LaCarne Magazine n27

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Nº27 - Julio 2014 - AÑO 4

La tradicion mas actual

ENTREVISTAS elphomega - astral - quijotes electricos especial vetusta morla - catloose - room the groove girls - odio paris - moontrap

EXPERIENCIAS rui diaz y la banda imposible - pianistas acompaÑantes - las mentiras de la musica indie - ¿El final de arin dodo?

INVESTIGACION toreras, canciones tradicionales asociadas a los festejos taurinos - harmonic bridge - la revolucion del free jazz

RESEÑAS Trees Die Standing - ultima Frontera - Barbarian Prophecies - KXM - Eric Johnson - Walter Trout

ESPECIAL CONTEMPOPRANEA - Jotapop, niÑos mutantes y la habitacion roja

SUMARIO

Nº 27 aÑo 4 (jul 2014)

Revista digital de actualidad musical hecha por músicos y expertos (entrevistas, tutoriales, investigación, reseñas, opinión...)

04 CON FLOW Elphomega

06 a examen

Astral Vs Quijotes Eléctricos

08 especial actualidad Vetusta Morla 14 MuSICA VIVA

30 especial contempopranea 2014 Jotapop, Niños Mutantes, La Habitación Roja 52 LA VENTANA NACIONAL The Groove Girls 54 CARNICERIA SANZOT

Las mentiras de la música indie - pt.1

Toreras: canciones tradicionales asociadas a los festejos taurinos

58 figaro Pianistas acompañantes

18 antes del concierto Rui Díaz y la banda imposible

60 jazz!

Los años 60, parte II: La revolución del Free Jazz

20 MUNDO DJ Catloose, Dj Chart, Room 24 mozart no pensaria esto

Capítulo 12: ¿El final de Arín Dodó?

26 SINESTESIA

Harmonic Bridge

64 parquesonoro

Odio París, Moontrap

68 EL GRAMOFONO Trees Die Standing, Última Frontera, Barbarian Prophecies, KXM, Eric Johnson, Walter Trout

40 artista del mes Mansaborá Folk, la tradición más actual

Equipo lacarne magazine Directora y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y redacción Pedro Gallardo

* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

Colaboradores

Sebastián Díaz, Porras, Alonso Torres, J. G. Entonado, Alex Janßen, Oscar Trigoso, Marta Lozano, Manu Herrera, Carlos Rubio, Kali, Paquita García, Ferry Ms, J Palomo, La Culpa

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por Ferry MS

ELPHOMEGA Tras más de 10 años en la escena del rap en España y 4 discos en la calle, ¿Cómo has visto la evolución de este estilo dentro del panorama nacional?

Pues lo he visto nacer y crecer podríamos decir. Todo era mucho más hermético e inaccesible que hoy en día, por el tipo de sociedad en la que vivimos actualmente. Los métodos de intercambio de información hacen que la gente se entere más, y hay una mayor variedad de sonidos dentro del propio género, más apertura, más flexibilidad y menos prejuicios… es un momento más rico, más colorido y creativo, creo yo, y con más medios al alcance de cualquiera para llevar a término las ideas. Por otro lado, creo que mentalmente hay mucho más cacao. Hay gente muy perdida por ahí con tanta sobreinformación.

Tu rap siempre ha sido complejo, con referencias a películas, comic, libros… ¿Encuentras

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en todo ello la inspiración a la hora de escribir? ¿De qué tema te gusta más hablar en las canciones?

Encuentro la inspiración en eso y en más cosas, en una expresión que oigo o en cualquier gesto a primera vista banal. No sé. La cotidianeidad está llena de elementos sobre los que escribir. Es algo que me gusta explorar. Tampoco tengo temas predilectos.

Hace algunos meses nos diste a conocer el videoclip del tema “Tom Hanks”, adelanto de tu nuevo proyecto Catarata, junto a Elvira ¿Qué diferencia hay entre este proyecto y lo que has hecho hasta ahora como Elphomega?

Pues la verdad es que la máxima diferencia es trabajar con alguien con quien no había hecho canciones nunca y la naturaleza de esas canciones, instrumentadas y eso, pero por lo demás mi método de trabajo ha sido prácticamente igual, escribir algunos temas en casa,

otros en el estudio, poner mi granito de arena a la concepción musical del disco… Todo muy fluido, tampoco ha habido grandes diferencias, al menos yo no lo he sentido así. En el aspecto lírico lo he enfocado como si fuera un trabajo mío en solitario, consensuando con mi socio. ¿Cómo se inicia este trabajo entre Elvira y Elphomega? ¿Cómo planteasteis el proyecto de Catarata?

Bueno, después de contactar por simple admiración y comprobar que ambos teníamos gustos e inquietudes similares, nos decidimos a probar algo. En un principio fueron dos canciones, en 2010, que lanzamos gratuitamente como Elvira y Elphomega, y que supusieron la semilla de lo que luego sería Catarata. A principios de este año publicamos el álbum de mismo nombre, Catarata, 13 canciones en formato vinilo que han podido hacerse realidad gracias a nuestros respectivos seguidores y a una exhausta labor de crowdfunding.

Además Catarata ha llamado mucho la atención dentro de la escena musical ¿dirías que se debe a la fusión de estilos que hacéis? ¿tiene un significado relevante esta fusión dentro de la escena musical del rap?

Pues no lo sé, no debería ser así a estas alturas, porque tampoco hemos inventado la rueda. Nosotros hemos hecho lo que hemos querido sin pensar qué cuota o público o mezcla de estilos estábamos cubriendo, si significa algo o no dentro de cualquier escena el tiempo lo dirá. Catarata nace por parte de ambos como un proyecto donde cada uno aporta su fuerte de una manera conjuntada y contundente, y hay un bagaje concreto detrás que es algo de lo que quizás otros proyectos anteriores y con este espíritu flaqueaban, no sé… ¿Algún proyecto nuevo en mente? ¿Cuándo tendremos otro disco de Elphomega?

Pues estoy en ello, en plena grabación y es-

tructuración del nuevo disco. Quiero soltar un paquete de nuevas canciones antes de que acabe el año, tengo muchas ganas. Hay muchas colaboraciones interesantes y nuevos sonidos, nuevos enfoques… sin perder las características de mis letras y todo eso. También estamos girando con un show de aniversario, donde pegamos un repaso a los diez años de trayectoria, bastante completo y lleno de temas que el público aprecia bastante. Se crea un concierto muy enérgico y emotivo, la verdad. En octubre estaremos en Madrid y Barcelona con estos conciertos.

Gracias por charlar con nosotros, un placer.

Un placer para mí, gracias por el interés y un saludo a todos los lectores de LaCarne. Es PH, no doubt!

www.facebook.com/Elphomega LaCarne Magazine

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A EXAMEN Conoce a tus músicos favoritos

Participa desde

AQUI

V

Nombre y sitio en el grupo

Rubén Albaladejo, guitarrista

Grupo

Astral

Años desde el primer concierto?

Hace unos 10 años me subí por primera vez a un escenario. Con Astral el debut en directo fue en 2010, junto a Redrum

Antes del concierto hay nervios o tranquilidad?

Suele haber tranquilidad respecto al show, pero teniéndolo que organizar todo nosotros siempre hay cierto nerviosismo sobre esos imprevistos externos que siempre suceden cuando menos te lo esperas

Prefieres estar solo o acompañado?

Siempre acompañado. Para mí los momentos previos al concierto sirven para “calentar” el ánimo con el que vas a subir al escenario

Tienes ritual de subida al escenario?

La verdad es que no, siempre suele haber un saludo a cada uno de los miembros y un último checkeo de que todo está correcto antes de comenzar, pero no al nivel de ritual

Te has tirado al público alguna vez?

Nunca. La verdad es que el espectáculo que nosotros ofrecemos tampoco se presta mucho a ello, ¡al menos por parte de los músicos!

Después del concierto fiesta o cama?

Si por mí fuera, fiesta, desde luego. Pero no siempre se tiene la oportunidad, puesto que después de tocar toca recoger, cargar, transportar y descargar de nuevo, así que no queda mucho espacio para el “ocio”

Qué no debe faltar en tu camerino?

Mis compañeros. No me gusta aislarme antes del concierto, prefiero vivir ese momento de preparación con risas….y si puede ser con un poco de cerveza mejor todavía

Con qué grupo te gustaría compartir escenario?

Apuntando muy alto, con cualquiera de las grandes influencias de Astral: Dream Theater, Symphony X, DGM…

Un disco

Feeding The Wheel, de Jordan Rudess

Una canción

Revolving Door, del mismo disco

Qué es lo mejor de dar un concierto?

La adrenalina del escenario, el poder disfrutar y pasárselo muy bien estando rodeado de grandes amigos y el poder, durante un rato, sacar una parte de ti que no siempre tienes oportunidad de mostrar en la rutina diaria

Y lo peor de dar un concierto?

El esfuerzo físico y psicológico que supone organizarlo, montarlo y desmontarlo todo. Esto, y la situación hoy en día que obliga a tener que estar muy pendiente de todo, hace que se desvirtúe un poco el evento a nivel subjetivo. Pero todo se diluye una vez pones un pie en el escenario

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Vs

A EXAMEN Conoce a tus músicos favoritos

Participa desde

AQUI

Johnny M. (guitarrista)

Nombre y sitio en el grupo

Quijotes Eléctricos

Grupo

Casi 6 años (con Quijotes Eléctricos). Yo llevo 20 años tocando en directo.

Años desde el primer concierto?

Siempre hay nervios... por querer hacerlo lo mejor posible. Si no hubiera nervios, entonces no te lo estarías tomando en serio.

Antes del concierto hay nervios o tranquilidad?

Sobre el escenario me gusta estar acompañado.

Prefieres estar solo o acompañado?

Calentar un poco los músculos y tal... Ah! Y algún chupito de Jack Daniels suele caer para calmar los nervios, pero nada más.

Tienes ritual de subida al escenario?

Yo, personalmente, no. Pero nuestro cantante lo hace en casi todos nuestros conciertos.

Te has tirado al público alguna vez?

Siempre nos quedamos para darle las gracias a todos por acercarse a vernos, tomarnos algo con ellos, charlar. Pero, tanto como fiesta no.

No tenemos la suerte de poder olvidarnos de recoger todo el equipo.

Después del concierto fiesta o cama?

Primero, que HAYA camerino! Es un lujo en muchos sitios. Si lo hay, pues... agua, algo de picar o comer (otro lujo), baño, y sitio para todos!

Qué no debe faltar en tu camerino?

A mí me gustaría compartir escenario con Iron Maiden

Con qué grupo te gustaría compartir escenario?

Dentro del Rock Español, quizá el primero de Asfalto

Un disco

Días de Escuela (Asfalto). Por la letra y por la música. Una genialidad.

Una canción

Todo es una gran experiencia! Desde que llegas al lugar, montas todo, pruebas sonido, la adrenalina que te sube antes de subir... hasta el último acorde. Pero, la reacción favorable del público durante la actuación es, sin duda, lo mejor!

Qué es lo mejor de dar un concierto?

En realidad no hay nada malo. A veces los problemas técnicos que puedan surgir y que te impiden concentrarte suele ser lo peor. Ah! Y recoger todo al final, cargar el coche, llegar a las tantas a tu casa...

Todo trabajo ajeno a lo que es estrictamente la parte musical.

Y lo peor de dar un concierto?

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Especial

VETUSTA MORLA

Fotos Jerónimo Álvarez

Publicáis a principios de abril vuestro último trabajo, La Deriva. Para los que aún no han tenido ocasión de escucharlo ¿puedes contarnos qué se van a encontrar? ¿Qué diferencia a La Deriva de vuestros anteriores discos?

Son 12 canciones de Vetusta Morla en el momento en el que estamos ahora. Se nota que somos nosotros pero es mucho más frontal, más directa, menos pensada. Ha sido más rápido todo, un proceso más intuitivo, y eso se nota en las canciones. Es un disco que compenetra muy bien con los otros dos a la hora de hacer un show en directo. Sus canciones se emparejan muy bien con las que teníamos ya en Un lugar en el mundo y mapas.

La Deriva se ha hecho en un periodo mucho más corto, solo en tres meses, cuando, por ejemplo, Mapas lo hicimos en un año entero, o con Un lugar en el mundo estuvimos varios años haciendo música, conformando una personalidad, un estilo. En el plano personal, es muy importante cómo te sientes en el periodo en el que estás grabando y componiendo, y la diferencia es lo que quieres comunicar, cómo te has sentido el tiempo que has pasado haciendo eso… es todo muy diferente.

Como adelanto del disco publicasteis dos temas, Golpe Maestro y La Deriva; de las que también grabásteis videoclip. ¿Por qué estas dos canciones? ¿Tienen algún significado especial?

En realidad Golpe mestro es un vídeo YouTube (así lo llamamos nosotros). Ahora hay muchas posibilidades con esto de las redes de promocionar tu música y darle una imagen, porque hoy en día todo el mundo escucha con imagen, como es el caso de Youtube. Se da en mucho el medio musical acompañarlo con una imagen que no es un videoclip como eran los de siempre, de los que van a televisión, son videoclips para la red. Su función es simplemente acompañar a la música, no es un videoclip al uso. Videoclip al uso ha sido el de Juan Cavestany, que es el de La deriva, que sale más tarde. Las imágenes del video Youtube son de archivo.

Hemos elegido estas dos porque hay que elegir. Se suelen elegir canciones que representan el disco, por las primeras que empiezas, pero no tiene porqué. Por ejemplo, en Mapas la primera que sacamos fue En el río, que era un poco outsider. Tampoco es que le demos demasiada

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importancia a cuál tiene de salir primero y cuál después. No hemos trabajado con el concepto de single nunca, nosotros valoramos todas por igual. Lo que pasa es que La Deriva nos parecía más representativa del mensaje del disco, con un mensaje positivo… nos parecía muy válida para ser una de ellas, y Golpe maestro tiene fuerza, y tiene un mensaje que resume también muchas aristas del disco, y como tiene mucho ritmo, mucho mensaje, también nos pareció que era muy buena canción para presentar el disco. Podrían haber sido otras porque no nos gusta poner canciones por delante de otras, ni mucho menos, lo que pasa es que tienes que elegir una.

En la producción de La Deriva habéis contado de nuevo con Manuel Colmenero y Javibu Carretero ¿Qué es lo que hace que repitáis tantas veces con ellos? ¿Sacan siempre lo mejor de vosotros?

Básicamente un contrato (risas). Es verdad que hay un contrato, lo que pasa es que aunque no hubiera un contrato, yo, personalmente, voy a seguir siempre trabajando con ellos porque son gente muy especial, que nos entienden muy bien, y nos entendemos a la hora de hablar. La verdad es que nuestros universos giran en paralelo, y puedes ir un poco de la mano. Un grupo como nosotros, o cualquier grupo, necesita un Manuel colmenero (nosotros lo llamamos Manuelinski). Cualquier grupo necesita un Manuelinski en su vida. Todos necesitamos una visión de un productor, una visión de fuera. no sólo tú por dentro contigo mismo. Hace falta también que alguien de afuera te diga: oye yo creo esto así, y aquí no os estáis dando cuenta porque estáis demasiado metidos en el local, pero desde fuera yo esto lo veo así… un punto más objetivo. Con Manuel y con Javibu hemos conseguido estar muy a gusto, y tener ese ojo ahí fuera, y si no lo tuviésemos, nos faltaría eso siempre. También es verdad que hemos aprendido mucho en estos tres discos, y no es lo mismo ahora que hace 10 años. Ahora ya sabemos muchas más cosas, se va aprendiendo… veremos qué hacemos en el siguiente disco. A mí me gustaría siempre trabajar con Manuelinski y con Javibu, y por lo menos tener su opinión. Igual hemos aprendido mucho ya, y también hay un momento en el que tienes que soltarte y volar tú sólo, pero no para todo igual. Siempre es bueno saber asesorarte e ir de la mano de gente profesional.

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Especial

VETUSTA MORLA

¿Qué os gusta más? ¿Componer canciones y grabar discos o los directos?

Pues lo bueno de esta profesión es que no te da tiempo aburrirte de nada. Hay varias pantallas muy diferentes. El periodo de composición y local, montar las canciones…. no tiene nada que ver con el periodo de grabación, y no tiene absolutamente nada que ver con el periodo de gira y conciertos en directo. A mí me parece que está muy bien así, me encanta que sea así para que no te acabes aburriendo. La peor sensación que podría haber en el arte sería cansarte de algo.

Lo tienes que dejar, no puedes hacerlo cansado o de mala gana. Llega un momento de la gira que ya has hecho tantos conciertos que dices: “bueno, voy a parar ya. Quiero parar, ya está, ya he presentado el disco, ya lo he compartido, ya hemos tenido experiencias y hasta aquí creo que ya ha estado bien el viaje”. Y en ese momento hay que parar y plantearte el siguiente paso, y suele ser un descanso, y empezar ya con ilusión a hacer canciones nuevas y a prepararlas. A mi me parece que está bien así, de momento estos tres discos han sido así y me parece positivo.

Lleváis de gira desde el mes de abril, y os queda todo el verano y en muchos de esos conciertos se han agotado las entradas. Eso es buena señal ¿no? ¿sigue el público apostando por la música en directo?

Realmente, nosotros llevamos desde febrero porque hicimos una gira por México antes de sacar el disco (que fue una gira curiosa porque paso de todo, jejeje), y como solemos girar sobre unos 18 meses, como quien dice estamos empezando. Lo que ha pasado desde el primer concierto que dimos, allá por el 2002, es que siempre ha habido más público. No ha parado de crecer, y ahora, con la gira de La Deriva, ha vuelto a pasar, y espero que siga siendo así.

La gente sí que va a los conciertos, pero no a todos. Los precios cada vez están más altos por el tema del IVA, y es mucho más complicado sacarle rentabilidad a un concierto. Hoy en día, las estrellas de la música no son ricas como antes, hay que currárselo muchísimo más para conseguir un sueldo digno. Ya no hay ventas de discos y los márgenes de los directos son mínimos.

La gente desde fuera te puede ver como una estrella del rock forrada, pero en realidad, es muy difícil, y te estoy hablando de un grupo al que le va bien. Sí, la gente sigue yendo a los directos,

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“

Ya no hay ventas de discos y los márgenes de los directos son mínimos. La gente desde fuera te puede ver como una estrella del rock forrada, pero en realidad, es muy difícil, y te estoy hablando de un grupo al que le va bien”

pero no a todos, porque no les llega el sueldo para ir a más de un concierto, salir una vez a la semana… La cosa está mal y eso se nota. Hay cantidad de grupos amigos que han dejado de girar precisamente porque no iba la gente a los conciertos. Si llenas salas de 100 personas, ya de repente van 50, y si llenas salas de 500, van 300, y con esos números no se pueden hacer giras porque pagas el iva de todo, no sólo la entrada del público. Todo lo que contratamos de técnica, de movilidad, de catering… cualquier cosa que contratas es con iva, y los márgenes se van al suelo. Vetusta Morla tenemos suerte, pero hay muerte y destrucción, y holocausto y cadáveres por el camino… la cosa está mal.

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En otoño tenéis previsto viajar a Reino Unido, Francia, Argentina y México. ¿Cómo os planteáis esta gira transoceánica? ¿Es como hacerla por España o tiene sus peculiaridades?

No tiene nada que ver porque en España conocemos a mucha gente. Además, en España sales un jueves y vuelves el domingo, y ya estás con tu familia, pero cuando te vas a Europa o a América, olvídate. Es otro mundo, te metes en un túnel del tiempo y ya no te paran de pasar cosas hasta que vuelves al mes y pico siguiente, y es como un “¿qué ha pasado aquí?” No has parado, hemos tocado en un montón de sitios, he conocido a un montón de gente, cosas nuevas y hay mucho de dónde nutrirse todos. Pasan un montón de cosas muy diferentes de lo que ocurre en España, nada que ver.

Y para después del otoño… ¿os tomaréis unas vacaciones o seguiréis haciendo canciones?

Sí, tú lo has dicho. Lo que estamos intentando hacer es no darnos turras continuadas de 18 meses, sino poner una semanita tranquila porque hace falta psicológicamente y físicamente.

Necesitamos hacer pequeños parones, por lo que seguramente nos lo tomemos un poco más de tranqui entre diciembre y enero, y configuraremos lo que viene después. Vamos a seguir presentando La Deriva, pero tenemos que estudiar cómo y dónde. No tenemos todavía el 2015 bien cerrado.

Os toméis o no unas merecidas vacaciones esperamos poder seguir disfrutando de vuestra música. Gracias por atendernos, ha sido un placer charlar contigo.

Gracias a vosotros, y a los lectores, simplemente decirles que no dejen de asesorarse por profesionales, que en estos tiempos que corren hay demasiada información, y hacen falta filtros profesionales que nos ayuden a comprender qué está pasando, y nos asesoren en la música y en la vida también.

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http://vetustamorla.com

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Toreras - Canciones tradicionales asociadas a los festejos taur

N

os guste más o menos, nos parezca una costumbre decimonónica o una realidad incuestionable, lo veamos como un atentado a los derechos de los animales o como una importante seña de identidad, nos parezca mala o buena, lo cierto es que resulta innegable la densa presencia del toro y todo lo que rodea a éste en la cultura española y, más concretamente, en cultura extremeña, a la define el antropólogo Pitt Rivers como taurofilísima. Aún hoy día se mantienen en Extremadura muchas tradiciones en las que encierros, corridas y capeas, amén del componente musical ligado a todas ellas, constituyen un elemento esencial, caso de las Ferias de Olivenza, las Capeas de Segura de León o de Huertas de Ánimas, los Encierros de Moraleja o El Batán, los Sanjuanes de Coria, etc.

Hablar de la música ligada a los toros a todos nos hace pensar en bandas de música y en los pasodobles toreros; pero hay otra música, hoy prácticamente desaparecida, de gran interés etnomusicológico. Nos referimos a las conocidas como toreras.

Las toreras son canciones tradicionales ligadas a la fiesta de los toros, cantadas, generalmente a capella, en diferentes momentos, por ejemplo, durante las corridas o las capeas; también mientras se esperaba el inicio de los festejos taurinos para entretener a la gente y, de paso, ir subiendo los decibelios emocionales en el ambiente pre-taurino; o mucho antes, cuando los jóvenes iban andando a por los toros que habrían de traer hasta el pueblo para lidiarse en dichos festejos; incluso cuando, uno o dos meses antes, se designaba la junta de encabezados encargados de organizar estos festejos.

En España existe un núcleo geográfico donde aún hoy perdura la canción tradicional taurina.

Bonifacio Gil sitúa esta zona entre Zamora, Salamanca, suroeste de Ávila, norte de Cáceres y focos aislados de Badajoz. Por su parte, García Matos aún precisa más, señalando las comarcas del Valle del Jerte y la Vera como los principales núcleos cacereños donde aún se cantan toreras.

Las influencias musicales de ida y vuelta ligadas a las toreras de la Alta Extremadura bien pudieron establecerse con Salamanca, a través de los valles del Alagón y del Jerte , y con Ávila,

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por el Puerto del Pico. El resultado de estas influencias nos ha dejado dos tipos de torera; la verata, de ritmo épico, más animada y festiva, y la del valle, más solemne y de ritmo más largo. Dada la estratégica situación de Piornal, entre la Vera y el Valle del Jerte, en esta localidad encontramos ambos estilos de torera, dándose la tendencia a cantarse ambos a modo de suite, como si de una sola canción se tratara, con tres partes musicalmente muy diferenciadas; la primera, con copla y estribillo (ABAB), correspondiente al estilo jerteño, y la segunda y tercera, con forma simple (A), al estilo verato. Estas toreras están incluidas en la Magna Antología del Folklore de España del placentino Manuel García Matos, interpretadas por una de las voces más particulares que tuvieron las toreras en el siglo pasado en Extremadura, la de Juan de Mata. De nuestra relación con este intérprete hemos sacado, entre otras muchas cosas, la evidencia clara de una de las características esenciales del folklore: su variabilidad y dinamismo en el tiempo. Y es que, analizando tres interpretaciones de la mima torera, realizadas por Juan de Mata en diferentes momentos (la que hizo para García Matos en los años 60, la que le grabó un amigo en los años 70 y la que le grabé yo mismo en los noventa), se observan interesantes cambios rítmicos, incluso melódicos, manteniéndose la esencia musical y textual de la canción.

rinos

Se pueden escuchar algunas grabaciones de toreras extremeñas en:

TÍTULO

INTÉRPRETE

GRABACIÓN

AÑO

Agustín Vázquez

Sones cacereños de gaita y tamboril

2010

Raíces extremeñas

Voz y arraigo

1996

Torera

La Serrana

Arriba en Piornal

1994

Toreras

Llares

Campo de encinas

1993

La Torera

Virgen del Sopetrán

Cantares de la Vera

1993

Al-kazires Folk

Jala p’alanti

1992

Al-Bir

...para cantar

1992

Ejemplo de textos de toreras: COPLAS

ESTRIBILLO

Ya viene el torito bravo por la sierra de Valverde,

Echa otro trago

con el cuerno ensangrentado que da lástima de verle.

de ese puchero, que me se está secando

Ya viene el torito bravo por la sierra de Tormantos,

el gallivero (gaznate).

y los mozos piornalegos torera vienen cantando.

Desenvaina la espada Ya viene el torito bravo por la sierra de Garganta,

que vengo herido,

salgan los mozos valientes para traerlo hasta la plaza.

para las ocasiones LaCarne Magazine

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son los amigos.

Ya viene el torito bravo por la sierra de Garganta, con el cuerno ensangrentado pisando la nieve blanca.

Échale y dale, por una perra chica

Ya está el torito en la plaza y el torero en la barrera,

cinco mil reales.

las niñas en los balcones pidiendo que el toro muera.

Salga el torero, El torito era piñano y tenía siete años

salga el de los calzones

y la leche que mamó se la di yo con mis manos.

de terciopelo.

A ese torito piñano le tengo que regalar,

Échale fuera,

unas banderillas nuevas al lado del costillar.

a ese torito bravo que es de carrera.

Madre si me mata el toro, que me entierren en un prao, y la yerba que allí nazca, se la coma ese ganao,

Echa una suerte al toro y otra a la vaca, y otra por mi morena que está en la plaza, la vi llorando.

Torero tira la capa, torero tira el capote, y súbete a la barrera mira que el toro te coge.

Mira que el toro te coge, mira que el toro te pilla, torero tira la capa y ponle las banderillas.

Y ponle las banderillas y pónselas con salero, que en el medio de la plaza está la sal de un torero.

Está la sal de un torero, está la sal de una niña, torero tira la capa y ponle las banderillas.

- Torero tira la capa, tira la capa pa torear, mira que el toro es muy bravo seguramente te va a pillar.

- Si me pilla que me pille ni a ti ni a nadie le importa na, y si la capa se rompe la mi morena me la coserá, y si la mancha de sangre, la mi morena me la lavará.

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Bibliografía GIL GARCÍA, B (1954): “La canción taurina en la tradición extremeña”, R.E.E., Badajoz, p. 225.

GUADALAJARA SOLERA, S. (1984): Lo pastoril en la cultura extremeña. Cáceres, Institución Cultural “El Brocense” de la Excma. Diputación Provincial (en las páginas 221-224 se habla de las toreras).

MARCOS ARÉVALO, J., RODRÍGUEZ BECERRA, S. y otros (coords.) Antropología Cultural en Extremadura. Mérida, Asamblea de Extremadura (en este libro hay varios artículos sobre los festejo taurinos en Extremadura) LaCarne Magazine

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por Rui Díaz

Rui Díaz y la banda imposible

H

ubo un tiempo en que quería saberlo todo de mis artistas favoritos. Todas sus manías y secretos, sus fetiches y rituales. Como si conocer las mentiras de sus personajes pudiese acercarme a la verdad de sus personas. Con el paso de los años, comprendí que sus leyendas eran más hermosas que cualquiera de sus verdades. La realidad carecía de magia, de luces y espectáculo, de misterio. ¿Quién querría saber que sus ídolos no son más que personas normales?

Al cabo de los años, comencé a interesarme por la música como algo más que como un mero espectador. Rozaba los veintitrés años y acababa de comprarme mi primera guitarra. Me creía preparado para empezar a crear mi propia historia, pero para eso tenía que aprender algo más que la digitación de un acorde mayor.

Desde aquel momento, y, a medida que fui mejorando, volví a recuperar el interés por saberlo todo de los músicos en los que siempre me había fijado. Llegué hasta el punto incluso de dejar de disfrutar de muchos conciertos; estaba tan pendiente de saber qué pedales usaban o de qué grosor era su púa, que casi se me olvidaba pasármelo bien con su música. Ya lo decía Jack White en el documental It might get loud cuando le preguntaban acerca de qué sería lo que haría cuando se reuniese con Jimmy Page y The Edge: robarles todos sus secretos.

Han pasado todavía más años y no sé si he llegado a seguir aquel extraño consejo.

Lo que sí sé seguro es que he conseguido aprender mucho de todos los compañeros con los que me he ido cruzando en el camino. Si he ganado algo, sin duda ha sido admiración por ellos y por una profesión que no deja de sorprenderme.

Podría parecer que toda esta introducción no ha sido más que una manera de desviar la atención de lo que realmente me han pedido, pero nada más lejos. No es que no quiera contar mis secretos, ¡es que no quiero que sepáis que no tengo!

Si algo he aprendido desde que empecé a tocar es que hay muchos lugares comu-

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nes. No sé si será por aquello de imitar a tus ídolos, pero, si seguís esta sección, ya os habréis dado cuenta de que la mayoría seguimos a rajatabla cierto manido guión. ¿Por qué? Probablemente porque funciona. Tan sencillo como eso. En mis primeros conciertos solía tomarme un chupito de tequila antes de empezar. Me calmaba (o creía que me calmaba) los nervios y me daba el empuje previo para subir al escenario con la confianza necesaria. Pero es algo que dejé de hacer porque al cantar notaba la garganta extraña, anestesiada, y me producía cierta inseguridad cantar así. El cambio desde entonces no ha sido, sin embargo, demasiado radical, sino, simplemente, de gradación: sigo tomando chupitos antes de empezar, pero, eso sí, de cosas más suaves. No podría dejar de hacerlo, mucho menos ahora: al empezar a tocar con banda (¡por fin!), el brindar por el concierto es más importante que cualquier otra cosa.

Suelo calentar la voz en la prueba de sonido, igual que los dedos; si bien continúo con algún ejercicio de afinación justo antes de empezar (dicho así queda muy profesional, pero, en realidad, esto se resume en perseguir a Mercedes, la violonchelista de la banda, mientras repito el mismo sonido y le pregunto insistentemente si estoy dando un la). Para evitar momentos escatológicos, obviaré decir cómo le afectan a mi estómago los nervios; bastará decir que no suelo comer nada hasta después de tocar. No suelo repasar demasiado las canciones mentalmente, salvo si acaso aquella con la que voy a empezar, los primeros versos, para asegurarme de que lo tengo todo interiorizado y controlado. Aun así, y para no perder el hormigueo que produce el riesgo, siempre intento cambiar el setlist, al menos en un par de canciones, de tal modo que no tenga la sensación (ni yo ni el público) de estar repitiéndome y actuando con el piloto automático.

Si retrocedo más en el tiempo, hay algo que me tengo prohibido hacer el día antes de tocar: salir. Necesito descansar y cuidar la garganta para dar lo mejor de mí. Incluso hubo una temporada en la que colocaba los exámenes de mis alumnos el mismo día que el concierto para así tener que hablar menos. Puede parecer exagerado, pero no si hablamos de dar clases en un grupo de la ESO. No tengo manías especiales (o eso creo). Siempre uso las mismas púas. Nunca estreno cuerdas para un concierto (necesito apagarlas un poco antes). Afino al terminar la prueba de sonido. No me gustan demasiado los camerinos. Odio los minutos antes de empezar, me pone nervioso la espera, pero son precisamente esos minutos los que hacen que las primeras canciones sean una gigantesca descarga de adrenalina.

Como veis, ninguna de las cosas que hago antes de un concierto merece ser llamada secreto. Sigo estando muy lejos de mis grandes ídolos, pero cada día estoy más cerca de lo que me gusta: mi banda, nuestras canciones, el público, seguir tocando... Puede que esa sea la verdadera magia. A mí, al menos, me lo parece.

https://imposibleruidiaz.bandcamp.com/ LaCarne Magazine

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Catloose

https://soundcloud.com/catloose

Esta semana tenemos con nosotros a Félix aka Catloose, músico,dj y con una larga trayectoria profesional a sus espaldas:

A los 15 años empezó en esto de la música enredando con la batería en un grupo de rock, con unos amigos con los que duro unos tres años, en los que básicamente aprende de forma autodidacta a tocarla. Tiene un segundo grupo, Dolphin people, de estilo Pop-Rock y canta en inglés, ganando varios concursos de grupos noveles y grabando un primer disco, llamado “Four elements”, compartiendo escenario con grupos extremeños como Bucéfalo o AMA, y también con artistas nacionales como Bebe y Dover.

Tras acabarse este proyectos y otros, comenzó en 2003 a interesarse por la música electrónica y por la cabina, interesándose sobre todo por el “house”, aunque como él dice, prefiere música sin etiquetas. Ha pinchado por Extremadura sobre todo, y ha compartido cabina con dj´s extremeños como J. Palomo, Zeus y J. Alqantara, y también con dj´s nacionales como Jose luis Magoya, y en el Festival Palomos 2014 con Carlos Jean.

Su proyecto más ambicioso es el que tiene actualmente junto a su colega y amigo Konvisual, haciendo una perfecta fusión entre el mundo de las imágenes y la música.

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Hola Félix! La primera pregunta creo que es obligada hacértela: ¿Cuándo y cómo decidiste dejar la batería y empezar con los platos?

Después de fracasar el proyecto de Dolphin People, comencé a trabajar en un bar en Mérida llamado YASTA, donde había unos platos, y ya estaba empezando a escuchar electrónica, así que comencé a probar, me gustó y ahí empezó todo.

Sé que sueles participar en muchos proyectos en tu faceta de dj ¿En qué andas metido actualmente?

A parte de hacer diferentes sesiones por pub´s, tanto de electrónica como de acid jazz, funky o music 80, incluyendo percusión en directo que toco también en mis sets, el proyecto más importante es el que tengo junto a mi gran colega KONVISUAL, en el cual fusionamos música y videoproyecciones. ¿Cómo ves el panorama de la música electrónica en Extremadura?¿Crees que hay diversidad de salas, en donde actuar, que estén realmente preparadas y equipadas para poder realizar tu trabajo (equipo, monitores, etc.)?

Bueno, está claro que hay pocas salas preparadas para hacer un buen set, y el panorama está cada vez más complicado, pero creo que será por poco tiempo, ya que muchas de ellas se van dando cuenta de que necesitan adecuar la sala a las necesidades del dj, y así poder obtener a la larga mejores resultados ante el público.

Has participado en el festival de los Palomos en Badajoz en esta última edición, ¿cómo ha sido la experiencia al pinchar ante tanto público y en un sitio tan emblemático como Puerta Palma?

Bueno, fue una experiencia preciosa, al tener tanta gente delante tuya me sentí muy motivado, un poco nervioso el primer tema pero como cuando tocaba la batería, al final siempre se te hace corto, aunque tengo que decir que el espectáculo que queríamos realizar era mucho más ambicioso de lo que realmente pudimos hacer, pero bueno, esperemos que el año que viene vuelvan a contar con nosotros y con la idea que teníamos.

Dime tres temas de música electrónica que por muchos años que pasen nunca dejarán de estar de moda para ti!

1º Frankie knuckles - ”Your love” 2º New Order - “Blue mondays” 3º Daft punk - “One more time” Estos temas incluso todavía los llevo en mi set.

Y por último, dime cuáles son las fechas que vas a tener próximamente, para que todo el mundo que quiera sepa donde encontrarte.

El próximo evento en el que me han llamado es para un festival de los ochenta, donde actuarán grupos españoles como La guardia, 091, Danza invisible y La Frontera, en el mes de julio en Mérida. La fecha esta por confirmar.

Bueno, ya solo queda despedirnos de este gran artista y deciros que si tenéis la oportunidad de verlo, no la desaprovechéis que no os va a dejar indiferente!!!

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DISPONIBLE EN VINYLO Y DESCARGA DIGITAL

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WALLFLOWER - Say you won’t ever (deetron t-line version)

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LIFE ON MARS/L’ATELIER - Day

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AGENTS OF TIME - Polina

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ANDREW ASHONG - Special

SAN LAURENTINO - Lost in harbour

DEJAN MILICEVIC - Resurrection NATHAN BARATO - Dirty girl (2000 & one & sandy hunter remix) OSCAR BARILA - Planet hollywood ERIC KANZLER/DANIEL BOOM - Rooll in LUCIO SPAIN/UGLH/ROBERT FEEDMAN - Bishop (original)

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ROOM - EXTREMADURA DE CLUB En esta sección queremos hacer un recorrido por las distintas salas de Extremadura con cultura de club, y que tienen una programación semanal y mensual con djs en vivo. Esta semana, y para abrir la sección, queremos que conozcáis a ROOM (Cáceres). Es un club situado en la calle cruz de la capital cacereña, junto a la plaza mayor, que abrió sus puertas en 2010. Por su cabina, en estos cuatro años de historia, han pasado muchísimos artistas, dando cabida sobre todo a mucha gente del panorama regional. Siempre se ha caracterizado por su buen sonido y por la calidad de los artistas que pasan por allí, aparte del trato hacia la clientela. Tenemos con nosotros a Luís Delgado, dueño de Room, para hacerle una serie de preguntas. ¿Cómo se te ocurrió la idea de montar un local de música electrónica en Cáceres?

Lo tenía muy claro, porque aparte de que me encanta la música electrónica (al igual que todo tipo de buena música), pensé que Cáceres necesitaba un club donde se escuchase música de calidad, y un espacio donde pudiesen actuar los mejores djs de la región, aun sabiendo que este tipo de música no mueve (por desgracia) el publico que mueven otros tipos de música!!

Todos sabemos cómo es el verano en Cáceres, y la poca afluencia de público a locales que no disponen de terraza (por suerte, Room la tiene) por lo que estarás pensando en proyectos para este invierno que motiven a la gente que visite Room, no?

Este invierno, además de seguir con nuestra programación habitual con los mejores djs de la región, tenemos pensado seguir con nuestras vinyl part’ys, que tan buen resultado han estado dando, y además daremos alguna sorpresa más con algún artista nacional.

Por último, ¿qué estilos musicales son los que suelen escucharse en Room en lo que a música electrónica se refiere?

En Room se escucha una gran cantidad de estilos, como pueden ser el house, micro-house, deep, tech-house, soul, funky, nudisco y cualquier estilo que sea sinónimo de calidad!

Bueno, Luis, pues un placer hablar contigo y como no puede ser de otra manera… nos vemos en Room!

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CAP. XII: ¿EL FINAL DE ARÍN DODÓ?

A

finales de 2012 se produjo la desintegración del núcleo arindododiano. Sólo desintegración física, por supuesto, no espiritual. No sé si en algún momento volveremos a tener una época igual, porque con Quique Cremol en Nueva Zelanda, “Donde” en Inglaterra y Ruvenigue en Irlanda y las Islas Canarias es difícil, pero nunca se sabe… No creo que Arín Dodó tenga un final, supongo que será un punto y aparte. De todas formas el espíritu arindododiano se mantiene y se con-

tinúa en las manifestaciones artísticas donde ando metido ahora, porque lo que estoy haciendo, o lo que estén haciendo ellos, está regulado por los mismos principios y por la misma manera de entender el arte (no arte) y la vida. Más de una vez he dicho eso, el arte y la vida se confunden y más en la improvisación, que es donde los arindododianos se mueven.

Es una forma de mostrar cómo eres, es una proyección de cada personalidad.

A partir de esa época mi forma de trabajar se ha decantado por la improvisación, no por la composición. En la composición tienes tiempo para rectificar. En la improvisación libre no. La improvisación es estar continuamente en la cuerda floja, no se sabe que va a acontecer hasta que lo haces. Ahí he llegado de forma natural, sin forzarme en absoluto y eso se lo debo en gran parte a todos los componentes que han pasado por ese colectivo que hemos hecho entre todos nosotros, Arín Dodó. Fue un laboratorio de experimentación donde pude probar un montón de recursos que sigo utilizando ahora y que me han servido para obtener otros nuevos y los que tengan que venir en un futuro.

Las últimas grabaciones de Arín Dodó se pueden descargar en http://www.arintonadodo. com/category/musica/2011/ y http:// www.arintonadodo.com/category/ musica/2012/; grabaciones (algunas de ellas) realizadas en un cuarto de baño, inmediatas e improvisadas, con percusiones primitivas y efectos analógicos pasados por cinta mag-

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www.arintonadodo.com netofónica, utilizando una mesa de 4 pistas. Si se fijan, la idea y el concepto es el mismo que en Poliedro Kobold, aunque formalmente es distinto (eso ya lo he dicho alguna vez creo). Además la inspiración la sigo encontrando de la misma forma, limpiando un retrete. Y eso es lo que más me importa ahora mismo, el concepto, la idea… y esa manera que tengo de entender la música y el arte se empezó a gestar en esas dos formaciones, con estilos muy distintos, pero con una misma base. Por eso digo que aunque físicamente Poliedro Kobold y Arín Dodó ya no estén, su espíritu permanece aquí.

Incluso en un proyecto creado a finales de 2012 por Quique Cremol está ese espíritu.

Al fin y al cabo en Industrial Water (que así se llamó ese proyecto) estábamos los mismos que en Arín Dodó.

Industrial Water: https://www.youtube.com/watch?v=WISd7XIRh1c&index=7&list=PL48DA543A36C51C64 http://extremasound.com/sobre-industrial-water/ https://myspace.com/industrialwater/music/songs Parece que no hay para más… en el siguiente capítulo contaré cómo conseguí sobrevivir a la desaparición de mi más preciada criatura.

Atentamente, J.G. Entonado & Arín Dodó (contacta desde aquí)

SINESTESIA El arte de ver los sonidos

por Marta Lozano Molano

HARMONIC BRIDGE

(todas las imágenes pertenecen a la web del autor www.resoundings.org)

Bill Fontana es un compositor y artista sonoro norteamericano pionero en experimentos con el sonido. Su trabajo se centra en emplear el sonido como elemento para crear esculturas. Éstas interactúan con el espacio que las circunscribe y transforman la percepción visual de los espacios arquitectónicos. Sus esculturas sonoras han sido acogidas por todo tipo de museos a lo largo de todo el mundo, al igual que sus proyectos de arte radiofónico.

“Harmonic Bridge” o “Puente armónico” es una escultura sonora que explora la musicalidad de los sonidos escondidos en la estructura del puente peatonal “London Millenium” de Londres.

(London Millennium Bridge, que une la zona de la Tate Modern con la de St Paul’s Cathedral. Londres)

Bill Fontana afirma que este puente cobra vida a través de las vibraciones causadas por las respuestas de éste a la energía producida por las pisadas de los viandantes, su propio peso y el viento. Pero, este universo sónico es inaudible cuando se camina sobre el London Millenium, por lo que defiende que esta escultura sonora era necesaria.

Para poder apreciar este universo sonoro escondido, el autor realizó un esquema sónico del puente, analizó los datos y realizó diversas manipulaciones de esta información. Después emitió una escultura acústica con una matriz de altavoces situados en diversos puntos de dos lugares emblemáticos de Londres: el Turbine Hall del Tate Modern Museum y la estación de metro Southwark.

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(Turbine Hall, Tate Modern. Londres)

El esquema sónico del puente fue obtenido a través de la colocación de una red sensores capaces de captar las vibraciones (acelerómetros) situados en cables y partes estructurales del puente, pudiendo así tomar muestras de cómo sonaba el London Millennium.

(Espectograma del London Millennium en un día ventoso)

A través de esta metodología, la escultura sonora toma forma al ser emitida en los dos espacios anteriormente mencionados, viéndose esta influida por la arquitectura de los dos lugares que la contienen.

El objetivo que se perseguía a la hora de diseñar el London Millennium Bridge era el de dar una solución a la necesidad de unir la Catedral de Saint Paul con el lado colindante al río Thames del distrito de Southwark. Bill Fontana se propuso con su Harmonic Bridge, desvelando los sonidos ocultos del puente y potenciándolos en el Turbine Hall de la Tate Modern y en el LaCarne Magazine

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SINESTESIA El arte de ver los sonidos

por Marta Lozano Molano

vestíbulo principal de la estación de metro Southwark, dar una nueva dimensión la concepción inicial de esta estructura.

El resultado fue la creación de un entorno atractivo para los visitantes que se veían inmersos en una experiencia sin igual provocada por la emisión a través del sistema de altavoces de resonancias graves y percusivas de 100 hertzios. La percepción de estos sonidos era la de ondas que variaban de intensidad lentamente.

El Harmonic Bridge tuvo lugar únicamente entre el 16 de Junio y el 28 de Agosto de 2006. En la dirección http://echosounddesign.com/media/Harmonic_BridgeH.mov se puede disfrutar de una grabación audiovisual del evento.

(Vestíbulo de la estación de metro Southwark)

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ESPECIAL

JOTA P P https://www.facebook.com/jotapop.dj

FotoTeresito De Limon

Comienzas tu andadura como dj en la ciudad de Salamanca ¿fue allí donde descubriste que querías dedicarte a los platos?

La verdad es que surgió un poco por casualidad, como todas las cosas que acaban siendo importantes en tu vida. Tuve la oportunidad de pinchar en una fiesta de presentación del Contempopránea gracias a mi amiga Marta Warring, y fue mi primera toma de contacto con el público.

Más adelante, otra amiga, Anita Olleros, me consiguió trabajo como pincha en un bar de Salamanca, y a raíz de eso ya empecé a planteármelo más seriamente. Empezaron a salirme bolos en otros sitios de la ciudad más enfocados al indie, que me permitieron aprender y empezar a forjar mi identidad pinchando. Y hasta hoy, en proceso de aprendizaje y con ganas de viajar y seguir creciendo con las experiencias que voy viviendo. ¿Desde el principio eras Dj Jotapop o el nombre surgió después?

Lo del nombre responde a una cuestión puramente de falta de creatividad, jeje. Mis amigos me llaman Jota y soy buen popero, por lo que no tuve que darle demasiadas vueltas. Comencé con ese nombre y la verdad es que no creo que cambie a estas alturas.

Antes de dedicarte a ello, ¿habías tenido relación con la música anteriormente? ¿has formado parte de alguna banda como Dj? Pues de chavalín estuve en una banda con unos amigos de Mérida, en la que hacía como que cantaba, pero nunca como Dj. La música siempre ha tenido una presencia importante en mi

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ESPECIAL vida: vivo con los cascos puestos. La posibilidad de dedicarme algo más en serio al mundo Dj me sirve en cierto modo como excusa para seguir rodeado de música constantemente.

Has estado pinchando en muchas salas a nivel nacional ¿qué tiene que tener un buen Dj para llamar la atención de las salas? Y las salas ¿qué buscan en un Dj? Yo creo que son varios factores: tener un discurso propio, saber leer bien una pista, ser humilde y currar y currar y currar. Esforzarse por mejorar y observar y aprender de la gente con la que compartes cabina me parece algo básico y primordial. Pienso que las salas buscan un equilibrio entre alguien que les “llene” el local (no olvidemos que es un negocio) y que además les guste su estilo y forma de pinchar.

Haces sesiones de Indie, pop, rock… ¿hay algún estilo con el que te sientas más cómodo? ¿Qué no pincharías nunca?

Lo cierto es que mis sesiones suelen ser bastante eclécticas, y en ellas confluyen esos estilos que mencionas, además de algunos otros como el britpop, el sonido Manchester, incluso psicodelia... Yo cuando estoy más cómodo es cuando veo que he cogido el punto a la gente de la sala y están disfrutando con los temas que suenan, sean del estilo que sean.

Sin duda alguna, no pincharía jamás electrolatino.

Hemos podido verte sobre el escenario de esta nueva edición del Contempopránea ¿Qué tal la experiencia sobre este escenario? ¿Has asistido alguna vez cómo público?

La experiencia ha sido increíble. Contempopránea es un festival muy especial para mí, ya que he ido siempre que he podido a Alburquerque, y la oportunidad de haber formado parte de él en esta primera edición del “doblete” ha sido genial. A pesar de que me tocaba la responsabilidad de abrir (con la gente algo más fría), y que sabía que no habría tanta gente como a horarios posteriores, ha sido brutal ver cómo la gente se iba acercando a bailar o, incluso, verles bailar en la distancia. El sonido y el trato por parte de todos ha sido muy, muy bueno...en fin, que sólo tengo buenas palabras para la experiencia vivida.

Muchas gracias por dedicarnos estos minutos. Esperamos seguir bailando contigo durante mucho tiempo Muchísimas gracias a vosotros, ha sido un auténtico placer. Espero que los lectores de LaCarne se animen a acercarse al Contempopránea de Alburquerque, donde seguro que lo pasamos genial, como cada año. All u need is pop.

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ESPECIAL

Fotos Ruth Giráldez

Niños Mutantes lleváis sobre los escenarios un montón de años acumulando experiencias y éxitos ¿Qué queda en vosotros de los comienzos?

Han cambiado muchas cosas, pero la esencia permanece: un grupo de amigos que se meten en una furgoneta a viajar para compartir lo que más nos gusta hacer en el mundo, que es tocar y ver cómo la gente disfruta con nuestra música, y en el camino hablar de nuestras cosas, reírnos, beber, comer y vivir una vida diferente. Ahora nos cuesta más recuperarnos de una resaca, y al volver de un finde de conciertos estamos hechos una basura, pero amamos esto. Nos sigue pareciendo emocionante el misterio de construir canciones desde la nada, trabajar en ellas hasta que nos emocionan y encerrarnos en un estudio a ver cómo llegan a su forma final. Somos conscientes de ser muy afortunados.

Habéis sacado este año vuestro último trabajo, El Futuro, y está recibiendo muy buenas críticas.

Para los que aún no han podido escucharlo ¿qué se van a encontrar en este disco?

Se van a encontrar el sonido más sofisticado de Niños Mutantes, el disco más producido y con más capas de sonido, en especial por el trabajo de teclados y percusiones, se van a encontrar algunas sorpresas por canciones que entran en territorios poco transitados por nosotros, pero a la vez oirán a los Mutantes de siempre porque no sabemos disfrazarnos de cosas que no somos nosotros. Encontrarán que la mano de Ricky Falkner se nota, ha ayudado a redondear un sonido que va de la primera a la última canción, aunque sean muy diferentes entre sí.

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ESPECIAL El Futuro es un título muy acorde al tiempo que vivimos actualmente, y puede interpretarse tanto desde una perspectiva esperanzadora, como desde la más profunda incertidumbre. ¿Es esa vuestra intención?

El Futuro son los deseos y también los miedos. En este disco están esas dos caras. Está el miedo a encontrarnos con un futuro que no queríamos y el deseo de que todo cambie y nos lleguen cosas buenas. Sobre todo nos centramos en ese último, es una pelea por conseguir lo que queremos. Después de hundirnos en la mierda como nos han hundido tenemos que pelear por salir del lodo, no basta con estar sentados en el sillón quejándonos de lo mal que está todo.

Y hay que empezar por uno mismo, a un nivel muy personal, para ser capaces de lograr transformaciones sociales.

El disco lo lanzasteis primero en plataformas digitales el 22 de Abril, aunque también puede adquirirse en formato físico, pero ¿creéis que las nuevas tecnologías hacen a los grupos llegar a más gente? ¿Es la mejor forma para los grupos?

La difusión de la música hoy se hace por las redes. No hay duda ninguna. Tampoco hay duda de que el acceso es mucho más sencillo y eso nos ha abierto muchas puertas. El fenómeno de explosión de la escena independiente tiene mucho que ver con eso. No hace falta comprar un disco para conocer a un grupo nuevo. Al menos en España, en otros sitios es diferente. La parte mala es que no se escucha la música con la atención y la profundidad de antes. Escuchamos de forma compulsiva, buscando satisfacción inmediata, cambiando de canción a los 20 segundos. Eso es consumismo aplicado a la música, y no mola nada.

En pocos días podremos veros en el Comtempopranea. No es la primera vez que tocáis en este escenario ¿cómo fue aquella vez? ¿os planteáis el concierto de una forma distinta?

Queremos mucho el Contempopranea.

Hemos tenido noches increíbles y noches para olvidar. Es curioso porque somos un grupo muy de directo, pero tenemos algunas espinas clavadas en Alburquerque.

La primera vez no fue de las buenas, estábamos muy nerviosos, era una de las primeras veces que íbamos a un festival grande, en una época en que además no había tantos festivales. Contempopranea conserva la esencia y el orgullo de estar ahí desde antes de que florecieran como setas. Nos hace siempre mucha ilusión LaCarne Magazine

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ESPECIAL

volver y esperamos que este año sea nuestro mejor Contempopranea.

Esperamos que El Futuro coseche muchos más éxitos. Gracias por vuestras canciones y por charlar un rato con nosotros.

Gracias a vosotros, es un placer, estamos deseando veros en Alburquerque otra vez más, ya olemos los eucaliptos de la ladera del castillo. Foh yeah !!

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ESPECIAL

La

Habitacion Roja

Fotos Sergi Minguell

Desde la formación de La Habitación Roja en el 94, habéis recorrido un largo camino ¿qué balance hacéis, a grandes rasgos, después de todo este tiempo? ¿Habéis conseguido vuestros objetivos?

La primera maqueta la grabamos Jose y yo en el año 95. Han pasado 20 años y el balance es más que positivo. Uno, cuando empieza, no tiene objetivos sino sueños. Los nuestros eran tener un grupo, encontrar a la gente adecuada con la que tienes afinidad musical y personal (esto al principio me parecía lo más difícil), grabar una maqueta, mandarla a una compañía, sacar un EP y hacer una gira. Si echas la vista atrás, ves que además de todos esos sueños hemos cumplido otro que es muy complicado de conseguir: Poder dedicarte a lo que más te gusta y que te paguen por ello. Creo que lo mejor de LHR de los últimos años ha sido el no tener objetivos y disfrutar de cada cosa buena que nos pasa. El camino es lo único importante, por encima de las metas.

Vuestro último trabajo, La Moneda en el aire, está considerado por los medios y la crítica como uno de vuestros mejores discos ¿El último disco siempre es el mejor? ¿Por qué creéis que han llegado a esta conclusión?

El último disco suele ser siempre el que mejor te representa, sobre todo por la cercanía en el tiempo. Normalmente, los discos tienen mucho de ti, de historias que te han pasado o has vivido,

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ESPECIAL por lo que el hecho de que te sientas más identificado con lo último que has hecho me parece lo más natural del mundo. También como explica siempre Pau con una divertida analogía: Tu pareja actual siempre es la mejor. Sería un poco feo decirle a tu novia que ella está bien, pero que era mucho mejor la que tenías antes.

Dicho esto creo que luego está el público, que tiene sus favoritos, los cuales tienen mucho que ver, ya no solo con la calidad de los discos que sacas, sino con el momento personal que ellos viven. Ese momento hace que se identifiquen más con unos que con otros. Mirando las cosas con un poco de perspectiva, yo creo que llevamos 3 discos de gran nivel. No sé por qué la gente que piensa bien de éste último ha llegado a la conclusión de que puede estar entre los mejores, pero sí que me parece relevante que en nuestro último concierto hayamos tocado 8 canciones de La moneda en el aire. Con 9 discos y casi 200 canciones escritas ,y teniendo en cuenta que en cada concierto tocamos unas 18/20 canciones, que casi el 50 % del repertorio se base en el último disco, y lo haga funcionando bien, me parece muy meritorio. Como decía antes, lo importante es el camino y saber que por encima de afinidades LHR siempre tiene la posibilidad de hacer una canción que conecte con la gente.

La Moneda en el aire sorprende con algunos cambios en cuanto a sonido y arreglos. ¿Con este disco iniciáis una nueva etapa de La Habitación roja?

Hemos firmado un nuevo contrato con Mushroom Pillow, y en él hemos sentado las bases de los próximos discos. Creo que ahora mismo tenemos una relación muy fluida entre nosotros y también con el sello. Veo a todo el grupo muy enchufado, muy dinámico, haciendo otras cosas con otros proyectos que nos enriquecen como colectivo, y con un montón de herramientas y tecnología a nuestro alcance. Pero lo más importante es que siga fluyendo la música y nos salgan buenas canciones. Pero sí que tenemos la sensación de que estamos en un nuevo momento que no sabemos muy bien hacia dónde nos va a llevar, aunque las sensaciones son buenas.

Grabar en los estudios Rockfield en Gales habrá sido toda una experiencia ¿Habíais visto otros estudios antes de decidir grabar allí?

Sopesamos otros estudios pero fue ver lo que nos ofrecía Rockfield y nos decantamos por esta opción. Además, ver la lista de grupos que han pasado por allí no hacía sino confirmar que era el lugar adecuado para dar forma a nuestras nuevas LaCarne Magazine

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canciones. Muchos de los grupos que nos han influenciado y lo siguen haciendo han grabado allí, así que fue una experiencia muy bonita. Hace un año ahora de eso, y cuando pienso en la experiencia de la grabación se me pone una sonrisa en la boca. También me parece muy importante la figura de Santi García. Juntos formamos un gran equipo y ya estamos pensando en hacer más cosas en el futuro.

Sois unas de las bandas que pasaréis por el escenario del Contempopranea de este año. ¿Qué significado tiene para vosotros este festival? ¿Habéis tocado en otras ediciones?

El Contempopranea es un festival muy especial para nosotros pues nos ha visto crecer y nosotros a él. Además, siempre han apostado por LHR y allí hemos hecho algunos conciertos que yo considero míticos. Hay un ambiente estupendo, el sitio es muy bonito y la organización muy competente y apasionada por la música. A mí, personalmente, me gusta mucho Extremadura.

La gente es muy amable, se come bien, tiene lugares preciosos. Me encanta ir y espero que podamos seguir haciéndolo. Hemos estado en 7 ediciones si no me fallan las cuentas.

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Y además del Contempopranea, ¿Sobre qué otros escenarios podremos veros?

Pues hemos estado ya en varios festivales y vamos a estar en muchos más. Tocaremos este verano, además de en Alburquerque en: Ojén, Alfafar, Albacete, O’grove, Alburquerque, Benidorm, Santander, Asturias, Salamanca y Bullas de momento.

Gracias por pasar un rato con nosotros y enhorabuena por vuestro nuevo disco, que ya es todo un éxito.

Muchas gracias a vosotros y a ver si coincidimos pronto. Estamos muy contentos con cómo están sonando las canciones nuevas, y creemos que el grupo está en un gran estado de forma.

A ver si nos vemos ☺ Gracias a todos por estar ahí apoyándonos.

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MANSABORÁ FOLK - LA TRADICIÓN MÁS ACTUAL

la tradicion mas actual Texto: Pedro Gallardo - Fotos: Modesto Galán

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Existen muchos, muchos grupos, pero hay muy pocos como Mansaborá Folk. Nacidos de la pasión por las canciones tradicionales extremeñas, los cacereños nos presentan su esperadísimo nuevo Cd, 3 Vidas, con el que vuelven a acertar de lleno. Con un gran trabajo de producción y composición, han sabido encontrar el equilibrio, mostrándonos la tradición más actual, y consiguiendo acercar leyendas y folklore a un público mucho más amplio. Mansaborá folk se perfilan como uno de los grandes grupos de la historia de la música en Extremadura, y no hay ninguna duda de que su trabajo será recordado durante mucho tiempo.

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MANSABORÁ FOLK - LA TRADICIÓN MÁS ACTUAL Iniciasteis este camino en 2005, después de coincidir varios de los componentes en el grupo folklórico municipal de Cáceres. ¿Son buenos tiempos para el folklore extremeño?

Creemos que al folclore le pasa un poco como se dice siempre del teatro, que siempre está en crisis, pero que nunca deja de gustar y estar de moda. El folclore cambia de forma de presentarse, y a pesar de todo, siguen siendo muchos los aficionados que siguen haciendo que continúe vivo.

Hace poco habéis tenido una nueva incorporación ¿Quién forma Mansaborá Folk?

Sí, junto a los siete componentes fundadores que quedamos, se ha incorporado una nueva flautista, Silvia Mariscal. El resto somos: Emiliano Gómez, guitarra acústica, percusiones y voz; Isaac Holgado, acordeón, bajo eléctrico, piano y percusiones, además de ser el arreglista musical; Juanjo Carrero, laúd y guitarra portuguesa, Rubén Núñez, guitarra española, bajo y voz, y tres cantantes que además tocan percusiones: Maite Cordero, Antonio Muriel y Montaña Sánchez.

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Suponemos que lo más difícil es juntar a todos los componentes para ensayar. ¿Habéis conseguido una rutina de ensayos?

No es fácil realmente, y se consigue finalmente una rutina de ensayos a base de esfuerzo y de sacrificio, pero sí, los ensayos son semanales y se convierten además en un rato de diversión y de desconexión de la rutina diaria. ¿Cuál es el secreto para seguir en la brecha desde el 2005? ¿Cómo tomáis las decisiones en el grupo?

Secreto no sabemos si hay, lo que sí hay seguro es mucha ilusión, mucha amistad y el apoyo de la gente que estos años nos está acompañando, pero además de todo eso, algo que ayuda mucho es saber que estamos luchando por algo que nos emociona y que defendemos desde el principio, que es la defensa de la cultura tradicional extremeña. Las decisiones se toman a veces consensuadas, y otras por algunos de los componentes, ya que ciertas funciones las tenemos asignadas con una confianza plena en cada una de las personas que se dedican a

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MANSABORÁ FOLK - LA TRADICIÓN MÁS ACTUAL organizar y decidir en el grupo En 2008 publicáis vuestro primer trabajo, Mansaborá, y muchos ojos comienzan a fijarse en vosotros. ¿Vuestro primer trabajo marcó un antes y un después en la historia del grupo?

A veces en un disco es el empujón que un grupo necesita, y sobre todo para que se haga su trabajo visible a un número mayor de personas. Cada disco es un punto de inflexión, el resultado de incontables horas de ensayo, de tomas de decisiones, de grabación… pero que al final se convierte en una ilusión y un regalo al público Otro gran evento en vuestra historia es el paso del grupo por el Festival Internacional de Folk de Plasencia. Contadnos cómo fue la expe-

riencia y cómo conseguisteis repetir después.

Pues cuando fuimos la primera vez al Festival de Plasencia estábamos recién llegados al folk, no teníamos discos, y casi ninguna experiencia. Fue un verdadero susto llegar a aquel enorme escenario, a la repercusión mediática, fue una de esas cosas que nunca se olvidan y que marcan la historia de un grupo. A los pocos años volvimos con muchos más conciertos a las espaldas pero con la mismo ilusión, y respecto a cómo conseguimos volver, pues no lo sabemos, creo que en un festival como ese debe estar representado un folk más tradicional como el que nosotros representamos y que buscaban un perfil como el nuestro para esa edición.

Nosotros pensamos que el folklore no tiene edad, y que puede gustar tanto a jóvenes como a adultos ¿Lo tenéis en cuenta a la hora de seleccionar los temas del setlist?

Sí, es casi una obsesión para nosotros acercar el folclore a los más jóvenes, de hecho en el nuevo disco, así como en los conciertos, hay una parte dedicada a los niños. Cualquiera que se acerque a nuestra música con ganas de disfrutar va a pasarlo bien y va a poder apreciar lo que hacemos.

Y seguís haciendo conciertos por toda España. ¿Notáis mucha diferencia cuando tocáis fuera de casa?

Pues en muchas ocasiones no, y es muy soren lugares lejanos y ajenos a nues“Creemos que al folclore le prendente, tra cultura a veces reaccionan con más ilusión pasa un poco como se dice y sorpresa que aquí. La gente disfruta de los en toda España, mucha música es siempre del teatro, que siem- conciertos tan moderna que pasa de moda en seguida, pre está en crisis, pero que por ese hacer música tradicional y sobre todo una música tradicional tan rica como la extrenunca deja de gustar y estar meña, y presentada de una forma divertida y amena, es casi un seguro de éxito. de moda”

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MANSABORÁ FOLK - LA TRADICIÓN MÁS ACTUAL ¿Cómo se presenta el verano? ¿Dónde podremos veros en concierto?

El verano no se presenta tan mal como años anteriores, pero aún algo parado, esperemos que en breve podamos confirmar más fechas, pero nos podrán ver por Cristina, en Badajoz, La Garganta en Cáceres o en Salamanca en la localidad de Miranda del Castañar en la que ya hemos tocado cinco veces y que siguen contando con nosotros año tras año.

Sin lugar a dudas, uno de los eventos del año en Extremadura ha sido la publicación de vuestro segundo trabajo, 3 Vidas. ¿Os referís con el título a las 3 vidas del folklórico?

Sí, un señor en un concierto en la provincia de Cáceres nos dijo una vez que los folclóricos vivimos tres vidas, la vida de los que cantaron las canciones, la nuestra y que viviremos en quienes las cantarán en el futuro. Sobre esa idea nació primero un concierto y ahora el disco, con una parte dedicada al recuerdo, con canciones más tradicionales, otra con la visión actual, con nuestras composiciones y arreglos más modernos y otra dedicada al futuro: los niños.

“Es casi una obsesión para nosotros acercar el folclore a los más jóvenes, de hecho en el nuevo disco, así como en los conciertos, hay una parte dedicada a los niños” 46 LaCarne Magazine

Nos gusta mucho vuestro trabajo de investigación para mostrar las historias de Cáceres al mundo entero. ¿Quedan leyendas por rescatar en Cáceres?

Sí, por supuesto, quedan muchas y ya estamos trabajando en alguna de ellas. Para nosotros es casi una obligación cantarle a nuestra ciudad, a sus leyendas y su historia, y en breve presentaremos nuevos temas en este sentido. ¿Os basáis en factores como la letra o la musicalidad para elegir los temas que van a entrar en el setlist? ¿Cómo tomáis la decisión?

La decisión se toma de varias formas. Quisiéramos que en cada disco aparezca alguna canción basada en Cáceres, alguna canción dedicada a algún monumento destacado,

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MANSABORÁ FOLK - LA TRADICIÓN MÁS ACTUAL alguna canción de origen sefardí y algún romance, a partir de ahí… un criterio de los más complejo, seleccionamos y cantamos lo que nos más nos guste a nosotros.

Habéis contado con Exson de nuevo para grabar 3 Vidas ¿Encontrar un técnico que comprenda vuestra música es difícil?

Pues no sabemos porque llevamos años trabajando con Exson y nos hemos entendido desde un primer momento. Es un verdadero lujo poder trabajar con una empresa y una gente que nunca ponen pegas, que sólo ofrecen soluciones y que nos hacen nuestra labor en muchos aspectos muy fácil, es muy probable que sin la ayuda de la gente de Exson nuestro camino hubiera sido muy distinto, estamos muy agradecidos a todos ellos y trabajar así se hace muy sencillo.

Click para ver el video

Quizás también es más complicado acceder a los circuitos de conciertos ¿Quién se encarga de la promoción y los conciertos? ¿Sois de los grupos que preferís trabajar con representante?

Sólo hemos trabajado con representante en contadas ocasiones, normalmente nosotros mismos nos encargamos de todo, la gestión, los trámites… por dos razones, la primera porque no nos ha ido mal así, en estos nueve años hemos realizado más de 300 conciertos; y por otra importante razón… casi ningún representante se ha interesado nunca en trabajar con nosotros salvo contadas y puntuales ocasiones.

En esta revista, tenemos la sección Música Viva, dedicada a la investigación del Folklore extremeño, y ha sido toda una sorpresa para nosotros porque cada mes tiene más lectores. ¿Creéis que por fin el folklore está accediendo a un público más amplio?

Yo creo que nunca ha dejado de

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MANSABORÁ FOLK - LA TRADICIÓN MÁS ACTUAL

tener público, lo que ocurre que ahora es más visible y más fácil acceder a ciertos contenidos.

Afortunadamente revistas como esta hace una gran labor dedicándole una sección cada mes a la música tradicional, lo que hace falta es que otros medios sean menos reacios a mostrar esta música. Cuando viajo a otras comunidades y escucho y veo sus medios regionales, la música tradicional está muy presente, y en nuestra tierra, aún acomplejada en algunos aspectos, es complicado acceder a algunos medios y por lo tanto al público Ahora que ya habéis publicado 3 Vidas, vuestro nuevo disco, ¿cuál es el siguiente paso?

Ahora descansar de la locura de la grabación y de la presentación, a girarlo durante un par de años por los escenarios mientras trabajamos en el próximo proyecto, y aunque no hay nada cerrado y planteado del todo, queremos hacer una fiesta musical el próximo año para celebrar nuestro décimo aniversario que podría convertirse en un disco en directo o algo pa-

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recido, un nuevo disco de las que ya hay varias canciones… en definitiva, seguir disfrutando de la música.

Muchas gracias por vuestro trabajo de investigación, chicos. Sin grupos como Mansaborá Folk perderíamos mucho más de lo que la gente se cree. Esperamos que 3 Vidas no pare de cosechar éxitos.

Muchísimas gracias por la entrevista y por la apuesta firme que hacéis en defensa de la música tradicional. Nos vemos en los escenarios.

http://www.mansaborafolk.com LaCarne Magazine

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La Ventana Nacional

Fotos Rober Montero

The Groove Girls nace cuando un día seis mujeres deciden montar una banda. ¿Fue idea de una sola, o todas dijisteis “vamos a hacer un grupo”? ¿Cómo recordáis ese día?

Fue una evolución. Cristina (saxo) conocía a Paloma (bajista), y le propuso hacer una banda de chicas. Inmediatamente después se unieron Vicky (trombón) e Isabel (batería). Por último, entraron María (guitarrista) y Guiomar (voz) un poco por casualidad. Guiomar es prima de Isabel, y fue al local un día a acompañarla cuando el grupo estaba en plena búsqueda de cantantes. Todas las integrantes se enamoraron de su voz, y al final se quedó a cantar y formar parte de la banda. No fue un día concreto, fueron varios días. Realmente nos dimos cuenta que éramos banda cuando los temas empezaron a caminar y la energía a fluir.

Tenéis un estilo propio en el que encontramos toques de rock, blues, funk, soul… ¿habéis encontrado el sonido que queríais?

Vamos buscando el camino. Aportamos cada

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una las raíces que nos han formado como músicos. Nos encanta el Rock, Funk, Soul y Jazz. Estamos trabajando para sacar más temas a la luz y que en éstos se refleje lo que llevamos dentro. Por otro lado, nos hemos dado cuenta de que se nos da bien hacer bailar a la gente en el escenario, y hemos incorporado un poco de disco a nuestros temas, aderezados con todo el rock que podemos... y el experimento parece que funciona. Sobre todo en directo, donde la energía suele dispararse. Vamos a seguir por ese camino sin olvidar el rollo atmosférico, que también nos hemos dado cuenta de que funciona muy bien en los temas más tranquilos.

Habéis sacado vuestro primer Ep, The Groove Girls, a través de crowdfunding, y está teniendo muy buena acogida tanto en los medios como en el público. ¿Hubierais podido sacar este trabajo sin el micromecenazgo?

Desde luego que hubiéramos tenido que esperar porque no teníamos dinero ni recursos para hacerlo. Estamos inmensamente agra-

decidas a todas las personas que nos han apoyado para hacerlo. Queríamos hacer algo propio, pero económicamente era imposible porque ahorrar sólo con los conciertos no es viable. Apostamos por ello porque creíamos que el resultado merecía la pena, y al final lo conseguimos con creces.

Lo habéis presentado en Madrid y habéis ido dando conciertos por salas dentro y fuera de la capital. ¿Cómo está resultando esta gira? ¿Contentas con los conciertos?

Muy positiva pues en Madrid hemos tenido muy buenos resultados, ha venido mucha gente a vernos. Hemos tocado en León, Mérida, Toledo, Segovia y Cádiz entre otros sitios, y estamos deseando seguir tocando por toda España y enseñar nuestra música.

Estuvimos muy pendientes de la salida de vuestro videoclip, y nos encanta. ¿sabíais desde el principio que el tema del videoclip sería “Running Away”? ¿Por qué motivo lo elegisteis?

Sin duda Running fue elegido por mayoría absoluta. Lo elegimos porque fue el primer tema que compusimos, y es ¨nuestra bandera¨ y una gran carta de presentación. La letra refleja lo que cada una tenía dentro cuando nos conocimos. Es un tema muy especial para nosotras.

Queremos más canciones de The Groove

Girls ¿podremos escuchar pronto un larga duración?

Estamos cocinando nuevos temas con muchas ilusión. Gracias a la experiencia que hemos adquirido con el primer EP, estamos dispuestas a explotar nuestros puntos fuertes, y pinta que van a ser muy potentes. A finales de año esperamos poder presentarlos y sorprenderos gratamente.

Gracias por pasar un rato con nosotros, chicas. Os seguiremos la pista de cerca!

Muchísimas gracias a todas las personas que nos apoyan, y, por supuesto, invitamos a todos los lectores a que escuchen nuestros temas y los disfruten porque hemos puesto toda la carne en el asador ;)

http://www.thegroovegirls.com

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Las mentiras de la música “Indie” - Primera parte

T

ras el éxito de la última edición del ContemPOPranea 2014 en Badajoz, (insisto en pedirle públicamente a la organización del festival que organice una edición de música extremeña para conmemorar los 20 años) vuelve a resonar en mi sesera aquello de la música “Indie”.

Nunca supe muy bien a que se referían con aquel concepto, “indie” que tan popular se hizo a principios de los 90, quizás más bien a partir de aquel 1992, en el que nuestro país parecía salir de una mimosa nube que tornaba a pesadilla de azufre tras las vacas gordas del sueño Olímpico en Barcelona y la Expo de Sevilla, sin olvidar aquel desconcertante “Extremadura Enclave 92” que apenas sirvió en nuestra región para gastar el poco dinero que no teníamos y llenar la cartera de muchos con un añadido de sellos en sus pasaportes.

En la primera mitad de la década de los 90, los grupos ochenteros de toda la vida, o al menos los que resistían el paso del tiempo, seguían copando las radio fórmulas. Allí estaban en los primeros puestos los extremeños Tam Tam Go! (cuando eran los Tam Tam Go! de verdad claro, con Rafa Fernández Callejo a la guitarra y su gran peso en la autoría de canciones junto a Nacho Campillo, aunque esto es otra historia que retomaremos en alguna ocasión) con su Piel sobre Piel (1992).

También cómo no, Duncan Dhu, quienes tras el éxito de Supernova (1991) sus dos miembros, Mikel Erentxun y Diego Vasallo se embarcaban en aventuras individuales llamados por un afán de búsqueda de inquietudes, o más bien tras la petición de su discográfica, que veía con muy buenos ojos la posibilidad de vender el doble de discos, cuando aun era un gran negocio la venta de discos claro.

La Unión sacaba uno de sus más alucinantes trabajos, Psyconfunkster Au Lait (1993),

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un álbum diferente y sorprendente para el que contaron con un productor como Stephan Galfas, especialista en construir sonidos sorprendentes, y un fabuloso batería, Les Warner, cuya aportación sería imprescindible en la ejecución de temas como “Vida animal nocturna”, “África” o “Rock en Rusia”.

No obstante, existía cierto descontento en un sector del público más juvenil, más exigente también, que demandaba una música distinta, alejada de las repetitivas radio-fórmulas.

Así surgieron los denominados grupos “Independientes”.

Recuerdo que El Inquilino Comunista, Penélope Trip o El Regalo de Silvia fueron los primeros grupos que comenzaron a sonar en corrillos de institutos y universidades, con los fanzineros y entendidos de turno o en las publicaciones musicales más vanguardistas.

Gracias especialmente a Radio 3 o a publicaciones como Rock Deluxe (Internet aún tardaría en ser relevante musicalmente), todos íbamos conociendo a Los Planetas, El Niño Gusano o Surfin Bichos, hasta que por fin, a mediados de la década, en 1995, “Historias del Kronen”, la película de Montxo Armendáriz, basada en la novela homónima del escritor José Ángel Mañas, consiguió que todos cantáramos el “chup chup” de los Australian Blonde, y además que fuéramos conscientes de que aquello iba en serio, que existían grupos nuevos es-

pañoles que ofrecían una música distinta, que no necesitaban que las voces fueran inmaculadas ni cristalinas, ni que destacaran especialmente en las grabaciones, casi siempre para el lucimiento de las guitarras, y que incluso cantaban en inglés, aunque precisamente eso ya lo habían hecho, y bastante bien los extremeños Tam Tam Go!, motivo por el cual tras su exitoso “Manuel Raquel”, (“Lawrence’s heart is weak” en la versión original, antes de que el cineasta Ricardo Franco aportara su estupenda letra para la adaptación al español) pasaron un año vetados en las radio fórmulas porque su extraordinario Spanish Romance (1989), uno de los discos más LaCarne Magazine

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sorprendentes y exquisitos que se han grabado en este país, apenas contenía un par de canciones en castellano).

Les confieso que aquello fue algo emocionante, y, como todos los adolescentes y jóvenes de la época, le di la bienvenida a esa hornada de sangre fresca, a esas guitarras ruidosas y chirriantes, y a esos ritmos de batería que esta vez sí, parecían que iban más allá del charly-bombo-caja, aunque tuve que concentrarme para entender la letra del “De Viaje” de Los Planetas, y convencerme que el break tan estupendo que introducía al estribillo de “Que puedo hacer” no era un plagio del “Boys dont cry” de The Cure.

Aún así, 20 años después, me siguen emocionado algunas canciones del Super 8, en especial sigo temblando y con la carne de gallina cuando escucho aquello de: “Para poder tocar tu mente con mis dedos. Para poder limpiar mis dientes con tus huesos. Y sentirte por dentro, sentirte por dentro de mí.... ” de “Rey Sombra”.

Me gustaban muchas canciones de El niño Gusano, y especialmente de Australian Blonde, (siempre preferí el “Chance” al “chup chup”) aunque confieso que el Pizza Pop (1993), After Shave (1994) y Australian Blonde (1996) se me hacían bastante largos, y hasta el Extra (1998) nunca consideré que tuvieran un disco redondo, al contrario que Los Planetas con aquel inolvidable Pop (1995), con el que los granadinos firmaron sin duda la página más grande del nuevo movimiento “Indie” que se les presuponía.

Pero todo se chafó. Comenzaron a florecer grupos carentes de talento, con un espíritu algo así como fiestero o desenfadado más propio de los 80, pero más pedante y pijeras, respaldados por aquellos periodistas de Radio 3 (en especial Jesús Ordovás y Julio Ruiz) quienes en los 80 habían descubierto a Nacha Pop o Gabinete Caligari, y ahora nos bombardeaban con los Fresones Rebeldes, Nosoträsh, Chico y chica, Meteosat o los insultantes la Monja Enana, contándonos que estos nuevos grupos eran lo más extraordinario y representativo del pop español actual, en detrimento de aquellas mierdas secas de los

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80, de las que ahora renegaban.

Parte de la prensa especializada, algunos componentes de los nuevos grupos y directores de los festivales más importantes se confabularon para que todos tratáramos de olvidar a aquellos grupos de antaño, perpetrando una injusticia histórica, amén de una gravísima falta de respeto, que el tiempo, fiscal implacable, se ha encargado de paliar, pues sin duda, muchos de los grupos de los 80 continúan trabajando y editando discos, ofreciendo giras, sin que a ninguno se le hayan caído los anillos por volver a tocar en recintos pequeños o ajustar estrictamente su caché, mientras que la gran mayoría de aquellos esperanzadores grupos “indies” desaparecieron sin ni siquiera escribir media página del pop español.

Siempre se criticó, especialmente al comienzo de la movida madrileña, la escasa calidad respecto a ejecución musical de muchos de los músicos que formaban las principales bandas. En su defensa habría que añadir que no era fácil, ni nada barato hacerse de discos para estar al tanto de las nuevas vanguardias, y casi ni existían tiendas decentes de instrumentos musicales, añadamos que los estudios de grabación, técnicos y productores estaban más verdes que los propios músicos, aunque es del todo cierto que la creatividad de la mayoría de grupos está plenamente contrastada y plasmada en las fonotecas.

Cualquiera cuya edad ronde entre los 30 y 50 años sin duda enumeraría una lista de temas para la historia de los grupos de los 80 en poco más de un minuto, pero permítanme que dude que pudieran hacer lo mismo con canciones de grupos “indies” aunque dispusieran de todo un día.

La calidad instrumental de muchos de los músicos independientes ha quedado patente en la mayoría de actuaciones en tan modernos y numerosos festivales alternativos, y mis propias gafas han presenciado algunas chapuzas que transcienden a monumento artístico de la vergüenza ajena.

En nuestra propia tierra, Extremadura, cualquiera podía disfrutar de jóvenes bandas cuyos directos y grabaciones dejaban a la altura del betún a muchos de estos nuevos grupos, cuyo público extremeño tuvo ocasión de compararlos en numerosos certámenes y festivales.

Contacta conmigo desde blogdeenriquefalco@hotmail.com

http://enriquefalco.blogspot.com.es/ LaCarne Magazine

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Pianistas acompañantes

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iempre que tengo bolos (no me acaba de gustar dicha palabra, o la expresión “me voy de bolo”, no sé, es como “me voy de pedo”, pero todo lo contrario, no puedo estar bolinga en el escenario, ¿o sí? Algún día tendré que volver a hacerlo –el estar pedo en el escenario, digo-.

Lo del “bolo” es más del “mundillo” –que apesta- teatral, y sí, a la postre debería estar a gusto incluyéndome en él, perooooo, pero no, yo canto… puuufff, y no me acabo de ver o sentir dentro del bolo, utilizo mejor, y más a menudo, “tengo actuación”, que es, ciertamente, como rizar el rizo), vuelvo al principio: siempre que tengo bolos me pregunto, como el bueno de Labordeta, “qué hago yo aquí” en vez de estar, dentro de la cosa esta “artística” (no, así no vamos bien, así no vamos a avanzar mucho, ¿he dicho “cosa artística”?), pintando (ojala supiera), escribiendo (ya me gustaría acabar “Slàvia. Una ópera moderna”), filmando (no sé y no tengo pasta, y además no sé sacarle las perras a la gente) o tocando algún maravilloso instrumento (Dios no me dio dedos) que se afine “desde fuera”. En fin, que yo me entiendo y me pregunto, “¿qué hago yo aquí?”, porque siempre que tengo actuaciones dependo de otr@s que son los (mis) pianistas acompañantes, “esos seres”.

A Grosso modo diré (es sobre lo que voy a escribir en este espacio que siguen prestándome los comprensivos y locos amigos de LaCarne) que hay unas cuantas “razas” (a pesar de parecer darwiniano, pues de aquellos polvos más tarde llegaron los lodos del nazismo -cierto que reduciéndolo todo mucho-) de “esos seres” llamados “pianistas acompañantes”. Vaya para todos ustedes, un pequeño muestreo.

A) El/la que te acompaña siempre y sabe por experiencia (más sabe el diablo por viejo que por diablo) cómo va el asunto, tú asunto; este/a es el/la buen@, ¿por qué? Porque está todo dicho, porque el repertorio viejo, usado, ya está resabío, y al nuevo sabe cómo enfrentársele, y te comprende, te escucha, no te hace demasiado caso, y te muestra el camino sin que tú te

Foto alexandramaubert.blogspot.com

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Foto tallerpianistas.blogspot.com

enteres en demasía del trabajo realizado.

B) El que es un crack (de lo bueno que es) tocando el piano y como es tan bueno, tan excelso, tan “cosmopolita”, tan abierto, taaaaannnn… cohonú@, te acompaña sin más y es todo un lujo, para el auditorio, y para ti, por supuesto. Lo malo de este segundo tipo de ser, de este segundo tipo de pianistas, es que no abundan mucho, y cuando los hay a tu alrededor, y los conoces, están más que solicitados, y l@s capullo@s pueden pedir cantidades irrisorias (irrisorias porque te descojonas de las tarifas, impagables, que exigen); diré que he cantado acompañado por gente así y no me han cobrado un euro nunca, je, je, je, hay que tener amigos hasta en el infierno.

C) Con los pianistas con los que hay una necesidad de “ensamble”. Este tipo le jode bastante al cantante (cuando el cantante, como es mi caso) es “regularcino” (así me catalogó un profesor que no había sido nada mío –y no, no voy a entrar a saco, ¡¡¡¡aaaagggg!!!-) porque no solo tiene que cantar, el cantante, o aprender nuevas partituras, papeles o roles, sino que también tiene que “mirar” por la conjunción con el pianista. Puuuffff, qué trabajito, pa lo que cobro, chacho, chacho, chacho.

D) El “guarro”, esto es, el pianista que toca todo lo que le echen (tiene digitación, sí; lectura veloz, sí; le da igual todo, sí; le preocupa algo, no, solo su culo y cobrar) pero “cérdidamente”, o como diría mi tía Tomasa, “a lo Barenboim”, esto es, el concierto no “está en su sitio”, el sonido no es el deseado, no es el de siempre (aunque “el de siempre” sea siempre imperfecto)…

Hay más (tipos de pianistas, claro), pero no tengo más espacio; tal vez siga con esto la próxima vez que me lean (si lo hacen y sigo aquí), pero lo más seguro es que les hable de cierto bolo, digoooo, de cierta actuación de la que quiero hablarles. Salud, “camaradas músic@s”, ji, ji, ji.

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Los años 60 parte II

La revolución del Free Jazz

C

omo ya hemos visto en el pasado artículo sobre el pianista Lennie Tristano y sus inquietudes acerca de la improvisación ‘libre’, Tristano en cierto modo, se ha convertido en un precursor de la tendencia principal del Jazz de la década de los `60: el Free Jazz.

Aunque hay que matizar que no existe una conexión directa entre Lennie Tristano y las principales figuras del Free Jazz.

He recalcado repetidamente la rapidez con la cual el Jazz se ha transformado desde sus inicios. Cada nueva década parece más importante y fructífera que la anterior. Desde luego los años `60 representan probablemente el cambio más radical en el Jazz en muchos aspectos.

Cuando hablaba de cambios importantes del gesto musical (y social) en el Jazz con la aparición del Bebop (ver LCM n° 19), éstos se hacen notar aún más en los `60. El Bebop representa la transformación del Jazz en una música semejante a la música de concierto europea. Música para ser escuchada más que bailada, a resumidas cuentas. Aún así el Jazz siguió principalmente en su ‘hábitat natural’: los bares. Con el Free Jazz y sus sonoridades, poco aptas para tomarse tranquilamente una copa mientras un suave saxo tenor de Cool Jazz te susurra a los oídos, el escenario de este nuevo estilo era sobre todo los grandes Festivales de Jazz. “El Jazz desapareció de la radio a la vez que de las salas de baile, que pasaban a mejor vida. […] (también cierra) sus puertas el Hickory House, último club de la calle 52 (Nueva York). […] Desde su aparición en los años cincuenta, los festivales se multiplicaron durante los sesenta, de forma que a mediados de los ochenta el planeta contaba con entre 700 y 1000 festivales jazzísticos de carácter internacional”1. Estos cambios conllevaban problemas económicos para los músicos por la falta de ingresos regulares, hasta entonces obtenidos gracias a contratos con bares y clubs. También significó una división tanto del público de Jazz como de los propios músicos.

Lennie Tristano

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“La década de los sesenta fue un período de gran turbulencia en todo el mundo, un momento de ebullición política y social en Estados Unidos, una época de guerra y violencia en el exterior”2.

Por eso hay quienes relacionan el Free Jazz en gran parte con una situación social y política .

He reunido aquí algunos acontecimientos históricos representativos: 1946-1954

Guerra de Indochina en cual participa EE. UU

1955-1975

Guerra de Vietnam en cual participa EE. UU.

1956

El Tribunal Supremo de los EE.UU. declara anticonstitucional la segregación en autobuses y tranvías.

1957

Se inicia el movimiento a favor de los derechos civiles en EE. UU. cuando a un grupo de niños afroamericanos le es garantizada la entrada en una escuela del estado de Arkansas gracias a una operación militar en contra de la población blanca

1959

Miles Davis es aporreado y arrestado injusta y arbitrariamente por dos policías (blancos) en Nueva York

1960

Primera manifestación sentada (“sit-in”) de estudiantes afroamericanos en Carolina del Norte.

1961

Se levanta el muro de Berlín

1963

Asesinato del presidente de los Estados Unidos John F. Kennedy

1965

Asesinato de Malcom X, representante de la corriente militante-radical dentro del movimiento por los derechos civiles de la población afro-americana en los Estados Unidos.

1968

Asesinato de Martin Luther King, máximo representante de la lucha contra la opresión y el racismo en Estados Unidos con ideales pacifistas.

1969

Neil Armstrong y Edwin “Buzz” Aldrin pisan como primeros seres humanos la luna.

En todo este barullo, “los músicos de jazz se encontraron alineados entre quienes protestaban contra las instituciones estadounidenses y exigían, con sus voces y los instrumentos a su alcance, igualdad de derechos para toda la ciudadanía, un gobierno más responsable y, en muchos casos, la retirada de las tropas desplegadas en el Sudeste Asiático. Expresión de una época, el nuevo jazz se convirtió en un espejo de la sociedad [sobre todo de la parte afroamericana], espejo que reflejaba el dolor, la ira, la frustración y el caos […]”3. Es interesante recordar que el hermano musical del Free Jazz es el Rock, que igualmente se convirtió en vehículo de protesta en esta época, sobre todo para ‘los blancos’.

Sin embargo creo que no se le hace justicia alguna al valor histórico musical del Free Jazz si se le resume a un ‘simple’ grito de protesta. La música en general (instrumental sobre todo) tiene un desarrollo interno bastante independiente de la sociedad que la rodea. Es decir, podemos observar los avances por una lógica puramente musical artística, sin la necesidad de conocer la historia en general. Para entender mejor al Free Jazz, en parte es útil entender el LaCarne Magazine

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contexto histórico-social del momento, pero también es importantísimo tener en cuenta que la probabilidad de que el Free Jazz hubiera surgido tarde o temprano, aún en un mundo menos turbulento, es muy alta. De hecho, su llegada fue esperada por expertos desde unos 15 años antes de su aparición4. La verdadera razón de por qué surge se encuentra en la nueva generación de músicos, que simplemente consideró “agotada la mayor parte de lo que el Jazz hasta entonces usual podía ofrecer […]”5 y por lo tanto empezaron a buscar nuevas formas de tocarlo.

Estos son los elementos que encontraron: 1. Atonalidad (en un sentido más amplio y menos académico que en la tradición europea).

2. Una nueva concepción rítmica (disolución del metro, beat y simetría).

3. La confrontación del Jazz con todas las grandes culturas musicales (desde la india hasta la africana y desde la japonesa hasta la árabe).

4. El realce del momento de intensidad hasta ahora desconocido (muchos músicos del Free Jazz se entregan a un verdadero “culto a la intensidad”).

5. Una extensión del sonido musical, invadiendo el ámbito del ruido.

Se considera como primer músico de Free Jazz a Ornette Coleman, saxofonista originario de Texas, que en el año 1959 sorprende a la escena neoyorquina con un estilo revolucionario, rechazando todas las normas hasta entonces establecidas. Otros músicos y agrupaciones importantes del género eran por ejemplo: John Coltrane, Archie Shepp, Pharoah Sanders, Albert Ayler, Don Cherry, Evan Parker, Peter Brötzmann, Carla Bley, Cecil Taylor, Sunny Murray, Charlie Haden – Liberation Music Orchestra, Alexander von Schlippenbach – Globe Unity Orchestra, por mencionar algunos. Hay que tener en cuenta que existe un límite fluctuante entre el Free Jazz y lo que se consideraría más bien jazz de vanguardia o jazz contemporáneo. Hay un grupo importante de músicos que aún estando influenciados por elementos o la estética general del Free Jazz, como por ejemplo Eric Dolphy, Anthony Braxton y Art Ensemble Of Chicago, y no se les relaciona específicamente con esta corriente. En algunos casos, el Free Jazz representa solo una fase en el desarrollo de los artistas antes mencionados, cosa importante a tener en cuenta a la hora de buscar grabaciones representativas.

Uno de los músicos que vive la transición hacia el Free Jazz en cuerpo y alma es el saOrnette Coleman

John Coltrane

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xofonista tenor John Coltrane. Procedente del Rhythm&Blues, ha pasado a lo largo de su trayectoria por el Jazz Modal, el Hard Bop, el World Jazz y finalmente al Free Jazz. Al contrario de Ornette Coleman, quien desde casi el principio de su aparición en la escena musical se encontraba de un modo ‘natural’ sumergido en el mundo del Free Jazz, mientras que John Coltrane tardó unos diez años en dar el paso a ‘la libertad’, proceso que culminó en su álbum Ascension, grabado en 1965. Curiosamente, justo después de esta grabación histórica y energéticamente sin precedentes, vuelve a grabar con un cuarteto nuevos temas que ya había grabado antes, recordando a sus fases más melódicas, hecho que da pie a la teoría de que Coltrane, si hubiese sido capaz de expresar todo lo que el quería dentro de un marco más tradicional, no hubiese abandonado el mundo tonal, cosa que si fuera cierta, reforzaría mi intención de presentar aquí a Coltrane como músico entre los dos mundos: el del Jazz tradicional tonal y el atonal y libre.

Con respecto al público acostumbrado por ejemplo a un Oscar Peterson o el Modern Jazz Quartet, la llegada del Free Jazz fue bastante chocante. Un hecho cada vez más frecuente entre público y músico/compositor en nuestros tiempos es que los expertos en el tema de la música, como de cualquier otro arte, se rigen por la búsqueda constante de nuevas formas de expresión, mientras que el aficionado y poco entendido se queda desfasado al respecto ya que su gusto suele estar anclado en el pasado. La pregunta es: ¿Deberían los artistas frenar su entusiasmo por trabajar para ir acorde con la evolución de su público? ¿Debería un médico esperar a que un paciente entienda hasta el último detalle del trasfondo científico de un tratamiento antes de tratarle?

Además, hay que tener en cuenta que las supuestas novedades del Free Jazz tienen su paralelo en la música de concierto europea, que vivió la irrupción a la atonalidad 50 años antes que el Jazz. También la literatura moderna se encuentra en el mismo plano, considerando las tendencias anti-gramaticales y anti-sintácticas. La filosofía moderna se aleja igualmente de los sistemas cerrados para poder abarcar nuevos modelos de pensamiento. Todo esto lo menciono para prevenir un rechazo categórico del Free Jazz por parte de los lectores de esta sección. Ya que sería absolutamente injusto tachar a esta corriente de Jazz como “experimento fallido”. De hecho, es la corriente que más cerca sitúa el Jazz a la música contemporánea europea, que históricamente está totalmente reconocida en nuestra sociedad, aunque por el público general sea una gran desconocida..., lo que nos lleva nuevamente a las dos preguntas arriba expuestas.

En fin! Quedarían muchos detalles por profundizar al respecto de las características del Free Jazz aquí mencionadas que romperían el marco de esta sección, por lo cual solo me queda animaros a investigar por vuestra cuenta. Según aumenta la complejidad de un estilo musical, obviamente aumenta el texto que lo intenta explicar. Lo que he pretendido al escribirlo es hacerle justicia a su bagaje intelectual, su importancia histórica y su influencia en lo que vendrá….

1 Frank Tirro, Historia del Jazz Moderno 2007, p. 122.

2 Frank Tirro, Historia del Jazz Moderno 2007, p. 93.

3 [2] 4 J.E. Berendt, El Jazz – De Nueva Orleáns al Jazz Rock 1994, p. 51.

5 J.E. Berendt, El Jazz – De Nueva Orleáns al Jazz Rock 1994, p. 52.

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ODIO PARÍS

Después del tremendo éxito que tuvisteis con vuestro primer disco homónimo en 2011, publicasteis B side of the moon en 2012. ¿Este año tendremos nuevo trabajo de Odio Paris?

Sí, de hecho nos habría gustado tenerlo ya editado, pero la decisión de dejar el que ha sido nuestro sello hasta hoy ha hecho que se retrasaran los planes. Por otro lado, dejar de tener una fecha de edición nos ha permitido tomarnos las cosas con más calma y poder seguir componiendo a conciencia. Al final, esto se ha visto positivamente reflejado en las canciones. ¿Volveréis a trabajar con Carlos Hernández como productor?

Sin ninguna duda. Carlos se ha volcado en este disco como si fuera propio, ha sido uno más de nosotros y, encima, aún volveremos a entrar en el estudio para grabar nuevos temas para el disco.

Esperamos, además, poder llevárnoslo de gira como técnico de directo. Eso nos daría mucha tranquilidad porque nos conoce muy bien, nuestras virtudes y nuestras manías.

La verdad es que no paráis de trabajar. ¿Qué sensación tuvisteis cuando por fin visteis el discolibro homenaje a Los Planetas con vuestra versión del tema “De viaje”.

Emoción absoluta. No solo por ver, finalmente, el resultado de un duro trabajo, sino la sensación de haber sido partícipes de algo histórico. La verdad es que no hemos dejado de escuchar el disco desde que lo recibimos.

Habéis estado trabajando hasta hace muy poco con la productora El Genio Equivocado, y ahora comenzáis una nueva andadura. ¿Cómo afrontáis esta nueva etapa? ¿Contaréis con una nueva productor?

Sí, editaremos con una nueva discográfica aunque aún no hay nada cerrado. Hemos fantasea-

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do con la autoedición, con la independencia absoluta, pero eso supondría una dedicación total al grupo y creemos que aún no es el momento. Ahora mismo vemos imprescindible que alguien nos mueva, nos lleve la promo y nos edite. Eso nos permite centrarnos 100% en hacer canciones, que a eso hemos venido.

Y para este verano, ¿tenéis muchos conciertos cerrados? ¿Dónde podremos veros próximamente?

No, hemos decidido no dar conciertos hasta que presentemos el disco. Es la única manera en la que podemos dedicar el 100% de nuestro tiempo a cerrar el próximo trabajo.

Nuestros mejores deseos en vuestra nueva etapa. Un placer poder hablar con vosotros.

Muchas gracias, y nos vemos en el próximo concierto o en algún festival al que iremos de público este verano.

https://www.facebook.com/odioparisband LaCarne Magazine

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MOO NTRAP

Moontrap se forma en 2012 con la llegada de Harry Smyth (vocalista) a Madrid. ¿Qué motivos te llevaron a quedarte en la capital, Harry? ¿Dónde y cómo conociste a los demás componentes?

Vine a Madrid en busca de un cambio. Nací en Málaga, y como ya hablaba castellano decidí probar otro sitio en España después de haber vivido en diferentes ciudades de Inglaterra durante un período de siete años. Contacté con el resto de la banda a través de un anuncio en internet, cuando aún seguía en Inglaterra, porque lo que tenía claro es que tenía que involucrarme en la escena musical lo antes posible. Madrid me ha tratado muy bien, y Moontrap es en gran parte culpable de que siga aquí…

Una vez que formáis Moontrap, decidís empezar a dar vuestros primeros conciertos por las salas de Madrid. ¿Ha sido ésta la clave para daros a conocer?

Ha sido la clave tanto para presentarnos al público como para cimentar el estilo que buscábamos como formación musical. Hemos aprendido mucho como grupo por las aventuras que hemos vivido, haciendo directos en diferentes contextos, y los conciertos siempre sirven para definir y mejorar nuestro sonido, y para trabajar en la transmisión de la esencia del grupo.

Grabáis Routine, un Ep de cuatro temas con buen sonido y buenas melodías. ¿Habéis contado con alguna productora o sois un grupo autogestionado?

Somos un grupo autogestionado, y grabamos Routine con la ayuda de Juan Blas en los Westline Studios. Contamos con él por lo que habíamos oído de otros grupos que ya habían grabado allí, y por su experiencia en Nothink y Minor Empires. ¿Cómo os organizáis para conseguir los conciertos? ¿Tenéis pensado hacer pronto una gira nacional?

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Hasta la fecha, muchas salas han mostrado un buen nivel de entusiasmo a la hora de colaborar con nosotros.

Este verano nos vamos a mover más por el territorio Español con una actuación en SubeRock el 4 de Julio en Badajoz, y más festivales y fechas que todavía están por anunciar.

Tenemos muchas ganas de escuchar más temas de Moontrap, ¿tenéis previsto grabar más temas dentro de poco?

Este mismo julio nos encerramos para comenzar la grabación de nuestro primer disco. Tenemos prácticamente cerrado el boceto con una docena de temas, y contaremos esta vez con la cabeza pensante de José Caballero, de Neo Music Box, para dar forma al trabajo. Nos sentimos ilusionados y muy afortunados de la trayectoria que ha llevado Moontrap hasta la fecha.

Os deseamos mucha suerte y éxito. Esperamos veros muy pronto en muchos más escenarios nacionales.

Gracias a todos los que nos han apoyado hasta ahora y esperamos brindar más y más en el futuro.

https://www.facebook.com/moontrapband

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por Porras, Manu Herrera, Oscar Trigoso, Carlos Rubio, César Sanguino

TREES DIE STANDING (Madrid) DISCO: The Forest (2014) TEMAS: 14 (57’) WEB: http://treesdiestanding.net

The Forest es el título del nuevo y segundo álbum de la banda Trees die standing, disco compuesto de catorce temas que no tienen desperdicio.

Es una formación al más puro estilo rock. Impresionante la que forman sus tres integrantes encima de un escenario, con recuerdos a ciertas bandas conocidas por todos, especialmente Foo Fighters. …bajos con líneas de acordes que te hacen vibrar, guitarras que dan vida a esas cuidadas melodías.

Destacaría mi tema preferido, Stop, aunque el trabajo de este disco ha sido realmente exquisito con una muy buena producción. Mi enhorabuena a sus tres componentes: Jacobo García, Mario García, Javi Martín VAN SOBRAOS EN: En experiencia y saber hacer.

LO QUE YO CAMBIARÍA: Nada de nada. La banda es como debe de ser.

SENTENCIA: Condenados a llegar a las cotas más altas. ÚLTIMA FRONTERA (La Rioja) DISCO: Despertar (2014) TEMAS: 4 (16’) WEB: http://ultimafrontera.net

Los riojanos nos presentan su proyecto más reciente: Despertar. Fechado en 2013, con una gran madurez musical, y enfocando su estilo principalmente en el Hard Rock, con pinceladas de Metal más clásico.

El sonido de este trabajo en conjunto es redondo, con armonías clásicas del género y melodías relativamente simples, para lo que estamos acostumbrados a escuchar en estos estilos, sobre todo en el metal, donde predominan los virtuosismos a nivel técnico.

En la parte vocal, la voz tiene un tinte muy personal, sin tratar de imitar ningún timbre en concreto, que es algo que por desgracia suele ocurrir bastante en el mundo del Metal.

Batería y bajo van como una apisonadora, siempre escuchando ese tándem bombo-bajo tan característico en el metal, y hace que el groove no pare en ningún momento. El sonido de las guitarras está también muy conseguido, pero tirando un poquito más hacia un sonido más rockero que metalero.

Quizás el tema más metalero de todos sea el primer corte: Cruce de Caminos, toda una declaración de intenciones sobre lo que debes hacer con tu vida: tú eliges tu camino y por dónde lo debes andar.

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El segundo corte, Cada despertar, da un giro hacia el Hard Rock más clásico. Con una melodía a modo de leitmotiv, que va guiando el tema y enlazando sus diferentes partes a lo largo de la canción.

En el tercer corte, muy rockero, he de decir que al escuchar la intro, me ha recordado un poco a Sucede, uno de los clásicos de Extremoduro, pero a medida que ha ido avanzando la canción, ha ido desarrollándose por otros derroteros. Me ha llamado especial atención la letra, que habla de Frankenstein… El solo central es bastante elegante. El máximo exponente de que menos es más. Con menos notas se pueden hacer melodías muy bonitas.

El tema que cierra este EP, Ten cuidado con el novio, es un rock and roll clásico, sin filigranas ni artificios de ningún tipo. Tocado con gusto y como debe tocarse un buen tema de rock and roll.

Muy compacto en general.

VAN SOBRAOS EN: Calidad musical.

LO QUE YO CAMBIARÍA: Quizás armonizaría más las guitarras en algunas partes.

SENTENCIA: Un gran EP que hay que escuchar.

BARBARIAN PROPHECIES (Lugo) DISCO: XIII (2013) TEMAS: 13 (65’) WEB: http://www.barbarianprophecies.com

Impresionante trabajo de la que sin duda es una de las grandes bandas death de nuestro país, que ya con su anterior trabajo consiguieron hacerse notar a nivel internacional, llegando a actuar por tierras Germanas.

La delicada y melodiosa introducción del tema que abre el disco “The hidden” sirve de contrapunto para la avalancha de ritmos demoledores, voces brutales y riffs asesinos que te acompañarán durante toda la obra.

No echamos nada en falta, producción de nivel internacional, calidad y destreza técnica de los músicos de la formación, liderada por la poderosísima voz de Kike Rodríguez, y grandes temas con todos los ingredientes que han hecho grande a este género.

Las colaboraciones también se han hecho notar, en la introducción que mencionábamos al principio abriendo el disco una composición de piano y cuerda a cargo de Raúl Muradás (Ever Dream). Otra de las colaboraciones de lujo en este disco es la de Óscar Insua “Jumpin”, miembro fundador de la banda de culto Absorbed, con voces y guitarra en “Engulfed”, tema que él mismo compuso hace más de 20 años y que Barbarian Prophecies han querido grabar como tributo a la banda que inició una nueva forma de entender el death metal en este país, hace ya más de dos décadas.

XII se grabó en los Sadman Estudios de Madrid por Carlos Santos (Toundra, Vita Imana, Hamlet...), y masterizado por Mika Jussila (Amorphis, Children of Bodom, Wintersun…) en los míticos estudios Finnvox de Helsinki, como su anterior álbum (Remember the Fallen, 2011).

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por Porras, Manu Herrera, Oscar Trigoso, Carlos Rubio, César Sanguino

Trece cortes, como el título del álbum indica, que harán mover tu cabeza y volver a realizar tu mejor “air guitar.”

VAN SOBRAOS EN: Brutalidad y técnica.

LO QUE YO CAMBIARÍA: Que se le hiciese más caso a este género en nuestro país.

LA SENTENCIA: Gran disco de Death/trash.

KXM (EEUU) DISCO: KXM (2014) TEMAS: 13 (62’) WEB: https://www.facebook.com/KXMofficial

Tres de mis músicos favoritos, se han unido para formar este superbanda, algo que está proliferando mucho en los últimos tiempos, aunque por suerte con bastante buen gusto y buen hacer.

El bajista y cantante de King’s X, Dug Pinnick, El guitarrista de Dokken, George Lynch y el batería de Korn en la actualidad, Ray Luzier, han unido fuerza y talento para crear KXM. Para empezar, cualquier proyecto o colaboración en la que ande metido Dug Pinnick suele ser sinónimo de calidad, y esto no lo es menos. Su inconfundible voz profunda con matices blues impregna todo el contenido de su personalidad, por si esto fuera poco tiene a su lado al que fuera uno de los grandes guitarristas de los años 80, George Lynch, un músico que maravilló a la escena rockera desde Los ángeles, y sorprendió al asegurar que no tenía ni idea de solfeo, armonías o acordes, funcionaba enteramente de “oído”, como se dice vulgarmente, lo cual era más sorprendente si cabe, viendo el nivel excepcional de sus solos de guitarra. Por último, en la batería encontramos a uno de los nombres que más han sonado en los últimos tiempos dentro del Rock más actual, Ray Luzier, un batería completísimo, capaz de combinar los ritmos más salvajes, con la electrónica o los sonido latinos, y que fue elegido para ocupar un puesto tan complicado como es el ser el batería de la banda Korn. En definitiva, tres musicazos que han decidido sacar adelante este disco del que lo primero que llama la atención es su gran producción y cuidado de los detalles, cada canción tiene su sonido propio de batería, guitarra y bajo, elegidos para que encajen a la perfección con el aire de la composición, pero logrando no perder naturalidad en su conjunto.

En cuanto a las canciones, han ido al grano, quiero decir que no se han dedicado a realizar fuegos artificiales, si no a conseguir grandes canciones, buenas melodías, riffs y ritmos interesantes, pero sin caer en la autocomplacencia y trabajando todos juntos para hacer que los temas cobren una nueva dimensión. Es impresionante ver como tres instrumentos y unos buenos

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coros acompañando la voz principal dan tanto de sí.

Es un trabajo muy variado, que necesita más de una escucha para saborearlo bien, un viaje que te lleva desde los sonidos más primigenios del rock, hasta las tendencias más actuales, sin que parezcan retales, todo ello con un trasfondo en ocasiones de ritmos latinos aportados por Luzier, que lo dota de una personalidad diferente.

Les deseo que éste solo sea el primer paso y que el proyecto se afiance.

VAN SOBRAOS EN: Saber hacer.

LO QUE YO CAMBIARÍA: Producción demasiado tratada.

LA SENTENCIA: Primer paso de algo que puede ser muy grande.

ERIC JOHNSON (EEUU) DISCO: Europe Live (2014) TEMAS: 14 (70’) WEB: http://www.ericjohnson.com

El músico de Austin nos ofrece una muestra de los directos a trío que viene realizando durante años, y que durante el pasado verano le llevaron a recorrer gran parte de Europa.

Y es que hablar de Eric Johnson es hacerlo de un referente para miles de guitarristas de todo el planeta, tanto por su pulcritud técnica como por el gusto exquisito para hacer sonar la stratocaster, que a veces, se dice, le ha llevado a niveles enfermizos a la hora de optimizar su tono, y a la hora de encontrar la “toma perfecta” en algunas de sus grabaciones.

Quizá es por ello por lo que ahora Eric quiere mostrar esa faceta más fresca del directo, como ya hiciera hace unos años con “Alien love child”.

Una apuesta ecléctica. como viene siendo habitual en sus trabajos, en donde podemos escuchar tanto la voz melódica de Eric, magistralmente acompañada por los timbres limpios empapados de reverb de su strato, en temas como “Austin” o “Forty mile town”, como emblemáticos instrumentales de su repertorio; “Manhattan” o “zap” influenciados (especialmente “Manhattan”) ahora por toques de jazz y desarrollos armónicos propios de este estilo, del que el guitarrista siempre se ha declarado fan.

No en vano, su próximo trabajo en estudio será una colaboración con Mike Stern (músico con el que ya ha intercambiado guitarras en anteriores trabajos de ambos).

VAN SOBRAOS EN: TODO. LO QUE YO CAMBIARÍA: Mi tono por el suyo.

LA SENTENCIA: Una vez más : Magistral.

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por Porras, Manu Herrera, Oscar Trigoso, Carlos Rubio, César Sanguino

WALTER TROUT (EEUU) DISCO: The Blues Came Callin (2014) TEMAS: 12 (58’) WEB: http://www.waltertrout.com

Walter Trout es un ejemplo de integridad y pasión por lo que hace. Además de presumir de una prolífica carrera en solitario, ha sido el guitarrista de John Mayall´s bluesbreackers (trono en su día ocupado por un tal Eric Clapton, nada menos).

Una vida entregada a la música, incluso tras recibir un trasplante de hígado largamente esperado, y que no ha sido capaz de pausar ni sus actuaciones en vivo, ni la grabación de este nuevo trabajo, titulado “The blues came callin´”.

Pero es cuando escuchas el disco cuando descubres al verdadero Walter. Nunca dirías que es el trabajo de una persona que está pasando por lo que él está pasando.

Su guitarra y su voz suenan con una fuerza y una decisión asombrosas. Aquí no hay ni un solo lamento. Aquí hay rock y blues en estado puro. Solamente tienes que escuchar “Wastin´away”, el tema que abre el álbum para darte cuenta de lo que digo. Me encanta la “mala ostia” con la que canta y toca.

El disco es un amplio recorrido por diferentes estilos de la música tradicional americana, desde el blues crudo de “Born in the city” o “tight shoes”, al rock and roll clásico de “take a Little time”, pasando por el folk acústico y “deslizado” de “the botton of the river”.

VAN SOBRAOS EN: Fuerza y determinación.

LO QUE YO CAMBIARÍA: Si pudiera, su estado de salud.

SENTENCIA: Chapó, Walter.

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