#nsfseptiembre14

nuevo to a m r fo

Número 33 Septiembre 2014

ENTREVISTAS DANIEL MONZON NACHO VIGALONDO

SERIES THE STRAIN ORPHAN BLACK

ANIME SAILOR MOON CRYSTAL

COMIC MULTIVERSITY STAR WARS DARK HORSE

CONOCE AL DEFINITIVO

HERCULES

Editorial Un mes de descanso y ya de nuevo por aqui. No hemos vuelto solos, sino con una Nosolofreak renovada y actualizada para subsanar fallos (aún quedan muchos por solucionar) y entregaros lo mejor de todos los que formamos parte de NSF.

Daniel Ferrer Leon

Intentaremos, en esta nueva etapa, centrarnos un poco más en la actualidad, sin dejar de un lado artículos más intemporales. Os contaremos todos los sitios que visitamos mes a mes, os traeremos las mejores entrevistas, y nos expandiremos en algunos sectores del frikismo donde nos quedabamos cortos.

Incluso estamos abiertos a que nos digáis que falta en NSF.

Rosa Cortés Redactora

Carlos Martín Redactora

Lidia Reyes Redactora

Oruga Calva Redactor

Antonio Alcaide Redactor

Jose Del Río Fortich Redactor

Elena Oteo Redactora

LJ Zapico Redactor

Xavi Muñoz Casermeiro Redactor

Curro Burgos Redactor

Fran Tejeda White Redactor

Neko Mai Redactora

Beatriz Pulido Redactora

Daniel Torrejón Redactor

Jose Luis Soriano Redactor

Cristina Fernández Redactora

El primer cambio, evidente, ha sido la renovación del logo de nuestra querida NSF, no es que no estuvieramos contentos con la anterior, pero creo que el lavado de cara no le ha venido nada mal.

Bueno, centrándonos en el contenido de este mes, hemos dedicado gran parte de las páginas y de la portada a Hercules, la nueva película de Dwayne Johnson, y el renacer de un personaje mítico que ha sido, con más o menos éxito, adaptado en mil y unas ocasiones.

Analizaremos el Multiverso de DC, la adaptación a juego de tablero de Spartacus, las series que están por venir, el nuevo estilo de las Sailor Moon y un millar de temas que descubriréis en las próximas páginas.

Además, no pueden faltar en NSF las buenas entrevistas: Daniel Monzón, Nacho Vigalondo o los chicos de PROPCORN serán los rotagonistas de completas entrevistas.

NSF ya está aqui. Es nuestro momento Daniel Ferrer león Director NSF

Director Y Redactor Jefe

Miguel de Andrés Bayón Redactor Jesús de la Fuente Redactor

Tony Camacho

Director y Coordinador

Toni Serrano Montse N Rios RELATOS

Aida Albiar Redactora

destacados 46

116

156

178

Animología:

Hora de Aventuras Homenaje Harryhausen

The Strain

Zona Anime

6 a ...Altair 151 Conoce (Assassin´s Creed)

130

Spartacus:

Juego de mesa

HERCULES 96 ZONA CÓMIC

24 entrevista Daniel

154 El Pixelextrón

124

Series clásicas: Hércules y Xena

Las leyendas y mitos clásicos nos dejan personajes y aventuras ideales para el cine y este mes volveremos a ver en la pantalla grande a Hércules más fuerte que nunca, pero también más humano y mundano en un film no demasiado esperado pero con algunas sorpresas y curiosidades que lo convertirán en un visionado aceptable para algunos pero que dejarán con ganas de más a la mayoría.

nes. Ahora Hércules es más un mercenario o guerrero que un héroe y sus fantasmas del pasado le atormentan de manera que está muy presente el lado humano del personaje. Así, sin elementos de fantasía ni manifestaciones continuas de deidades, la película parece mostrar más las aventuras de Hércules como un hecho histórico, inspirador de las leyendas y mitos que se forjaron en torno a él.

La mitología clásica está repleta de leyendas y personajes que el cine retoma una y otra vez para inspirar películas y recrear historias que suelen ser del agrado del gran público. Uno de los héroes más recurrentes ha sido siempre Hércules cuya mítica fuerza, valentía y determinación hacen de él un personajes que no suele defraudar.

Pues bien, la industria cinematográfica lo ha vuelto a hacer y en pleno 2014 nos trae una nueva historia sobre este semidios de la mano del director Brett Ratner y encarnado por Dwayne Johnson. Esta película está basada en la novela gráfica de Radical Studio titulada ‘Hercules: The Thracian Wars’, de Steve Moore y el artista Cris Bolsiny que pretenden dar al personaje un giro más crudo y realista, contextualizando la acción en la Edad de Bronce (época en la que se considera que pudo Hércules tener sus aventuras) y comienza dejando atrás el desempeño de los famosos doce trabajos del héroe para mostrar a un Hércules convertido en mercenario que, junto con unos compañeros, ayuda a acabar con una sangrienta guerra en las tierras de Tracia para restaurar en el trono a su verdadero rey.

Dwayne Johnson, por su parte, contribuye en esta cinta aportando a su personaje toda la fuerza y carácter propios de Hércules. “La Roca”, como se le conoce a Johnson, ha “confesado” a sus seguidores de Twitter que aplica sus conocimientos de lucha libre al encarnar a su personajes y que el movimiento especial de esta modalidad para Hércules es el “aplastacerebros con mazo”. Además, el actor confía tanto en la fuerza del héroes al que recrea que, ante la pregunta de un fan sobre si en una lucha ganaría Perseo o Hércules, “La Roca” contestó con un elocuente “RIP

Esta nueva adaptación del héroes griego se queda bastante lejos de ser tan espectacular como podría esperarse, con un argumento bastante plano y una acción poco reseñable, carente de escenas o situaciones que encandilen al espectador, pero presenta bastante curiosidades dignas de mencionar. Lo primero que llama la atención, es quizás la desmitificación del personaje y su entorno que parece propio de un mundo realista donde no existen apenas elementos que recuerden a los tintes de sobrenatural que tienen otras adaptacio-

´

HERCULES UN RETO PARA “LA ROCA”

Perseus”. No es de extrañar la confianza de Johnson en las características físicas de su último personaje si se tiene en cuenta que el actor, bastante fuerte y musculado de por sí, tuvo que someterse a un duro entrenamiento y a una estricta dieta para aportar la musculatura adecuada que debía presentar el semidios. Según comentaba en sus redes sociales el propio actor, llevó durante 22 semanas una intensa dieta consistente en siete comidas diarias con abundante pollo, arroz y huevo. Pero este sacrificio no le pesó tanto a Johnson que ya confesó que siempre había querido participar en una película sobre Hércules porque considera que es un personaje que ha inspirado a muchas personas durante siglos, entre las cuales él mismo se incluye. Según sus propias palabras: “Me siento conectado con él a un nivel muy interno, y cuando entré al mundo del cine, hace unos 13 o 14 años, uno de los proyectos que más ganas tenía de hacer era una película sobre Hércules”. Además, valora positivamente el hecho de que en esta nueva película se ha intentado mostrar al héroe de una forma diferente, exiliado, luchando por oro y debiendo vencer a sus demonios interiores. La transformación del fornido actor no ha pasado únicamente por lograr un aspecto más musculado, sino que, además, el actor debía soportar cada día de rodaje sesiones de hasta 3 horas de maquillaje destinadas a cubrir sus tatuajes con una pintura corporal.

Además de la capacidad de Johnson para atraer a millones de espectadores a la gran pantalla, otro plato fuerte de esta cinta es el estreno como actriz de la top model y pareja de Cristiano Ronaldo, Irina Shayk, aparición que sus fans han estado esperando a pesar de ser escasa en el film, puesto que encarna a la bella Megara, esposa del semidios que aparece en los recuerdos de éste, puesto que la película se desarrolla tiempo después de la muerte de su familia. La buena relación de la pareja pareció también continuar tras las cámaras, surgiendo una amistad que se refleja en fotos de los dos juntos que ambos subían a sus Instagram, supuestamente de los descansos del rodaje. La joven modelo se ha convertido en uno de los reclamos de este nuevo film, creando ya expectación desde el tráiler en el que aparecía desnuda saliendo de unal personaje un giro más crudo y realista, con raíces en la Edad de Bronce, época en la que se cree que Hércules tuvo sus aventurasa bañera.

Ella misma considera este desnudo como obra de arte al estar en el contexto de una película sobre mitología griega y justifica así la escena que muchos consideran destinada a eclipsar al protagonista de la cinta, ya que el tráiler protagonizado por este desnudo fue visto por más de dos millones de personas en un sólo día, cifras que, de darse a la hora de acudir a la gran pantalla para ver Hércules significarían un gran éxito de taquilla.

La expectación que ha generado este actor en su nuevo papel, llegó al punto de costarle el despido a 50 miembros del equipo de rodaje por intentar fotografiarle a escondidas cuando esto estaba totalmente prohibido, a pesar de que el propio Johnson había estado involucrando a sus seguidores en el proceso de creación del film, difundiendo numerosas imágenes a través de las redes sociales. Al parecer, desde un principio “la Roca” advirtió a los estudios de que tenía pensado hacer partícipe a sus fans de todo el proceso debido a que quería trasmitirles la pasión que él mismo le estaba poniendo a una película con la que estaba 100% involucrado y comprometido.

No se sabe todavía qué acogida tendrá este nuevo film sobre Hércules, pero parece pintar mejor que Hércules: el origen de la leyenda de Renny Harlin, estrenada este mismo año y que falló tanto en crítica como en taquilla, pero lo cierto es que es una película destinada a entretener un rato, sin demasiadas pretensiones, que puede resultar curiosa por su enfoque del mito y el personaje y que disfrutarán sobre todo los seguidores de “La Roca” en las escenas de lucha y los admiradores de Irina Shayk en su breve participación.

ROSA CORTÉS

EL SEPTIM

noticias sorprendentes

actualidad cinematografi

EL SEPTIM

Muchos sabían que Guardianes de la Galaxia sería uno de los taquíllazos del verano, y la verdad es que los números que llevan desde su estreno son de vértigo. Marvel y Disney se vuelven a anotar un buen punto y no sólo en lo que a recaudación se refiere, 419 millones de dólares a nivel mundial y subiendo, sino que además las críticas también acompañan.

La cadena de cines IMAX anunció que cierran sus puertas de Madrid y Barcelona tras presentarse de forma voluntaria a un concurso de acreedores por la deuda de más de 5,5 millones de euros que tienen y no ha ayudado la poca afluencia de espectadores que han ido bajando cada vez más.

Sinceramente yo sólo he ido una vez a estos cines pero aún así siempre es una mala noticia el cierre de salas.

estrenos

Uno de los próximos estrenos que Pixar nos está preparando es también uno de sus proyectos más polémicos. The Good Dinosaur es el film que más problemas les está dando a la compañía. Primero tuvieron que cambiar el director repentinamente, teniendo que trasladas la fecha de estreno a 2015 y ahora el estudio de Lasseter a confesado que han tenido que rehacer la película por completo.

La noticia la desveló el actor John Lithgow, el encargado de dar su voz al protagonista.

Aquaman, uno de los personajes de DC menos conocidos y que más parodias cosecha por sus “limitados” poderes, tendrá dos guiones para su propia película y hasta el final no se decidirán qué versión será la definitiva. Aún no se tiene protagonista para la cinta, aunque se rumorea que en el film de Zack Snyder, Batman v Superman: Dawn of justice podría aparecer con la apariencia de Jason Momoa.

MO FRIKI

nuevos proyectos

ica del cine que nos gusta

MO FRIKI imagenes que lo petan

Cómo nos gusta que no enseñen pequeñas pildoritas de los proyectos que más esperamos sobre todo si son de los estrenos más esperados.

En este mes nos han presentado por un lado, cómo son los nuevos cascos de los Stormtroopers de la nueva entrega del Episodio VII de Star Wars.

Esta imagen se una ya a la enseñada del Halcón Milenario y de Mark Hamill con la barba de Chacho Rodríguez.

Por otro lado, hemos podido ver a Paul Ruud con su nuevo traje de AntMan, y la verdad es que el proyecto promete.

Hace unos meses ya saltó la noticia de la intención de hacer un spin-off de la saga de Harry Potter adaptando la novela Animales fantástico y donde encontrarlos. Pues bien, ya tenemos nombre para el director que no es otro que David Yates, el que ya fuera director de la primera película de la saga. Esto es una buena noticia para los fans del mundo fantástico creado por J. K. Rowling.

Christian Bale, Benedict Cumberbatch y Cate Blanchett se unen a la nueva versión por captura de movimiento que Andy Serkis está dirigiendo sobre el mítico relato El libro de la selva. Estos tres actores se unen a los ya confirmados Naomie Harris, Tom Hollander, Eddie Marsan, Jack Reynor y Peter Mullan. En esta ocasión, Bale dará vida a la pantera Bagheera, Serkis a Baloo, Blanchett a la serpiente Kaa y Cumberbatch no será otro que Shere Khan (¿Smaug habrá tenido algo qué ver?). Hasta diciembre de 2016 no llegará a las pantallas españolas.

Sylvester Stallone vuelve a ponerse en los pantalones de uno de sus personajes más míticos, el de John Rambo. Esta sería la quinta parte de la franquicia del actor y en esta ocasión se enfrentará a los cárteles de la droga mexicanos. Según parece esta sería la última parte de la saga protagonizada por Stallone en dónde también participa como guionista de la cinta. ¿Necesario? Pues en esta ocasión, nunca tenemos poco Rambo

rumorologia

mundo cuore

EL SEPTIM

Aunque ya hemos nombrado Batman vs. Superman: Dawn of justice, la verdad es que este film no para de ser un hervidero de rumores. Lo último que sabemos es que parece ser que el actor elegido para dar vida al personaje de Flash Gordon podría ser Scoot McNairy, visto en Argo y 12 años de esclavitud.

Otro proyecto que es un hervidero de rumores continuos es el Episodio VII de J. J. Abrams. Parece ser que más o menos se intuye quién podría ser el malo de esta parte ya que se ha filtrado en una imagen del posible aspecto del susodicho. En la imagen se puede intuir la cara de un cyborg, a quién todo el mundo apunta a Adam Driver, que encajaría con la descripción del Inquisidor, visto ya en la serie animada Star Wars: Rebels. ¡Hype, hype, HYPE!

Por último, no podemos hablar de sagas y no nombrar al agente secreto británico más prolífico de todos los tiempos, Bond, James Bond. En la siguiente entrega, Bond 24, ya sabemos que Daniel Craig repetirá el papel del agente 007 y se rumorea que la actriz francesa de La vida de Adèle, Léa Seydoux, sería una de las chicas Bond de esta entrega.

Mujeres del mundo, ya sabéis la mala noticia que a todas nos asola… El soltero de oro de Hollywood, George Clooney, al fin ha encontrado a su media naranja y ya tienen planes de boda. Toda una pena, la verdad, aunque ya iba siendo hora que alguna afortunada se quedara en el corazón del actor más de un suspiro. La elegida es una abogada que sinceramente no se conoce mucho y dar el nombre sería un poco absurdo ya que prefiero bautizarla con el nombre de Sra. de Clooney. Se cree que la boda será el 12 de este mes y será el evento del año en dónde tendremos como padrino al siempre guapo y lucero de mi vida Brad Pitt.

¡Qué fuerte, qué fuerte, qué fuerte!

No sé lo que les pasa a los famosos americanos cuando pisan tierras ibicencas que se vuelven completamente locos. Primero Légolas dando leches a Bieber y ahora han pillado a los actores Zac Efron y Michelle Rodríguez dándose el filete por una de las discotecas de la isla. Pero… WAIT! ¿Michelle Rodríguez no era lesbiana y estaba saliendo con la modelo Cara Delevingne? Está claro que lo que sucede en Ibiza no sólo se queda en Ibiza…

Una de las rupturas que más impactó al mundo rosa fue la de la actriz Gwyneth Paltrow con el músico Chris Martin. Pues bien, por lo que se comenta por ahí es que el líder de Coldplay está saliendo con nuestra adorada Jennifer Lawrence y la Paltrow lo ha bendecido, bueno, que no le parece mal y que podría haber elegido peor. ¡Viva el amor!

efemerides

MO FRIKI

Ahora toca ponernos tristes y dar mi último adiós a tres grandes artistas que durante el mes de agosto se han despedido de nosotros, dejándonos un pequeño hueco en nuestros corazones. El primero que nos dijo adiós de forma repentina fue el querido Robin Williams. Poco importan las razones por las que el actor decidió abandonar este mundo tras su profunda depresión, ya que siempre estará en nuestra memoria gracias a todos los papeles que le inmortalizarán para siempre. El club de los poetas muertos, Patch Addams, Jack, Jumanji, El indomable Will Hunting, Jaula de grillos e infinidad de títulos más nos harán recordar siempre a este gran actor y cómico. Gracias, Capitán.

Uno de los grandes mitos del cine también nos dejó este mes. Lauren Bacall fue sin lugar a dudas unas de las grandes estrellas de la historia del cine. Aunque la conoceríamos como la última mujer del gran Humphrey Bogart, el talento y la belleza de la actriz han dejado un imborrable recuerdo en nuestras vidas. Tener y no tener fue su presentación al mundo y le continuaron éxitos como El sueño Eterno, La senda tenebrosa, La pícara soltera y Asesinato en el Orient Express entre muchos otros. En el teatro también destacó sobre todo con la obra Eva al desnudo. Adiós a esa gran mirada felina.

Por último, el director y actor británico Richard Attenborough nos dejó con 90 años a pocos días de cumplir 91. Aunque muchos de nosotros siempre le recordaremos cómo el creador de Jurassic Park la verdad es que Attenborough tiene una carrera mucho más prolífica que la que muchos creíamos. Sus comienzos como actor empezaron con el film Historia de una cobardía pero en dónde Attemborough se encontraría mucho más cómodo fue detrás de las cámaras como director y lo pudimos ver en su film más premiado, Gandhi.

Tras de sí deja una multitud de papeles como sus colaboraciones con Otto Preminger y sus películas. Hasta siempre, maestro.

ELENA OTEO

Carroza, este chico puede ser un talento cómico sin igual, consigue que la escena mas dramática te arranque una sonrisa con un personaje que es un caramelito puro y duro.

Cae la noche en el estrecho, el agua apenas se mueve, todo es tranquilidad hasta que una lancha a toda velocidad seguida por un helicóptero de la policía se convierten en los protagonistas de un juego del gato y el ratón que cada noche se juega en las aguas que separan Marruecos de la costa de Cádiz.

Este mundo de pequeños delincuentes con sueños de grandeza, de grandes y peligrosos grupos mafiosos y de cómo la policía con los medios que dispone trata de impedir que estas mafias campen a sus anchas es lo que la nueva película de Daniel Monzón, El niño nos enseña con un realismo que en ocasiones se acerca al documental.

Estamos ante la películas mas ambiciosas del año en lo que a cine español se refiere, una historia llena de emoción, intriga, humor, porque el humor esta presente en cada uno de los minutos de la cinta incluso en los mas dramáticos y sobre todo es

una cinta de acción trepidante que se te pasa volada a pesar de las dos horas largas que dura la película. Una apuesta arriesgada de casting, en el que se unen talentos como Eduard Fernandez, Sergi

Pero la larga sombra de Celda 211 y la presión sobre Daniel Monzon y Jorge Guerricaechevarría era grande, un éxito como ese hacia que todos los ojos de la industria y el público estuvieran puestos en ellos, por eso cuando se presentaron en la reunión con los productores y le plantearon la realización de “una película

de Steve McQueen, pero con un gaditano” se esperaban lo

peor, y mucho mas cuando les propusieron que a pesar de las decenas de actores jóvenes que se morían por salir en el proyecto de El Niño, los protagonistas iban a salir de casting en los institutos de la zona, todo apuntaba a una

Lopez y un inmenso Luis Tosar, junto a un grupo de actores noveles y jóvenes que acaban comiéndose la pantalla con su desparpajo.

Sobre todo esa extraña pareja formada por Jesús Castro, que si aprende a actuar un poco mas y se deja asesorar por un buen manager que le meta en buenos productos y no en teleseries para forrar carpetas, va derechito a convertirse en estrella del cine. Un chaval guapo, con una mirada muy penetrante y con un porte que recuerda al mas puro Paul Newman de joven, que además realizó casi todas las escenas de acción. Y por supuesto Jesús

locura. Pero curiosamente esta mezcla de talento tras las cámaras y frescura en los protagonistas hace que lo que estas viendo te parezca real.

Porque esa es la realidad de esa zona de Cádiz, paro, pocas expectativas de futuro y una manera muy rápida y fácil de conseguir mucho dinero, con el pequeño inconveniente de que es ilegal y que en la mayoría de las ocasiones acaba con tus huesos en la cárcel.

Entrando en la trama de la película y sin entrar en Spoilers mas allá de lo que podamos ver en cualquiera de los trailers, el guión de El Niño nos lleva al

Daniel Monzón

“ Te n í a m o s que ir a alta mar y rodar allí mucho tiempo, fue muy duro, hubo algún principio de hipotermia por parte de Jesús que incluso me pidió perdón por no poder acabar la toma”

sur de Cadiz y nos cuenta dos

historias aparentemente desconectadas pero que poco a poco se van cruzando hasta un final apoteósico digno de cualquier producción estadounidense.

Por un lugar tenemos al El Niño y el Compi, dos jóvenes que en pos de un sueño, porque todo empieza con un deseo de montar un chiringuito para hippies forrados alemanes, se introducen en el mundo del narcotráfico, pasando fardos de Hachis desde el norte de Marruecos hasta la península.

Pero claro en esencia son dos perdedores con poca cabeza y muchos cojones, y eso solo les puede llevar a un mal lugar en un mundo dirigido por mafias que no dudan en castigar fuertemente a los que les plantan cara sin su permiso.

Por otro lado tenemos la trama de los policías, donde Jesús interpretado por Luis Tosar y su compañera llevan dos años intentando demostrar que las mafias están utilizando las redes para introducir el Hachis en Europa para pasar por el estrecho grandes cantidades de cocaína. Usando el puerto de Cádiz como punto de

distribución de la cocaína por toda Europa, pero tras un fracaso muy gordo es devuelto a su antiguo puesto a bordo de un helicóptero patrullero del estrecho. Así que Jesús por la noche persigue a los contrabandistas a toda velocidad por el estrecho de Gibraltar, y durante el día y por su cuenta investiga las redes económicas del narcotráfico en la ciudad de Gibraltar.

En si, ambas historias son lo suficientemente potentes para ser una película en si misma, por eso el merito del guionista y el director es doble, ya que no dejan que ninguna de las dos tome importancia sobre la otra, incluso cuando los tonos de las mismas son claramente diferentes, confluyendo ambas en las escenas de persecución rodadas de manera real, sin efectos digitales, y con la ayuda de un helicóptero y piloto real de la policía española. El grado

en una ocasión la guardia civil confundió el rodaje con un desembarco real de droga, y este realismo de realismo es tal, que

E 2, de

por el prestigio y respeto de la anterior cinta que también se introducía en el mundo de la delincuencia.

Otro de los puntos a favor de la producción es que se ha rodado en espacios naturales, algo completamente opuesto al claustrofóbico escenario de una cárcel de Celda 211.

Daniel Monzón ha llevado la cámara a lugares nunca antes rodados como las plantaciones en el norte de Marruecos, la frontera con Ceuta, así como Gibraltar donde transcurre una parte importante de la película.

El Niño ha recuadado ,85 millones en su fin e semana de estreno en España se pudo conseguir dada la fantástica preproducción del film, en la que tuvieron ayuda a la hora de realizar el guión y conocer como es aquel mundo tanto de la policía, que les presto todo su apoyo técnico, como de los “malos” . Estos últimos sorprendentemente ayudaron entre otras cosas

A nosotros la película nos ha encantado como habréis supuesto, pero además este entusiasmo también ha sido posible por la accesibilidad del equipo a este medio, por eso si quieres saber mas cosas sobre el niño, te invito a leer la trascripción del encuentro con los medios que tuvo el reparto tras el pase de prensa, así como una entrevista exclusiva con el director Daniel Monzón, donde nos cuenta anécdotas, proyectos futuros etc… En conclusión, El niño, una película que tienes que ver, que no te pueden contar, y que señores, tienes que ir al cine y apoyar otra forma de hacer cine español.

Jesus Carroza

“Te lo dicen y vale. Pero cuando lo vives allí, con el calor y el ruido del helicóptero, el foco que te calienta el agua que parece que te echan un cubo de agua caliente... tela.”

me diríais vosotros? -21, 22 millones” pues no, va a ser que bastante menos, digamos que está por encima de los 6.

- Daniel Monzón: Si pero muy poco por encima de los 6. O sea hablamos de 6 con poquito. Es un presupuesto que en estos días de crisis y demás pues caray como para quejarse. Realmente este hombre (señala al productor) es capaz de multiplicar los panes y los peces y un equipo no solo de profesionales, sino de apasionados del cine que se ha entregado en cuerpo y alma, todos los que están aquí sentados y todos los que… en fin, director de fotografía, director de arte, todos han trabajado apasionados porque les encantaba la película y les encantaba semejante propuesta y yo creo que hemos conseguido algo de lo que estamos todos muy orgullosos.

Encuentro con los medios Después del visionado de la película de “El Niño” tuvimos el honor de poder estar con el director Daniel Monzón, también guionista de la película junto con su compañero Jorge Guerricaechevarría, Edmon Roch uno de los productores del film y los jóvenes protagonistas Jesús Castro, Jesús Carroza, Mariam Bachir y Saed Chatiby.

- Pregunta: Me ha gustado mucho su película, es sorprendentemente interesante y muy bien hecha. ¿Cuánto ha costado?

- Edmon Roch: Mucho menos de lo que parece, mira, el otro día estábamos en Francia presentado la película en un primer pase y me preguntaron “¿Cuánto os ha costado? – ¿Qué

- Pregunta: ¿Cómo habéis conseguido ese color local? Lo digo a vosotros (señalando a los guionistas) y a vosotros El Niño también (señalando a los actores) ¿Cómo habéis conseguido las expresiones de allí, el color de la zona?

- Jorge Guerricaechevarría: Buen pues nada, la verdad que esta película es un poco especial, en cuanto como se ha hecho. En pocos casos en una película española tienes el apoyo de los productores para dedicar tiempo

- Jorge Guerricaechevarría: Entonces la verdad que fue divertido, el poder conocer la zona en profundidad, bueno no sé si en profundidad, pero si que es cierto que en poco tiempo nos recorrimos Gibraltar, nos recorrimos Marruecos, fuimos a la zona de Ketama, vamos hicimos todo el viaje que se ve en la película y nos hicimos con tal cantidad de

“Me salió un casting que pensaba que era para publicidad. Ahí iba yo en busca de los 30€ feos y el bocadillo”

antes de escribir el guión poder conocer el terreno, conocer el tema un poco a fondo. En este caso lo tuvimos y bueno con la tarjeta de presentación de Celda 211, resulta que tuvimos la oportunidad de conocer, de hablar tanto con los buenos como con los malos. De repente nos dijeron “bueno si habéis hecho Celda 211, os respetamos y os vamos a contar” y nos contaron historias de todo tipo.

Y bueno, prácticamente todo lo que se ve en la película ordenado de otra forma y volcado en este personaje de son cosas que nos han contado, historias reales que nos han contado tanto de la policía como de traficantes. Y luego ya a la hora de la escritura la verdad es que sí, que estuvimos un tiempo viviendo allí en Tarifa y bueno, procurábamos oír a la gente, como hablaban. A veces era un poco así…, claro una pareja de señores de mediana edad acercándose “Mira allí hay unos chicos, vamos a ver como hablan” (risas) y claro se puede malinterpretar, era difícil decirles “No si es para ver los giros…” a veces nos ofrecían costo (risas de nuevo).

- Daniel Monzón: Que yo cogía solo por profesionalidad (risas).

material que luego lo difícil era ordenarlo, quitar cosas y darle una coherencia.

- Daniel Monzón: Y lo que fue muy…, para mí, vamos la certificación de que el guión estaba bien en su sitio, era, bueno es que Jorge tiene un oído, es un esponja realmente para formas de hablar, para construir diálogos. Cuando por fin leímos el guión con Jesús, Jesús y Saed primeramente, porque Mariam se incorporo después, pero leímos el guión los tres y noté que bueno, primero lo disfrutabais, que entendíais perfectamente el contexto y que os entraba bien en la boca. Pero aún así, claro después de muchos meses después de trabajar de conocernos todos, pues iba yo adaptando algunas cosas, ellos aportaban también ese habla, esa frescura de la que tu hablas. Pues hay giros y tal que surgen directamente de ellos y en secuencias de acción ¿no?, porque las secuencias de acción están rodadas de verdad, vaya todas las personas que estamos aquí son las protagonistas de las escenas de acción, no hay ni trampa ni cartón, ellos estaban debajo de ese helicóptero y en la lancha y demás y también estábamos los demás por cierto, todavía tengo salitre en las pupilas (risas) y hay algún tipo de expresión y tal que surgían del propio momento. (Se gira y pregunta a los actores) Jesús y tal ¿queréis añadir algo referente a esto?

- Jesús Castro: Pues que también Daniel nos dejó un poco de improvisación, que ya el guión estaba escrito pero siempre nos decía que podíamos meter un poco de morcilleo y preguntaba por nuestra opinión e incluso varias cosas que salió sobre la marcha lo ha metido ahí en la película.

- Daniel Monzón: Si, si, porque hombre tienes que estar siempre muy atento y dejar que el aire fresco entre ¿No? Porque si no, más o menos acabas escribiendo el guión

en una habitación cerrada de cuatro paredes y el rodaje sucede, en este caso mucho en exteriores, así que para airearlo hay que estar ahí como al loro.

- Edmon Roch: De las películas que he producido es de las películas donde el guión está más clavado a la película, o sea tu lees el guión que teníamos hace cuatro años y ves la película y está todo y está a un 99´5, que para mi caso es extraordinario.

- Pregunta: ¿Cuánto tiempo ha durado desde que comenzasteis a escribir el guión hasta el final?

- Daniel Monzón: Bueno te digo el tiempo que ha transcurrido desde que se estrenó Celda 211, que es la película anterior que escribimos Jorge y yo hasta que se estrena El Niño, 5 años de mi vida al menos, de la tuya creo que también (señalando a Jorge, risas) 5 años en cuanto a espacio de una película a otra y es verdad que el primer año de esos cuatro estuvimos escribiendo una comedia negra muy divertida para rodar en inglaterra, con actores ingleses y demás... Y fue en el proceso en el que trabajamos con Celda y muchas veces nos daba aire fresco, para huir mentalmente sobretodo con una película tan claustrofóbica como lo era esa. En ese camino fue cuando surgió escribir EL Niño. Me la trajo Jorge una tarde y me dijo “oye hay una cosa que me llamó mucho la atención que son estos chicos jóvenes que se ponen a pasar jachis entre Marruecos y España, con lanchas rápidas y tal y cual...”. Empezamos a bucear en esa engañosa biblioteca de Alejandría que es Youtube, poníamos: jachis, persecución, lanchas... Y de pronto surgió un montón de vídeos principalmente puestos por vigilancia aduanera, guardia civil... como medida disuasoria. Pero estos mismos lo remontan, ponen música bacalao y se convierten en todo lo contrario. (risas) - Jorge Guerricaechevarría: Bueno claro es un video gratis que les hace la policía de como se libran... como van...

- Daniel Monzón: Claro por un lado les dan pistas de como escapar y por otro es como una especie de ensalzamiento del narcotráfico, de lancha, de gomeros. Y sabes que te digo, que como hablo tanto se me ha olvidado cual era la pregunta. (risas). En efecto del tiempo del rodaje, el rodaje fueron 12 semanas. Esto se debe a que teníamos que ir a alta mar y

rodar allí mucho tiempo por que volverse antes de que cayese el sol significaba perder un día, fue muy duro, hubo algún principio de hipotermia por parte de Jesús que incluso me pidió perdón por no poder acabar la toma. Pero también hubo partes cómicas como la sal que le entraba a Jesús que le ponía los ojos como pelotas. Contestando a la pregunta, rodaje 12 semanas, postproducción 10 meses y en total el proyecto 4 años. A raíz de todo esto contad como vivíais las secuencias de acción.

- Saed Chatiby: No se yo por ejemplo los primeros días en Almería cuando grabamos las primeras escenas en helicóptero que la primera semana era de día y la segunda de noche, se me hacía muy difícil por que yo me mareo mucho y había que conseguir biodramina con cafeína, fue muy duro, a la que te bajabas de la lancha y llegabas a puerto te daba un bajonazo.

- Daniel Monzón: Es verdad de rodar metido en el agua gritando te quedaste afónico y cuando llegabas a puerto tenías la voz mal.

pero en algunos me quedo distante, frio, como si alguien jugase un juego de ordenador y no soy yo.

- Jesús Carroza: Una de las veces la mampara que te protege del agua estaba suelta que eso va remachada, buen colocada... y estaba suelta del helicóptero.

- Jorge Guerricaechevarría: Los que alucinaban un poco es la gente de por allí cuando les decíamos lo que íbamos a hacer y decían “esto en el estrecho... uff vaya tela”.

- Pregunta: ¿Que expectativas tenéis con la película? ¿Notáis el peso del precedente de Celda 211?

- Daniel Monzón: Esperamos que le guste a todo el mundo Sri Lanka, Japón... (risas). Como le pasa a todo el mundo que hace cine. Lo de Celda es más una ventaja, el que la película gustase tanto.

Pone la curiosidad en la cabeza de la gente a ver que ha hecho el mismo equipo ahora.

- Pregunta: ¿Podríais hablar todos del casting?

- Jesús Castro: fue de las pocas veces que le dije a Daniel que entrara mi doble.

- Jesús Carroza: Te lo cuentan y dices bueno vale. Pero cuando lo vives allí, con el calor y el ruido del helicóptero, el foco que te calienta el agua que parece que te echan un cubo de agua caliente... tela.

- Daniel Monzón: Las escenas de acción no las hacíamos por hacérselo pasar mal, nosotros también nos comíamos lo nuestro.

Evidente estaba todo planeado, teníamos a Jordi Casares que ha trabajado en películas americanas tipo Desafío total, Indiana Jones... cuando yo le hablaba de las escenas de acción, que quería la sensación física sin efectos digitales al estilo Burt Lancaster haciendo sus escenas como en el Tren de Frakenheimer... eso es lo que queríamos recrear. Los escenarios con efectos digitales me parecen bellísimos

- Saed Chatiby : Eso si que fue curioso. Me llamó un amigo estando en el gimnasio y me dice “que han ido los directores de casting a seleccionar gente en mi instituto”.

Se presentó al casting y me animó a presentarme porque me gusta el royo ese y no quise porque pensaba que era de figurante. En la parada del autobús me dijo que le habían le hecho actuar que daban papel y así fue, viendo el autobús venir dije pues venga vamos a presentarnos. Fuí para Yolanda, hice el primer casting y fui pasando casting tras casting.

- Daniel Monzón: Es curioso porque me dijeron tenemos a Said... Cuando bajé a Sevilla a juntarnos todos Said llegó tarde, sudando, que había perdido la cartera, pidiendo disculpas... y yo le dije “tranquilo que no pasa nada, ya te había yo echado el ojo”. Yo creo que es notable el trabajo de todos ellos. Hablando de Said yo tenía mis dudas de si ibas a llegar al punto dramático, pero cuando le enseñé la prueba a Luis Tosar me dijo “¿Quién es este

pedazo de actor?”. ¿Marian?

- Marian: Yo el año pasado no tenía trabajo. Una amiga me habló de una agencia que hace cosas para publicidad. Me salió un casting que pensaba que era para publicidad.

Ahí iba yo en busca de los 30€ feos y el bocadillo. La primera prueba fue hablar por teléfono con una mujer detrás con una mini cámara... A partir de ahí empezó la cosa.

Nunca pensé que podría hacer esto, tener la capacidad de ponerme a llorar, tener personas al rededor con las cámaras... yo no sabía que podía hacer eso.

- Jesus Carroza: Yo también llegué a través de las directoras de casting. En la primera prueba nos pusieron una acción, teníamos que improvisar sobre el tema que nos pusieron. Estábamos en la habitación del hotel, sentados al pié de la cama, no nos conocíamos de nada y nos tuvieron que cortar.

- Daniel Monzón: Yo cuando vi esa improvisación de los dos Jesuses después de tanto tiempo imaginándonos, al Compi y al Niño, se me saltaban las lágrimas por que les estaba viendo.

- Jesus Castro: Yo estaba en un módulo de electrónica que iba a veces sí y a veces no (risas). Ese día no iba a ir, pero me levantó mi padre y me hizo ir. Al entrar en clase vi que mi compañero, que siempre iba de sport, iba arreglado que le faltaba solo la corbatita.

Me dijo que había un casting para el director de Celda y dije “vamos todos, se nos pasan estas dos horas que quedan de clase y cuando nos queramos dar cuenta estamos ya en casa”. Estaba allí todo el instituto, esperé hora y media y cuando me tocó entrar eran todo chicas, me dio un poco de reparó me arrepentí, fui a coger la mochila y la directora de casting me paró los pies me hizo hacer la prueba.

- Jorge Guerricaechevarría: Es curios por que antes de escribir la película, solo teníamos el personaje de El Niño. Intentando explicar la película a los productores les decíamos que era como una película de Steve McQueen pero con un tío de Cádiz. Lo curioso es que encontramos al tío de Cádiz y tiene ese hieratismo, ese punto de Steve McQueen o Paul Newman, esa capaz de transmitir en un personaje que habla muy poco pero tiene esa capacidad de que la pantalla lo quiera.

- Daniel Monzón: Aunque es verdad que las comparaciones son odiosas y a mi Steve McQueen y Paul Newman me vuelen loco, y a mi mujer ni os cuento, es cierto que todas las comparaciones son odiosas por que este hombre no es ni Steve McQueen ni es Paul Newman, es Jesús Castro.

- Jorge Guerricaechevarría: En todas las decisiones que tomábamos decidíamos ir a por caras frescas. Porque os podéis imaginar que cuando anunciamos una película del director de Celda 211 había un montón de actores jóvenes que se morían por el papel de estos chicos y que harían lo que fuese por tenerlo.

Es una decisión muy valiente que acaba siendo perfecta muy valiente y que hay que reconocer que fue por parte de Daniel.

Por Vicky Carras.

El Niño promete ser un nuevo fenómeno patrio cinematográfico y la vuelta de uno de los directores españoles con más presente y mejor futuro: Daniel Monzón.

Nosotros hemos tenido la suerte de entrevistalo, justo unos días antes del estreno de la película, al visionario director.

DESPUÉS DEL GRAN ÉXITO QUE SUPUSO CELDA 211, LAS EXPECTATIVAS ANTE ESTE NUEVO TRABAJO SON ALTAS ¿HAY MIEDO A LA REACCIÓN DE LOS ESPECTADORES Y CRÍTICA EN EL NIÑO? El miedo es algo que paraliza, hay que saber canalizarlo. En su día sentí cierto vértigo ante la insistencia de la gente que me decía si era consciente de la responsabilidad de “haber dejado el listón muy alto”, frase que repetían una y otra vez en mis oídos. Pero yo seguí mi camino tal y como lo he hecho desde el principio, involucrándome en una nueva aventura que me apasionara. Es la única manera que conozco de hacer las cosas, desde la pasión. El miedo, en la cuneta.

CELDA 211 FUE UNA PELÍCULA CUYO ESCENARIO FUE CASI EN SU TOTALIDAD UN RECINTO CERRADO COMO ERA UNA CÁRCEL ¿CÓMO HA SIDO EL TRÁNSITO DE UN RODAJE COMO FUE EL DE CELDA 211 A UNO EN EL QUE LOS EXTERIORES SON TAN IMPORTANTES COMO ES EL DE EL NIÑO? El tránsito era de una enorme complejidad, el rodaje de “El Niño” era como un monstruo de muchas cabezas que había que domar, incontables localizaciones en varios países, y algunas de ellas -como las fronteras de Ceuta y Gibraltar, o las plantaciones de marihuana- donde nunca había entrado una cámara, una climatología, la del Estrecho, cambiante como pocas, una reunión de actores que incluía actores no profesionales, endiabladas secuencias de acción para rodar en alta mar... Era tal la magnitud del reto que nos puso las pilas a todos. El equipo era como una piña, un grupo de aventureros enamorados de su trabajo que se dejaron

literalmente la piel por sacar adelante el proyecto. ¿CÓMO HA SIDO EL REENCUENTRO CON EL GRAN LUIS TOSAR? Siempre gozoso. Luis es uno de los actores más valiosos no ya de Europa, sino del planeta. Está a la altura de los mejores. Y su calidad humana supera su talento. Su coraje como actor queda refrendado por la sutileza con la que se ha entregado a encarnar a Jesús, el policía que interpreta en “El Niño”. El suyo es un retrato intenso, verdadero y naturalista, nunca un “show” consagrado a la galería y al Grand guignol al que el perfil de un policía obsesivo hubiera empujado a un actor mediocre. Luis nos presenta a un ser humano, con su escala de valores y su gama de grises al que entendemos desde el principio hasta el fin. Su interpretación es magnética, prodigiosa. Y lo hace sin salidas de tono. ¿CÓMO FUE LA HISTORIA DE LA ELECCIÓN DE JESÚS CASTRO “EL NIÑO”?

Después de haber escuchado a un montón de jóvenes que se dedicaban a pasar hachís entre Marruecos y España en lanchas rápidas me di cuenta de que si quería que el personaje llegara al espectador con autenticidad debía hallar a alguien de la zona que aportara toda su frescura y pudiera reflejar de primera mano la peculiar idiosincrasia de estos muchachos.

Nos entregamos a un laborioso casting por toda Andalucía en que se buceó por colegios e institutos, gimnasios, equipos de fútbol, discotecas, playas... Al final, cuando llevábamos vistos más de 3000 chavales apareció Jesús Castro en Vejer de la Frontera, tenía el carisma, la templanza y el aura de estrella que nuestro Niño requería. Parece mentira pero, ese personaje que Jorge Guerricaechevarría y yo habíamos escrito tenía carne, huesos, y unos ojos de un azul profundo como las aguas del Estrecho.

A LA HORA DEL RODAR EL NIÑO TAN CERCA DEL PEÑÓN, CON EL TIRA Y AFLO-

ENTREVISTAMOS A :

DANIEL MONZÓN

JA QUE ACTUALMENTE TIENE LAS RELACIONES POR LA COLONIA INGLESA. ¿HABÉIS TENIDO ALGÚN TIPO DE PROBLEMA O ANÉCDOTA CON LAS AUTORIDADES GIBRALTAREÑAS? Esta es una película para la que se han obrado muchos milagros. Rodar en Gibraltar fue uno de ellos. Y no tengo sino palabras de agradecimiento a las facilidades y el trato que nos dispensaron, que

fue impecable.

AUNQUE AÚN ESTAMOS A UNOS DÍAS DEL ESTRENO DE EL NIÑO, SABEMOS QUE LOS CREATIVOS NO PARÁIS. ¿QUÉ NUEVOS PROYECTOS PUEDES ADELANTARNOS?

Son varias las ideas que barajo y me cuesta terminar de decidirme por una porque sé que tendrá que acompañarme varios años de mi vida. He de estar muy convencido, muy “apasionado” como decía al principio, para poder transmitir esa pasión primero a los que hacen la película y, en última instancia, a los espectadores.

Con Jorge Guerricaechevarría tengo escrita una comedia muy negra para rodar en Inglaterra con actores británicos llamada

“Murder Weekend”, es una de las opciones. Ian McShane tendría un papel protagonista pero hay cabida para todo un reparto coral.

ERES UN DIRECTOR DIFERENTE EN EL PANORAMA CINEMATOGRÁFICO ESPAÑOL, HACIENDO UN CINE QUE PARECÍA PROHIBIDO PARA LOS NUESTROS HACE

ALGUNOS AÑOS. ¿CREES QUE ESTE TIPO DE HACER PELÍCULAS “UN POCO MÁS GRANDE” ES FACTIBLE EN EL ACTUAL CINE ESPAÑOL? Hay que dejarse la piel en ello pero es posible hacerlo. ¿ES UNA META PARA TI LA LLAMADA DEL GIGANTE HOLLYWOODIENSE? PORQUE TANTO CELDA COMO EL NIÑO SON HIS-

TORIAS QUE ALLÍ ENCAJARÍAN PERFECTAMENTE, VAMOS QUE NOSOTROS TE VEMOS. A raíz del gran éxito internacional de “Celda 211” tengo un agente norteamericano de primera fila, lleva a gente como David Cronenberg, Baz Luhrmann, Robert Rodríguez o Guillermo del Toro. Me envía

proyectos con regularidad; a través de él, me han ofrecido superproducciones de más de cien millones de dólares pero no me veo como pieza de un inmenso engranaje en el que, a la postre, tienes limitada capacidad de decisión. En cambio, hay otro tipo de proyectos más personales en los que no me importaría embarcarme con la compañía adecuada.

UNA PREGUNTA ¿CUÁL HA SIDO LA ÚLTI-

MA PELÍCULA QUE HAS VISTO? Últimamente voy al cine sobre todo con mi hija de siete años, la última vez para ver la segunda parte de “Cómo entrenar a tu dragón”. Tiene momentos de una cuidada belleza plástica pero me lo pasé mejor con “El tour de los Muppets”. Y mi hija también.

REMASTERIZADO

SAGA ALIEN Si algo ha caracterizado nuestra trayectoria a lo largo de todo este tiempo, y permítasenos un instante de autocomplacencia, eso ha sido nuestra voluntad irrenunciable para ofrecer contenidos originales y propios, en un espacio virtual siempre demasiado propenso a cortar y pegar noticias y artículos de forma viral.

La actualidad manda, y en este nuevo curso nos hemos propuesto darle máxima prioridad. Se cumplen 35 años del estreno de “Alien, El Octavo Pasajero” (1979), y el homenaje es obligado, pero el problema surge de haber realizado, hace pocos meses, un especial al respecto, con el consiguiente embrollo que supone tener que volver a montar otro circo con los mismos protagonistas, algo realmente absurdo, porque ni las anécdotas ni el trabajo de documentación van a cambiar lo más mínimo.

Conclusión, tras escasa deliberación de las cabezas pensantes de ésta, vuestra querida editorial, se ha decidido repetir aquel escrito sin más, pero para evitar que nos lluevan piedras de grosor homicida, preferimos curarnos en salud con estas lineas, autoflagelarnos a nosotros mismos, y pedir disculpas de antemano a nuestros seguidores más exigentes, depositando nuestra esperanza en que este acto de sinceridad redima en parte nuestro atrevimiento, y con la ilusión de que todos aquellos que no pudieron disfrutarlo entonces, se acerquen ahora a su universo, añadiendo el respeto y la grandilocuencia que esta saga merecen.

La aportación para esta remasterización es sencilla, añadimos algunas de las frases y diálogos más característicos de cada entrega, a modo de complemento para un nuevo montaje, y ofrecemos cifras y datos de todas ellas para la misma causa, un esfuerzo que ocupara mayor tiempo y responsabilidad a nuestros maquetadores, verdaderos responsables de que el experimento salga a flote con meridiana dignidad.

Por su parte, y a modo de anécdota, la productora Twenty Century Fox, propietaria de los derechos, lanza como regalo la primera figura de acción Ellen Ripley, amén de otra serie de muñecos articulados de fantasía al respecto, porque no olvidemos nunca que el cine es un negocio. Además saldrán a colación revistas, ediciones especiales y artículos varios, de esas que tanto nos gusta coleccionar a los fanáticos de la saga.

En la memoria, la pérdida reciente de H.R. Giger, padre estético de la criatura, fallecido el pasado 12 de mayo, intensifica el aspecto emocional de este 35 aniversario, para el recuerdo, su desprecio en forma de palabras incendiarias, dedicadas a un trabajo que siempre le persiguió, y que según declaraciones propias, le impidieron llegar a más en el mundo del arte.

Descansa en paz, malhumorado cabronazo del diseño biomecánico.

ANTONIO ALCAIDE

ALIEN EL OCTAVO PASAJERO

ALIEN EL OCTAVO PASAJERO

DIRECTOR: Ridley Scott

DIRECTOR: James Cameron

PRESUPUESTO: Aproximadamente 11 millones de dólares

PRESUPUESTO: Aproximadamente 18.5 millones de dólares

RECAUDACIÓN: 105 millones de dólares

RECAUDACIÓN: 130 millones de dólares

Ya no concebimos un mundo sin Aliens, la mera mención de la palabra, que en realidad significa extranjero/forastero, nos evoca una imagen, la de un extraterrestre de marcado carácter agresivo, tal es la influencia de tan mítico título, cuyos tentáculos xenomorfos se extienden a casi todos los ámbitos de la cultura contemporánea, pudiendo rastrear su signo en el mundo del cómic, la publicidad, la televisión o los videojuegos, por mencionar aquellas con mayor alcance e influencia para el subconsciente popular, y eso sin olvidar a la ufología, que ha adquirido el término como propio para sus elaboradas teorías conspiranoicas.

Os ofrecemos por tanto, y con sumo placer, un viaje estelar por una de las sagas más queridas del Séptimo Arte, situando sus antecedentes y anécdotas más destacadas, y profundizando en sus argumentos con la característica seña de identidad editorial acostumbrada.

Cuatro películas y cuatro directores diferentes, cada uno con un estilo propio e intransferible, una dinastía fílmica configurada para enriquecer el Universo Friki hasta límites infinitos, tan insondables, como lo es esa galaxia eterna, donde se desarrolla esta historia de predación, tan sanguinolenta como sublime.

ALIEN EL OCTAVO PASAJERO

ALIEN EL OCTAVO PASAJERO

DIRECTOR: David Fincher

DIRECTOR: Jean-Pierre Jeunet

PRESUPUESTO: Aproximadamente 50 millones de dólares

PRESUPUESTO: Aproximadamente 75 millones de dólares

RECAUDACIÓN: 160 millones de dólares

RECAUDACIÓN: 150 millones de dólares

Capitulo aparte para Sigourney Weaver, ella es la heroína, curioso que originariamente se pensara en un reparto enteramente masculino, en el que Tom Skerritt, el capitán Dallas de la primera entrega, ocuparía el papel de Ripley, que finalmente acabó siendo Ellen, y fue a parar a manos de la actriz, que ofrece un trabajo enérgico, matizado en el tiempo, reinventado en tres ocasiones por exigencias del guión, y que constituye uno de los mayores logros feministas de la historia del cine.

y la mítica historia de La Bella y la Bestia, siempre ignorando la infecta versión Disney, y centrándonos en su vertiente clásica, la del cuento de Villeneuve, recogiendo exclusivamente su aspecto más extremo, la que manifiesta una relación salvaje y mal avenida, liberada de romanticismo, oscura, depresiva y malsana, tan del gusto de la nuevas oleadas cinéfilas.

Como reflexión final, y antes de entrar en materia, es imposible obviar el profundo paralelismo que surge entre el film

alien el octavo pasajero

El 6 de abril de 1968, se estrenaba “2001: Una Odisea en el espacio”, del maestro Stanley Kubrick, obra magna de la ciencia ficción, poseedora de un lenguaje visual apabullante y totalmente novedoso, que además contenía un trabajo técnico insuperable.

La Capilla Sixtina de un género, cuyo carácter quedaba perfilado y orientado para el devenir de los tiempos, con una influencia infinita y reconocible, que nutría de forma incontestable las posteriores apuestas de temática sideral.

Ya en los 70, justamente en el ecuador, un joven realizador llamado Steven Spielberg, reventaba las taquillas de todo el mundo con “Tiburón”, el primer Blockbuster de la historia del cine, un regalo con la forma de un monstruo, con imponente mandíbula, mostrado solo en breves golpes de horror contenido, y que marcaba el nacimiento de un estilo de sugestión desconocido para un espectador deseoso de nuevas experiencias, que abrazaba la propuesta con entusiasmo y devoción.

Solo dos años después, en 1977, George Lucas asentaba definitivamente el nuevo cine comercial con “Star Wars”, sublime ópera galáctica llamada a marcar una sonora división cinéfila entre defensores de lo clásico, enfrentados en clara yuxtaposición a las nuevas generaciones, que exigen calidad y entretenimiento a partes iguales en la sala oscura.

En ese marco, y a las puertas de la década prodigiosa, más conocida como los 80, la productora Twenty Century Fox, decide

apostar por un guión cuya historia ya tenía forma desde 1974, desde que uno de sus guionistas, Dan O’Bannon, pensara en endurecer y diversificar su argumento de “Estrella Oscura”, primera película de ese genial director llamado John Carpenter, maestro de la Serie B, una sátira imaginativa, de muy bajo presupuesto, que homenajea de forma declarada y consciente al 2001 de Kubrick.

Walter Hill, director de películas como “The Warriors” o “Límite 48 Horas”, fue uno de los principales valedores de la idea, la Fox le ofreció la dirección del film, pero en una decisión personal algo extraña, Hill prefirió ocuparse exclusivamente a tareas como productor, un hecho que llevó a barajar otros nombres, como el del veterano Robert Aldrich, - “Doce del patíbulo” - para finalmente, y como todos sabemos, terminar en manos del británico Ridley Scott.

En su primer borrador, el texto de O’Bannon, que contó con la colaboración de Ronald Shusett, resultaba excesivamente pueril, versaba casi exclusivamente de la criatura y su ataque a la tripulación del Nostromo, su título original iba a ser “Bes-

tia Estelar”, un proyecto en el que muy pocos tenían fe, solo la implicación de las partes creativas del proyecto, conseguirían dar un destino muy distinto al producto, y el título original de Alien, que viene dado por la cantidad de veces que la palabra se repite en el guión, se configuraría como una de las mayores obras maestras imperecederas de la historia del cine, alojada para siempre, y de forma parasitaria, en nuestra memoria.

La nave comercial Nostromo, se dirige a la tierra con una carga mineral, cuando su ordenador central de abordo recibe un mensaje de socorro de un planeta cercano, una vez ha despertado a la tripulación, que se hallaba en estado criogénico, se pone rumbo al origen del aviso, los navegantes no tardarán mucho en descubrir que la comunicación esconde en realidad una señal de advertencia.

Si las películas pertenecen a los directores, un joven y aún desconocido realizador, que apenas contaba con una película en su filmografía, - Los duelistas (1977) se hacía cargo de la silla de mando, aportando su adecuada visión estética y su indudable talento, por entonces cargado de vigor y entusiasmo, y es que mucho le debe el film al trabajo de Ridley Scott, un esfuerzo contrastado, que le llevó a participar en prácticamente todas las facetas de la producción.

Los apartados técnicos del film son sin duda su otra gran baza, comenzando por la Banda Sonora, a cargo del maestro Jerry Goldsmith, una partitura compleja y desangelada, muy acorde con la historia que se nos presenta. Curiosamente, compositor y director chocaron bastante en el proceso musical de la cinta, por que al parecer Scott quiso controlar en exceso el trabajo del mítico autor, cosa que a Goldsmith, como es evidente, no gusto lo más mínimo.

El proceso creativo en los efectos especiales, presuponen uno de los mayores hitos de la historia en ese apartado, hasta tal punto son brillantes, que el tiempo apenas ha erosionado sus resultados, el escultor suizo H.R. Giger es el responsable de la criatura, además se encargó del diseño de la nave extraterrestre, cuyo exterior emula las trompas de falopio, para mostrarse húmedo y viscoso en su interior, pensada como una enorme y sensual vagina, tan atractiva como mortal para los protagonistas, tal es la terrible carga que porta su interior.

Dos grandes artistas, el francés Moebius, que se encargo de confeccionar los trajes espaciales, y el italiano Carlo Rambaldi, concentrado en dar el toque final a la cabeza de la criatura, que incluye esa doble mandíbula tan característica, completan un equipo de F/X de autentico lujo, es por tanto que ese merecido Oscar que obtuvo

RIPLEY: ¿ Cual era tu orden especial ?

ASH: Ya lo has leído. Creí que estaba claro.

RIPLEY: ¿ Cual era ?

ASH: Regresar con ese organismo vivo.

Prioridad absoluta. Las demás consideraciones anuladas.

PARKER: Vaya un encargo. ¡¡¡ Y qué hay de nuestras vidas, hijo de puta !!!

ASH: Repito, las demás consideraciones anuladas.

RIPLEY: ¿ Cómo lo mataremos ? Tiene que haber alguna forma de acabar con él, ¿cómo lo hacemos ?

ASH: No podéis.

PARKER: Eres una puta mierda.

ASH: Aún no habeis comprendido a lo que os enfrentais, un organismo perfecto. Su perfección estructural sólo es igualada por su hostilidad.

LAMBERT: Tú lo admiras.

ASH: Admiro su pureza. Es un superviviente... al que no afectan la conciencia, los remordimientos, ni las fantasías de moralidad. la cinta a mejores efectos visuales, queda en exceso repartido, no pudiéndose determinar un solo nombre concreto como receptor del galardón.

La decisión final del director, de no mostrar excesivamente al monstruo, es indudablemente uno de los mayores aciertos que contiene la cinta, Scott no ofrece una visión clara del mismo, haciendo que los breves momentos en que se vislumbra sean aún más terribles, su agobiante y tensa atmósfera, mantiene de forma admirable al espectador pegado a su asiento, sin saber nunca cuando puede aparecer la criatura, un hecho que ha quedado intensificado previamente, gracias a una de las

mejores escenas jamás rodadas, esa en la que vemos estallar, de forma brutal y sangrienta el pecho de uno de los protagonistas, que previamente había sido penetrado e incubado de forma obscena en la nave alienígena.

Es esa combinación de Terror y Ciencia Ficción lo que hace de este octavo pasajero una experiencia única de excelsa originalidad, a las ya mencionadas “Tiburón” y “Star Wars”, y con permiso de “2001: Una Odisea en el Espacio”, habría que destacar otro título más, “El Exorcista” de William Friedkin, un film pionero en eso de mostrarse terriblemente gráfico, y que tras su estreno en 1972, desencadenó una especie de carrera competitiva por igualar esa marca de calidad espeluznante. En esa linea, Alien es la gran triunfadora, un trabajo que recoge con notoria habilidad elementos de esas grandes películas, sin renunciar en ningún momento a un estilo propio e intransferible.

De su reparto, destacar el primoroso equilibrio entre sus actores, un casting bien elegido, que incluye personajes frágiles, como Brett - Harry Dean Stanton - o Lambert - Veronica Cartwright - en clara oposición a otros más decididos, como es el caso de Parker, - Yaphet Kotto - Dallas Tom Skerrit - o Ripley, - Sigourney Weaver - que a pesar de no tener recursos para enfrentarse a la criatura, deciden anteponer su deseo de supervivencia por encima de las evidentes carencias de armamento.

A Kane - John Hurt - no podemos disfrutarle en exceso, suya es la llave para el segundo tramo del film, pero con Ash, interpretado por Ian Holm, si que podemos deleitarnos, suya es la mejor frase, cuando una vez descubierto su particular secreto, y a tiempo que descubrimos sus verdaderas motivaciones corporativas, profesa una contagiosa admiración por la bestia, a la que define como un organismo perfecto, cuya estructura impecable es solo comparable a su hostilidad, es un superviviente al que no afectan la conciencia, los remordimientos, o las fantasías de moralidad.

aliens el regreso

El éxito de crítica y público, no tanto de taquilla, que supuso el film original, llevo a los creadores a plantearse una secuela casi desde su estreno, la Fox no era tan optimista, entendía y se congratulaba con el prestigio que había obtenido la obra, pero no compartía ese afán casi obligado de extender la historia más allá de lo ya rodado.

En 1983, James Cameron presentaba un proyecto para llevar a cabo una continuación de Alien, y por primera vez la productora se mostraba interesada, las segundas partes ya empezaban a ser una realidad que aportaba pingues beneficios, pero la escasa experiencia de Cameron, que apenas contaba con un trabajo tras la cámara, “Piraña II”, del que precisamente no podía sentirse muy orgulloso, no eran argumentos convincentes para poner el dinero sobre la mesa.

Pese a todo, el realizador no cejo en su empeño, consiguió financiación para otro proyecto, y comenzó el rodaje de una historia de acción con tintes futuristas, mientras que en los descansos, seguía dando forma al texto de “Aliens”, cuando en 1984 se estrenaba triunfalmente “Terminator”, su segunda película como director, el regreso de la criatura parecía garantizado, las dudas se disiparon, y el estudio dio luz verde definitivamente a una nueva entrega.

Walter Hill continuó en labores de producción, y por petición expresa de James Cameron, participó en el guión, que co-escribieron juntos con la ayuda del socio de Cameron, David Giler.

Resultaba lógico pensar en un diametral cambio de rumbo en la saga, la visión de Cameron va siempre orientada hacia lo espectacular, se exigían grandes dosis de acción por parte del espectador en el nuevo cine de evasión, en ese contexto, la relación con el universo Alien resultaba muy bien avenida, y el futuro de la secuela parecía garantizado incluso antes de que la cinta viera la luz.

La teniente Ripley, única superviviente de la Nostromo, es rescatada tras 57 años vagando por la galaxia en estado de criogenización, al despertar, descubre que el planeta LV-426, lugar donde hallaron al temible organismo extraterrestre causante de su horror, ha sido colonizado, es entonces cuando sugiere, preocupada, que se establezca contacto con el mismo, cuando la comunicación con los colonos resulta imposible, se le solicitara para una misión de reconocimiento, acompañada de un destacamento de marines espaciales.

SARGENTO APONE: “Muy bien, nenes. ¿Qué estais esperando? ¿El desayuno en la cama? Otro glorioso día. Un día en el cuerpo de marines es como un día en el campo.

Cada comida es un banquete. Cada paga, una fortuna. Cada formación, un desfile.

Me encanta el cuerpo.”

James Cameron es uno de los pocos realizadores indiscutibles en cine de entretenimiento, desde su prisma todo resulta magnificado, era evidente que el discurso

de la cinta original iba a quedar en un segundo plano en “Aliens, el regreso”, del terror sugerido pasamos a la acción más explícita, la bestia se multiplica, y el espectáculo esta servido, pero la voluntad y el buen hacer del realizador, consiguen que el cambio no sea excesivamente traumático. Ambos trabajos quedan ciertamente acompasados, gracias a la inclusión de nuevas y acertadas lineas argumentales, donde destaca la portentosa aparición de la Reina Alien, que ofrece una grata continuidad, a la vez que supone uno de los mayores hallazgos de la saga.

VAN LEUWEN: Gracias, oficial Ripley, eso será todo...

RIPLEY: ¡Maldita sea, eso no es todo! ¡Porque si una de esas cosas baja hasta aquí eso sí que será todo, y entonces sí que se podrán despedirse de toda esta mierda que ustedes creen tan importante!

James Horner recoge la batuta de Jerry Goldsmith en la Banda Sonora, al igual que con el montaje, la partitura resulta mucho más enérgica, acorde con la intensa carga que proponen las nuevas imágenes. Cuando hablamos de grandes compositores de primera linea, la competición es innecesaria, digamos simplemente que ambos aciertan sobradamente en sus composiciones, ofreciendo a cada cinta lo que justamente reclama.

Otro transito, el de los efectos visuales, se produce de manera natural y adecuada gracias al talento de Stan Winston, que en paz descanse, el gran maestro del cine contemporáneo en ese apartado, que ya había dejado su rúbrica al servicio del anterior film de Cameron, “Terminator”. Es esa Reina, maqueta de más de cuatro metros, construida y pensada para ser manejada con hilos, como un títere, la atracción estrella de la cinta, un diseño de calidad superior, ejecutado con enorme destreza, y que supuso un nuevo Oscar de F/X para la franquicia, que puede presumir de acabados imborrables para la memoria en

este terreno.

Lo que indudablemente eleva el tono de la película a cotas de mayor calidad, es la aparición de Newt, una niña que ha conseguido mantenerse con vida tras el brutal ataque a la colonia, su relación filial con Ripley, ese rápido vínculo que crece entre ambas, aporta dramatismo y equilibrio frente al tono generalmente trepidante que ofrece la cinta, además, ayuda mucho a perfilar la psicología y motivaciones varias del personaje interpretado por la Weaver, que obtuvo una nominación al Oscar, el único de su carrera, por este trabajo. “¡Aléjate de ella.....Puerca!” (Ripley VS Reina Alien) El reparto queda influido por actores de “Terminator”, es así que Michael Biehn repite como soldado comparsa de la heroína, y Lance Henriksen, policía en aquella, cambia diametralmente de registro para

encarnar a Bishop, un sintético que pondrá de los nervios a la protagonista, por razones obvias de su pasado, y que lo tendrá mas que complicado para ganarse su confianza.

El veredicto es por tanto positivo, no podemos hablar de superioridad, porque la grandeza de la cinta original es imbatible, pero al menos podemos congratularnos de obtener un producto de notable calidad, que contiene algún momento memorable, y cuyo profundo calado sobre nuestra generación es incontestable.

alien 3 Como hemos mencionado en más de una ocasión, todo el cine de la década de los 80 contenía un alma especial, una magia que se extendió a algunos títulos de principios de los 90, que aún buscaban esa complicidad con el espectador. Algo de esa realidad podemos rescatar de la tercera entrega de la saga Alien, un film que pretende, con más entusiasmo que fortuna, devolver a la franquicia a los mecanismos de la cinta original.

Trabajando sobre una historia de Vincent Ward, los productores Walter Hill y David Giler, que se mantuvo en la obra a pesar de la ausencia de Cameron, configuraron un modelo similar al de “El Octavo Pasajero”, esto es, una sola bestia controla la escena, y los que tienen que hacerla frente, vuelven a estar desprovistos de armamento adecuado para tal empresa, lo que intensifica el drama de la situación.

El Finlandés Renny Harlin iba a ser el director de esta tercera entrega, pero prefirió abandonar para rodar “La jungla de cristal II”, se pensó entonces en Vincent Ward, pero los productores no lo veían claro, fue así como el proyecto cayó en manos de un joven realizador, experto en publicidad y vídeos musicales, el norteamericano David Fincher, candidato actual al título de mejor autor en activo, que para su primer trabajo para cine, impuso su carácter desde el primero momento, pero nada pudo hacer para evitar que el montaje final de la cita escapara a su control.

La elección de Fincher evidenciaba aún más este intento de hilar esta nueva secuela mirando descaradamente a la cinta primigenia de Ridley Scott, esto es, elegir

a un visionario novato como garantía de máxima implicación y entrega a la causa, desgraciadamente no hubo consenso entre las partes, y los problemas se fueron acumulando, sobre todo por la omnipresencia de los productores, cegados por el éxito de las anteriores entregas, y empeñados de manera absurda en coartar el talento del realizador.

Para los más curiosos, se ha editado uno de esos infectos “Montajes del director”, llamados a reparar el daño pasado de ciertas películas, y que básicamente solo añaden más metraje o escenas eliminadas. La opinión de un servidor es muy clara al respecto, se puede restaurar una obra cuando se encuentre dañada, pero cambiar su composición me parece un crimen molesto y absolutamente innecesario, sobre todo porque rara vez sirve para mejorar la calidad de la obra. - Dijo la sartén al cazo mientras os insertamos un artículo refrito, también llamado “remasterizado”, si nos ponemos elegantes Tras escapar con éxito del planeta LV-426, Ripley y el resto de supervivientes continúan su viaje hacia La Tierra, pero un Alien se había colado en la nave en el último momento, lo que provoca un incendio que activa un protocolo de evacuación, que transportará a los protagonistas, en una cápsula de escape de emergencia, a una colonia prisión controlada por los propios reclusos.

CLEMENS: En un mundo loco, un hombre sano puede parecer loco

nios de los modernos F/X, responsable de “Star Wars”, por citar su mayor logro, son los encargados de configurar la imagen de la criatura, que luce con sobrado esplendor, gracias a un equilibrado uso de las técnicas más actuales, bien combinadas con un toque artesanal. El film obtuvo una merecida nominación al Oscar en ese apartado.

La curiosidad, se cuenta que James Cameron entro en cólera cuando vio esta tercera entrega, debido al destino tan nefasto que sufren sus personajes, que duda cabe que la continuidad que el hubiera a la franquicia, hubiera sido diametralmente opuesta a la finalmente conocida.

Un puñado de buenos secundarios , todos rapados al cero, arropan a una Sigourney Weaver también calva, un buen recurso del guión, justificado por razones de higiene carcelaria. Repite Lance Henriksen, en un doble papel, y completan Charles S. Dutton, Pete Postlethwaite, y Charles Dance, que interpreta al medico de la prisión, y con el que Ripley mantiene relaciones íntimas, las primeras y únicas de las cuatro entregas.

Muy complicado resulta para David Fincher hablar bien de su primera obra, cuando no dejan trabajar a un genio de su calibre a gusto y desarrollar todo tu potencial, la frustración debe ser algo insoportable, que diferente hubiera sido todo ahora, cuando el prestigio del realizador alcanza techos de grandeza incomparables.

Elliot Goldenthal es el encargado de la partitura musical en esta ocasión, de nuevo se nos ofrece una composición de indudable valor, quizá no a la altura de sus antecesoras, también porque la cosa luce bastante más apagada, pero con la suficiente solvencia, hecho que se requiere siempre en un producto cuya expectación resulta tan contrastada.

No existen cabezas visibles en el recinto de los efectos visuales, algunos discípulos del maestro Stan Winston, y la supervisión de Richard Edlund, uno de los grandes ge-

DILLON: Váyase, debo reeducar a algunos hermanos Como conclusión, y volviendo nuestra mirada atrás en el tiempo, este virtual cierre de la saga supone un agradable viaje estético por los callejones del thriller más oscuro, género que Fincher domina con pulso firme y magistral, ha costado unos años sobreponerse a la profunda decepción que supuso su estreno, quizá se impone esa lógica de que ciertas películas mejoran con el tiempo, en esa linea, también ayuda bastante a su causa, que la imagen actual de la criatura no pase por los mejores filtros de calidad fílmica.

RIPLEY: Mi muerte es vuestra salvación

alien resurrection Pese a la decepción generalizada que supuso Alien 3, la Fox recaudó millones con ella, y ya se sabe que lo que resulta rentable en Hollywood mantiene su crédito intacto, bajo esa realidad, y pese a lo complicado que resultaba volver a encender la mecha del proyecto, una cuarta entrega tomaba forma a mediados de la década de los 90.

El más que competente guionista Joss Whedon se encargó de dar forma a la historia, que en un principio, no contaba con la aparición de Ripley, decisión que asustó demasiado a los productores, de nuevo Walter Hill y David Giler, que finalmente contactaron con Sigourney Weaver para que retomara el papel.

Resultaba bastante evidente que la actriz no estaba por la labor de volver a enfundarse la piel del personaje, suele pasar cuando se firma un testamento, solo cuando le ofrecieron doblar sus honorarios y participar en facetas de la producción, tales como decidir sobre el director más adecuado para la cinta, la Weaver aceptó participar en ella.

El primer realizador en ser tentado, fue curiosamente nuestro Álex de la Iglesia, que descarto la silla de mando para poner en marcha su “Perdita Durango” con total libertad, lejos de imposiciones. En ese deseo de contar con un director europeo, que revistiera de un formato ajeno y totalmente innovador a este nuevo capítulo de la saga, los ojos se acabaron posando en el francés Jean-Pierre Jeunet, uno de los más potentes artesanos visuales al otro lado del charco.

Con tantas novias metiendo mano en el pastel, siempre hay una víctima reconocible, el argumento sufrió tantas variaciones, que según Whedon, le era casi imposible reconocer el texto primigenio que había ofrecido a la Fox, y que según el, resultaba infinitamente más interesante y acorde al desarrollo de los anteriores títulos, pese a ello, y como veremos ahora al entrar en materia, no estamos ni mucho menos ante un film despreciable.

Dos siglos después de la muerte de Ellen Ripley, un proyecto científico-militar ha conseguido clonarla gracias a muestras de sangre congeladas, tras implantarle una Reina Alien en el pecho y extirparla con éxito, la morfología de Ripley, que ha sobrevivido al proceso, ha cambiado, al quedar fusionado su ADN con el de la criatura.

JOHNER: muerta.

Ripley....Pensé

que

estabas

RIPLEY: Sí, la gente suele decírmelo.

Jeunet aporta su característico sello visual a la franquicia, impregnando de oscura fascinación y profunda agresividad casi todas las facetas del metraje, su implicación resulta tan contagiosa como excesiva, defecto extrapolable a la totalidad de su filmografía, que se presenta deslumbrante en lo estético, pero algo sobrecargada en las formas, lo que termina por avasallar al espectador en algún momento puntual de su desarrollo.

Merece la pena abrir un inciso para poner de relevancia la importancia de “La Compañía”, puntualizando previamente que en esta entrega son los “Ejércitos de los Sistemas Unidos” los que ponen en marcha tan diabólico plan, aunque como bien dice Ripley, “Es algo que no supone ninguna diferencia”, o lo que es igual, son el mismo perro con distinto collar.

La cuestión es, que habíamos obviado el concurso de tan magno enemigo en la sombra de forma consciente hasta este momento, el motivo es simple, somos malvados y nos interesa mencionarles cuando su triunfo es al menos parcial, tras varios intentos fallidos, por fin vemos que han adquirido el espécimen para su división biológica de armas.

Weyland-Yutani Corporation, es el nombre oficial de la poderosa multinacional, ya se menciona de pasada en la cinta original, no es casualidad, fue Ridley Scott el que le puso nombre, evocando una nefasta relación con unos vecinos suyos, Los Weyland, nombre que ha pasado a los anales como mejor ejemplo de codicia corporativa, totalmente insensible y despiadada, capaz de cualquier cosa por obtener sus objetivos, un mensaje que ha resultado válido a lo largo de más de treinta años, gracias a que es un claro reflejo de la más estricta realidad.

RIPLEY: Es una reina MASON: ¿Cómo lo sabes?

RIPLEY: Ella se reproducirá, usted morirá, todos en la compañía morirán.

Volviendo a la cinta, en sus apartados técnicos, el compositor John Frizzell se hace cargo de una Banda Sonora enigmática y muy adecuada para el producto que se nos oferta, una partitura que no descuida los momentos de acción, pero que indudablemente disfruta, y se hace notablemente visible, en las escenas estéticamente más retorcidas.

En los F/X, destaca la presencia de Pitof, el artista francés, colaborador habitual de Jeunet en su primera etapa, es el encargado de supervisar los nuevos diseños, donde destaca el híbrido entre Alien y humano, que tanta controversia ha generado entre los fans de la saga, y que personalmente, defiendo por su originalidad, pero ante todo, por su brutal presencia, provista de una ferocidad antológica.

De su reparto, Winona Ryder luce sintética en el secundario más destacado, pero son dos actores habituales del realizador los más recordados, su compatriota Do-

minic Pinon, y la estrella de la película con permiso de la Weaver, el norteamericano Ron Perlman, que lo borda en su papel de mercenario simiesco.

JOHNER: ¿Eres un robot? ¡Hija de puta!

Nuestra pequeña Call está llena de sorpresas, debí haberlo notado, ningún humano tiene tanta humanidad.

Resumiendo, el film de Jeunet no es ninguna maravilla, de hecho, son sus muestras de agotamiento las que echaron definitivamente el telón de la vía oficial para la franquicia, pero tampoco es un título indigno, solo busca una identidad propia en un terreno movedizo, ofrece algún que otro hallazgo, pero a duras penas es capaz de mantener el equilibrio con respecto a las anteriores entregas, lo que al final, y mal que nos pese, acaba pasándole factura.

capítulo final Demasiado jugoso resulta el codiciado bichejo, como para que Hollywood obviara su innegable tirón comercial, a principios del nuevo milenio, y con la saga original enterrada para siempre, al menos en lo que a su protagonista se refiere, el mundo del videojuego vino al rescate. Apenas unos años atrás, a alguien se le había ocurrido fusionar en el mismo plano a dos de las criaturas más queridas de los 80, para deleite de los mejores aficionados al entretenimiento virtual.

En plena vorágine por trasladar a cine todo éxito de software, y con la poca o ninguna vergüenza que caracteriza a los gran-

des estudios, nace “Alien vs. Predator” en 2004, un film de consumo fácil, producido por Walter Hill y David Giler, empeñados en exprimir la gallina de los huevos de oro hasta las últimas consecuencias, y dirigido por Paul W.S Anderson, un experto en productos alimenticios de similares características, que bajo un falso formato de Serie B, nos devuelve a nuestra querida alimaña sideral, y cuyo mayor interés es ver desarrollada una idea del suizo H.R. Giger, que ya pensó en esa pirámide alienígena para la primera entrega, pero que por falta de presupuesto no vimos incluida en la historia original.

El otro aliciente de la cinta, es ver cohabitar dos diseños del gran Stan Winston, que duda cabe que al maestro debió resultarle bastante divertido encontrar enfrentados a sus dos preciosos engendros en tan singular batalla.

En 2007, los hermanos Colin y Greg Strause, pusieron en marcha una secuela, con la misma base de entretenimiento barato, pero bastante menos interesante que el film de W.S Anderson, e imperdonablemente más aburrida que aquella.

Y así, con tan evidentes síntomas de debilidad y decadencia para la serie fílmica, llegamos a nuestra época, se cumple dos años del estreno de “Prometheus” en el verano de 2012, la nueva vuelta de tuerca al universo Alien, un film que devuelve a Ridley Scott a la silla de mando, bajo la implicación de la Fox, y de el tándem incombustible Giler/Hill, en labores de producción.

Una precuela que pretende arrojar luz sobre los orígenes de la historia primigenia, y cuyo disparatado guión, firmado por Damon Lindelof, responsable de la mítica serie “Perdidos”, la descalificaría como una apuesta decente, si no fuera porque resulta ser un film de lo más entretenido, con un reparto espectacular y alguna otra secuencia interesante, sobre todo para los mitómanos de la criatura. Cierto que su discurso científico suena a chufa, pero si uno desconecta, se lo puede pasar medianamente bien con ella.

De cualquier modo, no esperen ver nada de aquel octavo pasajero en esta, lo que caracterizaba “Alien”, esa atmósfera sucia y obscena marca de la casa, se ha difuminado por completo, todo luce luminoso y explícito, pero carente de alma, si en la original la escasez de medios se sustituía con dosis de enorme talento, la que nos ocupa viene a demostrar que el presupuesto no hace mejores películas, al contrario, relaja en exceso a sus responsables y los resultados son indiscutiblemente más pobres.

El tiempo siempre resulta juez y verdu-

go, y en el cine esa es una realidad que se cumple a rajatabla, casi no hemos tenido ocasión de asimilar el último capitulo oficial en la franquicia, cuando ya esta programada una secuela para el año que viene, que firmara de nuevo Scott, y que esperemos acierte en su planteamiento y resuelva un tanto el galimatías argumental de su hermana mayor, aunque sinceramente, pocas esperanzas albergamos en ello.

Como conclusión final, un mensaje de alivio para los más fanáticos de Alien, el carácter malvado del ser humano garantiza su supervivencia, tenemos xenomorfos para rato, lo cual es digno de celebración, el potencial del producto es inagotable, en realidad solo es necesario aplicarle mayor sobriedad y contención, elementos que hicieron eterna a la criatura hace ya más de treinta años, en la sugestión, en devolver el protagonismo a pasillos tenebrosos de de una nave espacial cualquiera, en sobrecoger desde el talento minimalista, en esos principios básicos, reside la clave para recuperar todo el esplendor y grandeza de tan afamada saga.

ANTONIO ALCAIDE

ENTREVISTAMOS A :

NACHO VIGALONDO

Aunque con un poco de retraso (nuestras vacaciones en agosto y el lio del estreno de su última película son los culpables), aquí os traemos la entrevista, con motivo del estreno de su última peícula Open Windows, que tuvimos con uno de los directores más destacado en el panorama patrio: Nacho Vigalondo.

1-CINE DENTRO DEL CINE, THRILLER CHUNGO, WEBCAMS… CON ESTOS ELEMENTOS YA NOS HAS CONVENCIDO, PERO ¿QUÉ NOS VAMOS A ENCONTRAR DE NUEVO EN “OPEN WINDOWS”? ¿CÓMO CONVENZO A MI MADRE PARA QUE ME DÉ LA PASTA PARA EL CINE? Fíjate si soy cineasta cariñoso, que, a cambio de que a ti te convenza, estoy dispuesto a sacrificar a tu madre y que se quede fuera. Es posible hacer un cine para todos, pero a cambio no será memorable para nadie.

2-“OPEN WINDOWS” NOS LLEVA AL LADO MÁS INQUIETANTE Y LÚGUBRE DE LA WEB, Y ESTÁ CONTADA ÍNTEGRAMENTE A TRAVÉS DE LAS PANTALLAS DE UN ORDENADOR. ¿HAN SIDO MAYORES LAS LIMITACIONES O LOS HALLAZGOS EXPRESIVOS QUE TE HA SUPUESTO TRABAJAR CON ESTE MEDIO? Precisamente es a partir de esas limitaciones autoimpuestas cuando surgen los hallazgos. O al menos ese es mi método.

Si me diese una libertad total a la hora de contar una historia, lo más probable es que me saliese algo sosísimo.

3-DA LA SENSACION DE QUE DISFRUTAS COMO UN NIÑO HACIENDO TU CINE, Y ESTO ES ALGO QUE SUCEDE CON “OPEN WINDOWS”; PARECE QUE ESTÉS LLEVANDO A CABO TUS MÁS DELIRANTES Y OSCURAS FANTASÍAS. ¿CUÁNTO TIENE TU CINE DE CATARSIS PERSONAL? Espero que mucho, porque defiendo que el cine sea, al menos en un cincuenta por ciento, la exposición de las sombras y las contradicciones del director. O al menos espero que sea así, me gusta pensar que

estoy rentabilizando todo aquello que me avergüenza de mí mismo

4-ELIJAH WOOD DA MUY MAL ROLLITO ULTIMAMENTE (“SIN CITY”, “MANIAC”, COMO HOBBIT, ETC.). ¿TUVISTE EN CUENTA ESA DUALIDAD SUYA PARA OFRECERLE EL PAPEL PROTAGONISTA? ¿FUE DECISION TUYA? Absolutamente. De hecho, el personaje muta, gira ciento ochenta grados. Sabemos que Elihaj puede ser adorable o terrorífico con un parpadeo, y eso es algo que la película exprime a fondo.

5-COMO BUEN FREAK, TENEMOS ENTENDIDO QUE ADORAS LOS SUPERHÉROES, EL CÓMIC, LOS TEBEOS… ¿TE GUSTARÍA SACAR ADELANTE ALGÚN DÍA UN PROYECTO BASADO EN ESTA SUBCULTURA? Absolutamente. Pero no estoy entusiasmado por las adaptaciones. Tarde o temprano haré una, pero creo que el mercado ya está saturado de productos no originales.

6-EN EL NOCTURNA PUDIMOS DISFRUTAR DE UN ADELANTO DE “OPEN WINDOWS” CON EL FRAGMENTO DE UNA FALSA PELI DE SCI-FI PULP (ABSOLUTAMENTE GENIAL) EN LA QUE PARTICIPA LA ACTRIZ PROTAGONISTA, SASHA GREY, CON ECOS DE “SCANNERS”, “DEMONS”... Y QUE NOS PUSO LOS DIENTES LARGOS. ¿TODO QUEDA EN UNA BROMA? PORQUE TE ASEGURO QUE HAY GENTE QUE QUERRÍA VER ESA HISTORIA CONVERTIDA EN LARGOMETRAJE… Pues tendréis que juntar firmas, me temo. Yo estaría encantado de montar un crowdfunding y hacer Dark Sky, pero algo me dice que no llegaremos ni a los mil euros...

Con excesiva frecuencia se abusa del termino “genio” en el planeta cine, un calificativo que solo debería estar reservado para los auténticos innovadores en ese noble arte de crear fantasía en imágenes, y nunca usado a la ligera para ensalzar personalidades mediocres, siempre asidas a inmerecidas y pasajeras corrientes de éxito.

El 29 de junio de 1920, nacía en Los Ángeles Ray Harryhausen, indiscutible maestro de los efectos especiales en el cine, y sumo sacerdote de un estilo artesanal de generar ilusión, barrido actualmente por la dichosa ola digital, que apenas deja un mínimo resquicio a la forma clásica de crear tales ensueños visuales.

De cualquier modo, y en las antípodas de la negatividad, este artículo pretende hacer justicia a una de las figuras más emblemáticas e indiscutibles de la historia del celuloide, un creador cuyo alcance recorre el aparato arterial de toda una generación cinéfila, como catalizador de imágenes imborrables para nuestra retina.

Mantenemos esa linea editorial que nos caracteriza, y renunciamos como siempre a presentar una aburrida biografía al uso, las propias palabras del maestro, que indudablemente es la persona más indicada para ilustrarnos, y los testimonios finales de otros grandes realizadores, deudores de su grandeza, nos servirán como guía con la que poder alcanzar, siempre de forma cronológica, los aspectos más destacados de su obra cinematográfica.

ANTONIO ALCAIDE

HOMENAJE Un t

E A RAY HARRYHAUSEN titรกn entre titanes

ORÍGENES Todo tiene un comienzo, si al principio hablábamos de sumo sacerdocio, es porque existe un genio anterior al de Harryhausen, hablamos de Willis H. O’Brien, auténtico pionero en el uso de la técnica “Stop-Motion”, responsable en 1925 de “El Mundo Perdido”, basado en la novela de Sir Arthur Conan Doyle, mas conocido por su famoso detective Sherlock Holmes, y que como curiosidad, se interpretó a si mismo en la cinta.

Un film mudo de aventuras que inició la animación con actores reales en el cine, y cuya historia, la de una expedición que encuentra lo imposible en una remota selva de Brasil, plagada de dinosaurios y hombres prehistóricos, permitió a O’Brien aplicar los principios básicos de simulación, a través del uso de maquetas y muñecos de goma, jugando con las escalas y los tamaños, filmando fotograma a fotograma, con un simple, y a la vez extremadamente complejo uso de una fórmula, consistente en cambiar pacientemente la posición del ser inanimado para así poder crear la sensación de movimiento.

“Rodar fotograma a fotograma, esto es lo que llamamos Stop-Motion, cuando es obturador se cierra, uno cambia mínimamente la posición del muñeco, y así se crea la ilusión de movimiento” Pero si ese mundo perdido llamo la atención del planeta cine, lo que estaba por venir apenas ocho años más tarde iba a marcar un antes y un después en la historia del Séptimo Arte, “King Kong”(1933), uno de los trabajos más míticos jamas filmados, asentaba el Stop-Motion y elevaba la figura de Willis O’Brian a la estratosfera de magos del celuloide.

Nuevamente, un film de aventuras, en el que otra expedición se encuentra con lo imposible en una isla cercana a Sumatra, en forma de simio prehistórico gigantesco, se sitúa como argumento perfecto con el que desarrollar un escenario para el ensueño, rodada en glorioso blanco y negro, y con el aroma de los mejores clásicos del cine.

“Es la fantasía más real que nunca se ha creado, y que sigue viva siete décadas más tarde”

El PUNTO DE INFLEXIÓN - “Vi King Kong con 13 años y ya nunca fui el mismo, eso demuestra lo mucho que una película puede afectar a una persona” Era una tarde de 1933, en el Teatro Chino de Los Ángeles, un joven Ray Harryhausen, que ya retirado, recordaba con esas palabras como había quedado cautivado por el festival que se le ofrecía, marcándole el carácter para el resto de su vida.

Desde ese momento, y con el apoyo de sus padres, montó un taller en el garaje de casa, y comenzó a filmar sus propios experimentos con una vieja cámara de 16 milímetros, demostrando voluntad, iniciativa y un talento inusuales.

La insistencia y la admiración le llevaron a conocer a O’Brien, que pronto le convirtió en su aprendiz y mano derecha, juntos trabajaron en una secuela, más oficiosa que explícita, de King Kong, en un intento a la desesperada de la productora RKO, ya en horas bajas, por recuperar los éxitos del pasado. El film se título “EL GRAN GORILA”, fue estrenada en 1949, y si bien

apenas se acerco a arañar una mínima gloria del Kong original, permitió a ambos creadores alcanzar el premio Oscar a los mejores efectos especiales, doctorando a un Harryhausen que, hasta ese momento, apenas había participado como animador en un par de cortometrajes.

De O’Brien, Harryhausen aceptó un consejo fundamental que marcaría su obra de manera destacada y contundente, el aprender anatomía para perfeccionar el diseño de las criaturas que estaban por venir, quedando plasmado de forma muy nítida, y presentando unos acabados impecables sobre las mismas, dotadas de un gusto por el detalle cercano a lo exquisitamente perfecto.

“Al final, nos metimos en la fantasía, y nunca he creído que se pueda hacer que la fantasía sea realista, la fantasía es un producto de la imaginación, intentábamos introducir una cierta lógica en nuestra fantasía, pero no era nuestro propósito que tuviera un aspecto demasiado real”

FORJANDO LA LEYENDA A finales de los años 30, Harryhausen había hecho una buena amistad con otro visionario, el escritor Ray Bradbury, uno de los autores de ciencia ficción más importantes del siglo pasado, responsable de novelas tan destacadas como “Fahrenheit 451”, excelente distopía futura que alerta sobre el peligro de los gobiernos totalitarios.

Ambos Rays compartían una pasión común por los dinosaurios, que les llevó incluso a participar juntos en la primera producción en solitario del Harryhausen creador, “EL MONSTRUO DE TIEMPOS REMOTOS” (1953), en la que Bradbury contribuyó como guionista, y donde una explosión atómica libera del hielo a un gran saurio hibernado, que acaba por sembrar el pánico entre la población. Un trabajo en B/N que muchos sitúan como antecedente y fuente de inspiración de “Godzilla”, estrenada por los nipones un año más tarde “Estas películas no son lo que uno llamaría una película del director, en el sentido Europeo de la palabra, el trabajo principal

del director en nuestras películas era conseguir la mejor interpretación posible de los actores” Le siguieron “SURGIÓ DEL FONDO DEL MAR” (1955), también en B/N en la que el protagonismo pertenece a un pulpo gigante de más de 100 metros de longitud, que tras atacar pesqueros y navíos de guerra, pone rumbo a San Francisco para sembrar el pánico, y “THE ANIMAL WORLD”, de 1956, un documental en color sobre el mundo animal, que volvió a unir a Willis O’Brien y a Harryhausen, en la difícil tarea de reproducir el apartado prehistórico de la cinta con stop-motion, a través del uso de modelos tridimensionales que en un principio, contaron con la oposición del director, que pretendía filmar la escena con dioramas, por suerte, se impuso la lógica, y los resultados dan la razón a los maestros de ese estilo de rodar fotograma a fotograma.

Los últimos trabajo en blanco y negro de Harryhausen son “LA TIERRA CONTRA LOS PLATILLOS VOLANTES” (1956), que da justo lo que promete en su título, en un delirante y entrañable ejercicio de Serie B,

y “LA BESTIA DE OTRO PLANETA” (1957), una delicia suspendida en un tiempo en el que el público reclamaba este tipo de cine de forma entusiasta, disfrutando de historias tan rocambolescas como es la de este extraño ser comedor de azufre, venido a la tierra en forma de masa viscosa, y que tras estrellarse a bordo de un cohete norteamericano en la costa italiana, aumenta su tamaño progresivamente hasta alcanzar unas dimensiones que le convierten en una amenaza latente.

CAMINO A LA ETERNIDAD No quisiéramos avanzar ni un paso más sin mencionar uno de los grandes logros técnicos, más allá del omnipresente stop-motion, de Ray Harryhausen, el uso de la DYNAMOTION, que básicamente consistía en proyectar animales y criaturas en pantallas, para hacer que los actores se situaran ante ellas y escenificaran una acción simultánea.

La llegada del color intensificó el uso de la técnica, y como recordaba el maestro años más tarde, supuso un salto de calidad incontestable.

“Nuestros personajes animados parecían ser las estrellas de la película, casi nadie recuerda quien salía en la película, pero si recuerdan la Dynamotion, ese efecto tan peculiar que les daba vida, estoy muy agradecido por ello, y nos dio un empujón, ya que a menudo, los que diseñan los efectos especiales, no reciben el crédito que merecen” Ya con “SIMBAD Y LA PRINCESA” (1958), primer trabajo en color, el gusto por los paisajes y las historias plenas de exotismo permiten al maestro desarrollar y justificar mejoradas licencias creativas, hecho que se extiende a “LOS VIAJES DE GULLIVER” (1960), basado en la famosa novela de Jonathan Swift, y a “LA ISLA MISTERIOSA” (1961), adaptación de la obra del mismo título escrita por el gran Julio Verne, todas ellas excelentes ejemplos del mejor cine de aventuras de la época dorada de Hollywood, salpicados ya de un rico

JAMES CAMERON

“S no Ga

“Todos los que practicamos el arte de la ciencia ficción y las películas de fantasía sentimos que nos apoyamos en los hombros de un gigante.

Sin la contribución de Ray al imaginario colectivo, no seríamos quienes somos”

“El Señor de los Anillos es rryhausen. Sin su amor p su forma de narrar no se conmigo”

GEORGE LUCAS

Sin Ray Harryhaysen, posiblemente o habría habido La Guerra de las alaxias”

PETER JACKSON

s mi película homenaje a Ray Hapor esas imágenes maravillosas y podría haber hecho, al menos no

STEVEN SPIELBERG

“Ray Harryhausen es el padre de lo que hacemos hoy día en el negocio de la ciencia ficción, la fantasía y la aventura, su inspiración va con nosotros, y nos acompañará para siempre”

RAY BRADBURY

“En 1938 Ray Harryhausen llegó a mi vida, qué extraordinario amigo. Alguien tan loco como yo por los monstruos primitivos, y con la misma intención de mantenerlos para siempre en los cines.

Así pues, Ray Harryhausen, eterno, querido amigo, con todo mi cariño y mi corazón, ven a recoger tu premio”

muestrario de criaturas fantásticas.

Es así como llegamos a 1963, fecha de estreno de “JASÓN Y LOS ARGONAUTAS”, sin lugar a dudas el título más emblemático y recordado de la filmografía de Harryhausen, oda a las películas legendarias, esta libre adaptación de un episodio de la mitología griega, es de esos trabajos que hacen participe al espectador, como si de un tripulante más del navío “Argos” se tratara, en la búsqueda del mítico Vellocino de Oro.

Aprovechando el tirón de ese millón de años, tres años después llega “EL VALLE DE GWANGI” (1969), otro film de dinosaurios, que se desarrolla en nuestro tiempo, y que también está rodado en nuestro país, concretamente en El Desierto de Tabernas de Almería. En pleno auge de El Spaghetti Western, la fantasía prehistóri-

Quizá lo mejor que se pueda decir del film, plagado de momentos impagables, entre los que se cuentan la aparición inolvidable del gigante de metal Talos, o las insidiosas arpías, y que culminan en siete guardianes de hueso deslumbrantes, es que, después de cuarenta años, sigue mostrándose como una pieza de artesanía insuperable, y como una inagotable fuente de inspiración para las generaciones posteriores.

“Es cierto que algunas secuencias salen mejor de lo que habías pensado, y se convierten en iconos por lo bien que han funcionado” Al mismo tiempo que los Argonautas surcaban los mares, el maestro se ocupaba de los F/X de “LA GRAN SORPRESA” (1964), un film menor, basado en una novela de H.G. Wells, que diserta de manera ingenua sobre la posibilidad de la existencia de una raza extraterrestre habitando La Luna, casi a las puertas de la conquista real del satélite por parte de la NASA. Mayor alcance supuso “HACE UN MILLÓN DE AÑOS” (1966), uno de los mayores éxitos de la mítica productora británica Hammer, filmada en las Islas Canarias a mayor gloria de Raquel Welch y su inolvidable y mínimo bikini de piel. Con un argumento imposible, que mezcla dinosaurios con seres humanos en una prehistoria inventada, la cinta mantiene el encanto naif de la época y el trabajo de Harryhausen es de esos que merecen ser catalogados como realmente memorable.

ca se encuentra con el cine de vaqueros, en un guión cuya idea original pertenece a Willis O’Brien, recuperando el efecto King Kong, y el gusto por el casi exclusivo protagonismo de una sola criatura, a través de la figura de ese Alosaurio que da nombre a la película.

Camino de la despedida, Ray Harryhausen exprime uno de sus vehículos de éxito, dos nuevas entregas de uno de los personajes más reconocibles en el cine de aventuras, así, “EL VIAJE FANTÁSTICO DE SIMBAD” (1974) y “SIMBAD Y EL OJO DEL TIGRE” (1978), permiten al maestro generar un buen puñado de monstruos para el recuerdo, justo antes de claudicar con

una última explosión de talento.

“Para mi, el único sentido de hacer una película, es contar una historia y no mostrar simplemente una serie de efectos especiales, en este sentido, las criaturas que diseñábamos también actuaban, y debían mostrar emociones”

La cuestión, para estas conclusiones finales sobre el maestro Harryhausen, queda casi exclusivamente reservada para el impacto que su obra ha generado en el mundo del Séptimo Arte, un legado cuyo alcance es mayor de lo que muchos podrían llegar a calcular, y que extiende sus tentáculos prácticamente a todos los ámbitos del cine moderno, contando su presencia en producciones capitales, de esas llamadas a ocupar un espacio privilegiado en prácticamente cualquier videoteca planetaria que se precie.

Como avanzábamos al inicio, la corriente digital moderna acabó con las formas técnicas ancestrales de manera progresiva, y hasta los mejores artesanos comenzaron a combinar ambos estilos, dejando pocos excepciones que poder emparentar en el cine contemporáneo, así, homenajes como el de “El Ejercito de las Tinieblas” (1992) de Sam Raimi, las primeras películas de Peter Jackson, o los films de Tim Burton, que siguen empleando el stop motion como base, ya sea en películas animadas como “Frankeenweenie”(2012), pasando por los platillos volantes de “Mars Attacks!” (1997), o en enormes piezas sobradas de grandeza como “Ed Wood” (1995), son de los pocos ejemplos validos que poder referenciar al respecto.

Llegamos así al final del recorrido, es el comienzo de la década prodigiosa para nuestra generación, y los efectos especiales han evolucionado por otra vía, ya no parece haber sitio para dinosaurios del tamaño de Harryhausen, que con “FURIA DE TITANES” (1981), da el ultimo coletazo a treinta años de trabajo ininterrumpido y deslumbrante, en el marco idealizado de la mitología griega, crisol de inestimable libertad creativa donde poder realizar el ejercicio de dar vida a criaturas tan soñadas como la temible Gorgona Medusa, rememorando, con menos vistosidad pero con gran voluntad, el título de mayor gloria de su filmografia, ese viaje de Jasón y sus Argonautas.

Por otro lado, resulta imposible obviar el detallazo que se marcan los chicos de Pixar en “Monstruos S.A.” (2001), donde Celia, novia de Mike Wazowski, uno de los dos protagonistas principales, es una medusa, y se cita con su chico en el “Harryhausen’s”, el local de moda en la ciudad de los monstruos. Pura delicia.

Aunque quizá el mejor homenaje posible viene directamente del respeto que muestran grandes cineastas consagrados como Steven Spielberg o James Cameron, y que dejan bastante claro que sin Harryhausen, es seguro que los Parques Jurásicos o la propia Avatar, no hubieran sido posibles tal y como los conocemos.

- EL GRAN GORILA (1949) Simio gigante, familiar directo de King Kong.

- EL MONSTRUO DE TIEMPOS REMOTOS (1953) Gran Saurio, padre no oficial del Godzilla japonés.

- SURGIÓ DEL FONDO DEL MAR (1955) Pulpo gigante de más de 100 metros del longitud.

- THE ANIMAL WORLD (1956) Documental sobre dinosaurios que inclu-

FILMOGRAFÍA ye un Alosaurus, un Stegosaurus, una pareja de Ceratosaurus, un Triceratops, un Tyrannosaurus, y una familia de Brontosaurus.

- LA TIERRA CONTRA LOS PLATILLOS VOLANTES (1956) Discos voladores extraterrestres con muy mala uva, que lanzan rayos destructores.

- LA BESTIA DE OTRO PLANETA (1957) Engendro híbrido entre humanoide y reptil llegado desde Venus, come azufre.

- SIMBAD Y LA PRINCESA (1958) Cíclope devorador de hombres, un esqueleto que maneja un sable, un feroz pájaro bicéfalo llamado el Roc, y un dragón que lanza llamaradas de fuego por la boca.

A Y BESTIARIO - LOS VIAJES DE GULLIVER (1960) Cuando Gulliver mengua de tamaño, un simple ratón de campo o la cría de un cocodrilo, pueden resultar un problema de difícil solución.

- LA ISLA MISTERIOSA (1961) Abejas, cangrejos, pajarracos, todos gigantes, incluso un pollo de granja del tamaño de una jirafa.

- JASÓN Y LOS ARGONAUTAS (1963)

Varios Dinosaurios entre los que destacan un Triceratops y un Tyrannosaurus, sin despreciar la aparición estelar de una Tortuga y una Iguana gigantes.

- EL VALLE DE GWANGI (1969) Un Terodáctilo, un Triceratops, y sobre todo, ese fabuloso Alosaurio llamado Gwangi.

- EL VIAJE FANTÁSTICO DE SIMBAD (1974) Estatua de seis brazos armados con sables, un centauro de un ojo y un grifo.

- La Diosa Hera en forma de mascarón de barco, El Titán metálico Talos, Las Arpías, Tritón - hijo del Dios Poseidón -, La Hidra de siete cabezas, y sobre todo, los siete esqueletos de la parte final.

- SIMBAD Y EL OJO DEL TIGRE (1977)

- LA GRAN SORPRESA (1964)

- FURIA DE TITANES (1981)

Los Selenitas, extraños habitantes lunares, cruce entre humano y hormiga.

El caballo alado Pegaso, El deforme Calibos, el Búho de bronce, la temible Medusa y el portentoso Kraken.

- HACE UN MILLÓN DE AÑOS (1966)

Un Troglodita gigante, un Coloso de bronce llamado Minoton, un Tigre Dientes de Sable, y un Simio muy humano.

Uno de los personajes más carismáticos de la mitología es sin duda alguna Hércules, mitad humano mitad dios, hijo de Zeus y Alcmena y bisnieto de Perseo fue dotado de una increíble fuerza que le permitió realizar portentosas hazañas, siendo las más célebres, las 12 tareas o trabajos.

No es extraño que el personaje sedujera a guionistas de para narrar sus hazañas omitiendo obviamente algunos detalles escabrosos de la historia original. Precisamente con motivo del más reciente filme protagonizado por Dwayne Johnson recordaremos las películas que se han hecho de este personaje.

Le fatiche di Ercole: Los trabajos de Hércules (1958)

LAS TAR HERCULE cin

a mezclar historias de Los siete contra Tebas, de Esquilo, y Edipo en Colono de Sófocles.

Si bien la película peca de ingenua en cuanto al guión, la crítica asume con benevolencia este enfoque y sale bastante bien librada en los distintos escenarios donde se exhibió.

Considerada la primer película del género péplum, o cine histórico de aventuras narra las aventuras de Hércules como tripulante del Argos, el célebre navío que partió en busca del vellocino de oro capitaneado por Jason, si bien se toma bastantes licencias con respecto a la historia original.

El desafío de Hércules (1983)

El papel fue interpretado por Steve Reeves, culturista y actor estadounidense, que actuó en varias de las películas de péplum, como los últimos días de Pompeya, la batalla de Maratón, Goliath y los Bárbaros. Su fama fue tanta incluso para rechazar el papel del 007 y el que interpretaría Clint Eastwood en Por un puñado de dólares

Esta historia también se tomó bastantes licencias, y cuenta como los dioses discuten el destino de la humanidad tras haberse destruido la Jarra de Pandora y desencadenado las fuerzas del mal, para equilibrarlas nace Hércules a petición de Atenea al mismísimo Zeus que deberá combatir al Rey Minos y a su malvada hija Arianna, que intentaban someter a todo el género humano.

La película mezcla personajes como Ulises que no participoa de esta aventura, Quirón que es un hombre, cuando en la mitología es un centauro, y la propia participación de Hércules en la trama original es secundaria, y en la película ocupa el rol protagónico

A estas alturas la crítica ya comenzaba a ser menos tolerante y la película se llevó algunos premios… a peor nuevo actor, para Ferrigno y a peor actriz secundaria Sybil Danning la sexy pero pérfida Ariadna

Ercole e la regina di Lidia (1959)

Las aventuras de Hércules (1985)

Es la siguiente película de Pietro Francisci, donde repite el papel protagónico Steve Reeves. La película esta vez apela

Es la segunda película del mismo director y una vez más con Ferrigno a bordo, comienza con las guerras que se están dando entre los dioses momento que

Otra película italiana del semidiós, pero esta vez dirigida por Luigi Cozzi y protagonizada por Lou Ferrigno que la mayoría recordamos por ser el gigantesco hulk de la serie de televisión de Bill Bixby.

REAS DE ES EN EL ne

aprovecha Hera para robar los relámpagos de Zeus, regalarlos a hombres de corazón débil y revivir una vez más a Minos, devolviéndole su trono en la isla de Creta y que intenta otra vez dominar al mundo .

Zeus, una vez más, manda a Hércules a la Tierra para luchar contra estos hombres y para devolver los relámpagos a su apropiado lugar en los cielos.

Hércules (1997) Disney retomaría la historia mitológica 12 años después con una película animada donde abandona el héroe moreno y le da unas facciones más arias con un cabello rubio, ojos azules y actitud ganadora.

El filme, al igual que sus antecesores, no sigue la línea original de la historia sino que simplifica bastante la historia omitiendo algunos detalles escabrosos de Hércules, y colocando enemigos que originalmente no tenían nada que ver con el semidiós.

Hades funge aquí el papel antagónico, mientras que Hera, la esposa de Zeus, y que en la historia original es una de las grandes adversarias, aquí es la madre biológica y tiene un rol meramente de relleno.

El minotauro y la medusa, fueron criaturas derrotadas por otros héroes, pero en la película se le atribuyen a Hércules. Sin embargo este film tuvo una muy buena aceptación por parte del público y la crítica, siendo nominada su canción en los Oscar y los premios Globos de oro.

Estamos ansiosos por observar la nueva versión que llega este año don Dwayne Johnson, que se acerca un poco más al concepto original.

ANDREY ALFONSO

El día q u e c on o c i m os a los M ERCE N ARIOS

by David G . Calven te

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Lugar: tarlite ARBELLA

Fecha: AGOSTO

y lo s e e u q o j Con lo ma les u c r é H a r e mala q ue

´ Mitologia g el cine y te Seguramente muchos de nosotros nos habremos aficionado a la mitología a través del cine y la televisión, ya que hubo una época en la que casi nos la metían a cucharadas con el desayuno, comida y cena. Todos os acordaréis de esas fantásticas (en la acepción de la palabra relacionada con la fantasía, porque la ejecución siembre dejaba que desear) series en las que conocíamos a personajes de la mitología griega.

Si quisiéramos reunir todos y cada uno de los personajes y seres mitológicos que han sido mencionados en películas y series sería realmente un trabajo faraónico, destacaremos aquellos que nos han marcado, ya sea para bien o para mal, según se le mire. Diferenciaremos por temática dentro de la mitología griega y agruparemos (o eso intentaremos) por personajes, ya que, como todos sabéis, siempre ha habido algunos preferidos en la historia del cine.

Sin más dilación, empecemos a deleitarnos con las versiones mundanas de estos seres maravillosos a los que llamamos dioses, pero que siempre han querido saber más de los que vivimos en la tierra.

griega en ´ elevision

1.Hércules: efectivamente éste es el personaje más prolífico a la hora de crear películas y series de televisión para él, y es que el hijo de Zeus da para mucho, ya que las 12 pruebas a las que se sometió después de un duro entrenamiento, las numerosas amantes y mujeres, sus hijos y otras miles de cosas más, venden muy bien.

1. Hércules, película de 1958 protagonizada por Steve Reeves. Película de aventuras fantástico que se considera la que inició el subgénero del péplum.

Se basa en la participación de Hércules en el viaje de los argonautas según el poema Argonáuticas de Apolonio de Rodas, aunque en la película difiere bastante. Tanto Steve como Sylva Koscina, que interpretaba a la princesa Íole, el amor de Hércules, volverían a encargarse de los mismos personajes, en la secuela: Hércules encadenado.

2. Los amores de Hércules, 1960, coproducción de Italia y Francia dirigida por Carlo Ludovico Bragaglia, con Mickey Hargitay en el papel de Hércules y Jayne Mansfield en los de Deyanira e Hipólita. Narra los acontecimientos tras la ausencia Hércules, cuya gente, entre la que estaba su amada Megara, ha sido muerta por orden de Éurito, rey de Ecalia. Ahora Hércules emprende un viaje a dicha ciudad para vengarlos a todos, pero ignora que Éurito ya no vive y ahora reina su hija Deyanira, la cual le pide que le mate y así perdonar a su pueblo, pero Hércules se enamora de ella y renuncia a vengarse. Aún así tendrá que luchar contra los que quieren hacerse con el poder y con la majestuosa Hydra.

3. La venganza de Hércules, 1960, dirigida porVittorio Cottafavi y con el cul-

turista Mark Forest en el papel de Hércules. Cuenta cómo Hércules captura al can Cerbero, pero causa así la ira de los dioses, que maldicen al héroe y aseguran desgracias y sufrimientos para su hijo en caso de que llegue a formar éste parte de una casa real.

Diez años después, Hilo, hijo de Hércules, se enamora de Tea, hija de Éurito, rey de Ecalia, a lo que Hércules se opone debido a la maldición.

4. Hércules en el centro de la Tierra, 1961, dirigida por Mario Bava y Franco Prosperi, y con el culturista Reg Park en el papel de Hércules y Christopher Lee en el de su némesis: Lico.

Estrenada en 1961, es la secuela de La conquista de la Atlántida. Muy alabada por su alto nivel de calidad para la época, narra cuando Hércules vuelve a casa y descubre que la princesa Deyanira ha perdido el juicio. Para que recupere su normalidad acude al oráculo, el cual le indica que la única forma es con la Piedra de la memoria, la cual está oculta en el reino de Hades. Con la ayuda de Teseo y Telémaco, se dirige hacia allí, dejando a su amada con Lico, su tutor pero que aún así la ansía como esposa.

5. Combate de gigantes, 1964, dirigida por Giorgio Capitani. Está considerada por la crítica como el último peplum, aunque ese título le corresponde a “Hércules y la reina de Troya”. Como muestra la falta de ideas del género, cuenta como protagonistas con Hércules, Maciste, Ursus y Sansón.

Igualmente, su protagonista femenina es una antagonista clásica de Hércules, que no está interpretada por la malograda Sylvia López sino por Elisa Montés 6. Hércules, película de 1983 dirigida por Luigi Cozzi, protagonizada por Lou Ferrigno. Reinventa las películas de peplum, conocido ahora como neo-peplum.

7. Hércules, 1997. cómo no, Disney tenía que meter mano en la historia de Hércules, indicando no sólo que era hijo de Zeus y Hera, sino un sin fin de diferencias más que a los eruditos sentaron muy mal. Pero al menos es una versión en la que narra cómo Hércules se entrena hasta convertirse en un héroe, y no sentirse querido sólo por su cuna, si no por sus acciones. Las BSO

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rcules

es fantástica, y eso se agradece.

8. Hercules: The Thracian Wars, película de 2014 de Brett Ratner y protagonizada por Dwayne Johnson.

9. Hércules: El origen de la leyenda, película de 2014 de Renny Harlin y protagonizada por Kellan Lutz. Hércules no sabe nada de su verdadera identidad o destino, el cual tiene como madre a una mundana y como padre al mismísimo Zeus. Piensa sólo en una cosa, el amor de la princesa que está prometida con su propio hermano.

Cuando Hércules se entera de su gran propósito: elegir entre huir con su verdadero amor o cumplir con su destino de ser el héroe más portentoso de su tiempo, verá por fin un destino marcado desde el principio.

10. serie de TV Hércules: sus viajes legendarios, 1995- 1999 con Kevin Sorbo. Rodada en un parque natural de Nueva Zelanda, empezó como un telefilm hasta írseles de las manos con hasta cinco telefilmes para la televisión en 1994, cuyos títulos en

español corresponden a los emitidos por TVE 1: Hércules y las Amazonas, Hércules y el reino perdido, Hércules y el círculo de fuego, Hércules en el mundo subterráneo, Hércules en el laberinto del Minotauro. Esta última dio paso a la serie de 42 minutos cada episodio, en donde podemos conocer numerosas aventuras de Hércules, de varios amoríos y aventuras, todo ello con bastante proximidad a la mitología del héroe.

11. Las aventuras del joven Hércules, serie de TV 1998-1999. La serie narra las aventuras del joven Hércules, un

joven Ryan Gosling en uno de sus primeros trabajos, durante su adolescencia en la escuela de guerreros donde aprende a convertirse en héroe. Con sus inseparables amigos Iolus y Jason, se enfrenta a su hermano Ares así como a múltiples y peligrosas criaturas y bestias mitológicas griegas. Como curiosidad: Iolus es Dean O’Gorman, el actor que interpreta a Kili en El Hobbit.

la ili odi

1. Troya, 2004, 2004 dirigida por Wolfgang Petersen y protagonizada por Brad Pitt, Eric Bana, Orlando Bloom, Sean Bean, Diane Kruger, Rose Byrne,Saffron Burrows, Brian Cox y Peter O’Toole. Está basada en el poema épico La Ilíada de Homero, pero incluye material de su continuación La Odisea, también de Homero, y de La Eneida de Virgilio, además de otras fuentes.

Del mismo modo incorpora cosas de cosecha propia y bastantes divergencias con los escritos originales. Narra una historia protagonizada por Héctor, Paris y Aquiles, en la cual se enfrentan

los troyanos y los helenos, debido al rapto de Paris de la princesa Helena, e incluye la aparición del Caballo de Troya, obra maestra para poder adentrarse en la ciudad.

2. Las troyanas, película de 1971 basada en la tragedia homónima de Eurípides, dirigida por Michael Cacoyannis. Al término de la Guerra de Troya, causada por Helena (Irene Papas), la reina Hécuba (Katharine Hepburn) y otras mujeres de Troya se resisten a entregar la ciudad a los griegos, que han ganado en el campo de batalla. Un mensajero comunica a las mujeres que serán el premio de un

iada y isea

sorteo, y que cada una de ellas vivirá con el hombre que le haya tocado en gracia. Una de las mujeres que más interés despierta es la hija de Hécuba: Casandra (Geneviève Bujold), que es elegida por Agamenón, máximo caudillo de los griegos, para que sea su concubina. Al recibir ella la noticia, se esconde y, cuando es encontrada por los soldados griegos, insulta y grita contra Grecia, porque sabe cuál será su final.

3. Ulises, 1954 de coproducción entre Italia, Francia y los Estados Unidos basada en la Odisea, dirigida por Mario Camerini y Mario Bava, con Kirk

Douglas en el papel de Odiseo (llamado Ulises en la pelicula), Silvana Mangano en los de Penélope y Circe, Rossana Podestà en el de Nausícaa y Anthony Quinn en el de Antínoo.

1. Jasón y los argonautas dirigida por Don Chaffey en 1963. La idea original, la sinopsis y los efectos especiales son obra de Ray Harryhausen. La película trata de alejarse de los parámetros del “peplum” con grandes dosis de aventuras y bestias míticas, respetando fielmente la leyenda y contando con excelentes actores. Considerada una de las mejores del género y de las más atrevidas por introducir numerosos efectos especiales, por lo que se ha reconocido a Harryhausen su trabajo, pero no por los académicos en su época. con Todd Armstrong en el papel de Jasón y Nancy Kovack en el de Medea 2. Dicho personaje también aparece en las siguientes películas: 1958: Hércules (Le fatiche di Ercole): largometraje de cine producido por Italia y dirigido por Pietro Francisci (1906 1977), con Steve Reeves en el papel de Hércules y Sylva Koscina en el de la princesa Íole.

1960: Los gigantes de Tesalia (I giganti della Tessaglia): lagometraje de cine coproducido por Italia y Francia y dirigido por Riccardo Freda.

1969: Medea: largometraje de cine producido por Italia y dirigido por Pier Paolo Pasolini, con Maria Callas en el papel de Medea.

1988: Medea; telefilme dirigido por Lars von Trier.

2000: Jason and the Argonauts: miniserie de televisión producida por Hallmark, con Jason London en el papel de Jasón y Frank Langella en el de Eetes.

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1. Furia de Titanes de 1981 dirigida por Desmond Davis. Es una adaptación del mito de Perseo, su lucha con Medusa y su intento de salvar a la ciudad de Jopa y a la princesa Andrómeda de la muerte. Con Harry Hamlin como Perseo, Lawrence Olivier como Zeus, Claire Bloom como Hera, Maggie Smith como Tetis… y muchos más grandes actores que han ido construyendo sus carreras a partir de esta película. Reconocida por la introducción de efectos especiales y de seres mitológicos que aportan más atractivo a la película.

2. Furia de Titanes, adaptación de la anterior. Estrenada en 2010, dirigida por Louis Leterrier y protagonizada por Sam Worthington, Gemma Arterton, Liam Cunningham, Mads Mikkelsen, Liam Neeson y Ralph Fiennes. Narra la historia de Perseo tras ser arrebatado de los brazos de su madre y entregado a una nueva familia en donde crecerá ajeno a su origen divino, ya que su padre es Zeus. Su futuro de héroe comienza a forjarse cuando su tío Hades entra en escena al matar a todos los habitantes de la aldea de Perseo, incluida su familia. Así comenzará su venganza y el fabuloso viaje para lograr devolver a su padre el trono del Olimpo.

3. Ira de titanes, 2012, dirigida por Jonathan Liebesman , producida por Basil Iwanyk y Polly Cohen Johnsen y protagonizada por Sam Worthington, Rosamund Pike, Toby Kebbell, Liam Neeson, Ralph Fiennes y Edgar Ramírez.

Narra la vida de Perseo diez años después de acabar con el Kraken, siendo viudo y viviendo apaciblemente como pescador en una aldea. Pero, mientras tanto, se está produciendo una dura lucha por la supervivencia entre dioses y titanes, en la que se verá involucrado una vez más.

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1. Percy Jackson: con sus dos películas, El ladrón del rayo y El mar de los monstruos nos introduce a la mitología con sus versiones de hijos de dioses y humanos, que viven en el campamento donde pueden estar a salvo y convertirse en héroes para así ser respetados por sus padres.

Es una mitología cogida por los pelos, ya que sólo se basan en nombres y cualidades, diferentes animales fantásticos y poco más 2. Immortals, 2011 dirigida por Tarsem Singh y protagonizada por Henry Cavill, Freida Pinto y Mickey Rourke, Luke Evans, Kellan Lutz, Joseph Morgan, Stephen Dorff, Alan Van Sprang, Isabel Lucas y John Hurt. El film fue inicialmente llamado Dawn of War yWar of the Gods antes de ser oficialmente denominado Immortals y se basa libremente en la mitología griega de Teseo y el Minotauro y la Titanomaquia.

3. Xena, la princesa guerrera, 19952001, directores yproductores Robert Tapert y John Schulian, con la ayuda de los productores Sam Raimi y R.J. Stewart. La idea surgió a partir de Xena, un personaje secundario de la primera temporada de Hércules: Sus viajes legendarios. La serie, ambientada en la Antigua Grecia, narra las aventuras de Xena (Lucy Lawless) y Gabrielle (Renée O’Connor), dos grandes guerreras e inseparables amigas que luchan contra las injusticias de la época.

Se nos quedan muchas películas y menciones en series de TV, pero para ello haríamos una tesis ¿no creéis?

Si verdaderamente os gusta la mitología, leer es el mejor profesor y compañero.

BEATRIZ PULIDO

ma mitol

as logia

LA CUEVA: “La cueva” es una película con un argumento sencillo donde cinco amigos se van de vacaciones a Formentera a desconectar de la ciudad. Allí además de ver la playa y de acampar deciden, para su desgracia, meterse en una cueva e investigar. A partir de este momento y con todo grabado con la cámara en mano vemos cómo no hace falta ningún elemento sobrenatural para pasar miedo y sentir una gran claustrofobia todo gracias a la gran antagonista de esta película La Cueva.

Rodada al estilo falso documental, Alfonso Montero logra meternos dentro de la cueva, sus galerías, sus piedras, esos laberintos que hacen que los protagonistas no puedan salir de ella, todo, completamente todo lo vives con los protagonistas.

Además tienen muchos detalles que me gustan,

EL AMANECER DEL PLANETA DE LOS SIMIOS

CALIFICACION

FRIKISMO

El amanecer del planeta de los simios es una película que tiene una serie de puntos bastante reseñables. Para empezar, uno de los aspectos a destacar es el diseño los simios, el efecto digital por momentos apenas se nota y algunas escenas de acción quedan espectaculares siendo con diferencia lo mejor de la cinta.

Andy Serkis regresa en su papel de César que hace algunos años en su primera parte sonó mucho para los Oscar de ese año. En esta ocasión tiene un protagonismo mayor que en su antecesora, debido en parte a la ausencia de James Franco. El resto del reparto actúan de una manera aceptable, Jason Clarke no desentona en un papel que recuadrará y mucho al ya realizado por James Franco y destacando por parte del lado de los humanos Gary Oldman un actor que particularmente me encanta

pues nor como fal bien enfo enfoque que vien linternas Además una prot acabo de tiene un nocturna perfectam

Alfonso h que enco de galerí La pelícu secuencia ponen los

y que es muy complicado encontrar una pel la que no destaque ya sea por su actuación carisma que destila.

La idea que intenta reflejar el guión es muy Mezclando instinto de supervivencia, dife raciales e intentos de conciliación por p ambas facciones. Lo más destacable quizás analizándolo profundamente no hay una se de que haya buenos o malos cada uno f según sus justificaciones y objetivos perfect entendibles e intentan llegar a ellos de la for ellos consideren ya sea mediante el diálo violencia y es bastante interesante ver como desbocando los acontecimientos a base del la desconfianza.

La pega que se le puede achacar es que al vas a tener la sensación de que ha avanzado argumento en los títulos iniciales que en la

BEGIN AGAIN Es agradable poder salir a veces de un cine con una sonrisa gracias a que ves una película llena de ilusión y optimismo y Begin Again puede presumir de ser una ellas. Una auténtica sorpresa que en un principio no llamaría la atención pero que merece y mucho la pena darle una oportunidad.

La trama se centra en un productor musical fantásticamente personado por Mark Ruffalo, demostrando ser un gran actor y con atisbos que recuerdan y mucho a Jerry McGuire (del cual hacen un guiño bastante evidente en una escena) junto a él se encuentra una Keira Knightley con la que demuestran una química brutal siendo ambos y su relación como representado y representante un motivo de peso para verla.

A destacar también la dirección de John Carney

(el cual expresar protagon mención

Como co gira todo sonora es sabiendo También música y se encue (el cual aspecto y papel má y Ruffalo resultand evolucion distintas respectiv

rmalmente este tipo de películas grabadas lso documental suelen tener casi siempre ocado todo, aquí se juega mucho con el de la cámara y también con las luces nen de la antorcha de la cámara y de las s y le dan un toque bastante aterrador. en esta película la cámara se convierte en tagonista más, pues gracias a ella como e mencionar pueden ver todo el rato y detalle muy grande y es que tiene visión a que a nuestros protagonistas les sirve mente para poder ver sin ser vistos.

hizo distintas visitas a distintas cuevas hasta ontró la perfecta para esta película, llena ías y lugares donde perder la orientación. ula tiene una fotografía muy buena, con as en el agua y con visión nocturna que s pelos de punta.

lícula en o por el

y buena. erencias parte de sea que ensación funciona tamente rma que ogo o la o se van miedo y

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Los actores se muestran estupendos, se ve cómo poco a poco van cambiando, como el hambre, la falta de agua, la desesperación por no poder salir les hace sacar lo peor de ellos mismos. Lo que más me ha gustado es que no todos reaccionan igual, cada uno reacciona a su modo, más humano o menos, todos reaccionan a sus instintos.

Estupendas actuaciones, sobre todo la de Marcos Ortiz, que con simplemente una mirada hace que se hiele la sangre.

Os recomiendo esta película ya que me parece muy original, en el sentido de que no haya nada sobrenatural, sino que el gran enemigo es la naturaleza y con las actuaciones de los actores, el guión y los cambios de luz hacen que te metas en la cueva y sufras con ellos.

CALIFICACION

FRIKISMO

Vicky Carras

película en sí dejando un final abierto que en una película sigo sin ver su lógica a menos que sea parte de una saga con continuación segura. Luego aunque no aburre si que por momentos resulta un tanto pesada acelerándose los acontecimientos en la parte final, reduciendo un poco el metraje en los primeros compases quizás habría resultado más amena aunque también es verdad que quizás el mensaje no habría tenido el mismo efecto deseado.

El amanecer del planeta de los simios es una película que pese a sus altibajos es entretenida, un poco lejos de su buena primera parte, y con esa sensación de que la trama apenas avanza dando prioridad al mensaje en sí que en dar explicaciones de cómo desembocó todo en un mundo repleto de primates y con la raza humana esclavizada que es al efecto es el auténtico Leitmotiv de estas películas.

Gonzalo Perez Benito

también se encarga del guión) sabiendo r muy bien las emociones de los nistas a través de la música que merece aparte.

omentaba el auténtico leitmotiv en el que o el film es la música y por ello la banda s lo más destacado. La BSO es muy bonita o muy bien llevar los tempos de la película. se denotan diversos modos de ver la y su industria. En su papel más comercial entra encarnado en el papel de Adam Levine es gracioso como va modificándose su y aumenta su vello facial) y por otro lado el ás romántico e independiente de Knightley o cada cual con su estilo y justificaciones y do bastante interesante de ver como van nando los distintos protagonistas en las direcciones que han decidido tomar en sus vas carreras.

Por mi parte y en esta ocasión, recomendaría verla en versión original ya que con el doblaje quizás se pierdan los numerosos matices que nos vamos a encontrar a lo largo de todo el film, sobre todo en el tema de las canciones ya que muchas veces en el metraje, el mensaje no se produce en los diálogos sino en los matices de las canciones y es una experiencia que, en mi opinión subjetiva, se disfruta más la versión que planteó el director sin ningún tipo de modificación aunque sea la más nimia posible.

Begin Again seguramente se convierta para muchos en una de las sorpresas del verano, y es que siempre resulta agradable ver una bonita historia de segundas oportunidades, amenizada con una gran BSO y con el ya clásico paisaje de Manhattan como telón de fondo.

Gonzalo Perez Benito

CALIFICACION

FRIKISMO

TRANSFORMERS: LA ERA DE LA EXTINCIÓN Tras ver la fantástica Dolor y dinero el año pasado, muchos pensarían que el cineasta americano había conseguido por fin aunar un buen planteamiento con su peculiar dirección. Pero con Transformers vuelve otra vez a sus fueros aunque en esta ocasión demostrando que lo que ha aprendido en la película de los musculosos ladrones no se ha quedado en el tintero. Pero bueno vayamos por partes.

Es difícil calificar esta película como cuarta parte, ya que en muchos aspectos es un reinicio en toda regla, esto tiene la ventaja de que, partiendo de cero, se pueden acabar con los vicios que tenían las entregas anteriores y aunque consigue quitarse algunos, aún le quedan unos cuantos…

Uno de los grandes aciertos ha sido cambiar el reparto humano por completo. Un auténtico golpe

ANARCHY: LA NOCHE DE LAS BESTIAS

CALIFICACION

FRIKISMO

Una de las ideas más rentable de estos últimos años esta siendo “La Purga” con una premisa fascinante esta dando un resultado sorprendente (la secuela ha costado 3 millones y ya lleva recaudados 89…) y viendo el resultado final de la misma no es para menos el éxito que esta cosechando…

Si en la primera parte, se quedaron solo en la idea dejando un producto que aunque aceptable se esperaba más. En esta secuela en cambio consigue dar con la tecla dando lugar a una cinta que es francamente superior a la anterior. Uno de los aciertos, es la inclusión de tres tramas diferentes con distintas motivaciones y situaciones con lo que gracias a ello se consigue ver como les afecta la Purga a distintos estratos de la sociedad en lo que antes solamente se podía intuir.

en la me un prota solvencia Shya LaB de dos gr y Kelsey simpático convertir el de Har

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Las pega que aún su durac

Aprovechando la situación de las tres comentadas, el paisaje del film se produce la ciudad viendo la idea inicial en todo su esp A todo esto, hay que destacar la persecució protagonistas que es la trama principal de la p Una lucha a contrarreloj por su superv recordando a la magnífica The Warriors.

El reparto y la dirección lo hacen de forma c consiguiendo que funcione sin mostrar alardes pero con una simpleza que se agra estos tiempos de cámara en mano y exper que no hacen más que estropear el resulta de la misma. A destacar es quizás la ca reconocible del film que es la del actor Fran (conocido por su reciente papel en Capitán A Soldado de invierno) un peculiar castigad funciona particularmente bien en este film el puntillo de acción y ritmo necesaria par hacerla amena y trepidante.

VAMPIRE ACADEMY Como a la mayoría de las adolescentes, a Rose y a Lissa les gustan los chicos, van de compras al centro comercial y se sienten incomprendidas. Pero entre ellas y las demás hay una gran diferencia: son vampiresas. Lissa es una princesa que desciende de la dinastía Moroi, y Rose es la guardiana encargada de protegerla. Tras escapar de la Academia St. Vladimir, son obligadas a volver, y Rose queda bajo el estricto control de su estoico mentor, Dmitri, Nueva saga de libros juvenil adaptada a la gran pantalla con todas sus consecuencias.

Vampire Academy es uno de esos subproductos que van saliendo como consecuencia de sagas como crepúsculo o los juegos del hambre y es algo que parece sacado de una plantilla simplemente rellenando determinados huecos. Un recurso

esa muy necesario. Mark Walhberg afronta agonismo de actioner sin problemas y con a resultando un alivio a ese histriónico Beouf. A eso hay que sumarle la inclusión randísimos actores como son Stanley Tucci y Grammer. Es sorprendente ver como el o y bonachón Frasier Crane puede pasar a rse en un personaje tan intimidante como rold Attinger

la trama principal tiene un trasfondo más interesante que en las anteriores, con ática mucho más oscura y profundizando storia de los Transformers y en su origen es solamente comentaban de pasada y aquí io es el motivo principal de la cinta.

as que se le pueden achacar, son los vicios guarda con las anteriores, uno de ellos es ción. Las casi tres horas que dura resultan

tramas en toda plendor. ón de los película. vivencia

correcta muchos adece en rimentos ado final ara mas nk Grillo América: dor que m y le da ra poder

un tanto excesivas y habría sido de agradecer que hubiesen hecho algunos recortes sobre todo en la parte final. Y por otro lado, nos encontramos con las subtramas, por mi parte me ha gustado mucho más que en las anteriores entregas con un puntillo en algunos momentos de “mala leche” e indirectas al sistema político y militar estadounidense que viniendo de este director sorprende y mucho pero el problema que tiene es que no cierra las tramas humanas, habría sido algo interesante de ver un defecto que ya se pudo ver en la tercera entrega y que espero que en las posteriores intenten solucionar.

CALIFICACION

FRIKISMO

Transformers: La era de la extinción es una película perfecta para el verano. Para aprovechar el aire acondicionado, un buen bol de palomitas y disfrutar de 165 minutos de acción sin tregua.

Gonzalo Pérez Benito

Sobre el guión pese a su carácter predecible y en mucho momentos con situaciones complicadas solventadas simplemente por la casualidad, hay que decir que tiene matices bastantes buenos. Un reflejo de una crueldad y un salvajismo contenido que explota en el momento en el que la moralidad social desaparece. Despertando una naturaleza oscura del ser humano que resulta incómoda y desagradable.

Anarchy es una buena película que pese a su carácter poco sorprendente, funciona. Sabe lo que tiene que hacer para mantenerte en tensión y aguantar el ritmo sin que te sientas aburrido. Una gran secuela, que dan ganas de ver la siguiente (sobre todo la esperada precuela que explique el origen de la noche de las bestias) ya que es una idea de la que aún le queda mucho por cortar…

Gonzalo Perez Benito.

sencillo y ya veremos si será efectivo.

De lo poco a destacar el personaje de Rose Hathaway (Zoey Deutch) un papel con muchísima personalidad y carisma con un tono rebelde a la par que simpático. También resulta interesante el tono cómico que tiene en determinados puntos e incluso riéndose de sí misma, cosa que se agradece.

Sobre la trama recordará y mucho a la primera película de Harry Potter una aventura adolescente de un grupo de amigos ante un misterio que debe de resolver aunque todo sea dicho queda bastante lejos de la saga del joven mago.

Vampire Academy es una cinta previsible, hartamente vista solamente recomendada para los fans de esta saga de libros Gonzalo Pérez Benito

CALIFICACION

FRIKISMO

SHARKNADO 2: THE SECOND ONE Sharknado supuso un antes y un después en esas películas de serie B de efectos de dudosa reputación, actuaciones mediocres y tramas sin pies ni cabezas, considerándose un referente a lo que en este tipo de película se refiere. El canal SyFy aprovechó su tirón, a pesar del fracaso que supuso su estreno en cine en EEUU, para traernos una segunda entrega que se ha estrenado directamente en televisión.

De nuevo con el loco de Anthony C. Ferrante en la dirección y con Ian Zeiring como protagonista, estamos ante una película que no solo nos deja el mismo buen sabor de boca que su primera entrega, sino que es aún más grande, con más tiburones y con más escenas épicas que aquella primera entrega, eso si, cambiando Los Angeles por Nueva York. Un reparto de caras conocidas: Tara Reid, Kari Wuhrer, Vivica A. Fox, Kelly Osbourne, Andy Dick o Billy Ray Cyrus repiten o se incorporan, para

LOS MERCENARIOS

CALIFICACION

FRIKISMO

¿No hace falta decir qué, vamos a ver con la tercera entrega de “Los Mercenarios” ¿verdad? Muchos dirán que es más de lo mismo, pero en mi opinión esta tercera entrega me ha parecido la mejor de todas. Si es cierto, que pierde ese cierto humor autocritico que caracterizaba a la saga pero gana en acción y en gags cómicos.

La película comienza con un rescate de alto riesgo.

El personaje interpretado por Wesley Snipes es un preso bastante peligroso y viaja oculto en un tren blindado. Ahí es donde aparecen nuestros mercenarios, Sylvester Stallone con su equipo de gala. Estos salvan al que será el nuevo componente Pero Los Mercenarios no lo son todo y en Somalia reciben un buen varapalo. Descubren que un antiguo componente y antiguo enemigo de nombre Stonebanks (Mel Gibson) sigue vivo y trafica con

armas. Un tipo duro amenaza de nuevo Mercenarios y Sylvester Stallone decide n en peligro a su antiguo equipo y busca uno No perderos Los Mercenarios 3 porque vais acción segundo tras segundo sin un re descanso.

Los Mercenarios 3 completa una saga de p que nada más por los nombres y renomb presentan son dignas de ver. Stallone y S son una pareja fabulosa y son protagonistas de la saga. Sin embargo la nueva incorp de Wesley Snipes se va desluciendo y esfu poco a poco. Y aquí es donde destacar Antonio Banderas. Nuestro actor patrio como un chalado, españolito y fogoso per Dara muchos momentos de humor, aport comedia para los pocos momentos de resp acción que deja la película. Harrison Ford t tiene un papel importante pero a la vez intenso en duración. Digamos que cumpl

COMO ENTRENAR A TU DRAGON Emotiva secuela que nada tiene que envidiar a su primera parte.

Cómo entrenar a tu dragón 2 tenía la difícil tarea de, al menos igualar, a su antecesora y pese a que tiene una gran cantidad de aspectos positivos se nota una cierta repetición de pautas que ,aunque gustarán. no provocarán el impacto que provocó en la anterior. Pero bueno vayamos por partes…

La historia se adelantaba varios años en el tiempo en la época en la que Hiccup tiene 20 años un salto curioso en este tipo de películas de animación pero que se antoja interesante y adecuado para la trama que nos quieren demostrar. Un protagonista más adulto en el que se le denota mas responsabilidad y un transcurso entre la niñez y la madurez al que se tiene que enfrentarse ahora.

Por otro lucha ent de forma que refl protagon de la sim zona gris de géner se agrad A eso ha emotivos una pers atención

En refere visual es dragones observad lo mejor dan una

o a Los no poner o nuevo. s a vivir espiro o

películas bres que Statham s dignos poración umando remos a aparece rsonaje. tando la piros de también no muy le en el

bien o para mal, de la primera entrega. Donde no solo no se han mejorado esos tiburones digitales ni esas actuaciones que daban más miedo que los escualos, sino que aquí parece haberse superado para gusto y disfrute de los que somos amantes de este tipo de cine.

Nos encontraremos de nuevos escenas míticas con la famosa sierra mecánica de Fin, que esta vez comparte protagonismo con un espadón medieval o la mano sierra de Tara, momentos que no olvidarás como el principio en el avión atacado por miles de tiburones en pleno vuelo o conversaciones del calibre: -Dos amigos míos han muerto, han destruido Los Ángeles y se me comió un tiburón...

Para un nuevo título de una saga que promete y que esperemos nunca pierda este frescor a cutre que tanto nos gusta.

CALIFICACION

FRIKISMO

Daniel Ferrer

papel requerido de “jefe” de Los Mercenarios, pero ardiente en divertirse como uno de ellos. Los nuevos en el reparto como Kellan Lutz y tal... no son tan carismáticos como nuestros Mercenarios “auténticos”. Aun así cumplen bien. Por último hablaremos de Mel Gibson, gran papel de malo malote pero la lucha y el orgullo que prometen, una lucha de órdago entre él y Stallone se queda en palabras y ni de lejos se acerca a aquella lucha entre Stallone y Van Damme.

En conclusión, Los Mercenarios 3 promete accióny más acción. Y si quedara algún hueco en la peli que no sea acción, serán pizcas de humor y comedia.

Las escenas de ficción son grandes escenas de devastación y explosiones. No subestimes a una vieja gloria, porque aunque estén algo pasaditos de edad, te puedes llevar algún que otro mamporro David García Calvante

lado, también nos encontramos con una tre sus dos mundos y sus ideas representado a genialmente pensada por dos personajes flejan la naturaleza interior de nuestro nista. Decisiones bastante maduras lejos mpleza de “esto es bueno o es malo” una s en mi opinión poco común en este tipo ro debido al público al que va dirigida y que dece por lo poco frecuente que se produce. ay que añadir los momentos dramáticos y s que hay a lo largo del metraje que dan sonalidad a la cinta que tanto llamo la a su primera parte.

encia a aspectos más técnicos, el aspecto s magnífico añadiendo nuevas especies de s, sumado a unos paisajes espectaculares dos a lomos de los dragones, sin duda r de la cinta. Ver esas escenas de vuelo a sensación de velocidad y realismo

que curiosamente rara vez se ven en films con personajes reales. Una auténtica gozada. Todo esto se encuentra amenizado por una magnífica banda sonora, al nivel de su antecesora. Sin duda el trabajo de John Powell (que ya realizó la BSO también de la primera parte) es de una calidad incuestionable y sin duda si disfrutas de esta saga es en parte gracias al trabajo de este compositor La pega que se le puede achacar es que la relación entre Hiccup y Destentado no es tan tierna y emotiva como en su antecesora y pasa más a un segundo plano (como cabría esperarse) aunque es compensada por otro momentos magníficos muy recomendables. Así Cómo entrenar a tu Dragón 2 se convierte en una muy buena secuela, necesaria para muchos, y de la que estoy bastante seguro que conseguirá no defraudará a nadie.

Gonzalo Pérez Benito

CALIFICACION

FRIKISMO

LOS GUARDIANES DE LA GALAXIA Me gustaría comentar a modo de aviso antes de reseñar la película, que Guardianes de la Galaxia no tiene nada que ver con cualquier cosa anterior que ha habido de Marvel hasta la fecha, sed conscientes que veréis algo más parecido a Star Wars por poner un ejemplo que Vengadores.

Dicho esto comentar que para mí es posiblemente le mejor película de Marvel hasta la fecha (quizás a la par de Iron Man) el por qué… considero que es una cinta que rezuma personalidad y un encanto único e irrepetible pudiendo verse en solitario sin necesidad de haberte leído algún cómic o visto alguna película anterior que es un pecado que si que se ha notado en las anteriores de la fase dos Dejando esta reflexión aparte, Guardianes se caracteriza por tener un quinteto de protagonistas extremadamente carismáticos

UNA CITA EN VERANO

CALIFICACION

FRIKISMO

El tristemente desaparecido Philip Seymour Hoffman está de moda más que nunca. Por obra y gracia de aprovechados y sacacuartos sin miramientos.

Una triste realidad que provoca que, cintas como la que nos ocupa, estrenada en 2010 y que no se había distribuido por estos lares, de repente se nos presente como una joya indispensable a descubrir en la carrera del llorado actor. Seymour Hoffman se ponía además detrás de las cámaras, y uno no es de piedra, oigan. La ocasión a priori lo merecía, sin duda.

Luego vendría el relativo chasco, pero especifiquemos, que Una Cita Para el Verano tiene varios detalles seductores.

La cinta nos cuenta la historia de Jack, un conductor de limusinas de Nueva York, introvertido, aislado

y con un que com fácilment chistoso por Chris Groot y D increíble mapache el direct darle un convirtién Una vale detractor incluído l

También películas su direct y da rien no solo

del mundo y lleno de inseguridades. Cly compañero de trabajo, y su esposa Lucy, prepararle una cita a ciegas con Connie, un que empieza a trabajar con ellos, y que tímida e insegura como él.

El ganador del Oscar por Capote filma en su como director una cinta repleta de emocione de piel. Y como no podía ser de otra forma v de un intérprete tan enorme y perfeccionist él, los actores son quienes llevan todo de la película. Más allá de eso, la historia desconcertante, porque uno no sabe nunc dónde se dirige. Algunos podrán acusarla demasiado “intimista” e “introspectiva” en sentido de la expresión. En cada silencio, e palabra y en cada mirada se encierra un sign Pero, y entonces, ¿cuál es el problema? Pu cuando los intereses de unos y otros colis parece que vamos a asistir a la parte inter

LUCY ¿Qué le sucedería a tu coco si alcanzara el 100% de su capacidad? A tenor de esta pregunta, sin duda interesante premisa de LUCY, y después de asistir a su visionado en pantalla grande, sólo se me ocurren dos respuestas: 1) El cerebro de Luc Besson no llegó al 100% de su capacidad, ni siquiera al 10%, durante la filmación de este blockbodrier veraniego; 2) Vuestro cerebro no aumentará su capacidad después de tragaros este pastiche, si no que probablemente se vuelva un poco más idiota.

Es curioso que mientras que el cerebro de Lucy (una Scarlett Johansson entre insulsa e irritante) incrementa sus capacidades intelectuales y supraintelectuales por causa de una nueva droga de

diseño ba por la tra partir de se consi revelador absolutam

El lastre llevado, s y pregun con la qu de los su Una caca seguro q “Matrix” se cargan que uno s vehículo

La trama

na psicología muy heterogénea y definida mo espectador te ayuda a distinguirlos te desde el primer momento. Desde el Star-Lord fantásticamente interpretado s Pratt, pasando por los rudos Gamora, Drax hasta finalmente pasar por Rocket, es este personaje. En cualquier película, un e disparando habría quedado absurdo pero tor junto con Bradley Cooper consiguen na personalidad que resulta cautivadora ndole en el mejor personaje del filme. entía que yo aplaudo pese a los muchos res que tuvo cuando oyeron la premisa (Yo lo reconozco).

da la sensación, que es ese tipo de que no hubiera sido posible sin la visión de tor, James Gunn. El cineasta, pone pasión nda suelta a su genio haciendo una película divertida sino magníficamente realizada.

yde, su deciden na chica e es tan

estreno es a flor viniendo ta como el peso a resulta ca hacia a de ser n el mal en cada nificado. ues que sionan y resante,

La acción esta bien llevada, sabe amenizar los momentos de acción, cómicos y dramáticos en un perfecto equilibrio, consigue cerrar todas las tramas que haya podido abrir y encima consigue contar detalles de Thanos y las misteriosas piedras que aparecen en entregas anteriores. Sin duda un trabajo de diez que le abrirá muchas puertas en el futuro A destacar también la gran cantidad de cameos y “easter eggs” que nos vamos encontrar muchos tan fácilmente reconocibles como sorprendentes particularmente hubo uno que me hizo bastante gracia. Guardianes de la Galaxia es una película diferente, que te mantendrán atrapado desde el primer minuto hasta el último y con la que DisneyMarvel consigue una aventura con toque familiares que se convertirá a buen seguro en el futuro en uno de los títulos más recordados de este 2014.

CALIFICACION

FRIKISMO

Gonzalo Perez Benito

al shock emocional potente... La película termina. Y uno se queda frío. El planteamiento final es un poco como “tenemos a estos cuatro personajes, entre los cuales se intuyen estos conflictos... Bueno, pues a ver qué pasa”. Y ya. No hay más. No hay resolución del problema, ni positiva ni negativa.

Es algo muy propio del cine indie heredero de formas y temáticas de la Nouvelle Vague. Lo que no me termina de convencer es que el mentado conflicto principal no ataña a la pareja a priori protagonista, sino de forma chocante a sus partenaires John Ortiz y Daphne Rubin-Vega (geniales y auténticos protagonistas, por otra parte) Por otra parte, los caracteres de los personajes a priori protagonistas - encarnados por Hoffman y Amy Ryan - resultan demasiado aparatosos y poco creíbles y ademas el ritmo de la película, como no podía ser de otro modo, es bastante pausado.

Jesus Javier Cagigós

astante chunga, el interés del espectador ama se desploma. Algo va mal cuando, a e una propuesta tan atractiva, no sólo no iga mantener nuestra atención hasta el r desenlace, si no que además se agote mente nuestra paciencia.

es un guión del propio Besson muy mal sin sentido y con múltiples fallos garrafales ntas sin respuesta. Una tomadura de pelo ue Besson pretendía enganchar a los fans uperhéroes y de los scifi-thrillers culturetas. a apestosa que a muchos engañará, pero que a ninguno satisfará por muy flipado de que sea. Todo es un quiero y no puedo. Ni n las tintas en las subyugantes cuestiones se plantea desde el inicio, ni funciona como de adrenalina pura y dura.

a no se agrava por ningún lado, no hay

giros que aporten emoción o compliquen las cosas.

Los malos están ahí. Simples maniquíes de derribo a merced de la protagonista. Y Morgan Freeman, chequera en mente, lo hace muy bien como narrador de documentales. Su personaje no tiene ninguna implicación más en la trama. Es más, si le hubiesen quitado de en medio no habría pasado nada y se habrían ahorrado una pasta.

Lo mejor: Todo el arranque de la película, que nos recuerda al mejor Besson. Muy bien planteado, dirigido con estilazo, repleto de emoción y visualmente impactante. Y la escena de la persecución, con una Lucy al volante que nunca antes había conducido.

Lo peor: El resto de la película.

Jesus Javier Cagigós

CALIFICACION

FRIKISMO

EL NIÑO Dos adolescentes, El Niño y El Compi, quieren iniciarse en el mundo del narcotráfico en el estrecho de Gibraltar. Riesgo, adrenalina y dinero al alcance de cualquiera capaz de atravesar esa distancia en una lancha cargada de hachís volando sobre las olas y con la policía pisándote los talones. Por su parte Jesús y Eva, dos agentes de Policía, llevan años tratando de demostrar que la ruta del hachís es ahora uno de los principales coladeros de la cocaína en Europa.

Daniel Monzón nos vuelve a sorprender con esta nueva película, donde la vida de 2 chavales de barrio, un grupo de policías y los grandes narcotraficantes se juntan para darnos 135 minutos de acción.

El Niño, el Compi quieren poder cumplir sus sueños y dejar atrás sus vidas. Conocen a Halil el cual les

EN EL OJO DE LA TORMENTA

CALIFICACION

FRIKISMO

En el transcurso de un solo día, la ciudad de Silverton es azotada por una serie de tornados sin precedentes. Toda la ciudad está a merced de ciclones erráticos y mortales, mientras que los cazadores de tormentas predicen que lo peor está aún por llegar. La mayoría de las personas buscan refugio, mientras que otras corren hace el vórtice, poniendo a prueba hasta dónde está dispuesto a llegar un cazador de tormentas para conseguir esa foto única que solo se hace una vez en la vida.

En el ojo de la tormenta, transcurre en un solo día, donde en la ciudad de Silverton su instituto se prepara para la graduación, pero lo que no saben sus habitantes es que de un momento a otro la ciudad va a ser arrasada por una serie de tornados. Mientras tanto, un equipo de cazadores de tormentas que está grabando un documental

adentra tanto Jes de El Ingl intentand juntándo Niño y su mucho lo

Hay muc película, encarga estrecho bien que del estre las que Los pers por últim Algeciras

Con gran

se dirige corriendo a la ciudad para poder desde el ojo del huracán.

Grabado como un falso documental, la intenta que vivas lo mismo que los habita Silverton, pero las pobres actuaciones de sus actores no ayudan en absoluto a cons Como protagonistas tenemos a Richard A (Thorin en El Hobbit) y Sarah Wayne Callies The walking dead) cuyas sus actuaciones, c mencionado antes, dejan mucho que dese claro que no sólo la de ellos, pues en gene no se cree realmente que lo estén pasando

Aunque en su favor, la película realmente unos grandes efectos especiales, los to consiguen poner los pelos de punta y se v devastan una ciudad en nada de tiempo. Lo de En el ojo de la tormenta, es que es una rápida, en seguida tienes en la pantalla un

Hércules es un héroe, un ser a medio camino entre la divinidad y la humanidad. Tras los terribles doce trabajos que le fueron impuestos y la pérdida de su familia, decide darle la espalda a los dioses y encontrar consuelo en la búsqueda de aventuras.

Gracias a sus andanzas, ha encontrado hombres afines que se han unido a él, pues comparten su amor por el combate y la constante presencia de la muerte en sus vidas. El rey de Tracia contrata al grupo para transformar sus tropas en un ejército invencible. Adaptación de la novela gráfica de 2008 “Hercules: The Thracian War”

Esta nue habla de (El rey e sobrevivi poco fav su propi poderoso tendrían Hércules de comp ayudan y

Muchas versiones se han hecho anteriormente de los mitos clásicos, en especial de Hércules y esta nueva historia que nos llega de la mano de Brett Ratner que se estrena el día 5 de septiembre en España, da una vuelta de tuerca más al Hércules que todos conocíamos.

Trasladan Dungeon asombro o por lo m minuto. G de roles predecibl

en el mundo del narcotráfico. Mientras sús (Luis Tosar) y su equipo andan detrás lés, un narcotraficante al que llevan tiempo do atrapar sin éxito. Sus vidas terminan ose a partir de un fatídico accidente y al us compañeros se les comienzan a torcer os asuntos.

chas cosas que me han sorprendido de esta una es la historia en sí: un chico que se de llevar droga de una parte al otro del con una lancha motora. Otra ha sido lo e han mostrado la vida en ambos lados echo, las diferencias de ambas culturas a sólo separan 14 kilómetros de distancia. sonajes, muy cercanos y muy creíbles y mo los exteriores, increíbles, te llevan a s y a Marruecos.

ndes como Luis Tosar, Sergi López, Eduard

r grabar

película antes de e todos seguirlo.

Armitage (Lori en como he ear, está eral uno o mal.

e posee ornados ve cómo o bueno película montón

Fernández, Moussa Maaskri o Barbara Iennie, parece que la película se va a centrar en todos ellos, pero realmente terminan pasando a un segundo plano cuando ves las actuaciones de los cuatro actores noveles, Jesús Castro, Jesús Carroza, Mariam Bachir y Saed Chatiby. Estupendos todos ellos, muy metidos dentro de sus personajes hacen realmente creíble la historia que te están contando.

Otros de los grandes aciertos de Daniel Monzón han sido las espectaculares escenas de persecución con helicóptero a la lancha de el Niño, son impresionantes.

CALIFICACION

FRIKISMO

La película en general consigue que estemos todo el tiempo sin poder apartar la vista de la pantalla, ya sea por toda su acción o sus bellos paisajes.

Vicky Carras

de tornados para recrearte la vista. Además si se puede ver la película en alguna de las salas que hay en España con representación 4D, garantizará mucha más realidad pues mientras en la pantalla se ven la lluvia y las tormentas, al espectador le cae también agua y le azota el viento al mismo tiempo, con unos grandes ventiladores puestos en la sala para dar más realismo a la película. Por último, a pesar de todo, para la calidad de la sesión 4D lo interesante hubiera sido que se hubiera representado también en 3D, con las gafas, y no en versión 2D ya que así uno se sentiría totalmente dentro del tornado.

Vicky Carras.

eva película sobre el mito grecolatino nos e un Hércules humano, Dwayne Johnson escorpión), criado en Grecia y obligado a ir como mercenario debido a circunstancias vorables; El Héroe subsiste alimentando ia leyenda y es contratado por reyes y os para ejercer los trabajos que otros miedo de hacer. Lo que pocos saben es que no trabaja sólo, tiene a su lado un grupo pañeros que en perfecta coordinación le y comparten con él las distintas misiones.

ndo el mito a lo que sería casi una partida de ns and Dragons, podemos ver una película osa con una historia digna y que engancha, menos a mí me enganchó desde el primer Golpes, sangre y aventura con un equipo arquetípicos y una historia que, aunque le, da lo que se espera. Muy recomendable

para aquellos a los que gustaron películas como “300” aunque sin tanto aceite de por medio.

En lo referente a efectos especiales, la película no nos da nada nuevo, pero compensa la aparente sencillez con una banda sonora más que decente y una imagen de calidad y sobre todo unas escenas montadas para que el espectador no sea vencido por el aburrimiento.

La película tiene un elenco digno de mención con John Hurt (Doctor Who) en el papel de Rey Cotis, Ian Mcshane (Los pilares de la tierra) en el papel del clérigo vidente Anfiaros y desde luego Rufus Sewell (Dark City) como Autólicus entre otros.

Si te gusta la sangre, las aventuras y la Grecia clásica, no te la puedes perder.

CALIFICACION

FRIKISMO

Esta épica saga de guerra narra la vida de William Wallace (Mel Gibson), el legendario héroe escocés que lucha hasta la muerte para liberar a su país de las fuerzas tiránicas del cruel rey Eduardo I. Después de que este último se apoderase de la corona escocesa, Wallace reúne un ejército destartalado de escoceses y les dirige hacia una de las batallas más notables de la historia.

Al conocer a Bibiana, que trabaja como comisaria de arte en España, Oliver siente una insólita e innegable atracción por ella, a pesar de no tener nada en común. A ella le van las buenas causas, a él la buena comida. Ella es una kamikaze en el amor, lanzándose a relaciones imposibles, mientras que a él le aterran los compromisos. ¿Es su romance una receta desastrosa o ha encontrado Oliver finalmente los ingredientes perfectos para el amor verdadero?

Todo comienza cuando Daniel Larusso (Ralph Macchio)se muda con su madre a California y conoce al maestro Miyagi (Pat Morita). Sin embargo, tras acompañarnos durante las tres primeras películas, en El Nuevo Karate Kid toma el relevo como aprendiz Julie Pierce (Hilary Swank), una adolescente llena de dolor, tristeza y resentimiento a causa de la muerte de sus padres en un accidente de tráfico.

El director de Capitán América: El primer vengador y de El hombre lobo nos ofrece un thriller psicológico sobre un incauto oficinista, Tom Miller, que acaba atrapado en su propia oficina junto a un enloquecido asesino. Cuando Tom trata de proteger a los compañeros que trabajan hasta tarde, pronto descubre que su empresa ha estado ocultando secretos siniestros que podrían hacer peligrar las vidas de miles de personas.

Peter Parker lleva una vida muy ocupada, compaginando su tiempo entre su papel como Spider-Man, acabando con los malos, y en el instituto con la persona a la que quiere, Gwen. Peter no ve el momento de graduarse. No ha olvidado la promesa que le hizo al padre de Gwen de protegerla, manteniéndose lejos de ella, pero es una promesa que simplemente no puede cumplir. Las cosas cambiarán para Peter cuando aparece un nuevo villano, Electro, y un viejo amigo, Harry Osborn, regresa...

UN AÑO, DOS ORDENADORES Y UN OCÉANO ENTRE ELLOS. Alex y Sergio, una sólida pareja de amigos y amantes acarician la idea de tener un hijo juntos cuando a Alex le ofrecen una residencia artística de un año en Los Angeles. Un año de relación a distancia, dos ordenadores y dos ciudades, Barcelona y Los Angeles. ¿Puede el amor sobrevivir a 10.000 km de distancia?.

En un teatro parisino, después de un duro día de audiciones, Thomas, el director, se lamenta por el poco empeño e interés que han mostrado las candidatas. Ninguna tiene el nivel necesario para asumir el liderazgo. Cuando Thomas se está preparando para salir, aparece Vanda, un torbellino de energía desenfrenada y descarada que tiene todo lo que él odia. Es vulgar, sin cerebro y no se detendrá ante nada hasta conseguir el papel.

Thomas le da una oportunidad y es cuando Vanda le sorprende con su talento e increíble metamorfosis.

JUANITO es un actor que fue a Nueva York a triunfar. Los años han pasado, no ha conseguido lo que esperaba y se gana la vida trabajando en lo que se puede. Un día llega a visitarlo su PRIMO, aparentemente triunfador y que tiene “todo lo que uno espera tener”. Sin embargo, la convivencia va descubriendo la realidad que hay detrás de cada uno de ellos. La Vida Inesperada es una comedia sobre cómo el azar nos abre puertas que jamás habríamos imaginado y cómo nuestro destino final depende de si nos atrevemos o no a traspasarlos.

En un mundo asolado por los pecados humanos, Noé, un hombre pacífico que sólo desea vivir tranquilo con su familia, recibe una misión divina: construir un Arca para salvar a la creación del inminente diluvio. Todo comienza cuando, cada noche, Noé tiene el mismo sueño: las visiones de muerte provocada por el agua, seguidas de nueva vida en la Tierra.

Unos amigos se reúnen 15 años después de haber acabado la universidad. Todos ellos guardan diferentes recuerdos los unos de los otros: amargos y dulces, buenos y malos, risas y llantos. Y creen que todavía siguen en pie, pero a la hora de la verdad van a descubrir que el tiempo hace mella en las relaciones que no se cuidan...

Esta es la loca y poética historia del recorrido de una mujer desde su nacimiento hasta los 50 años contada por Joe, la protagonista, que se autodiagnostica como ninfómana. Una fría noche de invierno, Seligman, un viejo y encantador soltero, descubre a Joe tirada en un callejón después de que le hayan dado una paliza. La lleva a su casa y la cuida mientras ella le cuenta durante 8 capítulos la exuberante y multifacética historia de su vida.

El final de la película más provocadora del año.

Segunda parte de la historia de Joe, quien debido a su intenso deseo por el sexo desde su adolescencia se autodiagnosticó como ninfómana.

Ahora, después de tanto tiempo, decide contarle sus experiencias a un interlocutor que conoce por casualidad. En una oscura y fría noche de invierno, la mujer retrocederá al pasado para hacer un recorrido de cincuenta años a través de los inverosímiles hechos de su singular vida, en los que predominan la lujuria y el sexo, pero también, varios indeseables sucesos.

En un intento desesperado por liberar a su pueblo de la opresión de su vengativo esposo, la reina Alcmena dirige sus suplicas hacia los dioses y fruto de sus plegarias nace Hércules, engendrado por Zeus, padre de los dioses y los hombres. Ajeno a su verdadera identidad, Hércules sufre el desprecio del rey Anfitrión, quien favorece siempre a su hijo legítimo Ificles...

Verano de 1987. Adèle, una mujer recién divorciada, ha perdido la autoestima tras la marcha de su marido. Su hijo Henry, un chico de 13 años, se esfuerza por ser el hombre de la casa y cuidar de su solitaria madre en pleno torbellino de la adolescencia. Un día, conocen en un supermercado a un hombre que les pide que lo alojen en su casa, pero resulta ser un fugitivo en busca y captura. El siguiente fin de semana les marcará para el resto de sus vidas.

Guadalquivir es un espectacular viaje al ritmo del paso de la corriente del río por los espacios naturales más importantes de España en las diferentes épocas del año. Estamos en otoño en las sierras de Cazorla y Segura, donde nace el gran río y el agua, más que fluir, se despeña por los riscos y cortados de piedra; son las tierras del águila real, el ciervo y la cabra montés. Seguimos por las laderas suaves y ásperas de Sierra Morena en invierno, los paisajes de las grullas, el buitre negro y el lince ibérico.

“Agosto” cuenta la oscura, desternillante y emotiva historia de las fuertes mujeres de la familia Weston, cuyas vidas se han separado hasta que una crisis familiar les lleva de nuevo a la casa donde crecieron donde vive la disfuncional mujer que las crió.

Una película dirigida por John Wells y adaptación de la obra teatral de mismo nombre y ganadora del Pulitzer y del premio Tony de teatro.

Rafa, un sevillano que nunca ha salido de Andalucía, decide abandonar su tierra natal para seguir a Amaia, una joven vasca que a diferencia de otras mujeres que ha conocido se resiste a sus técnicas de seducción. Para ello, y en contra de los consejos de sus amigos, decide viajar al pueblo de su pretendida, en el corazón abertzale del País Vasco.

Una serie de circunstancias llevarán al joven sevillano a tener que hacerse pasar por un auténtico vasco con ocho apellidos, e ir enredándose cada vez más en el personaje para lograr sus propósitos.

Después de veinte años encerrado, Juan “El Candela”, un célebre ladrón, sale de prisión y se reúne con su hijo Juan “el Chispa” y el mejor amigo de este, Cristo.

Mientras que “el Candela” se intenta adaptar al mundo con el que se encuentra, su hijo planea conseguir de la manera más rápida el dinero que necesita para hacer realidad su sueño de convertirse en estrella del HipHop...

Alien El Octavo Pasajero El director Ridley Scott en un principio pensó en el compositor japonés Isao Tomita, un afamado y prolífico compositor cuya música es muy ambiental, instrumental y el sintetizador tiene un protagonismo importante en sus obras. La especialidad de este compositor es el cine, la televisión y el teatro, incluso en España la serie infantil El Planeta Imaginario (1983) la música de cabecera es de este autor.

Aunque no se conozca a este compositor, seguro que mucha gente ha escuchado alguna vez parte de su amplio trabajo. La verdad es que la música de Isao Tomita es muy adecuada para una película de ciencia ficción en medio del espacio profundo, pero la productora, 20th Century Fox, de la película tenía otros planes, quería a un compositor más conocido y eligieron a Jerry Goldsmith otra gran elección. Gran compositor donde los haya Goldsmith curiosamente en un principio su composición para la película no gustó mucho a varios de los productores aunque preferían su amplia experiencia a otros compositores profesionales, y por otra parte a Goldsmith no le gustaba nada la forma en que el director tomaba las decisiones sobre sus composiciones y melodías. Finalmente la banda sonora salió para adelante y funcionó muy bien, la música le da más intensidad al ambiente solitario, agobiante y opresor que se consigue en la película consiguiendo que el espectador se vea completamente sumergido en la historia, aumentando la inquietud y el miedo de la proximidad de un monstruo que aún no se deja ver. El enorme éxito que tuvo la película a nivel visual, interpretativo y musical habla por sí solo sobre el gran trabajo de Jerry Goldsmith. La interpretación de toda la banda sonora fue de lujo, la National Philarmonic Orchestra bajo la batuta de Lionel Newman.

El objetivo de Goldsmith para la banda

ali

En el espacio no se oirán tus gritos. Con esta conocidas sagas de terror espacial, Alien. Una cuidó al detalle, el aspecto visual, artístico y mu explorar la música y sus entresijos. Y recordad los gr

sonora fue crear melodías con un sentido del romanticismo con líricas misteriosas en las primeras escenas que dejan en bandeja el resto de la banda para crear un ambiente de suspense y terror. Sí, no me he equivocado al escribirlo, hizo melodías con un sentido del romanticismo y para confirmarlo en dichas melodías se han insertado partes de la pieza Symphony No 2 <<Romantic>> de Howard Hanson en los créditos finales.

Dentro de la grabación se vieron obligados a volver a rescribir y reinterpretar algunos

CORCHEAS SOSTENIDAS POR B

por juan carlos martínez álvare

ien

a inquietante frase arrancaba una de las más a auténtica obra maestra hecha cine. Todo se usical. Vamos a embarcarnos en la Nostromo y d, da igual que gritéis, en el espacio nadie oirá ritos.

fragmentos para que tuvieran una conexión entre sí y crear una banda sonora con continuidad sin cortes ni cambios sin sentido.

Durante este proceso, Goldsmith ha confesado que trabajó a propósito llevando la contraria de los productores le pedían, y el trabajo final es brillante y según el propio director Scott es una banda sonora “llena de belleza lúgubre”.

Es ya un hecho más que demostrado que a los grandes artistas hay que dejarles que den rienda suelta a su creatividad dejándolos libres para que desarrollen su arte en todo su esplendor.

BEMOLES

ez

En Noviembre de 1979 se publicó la banda sonora, con diez cortes de 35 minutos de duración. Años más tarde, en 2007 salió un doble CD con la banda sonora original más cortes alternativos y ensayos de Jerry Goldsmith.

Aliens, El Regreso Tras el gran éxito de Alien, El Octavo Pasajero, rodaron la segunda parte,;Aliens, El Regreso. La composición de la banda sonora corrió a cargo de James Horner, autor de bandas sonoras míticas como Krull, Willow o Brave Heart, entre otras muchas otras.

Cuando Horner llegó a londres para empezar a componer la banda su objetivo era ver el metraje final y en unas seis semanas escribir toda la banda sonora. Cuando llegó se encontró con que aún estaban filmando y editando la película, con lo que se vio obligado a trabajar tres semanas sobre una película que aún no estaba terminada; además Horner se quejó de que el director Cameron, estaba más concentrado en los efectos de sonido de los rifles que de la música con lo que se vio un tanto desplazado y no le hizo mucha gracia.

La banda sonora se grabó por la prestigiosa London Symphony Orchestra en los míticos Abbey Road Studios. En definitiva, que a falta de seis semanas a falta del estreno el doblaje no se había hecho ni se había escrito la banda sonora, esto fue porque Horner no disponía del metraje final y tenía poco material sobre el que trabajar. Además que Horner tuvo que trabajar a contrareloj, algunas escenas las tuvo que rescribirlas a última hora porque Cameron decidió cambiarlas y más de una y dos noches le tocó a Horner escribir dichos cambios. Por culpa de esta presión Horner pidió a Cameron que retrasara el estreno y se lo negó tanto Cameron como la productora.

Estoy hizo que la banda sonora se grabase íntegramente

jerry goldsmith

CORCHEAS SOSTENIDAS POR BE

en cuatro intensos y maratonianos días. A pesar de todo esto, James Horner recibió un premio a la mejor banda sonora original. Todo un profesional. Y tras esta primera no tan afortunada experiencia, Cameron y Horner no se tuvieron ningún tipo de rencor hasta el punto de que en esta película comenzó una estrecha colaboración entre ambos en prácticamente todas las películas que Cameron ha realizado.

Alien 3 Y llegó la tercera parte, tras las dos exitosas primeras partes, la 20th Century Fox quiso repetir el éxito de la saga que ya por entonces era mítica con una tercera parte. Esta vez el director fue otra vez Ridley Scott y la banda sonora corrió a cargo del compositor Elliot Goldenthal en cuyo currículum destacan las bandas sonoras de las películas Cementerio de Animales y Entrevista con el Vampiro.

Aunque a punto estuvo de no tener banda sonora, puesto que David Fincher pretendía que la película no tuviera banda sonora, para conseguir una atmósfera cruda y angustiosa, sólo tener los efectos de sonido; pero la Fox no le hizo ninguna gracia y exigieron tener una película con su banda sonora. Como viene siendo habitual en la saga, cuando estaba ya terminada la banda sonora y goldenthal ya tenía hechas las maletas para irse, el director le cogió por banda y le dijo que habían cambiado varias escenas a última hora y añadido algunas y se tenían que cambiar composiciones actuales o crear composiciones nuevas y al compositor le tocó trabajar unas cuantas horas extras más a contrareloj. Aunque el director dijo que el rodaje fue un auténtico infierno, no se dieron muchos problemas en la composición e interpretación de la banda sonora. Goldenthal consiguió una banda sonora válida, bastante buena y muy variada.

EMOLES

Alien Resurrection No hay tres sin cuatro, gracias a la recaudación de las anteriores tres películas, la ya saga de Alien se convirtió en la gallina de los huevos de oro. Además de que Alex de la Iglesia estuvo a punto de ser el director, Sigourney Weaver metió a la primera una canasta de espaldas a más de nueve metros de distancia con sólo entrenar dos semanas con un jugador de la NBA y que Winona Rider estuvo a punto de ahogarse, John Frizzell fue el compositor de la banda sonora, como en las otras entregas, su objetivo era hacer una banda sonora “oscura y tormentosa que de sensación de una atmósfera fría” en la película. Lo consiguió con bastante éxito, pero no todo el mundo pensó así, un crítico llegó a decir que la banda sonora es “desordenada e incoherente. Una falta de un material temático sólido que hiere la viabilidad musical de la película, y destruye la escucha potencial del CD”. Estos críticos... Aunque su composición y producción pasó sin pena ni gloria, la banda sonora caló mucho entre los seguidores de las películas, tanto que al final se sacó una edición especial limitada a 3500 copias, un doble CD con la banda sonora original y unos cuantos cortes que se interpretaron pero que por algún motivo fue rechazado para el montaje final de la película.

Mucho se ha hablado de las películas en plan directores, actores, anéctodtario del proceso de grabación, el arte del genial y tristemente desaparecido Giger, etc. Pero poco se ha hablado de la música donde gigantes de la composición de las bandas sonoras como Jerry Goldsmith o James Horner y las dificultades y retos con que se encontraron, en este artículo se ha intentado desvelar estos misterios.

Espero que no hayáis gritado mucho, aunque da igual, porque en el espacio...

JUAN CARLOS MARTÍNEZ

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BATMAN: EL TRIBUNAL DE LOS BuHOS

100% MARVEL. LOKI: AGENTE DE ASGARD 1

NIGHTWING NuM. 07

multiveristy dc - agosto14/abril15 - creador: Grant morrison - Guionista: grant morrison - dibujantes: Ivan Reis, Frank quitely y cameron stewart Actualmente podríamos decir que un proyecto que haya tardado ocho años en salir a la luz puede ser algo raro, sobre todo en la época en la que vivimos, en la que tenemos acceso a lo que queremos cuando lo deseamos y parece que la industria del cómic además se mueve de manera aún más veloz, con colecciones que apenas llegan al año de vida o arcos argumentales de tres meses que se ven trastocados por el crossover anual de turno tras el cual “nada volverá a ser como antes”. Pero hay un proyecto en DC que sí ha tardado ocho años en ver la luz, casi una década para presentar una nueva visión de una larga tradición de la editorial madre de Superman, Batman y Wonder Woman, y está escrito por el grandioso guionista Grant Morrison.

Durante todos estos años, una serie de pistas y revelaciones fueron dadas a los aficionados para que se fueran haciendo a la idea de la gran obra con la que podrían encontrarse cuando se publicase.

Ya el título evocaba un momento y unas narraciones que encandilarían a los grandes aficionados de la larga trayectoria de DC: Multiversity. El Multiverso DC, las 52 Tierras alternativas de esta magnífica editorial, volvería a ser protagonista de una miniserie de diez números que explorarían el nuevo status quo del mismo en los Nuevos 52.

La estructura de la miniserie es la siguiente: Durante dos números, Morrison contará la historia principal de Multiversity,

mientras que en otras siete entregas serán las encargadas de visitar una realidad alternativa por número y el cómic final servirá como guía al Multiverso DC. Grant Morrison ya avisó que la historia, aunque centrada en siete Tierras paralelas, influirá en las 52 que conforman el Multiverso DC. Además, cada entrega contará con la intervención de dibujantes diferentes, teniendo como ejemplos a Chris Sprouse, Karl Story, Ben Oliver, Frank Quitely, Cameron Stewart, Ivan Reis, Joe Prado y Nei Ruffino.

Dan DiDio, uno de los directivos de DC Comics, ya alababa en 2009 la visión de Grant Morrison sobre el Multiverso: “Me encantaría que la gente pudiera tener una

charla junto a Grant sobre el tema. Lo tiene tan claro en su mente, tal y como él quiere que sea. Los cambios son tan importantes, dramáticos, pero sutiles que si no se ejecutan de manera apropiada, parecerá más de lo mismo. Pero llevado de la manera que él plantea, hace que se sienta extraordinariamente especial. En este punto, no tenemos ninguna razón para tener más encarnaciones de nuestros personajes en diferentes mundos. Necesitamos que sean extraordinariamente especiales.

Y merece la pena esperar a que una persona como Grant haga estas cosas”.

A pesar de que se mantiene dentro del Universo DC y tiene sentido oficial dentro de la cronología actual, Multiversity no interactuará con la Tierra de los Nuevos 52. Y es que debemos recordar que este proyecto comenzó cinco años antes que el propio relanzamiento de las colecciones de la editorial estadounidense, aunque Grant Morrison no pensó en ningún momento en utilizar personajes de las publicaciones regulares de DC. “La colección se desarrolla en mundos completamente diferentes y ninguno de ellos se ha visto afectado por llo que ha ocurrido durante los Nuevos 52, gracias a Dios”, decía el guionista en 2012.

Durante los años que han pasado desde la concepción de la miniserie hasta el momento de su publicación el pasado 20 de agosto, Grant Morrison ha ido dando ciertos esbozos de las Tierras Paralelas que veremos en Multiversity. Como podréis ver a continuación, hay muchas variedades, algunas bastante curiosas: -Tierra 23: El personaje principal de Multiversity surge de esta realidad alternativa, y es un personaje que tuvo recientemente una revisión de su origen en el número 9 del segundo volumen de Action Comics.

Calvin Ellis, el Superman de su Tierra, es también el Presidente de los Estados Unidos, una suerte de Barack Obama kryptoniano que apareció por primera vez en el Crisis Final #7. El número en el que se centrará en esta Tierra verá cómo se unió la Liga de la Justicia de este particular

mundo.

-Mundo Trueno: Descrita esta intervención por el propio guionista como “mi visión definitiva de la familia Marvel”, Multiversity volverá a visitar el mundo creado originalmente en la editorial Fawcett Comics donde nació el primer Capitán Marvel, el superhéroe ahora conocido como Shazam debido a unos cuantos problemas de derechos sobre las denominaciones de los personajes. Volveremos a visitar el mundo en el que toda la familia Marvel, liderada por Billy Batson, se enfrentarán a una nueva aventura que bien podría titularse “Capitán Marvel y el Día que Nunca Fue”, según las palabras de Grant Morrison.

las técnicas que se utilizaron en ella”, afirma Morrison.

-Tierra Nazi: En el anuncio oficial, Morrison habló de los “Hombres del Nuevo Reich de Tierra 10” y en esta versión veremos a una Liga de la Justicia nacionalsocialista.

“Imaginad que Superman sirve durante 25 años a Adolf Hitler y sus ideales. No sólo es un Superman Nazi, es un Superman Nazi que sabe que la sociedad en la que vive, aparentemente utópica, se ha cosntruido sobre los huesos de miles de muertos. En definitiva, es algo que está

-Tierra Prime: Nuevamente, nuestro mundo se incluirá en la trama de un cómic, volviendo a formar parte del Multiverso DC de una manera genial. Grant Morrison mencionó que retomaría la idea de Ultraa, un personaje de la Edad de Plata que fue enviado desde su planeta moribundo hasta la Tierra de nuestra propia realidad y que, viendo que aún no estábamos preparados para tener superhéroes, decidió viajar al Universo DC. Además, gracias a las imágenes promocionales, podemos suponer que una gran parte de esta historia tiene que ver con nosotros mismos, con los lectores que disfrutaremos Multiversity.

-Pax Americana: La Tierra 4 volverá a los cómics en Multiversity, con un planteamiento original sobre los personajes de la antigua editorial Charlton Comics, aquellos que buscaban revitalizarse gracias a Watchmen: ¿Y si la magnífica obra de Alan Moore se escribiese hoy en día? Grant Morrison quiere reutilizar los conceptos y las técnicas que Dave Gibbons y Alan Moore utilizaron en su obra para aplicarlo a este nuevo proyecto en el que tendremos también una imagen icónica: si Watchmen tenía una insignia sonriente manchada en sangre, Pax Americana tendrá el símbolo de la paz envuelto en llamas. “Es una historia que comienza con la muerte del Presidente de los Estados Unidos. No pretende ser Watchmen, sólo ser un eco de

mal y debe ser destruido”, nos aclara Morrison, dejándonos ver cierto paralelismo con Superman: Hijo Rojo.

The Just: Esta versión del Universo DC, Tierra 11, tiene como protagonistas a los hijos de Superman, Batman y el resto de héroes, en lo que parece ser una versión de reality show en la que todos son celebridades propias de la MTV. En esta Tierra veremos versiones de algunos personajes de los 90, como Conner Hawke, Kyle Ray-

ner y Walker Gabriel.

Sociedad de Superhéroes: Los héroes pulp de la editorial DC también tendrán su realidad paralela en Tierra 20, como la ha denominado el propio Morrison. Según el propio guionista, en esta Tierra nos encontraremos con “un Doc Savage que, de alguna manera, se ha convertido en una especie de Doctor Fate, que se une al Poderoso Atom, el Hombre Inmortal, Lady Blackhawk y sus Halcones Negros, y a Abin Sur, más conocido como Green Lantern”.

Por supuesto, Morrison ha confirmado la creación de unos cuantos personajes nuevos, como la Liga de la Justicia de Vampiros de Tierra-43, los Jinetes de la Justicia de Tierra-18, Superdemonio, los devastadores Represaliadores de Tierra-8, los Caballeros Atómicos de la Justicia, Dinopoli, la Hermana Milagro o Lady Quark.

Una multitud de personajes nuevos que darán un nuevo giro a toda la trama de Multiversity, que además sirve como ho-

menaje a la tradición de DC con el Multiverso. ¿Y qué nos encontraremos en el primer número?

Multiversity juega una carta que hasta ahora no habíamos podido ver con total libertad: los cómics son la ventana a otras Tierras paralelas, pero no sólo en Tierra Prime, si no en todas las Tierras del Multiverso. Todo comienza con la visión de un dibujante de su primera página para una historieta, mientras recibe un miércoles cualquiera sus novedades de la semana (en Estados Unidos, todos los miércoles se publican determinadas entregas de diferentes colecciones regulares de cada editorial), entre las que se encuentra un supuesto cómic maldito, publicado por DC: Ultra Comics. Es entonces, cuando está a punto de comenzar una reseña del material, cuando comienza la aventura, en la que visitaremos una devastada Tierra-7 y pronto saltaremos al protagonista verdadero de Multiversity, Superman de Tierra-23, uno de los elegidos por el Último Monitor para salvar la integridad del Multiverso.

Con unas primeras páginas quizás algo confusas para el lector poco habitual de cómics, Multiversity nos presenta una buena cantidad de héroes antes de saltar a la primera realidad alternativa, Tierra-8, en la que encontraremos una gran serie de analogías con los personajes de la editorial Marvel en los Represaliadores y cómo la historia avanza hasta el punto en el que el propio cómic nos pregunta cómo hemos sido capaces de haber leído esta historia, que ha provocado todo lo que hemos leído y que recemos para que no sea demasiado tarde y dejemos de leer Multiversity. ¿Vosotros le haríais caso? Multiversity es una obra que promete recimentar el Multiverso DC entre los aficionados a los cómics, haciéndonos además partícipes de una manera muy directa. Una miniserie preparada durante ocho años que promete sorpresas en cada entrega.

MIGUEL DE ANDRÉS BAYÓN

star wars dark horse dark horse- 1991/2014 distribucion nacional: planeta deagostini Marvel fue la primera editorial que se hizo con los derechos de la saga STAR WARS para adaptarla al mundo del comic entre 1.977 y 1.986, pero desde 1.991 hasta ahora, la editorial de Dark Horse ha sido la encargada de traernos decenas y decenas de historias en viñetas de nuestros personajes favoritos de la saga original y también de personajes originales que se han hecho un lugar en nuestros corazones. Vamos a repasar todas las sagas de las que hemos podido disfrutar durante todos estos años y que ahora están siendo publicadas en España gracias a Planeta DeAgostini en tomos de lujo a todo color: I

Imperio Oscuro: Tras la victoria en la batalla de Endor, la Alianza Rebelde proclama una Nueva República que se dedica a reconquistar la galaxia de manos del Imperio, pero ya no cuentan con los caballeros jedi que aseguraban la paz en la anterior república...

Luke Skywalker y R2-D2 son capturados y descubren que el Emperador sigue vivo, sus poderes del reverso tenebroso le permiten viajar de un cuerpo a otro tras su destrucción, lo que obliga a Luke a adentrarse en el lado oscuro para derrotar al Emperador desde dentro. Una saga oscura con un argumento sólido, reforzado por la

presencia de los personajes conocidos de la saga.

Tales of the Jedi: Compuesta por ocho arcos argumentales, seis de ellos están situados La Gran Guerra Sith que transcurre en La Era de la Antigua República, un conflicto en el que los Sith pretenden dominar la galaxia, con principal protagonismo del Sith Ulic Quel-Droma. Los otros dos arcos argumentales tienen lugar mil años antes, durante la Gran Guerra del Hiperespacio, teniendo como protagonista al lord oscuro Naga Sadow.

Droides: Al igual que la serie de dibujos animados homónima (pero con historias diferentes), esta saga nos cuenta las peripecias de C-3PO y R2-D2, mostrándonos su forma de sobrevivir antes de los sucesos del episodio IV. Estos dos androides serán espectadores de primera fila durante la formación del Imperio Galáctico.

X-Wing: Rogue Squadron: Varias sagas que nos cuentan batallas espaciales que tienen lugar tras el episodio VI, con las naves Ala-X y sus pilotos como principales protagonistas, destacando a nuestro viejo conocido Wedge Antiles y su escuadrón, que serán los defensores de la paz en la Nueva República.

Imperio Carmesí: Los misteriosos guardias reales del Imperio son los absolutos protagonistas de este compendio de series, el poderoso Carnor Jax aprovecha la debilidad del Imperio tras su derrota para traicionar a la guardia real, pero será perseguido por el superviviente Kir Kanos, que arriesgará su vida para hacerle pagar tal afrenta.

República: Una extensa saga cuyos sucesos tienen lugar desde antes del Episodio I hasta después del Episodio III, aunque en realidad se titulaba Star Wars a secas, hasta que tomó el título de República a partir del número 46. Contará con la presencia de personajes conocidos, como Obi-Wan Kenobi,Anakin o Mace Windu, y personajes originales, como el amnésico Quinlan o Yoshi Raph-Elan.

Star Wars Tales: Una serie de historias cortas no canónicas (pero influenciadas muchas veces por la historia canónica principal) que tienen lugar en diferentes eras y con diferentes personajes, desde los clásicos como Han Solo, Chewbacca o Darth Vader, hasta el patoso de Jar Jar Binks.

Unión: Tanto partidarios de la Nueva República como del imperio, intentan impedir la boda del Jedi Luke Skywalker con Mara Jade, antigua mano derecha del Emperador. El amor es el protagonista en esta serie, de manera similar al romance entre Anakin y Amidala posteriormente en el Episodio II.

Chewbacca: Tras la muerte del Wookie en el planeta Sempidal, sus amigos Han Solo, Lando, Luke y Leia nos narran una serie de historias sobre su peludo amigo, sus heroicida-

des y la cultura de su misterioso pueblo.

Darth Maul: Darth Sidious ordena a su aprendiz Darth Maul que destruya a la organización Sol Negro, ya que es una amenaza para sus planes. Los vigos del Sol Negro se creen invencibles, pero uno a uno irán cayendo a los pies del Sith, sus objetivos son los Vigos Darnada, Morn y el maestro Alexi Garyn. Los hechos tienen lugar antes del Episodio I.

El Consejo Jedi: Los Yinchorri son una amenaza inminente, y el Consejo Jedi toma cartas en el asunto, mandando a seis miembros del Consejo y seis caballeros Jedi más a Yinchorr para acabar con este problema. Cuenta con la presencia de personajes conocidos como Mace Windu o Yoda en una batalla sin precedentes.

Jedi vs. Sith: Narra una historia que tiene lugar mil años antes del Episodio IV, en el planeta Ruusan, donde se enfrentaron ejercitos de caballeros Jedi y Sith. La batalla fue horrible para los dos bandos y dio lugar a la leyenda de que los sith siempre son dos, un maestro y un aprendiz. Los protagonistas serán los adolescentes Gato y Bicho junto a la pequeña Lluvia, que serán reclutados por el ejército Jedi y sufrirán el destino de la guerra desde tan temprana edad.

Underworld: The Yavin Vassilika: Nos cuenta la competencia entre tres Hutts para ver quién reúne al mejor equipo de cazarrecompensas para que pueda recuperar la la legendaria gema Yavin Vassilika. La pandilla de sinvergüenzas que irá tras la gema contará con la presencia de caras conocidas como Han Solo, Chewbacca, Bobba Fett y Greedo entre otros.

Star Wars: Infinitos: Esta serie presenta gran cantidad de historias que recuerdan a los “What if...” de Marvel, historias no canónicas que presentan hechos acaecidos en la trilogía original, pero con cambios argumentales, como qué habría pasado en el Episodio IV si Luke no hubiera acertado el disparo que destruyó la Estrella de la Muerte, qué habría pasado en el Episodio V si Luke hubiera muerto congelado en Hoth, o cómo habría cambiado la historia en el Episodio VI si C-3PO no hubiera sido intérprete de Jabba el Hutt durante su conversación con Leia en el rescate de Han Solo.

Imperio: Estas historias transcurren tras el Episodio IV, durante la Era de la Rebelión. Historias como la traición contra el Emperador, cuyos enemigos tendrán que vérselas con Darth Vader, o el oscuro sith enfrentándose a aliens en un planeta desconocido tras la destrucción de la estrella de la muerte

son ejemplos de las apasionantes historias que encontraremos en esta serie. Incluso veremos una saga de lo más emocionante protagonizada por Leia, figura importante de la rebelión y seguida ahora por multitud de rebeldes.

Aventuras en las Guerras Clon: Inspirada por la serie animada de las guerras clon, estos comics imitan el estilo de dibujo de la serie homónima para contarnos las aventuras de Obi-Wan y Anakin, siendo posteriormente sustituída por la serie Guerras Clon Trimestral.

Star Wars: Jedi: Narra cinco historias autoconclusivas protagonizadas por cinco Jedis durante las guerras clon: Mace Windu, que deberá enfrentarse a su maestro Vaapad. Shaak Ti, que deberá sobrevivir a una batalla con toda la ayuda posible, incluso la de un asesino que ha matado a su propio alumno.

Aayla Secura, que tendrá que enfrentarse a la malvada Aurra Sing. El conde Dooku, que se enfrentará a la traición de Quinlan Vos y por último Yoda al que veremos liderar al ejército clon contra su amigo desde hace doscientos años.

General Grievous: El general de los seis brazos se enfrenta al maestro Jedi T’chooka y su padawan Flynn Kybo, tras asesinar al maestro, Kybo urde un plan para acabar con Grievous, pero éste es rechazado por el consejo Jedi, por lo que el joven padawan tendrá que buscar justicia por sus propios medios, reclutando compañeros que también odien al malvado ciborg, mientras Grievous secuestra una nave de carga cuyo cargamento puede darle una inesperada ventaja sobre los jedi.

Star Wars: Obsesión: Obi-Wan y Anakin protagonizan esta historia que sirve como puente entre el Episodio II y el Episodio III. A pesar de que Anakin afirma haber matado a la sith Asajj Ventress, Obi Wan está obsesionado con que sigue viva y va en su busca junto a su padawan, abandonando sus deberes en el Consejo Jedi. Esto le conducirá a una trampa hurdida por sus enemigos Durge y el Conde Dooku.

Star Wars: Purga: Esta saga tiene lugar entre el Episodio III y el Episodio IV, su protagonista absoluto es Darth Vader, que viajará por la galaxia poniendo fin a la vida de los pocos caballeros jedi que han sobrevivido a la orden 66, torturándolos para sonsacarles información sobre el paradero de Obi-Wan Kenobi, para poder vengarse de su maestro y terminar con la oposición al imperio de una vez por todas.

Caballeros de la Antigua república: Secuela de la serie Tales of the Jedi y precuela de los videojuegos Caballeros de la Antigua República I y II, toma lugar durante las guerras Mandalorianas, con el padawan Zayne Carrick como protagonista, que ha sido culpado de un crimen que no ha cometido y es perseguido por los jedi. Mientras intenta probar su inocencia, conocerá a un grupo secreto de jedis que no rinden cuentas ante el Consejo Jedi y que buscan cambiar la orden de caballeros.

Star Wars: Rebelión: Continuación de la serie Imperio, consta de varios arcos argumentales que comienzan con la historia de Jorin Soul, que ha sido rescatado por sus compañeros rebeldes de manos del Imperio, pero tras su aparente inocencia, intentará acabar con la alianza rebelde desde dentro, mientras que Janek “Tank” Sumber, antiguo amigo de Luke Skywalker y ahora miembro del Imperio, contacta con Luke diciéndole que quiere desertar para unirse a la rebelión, por lo que tendrá que decidir si confía en él o si pretende destruirle.

Star Wars: Legado: Los hechos tienen lugar más de un siglo después del Episodio VI, siendo una especie de renacimiento de la saga original, con nuevos miembros de la familia Skywalker, nuevos caballeros Jedi, un nuevo Imperio y una nueva orden Sith, con un dibujo y unas tramas muy adultos que bien podrían haber dado lugar a un guión para el episodio VII.

Star Wars: Tiempos Oscuros: Esta serie es continuación de República y tiene lugar poco después de los eventos vistos en Purga, contando hechos que se suceden entre el Episodio III y 19 años antes del Episodio IV. Protagonizada por personajes clásicos como Darth Vader y el emperador junto a nuevos personajes como el jedi Dass Jennir y Bomo Greenbark.

Star Wars: Vector: Cuenta la historia de la jedi Celeste Morne durante los sucesos de varias series anteriores, Caballeros de la Antigua República, Tiempos Oscuros, Rebelión, y Legado. El Pacto Jedi encarga a Celeste la tarea de recuperar el Talismán de Muur, una reliquia Sith que tiene el poder de controlar a las criaturas mutantes rakghouls. También debe llevar ante la justicia al padawan fugitivo Zayne Carrick, declarado culpable de una masacre de jedis, pero Celeste empieza a dudar que sea culpable. Una saga muy recomendable para quien quiera ver a una verdadera aventurera jedi de armas tomar como la que esperamos poder ver en las próximas películas.

El Poder de la Fuerza: Este comic está basado en el videojuego homónimo, cuenta la historia de Starkiller, el aprendiz secreto de Darth Vader y las

misiones suicidas a las que su maestro le envió para fulminar a los jedi.

The Star Wars: Este comic está basado en el primer borrador de Star Wars Episodio IV, con un Luke Skywalker bastante mayor y que ya empieza siendo jedi, siendo el protagonista Annikin Starkiller, padawan de Luke. Es muy parecido a la historia original, pero difiere en un número suficiente de hechos como para ser una lectura obligada para todo fan de la saga.

A todas estas series habría que sumar una genial adaptación en manga, que sigue paso a paso los hechos acaecidos en los episodios I,IV,V y VI. Tras todas estas maravillosas series, Marvel ha anunciado hace poco que acaba de recuperar los derechos de Star Wars, con nuevas historias sobre los personajes de la saga original y apuesto a que acabará adaptando el episodio VII y los que vendrán después. Los fans de la saga galáctica no podemos estar más satisfechos, tenemos sables de luz y disparos laser para rato.

JOSE LUIS SORIANO

novedades ecc

miracleman Marvel Comics(2009) - 1954 - creador(etapas): mike anglo/alan moore/neil gaiman/grant morrison y joe quesada Hablar de Miracleman implica tratar acerca de una de las series míticas de los años 80. Pero si dijésemos que es una serie propia de dicha década, incurriríamos en el primer error. Y es que realmente, el personaje fue creado allá por el año 1954 por Mick Anglo para la editorial L. Miller & Son. Seguramente, los amantes del comic verán ciertos paralelismos con el personaje del Capitán Marvel (actualmente denominado simplemente Shazam) de DC Comics, y es que no en vano se trataba de crear una réplica de dicho personaje, pero para el mercado inglés. Por ejemplo, y como característica común entre los dos personajes, ambos necesitaban pronunciar una palabra para poder transformarse en su alter ego superheróico. En el caso de Billy Batson, la palabra era Shazam!, mientras que en el caso del periodista Micky Moran era Kimota (Atomic pronunciado al revés, con la K que permite mantener la sonoridad en la pronunciación).

Al igual que el personaje de la Fawcett Comics (sí, Fawcett, ya que no fue hasta el 1972 que DC les compró realmente sus derechos), Marvelman (nombre que tuvo originalmente el actual Miracleman hasta que en 1985 la editorial Marvel presionara

para el cambio de nombre, por motivos obvios de similitud con el de la editorial americana) contó incluso con aliados que no eran sino réplicas más jóvenes del mismo, como Young Marvelman y Kid Marvelman (los equivalentes a Mary Marvel, etc.)

Pero no fue hasta la década de los 80, cuando el personaje ganó en calidad y popularidad. Y es que en el año 1982, el sempiterno Alan Moore (y posteriormente Neil Gaiman) retomó el personaje, dándole un tono más realista, maduro y (cómo no) oscuro.

En los primeros números de esta colección, editada originalmente por Warrior (la misma revista que vio nacer por ejemplo a otra serie mítica como V de Vendetta), Moore se dedica a poner patas arriba el mundo de Micky Moran, dando una perspectiva completamente diferente a las aventuras del personaje.

De este modo, y sin entrar en spoilers, Moran descubrirá cuál es el origen verdadero de sus poderes, así como el de sus aliados, y para ello se toma como punto de partida un hecho acaecido en la década de los 60, al que se hará referencia en múltiples ocasiones. Desde luego, todo

será menos colorista que en las aventuras originales del personaje, dando paso a historias mucho más adultas.

Ya en esos comics del año 82 se pueden apreciar algunos de los puntos comunes en la obra de Alan Moore que produciría después, como por ejemplo la citada V de Vendetta o Watchmen. Así, una vez más podremos comprobar cómo influye en la vida de personas normales el hecho de compartir mesa, mantel y por qué no decirlo, cama, con seres superpoderosos, o en qué medida los gobiernos toman parte en la aparición de este tipo de series, para después tratar de controlarlos (sin conseguirlo completamente, dicho sea de paso).

Y es que, para quien lea por primera vez estos comics, resultará bastante familiar ese tono adulto de Moore, que busca como en múltiples ocasiones hiciera después, plantear los dilemas que supondría encontrarse con superseres en el mundo real.

Otra característica de Miracleman, a la que incluso en algún momento se hace referencia en el propio comic, es ese sabor añejo a los tebeos de ciencia ficción británicos. No en vano, en el Reino Unido

se crearon múltiples títulos de ese género, en torno a esta época, y con Miracleman se trataba de cruzar esa delgada línea que lo separa del género superheróico, dando así pie a historias que, de no ser por la aparición del personaje, bien podrían ser enmarcadas dentro de la pura ciencia ficción. Para ello, Garry Leach, dibujante de la mítica serie de ciencia ficción Dan Dare (perteneciente a 2000 AD), fue quien inicialmente se hizo cargo del apartado gráfico de Miracleman; posteriormente le seguirían otros dibujantes míticos como el gran Alan Davis.

Habrá quien se pregunte por qué hablar de un comic que vio la luz en la “lejana” (para algunos, sobre todo los que la vivimos en plena infancia) década de los años 80. Esto se debe a la reciente adquisición de los derechos del personaje por Marvel comics, no sin mediar diferentes litigios legales. Y es que Neil Gaiman (quien se hiciera cargo de la serie originalmente a partir del número 17), y otros escritores, reclamaban sus correspondientes porcentajes de los beneficios, en mayor o menor medida, conforme a su aportación a la serie.

Esto ha impedido que durante años no haya podido reimprimirse material del personaje, el cual pasó a ser muy cotizado dada la dificultad de hallarlo.

Por ejemplo en nuestro país, y hasta la recientísima publicación por parte de Panini, no disponíamos más que de los números editados por Comics Forum, 11 en total, que recogían el material de los números guionizados por Moore, dentro del sello Eclipse. Son imposibles de encontrar así que quien los tenga, que los guarde como oro en paño.

Centrándonos en la edición de Panini, el primer tomo publicado que lleva por título “El sueño de volar”, recoge el material de los primeros números de la revista Warrior, junto con numeroso material adicional (bocetos, portadas alternativas, etc.) en una edición muy cuidada que hará las delicias de los lectores.

Por último, a modo de curiosidad, tal y como sucede en la nueva edición americana, en la de Panini no hallaréis el nombre de Alan Moore como guionista, sino la referencia “el guionista original”. Esto es debido a que Moore reniega del uso de los personajes de los cuales no posee los derechos. Entre esto y que últimamente nos pone “a caldo” a los que seguimos leyendo comics de superhéroes, incluso con treintaypico años…

Pero bueno, a tito Alan le perdonamos (casi) todo, más si cabe cuando ha dado joyas como este Miracleman.

JESÚS DE LA FUENTE

la caja tonta - la caj

cultura televisiva e

es e r b m o Mi n ga u r o , a v cal calva

las series que me gustan La actualidad de series está muy diversificada en el día de hoy y, como buenos lectores de NOSOLOFREAK, nos gustaría daros una visión general de lo que llega cada mes así como una pequeña reseña y posteriormente revisión de lo que la pequeña pantalla nos trae.

Por este motivo me han encargado esta pequeña sección sobre la actualidad de series y por supuesto os daré mi mayor esfuerzo indicando las series que se estrenan, las que se renuevan y el transcurso de las temporadas mes a mes.

l a s

dominion

the f lash

m a s e s p e r a d a s

gotham

Vamos a comenzar por las series que se estrenan este mes de Septiembre y comenzamos el mismo día uno cuando se estrenó una miniserie del canal historia americano llamada “HOUDINI”. Esta miniserie de dos capítulos nos transportará a la vida del escapista y nos mostrará los entresijos de sus trucos, su fascinante vida pública desde los comienzos hasta alcanzar la fama y por supuesto un pequeño vistazo a la vida privada que había detrás del hombre. Protagonizada por Adrien Brody, no creo que a los amantes del ilusionismo se les deba pasar esta oportunidad.

the starin

El día 12/09/2014 se estrenará en Sy Fy en USA una nueva serie de Zombies, “Z Nation”. Con unos infectados mucho más rápidos y letales que los que podemos ver en otras series, esta nueva obra de ciencia ficción nos lleva a un mundo que ha superado un Apocalipsis y del cual hay un superviviente que ha superado la infección. La trama inicia con la misión de recoger dicho superviviente en Nueva York y su traslado hacia un laboratorio en California para analizar su sangre. En esta serie tendremos varios actores que ya conocemos como Harold Perrineau (Sons of anarchy) Tom Everett Scott (southland) o Dj Qalls (supernatural) entre otros.

ja tonta - la caja ton

en bote mensual

Para los amantes de la serie de ambientación histórica, la cadena Lifetime Nos trae “Deliverance Creek” el día trece de este mes comenzará esta serie donde veremos a Belle Barlowe (interpretada por Lauren Ambrose de “A dos metros bajo tierra”) luchar por la supervivencia de su familia en un entorno hostil a finales de la guerra civil americana. La elección es vuestra pero yo creo que la veré.

Un grupo de adolescentes en un hospital, distintas enfermedades los mantienen ingresados y su día a día es una tragicomedia en la que una sociedad secreta formada por ellos mismos les da la actividad de cualquier otro joven, este es el argumento de la serie “Red band society” que se estrena el día 17/09/2014 bajo la producción de Steven Spielberg que según sus propias palabras se emocionó con la historia al leer “pulseras rojas”, libro en el que se basa esta nueva serie de FOX USA.

A algunos nos gusta el tema político y cómo no, este año tenemos también nuevas series al respecto, en particular, el día 21/09/2014 se estrena “Madame secretary” donde veremos a Tea Leoni convertida en secretaria de estado de los estados unidos, teniendo que lidiar con todo lo que ello conlleva. Producida por Morgan Freeman entre otros, esta serie de CBS me deja en su trailer una cierta reminiscencia a “El ala oeste de la casa blanca” y tiene muy buena pinta.

El día 22 de septiembre tendremos tres estrenos: En la cadena ABC se emitirá un sneak preview de “Forever”, una serie sobre crímenes con un elemento que puede ser tanto bueno como malo. El argumento nos indica que hay un médico forense, inmortal que puede resolver los crímenes y casos que se le presentan, excepto el suyo propio y es que cada vez que muere “resucita” en un lugar con agua y desnudo… Puede ser curioso pero no dejará de ser una serie de casos policiales, ¿o sí? La serie como tal se estrenará el día 23.

la caja tonta - la caj

cultura televisiva en

El segundo estreno de este día 22 es uno que todos los frikis esperamos y es “Gotham”, en la cadena FOX. Esta serie puede ser muy grande o un gran fiasco y aunque el trailer nos presenta una gran oportunidad de ver la creación de los malvados de Batman o incluso el origen del personaje del comisario Gordon que será el protagonista, no deja de haber un resquemor en mi subconsciente. Cuando hayamos visto los primeros capítulos os cuento.

Por último, en la cadena CBS estrenan “SCORPION” una serie sobre un grupo de genios que resuelven situaciones “casi” a lo equipo A, el trailer tiene buena pinta, pero como todo habrá que ver cómo se desarrolla y ya que acabó “Leverage” creo que tenemos aquí un sustituto que puede ser digno.

La ya conocida NCIS, abrirá nueva sucursal en New Orleans el día 23 así que atentos los fans porque tenemos un nuevo equipo en el juego. Spin off de la Serie NCIS de la cadena CBS.

El actor, anteriormente conocido como Morfeo en “Matrix” y ahora reconocido como gurú Jack Crawford en “Hannibal”, Laurence Fishburne hace de “abuelo” y de productor ejecutivo en una comedia de situación que se lanzará el día 24 y que tiene por título “Black ish” que se podría traducir por “negro o algo así”.

El mismo día 24 llega a las pantallas de estados unidos una serie que nosotros ya conocemos pero que, en base al trailer, (el cual no deberéis ver si no habéis visto la versión española principalmente porque os destroza con spoilers el primer capítulo entero) parece una buena versión de “Los misterios de Laura”. Este remake americano, cuenta con el protagonismo de la actriz Debra Messing (SMASH, Will y Grace) y con ese toque tan americano, nos ofrecen su visión de la serie de detectives española.

ja tonta - la caja ton

n bote mensual

NUEVAS TEMPORADAS 07/09/14 Boardwalk Empire, HBO USA. Quinta y última temporada.

09/09/14 Sons of anarchy, FX USA. Séptima temporada 11/09/14 Haven, Sy Fy USA. Quinta temporada 16/09/14 FOX USA The Mindy Project, tercera temporada New Girl, cuarta temporada 20/09/14 The Good wife, CBS. Sexta temporada 22/09/14 CBS. The Big Bang Theory, Octava temporada.

NBC USA. The Blacklist, segunda temporada

Por último este mes, tres estrenos que vienen de la mano de la cadena ABC: El día 25 se estrena How to Get Away With Murderserie que trata de unos estudiantes de derecho cuya universidad les otorga el privilegio de colaborar en casos reales y cuya profesora (interpretada por Viola Davis) les enseña los pasos necesarios tanto para descubrir un crimen como para ocultarlo.

El día 30 para finalizar se emitirá el primer episodio de “Manhattan love story”, comedia romántica básica sobre el conflicto de hombres y mujeres y “Selfie” una comedia que trata sobre una muchacha cuya afición a las redes sociales acaba pasándole mucha factura.

23/09/14 Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D. Segunda temporada CBS Person of interest, cuarta temporada NCIS, Décimo segunda temporada 24/09/14 ABC USA Nashville, tercera temporada Modern Family, sexta temporada The Goldbergs, segunda temporada The Middle, sexta temporada Comedy Central South Park, décimo octava temporada NBC USA Chicago PD, segunda temporada Law and order SVU décimo sexta temporada ABC USA Scandal, cuarta temporada 25/09/14 ABC USA. Anatomía de Grey décimo primera temporada FOX USA. Bones, décima temporada NBC USA. Parenthood, quinta temporada 26/09/14 CBS BLUE BLOODS, quinta temporada HAWAII FIVE-0, quinta temporada 28/09/14 ABC USA Revenge, cuarta temporada Resurrection, segunda temporada Once upon a time, cuarta temporada FOX USA Family Guy, décimo tercera temporada (Especial Crossover con los Simpsons) The Simpsons, vigésimo sexta temporada Brooklyn Nine-Nine, segunda temporada CBS CSI: CRIME SCENE INVESTIGATION, décimo quinta temporada 29/09/14 ABC. Castle séptima temporada CBS NCIS: LOS ANGELES, sexta temporada Mom, segunda temporada

g茅nero: terror-vampiros emisi贸n usa: fx estreno usa: 13 julio 2014 emisi贸n espa帽a: cuatro episodios: 13

Vivir en la cabeza de Guillermo del Toro debe ser una tarea complicada.

No me malinterpretéis, vivir allí como idea, un esbozo de un proyecto, no como un señor. Del Toro es el hombre de los mil y un proyectos, siempre envuelto en todo tipo de aventuras, abarcando cualquier formato. Por el marco de la puerta de su creatividad hay ideas que pasan holgadas (Mimic), otras que se deforman al pasar (Blade II), algunas casi no pasan por el hueco (El laberinto del fauno, Hellboy) y otras, simplemente, revientan el marco, la puerta, la pared y la casa entera (Pacific Rim).

Entre todos esos proyectos hay varios cadáveres en la cuneta como la eternamente aplazada versión de En las montañas de la locura de Lovecraft que ni el poderoso Tom Cruise puede echar a andar.

Entre tanto proyecto hubo uno que consiguió sacar adelante, bajo múltiples apariencias y no es otro que la Trilogía de la Oscuridad, ideada junto a Chuck Hogan, autor de Prince of thieves, novela en la que se basa la película The Town, dirigida y protagonizada por Ben Affleck.

La Trilogía de la Oscuridad (The Strain en inglés) aparece inicialmente como una trilogía de libros (Nocturna, Oscura y Eterna, 2009,2010 y 2011, editados en España por Suma de letras) que cosechan un gran éxito, llegando a publicarse su primer volumen de forma simultánea en castellano y en inglés. Tanta prisa no fue buena y Nocturna llegó a España con una traducción neutra, repleta de expresiones sin uso en nuestro país.

Cualquier lector de la trilogía se da cuenta a las pocas páginas de que el libro, de ritmo rápido y ágil, tiene mas de guión cinematográfico que de un libro al uso. Descripciones precisas, diálogos rápidos y una localización detallada de los personajes por la ciudad de New York.

A nadie le extrañó que, después de su adapta-

ción al cómic (publicada en España por Panini comics), diera el paso al medio audiovisual.

El proyecto pasó de querer convertirse en una ambiciosa saga de películas a quedar temporalmente estancado y de ahí a la solución plausible: una serie de tv.

FX apostó por la serie y con cinco capítulos emitidos de trece totales y una audiencia mas o menos estable, ya la ha renovado por una segunda temporada, con Guillermo del Toro y Chuck Hogan como productores ejecutivos y bajo la mirada de Carlton Cuse, un viejo conocido de Lost.

Muy interesante pero ¿que es The Strain?

The Strain es, a grandes rasgos, una nueva versión del mito clásico del vampiro, mezclado con miles de influencias y que intenta devolver a la figura del vampiro al rincón de las pesadillas del que ha salido, con una estética de cine B y muchos efectos especiales de la vieja escuela, mucho látex, dejando los digitales para lo justo y necesario.

La historia nos lleva a New York, donde un avión comercial que ha aterrizado en el JFK se queda muerto en la pista de aterrizaje. Sin comunicación externa ni signos de vida en su interior. Cuando las autoridades sanitarias entran e investigan determinan que lo ha podido causar un virus, pero esa misma noche se ha puesto en marcha un mecanismo que amenaza a la humanidad al completo, con la cercanía de un eclipse y la presencia de unos seres que propagan su mal a gran velocidad, comenzando por las familias de los viajeros del avión.

Guillermo del Toro dirige el episodio piloto de la serie,mas de una hora que sirve como presentación de los personajes, de la situación y además nos deja un par de escenas terroríficas, en el sentido clásico de la palabra. The

Strain es, ante todo, una historia clásica de terror con monstruos escondidos en las esquinas oscuras, babas y bichos, no hay mucho hueco para el terror psicológico. Bajo una iluminación tenue y amarillenta y un estilo visual propio de Del Toro, el piloto hace un ejercicio de síntesis para presentar a los protagonistas de la historia.

En el lado del bien está el doctor Eph Goodweather, interpretado por Corey Stoll (Nonstop y próximo villano de Marvel en Ant-man) y una peluca de las que merecen recibir premios, quizás el mejor efecto de la serie. Riéte del bueno de Nic Cage.

Alopecias aparte, el doctor Goodweather es un investigador del CDC (centro de control de enfermedades) encargado de investigar el extraño incidente del avión, recién divorciado y con un hijo.

Junto a él, dentro del equipo Canary del CDC tenemos a la doctora Nora Martínez (Mia Maestro) y a Jim Kent (Sean Astin, ex-Goonie y ex-hobbit).

Con la aparición de Abraham Setrakian (David Bradley, visto en la saga Harry Potter, en Broadchurch, Juego de tronos y en la excelente An adventure in space and time) se rompe la lógica científica imperante hasta el momento.

Este anciano superviviente del holocausto conoce demasiado bien la amenaza que se cierne sobre New York y a su causante principal, el Maestro. Armado con plata intenta impedir la propagación desde su tienda de empeños.

Entre la ciencia y la fe se encuentra Vasily Fet (Kevin Durand, otro ex-Lost), un enorme exterminador de plagas de la ciudad, que va a comprobar de primera mano lo profundo que se entierra el mal en la ciudad.

Como buen mexicano, Del Toro siempre introduce personajes latinos y además de la doctora Martínez, está Gus Elizalde (Miguel Gomez) y su entorno, un pandillero recién salido de prisión y que debe realizar unos encargos extraños la noche que aparece el avión. Algo relacionado con transportar un ataúd enorme...

Sin mal no hay bien posible, en el lado oscuro de la historia tenemos a Eldritch Palmer (Jonathan Hyde, visto en Jumanji), un magnate con problemas graves de salud y que ha realizado un trato con el misterioso Eichorst (Richard Sammel), el auténtico enemigo visible de esta temporada; un hombre extraño, desagradable y con varios secretos. El Maestro es el auténtico enemigo, un ser antiguo y deforme, viviendo en las sombras del mundo.

A estos personajes principales hay que sumarle una buena cantidad de secundarios, entre personal del CDC, familiares y “supervivientes” (si, entrecomillado...) del vuelo, ya aparezcan en su forma humana o en la de strigoi.

Por cierto, ¿que es un strigoi?

Los strigoi dependen todos del Maestro, su ancestral líder y grabado en su encogido entendimiento está la necesidad de volver a casa, con los suyos. Y es que, en esta ocasión, el amor es causa principal de la rápida propagación del mal.

Sus debilidades son, en parte, las clásicas.

Nada de luz, la plata les hace daño, vibra su imagen al reflejarse en un espejo y hay que cortarles la cabeza para acabar con ellos. Un poco de fuego después no les viene mal, para terminar de achicharrar a los gusanos, débiles sin un huésped.

Entramos en el terreno del spoiler serio, avisados estáis.

Un strigoi no es mas que la “nueva” forma de vampiro que se nos presenta en la serie.

No resulta tan nueva si se tienen en cuenta los chupasangres que Del Toro nos mostró en Blade II (2002). Aquellos reapers compartían muchas características con los strigoi. Ambos deshumanizan a la figura del vampiro, presentan personajes demacrados, calvos, pálidos pero de movimientos rápidos y respuesta violenta. Además los dos tipos tienen deformaciones en sus mandíbulas, los reapers poseen una modificación tipo Predator mientras que los strigoi de The strain dan un paso mas allá y tienen un aguijón de considerable longitud que sale disparado desde la boca hasta sus víctimas y termina en un apéndice encargado de succionar la sangre.

El principal giro vampírico de la serie es la concepción del vampirismo como una enfermedad parasitaria. No es que sea algo nuevo, de siempre es sabido que si un vampiro te muerde y no acaba contigo, te conviertes pero en éste caso se propaga a través de unos gusanos lechosos. Estos parásitos se multiplican en el interior de las víctimas y llegan a reconstruir todas las estructuras internas del organismo y fabrican el aguijón. No preguntéis cómo, es puro horror.

Todos los elementos para dar una buena serie de entretenimiento están presentes: trama pseudocientífica en tiempos del ébola, vampiros raros, una carrera contra el reloj y un eclipse...

Y el objetivo se cumple.

Es una serie muy entretenida, quizá su desarrollo sea algo lento debido a lo previsible de la trama pero en cada episodio se avanza. Ese tono de serie B, de horror clásico, le sienta genial, con una buena cantidad de fluidos lechosos, aguijones y seres escalofriantes, dejando algunas escenas de terror excelentes.

La mano de Guillermo del Toro se nota mas allá de su piloto y la estética se mantiene: una iluminación muy particular, pocos efectos digitales y exceso de látex. Quizás no era su primera opción para adaptar los libros (se llegó a hablar de John Hurt y Ron Perlman entre el reparto) pero los actores cumplen y la cadena se ha volcado con la serie, dando una continuidad al proyecto en forma de renovación temprana y soportando el traspiés de la campaña de publicidad, donde la imagen del ojo y el gusano tuvo que ser retirada de vallas publicitarias por varias quejas ante lo escabroso del material.

The strain es una serie que cumple con lo que se espera de ella: un entretenido pastiche de horror y serie B, una pequeña locura que siempre va un poco mas allá de los estándares sobre los que se cimienta y otro proyecto de Guillermo del Toro que parece, llega a buen puerto.

LJ ZAPICO

Hay una leyenda urbana, bien enterrada en el subconsciente colectivo, basada en que todos tenemos un gemelo idéntico en alguna parte del mundo. Pero no nos pasamos la vida mirando de reojo no sea que nuestro gemelo malvado aparezca para hacernos la vida imposible u ojeando las páginas de economía de los periódicos a la espera de que esa copia idéntica a nosotros sea un rico magnate. No nos lo creemos hasta ese punto.

Hasta que nos pase, hasta que nos clonen por algún macabro propósito o nos salga un clon malvado, un oscuro doppelgänger. Ése es el punto de partida de Orphan black, una de las series revelación de la pasada temporada, que acaba de finalizar su segunda temporada y ha renovado en BBC América por una tercera temporada, a estrenar en los primeros meses de 2015.

La serie centra su atención en Sarah Manning (Tatiana Maslany), una joven problemática que decide asumir la identidad de su clon cuando ésta decide suicidarse ante sus ojos.

Todo muy normal, si nos olvidamos del tema de los clones, pero la situación se complica cuando su nueva identidad resulta ser la de Beth Childs (Tatiana Maslany, otra vez), una policía investigada por matar accidentalmente a una civil.

Apuntaba a una serie policiaca normal y corriente, con simpáticos malentendidos y una gran incógnita flotando en el ambiente pero poco mas.

Hasta que suena un pequeño teléfono rosa y aparecen algunos clones. A esta mezcla se añaden extraños laboratorios, sectas religiosas y enfermedades genéticas.

Buena combinación.

A pesar de que la trama pueda parecer trillada y que la historia de la clonación suena a propuesta cutre desde que Spiderman la puso de moda en los cómics Marvel de los 90, la serie se cimienta sobre unos pilares fuertes: un ritmo frenético y la sensación de que va mutando, en función del clon presente en pantalla, cada encarnación de Sarah posee una personalidad propia y muy definida.

La propia Sarah es una joven independiente, punk y propensa a meterse en líos, con un carácter difícil pero un marcado instinto de supervivencia. Huérfana en Inglaterra (de ahí el título de la serie), se muda a Norteamérica, escapando de una amenaza poco definida, junto a su extravagante hermano de acogida, Felix (Jordan Gavaris) y la protección de la Señora S. (Maria Doyle Kennedy), su madre adoptiva.

Sus preocupaciones crecen al tener que mantener el bienestar de Kira (Skyler Wexer), su hija pequeña.

Beth Childs es el primer clon con el que Sarah entra en contacto. Policía, está siendo investigada por disparar accidentalmente sobre una civil y matarla. Después de su suicidio, Sarah asume su identidad y se ve sumida en un lío nuevo para ella, levantando las sospechas de Art (Kevin Anchard), policía compañero de Beth y de Paul (Dylan Bruce) Beth no se había quedado de brazos cruzados y había descubierto parte de la trama que tanto le afectaba, llegando a ponerse en contacto con varios clones mas y formando una red para desentrañar el misterio.

Allison es la típica madre de clase media / alta norteamericana: vive en un barrio residencial, con marido e hijos donde no todo es tan bonito como parece.

Cosima es una joven científica, un genio en el campo de la biología evolutiva y que decide investigarse a si misma, descubriendo un terrible secreto con una cuenta atrás imparable, una enfermedad genética capaz de acabar con todas ellas.

La investigación de Beth no había parado ahí ya que había descubierto que varios clones han sido asesinados por una misteriosa figura, la desquiciada Helena, un reflejo en un espejo roto y que quiere acabar con el resto de ellas.

Helena es el punto de inflexión entre una secta religiosa que considera a los clones abominaciones y la corporación Dyad del doctor Leekie (Matt Frewer), un gurú de la ciencia, un Steve Jobs del Neoevolucionismo, una corriente que basa sus creencias en la mejora genética del ser humano y relacionado con la creación de los clones.

A pesar de parecer estar basada en un refrito de ideas, desde el policiaco mas clásico, la comedia de enredo o la ciencia ficción mas accesible, Orphan black posee mas aciertos que errores, comenzando por su protagonista. Tatiana Maslany encarna a una serie de personajes, idénticos físicamente pero en las antípodas en cuestión de comportamientos y personalidad, en un trabajo meritorio. Desde el frenesí de Sarah hasta la locura de Helena, Maslany construye unas mujeres capaces de hacer creíble la serie, junto con un acabado técnico excelente ya que, por ejemplo,cuando

aparece mas de un clon en pantalla no da sensación de irrealidad.

La primera temporada aterrizó en BBC América en primavera de 2013, desgranando sus diez capítulos en otras tantas semanas, recibiendo mas halagos que malas críticas. Si una de las ventajas de la serie, además de una trama intrigante y el polimorfismo de su protagonista, es el ritmo. Son diez capítulos pero los sucesos transcurren a una velocidad de vértigo, sin escatimar información.

Después del éxito y un buen final de temporada, la segunda tanda de diez capítulos se estrenó en primavera de 2014, un año después y con más ojos sobre la serie y otras expectativas. Mantiene el nivel pero se ve obligada a dar unas vueltas más, enredando con la trama, normalizándose pero no en exceso. La esencia se mantiene aunque las forma cambie levemente.

Una tercera temporada está proyectada para el año que viene e incluso una serie de cómic en IDW. Orphan black juega su cartas a la primera, en una excelente temporada inicial, llena de guiños (los títulos de la primera temporada son frases de El origen de las especies de Darwin y los de la segunda, de Francis Bacon) y sabe jugar con las ideas plantadas de forma muy eficiente. Una serie muy inteligente, tanto en planteamiento como en ejecución, con temporadas cortas y una protagonista en estado de gracia que devora el show. Imposible de clonar.

LJ ZAPICO

género: ciencia ficción emisión usa: tv canada estreno usa: 10 mayo 2014 estreno españa: ¿¿¿??? episodios: 20 (2 temp.)

Doctor Who 8x01: Deep breath Se abre el tel贸n y aparece un tiranosaurio azotando el Londres victoriano.

Bienvenidos a la octava temporada de la etapa moderna de Doctor Who.

La regeneración del Doctor es el mejor truco de la historia de las series de televisión. Permite actualizar el personaje a los tiempos que corran, a las modas o darle un lavado de cara a la serie. En la serie clásica ya se había visto de todo: siete doctores (ocho con el de la “película”) capaces de todo, con diferencias de personalidad, apariencia, carácter y vestimenta. Lo que empezó siendo un recurso para evitar el fin de la serie se ha convertido en un motivo de cambio dentro de un programa que goza de una excelente salud, como muestra la audiencia de este último capítulo: unos 7 millones de espectadores y estrenos simultáneos en cine.

Después del torbellino Matt Smith, que terminó por dominar el papel, Peter Capaldi toma el mando de la Tardis y dirige, bajo la batuta de Moffat, la serie hacia horizontes algo oscuros.

televisión de alto nivel, con diálogos precisos y una escena posterior donde se nos deja claro que todo cambia para ser lo mismo: cuando Clara busca al Doctor a su espalda.

Si Capaldi está bien y Moffat brilla, Jenna Coleman esta enorme como Clara, en su mejor capítulo de lejos.

La serie se torna mas oscura y adulta, aunque siempre en combinación con el humor. Vastra y Jenny certifican su relación (quizás demasiadas veces), hay una tensa escena de terror con Clara al borde de la lágrima y una escena que termina con una afilada mirada del Doctor a cámara, una mirada que oculta un secreto y que, una vez mas, está dirigido al espectador, retando a que interpretemos lo que no hemos visto.

La Paternoster Gang recibe un buen merecido homenaje, con un cómico Strax, una servicial Jenny y Madame Vastra moviéndose con soltura, ya sea desentrañando los misterios del Doctor o ayudando a Clara a encontrarse a si misma.

Deep breath es el primer capítulo de la octava temporada y un episodio post-regeneración. El Doctor asume su nueva identidad pero no sin evitar la confusión y la pérdida de recuerdos.

Esa confusión se traslada al espectador y quizás Moffat nos envía un pequeño mensaje: Tranqui- Entre tanto trajín hay nuevos elementos que los, que aunque todo cambia, la esencia será la añadir al canon de la serie: quizás el Doctor sea misma. capaz de elegir su apariencia tras la regeneración, algo que posiblemente se intuía pero no El Doctor, Clara y la Paternoster Gang, el grupo estaba confirmado. de detectives y ayudantes del Doctor formada por Vastra, Strax y Jenny, deben hacer frente La temporada apunta a espectacular, con un soa la aparición de un dinosaurio en Londres y a berbio arranque, dirigido de manera cinematola amenaza del half-face man, una amenaza, gráfica por Ben Wheatley, un excelente guión quizás no tan nueva. Todo ello junto con la im- del mejor Moffat, rescatando a unos villanos portancia de recuperar la auténtica esencia del de uno de sus primeros episodios escritos (los Doctor, de éste Doctor. clockwork droids de The girl in the fireplace), grandes actuaciones y una reforma de la seEl capítulo gira entorno a la identidad del Doc- rie, tanto estética como musicalmente, con una tor, pero no del 12 sino de él como personaje a nueva cabecera basada en el trabajo que un fan través del tiempo. Se habían escuchado varias colgó en Youtube. Para rematar se añade dicríticas acerca de la presencia de Peter Capaldi, reccionalidad a la temporada con la presencia demasiado viejo para competir con Matt Smith de un nuevo y misterioso personaje, Missy, una o David Tennant, con cara de villano y que em- extraña mujer que lleva tiempo manipulando el pujaba la serie hacia un terreno mas oscuro. destino de Clara y El Doctor.

Además contaba con el handicap de haber trabajado en la serie con anterioridad (The fires of Ah y para rematar, si fuisteis de los afortunados en disfrutar del estreno en Cinesa (infinitas Pompeii) y en Torchwood. gracias a Cinesa por volver a traer al Doctor en Peter Capaldi cumple con creces, conforma a pantalla grande), se añadió una escena extra un Señor del Tiempo escocés, de amenazantes donde Strax pegaba un buen repaso a los difecejas (memorable el diálogo con el vagabundo) rentes Doctores. Inolvidable. pero dinámico. Hay persecuciones, hay carreras pero sobre todo, hay diálogos. Moffat cumple Doctor Who vuelve con energías renovadas y su cuarta temporada como jefe de guionistas ganas de resolver antiguas dudas, con un Cay octava como guionista, con un capítulo de 75 paldi muy metido en su papel, el papel que le minutos donde priman los diálogos, intercam- acompañará toda su vida. bio de frases e ideas que estructuran al nuevo Y la semana que viene, Daleks...

Doctor, a Clara y por extensión, a nosotros, los ¡Allons-y! sufridos espectadores. La escena entre ambos en el restaurante italiano es un gran ejemplo de L.J ZAPICO

-el suicidio de homeroApuntes sobre Hércules: Sus viajes legendarios y Xena: la princesa guerrera

En la era de los antiguos dioses de los señores de la guerra y de los reyes; una tierra convulsionada clamaba por un héroe.

Ella era Xena, una temible princesa forjada en el calor de la batalla.

Poderosa… pasional… peligrosa…

Su valentía cambió el mundo

La mitología griega ha sido fuente de inspiración para numerosas novelas y películas. La relación entre los dioses griegos, sus rencillas y la manera en que se involucraban en la vida de los mortales, dotándoles de beneficios o perjuicios, construyeron una serie de mitos que son parte de la fuente de donde bebe nuestra cultura.

De entre todos los mitos clásicos, podemos afirmar que Hércules es sin lugar a dudas el héroe más conocido de la mitología clásica. Sus características principales, según los mitos clásicos, eran su extraordinaria fuerza, coraje, afán de aventura e incluso un extraordinario vigor sexual.

Hijo de Zeus y de una mortal, fue maldecido por Hera, esposa de Zeus. Hera intentó evitar su nacimiento, al no lograrlo, envió dos serpientes a su cuna que fueron eliminadas por nuestro héroe. Hércules estranguló a una serpiente con cada mano.

Tras esta primera hazaña, el joven Hércules comenzó a forjar su leyenda con grandes aventuras entre las que destacan, por supuesto, las doce pruebas. Los amantes de la mitología debéis perdonarme por resumir de manera escueta las aventuras de semejante mito pero estamos aquí para hablar de nuestro querido Hércules televisivo cuyas hazañas distan mucho de las del héroe clásico. Si continuáis leyendo, debéis prometerme que olvidaréis la mitología clásica y asumiréis como posible, pese a que Homero se quitaría la vida, el

mundo de Hércules: Sus viajes legendarios.

Hércules: Sus viajes legendarios Pensar, después de varios años, sobre Xena y Hércules me trae a la cabeza recuerdos de unas vacaciones de 1999, cuando al levantarme disfrutaba de las aventuras de Xena y Hércules mientras desayunaba. Recuerdo esa pose macarra, a lo Kurt Russell, que poseía Kevin Sorbo o los guiones de Xena que fluctuaban entre la épica y el lesbianismo. Sin duda, eran series herederas de otro tiempo, un tiempo en el que no se buscaba el acercamiento histórico sino la diversión y la aventura.

Nuestro Hércules no bebe de la raíz clásica del personaje sino que su fuente de inspiración son los peplum, ya sabéis, el cine de gladiadores que tan buenos momentos nos han dado. El peplum recogía las partes de la mitología clásica que le interesaba y obviaba otras, mezclaba sin ningún pudor personajes de diferentes mitologías y tejía una trama que causaría el suicidio entre estudiantes y profesores de filología clásica. Sin ninguna duda nuestro querido Hércules televisivo, Kevin Sorbo, bebe de la capacidad de interpretación del icono del peplum Steve Reeves, heredando sus características muñequeras y gestos.

Uno de los padres de la criatura es nuestro querido Sam Raimi. En 1992, rodó, en mi

opinión, una de las mejores películas de viajes en el tiempo y brujería que existen: Army of Darkness. En esta película, el director de Spiderman, nos mostraba una Edad Media que pondría los pelos de punta a cualquier historiador. Ese espíritu iconoclasta sería el germen de Hércules.

La Historia pasa a ser un elemento al servicio del guión que no debemos dudar en modificar para construirla de manera que nos beneficie. Ya tendremos directores obsesionados con el rigor histórico como nuestro adorado Ridley Scott o nuestro odiado José Luis Garci.

Raimi ejerció de productor ejecutivo de las cinco películas previas a la serie de televisión: Hércules y las Amazonas, Hércules y el reino perdido, Hércules y el círculo de fuego, Hércules en el mundo subterráneo, Hércules en el laberinto del Minotauro.

El reparto de estas películas también adaptaban el formato peplum, es decir, por un lado teníamos a un héroe, Kevin Sorbo, con escasas dotes interpretativas rendido a su físico y a una estrella en decadencia que interpreta un rol secundario, impagable Anthony Quinn interpretando a Zeus. No tengo nada en contra de Kevin Sorbo, es más creo que Andromeda es una de las mejores series de ciencia ficción que, lamentablemente, ha pasado al olvido, pero, evidentemente, su interpretación de Hércules no recibirá ningún premio.

La historia comienza siguiendo la estela de las narraciones clásicas con la traición de Zeus (Anthony Quinn) a Hera (Megan Foster, que protagonizó otro hito Masters del Universo donde interpretaba a EvilLyn) y el nacimiento de Hércules (Kevin Sorbo). El héroe tuvo una difícil juventud viviendo atormentado por las diversas pruebas y dificultades que le planteaba la diosa Hera. Recibió enseñanzas de Quirón, el centauro que enseñaría a nuestro héroe y a su amigo Iolus (Michel Hurst) el arte de la guerra y cómo desenvolverse en una batalla, todo bañado de un anacrónico sentimiento oriental que llevaba a Hércules a “luchar no con cólera, sino

con un sentido de la justicia y de la compasión”.

Hércules se casó con Deyanera (Tawny Kitaen) y tuvieron tres niños: Aeson, Klonus, y la niña Ilea. Hércules e Iolus dejaron sus aventuras y se dedicaron a vivir como granjeros. Pero la diosa Hera seguía enfadada con el héroe y decidió eliminar lo que Hércules más quería: su familia.

De esta manera Hera envió dos bolas de fuego que eliminaron a su mujer y tres hijos.

Para superar la pérdida e intentar vengar la muerte de su familia, Hércules y Iolus deciden embarcarse en un viaje sin rumbo para defender a los necesitados y luchar contra el mal. Pero en este viaje se enfrentarían a numerosas pruebas enviadas por Hera en forma de hidras, cíclopes, dragones, demonios… En estos viajes los guionistas, y por ende nuestro héroe, pateaban los libros de historia y la manipulaban para mostrarnos situaciones anacrónicas que fluctuaban entre lo cómico y lo delirante.

Fueron 6 temporadas, 111 episodios y 5 telefilms las necesarias para abarcar las aventuras de tan legendario héroe. Kevin Sorbo aupado como rey del neopeplum fue protagonista de Kull, el conquistador, fantasía heroica basada en el ciclo de Kull de Robert E. Howard y donde compartió cartel con las estrellas de serie B, Thomas Ian Griffith y Tia Carrera.

Pero Hércules no solo fue el protagonista de múltiples aventuras sino que provocó dos secuelas televisivas: la denostada El joven Hércules y Xena: la princesa guerrera protagonizada por la más bella entre las bellas: Lucy Lawless.

Xena: la princesa guerrera ¿Qué podemos decir de nuestra querida Xena: la princesa guerrera? Como todos los héroes que se precien (me viene a la mente mi querido Ojo de Halcón, el de los cómics no el de la película) comenzó siendo una villana que buscaba vencer a nuestro héroe. Siendo una señora guerre-

ra busca vencer a Hércules pero identificándose con los ideales del héroe busca redimirse de su pasado haciendo el bien por el mundo.

Acompañada de la barda Gabrielle (Renée O’Connor), recorrería el mundo y todas las épocas históricas para impartir justicia por el mundo. Xena se enfrentaba a piratas, a Julio César, destapaba la caja de Pandora, viajaba al Antiguo Egipto… A los guionistas les daba igual la realidad histórica solo buscaban enfrentar a la heroina a peligros divertidos y emocionantes. Recordad esto no es Roma o Vikingos, esto es Sam Raimi en su época pre-Spiderman. Es decir, serie B total con diversión y humor a raudales.

Pero, ¿qué tiene Xena que te atrapa? Vamos a enumerar una serie de motivos por los que no podemos dejar de verla y por los que ocupa un lugar imprortante en nuestros corazoncitos.

1. Lucy Lawless: nuestra querida número tres de Battlestar Galactica crea una amazona que enamora tanto a hombres como a mujeres, de hecho Xena es un mito entre las lesbianas y muchas de ellas se visten como la amazona en el Orgullo Gay. ¿Quién se resiste a una belleza enfundada en una cota malla repartiendo golpes a diestro y siniestro?

2. El estilo de lucha: desde su grito que causa el terror entre sus víctimas a su chakram o disco volador, todo en Xena hace las delicias de los mitómanos. Recordad, antes de combatir Xena entonaba su grito, se colocaba en su pose característica y desenfundaba su espada, eso sí, ligerita de ropa para alegrar al personal.

3. La relación entre las protagonistas: Xena era diferente en muchas cosas, ¿una barda que escribía poemas y cantaba las hazañas de la guerrera? ¿una señora guerrera que se abrazaba con su compañera? Se ha comparado su relación con la de nuestro querido Batman (etapa Adam West) y su pupilo Robin. ¿Había algo más entre ellas? Dejaremos que la imaginación de los lectores respondan a esta pregunta.

4. La historia según Xena: Xena se cruzó con Julio César, con vikingos, ninjas, Calígula, piratas, Goliat… E incluso participó en el asedio a la ciudad de Troya o se cruzó con un matrimonio que a duras penas llegaban a una ciudad para tener a un hijo que sería el Mesías. La imaginación de los guionistas era desbordante y la legión de fans que seguían sus aventuras aceptaban de buen grado todas las propuestas por controvertidas que fuesen.

5. Los secundarios: Es un hecho reconocido mundialmente, todo proyecto en el que esté involucrado Bruce Campbell es cool. Aquí interpreta a Autolycus, el ‘Príncipe de los ladrones’, un antihéroe cómico maestro del disfraz y hábil con la espada

y la persuasión. Incluso se pensó en hacer una serie basada en sus aventuras. Pero no fue el único secundario importante en la serie, Ted Raimi, hermano de Sam, interpretó a Joxer que daba el contrapunto cómico. Enamorado de Gabrielle, Joxer buscaba convertirse en un gran guerrero.

Nos reímos un montón con sus patochadas.

6. Los crossovers: Como sabéis Xena, la princesa guerrera fue un spin-of de Hércules: Los viajes legendarios. Los guionistas aprovecharon que los dos se dedicaban a viajar de un lado a otro y decidieron que sus destinos debían cruzarse para el bien de los telespectadores.

7. Callisto: Toda gran heroina necesita

una gran villana. Callisto es la archienemiga de la señora guerrera y, lo peor, es que tiene motivos para odiarla. Xena arrasó con sus ejércitos el pueblo de su familia y eliminó a todos. Callisto quedó traumatizada por el ataque y acabó enloqueciendo y obsesionándose con vengarse de Xena. Callisto padece trastorno bipolar y una personalidad psicópata. No pretende simplemente matar a Xena sino hacerla sufrir.

La primera temporada de la serie buscaba los episodios autoconclusivos y se notaba que los productores no tenían mucha fe en el proyecto, el presupuesto era bajo y los efectos especiales bastante cutres.

Muchos episodios se basaron en mitos griegos y buscaban consolidar la relación entre las protagonistas.

El éxito de la serie entre los fans produjo que los productores creyesen en el proyecto y se le diese solidez. Así, a partir de la segunda temporada comenzaron a crearse tramas más complejas y sólidas.

Pero fue a partir de la cuarta temporada cuando la serie se transformó buscando un aura más espiritual y alguna referencia explícita a la religión cristiana.

Os animo a que disfrutéis con las aventuras de Xena y Hércules. Debéis verlas como lo que son: proyectos divertidos para pasar un buen rato. Si alguna vez dudáis de lo que estáis viendo u os ataque el gafapastismo pensad en una cosa: Joss Whedon y Tarantino son fans de Xena.

JOSE DEL RIO FORTICH

cubil juegos presenta:

SPARTACUS

UN JUEGO DE SANGRE Y TRAICIÓN Antes que nada, me gustaría dar las gracias a Devir Iberia, que es la encargada de la distribución de este juego en España y que ha tenido la amabilidad de enviarnos una copia de forma gratuita, para que hiciéramos la reseña. Lo hemos estudiado a fondo y lo más importante, nos hemos divertido a tope con él. Vamos con ello.

Spartacus es un juego de tablero y cartas, de 3 a 4 jugadores a partir de 17 años y está inspirado en la serie de televisión del mismo nombre. En este sentido, su variado sistema de juego refleja muy muy bien el espíritu de

la serie, ya que cada uno de los jugadores es Dominus de su casa en Capua y tendrá que conseguir lograr más importancia que los demás en el entorno del famoseo y el politiqueo de la ciudad.

Además de las intrigas, los tratos, las pujas y por supuesto, los combates en la arena, lo que más me ha sorprendido es la capacidad que tiene el juego para sacar lo más trápala de nosotros. Aunque no vale todo, según quién vaya ganando y por cuanto, te verás conspirando contra un jugador y uniendo tus fuerzas con otros jugadores para ga-

nar/hacer perder influencia, basándote en negociaciones que luego puedes cumplir o no... aunque la traición también genera una enemistad. Por supuesto, nosotros estaremos también expuestos en todo momento a las maldades que tramen los demás, así que ve aguzando tu picaresca y prepárate para cuando lleguen las piñas. ¿Te fías de alguno de estos? Mal. Aspecto Para los amantes de las cositas, decir que el juego trae bastantes componentes, como cartas de mercado, cartas de intriga, cartas de casa, 4 miniaturas de gladiadores para luchar en el tablero que representa la arena, monedas a montones, marcadores, muchos dados de 3 colores distintos, etc. Todo ello de buen aspecto y calidad, cosa que unida a lo divertido del título, hacen que su relación calidad/precio sea buena (40 euros PVP/34,95 esta semana de oferta en Cubil Juegos).

Sistema de juego Para reflejar fielmente este espíritu de confabulaciones de la serie Spartacus, han utilizado un sistema de juego repartido en 4 fases, cada una también con subfases, pero

que nadie se asuste, porque es súper sencillo. Al principio no te sabrás bien el orden en el que se juegan, pero tendrás tu carta de referencia para echarle un vistazo. Lo dicho, son varias fases distintas, pero son muy fluidas y pasas rápidamente de una a otra, salvo en el caso del combate, que dura algo más.

Aunque el objetivo es ser el primero en reunir 12 puntos de influencia, el verdadero motor del juego, al igual que desgraciadamente en la vida real, es la pasta. Independientemente de la fase, el dinero podrá ir pasando de mano en mano, para comprar alianzas, hacer chantaje y cimentar un poco nuestro avance a lo largo de la partida. Existen muchas formas de hacerse con dinero: uso de cartas, los ya mencionados trapicheos, hacer negocios, apuestas en la arena, mantener un equilibrio entre esclavos que generan dinero y gladiadores, que lo consumen, etc.

Los esclavos son parte imprescindible en el mantenimiento de tu ludus.

A lo largo de las distintas, fases iremos reforzando nuestra posición. Será importante mantener un ludus con un buen equilibrio entre fondos, número de esclavos y gladiadores, guardianes para defendernos de las agresiones, etc.

Existe una fase de mantenimiento en la que ganas dinero por los esclavos, pagas a tus gladiadores, curas heridas y repones cartas agotadas. Es algo rapidito, pero de vital importancia de cara a tu planteamiento posterior.

El verdadero politiqueo del juego tendrá lugar sobre todo durante la fase de intriga.

Mediante el buen uso de cartas auto explicativas, tendremos la posibilidad de llenar las arcas, hacer subir o bajar influencias y hacernos con cartas de reacción, que podremos sacar en determinados momentos del juego. Estas cartas se pueden vender, pero es bastante importante no quedarse con pocas, porque los demás verán que tienes poca cosa y no dudarán en abusar del débil.

Tan importante como tener tus intrigas al día, será hacerte con esclavos, que aporten dinero a tu ludus, de gladiadores que defiendan tu honor en la arena y de equipo, que los haga más poderosos. En la fase de mercado, los jugadores pueden cambiarse y venderse cartas de mercado, pero lo más interesante son las pujas en las que se van sacando a subasta tantas cartas como jugadores haya.

Es mejor no emocionarse mucho y gastarlo todo en las primeras que salgan, porque luego podrían salir otras mejores y ya no tienes para pillarla.

Incluso un gladiador débil, podría convertirse en campeón si está bien equipado.

Nunca fui gran fan de las pujas. Se me hacen un poco pesadas y la primera vez que leí las reglas de Spartacus y vi que eran parte del sistema, me alegré regular. Sin embargo, como no existe la posibilidad de sobrepujar, el sistema es rapidísimo y mis temores fueron desterrados. Cada jugador aporta lo que está dispuesto a pagar y el que más aporte, se queda con la carta. Súper fácil y no por ello menos emocionante, porque se puja en secreto y todos los jugadores revelan su importe a la vez.

Es importante saber defenderse en todas las fases. Seguramente si descuidas demasiado alguna de ellas, no te sea fácil hacerte con la victoria. Pero realmente, la más esperada por todos, ya que es la más emocionante, es la fase de combate en la arena, en la que el jugador que haya pujado más alto por

ser el anfitrión, decidirá los 2 jugadores que gunos luchadores. tendrán que verse las caras presentando un gladiador a los juegos. El combate es bas- El combate, se juega en un tablero con catante tenso, porque el que gana se lleva 1 sillas y con miniaturas de gladiadores genépunto de influencia, además la victoria hace ricos. Lo más guapo de las batallas es que, crecer la fama del gladiador. El que pierde a diferencia de en otros juegos, las heridas podría se herido, decapitado o aun saliendo no solo te restan un punto de vida, sino que ileso en su derrota, ser condenado a muerte van mermando las capacidades de tu luchapor el anfitrión usando dor. Si recibe una heriel típico gesto del pulSolo hay una manera de con- da, tendrás que decidir gar. a que capacidad afecta. vertirse en campeón... no per- Si te la aplicas a ataque, Las batallas se llevan a verás reducidos tus dader nunca.

Ganicus. cabo mediante el uso dos de ataque, si te lo de dados y aunque tiene un componente de quitas en defensa estarás más desprotegido azar bastante importante, tendrán también y de quitarlos en velocidad, perderás iniciasu ramalazo táctico. tiva y moverás menos. Una difícil elección que hace muy interesante el combate y me Al último que luchó aquí se le debió derra- parece realista, porque esta gente luchaban mar algo. a vida o muerte y es la sensación que da ver que los luchadores van cada vez más revenLos luchadores, tienen valores de veloci- tados. No paran hasta que no pueden más, dad, ataque y defensa, con los que se de- ya que lo que se están jugando es la vida. cide el orden del turno, los guantazos que meten y su capacidad para defenderse de Una vez acabado el combate, cuando algulos mismos. El sistema de ataque/defensa nas de las capacidades de un luchador llega es el clásico de dados en el que se comparan a 0, se gestionan las ganancias y pérdidas los resultados de ataque y defensa de ma- de las apuestas y se vuelve a empezar por yor a menor y resultan en heridas los dados la fase 1. de ataque no igualados o superados por un dado de defensa. Estos valores se pueden A grandes rasgos estas son las cosas que se modificar mediante el uso de equipamiento pueden hacer en Spartacus a lo largo de sus y las habilidades especiales que tendrán al- fases. Como podréis comprobar, estas son

bastante diferentes entre sí y aportan al juego la variedad gracias a la cual capta toda la esencia de la serie.

Miniaturas genéricas de gladiadores. Casi todo el mundo prefiere el del escudo.

Conclusión Como fan de la serie de TV y temedor de los juegos con licencia, tenía mis dudas sobre este juego, pero desde el momento en que empecé a leerme las reglas fui viendo la buena pinta que tenía Spartacus. Aunque son bastantes conceptos, es muy fácil cogerle el tranquillo y las partidas son emocionantes y fluidas al máximo, lo que hará que ni te des cuenta de que han pasado 2 o 3 horas.

somos amigos, pero ahora te hago la cabra, te engaño y me voy con este porque me viene mejor”, está súper bien llevado al juego. A lo largo de la partida, va cambiando el jugador al que te interesa arrimarte o no.

Puedes soltar pasta, prometer que regalarás un gladiador al que te ayude, o pedir a un jugador una alianza con tratos que luego puedes o no cumplir, aunque a sabiendas de que puedes hacer un enemigo para el resto de la partida. Todo un alarde de picaresca.

En resumen, con perdón de la expresión y sin ánimo de ofender a nadie, lo que en mi tierra resume a la perfección la expresión “ir

Se dan numerosos giros inesperados. Es imposible saber quién va a ganar hasta el mismísimo final y de hecho, no es muy buena idea ir ganando al principio, porque serás víctima de alianzas. Es mejor ir poco a poco, no revelar tus mejores cartas hasta el final y sobre todo, desconfiar del que tenga menos puntos. Revelar tus intenciones demasiado pronto, hace que los demás se pongan en tu contra, así que recomiendo guardarte opciones que permitan un rápido adelantón de puntos al final.

Los combates son lo más emocionante del juego sin duda. Incluso los jugadores que no participan disfrutan mucho, porque cada uno tendrá sus intereses sobre quién pueda ganar, de cara a sus apuestas y su rivalidad con los jugadores que pelean.

De todas formas, aun siendo el combate la fase más vistosa, las demás son rápidas a la vez que importantes. Sobre todo en la fase de intriga se lía una buena. Te sientes algo impotente cuando vas ganando y ves como se alían contra ti, aunque nada que no pueda solucionarse soltando algo de pasta. Es todo un acierto que el dinero pueda cambiar de manos en cualquier fase, permitiendo sobornar para evitar problemas, comprar una alianza o cualquier acuerdo al que quieras llegar.

El rollito que se traen en la serie de “ahora

de maricona”.

Están hechos todo unos diplomáticos. Animalitos.

Curiosidades y briconsejos - El juego es larguito y no siempre tendríamos tiempo de jugar una partida completa, pero esto se soluciona empezando la partida con mayor o menor cantidad de influencia, según el tiempo del que dispongamos.

Para mí, la duración regulable es siempre un acierto.

- Es curioso que aunque durante la partida haya cierto conflicto y tensión a veces, al final, la gente con la que he jugado acaba diciendo algo tipo “vaya juego guapo”. Independientemente de los resultados y las traiciones que hayan podido llevar a un jugador a la derrota, me ha hecho gracia notar casi siempre este tipo de comentario.

- Resulta también curiosa la edad recomendada de 17 años. Realmente el juego no es

gre y

san juego de n U ., S U SPARTAC traicción

Sweii, Sean k s le a v John Ko Autor: , ill s Wood aron D gart y A rtístico: Charle a Trabajo aleforce Nine G 3-4 io d dores: Estu a g u j e d os Número artir de 17 añ tos aprou p in a m : d Eda - 180 0 2 1 : n Duració Nine mente a d le Force a a G / z xim r a nte: St Fabrica 12 Año: 20 spañol ucha :e ioma: m texid l Idioma e d nen encia Depend s las cartas tie a d (casi to norma: mesa o g tos) e u j cie de s Superfi ersona 3-4p a r a p a lit

zonarte y saber cambiar de planteamiento, según la evolución del a partida.

- Todos los ludus y personajes están sacados de la serie y algunos de ellos reflejan a la perfección sus personalidades y habilidades.

Las cartas de personajes traen una foto tomada directamente de la serie y a veces una cita del individuo en cuestión. Aunque no es necesario saber nada de Espartaco para disfrutar de este juego, sí que te hará ilusión ver estos detalles si eres seguidor de la serie, que por cierto, recomiendo muy mucho.

Medidores difícil y sin duda, la han tenido que subir por el tema de la violencia y lenguaje malsonante. Es verdad que el juego está lleno de tacos y burradas varias, pero nada que vaya a sorprender a un chaval de 15 años a día de hoy. Yo la bajaría un poco.

- Las formas de conseguir la victoria son muy variadas. Puedes amasar fortuna para al final quedarte siempre con el anfitrión, hacerte con buenos gladiadores y equipo para ganar en la arena, cambiar recursos por influencia, etc, pero es importante no encabe-

Hasta la próxima reseña.

Magopunk ESTE JUEGO Y OTROS MUCHOS MÁS PUEDES ENCONTRARLOS EN: http://cubiljuegos.com/

Con la mesa puesta

by Curro Burgos “Donde pongo el ojo, pongo la bala” Septiembre. Terminan las vacaciones, empiezan las clases, y todo comienza a retomar la normalidad a un ritmo cansino y pesaroso.

Por supuesto, nuestras neuronas no son menos.

Aunque el jugador compulsivo no ha dejado ni un momento de lado los tableros, dados y meeples, otros se han decantado por tostarse y dejarse llevar por la molicie en la playa, piscina, rio, pueblo de los abuelos o cualquier otro sitio, dejando durante unos días aparcada el hambre lúdica para llenar ese vacío con mojitos, pescaito frito o morcillas a la brasa.

Y claro, con tales precedentes, lo que menos nos apetece en estas fechas son largas partidas de Runewars o Guerra del anillo, así que buscamos “metadona lúdica”, esos pequeños juegos con los que echar un buen rato y poco más. Los guiris los llaman “fillers”, que viene a ser algo como “rellenadores” (de tiempo, se entiende), y a continuación vamos a reseñar unos cuantos de ellos que tienen en común la rapidez de reflejos, la coordinación ojo-mano, la descoordinación ojo-cerveza y cerveza-mano, el cachondeo con amiguetes y la pérdida de autoestima cuando pierdes.

JUNGLE SPEED Empecemos por JUNGLE SPEED, quizás uno de los más conocidos. La mecánica de juego es muy simple: en el centro de la mesa hay un pequeño totem de madera y los jugadores tienen un número de cartas con diferentes símbolos de distintos colores que irán desvelando una a una y al mismo tiempo. Si dos jugadores tienen cartas con

el mismo símbolo (aunque sean de distinto color), entrarán en un “duelo” que consiste en coger el totem central antes que su oponente. El perdedor de este duelo se queda con el mazo de descartes del ganador y del “bote” de cartas que haya en el centro de la mesa. La partida la gana el jugador que antes se quede sin cartas. Añádasele cartas especiales y que modifican el juego, y tenemos un juego heredero de UNO pero con un toque más de profundidad.

De JUNGLE SPEED existe una expansión que añade cartas al juego original y dos versiones alternativas: JUNGLE SPEED RABBIDS Y JUNGLE SPEED SAFARI. JUNGLE SPEED RABBIDS es básicamente el mismo juego que el original, sólo que con los conejos cojoneros hiperestimulados que debutaran como personajes secundarios del videojuego Rayman y que con el tiempo han cobrado hasta más protagonismo que el héroe sin brazos. Sin embargo, JUNGLE SPEED SAFARI añade un par de cambios a las reglas, y además de tener que ser el más rápido al coger uno de los

cinco totems en la mesa, también hay que imitar el sonido y postura de algunos de los animales que aparecen en las cartas. Si, exactamente lo que estás pensando: este es más para peques.

JUNGLE SPEED es un juego muy divertido... siempre que no te importe terminar una partida con varios arañazos en las manos, sobre todo si en la partida hay jugadores con uñas largas. Por lo demás, es totalmente recomendable.

FANTASMA BLITZ! Dándole una vuelta al sistema de juego de JUNGLE SPEED nos encontramos con FANTASMA BLITZ, un juego rápido, simpático y que además triunfa siempre que toca mesa, ya sea con niños o mayores.

En FANTASMA BLITZ tendremos cinco objetos de cinco colores distintos, a saber una botella verde, un sillón rojo, un libro azul, un ratón gris y al señor fantasma con su sudario blanco, y un mazo de cartas ilustradas. Cada turno sacaremos una carta en la que hay una ilustración y tendremos que coger el objeto que coincida con la ilustración (por ejemplo, si sale una botella verde, pues la cogemos) o todo lo contrario, coger de la mesa el objeto que no coincida en absoluto con la ilustración, por ejemplo, si en la carta sale un fantasma rojo y un libro verde, tendremos que coger el ratón gris, ya que es el único objeto que no comparte ningún atributo con el de la carta. El

jugador más rápido en coger el objeto se queda la carta y al final del juego, el jugador con más cartas gana la partida.

FANTASMA BLITZ tiene dos versiones más, llamadas FANTASMA BLITZ 2.0 y FANTASMA BLITZ – LAS DOCE MENOS CINCO. FANTASMA BLITZ 2.0 es otra versión del mismo juego, pero esta vez el fantasma es femenino y tendremos objetos relacionados con el baño: una bañera gris, un cepillo azul, una toalla roja, una rana verde y la señora fantasma, que obviamente, es blanca.

Esta segunda parte o “remake” se puede jugar por si misma o también se puede combinar con el primer FANTASMA BLITZ para hacer partidas más largas y divertidas. Mi recomendación personal es que probéis el original y si os gusta (que os gustará) os hagáis con la segunda parte.

El último título en llegar es FANTASMA BLITZ – LAS DOCE MENOS CINCO, y tal como pasaba en JUNGLE SPEED SAFARI se introducen cambios en la mecánica de juego, si bien aquí son muchos más y mejor implementados que la imitación de animales que proponía este último.

Aunque la mecánica de juego se mantiene intacta, se ponen sobre la mesa nueve objetos de cinco colores distintos, y además hay más acciones disponiboles aparte de coger el objeto, ya que si sale una carta con un búho hay que nombrar el objeto en vez de cogerlo, si aparece un reloj en la carta hay que decir la hora que marque y si aparece un espejo hay que coger el objeto que aparezca reflejado en el.

Como veis, suficiente reto para sacarnos humo (no muy denso, pero humo) de las orejas a poco que echemos tres partidas seguidas.

DOBBLE DOBBLE es un juego del que seguramente hayáis oído hablar, y que además suele levantar pasiones. En este caso es un juego

de cartas (circulares, por cierto) en el que cada una de las cincuenta y cinco que lo componen tiene ocho dibujos distintos, y que por una fórmula matemática que he intentado comprender pero no he llegado a entender cuando sacas dos cartas sólo uno de esos dibujos está repetido. La historia ya sabéis cual es: intentar averiguar qué dibujo está repetido y ser el más rápido en poner la mano sobre las cartas mientras dices en voz alta el nombre del objeto.

Como en FANTASMA BLITZ, el jugador con más cartas al final de la partida es el vencedor.

DOBBLE es un juego quizás inferior a los dos anteriores, pero tiene una gran baza a su favor: al ser un juego de cartas sin totems ni figuras, prácticamente no es necesaria una superficie de juego, y como además viene en formato lata es fácilmente transportable y una opción más que segura si vamos de camping, a la playa o incluso si nos aburrimos en algún salón de manga, cómic o de entretenimiento de esos que llamándose “salón”, no llegan a pasillo. Recuerdo uno (no daré nombres, pero era un salón del cómic con ínfulas de estrella y que acabó estrellado) en el que estaban jugando a DOBBLE en el centro de un desolado pabellón deportivo.

DOBBLE además de esta forma de juego

tiene otras cuatro modalidades de juego, que no son más que variaciones sobre la misma pero que pueden dar un soplo de aire fresco si ya estamos cansados de jugar siempre de la forma clásica.

OTROS JUEGOS, TWEEGLES, PANICO ZOO, PANIC LAB! Todos estos juegos han tenido muchos “clones” o juegos inspirados en ellos, algunos con alguna variante en la jugabilidad que los hacen bastante interesantes como TWEEGLES y otros que son una enorme decepción como PANICO ZOO. Y es que en el caso de PANICO ZOO se nos vende en una preciosa lata pequeña, ideal para llevar en la mochila o el bolso, un juego de cuarenta y cinco cartas... de las que sólo usaremos quince.

Quince. Dentro de la lata encontraremos quince cartas con ilustraciones de un sólo animal que prácticamente no sirven para nada, quince con ilustraciones de varios animales al más puro estilo DOBBLE y quince... con la misma disposición de animales que las de antes, pero en este caso en vez de estar todo el animal dibujado está sólo

su silueta en negro. Cuarenta y cinco cartas en una lata, de las que sólo usaremos treinta para jugar y nunca a la vez.

En resumen: huid de PANICO ZOO.

No quisiera terminar este artículo sin mencionar un juego de rapidez visual que añade virus, bacterias, dados y contadores. Se llama PANIC LAB (nada que ver con PANICO ZOO, no confundáis) y es un juego que si bien se basa en las mismas mecánicas que los antes mencionados, añade aún si cabe más dinamismo y tensión a las partidas. En este juego pondremos las diversas losetas que trae formando un círculo sobre la mesa y tras lanzar los dados deberemos ser los primeros en localizar el virus o bacteria que coincida en forma, color y estampado con lo que haya salido en los dados.

Un juego que a veces es frustrante y otras veces nos hace sentirnos orgullosos científicos locos que dejarían en pañales a los mismísimos doctores Herbert West y Edward Ashford.

CONCLUSIONES Estos son sólo unos cuantos de la inmensa cantidad de “fillers” que hay en el mercado. Como siempre que un género experimenta un “boom”, hay productos buenos, malos, mediocres, excelentes y horripilantes. La parte buena es que con la excepción de “FANTASMA BLITZ – LAS DOCE MENOS CINCO”, el resto de juegos enumerados se pueden encontrar por menos de quince euros, lo que hace que si nos equivocamos en la elección al menos no nos costará mucha pasta el error. ¡Hasta la próxima!

CURRO BURGOS

Puede parecer fácil, pero hay losetas que hacen mutar a estos bichos, y además hay losetas con rejillas de ventilación por donde estos bacilos escapan y hay que seguirlos. PANIC LAB es un juego de un ritmo endiablado que nos hará ejercitar además de los reflejos la capacidad de retentiva y la modificación de secuencias memorizadas.

MAPACHE COHETE: Muñeco de Hot Toys de unos 16 cms de alto con 17 puntos de articulación.

Incluye tres pares de manos intercambiables y un rifle como arma acompañante

EL COLECCIONISTA DE MUÑECOS

Para nuestra primera entrega de EL COLECCIONISTA DE MUÑECOS, hemos escogido las figuras especiales de LOS GUARDIANES DE LA GALAXIA de HOT TOYS. Todos los meses os traemos las princiaples novedades en lo que se refiere a muñecos, merchandising y figuras.

POR: DANIEL FERRER LEÓN

STAR-LORD: Muñeco de Hot Toys de unos 31 cms de alto con 30 puntos de articulación. incluye máscara intercambiable con LED rojo.

Hasta cinco guantes opcionales con dos pistolas como arma.

GAMORA: Mu帽eco de Hot Toys de unos 28 cms de alto con 28 puntos de articulaci贸n.

Implante de pelo real. Incluye tres pares de manos intercambiables.

GROOT: Muñeco de Hot Toys de unos 37 cms de alto con 15 puntos de articulación.

Hasta tres expresiones faciales vistos en la película

iibor

ENTREVISTAMOS A :

JAFET

Conoce a PropCorn

r

Desde que PropCorn creo la máquina del tiempo en el año (Información clasificada), ha utilizado este poder para el bien de la humanidad vendiendo artículos exclusivos (PROPS), en todos los espacios temporales.

Es la diferencia con el atrezzo, que es el decorado, y los props es lo que usan los actores.

Hacemos cualquier cosa, de echo nuestro lema es “si no existe, nosotros lo creamos”.

Sus armas, máquinas y artefactos únicos, han convertido a esta compañía multi-temporal en un referente de calidad, eficiencia y destrucción. El secreto ha sido siempre el amor y la fabricación artesanal característica en todos sus artefactos; En palabras de su creador:

MATERIALES COMO FIBRA DE VIDRIO, LÁTEX, CUERO, RESINA… SON NUESTRAS ESPECIALIDADES PERO TAMBIÉN TRABAJAMOS CON MADERA, METAL Y MULTITUD DE QUÍMICOS DE FX. ¿QUÉ FUE LO QUE HIZO QUE EMPEZARAIS EN ESTE MUNDO? ¿CÓMO FUE QUE EMPEZASTEIS EN ESTO? Todo lo empecé yo hace ya bastantes años.

Me licencié en bellas artes y siempre he tenido inquietud en crear cosas.

Poco a poco, sobre todo por el tema del rol, empecé a crearme cosas en resina, cuero, prótesis con látex… La gente fue viendo lo que hacía y al principio mis colegas me pedían cosas para ellos. Llegó un momento en que decidí montar una empresa por el volumen de encargos que tenía. Así que dejé mi trabajo actual, y monte mi primer taller.

Mi empresa inicial fue Black Anvil, donde principalmente hacíamos armas de látex y armaduras en cuero para rol en vivo.

Luego la cosa evolucionó, dejé Black Anvil para meterme en el mundo del cine, cola-

“El amor vuelve a estas cabronazas unas auténticas rompecorazones, cabezas o lo que sea…”.

VIENDO VUESTRA WEB Y FACEBOOK SÉ VE QUE EN PROPCORN OS DEDICÁIS A HACER OBJETOS DE STEAMPUNK, YA SEAN ARMAS, ACCESORIOS, ROPA… No sólo steampunk. El steampunk es uno de los géneros en los que trabajamos pero también hacemos ciencia ficción, fantasía medieval… Un poquito de todo. ¿CÓMO OS DEFINIRÍAIS? Somos un taller creativo. Principalmente diseñamos props, que engloba todo aquello que no sea real y que tenga un uso.

iibor

jess

david

alex

jafet

boré durante años con muchos profesionales diferentes, y finalmente creé Propcorn para dar vida a las locas creaciones que se me ocurrían. ¿TODOS LOS QUE ESTÁIS AQUÍ OS CONOCÍAIS DE ANTES O COINCIDISTEIS EN ALGÚN EVENTO O ALGO SIMILAR? Nos hemos ido conociendo.

Cuando fundé Propcorn estaba solo yo.

Después de varios altibajos en la empresa los dos primeros años, mi pareja, Jessica, empezó a echarme una mano a organizar cosas como redes sociales, ventas, envíos, etc. Un día cometió el error de ayudarme también el proceso de fabricación, y me di cuenta de que se le daba tremendamente bien. He tenido muchos ayudantes a lo largo de los años, pero a ella se le ha dado bien prácticamente desde el principio. Así que al poco tiempo estaba también a full time como yo.

Hace unos meses alcanzamos nuestra cota máxima de producción, así que hicimos una llamamiento a profesionales y entusiastas del sector, que tuvo muchísima más acogida de la esperábamos. Seleccionamos a los mejores e hicimos varias entrevistas.

Los chicos que hay ahora son fruto de ese proceso, que aún está en pruebas. Son gente que también es una apasionada del mundillo así que no me cabe duda que al menos uno o dos de ellos se quedarán con nosotros largo tiempo. ¿LA MARCA PROPCORN CUÁNTOS AÑOS TIENE? Pues a ver, yo en esto llevo más de 10 años pero Propcorn es joven aún. Black Anvil estuvo unos 4 años, y Propcorn lleva ahora unos 3 añitos. ¿ES UN NEGOCIO QUE DA PARA SUSTENTARSE? Bueno, ahora mismo este es mi único trabajo así que… para mí sí. Ahora estamos trabajando para que el resto del equipo pueda unirse a tiempo completo también.

Estamos haciendo mucha presencia internacional, empezando a ir a eventos fuera de España, dónde hay un mercado más amplio de este tipo de cosas y se valora mucho más la artesanía que en nuestro

país… gracias a eso cada vez se nos conoce en más sitios y tenemos más clientes. ¿PARA CREAR VUESTROS PRODUCTOS, OS INSPIRÁIS EN OBJETOS DE PELÍCULAS O SERIES, ES TODO DE INVENCIÓN PROPIA O UNA MEZCLA? Podríamos decir que tenemos dos líneas.

Por un lado tenemos los objetos que diseñamos nosotros, en donde cada uno usa su imaginación y tiene su fuente de inspiración (cine, comic, rama artística…). Son objetos cuyo diseño es nuestro.

Por otro lado tenemos los encargos. Hay gente que pide piezas hechas a medida y hay de todo, tanto diseños propios como de películas, videojuegos etc. El guantelete de este personaje en esta película, la pistola de tal tío en este comic, una mezcla entre esto y aquello. Nos hemos encontrado de todo. ¿HAY ESPECIALISTAS EN EL GRUPO (UN EXPERTO EN COSER CUERO, OTRO EN DISEÑO…) O TODOS HACÉIS UN POCO DE TODO? Eso es una de las cosas que más he cambiado. En Black Anvil todos hacíamos un poco de todo, con lo cual al final yo tenía

robustas.

Y por último fabricamos desde cero replicas como las que se usan en el cine. Fabricamos un prototipo al que se saca molde, y después hacemos copias en resina. Están son las más robustas de todas, ya que son de pocas piezas y el material es de la mejor calidad. ¿CON PISTOLAS DE BALINES O SIMILAR TRABAJÁIS? No. Ni balines, ni airsoft, ni paintball… Por ahora no nos hemos metido en eso.

PREGUNTA TONTA 2: ¿Y VUESTRAS ESPADAS? ¿TIENEN FILO O SON ROMAS? Son armas de foam y látex. Están hechas de espuma con núcleo de fibra de vidrio que es bastante flexible, diseñadas para rol en vivo o películas. Pensadas para pegar sin hacer daño.

que estar pendiente de todo y los procesos de formación eran muy largos. Pero ahora procuro que cada persona esté especializada en un ámbito y sea un profesional en su trabajo. Después ya habrá tiempo de diversificar.

PREGUNTA TONTA 1: ¿VUESTRAS PISTOLAS PUEDEN HACER ALGÚN TIPO DE DAÑO? A menos que te las comas, no creo jajaja Tenemos 4 gamas de pistolas, sobre todo de estética steampunk, aunque también hacemos dieselpunk, medievales y de ciencia ficción en general.

Por un lado tenemos las pistolas de juguete, que compramos y modificamos con piezas de todo tipo (fontanería, electrónica…). Son meramente decorativas. No tienen funcionalidad y son complejas y delicadas.

Por otro lado trabajamos con pistolas de agua modificadas igual que las anteriores.

Aunque estas si funcionan, es obvio que tampoco hacen daño.

También trabajamos con Nerf o marcas similares, que disparan dardos de espuma.

Al ser diseñadas para niños tampoco hacen ningún tipo de daño y son bastante

¿CÓMO LO HACÉIS PARA CALCULAR LOS PESOS, CENTROS DE GRAVEDAD Y DEMÁS? ¿ES ALGO QUE ELIJA EL CLIENTE? La mayoría de armas van sin contrapesar, con el mango rígido, pero sin peso en el arma. Sin embargo hay clientes, para ciertas partidas de rol en vivo o que hacen esgrima, que si piden armas contrapesadas y las hacemos su gusto, poniendo el peso a su gusto. ¿QUÉ SOLÉIS NECESITAR PARA HACER LAS ARMADURAS O COSPLAYS QUE OS PIDEN? ¿LAS TÍPICAS MEDIDAS, PESO Y POCO MÁS? Muchas veces. Si es una armadura o cosplay completo solemos pedir que la persona venga al taller y si no puede le enviamos una guía de medición porque necesitamos medidas exhaustivas. Hay muchos trajes que para que la pieza tenga buena movilidad y no sea solo un armatoste muy bonito, necesitamos un montón de medidas además de las normales (persona moviéndose, agachada, con aire, sin aire…).

Si la persona puede pasarse lo que solemos hacer es patronar directamente sobre ella.

HE VISTO QUE TENÉIS MANIQUÍS. ¿SON DE LOS DESMONTABLES? Son rígidos. Lo que hacemos es que con espuma moldeamos el maniquí para que

tenga las medidas del cliente.

REVISANDO VUESTRA WEB Y FACEBOOK HE VISTO MUCHAS COSAS PERO NO HE VISTO JOYAS O SIMILAR. ¿NO HACÉIS U OS PIDEN POCAS? Es un mercado que todavía no trabajamos mucho. Lo tenemos en mente, y alguna vez por petición expresa sacamos algo, pero no tenemos una amplia gama como en el resto de productos.

De hecho ahora en Octubre sacaremos una gama de joyería en cuero, sencilla pero muy chula. Es lo primero que haremos así en plan gama. ¿QUÉ MATERIALES SON LOS QUE MÁS USÁIS? Lo que más trabajamos es cuero, fibra de vidrio, resina de poliéster, poliuretano, foam, eva y látex. Es con los que se hace la mayoría de réplicas, armaduras, piezas para cosplay, armas de látex… ¿QUÉ COSAS CON LAS QUE MÁS PIDEN LA GENTE? Las cantimploras de cuero, que son isotérmicas, los kits de pociones de alquimista y las gafas o goggles steampunk son lo que más vendemos, sobre todo a nivel internacional. ¿PROPCORN SE DEDICA A ALGO MÁS ADEMÁS DE LA TIENDA? (PROMOCIÓN EVENTOS, CONCURSOS…) Sí, ahora intentamos ir al menos a un evento al mes. Empezamos en Marzo y a partir de Mayo estamos ya en casi en 2-3 eventos al mes.

Hay varios tipos: en los que vamos con stand para vender, en los que patrocinamos con alguna cosa para sorteos y en los que nos invitan para hacer exposiciones. ¿QUÉ EVENTOS SON LOS MÁS CONOCIDOS EN ESTE MUNDILLO, EN ESPAÑA? Difícil decirlo ya que aunamos muchos temas como el rol en vivo, videojuegos, cosplay y el manga, ciencia ficción… y cada rama tiene sus eventos importantes.

PON ALGÚN EJEMPLO DE ROL EN VIVO O VIDEOJUEGOS (YA SABEMOS QUE DE

COSPLAYS SON LOS SALONES DEL MANGA Y DEMÁS) Pues por ejemplo así importantes para nosotros estaría el Clanwars, que es un evento estilo Drachenfest (un rol en vivo con cerca de 5000 personas que se celebra en Alemania). Luego está la Eurosteamcon, que se hace en Noviembre aquí en Barcelona en la Estación del Norte y es el evento de Steampunk más importante de España.

De cosas medievales en España… Pues la verdad es que… ¿VAIS A FERIAS MEDIEVALES? No nos gustan mucho. ¿POR ALGUNA RAZÓN ESPECIA? Se han convertido en un negocio para el ayuntamiento así que son muy caras, con puestos no especializados… Casi todo es en plan mercadillo barato con pulseritas y anillos y nuestras piezas, al ser caras y hechas a mano, no tienen mucha cabida.

Además tampoco hacemos recreación y eso sería lo que más llamaría la atención en un mercado medieval, aun siendo caro.

Nos interesa más ir a jornadas grandes de rol en vivo donde nuestro material es muy buscado al ser específico para ese cliente.

¿Y FUERA DE ESPAÑA? Para nosotros el Drachenfest. Van cerca de cinco mil personas y casi todas las tiendas que merecen la pena de Europa. Es un punto importante para ver el mejor material medieval que hay.

También fuimos a Castlefest este año, un festival de música celta y pagana que se hace en Holanda… pero queremos ir cada vez a más. ¿CÓMO SON LOS INTEGRANTES DE PROPCORN FUERA DE PROPCORN? ¿TENÉIS OTROS PROYECTOS O NEGOCIOS? La mayoría de los que están aquí está estudiando algo relacionado. Y tanto para Jésica como para mí, este es nuestro trabajo principal, aunque ella tiene otro trabajo a tiempo parcial. ¿ESTUDIOS TAMBIÉN RELACIONADOS CON LAS BELLAS ARTES? Sí, en una gran gama como trabajo en metal, cuero, mecánica, diseño 3D, etc pero digamos que sí. ¿QUÉ CREÉIS QUE OS DEFINE? ¿QUÉ OS HACE DISTINTOS A OTROS GRUPOS O

PERSONAS QUE SE DEDICAN A LA CREACIÓN DE ESTE TIPO DE COSAS? El acabado de nuestras piezas llama siempre la atención. Intentamos que las piezas tengan personalidad y no parezcan nuevas, que sean radicalmente diferentes a las piezas de distribuidores que salen de China o India.

También hay muchos artesanos que hacen piezas que parecen nuevas o industriales y nosotros intentamos que nuestras cosas nunca parezcan nuevas, que tengan historia, que parezcan usadas… Como cuando ves una peli, que todo parece tener muchos años y está dotado con esa aura de cine y fantasía. ¿LE PONÉIS ALGÚN TOQUE ESPECIAL A VUESTRAS PIEZAS? El acabado básicamente. Puedes estar viendo diez piezas, que son la misma, y no son iguales, todas y cada una son distintas aunque sean el mismo modelo. Son únicas.

PARA ACABAR. ¿ALGUNA COSILLA QUE DECIR A LOS LECTORES? Pues a toda la gente de Barcelona que nos quiera conocer les invitamos a enviarnos un e-mail. En nuestra web y Facebook sale nuestra dirección y pueden venir a vernos, siempre avisando para que no nos pillen en plena faena o yo esté de compras y tengamos tiempo para atenderles. No estamos abiertos al público pero pueden venir a vernos, siempre pidiendo cita y curiosear nuestros últimos proyectos.

P.D: AHORA QUE MENCIONAS LAS COMPRAS, ¿COMPRÁIS EL MATERIAL A MAYORISTAS O ALGO ASÍ?

Sí claro, de hecho la mayoría de gente se sorprende ante la enorme cantidad de material que usamos. Gastamos una cantidad aberrante.

Los compañeros nuevos estaban acostumbrados a hacer sus cosas por libre en pequeña escala, y se sorprenden ante la cantidad de material que consumimos cada mes, ya que tenemos un volumen de trabajo mucho más grande, y que aumenta cada día. ¡Y se acabó!

Web: http://www.propcorn.es/

Altaïr Ibn-LaÁhad, este es el nombre completo del Gran Altaïr, el cual significa en árabe “águila volando” e “hijo de nadie”.

Nació el 11 de Enero de 1165 en Masyaf, Siria y falleció el 12 d Agosto de 1257 con 92 años también en Masyaf.

Llego a convertirse en el más importante Asesino, revolucionando la hermandad con nuevas técnicas y armas y fue el Mentor que mando trabajar en las sombras, creando células de la Orden por todo el mundo.

De su vida privada se sabe más bien poco, se casó con una tal María, con la que tuvo dos hijos, Darim y Sef. Antes de seguir os comentare que la Orden de los Asesinos existió realmente, la cual paso a contar brevemente: Los Asesinos fueron una rama de la secta religiosa cristiana-chiita-ismaelita de los musulmanes en Oriente Medio entre los siglos X y XIII, conocidos más como “hashshashim” (raíz de la palabra asesino). Aunque era una secta islámica, acogían a cualquier persona de cualquier otra religión con tal de que estuviera dispuesto a dar su vida por los Hashshashins.

En el caso de Altaïr era hijo de padre islámico y madre cristiana.

Según la saga, la Fortaleza de los hashshashin era el pueblo de Masyaf en Siria. Cada asesino debe seguir una serie de reglas adoptadas por su clan, que conforman el Credo de los Asesinos. El objetivo principal era en asesinar a tiranos y líderes corruptos, creyendo que con ese fin se lograba la paz y el beneficio a la humanidad, un mal menor por el bien común.

El Mentor de Altaïr y Jefe de los asesinos de Al Mualim (del árabe Maestro). En la realidad Al Mualim si fue jefe de los hashshashin, solo que UBI decidió cambian los nombres verdaderos para no nombrar personajes importantes y así evitar discusiones religiosas.

Al Mualim es el nombre falso que le otorgaron a Hassan-i Sabbah, también conocido como “El Viejo de la Montaña”, según varias fuentes su mandato transcurrió entre 1097 y 1124, con lo cual, en teoría, UBI habría elegido mal, puesto que en la saga Altaïr y Al Mualim están en 1191, que siguiendo el orden cronológico el jefe de los hashshashin tendría que haber sido Mohammed II. Aunque estas fechas, lugares y personajes confusos son explicadas durante la saga por el Dr. Vidik, cuando habla con Desmond sobre la diferencia entre “lo que nos cuentan” y la que se observa en el Animus.

altair Conociendo a...

Los Asesinos tenían la costumbre de cortarse el dedo anular para poder usar la hoja oculta, aunque se piensa que la verdadera razón de tal amputación era la prueba final de fe para entrar en la Orden de los Asesinos.

Una vez aclarado este “pequeño” detalle, volvamos con el Gran Altaïr recordando varios momentos de gloria hasta que se convirtió en lo que todos conocemos, el Gran Asesino y Mentor de la Orden.

En 1189, con tal solo 24 años, aparece en la aldea de los asesinos, que está siendo atacada por los templarios. Este toma la iniciativa para salvar a Al Mualim, lo cual lo consigue no sin antes concederle al traidor la oportunidad de redimirse pero este la rechaza. Este acontecimiento concede a Altaïr una gran notoriedad dentro de la Orden.

Un año después, la Tercera Cruzada asedia Tierra Santa. Los cruzados se enfrentan a los sarracenos por el control de la Ciudad Santa.

Al Mualim encara a Altaïr encontrar y recuperar un objeto sagrado, El Cáliz que se dice que tiene el poder de unir bajo una sola bandera a todas las facciones de cualquier lado que la posea y poner fin a la Tercera Cruzada.

Sin embargo, El Cáliz es demasiado poderoso para ser utilizado por los hombres, así que debe ser encontrado y destruido rápidamente.

Después de enterarse de que El Cáliz se mantiene en Jerusalén, Altaïr consigue llegar a él antes que el líder del Temple, Basilisk. Altaïr planea atacar Alep, matar a Harash y huir con el Adha (El Cáliz).

Asalto al Templo de Salomon y relegacion a novicio

En el Templo de Salomón, Jerusalén, donde Altaïr junto Malik y su hermano Kadar, se les encomienda recuperar un misterioso artefacto de las ruinas del templo que también es buscado por los templarios. Ya en el templo, des-

cubren que el Gran Maestro de los Caballeros Templarios, Roberto de Sable, también se encuentra allí. Altaïr cegado por su egocentrismo y orgullo, viola el credo e intenta asesinar a Roberto, pero falla y es separado de Malik y Kaddar, quedando los dos hermanos a merced de los templarios.

Cuando regresa a Masyaf, le explica a Al Mualim que la misión a fracasado y que Kaddar y Malik murieron, y que el misterioso objeto está en manos de Roberto de Sable. Mientras ambos están enzarzados en una agitada conversación, aparece Malik, acusando a Altaïr de haber deshonrado la Orden y lo culpa de la muerte de su hermano. Además de un brazo menos, este trae consigo el misterioso objeto y también y una horda de templarios furiosos que atacan sin piedad al pueblo de Masyaf.

Al Mualim pospone el castigo a Altaïr y le ordena responder el ataque templario, que avanzaba sobre Masyaf. Mientras Al Mualim discute con Roberto, Altaïr aprovecha para activar una trampa y consigue rechazar el ataque templario. Una vez pasado el peligro, Al Mualim sigue con el castigo de Altaïr por haber roto las tres reglas de la Orden, las cuales son: no matar a inocentes, ocultarse de la vista y no comprometer a la Orden. Su castigo es la muerte, Al Mualim le clava un cuchillo en el costado y este cae al instante.

Cuando Altaír despierta, se sorprende por seguir vivo. Su Mentor le explica que su asesinato fue una ilusión provocada debido a que sería un desperdicio matar a un asesino del nivel de Altaïr, a cambio le degrada a novicio pero le da la oportunidad de redimir su error y volver a conseguir su rango y artefactos a cambio de realizar una misión consistente en matar a 9 hombres:

-Tamir, un traficante de armas y comerciante del mercado negro, ubicado en el barrio pobre de Damasco.

-Garnier de Naplouse, doctor y Gran Maestro de los Caballeros hospitalarios, este escondido en el barrio pobre de Acre.

-Talal, traficante de esclavos, afiancado en el barrio rico de Jerusalén.

-Abu´l Nuqoud, un rico mercader, ubicado en el barrio rico de Damasco.

-William de Montferrat, regente de la ciudad de Acre.

-Majd Addin, un tirano viviendo en el barrio pobre de Jerusalén.

-Jubair al Hakim, Jefe Erudito de Saladino, escondido en Damasco, en el barrio medio.

-Sibrand, Gran Maestro de los Caballeros Teutones, ubicado en el barrio medio de Acre.

brevivir gracias a la aparición de Malik y sus hombres.

Ya con las vías despejadas, va en búsqueda de Al Mualim, quien está usando el poder del Fruto. Este intenta frenarlo, pero no puede hechizarlo como a los demás y ambos se enfrentan, saliendo ganador, como no, Altaïr. Al Mualim no se lo puede creer, ya que el maestro nunca puede perder contra el aprendiz. Altaïr comprende lo peligroso que puede llegar a ser el Fruto, así que decide destruirlo, pero antes de intentarlo aparece un mapa del mundo donde se localizan todos los artefactos similares al que tiene en su poder. Malik y sus hombres

Pero por cada asesinato que cumplía Altaïr, su cabeza se llenaba de dudas si lo que hacía era o no correcto. Todos los de la lista decían lo mismo antes de morir, que ellos hacían esas cosas por el bien. Las dudas se las comentaba a Al Mualim, quien siempre tenía una respuesta para todo. Pero las sospechas se despiertan en Altaïr al ir relacionando las causas por los asesinatos encomendados, descubriendo una red comercial de esclavos.

El último objetivo era, como no, Roberto de Sable, que se encontraba en el distrito medio de Jerusalén, ya que supuestamente este iba a asistir al funeral de uno de los objetivos anteriores, Majd Addin. Cuando llega se enfrenta a Roberto y al momento de matarlo le quita el casco y resulta que no era Roberto, sino una mujer, esta le explica que era un señuelo para darle tiempo a Roberto a proponerle al Rey Ricardo unirse con Saladino para destruir a la Orden, ya que los objetivos de Altaïr eran tanto cruzados como sarracenos. Altaïr deja viva a la mujer y va en busca de Roberto de Sable.

Este le da caza y antes de morir le explica que los 9 que ha asesinado, aparte de ser templarios, también conocían la existencia del misterioso objeto, llamado “El Fruto del Edén”, para más sorpresa, Al Mualim también pertenecía al grupo y gracias a Altaïr los traiciono a todos, siendo este el único que queda vivo conociendo la existencia del artefacto, además de Malik y Altaïr.

Altaïr regresa a Masyaf en busca de respuesta pero lo que se encuentra es a toda la población hechizada por el poder del Fruto, varios asesinos intentan matarlo, pero consigue so-

llegan y ven también el mapa.

En uno de los descansos del sujeto 17 (Desmond Miles), este experimenta el “Efecto Sangrado”, que es revivir una memoria sin estar en el Animus. En el ve que Altaïr persigue a María de Acre hasta la Ciudadela de Acre, ella lleva ropas templarias y la persigue hasta lo más alto de la atalaya de la Ciudadela, Tras un lapsus en la memoria, se observa que Altaïr salta de la atalaya pero la memoria no lo sigue, sino que se queda con María, o mejor dicho, se queda con el “contenido “ de este.

Confrontacion con Abbas

Después de derrotar a Al Mualim, en 1191,

decide quemarlo para que no sea otro fantasma que pueda estar creando el Fruto del Edén, pero muchos asesinos se oponen ya que en su credo no se permite la incineración, sobre todo Abbas Sofian le lleva la contraria en todo momento. Una vez que quema el cuerpo de su maestro, Abbas aprovecha para apoderarse del Fruto a lo que Altaïr le dice que ningún humano es digno de manejar ese artefacto, es cuando el Fruto emite un estallido que invalida a todos los habitantes de Masyaf, excepto a Altaïr, el cual aprovecha sus habilidades para alcanzar el Fruto calmando todo lo que Abbas había provocado, sin embargo Altaïr tiene más dudas sobre el Fruto: “¿Acaso

Altaïr lleno de ira, utiliza el Fruto para que ese guardia se auto mutile con su propia espada, pero interviene María para intentar calmarlo y evitar males mayores y el mismo guardia antes de morir la mata por la espalda, la reacción de Altaïr no se hace de esperar y degolla al guardia. Ya con María muerta, Altaïr huye acusado de locura y supuestamente poseído por el Fruto. Ya en la aldea se encuentra con Darim, su hijo mayor, con el que escapa de Masyaf en un exilio autoimpuesto, lamentándose de la muerte de su querida María y de su hijo Sef.

ultimos dias y muerte

Con 82 años, Altaïr regresa a Masyaf, reclutando a varios asesinos a su causa para volver a tomar el control de la Orden. Una vez en el castillo, la gran mayoría se sienten orgullosos de su vuelta, mientras que otros se enfrentaron a él sin conseguir vencerlo. Cuando se reencuentra con Abbas, lo acusa de todo lo malo que ha ocurrido en la Orden, el cual le recrimina haberse quedado con el Fruto para sí mismo, con lo que Altaír le responde que es cierto y que ha aprendido mucho del fruto sobre el pasado y el futuro y que se lo va a demostrar, carga su cañón oculto y le dispara matándolo, no sin antes explicarle que su padre fue un hombre digno y no un cobarde, que Abbas no se sienta mal por el suicidio de su padre, sino que lo hizo por honor.

tienes algo que enseñarnos, o nos llevaras a todos a la ruina?” le exclama este al Fruto.

En 12227 Altaïr y su esposa María regresan a Masyaf ya que les llega la triste noticia que su hijo menor Sef había muerto, deciden hablar con Abbas quien se ha echo con el control de la Orden, al preguntare sobre la muerte de Sef, Abbas le contesta que antes de contarle nada quiere el Fruto, Altaïr se da cuenta que esa fue la razón de la muerte de su hijo, sin embargo acepta el trato, pero el guardia que se acerca para coger el Fruto le susurra que antes de matarlo le dijeron a Sef que fue el mismo Altaïr quien mando matarlo, a lo cual

En 1257, ya con 92 años, ya es el líder de toda la Orden y se había hecho amigo de Niccolo y Maffeo Polo, padre y tío de Marco Polo respectivamente, a quienes les entrega el códice como regalo. Ese año Masyaf fue asediado por los mongoles, aunque Altaïr ayudo a los Polo a salir de la aldea con el Fruto, les entrego las cinco llaves de Masyaf, estos le preguntaron que a quien iba dirigido el mensaje de las llaves a lo cual contesto “No lo sé”. Después se despidió de su hijo Darim, que se dirigía a Alejandría. Este le pregunta porque haría una biblioteca si no iba a guardar sus libros, a lo que Altaïr le contesto que era para guardar un secreto, pero no le dijo cual. Ambos se abrazan por última vez y Altaïr se encierra en la biblioteca dentro del castillo abandonado. Una vez dentro, esconde el Fruto hasta que sea el momento justo de utilizarlo de nuevo. Justo después se sienta, graba la última llave con su recuerdo respectivo y fallece.

DANIEL TORREJÓN GONZÁLEZ

Muchos de nosotros, fans incondicionales o no de Star Wars, hemos pensado muchas veces en las consecuencias y posibilidades de la construcción de una Estrella de la muerte. Incluso probablemente estés leyendo estas líneas y recuerdes la noticia que surgió por enero del pasado 2013 a través de la cual nos enteramos de que se habían reunido decenas de miles de firmas para construir una estación como la Estrella de la muerte. Pues bien, el gobierno norteamericano dio unas simpáticas razones para rechazar dicha petición, bastante tuvieron con tenerla en cuenta. Una de las razones de la negativa fue que resultaría muy caro construirla.

Pero lo que nos interesa y tiene que ver más con la naturaleza de esta sección es, por ejemplo, su tiempo de construcción.

Según sus dimensiones, materiales y medios actuales disponibles su construcción tardaría millones de años. Obviamente no pretendo justificar su recreación, ni creer que sería posible construirla, simplemente extraer esa pequeña parte de ciencia que se encuentra en esta ficción. Sin duda el señor Emperador Imperial tenía (recordad que esto ocurrió “hace mucho tiempo”) medios galácticos para construir una de estas estaciones y empezar una segunda más grande aún. Obreros, técnicos, fondos, materias primas... pero aquí en el planeta Tierra lanzamos cohetes de guindas a brevas y para ocupar un cuerpo astral de esas dimensiones necesitaríamos sacar prácticamente a todo el mundo del planeta. Solo reunir el dinero para construirla supondría más de 13.000 veces el PIB de toda la Tierra.

Pero entremos más en materia de física.

Las medidas estimadas, tomadas como “oficiales”, nos detallan una Estrella de la muerte (la primera de ellas) con un diámetro de unos 150 kilómetros. Con semejante cuerpo celeste artificial (23 veces más pequeño que el de nuestra Luna) hay que reunir a mucha gente, los cálculos hablan de un cuarto de millón de seguidores del imperio. Pero el verdadero problema llega cuando pensamos en dos puntos básicos.

El primero de ellos es trasladarla. Para

Si no has nacido con estrella constrúyetela

poder mover semejante mole necesitaríamos una cantidad ingente de propulsores.

Según la ficción la esfera utiliza una serie de cañones de iones colocados sobre su diámetro horizontal. Desconozco el presunto funcionamiento de dichos cañones pero con nuestros conocimientos actuales usaríamos cohetes de combustión, para los cuales habría que reservar muchísimo espacio, sobre todo para su combustible.

Por supuesto sería muy difícil saltar al hiperespacio con dicha nave, hoy en día no lo conseguimos ni con una del tamaño de un Mini. Si la aceleración indicada en el Universo expandido para la Estrella de la muerte es de 10 MGLT (megaluz), pode-

mos averiguar que su aceleración es de 341.3 m/s2. Es decir que recorrería la distancia entre la Tierra y Marte en casi cuatro horas durante el perihelio (época en la que Marte está más cerca de la Tierra, 59 millones de kilometros), obviamente estamos muy lejos de esto.

El segundo problema derivado del tamaño y el objetivo de esta estación sería la energía, tanto para sus dispositivos como para su principal arma, el Superlaser. Esto sí que está bien reflejado en la ficción ya que como casi todos sabréis la estrella de la muerte tiene un reactor en su centro.

Aquel reactor era accesible a través de un

gravitatorias de su propia galaxia hiciesen el resto. Pero hacer explotar un planeta de dentro hacia fuera solo se produciría en casos muy concretos. En otra ocasión ya hablaremos de los avances actuales en materia de láser.

Pero sin duda, lo que la gran mayoría de fans de Star wars han pasado por alto, por supuesto también a sus guionistas, es que la principal arma de la Estrella de la muerte no debería ser el Superlaser, sino la fuerza de la gravedad. A causa de su tamaño y su velocidad de translación, un cuerpo astral de semejantes dimensiones podría causar grandes estragos en un planeta con solo situarse a corta distancia de este en un pequeño espacio de tiempo. Sólo hay que imaginar las consecuencias de quitar de repente nuestra luna del cosmos o por el contrario hacerla más grande: cambios en el clima, en la gravedad, en la corteza, en las mareas... Solo pensar que la segunda estrella de la muerte era inmensamente más grande... iría causando estragos por la galaxia en todos los campos gravitatorios con los que se topase.

Aún nos queda mucho por andar para conseguir construcciones más que faraónicas como esta pero de llegar a este nivel complejidad esperemos que no sea con fines bélicos. Que la ciencia os acompañe.

FRAN TEJEDA WHITE conducto que resultaba ser el punto débil de la estación. Dicho reactor desconozco que de que materia prima obtenía energía, pero según los planos que se ven en las películas era lo suficientemente grande como para alimentar el superarma y suministrar la energía necesaria para las estancias del astro artificial.

Lo que está más en duda es si un laser podría hacer detonar un planeta. Teniendo en cuenta que el núcleo de cada planeta tiene características diferentes, podemos pensar, hipotéticamente, que un laser de semejante dimensiones sería capaz de fracturar un planeta hasta que las fuerzas

novedades anime

neko mai

stand by me doraemon

space brothers

“Space Brothers” es un manga de Chūya Koyama cuya adaptación a la gran pantalla llegó a principios de mes.

La historia sigue la vida de los hermanos, Mutta y Hibito Nanba, que una noche vieron un ovni y a partir de ello decidieron hacerse astronautas. Hibito cumple rápidamente su sueño y se convierte en uno de los astronautas que habitarán en la Luna, pero Mutta se acerca a su sueño tras perder su anterior trabajo y conseguir entrar en el programa de selección de astronautas de JAXA. Se hizo una primera adaptación al anime que comenzó a emitirse el 1 de abril de 2012 tanto en el mercado japonés como en Crynchyroll.

La historia también tiene una adaptación a Live Action, que se estrenó en mayo de 2012.

Debido al enorme éxito que cosechó el manga no es de extrañar que la película esté recibiendo buenas críticas, así que si el tema te interesa ya sabes.

El día 8 de Agosto salió a la gran pantalla la nueva película de Doraemon, dirigida por Takashi Yamazaki y Ryuichi Yagi.

Es una combinación de los episodios “el camino hacia el futuro”, “romance en la montaña nevada”, “la noche antes de la boda” y “adiós, Doraemon” y está formada para contar el final de Doraemon.

El diseño de la misma está hecho en 3D, apreciable sobre todo en el caso de Nobita, y suelen llamarla “la primera y última película de Doraemon”, en el sentido de que recorre toda su historia. Es la primera vez que se usa este tipo de tecnología en la saga de Doraemon y sin duda es un extraño cambio, sobre todo para los que estamos acostumbrados a verlo en formato de animación “normal”.

La banda sonora de la película está interpretada por Motohiro Hata, siendo la más conocida “Himawari no Yakusoku”.

En el poco tiempo que la película lleva en la cartelera japonesa ya ha recaudado más de 3.300 millones de yenes y se mantiene en la primera posición de la lista.

Quienes quieran verla en los cines españoles tendrán que esperar a que Alfa Pictures y Luk International la traigan, tirando ya para Diciembre (o eso dicen las buenas lenguas).

Existe un cambio primordial en referencia al anime. En esta película Nobita se encuentra con Doraemon de noche, mientras que en el anime es de día.

En esta ocasión tenemos en frente una película con muchos elementos dramáticos, que contrarrestan con las aventuras que hemos ido viendo a lo largo de sus anteriores películas, así que si el lagrimeo no es algo que os interese no os recomiendo verla.

Hanamonogatari Shin Gekijouban Initial D Monogatari es una serie de novelas ligeras escritas por Nisio Isin. Todas las novelas comparten el sufijo “monogatari” (historia) y son un total de 16 historias.

La primera adaptación al anime se realizó en 2009, siendo esta Bakemonogatari. Hanamonogatari (historia de la flor) es la adaptación del arco “Suruga Devil” de la novela ligera con el mismo nombre y se estrenó el 16 de Agosto. Contará en principio con un total de 5 episodios.

La historia se centra en la vida de Suruga Kanbaru y sus amigos tras la graduación de Koyomi Araragi. Kanbaru, que acaba de empezar su tercer año de preparatoria, suele tener sueños en los que su madre le habla para darle extrañas lecciones sobre la vida. Además sigue vigilando las noticias por si ha salido a atacar a alguien hasta que se topa con unos extraños sucesos que decide investigar.

Todos los que hayan seguido la saga animesca de Monogatari encontrarán en Hanamonogatari otra serie más con la que acabar babeando.

nozo x kimi

El pasado día 18 salió a la venta la OVA del manga NozoxKimi de Wakoh Honna, un spinoff de la serie Nozoki Ana. La OVA se puede conseguir junto con la edición limitada del tomo recopilatorio 4 de la historia. ZEXCS fue el estudio encargado de producir la animación.

La historia nos enseña cómo viven Suga Kimio y Komine Nozomi, dos estudiantes de secundaria que viven en el mismo edifico que los protas de Nozoki Ana. Los amantes del fanservice tienen con esta OVA todo lo que podrían pedir: chicas ingenuas y tetonas, situaciones con caídas tontas (y su consiguiente muestra de partes pudendas), ropa interior al aire, primeros planos de partes X…

Esta película es la primera de la trilogía que conformará la adaptación del manga de Initial D, de Shuichi Shigeno, al formato animado. Se estrenó en los cines japoneses el pasado día 23.

Masamitsu Hidaka fue el director bajo el mando de Sanzigen y Liden Films.

Así mismo contó con la ayuda de Mayori Sekijima como guionista y de Akio Dobashi para la banda sonora (quizá a este último lo conocéis por la de Dance in the Vampire Bund).

La historia del manga nos presenta a Takumi Fujiwaea, un estudiante con un talento natural para conducir que acaba metido en las carreras callejeras.

El manga debutó en 1995 y llegó a su final en julio de 2013, contando con más de 48 millones de copias impresas.

La historia ha tenido varias adaptaciones al anime, siendo la última Final Stage, que se emitió en mayo de este mismo año. También tiene varias OVA’s y videojuegos e incluso una película en imagen real.

Esta primera película es sin duda una muestra en compresión de todo lo que tiene la obra en todas sus variantes: buen dibujo, escenas en el asfalto que te dejan pegada a la silla hasta que pasan las curvas, coches increíblemente detallados, una buena dinámica en lo que ha historia se refiere… Algo imperdible para todos los fans de la historia.

novedades anime

Spo chan Taiketsu Youkai Daikessen

Gundam G no Reconguista Una nueva serie sobre Gundam salió a la luz el día 23, aunque más en específico hay que decir que sus tres primeros capítulos se dieron a conocer en formato de edición especial del 23 de Agosto al 5 de Setiembre en las salas japonesas, ya que la serie empezará a emitirse oficialmente en Octubre.

Este nuevo anime se centra en la era de “Reguild Century”, que se desarrolla después de “Universal Century”.

La historia nos sitúa tiempo después del siglo Universal, mostrándonos un mundo marcado por la colonización del espacio y la guerra espacial en donde la nueva era de prosperidad humana, el siglo Reguild, intenta mantener la paz. ¿Qué se puede decir de algo como esto?

Pues sinceramente, poco. Gundam es Gundam, y aunque con cada nueva serie decaiga poco a poco, siempre conserva ese algo que nos hace verla.

A manos del estudio WAO Corporation llegó el día 30 la película animada de Spo-chan Taiketsu! ~Yokai Daikessen~, que contó con la dirección de Hiroshi Kubo y Akio Nishizawa.

La historia nos situa en un mundo en el que los humanos y los demonios han convivido desde tiempos antiguos. Tras la aparición de un yokai que ansía el control de los humanos, los yokai se dividen en dos bandos y empieza una lucha por bien quien controla el mundo humano.

Los rumores dicen que la emisión televisiva no se haría de rogar tras su estreno en cines, pero no hay nada confirmado hasta la fecha.

Los trailers nos muestran una animación bastante detallada y con toques chibis muy bien dados (quizá el hecho de que los protas sean niños tendrá algo que ver…), todo bien complementado con una ambientación al más puro estilo japonés tradicional, en donde el kendo y la lucha cuerpo a cuerpo es una parte fundamental de la historia.

u

kill la kill trigger/24 episodios Serie de anime producida por Trigger, dirigida por Hiroyuki Imaishi y escrita por Kazuki Nakashima. Aniplex fue la encargada de su emisión y venta de videos (DVD y BD).+ La historia se ambienta en un futuro relativo y el espacio en el que se desarrolla es un instituto llamado “Academia Honnoji” en el que su jerarquía se rige como en la Edad Media (Reyes-campesinos). Esta jerarquía es de tipo pirámide, en la punta y con mayor importancia se encuentra la Presidenta del Consejo Estudiantil, Satsuki Kiryuin, la cual tiene poder y decisión en todo el instituto.

Su labor es asignar los distintos trajes a cada persona. Esta función es muy importante ya que cada traje aporta a su portador distintos tipos de propiedades mágicas, físicas, mentales, etc.

Por debajo de ella se encuentran sus “burgueses”, los distintos representantes de los comités del instituto; dependiendo del número de estrellas que tenga el traje que lleven, mayor poder tendrán, aunque como máximo solo podrán tener cuatro estrellas.

Por otro lado se encuentran los “campesinos”, son todos aquellos estudiantes que no tienen traje de estrella sino el escolar.

La trama de este anime se centra en una chica llamada Ryuuko Matoi, que llega al instituto de “Academia Honnoji” en busca de la persona que mató a su padre. Sin embargo la única pista que tiene de esa persona que acabo con la vida de su padre es la mitad de una tijera.

Para poder obtener información intenta hablar con Satsuki, sin embargo no consigue sonsacarle y acaba enfrentándose contra uno de sus secuaces y perdiendo sin poder llegar a obtener nada.

Para poder adaptarse a ese nuevo lugar su amiga, Mako mankashoku, le explica el funcionamiento del instituto y la ayuda de muchas formas; dándole comida, un sitio donde

dormir…etc.

Ryuuko, enfadada y triste a la vez por no poder encontrar respuestas, va a su antigua casa en ruinas y queda atrapada en su sótano, mal herida y medio sangrando. Esta situación hace que despierte “Senketsu”, un traje que hizo su padre antes de morir.

Senketsu es de color negro con cintas rojas y la mayoría del tiempo parece un traje escolar negro normal y corriente. Su forma de ser es divertida y siempre hace enfadar a Ryuuko.

Después de eso y con la ayuda del profesor del instituto Aikuro Miskususile, Ryuuko descubre qué son los trajes y que se alimentan de la sangre de sus portadores.

En uno de los capítulos de la serie se descubre que Satsuki también tiene un traje, llamado “Junketsu”, con el cual lucha contra Ryuuko. Junketsu es de color blanco con citas azules y su aspecto se asemeja a un traje de príncipe-animadora. Su forma de ser es poco llamativa y tiene mal carácter.

En esta batalla en la que Ryuuko y Satsuki se pelean, Ryuuko reflexiona acerca de lo que implica el llevar un traje y acaba asimilando que no tiene por qué sentir vergüenza; logrando entender que ella y su traje son una misma piel. Entonces se pone a “Senkesu” y este se transforma en un súper traje muy sexy.

Después de luchar en las mismas condiciones, la batalla queda empate, entonces Satsuki le explica que si quiere volver a luchar contra ella y ganarla, tendrá que ganar primero a todos sus secuaces y si lo consigue entonces le contestará a su pregunta.

Lo que no se esperaba Ryuuko era descubrir que es hija por parte de madre de Ragyo Kiryuin, por lo tanto hermana de Satsuki.

Lo más interesante de esta historia son sus personajes:

Ryuuko Matoi; Protagonista.

Es una chica con fuerte carácter y muy mal humor, para ella lo más importante es encontrar a la persona que mato a su padre. Lleva siempre consigo la única pista del asesino de su padre, la mitad de una tijera.

Su aspecto físico es larguirucho, tiene el pelo azul oscuro con una mecha roja en el flequillo, sus facciones son triangulares, estos ayudan a reflejar su forma de ser.

Satsuki Kiryuin; Presidenta del consejo estudiantil.

Es una chica de muy mal humor con aires de grandeza, proviene de familia muy rica. Hace todo lo posible para que Ryuuko no descubra sus lazos de sangre comunes, poniéndole

infinitos impedimentos.

Tiene el pelo azul, oscuro, largo y liso que le llega hasta la cadera; con unas fracciones triangulares que agravan su mal humor.

Mako mankashoku; amiga de la protagonista Es una chica extremadamente rarita, tiene una forma de ser muy peculiar, es divertida, atrevida, alegre… totalmente lo contrario a la protagonista, por lo que se hacen amigas en seguida. Este personaje, como su familia, es un punto humorístico y divertido en la serie.

Su aspecto es normal, pero con un toque infantil. Tiene el pelo al estilo bob corto de color marón, con unas facciones redondeadas, reflejando bastante expresividad a la

hora de hablar.

y en pelotas ^^

Aikurou Mikisugi; Profesor del instituto y Lider de la asociación “Nudist Beach” (Palya Nudista) Es el maestro de la protagonista, siendo a la vez un infiltrado en la Academia Honnoji. Es el líder de “Nudist Beach” (Playa Nudista), un grupo rebelde que lucha con Revocs y Honnoji por el uso de ropas con biofibras, es decir, los trajes de estrellas.

Su comportamiento es de lo más extraño, tiene como una doble personalidad que se diferencia en dos: la dentro de la clase y la de fuera de ella. Dentro de la clase se comporta como otro profesor, aunque está siempre atento a los movimientos de los esbirros de la presidenta. En cuanto a la forma de ser fuera de la clase es totalmente distinto, se podría resumir como una persona sexy y sensual, que provoca a la protagonista.

Tiene el pelo corto, azul claro y lleva gafas cuando es profesor. Sus facciones son cuadradas y dependiendo de si es profesor esta serio o preocupado, o si esta fuera del instituto que siempre tiene esa sonrisa cautivadora.

Lo mejor de todo es cuando aparece el profesor y pone el toque sexy haciendo estriptis… es la ginda del pastel… ooooooooooohhhhh!!!! XD

Esta serie me ha gustado porque es interesante. Sobre todo me gusta por Mako la amiga, hace que te enganches de lo rarita que es. Además el que la protagonista tenga que buscar al asesino de su padre pone ese toque de investigación e intriga. También me gusta que tenga que luchar para proteger a su amiga, sobre todo por el toque de lo sexy

No me ha gustado por qué se parece a Utena por lo de las batallas en la escuela y que tiene que proteger a su amiga. Y tampoco me gusta porque también se parece a las Pretty Cure por lo del traje.

En mi opinión algunas cosas se hacen pesadas y abusivas como que la protagonista tiene más cara que espalda y le da igual que su amiga y la familia de ella se deslome para que no le falte de nada…

Tampoco me ha gustado el temita de que las tías se les vea toooooodooooooo!!!! Pero todo… que el traje no deja mucho a la imaginación… Creo que con esos trajes se las ve más como unas busconas que unas luchadoras.

En definitiva, Kill la Kill es una serie bastante entretenida y puedes pasar un buen rato viéndola, aunque creo que es más adecuada para el sexo masculino. Así que ya sabéis chicos, si queréis ver a chicas luchadoras con trajes muy sexis Kill la Kill es vuestra serie.

CRISTINA FERNÁNDEZ

saylor moon sailor moon

crystal

Aunque no es lo más frecuente en el género anime, versionar una serie años después de su primera emisión puede suponer todo un éxito si se hace bien. Por eso mismo, merece la pena acercarnos al remake de la popular Sailor Moon dos décadas después con la recién estrenada Sailor Moon Crystal, apta tanto para antiguos fans como para nuevos espectadores que quieran disfrutar de una de las mágicas historias más aclamadas del género nipón.

año haya visto la luz uno de los remakes más esperados de lo que va de siglo: Sailor Moon Crystal que vuelve a los inicios de todo pero con una estética mejorada y más moderna, de gráficos más potentes y escenas más dinámicas.

Aunque de momento esta serie creada por Kodansha y Naoko Takeuchi para conmemorar los 20 años de la franquicia lleva muy Los niños que crecimos durante la década de pocos capítulos de emisión (debido a que los 90 no podemos evitar recordar con cariño sale los primeros y terceros sábados de cada mes) ya puede atisbarse que es más fiel a una de las series que nos indujeron a amar la trama de los tomos del manga que de su el género anime: la exitosa Sailor Moon que primera versión anime. Y hay algunas difedeleitó nuestra infancia con horas y horas de historias sobre unas bellas guerreras que rencias con respecto a la historia de hace 20 años, como la mayor relevancia que se le da debían proteger la ciudad de extraños y podesde el principio a Sailor V que ya aparece derosos villanos, además de desentrañar un misterio latente en sus vidas, común a todas como toda una celebridad en su lucha contra los villanos. Sin embargo, los personajes ellas. La popularidad y aceptación de esta serie puede explicar perfectamente que este principales son bastante parecidos a los del

anime inicial tanto en personalidad como en características físicas. Su protagonista Usagi Tsukino (Bunny en la traducción española) sigue siendo, por ejemplo, una chica rubia de largas coletas y grandes ojos azules que es bastante torpe, llorona y muy inquieta.

Ami Mizuno (guerrera Mercurio) tiene al igual que en la primera edición un peculiar pelo azul y es muy tranquila, inteligente y aplicada en los estudios. El Guerrero del Antifaz presenta el mismo atuendo que en la versión primigenia y continúa burlándose de Bunny de la misma manera. El resto de personajes parecen llevar el mismo camino y puede que varíen en todo caso los villanos a los que deben enfrentarse las chicas, o las situaciones en las que aparecen.

Eso sí, se nota un cambio evidente en el físico de la mayoría de los personajes que tienden a ser bastante más delgados que en el dibujo original, lo cual muchos atribuyen a conseguir un mayor parecido a la versión manga pero que, en mi opinión, desmejoran a los personajes que ya antes estaban bastante estilizados. Los rostros también aparecen más delgados y los ojos, sobre todo de las chicas, parecen más grandes. Otro cambio que puede apreciarse por el momento es que Bunny ha perdido un poco su sello en lo que a expresiones faciales exageradas se refiere: recordemos que antes pasaba de estar tranquila y presentar un bello rostro a tener cascadas de lágrimas en la cara o sus ojos se transformaban en enormes corazones, sobre todo cuando veía al Guerrero del Antifaz, y nos habíamos acostumbrado a estos peculiares y divertidos gestos de la protagonista que la hacían única.

Sin embargo, el primer episodio muestra de manera bastante semejante cómo Bunny encuentra a la gata Luna y ésta le explica lo que debe hacer y decir para transformarse en una guerrera y combatir el mal en su ciudad. Es precisamente en la transformación de las guerreras (unas de las escenas más especiales y características de la serie ya en su primera versión) donde se observa un cambio en el tratamiento de las imágenes, puesto que mezcla animación digital y escenas en CGI. La transformación actual es un poco más larga que la primera, se le concede más importancia y presenta bastante más dinamismo que la original. La música de la primera versión, es en opinión de muchos fans entre los que me incluyo, mucho más acertada y acorde con la escena que la ac-

tual, pero es precisamente este aspecto, el musical, el que más falla en la nueva versión, sobre todo en la canción del opening y en la que cierra el capítulo. Las canciones actuales tienen menos carga emotiva e impactan menos que sus predecesoras. El tema de inicio se titula “Moon Pride“y está interpretado por Momoiro Clover Z y compuesto por Revo de Linked Horizon, pero la mayoría de los seguidores de la serie añora el antiguo “Moonlight Densetsu” tantas veces tarareado a pesar de ser menos rítmico que el que presenta Sailor Moon Crystal. El nuevo tema de cierre viene también de la mano de Momoiro Clover Z , su nombre es “Tsuki Niki”, lo que en español significaría “Arco iris Lunar” y resulta bastante tedioso, acompañado de imágenes bellas pero tan lentas que pueden llegar a aburrir. La música parece ser lo más criticable de la nueva Sailor Moon, pero para ser justos hay que tener en cuenta que estábamos acostumbrados a los temas antiguos y les teníamos tanto cariño que es lógico que nos sintamos extraños ante canciones e imágenes que no se corresponden con lo que recordamos haber visto y cantado mil veces y en nuestra memoria estas escenas y melodías aparecen como más bellas. Asimismo,

hay que comentar que los sueños y retazos de imágenes que Bunny empieza a ver ya desde el primer capítulo son un acierto y aparecen bellamente tratados, concediéndole el misterio y la importancia que tendrán durante el desarrollo de la serie.

Aunque de momento hemos visto muy poquito de la nueva serie sobre la guerrera Luna y sus amigas, ya podemos ir deduciendo que, aunque nunca logre reemplazar el recuerdo de aquel primer contacto animado con esta historia, es una buena versión que parece prometer ratos muy agradables con escenas nuevas pero con una trama muy similar a la que nos hizo soñar de pequeños, un espectáculo visualmente mejorado para antiguos fans que generará miles de nuevos seguidores y eso, para los que fuimos niños durante los 90 nos alegra y emociona por ser uno de los recuerdos televisivos más bellos que siempre llevaremos con nosotros y quien diga lo contrario será castigado por el poder de la luna.

ROSA CORTÉS

Hércules había vertido muy pocas lágrimas en su vida, todas ellas justificadas y en ocasiones contadas con no más de los dedos de una sola mano. Aquella vez las superó a todas. Gritó el nombre de su amada al cielo pidiendo una explicación a los dioses del Olimpo, pero no hubo más respuesta que la mano de su también abatido compañero Ulises en su hombro.

Hércules miró a su amigo y, a pesar de que su furia no mermó ni un ápice contuvo su llanto en consideración a él, que había perdido aún más que él. ― Juro que la vengare ―exclamó Hércules― Aunque tenga que buscar por el mundo entero, el Olimpo o el Hades, pero encontraré al culpable y se lo haré pagar.

Ulises asintió, expresando que se unía a él en sentimiento y voluntad.

Frente a ellos, casi a la altura del mar, clavados en la arena de la playa, se erigían cuatro postes de madera que empalaban los cuerpos de cuatro personas, tres mujeres y un joven, cuatro personas con claros indicios de haber sido torturadas hasta la muerte. Una de ellas era Deyanira, la esposa de Hércules, y junto a ella Penélope y Telémaco, esposa e hijo de Ulises. ― ¿Quién es ella? ―preguntó Ulises señalando al cuarto cuerpo empalado.

Hércules miró desolado el cuerpo de aquella mujer en la que no había reparado aun por culpa del shock. ― ¡Dios mío, no puede ser! ―dijo reconociendo su rostro a pesar de las múltiples mutilaciones que exponía aquel. ― ¡Dioses! ¿Quién…?

La pregunta de Ulises fue interrumpida por un relincho que provenía del cielo.

Los dos héroes alzaron su mirada al cielo y contemplaron una figura alada que conocían muy bien. Era Pegaso, y su dueño cabalgaba sobre él, aproximándose a la isla en la que se encontraban, a su encuentro, donde solo hallaría la misma desolación que ellos. Pegaso viró para aprovechar la corriente descendente y se dispuso a realizar un más que ensayado picado para aterrizar en la arena. Hércules temía el instante en que los ojos de su hermano Perseo se posaran en la cuarta víctima, la princesa Andrómeda, su amada esposa.

Fue entonces, cuando un sonido de madera astillándose y un fuerte silbido surgió del interior de la isla. Hércules y Ulises giraron al unísono para descubrir su origen, pero un nuevo y estridente chillido dirigió de nuevo su mirada hacia el cielo, para contemplar como una lanza atravesaba a Pegaso de lado a lado.

Caballo y caballero, criatura y héroe, dos mi-

UN VIAJE SIN FIN

UN RELATO DE TONI SERRAN

NO

tologías vivas, empezaron a caer a velocidad vertiginosa sobre la arena de la playa. A Hércules no le hizo falta un segundo para reaccionar. Con asombrosa velocidad se colocó en su trayectoria y, con la fuerza que su estado de semidiós le confería, detuvo su caída con las manos desnudas y sin apenas retroceder.

Nada se pudo hacer por Pegaso, que llegó a tierra ya sin vida, pero Perseo evitó el viaje por la laguna Estigia con tan solo unos rasguños. Segundos más tarde lo lamentaría, tras descubrir que no solo había perdido a su adorado compañero alado, sino al amor de su vida. Tras un nuevo episodio de duelo, fue Ulises el que decidió tomar la iniciativa. ― La lanza que ha atravesado a Pegaso ha tenido que ser lanzada con algún tipo de ballesta, y por la dirección y altura desde la que procedía ha tenido que ser disparada desde aquella montaña. Yo digo que vayamos a ver. ― Y yo digo que acudamos a tomar venganza ― dijo Hércules. ― Lo secundo ―dijo Perseo con el mismo espíritu vengativo adueñándose de su alma― El Hades le parecerá una recompensa al responsable de todo esto tras lo que vamos a hacerle cuando le demos caza.

Tal y como había deducido Ulises, encontraron una ballesta gigantesca en la cima de la montaña, justo a la entrada de una cueva desde cuya entrada no podía divisarse su final. A ninguno de ellos se le escapó que aquello pudiera ser una trampa, pero fuera así o no, estaban seguros de que el responsable de todo aquello se encontraba en aquella gruta, y la muerte no fue suficiente amenaza como para impedirles entrar.

Razón no les faltó como pudieron comprobar a escasos metros de la entrada. Derrumbes demasiado ocasionales, falsos suelos con picas en su fondo, explosiones y lluvias de flechas surgieron a su encuentro, pero aquello no fue obstáculo para tres grandes héroes con ansia de venganza. Tan solo Perseo fue herido, aunque sin gravedad por una de aquellas flechas, y tuvo que prescindir de su escudo por culpa de la herida en su brazo izquierdo. Tras una eternidad de caminar por aquellas catacumbas con la única luz de la antorcha que portaba Ulises, vieron un resplandor al final del túnel y, con suma cautela, se aproximaron hasta él.

Poco a poco la gruta fue adquiriendo más luminosidad, y con la luz también aumentaba la temperatura. El camino desembocó en una inmensa caverna inundada por lava en su par-

te inferior y en lo alto de ella, atravesándola justo donde ellos se encontraban, un estrecho puente de piedra se extendía hasta una nueva obertura en la roca al extremo opuesto.

Hércules, apremiado por su sed de venganza y por el extremo calor, fue el primero en surcar el puente, seguido de Ulises y Perseo, que ya empezaba a acusar el cansancio por culpa de su herida y la pérdida de sangre que esta le ocasionaba. Fue en el último tramo, cuando ya casi habían cruzado, cuando una columna de fuego emergió del foso candente hasta alcanzar el puente de piedra, a escasos pasos de donde se encontraba Perseo. El héroe se lanzó al suelo asustado, mientras Ulises y Hércules, sorprendidos, contemplaban como la columna de fuego se retiraba, para dejar tras de sí una figura humanoide compuesta de la misma lava que poblaba la caverna. Perseo se incorporó con velocidad, pero solo alcanzó a contemplar con horror a la gigantesca criatura que, con un movimiento inhumano, estiró todo su cuerpo hacia él, consumiéndole al instante con tan solo su contacto. Hércules y Ulises gritaron el nombre de su amigo sin poder hacer nada por él y la criatura, sin perder un segundo, comenzó su avance hacia ellos. Apremiados por la amenaza, ambos guerreros cruzaron lo poco que les quedaba en segundos y, nada más alcanzar el extremo opuesto, Hércules golpeó con fuerza el extremo del puente, provocando su derrumbe y haciendo que la ígnea criatura regresara al fondo de la cueva.

Ulises parecía perplejo por lo sucedido, pero en el alma de Hércules solo había cabida para la furia y, sin mediar palabra con su compañero, se precipitó al interior de la nueva gruta sin perder instante. Ulises no perdió demasiado tiempo lamentándose y persiguió a su amigo hacia las tinieblas.

Ulises no tenía ni idea del tiempo que estuvieron caminando (o corriendo) hasta que llegaron a aquella gran sala decorada como si fuera un templo pagano, pero sí reconoció a la figura que les aguardaba a ambos con una maliciosa sonrisa en su rostro. ― ¡Circe! ―gritó Ulises, nombrando a la exuberante y joven mujer.

La mujer emitió una estridente carcajada que habría helado la sangre de cualquier mortal.

Sin embargo, Hércules no era un mortal cualquiera, y el efecto de aquella risa, en lugar de helarle la sangre, se la puso a hervir. ― ¡¿ERES TU LA RESPONSABLE DE TODO ESTO?! ― gritó el semidiós. ― Has heredado la fuerza de tu padre Zeus,

―respondió la mujer con un tono tan seductor como mordaz― pero no su intelecto. ¿Por qué si no me encontraría aquí, en una isla perdida en el mar de la Atlántida, rodeada de tantos peligros? ― ¡¿PERO POR QUÉ?! ―respondió Hércules cada vez más furioso.

Ulises interrumpió la conversación, alarmado. ― ¡No hables con ella! ―advirtió― La brujería reside en sus palabras. Si sigues escuchándola te controlará en cuestión de segundos. Hay que acabar con ella cuanto antes.

La bruja entró en cólera al escuchar estas palabras. ― ¡Ulises eres un cerdo traidor! Con todo lo que yo te he amado. Solo sirves para revolcarte por el barro.

Una mueca de dolor surcó el rostro de Ulises antes de que este empezara a transformarse. ― Rápido Hércules, tienes que matarla ― dijo Ulises entre alaridos y ronquidos mientras su cuerpo adquiría las características de un puerco por culpa de las palabras de la bruja.

Hércules, horrorizado, contempló como su compañero menguaba en estatura, cambiaba manos y pies por pezuñas y sus facciones se tornaban deformes entre gritos de dolor. ― Usa mi espada…. Córtale la…. cabeza. Es… semidiós…única forma.

Fue lo último que pudo decir con voz humana el cerdo en el que Ulises se había transformado. Tras eso, solo ronquidos, chillidos y gruñidos de animal surgieron de su garganta.

Hércules no sabía si había algo de humanidad tras aquel cuerpo porcino que lo contemplaba, pero agarró la espada de su compañero y, alzándola, le juró por todos los dioses que acabaría con la bruja que había maldecido sus vidas para siempre.

Tras una larga y encarnizada pelea, la cabeza de la bruja rodó hasta los pies de uno de los muchos altares de aquella sala. Hércules cayó de rodillas, exhausto y malherido, aunque no de muerte, y no estuvo seguro si de alegrarse o lamentarse de aquella circunstancia. Mientras recobraba el aliento, contempló complacido como, entre espasmos y gruñidos de dolor, su compañero Ulises recobraba la forma humana hasta quedar tumbado desnudo y empapado en sudor a escasos metros de él.

Hércules sonrió por primera vez en aquella fatídica jornada. Su compañero se levantó y le devolvió su sonrisa. ― Lo hemos conseguido ―dijo Hércules levantándose, pero una mueca de dolor le devolvió al suelo y una punzada de dolor le obligó a

vomitar sangre.

Ulises, lejos de preocuparse por su compañero, sonrió aún más y añadió: ― No, mi querido amigo, yo lo he conseguido.

Hércules miro a Ulises confundido pero, sin poder decirle nada, volvió a sentir aquella punzada de dolor indescriptible en su interior y, de nuevo, vomito sangre, esta vez en cantidades mortales. ― ¡¿Cómo…?! ―consiguió pronunciar.

Ulises le señaló la espada, la que él le había ofrecido instantes antes para acabar con la vida de la bruja, que reposaba a los pies del héroe, manchada con sus sangrientos vómitos. ― La empuñadura de mi espada estaba envenenada. Tan solo tenía que hacértela empuñar.

Hércules contempló aterrado al arma que había acabado con la vida de la bruja y que ahora se estaba llevando la suya. ― Pero… ¿Por qué? ― Las aventuras ―añadió Ulises― ¿Sabes?

Durante mis años de odisea por el mar solo pensaba en regresar a casa con mi familia.

Aquella obsesión lo era todo para mí, y todas mis aventuras, todo aquello que un bardo habría soñado en contemplar, pasaron como una tortura para mí hasta que mi viaje finalizó. Sin embargo, años después de todo aquello, me doy cuenta de que ha sido lo más grande que he hecho en mi vida, y que todo lo demás, hasta el fin de mi camino hasta el Hades, no merecerá la pena, ni llenará mi espíritu de igual manera. ― No…entiendo. ― Circe tenía razón, no eres muy listo gran héroe. Te lo voy a explicar para que la incertidumbre no alargue tus últimos instantes de vida. Si por matar a Polifemo el ciclope, hijo de Poseidón, fui castigado por los dioses a vagar durante años por el mar, ¿Qué tipo de castigo crees que me reservará Zeus todopoderoso por matar a dos de sus hijos?

La sonrisa de Ulises, una sonrisa de aquel que

ha perdido toda cordura, estremeció el dañado corazón de Hércules. ― Pero has…matado a tu… mujer…e hijo… ― Todo buen marinero sabe que hay que soltar lastre en ciertas ocasiones si se quiere avanzar. Pídeles perdón de mi parte en el Eliseo y a Circe también por mi traición. Era mi cómplice, pero si no hubiera muerto, jamás me habría dejado zarpar.

Hércules le lanzó una última mirada de desprecio, pero no pudo articular palabra alguna para expresar el desprecio que sentía por él.

Sus ojos se cerraron y su vida, que antaño parecía incombustible, se apagó para siempre. ― Adiós gran héroe, nos volveremos a ver, pero dentro de mucho tiempo. Tal vez.

Cuando Ulises emergió de aquellas cavernas, una descomunal tormenta le aguardaba en el exterior. << Veo que ya te has enterado de todo, todopoderoso Zeus>> pensó Ulises complacido.

Entonces, un sinfín de aventuras se le antojó en su imaginación. Imaginó situaciones nuevas, nuevos destinos, nuevas criaturas, y las entremezclo con sus antiguas experiencias esperando revivir algunas de ellas con cierta nostalgia, solo que, esta vez, esperaba que su viaje concluyera en un único instante. << Tal vez, ahora, si me deje llevar por el canto de las sirenas ― se regocijó en su propia locura― Un gran final para un gran viaje, o tal vez sea el comienzo de otro aún mejor >>7

TONI SERRANO

-DIVERGENTEVerónica Roth Nº de páginas: 464 págs.

Encuadernación: Tapa blanda Editoral: MOLINO Lengua: CASTELLANO ISBN: 9788427201187

En el Chicago distópico de Beatrice Prior, la sociedad está dividida en cinco facciones, cada una de ellas dedicada a cultivar una virtud concreta: Verdad (los sinceros), Abnegación (los altruistas), Osadía (los valientes), Cordialidad (los pacíficos) y Erudición (los inteligentes). En una ceremonia anual, todos los chicos de dieciséis años deben decidir a qué facción dedicarán el resto de sus vidas. Beatrice tiene que elegir entre quedarse con su familia... y ser quien realmente es, no puede tener ambas cosas. Así que toma una decisión que sorprenderá a todo el mundo, incluida ella.

Considerado el primero de la trilogía de Veronica Roth, Divergente da nombre a la saga. Aunque parece ser que tendremos un cuarto libro basado en la vida de uno de sus protagonistas, Cuatro.

Intentar no hacer spoilers es difícil, y más a estas alturas cuando gran parte ya ha visto la peli (yo aún no), pero se intentará no destripar más de lo necesario, ya que no me he leído ni el segundo ni el tercero y no quiero que tampoco me lo destripen.

El libro comienza en un futuro, no tan lejano, donde la humanidad está dividida en 5 facciones: Abnegación, Verdad, Cordialidad, Erudición y Osadía. Aunque podríamos decir que hay una sexta facción que serían los “Sin facción”.

En esta sociedad marcada por facciones/clases/grupos, o como quieras llamarlo, tienen una prueba de aptitud al llegar a los 16 años, puesto que aunque hayas nacido en una facción no significa que pertenezcas a ella. Así pues nuestra protagonista Beatrice y su hermano mayor Caleb tienen que pasar esa prueba para saber si realmente pertenecen a la facción Abnegación que es donde nacieron.

ZONA DE L

Pero como en toda novela de ficción siempre tiene que haber alguien diferente de los demás que desmonte este mundo casi perfecto.

Beatrice no pasa bien la prueba de aptitud y deben borrar su prueba para protegerla, no es posible clasificarla bien en ninguna facción en concreto, sino que en los resultados aparecen tres facciones, su evaluadora es lo que llama ser Divergente. Y en esta sociedad a los divergentes se les persigue y erradica.

Aterrada Beatrice regresa a casa con un secreto que no puede compartir con nadie. Le queda lo peor, elegir de entre esas tres facciones con cual quedarse, quedarse en Abnegación con su familia pero infeliz ya que ella no consigue integrarse en el pensamiento de esa facción, o abandonar a su familia e irse a una facción más atrayente, más aventurera, más osada.

Así es como Beatrice elige Osadía como su nueva facción, olvidándose de lo aprendido, lo conocido, lo ameno y natural para adentrarse en una de las facciones más duras, y con una fase de aprendizaje de los más severos y radicales. ¿Qué ocurre a los que no superan la prueba de aptitud o las fases de aprendizaje de cada facción? Se convierten en un “sin facción”, un paria social, apartado del mundo deberán sobrevivir en una sociedad que no los quiere.

En si el libro me ha gustado bastante, ya he empezado la segunda parte y en breve os comento que tal. Pero sinceramente, esto de las facciones y demás me suena a Harry Potter, los juegos del hambre, y demás. Dentro de su propio mundo, con sus nuevas reglas, pero un poquito más de lo mismo. Que a mí me gusta sinceramente, pero ni se os ocurra leeros las 3 sagas unas detrás de otra que vais a pillar un empacho, mejor alternad con otro tipo de novela, romántica, vampiros,…

Encuentro que en este tipo de libros tienen la horrorosa manía de clasificar a la gente en diferentes grupos dependiendo de sus aptitudes. Esto también ocurre en la sociedad actual, cuando haces Bachillerato ya tienes que elegir si quieres ciencias o letras. Que está muy bien, pero opino que no es correcto. ¿Qué pasa con la gente que es ambas cosas? ¿Por qué no puedo ser Griffindor con un poco de Slitheryn, o Abnegación con Osadía? ¿Por qué debo elegir?

Creo que este libro es más bien es una crítica a todo estas separaciones antinaturales que te

LECTURA

obligan a ser de una forma por pertenecer a un grupo. A vestirte de una forma, a pensar de una forma, a actuar de una forma. Seamos un poco de todo, seamos divergentes, y que nada marque tu forma de ser por pertenecer allí.

Bueno me quedan dos libros más y el cuarto que está por salir. Aquí he intentado spoilear lo menos posible, pero en los dos siguientes ya os tendréis que aguantar un poco.

Sed buenos y que la fuerza os acompañe. Besis.

Reseña de

El rincón de Disidra

TOP 3 MÁS VENDIDOS: -1ADULTERIO PAULO COELHO -2CUARENTA Y TRES MANERAS DE SOLTARSE EL PELO (PRÓLOGO DE BENJAMIN PRADO) ELVIRA SASTRE -3BALUARTE ELVIRA SASTRE

-EL CUARTO JINETEVictor Blazquez Nº de páginas: 414 págs.

Encuadernación: Tapa blanda Editoral: PLAN B Lengua: CASTELLANO ISBN: 9788494112850

“Todos los pueblos tienen ovejas negras pero, por lo general, la paz domina la vida de este pequeño y agradable lugar. Pero las cosas están a punto de torcerse del todo. El Cuarto Jinete, el más mortal de todos los virus concebidos por el hombre, el principio del fin, un virus capaz de someter a toda la raza humana, está a punto de ser liberado. Enfrentados a un enemigo sin miedo, inagotable y atroz, los habitantes de Castle Hill tendrán que valerse por sí mismos para sobrevivir. La pesadilla está a punto de comenzar. No hay ningún sitio al que huir si la muerte corre más que tú.”

En pleno agosto, muchos dirán que celebrar una feria del libro es algo inusual, sin embargo David Mateo se encargó de llevarlo a cabo en la playa de Moncofa. Y aprovechó que sus apartamentos están llenos para acercar los libros a un mayor número de personas.

Tal que así, que desde Madrid se iba a acercar uno de los autores del género Z que tengo en mis amistades de Facebook, adquirí su trilogía para que me la dedicara, aunque por causas ajenas a mi voluntad fue mi hermana en mi lugar porque me fue imposible asistir.

Así que amigos y no tan amigos, frikis todos, os traigo mis impresiones de la novela ‘El cuarto jinete’ de Víctor Blazquez.

He de reconocer que me ha sorprendido la forma en la que se narra esta novela. Esa primera persona, y ese énfasis en repetir “ven y acércate” me resulta perturbador y me recuerda a una película de miedo pero que mi inconsciente se empeña en ocultar (si también os pasa y sabéis cual es, por favor, hacerme memoria).

Sin embargo, a la par resulta evocadora. Te hace plasmar de forma más clara los detalles

de los planos donde nos encontramos. Vemos de forma más nítida en nuestra imaginación cómo son las cosas en Castle Hill y nos hace sentirnos parte de la novela y de la acción que ocurre a nuestro alrededor.

La historia empieza con dos reporteros que se dirigen a la pequeña población de Castle Hill a entrevistar al campeón de Dominó, quizá nos pueda parecer algo trivial y de escaso interés, pero es en los detalles donde engancha esta novela. Que a Neville le guste fotografiar nubes o que Francine Newcomb perdiese un llavero en el mirador se convierten en sucesos sin importancia importantes para narrar la historia volviendo el autor a ellos en algunas ocasiones. A Jason Fletcher lo van a juzgar por quemar la granja donde han resultado heridas dos personas, este chico es conflictivo y muchos se preguntan cómo es que aún no lo habían encerrado. El doctor Kurt está en los laboratorios militares de la base que se encuentra en el linde del pueblo, ha habido un accidente en el túnel de entrada al pueblo...

Es una novela que no permite descansos pues son muchas las cosas que ocurren a la vez y toma, deja y retoma los hilos del tejido del universo de la novela entremezclando cosas, descubriendo datos y volviendo del pasado al presente y juntando a los protagonistas de la historia. ¿Qué puedo decir de los personajes? Paula es la luz de la novela, un punto de resplandor puro que no necesita más adornos ni diálogos, ella ha de ser salvada y es todo por esta pequeña niña por lo que otros se sacrifican.

Amo a Mark, me encantan Verónica y Terence. Admiro la historia de amor entre Jason y Carrie. Detesto a Brad Blueman (si has leído la historia supongo que tú también y sino lo has hecho lo harás)... me causó tanta pena Nosferatu...

Es pues que Víctor Blazquez nos sumerge en una novela en donde un virus cabrón, que gracias a un militar enfermo, cornudo y cabrón se escapa de las instalaciones y la lía parda. Encima, los zombies estos no van pasito a pasito, un pie detrás de otro... Sino que corren que se las pelan. Es una pena que no todos los protagonistas sobrevivan y también que lo hagan algunos que lo hacen.

No es una libro más, sino una novela que te gustará tener en tu haber y redescubrirla de tanto en tanto.

Ven, acércate. Acompáñame a Castle Hill y sé protagonista de excepción de lo que allí suceda. ¿Estas listo?

ENTREVISTAMOS A :

Reseña de

AIDA ALBIAR

VICTOR BLÁZQUEZ

- ¿CÓMO NACE LA HISTORIA DE ‘EL CUARTO JINETE’?

Lo cierto es que El cuarto jinete nació hace muchos años. Por aquel entonces empecé a escribir la historia de Castle Hill, la llegada de Mark y Neville al pueblo, y el escape de unas criaturas mutantes producto de una investigación militar. Aquella historia no llegó a buen puerto y se quedó por el camino. Años después, tras haber visto en el cine Amanecer de los muertos la historia volvió a mi cabeza y me dije que me encantaría seguir con ella pero quitando las criaturas mutantes y metiendo zombies. Así que descarté más de cuarenta páginas del primer manuscrito, reescribí el inicio y continué hacia delante.

—¿POR QUE TE DECANTASTE POR UN ESCENARIO AMERICANO? Porque la mayor parte de la cultura audiovisual y literaria que consumo es americana. Me resulta cómodo y sencillo ambientar cosas allí.

- ¿FUE MUY DIFÍCIL CONSEGUIR CERRAR TODOS LOS FRENTES ABIERTOS, ES DECIR, LA TRAMA? No diría que fue sencillo, pero desde luego tampoco fue complicado. Me siento cómodo moviéndome en historias corales, con muchos personajes y líneas de trama.

- ¿CUALES SON LOS AUTORES QUE ADMIRAS? Hace unos años te habría respondido Stephen King, Allan Folsom, Clive Cussler y Dean Koontz. Aún sigo admirándoles, pero también he abierto el espectro. Ahora incluyo en esa lista a Joe Hill, pero también a gente a la que he conocido en persona como Miguel Aguerralde, Juan de Dios Garduño, Darío Vilas…

- EN UNA HISTORIA TAN CORAL, ¿TENÍAS ALGÚN PERSONAJE FAVORITO MIENTRAS ESCRIBÍAS? Sí y no. Digo que sí, porque es evidente que algunos personajes me caían mejor y otros peor, aunque a todos les tenía algo de cariño porque son mis criaturas. Me siento cercano a Mark y Paula, y por ejemplo, Aidan Lambert era uno de esos “secundarios robaescenas” para mí. También les tenía cariño a Verónica y Terence (que probablemente son los personajes más fuertes de la historia, no solo a nivel físico), al rebelde Jason y a Russell T. Dinner, otro de mis favoritos.

- ¿ERES ESCRITOR DE BRÚJULA O DE MAPA? Depende de la historia. Algunas de las novelas que escribo las planifico al dedillo antes de

empezar el primer capítulo; otras, como es el caso de El cuarto jinete, las llevo a ciegas. En el caso del jinete, mi idea inicial era hacer una historia en la que las muertes no se vieran venir, en la que cualquiera pudiera caer. Si yo no tenía planificado quién caía por el camino, y me sorprendía a mí mismo, entonces iba por buen camino. Si lo logré o no, eso debe decidirlo el lector.

- LEYENDO TUS AGRADECIMIENTOS VI QUE TANTO TU HERMANO CÓMO TU MADRE SON GRANDES APASIONADOS DE LA LECTURA (ENVIDIO ESTE PUNTO PUES EN MI CASA SOY EL BICHO RARO QUE LEE)... ¿UN ADICTO A LA LECTURA SE LLEVA EN LA SANGRE O ES UN GUSANILLO QUE TE MUERDE Y NO TE SUELTA? No sé si se lleva en la sangre, pero creo que de padres lectores es más fácil que salgan niños lectores. Los niños son imitativos, los míos lo son al menos y les encanta coger libros y hacer que leen, porque de momento no saben.

En mi casa siempre hubo muchos libros, y mi madre y mi hermano siempre fueron grandes lectores. Entre ambos, me inculcaron el placer de buscar aventuras entre las páginas de un libro. Crearon al monstruo que soy hoy.

- ¿DE LOS SUPERVIVIENTES, RONDÓ POR TU CABEZA MATAR A ALGUNO DE ELLOS DE FORMA LENTA Y DOLOROSA? Me puedo imaginar por quién lo dices porque me lo han dicho muy a menudo… supongo que tendrás que leer la secuela para responder a esa pregunta.

- ¿QUE NOS ESPERA A LOS LECTORES DE LA SEGUNDA PARTE DE ‘EL CUARTO JINETE’?

Más. El cuarto jinete: Armagedón tiene más de todo. Más acción, más sangre, más trama… en mi opinión, es una novela superior.

- DICEN QUE LA REALIDAD SIEMPRE SUPERA A LA FICCIÓN. ¿CREES QUE PODRÍA SUCEDER UN DESASTRE SIMILAR EN ESTE PLANO DE LA REALIDAD? MILITARES, VIRUS LETALES QUE ESCAPAN...

Dudo que los muertos se levanten de sus tumbas, pero que algún experimento salga mal con catastróficas consecuencias no me parece algo improbable…

AIDA ALBIAR

La luna resplandecía en el lago de aguas negras. La brisa ululaba entre las hojas de los árboles con una melodía angustiosa.

Las aves se alejaron silenciosas a través del cielo nocturno. Los animales huyeron espantados o se escondieron en lo más profundo de sus madrigueras. Las mujeres iniciaron su canto.

La más mayor lucía una melena plateada y ondulada que enmarcaba un rostro severo, de facciones marcadas, arrugado por el tiempo y bronceado por el sol. Cantaba con voz grave teñida de cansancio, de furia contenida, de dolor no cicatrizado.

La más alta llevaba el pelo recogido en una gruesa trenza de color negro salpicado de hebras grises. Su rostro redondo y aniñado escondía con dulzura su madurez, mas las sombras bajo sus párpados inferiores delataban la preocupación constante que la afligía. Su voz vibraba triste, acongojada, al borde de quebrarse.

Las más jóvenes compartían un mismo rostro, un rostro de piel pálida y suave recubierto de diminutas pecas castañas. El pelo rojizo de las gemelas contrastaba de forma casi violenta con el verdor que las rodeaba. Su canto era el más esperanzado, cargado de expectación.

La canción llegó a su clímax, el viento susurró un nombre y, en el fondo del lago, unos párpados se abrieron tras permanecer mucho tiempo cerrados.

Artemisa se alzó por encima de las agitadas aguas que habían sido hasta aquella noche su cuna. Caminó sobre ellas sin prenda alguna que ocultara su cuerpo. Las mujeres contemplaban su avance con el corazón encogido. De sobra eran conocidos la crueldad y el carácter vengativo de la diosa.

—¿Unas simples mortales han osado interrumpir mi sueño? —preguntó Artemisa mientras paseaba entre las mujeres. Su pelo oscuro brillaba con luz propia, al igual que sus fieros ojos dorados. La más mayor fue la que habló en nombre de las cuatro.

—Perdónanos poderosa Artemisa por sacarte a la fuerza de tu merecido descanso, pero las circunstancias nos han obligado a arriesgar nuestras vidas para solicitar tu ayuda.

—¿Y qué circunstancias son esas y

LA C

Un relato de M por qué deberían importarme? Dame una buena razón para no clavarte una flecha en el corazón ahora mismo —Artemisa tocó con suavidad el pecho de la anciana, quien se estremeció ante el roce.

—Cuando los antiguos dioses os marchasteis nos dejasteis a merced de otras divinidades más jóvenes. La armonía del panteón se rompió y una gran gue-

rra asoló los cielos. Un solo dios resultó vencedor y gobernó el mundo desde aquel día. —Al ver el gesto de impaciencia de Artemisa decidió acelerar su relato —. Ahora, casi tres mil años después, son muchos los males que lamentamos por culpa de ese dios impío: los animales mueren asustados, son maltratados y extinguidos; los bosques lloran sin que nadie preste atención a sus súplicas; para la humanidad la libertad no existe, solo para unos pocos privilegiados que abusan violentamente de su poder. Ya no nos queda nada, ni nuestros cuerpos nos pertenecen…

—Lo que os pase a los humanos no me interesa en absoluto.

—¿No? —la anciana fue incapaz de contener su enfado, su desesperación —.

CAZA

Montse N. Rios Mi hija me ha sido arrebatada para ofrecerla al dios como esclava, y como ella, muchas otras comparten su suerte. ¡¿Te quedarás impasible ante nuestro sufrimiento?! ¡¿No harás nada para detener esta locura?! ¡El mundo grita pidiendo ayuda y los dioses antiguos lo ignoráis! ¡Tus propias hijas han sido diezmadas y convertidas en objetos, en trozos de carne

sin alma! ¡Somos todo lo que queda de tu culto Artemisa! ¿De verdad no te importa?

Si es así, mátame, mátame ahora antes de ver nacer un nuevo día, mátame pues no quiero seguir viviendo sin esperanza. —La anciana abrió su túnica para dejar expuesto su pecho. Amargas lágrimas resbalaron por los surcos de su rostro.

Artemisa la contemplo, las contempló a todas. Su mirada penetró en sus mentes, escarbó entre sus recuerdos y se empapó de sus emociones. La anciana no mentía, el mundo se había ido a la mierda.

—Decidme, ¿cuál es el nombre del dios al que debo dar caza? —Las mujeres sonrieron satisfechas.

—El Patriarca —dijeron al unísono.

La superficie de la Tierra había cambiado mucho. Donde otrora el verde gobernaba el horizonte, ahora el gris del hormigón era el amo indiscutible del paisaje. Los desiertos habían ganado terreno a los bosques, venas negras de asfalto surcaban las praderas agostadas, los mares rezumaban inmundicias de muy diversas índoles, nubes tóxicas acorazaban las populosas urbes y millones de cables mantenían atrapado en sus redes a un planeta moribundo.

Los humanos también habían sufrido una perversa metamorfosis. Cuando Artemisa gobernaba junto a los de su estirpe, los humanos ya habían mostrado su carácter destructivo, su afán de dominación y la depravación de sus instintos. Sin embargo, la bondad, el honor, la creatividad y la justicia también formaban parte intrínseca de sus corazones. Las personas que poblaban aquel mundo devastado habían perdido lo que las había hecho tan excepcionales, eran simples carcasas de carne y hueso con almas quebradas y miradas vidriosas. Aquellas que todavía poseían algo del espíritu humano original sufrían la desesperación de vivir en un mundo que no les pertenecía, que no contaba con ellas, que deseaba exprimir todo lo bueno y puro que albergaban. Y todo por culpa de un dios que se había erigido como gobernante supremo de los designios de los mortales, que controlaba todos y cada uno de los aspectos de sus breves vidas para su propio beneficio. El Patriarca debía morir.

Artemisa no sabía lo mucho que le importaba la humanidad hasta que había contemplado con sus propios ojos el destino al que se había visto abocada. Su pecho rebosó de rabia y tristeza. Aquel pérfido dios pagaría por sus actos.

La diosa había vestido su cuerpo con una túnica negra confeccionada por ella misma con la oscuridad del cielo nocturno. Con ella pensaba pasar desapercibida mientras rastreaba a su presa. También había fabricado un arco con roca lunar, madera del manzano ancestral con cuyas frutas se elaboraba la ambrosía, los tendones de un oso milenario que había ofrecido su vida por ella y el aliento de una Furia dormida.

Las flechas las había obtenido del corazón

de Orión, el cual continuaba su eterno reposo en la bóveda celeste. Con la misma flecha con la que había matado a su antiguo amigo, Artemisa creó tres flechas capaces de arrebatarle la inmortalidad a un dios. Esperaba que fueran suficientes.

No era sencillo seguir el rastro de un dios cuya huella se esparcía por cada rincón como un cáncer invasivo. Podía apreciar su presencia en todas partes, en las luces de neón de las ciudades, en las junglas deforestadas, en las alcantarillas plagadas de podredumbre, en la piel mancillada de las mujeres y en el orgullo henchido de fragilidad de los hombres. El Patriarca era un dios nómada e inquieto que no se contentaba nunca con su obra. Siempre buscaba los resquicios que se abrían en su reinado para cubrirlos con su maligna esencia. Artemisa sabía que era inútil seguirle, debía tenderle una trampa y esperar que cayera en ella.

Ariadna y Míriam caminaban solas por la calle. Sus faldas eran excesivamente cortas y sus escotes demasiado amplios. Las gemelas pelirrojas sonreían a pesar del miedo que albergaban. Las más jóvenes pupilas del culto a Artemisa se habían ofrecido para ser el cebo con el que atrapar al Patriarca, con todos los riesgos que ello conllevaba. No era la primera noche que salían del refugio de su hogar para aventurarse a través de la ciudad. Algunos hombres habían tratado de propasarse con ellas, habían intentado asustarlas o, simplemente, les habían aconsejado volver a sus casas. La noche no era para ellas. No sabían cuándo se cruzarían con él pero tarde o temprano las encontraría, como encontraba a todo aquel que osaba desobedecer su mandato.

Artemisa vigilaba desde las sombras, sin dejarse ver, sin dejarse sentir. Ariadna y Míriam se habían adentrado por un callejón estrecho sin apenas iluminación. Un par de hombres corpulentos les cerraron el paso. Ellas trataron de echar marcha atrás pero otros tres hombres aparecieron de pronto. No parecían los típicos borrachos que solían deambular a aquellas horas.

Las chicas gritaron cuando dos de ellos las

sujetaron por los brazos. Artemisa iba a intervenir cuando de pronto apareció. El Patriarca se materializó ante las chicas. Su aura era ponzoñosa, de textura pegajosa, y lucía el mismo color que el agua estancada demasiado tiempo. La diosa cogió una de sus flechas y apuntó al pecho de su objetivo. Disparó. El Patriarca se movió en el último instante y esquivó la flecha. Alzó la vista para encontrar a quien había tratado de herirlo. Artemisa se lanzó antes de darle oportunidad de ir en su busca. Nunca había destacado en la lucha cuerpo a cuerpo, pero no podía desaprovechar aquella oportunidad. Los humanos contemplaron la pelea entre las divinidades, acongojados por el poder que desprendían ambos adversarios.

El aura del Patriarca absorbió la luz de Artemisa, trataba de asfixiarla con su inmundicia. La diosa se revolvió y clavó sus dedos en los ojos de su enemigo. El dios dejó de apretar lo suficiente como para que ella pudiera coger otra de sus flechas.

Ella trató de clavar la flecha en el corazón del Patriarca, pero este la detuvo cogiéndola por el brazo. Artemisa, por primera vez en milenios, sintió miedo.

Ariadna y Míriam estaban aterrorizadas.

Sus captores las habían soltado aunque seguían rodeándolas. Los dioses se encontraban en el centro, apenas sin moverse.

Artemisa iba a perder, podían sentirlo, su poder menguaba a cada segundo. Las gemelas se miraron y asintieron. No querían seguir viviendo con miedo.

Artemisa luchaba con todas su fuerzas, su mano sujetaba aun la flecha mas los dedos del dios apretaban con saña su brazo. Su depravada esencia ya había logrado penetrar en su interior como una infección para aplastar el alma de la diosa. No había conocido antes a un ser capaz de hacer algo así. Había subestimado a su presa y lo iba a pagar con su propia vida. Entonces las gemelas se abalanzaron hacia el dios. Este, sorprendido por aquel acto, soltó el brazo de Artemisa, quien aprovechó la oportunidad que le acababan de brindar aquellas valientes jóvenes. La diosa se apresuró en apuñalar al dios en el pecho.

Empujó la flecha con ímpetu para atravesar aquella carne dura como una roca. El Patriarca gritó consternado y lleno de do-

lor. Artemisa no se detuvo a escuchar sus lamentos, ni tampoco se entretuvo en socorrer a las gemelas, cuyas vidas estaban siendo succionadas por el dios. Sacó la última flecha que le quedaba y, con ayuda de su arco esta vez, la clavó en el cráneo de su enemigo. El Patriarca se desplomó sobre el suelo, su cuerpo se convirtió en polvo y su aura se deshizo con el viento. Artemisa se inclinó sobre las gemelas.

Apenas les quedaba un soplo de vida. Con lágrimas en los ojos besó a cada una en sus pequeños labios sonrosados. Se habían ganado la escasa divinidad que todavía le quedaba.

Cuando Míriam y Ariadna abrieron los ojos contemplaron cómo la diosa se despedía de ellas. Murió ante ellas a consecuencia

de las heridas producidas por El Patriarca pues, a pesar de haber terminado al fin con su reinado, su veneno no había muerto con él.

Sería tarea de ellas y del resto de mortales limpiar aquel mundo infectado.

La noche brillaba de forma distinta. En el cielo había surgido de pronto una nueva constelación de estrellas, cerca de Orión, con la forma de una mujer a punto de disparar su arco, siempre atenta, siempre vigilante. La caza no había hecho más que comenzar.

MONTSE N RIOS

Bienvenidos a la sección de Animología. En esta sección analizaremos una a una, las producciones de animación a lo largo del pasado, presente y futuro de lo que los terrestres llamamos, Occidente. Esta parte del mapa terrestre ha dejado huella en la infancia de muchos de nosotros y de nuestros hijos, que ahora se sientan en frente de la televisión a la espera de una pregunta: ¿Quién vive en la piña debajo del mar?

Desde hace ya algunos años, el género cartoon (dibujos animados) se ha integrado en nuestra sociedad como uno más.

Si bien años atrás, Oriente nos ofrecía la oportunidad de viajar con Goku en busca de las bolas del dragón, la región contraria nos sumergía en el humor satírico de Los Simpson (1989), en un sinfín de aventuras con Scooby-Doo (1969) y en mundos llenos de magia con Dragones y Mazmorras (1983). Pero no sólo tenemos producciones estadounidenses en el pasado de la animación occidental y es que en España tenemos una larga lista, que bien seguro muchos de vosotros conoceréis; Dartacan y los tres Mosqueperros (1981), David el Gnomo (1985), Los Fruitis (1989), Delfy y sus amigos (1992), Mortadelo y Filemón (1995) y Pocoyó (2005) entre muchos más.

Una vez presentado y descrito el género cartoon a base de referencias, podemos empezar con la primera serie de dibujos animados que analizaremos en la sección de Animología. Como diría Jake, -¡Hermano! Súbete a mi lomo.

Este mes analizamos una serie de animación que nos llama mucho la atención, su nombre original es Adventure Time with Finn and Jake, aquí Hora de Aventuras. Es

una serie de dibujos animados de origen estadounidense, de la mano del productor, guionista y animador Pendleton Ward y emitida por Cartoon Network. El episodio piloto de Hora de Aventuras se presentó en 2007/2008 para la cadena por cable Nicktoons Network, hermana pequeña de Nickelodeon, mamá de Bob Esponja, Rugrats o Rocko entre otros. El corto de presentación de 6 minutos y 30 segundos, le valió un puesto entre las filas de la ya conocida productora Cartoon Network, impulsando la emisión de los primeros capítulos de la serie en 2010. Actualmente continúa en difusión.

La serie está clasificada por edades según región, en Argentina, por ejemplo, es apta para todos los públicos mientras que para el resto de lugares donde se emite, suelen ser 12, los años a partir de los cuales se considera apropiado su visionado. Son varias las opiniones respecto a la clasificación de edades, pero antes, vamos a conocer al Reino de Ooo y a sus criaturas. La historia se desarrolla en un mundo post-apocalíptico, supuestamente después

ANIMOLOGIA 1: HORA DE AVENTURAS

BY Lidia reyes

de una guerra nuclear, La Gran Guerra de los Champiñones (mencionada por varios de los personajes a los largo de los diferentes capítulos), dónde todos menos Finn, el Rey Hielo, Marceline y los nacidos posteriormente a la catástrofe, han sufrido mutaciones por la radiación resultante de una guerra de esa índole. El Reino de Ooo es el escenario dónde suceden las aventuras de Finn el humano y Jake el perro.

Finn es un humano aparentemente corriente de 12 años (en los primeros episodios, llegando a los 16 en la actualidad) que ostenta el título de Héroe defensor de Ooo, en presencia, la única cosa que destaca es su gorro blanco con orejas de oso tras el cual esconde una larga melena rubia, pero nuestro héroe tiene un punto más ‘’rítmico’’ pudiendo sonar como un auto-tune, es decir, con distorsión vocal.

Para los que no habéis visto la serie, Finn puede sonar como la voz de Cher en su éxito, Believe (jajaja), todo un arrebato de originalidad por parte de su creador.

El hecho de que Finn pueda sonar así, es que, cuando era más niño aún se trago un ordenador pequeño… en este momento dejo a vuestras mentes pensar libremente la manera de tragarse un ordenador por pequeño que sea, no sé que me ha hecho pensar más, si la rara posibilidad de comerse por accidente un ordenador, o el tamaño de este para ser comido, hablamos de una tecnología potente que podría ser aprovechada por Apple o Microsoft, es un tema serio esto eh. A parte de lo mencionado ya, Finn tiene un corazón puro y

bueno y está siempre dispuesto a ayudar y salvar a cualquier cosa que esté en peligro o necesite sus servicios de héroe, esto le viene por un trauma de la infancia bastante o muy curioso, pero dejaré que lo descubráis por vosotros mismos y juzguéis. El nombre original de Finn era Pen, siendo su nombre de origen en el capítulo piloto de la serie.

En fin, seguimos con Jake el perro, hecho evidente, lo ya no tan evidente es que tiene 30 años, es decir, el doble de lo que dura un perro de reducidas dimensiones en la Tierra y además, Jake es mágico y amarillo, posee poderes que le otorgan una gran elasticidad, obtenidos según él, por un baño que se dio una vez en un barro mágico, desde entonces puede manipular a criterio su forma, tamaño y dimensiones, así como volverse extremadamente gigantesco o condenadamente pequeñito, también puede adoptar varias formas de herramientas con sus extremidades o estirarlas como si fueran de goma. Este perro va por el mundo con un diseño de ojos invertidos en el apartado de color, ¿os podéis imaginar un perro con gafas? Pues más o menos es el efecto que produce cuando le conoces, a pesar de todo se identifica la clase de animal que es a la perfección. El temperamento de Jake es parecido al de su hermano adoptivo, si, Finn y Jake son hermanos, si les conocéis veréis que quizá no se parezcan mucho en el aspecto físico, pero sí que tienen un gran parecido en gustos respecto a divertirse y a la moralidad.

Ambos son personajes activos y joviales, ambos son seres bondadosos y actúan por el bien de los demás. La diferencia es que el perro (comparando con la realidad no es tan diferente) es más consciente de todo lo que sucede a su alrededor y más protector, mientras que el humano vive alocadamente la hora de aventuras.

Entre el reparto de principales, también tenemos a la Pincesa Chicle o Bonnibel como la conocen en su casa, tiene 827 años aunque aparenta 19. Es la Princesa que gobierna en el Reino de Chuchelandia, un lugar compuesto por dulces y azúcar genial para las caries, sin embargo, los que viven

allí no son caries, sino golosinas variadas y seres con formas y colores de chuches y cosas pegajosas. La princesa en cambio, es algo así como un helado de estos de hielo de los que comíamos de pequeños, que sabían a limón o naranja y con mucha suerte a horchata, pero de color rosa y con ojos. Es una princesa atípica a lo que conocemos aquí en la Tierra, es culta y tiene interés por la ciencia y la gente, es una buena persona, o cosa, que cuida de todos los seres de Chuchelandia, o cosas, que como no podía ser de otra forma siempre andan en problemas, en su mayoría con el Rey Hielo. Ella es una gran amiga de Finn y Marceline e inconscientemente trae de cabeza a nuestro héroe. Chicle pertenece a una raza llamada Gente dulce.

Marceline Chupaalmas o Marcy para los amigos, es algo así como un híbrido entre 3 especies, es demonio por parte de padre (Hunson Chupaalmas), humano por parte de madre y vampiro (sólo en la versión no alterna a la serie), aunque se desconoce con exactitud lo que le pasó, se dice que fue mordida en su adolescencia por uno.

Marceline tiene 1003 años a pesar de que también aparenta 19, piel azul-grisácea y melena larga y oscura que en ocasiones recorta y peina de diversas formas distintas, tiene aires de rockera de los años 2000 en adelante, cuando los pantalones de campana habían vuelto al fondo del armario y el tejano era el gran protagonista junto a una camiseta cualquiera sin mangas, o

con. Botas altas y un aire desgarbado, aire típico en los seres de tono azul-gris. Como he dicho más arriba, se cambia el peinado/corte cada 2 por 3, lo mismo pasa con su atuendo, lo que sí lleva esta reina de los vampiros con ella, es su Bajo-Hacha, una reliquia de la familia. Marcy es la reina de los vampiros y vivió de primera mano La Gran Guerra de los Champiñones. Esta vampiresa, de momento única en Ooo, es muy dada a las bromas, tiene un gran sentido del humor que va perfectamente unido a su carácter extrovertido. El personaje tiene rasgos sombríos pero no es mala malosa, simplemente, es algo menos buena que el resto. Al contrario que los vampiros corrientes y molientes, ella no chupa la sangre como se esperaría de una de su

especie, sino que absorbe el color de esta, es decir, el color rojo de los objetos, ya sean manzanas, fresas, cerezas, vestidos, todo lo que pueda ser de este color. Entre las actividades de Marcy se encuentran el cantar, componer y tocar el Bajo-Hacha.

La Princesa del Espacio Bultos es lo que llamamos en la realidad, una nube lila con ojos, tiene 15 años y como a cualquier quinceañera, le va la fiesta. Forma parte de la especie Gente con bultos y pertenece al Espacio Bultos aunque vive en el bosque. Esta princesa tiene voz masculina a

pesar de ser una chica, tiende al sarcasmo y es como cualquier adolescente malcriada de hoy día. No se lleva bien con sus padres, llamándoles por palabras feas en vez de por el nombre de cada uno en los capítulos en los que se encuentran. Es muy descortés y bastante snob, aún así, en algún lugar de su ser se esconde una buena nube. Lo curioso de esta raza es que cuando se casan dos seres, el cuerpo de ambos se convierte en uno solo, formando una fusión perfecta, véase padres de la nube mimada, es un dato muy curioso y original.

A continuación me gustaría presentaros al ser más rebuscado que he conocido en mucho tiempo, Lady Arcoiris. Lady Arcoiris es un Lluviacornio, vale… ¿y qué demonios es un LLuviacornio? Pues un Lluviacornio es un ser mitad unicornio, mitad arcoíris. Tras conocer a un ser de esta especie, siento que los Pokémon como diseño e idea, se han quedado atrás. Pero lo mejor de todo y punto clave, es que Lady Arcoiris sólo habla coreano (jajaja), Pendleton Ward rebosa imaginación por todos los poros de su piel. No imagináis mi cara la primera vez que escuché hablar a Lady, al principio pensé que era una broma de la traducción al castellano, la única vez que Lady habla castellano en la serie (sólo traducción española) es cuando lleva el traductor universal en uno de los capítulos, el cual le hace tener voz de viejo de 80 años. Este raro ejemplar forma parte de los corceles reales de la Princesa Chicle y a su vez es novia de Jake, el perro, sí, es novia de un perro redondito y compacto, mientras que ella luce un esbelto y largo y fino cuerpo de serpiente arcoíris con patitas y cabeza de caballo, es realmente divertida esta pareja.

Ahora vamos a conocer al Rey Hielo, este sí es el malo maloso, enemigo de Finn y Jake, su sino es secuestrar a las diferentes princesas de los reinos de Ooo para escoger una y casarse con ella algún día, pero nunca es aceptado por ninguna. El Rey Hielo no siempre fue malvado, hubo una vez que también fue bueno, incluso humano, pero esa corona que lleva le transformó en lo que es, un ser con barba a lo Gandalf,

dedos y dientes puntiagudos, tez azul pálida y nariz de goblin. Pertenece a la especie de los Hechiceros Helados y tiene 1043 años, él gobierna el Reino de Hielo. Su carácter es tosco y arrogante, siempre está solo o como mucho con sus esbirros los pingüinos, de los cuales Gunter es su favorito. Este ser el único anhelo que tiene es vivir un romance y casarse con la persona amada, hecho que se ve enturbiado por su negro corazón, llamado Ricardio. Cómo os he comentado anteriormente, el Rey Hielo tiene un pasado realmente interesante, así que os invito a que indaguéis un poco para aprender a apreciar a este anti-héroe.

Estos son algunos de los personajes principales de la trama, existe una gran variedad de personalidades, formas y colores que completan el reparto de Pendleton Ward, en esta serie no hay tiempo para el aburrimiento, no hay tiempo para estar quieto, ni callado, ni con sueño, no hay tiempo para considerar rarezas, ni si quiera cuando existe una sandía llamada Stanley que tiene por familia a otra sandía, un plátano, una piña, una pera, una ristra de salchichas con cuerda de algodón y 4 malvaviscos. Si es adecuada o no para menores de 12 años, lo dejo a vuestro criterio, hay desnudos, hay violencia, hay palabrejas feas, hay aventura, hay comedia y humor absurdo. Lo que está muy claro, es que ya sea para pre-adolescentes o adolescentes, hay que tener presente que cuenta con 6 temporadas a sus espaldas, opinar vosotros mismos. Esta serie no se hizo para pararse en los pequeños detalles sin importancia, se hizo para vivir la Hora de Aventuras.

Tour del Señor de los Anillos en Wellington por Ismael Torres

Wellington es la capital de Nueva Zelanda y entre muchas de las atracciones que hay en la ciudad, existe una que si eres fan del Señor de los Anillos no te puedes perder. Peter Jackson, si no sabes quien es no mereces leer este artículo, vive en la ciudad y la ha convertido en el Hollywood neozelandés, WELLYWOOD. Si quieres aprovechar la visita, lo mejor es contratar un tour, como hicimos nosotros. Este es el relato de ese día.

A las 08:30 estábamos esperando a nuestro guía del Tour del Señor de los anillos, la empresa se llama Wellington Rover Tours, en el sitio pactado, nuestro Holiday Park. Hay dos recorridos para elegir, el de medio día y el del día completo. Nosotros elegimos el del día completo.

Fuimos los primeros en subir a la furgoneta y recogimos a los demás integrantes de la mini comunidad del tour del Señor de los Anillos.

El grupo estaba formado por una familia de Auckland, una pareja de cincuentones de Melbourne, un suizo, un escocés y nosotros dos.

La primera parada fue en el Monte Victoria donde se grabaron varias escenas de la comunidad del anillo. Peter Jackson es un crack, su casa está a 10 minutos de donde se grabó y Weta (su productora) a otros 10 minutos. Tenía claro qué quería, dónde y cómo. La mayor parte del metraje se hizo en un radio de 30 minutos de Wellington.

Usando la imaginación y los recursos digitales que añadieron en post producción crearon la película que todos recordamos.

Por esas mismas laderas cayeron los Hobbits huyendo de los Nazgúls.

Por ejemplo, estuvimos es el sitio exacto donde se rodó la famosa escena del Nazgúl a caballo, recreada aquí por dos hermanos y un chaval suizo que iba con nosotros.

El Monte Victoria merece un paseo nada más para ver las vistas de la ciudad desde su punto más alto y después pasear por el bosque don-

de se rodaron todas estas escenas.

Después nos pasearon por la tienda oficial de Weta Digital y lo mejor es una visita guiada de 30 minutos por el taller de Weta (Weta Whorkshop) donde está prohibido hacer fotos y grabar vídeos, ¡¿¡¿¡¿¡¿¡¿POR QUÉ?!?!?!?!?! Armaduras, armas, petos, escudos, etc… un sinfín de atrezzo de las películas en las que han participado con las que te quedas alucinado de lo real que parecen. Plástico que parece cuero o metal, espadas de aluminio para que no pesen, armas de plástico inyectado, animatronics, coches a escala real, monstruos, animales que parecen que van a cobrar vida, etc… Además te lo va explicando uno de los técnicos que trabajan allí. Tenían el traje de SAURON, el equipo de los soldados de Gordon, un URUK HAI,… un montón de las cosas que todos los amantes del cine queremos tener La tienda está adornada con tres trolls gigantes en la entrada con los que sí puedes hacerte fotos y tocar. Dentro había una estatua de Gandalf, trajes de Rohirrin, etc… un montón de merchandising e incluso un minimuseo propio con figuritas de la saga. Por supuesto, que se vino algo para casa del merchandising.

El siguiente paso fue visitar por fuera los estudios de Welliwood del que también es dueño Peter Jackson.

Además, pasamos por su casa camino del restaurante donde comimos. Por cierto, las chimeneas las tiene adornadas con dragones y dentro tiene un Dalek y el coche de Chiqui, Chiqui, Bang, Bang. Es lo que tiene que un niño grande tenga dinero, que se compra juguetes grandes y caros.

La comida fue con un menú muy apropiado: Fettucini de Rivendell con champiñones o La elección de Boromir entre los platos. Donde me tome una cerveza de jengibre, que no os podéis perder si llegáis hasta Nueva Zelanda. Ojo, no es cerveza.

Seguimos el tour dirigiéndonos a ver donde se rodaron algunas escenas del río Aduin (realmente el río se rodó en más de 50 localizaciones) y la cantera donde se grabó el abismo de Helm o las minas Tirith.

Allí nos contaron que se podía ver por la noche que todo estaba iluminado durante el rodaje y que se veía perfectamente la producción desde la carretera, el tren o las casas de enfrente. Para las tomas más numerosas necesitaban cientos de personas disfrazadas de orcos y las traían en autobuses que tenían que aparcar en otra zona. Subían caracterizados andando y asustaban a los niños que iban al cole. Yo me imagino al que sea parado en un semáforo y una horda de orcos cruzando, ha-

blando de sus cosas, fumando, leyendo el periódico,etc...

Después de las fotos correspondientes. El guía nos llevó al Kaitoke Regional Park a ver Rivendell. No queda absolutamente nada del rodaje, sólo algunos árboles que nos sirven de referencia para las diferentes escenas. Cuando nos reímos bastante fue cuando sacó una capa, a dardo (la espada de Frodo) y unas orejas de elfo y estuvimos haciendo fotos posando y haciendo el payaso un rato.

Fue un momento muy divertido para el grupo.

Al volver al coche, nos encontramos con la sorpresa de que el guía nos había preparado una merienda en mitad del bosque que disfrutamos charlando de nuestros países y de las fotos que nos habíamos hecho. Una de las charlas trato de como se pronunciaba Isengard en España, Si Isengard o Aisengard, por lo que se ve dependiendo de un país u otro cada uno lo adaptamos a nuestro idioma. En Nueva Zelanda en los libros se leía como en Inglés (Aisengard) pero en las películas dicen Isengard.

De vuelta a la ciudad, hicimos la última parada en Isengard. Se trata de otro parque público llamado Harcourt Park donde Gandalf entró a caballo en la torre de Saruman y donde se pasearon por sus jardines.

Del medio de un seto, Scott (el guía) sacó un par de varas del poder y nos grabó paseando por los mismos caminos donde Ian McKellen y Christopher Lee lo hicieron en la película.

Para terminar nos regalaron un par de gomillas que sirvieron para el mapa que el cartógrafo oficial del Señor de los Anillos había hecho con el recorrido realizado durante el día.

El Tour terminó llevándonos a cada uno a nuestros hoteles o Campings.

Nos lo hemos pasado realmente bien y merece la pena. Estuvimos más de 10 horas de Tour, recorrimos muchas localizaciones que si la hicieras por tu cuenta tardías muchos más y sin toda la información que el guia te da.

Si os habeís quedado con ganas de ver más fotos en este álbum de Flickr hay muchas más.

Gracias por llegar hasta aquí. Puedes leer más sobre nuestro viaje a Australia y Nueva Zelanda en http://www.whattimesailing.com/ category/viajes/australia/

est Durante el segundo fin de semana del mes de Julio de 2014 -días 11, 12 y 13 si os lo estáis preguntando- tuvo lugar la primera edición de la “Wizard Con: Entertainment World Convention” en Madrid. Bueno, en Madrid, Madrid, no, más bien al lado del aeropuerto de Barajas, en el Centro de Congresos Principe Felipe, donde 22.000 metros de salas, halls, pasillos y auditorio estaban preparados para dar cabida a las hordas de fans que sin duda acudirían. ¿Vosotros las visteis? Nosotros tampoco.

Vaaaale, sí, fuimos el domingo, que suele ser el día de menor afluencia a este tipo de even-

tos, de hecho fuimos con esa intención, ya que esperábamos poder hacer compras más relajados y asistir a las conferencias de ese día con más calma... pero no con TANTA. Sin miedo de faltar a la verdad os podemos decir que hemos asistido a salones manga de pueblo con más stands, más afluencia y actividades más variadas que las que nos encontramos en este evento. Obviamente no podrían competir a nivel de invitados -por desangelado que quedara el plantel de asistentes con la caída de Kit Hartington (Jon Nieve en Juego de Tronos)-, pero sí podrían batir a esta Wizard Con

tuvimos en en número de tiendas con MUCHA facilidad, lo cual, señores de KLZ Events, es MUY triste.

Madrid es la capital de España (perogrullo time) y, en una búsqueda rápida con Google, vemos que tiene, sólo en el centro, unas 12 tiendas especializadas en cómics y merchandising. Pues bien, sólo UNA reconocible (Generación X) estaba presente. Con este dato no queremos hacer de menos a las demás tiendas asistentes, que tienen, si cabe, más mérito por desplazarse desde lejos para darse a conocer. Lo que pretendemos es que los lectores se hagan una idea del panorama con el

que nos encontramos al aparecer por allí porque, como provinciano que llega a la capital del reino, piensas: ¡Venga, Madrid, enséñame todo lo que tengas (¡y parte del extranjero!)!

Y la respuesta es que acabas charlando con un señor de Murcia porque no hay mucho más que ver.

22.000 metros para esto. Y, claro, ya te pones a darle vueltas a que quizá la ubicación del evento tampoco es que sea muy óptima, porque la única forma directa de llegar al Centro de Congresos Principe Felipe es en coche. Si

no, lo mejor es el bus desde Avenida América hasta el Hotel Auditorium en plena A2. El metro queda lejos. El tren queda lejos. Todo Madrid queda lejos. Desolador.

Así las cosas, cuando llevas una hora deambulando por salas casi vacías y te has visto un par de veces la exposición de trajes de cine, la de consolas y el rinconcillo del atrezzo y maquillaje... ardes en deseos de que los artistas invitados te salven el día. Por suerte, un puñado de actores y famosillos se dejaron caer por la Wizard Con. Desde invitados internacionales de la talla de Jasika Nicole -a cuya conferencia tuvimos oportunidad de acudir- que no es otra que Astrid en Fringe, hasta los chicos de Juego de Tronos: James Cosmo, Josef Altin y Eugene Simon; pasando por actores como Harry Melling, Chris Rankin, Adrian Rawlins (los tres pertenecientes al universo Harry Potter); Osric Chau, Keegan C.

Tracy, Misha Collins (todos parte de Supernatural y, por cierto, a juzgar por el ruido en las redes sociales, la mayor gloria de la Wizard Con en general fue para Mr. Chau); Jessy Schram y David Anders de Once Upon a Time y Eoin Macken, Rupert Young, Tom Hopper y Alexander Vlahos de Merlin.

En lo concerniente a los invitados nacionales os podemos contar que disfrutamos sorpresivamente con la charla “Como escribir una novela fantástica y no morir en el intento” ofrecida por José Antonio Cotrina, escritor de novelas de ese género -conocido principalmente por “El Ciclo de la Luna Roja”- y Gabriella Campbell, también escritora y ex secretaria de la Asociación Española de Fantasía, Ciencia Ficción y Terror; y que los actores David Ordinas (Los Miserables) y Pablo Puyol (La Bella y la Bestia) acudieron el sábado 12 para hablar sobre del mundo del teatro, del cine y de la

Jasika Nicole

Gabriella Campbell televisión en España desde el punto de vista de un actor y, de paso, presentar su espectáculo “Venidos a Menos”.

También tuvieron su hueco el escritor y creador de la serie ‘Pulseras Rojas’, Albert Espinosa; el cantante Carlos Parejo; el cómico y monologuista Manu Franco y los dibujantes: Guillermo Mogorrón, María Emegé, Pedro Delgado Lidia Fernández...

Si por un casual leéis esto de cara a asistir el año que viene a una nueva edición, que no os desanime (del todo) el panorama que os hemos presentado, hay mucho trabajo y esfuerzo detrás de eventos como este y, apoyarlos en sus inicios, los hace más grandes con el paso de los años. Pero no os confundáis, ni dejéis que os engañen: Esta Wizard Con NO ha tenido un éxito de afluencia abrumador (esperamos poder ver las cifras de venta

de entradas algún día); deja temas logísticos pendientes de mejora (venta de merchandising en abundancia, emplazamiento más accesible, traductores profesionales para las conferencias, puntualidad y, por el amor de dios, evitar coincidir en fechas con otra convención similar pero de mayor tirón que se lleve de calle a decenas de invitados potenciales -London Flim & Comic Con-), y debe aumentar el número de actividades de ocio relacionadas (talleres, proyecciones, juegos, consolas next-gen -que la PS3 y la 360 ya las tenemos muy vistas- y, sobre todo, más relevancia para el Cosplay, ¡por favor!).

POR: Phoebe17 y Chveya

La Biblia dice que fue la ira de Dios la que liberó a los hebreos del yugo de los Egipcios, y quien tras separar las aguas del Mar Rojo, los guió hacia la llamada Tierra Prometida. Pero no sería un paseo, cuarenta años de vagar por el desierto estaban destinados a acabar con la última generación de esclavos liberados, y ni siquiera el propio Moisés, el liberador del pueblo escogido, llegaría a ver el lugar que manaba “leche y miel”.

Sería mucho más tarde, además, cuando los hebreos se encontrarían con que su supuesto hogar ya estaba colonizado.

Miles de años más tarde, el pueblo de Israel ha cambiado mucho. Se ha convertido en un estado sólido y reconocido internacionalmente, y cambiado los cayados que se transforman en serpientes y las plagas de langostas por aviones F-16, bombas de fósforo y drones militares. Son estas armas con las que el llamado “cuarto ejército más grande del mundo” ha matado sólo en el último mes a más de mil personas y herido, mutilado y dejado sin hogar a cerca de otras seis mil. Todo en el intento de encontrar una paz que les permita disfrutar de esa promesa hecha ya hace tanto tiempo por una zarza ardiente que les eligió como sus hijos predilectos. Y en medio de todo ello, se encuentra la Franja de Gaza.

La Franja abarca un estrecho trozo de tierra de cuarenta kilómetros de largo

GA

LA TIERRA

limitado por el mar mediterráneo y las fronteras con Israel y Egipto, y es bastante más que la propia ciudad de Gaza.

Con más de un millón y medio de habitantes árabes, se trata de una de las zonas más densamente pobladas del planeta, y a lo largo de su historia ha visto todo tipo de guerras y tragedias.

Tras pasar por mandatos egipcios y británicos, lo que antaño se conoció como Palestina quedó destruido a mediados del siglo pasado, cuando la ONU decidió fundar un país en el que aglutinar a la enorme población judía de la zona.

Si bien los israelíes fueron en sus inicios un pueblo nómada, se habían ido asentando en la zona de Palestina debido a su gran importancia espiritual, que es en realidad uno de los desencadenantes del conflicto. Con la ciudad de Jerusalén como símbolo de nada menos que tres de las religiones más grandes del mundo, la población es variopinta y no siempre han convivido en paz. De modo que buscan-

AZA

PROMETIDA

do una solución para estos problemas, el Estado de Israel venía a servir como hogar para una comunidad que acababa de dejar atrás el horror de los campos de exterminio y las cámaras de gas.

Pero obviamente, al pueblo palestino no le gustó nada que dividieran su país en numerosos fragmentos y a ellos los arrinconasen en la zona de Cisjordania y la franja de Gaza, mientras que la comunidad internacional era la que controlaba la capital de Jerusalén. Lo que parecía una decisión de inspiración salomónica no hizo más que radicalizar el ambiente separando a dos comunidades que luchaban por el derecho a residir en el mismo sitio, los palestinos aludiendo a los siglos que llevaban viviendo allí y los israelíes a la nostalgia, la religión y el gran apoyo internacional.

El acuerdo no fue lo bastante fuerte como para evitar la guerra. Con los británicos abandonando el recién creado país, Egipto invadió y anexionó la Franja a su territorio, permaneciendo en ella hasta la llamada Guerra de los Seis días en la década de los sesenta. El número de batallas, guerras, armisticios, treguas y movimiento militar de Palestina es tan grande y enrevesado que sólo con echar un vistazo por encima nos queda claro que se trata de una zona caliente. Un lugar en el que todos creen que su Dios y su religión les hace fuertes para permanecer allí, pero donde en los últimos años la balanza se ha inclinado claramente hacia el lado israelí. Debido a la gran expansión de sus vecinos, los palestinos han visto como su país ha desaparecido literalmente del mapa. Son un pue-

blo en peligro de extinción que sobrevive en pequeños puntos cada vez más aislados y pequeños. Refugiados que han sido expulsados de sus tierras y que han acabado en la Franja de Gaza, de la que no se puede salir porque un gigantesco muro de ocho metros de alto lo impide arrinconándolos contra el mar, y donde los están exterminando sin ningún atisbo de vergüenza.

La primera y segunda intifadas.

Desde entonces, el pueblo palestino se ha levantado en dos ocasiones en las llamadas “intifadas”, que significan “levantamiento”. La primera ocurrió en 1987 cuando atacaron con piedras al ejército israelí como protesta por la destrucción de su pueblo y el control tiránico que ejercían sobre ellos, y coincidió además con la fundación del partido político Hamás, el gran enemigo israelí a quien éstos culpan de ser el responsable de todas las muertes ocurridas en la Franja en los últimos veinticinco años.

Hamás está considerada por la comunidad internacional como una organización terrorista, culpable de crímenes contra la humanidad y fanática religiosa. Pero ver la verdad en días como hoy es cada vez más difícil. Los medios de comunicación repiten informaciones parciales pagadas por intereses comerciales, y en raras ocasiones (y mucho menos, en medios de gran distribución) se busca la objetividad o la profundidad. Hamás tiene como base el Islam y utilizan la fe religiosa para animar al pueblo Palestino a luchar por su dignidad y recuperar no ya

sólo el territorio tomado por Israel, sino también todo lo que alguna vez fue parte del mundo árabe. Radicales, violentos y con la certeza de que el diálogo no es más que una pérdida de tiempo, Hamás ha conseguido el apoyo de los palestinos por una sola razón: es lo único que les queda. Son refugiados que dependen exclusivamente de la ayuda humanitaria que les hace llegar el propio Israel, y en situaciones desesperadas siempre surgen movimientos radicales como ese.

Pero Hamás no es un ejército fuerte y bien formado, sino que utiliza los únicos medios que tiene a su alcance fabricando misiles caseros que rara vez hacen blanco, pero que demuestran que son imparables. Hay atentados suicidas inspirados por la fe en el Corán y la idea de que, como dijeron los fundadores del partido, los palestinos conocen el camino del sacrificio y el martirio. Algo que se han encargado de demostrar en numerosas ocasiones.

En la década de los 2000, en pleno debate sobre el futuro de Jerusalén y con la sensación de estar siendo ninguneados en las negociaciones, lo que hizo que el pueblo palestino tomase las armas fue un simple paseo, el de Ariel Sharón a la Explanada de las Mezquitas. Con su presencia quería dejar claro que esa zona pertenecía por derecho a Israel, y sus palabras ocasionaron un río de sangre que fluyó durante cinco años y causó nada menos que cinco mil muertos.

El conflicto dejó imágenes imborrables como la del padre que protegía a su hijo de doce años tras verse atrapados en un fuego cruzado, y que morían frente a las cámaras de los periodistas, quienes no podían hacer otra cosa salvo filmar. Pero también destruyó el proceso de paz y nos condenó a una década y media de violencia sanguinaria en la que por primera vez la televisión e Internet pondrían nombres a la tragedia, y caras a los muertos.

El Margen Protector A pesar de que el mundo occidental parece vivir cómodamente en la ignorancia, insensibles ante un conflicto armado en la otra parte del planeta del que sabemos poco o nada, lo cierto es que la gente sufre y muere en Gaza continuamente. El clima de tensión ha fortalecido a Hamás, venciendo en las elecciones y haciéndose con el control político de la Franja y llevando sus acciones hacia terrenos cada vez más radicales. Su comportamiento de guerrilla y el ensalzamiento de los mártires vienen de la mano con torturas, atentados y todo tipo de comportamientos violentos hacia su propio pueblo, pero lo cierto es que nadie ha dado más poder a Hamás que el propio Israel, quienes con sus ataques y misiles han fortalecido la semilla del odio entre una población desamparada que recurre a lo que sea para defenderse de las agresiones.

En Junio de este año, tres adolescentes israelíes fueron secuestrados y asesinados en Cisjordania y rápidamente las autoridades acusaron a Hamás como

responsable, si bien semanas después admitieron que sus acusaciones no tenían ningún fundamento. El asesinato de los tres chicos podría haber sido un crimen corriente, pero la tensión política de la zona le otorgó en seguida un de notoriedad por razones incorrectas, y propició el secuestro de un chico palestino al que golpearon y quemaron vivo como represalia.

Así fue como Israel decidió poner en marcha la operación Margen Protector, dirigiendo sus misiles a Gaza y bombardeándola con una brutalidad inusitada.

La desproporcionada respuesta realizada sin motivo alguno es la que ha aniquilado ya a un millar de personas. Sólo veinte israelíes se cuentan como bajas, con la diferencia de que éstos últimos son sobre todo militares, y los palestinos, civiles.

La comunidad internacional, los Estados Unidos y todas las demás organizaciones han hecho oídos sordos ante la masacre indiscriminada cometida con el supuesto propósito de debilitar a Hamás, encogiéndose de hombros y asegurando que Israel tiene “derecho a defenderse.”

La operación militar tiene como objetivo eliminar a los terroristas, y para ello aseguran que las bombas del ejército israelí son precisas y manejadas por profesionales bien entrenados que ponen el mayor cuidado en evitar daños colaterales.

El problema viene cuando Israel busca terroristas en escuelas, hospitales, casas y en todos los lugares que puede, y que hasta ahora, de no haber sido por Internet y la rapidez de la comunicación, nos hubiesen pasado por alto. Israel bombardea y asesina sobre todo niños, acusando a los terroristas de utilizarlos como escudos humanos. Pero las fotos de la prensa demuestran que ellos también tienen mucha costumbre en coger niños de doce años y atarlos sobre sus camiones, o en colocarlos frente a sus parapetos para evitar que les arrojen piedras o disparen. También es cierto que cuando arrasas barrios enteros en una ciudad tan densamente habitada como la de Gaza, matas personas inocentes que sólo piden que se acabe la guerra.

Farah Baker, de dieciséis años, se ha convertido en una celebridad en Internet al compartir por Twitter vídeos e imágenes de lo que ocurre a su alrededor. Graba los drones militares que sobrevuelan su casa, a las puertas de la morgue de un hospital donde a diario las familias vienen a llorar a sus familiares, momento en el que Israel aprovecha para dejar caer bombas sobre las ambulancias reduciéndolas a escombros. Farah ha movilizado al mundo entero, dándonos la oportunidad de sentir empatía por esos refugiados, poniéndole cara a las estadísticas, y compartiendo su dolor y la incertidumbre ante lo que ocurrirá en las próximas horas. Por fin, entendemos que una chica palestina es una persona con sentimientos y emociones, y nos preocupamos por ella porque tememos que la próxima bomba caiga diez metros más cerca de su casa o atraviese la habitación desde la que twittea y comparte fotos que le llegan de todas partes del mundo. En las horas previas a redactar este artículo, un alto el fuego le ha permitido a Farah salir de su casa y quedar con una amiga de su

edad para arreglarse el pelo la una a la otra. Casi como si no pasara nada. Como si no fueran terroristas. Como si, para ellas, la política y la religión pudiesen ser cosas totalmente ajenas.

No está muy claro lo que pasará en los próximos meses o incluso años, pero no es fácil que se llegue a una paz estable y duradera. Lo más probable es que en varias generaciones, los palestinos sean finalmente exterminados, y sólo los libros de Historia y las hemerotecas recuerden lo que alguna vez ocurrió allí.

Hasta entonces, sólo sabemos que el futuro se encuentra en los supervivientes a los ataques de ambos bandos, como los niños palestinos que ven a sus familias morir entre explosiones y que llevan en sus cuerpos las quemaduras realizadas por las bombas de fósforo blanco. Son a ellos a quienes los periodistas les preguntan qué quieren hacer cuando sean mayores, quizá para ver cómo les ha afectado a la cordura el horror de la guerra, o simplemente para intentar darles la idea de una posible perspectiva, y un futuro. Y todos responden lo mismo: Vengarme.

CARLOS MARTÍN

A la hora de hablar del conflicto de Gaza no hay verdades absolutas. Éstas sólo las podemos encontrar en los cementerios arrasados y en los hospitales desbordados, en las caras de la gente y en las lágrimas de impotencia. Poco o nada tienen que ver chicas como Farah o su familia con Hamás, pese a que esa organización controle sus vidas, o Israel, quien tiene sobre su existencia el mismo poder o más. Y es muy irónico que precisamente ellos, quienes más deberían conocer el sufrimiento, y entender lo que el exterminio injustificado y el odio irracional le hacen a un pueblo, no tengan reparos en permitir la masacre de miles de personas que no han hecho nada, y que sin duda, no se merecen esa atrocidad. Y que también, acusen de antisemita a todo aquel que cuestione sus decisiones en vez de pensar que lo hacemos por un acto de humanidad. Porque tenemos miedo de levantarnos mañana, conectar nuestro Twitter, y ver cómo pasan las horas sin que Farah escriba algo.

Y su silencio nos lo diga todo.

Vaya por delante que servidor está muy verde en lo que es el tema de la política. Sé que hay gente que le gusta ir siempre en el lado derecho, visten bien, peinados engominados y sonríen como si les hubiera tocado el premio gordo de la lotería.

En el otro lado, tenemos a gente que prefiere ir por el lado izquierdo de la calzada y distan muchísimo de los antes mencionados.

Este grupo de gente suele reconocerse por sus atuendos sencillos, a veces demasiado sencillos, pelos largos a lo “hippie style” y les gusta hacer cosas todos juntos, cómo reunirse los sábados o domingos por la tarde para salir fuera con sus amigos y conocidos y gritar cosas que no ven bien en el lugar dónde viven.

No entiendo de política pero si entiendo que desde hace un tiempo la cosa está muy malamente. Allá por el 2008 un tipo parecido a Mr.Bean (pero con la mitad de gracia) dijo que estábamos sufriendo una desaceleración económica. La palabreja como tal nos hizo gracia a los tontos del pueblo mientras veíamos como los que entendían un poco del asunto sus caras se iban volviendo de un color “mierda de oca” que echaba para atrás.

Efectivamente, luego entendimos el motivo, lo que empezó siendo una simpático bache, acabó por convertirse en una hostia en toda regla (de esas de menú, pan, vino y postre), de la cual aún hoy en día nos sigue escociendo la mejilla.

Burbujas inmobiliarias, vivir por encima de nuestras posibilidades, deuda pública, morosidad bancaria, Pocholo y su mochila… muchas fueron las causas de la famosa crisis.

No obstante a tres cuartas partes del pueblo sinceramente se la repampinfla (por no decir

Al DesN

XAVI MUÑOZ

se la suda tres pares de narices) como empezó, lo que quieren saber es cómo acabará. No soy rappel ni tengo una máquina del tiempo en el cajón de mi escritorio, pero sí que puedo decir que la cosa no acabará muy bien, por no decir fatal.

Siempre se nos ha tenido como el país del chanchullo, el estraperlo y, en definitiva, la picaresca (no es ninguna broma, si van al google y ponen picaresca ¿Adivina cuál será la siguiente palabra que nos ponga el simpático buscador? Pero esto no viene de nuevo, no se vayan ustedes a pensar, esto viene desde hace muchos años, más de los que tiene Marujita Díaz, que ya son ganas de tener años. Si se acuerdan de una de las novelas que nos hacían leer en la escuela, Lazarillo de Tormes (Anónimo, s.XVI) verán que todo lo que ponía en práctica el joven pícaro hoy en día se estila con señores más mayores armados con plumas y trajes carísimos.

Y que me dicen del sistema de gobierno que tenemos. Les recuerdo que no tengo ni idea de política pero si tengo algo de memoria y toda mi vida he visto como el poder siempre se lo han repartido dos partidos políticos, Partido Popular y Partido Social Obrero

NoDO

Z CASERMEIRO

No sabemos que cartas tiene el señor Iglesias bajo la manga, lo que si podemos afirmar es que la llegada de este sujeto al mundo de la política, y no solo eso, sino al mundo del show business ha supuesto una bomba en el entorno político y mediático español.

Español. Sacando los apuntes del colegio (y con cierta ayuda de la Wikipedia) veo que esta dicotomía política empezó en la II Legislación Española cuando el PSOE barrió por completo al partido de Adolfo Suárez (Centro Democrático y Social) en las elecciones de 1982. A partir de ahí o PP o PSOE han estado cortando el bacalao por estos lares con una soltura y un salero que incluso asusta.

Esto me recuerda a hace un tiempo, durante la Restauración Borbónica Española, con el famoso Pucherazo, una manera sencilla y efectiva que tenían el partido liberal y el partido conservador de pasarse el poder al final de cada legislatura. ¿Se acuerdan de aquel famoso episodio de Los Simpson dónde el Actor Secundario Bob ganaba las elecciones en el episodio El Actor Secundario Bob Vuelve a las Andadas? En él podíamos ver como el gran Bob ganaba las elecciones haciendo votar a los difuntos, e incluso a los animales muertos. Pues poca broma porqué los tiros fueron por aquí en la época del Pucherazo; robo de votos, corrupción, muertos que votaban… vamos que todo valía.

En las redes sociales hay un montón de movimiento en contra o a favor de esta nueva formación política. Se le ataca o se le defiende con agresividad. Hay debates, insultos, vejaciones… vamos que la gente parece que está empezando a despertar del sueño en el que parecía haberse encontrado imbuida durante mucho tiempo.

Pero bueno, volviendo a la realidad nos damos cuenta que la cosa aquí está jodida.

Ahora parece que la actividad política se está viendo zarandeada con la llegada a la palestra de Pablo Iglesias, a.k.a El Coletas, el líder de Podemos, un partido político que ha dado la campanada en las elecciones al Parlamento Europeo y que promete ser una fuerza a tener en cuenta para las próximas generales que tienen que venir.

Y es que ya lo dicen los franceses, África empieza en los Pirineos.

Voy a ser franco, no creo que Podemos sea la solución para que España salga de la crisis en la que se encuentra metida, se puedan solucionar pacíficamente los frentes abiertos que tiene tanto en el norte como en el este de su geografía (de los cuáles hoy no quisiera desviarme, y menos en público), y en general todos podamos vivir felices y comer perdices.

Lo que sí es cierto, que el grupo de Iglesias parece haber activado a la gente para que se posicione a su favor, o a su contra, y empiece a jugar a este juego del que parece que todos sabemos un montón pero luego nos damos cuenta que realmente no tenemos ni putísima idea y que repetimos lo que hemos visto en la tele, o nos ha dicho nuestro amigo que parece entender más que nosotros, que es el juego de la política. Ciertamente la crisis, el paro, el malestar social y Sálvame van a quedarse por estos lares por mucho tiempo, pero si poco a poco empezamos a despertar, cogemos el problema de frente y, sobretodo cuando nos den la ostia no ponemos la otra mejilla, sino que le pateamos la boca al que nos ha cascado, podremos decir que estamos empezando a hacer progreso por estos lares.

Siendo esta la sexta entrega del taller de pintura y después del merecido descanso estival voy a incluir algunas fotos que hasta ahora no han tenido la oportunidad de aparecer y que hacen referencia a entregas anteriores como:

También se pueden maquillar muñecas custom con acrílico y pincel, aunque la escala sea mayor la dificultad no disminuye, al tener que hacer cada vez más detalles.

DETALLE DE GEMA MURO DE PIEDRA

También me gustaría enseñaros otros formatos donde podéis aplicar lo aprendido hasta ahora, para que veáis que sirve para un amplio espectro de miniaturas, no solo las de 28 – 30 mm.

Esta es una figura del Ragnarok online, concretamente una swordman, está hecha de resina y es una copia de la original, con lo que tuve que lidiar con un montón de errores de fabricación.

warpa studio

Probar con diferentes estilos y tamaños os puede dar una perspectiva más amplia que mejorará vuestro criterio a la hora de analizar una miniatura a la hora de ir a comprarla y mejorará vuestra técnica al tener que encarar nuevos retos para vuestra habilidad.

cortamos y las pegamos con cola blanca, esperamos a que seque y entonces pasamos a hacer el relieve o la textura.

Edificios:

Para esto podemos usar cemento cola o la mezcla de agua + arena + cola blanca que vimos también en la última entrega, además en el foam se puede crear relieve dibujando directamente sobre él, con cuidado y con un boli se le puede dar textura de piedra o ladrillo presionando ligeramente sobre el foam, que se quedará marcado.

Lo primero que hay que hacer para construir nuestro propio edificio es dibujar un plano en papel, habrá impacientes que se querrán saltar este paso, pero luego es más fácil no cometer errores y es el medio más sencillo para hacer bocetos y croquis. Luego hay que pasar nuestro dibujo al foam o a cartón, de cuyas ventajas y desventajas hablé en la última entrega de Nosolofreak.

Las tiendas de manualidades o unos “chinos” nos proveerán de material que podremos usar para escenografía, como palitos con los que se puede hacer vallas, puertas etc, palos de helado con los que yo he hecho el tejado del edificio que os mostraré a continuación, objetos con formas variadas hechos de corcho blanco y luego todo lo demás a lo que vuestra imaginación pueda darle algún uso.

Una vez dibujadas sobre el foam o el cartón las re-

Existe también la opción más cara de plantillas de edificios fabricadas en DM o plástico, quedan muy bien y suelen venir con multitud de detalles, lo único es su elevado precio a la hora de hacernos con ellos, por otro lado la versión económica (y por si no se os ocurre nada) es tirar de internet y buscar plantillas para imprimirlas en papel y cartulina, la ventaja es su casi nulo precio y que ya vienen con un diseño que las hace muy pintonas, sus desventajas, no son muy resistentes y no dan una impresión tan realista, al no tener relieve.

Volviendo al tema que nos ocupa seguimos con la escenografía, este mes vamos a ver como construir edificios y diversas maneras de hacerlo.

ainter by pablo garcia

Siento que las fotos no hagan verdadera justicia a su contenido : $ Iba a haber incluido en la sección de este mes como hacer lagos y ríos en escenografía, pero el que hice lo hice deprisa y corriendo y quedó un poco chapucero, a ver si para el mes siguiente me queda mejor : )

lAS RECETAS DE NEKO MAI tempura PREPARACION Preparación: - Mezclar en un bol la harina, la clara de huevo y el agua para hacer el rebozado.

- Calentamos en una sartén el aceite vegetal.

- Bañamos en el rebozado los ingredientes escogidos y vamos echándolos a la sartén. Sacarlos cuando tengan un color marfil-dorado, colocándolos sobre papel absorbente.

- Mezclar el dashi, el mirin y la salsa de soja para hacer la salsa en la que se mojarán los rebozados cuando se vayan a comer.

La cantidad de ingrediente colocada en el apartado de rebozado es orientativa, si os quedáis sin siempre podéis hacer más.

No dudéis en experimentar con esta receta ya que es muy versátil, incluso hay gente que reboza y fríe frutas (plátano, manzana,…).

INGREDIENTES Ingredientes: - Elegir entre estos ingredientes (habiéndolos cortado en tamaños de un bocado y ya sean en crudo o hervidos): judías verdes, berenjena, zanahoria, pimientos, cebolla, calabaza, setas, alga nori, espárragos, gambas, boquerones, langostinos, salmón, carne variada…

(La tempura sirve tanto para freír verduras como otros ingredientes).

Para el rebozado: - 250 grs. de azúcar.

- 1 taza de agua muy fría.

- 1 clara de huevo.

Para la salsa: - 1 taza de caldo dashi.

- ¼ de taza de mirin.

- ¼ de taza de salsa de soja.