LaCarne Magazine N71

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europa y latinoamérica

Nº71 - ABR 2018 - AÑO 7

calee arias y la frescura del Reggae

EXPERIENCIAS

extremúsika 2018 - Lúa Gramer - Fônal - Thorax

investigación

Decálogo para el éxito Robert Johnson

ENTREVISTAS

Ingravitö - David Ramos - Miel con Limón - La Fuga - Alessio Bondi

MÁS INFO

SUMARIO N71 aÑo 7 abr 2018

experiencias 06 extremúsika, 10 recomendaciones entrevistas mestizaje 30 Calee Arias y la frescura del Reggae 10 Lúa Gramer, Pop redondo y sin complejos 42 Ingravitö, con ganas de sentirse 12 Thorax y el Thrash Metal de su disco vivos “Manipulando” 46 La Fuga, 20 años de rock y los que 14 Fônal y su nuevo trabajo “Volando quedan en Olivença” 52 Improvisación Libre con David investigación 18 Bandas bolivianas - Decálogo para el éxito

24 Robert Johnson, el padre de la

Ramos

54 Miel con Limón, Rock cien por cien cubano

64 Alessio Bondi, pura inspiración y visión poética

música moderna

Calee Arias

y la frescura del Reggae

contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición

Colaboradores

alejandro pérez, OMAR VEGA, jorge ares, la chica boom, enrique falcó, ceci beltrán, j.g. entonado

Pedro Gallardo

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* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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Extremúsika 2018

10 recomendaciones Mestizaje

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l igual que en el anterior articulo sobre Extremúsika 2018 pudimos descubrir 10 recomendaciones de Metal, esta vez nos centramos en aquellas con la particularidad de la fusión de diferentes estilos.

THE PRODIGY

Los británicos son los grandes cabezas de cartel del festival. Los festivales extremeños ya llevaban varios años detrás de ellos, pero hasta ahora no los hemos tenido aquí.

Unos maestros de la pista de baile capaces de mezclar Electrónica, con Punk, Rock o ritmos jamaicanos.

Prodigy es una de las formaciones líderes en el panorama mundial de Electrónica, y sus directos han evolucionado con los años. Actualmente su live lleva guitarra, batería, sintetizadores, cantantes y bailarines.

Da igual los temas que toquen, todos son una bomba, los pogos que se vivirán en el recinto hípico serán inolvidables, por no decir lo nunca visto en Extremadura, y es que “Poison”, “Firestarter”, “Voodoo People”, “Their Law”, “Out of Space” son auténticos himnos sonoros.

No nos podemos perder a uno de los iconos mundiales de la Electrónica.

LA RAÍZ

Podría ser un cabeza de cartel perfectamente.

Los valencianos son la nueva generación de músicos encargados de llevar el mestizaje por todo el territorio español.

Sus directos llenan allá donde van gracias a la fuerza de su lírica, junto con la mezcla de Rap, Reggae, Ska o Rock, y el buen rollo que demuestran en el escenario, que contagia tanto a su público.

No podemos dejar pasar el contenido reivindicativo de sus letras y su compromiso social con otros colectivos.

En definitiva, un grupazo que ya disfrutamos en Granirock el año pasado, y volveremos a disfrutarlos este año.

MALA RODRIGUEZ

La sevillana es una maestra en esto de fusionar el Rap con otros estilos y tendencias.

Ha sabido rodearse de muy buenos artistas siempre, y de mantenerse en lo alto de la tabla, bien con sus canciones o con colaboraciones con otros artistas de muy diversa índole, desde Fermín Muguruza, El Coleta o El Guincho.

Es una diva del Rap nacional, en sus directos ahora va con banda, al contrario que en sus inicios, que iba con su Dj. Tiene tantos hits (“la niña”, “tengo un trato”, “la noche”) en su trayectoria, que su directo se convierte en indispensable.

GREEN VALLEY

El Reggae y Dancehall en España pasa por esta formación catalano-alavesa. Decir que son los reyes del Roots igual es excesivo, pero quizás no.

No se pierden un festival, y sin duda son los hombres a seguir en esto del Dub y de los soLaCarne Magazine

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nidos jamaicanos, además son reivindicativos y comprometidos.

Otra gran banda muy completa, 6 músicos en el escenario. Sin duda con ellos cambiará el ambiente del festival.

EL LANGUI

El vallecano es otra eminencia del Rap nacional, de los de la vieja escuela, y de los que mezclan el Rap con el Flamenco. Una lástima que ya no tenga su formación La Excepción, con la que pudimos disfrutarlos años anteriores, aunque de vez en cuando se juntan.

Su compromiso con su barrio, los niños y su conciencia social, tanto en el escenario como detrás de las pantallas cinematográficas, lo han convertido en una estrella que sigue haciendo lo de siempre, ser sencillo.

Un ejemplo de superación en todos los sentidos y de persona. Seguramente este concierto atraerá a toda la familia.

MÁRTIRES DEL COMPÁS

Los maestros del Flamenco fusión o nuevo flamenco.

Los sevillanos tuvieron su época dorada en la segunda mitad de los 90 y primera del nuevo siglo, luego se separaron, y ahora vuelven para recordar aquellos tiempos.

Son una eminencia en esto del Flamenco fusión con el permiso de Raimundo Amador o Kiko Veneno.

TONINO CAROTONE

Ex Tijuana in blue y Ex kojón Prieto y los Huajalotes. Tonino, a pesar de ser un verdadero amante de la música italiana, es navarro y se llama Antonio. Será un concierto cargado de aire fresco y diferente al resto de los del festival.

Escuchar su gran hit “Me cago en el amor” de su disco “Mondo Difficile” será un momento mágico. Pero no es ése su único disco, tiene dos más donde predomina el humor y la reivin-

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dicación, y eso será lo hermoso de este directo, poder reírte y disfrutar su comedia.

ASLÁNDTICOS

Los cordobeses son la banda más “indie” del festival. Son inclasificables por la alta variedad de estilos en sus canciones, que los hace más atractivos al público.

Ya estuvieron en un Contempopranea, y demostraron su nivel. Ahora con más carretera y tablas, seguro que su directo será más rico y a la vez esperado.

Tienen verdaderos hits como “Sin duda” o “Hoy ya está bien”, donde han sido números 1 en Canal Fiesta.

LOS NIÑOS DE LOS OJOS ROJOS

Grupazo extremeño de Folk fusión. Los cacereños son emblemáticos. Se han recorrido

medio mundo con su estilo de Folk balcánico o irlandés, junto con otros estilos como el Rap, Rock, Reggae o Funk.

Su interpretación del “Himno de Extremadura” o de “El Candil” serán de los momentos más esperados entre los extremeños, y de los más bailados.

Sus conciertos son un buen ejemplo de diversión pero también de reivindicación que bien lo veremos escenificado en la presentación de su nuevo disco “Regreso a la Comarca”.

ANTÍLOPEZ

Los onubenses son una pareja de cantautores donde mezclan todo tipo de estilos con el humor.

Estos cachondos son unos músicos que nos harán disfrutar de un espectáculo colorido y variado, que va desde el Flamenco, Cantautor,

Reggae o Cabaret.

Tienen alguna colaboración con O´funk’illo.

Quién sabe, lo mismo se vuelven a juntar en Cáceres y nos preparan alguna sorpresa.

Su Chiripop Absurdo Depresivo lo hemos podido disfrutar en gran cantidad de programas, especialmente relevante han sido sus apariciones en Buenafuente o un lugar llamado mundo, pero también en radios como M80 o 40 principales así como la2 noticias o el telediario de radio televisión española. ¶ Más información sobre Extremúsika 2018 en los siguientes enlaces:

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Lúa Gramer

Pop redondo y sin complejos La familia crece - Lúa Gramer y su disco “Día del Centro” LEER MÁS

Lúa Gramer, “Día del Centro” (2017, Clifford Records)

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iempre me gustaron los grupos con dos cantantes principales, especialmente si estos aúnan voz masculina y femenina.

Existen quienes disienten, pero les aseguro que no puede ser más positivo y enriquecedor para un grupo.

Esta paridad vocal suele en ocasiones crear problemas por aquello de la lucha de egos, ya que los músicos somos en ocasiones algo más gilipollas que el resto de seres mortales del planeta, pero sin duda es un riesgo que recomiendo correr en pos de todo lo bueno que resta por ganar.

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Desde los comienzos del grupo, Luis Gragera y Susana Merino tenían perfectamente claro qué es lo que querían afrontar con su nuevo proyecto, y aunque no ha sido fácil, a base de mucho trabajo han conseguido montar una banda realmente capaz de sustentar su sonido.

Luis y Susana, vocalistas de Lúa Gramer, saben que no disponen de las mejores voces del mundo, ni ostentan una capacidad técnica vocal exquisita, pero seamos francos... ¿Desde cuándo es eso algo indispensable para triunfar en el mundo de la música?

Lúa Gramer lo tienen claro. Trabajan sin prisa pero sin pausa, 3 EPs en apenas dos años, un formato en el que se sienten cómodos. Reminiscencias noventeras, tantas que han optado por el productor más inquieto de aquellos años

En “una vez más”, Luis Gragera nos recuerda a Chucho, en la canción más enérgica del EP, y en “San Juan” vuelve la esencia del grupo con temas Pop redondos, sin jodiuras, y ni mucho menos complejos.

del Pop independiente en españa, Paco Loco.

Las guitarras brillan con riffs precisos y bonitos (el propio Luis Gragera y el excelente guitarrista Manuel Mansilla), y la base es sólida y cuidada, nada menos que David González al bajo y Eugenio Abengozar a la batería.

Los teclados aportan lo justo para sonar en su momento y no molestar, incluso en ocasiones se presentan cual protagonista absoluto, como en el estribillo de la canción homónima “Día del Centro”, con diferencia la mejor canción y de más peso del trabajo del quinteto pacense.

Al igual que ocurre en otros grupos extremeños con voces masculina y femenina (por ejemplo, los cacereños Fônal), cuando más me gustan Lúa Gramer es cuando ambos vocalistas susurran al unísono, si bien como única crítica vocal añadiría que es muy costoso entender el total de las letras, una lástima porque sin duda las letras de Susana son atípicas e interesantes.

El nivel instrumental de los cinco miembros es sumamente alto, así como sus tablas y experiencia. Esperemos que sigan cosechando éxitos (recientemente han actuado en Los Conciertos de Radio 3, y ya van cerrando fechas en festivales regionales y nacionales), y grabando nuevos trabajos.

Quién sabe, igual el próximo es un LP. No obstante, lo importante son las canciones y las sensaciones que uno experimenta al escuchar estribillos como “Día del centro”.

Seguro que a ustedes también les vuelve loco ese teclado del estribillo de “Día del centro”.

Les confieso que la primera vez que lo escuché, además de erizar todos los pelos de mi piel, mi cerebro me llevó por un recorrido mágico a momentos maravillosos de mi adolescencia. Así que si aún no lo han descubierto, prepárense. ¶

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Thorax

y el Thrash Metal de su disco “Manipulando” 2015 que sale al disco, y que lograron presentar en varias ciudades de su país, y así mostrando su propuesta musical.

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esde Argentina llega Thorax presentando su nuevo material.

Thrash Metal es lo que nos ofrece esta banda, la cual se formó en el año 2001. Pese a muchos cambios en su alineación, la banda ha logrado mantenerse en escena, y el pasado año 2017 sacan el álbum “Manipulando”, con el cual han obtenido muy buenas reseñas en diversos medios.

Su primer trabajo discográfico fue el álbum “Armamento de Piel y Hueso”, que comenzaron a grabar en el 2013 y, por problemas de cambios de integrantes, no fue hasta el año

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Thorax y su disco Manipulando Pues hablemos de este nuevo material, que es un disco muy diferente a su anterior trabajo, “Armamento de Piel y Hueso”. Digo esto porque el sonido logrado es más contundente, que me imagino sea por los integrantes que ahora se encuentran en la banda, y que participaron en la grabación y aportaron lo suyo.

En la grabación participaron Claudio Martínez en la voz, quien también forma parte de la banda VDH, Martin Ramírez y Alexis Ortiz en las guitarras, Miguel Benito en la batería, y Leandro Berbetoros en el bajo.

músicos. Un tema donde se siente el poder de la música que han creado.

Todas las canciones están cantadas en español, con fuerte carga social que abarca a toda la sociedad en general. Ellos así lo han expresado, que les gusta mostrar y dar a conocer la realidad que se vive en su país, y así se aprecia en temas como Pesadilla Mortal, A Sangre Fría, Distorsión, Desaparición, Matanza y El Dios de la Destrucción.

El disco lo conforman 11 temas de un intenso Thrash, el cual ya se puede apreciar en el mismo comienzo donde utilizan un intro para ir ya mostrando por dónde viene la propuesta de estos argentinos. N.N es el segundo corte, donde ya arremeten con su furioso y corrosivo Thrash, violento y agresivo.

El Rey de la Mentira es un tema de riffs violentos y pegajosos que salen de las cuerdas de estos dos guitarristas, una voz acorde con el sonido desplegado. Un tema que no te dará tiempo para dejar de sacudir el cráneo, por supuesto si eres amante del buen Thrash.

Manipulando la Humanidad es el sexto tema, y para mí uno de los mejores del disco. Un sonido potente con un intenso Thrash, donde su vocalista hace gala de su registro de voz, con voces potentes agudas guturales y unos coros bien acoplados, así como el resto de los

El disco termina con un cover al tema de Slayer, éste es el Repentless, que les ha quedado muy bien. Por supuesto llevado al estilo de Thorax, pero sí que se la han montado genial.

Argentina es un país de donde han salido muchas bandas de Heavy Metal que se han dado a conocer por toda Latinoamérica, pero aquí está Thorax con un Thrash Metal potente y sin miramientos, de un gran nivel.

Hay que destacar la producción, que es excelente, el trabajo de arte del disco muy a tono con la música que nos entregan…, un trabajo de muy buena manufactura. Les recomiendo este álbum y esta banda a todos los seguidores del Thrash Metal. Aquí no se salva nadie de mover el cuello.¶

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Fônal, “Volando en Olivença” (2018)

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s una suerte que, en los derrotistas tiempos que corren, podamos contar con la fortuna de refugiarnos en la música de grupos que no temen ni soportan ningun atisbo de verguenza al cantar sobre lo maravillosa que puede ser la vida, y muy especialmente al amor (“¡Otra vez con esa ridícula obsesión con el amor!”), que, como tan dulcemente afirmaba John Lennon, no hace más que elevarte en toda esencia.

Todo lo que necesitas es amor Fônal y su nuevo disco “Volando en Olivença” El trío electrónico extremeño Fônal nos presenta nuevo EP, un formato en donde se sienten cómodos y albergan una felicidad pareja a la que aluden sus nuevos temas.

De nuevo estupendos riffs de guitarras de Rubio Salas y Alfonso Búrdalo, con programaciones suaves y nada machaconas, que forman una sólida base con unos bajos excelentes (en los que ha habido colaboración de David González Toro, de Lúa Gramer) que han subido de nivel en este trabajo.

Bajos sencillos, bonitos y efectivos, de esos que consiguen que quieras sentirlos en tu cara aunque no tengas ni puñetera idea de lo que es un bajo.

La voz de Inma González, tan dulce y soñadora que evoca sentimientos mágicos, siempre destaca con melodías Pop, auténticas protagonistas en las canciones de los cacereños, especialmente cuando susurra junto a la también maravillosa voz de Alfonso.

Frases directas al centro del corazón, (“Es-

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Fônal

y su nuevo trabajo “ toy volando sola en mi habitación... esto es amor”). Imposible escuchar el estribillo de la parte final de “Volando en Olivença”, canción homónima del disco, primer single y, sin duda, la más destacada junto quizás “1997”, sin que una gota fría resbale por tu espina dorsal y se te ponga la piel de gallina.

Bonita y romántica la historia de “1997”, que sin duda será el segundo single. Con textos dulces, sinceros, directos y también maravillosos (...dices que vas a quedarte acariciándome el pelo... sonrío y al mirarte siento fuerzas poderosas, te veo con otros ojos, eres con quien quiero estar...), referencias musicales a festivales como Contempopranea o a mitos musicales que a los “treintamuchañeros” nos marcaron sin duda, como The Smashing Pumpkins o The LemonHeads.

En segundo plano quedan temas como “Happy Faces”, que podría sonar perfectamente de fondo en un local Chill out; “Te desvaneces”, un tema muy tranquilo y de temática más intimista, también con gran bajo y guitarras; o “Piénsalo”, con un break machacón de bajo y percusión desconcertante durante todo el

“Volando en Olivença” tema, con voces de Inma muy susurrantes, que suenan como canciones más intimistas y parecen alejarse de ese sonido de positividad y amor de “Volando en Olivença” y “1997”, aunque sólo sea para compensar, ya que el EP incluye una nueva mezcla de un tema, “Tormenta Eléctrica”, increíblemente romántico, y de los mejores que ha escrito un grupo extremeño en los últimos 30 años.

Sin duda, una canción como ésta habría sido triple platino si se hubiera publicado a principios de los 90.

La remasterización aporta poco, quizás más protagonismo a las voces y algún dibujo de guitarra, algo más desnuda de produccion para conjugar con un resultado total algo más minimalista y acorde con el resto de canciones, pero suficiente para aunar esa temática romántica y optimista, que sin duda es la trama central de esta formación, que todo hay que decirlo, es de las más en forma en el panorama extremeño en los tres últimos años. ¿Se imaginan una vida sin amor? ¡Algo terrible! La historia del cine, que está irremedia-

blemente ligada al mundo de la música, nos cuenta desde su aparición historias de amor maravillosas junto a excelente música.

El Cabeza de la familia Trapp (Christopher Plummer) y el inolvidable escritor, hijo de la revolución, Christian (Un maravilloso Ewan McGregor) nos cantaban aquello tan bonito de que las colinas revivían con el sonido de la música.

A las personas nos pasa lo mismo, pero cuando nos introducen el amor en una buena canción..., qué quieren que les diga, el mundo se transforma en un oxígeno mucho más respirable.

Gracias a la feliz providencia, en 2018 existen grupos como Fônal, que aún siguen la máxima del viejo y vanidoso McCartney: “Silly Love Songs”... y con excelentes bajos... ¿Casualidad? No creo.¶

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Bandas bolivianas

Decálogo para el éxito

discos y conciertos se venden decentemente.

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í, lo sé. Es difícil creer que 10 mandamientos pueden guiar a cualquiera de las bandas bolivianas existentes al triunfo, sea cual sea el género que haga. Seamos realistas. Una banda de Metal no es igual a una banda de Rock latino, y puedo ofrecer diferencias más radicales (no me obliguen a sacar el Folklore y la Cumbia a la conversación).

Seamos realistas de nuevo y recordemos que aquí no existe una industria musical que valga el término, y que nuestra noción de triunfo se limita bastante.

Sin embargo, aun así creo que existen bandas bolivianas que, aunque lo nieguen, saben que no les ha ido tan mal: aman su música, la han grabado bien y con buena calidad y, claro, sus

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Quisiera decir que a las bandas bolivianas les esperan cosas mejores, pero debo ser honesta y afirmar que por ahora eso no es muy probable. Falta un largo camino.

Decálogo para bandas bolivianas Parte I Los primeros pasos se están dando, se pueden dar. ¿Cómo? He aquí mi decálogo. ¿Por qué? Porque ya se ha vuelto cotidiano encontrar algún músico/blogger/artista/etc. que ofrece su visión sobre determinada escena musical en Bolivia.

Todos dicen lo mismo, las mismas quejas, las mismas prescripciones también: “Así de mal estamos, así de bien deberíamos estar”. A ellos les agradezco, porque me han evocado esta pequeña fórmula. A las bandas bolivianas también, porque aunque no sea músico, amo

escribir sobre ellos, verlos crecer con su obra (y crecer con ellos también). ¿Cuán pertinentes son mis observaciones?

Usted, lector, dirá. He escrito sobre bandas bolivianas desde el 2014 y, obviamente, con el tiempo fui aprendiendo (aún lo hago).

Leí y seguí revistas de música boliviana desde el 2011, y aún recuerdo el olor de mi primera revista Metro y la portada de mi primera Rock&Pop. Pedí la opinión de varios músicos (varios apoyaron mi texto, muchos otros no).

Aun así, mantengo mi posición. ¡Comencemos!

1.Porsia, debería saber lo que hace.

Este proemio lo escribo inspirada en mí. Tocaba el bajo en varias pequeñas bandas bolivianas y todo siempre estuvo bien. Incluso me felicitaban luego de mis conciertos. “¡Qué bien tocas!”, “¡Qué capa!”.

Yo, una completa nena amateur, me sentaba

en mis laureles. El momento en el que mi última banda empezó a tornarse en algo más serio y, digámoslo así, experimentado (grabar, hacer videos y entrevistas a fanzines del exterior, tocar fuera de la ciudad y el país), caí. Caí totalmente.

Un productor independiente fue a escucharnos a un ensayo y me señaló. Yo, que no ensayaba casi nunca por mi cuenta y había olvidado casi todo de mis años de estudio en el Conservatorio, me di cuenta de que no estaba dejando avanzar el proyecto.

Después de todo, sí se necesita una buena base teórica, práctica, o el tiempo suficiente para llevar el ritmo del resto. ¿Usted quiere triunfar? Estudie y sepa tocar antes. Ahora bien, si usted no es parte del problema, no haga lo que me hicieron a mí. No aceptaron mi renuncia.

Mi banda creía que realmente no podían seguir sin mí, que no era ético incluso. Eso está mal. No escoja o mantenga a su banda baLaCarne Magazine

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sándose en el nivel de amistad o confianza.

Tristemente, todos somos prescindibles.

Una banda que triunfa cobra vida más allá de sus músicos (¿me puede nombrar todos los integrantes de Wara?), aunque puede suceder que aquellos miembros se instauren como pilares.

No me imagino Efecto Mandarina sin ninguno de sus 4 integrantes, por ejemplo, y eso significa que ellos sí lo han logrado. Porque saben lo que hacen y lo hacen bien.

2. Ni un cover frente al público. ¡NI UNO! Entiendo que quiere tocar el tema de esa banda que lo ha influenciado tanto, ese riff complejo que puede asegurar un mínimo de 5 seguidores de la banda por tocada. También es entendible que la banda recién se haya formado y que estén intentando encontrarse, ensamblar. ¡Toque! No hay problema, siempre y cuando no sea para un público. Si están empezando a componer, no sé si el público boliviano está dispuesto a ver su gestación y, menos aún, pagar por ello.

“Existen muchas bandas bolivianas que así comenzaron”, me objetaron varios músicos, pero su triunfo no se logró por las personas que los observaron en ese momento, sino por el público que llegó a escucharlos en la etapa de madurez y pasó la voz.

Cuántas veces me han contado entre risas acerca de lo mal que cantaba el vocalista de cierta banda, o el pésimo sonido del bajista de aquella otra. Ahórrese esos comentarios y salga al público cuando esté seguro de su proyecto y sus canciones.

“Los covers ayudan a jalar gente”, fue otra observación. Es cierto. A mí me atraen bastante.

Una vez fui al otro lado de la ciudad por un tributo de una banda que amaba. Salí decepcionada.

Los covers jalan una vez, pero el resto debería ser trabajo vuestro. Cuando su banda toque, intente no llenar los vacíos con covers. Deje

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de maleducar al público boliviano. Usted tiene permiso de hacer versiones de otros temas cuando su propuesta supere, o equipare, la de la canción original.

Piense en Taki Ongoy o Querembas, y los temas que hicieron alguna vez de Los Kjarkas.

Cuando los escuchaba, estaba escuchando a Querembas, estaba escuchando el disco de Taki Ongoy, de nadie más.

3. Concursar es sólo una fase.

Usted tiene su banda armada, han hecho unas cuantas composiciones y sienten que ya es hora del siguiente paso.

Bueno, pues les toca probar el escenario. No sólo van a tener la segunda opinión de personas que ya llevan años en esto, sino que van a ver la respuesta del público hacia sus temas y, aquí entre nos, esos incentivos de grabación o de instrumentos como premios a los primeros

lugares no le caen nada mal a nadie.

algunos géneros).

Existen batallas de bandas bolivianas, está la Juntucha, y hasta sugeriría sacar fecha en el Live Buzz para que la banda empiece a conocerse en ese nuevo nivel. La fase de concursos es eso: una fase.

Por otra parte, también existen niveles de dificultad. Si tu banda ha sido clasificada en el Illimani Metal, algo estás haciendo bien. ¿Me siguen el paso? Bandas jóvenes, a ustedes les hablo: ¡hagan buen uso de su tiempo!

Una banda que ya lleva años tocando no debería postularse, en mi opinión. Si ya tiene disco lanzado, menos. ¿Por qué? Porque les quita todos esos años de trabajo, de experiencia. Nunca verán a Hate en uno de esos concursos a menos que sean invitados o jurados, por dar otro ejemplo.

3. ¡Hay que saber hacer show!

“Lo que me gusta de Plika es que sabe hacer show”, me dijo un amigo luego de una presentación de ellas. La vocalista se movía de forma rebelde y atrevida en el escenario, hacía chistes entre canciones, y de fondo había un buen sistema de luces, además de videos de la banda.

Los concursos son para las nuevas caras, no para ellos. Si están ahí por necesidad entonces algo están haciendo mal. Si son jóvenes y están intentando una vez más, está muy bien. Luego de muchos intentos les sugeriría repensar el proyecto (Bolivia no está lista para

Si ya tienes banda, tocan bien, y tocan buenos temas (esto ya debe haber sido secundado por alguien) empiecen a fijarse en su show.

No satanicen la palabra, la música también entra por los ojos. Aún recuerdo cómo la vo-

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calista de mi banda nos decía que debíamos movernos más por el escenario, interactuar con el público si se podía.

Existen diferentes formas o estilos de show, ahora que lo pienso bien. Piensen en Boris, de Armadura, y cómo interactúa con el público en el momento cúspide de cada concierto, donde todos gritan ¡Sho! o ¡Jallalla! Lo he visto decenas de veces y el público nunca se cansa. Y es que está bien hecho, bien coordinado. Incluso el setlist.

El show hace mucho. Milagros, diría yo (Chicas Delfín, les debo una nota, es mi meta del 2018).

4. ¿Más de dos bandas? No es en serio.

Digamos que usted toca muy bien, toca buenos temas, hace un gran show. Obviamente va a llamar la atención. Los primeros en buscarlo serán los jóvenes que tienen grandes promesas de éxito para usted.

Hacer show comprende todo tipo de detalles, desde la vestimenta, hasta el orden de las canciones, el tiempo que se tome en afinar o las imágenes y luces. Un último y perfecto ejemplo está en Chicas Delfín, de Cochabamba.

Usted probablemente rechazará el proyecto, alegando lealtad, falta de tiempo o desapego al género que toca éste. ¿Qué pasa si se le acerca un músico de renombre? Usted lo considerará ¿Y si es justamente lo que usted buscaba y admiraba? Probablemente acepte.

Qué suerte que tiene esa ciudad de tener a tamañaza banda. Fue uno de los mejores conciertos que experimenté en La Paz. Estos muchachos se movían con tanta libertad y trance, que a los 10 minutos mi amigo -que no sabe bailar- agitaba sus manos de arriba abajo moviendo levemente las caderas, imitando al guitarrista.

Ahora, mi sugerencia: elija. Quizás no sea una sugerencia, sino una obligación. Piense en la banda de Matamba, en Llegas. Bandas serias exigen músicos serios. Una vez presencié cuando mi jefe en Axesso (el único programa de rock nacional que sigue con más de una década al aire) reprochaba a un músico tener 2 ó 3 bandas. Su banda había lanzado un pri-

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no nos pagarían, sino que nos darían la oportunidad de tocar en un festival o concierto que llevaba años en la escena.

Con el tiempo, empezaron a pagarnos los pasajes y eso se agradece bastante, pero yo sabía que algo de diferente debía ser con las bandas centrales o más seguidas. Y era lo justo…, creo. ¡Uff! La escena under es diferente a las demás, y aún me problematizo cuando hablo de ella. Sigue una lógica completamente diferente pero las bandas bolivianas de Metal que son más conocidas salen de ese esquema.

Creo que algunas de ellas se dieron cuenta de que vale más tocar 2 ó 3 veces al año, con buen sonido, en un buen teatro y con una buena preparación, que tocar cada semana en cualquier bar. La nueva ola del Thrash paceño se dio cuenta de que valía más gestionar sus propios conciertos, y eso también muestra una nueva fase para ellos. mer disco de calidad.

Mi jefe, con años de experiencia, sabía lo que significaría tener más de una banda. El muchacho, entre risas, le dijo que tenía prioridades, que no se preocupe.

No he escuchado material nuevo de esa banda desde ese entonces (en realidad me fijé ahora mismo y están trabajando en su nuevo material luego de 4 años -bastante tiempo para tal prioridad, ¿eh?- pero espero que mi tono de gravedad les haya llegado) (inserte risa de la escritora aquí).

5. Toque por gusto, pero hágase respetar. ¿Existen bandas de Metal de renombre en Bolivia? Claro que sí, y muy buenas. ¿Usted las escucha todas las semanas? NO. Yo creo que llega un momento en el que, si tu material es bueno y tu presentación también, todo debe cambiar.

Déjenme mencionar una vez más mi experiencia con la banda de Thrash. Recibíamos invitaciones a tocar todas las semanas. TODAS. Pero eran eso: invitaciones. Eso significa que

Nuevamente, creo que se trata de fases. Creo que todo el resto de bandas bolivianas que no ha llegado a este nivel ha omitido alguno de mis puntos previos o, simplemente, no busca lo que yo he puesto sobre la mesa como objetivo final.

De todas formas, creo que puedo mencionar a Alcoholika L.C. aquí y decir que es una de las pocas bandas que sigue con vida desde los 90, y las pocas veces que toca valen más -incluso en un nivel monetario- que tocar cada semana de invitados.

Los músicos también se deben hacer respetar, y llega una hora en la que deben ganar más por el “mínimo” esfuerzo (entre comillas porque aún así toma trabajo).

Valorar la calidad y no la cantidad demuestra la madurez de una banda. Y esto no lo están haciendo solamente las bandas bolivianas que llevan más de una década con vida. ¿Ven en vivo a Aviónica seguido? La respuesta, nuevamente, es NO. No le sugiero tocar cada semana, a menos que usted esté de gira. ¶

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Robert Johnson el padre de la mĂşsica moderna

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canciones que se escuchaban en los barracones de los esclavos negros. Este autor desarrolló una estructura que cambiaba el modelo de la canción en la música popular.

i en la entrega anterior hablábamos de un personaje rodeado de mitos (Django Reinhartd), hoy vamos a hablar del MITO, así con letras bien grandes: Robert Johnson, el “Abuelo del Rock and Roll”, el “Rey del Blues del Delta”.

También le debemos mucho a Alan Lomax, un etnomusicólogo que se dedicó a hacer grabaciones de estas músicas en distintas plantaciones y prisiones del sur (entre otros méritos, fue el primero en grabar a Muddy Waters, iniciando así las grabaciones de Blues para la comercialización).

Antes de entrar en materia, comenzaremos con un poco de historia del Blues, el padre del Rock, del Roll y de todo lo que suena a guitarra auténtica.

Robert Johnson y sus comienzos en la música

Robert Johnson y la Historia del Blues El Blues es la expresión principal (y casi única) del negro del Sur de Estado Unidos, su mayor legado, que narraba experiencias habituales de un sector muy oprimido, la expresión clara del sentimiento de una comunidad en la condición de esclavos.

El Blues se desarrolló a partir de voces y ritmos africanos, con tonos de dolor, lamento y añoranza de una libertad robada. Derivado directamente de los Griots (en la cultura africana, personas encargadas de transmitir el legado de los antepasados a través de poemas o canciones. Vamos, una especie de trovador), era fruto de la esclavitud y del auto-rescate de sus propias raíces.

Dentro del Blues tenemos diferentes estilos, perteneciendo nuestro protagonista al Blues del Delta, un estilo caracterizado por la forma tensa de cantar, con letras llenas de metáforas y la guitarra siempre con estilo sobrio.

Aparece el uso del buttleneck y del slide (una característica primordial para el posterior desarrollo de cualquier música basada en la guitarra), y un carácter repetitivo y sincopado.

Muy importante será la figura de W. C. Hardy, quien por primera vez pasó a partituras las

En cuanto a nuestro protagonista, no se sabe casi nada de su vida, y se han creado una serie de historias alrededor de su persona que nunca sabremos si son o no verdad. Supuestamente nació hacia 1911 en el Sur del Mississippi.

Hijo de esclava y huérfano de padre, será repetidamente maltratado por sus padrastros, hasta que por fin marcha de casa y empieza a escribir su propio camino.

Muy joven se enamoró y casó con una joven de 16 años, Virginia Travis, que moriría al año siguiente dando a luz al hijo de ambos. Éste será un momento decisivo en la vida de Robert, pues a partir de aquí se dará en cuerpo y alma al disfrute del sexo opuesto, hasta el punto de ser motivo de su propia muerte.

Robert comenzó tocando el arpa y la armónica, pero pronto se interesó por la guitarra, decidiéndose a tomar clases con Tommy Johnson, Ike Zinnerman, Willie Brown y Son House (si no los conocéis, éstos son los deberes de esta semana). Su técnica era mala, no era un gran guitarrista, y sus maestros desesperaban ante su falta de talento. Cansado, marchó y desapareció durante unos meses para regresar con una técnica mucho más depurada: aquí comienza su leyenda.

Robert Johnson y el comienzo de LaCarne Magazine

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una leyenda Este autor pasó de ser mediocre a poseer un estilo único que derivará en el formato de banda con instrumentos amplificados. Además, es el creador del estilo Picking, característico por el uso de todos los dedos de la mano derecha para tocar simultáneamente las cuerdas bajas acompañantes.

Pero ¿cómo consiguió esto? Pues según el propio Johnson contaba, una noche, en el cruce de la autopista 61 con la 49 de Clarkdale, vendió su alma al diablo para aprender a tocar la guitarra. Esperó a medianoche en el cruce con la guitarra en las manos hasta que llegó el diablo, al cual entregó la guitarra. Después el diablo se la devolvió y Robert empezó a deslizar los dedos por el mástil con la mayor de la excelencia. Y aquí comienza su andadura.

Tocaba a cambio de propinas, llevando una vida itinerante que acrecentaba su mito. Robert Johnson sintetizó sonidos originales del Mississippi practicando por las noches en los cementerios de la zona. Tal era su virtud que podía estar integrado en una conversación con una radio de fondo sin hacerle caso y, al día siguiente reproducir la melodía milimétricamente sin problema alguno.

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Durante su corta vida realizó 42 grabaciones, con 29 canciones legendarias, algunas grabadas dos veces. Fueron dos sesiones, la primera en un hotel de Texas alrededor de 1936, evolucionando el estilo a partir de un diálogo entre guitarra y voz, usando incluso 4 afinaciones diferentes.

Sus letras eran una mezcla de temas religiosos, sexuales y festivos, y Robert las grabó de cara a la pared, evitando que se le viera la cara y sus ojos poseídos al interpretar (ahí, alimentando bien el mito).

No se sabe muy bien la fecha de su muerte.

Se especula que fue con 27 años, y aunque no se sabe con certeza, la teoría más aceptada es que fue asesinado con veneno por un marido celoso y engañado. Hay tres tumbas con el nombre de Robert Johnson, sin embargo ninguna pertenece al guitarrista. Sus amigos decían que fue enterrado bajo un árbol en un cruce de caminos (por si alguien había olvidado su encuentro diabólico).

Robert Johnson es el padre de la música moderna y un prototipo del negro del Sur, sin más esperanzas de futuro que el sabor del alcohol y del sexo. Y así fue…¶

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Calee Arias y la frescura del Reggae

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Fotografías por Javier Pulpo Texto por Pedro Gallardo

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o primero que te llama la atención cuando conoces a Calee Arias es su serenidad y su alegría. Descubriendo al momento que su personalidad positiva es la que ha impregnado de buenrollismo cada uno de sus temas, y no es una fórmula prefabricada más.

Así es Calee Arias: natural, fresco y auténtico.

Y su Reggae también. Sus temas en directo te transportan a un mundo donde el esfuerzo es recompensado, donde el famoso “querer es poder” se cumple sin ninguna condición adversa, y donde el Reggae es el único timón que dirige de forma directa tu vida hacia la auténtica felicidad.

Calee Arias se presenta en una gira que le llevará por varios países de 2 continentes, mientras prepara su próximo trabajo musical.

Si tienes la suerte de que pase por tu ciudad, no deberías perder la oportunidad de verle en directo.

Calee Arias se ha convertido en uno de los nombres a tener en cuenta dentro del Reggae europeo, y nosotros tenemos la suerte de verlo.

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inicios de calee arias Siempre es un placer hablar con el gran Calee Arias. Ya sabes que nos gusta conocer los inicios de los artistas. Podrías contarnos cuándo y por qué decides dedicarte a la música.

Hola, muy buenas chicos! Primero de todo, un placer poder contar un poco acerca del trabajo que estamos haciendo, y muchísimas gracias por la oportunidad.

Desde siempre me gustó escribir, y de muy joven, como pasó con muchos, empecé con un poco de Hip Hop. Poco a poco me fui interesando más por el mundo de los instrumentos, hasta que un día conocí a una chica que tocaba muy bien guitarra y piano, y poco a poco ella me fue enseñando.

Por ese entonces yo trabajaba en la cocina (mi profesión original es chef), y un día, cansado de no tener tiempo para mí y estar metido entre fogones, decidí emprender una aventura nueva. Cogí mi guitarra y simplemente me fui a tocar al centro de la ciudad.

En ese momento compaginaba lo que era mi trabajo en la cocina con salir a tocar a la calle, hasta que un día tomé la decisión de hacer sólo lo que me llenaba de verdad, y dejé la cocina a un lado e iba todos los días a la calle tocar. Algunas veces iba solo, y otras con amigos.

De repente empezaron a contratarme para tocar en bares y en fiestas privadas, y, junto a un gran amigo que ya no está, dimos muchísimos conciertos, y así, poco a poco, la pequeña burbuja que comenzó siendo una utopía para mí se transformó en distopía, y hoy por hoy vivo en un sueño constante, aprendiendo mucho cada día de la gente que me encuentro en el camino. ¿Tenías claro desde tus comienzos que querías hacer música Reggae? ¿Has probado

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otros estilos musicales?

Claro, claro. No lo tenía, pero desde siempre me ha gustado mucho ese estilo, y supongo que en la época en la que empecé a hacer música estaba muy influenciado por el Reggae. Es un estilo que me llena mucho, principalmente porque encaja en muchos aspectos con mi manera de ver las cosas, con las ganas de ver un mundo en unidad y en paz.

Respecto a los estilos, me encanta el Funky, el Soul, los ritmos latinos, Afrobeat y las músicas del mundo en general, e intento que se note en las canciones.

pay-pay tour 2018 Ahora mismo estás metido de lleno en la Pay Pay Tour con la que recorrerás una buena parte de España. Háblanos de esta gira ¿de cuántos conciertos estamos hablando? ¿Qué ciudades vas a visitar?

En primer lugar agradecer a Pay Pay y a Extremareggae (Plataforma promoción musical) la oportunidad de poder vivir esta experiencia.

La primera parte del Pay Pay Tour 2018 consta de alrededor de unas 20 fechas, en las cuales visitaremos Galicia, Formentera, Mallorca, parte de la geografía extremeña y con muchas más fechas y ciudades por confirmar. También

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alguna que otra sorpresa en cuanto a festivales internacionales se refiere.

En esta gira te acompañan un buen puñado de buenos músicos. Háblanos de Tha’Groove Elements ¿Cómo los conoces y cuándo surge la idea de que te acompañen?

La idea surge en Mallorca, durante la gira del artista jamaicano Likle Mystic. Su manager, Javier Pulpo, y él visitan Mallorca, e inmediatamente se crea una conexión de amistad y musical. Mantuvimos el contacto y poco a poco fue creciendo esa amistad, hasta que sentados en Rototom trazamos un plan.

Tha´Groove Elements nace para acompañar la gira de Likle Mystic, y en este caso me acompañarían a mí. Me los presenta Javier Pulpo una semana antes de comenzar el Pay Pay Tour 2018, y enseguida hay un feeling musical muy bonito, y aquí estamos. A día de hoy Tha´Groove Elements sigue creciendo en cuanto a músicos y experiencia.

Aparte de un directazo Reggae, ¿qué va a encontrar el público en los conciertos de la Gira Pay Pay? ¿Tienes preparado algo especial en alguno?

Regalaremos artículos Pay Pay con cada entrada. Ya cuando tuvimos la oportunidad de telonear a The Originals Wailers decidimos regalar Cds al público.

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Un evento muy especial es el del día 30 de Abril organizado por mí mismo, en el que estaremos junto a Chalart58, Matah, Stranjah Miller y Wagwaan Studio. Será en un lugar mágico de Mallorca llamado Sa Possessió “Fullmoon Party”. ¿Cuánto se prolongará esta gira? ¿Tienes en mente cruzar el charco y visitar Latinoamérica? Seguro que allí tendrás un montón de seguidores.

Si todo marcha y el universo quiere, hasta finales de 2018. Sobre lo de cruzar el charco estamos en ello con proyectos en conjunto junto a grandes artistas colombianos.

videoclip y nuevo disco En algunos vídeos de tu canal de Youtube cuentas con colaboraciones especiales, como la de Hermano L. ¿Este tipo de colaboraciones son habituales en tus conciertos? ¿Hay alguien en particular con el que te gustaría compartir las tablas?

Pues sí, este tipo de colaboraciones son normales ya que la familia del Reggae es muy grande, y siempre hay un hermanito/artistazo que está dispuesto a echarse unos cantes con nosotros y compartir escenario pues...

Ya he tachado algunos de mi lista pero quedan algunos como por ejemplo Alerta Kamarada, o Fat Freddy´s Drop entre otros.

Tenemos entendido que muy pronto podremos disfrutar de un nuevo video single. ¿Puedes adelantarnos el título de la canción? ¿Cuándo estará disponible?

El video single está grabado y producido por Javier Pulpo y Wagwaan Mallorca Island Reggae Studio, unos veteranos de la escena nacional. El tema se llamará “PÓNGASE PILA”, que viene a ser como espabila! Lo tendremos en las redes sociales el próximo 6 de Abril, Reggae muy fresco con un toquecito isleño. ¿Cómo ha sido todo el proceso de grabación y producción? ¿Ha sido cosa tuya o cuentas con un equipo de trabajo detrás?

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jando, seguir produciendo, y seguir creciendo como persona y artista. Preparado para lo que venga!

calee arias y las redes sociales Te seguimos en redes sociales y cada vez tienes más y más seguidores ¿cómo es tu relación con las redes? ¿te está ayudando a llegar a más público?

Pues mi relación con las redes es bastante buena. Cada vez entiendo más cómo funcionan, y eso me permite poder llegar a más gente. Ya saben que hoy en día todo va de hashtags y etiquetas. Gracias a eso podemos llegar a gente de todo el mundo ‘’sin movernos de casa’’.

Con respecto a los seguidores, tampoco son

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tantos, ya que durante años prescindí de redes sociales, y conocen de mi existencia en la red desde hace muy poco, pero sí, algunos hay. ¿Qué opinas sobre la actual forma de consumir música? ¿Crees que las nuevas tecnologías perjudican o ayudan al músico?

Hoy en día la gente consume canciones sueltas. Queda poca gente que escuche un disco entero, lo analice y opine.

También hay mucho hater en la red, y eso perjudica a todo el mundo, pero por suerte se les ve venir a leguas. Las nuevas tecnologías ayudan a la vez que perjudican, todo depende de cómo las utilices.

Calee Arias, un placer que nos hayas atendido en medio de tu gira. Gracias por ese buen rollo

En parte ha sido cosa mía, pero sin los mencionados antes, Javier Pulpo y Wagwaan (Xarlee Green, Mat Petelicki y Toño) no hubiese tenido la oportunidad de hacerlo. Ahora mismo estoy trabajando con un equipo de 4 personas que me estan ayudando muchísimo en cuanto a redes se refiere, ya que yo siempre he sido un negado para estas cosas. ¿Fue difícil encontrar las localizaciones?

Tampoco tanto. Aprovechamos mi primera visita a la peninsula para grabar en localizaciones emblematicas de la ciudad histórica de Cáceres, y después fuimos a un lugar muy bello donde grabaron una conocida serie de ciencia ficción, que personalmente me gusta bastante.

Así que fue todo bastante rodado, la verdad. eheheh ¿Cuánto tiempo lleva grabar un video single como éste? ¿Qué ha sido lo más divertido?

Pues en cuanto a tomas fuimos grabando y recopilando durante un par de semanas, pero los planos principales fue cuestión de un par de días de trabajo intensivo.

Básicamente lo más complicado, cuando no sabes cómo va el tema video, es el montaje. Eso lleva un poquito más de trabajo para cuadrarlo todo, y que quede en armonía.

Ahora mismo estás bastante ocupado con la gira Pay Pay pero… ¿podremos hablar pronto de nuevo disco o Ep? ¿tienes otros planes en mente aparte de la gira?

Sí!! La verdad es que ando metido de lleno en el tour, pero durante el verano iremos sacando algún que otro single más, y sí, también hay proyectos para un EP y un futuro disco del que ya tengo algunos temas más que claros. Aparte de la gira, mis planes son seguir traba-

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que transmites, seguro que el público se contagiará de él. En cuanto te escuche.

Muchísimas gracias a ustedes por la oportunidad. Espero que todo les siga fluyendo igual de bien que hasta ahora, y también espero volverlos a ver pronto.

Decir a la gente que nos sigue y a la gente que no, que estamos trabajando duro y constante para poder sembrar una semilla de cambio, un cambio que es necesario pero muchos de nosotros no ve, el mensaje es alto y claro! Lucha por tus sueños, sé constante, las cosas bonitas van llegando poco a poco.

El mundo del arte en general es una montaña rusa lleno de subidas y bajadas, lo importante es mantenerte firme y fiel a tus ideales, a tus principios y a tu familia, pareja, amigos...

Ellos son los que me dan una fuerza sobrehumana y las ganas de seguir luchando por un mundo mejor, por cambiar nuestro ‘’pequeño planeta’’, y poco a poco ir contagiando a la gente de esa energia de cambio.

Una vez más, muchas gracias por todo lo que están haciendo desde el equipo de Management (community, tour) y el equipo de producción musical, y a toda esa gente que nos sigue y que comparte y disfruta con nuestro arte!!

Recuerden que somos agua y somos luz. La música es pura vibración, es una suma muy sencilla pero complicada de ejecutar. Llegados a este punto todo fluye con más calma, y esa calma y positividad hace que cada día más puertas se vayan abriendo para el disfrute de la mente que las abre.

Saludos y mucha inspiración, amigos de LaCarne Magazine. Hasta la próxima!!! ¶ Más información sobre Calee Arias en los siguientes enlaces:

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Ingravitö

con ganas de sentirse vivos

I

ngravitö es una banda que ha sabido solventar las dificultades y con los objetivos muy claros. Reivindicativos y con ganas de cambiar las cosas, llegan ahora con un nuevo trabajo cargado de canciones como puñales que se clavan en lo más profundo de la conciencia humana.

Hemos querido hablar con ellos sobre su perspectiva, su música y su nuevo trabajo. Hablan muy claro y quieren que les escuches, pero sobre todo que interiorices lo que cuentan sus canciones.

Quédate con el nombre de Ingravitö y con su música, porque esta banda va a dar mucho de qué hablar.

Ingravitö, Metal Transgénico que rompe con las etiquetas Ingravitö se aproxima a cumplir 10 años como

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banda. Lleváis desde el 2010 juntos y nos gustaría que nos hicierais un balance de todos estos años. ¿En qué momento se encuentra la banda actualmente?

Ilusionados. Siempre que (por fin) se ve la salida del disco, es una buena dosis de ilusión porque el recorrido hasta que coges el disco en tu mano suele estar repleto de momentos amargos y dulces. Y en nuestro caso especialmente, porque ha habido dos cambios de formación a lo largo de todo el proceso de creación del disco, lo cual siempre hace tambalear la estabilidad de un grupo.

La cultura popular de este mundillo, dice que hay dos momentos en los que se rompe una banda: o bien cuando vas a entrar a estudio o bien, cuando vas a publicar el disco. Ambos son momentos de muchísima actividad y por lo tanto, de agobio.

A nivel más general, con cierta madurez porque el llevar años en esto te ayuda a saber

qué quieres, qué buscas… y tener una dirección es vital para un proyecto como Ingravitö.

Desde los comienzos parece que teníais muy claro qué es lo que queríais hacer, ¿no? Nos ha gustado mucho el término Metal Transgénico, pero explicadlo un poco más. ¿A quién se le ocurrió y cómo surgió?

El término “metal transgénico” surge al poco de comenzar con el proyecto, ya que desde el principio teníamos mucha variedad de influencias y la intención fue siempre tratar de alterar las células madres de todas ellas para parir algo nuestro. Era y es una cuestión de dirección.

También es verdad, que con el tiempo aprendes a ver qué elementos de otros estilos musicales se pueden mezclar obteniendo un buen resultado y cuáles no. Y en esas seguimos, con esa filosofía, pero mucho más conscientes de nuestros límites.

Además de eso, también nos resultaba muy divertido inventarnos una etiqueta porque en los medios es una pregunta habitual: ¿qué estilo hacéis?. Así que era una manera de desmarcarnos también de todo e inventarnos nuestra “etiqueta” “Sentirnos vivos por encima de nuestras posibilidades” es el título de vuestro nuevo trabajo. ¿Os sentís así? Habladnos de este título tan significativo.

El título es una mezcla entre ironía política y vitalismo existencial.

Ironía política a modo de romper esa frase con la que nos han machacado los últimos años para culpar a la clase trabajadora de las causas de la mal llamada crisis (que el tiempo ha demostrado que era una estafa, un órdago lanzado desde las élites financieras en un contexto económico muy concreto). Y vitalista porque pese a las alambradas, la censura, las mordazas, la reforma laboral, los desahuLaCarne Magazine

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cios… seguimos con ganas de sentirnos vivos y vivas por encima de toda esa mierda.

Y también, el título, cumple un requisito indispensable para nosotros: que sea abierto y de libre interpretación para que cada una lo lea a su manera. Que a cada persona le diga o sugiera una cosa y la convierta en propia según sus vivencias.

Hemos podido escuchar un pequeño adelanto de “Sentirnos vivos por encima de nuestras posibilidades” y suena muy pero que muy cañero. Contadnos ¿qué vamos a encontrarnos en este disco?

A nivel musical una banda muy compacta y de sonido grave, metalero, que combina riffs potentes, a veces rápidos y a veces pesados, con estribillos melódicos. Que combina el metal más actual y “alternativo” con el rock y el rap.

A nivel de textos, son diez historias diferentes a través de las cuales tratamos de hacer un retrato del momento actual. Estamos en un momento de claro retroceso social y de derechos y tratamos de dar voz a esas historias que no aparecen en los grandes medios pero nos ayudan a descifrar el presente. A saber cuáles son las consecuencias de las políticas que se han llevado a cabo en los últimos años.

En todas ellas, tratamos de partir de lo concreto para después ir a lo general. En ese sentido, se habla de lo que ocurrió el 6 de febrero de 2014 en Ceuta, movimientos feministas, las Kellys, ley mordaza…

Kobane es uno de los cortes de este trabajo, y hemos podido ver el videolyric que habéis sacado recientemente. En él habláis del papel de la mujer en la guerra. Contadnos por qué decidís hacer una canción sobre este tema.

Por tres motivos, todos ellos igual de importante.

Primero por homenajear a todas esas heroínas que defendieron la ciudad de Kobane en un contexto tan duro como es el asedio de ISIS en 2014.

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Segundo por dar visibilidad al pueblo kurdo, que en la región de Rojava, donde está la ciudad de Kobane, está teniendo lugar una revolución democrática que está consiguiendo grandes avances para la igualdad (eliminación de la poligamia, matrimonios con menores…), políticos (representantes de todas las religiones en las instituciones representativas) y económicos (cooperativismo).

Y tercero, porque nos parece interesante poner sobre la mesa el papel del imperialismo occidental en la zona y su responsabilidad en la formación de un monstruo de intolerancia y violencia como es ISIS. Además de este corte, el disco contiene 10 canciones más un bonus track de ese Metal Transgénico tan cañero que os caracteriza.

Queremos que nos habléis de la temática del disco. ¿Siguen la línea de Kobane? ¿Qué quiere transmitir Ingravitö en estos 11 cortes?

Se podría decir que siguen la línea de Kobane, pero en otros contextos.

Como os comentábamos antes, hemos hecho la selección de diez temáticas diferentes para tratar de hacer un retrato del momento. Y en ese sentido, no ha sido fácil la selección de las historias porque están pasando tantas cosas y tan rápido que cuesta elegir.

Y además, siendo cuestiones de actualidad, había que tener cuidado porque los contextos van cambiando también. Por profundizar un poco más en el contenido, diríamos que hace no mucho, se miraba con cierta esperanza la posibilidad de cambiar cosas debido al trabajo de concienciación que estaban haciendo (y hacen) los movimientos sociales, con la presencia en la calle y articulando una alternativa; pero el discurso triunfalista de que “ya todo está bien” y la amnesia colectiva hace que olvidemos que la recesión económica ha dejado un paisaje desolado. Y las historias de ese paisaje es lo que tratamos de contar.

Siempre nos gusta saber cómo graban las bandas sus discos, si lo tienen ya todo preparado a la hora de entrar en el estudio, o dejan algo a la improvisación. ¿Cuál ha sido vuestro

caso?

Nosotros no dejamos ni un milímetro a la improvisación en el estudio… es muy arriesgado.

Sobre todo porque el tiempo es muy limitado cuando entras a grabar.

Sí que es verdad, que hubo que improvisar algunas partes de las voces porque tuvimos un cambio de formación poco antes de entrar al estudio, ya que metimos una segunda voz, y eso nos hizo llegar un poco más apurado a la grabación. Pero en absoluto fue intencionado… de hecho, tuvimos algún problemilla con eso.

También estáis trabajando en un proyecto audiovisual que está muy relacionado con el disco. ¿Podéis contarnos más detalladamente de qué se trata?

El proyecto audiovisual surge a través de David Sobrino, que fue quien nos propuso la idea.

Como os hemos contado, las canciones no son historias que nos han pasado a nosotros, sino a otras personas. Por ello, David nos propuso que los protagonistas de las canciones (o gente “autorizada” en la materia) hicieran pequeños videos explicando la canción. Es decir, contextualizándolas.

No todo el mundo tiene por qué saber qué es una PAH, ni qué pasó el 6 de febrero de 2014, por ejemplo. En cambio, sí les ponemos cara a esas personas y encima nos cuentan qué pasó, es más fácil poder entender todo. Y sentirte parte de la canción.

Inicialmente la idea era hacer un disco-libro, pero creímos que de esta manera iba a ser más fácil llegar a más personas, ya que de la otra forma, sólo se llega a las personas que han comprado el disco.

Con la salida del nuevo disco habrá gira de conciertos, ¿no? ¿Cómo se presenta la temporada? ¿Os veremos en algún festival?

Pues sí, la verdad es que hay muchas ganas de llevar al directo todos los nuevos temas y compartir ese sentimiento tan potente con las personas que se acerquen… os adelantamos

que de momento estaremos en el Bellota Rock y el GraniRock, ambos en Extremadura.

El año pasado quedamos primeros en el concurso nacional Bellota Rock y parte del premio era tocar este año, por lo que repetimos ahí.

Desde aquí, les damos las gracias una y mil veces por su acogida y cercanía. Ya son parte de Ingravitö.

Estamos deseando escuchar este nuevo trabajo en directo. Ingravitö va a dar mucho de qué hablar este año, ya lo veréis! Un placer hablar con vosotros, seguro que no será la última.

Queremos dar las gracias desde aquí a todas las personas que os acercáis a Ingravitö bien a los conciertos, bien a través de redes sociales, comprando nuestras camisetas o acercándoos a saludar después de la actuación.

Sois la magia de todo esto y un pilar básico para que este proyecto siga existiendo, así que gracias de corazón.

Agradecer también a LaCarne Magazine por seguir apoyando a las bandas y proyectos y habernos hecho este reportaje.

Eskerrik asko!¶

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La Fuga

20 aĂąos de rock y los que quedan

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a Fuga se ha labrado a base de trabajo y esfuerzo, una larga carrera musical que alcanza ya los 20 años.

La Fuga viven por y para la música, mejor dicho, por y para el Rock. Se toman muy en serio el trabajo que requiere tener y estar en una banda, lo dan todo en los directos y tienen muy claros sus objetivos.

Aunque como ellos mismos dicen “el éxito nunca hay que darlo por asegurado”, bien es cierto que La Fuga es, hoy en día, una de las bandas con más repercusión de la escena del Rock en España.

Ya hacía tiempo que queríamos hablar con ellos y qué mejor momento que éste, cuando empiezan su gira para recorrer todo el país.

Edu Karma ha hablado con nosotros de estos 20 años de la banda, de la edición especial de “Humo y Cristales”, de Rock (por supuesto) y de muchas cosas más. Aquí tienes todo lo que nos ha contado.

La Fuga, por otros 20 años más de Rock Lleváis 20 años de trayectoria con La Fuga, y seguro que durante todo este tiempo habréis pasado mil y una aventuras. Mirando hacia atrás, ¿cuál ha sido para vosotros el mejor momento de la banda?

Siempre decimos que el mejor momento es el actual, el momento que estás viendo en el presente, sea bueno o malo. De todo se aprende y se saca algo. Tantos años de carretera dan para mucho, las aventuras han sido variadas, desde dormir en la furgoneta hasta tocar en “Las Ventas” con Fito.

Es bueno echar la vista atrás para saber de dónde vienes y poder valorar lo que tienes, pero, después de 20 años, poder sacar un

disco nuevo y celebrar un aniversario de esta manera es de agradecer. Por eso, el mejor momento de La Fuga es justamente este momento.

Habéis luchado contra viento y marea para vivir por y para la música. ¿Cuál ha sido para vosotros el mayor obstáculo como banda? ¿Cómo habéis ido superando las dificultades a lo largo de vuestro camino?

Desde el principio nos hemos tomado la banda muy en serio. Sabíamos que no queríamos sólo un hobbie, y ensayábamos de manera muy intensiva. Era nuestro sueño y luchábamos por ello.

Los mayores obstáculos te los encuentras en los comienzos, dar los primeros pasos es complicado. Siempre hemos dicho que la insistencia y la pelea constante nos han ayudado mucho en nuestra carrera. Teníamos el objetivo claro, por eso cada obstáculo que aparecía nos lo tomábamos como un nuevo reto y le hacíamos frente.

Una vez que pasas el bache, te das cuenta que sales más reforzado, y que en cierta manera te hace más sólido.

El ser una piña entre nosotros también ha ayudado mucho, porque cuando todos reman en la misma dirección siempre vas más rápido y seguro, y en el momento que la dirección del barco no es la misma para todos, pues te lo tomas como un nuevo obstáculo para superar, pero siempre con el objetivo de seguir luchando por tu sueño, y, como bien dices en la pregunta, vivir por y para la música, que es lo que llevamos dentro.

Vuestro último trabajo es la edición especial “Humo y Cristales”, un doble CD más un DVD en directo “Mientras Brille La Luna”, un regalazo para todos los seguidores de la banda. Nosotros ya lo tenemos, pero para los que aún no lo tengan, ¿podéis decirles qué contiene este increíble pack?

Pues es el resultado de unos cuantos años de curro. Es una fecha muy marcada y queríamos celebrar los 20 años con algo muy especial para la gente que nos apoya. Nos juntamos LaCarne Magazine

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con mucho material, y no tuvimos ninguna duda en sacarlo todo junto para evitar ediciones posteriores más completas, que nunca hemos estado de acuerdo con eso.

Nos gusta que los primeros compradores tengan la edición completa, no hacerlo al revés.

Hemos unido el nuevo disco, que lo teníamos ya preparado con 10 temas nuevos, junto con el directo de los 20 años grabado en “La Riviera”, Madrid, en marzo del 2017, con un montón de invitados que quisieron acompañarnos esa noche tan especial.

Todo eso, junto con un libreto muy trabajado, con fotos de Andrea Silván, y con un diseño muy cuidado hecho por “Rubén, del grupo Nebraska”. Una vez que tuvimos el pack en la mano, nos dimos cuenta que la espera mereció la pena y que tenemos justo lo que queríamos.

Tras cuatro años desde vuestro anterior trabajo, nace “Humos y Cristales”. Sabemos que un trabajo así, tan cuidado y con tantos detalles, lleva su tiempo. ¿Qué es lo que más habéis tenido que echarle a este disco: imaginación, tiempo, dinero…? Contadnos cómo ha sido el proceso y esos cuatro años de trabajo.

Pues efectivamente, sacar un disco cada vez es más difícil porque nosotros mismos nos exigimos cada vez más, y eso es bueno. Hace que te esfuerces más y hace que no des todas las ideas por buenas.

Durante la gira de “Mas de cien amaneceres” ya empezó el proceso de composición. Siempre en las giras es donde surgen los encuentros y desencuentros, y donde nacen las historias que luego terminan en un papel.

En el local es donde llevamos todas las ideas, y las ponemos en común entre todos y empezamos a dar forma. Tu propia exigencia hace que te lo tomes todo con más calma para no precipitarnos, y estar convencidos de las canciones que llevamos al estudio.

Siempre nos gusta hacer canciones de más para luego poder elegir las mejores y quedarnos con las más completas. Realmente no

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teníamos una prisa excesiva, no dependemos de una compañía que nos marque una fecha determinada de entrega ni nada de eso, el trabajo ha ido fluyendo según lo marcábamos nosotros mismos.

Una vez que teníamos las canciones que más nos gustaban, quisimos que oídos externos las escucharan y dieran su opinión o su aportación.

Esta vez, aunque no hemos contado con un productor como en discos anteriores, sí queríamos que la gente cercana lo escuchara.

Primeramente Iker Piedrafita, productor del disco anterior, escuchó los temas, y, posteriormente, Javi San Martín, productor de prácticamente todos los discos del grupo, también escuchó los temas y dio su aportación haciendo la mezcla del disco.

del que parece, y eso ya es menos divertido, aunque 100% necesario. Y las cosas divertidas fuera del escenario ya no se pueden contar, jajajaja.

Nos ha encantado la versión que hacéis del tema de Luz Casal, pero queremos saber por qué este tema y por qué Luz Casal. ¿Qué os llevó a incluirla en “Humo y Cristales? ¿Qué significado tiene para vosotros esta gran artista y su canción?

Pues fue algo muy sencillo y natural, en el local hablando de Luz Casal, que nos ha influido a todos y que a todos nos gusta, empezamos a comentar la posibilidad de hacer una versión de ella, de imaginar cómo quedaría en nuestro estilo, empezamos a probar en el local esa canción y vimos claramente que había que incluirla, nos gustaba mucho como quedaba y el rollo que daba.

Además tuvimos la suerte ese mismo año de poder conocer a Luz en el Festival de la Luz que organiza ella misma en Galicia y poder comentar con ella que le hemos hecho este pequeño homenaje y ella encantada y agradecida y ya sólo eso para nosotros es más que suficiente.

El disco está grabado en los Estudios Clip de Reinosa, mezclado por Javi San Martín en los estudios Sonido XXI, y masterizado en Nueva York por Alex Psaroudakis. Todo ese proceso y ese paso por diferentes estudios es lo que le ha dado al disco mayor calidad, y es lo que nos ha dado a nosotros mayor tranquilidad de saber que hemos conseguido justamente lo que estábamos buscando.

El DVD nos ha gustado mucho porque nos encanta ver a los grupos en directo dándolo todo. Para vosotros ¿qué es lo mejor y lo peor de los directos? ¿Hay algún concierto del que guardéis algún recuerdo especial?

En los directos siempre ocurre algo que engloba lo mejor y lo peor en una misma palabra, una palabra inevitable pero muy necesaria, que son los nervios. Esos nervios que tienes justo antes de salir al escenario son los mismos nervios que te mantienen alerta y despierto para poder disfrutar lo que vas a vivir.

También habréis tenido buenos momentos, no? ¿Qué ha sido lo más divertido?

Haciendo balance, siempre hay más buenos momentos que malos. Lo más divertido y el fin último, aunque suene muy típico, es subirte al escenario. Es donde pasa todo, donde todo cobra sentido, y donde te diviertes realmente.

Cada concierto es diferente, único e irrepetible, sería muy injusto quedarte con uno sólo, ahora mismo tenemos grabado muy a fuego el concierto de “La Riviera” con tantos amigos encima del escenario, pero no quiere decir que sólo ese concierto sea especial, cada noche ocurre algo diferente que lo hace especial.

Debajo del escenario siempre hay más curro

Los conciertos de esta nueva gira ya han dado LaCarne Magazine

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comienzo y seguro que algún festival cae. ¿Se prolongarán los conciertos durante todo el año?

Pues sabemos que el mundo de la música ha cambiado y está cambiando y encima lo de quedarnos en casa no va con nosotros.

Nos gusta tocar mucho y pisar diferentes ciudades, también nos gusta cruzar el charco y hacer alguna escapada por Europa, ir poco a poco abriendo fronteras. Así que posiblemente será una gira larga e intensa, que es como nos gusta vivirla. ¿Y qué podéis decirnos de Latinoamérica?

Las bandas de rock españolas son muy queridas tras el charco. ¿Podremos hablar pronto de una gira internacional por aquellos lares?

En cada disco desde hace ya unos años siempre nos gusta ir por allá, sabemos que la gente allí es muy pasional y están muy pendientes de la música que hacemos por aquí, es increíble y envidiable la cultura musical que tienen.

Este año tenemos prevista ya la primera escapada con este nuevo disco, empezaremos por Colombia, Ecuador y México, ya con ganas de volver por aquellas tierras donde siempre nos han recibido muy bien.

Teníamos muchas ganas de hablar con vosotros, y esperamos que ésta sólo sea la primera vez. La Fuga ya tiene el éxito asegurado, por otros 20 años más de rock!

El éxito nunca hay que darlo por asegurado, cada día hay que seguir peleando y reinventándote para no dormirte ni relajarte. Muchas gracias a vosotros por el apoyo y volveremos a charlar cuando queráis.

Un saludo a todos los lectores y nos vemos en los conciertos.

Rock and Roll.¶

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Improvisación Libre

con David Ramos

David Ramos y su experiencia en la Improvisación Libre

a lugares más interesantes que los que mentalmente he visitado.

Recibí clases de interpretación de teclados y órgano durante un año y medio en una conocida academia de mi ciudad, cuando era jovencillo, pero, sinceramente, todo eso me aburría un poco.

Lo mío siempre ha sido investigar los sonidos, dirimir de qué forma tal o cual músico conseguía esos sonidos tan característicos, y, en base a esos descubrimientos, configurar e inventar los míos propios. Eso si me gustaba, eso me sigue gustando.

En cuanto al tipo de música que hago, que hice y que hacía, he pasado por muchos estilos, desde synth-pop a temas de piano clásico y bandas sonoras, siempre dentro de la electrónica. Pero con el que más contento y satisfecho estoy es con el de la improvisación libre, a la cual llegué a través del estudio de los circuitos electrónicos generadores de “ruido”, los osciladores.

Recibí clases de montaje y creación de estos circuitos de la mano de Juan Matos Capote, y a partir de ahí comencé lo que hasta ahora es mi mundo musical.

Dime cuál es tu procedencia musical. Si tienes formación académica, me interesa que me cuentes tu experiencia en las escuelas de formación de música o en el conservatorio, y que me lo compares con tu experiencia en la improvisación libre y en la música experimental, aunque sea compuesta. ¿Cuándo y cómo llegaste a la improvisación libre?

Nunca he estudiado solfeo de una forma académica, todo lo que se al respecto lo he aprendido de una forma autodidacta. Nunca he pensado que esa formación me hiciera mejor creativo.

No creo que por tener esos conocimientos, los cuales para nada desprecio, fueran a llevarme

¿Cuáles son las influencias que te han ayudado al aprendizaje de tu lenguaje musical? ¿Y a la improvisación?

Las influencias siempre vienen de tu entorno, tus colegas músicos, los conciertos a los que asistes, las jam en las que participas, y la música que escuchas en casa.

Me gusta mucho la música minimalista de Glass, las series de Steve Reich, el atrevimiento de Cage, la grandiosidad de Vangelis, el ambient de Eno, y toda la electrónica de Kraftwerk, junto con la creatividad de grandes de las bandas sonoras como Goldsmith o Morricone .

Luego están aquellos que admiras por lo que

D

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avid Ramos, aparte de un gran tipo y buena persona (eso para mí es muy importante a la hora de trabajar con alguien, porque la confianza mutua lo es todo para conseguir tirar de un proyecto hacia adelante), es un gran músico de Improvisación Libre que genera texturas que te facilita mucho el camino cuando tienes que improvisar música.

Eso se puede comprobar en un trabajo que hemos hecho recientemente llamado “Críptico”, y que ha editado Plus Timbre (de este trabajo ya hablé en uno de los capítulos de mi otra sección en esta revista: Ahí va la entrevista!

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te aportan, músicos como Arvo Part, Richter, Ólafur Arnalds, Roedelius, Moebius, Snitzchler. Todos y cada uno de ellos conviven día a día conmigo, y siguen enseñándome y sorprendiéndome. Me encanta sorprenderme con la música, siempre hay nuevos sonidos, combinaciones, ruidos y notas que te pueden transportar, y para mí eso es esencial. ¿Qué es para ti “espacios” en una pieza?

Quiero decir, que si te dicen que vais a crear una pieza con “espacios”, ¿qué interpretas?

Siempre me ha costado controlar el tiempo.

Me encanta sumergirme en el sonido y crear largos pasajes de texturas electrónicas de paisajes imposibles, pero cuando toco con otros músicos me gusta que cada uno pueda tener un lugar destacado en algún momento.

Para mi eso serían los “espacios”, los de cada uno, aquellos intervalos en los que cada uno puede decir una parte del discurso. Y el “todo” sería el mensaje que lleva la pieza en sí misma, como si de in “leitmotiv” se tratara. ¿Consideras que la improvisación libre es un género musical autónomo?

La improvisación libre a día de hoy es muchas cosas, quizás demasiadas. La considero un género, por supuesto, y uno de los más grandes y complejos, y por ello considero que se debería empezar de una forma tajante a hablar de subgéneros, porque se está globalizando demasiado y el género está a punto de reventar. ¿En qué proyectos estás participando? Tanto de música improvisada como compuesta.

Como música compuesta he estado trabajando en un álbum de música Techno y Orquestal, un trabajo que englobaría aquellos temas que compuse para la obra “Acerca del Tiempo”, y la música de los cuatro cortometrajes que musiqué el pasado año.

Por otro lado, y a un nivel privado con tiradas muy limitadas, acabo de editar mi “Symphony No 3 (The Sentinel)”, una obra en tres movimientos interpretada con un solo instrumento, The Sentinel, un oscilador fabricado por mí al que acoplé un pedal de delay. Además, he editado “Afternoon La Jara”, un field recording que grabé junto a mi colega Javier Tapia hace

unos meses en Tenerife.

Por otra parte, sigo colaborando con otros músicos como Arín Dodó, David Paredes, Javier Tapia, David Perreko, entre otros.

Siempre enriquece trabajar y colaborar en diferentes estudios y con gente con su propio punto de vista creativo, es maravilloso.

Explícame brevemente tu concepto musical Me encanta conseguir que la música, el sonido, el ambiente, o todo a la vez, me haga desaparecer de mi presente, que pueda fundirme con el sonido, con la esencia misma de la música.

Eso es lo que busco. Para eso investigo con nuevos instrumentos, por eso invento mis propios generadores de ondas sonoras, por eso trabajo con loops de cinta de cassette. Ese es mi concepto, una interminable búsqueda, a la par que disfrute, de las sensaciones que causan en mi las diferentes categorías de sonidos, o ruido, o música.

Indica links, grabaciones, páginas webs…, donde aparezca tu material.

Para música digamos más convencional, electrónica, este enlace: https://soundcloud.com/david-ramos-14 Para mis investigaciones sonoras, este otro: https://davidramosdarwinn.bandcamp.com/ music ¶ LaCarne Magazine

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Miel con Limón Rock cien por cien cubano LEER MÁS

M

iel con Limón es una de esas bandas de Rock & Roll cubanas con las cuales te sentirás orgulloso de vivir en Cuba. Verlos en directo es estar ante puro talento y buen Rock cien por ciento cubano.

Con un primer disco al hombro, ya perfilan por su segunda producción discográfica que debe quedar lista en este año.

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Además, ahora en marzo estarán cumpliendo sus primeros diez años endulzando el Rock cubano. Motivos éstos más que suficientes para que haya decidido conversar con Nelson Labrada (su director y vocalista) durante una de las presentaciones de la banda.

Veamos esta entrevista. ¿De dónde nace la idea de crear Miel con Limón, y a qué se debe ese nombre tan peculiar?

Miel con Limón se crea en el 2008 en el preuniversitario, y por supuesto era muy distinto a lo que somos hoy. En aquel momento éramos

duado, habíamos comenzado a presentarnos en diferentes lugares, y las personas no sabían cómo identificarnos. Entonces decidimos adoptar ese nombre temporalmente, y hasta el día de hoy ése es nuestro nombre oficial.

Ahora mismo hacemos un cuento alrededor de lo que engloba el nombre de Miel con Limón.

Durante todo este tiempo no ha sido fácil, sino amargo. Hemos pasado por miles de problemas, obstáculos que se nos han presentado como que no somos músicos profesionales.

Pero al final todo eso es una mezcla que nos hace ser como somos hoy en día, y de ahí es que sale nuestra música, que es muy buena y el público la disfruta mucho.

jóvenes que nos unimos para tocar, descargar y hacer música. Claro, no sabíamos nada de música.

El 27 de marzo del 2008 lo consideramos la fecha inicial de la banda. Ya han pasado casi diez años, y el próximo marzo lo celebraremos.

El nombre vino como dos o tres años después de habernos conformados. Al padre del que era nuestro baterista en ese momento, Luiso, se le ocurrió Miel con Limón pues podía verse como una mezcla de cosas buenas y cosas malas.

Lo consideramos, tal vez no con la importancia requerida, pero como ya nos habíamos gra-

Cuando crean el grupo Miel con Limón ¿deciden tomarlo como un hobby o como algo mucho más serio?

Por supuesto que no era para nada más serio.

Estando en segundo año del preuniversitario fue cuando se mencionó por primera vez la idea, y ya en el último año fue que se consolidó la banda como tal. Éramos muchachos del preuniversitario con una banda y con instrumentos malísimos.

Además, poseíamos cero conocimientos de música y era algo que disfrutábamos muchísimo. Hubo un tiempo en que ensayábamos por ensayar, para tocar nosotros mismos, no porque tuviéramos alguna presentación.

La mayoría de nuestras presentaciones eran en el preuniversitario, que nos invitaban de vuelta. Así mantuvimos la banda hasta que cada cual empezó a estudiar en la universidad, y las prioridades iban cambiando y se tuvieron que reajustar.

En el 2013 participamos en la obra de teatro “La Historia de Juan Lennon”, dirigida por Enrique Núñez Rodríguez. Ahí hicimos temas de Lennon y McCartney en vivo, y eso nos dio reconocimiento, pues la obra tuvo mucha audiencia y ahí el público nos empezó a conocer.

Luego en el 2014 integramos el catálogo de la Agencia Cubana de Rock, y nos convertimos en músicos profesionales, según los estándares cubanos. A partir de aquí todo se vuelve mucho más serio, y fue entonces que en ese mismo año todos nos graduamos de la universidad.

Y a partir de ahí empezamos a mirar la banda LaCarne Magazine

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desde otro punto de vista, pues ya nos empezamos a presentar en centros nocturnos, y la banda se consolidó como un proyecto de vida de cada cual, en especial yo que le dedico todo mi tiempo. ¿De los miembros actuales de Miel con Limón queda alguno de aquella etapa de estudiante?

De ese grupo inicial quedamos solamente Wilfre, el Yoyo y yo, Nelson. El Luiso, que era nuestro baterista anterior, ya no está con nosotros hace algunos años.

Después el bajista, que era también fundador, se fue, y hace como un año que entró nuestro nuevo bajista, Ale. Luego entró Jose por Luiso. También está Evelio, nuestro percusionista menor, pero que no entró en el formato original.

El formato original de la época del preuniversitario era Wilfre, Luiso, Beniche, el Yoyo y yo, Nelson. ¿Algunos de ustedes llegó a estudiar música?

No, nosotros no estudiamos en ninguna escuela. Salvo Ale, que estudió tuba en clave de FA en una banda de concierto. Pero formalmente ninguno de nosotros hemos estudiado música, salvo la que hemos estudiado autodidacta, o como yo y otros que estudiamos en la secundaria en las casas de cultura. Nada de título ni de escuela. ¿Cuáles mencionarías como las principales influencias de Miel con Limón?

Uf, eso es complejo, ya que la banda Miel con Limón que empezó es muy diferente a lo que hacemos hoy. Cuando la banda se creó ni siquiera componíamos. En esos inicios llegamos a tocar temas de Habana Abierta, Buena Fe y Maná, etc.

No fue hasta el 2013 y 2014 que la banda se empezó a perfilar, y ahí empezamos a refinar como banda los intereses musicales, independientemente de los gustos musicales de cada uno de nosotros.

Yo diría que para lo que somos hoy igual es complicado, pues nos gusta la música en general, y hay muchas bandas que nos han influenciado de una manera u otra. Yo si tuviera que decir un nombre, un solo nombre, no sabría qué decir.

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Si tuviese que decir dos nombres creo que tampoco sabría porque sería cerrar demasiado el espectro, pues a nosotros nos gusta mucho el Rock & Roll, que es lo que hicimos con nuestro primer disco y ya terminamos de grabar el segundo.

Tomamos de muchas partes. Bebemos lo mismo del Grunge, del Folk Rock, de la música Country y del Reggae. Simplemente nosotros hacemos la música que sentimos, y eso puede tener en un momento un pedazo de algo que puede ser Reggae o Funk, pero eso no define el género de la banda.

El género de la banda sigue estando sobre la línea central del Rock, lo que pasa es que hay mucha música muy rica. Nos gustan mucho los clásicos como Maná. Hubo una época en que hacíamos Bruno Mars, Maroon 5 y Pink, entre otras cosas. Resumiendo, tenemos muchas influencias por lo que nos resulta difícil encasillarnos en un solo artista.

Anteriormente me comentaste que en el 2013 hicieron la música en vivo de la obra “La historia de Juan Lennon”. Cómo se prepararon para interpretar todo el repertorio en vivo, pues esto nunca se había hecho por una banda de Rock.

no y Michel Labarta. Y después en los ensayos todo salió bien, pues estábamos haciendo lo que hacíamos, y durante la obra lo disfrutamos muchísimo, muchísimo.

Al final estábamos haciendo lo que nos gusta, a cajón, a guitarra acústica y otra eléctrica, y Juan Carlos en el piano. Pero era cantando los temas de The Beatles, pero más profesional en la puesta en escena, aunque en nuestras presentaciones también lo hacíamos, pues era parte de la música que nos influye.

Sí, ya nosotros teníamos la banda armada, y por mediación de Juan Carlos Rivero, gran amigo de nosotros y nos ayudó al principio, fue que Enriquito Núñez nos conoció una noche mientras tocábamos, y fue entonces que nos propuso esa idea.

Quería una banda tocando en vivo en la escenografía de la puesta, pues la escena representaba a un grupo de muchachos tocando temas de Lennon y McCartney en el parque Lennon. Para eso ya teníamos algunos temas montados como “A Hard Days Night”, entre otras cosas de The Beatles.

La propuesta nos gustó muchísimo, y Miel con Limón la asumimos con mucha profesionalidad, ya que para nosotros era algo serio, y no era algo de un espacio pequeño, pues durante toda la obra había temas de nosotros sonando en vivo. Cuando aquello, no éramos músicos profesionales pues no pertenecíamos todavía a la Agencia Cubana de Rock, pero ya nos estábamos tomando mucho más en serio lo que hacíamos.

La preparación resultó más divertida que cualquier otra cosa, a pesar de la seriedad. Pero el elenco de actores era súper carismático, todos los que trabajan guiados por Mariela Bejera-

Una vez llegó el dia de la presentación, ¿cómo se sintieron con tanto público?

Para nosotros fue nuestro primer trabajo serio y oficial, hablando de lo que ha hecho Miel con Limón, pues esa puesta en escena era algo mayor. Éramos un grupo aficionado de la universidad, y que habíamos salido del preuniversitario.

En la puesta en escena, al ver que había tantas personas, a nosotros nos gustó particularmente la obra, pues logramos establecer una relación personal con todos los que intervinieron, y eso nos ayudó a que eso nunca fuera algo tenso o nervioso, más allá de lo que debe ser, pues, como sabes, cuando vas a hacer algo frente a un público por primera vez, los nervios internos siempre salen.

Pero en nuestro caso eso es algo que siempre hemos hecho bien. No somos característicamente una banda de personas tímidas o nerviosas, sino todo lo contrario. Y eso fue algo que nos ayudó mucho, pues si nos sentimos bien, entonces el público que está delante también se siente bien y disfruta.

La puesta en escena fue durante dos meses seguidos (martes, miércoles y jueves), y hubo mucha audiencia, y era muy rico ver que el público recibía tan bien la obra y también la música. Después de finalizada la puesta en escena hacíamos un mini concierto de 5 ó 6 temas más, y a veces incluíamos temas de nosotros.

Hablemos sobre el nuevo disco de la banda. ¿Qué nos puede decir sobre el mismo? ¿Cuántos temas va a traer?

El nuevo disco debe tener 11 temas, todavía estamos en eso. Depende de un tema que grabamos. El disco debe llamarse “No Ordinary Animals” (Nelson me comentó que ésta LaCarne Magazine

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es la primera vez que revela el nombre del disco, ya nadie sabe de este disco todavía), pues es un disco enteramente en inglés, a diferencia de nuestro primer trabajo, “1150”, que fue completamente en español.

“1150” fue un disco que fue bien acogido por el público, y gracias a este disco recibimos el premio en la categoría de Mejor Álbum de Rock en los premios Cuerda Viva 2016.

A pesar de esto, sentíamos que este nuevo disco era algo que teníamos que haber hecho hace mucho tiempo, pero no se hizo, y después salió todo apurado. Con este nuevo disco la banda ya ha madurado, y el hecho de que sea completamente en inglés le confiere un color distinto, y nosotros estamos muy contentos, y en los ensayos siempre hablamos de esto. Estamos muy contentos con este disco y sus temas, pues nos identificamos mejor con lo que estamos haciendo.

Ahorita te decía que en cuanto a los géneros e influencias es verdad que tenemos muchos estilos, y eso nos pasó con el primer disco.

Pero en este disco todo los temas son mucho más coherentes entre sí, el feeling en general es mucho más identificable dentro del disco, las letras transmiten mensajes muy importantes para nosotros a nivel personal, y si me preguntan un tema favorito del disco ahora mismo no te podría decir ninguno. No es por no querer adelantar nada, es que entre nosotros mismos es difícil.

Sólo quiero decir que nosotros tenemos muchas y muy buenas expectativas, al menos en los términos de realización personal. Como cuando haces algo y te dices que te gusta mucho lo que haces. ¿Para cuándo estará listo este disco?

El disco lo terminamos de grabar ahora en diciembre del 2017. Faltan dos o tres detalles mínimos. Faltan las etapas de mezcla y mastering, ambas a cargo de Wilfre Adel, nuestro director musical, que en estos momentos se encuentra fuera de Cuba, y mientras él trabaja por allá, nosotros trabajamos por aquí.

Pienso que quizás dentro de 2 meses, a finales de febrero o marzo, esté listo el disco. Me refiero a la parte final de portada y su caja, todo de manera independiente y hecho con muy buena calidad, al igual que nuestro an-

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terior trabajo.

El disco va a ser producido por nosotros en BandEra Studio, nuestro proyecto madre, por decir de algún modo, que es el estudio donde trabajamos actualmente. Todo será de manera independiente. ¿Cómo va a ser el trabajo de promoción del disco?

Eso se dificulta mucho, pues tiene muchas aristas. Y por supuesto para nosotros, que no tenemos contrato con ninguna disquera, y ahora mismo aquí en Cuba el interés institucional digamos que no es muy elevado. Esperemos que pueda ser de manera diferente, pues BandEra Studio está trabajando para darle voz a un tipo de música como el Rock & Roll, que en Cuba está totalmente silenciada.

Con respecto a la promoción, ahora mismo no creo que Miel con Limón seamos capaces de decir qué planes tenemos para cuando esté y tengamos que promocionarlo, pues no hemos querido ni pensar en eso. Estamos pensando

en que estamos haciendo el disco y que los temas queden como a nosotros nos gustan, que queden bien y que salga con una buena mezcla y máster, que es definitorio a la hora de cómo llega al público.

Eso creo que lo tendremos que ir viendo en el camino, sobre todo en estos 2 ó 3 meses que se vienen por delante, pues tenemos muchos proyectos en mente y hay muchas cosas que materializar, sobre todo a la hora de buscar los recursos y el financiamiento para los video clips, y por supuesto porque en marzo se cumplen 10 años de esa semillita que, como te dije anteriormente, sembramos un grupo de amigos.

Sí queremos hacer un concierto donde presentemos el disco entero, pero eso no será posible hasta que Wilfre regrese. Eso será una cosa que iremos trabajando a lo largo de todo el año, pues tenemos pensado un montón de cosas. Y como se dice en buen cubano: “no queremos gastar las balas así por así”, queremos presentar el disco bien, y trabajar mucho

alrededor del disco para ganar en visibilidad y exposición.

Bueno, sólo queda ver cómo lo va a recibir el público. El anterior fue muy bien recibido, y este nuevo disco está completamente en inglés, pues es una de las aristas con que trabaja la banda y queríamos explotar eso. No significa que vayamos a cambiar para hacer cosas en inglés.

De hecho, Miel con Limón ya terminamos de grabar el disco y estamos componiendo temas en español. Sólo queda ver cómo es recibido tanto dentro como fuera de Cuba, pues no queremos que se quede sólo aquí. Por eso te decía anteriormente de la visibilidad en la que estamos trabajando, pues creo que desde la perspectiva de afuera se puede hacer mucho más aquí adentro, por lo peculiar que es Cuba con respecto al Rock & Roll.

Ahora que mencionas a BandEra Studio, ¿cómo fue ese acercamiento al sello?

No es cómo llegamos, sino qué somos y qué cosa es BandEra Studio, pues nosotros feliz y orgullosamente somos parte, junto con Sweet Lizzy Project y Tracks, bandas con las que tenemos una gran amistad.

Antes de que existiera la idea de hacer un proyecto como éste, nosotros grabamos en casa de Wilfre nuestro primer disco. Ahí montamos un local, una cabina y paneles de sonido.

Pero como te dije anteriormente, Miel con Limón está muy ligada a Sweet Lizzy Project y Tracks, y todos estamos ligados mutuamente.

Hubo un momento en que parte de la producción musical se fue mezclando, sobre todo entre Migue y Wilfre. Después se une Alejandro Menéndez (gran amigo de nosotros), y ahí fue cuando se empezó a cocinar la idea de un proyecto independiente entre nosotros mismos y que fuera de buena factura.

Claro que para lograr hasta donde estamos hoy hicieron falta muchas cosas. Para empezar, un local donde poder establecer físicamente el sello, donde estuviera también el estudio de grabación con todo lo necesario: ordenadores, periféricos e instrumentos, además de muchas otras cosas que conlleva crear un estudio musical independiente.

BandEra Studio, con respecto a nuestra carrera, nace en una etapa mucho más seria LaCarne Magazine

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para nosotros, y hay muchas personas involucradas, personas muy talentosas, y por eso estamos muy orgullosos de tenerlos como amigos, y de ser, a la vez, parte de un proyecto que lo que busca es darle voz y voto a lo que nosotros hacemos, y por la historia de nuestro país hasta el momento no ha pasado, y no se ha visto la luz al simple hecho de que existan bandas que hacen Rock & Roll, y cuyos miembros son jóvenes como nosotros, cubanos, de personas que están aquí adentro y que viven el día a día, y además eligen hacer música, y esta música es Rock & Roll.

Pero (oficialmente hablando) no hay ninguna disquera cubana interesada en producir, y lo que hacemos es grabar nuestros temas de manera independiente. Pero sabemos que para que algo quede con la calidad requerida se necesitan determinados recursos como los instrumentos y un estudio con todas las condiciones, cosas que a veces a nosotros los músicos independientes se nos dificultan.

En estos momentos BandEra Studio, que es un sello de gestión colaborativa, involucra no solamente a las tres bandas que mencioné anteriormente, sino que reúne un gran equipo de diseñadores hasta periodistas.

En fin, que tenemos un grupo de trabajo creado que lo que está haciendo constantemente es cómo hacer para que “conozca” qué es lo que estamos haciendo aquí dentro, y que simplemente no pase desapercibido y darles la oportunidad a otros como nosotros que estén empezando, y decirles que éste es un lugar donde pueden venir. Incluso se han hecho dos convocatorias a bandas para producir y grabar los temas en el estudio.

Ahora mismo ya está libre la primera temporada de un grupo de sesiones en vivo que se hicieron con las bandas que forman parte del catálogo. Para ver estas sesiones en vivo pueden visitar el canal en Youtube de BandEra Studio, o en buscarnos en Youtube y dejarnos su comentario.

Igual son sesiones que, como decimos aquí, están en pañales, pues estamos sentados y pensando en qué nuevas cosas podemos hacer. ¿Cómo es la vida del músico de Rock en Cuba? ¿Cómo hacen música rock en Cuba?

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¡Qué clase de pregunta! Jajaja!!! Te voy a decir cómo es la mía en particular. Es duro, pero es duro y no puede ser que cada vez que se pregunte al respecto todo el mundo lo que dice es: “no, se pasa mucho trabajo y muchas cosas”, pues si uno no está haciendo realmente nada, no vale lamentarse.

Pero no es menos cierto que a nivel social, por ejemplo, el reconocimiento de la música Rock no es el mismo que el de otros géneros.

Y por lo que sea que haya pasado en este país a nivel institucional y en la industria musical cubana, el Rock & Roll tampoco es reconocido como parte de lo que hay aquí adentro, de los músicos que hacen Rock & Roll, como hay músicos de una rica música popular bailable, y eso es algo que no lo puede quitar nadie.

Pero yo pienso que eso no es lo único que hay en este país, pues entonces qué somos nosotros y qué son una gran cantidad de personas.

Yo creo que eso se ha distorsionado, al punto de que lugares para tocar Rock & Roll hoy día

en La Habana, hay muy pocos, muy pocos, por no decir 3. A pesar de que el Rock & Roll a nivel global es un fenómeno que mueve a miles de personas, aquí en La Habana existe y no hay lugares para tocar. Está el Submarino Amarillo, quizás el Tun Tun, pero todo en determinado momento falla.

No es que digas que yo puedo salir a La Habana cualquier día de la semana y encontrarme una banda de Rock & Roll tocando. Eso no es así para nada, para nada. Yo creo que eso es una de las cosas del día a día que esté en una banda de Rock & Roll aquí en La Habana.

Esto no sucede solamente en los espacios de presentación en vivo, así mismo pasa en los medios.

No estoy diciendo que no exista la representación del Rock & Roll en los medios, pues hay magníficos exponentes, pero simplemente no es algo que esté presente.

He hablado con personas que vienen al Submarino y con amigos míos que me he encon-

trado en la calle, y me dicen: “yo no pensé que aquí en Cuba existieran bandas ni de covers ni de gente que tuviesen música original de Rock & Roll”, y sí existen, y simplemente no se ven.

Yo sé que a nivel social tampoco está, pero quizás esa causa social responda a un grupo de cosas que nada tienen que ver, pero hay otras que simplemente la gente no sabe. Muchos de los cubanos que están aquí no saben dónde buscar o cómo buscar el Rock & Roll, y sí lo hay. Yo creo que eso es lo fundamental que pasa con ser músico de Rock & Roll ahora mismo aquí en Cuba. Y estamos hablando en La Habana, para otras provincias es peor todavía.

Volviendo a la banda. ¿Dónde el público puede ver en estos momentos en vivo a Miel con Limón? ¿Alguna peña fija?

Espacio fijo no tenemos ahora. Estuvimos cinco meses tocando en vivo en el Bretch todos los viernes, y, por ejemplo, en este lugar típico LaCarne Magazine

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y casi único en La Habana que es el Submarino Amarillo, que es un lugar donde estamos sucesivamente dos o tres veces al mes. Es regular que estemos una o dos veces al mes, pero no es fijo el día.

Otras presentaciones vienen saliendo según aparezcan, pues, como te comenté anteriormente, no hay espacios ni circuitos de establecimientos de espacios en la calle, donde uno pueda salir a tocar y por eso es que recorta rápido.

Lo que hacemos es simplemente mantener a las personas informadas a través de nuestro perfil en Facebook y nuestro canal en Youtube, donde subimos algún video promocionando las presentaciones que vamos a tener, pero casi siempre con la antelación de un mes o una semana.

con Limón?

Uff… Vamos a ver qué hacemos, pues lo mismo que te decía ahorita del disco. Queremos que sea algo que pudiéramos unir para celebrar doblemente, y a nosotros nos va a encantar.

No tenemos claro todavía qué vamos a hacer.

Quisiéramos hacer un conciertazo, y poder tocar todos los temas y tener un montón de bandas amigas invitadas, pero ahora mismo no tenemos idea de dónde pudiera ser.

Para eso hay que buscar recursos que no están en nuestras manos ni en nuestro bolsillos, y no dependen de nosotros. Hay que ver cómo hacemos para cubrir determinadas necesidades, pues lo que no queremos hacer es pasarlo por alto, pues significa mucho para nosotros.

Ahora en marzo cumplen 10 años. ¿Cómo piensan celebrar la primera década de Miel

¿Cómo ves a Miel con Limón dentro de cinco o diez años?

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Ésa es una pregunta muy romántica, y como es muy romántica, voy a romancear. Idealmente la cosa sería bien distinta si fuésemos una banda que al menos uno pudiese decir: “vamos a tocar este mes en tal lugar y sabemos que va a haber gente”, que no tiene que ser relativamente grande, eso es relativo a lo que nosotros sintamos, pero que tú sepas que hay personas (y las hay) que se acercan y nos dicen: “nos gusta la música que hacen”.

Tener gente que simplemente lo diga y que te sigan, porque saben que existe Miel con Limón, y que se mueven y que están haciendo conciertos. De aquí a cinco años yo espero que tengamos al menos dos discos más. ¡Al menos! Por no decir cuatro más.

Nos encantaría hacer algo por todo el país, nos encantaría poder salir a una arena internacional y servir de algún modo de imagen de lo que sucede aquí adentro en Cuba, en el Rock & Roll que se hace aquí en Cuba.

No hablo de tocar covers, que es lo que ha atrofiado el Rock & Roll aquí en La Habana, que es lo que generalmente buscan los espacios. Espero que hayamos crecido y madurado mucho más, y sigamos haciendo música, sobre todo con las mismas ganas con que la estamos haciendo ahora.

Creo que nos queda muchísimo todavía por delante, así que nada: muchos más discos y espero que el reconocimiento sea todavía mayor. Al menos sería bonito para nosotros.

Y movernos, sobre todo movernos, que la exposición que tengamos sea mayor y que la gente sepa al menos quiénes somos y ya después decidan si somos malos o buenos, o si les gustamos o no. Pero al menos poder llegar a mucha más gente. ¶

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Alessio Bondi

pura inspiración y visión poética

A

lessio Bondi es napolitano de nacimiento, y lleva más de un mes recorriendo toda Europa para presentar su nuevo trabajo, “Sfardo”.

El artista italiano hace parada en España para darnos a conocer su música y quién es. En “Sfardo” encontramos toques de Folk y Blues, y canciones que nos transportan a la infancia, a la niñez, a momentos felices...

y que nos contaras cómo, cuándo y por qué decides dedicarte a la música.

Creo que es un trabajo profundo que hago cada día conmigo mismo. Para mí no es sólo tocar la guitarra o cantar, o escribir, o leer poemas, ver exposición y escuchar musica.

Es como una meditación, un baile y una autoterapia todas juntas. Lo hago sólo porque si no lo hago no puedo vivir.

Alessio Bondi y la sonoridad poética de “Sfardo”

¿Cómo fueron tus primeros pasos como Alessio Bondi? ¿Recuerdas cuál fue la primera canción que compusiste y cómo fue?

Por muchos años escribí canciones en inglés porque me gustaba muchísimo la música de los cantautores de Estados Unidos, pero lo hacía en mi cuarto, solamente para disfrutar el tiempo de una manera creativa.

Cuando me quedé lejos de mi tierra para ir a vivir a Roma, allá empecé a escribir y a cantar en siciliano. Mi primera canción fue Sfardo, una explosión inconsciente y necesaria, un grito al cielo para conquistar una vez más mi identidad.

Alessio, nos gustaría conocerte un poco más

Dedicarse al mundo de la música normalmen-

Grabado originalmente en Palermitano, idioma natal de Alessio Bondi, también ha sido traducido a varios idiomas y se ha publicado en 10 países.

A su paso por España, no hemos querido dejar pasar esta oportunidad para conocerle un poco más, y que nos cuente más detalles de este bonito trabajo.

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te no suele ser fácil. ¿Tenías apoyo de amigos y familiares? A día de hoy, ¿qué ha sido lo más difícil para ti?

Mis padres y amigos son mis primeros fans, sin su apoyo no sé si me gustaría hacer lo que hago. Lo más difícil es tener siempre la confianza de que todo va a salir bien y que no pasa nada si no estás en un flujo creativo, si hace meses que no estás escribiendo.

Ahora estás de gira por España para presentarnos tu nuevo trabajo “Sfardo”, un disco muy poético en el que encontramos los sonidos del Folk y del Blues. Cuéntales a nuestros lectores qué más van a encontrar en este trabajo.

La verdad, no sé lo que el publico español va a pensar cuando lo escuchen. Estas primeras citas me ayudarán a entenderlo. Es un disco lleno de vida, de nostalgia feliz, de nada en el cielo y de vuelos en el fondo del mar.

Quien tenga la paciencia de descubrir las letras y las traducciones que están dentro del booklet, podrá entrar en el medio de una visión poetica con un poco de exotismo que tierras lejanas sugieren.

Muchas de tus canciones hacen referencia a la infancia, y los sonidos nos recuerdan a canciones del folklore italiano. ¿Es así? ¿Cómo surgen estas letras? ¿Recurres a tus recuerdos de cuando eras pequeño para componer?

Cuéntanos.

Italo Calvino decía que el imaginario poético de un escritor se genera en los primeros años de vida, yo estoy muy de acuerdo.

Creo que yo no sé realmente escribir canciones. Cuando las escribo no acabo de entender qué está pasando. Algo me visita, me deja las palabras y sólo en aquel momento puedo quedarme a estudiar para construir una canción.

Es un proceso de humildad, entender dónde llevar y dónde llevan aquellas palabras.

El disco ha sido traducido a varios idiomas y se ha publicado en 10 países. Detrás de todo esto hay muchísimo trabajo. ¿Cómo se consigue todo esto? ¿Es complicado lanzar un disco en tantos países?

Es complicadísimo. Ha sido traducido por artistas y sellos independientes, pero tenemos el soporte de S.I.A.E. en Italia, que nos ayudó

económicamente para hacer todo esto.

Pero, claro, fue y continúa siendo un trabajo super difícil: hay que crear contactos internacionales y viajar muchas veces en condiciones pesadas, y coordinar 10 países con muchas agencias de prensa. Pero te regalo una gran sonrisa.

En cuanto a las traducciones a diferentes idiomas, ¿hablas todos ellos? ¿Qué idioma de todos es para ti el más difícil y por qué?

La traducción es un trabajo muy delicado porque el Palermitano (el idioma en el cual canto) nunca fue academizado: esto significa que tengo que estar siempre al lado de los traductores.

Yo me defiendo mal en español, hablo inglés y portugués, y siendo siciliano. Soy bilingüe porque hablo siciliano e italiano como primeros idiomas, también estudié latín y griego antiguo en la escuela. Hasta si no conozco un idioma que viene del latín (por ejemplo, el francés) puedo ayudar muchas veces porque conozco algunos idiomas que están cerca y estudié la base. ¿Cuántos conciertos componen tu gira por España? ¿Qué viene después, gira por Europa?

La citas españolas son: 23-02 Valencia - Ubik Café 24-02 Valencia - Work in Progress 01-03 Zamora - Avalon Café 03-03 Segovia - Espacio Una Rota 04-04 Madrid - Café La Palma Después vienen citas en Italia y un poco de descanso porque España fue la última estación de una gira de un mes para llevar este disco a Alemania, Bélgica, Uk, Holanda, y aquí, un poco en España.

Estamos encantados con tu visita a nuestro país, y esperamos que haya muchas más. Te estaremos esperando para que nos cuentes cómo te va. Hasta pronto, Alessio.

Gracias, espero que venga mucha gente a mis conciertos. Yo lo intentaré todo para que lo pasen súper bien! ¶

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