Directorio Director General Fernando Fonseca Cárdenas fernando@indie-rocks.com Editor en Jefe Luis A. González Arenas luis@indie-rocks.com Co-editor Alberto A. Gutiérrez Pita alberto@indie-rocks.com Arturo Tapia arturo@indie-rocks.com Cordinación editorial Paulina Suárez paulina@indie-rocks.com Amanda Tovalin amanda@indie-rocks.com Asesor Legal Jorge León y Rico Rebollar & Fritz
PUBLICIDAD Y VENTAS Director de Mkt Alejandra Moreno alejandra@indie-rocks.com Ventas Eric Vázquez eric@indie-rocks.com Rodrigo Rodríguez rodrigo@indie-rocks.com 35-42-89-19 Circulación / Suscripciones Israel B. Aguilar Gasga bene@indie-rocks.com 59-70-36-47 / 56-14-37-60 ARTE Y DISEÑO Dirección de Arte Cynthia Flores Contreras cynthia@indie-rocks.com Diseño Gráfico Lorena Clemente Velasco lorena@indie-rocks.com
Contacto y Contrataciones bene@indie-rocks.com Prensa y Medios Aline Barrera aline@indie-rocks.com myspace.com/victimasdrcerebrooficial myspace.com/dardoweb myspace.com/ebyrock myspace.com/indierocksrecordsoficial
Fotografía Carlotta Cardana carlotta@indie-rocks.com Óscar Villanueva oscar@indie-rocks.com Kross Kr. indie-kross.com Ilustraciones Sergio Saucedo (Gdl.) Reez (Chih.) Beatrix G. De Velasco (D.F.)
Editorial Colaboradores Alberto Lima Arturo Tapia Carolina Arteaga Carolina Gómez Charly RamGro CHKL Eduardo Ramírez Eileen Or Not Fernando Cuevas Jorge Carreón Jorge León José Eduardo Padilla Juan Carlos Hidalgo Leonardo Cervantes Luis Reséndiz Luisinho Marcela de León Mario Villagrán Midori Kaiju Oliver Jam Paulina Suárez Pita Lugosi Pepe Rodríguez René Verduzco Salomón Morales
Además, este número es muy especial para nosotros, es el primero en que tenemos una portada en la que no aparece una banda como tal: contamos con un cineasta, pero no cualquiera, nada más y nada menos que el mismísimo ¡Robert Rodriguez! Dudo que alguien se atreva a quejarse, ya que no sólo es un prestigiado director, también es músico, productor, editor y mucho más. Un artista original y exitoso que nos ofreció una agradable entrevista. Recuerden, lo independiente no sólo está en la música. Seguiremos teniendo muchas muchas sorpresas más en la ciudades de Guadalajara, Querétaro y DF. Fernando Fonseca Cárdenas Director General
En Los Ángeles: Oscar Zagal Steve Appleford Servicio Social Editorial Lizeth Serrano Servicio Social Mkt Diandra Cruz Webmaster nGWiSE www.ngwise.com
Año 5 NUM. 42 Indie Rocks!, la revista del mundo independiente, es una publicación mensual y una marca registrada. Editor responsable: Fernando Fonseca Cárdenas. Número de Certificado de Reserva Otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2009-110914511800-102. Número de Certificado de Licitud de Título: 13687. Número de Certificado de Licitud de Contenido: 11260. Domicilio Fernando Montes de Oca #14 Col. Condesa C. P. 06140, México, D. F. Derechos Reservados. Se prohíbe la reproducción total o parcial del contenido por cualquier sistema o método, incluyendo electrónico o magnético, sin previa autorización. El contenido de esta publicación es responsabilidad de quien lo firma y no refleja necesariamente la opinión de Indie Rocks!. Impresa en “Impresiones Modernas S.A. de C.V.” Sevilla 702 B, Col. Portales C.P. 03300, México D.F. Distribuida por CITEM, Av. De Cristo # 101, Col. Xocoyahualco, Tlalneplanta, tel. 5360 00 00.
“Esta revista cuenta con apoyo otorgado por el Programa “Edmundo Valadés” de Apoyo a la Edición de Revistas Independientes 2009 del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes”.
¡Al fin llegamos a Guadalajara!= Para celebrarlo, presentaremos la revista este 9 de septiembre con una gran fiesta. En ella actuarán Stereo Total, Eby, Eva Lumbre, Ninja Gaiden y The Profile en el FBolko. Como siempre, nuestros suscriptores entran gratis, y aquéllos que no lo sean, también están invitados: pueden conseguir sus entradas en las promociones de nuestras redes sociales o comprándolos directamente en los puntos de venta de E-Ticket.
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Contenido 06_MIRA 08_RESEÑAS
52_RETROVISOR
22_MANDARINA •Alina Poulain •Oliver Voigt
Oliver desarrolló un método para pintar que es poco común, el pincel lo cambió por un arma de castigo: un látigo. Tras unos meses de práctica, su precisión para alcanzar varios blancos era cada vez mejor, por lo que tuvo la idea de poner color (acrílico) en la punta de la cuerda y así empezar a latiguear hacia su lienzo.
30_PBO_Nal. •Shenan •Sexy Marvin
34_¿Y_ESTO_QUÉ?
Electricidad: Algo (sobre) natural 36_PBO_INTERNACIONAL
•Ana Tijoux
Ana Tijoux nació en Lille, Francia, lugar donde sus padres llegaron huyendo de la sangrienta dictadura que vivía Chile en aquellos tiempos, siendo Ana víctima de las circunstancias para mal y aprovechándolas excelentemente para bien, pudo apreciar y visualizar a través de los años las diversas realidades, sobre todo, en el plano cultural, en los brazos del Hip Hop.
•Ozomatli
Mercury Rev 56_DRESS_&_ROLL
Remeritas: Back to School
62_FRENTE_1/2 The Ravonettes
En medio de una logística atropellada y en un camerino acalorado (como pocos en la vida), los rostros de Sharin Foo y Sune Rose nos recibieron radiantes como el sol y llenos de energía —como si se tratara de un par de jovenzuelos antes de su primera tocada. Sus bondades parecen regalos de los fríos característicos de su natal Dinamarca, entre ellas, aparentar mucha menos edad de la que en realidad tienen. Por suerte, en este punto de la carrera fructuosa y constante, su sonido no parece contradecirlos..
68_MUNDO_INDIE
T IN THE PARK & GLASTONBURY 2010
71_LABEL_DEL_MES Blue Note
Extasiado por la belleza de los sonidos de rhythm & blues, el swing y el boogie, y con el creyente fervor de que aquello era además una manifestación sociocultural, el joven alemán Alfred Lion, junto con Max Margulis (un escritor comunista), se propusieron crear un sitio en el que pudieran registrar y a la vez expandir esos sonidos que habían sido llevados a otro nivel por la influencia de esclavos africanos. Creando así un estudio de grabación y estableciendo la compañía discográfica Blue Note.
74_ROCKEANDO 41_FRENTE Robert Rodríguez 82_FRENTE_1/2
Cineasta por vocación pero guerrillero de corazón, Robert Rodríguez es un estandarte de la independencia: inventor del mariachistyle; buen escritor (además de sus guiones, publicó el exitoso libro Rebel Without A Crew Or How a 23-Year-Old Filmmaker With $7,000 Became a Hollywood Player en 1995); excelente cocinero, según prueban sus prácticas recetas chicanas, incluidas como bonos en sus DVD’s; exitoso compositor y músico (él mismo sonoriza todas sus películas con una consola y también se presenta en vivo con su banda Chingón). ¿Le falta algo?
Stereo Total Hablamos con Françoise Van Hove, que en
46_¿Y_ESTO_QUÉ?
88_APARATEJOS
El verano es de quien lo trabaja
48_CLAQUETAZO
Sebastián Cordero desata su Rabia en la pantalla grande
realidad —la de Stereo Total— se hace llamar Françoise Cactus, la bella mujer que junto con Brezel Göring, nacido con el nombre Friedrich Ziegle, forma Stereo Total; ellos vendrán a aguzarlos, a divertirlos y a sacudirlos. No esperes consignas del recetario de la arenga ponzoñosa habitual; esta vez tú eres el campo de batalla, el enemigo está adentro, te duerme y vive en ti, pon atención, Stereo Total viene a México en septiembre y presenta Baby Ouh!
90_CALENDARIO
94_REPORTAJE_ESPECIAL Apocalyptica
Cuando
los hipsters se vuelven maestros de historia
Lo más seguro es que gracias a la tecnología la selección natural ya no está funcionando tan bien como debería… esa es la única forma de explicar cómo es que en la encuesta recientemente aplicada a 40 mil británicos, el iPhone fue considerado como la octava mejor de las cien invenciones más importantes de la humanidad, sobrepasando a la cámara fotográfica, el refrigerador, el internet, el maquillaje, la brújula y a los inodoros (quisiera ver una aplicación capaz de reemplazar a los inodoros). Afortunadamente los ingleses no han perdido del todo la perspectiva de lo que es importante, logrando que la rueda fuera la invención más trascendente de toda la humanidad, seguida por los aeroplanos, la bombilla eléctrica, el Internet y las computadoras. Incluso es reconfortante saber que la gente aún considera más importante a la penicilina y al teléfono que a sus iPhones… ¿Quién dijo que la educación en Europa es mejor que la nuestra, si la gente piensa que sus productos de Apple son más importantes que las píldoras anticonceptivas para la historia de la humanidad?
Aprendiendo hasta en sueños: criando
a los súper villanos del futuro hoy Recientemente un equipo de científicos descubrió que los bebés no sólo sobrepasan a los adultos en aptitudes como ser irritantes o lograr despertar a todo un edificio de un solo grito. Resulta que su tierna mente posee la increíble capacidad de aprender cuando están dormidos y aparentemente, aprenden más en sueños que despiertos, lo cual resulta importante, ya que en promedio los infantes pasan un promedio de 16 a 18 horas dormidos. En el experimento realizado por Tristan Bekinschtein, los infantes de uno o dos días de edad eran sometidos a un estímulo que soplaba aire en sus párpados cada vez que una nota musical sonaba. En poco más de quince minutos los bebés habían aprendido a asociar esa nota con el estímulo y cerraban sus párpados fuertemente para evitar la molestia, todo mientras dormían. Ya sabíamos que los pequeñuelos son esponjas de información, así que el estudio del Doctor Bekinschtein debería ayudarnos a evitar que críen a los niños frente a los televisores o cerca de reggaetoneros.
por
Trabajadores como
Pit
aL
ugo
si
abejas
llenas de cafeína y nicotina La naturaleza nos demuestra que no somos los únicos seres vivos a los que les gusta obtener un boost de energía con un poco de azúcar acompañada de estimulantes del sistema nervioso que son perjudiciales para nuestro organismo. Las abejas, conocidas por ser uno de los insectos más trabajadores de la naturaleza, prefieren el néctar de las flores que tienen pequeñas concentraciones de sustancias intoxicantes como la cafeína y la nicotina. Así fue como los Doctores Ido Izhaki, Gidi Ne’eman, Moshe Inbar y Natarajan Singaravelan, en la Universidad de HaifaOranim, determinaron que algunas especies de flores han desarrollado esas cantidades de químicos para hacer adictos a los insectos y propiciar su polinización. Claramente la lección que nos deja este hallazgo es que la naturaleza funciona como un dealer y que jamás debes llevar un café azucarado cerca de un panal.
cría buitres y 99
Cría cuervos y te sacaran los ojos,
encontrarán cadáveres por ti…
Hay algo en la sangre teutona que ayuda a realizar las cosas simplemente en otro nivel, ya sea en el arte, la filosofía, las matemáticas o las simples costumbres navideñas (admítanlo, ustedes jamás han utilizado su pino navideño como altar de sacrificios humanos a Odín). ¿No me creen? Pues ”Sherlock”, el buitre entrenado por German Alonso en Walsrode, Alemania, es un plumífero al servicio de la policía alemana que posee un olfato más desarrollado que los perros rastreadores (pueden detectar la esencia de carne en descomposición a 1,000 metros de distancia), además de que puede cubrir más terreno que los equipos de rastreo caninos y humanos. El único problema es que estas aves son difíciles de adiestrar; sin embargo, Alonso no descansará hasta tener un ejército de aves carroñeras adictas al olor de carne humana putrefacta. Sus esfuerzos sonarán risibles, pero todos le agradeceremos cuando detengamos las invasiones zombis gracias a sus buitres cazadores de carroña.
Cindy Blackman She & Him Another Lifetime
Four Quarters Entertainment, 2010
****
Por Alberto Lima
Para muchos, el nombre de Cindy Blackman está más asociado a su rol como baterista regular en la banda de Lenny Kravitz, sin embargo, Blackman es también una reputada jazzista con una amplia carrera solista. Another Lifetime es su álbum más reciente en donde rinde homenaje a su mentor, el ya fallecido baterista Tony Williams, quien fuera colaborador crucial para Miles Davis durante la década de los 60. Para tan osada aventura decidió venir en compañía de monstruos contemporáneos como Mike Stern (guitarra), Joe Lovano (sax tenor) y Vernon Reid (guitarra), entre varios. El último trabajo de la Blackman refrenda las diversas virtudes de una baterista cuyo enorme talento iconoclasta nos place con vívidas sonoridades que enriquecen el panorama del jazz actual.
Volume Two Domino Records, 2010
*****
Por René Verduzco
La colaboración entre la actriz Zooey Deschanel y M. Ward era sólo un experimento hace un par de años, pero, en vista del éxito que obtuvieron, ahora regresan con un segundo volumen de canciones melódicas, consolidados y sobre la línea de hacer composiciones originales con el estilo nostálgico de las bandas que reinaban en la década de los 60 en Estados Unidos. Hay covers que gracias a la hermosa voz de Zooey parecerían nuevos; su simpatía histriónica puede verse en el vídeo musical del primer sencillo In The Sun. Sugeridos los covers de Gotta Get Along Without You Now y Ridin’ In My Car.
Natalie Merchant Leave Your Sleep Nonesuch, 2010
****
Por René Verduzco Cortés
Tras siete años de ausencia, la ex vocalista de 10,000 Maniacs se manifiesta como nunca con uno de sus proyectos más ambiciosos, Leave Your Sleep. Una colec-
ción de poemas sobre la infancia adaptados a canciones y separadas en dos discos. La voz de Merchant sigue ahondando en las almas de sus escuchas con la misma intensidad de siempre, sumada al exotismo de ritmos americanos, europeos y asiáticos. Un nuevo terreno en la carrera de la intérprete de Because The Night Belongs To Lovers. La artista se ha superado con cada producción y ésta no es de ningún modo la excepción. Destacan Equestrienne, The Dancing Bear, Indian Names, If No One Ever Marries Me y The King Of China’s Daughter.
Rooney Eureka Warner Music, 2010
*****
angelino ofrece canciones irresistibles, calificadas por la crítica como “himnos de coronación con elaboradas y soleadas armonías vocales”. Eureka, un disco lleno de ganchos, guitarras reverberantes y armonías provenientes del corazón con doce tracks contagiosos y estimulantes. Muy recomendables los temas I Can’t Get Enough y Stars And Stripes, entre muchos otros en donde el eclecticismo total se hace patente. Rooney es una banda imparable que ha ido de gira con Weezer, The Strokes, Travis y Granddaddy, logrando una legión de fans leales desde sus inicios, así como invitaciones a los shows televisivos de Jimmy Kimmel, Conan O’Brien, David Letterman, entre muchos otros. Por algo será…
Por Pepe Rodríguez
Este aclamado cuarteto
Morrissey
Maladjusted Universal, 2009
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Por Alberto Lima
Vilipendiado y despreciado en su momento, fue al parecer la piedra en el zapato para Morrissey durante buena parte de su carrera. Desde la portada misma —gris y desangelada—, se presagiaba ya lo fallido. Sin embargo, trece años después, la resurrección y reivindicación son posibles. No sería exagerado afirmar que a este álbum le calza bien el término de reinvención, con una nueva portada más sugerente y estética, reordenamiento
de las melodías e inclusión de nuevas piezas y omisión de otras. Con los veteranos, sus leales guitarristas Boz Boorer y Alain White a cada lado, este álbum de Morrissey,
Niña
Willie Nelson VS Ralph Macchio Happy-Fi, 2010
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Por José Eduardo Padilla
Niña, banda originaria de Monterrey, ha transformado la escena del rock independiente en México con Willie Nelson VS Ralph Macchio, la primera entrega en una serie de tres EP, en donde el glam, el blues, el country y algunos géneros más se acoplan al estilo rockero de estos regios. Después de catorce años de experimentar con sus sonidos, han logrado
con las adecuaciones pertinentes, parece y suena como una obra totalmente nueva a la que vale la pena otorgarle una segunda oportunidad.
que las letras de este EP mantengan la felicidad que caracteriza a Niña y se fusionen a la perfección con sus instrumentos. El álbum comienza con su primer sencillo titulado Willie Nelson, una rola que sirve de ejemplo al resto del disco y se puede descargar de manera gratuita en la página oficial de la banda. Niña suena más fresco y colorido que nunca, con canciones pegajosas y divertidas que fácilmente llegan a lo profundo de tus sentidos incitándote a entonarlas.
con la participación vocal de Jesy Fortino (Tiny Vipers), aunque de entrada les advierto que a algunos les parecerá chocante al oír a esta chica al principio, pero si ponen más atención al trabajo de Irisarri notarán que es más cautivador y enigmático.
Pulp, Suede), son puntos claves. Nos encontraremos entre ritmos cómodos y como si fuera un romance en movimiento, a Cameo Brooch. Debemos darles crédito por revivir viejas añoranzas de aquel Madchester.
The Watson Twins The Courteeners Talking To You, Talking To Me Falcon Polydor, 2010
Team Love, 2010
Por Luis Reséndiz
Por Luis Reséndiz
*** The Sight Below On It All Falls Apart
Ghostly Int., 2010
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Por Carolina Gómez
Como si extrajeran petróleo de un manto de sonidos celestiales, así emana poco a poco el sonido que saca del anonimato a Rafael Anton Irisarri (The Sight Below). Podrán encontrar muchas texturas en este segundo álbum, algunas bastante repetitivas (la única falla que le encontré al disco), pero afortunadamente las guitarras y algunos sonidos ambientales disminuyen ese defecto. Además de que es excelente el cover a Joy Division, New Dawn Fades,
Desde su debut con St. Jude, The Courteeners han demostrado no ser una banda más del montón, aunque con algunas críticas por considerarlos como imitadores de Oasis y preguntándose por qué no son ellos mismos, han recibido gran elogio y hasta se han hecho de un gran defensor y admirador: Morrissey. Sin importar que esto sea cierto o no, debemos estar atentos a ellos, aunque algunas rolas de este material les sonarán entre Elbow, U2 y Glasvegas, este material cava hasta llegar al corazón. La canción The Opener es sin duda un ejemplo. Simplemente su sonido recuerda a los buenos tiempos de Manchester. You Overdid It y Cross My Heart & Hope To Fly (producida por Ed Buller:
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suenan a alt folk. Así es: son nenas lindas que cargan con un gran look, también es verdad que tocaron con Jenny Lewis; pero eso no les quita nada como artistas. Podemos asegurar sobre su segundo álbum, Talking To You, Talking To Me, que es un disco muy bien logrado. Las Watson Twins hacen un pop folk con tintes alternativos y un enorme sentido de la canción popular perfecta. Además, su instrumentación resulta reconfortante en estos tiempos de excesos de synths y de alineaciones guitarrabajo-batería. Chandra y Leigh Watson no temen usar pianos, cuerdas, voces o alientos. Como dije, su sonido es agradable, poco innovador quizás, pero muy cumplidor, que merece, sin duda, más de una oída. Altamente recomendable.
Las gemelas Watson no son del montón. Es cierto:
Jónsi Go
XL Recordings, 2010
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Por René Verduzco Cortés
Así como en el 2006 Thom Yorke decidió mostrar su faceta solista alejándose de Radiohead, ahora, Jónsi Þór Birgisson (guitarrista y voz de Sigur Rós), se presenta con Go, un álbum introspectivo y alegre donde su estilo está impreso en cada canción con su peculiar falsete como sello característico. Sobre todo en el sencillo Go Do podemos notar su inconfundible estilo. Go tiene marcadas influencias de lo que hacía con Sigur Rós en el 2008,
en Með suð í eyrum við spilum endalaust, pero esta nueva etapa refleja menos melancolía y percusiones más caóticas, como en Animal Arithmatic. Una vez más
The Doors The Doors: Live In Pittsburgh 1970 Warner Music, 2008
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Por Alberto Lima
Es en las presentaciones en vivo donde se valora mejor la calidad de un grupo o intérprete. La tecnología propia de nuestros días mantiene frescos a artistas que por obvias razones generacionales no nos tocó apreciar. The Doors: Live In Pittsburgh 1970 es un disco que registra el concierto que ofreció la agrupación en 1970 en la Civic Arena de la ciudad, durante la gira del álbum Morrison Hotel; una fecha donde la magia sonora del cuarteto californiano se concentró no sólo en las distintivas improvisaciones poéticas e instrumentales, sino además en esos arriesgados visajes armónicos la frescura y originalidad del islandés queda reflejada en canciones que bien podrían ser de cuna o himnos a los más bellos sentimientos de la humanidad.
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de un rock más técnico hasta un rock áspero y acerado, consolidando una de las estéticas más definitivas emanadas del mutante género rock.
Foals
Total Life Forever Sub Pop, 2010
***
Por Carolina Gómez
Sin duda Foals necesitaba un disco con un sentido, con más experiencia y tan movido como Antidotes. Afortunadamente
con Total Life Forever logró pasar la prueba. Si lo comparáramos con su entrega anterior, en esta ocasión los ritmos exploran nuevas fronteras sonoras con poliritmos que doman totalmente a estos potros, tal como en Blue Blood. This Orient es un equilibrio entre estilos y matices (con una estela de Bloc Party); mientras Spanish Sahara, canción inspirada en el encuentro que tuvieron con un perro muerto flotando en el mar, demuestra sus capacidades musicales con letras inverosímiles. 2 Trees es como un Radiohead descosido; mientras que Miami y Total Life Forever son el vínculo entre los dos trabajos de Foals, fusionando los seres humanos y las máquinas como lo manifiesta en sus letras con singularidad.
Marcus Miller Marcus
Concord Jazz, 2008
*****
Por Alberto Lima
Multiinstrumentista, compositor y productor, Marcus Miller es un avezado bajista que comenzó su carrera al colaborar para Miles Davis. Aún cuando su faceta como solista es menos conocida (en comparación a su labor como músico de acompañamiento), sus discos poseen —gracias a su pericia y virtuosismo como ejecutante— la gran cualidad de dotar al bajo de una presencia vital en la grabación y no reducirlo a un mero instrumento de acompañamiento. Titulado simplemente Marcus, este es su primer trabajo con el sello Concord Jazz.
Sony, 2010
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Por Luis Reséndiz
MGMT strikes again! Después de tomar al mundo por sorpresa con su hypeado, pero no por ello menos efectivo, Oracular Spectacular, el dueto electro-rock oriundo de Connecticut regresa con su tan esperado segundo álbum, titulado, muy efectivamente, Congratulations (un nombre facilitó el trabajo de los que querían comérselos a críticas o alabanzas). Les puedo decir que es un disco estupendo y agradable, completamente alejado de la sencillez del primer álbum; se adivina sincero entre sus ires y
**** Por CHKL
The Soft Pack The Soft Pack
***
Por Carolina Gómez
venires postpsicodélicos y pseudoexperimentales. Este par de músicos decidieron dar el siguiente paso en una dirección que se adivinaba, pero que no era segura, y arriesgando el todo por
el todo lanzaron un disco que es más Pink Floyd que indie pop y se agradece. Sin duda merecen una felicitación los chicos de MGTM por el trabajo de este calibre.
cial, Answer To Yourself, con algunas declaraciones. Poco a poco, nos vamos descomponiendo, en un buen sentido, con insinuaciones de Flammable y la melodía asesina de Parasites, y calmándonos con Mexico. Definitivamente no será sorpresa que The Soft Pack ronde durante el año en nuestras cabezas.
Codeine Velvet Club Codeine Velvet Club Dangerbird Records, 2009
Kemado, 2010
MGMT
Congratulations
Como de costumbre, Miller elabora una serie de mezclas sonoras que oscilan entre jazz, funk, pop, rythm & blues, hip hop y un enorme etcétera de géneros musicales. Con una maravillosa interpretación de Higher Ground, original de Stevie Wonder, realiza una versión que compite con la realizada en 1989 por Red Hot Chili Peppers en el disco Mother’s Milk.
Saludables y modestos, pero con sus propios límites, The Soft Pack (antes The Muslims) lanzó su primer material de larga duración, un disco homónimo lleno cadenas de riffs y acordes que definitivamente divierten, aunque las letras en ocasiones son profundas y otras veces no dicen nada. Quizás estos chicos de San Diego sean muy parecidos a los Strokes, The Hives, The Stooges y The Modern Lovers. Canciones casi hechas de velcro, como C’Mon en un tono menor, furioso y prematuro, y Down On Loving’, que rechaza el amor absolutamente. Hay algo que golpea nuestras cabezas, el sencillo ofi-
Es básico echarle un ojo a Codeine Velvet Club, una banda nueva, originaria de Glasgow formada a fines de 2009. Cuenta con la presencia, nada más y nada menos, del maestro Jon Lawer (The Fratellis) que hace gran mancuerna con la excelente, clásica, sexy e inocente voz de Lou Hickey. Codeine Velvet Club te hará vibrar y viajar a un lugar desconocido entre nuestra realidad y los dulces 50. Su primer álbum te envuelve en buena vibra mezclando sonidos clásicos de las big bands cincuenteras. Arreglos de trompetas y guitarras eléctricas, además del peculiar sonido britpop de la actualidad, son la bandera de este trabajo. Temas como Nevada levanta el ánimo, palpando sutilmente lo romántico; Hollywood te hace brincar y The Black Roses respirar. Si tuviste un mal día, ponte de buenas con este disco.
The Wizard Of Oz: 70th Anniversary Ultimate Collector’s Edition Víctor Fleming, 1939 101 minutos Por Pita Lugosi
The Marc Pease Experience Todd Louiso, 2009 84 minutos Por Carolina Gómez
Una de las propuestas más sobresalientes de la televisión americana ha sido la serie musical de covers Glee, pero Todd Louiso presenta lo que podría ser como el primo lejano cinematográfico: The Marc Pease Experience. Esta cinta tuvo muchos retrasos en su estreno, pues hasta este año pudo comenzar a proyectarse. La película comienza con un flashback ocho años atrás, cuando un “perdedor” sale corriendo y chillando de una obra de teatro que él protagonizaba (El mago de Oz), y de ahí en adelante la historia se concentra en su esfuerzo por reivindicarse. Algunas secuencias son muy inconsistentes, lo que provoca que no haya una química perfecta con la audiencia (los plot holes provocan un desinterés por los personajes), aunque el cruel humor de la trama la libran decentemente de la maraña. Aunque eso sí, Ryan Murphy, Brad Falchuk e Ian Brennan, (creadores de Glee) fácilmente habrían hecho más útiles la hora y media de película.
Hay pocas cintas que resisten el pesado juicio del tiempo, pero sin duda de las pocas que sigue saliendo bien librada es The Wizard Of Oz, parodiada por muchos, recordada con amor por aún más; el trabajo de Fleming es un documento de una época más esperanzadora donde todos los problemas se resolvían con un musical. Estamos hablando de películas que buscaban hacer soñar a la gente, confiar en el valor de la amistad y, sobre todo, apostar para emocionar al niño que todo mundo lleva dentro. A 71 años de su estreno, aparece una edición en formato digital que revive con todo detalle las
The Human Centipede Tom Six, 2009 90 minutos Por Midori Kaiju
Esta cinta es una de las experiencias más intensas, incómodas y memorables que he tenido en un buen rato. Probablemente es porque soy de la vieja guardia, que gusta de las películas de terror con plots ridículos, tirándole al sci-fi, pero que saben ser enfermizas y escalofriantes cuando deben serlo. The Human Centipede comienza con el
aventuras de Dorothy Gale y su viaje de regreso a Kansas después de adentrarse en el fantástico Mundo de Oz, un lugar donde abundan las brujas y magos, así como sorprendentes creaturas incompletas (vamos, todos sus compañeros de viaje tenían importantes carencias). Si uno de los más grandes clásicos del cine no es suficiente como para convencerlos, este paquete de colección tiene suficientes goodies como para hacerlo: en total se suman más de siete horas de extras, más un modo de karaoke con todos los temas musicales de la cinta y una galería de fotos inéditas. viaje por Alemania de dos rubias guapetonas (léase damiselas en desgracia), que acaban encerradas con un cirujano de bizarras costumbres (en efecto, el villano) que tiene una meta en la vida: crear un ciempiés humano, combinando tres personas. Créanme, pese a que no es gore el asunto, ni se ven las cirugías, la criatura es una maravilla gracias al maquillaje y las actuaciones. Probablemente algunos queden demasiado impresionados, seguramente habrá grupos protestando contra esta película. Simplemente, si les gustan las películas con villanos divertidos y malévolos, con una trama sólida (con todo y que tiene algunos detallitos), y sobre todo, que aman ver cosas horripilantes, les recomiendo este filme.
Dumb & Dumber Bobby Farrelly y Peter Farrelly, 1994 113 minutos Por Pita Lugosi He de admitir, sin pena ni remordimiento (pues eso sería
Probablemente mi extra favorito sea The Wonderful Wizard Of Oz Storybook, que es una versión animada del cuento de Lyman Frank Baum, narrado por Angela Lansburry, una historia donde jamás se es demasiado grande para poder disfrutarla.
más bien confesar), que Jim Carrey es uno de mis actores favoritos, probablemente por cómo me hizo reír en mi infancia con Ace Ventura: Pet Detective y con su delirante interpretación del sádico psicópata de los cómics The Mask. ¿Qué puedo decir?, mi sentido del humor lo definieron Carrey y Leslie Nielsen. Fue una especie de placer culposo encontrarme de nuevo con Dumb & Dumber digitalizada, recordando las andanzas de un par de descerebrados vividores que se embarcan en una odisea en las carreteras norteamericanas, abordo de su camioneta con forma de perro, para devolver un portafolio que tomaron por equivocación y que desafortunadamente para ellos está lleno de dinero de mafiosos. En un sinuoso recorrido que oscila entre la estupidez, lo escatológico y lo simplón, Jeff Daniels y Jim Carrey pueden darles horas de asco o diversión; yo le apuesto a la segunda.
Ya era justo y necesario que esta cinta tuviera su tratamiento de la era digital, pues su impactante fotografía de altos contrastes no alcanzaba a percibirse del todo en un cinescopio de rayos catódicos (recuerden que las Beta y VHS tenían una calidad que los televisores no podían mostrar); no hay ruidos cromáticos, ni sangrado de los colores y los tonos carne de los actores son perfectos. Si bien no cuenta con ningún bono extraordinario, la pura cinta es razón suficiente para adquirir este Blu-ray.
Space Cowboys Pale Rider Clint Eastwood, 2000 130 minutos Por Pita Lugosi Cuando empezaban a contarse los años con nuevos dígitos, en el año 2000 sinceramente estábamos ávidos de novedad, tantas cintas pop y caricaturas nos habían prometido el fin del mundo o una era de tecnología sin fronteras, que simplemente el pasado ya no parecía tener lugar. Por eso es que cuando se anunció la salida de Space Cowboys muchos, todavía jóvenes e incautos, pensábamos que se trataba de una broma: Clint Eastwood dirigiendo una cinta de octogenarios astronautas que aparentemente pelearían con problemas de incontinencia y salvarían al mundo. Parecía un chiste, una de de esas cintas que Adam West amaría protagonizar, pero ¡oh, cuán equivocados estábamos! Space Cowboys es una cinta que si bien no se cuece al primer hervor (como sus protagonistas Eastwood, Tommy Lee Jones, Donald Sutherland y James Garner), en las experimentadas manos de Clint, el filme se va marinando a su paso y para cuando los astronautas cincuentones se enfundan en su traje espacial, no puedes evitar saltar de emoción; incluso hayas un soundtrack donde alternan Willie Nelson, Frank Sinatra y Nsync.
Clint Eastwood, 1985 115 minutos Por Pita Lugosi
terrateniente y su sádico hijo. Ya que esto es un western de hueso colorado, la única solución es juntar a siete pistoleros que ayuden al predicador sin nombre a liberar al pueblo (mientras que encuentra la forma de lidiar con los afectos de una hermosa señorita y la fuerte atracción que siente por la madre de ella), en una batalla llena de clichés llenos de testosterona. Aunque este Blu-ray no tiene significativos extras, y presenta unas cuantas fallas menores en el vídeo (ligera inestabilidad de imagen) y el audio (el score suena un poco desfasado), esta cinta es una buena opción para quienes gusten de internarse en la obra de Eastwood.
Pale Rider es uno de los trabajos menos conocidos de Clint Eastwood como director (y actor). Si hay que describir la trama, sería básicamente otra historia de justicia y venganza en el viejo oeste, en el que un lacónico predicador llega a un desértico pueblo de mineros para ayudar a sus paupérrimos habitantes subyugados por un codicioso
PROMOs Conviértete en el ganador de uno de los tres blu ray de cada película a continuación: Space Cowboys, Action Double Feature: The Last Boy Scout y A Star is Born. Envíanos un correo electrónico con todos tus datos a: promociones@indie-rocks.com Dinámica: lectores en general Asunto del correo: título de la película que deseas ganar Llévate uno de los tres libros de Sonidos Urbanos, Ciudad de México o Sonidos Urbanos, Guadalajara que Indie Rocks! tiene para ti. Envíanos un correo electrónico con todos tus datos a promociones@indie-rocks.com Dinámica: lectores en general Asunto del correo: título del libro que deseas ganar
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Action Double Feature: The Last Boy scout / Last Man Standing Walter Hill, 1996 / Tonny Scott, 1991 101 minutos / 105 minutos Por Pita Lugosi Si durante la década de los 90 hubo algún ícono que reemplazara del Olimpo de los dioses de acción hollywoodenses a Stallone y Schwarzenegger fue, sin duda alguna, Bruce Willis, también figuraba Mel Gibson, pero realmente desde que se volvió fanático religioso y director de cine perdió mucha “credibilidad”. Los personajes de Willis son homenajes a los pistoleros del viejo oeste, gatillos alegres y solitarios, con un extraño código de justicia y de moral; pero también son guerrilleros intrépidos que pueden acabar con cualquier amenaza (inserte aquí la etnia
con la cual Norteamérica tenga un conflicto en ese momento y obtienen al villano); pero también son seres humanos que mantienen relaciones sentimentales (disfuncionales por lo general) con otras personas y dicen algún chascarrillo ingenioso en la cara de la muerte; y claro, capaces de dejar una estela de destrucción similar a la de un cataclismo natural con tal de salvar unas cuantas vidas. Sabiendo todo eso, resulta imposible dejar de desear este Blu-ray que contiene The Last Boyscout y Last Man Standing, un combo de acción, sangre y
violencia en alta definición. Si les gustan las historias de detectives caídos en desgracia que deben sobrevivir a explosiones, ataques de pandillas, y chistes gráficos de bajo presupuesto, o bien les late el concepto de remake que tenían en los 90, este paquete no los defraudará.
A Star Is Born George Cukor, 1954 181 minutos Por Pita Lugosi
Los abrazos rotos Pedro Almodóvar, 2009 127 minutos Por Alberto Lima
Luego de filmar un par de películas con facturas irregulares —La mala educación (2004), Volver (2006)— el multifacético estilista español Pedro Almodóvar estrenó en el 2009, en España, Los abrazos rotos. La cinta narra, con historias entrecruzadas, el fatídico romance entre el escritor y cineasta ciego Mateo Blanco (que trabaja con el nombre de Harry Caine), con la actriz Lena (Penélope Cruz). Aunque por momentos es cursilona (encumbrar cual si fuese obra maestra la peliculita ficticia del filme, cuyo penoso título es Chicas y maletas, da una buena pista de por dónde se halla la poética actual del director), pese a la ya demostrada y eficaz imbricación de tiempos que en cada cinta se afina más y más en Almodóvar. El recién lanzado DVD vale únicamente para los seguidores incondicionales del autor (aquellos que lo siguen desde su obra maestra Hable con ella), o para enamorados de doña Penélope Cruz, pero nada más.
Un clásico más que Warner Bros. decidió desenterrar del completo olvido, quizá el mayor valor de esta cinta es que sirve como una especie de memorial arquetípico e introspectivo de lo que solía ser Hollywood en la época de la post guerra, expresado en forma de musical. Pero no crean que se trata del típico musical de esa época, un upbeat emocional que realza la belleza de un mundo que había marchitado la guerra; los momentos de humor y felicidad son siempre alienados por cascadas de tragedia y resquebrajamiento emocional que lo hacen más humano y creíble que muchos
filmes del mismo género. Esta cinta fue el primer metraje de Cukor que pudo dirigir en technicolor y marcó el regreso de la hermosa Judy Garland a las pantallas, después de cuatro años de ausencia en el cine (en los cuales tuvo un par de intentos de suicidio y su reputación actoral fue casi destruida por sus problemas emocionales), en el que demostró su capacidad histriónica y su punto más elevado como actriz. Si bien la cinta es un refrito del filme homónimo de 1937 de William A. Wellman, el elemento actoral que añade la convincente y conmovedora interpretación de
Lisbon Story Wim Wenders, 1994 100 minutos Por Alberto Lima
Durante los años 90, gustar del cine del ex crítico de música y fotógrafo sutil Wim Wenders era una obligación. Su obra siempre ha estado permeada por el gusto musical: basta recordar actuaciones breves de Nick Cave en Der Himmel über Berlin (1987), o Lou Reed en In weiter Ferne, so nah! (1993). Para algunos Lisbon Story marcó el comienzo de su decadencia, el sonidista Philip Winter (Rüdiger Volger) se traslada a la ciudad de Lisboa para encontrarse con el esquivo cineasta Friedrich Monroe (Patrick Bauchau) y sonorizar su filme; tras poco tiempo traba amistad con diversos lisboetas y se enamora de Teresa Salgueiro, la cantante de la agrupación Madredeus. Con ecos visuales y poéticos de Fernado Pessoa, la oportuna aparición en DVD de Lisbon Story sirve para apreciar con rigor las cualidades fílmicas de un cineasta pulcro y reflexivo en sus periodos más acertados.
Kynodontas Giorgos Lanthimos, 2009 100 minutos Por Carolina Gómez
Cada familia es un mundo aparte y Giorgos Lanthimos con Kynodontas se regodea en ese hecho y nos ofrece una valiosa lección sobre el poder de la educación. Toda la historia se desarrolla en torno una familia de clase media: padre, madre, dos hijas y un hijo; lo extraordinario es que esta familia sin nombres no pretende ser realista, disfrutan
Garland ayuda a realzar la historia de aquella chica que llegó cuestionarse si valía la pena intentar vivir el sueño de Hollywood a un precio tan alto y cuya única esperanza estaba en un actor alcohólico cuyos mejores días habían quedado atrás.
viviendo apartados del mundo exterior, en esta pequeña burbuja de realidad donde todo les puede pasar (lo más absurdo es cotidiano) y todos los acontecimientos giran en torno al padre. Hay imágenes muy cargadas, divertidas, violentas y hasta provocativas que cubren a la historia en una dimensión alegórica. Una película muy arriesgada dentro del tono surreal, que no les será raro percibir aires a Buñuel, Lynch y Haneke dentro de sus planos fijos y la falta de banda sonora. El cuestionamiento de la inocencia, comunicación, autoritarismo, sobreprotección, son el trasfondo en esta película griega poco convencional.
Play Station 3, X Box 360 y Nintendo Wii Género: Musical, Electronic Arts Por Eduardo Ramírez Green Day: Rock Band es la última entrega de la popular saga musical de Electronic Arts, que sin duda alguna es la mejor franquicia de juegos musicales. Este título muestra todas las características con las que ha ido ganando más fanáticos en cada entrega (incluyendo la capacidad de las harmonías de voz en tres micrófonos como en The Beatles: Rockband), pero dedicado única y exclusivamente a una de las bandas californianas más emblemáticas del punk contemporáneo: Green Day. Si bien esto puede espantar a muchos que no simpaticen con los ritmos sencillos y pegajosos del happy punk, pero en verdad estamos ante un muy buen
juego, que gustara tanto a sus fans, como a gamers y a alguno que otro aventurado. Debo decirles a los más asiduos del grupo, que les encantara el arte y animaciones, pues al contrario del juego dedicado al cuarteto de Liverpool, los escenarios sólo son “conciertos” de la banda, repletos de fanáticos y tomas que les dejarán apreciar muy bien los modelos animados de Billie Joe Armstrong, Mike Dirnt y Tré Cool. Lo malo es que esto causó una cierta monotonía en los escenarios y además de que algunas rolas fueron editadas para que los más jóvenes pudieran escucharlas sin palabrotas.
Este juego les puede gustar, aun si no les gusta Greenday, ya que la dificultad no es tan amable como en otros títulos y hay canciones que son realmente una pesadilla para los menos dotados musicalmente (después de todo se trata de un juego para punks llenos de energía).
el corazón de todos aquellos videojugadores amantes de los combos complejos y vistosos ataques especiales. En esta su segunda versión, Hazama, Yayoi y V.12 se unen a la batalla, logrando un elenco de quince luchadores que, aunque pudieran parecer pocos comparándolos con las miríadas de gladiadores que cuentan otros títulos, se controlan de una manera tan diferente, que difícilmente te aburrirá aprender las combinaciones y ataques de cada uno. Una vez dominados los movimientos, podrás ponerlos a prueba contra otros jugadores en línea y experimentar las diversas tácticas que se pueden emplear, como congelar a los rivales con Jin, envenenarlos con Arakune o dejar que la lluvia de espadas de Nu los empalé. Si bien se siente como una expansión, para los novatos es una excelente forma de introducirse en la serie.
Infinite Space Nintendo DS Género: Simulación espacial Sega Por Leonardo Cervantes
Blazblue Continuum Shift X Box 360, Play Station 3 Género: Peleas Arksys Por Leonardo Cervantes
Siendo una secuela espiritual de uno de los más rápidos juegos de peleas, Blazblue se ganó
Yuri es un joven cuyo deseo por viajar a través de las galaxias y conocer el cosmos, hace que se vuelva un experto en la creación de partes para naves espaciales, así como las tácticas de batalla necesarias para luchar contra renegados interestelares. Después de mucho tiempo logra juntar bastante dinero para contratar los servicios de
3D Dot Game Heroes Play Station 3 Género: Acción, aventura Atlus Por Leonardo Cervantes
A veces, según el intelecto, es difícil discernir entre un buen homenaje y una descarada copia, sin embargo, creo que todos estaremos de acuerdo en admitir
la genialidad de 3D Dot Game Heroes, toma elementos clave de los juegos clásicos como Zelda, los mezcla con títulos de la época del NES y los adorna con gráficos tridimensionales que asemejan un mundo de pixeles. Todos estos elementos dan como resultado un juego muy exótico que las generaciones de veteranos informáticos estarán encantados de probar. La historia es la más antigua en la historia de los juegos: un maléfico hechicero ha raptado a la princesa y tú, el elegido de la profecía, deberás rescatarla reuniendo los artefactos mágicos, acompañado de tu confiable espada y escudo; sólo que esta vez podrás utilizar armas que miden varios metros de largo, jugar breakout y tower defense con tu héroe y crear a tus propios modelos. ¿Qué más se puede pedir?
Lego Harry Potter: Years 1–4
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X Box 360, Play Station 3, Nintendo Wii Género: Acción, aventura Warner Bros Por Leonardo Cervantes Ya han sido varias las películas que han recibido el tratamiento Lego para revivir las historias que todos conocemos, pero con un toque de humor más infantil e involucrando la construcción de objetos míticos de los filmes con los famosos bloques. Lego Harry Potter: Years 1 – 4 no revoluciona el sistema que ha venido implementando la saga, pero ciertamente entrega un producto bastante sólido y lleno de diversión para los más pequeños y para los adeptos del famoso mago de Hogwarts. La aventura nos lleva a través de las cuatro primeras cintas, veremos una versión cubificada de Harry Potter, que junto con sus amigos Ron, Hermione y Hagrid deberá sortear todas las peripecias por las que lo recordamos
tanto en el cine como en sus libros. Ya sea que necesitemos realizar hechizos, volar en escobas o fabricar pociones, constantemente hay que cambiar de personajes, para utilizar el que tenga las aptitudes adecuadas para la tarea. Además de seguir los sucesos de la trama, podemos rescatar a alumnos de las garras de maestros abusivos, espíritus chocarreros o hasta cómplices del “innombrable” Voldemort, estas acciones nos permitirá desbloquear misiones o algunos personajes secretos. Si bien, no es extremadamente innovador, el juego tiene muchas actividades por hacer, además de que el multiplayer adictivo y la selección de personajes viene con un asombroso casting que incluyó a más de cien héroes y villanos de la saga literaria. Todo esto hace de Lego Harry Potter:
VIDEOJUEGOS
una launcher que le ayudará a abandonar su tierra natal para convertirse en el mejor Zero G Dog (mercenarios que viven de descubrir nuevos cuerpos estelares y combatir la injusticia de los tiranos que se han instaurado a lo largo del universo). El monarca del mundo en el que vivía rapta a su hermana y amenaza con matarla si Yuri no regresa pronto. Por lo que nuestro protagonista deberá conseguir una nave de batalla para enfrentar su destino. A través de batallas interestelares con naves, deberás abrirte paso a lo largo del universo para cobrar recompensas y aumentar tu tripulación.
Years 1 – 4 un título imprescindible para el muggles que vive y respira magia.
PROMOs Llévate el videojuego *Lego Harry Potter* que Indie Rocks! tiene para ti. Envíanos un correo electrónico con todos tus datos a : promociones@indie-rocks.com Dinámica: lectores en general Asunto del correo: Lego Harry Potter
Joe Brainard Sexto Piso
Me acuerdo
Haruki Murakami Anagrama
La caza del carnero salvaje
Rodrigo Rey Rosa Anagrama
El material humano
Charlotte Roche Anagrama
Zonas húmedas
Joe Brainard fue un artista visual que en su momento gozó de cierto reconocimiento en el ámbito del arte pop estadounidense de los 60. A la luz de la distancia su obra se quedó en el “ya merito” y a la par de su trabajo como artista, Brainard cultivó también la escritura. Originalmente publicado en 1970, y ahora editado por primera vez en castellano gracias a la pujante editorial mexicana Sexto Piso, Me acuerdo es un peculiar e ingenioso texto, rarísimo, cuya estructura sintáctica está construida, precisamente, a partir de la frase “me acuerdo” en todos los párrafos breves que lo componen. Libro polisémico, simpático y lúdico, pero también desigual y por momentos algo frívolo. Por Alberto Lima
Esta fue la primera novela de Haruki Murakami en ser traducida al castellano y pasó casi desapercibida; dieciséis años después, ya con un sitio consolidado como autor y una vasta legión de lectores devotos, por fin se reedita La caza del carnero salvaje. Se trata de la historia de un joven publicista japonés, quien luego de estar en el centro de diversas circunstancias ambiguas y misteriosas, emprende un viaje que resultará ser de autodescubrimiento. Como en las novelas más leídas de Murakami —Crónica del pájaro que da cuerda al mundo o Tokio Blues—, aquí se reúnen y perfilan los elementos principales del universo Murakami: la desaparición de seres queridos, sitios y personajes excéntricos o misteriosos, desciframiento de pistas y enigmas, la presencia indispensable de la música como contexto primordial al relato, aparatos simbólicos (en este caso el carnero) y la descripción exquisita que deviene en fantasía intensa, siempre lumínica, siempre portentosa. Por Alberto Lima
El autor guatemalteco Rodrigo Rey Rosa es una de las voces más interesantes del panorama contemporáneo de las letras latinoamericanas. Sin embargo, pese a contar con una amplia obra narrativa, sus libros se distribuyen poco en nuestro país. Prueba del talento de Rey Rosa es su reciente novela El material humano. Estructurada en diversos cuadernos que hacen las veces de capítulos, a partir de una investigación en un archivo policial guatemalteco, se construye una obra en proceso, donde los trasuntos —notas, recuerdos, citas literarias, personajes y recuerdos pasados— que el narrador enfrenta durante sus investigaciones, y que en apariencia serían los esbozos de una posible novela futura, son en realidad la novela en sí, eligiendo con audacia ponderar las irregularidades del proceso de escritura y convertirlo en el relato, descartando así contar una historia que respondiera a las convenciones de una narrativa tradicional. Por Alberto Lima
Redactado por la presentadora alemana de televisión, Charlotte Roche, Zonas húmedas parte de una trama endeble: la desparpajada joven de dieciocho años, Helen Memel, internada en el hospital a causa de una infección anal. De allí la historia disgrega sobre el trauma que ella tiene al ser hija de padres divorciados, cultivar huesos de aguacate y luego detalla una serie de extravagantes confesiones eróticas, pero con énfasis extremo en todas aquellas experiencias de corte escatológico. Best Seller en su país de origen, la narración está plagada de inverosimilitudes y obviedades, con un lenguaje plano que cuando pretende asumirse literario resulta ramplón e indigesto, y un tono a medio camino entre cándido y travieso (cosa que se vuelve insoportable cuando la autora reafirma su personaje a través de la segunda persona del singular). Apto para varones morbosos y mujeres interesadas en ampliar sus técnicas sexuales heterodoxas. Por Alberto Lima
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Alina Poulain México, Distrito Federal • Por Arturo Tapia
El mundo del arte es abigarrado, es una parcela donde se apretujan muchos cientos de personalidades vacuas, ociosas y malsanas llenas de codicia de originalidad efímera. El arte, hace mucho es sólo otra actividad económica, industrial y coercitiva que no sublima ni libera a nadie ni a nada.
Es equívoco pensar que un arte es más valioso que otro, porque al final el valor está a la mano del que pone la etiqueta, y nada más falaz que un orden que funciona así; sin embargo, equívoca también es la idea de individualidad y autoexpresión que engendra supuestos artistas, que por decir lo menos, han resultado en la maraña áspera que ahuyenta de la reflexión y contemplación que supuestamente debe provocar el arte. Olvidado está que las disciplinas artísticas y sus trabajos tendrían que ser una invitación a participar activamente en la contemplación y reflexión sobre el mundo que forjamos y que nos ajusta a su orden mucho más de lo que queremos admitir. A pesar de la lúgubre dimensión del arte egoísta actual y sus fútiles ofertas, me entusiasma compartir un poco de la historia de una creadora agitada, ocupada en conocer y en experimentar —en sentido literal y perdonen la tautología de aquí en adelante— experiencias que la acerquen a la realidad compartida con el resto de la humanidad. Porque le tocó y porque lo propicia, Alina Poulain oscila en “realidades” disímiles que la enriquecen y animan a participar en la agenda social, política y cultural que se ocupa de los jóvenes y su interacción con el entorno. Porque —en realidad— realidad sólo hay una, y dizque razones para decir que hay tantas como personas es un invento muy retorcido que sirve sólo para divergir sin discutir responsablemente. Alina no es esa clase de mujer vulgar e insensible que arguye realidades paralelas y privadas, para nada; su vida es propia pero discurre con la nuestra justo ahora, así que lo que le afecta a ella, nos afecta a nosotros, y más importante, lo que nos pasa a todos, le inspira a ella. Les cuento su historia y los animo a conocer su trabajo. Su casa es una papelería, librería y juguetería. Ella es coleccionista de monografías y de ilustraciones recortadas de revistas; decidió comenzar a experimentar con el dibujo cuando tenía 17 años y escribía textos para estaciones de radio. Juan Sebastián Barberá fue quien la motivó a recorrer ese camino. Abrió un blog en 2004, donde escribía poemas, textos, crónicas de la vida diaria y terminaba con una ilustración que resumía todo. Experimenta con vídeo, audio y en ese blog aún encontramos lecturas y podcasts de las personas que admira y la inspiran.
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Alina concursó en el extranjero a través de Internet y ha expuesto en países como Argentina, Polonia, Hong Kong y Estados Unidos; en 2006 ganó el primer premio de la Sociedad Electrográfica Húngara. «Tengo periodos de “silencio” visual donde trato de preguntarme qué sigue, durante los que trabajo con uno de mis objetos favoritos: mi almohada; deseo ser enterrada con ese saco de plumas porque es depositario de todos mis sueños e ilusiones, para mí es una pequeña y suave caja de pandora que guía mi camino de noche», dijo Alina cuando nos contó sobre sus aventuras oníricas. Su siguiente exposición será en la galería Ágoras, de Saltillo, Coahuila, en septiembre de 2010 donde presentará H y develará un mundo donde las almohadas son lienzos. Pintura, hilos, botones, fotografías, cabello, sangre, saliva y sudor son los materiales que emplea para entretejer la historia de Mich, un chico que descubre que puede hablar con su almohada y que existe un mundo donde éstas cobran vida, chismean sobre los absurdos sueños de sus dueños, maltratan a los cojines por “no ser” tan cómodos, y donde una de las almohadas decide que es más divertido manipular los sueños de los
humanos e intentar lograr que la raza humana se quede dormida para siempre. H además es un cuento que está ilustrado con la ayuda de César Garnica, también es un homenaje a su amigo Michael Sánchez, cuya muerte cambió radicalmente la vida de Alina. Sobre lo que Alina prepara nos dio un adelanto: «Tengo en el horno Especialitos, una exposición sobre cirugía plástica y reconstructiva o terapéutica para personas con discapacidad. Mientras hay personas comunes y corrientes que desean dejar de ser nada más que eso, hay otro sector de la población que se esfuerza por poder caminar, trabajar, comer, como todos los demás y evitar que los traten de manera especial. En esta exposición recurriré más al vídeo, la instalación y la música». Actualmente ilustra textos de Israel Pintor para un proyecto de la Fundación Antonio Gala en España. Además, toca el piano y retoma su otra vocación de cantante de ópera. Presentará un monólogo en agosto, para ella es muy natural, y necesario, moverse entre disciplinas artísticas para contar historias.
myspace.com/alinapoulain
OLIVER VOIGT EL ARTISTA DEL LÁTIGO Por Luisinho •
Cortesía del artista
Muchos de los artistas gráficos empiezan por incursionar en el mundo de la publicidad, aportando su creatividad para grandes compañías del rubro. Sin embargo, les llega una condición en la cual buscan expresar de una forma más personal su punto de vista ante el mundo. Hablar directamente, sin intermediarios masivos, expresarse a su forma, incluso si ésta es a través de un látigo. Oliver Voigt es un artista de 47 años que estudió artes gráficas en Frankfurt, Alemania. Trabajó como director de arte en una agencia de publicidad en el mismo estado teutón. «La pintura ha sido mi principal constante, a veces me siento como un “vaquero” (pintor) solitario observando al mundo, pensando, y a veces haciendo locuras para después pintarlas según mis impresiones», cuenta Voigt. El proceso de un artista publicitario que se convierte en un artista pictórico profesional, es tal vez resultado de la evolución conseguida a través de un continuo descubrimiento personal, que ubica las verdaderas necesidades que el artista quiere expresar. Oliver profundiza: «Creo que el autodescubrimiento no es lo primario. Cuando empiezas tu carrera, el dinero y el éxito están llenos de suspenso. Después de unos años, creciendo en un trabajo estable y de mucho estrés además de acción, tal vez empieces a buscar algo más profundo. Si algunos artistas tienen la suerte de ganar dinero suficiente antes de decidir dirigirse a otro canal, pueden invertir mucho más tiempo en su autodescubrimiento a través del arte. Tal vez en mi caso, fue un poco diferente. Yo quise trabajar de forma independiente y construir una one man agency, pero no es satisfactorio. Así que al final invierto más tiempo a mi arte, y puedo decir que estoy en el inicio de esto llamado “artista profesional”». Oliver tiene un peculiar interés en las fronteras, pero esa afinidad no debe malentenderse, es debido a que las detesta y quiere acabar con ellas, denunciarlas a través de su trabajo. «Las fronteras son una mierda, especialmente en el arte. ¡El arte debería denunciarlas todas! Las fronteras entre la gente son muy interesantes para mí. ¿Hasta dónde sería capaz de llegar una persona para conseguir algo? O, ¿qué tanto daría alguien por una persona a la que ama? ¿Cuánto piensa alguien acerca del dolor o la devoción en sentido sexual? Las fronteras humanas en donde un día amas y al otro odias», se cuestionó el alemán. El artista enseña algo sobre estas fronteras en su pintura Maske VII. «La mano en esta pintura aplica algo de color o lo que tú prefieras ver (por ejemplo, sangre), al rostro de una mujer. ¿Es sólo una línea en la cara o es tal vez un símbolo de poder y devoción?». En sus pinturas se puede apreciar cómo la mujer juega también un rol especial, «Así es, la mujer forma un papel importante… se ve mejor que el hombre [risas]». Oliver desarrolló también un método para pintar que es poco común, el pincel lo cambió por un arma de castigo: un látigo. «Hace un tiempo empecé a manejar el látigo como Indiana Jones o El Zorro; después, por Internet, contacté a una hacedora de látigos australiana; así que compré uno de los mejores azotes que pude encontrar. Tras unos meses de práctica, mi precisión para alcanzar varios blancos era cada vez mejor, por lo que tuve la idea de poner color (acrílico) en la
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www.ollivoigt.de
punta de la cuerda y empecé a latiguear hacia mi lienzo. Eso es todo». ¿Todo? Le falto decir que en un video se le ve desnudo pintando con su látigo —sin albur— para mostrar dicha técnica. Voigt remató diciendo: «Hago esto fuera porque mi espacio de trabajo es limitado para esta técnica-estilo». Al ver varios elementos de las obras y estilos del alemán (mujeres voluptuosas en posiciones morbosas y el látigo) quise cuestionarle si no había algo de sadomasoquismo, nuestro amigo contestó: «No y sí. Depende del punto de vista de cada persona. No me gusta explicar mucho mis pinturas pues no quiero inferir en la visión de cada espectador, creo que es mejor ver lo que quieres ver [risas]. Me interesan los sentimientos profundos entre dos personas que van más hondo que el amor común». Voigt también siente atracción por elementos caricaturescos y alienígenos. Él busca pintar fotos, partes hiperrealistas de una imagen que como contraste tengan elementos de caricatura y extraterrestres. «Sólo pintar una foto 1:1 no es lo que me gusta. Sí uso fotografías como base, pero no las copio exactamente como están. Comúnmente cambio la luz, la mímica y demás», agregó. Este artista ganó el sexto Showdown de la Saatchi Galery de Londres; planea seguir con su serie de mascaras para mostrarnos diversos rostros con gestos interesantes que al final nos harán ahondar en nuestra propia perspectiva del poder y la devoción. Anímense a seguir su peculiar trabajo.
Shenan México, Distrito Federal myspace.com/shenanmx Por Eileen Or Not Marina Hallebeek
Dicen que las cosas empiezan a existir cuando las nombras, pero Shenan (integrada por los ex integrantes de otras bandas) es un grupo cuyo nombre significa “sin nombre”, y que encuentra su voz en el final de algunos vínculos obsoletos y en la unificación de esas rupturas individuales, para crear el sonido colectivo que los ha convertido en la banda puntera de uno de los sellos independientes más importantes del país. Creando desde la grieta
Shenan puede ser un proyecto joven, pero Juan Adolfo Moreno, Joe Rodríguez y “Pichón” ya le saben a esto de las entrevistas. Se les siente cómodos, íntimos, confiados, en contraste con el ruido presente en su
música. «Juan y yo somos amigos de toda la vida, y desde antes de cerrar ciclo con Los Weeds y los Satin Dolls ya hablábamos sobre la posibilidad de tener un proyecto juntos. Cuando volvió de Nueva York ya estaba decidido que haríamos algo», comentó Juan. En un ejercicio de supervivencia (más emocional que profesional) lo que comenzó en el montaje de un cover de The Cure, terminó convirtiéndose en largas sesiones de composición y creación, casi simultánea, de las maquetas de un álbum debut que vio la luz relativamente pronto. «Para nosotros significó la posibilidad de tener una especie de taller alterno a nuestras bandas, fue un espacio que nos dimos para retomar el amor a la música cool, a palomear, caguamear a gusto, sin ningún tipo de compromiso ni nada. Un día nos dimos cuenta de que teníamos suficiente material para hacer un disco, así que nos pusimos las pilas y así salió Shenan», platicó emocionado “Pichón”. Si el punch y las guitarras poderosas de Black Rebel Motorcycle Club se juntaran con la vibra de The Edge y el mood, con todo y ceño fruncido (no sabemos si por placer o dolor) de Kurt Cobain, sonaría muy parecido a la primera entrega de Shenan, difundida bajo la tutela de Madame Records, el sello in-
dependiente de Mafer Olvera, también creadora de Sonidos Urbanos. Joe comentó un poco de esta historia: «Luego de una fiesta de Bengala me quedé neceando con Mafer, oyendo a Poison y hablando de la cinta 24 Hour Party People de Michael Winterbottom. Le dije en broma que ella era la Tony Wilson mexicana, y que por favor nos firmara. Su sello ni existía, pero contestándome la broma me dijo que un día haría una disquera tipo inglesa ochentera y que nos firmaría; de ahí agarré una servilleta y le dije que nos firmara en ese momento... algún día la vamos a colgar ahí, en la pared de Sonidos Urbanos, la servilleta enmarcada [risas]». Lejos de ser la necedad o catarsis de un grupo de amigos, la primera entrega de Shenan es resultado de una franca necesidad de sanar a través del arte. «Esta banda sale de las cenizas de muchas cosas. Casualmente coincidimos en el mood del duelo por parejas perdidas y desde ahí partió todo lo que hemos creado en estos dos años. Tal vez esa prisa por sacar el disco tenía que ver con una salida inconsciente de ese bajón emocional, queríamos materializarla y usarla para construir. A veces todavía me dan ganas de viajar al pasado como Marty McFly y decirme: “Juan, ¡todo va a estar bien!”».
Shenan es un proyecto bien cuidado, curado desde la experiencia de quienes conocen el medio y dentro de él son capaces de materializar las cosas. Aspirando a la congruencia de Caifanes y la trascendencia de Café Tacuba, han vinculado su trabajo con talentos como el de Rodrigo Maceda, responsable del logotipo e identidad gráfica de la banda; así como la dirección del video de su sencillo Humo y, obviamente, del arte del disco. Juan nos platicó sobre el video: «Es un tríptico con tres etapas. Primero todo está en orden, una chica está sentada en su estudio. En la segunda etapa entra el caos y ella lo destruye todo. En la tercera todo ha sido vuelto a poner en su lugar pero en realidad las cosas no han quedado bien. La idea es que no puedes arreglar algo que ya se echó a perder y eso da pie a la esperanza que está en avanzar. Si te aferras al pasado tratas de arreglar algo que no tiene solución y en eso se va la vida». Aunque su sonido actual fue creado en reacción a sus respectivas rupturas, ahora sirve para dar identidad a la propuesta de tres artistas que combinan la promoción de su disco con el proceso de composición de su nuevo material, que toma un camino menos intempestivo, pero igualmente hambriento de arte.
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Sexy Marvin es una banda que abre y ensancha la escena musical del rock mexicano, regalando a los oídos la oportunidad de disfrutar una vasta mezcla de influencias y sonidos que antes sólo el rock inglés podía lograr, pero incubado a través del talento nacional, mereciéndoles el lujo de ser teloneros de bandas como Coldplay, The Killers y Muse.
Monterrey, México Por Oliver Jam Cortesía de la banda Esta banda inició su recorrido en 2007, tras una larga amistad entre los integrantes, John Danger (ex guitarrista de Volován), Milton Pacheco (actual bajista de Plastilina Mosh) y Elvis Saravia, ellos tocan juntos desde hace un buen tiempo, para finalmente formar Sexy Marvin. En entrevista exclusiva para IndRks!, Elvis nos contó: «Todo comenzó con la inquietud de aterrizar un proyecto original, tuvimos la oportunidad de hacerlo junto a Bruno Bressa, hicimos un par de maquetas, entramos al estudio, grabamos y las subimos al MySpace». MatchBox Recordings, una disquera independiente en Londres, los invitó por medio de Internet; Saravia contó: «Nos dijeron “Su canción Follow nos gustó mucho, queremos que esté incluida en un compilado que vamos a hacer”. Así que sacamos el audio, lo mezclamos, masterizamos, y así empezó a sonar y a sonar, por lo que entramos en el chart de esa compañía en los primeros diez lugares, siendo orgullosamente la única banda mexicana incluida en ese compilado». Las influencias musicales de la banda han repercutido vitalmente en su carrera, Johnny explica: «Siempre me ha gustado el britrock, soy muy ochentero (me encantan The Smiths, Depeche Mode y The Cure), por eso es que como banda siempre hemos tenido la intención de hacer música como ellos, siguiendo sus influencias, fusionando todo, experimentando con nuestras inquietudes y así nos salió ». En cuanto a las razones para cantar en inglés, Elvis añadió: «Sentimos que si lo
hiciéramos en español no sonaría como queremos que suene; incluso, algunas disqueras nos han pedido hacer canciones en español y nos negamos, con la convicción de que esto va a pegar y vamos a hacerlo bien». Cuestionando a Danger sobre el nombre Sexy Marvin, explicó: «Fue algo de vibra, estábamos grabando muy rápido y necesitábamos un nombre, entonces se me vino a la mente ese… Tenía muy buena vibra, nos gustó y se quedó. Yo creo que las bandas hacen el nombre, no el nombre a las bandas, así es que si haces buena música, la gente te va a aceptar». El noventa y nueve por cierto de las ocasiones los álbumes ya contienen todas las canciones que se van a promocionar, incluso antes del lanzamiento del disco. Por lo tanto, el promocionar sencillos que ya están en el LP, una vez ya adquirido, parece ser una forma de quemar los temas. Para evitar que la gente se harte de las canciones, Sexy Marvin prefirió mantener al público a la expectativa de lo que sacarían. Sin embargo, reciéntemente se ha desarrollado una tendencia en el mercado musical, donde se ha hecho aún más común el lanzamiento de EP’s, a lo que Johnny replicó: «Es una cuestión de las tiendas, creemos que ahorita la gente no lo consume, en verdad estamos en contra del LP, pero sabemos que es un requisito… Es como una carta de presentación; nosotros preferimos lanzar sencillos, como si lanzáramos un disco completo, para que la
gente les tome más importancia, es como una obra de arte, la cual quieres que tenga la misma importancia, tanto la primera parte como la última, y así con los siguientes sencillos hacer lo mismo, que sean como gotitas de dulce». Si por nosotros fuera, sacaríamos puros sencillos y no grabaríamos el disco», recalcó Elvis, comentando también cómo fue el proceso creativo de su primer EP homónimo: « La
canción Follow, en un principio, estaba muy mal grabada, fue una cosa muy rápida la que hicimos, pero vimos que estaba teniendo éxito, así que decidimos grabar el EP bien, donde participa Phil Vinall (Radiohead, Placebo, Zoe). Nos escuchó y dijo: “Está increíble”; así que trabajamos con él, resultó un disco mejor y se puso en las tiendas. De hecho, una anécdota muy chistosa es que nos programaban en Alfa
Radio, como por un mes, pensaban que éramos de otro lado, no de Monterrey, porque en realidad no tocan bandas en español, después el locutor se dio cuenta y siguieron poniéndola seis, siete veces al día». Actualmente se está promocionando el sencillo Under Control de forma independiente, si les interesa, pueden adquirirlo en iTunes y en la página oficial del grupo.
La música de Sexy Marvin le ha permitido a la banda presentarse en grandes festivales tanto en México y Estados Unidos, e incluso llegar hasta el viejo continente. Con un sonido fuerte, definido, pegajoso, con matices y sumergiendo los sentidos en el mundo de la onda catchy.
sexymarvin.com
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Electricidad
Algo sobre natural
Por Pita Lugosi Ilustración: Reez (hupop.net/reez/ )
Otro fin de semana transcurría perdido entre ensoñaciones de videojuegos y música en una pequeña reunión con mis amigos. Repentinamente, la obscuridad se apoderó de la noche y todo quedó en silencio. Recurrimos a los reproductores de MP3, celulares y consolas portátiles, pero todo fue inútil, al final, debíamos convivir a la luz de las velas como personas de la antigüedad, en un mundo sin guitarras eléctricas glam para pelear con monstruos del espacio, una vida sin aparatos reproductores de música para sazonar las tediosas rutinas cotidianas... ¡Qué difícil es ser humano sin electricidad! Tenemos una terrible y arraigada dependencia de la electricidad, simplemente es casi imposible imaginar nuestra existencia sin que sea intervenida por los cientos de aparatos que conectamos a un enchufe. Si vamos a buscar un origen del término habría que ser justos con los árabes que para el siglo XV tenían la palabra raad, que servía para nombrar a los rayos eléctricos, dejándonos imaginar que los árabes analizaban “rayos mortales”. Investigación que habrían de abandonar gracias a la prohibición de la ciencia por el culto a Mahoma.
Ciertamente que desde los albores de la civilización occidental se habían hecho profundas investigaciones sobre el fenómeno de la electricidad y el magnetismo, pero en verdad todavía no dimensionaban el tamaño del monstruo al que se estaban enfrentando. La forma natural más común de la electricidad, el trueno, era venerado a lo largo del planeta, no importa si lo llamaban Zeus (Grecia), Indra (India), Xolotl (México), Shango (África y Caribe), Susanoo (Japón), Thor (Noruega y Dinamarca), Namarrkun (Australia) o Dee Snider (Norteamérica); para todos significaba un majestuoso poder que el hombre soñaba con poseer pero temía al mismo tiempo. Los egipcios fueron de los primeros en experimentar con la electricidad, ellos hablaban sobre las propiedades de un tipo de anguilas eléctricas del Nilo y los beneficios para la salud que se podían obtener de una salu-dable sacudida. En este periodo se hicieron grandes avances (aunque muchas veces no lo sabían) en el descubrimiento del electromagnetismo y otros campos de la física. Como la mayoría de los grandes descubrimientos de la humanidad, parece que durante el Medievo decidieron olvidarse de todo lo que se había instruido para aprenderse la Biblia de memoria (bueno, quienes sabían leer); por eso fue necesario todo un trabajo de equipo involuntario entre William Gilbert, Luigi Galvani y Alessandro Volta (que tardó 200 años), para que la electricidad fuera considerada como un campo de estudio serio. Todo esto sirvió sólo de preámbulo para que llegara la época de los científicos locos, un periodo en el que había hombres dispuestos a arriesgar todo por probar sus teorías, algo así como el viejo oeste pero lleno de científicos bad asses, dispuestos a demostrar de qué cuero salían más correas. Así fue como llegamos a uno de los personajes más queridos de los norteamericanos, Thomas Alva Edison, afamado inventor (y reconocido ladrón de la época), que había patentado en 1880 una forma de distribuir la electricidad para las recientemente descubiertas
lámparas de bombillo eléctrico (que él mismo había robado, quiero decir, mejorado… el diseño). Había ideado una forma de repartir la corriente eléctrica de forma segura llamada corriente directa (DC) y fundó la Compañía Eléctrica de Edison, que distribuía energía a cincuenta y nueve personas. El problema es que la corriente directa puede viajar por muy cortas distancias (prácticamente tendría que haber una planta generadora en cada bloque para sostener el alumbrado público y dar luz a los habitantes de cada cuadra). Justo en esa época entró a escena un sujeto tímido, obsesionado con los pichones, que vivía en un cuarto de hotel en Nueva York, Nikolai Tesla, uno de los personajes más menospreciados de la ciencia, de hecho, el mismo comité de los premios Nobel admitió que de no ser por los constantes sabotajes de Edison él habría sido ganador del galardón científico; claro que también ayudaba el hecho de que Tesla se rehusara a dar conferencias de sus descubrimientos sin su máquina de rayos liberando descargas eléctricas letales por toda la sala, o que inventará una máquina para generar sismos, o que trabajara en robots a control remoto y hasta una arma de rayos “cósmicos”. Para 1897 Tesla logró inventar una forma de transportar la corriente alterna (AC) de forma segura, aunque la campaña de desprestigio contra él, en la que Edison había derrochado casi toda su fortuna, comenzaba a provocar sus primeros efectos, después de todo, quién podía discutir con Edison que la corriente alterna no era insegura si había electrocutado públicamente a un elefante con ella, para así denigrar aún más los descubrimientos de Tesla. Además de usarse para la silla eléctrica, la corriente alterna terminó siendo la ganadora de esta pugna (en su lecho de muerte, Edison reconoció que Tesla tenía razón), de hecho si no fuera por esta pequeña disputa, la infraestructura para distribuir la corriente alterna hubiera estado lista medio siglo antes y probablemente hubiera significado mejores formas de energía disponibles. Así que la siguiente vez que se encuentren en medio de la obscuridad sin saber qué hacer, maldigan a Edison; aunque también podrían, como yo, jugar al científico loco y llenar una habitación con bobinas de Tesla, y cuando su antena capture un rayo gritar “¡Está vivo, está vivo!”, realmente evita que nadie se meta a sus hogares para robarlos.
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Santiago, Chile Por Oliver Jam José Moraga
Escrituras rítmicas, reflexiones poéticas y música instintiva Ana Tijoux nació en Lille, Francia, lugar donde sus padres llegaron huyendo de la sangrienta dictadura que vivía Chile en aquellos tiempos, siendo Ana víctima de las circunstancias para mal y aprovechándolas excelentemente para bien, pudo apreciar y visualizar a través de los años las diversas realidades, sobre todo, en el plano cultural. Charlando con ésta rap-autora nos contó cómo fue su inmersión en las aguas de las letras rimadas: «Fue bastante fortuito; estando en el colegio no tenía muy claro lo que quería estudiar, me gustaban cosas opuestas, pero sí me gustaba la poesía, la literatura y me tocó conocer gente que hacía algo de freestyle (rimar improvisado), y ellos encontraron que yo estaba súper loca [risas]. Creativamente hablando, ellos me empujaron a empezar a rimar, así que me dieron muchas ganas de comenzar a mezclar por mi parte las cosas que me gustaban». Tijoux comenzó a empaparse en los terrenos del freestyle con Arraya Homie Clan, posteriormente formó Makiza, banda que alcanzaría gran fama en Chile lanzando tres álbumes, lo que marcaría su final: «Hay tres cosas por las cuales se separa una banda siempre: por ego, por mujeres (que no era el caso), o por dinero… en ese momento creo que se sumaron la primera con la última», agregó Anita. Trazando su camino como MC, a la vez que se integra a grupos como Savia Nueva, Alüzinati y Los Pulentos, se acercaba a lanzar su primera producción solista llamada Kaos ,que la daría a conocer internacionalmente, logrando colaboraciones con Julieta Venegas y Control Machete, entre otros. Su segunda producción solista fue 1977, hip hop con dosis de jazz y funk. Ana rememoró: «Fue un proceso corto e intenso en el que me dedique a escribir durante tres meses, le dije a un amigo que produjera el disco y empezamos a trabajar; 1977 soy yo, es el año en que nací, es mi disco, por lo que le busqué un título más personal». Los productores del disco fueron Hordatoj, Foex y Tee, tres destacados exponentes del sello chileno Potoco Discos. Esta artista autodidacta compone la mayoría de sus letras basándose en buenas conversaciones que la han influido, temas que rondan su cabeza y frases originales. Respecto a las colaboraciones externas que ha tenido en sus trabajos, la rapera dijo: «Desde un principio manifesté que no quería mucha gente. Poco a poco se fueron sumando amistades, empecé a escuchar sus voces y el resultado fue muy
Deambulando en los extensos terrenos del hip hop nos topamos con los ritmos, fusiones, beats y rimas de Ana Tijoux, una simpática MC (maestra de ceremonias) que ha estado picando piedra desde hace varios años, cosechando éxitos en todos lados, presentándose en festivales como el Vive Latino, SXSW y el Trinity International Hip Hop Festival, demostrando a todas luces que She´s In The Groove!
positivo»; confesando sobre cuál fue la colaboración le ha dejado huella, expresó: «En cuestión musical fue con Jota Droh en la canción A veces y con Panty en Mar adentro, con quien además de pasarla de lo mejor, soy fan de su voz. Cuando la escuchaba sobre lo instrumental me puse muy contenta, emocionada. ¡De verdad, me encanta!», dijo la artista con júbilo. Quise preguntarle sobre la temática de sus letras, si eran sólo una forma de expresión o realmente un objetivo primario para concientizar a las masas. Ella contestó: «Mis letras hablan de humanidad, de relaciones humanas. En cuanto a lo otro, te digo que las dos van de la mano, no tiene caso concientizar a la gente si ellos no tienen conexión consigo mismos». Según Ana, teniendo pláticas significativas ha podido contribuir a una mejor humanidad: «Las buenas conversaciones se han ido perdiendo tremenda-
mente, pero esas son las que mueven al mundo, de ahí surgen la buenas ideas, creaciones que cambian el rumbo de la historia, las revoluciones, las colaboraciones, la buena fidelidad. Los humanos son conscientes e inconscientes, surrealistas, creativos, locos, bipolares, depresivos y esa es la gracia del humano: somos un abanico de emociones. Creo que la mejor forma de concientización respecto a la vida es que uno es parte del todo y el todo es parte de uno. Sólo somos canales energéticos en términos musicales, porque
cuando alguien se te acerca diciéndote que se identificó con esa letra, es porque has sido otro canal para esa persona, así como alguien lo fue para ti, en una cadena, un acto de amor, la mejor consciencia que pueda existir». Solicitando unas palabras para nuestros lectores, Ana acotó: «No les voy a decir que el disco es bueno, escúchenlo, él habla por sí solo y dice mucho. Yo creo que es lo mejor que he
hecho hasta ahora, y nunca lo había dicho antes. Realmente me aboqué en componer letras de un disco entero. Sin duda siempre puedes ser mejor, es parte de la vida, tal como un eterno estudiante».
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Ozomatli Por Mario Villagrán Cortesía de la banda El público en Madagascar miraba desconcertado la escena; sus dedos no podían despegarse de las cuerdas de la guitarra. Todo parecía entusiasmo en el escenario, excepto por los gestos de dolor del rostro de Raúl “El Bully” Pacheco (vocalista y guitarrista de Ozomatli), gestos que por unos segundos fueron interpretados como parte del show. “El Bully” corría de un lado a otro, con los cabellos erizados, sin poder soltar su instrumento, cuando el resto de la agrupación comenzó a sospechar que no se trataba de pura algarabía lo que motivaba la transformación de su rostro. El choque eléctrico llegó a sus hombros, tensó su cuerpo, y después provocó su desplome, Pacheco se había electrocutado: «No tenía idea de
ozomatli.com
que pasaba. Sentí una descarga y mi cuerpo comenzó a dejar de responder; trate de quitarme la guitarra, de lanzarla al aire, y no podía desprenderme de ella. Nadie se daba cuenta de que yo estaba a punto de morir y la banda seguía tocando», mencionó Raúl, mostrándonos las cicatrices de la descarga. «Así es Ozomatli, no importa lo que pase, siempre estarán con la fiesta sobre el escenario», agregó el músico. Unos meses después, aquel accidente y viaje habían señalado el rumbo: «De verdad que nunca había visto tanta pobreza como en ese viaje. Eso motivó mucho de lo que grabamos en nuestra reciente entrega. Eso y sentirme vivo una vez más», nos contó el músico entusiasta.
41 La banda celebró quince años de su fundación y como parte de los festejos algunos han ofrecido reconocimiento a su trayectoria, por ejemplo, el gobierno de Los Ángeles promulgó El día de Ozomatli, que se celebrará los días 23 de abril. “El Bully” mencionó contento pero con humildad en la mirada: «No sabíamos si tomar como broma que nombraran un día por nosotros, lo cierto es que hemos aportado mucho a esta ciudad y es una forma muy buena de agradecernos; la verdad es que es un honor», dijo con alegría muy singular por concluir un quinto disco de estudio y regresar a México para el pasado Vive Latino.
A pesar de su amplísima trayectoria, apenas comienzan a ser bien conocidos en nuestro país, y no se debe a que todo lo emprendan arriba del río Bravo, si no, cuántas otras bandas no conoceríamos. Raúl afirmó: «Aún trabajamos como una banda “novedad” cuando vamos a México. Tenemos un público cautivo, pero no hemos logrado traspasar la pesada frontera, quizá porque acá se hacen cosas similares y les resulta familiar, pero ello no implica que no nos guste visitar al país. Nuestras raíces están en México y nuestra música lo refleja». El quinto disco de estudio de la colorida agrupación, se titula Fire Away, y fue producido por
Tony Berg (Aime Mann). En este trabajo la banda no pretende tapar ningún sol respecto al tema de la mezcla de géneros, pero sí deja la sensación de estar ante un mundo de sonidos que provocan a la curiosidad. Ranchero, punk, ska, dub, cumbia, soul, tango y los que faltan, se unen, casi como tejidos, para incitar al baile y la consciencia, vieja consigna que en manos de los oriundos de Los Ángeles parece renovarse gracias a la dedicación. Homosexualidad, respeto y discriminación son asuntos que dan rabia o ánimo al reclamo lanzado en sus pasadas entregas, asegurando que la sensación de unidad se haga presente, aunque se diluya al detener el disco.
Ozomatli defiende con congruencia la firme convicción antidiscriminatoria en su música, además de seguir propagando la creatividad que debilite la frontera entre los pueblos. Sin duda, es un grupo que con su última producción logra sacudir la rabia que provoca este mundo moderno. Lo cierto es que a pesar de sus esporádicas presentaciones en México, Ozomatli sigue siendo un referente de la calidad que trasciende los límites territoriales a su manera, resumida de excelente modo en la frase “Todo cabe en un jarrito sabiéndolo acomodar”.
Un Predator del cosmos indie Por Jorge Carreón y Pita Lugosi •
Cineasta por vocación pero guerrillero de corazón, Robert Rodríguez es un estandarte de la independencia: inventor del mariachi-style; buen escritor (además de sus guiones, publicó el exitoso libro Rebel Without A Crew Or How a 23-YearOld Filmmaker With $7,000 Became a Hollywood Player en 1995); excelente cocinero, según prueban sus prácticas recetas chicanas, incluidas como bonos en sus DVD’s; exitoso compositor y músico (él mismo sonoriza todas sus películas con una consola y también se presenta en vivo con su banda Chingón). ¿Le falta algo?
John Russo
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Es fácil darse cuenta que este hombre se toma muy en serio llevar a efecto su manifiesto artístico independiente y de bajo presupuesto: él filma, corta, escribe, dirige y compone meticulosamente cada pieza de su trabajo. Sin embargo, posee una manera curiosamente suave de hablar y un enfoque algo curioso de la vida. Sin lugar a dudas, Rodríguez es la personificación de su propia estética cinematográfica: crudo, honesto, audaz, y centellando con innovación que coquetea con lo kitsch. Poco antes del estreno de Predators, la última entrega de uno de los monstruos más longevos de Twentieth Century Fox(descendiente de la épica cinta de ciencia ficción estelarizada por Arnold Schwarzenegger a finales de los 80), tuvimos la oportunidad de platicar con este Mariachi renegado del cine. Después de su legendario debut en 1992 con El Mariachi (sin contar el corto, Bedhead, de 1991), en el Festival Fílmico de Sundance, este Texano se convirtió en su propio género. Rápidamente destacó del grupo de cineastas independientes, narrando historias irreverentes y surrealistas como From Dusk ‘til Dawn, Sin City y Planet Terror, en las que colaboró con Quentin Tarantino como parte del proyecto Grindhouse. Los que estén familiarizados con su trabajo, estarán conscientes del elenco de leales actores y artistas que lo ha acompañado a lo largo de los años, así como de las colaboraciones con Quentin Tarantino; aunque a él le gusta mantener su aura de “rebelde sin equipo de filmación”. Rodríguez no eligió dirigir Predators debido a la saturación por trabajo que tenía en su propia productora, Troublemaker Studios (probablemente afinando los detalles de la tan ansiada Machete), así que eligió a Nimrod Antal para ayudarlo en el proyecto y permaneció en el puesto de productor (algo similar a lo que hizo Tim Burton con Nightmare Before Christmas). Aún así, es cierto que su esencia, la de Rodríguez, está más que presente en el filme, ejemplos: sujetos heroicos y badass compitiendo con mujeres igual de poderosas y sexys. De hecho el director, virtuoso y polifacético, se ha esmerado en preparar un filme que emocione por igual a los seguidores del cazador supremo intergaláctico de los 90, lo mismo que para aquellos novatos en el sci-fi: «Los fanáticos querían emocionarse de nuevo con historias como la de Predator. Es curioso pensar que originalmente se me pidió escribir el guión en 1994, pero creo que estaba un poco adelantado a su tiempo [risas]. Se desarrollaba en otro planeta y tenía muchos efectos especiales, simplemente iba a ser algo difícil de lograr en ese momento; así que lo mandaron al archivo mientras que la franquicia se fue por otro rumbo con las películas Alien Vs. Predator. Cuando
los estudios vieron el éxito de las nuevas versiones de Batman, todos querían darle nuevo vigor a sus viejas franquicias y a sus personajes clásicos; encontraron mi viejo guión y dijeron: “¡Vamos a hacer algo como esto!”». Es fácil darse cuenta que el motivo principal para involucrarse en el proyecto es la posibilidad de mantenerse haciendo películas pop. Rodriguez es un artista a quien le gusta jugar con los arquetipos que han penetrado en nuestras mentes gracias a la llamada “basura visual”, de la era de los cómics y el Internet; el cineasta declaró: «Depredador es un personaje perdurable. Cuando acepté hacer esta película contacté a toda la gente con la que trabajo, todos tenían muñecos o bustos de depredadores en sus cuartos. Me di cuenta de que la mayoría de la gente aún ama a este personaje; hay algo en él que nos atrae de manera muy primitiva. Es una cosa humanoide con la que te puedes identificar: en ese momento supe que aún quedaban muchas historias que contar acerca de esta criatura». Este artista sabía que la mejor opción sería volver y explorar lo más primitivo del Depredador: «Pensé que regresar a la jungla sería de cierta manera como regresarlo a sus orígenes. Para estos depredadores tiene sentido que regresen a cazar en su planeta; es un planeta distinto, que se diferencia mucho de la Tierra. Tenía que mantenerse la tensión que provoca estar perdido en la jungla. El lugar está lleno de criaturas que no entendemos del todo y, además, los humanos que llegan ahí se deben dar cuenta eventualmente que son ellos los que están siendo cazados. Fue grandioso poder regresar a esa sensación. Nuestra versión tiene cierta familiaridad con la primera cinta, pero ahora los humanos están en un territorio completamente distinto en el que no saben qué los está cazando y eso
es lo que la hace tan emocionante», sonrió satisfecho por su esfuerzo, como un niño pequeño que se ha salido con la suya. Ahondando un poco más en el guión de la cinta, Rodríguez fue sorprendentemente serio y profundo (quizá nos llevamos esa impresión porque uno tiende a no ver de ese modo a la gente más relajada que le gusta entretenerse derramando cubetadas de sangre frente a las cámaras), y nos contó de cómo surgió el nuevo twist que él había introducido a la franquicia: «Queríamos hacer algo que contestara a estas preguntas: ¿qué es aquello que caza al cazador? y ¿cómo sería aquello que pueda cazar y matar a un Depredador?”. Así que se nos ocurrieron unos Depredadores más inteligentes, fuertes, rápidos, grandes, despiadados, locos, malvados, y menos honorables que sus antecesores. Ahora hay un par de tribus: la original y también los nuevos villanos. Los humanos se tenían que ir haciendo más agradables, así que también necesitábamos algo que fuese peor que ellos. Aunque al final de cuentas, nunca pude pensar en algo que fuera más depredador que el propio ser humano [risas]». De hecho, Robert tenía otro haz bajo la manga, por así decirlo, y como buen artista le gusta esconder significados más profundos en su obra, para que cada quien pueda aprovecharla en la medida de sus capacidades; por eso es que ahora trató de mostrar una denuncia de lo que significa ser humano, llevando a personajes peligrosos a una especie de prueba -reality show de cazadores intergalácticos: «La idea detrás del título tiene un doble significado. No se sabe si estás hablando de los humanos o de las criaturas que los están cazando; ya verán en los cines que si los humanos estuvieran en este planeta de caza y nunca hicieran su aparición los Depre-
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dadores, probablemente ellos mismos terminarían por matarse entre sí. Ese fue siempre el concepto original que mantuvimos a lo largo de varios borradores del guión; luego invité a algunos escritores nuevos para que nos ayudaran a darle cuerpo al concepto original y ellos nos dieron la idea de hacer a los humanos como arquetipos. Cuando lees el guión, piensas: “Ninguno de estos personajes es agradable, todos son asesinos”. Una vez que tienes en su lugar a ciertas personas, terminan por agradarte todos [risas]. Sin importar lo malo que sean, por lo general, mientras peor se comportan es mejor; todo el mundo tiene un lado oscuro, así que creo que todos los personajes tienen algo con lo que podemos identificarnos». Aprovechando ese lapso de sinceridad, optamos por separarnos un instante de su última cinta y le pedimos que nos narrara sobre su singular manera de hacer cine: «Primero tratas de satisfacerte a ti mismo como un miembro de la audiencia, ese es el barómetro que nunca debe cambiar. Puedes mostrar el filme a distintas audiencias y todos tendrán una opinión distinta, pero tienes que empezar con tus propios instintos y partir de ahí para desarrollar tus ideas. Una película pasa por diversas etapas, mientras vas filmando, vas haciendo algunos ajustes, como a una pieza musical, constantemente intentas hacerla mejor, hasta que logras algo que te satisface». Robert nos compartió amablemente un tip para todos aquellos que quieren iniciarse en el competitivo mundo del cine; de hecho, es la enseñanza que le ha dado la experiencia de manejar su propia compañía productora y que le ayudó a crear el mariachi style en sus cintas (que es básicamente tratar de reducir costos y hacer lo más eficientes a los miembros de una producción):
«Es muy útil tener a mis propios artistas CG en Troublemaker todo el tiempo; si tengo una idea, de inmediato puedo llevarla a la computadora. Si el director tiene una idea, de inmediato la pueden recrear y ver cómo luce. Trabajamos en forma no-lineal, así, si eres inspirado por una idea la puedes realizar y jugar un poco con ella. Es genial tener un grupo de gente con la que puedes colaborar; rápidamente proyectas tus ideas para darles mayor cuerpo y hacerlas lucir mucho mejor de lo que te podrías haberlas imaginado». Si bien le sigue gustando usar un bajo presupuesto, está consciente de que hay gastos que no se pueden recortar y uno de ellos es el empleado en el talento actoral: «Siempre he pensado que la única forma de entrar al juego del cine es haciendo las cosas de la mejor manera posible; por ejemplo, cuando hice Sin City conseguí a los mejores actores posibles. Puede que estés haciendo una película de un cómic, pero el reparto no tiene que ser así [risas], si pones en el reparto a Bruce Willis, Mickey Rourke y Benicio del Toro, entonces tendrás una pieza muy elevada de entretenimiento que todo mundo querrá ver. Recuerdo que todas mis cartas de introducción al guión decían: “Aquí hay algo a lo que le puedes clavar el diente. Tu personaje tendrá varios giros (constantemente sorprenderás a las audiencias y a ti mismo) y podrás hacer cosas que no harías por lo general”. Eso es lo que atrae a la gente a las películas que hago, y eso es para lo que yo vivo también. Este tipo de elencos poco convencionales es de lo más gratificante para un cineasta». Probablemente esta sea la razón del apego del director por trabajar con Danny Trejo y Tom Savini. Hablando de talentos no podíamos obviar la sensual presencia de Alice Braga, como parte del estereotipo de chica ruda que
Rodríguez utiliza en sus cintas: «Ciertamente me gustan las mujeres fuertes en mis películas; tengo cinco hermanas y crecí con ese modelo. En el caso de Alice no queríamos que fuese esa típica muchacha de las películas de acción en donde uno se puede dar cuenta que el papel fue escrito para un hombre y que nada más le cambiaron el nombre al personaje. Todo comenzó sobre el papel y luego ella le dio vida. Su actuación es algo en lo que puedes creer (y que ciertamente disfrutas ver) [risas]. Recuerdo el día que hizo su audición: cuando acabó, todos nos volteamos a ver con cara de “¿Podemos contratarla, por favor?”». Ciertamente el encanto de la sangre latina es algo que condimenta muy bien las cintas de Robert Rodríguez, a quien no le importa explotar la sensualidad de su familia. ¿Quién puede olvidar a las hermosas niñeras gemelas de Planet Terror, que son sobrinas venezolanas del director? A punto de terminar nuestro encuentro, Robert Rodríguez se despidió con una curiosa moraleja sobre la vida y sus películas: «Uno siempre quiere creer que está pensando primero en uno mismo, pero realmente no lo estás haciendo; al final de cuentas nadie ve sólo por sí mismo. Me gusta que mis cintas reflejen que eso es lo que necesitas hacer para sobrevivir, pero nadie se puede conformar con esta idea tan fácilmente [risas]». Lo único que me entristeció de su despedida fue que no nos dejara una de sus recetas para probar después de la entrevista.
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El verano lo trabaja es de quien
Por Arturo Tapia Ilustración: Beatrix G. De Velasco (isadoradreams.com/)
Siempre hay una primera vez para todo, y quizá de las que menos te interesen sea la del primer empleo, aunque efectivamente esta sea la entrada al mundo adulto. Olvídate del sexo adolescente o desmadrozo que te hacen imaginar que eres todo un hombre o una mujer adulta; uno abandona su inocencia el día que se independiza económicamente y deja la casa de sus padres. Si quieres practicar y tener una vida alterna a la escuela, este verano intenta demostrarte de qué estás hecho y éntrale a la “labor de verano”.
Si eres estudiante y uno de los más de 30 millones de jóvenes en el país, que se va a lanzar a su primer trabajo –como la primera vez que te ensabanaste con alguien–, unos consejos para salir bien librado no están de más. Estás a punto de ingresar al implacable mundo al que todos llegamos antes o después. Y lo mejor no es llegar primero, sino saber llegar, y para que no sea un fiasco, motivo de terapias o frustraciones, estudia un poco el escenario y cumple con tu primera obligación, conocer tus derechos, que no olvides, incluyen sus obligaciones. Pero nada de qué asustarse, es sólo labor de verano. En México, la edad de inicio en el trabajo es como la de inicio en las drogas, cada vez desciende más. Este horrendo problema no es asunto exclusivo de las nauseabundas legislaciones y sus hacedores; por ejemplo, todos somos indolentes al trabajo infantil, si todos nos hacemos de la vista obesa para evitar semejante gandayez, cómo no terminar siendo víctimas de la indolencia general. Los que estamos en edad de trabajar porque intelectualmente y físicamente estamos listos para emprender una labor remunerada, tenemos la difícil misión de hacer lo que nos gusta, hacerlo con quien nos gusta y ganar con lo que nos gusta mientras que la parte empleadora también se lleva lo suyo. Debe ser un círculo virtuoso en el que todos ganemos. Pero es complicado lograr equilibrios, así que el trabajo está regulado para que las fuerzas de todos los involucrados se conduzcan con equidad. Además de trabajadores, debemos ser “agentes” del orden laboral. En tu primer empleo te toca aprender a cumplir cabalmente con las obligaciones que aceptas, y al mismo tiempo, ser el defensor de tus derechos en la chamba. La dimensión del trabajo cubre todos los aspectos de nuestra vida y configuran nuestras relaciones con el entorno y ¡hasta nuestro sueño! ¿Quién no ha tenido una pesadilla con los compañeros o el jefe? Por ello, a pesar de la urgencia por hacerte de dinero, debes exigir condiciones dignas y seguras para ti. No es lo mínimo, es lo justo. Nunca aceptes menos de lo que mereces.
Tu primera vez
El primer empleo no suele ser especializado, e infrecuentemente tiene conexión con la carrera profesional a la que aspiras. Acepta que tu primera chamba puede ser como el amor de verano: es de práctica, para aprender y conocerte en esa actividad, para descubrir fortalezas y habilidades, mejorar flaquezas y conocimientos. Es el mejor espacio para comprobar que tienes la capacidad de empren-
der algo que puede servir a los demás y transformar tu vida por la remuneración justa que merece. En algunos trabajos de verano pueden abusar, pero recuerda que te necesitan tanto como tú a ellos: tu primera experiencia laboral debe ser divertida y alentadora, si no es así, di “¡Renuncio!”, y encuentra la mejor opción para ti. Acércate a la bolsa de trabajo de las universidades públicas o de tu propia escuela.
La hora de salida
Para que no salgas iracundo de tu trabajo, gritando como Pedro Picapiedra y lanzándote por cualquier superficie que acorte la distancia de tu puesto a la calle, recuerda que si tienes menos de 18 años no debes trabajar más de seis horas; si aceptas una chamba de superhéroe nocturno, la jornada no puede ser mayor a siete. En Internet puedes consultar la Constitución, que en el artículo 123 dice todo lo que debes saber sobre tus derechos como trabajador. Defiéndelos. Recuerda que el sector privado está regulado por el apartado A del mismo artículo, que especifica qué es la Ley Federal del Trabajo; el apartado B es para los trabajadores al servicio del Estado, con su propia ley federal, sin embargo, la primera es supletoria por ser más detallada en conflictos más complejos.
Recuerda
¡No debes pagar por trabajar! Nadie debe extorsionarte con la condición de ofrecerte un empleo o asegurarte un puesto dentro de una empresa. Ahorra, descansa, come bien y, sobre todo, no dejes de atender a tus estudios. Vigila el pago de tus impuestos y no permitas abusos. Exige el cumplimiento de las prestaciones por ley y el de aquéllas que te hayan ofrecido como estimulo. No aceptes pago en especie ni menor al acordado o insuficiente para satisfacer tus necesidades personales. Como mínimo tienes un día de descanso por cada seis de trabajo. ¡Exígelo! Di “Sí” a los sindicatos, de verdad, la unión hace la fuerza, pero huye de los caciques, NO permitas que te obliguen a afiliarte a uno sin que estés de acuerdo. Recuerda que te descontarán una cuota que debe servir para que éste trabaje en la defensa de tus derechos y no para la campaña de El Bombón o La Maestra. Sé un chingón en lo que haces y mejorando acércate a lo que pretendes como carrera profesional.
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Sebastián Cordero desata su
RABIA
en la pantalla grande Por Luis Addams •
Cortesía Artecinema
Un relato intenso con una carga de suspenso es la mejor manera de describir la nueva cinta del director ecuatoriano Sebastián Cordero. Rabia se adentra a los sentimientos más profundos y desgarradores para darnos un viaje por la naturaleza humana, prácticamente sin movernos de una habitación que se vuelve testigo de las morales consecuencias del cambio y deterioro de sus ocupantes.
Con el auspicio y producción de Guillermo Del Toro y Bertha Navarro, el filme ha recibido elogios y galardones, como sucedió recientemente en el 25 Festival Internacional de Cine de Guadalajara donde se llevo los premios a Mejor actor para Gustavo Sánchez Parra, y Director de una cinta Iberoamericana. Ellos nos platicaron un poco de este filme a unos días de estrenarse en salas comerciales. Sebastián nos compartió: «Rabia es la historia de dos inmigrantes latinoamericanos en España: José María —interpretado por mí— que trabaja en una construcción, es un tipo que tiene mucha bronca con el mundo porque éste ha sido muy hostil con él y su manera de reaccionar ha sido bastante fuerte, un poco agresiva y violenta; por ejemplo, al principio de la película se mete en una pelea con el capataz de la obra y accidentalmente lo mata, entonces decide esconderse en la mansión donde trabaja su novia —interpretada por Martina García—, ella es empleada domestica interna de una enorme casona, donde sólo vive una pareja mayor». Esta cinta, basada en la novela homónima del escritor argentino Sergio Bizzio, oculta algo más que un fugitivo: « José María se esconde sin que nadie sepa que está ahí, ni siquiera su novia; la película trata de todo el tiempo que pasa escondido y la soledad que él sobrelleva estando ahí. Por otro lado, también es una historia de amor imposible entre estos dos personajes que esperan el momento en el que podrán estar juntos nuevamente», comentó su director.
El actor principal de Rabia es Gustavo Sánchez Parra (Amores perros) quién también recorrió las pantallas de televisión de todo el mundo, cuando formó parte de la historia de fondo del vídeo When You Were Young de la banda norteamericana The Killers. Para el filme de Cordero, la interpretación de su personaje le demandó no un trabajo psicológico complejo, así como una gran exigencia física: «Desde el planteamiento del personaje se quería ver un cambio físico que era lo más evidente para la cámara y los espectadores, platicamos sobre el asunto de cómo hacerle y se llegó a la conclusión de que era más fácil que yo bajara de peso y luego volviera a subir durante la grabación, era una transformación que requería cierto tiempo, estuve bajando durante cuatro meses y medio
previo a filmar y luego me llevó casi dos meses recuperar ese peso, para que se viera al principio de la película el personaje como me veo yo ahora, fue un proceso muy duro de seis meses de dietas». Este proceso físico vio potenciado su trabajo mental: «Este proceso de dietas empezó a generar ciertas sensaciones extrañas en mí que empecé a utilizar para el personaje; poco a poco fui descubriendo ciertas cosas que sentía en mis entrañas y que encajaban en José María perfectamente», platicó el actor. Sebastián Cordero, egresado de la Universidad del Sur de California, se ha destacado por la propuesta que maneja desde la silla de director, las historias que forman parte de su repertorio buscan explorar siempre nuevos territorios. El director nos compartió un poco sobre su anhelo cinematográfico: «Siempre busco historias complejas que de alguna manera reflejen la naturaleza humana, que demuestren el hecho de que los seres humanos no somos ni buenos ni malos, sino que tenemos una mezcla de emociones, de intereses, de conflictos internos; en este caso el personaje de José María pudo haber sido muy estereotipado, podía haber sido simplemente un tipo violento (medio psicópata incluso), pero retratar a un personaje así de básico hubiera sido aburrido, y como las personas no somos así de sencillas, me interesaba más que alguien con esas características también explorara sus emociones y anhelos para que fuera algo más realista y humano».
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El trabajo visual de esta cinta también fue elogiado, Sebastián siguió: «Eugenio Caballero (Director de arte) siempre está haciendo maravillas con su trabajo, le dio vida a este ser, presente todo el tiempo, que le da rumbo a la película: la mansión. La casa, así como pasaba en la novela, cobra vida y es impresionante cómo te vas metiendo en los recovecos en donde está José María; Eugenio Caballero logró crear esa misma vibra en la locación, fue maravilloso». Rabia te hace partícipe de un torbellino de emociones ubicadas en un lugar tan pequeño, dándole una serie de matices que se agradecen y la hacen destacar en el mar de cintas iberoamericanas que siempre buscan empujar los sentidos un poco más. Desde el 30 de julio podrás disfrutarla en todos los cines de nuestro país.
“Siempre busco historias complejas que de alguna manera reflejen la naturaleza humana”
MERCURY REV Búfalo, Nueva York Por Arturo Tapia Óscar Villanueva
Escribir de música se puede volver en algo relativamente fácil de hacer, sólo debes tomar el entusiasmo, el desprecio o la indiferencia que te inspire algún artista, banda, músicos o personajes relacionados con este arte y darle rienda suelta al ánimo que inspira listas de epítetos generosos o despiadados, hasta lograr la extensión debida. Esta vez no es tan sencillo, la banda que repaso la he escuchado un millar de veces y cada una de ellas ha sido diferente: emocionante, alentadora, trágica, melancólica, a veces dramática en un extraño buen sentido y, muchas veces más, tan inspiradora como poderosa. Así es la música de Mercury Rev, jamás incompleta ni discreta, es una fortuna escucharla, y una exigencia reflexionar sobre ellos.
Lo más optimista de los pesimistas Al final de 1980, Jonathan Donahue, “Grasshopper” (nacido Sean Thomas Mackowiak), Jeff Mercel y Dave Fridmann formaron Mercury Rev, en Buffalo, Nueva York; la agrupación comenzó una carrera con el propósito de sonorizar filmes experimentales e historias que sus amigos creaban. Al inicio se trataba de conseguir sinergias entre el arte cinematográfico y la música, después, la banda mutó, quedaron sólo tres integrantes para 1993, pero se convirtió, valga la analogía, en una entidad bien unida y solida. Desde entonces, Mercury Rev ha abducido a muchos y los ha devuelto al mundo real sorprendidos y con mejor ánimo gracias a su trabajo experimental. La banda es poética y, sin duda, audaz; su experimentación no es un entretenimiento privado, el grupo es avocado a su deseo de hermanar hombres con álbumes que hilvanen reacciones entrañables, de esas que se generan bien hondo. Al inicio de su discurrir vendían sangre, la propia, para hacerse de algo de dinero y conseguir mantenerse mientras componían sus obras. Gracioso, ¿no? Vendían unas gotas de vida para permanecer como músicos en esta existencia que nos empuja a una bifurcación intelectual casi todo el tiempo: la de los afortunados que viven su realidad con todo y su egoísmo, llenos de nada, y la de los desgraciados que le te tienen que rendir tributo porque ésta es tan apremiante, que descuidarse un segundo significaría
perder la esperanza en la que parecen vivir los primeros. Afortunadamente, la música de estos hombres sirve para el desengaño, para desenmascarar entelequias y construir refugios y espacios asequibles y acogedores. Al menos por un rato, lo que dure el disco que elijamos, cualquiera de los siete álbumes que hasta la fecha han editado. El primero, Yerself Is Steam, fue hecho casi por encargo, después de que a la oficina británica del sello Jungle/Mint llegara el demo que grabaron en el estudio Suny Fredonia con David Baker (a veces vocales), Suzanne Thorpe (flautas) y Jimy Chambers (percusiones) durante las horas libres que todos tenían. Yerself Is Steam, fue publicado y ampliamente aclamado en 1991. Al siguiente año editaron un EP titulado Car Wash Hair, que finalmente convenció a los expertos de la imprevisible genialidad de la banda. Los dos materiales editados los llevaron de gira, y apenas comenzaba ésta, en su segunda presentación, tocaron frente a más de diez mil personas en el Reading Festival en Reino Unido, donde evidenciaron su dinamismo durante sus actos en vivo, punto al que volveremos más adelante. Un año y medio duró esa gira en la que se gestaría Boces, su siguiente lanzamiento, en 1993; este álbum dejó claro la ambivalencia sonora de Mercury Rev, ellos querían hacer ruido y pop melodioso y cristalino. Pero la vida de los integrantes poco tenía de acompasada y cristalina, sus integrantes podían lograr hermosas composiciones, sin embargo, sus propias
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existencias eran una vorágine de estridente inestabilidad. A pesar de alcanzar logros significativos, para 1995 sólo la mitad de los integrantes de la banda permanecían en ella, y no serían los únicos cambios que habría en la alineación. En el mismo año apareció See You On The Other Side, y junto con los sencillos Everlasting Arm y Racing The Tide se ganarían la admiración cabal de la crítica que consideraba su música como un maravilloso experimento ecléctico de jazz y pop. Donahue y “Hopper” casi estaban en la quiebra, tuvieron que cambiar de sello discográfico y los nuevos integrantes que formalizaron su adhesión eran Adam Snyder, en los teclados, y Jeff Mercel, quien comenzó a escribir nuevo material para grabar. Chambers y Thorpe, los integrantes originales, ya no estaban dispuestos a lidiar con el permanente caos de la banda y siguieron por su cuenta; ese fue el punto de inflexión donde Mercury Rev se dirigió hacia otro destino. Todo el año de 1997 grabaron las canciones que al final formarían Deserter’s Songs, álbum que publicaron hasta 1998 y que les valdría reconocimiento mundial. Aquel disco se ha vuelto influyente y connotado, es una
mercuryrev.com
referencia musical para propios y ajenos, además de que reinventó el sonido la banda y la personalidad de sus integrantes; las cosas cambiaron y la opinión sobre elllos cambió también. El LP incluyó buenos y bien conocidos temas como Goddess On A Hiway y Holes, claros ejemplos de autopoiesis, así como del resultado de la búsqueda de la felicidad que emprendieron Donahue y “Hopper” después de vivir agitadamente; pero, una reflexión es pertinente: la felicidad no entendida como algo asequible, sino como una construcción que se emprende y siempre se continúa, como algo que durante su levantamiento tiene y ofrece de todo, incluso dolor, otra vez chistoso ¿no? Con un mejor estado de ánimo y recuperados en varios aspectos, Mercury Rev llegó al año 2000 observando con detenimiento lo que ocurría cerca de ellos, y al final entró al estudio a grabar All Is Dream; para 2001 estaba listo el álbum con The Dark Is Rising, Nite And Fog y Little Rhymes. Este álbum fue pura ensoñación y una increíble estación para observar y reflexionar sobre lo que ocurría en el agitado comienzo de siglo. Desde el 2003 hasta el 2005 se tomaron un tiempo “libre” en el que salieron de gira, se recrearon y compusieron The Secret
Migration (2005) y Hello Blackbird, este último como banda sonora del filme Bye Bye Blackbird. Cuando el álbum The Secret Migration fue reseñado por David Fricke, editor de la Rolling Stone, éste aseguró que Mercury Rev finalmente había realizado el gran álbum de su carrera y el ciclo virtuoso de reinvención; el mismo columnista dijo «han creado su propio The Dark Side Moon, excepto porque el suyo termina con esperanza y luz». Terminar así su álbum dice mucho sobre el ánimo que tienen y desean compartir sobre sus reflexiones. Sin duda, el mundo está vuelto loco, tiene mucho de oscuro y lamentable, pero no son inexorables o inevitables muchas de las calamidades que acaecen, y la música de estos compositores no sigue el juego cínico y simplón de tan sólo decir lo que ocurre (un avance incuestionable sin duda), sino que además sugiere un cambio de actitud concreto en el optimismo del que cada uno puede hacerse: no ingenuo, no inocente, no inservible. Un optimismo que descansa, que reflexiona, que reconoce las fuerzas que combate y aprende de los resultados, eso propone Mercury Rev. Se me acaba el espacio y me faltan los dos últimos álbumes de esta agrupación: Snowflake Midnight, y el que lo acompaña como regalo, Strange Attractor. El entusiasmo es inagotable mientras los escucho; de nueva cuenta la agrupación realizó algo inusual y lograron un álbum pop exquisito y otro quizá considerado hasta electrónico, ambos discos se llevan bien con los roqueros y orquestados de su pasado. Uno avanza en la retaguardia de Mercury Rev que en misiones grandes explora y retrata grandiosamente. Es hora de escuchar de nuevo con atención, aprender hasta lo imposible e imaginarnos como un copo de nieve en el mar tibio. Duramos poco, pero podemos disfrutar mucho. Es clarísima la música de Mercury Rev, su dicotomía por el ruido y la armoniosa combinación de instrumentos inusuales en la música contemporánea, su profunda introspección y su fluida voluntad de apertura. No son —afortunadamente— un Sigúr Ros u ociosos que documentan sonidos y los acomodan según su esclerótica lógica, Mercury Rev es hacedor de reacciones emotivas con “ruidos” y compases que revisten letras de origen visceral. Su admirable experimentación, o mejor dicho, atrevimiento instrumental, los hace empáticos con los suertudos que coinciden con su música.
Producción: Cynthia Flores y Lorena Clemente Carlotta Cardana Asistente de : Paulo R. Soledad Martínez Modelos: Karen Araujo, Cintia Morales, Pamela Farrera, Fabiola Farrera, Diana Geyer, Bernardo Rodríguez, Erick Mendoza, Gibran Uribe y José Díaz Agradecemos todas las facilidades otorgadas por el Colegio México Bachillerato A.C. y en especial, la valiosa colaboración de la Sra. Carmen Fonseca.
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Ven a conocer su nueva stor e ubicada en Durango 151 Col. Roma, MĂŠxico D.F.
Nueva York / Los ﾃ］geles Por Eileen Or Not Marina Hallebeek
65 En medio de una logística atropellada y en un camerino acalorado (como pocos en la vida), los rostros de Sharin Foo y Sune Rose me recibieron radiantes como el sol y llenos de energía —como si se tratara de un par de jovenzuelos antes de su primera tocada. Sus bondades parecen regalos de los fríos característicos de su natal Dinamarca, entre ellas, aparentar mucha menos edad de la que en realidad tienen. Por suerte, en este punto de la carrera fructuosa y constante, su sonido no parece contradecirlos.
El vestido de Sharin era negro y encendido por lentejuelas de colores; eso compensaba las fachas de Sune, quien parecía no haberse bañado siquiera. “Es este calor insufrible”, pensé mientras los miraba desenfadadamente de arriba abajo como me enseñaron en la clase de lectura corporal, pero ellos (a diferencia del resto de los mortales con los que hago mis prácticas) no se sienten desnudados por mi mirada; parecen estar acostumbrados al escrutinio visual. Siempre he envidiado la naturalidad con la que los verdaderos artistas enfrentan este ritual de presentarse ante un extraño y conversar como si lo conocieran de toda la vida; incluso comencé a sentir que era yo la que se transparentaba y que mis ojos de niña dejaban a la vista las trescientas cuarenta veces que canté Last Dance, Bang y Black Satin a todo volumen en la regadera. Me saludaron con un beso, a la usanza del dicho “A donde fueres, haz lo que vieres”, y se quitaron el sudor de la frente con el dorso de la mano. Fue algo que hicieron repetidamente a lo largo de la entrevista. Supongo que entre los nervios por su presentación, junto con la elevada temperatura del lugar, tenían la causa para su acicaladura. Sharin cruzó de golpe las piernas que la elevan a un poco más de 1.88 metros desde el suelo, y por un momento se me olvidó el calor y la pésima organización de las entrevistas; sólo me importaba que un miércoles cualquiera, horas antes de su primer show completo en México y con los ánimos al tope, como adolescentes, los chulísimos integrantes de The Raveonettes estaban a punto de hablarme sobre sus no-afiliaciones políticas, así como de el inusual motivo de que gracias a la ira de un volcán ellos pudieron regresar a los orígenes más elementales del dueto, y de cómo las bandas que más odiaron son los grandes responsables de que su proyecto haya visto la luz. Pero me adelanto, todo a su debido tiempo. Sharin empezó la conversación platicándonos sobre sus inicios en la música: «Nuestra música es una reacción a todos los artistas que escuchábamos y no nos gustaban. En Dinamarca solíamos revisar la cartelera en el periódico pensando “Vamos a ver quién viene a tocar ahora” y sólo nos encontrábamos con puras bandas chafas, eso nos orilló a hacernos una pregunta que cambió nuestras vidas: “Si pudieras pedir un deseo y escoger al artista que tú quisieras, vivo o muerto, ¿cuál traerías a tocar hoy mismo?” Como tampoco tenía que ser sólo uno, hicimos una lista de nombres que pasaba por Buddy Holly, Suicide, The Velvet Underground, Bob Dylan, Bruce Springsteen, y Lyle Lovett [risas], y así fue como se nos ocurrió emprender nuestro devenir en la música». Así surgió este proyecto, sin negar sus influencias, pero sin ser una burda copia al carbón de los gigantes musicales que admiran. Algo deben estar haciendo muy bien, pues casi una década después y con cuatro álbumes bajo el brazo, The Raveonettes ha cristalizado un sonido congruente y atractivo que en In And Out Of Control, su material más reciente lanzado en 2009, confirma su postura dentro del claroscuro sonoro que los caracteriza; no es gratuito que esta agrupación conserve su vigencia en el oído del escucha ecléctico e insaciable de la era de la Internet, esta es una hazaña nada sencilla que nos vuelve curiosos sobre el origen de su música. Sune aclaró su garganta y nos explicó un poco más sobre el asunto: «Es algo muy
interesante e incluso curioso, porque ni siquiera nosotros sabemos qué es lo que amalgama a la gente con nuestro proyecto. Simplemente tocamos lo que brota de nuestras vidas, de nuestra existencia que está lejos de ser pura armonía; yo creo que a veces te levantas de buenas y muchas otras no te quieres ni levantar… eso es la vida real. Nos gusta hacer música de yuxtaposición y contrastes, medio diabólica y medio angelical; a la vez inocente y decadente, porque así se sienten las experiencias y las emociones que le dan origen a lo que creamos, y nos ayuda a componer canciones sinceras. Algo demasiado dulce da náuseas; algo demasiado crudo necesita endulzarse un poco para poder metértelo a la boca. Tomamos fragmentos de vida y los convertimos en música “realista”». Quizá ellos no alcanzaban a percibirlo, pero la razón más probable de su éxito resida en esta sinceridad y entrega que ponen a su música. Desde el paisaje que pintan sus letras, esta definición de música realista es netamente el resultado de introyectar letras con contenidos que, de primera impresión, aparentan ser más bien superficiales, pero, con el uso reiterativo de palabrotas y otras mentadas más sutiles puestas entre líneas, queda claro que detrás de esas armonías sutiles esconden ciertas denuncias —de carácter incierto— sobre las que no quise dejar de preguntarles. Frunciendo el ceño, como enojada, y con una mirada fuerte que no había mostrado durante la entrevista, Sharin nos dejó clara su postura: «No tenemos una agenda política que cumplir, ni somos los mensajeros de nada. Es más. Te puedo decir que ni siquiera tenemos un propósito concreto con nuestra
música; sólo somos entertainers que escriben, hacen y crean músical», aparentemente había tocado una fibra sensible. Como protegiéndola de sí misma, Sune retomó la respuesta donde Sharin hizo una pausa para tomar aire: «Algunas personas lo entienden y lo aprecian, a otros no les late. En el nuevo disco viene una canción que se llama Boys Who Rape Should Be Destroyed (Los chicos que violan deberían ser destruidos) y es la primera vez que hacemos una declaración de una forma tan severa, porque viene de una experiencia personal, pero el resto de nuestra música es como una película de David Lynch, evoca emociones que a veces son placenteras, a veces violentas, pero en la que siempre predomina el afán de entretener»; para evitar reticencias decidí no ahondar en el asunto. Realmente sentí que la situación se tornaba espinosa: a la respuesta tan agrestemente ofrecida había que sumarle el calor del camerino (que empezaba a volverse insoportable) y que yo me distraía en compadecer al entrevistador que entraría a continuación de mí. Sharin jugaba con las lentejuelas de su vestido, tímida y con la mirada baja después del tema recién tocado. Por suerte, Sune me regresó a mis cinco sentidos, exigiéndome con los ojos la siguiente pregunta para salir de aquella situación, y yo decidí dirigir la intimidad recién alcanzada (aunque incómoda) para hablar de esa complicidad que, independientemente de su clara sinergia artística, se había hecho evidente ahí mismo. Debo admitir que me entró una curiosidad insaciable por preguntarles sobre su relación de una manera realmente ino-
cente, casi de groupie: —Y a todo esto, ¿entre ustedes cómo la llevan?, —pregunté. Sune sonrió, aliviado, y contestó «Somos diametralmente distintos, pero compartimos interés y pasión por la vida. Creo que eso ya es mucho que decir. Estoy seguro de que Sharin y yo muchas veces vemos las canciones desde lugares distintos: por ejemplo, si estamos en el escenario cantando una canción como Lost, podría jurar ahí mismo que las imágenes que ella ve en su mente son muy distintas de las que veo yo, ¿sabes?, pero esa es la belleza de hacer música, saber que la gente puede traducir nuestras canciones en lo que ellos quieran, que tengan una experiencia y una relación propia con la música. En cuanto a Sharin y a mí, estoy seguro que el día en que dejemos de compartir eso ya no nos vamos a llevar bien, pero dudo mucho que ese momento llegue. Sinceramente creo que esa es la clave en cualquier relación: cuando logras distinguir cuál es tu onda y después encuentras a alguien que está en la misma sintonía que tú, el objetivo es compartirla siendo respetuoso con el otro. Hasta ahora no nos ha parecido tan difícil de lograr». Habiendo librado el peligro y con el mood más relajado, pudimos continuar mejor con la entrevista, reintegrándose Sharin a la plática. Aprovechando la ecuanimidad que generó la respuesta anterior, comencé a plantearles el tema de los cambios que ha habido en la industria musical gracias al boom digital, pero que lo que más me sorprendía es que estos aparentemente no habían modificado su proceso creativo, justo en eso me interrumpieron: «Pero definitivamente nos ha enriquecido el oído —dijo Sharin asomándose tras su flequillo platinado—, nos hemos vuelto muy curiosos
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por los artistas nuevos y todavía tenemos que agarrarle la onda a esto de la movilización de la música por Internet, aunque también puede ser que en ese exceso de información se vuelva difícil dar con las propuestas que realmente tienen onda». Sune complementó: «Yo no tengo ni idea de cómo hace la gente en estos días para dar a conocer su música. Estoy seguro de que hay intercambio de archivos por la red, que los blogs y el inmortal ‘boca a boca’ tienen mucho que ver; pero también sé que cada vez se vuelve más difícil concebir a la música como una fuente de ingresos. Si quieren una economía estable, mi consejo sería: “¡Vuelvan a la escuela, no traten de crear cosas bellas!”». [Risas]. A base de constancia, congruencia y mucho carisma, con
una agenda apretada y fechas confirmadas en Austria, Polonia y Estados Unidos, estos guapos absolutos, descendientes del último aliento de las grandes discográficas, se han convertido en la banda que todos quieren llevar a tocar… aun sin músicos, como les sucedió a principios de abril cuando un volcán en Islandia causó la cancelación de todos los vuelos desde o hacia Europa, dejando varados a sus músicos del otro lado del charco. Sune cerró la entrevista y nos contó la anécdota: «Cuando supimos que definitivamente no
iban a llegar a tiempo a Coachella, tuvimos que preparar una versión austera de nuestro show de un día para el otro, fue como un flashback a nuestros orígenes, por un momento regresamos a lo que hacíamos cuando nos presentábamos como dueto. Terminó siendo una experiencia muy agradable que nos devolvió a nuestra esencia, a lo que siempre hemos tenido desde el principio: Sharin y Sune haciendo lo que más nos gusta».
theraveonettes.com
T IN THE PARK & GLASTONBURY 2010 Por Marcela de León •
Dimitrios Sferopoulos
T IN THE PARK La Historia
Los festivales en Escocia son notablemente diferentes a los de prácticamente cualquier otro lugar del mundo. Los escoceses son una audiencia que se entrega a la música, disfrutando como si fuera prácticamente el último día de sus vidas y T in the Park es claro ejemplo de ello.
Cada verano los pastizales de Balado, en Kinross-shire se convierten en la quinta ciudad más grande de Escocia. Durante un fin de semana T in the Park (TiTP) es el hogar de cientos de miles de fans que emanan armonía. Lo que comenzó en 1994 como un festival con capacidad apenas para 17 mil personas, actualmente recibe a 85 mil escoceses eufóricos, entregados a la música. Este festival se ha convertido en el más grande y querido de Escocia.
Los Hechos
TiTP se enorgullece de siempre presentar uno de los mejores lineups del Reino Unido, y en sus ocho escenarios se han visto algunos de los mejores momentos en la historia de la música. Además de ello, el festival cuenta con muchas otras áreas de relajación, comida y mercados. Es uno de los festivales más amigables con el medio ambiente y en el 2006 se convirtió en el primer festival “Carbón Neutral” del mundo, y aún lo sigue siendo. Además cuenta con una Charity Village en la que organizaciones no gubernamentales pueden promover sus campañas y programas.
2010
Como era de esperarse, este año la lluvia cayó y el viento sopló, pero los ánimos se mantuvieron altos y los grandes triunfaron. Muse comprobó una vez más que son una de las mejores bandas del planeta y que son pocos los que le llegan a su majestuosidad y presencia en el escenario. Faithless, Prodigy, Delphic, Editors, Kasabian y Groove Armada son sólo algunos de los que formaron parte de la interminable lista de bandas que nos hicieron bailar en el lodo durante todo el fin de semana. El line up de este año incluyó desde Jay-Z hasta Eminem, pasando por Kasabian, Editors, Florence and the Machine, Biffy Clyro, Paolo Nutini, The Gossip y Empire of the Sun. Nuestro orgullo nacional, Rodrigo y Gabriela, demostraron que dos guitarras son suficientes para levantar los espíritus de miles. TiTP es un festival como pocos y más allá de tener el ambiente relativamente familiar de otros grandes como Glastonbury, es una fiesta interminable, una explosión de sonidos, una infinita gama de colores que es complementada por el espíritu de una buena cantidad de punters (expresión con la que se refiere a los fans), que definitivamente sólo se pueden encontrar en Escocia..
Glastonbury 40 años después ¿Cómo fue posible que lo que comenzó como un festejo hippie en 1970 haya logrado convertirse en el festival más grande e importante del mundo de la música? Indie Rocks! investigó cómo el sueño y visión de un granjero lograron revolucionar la historia de la industria musical contemporánea y sus espectáculos. En 1970 un granjero local de Pilton, llamado Michael Eavis, tuvo la idea de organizar un festival musical. El costo del boleto era de una libra esterlina y asistieron 1,500 personas. Un año después el número de asistentes aumentó a 12 mil. Al día de hoy, el Festival de Glastonbury cuenta con 45 escenarios y recibe casi 200 mil visitas cada año. Pensar en este festival es pensar en lodo, hippies y, sobre todo, música. Desde hace cuarenta años la Worthy Farm en Pilton, al sur de Inglaterra, ha sido el centro musical del mundo. Lo que comenzó como un festejo modesto y sencillo ha logrado atraer a las mejores bandas de todos los tiempos. Cada año Glastonbury parece renovarse, rejuvenecer y darnos aún mejores sorpresas. Para celebrar el 40 aniversario, la Worthy Farm nos recibió una vez más con los brazos abiertos; esta vez sin lodo, con cielos despejados y un sol resplandeciente. No podíamos haber recibido un mejor regalo. Como en cada edición, Glastonbury presentó un line-up envidiable, en el que Gorillaz llenó el hueco que dejó U2 al cancelar su participación pocas semanas antes del comienzo del festival. La banda dirigida por Damon Albarn, junto con Muse y el legendario Stevie Wonder fueron los headliners de este año, compartiendo escenario con otras leyendas musicales y nuevos talentos. A sus 40, Glasto se ha convertido en el ejemplo a seguir de todos los festivales musicales del mundo y ha demostrado lo lejos que puede llegar un sueño. Michael Eavis y su hija Emily se han encargado no sólo de coronar a Glastonbury como el rey de todos los festivales, sino de forjar su reputación como un festival comprometido social y ambientalmente realizado por voluntarios prácticamente en su totalidad. Este festival lleno de color, diversidad y armonía sigue mejorando año tras año, reuniendo a personas de diferentes nacionalidades y distintas generaciones que se congregan para crear una atmósfera inigualable. Glastonbury ha crecido, evolucionado, luchado y triunfado. En el 2010 demostró una vez más que sigue siendo el mejor y el más grande de todos los festivales del planeta.
¡Feliz cumpleaños Glastonbury, y que vengan 40 años más!
Más información en: glastonburyfestivals.co.uk bbc.co.uk/glastonbury/2010/ tinthepark.com
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Por Salom贸n Morales y Juan Carlos Hidalgo Ilustraci贸n: Sergio Saucedo (sergiosaucedo.blogspot.com)
En el deleite que significa tener que escuchar y rastrear música, cada quien va encontrando, poco a poco, las notas que mejor cabida dan a sus emociones o delirios, pero todo melómano sabe bien que existe una veta exquisita para llevar al máximo nivel sus más bajas pasiones o sublimar casi de forma religiosa sus placeres; dicha veta surge del punto en el que se entrecruzan el blues y el jazz, una encrucijada caleidoscópica donde surge una nota llamada por los músicos iniciados, blue note, elemento musical y frase elegida que por antonomasia da nombre a la casa del jazz. Resulta obligado remontarnos a la fortaleza que erigió la música de los esclavos africanos traídos a América, que logró permear en “tierra de blancos”, propiciando mezclas por las que fluyó la cadencia, la variación y las sincopas más tremendas que darían origen a ritmos complicados y de grandes vuelcos creativos, llevando posteriormente al rhythm & blues, el swing y el boogie a un nivel más alto. Lo cierto es que dicha conjunción ha dejado huella y cambiado la vida de más de un mortal. Uno de esos flechazos sonoros impactó profundamente en un joven alemán de tan solo 16 años llamado Alfred Lion, quien una noche de 1925 atestiguó el concierto de la orquesta de Sam Wooding en su natal Berlín, confirmando en él la pasión que había cultivado secretamente al escuchar viejas grabaciones que su madre atesoraba en casa. La explosión de tal sentimiento fue irrefrenable; tres años después se mudó a Nueva York con el único propósito de estar más cerca de aquella música. Extasiado por la belleza de los sonidos que pululaban en su nueva residencia, y con el creyente fervor de que aquello era además una manifestación sociocultural, Lion, junto con Max Margulis (un escritor comunista), se
propusieron crear un sitio en el que pudiera registrar y a la vez expandir esas notas, creando un estudio de grabación y estableciendo la compañía discográfica Blue Note. Los trabajos formales comenzaron en 1939 (aunque su fundación data de un año antes), momento en el que Francis Wolff, un amigo de infancia de Lion, desembarcó en la ciudad; después de encontrar empleo temporal como fotógrafo se sumó a los esfuerzos de su viejo amigo. Juntos atestiguaron la ebullición del bebop en los años 40 y una vez inmiscuidos totalmente en la escena y presenciando la cantidad de intérpretes innovadores, decidieron llevarlos al estudio, más como una forma de documentar el momento que por el afán de vender o hacerse ricos. Fats Navarro, Bud Powell, Tadd Dameron, Thelonious Monk y Art Blakey fueron algunos de los primeros músicos en entrar a Blue Note. Monk constituyó uno de los mayores ejemplos de perseverancia, pues no importando las críticas y las bajas ventas, el pianista grabó continuamente en la disquera hasta 1952. El trabajo como fotógrafo de Francis Wolff fue el complemento perfecto para proyectar la imagen de la disquera y su elenco que con el tiempo se convirtió en todo una estilo estético; Wolff logró captar a través de la lente no sólo la pose de los jazzeros, sino también las emociones, sensibilidad y toda la energía contenida de cada sesión en el estudio. Paul Bacon, Gil Melle y John Hermansader fueron los encargados, a través de sus diseños, de dotar con una personalidad distintiva a cada uno de los discos, arropando el gran mosaico que representó —y representa— a la compañía, pues por sus pasillos han desfilado personalidades como Horace Silver, Lou Donaldson, Clifford Brown, Wynton Kelly, Elmo Hope, Kenny Drew, George Wallington, Miles Davis, Thad Jones, Sonny Rollins y Herbie Nichols, por mencionar algunos. Lion y Wolff son descritos, en primer lugar, como auténticos admiradores del jazz, pues mientras que las otras compañías buscaban artistas que se tradujeran en billetes instantáneos, ellos privilegiaban el talento y el alma entregados en las interpretaciones.
Quiso el destino que Lion conociera al ingeniero de grabación Rudy Van Gelder, nada menos que el responsable de la mayoría de los discos de jazz realizados entre 1950 y 1960. Gelder significó otra estrella para la casa, con sus conocimientos de grabación engrandeció e hizo pervivir al sonido clásico del jazz. Como en toda historia que se respete, las anécdotas no escapan a Blue Note; The Jazz Messengers, una de las agrupaciones insigne de la casa, se creó casi por el encuentro casual de los músicos que la conforman cuando se canceló una grabación de Lou Donaldson; después de todo, lo importante era no dejar de grabar e improvisar —el jamming histórico—. En otra ocasión, Lion y Wolff fueron a Filadelfia para verificar las contorciones del pianista Jimmy Smith, en sus descripciones ambos mencionaban que en ese 1956 quedaron impresionados por la forma en que los dedos de Smith volaban sobre las teclas blancas y negras del instrumento, así como por la forma en que sus pies bailaban sobre los pedales de tono. Para Alfred Lion cada detalle era importante; el dominio musical y omnipresente de Blue Note durante la década de los 60 no habría sido posible sin el soporte de grabación y el diseño gráfico de cada vinil que el sello editaba. Red Miles, otro de los diseñadores que se integró al equipo, fue el responsable de la mayoría de las tapas durante dicha era, en la que también se iban sumando músicos importantes como Cecil Taylor, Eric Dolphy y Ornette Coleman. En 1967 algunos problemas de salud obligaron a Lion a retirarse por completo del ámbito musical. Blue Note quedó entonces sobre los hombros de Wolff, quien pudo sortear los baches que atravesó la compañía hasta 1971, año en que falleció. Con los dos hombres clave fuera de Blue Note, la compañía vino a pique, viviendo en la incertidumbre y a merced de varios consorcios que la mercaban, hasta que en 1984 fue adquirida por EMI; de alguna manera la casa del jazz volvió a arder, si bien no había nuevos músicos en su roster, se reeditaban las viejas grabaciones en formato CD.
Por fortuna, algo quedó del espíritu innovador de sus pioneros, pues en su nueva etapa el sello se ha aventurado también a probar con artistas que concilian el éxito comercial con un amplio rango de experimentación, entre ellos Medeski y Martin & Wood; incluso al visitar actualmente la página oficial de Blue Note uno puede encontrar artistas como The Bear And The Bee que han retomado algunas canciones del catálogo de dicha casa. Miles Davis, Charles Mingus, Coltrane… casi todos los grandes del jazz pasaron alguna vez por Blue Note, esa interminable y rica veta en la que músicos y melómanos encontraron valiosas maravillas y que sigue inspirando las notas perfectas para sublimar toda clase de emociones.
Información para el melómano empedernido Acercarse al catálogo de Blue Note requiere paciencia y avidez, pues es muy extenso y rico en posibilidades; he aquí una pequeña selección que ejemplifica algo del legado de dicho sello: Art Blakey Quintet, A Night at Birdland Vol. 1 (1954). Este disco fue grabado en vivo en Nueva York el 21 de febrero de 1954. Se considera que a partir de esta grabación, Blakey se convirtió en un auténtico líder musical. John Coltrane, Blue Train (1957). El título del álbum lo dice todo, un viaje llevado por enormes y sinuosas melodías de principio a fin. Jimmy Smith, The Sermon (1958). Uno de los músicos preferidos de Lion y Wolff; este material contó con un gran elenco: el trompetista Lee Morgan, los saxofonistas George Coleman y Tina Brooks, los guitarristas Kenny Burrel y Eddie McFadden, más los percusionistas Art Blakey y Donald Bailey. La pieza que abre y titula el álbum, The Sermon, son veinte minutos de pura improvisación en la que Smith lleva la batuta y va alternándose con los solos de todos los músicos. Lee Morgan, The Sidewinder (1963). Con el tema que da título a la producción, tanto la compañía como el artista, llegaron a los primeros puestos de las listas de venta de música. Herbie Hancock, Maiden Voyage (1965). Un álbum conceptual, basado en viaje a través del mar, es también el primer trabajo de Hancock para Blue Note y su segundo álbum como solista. Como recomendación adicional existe la serie One Night With Blue Note Preserved, en cuatro volúmenes. Son grabaciones en vivo, integrando al viejo y nuevo elenco en los temas. Otra de los detonadores del renacimiento.
LP: EL GRAN FORMATO FÍSICO Por Jorge León Con todos estos avances tecnológicos de los que hablabamos, paulatinamente fueron apareciendo distintos medios de reproducción musical, como es el caso del LP. Golmark, ingeniero de la Columbia Broadcasting System (CBS), se concentró en el desarrollo de un disco de larga duración. El 21 de junio de 1948, el equipo de Goldberg presentaba en el Hotel Waldford Astoria de Nueva York el resultado de su trabajo: el disco de larga duración, en inglés long play, abreviado LP (abreviaturas registradas por la CBS Records como marcas comer-ciales con el fin de producir y distribuir en la industria musical de esos años), este nuevo soporte material donde se concentraría la música. A partir de la década de los treinta y viendose un poco afectados por la Segunda Guerra Mundial, se trabajó intensamente en un gran desarrollo tecnológico de un sistema que perfeccionara la producción y la industria discográfica. Esto se lograría al paso de los años y hemos sido testigos de esa gran evolución desde que el LP fungiera como el gran formato material musical, consagrando grandes éxitos como los musicales de Broadway: South Pacific y My fair lady, además de los clasicos del Rock. Por otra parte, grandes artistas como Louis Armstrong mencionaban que el LP era lo mejor que podía haber ocurrido al jazz, ya que se desprendía un gran sonido que te llevaba a lugares inimaginables. Más información en jorgeleon.com.mx
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quien es?
EL OTRO YO, LA BANDERVILLE Y TANKE
No dice lugar, 21 de agosto PorLizzie Serra Leslie Geyer Organización: 3 Producción: 3 Ambiente: 4 Artistas: Mamastróficos: 5 Banderville: 5 Tanke: 3 El otro yo: 5 El Lunario es un gran recinto para disfrutar de la música nuestros artistas favoritos y degustar de una buena chela o lo que gusten para acompañar su noche; noche que desafortunadamente se quedó a medias ya que el ambiente y la organización dejaron mucho que desear. Para calentar el escenario apareció la primera agrupación: Los Mamastróficos con sonidos versátiles, unos chicos muy animados que nos dejaron ver que en su sangre corre la música latina disco con un toque de pop, aunque esto no fue suficiente para animar a la banda que lucía bastante apagada. La noche comenzaba a tomar forma cuando salió a escena La Banderville. Muy carismáticos los niños, sorprendieron a la audiencia cuando Joselo (Café Tacuba) apareció para acompañar la rolita *A la Distancia*. Los chicos de Tanke tuvieron imprevistos técnicos, tales que hicieron mal vibrar a la banda como a la audiencia; los seguidores de El otro yo, se entregaron a los argentinos que dieron un buen show, dejando a todos con un gran sabor de boca.
ROCK BICENTENARIO No dice lugar, 28 de Agosto Por Kirin Bee! Kirin Bee! Organización: 3 Producción: 5 Ambiente: 5 Artistas: Víctimas del Doctor Cerebro: 5 Maldita vecindad y los hijos del 5to patio: 5 La Lupita: 4 Lost Acapulco: 4 Los Rastrillos: 4 Tex- Tex: 3 Antidoping: 4 Quema Madera: 3 Colectivo Moyematu: 3 El Rock Bicentenario, impulsado por la Secretaría de Cultura del Distrito Federal y el Consejo Nacional para la Cultura llegó y triunfó a pesar de su lejanía. Los asistentes representaron, como siempre, un papel importante con su implacable emoción y ganas de rockear. Las bandas invitadas hicieron del público lo que quisieron, en el escenario y debajo de el se cantó, se bailo, se gritó, se brinco, se aplaudió y hasta se saldaron cuentas con la mala vibra de cada uno de nosotros impulsados por “Rocco” de La Maldita vecindad. No hay queja alguna sobre la ejecución y presentación de las bandas invitadas, todas como siempre hicieron de su espacio musical un verdadero recinto de tertulia, hermandad, emoción y rock en su máxima expresión.
El Chipo
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LA BARRANCA
Teatro Metropolitán, sin fecha Por Amanda Tovalin Cortesía OCESA
Organización: 4 Producción: 5 Ambiente: 5 Artistas: La Barranca: 5 Por espacio de tres horas y con más de 30 canciones interpretadas junto a sus invitados entre los que se encontraban Alfonso André, Steven Brown y Cecilia Toussaint, La Barranca hizo vibrar con emoción a la gente del teatro Metropolitán en la presentación de su nuevo disco *Piedad Ciudad* . Con sus sonidos, suaves, oscuros combinando elementos de la música tradicional mexicana, acordes de rock y letras melancólicas. La Barranca demostró tener una gran maestría para tocar sus éxitos en vivo. Así, los integrantes de la agrupación mexicana hicieron de la noche del 28 de Agosto una noche memorable.
THE JUAN MACLEAN DJ SET Pasaje América, 21 de agosto Por Paulina Suárez Javier Sánchez Organización: S/C Producción: S/C Ambiente: S/C Artistas: Puma: 5 Dann Kalter & Dash: 4 Juan Maclean: 5 Si te cuentan de un show en el Pasaje América, es casi seguro que los sonidos electrónicos vendrán a tu mente en el marco de una buena fiesta. En esta ocasión, fue Alter Ego Entertainmen, la promotora que trajo un pedazo de la calidad que la disquera (¿colectivo?) DFA entrega cada vez que uno de sus miembros se presenta. The Juan Maclean llegó a sorprender a todos con un set característico de la disquera, pero con la peculiaridad de las tornamesas y no sólo computadoras. Como entrada, Puma y Dann Kalter, hicieron lo propio con una secuencia de rolas especialmente preparadas para no dejar caer los ánimos en esa noche prometedora. Ha sido todo un agasajo presenciar la calidad de un artista que no sólo es un músico con experiencia sino que también es un DJ nato.
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Juan MacLean
Luis Jacques “Yako”
VA POR EL NORTE Pasagüero, 23 de Julio Por Kross [.Kr] Kross [.Kr] Organización: 4 Producción: 4 Ambiente: 5 Artistas: Suarez: 4 Dirty Karma: 5 Flip Tamez: 5 Niña: 5 Un Pasagüero casi vacío hizo que se retrasara el horario que se tenía planeado pero, conforme avanzó la noche el lugar se iba llenado. No fue hasta hora y media después que el evento dio inicio con la participación de Suarez, chicos de Guadalajara que traen una propuesta muy fresca y pop seguidos de Dirty Karma quienes, con una ejecución muy sólida, presentaron material del nuevo disco Elephants. El tercero en aparecer en el escenario fue Flip Taméz acompañado por Beto Ramos, Rafa Sarmiento y Alan Robles; juntos agradecieron a la gente que fue al evento para apoyar a los damnificados por el huracán Alex. Para cerrar con broche de oro tocó el turno a Niña, cuyos integrantes se notaron muy tranquilos y callados pero, fueron los que más prendieron a los asistentes.
CÁRTEL DE SANTA, PRESENTACIÓN DEL DISCO SÍNCOPA
Don Quintín Polanco, 23 de julio Por Paulina Suárez Rosete Organización: 4 Producción: 5 Ambiente: 5 Artistas: DJ Aztek: 5 Cártel de Santa: 5 Cholos, batos locos y fresas, en un afortunado contraste, se dieron cita para la presentación del disco de Cártel de Santa. Don Quintín Polanco fue el lugar al que solamente podías entrar si llevabas invitación. Aproximadamente 500 personas llenaron el inmueble y a las 21:00 horas Dj Aztek inició su show. Mientras tanto, la disquera regalaba discos, camisetas y diferentes souvenirs a las personas que llegaban temprano. Un poco después de la media noche, por fin salió la alineación del Cártel junto con Mery Dee y Big Man como invitados especiales. Todas las rolas del nuevo disco se tocaron y el público conocedor de los regiomontanos fue el más prendido; manos de arriba para abajo eran la escena constante en la presentación. Todo el Cártel de Santa agradeció al público el apoyo recibido durante los últimos años e invitó a estar atentos de sus próximos proyectos.
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Babo
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PASSION PIT
José Cuervo Salón, 28 de agosto Por Paulina Suárez Oscar Villanueva Organización: 5 Producción: 4 Ambiente: 5 Artistas: Technicolor Fabrics: 3 Passion Pit: 5 En la primera visita de Passion Pit a México, cortesía de Ketel One, fueron visitadas tres ciudades con un éxito rotundo: Guadalajara, Monterrey y Distrito Federal. Cuando uno llega a cualquier foro para conciertos y comienza a notar que la cantidad de gente aumenta de forma incontrolable, no se tienen muy buenos presentimientos. Sin embargo, poco a poco el Salón José Cuervo se vio repleto de personas que, a pesar de que el calificativo *fan* les queda grande, se encargaron de corear todas las canciones de la banda con una energía desbordante. No es raro que la agrupación de Massachusetts ofrezca *shows* de calidad y provoque reacciones de hiperactividad, son divertidos y el espectáculo de luces les acompaña a la perfección. Complacidos, emocionados y agradecidos con el público mexicano, prometieron regresar. De la banda telonera, Technicolor Fabrics, hay que decir que su presentación fue una prueba gratamente superada
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Francia - Alemania stereototal.de Por Arturo Tapia Becky Ofek
Imagínense Roma sin ciudadanos temerosos de sus emperadores (los esclavos ya tenían miedo de sus propios amos). Cuando dejaron de temer cambiaban de césar cada año y la debacle del Imperio comenzó, acompañada de envalentonadas —a veces— o muy interesadas rebeliones que sólo pretendían deponer un líder por otro. Pero, ¿de verdad es tan necesario que nos guíen? ¿Crees en lo políticamente correcto pero la política para ti es toda igual? ¿Crees que tu sarcasmo es lo más transgresor que te pones al día? ¿Eres indie pero te truena la derecha? ¿Dices cosas como “la crisis está en tu cabeza”? ¿Eres moderado (resignado es lo mismo)? ¿Tu escapatoria es el arte y la defiendes como si fuera ley? Si sufres de todos esos males, el siguiente texto es para ti. Hay que aprovechar que aún no han prohibido a Stereo Total, que los moderados no los conocen bien y creen que es una marca de equipos de audio. Estás de suerte para poderte dar una escapada a verlos en tan sólo unos días. Ahí vienen y estás a nada de saber cómo dejar de ser el conformista que no dice nada, no piensa nada, no siente nada y que no hace nada.
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PROMOs ¡FIESTA! STEREO TOTAL en Guadalajara, D.F. y Monterrey. Nuestros suscriptores entran gratis en Guadalajara. En D.F. y Monterrey tenemos 5 pases dobles. promociones@indie-rocks.com Dinámica: lectores en general Asunto del correo: ST. Envía la fecha y sede del concierto que elijas.
Ya son un poco más de diez años el tiempo que lleva tocando en vivo el dúo Stereo Total. Ir a ver más de dos veces a la misma banda no es algo que resulte muy alentador, teniendo en cuenta que la cantidad de toquines con bandas independientes ha crecido exponencialmente y se puede aprovechar el dinero, y el tiempo, para descubrir nuevos compases y actos en vivo. Sin embargo, es imposible dejar de revivir el agasajo y la diversión que hubo en la primera visita del dúo franco-alemán, residido en Alemania, a nuestro país. En su última visita, la segunda, presentaron Paris-Berlin y la cosa se puso todavía mejor. Los ánimos, como siempre son con ellos, fueron genuinamente irreverentes, legítimamente contestatarios e inexorablemente lascivos. Viene la tercera, la próxima visita de ST a México en el año más violento, con más muertos, con más resultados negativos, con más desidia y apatía “juvenil” hacia todo; vienen en el año de la revolución en el que nada parece estar pasando, ni en el país ni en la gente; pero paren de sufrir, dejen de aburrirse, que la banda viene para recordarles que están vivos, que pueden sentir rico, que la vida y sus placeres son onomatopéyicos y se dice Baby Ouh! cuando uno se la pasa bien. Hablamos con Françoise Van Hove, que en realidad — la de Stereo Total— se hace llamar Françoise Cactus, la bella mujer que junto con Brezel Göring, nacido con
el nombre Friedrich Ziegle, forma Stereo Total; ellos vendrán a aguzarlos, a divertirlos y a sacudirlos. No esperes consignas del recetario de la arenga ponzoñosa habitual; está vez tú eres el campo de batalla, el enemigo está adentro, te duerme y vive en ti, pon atención, Stereo Total en septiembre, en el mes de la independencia.
Ménage
Totalmente ocupados, los últimos tres años no han sido precisamente un periodo de descanso para el dúo aunque pasaron mucho tiempo en casa. Françoise Cactus ha estado concentrada en exhibiciones de sus pinturas y ha refinado su acercamiento artístico y escultórico feminista-dadaísta-escandaloso-Wollita. Su títere, hecho a imagen y semejanza de su dueña, fue objeto de escarnio y asombro de la prensa amarilla alemana. Sin embargo, la marioneta, una sex doll hecha de estambre, ha merecido dos veces el premio Wollita Art Prize. ¿Quién diría ahora que el tejido de gancho es aburrido? Con albur y todo. Brezel, por sus lados, ha estado ocupado ampliando su alta y baja cultura: sus improvisaciones con Elbipolis Barockorchester por arriba; y por abajo, la publicación de las bandas punk-electropunk Robotron y Dreipunktbande con su sello Verboten in Deutschland (Prohibido en Alemania). Además viajaron incansablemente
durante meses para promover Paris-Berlin.
BABY OUH!
Cuando le preguntamos a Françoise sobre el nuevo álbum, nos respondió, contundentemente, sin dejar de reír entre tanto y hacernos sonreír: «Somos una banda política. Hemos tenido un sonido fácil de identificar a lo largo de nuestras producciones, sin embargo ahora ha cambiado un poco. No sé si este disco es nuevo propiamente. Nosotros nos sentimos diferentes. No hay honor o burla gratis, Divine y Warhol son algunos de los que nos inspiraron una u otra cosa. Nuestra música intenta conseguir, no por sí misma, sino como herramienta del hombre, la liberación de
87 la mujer en todo el mundo. Este álbum refresca ese propósito. Las canciones son cortas y casi elaboradas al mínimo. Hacemos música que nos gustaría escuchar en la radio. Música que no escuchamos casi por ningún lado. ¿Cuál podría ser el impedimento? No se me ocurre ninguno». Aunque el dúo, decididamente, jamás vuelve a escuchar uno de sus discos después de publicarlos. Ellos dicen “lo que se acabó se acabó. En nuestro futuro no hay futuro”. Stereo Total compuso cuarenta canciones para Baby Ouh! y sólo diecisiete fueron elegidas: las rolas son Bip-bip-music, frívolas, rápidas, contundentes. Su último álbum luce glamuroso histérico, así es como ellos lo definen. Y de nueva cuenta en éste, como en casi todos sus materiales anteriores, dan prueba de su vocación y profundo deseo de ser hilos conductores de comunicación. Françoise y Brezel cantan en distintos idiomas, hecho nada frívolo en un mundo donde es necesario hablar inglés —si no es tu lengua madre— para intentar llegar a millones de potenciales escuchas, pero donde también es lo mínimo que puedes saber si deseas acercarte genuinamente a otros que no tienen ese idioma como primero en su lista. Ellos intentan comunicar y ser cercanos, por ello lo intentan en turco, japonés, alemán, francés, inglés y español. «Me gusta comunicarme con la gente. La verdad no sé japonés, ni turco. Ojalá. Ni casi nada de
español, estoy estudiando. Pero sé de qué tratan mis canciones. Y eso es lo que quiero comunicar. Que llegue por mí misma sus mensajes a las personas que nos escuchan», nos dijo Françoise antes de preguntarle cuál es su canción favorita en español: «Me encanta No controles, es divertidísima. En español me gusta mucho Almodóvar, hasta hicimos un cover de Quiero ser mamá; son varias las versiones que hicimos para Grandes éxitos. Por supuesto también nos gusta la música hecha en México. He conocido lo que hacen allá y hay muchísimo que escuchar y para divertirse».
¡Viva la evolución!
Su estilo musical solían definirlo porcentualmente con las corrientes que los influencian: decían que cuarenta por ciento de sus composiciones son yéyétronic, que otro veinte por ciento es rock and roll, y que el resto lleva punk rock, diletantismo, pop, electrónica, new wave, beat francés vintage y muchos aparatos para grabar LoFi. Pero afortunadamente son malos con la estática y buenos con la transformación, así que a menudo la cantidad de un ingrediente cambia y arroja lo que su nuevo álbum nos ofrece, un disco de puro R’n’R’, es decir, romántico y rebelde. Así lo describen. El dúo cree que este disco fue un intento de grabar las canciones que a ellos les encantaría escuchar cuando se enciende la maldita radio de cualquier lugar. Las letras de sus canciones son animosas, son anarquistas
y por lo tanto ingenuas, son poéticas malintencionadas, son lujuriosas y ¡sediciosas! Hablan de sexo, sexo y más sexo. Y antes de pensar que sólo hablan de ello y que el sexo es sólo empiernarte e intentar coitos seriales, comprendamos sexo como una dimensión humana intrínseca e inexorable a nuestra aburrida o divertida existencia. El sexo es política, el sexo es práctica, el sexo es placer, el sexo es poder, el sexo recuerda porqué estamos aquí, es vida. El sexo se paga o se da gratis, pero nunca pasa de largo. No se trata sólo de genitales, sino de todas las otras dimensiones humanas que trastoca o inspira, Françoise respondió cuando le pregunté sobre este
“oscuro” tema: «Sí, el sexo es política, definitivamente. Hacemos muchas cosas como nos dicen que las tenemos que hacer, incluyendo el sexo. Eso es política porque son otros los que toman las decisiones en las que millones basan su comportamiento. Son unos cuantos los que dicen qué está bien y qué está mal. Vivimos como otros nos dicen y obedecemos órdenes de los demás. Sin duda, nosotros hablamos de sexo porque eso nos lleva a muchos temas más. Cualquiera que inicie una conversación sobre el asunto terminará hablando de cualquier otra cosa, de cualquier otra angustia, de sus esperanzas o frustraciones. Es una fuente o destino de ideas y energía. Por eso liberarse en el sexo no es más que estar listo para liberarse y rebelarse en cualquier otro sentido. Por ello ¡viva el sexo! ¡Viva la revolución!».
No controles
Me encanta y me sorprende cómo la mayoría de las personas, con arrojo y tesón, se entregan a la obediencia, o mejor dicho, a la observación de las normas. Ni el más aguerrido de los roqueros ni la más obvia ingenuidad sacude a los conformistas, a los controlados, a los sujetados de la tecnología (hasta estilo de vida hay alrededor de ésta); y nadie se sorprende. Los medios que Stereo Total utiliza para salir de gira son bastante simples: el dúo tiene un sentido pragmático que ellos emplean para sus presentaciones en vivo, “1,
2, 3, 4 y ¡vámonos!”. Y no les gusta estar constreñidos a formas y equipo “indispensable”. Todo lo contrario, ellos apenas saben a bien qué va a pasar en el escenario: sólo anticipan que los equipos para samplear comprados en un mercado de pulgas, sus sintetizadores y los micrófonos servirán para dar un concierto en una época donde la idea de un acto en vivo es como de karaoke con lap top (una compu y alguien gritando). Baby Ouh! está hecho a medida del gusto de estos locos por sorprender, o quizá mejor dicho, freakear. «Nos encanta cultivar y propiciar lo “incorrecto”, lo irregular, lo raro. Muchas veces le atinas con esa actitud y descubres cosas divertidas y disfrutables. Siempre esperamos divertirnos en nuestros conciertos y que la gente la pase bien», nos dijo Françoise. Nadie se habría imaginado que un éxito ochentero de rebeldía coreográfica y textil sería la inspiración de Stereo Total veinticinco años después. Mucho menos que el trío con nombre de postre quemado pudiera ser uno de los favoritos del dúo. No controles ha sido expropiado por los franco-alemanes y ahora ellos le adhieren mayor significación a la consigna y negación del intento de ser conducidos por los demás. Qué rayadas las postres por semejante buen atino ochentero. Nos despedimos e insistía en la rebelión conveniente para estas fechas, la Baby Revolution, donde, desde la comodidad de la cama se tumban las últimas ba-
rricadas de esta acomplejada aburrida pusilánime aspiracional vida pseudoburguesa; ella estuvo de acuerdo y concluimos: «El lenguaje es pensamiento. No existe forma de nombrar, pedir o comunicar algo sin nombrarlo. Si nos dicen cómo hablar nos han dicho en realidad cómo y en qué pensar. Si ponen palabras en nuestra boca realmente las ponen en nuestras mentes. Si obedecemos, después nos dirán qué sentir y cómo sentirlo. Entonces el placer que podamos recibir y provocar, no serán otra cosa que un ritual de circunspección a las normas de otros. Por eso, de nuevo, ¡viva el sexo! ¡Viva la revolución!».
APARATEJOS Por Pita Lugosi
¡No más multas en alcoholímetros! AlcoMate AccuCell AL9000 Cuando se sale de juerga con los amigos y varios comparten un vehículo motorizado, al terminar la parranda llega el terrible momento de decidir quién debe manejar (si es que no tienen un conductor designado o de plano todos están muy fundidos como para reparar en esas minucias); el problema con esto radica en que sus vidas se exponen innecesariamente, además son presa fácil de policías que buscan su aguinaldo de cada noche. Para esos momentos fue que se inventó el AlcoMate AccuCell AL9000, un alcoholímetro de llavero que evitará muchas multas. Pros: Este gadget es tan preciso como los usados por la policía, así que si tu AlcoMate AccuCell AL9000 indica que estás en el rango tolerado de alcohol no tienes de que preocuparte. Además cuenta con
un software que se conecta a la computadora y te permite salvar los resultados (para demostrar quién estaba más ahogado en alcohol). Contras: Este aparatejo no ayuda a disminuir los niveles etílicos de nadie, ni a burlar alcoholímetros. efo.buy-lowest.com
Qbot el heraldo robótico que todos desean (y temen) Nada es peor que atender engorrosas reuniones que requieren trasladar nuestra masa corporal a un lugar, usualmente indeseable, donde permanecerá incómodo durante algunas horas; al menos así solían ser las cosas. Ahora que Anybots lanza al mercado los Qbots, eso es cosa del pasado. Todos los que tengan capacidad de gastar 15,162 dólares podrán enviar a un robot con un comandado por control remoto y GPS a sus reuniones. Una pantalla de LCD mostrará imágenes recolectadas por webcam para mostrarlas en la frente del robot. Pros: Todo mundo ha soñado tener que evitar esas situaciones sociales, pero si podemos mandar un robot en nuestra representación,
Para ser como Rocky, pero con estilo (y sin problemas en el habla): Interactiv’ Boxing El box es considerado como un deporte de caballeros por los ingleses, pero en realidad es por todos bien sabido que uno de los problemas por practicarlo es el espacio que requiere un costal de entrenamiento, pero no sólo por su volumen, sino también porque es una forma segura de afear una habitación con una imitación de carne de res colgando del techo o una barra. Pero eso ya no es excusa gracias al Interactiv’ Boxing. Pros: Los LED’s del Interactiv’ Boxing te pueden dar excelentes rutinas de cardio, así como un pequeño curso de autodefensa y además
te indica dónde y con qué fuerza has estado golpeando. También te da retroalimentación si vas mejorando en tu rutina de ejercicio. sac-de-frappe.com
podríamos hacer cualquier otra cosa en ese tiempo, siempre y cuando no se vea por la cámara web. Contras: Aunque puede sonar glamoroso y futurista en un principio, es tan sólo la punta del iceberg en la carrera hacia el fin del mundo, cuando los robots tomen las decisiones importantes por nosotros y nos usen como baterías. efo.buy-lowest.com
Contras: Es bastante abusivo que para aprovechar su diseño ahorrador de espacio, debas de comprar por separado el rack que se monta a la pared, además de que no parece muy seguro si pretendes verte como Schwarzenegger o Stallone en los 90.
Escríbeme, bórrame y léeme mañaneros: Post My Pillow ¿Quién no se ha levantado alguna vez con otra persona a su lado y ganas de dedicarle una frase que describa el momento (ya sea romántica, de repulsión o indescriptible terror) y no ha podido? Pues bien, para esas ocasiones en que el habla nos abandona es que existen las Post My Pillow, unas ingeniosas almohadas en las que puedes dejar esos mensajes sin mayor preocupación, y que a diferencia de las Post It, puedes usar una y otra vez.
Contras: Probablemente no sea muy agradable agarrar por error entre sueños una almohada de éstas y amanecer con una copia del mensaje en el rostro (en el mejor de los casos).
Pros: La cubierta especial de esta almohada hace que sea en extremo sencillo el proceso de limpieza, además de que no necesitas plumones especiales (sólo sentido común para no usar un marcador permanente). ¡Nunca fue más fácil dejar mensajes como: “Ve al doctor”, “Te amo”, “Deja tu nombre y teléfono para vernos otra vez”! veinticuatrodientes.com
Tócame como a tu celular:
Nokia X6
Shoot Me With Your Sweet Ammo: Marshmallow Mforcer Semi-Automatic Pistolw Hay dos cosas que prácticamente todo mundo disfruta: comer dulces y molestar a sus semejantes. Si tan sólo hubiera una forma de juntarlas sería algo épico ¿no? Como siempre, Think Geek se ha adelantado y creó la Marshmallow Mforcer, una pistola semiautomática que dispara rondas de hasta quince bombones, a una distancia aproximada de tres metros. Es la forma ideal de llevar a cabo una guerra de salón u oficina y poder sentirte como Rambo, Scarface o Clint Eastwood sin que te arresten por homicidio. Pros: Por su tamaño es un aparatejo que puedes guardar en tu escritorio o mochila sin mayor problema, además de que cualquier marca de bombones miniatura, dulces ligeros y confites puede servir de munición. Contras: Este gadget puede provocar que alguna “bala” perdida en un alma no muy comprensiva se violente en tu contra, además de que no faltará quien lo use como dispensador para ahorrarse el camino de la bolsa a su boca.
Habiendo tantas opciones en el mercado, las marcas de celulares deben de poner un esfuerzo extra si quieren alejar a los compradores del lado obscuro del iPhone (aunque Steve Jobs parece hacer ese trabajo también con la nueva generación de los teléfonos de la manzanita). Si para ustedes un celular debe tener estilo, navegar en Internet y traer toneladas de música, el Nokia X6 es justamente lo que buscan. Pros: Su pantalla de 3.2 pulgadas es bastante atractiva y práctica; aunque viene sin stylus, los botones vienen con el suficiente tamaño y espaciado como para que cualquier homínido pueda manejarlo sin muchos problemas. Pero sin duda lo mejor es que con él puedes acceder a la tienda de Comes With Music y descargar gratuitamente cualquier canción o disco que esté allí (legalmente), así que sus 32 gigas de memoria, probablemente duren poco tiempo. Contras: Es desconcertante el que los celulares de Nokia sigan sin poderse cargar por medio del puerto mini USB, además de que su sistema operativo sigue teniendo algunos problemas de sensibilidad. Pero por la cantidad de música gratis que ofrece, vale la pena sufrir esos desperfectos menores.
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calendario
CUADRO DE COLORES: Resaltado: Indie Rocks! recomienda. Color general: D.F. y Área Metropolitana Rojo: Norte del país. Verde: Centro del país.
La Trouppe: trupeetando con los clásicos / Lunario del Auditorio Nacional, Colonia Bosques de Chapultepec, Distrito Federal 13:00 hrs. Pierre Soualges (exposición) Museo de la Ciudad de México, Pino Suárez 30. Centro Histórico, Distrito Federal / 11:00 a 17:00 hrs.
Azul: Sur del país.
Lunes 16 de agosto
Nota: Los eventos pueden estar sujetos a cambios de última hora, dichas modificaciones son responsabilidad de las productoras u organizadores.
Intimismo, simbolismo y fantasía (exposición) /Centro de las artes, Avenida Fundidora s/n, Colonia Obrera. Monterrey, Nuevo León 10:00 a 21:00 hrs.
AGOSTO Domingo 15 de agosto Draw (exposición) / Museo de la Ciudad de México, Pino Suárez 30. Centro Histórico, Distrito Federal / 11:00 a 17:00 hrs. Último día.
Martes 17 de agosto Taller de guitarra para principiantes / Centro Cultural José Martí, Doctor Mora 1. Centro Histórico, Distrito Federal 17:00 a 19:00 hrs.
Jueves 19 de agosto Botellita de Jerez / El imperial Bar, Álvaro Obregón 293. Colonia Condesa, Distrito Federa 21:00 hrs. Festival Macabro 2010 / Varias sedes: Cineteca Nacional, Cinematógrafo del Chopo, Universidad del Claustro de Sor Juana, Centro Cultural del Bosque / checar horario para cada sede
Viernes 20 de agosto Amigos Invisibles, Tijuana Sound Machine, No Somos Machos Pero Somos Muchos e Instituto Mexicano del Sonido (DJ set) / José Cuervo Salón. Lago Andrómaco 17, Colonia Ampliación Granada. Distrito Federal / 20:00 hrs.
Evilution (exposición) / Casa de la cultura de Nuevo León. Avenida Colón 400, Colonia Obrera. Monterrey, Nuevo León 10:00 a 21:00 hrs.
Miércoles 18 de agosto Proyección al aire libre: J-O’kel de Benjamín Williams Regina Barrio Fest, Regina s/n. Centro Histórico, Distrito Federal / 18:30 hrs. Cuento de ciencia ficción (taller) Centro Cultural José Martí, Doctor Mora 1. Centro Histórico, Distrito Federal 19:00 a 21:00 hrs.
Rata Blanca / Salón Los Ángeles. Gran Avenida 3625, Centro. Puebla, Puebla 21:00 hrs. La Barranca, Los de Abajo, Cabezas de Cera, Sr. Mandril, Los Lunáticos, Debralleitor Colonia Santa Úrsula Xilitla, Distrito Federal / 14:00 horas
Cineclub / Centro Cultural Ollin Yoliztli, Periférico Sur 5141. Colonia Isidro Fabela, Distrito Federal 16:00 hrs. Pierre Soualges (exposición) Museo de la Ciudad de México, Pino Suárez 30. Centro Histórico, Distrito Federal / 11:00 a 17:00 hrs.
El otro yo, La Banderville y Tanke Lunario del Auditorio Nacional, Colonia Bosques de Chapultepec, Distrito Federal / 21:00 hrs. Le Butcherettes y Apolo El imperial Bar, Álvaro Obregón 293. Colonia Condesa, Distrito Federal / 21:00 hrs.
Sábado 21 de agosto D.R.I. / Vd Más, Calzada de la Viga 667. Colonia San Francisco, Distrito Federal / 19:00 hrs. The Plastic Revolutions y Vesspa / El imperial Bar, Álvaro Obregón 293. Colonia Condesa, Distrito Federal / 21:00 hrs.
Taller de Alebrijes / Centro Cultural José Martí, Doctor Mora 1. Centro Histórico, Distrito Federal 12:00 a 15:00 hrs. Eby, Romanticos de Zacatecas, 60 tigres y Torre Blanca / Big Nose, Tezozomoc 1. Jajalpa Ecatepec De Morelos, Estado De México / 13:30 hrs
Festival Macabro 2010 / Varias sedes: Cineteca Nacional, Cinematógrafo del Chopo, Universidad del Claustro de Sor Juana, Centro Cultural del Bosque / checar horario para cada sede
Natalia Lafourcade y Big Band Jazz de México / Lunario del Auditorio Nacional, Colonia Bosques de Chapultepec, Distrito Federal / 21:00 hrs. Sonido Changorama / El imperial Bar, Álvaro Obregón 293. Colonia Condesa, Distrito Federal 21:00 hrs. Passion Pit / Teatro Estudio Cavaret, Parres Arias S/N. Zapopan, Jalisco / 21:00 hrs.
Domingo 22 de agosto Festival Macabro 2010 / Varias sedes: Cineteca Nacional, Cinematógrafo del Chopo, Universidad del Claustro de Sor Juana, Centro Cultural del Bosque / checar horario para cada sede La Trouppe: trupeetando con los clásicos / Lunario del Auditorio Nacional, Colonia Bosques de Chapultepec, Distrito Federal La nueva sangre del rockLunario del Auditorio Nacional, Colonia Bosques de Chapultepec, Distrito Federal / 17:00 hrs. Había una vez (clown, música y danza) / Teatro Benito Juárez, Villalongín 15. Colonia Cuauhtémoc, Distrito Federal / 18:00 hrs.
Lunes 23 de agosto Taller de actuación / Centro Cultural José Martí, Doctor Mora 1. Centro Histórico, Distrito Federal 18:00 a 21:00 hrs.
Explorando con las artes (taller) Centro Cultural Xavier Villaurrutia, Glorieta del Metro Insurgentes locales (11 y 12). Colonia Juárez, Distrito Federal / 10:00 a 12:00 horas
Martes 24 de agosto Congreso Internacional Utopía: espacios alternativos y expresiones culturales en América Latina / Eugenio Garza Sada 2501, Col. Tecnológico. Monterrey, Nuevo León / Todo el día Lili´s Jazz Monsters y Triamazikamn / Lunario del Auditorio Nacional, Colonia Bosques de Chapultepec, Distrito Federal 21:00 hrs. Taller de periodismo y rock Centro Cultural José Martí, Doctor Mora 1. Centro Histórico, Distrito Federal / 19:00 a 21:00 hrs.
Miércoles 25 de agosto La habitación del ruido: Musicalizando el Infierno de Dante con Rita Guerrero y Pablo Gav Universidad del Claustro de Sor Juana, Izazaga 92. Centro Histórico, Distrito Federal 18:30 hrs.
Jueves 26 de agosto Festival Macabro: American Psycho a diez años / Universidad del Claustro de Sor Juana, Izazaga 92. Centro Histórico, Distrito Federal / 18:30 hrs. The Limited / El imperial Bar, Álvaro Obregón 293. Colonia Condesa, Distrito Federal 21:00 hrs. Cuento de ciencia ficción (taller) Centro Cultural José Martí, Doctor Mora 1. Centro Histórico, Distrito Federal / 19:00 a 21:00 hrs. Tatiana Musi (exposición) Museo de la Ciudad de México, Pino Suárez 30. Centro Histórico, Distrito Federal / 11:00 hrs.
Viernes 27 de agosto Congreso Internacional Utopía: espacios alternativos y expresiones culturales en América Latina / Eugenio Garza Sada 2501, Col. Tecnológico. Monterrey, Nuevo León / Todo el día Matute Revenge Of The 80’s Voila, Ejército Nacional 843-B. Colonia Polanco. Distrito Federal 22:00 hrs.
Cineclub / Centro Cultural Ollin Yoliztli, Periférico Sur 5141. Colonia Isidro Fabela, Distrito Federal 16:00 hrs. Había una vez (clown, música y danza) / Teatro Benito Juárez, Villalongín 15. Colonia Cuauhtémoc, Distrito Federal 19:00 hrs.
Sábado 28 de agosto Passion Pit / José Cuervo Salón. Lago Andrómaco 17, Colonia Ampliación Granada. Distrito Federal / 20:00 hrs. Itlafest 2010: Maldita Vecindad, Molotov, Kinky, Los Bunkers, Bengala y Rey Pila / Estacionamiento Recinto Ferial. Carretera México-Pachuca Km. 84.5, Col. Juan C. Doria. Pachuca, Hidalgo / 16:00 hrs. La Barranca / Teatro Metropólitan, Independencia 90. Colonia Centro, Distrito Federal 20:00 hrs. Victimas del Dr. Cerebro, Maldita Vecindad, La Lupita, Lost Acapulco y muchos más... Faro Tlahuac, Avenida La Turba s/n. Colonia Miguel Hidalgo, Distrito Federal / 11:00 hrs. La Banderville / Casa del Lago, Antiguo Bosque de Chapultepec. Primera Sección, Distrito Federal / 19:00 hrs. Funky Reven: Los Músicos de José y Fiusha / Lunario del Auditorio Nacional, Colonia Bosques de Chapultepec, Distrito Federal / 21:00 hrs. No Somos Machos Pero Somos Muchos y Los Heavy / El imperial Bar, Álvaro Obregón 293. Colonia Condesa, Distrito Federal / 21:00 hrs.
Domingo 29 de agosto Festival Macabro 2010 / Varias sedes: Cineteca Nacional, Cinematógrafo del Chopo, Universidad del Claustro de Sor Juana, Centro Cultural del
ATENCIÓN: el calendario puede estar sujeto a cambios o cancelaciones por parte de sus promotores.
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Bosque / checar horario para cada sede Un lugar entre las nubes / Teatro Sergio Magaña, Sor Juana Inés de la Cruz. Colonia Santa María la Rivera, Distrito Federal 13:00 hrs. La nueva sangre del rock Lunario del Auditorio Nacional, Colonia Bosques de Chapultepec, Distrito Federal / 17:00 hrs. Había una vez (clown, música y danza) / Teatro Benito Juárez, Villalongín 15. Colonia Cuauhtémoc, Distrito Federal / 18:00 hrs.
Lunes 30 de agosto Taller de actuación / Centro Cultural José Martí, Doctor Mora 1. Centro Histórico, Distrito Federal 18:00 a 21:00 hrs. Explorando con las artes (taller) Centro Cultural Xavier Villaurrutia, Glorieta del Metro Insurgentes locales (11 y 12). Colonia Juárez, Distrito Federal / 10:00 a 12:00 hrs.
Martes 31 de agosto
Roma), Tonalá esq. Colima, Distrito Federal / 10-18:00 hrs. Hasta el 5 de septiembre Claire Fontaine / Museo Tamayo, Paseo de la Reforma y Gandhi, Distrito Federal / 10.18:00 hrs. Hasta 5 de septiembre Jueves 2 de septiembre Aprópiate de la imagen. Taller de Blog / Centro Cultural España, Guatemala 18, Centro Histórico, Distrito Federal / 15-20:00 hrs. Aprópiate de la voz. Taller de radio / Centro Cultural España, Guatemala 18, Centro Histórico, Distrito Federal /15-20:00 hrs. Proyecto Akaso (exposiciones) Museo de Arte de Sonora (MUSAS), Blvd. Agustín de Vildósola s/n, Col. Villa de Seris, Hermosillo, Sonora / 14:00 hrs. Hasta 19 de setiembre de 2010 Viernes 3 de sptiembre Panda Bear / Polyforum Siqueiros, Insurgentes Sur 701, Distrito Federal / 21:00 hrs.
Evilution (exposición) /Casa de la cultura de Nuevo León. Avenida Colón 400, Colonia Obrera. Monterrey, Nuevo León 10:00 a 21:00 hrs. La Grandeza de Nuevo León (exposición) / Centro Internacional de Negocios Monterrey, Avenida Fundidora 501, Colonia Obrera. Monterrey, Nuevo León 07:00 a 22:00 hrs.
SEPTIEMBRE Miércoles 1 de septiembre Ergo, materia. Arte povera Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), centro Cultural Universitario, Distrito Federal / 10-18:00 hrs. Hasta el 31 de octubre Residual. Intervenciones artísticas / Museo Universitario de Ciencias y Arte Roma (MUCA
Exposición Anette Messager, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, Zuazua y Jardón, Centro, Monterrey / 10-18:00 hrs. Taller de Animación/Faro de Oriente Calz. Zargoza s/n (dirección centro) entre metros Acatitla y Peñon Viejo (Linea A) Col Fuentes de Zaragoza, Distrito Federal / 12:00 hrs. Domingo 5 de septiembre Finaliza Residual. Intervenciones artísticas / Museo Universitario de Ciencias y Arte Roma (MUCA Roma), Tonalá esq. Colima, Distrito Federal / 10-18:00 hrs. Finaliza Claire Fontaine / Museo Tamayo, Paseo de la Reforma y Gandhi, Distrito Federal 10.18:00 hrs. Lunes 6 de septiembre Taller de fotografía estenopeica Circo Volador, Calzada de la Viga 146, Col. Jamaica, Distrito Federal / 16:00 a 18:00 hrs. Teatro participativo (Taller) Casa del Lago, Antiguo Bosque de Chapultepec 1a sección, Distrito Federal / 19:00 hrs. El efecto Drácula (Exposición) Museo del Chopo. Dr. Enrique González Martínez no. 10, Col. Santa Ma. la Ribera, Distrito Federal / 10:00 hrs. Martes 7 de spetiembre
Laberinto de Miradas / Centro Cultural España, Guatemala 18, Centro Histórico, Distrito Federal 19:00 hrs.
Scorpions/Palacio de los Deportes, Río Churubusco y Añil, Distrito Federal / 20:30 hrs.
La Barranca/Teatro Diana, Av. 16 de Septiembre No. 710, Guadalajara /21:00 hrs. Sábado 4 de septiembre Cabezas de Cera / Lunario del Auditorio Nacional, Costado poniente del Auditorio Nacional, Distrito Federal / 21:00 hrs.
Feria Nacional de Zacatecas Teatro del Pueblo, Zacatecas 16:00hrs.
Adanowsky / Lunario del Auditorio Nacional, Costado poniente del Auditorio Nacional, Distrito Federal / 21:00 hrs
Viva la resistencia: Sam el automático, Hamelin, Sphyra y Yoing /Bull Pool. Patrucio Padilla 4 Segundo Piso Cd. Satélite, Distrito Federal / 8:00 hrs.
Miércoles 8 de septiembre
Lunes 13 de spetiembre
Cine Club/Club Atlántico, República de Uruguay esq. 5 de Febrero, Centro Histórico, Distrito Federal / 20:00 hrs
Tarot y Delain / Circo Volador, Calzada de la Viga 146, Col. Jamaica, Distrito Federal 20:00 hrs.
El efecto Drácula (Exposición) del Chopo, Dr. Enrique González Martínez no. 10, Col. Santa Ma. la Ribera, Distrito Federal 10:00 hrs. La sociedad del cine Tlatelolco (cine) / Auditorio Alfonso García Robles, CCU Tlatelolco Flores Magón, núm. 1, Col. Nonoalco Tlatelolco, Distrito Federal Programación sujeta a cambios. Jueves 9 de septiembre Stereo Total FBloko, El Colli 5215, Guadalajara / 21:00 hrs
Ánima Ballet y Danza / Teatro de la Ciudad, Donceles 36, Col. Centro Histórico, Distrito Federal 20:30 hrs. Sábado 11 de septiembre Stereo Total / Escenica, Hidalgo #450 Pte, Monterrey / 21:00 hrs. Quiero Club e Instituto Mexicano del Sonido / Lunario del Auditorio Nacional, Costado poniente del Auditorio Nacional, Distrito Federal / 21:00 hrs.
El efecto Drácula (Exposición) Museo del Chopo, Dr. Enrique González Martínez no. 10, Col. Santa Ma. la Ribera, Distrito Federal / 10:00 hrs. Martes 14 de septiembre Memorial del 68 (exposición) Memorial del 68, CCU Tlatelolco Flores Magón, núm. 1, Col. Nonoalco Tlatelolco, Distrito Federal 10:00 hrs.
Adam Beyer & Ida Engberg Pasaje América, 5 de mayo 7 Col. Centro, Distrito Federal 22:00 hrs
Colección Blaisten / Colección Blaisten, CCU Tlatelolco Flores Magón, núm. 1, Col. Nonoalco Tlatelolco, Distrito Federal 10:00 hrs. Viernes 10 de septiembre Stereo Total / Salón Covadonga, Puebla 121, entre Córdoba y Orizaba, Distrito Federal 21:00 hrs.
Taller de Malabares / Circo Volador / Calzada de la Viga 146, Col. Jamaica, Distrito Federal 19:00 a 20:00 hrs. Domingo 12 de septiembre Finaliza exposición Anette Messager / Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, Zuazua y Jardón, Centro, Monterrey 10-18:00 hrs. Tour de Cine Francés / 10 de septiembre al 2 de diciembre de 2010 / Itinerante por los cines de toda la República
Los muralistas en San Ildefonso ACSI Patio Principal Justo Sierra 16, Col. Centro, México Distrito Federal / 13:00hrs. Miércoles 15 de septiembre Los muralistas en San Ildefonso ACSI Patio Principal Justo Sierra 16, Col. Centro, México D.F. 13:00 hrs. El Museo del Chopo presenta 100 años de pintura en la Universidad Nacional (exposición) Rampas 1 y 2, Galería Helen Escobedo Museo Universitario del Chopo, Dr. Enrique González Martínez no. 10, Col. Santa Ma. la Ribera, Distrito Federal 10:00 hrs.
calendario
Barbara Foulkes, Melissa Cisneros y Emilio Espinosa / Centro Cultural Universitario, Insurgentes Sur 3000, CU, Distrito Federal / 19:00hrs.
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Apocalyptica Romper paradigmas significa el éxito
Por Pepe Rodríguez •
Cortesía Sony Music
REPORTAJE ESPECIAL
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os puristas creían que el violonchelo estaba destinado sólo a sonar en la llamada, equívocamente, música clásica. Un buen día, un japonés osó a cometer un desafino para crear el clásico rugido de Gojira (Godzilla es como la conocemos de este lado del planeta) y muchos creían que se había cometido un sacrilegio. Ahora, desde la fría y misteriosa Finlandia, aparece Apocalyptica, los jinetes del violonchelo de vanguardia, que después de siete discos nos hablan de lo que significa para ellos mantenerse en constante evolución y los frutos que han cosechado. Desde su formación en 1993, Apocalyptica ha editado siete álbumes que utilizan al violonchelo como el motor que genera una inolvidable comunión con sus hordas de seguidores a nivel mundial. Los interludios atmosféricos, los ritmos combativos y los pasajes sinfónicos que inspiran los mantienen generando fans hasta entre músicos reconocidos; el grupo ha sido recompensado con colaboraciones de gente de la talla de la mítica Nina Hagen, Tin Lindemann (Rammstein), Corey Taylor (Slipknot), Max Cavalera (Sepultura), Gavin Rossdale (Bush), Cristina Scabbia (Lacuna Coil), el baterista de Slayer, Dave Lombardo, el líder de HIM, Ville Valo, entre muchos otros más. Sostuve una larga y amena conversación con Perttu Kivilaakso, miembro de Apocalyptica desde 1999, en la que habló de 7th Symphony. «Este material ha sido el más grande reto que nos hemos impuesto; tuvimos que romper los límites y generar ideas poderosas para no repetir el disco anterior Worlds Collide, 2007. Los demos para este
nuevo álbum nos condujeron en otra dirección, añadimos elementos externos a nuestra banda, estructuramos de manera diferente los coros, cantamos líneas más largas, obtuvimos algo más progresivo, no tan planeado, sino más crudo y directo. Tocamos mucho en vivo y tuvimos tomas excelentes. Pudimos trasladar esa esencia al ambiente controlado que tiene el estudio de grabación, tocar en vivo te cambia la perspectiva, te hace ser más intenso. Creo que el verdadero secreto es la retroalimentación que recibimos del público, ellos con su locura nos retan a ser mejores, más crudos a la hora de generar nuevos temas. Hicimos una búsqueda cuidadosa de lo que queríamos transmitir y simplemente nos dejamos guiar por el instinto para crear este disco». Perttu estuvo emocionado hasta el límite mientras rememoraba por lo que había atravesado la banda. Escuchando 7th Symphony diríamos que incluye las canciones más roqueras de la banda desde Cult, su primer álbum de versiones inéditas y que, evidentemente, le brindó a sus fans una perspectiva diferente. Con el genial Joe Barresi (Queens of the Stone Age, Tool) produciendo la mayor parte de los temas, podemos notar esa evidente evolución en su sonido: «Joe fue la perfecta elección; es brillante, nos daba valor para ir más lejos; nos hacía generar melodías con el cello que en principio parecían imposibles técnicamente, pero, comprendimos su punto y lo logramos. Fue una manera fresca de aproximarnos a las cosas y revolucionar nuestro sonido y la manera de tocar. Utilizamos efectos diferentes en nuestros instrumentos; distorsionadores que sonaban como si estuvieran rotos; cantamos gritándole al cello, gritamos también en los coros; fue una experiencia de lo más cool la que hemos vivido. Podría decirte que fue recuperar la vibra de tocar en vivo. Nuevos rumbos, nuevas dimensiones. Terminábamos sudando», el reía y me contagiaba su locura. En 7th Symphony, Apocalyptica también trabajó con el productor Howard Benson (Sepultura, Motorhead, My Chemical Romance y Papa Roach); en dos de los cuatro temas hay vocales que fueron escritos con otros artistas de renombre. El primer sencillo, End of Me, fue compuesto con Johnny Andrews y el líder de Bush, Gavin Rossdale, quien interpreta el mismo. «Es una persona intensa y congeniamos con él para generar una excelente canción. Él es un narrador fantástico de historias. Cada persona con la que hemos trabajado en este disco ha puesto su talento totalmente: Brent Smith (Shinedown), Lacey (Flyleaf) y Joe Duplantier (de la banda francesa experimental-progresiva Gojira) con su poderosa y experimental voz», son algunas de las colaboraciones que Perttu recordó durante nuestra entrevista.
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Beautiful, uno de los temas favoritos del disco, ofrece una anécdota divertida: la del baterista Mikko Sirén que grabó tocando el bajo. «Fue su primera vez en el bajo y quiso celebrarlo desnudo mientras grababa, así que dijimos “Tocaremos todos desnudos y ahí tienes una hermosa y honesta canción”», nos contó entre más y más risas. Cuando le pedí que me dijera la fórmula para llegar hasta donde ellos han llegado, su respuesta fue contundente: «Nos mantenemos innovando siempre».
Además, no dejó de evocar anécdotas inolvidables: «Apocalyptica comenzó tocando covers de Metallica de una manera poco convencional y, tiempo después, terminamos siendo invitados por ellos para abrir sus conciertos. Es bastante emocionante estar en el escenario y ver a Mr. Hetfield haciendo headbanging al compás de la los violonchelos (ellos son una gran banda y excelentes personas también). Es en verdad un honor compartir el escenario con tus ídolos, y eso te alienta para dar el siguiente paso». Apocalyptica tiene recuerdos excelentes de México y de la intensidad de su público. Con localidades agotadas, han vuelto para ofrecernos en vivo su magnífico 7th Symphony. Con mucho ahínco me pidieron transmitir un abrazo fuerte a sus fans y decirles a los músicos independientes que los límites están hechos para romperse. Es la hora. Apocalyptica tiene esa costumbre.