Revista NEON by Mariana Camacho Covarrubias

ZONA MACO conoce las propuestas DE LA EDICIÓN 2014

M.I.A. “Ninguno de nosotros es 100% algo”

CORONA CAPITAL TODO lo que necesitas saber

Sofia coppola

VAMPIRE WEEKEND !

MÉXICO $35.00

abril 2014

s e m i r

E S TA B L I S H E D 1 8 5 6

Contenido

[abril 2014] 38

GALERÍA 4

Matt Mullican Mullican juega con los sistemas complejos de significados que tiene que ver con el mundo interior.

Zona Maco

Rita McBride

Museo Soumaya

Propositivas, experimentales, originales y ecológicas son, entre otras, las propuestas de Zona Maco.

RADAR 20

John Newman

The XX

Foster The People

En un encuentro íntimo hablan de todo un poco, y se ríen mucho.

31 Un nombre surgido de la dislexia pura para Two Door Cinema Club

ACÉRCATE

Grimes Puedes sentir a Grimes, pero no puedes sentir a Claire Boucher. La artista canadiense se ha construido un personaje musical que brilla con paisajes sonoros ensoñadores y melodías que resultan imposibles de desterrar de la cabeza.

Vampire Weekend

M.I.A.

una banda que ve (y tiene) las cosas bien claritas: van por los números 1 de las listas internacionales.

NÓMADAS 73

La Gran Fiesta Del Kaiser

The Cure

Corona Capital

Festival Nrmal

Con seis años de ausencia en nuestro país, The Cure pisa escenario mexicano por 4ta vez.

Lejos de una reseña del Corona Capital 2013, se cuenta un poco de lo que se vio y escuchó este fin de semana.

110

directorio

carta editorial What’s up dudes

Director de arte Ivonne Laguna Santillana

Neón les presenta una nueva forma de interactuar con el mundo de la música y el arte, trayéndote entrevistas y reportajes exclusivos, que te harán sentir parte de este estilo de vida. Nos volvimos un poco feministas en ésta edición, y platicamos con Grimes y M.I.A., dos mujeres que están imponiendo nuevas tendencias en lo que escuchamos hoy. Fuera de ser las típicas pop stars, estas chicas nos demuestran con su talento y esencia, que no hay porqué temerle a estar fuera de lo establecido. Hicimos una recopilación de lo que no puedes dejar de escuchar, ver, y visitar, desde el museo Soumaya, pasando por Beyoncé y The Wookies, hasta hasta el Top 10 de Sundance 2014. Acompáñanos a seguir descubriendo las nuevas sorpresas que ésta cultura nos ofrece. Hojéanos y dinos, ¿cuál te gusta más?

ivonne.lagunasa@udlap.mx

Corrector de estilos/editor Karina Robles Bohórquez karina.robles@udlap.mx

director de imagen Leslie Barraza Aldán leslie.barrazaan@udlap.mx

coordinador Mariana Camacho Covarrubias mariana.camachocs@udlap.mx

fuentes de información PLAYGROUND, MARVIN, ROLLINGSTONE, NYLONMAGAZINE, IBERO 90.9, SICARIO, EL FANZINE, CHILANGO

servicio a clientes y suscripciones +52 222-45-54-988 www.neonmagazine.com / servicioaclientes@udlap.mx

Las editoras

77 MÚSICA PARA

TUS OJOS

96 103

Moonrise Kingdom

Breathe In

Top 10 Sundance

El Festival de Sundance 2014 comenzó el 16 de enero, y esta lista es de las películas que seguramente causarán mucho ruido o buzz. Lean las 10 películas y dígannos, ¿cuál se les antoja ver más?

Sofía Coppola A partir de su punto de vista único, Coppola ha conseguido retratar las vidas del Hollywood real desde una perspectiva no romántica.

DICEN POR AHÍ

100

The Vaccines

103

Banks & The Wookies

108

Web Music Guide

110

Beyoncé

Sólo hizo falta una maravillosa canción de rock para que The Vaccines se convirtieran en la gran sensación de Londres.

Beyoncé desata un álbum a la altura de una reina de futurista R&B, baladas tremendas y un sexo gráfico en limosina.

GALERÍA

Time Out dice Invitamos a Amanda de la Garza, curadora del Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) a elegir la muestra mejor curada del DF. Seleccionó y recorrió.

Este epígrafe, que sirve como bienvenida a su exposición en el Museo Tamayo sintetiza su pasión por analizar los sistemas en los que estamos inmersos. Amanda de la Garza, curadora del MUAC, eligió esta primera revisión del artista en México, curada por Willy Kautz, para explicar estos detalles a considerar a la hora de visitarla.

La primera sala  “Es la primera etapa de la obra del artista, de los años setenta. No es una muestra cronológica pero sí se pueden observar las facetas del artista, la de dibujos a pequeña escala. Verás en el recorrido cómo aumentando el tamaño de sus piezas. La iluminación tiene un tono neutro para asemejar el tono del papel y generar una homogeneidad visual que te introduce a un espacio imaginario. Mullican juega con los sistemas complejos de significados que tiene que ver con el mundo interior. Este sistema de signos en la pared parece un mundo infantil. No son grandes dibujos ni algo realista, sino algo misterioso que en conjunto genera relación. El despliegue en los muros genera un golpe de vista de cómo funcionan las piezas, para ser entendidas. Las piezas de color en esta sala son para generar tensión visual para que el recorrido no sea plano. Normalmente eso hacen las revisiones de obras,

no se escogen las piezas más representativas sino las que den más elementos clave del artista”. El hombre imaginario  “Aquí Mullican hacen un personaje imaginario de trazos simples. Juega con la idea de que las líneas nos hacen pensar en sentimientos. Reflexiona sobre cómo nosotros construimos las emociones. Su obra es eso: a partir de sistemas visuales, generamos percepciones sobre el mundo exterior que tenemos bien incorporadas, él excava en esta subjetividad”. La segunda sala “Es mi sala favorita porque aprovecha la altura de los muros (el doble del primer espacio) y la escala expansiva del espacio para hablar del carácter espacial en la obra de Mullican. Los dibujos de esta sala son representaciones: cuadros de Degas, una cámara del siglo XIX, el Partenón y el teatro, porque justamente el teatro es otro sistema de representación (el espectador ve en la escena que encarnan una his-

toria). Esta sala te subsume en la obra del artista, en un sistema de signos con iconos de la vida cotidiana y que son entendidos internacionalmente (correo, signo de pesos, escaleras). Son abstracciones que permiten comunicar a todo el mundo, una vez más, son sistemas de representación. En esta sala los aglutinan como un calendario, otro sistema de organización. ¡Todo está conectado! En este espacio hay dos niveles de lectura: el detalle y el conjunto”. La sala de la realidad virtual “Lo más placentero de esta muestra es que tiene diferentes niveles. Aquí puedes ver imágenes generadas a partir de la realidad virtual mediante computadora. Nuevamente aquí llega la idea de representar algo pero ahora de manera virtual, hay texturas realistas. El punto de reflexión de esta sala: indagar sobre los mismos temas de la representación pero con otro medio”.

Animales disecados “La muestra genera conjuntos, por ejemplo aquí condesa diferentes objetos, como los animales disecados. Son objetos que podrían estar en un museo de historia natural, pero aquí se usan para hablar del sistema de clasificación biológica. Tienen un orden, no es azarosa su colocación (piedra-ave-reptil. Piedra-hueso-humano). Es una especie de instalación. Aunque rompe con lo que venía haciendo, hay continuidad. ¿Cómo conectas la sala de las banderas con esta si hay un muro que las separa? Las banderas tienen colores y en esta sala hay pequeños muros coloridos. Estos recuadros establecen un vínculo visual, pero al mismo tiempo segmentan la muestra porque hay un muro. La composición está pensada”. Parte final “En esta parte hay colecciones de bolsitas de té, cerillos, fotocopias, recortes de periódicos. Lo interesante es verlos acomodados no como un montaje teatral (como sucedería en un museo de objetos) sino como una relación entre ellos, como una serie.

Uno podría pensarse que estos objetos son banales y anodinos, no tienen una relevancia histórica ni son piezas históricas. Pero juntos cobran sentido. Finalmente, aquí hay recorte de la bolsa de valores. Son los últimos sistemas de representación, los numéricos. Todo establece una relación entre los objetos. Hay sistemas que operan en el mundo que tienen una significación para nuestro sistema de representación en un mundo subjetivo”.

marc jacobs

m e x i co c it y • los an g e les • mad r i d • par i s

Propositivas, experimentales, originales y ecológicas son, entre otras, las características de las propuestas que exhibe en su décima primera edición Zona Maco México Arte Contemporáneo, que esta tarde abrió sus puertas en un reconocido centro de convenciones del poniente de esta ciudad.

Por Excelsior

n 10 mil metros cuadros de exhibición participan 115 galerías de 21 países, ofreciendo a los visitantes cinco secciones: “Principal”, “Nuevas propuestas”, “Zona Maco Sur”, “Diseño” y “Arte Moderno”. En “Zona Maco Sur” roban la atención las obras de Pablo Picasso (1881-1973), Diego Rivera (1886-1957), José Clemente Orozco (1883-1949), Joan Miró (1893-1983), Salvador Dalí (1904-1989), Leonora Carrington (1917-2011), José Luis Cuevas (1934), Fernando Botero (1932), Rufino Tamayo (1899-1991) y Francisco Toledo (1940). De estos creadores, Picasso, Miró y Dalí, principalmente, dan un toque “especial” a la edición. Los precios de salida de las obras de estos artistas no han sido proporcionados por los galeristas, quienes han argumentado que “todo mundo sabe cuánto vale, por ejemplo, un Picasso”. Serios y en algunos casos reservados, en especial con la prensa, aseguran que su valor está cotizado en dólares. Se presentan 40 proyectos que reflexionan sobre la colectividad y el mundo A lo largo y ancho del Centro Banamex se dan cita la pintura, la escultura, el grabado, el dibujo, la instalación, el video y el arte urbano, entre otras expresiones artísticas que atrapan la atención de coleccionistas, artistas e interesados. Durante la apertura, María Cristina García Cepeda, directora del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), expresó que la feria “es una ventana para el arte internacional y un gran apoyo para las artes visuales del país”. Es un espacio donde se reúnen todos los actores del arte, artistas, galeristas, coleccionistas y los que tienen proyectos académicos. Se trata de un espacio muy

Rafael Tovar y de Teresa, presidente del Conaculta, dijo que se trata de un espacio de reconocimiento para la promoción de las artes visuales completo, indispensable e importante para el desarrollo de las artes plásticas en México”, expuso la directora del INBA. Acompañada de Rafael Tovar y de Teresa, presidente del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta), la funcionaria calificó a Zona Maco como una feria completa. Por otro lado, además de refrendar el compromiso de la institución que representa con el arte contemporáneo, el titular del Conaculta afirmó que “este importante festival, es uno de los espacios privilegiados y de mayor reconocimiento para la promoción de las artes visuales de nuestro tiempo”. Entre las propuestas figuran la de la galería David Zink Yi, cuyo artista Johann Koeng, de Berlín, presenta la escultura de un monumental calamar, a simple vista muerto y cuya tinta se esparce por doquier. También, la escultura de Eugenio Mermo, de la galería Onix, de Nueva York, titulada “Mao Zedong”, en honor a quien fuera el máximo dirigente del Partido Comunista de China y de la República Popular China. El artista colombiano Felipe Arturo, de la galería Instituto de Visión, expone una reflexión sobre el intercambio comercial durante La Colonia, a través de un tapete elaborado con café, azúcar y leche en polvo. Hasta el próximo domingo, en Zona Maco México Artes Contemporáneo, se llevarán a cabo múltiples actividades, entre conferencias, presentaciones de libros y charlas con los artistas participantes.

RITA

Des Moines, Iowa, 1960

Artículos y opiniones

Artista estadounidense .

Catálogos de exhibición de grupos y libros

Vive y trabaja entre Nueva York , Roma y Düsseldorf

MCBRIDE

Artículos y opiniones Catálogos de exhibición de grupos y libros

Catálogos de exhibición, libros de artistas y proyectos publicados El diseño industrial , la arquitectura de la modernidad y la esculPresentaciones seleccionadas tura minimalista son tres de los referentes básicos de la artista .

Catálogos de exhibición, libros de artistas y proyectos publicados Presentaciones seleccionadas Trabajos públicos

Trabajos públicos

1 988

Placement

There’s no there, there

1 9 91

Art and text

1 9 93

1 994

20 0 5

Hello world

20 0 5

Breakdown

Crimeways Things that go bump

20 0 6 1 995

Art in America

Neue kunst in alten gärten

2 01 1

Spot

2 01 1

Westways

2 01 2

Now see this

2 01 2

Public tender

20 0 6 1 9 97

Arena

2 0 07 1 998

1 998

Sculpture

1 999 1 999

2 0 07

2 01 3

20 0 8

Perspectives

Halls

Rita McBride Musum Abteiberg

20 0 9

Tight, repeating boredo; hall; privaat

20 0 9

Rita McBride & to be announced

20 0 0

2 01 0 Obelisk 2 01 0 Wie

What if

man eine Riesendame baut

HausSchau; das Haus in der Kunst

20 0 0

La storia di Havy

National chain. Ambition d’art

Urban visions

20 0 0

Colorful serendipity

2 01 3

Hot tamales

20 0 8

Caught Looking

1 999

The world as a stage

2 01 1

Secession tower

Mae west

2 0 01 Artforum 2 0 01 Archisculptures 2 0 01

472 New positions

2 0 02

Archisnap

2 0 02

Arena

2 0 03 French kiss 2 0 0 4 Bookies

read Nachtschwester

La escultura es aquello que estรก en el paisaje pero no es el paisaje

El Museo Jumex se convierte en una nueva referencia cultural en México. El centro de arte contemporáneo, que cumple cien días, supera las previsiones de asistencia de público y contribuye a crear un polo de atracción alejado de las rutas tradicionales del turismo. México saca pecho en el ‘ring’ del arte contemporáneo.

n la ciudad que presume de contar con uno de los más nutridos ecosistemas museísticos del mundo (171 censados por la secretaría de Turismo más un puñado de extraoficiales) brilla ya un recién llegado. El museo inaugurado en noviembre pasado por la Fundación Jumex para albergar las obras de su colección se ha convertido en sus primeros cien días en una referencia del arte contemporáneo no solo en la capital, sino en toda Latinoamérica. La respuesta del público –unos 60.000 mil visitantes en poco más de tres meses sin contar los asistentes a la inauguración el 19 de noviembre- se sitúa por encima de las previsiones. Y su ubicación, junto al museo Soumaya, al norte del barrio de Polanco ha contribuido a crear un polo de atracción cultural alejado de las rutas tradicionales del turismo. Uno de esos visitantes en estos días ha sido el artista mexicano Pedro Reyes. Su obra se ha expuesto en algunas de las mecas del arte contemporáneo, desde la Bienal de Venecia a Art Basel, y desde esas atalayas considera que nos encontramos ante un museo de enorme nivel. En primer lugar, por su propio envoltorio, una joya minimalista de 7.000 metros cuadrados obra del arquitecto británico David Chipperfield, extraordinario según Reyes por dos motivos. En primer lugar, porque no tiene aspiración de obra arte, con lo que no eclipsa al contenido. Y en segundo lugar, por sus acabados -para los que se ha usado un material autóctono, el mármol de Xalapa- que lo convierten en uno de los mejor construidos de México. Lo cierto es que el edificio llama la atención sin llamarla. Ubicado en una colonia repleta de enormes moles de hormigón de resonancias soviéticas, flanqueado por torres de cristal con grandes letreros de multinacionales y por un gran centro comercial, y circunvalado por un anacrónico tren de mercancías; una genialidad arquitectónica, una estructura a modo de toldo que rodea el museo a la altura del primer piso, contribuye a aislar al visitante ya desde el hall de entrada y a sumergirlo en un ambiente de serena austeridad. La luz cenital de su interior se logra con los llamados dientes de sierra, imitación exagerada de los ateliers franceses del XIX. Los espacios de exhibición no tienen ventanas, para concentrar al espectador en las obras, y aquellas se reservan para relajar la vista en los lugares públicos. El contenido, según Reyes no desmerece al continente. En la planta superior del museo se exhibe la punta del iceberg de la colección de la Fundación Jumex, construida desde finales del siglo XX, obra a obra, por Eugenio López Alonso, miembro de una de las familias más importantes de la industria alimentaria mexicana. Ahí se exhiben trabajos de Jeff Koons, Donald Judd, Fred Sandback, Damien Hirst o Thomas Ruff, y también de artistas mexicanos como Gabriel Orozco o el también urbanista y arquitecto Eduardo Terrazas. “El balance es muy alto, es un museo de primer orden. Hay una obra muy sólida y sobre todo hay una intención, un discurso, no es una suma de cosas o de nombres famosos”, comenta otro escultor mexicano de primer nivel, visitante estos días del museo. Reyes alaba también la exhibición temporal de James Lee Byars, artista estadounidense fallecido en 1997 con conexiones con el minimalismo y el barroco. “Es una belleza de nivel mundial”, comenta.

La Fundación Jumex tiene una notable bodega que asegura la renovación de las exposiciones y refleja además un cambio de paradigma, porque desde la revolución, hace ahora un siglo, la burguesía mexicana se había alejado del arte contemporáneo y había puesto sus ojos más bien en el arte colonial. “Había una carencia de un museo como este, que ponga en su lugar al arte latinoamericano. ¿Cuándo he podido yo exhibir al lado de Donald Judd?”, se pregunta uno de los artistas representados, Eduardo Terrazas. Y concluye con una reflexión: “Me parece un indispensable porque responde a la situación del mundo actual, tan cambiante”. Patrick Charpenel, curador del museo, no concibe sin embargo el recinto solo como un espacio de exhibición, sino también como centro inspirado en la Universidad. Un laboratorio de experiencias, para educar e investigar, donde se toquen temas políticos y sociales de actualidad. Y donde se celebren simposios, conferencias o eventos como el reciente maratón artístico de 16 horas organizado por Hans Ulrich Obrist con entrevistas, presentaciones, conversaciones, performances y sets musicales. Otra preocupación de los gestores del museo son las publicaciones. “Nosotros editábamos catálogos para nuestras exposiciones, ahora hemos creado una editorial, una colección sobre crítica y otra sobre monografías de arte contemporáneo”, cuenta Charpenel. Y presume de uno de los volúmenes editados, El cubo de Rubik, de Daniel Montero, visión historiográfica del arte mexicano de los 90, que se ha convertido en un pequeño best seller y ha agotado los 1.500 ejemplares de su primera tirada. En esa misma dirección, y a diferencia de otros museos, en la tienda del museo no se venden objetos de diseño ni réplicas de las obras exhibidas. En la discreta y escogida librería que ocupa el sótano del edificio solo se venden volúmenes de arte. Charpenel está muy satisfecho por la respuesta, tanto del público como de la crítica. Pero no quiere entonar el misión cumplida. “Esto es un barco que flota y se mueve, pero estamos aun apretando tuercas”, asegura. Lo ve como un compromiso a largo plazo. Y cree que la trascendencia del museo va más allá del éxito en la taquilla. “Lo más importante no es el número de visitantes que atraes. Sino el tipo de discusiones generas a partir de tu programa”.

MUSEO

“Un rincón, diseñado por el arquitecto Fernando Romero, para disfrutar de grandes obras de arte del mundo.”

SOUMAYA

Por Pedro Fernández Somellera

El Soumaya es una gran estructura blanca, brillante de 46 metros de altura, de forma caprichosa y orgánica que pudiera ser descrito como un gran trapezoide en movimiento que alguna vez fue considerado “imposible de construir”. Ahora ya terminado, es apreciado como uno de los museos más llamativos del mundo. Diseñado y construido por el joven y audaz arquitecto Fernando Romero, hace gala de exhibir de manera gratuita en sus instalaciones, más de 60 mil obras de arte “originales” salidas de los talentos más grandes que han existido: Miguel Ángel, Da Vinci, Greco, Cranach, Vlamink, Picaso, Degas, Diego, Dalí y Atl, por nombrar algunos. Romero, apoyado por Carlos Slim quien aportó más de 47 millones de euros para su construcción— tuvo la inteligencia de consultar con Ghery Technologies —del afamado arquitecto Frank Ghery— para coordinar la compleja ingeniería tridimensional que necesitaría para realizar sus sueños. Colocar 16 mil hexágonos de aluminio blanco y brillante de forma diferente cada uno, “flotando” separados y sin tocarse unos con otros, alrededor y alejados de la estructura del edificio de seis pisos, no se veía una tarea fácil; y sin embargo se logró con una elegancia y perfección admirables. ¿Asombroso?... sin discusión. ¿Bellísimo?... como el que más ¿Espectacular?… mucho ¿Digno de hacer un viaje hasta la capital únicamente para visitarlo?... por supuesto. De hecho, ese fue el propósito de Carlos Slim al traer a México del mundo entero, las valiosas obras de arte originales, a las que para la mayoría de los mexicanos nos sería casi imposible acceder. Quizá este hombre sea criticado y envidiado por algunos, pero un detalle así, para beneficio de la cultura y educación de los mexicanos y totalmente gratuito es digno de celebrarse. Lo mismo que el ingenio y talento del arquitecto Romero, que con este edificio se coloca a la altura de los arquitectos más prestigiados y vanguardistas del mundo. (Su sitio de internet, nos lleva hasta algunas obras realizadas en varias partes del mundo). El Museo Soumaya, es una de las grandes obras de arquitectura de la actualidad que con fines didácticos y culturales, disfrutamos aquí en México. Vale la pena visitarlo y ufanarnos de él.

SENGUPTA SHUDDAHABRATA

Por Marvin

En la edición de este mes (diciembre/enero) te contamos un poco acerca de la SITAC, este evento de arte y diálogo donde el tema a tocarse es el futuro. El hombre encargado de abordar y guiar esta conversación es Shuddahabrata Sengupa, director de la SITAC 2012. Aquí te dejamos esta plática de arte y optimismo.

¿Estás emocionado por SITAC?

ahora ya no lo pensamos de esa manera… esto se debe a que los llamados “nuevos medios” envejecen muy rápido, tan rápido que no nos dan tiempo de crear un entendimiento real y completo acerca de ellos. Esto provoca un uso tendencioso de las nuevas tecnologías, cuando en realidad todo puede ser un “nuevo medio”, las cosas que se hacen en la arquitectura, en la ciencia, en el arte su propósito es inaugurar lo nuevo cada vez, es repetir la pregunta de lo nuevo. Me interesan mucho estos cruces, el encuentro de gente creativa en distintas disciplinas, creo que mucho de esto pasará en SITAC.

Es un proyecto muy ambicioso, es una oportunidad para aprender, para hacer preguntas que he querido hacer, que yo y mis colegas debemos hacernos. Trabajo con 3 personas y así que veo a la SITAC como una escuela y laboratorio.

El tema de esta edición de SITAC es el futuro, este asunto puede ser difícil de tratar ya parece que muchas de las perspectivas no son optimista… Creo que estamos viviendo en un mundo que se encuentra cambiado continuamente, si miramos a los eventos de los últimos años política, socialmente… muchas cosas están cambiando en el mundo. Es un momento muy bueno para replantearnos las cosas, cuestionarnos acerca de cómo vivimos, de cómo queremos vivir, y creo que justamente es el papel del arte hacer estas preguntas. El trabajo del arte es representar y articular estas preguntas, y como las cosas están cambiando tan rápidamente esta tarea del arte se vuelve urgente, para que estas preguntas no se pierdan en el acelerado cambio del mundo. Eso me hace sentir optimista, la incertidumbre siempre es mejor que la certeza de que nada va a cambiar. Lo que haremos en SITAC, no es nada nuevo, pero estaremos recordándonos que esta es la tarea del arte.

Quería hablar contigo acerca del término nuevos medios, ya que cuando tu nombre se menciona esas palabras siempre parecen

¿Cuál crees que se sea una característica de la escena artística actual mexicana, que la distinga de las demás o que la caracterice?

acompañarlo; ¿Qué exactamente significa el concepto de nuevos medios? Mi opinión personal acerca de esto, es que ese término debería retirarse, porque asume que existen “los viejos medios”, y la única diferencias entre estos dos conceptos está en cómo se presenta; por ejemplo cuando recién se inventó el cine era considerado como un nuevo medio, y

Creo que hay cosas que están pasando en todos lados y que son ecos de sí mismas, un dialogo. Es incorrecto pensar que distintas regiones del mundo no se hablan entre ellas, para darte un ejemplo: la obra de Octavio Paz influyó en la escena artística de India de los años 60. Pero claro cada región tiene sus características especiales, todos somos únicos y universales. Cada región de Latinoamérica nos hace ver al mundo de manera distinta, el arte hace que estas conversaciones posibles, yo que vengo de India puedo ver el mundo distinto gracias a la óptica que me da visitar estos países y mi regreso al mi propia sociedad será distinto gracias a esta experiencia. En este sentido nuestro futuro es único y universal, impredecible, y propio, es lo que cada uno de nosotros veamos en él.

RADAR

10 Datos Curiosos de la

MÚSICA

QUE NO

CONOCES

Elvis Presley no escribió ninguna de sus canciones.

Antes de componer, Beethoven sumergía su cabeza en agua fría.

Frank Sinatra le regaló a Marilyn Monroe un perro French Poodle que se llamaba ‘Mafia’

Leo Fender, inventor de las emblemáticas guitarras Fender no sabía tocar ese instrumento.

La orquesta nacional del principado de Mónaco tiene más miembros que su ejército.

A Britney Spears le ofrecieron la canción Umbrella, la cual hizo famosa a Rihanna, pero su disquera la rechazó.

Una de las últimas fotos de John Lennon con vida es junto a su asesino.

La famosa canción de los Beatles ‘Yesterday’ se iba a llamar ‘Scrambled eggs’

Pete Townshend, guitarrista de The Who, ha roto más de 90 guitarras en toda su carrera.

9 10

1 2

Ninguno de los Beatles sabía cómo leer una partitura.

John

Por Emmanuel Espinosa Lucas

Tribute

New man

A mediados del año pasado, un joven inglés de 23 años llaeste resurgimiento). Tribute inicia con la canción homónima mado John Newman llamó la atención del orbe con su look en que el inglés agradece todas las influencias musicales retro y su pop orquestal lleno de vitalidad. Ahora, enfrenta inculcadas por la familia, amigos y mentores musicales, el reto que su primer material, Tribute, haga justicia a un resultando bastante íntima y cumplidora. Continúa el viaje éxito tan efervescente y no se quede como un debut más “Love me again” con toda una potencia bailable y la voz en el mundo musical. Músico y compositor desde los 14 nasal de Newman (si no la han escuchado, es muy buena años, Newman inició su carrera profesional participando oportunidad). “Losing sleep”, por su parte, es como una con la banda de música electrónica Rudimental en 2012. bomba de chicle, explota en el momento menos pensado Posteriormente regresó a sus bases pop, soul y R&B para mientras Newman versa sobre la chica que le roba el aliento; lanzar en junio pasado su primer sencillo “Love me again”, un crescendo que se roba las palmas y hace preguntar por una de las sorpresas más gratas del verano. El originario de qué no es sencillo. A partir de ahí, Tribute se mueve hasta el Seattle no tardó mucho en que “Love me again” ocupara el punto en que llega a confundir con un álbum góspel, incluso primer lugar de las listas de popularidad inglesas, ocasionandos o tres canciones terminan siendo un letargo no muy do elogios de diversos críticos y apareciendo en las princiagradable, pero recupera el tono magistral hacia el final con pales emisiones musicales de la BBC junto con Emeli Sandé “All I need is you”. “Nothing” hace del último trecho un y Ed Sheeran, quienes también están dando mucho de qué frenesí de baile que recuerda al mejor Michael Bublé, al mohablar. Tal es el éxito del track que el personal de EA Sports derno Mayer Hawthorne y sí, al joven pero siempre sensual lo eligió para promocionar el famoso y tradicional FIFA Barry White. Este escribidor esperaba con ansía el debut de Soccer 14. Apenas en octubre, Newman lanzó “Cheating”, esta joven promesa londinense y les puedo decir que estoy su segundo sencillo, y anunció la publicación de Tribute, que satisfecho. Newman demuestra que está hecho de un gran rápidamente se coló en listas de ventas. El álbum aprovecha talento y carisma, falta pulir algunas cuestiones pero en que lo retro está de moda, pero se afianza en un estilo más general brilla. Su tributo en verdad se siente, se disfruta y soul e incluso góspel que la experimentación electrónica se baila. Así que si tu idea es ofrecer una fiesta onda década vista por este lado del charco, especialmente con la banda de los 40, John Newman debe ser un infaltable y digno para sonora del filme El gran Gatsby (y probable responsable de comenzar este 2014 que pinta para cosas interesantes.

The XX: el grupo en su burbuja Por Iñigo López Palacios

“Nuestra música es una forma de escapar de la realidad”, decía el trío inglés para presentar ‘Coexist’, su segundo disco que puedes escuchar aquí siete días antes de su lanzamiento. Al abrirse la puerta del ascensor aparecen The XX con sus mejores galas. Visten de negro de la cabeza a los pies y su ropa es claramente demasiado invernal para esta calurosa tarde de Madrid. Oliver Sim, el vocalista y bajista, de tez morena y perfecto corte de pelo estilo años cincuenta, se acerca al representante de su discográfica. “¿Hay más fotos?”, pregunta. No, no las hay. Liberado, se deja caer sobre un sillón del hall del hotel a lo Homer Simpson. Romy Madley Croft, la guitarrista y también cantante, se quita la americana y la deposita cuidadosamente en el respaldo de un sillón, de donde se escurre inmediatamente hasta caer al suelo. Ahí se queda. Jamie Smith, el genio de las maquinitas, pide una cerveza, le da un trago y se limpia la espuma de los labios pasándose la manga de su camisa negra, del puño al codo, por la boca.

Resulta curioso. Su música parece estar hecha por personas con mucha vida detrás, pero en realidad tienen 22 años y aparentan menos. Son unos críos. “A veces resulta un poco incómodo oír ciertas cosas. Gente que te dobla la edad comentando que tu disco le recuerda a su primer amor, por ejemplo”, reconoce Oliver Sim. El día 10 de septiembre editan su segundo álbum; se llamará Coexist. Es parecido al primero: pop nocturno, elegante y espartano: “Para mí es tan importante lo que no suena como lo que suena”, reconoce Jamie Smith, más conocido como Jamie XX, que ejerce de productor y es el artífice de los esqueletos sonoros, las bases electrónicas sobre las que crecen las canciones. Jamie, tímido hasta resultar inaudible cuando habla, ha desarrollado en los tres años que han pasado desde el debut de The XX una labor en paralelo al grupo.

Es un cotizado dj y remezclador de estrellas como Adele. Ha grabado en solitario música de baile, y hasta se permitió el lujo de reconstruir entero, y por encargo, el último disco del mito del soul Gil Scott-Heron, poniéndole nuevas músicas. Tan intensa era su actividad que se especulaba que The XX nunca volverían. “Jamás me lo he planteado. Empecé a pinchar y me gustó. Nunca había prestado demasiada atención a la música electrónica y fue un descubrimiento.

“A veces resulta un poco incómodo oír ciertas cosas. Gente que te dobla la edad comentando que tu disco le recuerda a su primer amor, por ejemplo” Pero todo lo que he hecho ha sido para aprender y luego volver con mis mejores amigos a grabar juntos”, explica. “Mientras, yo ejercía de groupie, siguiéndole allí donde iba”, remata Oliver. “Soy su fan, además de su amigo. Y disfruto mucho de lo que hace en solitario, porque no soy parte de ello. Fue un buen verano, muy divertido, de festival en festival”. A estas alturas, muchos de ustedes se estarán preguntando quiénes son estos chicos. Y han de saber que hay más posibilidades de que les hayan

integrantes escuchado de las que creen. Quizá en anuncios, donde su sonido nocturno y sobrio hace que cualquier producto parezca mejor. O tal vez en el cine; por ejemplo, en los títulos de crédito de la comedia Project X. Puede que conozcan Drunk on love, una canción de Talk that talk, el último disco de Rihanna, que ha tomado prestado (con permiso de sus autores) el ritmo de uno de sus temas. Es probable que les suene la versión de Islands, que Shakira incluyó en Sale el sol, de 2010. El mundo al revés: la estrella versionando a los debutantes: “Es cool. Resulta irreal ver a alguien tan grande llevando tu canción a sitios en los que nunca pensaste que estaría”, explica Sim, que es fan de Beyoncé y que asegura que la mayor influencia de este disco es Sade (no el marqués, la cantante de softpop de los ochenta). Al escuchar esto último, Romy sonríe con complicidad y asiente con la cabeza. Ella y Oliver son amigos desde los tres años. “Éramos los más tímidos de la guardería y nos hacíamos compañía en silencio. La conozco hace casi 20 años y lo máximo que hemos pasado sin vernos han sido tres semanas”. Su colegio, el Elliot School, una escuela de Londres, ha sido un vergel para individualistas de la música inglesa. De ahí han salido Hot Chip, líderes del baile británico. O Burial, curioso personaje que es posiblemente el músico electrónico más influyente del momento y que mantuvo su identidad oculta hasta que un tabloide ofreció una recompensa a quien la desvelara. Cosas de Reino Unido, donde se toman esto del pop casi como una cuestión de Estado. “Es un colegio como cualquier otro. Tal y como hablan de él, parece una escuela de arte, pero realmente hay más gente interesada en el fútbol que en la música, como en todas partes”, dice Oliver. “Estábamos muy solos”. Posiblemente esa sea la clave, la soledad. “Intentamos abstraernos. Nuestra música es una

forma de escapar de la realidad. No queremos implicarnos demasiado en las cosas diarias. Para eso tenemos el grupo, para vivir en nuestro mundo”. Por eso se quejaron públicamente cuando el Partido Conservador británico usó uno de sus temas en un congreso. “No tenemos ninguna declaración política que hacer. No queremos estar vinculados a ningún partido”. El problema es que la política está en todas partes. Eso complica permanecer en una burbuja. “Lo sé. Desafortunadamente”, responde Oliver, visiblemente incómodo. Vivir en una burbuja fue lo que hizo que, con 15 años, Oliver y Romy decidieran montar un grupo. “Nos aburríamos y hacíamos versiones. Empezó como una broma”. Reclutaron a otra compañera de clase (a la que echaron de la banda poco después de editar su debut, en lo que es hasta ahora el único punto negro de su trayectoria pública; “fue un triste divorcio”, explica Romy). Más tarde entró Jamie. Algo de lo que hacían llamó la atención del sello Young Turks, que vio tanto potencial en esos adolescentes que les cedió gratuitamente un lugar para ensayar. “Así pasó un año. Fue muy bonito tener a alguien tan entusiasta con lo que hacíamos. No firmamos nada hasta cuatro meses después de publicar el álbum”. En agosto de 2009 editaban su debut. Críticas sobresalientes, ventas mucho más que razonables. Un año después les otorgaban el Mercury Prize, premio anual entregado por un respetado panel de expertos al mejor disco británico o irlandés de cada temporada. Eso aupó al álbum hasta el tercer puesto de la lista de ventas, el empujón definitivo para situarlos en el Olimpo. Actualmente se acerca al medio millón de copias vendidas. Pero Oliver asegura que todo eso da igual. “Cuando estamos en casa pasamos todo el rato juntos. Y eso es lo importante. De verdad. Hacer esto es la mejor de las formas de vida”.

romy madley croft, guitarra y voz

oliver sim, bajo y voz

jamie smith, beats y mpc

visita su sitio web

Un concierto de Queen no es la mera progresión de una serie de álbumes ejecutados en vivo... Es, en todo caso un evento teatral.

-Freddie Mercury

EL REINADO

INICIA 24

La cita con que se inaugura la página es pretexto para hablar de esta mítica agrupación inglesa de We Will Rock You, el musical más esperado de este año en México. “We Will Rock You” es una aventura que se desarrolla sobre 24 de los temas emblemáticos de Queen. Basa sus historia en la lucha de los hombres por conservar su individualismo e intimidad en el contexto del mundo cuadrado y militarizado en el que todo es descargable a través de un teclado. En fin, vale la pena acercarse a este musical que promete una fuerte dosis de clásico imprescindibles. Mientras tanto, recordemos el estilo de Freddie: “Uno desenfadado y en concomitancia con su espíritu liberado.”

FOSTER THE

PEOPLE

El trío Foster The People se dio a conocer con la canción “Pumped Up Kicks”, que se convirtió inmediatamente en un hit radial. Este mes llega a los escenarios locales para presentar Torches, su disco debut. La oportunidad para demostrarnos que son mucho más que un “one hit wonder”. En este encuentro íntimo hablan de todo un poco, y se ríen mucho. /Por Ondi-

ne Benetier

oster the People es un grupo de indie rock formado en Los Angeles, California, en 2009. El grupo está compuesto por Mark Foster, Mark Pontius y Cubbie Fink. La música del grupo, ha sido descrito como ‘infusión de danza melódica con pop y rock’, abarcando muchos géneros. Mark Foster inspirado en la música del grupo Foster the Duffs, decidió crear su banda Foster The People. Durante el transcurso de ese año lograron ganar una gran cantidad de seguidores a través de apariciones en los festivales de música como Coachella y South by Southwest. ENTREVISTA > Vivieron un año bastante enloquecedor con la salida de Torches, su primer álbum. ¿Qué les parecieron estos últimos meses? Mark Foster: Estamos muy contentos con lo que nos está pasando, pero eso forma parte del gran proyecto que tenemos para la banda. Creo que ahora estamos virados hacia el futuro. Ya estamos pensando en el próximo álbum. Tenemos que continuar haciendo buena música. No podemos contentarnos con este disco, no somos holgazanes. Cuando el disco salió en los Estados Unidos y empezamos a tener mucho éxito, no nos sentamos cómodamente en un sillón y dijimos “bueno, chicos, miren cómo a la gente le gusta nuestra música”. Más bien intentamos ver cómo podíamos progresar en vivo, de qué manera mejorar nuestras canciones.

Checa fosterthepeople.com para más información acerca de su gira ó síguelos en twitter @fosterthepeople

Estamos muy contentos con lo que nos está pasando, pero eso forma parte del gran proyecto que tenemos para la banda. Creo que ahora estamos virados hacia el futuro” Pasaron muy rápidamente del estatus de banda que ensaya en un sótano al de la banda que está siempre de gira: ¿cómo manejaron eso? ¿Cómo evolucionaron sus relaciones? MF: Honestamente, nos hartamos bastante. Me acuerdo de la primera gira estadounidense que hicimos. No teníamos mucha plata, entonces alquilamos una pequeña camioneta y nos tragamos un montón de kilómetros. No podíamos sacar la camioneta de California, pero igual lo hicimos. Pasamos todo el viaje con miedo porque no estaba asegurada y nos asustaba tener un accidente. Justo antes de partir, Cubbie (Fink, bajo, coros) tenía que ir a Detroit por su trabajo, a más de 3500 kilómetros de Los Ángeles. Tenía que llevar un camión a California. Hizo todos esos kilómetros en veinticuatro horas, luego se encontró con nosotros y tuvo que conducir la Van durante veinte horas más hasta Austin, donde teníamos un recital previsto… Mark Pontius: ¡Y volver a Los Ángeles después! (risas) MF: Ese viaje fue una de las mejores cosas que hice en mi vida. ¿Tienen la misma idea colectiva de la banda desde el comienzo? MF: Las primeras canciones que tocamos juntos eran títulos que yo había escrito antes de que creáramos Foster The People. Tenían todo tipo de géneros e influencias muy diferentes, pero eran las únicas canciones que podía mostrarle a los otros al principio, además de los covers. Al tocarlas, agregándoles algunos detalles, construimos el sonido de la banda. Aprendimos a escuchar lo que nos gustaba, y a desechar el resto. Había también mucho electro en esas canciones, cosas que jamás supe transcribir en vivo. Trabajamos juntos

VIAJANDO CON FOSTER

VARSOVIA

TEOTIHUACÁN

PARÍS

LONDRES

DUBLÍN

para lograr reproducir eso en el escenario. Todavía hoy funcionamos así. Se calificó a su sonido con muchos nombres: “sunshine pop”, “pop californiano”… ¿Cómo lo definirían ustedes? MF: del lado luminoso. En vivo tienen algo sorprendente: incluso en las pequeñas salas, su sonido parece enorme, listo para los estadios. ¿Se dan cuenta de eso? MF: Ya tocamos en salas bastante grandes, pero espero tocar en salas aun más grandes de acá a un año. Traeremos bailarines (risas). Mark Pontius: Y fuegos artificiales (más risas). MF: Sí, fuegos artificiales, helicópteros…

RÍO DE JANEIRO

¿Y leones? MF: Me encanta esa idea. Koalas también, sería genial. No alimentaremos a los leones por un buen tiempo, y luego los soltaremos en el escenario con una centena de koalas. Tendremos una pileta con nadadores también. ¿Quizás podríamos enseñarles a nadar a los koalas? Ah, va a ser genial (risas finales).

UN ÉXITO RADIAL

ESTADOS UNIDOS

Pumped Up Kicks se convirtió en un éxito de crossover en la radios comerciales a mediados del 2011, alcanzando en los charts de Billboard el número uno en el listado Alternative Songs.

Un nombre surgido de la dislexia pura para una banda que ve (y tiene) las cosas bien claritas: van por los nĂşmeros 1 de las listas internacionales. Por H magazine

¿Qué no sabes dónde está Bangor? Tranquilo, es normal. Pero más te vale irte aprendiendo bien la geografía del Norte de Irlanda, porque empieza a ser un punto neurálgico del indie rock rompepistas. Desde este puerto de la costa Este norirlandesa llega este trío dispuesto a hacernos bailar… sin batería, pero con guitarras afiladísimas, ritmos programados sin tregua y melodías contagiosas a más no poder. Si crees que Bloc Party están perdiendo fuelle, que Foals chillan demasiado o que Phoenix son demasiado french… prueba con Two Door Cinema Club y dime si el mundo no es un lugar maravilloso. Éste puede ser el año de TDCC y hemos hablado con su bajista, Kevin Baird, para que nos cuente de qué va todo esto. ¿Cómo se formó Two Door Cinema Club? Pues nos conocíamos desde antes pero supongo que empezamos a ser amigos y escribir música juntos alrededor de los 15 años, en el instituto. Nos gustaban los mismos grupos y todos tocábamos la guitarra, así que lo de formar un grupo surgió como algo bastante natural.   Todos tocabais la guitarra y ninguno la batería. Así que no fue algo premeditado eso de no tener batería y usar un portátil con ritmos programados…

Todos tocabais la guitarra y ninguno la batería. Así que no fue algo premeditado eso de no tener batería y usar un portátil con ritmos programados… Bueno, al principio era porque no conocíamos a nadie que quisiera tocar la batería para nosotros. Pero con el tiempo hemos aprendido a aprovechar al máximo las posibilidades del ordenador y nos encanta. Igualmente, en directo también traemos a un batería de carne y hueso con nosotros, además del portátil.

¿Y de dónde viene vuestro nombre?

Álbumes Tourist History (2010)

Sleep Alone (2012)

Beacon (2012)

La culpa es de Sam. Hay un pequeño cine privado cerca de Bangor llamado Tudor cinema. Cuando estábamos pensando nombres para el grupo, se le ocurrió Two Door Cinema Club. A Álex y a mí nos gustó, pero cuando le preguntamos que de dónde lo había sacado nos dimos cuenta de que no sabía leer: ¡había cambiado Tudor por Two Door! Jajaja.

Japanese Popstars están siendo una revelación estos días, And So I Watch You From Afar empiezan a ser escuchados, vosotros estáis teniendo mucho éxito con Kitsuné y I Can Talk. Parece que el panorama musical norirlandés vuelve a estar en plena efervescencia, ¿no? ¡Sí, por supuesto! De hecho, no es algo nuevo que haya grupazos en Irlanda del Norte, pero supongo que con Myspace, Facebook y demás es más fácil hacerte oír.

¿Y cuáles son vuestras bandas norirlandesas favoritas? Muchas. La escena en Belfast es especialmente colorida y vibrante. Nos encantan Kowalski, Panama Kings, Cashier No.9, SixStarHotel, And So I Watch You From Afar…

Antes hablábamos de Kitsuné. ¿Cómo sucedió eso de que os incluyeran en su compilación?    Pues nos escucharon por primera vez en algún lugar, después nos conocimos en Londres y luego participamos en una fiesta que montaron en París.

De eso a entrar en el recopilatorio, la progresión era natural. Y luego, dos singles y ¡el álbum!

¡Eso! Háblanos del álbum. ¿Debemos esperar algo en la estela del EP Four Words to Stand On? El álbum ya está listo y preparado para ser lanzado en breve. En él hay algunas canciones del EP pero es sin duda un gigantesco paso adelante. Claro, el EP nos lo autoprodujimos, mientras que para el álbum hemos trabajado con productores de fama mundial en estudios molones… jejeje. Nos encanta cómo ha quedado, estamos muy orgullosos.

¿Cómo definirías el estilo de este nuevo trabajo? Ésta es difícil, ¿eh? No nos gusta encasillarnos en géneros, pero probablemente sea algo parecido a electropop mezclado con indie, rock y dance.

¿Y qué música habéis estado escuchando últimamente? Yo, personalmente, The XX, Wild Beasts, Phoenix y Local Natives.

10 canciones que no te puedes perder: 1. What You Know 2. Undercover Martyn 3. Something Good Can Work 4. I Can Talk 5. Cigarettes in the theatre 6. Come back home 7. Sun 8. Sleep Alone 9. This is the life 10. Eat that up, its good for you

UNIENDO FUERZAS

CLUB 303 es el nuevo proyecto de Sicario Music, conformado por Julian Placencia (Disco Ruido!) y Andre Fernández (The Wookies). Proyecto que nace de un noche de Acid House (Soundtrack de la escena under de Manchester, Inglaterra en los años 80’s – 90’s) en el Club Social Rhodesia, donde este par de enormes productores desbordan su pasión por este género. De lo que empezó como una noche de pinchar tracks de Acid House, pasó al estreno de su primer EP titulado “Rave Masters” que consta de 2 tracks: “Rave Masters” un track que hace honor al nombre , ya que demuestran la pericia que han adquirido en el dancefloor a través de tantos años detrás de las tornamesas, es un tema, mas que saturado de sonidos como podría

CLUB 303 ANDRE VII vs JULIÁN DISCORUIDO

parecer, es un track donde desarrollan la influencia de muchos tracks en un solo tema totalmente Jackin. “In & Out” es una colaboración con uno de los prodigios de la escena de la música electrónica Mexicana Rubinskee. En este track podemos encontrar el sonido ya bastante peculiar de Club 303 que no es muy retro pero si manteniendo toda la esencia del Acid House, sumando el talento y gran clase de Rubinskee en el manejo de efectos y estructura musical. Su ultimo remix consta de una rola de Quiero Club llamada Cuentos, donde imprimen lo que buscan hacer siempre, al momento de estar a cargo de la pista de baile (ritmos y tonos fuertes que generan experiencias únicas e irrepetibles).

ACÉRCATE

Opiniones y certezas de Grimes sobre hacer canciones, la ecologĂa y, ÂĄah!, el fin del mundo Por: Kier Wiater-Carnihan

uedes sentir a Grimes, pero no puedes sentir a Claire Boucher. La artista canadiense se ha construido un personaje musical que brilla con paisajes sonoros ensoñadores y melodías que resultan imposibles de desterrar de la cabeza. Pero hemos intentando comprender a Claire un poco, y aquí encontrarás sus pensamientos. Sí, acerca del fin del mundo también. Hace unas semanas se me pegó una canción en la cabeza. Diría más: no es que se me enganchara; fue más bien como si alguien me comenzara a trepanar cuidadosamente el cráneo y abriese una pequeña ventana para luego, suave pero firmemente, empezar a colocar un pequeño tubo de cobre a través de mi tejido cerebral que alcanzara hasta en lo más profundo de la corteza de mis sesos. Para rematarlo, el final era como si se vertiera en el orificio un poderoso pegamento industrial. Entonces, y sólo entonces, es cuando empezaría a reproducirse la canción de la que hablaba ante para que, tan pronto como terminase, cerrar el cráneo a cal y canto con un fuerte tabique de hormigón. Total, que no podía sacármela de la cabeza durante días. Allá donde fuera la notaba aporreándome las paredes occipitales, bailando provocativamente tras las cuencas de mis ojos. Llegó a un punto en el que, si no hubiese sido porque la canción era buena, me hubiera tocado bastante lo que no suena. Sigue ahí aún, de hecho. Simplemente, he aprendido a convivir con ella, tal y como lo harías con un marcapasos o un parche para el ojo, con la excepción de que, obviamente, tener esa canción resulta mucho más placentero que padecer de pulso cardíaco irregular, que siempre es peligroso. La canción es “Genesis” de Grimes, el alias de Claire Boucher,

una traviesa artista electropop llegada de Montreal. Deberías ponértela. Ahora. Va. Dale una escucha. ¡Ja! Ahora la tienes sellada con hormigón en el cráneo, como yo. En serio, es la cosa más pegajosa desde los guantes de Íker Casillas, todo un irresistible pedazo de electropop etéreo y nostálgico. Dicho de otro modo, es como sonaría La Roux si hubiese querido sonar, ya sabes, bien. O como si CocoRosie le añadiesen un poco de ritmo a su encantadora extravagancia. “Genesis” está incluida entre lo mejor del tercer disco de Grimes, “Visions”, el primero que llega bajo el paraguas de 4AD. Esto le garantizará tener toda una nueva horda de fans, y muchos de ellos podrán verla en los próximos meses cuando se embarque en su primera gira propiamente dicha por Europa, que culminará con una actuación imprescindible en el San Miguel Primavera Sound. Grimes ha dejado aparcado su trabajo de estudio por unos días para embarcarse en una pequeña gira promocional por Europa. La interceptamos en Londres justo cuando la ciudad estaba siendo azotada por una ola de frío que nos había dejado a los autóctonos –no, no me excluyo–, encerrados en nuestros dormitorios, desesperadamente tratando de arrancarle cuando más calor posible a las sábanas y los edredones.

Hola.

Hola, ¿cómo estás?

¿Hay alguien que te influencie o te inspire en este momento?

Bien. Envuelto en un edredón nórdico, temblando.

Estoy muy enganchada a Nine Inch Nails ahora. De nuevo. [risas]

¡Pues yo también, qué coincidencia! Has estado por Europa durante los últimos días. ¿A qué te has dedicado?

He estado deambulando un poco, con muchas cenas, muchas entrevistas y esas cosas. ¿Habías estado en Europa antes?

Brevemente. Muy brevemente. Ésta habrá sido mi estancia más larga. ¿Cuál ha sido tu lugar favorito hasta ahora?

No sé, no he visto mucho de Londres en este viaje. Me gusta Londres, me gusta Berlín. Ámsterdam me encantó, pero no llegué a salir del hotel. Pero el hotel moló [risas]. Empecemos con una pregunta aburrida, pero importante: ¿qué músicos te inspiraron para empezar a crear música?

¿Los primeros? Diría, posiblemente, que Panda Bear y Animal Collective, cosas así. Es una música bastante distinta a lo que escucho ahora. En ese momento mi actitud era como ‘oh, bien, veamos cómo hacen esto Animal Collective, voy a tratar de hacer la misma cosa’. No es necesariamente un tipo de música, más bien el modo en el que estaba hecha, lo que hizo que todo fuese posible en cierto modo. O algo. Si es que esto tiene algún sentido.

“No creo que pueda decir que sea súper liberal, porque creo que el mundo está completamente jodido”

¿Hay algunos artistas con los que te molesta que te comparen?

Definitivamente, con Kate Bush. Nunca la he escuchado y de verdad que no me gusta que lo hagan. Creo que esto transmite algo de pereza por parte de según qué periodistas, algo así como: ‘Oh, las dos son chicas y hacen música pop, así que las compararé’. O Björk. No creo que me parezca en nada a Björk. Y tampoco es que la haya escuchado demasiado. Imagino que es fácil utilizar como referencias a Björk y Kate Bush cuando tienes a una vocalista femenina con un timbre de voz agudo.

Sí. Diría que tu estilo de canto es bastante distinto al de ellas. En particular, diría que a veces se hace difícil descifrar las letras. ¿Es intencionado?

Oh, sí. Definitivamente, tratan sobre cosas, pero realmente no quiero que nadie las escuche demasiado. Me siento y las escribo para mí misma, así que la canción trata de algo y significa algo para mí, pero no quiero que sea súper claro ni nada. ¿Prestas atención a las letras de otra gente?

Nunca. A veces algo de rap, o, no sé, Joanna Newsom o algo así, pero en general es la última cosa en la que pienso.

¿Cuál ha sido el punto más bajo de tu carrera hasta ahora?

Esto… probablemente cuando hay algún show estúpido o una sesión de fotos donde tienes que hacer algo que no te apetece. Ésas son siempre las peores situaciones. Aparte de eso, no creo que sea tan malo.

Discografía

¿Qué clase de cosas te han pedido hacer en una sesión de fotos?

Algo así como llevar ropa atrevida y tú estás en plan: ‘No quiero ponerme eso’ y todo el mundo en plan: ‘Tienes que ponértelo’, y acabas poniéndotelo. Eso es una mierda. Dejemos los puntos más bajos. ¿Cuáles han sido tus momentos preferidos?

El SXSW del año pasado fue bastante loco. Las cosas que pasaron en el tour con Lykke Li también fueron una locura. Cualquier concierto que sea un éxito también es un plus. ¿Cómo son los sets de tus directos?

Normalmente estoy yo sola, pero a veces también toco con un batería. Siento como si tener una batería fuese algo bueno de verdad, porque es muy fácil que alguien aprenda a tocarlas con rapidez, y aún así, también puedo tocar sin batería. Ése es el tipo de músico acompañante con el que más suelo tocar, pero por lo general actúo en solitario y utilizo un montón de pedales de loops, samplers y esas cosas.

GEIDI PRIMES (2011)

¿Te sientes cómoda siendo el foco y centro de atención de tu público?

Uhm... no, pero, ya sabes, funciona [risas]. ¿Fue difícil para ti hacer esta transición? ¿Cuánto tardaste en dar tus primeros conciertos desde que empezaste a hacer música?

HALFAXA (2011)

Probablemente, cerca de un año. Aunque he de decir que el primer año que hice música, ya sabes, me dedicaba a ello un par de veces al mes o así. Fue una transición bastante dura. Diría que hasta ahora no me he acostumbrado del todo. ¿Crees que tu popularidad ha crecido muy rápido, o has necesitado trabajar muy duramente?

Bueno, ambas cosas. Ha sido definitivamente muy rápido para nosotros, comparado a la manera en que empecé, pero también ha sido rematadamente difícil [risas]. Sin duda, es un poco de las dos cosas. Al final pude centrarme en la música muy pronto y dejar el otro trabajo que tenía, pero aún así tengo que estar trabajando día y noche en Grimes. Básicamente, es la única cosa que hago. ¿Te parece que todo lo que tiene que ver con la promoción –las entrevistas, las sesiones de fotos – es una distracción para ti?

DARKBLOOM (2011)

Totalmente, es una distracción, pero también le encuentro ventajas. Haré estas cosas ahora y puede que sean algo difíciles, pero tendrá beneficios a largo plazo. Y si lo hago ahora, no lo tendré que hacer después [risas]. Si tu carrera musical no hubiese despegado, ¿qué crees que estarías haciendo ahora?

Probablemente trabajando en un laboratorio, o algo así. ¿En un laboratorio?

Sí. Tratando de trabajar en un master o algo así. ¿Cuál era tu disciplina?

Me interesaba mucho la neurociencia. Definitivamente, si no estuviese haciendo música, lucharía por eso.

VISIONS (2012)

“ESTOY HARTA DE QUE ME COMPAREN SIEMPRE CON KATE BUSH. NUNCA LA HE ESCUCHADO”

Sí. También hay mucho de “oh, esto es una mierda, me odio”, pero luego te despiertas a la mañana siguiente y lo escuchas otra vez y es como “oh, sí, esto está bastante bien”. 46

¿Es algo a lo que te ves volviendo en un futuro?

Sí, definitivamente sí. Cuando tenga, digamos, treinta años, definitivamente no estaré girando. Intentaré estar trabajando en algo académico. ¿Sigues de cerca los avances en neurociencia?

[risas] No, no tengo tiempo para eso, si te soy sincera. Tu nuevo álbum es sensiblemente menos diverso, más enfocado y un poco menos serio que tus trabajos anteriores. ¿Tenías alguna visión específica en la cabeza mientras lo hacías?

Creo que tiene que ver con el hecho de que lo hice todo de golpe. La mayor parte la hice durante el mismo periodo de tres semanas. Incluso con las canciones que ya existían previamente, la mayoría las volví a grabar en ese momento. Todo fue súper condensado. Creo que las canciones se parecen las unas a las otras porque todas fueron producidas al mismo tiempo. Has grabado tres álbumes en un período de tiempo relativamente corto. ¿Te resulta fácil crear canciones?

Sí. También hay mucho de “oh, esto es una mierda, me odio”, pero luego te despiertas a la mañana siguiente y lo escuchas otra vez y es como “oh, sí, esto está bastante bien”. No diría que sea fácil, pero definitivamente es algo que puedo hacer en grandes cantidades. Me consume mucho de mí misma, pero puedo hacerlo en abundancia. ¿Tiendes a buscar un determinado estado de ánimo cuando grabas? Leí que la primera vez que empezaste a hacer música habías estado consumiendo speed toda la noche. ¿Es ese un método que todavía suscribes?

Sí. En relación a este disco, sí, hice eso un poquito. Pero, quiero decir, no necesito eso para hacer música, sólo que tenía que cumplir un plazo de entrega, así que... No sé. En relación al estado de ánimo, creo que es bastante diverso. Es algo así como música de baile triste. [risas] Parece que hay mucha música electrónica melancólica en este momento. ¿Sientes que formas parte de un movimiento?

No creo que pudiese nombrar a ningún artista ahora mismo [risas]. No lo sé... Planningtorock es lo que tenía en mente, supongo, ese tipo de sonido pesaroso a la vez que animado...

Sí, me gusta lo que hace ella, supongo. Pero no quiero estar en plan mirando internet ni nada de eso. Estoy bastante alejada de todo eso ahora mismo. ¿Quiere eso decir que estás desprendida del mundo en general o únicamente en relación a la música?

Simplemente no tengo tiempo de mirar internet. La gente me cuenta cosas, así que me entero de cosas, pero estoy bastante ocupada [risas]. Obviamente algo de lo que no puedes permanecer ajena es al colapso financiero que asola el mundo...

Sí, claro. ¿Tienes algún tipo de plan por si todo se va a hacer gárgaras?

No lo sé. Cuando solía vivir en algún sitio siempre guardaba una tonelada de alubias en la despensa y cosas así, por si acaso. Me estresa un poco el hecho de que vaya por el mundo con, digamos, muy pocas cosas. Pero, uhm, llegado el caso, simplemente intentaría llegar hasta Canadá, ese sería mi plan ideal, aunque

“Creo que tienes que escoger cuáles son tus batallas y centrarte en ellas” no sé, supongo que Canadá acabaría invadida si se produjera un colapso masivo, así que es difícil de decir. Necesitas un búnker, imagino.

Sí, en realidad ya tengo algo parecido a un bunker; mis abuelos viven al lado de una montaña y cultivan su propia comida y esas cosas. Pero imagino que probablemente también les invadirían muy rápido. La gente iría allí y se quedaría con su granja.

¿Te ves combinando tus ideas políticas con tu música en algún momento? ¿Apoyas el movimiento Occupy, por ejemplo?

Uhm, tengo algunos problemas con el movimiento Occupy. Creo que, en general, la idea es buena, pero hay demasiada tontería ahí en medio. En el fondo lo apoyo, pero eso no significa que vaya a escribir nunca, por ejemplo, una canción política. Hablaré sobre mis ideas, pero no las voy a exponer en mi música. ¿Has ido a alguna manifestación Occupy?

Sería como “La Carretera” (de Cormac McCarthy). ¿En qué parte del espectro político te sitúas?

No creo que pueda decir que sea súper liberal, porque creo que el mundo está completamente jodido y definitivamente no estoy de acuerdo con la mayoría de cosas que están pasando. Siento que nuestra prioridad absoluta ahora mismo debería ser la sostenibilidad. Priorizar algo por encima de la salud del planeta me parece ridículo, porque si no todos vamos a morir de cáncer. Todo el mundo se muere de cáncer ahora por la manera en que vivimos. Deberíamos detener la producción de petróleo ahora mismo. Es como, joder, no necesito irme de gira, no necesito tener que estar cogiendo aviones. No sé, creo que necesitamos una Dictadura Verde. Una Dictadura Verde en todo el mundo.

Sí. No sé… simplemente es que muchas decisiones acaban haciéndose mal y esto hace que todo se vuelva increíblemente alienante e improductivo. Creo que están, de algún modo, alienando a la gente a la que, en cierta forma, intentan convencer. Definitivamente, estoy así como: ‘Sí, muchas de las cosas de las que os quejáis las siento igual’, y eso es importante para mí, pero luego tampoco hay una regulación en el uso de las drogas y hay gente haciendo cosas estúpidas. Y, a fin de cuentas, mis padres están bastante en contra de esto, y ése es al tipo de personas que deberían tratar de convencer. No es que mis padres estén en el 1%, pero, ya sabes, mi madre tiene la carrera de Derecho y tal. Necesitan a esa gente de su lado. Una última cosa; ¿de dónde viene el nombre Grimes?

¿Te sientes culpable a veces? Obviamente, tienes que tomar muchos aviones cuando estás de gira, ¿te afecta esto?

Oh, no lo puedo decir.

No demasiado, porque siento que haga lo que haga, no va a cambiar nada. La ingente cantidad de naranjas que se envían en avión hasta Canadá cada día es un problema mucho más grave, ¿entiende lo que quiero decir? Si una persona toma un avión, no es el fin del mundo. También creo que hay una diferencia importante entre trabajar (que es lo que siento que hago) frente a, simplemente, ir de vacaciones y estas cosas. Cada avión en el que me subo es muy necesario. Es el tipo de cosa que, por mucho que te hagan sentir culpable, no va ayudar a que cambie nada, y el dejar de hacerlo tampoco va a cambiar nada, aparte de complicarte la vida. Así que simplemente te limitas a hacerlo tú también. Siempre llevo conmigo un tenedor y un cuchillo. No me gusta usar tenedores y cuchillos de plástico. Intento ser consciente en relación a este tipo de cosas, pero hay un límite, ¿sabes? Conozco a gente que simplemente no hace nada, que siempre se siente mal porque está preocupado por este tipo de cosas. Creo que tienes que escoger cuáles son tus batallas y centrarte en ellas.

¿No lo puedes decir?

No [risas]. ¡Coño! ¡Qué rabia da eso! No es que lo quisiese saber realmente, pero ahora realmente necesito saberlo. Quizá sea así como se extiende el atractivo de Grimes –a diferencia del de muchos artistas de hoy, que lo dejan todo, en sentido figurado y literal, al descubierto–. Grimes se guarda cosas sólo para ella. Las letras ininteligibles, su guerra contra las sesiones de foto sórdidas, su propio pseudónimo, todo parece que guarde algo de misterio. Puedes sentir a Grimes, pero no puedes sentir a Claire Boucher. Es, probablemente, un movimiento muy inteligente. En el fondo, basta con tener a Grimes en nuestras vidas. No necesitas conocer sus pensamientos más profundos o cómo luce con un tanga. Pero quizá debas invertir en una piqueta y algo de gelignita para sacar sus condenadas canciones de tu cabeza…

vvv

¿Sobre qué dirías que habla este disco?

Sobre hacerse mayor y las consecuencias de nuestras acciones. Me parece interesante la idea de “Ya Hey”. La canción habla de dos lados, presenta una dicotomía: la influencia materna y la paterna y cómo ambas partes tratan de convencerte de que te unas. A veces parece que sólo hay dos opciones, dos enemigos enfrentados y, en realidad, ninguno de ellos es el correcto. No hay por qué decantarse por ninguno.

Por lo que he podido escuchar, habéis intentado desarrollar nuevos sonidos: hay algunas canciones tan lentas que nunca las hubiera relacionado con vosotros, hay trucos electrónicos. ¿Los colaboradores os han aportado nuevas ideas? Ariel ha contribuido con muchas cosas: ritmos de batería que aparecen de repente, música programada… Nuestro amiga Angel Deradoorian (The Dirty Projectors) hace algunas armonías vocales en un par de canciones. Hay una sección de cuerda…

Vaya. No sé. ¿Piensas que sois ahora mejores de lo que erais entonces?

Sí, la verdad es que sí. Creo que hemos mejorado en la composición de las canciones. Algo evolucionó y se transformó en otra cosa más grande.

¿Recuerdas cuándo decidisteis montar Vampire Weekend?

Perfectamente, éramos amigos y vivíamos más o menos juntos. Somos de la misma edad, yo soy de 1983 y ellos del 84. Fue en el cuarto año de universidad cuando decidimos hacer una banda y tocar. Inmediatamente sentimos algo positivo.

¿Seguís viviendo todos en Nueva York? Sí, por de pronto.

¿Y sigues viéndoles a menudo?

Sí, seguimos siendo muy amigos. Mientras preparábamos este disco Ezra ha estado viniendo a mi piso tres veces todas las semanas para trabajar. Mantenemos bastante el contacto.

¿Hacéis otras cosas juntos que no tengan que ver con la música?

¡Nos encanta jugar a Rocketball! Cuando fuimos a Australia de gira y jugamos al tenis con The Killers… Bueno, en realidad estaba sólo Brandon Flowers…

Qué me dices. ¿Y quién ganó?

El primer single, “Diane Young”, tiene un espíritu muy rock and roll. Me ha sorprendido mucho.

Somos todos bastante buenos al tenis, incluido Brandon. Pero creo recordar que yo fui el mejor. [Ríe] Lo cual es raro, teniendo en cuenta que soy el gordo bajito [estalla en carcajadas]. Pero sí, les pateé el culo. No sé cómo lo hice.

No ese tipo de sonido.

Bueno, volviendo a vuestra evolución. Recuerdo que más tarde os vi en Ibiza, en 2009.

¿No habías identificado nada de rock en nuestro trabajo antes?

Bueno, por eso precisamente es por lo que intentábamos hacer algo diferente aquí. Creo que hay cierto espíritu 50s en varias de las canciones nuevas.

Recuerdo la primera vez que os vi. Fue en el festival de Coachella, en 2008. Fue vuestro debut allí. La prensa de Estados Unidos sólo se fijó en vuestra pinta de niños pijos, con esos bañadores rosas y las camisas que llevabais, pero fue un gran ‘show’. Supongo que fue un momento muy importante para vosotros. ¿Cómo recordáis esos comienzos? ¿Llegasteis a pensar entonces que llegaríais a ser tan grandes? ¡Creo que cuando tocamos en Coachella ya éramos muy grandes!

Hombre, sois mucho más grandes ahora; por lo menos, en Europa

Es cierto. Pero seguiría siendo feliz si ahora mismo fuéramos igual de populares que entonces. Fue una época emocionante. No sé, sólo puedo decir que estoy agradecido por todo lo que nos ha ido pasando. Me siento afortunado.

Y antes de llegar a aquel Coachella, cuando empezabais con el grupo, ¿pensabais que llegaría algún día, como hoy, en el que creceríais tanto como para ofrecer diez entrevistas en un día sólo para periodistas españoles sin salir de este hotel de Madrid? ¿Pensasteis en algo así y lo deseabais u os daba miedo?

¿A qué te refieres con lo de crecer tanto? ¿Te refieres a ser más populares? ¿O te refieres a ser mejores como músicos?

Oh, sí, ese show fue espantoso.

En realidad no fue vuestra culpa: entre el público sólo había británicos etílicos con ganas de desfasar. Pero un poquito antes de la actuación pude entrevistar a Ezra en el camerino. Le pregunté por la presión del éxito con vuestro segundo disco, “Contra”, que todavía no había salido, y me dijo que la presión externa nunca os afectaba. ¿Sigue siendo así?

[Silencio]. Sentimos un poco de presión. Pero creo que es una presión positiva, que nos empuja a exigirnos buenas canciones en cada álbum.

Lo cierto es que estoy de acuerdo contigo en lo que decías antes. Creo que habéis mejorado bastante como grupo, sobre todo en directo. Desde aquel ‘show’ de Coachella hasta la última vez que os vi, creo que a finales de 2010 en La Riviera, en Madrid, se os ve mucho más seguros. En ese sentido, ¿había algo que quisierais seguir mejorando en este tercer disco, alguna meta concreta? Bueno, el próximo reto es aprender a tocar las nuevas canciones en directo. Eso llevará práctica y evolución.

¿Vendréis a España este año?

Esperamos que sí, todavía no hay nada seguro. [Ya han confirmado que el 13 de julio tocarán en Bilbao, en el BBK Live]

Me gustaría hablar un poco de tus proyectos paralelos. Creo que has trabajado con Das Racist. ¿Cómo fue aquello? Así es, produje una canción suya que se llama “The Trick”, de su álbum “Relax” [2011]. Heems es mi amigo… Aunque no recuerdo cómo le conocí. Quizá fue a través de Twitter. El caso es que les mandé un beat y él y Victor [Vázquez] escribieron por encima de mis sonidos. Vaya, en realidad fue una forma muy parecida de trabajar a la que

hemos seguido en “Modern Vampires of The City”. ¿Sabes? Cuando hablo de beats en una entrevista a veces no me entienden. Con beat no me refiero sólo a un ritmo de batería. No, es mucho más, es como el alma de la canción.

¿Y qué hay del proyecto Discovery, que empezaste en 2005 con Wesley Miles (Ra Ra Riot)? Creo que desde “LP” (2009) no habéis hecho nada. Sigue ahí, de hecho tenemos varias ideas. Pero creo que todavía va a llevar un poco de tiempo. ¿Quieres preguntarme alguna cosa más? Lo siento, es que necesito ir urgentemente al baño.

No hay problema. Ha sido un placer. [Se va]

despues de que saliera nuestro debut algo sucedio dimos un paso adelante. 51

Esta entrevista se hizo antes de que Vampire Weekend aparecieran recurrentemente en sus livestreams junto al actor Steve Buscemi (al parecer, primo lejano del bajista, Chris Baio); y, desde luego, mucho antes de la publicación de su nuevo disco, “Modern Vampires of The City” (XL Recordings, 2013). Un día lluvioso de finales de febrero fue cuando hablamos con Rostam Batmanglij (teclista, productor y principal compositor junto a Ezra Koenig, el cantante y guitarrista) en una lujosa

‘suite’ de un hotel en Madrid. Apenas pudimos escuchar por primera vez el disco unas horas antes, en un iPod en el ‘hall’ de ese mismo hotel lleno de guiris gritones. Cosas de la promoción y de este mundo ‘pirata’. La entrevista, claro, fue un tanto rara: había que charlar de algo que prácticamente desconocíamos (su tercer disco) con alguien que se acababa de tragar otras nueve entrevistas antes. De ahí, quizá, los exagerados silencios al principio de la conversación. Justo acabo de escuchar vuestro nuevo disco. Qué guay.

No era fácil concentrarse ahí abajo, con todo el gentío… [Silencio]

Dice la nota de prensa de vuestra discográfica que en este álbum habéis trabajado más compenetrados que nunca antes.

[Silencio] “No creo que hayamos explorado un sonido concreto hasta sus límites más profundos, todavía queda algo más”

¿Y cómo solíais trabajar? Os mandáis correos… No sé. ¿Cómo ha sido esta vez? ¿Quieres que hable de eso?

Oh, Dios, alguien nos ha guiado para poder cerrar asi este ciclo 52

Podría estar bien.

Bien. En el pasado había unas pocas canciones que yo empezaba por mi cuenta y le enviaba una pieza de sonido a Ezra, que escribía por encima. Así hicimos con “White Sky”, en “Contra”. Éste precisamente es un caso muy interesante, porque partiendo de una sola pieza de música, llegamos a tres melodías distintas y geniales, una estrofa y un estribillo. Hubo algo cercano a la magia ahí, tuvimos suerte. Y entonces [silencio de 10 segundos, con los ojos abiertos]… en este álbum ése fue un método muy efectivo para componer. Yo empezaba trabajando con estructuras melódicas sencillas, que partían del bajo, acordes y batería y con eso bastaba para inspirar a Ezra a cantar

algo. Algunas veces las letras también surgían al mismo tiempo, pero por lo general sólo tarareaba sonidos. Él volvía a escucharlo una y otra vez, iba escribiendo cosas, hasta que sacaba la letra completa.

y el diseño de los álbumes, de modo que cuando los tres estuvieran juntos en una tienda se notara que pertenecían a un mismo conjunto. Eso sí era importante. Pero el tema de la trilogía fue una revelación.

También se ha dicho que este trabajo cierra una trilogía. ¿Quiere decir eso que habéis desarrollado un sonido que no volveremos a escuchar? ¿Deberíamos esperar entonces algo totalmente nuevo para vuestro cuarto disco?

En los dos discos anteriores tú te encargaste de las tareas de producción. ¿por qué en este caso pediste la ayuda de Ariel Rechtshaid?

Todos los periodistas nos preguntan eso: ¿y qué vendrá después? Todos queréis un chivatazo. Bueno, no creo que hayamos explorado un sonido concreto hasta sus límites más profundos, todavía queda algo más. Pero sí creo que lo próximo que hagamos juntos será bastante diferente. A lo mejor un giro radical estaría bien. Podríamos grabar todo en directo, con guitarras poderosas… ¿quién sabe? [Una risa inesperada estalla dentro de Rostam].

Pinta bien eso que dices. A lo mejor puede salir algo provechoso de esta charla.

No, en serio; la verdad es que después de terminar este disco nos dimos cuenta de que habíamos concluido una trilogía. Nos dimos cuenta de que…

Yo sigo siendo el productor de este disco. Es una coproducción junto a Ariel, los dos hemos participado en todo el proceso. Así que… [Silencio]. Como he dicho antes, en este disco hay muchas canciones que yo empecé a esbozar, así que necesitaba una perspectiva externa para saber cómo encauzarlas después. Ha estado bien tener a alguien al lado que te dijera: ‘OK, esta canción ya está prácticamente, sólo hay que cambiar estas dos cosas’. O tener a alguien que aportara nuevas ideas cuando no sabíamos cómo avanzar. En todos los temas había cosas que amábamos y otras que nos parecían apestosas. Cuando las llevamos a Los Ángeles para grabarlas, él nos ayudó a que funcionaran.

¿Cuánto tiempo os llevó dar con las canciones?

¿Cómo se llamaría esa trilogía?

Demasiado. Y si no llega a ser por Ariel todavía seguiríamos dándoles vueltas. Estuvimos casi un año componiendo. Algunas incluso venían arrastrándose desde 2009. Aunque fue en el verano de 2011 cuando empezamos en serio con ello.

Genial.

¿Alguna de esas canciones de 2009 llegaron a estar dentro de “Contra” (2010)?

[Medita] “Vampire Weekend-Contra-Modern Vampires of The City”. [Risas] A ver, no sabíamos que queríamos hacer una trilogía cuando empezamos este último disco. Sí que intentamos conservar el mismo espíritu en las portadas

Bueno, por ejemplo “Obvious Bicycle” partió de una pieza de piano que le mandé a Ezra antes de terminar

“Contra”. Pero entonces sólo grabamos piano y batería. Un año y medio después lo retomamos. Estábamos juntos y le dije: “¿Quieres escuchar aquello que dejamos aparcado?”. Ezra contestó: “Claro, de hecho he estado trabajando en ello y creo que tendría que ser el comienzo del nuevo disco”. El paso del tiempo viene muy bien para saber si algo vale realmente la pena. ¿Sobre qué dirías que habla este disco? Sobre hacerse mayor y las consecuencias de nuestras acciones. Me parece interesante la idea de “Ya Hey”. La canción habla de dos lados, presenta una dicotomía: la influencia materna y la paterna y cómo ambas partes tratan de convencerte de que te unas. A veces parece que sólo hay dos opciones, dos enemigos enfrentados y, en realidad, ninguno de ellos es el correcto. No hay por qué decantarse por ninguno. Por lo que he podido escuchar, habéis intentado desarrollar nuevos sonidos: hay algunas canciones tan lentas que nunca las hubiera relacionado con vosotros, hay trucos electrónicos. ¿Los colaboradores os han aportado nuevas ideas? Ariel ha contribuido con muchas cosas: ritmos de batería que aparecen de repente, música programada… Nuestro amiga Angel Deradoorian (The Dirty Projectors) hace algunas armonías vocales en un par de canciones. Hay una sección de cuerda… El primer single, “Diane Young”, tiene un espíritu muy rock and roll. Me ha sorprendido mucho. ¿No habías identificado nada de rock en nuestro trabajo antes? No ese tipo de sonido. Bueno, por eso precisamente es por lo que intentábamos hacer algo diferente aquí. Creo que hay cierto espíritu 50s en varias de las canciones nuevas. Recuerdo la primera vez que os vi. Fue en el festival de Coachella, en 2008. Fue vuestro debut allí. La prensa de Estados Unidos sólo se fijó en vuestra pinta de niños pijos, con esos bañadores rosas y las camisas que llevabais, pero fue un gran ‘show’. Supongo que fue un momento muy importante para vosotros. ¿Cómo recordáis esos comienzos? ¿Llegasteis a pensar entonces que llegaríais a ser tan grandes? ¡Creo que cuando tocamos en Coachella ya éramos muy grandes! Hombre, sois mucho más grandes ahora; por lo menos, en Europa Es cierto. Pero seguiría siendo feliz si ahora mismo fuéramos igual de populares que entonces. Fue una época emocionante. No sé, sólo puedo decir que estoy agradecido por todo lo que nos ha ido pasando. Me siento afortunado. Y antes de llegar a aquel Coachella, cuando empezabais con el grupo, ¿pensabais que llegaría algún día, como hoy, en el que creceríais tanto como para ofrecer diez entrevistas en un día sólo para periodistas españoles sin salir de este hotel de Madrid? ¿Pensasteis en algo así y lo deseabais u os daba miedo? ¿A qué te refieres con lo de crecer tanto? ¿Te refieres a ser más populares? ¿O te refieres a ser mejores como músicos? Vaya. No sé. ¿Piensas que sois ahora mejores de lo que erais entonces? Sí, la verdad es que sí. Creo que hemos mejorado en la composición de las canciones. Algo evolucionó y se transformó en otra cosa más grande. ¿Recuerdas cuándo decidisteis montar Vampire Weekend? Perfectamente, éramos amigos y vivíamos más o menos juntos. Somos de la misma edad, yo soy de 1983 y ellos del 84. Fue

en el cuarto año de universidad cuando decidimos hacer una banda y tocar. Inmediatamente sentimos algo positivo. ¿Seguís viviendo todos en Nueva York? Sí, por de pronto. ¿Y sigues viéndoles a menudo? Sí, seguimos siendo muy amigos. Mientras preparábamos este disco Ezra ha estado viniendo a mi piso tres veces todas las semanas para trabajar. Mantenemos bastante el contacto. ¿Hacéis otras cosas juntos que no tengan que ver con la música? ¡Nos encanta jugar a Rocketball! Cuando fuimos a Australia de gira y jugamos al tenis con The Killers… Bueno, en realidad estaba sólo Brandon Flowers… Qué me dices. ¿Y quién ganó? Somos todos bastante buenos al tenis, incluido Brandon. Pero creo recordar que yo fui el mejor. [Ríe] Lo cual es raro, teniendo en cuenta que soy el gordo bajito [estalla en carcajadas]. Pero sí, les pateé el culo. No sé cómo lo hice. Bueno, volviendo a vuestra evolución. Recuerdo que más tarde os vi en Ibiza, en 2009. Oh, sí, ese show fue espantoso. En realidad no fue vuestra culpa: entre el público sólo había británicos etílicos con ganas de desfasar. Pero un poquito antes de la actuación pude entrevistar a Ezra en el camerino. Le pregunté por la presión del éxito con vuestro segundo disco, “Contra”, que todavía no había salido, y me dijo que la presión externa nunca os afectaba. ¿Sigue siendo así? [Silencio]. Sentimos un poco de presión. Pero creo que es una presión positiva, que nos empuja a exigirnos buenas canciones en cada álbum. Lo cierto es que estoy de acuerdo contigo en lo que decías antes. Creo que habéis mejorado bastante como grupo, sobre todo en directo. Desde aquel ‘show’ de Coachella hasta la última vez que os vi, creo que a finales de 2010 en La Riviera, en Madrid, se os ve mucho más seguros. En ese sentido, ¿había algo que quisierais seguir mejorando en este tercer disco, alguna meta concreta? Bueno, el próximo reto es aprender a tocar las nuevas canciones en directo. Eso llevará práctica y evolución. ¿Vendréis a España este año? Esperamos que sí, todavía no hay nada seguro. [Ya han confirmado que el 13 de julio tocarán en Bilbao, en el BBK Live] Me gustaría hablar un poco de tus proyectos paralelos. Creo que has trabajado con Das Racist. ¿Cómo fue aquello? Así es, produje una canción suya que se llama “The Trick”, de su álbum “Relax” [2011]. Heems es mi amigo… Aunque no recuerdo cómo le conocí. Quizá fue a través de Twitter. El caso es que les mandé un beat y él y Victor [Vázquez] escribieron por encima de mis sonidos. Vaya, en realidad fue una forma muy parecida de trabajar a la que hemos seguido en “Modern Vampires of The City”. ¿Sabes? Cuando hablo de beats en una entrevista a veces no me entienden. Con beat no me refiero sólo a un ritmo de batería. No, es mucho más, es como el alma de la canción. ¿Y qué hay del proyecto Discovery, que empezaste en 2005 con Wesley Miles (Ra Ra Riot)? Creo que desde “LP” (2009) no habéis hecho nada. Sigue ahí, de hecho tenemos varias ideas. Pero creo que todavía va a llevar un poco de tiempo. ¿Quieres preguntarme alguna cosa más? Lo siento, es que necesito ir urgentemente al baño. No hay problema. Ha sido un placer. [Se va]

despues de que saliera nuestro debut algo sucedio dimos un paso adelante.

i am more than what you see.

M.I.A.

M.I.A. M.I.A

Por Ana García Traducción por Soledad Valdés

. A.

Después de que DJ Diplo fuera a Sao Paulo el mes pasado a pinchar discos en el Milo Garage durante su estadía en Brasil, fue fácil contactar a M.I.A. para hacer una entrevista para Super 45. Él sólo dijo: “Sean simpáticos???. Y lo fuimos, por supuesto. Hablamos con ella por e-mail y notamos que tipea realmente rápido y que tiene un gran sentido del humor.

n poquito de historia para aquellos que TODAVíA no saben: Maya Arulpragasam, conocida como M.I.A. (Missing In Action, desaparecida en acción), ocasionalmente entra en el lenguaje de combate y usa palabras como guerrilla style en la mayoría de sus entrevistas, pero eso se entiende viniendo de ella. M.I.A. fue una refugiada de la guerra civil en Sri Lanka, es la hija de un guerrillero que no tiene idea de su trabajo musical hasta el día de hoy y tiene un primo que murió en la lucha por la independencia de Tamil. En 1986, su familia huyó finalmente de la guerra en Sri Lanka y se instaló en Inglaterra, donde le tomó un tiempo adaptarse (probablemente aún no se adapta del todo). Sufrió mucho racismo y no pasó demasiado tiempo hasta que se cambió a un vecindario más diverso. En su nueva casa, M.I.A. descubrió a Public Enemy y otros artistas hip hop a través de sus vecinos. Las primeras actividades artísticas de M.I.A. estuvieron relacionadas con las artes visuales. De hecho, su pasión por el dibujo y la pintura le significaron una beca para estudiar en el St. Martin’s College, en Londres. Realizó incluso un libro con algunas de sus pinturas titulado M.I.A. , que fue completamente influenciado por la revolución tamil, pero luego se desconectó del remoto mundo de las artes. Esto, a excepción del arte de la carátula del segundo álbum de Elastica, gracias a su conexión con Justine Frishmann. A través de Frishmann, M.I.A. conoció a Peaches, quien la estimuló para comenzar a hacer música, e incluso le prestó un Roland 505 Groovebox barato. Con

él hizo sus primeras grabaciones, en las que mostraba sus motivaciones y su identidad. Steve Mackey (Pulp) y Ross Orton se involucraron tras escuchar uno de sus demos, hicieron algunos cambios y su single ‘Galang’ (2004) logró vender 500 copias. No tomó mucho tiempo hasta que tuvo un impacto importante en djs y clubes. Recientemente firmó para XL Recordings, quienes relanzaron su single y publicaron su primer album, Arular (XL, 2005), que se podía conseguir por internet no mucho antes. Su disco pasó de mano en mano como una papa caliente, se hizo conocida mucho antes de la realización oficial y se transformó en el primer fenómeno de internet. La ansiedad por el lanzamiento se volvió aún mayor cuando ella grabó el mix tape Piracy fund terrorism Vol. 1, con Diplo. En Arular, nombre dedicado a su padre, M.I.A. produjo una mezcla de hip hop, raga, dancehall, funk y electro con tópicos como la prostitución, la pobreza, la guerra y el consumismo, todo con grandes beats y pesados bajos. ¿Cómo fue vivir la mayor parte de tu vida como una inmigrante en Inglaterra y ser tratada injustamente? ¿Se pusieron las cosas peor después del 11/9?  Despues del 11/9 las cosas no se pusieron mal para mí, pero sí para la gente con raigambre musulmana. Pienso que los medios crearon tal locura que fue difícil para la gente no resultar afectado. La gente se sintió en medio del miedo al “otro” para que el ataque de

"La creatividad es la única cosa que no me pueden quitar” cinco billones por día al otro fuera justificado. Si es por mi experiencia, siempre hubo un sentido de “quién eres”, “qué quieres decir con querer lo que yo tengo”, pero en estos días todos debieran tener el mismo derecho a tener éxito. Hablo desde mi experiencia, porque quiero que la gente aprenda que si te tiran barro todo el tiempo, puedes recogerlo y un día construir una gran casa con él. Eso es lo que yo aprendí a hacer.

Matangi 2013

¿Sentiste alguna vez que no pertenecías a ninguna parte? En Sri Lanka siempre te tratarán como una chica del Reino Unido y en el Reino Unido serás tratada como una extranjera… Después de volver y sentir que no era ni lo uno ni lo otro, sino que ambas cosas, y, más aún, porque a esas alturas ya había desarrollado amor por muchas culturas diferentes, comencé a pensar que ése era el estado de existencia para nuestra generación. Ninguno de nosotros es 100% algo, pero está bien, porque nuestra generación es demasiado perezosa para luchar por algo acerca de lo que estamos confundidos, así que tal vez tenemos el poder de hacer morir la guerra. En todo caso, ya conoces el dicho: “eres lo que comes???. Bueno, yo soy sushi-pizza-pasta-arroz y porotos-curry de cabra-hamburguesa con papas fritas con pickle de mango extra. ¿Qué soy ahora? ¡Soy feliz! ¿Eres feminista? ¿Cuáles crees que son las mayores injusticias para la mujer hoy día?  Que todavía tengamos que hacerlo todo: música, lucir bien, pensar en el hogar, la familia, los niños, los negocios y estar seguras de que todos los hombres en el trabajo no se metan contigo. También (y es una injusticia) los períodos menstruales y los retorcijones que te paralizan por días. Detesto cuando estoy en un cuarto con 5 tipos y empiezan a hablar de música como de una colección de estampas de béisbol; eso me pone mal. Yo no puedo hacer eso, es más emocional para mí y me encanta ser mujer. ¿Podrías contarnos algunos de tus primeros recuerdos musicales? ¿Qué creciste escuchando?  Primero, canciones de películas indias, cuando soñaba despierta con chicos. Después la música pop de occidente. Thriller de Michael Jackson por cerca de cuatro años y después llegué a Inglaterra y conocí el hip hop.

Kala 2007

I S C O g r a f Í a

Bad Girls 2012

Maya 2010

Arular 2005

P RESENTACIONES

SUMMER SONIC OSAKA

CORONA CAPITAL

BURN SELECTOR FESTIVAL

desconectó del remoto mundo de las artes. Esto, a excepción del arte de la carátula del segundo álbum de Elastica, gracias a su conexión con Justine Frishmann. A través de Frishmann, M.I.A. conoció a Peaches, quien la estimuló para comenzar a hacer música, e incluso le prestó un Roland 505 Groovebox barato. Con él hizo sus primeras grabaciones, en las que mostraba sus motivaciones y su identidad. Steve Mackey (Pulp) y Ross Orton se involucraron tras escuchar uno de sus demos, hicieron algunos cambios y su single ‘Galang’ (2004) logró vender 500 copias. No tomó mucho tiempo hasta que tuvo un impacto importante en djs y clubes. Recientemente firmó para XL Recordings, quienes relanzaron su single y publicaron su primer album, Arular (XL, 2005), que se podía conseguir por internet no mucho antes. Su disco pasó de mano en mano como una papa caliente, se hizo conocida mucho antes de la realización oficial y se transformó en el primer fenómeno de internet. La ansiedad por el lanzamiento se volvió aún mayor cuando ella grabó el mix tape Piracy fund terrorism Vol. 1, con Diplo. En Arular, nombre dedicado a su padre, M.I.A. produjo una mezcla de hip hop, raga, dancehall, funk y electro con tópicos como la prostitu-

PRIMAVERA FAUNA

FUN FUN FUN FEST

ción, la pobreza, la guerra y el consumismo, todo con grandes beats y pesados bajos.

"Ése eS el estado de existencia para nuestra generación.

Ninguno de nosotros es 100% algo”

¿Cómo fue vivir la mayor parte de tu vida como una inmigrante en Inglaterra y ser tratada injustamente? ¿Se pusieron las cosas peor después del 11/9?  Despues del 11/9 las cosas no se pusieron mal para mí, pero sí para la gente con raigambre musulmana. Pienso que los medios crearon tal locura que fue difícil para la gente no resultar afectado. La gente se sintió en medio del miedo al “otro” para que el ataque deDesde entonces, escucho cualquier música que llegue a mis manos. Intento mantener la mente abierta porque quiero entender lo que me gusta y a veces me sorprendo con lo que me dice. No defino la música según su género, sino por su poder de decirme algo. Te graduaste en una escuela de cine. ¿Puedes contarnos un poco acerca de tus influencias? La creatividad es la única cosa que no me pueden quitar. Mi familia, el hogar, el dinero y mi comunidad, todos son un desastre, así que dedico mucho tiempo vagando por ahí; algunas personas que conozco y las cosas que he visto y quiero recordar y contar a la gente. Por eso, se volvió más y más importante ser entrenada como todos los chicos, para así poder representar a esta gente tan bien como

cada en la radio o la televisión, por lo que estaba hablando antes. Ahora puedo levantar mis dedos a Bush por tratar de censurar a los artistas y quitarles su libertad de discurso (como a las Dixie Chicks). En todo caso, a donde vaya musicalmente, sé que es directamente de mí hacia la gente, y que ese intercambio existe. Los amo por tomar el control, porque la internet es el único lugar donde la gente puede tener control y el sistema no se las ha arreglado para dominarlo. Tenemos que mantenerlo así. Así que recuerden seguir siendo locos. ¡Es de ustedes! Y esa mix tape que hiciste con Diplo ciertamente ayudó mucho también. ¿Cómo se conocieron ustedes dos?  Salí a cazarlo después de escuchar su cd Favela on blast. Cuando lo escuché, pensé que iba a morir. Quemé tres ollas y derretí la tetera eléctrica al ponerla en la cocina a gas. Durante todo ese tiempo lo único que quería era una taza de té. Diplo y yo somos lo mismo pero lo opuesto, tenemos mucho en común y es difícil encontrar gente así en la industria. ¿Qué tipo de cosas trae él a tu música? ¿Es bueno trabajar con él?  ¡Frustración! Pero él tiene suerte que a mí me guste eso.

¿Fue de él que sacaste tu estilo brasileño?  Sí. Espero que ustedes lo aprecien porque si no fuera por él no habría llegado a eso y sus intenciones son buenas, pero es realmente raro encontrar gente buena a la que le interese aportar con música de la gente para la gente, y que no estén guiados por el dinero. Fuera de Brasil, él está repartiendo el sonido y espero que sea positivo. ¿Qué piensas del funk carioca (n. de r: versión brasileña de lo que en Chile se conoció como axe) ? ¿No es triste cómo la mayoría de la clase media brasilera lo odia?  Sí, pero es una pérdida de tiempo odiarlo. Es como lo que quiero decir en mi canción ‘Fire, fire’. Creciendo, alimentando la guerrilla, siendo entrenados; cuando la gente marginal no puede ser abastecida, hace su propia música, porque nadie les habla del mainstream. Es importante, y espero que haga mucho por Brasil y que pruebe que todos están equivocados, y que le enseñe a los niños que la música es una buena manera de salir. Es una oportunidad más que están dándose a sí mismos. ¿Cómo crees que tu música se relaciona con la gente? O quizás, ¿cómo crees que la gente se relaciona con tu música?  No tengo idea, pero me guío por algunas de las co-

sas que la gente me dice; ése es el sentido de seguir adelante. No estamos en pequeñas cajas, como quieren hacernos creer por razones de publicidad. O sea, sólo tenemos que calzar en una caja para propósitos del marketing, y a mí me importa cero eso. Yo ya sé lo que es estar en la quiebra y cajoneada, así que tomo riesgos porque es mi vida. Soy muy abierta, porque no tengo miedo a que la gente me haga daño. Sé que la gente es lista y les hablo en un nivel. Sé que estamos en esto juntos y quiero hacerlo interesante para todos. Muchas de tus canciones hablan de la gente del Tercer Mundo. ¿Crees que tu música le llegue a ellos? Por ejemplo, aquí en Sudamérica tú eres conocida sólo por ciertas élites musicalmente intelectuales, y tal vez lo mismo pasa en otros países. ¿Haces algún esfuerzo consciente para que tu música esté disponible para la mayor cantidad de gente posible?  Sí. Yo no tengo limitaciones pero el mundo sí y tengo que esperar. Lo que pasa conmigo es que tengo que llegar a la gente en la cima y pedir ayuda. Así que usar las herramientas de los intelectuales para hablar significa que ahí voy a ser escuchada primero, pero eso no tiene nada que ver conmigo ni con

"Detesto cuando estoy en un cuarto con 5 tipos y empiezan a hablar de música como de una colección de estampas de béisbol. Yo no puedo hacer eso, es más emocional para mí y me encanta ser mujer.”

lo que estoy haciendo ni con mis temas. Tiene que ver con cómo la élite y las calles necesitan superar eso. Alguien como yo, ¿a dónde puedo ir para que me escuchen? El tercer mundo no está organizado lo suficiente como para ofrecerme el soporte necesario para ir a esos países. No existe. Soy la primera y las consecuencias tienen que ver con que toma más tiempo. La única manera de que la mayoría de la gente reciba música es a través de la radio y la televisión. Las cintas mezcladas tienen una distribución muy menor, así que a menos que consiga salir en la radio y en la TV, en las calles no pueden oírme. Ellos no tienen tiempo para el computador porque trabajan dos turnos o están parados en las esquinas escuchando la radio de la tienda que toca Jay-Z y Snoop y Britney. ¿Qué piensas de la humanidad en este momento?  Pienso que vamos para atrás. Demasiados líderes nos han mostrado avaricia. Pensamos que eso no es algo

de qué avergonzarse, pero no se nos da una mejor alternativa para abuchear, porque el dinero y las luces son muy atractivos. Los buenos, los que se paran a cuestionar, son muy suaves para levantar una lucha, pero es una lucha igual. Ya no le enseñamos valores a la gente y esperamos que los encuentren en sus celulares y iPods. Estamos demasiado ocupados tratando de conseguir esas cosas, que nos olvidamos de su propósito en primer lugar. Es importante intercambiar nuestras opiniones para que todos alcancemos un mismo nivel.

NÓMADAS

Del Punk al Hip Hop Así se puso el Festival Peter Murphy 12 de marzo de 2012 Poco antes de las 11 de la mañana ya se podía ver gente caminando por los alrededores de Cholula, su única intención: llegar a la pirámide más grande del mundo para participar en la primera edición del Festival 72810. Conforme avanzaba el día, el público fue mezclándose entre si; parejas vestidas de negro, adolescentes con bermudas y sandalias y hipsters que se sentían como si estuvieran en Coachella atendían al grupo que estaba sobre el escenario y, al terminar, caminaban al otro para disfrutar al siguiente. El primer festival musical que se realiza en Cholula con estas dimensiones inició a las 11:00 am; el garage punk de los poblanos de Sex Sex fue el encargado de comenzar a calentar al no tan numeroso público que para ese momento había llegado a las canchas de futbol donde se habían colocado los tres escenarios: 72810, ALBINO.mx y 8yMiedo.

El desafío para los poblanos era tremendo: encender el ánimo de los pocos que habían llegado, entusiasmarlos para que se quedaran escuchándolos en lugar de ir a por una chela mañanera y abrir un festival que cerraría con grupos internacionales que se pretende anual. Enorme chamba. La conciertiza siguió con URRS bajo el árbol, Ponyrex, Los Macallister, Los Masterplus, Furland, Technicolors Fabrics, Hussle Club, Bengala, Voxhaul Broadcast, Torreblanca y Telefunka, que con su rock electrónico se encargó de romper el hielo con el público. Ya con un ambiente más relajado, los españoles de Mendetz y su Synth Rock y los satelucos de Vicente Gayo continuaron sonando. Estos últimos, a fuerza de ser sinceros, fueron quienes peor se escucharon: sus guitarras, más que a distorsión, sonaban desafinadas, y cada rasgueo, en vez de sonar a math rock, se escuchaba chirriante. Para placer de sus seguidores, lo que sí hubo con ellos fue slam (ajá, slam) y la presentación en vivo de “El viaje que no tomé”, su canción más nueva. VHS or Beta, a diferencia de Chente Gallo, fueron quienes sonaron mejor; desde el bajo hasta la batería todos sus instrumentos se escucharon perfectamente claros. El siguiente turno fue para los regios de Quiero Club, quienes aunque llegaron con muchísima energía por alguna extraña razón no lograron prender al público. La rapera Melisa Young movió a los cholulenses hasta su escenario; con su suéter de ojos y enorme sonrisa, Kid Sister puso a rapear a todo el público –fan o no fan del hip hop. Para entonces no había tantos espectadores como público moviéndose. Los noruegos de Datarock mantuvieron la misma temática y entre canción y canción no pararon de decir lo contentos que se sentían de estar en México y lo asombrados que los había dejado el público mexicano. La última parte de su presentación convirtió el escenario en un rave que entre las luces estroboscópicas y el coro de California puso a todos a moverse de la cabeza a los pies.

Hasta ese momento faltaban cinco artistas más por salir al escenario: cuatro internacionales (Blonde Redhead, Peter Murphy, Modest Mouse y Public Enemy) y uno nacional: Austin TV, quienes, como es costumbre se presentaron con sus máscaras, su rock instrumental y su discurso buena-onda. Blonde Redhead, una de las bandas más esperadas, comenzó a tocar a las 10:30 de la noche. El grupo llenó todo el escenario con su rock alternativo y la melancólica y dulce voz de Kazu Makino, fusión que se acentuaba todavía más con la efusión y el sentimiento de quienes habían ido hasta Cholula sólo para verlos, y a la iluminación color rojo que utilizaron sobre el escenario. El siguiente en subir a escena fue el británico Peter Murphy. Elegantemente vestido con un saco negro y una bufanda de seda, el cantante inglés fue quien mejor recibimiento tuvo. Todos los asistentes gritaron el nombre del “Padrino de la música gótica” y corearon sus canciones, desde el cover de Hurt de NIN hasta las clásicas de Bauhaus fueron cantadas por sus fans; al final de su presentación el público ovacionó su nombre pidiendo que volviera a salir. Lo triste es que no ocurrió. Seguía el turno del grupo que tenía una espinita clavada en tierras mexicanas: Modest Mouse. Los abucheos y chiflidos de su concierto del 2007 no se repitieron esta vez; al contrario, esta vez sólo aplausos. Aunque para algunos es sólo un grupo one-hit wonder (Float on), para otros es un verdadero grupo; aunque tenemos que aceptar que la canción que más aplaude y corea el público sigue siendo Float On. Y para cerrar con broche de oro, poco después de la 1:30 am los últimos en presentarse –con todo y el reloj gigante de Flavor Flav– fueron los raperos de Public Enemy, que usaron de pretexto el cumpleaños de Dj LORD para hacer de su presentación una gran fiesta, donde el ritmo del Hip Hop y hasta el de “Háganle una rueda a Juana” pusieron a bailar y a saltar a todo el público que aguanto hasta la madrugada. Fight The Power fue la canción con la que junto con su presentación dieron por terminado el evento.

AGENDA DE FESTIVALES Abril

Mayo

Amaral al Sonorama Ribera 2014. Lana del Rey al Vida 2014. BCN Live pone sus entradas a la venta y las agota en menos de 24 horas. Russian Red, TAB y Havalina, al 101 Sun Festival. Snoop Dog, Carl Cox y Black Sun Empire, avance del Dreambeach.

Junio

GIJÓN SOUND

SOS 4.8

LA GRANJA FESTIVAL

FECHAS: 3, 4 y 5 de abril. PRECIO: 40 € Entradas a la venta. PRIMERAS CONFIRMACIONES: Sidonie, Pablo Und Destruktion, Chiquita Chatarra, Borealis, The Stranglers, Luz Casal & Nouvelle Vague, We Are Scientists, Los Hermanos Cubero, Elle Belga, Lucas.

FECHAS: 2 y 3, en Murcia PRECIO: Reducido: 29,99 € (mostrando la pulsera de la edición de 2013 en tiendas Ticketmaster). Abono: 34,99 €. Abonos a la venta. PRIMERAS CONFIRMACIONES: Damon Albarn, Phoenix, The Prodigy, Él Mató a un Policía Motorizado, Izal, Miss Caffeína, The Strypes, Is Tropical, The Bloody Beetroots Live, Gold Panda, East India Youth, Totally Enourmous Extinct Dinosaurs y Erol Alkan.

FECHAS: 7 en Daimiel (Ciudad Real). PRECIO: 20 € Entradas aquí. CARTEL: Jero Romero, Tulsa, Dixie Town, Midnite Special. .

SAN SAN FESTIVAL FECHAS: 17, 18 y 19 abril. DÓNDE: Wonderwall Resort, Gandía (Valencia). PRECIO: Abono 3 Días: 35 € / Abono 3 Días VIP: 55 € / Abono 3 Días Súper VIP: 199 €. PRIMERAS CONFIRMACIONES: Lori Meyers, Love of Lesbian, Fuel Fandango, Iván Ferrerio, Izal, La Habitación roja, Niños Mutantes, Second, Xoel López, Cyan, Julio de la Rosa, Limbotheque, Flaco Favor, Mendetz, Reno, Ara Musa.

PRIMAVERA SOUND FECHAS: 29, 30 y 31 en Parc del Forum, Barcelona. PRECIO: 160 € CARTEL: Arcade Fire, Pixies, Neutral Milk Hotel, Queens of the Stone Age, The National, Slowdive, Nine Inch Nails, Volcano Choir, Caetano Veloso o Mogwai.

SÓNAR FECHAS: 12, 13 y 14 en Barcelona PRECIO: 165 € CARTEL: Massive Attack, Richie Hawtin, Plastikman, Caribou, Woodkid, Bonobo, Four Tet, Moderat, Jon Hopkins, I Am Legion, Gesaffelstein, James Holden, Oneohtrix Point Never, Matmos, Evian Christ, Happa, Jessy Lanza, Nisennenmondai, Clipping., Downliners Sekt, Copeland, Majical Cloudz, Balago, Desert y Pau Roca..

AZKENA ROCK FESTIVAL FECHAS: 20 y 21 en Vitoria-Gasteiz. PRECIO: 56 €.

Julio

Agosto

VIDA 2014

SONORAMA RIBERA

DCODE

FECHAS: Del 3 al 6, en Vilanova y la Geltrú (Barcelona). PRECIO: Abono 4 días: 45 € más gastos. Con camping: 55 € más gastos. PRIMERAS CONFIRMACIONES: M. Ward, Yo La Tengo y Mishima.

FECHAS: 15, 16 y 17 de agosto. DÓNDE: en Aranda del Duero, Burgos. PRECIO: Abono 4 días: 55,00 € CARTEL: Amaral, Baden Bah!, Correos,  Crudo Pimento, Egon Soda, Esteroclub Estéreo,  Fira Fem, The Handicaps, Juventud Juché,  John Berkhout, Layabouts, Los Hermanos Cubero,  , Margot, Maronda, Niños Mutantes,  Sexy Zebras, Syberia,  The Three Generations, Raphael, Depedro, Doble Pletina, La M.O.D.A., Grises, Parade, Tuya y We Are Standar (Plays The Clash), Nacho Vegas, Izal, Elefantes, El Columpio Asesino, León Benavente, Second con Sinfónica 2502 y Exonvaldes.

FECHAS: 13 de Septiembre de 2014. DÓNDE: Campus de la Universidad Complutense de Madrid. PRECIO: Las 2.000 primeras tendrán un precio de 39,99 € (+ gastos). A la venta a partir del próximo lunes 16 de diciembre. CARTEL: Por confirmar

OJEANDO FECHAS: 4 y 5 en Ojén (Málaga). PRECIO: Abono 20 euros, con acampada, 30 euros. PRIMERAS CONFIRMACIONES: Fangoria, Izal..

Septiembre

C H H

CALVIN CALVIN CALVIN HARRIS HARRIS Para empezar bien el año, con un nuevo álbum llamado 18 Months bajo el brazo, el DJ, cantante y productor proveniente de la tierra del whisky, Calvin Harris, se presentó la noche del sábado en el Foro Sol en lo que, sin duda, sus seguidores ya estarán remembrando como una de las noches de sus vidas. En punto de las 8:00 p.m. en representación del talento nacional, Ruller fue el encargado de mermar el frío mezclando ante pocos pero bailarines asistentes; después de casi una hora le cedió el lugar al británico Burns, quien, en medio un

gran ambiente, rindió un efusivo homenaje al dúo danés Junior Senior entre sus mezclas. El tercero y último en calentar motores fue R3HAB, que desde el lejano oriente tomó el escenario ante un Foro Sol ya enganchado y que lo recibió con el tradicional “Cielito Lindo” dispuesto a sacar sus mejores pasos. “Animals”, “Play Hard” y ”Revolution” fueron algunos temas que transformaron en una verdadera fiesta a un Foro Sol a su máximo esplendor. Finalmente, a pesar del frío, ante miles de jóvenes de entre 15 años hasta padres de familia

Calvin Harris arribó al enorme entarimado entre lluvia de luces y papeles de colores. Los gritos de euforia inmediatamente se apoderaron del lugar y bastaron las primeras mezclas de lo que se había anunciado como un DJ Set, para invitar a perder el control. Con “We’ll be Coming Back” comenzó un show de ensueño para todos los fanáticos que portaban al menos una prenda alusiva al DJ, y que con apenas un año de haberse presentado en la Cumbre Tajín al lado de Fat Boy Slim, trajo su

espectáculo a una Ciudad de México deseosa de EDM; los coros de “Eat, Sleep, Rave, Repeat” no se hicieron esperar con un público conquistado por este famoso remix a Fat Boy Slim y RivaStarr. Los beats ensordecedores demostraron que Calvin Harris es único y peculiar tras la consola y tornamesa, razón que lo tiene dentro de los primeros lugares. “Feel So Close” avivó los sentimientos poniéndolos a flor de piel ante las miradas de cientos

de enamorados entregados cien por ciento al mágico momento. “Sweet Nothing” sin duda una de las más esperadas de la noche por fin llegó entre aplausos y pasos desenfrenados. El extasiado público disfrutó del más reciente éxito del escocés quien agradecía emocionado ante la entrega de su público. El momento nostálgico llegó con “Summertime Sadness”, original de Lana Del Rey, que levantó suspiros y conmovió hasta a los corazones más fuertes.

Dejando la melancolía atrás, “Under Control” fue la encargada de finalizar la fascinante velada, cerrando con broche de oro su presentación en un recinto totalmente a sus pies. Calvin Harris dejó en claro el por qué de su popularidad entre el público mexicano que, con los pies adoloridos y el cuerpo cubierto en sudor, abandonó el caluroso recinto para enfrentarse totalmente enfiestado a la gélida noche de Enero.

KAISER

La gran fiesta de

Han pasado ya siete años de la primera visita de Kaiser Chiefs a México, con la que dejaron claro que sus presentaciones son algo legendario, y ayer el quinteto inglés volvió a llenar los oídos de los capitalinos con un concierto, corto pero conciso, en El Plaza. Después de 4 álbumes y un compilatorio de sencillos, la banda oriunda de Leeds, Inglaterra, regresó a nuestro país para promocionar su nuevo material discográfico, Education, Education, Education and War, que saldrá a la venta el 1° de abril. Puntuales a la cita, portando playeras que rezaban “I’m With Peanut” y “Ruby, Ruby, Ruby”, los seguidores de llenaron el recinto de la Condesa y desataron la fiesta con los primeros acordes de “The Factory Gates”, uno de los temas incluidos en el nuevo álbum. Con su característico look británico, los músicos se mostraron sorprendidos ante el recibimiento del

público mexicano y sin perder tiempo, las canciones siguieron sonando con pausas mínimas en las que el cantante, Ricky Wilson, aprovechó para asear un poco su área con un trapeador. Después llegó la muy coreada “Every Day I Love You Less And Less” durante la que Ricky se adentró en la audiencia, como ya es costumbre, seguida por “Little Socks” y la nueva “Bows and Arrows”. Para ese entonces los aplausos sincronizados sólo podían anunciar la llegada del clásico “Modern Way”, favorito de muchos, sin restarle valor a la canción que hace tan solo 3 días estrenó video, “Coming Home”. Pasaban de las 8:30 cuando se anunció que seguía otro tema de su primera producción, Employment; ”You Can Have It All” sonó en medio de una lluvia de regalos que cayó sobre el escenario, entre ellos un condón que Ricky infló y arrojó al público sin éxito por su falta de habilidad para amarrarlo, hecho que provocó risas que fueron recurrentes durante toda la noche ante los movimientos del vocalista que actuaba partes de algunas canciones. La elección de canciones fue tan diversa como sus álbumes, sin dejar de lado las clásicas. El concierto siguió con “Never Miss a Beat” y “Ruffians On Parade”, preámbulo de la esperadas “I Predict A Riot” y “Ruby” que hicieron vibrar hasta el último rincón del Plaza Condesa. “Misery Company” abrió pista para que el tema, ya considerado un himno, “The Angry Mob” nos condujera al temido encore, no sin antes ver colocada sobre el micrófono una bandera de México arrojada por los fans. La velada estaba por llegar a su inevitable fin y al coro de “Ole, ole, ole, ole. Kaiser, Kaiser” la banda regreso al escenario para interpretar dos últimas canciones: la incluida en Education, Education, Education and War, ”Cannons”, y el tema ya tradicional de cierre “Oh My God”. Con el interminable canto al unísono “Oh my god I can’t believe it, I’ve never been this far away from home”, Kaiser Chiefs se despidió de uno de sus públicos más fieles enmedio de una lluvia de sinceros aplausos y eufóricos gritos.

The The c on seis años de ausencia en nuestro país el Foro Sol se había pintado de gris gracias a un cielo parcialmente nublado y que por algunos segundos arrojó unas gotas haciendo que los vendedores de capitas de plástico salieran al acecho. Tembló y la verdad es que nos importó poco, nadie corrió ni se movió de sus lugares ya que pocos minutos después The Cure estaría pisando escenario mexicano por cuarta vez. Luces tenues, mucho humo y una gigantesca pantalla empezaron a funcionar para de pronto enmarcar a Robert Smith. Es curioso lo que pasa con este ícono de la música, sabemos que tiene una excelente voz y que es fundador de uno de los grupos más influyentes sobre la faz de la Tierra, pero tiene la particularidad de parecer inalcanzable y ser totalmente reconocible. Los gritos de la audiencia no se hicieron esperar de solo ver la silueta de Robert Smith, todavía no agarraba su guitarra pero ya nos tenía en el bolsillo sólo con su imagen. Esa silueta ha cambiado, ahora es regordete y con un rostro arrugado, el cabello sigue alborotado pero percudido, el labial rojo y la sombra negra sobre sus ojos intacta como siempre. Todo esto perdería importancia a los pocos segundos cuando el estridente ruido de Tape enmudeció, para continuar con Open. High y The End Of The World fueron las que continuaron con la presentación, seguida de Love Song, un hit que funcionó sólo para emocionarnos un poco más. Para los fans, From The Edge Of The Deep Green Sea con todo y sus ocho minutos de duración deleitaron a los más conocedores, misma que dio pauta a Lullaby -

que puedo decir tiene una línea de bajo perfecta e icónica – acompañada de un Robert Smith bailando con sus manos sobre los brazos imitando a una araña. Simon Gallup se paseaba por todo el escenario y no me cabe duda del porque Lullaby es una de las canciones más emblemáticas de la década de los 90. De su repertorio perteneciente a la época de los 80, empezó a sonar A Forest con una introducción y salida alargadas bajo luces verdes y visuales de un bosque. Mi canción favorita de The Cure sonó como nunca antes, la voz fue perfecta, el bajo aún más, las percusiones huecas y la guitarra silenciosa; todo avanzó como debía, no hubo errores. La mirada perdida de Robert Smith se transformó en una más alegre para interpretar Mint Car y encontrarnos con un The Cure positivo, contrastante al que estaba hace pocos minutos. It Doesn’t Matter If We All Die es la primera línea de One Hundred Years que nos llevó a épocas más oscuras y de letras fuertes. Continuó End y el primer encore comenzó. Las piernas ya empezaban a doler y mucha gente fue a tomar asiento en la cancha del Foro Sol. Lo que no sabíamos es que íbamos justo en la canción 25, el concierto apenas iba por la mitad. Tras el encore y un intento fallido por cantarle las mañanitas a Smith, una estridente guitarra marcó el inicio de The Kiss. Labios rojos se dibujaron en la pantalla del escenario para ir cambiado de color hasta llegar a un blanco y negro; la potencia de esta canción es inigualable, lástima que para este punto algunos se empezaban a retirar. Un caleidoscopio era el

fondo para If Only Tonight We Could Sleep, un tanto psicodélica, un tanto oscura, es otro de mis cortes favoritos de los ingleses; una canción que te puede llevar por un viaje a otros espacios. Fight fue la indicada para terminar con esta primera parte que se empezaba a perfilar como una tanda de canciones pertenecientes a una de las etapas más oscuras de The Cure. Al poco tiempo la banda estaba de vuelta: más humo, luces moradas y blancas ambientaron una escena un tanto celestial, a mi gusto uno de los mejores momentos del concierto estaba por empezar. Robert Smith se estaba paseando de lado a lado del escenario observándonos a nosotros: su público. Estrellas sobre la pantalla anunciaron Plainsong, si debiera de dar un ejemplo para definir una canción “sublime” sería esta, la letra, todo se reduce a la letra y a la atmosfera que crea, Plainsong es una canción que te hace sentir. The Same Deep Water As You es una pieza pesada, oscura y una de las más complicadas de digerir, el público estaba platicando y no le importó la profundidad de la canción. Para Desintegration la misma historia, 8 minutos de murmullos de fondo de parte de un público que ya empezaba a enumerar los éxitos que le faltaba a la banda por tocar. Si bien algunos se empezaban a notar desesperados por no conocer todas las canciones, la banda todavía no estaba lista para dar todos sus éxitos de corrido; regresaron de un tercer encore con Cold, ¿saben lo difícil que es escuchar esta canción en vivo? La canción es sencillamente potente. The Hanging Garden marcó pauta para

cure cure una serie de canciones ya más conocidas en donde nuestros cuerpos comenzaron a menearse para darle la bienvenida a esta faceta más pop y bailable de The Cure. Continuó Fascination Street para darle fin al encore que terminó con Primary combinación ideal que nos puso a tono para lo que estaba a punto de suceder. Después de un par de minutos, en los que aprovechamos para expresar nuestra sorpresa y deleite ante la calidad de concierto, Robert Smith y compañía regresaron al escenario con Dressing Up y al finalizar esta, otro momento épico que inundó el Foro Sol con las melodías alegres que caracterizan a Love Cats, una pieza bailable que no dejó a ninguna persona en silencio: todos tarareábamos al unísono. Caterpillar continuó con esta vibra que logró hacernos olvidar que llevábamos 3 horas y media parados para sólo poner atención a un Robert Smith bailando y una banda que desempeñaba las canciones a la perfección. Close To Me me trajo a la mente aquella imagen del armario cayendo por el barranco. Hot Hot Hot!!! hizo del estadio una fiesta: luces rojas y amarillas, visuales en repetición y The Cure dando todo de ellos mismos, recreando aquella época de un Robert Smith con el cabello corto, con una carrera ascendente y sonando en las discotecas de todo el mundo, en los cada vez más lejanos 90. Let’s Go To Bed siguió con esta pauta, no hay demasiado que decir, The Cure nos tenía en sus manos cantando y bailando, no había más. La banda se retiró por unos momentos dejando a un Robert Smith solo en el escenario,

sin visuales, sin humo, sin iluminación, solo él y su guitarra. Iluminados por un reflector dieron inicio a Three Imaginary Boys de su álbum debut de 1979. Hasta donde íbamos el setlist era bastante parecido al del resto de los países de la gira latinoamericana pero esto era especial, no había sucedido. Smith se desgarra con esta canción, la gente aplaudía al ritmo, las pantallas laterales permitían ver las expresiones de Robert. A esta hora de la noche el maquillaje negro de sus ojos comenzaba a verse gris. Una pausa de un par de segundos y Fire In Cairo dio inicio en el mismo formato, los aplausos aumentaron de velocidad y no dejaron de sonar, mucho menos cuando Simon Gallup, Jason Cooper, Roger O’Donnell y Reeves Gabrels regresaron entre las penumbras y sin advertir Boys Don’t Cry ya estaba sonando. Nos volvimos locos, no hay más palabras para describirlo, The Cure escribió que los chicos no lloran pero las lagrimas ya se hacían presentes entre algunos de los asistentes, ya usábamos energía de reserva. 10:15 Saturday Night indicó el final del concierto, me recordó las veces que la he oído en el Real Under, en la UTA, el Bizarro y otros tantos. No quedaba mucho que hacer más que saltar y seguir saltando, ver los vasos volar y dejarte llevar por el sonido de la guitarra. Los vasos en el aire aumentaron su volumen con una versión más acelerada y estridente de Killing An Arab que colocó sudor en la frente de los integrantes de The Cure y en la de todos nosotros. Ya no cantábamos, más bien gritábamos la letra con el fondo de un escenario iluminado de blanco y un

pequeño slam delante. Permanecí aplaudiendo y tratando de asimilar lo que acabábamos de ver. Robert Smith se retiró agradeciendo con una bandera de México en la mano y el resto de los integrantes nos miraban un tanto atónitos por la audiencia y fanatismo que tienen en México. Fue la combinación de varios factores lo que nos dio como resultado un show de poco más de cuatro horas, era el fin de su gira Latinoamericana, hacía 6 años que no venían a México. Fuimos un público bastante grande, el show se grabó en vivo para próximamente editarse en DVD. Solo les faltaron cuatro canciones más para haber interpretado canción por año de vida; ya que Robert Smith cumplió 54 años ese mismo día. The Cure es una banda que ha sabido avanzar con el tiempo, saben lo que queremos y como se deben hacer las cosas. Cumplieron las expectativas de un público en el cuál había gente de mi edad, niños de 6 años y hasta adultos de 60. Los británicos saben lo que es dar un buen concierto independientemente de si tocan 50 canciones, o 31 como en el 2004, o 36 como en el 2007, la calidad nunca ha bajado. Nadie salió triste del concierto, ni fans ni gente con un sencillo gusto por ellos. The Cure es un grupo para respetar y tomar como inspiración, no solamente como músicos sino como exponentes de la cultura pop de hoy en día. Igual de vigentes y propositivos en el 2013 que como lo eran en 1976, e igual de llegadores e inspiradores para gente de 20, 30 y 50 años.

C C

UNA AVENTURA

LLAMADA

CORONA CAPITAL 1 Nunca me han gustado las reseñas porque se supone que ERllegar DÍA tienes que ser objetivo para Quería temprano para ver a los daneses Quadque los lectores tengan una ron porque su más reciente disco es una seductora chpero al final no pude y llegué a escuchar lo últiidea de cómo estuvo tal evento ulada, mo de Robert DeLong, a quien no conocía pero, por lo o disco o lo que sea, y que que pude escuchar, tiene bastante onda, aunque sus beats no fueron lo suficientemente sabrosos como sepan si se perdieron de lo para bailar sin apuros bajo el sol infernal. más cabrón de sus vidas o si CORONA Y CORONA LIGHT pueden seguir durmiendo tran- Nuevamente los escenarios Corona y Corona Light esfrente a frente, lo que hacía muy fácil traslaquilos. Por eso, lejos de una tuvieron darse de uno a otro, cosa que al final mis pies agrareseña del Corona Capital decieron mucho. En el Corona apareció IO ECHO, a quien no quería perderme porque su disco “Ministry 2013, les voy a contar un poco of Love” es una joya. La líder Ioanna Gika me recordó poco a Zola Jesus en su etapa darks, con una pode lo que vi y escuché el fin de un tencia impresionante tanto en presencia como en voz. semana, que por lo que me ¿Los mejores momentos? Cuando tocaron “Ecstasy y un cover de “I Want You (She’s So Heavy)” han contado, no fue lo mejor. Ghost” tan oscuro y sexy que me puso un poco horny. Por fortuna este año las -pocas- bandas que me gustan del cartel no se empalmaban, así que no sufrí al tratar de elegir. Aunque para MS MR y Nguzungu

zu me entró la duda, me decidí por los segundos porque el disco debut de MS MR me decepcionó, y no quería que me sucediera lo mismo con su show. Pero fue la mejor decisión ever, porque el set de Nguzunguzu fue lo más alucinante que me pudo pasar ese día. Confieso que me encanta bailar, creo que es una de las expresiones más sinceras del ser humano, entonces el set de Nguzu satisfizo mis necesidades en ese aspecto, gracias a su delirante combinación de hip-hop, moombahton y otros ritmos tan calientes que provocaban quitarse la ropa y bailar pegadito a alguien. Este es uno de los actos que no olvidaré. A veces la gente se ofende cuando le dices que no te gusta equis banda, pero deben entender que no es nada personal, cada quién tiene gustos definidos y si no te gusta esa banda es porque su música no va contigo, no porque estés insinuando que es mala. Menciono esto porque después de Nguzu siguió una serie de bandas/actos que la verdad no me gustan, como Chris Lake, The Dandy Warhols, Kurt Vile y Peace. No me gusta ese tipo de rock, tal vez tengo una deficiencia mental pero nada más no me pasa; así que aproveché ese rato para echarme en el pasto a comer y ver a la gente pasar.

ESCENARIO CORONA

A pesar de la infinidad de comentarios negativos que había escuchado sobre el directo de White Lies, tenía ganas de verlos porque su más reciente disco me llegó mucho, por eso me los di de principio a fin en el escenario Corona. Me gustó su set, aunque no tocaron tantas nuevas como esperaba. Ellos tocan bien pero nada sorprendente, aunque tampoco estuvieron tan mal como me dijeron. Luego me aventé algo de Travis, de quienes sólo les reconocí los hits porque nunca les entré de lleno. El público estaba muy emocionado y conectado con ellos, y era de esperarse, había mucho chavorruco nostálgico recordando su adolescencia. Terminando llegué barriendo al Bizco Club y alcancé a escuchar algunos tracks del menospreciado Jacques Lu Cont, que al parecer lo estaba haciendo muy bien porque nadie paraba de bailar. A The xx ya los he visto dos veces y me di cuenta de que su show es muy robótico y plano (por no decir aburrido), así que ni de pedo los vería de nuevo (incluso tengo la teoría de que son androides -tipo los de Dragon Ball- creados para mantener deprimida a la juventud moderna), mucho menos cuando en el Bizco continuaba la fiesta con

¿The Presets?

The Presets. Ya sé, pueden juzgarme, “¿The Presets? ¿Neta? Pero si ya fueron”, no me importa, su último disco me gustó un chingo a pesar de que en todas partes le tiraron mierda. Este show de los australianos fue por mucho superior al que dieron en el Zócalo hace unos meses, sobre todo por la gente, que aquí en el Bizco sí estaba en llamas.

En ese rato de poca lucidez tuve una revelación: M.I.A. es la Beyoncé de los modernos.

Estos dudes son unos maestros, y saben cómo llegarle al público con el beat y el set perfecto. Este fue otro acto destacado del festival.

MATANGI

¿The Crystal Method, Phoenix o M.I.A.? Ni siquiera formulé esa pregunta y ya entrado en el Bizco me quedé a ver a Matangi desde el inicio. Tardaron años en montar su espectacular escenario, que consistía elementos decorativos hindúes con foquitos alrededor y justo en el centro uno que decía MATANGI. Tengo sentimientos encontrados respecto a esta presentación, porque definitivamente fue lo mejor de ese día pero casi no lo cuento. Había tanta gente y todos intentaban acercarse que por un momento pensé que moriría o de calor o aplastado por la multitud, y me imaginé en la primera plana del Metro con la leyenda “News Divine Club”. En ese rato de poca lucidez tuve una revelación: M.I.A. es la Beyoncé de los modernos. Desde los éxitos hasta los nuevos sencillos, M.I.A. vino a decirnos “¡A ver, putos! Sigo siendo una chingona aunque le haya vendido el culo a Madonna”. Si los mirreyes pueden ser pesados cuando están pedos, imagínense pedos y entachados, obviamente traté de evitarlos a toda costa y no me acerqué al escenario Corona, en donde estaba Deadmau5. Así que me quedé haciendo bizcos con Blondie y su popurrí. Saben, fue muy impactante ver a una Deborah Harry anciana, porque estás acostumbrado a ver sus vídeos viejos en VH1 y te quedas con la imagen mental de una rubia buenota que canta y baila súper chido, y sí, sigue cantando muy bien y sigue siendo rubia, pero ya no está buenota; eso me malviajó y lloré un poco por dentro pensando que no quiero envejecer, pero por otro lado dije “¡Hey! Qué chingón, yo quiero tener una

abuelita así, que esté cantando y bailando (en la medida de sus posibilidades) con tantas ganas”. Ahí se acabó mi primer día. Los festivales son peculiares ecosistemas, por el ambiente, el lugar y la fauna, porque sí, seguimos siendo animales, y prueba de ello es la cantidad de basura que dejamos y ni hablar de los baños. Es muy interesante observar a la gente que asiste a estos eventos, y darse cuenta de que hay patrones muy curiosos, como las chicas que piden ser levantadas en hombros, no para ver mejor a la banda (porque se nota que no se saben las canciones) sino para llamar la atención, para que los dudes las vean y se las sabroseen. Como ese ejemplo hay muchas clasificaciones de asistentes de festivales, que merecen un post aparte.

O DÍA

Para el sábado las probabilidades de lluvia eran como del 40%, pero sólo aparecieron un par de efímeras nubes, entonces no sabía qué esperar del clima para el domingo. Durante el segundo día del festival el sol parecía odiarnos y nos bombardeó con un calor irreal, que no me dejó disfrutar de Perfume Genius, a quien hubiese preferido ver en un foro pequeño, pues su música es tan íntima que se perdía en la inmensidad del lugar.

P. THE MAN & JAKE BUGG

Mientras me acercaba al escenario Capital para ver a Portugal. The Man, escuché un poco de Jake Bugg y sonaba chingón, el chavito la está armando a lo grande, tanto que la cantidad de gente que lo estaba viendo era sorprendente. A Portugal. The

Man les traía ganas porque su último disco me fascinó, pero tristemente no cumplieron con mis expectativas, no sé si era el audio del escenario o si ellos sonaban mal, la voz era annoying y se perdía entre la música. Varios estuvieron de acuerdo conmigo y varios otros no, cada quién. Después de la putiza que me puse el sábado lo único que quería era echarme en el pasto y no saber del mundo, y eso hice, en compañía de unos nachos y escuchando a Matt And Kim al fondo. Parecían emocionados de tocar en México, y no paraban de decirlo. Sigo sin saber quiénes son y su música no me dio ganas de averiguarlo. Seguí sentado platicando con mis amigos y escuchando ahora a Stereophonics. Mi hueva pudo más y me perdí a Matias Aguayo, que sustituyó al pussy de John Talabot.

VAMPIRE WEEKEND

¿Fun.? No, gracias (aparte cancelaron, ja). ¿Fuck Buttons? Tal vez. ¿Savages? ¡Sí! Pero el amor que le tengo a los Vampire Weekend me obligó a verlos de principio a fin, desde que apareció el hermoso patrón de flores que usan como arte del nuevo disco hasta que tocaron la última canción. Dieron un set muy completo en el que repasaron

hits como “A-Punk” y “Oxford Comma”, y también integraron a sus bebés “Diana Young” y “Ya Hey”, esta última no le hace nada de justicia a la versión de estudio. Terminando Vampire Weekend pude alcanzar un poco de Savages pero ustedes estarán de acuerdo en que no vale la pena el esfuerzo de trasladarse sólo para dos canciones, a menos que seas muy fan. Para ese entonces ya no podía ni con mi vida y fui a sentarme por los pestilentes baños, y desde ahí escuché a Arctic Monkeys. No son santos de mi devoción pero pude entender por qué la gente los alaba tanto, si bien su música podría ser de cualquier otra banda británica, es la pasión que tienen al tocar y el encanto de Alex Turner lo que les ha dado ese estatus de ídolos. Las chicas (y algunos dudes) se mojaban como believers al ver a Justin Bieber y los chicos gritaban y agitaban la cabeza con cada guitarrazo. Para la última canción invitaron a Miles Kane a tocar con ellos, y la locura se desató. Muchos amigos me habían dicho que Grimes en vivo apesta, y quería comprobarlo pero me dio el viejazo y me fui a dormir temprano. Después me dijeron que estuvo muy bien, que no es la gran cosa pero se defiende chido. Tal vez este es uno de los actos en los que la gente está tan emocionada y reacciona tan bien al artista, que al final eso importa más que lo que este haga en el escenario. Al mismo tiempo estuvieron los QOTSA en el Corona y todos hablan maravillas de ellos. Giorgio Moroder cerró el festival y qué bueno que para entonces ya estaba en mi cama. Como cada edición, el Corona Capital 2013 tuvo sus pros y contras, exceptuando el cartel, me quedo con la impresión de que fueron más pros.

LO PADRE • Las actividades. Había muchas cosas que hacer en ese tiempo libre entre bandas, como jugar volley, subirse a la rueda de la fortuna, etc. Pero las vacas como yo sólo nos echamos a comer. • La comida, mucha y una mejor que otra pero comida al fin. Si fuese más barata todos seríamos felices. Se vale soñar. • La gente, el alma de los festivales. Obviamente como en todos estos eventos había posers, y gente que sólo fue a hacer check-in en 4square o a empedar/drogarse o a presumir sus trapos. Pero también había muchos fans que sí iban a vivir la música en directo. Aparte el taco de ojo estuvo bueno. • La playera de un dude que decía “Give Iztapalapa a chance”. Qué risa. • La actitud de las bandas. Es muy bonito cuando una banda dice que ama a México, o que somos el mejor público ever, y cosas así. Te hacen sentir especial, y te dan ganas de aplaudirles y gritarles más.

• Los vendedores de cerveza que te acosaban para que les compraras. O los que no paraban de gritar “¡CERVEZAAA!” y no te dejaban escuchar bien a las bandas. • Los baños. Como siempre. • A un dude le robaron su celular y pidió prestado el mío para hacer una llamada. Y como a él seguro a varios otros. • La red. Ya deberíamos estar acostumbrados pero igual la gente necesita comunicarse. Sobre todo si pierdes a tus amigos.

recomendados

Conciertos

Iceage

Miles Kane

Suede

El punk renace cuando más falta hace. Asistir a un concierto de la banda de danesa Iceage es una de las razones por las que todavía creer en el panorama sucio y rockero de la escena actual. Con su álbum de debut dieron un soplo de aire enérgico que les puso en primera plana y con su recién “You’re Nothing” hacen saltar las alarmas de que todo no era una farsa.

El ex líder de The Rascals, ya sea en solitario o montándoselo junto a Alex Turner de Arctic Monkeys en The Last Shadow Puppets, siempre es sinónimo de clase y compostura. Convertido en toda una celebridad musical en su Inglaterra natal, el artista desembarca en Barcelona, Bilbao y Madrid tras su arrollador paso por la Ciudad Condal en el marco del BAM 2013.

Los grandes Suede volvieron a las andanas el pasado enero cuando desvelaron las pistas de su primer álbum después de once años de silencio, “Bloodsports” (Suede, 2013). Ahora reclaman los escenarios que les son propios con una erótica mezcla de brit-rock con manchas de glamour, que ha complacido a los viejos fans y cautivado a los nuevos

Pixies

Youth Lagoon

. Kakkmaddafakka

A Pixies últimamente nos habíamos acostumbrado a verlos en festivales pero no en salas. Esto es algo que este otoño cambiará, pues tienen reservadas dos fechas de su gira en La Riviera madrileña. La buena noticia es que presentarán material nuevo, y muy apañado, por cierto, la mala es que la bajista, Kim Deal, ya no forma parte de la banda. Para calibrar la expectación de estos dos conciertos sólo decir que las entradas ya están agotadas desde hace días.

Youth Lagoon nos sorprendió a todos en 2011 con su álbum de debut, realizado desde su habitación en los ratos que tenía muertos entre estudios y trabajo. A principios de 2013 volvió, pero esta vez cambió ligeramente su pelaje. Al dreampop melancólico y nostálgico que caracterizaba su ópera prima añadió nuevos matices de pop psicodélico. El resultado es un disco más maduro que atestigua el crecimiento como artista de Trevor Powers.

Los sonados y eclécticos noruegos Kakkmaddafakka vienen a revolucionar nuestro país, con dos fechas programadas en Barcelona tras agotar las entradas de su loco show de indiepop, y apadrinados por su vecino Erlend Øye de Kings Of Convenience, presentan su segundo largo titulado “Six Months Is A Long Time” (Bubbles Records, 2013) del que recientemente estrenaron un primer videoclip al ritmo y emblema de “so young!”.

a locura se sabe locura hasta que se encuentra inmersa en las redes de la normatividad, impuesta por el sistema regente, de los individuos y la sociedad, en turno. La norma es aplicada moral, jurídica, social o religiosamente según la circunstancia y/o creencia corrompida. Se aplica automáticamente cuando la persona que ha infringido en aspectos que inmiscuyen a lo moral, cae en un sentimiento de culpa haciéndole ver la falta o el error cometido, causando en él un sentimiento de culpa y arrepentimiento. La sociedad, con sus miradas delatoras y rechazantes, juzga y dictamina por medio del desapruebo y la segregación: el castigo para dicho infractor. En la naturaleza humana el significado de juzgar cobra un valor importante, pues es el acto que dictamina y elige lo bueno ante lo malo. En la música no es distinto, pues las normas y reglamentos se hacen presentes en el público; el único que aplica y dictamina el desapruebo o la aceptación de algún movimiento, banda o festival, ya que es él quien consume cualquiera de los antes mencionados. En este caso hablaremos del Festival Nrmal como el principio de lo no establecido, de la experimentación y del límite entre cordura y la insania. Monterrey, estado perteneciente a la república mexicana donde las tierras, como en el resto del país, están manchadas de sangre y cenizas derramadas por el diablo, ahí donde tenia lugar el Hellow Fest y las bandas que en décadas pasadas desfilaron como realidades de una tierra efervescente y hambrienta de experimento, ahí en ese mismo estado pero en diferentes tiempos se gesta el Nrmal, un festival nutrido principalmente por propuestas casi desconocidas a las que sus curadores se dan a la tarea de encontrar en un submundo repleto de pasajes ocultos y misterio con el único propósito de demostrar que Monterrey sigue siendo tierra fértil. Las agrupaciones que integran los carteles del festival Nrmal, son bandas y actos en vivo de música electrónica, cuya principal característica es no tenerlas, aquí los escenarios son campos de batalla, pistas de fuego y tierra de nadie. Para la edición 2014 de este peculiar festival, la comisión organizadora decidió que el Nrmal saliera de casa un fin de semana antes a las fechas pactadas para sus ciudad natal, teniendo como epicentro de su replica la Ciudad de México. Lejos de aspirar a las ostentosas y muy costosas producciones de los grandes festivales, el Nrmal se ocupa de entablar, además de un contacto directo y real entre asistentes y artistas participantes, un espacio donde la cultura mexicana musical es expuesta ante otros países como una realidad de la Patria rica en variantes; con un cartel integrado por

NRMAL: el principio de

lo no establecido

Por Roberto González C.

proyectos que van desde metal negro hasta pop adolescente. Actualmente el festival nutre con colaboraciones a festivales como el Primavera Sound de España con el que realiza intercambios de bandas, sirviendo ambos festivales como vitrinas ante el mundo. En cuanto a imagen y diseño del armado de las zonas de activaciones y entarimados, los organizadores encabezados por Mónica Saldaña cuidan que la imagen sea lo más llamativa posible utilizando materiales reciclables y de bajo costo pero que cumplen con las funciones requeridas. Además de contar con varios escenarios, el festival cuenta con un tianguis de diseño en donde está a la venta mercancía y productos oficiales de las bandas participantes, revistas, fanzines y un sinfín de artículos que se caracterizan por estar enterrados en los mercados del under. El atractivo del Nrmal no sólo radica en la música y el diseño, sino también en la llamativa y sugerente pasarela que corre a cargo de los que se dan cita, pues pareciera que se ha convocado a una pasarela conformada por los estilos más extravagantes y elaborados de toda la ciudad. El primero de marzo del presente año el Deportivo Lomas Altas, ubicado en Av. Constituyentes, será el campo de juego donde se realizará la primera edición del Festival NRMAL en el Distrito Federal.

“un espacio donde la cultura mexicana musical es expuesta ante otros paÍses como una realidad de la Patria rica en variantes”

Bomba Estéreo

Tokimonsta

Caloncho

Polica

carnaval de

bahidorA Por Eduardo Crawffordd Fotos Vero Galicia

sí fue como algunos de los asistentes describieron el Carnaval de Bahidorá este pasado sábado en el Parque Natural Las Estacas. Plantas, albercas, estanterías con accesorios para el show, pinturas, bebidas tropicales, flores, una extrema naturaleza espectacular. La flora y la fauna de la música. Un brillo que sólo se ve en febrero. Colores que daban ese énfasis al Parque de que todos iban a vivir. Más palabras que podrían servirte para imaginar el ambiente que se vivió. Aproximadamente 5,500 personas comenzaban a llegar, autobuses y autobuses. Cuerpos que se derretían por la fuerza del sol. Hasta el mínimo detalle más underground que se pudieran poner. La ropa venía sobrando. Y con toda esta explosión, comenzó a dar frutos todo el espectáculo. Caloncho subió al escenario y algunos se lanzaron a entonar éxitos como “Chupetazos” y “Pasa el Tiempo“. Luego de su interpretación compartió su alegría de estar en Bahidorá y dijo a Me Hace Ruido: ”Es mi primera vez y la verdad esto está muy padre. Mucha gente, mucho calor. Hay que disfrutar de todo y qué bueno que haya mucha gente que le gusta buena música.” Bahidorá, dijo, también sirve para que muchos que van comenzando se den a conocer y, aunque pocos conozcan de él, esto fue una gran entrada. Además señaló que a finales de este año podremos escuchar algo nuevo. “Estamos preparando nuevo disco y quien me ha influenciado en torno a mi estilo musical es Bob Marley. Me gusta mucho el Reggae y por eso mi ritmo.” El sol comenzaba a quemar con el paso del tiempo y el ambiente se ponía cada vez más ardiente. “Una mirada al paraíso“, así se definiría el momento. Oso Leone y Bomba Estéreo también

“Es una experiencia única. No se ha visto algo como Bahidorá en Morelos. Pura naturaleza y ritmo en un ambiente fresco. Un festival con música bonita y para gente bonita.”

comenzaron a mover gente. Quienes también se sentían muy emocionados por estar en Bahidorá, pero sobre todo en México, eran Wild Belle. Los hermanos Bergman dijeron en entrevista que: “Por fin ha llegado el momento y estamos felices por estar aquí. Queremos que todos bailen y se la pasen bien por un rato. Hoy es día de dejar todo atrás“, aseveró Natalie de Wild Belle. Y fue cuando sonó “It’s Too Late” donde todos se pusieron a bailar con esta contagiosa canción, pues el estilo Reggae, Folk, Pop, que le pusieron a su aparición se prestó para eso y más. Salió el ocaso y eran pocos los que estaban descansado. Todos de pie y a disfrutar de la fiesta. Todo comenzó a brillar por todas partes; entre las flores, ramas y plantas que decoraba el escenario. Se volvió un paraíso musical. El crepúsculo recibió a Baths. El ambiente más sólido. Todos de pie. Unos en el pasto, ebrios. Unos perdidos. Unos comiendo. Y lo mejor de la noche llegó para calmarnos. Se presentó Blue Hawaii y ya no había de qué preocuparse. Y quien no escuchó “Try To Be” nunca estuvo en Bahidorá. Las albercas recibieron a todos los que estuvieron de pie todo el tiempo. Limpiaba los cuerpos que apestaban a música. Era una verdadera fiesta por donde quiera que volteabas. Aquí y allá, siempre veías a un “bahidoriano” haciendo de las suyas. “Estuvo mejor el año pasado. Este año está mejor. Esto es una locura. Amo estar aquí. Algo bueno debimos haber hecho para que existiera Bahidorá“, gritan todos por donde quiera. Se escucha más pero se entiende poco, todos quieren expresar lo que sienten de momento, pero se rescata lo bueno y así se relata den entrada lo que se vivió este fin de semana en el carnaval que se dio a conocer el año pasado y que éste año sigue pasándose de ambiente, así fue Bahidorá 2014.

MÚSICA PARA TUS OJOS

Quentin

Tarantino “Puedo cambiar de opinión, soy dueño de esta puta cosa. Pero ahora mismo ya te puedo asegurar que no va a ser lo próximo que haga. Es mi bebé, y si la musa me llama más tarde para hacerlo... lo haremos”,

abandona su nueva película tras filtrarse guión Por RPP Noticias

Malas noticias para el cine. Quentin Tarantino anunció que abandona definitivamente el proyecto “The Hateful Eight”, que iba a ser su nuevo western, luego que el guión de la película se filtrara en Hollywood. “Estoy muy deprimido. Terminé un guión, un primer borrador, y no quería comenzar a rodar hasta el próximo invierno, dentro de un año. Se lo di a seis personas, y al parecer hoy ya se ha filtrado”, afirmó Tarantino a Deadline, agregando que descubrió la filtración cuando su agente Mike Simpson comenzó a recibir llamadas de otros agentes que ofrecían actores para los diferentes papeles del filme. ¿Quién es el responsable? Tarantino señaló que todo apunta a alguno de los agentes de los tres actores a los que dejó el guión: Michael Madsen, Bruce Dern y Tim Roth, aunque también dijo que se lo dejó leer a más personas. “Se lo di a tres actores de mierda. Nos reunimos en un lugar y se lo puse en sus manos. El agente de Reggie Hudlin (productor de Django) nunca tuvo una copia. Tienen que haber sido o los agentes de Dern o los de Madsen”, afirmó. Trascendió que sus sospechas van dirigidas principalmente a CAA, la agencia que representa a Dern. Solo que esta ha negado que alguien de su equipo filtrara el guión. “No sé cómo funcionan estos jodidos representantes, pero no me volverá a pasar”, insistió Tarantino. No obstante, dijo que tiene “otras diez películas” que podría hacer. “Voy a publicarlo, se acabó. Se lo dejé a solo seis personas y si no puedo confiar en ellos, entonces no tengo ningunas ganas de hacerlo. Voy a publicarlo y punto final. Me pondré con el siguiente proyecto, tengo otros diez más”, señaló el éxito director de cine, aunque no descartó retomar la historia dentro de unos años.

Por Verónica Sánchez Marín

s el verano de 1965 en una isla de Nueva Inglaterra. En el hogar de los Bishop, Suzy, la hija mayor de la familia, planea su fuga. A la distancia Sam, su alma gemela, abandona el campamento boy scout Ivanhoe al que pertenece. El punto de encuentro: Una isla desconocida. Se conocieron un año antes y en ese tiempo los dos eran acosados por una desesperación existencial que se desvaneció desde el primer encuentro. Los jóvenes enamorados de apenas doce años conviven, mientras tanto, en una comunidad donde la mayoría de los adultos parecen dominados por el silencio y la derrota afectiva. La incipiente pareja se ha tomado muy en serio los proyectos a futuro sobre el amor, los libros, la vida misma. A pesar de su edad, actúan como si fueran personas mayores. Ella usa delineador de ojos azul brillante; él una pipa de mazorca de maíz. Tienen prisa por vivirlo todo antes de llegar a la vida adulta, con sus peleas y arrepentimientos. Y escapan hacia ese delta en vísperas de una tormenta. Wes Anderson crea con Un reino bajo la Luna (Moonrise Kingdom, EUA 2012) un filme sobre un mundo pequeño en el que suceden grandes cosas: la mirada del primer descubrimiento, el amor, el desamor, las calamidades, el aprendizaje de la rebelión fundacional, y la muerte. Dibuja con humor —entre excéntrico y blanco— la belleza de un mundo fantástico que se acentúa por sus personajes frikis y sus diálogos rebuscadamente naíf. El poder visual y emocional de la cinta provoca en el espectador la sensación de hojear las fotos y los recuerdos de la adolescencia. Y es que gracias al trabajo de fotografía de Robert Yeoman, Anderson matiza los colores y consigue darle al filme

el tono de una descolorida fotografía Polaroid. La cámara recorre planos exquisitos, cuidados al detalle, articulando la lógica interna de un universo ordenado bajo la que se intuyen las zonas de sombra del aislamiento y la melancolía. La película abre con la cita de fuga de Suzy (Kara Hayward) —hija mayor de la familia Bishop—, y Sam (Jared Gilman) —un joven abandonado por su familia adoptiva—, en un campo. Ella trae su mascota, un gatito que alude a la vulnerabilidad de los aventureros en el futuro, su música y sus libros favoritos en una maleta; él su equipo de camping. Por parafrasear una canción de La Mandrágora: él lo que tiene importancia, ella todo lo importante. Inician el viaje a pesar de los peligros tanto naturales como humanos. Logran establecerse en Un reino bajo la Luna y procuran ambientar su estancia con canciones de pop francés que faciliten el camino para alcanzar el romance perfecto. Aunque la historia de ambos tiene el encanto de un cuento de hadas con algo de terror, ellos no juegan al amor. Están enamorados y eso es lo más real en su mundo. Los padres de Suzy, la Señora y el Señor Bishop (Bill Murray y Frances McDormand), un matrimonio en descomposición, descubren la huída y comienzan la búsqueda acompañados por la tropa boy-scouts Ivanhoe, comandada por el Maestro Scout Ward (Edward Norton). En un exceso, durante el itinerario hacen todas las cosas habituales de exploración, pero con giros divertidos, alarmantes, y extraños, como construir una casa en un árbol tan alto como un nido de águila. A partir de aquí se introduce a la narrativa una coreografía de personajes y actuaciones deliciosas como el magnífico Harvey Keitel haciendo de boy scouts o el durísimo Bruce Willis en el papel del policía melancólico y amante de la Señora Bishop; o Tilda Swinton como la severa trabajadora social.

Tras muchas idas y venidas la joven pareja es separada. Varios acontecimientos suceden antes de que Suzy y Sam vuelvan a reencontrarse. Los flash-backs en la historia narran cómo Suzy conoció a Sam, cómo se escribieron el uno al otro, compartieron sus secretos y planes. Se trata de cómo construyeron un mundo paralelo entre los adultos. Desde su primer largometraje en 1996, Bottle Rocket, Wes Anderson ha construido historias donde la comedia y el drama se dan la mano. Ficciones que bajo su tutela se tornan en sucesos meramente entrañables y surrealistas. Y es que Moonrise Kingdom resulta también una película sobre el desconcierto en la juventud ante la adultez próxima. Un caos subrayado por los movimientos de cámara que barren la casa de los Bishop, de derecha a izquierda, de izquierda a derecha y de arriba abajo. El soundtrack del filme es otra joya, perfectamente ensamblada: las variaciones de Britten

aluden a las formas del amor humano; los temas de Hank Williams acompañan a los personajes más solitarios del filme y el pop sofisticado de Françoise Hardy, a los amantes. A pesar de la luminosidad del filme, como en todas las películas del cineasta norteamericano, hay en el ambiente y los personajes una melancolía profunda, una sensación de pesar evidente. La edad adulta puede parecer tan desesperadamente dolorosa. Y la pubertad un reino bajo la Luna.

B R E AT H E 2011 supuso el año de la confirmación de Drake Doremus como uno de los directores independientes más interesantes del panorama cinematográfico actual. Con su tercer trabajo, Like Crazy, logró el Gran Premio del Jurado en Sundance, dando sobradas muestras de una exquisita sensibilidad a la hora de retratar el lado más doloroso del amor, a la vez que puso en primer plano a su actriz protagonista, una sorprendente Felicity Jones que cosechó varios premios por su excelente interpretación. Todas las miradas estaban puestas en el siguiente largometraje de Doremus, expectantes por comprobar si aquel éxito de Like Crazy no fue fruto de la casualidad y, verdaderamente, estábamos ante un nuevo genio nacido a espaldas de los grandes estudios. Por José Antonio Martín

I N

reathe In (2013) es, por ello, la prueba de fuego para el cineasta que, consciente de que se juega la consolidación definitiva, apuesta sobre seguro recuperando a Felicity Jones para un nuevo personaje protagonista, otra de esas heroínas románticas, vulnerables y sufridoras, en las que parece haberse especializado la joven intérprete. Una vez más, Doremus se pone al timón de una historia de amor imposible, tremendamente dolorosa y fatalista para sus personajes. Si en su anterior obra nos describió descarnadamente los estragos de la distancia y la rutina en una relación de pareja y la dureza del desamor, en Breathe In

relata la desintegración de una familia aparentemente ejemplar ante la llegada de un agente externo que pone sus cómodas vidas patas arriba, con el tema de la infidelidad como telón de fondo. La familia Reynolds es la viva imagen de la felicidad que, tras su aparente fachada de perfección, esconde sus muchas grietas. Keith, el padre, es un músico frustrado que trabaja impartiendo clases de piano a jóvenes cuando lo que realmente quisiera es tocar el chelo en una orquesta sinfónica. En el fondo, no es feliz con la vida que lleva. Añora Nueva York, pero su esposa Megan prefiere la tranquilidad de un pequeño pueblo a hora y media del bullicio de la gran ciudad. Ambos se desviven por su hija Lauren, una guapa y popular joven de 17 años, ganadora de varias medallas de natación. El frágil equilibrio familiar peligrará desde el momento en que acogen en casa a Sophie, una estudiante inglesa de intercambio de 18 años que sorprende al patriarca por su gran talento para tocar el piano. Doremus acierta de lleno en la elección de sus actores protagonistas, sencillamente perfectos en sus roles. Guy Pearce ofrece uno de sus mejores trabajos dramáticos hasta la fecha. Su creación del gris y conformista Keith que encuentra en la luminosa Sophie el valor y fuerza suficientes para encauzar su vida de otra manera, es impecable. Felicity Jones, poseedora de uno de los rostros más fotogénicos y expresivos de su generación, le da una réplica perfecta, desbordando ambos una química fuera de toda duda en cada una de las escenas que comparten. En este sentido, destaca el primer acercamiento físico entre Keith y Sophie mientras tocan una pieza musical al piano, todo un prodigio de atmósfera sensual que en nada tiene que envidiar a la similar escena entre Mia Wasikowska y Matthew Goode en Stoker (2013). Otro momento de gran fuerza emocional es aquel en que Matthew, desde el escenario donde está a punto de actuar en un concierto, se encuentra con la mirada de Sophie, que asiste a la función desde el patio de butacas. Estamos ante una de esas películas en las que una mirada furtiva o el leve roce de un dedo dicen mucho más que mil palabras. A la excelente pareja protagonista le acompaña la siempre eficaz Amy Ryan que, con su habitual semblante antipático, borda el papel de esposa engañada.

Desde el primer momento, la tensión sexual flota en el ambiente y el evidente feeling inicial entre ambos pronto dará paso a una prohibida relación adúltera que

amenaza con dejar más de una víctima en el camino.

Breathe In es un filme de emociones y personajes, una de esas historias en las que sus protagonistas tienen la oportunidad de dejar atrás una vida de rutina e insatisfacción para correr en busca de nuevas experiencias. Una especie de Los puentes de Madison (1995) en la que Guy Pearce vendría a representar el papel hastiado de la Streep, mientras que Felicity Jones equivaldría al aventurero Clint Eastwood que trastoca todos sus planes. Hay que decir que Doremus no logra acercarse al aliento dramático y calidez de aquella obra maestra de Clint Eastwood. Tal vez porque sea menos dialogada o por el uso algo excesivo de la música de piano, su película sabe crear un turbador clima de sensualidad que, a la hora de la verdad, no acaba de provocar auténticas llamas en la pantalla. Al director, en su búsqueda de la sutileza a la hora de mostrar la intimidad entre los amantes, le ha quedado una obra algo más fría que Like Crazy, que sí dejaba completamente devastado al espectador sin necesidad de recurrir a acontecimientos previsibles y tópicos como los que invaden el tramo final de Breathe In. Estas leves concesiones tiran por tierra la oportunidad de que sea la gran película que prometía en su primera mitad de metraje pero no son suficiente obstáculo para reconocer que estamos ante un magnífico director de actores y un título muy recomendable para los amantes del cine romántico despojado de sensiblería.

10 películas qué ver en el Festival de Sundance 2014 Enlistamos las 10 cintas que están generando más buzz en el Festival de Sundance 2014. El Festival de Sundance 2014 comenzó el 16 de enero, y una vez más, me encuentro en la encrucijada de decidir qué películas valdrá más la pena ver. Las premieres son obvias, o por lo menos sabes que todas estarán bien hechas y la mayoría contará con talento experimentado. Pero como seguramente también sintió Robert Redford cuando fundó este festival pensando en el cine independiente, me encanta meterme a ver una cinta desconocida y descubrir un gran talento primerizo. Esta lista, sin embargo, es de las películas que seguramente causarán mucho ruido o buzz, no están organizadas de ninguna forma en particular. Así que lean las 10 películas qué ver en el Festival de Sundance 2014 y dígannos, ¿cuál se les antoja ver más? Por Vera Anderson

Low Down (Dir. Jeff Preiss) La película es una adaptación de las memorias de Amy Albany y está contada a través de sus ojos cuando era joven (es interpretada por Elle Fanning). Este drama familiar cuenta la historia verdadera del pianista de jazz Joe Albany (John Hawkes). La adolescencia improvisada de Amy evoluciona bajo la sombra de la lucha de Joe entre su genio musical y la adicción a la heroína. Aunque ella está aferrada al amor que le tiene a su ya deteriorado padre, poco a poco tiene que alejarse para definir su propia identidad. La cinta también es protagonizada por Lena Heady y Peter Dinklage, de Game of Thrones.

Cesar’s Last Fast (Dir. Rick Perez)

El líder de los derechos civiles César Chávez arriesgó su vida por los trabajadores más pobres de Estados Unidos. La cinta habla sobre la intensidad de la devoción de un hombre, sobre el sacrificio personal, el nacimiento de un movimiento de justicia económica y relata un capítulo poco conocido en la historia de los derechos civiles en Estados Unidos.

Cold in July (Dir. Jim Mickle) Luego de escuchar ruidos en su casa de Texas en 1989, Richard Dane (Michael C. Hall) le dispara y mata a un ladrón cualquiera y pronto se encuentra huyendo por su vida y la de su familia cuando la familia de aquél (Sam Shepard y Don Johnson) lo amenazan con tomar venganza. Suena como un noir a la antigua.

God’s Pocket (Dir. John Slattery) En el sucio y dilapidado vecindario de God’s Pocket, Mickey Scarpato (Philip Seymour Hoffman) se mete en problemas cuando intenta encubrir la muerte accidental de su hijastro loco. Pero cuando un columnista comienza a buscar la verdad, Mickey se encuentra en una situación de vida o muerte entre un cuerpo que no puede enterrar, una esposa a quien no puede satisfacer y una deuda que no puede pagar. La cinta también es protagonizada por Richard Jenkins, Christina Hendriks y John Turturro.

Life Itself (Dir. Steve James) Basada en las memorias de Roger Ebert, esta cinta (la cual se realizó casi totalmente con crowd-funding), promete ser una carta de amor al crítico de cine más conocido e influyente.

7 8

En esta comedia agridulce, Braff interpreta a un actor y hombre de familia desempleado que se la pasa fumando marihuana y quien lucha con las responsabilidades de la vida adulta y el significado de la vida. El elenco además incluye a Kate Hudson y Mandy Patinkin.

Laggies (Dir. Lynn Shelton) A sus 28 años, Megan (Keira Knightley) es una adolescente permanente quien todavía trabaja cambiando los letreros en la compañía de su papá mientras que sus amigos de la prepa se casan o comienzan sus carreras. Cuando su novio la sorprende con una petición de matrimonio, ella entra en pánico y se esconde en la casa de su amiga de 16 años (Chloë Grace Moretz) y su atractivo padre soltero. También la protagoniza Sam Rockwell.

Camp X-Ray (Dir. Peter Sattler) Kristen Stewart interpreta a una joven guardia en la controversial prisión norteamericana en la Bahía de Guantánamo. Entre presos hostiles y colegas agresivos, ella logra formar una amistad improbable que cambia su vida con uno de los presos. Se está hablando mucho de su actuación.

9 10

Wish I Was Here (Dir. Zach Braff)

A Girl Walks Home Alone at Night (Dir. Ana Lily Amirpour) Esta cineasta hizo su primer cortometraje a los 12 años y ésa parece ya suficiente razón para ver su historia de amor vampírico inspirada en los westerns. La película está situada en un pueblo fantasma llamado Bad City donde pasan el día drogadictos, prostitutas y otras almas perdidas, convirtiéndolo en el lugar ideal para un vampiro y un romance inusual que comienza a formarse.

Boyhood (Dir. Richard Linklater) Esta altamente anticipada experiencia cinematográfica es protagonizada por Patricia Arquette, Ethan Hawke y Ellan Coltrane, quien tenía 7 años cuando comenzó la filmación hace 12 años. Empezando en el 2002, la cinta se filmó durante un par de semanas al año y documenta la vida de esta familia. Su título original era The Twelve Year Project y se enfoca en la familia y la crianza de hijos.

El mundo de

Sofía Con Sofía Coppola,es fácil perderse En algún Lugar del corazón Por Ellen Carpe Fotograffa: Melodie McDaniel. Cuando te habla, Sofía Coppola siempre te mira a los ojos. Profunda, intuitivamente, como si sintiera una conexión especial contigo y las experiencias que tienes para compartir. Cuando te cuenta de unas vacaciones en su infancia, luciendo como una chica linda y sencilla con una cómoda camisa a cuadros y un par de sandalias sin calcetines, lo hace de una forma tan relajada y casual que te tardas unos segundos en registrar que este “exótico y divertido” viaje a las Filipinas fue en el set de Apocalypse Now, la colosal película de guerra de su padre, Francis Ford Coppola, y que tu nueva amiga Sofía no se parece mucho a ti, después de todo. Tú, por ejemplo, no debutaste en el cine como el bebe que es bautizado en la escena climática de El Padrino, una de las más grandes obras del cine estadounidense. Tus primos no son Nicolas Cage ni Jason Schwartzman, y no tienes un Oscar en tu repisa. Y para terminar pronto, no

dirigiste una de las mejores películas del año: Somewhere (estrenada en México con el nombre En algún lugar del corazón), una reflexión de lo solitaria, vacía y destructiva para el alma que puede ser la vida dentro de la burbuja de Hollywood. Es un cálido día de octubre cuando me siento con Coppola para desayunar croissants y té negro en un café francés en el vecindario de SoHo, en Nueva York, a unas cuadras del departamento que comparte con su novio, Thomas Mars de Phoenix, y sus dos hijas: Romy de cuatro años y Cosima de seis meses. Coppola estuvo despierta toda la noche cuidando a Cosima y se ve cansada. No lleva maquillaje, pero sus labios parecen manchados, como si la noche anterior hubiera llevado puesto un rojo profunda que aún no desaparece. Cuando le digo que me encantó Somewhere, parece genuinamente feliz y casi aliviada. “Muchas gracias”, dice humildemente. “Intento

crear una atmósfera en la que te puedas perder cuando veas la película, porque eso me gusta”. A partir de su punta de vista único, Coppola ha conseguido retratar las vidas del Hollywood real desde una perspectiva no romántica. Discreta e insular como Lost in Translation, Somewhere sigue la historia de Johnny

Marco, un actor (interpretado por Stephen Dorff) cuyo éxito se desvanece a medida que actúa en thrillers mediocres y vive una vida decadente en el hotel Chateau Marmon! en Los Ángeles. Cuando su exesposa deja a su hija de 11 anos con el por una semana, la vacuidad de su vida pasa dramáticamente a un primer plano. Coppola comenzó a

“Intento crear una atmósfera en la que te puedas perder cuando veas la película, porque eso me gusta”

escribir Somewhere cuando vivía en Paris luego del lanzamiento de María Antonieta y del nacimiento de Romy en 2006. “María Antonieta fue muy femenina, y después de esa sobredosis de decorados y todo, quise hacer algo realmente minimalista;’ dice, al tiempo que muerde el croissant. Sus amigos ocasionalmente le llevaban revistas de chismes de la farándula estadounidense, y leer las historias de “estos jóvenes y exitosos actores en crisis”, le sirvió de inspiración. La mayor parte de la película ocurre en el Chateau Marmont, el hotel mas icónico y lleno de leyendas de la ciudad, que fue hogar de Judy Garland y Jim Morrison, vio morir a John Belushi y ha sido escenario de incontables escándalos recientes. “Creo que muchos jóvenes actores aspiran a llegar al Chateau Marmont, así que pensé, ¿qué pasa cuando llegas ahí? ¿Qué pasa cuando obtienes lo que pensabas que querías?”. Coppola nunca tuvo ese tipo de convicción desesperada. “Nunca pensé que seria directora, jamás se me ocurrió”, dice, moviendo la cabeza. “Siempre estaba viendo a mi padre, pero nunca pensé conscientemente, voy a hacer lo mismo”. Cuando era niña, creciendo en el viñedo de su familia en Napa, quería ser maestra. “Era muy mandona con los otros niños y los organizaba para jugar a lo que yo quería jugar, y mi mamá decía que les gustaba”. Ríe calladamente. “Creo que mi naturaleza de directora se dejó ver a una edad temprana”. Coppola escribió y dirigió su primer filme, Las vírgenes suicidas, en 1999, simplemente porque adoraba el libro de Jeffrey Eugenides y no quería que alguien mas lo echara a perder. “Sentía que tenía que proteger ese libro”, dice, jugando con su brazalete con pequeños diamantes incrustados. “Escuche que alguien quería hacer una película del libro y pensé que no lo iban a hacer bien, así que eso me motivó”. Coppola siempre escribe sus propios guiones. Le ofrecieron dirigir el cuarto capítulo de la saga Twilight, y aunque es fan (“adoro lo románti-

co que es”), no se decidió a hacerlo. “Nunca he trabajado como directora por contrato”, comenta. “No podría hacerlo como un trabajo cualquiera. Tengo que sentir una conexión”. Todas las películas de Coppola se sienten muy personales: Lost in Translation, se dice, está basada en su relación con su ex esposo, Spike Jonze (Michael Gondry dijo que el personaje de Giovanni Ribisi era una parodia mal intencionada), y es fácil buscarparalelismos entre María Antonieta y la brillante heredera de la casa de Coppola. Pero ella señala con prontitud que Somewhere no es en modo alguno autobiográfica. “ Cuando estaba escribiendo al respecto del padre y la hija, me vinieron a la mente recuerdos y viajes que hice con mi padre. Pero mi infancia fue muy diferente a la de la película. Y mi papá es muy diferente a este sujeto. Pero conozco ese mundo”. Cuando estaba escribiendo Somewhere, el nombre de Stephen Dorff le vino a la cabeza, e inmediatamente supo que sería perfecto para el papel. Los dos se conocieron en la adolescencia, pero fue hasta una fiesta de Halloween durante el Festival de Cine de Londres en el 2002 que trabaron amistad. “EI fue muy dulce y genuino”, dice Coppola. “En contraste con el personaje de chico malo que siempre hace”. Coppola invito a

Dorff a su casa en París en 2009 para leer el manuscrito de Somewhere, y una semana más tarde le ofreció el papel. “Creo que es mi película favorita de todas en las que he estado involucrado”, dice Dorff. “Las decisiones de Sofía como cineasta son muy específicas y enfocadas en los detalles, y sabe bien cuando tiene lo que quiere. Realmente esta todo en su cabeza, todo viene de ella”. Dorff dice que su colaboración con Coppola fue “un gran regalo. Cambió mi vida, francamente”, explica. “La admiro en muchas maneras. Ella y Thomas tienen una relación increíble, él está de gira todo el tiempo y es una receta para el desastre, pero ellos siguen fuertemente unidos, y me pregunto cómo lo hacen. Sofía me da consejos de todo, desde qué jeans usar hasta de qué edad debo buscar novia. Realmente la admiro como amiga, y ahora puedo decir que como mi directora”. Coppola ya está cocinando algunas ideas para su próximo proyecto, pero sus planes para el resto del día son mucho más pedestres: almorzará con la familia y luego irá a comprar provisiones para el cumpleaños número cuatro de Romy, quien no comparte el desapego de su madre por la atmósfera de la realeza. “Quiere toda la cosa de princesa”, dice Coppola suspirando. “Una princesa rosa y brillante”.

12DE AÑOS

Mejor película en los Oscar 2014

El actor Will Smith ha sido el encargado de otorgar el Oscar 2014 a la mejor película a Brad Pitt y Steve McQueen como productores de 12 años de esclavitud. Un emocionado y nervioso McQueen, director de la cinta, ha dedicado el triunfo a su madre, que estaba entre el público, a su padre y a “todos los que han sufrido y sufren la esclavitud”. “Todo el mundo merece no solo sobrevivir, también vivir”, ha dicho McQueen. El triunfo del filme ha confirmado las previsiones que desde hacía semanas le proclamaban favorito al imponerse en esta categoría a Gravity, del mexicano Alfonso Cuarón, que al término de la gala acaparó el mayor número de estatuillas. 12 años de esclavitud ha obtenido tres premios frente a los siete de la odisea espacial del mexicano. Hace años que Steve McQueen quería rodar un filme sobre la esclavitud. Fue su esposa, Bianca Stigter, la que le puso en contacto con el relato autobiográfico escrito por Solomon Northup en 1853. La película cuenta el calvario real que vivió este músico afroamericano de Nueva York que fue secuestrado en los años previos a la Guerra Civil de Estados Unidos, vendido como esclavo y obligado a trabajar en diversas plantaciones de algodón, la peor de ellas en Luisiana, donde sirvió como bestia de carga y recolector de algodón de su sádico propietario, Edwin Epps. La lista de nominados a mejor película la completaban La gran estafa americana, Capitán Phillips, Dallas Buyers Club, Her, Nebraska, Philomena y El lobo de Wall Street.

escla vitud

DICEN POR AHÍ

Shooting up Sólo hizo falta una maravillosa canción de rock para que The Vaccines se convirtieran en la gran sensación de Londres. Por Nick Duerden En un pequeño estudio al este de Londres, en un humedo día de octubre, Justin Young, el líder de The Vaccines, está concienzudamente tratando de explicar los beneficios de la reinvención autoimpuesta. Hace un par de años, se desenvolvía como solista bajo el nombre de Jay Jay Pistolet, una propuesta un tanto folk que osciló en los márgenes del creciente movimiento nu folk, presentándose frecuentemente al lado de Laura Marling y Mumforf & Sons. “Eso quedó atrás”, dice rápidamente, con las mejillas enrojecidas. “Fue ... un proceso de aprendizaje. Además, siempre me ha gustado mucho mas el punk pesado que nada”.

Ya no es Jay Jay Pistolet, sino las mejillas enrojecidas que lideran uno de los actos más importantes del Reino Unido en la actualidad: The Vaccines, banda a la que le da forma, en gran medida, su amor por el punk. Formado por Young en la voz, Freddie Cowan en las guitarras, Arni Arnason en el bajo y Pete Robertson en la batería, el grupo es dueño de un sonido empapado del feedback de Jesus and Mary Chain, bellamente decorado con los modales correctos de los Strokes y la cruda energía de los Ramones. Son tan buenos como sucintos: su single debut, “Wreckin’ Bar (Ra Ra Ra)”, termina al minuto con 24 segundos.

“No soporto esas canciones que duran para siempre”... ... se queja el vocalista, sentado sobre un amplificador de guitarra, con los codos en las rodillas. “No vemos ninguna razón par la cual las canciones deban durar mas de lo que necesitan. Es lo que dicte la canción, y si puedes decir todo en menos de un minuto y medio, fantástico. Nuestras canciones son sencillas, un niño podría

tocarlas”. Se da cuenta de lo que acaba de decir y sonríe torpemente. “Aunque espero que no tan bien como nosotros lo hacemos...”. La banda se formó el verano pasado y, tras el lanzamiento de “Wrekin’ Bar”, fueron rápidamente absorbidos por uno de los sellos discográficos más grandes del mundo, Columbia. “Sí, pero no creo que eso sea relevante “, dice Young, señalando que el sencillo salió con el sello independiente Marshall Teller Records. “Dicho esto, [Columbia] es un sello genial, y nos sentimos honrados de pertenecer a este. Eso significa que el mundo podría tener una oportunidad de escuchar nuestra música”. La máquina de propaganda ya esta a toda marcha, y Cowan, cuyo hermano forma parte de The Horrors, ha visto de cerca lo que ese tipo de atención puede hacer. “Significa que la gente te amara o te odiara”,señala. “Pero eso no es malo, ¿o sí?”. Actualmente, The Vaccines están trabajando en su álbum debut, y las canciones que ya están terminadas, incluyendo “Blow It Up” e “If You Wanna”, suenan mas depravadas y nihilistas de lo que cabría esperar de cuatro hombres con tan buenos modales y, en el caso de Young, con educación privada. “Si las canciones tienen un sonido intenso, es porque me gusta escribir acerca de las emociones reales”, responde, pegándose en el pecho con los dedos. ¿Lo que tal vez signifique que es difícil convivir con él? “Sí, es una pesadilla”, bromea Cowan. Young, entrado en el tema sigue: “En estos días hay muchas bandas a las que realmente no les interesa nada, que no tienen nada que decir. Pero si ves la historia de la música, siempre ha habido bandas significativas que tienen algo que decir. Me refiero a Eddie Cochran en los cincuenta, Black Flag en los ochenta, Nirvana en los noventa, y más recientemente, The Strokes. Es –dice–, es el tipo de impacto que estamos buscando”.

“Hay mucha ira y sufrimiento en ellas, mucho desorden. He intentado ser tan honesto como me es posible al escribir. De otra manera, ¿qué caso tendría?”.

BANKS

TIENES QUE ESCUCHAR

La cantante californiana, Banks, ha publicado en su cuenta de Soundcloud una nueva canción titulada “Waiting Game”, tema que formará parte de su nuevo EP. En esta ocasión, la seductora voz de Banks fue producida por SOHN, músico y productor británico que mezcla el pop con la música electrónica pero de una forma más tranquila, muy al estilo

de Rhye, James Blake y The Weekend. De hecho, si es de hablar de cantantes femeninas, podemos incluir a Banks en una lista junto a Lana del Rey, Birdy, Lorde, Kate Boy, entre otras artistas que han estado realizando un pop algo distinto a lo que podemos encontrar diariamente en los famosos charts. Para “Waiting Game”, continúa la misma línea de sus anteriores temas ya publicados, como las excelentes “Fall Over” y “Before I Ever Met You”. La cantante estará de gira por todo Estados Unidos junto a The Weeknd. http://estereolobby.com/brain-nuevo-sencillo-de-banks/

THE WOOKIES The Wookies es una banda Mexicana con tags de genero techno/ disco. Conformada por unos de los socios de Sicario, Hugo Diaz Barreiro (Calacas) y por Andre Fernandez (Andre VII) uno de los fundadores del más prestigiado sello de música electrónica mexicano Electrique Music. The Wookies ha compartido escenario con Chemical Brothers, Die Antwoord, Dj Mehdí, Kavinsky, Steve Aoki, Azari & III, Miike Snow, Naive New Beaters, Friendly Fires, Underworld, Guns N Bombs, Benjamín Diamond, DatA entre muchos otros. Han hecho giras tanto internacionales como nacionales y gracias a su experiencia, talento y estilo The Wookies se ha presentado exitosamente en países como: Japón, Canada, Puerto Rico, Estados Unidos, Francia y España. The Wookies presenta su primer E.P llamado DISCOTECNO con claras influencias DISCO y HIGH ENERGY, logrando posicionarse en los primeros lugares de charts a nivel mundial. Forman parte

del ROSTER de SICARIO MUSIC y están listos para cualquier situación o cualquier escenario. Vale la pena destacar shows como Vive Latino 2012 donde fueron considerados por distintos medios de comunicación como “Acto Revelación” de esta edición del festival. En el Corona Capital 2012 se presentaron con carpa llena destacando su presentación sobre actos internacionales y nacionales, además fueron headliners del escenario de musica electronica en el Festival 72810 que se realiza en Cholula Puebla.

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WEB MUSIC GUIDE Adiós productividad, la guía de nuestros sitos web favoritos nos hace preguntarnos como logramos hacer algo de trabajo en la oficina.

Song kick Si eres fan de los conciertos, Song Kick sera tu mejor amigo. Es una app, que según la música que escuchas te guarda los conciertos que sucederán proximamente cerca de ti. Es una agenda personalizada en la que puedes compartir con tus amigos los diferentes conciertos que tienes planeados. www.songkick.com

Irina Wearing

http://becauseimaddicted.net/ Irina Werning, es una fot6grafa de Argentina que saltó a la fama con su increíble proyecto Back to the Future. Ha viajado por todo el mundo buscando fotos interesantes del pasado para recrearlas de nuevo, un tableu vivant en toda su expresión. Definitivamente un viaje de nostalgia. irinawearning.com

Gorillla vs Bear Polaroids de Arcade Fire, Grimes, Ariel Pink, son sólo el principio de lo que encuentras en esta pagina dedicada completamente a la música más /cool/. Alguna vez nombrado como uno de los mejores blogs de música. www.gorillavsbear.net

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Très awesome Uno de mis favoritos personales, este street style blog de Chicago, viaja por todo los festivales para traernos los looks mas cool de estos- desde los músicos que tocan en ellos, hasta el public con más estilo. También encontrarás fotos de street style en los Fashion Weeks del mundo y del día a día en Chicago. www.tresawesome.com

Daisy Esta app promete quitarle muchos clientes a nuestros queridos amigos de Spotify, creada por Trent Reznor (Nine Inch Nails) y Dr.Dre. En las palabras de Reznor, Daisy “usa fórmulas matemáticas para sugerir mçusica a sus oyentes, pero además, presenta opciones escogidas por conocedores de la industria, por lo cual se unen las maquinas con la inteligencia humana”. Se enfoca en escogerte e introducirte en la música que no conoces y no escuchas normalmente. Daisy saldrá a principios del próximo año.

Oh My Rockness Si viajas a Nueva York, Los Ángeles o Chicago, no puedes dejar de visitar esta página, aquí encuentras absolutamente todos los conciertos que pasan en cada una de estas ciudades. Ideal para encontrar shows secretes y banditas nuevas. www.ohmyrockness.com

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Las 50 sombras de Irreverencia

BEYONCÉ Beyoncé desata un álbum a la altura de una reina de f uturista R&B, baladas tremendas y un sexo gráf ico en limosina. Por Rob Sheffield El diminuto grupo de personas involucradas involucradas en este proyecto ultra secreto y la forma en la que todos mantuvieron la boca cerrada prueba que básicamente cualquier teoría de conspiración es posible. Tan solo los manicuristas para los diferentes 17 videos de Beyoncé son una montaña de papeleo de confidencialidad. La vibra de Beyoncé es R&B sensible y futurista, que se hace más fuerte cuando se inclina más hacia el soul electrónico con tonos de bohemia artística. “Blow”, el mejor tema aquí, evoca a Janet Jackson, en la época de The Velvet Rope, una canción sobre sexo oral que tiene un aire de melancolía dentro del groove neo-disco. Hay un ambiente similar en el excelente dueto con Drake, “Mine”. Beyoncé incluyo demasiadas baladas estilo consurso de belleza que hablan sobre seguir tus sueños y alcanzar tus metas- pero lo mejor son las canciones sobre sexo. “Drunk in Love” es un magnÍfico dueto con Jay-Z, 10 años después de “Crazy in Love”. Al parecer Beyoncé se aburrió con la rutina de estrella pop como lo confiesa en “Ghost”. Pero solamente una masiva confianza en sí misma pudo hacer posible un logro como lo es este álbum. Y la confianza de Beyoncé hace un mundo mejor, un lugar más al estilo Beyoncé.

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