BRAINSTORM 6 by BRAINSTORM magazine

BRAINSTOR

RM MAG #6

Carta do editor

Tudo que mais amamos. Podemos resumir dessa forma sobre o que se trata essa edição, a mais especial até agora da MAG BRAINSTORM. Completamos 1 ano de revista com muito carinho e planejamento, conseguindo em apenas 1 ano obter contribuições dos melhores fotógrafos e fotógrafas de moda do Brasil e dos melhores colunistas, que botaram todo o seu conhecimento para fora, para você. “I’m Under The Influence” é apenas uma das formas de mostrar que tudo que amamos nos influencia, esse amor vem de muitas formas, das mais claras às mais obscuras, não deixa de ser amor. O igual, o diferente, o que brilha em todo escuro, muito colorido e sem cores, contrastando com o irreal. Pessoalmente falando, é um orgulho poder apresentar uma capa fotografada pela Federica Erra, que desde sempre é minha fotógrafa favorita e além de tudo poder realizar uma entrevista falando sobre o que ela realmente ama, é uma honra! Chegou a hora de conhecer o universo pessoal de cada um dos nossos colunistas. Nossos editoriais foram fotografados em Recife, Maceió, São Paulo, Vitória e também na Espanha, cada um com um toque de carinho e dedicação especial para essa edição de 1 ano. Que venham muitos outros anos, com muito carinho, amor e crescimento. Essa edição é sobre isso, crescimento pessoal, a evolução dentro de cada um de nós, sempre buscando algo melhor. Jonathan Wolpert

Redação Jonathan Wolpert Editor-chefe Ana Cuentro Direção/Design Olga Ferraz Tradução

COLunistas Bruno Araújo Danilo Candido Jéssica Fantini Khalil Rodor Laércio Wolpert Léo Freitas Vinicius Gouveia

COLaboradores Federica Erra, João Arraes, Vanessa Diskin, Ander Oliveira, Fernando Perdigão, Sayonara Araujo, Monica Lyra, Melk Z-Da, Maison Adom, Emannuel Alves, Eloiza Aquino, Patrick Styrnol, Laura Montane, Júnior Queirós, Lidija Ristic, Ann-Sophie Kürbs, Daniel Wolf, Marina Streb, Natalia Sexto, Aquila Bersont, Felipe Dário, Laila Thomazini, Victor Chevalier, Glauro Simões, Gizele de Oliveira, Caio Perim, Silmer Perim.

CAPA Mini Anden por Federica Erra

Contato contato@magbrainstorm.com @magbrainstorm A Brainstorm MAG é uma revista bimestral bilíngue sobre artes digitais, arquitetura, cinema, literatura, moda, música e audiovisual. Fica expressamente proibida a reprodução total ou parcial sem autorização prévia do conteúdo editorial. Os artigos assinados são de exclusiva responsabilidade dos autores e não refletem a opinião da revista.

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Setembro/Outubro 2012

8 Por uma verdade 14 Editorial 30 Frank Lloyd Wright 36 Mary Poppins 40 Editorial 58 Dreamers in Suburbia 62 Editorial 74 Olรก, Terra 78 Editorial 92 Entrevista com Federica Erra 98 Em uma galรกxia muito, muito distante 102 Editorial 116 O sensor do contra senso 120 Audiovisual 124 Editorial 136 English Version

TAPAUE.COM.BR 7

literatura

POR UMAVERDADE

Danilo Candido

A ligação entre arte e verdade resulta sempre numa discussão em polvorosa. A afirmação que a arte propõe representar a realidade foi revisitada pela Estética em diversos momentos da história. Com a explosão cultural nos EUA dos anos 60, devido aos movimentos da contracultura, fez surgir novas escolas de arte e, por conseguinte, uma nova visão de natureza verdadeira. Idealizado no final da década de 50, o Minimalismo é um desses novos estilos. Neste, não há representação. A arte minimal recusa a metáfora, a ilusão e o ornamento obrigando que esta desça do pedestal e se fixe no espaço real do mundo. Dessa maneira, a verdade está na matéria. O que poderia ter sido apenas mais um dos infinitos movimentos da arte moderna, o Minimalismo tornou-se uma ideologia cultural que vai muito além do estilo e do significado. O Minimalismo é um movimento precursor da arte contemporânea desenvolvido no período Pós-Guerra que iniciou nas Artes Plásticas, na Arquitetura e na Música, mas que se estendeu para a Literatura, o Teatro e o Cinema. Os ideais da arte minimal são inspiradas no Construtivismo Russo. Este movimento estético-político dizia que a arte não é um ele mento a parte da criação humana separada do cotidiano. Surgiu paralelo à Pop Art e ambos reagem ao pseudointelectualismo do Expressionismo Abstrato. As obras minimalistas são simples, neutras e repetitivas; e não carregam ideias ou emoções. O termo “minimalista” é utilizado para descrever as formas de Donald Judd, Dan Flavin e Robert Morris, a edificação de Ludwig Mies van der Rohe, as composições de Philip Glass e John Cage, os textos de Ernest Hemingway, a dramaturgia de Samuel Beckett e os longas-metragens de Robert Bresson. A arte minimalista localiza-se num local ambíguo entre arte (ideia) e realidade (matéria). Esse in between no qual se posiciona é o que torna-o não apenas minimal, mas contemporâneo, e exprime um sentimento de deslocamento e isolamento da atualidade. É isso que faz dela real e verdadeira: real porque está contida no espaço físico do mundo, não num pedestal e sim entre nós; e verdadeira porque seu sentido habita em sua matéria e não numa ideia subentendida pelo objeto da arte. É inadmissível, por exemplo, a pintura representar uma cadeira numa obra minimal. Não seria uma cadeira, mas uma representação dela.

Como algo bidimensional, como a pintura, poderia representar algo do espaço tridimensional? Isso iludiria o espectador e não mostraria a sua verdade. Essa é a ideia que deveria permear a arte atual, não tão radical, mas poderia ser verdadeira. Entretanto, tem-se hoje uma errônea ideia de verdade ou, até mesmo, uma confusão em sua definição. O que hoje se tem como verdade é, de fato, uma suposta verossimilhança. Os volumes abertos de Judd e Morris revelam as estruturas e as matérias (geralmente industriais) que são modulares e regulares não escondendo nada do espectador. Flavin aposta no contraste da luz artificial, gerado por suas obras, com a luz natural. Em geral, o foco é na percepção do observador. A casa Farnsworth de Mies van der Rohe é um prisma quadrangular de vidro que deixa à mostra toda a área interna da morada revelando a verdade do espaço arquitetônico. O 4’33’’ de Cage foi uma revolução na música erudita. Quatro minutos e trinta e três segundos de ausência sonora para mostrar ao espectador que apenas o silêncio poderia mostrar a verdade nos sons. O texto de ausências de Hemingway só era capaz de mostrar os diálogos, pois apenas a fala, na Literatura, é um elemento objetivo e concreto. As ausências de elementos cênicos nos dramas de Beckett dão um tom estéril a mise en scène. A expressão levemente austera de Michael na prisão em O Batedor de Carteiras (Pickpocket, 1959) de Bresson causa desconforto, principalmente devido a pouca iluminação da fotografia. Todos esses mostram ao espectador que se trata de uma obra e cabe a ele, mesmo sabendo disso, em sua experiência estética, a emoção. A arte atual é repleta de ilusões formais e conceituais que inebriam a percepção do espectador para sua real incapacidade. Essas obras, encapadas de arte avant-garde, procuram manipular intelectual e emocionalmente o observador e massagear o ego dos pseudointelectuais. Animais sacrificados em exposição, fotografias com imagens escatológicas e cenas de sexo gratuitas em museus ferem a experiência estética a quem é exposto. No cinema, isso se tornou um modismo. A quantidade de filmes, principalmente os independentes americanos, que utilizam a câmera na mão instável bem próxima das personagens como uma forma de “mostrar” a realidade com atmosfera intimista é assustadoramente kitsch e clichê. Não precisamos que um artista nos mostre a emoção.

Somos autônomos o suficiente para nos conduzir aos nossos próprios sentimentos. Aqui reside o núcleo do ideal minimalista. A autonomia do espectador é algo subestimado pelos artistas contemporâneos. Por tanto, a emoção deve partir do espectador e não da obra de arte. Entretanto, por mais verdadeira que seja, mesmo a mais concisa, rígida e literal esta obra estará constituída de ausências: uma memória, uma vontade, uma palavra, um sentimento. Dessa maneira, essa matéria pura e verdadeira será desconstruída e dará espaço para outra matéria. Uma matéria gerada pela emoção do homem a partir dessas ausências. E juntas elas criam a forma mais perfeita e verdadeira que existe. Seja um romance, um filme, uma escultura, uma música, uma pintura, uma peça... Nós espectadores da arte reconhecemos essas formas, pois quando colocados de frente à uma delas, percebemos que estamos na presença daquilo que nos completa. Pois, uma obra de arte não se faz só, ela precisa de nós para criar sentido emocional e físico. É essa a real verdade da arte. Algo perdido que implora por sua busca. À essa verdade e emoção livre de amarras.

arquitetura

FRANK LLOYD WRIGHT sensibilidade e trabalho de um mestre

LaĂŠrcio Wolpert

Frank Lloyd foi um homem que viveu motivado pela provisão de sua família, desenvolvimento de seu trabalho e amor pela arquitetura, sempre obstinado em fazer o melhor. Entre erros e acertos, sua enorme determinação o transformou num dos maiores arquitetos do mundo, sendo considerado por muitos, o principal arquiteto modernista do século XX. Ao longe de sua preciosa carreira, ele passou por vários momentos, sendo o mais fantástico e lúdico no qual ele produziu as Casas das Pradarias. Um dos fundamentos do Organicismo gerado por

ele eram: a planta aberta, não delimitada por paredes, mas com divisões compostas através de elementos arquitetônicos, a interação com o sítio natural, grandes beirais que configuravam uma forma extremamente horizontal, e utilização de materiais locais, como a pedra, a madeira, a alvenaria, acabavam compondo seus projetos como obras de artes que pareciam fazer parte da própria natureza. Lloyd acreditava firmemente na qualidade de vida de um homem, seu bem estar físico e espiritual, estavam ligados com esse contato com a natureza.

Claramente influências de sua infância longe dos agitos da cidade grande e da formação religiosa de sua família. Essas características foram possibilidades através do mix entre o profundo conhecimento técnico do mesmo, que também cursou em quase sua totalidade o curso de engenharia, como também a sensibilidade inata. Como alguns gostam de falar, o dom da arquitetura de Frank foi algo que veio do berço, pois sua mãe decorou o seu quarto com gravuras de catedrais, pois tinha o sonho de ter um filho que construísse belas e grandes edificações. O criador de obras célebres como a Casa Robie (1908) e do Museu Guggenheim de Nova Iorque (1959), projetou a Casa da Cascata (1936), eleita no corações de muitos arquitetos como a mais bela casa já executada.

(…) There’s a singing waterfall In the mountains far away That’s where I long to be At the close of every day That’s where my sweethearts sleeping down beneath the clay I often sit and wonder Why the Lord took her away (…) Trecho de Singing Waterfall, composta por Hank Williams

“Eu sei o preço do sucesso: dedicação, trabalho duro, e uma incessante devoção às coisas que você quer ver acontecer.”

Frank Lloyd Wright

cinema

MARY POPPINS A mágica babá que encanta gerações há quase 50 anos

Léo Freitas

Lembro como se fosse hoje quando assisti a Mary Poppins pela primeira vez. Vinte e dois anos se passaram, mas minha essência infantil guardou o olhar aquela babá simpática que canta e encanta. Nos meus áureos 7 anos, lembro-me de ficar estalando os dedos diante do meu quarto bagunçado para, como no longa da Disney, tudo ficar arrumado em um passe de mágica. Ali, de olhos que mal piscavam, nascia meu amor ao cinema. Lançado em 1964, o longa cativa pequenos e não-pequenos até hoje. Na trama, a conservadora família Banks acaba de perder sua babá não muito amigável, já sem paciência de cuidar dos espevitados Michael (Matthew Garber) e Jane (Karen Dotrice). Os pais, Winifried (Glynis Johns), paradoxalmente uma ativista feminista que é submissa ao marido, e o rígido George (David Tomlinson), colocam um anúncio no jornal que traz uma quantidade enorme de candidatas. Entretanto, de guarda-chuva aberto e vinda dos céus, ela surge: Mary Poppins, personificada pela impecável Julie Andrews. Classificado como um dos mais adoráveis filmes do estúdio, o musical é baseado nos livros de P.L. Travers e ganha força na direção de Robert Stevenson apoiado em roteiro, direção de arte e fotografia impecáveis. Presenteando os fãs com canções inesquecíveis, estão a deliciosa A Spoonful Of Sugar, a divertida Supercalifragilisticexpialidocious (decorada a ferro e fogo, claro), a poética Feed The Birds e a premiada Chim Chim Cher-ee, que levou o Oscar de Canção Original. Mary Poppins muda para sempre a vida das crianças, levando-as a um mundo de magia e diversão, que inclui voar, dançar nos tetos de Londres junto aos limpadores de chaminés e entrar em universos imprevisíveis. A alegria vai tomando conta de todos ao redor, incluindo a hilária empregada Ellen (Hermione Baddeley), o artista de rua Bert (Dick Van Dyke, que também interpreta o dono do banco onde George trabalha) e, a muito custo, o próprio pai das crianças, que reluta em ver o lado divertido da vida.

Impossível esquecer a bolsa mágica de carpete de onde saem os mais inimagináveis objetos, a arrumação do quarto em um estalar de dedos, a entrada nos quadros pintados por Bert (misturando live action com animação em impressionantes efeitos especiais para a época) e o chá com o tio Albert (Ed Wynn), o homem que voava quando ria. E a cada aventura, a cada canção, Mary Poppins, “a babá praticamente perfeita em todos os sentidos”, nos repassa as mais diversas lições de vida, como bondade, respeito, infância, caridade, responsabilidade, amizade e felicidade.

O filme projetou Julie Andrews, no auge de sua beleza, carisma e voz, que personificou a babá que todos gostaríamos de ter. O sucesso estrondoso lhe rendeu o Oscar, o Bafta e o Globo de Ouro de Melhor Atriz, além de dar ao filme inúmeros prêmios, como o Oscar de Efeitos Visuais, Edição e Trilha Sonora Original, além de ter sido indicado em outras oito categorias.   E grande parte de toda essa magia deve-se mesmo a Julie Andrews que, tantos anos depois, como em um passe de mágica, ainda nos traz a sensação de estar assistindo ao filme pela primeira vez. É nossa infância de volta em uma obra inesquecível e indispensável.

moda

DREAMERS IN SUBURBIA

Khalil Rodor

Andando pelos subúrbios, desde o Brooklyn em NY até as áridas e empoeiradas cidadelas do midwest, o romantismo exacerbado e lúdico - que sutilmente foi inserido como “american dream” - tornava os topetes dos bad guys cada vez mais altos e enchia de pregas os vestidos rodados das garotas nos anos 50. Vítimas de uma revolução econômica-tecnológica onde tudo soava de modo promissor, aquela juventude transviada da época acabava se alienando dos acontecimentos externos ao universo dos bailes de sábado à noite. Pois os emergentes EUA com seus gramados verdejantes, condomínios em color-block e todo seu típico estilo de vida, não se preocupavam com o que fosse exterior àquilo, e ditavam a moda aos mercados europeus ainda em convalescência pela dura década de 40. Porém esse sonho efêmero logo foi sobreposto por diversos estilos e possibilidades que os anos 60 ofereceram com o advento do prêt-à-porter e toda efervescente modernidade das décadas que seguiriam. Ecos desse período se manifestariam em diversas coleções, quer seja por sua modelagem atemporal ou pela estética dos cabelos, tanto para as mulheres quanto para os homens. Como, por exemplo, o penteado estilo teddy-boy no desfile masculino da Bottega Veneta (2010) e Jason Wu em sua Resort Collection (2013) que contava com peças que faziam alusão aos vestidos característicos da época através de uma releitura sóbria com cores escuras e aplicações de bordado.

A moda atual e seu método de regurgitar as tendências passadas adicionando diferenciais contemporâneos, que vão desde a técnica de confecção à diferentes composições nos looks que transformam o que já foi feito em algo repaginado e comercial. Não sendo apenas a indústria da moda adepta desse método, mas muitas outras, como a indústria da música com a cantora Lana Del Rey que expressa essa nostalgia e remonta em si própria e em suas músicas esse paraíso perdido no tempo. Expressa não somente a nostalgia, mas também a indústria que tenta assiduamente, e nem sempre com êxito, refazer o que foi perdido de um modo artificial, revivendo assim todo o charme e romantismo daquela vida calma e dessa moda única dos anos 50.

Shirt - Tara Jarmon Skirt - Luis Iglesias Shoes - Bruno Premi Bag - Lamarthé Bracelet - Aristocrazy

Last Days of

Summer

Photo / Patrick Styrnol Stylist / Laura Montane Make Up, Hair & Nails / Júnior Queirós with Jemma Kidd makeup school Model / Lidija Ristic (UNO MODELS) Stylist assistant / Ann-Sophie Kürbs Assistant photographer / Daniel Wolf

Dress - Twin Set

Dress - Tara Jarmon Bracelet - Aristocrazy Ring - Aristocrazy

Shirt - Tara Jarmon Pants - Toni Francesc Bag - Twin Set Bracelets - Aristocrazy

Shirt - Tara Jarmon Pants - Tara Jarmon Shoes - Bruno Premi Necklace - Aristocrazy

Top - Luis Iglesias Skirt - Twin Set Shoes - Twin Set Necklace - Laura B Bracelets - LauraB

Dress - Butter Nation Skirt - Tara Jarmon Shoes - Bruno Premi Bracelet - Laura B

Jacket - Tara Jarmon Top - Twin Set Pants - Alexis Reyna Shoes - Bruno Premi Rings - Aristocrazy

Overall - Toni Francesc Scarf - Alexis Reyna Necklace - Aristocrazy Bracelet - Aristocrazy

música

OLÁ, TERRA!

Bruno Araújo

Foi em Novembro de 2004 que, realizando seu sonho, o britânico Fyfe Dangerfield formou uma banda de indie pop/rock multinacional. Mas não é uma banda comum. Aficionado por pássaros e observador amador deles, ele afirma que é preciso ouvir mais de uma vez para captar o que eles tentam passar com sua música, o que pode ser descrito como uma mistura de samba, jazz, piano pop, orquestra e mais coisas estranhas. O “multinacional” não é apenas mais um rótulo para deixar a imagem da banda mais interessante, porque a banda realmente reúne pessoas de praticamente todos os cantos do mundo. Começando pelo baterista, Greig, que veio da Escócia trazendo um estilo excêntrico e “sem-noção” para a banda. No baixo – ou melhor, num contrabaixo enorme – temos a encantadora canadense Aristazabal Hawkes, o toque feminino da banda. Já nas guitarras, com sons distorcidos, experimentais e psicodélicos, MC Lord Magrão (ou simplesmente Magrão) foi de São Paulo até a Inglaterra, ou Birmingham, para ser mais específico, onde tudo começou. E, claro, Fyfe Dangerfield, nascido em Birmingham, vocalista e líder da banda. Porém, apesar das posições dos integrantes na banda, nunca se sabe que instrumentos eles podem realmente levar ao palco. Por exemplo, eles já se utilizaram até de uma máquina de escrever (azul) como instrumento musical. São detalhes como este que fazem a banda se destacar como única. Ah, sim, claro, o nome da banda! “Guillemots”, e não é por acaso. Como já citei, Fyfe é um fã de pássaros, em especial os marinhos, e uma espécie se chama Guillemot (em português, a pronúncia seria algo como “guilhemots”). E as referências aos pássaros não param por aí: diversas músicas mencionam ou possuem em seus títulos nomes de pássaros, como “Redwings” e “Cockateels”. Com seu primeiro álbum lançado em 2006, Through the Windowpane, eles só perderam para Arctic Monkeys na premiação Mercury Music Prize. Porém, receberam diversas críticas positivas, inclusive de Sir Paul McCartney, que avaliou a música “Little Bear” (abertura do álbum) como “um jeito muito corajoso de se abrir um álbum”, também elogiando a orquestração da música. Neste álbum também se nota uma paixão já assumida pelo Brasil, com canções como “Trains to Brazil” e “São Paulo”.

Tão grande a paixão que eles saíram de sua terra no final de 2011 e vieram para o Brasil (Recife, Salvador, Fortaleza e São Paulo) mostrar sua música e divulgar o seu novo CD, o “Walk the River”. Até o dia atual, eles já gravaram quatro álbuns de estúdio, sem contar três EPs e incontáveis B-Sides que só são lançados em singles. O que é peculiar nesta banda são sua imprevisibilidade e seu estoque criativo muito vasto, querendo dizer que não há como prever o que eles podem apresentar – o que pode ser bom ou ruim.

Como o seu segundo álbum, Red, que se pode dizer foi o mais criticado negativamente, devido a uma mudança significante no seu estilo: das orquestras bem arranjadas de Through the Windowpane para batidas eletrônicas, um toque de Prince e samples de Britney Spears em músicas de Red. Alguns fãs se sentiram desapontados com essa mudança, mas pode-se ver como eles não estão presos a um estilo e tentam provar isso, tornando difícil “rotulá-los”.

Após um período longo sem notícias – com um CD solo de Fyfe Dangerfield no meio do caminho –, a banda volta com uma nova proposta: “música para ser ouvida através do céu à noite”, como disse Fyfe. Sem mais orquestras, focando-se apenas no quarteto que é a banda, Guillemots fez o “Walk the River”, lançado em 2011. A recepção foi majoritariamente positiva.

lugar afastado de todos, eles planejam gravar não só um, mas quatro álbuns num ano só. O que é mais interessante: um para cada estação, ou pelo menos inspirado por cada uma delas. A primavera já passou e eles lançaram seu primeiro álbum, o “Hello, Land!”, com oito canções. E sobre os outros álbuns, já se pode ter uma ideia de como o processo está sendo; eles, num perfil no YouTube, estão postando curtos vídeos – Sem mais contratos com a Universal ou a Poly- chamados de “Some Crucial Shit” – mostrando dor – suas gravadoras passadas –, tentando um pouco sobre como é produzir um álbum de mostrar que não querem entrar neste “show- forma independente Agora é só esperar para biz”, Guillemots foge para a Noruega onde, num ver o que o verão vai trazer quando acabar!

CLAUSURA

Present by Haus of Fashion Bless Aquila Bersont Khalil Rodor Victor Chevalier Styling Glauro Sim천es Assistent Gizele Oliveira Special Thanks Caio Perim Silmer Perim Model Laila Thomazini (Andy Models)

entrevista

Federica Erra

1) O que significa fotografia para você? 4) Qual foi o seu trabalho mais prazeroso? Eu nunca quis dar um sentido à fotografia. Para mim eles são todas as sugestões derivadas de meus filmes favoritos. Eu odeio fotografia conceitual, então vamos dizer que meu trabalho possa expressar o meu amor para o cinema, mas de uma forma muito relativa.

Fotografar a supermodelo Mini Anden em Los Angeles para um catálogo de carros esportivos. Foi uma experiência maravilhosa! 5)

Quais

suas

bandas

favoritas?

All Saints, Smiths, Muse, Ramones e 2) Quem te inspira? O que te inspira? eu amo todas as músicas dos anos 80. Meu amor pela fotografia de Lindbergh, mas 6) Que filmes mais te inspiram a fotografar? minhas fotos são mais inspiração nos filmes de Bergman, Campion e todo o horror do autor. In The Cut de Jane Campion 3) De todas as coisas no mundo, o que você mais ama? CINEMA!

que

você

espera

seu

futuro?

Dinheiro, fama, amor, saúde, etc, etc, então ser Kate Winslet não seria de todo mau!

artes digitais

Em uma galรกxia muito,

muito distante

Ana Cuentro

Eu tinha sete anos quando meu pai me levou para assistir à trilogia Star Wars. O ano era o longínguo 1997. Nesta reprise – quando a saga completou 20 anos – George Lucas relançou os filmes com novos efeitos e algumas pequenas mudanças. Claro, tenho umas poucas lembranças dos filmes, mas lembro de meu pai me puxando para os antigos cinemas Recife 1, 2 e 3, que ficavam na parte externa do Shopping Recife. Foi lá que vi meu primeiro filme no cinema: 101 Dálmatas. Revi a trilogia anos depois, já adulta. Desta vez, a fonte era um box de fitas cassete. Peguei em uma das vastas estantes de filmes na casa do meu pai, curiosa com a embalagem, as capas e as sinopses. Como já havia assitido aos filmes quando era pequena, ao revê-los me tornei uma grande fã. Mais: uma verdadeira aficcionada por ficção científica. Quem não ficaria fascinado com Star Wars? Muitas vezes imagino como seria viver naquela galáxia tão distante, viajar pelo espaço sideral e fazer parte do conflito entre a república e os maléficos Sith.

O primeiro filme da saga Star Wars é de 1977 e continua a fazer muito sucesso, com milhões de fãs em todo o mundo. Na internet, pode-se ver muita coisa inspirada nessa saga. Vídeos, paródias, ilustrações, concepts arts. Minimalismo, cubismo e outros estilos artísticos – são tantas inspirações, a lista é imensa. São imagens incríveis e que realmente ilustram o universo Star Wars.

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Sabe o resultado de quando um fã mistura sua paixão com seus dotes artísticos? Uma coisa surpreendente, claro. Ele pode usar a imaginação e mexer com os personagens de uma maneira diferente, que jamais veríamos nas versões oficiais de Star Wars. Já pensou em ver Chewbacca de sunga? Sunga, óculos escuros, solzinho artificial, praia galáctica...

Há fãs que conciliaram a paixão com trabalho, assim como no YouTube e no Teddie Films. Desenvolvem várias paródias de Star Wars e músicas bastantes conhecidas, como a canção de Gotye “Somebody That I Used To Know”. O vídeo da paródia se chama “The Star Wars That I Used To Know”. Há 35 anos, a paixão por Star Wars permanece forte e deve durar uma eternidade. Que a força esteja com vocês.

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cinema

O SENSOR DO CONTRA SENSO

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Jéssica Fantini

Sabe-se que o cinema é capaz de explorar a complexidade de dilemas, questionamentos e inquietações da sociedade. É uma vitrine que expõe uma ilusória amostra do real e promove a reflexão sobre o homem e suas ações, sejam no âmbito ideológico, psicológico ou de qualquer outra natureza. Se este veiculo expressivo é capaz de revelar tantos aspectos concretos do conjunto social, por que o modelo de espaço criado por ele é uma ilusão? Simples. Antes de tudo cinema é arte e como tal é imaginação, idealização e criação. Desde o principio da sétima arte, na magnitude de Meliès, os filmes atendem a uma necessidade quase orgânica do ser humano: a de criar. Diante das experiências vividas sentimos a necessidade de liberar anseios, frustações e externar nossas ideologias para o mundo. Dessa forma, o espaço fílmico apesar de ser um recorte do real, não funciona como uma copia, mas sim como uma expressão do imaginário (fictício) de alguém atuando em um determinado contexto legítimo. No fim das contas,

esta vontade de simular a realidade é o que fascina e move tantas pessoas que se envolvem, em menor ou maior grau, com o audiovisual. Ser apreciador de cinema é imaginar uma seleção de bons filmes e perceber que o julgamento não depende de época, gênero ou nacionalidade. As taxações somem no momento que você se dispõe a assistir a um filme e se surpreende de algum modo. Não importa se é o suspense bem elaborado de Um Corpo que Cai ou o drama comovente de Cinema Paradiso; Se toca pela delicadeza como bonequinha de luxo ou pela reflexão como Viver a vida; Se impressiona pela fotografia poética de A maça ou pelas imagens vividas de A pele que habito; Se compõe um musical autentico como Canções de amor ou um clássico utópico como O Mágico de Oz; O universo do cinema contempla tantas vertentes diversificadas que a bagagem de bons filmes para quem aprecia só pode ser algo incontável e definitivamente não segue nenhuma padronização ou pré-requisito.

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Não raro temos sensações indescritíveis com alguns filmes e apesar de perplexos, não ousamos tentar desvendar algo essencialmente enigmático como o cinema. No entanto, articular sobre a sétima arte é transcender as barreiras dogmáticas criadas pelo homem para incitar uma reflexão livre sobre as coisas. Afinal de contas, o olhar atento sobre os filmes e suas particularidades é uma experiência que enobrece, edifica e elucida mente e espirito. Sem mais, o cinema é algo sinestésico que apesar de habitar um não lugar, no limiar do externo e do visceral, e, portanto ser tão abstrato e inatingível é definitivamente o instrumento mais poderoso enquanto compreensão da sociedade.

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audiovisual

VinĂcius Gouveia

É sempre muito difícil apontar um filme, uma música ou até mesmo uma cor favorita. Acredito as escolhas dependem do estado de espírito e variam constantemente. Decidi fazer uma lista para esta edição guiada pelo momento, efêmero e pulsante... Pelo acaso. Vagando pela cidade, eu fui me lembrando porque eu decidi estudar e me identifico tanto com os trabalhos audiovisual. 1. POLIVALÊNCIA O próprio nome se entrega de cara. AUDIO é som, VISUAL é imagem. Óbvio, não? No audiovisual, podem estar envolvidas as 7 artes: fotografia, pintura, escultura, música, arquitetura, dança, cinema e poesia. E poderíamos apontar outras tantas que às vezes não são reconhecidas como tal. Como videogame... por que não? Algumas em maior escala, outras em menor, elas são sempre dependentes do gosto do artista, ou do público que a aprecia. A confluência de expressões e a abertura que o audiovisual oferece o torna um termo genérico, verdade, mas também facilmente adaptável e desafiador. Sempre há algo novo para se explorar ou conhecer. 2. SURPRESAS No contexto da arte contemporânea, chegamos a casos que uma definição simplista (e ao mesmo tempo abrangente) do audiovisual se torna difícil de delimitar. As artes plásticas acabam se confundindo com as visuais, gerando uma espécie de conurbação artística. Estão aí as instalações, videoartes, a música digital... e até mesmos shows espetaculares. Nunca tive a chance de ir a um show de Daft Punk, mas sem dúvida deve ser uma experiência audiovisual incrível! A maneira que esses produtos sempre nos surpreendem é fascinante. 3. GUILTY PLEASURES Colocando de lado todas as teorias e tentativas de mensurar a qualidade artística de seja lá o que for, precisamos lembrar que poucas obras restariam se não fossem o poder que elas tem de tocar lá no íntimo. Principalmente os guilty pleasures. Todo mundo tem uma série ou qualquer outra coisa que não perde por nada, mas nega até a morte. Seja Gossip Girl ou videoclipes dos anos 70 e 80, difícil achar alguém que não tenha carinho por alguma lembrança de sua infância que foi duramente criticado... Mas ama mesmo assim. Até mesmo depois de velho, conhecemos algo recente (ou antigo) e caímos de amor.

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4. VIDEOCLIPES Particularmente, o videoclipe é uma vertente pela qual eu tenho muito carinho. Gosto das “alquimias” que eram realizadas neste tipo de produto, aliando vídeo, experimentações plásticas e sonoras. Hoje em dia é menos comum, a música americana dominou o senso comum, bem como seu modus operandi dominou toda a linguagem videoclíptica. Mas, vale salientar, (praticamente) desde sempre o videoclipe foi pensado visando um objetivo comercial - para o seu bem, para o seu mal. Michael Jackson e Madonna souberam utilizar bem as vantagens e desvantagens, eles permanecem como referências. Lady Gaga ensaiou uma nova reconciliação entre um fazer mais artístico e a mercadoria musical, mas ainda soa muito vazio. Será que alguém consegue pensar em um referencial contemporâneo além de Michel Gondry? 5. SERIES Meio guilty pleasure, meio coisa séria. As séries televisivas se destacam por serem o melhor produto dos EUA atualmente. Para todos os gostos, todos os formatos, para todas as plataformas. Incrível como elas podem sintetizar diferentes formas de consumo do audiovisual em pleno século XXI. Para citar algumas recentes (e que são muito queridas): Weeds, Skins, Community, Girls e Alice (HBO Brasil). O importante é você encontrar a sua. 6. MÁGICA E IMERSÃO No final, o que vale é a imersão. É a mágica de achar que aquilo tudo é verdade, de se reconhecer, de esquecer da sua prórpia vida. O que falar de uma montanharussa da Disney? O seu planejamento audovisual interno está lá presente para nos fazer crer na experiência. Quem não acredita que a morte é iminente no meio daquele sobe-e-desce? Também vale a pena se espelhar, tornar a vida mais fácil. Bjork não foi a primeira a acreditar que vivia num musical, como em “Dançando no Escuro”. Quantas pessoas antes não foram a Lizza Minelli em Cabaret, o Link de “Zelda” ou nunca achou que viviam no Show de Truman? Somos todos uns esquizofrênicos, umbigo do mundo, acreditamos sempre que tudo foi feito para nós mesmos. Assim, tão importante quanto viver as aventuras dos personagens, é fundamental compartilhar durante a fruição as nossas próprias dores. É um cliché, eu sei, mas se não há emoção, a obra perdeu 50% de aproveitamento.

Eu ainda procuro os limites do audiovisual e as surpresas que surgem dele. Seja na forma ou no conteúdo, lidar diariamente com obras desse tipo é fascinante. Embora abrangente, sempre existe uma vertente que se assemelha mais com o nosso íntimo, e é isso o que queremos ver, ser ou experimentar.

créditos das imagens http://magicmoon.tumblr.com/ http://nintendocafe.com/

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September / October 2012

8 The search for the truth 14 Editorial 30 Frank Lloyd Wright 36 Mary Poppins 40 Editorial 58 Dreamers in Suburbia 62 Editorial 74 Hello, Earth! 78 Editorial 92 Interview with Federica Erra 98 In a very very distant galaxy 102 Editorial 116 A sensor into the chaos 120 Audiovisual 124 Editorial 136 English Version

Everything we love most. We can summarize this way that issue, so far the most special of MAG BRAINSTORM. We completed 1 year of magazine with much care and planning, managing in just one year to get contributions from top photographers and fashion photographers of Brazil and the best columnists, that put all their knowledge out to you. “I’m Under The Influence” is just one way of showing that everything we love influences us, that love comes in many forms, from lightest to darkest, it’s still love. The same, different, which shines in all dark, very colorful and without color, contrasting with the unreal. Personally speaking, I’m very proud to bring a cover photographed by Federica Erra, whom is my favorite photographer and above all be able to conduct an interview talking about what she really loves, it’s an honor! Time to meet the personal universe of each of our columnists. Our editorial was photographed in Recife, Maceió, São Paulo, Victoria and also in Spain, each with a touch of affection and dedication to this special edition of 1 year. Let them come many years, with great affection, love and growth. This edition is about it, personal growth, evolution within each of us, always looking for something better. Jonathan Wolpert

The search for the truth By Danilo Candido The connection between art and truth always results in a tizzy discussion. The statement that proposes that the art represents reality was revisited by Aesthetics at many times in history. With the cultural explosion of the ‘60s in the U.S., due to the movements of the counterculture, has triggered new art schools and therefore a new vision of true nature. Conceived in the late 50s, Minimalism is one of these new styles. In no representation. The refusal minimal art metaphor, illusion and forcing ornaments that descend from the pedestal and fix the real space of the world. Thus, the truth is in this matter. What could have been just another of the endless movements of modern art, Minimalism became a cultural ideology that goes beyond style and meaning. The Minimalism is a precursor movement of contemporary art, developed in the postwar period that began in Arts in Architecture and Music, but that lasted for Literature, Theatre and Cinema. The ideals of minimal art are inspired by Russian Constructivism. This aesthetic-political movement said that art is not an element separate of human creation and is not distant of everyday life. Pop Art emerged parallel to this movement and both react to the pseudointellectualism of the Abstract Expressionism. The minimalist works are simple, neutral and repetitive, and do not carry ideas or emotions. The term “minimalist” is used to describe forms of Donald Judd, Dan Flavin and Robert Morris, the building of Ludwig Mies van der Rohe, the compositions of Philip Glass and John Cage, the writings of Ernest Hemingway, the drama of Samuel Beckett and the films of Robert Bresson. The minimalist art is located in a place ambiguous between art (idea) and reality (matter). This “between” in which its position is what makes it not only minimal, but contemporary, and expresses a sense of displacement and isolation from today. That’s what makes it real and true: real because it is contained within the physical world, not on a pedestal, but between us, and truth because its own meaning lives in their matter and not in an idea implied by the object of art. It is unacceptable, for example, paint to represent a chair at a minimal work. It wouldn’t be a chair, but a representation of it. How something that is two-dimensional, like a painting, could represent something from the three-dimensional space? This will delude the viewer and won’t show them the true. That’s the idea that current art should be permeate nowadays, not so radical, but it could be true. However, there is now an erroneous idea of truth or even confusion in its definition. What is today is a true is in fact a supposed verisimilitude. The open volumes of Judd and Morris reveal the

structures and materials (usually industrial) that are modular and regular not hiding anything of the viewer. Flavin bet in the contrast of artificial light, generated by their works, with natural light. In general, the focus is on the observer’s perception. The Farnsworth House by Mies van der Rohe is a square prism all made in glass that leaves the entire internal area of the house visible revealing the truth of architectural space. The 4’33’’ Cage was a revolution in classical music. It was four minutes and thirty three seconds of no sound to show the viewer that only the silence could show us the truth sounds. The text of absences by Hemingway was only able to show the dialogue because only the speaks in Literature, is an objective and concrete element. The absences of scenic elements in Beckett’s dramas give a tone sterile to the mise en scène. The slightly austere expression of Michael in prison in the film Pickpocket, 1959 by Bresson, it causes of discomfort, mainly due to low light photography in the scene. All these show the viewer that this is a work and it is up to him, even knowing that, in its own experience aesthetic the emotion. The current art is full of formal and conceptual illusions that inebriate the perception of the viewer to his actual disability. These works of art lapped by avant-garde, seek to manipulate the viewer intellectually and emotionally the observer and massages the ego of these pseudo-intellectuals. Sacrificed animals on vernissages, photos with scatological and sex scenes free in museums hurt the aesthetic experience to whom it are exposed. In film, its become hype. The great numbers of films, mostly Americans independent who use the unstable handheld camera really close the characters as a way to “show” the reality with an intimate atmosphere it’s kitsch and cliché. We do not need an artist to show us the emotion. We are autonomous enough to lead ourselves to our own feelings. Here, we got the core of the minimalist ideal. The spectator’s autonomy is something understated by contemporary artists. Therefore, the emotion should start from the viewer and not from the artwork. But, however, true it may be, even the more concise, rigid and literal this work will consist of absences: a memory, a will, a word, a feeling. Thus, this matter pure and truth are going to be deconstructed to give space to other matters. A matter generated by the man’s emotion from these absences. And, together they create the most perfect and true form that exists. Be a novel, a film, a sculpture, a song, a painting, a play... We viewers recognize these forms of art because when we are placed in front of them, we realize that we are in the presence of what completes us. Because a work of art is not made lonely, it needs us to create the emotional and physical sense. That is the real truth of art. Something lost begging for its search. Searching for this truth and emotion free of moorings.

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Frank Lloyd Wright - Sensitivity and work of a master By Laércio Wolpert Frank Lloyd was a man who lived motivated by providing his family, developing his work and loving architecture; always obstinate in doing better. Between mistakes and hits, his huge determination made him one of the greatest architects in the world, being considered by many people the main modernist architect of the twentieth century. Along his precious career, he lived several moments, being the most fantastic and playful the one that he produced the Houses of the Prairies. One of the Organicism’s fundamentals, generated by him, was: the open plan, not enclosed by walls, but with divisions composed by architectural elements, the interaction with the natural site, large eaves that made up an extremely horizontal, and the use of local materials, such as stone, wood, masonry, ended up by composing their projects as works of arts that appeared to be part of nature itself. Lloyd firmly believed in the quality of a man’s life, for him his physical and spiritual well-being was connected with this contact with the nature. He was clearly influenced by his childhood, away from the big city, and by his religious family’s background. These characteristics were a mix between the deep technical knowledge of him, who also studied the entirely engineering course, but also with an innate sensitivity. As some like to say, the Frank’s architecture gift was something that came from the cradle, as his mother has decorated his room with pictures of cathedrals because she had the dream of having a son who built large and beautiful buildings. The creator of famous works as the Robie House (1908) and the Guggenheim Museum in New York (1959), designed the Casa da Cascata (1936), elected in the hearts of many architects as the most beautiful house ever performed.

Mary Poppins - The magic nanny that has enchanted generations for almost 50 years By Léo Freitas

I remember like it was today when I watched Mary Poppins for the first time. Twenty-two years have passed, but my child’s essence saved the look of that friendly nanny who sings and enchants. In my golden age 7, I remember snapping my fingers in front of my messy room for as long as in the Disney’s movie get everything in sleight of magic. There, with eyes barely blinked, was born my love for cinema. Released in 1964, the film captivates small and non-small until today. In the plot, the conservative family Banks has just lost her babysitter unfriendly and already impatient to care for the elfish Michael (Matthew Garber) and Jane (Karen Dotrice). The parents, Winifried (Glynis Johns), paradoxically a feminist activist who is submissive to her husband, and the rigid George (David Tomlinson), put an ad in the newspaper that brings a huge amount of candidates to get the job. However, under an open umbrella from heaven she emerges: Mary Poppins, personified by the impeccable Julie Andrews. Rated as one of the loveliest films of the studio, the musical is based on the books of PL Travers and gains strength by the Robert Stevenson (director of the movie) who was supported by a perfect script, art direction and photography. Presenting fans with memorable songs, we have as an example the delicious A Spoonful Of Sugar, the funny Supercalifragilisticexpialidocious (decorated with effort, of course), the poetic Feed The Birds and awarded Chim Chim Cher-ee, which received the Oscar for Original Song. Mary Poppins forever changes the lives of those children, taking them to a world of magic and fun, which includes flying, dancing on the roofs of London along with chimney sweeps and entering in unpredictable universes. The joy is taking care of everyone around, including the hilarious maid, Ellen (Hermione Baddeley), the street artist Bert (Dick Van Dyke, who also (...) There’s a singing waterfall plays the owner of the bank where George works) In the mountains far away and, with great difficulty, the father of the chilThat’s where I long to be dren, that was reluctant to see the fun side of life. At the close of every day Impossible to forget the magic carpet bag from That’s where my sweethearts sleeping where the most unimaginable objects came up, the down beneath the clay room all tidy up in a snap, the entry into paintings Often I sit and wonder painted by Bert (mixing live action with animaWhy the Lord took her away (...) tion that was very impressive effects for the time) and tea with uncle Albert (Ed Wynn), the man who Excerpt from Singing Waterfall, composed by Hank flew when was laughing. At every adventure, and Williams every song, Mary Poppins, the “practically perfect nanny in every way,” shows us the most di“I know the price of success: dedication, hard work, verse life lessons, such as kindness, respect, childand an unremitting devotion to the things you want hood, love, responsibility, friendship and happiness. to see happen.” Frank Lloyd Wright

The film projected Julie Andrews. She was at the top of her beauty, charisma and voice. She personified the nanny we all would like to have. The huge success earned her the Oscar, Bafta and Golden Globe for the Best Actress, besides giving to the movie numerous awards such as the Oscar for Visual Effects, Editing and Original Score, and was nominated in eight other categories. And most of all this magic it’s owned to Julie Andrews who, many years later, as in a magic trick, still brings us the feeling of watching the movie for the first time. It is our childhood back in an unforgettable and indispensable work.

Dreamers In Suburbia By Khalil Rodor Walking through the suburbs, from Brooklyn NY to the arid and dusty citadels of the middlewest, the exacerbated and playfulness romanticism - that was subtly inserted as the “American dream” – made the tufts of the bad guys higher and filled the girl’s pleated dresses in the 50s. Victims of an economic-technological revolution where everything sounded so promising that the erring youth of these days ended up alienated about the events outside the world of dances on Saturday night. For the emerging U.S. with its verdant lawns, condominiums in color-block and all its typical lifestyle, was not worried about what was outside that magical world, and so, dictated the fashion to European markets, which still in convalescence because of the hard 40s. But this fleeting dream was soon overlaid by many styles and possibilities that the 60s offered with the advent of prêt-à-porter and all effervescent modernity throughout the decades that followed. Echoes of that period would manifest in various collections, whether by their timeless modeling or by the hair’s aesthetics, both for women and for men. For example, the teddy-boy hairdo in the parade of Bottega Veneta men’s (2010) and Jason Wu in his Resort Collection (2013) which included pieces that made alluding to the typical dresses of the season through a rereading sober with dark colors and embroidery applications. The current fashion and its method of regurgitating past trends adding contemporaries’ differentials, ranging from the technique to make the compositions to different outfits which transform what has been made into something redesigned and commercial. Not just the fashion industry uses this method, but many others, like the music industry with the singer Lana Del Rey which expresses this nostalgia; in herself and in her songs we can see this paradise lost in time.

Expressed not only the nostalgia, but also the industry that tries assiduously, and not always successfully, to remake what was lost in an artificial way, reliving all the charm and romanticism of that quiet life and this unique fashion from the 50s.

HELLO, EARTH! By Bruno Araújo It was in November 2004 that, realizing his dream, the British Fyfe Dangerfield formed an indie pop / rock multinational. But it’s not a common band. A bird lover, he says that you have to listen more than once to capture what they try to show with their music, which can be described as a mix of samba, jazz, pop piano, orchestra and more weird stuff . The “multinational” is not just a label to make the picture of the band more interesting because the band really brings people from almost every corner of the world. Starting with the drummer Greig, who came from Scotland bringing a non-sense style to the band. At the bass - or rather, a bass massive - we have the lovely Canadian Aristazabal Hawkes, the feminine touch of the band. Already on guitars with distorted sounds, experimental and psychedelic, MC Lord Magrão (or simply Magrão) he went from São Paulo to England, or Birmingham to be more specific, where it all began. And of course, Fyfe Dangerfield, born in Birmingham, vocalist and band leader. However, despite the positions of the members in the band, you never know what instruments they can really take to the stage. For example, they’ve even used a typewriter (blue) as a musical instrument. Are details like this that make the band stands out as unique. Ah, yes, of course, the name of the band! “Guillemots”, and it is no accident. As I already mentioned, Fyfe is a fan of birds, especially the marine ones, and one of these species is called Guillemot. And the references to birds do not stop there: many songs have mentioned in their titles names of birds as “Redwings” and “Cockateels.” With its first album released in 2006, Through the Windowpane, they only lost to Arctic Monkeys the Mercury Music Prize. However, they received several positive reviews, including Sir Paul McCartney, who evaluated the song “Little Bear” (opening the album) as “a very brave way to open an album”, also praising the orchestration of this music. This album also note a passion already taken by Brazil, with songs like “Trains to Brazil” and “St. Paul.” So great was their passion that they left their land in late 2011 and came to Brazil (Recife, Salvador, Fortaleza and São Paulo) show their music and promote their new CD, “Walk the River”.

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Until the present day, they have recorded four studio albums, three EPs and and countless B-Sides that are only released in singles. What is peculiar in this band is its unpredictability and its vast creative stock, meaning that there’s no telling about what they can provide - which can be good or bad. As his second album, Red, that you could say that was the most criticized negatively, due to a significant change in its style: from the orchestras well arranged of Through the Windowpane to electronic beats, with a touch of Prince and samples of songs of Britney Spears in some music of Red. Some fans felt disappointed with this change, but with that you can see how they are not tied to one style and try to prove it, making it difficult to “label” them. After a long period without news - with a solo CD Fyfe Dangerfield halfway - the band returns with a new proposal: “music to be heard through the night sky,” as said Fyfe. No more orchestras, focusing only on the quartet, Guillemots did the “Walk the River”, released in 2011. The reception was overwhelmingly positive. No more contracts with Universal or Polydor - their past record - trying to show they do not want to get into this “showbiz”, Guillemots flees to Norway where, in a place away from everyone, they plan to record not one, but four albums in only a year. What is more interesting: one for each season, or at least inspired by each of them. The spring has passed and they released their first album, “Hello, Land”, with eight songs. What about the other albums, you can already get an idea of how the process is; in a profile on YouTube, are posting short videos - called “Some Crucial Shit” - showing a bit about how to produce an album so independent. Now we just wait to see what the summer will bring when it’s over!

Interview with Federica Erra 1) What photography means to you? I never wanted to give a meaning to the photography. For me they are all the suggestions derived from my favorite movies. I hate conceptual photography, so let’s say that my work can express my love for cinema, but in a very relative. 2) Who inspires you? What inspires you? My love for Lindbergh’s photography inspires me, but my photos are very inspirited in films of Bergman, Campion and in the full horror of the author. 3) Of all the things in the world, what do you love most? C I N E M A ! 4) What was your most delightful job? It was shooting the supermodel Mini Anden in Los Angeles for a sports cars’ catalog. It was a wonderful experience! 5) What are your favorite bands? All Saints, Smiths, Muse, Ramones and I love all the songs of the ‘80s.

6) What movies inspire you to shoot more? In The Cut Jane Campion 7) What do you expect about the future? Money, fame, love, health, etc, etc, and then become Kate Winslet would not be bad!

In a very very distant galaxy By Ana Cuentro I was seven when my father took me to watch the Star Wars trilogy. The year was the distant 1997. In this reprise – when the legend turned 20 – George Lucas released the movies with new effects and a few little changes. Of course that I have just a few memories of the movies, but I remember my father pulling me to the old Recife’s cinemas 1,2 and 3, which were located on the outside area of Shopping Recife. It was there that I saw my first movie in the theater: 101 Dalmatians. I have reviewed the trilogy years later as an adult. This time, the source was a box of video tapes. Got it in one of the vast movies shelves in my father’s house, for curiosity about the packaging, covers and synopses. As I had seen the movie when I was little, when I reviewed them I quickly became a big fan. More: a real enthusiastic about science fiction. Who would not be fascinated with Stars Wars? Often I wonder how would be living in that far away galaxy, traveling through outer space and be part of the conflict between the Republic and the evil Sith. The first film of the Stars Wars legend it’s from 1977 and continues to make many success, with millions of fans worldwide. On the internet, you can see many things inspired on this legend. Video, parodies, illustrations, concepts arts. Minimalism, cubism and other artistic styles – there are so many inspirations. The list is huge. The pictures are amazing and they really illustrate the Stars Wars universe. Do you know the result of a fan’s passion mixed with artistic skills? An amazing thing, of course. He can use his imagination and mess with the characters in a different way; a way that we would never see in official versions of Stars Wars. Have you ever thought about seeing Chewbacca in swimming trunks? Swimming trunks, sunglasses, artificial sun, galactic beach… There are fans that match job with passion, as well as on YouTube and Teddie Films. They develop several parodies of Stars Wars with plenty known music, as Gotye’s song “Somebody That I Used To Know”. The parody it’s called “The Stars Wars That I Used To Know”. For 35 years the passion about Stars Wars remains strong and should last for an eternity. May the force be with you.

A sensor into the chaos By Jéssica Fantini

Audiovisual By Vinícius Gouveia

It is known that Cinema is able to explore the complexity of dilemmas, questions and concerns of society. It is a window that exposes an illusory sample of real and promotes reflection about men and their actions even being under ideological, psychological or any other nature. And, we can ask ourselves, if this impressive vehicle is able to reveal many specific aspects of our society why the model of space created it is an illusion? Simple, first of all the cinema is an art as such is imagination, idealization and creation as well. Since the beginning of the seventh art, about the magnitude of Méliès, movies meet a need almost organic of the human being: to create. When we face life experiences we feel the necessity of release anxieties, frustrations and express our ideologies to the world. Thus, the film space, despite being a cutout of the real, doesn’t work as a copy, but as an expression of the imaginary (fictitious) from anyone acting in a certain legitimated context. In the end, this desire of simulating the reality is what fascinates and moves so many people engaged in greater or lesser degree, with the audiovisual. Being a lover of cinema is to imagine a good selection of good movies and realize that the judgment does not depend on age, gender or nationality. The taxation vanishes at the moment that you are willing to watch a movie and are surprised somehow. Whether if it’s the suspense of a well-crafted Vertigo or the moving drama of Cinema Paradiso; If touches with delicacy as Breakfast at Tiffany’s or the reflection as Vivre sa vie; If impresses for the poetic photography of the Apple or for the vivid images of The Skin I Live In; If it’s an authentic musical as Love Songs or an utopian classic like The Wizard of Oz, the universe of the movies includes many varieties of good films that for the people who love it, it’s something countless and definitely does not follow any standardization or prerequisite. Often we have indescribable sensations with some movies and even perplexed, we do not dare try to unravel something essentially enigmatic as cinema. However, write about the seventh art is to transcend the dogmatic barriers created by man to incite a free debate about things. After all, the special look about film and its special features is an ennobling experience, builds and clarifies the mind and the spirit. Without more, the film is something synesthetic that although inhabit a place at the end of the external and visceral, and therefore be as abstract and unattainable is definitely the most powerful instrument while understanding society.

It is always very difficult to pinpoint a movie, a song or even a favorite color. I believe the choices depend on the mood and they can change constantly. So, I decided to make a list for this edition guided by the moment, ephemeral and pulsing ...Just by chance. Wandering through the city, I was remembering why I decided to study Cinema and why I identify so much with audiovisual works. 1. VERSATILITY The name itself makes it easy to understand. AUDIO is sound, VISUAL is image. Obvious, don’t you think? In audiovisual, we can see involved the 7 arts: photography, painting, sculpture, music, architecture, dance, film and poetry. And we could point many others that sometimes are not recognized as such. What about video games ... why not? Some larger scale, other in smaller, they are always dependent on the artist’s taste, or the public’s taste that appreciates it. The confluence of expression and openness that are made by the audiovisual turns it into a generic term, it’s true, but also easily adaptable and challenging. There’s always something new to learn or explore. 2. SURPRISES In the context of contemporary art, we come to point that a simplistic definition (and while great) of audiovisual becomes difficult to make. The painting end up mingling with the audiovisual, creating a sort of artistic conurbation. The results are there, with videoarts, digital music ... and even spectacular shows. I never got a chance to go to a concert of Daft Punk, but certainly should be an incredible audiovisual experience! The way that these products always surprise us is fascinating. 3. GUILTY PLEASURES Putting aside all theories and attempts to measure the artistic quality of whatever it is, we must remember that few works would remain if it haven’t the power that they have to touch us deeply. Mainly the guilty pleasures. Everyone has a series or anything else that doesn’t for nothing, but deny to death to the others people. Be Gossip Girl or video clips of the 70’s and 80’s it’s hard to find someone who has no affection for any memories of its childhood that was heavily criticized ... But love it anyway. Even when we are old age, we can meet something new (or old) and fell in love. 4. VIDEO CLIPS Particularly, the video clip is a “path” for which I have a great affection. I like the “alchemy” that were held in this type of product, combining video, sound plastic experiments. Nowadays it is less common, the American music dominated the common sense, as well as his modus operandi dominated the whole language of video clips. But, we have to notice that, (almost) always the

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video was seeking a business purpose - for its own sake, for its own evil. Michael Jackson and Madonna knew how to use well the advantages and disadvantages, they remain as references. Lady Gaga tried to do a new reconciliation between a more artistic style and good music, but it still sounds very empty. Can anyone think of a contemporary reference besides Michel Gondry? 5. SERIES Half a guilty pleasure, half serious. The television series stand out for being the best product in the U.S. today. For all tastes, all formats, for all platforms. Amazing how they can synthesize different forms of audiovisual consumption in the XXI century. To cite some recent (and which are very dear): Weeds, Skins, Community, Girls and Alice (HBO Brazil). The important thing is you find yours. 6. MAGIC AND IMMERSION In the end, what matters is the immersion. It is the magic of believing that all that is true, to recognize, to forget their own life. What to talk about a roller coaster of Disney? Its internal audiovisual planning is there to make us believe in this experience. Who doesn’t believe that death is imminent in the mix of up-and-down? It’s also worth up take the examples and make life easier. Bjork was not the first to believe that was living in a musical, as in “Dancer in the Dark.” How many people have not been before Lizza Minelli in Cabaret, the Link of “Zelda” or never thought that was living in the Truman Show? We’re all schizophrenic, navel of the world; we always believe that everything was done to ourselves. So important as living the adventures of the characters, is essential sharing the enjoyment of our own pain. It’s a cliché, I know, but if there is no emotion, the work lost 50% success rate. I still look for the boundaries of audiovisual and the surprises that arise from it. Whether in the form or content, dealing daily with such works is fascinating. Although comprehensive, there is always an aspect that most resembles to our intimate, and that’s what we want to see, or be experiencing.