Naturalezas muertas 4 eso 2015

Naturalezas muertas 4 ESO / 2015

Este trabajo llevó a cabo en tres fases.

En primer lugar, en la clase de Lengua castellana los alumnos eligieron un bodegón de un pintor o de un fotógrafo y lo describieron siguiendo unas pautas.

A continuación, a partir de la naturaleza muerta elegida por ellos, crearon su propio bodegón y lo fotografiaron.

Por último, los alumnos de Visual y plástica transformaron su propia fotografía en un bodegón cubista.

El resultado está aquí: creativo, colorista, vital.

Autores representados Juan Sánchez Cotán Luis Meléndez Édouard Manet Paul Cezanne Antonio López Torres Bernardo Ariatta Susan Ashwort Paul Grand Evelyn Herfer

Diarmuid Kelley Frans Klerkx Jesús Madriñán Michael Naples Josep y Pere Santilari Tjaif Sparnaay Tineke Stoffels Luciano Ventrone

Juan Sánchez Cotán (1560-1627) Juan Sánchez Cotán nació en Orgaz, España, en 1560. Allí creció hasta convertirse en un gran pintor, lo cual llamó la atención de Blas de Prado, famoso por ser el primer bodegonista español, aunque no se han encontrado obras suyas de ese tipo.

Trabajó en Toledo hasta el 1604, año en que profesó como hermano lego e ingresó en la Cartuja de Granada. En estas dos etapas desarrolló dos estilos de pintura: el toledano, durante el cual pintó la naturaleza muerta por encargo de particulares, y el granadino, dedicado a la pintura religiosa.

En el uso de un cierto tenebrismo sobre sus famosísimos bodegones y el resto de pinturas, Sánchez Cotán se anticipó a Caravaggio.

Este cuadro se compone de tres elementos: el pan, las sábanas y el fondo. El pan parece fresco, ya que la textura que le ha dado el artista denota una gran esponjosidad, y se ve como el cuchillo clavado en él la hendidura no es demasiado profunda.

Hay dos sábanas, una de lo que parece satén negro y otra blanca algo más desgastada, lo cual se refleja en la esquina inferior izquierda. Parece estar hecha de patchwork por las marcas de costuras que se observan, que se denomina acolchado.

El fondo parece una pared en color marrón rojizo y lisa.

Al estilo de Juan Sรกnchez Cotรกn Ana Hernรกndez

En esta imagen podemos observar un bodegón.

En este bodegón podemos ver un marco de un color blanco-marrón claro con un fondo de color negro.

Sobre este marco están colocados los objetos inanimados, entre los cuales encontramos un membrillo de un color amarillo-dorado con dos hojas verdosas el cual está colgado desde el techo (supuestamente) por una cuerda y se encuentra suspendido en el aire , un melón esférico de un color verdoso con rayas negras el cual esta cortado y cuya rodaja se encuentra posada junto a él , un pepinillo verde por la punta que se va oscureciendo por las sombras y por último un repollo que también se encuentra colgado en el aire cuyas hojas son de un color verde caqui.

Al estilo de Juan Sรกnchez Cotรกn Adriรกn Rigal

En la imagen se puede apreciar una calabaza de color naranja puro con unos rasgos verdosos y amarillentos con una forma un tanto peculiar. En el centro se puede ver un cráneo de ciervo. A este le falta una parte de la cornatura y la parte inferior de la mandíbula.

Y finalmente, en la parte derecha de la imagen, se puede apreciar un bol de cerámica con un patrón de peces de color azul celeste sobre un fondo de color azul grisáceo. Todo este conjunto se encuentra sobre una base marrón oscuro y un fondo negro. La imagen refleja la vida de un agrário el cual mezclaba la huerta y la caza como base de su sustento.

Al estilo de Juan Sánchez Cotán Marc Rodríguez

Luis Meléndez (1716-1780) Fue un pintor español de origen italiano. Hizo casi toda su carrera en Madrid y se le considera uno de los mejores pintores de naturalezas muertas del siglo XVIII. En contraste con su actual reputación, durante su vida padeció una gran miseria.

Su estilo en las naturalezas muertas estaba dotado de austeridad y perfección en la representación de los objetos; las texturas de los materiales mostraban una gran seguridad en el dibujo y minuciosidad en los detalles.

Algunas de las obras más conocidas de Luis son: • Bodegón de frutas y utensilios de cocina • Bodegón con tomates, berenjenas, cebollas y cuenco • Bodegón con plato de ciruelas, brevas y rosca de pan • Bodegón con naranjas, plato de nueces, melón, cajas de dulces y recipientes

Este cuadro recibe el nombre de Bodegón con pepinos y otros recipientes.

Hay un bol de barro atrás de todo. El color es un marrón desgastado pero que lo hace bonito.

Encima hay un plato girado como si tapase algo que hay dentro. A su lado tiene unos cuatro platos de cerámica apilados uno encima del otro de color blanco, de cerámica.

En segundo plano, delante del bol de barro, tiene una aceitera de metal y a su lado una jarra de barro también de color marrón más oscuro. También hay un salero con un color azul claro muy bonito.

Delante de estos recipientes hay muchos pepinos, puestos de cualquier forma, de color verde oscuro, pero que llaman la atención con ese color. Alrededor de los pepinos hay tomates, que parecen recién cogidos.

El fondo es negro, pero con la iluminación queda con un tono marrón un poco más claro que el bol del principio.

Esta naturaleza gracias a la perspectiva no parece una naturaleza muerta por los colores vivos y por la representación de los objetos.

Al estilo de Luis MelĂŠndez Laia Clua

Interpretaci贸 cubista

En primer lugar, podemos observar que es un color apagado y sencillo, no hay ningún color vivo.

El autor juega con la distancia de las alcachofas y con el fondo, en el que se puede ver una especie de tronco con hojas.

El fondo se podría decir que se nota menos real, en cambio las alcachofas tienen una textura de lo más real, y cada minucioso detalle está a la perfección para hacerlo más vivo.

Se puede observar cómo alguna de las hojas parecen muertas y sucias, tiradas por el suelo sin preocupación alguna, en cambio las alcachofas están representadas con su mejor lado y hacia arriba.

Al estilo de Luis MelĂŠndez Marta GonzĂĄlez

Esta naturaleza muerta refleja casi a la perfecciรณn unas frutas sobre una mesa, las cuales consisten en un melรณn y varias naranjas.

En el fondo se pueden observar unas cajas de madera. El melรณn estรก envuelto sobre cuerdas muy detalladas.

El fondo del cuadro es negro y los elementos de este estรกn sobre una mesa de madera.

Personalmente me impresiona el detalle de esta pintura, intenta calcar la realidad.

Al estilo de Luis MelĂŠndez Marc Llobet

Interpretaci贸 cubista

Este cuadro recibe el nombre de Bodegón con pan, jarro y cesta.

En el cuadro se aprecia oscuridad y luz a la vez.

Oscuridad por el fondo, que recuerda a la noche cerrada, y luz por los objetos que hay en él.

Aparece un pan redondo con una forma un tanto extraña que es bastante grande.

Al lado del pan hay un jarro de barro marrón oscuro que por abajo es estrecho y a medida que va subiendo va ensanchándose hasta que llega un momento que se vuelve a estrechar mucho más rápido. Las asas son planas y van desde la parte más ancha del jarro hasta la boca.

Detrás del pan y el jarro hay un cesto de mimbre, del que solo podemos ver el asa, con unos trapos blancos de un tejido que parece bastante resistente.

Detrás de todo se puede apreciar el tapón de una botella de cristal y unas manzanas amarillas.

Todos estos objetos están posados sobre una mesa de madera muy oscura.

Al estilo de Luis MelĂŠndez Elena Ortiz

ÉDOUARD MANET (1832) Édouard Manet fue un pintor y grabador francés muy importante.

En 1863, el Salón de Otoño le rechazó un lienzo que iba a resultar trascendental para la próxima evolución de la pintura. En 1865 volvió a escandalizar con Olympia, la cuál fue denegada a una exposición pictórica. En 1868, el joven novelista Émile Zola escribió una laudatoria recensión de su trabajo en la que identificaba a Manet con la figura romántica del artista incomprendido.

En su producción de finales de la década de 1870 acentuó el naturalismo de su temática al mismo tiempo que su salud experimentó un creciente deterioro. A pesar de eso participó en una exposición en 1882 y al año siguiente se le declaró la gangrena en la pierna enferma y tuvo que ser amputada, operación de la cual no pudo recuperarse y que le acarrearía la muerte poco después.

La exposición posterior de sus obras le otorgó el nombre de padre del impresionismo.

Édouard Manet se ha basado en el uso de una criatura marina totalmente común, como es el pescado. Ha decidido darle un toque más vivo a “las naturalezas muertas”.

La obra en general representa una comida recién preparada.

Al estilo de Édouard Manet Marc García

Interpretaci贸 cubista

En esta pintura Édouard Manet quiso reflejar una imagen de tristeza, de naturaleza muerta y desfallecimiento de las flores.

Expresa todo eso con una serie de colores oscuros y poco remarcados. Utiliza todos esos colores y reflejos para transmitir la decadencia de la planta.

Ha sabido aprovechar la sencillez de la pintura, en la cual simplemente aparecen un conjunto de flores y ramas junto a una herramienta de jardinerĂ­a con la dificultad que conlleva saber transmitir tanta frialdad y tristeza en una simple imagen.

Al estilo de Manet Marta Ribera

Esta pintura de Édouard Manet son dos rosas blancas sacadas de su ramo, con un fondo marrón oscuro, que nos permite ver claramente todos los detalles del cuadro. Nos da a entender que están encima de una mesa, ya que media parte es de marrón oscuro que insinúa que las rosas están cerca del pintor, pero lejos de la pared, en este caso.

Las rosas están recién cortadas, nos lo demuestran las tijeras que ha dibujado Manet al lado de ellas y el tono blanco roto, como el papel, con las que las ha pintado, incluyendo las sombras en un tono más amarillento para resaltar más los pétalos.

Al estilo de Manet Maria Julve

Interpretaci贸n cubista

Para muchos a simple vista les podría parecer un limón, el típico que vemos en los jardines, pero dibujado. Y para otros podemos ver la belleza y pureza de este cuadro tan bonito.

Tiene muchas gamas de colores distintos, desde el más oscuro, hasta uno de los más relucientes.

El cuadro de este artista, se ve simple, pero es simple y una pasada. El limón de la imagen tiene una forma muy natural, eso quería Édouard Manet, que no fuera una pintura ficticia y fuera de lo normal. Quería transmitir la naturaleza muerta de una buena forma. No se aprecia del todo bien si el limón es grande, mediano o pequeño, pero si define muy bien el limón. También el pintor de este cuadro fue listo al realizarlo, ya que fue consciente de poner un fondo oscuro para hacer resaltar el limon con todos sus detalles, desde su extremo derecho con su punta alargada, hasta el estado del limón.

Al estilo de Manet Ă lex VĂ­lchez

Interpretaci贸 cubista

Paul Cezanne (1839-1906) Es generalmente considerado «el padre del arte moderno».

Expuso con los impresionistas en la primera exposición celebrada en el estudio de Nadar, en 1874, y en la tercera de las muestras del grupo en 1877.

Las críticas que recibieron sus cuadros provocarían que Cézanne decidiese no volver a exponer en las siguientes convocatorias del grupo y que se alejase de los circuitos artísticos para comenzar un camino personal. Paralelamente, a partir de 1878, año en que se trasladó a vivir con Hortense, su compañera, a L’Estaque, cerca de Marsella, comenzó a alejarse de la estética impresionista y a desarrollar un estilo propio.

Cézanne consideraba inseparables forma y color. Su lenguaje pictórico se caracteriza por la utilización de áreas de color planas, aplicadas con pinceladas geométricas, que van configurando la superficie del cuadro. Sus paisajes, bodegones y retratos rompen con la concepción tradicional de profundidad, definida por planos sucesivos, e intentan captar pictóricamente la estructura interior de las cosas

En mi bodeg贸n aparecen los siguientes elementos: en la derecha aparece un plato hondo con cuatro manzanas encima.

En la parte izquierda del plato salen dos limones verdes atr谩s y delante de los limones verdes, un lim贸n amarillo.

Y en la parte izquierda del todo del dibujo, se encuentra una peque帽a maceta con una hoja seca plantada.

Al estilo de Paul Cezanne Hugo Casajuana

Interpretaci贸 cubista

A primera vista observamos un mantel con varias piezas de fruta encima.

En segundo plano tenemos una botella de vino abierta y una cesta con mĂĄs piezas de fruta, diferentes, y de diversos tonos.

Y al final del todo, nos encontramos con un plato que contiene panecillos colocados de manera que forman una torre.

Al estilo de Paul Cezanne Paula Corpas

Antonio López Torres (1902-1987) Dotado para el dibujo, comenzó en la pintura muy joven, simultaneando esta actividad con las labores del campo.

Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Ciudad Real, y posteriormente en la Real Escuela de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid. Aunque prácticamente la mayor parte de su actividad profesional la desarrolló en su pueblo natal.

Casi la totalidad de sus obras se encuentran en el museo dedicado a su persona en Tomelloso, por deseo expreso del mismo, que donó sus obras al pueblo que lo vio nacer y morir.

Es tío del también pintor Antonio López García, al que inició en el estudio de la profesión.

Este cuadro de 1927 se llama Bodegón con frutero, granada, bandeja y jarra.

En primer lugar, tenemos una habitación con un fondo de color azul turquesa y gris, una silla junto al fondo de color fucsia y un trozo de mesa que contiene varios elementos.

En segundo lugar tenemos uno de los elementos que se muestran encima de la mesa, una botellita de cristal que contiene aceite, que parece desenfocada por estar más lejos que las demás cosas.

En tercer lugar un poco más adelante hay un frutero grande, de color plata con frutas, plátanos, manzanas, una naranja y una granada.

En cuarto lugar, al lado del frutero hay una jarra inmensa de cristal, de color transparente que contiene agua y contiene una tapa un tanto peculiar.

A continuación un poco más adelante del frutero, entre la jarra y el frutero, hay una bandeja en la que se pueden ver una vaso y una naranja dejando un espacio por el resto de la bandeja redonda.

Después delante del frutero y al lado de la bandeja se muestran una granada partida en dos. En una de las dos partes su interior es de un color rojizo, mientras que la otra parte se muestra boca abajo.

Al lado de esta granada partida en dos se ve una parte de un plátano de color amarillento.

Al estilo de Antonio L贸pez Torres Laia Granero

Interpretaci贸 cubista

Se puede ver sobre un fondo negro un mantel muy colorista, entre naranja y rojo. En él reposa una bandeja color plata. sobre la que se encuentra un jarrón blanco con unas flores de color rojo, rosa y azules.

En la bandeja se puede ver un pétalo rosa caído. Más abajo a la derecha, una tetera con dos asas.

La tetera tiene un dibujo donde se puede ver que bailan dos personas, una mujer a la derecha y un hombre a la izquierda. En la parte superior tiene unos colores suaves, verde, naranja y por último azul.

Al mismo nivel, pero a la izquierda de la bandeja, se ve un platito transparente, donde reposa un vaso pequeñito con un té rojo.

Más abajo del vaso y la tetera, se puede ver cómo el mantel se arruga, antes de caer verticalmente hacia el suelo.

Al estilo de Antonio L贸pez Torres Rupert Harvengt

El entorno de este cuadro, me transporta a épocas pasadas, en las que la gente vivía con lo que tenía, y, sobre todo, con lo básico.

Las paredes y la ventana que se ven al fondo, seguramente pertenecen a alguna casa de los años cuarenta. Son paredes oscuras y con tonos sucios, aunque se puede apreciar que la obra está perfectamente realizada. La mesa, parece hecha de algún tipo de madera resistente como la del roble o la de la haya, ya que aunque muestra ser antigua y haber aguantado el paso de los años, se mantiene fuerte y servible.

Pasando a los objetos que se encuentran frente a nuestro punto de vista, podemos destacar, en el último puesto del plano, un cesto.

Probablemente esté fabricado con juncos secos ya que son, por excelencia, el principal material para hacer maravillas de este tipo. Me parece que combina muy bien con el ambiente mostrado, ya que le da un toque rústico, y todo y estar al final del plano, cobra mucha importancia a la hora de ser visualizado. Pasando a un plano medio, nos fijamos en que hay dos panes de payés, colocados de manera estratégica, para mostrar plenamente la cara de uno de ellos. Estos me transportan a la mañana fría de un domingo de invierno, en la que se tuestan unas rebanadas de este pan para desayunar, y así, calentar el cuerpo. ¡Qué rico!

Alineada con los panes, encontramos una cebolla con la capa superior, ya deshecha y un poco rota, probablemente por su manipulación, a la hora de recogerla. Otro elemento e ingrediente básico en la dieta mediterránea de todos los tiempos, que ayuda a confirmar mi primera afirmación.

Antes de acabar con este plano, también me gustaría destacar otro elemento muy destacable en el cuadro, como lo es la botella de cristal. Seguramente, haya contenido agua tiempo atrás. Lo que es seguro, es que si ha estado llena, ha sido de agua, ya que en aquellos tiempos, no existían ni por asomo los conocidos hoy en día como sodas o bebidas refrescantes. El agua, se convertía probablemente, en el elemento principal para la supervivencia de aquella época. La botella, adquiere un color verdoso translucido, que le aporta al cuadro, un tono colorido muy importante y bonito.

Para terminar, podemos encontrar en primer plano, un par de cebollas, extendidas sobre un trapo blanco. Las cebollas, son similares a la descrita. Parecen ser bastante frescas y nuevas, ya que tienen un bonito colorido anaranjado y marrón, que destaca mucho sobre el trapo claro. Este, probablemente sea de los típicos, fabricados con tela blanca, de esos que aguantan años y años.

En general, este bodegón me parece una maravilla, que nos enseña a jugar con los colores y las tonalidades de objetos y elementos, que estoy seguro que tenemos siempre a mano, pese a no ofrecerles demasiada importancia. También nos enseña a valorar los alimentos a los que ahora no les damos relevancia, pero que antaño, suponía la supervivencia del día a día. Para mí, es una genialidad de obra.

Bodeg贸n del pan y las cebollas Antonio L贸pez Torres

Al estilo de Antonio L贸pez Torres Albert S谩nchez

En el cuadro, hay un bodegón. En el bodegón hay una mesa de color marrón con un mantel, que no ocupa toda la mesa, de color blanco y rayas rojas. Encima, al final del cuadro, hay una jarra de color marrón, también.

El bodegón tiene dos cebollas y tres pimientos de color rojo y verde.

Al lado del mantel, encima de la mesa y al lado de la jarra hay otra cebolla.

Al estilo de Antonio L贸pez Torres Yaiza Tapia

Este bodeg贸n lleva frutas, una jarra y un vaso de vino blanco.

En primer plano aparece una copa grande llena de frutas, entre ellas dos manzanas, una naranja y encima de ellas un lim贸n.

En segundo plano, aparece un vaso con vino blanco y una naranja partida por la mitad. Todo este conjunto est谩 sobre un plato enorme plateado.

Por 煤ltimo, se puede apreciar una jarra de porcelana con un estampado de flores y de color rosado.

Al estilo de Antonio L贸pez Torres Lauren Vega

Interpretaci贸 cubista

Bernardo Ariatta (1966)

Desde pequeño empezó a demostrar una habilidad innata y pasión por el arte. Se graduó en la escuela de arte de Novara y estudió en el instituto de santa como artista comercial. Su pintura representa pasión y emoción, como uno de los grandes maestros de los de antes como Caravaggio.

Esta fotografĂ­a me transmite una calma y una tranquilidad por sus colores de fondo, marrones, blancos, el color de la madera de la mesa. Pero a la vez este cuadro me transmite energĂ­a por los colores vivos de las coles, ese color tan luminoso i tan diferente que contrasta perfectamente con el fondo hace del cuadro un bodegĂłn muy bonito con ese color lila y blanco de las coles, que las hace apetitosas, o al menos para mi

Al estilo de Bernardo Ariatta DĂ­dac Alonso

En la siguiente imagen podemos observar un cuenco metรกlico repleto de nueces.

En el fondo de la imagen se puede distinguir un fondo azul, con dos tonalidades diferentes que se aprecian a simple vista, estos son azul claro i azul fuerte.

El cuenco esta encima de una base, no se puede deducir en la imagen de que objeto se trata solo del material del cual esta echo (madera). En la imagen se puede apreciar una tonalidad de brillo mรกs fuerte en la parte frontal del cuenco, i en la parte trasera i en las laterales se puede apreciar una tonalidad de brillo mรกs bien oscura.

Al estilo de Bernardo Ariatta Daniel Castro

Como podemos observar en este cuadro, hay diversas manzanas puestas sobre un plato, y que entre medio de ellas, pasa un metal largo hacia arriba. El fondo es azul, como si fuese sombra o oscuro. Las manzanas son de un color rojizo y amarillo. Están puestas sobre un plato ovalado, y puestas encima de otra.

También, podemos ver como el reflejo de ese plato de manzanas de se a través de la mesa de cristal , donde el cual está apoyado el plato. En esta cuadro, aparte de lo ya explicado, la sombra es muy difícil de reconocer, y de poder hacer-la.

El fondo se ve negro como la oscuridad.

En este cuadro, lo que más destaca es la capacidad que tiene Bernardo Ariatta de imitar el reflejo del plato de manzanas. Es exactamente igual.

Al estilo de Bernardo Ariatta Marcel GutiĂŠrrez

El trozo de naranja que está en primer plano de este bodegón es mucho más grande y no se le ve la pulpa tan solo podemos ver la piel de la naranja, un poco más al fondo está la otra parte de la fruta donde podemos apreciar perfectamente los gajos de la naranja y casi no podemos ver su cáscara, está un poco escondida detrás del trozo grande.

En el fondo no podemos distinguir nada ya que es un fondo negro, tan solo hay un punto donde la luz ha dado más y parece que sea una fotografía y ese punto de luz sea de un flash.

La base de esta obra parece estar hecha con papel de plata, en el fondo hay unas pequeñas montañas hechas con el mismo material.

Al estilo de Bernardo Ariatta Elsa Mรกrquez

Susan Ashwort El interés de Susan Ashwort en las imágenes de mesa de Diebenkorn , Nicholson y Letinsky se refleja en los bodegones actuales . Estos son también , en esencia , los paisajes : la luz oblicua escoger objetos empequeñecidos efectivamente en extensiones de espacio vacío. Un limón , un medio - vacío taza de té , espinas de pescado en un plato ; lo que vemos son elementos familiares distanciadas entonces vistos de nuevo.

Este bodegón de Susan Ashwort es una obra bastante simple ya que está compuesta de pocas piezas teniendo en cuenta que es un bodegón y los bodegones siempre están muy cargados de elementos en los cuadros. El cuadro cuenta con una taza, una tetera y una botella de leche. En él se ve un fondo azul y en la mayoría del cuadro predominan los colores blanco y el gris.

Al estilo de Susan Ashwort Daniel Briz

Interpretaci贸 cubista

Este cuadro vemos que representa como una botella grande que sirve de florero para unas flores. Se puede observar que usa colores muy claros, y todo el fondo blanco con algunos toques rosas, como el color de la flor. También se puede ver la sombra de la flor, ya que el cuadro en general está pintado muy claro con bastante luz. A su lado podemos ver como una de taza pequeña con alguna mena de planta dentro suyo. En general se podría decir que es un cuadro muy simple pero con algunos toques como la sombra que lo hace ser diferente.

Al estilo de Susan Ashwort

Minja Langel

Este bodegón, tiene un fondo color beige, donde se puede ver en el borde izquierdo inferior del cuadro, la esquina derecha superior de una mesa cuadrada, con un mantel blanco que ocupa casi toda la obra.

Encima de la mesa, en el centro del bodegón, se puede apreciar un plato redondo de color beige, dentro de él hay un huevo blanco de ganso, situado en la derecha superior del plato. También se pueden ver la sombra del plato y unas flores en el mantel, y la misma sombra de las flores en el plato, donde además se ve la sombra del huevo, todas ellas en dirección al borde derecho del cuadro.

Al estilo de Susan Ashwort

Laura Molero

Esta obra de Susan Ashwort tiene un fondo azul. En esta podemos observar una mesa con mantel blanco y sólo vemos la mitad de ella.

Encima de la mesa hay una copa de cristal pequeña y transparente. También, al lado izquierdo de la copa, se sitúa una botella verdosa. Y, siguiendo a la izquierda, encontramos un florero transparente en el cual emergen dos flores con ímpetu; una de ellas es roja y la podemos divisar de frente; la otra tiene un color blanco y la vemos de perfil.

Al estilo de Susan Ashwort

AndrĂŠs Montoya

Paul Grand Paul Grand quería transmitir un fondo simple y básico pero que no careciera de estética e impolutez. Comenzó a fotografiar todo tipo de estaciones de metro y casas de piedra, en Nueva York, parando durante el camino en países como Marruecos, Suiza y Turquía, hasta llegar a Asia.

Su estilo es pictórico. A veces, las imágenes son escultóricas e incluso un poco de teatro. Los sujetos son íntimos, cercanos retratos, total o fragmentos, ya sean personas, edificios o paisajes. Arcos, carriles, puertas, suelos, ventanas y paredes sugieren estados de transición.

Unas flores amarillas en medio.

Hay un jarrón blanco y cilíndrico, una mesa de baño, blanca, de mármol, y una pared blanca.

Pared blanca Hay una pared blanca como la nieve y fina como un lince; más abajo aparecen unas flores, llamadas mimosas amarillas, que se extienden hacia la derecha y con un estilo veraniego.

Las mimosas están dentro de un jarrón cilíndrico blanco y de metal, encima de una mesa de mármol blanco brillante y los alrededores están con forma de doble escalera.

Al estilo de Paul Grand Jordi Alsina

Un título sugerente para el cuadro sería “Cubo rebosando hortensias”.

Se trata de un cuadro luminoso y la luz hace que hasta alcance un leve toque de difuminación. Podemos observar un fondo grisáceo con sombras y de coloración irregular. En el plano intermedio se encuentra un taburete de un tono similar al del fondo, aunque se puede apreciar claramente que está compuesto de madera por su tonalidad amarronada. Los colores de los planos descritos anteriormente hacen destacar por encima del resto del cuadro al primer plano, el plano principal, el centro de atención del cuadro.

Gracias al ángulo picado del cuadro, a la iluminación que centra la atención en el primer plano y a la coloración, el cubo con flores situado en la posición más destacada adquiere su importancia.

Observamos un cubo de color amarillo claro con un asa y relieve; sigue un estilo de cubo decorativo de jardín. Está apoyado sobre el taburete y dentro de él contiene unas hermosas flores con su verde tallo. Se trata de hortensias rosáceas y violetas con partes amarillas. El cuadro se centra sobre ellas y su belleza, destacando su naturaleza muerta y a la vez bella y característica.

El cuadro transmite paz, orden y tranquilidad al observar la belleza en los pequeños detalles de las hermosas experiencias cotidianas de la vida diaria.

Al estilo de Paul Grand Guillem Ă lvarez

Puede verse en primer plano una habitación medio vacía.

A simple vista, sobre la mesa, en segundo plano, se ve la jarra sobre el cuenco.

En tercer plano, y detrás del cuenco, se ve una pastilla de jabón casera blanquecina junto a pasta de dientes usada y algo vieja.

Por último, se muestra un lienzo totalmente blanco encima de una pared vacía de objetos.

Al estilo de Paul Grand David GarcĂ­a

Interpretaci贸 cubista

Esta obra pertenece a Paul Grand, un artista polifacético, pintor y fotógrafo que recorre el mundo en busca de inspiración. Yo a este cuadro he decidido llamarle: Tetera y patatas hervidas.

Empezando por el fondo de la obra, podemos ver una pared de textura rugosa y áspera, de un color blanco crema que encaja totalmente con la paz que aporta el cuadro. Los elementos principales están todos encima de una mesa de aspecto vieja y desgastada que, a la vez, encaja perfectamente con la pared y la tranquilidad que esta transmite. Entrando en los elementos principales, podemos ver dos planos destacados.

En primer lugar, podemos ver tres patatas hervidas, tan ovaladas y perfectas como huevos. Se sostienen entre ellas en el margen izquierdo de la tetera, en cambio en el lado derecho se puede observar otra patata, también hervida, pero esta está en un rincón sola y apartada del resto.

En el segundo planos se aprecia una tetera, más bien alargada y estrecha.

Es de un color azul turquesa contrastando con los tonos blancos del resto de la obra.

Las sombras también son elementos muy importantes ya que revelan que la luz proviene del lado derecho del cuadro, también se puede apreciar cómo la luz azota la tetera y hace que brille.

Una de las interpretaciones que se le puede dar al cuadro es la soledad y la calidez, dentro de un entorno frío.

Al estilo de Paul Grand Jamal MartĂ­n

Se trata de una sencilla pero ejemplar composición con 6 huevos de gallina y un bol de color beige.

1. Técnica: Óleo sobre lienzo.

2. Tema y género: Bodegón compuesto por dos elementos principales (huevos y el bol) y uno de secundario (mesa).

3. Forma y estilo: Al margen de su pericia pictórica, Paul Grand sentía una capacidad excepcional para apreciar y reflejar lo cotidiano. Todas las características propias de Grand parecen presentarse aquí: 1. La composición es muy simple. Dos elementos cotidianos sobre una mesa.

2. Colorido pobre, una pintura muy pálida y con poca riqueza de color variado.

3. La luz, muy suave y apenas apreciable. La sombra que genera es muy frágil y casi invisible.

En esta obra de Grand da una sensación de pobreza como la que hubo en las guerras, ya que muchas familias solo se alimentaban de productos como los huevos, lentejas etc. También el bol y la mesa da ese aspecto vintage típico del 1930-1940.

Al estilo de Paul Grand Pol Ortiz

Evelyn Hofer (1922-2009) Evelyn Herfer (1922, en Marburg, Alemania - 2009, en México). Fue una fotógrafa alemano-americana.

Su familia se trasladó a Ginebra en 1933 para escapar del nazismo, y más tarde a Madrid. Evelyn intentó sin éxito entrar en el Conservatorio de París y luego cambió a la fotografía, primero como aprendiz en Zúrich y Basilea y luego tomar clases particulares en Zúrich. Cuando Franco llegó al poder, se trasladaron de nuevo a México. Evelyn se mudó a Nueva York en 1946, donde trabajó con Alexey Brodovitch y se hizo amigo de Richard Lindner y Saul Steinberg.

Hofer utilizó una cámara de visión de cuatro por cinco pulgadas para hacer retratos y ordenadas y bien construidas y fotografías panorámicas. Su estilo centrado en composiciones sencillas eran claros, pero no simples. Sus retratos muestran los sujetos con mirada perdida, triste, o por lo menos ambigua.

Sus libros fueron, entre muchos otros, Los encantos de México, The Stones of Florence, The Presence of Spain.

En la fotografía vemos un bonito y sencillo bodegón, creado por Evelyn Hofer, sobre un negro telón como fondo, y, apenas vemos luz. La imagen es muy oscura, fruto del apagado fondo, aunque en el centro de la imagen, donde encontramos la fruta, hay mucha luz, y en el medio de la composición, sobre una bandeja de madera redondeada de color marrón oscuro con aspecto de objeto envejecido, vemos a la izquierda una manzana verdosa; al lado, medio limón de color amarillo vivo; después un par de cerezas maduras y de color rojo muy fuerte; y, más atrás, en un segundo plano, un jarrón de color oscuro, prácticamente negro, de forma ovalada, muy ancho por el medio, con la parte superior y la base mucho más pequeña.

Podemos encontrar gran variedad de texturas, y en la tela, bastantes arrugas que le dan aspecto de cortinaje, creando un conjunto muy acertado centrado en el bodegón y dando protagonismo al centro de la composición.

Al estilo de Evelyn Hofer Mercè Canela

Esta naturaleza muerta es obra de Evelyn Hofer, fotógrafa que vivió entre los años 1922-2009. Se titula "Pewter Pitcher with Grapes" y se encuentra en Danziger Gallery, en Nueva York.

Es una fotografía donde se puede observar el contraste de oscuridad y luz. El fondo es una especie de tela negra que da un toque de contraste al resto. En el centro se puede observar una mesa de color negro grisáceo, sobre cual

están todos los objetos que contiene la fotografía. En el primer plano están los limones y un plato plateado grande con melocotones de un color rojo y naranja que se nota que están maduros y te dan ganas de comértelos y un ramo de uvas verdes. El plato parece que está delante de los limones por contener tantas cosas de colores llamativos. En el fondo de todo hay una jarra plateada para agua. A los objetos les

han dado un toque de luz. La fotografía está hecha desde arriba. Da una sensación de felicidad y bienestar.

Al estilo de Evelyn Hofer Luiza Guz

Podemos observar dos objetos principales, situados sobre una mesa de madera antigua, con un fondo completamente negro.

A la izquierda de la obra encontramos un plato de cerámica con florituras azules, con cuatro o cinco limones amarillos apilados y a la derecha de la obra, a unos centímetros del plato con limones, vemos un cesto de mimbre con numerosas naranjas también apiladas una encima de la otra.

Alguna de las naranjas todavía conservan las ramas y las hojas del árbol.

El creador de esta obra parece ser que está situada de manera frontal y un poco elevada, donde la luz ilumina la obra de izquierda a derecha, empezando por los limones y acabando por las naranjas. Podemos observar las sombras que producen la luz, y así saber que la luz viene de la izquierda, es una luz potentem ya que también ilumina una parte de la mesa.

Al estilo de Evelyn Hofer Laia Homdedeu

Esta naturaleza muerta se titula Deja-vu Still Life y actualmente se encuentra en Nueva York.

En la imagen podemos observar un ramo de uvas, dos peras, dos limones, un melón y una manzana. Vemos enseguida que estas frutas están sobre un plato de metal bastante antiguo, el cual está apoyado sobre un mantel negro que cubre una pequeña parte del plato.

El fondo es negro y podemos observar tres planos. En el primero encontramos el ramo de uvas, una pera y un limón; en el segundo, el melón, la manzana, la pera y el limón, y, por último, el fondo negro.

A la derecha, observamos las uvas, que tienen un color violeta y están al borde del plato. Si miramos a la izquierda, encontraremos, una pera bastante grande y un limón pequeño y maduro. En un segundo plano observamos la otra pera, igual de grande que la anterior, una manzana pequeña y rojiza i/o anaranjada y un melón muy pequeño, con una cáscara no muy dura y de un color suave.

Mirando al mantel, nos damos cuenta de que no está estirado del todo, sino que tiene bastantes arrugas y parece que es de una tela bastante gruesa.

Al estilo de Evelyn Hofer Sandra Murillo

DIARMUID KELLEY (1972)

Estudi贸 Bellas Artes en la Universidad de Newcastle, donde se gradu贸 en 1995.

Fue el artista m谩s joven en ganar el prestigioso Premio de Arte a la edad de 23 a帽os.

Su trabajo ha aparecido regularmente en el BP Portrait Award, celebrado en la National Portrait Gallery de Londres, y ha participado recientemente en una serie de exposiciones colectivas.

La imagen tiene dos colores que destacar, que son el violeta y el verde.

Son los m谩s vistosos y los que llaman la atenci贸n directamente. Es una hortaliza.

Al estilo de Diarmuid Kelley Ariadna Esponey

Es un cuadro donde hay una vasija pequeña, por lo común de lozan o de metal con asa, empleada generalmente para tomar líquidos; la cual llamamos taza. Esta taza es de color azul medio oscuro y con la asa dorada, la base de este objeto también tiene el

color dorado de la asa, la parte de dentro de la taza es blanca brillante y este objeto tiene forma de campana mirando hacia arriba. Esta taza está sobre un plato pequeño del mismo color azul que el objeto que está sobre de este. La parte que toca la madera oscura que parece parquet marrón oscuro donde esta apoyado el plato es blanca. Al lado de esta vasija hay una flor parecida a una rosa cerrada de color amarilla y al fondo se ve una pared gris oscura, como entristecida.

Al estilo de Diarmuid Kelley Jimena Fernรกndez

En el cuadro se puede ver una tetera de un diseño simple de metal (o plata) sobre una mesa de madera, porque se pueden ver reflejos en ella. Por la izquierda de la tetera hay dos rosas amarillas con dirección al observante del cuadro. Al otro lado solo hay una rosa, cuyo reflejo también se puede ver en la tetera. El fondo es negro por la derecha y gris claro por la izquierda, y por la perspectiva parece indicar que la mesa esta situada en la esquina de una habitación.

La parte de abajo del cuadro no esta acabada de pintar, pero la parte de arriba si, cosa que a primera vista no llama mucho la atención.

Es un cuadro con mucha luz, y colores muy claros, pero aun asi transmite un vacío, por la falta de algún detalle que llame la atención. Es un cuadro muy extraño, porque te hace buscar algo en éllo que no hay solo para intentar comprenderlo.

Al estilo de Diarmuid Kelley Tobias Ton

En esta pintura, podemos apreciar dos limones con sus correspondientes ramas, lo que quiere decir que han sido cogidas por el hombre y no por una máquina. Estos dos grandes y amarillos limones

están situados encima de una pequeña mesa de color azul, aunque esta está fuera de un recinto cerrado, por lo tanto está al aire libre. No obstante a parte de ser grandes, como antes he introducido,

están acompañadas de dos trozos de rama de color marrón con un par de hojas verdes aunque un poco secas.

En el cuadro también podemos apreciar el cielo azul claro, despejado de molestas nubes y con unos difuminados toques de color verde que nos representan árboles al fondo.

Al estilo de Diarmuid Kelley Susana Velasco

Frans Klerkx (1952)

Nació en Holanda en 1952. Recientemente ha cambiado su estilo para empezar de cero en su carrera en otra dirección: el paisaje y el modelaje humano.

Tiene el hábito de trabajar duro siempre y acostumbrado a decir que trabaja tres centímetros cuadrados por día.

Usa esponjas, trozos de ropa, papel de lija para darle forma a las figuras, etc… Solo aplica una capa de pintura porque cree que si pone más se quitan los efectos de la luz.

Sus pinturas recientes reflejan los paisajes que todos desearíamos ver. Sus obras son una invitación a viajar y a ver diferentes países en diferentes lugares.

Esta fotografía muestra un plato encima de unos trapos verdes, con estampados blancos. El plato que observamos está lleno de caldo con algo de pollo dentro y una concha en el lado derecho. El plato es blanco con el borde interior de un color caqui, no muy fuerte. Se puede ver que el plato, junto a los trapos, está sobre una superficie gris, aunque parece un poco desgastada, como con pequeñas manchas blancas sobre ella. El fondo que se observa detrás es de color blanco, con la firma de Frans Klerkx (FK) en el centro (tirando hacia arriba) del cuadro.

En la parte derecha de este magnífico plato, hay una luz que produce un sombreado en su izquierda.

Es un plato curioso porque refleja la época cuando la gente no tenia ni para comer, y muestra mucha sencillez.

Al estilo de Frans Klerkx Naiara Anaya

Interpretaci贸 cubista

En la imagen se puede observar un bol de color azul y blanco. Dentro del recipiente encontramos dos limones, dos membrillos y tres nueces.

Se aprecian las sombras. Gracias al fondo

negro, se ve mรกs reflejado el bol con lo que contiene dentro.

Son tonos suaves y bonitos a la hora de hacer exposiciones.

Al estilo de Frans Klerkx Markel Artabe

En este cuadro vemos un conjunto y una gran variedad de recipientes de diferente capacidad y estilo, unos más grandes que otros, más altos, más anchos o más delgados, que se muestran junto a un fondo blanco simple y, por último y menos importante, también podemos apreciar una manzana consumida por el paso del tiempo Tiene una variedad de tonalidades grises azuladas, unos tonos un poco apagados que intentan llegar al receptor. Al ver la pintura a simple vista se pueden ver unos colores no muy coloridos y sin vida complementando el fondo blanco. Como vemos, la pintura tiene una imagen clara, gracias a su luz, ya que está hecha de día Lo que el autor nos intenta transmitir es un sentimiento vacío y triste, ya que como podemos ver en los recipientes no hay nada en su interior y la manzana está consumida y seca, como si no sintiera nada.

Al estilo de Frans Klerkx Marina GarcĂ­a

Esta naturaleza muerta contiene cuatro vasos apilados uno encima del otro, una flor seca, dos boles y un ladrillo blanco.

El cuadro destaca por sus colores blancos, grises y negros, la flor seca y las sobras de los objetos que se encuentran allí. En segundo lugar, el autor ha sabido jugar muy bien con el volumen, dado que el ladrillo es el objeto más adelantado de todos, en segundo lugar están colocados los boles y después los vasos que sujetan a la flor seca. Los objetos no solo destacan por sus colores, sino también por su apariencia tan vieja y desgastada, que da a este cuadro una sensación de olvido y tristeza.

En tercer lugar, los vasos tienen una simetría curiosa, ya que el segundo vaso por encima del primero está torcido hacia la izquierda y el tercero igual, luego el cuarto parece igual de recto que el primero. Esto nos indica una perspectiva curiosa y añade misterio a la obra.

Las sombras están en el lado derecho del cuadro, por lo cual debe de haber luz en la izquierda. Incluso así, el autor ha querido destacar la parte más oscura.

Al estilo de Frans Klerkx Miquel G贸mez

El título de la obra es Vleugelmoertje, traducido al castellano Tuerca de mariposa.

En la imagen se pueden apreciar tres boles con tonos grisáceos y algo desgastados, y sobre ellos una especie de taza marrón o jardinera, y dentro una manivela para dar cuerda a juguetes, relojes…

A su lado se encuentra una copa de vidrio para el cava, desgastada por el tiempo, y todo ello encima sobre una madera pintada de color blanco, aunque también algo grisácea por el desgaste.

Al estilo de Frans Klerkx Adriรกn Ruiz

Jesús Madriñán (1984)

Jesús Madriñán nació en Santiago de Compostela en el año 1984. El señor Madriñán es el licenciado en bellas artes por la Universidad de Barcelona y con un Máster en Fotografía por la escuela Central Saint Martins (Londres).

Para crear sus obras se inspira en su propia experiencia y en el contexto que le rodea. Sus obras se basan en emplear técnicas previsibles y minuciosas en situaciones espontáneas.

En este cuadro podemos contemplar varios objetos complementarios entre sí que crean una harmonía tranquilizadora a partir de colores claros.

En primer plano vemos una botella de cristal tapada con un corcho.

Detrás contemplamos una cazuela de metal y una cajita de madera desgastada que intenta disimular el paso del tiempo con pintura blanca. En tercer plano, una lata de Coca-Cola que sirve de decoración y que contiene la bandera de América con colores vivos que resaltan en esta magnífica fotografía.

Por último nos fijaremos en el fondo y la mesa blancos que hacen, cuyo principal motivo de atención son los objetos que se convierten en los principales protagonistas de esta fotografía.

Al estilo de Jesús Madriñán Claudia Cardenoso

En esta obra tenemos una mesa con una s谩bana blanca encima.

Sobre la mesa hay unos cuantos limones que sobresalen de una bolsa blanca. Los limones se puede observar que son el centro de atenci贸n de la imagen.

Los colores son simples, blanco y amarillo, es un estilo moderno y me transmite tranquilidad y soledad.

Al estilo de Jesús Madriñán Sem Van Leewen

En el cuadro está representado un desayuno completo con unos elementos de comida.

Hay una mesa con un mantel blanco y al fondo hay una pared de color blanco. En la parte derecha está situada una silla marrón y una almohada con los colores del arcoíris.

Encima de la mesa hay un plato que en su interior contiene gelatina de color amarillo, y a la izquierda podemos ver que hay un trozo de pan cortado junto a un chuchillo. El pan está situado encima de un pañuelo blanco.

En el centro hay un cesto blanco con flores rosas, que hace la habitación más acogedora, y al lado del cesto hay un conjunto de galletas ya empezadas. Por último, enfrente de la silla podemos apreciar un té que está casi acabado.

Con ese bodegón el autor quiere representar un ambiente acogedor.

Al estilo de Jesús Madriñán Liana Unanyan

Michael Naples Naci贸 en Wheaton, Illinois, Estados Unidos.

Es un pintor contempor谩neo que se destaca sobre todo, por sus naturalezas muertas y paisajes.

En 2001, fue aceptado en la Sociedad de Ilustradores..

Ha realizado diversos trabajos de ilustraci贸n, murales, y muchos, muchos retratos de encargo para la gente de EE.UU.

Blog personal: http://michaelnaples.blogspot.com.es/

Este bodegón se llama Uncorked Tops.

En primer lugar, a simple vista, se observan cuatro botellas de vino que solo se ven hasta la mitad y en diferentes posiciones, es decir, unas más adelante que otras.

Todas las botellas están abiertas, y en una de ellas está el tapón con restos de vino rojo como se puede observar. Tres de las botellas son de tres tipos diferentes de verde y una es un color transparente. Unas son más altas y las otras más bajitas.

El fondo es un gris oscuro. En una de las botellas contiene la primera inicial del nombre del pintor y su primer apellido.

Para finalizar, es una obra que me ha gustado mucho por su sencillez y a la vez por la gran representatividad.

Al estilo de Michael Naples Marta Costa

Interpretaci贸 cubista

En la imagen se puede observar una rebanada de pan, untada con mantequilla y mermelada.

El autor juega con las sombras y las texturas de los diferentes tonos de rojo para hacer mรกs realista su obra.

La rebanada estรก sobre un fondo blanco.

Al estilo de Michael Naples Anet Esna

Interpretaci贸 cubista

En esta imagen se puede apreciar una copa de forma triangular con los bordes bien acabados.

Esta copa contiene un líquido que puede ser agua o cualquier bebida alcohólica que sea transparente, también contiene dos aceitunas atravesadas en el mismo sentido y por el mismo lado por un palillo de madera.

La copa está situada en un fondo blanco tirando a gris.

El autor quiere reflejar en esta obra mucha luz y claridad.

Al estilo de Michael Naples Carla Pint贸

Josep y Pere Santilari (1959)

Josep y Pere Santilari (Badalona, 1959) son dos artistas realistas que se dedican plenamente al mundo del arte.

Una de sus principales características es su técnica, basada en la graduación tonal y el fundido de los límites, prácticamente sin usar la construcción mediante el color como lo hacían los venecianos impresionistas.

En el primer plano de la imagen se ve la comida, que es un croissant, un trozo de chocolate, un poco de pan y un vaso de zumo que parece ser de naranja.

En el fondo tenemos la mesa de color naranja y la pared blanca.

Al estilo de Josep y Pere Santilari Jon Alonso

Este es un bodegón de los autores Josep y Pere Santilari. Nos encontramos ante una obra simple, ya que no incluye demasiados detalles, pero no por ello menos interesante.

En el primer plano encontramos el lugar donde los elementos principales del bodegón se sustentan: una mesa aparentemente de color frío. Aparentemente la fotografía está realizada en blanco y negro, por lo cual no podemos citar el color de cada elemento.

En el segundo plano y en línea encontramos una bandeja de papel albal llena de uvas y un pedazo de pan. La bandeja incluye dos tipos de fruta: unas cerezas y unas uvas blancas. La mayoría del volumen en la bandeja son uvas blancas, pero encima de ellas destacan unas pocas cerezas de claro tono más oscuro. Al otro lado del centro encontramos el pedazo de pan, el cual no parece estar formado por tonos excesivamente oscuros, ya que la zona más oscura del pan está condicionada por su propia sombra, mientras que las partes en las cuales la sombra no condiciona el color, encontramos muy pocos tonos oscuros. La miga del pan es muy clara, pudiendo asegurar que su tonalidad es íntegramente blanca.

En el último plano encontramos la pared. Como se ha especificado en el primer plano, el color parece ser uno de tipo frío, pero esta vez más claro que en el primer plano, haciendo que los elementos del segundo plano (los importantes) destaquen más en la imagen y sean el foco de atención de la misma La luz que ilumina este bodegón se encuentra en el lado derecho de la imagen, en dirección al lado izquierdo. La luz no viene totalmente paralela al eje del plano, formando un ángulo de entre 15º y 20º aproximadamente. En el eje vertical, la luz proviene de una altura muy similar a la de los elementos que están sobre la mesa. De todas formas, la luz proviene de un lugar sensiblemente más alto, ya que la sombra va cayendo. Pero pese a que la sombra caiga, no lo hace de manera demasiado notoria, por lo que la luz proviene de un punto que se encuentra por encima de la mesa a una altura aproximada de unos 15 cm, teniendo en cuenta una distancia mínima entre el bodegón y el foco de luz.

Esta distancia mínima es la que podemos presenciar en el bodegón, que va des del extremo izquierdo de la bandeja de papel albal hasta el límite visible de la fotografía.

Bodeg贸n Antonio L贸pez Torres

Al estilo de Josep y Pere Santilari V铆ctor Cantera

A primera vista, vemos un buen queso, unas uvas y una nuez rota delante de un fondo oscuro.

Por su tamaño y posición, el queso es el elemento que más destaca de la imagen. Se trata de un queso azul, cortado en cuña, y mide unos ocho o diez centímetros de altura. Es un queso que parece estar enmohecido y, por lo tanto, en mal estado. Pero, realmente es una de las características típicas de los quesos azules, como el gorgonzola o el roquefort.

En primer plano, encontramos una cantidad de uvas no muy grande, junto con un trozo de cáscara de nuez. Las uvas son de un color verdoso, con tonos grises. Estos tonos grises denotan la viejez de la uva, madura y rica. Su forma es ovalada, como la de un pequeño huevo, Esto lo podemos constatar ya que, al lado de la nuez, parece una canica.

La nuez es el elemento que menos resalta, seguramente, debido a su triste color marrón, parecido al de la pared. Ésta se encuentra en segundo plano, rota. Este hecho, hace que ni siquiera se pueda apreciar bien que aquello que se muestra es realmente una nuez.

La pared, en último plano, grisácea como las nubes lluviosas, engrandece la sensación de tristeza que muestra este bodegón.

Los colores de todos los elementos, poco llamativos, rotos, enmohecidos y separados (uvas) denotan el paso del tiempo, y la tristeza de este momento.

Para el autor, la vida es un tesoro y le produce tristeza el hecho que esta pase tan rápida y que además, tenga malos momentos.

Al estilo de Josep y Pere Santilari Pol Ben

Uvas y un pedazo de pan Josep y Pere Santilari

Al estilo de Josep y Pere Santilari VĂ­ctor Cantera

En el bodegón únicamente aparecen tres objetos. A la izquierda, hay una bandeja de plata que contiene higos en su interior (en mi caso cebollas) que está situada a la izquierda del cuadro.

Un poco más atrás hay un trozo de pan situado en el lado opuesto de la bandeja, y atrás de todo, situado más o menos en el centro hay una barra de chocolate envuelta en papel de aluminio.

Estos tres objetos están encima de una mesa marrón clarito y detrás un fondo blanco.

Al estilo de Josep y Pere Santilari Judit Laboria

Interpretaci贸 cubista

Tjaif Sparnaay (1954)

A partir de 1987, trabaja en una impresionante obra, siempre en busca de nuevas imágenes, nunca pintadas. Su mega realismo es parte del movimiento contemporáneo e internacional llamado hiperrealismo des que se considera uno de los más ilustres representantes.

Utiliza temas triviales, como huevos fritos, patatas fritas, sándwiches y botellas de ketchup, muñecas Barbie, mármoles y hojas de otoño.

Los infla a un tamaño enorme, como un trueno en la retina. Eso le da la oportunidad de explorar cada detalle con mucho cuidado y disecciona capa por capa con el fin de llegar a la esencia de la materia.

"Mis pinturas, dice Sparnaay, tienen por objeto permitir al espectador a experimentar la realidad de nuevo, otra vez dejando a descubrir la esencia del objeto que se ha vuelto tan común. Quiero volver al ADN de la estructura universal en toda su belleza. Yo lo llamo "la belleza de lo común".

En esta obra se puede apreciar una mesa de color marrón claro y un fondo azul.

Encima de la mesa se encuentra un gran bol transparente que contiene una ensalada y dos cucharas grandes. La ensalada es muy variada, lleva lechuga, que es lo que más abunda, tomate, aceitunas (negras y verdes). También se puede apreciar un huevo cortado, un trozo de cebolla y ajo.

Esta obra me sugiere vitalidad y alegría, ya que, contiene colores vivos.

El aceite que contiene también le da un toque refrescante a la obra.

A la manera de Tjaif Sparnaay Sergi Cardona

El cuadro presenta un huevo frito. Yo, no he encontrado el nombre original de cuadro pero yo le pondría “huevo frito”.

Principalmente en esta imagen se observan cuatro planos diferenciados. El primero es el fondo azulado; el segundo es la parte de debajo del huevo, marrón un poco quemada; el tercer plano es la clara del huevo, blanca con aceite; y el cuarto plano y último es el de la yema del huevo bien hecha, redonda y anaranjada.

Lo que contrasta más del huevo, es la parte de la yema, ya que es más luminosa. El pintor ha pintado de arriba hacia abajo ya que se ve desde arriba.

El huevo para mi gusto está muy bien hecho y bien presentado. La parte de detrás yo diría que es un plato aunque no se vea demasiado bien. Esta imagen presenta muy bien cómo es un huevo, con aceite que se va por los lados, un poco quemado… Es casi igual que un huevo de verdad ya que presenta todas las características necesarias.

A la manera de Tjaif Sparnaay Anna GarcĂ­a

En primer plano hay unas patatas bravas con pescado rebozado y están envueltos con un papel arrugado y con una mancha marrón.

Si pasamos al segundo plano, vemos una mesa de color marrón, un marrón oscuro, y en algunas partes se ve que la luz viene de la izquierda del cuadro y se observan sobre la mesa unas partes blancas como consecuencia de la luz.

Y ya para el final, el tercer plano, en el tercer plano se puede observar, un bote de ketchup rojo con el tapón abierto y el fondo es oscura, que lo que hace es resaltar estos tres objetos (ketchup, patatas y pescado) para que se vean con mucha claridad y que se la primera impresión que te llevas del cuadro.

A la manera de Tjaif Sparnaay Roger Ruiz

Esta naturaleza podría titularse Patatas con un toque de salsa.

En esta obra hay un suelo marrón clarito, mientras detrás hay un fondo azul degradado de menos a más, de blanco a azul marino.

Encontramos dos planos, el primero está situado al fondo, y en el segundo está situada una cajita con unas patatas fritas puestas al alzar sin ningún orden.

Esta cajita es blanca, con un tamaño mediano, rellena por unas patatas finas amarillas iluminadas por un brillo. Hay una serie de manchas de kétchup rojo en alguna parte de las patatas y un pequeño tenedor rosa situado justo en medio de ellas, puesto de manera perpendicular. Se encuentran una serie de patatas que están fuera de lugar y hace que destaque en la obra.

Toda la obra da una sensación de hambre, dan ganas de comértelo.

La colocación de los componentes tiene forma de un barco velero.

A la manera de Tjaif Sparnaay Eider Vidal

Tineke Stoffels (1907-1962) Pintora italiana que nació en Verona.

Le gusta fotografiarlo todo, desde sus plantitas del jardín hasta los ingredientes con los que ella cocina, se inspira en su pasado, en su profesor de historia y en sus clases y en su vida de pequeña.

Empezó en el mundo de la fotografía gracias a su padre que le regaló su primera cámara, pero su gran afición al arte empezó cuando su tía le llevó a un museo en Ámsterdam y se quedó totalmente paralizada al ver tanto arte concentrado en un solo edificio. Se inspira en su pasado, en su profesor de historia y en sus clases y en su vida de pequeña.

En la imagen podemos apreciar un bol con cerezas de diferentes tonalidades de rojo e incluso hasta un tono de amarillo que a mí personalmente me transmite lo mismo que la primavera, tranquilidad y un aviso de la llegada del verano, una fotografía sobre naturaleza muerta de Luciano Ventrone.

Una imagen en el que aparece un bol ni muy grande ni muy pequeño, con diferentes líneas de colores variados de plateado y alguna que otra de color dorado.

Colgando de los laterales, hay dos cerezas de color rojo amarillento que no cabían en el bol, porque está lleno de la fruta. La mayoría de color rojo como la sangre y otros amarillo como como el helado de vainilla, colores cálidos sobre un fondo de color frío, la pared gris claro, el recipiente plateado grisáceo encima de una mesa blanca.

A juzgar por la sombra, se puede ver que la luz enfoca desde arriba.

Como he dicho al principio, a mí me transmite una sensación de verano y creo que la intención el autor es destacar el color de las cerezas ya que es el único color cálido de la imagen.

Al estilo de Tineke Stoffels VĂ­ctor Cordero

En la fotografía se puede ver cómo predominam los colores rojos y blancos, también se ve que hay mucha luz y es de día. Se ven perfectamente unas fresas dentro de un bol, un trapo, un maletín, un tazo y una cuchara. Todo está encima de otra tela blanca, delante de una pared gris y sobre un armario.

Empezaremos con la pared gris del final. Es una pared lisa, de color gris, pero como el de una piedra. Se puede observar que es una pared vieja, que hace tiempo que está hecha o que la casa donde se sitúa nuestra imagen ya es antigua y tiene unos años.

Seguiremos avanzando la mirada hacia delante. Encontramos un maletín de cuadros rojos y negros. Como la pared, es también antiguo, con los colores desgastados, polvo, y con el asa oxidada y con el hierro de los alrededores también. Delante del maletín, a nuestra izquierda, podemos ver un bol volcado que no contiene nada dentro. Está sucio, con un poco de polvo, y se apoya en una fresita que ha caído del cuenco. Por fuera no tiene ningún detalle, es totalmente blanco y con polvo que le hace parecer un poco gris.

Si tiramos hacia la derecha encontraremos una cuchara que parece de madera, apoyada en el trapo rojo de cuadros que más adelante describiremos.

Para terminar ya con esta fila de objetos observaremos el cuenco de fresas. De color blanco con unos detalles de color rojo a juego con las fresas. El cuenco está lleno y hay dos fresas a su lado que parece como si se hubieran caído.

Todos estos objetos, como hemos dicho antes, están apoyados en un armario blanco oscuro con tonos de marrón para destacarlo. Justo encima de ese armario hay un trapo de un color beis. Supongo que el artista lo ha puesto ahí para que destaquen más tanto los objetos como sus colores y, sobre todo, y muy importante, la luz.

Y ya cerramos con el trapo arrugado de cuadros de colores blancos y rojos, detalle que me gusta mucho porque le da un toque muy rústico al cuadro y con la luz queda muy bien.

En mi opinión, las mejores cosas de esta fotografía son los detalles, los colores y la luz. Creo que es una muy buena idea y felicito a su autora porque de los que he visto hasta ahora este es la que más me gusta de todos.

Bodeg贸n Tineke Stoffels

Al estilo de Tineke Stoffels Mariona Guill茅n

Esta pintura lleva el nombre de Calenos.

En la obra se aprecia el fondo tenue, por lo que los objetos de delante tienen más luz y destacan más.

En primer lugar se observa mucha profundidad, porque las peras que hay al principio son más grandes en comparación con la copa de vino, por eso nos da sensación de que tiene volumen.

Delante de las peras podemos observar un cuchillo y una nuez partida por la mitad, que dan una sensación de tenerlas muy cercanas gracias a que las han representado más grandes de lo normal, así contrasta con la copa de vino y las peras, dando volumen a la obra.

La obra tiene un aspecto muy tenue, y los objetos más cercanos destacan por el uso de colores más vivos, que, junto a los objetos de la mesa, dan sensación de acercamiento hacia nosotros, de forma que parece una imagen en tres dimensiones y con diferentes puntos de vista.

Es una obra impactante por la forma de contrastar los objetos con el fondo y por la dificilísima manera de haberse pintado.

Al estilo de Tineke Stoffels Julen MĂŠndez

Interpretaci贸 cubista

La composición que veo ante mí es tan sencilla en apariencia pero muy cuidada en su colocación.

Sobre una mesa de madera, que nos evoca a los sencillos muebles de una masía, se posa, de forma casual, un paño de lino blanco sobre el que reposan los objetos que componen este bodegón.

Como elemento central podemos observar un jarrón de cerámica con unas ramas de olivo colocadas sin orden, de la misma manera que nos la encontraríamos en su propio árbol. En el mismo plano del jarrón cobra importancia una botella de cristal transparente con aceite de oliva, medio llena. Entre uno y otro, jarrón y botella, tenemos un pequeño recipiente de cerámica esmaltada.

En primer plano, y siguiendo el orden de izquierda a derecha podemos ver dos trozos de fuet, de aspecto casero, dos brillantes limones junto a un cuchillo rústico, con el mango de madera, gastado por el uso contínuo a través del tiempo.

Seguidamente, aparece el resto del fuet, casi consumido. Y un limón a medio pelar con la monda cayendo por el borde de la mesa, en espiral. Casi me llega el olor a limón recién cortado y sin querer segrego saliva al pensar en él, acto que me hace acercarme más y más al conjunto expuesto hasta el punto de sentir que estoy en él.

Termina la composición con otro fresco limón y unos trozos más de fuet cortados delante de él.

Al estilo de Tineke Stoffels Joel Panisello

Luciano Ventrone (1942) Luciano Ventrone nació en Roma el año 1942. Con cuatro años fue acogido en Dinamarca por Metha Petersen, quien le cubrió de la atención y regalos; entre otros, le dará una caja de lápices de colores… los mismos colores que marcarían su futuro y los del arte de la Italia actual, donde sus bodegones le han hecho ser idolatrado por una legión de seguidores, quienes valoran que su arte está hecho no solo de color, sino de una luz tranquila y tamizada increíble.

Regresó a Italia después de completar los estudios básicos, y se verá obligado, debido a las pobres condiciones de su familia, a probar suerte en diversos oficios que le permitirán, sin embargo, en 1960, asistir a la Academia de Bellas Artes en Roma. Después de graduarse en 1964, se matriculó en la Facultad de Arquitectura, En 1968 decidió abandonar sus estudios para dedicarse por entero a la pintura.

Ventrone prueba todos los aspectos del arte contemporáneo, hasta desembocar en el realismo y posteriormente en el hiperrealismo. En 1983 un artículo de Antonello Trombadori y el historiador de arte Federico Zeri despertaron su interés por tratar la cuestión de los bodegones o naturalezas muertas. Comienza entonces una larga investigación sobre los diversos aspectos de la naturaleza muerta, capturando cada vez detalles más concretos de los motivos casi invisibles para los “ojos humanos bombardeados por millones de imágenes ”, que es lo que les sucede a los hombres de nuestro tiempo.

En este bodegón podemos observar un despiece de una sandia. Se juega con la posición, el tamaño y la forma.

Para empezar, podemos ver el trozo más grande situado en el centro y según parece más atrás que los demás, debe estar ahí para no tapar el resto de trozos más pequeños y parece ser el trozo con más importancia de la pintura.

En segundo lugar, podemos ver a la izquierda del dibujo un trozo de un tamaño menor, con una forma diferente al anterior trozo y que más o menos está en la misma posición, no se tapan entre sí y cabe destacar que tiene un trocito más pequeño justo delante, en el cual podemos ver la profundidad que tiene la pintura.

En tercer lugar, en el lado derecho del dibujo, encontramos dos figuras, un trozo de sandía, más pequeño que los dos anteriores y con una forma diferente y delante de ella podemos observar unos cortes más pequeños de la parte comestible de la sandía, donde podemos ver cómo juega con las formas y las posiciones, ya que se encuentra más adelantado respeto las demás figuras.

Para acabar, decir que el autor de este bodegón combina muy bien los colores y el contraste del rojo con el fondo negro y el suelo blanco es perfecto.

Al estilo de Luciano Ventrone Leandre GarcĂ­a

En el primer plano de la fotografĂ­a se puede observar una cesta de mimbre hecha a mano, con dos asas.

Encima se observan unas naranjas, de las cuales una esta abierta y seca para darle el puntillo de muerto a la fotografĂ­a.

Al lado izquierdo encuentras dos naranjas orientadas hacia el mismo sitio y al lado derecho una naranja con una hoja. Esta es un poquito mĂĄs amarillenta.

La cesta y las naranjas se encuentran sobre una base blanca, en la cual se aprecia la sombra de la cesta. En el fondo se observa una superficie lisa de color gris, que, gracias a ella, da luz para que resalte la cesta con las naranjas.

Al estilo de Luciano Ventrone Cristina Guinovart

La obra se llama Bodegón con cebollas. Se aprecia un cuenco de madera, tallado con figuras humanas, dentro del cual hay unas cebollas .

En primer lugar, se observa que hay mucha luz, hasta el punto que se puede ver la sombra del cuenco.

En su conjunto tiene volumen y un realismo extremo característico del autor. Las figuras humanas, muy bien hechas, dan sensación de profundidad.

En la obra, no hay ningún objeto que esté por delante del cuenco, por lo que podemos distinguir que hay tres cebollas secas encima y parece que no se haya tocado en mucho tiempo.

Las cebollas dan sensación de que el cuadro no esté vacío, así se concentra lo importante en un solo punto central de la obra .

Concluyendo, la obra tiene un aspecto muy realista, y a la vez representa perfectamente la naturaleza muerta o decadente de la obra del autor.

Al estilo de Luciano Ventrone Mariano MartĂ­n

En la imagen podemos apreciar un bol con cerezas de diferentes tonalidades de rojo e incluso hasta un tono de amarillo que a mí personalmente me transmite lo mismo que la primavera, tranquilidad y un aviso de la llegada del verano.

El bol no es ni muy grande ni muy pequeño, con diferentes líneas de diferentes tonalidades de plateado y alguna que otra de color dorado. Colgando de los laterales, hay dos cerezas de color rojo amarillento que no caben en el bol, porque está lleno de fruta. La mayoría son de color rojo como la sangre y otras amarillo como el helado de vainilla.

Son colores cálidos sobre un fondo de color frío, la pared gris claro, el recipiente plateado grisáceo encima de una mesa blanca. A juzgar por la sombra, se puede ver que la luz enfoca desde arriba.

Al estilo de Luciano Ventrone Jing Jing Zhu

En este proyecto colaborativo han participado los alumnos de 4º de ESO del INS La Mar de la Frau: Jon Alonso Naira Anaya Dídac Alonso Markel Artabe Jordi Alsina Guillem Álvarez Pol Ben Daniel Briz Mercè Canela Víctor Cantera Claudia Cardenoso Sergi Cardona Hugo Casajuana Daniel Castro Laia Clúa Víctor Cordero

Paula Corpas Marta Costa Anet Esna Ariadna Esponey Jimena Fernández Anna García David García Leandre García Marc García Marina García Mariona Guillén Cristina Guinovart Miquel Gómez Marta González Laia Granero Marcel Gutiérrez

Luiza Guz Rupert Harvengt Ana Hernández Laia Homdedeu María Julve Judith Laboria Minja Langel Marc Llobet Elsa Márquez Jamal Martí Mariano Martín Julen Méndez Laura Molero Andrés Montoya Sandra Murillo Elena Ortiz

Coordinadoras del proyecto Isabel Castro Francesca Cristina Ana Pulido Departamentos de Lengua castellana y Visual i plàstica INS La Mar de la Frau (Cambrils)

Pol Ortiz Joel Panisello Carta Pintó Marta Ribera Adrián Rigal Marc Rodríguez Adrián Ruiz Roger Ruiz Albert Sánchez Yaiza Tapia Tobías Ton Liana Unayan Sem Van Leuwen Lauren Vega Susana Velasco Eider Vidal Álex Vílchez