Patriotismo visual de Gabriel Figueroa en el Museo de Arte de Zapopan “Estoy seguro de que si algún mérito tengo, es saber servirme de mis ojos, que conducen a las cámaras en la tarea de aprisionar no sólo los colores, las luces y las sombras, sino el movimiento que es la vida.” Gabriel Figueroa, 1971
Hablar del cinefotógrafo mexicano Gabriel Figueroa es rememorar una trayectoria vigente en luminosidad, oscuridad, horizontes y patriotismo. El repaso crítico de la realidad nacional visto desde el lente de éste retratista capitalino abarca más de medio siglo en la historia de la cinematografía mexicana. Figueroa nos brinda la posibilidad de reflexionar sobre el cine como obra colectiva, esfera urbana y expresión universal. Gabriel Figueroa fue oriundo de la Ciudad de México, nació en el año de 1907 y falleció en 1997. Sus primeras intervenciones en el cine datan de labores como stillman (fotógrafo de tomas fijas) en cintas nacionalistas como “Revolución” de Miguel Contreras. El reconocimiento de ésta tarea fue de índole internacional, al ser contratado, un año más tarde, como uno de los 20 camarógrafos que participaron en la producción de Howard Hawks, Viva Villa! Tras algunas participaciones como iluminador, el afamado director de fotografía de la película Citizen Kane, Gregg Toland, vio en Gabriel Figueroa un ferviente discípulo en tareas enfocadas a la dramatización de la luz, el empleo de la profundidad de campo, la aplicación creativa de la óptica y una avanzada composición. Figueroa fue el encargado de la estructura visual, el manejo del encuadre y estética en claroscuros de un total de 211 filmes, obteniendo múltiples galardones. Conjuntamente a las películas que realizó a lado de Emilio "El Indio" Fernández, dos de sus compromisos más notables fueron "Los Olvidados" en 1950, de Luis Buñuel, y "La Noche de la Iguana" en 1964, del director estadounidense John Huston, cinta que le valió una nominación al Premio Óscar por mejor fotografía. Finalmente, en 1971, fue condecorado con el Premio Nacional de Bellas Artes. Su multifacética labor emblemática fue definitiva en la cimentación de un panorama visual sobre el cual, hasta la fecha y por muchos años más, se expondrán los imaginarios de un México postrevolucionario. Desde el 15 de marzo y hasta el 15 de junio del presente año, El Museo de Arte de Zapopan (MAZ), junto con el Festival Internacional de Cine en Guadalajara, Fundación Televisa, el municipio de
Zapopan y Cultura U de G, colaboran en una exposición llamada “Gabriel Figueroa, Cinefotógrafo” que alberga 350 obras del fallecido retratista, a través de 17 núcleos temáticos comunicados entre sí. Además, MAZ Cine invita al público a un ciclo cinematográfico de Gabriel Figueroa. Las proyecciones se están llevando a cabo en un horario especial (6 pm.) los martes en el Auditorio Juan José Arreola del MAZ, y el acceso es totalmente gratuito, mientras que los sábados las funciones inician a las 12:00 horas, contando con el boleto del Museo. El Museo de Arte de Zapopan (MAZ) se encuentra ubicado en Andador 20 de Noviembre #166 en el centro histórico de ese municipio y abre sus puertas de martes a domingo de 10 am. a 6 pm.
LCC. Alejandro Oliveros Acosta http://blogs.iteso.mx/comunicacion/ 14.05.2010
Pete Rock’s ¡Sal Del Garage! Concurso de Bandas en Guadalajara en Aloha Bar ¿Qué hace diferente a tu propuesta musical de las demás promesas? Ésta es la primera pregunta que todo aspirante a ésta convocatoria tiene que hacerse por ley. PETE ROCK’S es un concurso que tal vez se perciba como uno más del montón en la ciudad, pero la característica especial de este evento es la firme intención de apoyar a las bandas que van empezando desde abajo. ¡SAL DEL GARAGE! es el eslogan de ésta convocatoria y el banderazo al primer paso de interacción de bandas “desconocidas” con los medios de comunicación y celebridades del género, y lo más importante, invitar al participante a ahondar en la autoexploración y explotar la originalidad con el fin de profesionalizar sus habilidades en la escena musical. PETE ROCK’S ofrecerá apoyo a sus participantes con grabaciones de estudio profesional, caso contrario a otros concursos en donde comúnmente se ofrecen grabaciones caseras y promesas extraordinarias que rayan en la fantasía comercial. Además se celebrarán convivencias, semana a semana a lo largo de un mes, con bandas de rock consolidadas y medios de comunicación de la ciudad. La primera eliminatoria será el sábado 26 de junio de 2010, siguiendo cada sábado por semana hasta finalizar con el gran cierre el día 24 de julio. Todas las eliminatorias comenzarán a las 5 de la tarde y culminarán a las 10 de la noche. Los premios consistirán en: Primer Lugar: 3 Días de Grabación, 24 Horas de Estudio. Segundo Lugar: 2 Días de Grabación, 16 Horas de Estudio. Tercer Lugar: 1 Día de Grabación, 8 Horas de Estudio. Podrán participar todas aquellas bandas que estén enfocadas al género rock en todas sus dimensiones, sin importar la edad de los integrantes, ni género sexual de estos. Tendrán que participar con 2 canciones totalmente originales y un cover libre, teniendo sumo cuidado en los puntos creativos y disciplinarios a calificar: Presencia Escénica. Desenvolvimiento Escénico. Letra. Composición Musical. Técnica. Métrica. Originalidad. De las bandas participantes en las 4 eliminatorias, surgirá el quinto, sexto, séptimo y octavo lugar, los cuales conseguirán un tema a grabar por cada grupo, al mismo tiempo que se realizará un
copilado de las mejores 8 bandas que hayan participado. El material se hará llegar a cada agrupación una vez terminado el tiempo de grabación de las 8 bandas. Al final, cada banda será acreedora a un diploma por su participación dentro del primer concurso de rock PETE ROCK’S. La inscripción tiene un costo de $1600.00 pesos por banda, cantidad que se podrá recuperar en base a ventas de boletaje, tarea que se manejará de la siguiente manera: Se entregarán 40 boletos a cada agrupación con un costo de $40.00 pesos cada uno; el dinero de la inscripción se tendrá que solventar máximo con una semana de anticipación, el boletaje será para que las bandas puedan recuperar dicha cantidad. Se permitirá liquidar la venta de boletos el día de su presentación en el exterior de las instalaciones donde se realizará el concurso, sin embargo, sí se tendrá que aportar el dinero con una semana de anterioridad, cantidad que será destinada para costear la renta del lugar, el tiempo de estudio, la renta del equipo y la publicidad. Básicamente, PETE ROCKS’ busca apoyar la originalidad de las bandas nuevas que están luchando por abrirse puertas con sus propios temas. La gente admira lo original, porque al serlo se está manifestando la credibilidad en uno mismo, en la forma de asumir los retos, se afirma la posibilidad de cambiar un orden determinado a voluntad. Se deja claro que no se necesita imitar ya que existe la capacidad de construcción de un producto propio. Nosotros ofrecemos a los aspirantes la explanación de ésta alternativa, con el plus de que nuestro jurado contará con destacados integrantes de los medios de comunicación y el ámbito de la música rock, comprometidos al 100% con el apoyo a las nuevas propuestas. PETE ROCK’S se realizará todos los sábados entre el 26 de junio y el 24 de julio de 2010 en Aloha Bar, ubicado en Periférico Sur #75, entre Av. López Mateos y el ITESO. Inscripciones y más informes: René Moisés Guillén Rodríguez Cel. 044 331 247 5506 nenemoy@hotmail.com
LCC. Alejandro Oliveros Acosta http://blogs.iteso.mx/comunicacion/ 14.05.2010
Le Tigre, resistencia electro-punk-feminista en Guadalajara Uno de mis temas favoritos del Indie Rock, “New Kicks”, no sólo es una interesante pieza musical construida con las voces auténticas de protesta mediante riffs de guitarra e irregulares ritmos de tambor, también es un lustroso ejercicio de protesta radical, un homenaje a la resistencia, y por consiguiente, un reflejo de la profunda convicción que Le Tigre muestra ante las demandas artísticas, políticas y los múltiples intereses que intervienen en los medios de comunicación ante las constantes construcciones ficticias de la realidad social. El concepto de proceso democrático también se describe cómo el desempeño laboral en conjunto, situación que hace tan difícil el atribuir papeles fijos a los miembros individuales de ésta agrupación. Cada pista es el trabajo en equipo. Los discos van y vienen, pero cuando se consuma la creatividad en ritmos, teclados, guitarras y voces, no hace falta más que 3 álbumes concisos para criticar el sistema económicopolítico-social occidental: Le Tigre (1999), Feminist Sweepstakes (2001) y This Island (2004). Éste último álbum estampó erróneamente en Le Tigre el adjetivo de feminista en el mal sentido de la palabra, sólo por tratarse de 3 mujeres al frente del concepto creativo, hecho que algunos sectores de crítica refieren como música de protesta minoritaria a partir de insulsas letras de mujeres izquierdistas e inadaptadas. Pero esto solo demuestra el desconocimiento de la banda por parte de éstas fracciones de críticos al ignorar que Le Tigre está complementado por DJ’S de sexo masculino, cuyo resultado de esa estrecha colaboración es un sonido híbrido de gran atractivo que se hace llamar "música punk-electrónica feminista". Le Tigre ahonda en la ideología de un progresismo necesario y la indagación de la igualdad social a través de los derechos de la gente, frente a acaparamientos privados y a un enfoque tradicional de la sociedad, personificados por la clásica derecha. En general, la ideología de ésta banda tiende a promover una sociedad intercultural, laica, liberal e igualitaria, a través de historias terribles que rayan en la ficción, pero que no dejan de ser parte de la esfera social. Toda ésta tendencia de Garage Rock Conceptual en sus letras está acompañada de un sinfín de mezclas y descargas de cajas de ritmos, sintetizadores, zumbidos y loops de guitarra que provocan que el mensaje se haga vigente en sus receptores a través de múltiples sensaciones corporales. Es muy notoria la intención de Le Tigre en recabar mayor influencia en la cultura general, ya que cada miembro de la banda también participa en otros proyectos y mantiene estrechos vínculos con la superposición, el arte feminista y la escena musical: Kathleen Hanna, pionera del movimiento
Grunge noventero Riot Grrrl con Bikini Kill, JD Samson, fundadora de grupos de perfomances artísticos y Johanna Fateman, editora de una revista de contra-cultura y miembro de colectivos artísticos en pro de la mujer. Cuestiones polémicas y fundamentales en la sociedad actual como el matrimonio de homosexuales, el derecho al aborto y una guerra estadounidense que no ha ganado la paz sino más que en el corazón del debate, son muestras que hacen vigente la presencia de Le Tigre en la cultura occidental por ya 11 años, aún tras un período sabático de los estudios musicales. JD Samson de Le Tigre, acompañada de The Wookies y el live act tapatío Monstruo se presentarán en Bar Américas Werehouse (Calle 2, Parres Arias esq. Periférico) éste miércoles 12 de Mayo de 2010 a las 21:30 hrs.
LCC. Alejandro Oliveros Acosta http://blogs.iteso.mx/comunicacion/ 11.05.2010
¡Adiós, Querido Cuco! Duelo en la puesta en escena Para un niño, la pérdida de un ser amado es uno de los sucesos más significativos de su vida y puede originarle un conflicto emocional de grandes magnitudes. Tras el deceso de alguien apreciado, el niño percibe una etapa de dolor que incluso puede ser más intensa que para un adulto. El infante puede experimentar ésta situación por primera vez en su vida al perder a su más fiel cómplice de travesuras y juegos: su perro. Tristeza, culpa, negación, desesperación y shock son emociones comunes ante dicha pérdida. Puede ser que el niño no esté listo para el rigor y la persistencia de estas emociones o la precipitación con que su estado de ánimo puede variar. Pero, ¿cómo demostrarle a un pequeño que dichas emociones son sanas y apropiadas y le extenderán la mano para desafiar su pérdida? El argumento, escrito por la periodista mexicana Berta Hiriart, sugiere un método de fácil comprensión, a través de una obra nacida en la mismísima Guadalajara, ¡Adiós, Querido Cuco!, la cual es llevada a escena por la directora Susana Romo, cuyo propósito vital es apoyar a los nuevos talentos del teatro enfocados a la dirección escénica. Cabe mencionar que para la realización de ésta obra, Susana Romo ha sido asistida por expertos en teatro como Perla Szuchmacher, perita en propuestas orientadas al público infantil, además de estar aconsejada por Fausto Ramírez, director de la agrupación A la Deriva Teatro. La historia parte de cuatro personajes, acontece a lo largo de un año y se encuentra conformada por siete escenas. La trama, entre risas y sentimientos encontrados, dirige a los niños al reto de una fábula en la que sólo se pueden obtener ganancias confiando en los demás y procediendo responsablemente. Para los pequeños, la alternativa de situarse a fondo en las entrañas de un personaje, favorece una interacción profunda con el mensaje meta de la obra. ¡Adiós, Querido Cuco! describe cómo una niña de siete años, y su abuela sobrellevan la muerte de su perro Cuco. Mientras el animal parte hacia una nueva esfera, la niña, muy a su manera, narra una madura postura de cómo los seres humanos nos despedimos de la vida progresivamente mientras existimos, hasta que finalmente, los personajes reconocen la pérdida de su querida mascota. El sentido de ésta obra es de suma importancia para un individuo, ya que la muerte es una etapa inevitable en la que cualquier ser humano (y no solo un pequeño) debe permitirse la expresión de las emociones que éste acontecimiento trae de la mano. Comúnmente, la muerte es una cuestión que se evita, se ignora o se niega su presencia. Al principio puede parecer ventajoso alejarse del dolor, pero lo que no se puede evitar es el sufrimiento a lo largo de mucho tiempo. En algún momento, esas emociones requerirán ser afrontadas o, de lo contrario, podrían llegar a causar un malestar físico o emocional. ¡Adiós, Querido Cuco! abre sus puertas en la ciudad de Guadalajara y el Estudio Diana es la sede, ubicada en Av. 16 de Septiembre #710, cada domingo de mayo a las 13 hrs. Tiene un costo de $80 general y $60 para niños, estudiantes y personas de la tercera edad.
LCC. Alejandro Oliveros Acosta http://blogs.iteso.mx/comunicacion/ 05.05.2010
Cine experimental, lenguaje cinematográfico sin normas Ballet Mecánique del francés Fernand Leger es considerada la primera película de cine arte de la historia. Leger era un pintor loco, dadaísta, que hace una película sencilla de cinco minutos con collage y círculos; se trata de una bailarina moviéndose con fotos estáticas. Era una sinfonía poética con imágenes y sin narrativa alguna. 1 Experimentalismo se puede definir mejor por la negación. A los cineastas experimentales no los une más que la marginalidad, y esta característica les permite autonomía, así como repensar la historia y la situación de todo el cine. El cine experimental es aquel que se encamina en busca de un lenguaje cinematográfico propio, de desarrollar un arte inseparable del propio medio de expresión elegido y que utiliza los medios para poner en imágenes éstas ambiciones. Algunas de sus características generales de éste tipo de cine son: a) la expansión de las normas restrictivas y arbitrarias del cine comercial (género, duración, soporte). Cada filme experimental se organiza de acuerdo con una lógica que le es propia; b) posee una narración compleja, fragmentaria, no construida e inexistente; y por último, c) la concepción del filme aflora a lo largo del filme: experimentación y reflexión; el rodaje y la escritura van de la mano. 2 El filme es ante todo algo personal: el cineasta no sólo integra todas las líneas creativas del filme sino que muchas veces las efectúa él mismo (tomas de cámara o de sonido, edición, desarrollo). La autoproducción y el presupuesto son mínimos; la distribución y la difusión son mediante vías cooperativas. El cine experimental toma distancia respecto a los criterios normativos del cine tradicional, pero necesariamente, se inscribe en un sistema de producción y distribución comercial a la vez. El cine corporal comprende todas las tendencias de los años setenta, como el cine del yo, los diarios filmados, los filmes militantes, el cine underground, el cine de la materialidad y todos aquellos que reivindican un cine personal. El cine estructural comprende las grandes vanguardias de los años veinte, el llamado cine estructural de los sesenta y otras aproximaciones seriadas o minimalistas, el cine conceptual, el que interroga al propio cine y todos aquellos que reclaman un cine de formas. 3 Un filme experimental es creado por una persona, ocasionalmente un pequeño colectivo de trabajo, que trabaja con muy poco presupuesto, muchas veces proveniente del propio bolsillo del director o de pequeñas empresas. Se realiza desde la pasión personal del creador y con el convencimiento de 1
http://www.laprensa.com.bo/fondo_negro/20050116/art01.htm, La Prensa Editores S.A., 2001 S., Kofman, El nacimiento del arte. Una interpretación de la estética freudiana, Siglo XXI, Buenos Aires, 1973, Cf., p. 37 3 S. Zunzunegui, Pensar la imagen, Cátedra, Madrid, 1989, Cf., p.71 2
que el éxito masivo y los beneficios económicos son poco probables. En otras palabras, muy poco presupuesto significa algo muy diferente de lo que significa para el cine narrativo de estreno en las salas comerciales como Cinepolis. En el caso del cine experimental, se refiere a cifras de cientos o de miles y, en muy raros casos, a decenas de miles de dólares. Estas películas evaden el modelo de producción usual, en el cual las diversas funciones de un realizador están divididas entre diversos individuos o grupos. Aquí el cineasta es productor, director, guionista, director de fotografía, camarógrafo, editor, grabador y editor de sonido, o hace cuando menos dos de éstas funciones. Este tipo de historias no intentan ofrecer una trama lineal que se desenvuelva en el espacio teatralizado de la narrativa convencional. Más bien, las películas emplean de manera consciente los instrumentos del lenguaje cinematográfico para llamar la atención sobre todo lo demás, y no lo hace en escenas aisladas o por otras más realistas, todo de un modo que las primeras sean vistas cual secuencias alucinadas o fantásticas. Por lo tanto, el filme mantiene una relación de oposición con las características estilísticas de los medios de comunicación y con los sistemas de valores de las culturas tradicionales. Nunca se ofrece un mensaje claro y unívoco. Mucho más que un filme vanguardista o experimental se detiene en ambigüedades conscientes, estimula la interpretación múltiple y propone técnicas y sujetos contradictorios para crear una obra que requiera la participación activa del espectador. Este tipo de tramas juegan con el espectador de tal forma que lo hacen pensar e incluso resolver dicha historia a partir de sus propios criterios.4 Éste cine es por naturaleza marginal, aunque su calidad tampoco es proporcional a su grado de ventaja. La prioridad del videoarte consiste entonces en reconocer al cine por su valor, su historia y sus aportes, tanto en la historia del cine como en la historia del arte. El cine experimental es ante todo una práctica y una estética. Es un fenómeno internacional. Pertenece tanto al campo del cine como al de las artes plásticas. Históricamente hablando, de 1910 a 1920, toda película que contribuyó al descubrimiento y perfeccionamiento de un lenguaje en busca de sus medios expresivos, puede ser considerada también como experimental, aunque haya formado parte o no de la producción corriente. En 1928, Luis Buñuel fundó el primer cine club, al que le siguieron otros. A partir de ese momento, un estilo completamente diferente a lo que se había visto hasta el momento apareció en las pantallas. Todo fue llevado a cabo de la mano del surrealista Salvador Dalí. A partir de entonces, directores como Andrei Tarkovsky, David Lynch, Peter Greenaway, Maya Deren, Andy Warhol, entre otros, continuaron con la tarea de cambiar el sentido a lo que comúnmente muchos llaman CINE. El cine experimental conforma desde la auténtica obra de arte hasta el peor experimento. Lo que más abunda, desde luego, son las cintas realizadas por individuos que se consideran a sí mismos tremendamente vanguardistas, y que con sus filmes intentan sorprender a la gente en lo posible, y si no comunican nada con su obra, tanto mejor. Contrario a éste vacío de profundidad experimental, existen cintas clásicas sobresalientes como La Jetée, Meshes of the Afternoon, Woman In The Dunes, Weekend o Un Chien Andalou. El cine experimental es tan viejo como el cine mismo. Sin embargo, esa característica no le impide tener todavía mucho terreno por recorrer, ya que hay gran variedad de temas que aún no han sido abordados por el cine común. Así, ésta corriente puede practicar aún distintos modos de usar 4
Ch.Metz, Lenguaje y cine, Planeta, Barcelona, 1974, Cf., pp. 101-102
imágenes y formas sin preocuparse de contar una historia ni de crear personajes. Lo interesante reditúa en que generalmente realizan sin contar con la gran industria. Ni con los códigos de censura. Ni con sindicatos. Ni con los grandes circuitos de exhibición. Ni con las estrellas. Ni con las modas. Ni con muchos otros recursos que para otros es indispensable. El mensaje está antes que las ganancias.
BIBLIOGRAFÍA KOFMAN, S., El nacimiento del arte. Una interpretación de la estética freudiana, Siglo XXI, Buenos Aires, 1973 METZ, Ch., Lenguaje y cine, Planeta, Barcelona, 1974 ZUNZUNEGUI, S., Pensar la imagen, Cátedra, Madrid, 1989, http://www.laprensa.com.bo/fondo_negro/20050116/art01.htm, La Prensa Editores S.A., 2001
LCC. Alejandro Oliveros Acosta http://blogs.iteso.mx/comunicacion/ 26.04.2010
Eduardo Garrido, cuerdas hispano-contemporáneas en Guadalajara Poseer profundas influencias de intérpretes de música clásica contemporánea de la talla del austriaco Arnold Schoenberg, György Ligeti o Toru Takemitsu habla de un personaje con amplio criterio en cuanto a técnica y dimensiones musicales se refiere. Minimalismo y vanguardia en segmentos para piano, sonidos etéreos y guitarra eléctrica son los ejes del elaborado trabajo de uno de los mayores exponentes europeos en composición de música para cuerdas; Eduardo Garrido. Garrido es originario de Granada, España y es egresado honorífico del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Su guitarra ha dejado huella en múltiples intérpretes de cuerdas y ha desfilado por festivales en países como México, Estados Unidos, Francia, Perú, Australia, Canadá y desde luego, su natal España. A lo largo de un par de décadas, Eduardo ha perfeccionado su técnica gracias al apoyo de guitarristas y compositores como Dusan Bogdanovic o Leo Brouwer, maestros y compositores para música de cámara de Yugoslavia y Cuba, respectivamente. Las sutiles composiciones de Garrido se caracterizan por el uso aleatorio de formas en sus piezas. Su extenso trabajo incluye diversos segmentos para guitarra, percusiones, piano preparado y no preparado, ballet, coros, harpa y varias piezas orquestales. Algunas de sus piezas reflejan la intención de imaginar varias guitarras fusionándose en una sola y viceversa, hasta el fin de lograr un sonido comprimido pero de largas escalas. Gracias a su pasión e inspiración por la pintora Frida Kahlo, en el año 2006 Garrido fue condecorado con el 1° Premio en el 1° Concurso Hispano-Luso de Composición para Guitarra “Ciudad de Bajadoz” en España por su labor en “Pies Para Que Los Quiero Si Tengo Alas Pa’ Volar”; hecho determinante para enamorarse de la cultura mexicana. El maestro Eduardo Garrido reside y deambula constantemente por diversos estados de la república mexicana como Jalisco, Nuevo León, Estado de México, Ciudad de México, Puebla o Coahuila, desempeñándose como docente de composición para guitarra en el INBA y en la UNAM y como precursor de varios proyectos para cuerdas, concentrando la música clásica contemporánea y el folklor español con el espíritu azteca. Una muestra de éstas composiciones originales llevará el nombre de “Paisajes y Atmósferas: música para guitarra de Eduardo Garrido” latente en Guadalajara éste próximo 22 de abril de 2010 en el Paraninfo Enrique Díaz de León (Juárez #975) a las 20:30 horas.
LCC. Alejandro Oliveros Acosta http://blogs.iteso.mx/comunicacion/ 19.04.2010
Rock psicodélico-experimental, Porcupine Tree en Guadalajara Adentrarnos en el concepto Rock Progresivo involucra no designar un estilo musical establecido sino diferentes híbridos de música experimental elaborada, comúnmente, con instrumentos clásicos del rock, y determinada por una orientación compositiva e instrumental peculiarmente ecléctica. En la última etapa de la década de los sesenta, nacieron numerosas bandas innovadoras, integradas por sólidos músicos instruidos, que unieron estilos diversos, formando un nuevo esquema musical. Había una intención de liberarse de los convencionalismos de los estilos preponderantes (Pop, Rock & Roll, Jazz, Blues), concentrando componentes que van desde los propios de la música clásica contemporánea hasta los sonidos folklóricos y étnicos de cualquier parte del mundo. Esto supone primordialmente la creación de expresiones musicales y líricas únicas, sin igual en la música ordinaria. Bajo este argumento de revolución estética musical, se formaron agrupaciones británicas, pioneras en su género: Pink Floyd, Genesis, Deep Purple, King Crimson, Jethro Tull y Emerson, Lake & Palmer, además de bandas de Kraut Rock alemán, pasando por renombrados héroes del género de los años ochenta como Peter Gabriel, Kansas, Robert Fripp y Ozric Tentacles. La prominencia de ésta constelación de experimentalistas dio pie a que el Rock Progresivo mutara en nuevos conceptos relacionados con el género: El Space Rock, la Neo-Psychedelia, el Avant-Prog y el Math Rock, y demás tendencias minimalistas o electrónicas. Es éste el momento en que surge Porcupine Tree en cuna de oro londinense. La evolución y la casi interminable diversidad de su música revelan que la idea de “progresividad” presume una identidad musical enfocada a la exploración de nuevos horizontes estilísticos más que una ansiedad por alcanzar un género formal o razonable. De esta forma, el trabajo de Porcupine Tree fundamentalmente implica un determinado posicionamiento ante el material auditivo, eternamente inadaptable y exploratorio, más que un estilo en concreto. Con todas sus características, la supuesta ideología de Porcupine Tree (si es que la hay) parece consolidar los logros más meritorios del género: el afán de su Rock Progresivo en la búsqueda de crear una democracia entre los géneros musicales.
La atmósfera de Porcupine Tree, en ocasiones propensa a la imaginación o incluso a la nostalgia auto-explorativa, corresponde al carácter pacífico y soñador de su guitarrista Steven Wilson, quien tras separarse de sus colegas de No-Man, retoma sus influencias empíricas y psicodélicas, muy a la David Gilmour, con la obertura de álbumes del grupo: “On The Sunday Of Life”, realizado entre 1988 y 1991, en compañía del baterista John Marshall. Tras la inclusión al grupo de un clan de músicos vanguardistas como Richard Barbieri, Gavin Harrison, Colin Edwin y Chris Maitland, a lo largo de sus siguientes cinco obras y a través de la década de los noventa, Porcupine Tree consigue con “Stupid Dream” en 1999 su mayor reconocimiento a nivel mundial gracias a la fusión con Rock Progresivo setentero (en momentos asimila los excesos energéticos y a su vez reflexivos de Rick Wakeman), algo de Jazz y arreglos orquestales, combinado también con aires electro acústicos, con una resonancia muy contemporánea. Material muy recomendado por su originalidad, añoranza y composición sonora escasamente comercial entre los mexicanos. La década del 2000 fue bastante fructífera para el grupo ya que consiguieron producir siete proyectos casi de manera consecutiva y de mayor resonancia ante listas de popularidad internacional como Billboard. Sobresalen joyas del género como “In Absentia”, “Fear Of A Blank Planet” y su último material del 2009 “The Incident”, el cual evoca a un “Hemispheres” del grupo canadiense Rush; un especie de viaje en el que se modula una composición totalmente abierta, y ya más ordenada mediante movimientos como en la interpretación de un concierto y a la vez logrando manifestar una línea de progreso gradual y cambiante con el complemento gradual de timbres y sonidos que toman relevancia en partes concretas de cada segmento o “canción” sin perder sentido y coherencia en la intención, claro está. A pesar de sus ya pasadas dos décadas de vida, Porcupine Tree es considerado parte del Post-Rock internacional, catalogado a menudo como la música clásica futurista, recolocándose intensamente a partir del comienzo del tercer milenio, conquistando una cantidad de seguidores que sube día a día y siendo cada vez más reconocida como una de las agrupaciones más profundas del Rock Progresivo actual. Para fortuna de los tapatíos, éste aventurado pronóstico podremos comprobarlo el próximo domingo 11 de abril de 2010 a las 20:00 Hrs. en el Teatro Diana de nuestra ciudad.
LCC. Alejandro Oliveros Acosta http://blogs.iteso.mx/comunicacion/ 09.04.2010
Fischerspooner en Guadalajara, glamour y perfomance electrónico en el Teatro Estudio Cavaret Como parte de la oleada de agrupaciones alternativas, Guadalajara contará con la presencia del dueto neoyorkino Fischerspooner, conformado por Warren Fischer, compositor de profundos estudios en música clásica y Casey Spooner, videoasta e intérprete de teatro experimental. Su actual gira “Between Worlds” atravesará la ciudad de México y por supuesto tierras tapatías, siendo ésta la primer presentación del dúo en la ciudad y que se llevará a cabo éste miércoles 7 de abril de 2010 en el Teatro Estudio Cavaret a las 20:30 hrs. Éste singular dúo de new wave y electro pop vio la luz gracias a sus intervenciones en galerías de arte y clubs estadounidenses, entre1998 y principios de la década del 2000, caracterizándose por incorporar a sus presentaciones extraña indumentaria hecha a mano, sofisticado equipo multimedia, bailes, glamour, fotografía y demás performances artísticos. Apoyados regularmente por múltiples interpretes en el escenario, bailarines y vocalistas invitados, Fischerspooner fusiona composiciones electrónicas digeribles, basadas en pop comercial ochentero de figuras como Kraftwerk, Depeche Mode, New Order o los primeros trabajos de Pet Shop Boys, con el Neo Electro, resurrección de un género electrónico creativo de sólidas influencias vanguardistas. Su single “Emerge” subió hasta el tope en la preferencia del público europeo, ganando así múltiples invitaciones a eventos internacionales de moda, arte y sociedad. El constante deleite por el camaleónico dúo derivó en la producción de su álbum #1 en 2002, un sedativo viaje por las arterias de un provocativo mix de Techno Glitch. Para fortuna de los amantes del género New Wave, “Emerge” retoma soplos acústicos muy a la manera de The Human League o Giorgio Moroder, a la vez que explora acentuadas travesías minimalistas a la Brian Eno o Autechre. En 2005, su material Odyssey deambula en terrenos del Indie Rock, fusionado con su particular Electro Clash, a través de hilarantes piezas de rockeros como David Byrne o los Boredoms, además de temas propios cuyas letras son más poéticas, reflexivas y ambiciosas, dejando atrás la personalidad fashionista-irreverente por la que fuesen catalogados y aclarando que su trabajo puede ser enteramente creíble a tímpanos ajenos al género. “Entertainment”, su último trabajo producido en 2009, conglomera todas sus influencias del Glam Rock hasta el más estilístico son de sintetizadores. Todo esto demuestra que el sonido de Fischerspooner, finamente elaborado en métrica y ritmo, crea atmósferas hipnóticas e impredecibles perfectas para noctámbulos en busca de nuevas experiencias excitantes, intención primordial del género Neo Electro, que explora la sensualidad, lo prohibido y la superficialidad de su contenido lírico.
LCC. Alejandro Oliveros Acosta http://blogs.iteso.mx/comunicacion/ 05/04/2010
Estabilidad, Anotaciones Sobre la Gravedad, exaltación a la belleza y al equilibrio humano: Omar Gámez al desnudo en Casa Escorza Casa Escorza, Espacio para la Imagen se viste de gala por la adopción temporal de la manifestación artística del fotógrafo y director académico de la Academia de Artes Visuales (AAVI) ubicada en México, D.F., Omar Gámez, célebre por su proyecto del año 2009, The Dark Book, perteneciente a la colección del Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) de la UNAM y que alterna 28 fotografías a blanco y negro que proponen el rompimiento esquemático de los encuentros esporádicos entre homosexuales masculinos en la capital del país, a través de la sutil y, en ocasiones, ininteligible invasión a la privacidad de sus protagonistas, determinando así la alegoría de pluralidad sexual de éstos y su proceder en ambientes específicos. Estabilidad, Anotaciones sobre la Gravedad es el nombre que lleva la actual exposición de Omar Gámez en Guadalajara, celebrada entre el 18 de marzo y 18 de abril de 2010, con la finalidad de exteriorizar la belleza del ser humano y su determinación moral y equilibrada en el contexto que habita. La inestabilidad emocional de tipos físico, psicológico y emocional del ser humano es representada metafóricamente bajo la influencia de Aleksandr Lyapunov y su Teoría de Estabilidad de Sistemas Dinámicos. Amistades del propio fotógrafo son los actores de las imágenes, concebidas en un conjunto de paisajes naturales y neutros, detallados como espacios escultóricos; todo esto aunado a la desnuda y escasamente protagónica identidad de los figurantes. Esto provoca la concentración en la figura humana y su posición corporal transgresora de toda ley gravitacional. La belleza física expresada en su máxima tensión y serenidad manifiesta la constante capacidad del ser de sobrevivir en distintos medios, y soportar la tempestad, los retos y estímulos excesivos, conservando siempre su plena estabilidad física y mental, a través de una fusión armoniosa entre cuerpo y alma. La representación “real” de los cuerpos mostrados permite vincular a sus receptores a través de expresivas experiencias íntimas, que se transforman a fin de cuentas en espejos de sí mismos. Gámez induce a rehuir, tanto a la cotidianeidad del medio como a la conformidad dominante en la conducta y los gustos, sugiriendo, por otro lado, amenizar lo más posible el medio en que vivamos. La alteración de la estabilidad de todas esas figuras desnudas perturba el contenido moralizante de la manifestación clásica del cuerpo, haciendo hincapié en la inmensa distancia que existe hacia el perfeccionismo humano.
Estabilidad, Anotaciones sobre la Gravedad sugiere que la naturaleza civilizada del ser no debe pensarse como “algo” que hay que retener intacto ni como “alguien” cómodamente sumiso y explotable. Sino que lo ideal sería percibirla como un edén en el que el hombre pueda labrar pertinentemente a su propia condición. Una utopía en la que el ser humano y naturaleza se ensamblasen en un orden funcional creativo y anti represivo. Ésta exposición es de entrada libre y se lleva a cabo de lunes a sábado de 9 a 21 hrs. y los domingos de 10 a 18 hrs. en Casa Escorza, Espacio para la Imagen, ubicada en Calle Escorza 83A.
LCC. Alejandro Oliveros Acosta http://blogs.iteso.mx/comunicacion/ 29/03/2010
Circo TV en Guadalajara, una sátira al salvajismo humano ¿Qué es lo que nos diferencia a los humanos de los animales? El constante instinto de supervivencia de los animales tiene una finalidad distinta a la de los seres humanos: el despotismo y el hambre por la manipulación de nuestros semejantes a nuestra conveniencia es lo que faliblemente nos cataloga como los “mejores” y “más inteligentes” seres vivos. Circo TV trata específicamente temáticas de ésta índole. Éste montaje, dirigido por Esteban García, es una sátira cómica e irreverente que expone terminantemente la metáfora de cómo los seres humanos poseen una naturaleza brutal por conseguir lo deseado e inevitablemente “necesario” pésele a quien le pese. Despectiva, concreta y metafóricamente los seres humanos son representados por una familia de payasos que residen en una bizarra carpa de circo. La problemática surge cuando después de registrar a la hija en un famoso reality show televisivo, las incongruencias y ridiculeces de éste caricaturesco grupo de personas quedan al aire, y al ser elegida ésta por la producción del programa, el conductor y su insulsa asistente personal se dirigen con los protagonistas para emitir el evento en vivo con todo lo relacionado a la petición de mano de la novia. La trama toma su rumbo al arribar la extraña pareja de la joven; un sujeto cruel, afeminado y de lento desenvolvimiento, acompañado por su asfixiante madre, añadiendo así un exasperante humor negro a las circunstancias. El surrealismo crece al intervenir un representante del orden, encomendado a esclarecer las múltiples desapariciones que se han llevado a cabo a lo largo del tiempo en dicho lugar. Lo inesperado viene cuando las pruebas van floreciendo poco a poco, manifestando las turbulentas prácticas de la familia de payasos. Ésta obra de 90 minutos de duración, cuenta con la participación de los actores Marisol Gómez, Jesús Hernández, Carmen de León, Elizabeth Solís, Marisol Méndez, Adán Delgado, Marisa Larios, Memo Hernández, Rafael Cazares, Julio Ávila, y con el presentador Augusto Carriles. La representación, apoyada por GayGDL y Cultura UDG, se está llevando a cabo desde el mes de febrero en el Teatro Experimental, ubicado en Calzada Independencia Sur S/N, col. Núcleo Agua Azul en Guadalajara, Jalisco. Las funciones que prosiguen se llevarán a cabo el martes 30 de marzo a las 20:30 hrs. y el miércoles 31 de marzo a las 21:00 hrs.
LCC. Alejandro Oliveros Acosta http://blogs.iteso.mx/comunicacion/ 26/03/2010
Roberto Rochín, plegarias por un cine nacional en purgatorio comercial “El tiempo es más pesado que la más pesada carga que puede soportar el hombre”. Juan Rulfo Juan Rulfo, nada más y nada menos que transportado a la pantalla grande a través de tres narraciones distintas de un México experimentando la modernidad de mediados del siglo XX. Pedro Armendáriz Jr., Ana Claudia Talancón, Miguel Rodarte y Dolores Heredia son los intérpretes de Purgatorio, película dramática mexicana, producida y distribuida por Roca Motion Control, IMCINE y FOPROCINE entre el año 2008 y 2009, bajo un guión a manos de Elías Nahmías, Tomás Pérez Turrent y el tapatío Roberto Rochín, encargado a su vez, de dirigir éste filme. En estos relatos, Juan Rulfo aborda temas muy característicos de un México inexperto por asumir los efectos sociológicos de la modernidad de aquellos entonces: la miseria de un hombre que lo arrastra a emigrar a los Estados Unidos, una prostituta que razona los efectos de la vida que lleva hasta el día de su muerte y la obsesión de un hombre por amar a sus seres queridos aún más allá de la muerte. Orgullosamente nacido en Guadalajara Jalisco hace 55 años, Roberto Rochín se traslada a Mazatlán Sinaloa, donde crece la mayor parte de su infancia y juventud. Cine y fotografía fueron los enfoques que dio a sus estudios en la carrera de Artes de la Universidad Loyola Marymount California, dando como resultado su primer cortometraje reconocido, Stephane Mallarme. Es muy notorio el hecho de que Roberto Rochín haga hincapié en sus participaciones, tanto en cine como en teatro, la influencia que el escritor y fotógrafo jalisciense Juan Rulfo ha tenido sobre él. La multi-dimensionalidad del hábitat del ser humano y la singularidad de los problemas sociales que ha sufrido el mexicano, son ya temáticas clásicas de la visión y el sentir de Rulfo que producen una sensación expresionista única y con alma poética en el trabajo de Roberto. Ulama, el juego de la vida y la muerte (1986) es reconocida internacionalmente por ser su primer largometraje documental y ganadora de 5 premios arieles, incluyendo mejor filme. A mediados de los años noventa, Rochín continúa incursionando como director y escritor en documentales y cortometrajes dramáticos como El misterio de los mayas (1994) y Un pedazo de noche (1995). A la par, continuó trabajando y colaborando con distintos sistemas de efectos visuales para animación de cortometrajes mexicanos: Sin sostén (1998) y Hasta los huesos (2001) del itesiano René Castillo, e Invasión del planeta Mercurio (2004) de Gerardo A. Álvarez. En éste mismo eje de trabajo, participó en el largometraje ganador de dos óscares, Frida, en 2002. Más de 5 pesados años fue el tiempo que transcurrió la búsqueda de financiamientos para que los cortometrajes Un pedazo de noche y El paso del norte cumplieran su proceso de producción. La carencia de solvencia económica y ayuda por parte del gobierno mexicano, no fue
impedimento para que Rochín, en colaboración con la iniciativa privada e IMCINE, uniera en uno sólo sus 3 cortometrajes basados en Rulfo, y solventará lo que sería su primer largometraje gracias a las remuneraciones que distintos festivales le hicieran llegar. Así, a lo largo de un poco más de dos décadas, Rochín ha recibido distintas condecoraciones otorgadas por instituciones de alto prestigio como la Academia Mexicana de Ciencias y Artes Cinematográficas y en distintos festivales como el de Amover de Bélgica, el World Fest Houston y el Festival Internacional de Cine de Séanle en Estados Unidos, el de Huelva en España, el Festival Internacional de Cortometraje de Brasil y el Festival Internacional de Expresión En Corto de San Miguel Allende, Guanajuato. Desgraciadamente, toda la labor que éste jalisciense ha llevado a cabo a lo largo de más de dos décadas ha quedado en las sombras gracias a terceros. Su gran talento no se mide con el ostentoso armatoste en que se han convertido los intereses comerciales progresivamente. Por lo tanto, Roberto Rochín se une a la constante y triste voz de cineastas mexicanos truncados por la apatía de los distribuidores y exhibidores en México que sólo dan cabida a filmes comerciales extranjeros. Purgatorio corrió la lamentable pena de pasar casi desapercibida por las salas de exhibición nacionales; diez años duró la planeación de ésta cinta, una semana su exposición. Roberto reconoce que mientras las autoridades no regularicen el proceder de éste sector comercial ávido de faenas estadounidenses, el cine mexicano contemporáneo continuará en una cruda desventaja en audiencia popular. LCC. Alejandro Oliveros Acosta http://blogs.iteso.mx/comunicacion/ 26/03/2010
La expresión de una discapacidad, exhibición interactiva en Trompo Mágico Niños pequeños de cuatro años hasta muchachos de 23 años son los protagonistas de ésta exposición de 55 obras realizadas en papel, óleo, tela, acrílico, entre otros materiales, mostrados en los muros del Museo Interactivo Trompo Mágico. La galería, abierta al público en general desde el 21 de enero de 2010, muestra las habilidades gráficas de niños y jóvenes del Centro de Rehabilitación Infantil Teletón (CRIT). Las imágenes proponen un vestigio ingenuo en la manipulación de distintas formas, en la aplicación del color, la designación de materiales y por supuesto, en la elección temática, pero todos estos elementos surgen desde una consistencia estilística particular que ofrecen esa fascinación en las imágenes de los pequeños y jóvenes. Las travesuras ingenuo-visuales en la construcción de sus temáticas conceden a las imágenes de sus singulares autores una simpatía, chispa e interés visual. Estos componentes, ligados a la fuerza del color y la dinámica presentación compositiva manifiestan el sello auténtico de La expresión de una discapacidad. Apasionados de los animales y la naturaleza, éstos jovencitos exteriorizan posturas y determinaciones profundas que captan la simpatía del observador, siendo la misma emoción que embarga a sus hacedores. Las representaciones en base a círculos, líneas y formas heterogéneas facilita el proceso de actividad mental en apreciación del entorno. La percepción de sus autores no es del todo pasiva, sino que procede como arquitecta de la imagen, que se conforma desde la fantasía vacilante por la construcción social. Las personas con disposición mental alterada profundizan en realidades a través de los efectos de su imaginación, permitiéndoles en relación a esto, con las representaciones pictóricas, la creación de un mundo muy personal que atrapa al sentido común de sus espectadores. Esto hace de La expresión de una discapacidad una exposición muy particular para el público en general, ya que no sólo aborda el deleite visual de sus receptores, sino que los hace partícipes al facilitarles el ingreso al taller Los colores de todos, donde se podrán confeccionar dibujos a la par de simular diversas discapacidades. La exhibición permanecerá abierta al público en general hasta el jueves 25 de marzo de 2010 dentro del Museo Interactivo Trompo Mágico, ubicado en Avenida Central #750, en Zapopan, Jalisco. LCC. Alejandro Oliveros Acosta http://blogs.iteso.mx/comunicacion/ 24/03/2010