utilizadas habitualmente como complemento de obras más extensas y en las que se repiten algunas características: personajes populares, temas cotidianos, tono desenfadado e intención didáctica. Autos sacramentales: Composición dramática de carácter religioso que en el siglo XVII toma su forma definitiva con Calderón de la Barca. Habitualmente los personajes son de carácter alegórico y tienen una clara intención didáctica. Además de todos estos géneros, tendríamos que tener en cuenta aquellos textos que se combinan con la música: ópera, opereta, zarzuela y comedia musical. Todos ellos tienen en común que combinan la música con el libreto en el que se contiene la historia, además de una puesta en escena que tiende a la
espectacularidad. Se diferencian en su origen y en el carĂĄcter de las historias que se cuentan en cada uno de los gĂŠneros.