Arte pop-up. Libros de arte móviles y desplegables by Pandiella y Ocio

C/ La Unión, 31 33900 Langreo Tel./ fax: 984 182 858 pinacoteca@ayto-langreo.es www.langreo.es

Horario Septiembre a junio Lunes a sábado: 10.30 a 13.30 y de 17.00 a 20.00 h Domingo y festivos: 11.30 a 14.30 h Julio y agosto Lunes a sábado: 11.00 a 13.30 y de 17.00 a 20.30 h Domingo y festivos: 11.30 a 14.30 h Cerrado: martes

La Pinacoteca Municipal de Langreo Eduardo Úrculo desea sumarse al programa de actividades del Salón de Navidad 2010 con la exposición Arte pop-up. Libros de arte móviles y desplegables, que agrupa un centenar de ejemplares de la extraordinaria colección de Ana M.ª Ortega y Álvaro Gutiérrez, una de las mejores y más completas que hay en el mundo. De acuerdo a los objetivos de nuestro Centro hemos seleccionado una serie de títulos que permitan al público de todas las edades aproximarse, a través de visitas comentadas, demostraciones y talleres, a la evolución y fabricación de esta clase de libros, al igual que a los movimientos del arte contemporáneo que en ellos se recogen. Es una gran satisfacción para la Pinacoteca langreana haber llevado a buen puerto este cometido, pues la muestra Arte pop-up, dedicada monográficamente al libro móvil y desplegable de contenido artístico, es la primera que se celebra en España.

Arte pop-up Libros de arte móviles y desplegables Colección de Ana M.ª Ortega y Álvaro Gutiérrez

Pinacoteca Municipal de Langreo Eduardo Úrculo

Arte pop-up

Ediciones de la Pinacoteca Municipal de Langreo Eduardo Úrculo

Libros de arte móviles y desplegables

Publicaciones didácticas

Colección de Ana M.ª Ortega y Álvaro Gutiérrez

Cuaderno didáctico: ¿Pinacotequeamos? 1. Personajes, 2008 Catálogos de exposiciones Manolo Rey Fueyo. Serie Langreo, 2008 Elisa Lozano Chiarlones. Arqueología de la memoria. Ser: Pruebas y restos, 2008 (Premio Nacional de Artes Plásticas Art Nalón, 2008) Del Flecha de plata al Scalextric. Los mejores juguetes de nuestra vida. Colección Quiroga-Monte, 2008 Cuco Suárez. Ferramienta, 2009 Iraida Lombardía. El origen de mi mundo, 2009 Elena Rato. Obra pictórica, 2010 (Premio Nacional de Artes Plásticas Art Nalón, 2009) Noemí Iglesias Barrios. Meriñán, 2010 (Premio Cuenca del Nalón de Artes Plásticas Art Nalón, 2009)

Pinacoteca Municipal de Langreo Eduardo Úrculo 22 diciembre 2010 - 22 enero 2011

Arte pop-up Libros de arte móviles y desplegables Colección de Ana M.ª Ortega y Álvaro Gutiérrez

Pinacoteca Municipal de Langreo Eduardo Úrculo 22 diciembre 2010 - 22 enero 2011

Edición: Ayuntamiento de Langreo-Pinacoteca Municipal de Langreo Eduardo Úrculo Organización y dirección: Gabino Busto Hevia Documentación: Álvaro Gutiérrez Baños Montaje: Ana María Ortega Palacios y Álvaro Gutiérrez Baños Pinacoteca Municipal de Langreo Eduardo Úrculo C/ La Unión, 31. 33930 Langreo Tel./fax: 984 182 858 pinacoteca@ayto-langreo.es www.langreo.es © de la edición: Ayuntamiento de Langreo-Pinacoteca Municipal de Langreo Eduardo Úrculo © de las fotografías: Ana María Ortega Palacios y Álvaro Gutiérrez Baños © de los textos: Gabino Busto Hevia (pp. 4-21), Álvaro Gutiérrez Baños (pp. 22-63) © del texto de presentación: María Esther Díaz Diseño: Pandiella y Ocio. Tipografía utilizada: Minion y Frutiger Next Colaboran:

D. L.: As-6.114/10 ISBN: 984-9704-546-9

Presentación María Esther Díaz Alcaldesa de Langreo

Abrir un libro es como entrar en un mundo desconocido, lleno de sorpresas, pero en el caso de los libros desplegables supone, además, ver cómo las palabras toman forma. Las formas que les dan los «ingenieros de papel», los artífices de estas obras de arte. La mayoría de nosotros hemos tenido la oportunidad de disfrutar de la lectura de uno de estos libros, y a muchos nos retrotraen a la infancia, cuando pasar una página se convertía en un momento de incertidumbre y expectación, por lo que estaba por llegar. Esos bonitos recuerdos traen una sonrisa a nuestra cara, muestra de un momento feliz, porque sería extraño encontrar a alguien que no haya tenido entre sus manos uno de esos libros y que no haya sonreído al recordar aquellos momentos con las amigas y amigos, intercambiando libros «con vida», con historias que iban tomando forma en nuestras manos. A través de esta exposición que ahora presentamos, Arte pop-up. Libros de arte móviles y desplegables, el Ayuntamiento de Langreo pretende poner en valor estos fantásticos libros-tesoro, llenos de formas y colores. Es una oportunidad para reencontrarnos con nuestra infancia, descubrírsela a los más pequeños y conocer la evolución y las técnicas de fabricación de estos libros tan peculiares, al mismo tiempo que nos acercamos a los principales movimientos de las artes plásticas contemporáneas. Deseo a todos los visitantes, pequeños y mayores, que se acerquen a la Pinacoteca Municipal de Langreo Eduardo Úrculo que disfruten con esta muestra que es también una oportunidad para realizar creaciones propias de libros animados.

El arte en tus manos Gabino Busto Hevia Director-conservador de la Pinacoteca Municipal de Langreo Eduardo Úrculo

A Tere Caballero, bibliotecaria, por su excelencia profesional e integridad moral

Usuarios, amigos y simpatizantes de la Pinacoteca Municipal de Langreo Eduardo Úrculo tienen el solaz de celebrar la Navidad de 2010 y la entrada del nuevo año 2011 con la exposición Arte pop-up. Libros de arte móviles y desplegables, que agrupa un centenar de ejemplares de la extraordinaria colección de Ana M.ª Ortega y Álvaro Gutiérrez. Esta compilación bibliográfica, radicada en España y especializada en el libro animado y tridimensional, consta de unos 2000 volúmenes y es, sin discusión, una de las mejores y más completas que actualmente hay en el mundo. De acuerdo a los objetivos de nuestro Centro hemos seleccionado una serie de títulos que permitan al público de todas las edades introducirse, de un lado, en la evolución y las técnicas generales de fabricación de esta clase de libros; y de otro, aproximarse mediante una buena parte de ellos a los principales movimientos del arte contemporáneo. Es una gran satisfacción haber llevado a puerto seguro este proyecto, pues de acuerdo a nuestros datos, esta exposición dedicada monográficamente al libro móvil y desplegable de contenido artístico, es la primera que se celebra en España. Así, los ejemplares expuestos, a caballo entre las artes visuales y la ingeniería, presentan un interés bifronte para una institución dedicada a la cultura artística y visual, como es la nuestra, pues formalmente, estos libros-objetos concitan las disciplinas del diseño gráfico, la tipografía, el dibujo, la ilustración, la caricatura, la fotografía, el grabado, la estampación, la ingeniería de papel, la escenografía, la papiroflexia, la juguetería, la encuadernación y la edición de arte; y en cuanto a su carácter monográfico, un buen número, como quedó dicho, se centra, precisamente, en el amplio y sugerente universo de la creación plástica contemporánea. Todas las piezas de la exposición se conservan íntegras y son de época, a excepción del muy antiguo e inalcanzable manuscrito Ars Magna, de Ramón Llull, que se presenta en edición facsímil. Me ocuparé en este ensayo introductorio de repasar sumariamente las principales corrientes y tendencias del arte contemporáneo que aparecen reflejadas en los libros seleccionados para la muestra. Así, nuestro periplo comienza al noroeste de París, a finales del siglo xix. Ese es el lugar y la época que atrapa el volumen A Walk in Monet’s Garden, 1995 (Un Paseo por el Jardín de Monet) [p. 53]. Este libro-panorama nos invita a una caminata por la finca del pintor Monet, cerca de Giverny. A través de esta maravilla

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de papel resulta muy fácil comprender y revivir la pasión que profesaban los impresionistas hacia la pintura al aire libre. En ese deleitable jardín recreado en el libro, Monet, a quien incluso podemos ver representado mediante una figurita troquelada, realizó muchas de sus obras maestras, como el ciclo Los nenúfares, que tanto peso tendría, por ejemplo, en el desarrollo de la pintura abstracta norteamericana de mediados del siglo xx. Clasificado dentro de los libros-túnel, se encuentra A Sunday on La Grande Jatte Tunnel Book, 2006 (Un domingo en La Grande Jatte. Libro Túnel) [p. 50], que recrea la obra cumbre de Seurat titulada Un domingo por la tarde en la Isla de la Grande Jatte (1884-1886), monumental lienzo, expuesto en el Instituto de Arte de Chicago, que plasma el asueto de las clases medias parisinas a orillas del Sena. Esta pintura, resuelta mediante puntos de colores, constituyó una reacción a la inmediatez e intuición impresionistas, y pasó a ser el manifiesto del célebre movimiento puntillista. En el librito Cuadros, 1994 [S], se reproduce la obra El Circo (1890-1891), del mismo Seurat, y a través de un detalle amplificado de ésta, puede apreciarse la citada técnica puntillista o divisionista.

Otro libro de procedencia japonesa, titulado Harmony, 2007 (Armonía), nos invita a comprobar los espectaculares efectos visuales de ese mismo procedimiento pictórico mediante la observación de una vista apaisada, que toma forma cuando los puntitos de colores, a una cierta distancia, se mezclan en el ojo del espectador. La exposición nos lleva ahora a dos de los pintores postimpresionistas más geniales de la historia del arte: Van Gogh y Gauguin. Ambos actuaron de bisagras en la pintura de personalidad háptica desarrollada a lo largo de la centuria del novecientos. Van Gogh está evocado en el libro-carrusel Van Gogh’s house, 1998 (La casa de Van Gogh) [p. 56]. En esta publicación se rememora la vivienda que ocupó el pintor en Arlés, hoy desaparecida, y más concretamente, uno de sus cuadros más íntimos y famosos, La habitación de Van Gogh (1888). Reencontramos también esa misma pintura del artista holandés en el libro, igualmente incluido en la muestra, Where are you, Mona?, 1998 (¿Dónde estás, Mona?).

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Del excepcional pintor francés Gauguin, incorporado a este conjunto gracias a la publicación Mirar la pintura a través de los siglos, 2006 [R], se ha destacado la obra titulada La comida o Los plátanos (1891), uno de sus primeros trabajos realizados en Tahití. De manera paralela a la actividad de los dos novadores precedentes, tuvo su expansión el movimiento simbolista, uno de cuyos epígonos se recoge en The Maxfield Parrish Pop Up BooK, 1994 (El libro pop-up de Maxfield Parrish) [p. 54]. Parrish fue un pintor e ilustrador nacido en Filadelfia (EE. UU.), que gozó de mucho éxito popular. Por otra parte, Le Douanier Rousseau, 2006 (El Aduanero Rousseau) [S] es un curioso libro-túnel dedicado al óleo Lucha entre un tigre y un búfalo (1908). Esta obra, que entronca con la mencionada estética simbolista, es una de las imágenes selváticas más misteriosas del Aduanero Rosseau, el pintor naif al que se consagra el ejemplar.

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La llegada del siglo xx estuvo acompasada con la aparición de nuevas corrientes artísticas, tan decididamente rompedoras y radicales, que pasaron a denominarse con el nombre de vanguardias. Una de esas avanzadas plásticas fue el llamado expresionismo alemán, movimiento al que perteneció Kirchner, el autor de La puerta de Brandemburgo (1915), una de las pinturas reproducidas en Das Berlin Paket, 2006 (La carpeta de Berlín) [p. 55] que, como ocurre con otras expresiones del artista, muestra la ansiosa y turbulenta agitación de la gran urbe alemana. Años después, este tipo de obras pasaron a ser confiscadas y condenadas por los nazis como arte degenerado. De manera coetánea, Matisse fue el cabecilla de los pintores apodados fauves (fieras o salvajes), lo que dio lugar al fauvismo, otra vanguardia caracterizada fundamentalmente por el empleo de colores estridentes y arbitrarios, que presentó muchas conexiones de tipo formal con el antedicho expresionismo germánico. De Matisse, acaso el artista más influyente del siglo xx —junto a Picasso, Duchamp y Warhol—, podemos ver una de sus últimas obras en el librito Bestiario (1994) [P]. Se titula Caracol (1953) y es una esencial y divertida evocación de ese molusco, armada mediante grandes trozos de papeles pintados, recortados y pegados en espiral, a medio camino entre la figuración y la abstracción. Otra obra del mismo autor, de idéntica etapa a la anterior y realizada con la misma técnica del découpage o recorte, es La pena del rey (1952), uno de cuyos detalles vemos en la página abierta del tomo homónimo destinado en 1991 [S] a ese reconocido pintor francés.

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Dufy perteneció también a la más selecta cofradía fauve. Sus trabajos, poéticos y delicados, le hicieron justamente famoso. Un ejemplo de su producción es Orquesta mejicana (1951), obra que se puede encontrar en el libro A comme… Art, L’ Abécédaire de L’ Art, 2002 (A de…Arte, El abecedario del arte) [Q]. El movimiento cubista, la vanguardia histórica por antonomasia, que había tenido como antecedentes la experimentación perceptiva y la solidez constructiva desplegadas en la pintura por Cézanne, supuso una auténtica conmoción en el arte europeo. La representación cubista se apuntalaba fundamentalmente en un aparejo de formas geométricas y en una multiplicidad de puntos de vista. Braque —en compañía de Picasso—, fue uno de los adalides de esa gran revolución. La obra Mujer guitarrista (1913) [p. 57], impresa en el libro del mismo título de 1987, es un buen ejemplo de la fase del movimiento que los expertos conocen como cubismo analítico. En este campo, se hace imprescindible echar un vistazo al curioso y didáctico ensayo cubista, en forma de estructura auto-eréctil, que ofrece la publicación titulada Carpeta de Arte (1993) [S]. Toca en este momento hablar de Lêger, un pintor que tuvo su personal militancia cubista, pero acabó gestando un estilo muy personal. Éste consistió en la traza de figuras monumentales, conformadas por contornos que interaccionan con vistosos y libres colores planos. Un año antes de morir, el artista pintó en el comentado registro La cabalgata (1954), enorme tela de asunto circense. La

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danseuse au chien (La bailarina del perro), que aparece en el libro L’Art en puzzles. La musique, 2001 (El arte en rompecabezas. La música) [R], constituye uno de los estudios que realizó para esa espectacular obra maestra. Un pintor que asimiló componentes fauves, expresionistas y cubistas, elaborando una original síntesis fue Amadeo Modigliani. El curioso libro PornoGraphics: The Shame of our Art Museums, 1969 (Porno-gráficos: la vergüenza de nuestros museos de arte) [P], provisto de hojas especiales para tapar las partes pudendas de las figuras, incluye el Desnudo tendido (1917), de ese autor italiano, también conocido como Desnudo rojo. Los desnudos de Modigliani, cuyos antecedentes hay que buscar en las venus renacentistas italianas, desprendieron siempre tanto erotismo que Giovanni Scheiwiller, uno de sus estudiosos, en 1927, se veía obligado a reseñar en el prólogo de una monografía: «Para no herir el pudor oficial y también para no correr el peligro de sufrir las sanciones previstas por el artículo 339 del código penal, he creído oportuno no reproducir algunos de estos desnudos censurados». Poco después de la emergencia del cubismo eclosionó el denominado abstraccionismo, también identificado, entre otras formulaciones —si se hace una tregua en el debate—, como pintura abstracta, pintura no figurativa o pintura sin representación de objetos reconocibles. Un ejemplo de este tipo de obras, tan decisivas para la cultura visual de los siglos xx y xxi, en la que la forma y el color poseen sentido por sí mismos, nos

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lo ofrece el volumen Tu libro de arte más prodigioso, 2006 [R]. En él podemos ver una ilustración animada en la que sale el pintor holandés Theo Van Doesburg ante un caballete y una vaca. En 1917, este autor realizó una pintura a partir de la fotografía de esa res y, en sucesivos estados, fue abstrayendo las formas hasta llegar a una concisa composición de cuadrados y rectángulos de distintos colores. Theo Van Doesburg, junto con Piet Mondrian impulsaron en aquellos años el neoplasticismo, una tendencia que llevó los planteamientos cubistas al límite, contribuyendo a la definición y enriquecimiento de lo que se conoce como «abstracción geométrica», un vasto ámbito estilístico en el que muchos artistas de hoy siguen trabajando. Otra vanguardia cardinal en la cultura artística contemporánea fue el surrealismo. Sus características principales pueden resumirse en el desarrollo de la expresividad sin control racional, el interés por el azar y los automatismos derivados del subconsciente y la atención al mundo de los sueños, las alucinaciones y la fantasía. Doble retrato con vaso de vino (1917) de Chagall, que aparece en un libro publicado por el Beaubourg en 1993 [S], resultó ser una de las pinturas precursoras de este movimiento. El pintor belga Magritte realizó valiosas aportaciones dentro de esta misma estética. A él se dedican, entre otros, tres interesantes libros de la colección

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Ortega-Gutiérrez: Qui est René Magritte?, 2009 (¿Quién es René Magritte?), Magritte. Le libre animé, 2009 (Magritte. El libro animado) y Paisajes, 1994 [R]. En este último podemos examinar una de sus misteriosas obras, La condición humana I (1933), en donde explora el ilusionismo pictórico, un tema persistente en muchos de sus cuadros. Conocido socio surrealista fue asimismo el pintor español Salvador Dalí. En un librito titulado Retratos, 1994 [S], podemos ver la pintura Cara de Mae West que puede ser usada como apartamento surrealista (1934-1935). El autor obró aquí con la imagen múltiple o la ambigüedad de la representación —uno de los rasgos típicos del quehacer pictórico surrealista— y llegó incluso a recrear la imagen en tres dimensiones, merced a la colaboración del arquitecto Óscar Tusquets.

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Un segmento considerable de la obra de Picasso, artista que participó en la primera exposición pictórica del surrealismo celebrada en 1925, asumió el ideario más radical del movimiento. De un lado, el minotauro, presente en el ejemplar Picasso. The minotaur, 1987 (Picasso. El minotuaro) [R], es un personaje de la mitología clásica con el que se identificaba el artista y que recibió por parte de éste un tratamiento muy afín a la poética de la corriente. La imagen del libro nos muestra, entre otros diseños, la portada de la revista surrealista Minotaure (Minotauro), realizada por Picasso en 1933. De otro lado, su célebre y portentosa obra Guernica (1937), encargada por el Gobierno de la II República Española para el Pabellón de España en la Exposición Universal de París, aquí reproducida en un desplegable del libro ¿Qué ven los pintores?, 1995 [S], pasa por ser una de las creaciones más importantes del surrealismo, si no la que más.

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La pieza Azul cielo (1940) de Kandinsky, a la que se dedica el libro de igual título [S], también puede encuadrarse dentro del cauce surrealista. Sobre un fondo azul flotan varios motivos zoomórficos, de clara raigambre fantástica, muy coincidentes con la gramática visual de Joan Miró.

Una aproximación a la preceptiva de la corriente en su vertiente más romántica se encuentra en The Joseph Cornell Box, 2006 (La caja de Joseph Cornell) [R]. Se trata de una propuesta editorial para conocer la imaginería de este artista norteamericano, que estaba basada en la confección de cajas con objetos en su interior, a modo de espacios escénicos en miniatura. La unidad permite montar, con diversas variaciones, una caja bajo los propósitos estéticos que inspiraron al artista.

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Cercana a esta vertiente lúdica y ensoñadora del surrealismo se halla la obra El Circo (1926-1931), de Alexander Calder, ingeniero de formación y artista precursor de la escultura cinética. Esta pieza, realizada con diversos materiales, era manipulada por el propio Calder y permitía poner en funcionamiento un circo en miniatura. En uno de los episodios de la película Dreams that money can buy (Sueños que el dinero puede comprar, 1947), se recoge una de esas representaciones. También hay una filmación titulada Calder’s Circus (El Circo de Calder, 1961).

En esta muestra de la Pinacoteca de Langreo se puede apreciar el trabajo realizado por la diseñadora Patricia Geis para la colección ¡Mira qué artista! Alexander Calder, 2009 [R]. Consiste en una versión pop-up de ese famoso Circo, que incluye varias figuritas troqueladas para montar algunos números del espectáculo. Calder se relacionó con el artista Jean Arp a través del grupo parisino Abstraction-Création (Abstracción-Creación). Arp, vinculado a varias de las vanguardias históricas, alcanzó notoriedad por sus esculturas de formas orgánicas. A una de esas obras, realizada en 1937 utilizando una gran piedra, se dedica el libro Arp. Pépin Géant, 1987 (Arp. Pepino Gigante) [W], que también figura en esta compilación.

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Después de la Segunda Guerra Mundial, la ciudad de Nueva York cobró un protagonismo extraordinario en el mapa mundial del arte. Fue allí donde se gestó el expresionismo abstracto americano, uno de cuyos más significados cabecillas fue Jackson Pollock. En el ejemplar La invención de la pintura, 1993 [S], podemos ver una ilustración del artista en su taller, chorreando pintura sobre el lienzo, acompañada de una foto suya y de una reproducción en minitura de su obra Reflection of the Big Dipper (Idea de la Montaña Rusa, 1946). Esta pieza es un ejemplo típico de pintura de acción o gestual, tendencia del citado expresionismo, en donde el enérgico movimiento del cuerpo del hacedor resultaba decisivo en la consecución de las manchas, hileras enmarañadas y salpicaduras que generan la emotiva, turbulenta y vibrante superficie pictórica. El arte óptico, conocido en inglés como optical-art o bien op-art, fue otro de los movimientos artísticos del siglo xx. Surgido en la segunda mitad de los años 50 de la citada centuria como una derivación de las plásticas constructivo-geométricas,

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tuvo su desarrollo a lo largo del decenio de 1960. En muchos casos reaccionó ante la intuición y espiritualidad intrínsecas al expresionismo abstracto o al informalismo. Sus aportaciones consistieron en estructurados diseños modulares, de carácter racional, no representativos, que perseguían diversos efectos de ilusionismo visual. Así, la percepción de estas obras registra trampantojos volumétricos, profundidades, movimientos virtuales, vibraciones, ambigüedades, formas inestables y otros curiosos fenómenos ópticos. Uno de los astros de esta constelación fue Víctor Vasarely. Accedemos a este artista a través de dos monografías de Marcel Joray, editadas en Suiza en 1965 y 1971, respectivamente. En la primera apreciamos la obra Transparencia (1953) y en la segunda, de acuerdo a los datos registrados en el propio volumen, una imagen de la serie Folklore planétaire (Folklore planetario) [S], trabajo desarrollado entre 1955 y 1965.

De igual manera, la obra del artista venezolano Jesús Rafael Soto, afincado en París a partir de 1950, se encuadra dentro del arte óptico. Estructura cinética de elementos geométricos (1955) [p. 58], incluida en un estudio de Alfredo Boulton, nos invita a experimentar el efecto muaré superponiendo un acetato con una trama lineal a la imagen impresa en el libro. Sería imperdonable no incorporar en nuestro elenco un libro sobre el arte de la historieta. El honor ha recaído en The Spirit, 2008 (El Espíritu) [W], cuidadoso trabajo de Will Eisner, según versión del ingeniero de papel Bruce Foster. The Spirit, publicado por primera vez en 1940, narra la historia y aventuras de Denny Col, un joven y apuesto criminólogo que, en su lucha contra el crimen, fue dado por muerto y enterrado en un solitario cementerio. Una vez recuperado del coma que lo había llevado allí, este sagaz detective, oculto bajo el nombre de Spirit y camuflado por un antifaz, comenzó desde su secreta tumba-refugio un combate sin tregua contra los malhechores. La narración

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gráfica, heredera en gran medida del estilo de Milton Caniff e inspirada en el cine negro de Hollywood, resultó una portentosa e inagotable cornucopia de expresión gráfica. Con esta serie, Eisner, uno de los dibujantes más afamados del medio, consiguió colocar sus viñetas a la altura de otras artes, como las cinematográficas, vinculándolas al mismo clima visual destilado por directores como Orson Welles. Historietas similares a la comentada, junto a películas, revistas, anuncios publicitarios y diversos productos de consumo, nutrieron de imágenes al arte pop o arte popular. Este movimiento, surgido en Inglaterra a mediados de la década de 1950 y en Estados Unidos a finales de ella, utilizó todo tipo de materiales procedentes de los medios de comunicación. El arte pop, como era previsible, fue movimiento precursor y condicionante de las tendencias actuales. Un caso paradigmático de la geografía del pop es el de Roy Lichtenstein. En la parte superior izquierda de las páginas abiertas del volumen Neiman Marcus

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Pop-up Book, 2007 (Libro pop-up de Neiman Marcus) [p. 59] podemos rastrear una de sus imágenes. Se trata de Composition I (Composición I, 1996), serigrafía que representa un entrelazo de pentagramas musicales con notaciones, conviviendo con los colores planos, puntos y rayas recurrentes en el repertorio del artista. Pero el verdadero gurú del arte pop fue Andy Warhol. Este provocador e influyente artista está representado en la colección Ortega-Gutiérrez a través del libro Index Book (Libro índice) [p. 60], diseñado por el propio Warhol y editado en Nueva York en 1967. El ejemplar, una estupenda y valiosa obra de arte pop en sí mismo, presenta una cubierta plateada que recuerda la decoración de The Factory (La Fábrica), el estudio del artista en la ciudad de los rascacielos. Se encuentra abierto por las páginas en donde aparece un retrato de cabeza en blanco y negro, negativo y positivo, de una mujer, en contraste con la cilíndrica tridimensionalidad de un rojo bote de tomate. Este elemento, al igual que aconteció con los botes de sopa y otras mercancías, pasó a ser un icono representativo de la producción del artista y de todo el movimiento. Al mismo fabro del pop americano se dedica el tomo ¡Mira qué artista! Andy Warhol, 2009) [S], elaborado por la citada diseñadora Patricia Geis. En él podemos deleitarnos con una reinterpretación de Nubes plateadas y Papel de pared con cabezas de vaca, dos instalaciones montadas por Warhol en la galería neoyorquina Leo Castelli en 1966. Por una parte, Nubes plateadas era una especie de grupo escultórico en movimiento formado por doce grandes globos color plata —recreados en el antedicho libro por seis diminutos rectángulos colgantes de igual cromatismo—, que presentaba relaciones con la escultura cinética y el happening. Por otra parte, el papel con cabezas de vaca parodiaba la pintura tradicional y seguía el procedimiento, tan caro al artista, del impreso industrial seriado.

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David Hockney, artista inglés residente en Los Ángeles (California), es otro destacado autor del arte pop. El ejemplar The California Pop-Up Book, 2000 (El libro pop-up de California) [R] acoge en la parte superior y a doble página Mulholland Drive: The Road to the Studio (Mulholland Drive: la carretera hacia el estudio, 1980), una peculiar vista del lugar en donde se encuentra afincado el pintor. Comentaremos a continuación tres autores representativos de otras tantas generaciones del arte actual: Elizabeth Murray, Cai Guo-Qiang y Damien Hirst. Los tres, al hilo de sus recientes estrellatos, han recibido atención en sendas publicaciones pop-up. De la primera se presenta Popped Art. Elizabeth Murray, 2005 (Arte popped. Elizabeth Murray) [p. 61], un libro que nos introduce en el personal lenguaje artístico de esta mujer norteamericana, nacida en 1940. La pieza de papel que se exhibe, titulada Can you hear me? (¿Puedes oírme?, 1984) retoma la tridimensionalidad del original homónimo y recoge de éste la personal hibridez de acentos expresionistas y elementos pop que desprende el trabajo de esa autora. Del segundo, el artista chino Cai Guo-Quiang, nacido en 1957 y residente en Nueva York desde 1995, se ha escogido el fascículo del estuche Visionaire 55: Surprise, 2008 (Visionaire 55: Sorpresa) [p. 62], en donde aparece rehecha en papel la instalación, desmesuradamente enfática y sensacionalista, Head on (De frente, 1996), un salto y caída de una manada de lobos. Finalmente, del tercero, Damien Hirst, controvertido y adinerado artista británico nacido en 1965, se incorpora una especie de vademécum titulado I want to spend the rest of my life everywhere, with everyone, one to one, always, forever, now, 2005 (Quiero pasar el resto de mi vida donde sea, con todo el mundo, a solas, siempre, para siempre y ahora) [p. 63], diseñado por el propio Hirst acerca de su corpus, en donde se exhibe la rememoración gráfica de Judas Iscariot (Judas Iscariote, 1994), una de las polémicas piezas que forman la instalación XII disciples (XII discípulos), alusiva a un Apostolado católico, en la que

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una cabeza de animal, metida en una urna-expositor, materializa uno de los topos favoritos del artista: el memento mori («recuerda que has de morir»). Para concluir, es preciso señalar la comparecencia en este evento artístico-bibliográfico de un conjunto excepcional de publicaciones cuyos contenidos, más que estudiar, ilustrar o referenciar movimientos de la historia del arte, tienen la pretensión de funcionar como autónomos libros de artista. Algunos volúmenes comentados, como el Index Book, se encuentran, ciertamente, en un plano intermedio, pues tanto tienen de objeto artístico como de herramienta didáctica, al estar gestados por un artista, pero sin dejar de incluir reproducciones, modelos o simuladores de otras obras de arte. En este sentido pueden citarse, verbigracia, a Bruno Munari y su Libro illeggibile (Libro ilegible) [p. 46], ideado en 1949 y realizado bajo la influencia de la abstracción geométrica; a la creadora checa Kveta Pacovská y su bestiario expresionista [p. 41]; a la artista suiza Warja Lavater y su audaz uso del punto como elemento plástico-narrativo en Le Petit Chaperon Rouge, 1965 (Caperucita Roja) [R]; a David A. Carter, ilustrador que cursó sus estudios universitarios de bellas artes en Utah (EE. UU.), hoy estimado artista del arte tridimensional, con los cinco títulos Un punto rojo, El 2 azul (2006) [P], 600 puntos negros, Cuadrado amarillo, Ruido blanco, un soberbio ciclo que reúne, entre otras, numerosas evocaciones constructivistas, suprematistas, merz, surrealistas, espacialistas, cinéticas y ópticas; a la creadora nortemanericana Ann M. Kresge y su abstracción sígnica de sesgo primitivista, presente en su carpeta Shadow Play (Teatro de sombras), y tantos otros profesionales del ancho mundo reunidos en la muestra. En fin, gracias a esta actividad, Langreo, a través de su Pinacoteca, se convertirá durante un mes en un importante centro de bibliofilia y arte. Hay que recordar que el manejo de estos materiales implica una experiencia de sensibilización y conocimiento del arte contemporáneo muy fértil y provechosa. Y ello porque estos libros, generalmente en ediciones múltiples, no sólo se encuentran al alcance de muchas personas, sino que permiten además manipulaciones directas en las que intervienen, aparte de la vista, otros sentidos

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proscritos de ordinario en las instituciones educativas y culturales. La Pinacoteca Municipal de Langreo, a través de visitas comentadas, demostraciones y talleres, pondrá todo de su parte para facilitar la aproximación del público de todas las edades a estos tesoros de papel. No quiero poner punto y final a esta introducción sin agradecer a los propietarios de la colección sus muchas facilidades, desvelos e infinita paciencia para mostrar sus mejores joyas en nuestra ciudad, y sin invitar a las sensibles y curiosas parroquias artística y educativa a visitar esta nueva exposición en la Pinacoteca de Langreo, confiado de que la encontrarán tan gozosa como instructiva.

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La colección de libros móviles y desplegables Ana María Ortega y Álvaro Gutiérrez Álvaro Gutiérrez Baños Arquitecto y coleccionista de libros móviles, desplegables y abecedarios

El origen de esta colección se remonta al año 1987, cuando Ana María Ortega decidió «invertir» la totalidad de su primer sueldo como profesora de música en el Conservatorio de Palencia, comprando unos asombrosos libros editados por la National Geographic Society. En ellos, las ilustraciones se escapaban del formato convencional del libro, conquistando la tercera dimensión. Pronto me uní al entusiasmo bibliográfico de mi esposa y en la actualidad nuestra colección de libros con elementos móviles y desplegables alcanza ya los dos mil títulos. En 2002, fruto de una invitación institucional, realizamos nuestra primera exposición de los llamados libros pop-up, vocablo que dio título a aquella muestra. Entonces nos planteamos que para esa circunstancia no bastaba con enseñar en vitrinas unos cuantos libros con un enorme potencial plástico, sino que había que transmitir algo más a los visitantes. Nació así nuestra labor investigadora y empezamos a contar al público cómo evolucionaron, cómo funcionan y de qué tratan los libros móviles y desplegables. De esta forma, nuestra primera exposición se estructuró en tres apartados: 1) la historia de los libros desplegables; 2) sus técnicas; y 3) sus temáticas. Ese mismo planteamiento expositivo se conserva en la muestra que ahora presentamos en la Pinacoteca Municipal de Langreo Eduardo Úrculo, en la que el tercer apartado, de carácter temático, a sugerencia del especialista en arte Gabino Busto Hevia, se ha hecho monográfico para centrarse exclusivamente en el arte contemporáneo, estableciéndose así un estrecho vínculo de contenido con el tipo de Centro que acoge la exposición. En la sección primera, dedicada a la historia de los libros móviles y desplegables, recorremos 700 años a través de los nombres propios de los principales ingenieros de papel, como se denominan a los artífices de esta técnica bibliográfica, a medio camino entre la ingeniería y el arte. No es fácil fijar con exactitud una fecha de nacimiento de estos libros, pero la estadounidense Ann Montanaro —gran entusiasta, coleccionista y estudiosa de

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los libros pop-up— afirma que posiblemente el primer ejemplo que se conoce se lo debamos a Ramón Llull de Mallorca, quien en el siglo xiii, para ilustrar sus complejas teorías filosófico-teológicas, recurrió a ruletas de papel enganchadas en las páginas de sus escritos. En la biblioteca de El Escorial se conserva el Ars Magna, un manuscrito del siglo xvi que recoge la obra de este autor con sus elementos móviles. Es precisamente un facsímil de esta pieza el que abre, en la Pinacoteca Municipal de Langreo, el capítulo dedicado a la historia de los libros móviles y desplegables. Durante varios siglos, estos formatos bibliográficos tan poco convencionales se utilizaron en diversas disciplinas como la medicina o la navegación, y no fue hasta 1765 cuando alguien vio las posibilidades lúdicas de estas publicaciones. Ocurrió en Inglaterra y el artífice de estos juguetes de papel se llamaba Robert Sayer. Este creador ideó unos libritos con ilustraciones que se transformaban mediante solapas intercambiables. Los denominó Harlequinades en honor al personaje de la pantomima italiana que a menudo protagonizaba sus historias. A lo largo del siglo xix, la publicación de libros con troqueles, lengüetas y desplegables se fue generalizando, principalmente gracias a la editorial inglesa Dean & Son. A finales de ese siglo, los libros desplegables constituían toda una moda entre las clases sociales pudientes, destacando tres autores-artistas-editores que han forjado la que se conoce como la edad de oro de los libros móviles y desplegables: Raphael Tuck, Lothar Meggendorfer y Ernest Nister, los tres de origen alemán y todos ellos presentes en esta exposición con magníficas piezas cuyos mecanismos de papel han desafiado dignamente el paso del tiempo. Tras un paréntesis debido a los avatares de la Gran Guerra, en los años veinte del pasado siglo, los desplegables de papel volvieron a aparecer en los tomos editados en Londres por Louis Giraud. Éstos incluían complicados artificios ideados por Theodore Brown, quien también se dedicaba a la invención de juguetes ópticos. En la década siguiente, una editorial neoyorquina llamada Blue Ribbon realizó una aportación de mucho peso a esta pequeña historia de los libros con movimiento. En los volúmenes que editó con complejas arquitecturas de papel creadas por Harold Lentz, introdujo en el título la expresión pop-up. Este término onomatopéyico, cuya traducción literal al castellano significa «explosión hacia arriba», se acabó asumiendo con el paso del tiempo como la mejor forma de denominar a estos libros en la mayor parte de los idiomas, imponiéndose a otros nombres como libros desplegables, vivos, animados o tridimensionales. La Segunda Guerra Mundial no logró eclipsar del todo la producción de libros desplegables gracias a autores como Julian Wehr, quien llevó la alegría a millones de niños del mundo, incluidos los españoles, durante los difíciles años que siguieron asimismo a la Guerra Civil, a través de sus ilustraciones animadas por lengüetas.

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Hacia 1950, una mujer de nombre Geraldine Clyne se hizo hueco entre los autores de libros pop-up con sus ilustraciones tridimensionales. Éstas recreaban un idealizado «american way of life» en el que las auto-caravanas, el excursionismo y los electrodomésticos daban paso a una nueva y confortable sociedad. En la década de 1960, el liderazgo en la producción de libros desplegables se trasladó a la antigua Checoslovaquia, país donde el arquitecto e ilustrador Vojtech Kubasta realizó una prolífica labor para la editorial Artia. Este trabajo sirvió de inspiración a editores y artistas estadounidenses que en las últimas décadas del siglo xx alumbraron una segunda edad de oro de los libros pop-up, en la que, por derecho propio, brilla el nombre de Robert Sabuda, autor al que dedicamos la última parte de esta sección expositiva que recorre la historia de estos singulares libros. La galería derecha de la Pinacoteca de Langreo, según se entra, acoge el segundo capítulo de la exposición que hemos titulado «La técnica de los libros móviles y desplegables». En este espacio presentamos la variedad tipológica de estas ediciones, atendiendo a los mecanismos de papel que incorporan. En general podemos afirmar que son tres los posibles objetivos de todos estos dispositivos: efectos de movimiento, tridimensionalidad y transformación de imágenes. En esta parte de la muestra podemos conocer desde el más sencillo de los mecanismos, consistente en una simple solapa que se levanta para dejar a la vista una imagen hasta entonces oculta a los ojos del lector, hasta los complejos pop-ups propiamente dichos, entendiendo como tales las estructuras autoeréctiles de papel que se levantan al abrir las páginas, pasando por ilustraciones combinadas, encartes, troquelados, imágenes transformables por efectos de persiana, panoramas, ruletas, imágenes articuladas accionables por lengüetas, libros-túnel, teatrillos y carruseles. Para ilustrar todos estos formatos, se han escogido libros en los que el arte moderno, en sentido amplio, está presente, dando un carácter especial a esta exposición en adecuación y deferencia, como hemos dicho, al lugar en donde se presenta. Hablando de técnica no podemos evitar referirnos al particular proceso de fabricación de un libro móvil o desplegable, el cual pasa, necesariamente, por una fase manual. Una vez realizadas la impresión y el troquelado de manera mecánica, se procede a la etapa de ensamblado de las piezas, que sólo se puede realizar a mano. Esta circunstancia aporta a estas ediciones un especial carácter artístico, confiriéndoles el aura de piezas únicas, en virtud del toque final de cada ensamblador. En este sentido, queremos agradecer al Ayuntamiento de Langreo que haya sabido ver en esta exposición algo más que un puñado de libros infantiles y nos haya hecho un hueco en su programación para acoger nuestros tesoros entre los suyos.

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Los coleccionistas Ana María Ortega (izquierda) y Álvaro Gutiérrez (derecha), con el ingeniero de papel Robert Sabuda (centro). Chicago, 2006.

El tercer y último capítulo de la exposición, «El arte en los libros móviles y desplegables», que se ubica en la galería izquierda de la Pinacoteca langreana, como antes, según se entra, insiste de manera concreta en el arte contemporáneo y tiene un carácter monográfico, planteándose como un recorrido por los principales movimientos artísticos del siglo xx y sus antecedentes: impresionismo, neoimpresionismo, postimpresionismo, expresionismo, simbolismo, fauvismo, naíf, cubismo, abstracción, surrealismo, expresionismo abstracto, arte cinético, arte óptico, y arte pop, para acabar con las propuestas de algunos de los más famosos artistas actuales. De esta manera se rompe la idea estereotipada que se tiene a veces de los libros desplegables, generalmente asociados al mundo de los cuentos infantiles, y se pone el acento en el ámbito de la creación plástica, que en los últimos decenios ha descubierto el libro como un interesante soporte de expresión, especialmente a través de los llamados «libros de artista». Después de 24 exposiciones realizadas por toda España, Arte pop-up supone una novedad y una visión diferente de estos libros y de la propia exposición en sí, que pierde la polaridad «victoriana» que tuvo en otras muestras, para acercarse al apasionante mundo de las expresiones plásticas contemporáneas. Son precisamente estas novedades y el hecho de no repetir la misma exposición en diferentes ciudades, lo que mantiene muy vivos tanto nuestra

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colección, como nuestra pasión. Es así que una de las principales satisfacciones que hemos recibido de las actividades expositivas es el reto de enfrentarnos a nuestros libros con la idea de escoger cuál exponer y por qué página abrirlo, lo que nos lleva a disfrutar permanentemente de la biblioteca especializada que hemos formado. Aparte de lo dicho, una oportunidad como ésta supone también un pretexto para conseguir algunas piezas que no teníamos. Así, pensamos que en Langreo no podía faltar el Index Book, un tomo muy peculiar diseñado por Andy Warhol en 1967 basándose en algunas de sus obras. A pesar de su relativa actualidad, es un libro difícil de conseguir, pero la paciencia y el esfuerzo nos han permitido hacernos con un magnífico ejemplar, que estaba escondido en Nueva York, para que pueda ser disfrutado por primera vez entre el público de esta singular cuenca minera asturiana. Otra gracia recibida a través de nuestra colección acaeció en 2006, cuando un catálogo de una exposición que realizamos en Barcelona cruzó el océano y acabó en manos de un miembro de la Movable Book Society quien, fascinado por nuestros ejemplares y sobre todo por la manera de estructurar nuestras muestras, nos invitó a dar una conferencia en Chicago. Allí, tuvimos la oportunidad de conocer personalmente a algunos de los mejores artífices del arte bibliográfico tridimensional: Robert Sabuda, Matthew Reinhart, Bruce Foster y Andrew Baron, entre otros, así como a los hijos de históricos creadores como Vojtech Kubasta y Julian Wher. Con todos ellos mantenemos el contacto y hemos vuelto a coincidir en más ocasiones. Mucho más cerca, nuestros libros también nos han dado nuevos amigos: por ejemplo, en León, conocimos a Fernando Ferreras, el mejor ingeniero de papel español; y en Oviedo, la experiencia del coleccionismo entendido como una forma de vida nos aportó la amistad de José Antonio Quiroga, quien junto a su esposa Covadonga Monte, ha aunado la mejor colección de juguetes antiguos de España, y nos ha cedido el testigo para estar presentes estas Navidades en la Pinacoteca Municipal de Langreo Eduardo Úrculo. De todo ello se deduce que son muchas las cosas que el coleccionismo aporta a las personas, más allá de los meros valores materiales. Después de tantas exposiciones, aparte de agrandar nuestra lista de libros, aumentamos asimismo nuestro particular elenco de lugares conocidos y de amistades. A estas dos últimas listas se han unido respectivamente dos nuevos nombres que, como las buenas piezas, merecen un lugar de honor: Langreo y Gabino Busto Hevia, factótum de su Pinacoteca, que ya forman parte de nuestro más preciado patrimonio personal.

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Catálogo de piezas selectas

Las piezas catalogadas se agrupan en los siguientes apartados: 1. Historia de los libros móviles y desplegables [p. 28] 2. La técnica de los libros móviles y desplegables [p. 41] 3. Arte contemporáneo en los libros móviles y desplegables [p. 53]

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1. Historia de los libros móviles y desplegables

Harlequinade de Adán y Eva • Benjamin Sands (texto) • James Poupard (ilustraciones, ingeniería de papel) • Filadelfia • Philadelphia Dutch, 1788 Tras varios siglos de manufactura de libros móviles dedicados a disciplinas científicas como la astronomía o la medicina, los Harlequinades fueron las primeras publicaciones con imágenes desplegables concebidas únicamente a modo de entretenimiento. Su denominación procede de los inaugurales ejemplares publicados por el londinense Robert Sayer, que estaban protagonizados por Arlequín, el famoso personaje de la pantomima italiana. La valiosa pieza que mostramos aquí es una versión en alemán de la editada en 1787 en inglés.

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Los grabados, salidos de la mano del artista americano James Poupard, fueron realizados con las mismas matrices de madera que la versión original, y en este espécimen figuran iluminados a mano. Acompañando las ilustraciones tenemos unos versos en alemán, traducción de los originales en inglés, que retoman el texto de Benjamin Sands: The Beginning, Progress and End of Man (Origen, evolución y fin del hombre), publicado en Londres en 1650. Alternando las solapas vemos, entre otras metamorfosis, a Adán convertirse en Eva y a ésta en una sirena.

The Toilet • William Grimaldi (ilustraciones, ingeniería de papel) • Londres • Stacy Grimaldi, 1821 Las ilustraciones de este libro de pequeño formato fueron realizadas por el miniaturista y grabador inglés William Grimaldi, descendiente de la misma familia genovesa que los príncipes de Mónaco. Grimaldi realizó una serie de dibujos de carácter moralizante, en los que representaba los objetos de la coqueta o mueble tocador de su hija con una solapa superpuesta en cada ilustración. Esta solapa, al ser levantada, revelaba distintas virtudes atribuidas a la mujer. Así, por ejemplo, al destapar un estuche de colorete aparecía la palabra «modestia».

La hija del artista, Stacy, publicó estas ilustraciones acompañadas de sutiles poesías en 1821. Pocos años después de la primera edición de este libro, se editó uno similar titulado A suit of armour for touch (Armadura para palpar), que resaltaba simétricamente los valores morales masculinos, también escondidos bajo solapas, pero en ese caso dentro de las partes de una armadura.

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The Royal Punch & Judy as Played before the Queen at Windsor Castle & the Crystal Palace • Londres • Dean & Son, 1861 Hacia 1800, Thomas Dean fundó en Londres la primera editorial dedicada principalmente a la producción de los llamados toy-books (libros-juguete). En 1847 se unió a la firma su hijo George, que llegó a reclamar para la empresa familiar la invención de los libros móviles y desplegables. Entre otros formatos, cultivaron el que ellos mismos denominaban living pictures (dibujos vivos). En éstos, como acontece en el ejemplo que se presenta en esta exposición, al ser accionada una lengüeta, se producían distintos movimientos en Punch y Judy, los famosos personajes del teatro de guiñol inglés.

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Little Playmates at Work • Londres • Raphael Tuck & Sons, LTD, c. 1910 El alemán Raphael Tuck (1821-1900) se trasladó muy joven a Inglaterra, donde se dedicó inicialmente a la venta ambulante de muebles en Londres. En 1866 abrió un establecimiento dedicado al comercio de grabados y enmarcado de cuadros y láminas que, en su mayoría, venían impresas de Alemania.

En 1870 sus hijos se unieron al negocio familiar y lo ampliaron con la comercialización de lujosos artículos de papelería y libros infantiles, con figuras troqueladas y escenarios tridimensionales como el de este libro, protagonizado por unos atareados infantes. Aunque los libros de Tuck & Sons eran creados y montados en Londres, la impresión se hacía en Baviera donde, en esa época, la magnífica calidad alcanzada en la estampación de colores estaba aún por superar.

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Le Grand Cirque International • Lothar Meggendorfer (ilustraciones, ingeniería de papel) • París • Nouvelle Librairie de la Jeunesse, 1887

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A pesar de la resignada infancia que en su Munich natal le tocó vivir a Lothar Meggendorfer (1847-1925) —era el menor de los 25 hijos que su padre tuvo fruto de dos matrimonios—, adquirió una cómica visión de la vida que transmitió a sus ingeniosos libros móviles y desplegables.

Meggendorfer cultivó e inventó muchos tipos de mecanismos para libros, pero su obra maestra fue, sin lugar a dudas, el Circo internacional, un espectacular panorama tridimensional, que se despliega en seis escenas multicapa y en el que se agolpan más de 450 personajes. La publicación fue muy aplaudida entre las clases sociales altas y su comercialización se extendió por Alemania, Inglaterra, Francia, Bélgica, Italia, Hungría, Checoslovaquia, Rusia, Polonia y España. Sin embargo, son muy pocos los ejemplares que, como el que se presenta en esta exposición, han llegado hasta nuestros días en tan buen estado de conservación.

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The Land of Long Ago • E. Stuart Hardy (ilustraciones) • Ernest Nister (editor) • Londres • E. P. Dutton & Co, 1898 Este libro constituye uno de los pocos ejemplos editados por Ernest Nister (1842-1909), en cuyos créditos aparece el autor de las ilustraciones, de nombre Stuart Hardy, ya que en la mayoría de los casos sólo figura el editor. En 1888, Nister abrió en Londres una editorial para la producción de libros ilustrados de alta calidad, destinados a las clases pudientes del mercado alemán e inglés, y que posteriormente, a través de la firma Dutton, también pasaron a comercializarse en los Estados Unidos de América.

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En sus estudios de Baviera, Nister empleó a un equipo de ilustradores de talento que desarrolló un estilo propio de dibujos de niños con mejillas sonrojadas y regordetas, situados en bucólicos ambientes rurales, creando de esta manera un retrato tan poético como idealista de la familia victoriana. A estas encantadoras ilustraciones se unió el desarrollo de algunas novedades en las técnicas de papiroflexia. Este ejemplar recrea tridimensionalmente algunos de los cuentos clásicos más populares: La Bella Durmiente, Caperucita Roja, Cenicienta, La Bella y la Bestia, El gato con botas y La vieja que vivía en un zapato, este último mucho menos conocido en España, pero muy famoso en Gran Bretaña.

Bookano Stories, n.º 2 • Theodore Brown (ingeniería de papel) • Louis Giraud (editor) • Londres • Strand Publications, 1935 Tras el paréntesis que supuso la Gran Guerra en la producción de libros móviles y desplegables, el resurgir llegó a finales de los años 1920 de la mano del editor británico Louis Giraud (1879-1950). Este empresario, con la colaboración del inventor de juguetes ópticos Theodore Brown (1870-1938), publicó una serie de gruesos tomos, en cada uno de los cuales se insertaban al menos cinco de sus self erecting living models (maquetas vivas autoeréctiles), que estaban pensadas para poder ser observadas desde cualquier punto de vista, 360 grados alrededor del libro.

La gran aportación técnica a la historia de esta familia bibliográfica fueron varias novedades en la ingeniería de papel como el hecho de que la acción de algunas escenas se produjese al abrir el libro, sin necesidad de accionar lengüeta alguna. O como el increíble efecto óptico del ejemplar que presentamos, en el que mirando por un ventanal de esta villa puede verse el fantasmagórico efecto de una etérea hada flotando en el aire.

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The Pop-Up Pinocchio • Harold Lentz (ilustraciones, ingeniería de papel) • Nueva York • Blue Ribbon Books, INC, 1933 Harold B. Lentz trabajó entre 1932 y 1934 para la editorial Blue Ribbon, establecida en Chicago y Nueva York. Durante este período realizó las ilustraciones tridimensionales de diez libros. Este estupendo Pinocho es el segundo de ellos. En el título de estas publicaciones se empleó la expresión pop-up, un modismo de onomatopéyica dicción que, aunque no tiene una traducción exacta al castellano, puede trasladarse literalmente a dicha lengua como «explotar hacia arriba».

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Los derechos de varios de estos libros fueron adquiridos para España por la editorial Molino, que transformó la citada expresión anglosajona en «ilustración sorpresa». En Francia se acuñó el término hop-la! Sin embargo, en la actualidad, la forma pop-up ha terminado por imponerse a nivel internacional y se usa ya en casi todos los idiomas.

El niño de mazapán • Julian Wehr (ilustraciones, ingeniería de papel) • M.ª del Rosario Conde de Cela (traducción al castellano) • Barcelona • Ediciones del Zodíaco, 1947 El nombre original de Julian Wehr era August Wehrfritz (1898-1970), pero debido al generalizado sentimiento anti-alemán posterior a la Segunda Guerra Mundial, decidió cambiárselo por el de Julian Wehr. Entre 1942 y 1950 publicó más de 40 títulos de libros infantiles que, como éste, contenían ilustraciones animadas mediante lengüetas. Éstas accionaban un complejo sistema interno de mecanismos de papel.

La época que vio nacer este libro era ciertamente difícil debido a la escasez de medios que la guerra había provocado, pero las publicaciones de Wehr eran baratas y llevaron la alegría a muchos hogares con niños que no podían permitirse sofisticados juguetes. Tal fue su difusión que llegaron a venderse más de nueve millones de copias. Esto permitió a su autor vivir con holgura y retirarse a una granja, en donde se dedicó a su otra gran pasión, aparte de los cuentos infantiles, que era la talla del mármol. El cuento seleccionado, El niño de mazapán, no era excesivamente conocido en España hasta el estreno de las películas de la serie Shrek, pero sí se trata de un personaje muy popular en la cultura anglosajona.

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The Jolly Jump-Ups Vacation Trip • Geraldine Clyne (ilustraciones e ingeniería de papel) • Springfield • McLoughlin Bros., INC., 1942 Este ejemplar constituye uno de los diez títulos de la serie Jolly Jumps-Ups que Geraldine Clyne (1899-1979) realizó entre 1939 y 1954. Casada con Benjamin Klein, Goldie J. Klein —éste era su verdadero nombre que, al igual que Julian Wehr, cambió por recomendación de su editor—, fue la primera mujer en recibir los créditos como ilustradora de un libro pop-up. La ingeniería de papel de los libros de Clyne era sencilla, basada en un único pliego troquelado, al que se le aplicaban dobleces cóncavos y convexos para crear los efectos tridimensionales. El formato de todos sus volúmenes era apaisado, con el texto colocado en la parte inferior de forma paralela al canto del libro. Aunque patentaron la técnica, fueron muchos los imitadores que tuvieron.

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La temática de sus libros trataba de reflejar el estado de bienestar de la Norteamérica surgida tras la guerra, con un estilo de vida que se resumía en publicaciones del tipo Casa-jardín. Este ejemplar ensalza, de esta manera, la cultura de las vacaciones y el fenómeno de las auto-caravanas, que se extendió por los Estados Unidos de América a partir de los años cuarenta del pasado siglo.

Circus Life • V. Kubasta (ilustraciones, ingeniería de papel) • Londres • Westminster, 1960 Este espectacular volumen es una prueba evidente del manejo que el arquitecto checoslovaco Vojtech Kubasta (1814-1992) tenía del espacio. El libro cerrado apenas tiene dos milímetros de espesor pero, cuando conquista la tercera dimensión, lo hace de manera grandilocuente, creando altas y coloridas volumetrías. Kubasta nació en Viena, pero creció en Praga, ciudad en donde se estableció después de acabar sus estudios superiores, como ilustrador de mapas monumentales de la ciudad.

Tras llegar a sus manos un libro pop-up de Mickey Mouse, decidió orientar su profesión a la creación de este tipo de publicaciones, y comenzó a trabajar para la editorial Artia, con la que llegó a ejercer una prolífica actividad. Desde esa editora sacó a la luz cientos de títulos que han sido traducidos a 37 idiomas. La temática de sus obras fue muy diversa, pero destacan en ella tres series: sus álbumes de gran formato, como éste, dedicado al circo; la recreación tridimensional de casi todos los cuentos clásicos conocidos y la serie consagrada a Tip y Top, dos personajes inventados por el propio artista.

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Alice’s Adventures in Wonderland. Limited Edition • • • • •

Robert Sabuda (ingeniería de papel, ilustraciones) Lewis Carroll (texto) Edición limitada a 50 ejemplares numerados y firmados Nueva York Books of Wonder, 2003

Junto a su socio Matthew Reinhart, Robert Sabuda lidera en la actualidad desde su estudio de Manhattan el mercado mundial de los libros pop-up. Nacido en 1965 en Pinckney, un pueblecito del estado de Michigan, estudió arte en el Pratt Institute de Nueva York. Ha sido el ganador de la primera edición del Premio Meggendorfer, instaurado en 1998 para reconocer el mejor trabajo artístico en el campo de la ingeniería de papel. Para esta exposición hemos seleccionado, entro otros títulos, su Alicia en el País de las Maravillas, en el que versionó tridimensionalmente las ilustraciones de la

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primera edición original del libro de Lewis Carroll, realizadas por Sir John Tenniel. El volumen que se presenta en la Pinacoteca Municipal de Langreo corresponde a una reducida y selecta edición para coleccionistas, lanzada desde Books of Wonder, preciosa tiendecita de libros infantiles de la calle 18 de Nueva York. El ejemplar incluye, además de una litografía original, un pop-up en su cubierta entelada, elementos no disponibles en la edición ordinaria.

2. La técnica de los libros móviles y desplegables

Jamais Deux sans Trois • Kveta Pacovská (ilustraciones, ingeniería de papel) • París • Seuil Jeneusse, 1996 Aunque no muy populares en España, los alfabetos y libros de números son muy abundantes en la bibliografía anglosajona. Muy a menudo, su carácter pedagógico se ve menguado a favor de su voluntad artística. Ambos géneros, letras y números, forman parte de la obra de Kveta Pacovská, una octogenaria artista checa cuyas pinturas y esculturas pueden verse en numerosas galerías de arte y en muchos museos del mundo.

En los últimos años esta autora parece dedicada de pleno a la ilustración de libros. En 1992 ganó el Premio Hans Christian Andersen, conocido internacionalmente como el Nobel de la literatura infantil. En las ilustraciones de Pacovská, de marcado carácter contemporáneo, destacan las formas geométricas, la permanente presencia del color rojo y los guiños tridimensionales a base de texturas, ventanas y solapas que, como en el caso que nos ocupa, revelan una ilustración oculta. Arte pop-up

512 • Graham Oakley (ilustraciones) • Francia • Albin Michelle Jeunesse, 1989

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Partiendo de ilustraciones que podríamos reconocer como realistas y mediante la técnica metamórfica que combina unos dibujos con otros, Graham Oakley consigue cruzar el umbral de lo naturalista e introducirnos en el mundo del surrealismo. Consciente de ello, el autor nos lleva hacia ese movimiento pictórico con la presencia de los caballeros con bombín, tan recurridos en la obra del surrealista figurativo por antonomasia, René Magritte.

Este libro es una reedición francesa del que originalmente se publicó en la Inglaterra natal de Oakley en 1979 bajo el título de Magical Changes. El número 512 alude a la cantidad de imágenes diferentes que es posible crear mediante la mezcla de la parte superior e inferior de las ilustraciones originarias.

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Griffin & Sabine • Nick Bantock (texto, ilustraciones, ingeniería de papel) • San Francisco • Chronicle Books, 2001 Este tomo, publicado inicialmente en 1991, es el primero de la trilogía que el artista Nick Bantock dedica a la historia de amor epistolar entre Griffin Moss, un solitario diseñador de postales londinense, y Sabine Strohem, una ilustradora de sellos que vive en una isla del Sur del Pacífico. El planteamiento argumental del libro se inicia con una carta que Griffin recibe de la hasta entonces desconocida Sabine. A partir de ahí, se entabla una relación postal en la que Griffin va pasando de la superación de la infelicidad, a la duda sobre si Sabine existe o sólo es un fantasma creado por su imaginación.

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Para ilustrar toda esta extraordinaria correspondencia novelada, Nick Bantock hace una reproducción, a modo de facsímiles, de cada una de las misivas y postales que se envían los protagonistas de este curioso relato. Esta correspondencia está repleta de ilustraciones y collages, técnica en la que Bantock es un gran especialista.

Blue to Blue • Katsumi Komagata • Tokyo • One Stroke Co., 1994 Como les sucede a muchos autores de libros infantiles, el diseñador gráfico japonés Katsumi Komagata (1953) se inició en el mundo de la literatura infantil a raíz del nacimiento de su primera hija en 1990. Al igual que en la mayoría de sus trabajos, Blue to blue (Del azul al azul) cuenta una historia casi sin palabras y casi sin dibujos. El argumento de este libro se basa en el ciclo vital de los salmones. Las ilustraciones se crean a partir de las páginas troqueladas del libro, de las que surgen formas que, junto al color y la textura del papel, componen una trama narrativa que el lector recibe de manera multisensorial. Komagata constituye el paradigma del minimalismo japonés en el mundo editorial. Esta desintegración de las ilustraciones alcanza sus últimas consecuencias en los trabajos actuales del autor, especialmente orientados a niños invidentes. Arte pop-up

Libro illeggibile MN 1 • Bruno Munari (ingeniería de papel) • Mantova • Corraini, 2006 Bruno Munari (1907-1998) fue un artista italiano polifacético, que teorizó acerca de las artes plásticas y defendió que el arte no debe aparecer únicamente en los libros especializados, ni en los museos, sino también en la escuela y en todo lo cotidiano. A partir de 1949, Munari ideó los «libros ilegibles», entendidos como un ejercicio de teorización sobre la esencia de la lectura; un proceso que implica vista, oído, tacto, olfato, imaginación y lógica.

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Para hacer estos libros, Munari recurrió a diferentes tipos de papeles de distintos colores, que recortaba produciendo formas. Éstas se superponían, jugando también con los hilos de la encuadernación, que en ocasiones atravesaban las hojas o sobresalían de ellas. Este «libro ilegible» permite experimentar sobre qué es un libro y su valor como objeto. Al estar desprovisto de texto e imágenes, se ponen en consideración otros atributos que suelen pasar inadvertidos a la mayoría de los lectores, como por ejemplo, el tipo de papel empleado, el color de las tintas, la encuadernación y el resto de elementos con los que el libro se configura como materia.

The Pop-Up Book of M. C. Escher • • • • •

M. C. Escher (ilustraciones) John J. Strejan (ingeniería de papel) Michael S. Sachs (texto) Petaluma (California) Pomegranate, 1991

Los mundos imposibles del dibujante y matemático holandés Maurits Cornelis Escher (1898-1972) suponen, sin duda, un reto para la ingeniería de papel, ya que se trata de hacer tridimensional imágenes que, en su formato plano, se caracterizan precisamente por desafiar las leyes de la perspectiva. Dentro del capítulo que en esta exposición dedicamos a las distintas técnicas de los libros móviles y desplegables, encontramos en este volumen un buen ejemplo de imagen transformable mediante la técnica de las persianas venecianas. En él, una lengüeta acciona un mecanismo de disolución de una ilustración en otra.

El dibujo original de estas Manos dibujándose presente en el libro The Pop-Up Book of M. C. Escher (El libro pop-up de M.C. Escher), muestra sólo una de las extremidades. Una vez realizada la acción de estirar la lengüeta, unas lamas de papel se deslizan sobre otras, para obtener la versión ideada por Escher.

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Trail • David Pelham (ingeniería de papel y texto) • Nueva York • Little Simon, 2007 Son varios los ingenieros de papel que en los últimos años han orientado su obra hacia aspectos más puramente artísticos que narrativos. Por ejemplo, David A. Carter en su serie iniciada con Un punto Rojo, Ron van der Meer con Cuenta cuantos y también David Pelham (1938), un artista inglés que ya en ocasiones anteriores nos había divertido con libros de marcado carácter infantil. En esta obra de su autoría se deja seducir por la poética belleza del papel en un viaje por un camino púrpura y una naturaleza incolora, donde los textos se esconden en ruletas que el lector tiene que accionar en cada página. El final del libro nos revela que el camino que hemos seguido ha sido trazado por el rastro de un solitario caracol y una sorpresa final nos permite atisbar el color como fugaz reflejo en un lago.

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Ruckus Rodeo • • • •

Red Grooms (ilustraciones) Barbara Haskell (texto) Nueva York Abrams, 1988

Red Grooms (1937) es un artista pop estadounidense cuya obra forma parte de las colecciones de algunos de los mejores museos de su país, como el Art Institute de Chicago, el MoMA, el Metropolitan y el Whitney Museum of American Art, éstos tres últimos ubicados en Nueva York. Su estilo característico son los denominados «esculto-pictoramas», mezcla de instalación y pintura que a menudo describen frenéticas escenas de la vida urbana contemporánea. Sin embargo, en Ruckus Rodeo, Grooms se aleja de la gran ciudad para sumergirnos en la cultura popular de la América profunda. Esta instalación fue presentada en 1976 en el Museo de Arte Moderno de Fort Worth.

En este libro, Ruckus Rodeo aparece recreado en papel, utilizando como soporte una estructura de papiroflexia basada en uno de los libros tridimensionales más famosos de la historia: el Circo internacional de Lothar Meggendorfer, publicado en 1887 y, como hemos visto, también presente en esta exposición.

Arte pop-up

A Sunday on La Grande Jatte Tunnel Book • Joan Sommers (ilustraciones e ingeniería de papel) • Chicago • The Art Institute of Chicago, 2006 Joan Sommers es una artista afincada en Chicago, creadora de varios productos editoriales (a veces resulta difícil llamarlos libros) que nos acercan, desde una perspectiva diferente, a otros artistas consagrados del arte contemporáneo. En este caso se trata del pintor neo-impresionista Georges Seurat y su famosa obra Tarde de domingo en La Grande Jatte, pintada entre 1884 y 1886 con la técnica del puntillismo, que él mismo inventó y desarrolló. Joan Sommers descompuso este cuadro, probablemente el más famoso que puede verse en el Art Institute de Chicago, en cinco planos paralelos y los dispuso en un mecanismo de estiramiento similar al del acordeón para crear el efecto de profundidad. La artista se ha preocupado de eliminar, en cada bastidor de este juego teatral, las figuras que ha dejado en la capa precedente y así evitar la repetición de éstas. Aunque el libro está construido partiendo de fotografías del cuadro, fue necesario cubrir partes del mismo con unas texturas que igualen la técnica puntillista del célebre pintor francés.

Hospedería Botticelli • Jan Pienkowski (ilustraciones, ingeniería de papel) • Barcelona • Montena, 1996 Seguramente uno de los libros más divertidos de esta exposición lo constituye este irreverente carrusel, titulado originalmente Botticelli’s Bed and Breakfast, en el que podemos ver con sentido del humor a la Venus de Botticelli en la ducha, al David de Miguel Ángel lavándose los dientes, a la madre de Whistler viendo la tele… y así hasta 56 obras de arte universales repartidas por esta alocada vivienda.

Pinacoteca Municipal de Langreo Eduardo Úrculo

No hay rincón de la casa donde no obtengamos una referencia artística: toallas de Mondrian en el baño, vestidos de Las Meninas en el armario, un periódico de Braque reparando un cristal… ¡hasta en el retrete nos encontramos con los nenúfares de Monet! Un librito de visitas incluye jocosos comentarios de algunos huéspedes agradecidos, como Leonardo da Vinci: «Mi última cena fue memorable»; o Jerónimo Bosco: «El jardín es una delicia».

Su creador, Jan Pienkowski (Varsovia, 1936) es toda una autoridad en el mundo de la literatura infantil. Ha ganado dos veces la prestigiosa medalla Kate Greenaway al mejor libro ilustrado y es el autor de La casa embrujada (también publicado por Montena en 1979), que con más de cuatro millones de copias es el libro pop-up más vendido de toda la historia.

Arte pop-up

One Red Dot. Limited Edition • David A. Carter (ingeniería de papel) • Nueva York • Little Simon, 2005 Edición especial para coleccionistas, limitada a 100 ejemplares numerados y firmados, One red dot (Un punto rojo), de David A. Carter, inició la saga que se cierra con Ruido blanco, de reciente publicación en España. Entre ambos títulos, inicial y final, hemos podido disfrutar de El 2 azul, 600 puntos negros y El cuadrado amarillo. En todos ellos, David A. Carter experimenta con el color y las estructuras de papel desde su concepción más abstracta. Los cinco volúmenes persiguen un planteamiento lúdico para que el lectorespectador interactúe entre las esculturas cinéticas de Carter y localice dónde se ha escondido un punto rojo, el número 2 azul, cuente hasta llegar a 600 puntos negros, descubra dónde se oculta un cuadrado amarillo o nos sorprenda con el sonido sin necesidad de valerse de sistemas electrónicos.

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Artistas como Alexander Calder o Joan Miró vienen a la memoria de todo lector instruido que se enfrente a las esculturas de papel de quien es uno de los creadores de pop-ups más prolíficos y notables de los últimos años. Solamente los dos primeros títulos de la serie han sido editados en un formato limitado con suntuosas cubiertas enteladas que incluyen un desplegable, particularidades no presentes en la edición normal.

3. El arte contemporáneo en los libros móviles y desplegables

A Walk in Monet’s Garden • Francesca Crespi (ilustraciones, ingeniería de papel) • Londres • Frances Lincoln, 1995 Francesca Crespi es una ilustradora de libros italiana que se ha dejado seducir en varias ocasiones por los formatos tridimensionales. Su admiración por el pintor impresionista Monet la condujo a la edición de este panorama desplegable de la villa de Giverny, en Normandía (Francia), donde ese artista vivió desde 1890 hasta su fallecimiento en 1926.

El desplegable diseñado por Crespi está constituido por nueve cuadrados que, al ser desdoblados, componen un panorama con seis piezas formando los jardines y tres paneles verticales donde se sitúan las edificaciones y el horizonte. Se recrean así los apacibles jardines en los que el pintor francés, encarnado también en una figurita troquelada, observando las sombras y luces atrapadas en los árboles o los reflejos de las lagunas pobladas de nenúfares, experimentó pictóricamente para conseguir la captación de esos momentos inmateriales en sus lienzos.

Arte pop-up

The Maxfield Parrish Pop-Up Book • • • •

Jill L. Anderson (texto) John J. Strejan (ingeniería de papel) Rohnert Park (California) Pomegranate, 1994

Maxfield Parrish (1870-1996) fue un pintor simbolista cuya estética nos recuerda al movimiento pre-rafaelista. A partir de algunos cuadros de este pintor, el libro hace una recreación en formatos móviles y tridimensionales que gustaron a muchos lectores, pero no a los herederos del artista, quienes denunciaron a la editorial por no poseer los derechos de reproducción de dichas pinturas. Por este motivo, la edición fue retirada de las librerías, no sin que antes un número indeterminado de ejemplares se colase en algunas bibliotecas privadas.

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Das Berlin-Paket • • • • •

Michael Lewitscharoff (texto) Anja Dau (ilustraciones) Stefan John, Uwe Leetsch (ingeniería de papel) Nueva York Ars Edition, 2006

Con un formato bibliográfico similar al empleado por el ingeniero de papel Ron Van der Meer en su lograda Carpeta de Arte, se presenta esta Carpeta de Berlín que contiene distintos aspectos de una de las ciudades más cambiantes de los últimos años.

En la doble página seleccionada para esta exposición disfrutamos de una maqueta desplegable de la Puerta de Brandeburgo, junto a un juego de solapas que forma un librito con diversas pinturas del citado monumento, deteniéndonos en la versión del pintor expresionista alemán Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938). El lienzo de Kirchner, pintado en 1915, evidencia algunos de los rasgos característicos del expresionismo alemán: la utilización de colores subjetivos, chillones y antinaturales, los escorzos imposibles y los gruesos y expresivos trazos remarcando los contornos.

Arte pop-up

Van Gogh’s House • • • •

Bob Hersey (ingeniería de papel) John Leigthon (texto) Nueva York Universe, 1998

En febrero de 1888, Vincent Van Gogh llegó a la localidad francesa de Arles, donde alquiló unas habitaciones. Éstas ocupaban la primera planta, encima de un restaurante perteneciente a un edificio que también sería inmortalizado por el pintor y al que se refería como «La casa amarilla», debido al color de sus fachadas. Este pequeño libro-carrusel, publicado en colaboración con el Museo Van Gogh de Amsterdam y la Galería Nacional de Londres, representa la citada casa con cuatro dependencias inspiradas en la obra del artista holandés. Especialmente reconocible es la correspondiente a la alcoba, con su cama cubierta por una colcha roja, que pintó ese mismo año. Además, los cuadros, los paisajes que se ven por las ventanas y hasta los personajes que se incluyen, están extraídos de pinturas suyas realizadas en esa época.

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Seis figuritas troqueladas representan al propio Vincent, a su amigo Gauguin, al matrimonio formado por el cartero Joseph Roulin y su esposa Agustine, al doctor Gachet y a su hija Marguerite. En la casa podemos ver asimismo los girasoles que Van Gogh pintó para adornar la habitación donde dormía Gauguin y los lirios, que alcanzaron el récord de precio en una subasta celebrada hace algunos años y que, en vida del propio Vincent, fue uno más de los cuadros que nunca logró vender.

Braque. Femme a la guitare • Catherine Prats-Okuyama (texto e ingeniería de papel) • París • Centre Georges Pompidou, 1987 «A braque adabra»: con este mágico juego de palabras vamos descubriendo los distintos elementos que configuran la obra Mujer guitarrista, pintada por Braque, uno de los maestros del cubismo, en 1913. La primera solapa nos descubre el rostro de la mujer. En la segunda aparece la guitarra. A continuación, el libro sigue explorando, mediante hojas traslúcidas superpuestas, otros elementos del cuadro, como las líneas verticales y horizontales, las inclinadas, las curvas y los textos. Toda esta disección de la obra permite entender un poco mejor el cubismo analítico, tendencia en la que se encuentra inscrita la pieza.

El libro fue editado por el Centro Georges Pompidou de París dentro de una colección titulada El Arte en juego, que analiza algunas de las obras maestras de los principales pintores y escultores del siglo xx. En esta exposición hemos seleccionado otros títulos de esa misma colección dedicados a artistas como Picasso, Matisse, Arp, Kandinsky y Chagall.

Arte pop-up

Soto • Alfredo Boulton (texto) • Caracas • Ernesto Armitano, 1973 La obra de Jesús Rafael Soto (1923-2005) se encuentra repartida por museos, aeropuertos, vestíbulos de edificios públicos y espacios urbanos de ciudades de todo el mundo. Su lúdica concepción del arte aprovecha nuestras limitaciones visuales para crear juegos donde las interferencias de tramas producen el denominado «efecto muaré». En un libro que recoge la obra de este autor, adscrito a los movimientos artísticos denominados arte cinético y arte óptico, no se podía dejar pasar la oportunidad de provocar un símil con sus creaciones, mediante la superposición de tramas que, impresas sobre acetato, recrean las mismas sensaciones que las piezas del artista en las que el movimiento, muy a menudo, sólo se da en el cerebro del espectador.

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Las raíces de Soto se asientan en su Venezuela natal, un país donde la naturaleza se desborda en exuberantes selvas e innumerables cascadas que, de alguna manera, destilan su esencia en la obra del creador. La composición mostrada en la fotografía se titula Estructura cinética de elementos geométricos y fue realizada en 1955.

Neiman Marcus Pop-Up Book • • • •

Ann Richardson (diseño del libro) Kees Moerbeek (ingeniería de papel) Dallas Melcher Media, 2007

Neiman Marcus es una lujosa cadena estadounidense de grandes almacenes. Se fundó en Dallas en 1907 y para conmemorar su centenario se editó este tomo de gran formato que reproduce, con la ayuda del ingeniero de papel Kees Moerbeek, algunos de los bienes propiedad de esa prestigiosa firma, entre los que se encuentra su colección de arte moderno con obras de Picasso, Calder, Vasarely o Roy Lichtenstein, artista a quien destacamos en la página mostrada. Su autor, Kees Moerbeek, firmó numerosos libros pop-up infantiles y creó algunas arquitecturas de papel innovadoras. Su arco temático como ingeniero de papel abarca también libros fuera del ámbito infantil, con títulos dedicados a Alfred Hitchcock o a Stephen King, entre otros.

Arte pop-up

Andy Warhol’s Index (Book) • • • • •

Andy Warhol (diseño del libro) Stephen Shore, Paul Morrisey, Ondine y Nico (colaboradores) Billy Name, Nat Finkelstein (fotografías) Nueva York Random House, 1967

El primer libro de Andy Warhol (1928-1987) fue publicado en pleno auge de The Factory, el estudio que el artista abrió en Nueva York y que funcionó como punto de encuentro de la vanguardia de la ciudad y del movimiento underground. Con múltiples fotografías del propio Warhol y de su grupo de amigos, el libro se presenta como un «Índice» de esa época triunfal de su vida, en la que ya se había convertido en un gurú de la modernidad. En esta cuidada edición, de tapa dura, con una brillante cubierta impresa sobre plástico de efectos holográficos, nos vamos encontrando, a través de sus páginas, con fotografías, entrevistas y sorpresas visuales que dan tridimensionalidad a algunos 60

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de los iconos comerciales del siglo xx que Warhol elevó a la categoría de obras de arte. Al igual que su polémica vida, el libro es también un compendio de bromas: un castillo tridimensional asediado en cuyas ventanas se ven obras de Warhol; una especie de acordeón que suena al abrir la página; la nariz del artista con solapas, que se convierte en el arco iris; un bote de salsa de tomate que se eleva sobre las páginas del libro —como podemos apreciar en la fotografía seleccionada—; un disco de Lou Reed; las Chelsea Girls vibrando en un muelle; etcétera, y al final, un globo insertado que, en prácticamente todas las unidades existentes del volumen, el paso del tiempo fundió y pegó entre dos hojas, impidiendo que sea visto hoy en día. Bienvenidos al Arte Pop.

Popped Art. Elisabeth Murray • • • •

Elisabeth Murray (ilustraciones) Bruce Foster (ingeniería de papel) Nueva York MoMA, 2005

Elisabeth Murray es una de las artistas más reconocidas del actual panorama creativo internacional y una de las pocas personas que ha conseguido en vida que se le dedique una exposición monográfica en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) muestra que, por cierto, cruzaría después el océano para ser presentada en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) por primera vez en Europa. El también artista e ingeniero de papel Bruce Foster fue compañero de estudios de Murray y ambos se reencontraron en el presente trabajo, que da relieve a varias pinturas de la artista. La operación se estima especialmente oportuna teniendo en cuenta que los originales de Elisabeth Murray presentan también ese mismo atributo dimensional realizado con madera.

Arte pop-up

Visionaire 55: Surprise • Steven Meisel, Mario Testino, Steven Klein, Sophie Calle, Andreas Gursky, Cai Guo-Qiang, Guido Mocafico, Solve Sundsbo, Yayoi Kusama, Gareth Pugh y Alasdair McLellan (fotografías y arte) • Bruce Foster (ingeniería de papel) • Edición limitada a 4.000 ejemplares • Nueva York • Visionaire Publishing, 2008 En los créditos de esta elaborada pieza aparece un agradecimiento a los artistas pop-up que han inspirado la edición, citándose explícitamente los nombres de Lothar Meggendorfer, Ernest Nister, Louis Giraud, Harold Lentz, Vojtech Kubasta, Robert Sabuda, Matthew Reinhart y David A. Carter, todos ellos presentes en la exposición de la Pinacoteca langreana. Visionaire es una empresa que desde su inicio en 1991 edita tres títulos al año de sus revistas, libros y objetos relacionados con la moda y el arte contemporáneo, para consumo de las clases medias y altas. Su singularidad radica en que no tiene un formato único y que, en cada número, se reinventa a sí misma.

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En el ejemplar que presentamos, la obra de diez artistas ha sido recreada en diversos formatos pop-up por el ingeniero de papel Bruce Foster, nombrado más arriba a raíz del libro dedicado a Murray. En la fotografía vemos el fascículo reservado al artista chino Cai Guo-Qiang, con la manada de lobos que el pasado año visitó el Museo Guggenheim de Bilbao.

I want to spend the rest of my life everywhere, with everyone, one to one, always, forever, now • • • •

Damien Hirst (texto, arte) Herman Lelie (ingeniería de papel) Londres Other Criteria, 2005

Algunas de las constantes de la obra de Damien Hirts (1965), controvertido creador británico que ostenta el récord de ser el artista vivo con la obra mejor pagada, se presentan a lo largo de este libro en cuyo diseño intervino el propio artífice. Una ojeada rápida al ejemplar haría pensar a muchos que se trata de un volumen científico, pero los objetos de laboratorio, los animales en cloroformo y las disecciones están al servicio del arte provocativo de este peculiar autor, cuya firma figura dispuesta en un logotipo que recuerda al de un conocido laboratorio farmacéutico.

Las páginas de este grueso volumen esconden recreaciones de obras e instalaciones de Hirst, presentadas con variadas técnicas de ingeniería de papel: imágenes transformables con lengüetas, troquelados, ruletas, pop-ups, etc. En este inusual catálogo de su producción no podían faltar algunas de las piezas más conocidas y polémicas del autor como son sus tiburones, ovejas y vacas disecados o cortados, así como otros trabajos que nos remiten al tema central de sus creaciones: la muerte.

Arte pop-up

Arte pop-up. Libros de arte m贸viles y desplegables, se termin贸 de imprimir el d铆a 20 de diciembre de 2010

C/ La Unión, 31 33900 Langreo Tel./ fax: 984 182 858 pinacoteca@ayto-langreo.es www.langreo.es

Arte pop-up Libros de arte móviles y desplegables Colección de Ana M.ª Ortega y Álvaro Gutiérrez

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Ediciones de la Pinacoteca Municipal de Langreo Eduardo Úrculo

Libros de arte móviles y desplegables

Publicaciones didácticas

Colección de Ana M.ª Ortega y Álvaro Gutiérrez

Pinacoteca Municipal de Langreo Eduardo Úrculo 22 diciembre 2010 - 22 enero 2011