MIXMAG MÉXICO - NÚMERO NUEVE by mixmag mexico

THE WORLD´S BIGGEST DANCE MUSIC & CLUB CULTURE MAGAZINE

LA REINA DE NÁPOLES

DEBORAH DE LUCA J U N I O 2020 NÚMERO NUEVE

WWW.MIXMAGMX.COM

NÚMERO

NUEVE

JUNIO

2020

DIRECTORIO OFICINAS GENERALES: INSIDE THE MUSIC S.A. DE C.V Calle Convento de Santa Brígida No. 19, Unidad Habitacional Jardines de Santa Mónica, C.P. 54050, Tlalnepantla de Baz, Estado de México, México Página web: www.mixmagmx.com Editor: Duncan Dick - duncan@mixmagmedia.com Editor responsable en México: Juan Pablo Ruvalcaba – jp@mixmag.net Editor adjunto en México: Sergio Islas Pacheco - sergio@mixmag.net Dirección General: Sergio Islas Pacheco - sergio@mixmag.net Director de Contenido en México: Alan Zúñiga – alan@mixmag.net Dirección de Marketing y Ventas: Carolina Espinosa - carolina@mixmag.net

Mixmag, revista mensual, editada por Inside The Music S.A. de C.V. Junio de 2020. Editor Responsable en México: Juan Pablo Ruvalcaba. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: En trámite. Número de Certificado de Licitud de Título: (en trámite). Número de Certificado de Licitud de Contenido: (en trámite). Domicilio de la Publicación: Calle Convento de Santa Brígida No. 19, Unidad Habitacional Jardines de Santa Mónica, C.P. 54050, Tlalnepantla de Baz, Estado de México, México Mixmag México es editado bajo licencia de Wasted Talent Ltd. Prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin consentimiento expreso del Editor responsable en México. Los derechos de esta publicación quedan protegidos en todo el mundo.

Coordinación de diseño: Carolina Espinosa Colaboraciones: Gely González, Rocío Luteijn-Flores, Verónica Fabián, Josh Baines, DJ Secreto, Nick Stevenson, Andrew Mercieca, Lily Moayeri, Dacy Haylor

EDITORIAL

Con los conciertos y festivales detenidos en todo el planeta (no falta quien asegura que lo estarán durante al menos un año) y las ventas físicas paralizadas (las sociedades han cambiado su lista de los discos más vendidos por la de los más escuchados online) pareciera que la industria musical está tocada de muerte, sobre todo porque solo le queda una vía de ingresos: el streaming. Y esta parte del pastel aún no ha sido suficientemente explorada/explotada en la medida en que aún existen lagunas enormes por el reparto de los ingresos que sigue siendo desigual, con negociaciones rotas con las grandes plataformas que han llevado a que la mayoría de los artistas lo consideren una herramienta promocional, pero no algo que ponga comida sobre la mesa. La industria del entretenimiento no puede más y algunos artistas y sellos independientes están desesperados y ya no pueden esperar más, creando plataformas y proyectos online autogestionados. En México por ejemplo está clara la falta de empatía con sociedades como EMMAC-SACM, que pretenden cobrar de 50 a 100 dólares por canción, más el 12% de la ganancia total del streaming y el 11% de lo que los sponsors puedan dar cuando los haya. Algo prohibitivo a todas luces aún para los profesionales de las mezclas, que estarían imposibilitados bajo esas normas a generar sus shows en ésa línea en espera de que los clubes y festivales abran sus puertas, si es que eso sucede en el corto plazo. No hay forma que con ésos conceptos abusivos se puedan generar recursos, si además se le suman los gastos de video, audio, diseño, logística, plataforma y todo lo que una puesta así conlleva. El reparto de los beneficios que produce la explotación de las obras musicales vía streaming no es justo, porque de entrada se negocia desde una posición de debilidad del artista y de los emprendedores. Y empieza el chantaje, porque además, las plataformas no siempre dejan en claro el reparto del dinero producido ahí y es casi obligado firmar con alguna en condiciones adversas, porque si no al final estará igual, pero el artista y los creadores no recibirán nada. Lo peor es que en caso de negarse, las amenazas son claras y los abogados están listos para proceder directo contra los organizadores en términos legales. Como dice una amiga, “Quieren matar a los que les dan de comer, no solo muestran su voracidad, sino su falta de empatía con los que hacemos posible que esta industria funcione en México a todos los niveles. No podemos permitir estos atropellos, falta de sensibilidad y poca colaboración, prefieren vernos muertos de hambre y que la escena al nosotros extinguirnos les afecte, pero son monstruos y nos quieren asustar”. Además y sobre todo para los dj´s, el pago por reproducción de estas plataformas a los tenedores de derechos no es fijo y depende de factores como en qué zona geográfica está el usuario, de si es premium o no y de las horas de reproducción que acumule el artista, a más horas, más pago por reproducción. Esto ha hecho que el cálculo de cuánto ingresa un sello o un artista cada vez que un usuario reproduce su música sea especialmente opaco, y no poco confuso. Spotify pagó en 2019 0,0032 euros a los tenedores de los derechos; para ingresar 1.000 euros al mes, un grupo tendría que tener 312.000 reproducciones (sin tener en cuenta luego el reparto entre discográfica y artista). Youtube, por su parte, paga en su programa Content ID solo 0,00020 por reproducción; para obtener esos mismos 1.000 euros, el grupo tendría que llegar a los 5 millones de reproducciones. Puesto que el pago no es fijo, estas cantidades son una media. Otras plataformas, como Amazon Unlimited o Deezer, pagan algo más por reproducción, pero Spotify (empresa sueca) y Youtube (dependiente de Google) son las principales compañías del mercado. El modelo de Youtube se basa en que los usuarios generen y suban contenidos a la plataforma, beneficiándose luego de la publicidad, eludiendo pagar adecuadamente a los creadores, alegando que no son responsables del contenido que distribuyen, lo que afecta el valor de la música que explotan las plataformas y lo que por ello se le paga por ella a los creadores. YouTube paga menos de un euro por usuario y año; en contraposición Spotify paga 18 veces más. De los 10 euros al mes que puede costar la suscripción a una plataforma, éstos se reparten de la siguiente manera: 6,54 euros para los intermediarios (70% para los productores y 30% para la plataforma), 2 euros a impuestos, 1 euro para derechos de autor (pagados a autores y editores), y 0,46 euros para los intérpretes. Un verdadero robo para los creadores, para los intérpretes, para los compositores y aun atentado bien orquestado para que sea más difícil levantarse. Amigos de Mixmag, artistas, dj´s, productores, promotores, es hora de plantar cara a estos abusos, de emplazar por nuevas formas de encontrar beneficios con la música y ser solidarios por la supervivencia de nuestra industria. No será la primera vez que le demostremos al sistema que sí se puede. Es hora que la solidaridad florezca. La música nos necesita. Ellos no nos pueden apagar la voz ni las tornamesas.

CONTENIDO

J u n i o 2020

6.TODO BAJO EL SOL 10. ARTURIA: OB-xa syntetizer 14. SAMI WENTZ La magia de la noche 20. ROCK OF AGES 22. ANALOG AGENCY: La industria habla 24. BORN IN MÉXICO 26. VE POR TU PROPIO CAMINO 28. FÁTIMA HAJJI: Sinergia Brutal 28. DAVE SEAMAN: El godín del vinil 32.DEBORAH DE LUCA: La reina de Nápoles 40. WOODSTOCK: El festival que le plantó cara a una pandemia 42. REBOLLEDO: El orgulloso guerrero mexicano 46. MUSIKPLATZ: El semillero de los nuevos talentos 48. ONCE UPON A TIME IN HOLLIWOOD 50. EMPATÍA

f e s t i v a l e s / e s c e n a

TODO BAJO EL SOL Por: Josh Baines Las alegrías de la fiesta diurna son innumerables, dice Josh Baines… y no está solo Estoy parado en un club. Jane Fitz está lanzando una bomba después de una bomba completamente perfecta, cada registro acerca la habitación al tipo de momento trascendental de liberación comunitaria extática que solo imaginas como algo posible que puede suceder cuando estás rodeado de personas en éxtasis. Mientras está en éxtasis. Estoy pensando en Alan Bennett. Estoy pensando en Alan Bennett y en las tostadas con mantequilla y el jugo de naranja y el Sunday Brunch mientras me acerco al Greggs más cercano, sabiendo muy bien que tropezaré con una rosquilla triple de chocolate y un filete de carne y queso aferrado a mi pecho. Estoy pensando en el ómnibus Corrie y en como enfundarme en mi pijama fresca. En resumen, ya no quiero estar en una discoteca. Miro mi teléfono y son cinco minutos antes de las cuatro de la mañana. Definitivamente no quiero estar en una discoteca en este momento. Y sé con certeza que estoy lejos de ser el único fiestero semi-hastiado que busca una madrugada más amigable. Desde que la creciente variedad de festivales que duran todo el día ponen al cabeza de cartel a las 11 de la noche dando aplausos a lugares como Giant Steps y sus platos de sushi sirviendo en Brilliant Corners, que se especializa en dar rienda suelta y atender a los apostadores antes de que Love Island termine por la noche, está claro que más de nosotros estamos clamando por una forma de ver a nuestros DJ favoritos sin renunciar a nuestro sueño embellecedor. Las razones por las que los clubbers pueden sentirse atraídos por las dosis regulares de deleite de la tarde son muchas. Algunos encuentran la idea de colarse en un lugar subterráneo mucho después de la medianoche, una perspectiva simplemente aterradora; otros tienen la idea de salir a bailar, pero no pueden molestarse con todo el alboroto y el fastidio de organizar una niñera y luego sentarse a través del recital de piano de Jemima la mañana siguiente con el tipo de descenso que experimentaron por última vez cuando Tony Blair estaba en el poder y otros parecen realmente gustosos de usar camisas hawaianas en los tejados. Paul Byrne, quien publica discos como Apiento y dirige el sitio web Test Pressing junto con el hombre de Soft Rocks, Piers Harrison, es un

gran fanático de las fiestas diurnas. En mayo pasado, se vió el fin de semana a Piers y Paul persuadir al dúo más dinámico de Washington DC, Beautiful Swimmers, de ir de Peckham Rye a Hackney Wick para cerrar una fiesta de TP en Giant Steps con estilo. “Para decir lo obvio, simplemente ofrecen un contraste con la tradicional fiesta nocturna “, dice Paul. “La fiesta diurna permite una amplitud musical en la que no entras a un club o unm gran evento y permiten encontrar su espacio y establecerse y, en general, tener una experiencia mucho más relajada. Esto no significa que la música no pueda ser dura o lo que sea, pero puedes pasar un poco más de tiempo para llegar a ese punto”. Festivales como el de Belfast son una prueba que ir de fiesta mientras Peppa Pig todavía está encendido no significa que tengas que sacrificar experiencias y travesuras grandes y fuertes que la mayoría de nosotros atesoramos. Aún así, hay ciertos sonidos que se prestan particularmente bien al tipo de fiesta que comienza durante Football Focus y termina durante el Match Of The Day. Para aquellos de nosotros con una inclinación para fiestear en el día, ya sea que Ruf Dug se esté volviendo loco por la piscina en Pikes, o los chavales de Aficionado que tratan de entretener a los borrachos exigentes de Manchester con un puñado de historias por una pinta de DIPA en una microcervecería de Chorlton, todo ello se ha convertido en la moneda principal de una nueva convivencia. Después de todo, los gritos y sonidos ondulantes en los que escucharás un Lexx o un Mark Barrott, tienen más sentido cuando se está acompañado por la luz del sol y la mezcla olfativa celestial que conjunta la crema solar, humo de marihuana y una hamburguesa de cheapo que se asa a la parrilla en una barbacoa cercana. Pero ya sea que se esté viendo a Helena Hauff desgarrar a Shoreditch en una de las fiestas callejeras de Krankbrother en el este de Londres, o al mejor perro de NTS, Charlie Bones, adoptando un enfoque suave para un set de amanecer al atardecer, el simple placer de ir de fiesta a salvo sabiendo que volverás a la cama mientras que la mayoría de los clubbers del país se están rompiendo en su sexta lata de G&T sigue siendo una alegría sin límites. Por supuesto, un cínico podría argumentar que la fiesta del día, con sus cuencos de poké, sus cocteles aptos para Boomerang y la estricta adhesión a la política de ruido ordenada por el consejo representa una versión desinfectada de la vida nocturna, podría tener razón. Pero si le está pidiendo a este escritor que elija entre luchar por el futuro de los clubes como un acto inherentemente radical y subversivo y no tener que arrastrarse en transporte público a las siete de la mañana como un zombie que ha sido arrastrado a través de los arbustos fuera de Berghain, sé lo que elegiré cada vez. Tener tu pastel y comerlo es genial. ¿Comerlo frente a la tele mientras llega la repetición de Bouncers después de una muy buena tarde? Eso es aún mejor.

Es hora de ser realistas. 5G lleva los juegos inmersivos a un nivel completamente nuevo. La tecnología 5G ofrece velocidad y rendimiento asegurando una acción sin demoras en una conexión móvil, en cualquier lugar. Subamos de nivel.

Arturia OB-Xa V “NUEVO SINTETIZADOR LEGENDARIO” ¿Qué es OB-Xa V? El OB-Xa es uno de los sintetizadores más buscados de Oberheim. Son raros de encontrar, además de que el hardware se ha vuelto cada vez más dificil de incorporar en los flujos de trabajo modernos. El transporte de equipos voluminosos puede ser inconveniente. El hardware también puede presentar ciertas limitaciones de flujo de trabajo ya que los dispositivos solo pueden cumplir una función a la vez. Arturia se enorgullece de ofrecer lo mejor de 10

ambos mundos: la calidad y el carácter inigualables del hardware original en un paquete de software que se adapta a un flujo de trabajo moder no. El OBXa V de Arturia es una fiel recreación del hardware original, capturando todos sus matices y carácter sónico con el máximo detalle. Además de esto, se ha ampliado el diseño original con nuevas características y capacidades que no se encuentran en la unidad original

Principales características:

Especificaciones:

Configuración:

- 4 tipos de forma de onda por oscilador - Matriz de modulación - Arpegiador - Hasta 16 voces de polifonia - Mayor flexibilidad en el LFO - Efectos: delay, chorus, reverb, phaser, flanger, compressor, overdrive, etc. - Hasta 400 presets - Automatice los parámetros del sintetizador desde su DAW

PC Win 7+ (64 bits): 4 GB de RAM; CPU de 2.5 GHz. 1 GB de espacio libre en el disco duro. GPU compatible con OpenGL 2.0

Standalone, VST 2.4, VST 3, AAX, AU.

MAC 10.11+: 4 GB de RAM; CPU de 2.5 GHz. 1 GB de espacio libre en el disco duro. GPU compatible con OpenGL 2.0

¿Dónde comprar? DIAUDIO

www.diaudio.com.mx ventas@diaudio.com.mx

Presentamos una nueva marca de muestras en línea diseñada para hacer ritmos para los DJ´s creativos en su producción musical.

El controlador de cuadrícula MIDI de 64 pads esencial de Novation para Ableton Live, ahora tidh pads RGB sensibles a la velocidad y la presión, modos dinámicos de nota y escala, y cuatro modos personalizados.

El controlador de cuadrícula MIDI de 64 pads más potente de Novation para producir con Ableton Live y hardware, no con un secuenciador polifónico de cuatro pistas para reproducir sus instrumentos de software y hardware.

El controlador de red MIDI más compacto y portátil de Novation, ahora con pads RGB completos.

JOHN DIGWEED EN CONSTANTE EVOLUCIÓN Por: Rocío Flores

‘QUATTRO’ es el más reciente trabajo del veterano John Digweed quién a través de cuatro discos ‘Soundscape’, ‘Tempo’, ‘Redux’ y ‘Juxtaposition’ nos propone un formato de mezcla coherente y expansivo en cuanto a diversidad sónica se refiere, consolidándose como una pieza clave en la historia evolutiva del capo de Bedrock Recordings. La compilación engloba cuarenta y cinco tracks mezclados exclusivamente por John Digweed y en donde se aprecia la contribución de artistas como Booka Shade, Francesca Lombardo, London Acid, Monkey Safari, Nick Muir y Raxon. Inicialmente no tenía la intención de confeccionar una compilación de cuatro discos, se suponía que únicamente serían dos, pero conforme iba descubriendo más y más música la compilación se extendió a cuatro. Todo se dio a través de escuchar cientos de tracks y demos hasta llegar a las piezas qué realmente me cautivaron. Pero, cómo mencioné cuanta más música fue llegando me di cuenta de que se

podría generar mayor dimensión al proyecto con sonidos ambient como sucedió en ‘Soundscape’ Nick Muir y yo estuvimos trabajando en un proyecto experimental aislado ‘Juxtaposition’, el cual consideré qué añadiéndolo a la compilación alcanzaría una audiencia más amplia en lugar de dejarlo como un proyecto en solitario. El objetivo fue crear un concepto que tuviera un gran paquete musical en donde la gente realmente se pudiera sumergir. Queríamos incluir diferentes estilos que representaran todos los moods y gustos ¿Por qué enganchados en un sonido único en cuatro discos?, ¿Por qué no hacer algo que fusionase distintos géneros que vayan fluyendo cuando estos se mezclen? Solamente intento confeccionar los mejores ál bumes con la música más fresca que encuentro, su proceso de elaboración es largo porque le dedico mucho tiempo a cada track. Sin embargo, todo vale la pena cuando escuchas el resultado final.

En lo personal siempre he establecido un alto estándar en mis compilaciones para Bedrock, quiero que cada material sea tan bueno como sea posible. Actualmente, cuento con una fan base muy leal que continúa adquiriendo y apoyando la venta de CD’s, ellos aman su empaque y la música que selecciono. No estoy seguro cuanto tiempo la gente vaya a seguir comprando CD’s, actualmente la mayoría de la gente consume su música en formato digital. El switch del vinilo al formato digital fue muy duro para muchas disqueras y nos ha llevó un rato ajustarnos a ese nuevo ambiente de trabajo. Estoy muy contento con la forma en qué Bedrock Recordings se encuentra en este momento en sitios como Bandcamp, porque nos permite tener una venta directa con nuestros los fans. Entre los talentos emergentes que tiene el sello Tara Brooks, Dance Spirit, BOg, Miles Atmospheric, por mencionar algunos han estado

haciendo buena música y construyendo una buena reputación en la escena. Actualmente he estado transmitiendo cada sábado mis ‘Bunker Sessions’ en Facebook, la retroalimentación que recibido de mis fans a sido muy reconfortante, me siento muy feliz de facilitad a la gente un escape durante la situación de encierro en la que nos encontramos. Uno de los cambios que me gustaría ver en la escena después del encierro sería ver un mejor porcentaje en las regalías distribuidas a artistas y sellos por parte de sitios como Spotify, Apple Music, YouTube, etc., Muchos artistas hacen dinero de las giras, los sitios de streaming están funcionando bien para su promoción, pero ahora la gente se va dando cuenta que el contenido que los artistas ofrecen en dichas plataformas se recompensan poco. ‘QUATTRO’ se encuentra disponible en Bedrock Recordings

SAMI WENTZ LA MAGIA DE LA NOCHE Sami Wentz es un DJ / productor talentoso que tiene como objetivo crear música que tenga sustancia y abarque la originalidad. Después de varios años apasionados del techno y la música house, tuvo la idea de comenzar a producir su propia música. Un mes después, firmó su primer contrato con el sello internacional más grande de minimal techno scene, Autist Records pero también con el famoso Resopal Schallware que le valió el apoyo de DJs como Luciano, Ellen Allien, Richie Hawtin, Marco Carola, Hot Since 82, Maya Jane Coles, Terry Lee Brown Jr y muchos más. Su maxi se completó consecutivamente con los sellos internacionales más grandes como Defected Records, Great Stuff Recordings, Safe Music, Noir Music y Nterious Records por nombrar algunos, en un registro más Deep / Tech House. Sobre la base de su éxito como “Sami Wentz”, le dió la oportunidad de viajar a los clubes nocturnos más grandes, donde comparte fechas junto con artistas como Digitalism, Vitalic, Dusty Kid, Dandi & Ugo, Lutzenkirchen, Uto Karem , Slam, Edu Imbernon, Harvey McKay y muchos otros. 2020 promete ser igual de emocionante para este artista francés que ya firmó un proyecto bastante concreto. Con un horario internacional igualmente cargado, asegúrate de atrapar a Sami y su increíble energía en el futuro cercano.

Ahora que el reinicio del clubbin en Malta está completo, ¿dónde está el siguiente punto en el mapa? El Mini-Me de Malta, la vecina isla de Gozo, ha levantado la mano.

Texto: Nick Stevenson Fotos: Andrew Mercieca

Cuando los aragoneses se apoderaron de esta isla en 1283 la llamaron Gozo, que significa “alegría”. Presumiblemente acababan de ver los precios de las bebidas. A diferencia de algunas islas de fiesta mediterráneas que podríamos nombrar, Gozo todavía está cobrando € 2.50 por un G&T y no solo en los encantadores bares locales y pintorescos restaurantes junto al puerto. Ese es el ritmo actual en La Grotta, la joya de la corona de discotecas de Gozo y en algún lugar que tal vez haya escuchado, que se describe

como “El club que cuelga de un acantilado”. No es realmente un acantilado, en realidad está construido en el lado de un barranco. De cualquier manera, los hedonistas se han vuelto locos en La Grotta desde que fue comprado a los monjes locales y se convirtió en uno de los clubes más singulares del planeta, hace 35 años. Gozo es para Malta lo que la Isla de Wight es para el Reino Unido: una isla menos urbanizada a 20 minutos en ferry, excepto porque está salpicada de gemas en forma de fiesta, que brillan desde sus cuevas y costas como un tesoro pirata escondido.

temente elegido Ministro de Gozo, Clint Camilleri, de 29 años, también conocido como Justin Trudeau of the Med. Él ve el beneficio de traer de vuelta el bajo (y los euros que trae el turista). Entonces, ahora que la vecina Malta se ha reinventado como una isla de fiesta, gracias a los clubes al aire libre en expansión como Uno y eventos como Summerdaze, Lst & Found, Elrow e IMS College, Gozo está reexaminando su logística de laser n’ lager para convertirse en Forentera de Malta.

Se sabe que Luciano apareció para bucear, sin mencionar a Daenerys Targaryen y Khal Drogo, quienes se casaron con Gozo en el primer episodio de Juego de Tronos.

Mixmag apareció en febrero durante el Gozo Carnival Clubbing Weekender. El carnaval en sí ha estado funcionando durante 500 años, una fiesta callejera de fin de semana que presenta carrozas ruidosas, disfraces macabros y, tan seguro como la noche, sigue el día Euro-pop. Pero para nosotros, el carnaval fue solo el telón de fondo de la fiesta adecuada que trae consigo.

Entonces, ¿quién va a Gozo en 2020? Bueno, para ser sincero, es principalmente el maltés. Pero todo eso está a punto de cambiar; Mixmag conoció al recien

Los promotores de Savvy detrás de algunas de las mejores noches de Malta han creado un paquete de fiestas, todo por una pulsera de 50 €. Entonces, du-

rante un largo fin de semana, vemos a Second City tocando en una cueva en las profundidades del vientre rave de la Grotto, vamos a una fiesta de villa en las colinas y tocamos en un club nocturno al aire libre con temática de la jungla. Noche de club subterráneo, Befor Breakfast es celebrada en Paradiso, una cantina de Star Wars en un lugar compuesto por una pista de baile hundida, Oompa Loompas y una casa atronadora. “Gozo puede ser una gran adición al turismo festivo que Malta ha creado en los últimos cinco años”, dice Nicky Spiteri, de los promotores detrás del Weekender. “Esto podría ser el comienzo de algo muy especial para esta isla sin explotar”. No solo confíe en su palabra. Salta sobre ti mismo el 18 de junio cuando Abode On The Rock esté transportando a Alan Fitpatrick, Jamie Jones, Guti, Skream, Michael Bibi y 4.000 ravers para cuatro días de alegría. Parece que los aragoneses estaban 750 años por delante de la curva.

ANALOG AGENCY LA INDUSTRIA HABLA Por Rocío Flores El pasado 14 de marzo en España se declaró ‘Estado de Alerta’, debido a los altos contagios de COVID-19 que se registraron en el país, generando una gran ola de incertidumbre en todos los sectores de la economía española, pero en especial en la industria del entretenimiento, qué es la que en está situación nos compete. A lo largo de la historia de la música electrónica, el país ibérico ha sido considerado como uno de los destinos más vanguardistas en cuanto a la vida nocturna y turismo se refiere, además de ser uno de los anfitriones de festivales y eventos masivos más destacados en la escena como lo es SONAR o Primavera Sound. Pero claro, sin dejar de nombrar a la isla de Ibiza, un exquisito sitio de verano que cada año recibe a una gran cantidad de visitantes de todas partes del mundo que buscan lo más top de la música electrónica, fiestas hedonistas y playas con aguas cristalinas. Aunque, para estás alturas la temporada ibicenca debió de haber arrancado con todo su esplendor, este año no fue así, dado el caso que los eventos masivos han sido prohibidos por cuestiones de prevención en la propagación del virus. Por lo que la situación comenzó a golpear duro y sin notificar a la industria, correos electrónicos y llamadas no pararon de llegar para cancelar o posponer los eventos hasta 2021, y eso conllevó a consecuencias brutales en los ingresos de los profesionales del gremio, como lo son las agencias de relaciones públicas, medios de comunicación, eventos y su staff, managers, promotores, bookers, técnicos de sonido e iluminación, distribuidores y por supuesto a los artistas. Ante la crisis los profesionales del sector se dieron a la tarea de elaborar una serie de estrategias e iniciativas para impulsar el apoyo a los artistas y a sus equipos de trabajo, entre estas iniciativas se destacó una serie de charlas y entrevistas en Instagram Live creadas por Ibiza Global Radio donde en su primera edición tuvieron como invitados a Alex Montoya (Analog Agency) y Teo Molina (Fiesta & Bullshit Ibiza), en donde ambos dialogaron sobre el panorama actual de la industria y los posibles cambios de la isla blanca. Al finalizar la charla, contactamos directamente a Alex Montoya, Partner de Analog Agency, España, para que nos brindara su profesional punto de vista y las posibles vías de trabajo para sobre llevar la situación de forma óptima. Mixmag: ¡Hola Alex! Cuéntanos, ¿Qué tal te encuentras en estos momentos? Alex Montoya: ¡Hola a todos! Personalmente me encuentro bien, espero que todos vosotros también. Han sido tres meses duros, pero muchas de las novedades que nos sorprendían las hemos adoptado ya en nuestras vidas. Mixmag: ¿Cuales fueron los cambios más drásticos que han llegado a afectar en la relación manager- artista? Alex Montoya: Quiero compartir con ustedes todo lo que he podido ver a nivel personal y apreciar en otros managers y su relación con los artistas. La relación manager y artista es una relación comercial, independientemente de qué después exista una amistad mayor o menor. La mayor fuente de ingresos de un artista es el directo y de esta el manager se lleva un porcentaje. Sin eventos, podemos imaginar que el mánager va a estar bastantes meses trabajando sin recibir ningún tipo de remuneración, pero es algo que no podemos controlar. He escuchado de managers qué han pedido un salario artista, o qué no querían esforzarse porque no tenían una retribución económica, pero esto es pensar con una mente muy corta. ahora mismo lo que el manager debe hacer es apoyar a su artista al máximo y buscar la manera creativa para que éste pueda seguir destacando ver en qué ámbitos puede mejorar y ver qué vías de monetización quedan todavía sin explotar.

Mixmag: ¡Qué bueno qué tocas el tema de ‘la remuneración para managers’ Hace poco estuvo circulando un video en donde algunos DJ’s pedían a los fans donaciones para los Tour Managers ¿Cuál sería tu punto de vista respecto a este controversial hecho? Alex Montoya: La verdad que me sorprendió bastante la reacción que mucha gente tuvo acerca de este tema debido a falta de información. En principio, el proyecto lo diseñó un Tour Manager ofreciendo a los artistas entregar sets para causas benéficas. Algunos artistas pensaron que se referían a causas benéficas como Cruz Roja o cualquier otra entidad, pero resultó ser que era para ellos. Todos hemos visto esos vídeos en los que unos artistas simplemente dicen “donate” sin tener idea de a dónde va ese dinero mientras que otros cuyo nombre no voy a mencionar porque todos lo sabemos pedían dinero para el colectivo de Tour Managers. Entiendo que mucha gente se alteró pensando que cómo era posible que un artista dejase a su Tour Manager tirado y pidiese dinero del público, pero veo lo mismo por parte de dueños de clubs que hacen lo mismo con sus camareros, hacen campañas de crowdfunding para pedir dinero para sus salas cuando llevan años desarrollando un negocio como puede ser cualquier bar, restaurante, zapatería o tienda de libros. Lo que realmente sí me pareció sorprendente es que a estas alturas con los miles de muertos que llevamos colegas de profesión de hace años en lugar de hablar en privado intentasen aprovechar esta oportunidad para sacar fama y luego por detrás andar mandando mensajes pidiendo disculpas, pero no lo han hecho público. Una vez más esta industria demuestra qué te puedes fiar de pocas personas, que todo el mundo tiene un interés y cada que pueden te van a dar una puñalada por la espalda. Mixmag: ¿De qué manera cuidas a tus artistas, han llegado estos ha sentir pánico a raíz de la incertidumbre? Alex Montoya: Soy una persona a la que le gusta ver la realidad y no vivir de ilusiones. Evidentemente esta situación ha creado mucha incertidumbre y ha hecho que nos tengamos que adaptar a una forma totalmente diferente de hacer el business. Hablo a diario con mis artistas e intento dentro de lo posible avanzar y no pensar en el pasado ni en todas las cosas negativas que ha tenido esta situación. Mixmag: Tú eres una parte vital de Analog Agency ¿Cómo van ustedes? ¿Hay algún plan de acción para sobrevivir a estos tiempos? Alex Montoya: Como todo el mundo, nos ha tocado plantear diferentes escenarios y tomar medidas para reducir el daño que se ha generado ante la situación. Por otro lado, estamos aprovechando el tiempo para mantener e incluso aumentar nuestra relación con los promotores de clubs y festivales, crear estrategias de trabajo, actualizar nuestros contactos y bases de datos. Siempre hay muchas cosas que no te dan tiempo a hacer cuando manejas un alto volumen de shows. Ha sido el momento para ponerse a pensar y optimizar recursos y gastos. Mixmag: ¿Piensas que en estos tiempos las agencias pueden encontrar nuevas vías de trabajo con los promotores? Alex Montoya: A nivel de agencia es bastante complicado porque vivimos de la venta de fechas. Por el contrario, un artista o un mánager pueden monetizar por su música, merchandising, sponsors, Master Class. Lo que deben hacer las agencias en este tiempo es cuidar a sus clientes, hacer introspección y prepararse para cuando todo arranque ¡Es buen momento para estudiar el mercado y ver oportunidades! Por mi parte a nivel de management lo que he podido hacer es una evaluación de todos aquellos aspectos que no habíamos desarrollado hasta ahora tanto a nivel de visibilidad y promoción como a nivel de monetización. Por ejemplo, con Fátima Hajji estamos trabajando día a día en la creación de líneas de merchandising, en música para sellos y en

el desarrollo de un evento conceptual que queremos presentar y con el que haremos giras a nivel internacional una vez todo esto se haya normalizado. Fátima está muy activa y cada semana presenta un streaming nuevo qué se ha ido compartiendo con cientos de medios de comunicación. Este es un ejemplo de cómo, a pesar de no haber eventos, se puede seguir trabajando y prepararse para cuando todo arranque. Con Chelina Manuhutu, hicimos colaboración con Karl Lagerfeld y otras marcas importantes y también hemos trabajado en música e ideas para su perfil. Por otro lado, hemos estado trabajando en proyectos con Deborah e Luca para marcas, buscando ideas para desarrollar y analizando estadísticas para ver opciones planteables. Esto son algunos casos por nombrar. Desde Analog estamos enfocados en ayudar tanto a artistas como promotores ante esta delicada situación. Seguimos manteniendo una comunicación fluida para apoyarnos y saber cómo está pronunciándose cada Gobierno. Mixmag: ¿Has tenido casos en los que los promotores no sean tan solidarios como se debería y cómo actúas ante esto? Alex Montoya: Al ser una situación totalmente inesperada ni promotores ni agencias han sabido cómo actuar. Al principio de todo se pensaba que en junio o julio se estaría trabajando y reponiendo las fechas. Muchas fechas fueron pagadas, pero otras no. Hemos podido

ver promotores que han desaparecido o dejado de contestar con entradas vendidas y el artista sin pagar, pero también otros casos en los que se ha llegado a buen puerto qué es básicamente la mayoría. En estas situaciones, ante el estrés y la desesperación, te das cuenta cómo es la gente realmente. Por nuestra parte estamos para servir al artista y al promotor, somos bastante flexibles. Si no se llega a un entendimiento siempre hay un contrato firmado que se debe respetar. Mixmag: ¿Cómo ves el panorama en general en España? Alex Montoya: Siendo realista no creo que vayan a darse eventos hasta prácticamente enero de 2021 y quiero que se me comprenda cuando digo esto. Lo primero es que nadie tiene ni la más remota idea de qué normativa van a poner los gobiernos. Lo segundo es que no sabemos si va a permitirse que los turistas por los artistas de diferentes nacionalidades puedan volar a diferentes países. Lo tercero es la lógica disminución de los aforos de los clubs y festivales durante el tiempo en el que no exista una vacuna. Con todos estos factores en mente, es complicado que los promotores tomen decisiones, tocará esperar. Mixmag: ¿Qué nos puedes decir de Ibiza? Alex Montoya: Ibiza es un caso muy particular como todos saben. tiene un hospital que apenas cubre las necesidades de la isla y dudo que, ante semejante situación, puede absorber los 7 millones de turistas que van cada

verano cuando no hay ningún tipo de control en aeropuertos, la gente no tiene acceso a los test y la isla vive de los macro eventos o la restauración básicamente. Va a ser complicado que este verano podamos pensar en la Ibiza de siempre. Mixmag: Recuerdo qué en la charla con Teo Molina, mencionaste que muchas personas echaban de menos al viejo Ibiza, en donde no existía el boom del EDM, mesas VIP y etc., pero qué ya no podíamos vivir en el pasado, qué habría una nueva Ibiza ¿De qué forma crees que la gente qué trabaja en Ibiza se va a adaptar al cambio? ¿Qué cosas podrían dejar de existir? Alex Montoya: No me gusta vivir del pasado tal y como comenté en aquella charla ¡Pensar en la antigua Ibiza es una utopía! Debemos estar agradecidos con los grandes cambios y propuestas que tenemos hoy y al que no le guste siempre se puede ir a veranear a cualquier otro sitio. En Ibiza siempre ha habido mucha especulación y mucho oportunismo, creo que esto se va a limpiar este año. Por ejemplo, todas aquellas personas que han bloqueado cientos de apartamentos y han pagado un año por adelantado para realquilarlo y se los van a comer ahora. Estos son los responsables de que ir a trabajar a la isla sea un lujo porque te gastas tu sueldo en alquileres. Al igual que todos esos falsos ‘concierges’ que muchas veces se llevan más dinero que un propio local por la venta de una botella o una reserva en un restaurante.

Mixmag: ¿Cómo en cuanto tiempo se podría palpar una recuperación en Ibiza? Alex Montoya: Quiero pensar que en 2021 se habrá avanzado mucho en este tema y se podrá trabajar el verano. Todo esto seguramente con unas medidas restrictivas bastante fuertes y con menor aforo. Mixmag: Vimos que estás de vuelta en la isla después del encierro en España ¿Hay alguna novedad en cuanto a la reapertura de clubes? Alex Montoya: Realmente hasta hace poco había muy buenas expectativas ya que el Gobierno español declaró que en fase 3 los clubes podrían abrir hasta un 50% de su capacidad y con un máximo de 1000 personas, todo eso en un principio, pero este sábado pasado todo ha cambiado y de momento han dicho que los clubes y discotecas no pueden abrir hasta nueva orden. En mi visita Ibiza lo primero que he hecho es reunirme con promotores y colegas de profesión y la verdad qué podría decir que el 95% de los promotores están dispuestos a abrir siempre que prime la seguridad para su público como primera norma a pesar de que sólo pueden abrir con un 50% de capacidad. *Alex Montoya socio de Analog Agency, una de las agencias de management más respetadas en la industria en donde trabaja de la mano con artistas Premium como Chelina Manuhutu, Debora De Luca, Fátima Hajii, Francisco Allendes y Reinier Zonneveld por mencionar a algunos.

Born In Me Born In Mexico es una plataforma de música electrónica que durante los últimos siete años ha impulsado, promovido y difundido la propuesta del talento mexicano. Al día de hoy su roster está formado por artistas de la talla de Rebolledo, Betoko, Pepe Mogt (Nortec), Balcazar, Zombies In Miami, Theus Mago, Pinto, Cabizbajo , Flor Capistran por mencionar algunos.

Born in Mexico ha ido ganando visibilidad al lograr colocarse en los festivales con mayor cantidad de público en nuestro país, como: EDC México, RevolutionFestival, BPM, Elrow, Beyond Wonderland, Carnaval Bahidorá, NRMAL, Vaiven, Bravo , Akamba por mencionar algunos.

Crear un espacio en donde los artistas nacionales puedan impulsar su trabajo a nivel internacional

Como parte de la plataforma también cuentan con la disquera, en la que se han publicado propuestas de talento emergente y consolidado, siendo un espejo sonoro de lo que ocurre en el país. Recientemente publicaron la compilación ‘Empatía’, una iniciativa para que, a través de la música, los artistas puedan expresar, desde sus perspectivas, el aislamiento que estamos viviendo actualmente, y dejar un registro para nuevas generaciones, ya que, sin duda, esto marcará un antes y un después. Algunos de los nombres que podemos encontrar dentro de la compilación son los de Betoko, Pinto, Flor Capistran, Balcazar, Zombies In Miami, Cabizbajo, Shubostar, Moisees, Andrea Acosta, en total son 13 tracks.

Además, cada semana invitan a un DJ mexicano a crear un mixtape para ser transmitido en su show de radio por Ibiza Global Radio, una de las estaciones de radio especializadas en música electrónica con mayor impacto a nivel mundial. Esto con el fin de crear un espacio en donde los artistas nacionales puedan impulsar su trabajo a nivel internacional.

En sus inicios la plataforma desarrolló un concepto único de fiestas el cual tenía como atractivo principal la decoración, producción, diseño, la buena música y lo más importante, crear un espacio en dónde sólo se presentarán artistas mexicanos. Las fiestas crecieron tanto que hoy en día cada año durante el mes de septiembre hacen un festival llamado “Born In Mexico Weekend”, en donde se llevan a cabo más de 40 fiestas en los mejores clubes alrededor de toda la república mexicana.

Entra a sus redes sociales “@borninmexico” y conoce más de todo el trabajo que realizan, tal vez tú puedas ser el próximo artista firmado dentro de la plataforma.

Born In Mexico es una plataforma de música electrónica que durant años ha impulsado, promovido y difundido la propuesta del talento #MéxicoEsTalento

exico

te los Ăşltimos siete mexicano.

VE POR TU PROPIO CAMINO Por: El DJ Secreto (*) “Lifting the lid on life behind the decks” @SecretDJBook Puedes obtener el libro en amzn.to/2Pv5kjr

Algunas veces todo en la vida moderna - y pinchar -, parece estar empujándonos hacia la igualdad. Encuentra la fuerza para resistir, dice nuestro spinner misterioso Llegué al festival como observador por una vez, más que como artista. El line up era muy fuerte; todos los grandes nombres estaban allí. A pesar de la disparidad en las edades, todos los DJ se montaban con el techno enfundados de negro de la cabeza a los pies. Me paré al lado del escenario. Durante aproximadamente 12 horas de música, dos cosas me sorprendieron. La música sonaba igual, todo el tiempo, y nadie estaba mezclando. Grandes nombres. Nombres increíbles. Estoy un poco perdido sin mis lentes, por lo que los atuendos negros también los hacían parecer iguales. Me animó que en un momento uno tuviera la gracia de destacar un poco y ponerse unos auriculares como si se tratase de un sombrero novedoso mientras duró su set. Vivimos en la era de la homogeneización. No hay duda de que el mundo de hoy es un lugar mucho más pequeño. Las mismas marcas en las mismas tiendas, en centros comerciales similares que venden productos idénticos, los cuales se pueden encontrar en cualquier parte del planeta. Las personas siguen las mismas modas y usan los mismos cortes de cabello a miles de millas de distancia entre sí.

Las películas y los programas de televisión son frecuentemente remakes, los libros solo se venden si hay una celebridad involucrada, ningún programa de radio está completo a menos que haya un presentador conocido y famoso. Las alineaciones de festivales y clubes son, a menudo, una secuencia idéntica de los mismos nombres que todos, tanto los promotores como el público han decidido que son “garantía en venta de boletos”. Los fanáticos de la globalización son generalmente los que más se beneficiarán de ella. Hay una historia famosa (y posiblemente apócrifa) de que no hay dos países con McDonald’s que hayan ido a la guerra. El argumento es que esta marca de “civilización” es una prueba de una coexistencia económica que trasciende la agresión. Pero cuando esto se probó en el mundo real, la presencia de cientos de hamburguesas en Rusia no les impidió anexionarse Crimea, que tam bién fué bendecida con una gran cantidad de payasadas. No, lo siento, pero la respuesta al problema de “demasiado, en todas partes” no es “mucho más de todo”. No creo que debamos mencionar el cambio climático y las analogías obvias allí. La cultura juvenil es un microcosmos del mundo en general. Nuestra industria está dominada por unas pocas marcas muy grandes en la parte superior de la pirámide, sostenidas por miles de pequeñas marcas boutique, productores y DJ´s, construidas sobre una base de millones de aficionados no remunerados. Y la automatización ha invadido todos los aspectos de lo que hacemos. Un algoritmo nos dice qué música nos puede gustar,

otra nos la vende. Una computadora descar ga una versión virtual. Y luego, con demasiada frecuencia, se sincroniza en un conjunto. Debido a que la sincronización es parte de esto: no solo au tomatiza la mezcla, también falla espectacularmente cuando se le pide que haga algo difícil, como meter dos registros juntos que son muy diferentes. Algunos argumentan que el mismo propósito de pinchar es hacer que las cosas que no deberían suceder, sucedan en efecto. Pero ésa sincronización no puede convertir un beat mezclado en 33 en lugar de 45 algo diferente. No estoy aquí para juzgar ni condenar. Pero yo argumentaré que se está eliminando el riesgo, la variedad y el color de la pista de baile. Todo eso nos empuja hacia la igualdad, ya que las pequeñas oportunidades de elección individual y humana son aplastadas por la demanda que exige que la melodía que pones ahora necesita ser casi exactamente igual que la anterior, tal como la expectativa nauseabundamente reconfortante de un set identificable para el público en el siguiente bloque. No es de extrañar que las alineaciones apenas difieran de un evento a otro. A veces puede parecer que no hay más magia. El mago está muerto, su glamouroso asistente lo mató y ahora se pasea por el escenario gesticulando locamente ante nada. Todo sin embargo no está perdido. Un vasto mar de igualdad es claramente ventajoso para el estado de ánimo adecuado. La homogeneización es una oportunidad, más que un apocalipsis. La gente siempre ha deseado la novedad.

Una extensión gris de originalidad es un campo muy fértil para nuestras mentes creativas. Literalmente, nunca ha sido tan fácil causar una impresión o generar un impacto. Claro, no es fácil mantener el interés de las personas una vez que lo tienes, pero eso es parte del desafío. Toma la fuerza. Ahora es tu momento. La antigua era de la seguridad ha quedado atrás y la nueva era de la brillante innovación atrae al público. Gracias a eso, se puede destrozar un lugar en pedazos si solo se arriesga y se cree en marcar la diferencia con tu talento. Ser más honesto y alegre que todas las demás ovejas que siguen el mismo camino, al tiempo que se puede hacer esa diferencia. La naturaleza del capitalismo moderno es evitar el riesgo y suplir la demanda cuando se está trabajando para algo nuevo. Puede parecer que a nadie le importan tus innovaciones porque las últimas modas son solo pequeños ajustes en la moda anterior. Y esto es verdad. Pero hay un consuelo: esto es simplemente evidencia de que algo grande está en camino. La industria de la música dance, en su forma cruda y reptil, no innova. Explota. Deja que haga su trabajo mientras haces el tuyo. Cuando llegue el momento de que sus experimentos se tomen globalmente, todos estarán en sintonía y cumplirán su propósito. Tan pronto como empieces a pensar que todo lo que quieres es tener éxito y que harás lo que sea para llegar allí, ya has perdido. Solo los únicos e innovadores sobreviven a largo plazo. Los imitadores de plástico tienen cero vida útil. Las verdaderas estrellas brillan más fuerte en una noche oscura.

“La industria del Dance no está innovando, explota. Lo mejor será que haga lo suyo, mientras tú haces lo tuyo”

FÁTIMA HAJJI SINERGIA BRUTAL Por: Mixmag México

Fué en 1999 cuando Fatima Hajji debutó como Dj en su ciudad natal (Salamanca), consiguiendo crear una atmósfera de fiesta que antes era solamente propiedad de unos cuantos grandes nombres. Su legado surge cuando tras asombrar al público local con un hard techno demoledor cargado de constantes referencias a su ascendencia árabe, que llegó a contar con una verdadera legión de seguidores en su ciudad natal, lo que hizo que el trabajo de Fátima empezara a difundirse por el resto de clubes de la zona, para que de a poco comenzara a arrasar en la escena eléctronica española. Un trabajo constante y un crecimiento impulsado por su buen hacer en la cabina le han hecho ser una de los referentes en la escena Techno del país. Su sonido es ya una especie de “marca de fábrica”, dotado de una técnica, potencia y agresividad unidas a momentos muy melódicos, que hacen que ése sello personal “a lo Hajji” sea rápidamente reconocido hasta por los profanos. Fátima nunca le ha tenido miedo a las experimentaciones, ella se atreve sin dudar a llenar su maleta de los tracks más duros mezclándolos con temas muy melódicos, una apuesta realmente arriesgada con la que ha hecho bailar a clubbers de toda España, consiguiendo que los crossfaders de la península echen humo al oír su nombre. Su nombre ya se ha hecho sinónimo del techno tribal más duro y de las noches más agotadoras, algo que ha quedado demostrado en sus apariciones en diversos eventos en los cuales la gente termina rindiéndole pleitesía. Desde los últimos años comienza a erigirse en una de las representaciones del Techno Ibérico en toda Europa, tanto por sus dj sets como por sus producciones musicales. Un Hard Techno demoledor, limpio, divertido y bailable y una conexión fortísima con su público son dos puntos claves para entender las bases de este crecimiento, enmedio de una atmósfera de diversión que también se puede encontrar en sus sets como AMITTA, con el que hace su propia reinterpretación del Techno, siempre fiel a su peculiar y genuino estilo. Soft Techno, pero dentro de su línea de calidad técnica, potencia y gran selección musical. “El amor por la música, ser constante y seguir haciendo lo que me gusta en todo momento me ha dado parte de lo que tengo como artista, siempre he tenido grande admiración por artistas como Carl Cox , que es mi artista favorito” afirma Hajji. “En mi carrera he conocido muchos lugares pero mis favoritos para tocar en todo el mundo en orden en mi carrera; España obviamente resaltando Madrid Barcelona y Granada. Portugal es como mi segunda casa y Holanda lo mismo. En Italia también siempre es una energía muy fuerte”. En su andar por el mundo, también ha habido espacio para que ella pudiera explorar esta parte

del hemisferio, en presentaciones que en las cuales ella guarda un buen recuerdo. “Tengo que decir que las veces que estuve en América del sur para mí han sido muy especiales, guardo un gran recuerdo de Colombia, Argentina, Chile, Uruguay y Perú. En el norte Nueva York (donde la primera vez que actué fue en un ferry por el río Hudson y Los Ángeles también fué lindo. En México solo estuve una vez pero no me olvido de lo bien que me trataron, asi que espero volver pronto. Por el momento no tengo un lugar favorito para tocar, es imposible decir uno porque no existe. Hay muchos que son brutales y cada uno tiene su encanto. Aunque el público mexicano me encanta, es muy entregado”. Mixmag: ¿Qué software usas para producir? ¿Qué dispositivo o sintetizador (enchufable o físico) es tu favorito? Fátima: En mis producciones utilizo Ableton Live, aunque siempre incluyo sonidos de mi favoritos como Bass Station, TR09 y TB03, algo que lo hace más interesante. Para mis sets utilizó 1 DJM Pioneer 900 Nexus 2, 3 CDJS Pioneer 2000, 1 RMX 1000 y si la ecualización del club permite usarlos un par de Decks Technics, por movimiento es difícil tener estabilidad. Mixmag: ¿Que nuevas sorpresas y producciones podemos esperar? Fátima: Estoy trabajando en mis producciones esta cuarentena, la que ha servido para avanzar con temas que tenía a medias y se juntan con otros que ya había acabado y que están a punto de salir. Forget saldrá en Dolma en Mayo, luego tengo un EP preparado para Autektone en Julio y todo lo demás irá saliendo a continuación. Tengo unos meses con muchos nuevos tracks por ver la luz. Tengo colaboraciones recientes como la última, que fué con Spartaque, saqué un EP en su sello Codex Recordings, uno de los tracks “Sinergy” fue colaboración con él y estoy muy contenta con el resultado. Mixmag: ¿Cuál crees que es el futuro de la música que conocemos hoy? Fátima: Espero que siga siendo como ha venido siendo estos años, que la gente siga disfrutando en las fiestas, que cada vez haya más nueva música y más diversidad. El amor por la música. Es sin lo que no me imagino vivir. Mixmag: ¿Qué opinas de los agentes y las agencias de talento? Fátima: Creo que a medida que la escena ha crecido todos nos hemos vuelto más profesionales y la gente que acude a los eventos también es más exigente en el buen sentido de la palabra. Los agentes, bookers y toda la gente que trabaja fuera de los escenarios son figuras que se han vuelto imprescindibles para que todo funcione como debe y poder mejorar la calidad de los eventos y que la escena en general siga su crecimiento. Esto permite que muchos de los artistas se puedan dedicar exclusivamente a la

música, que es la base y el pilar sobre lo que se sustenta todo. Mixmag: ¿Cuáles serían las referencias musicales propias de artistas y canciones que cambiaron tu vida? Fátima: De pequeña escuchaba mucha música Arabe en mi casa, ya que mi padre no paraba de ponerla. Un cantante que me encanta es Cheb Khaled del que además he remezclado varios temas. Uno en especial es AbdelKader 1,2,3 Soleils que lo canta con Rachid Taha y Faudel,de este hice un bootleg que se llama Violines y quizá fué uno de los tracks que hizo que la gente me identificara muy rápido además que era toda una explosión cada vez que lo ponía. En ocasiones muy especiales todavía lo pongo. Mixmag: ¿Cuáles serían tus recomendaciones sobre lo que el artista quiere por ejemplo, para su equipo de trabajo? ¿Qué consejos darías a principiantes y avanzados? Fátima: Sobre el equipo lo ideal es trabajar con lo que te sientas cómodo y se adapte mejor al sonido que tú quieres, tanto en cabina como en el estudio. Por ejemplo para mí una mesa Pioneer saca un sonido que me encanta cuando la llevas al límite, además de la gama de efectos que tiene, pero reconozco que Allen Heath tiene una gran ecualización que para determinados sonidos es mejor. Como consejo es haz lo que te guste y lo que te haga sentir feliz, no te dejes guiar por modas o críticas, sigue tu instinto porque al final se trata de hacer algo tuyo, diferente... y siempre se constante. Es un camino muy largo y al principio puede ser especialmente duro resistir. Mucha gente trabaja muy duro durante mucho tiempo y factores externos pueden afectar a que en determinados momentos tengas más o menos oportunidades. La clave (si es que existe) es no parar nunca de trabajar. Mixmag: Cuéntanos una anécdota sobre lo más extraño que te sucedió como artista… Fátima: Awakenings es perfecto, producción, sonido, localización, ambiente. Si te gusta el Techno debería ser obligatorio ir. Tomorrowland una locura de producción, algo que merece la pena ver al menos una vez en la vida sin duda. En España llevo muchos años en Festivales como Medusa y Dreambeach, los he visto crecer a ambos hasta convertirse actualmente en dos pesos pesados y cada año se superan. La primera vez que toqué en Awakenings, puse Violines y la gente gritó como si hubiese metido un gol. Al principio me asuste porque el rugido fué tan alto que pensé que algo había pasado y me di la vuelta y pregunté qué sucedió, pero en seguida me dí cuenta de que la gente estaba feliz dándolo todo. facebook.com/fatimahajjidj instagram.com/fatimahajji twitter.com/fatimahajji soundcloud.com/fatimahajji

DAVE SEAMAN EL GODÍN DEL VINIL Dave Seaman es dueño de Selador, un label que ya no es tan nuevo y que increíblemente acaba de celebrar su séptimo cumpleaños. Después de su parón con Audio Therapy decidió asociarse con Steve Parry para comenzar con un lienzo en blanco. Y así tener un nuevo comienzo. Siete años después, creo que tomaron la decisión correcta. No podrían estar más contentos sobre cómo ha progresado el sello y lo que se ha logrado. Diferentes caminos un mismo destino En conjunto con su compañero de sello Steve Parry, así como sus socios 3D en Danny Howells y Darren Emerson, seleccionan cada release, además, han tenido tantos artistas increíbles que han colaborado con ellos en los últimos 7 años. Quivver, Cristoph, Jimpster, Robert Babicz, Moonwalk, Township Rebellion, Gorge, Lee van Dowski, D-Nox & Beckers, Guy Mantzur, Lonya, Joeski, DAVI, Ruede Hagelstein, Doc Martin, Victor Ruiz, Third Son, Wehbba. Una lista que dia a dia se extiende. Siempre han tratado de no encasillarse en un sonido o género en particular. Steve y él adoran tocar música electrónica de todo tipo, desde deep house hasta techno, por lo que quieren que el sello reflejara eso. Global underground y Renaissance Dave tiene buenos recuerdos de momentos pasados, viajando por el mundo y haciendo álbumes alrededor del cambio de milenio. Fue para él una época dorada para los clubes y la música de club de la que se siente muy privilegiado de formar parte. Se tuvo tanta diversión, ¡no debería haberse permitido! El surgimiento de un nuevo proyecto Danny (Howells), Darren (Emerson) y Dave tenían una cita para tocar en el Ministry Of Sound en Londres la misma noche y, como una broma, Seaman dijo “deberíamos llamarlo 3D para Danny, Dave y Darren”. Lo siguiente que pasó fue que el club había hecho volantes con 3D en ellos y de repente ya era un proyecto. Es curioso, cualquier club o festival podría haberlos bookeado a los tres juntos en cualquier momento en los últimos 25 años, pero tan pronto como salió este proyecto, comienzan a tener solicitudes por doquier. Han sido amigos durante tanto tiempo, que siempre es un placer verlos juntos. México es como un segundo hogar para él. Ha tocado más veces que en cualquier otro país del mundo. ¡Siempre bromea diciendo que ha estado en más lugares en México que la mayoría de los mexicanos! No sabe por qué, pero por alguna razón a México parece que realmente le encanta su música y ciertamente también comparte un sentimiento similar.

Constante evolución y cambios Dejó de tocar viniles en 2004. Comenta que tiene más que ver con el hecho de que lo digital es tan fácil de llevar al mundo que cualquier otra cosa. No extraña cargar cajas de vinilo en el tour. Además, obviamente de poder acceder a mucha más música digitalmente que físicamente y también llevar semanas de música contigo para que esté preparado para cualquier eventualidad. De hecho, para él, no hay mucho donde el vinilo sea mejor que el digital, excepto tal vez la calidad del sonido, que realmente no es el final y todo lo que algunas personas pueden hacen creer. Tantas influencias como vivencias Tiene influencias de todo tipo como Arctic Monkeys, Foals, Arcade Fire, Radiohead. Artistas clásicos como Prince, Bowie, Stevie Wonder y New Order, Talking Heads y en este momento algunos de sus favoritos incluyen Sylvan Esso, Maribou State, Glass Animals, !!!, St.Vincent. Ser godin del vinil Se considera un godín profesional ya que de lunes a viernes tiene chamba, su disquera lleva mucho tiempo, además de todas las redes sociales y el marketing que tiene que hacer como artista le lleva su tiempo. Pero siempre trata de encontrar espacio todos los meses para entrar al estudio, incluso si solo es por un par de días y siempre pretende terminar una producción o remezcla cada vez que entra. Su programa mensual, por cuarentena, no da tiempo de más. Fiel amante a las ondas hertzianas piensa que la radio es una forma de arte única que la televisión o cosas como YouTube nunca podrán reemplazar. Podríamos cambiar la forma en que escuchamos la radio, pero los programas de música seleccionados que se presentan con personalidad humana nunca morirán. Además, la radio es más que un lugar para escuchar música, puede ser un amigo cuando estás solo. En estos días de aislamiento es cuando la radio realmente entra en juego. Hay tantas estaciones como nombres en el mundo sin embargo él tiene la BBC 6 Music como su estación favorita. Opina qué es “¡La mejor estación de radio del mundo!” Sobre México tiene muy buenas experiencias y viajes a elegir ,pero algo más reciente cuando viaja con su familia de vacaciones a Los Cabos. Tomando el sol en el bote todo el día con su esposa, sus hijos y algunos amigos, viendo las ballenas, bebiendo tequila. ¡Qué manera de pasar un día! Su mayor gusto adquirido fueron los tacos, que por supuesto los lleva en su corazón.

Vestuario: Fausto Puglisi

DEBORAH DE LUCA LA REINA DE NÁPOLES Por: Mixmag México

Con una legión de admiradores detrás, Deborah de Luca vive el sueño privilegiado al que sólo los más grandes pueden aspirar: subir sin miedo y por méritos propios los peldaños que llevan al Olimpo de la música electronica, dominado mayoritariamente por hombres. Y ahí se ha mantenido, convertida ya en una reina, la Reina de Nápoles como es conocida. Con una agenda llena hasta antes de la pandemia del Covid-19, se le podia ver programada en diferentes continentes, codeándose con grandes figuras dentro de todos los festivales más importantes del planeta. Ella misma lo dice, cuando afirma que se encuentra actualmente “en unas “vacaciones forzadas” por primera vez después de 12 años de noches sin parar”. Nacida en el barrio de Scampia en Nápoles, Italia y pujando duro desde abajo para convertirse finalmente en la estrella que es hoy, Deborah se ha forjado una intachable reputación dentro del hard techno y minimal. Entre sus muchos emprendimientos está el buen camino que ha seguido su propio sello Sola_mente Records, que vió surgir su magia en noviembre de 2018 cuando salió su exitoso debut Ten, el álbum que representaría sus primeros diez años de trabajo en esta escena musical, con diez tracks que definieron un sonido particular que es envidia de muchos. Hoy su sello busca novedades de calidad y se mantiene con buena salud, algo no tan fácil en un entorno que se ha vuelto más exigente para lo digital. Este año lo comenzó con el pie derecho gracias a su participación en los Ultra Music Festival de Abu Dhabi y Australia, así como en el Festival de la Primavera Electrónica en Granada, entre muchos más. El año sigue boyante para ella, pese a todos los contratiempos. Actualmente trabaja en su nuevo album “She Sleeps” y acaba de debutar en BBC Radio 1, siendo presentada por el reconocido DJ y productor Pete Tong, montándose un set que duró dos horas con canciones de artistas como Nostromos, Sopik, Keith Carnal y más. Además pudo presenter algunos de sus originales más conocidos como “Vision Ecstasy”, “Writing Songs” y “Waiting For You”. Deborah de Luca sigue innovando en la música, no en balde es pionera en el uso de las redes sociales como herramienta de promoción, incluso se le recuerda como una de las primeras artistas en filmar sus actuaciones, antes incluso de que el streaming fuera posible. Sus sueños no conocen límites y estamos ante al escenso aún más alto de una figura que no se conforma y que aspira a más, con unasganas locas de seguirse superando y liderar su propio proyecto con temas que han ido adquiriendo cada vez más popularidad. Mixmag: ¿Entendemos que estás trabajando en tu nuevo álbum “She Sleeps”? ¿Qué podemos esperar de este álbum? Deborah: Quiero que la gente en tienda y aprecie mi forma de entender la música. Escuchar influencias de otros géneros y también poder escuchar y disfrutar mi música fuera del club. En el automóvil, mientras cocina o hace ejercicio. ¡Quién sabe cuándo volveremos al club! Mixmag: ¿Y en qué se diferencia de tu álbum debut “Ten”? Deborah: ¡Buena pregunta! Me encanta mi álbum debut ‘Ten’. De hecho, para mi reciente transmisión en vivo para Honor ¡prácticamente toqué solo canciones de ese

36 36 Vestuario: Fausto Puglisi

álbum! Creo que mi nuevo álbum ‘She Sleeps’ tiene quizás menos voces y más fuerza, pero definitivamente puedes ver que provienen del mismo lugar. Ambos son hijos de un momento muy importante en mi vida, incluso si están separados por dos años. Mixmag: Para ti, ¿qué es lo más importante al elegir las canciones que vas a presentar en tu álbum? ¿Cómo los eliges? Deborah: No elegí las pistas para poner en mi álbum, es más un caso de las melodías que me eligen. Creo que es la música la que nos elige, no al revés. Sin embargo me atraen los sonidos hipnóticos y los loops memorables. Y a veces me gusta combinar voces, como puedes escuchar de “As wild as you wanna be”, la primera canción del álbum y una de mis favoritas. Mixmag: Además de “She Sleeps” y de tu sello Sola_mente Records… ¿qué nuevos planes y lanzamientos adicionales se preparan para el resto del año para ti y otros artistas? Deborah: Bueno, aparte de seguir promocionando mis lanzamientos que no aparecen en el nuevo álbum, también siempre estoy buscando nuevos talentos. Recibo miles de demos cada mes y revisarlos no es fácil. ¡Algunos de ellos no tienen ninguna relación con el género de Sola_mente! Trato de pedirles a quienes comparten mi visión que me envíen cosas nuevas, ¡quién sabe qué será lo próximo! Mixmag: Tu álbum debut “Ten” de 2018 ha tenido mucho éxito, ¿puedes hablarnos un poco sobre eso? Deborah: Bueno, en ese álbum esencialmente describí mi vida. Mi primer CD comprado en 1996 (tenía 16 años) fue de Lauren Hill y en honor a ese evento puse su voz en una de las pistas de ‘Ten’. Luego pasé de los géneros más livianos a los más ácidos, temas como “The Moon and the sun”. Hay canciones que todos pueden bailar, incluso aquellos que no siguen el techno, es un tributo a mis primeros años como bailarina, antes de que descubriera la música electrónica. Luego está “Sofia”, una canción que me encanta y que lleva el nombre de un perro al que he estado muy apegado. ¡Cada canción recuerda una parte de mi vida! Mixmag: ¿Hay nuevos productores que te hayan llamado la atención recientemente? Deborah: ¡Nuevo para mí pero no para el mercado! SHADYM, F-rontal, 2Bee, Sopik y Nostromos. ¡Todos los nombres que vale la pena recordar! Mixmag: En términos de conexión con los fanáticos, ¿como has usado las redes sociales para tu carrera musical? También publicas en tus redes sociales mucho sobre tu vida personal y tus perros ... Deborah: Es muy agradable compartir partes de tu vida con personas que te escuchan y siguen tu música. No me importa lucir genial publicando fotos de aviones privados o vacaciones en el Caribe. Es bueno mostrar las cosas simples. Un día con amigos o con el perro. Cuando cocino. Una puesta de sol. Un momento hermoso, simple como todos lo viven. Personalmente vivo mi vida entre fines de semana como cualquier otra persona normal. No como DJ en un descanso. Mixmag: Eres conocida por muchos como “La Reina de Nápoles”, estás detrás de la consola viajando de continente en continente cada semana tocando en algunos de los eventos más prestigiosos del mundo ... ¿Cómo ha afectado la crisis de Covid-19 a tu vida y carrera? ? ¿Qué ves en tu futuro al respecto?

¿Cómo cambiará esto tu vida? Deborah: En realidad no sé por qué me llaman la Reina de Nápoles, ¡pero estoy feliz de recibir este apodo, por supuesto! En cuanto al Covid-19 y lo que cambió en mi carrera, ¡bueno, todo! Pero para todos, creo. Por el momento, no sabemos cuándo volverá la normalidad para los clubes y festivales... tanto como lo permitan los gobiernos y también el impacto que tendrá en los temores de las personas sobre salir. No lo sé... ¡no estábamos preparados para todo esto! Mixmag: En una entrevista, dijiste que Nina Kraviz era la mujer que había cambiado todo para mejor y para la buena fortuna de las DJ femeninas en esta industria. Hoy en día, hay muchas mujeres tocando en formaciones, clubes, etc. ¿A quién ves como las próximas estrellas en la nueva generación? Deborah: Siempre es gracias a esa puerta abierta por Nina que muchos hoy pueden entrar en un mundo que una vez estuvo casi completamente controlado por hombres. Me parece algo positivo. ¡Una revolución! Mixmag: Italia fue la patria del género influyente de la casa italo en los años 90: hoy parece que el techno dominó la escena del Dance en tu país... ¿Crees eso? Deborah: Italia y Nápoles en particular son áreas que han dado mucho al mundo del techno y a la escena en general. Es una pena que tengamos que ir al extranjero para que nos noten. “Nemo propheta en patria”. Mixmag: Pasando a su ciudad natal, Nápoles, una de las ciudades “techno” más importantes de Europa. ¿Cómo te iniciaste en la música electrónica? ¿Qué artistas fueron los primeros en influenciarte? Deborah: La música que más me influyó no proviene de mi ciudad, sino de mi padre y de su colección de vinilos, recopilada desde que era joven. Al escuchar estos discos, me he vuelto muy curiosa de todo tipo de géneros, muchos de los cuales han influido en mi sonido. Mixmag: Si no fueras artista, ¿qué te imaginas ser? Deborah: En la escuela primaria, siempre solían hacer la pregunta “¿qué quieres hacer cuando seas grande?”. ¿Mi respuesta? “No sé qué quiero hacer cuando sea grande, pero definitivamente lo haré por la noche. ¡Por la mañana quiero dormir!

f e s t i v a l e s

WOODSTOCK EL FESTIVAL QUE LE PLANTÓ CARA A UNA PANDEMIA Por: Sergio Islas Pacheco

A raíz de la crisis sanitaria derivada del Covid-19 que ha obligado a un gran confinamiento mundial, alguien ha recordado una anécdota oscura del Festival Woodstock que se llevó a cabo el siglo pasado, justo en el medio de una pandemia. Fue precisamente en ése turbulento año de 1969 que la cepa del virus H3N2 estaba devastando a la población mundial y, pese a ello y a los miles de muertos que ahora rivalizan con los que lamentablemente se están presentando en nuestros días, las víctimas y la emergencia apenas si merecieron unas breves notas en la prensa de la época. Woodstock Peace and Music Festival se llevó a cabo entre el 15 y el 18 de agosto de 1969 en una granja del estado de Nueva York y es considerado al día de hoy como uno de los más importantes de la historia, sobre todo al convertirse en el nicho histórico de un símbolo de la filosofía hippie y del lema “paz y amor” con el cual la juventud de entonces se rebelaba ante la política intervencionista de Estados Unidos, concretamente durante la guerra de Vietnam.

Lo que no había sido difundido, pese a los ríos de tinta que se han derramado hablando sobre él, es que a diferencia del parón de festivales y conciertos que hoy vivimos en el planeta, Woodstock fué celebrado enmedio de una epidemia mortal de gripe que en los Estados Unidos llegaba desde Hong Kong cuyo origen se remonta a diciembre de 1968, alcanzando su momento álgido un año después. Ése año y solamente en los Estados Unidos más de 100.000 personas murieron por esta causa, en su mayoría adultos mayores de 65 años en adelante. Las cifras mencionan más de un millón de personas fallecidas por el virus a nivel mundial. En términos de letalidad, fue tan mortal y aterrador como el COVID-19, si no es que más. A diferencia de nuestros días, las cosas se tomaron con más desparpajo. Apenas 23 estados norteamericanos tomaron medidas y las escuelas permanecieron parcialmente abiertas. Las empresas y sus actividades productivas se mantenían adelante, se podía ir al cine, a bares y a restaurantes, según explica el economista y periodista

Jeffrey A. Tucker en un artículo publicado por el American Institute for Economic Research (AIER), que tuvo que ser corregido por el propio autor para dar las cifras reales, que son las que se acaban de enunciar. Sin embargo, el gran valor documental y anecdótico del texto es precisamente poder apreciar como en ésos años habían medidas mucho más relajadas que las actuales. En ése momento casi nadie se detuvo a pensar que aquel virus era tan peligroso para la población. Con apenas algunas notas en la prensa de ese año apenas perceptibles para los más acuciosos, los periódicos apenas si dedicaron atención a la pandemia, que no fue ni de lejos considerada como un gran problema. Entre la guerra de Vietnam, el mayo francés y las revueltas estudiantiles en todo el mundo que en México también cobró la vida de cientos de estudiantes previo a la inauguración de los Juegos Olímpicos un año antes, parece que había mejores cosas que reportar, sin contar la agitación socio cultural del momento, con la llegada del hombre a la luna.

f e s t i v a l e s

En las mismas condiciones que en nuestros días, sería impensable que Woodstock se celebrara hoy. El festival tuvo lugar en agosto, pero inicialmente estaba previsto que diera inicio en enero de 1969, en pleno pico de la curva de una pandemia, réplica de otra que había arrasado el mundo 11 años antes (en 1957), dejando 2 millones de fallecidos a su paso por el mundo. En su momento, Joel Rosenman (del comité organizador de Woodstock) declaró a Reuters que para el momento de efectuar el festival ya no había pandemia alguna, pues le tocó llevarse a cabo entre dos picos en los cuales ésa gripe desapareció. De cualquier forma, las medidas de distanciamiento social no eran aceptadas en ése entonces por los expertos en salud, pues apenas fueron admitidas hasta ya bien entrado el año 2000 durante un brote de gripe aviar. Con todo y ésos antecedentes, el Festival Woodstock llevó a miles de jóvenes a una celebración de la libertad y de amor libre que ha sido idealizada y santificada hasta nuestros días. Impensable imaginar al medio mi-

llón de personas reunidas que multiplicaban por nueve la asistencia prevista sin las medidas de seguridad actuales, además de unas 250.000 personas que no alcanzaron a entrar debido al colapso de los accesos y que se arremolinaban sin rumbo en los alrededores sin ninguna clase de protección.

(pese al gran número de personas hospitalizadas) y mucho menos prohibieron los actos multitudinarios que en ése momento llenaban las calles de disidencia social, así como tampoco cerraron las guarderías pese a que hubo más muertes infantiles con este virus, que con el Covid-19 actual.

Paradójicamente y en medio del alto índice de mortalidad en ése año, Woodstock hizo el milagro de apuntalar los índices de natalidad en ése año y además regaló para la historia imágenes que han quedado grabadas en la memoria colectiva, las cuales aún se siguen celebrando.

Woodstock 1969 está muy presente a la fecha, por la consagración que supuso para los artistas que se convirtieron en leyendas por su participación en este cartel y por lo que significó para una juventud preocupada por cambiar el Estado de las Cosas de su tiempo. Pero hasta ahora, nadie recordaba el cementerio en que quedó convertido el mundo de entonces, con al menos un par de millones de personas fallecidas acumuladas en dos años que pasaron a formar parte de una estadística incómoda que la historia moderna se encargó de olvidar y que ha quedado ahí, como una anécdota más.

De este modo, la pandemia de H3N2 mató a más personas en los Estados Unidos que el número total de muertes estadounidenses durante las guerras de Vietnam y Corea, que ya de por sí traían cifras de escándalo por la gran cantidad de bajas. La gripa H3N2 no destruyó los mercados bursátiles ni propició medidas de distanciamiento social, tampoco colapsó el sistema sanitario

41 23

REBOLLEDO EL ORGULLOSO GUERRERO MEXICANO POR: SERGIO ISLAS PACHECO

Hablar de Mauricio Rebolledo es señalar la carrera de un mexicano que ha sabido afrontar la adversidad y, como un moderno guerrero, se ha encumbrado con mucho esfuerzo como uno de los más grandes exponentes de las tornamesas en el país. Y a mucho orgullo ha empezado a hacer fortuna y nombre desde que el sello Cómeme del chileno Matías Aguayo se fijara en él, consolidándose luego con Hippie Dance, su propio sello que es a la vez su obra de arte que ha cobijado con amor, trabajo y paciencia. Rebolledo es quizá uno de los mejores productores que puede tener nuestra escena -si no es que el mejor- y que hoy musicalmente se traslada a sonidos más sobrios, conceptuales y que se notan bastante influenciados por todos los nuevos amigos con los que lleva haciendo tour como Jennifer Cardini o Maceo Plex. Su forma de vestir, su gusto musical que da ese toque de genio a su accionar es su mejor carta de presentación, lo que le da individualidad y presencia inconfundible, manteniéndolo siempre ocupado, haciendo del vinil su instrumento y herramienta de trabajo, al tiempo que en una semana puede estar en tres lugares diferentes del mundo. Nacido en Jalapa, Veracruz, Mauricio Rebolledo se ha convertido en esta época en el ícono representante de México en el extranjero, un título nobiliario que se ha ganado a pulso como nadie. Tanto así que el poderoso sello alemán Kompakt lo fichó como uno de sus artistas y nunca desentonó en su grandeza con lo que otros hacían, o con lo que sus padrinos musicales esperaban de él. Después de varios EP’s y singles como “Pitaya Frenesí” o “Guerrero”, en el 2011 lanzó su primer álbum “Super Vato” en “Cómeme”. Junto con Superpitcher creó el dúo Pachanga Boys y su sello “Hippie Dance”, los cuales fueron responsables en el 2012 del super éxito “Time”, que han hecho bailar a todos. Su hit más importante es “Guerrero” con el que consiguió ruido mediático bastante importante a finales de 2009. Apenas unos meses antes había debutado con Pitaya Frenesí, un track en el colaboraba el mismo Aguayo. Pachanga Boys, Danza Hippie, TOPAZdeluxe, M.N. Roy y Mayan Warrior son algunos de los proyectos en los que Rebolledo está involucrado. Él cree en la música libre de fronteras y su propio bagaje es un mix que él mismo ha extraído de todos los rincones del mundo en los que ha estado, mostrando cómo se pueden contar historias con esos registros aparentemente inconexos. Su sonido es impulsado por ritmos psicodélicos y líneas de bajo sintéticas ondulantes que inducen al trance como estado. Ya sea que se trate de su trabajo en solitario o en colaboración, Rebolledo siempre ha sido una presencia propositiva dentro de la cultura de la música underground. Rebolledo fue incluído además en la lista de Forbes Magazine como uno de los cincuenta creativos mexicanos con mayor influencia a nivel mundial. En 2017 su álbum de remixes “Mondo Re Alterado” fué muy bien recibido por la prensa y el público, e incluye colaboraciones con grandes artistas como Superpitcher, DJ Tennis, Maceo Plex, Red Axes, entre otros.

“Cuando salí en el 2015 como uno de los 50 mexicanos más creativos del mundo -afirma Rebolledo-, fué un momento en el que supe que todo por lo que he luchado ha valido la pena. Estar en ésa lista al lado de directores como Iñarritu, actores y mucha gente que tiene tanto por dar, fue una gran emoción”. Se entiende cuando nada le ha sido regalado y cada peldaño que ha subido le ha costado tanto al veracruzano, que se ha valido de su calidad para salir adelante siendo ésta precisamente su mejor carta de presentación. “Por ejemplo en la segunda mitad del año 2000 comencé a trabajar en Playa del Carmen en la Santanera Club y me tocó atender a mucha gente allá, uno de ellos fue precisamente Matías Aguayo con quien trabé una gran amistad. En ése entonces pese a que no tenía ni idea de cómo producir, todo eso me llamaba la atención. Yo no tenía estudios musicales y era un desconocido, aún así la tercera vez que Matías llegaba ahí le dije lo que quería y él se propuso ayudarme. Cuando yo le entregué mis primeros demos a él le gustó, por básicos y primitivos, no quedaba de otra porque todo lo hacía con mis maquinitas caseras, en tiempo real, a “prueba y error”, quemando todos mis demos al modo antigüo. Una vez en mi casa me enseñó como hacerlo y fue eso lo que me motivó a seguir”. Con ésa atención fue que el propio Matías le llevaría a la cumbre vía “Pitaya Frenesí”, un track en el cual estaba colaborando el propio Aguayo. Además en ése mismo 2009, su primer EP titulado “Guerrero” ganó notoriedad gracias al videoclip de su corte titular. El sonido de Rebolledo se caracteriza por los ritmos crudos, las melodías simples y un peculiar sentido del humor. En 2011 editó su álbum debut “Super Vato”. Junto al productor alemán Aksel Schaufler mejor conocido como Superpicther actualmente forma parte del dúo Pachanga Boys. Colaborar es su pasión, “yo mismo me he encargado de llevar cosas a mi sello proponiendo artistas de calidad, como el caso de Zombies en Miami. Siempre estoy aportando de una forma u otra, desarrollando ideas, sugiriendo esto o aquello”. A Mauricio le cuesta trabajo definir su sonido. “Ponerle nombre a lo que hago siempre me ha costado mucho, podría llamarlo techno house o minimal. Matías decía que lo que yo hacía era techno cavernícola, Aksel dice que lo mío es Cowboy Trance o Tarantino Techno. En la revista Groove (una de las revistas alemanas de música electrónica más importantes) después de describirlo y recomendarlo remataban diciendo “no es house, no es techno… es Rebolledo”. El hecho de que no me puedan encasillar en un estilo y reconozcan mi sonido como propio y único es lo que reafirmó mi idea de hacer las cosas como yo las siento y ha sido algo que me ha destacado”. Es tajante cuando afirma que le aburren “los que se toman esto de la música muy en serio, con demasiada solemnidad. Soy de lo más profesional, pero la onda de tomárselo en serio nomás no va con lo mío, porque soy despreocupado, mi tirada siempre fue desatarme”. Solo así se entiende que “Guerrero” por ejemplo, fuese algo concebido en plan desmadre y que marcó a muchos no solo por la forma de presentarlo, sino también por un esti

lo único que es la marca de fábrica de Rebolledo. “Sí creo que ha habido un antes y un después en la escena musical a partir de los tiempos de Cómeme y Hippie Dance”. Rebolledo es también un hombre al que le gustan los retos. Al cuestionarle sobre si entre sus planes estaba montar sets en vivo con temas de Superpitcher, Pachanga Boys y obvio, temas propios, afirmó que “éso nunca estuvo en mi mente al inicio y ni siquiera me interesaba. Yo crecí como un DJ y verme en un set montado en vivo con temas míos no le ví mucho caso. Sin embargo sí que lo hemos hecho, por ejemplo en Francia, en Córcega, o en Mutek en 2016 ó 2015, en donde sonaron nuestros temas desarmados. Cada presentación para mí es distinta y creo que a la fecha lo hemos manejado bien”. Ante tiempos duros, que mejor terapia que el baile. Así lo ve Rebolledo, sobre todo en este parón obligado y con el confinamiento forzoso por el Covid-19 que tiene en jaque a la industria del entretenimiento en todo el mundo. A esto se le suma la gran brecha que existe en México para que el público se abra a nuevos estilos y que tal vez obligue a los connacionales a ser más reconocidos en otros países que en el propio. “Eso es una mezcla de factores. Los mexicanos somos malinchistas y no nos gusta ver hacia otros lados, pero por experiencia propia si puedo decir que las oportunidades están en todos lados y las da el trabajo. A mí me tocó por coincidencia y circunstancias vivir otros tiemposque en su momento aproveché. Pero en todos lados hay celos y chantajes que nos hacen remar a contracorriente en México, pero la escena está abierta para quien acepte luchar por ser recibido y esté trabajando duro”. Es también uno de los damnificados de la pandemia del Covid-19, con una agenda llena que finalmente no pudo ser. “Yo a esta hora debería estar en Europa con mi tour de verano que cancelarlo me dolió más de lo normal. Mi primera fecha era el 15 de Marzo en Moscú en el Panorama Bar, pero justo antes de volar los viajes se hicieron un caos. Me dolió perder Frankfurt, donde iba a un club en el que han estado leyendas como Ricardo Villalobos y como ésas, hay demasiadas cancelaciones que me duelen mucho en serio y que echo de menos. Eso sin contar fiestas como una que tenía en Tel Aviv como Pachanga Boys o Circoloco en Ibiza. En fin, se me fueron muchas fiestas”. Pero no todo son malas noticias. “En este momento estoy ocupado con un Remix para Domino Records, que es un sello de indie propiedad de Franz Ferdinand, un remix para Mandy en Correspondent y una colaboración con WhoMadeWho en Kompakt con su proyecto “Synchronicity”, además de lo nuevo que viene con Pachanga Boys”. Como ejemplo de vida y modelo a seguir para las nuevas generaciones, Rebolledo se alza como una gran figura a la que por su trabajo y calidad, aún le viene lo mejor. Contacto: World: bruno@kompakt.fm US: mariesa@liaisonartists.com Mexico: marco@blackboxartists.mx

MUSIKPLATZ EL SEMILLERO DE LOS NUEVOS TALENTOS

Musikplatz es un lugar para músicos que no piensan tanto en la fama, sino en la belleza de su música, que saben que cuando las cosas se hacen bien, lo demás llega. Es el lugar donde su música vive y se oye, el lugar de los “famously unfamous”. Un proyecto sin fines de lucro, Musikplatz busca apoyar la escena emergente de música electrónica en Argentina y Latinoamérica. Ante una realidad que ha unido al mundo entero ante una pandemia global de proporciones que nunca se había visto en la era moderna, se presentó el desafío de seguir junto a la comunidad y también de seguir apoyando a la cultura que vió crecer tanto a Jägermeister como a Musikplatz. Decidimos unirnos a la iniciativa de #SaveTheNight con Streamplatz, una serie de streamings de música en vivo con artistas de Latinoamérica. Queremos seguir dando nuestro apoyo incondicional a los héroes de la noche. La propuesta de contenidos que han seleccionado para entretener, acompañar y también educar a su audiencia incluirá tanto sesiones live y DJ sets por parte de artistas de la familia Musikplatz, así como a otros me

dios y sellos, así como tutoriales para compartir algunos conocimientos de interés para nuestra comunidad. La primera transmisión tuvo a Diego C., coordinador de streaming, mostrando como realizar una transmisión profesional desde la casa. Diego es co-fundador de @WeMustTV y colaborador de @boilerroomtv y es el hombre detrás del streaming de Mutek Argentina y Mutek Barcelona. Tras el éxito del primer streaming, no podemos estar más que felices y agradecidos por los resultados. Recibimos cada fin de semana más views que van creciendo a cada hora de cada día. Todo esto nos indica que Streamplatz ha tenido una cálida bienvenida por parte de la audiencia. Para este próximo fin de semana, tenemos a 3 artistas de 3 distintos países: Colombia, Chile y Perú. Los elegidos son Julio Victoria, músico y productor colombiano que participó de los festivales más importantes del mundo con un techno house que incorpora instrumentos autóctonos que se fusionan con ritmos diversos.

También se suma el chileno Felipe Venegas, uno de los más destacados de la escena de su país y frecuente de los clubes y festivales electrónicos de mayor renombre del mundo. Su propio sello discográfico, Drumma Records, tiene bases en Berlín, Barcelona y Santiago de Chile. Para cerrar, el lineup tendrá desde Perú, una colaboración entre el DJ Christian Berger y la VJ Sixta, en una transmisión en vivo que contará con otros artistas de distintos países de Latinoamérica. Berger es parte fundamental de la escena house de su país desde los comienzos, con su sonido tech-house y minimal, de groove irresistible y bajos sólidos. La artista visual Sixta, pseudónimo de Nadia Escalante, es una de las artistas femeninas más sobresalientes del género en la región y será la responsable de crear atmósferas coloridas y texturas sinestésicas a partir de los beats de su compatriota. De este modo, pese a la pandemia, Musickplatz sigue siendo la plataforma que une al continente.

ONCE UPON A TIME IN HOLLYWOOD Sunset, el nuevo club de Los Ángeles, es una discoteca adecuada con DJ de primera línea y una multitud glamourosa y diversa y fué creado por el hombre que ayudó a inventar la fórmula.

Texto: Lily Moayeri Fotos: Dacy Haylor

No hay muchos autos o personas en la calle en el famoso Sunset Strip en Los Ángeles el viernes por la noche. El movimiento que llama la atención son las marcas de las vallas publicitarias digitales que se alinean a ambos lados del boulevard. Los lugares históricos del Strip siguen en pie y en funcionamiento: el Whisky A Go Go, el Roxy, el Rainbow, The Viper Room, el antiguo Gazzarri´s (ahora 1 Oak). Pero es el lugar más nuevo en el Strip que atrae todo el tráfico: Ian Schrager´s Sunset. Ubicado en el sótano del recientemente construido Hotel Edition en West Hollywood, al final de Sunset Strip, la puerta de Sunset está oculta en el lado no marcado del edificio. Dos filas de juerguistas glamorosos se alinean en el pavimento, desde las cuerdas en la puerta hasta el boulevard principal. Todos con escotes y tacones altísimos, su brillo recuerda el club que Schrager cofundó en la década de 1970 en Nueva York: el legendario e imposible de ingresar al Studio 54. Medio siglo después del apogeo del género, Los Ángeles finalmente está obteniendo una discoteca al estilo de la costa este. Lo que sí tenía la ciudad, en el otro extremo del Strip y el Whisky en

1964, eran actos en vivo cuyos descansos estaban llenos de discos interpretados por bailarinas a go-gó. Lo que Sunset tiene en común con ese fenómeno es una clientela salpicada de celebridades como Lenny Kravitz y Janelle Monáe. Queda por ver si Sunset abrirá las compuertas para establecimientos similares, aunque los lugares de la Franja han copiado históricamente las fórmulas de los demás para el éxito. “La intención era rendir homenaje al Sunset Strip y recuperar el espíritu de los años sesenta y setenta”, dice Zen Freeman, uno de los DJ de Los Ángeles cuya sólida comprensión de la programación y la proliferación de conexiones lo ha encerrado como la vida nocturna de Scharager. socio en la edición de West Hollywood. “Es la misma política de puertas que Studio 54, con invitados. “Queremos atraer a personas diversas y coloridas. Está destinado a ser un refugio seguro para la comunidad LGBTQ, así como para que las niñas se sientan libres y seguras para bailar”. A través de un grupo privado de WhatsApp, los “demonios de Sunset” son alertados de lo que está en la factura cada semana. Recibirán un mensaje el lunes por la mañana con las alineaciones para el jueves, viernes y sábado, las únicas noches en que el club está abierto. El RSVP en masa, confecciona y la gente se prepara para formarse en una fila.

Al igual que la atmósfera fuera del Stu dio 54, hay una sensación palpable de pánico que emana de la línea afuera de Sunset. Después de todo, el club tiene una capacidad de 255 patrocinadores y aproximadamente la mitad de ese número ya está haciendo cola. Aquellos que se encuentran a poca distancia de la seguridad adecuada y los comandantes de la lista glamourosa defienden sus casos, explicando a quién conocen y porqué deberían dejarlos entrar. No hay cobertura en Sunset y no necesitas un caballo blanco para entrar. La moneda es actitud y estilo. El personal puede ser impecablemente amable y cortés, pero aspiran a la misma sensación inherente de a quién dejar entrar y quién nunca tendrá la esperanza de entrar, a pesar de la lista de invitados, como los que abren las puertas en Studio 54. Una vez que llegas a la clandestinidad, bajas las escaleras de metal y pasas la mesa de billar, sin pasar por la habitación más pequeña a un lado, es DJ Harvey toda la noche. Harvey tocó en la fiesta de lanzamiento de Sunset y está muy familiarizado con el deslumbrante espacio subterráneo. Es uno de los niños adoptados favoritos de los Ángeles ahora. El techo de la pista de baile está vivo con 400 bolas de discoteca parpadeantes de diferentes tamaños, la característica más notable de Sunset. Casi puedes imaginar una nube de polvo de hadas

que se asienta sobre la multitud, quienes se mueven como uno a la melodía irresistible de ‘Just An Illusion’ de Imagination, interpretada en un sistema D & B Audiotechnik de última generación. Paul Oakenfold se sienta en uno de los banquetes que rodean el perímetro, con una sonrisa en la cara. Francois K se asoma por detrás de un orador (las estrellas no tienen edad, ¿verdad?), mientras que Gregory Alexander, promotor de A Club Called Rhonda y todos sus retoños, tiene la cancha en un arnés de cuero y pantalones de noche. Donde quiera que mires, hay efluente elegancia, usado sin esfuerzo. Vaqueros relucientes de spandex, una blusa sin mangas, botas hasta la altura del muslo y el brillo de la sombra de ojos en un tono que no se había visto en 40 años; medias de rejilla con una camiseta desgarrada artísticamente que normalmente se usaría para pintar tu casa; botas a go-gó rojas y montones de rastas; un vestido de noche rosado sin hombros; un mono de lentejuelas verde esmeralda. “Me gusta la diversidad de la multitud”, dice Glen, miembro de la escena de la música dance de Los Ángeles durante muchos años. “Jóvenes clubbers, de cincuenta años que todavía les gusta salir y divertirse bailando bajo un millón de bolas de discoteca ... y el sistema de sonido aquí es cálido y bien equilibrado. Donde quiera que estés, es agradable, profundo

y directo”. Hay una mezcla al atardecer que no se ve más allá de la escena clandestina ilegal en Los Ángeles, con la credibilidad adicional de tener a Susanne Bartsch, ícono de la vida nocturna, como anfitriona de las tareas cada tanto. Desde la generación X hasta la generación Z, de gay a heterosexual, pansexual, de mujer a hombre y de género fluido, Sunset parece el epítome de lo que la gente que no ha estado en Los Ángeles imagina que es: hermosa y glamourosa, con personas famosas por todas partes. Heidi Lawden, quien ha estado detrás de los decks en Sunset varias veces desde su apertura en noviembre de 2019 y a quien se puede encontrar en la pista de baile cuando no está como protagonista dice: “es un club completamente único. En lo que respecta a los clubes legales en Los Ángeles, ¿qué más tenemos que sea hacer una programación musical sofisticada de una manera progresiva en consonancia con el resto del mundo, que no es un club masivo de mil personas? Se siente orgánicamente extravagante y atrae extravagancia de forma natural”. En los pocos meses transcurridos desde su inicio, Sunset ha establecido un espíritu musical abierto con DJs de renombre. Ya sea James Murphy detrás de los mazos o Soulwax, Guy Gerber o Bob Moses, Diplo a Samantha Ronson, Pete Ton a Bonobo o Questlove a Q-Tip, se

alienta a los DJs a tocar lo que les gusta más que lo que saben. Y son bienvenidos a sacar de la colección que Freeman ha acumulado para Sunset y usar un vinilo si así lo desean. Quizás los DJs que mejor aprovechan de qué se trata Sunset y que aportan su conocimiento agudo y su instinto al espacio, son los locales. LA siempre ha tenido un complejo de inferioridad cuando se trata de DJ locales, pero Sunset tiene la actitud opuesta, reservando regularmente del grupo de talentos interminables de la ciudad y dándoles un espacio para brillar. Los abanderados como Marques Wyatt y Woman Collective, que a su vez, traen sus propios seguidores leales que se actualizan constantemente. Sunset es, después de todo, una cosa de boca en boca. “No siempre sé quién será el DJ, pero sé que será bueno”, dice Emma, una chica de 20 años que asiste regularmente a la pista de baile de Sunset. “No puedo decir eso de ningún otro lado. En otros clubes, vas por el DJ específico, mientras que al atardecer, irás de todos modos, porque sabes que la música va a ser buena”. Schrager describe a Sunset como parte del “tercer renacimiento” de la Franja, pero lo más importante, es un recordatorio de un elemento disco que a menudo parece haberse quedado atrás en estos tiempos deliberadamente igualitarios, “no elitistas”: la aspersión de polvo de estrellas que ocurre cuando los clubes combinan libertad con glamour genuino.

Born In Mexico, la plataforma de música electrónica nacional publicó ‘Empatía’, una compilación de trece tracks que es una iniciativa para que, a través de la música, los artistas puedan expresar, desde sus perspectivas, el aislamiento que estamos viviendo actualmente por la pandemia del COVID-19, y dejar un registro para nuevas generaciones, ya que, sin duda, esto marcará un antes y un después. Vivimos tiempos preocupantes a nivel mundial, nos enfrentamos al miedo y la incertidumbre. Tanto nuestra salud, como nuestros trabajos y la economía atraviesan un momento muy difícil, y desafortunadamente la industria de la música se ve fuertemente afectada. Por eso ahora más que nunca, es momento de unirnos. El disco está formado por trece tracks originales, creados por algunos de los artistas nacionales con mayor trayectoria y reconocimiento a nivel nacional e internacional, como lo son Pepe Mogt de Nortec, Balcazar, Zombies In Miami o Betoko. A la par de artistas emergentes del mundo del techno como SÜSS, Andrea Acosta o Vongold. Sin dejar de lado a los artistas de la casa como Paulor, Mystery Affair, Moisees, Cabizbajo, Shubostar, Flor Capistran, Pinto y W.O.L.F.

Musicalmente hablando el álbum recorre diferentes géneros musicales que van desde el deep house de “Una Hora” de Flor Capistran & W.O.L.F., el progressive house de “Zoledad” de Betoko, al techno de “Counting The Days“ de SÜSS. La compilación es un reflejo sonoro de una parte de la cultura underground que está viviendo el país, ya que los artistas involucrados son de diferentes estados de la República Mexicana y son los responsables de crear la diversidad cultural que está sucediendo en México. Sin duda es una escucha obligada para todo aquel que esté interesado en la música electrónica nacional.

El disco está formado por trece tracks originales. ‘Empatía’ de Born In Mexico ya se encuentra disponible en las tiendas de música y servicios de streaming.

Sin duda es una escucha obligada para todo aquel que esté interesado en la música electrónica nacional.