Genios de la Fotografa

GENIOS DE LA FOTOGRAFÍA

Víctor Manuel Gómez Cano. 3ºA ESDG

GENIOS DE LA FOTOGRAFÍA UN JUEGO DE SOMBRAS En 1928, el ecuador entre la invención de la fotografía y la era digital, André Kertesz fue a Meudon, un barrio de las afueras de París a tomar unas fotografía. Lo importante de la fotografía es el encuadre y lo que se introduce en éste, sin embargo, la fotografía de Kertesz trasciende de esto.

Un siglo antes, ya se conocía la propiedad fotosensible de las sales de plata, pero no sabían cómo fijar las imágenes conseguidas. Es en 1928 cuando Henri Fox Talbot y Loui Daguerre consiguen desarrollar diferentes medios para perpetuar las imágenes en el tiempo.

Talbot era un erudito, pero también un pésimo dibujante, lo que le llevó a utilizar sus conocimientos de química y a crear una cámara oscura para poder reproducir en el papel el mundo con detalle. Así el proceso que creó Talbot producía una primera imagen con las luces y sombras invertidas, además de la imagen, pero de la que se podían sacar copias en positivo.

Por su parte, Daguerre presentó su nuevo método para fijar sombras realizando una demostración. Daguerre era un empresario, artista y realizaba espectáculos. Su invento, el daguerrotipo, también conocido como el espejo de la memoria, consistía en una placa metálica sobre la que se fijaba la imagen cubierta con un cristal. Las imágenes que producía estaban invertidas, y tenían un cierto aire de irrealidad. Pero a pesar de la belleza de los daguerrotipos, este invento no prosperó, al no poder evolucionar más.

Así que fue el medio de Talbot el que triunfó, ya que supo ver que el papel sería el medio con el que se comunicaría el hombre.

La tecnología cambió el mundo, el tren hizo que se pudiese viajar más rápido que un caballo, pero también cambió la percepción que el hombre tenía sobre el mundo, y a esto contribuyó la fotografía.

Eadweard Muybridge realizó por encargo de Lelan Stanford, un rico empresario de San Francisco, un estudio de movimiento del caballo en el que se pudiese demostrar que este levantaba las 4 patas al mismo tiempo. La secuencia de imágenes que creó, se pueden considerar como un paso previo al cine. Muybridge realizó más para crear una enciclopedia del movimiento de los animales.

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Los fotógrafos de la época eran como los genios de la informática en la actualidad, considerados como artistas, eruditos, pero sobre todo empresarios. Con la aparición de tarjetas de visita en las que aparecía una fotografía del cliente, la fotografía se convirtió en un verdadero negocio.

Nadar fue uno de los grandes que llegó a dominar el arte del retrato, además supo muy bien cómo hacerse publicidad. Nadar no era su nombre, sino una marca que inventó, además creo un rótulo de color rojo, como su pelo, que tenía frente a su estudio. Su forma de retratar era distinta a la de los demás, a los famosos los retrataba como a iguales, dando una sensación de autenticidad. Por primera vez los decorados o la ropa no era importante, los pintores o artistas no aparecían con nada que revelase su profesión. Retrató a grandes como Doré o a Sarah Bernard cuando aún era casi una desconocida.

Los primeros fotógrafos estaban muy influenciados por el arte, intentando incluso imitarlo, pero la fotografía también influyó de manera notable en la composición y el movimiento de los personajes en la pintura. Sin embargo, los artistas despreciaron la fotografía por haberse convertido en un negocio.

Eastman revolucionó la fotografía con la creación del carrete de película, y lo comercializó en una cámara llamada Kodak. El lema de la compañía era Tu aprieta el botón, nosotros hacemos el resto. Ellos recogían la cámara revelaban las fotografías y te daban otra cámara con un nuevo negativo. La Brownie fue otra creación de Eastman para abaratar costos y con ella surgió la fotografía no profesional, ya casi todo el mundo podía tener acceso a la fotografía.

Entre los fotógrafos no profesionales destaca Lartigue, un niño francés, de familia acomodada que se puede decir que prácticamente ilustró toda su vida con la fotografía. Su trabajo es un tributo a la fotografía no profesional del siglo XX. Frente a este estilo estaba el pictorialismo, una vertiente de la fotografía en la que pretendían acceder a las bellas artes, imitando obras pictóricas y de grabado, y despreciando la fotografía no profesional.

ARTE DEFINITIVO La Primera Guerra Mundial puso de manifiesto la victoria de las máquinas sobre el ser humano. En ésta era, la de las máquinas, la fotografía se consideraba un proceso mecánico, sin emociones, ni interpretación que hacía parecer mecánicos a los humanos. La fotografía también se convirtió en una herramienta de propaganda política, esta fue una de las razones de que adquiriese tanta relevancia, Laslo Moholo Nagy llegó a decir que los que no entendiesen la fotografía, serían los analfabetos del siglo XX. 2

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Una de las obras más vendidas en 1925 fue Obras Artísticas de la Naturaleza del alemán Karl _____ que ofreció orden y belleza científica a la fotografía, utilizando la perfección geométrica de los elementos naturales.

Otra obra con trascendencia, fue El Rostro del Tiempo, de August Sander, la cual le abrió hueco entre los, modernistas. Este clasificaba la fotografía entre clases sociales, y sobre todo en ellas los protagonistas eran personas.

En cuanto la relevancia de la fotografía, para el artista soviético Alexander Rodchenko, fue todavía más radical, ya que llegó a declarar que la pintura había muerto cuando los bolcheviques se hicieron con el poder, así que tomó la fotografía como único medio de expresión, y buscó una función para los artistas en la revolución. Las cámaras fotográficas Leica, se convirtieron en la gran herramienta para los fotógrafos de la Unión Soviética, por su versatilidad y manejabilidad. URSS en Construcción, fue una revista de propaganda donde Rodchenko puso de manifiesto su estilo y su gran dominio del fotomontaje. Era conocedor de la ambigüedad de la fotografía y de su capacidad de manipulación.

Eugene Atget era fotógrafo comercial, anticuado en sus métodos de fotografía y un profesional modesto, pero su trabajo tuvo trascendencia.

Man Ray, su descubridor, tenía su estudio en la misma calle del de Atget, pero no se conocerían hasta 1926, descubriendo la gran aportación de Atget al mundo, y convirtiéndolo el más insospechado de los surrealistas.

Man Ray por su parte creó fotografías llenas de irrealidad y cercanas al surrealismo o dadaísmo, otorgaba a los seres humanos un carácter robótico, aplicándoles texturas como las de los coches deportivos. Por su amistad con Marcell Duchamp estuvo desde el principio dentro del surrealismo.

Sander, por su parte, estuvo enfrentado a los nazis por su tipología fotográfica, que destilaba humanidad, daba la misma dignidad a todos los fotografiados.

Atget también supuso una influencia importante para Walker Evans, que tras conocer su obra empezó a trabajar con una cámara como la de Atget.

La fotografía partió de un planteamiento mecánico, con el futurismo y dadaísmo para llegar a un planteamiento humano, que se hizo evidente en los años posteriores de las grandes guerras.

EN EL LUGAR CORRECTO A LA HORA ADECUADA En 1933 el artista Henri Cartier Bresson atrapó un instante que se consideró como un momento decisivo, lo cual lo alzó al estatus del padrino del periodismo gráfico. Lo importante de las fotos de Bresson consistía en estar en el momento adecuado en el sitio adecuado. Su fotografía más importante es Detrás de la Estación Saint-Lazare, en la que recogió un instante 3

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en la que Europa se lanzaba a lo desconocido. Cartier-Bresson era un surrealista, y estos piensan que hay una realidad más profunda tras las apariencias. Pudo captar estos momentos gracias a los avances de las cámaras. Adquirió una Leica, mucho más cómoda y manejable que las anteriores.

Robert Cappa también utilizaba una Leica y se hizo famoso con la foto del soldado español al que alcanzó una bala, fue otro momento decisivo de 1936. Cappa hizo que se reconociese a los reporteros de guerra como gente valiente e influyente. Trabajó para la revista Life.

Tony Vaccaro fue otro reportero de guerra, pero menos glamuroso, al ser soldado.

Hesmmerden, es una de sus fotos más famosas e importantes que hizo y que demuestra lo cerca que estaba de la acción.

Había una alternativa a estar en el lugar y momento adecuado, Roger Feldon fotografió El Valle de la Sombra de la Muerte un año después de la batalla, pero la imagen sigue siendo igualmente impactante al poderse ver las balas de cañón que se lanzaron, lo cual hace imaginar la magnitud de los acontecimientos que allí se desarrollaron.

Tras la Segunda Guerra Mundial, la función de la fotografía fue denunciar la barbarie nazi.

Henry Ross, que fue un colaboracionista de los nazis, vivió en el gueto y con sus fotografías pudo recoger la barbarie del holocausto nazi y las cada vez peores condiciones de vida que sufrieron los judíos. Al margen de esto también fotografió la vida cotidiana del gueto. Las cuales muestran verdades incómodas de la guerra.

El legado fotográfico de la Segunda Guerra Mundial en Japón fue mucho menor que el de occidente, ya que en Japón las ciudades quedaron totalmente arrasadas por las bombas incendiarias, así que no había ruinas que fotografiar. La exposición “Las Familias del Hombre” de 1955 fue la exposición más importante de todos los tiempos, el mensaje que trasmitía esta exposición era; todos somos iguales.

Eugene Smith, que en principio era fotógrafo de guerra de la revista Life, pasó a Magnum, a la cual casi deja en banca rota. Smith era un fotógrafo muy impulsivo, apenas dormía a causa del consumo de anfetaminas y también era adicto al alcohol. En Pitburg estuvo mucho tiempo tomando instantáneas de la ciudad, pero nunca llegó a venderlas o publicarlas, era imposible colocar más de 2000 imágenes analizando y ordenando la ciudad.

Tomatsu, es uno de los fotógrafos de la postguerra de Japón, su trabajo ha consistido en fotografiar a la gente que quedó herida por la guerra, también los objetos deformados por el calor de las bombas. Tomatsu, Roger Feldon y Joel Meyerowitz, que fotografió el derrumbe de la Zona 0, han puesto en duda la necesidad de estar en el momento y el lugar adecuado para poder contar los hechos en una buena fotografía.

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PELÍCULAS DE PAPEL La fotografía siempre ha querido viajar incluso antes de que la técnica lo permitiese, por ejemplo O´Sulivan se adentró en los desiertos del Oeste americano en 1867 con un cuarto oscuro en un carro. La historia de la fotografía está plagada de viajes pero pocos tan trascendentes como el del sueco Robert Frank en 1956, en los que recogió su visión de los EE.UU de la época. Frank obtuvo una beca para recorrer el país y documentar la sociedad del momento. En su trabajo reaparece la ruptura con los convencionalismos técnicos, a pesar del estructuralismo sueco. Al final del viaje Frank tenía casi 700 carretes, y junto con Robert Delpiere los seleccionó y maquetó un libro, que se puede considerar uno de los pilares de la fotografía moderna. El libro se publicó en Francia en 1958 y 2 años después en EE.UU., donde no se acogió bien.

William Klein regresó en 1954 a Nueva York después de 4 años sabáticos en París. Su lugar de trabajo era la calle. Según Klein una de las cosas interesantes de la fotografía son las casualidades. Se puede considerar un fotógrafo pop. Su ídolo de la prensa neoyorquina era Wegee, que tenía una enorme cámara de 4x4 y llevaba la emisora de la policía en el coche para poder captar la escena del crimen de los asesinatos en Nueva York. Se puede decir que Wegee se identificaba con la gente.

Otros se han hecho fotógrafos de la calle como Meyerowitz, que renunció a su carrera de director artístico cuando vio como trabajaba Robert Frank. El trabajo de Meyerowitz estuvo en un principio marcado por la teoría del momento decisivo de Cartier Bresson. Después, decidió rechazar la teoría de Bresson y reinventarla en Nueva York.

Garry Winogrand, otro fotógrafo de la calle con una gran energía y ganas de vivir, ha sido un fotógrafo muy prolífico. Le gustaba mirar y fotografiar a las mujeres de forma lasciva y sobre todo ver su reacción ante su mirada. Otro lugar donde trabajó fue en el Zoo de Central Park, donde captó imágenes descorazonadoras de los animales. Una de éstas fotografías es Pareja en el zoo de Central Park de 1967, que quizás sea la más inquietante. A Winogrand, le gustaba provocar, algunas veces tomando imágenes misóginas, otras racistas, pero lo importante era impactar a los demás.

Uno de sus seguidores, el fotógrafo británico Tony Ray-Jones, que fue a Nueva York a estudiar diseño gráfico, también renunció a esto para hacerse fotógrafo de la calle. Cuando volvió a Inglaterra encontró en la playa lo que era para los neoyorquinos las calles. Ray-Jones que había aprendido a mirar en Nueva York, captó todos los temas clásicos en las playas de la Gran Bretaña. Este fotógrafo, al igual que los de las calles de Nueva York, se dedicaron a capturar la comedia humana de las calles.

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Edward Ruscha publicó un libro muy importante para el pop art, en el que no refleja el drama de la calle, sino el telón de fondo de este drama.

Las inexpresivas ironías del pop art no fueron su única aportación a la fotografía en los 70, sino la aparición del color. Desde 1860 ya existía la fotografía en color, pero había triunfado donde el dinero vence al arte, en los carteles y la publicidad. Además era el lenguaje de los fotógrafos amateur, además cuando se trabajaba en color, el fotógrafo no tenía el control de todo el proceso.

Para trabajar en color hubo que cambiar el concepto pero también tuvieron que revisar el material, los fotógrafos volvieron a utilizar las cámaras de gran formato para captarlo todo.

Muchos fotógrafos se lanzaron en los setenta a la carretera, lo cual lo convirtieron en una forma de vida.

William Eggleston´s es considerado el rey de la fotografía moderna, publicó un libro, Guide, que provocó una gran controversia. Eggleston´s afirma que está en guerra con lo evidente, utiliza la psicología del color, su perspectiva es particular y portátil, la lleva allá donde viaja. En octubre de 2005 fue a Dunquerque, Francia, donde buscó tesoros fotográficos. Su fotografía no persigue un concepto claro, ni siquiera el sabría expresarlo. Quizás los fotógrafos no sean dioses, sino ángeles, que perciben cosas del mundo cotidiano que los demás pasan por alto, y nos hacen pensar en ellas

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TESTIGOS DE VIDAS PRIVADAS La fotografía, desde los 60 a los 90, al igual que el hombre ha buscado su identidad, y ésta búsqueda ha hecho que la fotografía saliese del estudio y se acercase al lado salvaje de la vida.

A principios de los 60 Diana Arbus era una fotógrafa que vagaba por las calles de Nuevas York, era la oveja negra de una familia acomodada. Otros fotógrafos como Wallter Evans se aprovechaban de la imagen de la gente vulnerable o la gente pobre, como es el caso de la depresión, sin embargo, Arbus fotografiaba o se interesaba por aquellos en los que encontraba sus propios miedos. En el 69 la contrataron para fotografiar a una familia relevante de Nueva York, los Matthaei, en este trabajo sobre todo se interesó por Marcella, la hija de los Matthaei que estaba a punto de entrar en la pubertad, se puede decir que llegó a captar su esencia. No sólo captó la angustia de la gente, sino también la desesperación de la sociedad estadounidense de la época. En 1971 se quitó la vida.

Richard Avedon hizo famoso en el mundo de la moda, y pasó a ser el fotógrafo de los famosos.

Trabajaba arrebatándole el control al modelo para de alguna manera dárselo a la cámara, a diferencia de los retratos de los años 30, donde se reflejaba un mundo de ensueño, Avedon los ponía en un escenario feo, de postguerra.

Tony Vaccaro, sin embargo, procuraba retratar a los famosos según su visión y no la imagen que pretendían transmitir. Picasso evitó que lo retratasen desde los 50, tan sólo recibió a Cartier Bresson, el cual no quedó satisfecho con el resultado de la sesión, pero en el 68 recibió a Tony Vaccaro y en su Retrato de Picasso consiguió quitarle la máscara al personaje y captar su esencia.

Larry Clark fue el primero en publicar un diario fotográfico de su vida, y lo hizo en un libro titulado Tulsa. Básicamente su vida consistía en salir con los amigos, practicar sexo, drogarse y jugar con pistolas. Inauguró un nuevo género informal, que captaba las cosas incómodas de la sociedad. Éste libro fue una gran influencia para Nan Goldin. Ella al igual que Clark fotografía a la gente con la que se relaciona. Creó una proyección de fotografías y 40 canciones llamada La Balada del Amor, en la que narraba la dependencia del sexo y los problemas que hombres y mujeres tenían para relacionarse.

Nobugoshi Araki, por otro lado, es un fotógrafo promiscuo, ha fotografiado a casi todos los habitantes de Japón y su vida gira en torno a la fotografía y el sexo. Él en el 71 ya había aplicado el concepto de diario fotográfico, en donde publicó un libro con fotografías de su propia boda y viaje nupcial, Viaje de Amor. Posteriormente creo otra publicación fotográfica sobre la muerte de su esposa. Según Araki cuando se retrata a una persona, hay que hacerlo pensando en que vas a captar su interior.

Richard billingham era un aspirante a pintor que se dedicó a fotografiar a su padre alcohólico y publicó su vida caótica y melancólica.

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Sally Mann pone de manifiesto en su trabajo el enfrentamiento entre la buena madre y la buena artista. Durante los 80 y 90 ha publicado fotos de sus hijos, y la sociedad estadounidense las acogió con inquietud, al aparecer en algunas de ellas desnudos y frágiles.

Larry Sultan fotografió a su familia desde mediados de los 70 a mediados de los 80.

Cindy Shellman convirtió el juego infantil de disfrazarse en un arte que mostraba el resultado.

Ella no mostraba la esencia del personaje en sus retratos, sino personajes ficticios que representaban estereotipos de la sociedad de la época.

Philip Lorca-Dicorcia obtuvo una beca del gobierno con la que pagó a los chaperos de Santa Mónica Bulevar para fotografiarlos. Allí montó un escenarios con iluminación artificial donde los retrataba. En cierto modo se sentía como Diane Argus con una chequera, así que de alguna manera este trabajo le hizo sentirse chapero. Para resaltar el carácter mercenario del trabajo, sus fotografías a pie de página muestran el nombre del chapero y su tarifa. Los representa como un bien de consumo más de la sociedad.

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JUICIOS INSTANTÁNEOS Gregory Crewdson es un fotógrafo, pero trabaja de la misma manera que lo haría un director de cine, crea escenarios artificialmente iluminados, con todos los detalles muy cuidados, tiene su propio director de fotografía, y ni tan siquiera es él quien acciona el obturador. Suele realizar sólo seis copias de cada fotografía.

Robert Adams, en oposición a Crewdson fue fotógrafo en los setenta, y su situación era diametral mente opuesta, ya que no tenía dinero ni para comprar el equipo que necesitaba, claro que entonces la fotografía no era considerada arte. El salto se dio cuando los jóvenes cultos pasaron a comprar originales en lugar de copiarlos. Ahora el precio de la fotografía es subasta es cada vez mayor. Las fotografías más cotizadas son las llamadas reserva, que son aquellas más próximas al momento en el que el fotógrafo las tomó. El problema de este tipo de fotografía es la aparición de copias falsas, pero las nuevas técnicas de datación, algunas cogidas del FBI, han hecho posible reconocer estas falsificaciones. El Estanque Luz de Luna de Edward Steinchen es la foto más cara hasta la fecha, por la que se ha llegado a pagar más de dos millones de dólares.

Seydou Keita, un retratista africano, fotografiaba a aquellos que querían ascender socialmente, y para ello poseía un gran atrecho que estaba compuesto por mantas, motos e incluso coches, con los que posaban sus modelos como si fuesen suyos. Se podría haber quedado sólo en un genio local, si no se hubiesen expuesto sus fotos en una galería de Nueva York en 1991, que realizó una muestra de arte africano. Ahora sus fotos ampliadas se muestran en las más prestigiosas galerías de París y Nueva York. Tras la muerte de Keita su representante y el primer marchante que mostraba sus fotos litigian por la custodia de sus valiosísimos negativos.

En China, hasta hace muy poco, la fotografía estaba de forma casi exclusiva ligada a la propaganda política. Lee Cheng Cheng, que fue reportero gráfico del ejército chino durante la revolución cultural, estuvo en grave peligro por encontrarse en el lugar adecuando en el 10

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momento preciso, ya que algunas de las fotos que tomó lo podían haber convertido en un delincuente político. Ahora sus fotos han visto la luz, pero no en China, sino en Nueva York.

Wang Qungsong, el fotógrafo chino más famoso del momento, se dedica a fotografiar los dilemas de la China moderna, denuncia los problemas de la entrada de la globalización y capitalismo en China. Por supuesto sus admiradores están lejos de Pekín, en Nueva York. Es un poco contradictorio este fotógrafo, ya que a pesar de denunciar los peligros del mercado global, su obra se rige por las mismas leyes de este mercado, al ser muy cotizadas dentro del mismo.

El creador de la foto más cara del mundo, Edward Steinchen, trabajó durante un tiempo por amor al arte, hasta los años 20 no empezó a trabajar por dinero, cuando empezó a trabajar como fotógrafo de moda y defendió esta faceta de su vida creativa.

En Paolo Ventura encontramos el camino inverso, tras 10 años como fotógrafo de moda ha publicado su primera exposición, Suvenir de Guerra, pero en lugar de modelos reales utilizaba figuras de cera.

Martin Parr, que buscaba la popularidad se unió a la revista Magnum, aquí empezó como reportero de guerra, después fue muy criticado dentro de la revista, y permaneció en ella sólo por un voto.

Antes las grandes fotografías cabían dentro de un papel de periódico, sin embargo ahora muchas tienen formatos gigantescos, como las de Andreas Gursky, que recoge paisajes globalizados, también manipula las fotografías. En el siglo XIX ya manipulaba las imágenes Camille Silvi, y ahora, Sally Mann utiliza la técnica de placas de colorión que en el siglo XIX usaba Camille Silvi. Sally Mann crea fotos modernas con una técnica antigua por las sensaciones que recibe de dichas técnicas.

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