Lazagne Magazine #6 (complete) Catalogue Biennale Disegno 2014 by Lazagne Art Magazine

LAZMAG

ART MAGAZINE .06 SPECIALE CATALOGO

BIENNALE DISEGNO RIMINI 2014/ 1째 EDIZIONE Il nido delle idee.

LAZAGNE ART MAGAZINE / SPECIAL EDITION BIENNALE DISEGNO RIMINI 2014 COVER PHOTO/ IMMAGINE DI COPERTINA:

DAL 12.04.20 14 AL 08.06.20 14

OUP: NE GR I Z A G NE MA ZZI

LAZAG

A TO BER AVAGLI A N R AN INA R ALI SAB VIT A LAR

RIMINI

2014

credits and partners

LUCA CAMBIASO (1527-1585) STUDIO DI FIGURE GEOMETRIZZATE FIRENZE, GABINETTO DISEGNI E STAMPE DEGLI UFFIZI

Organizzazione Comune di Rimini - Musei Comunali

DISEGNO

via Cavalieri, 26 Rimini www.biennaledisegnorimini.it / www.riminiturismo.it

CON IL PATROCINIO DI:

HE TO OT R OG RA P

LAZ

WWW.LAZAGNEMAGAZINE.COM

T W I T T E R/ L A ZA GN E M A GAZI N E FACE BOOK/ L A ZA GN E M A GAZI N E 2

CON IL SOSTEGNO DI:

DA AGN GI NIE E CO OV L LLA AN YE BOR NI AT ATO CA MAN RS: LA _ BR TRA ES NS E_ LA

BIENNALE

PROVINCIA DI RIMINI

IN COLLABORAZIONE CON:

APT Servizi Srl / Santarcangelo dei Disegni - Santarcangelo •12 •13 •14 Festival Internazionale del Teatro in Piazza / Accademia di Belle Arti di Bologna / Pinacoteca Comunale di Faenza / Circolo cinematografico Dogville / Cristallino - Focus / Galleria NinaPì Ravenna / L’arboreto - Teatro Dimora Mondaino / Drawings storage / Mare di libri / UniRimini - Dipartimento di Scienze per la Qualità della Vita / IUAV San Marino / LABA Rimini / adArte Rimini

MEDIA PARTNERS:

edizionimedusa

www.drawingstorage.tumblr.com

FAR - FABBRICA ARTE RIMINI PIAZZA CAVOUR, RIMINI > PAGE ...10 *KROBYLOS UN GROVIGLIO DI SEGNI DA PARMIGIANINO A KENTRIDGE 1

a cura di Alessandra Bigi Iotti, Marinella Paderni, Massimo Pulini, Giulio Zavatta

BIENNALE DISEGNO RIMINI 2014

DOMENICO BACCARINI DISEGNI DALLA PINACOTECA DI FAENZA, presso GIANLUIGI TOCCAFONDO CINEMA DISEGNATO a cura di Fabio Biondi TEMPIO MALATESTIANO SITO STORICO/ MOSTRA PERMANENTE

CASTEL SISMONDO 2

1 5 ALA NUOVA DEL MUSEO

6 CIRCUITO OPEN 15

PALAZZO GAMBALUNGA

7 ISTITUTO MUSICALE LETTIMI 14 PALAZZO BUONADRATA

MUSEO DEGLI SGUARDI

13 CESENA BIBLIOTECA MALATESTIANA

INDICE/ INDEX EXHIBITIONS

12 LONGIANO/ FONDAZIONE TITO BALESTRA

RESIDENZA UNIVERSITARIA RIMINI

SITO STORICO/ MOSTRA PERMANENTE VIA QUATTRO NOVEMBRE 35, RIMINI

CASTEL SISMONDO PIAZZA MALATESTA, RIMINI > PAGE ...50 ANTONIO BASOLI IL GIRO INTORNO AL MONDO DAL DISEGNO AL TEATRO AL CINEMA a cura di Eleonora Frattarolo ADOLFO COPPEDÈ UN ARCHITETTO NEL SECOLO D’ORO DELLA BORGHESIA a cura di Tommaso Strinati MAURIZIO OSTI IL DISEGNO TRA INVENZIONE ED EVOCAZIONE HUGO PRATT IL SEGNO DELL’AVVENTURA a cura di Cristina Taverna, Patrizia Zanotti , Egisto Quinti Seriacopi e Cartoon Club

ROTONDA PROGETTO “PENSIONE ONIRIA”

SANTARCANGELO DEI DISEGNI

MUSEO DELLA CITTÀ VIA TONINI 1, RIMINI > PAGE ... 78 *KROBYLOS UN GROVIGLIO DI SEGNI DA PARMIGIANINO A KENTRIDGE ( PAGE...12) ELIO MORRI (1913-1992) UNA RETROSPETTIVA a cura di Giulia Palloni ARIA, VUOTO E ASSENZA DISEGNI ANTICHI DALLA COLLEZIONE RIDOLFI RENÉ GRUAU NUOVO ALLESTIMENTO COLLEZIONE, MARCELLO DUDOVICH UN OSPITE INEDITO a cura di Giulio Zavatta FEDERICO FELLINI IL LIBRO DEI SOGNI DI FEDERICO FELLINI FILIPPO DE PISIS LETTERE AI MARGINI a cura di Andrea Galli IL DISEGNO IN ARCHEOLOGIA a cura di Marcello Cartoceti, Chiara Cesaretti e Luca Mandolesi 5 ALA NUOVA DEL MUSEO VIA TONINI 1, RIMINI > PAGE ...108 CANTIERE DISEGNO 40 ARTISTI NELLE STANZE DEL CONTEMPORANEO ATELIER E RESIDENZE 6 PALAZZO GAMBALUNGA VIA GAMBALUNGA 27, RIMINI > PAGE ...156 LEONARDO SONNOLI DEAR DADDY-LONG-LEGS presso BIBLIOTECA GAMBALUNGA, SALE ANTICHE NICOLETTA CECCOLI SOGNI AD OCCHI APERTI a cura di Alice Bigli e Gianluca Guidomei presso GALLERIA DELL'IMMAGINE 7 ISTITUTO MUSICALE LETTIMI VIA CAIROLI 44, RIMINI > PAGE ...164 PAOLO ROSA DISEGNI PER STUDIO AZZURRO a cura di Osvalda Centurelli e Roberto Paci Dalò 8 MUSEO DEGLI SGUARDI VIA DELLE GRAZIE 12, COVIGNANO DI RIMINI > PAGE ...170 ALLUNA TAVOLE CORANICHE IN LINGUA HAUSA a cura di Luigi Pezzoli 9 ROTONDA TRA VIA DI CAMPANA E VIA B. TONI, RIMINI > PAGE ...174 CLAUDIO BALLESTRACCI PROGETTO CARATTERIZZAZIONE ROTONDA “PENSIONE ONIRIA” 10 SANTARCANGELO > PAGE ...176 SANTARCANGELO DEI DISEGNI ANNO SOLARE a cura di Santarcangelo dei Teatri CRISTALLINO INDAGINE SUL CONTEMPORANEO a cura di Francesco Bocchini e Claudio Ballestracci SUPER CINEMA ARTE a cura di Associazione Dogville 11 RESIDENZA UNIVERSITARIA EX HOTEL PALACE , RIMINI > PAGE.. .179 STILISTI E FUTURI STILISTI a cura di Sabrina Foschini e Nicoletta Mainardi 12 LONGIANO FONDAZIONE TITO BALESTRA, CASTELLO MALATESTIANO > PAGE ...180 QUASI UN SECOLO DI DISEGNO NELLA FONDAZIONE TITO BALESTRA a cura di Flaminio e Massimo Balestra 13 CESENA - CORALI MINIATI, BIBLIOTECA MALATESTIANA, PIAZZA BUFALINI, 1 > PAGE ...182 4

PALAZZO BUONADRATA CORSO D'AUGUSTO 62, RIMINI I MAESTRI DEL TEMPO a cura di Alessandro Giovanardi 15 CIRCUITO OPEN > PAGE ...184 14

> PAGE ...46

4 MUSEO DELLA CITTA'

FAR/ FABBRICA ARTE RIMINI

TEMPIO MALATESTIANO

PALAZZO DEL PODESTÀ a cura di Annamaria Bernucci

> PAGE ...183

Rimini che, ancora, dà i natali e l’ispirazione di tutta una vita artistica ad uno dei più grandi geni creativi del Novecento, Federico Fellini, che, proprio attraverso il disegno, creerà temi e spunti dei suoi film e racconterà la sua vita di incontri, personaggi e immagini tanto legati alla nostra città. Tutte queste epoche e fasi sono state anticipate e documentate dal disegno: dalla numismatica al mosaico, dagli affreschi con le loro sinopie alle linee e all’apparato decorativo del nostro Tempio, fino alle illustrazioni pubblicitarie della “costa gioiosa”, che hanno accompagnato la nostra immagine più recente grazie ad artisti come

DIS E GN O R IM IN I BIE NNAL E

chi si chiedesse il perché di una Biennale del Disegno a Rimini risponderei che non esiste forse un’arte che meglio del disegno possa esprimere la nostra città, la sua storia e la sua natura più intrinseca. Il disegno è l’espressione per eccellenza del pensiero, della creatività, dell’immaginazione e della continua trasformazione e tensione tra il sogno dell’uomo e la sua traduzione in realtà. È un preciso disegno strategico che ha scelto la nostra città come punto di connessione tra Italia ed Europa, all’incrocio tra tre vie consolari e al chilometro zero della Via Emilia, una delle più importanti arterie dell’antichità, facendone un crocevia di cui l’arco di Augusto e il ponte di Tiberio sono il simbolo. È ancora il disegno che, dopo il Medioevo, rende Rimini protagonista della rinascita pittorica attraverso la sua famosa scuola trecentesca. Quella Rimini che, nel fiorire del pensiero umanistico e della sua espressione nell’arte rinascimentale, diviene il luogo in cui uno dei più geniali architetti di tutti i tempi, Leon Battista Alberti, progetta il Tempio Malatestiano, manifesto dell’architettura e opera tra le più misteriose ed emblematiche dell’incrocio tra cultura classica e tradizione locale, tra sacro e profano. Rimini che, a partire dalla metà dell’Ottocento, dà vita ad un nuova intuizione, il bagno terapeutico, che si trasformerà in una vera e propria industria turistica di cui la nostra città diventerà il simbolo europeo nel secolo successivo, in particolare quando, nel secondo dopoguerra, il mare diventerà accessibile a tutti e con esso la vacanza, con il suo portato di leggerezza e gioia, di piacere e creatività.

Dudovich, Gruau, Manara e tanti altri, fino ad arrivare al writer contemporaneo Eron. Lo stesso Cartoon Club, uno dei più importanti Festival Internazionali del Cinema di animazione e del fumetto, si svolge a Rimini che ogni estate diviene lo scenario di eventi, performance e spettacoli che richiamano partecipanti da tutto il mondo. Ancora oggi, in un momento di svolta epocale tra un mondo che è finito ed un altro che ancora va definendo i suoi contorni, è sempre il disegno che accompagna la trasformazione che la nostra città sta progettando e realizzando. In discontinuità con quell’epoca dell’edificazione massiva che Tonino Guerra lamentava avesse finito per “togliere l’infinito al mare”, oggi Rimini sta lavorando su un master plan strategico, ovvero un ridisegno complessivo chiamato a rigenerare la nostra città, le sue strade, le sue piazze, i suoi sistemi di mobilità, nel segno di una nuova armonia, di una riconnessione verde, di una nuova attenzione all’ambiente e alla qualità della vita e dell’accoglienza. Perché non bisogna dimenticare che Rimini è anche, per eccellenza, la città dell’accoglienza. E non è un caso che il format della Biennale preveda, oltre alle straordinarie mostre, una serie di eventi della città e nella città, realizzati con la collaborazione di artisti, librai, collezionisti, cittadini che apriranno le proprie porte all’incontro con chiunque sia appassionato dell’arte del disegno e voglia calarsi appieno dentro questo grande evento. In questo momento tanto complesso quanto stimolante per tutti noi e per i nostri territori affrontiamo quindi con grande entusiasmo la sfida della prima Biennale del Disegno come un buon auspicio per l’opera di rigenerazione che Rimini ha intrapreso per innovare la sua vocazione di terra creativa, capace di inventare e reinventare modelli di vita e di benessere e di essere teatro e tramite di continue opportunità di incontro e relazione. ANDREA GNASSI SINDACO DI RIMINI

or those who have asked why we’re holding the Biennale del Disegno in Rimini, the answer is that no other art better expresses our city than drawing, in its historical and most intrinsic nature. Drawing is the expression of thought par excellence, as its continuous transformation, creativity and imagination helps mankind’s dreams become reality. Our city has been chosen as a connection between Italy and Europe by a precise strategic plan; it’s right next to the Via Emilia, one of the most important roads of antiquity, making it a crossroads symbolized by Augustus’ arch and Tiberius’ bridge. It’s thanks to drawing that, after the Middle Ages, Rimini could play an active role in the rebirth of painting through its famous 14th century academies. It’s in Rimini where, during the blossoming of humanistic thought and expression in Renaissance art, Leon Battista Alberti, one of the most brilliant architects of all time, created the Tempio Malatestiano, an emblematic and mysterious work as well as architecture’s manifesto as a cross between classic culture and local traditions, between sacred and profane. Rimini, which paved the way for the use of therapeutic spas since the mid 1800’s, eventually building a true industry of tourism which will become the city’s symbol in the following century. After the end of the second world war, Rimini’s beaches became available to everyone along with the vacations they entail, bringing with them light, joy, pleasure and creativity. Rimini, again, was the birthplace and main source of artistic inspiration for one of the 20th century’s greatest geniuses, Federico Fellini, who, through his drawings, crafted themes and ideas for his films which would tell the story of his life through encounters, characters and imagery, all tightly connected to our city. All of these phases and eras have been predicted and documented by drawings: from nusmismatics to mosaics, from frescoes and their underpaintings to the lines and decorations of our Tempio, even from our advertisements for our “joyous coast”, with

artists such as Dudovich, Gruau, Manara and others contributing to our image, to our contemporary writer Eron. Our very own Cartoon Club, one of the most important International Film Festivals dedicated to animation and comics, is held every summer in Rimini, hosting performances and shows that draw participants from all over the world. Even today, in these times of change where one world is ending and the other is still being defined, drawing is fundamental in the transformation that our city is planning and creating. By cutting ties with the era of mass production that Tonino Guerra lamented as having “taken the infinite from the sea”, Rimini is now working on a strategic master plan; that is, a complete redesign in order to regenerate our city, along with its streets, squares, and transportation systems, all done in an effort to bring about new harmony, reconnect with our green spaces, better respect our environment, and improve our quality of life and welcoming culture. Because we should not forget that Rimini is also, especially, a welcoming city. It’s not by chance that the Biennale’s format includes, apart from the extraordinary exhibitions, a series of events being held by the city, for the city, made in collaboration with artists, booksellers, collectionists, and citizens who want to open their horizons to whomever is passionate about art and wants to fully delve into this great event. In this complex, stimulating time for all, we’re enthusiastic to face the challenge of the first Biennale del Disegno as a good omen for the regenerative work Rimini has undertaken. Rimini’s vocation as a creative land means being able to invent and reinvent new standards of life and wellness, and also act as the stage for continuous relation and meeting opportunities. ANDREA GNASSI MAYOR OF RIMINI

2014

IL DISEGNO È IL NIDO DELLE IDEE / THE NEST OF IDEAS IS DESIGN

BIENNALE DISEGNO RIMINI 2014

IDEE [the NEST of IDEAS] IL DISEGNO È IL NIDO DELLE IDEE / THE NEST OF IDEAS IS DRAWING

DELLE

BIENNALE DISEGNO RIMINI 2014

IL LAZMAG

IL DISEGNO È IL NIDO DELLE IDEE THE NEST OF IDEAS IS DRAWING

Marcello Dudovich

Ritratto della moglie sulla spiaggia di Rimini, 1922

Dallâ&#x20AC;&#x2122;alfabeto pittorico di Antonio Basoli - Bologna 1839

PALAZZO DEL PODESTÀ RIMINI Piazza Cavour

far

Fabbrica Arte Rimini

LAZMAG

Piazza Cavour

RIMINI PHOTO BY GIOVANNI CALABRESE

LAZMAG

Domenico Beccafumi Jacopo Bertoja Giuseppe Bernardino Bison Cecco Bravo Luca Cambiaso

Piero Manai

Domenico Tintoretto

Dacia Manto

Taddeo Zuccari

Eva Marisaldi

e contemporaneo

André Masson Georges Mathieu Eliseo Mattiacci Marisa Merz

Giacomo Cavedone

Domenico Baccarini

Francesco Coghetti

Emanuele Becheri

Antonio Consetti

Luca Bertolo

Hermann Nitsch

Donato Creti

Irma Blank

Claudio Parmiggiani

Gaspare Diziani

Alighiero Boetti

Francesco Pedrini

Chiara Camoni

Achille Perilli

Giuseppe Capogrossi

Jorge Peris

Felice Giani Guercino

Gianni Caravaggio Francesco Carone Mariana Castillo Deball

Sabrina Mezzaqui Marzia Migliora

Franco Pozzi Leonardo Pivi Johannis Rapuzzi

Carlo Maratta

Tony Cragg

Giovan Battista Marcola

Roberto Crippa

Aureliano Milani

Hanne Darboven

Emilio Scanavino

Giuseppe Nuvolone

Giovanni De Lazzari

Serse

Lelio Orsi

Fortunato Depero

Kiki Smith

Jacopo Palma il Giovane

Piero Dorazio

Carlo Steiner

Lèon Ferrari

Tancredi

Parmigianino Guido Reni Salvator Rosa Luigi Sabatelli

Jacopo Tintoretto

Stefano Arienti

Giuseppe Maria Ficatelli

il nido delle idee

Sol LeWitt

Simone Cantarini

Fortunato Duranti

biennale disegno rimini

Lorenzo Tiepolo

Lucio Fontana Michele Guido Shilpa Gupta Keith Haring

Tomás Saraceno

Antoni Tàpies Nicola Toffolini Luca Trevisani Emilio Vedova

Francesco Solimena

Hans Hartung

Alessandro Tiarini

Paolo Icaro

Lorenzo Viani

Giambattista Tiepolo

Joan Jonas

Erwin Wurm

Giandomenico Tiepolo

William Kentridge

tra antico

LAZMAG

FAR - FABBRICA ARTE RIMINI /MUSEO DELLA CITTÀ, RIMINI

DI SEGNI.

Tony Cragg Untitled, Monza - Collezione privata

KROBYLOS - UN GROVIGLIO DI SEGNI

KUNRGROVIGLIO OBYLOS

“I disegni sono le prime idee d’un pittore, il primo fuoco della sua immaginazione, il suo stile, il suo spirito, la sua maniera di pensare: sono i primi originali che servono spesso agli allievi dei maestri, a dipingere i quadri che non sono che copie. I disegni provano la fecondità, la vivacità del genio dell’artista; la nobiltà, l’elevatezza dei suoi sentimenti e la facilità con la quale egli si esprime. Un pittore quando dipinge un quadro, si corregge, e reprime la foga del suo genio; facendo un disegno, getta il primo fuoco del suo pensiero, s’abbandona a se stesso, si mostra com’è”. (D. D’Argenville, 1745)

Per tutto il Rinascimento e fino al Novecento il disegno è stato prevalentemente strumentale alla costruzione dell’opera d’arte.

D A PA R M I G I A N I N O A K E N T R I D G E

Solo nel Novecento esso assume pienamente la libertà e l’autonomia di un’Arte sé stante.

A cura di

Nella fase ideativa e preparatoria dell’opera

Alessandra Bigi Iotti Marinella Paderni Massimo Pulini Giulio Zavatta

tutti i maestri del passato prima di tutto si sono espressi attraverso il disegno: dagli schizzi agli studi singoli e per l’intera composizione fino ai cosiddetti cartoni, della misura coincidente all’opera finita. Di tutte queste fasi di

SEDI ESPOSITIVE:

progressivo avvicinamento all’idea definitiva,

Far (fabbrica Arte Rimini) Museo della città

il primo disegno, definito appunto “schizzo” o “abbozzo”, spesso solo accennato, rapido, complicato o non finito, è all’origine della

Luigi Sabatelli Studio per Madonna col Bambino, Bologna - Collezione Ridolfi

mostra Krobylos un groviglio di segni.

LAZMAG

Donato Creti Studio per figura, Bologna - Collezione Ridolfi

Fortunato Depero Abito Vittoria, Rimini - Collezione privata

Simone Cantarini Battesimo di Cristo - Collezione privata Kiki Smith Woman on pyre, Parma - Collezione privata

Il “groviglio” di linee ha molto a che fare, oltre che con i primi pensieri, con l’elaborazione stessa del pensiero che si stratifica sul foglio, con le ripetizioni, i cambiamenti, gli errori e i cosiddetti “pentimenti”; e dunque anche con la durata. Ma a volte l’intreccio di linee caratterizza in modo peculiare lo stile disegnativo di alcuni maestri antichi che hanno guardato alle tecniche incisorie e si sono specializzati nell’uso della penna a inchiostro, strumento grafico per eccellenza che non consente cancellature e richiede dunque una consumata perizia. Lelio Orsi, Baccio Bandinelli o Bartolomeo Passerotti sono esempi sommi appartenenti al XVI secolo. Dai loro disegni emerge con forza un fitto tracciato a incroci, una griglia raffinatissima che Dorazio, nel suo Reticolo del 1960, sembra avere isolato e, per così dire, reso assoluta. L’intreccio più fluido, ma potente e brutale di Plebe e popolo di Lorenzo Viani (1907-8) si confronta e scontra invece con la linea allungata, elegante e monumentale della Madonna con il Bambino del più accademico Luigi Sabatelli.

FAR - FABBRICA ARTE RIMINI /MUSEO DELLA CITTÀ, RIMINI

KROBYLOS - UN GROVIGLIO DI SEGNI

Croci/Crosses

FAR - FABBRICA ARTE RIMINI /MUSEO DELLA CITTÀ, RIMINI

KROBYLOS - UN GROVIGLIO DI SEGNI

LAZMAG

Hans Hartung, Untitled, Reggio Emilia - Collezione privata

“Più che mai oggi il disegno immette quindi nel crogiuolo del ricercare quotidiano dell’artista, nella sua più intima espressività, nella sua originaria progettualità, a un livello dunque più vero, più autentico, più profondo, più sorgivo. Il che non è certamente nuovo

in assoluto, ma nuovo è sicuramente il piano comunicativo nel quale ora si viene a porre: non più subordinato, non più appunto marginale, non più minoritario, ma a suo modo protagonistico, vale a dire di raggiunta completezza semantica, d’inusitata ampia capienza espressiva”.

Emilio Vedova, Senza titolo, Reggio Emilia - Collezione privata

(E. Crispolti,1993)

Domenico Tintoretto Studio per Cristo e Maria - Collezione privata

KROBYLOS A TANGLE OFFROM PARMIGIANINO SIGNS. TO KENTRIDGE

From the beginning of the renaissance to

compositions and even so called cartoons,

the end of the 19th century, drawing was

they would put in the same measure of

essentially instrumental in the creation of

effort as the finished work. Of all these

works of art. however, it only fully gained

phases which progressively bring us closer

the liberty and autonomy of an independent

to the final work, the first drawings, defined

art during the 20th century. Every master of

as “sketches” or as “outlines”, often vague,

the past expressed himself through drawing

quick, complicated or unfinished works, are

during the preparatory, idea phase: from

represented in Krobylos a tangle of signs.

sketches to single studies, sometimes entire

From Parmigianino to Kentridge.

Roberto Crippa Spirali, Reggio Emilia - Collezione privata

“Drawings are the initial idea of a painter, the primordial flame of his imagination, indicative of his style, his spirit, his way of thinking: they’re the first examples that apprentices trace from their masters, before painting portraits that are nothing but copies. drawings test the fecundity and vivacity of the artist’s genius; as well as the nobility, the height of his emotions and the ease with which he can express himself. a painter, as he paints, corrects himself, and represses the ardor of his genius; through drawing, however, he puts to paper the first flares of his thought, he abandons himself to his spirit, he shows himself the way he is.” (D. D’Argenville, 1745)

FAR - FABBRICA ARTE RIMINI /MUSEO DELLA CITTÀ, RIMINI

KROBYLOS - UN GROVIGLIO DI SEGNI

LAZMAG

Luca Cambiaso Studio di figure geometrizzate, Firenze - Gabinetto Disegni e Stampe degli Uffizi

Keith Haring Untitled - Collezione Scudo Investimenti SG s.p.a. (Courtesy Galleria NinaPì)

FAR - FABBRICA ARTE RIMINI /MUSEO DELLA CITTÀ, RIMINI

KROBYLOS - UN GROVIGLIO DI SEGNI

LAZMAG

FAR - FABBRICA ARTE RIMINI /MUSEO DELLA CITTÀ, RIMINI

Lorenzo Tiepolo Studio di cinque figure - Collezione privata

Croci/Crosses The “tangle” of lines, apart from the artists’ first impressions, has a lot to do with the very elaboration of thought that takes place on paper via repetition, changes, mistakes, along with the so-called “regrets”. Therefore, the intertwining of lines is also important when determining the time involved in a work’s completion. Sometimes, the intricacies of the lines peculiarly characterize the art style of old masters who, having concentrated in engraving techniques, were specialized in the use of the fountain pen. This excellent illustrative instrument did not allow any sort of erasure, and required a refined expertise. Lelio Orsi, Baccio Bandinelli and Bartolomeo Passerotti are great examples of such artists, all of whom belong to the 16th century. Dorazio’s work on reticolo, from 1960, appears to not only have isolated the dense grid of crosses which are strongly present in older works, but also has absolutely refined them. The flowing, powerful and brutal strokes of plebe e popolo, drawn by Lorenzo Viani (1907-8), meets its match against the longer, more elegant and monumental lines of Luigi Sabatelli’s more academic Madonna con il Bambino.

“NOW MORE THAN EVER, DRAWINGS ARE PART OF THE ARTIST’S ROUTINE SEARCH FOR INTIMATE EXPRESSIVENESS. THEY RESIDE IN HIS CREATIVE WILL ON A MORE TRUTHFUL, AUTHENTIC, DEEP AND SPONTANEOUS LEVEL. WHILE THIS IS CERTAINLY NOTHING NEW, WHAT’S DEFINITELY UNUSUAL IS DRAWING’S NEWFOUND COMMUNICATIVE IMPORTANCE: IT’S NO LONGER SUBORDINATE, MARGINAL, OR LIMINAL, BUT IN ITS OWN WAY IT HAS BECOME AN ARTISTIC EXEMPLAR, HAVING ACHIEVED COMPLETE SEMANTIC MEANING AND UNPRECEDENTED EXPRESSIVE CAPABILITIES.” (E. Crispolti,1993)

Giovan Francesco Barbieri detto Guercino, David con la testa di Golia - Collezione privata

KROBYLOS - UN GROVIGLIO DI SEGNI

LAZMAG

“Il mondo mi appare come un dedalo in cui voglio orientarmi, e devo farlo come disegnatore. Ci sono le visioni, rappresentazioni suggestive che, a partire dall’infanzia, hanno giocato un ruolo centrale nella mia vita e mi hanno soggiogato per fascino o per raccapriccio. Voglio trattenere quelle fragili e incomprensibili forme. Sapere da dove proviene questo flusso di fenomeni è per me secondario, in fin dei conti. Una pulsione irresistibile mi spinge a disegnare le immagini che affiorano come in una sorta di crepuscolo dell’anima.”

Il disegno disegna e designa l’inespresso, l’invisibile, l’indicibile. Dona corpo a ciò che prima non l’aveva, rende visibile il pensiero nello spazio eternizzandolo nel tempo. Non solo, è la sua diretta prosecuzione dallo spazio visionario della mente alla sensorialità e alla gestualità del corpo, passando dalla mente al braccio, alla mano e alle dita. È il linguaggio artistico più vicino al corpo e allo spirito, con meno mediazioni e sovrastrutture intellettuali. Spesso è di getto, intimo e crepuscolare, più simile alla musica, alla voce e alle loro improvvisazioni.

Léon Ferrari Escritura, Bologna - Collezione privata (Courtesy Galleria P420 Bologna)

Per questo il contemporaneo ama tanto il disegno, fino a elevarlo a linguaggio di espressione di questi tempi rapidi, fluidi, in continuo cambiamento. Pure il disegno oggi è liquido come la nostra modernità, segue la velocità del pensiero, sorge fugacemente sul foglio bianco per divenire in pochi istanti un segno che lascerà una traccia indelebile negli occhi di chi lo guarda. Il disegno è anche quella forma atavica che cambia con il mutare del tempo connettendo l’uomo alla sua storia; dai graffiti delle grotte di Lascaux fino ai disegni contemporanei di David Hockney su iPad (dispositivo scelto dal celebre artista settantenne per la velocità di esecuzione), il disegno non ha mai smesso di rappresentare la fenomenologia del mondo.

Antonio Consetti Sant’Antonio da Padova col bambino Collezione privata

UN GROVIGLIO DI SEGNI.

Alfred Kubin, Il disegnatore di sogni 28

La pratica del disegno ha una lunga storia, antica quasi quanto l’uomo, che lo ha accompagnato sempre nella manifestazione dei suoi sogni sul mondo. Idee, appunti visivi, costruzioni mentali, visioni ad occhi aperti, automatismi segnici, queste sono solo alcune delle innumerevoli traduzioni a cui l’animo umano ha dato forma tramite l’arte unica e insostituibile del disegno.

Joan Jonas Performance Drawing 4. Pyramids, 2003 Parma - Collezione privata (particolare)

FAR - FABBRICA ARTE RIMINI /MUSEO DELLA CITTÀ, RIMINI

KROBYLOS - UN GROVIGLIO DI SEGNI

LAZMAG

KROBYLOS - UN GROVIGLIO DI SEGNI

LAZMAG

Con le avanguardie storiche del XX secolo l’arte del disegno ha conosciuto una nuova vita che perdura tutt’oggi. Da studio preparatorio del passato si è trasformato in un linguaggio autonomo, significante, assumendo spoglie inedite e ibridandosi con altri generi e pratiche artistiche: dai collage cubisti ai frottage dadaisti, dai calligrammi lettristi alla materia segnica degli Informali; dalle forme installative inaugurate dai Concettuali ai wall-drawing contemporanei; dalle performance che sfruttano la gestualità e l’improvvisazione del disegno alle videoanimazioni odierne che coniugano sofisticate tecnologie al magma segnico. Alle soglie degli anni duemila il disegno è diventato tutto e il suo contrario senza smarrire la sua unicità. Rispetto ad altre arti ancestrali come la pittura o la scultura, il disegno ha dimostrato di sapersi reinventare di continuo, di cogliere lo spirito dei tempi arricchendosi di possibilità espressive e di tecniche sempre diverse. L’attenzione data nuovamente al disegno dalle ultime generazioni d’artisti testimonia una passione mai sopita verso un’arte primordiale che non cessa di essere il momento di maggiore aderenza tra il sorgere dell’idea e la sua manifestazione fenomenica sotto forma d’immagine. Marinella Paderni

Emanuele Becheri Senza titolo (Shining), 2007 - Collezione dell’artista

fisicamente impegnato in un disegno che l’idea comincia ad emergere.

Un artista che ha fatto dell’automatismo psichico del disegno una forma superlativa di arte tra storia e modernità è William Kentridge. Rivendicando negli anni Novanta la forza generatrice del disegno, l’artista sudafricano ha inventato una pratica inedita chiamata Drawings for projection che coniuga il movimento continuo del disegnare all’illusione cinematica dell’animazione.

Esiste una combinazione tra disegnare e vedere, tra fare e scoprire, che stuzzica una parte della mia mente che altrimenti resta chiusa.” William Kentridge

William Kentridge Backbend, 2008 Collezione privata (courtesy Galleria Lia Rumma, Milano/Napoli)

I suoi filmati non sono composti da una sequela di immagini immobili preparate a priori e movimentate dal flusso filmico, ma mostrano l’istantaneità del disegno mentre si forma e si sviluppa sulla carta grazie ad un movimento

ininterrotto di cancellature e riscritture contigue capaci di rappresentare il movimento del pensiero nel divenire segno, immagine. L’artista americana Joan Joans ne ha fatto invece il fulcro di azioni performative teatrali in cui il disegnare diventa un tutt’uno con il suo corpo e la sua abilità nel creare istantaneamente nuovi scenari. Mentre Alighiero Boetti supera l’idea stessa di opera disegnando contemporaneamente con due mani, Emanuele Becheri lascia il compito ad altri (delle chiocciole) di realizzare un disegno al suo posto aprendo così il disegno all’ambito dell’aleatorio (cosa produrranno le scie delle chiocciole sul foglio di carta?) e dell’autorialità multipla. 31

FAR - FABBRICA ARTE RIMINI /MUSEO DELLA CITTÀ, RIMINI

”È solo quando sono

KROBYLOS - UN GROVIGLIO DI SEGNI

Giambattista Tiepolo Figura reclinata con libro - Collezione privata

LAZMAG

The art of drawing has a long history, almost as long as that of the human race. Drawings have always helped mankind manifest its dreams in the waking world. Ideas, sketches, daydreams, imaginary constructs and subconscious symbolism are only a few of the innumerable concepts the human spirit has made concrete through the unique and irreplaceable art of drawing. Drawings draw out the invisible, the inexpressible, and the unsayable. It grants body to that which has none while rendering thoughts visible and eternal. It’s the direct link between the visionary space of the mind and the sensory physicality of the body, passing straight from the mind to the arm, hand and fingers. It’s the artistic medium that best connects body and soul, with the least impediment from intellectual schemata. It’s often quick, intimate and unconscious, since the same improvisations found in speech and music are also found here.

Alfred Kubin, Il disegnatore di sogni

Eva Marisaldi Disegno della cancellazione, 2003 - Collezione dell’artista

All this explains why drawing is so loved as a contemporary art, elevating it to the quintessential expression of these fast-moving, ever changing times. Drawing is as fluid as our own modernity; it moves at the speed of thought, fleetly emerging on blank paper to instantly become something that will leave an inerasable impression on the eyes of the beholder. Drawing is ancestral, changing over time it also connects mankind to its past; from the cave paintings of Lascaux to the contemporary art of David Hockney on his iPad (a device chosen by the famous seventy year old artist for its ease of use), drawings have never stopped representing all sorts of earthly phenomena. The defining moments of the 20th century have breathed new life into the art of drawing, life which lasts even today. From simple preparatory practice of the past, drawing has been transformed into a self-sufficient, important medium, assuming new forms while mixing with other genres and artistic currents: from Cubist collage to Dadaist frottage, from Lettriste calligrams to Informalist abstraction; from Conceptualist installations to contemporary walldrawings; from performances that take advantage of drawing’s motion and improvisation, to video animation that melds sophisticated technologies with primordial symbolism.

William Kentridge Theatre Drawing IV (La Fenice), 2008 Monza - Collezione privata

FAR - FABBRICA ARTE RIMINI /MUSEO DELLA CITTÀ, RIMINI

”I see the world as a great labyrinth that I must traverse, and I must do it as a draughtsman. Visions and suggestive imagery have played a guiding role in my life since childhood, and have dominated me through my fascination and disgust of them. I want to hold on to these fragile, incomprehensible forms. In the end, knowing where this flow of ideas comes from isn’t my main goal. An irresistible force pushes me to draw the images that blossom in the twilight of my soul.”

LAZMAG

KROBYLOS - UN GROVIGLIO DI SEGNI

By the early 2000’s drawing had become everything and nothing, all without losing sight of its unique perspective. More so than other traditional arts such as painting and sculpture, drawing has been able to constantly reinvent itself and capture the spirit of the age it lives in, enriching itself with an increasing array of expressive and technical opportunities. The newfound attention the recent generation of artists has given to drawing is evidence of an untiring passion towards a fundamental art, which continues to be the best bridge between an idea’s conception and its manifestation as a complete image. Joan Jonas Ashley Performance Drawing. My body II, 2003 Parma - Collezione privata

William Kentridge

Domenico Tiepolo Studio di uomo visto di schiena - Collezione privata

Paolo Icaro Percorso neuronale, 2007 - Courtesy P420 Bologna

William Kentridge, a South African artist, has managed more than anyone else to turn the surrealism of drawing into a superlative form of art, one that unites tradition and modernity. Reaffirming the creative power of drawing in the 1990’s, he invented a new technique called “Drawings for perception”, which associates the natural movement of drawing with the filmic illusion of animation. His films are not made from a sequence of static images prepared beforehand and animated afterwards, but from an uninterrupted flow of erasing and redrawing contiguous lines that can represent thought as it becomes real, demonstrating the immediacy of

drawing as it forms on paper. The American artist Joan Jonas has made this technique the centerpiece of her theatrical performances, where drawings fuse with her own body and her ability to instantly create new scenery. Alighiero Boetti goes beyond the very concept of “opus” by drawing simultaneously with both hands, while Emanuele Becheri leaves his work to snails tasked with drawing for him, thus opening up drawing to the realm of chance (what will snail trails create on paper?) and multiple authorship. 35

FAR - FABBRICA ARTE RIMINI /MUSEO DELLA CITTÀ, RIMINI

“It’s only when I’m physically involved in drawing that ideas start to come to me. There’s a connection between drawing and seeing, doing and discovering, that stimulates a part of my mind that would otherwise remain closed.”

LAZMAG

A sette anni dalla grande rassegna sull’artista realizzata congiuntamente a Faenza nel 2007 dal titolo L’età Art-Nouveau a Faenza. Il Cenacolo baccariniano e Domenico Baccarini. Disegni dalle Collezioni Comunali - e al MAR di Ravenna - Domenico Baccarini. Una meteora del primo ‘900, la sua opera continua ad alimentare un’ininterrotta attenzione al pari del personaggio verso il quale ci si accosta come ad un’icona letteraria, dal dono talentuoso per il disegno e la plastica.

Disegni dalla Pinacoteca di Faenza a cura di Annamaria Bernucci

In mostra, accanto ai ritratti della donna amata, della madre, della sorella - il piccolo universo affettivo, che rappresenta ciò che il pittore aveva di più prezioso - anche alcuni paesaggi, dove la sua sensibilità si innesta sugli epigoni del realismo ottocentesco e del naturalismo incline all’intimismo, e dove si addensano anche accenti divisionisti che ammiccano a Gaetano Previati o a Giovanni Segantini. Da qui, da questo nucleo, da questo scampolo dell’universo disegnato baccariniano è possibile cogliere le profonde suggestioni simboliste che fanno ingresso nella sua pittura e prima ancora nei suoi disegni pervasi da una dolce e intensa malinconia e realizzati a partire dal suo periodo romano. 37

DOMENICO BACCARINI

uomo a cavalo nella landa

Una vita fulminante quanto breve, talmente breve da non toccare nemmeno i fatidici trentasette, frontiera fatale di numerosi artisti che hanno lasciato alla storia l’ineffabile della propria energia creativa, Domenico Baccarini rivelò un talento precoce e onnivoro per molte forme d’arte, grafica, pittura, ceramica, scultura. Il romanzo di una vita - condensato in soli 25 anni - spesi nell’adesione all’arte, nello sperimentalismo e nella tensione intellettuale vissuti sull’avvio del Novecento. Baccarini è stimato da insegnanti e compagni di quella piccola capitale che è Faenza e che si ritrovano ogni sera nel retrobottega della madre, per parlare d’arte e di letteratura contemporanea, per disegnare, intagliare, leggere le riviste dell’epoca o i romanzi di Gabriele D’Annunzio, i poemi di Giovanni Pascoli o i racconti di Antonio Beltramelli. È lì che nasce quel convivio artistico e sodale che prende il nome di Cenacolo baccariniano.

autoritratto (particolare)

FAR / FABBRICA ARTE RIMINI - PALAZZO DEL PODESTÀ

DOMENICO BACCARINI - DISEGNI DALLA PINACOTECA DI FAENZA

Quarantatre disegni, incanti della matita in segni avvolgenti e densi, che la Pinacoteca di Faenza ha concesso in prestito dal corpus di Domenico Baccarini (1882-1907), sono il nucleo di una selezione di opere grafiche in mostra a Rimini direttamente dalle raccolte comunali faentine.

DOMENICO BACCARINI - DISEGNI DALLA PINACOTECA DI FAENZA

LAZMAG

nudo femminile

la campana

The core of the Rimini art exhibition arrived directly from the Faenza municipal archives; fortythree enchanting pencil drawings full of rich, dense lines, provided by the Faenza Art Gallery from the corpus of Domenico Baccarini (1882-1907). Seven years since the artist’s great exposition, made in a partnership between Faenza in 2007 with L’età Art-Nouveau a Faenza. Il Cenacolo baccariniano e Domenico Baccarini. Disegni dalle Collezioni Comunali and the MAR of Ravenna - Domenico Baccarini. Una meteora del primo ‘900, his work continues to fuel an unwavering devotion, like that of a literary icon, due to his natural talents in drawing contour.

Baccarini is held in high esteem by professors and friends of the small capital that is Faenza, who meet up every night to talk about art and contemporary literature, who draw, sculpt

He lived a life as bright as it was brief; even though he didn’t manage to make it to the age of thirty-seven, the fatal age of many artists that have left their energetic mark on history, Domenico Baccarini was precociously skilled in many forms of art, such as drawing, painting, ceramics, and sculpture. An entire life story, compressed into only twenty-five years, spent dedicated to experimenting with art and facing the intellectual tensions present during the beginning of the 20th century.

giovani che ricamano e interno in casa

FAR / FABBRICA ARTE RIMINI - PALAZZO DEL PODESTÀ

DOMENICO BACCARINI Drawings from the Pinacoteca of Faenza

il violinista taglio della pineta ravennate

and read vintage magazines alongside Gabriele D’Annunzio’s novels, Giovanni Pascoli’s poems and the tales of Antonio Beltramelli. From this lively group of artists rose the Baccarinian Circle. In the exhibition, along with portraits of his lover, his mother and his sister - the artist’s emotional world, representing those most precious to him - there are landscapes where his own sensibilities meld with 19th century Realism and an intimate Naturalism, with hints of Divisionism similar to Gaetano Previati or Giovanni Segantini. From this essence, this fragment of Baccarini’s world, we can fully grasp the profound symbolic meaning that resides within his paintings and drawings, as rife as they are with a sweet, intense melancholy that started during his Roman period. testa di bimba con fazzoletto

profilo di bimba (particolare)

notte di luna

testa di bimba

mani in testa (particolare)

FAR / FABBRICA ARTE RIMINI - PALAZZO DEL PODESTÀ

DOMENICO BACCARINI - DISEGNI DALLA PINACOTECA DI FAENZA

LAZMAG

A O TCC N F O DO BRIGANTI SENZA LEGGENDA, 2012 - COURTESY ARTIST

Il suo film più recente, La Piccola Russia, premiato ai festival di Ottawa, Ljubljana, Tallin e Torino, è di gran lunga la sua opera più ambiziosa e complessa, e segna il vertice della sua produzione più personale e intimistica, alla quale si affianca un altro filone dall’ispirazione più legata al mondo del cinema (Le criminel), della letteratura (Pinocchio), e della cultura in genere (Essere morti o essere vivi è la stessa cosa, ispirato alla figura di Pier Paolo Pasolini). Attivo anche in pubblicità e in televisione, ha realizzato sigle per programmi di successo (Tunnel), il logo e la sigla della Fandango (che ha prodotto i suoi ultimi film), campagne rimaste famose come quella, ormai decennale, per la Sambuca Molinari (su regia di Pietro Follini) e nel 1999 la sigla d’apertura della 56ª Mostra del Cinema di Venezia, che vedeva protagonista un’ Asia Argento trasfigurata in sirena. E’ stato aiuto regista del film Gomorra di Matteo Garrone.

Sono di Toccafondo le immagini che aprono e chiudono la nuova versione delle avventure di Robin Hood con la regia di Ridley Scott. La sua idea è basata sulla reinterpretazione pittorica di alcune sequenze chiave del film che permettono allo spettatore di rivisitare l’intera vicenda. Gli arcieri schierati sulle bianche scogliere di Dover, i cavalieri alla carica, le lame sguainate e i lupi che si aggirano tra i cadaveri, girati da Ridley Scott, sono stati reinterpretati dalle pennellate di Toccafondo, che li ha trasformati in momenti di pura poesia. Ha esposto le sue opere in importanti mostre e collabora a riviste culturali e d’arte. Suoi disegni sono stati pubblicati da: Fandango, Einaudi, Mondadori, Little More, Giunti, Pulcinoelefante, Salani, Feltrinelli e Nuages. Ha collaborato con le riviste: Linea d’ombra, Lo straniero, Internazionale, Mano, Abitare, Macramè, Diario.

GIANLUIGI TOCCAFONDO/ CINEMA DISEGNATO - DESIGNED CINEMA

FAR/ FABBRICA ARTE RIMINI, PIAZZA CAVOUR

LAZMAG

LA PICCOLA RUSSIA, 2004 - COURTESY ARTIST

GIANLUIGI TOCCAFONDO/ CINEMA DISEGNATO - DESIGNED CINEMA

FAR/ FABBRICA ARTE RIMINI

LA PISTA DEL MAIALE, 1992 - COURTESY ARTIST

LA PISTA, 1991 - COURTESY ARTIST

IL CALABRONE ASSASSINO, 2006 - COURTESY ARTIST

GIANLUIGI TOCCAFONDO/ CINEMA DISEGNATO - DESIGNED CINEMA

FAR/ FABBRICA ARTE RIMINI

LAZMAG

AGOSTINO DI DUCCIO / TEMPIO MALATESTIANO RIMINI/ PHOTO BY CASALBONI & DELUCCA PHOTO TEMPIO MALATESTIANO/ BY EMILIO SALVATORI

TEMPIO MALATESTIANO/ VIA QUATTRO NOVEMBRE,35 RIMINI

LAZMAG

Arco d’Augusto

"Biblioteca di pietra" di Vittorio d'Augusta

RIMINI

Made in Istrian stone, five arches rest on massive columns equipped with water breaking buttresses arranged obliquely to the bridge’s axis, to better attenuate the river’s current and reduce the water’s impact, according to one of the most evident engineering realizations.

PHOTO BY EMILIO SALVATORI PHOTO BY GIOVANNI CALABRESE

Palazzo del Podestà

Tempio Malatestiano

RIMINI Pala Congressi

TIBERIO’S BRIDGE 14

The bridge, whose construction began in the year 14 A.D. and was completed by Tiberius in 21 A.D., imposes itself for its architectural design, the grandiosity of the structure, and the building techniques implemented in its construction, as recorded in the inscription that flows through its internal parapets. Its figurative meaning, while full of symbolic importance, has little space dedicated to its significance.

PONTE DI TIBERIO

The Roman bridge on the Marecchia river, once known as the Ariminus around which the first settlement was built, even today connects the city with the suburbs (San Giuliano neighborhood). The two consular roads Emilia and Popilia start here, heading North. The Emilia road, planned in 187 B.C. by consul Emilio Lepido, connected Rimini with Piacenza; the Popilia, however, ran through Ravenna and continued until Aquileia.

In pietra d’Istria, si sviluppa in cinque arcate che poggiano su massicci piloni muniti di speroni frangiflutti ed impostati obliquamente rispetto all’asse del ponte, in modo da assecondare la corrente del fiume riducendone la forza d’urto, secondo uno dei più evidenti accorgimenti ingegneristici.

Il ponte, iniziato da Augusto nel 14 e completato da Tiberio nel 21 d.C., come ricorda l’iscrizione che corre sui parapetti interni, si impone per il disegno architettonico, la grandiosità delle strutture e la tecnica costruttiva. Poco spazio è concesso invece all’apparato figurativo, comunque intriso di significati simbolici.

Il ponte romano sul fiume Marecchia, l’antico Ariminus intorno al quale era sorto il primo insediamento, crea ancora oggi il collegamento tra la città e il suburbio (borgo San Giuliano). Da qui iniziano le vie consolari, Emilia e Popilia, dirette al Nord. La via Emilia, tracciata nel 187 a C. dal console Emilio Lepido, collegava Rimini a Piacenza; attraverso la via Popilia, invece, si raggiungeva Ravenna e si proseguiva fino ad Aquileia.

CITY OF RIMINI

PONTE DI TIBERIO / TIBERIO’S BRIDGE RIMINI

PONTE DI TIBERIO / TIBERIO’S BRIDGE

LAZMAG

CITTÀ DI RIMINI

d.C. - 2014 d.C.

RIMINI

Piazza Cavour

LAZMAG

CASTEL SISMONDO

Piazza Malatesta RIMINI

PHOTO BY EMILIO SALVATORI

LAZMAG

ANTONIO Basoli

Antonio Basoli: il giro intorno al mondo dal disegno al teatro al cinema

a c u r a d i E l e o n o r a Fr a t t a r o l o

ittore di paesaggio, disegnatore, progettista di giardini, ornatista di camere e progettista di mobili, creatore di uno sbalorditivo glossario, in forma di scritti e disegni, di opere e testi altrui e propri, Antonio Basoli (Castel Guelfo 1774 - Bologna 1848), visionario inventore di un immaginario fantastico da cinematografia contemporanea, costituisce un caso unico nell’arte italiana dell’Ottocento. La mostra “Il giro intorno al mondo” di Antonio Basoli si avvale della possibilità di esporre un nucleo di disegni e dipinti essenziali per la comprensione della poetica dell’Artista dalla seconda metà degli anni ’20 fino alla morte, e della sua appartenenza all’itinerario culturale che dal teatro, al melodramma, approda alla cinematografia contemporanea da computer graphic.

A 240 anni dalla nascita e a soli 6 dalla grande mostra che Bologna gli ha dedicato, si torna a parlare di Antonio Basoli e lo fa Rimini, all’interno di una inedita Biennale che intende ricordare, anche attraverso il superbo esempio di questo artista, il primato del disegno nel processo creativo delle arti. Per la Romagna Basoli lavorò fornendo scenografie e fondali a molti teatri, ma è proprio in una prestigiosa collezione privata di Rimini che recentemente si sono ritrovate alcune opere di fondamentale importanza. Se ne conosceva l’esistenza ma risultavano disperse le Quattro parti del Mondo che Antonio

aveva rigorosamente disegnato e colorato dando concretezza alla componente più visionaria della sua penna e del suo pennello. Quattro città mai viste dall’autore, situate in continenti diversi e idealizzate da una fervida immaginazione che perseguiva una propria impeccabile filologia, venivano rappresentate in altrettanti fasi del giorno: l’alba e il tramonto, il giorno meridiano e la notte lunare. È nel bisogno di questa simmetria dell’immaginario, di una pertinenza dell’allucinazione che Antonio Basoli giocò le carte più veggenti ed elevate del suo genio. Un grande genio che, in ossequio alla favola, era racchiuso in un piccolo calamaio. 57

CASTEL SISMONDO PIAZZA MALATESTA,RIMINI

ANTONIO BASOLI: IL GIRO INTORNO AL MONDO DAL DISEGNO AL TEATRO AL CINEMA

LAZMAG

ANTONIO BASOLI: IL GIRO INTORNO AL MONDO DAL DISEGNO AL TEATRO AL CINEMA

LAZMAG

CASTEL SISMONDO PIAZZA MALATESTA,RIMINI

Around the World From drawings to theatre to cinema

andscaper, furniture designer, interior decorator, floral architect, writer and artist, Antonio Basoli (Castel Guelfo 1774 - Bologna 1848) was a creator skilled in an astounding array of fields, a visionary inventor gifted with a fantastic imagination ideal for modern cinematography, and a unique face in 19th century Italian art.

The exhibition Il giro intorno al mondo di Antonio Basoli takes the opportunity to expose the groundwork of his drawings and paintings, essential for the poetic comprehension of his art from the 1820’s to his death, while defining his contribution to the cultural current that flows from theatre, to melodrama, all the way to contemporary cinematography and computer graphics.

speak of him during an audacious Biennale that will remind us, through this artist’s superb example, of drawing’s eminence in the artistic creative process. Basoli worked on creating backgrounds and scenery for many theaters in Romagna, but only recently were some of his most important works found in a prestigious private collection in Rimini.

240 years after his birth and 6 years after the exhibition dedicated to him in Bologna we continue to talk about Antonio Basoli. Now, in Rimini, we

Lost but not unknown, they were the Quattro parti del Mondo that Antonio methodically designed and painted, giving form to the most noble aspects

of his pen and paintbrush. The artist painted four cities which he had never seen, situated on different continents and idealized by his ardent imagination while following his own impeccable Classicism. He represented each at four different times of day: dawn, noon, twilight and night. Antonio Basoli demonstrated the heights of his genius while searching for this imaginary symmetry, following his own visionary illusions. A great genius who, like in many fairy tales, was trapped in a small inkwell of his own. 59

Antonio Basoli

Galleria Colonna. Pianta, Prospetto e Schizzo Courtesy Giorgio Baratti

ADOLFO coppedè UN ARCHITETTO NEL SECOLO D’ORO DELLA BORGHESIA

a cura di Tommaso Strinati

Nei primi anni del XX secolo si fronteggiarono in Europa due visioni antitetiche dell’arte: la geometria cartesiana muoveva contro la sinuosità delle linee curve, l’asciuttezza strutturale e matematica contro la fioritura ramificata della decorazione; il rigore contro l’asimmetria.

Bozzetto a tempera e acquerello del prestito della Vittoria emesso dalla Banca di Firenze

Ma uscendo dal pericoloso schema di vittorie e sconfitte, che quasi mai rispettano diversità e valori, va detto che il ritrovato archivio grafico di Gino e Adolfo Coppedè non si ferma all’invenzione, quasi provocatoria, del quartiere romano, ma restituisce una costante interpretazione dei tempi, una genialità che si coniuga a idee diverse non solo per professione, semmai per immersione attiva nel mutare dei gusti. Questo non fa che confermare una vitalità di pensiero che non si è fossilizzata sui successi, sulla cifra di fabbrica, ma è sollecitata da curiosità e relazioni continue.

Il fondo Baratti che raccoglie circa 3000 disegni di Gino e Adolfo Coppedè non è solo uno straordinario giacimento di idee, progetti e memorie uscito da un glorioso studio di architettura, ma è anche un prezioso spaccato di storia dell’arte italiana, che attraversa una lunga stagione di cruciali trasformazioni. La maggior fama dei Coppedè è certamente dovuta al quartiere romano cui si è legato il cognome dei due architetti che nell’immaginario collettivo è divenuto sinonimo di bizzarro eclettismo. Passando per piazza Mincio ci si ritrova ancora oggi in un luogo separato dal tempo, circondati da uno Style Council che unisce il neogotico al Liberty o, se si vuole, il Déco più eccessivo ad una fiabilandia ante litteram. Un villaggio di palazzine gremite di balconi e torrette, di bifore e fregi che non può lasciare indifferenti e che, comunque la si pensi, mostra sapienti invenzioni formali e dichiara una estrema postazione estetica, frutto di coraggio e fecondità. Questa miscellanea formale, tacciata di passatismo dai detrattori, può venir considerata, per la verità, una anticipazione di quel che verso gli anni Ottanta del Novecento sarà il Postmoderno. Non dimentichiamo che a Roma anche Annibale Carracci, allo svelamento degli affreschi di Palazzo Farnese, venne accusato di eclettismo. Un eclettismo che in quel caso si dimostrò vincente per ben più di un secolo.

Palazzo Cova . Milano Courtesy Giorgio Baratti

Il Déco e il Liberty, ma anche la fantasia geometrica della Secessione viennese dovettero cedere il passo al razionalismo, al cemento armato e alla pianificazione modulare delle unità abitative. Questa sostanziale vittoria dell’ingegneria sull’architettura ha comportato una netta separazione dei destini artistici; quelle che per secoli furono le strade parallele e intrecciate delle arti visive storiche (intendo qui pittura, scultura e architettura), da quel momento si separano. La radicale “eliminazione dell’ornamento” ha comportato il successivo autismo delle arti; la perdita di orizzonti comuni ha sostanzialmente annullato le relazioni reciproche, impedendo quella contaminazione vitale che è stata lievito primario nelle migliori epoche artistiche.

Bozzetto prospettico dell’ingresso del Teatro Morgana in Roma, matita su carta Courtesy Giorgio Baratti

ADOLFO COPPEDÈ: UN ARCHITETTO NEL SECOLO D’ORO DELLA BORGHESIA CASTEL SISMONDO / PIAZZA MALATESTA, RIMINI

LAZMAG

CASTEL SISMONDO / PIAZZA MALATESTA, RIMINI

Progetto di ponte eclettico sul Tevere, eliografia firnata, Bozzetto e Particolare. Courtesy Giorgio Baratti

Eliografia con bozzetto prospettico di Palazzo Cova a Milano Courtesy Giorgio Baratti

ADOLFO COPPEDÈ: UN ARCHITETTO NEL SECOLO D’ORO DELLA BORGHESIA

LAZMAG

Fondo Coppedè-Baratti, in deposito presso Archivio di Stato di Firenze.

Raro bozzetto per distributore Agip, acquerello blu

Adolfo Coppedè

Bozzetti Tirrenia

Schizzo di uno stabilimento balneare per la città di Tirrenia, penna su carta

In the beginning of the 20th century, two antithetical perspectives clashed: Cartesian geometricity moved against the sinuosity of curved lines, with dry mathematical structure facing off against flowery decoration. It was regularity versus asymmetry. Art Deco and Liberty, even the fantastic geometry from the Viennese Secession, had to give way to rationalism, to reinforced concrete and to the modular planification of housing units. The overwhelming effect engineering had on architecture caused a fissure in art’s destiny; what had once been the familiar, intricate paths of the traditional arts (that is, painting, sculpture and architecture), suddenly became separate entities. The radical “elimination of decoration” made arts much more austere and logical; the loss of a common goal substantially erased any prior reciprocity, impeding the vital artistic cross-breeding that gave rise to the best artistic eras.   The Baratti foundation, which has collected over 3000 drawings from Gino and Adolfo Coppedè, isn’t just an

extraordinary source of ideas, projects and memories from a glorious architectural study, but it’s also a precious crosssection of Italian art history which includes large sections full of crucial artistic transformation. The Coppedè’s fame is definitely linked to the Roman neighborhood they planned together, which in the Italian collective subconscious has become synonymous with bizarre eclecticism. Mincio square seems cut away from time, as it’s surrounded by a Council Style that mixes neogothic with Liberty, or even an excessive Deco with an ancient fairy-tale look. It’s a village full of little palaces all adorned with balconies, small towers, and interesting ornaments which, however one thinks about it, demonstrates thoughtful formal inventiveness and shows itself to be in an extremely aesthetic, courageous realm. This variety of shape, which critics decry as far too antique, can actually be considered as an early arrival of Postmodernism, typical of the 1980’s. Let’s not forget that even Annibale Carracci, at the inauguration of his frescos in Palazzo Farnese in Rome, was accused of eclecticism. That same eclecticism which has proven itself victorious for more than a century now. Leaving behind, however, this dangerous idea of victory and loss, which almost never takes into consideration diversity or personal values, it must be said that Gino and Adolfo Coppedè’s newfound graphical archive isn’t just about the provocative invention of the Roman neighborhood, but it also gives us some needed help in interpretating the times they lived in. Their genius united diverse ideas from many different professions, helping them actively participate in people’s changing tastes. This confirms that they never rested on their laurels, and that their intellectual vitality was supported by continuous research and curiosity. 65

Bozzetto in acquerello blu per ponte razionalista sul Tevere

LAZMAG

DISEGNI EVOCATIVI GLORIA DI PISTIS 1984-85, GRAFITE, CARBONCINO E SILICONE SU TELA CM. 300X300

*Dal saggio L’identità molteplice, catalogo Maurizio Osti Premio Marconi 2009, Bologna

MAURIZIO OSTI/ IL DISEGNO TRA INVENZIONE ED EVOCAZIONE - DRAWING FROM INVENTION TO EVOCATION

CASTEL SISMONDO/ SALA ISOTTA

Per avvicinarsi alla ricerca di Maurizio Osti può servire -in fase preliminare- ricordare le definizioni di “concettualismo inquieto” e “concettualismo impuro” formulate da Pietro Bonfiglioli in relazione ad alcuni artisti di area italiana che negli anni Settanta si sono impegnati in una critica dell’arte come produzione analitica di processi conoscitivi. Si tratta di procedure mentali non separate dalla manipolazione dei materiali, dalla pratica del fare come restituzione visiva di proposizioni concettuali che hanno comunque bisogno di rivelarsi nella fisicità di segni, forme e oggetti appartenenti al sistema della comunicazione e alle sue metamorfosi tangibili. […] Parallela all’attività pensante dell’artista-filosofo emerge l’energia imponderabile dell’artista-poeta che evoca altre dimensioni a partire dalle inquietudini ancestrali del proprio punto di vista individuale.[…] La forma dialoga con l’informe, Apollo e Dioniso sono figure mitologiche che accompagnano questo sforzo di conoscere l’origine, oscillano tra la serena individuazione del visibile e l’oscurità del sogno che evoca le forze irrazionali. […] Da un lato sta la limpida gestione dei codici ricevuti dalla tradizione, compresa quella delle avanguardie, dall’altro sta lo sconfinamento dai termini stabiliti per accedere alla soglia dello smarrimento e dell’infinita mutazione dei sensi. Lo scollamento tra il piano della logica e quello dell’immaginazione è la situazione in cui l’artista meglio identifica il flusso della propria vena creativa, il destino della visione come essenza profetica che ha la forza di sfidare il tempo attraverso il levitare della materia. Questa dialettica operativa sostiene le successive stagioni di ricerca dove l’uso del disegno e della pittura rappresenta un ritorno alla tradizione senza mai perdere contatto con il laboratorio sperimentale dell’avanguardia. Lo stupore del disegno è origine di ogni visione, l’elogio della grafite come freccia del pensiero ha la capacità di formalizzare il divenire delle idee trasformando il caos in ordine, la disgregazione nella promessa di nuove percezioni cosmiche. In Icone d’Occidente, ciclo di lavoro che lo tiene impegnato durante gli anni Ottanta, Osti riconsidera i processi di costruzione iconica come fondamenti del visibile che, pur riferendosi alla dimensione mimetica del passato, sanno far emergere il respiro dell’origine, il mistero di una visione vicina all’esperienza del sacro. […] Il suo modo di testimoniare l’arte come luogo dell’ inafferrabile armonia. Luogo della conoscenza infinita e della bellezza fondata sull’esperienza tangibile dei sensi, luogo delle contaminazioni sublimi che può essere raggiunto attraverso l’indispensabile individuazione delle contraddizioni. Claudio Cerritelli*

CASTEL SISMONDO/ SALA ISOTTA

LAZMAG

Melanconia DISEGNI DI INVENZIONE 1985 GRAFITE T1 T INFINITO Grafite e silicone su tela cm.155x155

CASTEL SISMONDO/ SALA ISOTTA

p o l a p o r t r a i t i s k y, 1993-2006 Polaroid, lettering, silicone, m e d i u m d e n s i t y, f o g l i a d ’ o r o cm.42x11x3,4

Grafite T1 T infinito

FF FOLK

font by maurizio osti

MAURIZIO OSTI/ IL DISEGNO TRA INVENZIONE ED EVOCAZIONE - DRAWING FROM INVENTION TO EVOCATION

An initial approach to Maurizio Osti’s work may benefit from Pietro Bonfiglioli’s definitions of “restive conceptualism” and “impure conceptualism”. The terms were coined in the Seventies apropos of Italian artists working on art criticism as an analytic production of cognitive processes. These are mental procedures akin to handling materials, making things as a visual restitution of conceptual propositions that need to be disclosed in the physical form of signs, shapes and objects belonging to the communication system and its tangibile transformations. Flanking the artist-philosopher’s thought is the artist-poet’s imponderable energy, evoking dimensions springing from the ancestral apprehension of the individual’s point of view. Shape converses with the shapeless. Apollo and Dionysus are the mythological figures accompanying this endeavour to find the prime origin, oscillating between calm recognition of the visible and dark dreams evoking irrational forces. On the one hand, the artist applies the codes handed down by tradition and the avant-garde movement; on the other he breaches established tenets to cross the threshold of bewilderment and infinitely changing senses. The gap between logic and imagination is where the artist’s creative vein emerges at its best, the destiny of his vision as a prophetic essence strong enough to challenge time by uplifting matter. Osti’s working dialectic underpins his subsequent production in which the use of drawing and painting represents a return to tradition without losing touch with the experimental laboratory of the avant-garde. The artist’s portrait of his son Donatello depicts the juncture between past and future with the symbolic image of the cradle as a metaphor of ongoing genesis embodying infinite possibilities of creating innovative forms. All vision stems from the amazement of the drawing, its praise of graphite as an arrow of thought manages to formalize the shaping of ideas transforming chaos into order, disgregation into the promise of new cosmic perceptions. In Icone d’Occidente, the series of works produced in the Eighties, Osti reappraises the processes of iconic construction as foundations of the visible. Even though these works refer to the mimetic dimension of the past, they emanate the breath of their source, the mystery of a vision close to the experience of the sacred. ... the hallmark of his artistic production as the realm of elusive harmony. It is a realm of infinite knowledge and beauty sustained by the tangible experience of the senses, a realm of sublime contaminations to be reached only by ascertaining its contradictions. Claudio Cerritelli* * From the essay L’identità molteplice, catalogue Maurizio Osti, Premio Marconi 2009, Bologna Translation, Anne Collins

DISEGNI EVOCATIVI MELANCONIA 1985 GRAFITE E SILICONE SU TELA CM. 155X155

LAZMAG

CASTEL SISMONDO/ HUGO PRATT “THE SIGN OF ADVENTURE”

CASTEL SISMONDO/ HUGO PRATT “IL SEGNO DELL’AVVENTURA”

a cura di Egisto Quinti Seriacopi & Cartoon Club

LAZMAG

CRISTINA TAVERNA nasce ad Alessandria, assistendo a quindici anni a uno spettacolo di Jannacci decide Today, original copies of work from deceased authors such as Hugo Pratt, Crepax, Toppi, and Pazienza to name a few, but also authors such as Mattotti, JosÉ MuÑoz, Gomez, and Enki Bilal, are purchased by private collectors for prices comparable to modern works of art. Is this a temporary phenomenon or a cultural trend?

Back in 1983 I curated one of Andrea Pazienza’s exhibitions. It was a novelty for the time, I didn’t want to say anything but I knew that it was beautiful work that spoke to many people, it was definitely art. After Pazienza’s exhibition I worked on Moebius, Crepax, Pratt, Mattotti, Muñoz and Toppi. Their readers could admire the drawings they had seen in comics and magazines with their own eyes. What we’re seeing now is a recognition of the market as a whole, what with auctions and the numerous galleries dedicated to Comics. It certainly could be a lasting phenomenon, it really depends on new authors. I think that when graphics are combined with storytelling abilities and the potential to communicate with a wider audience, Comics have more to offer than traditional art since it can communicate more. Things are a bit more complicated today, since if the golden age of Pratt, Moebius, Crepax, Muñoz, Toppi, even Bilal, Mattotti, Gipi, and Loustal doesn’t return, who knows what could happen? If the book and newspaper crisis continues, if communication loses its added value, what will happen? Communication via Internet can never substitute traditional paper? In the end, I think if Hugo Pratt had only followed a traditional artistic path with exhibitions in art galleries he would have been successful; however, by creating Corto Maltese, he became famous in most of the world as the great master Hugo Pratt. What does making Art in Comics mean today?

che Milano sarà la sua città. Vive sorpresa e immersa nel’68 tra le piazze, la sua cameretta dalle suore di via Carducci e l’Università Bocconi dove si laurea in Letteratura Francese. Segue un corso di specializzazione sempre in Letteratura Francese alla Sorbona e, alla fine degli anni ’70 , durante una collaborazione alla galleria Graphica Club di Milano, incontra Roland Topor, sarà questo incontro a farle capire il tipo di arte che vorrà seguire. Nel 1981 nasce l’avventura della galleria Nuages dove inizia a esporre opere dei più importanti autori di fumetto e illustrazione. Nel 1989 Nuages diventa anche una casa editrice, tra le collane I classici illustrati e Carnet de voyage. Nel 1987 con l’esposizione I manifesti di Folon al Museo di Vicenza inizia anche l’attività di curatrice di grandi mostre pubbliche ospitate in sedi storiche a Venezia, Siena, Pisa, Palermo, Milano, Bruxelles, Varese, Lugano.

CRISTINA TAVERNA was born in Alessandria. At the age of fifteen, after seeing one of Jannacci’s shows,

she decides that Milan will be the city she’ll live in. She passionately lived 1968 in city squares, from her room at the convent of via Carducci. She graduated from Bocconi University in French Literature. She took a specialization course in French Literature at Sorbona and, at the end of the 70’s, she met Roland Topor during a collaboration with the Graphica Club of Milan. This fateful encounter helped her understand what kind of art she wanted to follow. She started her adventure at the Nuages gallery in 1981, where she displayed artwork from the most important illustrators and cartoonists. Nuages became a publishing house in 1989, with works such as “I classici illustrati” and “Carnet de voyage.” She started curating large public exhibits with the exposition of “I manifesti di Folon” at the Museum of Vicenza in 1987, followed by work in historic cities such as Venice, Pisa, Palermo, Milan, Brussels, Varese, and Lugano.

I think that making art for comics today, as in the past, means trying to bring your own personal worldview to others through artistic and storytelling talents.

HUGO PRATT, il segno dell'avventura. Hugo Pratt nasce a Rimini per caso. Per caso; così diceva con un sorriso, e con quella sua voce calda dal tono forte, quando qualcuno gli poneva questa domanda. La famiglia era diretta a Venezia, in una calda estate del 1927. Il 15 giugno nasce Hugo. Viene registrato presso il comune della città di Rimini. E la famiglia riparte quasi immediatamente con direzione laguna, dove Hugo passerà tutta l’infanzia in un ambiente familiare, cosmopolita e stimolante. Il nonno paterno Josef ha origini inglesi, mentre quello materno è un ebreo marrano. La nonna è di origine turca. In questo incontro di razze, credenze e culture che si mescolano in continuazione, la madre, Evelina Genero, è l’appassionata di scienze esoteriche, dalla cabala alla cartomanzia, mentre il padre Rolando è un uomo del suo tempo, un militare di carriera che nel 1936 viene trasferito nella colonia italiana dell’Abissinia. Inizia così per Hugo Pratt la giovinezza africana. Arruolato dal padre a soli 14 anni, entra in contatto con il mondo militare allora presente in Abissinia. Conosce non solo l’esercito italiano, ma anche quello inglese, l’abissino, il senegalese, il francese, etc; il fascino di tutte quelle divise, di quegli stemmi, dei colori, dei volti, rimarrà sempre con lui. Allo stesso tempo, fa amicizia con i ragazzi abissini della sua età grazie ai quali impara la lingua locale, riuscendo a integrarsi in un mondo che solitamente rimaneva estraneo ai colonizzatori. Sono gli anni in cui si appassiona al romanzo d’avventura. Legge avidamente i libri di James Oliver Curwood, lo scrittore statunitense cantore del Grande Nord. Zane Grey, autore di romanzi e racconti che idealizzavano il vecchio West, e Kenneth Roberts. Scopre anche i fumetti d’avventura americani. In particolar modo, sarà la lettura di Terry e i Pirati, una delle tante meravigliose creature di Milton Caniff, ad affascinarlo. Così tanto da far nascere in lui la determinazione a diventare, da grande, un autore di fumetti. Egisto Quinti Seriacopi

HUGO PRATT, The Sign of Adventure. Hugo Pratt was born in Rimini by chance. By chance, he would say smiling, with a warm, strong voice, whenever someone would ask. His family was on their way to Venice during the hot summer of 1927. Hugo was born on the 15th of June. His birth was registered in the municipality of the city of Rimini. His family almost immediately kept going towards Venice, where Hugo would pass his entire childhood in a familiar environment, both cosmopolitan and stimulating. His paternal grandfather Josef was of English descent, while his maternal grandfather was Jewish of Spanish descent. His grandmother was Turkish. In this mixture of races, creeds and cultures, his mother, Evelina Genero, was an expert on esoteric sciences from Kabbalah to cartomancy, while his father Rolando was a man of the times, a military man who was transferred to the Italian colony of Abissinia (modern day Ethiopia) in 1936. This was the start of Hugo Pratt’s African youth. Hugo was conscripted into the military at just 14 years old, coming into contact with the military culture present in Abissinia. He not only knew the Italian army, but also the English, Ethiopian, Senegalese, French, etc... His fascination with those uniforms, emblems, colours, and faces would stay with him for the rest of his life. He made friends with the Ethiopians of his age, managing to learn the local language and integrating himself in a world usually closed off from the colonists. In these formative years, he became enamoured with adventure novels. He especially took to the books of James Oliver Curwood, American writer from the Great North, Zane Grey, whose novels idealized the Old West, and Kenneth Roberts. He also discovered American adventure comics, remaining particularly impressed by Terry and the Pirates, one of Milton Caniff’s marvelous creations. He loved them so much that he became determined to grow up to be a comic book author. Egisto Quinti Seriacopi

CASTEL SISMONDO/ HUGO PRATT “THE SIGN OF ADVENTURE”

CASTEL SISMONDO/ HUGO PRATT IL SEGNO DELL’AVVENTURA

LAZMAG

PHOTO BY GIOVANNI CALABRESE

Museo della Città RIMINI Via L. Tonini, 1

MUSEO DELLA CITTÀ - MANICA LUNGA, RIMINI

(1913-1992) UNA RETROSPETTIVA A cura di Giulia Palloni

riminese attraverso un centinaio di opere, scalate dalla metà degli anni Trenta fino al principio degli anni Novanta, provenienti da collezioni private non solo locali. Nel percorso museale trovano spazio tutti i temi indagati dall’artista, dai nudi ai temi sacri, grazie a una galleria di ritratti, medaglie, sculture, bozzetti (in legno, gesso o cartone) in gran parte selezionati tra i tanti rimasti incompiuti nello studio di Palazzo Lettimi alla sua scomparsa. Le opere saranno messe in relazione alla produzione grafica e agli schizzi preparatori. Di particolare rilievo è il maestoso disegno raffigurante il Concerto all’aperto del 1959 (a carboncino e matita su carta. Rimini, casa Morri), di quasi dieci metri quadrati, restaurato per l’occasione, sulla base del quale l’artista ha realizzato il bassorilievo ligneo che oggi adorna l’aula magna nella sede riminese dell’Università. Accanto alle sue sculture più importanti saranno presentate per la prima volta al pubblico opere meno conosciute, alcune delle quali inedite. L’estesissimo catalogo della produzione artistica di Morri, redatto in occasione della grande personale dedicatagli nel 1993, appare infatti destinato ad accrescersi ulteriormente. La mostra presenta alcune delle più recenti riscoperte.

ELIO MORRI

L’esposizione ripercorre la carriera del noto scultore

L’aquilone o le mogli dei marinai, china, 1958. Rimini, casa Morri

ELIO MORRI - UNA RETROSPETTIVA

LAZMAG

La Giustizia, carboncino, 1965. Rimini, casa Morri Maria al sepolcro, inchiostro - 1941 circa Studio per la Resurrezione, cappella Contin cimitero del Verano, Roma. Rimini, casa Morri

La famiglia, inchiostro nero e tempera grigia, firmato e datato: “E. Morri 1972” - Rimini, casa Morri

Studio per un Monumento al Marinaio, carbone firmato e datato: “E. Morri 1978” - Rimini, casa Morri

MUSEO DELLA CITTÀ - MANICA LUNGA, RIMINI

ELIO MORRI - UNA RETROSPETTIVA

LAZMAG

Elio Morri

(1913-1992) a retrospective

This exhibition is dedicated to the career of the famous ELIO MORRI - UNA RETROSPETTIVA

Riminese sculptor Elio Morri, whose hundreds of artistic pieces were created primarily between the mid Thirties and the early Nineties. His artwork has been lent from private collections around Italy for this exhibition.

Every one of Morri’s artistic themes can be found in this collection, from nudes to sacred art, thanks to a gallery of medals, sculptures, portraits, and sketches (made of wood, chalk or cardboard) selected from the many incomplete pieces left in Palazzo Lettimi at his death. These works of art are directly related to his preparatory sketches and graphical work. Of particular relevance is the majestic drawing Concerto all’aperto dated 1959 (charcoal and pencil on paper. Rimini, Morri residence),

MUSEO DELLA CITTÀ - MANICA LUNGA, RIMINI

restored for the exhibition, which stands at almost ten square meters and served as the basis for the wooden bas-relief Morri crafted for the Rimini campus of the University of Bologna. Alongside his most important sculptures, some of his lesser known work will be revealed to the public for the first time. Morri’s extensive artistic archive, curated in his honor during the 1993 exhibition, seems destined to grow ever larger. This exhibition will present some of his most recently discovered artwork. 87

Studio per il Monumento alla Resistenza, carbone e china, 1968 circa - Rimini, casa Morri

L’idillio o l’abbraccio, biro e tempera, 1986. Rimini, casa Morri

Vortice, carbone, 1971 c. Rimini, casa Morri

MUSEO DELLA CITTÀ - MANICA LUNGA, RIMINI

ELIO MORRI - UNA RETROSPETTIVA

LAZMAG

ARIA VUOTO ASSENZA - DISEGNI DELLA COLLEZIONE RIDOLFI

a r i a v u o t o as s e nza

LAZMAG

D is e g ni antichi d alla Colle zione Ridolf i

De l di se g no è p r op r ia

Il primo segno tracciato in quella pagina d’aria è dunque un tentativo di volo. La traccia di grafite o d’inchiostro che per prima si avventura in quella vastità di vuoto affronta un viaggio simbolico che resta imprevedibile, anche a scapito del più puntuale progetto. È forse dando per scontata questa norma di luce che diviene più difficile cogliere la relazione instaurata con l’aria, con quella campitura libera, che molti disegni contengono. Si considera neutro quello che non lo è:

nell’opera il supporto non è assenza, ma una presenza attiva, significante. Dunque lo studio di un corpo al centro di un foglio di carta bianco, dalla sua funzione strumentale nel processo esecutivo, passa di diritto alla dimensione narrativa. Può divenire un volteggio nel vuoto, un eremita nel deserto.

Se la carta non è più solo carta ma orizzonte, allora tutte le figure finiscono per assomigliare un po’ agli angeli, apparizioni nella nebbia lattiginosa del cotone, simboli sospesi

Nel momento in cui la bidimensione acquista credito di profondità, tutto il mondo della grafica si deve rivedere, si dovrebbe tornare a guardare con occhi diversi, con una rètina a maglie più fitte, per raccogliere nuovi sensi a ciò che si è già visto. Questa è la semplice istigazione di una mostra che allestisce disegni antichi nel liquido di contrasto di una sezione archeologica del Museo della Città di Rimini.

Federico Barocci, (attribuito a ), studio di braccio, Bologna, Collezione Ridolfi

La regola bianca della carta ha spinto gli artisti a identificare il foglio stesso con la luce, così si può dire che tutti i disegni del mondo siano nati a partire da un decollo entro questo cielo luminoso.

nello spazio. 91

MUSEO DELLA CITTÀ - SEZIONE ARCHEOLOGICA, RIMINI

la trasparenza.

a i r, e m p t i n e s s a n d a b s e n c e A ncient drawings f rom the Ridolf i collection

Pietro Giacomo Palmieri, Carovana nel vento, Bologna, Collezione Ridolfi

Donato Creti, Studio di angelo, Bologna, Collezione Ridolfi

LAZMAG

D raw i ng’ s s tre ngth is in its trans p are nc y

Therefore, the first strokes made on a page are sign of something trying to take flight. The graphite or ink that ventures forth into that vast emptiness embarks on an unpredictable, symbolic journey, sometimes in spite of the task at hand. Perhaps it’s because we take this light for granted that it’s more difficult to grasp the relation most drawings have with air, with freedom. There’s nothing neutral about paper: a work’s empty space isn’t really empty, but it’s a telling, active presence. The study of an object, drawn in the center of a white sheet of paper, rightfully attains a narrative bent due to the instrumentality of emptiness in the creative process. It could become a visage inside a void, or a hermit in a desert.

If we consider paper to be not just paper, but a horizon, then our drawings start resembling angels; apparitions against white, cottony fog, symbols suspended in space.

Since bidimensionality has acquired such importance we must reanalyze the whole world of graphic art, and attempt to look at things with a new pair of eyes, without letting anything escape us, in order to gather new sensations from what we’ve already seen. This is the simple encouragement given by an exhibition that prepares ancient works of art for analysis in the archeological section of the Museo della Città of Rimini.

The consistent whiteness of paper has made artists identify the medium itself with light. It can be said that every drawing in the world is born while soaring through this bright sky.

LAZMAG

René Gruau Nome d’arte di Renato Zavagli Ricciardelli delle Caminate, è stato uno dei più grandi illustratori

della

storia

contemporanea.

Autodidatta, studia architettura per dedicarsi prima al disegno di moda, che gli offre i primi successi poi, nel secondo dopoguerra,

RENÉ GRUAU

disegno

pubblicitario,

divenendo

l’interprete della femminilità degli anni Quaranta e Cinquanta. Il mondo del lusso e la cultura dell’eleganza sono i due principali elementi su cui si basa l’intera produzione di Gruau, che ha fatto scuola nella comunicazione grafica. Il ricorso a pochi e sicuri tratti di pennello nero per tracciare figure e oggetti di desiderio affonda le radici nel XIX secolo e rimanda ad Dudovich, Leonetto Cappiello per ricordarne alcuni. Nella sua opera si coglie anche l’influenza dell’arte delle stampe giapponesi, come nel primissimo piano accompagnato

René Gruau, Manifesto per Rimini Balneare, Rimini, Museo della Città

dall’artificio dell’inquadratura che taglia il soggetto o nel ricorso alla rappresentazione in linea diagonale per richiamare e guidare lo sguardo dell’osservatore. Gruau è stato sensibile interprete di un mondo evocato nei suoi disegni con tratti essenziali ed efficaci che hanno reso il suo stile atemporale e riconoscibile. Allestimento a cura di Elisa Tosi Brandi

René Gruau, Studio di manifesto per Rimini Balneare, Rimini, Museo della Città

René Gruau, Renato Zavagli Ricciardelli delle Caminate’s nom de plume, was one of contemporary history’s greatest illustrators. Self-taught, he studied architecture before dedicating himself to fashion design. After moderate success, and the second world war, he went into advertising, becoming the main creator of feminine iconography in the Forties and Fifties.

The world and culture of luxury and elegance are the two basic principles that Gruau’s entire work is based on, which he learned through the channels of graphic communication. The use of few, strong black lines to emphasize figures and objects of desire traces its roots back to the 19th century, recalling artists such as Toulouse-Lautrec, Marcello Dudovich, and Leonetto Cappiello, to

name a few. His art also bears signs of influence from Japanese wood blocks, as the foreground’s subjects are cut by the frame while the diagonal lines guide the viewer’s gaze. Gruau sensibly interpreted the evocative world of his drawings with essential and efficient lines that made his style both recognizable and eternal.

MUSEO DELLA CITTÀ - SPAZIO PERMANENTE, RIMINI

artisti come Toulouse-Lautrec, Marcello

MARCELLO DUDOVICH un ospite inedito nella Sala Gruau del

Museo di Rimini

A cura di Giulio Zavatta

Quando Marcello Dudovich (Trieste, 1878 Milano, 1962) realizzò il celebre manifesto con il “pesce rosso” per la stagione balneare riminese del 1922, inaugurando un lungo periodo di assiduità con la città malatestiana, René Gruau (Rimini, 1909 Roma, 2004) s’avviava di contro a lasciare la Romagna e la villa della madre sul colle di Covignano per dare avvio alla sua luminosa carriera, esordendo in principio sulla rivista milanese “Lidel” e in seguito collaborando con le maggiori testate di moda tra Parigi e New York. Gruau e Dudovich pertanto non si incontrarono mai a Rimini, una città che aveva tuttavia segnato le loro vite di uomini e di artisti. L’occasione si presentò a Milano. E fu un contatto intensissimo, ancora ben vivo nel ricordo dell’anziano Gruau, il quale redigendo nel 1993 un’autobiografia che era il ripensamento della sua intera - e intensa - esistenza, scriveva: “Un altro personaggio che ricordo bene è Marcello Dudovich. Quando l’ho conosciuto lui era già un disegnatore molto famoso, faceva soprattutto delle affiches e lavorava per la Rinascente. L’ho incontrato proprio in quegli anni a Milano, quando iniziavo la mia carriera a “Lidel”, tramite un’amica che mi aveva accompagnato nel suo atelier. Ero molto intimidito, perché ammiravo molto

i suoi disegni. Per me era meraviglioso, disegnava cose molto chic e ancora oggi lo trovo infinitamente più bravo di me. Devo dire che quando ho iniziato a fare disegni di moda, mi ispiravo soprattutto a riviste francesi, però Dudovich mi ha influenzato moltissimo, molto più di tutti i disegnatori italiani di quegli anni: Enrico Sacchetti, Boccassile, Filiberto Mateldi”. Le parole che Gruau dedica nel suo ricordo di vita all’artista triestino, e la possibilità di esporre uno straordinario disegno inedito di Dudovich durante la Biennale del Disegno ci è sembrata occasione per propiziare un “incontro” riminese, mostrando il foglio in un rinnovato allestimento della Sala Gruau del Museo di Rimini. Il bellissimo disegno, proveniente dalla collezione faentina di Dionigi Zauli Naldi, personaggio ben noto per i suoi contatti con il cenacolo baccariniano e per la frequentazione di artisti e letterati, rappresenta la moglie di Dudovich – Elisa Bucchi, giornalista di moda non a caso di Faenza anch’essa - sulla spiaggia di Rimini mentre passeggia con un cane al guinzaglio. Siamo nello stesso anno del celebre manifesto balneare del “pesce rosso”: non è infatti un caso che una composizione 97

MUSEO DELLA CITTÀ - SALA GRUAU, RIMINI

MARCELLO DUDOVICH - UN OSPITE INEDITO

LAZMAG

simile, informata sulla stessa idea ma fatalmente bloccata nella pur elegantissima stampa tipografica, ritorni nel manifesto realizzato da Dudovich per la Rinascente proprio nel 1922, intitolato Correre sulla spiaggia. L’inedito disegno, esposto per la prima volta, rappresenta dunque una fresca impressione di un assolato giorno di mare della Rimini belle epoque, quella che Gruau ricordava essere, assieme al Lido di Venezia, “la spiaggia mondana per eccellenza in Italia, luogo preferito d’incontro dell’aristocrazia e dell’alta borghesia”. Proprio il Lido veneziano, Grado e Rimini furono le tre sole località balneari delineate da Dudovich con il suo elegante e inconfondibile tratto, ancora una volta in sintonia con il pensiero di Gruau. L’incontro, infine, diventa, alla luce della dichiarata ammirazione del giovane artista italo francese per il maestro triestino, anche luogo ideale di confronto, dove non sarà difficile cogliere assonanze e rimandi tra i due disegnatori e illustratori tra i più grandi e famosi del secolo appena trascorso.

MARCELLO DUDOVICH

MUSEO DELLA CITTÀ - SALA GRUAU, RIMINI

A new guest in the Sala Gruau of the Rimini Museum When Marcello Dudovich (Trieste, 1878 - Milan, 1962) was drafting the famous “red fish” advertisement for Rimini’s shoreline in the summer of 1922, which marked the start of a long period of friendship with the coastline city, René Gruau (Rimini, 1909 – Roma, 2004) was trying to leave Romagna and his mother’s house on Covignano hill to start his brilliant career. René made a splash in “Lidel”, the Milanese magazine, and subsequently went on to work for the biggest fashion publications in Paris and New York. Gruau and Dudovich never met each other in Rimini, even though it was a city that had influenced their lives as men and as artists. They met, instead, in Milan. It was such an intense meeting, still clear as day in Gruau’s

Manifesto litografico LA RINASCENTE Primavera Estate 1922

Ritratto della moglie sulla spiaggia di Rimini, 1922

mind when, in 1993, he wrote an autobiography that was meant to be a summary of his entire existence: “Another character I remember well is Marcello Dudovich. He was already a famous artist when I met him, as he worked for Rinascente, making affiches. I met him in Milan during those years, when I was just starting my career at “Lidel”, through a friend who took me to his workshop. It was very intimidating for me, since I admired his drawings so much. It was wonderful, his drawings were so very chic that even today I think he was infinitely better than me. I should say that when I started drawing fashion, most of my inspiration came from French magazines, but Dudovich held so much influence over me, more than any Italian artist of the times: Enrico Sacchetti, Boccassile, Filiberto Mateldi.”

The kind words that Gruau dedicated to Dudovich in his memoir, along with the possibility to show an extraordinary, never before seen illustration created by Dudovich himself at the Biennale del Disegno, made it seem propitious to organize a “meeting” in Rimini where Dudovich’s art will be held in the renovated halls of the Sala Gruau in the Museum of Rimini. From the collection of Dionigi Zauli Naldi, well known patron of the arts and member of the Baccarinian Circle, this beautiful drawing represents Dudovich’s wife, Elisa Bucchi, fashion journalist from Faenza, as she walks on a Riminese beach with a dog on a leash. It was drawn the same year as the famous “red fish” advertisement; it isn’t just by chance that a similar composition, based on the same idea yet unpublished in its typographical elegance, would return in Dudovich’s illustration for Rinascente in 1922, titled Correre sulla spiaggia. This illustration, shown to the public for the first time, is of a fresh sunny day at Rimini’s beach during the belle epoque, which along with the Lido di Venezia, Gruau recalled as “the most excellent plain beach in Italy, a favoured meeting place between the aristocracy and the bourgeoisie.” The coasts of Venice, Rimini and Grado were the only ones that Dudovich drew with his elegant and unmistakeable strokes, matching Gruau’s thoughts harmoniously. This “meeting”, in light of Gruau’s declaration of admiration for master Dudovich, becomes an ideal place for reflection, where it won’t be difficult to find agreements and cross references between two of the greatest and most famous artists and illustrators of the past century.

MARCELLO DUDOVICH - UN OSPITE INEDITO

LAZMAG

FELLINI DISEGNATORE

Fellini disegnatore di Massimo Pulini

Disegni tratti da “Libro dei Sogni di Federico Fellini, Rimini, Museo della Città

MUSEO DELLA CITTÀ, RIMINI

Capita

che il primo segno tracciato sul foglio bianco divenga l'unità di misura e di stile del disegno che si andrà a compiere. Quasi fosse un diapason che accorda lo strumento, la formazione di un artista segna in modo indelebile anche la sua poetica più matura. Per una analoga ragione non è difficile rintracciare un filo rosso che unisce la prima stagione da ingenuo disegnatore di Fellini con la sua imperiosa opera cinematografica. Si può dire a questo proposito che nessun suo film sia immune da quella componente grottesca che sta tra la caricatura, il fumetto e il fotoromanzo. Il giovane Federico, non a caso, mosse i primi passi artistici a Rimini eseguendo caricature, nel clima di una provincia che in ritardo risentiva dell'esperienza futurista e finiva per tradurla in vignetta. Assieme a Demos Bonini aveva aperto una bottega nella quale eseguiva

LAZMAG

ritratti umoristici per turisti con pastelli e carboncino. I pochi fogli che ci sono giunti di quel periodo mostrano profili segnati da marcate accentuazioni geometriche delle fisionomie e da bonarie canzonature che si possono ritrovare anche in molti personaggi dei suoi film. Ma ancor più che dai propri schizzi i caratteri espressivi di certi interpreti felliniani derivarono dalla conoscenza approfondita di alcuni disegnatori dell'epoca. Anche se non è mai stato rilevato risulta lampante il prestito chiesto da Fellini alle tavole ironiche e sarcastiche di Giuseppe Novello. “Il signore di buona famiglia”, ritratto impietoso della borghesia italiana pubblicato dal disegnatore lombardo nel 1934, è un repertorio di volti e caratteri che equivale ad un perfetto casting del futuro regista. Federico Fellini, trasferitosi a Roma nel 39, troverà subito lavoro

collaborando alla rivista Marc'Aurelio proprio in qualità di vignettista e scrittore di piccole rubriche di costume, ma anche dopo il grande e propulsivo inserimento nel mondo del cinema continuerà a disegnare e lo farà per tutta la vita immaginando storie, personaggi e macchiette che troveranno compiutezza nei suoi film. La svolta nella singolare relazione tra grafica e cinematografia avviene negli anni Sessanta dopo il sodalizio con lo psicanalista Ernst Bernhard che gli consigliò di annotare al mattino i sogni avuti durante la notte. Nasce così un’opera di eccezionale importanza, che offre uno spaccato sull'artista e sull'uomo, un diario dell'inconscio eseguito dallo scrittore e

dal disegnatore Fellini con una penna che non ammette riserve o censure. Rimini conserva, nel Museo della Città, questo incunabolo individuale, nel quale l'appunto e il disegno divengono una miniera vulcanica di desideri e paure, di esaltazioni

101

100

e sconfitte. Come dire che la parte più vera di noi stessi siamo tenuti a riconoscerla sotto la deformazione del grottesco e della caricatura.

FELLINI DISEGNATORE

LAZMAG

be a perfect casting book for the future director. Federico Fellini moved to Rome in 1939 where he immediately found work at the Marc’Aurelio publication as a cartoonist and writer of opinion pieces. He continued to draw for the rest of his life, even after his fortuitous insertion into the world of cinema, creating characters, stories and sketches that would find their home in his films. The turning point of his unique relation with graphic art and cinematography happened in the Sixties, when he became friends with Ernst Bernhard, psychiatrist, who advised him, every morning, to start writing down the dreams he had the night before. This gave rise to an exceptionally important work, one that offered a cross-section of Fellini as an artist and as a man, a diary of his subconscious written with a pen that didn’t allow any suppressed or censored thoughts. Rimini preserves, in the Museo della Città, this peculiar manuscript, in which drawings and

Fellini, DRAUGHTSMAN

the province, and it had been translated into comic strips. Along

It happens that the first line of a drawing becomes the unit of

papers from that time are of profiles marked by geometric

measurement and style that the finished work will be moulded by.

accentuations of the body, accompanied by good natured banter

Like a tuning fork, an artist’s formative years indelibly mark his

similar to that of many characters from his films.

more mature poeticism. For these reasons, it’s not hard to follow

More so than from his sketches, however, the expressive nature

the thread that connects Fellini’s first years as a naive illustrator

of many Fellinian characters comes from a deeper knowledge of

with his later, imperious career as a filmmaker. None of his films

the era’s important illustrators. Even though it was never found,

are immune from that one grotesque component that unites

it’s relevant that Fellini asked for something from the ironic and

caricature, comic books and graphic novels.

sarcastic Giuseppe Novello. “Il signore di buona famiglia”, a

It isn’t by chance that young Federico made his first steps as an

merciless caricature of the Italian middle-class published in 1934,

artist in Rimini drawing caricatures. Futurism had arrived late to

is a repertoire of faces and characteristics that would turn out to

with Demos Bonini, Fellini opened up shop by drawing humorous portraits of tourists in pastels and charcoal. The few surviving

celebrations and defeats. It’s as if we’re only able to recognize the truest parts of ourselves through the deformed lens of caricatures and the grotesque. Massimo Pulini

103

102

MUSEO DELLA CITTÀ, RIMINI

notes form a volatile wealth of desires and fears,

De Pisis lette re ai mar gini a cura di Andrea Galli

Piazza Cavour, olio su tavola, 1940

Un insieme di manoscritti autografi che costituiscono un denso ed inedito diario di De Pisis è il nucleo della mostra documentaria che ruota attorno al pittore ferrarese, curata da Andrea Galli. Pagine autografe ai cui margini non mancano annotazioni e il vezzo del disegnare nello spazio bianco. Se per qualsiasi scrittore il diario espleta, tra le altre, una peculiare funzione, quella cioè di officina di prova, di ricettacolo dell’immensa mole di suggestioni ancora in attesa di una organizzazione definitiva, di raccolta di intuizioni in aspettativa di sviluppo, allora anche quello di De Pisis assolve a questo compito. Esso è il contenitore, lo spazio in cui porre, non sempre per assicurargli un ordine, un controllo, le multiformi sfaccettature e impressioni che l’animo, la conoscenza assume. Dove risiede l’importanza del diario, di questo diario? Innanzitutto nella libertà che esso garantisce come mezzo espressivo; una libertà utile ad imprigionare senza immobilizzare il materiale vitale tanto eterogeneo, vasto, multiforme, che De Pisis meticolosamente raccoglie di giorno in giorno. La forma del diario è la più congeniale al suo temperamento: essa gli consente di riversare tutto se stesso in un flusso inesauribile e con tutti i possibili deragliamenti, perché per ogni frase scritta ce ne sono altre dieci che premono per essere messe sulla carta fino a trascrivere ossessivamente i confusi moti del cuore e dei nervi. Che cosa annota De Pisis nel suo diario? Nella mole di manoscritti presenti vi si trovano un insieme omogeneo di lavori, che rappresentano in modo peculiare un determinato periodo della sua vita, e alcune sostanziose e notevoli parti di opere, o diari, che l’autore andava tenendo quasi contemporaneamente. Fra queste ultime vi sono ampi brani che sarebbero dovuti confluire nelle Visioni di un agnostico o nelle Memorie di una scimmia o forse in un ulteriore lavoro, di cui poco si sa, dal titolo Povero e solo; o in altri ancora. Quello che più interessa sottolineare è che i documenti inediti costituiscono una delle innumerevoli “scorte” di scritti in attesa di revisione e completamento, ai quali De Pisis avrebbe attinto qualora si fosse deciso per la pubblicazione di un’opera. Quello che conta oggi è che questi scritti costituiscono un banco di prova interiore per la sua attività prevalente, la pittura.

Marginal letters by Andrea Galli The centerpiece of the De Pisis exhibition is an assortment of manuscripts that, together, form a substantial diary written by the Ferrarese painter, curated by Andrea Galli. The margins of these pages are full of annotations written in the blank spaces, along with sketches and drawings. For any writer a diary serves, among other functions, as a testing ground, a receptacle in which the immense number of half-formed ideas, hopes and dreams can be placed. De Pisis’ diary does all this, and more. It’s the container that holds the key to controlling, but not always organizing, the multifaceted nature of the soul. Why is a diary important, specifically this one? First of all, it guarantees freedom of expression; this freedom is essential in capturing, without harming, the vital energy that De Pisis meticulously collected every day. The diary format also fit best with his temperament, allowing him to pour himself endlessly onto the pages while writing about every topic imaginable. For every sentence there are ten more that yearn to be written down, until every confused thought and emotion becomes obsessively transcribed. What did De Pisis jot down in his diary? Large parts of projects he was working on, indicative of a peculiar time of his life, can be discovered in the multitude of manuscripts which he constantly wrote. Ample passages were found that would end up in Visioni di un agnostico or Memorie di una scimmia, along with other, lesser known work, such as Povero e solo. What’s most interesting is that the unedited documents include many of the countless “spare” writings that awaited revision and completion, which De Pisis would tap into if he decided to publish a work. What matters today is that these writings are a window into the inner workings of his main art, painting. 105

104

MUSEO DELLA CITTÀ - PINACOTECA, RIMINI

DE PISIS - LETTERE AI MARGINI

LAZMAG

IL DISEGNO IN ARCHEOLOGIA

IL DISEGNO IN ARCHEOLOGIA a cura di Marcello Cartoceti, Chiara Cesaretti Luca Mandolesi

La mostra è realizzata dal Comune di Rimini Settore Musei Comunali e da adArte Rimini Giambattista Piranesi Ponte di Rimino fabbricato da Augusto e da Tiberio Imperatori, ca. 1748

saper disegnare, raccontare in maniera grafica quanto emerge da una indagine è fondamentale nella parte di documentazione che attiene la valorizzazione del patrimonio archeologico.

Giambattista Piranesi Arco di Rimini fabbricato da Augusto, ca. 1748

il disegno archeologico nel tempo diviene rilievo, vero e proprio “strumento di lavoro” e come tale si evolve. il senso della piccola mostra che verrà allestita all’interno della sezione archeologica dei musei comunali di rimini è quello di accennare a quanto importante sia il disegno in un ambito che partendo da una impostazione umanistica si è fatta sempre più tecnica. un disegno che non vuole essere “capolavoro” ma che trova nella sua quotidianità il senso compiuto della sua utilità. attraverso un excursus temporale si racconterà in breve l’evoluzione del disegno per arrivare ai giorni nostri dove “l’oggi è già ieri” in una accelerazione tecnologica che porta il rilievo ad essere sempre più realistico ma che allo stesso tempo tende a discostarsi sempre più dal disegno inteso in maniera tradizionale... in mostra verrà dato spazio anche ad alcuni strumenti necessari alla predisposizione del disegno al fine di raccontare come si lavora sul campo, legando così i disegni e gli strumenti ai reperti che sono ora conservati all’interno delle teche.

107

106

MUSEO DELLA CITTÀ, RIMINI

disegnare per documentare e disegnare per far meglio comprendere sono aspetti basilari nella professione di un archeologo.

LAZMAG

When documenting valuable pieces of cultural heritage, it’s most important that one’s able to draw or graphically describe any and all archeological findings. Drawing summary sketches and drawing to help people better understand your work are basic aspects of an archeologist’s job. Archeological drawings have evolved in importance, becoming more than another “tool” at one’s disposal.

109

108

MUSEO DELLA CITTÀ, RIMINI

IL DISEGNO IN ARCHEOLOGIA

The reason behind this small exhibition, which will be held in the archeological section of the Municipal Museums of Rimini, is to show how important drawing can be in a profession that has become ever more technical. These drawings aren’t trying to be “masterpieces”, yet they still find their use in routine activities. Through a small voyage in time, drawings’ progression will be explained up until modern times, where “today is already yesterday”. Thanks to technological advancements, archeological drawings can be drawn much more realistically than before, yet they resemble less and less the what we imagine as the traditional art of drawing... In the exhibit there will also be some space given to the necessary instruments that make it possible to work in the field, thus linking the drawings and instruments to the artifacts already conserved in the museum.

LAZMAG

Ala Nuova Ala Nuova Museo della Città

Museo della Città

Ala Nuova Museo della Città

RIMINI

111

110

Via L. Tonini, 1

LAZMAG

cantiere disegno

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

Stefano Arienti / FrancesCO Bocchini / Thomas Bonny / Kiril Cholakov / Gianluca Costantini / Eron / Massimiliano Fabbri / Gilberto Giovagnoli / Umberto Giovannini / Giuliano Guatta / FederiCO Guerri / Gola Hundum / Giovanni Lombardini / Dacia Manto / Massimo Modula / MarCO Neri / Roberto Paci Dalò / Monica Pratelli / Simone Pellegrini / FranCO Pozzi / Stefano RiCCi / Carlo SabiuCCiu / NiCOla Samorì / Giovanna Sarti / Serse / Stefano Tonti / Erich Turroni / FederiCO VeCChi / Daniele Vezzani

12 aprile - 8 giugno 2014 museo della città /ala nuova info: (+39) 0541.53399 www.riminiturismo.it www.biennaledisegnorimini.it

CANTIERE S E GNO MASDIS

Massimo Pulini 113

112

MUSEO DELLA CITTÀ/ ALA NUOVA, VIA L. TONINI, 1 RIMINI

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

biennale disegno rimini

C LAZMAG

Forty rooms for forty artists. A real studio hosts a virtual studio. A museum studio that reveals the depths of the contemporary.

STEFANO ARIENTI SERGIA AVVEDUTI GIANFRANCO BEGHI FRANCESCO BOCCHINI THOMAS BONNY DAVID CASINI KIRIL CHOLAKOV GIANLUCA COSTANTINI OSCAR DOMINGUEZ ERON MASSIMILIANO FABBRI

GILBERTO GIOVAGNOLI LUCA GIOVAGNOLI UMBERTO GIOVANNINI DIEGO GRANDI GIULIANO GUATTA FEDERICO GUERRI WUON-GEAN HO GOLA HUNDUN GIOVANNI LOMBARDINI MALA ARTI VISIVE DACIA MANTO

MICHELA MAZZOLI LAURA MODOLO MASSIMO MODULA GIACOMO NANNI MARCO NERI JENS NIPPERT ROBERTO PACI DALO’ SIMONE PELLEGRINI FRANCO POZZI MONICA PRATELLI STEFANO RICCI

NICOLA SAMORÌ DRAWINGS STORAGE GIOVANNA SARTI SERSE STEFANO TONTI ERICH TURRONI FEDERICO VECCHI DANIELE VEZZANI

115

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO MUSEO DELLA CITTÀ/ ALA NUOVA, VIA L. TONINI, 1 RIMINI

114

Cantiere disegno

quaranta stanze per quaranta artisti. Un cantiere reale ospita un cantiere virtuale. Un cantiere museale si apre alla miniera del contemporaneo.

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO SERGIA AVVEDUTI/ "METAL" 2013 MATITE ACQUERELLABILI SU TELA CM 50X60 - COURTESY ARTIST

STEFANO ARIENTI

Il disegno e' uno dei modi più fisici e personali di avvicinarsi alle immagini. Se non si sa padroneggiare nessuna tecnica tradizionale, si può provare a sondare la qualità accidentale del segno che la mano riesce a produrre. Comunque si può trasformare il proprio apprendistato in uno strumento espressivo; farsi aiutare dalla tecnologia con proiezioni, ricalchi, collage, fotocopie, fotografie, programmi di fotoritocco; divertirsi a provare nuove o personali tecniche grafiche. Per imparare davvero bisogna praticare, e la miglior pratica è quella in compagnia dei maestri.

Drawing is one of the most physical and personal ways to come close to images. Even if one doesn’t have expertise in any traditional art, they can try to gauge the accidental quality of the signs their hand is able to produce. In any case, one’s apprenticeship can be transformed into a tool for expression; one can help themself with projection technology, collage, tracings, photocopies, photography, or photomanipulation software, and have fun trying out new and personal graphical techniques. One must practice in order to really learn, and the best practice comes from spending time with the masters.

Sergia Avveduti

117

116

STEFANO ARIENTI/ "SECONDA STANZA CINESE" 2006-2007, FOTOCOPIE, PIROGRAFIA SU CARTA E FOTOCOPIE TRASFERITE, 100 FOGLI CM 42X29,7 - COURTESY ARTIST

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

SERGIA AVVEDUTI

LAZMAG

In occasione della mostra “ Silva Aliens” 2012

Crafted drawings without control, your hand, as it draws almost automatically, acts as the crazed needle of a seismograph that registers your emotional earthquakes, producing superficial “scribbles”, apparently wild, where you intervene by generating a well ordered and structured universe, teeming anthills full of intimate symbols that a dark, dreamlike narrative emerges from. Leonardo Pivi exhibition “ Silva Aliens” 2012

"Come il filo nel labirinto di Teseo, il segno diventa la vittoria della luce sulla tortuosa oscurità".

(...) “Well, I’d like to think that Bocchini filtered the Dadaistic lessons on the celibate machines through his own affectionate, happy, Padano hand. It’s truly poetic without any need for recognition. His unruly scribbles, which however follow a substantially lucid sense that ends up finding the rule itself, in a whole other field is called hacking: this should bring us much to think about, both within and outside of art’s bounderies. Half a century ago his work would have inspired reflection on the aesthetics of scrap material, on the existential drama of objects, or on the foreign beauty of industrial refuse; someone may have even compared it to the magnificent Metallplastik. Bocchini, who’s fortunate enough to live today, can instead manipulate his arbitrary, warm materials, he can really work entirely with the fantastical in the confident silence of his small workshop, without having to show theoretical passports or proclaim any stylistic choice. Even in this, through furious hacking, art has arrived at something new.” (Flaminio Gualdoni)

“Drawing recounts the existence of something that does not exist.”

Il disegno testimonia l 'esistenza di qualcosa che non esis te.

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

(...) “Ebbene, a me piace pensare che Bocchini abbia filtrato la lezione dadaista delle macchine celibi sulla misura della propria mano padana carezzevole e divertita, davvero poetica senza bisogno di allori. Ché poi quel pastrugnare fuor di regola, ma badando a una sostanza di senso lucida sino a farsi capace di bersagliare la regola stessa, da qualche altra parte, in un’altra tradizione ancora, si chiama hacking: e questo ci porterebbe a ragionare di molto altro, fuori e dentro il recinto dell’arte. Mezzo secolo fa i suoi lavori avrebbero ispirato riflessioni sull’estetica dello scarto, sul dramma esistenziale dell’oggetto, sulla bellezza autre del residuo industriale; qualcun altro avrebbe inneggiato alle magnifiche sorti della Metallplastik. Bocchini, che ha la fortuna di vivere ora, può invece manipolare i suoi materiali arbitrari e caldi, può davvero condurre un gioco in punta di fantastico, nel silenzio confidente della sua officina kleiana, senza dover esibire passaporti teorici e proclami stilistici. Anche in questo, a furia di hacking, l’arte è arrivata a qualcosa.” (Flaminio Gualdoni)

FRANCESCO BOCCHINI/ "L' UOMO È UNA SCIMMIA" 2013 MATRICI E COLORI A OLIO SU CARTA CM 100X140 - COURTESY ARTIST

Segni creati mai senza controllo, la tua mano, mentre disegna quasi in automatismo, funge come il braccio di un sismografo impazzito con cui registri le scosse telluriche emotive, produci "scarabocchi" sulla superficie in maniera apparentemente fuori controllo, su cui intervieni generando un universo figurato ben strutturato, brulicanti formicai di segni intimi da cui emerge una narrazione oscura e onirica . Leonardo Pivi

FRANCESCO

119

BEGHI

B o c c h i n i

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO GIANFRANCO BEGHI/ "WANDERER" 1997 PENNA BIRO SU CARTA CM 21X15 - COURTESY ARTIST

118

GIANFRANCO

LAZMAG

MENTAL FLEXIBILITY ISN’T AN INTELLECTUAL QUALITY, BUT A HUMAN ONE.

Attraverso l'uso dei linguaggi del disegno, della pittura e della scultura, il lavoro di Thomas Bonny elabora dei processi creativi, sia a partire da elementi della realtà, sia creando degli scenari all'interno della propria pratica. Da ciò ne deriva una sorta di rete mentale e formale, che mette in gioco gli abituali meccanismi di "produzione". Il disegno funge da portavoce al servizio delle idee in via di sviluppo, influenzato dal mondo del fumetto, con cui l'artista coltiva uno stretto rapporto.

THOMAS BONNY’S WORK ELABORATES CREATIVE PROCESSES THROUGH THE THE USE OF DRAWING, PAINTING, AND SCULPTURE’S ARTISTIC LANGUAGES. HIS WORK STARTS BOTH FROM ELEMENTS OF REALITY, AND FROM SCENARIOS BORN INSIDE HIS ART. A SORT OF MENTAL, FORMAL NET IS DERIVED FROM THIS, WHICH PUTS THE USUAL MECHANISMS OF “PRODUCTION” INTO PLAY. DRAWING ACTS AS THE HERALD OF DEVELOPING IDEAS, INFLUENCED THUS BY THE WORLD OF COMICS WITH WHICH THE ARTIST HAS CULTIVATED A STRONG RELATIONSHIP.

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

THOMAS BONNY

DAVID CASINI/ "TRE ASPETTI MORFOLOGICI" 2014 DRAWING ON PAPER, PASSE-PARTOUT, WOODEN FRAME CM 62X42X3 - COURTESY ARTIST

LA FLESSIBILITÀ MENTALE È UNA QUALITÀ UMANA, E NON INTELLETTUALE.

121

120

THOMAS BONNY/ "MOTHERPIECE" 2013 CHINA SU CARTA CM 146X106 - COURTESY ARTIST

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

LAZMAG

KIRIL CHOLAKOV

2 "L'aria è sospesa, umani e animali, umani-animali abitano lo spazio con la consistenza di fantasmi. Una macchina con una sedia sul tetto va, altre figure stanno. Come in una nebbia, queste presenze immerse non consentono alcuna confidenza, ognuna mantiene vivo il suo mistero. Il bianco, il nero, nell’intervallo i grigi danno continuità agli opposti. Potrebbero essere fotografie emerse con un’esposizione lunga. Ma sono disegni, comunque tracce, tracce che per esistere non si accontentano dell’incontro con la luce. Visti da vicino lasciano emergere una vita altrimenti impossibile da cogliere. Le tracce diventano scrittura, grovigli di parole, tracce di pezzi di vita e di racconti immaginari, vicino e lontano, tempi e spazi dove l’estraneità appare, colta nella quotidianità di gesti e azioni semplici."

Emanuela De Cecco

“The air is suspended, humans and animals, human-animals inhabit the same space with the consistancy of ghosts. A car goes by with a chair on its roof, other figures stay. As in a fog, these submerged presences don’t allow any closeness, all maintaining their live sense of mystery. Black, white, with grays in between the continuity of opposites. They could be photographs taken with a long exposure. But they’re drawings, traces, who exist unsatisfied with meeting light. Seen up close, they let slip a life that would otherwise be impossible to grasp. The traces become writing, jumbles of words, traces of pieces of life and imaginary stories, far and near, times and spaces where strangeness appears, caught simply in everyday gestures and actions.” Emanuela De Cecco

(...) How to retell this unreal representation of sex, desired by part of humanity, without fear of moral castigation? How to extract a strange form of beauty from these inebriating, repetetive shapes without falling into the trap of reconstituting them piece by piece? The artist Costantini uses a system most ideal for his own tastes, transferring the act into the strokes of a soft pencil that immobilizes a time that was never there, putting together tags, phrase words and small descriptive stories that were never there either. Because if there’s one thing that all porn has in common, in any form it takes, it’s the almost total absence of a story, of a sequence. It materializes itself only in the act, in the infinitesimal minute of rhapsody produced by a desirable, absent body. It’s the very absence, the constant reconstruction of the essential, that becomes melancholy, a lithurgy for those who want to equip themselves to traverse the mystification of the subject. It’s a mystical representation for subjects that don’t expect any catharsis. (Elettra Stamboulis)

CHE TRA LE LENZUOLA.

Andy Warhol

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

Costantini’s melancholically aesthetic pencils return to the real life of the digital world with its gaze towards the porn icons of the web.

IL SESSO È PIÙ ECCITANTE SULLO SCHERMO E TRA LE PAGINE

La malinconia della matita estetica di Costantini ritorna alla real life del mondo digitale con questo sguardo posato sulle icone del porno nella rete. (...) Come recensire, senza ansie di moralizzazione, questa rappresentazione dell’irreale sesso desiderato da parte dell’ umanità, come elaborare una forma di bellezza e straniamento, senza cadere nella trappola della cruda ricostituzione delle parti, con forme inebrianti di connivenza ripetitiva?

Il disegnatore Costantini

Gianluca Costantini

ripercorre con il sistema a lui più congeniale del recettore che trasferisce in una matita docile che immobilizza un tempo che non c’è, mettendo insieme tags, parole d’ordine, brevi canovacci di storie che non ci sono. Perché se c’è un filo comune al porno in qualsiasi forma mediatica esso si configuri, è proprio l’assenza quasi completa della storia, della sequenza, per concretizzarsi nell’atto, nell’infinitesimo minuto del rapsodico momento di un corpo desiderato e assente. Ed è l’assenza, la costanza nella ricostruzione dell’essenziale che diviene malinconia, liturgia per chi vuole attrezzarsi ad attraversare la mistificazione del soggetto. Una mistica rappresentazione per soggetti che non aspettano catarsi (Elettra Stamboulis)

GIANLUCA COSTANTINI/ "JAMIE" 2011 MATITA E CHINA NERA SU CARTA CM 20X28,5 - COURTESY ARTIST "MELISA" 2011 MATITA E CHINA NERA SU CARTA CM 28,5X20 - COURTESY ARTIST

A lithurgy for drawn porn.

Sex is more exciting on the screen and between the pages than between the sheets.

123

122

KIRIL CHOLAKOV/ SERIE "CASA AL DI LÀ DEL MONDO" MATITA SU TELA CM 230X155 - COURTESY ARTIST

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

LITURGIA DEL PORNO DISEGNATO.

ERON di Andrea Bruciati

(...) Cosa sia naturale e cosa artificiale si pone quale interrogativo nella pratica pittorica, ancor più nella ricerca di quel verosimigliante, tanto caro alla dimensione creativa di Eron. Mediante questa opposizione riflessa, per un verso troviamo la realizzazione di un sogno, mentre per un altro scopriamo

OSCAR DOMINGUEZ

l’emozione di luoghi visti solamente quali visioni. Possiamo perciò affermare che le composizioni dell’artista, reali o immaginarie quali sembrano apparire, sono il prodigio di una verità dello sguardo, forse perché nella finzione artistica cerchiamo la certezza e la sicurezza intellettuale che il mondo reale non può darci.

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

Just one drawing can describe more than a thousand words Un solo disegno descrive più di mille parole

ERON

di Andrea Bruciati

(...) What is natural and

scar Dominguez è convinto che la realtà sia il punto di partenza, ma pure quello di arrivo, della sua esperimentazione artistica ed estetica. La pregnanza architettonica dei luoghi e la memoria storica dei monumenti si sommano alla potenza formale delle sculture per creare uno scarto percettivo che colpisce in modo folgorante lo spettatore, forzandolo a bloccare le opere in una visione decisamente straniante ed efficace. In effetti, lo scultore cerca di distillare un’arte intesa come lavoro di intensità e di scuotimento delle cariche energetiche della materia. Attraverso le sue installazioni l’artista ci dimostra di essere in grado di coinvolgere lo spettatore in maniera globalizzante negli spazi fisici segnati dalla storia, assemblando i luoghi della memoria, con le regioni più nascoste del pensiero tramite gli artifici costruttivi della scultura. Josune Ruiz de Infante

Oscar ominguez is convinced that reality is both his realm of departure and of arrival in his artistic and aesthetic experimentation. The historical memory of monuments and the formal power of sculptures adds itself to the architectural weight of the locations in order to create a perceived discard that shockingly strikes the viewer, forcing him to block the work in a decidingly estranged and efficient vision. In essence, the sculptor tries to distill an art into a work of intensity that shakes the energetic charges of matter. He shows that he’s more than able to globally involve spectators in his artistic installations by using the physical spaces marked by history, assembling thus the spaces of memory, including the most hidden ares of thought through the constructive artifice of sculpture. Josune Ruiz de Infante

artificial

the

question that is placed unto painting, even more so in Eron’s dear search for the realm this

realism.

opposing

Through

reflection,

on one hand we witness the realization

dream,

while on the other discover the us

emotions by

brought

illusory

places.

We can thus affirm that the artist’s compositions, as real or as imaginary as they may appear, are the marvel

our

sight’s

truthfulness, because

fiction for

artistic

the the

security

intellectual that

perhaps

and

certainty real

cannot grant us.

world

ERON/ "WALL PAINTING FRONTIER" 2012 MAMBO - COURTESY ARTIST

what

125

OSCAR DOMINGUEZ/ "NIDO" INSTALLAZIONE REALIZZATA CON POTATURA DI VITE. DIAMETRO 12 MT - COURTESY ARTIST

124

LAZMAG

DURA DELLA PENNA, O DA QUELLA

INTELLIGENZA PITTORICA CHE SCEGLIE

E LA CAPARBIETÀ DEL BAMBINO, CON

SCANDITA

LA LINGUA TIRATA PER LO SFORZO

DEL

PENNARELLO

QUELLA

PARTICOLARE

SCARSITÀ

DA UN PITTORE TEDESCO ESPRESSIONISTA.

PREZIOSISMO

SUE

CHI INCIDE TESTE E SIMBOLI COL

ALTRI

CARTE RIEMPITE DA FASCI DI SEGNI

COLTELLO, SU UN TAVOLO D’OSTERIA.

AMERICANO

FREQUENTATO

CHI

GLI

SLANG

LUSSO

MAGGIORE.

DI LE

L’OSTINAZIONE

PER

MEZZI

HANNO

COME TRAME INTAGLIATE NEL LEGNO PARLANO

OTTENERE

DEI

NERVOSI,

NATURALEZZA

CRUDA

C’È UNA SPONTANEITÀ FEROCE

ARTISTI

NEL

DEL METRÒ, MA OGNUNO È

CHE

PERVASO DA UN PIACERE

INCONSAPEVOLE,

REITERATO,

ORGASMO

AL CONTRARIO QUELLA DI CHI

SUO È

DISEGNARE,

TUTT’ALTRO MA

CHE CHE

PITTORICO CHE S’INNAMORA

CONOSCE, STUDIA E INTERROGA

John Berger

“ (...)

VIENE

THE BORDERS

YOU HAVE DRAWN

TUTTO,

TUTTO

OGNI STILE DECIDENDO MAGARI

SEDOTTO.

L’ARTE

DI FARLO A PEZZI, DI CITARLO,

GIOVAGNOLI

O SALVARLO, A SUO PIACIMENTO.

GILBERTO INTRISA

CULTURA,

SABRINA FOSCHINI

NO LONGER SHOW WHAT YOU HAVE SEEN,

GILBERTO GIOVAGNOLI

BUT SHOW WHAT YOU HAVE BECOME.”

JOHN BERGER

uesti disegni sono una specie di raffigurazione interna del cervello, una descrizione o trasposizione di flussi e meccanismi del pensiero, qualcosa di più vicino ad un tentativo di orientamento, che ad una natura, anche se di questa, hanno il modello di crescita, una crescita "circolare". L'accumulo stratificato, ha a che fare con il tempo, le amnesie, e le perdite. I collage tengono insieme il disegno... dal vero, dove il secondo passo è la pratica d'innesto e congiunzione. Il disegno diventa quasi automatico, partendo talvolta da scarabocchi di bambini, macchie o altri segni e tracce. Resti, frammenti e pezzi sparsi; due mondi o emisferi che si collegano, si intrecciano, si alimentano, e mangiano a vicenda. Spesso si colonizzano fino a risultare sovrapposti e indistinguibili.

hese drawings are a kind of internal representation of the brain, a description or explanation of the flows and mechanisms of thought, something closer to an attempt to find yourself, rather than nature, even though both their model’s of growth are “circular”. Stratified accumulation has to do with time, amnesia and loss. Collages keep drawings together... in person, where the second step is an attempt at reconnecting. Drawing becomes almost automatic, sometimes starting as children’s scribbles, stains, or other signs and traces. Fragments, remains and scattered pieces; two worlds or hemispheres that connect, intertwine, feed each other, and eat each other. Often they colonize one another until they’re overlapping and indistinguishable.

SOME SCRATCHED

DRAWINGS OUT

ARE BY

THE

OUT WITH THE SAME CRUDE EASE AS THOSE WHO CARVE WRITINGS

SEDUCED BY EVERYTHING.

HARD POINT OF A PEN, WHILE OTHERS

GILBERTO GIOVAGNOLI’S ART IS DRENCHED

AND

ARE LAYED OUT BY A PAINTBRUSH LIKE A

IN CULTURE, AND TAKES PART IN THAT

TABLES.

GERMAN EXPRESSIONIST PAINTER, CUTTING

PARTICULAR

THERE’S

STORIES INTO WOOD.

CHOOSES

ARTISTIC SCARCITY

INTELLIGENCE OF

RESOURCES

THAT IN

DRAWINGS

HIS

ONTO

FEROCIOUS

DRAWINGS

WHICH

TAVERN SPONTANEITY

ALL

BUT

OTHERS SPEAK THE AMERICAN SLANG OF

ORDER TO OBTAIN THE LUXURY OF GREATER

SUBCONSCIOUS; INSTEAD, IT’S THE STYLE OF

THOSE WHO MEET WITH METRO ARTISTS,

WORTH.

WITH

THOSE WHO KNOW, STUDY, AND QUESTION EVERY

BUT EVERY ONE IS FULL OF A PERVASIVE,

BUNDLES OF NERVOUS SIGNS, WITH THE

STYLE, PERHAPS DECIDING TO TAKE THEM APART,

REITERATED PLEASURE, AN ORGASM OF PAINT

SAME STUBBORNESS AND FICKLENESS OF

CITE THEM, OR SAVE THEM AT THEIR LEISURE.

THAT FALLS IN LOVE WITH EVERYTHING, IS

A CHILD, STRAINING TO STICK HIS TONGUE

SABRINA FOSCHINI

HIS

PAPERS

ARE

FILLED

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

GILBERTO GIOVAGNOLI/ "MIRACOLO DELL'OCCHIO MICROBO" INCHIOSTRO SU CARTA- COURTESY ARTIST

" (...) i contorni che avete disegnato non indicano più il margine di quel che avete visto, ma il margine di quel che siete diventati."

CI SONO DISEGNI GRAFFIATI DALLA PUNTA

127

126

MASSIMILIANO FABBRI/"MAPPE E LABIRINTI" 2013, GRAFITE, INCHIOSTRO, PENNA BIRO, CARBONCINO, PASTELLO A OLIO, BOMBOLETTA SPRAY, COLLAGE SU CARTA CM 70X100 - COURTESY ARTIST - PHOTO BY DANIELE CASADIO

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

MASSIMILIANO FABBRI

LAZMAG

128

LUCA GIOVAGNOLI/ "DONNA" 2014 CHINA E PANTONE SU CARTA CORONA 400GR CM 32X20 - COURTESY ARTIST “DONNA” CHINA E PANTONE SU CARTA CORONA 400GR CM 60X42 - COURTESY ARTIST

PASSATO

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

IOVAGNOLI

MITICO.

A QUEL PASSATO CHE NEL RICORDO

CIASCUNO

"Ci vuole umiltA' per ascoltare

DIVIENE

PIÙ

LONTANO

le parole disegnate nel legno." Katsushika Hokusai

QUEL

REALTÀ.

CHE PIÙ

SPERDUTO.

PIÙ D’ESSER

CONTINUAMENTE

TENUTO.

TRATTENUTO.

CADER

DOVE

POTREBBE E

NEL

QUADRO

CHE

RIBALDE,

SONO

CHIEDERE,

QUI,

VINCERE

CHE PIÙ

NIENTE.

QUELLA

QUELLA STRANA

NON

RESTAR

VITTORIA

SENZA

FACENDO

VINCITORI. LA PEGGIORE.

ESISTERE

DA “LA DIGNITÀ STRAMBA DELL’ESSER UOMINI”

ANCORA. MOSTRANO TUTTO IL LORO TEMPO.

APPUNTI SUL PROBLEMA DELLA PITTURA DI

VOLTE

LO CI

DISSIMULANDO,

POSE

L’OBLIO VINCERE.

VITTORIA UMANE

SMORFIOSE,

ESIBISCONO VENGONO

SENZA

INCONTRO

PUDORE. CON

LUCA GIOVAGNOLI DI DAVIDE RONDONI

LA LORO APPARTENENZA AL PASSATO:

…HUMAN

LA FOGGIA DELLE VESTI, LE PETTINATURE,

PAINTING, STRIKING POSES, FAKING, MAKING

UNO

FACES, PLEADING TO CONTINUE EXISTING.

CHE

THEY SHOW ALL THEIR TIME, SHAMELESSLY

GESTI,

SBIADIMENTO

PRIGIONIA DI

COLORI,

LE ALLONTANA E PUR PRESERVA. FIGURE

UMANE

DELLE

PIÙ

INFANZIA

CHE VOLTE

STORICA

ARE

HERE,

THE

FLAUNTING IT. THEY APPROACH US WITH ALL APPARTENGONO

A DEL

UNA

PRIMA PITTORE.

THE TRAPPINGS OF THE PAST: THEIR STYLE OF CLOTHING, THEIR HAIR, THEIR GESTURES, EMPRISONED

FADING

COLOUR

KEEPS THEM AWAY, YET STILL PRESERVES THEM.

HUMAN

BELONG

FIGURES

THE

THAT

PAINTER’S

WHICH

dell’incisione contemporanea .

USUALLY HISTORICAL

INFANCY, TO A MYTHIC PAST THAT IN PEOPLE’S AND

FARTHER

AWAY

WAS.

THE

REALLY HELD

MEMORIES

TO,

THE

BECOMES FROM

FARTHER WHAT

STRONGER MORE

LOST

IT IT’S IT

BECOMES. IT’S HELD FAR AWAY FROM WHERE

TUTTA FIGURES

[...] Non importa quanto siano figurative o astratte le opere di Umberto Giovannini, perché [...] l’esperienza visiva spinge ad un dialogo universale con ogni luogo, luce, storia, persone e texture del legno. Fondendo le tecnologie digitali e le tecniche tradizionali Umberto ha inventato una quiete dinamica. Questa grande impresa è certamente un contributo allo sviluppo delle potenzialità della xilografia e sicuramente

BISOGNOSO

DAL

…FIGURE

OBLIVION COULD WIN. WINNING THAT STRANGE

"It takes humility to listen to

VICTORY WHERE NOTHING’S LEFT. THAT VICTORY

words drawn in wood." Katsushika Hokusai

WITHOUT VICTORS. THE WORST KIND. FROM “THE STRANGE DIGNITY OF BEING MEN” NOTES ON THE ISSUES WITH LUCA GIOVAGNOLI’S PAINTINGS BY DAVIDE RONDONI

[...] No matter how figurative or abstract Umberto’s prints are, because [...] the experience of seeing arouses a universal dialogue through each location, light, history, people and grain of wood. Through a fusion of the latest technology and traditional techniques Umberto has invented a dynamic stillness. This great feat shall certainly contribute to the further development of the potential of woodcut and indeed contemporary p

UMBERTO GIOVANNINI/ "XILO-REPORTAGE F#1. ARGENTINA, DICEMBRE 2013 - GENNAIO 2014" ALCUNE DELLE 23 XILOGRAFIE MONOCROME CM 12X31,5 - COURTESY ARTIST

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

UMBERTO GIOVANNINI

TO GATHER THE SPIRIT OF OUR THOUGHTS AND SURROUNDINGS, IN THE ENTIRETY OF ITS TRAGIC AND LOVELY ESSENCE.

Hayato Fujioka, A Pilgrin Armed with Chisels and an iPhone, catalogue of the exhibition “Passing Through # London”, London-Milan 2011.

129

LUCA

PER COGLIERE LO SPIRITO DI QUELLO CHE CI CIRCONDA O CHE PENSIAMO. IN TUTTA LA SUA TRAGICA O AMOREVOLE ESSENZA.

“Quello che c’è di più profondo nell’essere umano è la pelle”. “A human being’s depth goes as far as his skin.”. Paul Valéry

"LA COORDINAZIONE DEL MOLTEPLICE È UNA CONDIZIONE ESSENZIALE ALLA SOPRAVVIVENZA." LUCIANO BERIO

"THE COORDINATION OF MANY THINGS IS ESSENTIAL FOR SURVIVAL."

Luciano Berio

IL SEGNO, È IL PROCESSO CHE DALL'IMMOBILITÀ PORTA ALLA TRACCIA. “Drawing is human emotion’s primordial means of expression: a spontaneous cry that attempts to discern every possible reality, and imprison them within the two dimensions of a flat surface. Art goes beyond barriers, and reverts back to feeling. Diego Grandi’s work is profound even on the surface, and his intensity of representation is present even in his thoughts and plans. Therefore, the declination of Module is a wallpaper around the themes born from the borrowed blueprints of Le Corbusier, while Type is the ceramic expression of a mathematical function applied to graphic theory. Diego Grandi melds far away feelings and arts in his drawings, allowing his spacial limitations to be constantly overcome by himself, and the viewer.” Massimiliano di Bartolomeo.

(...) L'atto

“Il disegno è espressione primordiale del sentimento umano: vagito spontaneo e tentativo di riconoscere le realtà possibili, e imprigionarle tra le due dimensioni di una superficie piatta. Poi, l’arte supera i confini, e il segno può tornare a essere sentimento. Il lavoro di Diego Grandi è profondo anche se di superficie: e l’intensità della rappresentazione è già nel pensiero che muove ogni progetto. Così, la declinazione di Module è una carta da parati la cui trama nasce dalle planimetrie prese in prestito da Le Corbusier, mentre Type è una superficie ceramica espressione di una funzione matematica applicata a una teoria grafica. Nel disegno, Diego Grandi fa confluire sentimenti e arti anche distanti, lasciando che i limiti spaziali siano ogni volta superati: da lui stesso e da chi osserva.” Massimiliano di Bartolomeo.

Courtesy Antonio Colombo Arte Contemporanea, Milano / D406 Fedeli alla linea, Modena

del segnare, il movimento del corpo finalizzato alla traccia, il segno e la sua organizzazione in disegno, sono le modalità fondamentali che vengono applicate alle direzioni affrontate di volta in volta: la metafora, l'immaginazione, la memoria, il vero. La vicinanza e la combinazione di queste forme esplorative, generano nuove diramazioni che costantemente indagano l'interazione e mirano a ricongiungere la scissione tra corpo e spazio, attraverso il segno. Giuliano Guatta / Ginnica del Segno

THE PROCESS THAT TRANSFORMS IMMOBILITY INTO MOVEMENT IS DRAWING. (...)

The act of writing, the body’s movement in the stroke, signs and their organization in drawings, are all fundamental methods we have to face our everyday directions: metaphor, imagination, memory, truth. The similarity and combination of these explorative methods generates new branching paths through which we can constantly investigate interaction, with the goal of reconnecting the schism between body and space, through drawing. Giuliano Guatta / Ginnica del Segno

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

GINNICA DEL SEGNO

GIULIANO GUATTA/ "GESTO INDICANTE LATERALE A TRE, CENTRALE DOPPIO DEVIATO CHIUSO ESTERNO ANTERIORE SUI LATERALI DX E SX, LATERALE DX E SX DEVIATO CHIUSO INTERNO SUL CENTRALE POSTERIORE" 2013 GRAFITE SU CARTA CM. 75X105 COURTESY ARTIST

GIULIANO GUATTA

DIEGO GRANDI

131

130

DIEGO GRANDI/ "TYPE 32"- PROGETTO 2013 GRAFITE SU CARTA CM 18X18 - COURTESY ARTIST "TYPE 32" 2013 GRES LAMINATO, STAMPA DIGITALE CM 20X200 (MODULO) - COURTESY ARTIST

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

LAZMAG

(...) Not always and not surely, Guerri knows how to sow these pauses in the urban rhythm as if they were white spaces meant to be left as such in eternity. It’s as if empty spaces activated themselves in our own personal topography as a way to subconsciously counterbalance utter horror, those masses of symbols that are cities. It’s almost like watching time suddenly burning memories in a few years, discolouring our support, attacking our dense weave of etchings. Federico Guerri builds something that already has the virus of oblivion within it, but he doesn’t do it in order to inspire affection towards some visual Alzheimer, but rather to better accentuate the difference between drawing and nothing, fullness and emptiness, writing and erasure, between dream and memory. (...) Valerio Dehò

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO SHIFT È MOVIMENTO E ASSENZA. È L'ANIMAZIONE DI UN VESTITO, PEZZO DI STOFFA SPIEGAZZATA CHE COMINCIA A DANZARE NEL VENTO UN ABITO CHE SEMBRA INDOSSATO DA UN FANTASMA. LA METAMORFOSI, DA FOTOGRAMMA A FOTOGRAMMA, È IL SIMBOLO DEL MOVIMENTO CONTINUO CHE RIGUARDA LE COSE VIVENTI. IL VESTITO MUTA IN UN CUORE CHE BATTE E SEMBRA RESPIRARE, MA LA CIFRA È IN CONTINUA EVOLUZIONE, IN INTENSITÀ E IN MOVIMENTO. NELLE INCISIONI UNA LINEA ORIZZONTALE PARALLELA DISEGNA LE PIEGHE E I VOLUMI DEGLI ABITI. QUESTA LINEA IMITA I SEGNI RIPETITIVI DEL RICAMO E DELL’ARAZZO. L'USO DI QUESTA LINEA ORIZZONTALE VUOLE METTERE IN DISCUSSIONE IL CONFINE TRA SCULTURA, DISEGNO E CUCITURE, E VUOLE INDAGARE LE DIFFERENZE TRA UN SEGNO GESTUALE E UN SEGNO DESCRITTIVO, UN SEGNO EMOTIVO, UN SEGNO IMPARZIALE, UN SEGNO INTRIGANTE, E UN SEGNO SENZA NESSUN INTERESSE. SHIFT IS AN ANIMATION THAT IS A STUDY OF MOVEMENT AND ABSENCE. THE ANIMATION DEPICTS A DRESS THAT STARTS OUT AS A CRUMPLED PIECE OF CLOTH WHICH UNFOLDS AND STARTS TO DANCE IN THE WIND. THE DRESS APPEARS TO BE WORN BY A GHOSTLY BODY. THE METAMORPHOSIS FROM FRAME TO FRAME IS SYMBOLIC OF THE CONTINUAL MOVEMENT THAT PERTAINS TO LIVING THINGS. AT ONE POINT, THE DRESS DEVELOPS A BEATING HEART AND APPEARS TO BREATHE; BUT THE FIGURE IS CONSTANTLY CHANGING IN INTENSITY AND MOVEMENT, AS IF THE ANIMATION IS IN FACT FOOTAGE FROM A FAR AWAY LAND. IN THE MAKING OF THE PRINTS, A PARALLEL HORIZONTAL LINE DELINEATES THE FOLDS AND VOLUME OF THE DRESSES. THIS LINE MIMICS THE FINE REPETITIVE MARKS MADE WITH EMBROIDERY OR TAPESTRY TECHNIQUES. THE USE OF THIS HORIZONTAL LINE WAS TO QUESTION THE BOUNDARY BETWEEN CARVING, DRAWING AND STITCHING, AND TO LOOK AT THE DIFFERENCES BETWEEN A GESTURAL LINE AND A DESCRIPTIVE LINE, A LINE WITH EMOTION, AN IMPARTIAL LINE, A LINE WITH INTELLIGENCE, AND A LINE WITH NO INTEREST AT ALL.

WUON-GEAN HO/ "40 DANCING DRESSES" LINOCUT ON SOMERSET PAPER, EACH CM 30X40 - COURTESY ARTIST IMAGE: STUDIO DEL MOVIMENTO - COURTESY ARTIST

(...) Non sempre e non per forza, ma Guerri sa disseminare queste pause nei ritmi urbani come se fossero delle aree bianche da lasciare così in eterno. È come se nelle nostre topografie personali si attivassero dei vuoti che sono delle forme di bilanciamento inconscio dell’horror pleni, di quelle masse di segni che sono le città. Sembra quasi di assistere ad un’azione repentina del tempo che in pochi anni brucia le memorie, scolora i supporti, aggredisce le fitte trame di grafite. Federico Guerri costruisce qualcosa che ha già in se il virus della dimenticanza, ma lo fa non per ispirare tenerezza verso un alzheimer visuale, quanto per accentare la differenza tra disegno e no, tra vuoto e pieno, tra segno e cancellazione, tra sogno e ricordo. (...) Valerio Dehò

WUON-GEAN HO

133

MOTHS DEVOUR THE PAGE, THE INK SEASONING THEIR MEAL, AS THEIR EMPTY EMBROIDERY ACTS AS A LAST DESIGN.

LE TARME DIVORANO IL FOGLIO E L'INCHIOSTRO NE CONDISCE IL PASTO, IL LORO RICAMO DI VUOTI COME ULTIMO DISEGNO.

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO FEDERICO GUERRI/ "CAMERA" 2013 GRAFITE E PASTELLO SU TELA CM 130X120 - COURTESY ARTIST

132

I R R E U G O C I R E FED

LAZMAG

GOLA H UNDUn

BY GIANCARLO PAPI (...) Giovanni Lombardini’s sublime art risks looking like a weak utopia, when put before the appalling uncertainty of our times. A faded artist’s vanity. However, he’s genuinely enamored with artistic purity and, in the name of this love, he’s indifferent to the cynic violence of history. Or rather, if one prefers, to the trap that is logic and rational rigidity. It’s as if it disgusts him, since it represents the materialistically cunning and shrewd society that created it. The logic of falsehood and inauthenticity; logic which remains insensitive to the metaphysical tension of mysterious values, the true ones, such as harmony, peace, beauty, happiness and courage. Courage? Indeed, because it takes courage to say that “art is as necessary as the lily that grows in the field, seemingly without any apparent purpose.” Its the courage to look directly for emotions through colour, with its beaming warmth, and an intensely expressive joy that acts naturally, without excess.(...)

327 BLU PURO SOLUBILE NELLO SPITIRO.

(...) Il lavoro di Gola Hundun affonda le sue radici nella profonda riflessione sulla relazione simbiotica ma conflittuale tra l’essere umano ed il resto della biosfera - animali, piante e il pianeta stesso - un legame che viene proposto dall’artista attraverso un personale uso delle componenti del regno naturale rielaborate e riplasmate in altre forme. Attraverso una dose massiccia di colori, sensazioni ed equilibri cromatici, ci mostra una visione orgiastica, a tratti acida, densa di dettagli, muove forme e figure all’interno di un sogno onirico ma al contempo tangibile. Le sue composizioni sono nutrite da un registro allegorico mistico e sfiorano emozioni a carattere fortemente viscerale, impattando con i sensi e gli istinti di chi osserva le sue opere. Diego F. from GORGO

PURE BLUE MAY MELT INTO OUR SPIRIT.

DI GIANCARLO PAPI (...) Davanti all’agghiacciante precarietà del momento storico attuale, l’arte sublime di Giovanni Lombardini non corre il rischio di apparire come una debole utopia. Una sbiadita vanità d’artista. Lui è genuinamente innamorato della purezza artistica e indifferente, in nome di quell’amore, alla cinica violenza della storia. O, se si preferisce, alla trappola della logica e della rigidità razionale. E’ come se ciò lo ripugnasse, perché rappresenta la società materialistica astuta e scaltra che l’ha generata. La logica della falsità e dell’inautenticità; la logica insensibile alla tensione metafisica dei suoi valori misteriosi, quelli veri, come l’armonia, la pace, la bellezza, la felicità e il coraggio. Il coraggio? Proprio così perché, ci vuole coraggio per affermare che “l’arte è necessaria proprio come il giglio che cresce nel campo e che apparentemente sembra non avere scopo”. Ovvero il coraggio di cercare direttamente l’emozione attraverso il colore e la sua capacità di espansione e irradiazione, con una intensa felicità espressiva, ma senza eccessi, con naturalezza.(...)

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

(...) Gola Hundun’s work is rooted in the profound reflection on the symbiotic, yet conflictual, relationship humans have with the rest of the biosphere; animals, plants and the planet itself. This connection is brought to light through the artist’s personal use of parts of the natural kingdom that have been reworked and reshaped into other forms. Through massive doses of colours, sensations and chromatic balances, we are shown an orgiastic, almost acidic vision, full of details where shapes and figures move inside a dreamlike state that, however, remains tangible. Gola’s compositions are nurtured by a mystical allegorical register where strongly visceral emotions blossom, striking the senses and instincts of its viewers. Diego F. from GORGO

EMOTIONAL WHIMS

CAPRICCI EMOTIVI

GIOVANNI LOMBARDINI/ "FIORI FINTI" 2003-2011 TECNICA MISTA SU CARTA CM 35X50 - COURTESY ARTIST

Gli umani sono parte della natura, come mai continuano a fingere che non lo sono? La biosfera é una, siamo tutti uno, é l’ora di una nuova attitudine.

GIOVANNI LOMBARDINI

135

134

GOLA HUNDUN/ "GRORRRWWWW TO BABYLON" 2013 WATER COLOR CM 41X31 - COURTESY ARTIST

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

Humans are part of nature, why they keep doing like they are not ? Biosphere is one, We all are one, it's time for new attitude.

capire è un’attesa salvarsi è un’attesa mutare è un’attesa magari anche niente

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

Following a different yet equal trace proceeding without advancing understanding is waiting saving is waiting changing is waiting perhaps even nothing

Drawings are a slow lichen that covers the page, roots that stretch their branches. Pile of minerals and graphite that becomes a constellation, then living geography, a traversable threshold, a place to walk around.

DACIA MANTO/ "CORPO ASTRALE" 2013, PASTELLI E GRAFITE SU CARTA CM 105X140 COURTESY ARTIST

ONE.

Percorre una traccia differente e uguale procede senza avanzare

A perpetual sign marks the wait.

Il disegno è un lichene lento che avvolge la pagina, radice che stende i suoi rami. Cumulo di minerali e grafite che si fa costellazione, poi geografia viva, soglia attraversabile, luogo in cui muovere passi.

137

EVERY PENCIL IS THE MAGIC

Un segno perpetuo segna l’attesa

Dacia Manto

OGNI MATITA È QUELLA MAGICA.

I DON’T BELIEVE IT

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO MALA ARTI VISIVE/ "WAITING" 2013 DISEGNO DIGITALE ANIMATO - COURTESY ARTIST "PRIMO ESERCIZIO (I DON’T BELIEVE IT)" 1995 DISEGNO A TEMPERA, INSTALLAZIONE VECCHIO OSPEDALE, RIMINI

136

MALA ARTE VISIVE

LAZMAG

ETEREI SOFFI ETHEREAL BREATHS VORREI ESSERE NATURA/ NUVOLE MARE CIELO/ ARIA PIOGGIA VENTO/ FOGLIE/ E ANCHE UN PO’ TERRA/ VORREI DIVENTARE NATURA/ PER PROVARE AD ESSERE UN PO’ PIÙ VICINA A TE.

Retro

I’D WANT TO BE NATURE/ CLOUDS SEA SKY/ AIR RAIN WIND/ LEAVES/ EVEN A LITTLE BIT OF EARTH/ I’D WANT TO BECOME NATURE/ TO TRY TO BE A BIT MORE CLOSE TO YOU

(...) sewn drawings are made with ancient techniques which are not embroidery, but rather the act of connecting holes with needle and thread, just like in the use of the preparatory paper for Renaissance frescoes where the drawing’s lines would be perforated and dusted with charcoal powder. This dusting, which goes through the paper, recalls the dry motions of incision, or the photographer’s shutter. Sewn drawings start from photography, just like some sculptures are created from the photographic observation of nature, that is deserts, gardens, and seeds, and are made with earth, oxidizing elements, and pigments that bring forth an opaque surface. The end result is an ideal image that isolates separate surfaces, yet all the while unites them, made through the repetition of connected points. Needle and thread thus give birth to an upturned, less articulated image on the back. The tightly woven thread left hanging on the back creates a less legible drawing, a playful game between modern imagery and ancient memories.

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

John K e ats "Una cos a bella è una gioi a per sem pre"

“A B

TS HN KEA O J .” Y O NAL J AN ETER S I G N I UL TH EAUTIF

Fronte

(...) il disegno cucito è realizzato con un gesto antico non l’operazione del ricamare, ma quella di congiungere i fori passando un filo con l’ago, come nell’uso del cartone preparatorio per l’affresco rinascimentale, nel quale le linee che componevano il disegno erano poi perforate e cosparse di polvere di carbone. Uno spolvero creato, con l’affondo nella carta, da un gesto secco che ricorda l’incisione o lo scatto fotografico. Come le sculture create dall’osservazione fotografica della natura - deserti, giardini, semi - con la terra mescolata a ossidi, pigmenti che compongono una superficie opaca, instabile, porosa, così il disegno cucito parte dalla fotografia ed ha come risultato una concezione dell’immagine che isola superfici nette, le une dalle altre pur unendole, attraverso la ripetizione del punto che ricongiunge mediante l’ago e il filo e fa nascere sul retro un’immagine rovesciata più disarticolata. Dietro, i fili saldati ma lasciati pendere creano un disegno meno leggibile, gioco tra immagini moderne e memorie antiche.

LAURA MODOLO/ "LA MIA BAMBINA CON LA PALLA IN MANO” 2007 MATITA E FILO DI POLYESTERE SU CARTA FRONTE E RETRO, CM 23,5X38 - COURTESY ARTIST

LAURA MODOLO

MICHELA MAZZOLI

139

138

MICHELA MAZZOLI/ "INTAGLIO SU FOGLIA DI ACERO CAMPESTRE” CM 20X25 - COURTESY ARTIST

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

LAZMAG

Quando l,uomo con il pennello incontra l,uomo con il pennino, quello con il fucile e, un uomo morto.

" “Diary of songs and images from the shores of disillusion. The metamorphosis of a city that sees itself reflected in fragile thoughts, hiding the fear of growing old within uncertainty. The uncertainty of a tomorrow that forever remains a far too distant today.”

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

NANNI

GIACOMO NANNI/ "DISEGNO" 2014 PENNINO LEONARDT E CHINA NERA SU CARTA DA LUCIDO CM 21X29,7 - COURTESY ARTIST

IACOMO

When the man with the paintbrush meets the man with the pen, the one with the rifle is a dead man.

141

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO MASSSIMO MODULA/ "ADRIATIK CITY BLUES" 2013 ACRILICO SU CARTONE CM 300X200 - COURTESY ARTIST

140

MASSIMO MODUL A

LAZMAG

MARCO NERI/ "OMISSIS (CU)" 2007 TEMPERA SU CARTA, 4 A4 - COURTESY ARTIST “OMISSIS (CU)” 2007 TEMPERA SU CARTA, 4 A4 - COURTESY ARTIST

142

“I normally don’t draw. I’ve always preferred the immediacy of painting to any premeditations. But in the end, this corrisponds to a drawing and ends up being one: the drawing of a not-drawing.”

“Il pensare non per concetti, ma in significazioni di linee, forme e figure è un conoscere contemplativamente attivo.” “Thinking not through concepts, but through lines, shapes and figures is a contemplatively active form of knowledge.” Karl Jaspers

Marco Neri

NON FACCIO DISTINZIONI TRA L’IDEA E IL MATERIALE. TRACCIE E LINEE SONO USATI COME MATERIALI TRIDIMENSIONALI, COME RAMI E BASTONI CHE SI AMMUCCHIANO PER FORMARE UN CORPO, DOVE LA STRUTTURA INTERIORE SI SVILUPPA IN SIMULTANEO CON LA SUA FORMA ESTERIORE.

I DON´T DISTINGUISH BETWEEN IDEA AND MATERIAL. STROKES AND LINES ARE USED LIKE THREEDIMENSIONAL MATERIALS, BRANCHES, STICKS, BEING PILED UP AND FORMING A BODY WHOSE INNER STRUCTURE IS DEVELOPING SIMULTANEOUSLY WITH ITS OUTER SHAPE.

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

JENS NIPPERT

“Normalmente non disegno. Ho sempre preferito l'immediatezza della pittura alla sua premeditazione. Ma in fondo anche questo corrisponde a un disegno e finisce con l'esserlo: il disegno del non-disegno.”

JENS NIPPERT/ "DROP" 2012 INK ON PAPER, CM 20X30 - COURTESY ARTIST "SELF DEFINING FORM" 2010 INK, BALLPEN, COLOUR PENCIL ON PAPER, CM 15X20 - COURTESY ARTIST

MARCO NERI

143

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

LAZMAG

"CHI È PER LE STATUE DEVE ESSERE ANCHE PER LE MACERIE"

“He who loves statues Must also love rubble.”

“La ricerca artistica di Roberto Pacì Dalò è talmente densa, stratificata e mai davvero ripetitiva che disseminarla senza nessun ordine gerarchico né soprattutto cronologico, è forse l'unico modo possibile di presentarla. (...) Roberto Paci Dalò dà vita a composizioni di suoni e di immagini. Che siano flussi di coscienza, visioni, narrazioni o pulviscolo in sospensione di mondi possibili, c'è una cosa che li può eventualmente accomunare tutti: sono irradiati, diffusi, trasmessi. E inevitabilmente destinati a percorrere l'etere per l'eternità.”

(...) Nelle opere di Pellegrini il tempo si avviluppa, i segni esprimono un ventaglio imponente di articolazioni in continua estensione, irraggiamenti fiammeggianti, rapporti dissonanti i quali, come per magia, non precipitano in un caotico disordine ma producono una inattesa e raffinata armonia sbilenca. Gli equilibri sembrano dissolversi per posizionarsi in un nuovo orizzonte compositivo da cui scaturisce una concertazione instabile di rapinosa seduzione. Dallo sbocciare continuo di diagrammi ipensabili, traiettorie spontanee, abitate da fisicità disarticolate e corpi mutanti, si materializza un universo in perenne metamorfosi che esprime l’insofferenza, la ribellione dell’autore verso la biologia armonica, richiamando le parole di Cèline, per cui “OGNI RIVOLTA È PIÙ BIOLOGICA CHE TRAGICA”.

Le figure create da Pellegrini, depositate dentro lo spazio di una geografia ancestrale, mostrano corpi pervasi da un’alterità irriducibile: piegati fino allo spasimo, accettano di essere irrimediabilmente diversi, pur di essere. Umberto Palestini

“Roberto Pacì Dalò’s artistic research is so dense, stratified, and never repetetive that perhaps the only real way to present his work is to scatter it without any gerarchic or chronological order. (...) Roberto Paci Dalò gives life to compositions made from sounds and images. Whether they be fluctuations of his consciousness, visions, narrations or suspended motes of possible worlds, there’s one that that may draw them all together: they’re radiated, diffuse, transmittable. They’ll inevitably be destined to float through the ether forever.” Andrea Lissoni Film and International Art Curator, Tate Modern, London

(...)

“PER UNO SCRITTORE SENZA PAROLE COME ME, IL DISEGNO È IL MIO ALFABETO.” “FOR A WRITER WITHOUT WORDS SUCH AS I, DRAWING IS MY ALPHABET.”

In Pellegrini’s work, time becomes contorted, his symbols express an imposing array of continuosly extending articulations, like magical flaming rays, dissonant relations which don’t fall into chaotic discord, but produce an unexpectedly

misshapen and refined harmony. Balance seems to dissolve into a new, composite horizon, which begets an unstable, wildly seductive philosophy. From the continual bloom of unthinkable diagrams, inhabited by unarticulated physicality and

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

SIMONE PELLEGRINI

mutant bodies, a universe in eternal metamorphosis materializes, expressing the insufferance and the rebellion the artist feels towards harmonious biology, in which, according to the words of Céline, “every revolution is more biological than tragic.”

Pellegrini’s figures, deposited within an ancestral geography, show bodies permeated by unchangeable alterations; bent almost to spasm, they accept to be undeniably different, as long as they can simply be.

SIMONE PELLEGRINI/ "SCHIARITA SUCCESSIVA" 2013 CM 98X190 - COURTESY ARTIST

roberto paci dalo

Umberto Palestini 145

144

ROBERTO PACI DALÒ/ "STORIE DI LUPI E LEPRI" 2009 INCHIOSTRO E MATITA SU CARTA CIASCUNO CM 21X14,8 COURTESY ARTIST

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

LAZMAG

primi.

First

FRANCO POZZI

thoughts

first.

“(…) Alla polvere è dedicato anche il lavoro, a tratti quasi segreto, misterioso, minuzioso e monastico, di Franco Pozzi; una lamentazione e un amore per la pittura e la storia dell’arte, che passa attraverso una serie di meccanismi contradditori e cortocircuitanti, che la cantano negandola continuamente, tenendola a debita distanza, mettendo in discussione l’essere autore attraverso una pratica che si serve di linguaggi e materiali poveri, quasi domestici nella loro lontananza dalla tecnica e dall’accademia. Rigorosi, scientifici in qualche modo. Un lavoro sulla perdita e sulla ferita che apre a squarci e voragini. Con vertigine risucchiante, quasi psichedelica. (...) Lavoro struggente e drammatico, che tende quasi all’invisibile; che per desiderio, timore e volontà di protezione si ritrae, con pudore e candore intatti. Una verginità restituita attraverso un fare sapiente e un occhio spietato e accecante." “Tratto dal testo della collettiva bianco lunare, una mostra nera probabilmente. Una lezione di tenebra.” Massimiliano Fabbri

“(…) Franco Pozzi’s work, sometimes mysterious, secret, detailed and monastic, is also dedicated to dust; it’s a lamentation and a love for painting and art history which goes through a series of contradicting and short-circuiting mechanisms, which sing its praise while simultaneously negating it, keeping it at due distance, putting the authorship of art in question through discussions made of cheap material and poor language, almost domestic in their distance from the technical and the academical. It’s somehow also rigorous and scientific. It’s a work about loss and wounds that voraginously tear open, vertiginously, almost psychadelically pulling you in. (...) A strong, dramatic work that ends up almost invisible; it’s own shyness and need of protection make it retreat, with it’s honour and reputation intact. A verginity restored through knowledgeable work and a merciless, blinding gaze.” Massimiliano Fabbri

monica pratelli

Monica Pratelli, Riminese of English descent on her mother’s side, graphically elaborates her own artistic language in harmony with great English poetry, working in the universal symbolism of the feminine essence. According to the artist, our intuitive nature allows us to measure things at first sight, revealing its own intimate nature. Elizabethian and Tudor iconography have assumed great importance in her imaginarium, as she often cites and gives tribute to that epoch’s figures with sensual references. Art becomes the dynamic narration and aesthetic crystallization of the creative soul; Monica speaks through the senses, rendering the journey as important as the destination. She utilizes interesting elements in her work, such as anatomical scraps, fingernails and human hair, placed upon diverse support systems and sewn in with the patient care and precision of her refined art, which becomes an inside view of her world, an homage to meditative times, and a precious artistic jewel. Rosita Lappi

Monica Pratelli, riminese di madre inglese, elabora graficamente un suo linguaggio in sintonia con la grande poesia inglese e la simbolica universale dell’essenza femminile. Secondo l’artista, la natura intuitiva ha la capacità di misurare le cose al primo sguardo e ne rivela l’intima natura. Nel suo immaginario ha grande importanza e presenza l’epoca Tudor e iconografia Elisabettiana, alla cui vita e figura, l’artista tributa dense citazioni e sensuali rimandi. L’arte si fa narrazione dinamica e cristallizzazione estetica come esito di un viaggio del cuore e dell’anima creativa, in quanto Monica parla attraverso i sensi, cosicche’ il viaggio diventi importante quanto la destinazione. I suoi lavori utilizzano elementi diversi tra cui reperti anatomici, unghie e capelli umani, articolati su supporti di diversa natura ricamati con paziente cura e precisione dalla sua raffinatissima arte, che è visione interiore, omaggio al tempo meditativo e prezioso gioiello esecutivo. Rosita Lappi

MONICA PRATELLI/ "I AM A LOST CHILD" 2011 RICAMO SU SETA CM 180X140 - COURTESY ARTIST

pensieri

147

146

FRANCO POZZI/ "VERSUS" 2009 MONOGRAMMA DI GRÜNEWALD (SPINI DI ACACIA) SU BASE BIANCA E CAMPANA DI VETRO - COURTESY ARTIST - PHOTO BY DANIELE CASADIO

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

Primi

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

LAZMAG

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

LAZMAG

----Ricci STEFANO

Vive ad Amburgo e Quilow. Disegnatore, dal 1986 collabora con la stampa periodica e l’editoria in Italia e all’estero. (“Frigidaire”, “Per Lui”, “Dolce vita”,

”Avvenimenti”, “Linea d’ombra”, “il manifesto”, “Esquire”, “Panorama”, “Teléma”, “Extra”, ”Glamour”, “HP”, “Follow me”, ”Libération”,“LesInrockuptibles”,”Internazionale”, “Alias”, “Lo Straniero”, “Télérama”,”L’Humanité”,”Bang”, “la Repubblica” .....

Cantiere continua...

149

148

STEFANO RICCI/ "51" 2014 CHINA E ACRILICO SU CARTA - COURTESY ARTIST "10" 2014, CHINA E ACRILICO SU CARTA - COURTESY ARTIST

STEFANO RICCI...

DRAWINGS STORAGE

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

www.drawingstorage.tumblr.com

I segni sono ostinati, migrano, s’inceppano, si reincarnano. È un processo d’ecdisi continua: come la muta del serpente o come i crostacei che diventano moleche per me il corpo del disegno è molle e senza vertebre, pieno di liquidi come un corpo alcolizzato. Symbols are stubborn, they migrate, they get caught, they reincarnate. It’s a continual moulting process: just like snakes shed their skin and crustaceans shed their carapace, I see drawing’s spineless and slack body, as full of liquids as an alcoholic.

“Samorì sembra essersi spinto all’apice della catastrofe, sancendo esiti sempre più estremi cui sente d’essere chiamato sempre più spesso negli ultimi anni, e a cui pare non volersi sottrarre. Sospingendo l’analisi strutturale verso la sofisticazione di un “non ritorno”, Samorì castiga se stesso e ciò che ha composto. Vive in empatia con l’opera, ne subisce il transfert, saggiando i malesseri e i tanti tormenti che ne derivano. Ebbene, in questa dimensione tragica dell’esistente, Samorì cerca di suggere dalle opere il pharmakon (veleno e/o rimedio) che si agglutina sotto l’immagine. Soddisfacendo un primordiale desiderio di morte, l’artista trova infatti nell’assassinio della pittura una forma alternativa di guarigione, finanche di palingenesi.” (Alberto Zanchetta) “Samorì appears to have pushed himself to the apex of catastrophe, drawing out ever more extreme results, which he seems called to more often in these last years and which he doesn’t shy away from. Pushing structural analysis towards the sophistication of a “non return”, Samorì punishes himself and his creations. He lives empathetically with his work, he suffers from its transference, he savours the malaise and torments that derive from it. Even so, in this tragic dimension of existence, Samorì tries to draw the pharmakon (poison and/or medicine) from his work that collects in his images. By satisfying a primordial death wish the artist finds an alternative form of healing in the assassination of painting, which even becomes a form of rebirth.” (Alberto Zanchetta)

The “Drawings Storage” project, which began in the summer of 2012, is a virtual archive of drawings in the form of web pages. Its curator and inventor is Giovanna Sarti, with Marta Zanoni collaborating since 2014. The idea of a virtual archive, or storage space, came to me from the many “studio visits” I went on where artists would leave interesting fragments of future projects, sketches, and finished drawings on their workbenches, or hanging from their walls.

Il progetto “Drawings Storage”, iniziato nell’estate del 2012, è un archivio virtuale di disegni in forma di pagina web, ideato e curato da Giovanna Sarti e dal 2014 in collaborazione con Marta Zanoni. L’ idea di un archivio - magazzino virtuale, mi è nata dai molteplici “studio visit” ad artisti dove spesso trovavo appesi al muro o sui tavoli di lavoro interessanti frammenti di future opere, schizzi così come disegni conclusi.

For me, this is such a rich source of inspiration, as well as conceptual and visual capital, that it deserves to be spread around. Drawing, in its ontological capacity, has always been mankind’s original means of communication and artistic expression. It’s an inexhaustible spring of innovation in its most intrinsic ways of expression and appearance.

Questa per me è una ricchissima fonte di ispirazione e un capitale visivo e concettuale che è importante diffondere. Il disegno, da sempre espressione originale nel suo valore ontologico nella produzione comunicativa e artistica dell’uomo, è fonte inesauribile di innovazione nei suoi intrinseci modi di espressione e apparizione. A proposito della pratica del disegno sono possibili molteplici considerazioni circa i vari campi di applicazione e espressione degli artisti; sono stati infatti invitati a contribuire pittori, scultori, designer, architetti, film maker e artisti che si esprimono attraverso installazioni o performance...

Regarding the art of drawing, many different points of view are available from various artistic fields of application and expression; painters, sculptors, designers and architects have all been invited to contribute with installations and performances... Drawing, as a practice, helps define the search for form. “Drawings Storage“ gathers private moments where the artists translated their own ideas into form. Since there are 31 artists involved, I thought I would present them by “posting” a drawing from a different artist every day and month for a year. Giovanna Sarti

La pratica del disegno contribuisce nel significare la ricerca di una forma . “Drawings Storage“ raccoglie momenti privati nei quali gli artisti traducono le proprie idee in forma. Essendo 31 gli artisti coinvolti ho pensato di presentarli ”postando” ogni mese, quotidianamente e per un anno il disegno di un artista diverso. Giovanna Sarti

DRAWINGS STORAGE/ BY GIOVANNA SARTI AND MARTA ZANONI, WWW.DRAWINGSTORAGE.TUMBLR.COM

Nicola Samorì

Curated by GIOVANNA SARTI

151

150

NICOLA SAMORÌ / "SENZA TITOLO" 2006 INCHIOSTRO SU ALLUMINIO CM 190X50 - COURTESY ARTIST “SENZA TITOLO” 2010 TECNICA MISTA SU CARTA CM 55X90 - COURTESY ARTIST

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

LAZMAG

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

"Dra A CONSTANT, ABSOLUTELY NECESSARY PREPARATORY STEP IN MY CREATIVE PROCESS IS THE VISUALIZATION OF WHAT I’VE MENTALLY ELABORATED IN THE FORM OF A DRAWING. SO THE DRAWING PHASE ISN’T JUST THE SAME OLD RITUALISTICALLY QUICK SKETCH, BUT, MORE OFTEN, A SLOW AND LABORIOUS BIRTH OF MY IDEA WHICH BECOMES SEDIMENTED THROUGH DRAWING. WHAT I FIND MOST STRIKING ABOUT EXISTENCE IS THE CONTINUAL, PARADOXICAL PRESENCE OF LIGHT, DELICATE, AND EVANESCENT ASPECTS THAT SIT NEXT TO THE HEAVINESS OF OTHERS, SOMETIMES EVEN RESIDING INSIDE A SINGLE ASPECT OF LIFE. WELL, A LAYER OF MY ACCUMULATED THOUGHTS, IMAGES AND PRIOR RELATIONSHIPS RESTS ON THE SURFACE OF MY WORK. I’M SEARCHING FOR A SILENT, OBJECTIVE SENSATION, ULTIMATE YET NOT DEFINITIVE. FOR EXAMPLE, WHEN I SIMULTANEOUSLY USE THE LIGHTNESS OF INK WITH THE HEAVINESS OF METAL DUST, THE LATTER OXIDIZES WHEN IT COMES INTO CONTACT WITH AIR AND WATER. MY WORK CONTINUES TO LIVE EVEN AFTER IT HAS BEEN “FINISHED”.

SERSE "DIAMONDS",GRAPHITE ON PAPER - COURTESY ARTIST

“...UNA COSTANTE, E TAPPA PREPARATORIA E IMPRESCINDIBILE, DEL MIO PROCESSO CREATIVO È LA VISUALIZZAZIONE IN FORMA DI DISEGNO DI TUTTO QUANTO HO ELABORATO MENTALMENTE. PERCIÒ LA FASE DEL DISEGNO NON È SOLO QUELLA, RITUALE, DEL VELOCE SCHIZZO, MA, PIÙ SPESSO, UNA LENTA E LABORIOSA ATTIVITÀ DI MAIEUTICA ESERCITATA DA ME STESSA E DI SEDIMENTAZIONE TRAMITE IL DISEGNO. DELL'ESISTENZA, CIÒ CHE PIÙ MI COLPISCE È LA CONTINUA E PARADOSSALE PRESENZA DELLA DELICATEZZA, DELLA LEGGEREZZA, DELL'EVANESCENZA DI ALCUNI SUOI ASPETTI, ACCANTO ALLA PESANTEZZA DI ALTRI, QUANDO NON COMPRESENZA ADDIRITTURA ALL'INTERNO DI UN SOLO ASPETTO. EBBENE, SULLA SUPERFICIE DEL LAVORO RIMANE L'ULTIMO STRATO DI UN ACCUMULO DI PENSIERI, IMMAGINI E RELAZIONI PRECEDENTEMENTE AVVENUTE. LA RICERCA È QUELLA DI UNA SENSAZIONE SILENZIOSA E OGGETTIVA, ULTIMA MA NON DEFINITIVA. PER ESEMPIO, NELL'USO SIMULTANEO DELLA LEGGEREZZA DEGLI INCHIOSTRI E DELLA PESANTEZZA DELLE POLVERI DI METALLO, QUESTE ULTIME A CONTATTO CON L'ARIA E L'ACQUA SI OSSIDANO. L'OPERA CONTINUA AD ESSERE PARTECIPE DELLA VITA ANCHE DOPO ESSERE STATA “TERMINATA”.

a k in g a w in g is m

v is ib l e t

u r m in d a c e o f yo

"Disegnare è rendere

il lavoro della mente traccia visibile”.

GIOVANNA SARTI

153

152

GIOVANNA SARTI/ 1 DI 100 STUDI DALLA SERIE “CHIARE OMBRE - SCURE RIFLESSIONI” INCHIOSTRO POLVERI DI METALLO E LACCA SU CARTA CM 29,7X42 - COURTESY ARTIST

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

’s w o r k ”

SERSE

LAZMAG

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

“ALL OF A SUDDEN”

STEFANO TONTI

I visionari delL'arte pronunciano mute profezie. La notte E' calata sul loro linguaggio. Lo sguardo, seguendo le curvature dello spazio, tende a ricongiungersi al tempo passato. Per questo ogni presenza che cerca la propria affermazione E' nello stesso tempo un'evocazione di assenza. Il tempo, soprattutto, appare sospeso in una grave eternitA'. Niente a che vedere con i sogni, che essendo dentro di noi si offrono a quell'utile assuefazione con cui dominiamo i fantasmi dell'immaginazione. Le visioni invece avvengono a occhi aperti e sono figlie dello sguardo, piU' che dell'inconscio. Il loro significato rimanda

Stefano Tonti’s creative work can’t be interpreted directly through drawings alone, but rather through the specific “directorship” of graphic design, a discipline that organizes symbols, forms, words, images, colours, and spaces to make them interact on the borderline of communicative artifacts in order to explore new meldings of meaning in the universe of symbols that surrounds us. This very Biennale’s logo is a practical example of this project. Tonti curated the overall graphical image of the Biennale, where, through a vertical imposition of the two D’s of Disegno, our perceptive process sees a new and peculiar B for Biennale.

Disegnare dal vero E' come cercare di mettere un pizzico di sale sulla coda della natura. Drawing from a model is like trying to put a dash of salt on Natur's tail. Samuel Butler

specularmente a ciO' che appare, non E' possibile attribuirlo a un universo compiacente. Erich Turroni E' uno di questi visionari. GIANCARLO PAPI

(...) Artistic visionaries speak in muted prophecies. Night has fallen on their language. Our gaze, following space's curvatures, tries to reconnect with the past. This is why every presence that searches for it's own affirmation is simultaneously an evocation of absence. Time, above all, appears suspended in a grave eternity. Nothing to do with dreams, which are inside of us and offer themselves to our old habits, letting us dominate imaginary phantasms. Visions come to us as our eyes are open, and thus are daughters of our sight more than our subconscious. Their meaning mirrors the apparent world, so it's impossible to attribute them to an abetting universe.

ERICH TURRONI "SENZA TITOLO" 2014 RESINA POLIESTERE, ACETATO PIGMENTI CM 13X18 COURTESY ARTIST

“TUTTO D'UN TRATTO”

(...)

Erich Turroni is one of these visionaries. GIANCARLO PAPI

155

154

STEFANO TONTI/ "LOGO BIENNALE DISEGNO RIMINI 2014" - COURTESY ARTIST

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

ERICH TURRONI

LAZMAG

156

"(...) Il talento di Federico Vecchi si è dimostrato degno di rispetto. I tempi difficili dell’avanguardia sono ormai alle nostre spalle. Non c´è più bisogno di uno scudo dogmatico né di una tabella di marcia. Tutto è nuovamente permesso. Federico Vecchi affronta il disegno, l´opera oggettiva, la costruzione e la composizione, spesso muovendosi quasi a ritroso. Lo studio gli ha insegnato a utilizzare il valore sostanziale proprio del colore e l’emanazione sensoriale dell’oggetto. In molte delle sue opere attuali il valore associativo (nonché simbolico) diventa fondamentale. "(...) Federico Vecchi’s talents have proven to be worthy of respect.The difficult times of the vanguard are behind us now. We no longer need a dogmatic shield or a marching schedule. Everything’s allowed again. Federico Vecchi almost shyly deals in drawing, objective works, creating and composing. His studies have taught him how to use colour’s own substantial value, as well as objective sensory emanation. In many of his works the associated (or symbolic) value becomes fundamental. He starts painting the objects

Inizia a dipingere gli oggetti utilizzati. Non si tratta più dell’impeto selvaggio del nuovo che dal dadaismo al fluxus grava sull’utilizzo degli oggetti concreti nei collage e nelle installazioni. Nasce una poesia nuova. Qualcosa di sensibile viene creato con opere già esistenti al fine di contrapporre al nuovo láncora più nuovo. Finché le condizioni esterne lo permetteranno, lárte continuerà a rinnovarsi e non si esaurirà mai. Ci sono stati e ci saranno delle grandi epoche per lárte, sebbene alternate da altre meno produttive. Il nuovo tuttavia, non smetterà mai di nascere." Hermann Nitsch he uses. It’s no longer about the wild, new impetus that fluxuating Dadaism gives to concrete objects in collages or installations. A new form of poetry is born. Something sensible is made with pre-existing works, in an attempt to contrast the new with the newer. As long as external conditions allow it, Art will continue to endlessly renew itself. There have been, and will always be, great artistic eras, alternated with other, less productive ones. ‘New’, however, will never stop being born. Hermann Nitsch

È LO STUPORE " IL D IS E G N O ID E A ." D E L L A P R IM A

Figures, gazes, repetitive develop ment, obsession, indirect theatricality: Daniele Vezzani uses minimalistic scenic elements with sensible, knowledgeable awareness. (…) There’s a thin line between truth and games, between physical spontanei ty and the subsequent poses. I would say that this happens due to a reciprocal exchange of director (ar tist) and scene (daughters), in a fascinating flow of crossed similitudes. This thin line makes still moments positively ambiguous, turn s our gazes reflective, and concentrates the atm osphere. (…) There are flat depths that don’t allo w you to see the world around you; sweate rs, hoodies and t-shirts that look the same, like uniforms, unknown to one’s interior prism; executive techniques that carve out colour like liquid diamond. All of this allows an obsession fue led by apparent repetitiveness. Because, let’s not forget, true obsessi on has one main characteristic: reiterating an idea so long as it’s nev er the same as itself. The opposite of radicalilty is the mil limetric changes that surround one’s own profound hypothesis.

Corpo, sguardo, sviluppo ripetitivo, ossessione, teatralità indiretta: Daniele Vezzani utilizza il minimo degli elementi scenici dentro una sensibile volontà di conoscenza. (...) C'è un sottile incastro tra la verità e il gioco, tra la fisicità spontanea e la posa conseguente. Direi che avviene per uno speculare trapasso della regia (artista) nella scena (figlie), per un fascinoso scorrimento di similitudini incrociate. Tale incastro rende positivamente ambigui gli istanti bloccati, riflessivi i nostri sguardi, concentrata l'atmosfera. (...) Ci sono fondali piatti che non concedono rimandi al mondo circostante; magliette, felpe e canottiere che sembrano una divisa di integrazione anonima col prisma interiore; tecniche esecutive che intagliano il colore come un diamante liquido. Tutto ciò rende possibile un'ossessione che si alimenta di apparente ripetitività. Perché, ricordiamolo, la vera ossessione ha una caratteristica: reiterare un'idea a patto che non sia mai uguale a se stessa. Il lato oppositivo dei viaggi radicali sta nel cambio millimetrico che racchiude la propria ipotesi di profondità.

DANIELE VEZZANI/ "PIETÀ" 2010 GRAFITE SU CARTA, CM 100X140 - COURTESY ARTIST

"Il disegno è l'essenziale di ogni atto creativo, per questo il segno è sempre pura espressione dell'essere."

Drawing is essential for every creative action, and thus one’s strokes are always a pure expression of their being.

FEDERICO VECCHI/ "AUTORITRATTO" 2009 RAPIDO SU CARTA A4 CM 13X18 - COURTESY ARTIST

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

DRAWING IS BEING AMAZED AT YOUR FIRST IDEA.”

157

FEDERICO VECCHI

CANTIERE DISEGNO/ DRAWING STUDIO

DANIELE VEZZANI

PH OT O

EM IL IO

SA LV AT OR I

CINETECA COMUNALE

BIBLIOTECA GAMBALUNGA/ SALE ANTICHE

GALLERIA DELL’IMMAGINE

PALAZZO

GAMBALUNGA

RIMINI Via Gambalunga, 27

L E O N A R D O S O N N O L I / DEAR DADDY-LONG-LEGS

Il lavoro grafico di Leonardo

Sonnoli

esposto nelle sale antiche

di Rimini. Gambalunga

BIBLIOTECA GAMBALUNGA/ SALE ANTICHE

SONNOLI

is shown

in the antique

della Biblioteca rooms of

Rimini’s Gambalunga

Library. LEONARDO SONNOLI/ “NOW” - COURTESY ARTIST "1893-2013 120TH VLADIMIR MAYAKOVSKY " - COURTESY ARTIST

BIBLIOTECA GAMBALUNGA/ SALE ANTICHE, VIA GAMBALUNGA, 27 RIMINI

LEONARDO

161

160

LAZMAG

dear daddy-long-legs

Leonardo Sonnoli’s artwork

LEONARDO SONNOLI/ “NEVER” - COURTESY ARTIST "FIFTEEN POSTERS IN FIFTEEN METER/ NUMBER TWO " RHODE ISLAND SCHOOL OF DESIGN - GRAPHIC DESIGN GALLERY, 2012 - COURTESY ARTIST

A selection of Leonardo Sonnoli’s books and posters will be shown in the antique rooms of Rimini’s Gambalunga Library. The exhibition’s title,“Dear DaddyLong-Legs”, evokes the letters sent by the protagonist of Jean Webster’s famous novel, Daddy-Long-Legs, in which she thanked the mysterious benefactor who helped her through school. Similarly, Sonnoli wished to pay homage to Alessandro Gambalunga of Rimini, who created the first public library in Italy, by using his posters as open letters to the ancient library’s bookshelves. Sonnoli considers the connection libraries can give to the past to be fundamental in creating true works of art. His drawings take advantage of objects’ form and function by projecting letters onto them, thus restoring their verbal nature and granting shape to words’ intent. Mallarmè’s liberation of the page, the Futurist typographical revolution, Group 63 and Group 70’s use of books as a political instrument, the destruction of the alphabet and the fugue of lyrical poetry from the confines of letters, the dematerialization of artistic objects, conceptualist artists’ use of words; all these are chapters of an ideal library that have greatly influenced visual comunication.

163

162

UNA SELEZIONE DI POSTER E LIBRI PROGETTATI DA LEONARDO SONNOLI VERRANNO ESPOSTI NELLE SALE ANTICHE DELLA BIBLIOTECA GAMBALUNGA DI RIMINI. IL TITOLO "DEAR DADDY-LONG-LEGS" SI RIFÀ ALL'INCIPIT DELLE MISSIVE INVIATE DALLA PROTAGONISTA DEL CELEBRE ROMANZO DI JEAN WEBSTER, PAPÀ GAMBALUNGA, IN CUI RINGRAZIAVA IL MISTERIOSO BENEFATTORE CHE LA SOSTENEVA NEGLI STUDI. ALLO STESSO MODO, SONNOLI VUOLE RENDERE OMAGGIO AL MECENATE RIMINESE ALESSANDRO GAMBALUNGA, AL QUALE DOBBIAMO LA PRIMA BIBLIOTECA PUBBLICA IN ITALIA, USANDO COME MISSIVE I SUOI POSTER ESPOSTI IN DIALOGO CON LE SCAFFALATURE DELLE SALE ANTICHE. PER L'AUTORE, INFATTI, E' FONDAMENTALE NEL SUO LAVORO IL RAPPORTO CON IL PASSATO ATTRAVERSO LA "BIBLIOTECA", CONSIDERATA VERO STRUMENTO DI PROGETTAZIONE. IL DISEGNO CHE PRENDE IL SOPRAVVENTO NEGLI ARTEFATTI VISIVI DI SONNOLI È SOPRATTUTTO DI NATURA VERBALE IN CUI LE LETTERE VENGONO PROGETTATE AD HOC NELL'INTENZIONE DI RESTITUIRNE IL SIGNIFICATO ANCHE DALLA FORMA. LA LIBERAZIONE DELLA PAGINA DI MALLARMÈ, LA RIVOLUZIONE TIPOGRAFICA DEI FUTURISTI, IL LIBRO COME STRUMENTO POLITICO DEL GRUPPO 63 E DEL GRUPPO 70, LA DISTRUZIONE DELL'ALFABETO E LA FUGA DALLA PAGINA DELLA POESIA SONORA, LA DEMATERIALIZZAZIONE DELL'OGGETTO ARTISTICO E L'USO DELLA PAROLA DA PARTE DEGLI ARTISTI CONCETTUALI, SONO ALCUNI DEI CAPITOLI DI UNA IDEALE BIBLIOTECA CHE HANNO INFLUENZATO LA COMUNICAZIONE VISIVA.

LAZMAG

"LE MIE BAMBINE SONO TUTTE UN PO' ALICE, ALLE PRESE CON UN CORPO IN TRASFORMAZIONE, IN UN MONDO IN CONTINUA METAMORFOSI. UN MONDO CHE È ILLOGICO E INCONTROLLABILE NELLA SUA STESSA NATURA. LE GONNE SONO UN ELEMENTO CON CUI MI PIACE GIOCARE. SONO ESTENSIONI DEL CORPO CHE EMANANO MAGIA E POTERE, SPESSO AL CENTRO DELLE TRASFORMAZIONI DELLE MIE PICCOLE DONNE."

164

NICOLETTA CECCOLI È NATA NELLA REPUBBLICA DI SAN MARINO, SI È DIPLOMATA PRESSO L'ISTITUTO D'ARTE DI URBINO, NELLA SEZIONE CINEMA D'ANIMAZIONE. HA ILLUSTRATO NUMEROSI LIBRI PER BAMBINI, PRINCIPALMENTE IN ITALIA, STATI UNITI E REGNO UNITO. HA ESPOSTO LE SUE OPERE IN GALLERIE DI TUTTO IL MONDO. I personaggi sognanti

della mente di Nicoletta sono stati influenzati da artisti come Remedios Varo, Piero Della Francesca, Mark Ryden, Edward Gorey. L'amore che ha da sempre per le bambole si riflette spesso nelle sue figure dipinte, che sono permeate di una semplicità ingannevole e hanno volutamente titoli che soddisfano molteplici livelli di lettura. I lavori di Nicoletta colpiscono per il delicato equilibrio tra dolcezza e inquietudine. Ogni immagine è una storia congelata che stimola l'immaginazione dello spettatore e ispira un livello più profondo di considerazione. I suoi disegni sono poesia visiva e metafora a più livelli. Al primo sguardo, le sue immagini si presentano infantili e innocenti. Ma se osservate più in dettaglio, le creazioni deliziose di Nicoletta rivelano una ricchezza di intricati e provocanti dettagli.

“FISH -IGIRL Artist l i ”k -e Courtesy to

“SHERYL” - Courtesy Artist

Mostra in collaborazione con "Mare di Libri - Festival dei Ragazzi che leggono" NICOLETTA CECCOLI WAS BORN IN THE REPUBLIC OF SAN MARINO, AND STUDIED CINEMA AND ANIMATION AT THE URBINO INSTITUTE OF ART. SHE HAS ILLUSTRATED NUMEROUS CHILDREN’S BOOKS IN ITALY, THE UNITED STATES AND THE UNITED KINGDOM. HER ART HAS BEEN DISPLAYED IN GALLERIES AROUND THE WORLD. The dreamy characters from Nicoletta’s imagination were inspired by influential artists such as Remedios Varo, Piero Della Francesca, Mark Ryden, and Edward Gorey. The love she has always had for dolls permeates the figures she paints, reflecting a deceptive innocence, while the titles of her art satisfy multiple levels of literary culture. Nicoletta’s work is striking due to its delicate balance between sweetness and unease. Every image is a frozen story that stimulates the viewer’s imagination and inspires a deeper level of consideration. Her drawings are visual poetry and multilayered metaphor. At first glance her drawings seem innocent and childlike. But if you look more closely, Nicoletta’s delightful creations reveal a richness of intricate and provocative details.

PALAZZO GAMBALUNGA/ GALLERIA DELL’IMMAGINE - IN COLLABORAZIONE CON: “MARE DI LIBRI” - FESTIVAL DEI RAGAZZI CHE LEGGONO

APERTI

A CURA DI ALICE BIGLI E GIANLUCA GUIDOMEI PRESSO GALLERIA DELL'IMMAGINE

experiment with the idea of skirts. They’re extensions of the body that emanate magic and power, and are usually at the center of my little women’s transformations.” Nicoletta Ceccoli

N I C O L E T T A C E C C O L I / SOGNI AD OCCHI APERTI/ DAYDREAMS

OCCHI

“All of my girls are a bit like Alice, having to deal with their bodies changing on them in a continuously shifting world. A world that, by its very nature, is illogical and uncontrollable.

165

SOGNI AD

DAYDREAMS

NICOLETTA

CECCOLI

LAZMAG

ISTITUTO MUSICALE

LETTIMI RIMINI Via Cairoli, 44

PHOTO BY GIOVANNI CALABRESE

PAOLO ROSA DISEGNI PER - DRAWINGS FOR studio azzurro

168

PAOLO ROSA/ PENSARE CON LE MANI/ THINKING WITH YOUR HANDS

A CURA DI (BY) Osvalda CENTURELLI & ROBERTO

PACI DALÒ "Si ringrazia per la collaborazione Laura Marcolini".

osa

Paolo Rosa “Coro” 1995 - Courtesy Studio Azzurro

PAOLO ROSA/ PENSARE CON LE MANI/ THINKING WITH YOUR HANDS

PENSARE CON LE MANI

All'interno del programma della Biennale Disegno Rimini viene presentata la prima mostra interamente dedicata al disegno dell'artista Paolo Rosa. Co-fondatore di Studio Azzurro nel 1982 Paolo Rosa ha creato con lo Studio nell'arco di tre decenni un imponente corpus di opere. Film, installazioni video interattive, pubblicazioni. Nonostante il disegno sia stato una pratica costante e quotidiana per Rosa, non è mai stata realizzata una mostra specifica che qui viene presentata per la prima volta. Benché cresciuto a Milano, Paolo Rosa è nato a Rimini ed ha sempre conservato un affetto particolare per la sua città natale passandoci tutto il tempo possibile “rubato” ai suoi continui viaggi in tutto il mondo per i progetti dello Studio. La città ha ricambiato questa dedizione premiandolo nel 2011 con il Sigismondo d'Oro (il premio che viene conferito ai cittadini che con la loro attività hanno onorato la città di Rimini nel mondo). In mostra sono esposti disegni che nella maggior parte dei casi sono stati creati in relazione ai progetti multimediali di Studio Azzurro. Disegni quindi strettamente intrecciati alla loro espansione nello spazio attraverso video, luce e suono. La scelta della sede (l'Istituto musicale Lettimi) è nata anche dal desiderio di creare un ambiente acustico ai materiali visivi esposti. Un suono che però non è una traccia audio pre-composta e diffusa nello spazio, bensì un suono vivente proveniente dalle aule, dalle classi dei vari strumenti, dalle prove degli ensemble e dell'orchestra. Una scelta questa debitrice dell'opera di John Cage sottolineando l'importanza del caso e dell'aleatorietà.   Con l'espressione “pensare con le mani”, Paolo Rosa ben sintetizza un suo approccio al mondo della creazione. Per lui il disegno si distacca dalla tradizione pittorica e plastica per rivolgersi alle nuove tecnologie. “È un gesto procreativo, perché comporta in sé sia la manifestazione del segno sia il concepimento dell'opera.” Per lui il disegno è l'anima di un'opera d'arte perché ne determina il ritmo, un po' come il montaggio nel cinema. Il disegno è quindi fortemente legato alla scansione temporale e “ritmo” diventa una parola chiave. Il disegno si colloca come raccordo tra linguaggi espressivi diversi ponendosi alla base della progettazione multimediale. Il disegno per Paolo Rosa è anche scatenante di un lavoro progettuale collettivo. È la lingua franca che permette la realizzazione di un'opera tecnologica complessa. Il disegno diventa l'elemento portante rendendo possibile una comunicazione immediata tra i vari soggetti. Il disegno è il modo per far incrociare in un unico momento tutti i punti di vista svincolandoli dai fraintendimenti e dalle ambiguità della comunicazione verbale. Il segno si mostra per ciò che è. Nudo nel suo apparire. I disegni di Paolo Rosa evocano anche un mondo giapponese. Una cultura dove il disegno, il tratto, è sempre stato importantissimo e dove è interessante notare come pensieri “alti” e complessi siano solitamente evocati da disegni “infantili”. Se guardiamo ai disegni di architetti, artisti, progettisti giapponesi il tratto comune è proprio questa semplicità che similmente emerge anche dalla mano di Rosa.

ISTITUTO MUSICALE LETTIMI

THINKING WITH YOUR HANDS

169

ISTITUTO MUSICALE LETTIMI

{

LAZMAG

DRAWINGS SHOW THEMSELVES FOR WHAT THEY ARE, NAKED AND UNMISTAKABLE.

The first exhibition dedicated entirely to the artist Paolo Rosa will be unveiled during the Biennale Disegno Rimini. Co-founder of Studio Azzurro in 1982, Paolo Rosa has created an impressive body of work in the span of three decades, including films, art installations, interactive videos, and publications. Even though drawings have always been a constant in Rosa’s life, before now there had never been a specific exhibition dedicated to presenting them. Paolo Rosa was born in Rimini, and even though he grew up in Milan he always kept his native city close to his heart, spending there all the time he “stole” from his other travels and Studio projects. In gratitude, the city of Rimini awarded him in 2011 with the Sigismondo d’Oro (the award that goes to citizens who, with their deeds, have honoured Rimini around the world). This exhibition features drawings that were mainly created together with Studio Azzurro’s multimedia projects. These drawings are thus tightly woven within the realms of light, sound and video. The choice of location (Lettimi Musical Institute) was also born from the desire to create an acoustic ambience a visual exhibition. This soundtrack is therefore not pre-made, but lives within the classroom walls, the instruments themselves and the orchestra’s rehearsals. This choice was due to John Cage’s work, which underlined the importance of chance and causality. With his expression

"thinking with your hands",

Paolo Rosa neatly summarizes his approach towards creative endeavors. He believed that drawing should detach itself from painting’s traditions and look towards new technologies. Paolo Rosa “Meditazioni Mediterrneo” 2002 - Courtesy Studio Azzurro

Paolo Rosa also believed that drawings are able to stimulate teamwork on projects. It’s the common language that allows the creation of technologically complex productions. Drawings are the keystone for immediate communication amongst participants. Drawings can, in a single moment, bring together every point of view and free them from the misunderstandings and ambiguity of verbal communication. Drawings show themselves for what they are, naked and unmistakable.

Paolo Rosa’s drawings are also evocative of the Japanese world. A culture where drawings, strokes of the pen, have always been very important, and where it’s interesting to note that complex, “noble” thoughts are usually represented by “childlike” drawings. By looking at the drawings of Japanese architects, artists and designers, a simplicity is revealed that’s also present in Rosa’s work. Studio Azzurro’s highly complex works (that best take advantage of innovative technologies) are thus born from these small drawings, which are finally in exhibition in Rimini. It’s a chance to enter the intimate world of Studio Azzurro’s workshop through the apparent simplicity of its art. Paolo Rosa (Rimini 1949 – Corfù 2013) è stato uno dei fondatori di Studio Azzurro, con Fabio Cirifino e Leonardo Sangiorgi, gruppo di ricerca artistica sui nuovi linguaggi. Da sempre interessato ai temi dell’interattività e del multimedia, ha realizzato installazioni, spettacoli, film e “musei narrativi”. È stato preside di dipartimento dell’ Accademia di Brera e autore di svariati libri sull’attività di Studio Azzurro. Feltrinelli ha pubblicato nel 2007 il doppio dvd+libro Studio Azzurro. “Videoambienti, ambienti sensibili”, che documenta il tragitto teorico e immaginativo del gruppo fin dalla sua fondazione nel 1982. Paolo Rosa (Rimini 1949 – Corfù 2013) along with Fabio Cirifinio and Leonardo Sangiorgi, was one of the founders of Studio Azzurro, a research group focused on new artistic languages. Ever interested in the themes surrounding interactivity and multimedia, they’ve created art installations, shows, films and “narrative museums”. Paolo Rosa was the head of department for the Brera Academy, as well as the author of many books regarding Studio Azzurro’s projects. Feltrinelli, in 2007, published the double DVD+book on Studio Azzurro, “Videoambienti, ambienti sensibili”, which documents the group’s theoretical and ideological journey since its founding in 1982.

Paolo Rosa “Il Giardino Delle Cose” 1992 - Courtesy Studio Azzurro

{

IL SEGNO SI MOSTRA PER CIO' CHE È. NUDO NEL SUO APPARIRE.

“It’s a conceptual action, because it brings about the conception of the work simultaneously with the manifestation of symbols.” According to him, drawing is the soul of a work of art since it determines its rhythm, a bit like editing in cinema. Drawing is therefore strongly linked with the passage of time, making “rhythm” a key concept. Drawings act as mediator between different expressive mediums by becoming the basis of multimedia projects.

171

È così che le opere altamente complesse di Studio Azzurro (che sfruttano al meglio le tecnologie più innovative) nascono proprio da questi piccoli disegni che possiamo finalmente vedere in mostra a Rimini. Un'occasione per penetrare nell'intimità dell'officina Studio Azzurro attraverso l'apparente semplicità di queste opere.

170

PAOLO ROSA/ PENSARE CON LE MANI/ THINKING WITH YOUR HANDS

ISTITUTO MUSICALE LETTIMI

Paolo Rosa “Tavoli” 1995 - Courtesy Studio Azzurro >

Villa Alvarado di Covignano

Museo degli Sguardi

LAZMAG

PALAZZO DEL PODESTÀ RIMINI Piazza Cavour

Via Delle Grazie,12

173

172

COVIGNANO di RIMINI

PHOTO BY GIOVANNI CALABRESE

LAZMAG

a cura di Luigi Pezzoli

TAVOLE CORANICHE IN LINGUA HAUSA

sud del Niger gli Hausa sono il gruppo etnico dominante. In lingua hausa alluna (al singolare allo) significa “tavole coraniche”, un elemento pratico e simbolico dell’educazione religiosa e della spiritualità di un popolo africano da tempo islamizzato. L’Islam di tradizione sunnita è infatti la religione attualmente praticata dalla stragrande maggioranza degli Hausa.

ruolo importante nella diffusione e nell’apprendimento dell’Islam è stato svolto, soprattutto nel passato, dalle confraternite di tradizione sufi che ne hanno fatto una pratica popolare, tollerante e mistica che ha trovato terreno fertile nella disponibilità religiosa ed esoterica di quei popoli. Ne è risultata una religione sincretica che mescola elementi dell’antica tradizione animistica con quelli dell’ortodossia musulmana.

logie documentano questi aspetti, dall’educazione religiosa alla magia, finendo quindi per assumere un’importanza più spirituale che non linguistica. La tavole per imparare a trascrivere in lingua araba i versetti del Corano sono denominate allon karatu. Per tutta la durata del corso vengono scritte, lavate e poi riscritte fino a quando l’allievo impara la corretta grafia. Nelle tavole si riconosce la mano dello studente, quella più incerta dell’inizio e quella con elegante grafia quando è diventato esperto nella scrittura.

KORANIC TABLETS IN LANGUAGE HAUSA

The Hausa are the predominant The Sufi Brotherhood had an The tablets used specifically to ethnic group in northern Nigeria and southern Niger. In the Hausa language alluna (singular allo) means “Koranic tablets”, which are a practical and symbolic element of the religious and spiritual education of the Islamic African populace. The Sunni tradition of Islam is the most commonly practiced religion amongst the majority of the Hausa.

important role in diffusing and teaching Islam in that part of Africa, especially in the past, making it a popular, tolerant and mystical practice that grew within the fertile ground of open-minded, esoteric people. Their religion therefore freely mixes parts of ancient traditional animism with Muslim orthodoxy. The different types of alluna document these aspects of life, from religious to magical education, and assume great spiritual and linguistic importance.

learn how to transcribe Koranic verses into Arabic are called allon karatu. Students write on them, clear them off, then continue until they learn the correct way to write. The student’s recognizably uncertain hand will improve as they gain expertise, giving way to elegant handwriting.

175

174

MUSEO DEGLI SGUARDI - VILLA ALVARADO

COVIGNANO RIMINI

ALLUNA TAVOLE CORANICHE IN LINGUA AUSHA

Nel nord della Nigeria e nel In quella regione dell’Africa, un Le alluna con le loro diverse tipo-

PROGETTO PER LA CARATTERIZZAZIONE DELLA ROTONDA TRA VIA D. CAMPANA E VIA B. TONI CON UNA INSTALLAZIONE PERMANENTE IN FERRO ZINCATO, PRATO E APPARATI LUMINOSI. EMBELLISHMENT PROJECT CONSISTING OF A PERMANENT INSTALLATION OF A LAWN, STREETLIGHTS, AND GALVANIZED IRON IN THE ROUNDABOUT BETWEEN VIA. D.CAMPANA AND VIA B. TONI. Un piccolo prato abitato da due letti, le gambe lunghissime. Dalla sommità, due cartellini di riconoscimento come per le culle dei neonati e due nomi: Pensione Oniria . Una camera d’albergo sprovvista di soffitto e pareti, una stanza aperta e ospitale. In luogo del soffitto, il cielo sopra Rimini. Le pareti: le sue strade, le piazze, le case. Un omaggio alla città dell’accoglienza ma anche del sogno. I giacigli di tutti gli alberghi, le stanze in affitto, le pensioni, e in epoche passate, le colonie estive diventano simboli di benvenuto, veicoli per la fabbricazione dei sogni.

UNA STANZA COSTRUITA PER ASCOLTARE SEGRETAMENTE LA VOCE DELLA LUNA.

progetto di

A small lawn hosts two long-legged beds. Upon them two name tags, like those on newborns’ cribs:

Pensione Oniria.

A hotel room without walls or ceiling; an open, welcoming room. The sky above Rimini acts as its ceiling. The streets, squares and houses are its walls. An homage to the city of dreams and greetings. Every hotel bed, room for rent, boarding house and, in past eras, summer colony becomes a welcoming symbol through which dreams are made.

A ROOM BUILT TO LISTEN SECRETLY TO THE VOICE OF THE MOON.

Claudio Ballestracci 177

176

PROGETTO ROTONDA

CLAUDIO BALLESTRACCI - PENSIONE ONIRIA RIMINI

LAZMAG

p re s e n t a

APPUNTI DI VISTA

Mostra di disegni di MARCO SMACCHIA

Niente poesia, solo disegni raccolti, come si raccolgono le idee, le forze, le cartacce per terra, le vecchie lavatrici abbandonate nei boschi e i pomodori maturi, più sul-reale che surreale. Una carrozzina in fiamme. Un carrello della spesa nella capanna del presepe. Tralicci dell’alta tensione. Case con nuvole sopra la testa e radici ai piedi. Montagne che sembrano scale che sembrano giocattoli. Parole che galleggiano nelle immagini. Animali veri e animali finti. Umani troppo piccoli o troppo grandi.

Mons Jovis Le Rocche Malatestiane, Contrada dei Nobili, Santarcangelo _16-25 maggio

178

SANTARCANGELO DI ROMAGNA

No poetry, only a few drawing, collected like ideas, like strength, like crumpled papers on the ground, like old washing machines abandoned in the forest with ripe tomatoes, more unreal than surreal. A pram in flames. A shopping cart in the nativity scene’s manger. Highly charged framework. Houses with clouds above their heads and roots at their feet. Mountains that look like stairs that look like toys. Words floating within images. Animals, real and fake. Humans who are too small, and too big.

CUTTER

CRISTIAN CHIRONI

Uno strumento tagliente asporta dalle immagini stampate tutto ciò che è in via d’estinzione o è già estinto: ghiacciai, fondali marini, panorami naturali, fiori, piante, animali. Immagine dopo immagine, attraverso la sottrazione, si formano nuove relazioni nella successione delle pagine, scavate con il fare di un botanico, il cinismo di un chirurgo e la svagatezza di un turista. […] Non è senza qualche perplessità che il naturalista si accinge a presentare le bellissime fotografie di questo libro. Egli si domanda se è veramente necessario accompagnare con un testo delle immagini che – scelte in base a criteri estetici – sono destinate innanzitutto ai lettori sensibili alla bellezza delle forme. Non obietterà forse qualcuno che l’identità delle creature rappresentate ha poca importanza? E che non mette conto di preoccuparsi della posizione che esse hanno nella natura? Il loro scopo e di farci provare l’emozione che suscita ogni opera d’arte perfetta, l’eccitazione intellettuale provocata da un’armonica disposizione delle masse. (J. Forest, Meraviglie dei Fondali Marini, Ist. Geografico De Agostini Novara, 1958).

Rimini, Biblioteca Gambalunga_ sabato 24 maggio

A cutting instrument removes everything that is going extinct, or is already extinct, from printed images; glaciers, ocean floors, natural panoramas, flowers, plants, and animals. Through subtraction, new relations are formed with the series of pages, image after image, dug up with a botanist’s style, a surgeon’s cynisism, and a tourist’s distractedness. […] The naturalist faced some perplexities while preparing to present the beautiful photographs in this book. He asked himself if it was truly necessary to accompany these images with words, seeing as they were chosen with aesthetic criteria in mind, for readers who are already sensitive to the beauty of forms. Wouldn’t someone object that the identity of the creations herein is of little significance? And that their identities don’t account for their place in nature? Thus, their goal is to evoke the emotion every perfect work of art creates; intellectual excitement caused by a harmonious disposition of the masses. (J. Forest, Meraviglie dei Fondali Marini, Ist. Geografico De Agostini Novara, 1958).

On growth and form 01

(La foresta equatoriale americana), libro d’artista intagliato a mano, 2010 (dettaglio)

DACIA MANTO Con On growth and form 01 Dacia Manto prosegue il suo progetto di esplorazione delle possibilità espressive del disegno nell’ambito della performance iniziato nel 2011. L’opera si sviluppa come un laboratorio aperto, un cantiere mutevole e in crescita, realizzato dall’artista utilizzando molti dei suoi lavori su carta. È la costruzione di un “luogo” attraverso il disegno, uno spazio-rifugio all’interno della quale Dacia Manto fa accadere delle cose celandosi allo sguardo del pubblico, il quale può solo cercare di spiare o ascoltare il divenire degli eventi. Tramite il corpo e la gestualità, l’artista porta il disegno oltre la sua naturale definizione diventando prima scultura, poi installazione e rendendo evidenti altri aspetti insiti nell’atto del disegnare come il tempo e la durata. Un’opera che cerca un’entropia generativa tra la tattilità del segno, la corporeità dell’artista e l’idea del disegno come sintesi massima del pensiero.

Dacia Manto, On growth and form, azione/ installazione, 2011 > Carta, disegno, suono. Particolari della performace ed installazione presso EX-BRUN, Farnespazio, Bologna.

With On growth and form 01 Dacia Manto continues his exploratory project on drawing’s expressive possibilities regarding the performance he began in 2011. The project is developed as an open laboratory, an ever growing and changing workshop made by the artist using many of his prior paper work. It’s the construction of a “location” through drawing, a space of refuge within which Dacia Manto makes things happen while out of sight of the public, who can only try to glimpse the events that are going on. Through physical gestures, the artist takes drawing past its natural definition by first becoming sculpture, then a proper installation, making other intrinsic aspects of drawing evident such as time and duration. It’s a project that searches for fertile entropy within the tactile nature of symbols, the artist’s own corporeal nature, and the concept of drawing as the absolute condensation of thought.

179

parte seconda

febbraio - giugno 2014

BIENNALE DISEGNO RIMINI / BIBLIOTECA GAMBALUNGA, RIMINI

a cura di Silvia Bottiroli, Rodolfo Facchettini e Marinella Paderni

BIENNALE DISEGNO RIMINI / MUSEO DELLA CITTÀ ALA NUOVA

BIENNALE DISEGNO RIMINI / SANTARCANGELO DEI DISEGNI

Disegnare la performance: Cristian Chironi, Dacia Manto

LAZMAG

Santarcangelo per l’arte contemporanea

Focus Fondazione culture Santarcangelo a cura di Francesco Bocchini e Claudio Ballestracci

STILISTI E FUTURI STILISTI

CRISTALLINO - INDAGINE SUL CONTEMPORANEO LUOGHI PER LE ARTI VISIVE

Investigation into the contemporary. Places for visual arts

p r e s e n ta

FEDERICO MORONI FLAVIO NICOLINI GIANFRANCO ZAVALLONI. Un’esposizione in tre atti

L’opera di 15 ARTISTI.

LA QUADRERIA

in collaborazione con Biennale Disegno Rimini

LABA

RIMINI

LIBERA ACCADEMIA BELLE ARTI Legalmente riconosciuta (D.M. 27/04/2000)

MUSAS – Museo storico archeologico Via della Costa, 26 - Santarcangelo

Drawn writing. Artist’s and writer’s notebooks between drawing, words, and routine invention. A collection of notepads, notebooks and small sketchbooks where writing and drawing tell the individual tale of the artist’s creative process and personal experiences.

Quaderni di artisti e scrittori contemporanei tra disegno, parola e invenzione quotidia Una raccolta di taccuini, quaderni e piccoli libri da sfogliare in cui la scrittura e il disegno sono traccia del processo ideativo e dell’esperienza creativa di ogni artista, in modo del tutto individuale.

RESIDENZA UNIVERSITARIA (EX HOTEL PALACE)

in collaborazione con Ass.ne Dogville

SANTARCANGELO DI ROMAGNA

RIMIN I 16 MAGGIO - 30 GIUGN O

Il cinema d’animazione di Gianluigi Toccafondo DOMENICA 18 MAGGIO incontro con GIANLUIGI TOCCAFONDO e MASSIMO SALVUCCI a seguire proiezione dei film di animazione.

La Laba - Libera Accademia Belle Arti - di Rimini che ha scelto la moda come vocazione privilegiata del suo insegnamento apre al pubblico il taccuino dei suoi disegni. La sezione di Progettazione Artistica per l’Impresa presenta i bozzetti degli studenti, messi a confronto con quelli di alcuni stilisti professionisti, in uno scambio che non sia né di competizione, né di emulazione, ma di dialogo imprescindibile, tra passato presente e futuro. “Il corpo abita nel vestito. L’abito è la sua casa manifesta, quella aperta al pubblico, con cui ci presentiamo al mondo, dando a lui delle coordinate per conoscerci. I nostri vestiti sono una delle forme più dirette di comunicazione, sono un proclama con cui diciamo tacendo, come siamo fatti. Gli abiti sono un anticipo sull’anima, un indizio dello spirito. L’artista austriaco Hundertwasser aveva teorizzato uno schema per cui l’uomo viveva entro cinque pelli ovvero: l’epidermide, i vestiti, la casa, la società e l’ambiente, con cui intessere rapporti armonici. I vestiti sono dunque, la seconda pelle a fare da ponte tra noi e l’universo. Disegnare abiti non significa limitarsi all’involucro, ma creare una immediata relazione con gli altri, dare corpo a un pensiero, per l’appunto rivestirlo.” S.F.

RESIDENZA UNIVERSITARIA (EX PALACE HOTEL), RIMINI

LA SCRITTURA DISEGNATA.

Santarcangelo 12•13•14 Festival Internazionale del Teatro in Piazza

Biennale Disegno Rimini

Circolo Dogville Santarcangelo

Biblioteca Comunale “A.Baldini” Santarcangelo

Associazione Calligraphie Cesena

LABA RIMINI Via Roma 64/b - 47921 Rimini T 0541 27449 - F 0541 627436 - www.accademia.rimini.it info@accademia.rimini.it

181

180

In collaborazione con

Assadour, Enrico Accatino, Amerigo Bartoli, Leonardo Castellani, Gisberto Ceracchini, Arnoldo Ciarrocchi, Tano Citeroni, Bruno Caruso, Bruno Conte, Michelangelo Conte, Pietro Consagra, Pirro Cuniberti, Filippo de Pisis, Ilario Fioravanti, Riccardo Francalancia, Lino Gentili, Aldo Gobbi, Pietro Guida, Renato Guttuso, Tom Lyons, Mino Maccari, Mario

LAZMAG

Enrico Accatino, Assadour, Amerigo Bartoli, Tito Balestra, Leonardo Castellani, Bruno Caruso, Tanino Chiurazzi, Tano Citeroni, Pietro Consagra, Michelangelo Conte, Pirro Cuniberti, Filippo De Pisis, Enotrio, Eliano Fantuzzi, Ilario Fioravanti, Riccardo Francalancia, Lino Gentili, Giuliano Giuliani, Aldo Gobbi, Tonino Guerra, Pietro Guida, Renato Guttuso, Pietro Lenzini, Tom Lyons, Mino Maccari, Mario Mafai, Tinin Mantegazza, Mauro Masi, Gino Marotta, Gino Montesanto, Elio Morri, Roberto Neri, Mokichi Otsuka, Franco Poli, Giò Pomodoro, Domenico Rea, Nino Ricci, Amelio Roccamonte, Ottone Rosai, Manlio Sarra, Vanni Scheiwiller, Antonio Scordia, Flaminia Siciliano, Leo Simoni, Leonardo Sinisgalli, Mario Sironi, Alberto Sughi, Giovanni Tamburelli, Nino Tirinnanzi, Antonio Vangelli, Renzo Vespignani,

Renato Guttuso

Tono Zancanaro, Cesare Zavattini.

Una mandorla verde nelle tue mani enormi un fiammifero spento che traccia una figura dolente come te, come te refrattaria alle mode che passano. È storia d’ogni giorno non piacere agli sciocchi (Tito Balestra, Versi per Ottone Rosai)

A green almond in your enormous hands a spent matchstick traces a figure as painful as you, as unwilling as you towards the passing styles. It’s every day history not pleasure for fools (Tito Balestra, Versi per Ottone Rosai)

QUASI UN SECOLO DI «DISEGNO» NELLE COLLEZIONI DELLA FONDAZIONE TITO BALESTRA

Almost a century of «drawings» in the Tito Balestra Foundation’s collection

a cura di Flaminio e Massimo Balestra

La Fondazione Tito Balestra nacque per salvaguardare la collezione di un poeta; in una società più interessata a collezionare danari e poteri fu quantomeno anomala la volontà di preservare “un angolo di poesia”. Le opere d’arte messe assieme da Tito Balestra furono composte in una collezione secondo peculiarità del tutto personali e non assecondando le esigenze del mercato o delle mode del tempo; in ogni dipinto e in ogni foglio raccolto è possibile percepire un disegno più profondo e esclusivo, quello di una precisa visione delle cose, senza sbavature d’occasione. Una raccolta che, a ben guardarla, pare rispondere alle medesime esigenze creative che lo indussero a scrivere i suoi versi. Tito Balestra predilesse collezionare l’arte figurativa del Novecento, con una particolare vocazione per il disegno e l’incisione, d’altronde, come scrisse Attilio Bertolucci, suggerendoci una traccia di lettura che potrebbe tornare utile anche per comprendere meglio le sue scelte di collezionista, «A proposito di pittura. Balestra la conosce benissimo e un po’, pigramente, ci traffica. Ma la sua poesia non ha quasi mai spessori di colore, è in bianco e nero, senza sbavature, come Maccari grafico». In occasione della prima edizione della Biennale del Disegno di Rimini, i curatori della mostra longianese, hanno inteso indagare i materiali delle collezioni della fondazione Balestra per effettuare una selezione, piuttosto corposa, di opere da presentare in due, distinte ma contigue, sezioni espositive a racconto, seppure parziale, di quasi un secolo di “disegno”; una con il proposito di ripercorrerlo attraverso lo sguardo intimo del Poeta e l’altra, più composita, a testimoniarlo con una cernita di opere facenti parte delle successive acquisizioni.

The Tito Balestra Foundation was born to safeguard just one poet’s collection; in a society more interested in collecting money and power, it seemed quite rare to try and preserve a “poet’s corner”. Tito Balestra’s works of art were created according to his own personal quirks, with no care for the market’s needs or current tastes; every one of his paintings and drawings leads towards a precise, profound perception of the world, without any compromises. This collection of art seems to stem from the same creative vein that compelled him to write his poetic verses. Tito Balestra loved to collect figurative 20th century artwork, as he was particularly fascinated by drawings and engravings. Besides, as Attilio Bertolucci wrote, giving us hints on how to best understand the collector’s tastes, «About those paintings; Balestra knows them very well and, lazily, trades them too. But his poetry never has unwarranted colours, it’s black and white, in the lines, like Maccari’s drawings.» In occasion of the first edition of the Biennale del Disegno di Rimini, the curators of the Longianese exhibition searched through the Balestra Foundation’s collection in order to select a wide array of artwork to place in two distinct, but related, sections in order to recount almost a century of “drawings”. One section was intended to be seen through the poet’s own eyes, while the other was made up of artwork the artist purchased later on.

183

182

CASTELLO MALATESTIANO DI LONGIANO - EX CHIESA MADONNA DI LORETO

QUASI UN SECOLO DI “DISEGNO” NELLE COLLEZIONI DELLA FONDAZIONE TITO BALESTRA

In mostra opere di:

Mafai, Tinin Mantegazza, Mauro Masi, Gino Marotta, Elio Morri, Franco Poli, Giò Pomodoro, Domenico Rea, Nino Ricci, Giorgio Amelio Roccamonte, Ottone Rosai, Flaminia Siciliano, Leonardo Sinisgalli, Mario Sironi, Alberto Sughi, Giovanni Tamburelli, Nino Tirinnanzi, Antonio Vangelli, Renzo Vespignani, Tono Zancanaro.

LAZMAG

COLLEZIONE FONDI LIBRARI BIBLIOTECA PIANA Mostra permanente di corali miniati CESENA - Piazza Bufalini, 1 martedĂŹ-sabato dalle 9.00 ogni 40 minuti ultimo ingresso alle 17.40

domenica e festivi dalle 10.00 ogni 40 minuti ultimo ingresso alle 17.20

185

184

ORARI DI VISITA DELLA PARTE STORICO-MONUMENTALE:

ALESSANDRO LA MOTTA. IDENTITÀ DISEGNO Galleria Gorza ‘Arco d’Augusto’ in collaborazione con l’agenzia NFC, Via XX Settembre, 32 Presentazione della mostra il 16 maggio 2014, ore 18.30 Orari: chiuso lunedì. Da martedì a venerdì 16.00-19.30; sabato e domenica 17.00-20.00 Durante Disegno Festival 16 - 25 maggio 2014, tutti i giorni 17.00-20.00 il 16 maggio ore 17.00-22.00; il 23 maggio ore 17.00-22.00 Info: Visite su appuntamento tel. 366 40 90 987

PIETRO ANCESCHI. CON MOLTA PRESTEZZA, DIPINTI, DISEGNI E INCISIONI LA PATRIA ADOLESCENTE NEI DISEGNI GUERRESCHI DI LEMMO ROSSI SCOTTI

Libreria Risorgimento di Luisè Editore, Corso d’Augusto, 76 Orari: 10.00-12.30 / 16.00-19.00 Chiuso domenica e martedì pomeriggio info: luiseeditore@gmail.com / tel. 0541 28755

a cura di Alessandra Bigi Iotti e Giulio Zavatta Galleria NFC di Amedeo Bartolini, Via XX Settembre, 32 Inaugurazione venerdì 18 aprile 2014, ore 18.30; Dal 18 aprile al 8 giugno 2014 Orari: da lunedì a venerdì 10.00-18.00; sabato e domenica su appuntamento Info: amedeo.b@agenzianfc.com / tel. 331 45 52 165

Libreria La Feltrinelli, Largo G. Cesare, 4

UN INSOLITO LUOGO DELL’ANIMA: UN INEDITO TACCUINO DI TOMMASO MINARDI E ALTRI DISEGNI DI P. JORIS, G .DE SANCTIS, G. GALLIARI, A. ISSUPOFF a cura di Anna Cucci e Paolo Rotili Antichità Isotta, Piazza Tre Martiri, 2 Orari: da giovedì a domenica 11.00-14.30 / 15.30-19.30 Info: annacucci@me.com / tel. 333 32 90 299

LA BRASILIANA DI ARNOLDO CIARROCCHI / MARESCA, BONNEFOY, MUSSAPI a cura di Walter Raffaelli

IL BEVITORE D’ASSENZIO, ILLUSTRAZIONI DI VIKTOR OLIVA PRAGA a cura di Nazzareno Cenerelli e Cristina Bianchi Grifondoro, vicolo Pescheria 4 - Via Cairoli, 5 Orari: 9.00-12.30 / 15.30-19.30 Info: grifondororimini@gmail.com / tel. 0541 24257

ANTONIO NOIA, ALTRE PAGINE, LIBRI BALLA/ SEGNI E DISEGNI a cura di Valerio Dehò

Dal 12 aprile all’8 giugno 2014. Inaugurazione 12 aprile, ore 19.00 Orari: lunedì - venerdì 10.00-20.00; sabato: 9.30- 20.00; domenica: 10.30-13.00 / 16.00-20.00 Info: rimini@lafeltrinelli.it / tel. 0541 788090

Raffaelli Editore, Vicolo Gioia, 10 Orari: 9.00-13.00 / 13.00-19.30 Info: raffaellieditore@rimini.com / tel. 0541 21552

MABEL MORRI. EPPUR SI MUOVE FRANCESCO CARNEVALI (1892 – 1987) DISEGNI Libreria Riminese di Mirco Pecci, Piazzetta Gregorio da Rimini, 13 Dal 16 maggio all’8 giugno 2014 Orari: 9.00-12.30 / 15.30-20.00 Info: www.libreriariminese.it / tel. 0541 26417

STEFANO TURCONI /TERESA RADICE. IN VIAGGIO CON VIOLA

Tavole tratte da Viola Giramondo, 2013 a cura di Serena Zocca

Libreria Viale dei Ciliegi, Via Bertola, 17 Dal 12 aprile al 15 giugno 2014 Orari: 9.00-13.00 / 15.30-19.30 chiuso i festivi e lunedì mattina Info: info@vialedeiciliegi17.it / tel. 0541 25357

in concomitanza con lo Smiting Festival 2014 SPAZIO GATE Via Tonini, 24/A , Cambia-menti associazione Culturale Dal 18 aprile al 20 maggio 2014 Orari: 18.00-20.00 Info: info@cambia-menti.com

EMANUELA CICORIA, MAZEL TOV. UN AUGURIO PER CHI RESTA

in concomitanza con lo Smiting Festival 2014 SPAZIO GATE Via Tonini, 24/A, Cambia-menti associazione Culturale Dal 4 all’11 maggio 2014 Inaugurazione domenica 4 maggio ore 17.30 Orari: 18.00-20.00

AUGUSTO GENNARI. CARTAVITA

a cura di Annamaria Bernucci e Andrea Bianchi SPAZIO GATE Via Tonini, 24/A, Cambia-menti associazione Culturale Dal 16 al 25 maggio 2014 ; Orari: 18.00-20.00

GIUSEPPE TOMASELLO. CONSERVA

a cura di Annamaria Del Bianco, Stefano Lombardelli Bruno Bernardi lampadari d’antiquariato, Via Dante, 13 Dal 15 marzo al 12 aprile 2014 Orari: 10.00-12.20 / 16.00-19.30. Chiuso domenica e martedì pomeriggio Inaugurazione di chiusura: sabato 12 aprile 2014, ore 17.00 Info: Per visite fuori orario contattare Bruno Bernardi, tel. 348 2430869

GLORIA SALVADORI. DA REGIONI DI ULTIMA LUCE/ FOTOGRAFIE DISEGNI a cura di Anna Maria Del Bianco e Stefano Lombardelli Bruno Bernardi lampadari d’antiquariato, Via Dante, 13 Dal 19 aprile all’8 giugno 2014 Orari: 9.30-12.30 / 16.00-19.30 Info: Per visite fuori orario contattare Bruno Bernardi, tel. 348 24 30 869

FILIPPO BERTA

a cura di Claudia Loeffelholz Augeo Art Space, Corso d’Augusto, 217 Orari: da martedì a sabato 10.00-13.00 / 16.00-20.00; domenica 16.00-20.00 Info: info@augeo.it

PENSIERO. CUORE DEL SEGNO/ DISEGNO OPERE DI

CORRADO CAGLI, UGO STERPINI, IRENE PODGORNIK, LORENZO RONCI

a cura di Moreno Mondaini Galleria NO LIMITS TO FLY, Via Aurelio Bertola, 17 Anteprima inaugurazione: venerdì 11 aprile 2014, ore 20.30 (è consuetudine della galleria) Dal 12 aprile all’ 11 maggio 2014 Orari: lun/ mart/ merc/ giov 17.00-19.00; ven 21.00-23.00; sab 10.00-13.00 / 17.00-19.00; dom 17.00-19.00

MARIANNA BALDUCCI. TEMPERINI, PENNINI E SCHIACCIAPATATE in collaborazione con ReeDoHub

ReeDoLab - Laboratorio di moda autoprodotta, Via Bertola, 86

Dal 12 aprile all’ 8 giugno 2014 Orari: dal lunedì al sabato 10.00-13.00 / 16.30-19.30. Chiuso il lunedì mattina e la domenica Nell’ambito di Disegno Festival 16-17 maggio 2014, dalle ore 17.00 alle 19.30 Live drawing: disegnatrice in vetrina La vetrina del ReeDoLab ospita Marianna Balducci in due sessioni di disegno in presa diretta per passanti curiosi Info: reedo@reedo.it

MARIA PIA CAMPAGNA. SPIRALI a cura di Roberto Semprini

Studio Associato Mijic Semprini C.so D’Augusto, 181 Dal 16 al 25 maggio 2014 Orari: 9.00-12.00 / 15.00-19.00 Info: tel. 0541 1831838

DAVIDE FRISONI. APPUNTI DI VIAGGIO METROPOLITANO Frisoni Art Lab. Via Balilla 25

Inaugurazione sabato 19 Aprile 2014, ore 18.30 Orari: dal lunedì al venerdì tutte le mattine; altri giorni e orari su prenotazione Info: info@davidefrisoni.com / tel. 339 32 37 273

JAANIKA PEERNA. ADVANCING-RETREATING.AVANZARE-ARRETRARE Disegni. Installazione Video. Live Performance a cura di Giuseppe Padula

‘Primo Piano’, presso studio legale Lombardi e Pacia, Via Garibaldi, 20

Inaugurazione venerdì 16 aprile 2014, ore 17.00 Orari: dal martedì al sabato 16.00-19.00, su appuntamento Info: giuseppe.padula@unirsm.sm / www.jaanikapeerna.net / tel. 335 67 48 986 - 338 76 09 080

GIOVANNI TOMMASO GARATTONI THE DECLINE OF WESTERN CIVILIZATION - EARLY YEARS 1984 - 1990

Studio d’architettura Garattoni, Via Macanno, 38/Q Info: visita su appuntamento tel. 335 81 72 168

ALDO RONTINI. MEMORIE, DISEGNI E CHINE

Spaziotempo studio d’antiquariato di Luciano Brandina, Corso d’Augusto, 204 Dal 16 al 25 maggio 2014 Orari: 9.30-12.30 / 16.00-19.30 Info: tel. 0541 26416 / 337 62 05 70

Dal “segno”

nasce il movimento.

Piazza Cavour, 12 - Rimini

biennale disegno rimini il nido delle idee da parmigianino a kentridge da hugo pratt a fellini

12 aprile - 8 giugno 2014 prima edizione info: (+39) 0541.53399 www.riminiturismo.it www.biennaledisegnorimini.it