stanley kubrick

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Contenidos Artículos Stanley Kubrick

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A Clockwork Orange (película)

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El resplandor (película)

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Full Metal Jacket

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Referencias Fuentes y contribuyentes del artículo

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Fuentes de imagen, Licencias y contribuyentes

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Licencias de artículos Licencia

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Stanley Kubrick

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Stanley Kubrick Stanley Kubrick

Kubrick durante la grabación de Barry Lyndon.

Nombre real

Stanley Kubrick

Nacimiento

, Nueva York, Estados Unidos 26 de julio de 1928

Fallecimiento

, Londres, Hertfordshire, Reino Unido 7 de marzo de 1999 (70 años) Premios

Premios Óscar

Mejores efectos visuales 1968 2001: A Space Odyssey

Premios BAFTA Mejor película 1964 Dr. Strangelove Mejor director 1975 Barry Lyndon Ficha

[1]

en IMDb

Stanley Kubrick (Nueva York, Estados Unidos, 26 de julio de 1928 – Harpenden, Hertfordshire, Reino Unido, 7 de marzo de 1999) fue un fotógrafo, director de cine, guionista y productor estadounidense. Considerado por muchos uno de los más influyentes cineastas del siglo XX. Destacó tanto por su precisión técnica como por la gran estilización de sus cintas y su marcado simbolismo.[2] Realizó trece películas, entre las cuales se encuentran varios clásicos del cine, como Lolita, Dr. Strangelove, 2001: Odisea del espacio, La naranja mecánica, El resplandor, La chaqueta metálica y Espartaco.[3]

Biografía Sus primeros años Nació en un barrio del Bronx de Nueva York, en el seno de una familia de clase media-alta de origen judío. Desde muy joven mostró su interés por la fotografía, que practicaba con una cámara réflex, regalo de sus padres. Otras aficiones eran la música en general, el jazz en particular (llegó a tocar la batería en la Taft Swing Band) y el ajedrez.

Estos tres pasatiempos serían fundamentales para su futura carrera como director. Su afición a la fotografía le permitió, en primer lugar, trabajar para la revista Look, donde hizo reportajes fotográficos a importantes estrellas del momento, y donde se labró una reputación profesional. Su melomanía le permitió a lo largo de toda su carrera poder discutir todos los aspectos relacionados con la banda sonora de sus películas, llegando en ocasiones a prescindir de compositor y escogiendo personalmente piezas de música clásica para sus películas (como en el caso de 2001:

Stanley Kubrick Odisea del espacio, descartando en el último momento la banda sonora original de Alex North). Y su afición al ajedrez quizás pulió el perfeccionismo y la futura frialdad profesional del director. El ajedrez, gracias al cual subsistió durante un inestable período de su vida, sería homenajeado en algunas de sus películas, como Atraco perfecto o 2001: Odisea del espacio.

Durante su juventud Kubrick iba frecuentemente al cine Loew's Paradise y al Museo de Arte Moderno de Nueva York. Poco a poco nació en él la idea de abandonar su trabajo en Look y dedicarse a la realización de películas.

Cuando Kubrick aún concedía entrevistas, se refería a Max Ophüls y Sergéi Eisenstein como sus dos referencias cinematográficas más influyentes, el primero por su trabajo con la cámara, y el segundo por su técnica de montaje.

Day of the Fight sería su primera filmación a modo de documental de 13 minutos, en 1951 (sobre la base de un trabajo fotográfico hecho por él mismo para Look acerca del boxeador Walter Cartier), que financió con su propios ahorros a los 23 años, aprendiendo a usar el equipo por la persona que se lo alquiló.[4] El documental fue comprado por RKO para incorporarlo en la serie This is America que fue proyectada en el Paramount Theatre, en Nueva York, dándole a Kubrick un pequeño beneficio económico. La propia RKO le adelantó dinero para el siguiente documental de 9 minutos llamado Flying Padre (a través del cual sacó el título de piloto, aunque años más tarde se negaría a seguir volando), que narraba la vida de un sacerdote que viaja en avioneta de pueblo en pueblo en el estado de Nuevo México . El último de sus documentales que duró 30 minutos sería The Seafarers, su primer trabajo en color. Para esta época Kubrick ya había renunciado a su trabajo en Look y se dedicaría de lleno a la industria del cine.

Su primer largometraje fue Fear and Desire (1953), que financió con 13,000 dólares obtenidos de préstamos familiares. El film trata de un pelotón de soldados que lucha en una tierra sin nombre. Tras la realización de la película se separa de su primera esposa, Toba Metz.

Aunque la película tuvo escaso éxito, le permitió financiar parte de su siguiente trabajo, El beso del asesino (Killer's Kiss) (1955), cuyo presupuesto ascendió a 40,000 dólares, es una película de suspense sobre un boxeador que conoce a la mujer de un mafioso y se enamora de ella. En la película aparece, en el papel de la bailarina, la que sería su segunda esposa, Ruth Sobotka. La película contó con pocos medios, pero el trabajo de Kubrick con la fotografía en blanco y negro llamó la atención de James B. Harris, un productor de la NBC.

Primera etapa: 1956-1960 Kubrick y Harris se asociaron en una productora y de su unión surgió Atraco perfecto (The Killing) (1956), su primer gran filme, con un presupuesto de 320,000 dólares y un reparto de importantes actores de Hollywood, protagonizado por Sterling Hayden. Partiendo de una novela de Lionel White, y sobre un guion de Jim Thompson, Kubrick relató la historia del atraco a un hipódromo. La utilización del tiempo cinematográfico hecha por Kubrick supuso una innovación para la época. En la película se empiezan a sentar las bases del pensamiento del director: la lucha de un antihéroe en su enfrentamiento con el mundo, y su conflictivo final.

Atraco Perfecto atrajo las miradas de algunos personajes de Hollywood como Dore Schary, el jefe de producción de MGM.[4] Entre ellos también se encontraba Kirk Douglas, que firmó con Harris-Kubrick un contrato para cinco películas. La primera de ellas sería Senderos de gloria (Paths of Glory) (1957), basada en una novela de Humphrey Cobb, que interpretaría el propio Douglas haciendo el papel del coronel Dax, encargado de defender a sus soldados, acusados de cobardía ante el enemigo, en el marco de la guerra de trincheras de la Primera Guerra Mundial. Y también sería la primera polémica de Kubrick, aunque no la última. El mensaje antibelicista de la cinta hizo que en Francia, a cuyo ejército pertenecían los protagonistas, estuviera prohibida durante décadas. La película fue rodada en los estudios Geiselgasteig en Múnich, Alemania.[4] En el rodaje de la película conocería a Christiane Harlan, que en los créditos aparece como Susanne Christian, que se convertiría en su tercera y última mujer. Tras Senderos de gloria, Kubrick estuvo trabajando junto a Marlon Brando en la preproducción de El rostro impenetrable (One-Eyed Jacks) (1961), aunque tras varios meses sería despedido por desavenencias con el actor, quien terminó dirigiendo la película.

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Stanley Kubrick

Consolidación: 1960-1968 En esta situación lo encontró de nuevo Douglas, que buscaba un director para sustituir a Anthony Mann al frente de Espartaco (Spartacus), de 1960. Kubrick aceptó, sabiendo que una película de tan alto presupuesto podía suponer un empujón a su carrera como director. Aunque apenas tuvo oportunidad de intervenir en el guion (como había hecho antes y haría después en todas sus películas), la película supuso el fin de las listas negras (debido al estratégico interés de Douglas de reducir el sueldo del guionista Dalton Trumbo, a cambio de colocar su nombre real en los créditos). La película ganó otros tres premios de la Academia y fue un éxito comercial. La carrera de Kubrick estaba definitivamente lanzada.

Kubrick y Harris lograron rescindir el contrato que les unía con Douglas por otras tres películas. Las aspiraciones artísticas y comerciales de Kubrick le llevaron a hacer Lolita (1962): fue su siguiente trabajo. Tras arduas negociaciones, convenció a Vladimir Nabokov no sólo para que aceptase vender los derechos de su novela, sino para que fuese él mismo quien adaptase el guion, aunque posteriormente Kubrick solo conservó una parte de su trabajo.

La película estuvo envuelta en escándalo por adaptar una historia tan controvertida para los estándares de la época, ya que narra la historia de la seducción de una menor de edad por parte de un hombre maduro, y de ahí que dirigentes conservadores exhortaran a no ver la película. Esta película cuenta la historia de Humbert Humbert, un soltero de mediana edad interpretado por James Mason que se enamora de Lolita, una púber de catorce años (interpretada por Sue Lyon, de dieciséis a quién Kubrick vio en The Loretta Young Show), y que para conseguirla está dispuesto a casarse con la madre de la menor. El actor Peter Sellers termina de componer el reparto como el multifacético Clare Quilty. La película no solo se centra en la relación entre Humbert y Lolita sino que posee efectivas dosis de humor, aspecto del film soportado por el oficio de Sellers que fue animado por el director a improvisar. Kubrick nuevamente trabaja a partir de una narración no lineal, cosa que no ocurría en el libro, con el fin de darle más suspenso a la trama. Kubrick sustituyó la simple lujuria y deseo que el profesor sentía por Lolita en la novela de Nabokov, por amor, evitando así la menor injerencia posible de la censura.[5] El presupuesto fue de 2 millones de dólares y logró obtener buenas ganancias. Debido a aspectos financieros y legales, así como por temas de la misma censura, el rodaje se realizó en los estudios ABPC en Inglaterra, donde Kubrick finalmente se estableció definitivamente, en la localidad de Hertfordshire.

Tras el éxito de Lolita, se permitió afrontar proyectos más arriesgados. Se separó de su socio y amigo Harris para producir su nueva película en solitario. Así que, en medio de la guerra fría y de la crisis de los misiles cubanos, Kubrick comenzaría a rodar Dr. Insólito o: cómo aprendí a dejar de preocuparme y a amar la bomba (Dr. Strangelove or how I learned to stop worrying and love the bomb), en 1964. El título en español para esta película fue "Dr. Insólito" con el que fue conocido en el mundo hispanoparlante excepto España, donde se dobló con el título de ¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú. Basada en la novela de Peter George, Red Alert. Aunque en un principio pretendía abordar de manera directa la novela sobre la guerra fría y la posibilidad de un conflicto atómico, a medida que se iba documentando encontraba aspectos cada vez más hilarantes y esperpénticos sobre la estrategia nuclear de ambos bloques, de forma que decidió realizar una comedia de humor negro en función a las parte más ligeras del libro.[6] El actor británico Peter Sellers, sería el encargado de dar vida a tres personajes de la cinta, por presión de Columbia, ya que lo consideraban responsable del éxito de Lolita; completando el reparto Sterling Hayden, George C. Scott y Slim Pickens. El guion de Terry Southern, el propio Peter George y Kubrick está lleno de gags y alusiones sexuales, y narra cómo un acceso de locura del general Ripper, interpretado por Hayden que ordena a varios bombarderos intercontinentales estadounidenses B -52 atacar su objetivos en suelo ruso con armas nucleares, provoca que se haga realidad la tan temida MAD (Destrucción mutua asegurada), mientras el jefe Lionel Mandrake (Sellers) busca hacerlo desistir. Por otro lado el presidente Merkin Muffley y el Sr. Strangelove (Sellers en ambos casos) debaten con el mayor Buck Turgidson (Scott) sobre una eventual solución al problema. Dentro de un B-52, el mayor T. J. King Kong (Pickens) aún no sale de su asombro junto con su tripulación por la misión encargada.

Kubrick contrató al decorador Ken Adam para llevar a cabo los ambiciosos escenarios, muy adelantados a la época (la sala de guerra, La base militar, y el interior del bombardero) en los estudios ingleses de Shepperton, empleando de manera novedosa la iluminación natural para darle mayor realismo a la puesta en escena.[6] La película encontró a

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Stanley Kubrick un Kubrick plenamente instalado en la campiña inglesa haciendo gala de su obsesión por el detalle en función a los recursos que tenía a su alcance. Un ejemplo de esto es la escenografía que recrea el interior B-52. La fuerza aérea estadounidense no quiso colaborar con el director y este tuvo que, en función de una fotografía en una revista especializada, y los controles de un B-29, reconstruir el tablero de instrumentos del avión con enorme realismo enfatizando[7] el ambiente claustrofóbico de la nave. La Música Original es encargada a Laurie Johnson, pero dos melodías tienen especial relevancia, sentando las bases del uso que después Kubrick le daría a la música en sus cintas: Try a Little Tenderness en versión instrumental en los créditos iniciales acompañando las imágenes de los aviones acoplados para cargar combustible y el tema de Vera Lynn We'll Meet Again, sugerido por Sellers, en la escena final. En ambos casos los temas contrapesan la fuerza de las imágenes.

Obras Célebres: 1968 - 1980 En 1968 Kubrick alcanzaría la cumbre de su carrera con 2001: Una odisea del espacio (2001: A Space Odyssey). La película no solo buscó elevar el estatus de un género menor en aquel momento, la ciencia ficción, que se limitaba a alienígenas antropomórficos y platillos volantes, sino además narrar una audaz parábola sobre la evolución del hombre: Una elipse de 4 millones de años. La película se construye sobre la base de un relato corto de Arthur C. Clarke, The Sentinel, que Kubrick leyó en 1964 y en ese año junto con Clarke, empezó a construir el guion inicial de la película que protagonizaron Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester y Douglas Rain como la voz del computador HAL 9000. En 1966 Kubrick ya había filmado todas las escenas con actores en los estudios Shepperton en Inglaterra. En 1968 se concluyeron los efectos especiales. El presupuesto inicial de 5.5 millones de dólares creció a 10 millones.[4] Pero fue en la sala de edición donde Kubrick estableció los mayores cambios entre esta película y sus predecesoras: solo contiene 40 minutos de diálogo para un metraje de 141 minutos, además de ser la primera película del director sin narración alguna. Con unos efectos especiales sin precedentes (diseñados por el mismo Kubrick y ejecutados y supervisados por Douglas Trumbull), y una confianza ciega en sí mismo, Kubrick realizaría finalmente una de las películas más complejas, vanguardistas y arriesgadas de la historia del cine. La historia empieza con un grupo de homínidos en su lucha por la subsistencia y su encuentro con un monolito, y luego se traslada al futuro, millones de años adelante, donde un hombre, ya evolucionado a homo sapiens, explora el sistema solar en una nave controlada por un computador omnipresente. Kubrick toca diversos temas en la cinta (la inteligencia, la soledad, la muerte, la evolución, la inmortalidad, la auto reflexión, la inteligencia artificial...) que hacen del trabajo un motivo continuo de reflexión, manteniéndola vigente a la postre. Sus efectos especiales y la recreación del viaje espacial siguen siendo apreciados por su fidelidad técnica, estableciendo un antes y un después en la innovación tecnológica de los efectos y del género en sí mismo. Otro aspecto notable es la música, apartado donde Kubrick también ha aportado mucho. Descartó la banda sonora que originalmente había compuesto Alex North, quien se había encargado de la música en Espartaco, usando las composiciones clásicas que empleó en la sala de edición. Entre las partituras utilizadas, además de Richard Strauss o Aram Jachaturián, Kubrick empleó ampliamente la música vanguardista del compositor rumano, György Ligeti, impulsando enormemente su fama a nivel mundial.[8] Con esta película Kubrick ganó su único Óscar a título personal (por el diseño de efectos especiales), varios Premios BAFTA entre otros.

La historia de Napoleón, proyecto en la que pensaba recrear la vida y las batallas más importantes libradas por el dirigente francés, fue un sueño largamente ansiado por Kubrick, quien desarrollo una investigación de pre producción enorme a finales de los años sesenta,[9] que finalmente no se concretó debido a sus descomunales costos.

Durante aquellos años, Kubrick recibió un obsequió de Terry Southern: la novela La naranja mecánica (A clockwork orange) de Anthony Burgess. Kubrick leyó el libro de un tirón y pensó en Malcolm McDowell para interpretar el papel de Alex, a quién el director comparaba con Ricardo III. La historia narra a modo de sátira las correrías de Alex, un joven violento cuyas distracciones son la violación, la ultraviolencia y Beethoven como rezaba la promoción de la película. Los Droogs, el filme retoma el lenguaje empleado en el libro que uso variantes del ruso con el inglés de la calle llamado Nadsat,[10] causan destrozos, actos de violencia y delitos sexuales. Pero las cosas se saldrán de control y se pondrá en práctica el proceso Ludovico para buscar corregir la conducta de joven Alex. El director buscó

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Stanley Kubrick localizaciones en Inglaterra mediante revistas de arquitectura contemporánea y solo construyó 3 sets en los estudios Borehamwood: el bar Korova, la prisión y el baño en la casa del escritor. La naranja mecánica presenta algunas innovaciones en el aspecto técnico como el empleo de lentes más rápidos, cámaras ligeras de mano, y los micrófonos Sennheiser Mk. 12,[11] que permitieron no tener que volver a grabar diálogo alguno tomado de la escena en vivo, así como el uso de nuevos equipos de iluminación como los reflectores de cuarzo Lowell de 1000 vatios, que le permitió a Kubrick girar la cámara en cualquier dirección sin preocuparse por capturar algún equipo luminotécnico en la habitación. La escena de la mujer y los gatos es un buen ejemplo.[11] La música fue nuevamente otro elemento destacable, por su carácter avant garde en el uso de la electrónica para adecuar las melodías a las escenas por parte del músico Wendy Carlos, quién recrea mediante sintetizadores la marcha fúnebre de Henry Purcell en la obertura de la película junto con la imagen de los actores, conformando una escena de carácter hipnótico y atmosférico. También se utiliza la Sinfonía N° 9 (Scherzo) de Ludwig van Beethoven como fondo para la danza de las estatuillas abrazadas de Jesucristo y la Obertura de Guillermo Tell de Giacchino Antonio Rossini para la orgía en el cuarto de Alex pero acelerada electrónicamente. Incluso se afirma que Kubrick buscó contactar a la banda de rock progresivo Pink Floyd para utilizar pasajes de Atom Heart Mother suite,[12] pero no se concreto un acuerdo. Estrenada en Estados Unidos 1971 y en Inglaterra en 1972, la película despertó una controversia nunca antes vista en el Reino Unido para un filme, en torno al contenido de la misma y sus repercusiones en los espectadores, dividiendo a los críticos, generando debates públicos en la prensa escrita, la televisión y la radio como lo analiza Christian Bugge en The Clockwork Orange Controversy.[13] A todo esto se sumó el hecho que delitos cometidos, incluso un asesinato, en aquella época, con mucha atención otorgada por parte de la prensa inglesa, por jóvenes que aparentemente replicaban escenas de la película o en algún caso vestían trajes similares a los protagonistas. Esto aumentó la presión en el debate y llevó a Kubrick, quién según diversas fuentes estaba sumamente preocupado, a presionar a Warner Bros., su nueva distribuidora, a cancelar cualquier exhibición pública de la película en 1973 en cualquier sala del Reino Unido. Esto duró hasta el año 2000. La película obtuvo 7 Premios BAFTA incluyendo mejor película, 2 Premios Globo de oro 4 nominaciones a los Premios Óscar, 2 Director Guild of America, en otros.

Quizá el logro más importante que obtuvo Kubrick con esta cinta fue asegurar formalmente por parte de Warner Bros., a través de un lucrativo contrato, el control total sobre sus cintas, a nivel técnico y sobre todo artístico, incluso de distribución. El éxito en taquilla del film que sobre una inversión de 2 millones de dólares pudo ganar 40 millones[14] le permitió al director sustentar su contrato. Kubrick recibía además cerca del 40% de los beneficios, para lo cual creó una base de datos de salas donde este tipo de películas de autor tenían mejores opciones comerciales.

El trabajo de preproducción que había hecho para Napoleón le ayudó a establecer las bases de su siguiente producción Barry Lyndon, basada en la novela victoriana de William Makepeace Thackeray publicada en 1884 como The Luck of Barry Lyndon que narra la historia de la ascensión y caída de un muchacho en la Europa del siglo XVIII y es estelarizada por Ryan O'Neal y Marisa Berenson en 1975. Nuevamente el extremo cuidado por el detalle de Kubrick se hace manifiesto en el proceso de la película usando libros de arte y documentos de la época para buscar locaciones, crear objetos, coches y el vestuario que fue confeccionado usando como modelos ropa de aquel siglo siguiendo las técnicas de costura que se emplearon originalmente contratando a 35 sastres que trabajaron durante 6 meses.[15] Ante la insistencia del director, los interiores se rodaron exclusivamente con la luz de las velas, gracias a unos objetivos especiales de la casa Carl Zeiss (abertura máxima de f/0.7) que había comprado a un contacto suyo y cuyo diseño fue inicialmente realizado para la NASA. Según la actriz Marisa Berenson,[16] los actores, en algunas tomas de acercamiento, casi no se podían mover para no salir de foco. Las técnicas de emulsión y revelado actual hicieron obsoleta esta tecnología. La película fue filmada en Irlanda y en Inglaterra. En el primero Kubrick recibió algunas amenazas por parte del grupo terrorista IRA debido a que los extras representaban a soldados ondeando la bandera británica sobre suelo irlandés. La música que se empleó fue el resultado de la recopilación de todas las grabaciones conteniendo composiciones del siglo XVIII que Kubrick consiguió. Pero al ver que el carácter de la misma era mayormente festiva recurrió también a Franz Schubert y su Piano Trio In E-Flat, compuesto en 1828 y adicionalmente agregó score grabado por Leonard Rosenman para suplir el pedido del director.[15] Precedida de gran

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Stanley Kubrick expectación debido a sus dos títulos anteriores y su efecto en el público, la película fue recibida con críticas mixtas a mediados de los setentas, y falló en la recaudación de taquilla inicial a pesar de los 4 premios Òscar que obtuvo en 1975. Desde entonces la película ha ganado estatura dentro del legado del director por sus logros técnicos y artísticos.[17] La novela del escritor multi-ventas de finales de los años setenta Stephen King y un género con buen tirón en aquel momento, el terror, motivaron a Kubrick por su siguiente película. A partir de la novela The Shining del escritor estadounidense reescribió el guion junto a Diane Johnson, y el resultado fue El resplandor (The Shining) (1980). La versión de Kubrick es una variación sobre la versión del libro, especialmente en el carácter del protagonista y sus motivaciones. La película, filmada en los estudios Elstree en Borehamwood para los interiores haciendo tomas exteriores del Timberline Lodge, en Portland, Oregón, para recrear el Overlook Hotel, muestra la transformación del personaje de Jack Torrance (interpretado por el oscarizado Jack Nicholson), que cuida el hotel durante los intermedios de temporada, presentándolo como un ser temperamental y con una progresiva perturbación que afecta finalmente la seguridad de su propia familia. Kubrick hizo uso extensivo de una innovación reciente, el Steadicam,[18] un giroscopio estabilizador que permitía a la cámara desplazarse a través del espacio sin vibraciones, lo cual le permite filmar de manera efectiva al hijo de Torrance, interpretado por Danny Lloyd, sobre su triciclo de plástico a través de los corredores del hotel o a Nicholson caminando por el laberinto del jardín. La música nuevamente recae en manos de Walter Carlos, ahora Wendy Carlos, quién modifica nuevamente a través de la electrónica música original; una adaptación del compositor Hector Berlioz, del tema medieval Dies Irae. Otros compositores cuyas piezas son utilizadas son György Ligeti, Béla Bártok, Krzysztof Penderecki y temas de bandas pertenecientes al primer cuarto del siglo XX.[19] La película obtuvo buena respuesta del público y taquilla, pero la crítica volvió a dividirse en torno este trabajo del director estadounidense. A juicio del autor de la novela, Stephen King, quién inicialmente estuvo halagado con la idea de la adaptación por parte de Kubrick, el filme no profundiza en el verdadero tema de la novela que incluso posee tintes autobiográficos.[20] Este primero hace una nueva adaptación para la televisión de su libro, en 1997. La hija de Kubrick, Vivian, realiza un documental sobre la filmación de la película en 1980.

Etapa final: 1987 - 1999 Tienen que transcurrir siete años hasta que aparezca su siguiente película, La chaqueta metálica (Full Metal Jacket), en 1987, donde vuelve a tocar el tema bélico, esta vez la Guerra de Vietnam y nuevamente es un adaptación de una novela. En este caso es Gustav Hasford y su libro The Short-Timers. La película tiene dos partes claramente diferenciadas: la preparación de los soldados en la base de Marines de Parris Island en Carolina del Sur, Estados Unidos y la guerra en sí, ubicada en la ciudad vietnamita de Huế. Durante el rodaje Kubrick rescribía el guion sobre la marcha, modificando las escenas originales. La película se rodó entre 1985 y 1986 en Inglaterra, en la base del ejército británico en Bassingbourne, los estudios en Enfield, y el gasífero de Beckton, al este de Londres, cuyo proceso de demolición fue utilizado para recrear la ciudad modernista de Huế, hasta donde se llevaron 66 palmeras.[21] La película es estelarizada por Matthew Modine, Vincent D'Onofrio, Adam Baldwin y Lee Ermey. La música fue escrita por Abigail Mead, un alias que utilizó Vivian Kubrick, empleando un sintetizador. Para las canciones, Kubrick recurre a las listas de éxitos del periodo 1962 – 1968, incluyendo éxitos de Johnny Wright, The Rolling Stones, Nancy Sinatra, The Trashmen entre otros. A pesar que el filme se estrenó poco después del hit Platoon (1986) de Oliver Stone, obtuvo buenas críticas y buena taquilla durante su exhibición.[22] Tras esta película Kubrick comenzó a evaluar nuevos proyectos. En primer lugar, Inteligencia Artificial, la historia de un niño robot abandonado por su madre. Kubrick siempre había querido adaptar el relato de Brian W. Aldiss, pero no fue hasta que vio Parque Jurásico (1993), del director estadounidense Steven Spielberg, que supo que la tecnología necesaria para filmar la película estaba por fin a su alcance. También estaba interesado en The aryan papers, una película sobre dos refugiados judíos durante la persecución nazi que iba a ser protagonizada por Jodie Foster y Joseph Mazzello, el niño de Parque jurásico. Sin embargo, el mismo Spielberg se adelantaría con el filme La lista de Schindler (1993), debido fundamentalmente a la dificultad que supuso para Kubrick el encaje

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Stanley Kubrick cinematográfico del Holocausto judío, según su propio criterio. La semejanza de la película de Spielberg con su propio proyecto y problemas de diversa índole le harían desistir.[23] Finalmente Kubrick realizó Eyes Wide Shut (1999), basada en la novela Traumnovelle (Relato soñado), de Arthur Schnitzler. La historia original está situada en la Viena del siglo XIX pero la película se ubica en la Nueva York de finales de siglo XX, narrando la vida una pareja de neoyorquinos de clase alta que viven aparentemente una feliz vida en común, pero que los sueños y fantasías sexuales manifestados en un momento de intimidad empiezan a desestabilizar la relación. La película contó con una pareja en la vida real de las estrellas de Hollywood de aquel momento, Tom Cruise y Nicole Kidman, como los Harford, contando con Sydney Pollack y Marie Richardson como roles secundarios. La película como en sus anteriores filmes desde Lolita fue filmada en Inglaterra incluso en las tomas exteriores, con solo algunas tomas generales hechas en Nueva York. El trabajo final es un despliegue del habitual virtuosismo de Kubrick para filmar y componer, jugando intensamente con los colores y la luz, especialmente la artificial para reforzar ciertas sensaciones, llegando incluso a forzar el revelado de las cintas para darle a la imagen un aura buscada. El score fue muy variado compuesto para la ocasión por Jocelyn Pook incluyendo al mismo trabajos de György Ligeti, Franz Liszt, Chris Isaak, Dmitri Shostakóvich. Después de casi 12 años, Kubrick volvía con una película, generando una fuerte expectación en el público, en parte por lo rumores que circularon en la prensa sobre su hábitos de vida, especialmente su misantropía, lo cual fue desmentido por el director en sendas entrevistas durante su vida. La película nuevamente generó una cierta polémica, en torno a la censura que recibió la cinta en la versión para los Estados Unidos donde digitalmente se taparon las zonas genitales a ciertos actores extras durante una orgía. El filme fue recibido con cierta tibieza por parte de un sector de la crítica en un inicio, y con entusiasmo por otros sectores, especialmente la crítica francesa que incluso le dio el premio a la mejor película extranjera del año.[24] El presupuesto del filme ascendió a 65 millones de dólares.

Días más tarde de acabar de montar la película, a los 70 años, Stanley Kubrick moría en la cama de su residencia de Hertfordshire, al sureste de Inglaterra, de un ataque al corazón. Su muerte congregó gran interés por parte de la prensa mundial debido a la enorme fama y reputación tanto profesional como el mito personal que ganó durante sus años de vida.

Algunos de sus trabajos fílmicos fueron lanzados en formato magnético VHS, y posteriormente toda su obra ha sido remasterizada en formato digital DVD y Blu-Ray. Existen también sendos trabajos biográficos y de análisis de su obra y álbumes fotográficos, convirtiéndolo en uno de los directores cinematográficos más reseñados en la actualidad.

Legado La influencia de Kubrick en el cine contemporáneo es enorme y difícil de definir en su real dimensión. No sólo por la gran cantidad de libros dedicados a su persona y a su trabajo, las compilaciones que lo sitúan entre los más importantes de la historia, así como documentales televisivos sobre su vida y ensayos publicados en diversos medios de comunicación, sino también por los logros fílmicos que alcanzó en vida y el aporte que realizó al status quo de rol del director dentro la industria cinematográfica.

Kubrick luchó y logró el tan ansiado control total sobre sus películas, con el fin de que su visión fílmica no se viera afectada más que por lo que él entendía como coherencia artística. Sin estudios formales de cine, participó en cada etapa de la producción de una cinta, aprendiendo las técnicas y el oficio, llegando a aportar innovadores procedimientos técnicos (efectos especiales, sistema de filmación, nuevas cámaras, focos, luces y lentes) y narrativos que le permitieron a la industria en general avanzar varios años.

Otro apartado donde fue decisivo fue en el empleo de la banda sonora en las cintas que dirigió, anticipándose a varias tendencias, incorporando tanto la enciclopédica revisión de la música perteneciente a la época en la que se ambientaba la película de turno, así como también emplear los aportes de la electrónica cuando esta se aplicaba mayormente en el campo experimental.

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Stanley Kubrick

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Sus películas no dejaban de incorporar sus propios intereses intelectuales y la reflexiones sobre el hombre y su lucha constante con su entorno, ya sea físico, social, psicológico o metafísico. Su observación del ser humano siempre guardaba una distancia prudente, que en vez de frialdad (como lo tachaban algunos críticos), podría más bien leerse un verdadero interés y abierta curiosidad por entender el proceder del personaje como pieza dentro de un engranaje más complejo que lo puramente cultural. El busca aquellos códigos dentro de cada ser humano que lo empujan a accionar de una manera en particular, tanto en la intimidad como en la odiseas titánicas que modifican el curso la historia, creando en el proceso imágenes tan sobresalientes y atemporales que se han convertido en parte de la cultura popular.

Un tema final podría ser su obsesión con los detalles y la calidad del producto. Pocos directores hicieron de esto un tema mayor: entender el filme como acto de aprendizaje extremo del entorno del personaje, en base a una sólida investigación que llevó, junto a su perfeccionismo, a dilatar sus rodajes y aumentar el aura mítica que proyectaba en la prensa.

Filmografía Año

Título Original

Título en España

Título en Latinoamérica

Link IMDb

1999 Eyes Wide Shut

Eyes Wide Shut

Ojos bien cerrados

[25]

1987 Full Metal Jacket

La chaqueta metálica

Nacido para matar o Cara de Guerra

[26]

1980 The Shining

El resplandor

El resplandor

[27]

1975 Barry Lyndon

Barry Lyndon

Barry Lyndon

[28]

1971 A Clockwork Orange

La naranja mecánica

La naranja mecánica o Naranja mecánica

[29]

1968 2001: A Space Odyssey

2001: Una odisea del espacio

2001: Odisea del espacio o 2001, una odisea del espacio

[30]

1964 Dr. Strangelove or: How I Learned To Stop Worrying And Love The Bomb

Teléfono rojo. Volamos hacia Moscú

Dr. Insólito o: Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba

[31]

1962 Lolita

Lolita

Lolita

[32]

1960 Spartacus

Espartaco

Espartaco

[33]

1957 Paths of Glory

Senderos de gloria

La patrulla infernal

[34]

1956 The Killing

Atraco perfecto

Casta de malditos

[35]

1955 Killer's Kiss

El beso del asesino

El beso del asesino

[36]

1953 The Seafarers 1953 Fear and Desire

[37] Fear and Desire

Fear and Desire

[38]

1951 Day Of The Fight

[39]

1951 Flying Padre

[40]

Stanley Kubrick

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Clasificación Se pueden apreciar en la obra de Kubrick dos etapas bien diferenciadas, dejando aparte, como él mismo quiso, sus trabajos tempranos (Flying Padre, Day of the Fight, The Seafarers y Fear and Desire).

La Primera Etapa, denominada, según el criterio: "Etapa Clásica", "Período en Blanco y Negro" o "Etapa de Juventud", incluye Killer's Kiss, The Killing, Paths of Glory, Spartacus, Lolita y Dr. Strangelove.

La Segunda Etapa, denominada "Etapa Renovadora", "Período en Color" o "Etapa de madurez", incluye 2001, A Clockwork Orange, Barry Lyndon, The Shining, Full Metal Jacket y Eyes Wide Shut.

Las etapas se distinguen observando su estructura dramática (más tradicional en su primera etapa y experimental e innovadora en su segunda etapa) o la coloración del metraje (pero, a modo de excepción, Spartacus -de su primera etapa- está en color, aunque no por decisión de Kubrick).

Así, tras el salto temporal de unos cuatro años que separa Dr. Strangelove de 2001, se aprecia un gran cambio en el planteamiento de su obra, si bien permanecen ciertos paralelismos argumentales (la sexualidad en Lolita y Eyes Wide Shut, la dureza de la guerra en Paths of Glory y Full Metal Jacket, la ascensión social con el fracaso final en Spartacus y Barry Lyndon...)

Premios Premios Óscar Año

Categoría

Película

Resultado

1987 Óscar al mejor guion adaptado

Full Metal Jacket

Candidato

1975 Óscar a la mejor película

Barry Lyndon

Candidato

1975 Óscar al mejor director

Barry Lyndon

Candidato

1975 Óscar al mejor guion adaptado

Barry Lyndon

Candidato

1971 Óscar a la mejor película

La naranja mecánica

Candidato

1971 Óscar al mejor director

La naranja mecánica

Candidato

1971 Óscar al mejor guion adaptado

La naranja mecánica

Candidato

1968 Óscar al mejor director

2001: Una odisea del espacio Candidato

1968 Óscar al mejor guion original

2001: Una odisea del espacio Candidato

1968 Óscar a los mejores efectos visuales 2001: Una odisea del espacio Ganador 1964 Óscar a la mejor película

Dr. Strangelove

Candidato

1964 Óscar al mejor director

Dr. Strangelove

Candidato

1964 Óscar al mejor guion adaptado

Dr. Strangelove

Candidato

Stanley Kubrick

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000040 [2] Dirks, Tim. « Greatest Film Directors and Their Best Films (http:/ / www. filmsite. org/ directors. html)» (en inglés). Filmsite. Consultado el 15 de mayo de 2010.

[3] . University of the Arts London. Consultado el 15 de mayo de 2010.

[4] Stanley Kubrick: The Master Filmmaker (http:/ / pages. prodigy. com/ kubrick/ kubbio. htm#ACO) [5] [Paul Duncan, Stanley Kubrick, pág. 80 (Filmbild Fundus Robert Fischer München) Taschen 2003] [6] [Paul Duncan, Stanley Kubrick, pág. 86 (Filmbild Fundus Robert Fischer München) Taschen 2003] [7] ["Inside the Making of Dr. Strangelove", del documental de 40th Anniversary Special Edition DVD of the film Se comenta que el nivel de realismo fue tal, que cuando invitaron a personal de la USAF al set quedaron impresionados con la recreación considerándola perfecta y sin errores. Kubrick se preguntó si Adam y su equipo habían utilizado métodos legales para la búsqueda de información en función de una hipotética investigación del FBI ] [8] Tres caminos a György Ligeti (1923-2006) por Pablo Martínez Lozada (http:/ / www. emboscados. com/ foro/ viewtopic. php?TopicID=2133) [9] « Mystery Man on Film: Stanley Kubrick's Napoleon (http:/ / mysterymanonfilm. blogspot. com/ 2007/ 01/ stanley-kubricks-napoleon. html)».

[10] A Nadsat Glossary by Scott McDonald (http:/ / www. kubrick. com) [11] Stanley Kubrick: The Master Filmmaker (http:/ / pages. prodigy. com/ kubrick/ kubaco. htm) [12] « A Clockwork Orange (1971) - Trivia (http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0066921/ trivia)».

[13] The Clockwork Controversy by Chirstian Bugge (http:/ / www. kubrick. com) [14] [Paul Duncan, Stanley Kubrick, pág. 137 (Filmbild Fundus Robert Fischer München) Taschen 2003] [15] Stanley Kubrick: The Master Filmmaker (http:/ / pages. prodigy. com/ kubrick/ kubbl. htm) [16] [Paul Duncan, Stanley Kubrick, (Filmbild Fundus Robert Fischer München) Taschen 2003] [17] (http:/ / www. allmovie. com/ cg/ avg. dll?p=avg& sql=1:4004~T0)Barry Lyndon en AllMovie.com] [18] [ http:/ / pages. prodigy. com/ kubrick/ kubts. htm] [19] Barham, Jeremy. Incorporating Monsters: Music as Context, Character and Construction in Kubrick’s The Shining. London: Equinox Press.

ISBN 978-1-84553-202-4. (http:/ / epubs. surrey. ac. uk/ cgi/ viewcontent. cgi?article=1000& context=music) [20] The Shining, Stanley Kubrick. Site by Roderick Munday (http:/ / www. visual-memory. co. uk/ faq/ html/ shining/ shining. html) [21] Artículo del Daily Telegraph del 18 de julio del 2008 (http:/ / www. telegraph. co. uk/ culture/ film/ 3556427/ Stanley-Kubrick-a-props-odyssey. html) [22] [Cahill, Tim (1987). «The Rolling Stone Interview», Rolling Stone. Retrieved on 11 October 2007] [23] Página en lengua inglesa sobre The Aryan Papers (Los papeles arios) (22/08/2005), por A.J. Goldmann (http:/ / alexdlg. tripod. com/ aryan. html) [24] [2000http://www.imdb.com/title/tt0120663/awards] [25] http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0120663 [26] http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0093058 [27] http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0081505 [28] http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0072684 [29] http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0066921 [30] http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0062622 [31] http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0057012 [32] http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0056193 [33] http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0054331 [34] http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0050825 [35] http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0049406 [36] http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0048254 [37] http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0045130/ [38] http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0045758/ [39] http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0042384/ [40] http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0043548/

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Stanley Kubrick

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Enlaces externos •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Stanley Kubrick. Commons

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Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Stanley Kubrick. Wikiquote Sitio web oficial de Stanley Kubrick (http://kubrickfilms.warnerbros.com) (en inglés) Kubrick Corner (http://kubrickfilms.tripod.com/index.html/) (en inglés) Stanley Kubrick: Un director de culto (http://www.homines.com/cine/stanley_kubrick) (en español) Stanley Kubrick, uno de los más Grandes Genios del Cine (http://www.cineplaneta.net/2011/03/ stanley-kubrick-uno-de-los-mas-grandes.html) (en español) • Referencias sobre El resplandor (http://www.apocatastasis.com/kubrick-el-resplandor.php) • Collected Essays on Kubrick (http://www.jeffreyscottbernstein.com/kubrick/) • Artículo de Antipatía.cl: «Los grandes personajes de Kubrick» (http://antipatia.cl/17/ los-grandes-personajes-de-kubrick)

A Clockwork Orange (película) A Clockwork Orange Título

La naranja mecánica Naranja mecánica (Hispanoamérica) Ficha técnica

Dirección

Stanley Kubrick

Producción

Stanley Kubrick

Guion

Stanley Kubrick, basado en la novela homónima de Anthony Burgess

Música

Wendy Carlos Erika Eigen

Fotografía

John Alcott

Montaje

Bill Butler

Protagonistas Malcolm McDowell Patrick Magee Adrienne Corri Michael Bates Warren Clarke Miriam Karlin James Marcus Michael Tarn Philip Stone Sheila Raynor Godfrey Quigley Clive Francis David Prowse Anthony Sharp Ver todos los créditos

[1]

Datos y cifras País(es)

Reino Unido

Año

1971

Género

Drama, Ciencia ficción

(IMDb)

A Clockwork Orange (película)

Duración Clasificación

12 136 minutos R +18 +18 +18 D +16 +18 E R Compañías

Productora

Warner Bros. Pictures Hawk Films

Distribución

Warner Bros. Pictures [2] Ficha en IMDb [3] Ficha en FilmAffinity

A Clockwork Orange (conocida como Naranja mecánica o La naranja mecánica) es una película británica de ciencia ficción satírica de 1971, producida, escrita y dirigida por Stanley Kubrick. Es una adaptación fílmica de la novela homónima de 1962, escrita por Anthony Burgess. La película, que fue filmada en Inglaterra, muestra al personaje Alex DeLarge (Malcolm McDowell), un delincuente psicópata y carismático, cuyos placeres son la música clásica (especialmente Beethoven), la violación y la «ultra-violencia». Lidera una banda de matones (Pete, George y Dim), a los que llama drugos (del término ruso друг, «amigo», «colega»), con los que comete una serie de violentas fechorías. Es capturado y se le intenta rehabilitar a través de una técnica de psicología conductista. Alex narra la mayor parte del filme en nadsat, una jerga adolescente ficticia que combina lengua eslava (especialmente ruso), inglés y la jerga rimada cockney. En España e Hispanoamérica, algunos términos fueron adaptados al idioma.

La película se caracteriza por contenidos violentos que facilitan una crítica social en psiquiatría, el pandillerismo juvenil, las teorías conductistas en psicología y otros tópicos ubicados en una sociedad futurista distópica. Su banda sonora está principalmente compuesta por pasajes de música clásica, varios de ellos reinterpretados y en ocasiones, como en el caso de los títulos de crédito, adaptados por la compositora Wendy Carlos utilizando el sintetizador Moog.

Argumento Ambientada en la Inglaterra del futuro (el año 1995, pero visto desde 1965) la película sigue la vida de un joven de 17 años llamado Alex DeLarge (Malcolm McDowell) cuyos placeres son escuchar la música de Beethoven, el sexo y la ultraviolencia.

Alex es un delincuente carismático y sociópata, líder de una pequeña pandilla de libertinos, a los cuales se refiere como «drugos»: Pete (Michael Tarn), Georgie (James Marcus) y Dim (Warren Clarke).

Alex y sus drugos usan una vestimenta muy particular: camisa y pantalón blanco con tirantes, protector testicular, botas de alta caña, un sombrero hongo típico inglés, antifaz en determinados momentos, pestañas postizas en el caso de Alex y pinturas faciales en los drugos, máscaras cuando recurren a la ultraviolencia, además de estar armados.

Alex utiliza un bastón al igual que Pete y Georgie, no así Dim que carga con unas cadenas.

Alex narra la mayoría de la película en lenguaje «nadsat», un argot contemporáneo usado por ellos, que combina el eslávico (especialmente el ruso) con el inglés y el cockney (por ejemplo militso -policía-, drugo -amigo-, chavalco -muchacho- o moloko -leche-).

Alex es irreverente y abusa de los demás; vive con sus padres a quienes miente constantemente para no ir a la escuela; su cuarto está armado con altavoces, en su cama tiene un cubrecama cubierto con senos de goma, como

A Clockwork Orange (película) mascota tiene una serpiente llamada Basil y posee un compartimento repleto de botines de sus robos.

La historia comienza en el bar lácteo Korova, en el que Alex, Pete, Georgie y Dim consumen leche-plus, la cual consiste en leche con velocentina, syntheisitiseina o drencromina, sustancias que exacerban la conducta violenta mientras planean sus próximas fechorías nocturnas. La primera de las víctimas de esa noche es un viejo borracho (Paul Farrell) tirado en la calle. Tras una breve charla, Alex y sus drugos golpean brutalmente al mendigo.

Posteriormente, se presentan en un teatro abandonado donde una pandilla rival, liderada por Billyboy (Richard Connaught) -cuya indumentaria recuerda el uniforme de la Wehrmacht-, intenta violar a una chica que logra escaparse desnuda, mientras los dos grupos rivales se trenzan en una violenta trifulca en la que Alex y sus drugos resultan vencedores. Después, roban un Dodge Durango 95 y lo conducen en la noche a gran velocidad, sacando a otros los vehículos de la ruta, para finalmente detenerse en una casa con un letrero que dice Home.

Alex y sus drugos deciden invadir dicha casa. Alex engaña a sus ocupantes pidiendo ayuda para uno de sus amigos que ha sufrido un accidente. La dueña de casa (Adrienne Corri) le abre la puerta, y la pandilla, llevando sus grotescas máscaras, invade la vivienda. Toman por la fuerza a la dueña y golpean despiadadamente a su marido, el escritor Frank Alexander (Patrick Magee). Violan a su esposa ante su mirada impotente, mientras Alex lo patea, cantando la famosa I'm Singing in the Rain.

Alex y sus drugos vuelven al bar lácteo Korova y ven como una señora canta la Sinfonía n.º 9 de Beethoven en su 4 movimiento, Alex lidia con un intento de golpe de Dim (después de que este se burlase del canto), y lo hace de manera brutal. Esto resiente su autoridad sobre los suyos y él no lo advierte completamente.

Después de faltar a clases, se levanta una mañana y se encuentra en su casa con P.R. Deltoid (Aubrey Morris), un agente social que controla a delincuentes juveniles como él. Deltoid, quien siente una profunda aversión hacia Alex, intenta persuadirlo para que cambie de actitud, aunque termina golpeándole los testículos. Sin hacer demasiado caso al agente social, Alex sale de paseo y engaña a dos muchachas adolescentes en una tienda de discos, las lleva a su apartamento y las seduce sexualmente a ambas.

Después de imponer su autoridad, golpeando y empujando por sorpresa a Dim y a Georgie al agua, para después tajarle la mano a Dim, Alex decide que sería bueno aflojar un poco su autoridad y dejar participar un poco más a sus drugos. Así pues, le pide a Georgie que le cuente el plan que tiene en mente. Éste explica que planea con el grupo, robar y violar a una mujer adinerada (Miriam Karlin), que vive sola con sus gatos en una casa aislada. Llegan a la casa y luego de intentar el mismo truco usado en el asalto anterior, sólo Alex se introduce en la casa por una ventana, sorprendiendo a la mujer. Después de que mofarse de ella, ella se resiste a sus acosos, e intenta propinarle un golpe con un busto de Beethoven. Alex, en un acto irreflexivo, la golpea con una obra de arte en forma de un pene de porcelana de gran tamaño. La policía llega a la casa, porque ya estaba de camino, después que la mujer la había llamado. Todos se aprestan a huir, pero antes Dim, rabioso con Alex por haberle golpeado y cortado, le golpea en la cara con una botella llena de leche, dejándolo momentáneamente ciego, dolorido y con un pequeño corte en la nariz en la escena del crimen. Después de ser arrestado, se descubre que la víctima del asalto ha muerto: Alex es ahora un asesino. Es sentenciado a 14 años de prisión. En la prisión es vigilado estrictamente por el jefe de guardia (Michael Bates).

Después de haber cumplido dos años de su sentencia, y habiéndose ganado la buena disposición del capellán de la prisión (Godfrey Quigley) haciéndole creer que la Biblia lo ha ayudado a reformarse, logra una recomendación del ingenuo sacerdote. El Ministro del Interior (Anthony Sharp), visita la prisión y le ofrece a Alex la libertad condicional, si se somete al tratamiento Ludovico, un terapia experimental de aversión, desarrollada por el gobierno como una estrategia para detener el crimen en la sociedad. El tratamiento consiste en ser expuesto a formas extremas de violencia, forzándolo a mirar escenas cinematográficas muy violentas en una pantalla. Alex es incapaz de apartar la mirada de la pantalla, ya que su cabeza está inmovilizada y sus párpados abiertos por un par de ganchos. También es drogado antes de ver las películas, para que asocie las acciones violentas con el dolor que éstas le provocan.

De esta forma, el tratamiento Ludovico, lo deja incapaz de ser violento (ni siquiera en defensa propia) y también incapaz de tocar a una mujer desnuda, pero, en un imprevisto efecto secundario, el tratamiento también lo hace

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A Clockwork Orange (película) incapaz de oír su pieza favorita, la Novena Sinfonía de Ludwig van Beethoven, que es el fondo musical de una de las películas.

Alex queda sin la capacidad de defenderse, y además, es desahuciado por sus padres, quienes no lo quieren en casa (tienen alquilada su habitación a un huespéd (Clive Francis), se deshicieron su estéreo y tesoros y, aparentemente, mataron a su serpiente Basil).

Desanimado, deambula por la ciudad. Pronto encuentra a viejas víctimas. El mendigo que golpeó al principio de la historia, cobra venganza llamando a todos sus amigos, que le dan una paliza hasta que llegan dos policías, que resultan ser sus antiguos drugos, Dim y Georgie, contratados ahora como guardias, quienes lo reconocen y lo llevan a un lugar apartado, donde lo golpean y casi lo ahogan.

Alex logra recuperarse y vaga por los bosques hasta llegar casualmente a la casa del escritor. Éste, postrado en una silla de ruedas, a resultados del asalto de Alex y su pandilla, y además viudo, porque su mujer se había suicidado a raíz de la violación que había sufrido; lo deja entrar sin descubrir su identidad. El escritor, que cuenta con un guardaespaldas (David Prowse), lo acoje y alimenta, pero Alex comete el error de cantar nuevamente I'm Singing in the Rain, provocando el recuerdo y la ira del escritor. Éste decide vengarse, drogando a Alex, e intenta hacer que se suicide, haciéndole escuchar a gran volumen la Novena Sinfonía de Beethoven (Segundo movimiento). Alex en su desesperación, trata de 'evaporarse' (como él llama el suicidarse) saltando por una ventana, pero logra sobrevivir.

Después de una larga recuperación en el hospital, Alex parece ser el de antes. El Ministro del Interior, quien antes le había seleccionado personalmente para el tratamiento Ludovico, lo visita, disculpándose por los efectos del tratamiento, diciendo que sólo seguía las recomendaciones de su equipo.

El gobierno le ofrece a Alex un trabajo muy bien remunerado, si acepta apoyar la elección del partido político (conservador), cuya imagen pública se vio seriamente dañada por su intento de suicidio y el controvertido tratamiento al que fue sometido. Anticipando su regreso al estrago y segundos antes de volverse loco, Alex narra el final de la película: «Definitivamente, estaba curado» mientras se ve una fantasía surreal de él mismo copulando con una mujer en la nieve, rodeado por damas y caballeros victorianos aplaudiéndole, mientras se puede escuchar el último movimiento de la Novena Sinfonía de Beethoven como música de fondo.

Reparto • • • • • • • • • • • • • •

Malcolm McDowell ... Alexander 'Alex' DeLarge Warren Clarke ... Dim Michael Tarn ... Pete James Marcus ... Georgie Philip Stone ... Padre de Alex Sheila Raynor ... Madre de Alex Michael Bates ... Jefe de guardia de la prisión Godfrey Quigley ... Capellán de la prisión Miriam Karlin ... Señora de los gatos Clive Francis ... El arrendatario Patrick Magee ... Frank Alexander Adrienne Corri ... Señora Alexander David Prowse ... Guardaespaldas de Frank Alexander Anthony Sharp ... Ministro del Interior

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A Clockwork Orange (película)

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Producción Antes de comenzar el rodaje, mientras el actor Malcolm McDowell se colocaba las pestañas postizas que utilizaba su personaje, Kubrick se dio cuenta de que con sólo una pestaña era suficiente [cita requerida].

Antes de rodar la escena de la violación a la mujer del escritor, McDowell estaba preparándose en el set y comenzó a cantar Singin' in the rain. Kubrick lo escuchó y le dijo que la cantara mientras realizaba la escena [cita requerida] (Por regla general, el director no aceptaba jamás modificaciones en el guion). Otra versión menciona que fue Kubrick quien le pidio que tarareara alguna canción mientras se hacía la escena. En cuanto escuchó la canción, suspendió el rodaje y realizó llamadas para comprar los derechos de Singin' in the rain.

Durante la escena del tratamiento, Malcolm McDowell se rayó una córnea y estuvo temporalmente ciego[cita requerida]. El doctor que estaba a su lado en la escena colocando solución salina en los ojos forzadamente abiertos de Alex no sólo estaba allí por motivos argumentales, sino que era un doctor real que prevenía que los ojos de McDowell se secaran. McDowell también sufrió de costillas fracturadas durante la humillación en el escenario, y casi se ahoga mientras se rodaba la escena en la que se le sumerge bajo el agua.

Cuando Alex salta por la ventana para tratar de terminar su tormento, el espectador ve el suelo viniendo hacia la cámara hasta que colisionan. Este efecto se consiguió tirando una cámara desde dos o tres pisos, con el objetivo apuntando hacia abajo para lograr una percepción realista de cómo podría ser tal caída[cita requerida].

Dirección El director Stanley Kubrick era un notorio perfeccionista, que exigía muchas tomas de cada plano[cita requerida].

Malcolm McDowell presume de ser una excepción y afirma que no le obligó a repetir demasiado. Kubrick quería darle a la película una calidad de sueño o fantasía y filmó muchas escenas con lentes especiales y en movimientos rápidos o lentos[cita requerida].

Premios Premios Óscar Categoría

Receptor

Resultado

Mejor Película

Candidato

Mejor Director

Stanley Kubrick Candidato

Mejor Guion Adaptado Stanley Kubrick Candidato Mejor Edición

Bill Butler

Candidato

Premios Globo de Oro Categoría

Receptor

Mejor película - Drama

Premios BAFTA

Resultado Candidato

Mejor director

Stanley Kubrick

Candidato

Mejor actor - Drama

Malcolm McDowell Candidato

A Clockwork Orange (película)

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Categoría

Persona

Resultado

Mejor película

Candidata

Mejor director

Stanley Kubrick Candidato

Mejor guion adaptado

Stanley Kubrick Candidato

Mejor música original

Bill Rowe

Candidata

Mejor fotografía

John Alcott

Candidato

Mejor montaje

Bill Butler

Candidato

Mejor diseño de producción John Barry

Candidato

Recepción y controversia La película fue candidata a cuatro premios de la Academia (perdiendo contra The French Connection) y revitalizó las ventas de la Novena Sinfonía de Beethoven. También causó controversia y no fue permitida su exhibición en el Reino Unido. Para el tiempo de su re-estreno en el 2000, ya había ganado una reputación de película de culto.

Muchos críticos y aficionados la consideran como una de las mejores películas jamás hechas.

La película ha sido criticada por su violencia excesiva y la falta de aparente humanidad, por grupos moralistas y religiosos, pregonando que sirve como un pésimo ejemplo de ideal de comportamiento para la actual juventud ávida de referentes en que basarse. En Hispanoamérica la película fue estrenada en 1977, calificada para mayores de 21 años, y fue recibida con una mezcla de críticas, por un lado, alabando la visión futurista de Kubrick, y por otro lado la violencia frontal y extrema exhibida calificándose por algunos grupos conservadores como un mal ejemplo de comportamiento social para las jóvenes generaciones.

Censura estadounidense La película fue calificada X en su estreno original en los Estados Unidos. Más tarde, Kubrick cortó, voluntariamente, 30 segundos de la película para su re-estreno, entonces se calificó como R y estrenada en los Estados Unidos en 1973.

Retirada británica En el Reino Unido, la violencia sexual de la película fue considerada extrema. Más adelante, se dijo que había inspirado imitaciones. La prensa culpó la influencia de la película en un ataque a un indigente y de una violación en la cual los atacantes cantaron Singin' in the Rain (Cantando bajo la Lluvia). Kubrick pidió a la Warner Brothers retirar la película del Reino Unido, pues en un momento dado se encontró bajo mucha presión llegando incluso a recibir amenazas de muerte.

Diferencias entre la película y el libro Diferencias más notables • La vestimenta de la banda, negra en el original, con el protector del mismo color y un dibujo personalizado. La novela, además, muestra un uso mayor de la jerga nadsat (que habría supuesto un problema de inteligibilidad en la película) y emplea explícitamente la frase que da título a la obra dos veces.

• La edad de la chica que intenta violar Billyboy en el casino, en la novela es de 10 años y en la película es ya una adolescente.

• La edad de Alex en la novela es de 15 años mientras que en la película es de 18. Malcolm McDowell tenía 27 años cuando hizo la película. Pete, uno de sus drugos, tiene 17 años en el libro, mientras que el actor que lo

A Clockwork Orange (película)

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interpreta, Michael Tarn, tenía 19 años.

En el libro, Alex mata a un preso durante su periodo en la cárcel.

El gusto musical de Alex en la película es más reducido, limitándose a Ludwig Van Beethoven, mientras que en el libro también alaba a otros grandes compositores como Félix Mendelssohn, Mozart, Johann Sebastian Bach, etc.

En el libro, el número de Alex en la prisión es 6655321, mientras que en la película se omite un 6 (655321).

En la película, Alex y sus drugos golpean a un borracho, quien luego lo reconoce y (junto a otros indigentes) lo golpean luego de su tratamiento. En el libro, Alex golpea a un anciano que lleva libros, quien luego lo reconoce y (junto a otros ancianos) lo golpean en la librería después de su tratamiento. Alex y sus drugos también golpean a un borracho en el libro pero Alex no se encuentra con él (éste fue presuntamente asesinado).

En el libro, Alex y su pandilla paga por las bebidas de un grupo de señoras, convenciéndolas de que les dieran una coartada para la policía y así cubrir un robo. Nada de esto aparece en la película, ésta escena fue rodada pero no se incluyó en el montaje final.

En el libro, el escritor cuya esposa Alex viola se llama F. Alexander, llevando a una irónica comparación entre los dos Alexander. En la película al escritor se le menciona como Frank, y en los créditos como Sr. Alexander.

En el libro, Alex lleva a su casa a dos niñas de 10 años (Marty y Sonietta) y las viola, después de conocerlas en una tienda de discos. En la película las chicas son mayores de edad y el encuentro sexual es consentido.

• En la película, «la señora de los gatos», a cuya casa Alex entra, posee un gran grado de arte sexual, incluyendo una escultura fálica de roca blanca con el cual Alex asesta (inadvertidamente) el golpe mortal a la señora. Ningún tipo de arte es mencionado en el libro en el cual Alex usa un busto de plata de Beethoven para dar el golpe. En la película, cuando Alex se defiende de la mujer con la escultura fálica, ésta lo ataca con el busto de Beethoven.

• En el libro, Georgie muere asesinado en un fallido atraco a una casa, mientras en la película sigue vivo.

• En el libro el ayudante del doctor Brodsky, el doctor Branom, es un hombre mientras que en la película es una mujer.

• En el libro Dim siempre es llamado "el lerdo", sin dar su nombre • En el libro las máscaras que usan los personajes son de personajes históricos.

• En el libro Alex lleva pintada en la cara una araña , sin embargo en la película es una pestaña postiza.

Lanzamientos en DVD En el 2000, la película fue lanzada por primera vez en video y DVD, ambos individualmente como parte de la colección de Stanley Kubrick.

La respuesta de Anthony Burgess Burgess tuvo sentimientos encontrados respecto a la adaptación fílmica de su novela. Públicamente, amó a Malcolm McDowell y Michael Bates, y al uso de la música; catalogó la película de «brillante», aún como una película tan brillante que podría ser peligrosa. Su reacción original a la película fue entusiasta, insistiendo en que la única cosa que le molestaba era la omisión del último capítulo de la historia, por lo cual culpó al editor americano y no a Kubrick.

De acuerdo a su autobiografía, Burgess se entendió muy bien con Kubrick. Ambos sostenían filosofías y opiniones políticas similares; ambos estaban muy interesados en la literatura, el cine, la música y Napoleón Bonaparte (Burgess le dedicó su libro Napoleon Symphony a Kubrick). Sin embargo, las cosas se pusieron Anthony Burgess, autor de A Clockwork Orange.

mal cuando Kubrick le dejó a Burgess la defensa de la película frente a acusaciones de que magnificaba la violencia.

Un devoto cristiano, Burgess trató varias veces de explicar el punto moralmente cristiano de la historia a enfurecidas

A Clockwork Orange (película) organizaciones cristianas quienes sentían una influencia satánica en la película; Burgess incluso recibió premios por Kubrick.

Burgess estaba sumamente herido, sintiendo que Kubrick lo había usado como una prenda publicitaria para la película. Malcolm McDowell, quien hizo un tour de publicidad con Burgess, compartía sus sentimientos y hubo veces en que dijo cosas hirientes a Kubrick. Burgess y McDowell citaron como evidencia del gran ego de Kubrick, que sólo el nombre de éste aparecía en los créditos de apertura de la película.

Banda sonora La banda sonora de la película comprime música clásica y música electrónica compuesta por Wendy Carlos (en los créditos de ese tiempo aparece como Walter Carlos).

La música en la película puede ser interpretada como una extensión temática a la condición psicológica de Alex.

Bella música clásica es escuchada durante las escenas violentas, para que así, tiempo después, cuando el espectador oiga esta música la asocie con las imágenes de violencia de la película.

Lista de pistas 1. Title Music from A Clockwork Orange (tema central de La naranja mecánica) - Wendy Carlos 2. The Thieving Magpie (obertura de La urraca ladrona -La gazza ladra- de Rossini, grabación de Deutsche Grammophon) 3. Theme from A Clockwork Orange (Beethoviana) (tema de La naranja mecánica, Beethoviana - Wendy Carlos 4. Ninth Symphony, Second Movement (Abridged) (novena sinfonía, segundo movimiento -abreviado-, grabación de Deutsche Grammophon) 5. March from A Clockwork Orange (marcha de La naranja mecánica -novena sinfonía, cuarto movimiento) Wendy Carlos y Rachel Elkind 6. William Tell Overture (obertura de Guillermo Tell, de Rossini) - Wendy Carlos 7. Pomp and Circumstance March No. 1 - Sir Edward Elgar 8. Pomp and Circumstance March No. IV (Abridged), Sir Edward Elgar 9. Timesteps (Excerpt) - Wendy Carlos 10. Overture to the Sun - Terry Tucker 11. I Want to Marry a Lighthouse Keeper - Erike Eigen (la versión en la película es diferente) 12. William Tell Overture (Abridged) - grabación de Deutsche Grammophon 13. Suicide Scherzo (Novena Sinfonía, Segundo Movimiento, Abridged) - Wendy Carlos 14. Novena Sinfonía, Cuarto Movimiento, (Abridged), grabación de Deutsche Grammophon 15. Singin' in the Rain (Cantando bajo la lluvia), Gene Kelly, letra de Arthur Freed, música de Herb Brown.

El tema principal es una transcripción electrónica de Music on the Death of Queen Mary, de Henry Purcell, compuesta en 1694, para la procesión del cortejo de la Reina María por las calles de Londres hasta la Abadía de Westminster.

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A Clockwork Orange (película)

Enlaces externos • Wikiquote alberga frases célebres de o sobre A Clockwork Orange (película). Wikiquote • El País 18-11-2007. El mánager de los Rolling Stones quería que el grupo protagonizara La Naranja Mecánica [4] • Achtung! Revista 06-01-2012. 40 años de La Naranja Mecánica [5]

Curiosidades • Cuando Alex entra a la tienda de música y se para delante de un mostrador, podemos observar que, entre otros discos, allí se encuentra la banda sonora de "2001: una odisea del espacio", dirigida anteriormente por Stanley Kubrick en 1968.

• El título del disco de Arctic Monkeys "Suck it and see", lanzado oficialmente el 6 de junio del año 2011, procede de una escena de la película La naranja mecánica, en la que aparece esta frase pintada en una pared del edificio donde vive el protagonista Alex DeLarge.

• En la tienda de discos, Stanley Kubrick hace un cameo, algo poco habitual en él.

• El 17 de diciembre de 1994 sale al aire el episodio "9F04 Treehouse of Horror III" (La casita del horror III) de la serie Los Simpson, donde Bart el hijo mayor, aparece disfrazado de Alex.

• En 2007, La agrupación musical Oi! se arma, lanza su videoclip clockwork oi!. Imitando escenas de la misma con los integrantes de la banda musical • En 2008, la agrupación alemana de Metal Industrial Oomph!, lanzo su vídeo "Auf Kurs"; en este vídeo se hace una alusión al filme.

Referencias [1] [2] [3] [4]

http:/ / www. imdb. es/ title/ tt0066921/ fullcredits http:/ / www. imdb. es/ title/ tt0066921 http:/ / www. filmaffinity. com/ es/ film745383. html http:/ / www. elpais. com/ articulo/ gente/ manager/ Rolling/ queria/ grupo/ protagonizara/ Naranja/ Mecanica/ elpepugen/ 20071118elpepuage_1/ Tes [5] http:/ / www. achtungmag. com/ naranja-mecanica-stanley-kubrick-malcolm-mcdowell-revista-achtung-cine-pelicula/

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El resplandor (película)

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El resplandor (película) The Shining Título

El resplandor Ficha técnica

Dirección

Stanley Kubrick

Producción

Robert Fryer, Jan Harlan, Mary Lea Johnson, Stanley Kubrick, Martin Richards

Guion

Stanley Kubrick, Diane Johnson

Música

Wendy Carlos, Rachel Elkind

Fotografía

John Alcott

Protagonistas Jack Nicholson: Jack Torrance Shelley Duvall: Wendy Torrance Danny Lloyd: Danny Torrance Scatman Crothers: Dick Hallorann Barry Nelson: Stuart Ullman Philip Stone: Delbert Grady Joe Turkel: Lloyd Anne Jackson: doctora (versión USA) Tony Burton: Larry Durkin (versión USA) Ver todos los créditos

[1]

(IMDb)

Datos y cifras País(es)

Estados Unidos

Año

1980

Género

Terror

Duración

Versión EEUU: 147 minutos Versión europea: 119 minutos Versión japonesa: 146 minutos Versión española: 114 minutos

Clasificación

R +18 +13 +14 +14 M Compañías

Productora

Warner Bros. Pictures

Presupuesto

12 millones dólares Ingresos: $94.984.856 [2] Ficha en IMDb [3] Ficha en FilmAffinity

El resplandor es el título de un largometraje de terror psicológico dirigido por el realizador Stanley Kubrick y estrenado en 1980. Basado en la novela homónima del escritor Stephen King, la película cuenta cómo su protagonista empieza a sufrir inquietantes trastornos de personalidad a poco de llegar junto con su mujer y su hijo a un solitario hotel. Poco a poco, debido al aislamiento, al insomnio, a sus propios fantasmas interiores y a la influencia maléfica del lugar, se verá inmerso en una espiral de violencia contra su mujer y su hijo, que a su vez

El resplandor (película) parecen víctimas de espantosos fenómenos sobrenaturales.

Si bien su estreno fue acogido con frialdad por la crítica, El resplandor ha ido ganando adeptos con el tiempo. Como en otras películas del cineasta estadounidense, tras la línea dramática principal se esconden innumerables representaciones simbólicas, indicios subliminales, crítica sociohistórica e indagaciones de índole psicológica en torno a la naturaleza humana y el mal.

Argumento Jack Torrance (Jack Nicholson) llega al Hotel Overlöok para una entrevista de trabajo como guarda de invierno, con el ánimo de utilizar la soledad del hotel para escribir un libro. El hotel en sí mismo está construido sobre un antiguo cementerio indio y queda completamente aislado por la nieve durante los largos inviernos. El mánager del hotel Stuart Ullman (Barry Nelson) advierte a Jack que el antiguo guarda sufrió de claustrofobia y mató a toda su familia antes de suicidarse. El hijo de Jack, Danny (Danny Lloyd), tiene percepción extrasensorial y tiene premoniciones horripilantes sobre el hotel. La mujer de Jack, Wendy (Shelley Duvall), habla con un doctor y le comenta que Danny tiene un amigo imaginario, al que llama Tony y que Jack había dejado la bebida después de haber herido a Danny en el brazo mientras jugaban.

La familia llega al hotel el día del cierre al público y los encargados les muestran brevemente el complejo. El cocinero afro-americano Dick Hallorann (Scatman Crothers) sorprende a Danny mediante telepatía ofreciéndole helado. Dick le explica a Danny que él y su abuela compartían esta habilidad telepática, que él llama "el resplandor".

Danny pregunta si hay algo de lo que deba temer en el hotel, especialmente sobre la habitación 237. Hallorann le dice a Danny que el hotel en sí tiene resplandor y que guarda muchas historias, de las cuales no todas son buenas.

Finalmente le pide a Danny que no entre en la habitación 237.

Pasa un mes; mientras el proyecto de Jack no va a ninguna parte, Danny y Wendy exploran el laberinto de arbustos que hay en el patio del hotel. Wendy comienza a preocuparse sobre las líneas telefónicas puesto que muchas de ellas dejan de funcionar debido a la fuerte nevada. Por su parte, Danny continúa con más visiones terroríficas sobre las niñas asesinadas por el anterior guarda. Jack, cada vez más frustrado, comienza a actuar de forma extraña y cada vez más violenta.

La curiosidad de Danny sobre la habitación 237 aumenta cuando ve la puerta de la habitación abierta. Después, aparece con heridas en el cuello y visiblemente traumatizado, lo que hace que Wendy acuse a Jack de haber maltratado a Danny. Jack deambula hasta llegar al salón del hotel donde se encuentra a un camarero fantasma llamado Lloyd (Joe Turkel). Lloyd le sirve bourbon mientras Jack se queja sobre su matrimonio.

Wendy más tarde le dice a Jack que Danny le ha dicho que una mujer loca en una de las habitaciones ha sido la responsable de las heridas. Jack se adentra en la habitación 237, donde se encuentra el fantasma de una mujer muerta, pero le dice a Wendy que no había visto nada. Wendy y Jack discuten sobre si deberían sacar a Danny fuera del hotel, y Jack enfadado vuelve al salón, ahora lleno de fantasmas que disfrutan de una fiesta de disfraces. Aquí es cuando conoce al fantasma del antiguo guarda, Grady (Philip Stone), que dice a Jack que debe corregir a su mujer y a su hijo.

Mientras tanto, en Florida, Hallorann tiene una premonición de que algo va mal en el hotel y toma un vuelo hacia Colorado para investigar. Danny comienza a decir "redrum" hasta que entra en trance, y vuelve a hablar con su amigo imaginario "Tony."

Mientras busca a Jack, Wendy descubre los trabajos de Jack para su libro; cuando lo lee descubre que ha estado escribiendo a máquina sin parar hojas y hojas con la misma frase: "All work and no play makes Jack a dull boy" ("Todo trabajo y nada de ocio hace de Jack un tipo aburrido") con distintos formatos y estilos. En ese momento se enfrenta a Jack, que la amenaza hasta que ella le golpea con un bate y él cae por una escalera quedando inconsciente.

Ella consigue llevar el cuerpo hasta la cocina y encerrarle en la despensa, pero esto no hace que consiga resolver su gran problema; ella y su hijo están atrapados porque Jack había saboteado la radio del hotel y el vehículo para

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El resplandor (película) moverse sobre la nieve. Después, Jack habla a través de la puerta de la despensa con Grady, que desbloquea la puerta, liberándole.

Danny escribe "REDЯUM" con lápiz de labios en la puerta del baño, mientras lo repite en voz alta. Cuando Wendy se despierta mira a través del espejo donde observa las letras "MURDEЯ" (ASESINATO). Jack comienza a golpear la puerta de la habitación con un hacha. Wendy asustada consigue encerrarse en el baño y sacar a Danny a través de la ventana del baño, pero no consigue salir a través de ella. Jack comienza a golpear la puerta del baño mientras Wendy grita de pánico; Jack se asoma entre el agujero que ha hecho, gritando "¡Aquí está Jack!"[4]; es entonces cuando, al intentar Jack abrir la puerta, Wendy le clava el cuchillo en la mano. En ese momento Jack escucha el sonido del vehículo de nieve, que Hallorann había pedido prestado para llegar hasta la casa, y abandona la habitación. Jack mata a Hallorann en la entrada con el hacha y comienza una persecución tras Danny que les lleva hasta el laberinto de arbutos. Wendy corre al ver que Jack ya no está en la puerta y se encuentra con varios fantasmas y con una gran cascada de sangre. Mientras tanto, Danny camina hacia atrás sobre sus huellas y deja un rastro que no lleva a ningún sitio, mientras tapa las huellas que deja hasta una esquina donde se esconde. Jack, que había estado siguiendo las huellas, vuelve hacia atrás y en ese momento Danny aprovecha para salir del laberinto y junto con su madre toman el vehículo de nieve de Hallorann, mientras Jack muere congelado en el laberinto de arbutos.

Al final de la película vemos una fotografía colgada dentro del hotel, con fecha del 4 de julio de 1921, en la que Jack Torrance sonríe rodeado de una gran multitud que parece disfrutar de una fiesta.

Reparto • • • • • • • • • • •

Jack Nicholson como Jack Torrance Shelley Duvall como Wendy Torrance Danny Lloyd como Danny Torrance Scatman Crothers como Dick Hallorann Barry Nelson como Stuart Ullman Philip Stone como Delbert Grady Joe Turkel como Lloyd el camarero Anne Jackson como Doctor Tony Burton como Larry Durkin Barry Dennen como Bill Watson Lisa y Louise Burns como las hijas de Grady

Casting Papeles principales Jack Torrance Kubrick barajó varios nombres para el papel principal, entre ellos los de Robert de Niro y Robin Williams. Al primero lo descartó tras verle en Taxi driver porque le parecía demasiado histriónico para el papel; al segundo, después de verle en Mork & Mindy, por ser demasiado poco expresivo. También pensó darle el papel a Harrison Ford.[5] Stephen King, por su parte, renegaba de Nicholson porque pensaba que, como este había rodado Alguien voló sobre el nido del cuco, el espectador tendería a considerarlo un individuo inestable desde el principio; por ello, King prefería para el papel a Michael Moriarty, a Jon Voight o a Martin Sheen[6], que representarían más fielmente el perfil de individuo corriente que se ve abocado gradualmente hacia la locura. En cualquier caso, desde el principio al escritor se le dijo que el actor para el papel principal «no era negociable»[7].

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El resplandor (película) Wendy Torrance Aunque en un principio Jack Nicholson sugirió que Jessica Lange encajaría mejor en la personalidad de la Wendy de Stephen King, Shelley Duvall supo muy pronto que ella era la elegida para el papel. A diferencia del personaje de la novela, la Wendy del film tendría una personalidad vulnerable, débil de carácter y sumisa hacia su marido. De este modo, y según la interpretación sociológica del film, Kubrick quería resaltar con más crudeza el machismo como una de las manifestaciones de las relaciones de poder amo-criado. Para labrar ese carácter y darle más credibilidad, a lo largo del rodaje el director la presionó hasta el límite, llegando incluso a humillarla y vilipendiarla ante todos sus compañeros. Se dice que la escena en que armada con el bate de béisbol retrocede por la escalera ante el ataque de su marido (una de las secuencias que más tomas ha exigido nunca por parte de un director de cine), no estaba representando a una mujer aterrada; Shelley estaba, literalmente, aterrada.[8] Danny Torrance El primer candidato del director para representar el papel de hijo de los Torrance fue Cary Guffey (Encuentros en la tercera fase), pero los padres del joven actor lo impidieron aduciendo que era una película demasiado truculenta para un niño. En la búsqueda de candidatos fueron entrevistados unos cinco mil niños a lo largo de seis meses. Las pruebas, coordinadas por el asistente de Kubrick Leon Vitali (el actor que había representado el papel de lord Bullingdon en Barry Lyndon), tuvieron lugar en Chicago, Denver y Cincinnati, ya que Kubrick quería que el acento[9] del candidato estuviera «a medio camino» entre el de Jack Nicholson y el de Shelley Duvall.[10] Durante el rodaje, el pequeño actor fue protegido de manera especial por Kubrick; de hecho, el niño creyó en todo momento que estaba rodando un drama, no una película de terror. Tras su papel en el film de 1982 Will: the autobiography of G.Gordon Liddy, Danny Lloyd abandonó su carrera como actor.

Papeles secundarios • En la decisión de elegir para el papel de Dick Halloran a Scatman Crothers fue determinante la recomendación de Nicholson, que había compartido con él reparto en Alguien voló sobre el nido del cuco.

• Para Lia Beldam (joven de la bañera) y Billie Gibson (anciana de la bañera), esta fue la única película en que intervinieron.

• Tampoco las hermanas gemelas, Lisa Burns y Louise Burns volvieron a intervenir en ninguna película. A juzgar por la forma de posar ante la cámara y por su atuendo, algunos biógrafos y críticos han sugerido que el director se habría inspirado en una fotografía[11] tomada por una antigua compañera del New York Bronx: Diane Arbus.[12][13][14] Sin embargo, la viuda manifestó al respecto que la estética elegida por Kubrick no guardaba relación directa con esa fotografía.[15] (Lisa y Louise son gemelas idénticas; sin embargo, tanto en el libro como en el guion son simplemente hermanas: en la entrevista inicial de la película, Mr. Ullmann comenta que sus edades son de «entre ocho y diez años»).

• Barry Dennen tiene un papel muy limitado (y en la versión corta, sin diálogos) como ayudante del señor Ullman.

• Anne Jackson (la pediatra que atiende a Danny) y Tony Burton tampoco aparecen en la versión internacional, si bien figuran en los créditos iniciales.

• El invitado que, con una enorme brecha en la cabeza, brinda diciendo «Una bonita fiesta, ¿verdad?» es Norman Gay, editor en la película de El exorcista.

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El resplandor (película)

Palmarés Las críticas negativas que recibió inicialmente la película le hicieron “merecedora” de dos nominaciones a los premios Razzie, o anti-Óscar: el de Peor Actriz Principal y el de Peor Director; finalmente, ni Duvall ni Kubrick “consiguieron” el premio.

También optó a los premios Saturn en los apartados de Mejor Director, Mejor Actor Secundario (Scatman Crothers), Mejor Película de Terror y Mejor Banda Sonora (Wendy Carlos y Rachel Elkind); sólo Crothers se llevó el galardón en su apartado.

En cuanto a los Óscar, después de haber concurrido como Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guion con Barry Lyndon, El resplandor resultó ser la primera película de Kubrick que ni siquiera fue nominada en apartado alguno.[16]

Curiosidades • Gracias a "El Resplandor" se hizo popular la Steadicam (Estabilizador de Cámara), inventada por Garrett Brown y que supuso una gran revolución en la Industria Cinematográfica. Gracias a la Steadi de Garrett Brown se pudieron rodar los Trávelings del pasillo del Hotel o la escena de persecución en el Laberinto. Garrett obtuvo un Premio Oscar en 1978 por su contribución a la Técnica Cinematográfica.

• De la famosa escena del río de sangre cayendo desde las puertas del ascensor (conocida como The river of Blood) se puede ver un extraño objeto que cae junto a la sangre y que queda en la entrada del ascensor mientras que la sangre sigue cayendo e inundando el lugar, se ha llegado a varias explicaciones; podría tratarse de un cuerpo o de una persona que justo al salir del ascensor cae debido a la sangre (esta última es poco probable). Solo se sabe que el equipo de Stanley Kubrick filmó dicha escena reiteradas veces y aquel objeto podría haber sido colocado allí intencionadamente.

• Además, se desconoce qué representa exactamente aquella escena de las puertas del ascensor; aunque podría representar la cara de Danny gritando (ya que se lo puede ver gritando cuando tiene la visión del ascensor).

• La escena final del film (La escena del cuadro) deja algunas dudas sobre el significado de ver al protagonista, Jack en el cuadro. Stanley Kubrick declaró que esa persona en el cuadro no es Jack, sino su antepasado.

• El libro que escribe Jack contiene una sola frase (All work and no play makes Jack a dull boy -literalmente Todo el trabajo y no distraerse hacen de Jack un chico aburrido), pero esta cambia dependiendo del país. Las páginas del mismo las escribió el propio Kubrick usando una máquina de escribir programable. Usualmente las versiones en español optan por traducir con la frase «No por mucho madrugar amanece más temprano».

• En el póster del PPV de la WWE Backlash 2007 el rostro del luchador Edge, está atravesando una puerta, tal y como cuando Jack persigue a Wendy con un hacha.

• En el vídeo de la canción "Spit it Out" de la banda Slipknot, aparecen escenas de la película, pero con los integrantes de la banda en vez de los actores. Por ejemplo la puerta en vez de decir Redrum, dice Tonkpils (Slipknot al reves). También aparecen las dos niñas y la escena del hacha. Además se puede ver al vocalista Corey Taylor con un hacha en un laberinto congelado.

• El grupo Gorillaz muestra referencias a las escenas de Danny en el hotel, en la intro del video de "Rock the house" • Los Simpson también hacen una parodia de la película en un capítulo de "Noche de brujas" llamado El resplandior (según ellos, para no pagar derechos de autor).

• En la película Seed of Chucky (El hijo de Chucky), en la escena donde Chucky va a buscar a Tiffany, Glen y Glenda al hospital después de abandonarlo, Chucky rompe la puerta con un hacha y deja ver su rostro por el agujero.

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El resplandor (película) • En una encuesta hecha en Inglaterra, El resplandor fue elegida la segunda película más aterradora de todos los tiempos, detrás de El exorcista.

• Los actores de doblaje de la película en los países de habla no inglesa fueron seleccionados por el propio Kubrick.

El resultado es controvertido; en España las críticas en este apartado son notables.

• En algunos fragmentos de la película, el hijo lleva un jersey del Apolo 11. Misión de la cual se dice Kubrick puede estar relacionado con la filmación de la misma • El grupo de rock 30 Seconds to Mars grabó el videoclip del sencillo The Kill basado en esta película: se pueden ver escenas como la de Jack Torrance en el vestíbulo del hotel jugando al frontón, pero en su lugar, a uno de los integrantes del grupo. También la escena en la que entra en la habitación prohibida y se encuentra a una chica saliendo de la ducha, o incluso la que la mujer de Jack Torrance se asoma por una puerta y ve a alguien disfrazado arrodillado frente a otra persona que esta sentada en una cama. Además, el videoclip se desarrolla en un hotel muy similar al de la película, e incluso aparecen imágenes de corta duración de personas muertas en varias partes del video.

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ title/ tt81505/ fullcredits [2] http:/ / www. imdb. es/ title/ tt81505 [3] http:/ / www. filmaffinity. com/ es/ film598422. html [4] En la versión inglesa, Nicholson grita de forma improvisada: «Aquí esta Johnny», en referencia explícita a la fórmula que usaba diariamente Ed McMahon en The Tonight Show. En las primeras versiones en celuloide que llegaron a España, la frase era: «¡Ya está aquí papá...!».

[5] IMDb. The Shining. «Sabías que...»? (http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0081505/ trivia) [6] El resplandor, de Stanley Kubrick: «El reparto» (http:/ / es. scribd. com/ doc/ 26865046/ GUION-EL-RESPLANDOR-de-Stanley-Kubrick) [7] Stephen King a Jessie Hosting, Stephen King at the Movies, Starlog Press, Nueva York 1986), citado en apocatastasis.com (http:/ / www. apocatastasis. com/ kubrick-el-resplandor. php#axzz1qpegVTyp) [8] Según el Libro Guiness de los Récords, la toma se repitió 127 veces.

[9] En el sentido de «conjunto de particularidades fonéticas, rítmicas y melódicas que caracterizan el habla de un país, región, ciudad, etc.»

DRAE, entrada ‘acento’ (http:/ / buscon. rae. es/ draeI/ SrvltGUIBusUsual?TIPO_HTML=2& TIPO_BUS=3& LEMA=acento) [10] The Kubrick FAQ (http:/ / www. visual-memory. co. uk/ faq/ ) [11] http:/ / en. wikipedia. org/ wiki/ Identical_Twins,_Roselle,_New_Jersey,_1967 [12] Diane Arbus: a biography. W. W. Norton & Company. 255. ISBN 0393312070, 9780393312072.

[13] The Shining: a rough guide by Stuart Gray (http:/ / theshining. 20m. com/ ) [14] Love and Death in Kubrick:A Critical Study of the Films from Lolita Through Eyes Wide Shut. McFarland. 2010. p. 115. ISBN 0786459166, 9780786459162. y A cinema of loneliness: Penn, Stone, Kubrick, Scorsese, Spielberg, Altman. Oxford University Press. 2011. p. 178. ISBN 0199738882, 9780199738885.

[15] Webster, p. 115 [16] Suerte parecida correrían sus dos películas posteriores: La chaqueta metálica optó a una nominación como Mejor Guion adaptado (premio que fue a parar finalmente a El último emperador, de Bernardo Bertolucci), mientras que su obra póstuma, Eyes Wide Shut, no fue preseleccionada en ningún apartado.

Bibliografía • Duncan, P. (2003). Stanley Kubrick : Visual Poet, 1928-1999. Koln ; London: Taschen.

• Naremore, J. (2007). On Kubrick. London: BFI. • Hughes, D. (2000). The Complete Kubrick. London: Virgin.

Enlaces externos • Este artículo fue creado a partir de la traducción del artículo The Shining (film) de la Wikipedia en inglés, bajo licencia Creative Commons Atribución Compartir Igual 3.0 y GFDL. •

Wikiquote alberga frases célebres de o sobre la película El resplandor basada en la novela homónima de Stephen King.. Wikiquote

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El resplandor (película)

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• El resplandor de Kubrick, referencias (http://www.apocatastasis.com/kubrick-el-resplandor.php) Entrevista a Diane Johnson, Stephen King, Garret Brown. Fragmentos de música. Ficha técnica y análisis.

• Ficha de El resplandor en inglés (http://www.imdb.com/title/tt0081505) y en español (http://www.imdb.es/ title/tt0081505) en Internet Movie Database.

• El resplandor, por Agencia MV (http://www.mvprensa.com.ar/AREAS/09ESPECTACULOS/ 03VIDEOCLASICO/0002elresplandorMAC.2007.01.06.htm) • Imperfect Symmetry (http://kubrickfilms.tripod.com/id4.html) • Film 'El resplandor', de Stanley Kubrick, referencias (http://www.apocatastasis.com/kubrick-el-resplandor. php) • Artículo de Antipatía.cl: "Los grandes personajes de Kubrick" (http://antipatia.cl/17/ los-grandes-personajes-de-kubrick) • Sinopsis de El resplandor (The Shining) (http://elcinitodelsimio.blogspot.com/2009/12/el-resplandor-shining. html) en español

Full Metal Jacket Full Metal Jacket

Logotipo de la película.

Título

La chaqueta metálica (España) Cara de guerra (México y Centroamérica) Nacido para matar (Sudamérica) Ficha técnica

Dirección

Stanley Kubrick

Producción

Stanley Kubrick

Guion

Stanley Kubrick Michael Herr Gustav Hasford.

Novela de Gustav Hasford

Música

Vivian Kubrick

Fotografía

Douglas Milsome

Montaje

Martin Hunter

Full Metal Jacket

27 Protagonistas

[[Archivo:Star full.svg|7px|link=|8.5/10 estrellas

Matthew Modine Adam Baldwin Vincent D'Onofrio R. Lee Ermey Dorian Harewood Arliss Howard Dorian Harewood Kevyn Major Howard Ed O'Ross [1]

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/fullcredits Ver todos los créditos] (IMDb)

Datos y cifras País(es)

Reino Unido Estados Unidos

Año

1987

Género

Acción, Drama, Bélico

Duración

111 minutos

Clasificación

R +18 +18 +14 C +16 +18 R Compañías

Productora

Natant Stanley Kubrick Productions Warner Bros. Pictures

Distribución

Warner Bros. Pictures

Presupuesto

$17.000.000 de dólares

[[Archivo:Star full.svg|7px|link=|8.5/10 estrellas [2] [[Archivo:Star full.svg|7px|link=|8/10 estrellas ]

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Ficha] en IMDb .html Ficha] en FilmAffinity

Full Metal Jacket (La chaqueta metálica en España, Cara de guerra en México y Centroamérica, y Nacido para matar en Sudamérica) es el título de un largometraje dirigido por Stanley Kubrick y estrenado en 1987. Está protagonizada por Matthew Modine, Vincent D'Onofrio, R. Lee Ermey, Arliss Howard y Adam Baldwin. Está basada en la novela The Short-Timers de Gustav Hasford con la que mantiene diferencias sustanciales en el argumento.

Este filme de Stanley Kubrick se divide en dos partes. En la primera se puede presenciar el duro entrenamiento de los marines por parte del sargento Hartman. En la segunda se pueden ver los combates urbanos durante la ofensiva de Tet, en la guerra del Vietnam.

El título de la película hace referencia al tipo de munición Full Metal Jacket o encamisada, usado por fusileros de infantería.

Full Metal Jacket

Argumento En 1967, durante la guerra de Vietnam, un grupo de nuevos reclutas llega a Parris Island para la formación básica.

Después de ser rapados, asisten con el Sargento de Artillería Hartman ( R. Lee Ermey ). Hartman emplea tácticas draconianas para convertir a los reclutas en la Infantería de Marina endurecidos preparados para el combate. Entre los reclutas estan los soldados "Joker" ( Matthew Modine ), "Cowboy" ( Arliss Howard ), y el gordo, torpe Leonard Lawrence ( Vincent D'Onofrio ), que se gana el apodo de " Gomer Pyle ", después de atraer la ira de Hartman.

Pyle no responde a la disciplina de Hartman, Pyle finalmente se hace amigo de Joker. Pyle comienza a mejorar con la ayuda de Joker, pero retrocede cuando Hartman descubre una dona escondida en la caja de Pyle. Convencidos de que los reclutas no han logrado mejorar a Pyle, Hartman adopta la política del castigo colectivo: todos los errores que cometa Pyle los pagara el resto del pelotón, mientras Pyle no tendra que cumplir el castigo. En represalia, el pelotón golpea a Pyle con jabones envueltos en toallas durante la noche. Después de este incidente, Pyle se somete a un cambio de personalidad, convirtiéndose en un modelo de Marina. Esto impresiona Hartman, pero preocupa a Joker, que reconoce las señales de colapso mental en Pyle, como hablar con su fusil M14 .

Después de graduarse, cada recluta recibe una asignación a una Especialidad Ocupacional Militar , la mayor parte esta enviada a la infantería; Joker se le asigna al periodismo militar básico. Durante la última noche del pelotón en Parris Island, Joker descubre a Pyle en el baño cargando su rifle con munición real. Joker intenta calmar a Pyle, quien ejecuta los comandos de perforación y recita el Credo de fusilero . El ruido despierta a todo el pelotón y a Hartman, quien se enfrenta a Pyle y le ordena que le entregue el arma. Pyle dispara fatalmente Hartman, y luego se suicida frente a Joker.

En enero de 1968, el Joker se ha convertido en un cabo y un corresponsal de guerra de Marina en Vietnam en el periodico barras y estrellas . Él se ha asignado a una unidad de relaciones públicas en Da Nang con el soldado Rafterman ( Kevyn Major Howard ), un fotógrafo de combate. Rafterman quiere entrar en combate, como Joker afirma que ha hecho. Los infantes de marina en la base le dicen a Joker que no posee "la mirada de mil metros" de un hombre que ha visto la guerra. Esta platica se interrumpe por los disparos del Ejército de Vietnam del Norte que comienza la ofensiva del Tet y los intentos de desbordamiento de la base.

El personal de periodismo informó al día siguiente de los ataques enemigos en todo el sur de Vietnam. El teniente Lockhart envía a Joker a Phu Bai , y Rafterman lo acompaña para ver el combate. Allí, llega con el Escuadrón Lusthog , donde Cowboy es ahora un sargento y el segundo al mando. Joker acompaña al pelotón durante la batalla de Hue , donde el teniente comandante del pelotón Walter J. "El señor Touchdown" Schinowski ( Ed O'Ross ) es asesinado por el enemigo. Después de que la zona haya sido declarada segura por la Infantería de Marina, un equipo de periodistas y reporteros de noticias estadounidenses entrevistan a los Marines en Hue y preguntan acerca de sus experiencias en Vietnam y sus opiniones sobre la guerra.

Durante el patrullaje, Crazy Earl (Kieron Jecchinis), el líder del escuadrón, es asesinado por una trampa, dejando al pelotón al mando de Cowboy. El equipo se pierde en los escombros y Cowboy da órdenes para hacer un reconocimiento de la zona. Un francotirador del Viet Cong hiere al soldado "Eightball" y mientras el médico Jay (John Stafford) trata de a ayudarlo también lo hiere, despues un soldado va en contra de las órdenes de Cowboy para salvar a los soldados heridos. Cowboy se entera de que el apoyo del tanque no está disponible y da ordenes al equipo para preparar la retirada. El artillero de escuadra "Animal Mother" ( Adam Baldwin ), desobedece a Cowboy e intenta vengar a sus amigos. Descubre que hay un solo francotirador, pero el doctor Jay y "Eightball" mueren cuando el doctor trata de indicar la localización del francotirador. Durante las maniobras para localizar al francotirador, disparan a Cowboy fatalmente y muere en los brazos de Joker.

"Animal Mother" asume el mando de la escuadra y conduce un ataque sobre la posición del francotirador. Joker descubre que el francotirador es una adolescente, y trata de dipararle escondido pero su fusil se atasca y hace notar su presencia. Ella le empieza a disparar y Joker saca su arma, Rafterman dispara a la adolescente , hiriéndola mortalmente. Ella agonizando reza y pide a los soldados que la maten por su sufrimiento, pero ellos no pueden ponerse de acuerdo sobre qué hacer con ella. "Animal Mother" decide que muera pero Joker debe matarla. Después

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Full Metal Jacket de algunas vacilaciones, Joker le dispara con su arma. Los infantes de marina felicitan a Joker por matarla y le dicen que ya tiene "la mirada de mil metros". Después los marines marchan hacia el campamento cantando la canción de Mickey Mouse . En el final Joker dice que a pesar de estar "en un mundo de mierda", él está contento de estar vivo y ya no tener miedo.

Reparto y personajes • Matthew Modine como Soldado / Sargento James T. "Joker" Davis (Bufón): protagonista-narrador quien afirma haberse unido al Cuerpo para ver combate, y para ser el primero en su barrio con una muerte confirmada.

Presencia la locura de Patoso en el campamento, pero sin embargo se convierte en un marine de "distancia al cuadrado". Más tarde, sirve como un corresponsal de guerra de mente independiente que acompaña a la escuadra de Lusthog en el campo. Joker lleva un medallón del símbolo de paz en su uniforme, así como la escritura "Born to Kill" en su casco.

• Vincent D'Onofrio como Leonard "Gomer Pyle" Lawrence (Patoso): recluta con exceso de peso, torpe y lento para ingeniárselas que se convierte en el centro de atención de Hartman por su incompetencia y baja condición física, convirtiéndolo en el chivo expiatorio del pelotón. Después de una novatada del resto del pelotón por fallar en casi todo y hacerles ganar castigos colectivos, se vuelve psicótico y habla con su fusil, "Charlene", sin embargo, se convierte en un marine disciplinado. La noche siguiente a la promoción de su unidad de marines le dispara a Hartman estando en el cuarto de baño, y luego se suicida frente a Joker. El humillante apodo de Gomer Pyle se origina en un personaje simpático, pero débil del programa de televisión estadounidense The Andy Griffith Show, que eventualmente se alista en la Infantería de Marina.

• R. Lee Ermey (acreditado como Lee Ermey) como Sargento de artillería Hartman: estereotipo del instructor de Parris Island que entrena a los reclutas para transformarlos en marines.

• Arliss Howard como Soldado / Sargento "Cowboy" Evans: quien pasa a través del campamento con Joker. Se convierte en fusilero y más tarde se encuentra con Joker en Vietnam, tomando el mando de un pelotón de fusileros. Muere rápidamente de una herida en el pecho, estando en los brazos de Joker y débilmente diciendo "puedo tajearlo...", rodeado de los pocos miembros restantes de su equipo.

• Adam Baldwin como "Animal Mother" (Pedazo de animal): artillero nihilista de la ametralladora M60 de la escuadra de Lusthog, Animal Mother es despectivo de cualquier otra autoridad que la suya, e intenta gobernar por medio de intimidación. Animal Mother cree que la victoria debe ser el único objeto de la guerra.

• Dorian Harewood como "Eightball" (Ébano): miembro negro de la escuadra de Lusthog, insensible acerca de su origen étnico, y mejor amigo de Animal Mother. El francotirador le disparó en varias ocasiones en un intento por atraer a los demás al campo, antes de matarlo.

• Kevyn Major Howard como "Rafter Man" (Rompetechos): Rafter Man es un fotógrafo de combate. El pide permiso para acompañar a Joker a Huế y en última instancia, lo salva de disparos de los francotiradores, un acto que le da mucho orgullo y alegría. Él parece ser un asesino nato.

• Ed O'Ross como Teniente Walter J. "Touchdown" Schinowski (Señor Pelotazos): comandante del pelotón de la escuadra de Lusthog, él era un jugador de fútbol universitario en la Universidad de Notre Dame, Indiana. Él es asesinado en una emboscada fuera de la ciudad de Huế.

• John Terry como Teniente Lockhart: oficial de PIO en jefe y editor de misiones de Joker. Él tiene experiencia en reporte de combate, pero utiliza su rango oficial para evitar volver al campo, dice la cuenta de los peligros y los errores, racionalizando que sus labores periodísticas los mantiene donde le corresponde, "En la retaguardia con el equipo."

• Kieron Jecchinis como "Crazy Earl": jefe de la escuadra, se ve obligado a asumir el mando cuando muere el jefe de pelotón Touchdown. Tocando un juguete con una bomba explosiva se muere.

• John Stafford como Doc Jay: miembro del cuerpo de la Armada adjunto a la escuadra de Lusthog. Doc Jay se burla del presidente Johnson cuando es entrevistado por los hombres en la película documental, Doc. Jay cita a LBJ cuando fue Vice Presidente expresando su intención de evitar el envío de soldados de Estados Unidos a

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Full Metal Jacket Vietnam. Él es herido por el francotirador al intentar arrastrar a Eightball a salvo; el francotirador utiliza un ráfaga posterior automática para rematar a los dos cuando el doctor Jay intenta indicar la dirección del francotirador.

• Tim Colceri como el artillero de puerta: encargado de logística aérea y ametrallador del helicóptero H-34 Choctaw que transporta a Joker y Rafterman al frente de la Ofensiva del Tet. Durante el vuelo, le dispara a civiles, mientras que con entusiasmo repite "Get some!", alardeando "157 amarillos asesinados, y también 50 búfalos de agua." Cuando Joker le pregunta si incluye mujeres y niños, el lo admite declarando, "a veces". Joker luego le pregunta, "¿Cómo puedes disparar a mujeres y niños?" a lo que artillero de puerta responde en broma, "Fácil, sólo hay que apuntar un poco mejor. Ja, ja, ja, ja… ¿¡¿¡No es la guerra un infierno?!?!" Esta escena es una adaptación del libro de Michael Herr, Dispatches.

• Papillon Soo Soo como Da Nang Hooker: prostituta atractiva y escasamente vestida que se acerca a Joker y Rafter Man en una esquina de la calle durante la primera escena en Vietnam. Ella es memorable por las frases "Me love you long time," "Me so horny" y "Me sucky sucky", que más tarde fueron incluidos en la muestra por 2 Live Crew en su canción, "Me So Horny" y en "Baby Got Back" de Sir Mix-a-Lot. • Peter Edmund como Soldado "Snowball" Brown o Copo de Nieve en la versión para España: recluta afroamericano, el blanco de las burlas de Hartman sobre "pollo frito y sandía" (un cliché asociado a los hábitos alimenticios de los afroamericanos).

Recepción Full Metal Jacket recibió elogios de la crítica. Rotten Tomatoes da a la película una calificación de 96%.[3] Jonathan Rosenbaum del Chicago Reader dijo que fue "la película de Kubrick mejor diseñada desde Dr. Strangelove." Variety se refirió a la película como un drama "hecho magníficamente, esquemático, e intenso" mientras que Vincent Canby de The New York Times la llamó "desgarradora" y "bella". El critico de Chicago Sun-Times, Roger Ebert tenía una opinión discrepante, indicando que la película fue "extrañamente deforme", aunque en su programa de televisión, Siskel & Ebert & the Movies, dijo que Benji the Hunted, a la cual dio un "pulgar hacia arriba", no era una décima parte de la película Full Metal Jacket, a la cual le dio un "pulgar hacia abajo".

Full Metal Jacket se clasifica #457 en la lista de 2008 de las 500 mejores películas de todos los tiempos de la revista Empire.[4]

Candidaturas Premios Óscar • Candidato - Mejor guion adaptado (Stanley Kubrick, Michael Herr, Gustav Hasford) Awards of the Japanese Academy • Candidato - Mejor película de lengua extranjera (Stanley Kubrick) Premios BAFTA • Candidato - Mejor sonido (Nigel Galt, Edward Tise, Andy Nelson) • Candidato - Mejores efectos especiales (John Evans) Golden Globes • Candidato - Mejor interpretación de un actor en un papel de reparto en una película (R. Lee Ermey) Writers Guild of America • Candidato - Mejor guion adaptado (Stanley Kubrick, Michael Herr, Gustav Hasford)

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Full Metal Jacket

Premios • Ganadora del Premio David de Donatello 1988 al mejor productor - película extranjera (Stanley Kubrick).

• Ganadora del premio Boston Society of Film Critics 1988 al mejor director y al mejor actor secundario (R. Lee Ermey).

• Ganadora del premio Kinema Junpo Awards 1989 al mejor director de película en lengua extranjera (Stanley Kubrick).

• Ganadora del premio London Critics Circle Film Awards 1988 al Director del año (Stanley Kubrick).

Referencias [1] [2] [3] [4]

http:/ / www. imdb. es/ title/ tt0093058 http:/ / www. filmaffinity. com/ es/ film462892 « Full Metal Jacket Movie Reviews, Pictures - Rotten Tomatoes (http:/ / www. rottentomatoes. com/ m/ full_metal_jacket)». « Empire Features (http:/ / www. empireonline. com/ 500/ 8. asp)».

Bibliografía • Duncan, P. (2003). Stanley Kubrick : Visual Poet, 1928-1999. Koln ; London: Taschen.

• Naremore, J. (2007). On Kubrick. London: BFI. • Hughes, D. (2000). The Complete Kubrick. London: Virgin.

Enlaces externos •

Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Full Metal Jacket. Wikiquote

• Ficha de Full Metal Jacket en inglés (http://www.imdb.com/title/tt0093058) y en español (http://www.imdb. es/title/tt0093058) en Internet Movie Database.

• Full Metal Jacket (http://www.allmovie.com/work/18878) en Allmovie (en inglés).

• Ficha de Full Metal Jacket (http://www.rottentomatoes.com/m/full_metal_jacket/) en Rotten Tomatoes (en inglés).

• Ficha de La chaqueta metálica (http://www.filmaffinity.com/es/film462892.html) en FilmAffinity.

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Fuentes y contribuyentes del artículo

Fuentes y contribuyentes del artículo Stanley Kubrick Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=56002825 Contribuyentes: 8soviet8, ARHEKI, Adan inc5, Adriana espanol, AlbertoDV, Alexbv, Alhen, Andreasmperu, Antonio Páramo, Anuuska, Anónimo Vespucio, Aparejador, Arias, Armando.Mejia, Aryen.neyra, Ascánder, Axelay, Biasoli, Bocafloja, Brit, Brunolas, CANCER ONE, Carlos Jr, Cforeroo, Contribuc, Cordwainer, Ctrl Z, Danielba894, Dodo, Eamezaga, Ecemaml, El Ilustre, Eli22, Emijrp, Emoriarty, Erredea, Farisori, Felipealvarez, Felviper, Fpastor, Furrykef, Gaudio, Genesys, Guille, Halfdrag, Herwiki, House, Icvav, Ignis, Javier garcía vázquez, Jcmenal, Jlbayo, Jorge 2701, Jsl, Juan Diego, Jugones55, KesheR, Ketamino, Kharchamon'y, Krispo rgr, Lampsako, Leoncio González Hevia, MARC912374, MRGON, Macalla, Madrid1901, Magister Mathematicae, Magnakai, Mampato, Manuribadeo, Marb, Marquinhos, Matdrodes, Mel 23, Micilo, Miguel Ángel Santacruz, Miguelo on the road, Moriel, Morty McFly, Mrexcel, Muno, Napoleón333, NicolasAlejandro, Orphaios, Oscarrpaz5, Otravolta, Pablo323, Palavi, Paris Alvern, Pichu VI, Pjimenez, Platonides, Politiconomicon, Polmac, Prometheus, Pruxo, Pólux, Quintanar, Rams09, Resped, Rjbox, Roadmr, Robertoe, Rosarino, Rosuna, Rufflos, Rupert de hentzau, Sanctiacobvs, Scary, Shilamir uv, Stinkbreath1, Tallered, Taty2007, Technopat, Thespanishdub, Tirithel, Tostadora, VanKleinen, Vic Fede, Vubo, WALL-E2700, Xabier, Xoquito, Yerauy, 307 ediciones anónimas A Clockwork Orange (película) Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=55873087 Contribuyentes: -dam-, .Sergio, ALEXANDERRH, ALVHEIM, Abgenis, Adr030995, Afterthewar, Alain Prostático, Alejandro Dekauve, Alejandrozarate, Alex3320, Aloneibar, Amadís, Andreasmperu, Archivaldo, Arias, Banfield, Bienchido, Cantero, Carlos Jr, Carlos t, Charly Ramone, Christian Flores, Chungalin, Cinefilo 2, Cobalttempest, Cordwainer, Damifb, DeXMidlle, Delphidius, Dodo, Dreitmen, Elmf, Eltitoskate, Emepol, Emiglex, Emijrp, Espilas, Faraday, Farisori, FedericoF, Frost, Groovenstein, Herwiki, Holandeserrante, Hprmedina, Iesussystem, J.M.Domingo, Jack Sally Zero, Jaqs, Jarisleif, Jjvaca, Jkbw, Jonsson, JorgeGG, Jorgebarrios, Joseaperez, Jsanchezes, Jsantosm, Jsl, Juan Diego, Jugones55, Kataploff, Kintaro, Lando91, Lfleiva, Luedfor, Luis1970, Ma'ame Michu, Madrid1901, Mampato, Mandramas, ManuP, Manuribadeo, Manxuc, Matdrodes, Megapelayo, Melcomauricio, Monocojin, Moraleh, Mpinaq, Nami, Napoleón333, Neodop, Newsolomon, Otravolta, Pablo323, Pepsi 98, Percy Meza, Pieter, Pinkalicious, Pjimenez, Pko66, Plank, PollaRecords, Prades, Quenurry, Retama, Robespierre, Roninparable, Rsg, Sanctiacobvs, Shining.Star, SirSlither, Skenar, Thespanishdub, Tomatejc, Veon, Vitorres, Vlazeck, WALL-E2700, Webe, Wikielwikingo, 294 ediciones anónimas El resplandor (película) Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=55991767 Contribuyentes: -Erick-, Airunp, Alhen, Amadís, Anaismiller, Arias, Aryen.neyra, AstroMen, Austinp, BRONZINO, Bienchido, Carlos Jr, CarpeNoctem, Cheat, Cheveri, Chicobond89, Chien, Cordwainer, Davidmartindel, Der Kreole, Diegusjaimes, Duuk-Tsarith, Edmenb, Ejmeza, Emepol, Emijrp, Fredito30, GRHugo, Guille, Guimis, HUB, Herwiki, Jdvillalobos, Johnbojaen, Jonsson, Jugones55, Kncer, Laura Fiorucci, LauraFarina, Lucien leGrey, Luis1970, Maldoror, Mampato, Manuribadeo, Nahual.lhorente.udp, Napoleón333, Netoh, Pepsi 98, Petronius, Polmac, Ravave, Rmmv, Robespierre, Rodrigo Tapia Dominguez, Ron77, Rowley, Rsg, Saloca, Sashamet, Snakefang, Soulreaper, Taichi, Thespanishdub, Wesisnay, YoaR, Zorn, 182 ediciones anónimas Full Metal Jacket Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=55952444 Contribuyentes: ALVHEIM, Alexbv, Amadís, Andreasmperu, Bienchido, Carlos Jr, Chicobond89, Chien, Christian Flores, Cookie, Cordwainer, Darko Freeman, Darz Mol, Davidmartindel, Dodo, Dud3, Ecemaml, Eltitoskate, Equipo Rescue, Ernesto Graf, Faraday, Futbolero, GRHugo, Ghenrique, Halfdrag, Holandeserrante, Joaquin302, Jonsson, Joseaperez, Jsanchezes, Jugones55, Killogwil, Kingpowl, Lourdes Cardenal, Luismiyu, Madrid1901, ManuP, Martingol, Montgomery, Napoleón333, Nikai, Opponent, Osado, Pablo323, Renly, Roadmr, Soulreaper, Thespanishdub, Tirithel, Xabier, Zelig, Zupez zeta, 84 ediciones anónimas

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