Directora General Editora en Jefe Greta Arcila greta.arcila@glocal.mx Editora Adjunta Mabel Téllez mabel@glocal.mx Coordinadora Editorial Marina Peniche marina.peniche@glocal.mx Asistente de Dirección Verónica Del Pozo veronica@glocal.mx Directora de Arte Ruth Vázquez RESPONSABLES DE SECCIÓN Trazos Alfonso Maldonado Diseño Rodrigo Fernández Traducción Ana Guzmán de Dellaire Gerente de Publicidad Valeria Lugo Valeria.lugo@glocal.mx COLABORADORES Fotografía Carlos Madrid Sófocles Hernández
Concepto de diseño portada Glocal de EOS México El concepto detrás del diseño de eos méxico para la portada Glocal Design se basa en la estabilidad, el equilibrio sustentable y la sinergia entre los individuos en favor de una colectividad demostrada de manera contundente en las colmenas de las abejas. Cada hexágono representa a un diseñador, a un creador, a un promotor, a un artesano o a un empresario que, como conjunto de elementos individuales, van forjando el llamado y nunca bien entendido “diseño mexicano”. En cuanto al diseño, la estructura hexagonal de las colmenas se utiliza como el módulo generador de la gráfica propuesta, los hexágonos son pixeles que forman el diseño con referencias a textiles, el trabajo piteado y el arte huichol. Elementos como el trabajo piteado que con gran maestría desarrollan en Colotlán, Jalisco, las grecas de algunos textiles y el arte huichol, se ven representados en el conjunto gráfico de la portada.
Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: Febrero - Marzo 2013. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2010-112513245300-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15057. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Publicaciones CITEM. S.A de C.V., Av. Del Cristo 101, Col. Xocoyahualco, Tlalnepantla de Baz, Edo. de México. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V. Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.
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Yolanda Bravo Saldaña Rodrigo Fernández José Luis González Cabrero Marcos G. Betanzos Alfonso Maldonado Daniel Herranz CONSEJO EDITORIAL Presidencia Gina Diez Barroso Consejeros honorarios Ariel Rojo Carmen Cordera Juan Carlos Baumgartner Juan Manuel Lemus Jorge Arditti Arturo Arditti Fernando Camacho Sagrario Saraid Miguel Ángel Aragonés Carlos Pascal Gerard Pascal Héctor Esrawe Arturo Aispuro Coronel Fernando Rovzar Jorge Gamboa de Buen Contabilidad Víctor Villareal Arturo Xochipa Contacto: www.glocal.mx info@glocal.mx Manchester 13, piso 1 Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, México, D.F. Teléfono: 52 (55) 55.33.68.18
Editorial
E
l mundo es un constante cambio. En este medio de la creatividad sólo sobrevive aquel que está dispuesto a abrirse a lo nuevo, respetando sus propias raíces e historia. En esta edición nos fuimos a lo básico del color, a ése que da vida a nuestro día a día. Buscamos talentos que, en su afán de proponer, juegan con el color; y descubrimos obras de gran propuesta en todos los ámbitos que nos competen. Investigamos y exponemos diseño que no le teme al color, por el contrario, lo usa como su mejor aliado; el resultado es, sin más, de lo más refrescante. En el afán de presentar a talentos que están en la búsqueda constante de innovar a través de la comprensión de su cultura, invitamos a eos méxico para nuestra portada. Sin duda, los hermanos Lara han logrado abrirse un espacio importante en el público curioso por el concepto de diseño depurado y lúdico. Sus proyectos siempre han tenido esa sencillez lineal que sólo se logra después de un intenso y claro proceso de ideas. Si algo nos seduce de su propuesta es que no tienen miedo al uso de materiales diferentes; un día trabajan con madera, otro con cerámica, después con aluminio, hacen intervenciones, interiorismo... en fin, no le temen a lo nuevo ni a reinventarse si el proyecto lo amerita y sin perder su identidad. Les dejamos un número rico en conceptos y propuestas. Les presentamos también nuestro primer shooting coordinado enteramente por nuestro equipo; propusimos ideas y nos arriesgamos reestructurando Casa Glocal. Ojalá disfruten esta edición tanto como nosotros. Greta Arcila
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contenido Editorial
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Contenido Casa Glocal
Novel
View Design
Números Enfoque Intervención
Textiles Diseño + Empresa
Especial de Color
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Dentro del Encuadre. Ambientes que reflejan la naturaleza de los colores
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Iluminación. Lámparas Acromáticas e Interiores de Luz
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José Gilberto González Méndez. La Evolución del Diseño. México
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Frederik Roijé. Morfologías Estéticas. Holanda
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Los Miserables. La miseria de Paco Delgado. EUA
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El diseño como modelo de negocio: Kartell y Salone del Mobile. Italia
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Entrevista con Odile Fillion, Directora General de Jean Nouvel Design. Francia
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Ted Noten. Redefiniendo el lujo y las necesidades. Holanda
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Silla Segesta de Alfredo Häberli para Alias. Argentina
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Estudio eos méxico. La forma es el mensaje. México
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Hafencity University Subway Station. Pfarré Lighting Design. Alemania
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Color Reform Spectrum Edition. Juego de contrastes. EUA
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Maarten De Ceulaer. Muebles y patrones de colores sofisticados. Bélgica
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Las nuevas arquitecturas y sus colores: una visión integral. Suecia + España + Alemania + EUA
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Social 01. i29 Architects. Holanda
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Hospital Privé de Villeneuve d’Ascq. Jean-Philippe Pargade. Francia
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Yandex Office II. Za Bor Architects. Rusia
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Colores Prismáticos. Jean Verville Architects. Canadá
Personajes Texturas
Objeto Glocal
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Fai Fah. Spark Architects. Tailandia
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BU Lounge. Supermachine Studio. Tailandia
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25hours Hotel Zürich West. Alfredo Häberli. Suiza
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Exhibición Abwehr. NAU. Suiza
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Nhow Hotel Berlin. Karim Rashid. Alemania
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21 Cake Headquarters. People’s Architecture Office. China
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HIT Gallery. Fabio Novembre. Japón
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Salon Urbain. Sid Lee Architecture. Canadá
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Hi-Lo Store. David Guerra Arquitectura e Interiores. Brasil
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Lexington Avenue Agency. +Quespacio. España
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Centro Cultural Roberto Cantoral. Broissin Arquitectos. México
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Glassbox. Arquitectura para la caja. México
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Alejandra Quesada. Juego de combinaciones ópticas. México
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Traducciones Croquis
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Bluform y Pininfarina. Bañera Bluform Prima. Italia
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Amantoli By Alire. La creación de un nuevo mundo. México
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trazos
Alfonso Maldonado / Imágenes cortesía firmas invitadas
Monument to Bruce for Chicago Chicago, EUA, 2012
Ahora, la retirada bola de demolición descansa en un monumento en un lote baldío en Chicago. El marco de madera del podio da la bienvenida al visitante ocasional. La bola se mece, atrapada en un movimiento perpetuo. Traza y vuelve a trazar los arcos cuadrifolios de la huella del Prentice, que también es el símbolo celta para la fortuna. www.designwith.co
Ante la decisión final de negarle el estatus de Monumento Nacional (que originalmente le había sido asignado) al edificio del Hospital Prentice para Mujeres de la Universidad Northwestern de Chicago -una joya neobrutalista diseñada por Bertrand Goldberg y abierto al público en 1975-, resulta inevitable su demolición. Por ello, el despacho Design With Company, de los arquitectos Stewart Hicks y Allison Newmeyer, lejos de entrar en el falso discurso de conservar únicamente el cascarón del edificio para reconfigurarlo o añadirle elementos para su nuevo uso, crearon una narrativa. Ésta no debe ser entendida como una propuesta en el sentido tradicional, sino que a través de textos e imágenes se plantea la hipotética vida póstuma del edificio condenado a muerte. La gran resistencia del concreto del Edificio Prentice requirió una bola de demolición de una aleación especial que pudiera soportar los repetidos golpes. Una extraordinaria bola fue forjada con una inscripción en la que se lee: Procedan a través de obstáculos concretos para la salud y prosperidad de Chicago. Una caja fue creada para proteger y exhibir la bola en su transcurso entre la fundición y el sitio de su batalla final. El pueblo empezó a llamar la bola afectuosamente Bruce. Se organizó un desfile y la bola avanzó entre los edificios de la traza de Chicago. Era tan pesado, que el “carro alegórico” sólo pudo dar vueltas a la izquierda. La gente coreaba “Bruce”, pero sonaba como un “buuu”. Una celebración marcó el primer golpe de la bola. Estaba destinado a convertirse en el mayor monumento que Chicago hubiera visto.
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Party Wall MoMA PS1 Nueva York, EUA, 2013 El Museo de Arte Moderno de Nueva York anunció como ganador de la 14a edición del Young Architects Program a CODA, despacho dirigido por Caroline O’Donnell, quienes realizarán la instalación temporal en el patio del MoMA PS1 2013, titulada “Party Wall”, un juego de palabras en inglés que simultáneamente significa muro divisorio y festivo. La propuesta que abrirá al público en la sede de Long Island City a finales de junio, es un pabellón con un espacio flexible experimental que con su forma lineal de gran escala provee sombra a las multitudes que asisten a la serie de fiestas y conciertos titulados “Warm Up”, que año con año se realizan en el sitio. La fachada porosa está fijada a una alta estructura metálica auto portante que se mantiene equilibrada en su sitio gracias a grandes contenedores de tela llenos agua. Está forrada con una celosía de elementos interconectados de madera donados por Comet, un fabricante de patinetas ecológicas con base en Ítaca, Nueva York. La porción más baja de la fachada de la pieza es capaz de modificar su exterior transformando 120 de sus paneles en bancas y mesas comunales que pueden ser usadas durante Warm Up y los diversos eventos y programas, tales como conferencias, clases, montajes y proyecciones de películas. Una tarima baja de madera reciclada se entreteje en la base del muro creando una serie de micro escenarios para montajes de diversos tamaños y formatos. Pedro Gadanho, curador del Departamento de Arquitectura y Diseño del MoMA menciona: “La propuesta de CODA fue seleccionada por su inteligente identificación y uso de recursos localmente disponibles – los deshechos de la fabricación de patinetas- para hacer un gesto arquitectónico impactante y poético dentro del patio del MoMA PS1”. www.co-da.eu FEBRERO • MARZO 2013
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Helsinki Library Center Helsinki, Finlandia, 2012 La propuesta de MDU Architetti para el concurso internacional de la biblioteca de Helsinki pretende desarrollar, a través del diseño arquitectónico y urbano, un nuevo facilitador que interconecte elementos como: comunidad, cultura, naturaleza y sustentabilidad en el corazón de la capital de Finlandia. El proyecto se apoya en un principio simple pero efectivo: que cada uno de estos componentes estén abiertos a la interacción pública para procurar establecer y preservar un espacio social basado en las experiencias humanas y culturales compartidas. Partiendo de la forma icónica tradicional del árbol -como analogía y estrategia de organización-, el reconocible edificio crece desde el espacio público, que a diferencia de un árbol que toma de sus raíces agua y nutrientes, éste utiliza como fluido vital la cultura, la vida comunitaria y las interacciones sociales. Con una estructura prefabricada de madera y cristal, ubicada por encima del parque Makasiinipuisto, la nueva biblioteca se convertiría en un nuevo hito, que con su apertura, transparencia y permeabilidad, va mucho más allá del tan abusado esquema del contenedor de libros de las bibliotecas tradicionales. www.mduarchitetti.it
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Casa Paolo Estado de México, México, 2013 De la mano creativa de la firma Pedro&Juana se dibuja una casa rural que, rodeada de los paisajes de Temascaltepec, Estado de México, se habita como el entorno mismo: entre relieves, colores y espacios. Posee una fantástica poética de contrastes que se funden con su territorio, creando su propio paisaje artificial; sin duda, habitarla se vuelve un auténtico descubrimiento. No hay mejor manera de explorar este territorio que usar como cartografía las palabras de Ana Paula Ruiz Galindo y Mecky Reuss, directores y fundadores de este despacho: “Agarra una chela de rojo a amarillo, ve al baño en verde y a dormir en el azul. Casa Paolo se mueve bajo dos techos de cuatro aguas enfrente de un bosque. Sobre mosaicos de cerámica, rodeado de paredes gruesas de adobe, te mueves a través de espacios altos y bajos que se abren y se cierran hasta encontrarte fuera, en lo que solía ser un plantío de maíz”. www.pedroyjuana.com
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Casa Glocal Dentro del Encuadre
Redacción Fotografía Carlos Madrid
Creando ambientes con temperamento que reflejan la naturaleza enigmática de los colores.
C
on el objetivo de generar material original y contenidos editoriales exclusivos, realizamos para la sección de Casa Glocal una toma fotográfica de distintos ambientes con nuestra propia visión de los colores, plasmando en cada cuadro cómo éstos influyen en la personalidad de cada entorno. Se formaron cinco cajas de 3.66m de ancho, 2.44m de largo y 2.40m de alto. Dentro de ellas se crearon combinaciones de colores que no sólo expresan armonía entre los tonos seleccionados, sino que también contienen declaraciones conceptuales, mismas que se refuerzan con una cuidadosa selección de muebles y accesorios. Basados en los libros de Culturas que Inspiran 2012 y 2013 de Comex, en donde se presentan las últimas tendencias de color y decoración, pintamos escenarios que plasman diferentes actitudes y transmiten sensaciones distintas. Esto último con el propósito de mostrar cómo los colores determinan los espacios y la manera en que un simple cambio en una pared puede transformar completamente el sentido del entorno reflejando caracteres específicos.
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Agradecemos el apoyo a las tiendas participantes y diseñadores: • Blend • Cecilia León de la Barra • Design Within Reach • Eduardo Wignall • Esencial • Estudio Lofft • Galería Mexicana de Diseño • Kartell • México en Blanco • Rococo • Studio Roca • The Rug Company Locación: Blend Pintura e instalación proporcionada por: Comex
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Contrastando lo básico
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The Avia 7 por Aqua Creations Estructura móvil de joyas que permite la creación de composición variable de tonos, AQUA CREATIONS 2005
Empezamos por crear un ambiente contrastante; para lograr esto no hay mejor forma que utilizar colores complementarios como lo son el azul y el naranja. En este ambiente se delinean los contornos del mobiliario, resaltando cada línea y geometría, haciéndonos caer en los detalles y logrando transmitir armonía. El ambiente se equilibra térmicamente ya que el azul es un color frío y el naranja uno cálido, asimismo el primero está relacionado con la calma y tranquilidad y el segundo con la energía y el entusiasmo, logrando el balance perfecto al combinarlos.
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Red Clock / Blend
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Bamboo Bowl-Harry Barker / Blend
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Net Outdoor Lounge Chair/ Blend
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Tapete MB DRAP de México en Blanco/ Rococo
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Silla Masters en color teja / Philippe Starck para Kartell
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Baúl antiguo color naranja / México en Blanco
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Librero cilíndrico modelo MYDNA por Joel Escalona / Estudio Lofft
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Florero Matelassé color naranja / Kartell
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Twist Coatrack by Christoph Burtscher and Patrizia Bertolini / Design Within Reach
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Cast Mini Jack Copper de la colección Eclectic by Tom Dixon / Studio Roca
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Piso y pared Central: Comex Rebith 191
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Paredes Laterales: Comex Rebirth 193
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Directorio de Tiendas Blend Palmas 520, Col. Lomas de Chapultepec t. 5202 1043 www.blendmexico.com
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Design Within Reach Paseo de las Palmas 260-B, Col. Lomas de Chapultepec t. 5202 6402 www.dwr.com
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The Avia 7 por Aqua Creations Estructura m贸vil de joyas que permite la creaci贸n de composici贸n variable de tonos, AQUA CREATIONS 2005
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Energía Depurada Mezclamos dos colores secos para personalizar seriedad en un contexto afable y tranquilo. En la gama de los grises y los mostaza se encuentra este cuadro. La luz que proporciona el mostaza ilumina el mobiliario dando una percepción energética –que se intensifica con los tonos rojos de los muebles–; de igual forma, compensa la tendencia de los colores oscuros (grises) de reducir perceptivamente los espacios. Una representación naturalista de las figuras y las formas viste el cuadro acogedoramente en una elegancia rigurosa y sensual.
8
1
Perchero Tree / Kartell
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NMBRS / WIGNALL Concept Studio
3
Sillón Klara diseñado por Patricia Urquiola para Moroso / Blend
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Emeco Navy Chair / Bauhaus
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Lámparas de sobremesa Series 28d de Bocci / DIEZ
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Venado Cola Blanca, cornamenta original / Bauhaus
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Standing Clock / Blend
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Grand Phone / Studio roca
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Tapete Nastri by Allegra Hicks / The Rug Company
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Mesa de dibujo Pogo por Joel Escalona / Estudio Lofft
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Piso: Comex Refine 211
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Pared Central: Comex Renew 201
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Paredes Laterales: Comex Refine 208
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Directorio de Tiendas
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Esencial Goldsmith 60, Col. Polanco t. 5282 2034 www.esencial.com.mx
Estudio Lofft Campos Elíseos 161, Col. Chapultepec t. 5250 0827 www.lofft.com.mx
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Divertimento Espacial
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The Avia 7 por Aqua Creations Estructura móvil de joyas que permite la creación de composición variable de tonos, AQUA CREATIONS 2005
Las paletas pálidas sugieren quietud, paz, ligereza y fluidez, por esto, para transmitir estas sensaciones, utilizamos colores blanquecinos. El rosa y el azul se asocian rápidamente con la niñez; en este ambiente el concepto se externa por medio del mobiliario dinámico y diseños figurativos que nos trasladan a ese momento de infancia. Esta paleta luminosa llena de claridad la atmósfera permitiendo que los muebles sean los protagonistas, gracias a esto el peso visual se reparte en el espacio, sin concentrarse en ningún punto específico, generando serenidad.
1
Bancos tipo bangladeshi / Cecilia León de la Barra
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Mirror Mini Ball 25 floor de Tom Dixon / Studio Roca
3
Taburete plegable JAM diseñado por Rodolfo Samperio para Pirwi / Artelinea
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Back Mad / Blend (LAS MOCHILAS)
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Zieta Table / Blend (LA MESA PLATEADA)
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Baúl / México en Blanco
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Eames Elephant rosa / Studio Roca
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Square Wall Mirror / Molt
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Sillón Miralook fucsia / Diseño de Javier Mariscal / Estudio Lofft (LA SILLA ROSA)
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Pirul diseñado por Alejandro Castro para Pirwi / Artelinea (EL ARBOLITO)
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Atomic Robot / Blend
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Tapete Carnival by Paul Smith / The Rug Company
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Piso: Comex Refine 210
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Pared Central: Comex Rebirth 197
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Paredes Laterales: Comex Rebirth 195
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Directorio de Tiendas Galería Mexicana de Diseño Anatole France 13, Col. Polanco t. 5280 0080 www.galeriamexicana.mx
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Points (Kartell) Juan Vázquez de Mella 481, Local pb-4, Col. Los Morales t. 1084 7725 www.points.com.mx
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The Avia 7 por Aqua Creations Estructura m贸vil de joyas que permite la creaci贸n de composici贸n variable de tonos, AQUA CREATIONS 2005
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La vanguardia a través de lo clásico Dentro de una gran serie de matices cálidos, están los colores terrosos. En esta escena hospitalaria, estos colores se mezclan con diferentes tonalidades en las paredes, el piso, el mobiliario y los accesorios. Éstos son ideales para realzar las texturas, ya que filtran la luz dejando aires rústicos y clásicos. La atmósfera se caracteriza por una estética que se recrea con ajustes de matices, escalas y densidades, sumando tonalidades en verde -color que combina por excelencia con esta paleta. Así se logra una composición vivaz y atractiva de generosos volúmenes y dimensiones armoniosas; las líneas suaves y sinuosas aportan la elegancia necesaria.
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1
Golden Floor Lamp / Blend
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Bicicleta Jack Rabbit / Blend
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Sillas Laja 885 de Pedrali / Esencial
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Candelabros / México en Blanco
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Cast Mini Jack Copper de la colección Eclectic by Tom Dixon / Studio Roca
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Casco Ruby Helmet / Bauhaus
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Mesa Aspa diseñada por Francesc Rifé / Studio Roca
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Tapete Ponti Blue de Suzanne Sharp / The Rug Company
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Charolas Kaleido Trays de Clara von Zweigbergk para HAY / Galería Mexicana de Diseño
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Trinchador modelo SKAP de Miniforms / Kartell
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Piso: Comex Renew 201
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Pared Central: Comex Refine 211
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Paredes Laterales: Comex Rebirth 193
Directorio de Tiendas
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Rococo Havre 64, Col. Juárez t. 5207 4098 www.rococo.mx
Studio Roca Horacio 907, Col. Polanco t. 9149 0009 www.studioroca.com
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El silencio mediante el color
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Combinar dos colores secundarios resulta muy fácil para la lectura visual de cualquier espacio. El conjunto de los lilas o morados con las gamas verdes, son una combinación que desarrolla una imagen limpia y delicada. Estos colores dialogan fácilmente entre sí ya que llevan ciertas tonalidades semejantes y utilizan un color cálido combinado con azul –los lilas se crean combinando rojo y azul–; para obtener verde se suman amarillo y azul. Podemos apreciar también un patrón armonioso si examinamos el diseño de las piezas expuestas que destacan sus cualidades ante este fondo.
1
Real Good Chair Cobre / Studio Roca
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Silla Paper Planes de Nipa Doshi + Jonathan Levien para Moroso / Blend
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NMBRS / WIGNALL Concept Studio
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Azoteas Verdes de Emiliano Godoy para 20/20 / Galería Mexicana de Diseño
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Mesitas móviles DLM (Don’t Leave Me) de Thomas Bentzen para HAY / Galería Mexicana de Diseño
6
Tapete Zephyr by Kelly Wearstler / The Rug Company
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Cojines: Key Turquoise y Ponti Yellow de Suzanne Sharp, Swirl de Paul Smith / The Rug Company
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Candelabro The More the Merrier diseñado por Louise Campbell para MUUTO / Galería mexicana de Diseño
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Sillón Van Beuren / México en Blanco
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Perchero Core de María Beckmann para la colección Aketo/ Bauhaus
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Wood Lamp de TAF Architects para MUUTO / Galería Mexicana de Diseño
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Piso: Comex Refine 210
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Pared Central: Comex Refine 210
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Paredes Laterales: Comex Revive 224
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Directorio de Tiendas The Rug Company Alejandro Dumas 91, Col. Polanco t. 4170 0115 www.therugcompany.com
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ARQ Lamp por Potemine Ilia Lámpara que utiliza tubos de PVC y una pieza única de la madera, BEPLUSHAVE CONCEPT 2010
LÁMPARAS
Hemma por Emma Blanche Lámpara hecha de polipropileno plegado y ventiladores de su base de manera precisa pero a la vez orgánica, EMMA BLANCHE 2011
ACROMÁTICAS En el diseño de lámparas siempre se ha utilizado materiales transparentes, translúcidos y blancos. El “no color”, además de combinar perfectamente en cualquier espacio y estilo, estiliza las formas manteniendo una discreción y elegancia indiscutibles. La pureza y brillo de estas piezas radica en una claridad total que transmite limpieza.
Vapeur Lamp por Inga Sempé Lámpara de techo y escritorio fabricada a partir de metal laqueado y Tyvek, MOUSTACHE 2009 PIN 2287 por Michel Boucquillon Lámpara de pie con base en metal, fabricada en polietileno blanco mediante moldeo rotacional. Soporte de aluminio pintado en color gris, MARTINELLI LUCE 2012
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Mist por Jitka Kamencová Conchas iridiscentes de cristal soplado a mano, con tonos ópalo que amplifican y reflejan la luz natural. Combina vidrio soplado a mano y acero inoxidable, LASVIT 2012
Growing Vases por Nendo Instalación de lámparas que alude un bosque de cristal lleno de flores abstractas y ramas, LASVIT 2011
One Piece of Lamp por Kiseung Lee Lámpara de propósito múltiple, hecha con una capa de panel de madera contrachapada, STUDIO INBETWEEN 2012
Press Lamp por Nendo Lámparas de techo y de pie que consisten en fuentes de luz metidas en tubos de vidrio comprimido para producir formas suaves y orgánicas. LASVIT 2012 FEBRERO • MARZO 2013
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Infinity Pendant por John Pomp Tres piezas colgantes iridiscentes hechas de cristal transparente, con una base en acero ennegrecido, JOHN POMP 2012
The Avia 7 por Aqua Creations Estructura móvil de joyas que permite la creación de composición variable de tonos, AQUA CREATIONS 2005
INTERIORES DE LUZ La luz es un elemento básico para cualquier espacio, por lo que tiene que haber lámparas que se adapten a todos los contextos. Éstas embellecen las habitaciones y les pueden dar un carácter especial. El color generalmente es un detalle que aviva y da energía, representando diseños juveniles, pero también se puede utilizar para generar elegancia. Alessilux por Giovanni Alessi Anghini, Gabriele Chiave y Frederic Gooris Lámparas LED recargables que garantizan los niveles más bajo de consumo, y por lo tanto son más respetuosos con el medio ambiente, FOREVERLAMP 2012
Comète Lamp por Elaine Fortin y Virginia Lamothe Lámpara de acero perforada; el usuario lo pliega en la forma deseada, desde una esfera o una forma orgánica, BIPEDE DESIGN STUDIO 2012
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Mino Lighting Collection por Aqua Creations Piezas de iluminación con formas aerodinámicas y geométricas. Pueden utilizarse como pantallas de luz y un separador de ambientes para grandes espacios, AQUA CREATIONS 2012
UOVO por Rony Plesl Lámpara de vidrio con un diseño en forma ovalada que refleja luces desde diversas esferas, LASVIT 2011
Capside Lamps por Loïc Bard Lámparas esculpidas en una forma abstracta geométrica con un exterior de madera, recubierta con colores vibrantes en el interior. Las lámparas funcionan como una lámpara colgante y de pie, y colgante, LOÏC BARD 2013
Bubbles in Space por Jitka Kamencová Escultura con iluminación, cada burbuja está hecha de vidrio soplado. El efecto visual de la pieza depende de la intensidad de la luz proporcionada por las luces LEDs instaladas anteriormente, LASVIT 2012 FEBRERO • MARZO 2013
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José Gilberto González Méndez La Evolución del Diseño
Redacción Imágenes cortesía de José Gilberto González Méndez
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Este diseñador mexicano llamó la atención al ser el ganador del distinguido Premio Braun 2012 en Alemania.
racias a su juguete “Ollin”, que significa movimiento perpetuo en náhuatl, el joven creador llegó a la cima con el premio al mejor diseño industrial para estudiantes en América Latina. A través de múltiples piezas y de sus diferentes armados y configuraciones, los niños pueden crear distintas criaturas. Al ser orgánicas en su expresión, desarrollan las capacidades constructivas de los niños. Gilberto nos comenta la importancia de un sólido trabajo de investigación detrás de sus propuestas y y de formular los planteamientos correctos: “Si el diseño es la respuesta a una pregunta, primero debemos formularlas bien desde el contexto del que emanan”. Asimismo, menciona que hay que aprovechar la naturaleza multidisciplinaria del diseño: “Además de investigar, uno debe de apoyarse en expertos en las áreas que no dominamos; como diseñador vas conociendo algunos materiales más que otros. Está bien quedarse ocasionalmente en tu zona de confort, pero tampoco hay que forzar las cosas; a veces resulta necesario recurrir a un experto. Finalmente en este gremio hay mucha variedad y algunas veces, más que saber hacerlo, es más importante saber quién lo hace”. Hablando del futuro, el galardonado nos cuenta de su proyecto “Trecho Innovación”, un despacho basado en el diseño estratégico, desarrollado en conjunto con José Manuel Torner y el Dr. Luís Bermúdez. “El nombre viene de la frase conocida “del dicho al hecho hay un gran trecho”, ya que muchas veces al llegar al concepto final, los proyectos se paralizan. El encanto es que hemos explorado áreas del diseño que durante la carrera no me hubiera imaginado y las sinergias que se han generado con otras profesiones”. www.trechodeinnovacion.com
“El diseño hoy en día se hace idealmente como una labor multi disciplinaria”. 34
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Frederik Roijé Morfologías Estéticas Redacción Fotografías Cortesía de Frederik Roijé
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gresado de la Academia de Diseño de Eindhoven, Frederik Roijé comenzó su propio estudio de diseño con sede en Ámsterdam, donde el concepto y la renovación son los ejes principales. Roijé se antepone a las dificultades de sobresalir e innovar en un mundo tan explorado, al diseñar objetos que, sin ser extravagantes o exóticos, poseen un toque de originalidad. Hablamos de un diseñador que realmente se ha dedicado a buscar su propio lenguaje, arriesgándose y buscando nuevas formas, sin ser caprichoso. Siguiendo esta premisa creó “Storylines”, un estante irregular que juega con la altura y las proporciones. Con este proyecto, Roijé pensó
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en la manera en que una palabra forma ondas antes de ser escuchada por alguien. La tendencia por entrecruzar líneas se observa en muchos de sus proyectos, como por ejemplo: “Wall of Flame”, que consiste en candelabros realizados en acero lacado; consta de cinco brazos hechos con tubos de metal dobladas. Otro de los logros de Roijé son las lámparas “Spineless”, las cuales poseen formas diferentes como resultado del proceso azaroso de su elaboración; esto es, que durante su cocción en el horno, se manipuló la densidad de la porcelana con que se fabricaron, por lo que las lámparas adquirieron diversos aspectos. El trabajo de este joven diseñador se especializa en crear un paralelismo con la función y lo estético. La limpieza de sus formas ofrece como resultado un carácter interesante y el desarrollo una visión distinta del diseño. www.roije.com
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Sofás, espejos, bowls, sillas, estantes y lámparas se convierten en objetos originales y prácticos gracias a la creatividad de Frederik Roijé, un joven diseñador holandés que juega con las formas más clásicas.
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Los Miserables
La Miseria de Paco Delgado Alejandro Cabrera Imágenes cortesía Universal
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os Miserables es una historia por demás conocida: un repertorio de canciones que ocupan la memoria colectiva para los amantes del género musical; una historia que ha llegado al cine y se ha repetido en diversas ocasiones, tanto en versiones europeas como americanas; asimismo ha sido argumento para series televisivas. Actualmente, la obra más destacada del escritor francés, Víctor Hugo, es tomada para recrear su versión musical en la pantalla grande. En esta ocasión, el director Tom Hooper es quien toma las riendas de este proyecto, y para ello, echa mano de grandes nombres en el reparto y también en lo que respecta al equipo de producción. Vuelve a colaborar con Eve Stewart (diseño de producción), con quien hizo mancuerna en la premiada cinta The King’s Speech, e invita tam-
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bién a Paco Delgado (diseñador de vestuario), de origen español, quien ha colaborado con grandes directores de su país como Alex de la Iglesia y Pedro Almodóvar. Con ello, Hooper logra un impactante resultado visual que lo hace acreedor a 8 nominaciones en los premios Óscar. Una producción de esta magnitud tiene a cuestas muchos referentes, y sobre todo, uno de los elementos más complejos que representar a nivel visual: la miseria del París de 1800. Para ello, tanto Stewart como Delgado echaron mano de todos sus recursos. Según comenta el propio Delgado, hubo un extenso periodo de investigación que abarcó un gran número de uniformes militares de la época, así también hubo aspectos inspirados en obras de Delacroix, Goya e Ingres. Fue un proceso de construcción y destrucción para conseguir el efecto de uso en los trajes.
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Paco Delgado es diseñador de vestuario. Ha trabajado junto a diseñadores como Jean Paul Gaultier en La piel que habito de Pedro Almodóvar, se encargó del vestuario de Biutiful, de Alejandro González Iñárritu y ha trabajado en películas de Álex de la Iglesia como La Comunidad. Ahora, el diseñador español está nominado a un premio Óscar en la categoría de mejor vestuario por su trabajo en la película Los Miserables.
Para enfatizar el desgaste “se usaron procesos químicos como la cloración de textiles para desvanecer los colores y algunas técnicas mecánicas como el uso de lijas para agujerar las ropas”. Otro aspecto fundamental fue el uso del color, elemento destacado en todas las colaboraciones de Delgado. En este caso, la paleta de color recae en una terna (rojo, azul y blanco) que va variando en importancia de acuerdo a las secuencias de la película y dependiendo de los momentos históricos y clases sociales a representar. El rojo es protagonista desde las primeras secuencias, en que todos los convictos, incluido Jean Valjean, portan trajes roídos de esa tonalidad con el fin de no perderse de vista a los guardias. En otros momentos, Delgado utiliza el rojo para enfatizar la sexualidad de Fantine, mediante un vestido que usa para prostituirse. Para aquellos que gustan de los detalles en una producción fílmica, Los Miserables prueba lo exigente que es consigo mismo un diseña-
dor de vestuario de la talla de Paco Delgado. Una producción masiva que incluyó sastres ingleses, italianos, franceses y españoles para cubrir la demanda de más de 2,200 vestuarios utilizados, entre los que destacan, sin duda, las multitudes de vagabundos. Éste el primer trabajo de Paco Delgado en una producción de presupuesto ilimitado; cumple con éxito y logra retratar con precisión la Francia del siglo XIX. Una película dirigida a un público afín a las celebridades más que a melómanos o amantes del género musical, ya que gracias a las buenas actuaciones y a la fuerza visual en producción y vestuario, pasan desapercibidas las mediocres interpretaciones a nivel vocal. Probablemente este sea el trabajo que más resuene de Delgado, pero no logrará borrar de nuestra memoria la increíble presencia de los trajes usados por Elena Anaya en La Piel que Habito, en donde compartió créditos al lado de Jean Paul Gaultier.
Alejandro Cabrera @portavoztv www.portavoz.tv DICIEMBRE • ENERO 2013
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El diseño como modelo de negocio: Kartell y Salone del Mobile
Greta Arcila Imágenes cortesía Cosmit, Kartell, Jean Nouvel Studio y Greta Arcila
Siguiente parada: Salón Internacional del Mueble 2013. Dos historias. La fascinante historia de Kartell, empresa que logró posicionar al plástico como material premium; Jean Nouvel y su proyecto dentro del SaloneUfficio.
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iajamos a Milán para saber qué está organizando su cuerpo directivo en la siguiente edición del Salón Internacional del Mueble 2013. La primer grata experiencia fue la recepción que nos dio su nuevo Presidente, Claudio Luti, quien también encabeza Kartell desde mediados de los años ochenta, dándole un refresh invaluable a la firma y logrando posicionar el plástico, a través de nuevas tecnologías, como un material premium. Ya les relatamos lo sucedido en nuestra página web; ahora, les platicamos sobre el más reciente libro de Kartell, publicado bajo por el sello editorial Taschen: The Culture of Plastics, un viaje escrito por el fantástico Museo de esta firma, ubicado a sólo 45 minutos de Milán. En las 400 páginas del libro se cuenta la historia de absorción de la empresa “con dos vidas”: la primera bajo Giulio Castelli, quien la fundó en 1949, y la segunda bajo Claudio Luti, quien desde 1988 lidera esta firma. “Hacer un libro sobre Kartell es mucho más que la creación de un libro sobre diseño –explica Claudio Luti, presidente de Kartell–, hablar de esta marca, es hablar de una familia, una ciudad y la idea pionera que, gracias a un nuevo material, descubrió la cultura de los plásticos”. El ensayo introductorio de Silvana Annicchiarico, curadora del Museo de la Triennale, analiza la épica del plástico –de la época de la posguerra hasta nuestros días–, así como los cambios incorporados en la sociedad y, en paralelo, las dos fases de la empresa en las diferentes gerencias de Castelli y Luti, quienes supieron interpretar las necesidades de la vida cotidiana correctamente y hacerlas coincidir con los deseos de la imaginación colectiva. Desde sus primeras aventuras empresaria-
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En las 400 páginas del libro Kartell: The Culture of Plastics se cuenta la historia de absorción de la empresa “con dos vidas”: la primera bajo Giulio Castelli, quien la fundó en 1949, y la segunda bajo Claudio Luti, quien desde 1988 lidera esta firma.
les, justo después de la guerra en Milán, Giulio Castelli, como buen ingeniero químico joven, apostó por el plástico, un material con potencial innovador, y lo puso a disposición de la industria química y farmacéutica como un material noble. “Quería hacer algo nuevo con los nuevos materiales que aparecían en el mercado; yo estaba tratando de crear algo bello con mis productos, quería la innovación y, sobre todo, quería sorpresa”. Así es como el fundador expresó el concepto cuando creó Kartell. En su tiempo, Castelli fue uno de los primeros en basar su estructura corporativa en el diseño, y al mismo tiempo apoyó todo el proceso de diseño industrial, por lo que se convirtió en un modelo virtuoso para muchas otras empresas de diseño italiano.
Campaña publicitaria para el evento “Kartell loves Milano”, 2010. Los objetos se encuentran situados en Piazza del Duomo en Milán. www.glocal.mx
Claudio Luti, presidente de Kartell
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Estante para libros Bookworm en una foto de Habitat Division catalog, 1995. Dirección de Arte por Renata Prevost y Valerio Castelli (Garage Comunicazione).
“Hacer un libro sobre Kartell es mucho más que la creación de un libro sobre diseño; hablar de esta marca es hablar de una familia, una ciudad y la idea pionera que, gracias a un nuevo material, descubrió la cultura de los plásticos”.
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Interior del Museo Kartell en Milán.
El uso sistemático del plástico, como material en continua experimentación, le permitió considerar a los productos estándar como accesibles para todos, que fueran fácilmente apilados, amontonados y bien hechos. En paralelo, trabajó con personajes como Gino Colombini, los hermanos Castiglioni, Gae Aulenti, Joe Colombo y Stoppino Giotto, para después dar paso a los nuevos talentos como Michele De Lucchi, Paola Navone, Franco Raggi y Alberto Meda. En los años 80, el glamour de plástico estaba empezando a perder su brillo cuando Claudio Luti –ex director gerente y socio de Gianni Versace– se hizo cargo de la empresa y prácticamente le dio una nueva visión. La gran intuición de Luti reside en haber comprendido la urgencia de la necesidad de cambiar las percepciones sobre los productos plásticos. Comenzó de inmediato a convertir la apariencia visual de los elementos, tratando de redefinir cromáticamente, al tiempo de recuperar su versatilidad y, sobre todo, trabajando en su “reputación social”. Luti llamó a diseñadores de perfil internacional a trabajar con él, tales como Philippe Starck, Vico Magistretti, Antonio Citterio y Ron Arad. Con ellos, y con los diseñadores que poco a poco se unieron al equipo en los últimos años, como Piero Lissoni, Ferruccio Laviani, Patricia Urquiola, Marcel Wanders y Tokujin Yoshioka, ha llevado la firma a una constante innovación y experimentación de nuevas técnicas de procesamiento de materiales de plástico y otros; así como texturas, transparencias y acabados.
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Waste-paper bin 4745/4751, diseño de Angelo Cortesi y Franco Scansetti, 1989. Del Habitat Division catalog, 1995/1996. Proyecto y Dirección de Arte por Renata Prevost y Valerio Castelli (Garage Comunicazione). www.glocal.mx
Con invitados como Ron Arad, Michele De Lucchi, Marc Newson y Philippe Starck, este año el arquitecto Jean Nouvel, de la mano de su equipo liderado por Odile Fillion –con quien Glocal Design platicó–, tratará de replantear conceptualmente la manera en que se aborda el interiorismo para oficinas. ¿Dónde y cuándo? En la próxima edición del SaloneUfficio dentro del marco del Salón Internacional del Mueble en Milán.
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Entrevista con Odile Fillion, Directora General de Jean Nouvel Design Greta Arcila: ¿Cuándo llegó la invitación por parte del Salone y cuál fue la primera petición de ellos? Odile Fillion: El equipo Cosmit nos pidió en agosto pasado crear un evento escenográfico que centrara la atención en el espacio de la oficina, y que fuera capaz de dar un nuevo dinamismo al sector y a sus socios industriales. GA: ¿Cuál es su postura sobre el futuro de las oficinas corporativas, y cómo se verá reflejado en su proyecto dentro del Salone? OF: Es una pregunta muy grande y no hay una sola respuesta, sino una multiplicidad de respuestas. Estamos ocupados en la invención
de diferenciaciones: edificios específicos para espacios específicos. El problema más importante y real es lo que se llama en Francia “Oficina en Blanco”, que son espacios construidos sin clientes iniciales, y menos aún, sin usuarios. Hay millones de personas en todo el mundo conviviendo entre las mismas fachadas, ventanas, pasillos, espacios normativos en alturas de techo, luces, etcétera. Clones sin identidad que crean mundos vacíos. Es por eso que a menudo prefieren trabajar en la propuesta de reutilización de edificios, como la que desarrollamos para el Salone: trabajar en un apartamento viejo clásico, casa o en un almacén de corrugado en el barrio. Todos esos lugares que originalmente no fueron diseñados para ser ofi-
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cinas no tienen reglas, no hay límites de altura, etcétera, ya que es demasiado grande, demasiado alto o demasiado estrecho; se tiene una geometría inusual que no es normativa, pero al final puede dar mejores soluciones para trabajar en un espacio agradable. GA: ¿Cuál es la reacción que esperan por parte del público que visitará el Salone? OF: Esperamos ayudar a detener la producción caricaturesca y escandalosa de los espacios de trabajo clonados que hay en todo el mundo. Realmente espero que la gente pueda entender que una oficina tiene la capacidad de ser un lugar muy agradable para vivir y que el mobiliario puede ser amable; la oficina puede convertirse en “un hogar”. GA: Necesitamos libertad en nuestros lugares de trabajo. ¿Cómo puede ser esto posible con la actual cultura de diseño de interior? OF: Habrá una propuesta en la exposición de cambiar el sistema normativo en una oficina combinatoria, donde todo el mundo puede modificar y organizar su espacio de la manera que lo requiera. La finalidad es entender que cada espacio de trabajo puede ser objeto de apropiación o modificación a través de los objetos personales, muebles de otras épocas, etcétera. Creo que de la muestra que presentaremos es más importante invitar a transformar la actitudes que el propio diseño. GA: Estamos en el mercado de las “sensaciones y espacios”. ¿Cómo puede desarrollar el arquitecto de hoy estos conceptos en un proyecto tan peculiar? OF: Junto con las instalaciones de mobiliario que haremos, ya que es una limitación muy importante en una oficina, tratamos de abordar la cuestión de la iluminación. Habrá un laboratorio de luz en donde se pondrán a prueba diferentes formas de cambiar las actitudes de iluminación en la oficina.
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Entrevista con Ted Noten Redefiniendo el lujo y las necesidades
José de la O Fotografías cortesía Atelier Ted Noten
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iempre es difícil entrar en discusiones sobre en qué momento el diseño se convierte en arte y viceversa. Cuesta trabajo llegar a una conclusión contundente, sobretodo si se parte de conceptos tan generales como “diseño” o “arte”. Sin embargo, si uno quisiera ver, en alguna disciplina del diseño, hasta qué punto la línea se vuelve peligrosamente delgada, tenemos que voltear hacia el diseño de joyería contemporánea. Partiendo de la premisa “sin función no existe el diseño”, la utilidad de una pieza de joyería es totalmente subjetiva: está llena de simbolismos, metáforas y contenido emocional. Los calificativos describen más a una pieza de arte que, por ejemplo, a una silla. El trabajo de Ted Noten (Holanda, 1956) es un claro ejemplo de lo anterior. Noten recibió gran atención del medio del diseño gracias a su pieza Turbo Princes, un pendiente de acrílico translúcido que alberga un ratón disecado que viste un collar de perlas en miniatura. El artista conceptual se caracteriza por experimentar con procesos de alta tecnología, confrontándolos con procesos artesanales, utilizando oro y otros materiales preciosos para recordarnos del valor de los objetos. Otra particularidad de su trabajo es el sentido del humor sarcástico y provocador. Por ejemplo, en la pieza Be Nice, Buy Her a Ring, Noten colocó una máquina expendedora en el corazón del famoso barrio rojo de Ámsterdam, donde invitaba a los usuarios de la zona a ser “buenas personas” con sus concubinas y regalarles un anillo con un costo de cinco euros, mismo que podían comprar directamente desde la máquina automática.
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Existieron rumores de que los anillos, cubiertos con una gruesa capa de pintura roja, eran en realidad piezas de oro de 24 quilates. Ni el comprador ni la afortunada se dieron cuenta de lo valioso del regalo. Noten también ha realizado comisiones para diversas instituciones como el Museo Boijmans en Ámsterdam o el Design Academy Eindhoven. En la pasada edición de Design Miami, a través de galería Ornamentum, el artista presentó por primera vez la colección completa de joyería Seven Necessities. Esta colección comprende siete diferentes esculturas en forma de provocadores accesorios que ayudarán a la Femme Fatale moderna a sobrevivir cualquier emergencia; en palabras del diseñador: “ser su propio hombre, sin olvidar su propia feminidad”, sea lo que esto último signifique. El set consiste en siete artículos de carácter femenino, como una bolsa de mano, un brazalete, lentes de sol y hasta un cinturón de castidad. Las piezas mezclan procesos tecnológicos
Atelier Ted Noten es una firma creativa con base en Ámsterdam, enfocada a joyería experimental, instalaciones, interiorismo y diseño. Glocal Design platicó con la cabeza del equipo sobre los ejes de su trabajo: arte, feminidad y lujo, y sobre el futuro del 3D Printing.
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de impresión 3D, con elementos artesanales en oro y diamantes. La Galería Ornamentum nos puso en contacto con Ted Noten para que respondiera algunas preguntas sobre su trabajo, su relación con las mujeres y el futuro del 3D Printing. Glocal Design: La mayor parte de tu joyería parece exaltar las superficialidades de ser mujer. Tus piezas abordan este tema no como objetos empáticos con dichas situaciones, sino más bien de forma lúdica, como si se burlaran de la mujer misma. ¿Esto es verdad? Ted Noten: 1. De, afectando, o estar en o cerca de la superficie: una herida superficial. 2. Preocupado con o comprender sólo lo que es aparente o evidente; poco profundas. 3. Aparente y no real o sustancial: un parecido superficial. 4. Trivial, insignificante: sólo hizo algunos cambios superficiales en el manuscrito. Cuando investigo en Google sobre “superficialidades” las respuestas están allí. Por supuesto, como hombre heterosexual me asombra y me obsesionan las mujeres y su comportamiento. Me fascina cómo cambian sus hábitos. Por otro lado, se dejan secuestrar por toda la industria de belleza, las empresas de cosméticos, las revistas y la manera en que confían en Dr. Phill. GD: ¿Cómo se te ocurrieron las siete necesidades? ¿Te inspiraste en alguien en particular, o es tu creencia sobre lo que necesitan las mujeres desde el punto de vista masculino? TN: Esto es exactamente lo que me gustaría desafiar. ¿Cómo puede un hombre saber lo que necesita una mujer? En realidad no puede. Y nunca me tomaría esto tan en serio. Las feministas me apedrearían. Al final, toda la serie es un homenaje a las mujeres. GD: Describe porqué utilizas 3D printing y cuál es tu relación laboral con la compañía Freedom of Creation: TN: Todo lo anterior que mencioné sobre Seven Necessities es sólo una pequeña parte de porqué realicé esta serie. Para mí, lo más importante es el cuestionamiento personal del “Yo como artesano”. ¿Existe la posibilidad de permanecer como un romántico y seguir haciendo objetos con mis propias manos: martilleando, soldando, siendo un adicto a las herramientas? ¿O el diseñador de 3D es el nuevo artesano bajo la sospecha de estar en camino de dominar el FEBRERO • MARZO 2013
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mercado en el futuro y busco la manera de relacionarme con ellos? Es por eso que parte de las obras están hechas en 3D printing y a mano, utilizando oro o diamantes (en contraste con el nylon de las piezas impresas en 3D), casi como si esto pudiera frenar esta evolución. Freedom of Creation es la empresa que hizo darme cuenta de todas las posibilidades; al final de todo son los que supervisaron el proceso de impresión 3D. María Cichy, originaria de Gdansk, Polonia, es la mujer que hizo todo el modelado en 3D y con ella pasaba horas y horas finalizando todas las piezas. También el equipo de mi estudio fue de gran ayuda. GD: El 3D Printing se está convirtiendo en una técnica cada vez más popular. Los
Países Bajos, junto con Estados Unidos, ha sido uno de los países pioneros en la democratización de la impresión en 3D. Parece que esta técnica ya no es tan exótica y cara como lo era hace unos años. ¿Sigue siendo la impresión 3D un lujo? ¿Cuál será el nuevo medio o técnica que esperaremos de tu trabajo en el futuro? TN: Después de Seven Necessities, mi diálogo con el 3D Printing ha llegado casi a su fin, ya que se desarrolla enormemente todos los días, por ello, se está convirtiendo en un medio freak, algo casi nerd. No quiero ser parte de ese proceso. A final de cuentas, el 3D Printing tendrá un mayor impacto en muchos aspectos, como fue la Revolución Industrial. Traerá el trabajo de regreso a los hogares, redefinirá el transporte y la industria del desecho (porque en el 3D Prin-
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ting no hay desperdicio), y tal vez hará cambiar de opinión a todos los ecologistas que ven con escepticismo este medio. Para mí, como artista, aparte del desafío intelectual, también necesito pelear con materiales y técnicas. Por lo que puedes esperar de mí un nuevo medio...¿cuál? Tendrás que esperar. GD: ¿Cuál es tu definición de lujo? TN: Felicidad y estar rodeado de buenos amigos. Y un poco de dinero guardado en alguna parte para pasarla bien con mi novia, mi musa... www.tednoten.com Para saber mas de Ted Noten y sus Seven Necessities, visita la página web de Ornamentum Gallery: www.ornamentumgallery.com Trophy Helmet _7 necessities Foto Cortesía de Ornamentum Gallery
*Sobre el Autor: José de la O es un diseñador de producto, consultor creativo y emprendedor cultural. Twitter: @joserdelao facebook.com/studiojosedelao
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Ted Noten es un diseñador holandés que constantemente pone a prueba los límites de su profesión. Graduado de la Gerrit Rietveld Academie, desde la década de 1990 su trabajo ha influido en el campo de la joyería experimental. Y a partir de 2005, ha ampliado sus creaciones de joyas exclusivas a proyectos de diseño, instalaciones y comisiones, tanto para coleccionistas privados como a instituciones de arte. En 2008, Noten ganó el prestigioso premio Françoise van den Bosch y en 2012 fue nombrado Artista Holandés del Año.
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Glocal Design Magazine, Forma y función que toma vida Suscríbete por un año y recibe 6 ediciones Recuerda que cada una de nuestras portadas es coleccionable ya que es realizada por reconocidos talentos del diseño. Busca en cada edición las propuestas de los personajes que generan vanguardia.
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números Por José Luis González Cabrero
Bibliografía Oficina de Prensa Alias 2013. Oficina de Prensa Alfredo Häberli 21013. www.aliasdesign.it www.alfredo-haeberli.com
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* José Luis González Cabrero, diseñador industrial originario de San Luis Potosí, actualmente radica en Milán donde trabaja como product designer para diversos estudios, también escribe e ilustra sobre temas de diseño para publicaciones en México e Italia. www.gonzalezcabrero.com @gonzalezcabrero
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Estudio eos mĂŠxico La forma es el mensaje
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“Guadalajara es considerada capital del diseño industrial”, nos comentan Mauricio y Sebastián Lara, del estudio eos méxico, generadores de proyectos de espíritu lúdico, de sabor mexicano, pero con una fuerte carga contemporánea.
Yolanda Bravo Saldaña Imágenes estudio eos méxico y Maj Lindstrom
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l despacho eos –“Aurora”, en griego— fue creado en 1998 por Mauricio Lara y Edith Brabata. “Originalmente éramos una firma que diseñaba, fabricaba y comercializaba los productos que hacíamos, los cuales vendíamos en ferias del regalo, en distintas tiendas y galerías del país, y también en ferias internacionales. A partir de ese año, fuimos teniendo una mayor presencia a nivel nacional, sobre todo con ciertos productos, que con el paso
del tiempo, se volvieron clásicos del estudio”, comenta Mauricio Lara. A partir de 2004/2005, Sebastián Lara, hermano menor de Mauricio, comenzó a colaborar en la firma mientras Mauricio trabajaba de manera independiente. Sin embargo, hubo un momento en que la carga de trabajo fue tal que decidieron asociarse, para unidos, transformar el proyecto en un estudio de diseño liderado por ambos. “En la actualidad —comentan— es como un buró de servicios de diseño; ya no como lo que originalmente fuimos, que era un firma que fabricaba y comercializaba sus propios objetos. Además, también damos servicios integrales de diseño”. Acerca del proceso de diseño que se desarrolla en el estudio de Mauricio y Sebastián Lara, y de cómo se da la transición entre la idea creativa y la realización, expresan: “Algo que nos ha caracterizado en estudio eos méxico es el trabajar con base en conceptos. Siempre tenemos un hilo rector. Por ejemplo, en un proyecto de hotelería, si el eje que rige es el mar, nos inspiramos en los corales, en las mantarrayas o en las olas. Y eso lo vertimos en un diseño homogéneo, que no por fuerza tiene que ser la representación tal de la inspiración, pueden ser las formas, los colores o los tamaños. En este sentido, nuestra visión es tener un trasfondo; una idea detrás. Siempre representar a México en los colores, en las tradiciones o en la manera de diseñar”.
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Para Mauricio y Sebastián Lara, las formas de las piezas que desarrollan son para proyectos integrales, pero también para colaboraciones con otros colectivos, siempre partiendo de un concepto que da la pauta para todo:los materiales, las formas, los colores, los usos, etcétera. Para ustedes, ¿qué es el espacio? Nos contestan: “Es lo que nos lleva a proponer las formas. El concepto a desarrollar nos los va dando el espacio. Somos enemigos de poner adornos en las cosas. Para nosotros, lo que se coloca en los objetos y en las mismas formas, tienen una razón de ser para su uso y función”. Por esta razón, en estudio eos méxico respetan los materiales naturales no sólo por gusto, sino porque el concepto debe justificarlos. Para ellos, la forma da el mensaje. “De cada proyecto y material aprendemos y experimentamos. A veces el cliente nos da carta abierta y podemos involucrar procesos diferentes. Por ejemplo, en estos momentos estamos haciendo unos lavabos de piedra volcánica para un restaurante, donde trabajamos con un artesano. Creemos que cada proyecto tiene su ADN, y es el que nos dice qué materiales usar”. Por lo general, en eos manejan materiales de México; aunque, como expresaron, con el tema de la globalización en muchos proyectos, también recomiendan el uso de materias primas que no son mexicanas, en acabados y terminados. “Procuramos darles trabajo a artesanos. Trabajamos, por ejemplo, con un tejedor de Jalisco que trabaja el plástico, la chuspata (un junco de Michoacán) y la palma. Dependiendo del proyecto, es el material”. Sobre su participación en el mundo del diseño desde la capital jalisciense, señalan que han pujado para que se descentralice, no sólo de las mismas personas o colectivos, sino de los objetos. “Esto nos ha funcionado muy bien. La gente está viendo a Guadalajara como una capital Columna Marival en colaboración con Ariel Rojo
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del diseño. El estar en esta ciudad no nos detiene, al contrario; además, con el gremio llevamos buena relación. Para nosotros, la competencia no es un problema, es un acicate para mejorar los proyectos”. Asimismo, comentan que el vivir en una ciudad como Guadalajara, les permite hacer varias citas en un solo día, acción que en la Ciudad de México, por sus monstruosas dimensiones, resulta casi imposible: “Aquí tenemos más tiempo para hace hacer muchas cosas”. Les pedimos que nos informen sobre el concepto que presentan para la portada de este número de Glocal Design. Al momento de la entrevista, Mauricio y Sebastián Lara estaban trabajando en el diseño; algo con mucho color, pues buscan crear, como se puede ver, una portada que llame la atención y que destaque en el punto de venta. Colores, geometría y otros temas que, en ese momento de la charla, estaban terminando de definir. También les preguntamos cómo se veían en diez años como despacho, a lo que respondieron: “Con el estudio muy exitoso; incluyendo más diseñadores; queremos que sea un semillero de jóvenes diseñadores”, y como dijeron, igual de felices que ahora por estar haciendo lo que les apasiona hacer. “No pensamos mucho en tener tiendas en el extranjero, sino seguir siendo un estudio competitivo, más consolidado. Todos los días aprendemos y crecemos; estamos ávidos de conocer cosas y de hacerlas. Quizás en diez años estemos con proyectos internacionales; quizás colaborando con diseñadores de otros países. Queremos lograr que el diseño mexicano pueda ser una respuesta más clara para todo el FEBRERO • MARZO 2013
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público. Ya no tanto para los que les gusta el diseño, sino que éste pueda permear la sociedad y que ésta tenga la facilidad de poder adquirir productos mejor pensados; mucho más adecuados a nuestros usos y costumbres, a la idiosincrasia del país”. DEL INICIO A LO MÁS RECIENTE De esa primera pieza que hicieron en los inicios del despacho, a lo que están haciendo actualmente, les preguntamos sobre cuáles serían las semejanzas y cuales las diferencias: “Las primeras que se comercializaron en galerías y tiendas ya son parte de la colección de los clásicos del diseño. Podemos mencionar la lámpara La Gallina que obtuvo un premio Quorum, con Mención de plata de la categoría de Objeto arte, y estuvo nominada como la colección Good Design del Chicago Athenaeum Museum of Architecture and Design. Ha sido una pieza muy publicada; es un emblema del mismo estudio. También está el Florero Mike, diseñado por Sebastián Lara, que ha estado en algunos sets de películas o de programas como los MTV FEBRERO • MARZO 2013
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Movie Awards. La gente ya lo ubica y sabe que es eos méxico”. Para Mauricio y Sebastián Lara, es difícil poder decir qué semejanzas pueden tener sus productos. “Quizás, dice Mauricio, en cuanto a semejanzas, es que una pieza sigue siendo la respuesta a un ejercicio de creatividad, muy pensado, sobre el sabor de México, sobre nuestra idea de lo divertido y sobre la originalidad. Es un objeto que está bien sustentado en función de su calidad y funcionamiento, pero con un sentido desenfadado de diseño. Al paso de estos 15 años seguimos diseñando sobre esa línea de proyectos”. Por su parte, complementa Sebastián, “en eos no buscamos un diseño pretencioso, sino que sea simple; que si lo ves te provoque una sonrisa, con eso estamos más que pagados y satisfechos. Eso es algo que nos ha mantenido”. Sobre lo más reciente, nos cuentan que están trabajando para un restaurante de comida orgánica. Lo que ahí se presenta, es el resultado de una labor de mucha abstracción pero con objetos sencillos que en el espacio se vuelven clave. “Por ejemplo, diseñamos
un muro con puras hojas. Las pudimos abstraer y ponerlas como recubrimiento. Cuando el comensal las vea seguramente se acordará de las hojas secas y de su crujir”, comentan. En ese restaurante también trabajan con el reciclaje. “No queremos modificar, sino rescatar una pieza bella y renovarla”. Dado que el restaurante es de comida orgánica, un tema bastante complejo para plasmar en diseño, decidieron mostrar materiales naturales; no utilizar lacas. “Especificamos pinturas de Comex de bajo índice de plomo; los muebles no tienen laca sino cera; reutilizamos puertas de chatarras y polines de madera para convertirlos en barandales”. FINALMENTE Más allá de los numerosos galardones, Mauricio y Sebastián Lara expresan que: “El hecho de que un cliente te recomiende es un reconocimiento; o el que alguien de otro país quiera venir a trabajar a nuestro despacho son detalles que nos llenan de orgullo. Ser semillero nos gusta. Todo esto va más allá de cualquier premio”. www.eosmexico.com
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Nacidos en la Ciudad de México, Mauricio en 1968 y Sebastián en 1980, ambos son Diseñadores Industriales por la Universidad Autónoma de Guadalajara. Con su estudio eos méxico, son un claro ejemplo del diseño mexicano actual, y están posicionados como uno de los estudios de diseño más importantes y reconocidos de México. Aunque son diseñadores industriales, sus actividades profesionales se caracterizan por ser multidisciplinarias, realizando proyectos integrales que abarcan el diseño de concepto, objetos, mobiliario, espacios, interiores, etcétera, lo que los ha llevado a obtener numerosos premios tanto nacionales como internacionales. Además, sus creaciones han sido expuestas en diferentes foros de América y Europa, y son publicadas en medios especializados de diseño alrededor del mundo. En 2012 fueron seleccionados para participar en el proyecto Destination Mexico, para el Museo de Arte Moderno (MOMA), de Nueva York, donde el portalápices Erizo, de Mauricio Lara, se quedó como pieza este prestigioso museo. El Huacal
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eos méxico desarrolló el concepto creativo de El Huacal basado en la comida orgánica que se sirve y se vende en el lugar. Desde el vestíbulo nos reciben: materiales naturales, frescos y auténticos; madera recuperada de las columnas, el piso de mosaico y las paredes de ladrillo. El restaurante se conforma de diversos espacios: la tiendita que remite a las clásicas cremerías y puestos de mercado; el área central que cuenta con un ambiente intimo y acogedor, decorado con piezas diseñadas especialmente por el estudio; la panadería y barra del restaurante forrada con madera recuperada de tarimas industriales de deshecho y la terraza abierta que se integra al área abierta del parque.
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intervenci贸n
Hafencity University Subway Station Contenedores de luz que marcan la diferencia
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El diseño de iluminación de la estación de metro de la Universidad Hafencity, ubicada en Hamburgo, Alemania, se basa en los materiales y las texturas de la ciudad para crear un entorno visualmente impresionante.
Redacción Imágenes cortesía Pfarré Lighting Design
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l proyecto de la estación Hafencity University fue desarrollado por la firma alemana basada en Múnich, Raupach Architekten, para posteriormente ser intervenido con contenedores de luz diseñados por Pfarré Lighting Design. La intención del diseño de iluminación de la estación fue capturar la luz en 12 contenedores, especialmente hechos para este proyecto, como representación del carácter industrial y del ajetreo del puerto de Hamburgo. La ilumi-
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nación remite a los colores iridiscentes de las fachadas de ladrillo de la ciudad. Esto es, que los diversos cambios de luz a lo largo del día representan en gran medida los cascos de acero de los buques y las superestructuras de los contenedores de carga transoceánicos y las grúas que caracterizan la urbe alemana. Una de las particularidades de la estación se define por la unión de texturas, la utilización del acero, la luz y el color. Pueden presentarse diversos entornos preestablecidos, tanto en el día como en la noche, que reaccionan de forma diferente para crear una sensación visual agradable mientras el usuario espera. Los colores pueden ser coordinados por las diferentes secciones de cada unidad y pueden cambiar para indicar la llegada o salida de los trenes; sincronizarse con las estaciones del año, o simplemente para generar una atmósfera amena. El ambiente dinámico creado por los contenedores se basa en la repetición de paneles translúcidos que generan diversos resplandores de colores por toda la estación. Cada uno de éstos pesa seis toneladas e incorpora un sistema LED RGB con 280 unidades. www.lichtplanung.com
El ambiente dinámico creado por los contenedores se basa en la repetición de paneles translúcidos que generan diversos resplandores de colores por toda la estación.
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textiles
Color Reform Spectrum Edition Juego de contrastes 64
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Las paredes de una casa abandonada pintadas con vivos colores proporcionan un telón de fondo impresionante para esta colección de alfombras teñidas y hechas a mano por ABC Carpet & Home.
Las alfombras y las puertas producen fascinantes composiciones pictóricas que contrastan con colores ricos y hermosos.
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Redacción Imágenes cortesía ABC Carpet & Home
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Color Reform Spectrum Edition a marca estadounidense de artículos adopta la fuerza transformadora para el hogar ABC Carpet & Home lanzó su última colección de alfombras: Color del color mediante su aplicación Reform Spectrum Edition, con una campaña de en alfombras nuevas creadas con la publicidad a cargo del fotógrafo Jason Madara. intención de ser teñidas de nuevo. Las alfombras fueron colocadas en una casa abandonada de Nueva York, donde la pintura descascarada complementa los colores vivos y los patrones de los diseños de los tapetes. El proceso implica un exceso de tintura que neutraliza los colores originales de las alfombras antes de teñirlos con un determinado color, dejando los patrones originales apenas visibles en los tejidos. Las alfombras y las puertas producen fascinantes composiciones pictóricas en contraste con los colores armoniosos y vivos. La madera muestra un excepcional sentido de la luz y de la sombra, mismo que transformó el espacio en un ambiente colorido, logrando el equilibrio perfecto entre la intensidad de las alfombras y las paredes. Color Reform Spectrum Edition adopta la fuerza transformadora del color mediante su aplicación en alfombras nuevas creadas con la intención de ser teñidas de nuevo. Cada alfombra es única, hecha a mano y teñida por artesanos paquistaníes para crear composiciones cromáticas dentro de una gama de colores exóticos aparentemente sin fin. www.abchome.com www.jasonmadara.com
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diseño + empresa
Transformaciones por Maarten De Ceulaer Muebles y patrones de colores sofisticados
El lado artesanal de los troncos de madera aunado con la expresión industrial de las bandas, dejan al descubierto las reminiscencias de lo clásico, cálido y hogareño con líneas actuales.
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Redacción Fotografía cortesía Maarten De Ceulaer
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l reconocido diseñador belga Maarten De Ceulaer desarrolló para la firma italiana Fendi, un proyecto donde los colores resaltan al ser contrastados con la madera. Por medio de gamas y combinaciones armoniosas se lograron patrones que determinan la esencia de los muebles. Inspirado en las líneas de las bolsas Fendi Pequin, De Ceulaer retoma el material plano y flexible para realizar una abstracción de los trazos rectilíneos, geométricos y abstractos –elementos característicos de la marca. Su ingeniosa interpretación fue presentada en Design Miami 2012 con una serie de muebles multicolores que transforman las bandas, dándoles volumen y vida. La conversión de una banda transfigurada en un módulo que se integra sobre tableros y troncos de madera genera una poesía visual que maneja conceptos enfrentados. Éstos nos comunican simultáneamente dureza y suavidad, naturalidad y artificiosidad, dentro de una visión orgánica y geométrica. Estos elementos nos permiten jugar con el sentido de las bandas y sus combinaciones tonales, consiguiendo configuraciones a partir de las gamas o de las diversas combinaciones de colores. Incorporando confort y estética, se genera, con un simple gesto, mobiliario poco convencional en donde las superficies se unen para definir su forma y volumen. Además, éstos se pueden armar con gran facilidad, simplemente utilizando clavos y tornillos simplificando el proceso a los usuarios. Dándole un sentido de unión a la colección “Transformaciones”, De Ceulae utiliza las bandas no sólo como elemento articulador, sino también como medio para desarrollar otro tipo de asientos y muebles que se alejan del ícono. www.maartendeceulaer.com
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Las Nuevas Arquitecturas y sus Colores: Una Visi贸n Integral
Edificio Kuggen por Wing氓rdh Arkitektkontor
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Las construcciones modernas y contemporáneas se transforman, se fragmentan y adquieren movimiento y novedad gracias a la versatilidad de los colores.
Redacción Fotografía del edificio Kuggen por Tord-Rikard Soderstrom y èkeEson Lindman; del Hotel del Aeropuerto en Berlín por Jan Bitter; de Harmonic Convergence por Robin Hill; y del Pabellón de España Floriade cortesía de Pulgón Diseño
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Un edificio con impresiones concéntricas cromáticas. Edificio BER, Hotel del centro de negocios colindante al aeropuerto de Berlín, Brandenburg Willy Brandt por Petersenarchitekten
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e ha discutido mucho sobre el uso del color en la arquitectura actual; mientras algunos aseguran que los materiales puros son los que determinan los colores sobre los edificios, otros exponen que predomina el blanco, sin embargo, diversos estudios han demostrado que la aplicación del color forma parte de la vida moderna y pinta las fachadas del mundo. Investigadores de la Universidad Politécnica de Valencia (UPV), dentro del Grupo de Investigación del Color –encabezado por Ángela García Codoñer–, realizaron un cuidadoso estudio donde examinaron el trabajo de reconocidos arquitectos del siglo XX y XXI. Dentro de las conclusiones, publicadas en la revista Color Research & Application en marzo de 2012 –en el artículo “The Versatility of Color in Contemporary Architecture”–, se asegura que en estos últimos años se ha utilizado el color de forma importante en la arquitectura. El análisis sugiere cuatro conceptos que generan versatilidad por medio del color: la transformación, la fragmentación, el movimiento y la novedad. Estos conceptos reafirman la importancia del color en el diseño arquitectónico y la diversidad del mismo. Si bien el uso del color en esta disciplina se encuentra en debate, podemos postular que éste ha funcionado como medio para expresar ideas y producir reacciones anímicas, así como un recurso histórico valioso. Por ello, en nuestro especial de color presentamos algunos proyectos actuales que aplican el color a favor de la versatilidad. Wingårdh Arkitektkontor, despacho comprometido con la dimensión artística y poética de la arquitectura, terminó la construcción del edificio Kuggen, ubicado en Lindholmsplatsen, Gothenburg, Suecia, a finales de 2011. Este proyecto, a cargo de Gert Wingårdh y Jonas Edblad, consta de cinco plantas cilíndri-
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Los ejes y el sentido de las lĂneas estĂĄn dispuestos de tal modo que las franjas de color y las ventanas de la fachada conversan entre ellas.
Edificio BER, Hotel del centro de negocios colindante al aeropuerto de BerlĂn, Brandenburg Willy Brandt por Petersenarchitekten
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“A través del desarrollo de este nuevo esquema, siento que he creado una obra de arte única para los peatones, un dinámico espacio para entrada y salida del “MIA Mover”, y un nuevo icono para Miami”. Christopher Janney
cas que aumentan de radio con cada nivel. Se trata del hub universitario de Chalmers, campus Lindholmen; su forma no sólo ayuda en el funcionamiento, sino también en el asoleamiento de la obra. Además, una pantalla sombrea los últimos pisos y rota siguiendo la trayectoria del sol alrededor del edificio. Hojas de colores le dan vida y dinamismo al diseño, formando ventanas con secciones triangulares que permiten la entrada necesaria de luz. Utilizando dos colores primarios: FEBRERO • MARZO 2013
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Harmonic Convergence por Christopher Janney, Phenomen Arts
rojos y verdes, el edificio capta nuestra atención y juega con gamas que suben y bajan de tono. Conceptualmente, los rojos hacen referencia a la pintura industrial de los muelles y puertos; el verde es una referencia a las hojas de los árboles. Éstos le dan un carácter fragmentado y una sensación de ritmo y armonía, al mismo tiempo que cambian de tonalidades en el transcurso del día. Con planes de desarrollar un parque empresarial, un año después (2012), la firma de arquitectos Petersenarchitekten
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Pabellón de España Floriade 2012 por Pulgón Diseño
da el primer paso diseñando el hotel que acompaña al nuevo aeropuerto de Berlín: Brandenburg Willy Brandt. Utilizando geometrías simples se crea una prolongada envolvente vinculada con rectángulos superpuestos. La disposición horizontal se acentúa por medio de paneles modulares de acero que dibujan bandas de colores. El montaje sistemático de éstas se realiza con guías ocultas permitiendo formas libres en una configuración clara, y lo más importante, en una superficie limpia. Así, se adquiere una fachada ventilada y larga con una textura lisa, gracias a la superficie auto limpiante que mantiene las líneas dominantes con colores intensos en cualquier condición meteorológica, unificando al edificio en un volumen rayado y robusto. Hablando de configuraciones visuales, podemos encontrar frecuentemente líneas paralelas, ya que una de las pautas más populares de la composición se basa en la repetición de rectas. Las líneas horizontales expresan armonía y profundidad, de esta manera el edificio adquiere
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estas propiedades utilizando franjas saturadas de colores fríos y cálidos que subrayan el horizonte. Otro ejemplo del uso del color en aeropuertos es la intervención que realizó el artista Christopher Janney y su firma Phenomen Arts en del Aeropuerto Internacional de Miami. Este montaje, llamado “Harmonic Convergence”, se encuentra en una zona de transición que sirve como conector y entrada de la nueva terminal de alquiler de coches, en donde el flujo de personas es muy alto. Pensado para crear ciertas impresiones en los usuarios, se aprovecharon los elementos estructurales del espacio, generando un cambio lumínico y sensorial en una manifestación artística donde se integra melodiosamente la luz, la geometría y el color. La lectura del entorno anuncia la entrada y/o salida al aeropuerto, abriendo el espacio de forma divertida con un patrón en diagonal de vidrio coloreado para generar diferentes sensaciones térmicas –se utilizó el sistema más avanzado de vidrio laminado en el mercado actual. www.glocal.mx
Los arquetipos armónicos y las pautas geométricas, así como la luz y el cromatismo, son empleados y considerados por el artista como principios activos de la instalación para crear un mosaico de diamantes. Finalmente, nos encontramos con un pabellón de alma plural, proyectado por Pulgón Diseño en 2012 y presentado en la sexta edición de la Exposición Internacional de Horticultura Floriade, que se lleva a cabo en Holanda cada diez años. Mediante el lema “naturalmente diversos”, España demuestra, por medio de su pabellón, la diversidad de ecosistemas en su territorio y sus múltiples modelos de aprovechamiento agrícola. Siguiendo esta premisa, el estudio conceptualiza, tanto estética como constructivamente un cuerpo orgánico que se apega a la morfología de la continuidad, escenificando los ciclos dentro de estos procesos agrarios.
La construcción se levanta suavemente del terreno generando montículos que crean los espacios interiores de exposición, manteniendo unificados el interior con el exterior. Estas elevaciones destacan la biodiversidad al utilizar soportes tubulares con una amplia gama de colores que refuerza la idea de los múltiples ecosistemas y productos con los que cuenta el país, imitando los tonos del entorno natural, mismos que van desde luminosos verdes vegetales hasta profundos naranjas frutales. El color crea lenguajes propios al ser uno de los principales voceros dentro de la arquitectura y se materializa como elemento articulador espacial entre el concepto y la percepción del usuario. www.wingardhs.se www.petersenarchitekten.de www.phenomenarts.blogspot.mx www.janneysound.com www.pulgon.com
Lo orgánico, la diversidad y la riqueza natural adquieren gran protagonismo.
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Social 01
Islas de Colores
El estudio de interiorismo i29 Architects, fundado por los holandeses Jaspar Jansen y Jeroen Dellensen, presentó su proyecto más reciente “Social 01”, que consistió en crear el interior de la compañía Combiwerk, ubicada en Delft, Países Bajos.
Redacción Fotografías cortesía i29 Architects
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ombiwerk Delft es una compañía que ofrece trabajo personalizado a personas que debido a una limitación física, mental o psicológica, no pueden encontrar un trabajo regular. El edificio, diseñado por VMX Architects, alberga una zona de oficinas, restaurante, vestíbulo y salas de reunión. Su exterior es de color gris, por lo que el despacho holandés se dio a la tarea de remodelar todo el espacio interno con un diseño que reflejara, mediante un sobrio enfoque, la premisa de la empresa. El diseño revigoriza las áreas centrales comunes mediante pequeñas “islas” de colores para crear una base más viva de los espacios designados para los usuarios con limitaciones psicológicas. El despacho concibe un nuevo entorno para las personas que por lo general
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“Los muebles de diseño están personalizados en varios colores y matices con muchas posibilidades de variación, que junto con las alfombras angulares, forman islas de colores en un mundo gris”. i29 Architects
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no les gusta el cambio, por lo que la transformación incluye una colección de más de 250 diferentes sillas de madera reutilizadas para que los usuarios seleccionen su asiento favorito, con el propósito de dar seguimiento en el nuevo espacio. Todo el mobiliario que se utilizó es personalizado; los escritorios, los armarios y las gavetas fueron restauradas y adaptadas al nuevo tono de colores.
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Los matices de color son llamativos y diversos; en cada una de las alfombras, los colores estallan en medio de esta gran estructura interna que ostenta mayor vitalidad. Aunque se usaron recursos limitados, Social 01 promueve la participación social mediante el diseño interior, enfocado a estimular a los trabajadores que reciben atención especial. www.i29.nl
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“Como salido de un cuento de hadas, el edificio tiene un jardĂn secreto lleno de color y vitalidad, que es una referencia al maravilloso contraste entre la apariencia externa y la riqueza interiorâ€?. i29 Architects 80
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Hospital Privé de Villeneuve d’Ascq
El hospital Privé de Villeneuve d’Ascq utiliza colores y arquitectura que calman y relajan a los pacientes.
Cromoterapia
Redacción Fotografía de Luc Boegly
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n 2007, la firma de arquitectura Jean-Philippe Pargade ganó el concurso convocado por La Générale de Santé para desarrollar el nuevo hospital Privé de Villeneuve d’Ascq al norte de Francia, inaugurado en septiembre de 2012. Con el propósito de lograr una armonía, tanto con el contexto como con los pacientes, se diseñó un volumen simple basado en un FEBRERO • MARZO 2013
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plano rectangular, proporcionando una grata transición entre la zona comercial adyacente y las casas situadas en el tejido suburbano colindante. Esta geometría simple proporciona una flexibilidad organizativa considerable y se asegura de que el edificio sea capaz de adaptarse a cualquier modificación del programa arquitectónico en el futuro, asimismo abre la posibilidad de jugar con otros elementos, como la pintura. Los colores pueden afectar la forma en la que experimentamos el espacio anímicamente, por ello, en este proyecto éstos contribuyen a la
“Los colores actúan sobre el alma, en ella pueden excitar sensaciones, despertar emociones e ideas que nos calman o nos agitan y provocan la tristeza o la alegría”. J. W. Goethe
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A travĂŠs de las diferentes frecuencias de vibraciĂłn de la luz traducida en colores, el proyecto genera en sus pacientes una terapia cromĂĄtica.
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Los colores utilizados en los espacios interiores representan lo tranquilizador y acogedor, asimismo constituyen un componente fundamental en la organización espacial del hospital.
humanización de los diversos espacios y crean un ambiente cálido y acogedor a favor de los usuarios. Debido a que el objetivo fue crear una sensación de bienestar en todos los aspectos, la selección y uso del color se traslada al interior. Utilizando gamas frescas y puras, se generan espacios limpios y aireados. Alternando rosas, azules y verdes se cubren las superficies y se generan efectos de contraste con el blanco. Estos tonos pálidos son luminosos y vitales, por lo que invitan a relajarse y tienen como connotación inmediata la serenidad. También los colores afectan la percepción del sonido. Los matices y espacios fríos dan la sensación de que la intensidad del ruido es menor, por lo que en una habitación con colores suaves y poéticos, las personas hacen menos ruido. La entrada se asemeja al vestíbulo de un hotel; abriendo con un volumen monumental de doble altura, se crea un espacio ameno y generoso con mucha iluminación natural. En este espacio se refuerza la percepción de silencio debido a un plafón perforado en el techo que absorbe las vibraciones acústicas y elimina la reverberación, disminuyendo los decibeles en el espacio. En conjunto, el proyecto crea una interacción de formas gráficas que rompen con la imagen tradicional de los hospitales, proporcionando una nueva impresión contemporánea sin dejar de ser reconocible dentro de un vocabulario contextual. www.pargade.com www.v2com.biz
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Yandex Office II Intervenci贸n en 3D
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El despacho Za Bor Architects completó las segundas oficinas para la empresa de tecnología rusa Yandex, cuyo diseño consiste en coloridas formas basadas en las funciones web.
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Redacción Fotografías cortesía Za Bor Architects
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espués de cuatro años, el estudio Za Bor Architects y la compañía Yandex decidieron repetir mancuerna para la creación de sus nuevas oficinas ubicadas en San Petersburgo, Rusia, mismas que son dos veces más grande que las anteriores. El área alberga toda la planta cuarta del edificio, y cuenta con un corredor de 200 metros de largo y una superficie total 3.310 metros cuadrados. El reto principal de los arquitectos, Peter Zaytsev y Borisenko Arseni, fue romper con la simetría del pasillo principal y de la planta en su totalidad dividiendo las áreas de trabajo. Asimismo, utilizaron símbolos acordes a la función web de la empresa transformados en objetos 3D de proporciones gigantes, mismos que zonifican los espacios agregándole en su mayoría la apariencia de estar pixelados. Los arquitectos intervinieron con iluminación y colores brillantes todos los espacios, basados en diferentes géneros del cine. Por ejemplo, la FEBRERO • MARZO 2013
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Diversos elementos 2D son transformados en objetos 3D, brillantes y coloridos.
espiral naranja se toma su inspiración en la película Vertigo, de Alfred Hitchcock; asimismo, las cortinas rojas que rodean un complejo de sillas remiten a la habitación roja de la serie Twin Peaks de David Lynch. Largos pasillos cuentan con un interior brillante, una atmósfera exorbitada, con ambientes y mobiliario tomado de los 60s; algunos recrean un ambiente inspirado en una de las escenas de 2001: A Space Odyssey, de Kubrick. En términos de función, muchos de los elementos más importantes parecieran ser decorativos sólo a primera vista. Sin embargo, los componentes espirales separan la zona de comunicación informal desde
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el pasillo: aíslan áreas de trabajo, salas de conferencia y salas de reunión. Diversos objetos inusuales pueden verse por todos los espacios, mismos que brotan de las paredes y el suelo. Si se mira con detenimiento, se podrán observar iconos de la tecnología que son perfectamente conocidos para cada usuario. Por ejemplo, la mesa de recepción da la bienvenida con un botón de búsqueda y una enorme flecha que apunta el camino. Sin duda, los colores amarillo naranja, azul y rojo juegan un papel importante para la transformación de los espacios. www.za-bor.net www.glocal.mx
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Colores Prismáticos E
Redacción Fotografía cortesía de Jean Verville Architecte
Un proyecto experimental que nos muestra una nueva forma de encontrarse con una vivienda. 92
n el centro de Montreal, Canadá, un loft, diseñado por el arquitecto Jean Verville, exhorta a la creatividad utilizando el color al máximo y logrando un interiorismo poco usual para una vivienda. Con el objetivo de estimular la mente creativa del cliente, Verville, artista que colecciona arte contemporáneo y piezas de diseño, ofrece un ambiente estrépito donde la base es una paleta de cinco colores que representan los tonos favoritos del usuario, expandiéndose por los cuartos. Más que un estilo con características propias y poco comunes, este loft es una composición heterogénea de color, una actitud y una forma de entender las necesidades de un espacio que conjuga arquitectura, arte y diseño. www.glocal.mx
ble ya que la selección se encuentra dentro de los colores cálidos: rojo, vino, naranja, amarillo y morado, guardando una cercana relación unos con los otros. También se juega con la percepción espacial al utilizar espejos que duplican las vistas y engrandecen los espacios. Este mismo efecto se logra al utilizar el blanco como fondo del piso y en las paredes, generando un poco de calma y resaltardo los demás elementos y colores. La explosión visual se complementa con piezas y objetos llenos de colores estridentes y formas dinámicas. Para generar suaves transiciones, los gabinetes y áreas de
guardado de piso a techo están pintadas en colores sólidos, en blanco o bien cubiertas de espejo, de esta forma definen espacios y circulaciones. Este loft nos ofrece una oportunidad de explorar la vivencia de lo habitacional por medio de la exaltación del color; y aunque algunos les pudiera parecer estridente y excesivo, no podemos negar que estos ambientes nos colocan en un escenario nuevo y desconocido que estimula nuestra parte sensorial. www.jeanverville.com v2com.biz
Precisando cada detalle y utilizando materiales simples, así como superficies lisas, el arquitecto despierta el ojo y la imaginación en un entorno juguetón. A través de plantas abiertas y la creación de nichos y espacios libres, seguidos por grandes áreas de almacenamiento y closets, se permite apreciar, rodear y girar las obras coleccionadas sin que otros elementos se interpongan. En las zonas públicas el piso cuenta con un recubrimiento epóxico satinado e inserciones de vinilo de colores. Éstos se reproducen en el suelo mediante un patrón lineal de los cinco colores, formando franjas y manchas ordenadas de color. La combinación de éstos es amaFEBRERO • MARZO 2013
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La combinaciรณn de colores es amable ya que la selecciรณn se encuentra dentro de los colores cรกlidos: rojo, vino, naranja, amarillo y morado, guardando una cercana relaciรณn unos con otros.
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Fai Fah Diseño encausado a lo social
El centro social Fai Fah proporciona el escenario adecuado para llevar a cabo diversos programas de talleres y clases que estimulen a niños y jóvenes a participar en actividades creativas. FEBRERO • MARZO 2013
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Redacción Fotografías cortesía Spark Architects
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Los arquitectos realizaron talleres de diseño con los niños, quienes eligieron una paleta de colores para marcar cada uno de los cinco pisos del edificio.
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or encargo del banco tailandés TMB, el estudio de arquitectura Spark convirtió un antiguo edificio ubicado en el centro de Bangkok en el centro Fai Fah (energía de la luz), un proyecto diseñado para ser el punto de encuentro entre niños y jóvenes de la ciudad. Durante el proceso de construcción del edificio, los arquitectos trabajaron de la mano con jóvenes del vecindario, quienes aportaron la idea de desarrollar una fachada en forma de un enorme pedazo de queso suizo. De igual forma, para el diseño interior, los arquitectos realizaron talleres de diseño con los niños, quienes eligieron una paleta de colores para marcar cada uno de los cinco pisos del edificio, incluyendo el amarillo brillante que se muestra en diversas partes, incluyendo el espacio especial para eventos, y una galería de entresuelo en la base del complejo. Las aulas se instalaron de tal forma que las clases fueran abiertas con el propósito de evitar el aburrimiento y la reclusión. Los colores aportan dinamismo y su combinación rompe con la seriedad que comúnmente se encuentra en la mayoría de los centros educativos. Inclusive, dentro de este espacio, existen otras áreas que emplean formas asimétricas para romper con los típicos diseños lineales, como la biblioteca, el estudio de arte, el aula de cerámica y el estudio de baile. El proyecto Fai Fah actúa como un catalizador para el cambio en la sociedad tailandesa a través del trabajo con los niños desfavorecidos y jóvenes en su comunidad, utilizando las artes como vehículo para el desarrollo personal y el pensamiento creativo. www.sparkarchitects.com
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BU Lounge Asimilando las nuevas tendencias educativas
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Supermachine Studio utiliza el color como uno de los recursos para romper con los viejos esquemas educativos.
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Redacción Fotografía de Wison Tungthunya
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n nuestra onceava edición, publicamos un artículo titulado: “Diseño para la Educación”, en éste hablamos sobre la evolución del mundo educativo hacia un esquema más dinámico y flexible, en donde la relación profesor-alumno se reinventa gracias a sistemas horizontales, participativos y autodidactas. Este nuevo planteamiento educativo permite
que el diseño funcione como interfaz entre los estudiantes y su desarrollo formativo. En esta edición, nos encontramos con un proyecto de 2012 que navega a favor de estos modelos: BU Lounge (Imagine Lounge). Este espacio, que forma parte de Landmark Bangkok University, Campus Rangsit, utiliza el diseño y el color para estructurar nuevos conceptos pedagógicos. Supermachine Studio entiende la influencia vital que tiene el color para romper esquemas e intercambia los colores apagados tradicionales
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de las aulas —que pueden ser aburridos y cansados— por llamativas gamas y texturas provocativas que estimulan y movilizan a los estudiantes. El espacio se divide en dos plantas; la inferior cuenta con un diseño flexible y un mobiliario que se adapta a las diferentes necesidades que van desde pequeños grupos hasta grandes reuniones. Cuenta con una “cueva de lectura” formada por costillas de tableros de OSB (Oriented Strand Board) y un gran sillón constituido por módulos movibles en forma de pixeles. El nivel superior es más recreativo y aplica colores brillantes y resplandecientes; ofrece a los alumnos dos estructuras: una casa de karaoke, actividad significativa en la cultura oriental, decorado en rosa con lunares blancos,
y un cuarto de música en listones de madera para realizar ensayos o demostraciones. Para unir ambos pisos, se instaló una red de agujeros que facilita la comunicación entre los estudiantes, así como dos escaleras; una de ellas es un panda gigante, personaje que cada semestre será cambiado por los alumnos. Marcando las pautas y estrategias futuras que estimulan el aprendizaje, esta propuesta experimental genera una nueva experiencia universitaria de indudable trascendencia, con juegos, formas audaces, áreas informales y colores activos, en una clara expresión de las necesidades actuales. www.supermachinestudios.com www.supermachine.wordpress.com
El espacio que solía ser la oficina de profesores se convirtió en un lounge con la capacidad de albergar gran variedad de actividades estudiantiles, formando lo que la firma describe como un “youngsters’ ecology”.
Supermachine Studio entiende la influencia vital que tiene el color para romper esquemas e intercambia los colores apagados tradicionales de las aulas por llamativas gamas y texturas provocativas que estimulan y movilizan a los estudiantes. 102
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Redacción Fotografía Stephan Lemke
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ituado en la zona oeste de la ciudad de Zürich, Suiza, se encuentra ubicado el Hotel 25hours, de la cadena Design Hotels. Esta región se ha convertido en un núcleo urbano y trendy gracias a su concentración cultural: galerías, diversas actividades artísticas y de diseño y la presencia de la prestigiada Academy of Art.
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ADP Architekten desarrolló el diseño arquitectónico, mientras que el interiorismo corrió a cargo de Alfredo Häberli, reconocido internacionalmente por sus conceptos creativos para marcas como Camper, Kvadrat, Vitra y Moroso, entre otras. Bajo la premisa the smile of my hometown, Häberli conecta el diseño del hotel con su contexto urbano hasta convertirlo en un reflejo de la ciudad. El hotel inserta la sorpresa como parte de los factores que dan magia al diseño. Los espacios están pensados para que los clientes puedan descubrir en, cualquier punto detalles de color, alguna intervención gráfica o www.glocal.mx
25hours Hotel Zürich West Matices Llamativos
El hotel 25hours Hotel Zürich West abrió sus puertas a finales de 2012 proyectando colores radiantes en todos sus ambientes. artística, y muebles de diseño como las sillas Vitra, camas Alias y accesorios Origo, entre otros. De acuerdo con Stefanie Häberli-Bachmann, responsable de la gráfica completa del proyecto, “todo se basa en los bocetos originales y la firma de Alfredo Häberli”. Para complementar el lenguaje estético, descrito por Häberli como “una forma elegante de humor”, más de 60 productos fueron desarrollados y diseñados por él exclusivamente para el hotel. El color, elemento vital en la propuesta, es una exclusiva mezcla de colores llamativos. La extravagante selección deriva en diferentes ambientes dentro de los 126 cuartos. Diversas alfombras con patrones abstractos coinciden con papel tapiz de colores y cortinas exuberanFEBRERO • MARZO 2013
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tes: “aquí las pinturas son grandes murales que yacen en el suelo, e incluso siguen por debajo de la cama”. Con barras texturizadas y garabatos luminosos que cuelgan sobre éstas, el vestíbulo y el restaurante del hotel se convierten en espacios animados bañados con adornos que el diseñador utiliza en instalaciones y objetos de pared. Brillantes y agudos colores se funden en una interpretación contemporánea y atractiva que revelan su estética y armonía sólo después de una segunda mirada, saliéndose del campo convencional. Estas propiedades también se reflejan en la sala de conferencia, el lobby bar, salas de estar, cocina y sauna, en donde elegantes textiles y un sinfín de estímulos visuales crean un ambiente habitable, cómodo y sofisticado, así como una atmósfera divertida y juguetona. www.alfredo-haeberli.com www.zurich@25hours-hotels.com
“Quería darle al hotel alma y no sólo poner un par de cosas bonitas en el edificio”. Alfredo Häberli 106
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“Nuestro interior colorido es el corazón palpitante del edificio y eso es el carácter independiente que irradia hacia el exterior”. Daniela Aeberli, Design Project Manager
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Exhibición Abwehr
Un Mundo En Verde Los paneles de tela funcionan como filtros, se superponen entre sí en la profundidad del espacio. Su efecto se intensifica a través de la modulación sistemática de la luz natural y artificial.
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La percepción del color verde y su capacidad expresiva
Redacción Fotografía de Jan Bitter
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ara el ojo humano, el verde es uno de los colores sicológicos primarios y que percibimos con mayor facilidad, ya que activa nuestro sistema sensorial de manera potencial. Las células que detectan la longitud de onda de luz y perciben los colores se llaman conos y bastones; sólo hay tres tipos de conos, éstos son sensibles al verde, rojo y azul. A finales de 2012 se presentó en el Vögele Cultural Center, ubicado en Zürich, Suiza, la exhibición Abwehr, donde se utiliza el verde como principal elemento curatorial, generando un ambiente escenográfico que exalta las sensaciones. El concepto escenográfico propuesto por la firma de diseño multidisciplinaria NAU, se basa en el color como metáfora de advertencia y alude al universo de la flora y fauna. Esta atmósfera alucinógena adentra al espectador en un “mundo verde y venenoso”, el cual explora, a lo largo de un camino nebuloso, los distintos métodos y mecanismos de defensa, mismos que van desde búnkers hasta trajes de camuflaje. Este proyecto fue curado por el equipo creativo de W.I.R.E y construido por Nüssli. Dividida por paneles suspendidos de tela, la sala de exhibición se transforma en un tejido semitransparente. Las láminas translúcidas dejan entrever lo que pasa tras ellas sumando misterio en la escena, mientras que el color agrega un filtro visual aumentando el juego ilusorio. Éstas acotan el espacio y acentúan la circulación marcada por una alfombra verde que se dirige hacia siete áreas temáticas. El espacio se concibe de tal forma que se crean islas que aíslan al espectador y generan introspección, dándole a cada tema su propio espacio pero manteniendo una continuidad curatorial. La llamada sala del futuro se sitúa en una escena más dramática, donde se utilizaron diversos efectos visuales en las paredes; la intención se acentúa con la atinada iluminación realizada por Mati Lichtgestaltung. www.info@nau.coop
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NHow Hotel Berlin
Sensaciones y sonidos
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“Lo que traté de cumplir con NHow Hotel Berlin es hacer un espacio que coexista con el mundo basado en datos digitales”. Karim Rashid
Con un diseño exterior del arquitecto ruso Sergej Tchoban, e interiorismo y diseño de muebles a cargo del famoso diseñador Karim Rashid, el hotel Nhow Berlin refleja el espíritu de una de las ciudades más importantes de Europa.
Redacción Fotografías cortesía ELA / EDI, Karim Rashid
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erlín es una ciudad que se caracteriza por estar en constante movimiento, y sin duda, un lugar donde converge tradición y vanguardia. Por ello, no es de extrañar que la cadena española NH Hoteles haya escogido esta urbe como sede del NHow Hotel, ubicado a orillas del río Spree, entre la antigua línea entre Berlín Oriental y Occidental.
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Desde la entrada, el usuario se ve envuelto en colores y sonidos; pueden elegir habitaciones de color rosa, azul o gris –todos con pisos diseñados con una estética conocida como “Digipop”, desarrollada por el propio Rashid. Ésta consiste en la exploración de gráficos mediante tecnología digital. Tanto en el vestíbulo como en el bar del hotel destaca el uso del material cerámico Morphscape de TAU-Porcelanatto y los azulejos porcelánicos coloreados en masa, esmaltados y rectificados con una textura tridimensional.
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Karim Rashid concibió el interior del hotel como un espacio dinámico y donde el empleo del color se vuelve una parte fundamental al crear sensaciones en los usuarios, tal y como sucede con las vibraciones de la música. Las habitaciones se manejan dentro de una paleta de colores basada en el amanecer y atardecer, llenos de oros cálidos y audaces. Asimismo, se pueden encontrar las más frescas combinaciones de grises, azules y rosas. En el octavo piso se encuentra un cubo plateado suspendido a 36 metros sobre el río Spree, donde se sitúa el Music Sound Floor, conformado por dos estudios de sonido con un equipo tecnológico profesional. Además, cuenta con préstamo de guitarras a los clientes que las soliciten. Los dos restaurantes luminosos y acogedores también llevan el sello provocador, extravagante, alegre y ecléctico de Rashid. NHow Hotel reúne arquitectura, música y colores para crear una experiencia dinámica que se disfruta con los cinco sentidos. www.karimrashid.com
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“Mi visión involucra tecnología, imágenes, texturas, colores, así como todos los elementos necesarios que son intrínsecos para vivir en un medio ambiente más simple y menos desordenado, pero a la vez más sensual”. Karim Rashid
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21 Cake Headquarters
Atmósferas transparentes
People’s Architecture Office propone un proyecto con mucho color, sin utilizar pintura.
Redacción Fotografías cortesía de PAO Design
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a transparencia es una cualidad que ha tenido gran valoración en los diferentes campos del diseño. Primeramente se manifestó como una técnica pictórica que se trasladó al diseño gráfico. Posteriormente dentro de la arquitectura se introdujo como uno de los sueños modernistas; en moda y en diseño industrial siempre ha sido una propiedad enigmática. Lo transparente es una condición del color con diversos grados y características. Por ejemplo,
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un material es considerado transparente cuando deja pasar fácilmente la luz. En esta ocasión, People’s Architecture Office (PAO), un despacho integral fundado en Beijing por He Zhe, James Shen y Zang Feng en 2010, propuso la audaz idea de llenar un espacio de color sin utilizar pintura. Con un equipo integrado por Liu Xiujuan, Liang Shaoyi, Chen Yixuan, Emily Kwok, Cui Yujing, la firma terminó el año pasado el proyecto 21 Cake Headquarters, una pastelería gourmet ubicada en Beijing. PAO consigue alcanzar y llevar la transparencia a sus límites e incorpora colores que nos transportan a una atmósfera innovadora. Esto se logra gracias al vidrio de
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color laminado que funcionan como muros divisorios ubicados a lo largo de las zonas de circulación. De esta forma se crean pasillos con diferentes combinaciones cromáticas. Los paneles de vidrio de color rojo, amarillo y azul fungen como capas para crear un espectro completo de colores cambiantes, mismos que se dan por sus atributos translúcidos. De esta manera, conforme el usuario se mueve y camina, posicionándose en diferentes puntos, se generan combinaciones de colores con distintas tonalidades y mezclas. Esta mixtura se acentúa con luz natural y artificial produciendo efectos ilusorios. Una doble altura en el atrio central cubierto con una clara-
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boya aporta iluminación mediante las capas de color a lo largo de la escalera y un puente de cristal en el segundo piso. Crear el color por medio de secciones estratificadas que dejan entrever lo cubierto por las mismas y van entintando los espacios cuando uno observa a través de ellas, es una innovación interiorista. Más que una mera característica óptica, figura un orden espacial mucho más complejo, mismo que es explicado por el crítico inglés Gyorgy Kepes: “lo transparente deja de ser lo que es perfectamente claro para convertirse en lo claramente ambiguo”. www.peoples-architecture.com
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Los paneles de vidrio de color rojo, amarillo y azul fungen como capas para crear un espectro completo de colores cambiantes, mismos que se dan por sus atributos translĂşcidos.
Los filtros juegan con la transparencia, la translucidez y el color de sus superficies para crear distintos ambientes.
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HIT Gallery Un escenario surrealista
Recién abrió sus puertas HIT Gallery, una concept store que expresa el espíritu italiano y el estilo de vida en una nueva superficie comercial.
Redacción Imágenes cortesía Fabio Novembre
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IT Gallery es una cadena de boutiques, dirigida por Alessandro Bianchi, que reúne reconocidas firmas como Balmain, Gianfranco Ferré y Karl Lagerfeld; tiene sede en Milán y está presente en más de treinta ciudades repartidas por toda Asia. La cadena recién inauguró en Hong Kong una nueva concept store diseñada por el arquitecto y diseñador italiano, Fabio Novembre, responsable también de las boutiques Anna Molinari en Londres, Singapur y Tapei. Una de las inspiraciones de Fabio Novembre para realizar el diseño fue el arte surrealista de Giorgio de Chirico: estructuras simétricas, una fila de arcos y color azul dominante que contrasta con el blanco y el negro convergen en un ambiente que nos remite a unos de los cuadros del pintor italiano. De igual forma alberga estanterías de grandes dimensiones con formas humanas. Estos elementos convierten la boutique en una atmósfera ideal para todas las marcas que se exhiban en ella.
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“El color que define las paredes -una sombra neutral limítrofe entre el verde y el cielo azul o cerúleo- se convierte en el escenario ideal para todas las marcas que se venden en la tienda”. Fabio Novembre
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El espacio se desenvuelve en audaces pisos geométricos, vertiginosos y surrealistas. El patrón de suelo negro y blanco se integra con el azul pálido de las paredes, accesorios y muebles, esto forma un fondo neutro con la finalidad de mostrar las marcas sin distracciones. E inclusive, se puede apreciar la versión icónica que realizó Novembre de la silla Panton, llamada Him & Her. El contexto en el que se desarrolla el espacio es una interpretación FEBRERO • MARZO 2013
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moderna de la arquitectura clásica italiana aunada a una perfecta simetría en las curvaturas de las paredes cubiertas con arcos elegantes. Los soportes en forma de busto se refieren a las figuras sin rostro que aparecen a menudo en las pinturas de Giorgio de Chirico. Por otra parte, el atractivo diseño en zig-zag del piso añade una nueva perspectiva al interior . www.novembre.it
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Salon Urbain Un himno al arte
El estacionamiento del Palacio de las Artes de Montreal dejó de ser un espacio subterráneo y lúgubre, para convertirse en una versátil y fresca sala de reuniones.
“El espacio es un destino en sí mismo, una introducción de bienvenida a las experiencias musicales y sociales que la precedieron”. Martin Leblanc de Sid Lee Architecture
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Redacción Fotografías cortesía de Sid Lee Architecture
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l Salon Urbain, ubicado dentro del Palacio de las Artes de Montreal —sede de la Orquesta Sinfónica de la ciudad—, se ha transformado en una nueva sala ideal para reunirse antes o después de un concierto, visitar una galería o escuchar una conferencia. La renovación del espacio, llevado a cabo por Sid Lee Architecture, capta plenamente el encanto artístico del Palacio. Martin Leblanc, arquitecto y socio de arquitectura Sid Lee, explica que el espacio es un destino en sí mismo, una introducción de bienvenida a las experiencias musicales y sociales que la precedieron.
El color principal utilizado para el diseño interior es el rojo, mismo que se caracteriza por ser fuerte y vibrante, y que cumple el propósito del proyecto: despertar los sentidos del usuario. Asimismo, el rojo se asocia con las artes escénicas y las noches de estreno, y se ha convertido en el símbolo de una cultura urbana que va acorde al ritmo de la música y las artes. El techo cuenta con un diseño paramétrico que intenta representar físicamente las ondas de sonido que se generan con la música. No obstante, los arquitectos mencionan que el elemento principal es la barra, cuya forma está inspirada en la forma de una onda sonora. Salon Urbain es un espacio versátil, equipado con la última tecnología y perfecto para cualquier evento. Es un ambiente artístico que mantiene viva la sensación de asistir a un concierto o exposición. www.sidleearchitecture.com
El techo cuenta con un diseño paramétrico que intenta representar físicamente las ondas de sonido que se generan con la música. 122
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Hi-Lo Store
Colores, materiales y sensaciones Un escenario de glamour y sofisticación se sitúa en la tienda Hi-Lo Store, situada en Belo Horizonte, Minas Gerais, Brasil.
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Redacción Imágenes cortesía David Guerra Arquitectura e Interiores
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on tantos productos que saturan el mercado, la tarea de las compañías es captar la atención de los consumidores en una sola mirada, mediante una variedad de colores vivos. En este caso, las tiendas de ropa deben de regirse de la misma manera. Desarrollado por el arquitecto brasileño David Guerra, el concepto que rige el diseño de
Hi-Lo Store se basa en una mezcla de estilo de la alta y baja costura, así como marcas jóvenes y básicas de ropa. Estos elementos se ven reflejados en el contraste de colores, materiales y sensaciones. Dentro del área de exhibición, el proyecto explora la luminosidad y el romanticismo usando los colores blancos, plateados y dorados, mismos que contrastan con los diseños franceses que se encuentran en las pantallas y la tela abotonada en el área de servicio. Dentro del área de los vestidores, el color rojo y el rosa asumen el rol de seducción y www.glocal.mx
Cortinas rojas, paneles abotonados, luz indirecta, múltiples espejos, sofá de satín y candelabros vintage crean un escenario de glamour.
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sensualidad. Cortinas rojas, paneles abotonados, luz indirecta, múltiples espejos, sofá de satín y candelabros vintage crean un escenario de glamour. De igual manera el trabajo de encaje con adornos en la pared, hecha de cajas de Tetra Park por el artista Leo Piló, contribuyen a generar un ambiente gentil para escoger accesorios. El proyecto aborda colores neutros que resaltan con las diferentes
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variaciones de rojo, generando un entorno simple pero a la vez sofisticado. Asimismo, la diversidad de ropa en conjunto con estas sensaciones son ideales para la venta de prendas de vestir. Guerra espera influir inconscientemente en los compradores de la manera más eficaz posible; expone el poder del color en la mentalidad de los consumidores. www.davidguerra.com.br www.glocal.mx
El proyecto explora la luminosidad y el romanticismo usando los colores blancos, plateados y dorados.
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Lexington Avenue Agency
La esencia de Nueva York llevada a Valencia
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“Al mirar las imágenes de la ciudad nos dimos cuenta que los colores que más predominaban eran el negro y el amarillo de los taxis, fue entonces que tuvimos claro que esos dos colores serían los colores corporativos y que están a su vez implantados en el interiorismo a través de varias metáforas. Por ejemplo, las líneas de la entrada nos recuerda los altos edificios neoyorquinos”.
Las luces, los colores y los rascacielos de Nueva York fungieron como inspiración para crear el interior de la Agencia de modelos Lexington Avenue en Valencia, España.
Redacción Imágenes cortesía +Quespacio
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iseñado por el estudio de interiorismo +Quespacio, el interior de la agencia se conforma de rayas amarillas y negras que resaltan las paredes y techos, mismos que representan los taxis y los edificios neoyorquinos. Se escogió una cortina industrial combinada con vinilos de la imagen corporativa para darle a la oficina un primer toque de identidad y estilo urbano. De igual forma se incluyeron diversos detalles para generar un ambiente industrial; para ello, en vez de usar una mampara clásica, se usó una cortina para no perder la luz natural, junto a una lámpara en forma de cascada con una instalación típica de obra. Dentro del espacio podemos encontrar dos ambientes: la recepción, donde se incorporaron líneas negras y amarillas de techo a suelo, así como el escritorio y el armario en color blanco de la firma valenciana BM 2000. En el segundo espacio se encuentra una mesa de juntas y sofá para reuniones, y un área para tomar sesiones fotográficas. En éste se decidió reflejar las líneas negras y amarillas en menor medida para evitar que el proyecto terminado fuera sobrecargado. En cuanto al mobiliario se escogieron principalmente marcas españolas. Entre ellas, el sofá Zodiac, diseño de Javier Mariscal para la firma Uno Design; el taburete ecológico Eiffel —un taburete de papel reciclado de RS Barcelona—, y sillas de la firma italiana Kartell diseñadas por Philippe Starck. Además, se utilizó la lámpara esquinera, combinado con mobiliario de oficina blanco y un piso blanco para crear el toque cosmopolita y sofisticado. www.masquespacio.com FEBRERO • MARZO 2013
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Centro Cultural Roberto Cantoral Arquitectura Multifuncional 130
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A mediados de junio de 2012 se inauguró uno de los espacios culturales más innovadores de Latinoamérica: El Centro Cultural Roberto Cantoral, que combina color y vanguardia en todo su diseño. FEBRERO • MARZO 2013
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Daniel Herranz Imágenes cortesía BROISSIN Architects
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n muchas culturas, el color rojo representa pasión en todas sus posibilidades. La ambivalencia en su significado descansa en la subjetividad del espectador, quien puede llegar a sentir amor, ira, coraje o vitalidad. Cuando este color interviene en un espacio arquitectónico por decisión del autor, las posibilidades de transmitir diferentes reaccio-
nes anímicas en el sujeto se multiplican y se potencia la capacidad de reacción general a los estímulos externos. Es por esa razón que el arquitecto mexicano Gerardo Broissin –considerado por el Arquitectural Record de Nueva York como uno de los diez arquitectos más vanguardistas en todo el mundo– decidió impregnar de rojo la Sala Telefónica del Centro Cultural Roberto Cantoral. Un dato importante es que todos los 7 de junio en punto de las 12 h, un haz de luz entrará por el techo y alumbrará el nombre de Roberto Cantoral. El propósito de Brois-
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La intenci贸n del proyecto es permitir articular la idea de espect谩culo desde diferentes perspectivas para reflexionar sobre la cultura musical mexicana.
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sin, al momento de crear este efecto, fue recordar cada año y a la misma hora a uno de los más destacados presidentes de la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM). El CCRC se trata de un espacio extendido en 8 mil 900 metros cuadrados que resguarda una sala de conciertos designada para ser la cuna de la música mexicana. Asimismo, su función principal es promover la obra de autores y compositores mediante exposiciones, conciertos y festivales de
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diferentes géneros. Desde luego, habrán actividades de otras disciplinas artísticas como literatura, artes plásticas, danza, cine y fotografía. La intención del proyecto fue construir un recinto que permitiera articular la idea de espectáculo desde diferentes perspectivas, esto con la finalidad de reflexionar sobre la cultura musical mexicana, sus iconos y sus dinámicas. Además, rinde homenaje al compositor que da nombre al centro, presidente del Consejo Directivo de la SACM de 1982 a 2010.
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El auditorio del CCRC ofrece una acústica variable –diseñada por el maestro Eduardo Saad, jefe del laboratorio de acústica de la UNAM– que se distribuye por toda la sala, la cual cuenta con una capacidad para albergar 850 personas. Otra de las características que tiene este espacio es la calidez, cualidad que distingue a la sociedad mexicana en países extranjeros, y que se consiguió permitiendo la filtración de luz natural al interior del auditorio, lo que, combinado con uno de los colores de la bandera (el rojo), denota un sentimiento patriótico. El CCRC también cuenta con otros espacios: un estudio de grabación con una cabina de 26 m y un cuarto de control de 27 m; un green room, camerinos, así como puntos específicos con dispositivos que brindan información sobre el diseño del lugar y la biografía de Roberto Cantoral por medio del sistema de lectura Código QR. Esta información sólo puede leerse en dispositivos móviles con el programa para poder descifrar el contenido. La estructura del edificio donde se encuentra la Sala Telefónica fue inspirada por los movimientos de la batuta de un director de orquesta: las cinco losas de concreto blanco que conforman el recinto representan un pentagrama que se rompe en el momento en que el compositor interviene. Una de las innovaciones del CCRC es la convergencia de la tecnología y el medio ambiente, debido a que el diseño comprende el ahorro y tratamiento del agua y energía. www.broissin.net www.ccrc.com.mx
El auditorio ofrece una acústica variable que se distribuye por toda la sala, la cual cuenta con una capacidad para albergar 850 personas.
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Glassbox Arquitectura para la caja
Ocho de las mejores firmas emergentes de arquitectura en México, mostrarán su proceso de diseño en vivo y realizarán propuestas para mejorar la seguridad pública de la ciudad en Glassbox: Torneo de Arquitectura y Diálogos en Contexto.
Marcos Betanzos Fotógrafo: Armando Cortés de thecrazyadness.com, Cortesía de glassbox
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n grupo de arquitectos formarán parte de una iniciativa donde un público heterogéneo podrá conocer sus procesos y estrategias creativas. Lo que parece ser el preámbulo de un reality show con arquitectos en escena, tiene como objetivo ampliar el radio de acción de la arquitectura en la sociedad y reconstruir un vínculo que parece inexistente. Así lo define Gerardo Broissin, arquitecto y promotor de Glassbox. La primera edición de este torneo de arquitectos tiene la finalidad de demostrar sus procesos de trabajo y estrategias para desarrollar una propuesta en torno a un tema específico: “Seguridad pública, una mirada desde la arquitectura”. Participarán ocho firmas que conocerán el proyecto a realizar una vez que todos estén reunidos en el Centro Cultural Roberto Cantoral, espacio que funcionará como set de grabación y contará con
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un foro para presenciar las sesiones de trabajo, talleres para los equipos participantes y un programa de conferencias que incluye a Federico Soriano, Derek Dellekamp, Iñaki Echeverría y Fernando Romero. Cada líder de equipo podrá llevar a cinco arquitectos que lo apoyen, posteriormente se realizará una primera fase que generará cuatro semifinalistas. En cuanto el proyecto pase a la siguiente etapa, se definirá al ganador una vez que estos equipos hayan presentado los alcances de su propuesta; se obtendrá a una firma ganadora y ésta tendrá la posibilidad de enfrentar a los triunfadores de la edición número 2 de Glassbox. El torneo se realizará del 18 al 22 de marzo y tendrá como consejeros a Andrés Roemer, Bernardo Gomez-Pimienta, Brigitte Broche y Roberto Cantoral Z. Como preámbulo a lo que vendrá, conversamos con algunos de los participantes para saber qué esperan de este proyecto que, de ser un éxito, podría llegar a la televisión y funcionar como programa piloto. La nueva relación que parece haberse construido entre la arquitectura y la televisión comienza a generar sus primeras variantes. En espera de que la iniciativa funcione como plataforma de reflexión, y no solamente como escaparate de entretenimiento y exhibición, veremos de qué manera o con qué sensibilidad el oficio se “acerca” a la sociedad y sus conflictos. www.gdu.com.mx
Glassbox Del 18 al 22 de marzo Centro Cultural Roberto Cantoral Puente de Xoco Puerta A, Col. Xoco www.glassbox.mx
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EDUARDO GOROZPE CEO AND FOUNDING PARTNER A-001 TALLER DE ARQUITECTURA ¿Qué aportarán al torneo? Pretendo aportar en principio grandes ideas, mucho entusiasmo y sobre todo dar una buena competencia. ¿Qué esperan recibir como experiencia para su despacho? El poder estar trabajando en tiempo real con otros despachos es aprender que no solo existe una forma de llegar a una gran idea, siempre hay que buscar aprender algo de las metodologías, análisis y procesos de otros. ¿De qué despacho esperan la mejor o más retadora confrontación de ideas? Aunque que cada uno de los equipos participantes están integrados por arquitectos muy talentosos, creo que personalmente el equipo de Bunker tiene una fuerte capacidad de pensar en soluciones que se salen de lo cotidiano y eso los llevará a presentar algo muy interesante, estoy casi seguro.
ULISES OMAR ZÚÑIGA GARCÍA TALLER VEINTICUATRO ¿Qué aportarán al torneo? Compartiremos nuestra manera de entender la arquitectura. ¿Qué esperan recibir como experiencia para su despacho? Nos interesa conocer los procesos de los otros despachos, creo que es una idea muy potente. ¿De qué despacho esperan la mejor o más retadora confrontación de ideas? Creemos que cada uno propondrá cosas buenas, la diversidad siempre nos ha parecido interesante. FEBRERO • MARZO 2013
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GUSTAVO CARMONA MATERIA-ARQUITECTÓNICA ¿Qué aportarán al torneo? Mucho rigor de pensamiento, experiencia y sobre todo compartir parte de su cultura de taller con el interés genuino por crear un proceso creativo y de colaboración entre profesionales. ¿Qué esperan recibir como experiencia para su despacho? Creemos que ante todo debe ser algo divertido, de hacer muchas preguntas. Seguramente nos dejará buenas lecciones de diseño pero sobre todo buenas opciones para crear una colaboración de pensamiento y talento. ¿De qué despacho esperan la mejor o más retadora confrontación de ideas? Confiamos en que es un grupo talentoso y que el reto deberá de provenir de todos.
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FERNANDO VELASCO AS/D ¿Qué aportarán al torneo? Velocidad en generar estrategias de diseño y poderlas traducir lo más rápido posible, no perdiendo el enfoque en el proceso y experimentación: daremos un excelente resultado final. ¿Qué esperan recibir como experiencia para su despacho? Creo que el trabajar así, en vivo y en directo con otros despachos, no lo hemos hecho en la práctica profesional, por lo que puede ser muy enriquecedor. ¿De qué despacho esperan la mejor o más retadora confrontación de ideas? De todos, sinceramente los ocho despachos son muy capaces de generar buenos resultados y buena calidad de diseño.
ESTEBAN SUÁREZ BUNKER ARQUITECTURA ¿Qué aportarán al torneo? Somos un despacho proactivo, con mucha energía y estamos muy entusiasmados de participar en este proyecto. Creemos que es una gran oportunidad como despacho joven mexicano. ¿Qué esperan recibir como experiencia para su despacho? Creo que lo más importante de lo que recibimos, es lo que podemos dar: mostrar a los estudiantes de arquitectura y público en general los procesos de desarrollo de los proyectos, desde su concepción hasta el resultado final. ¿De qué despacho esperan la mejor o más retadora confrontación de ideas? Definitivamente hay mucho talento en los despachos participantes. Nosotros en especial, admiramos mucho a Elías Cattan, Eduardo Gorozpe y al trío de ROW Studio. Son despachos sólidos con mucha propuesta. FEBRERO • MARZO 2013
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ALFONSO MALDONADO OCHOA ROW STUDIO ¿Qué aportarán al torneo? Parte de la ideología de nuestro despacho: abordar el diseño desde el punto de vista de otras disciplinas y no mantenernos únicamente en los límites de la arquitectura como producción tectónica. ¿Qué esperan recibir como experiencia para su despacho? La oportunidad de conocer las diferentes formas en que los despachos abordan un mismo problema. ¿De qué despacho esperan la mejor o más retadora confrontación de ideas? La pelea es con las ideas y no con los despachos. Lo importante para nosotros es llegar a la solución que mejor sirva a las necesidades del tema.
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ELÍAS CATTAN TALLER 13 ¿Qué aportarán al torneo? Nuestra experiencia en temas de ciudad, ecología y sociedad, y una serie de marcos de trabajo que hemos aprendido y desarrollado con grandes maestros. ¿Qué esperan recibir como experiencia para su despacho? Trabajar en un ámbito público compartiendo nuestras metodologías y soluciones, procurando llevar proyectos que beneficien a la sociedad. ¿De qué despacho esperan la mejor o más retadora confrontación de ideas? De todos.
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Alejandra Quesada Temporada primavera/verano 2013 Juego de combinaciones ópticas Para la temporada primavera/verano 2013, la diseñadora mexicana Alejandra Quesada presenta su nueva y colorida colección basada en la obra del pintor y escultor Pedro Friedeberg –la segunda inspirada en la compleja y excéntrica visión del artista italiano.
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“Me identifico mucho con él bajo la óptica del ‘demasiado no es suficiente’ y el gusto por el sinsentido; así como con su sarcasmo y espíritu divertido”. Alejandra Quesada
Mabel Téllez Fotografías cortesía Tony Solís
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íneas que se escapan hacia una dimensión de fantasía y misterio, multiplicación y variación de las formas y una narrativa simbólica que se inserta en un contexto onírico, son algunas de las características de la obra de Pedro Friedeberg. Después de visitar en 2009 la muestra retrospectiva Pedro Friedeberg, arquitecto de confusiones impecables en Bellas Artes, Alejandra Quesada se inspiró en el trabajo del artista italiano para crear una colección que refleja sarcasmo, un espíritu divertido, el gusto por el sinsentido y la paradoja de que lo excesivo no es suficiente. Al igual que su colección anterior –otoño/invierno 2012–, los estampados y la aplicación de lentejuelas fueron diseñados a partir de obras de Friedeberg. Podemos encontrar cor-
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tes clásicos resaltan en las faldas de voile de algodón, pantalones de gabardina, shorts, jumpsuits cortos, blusas en chiffon, vestidos de seda y otras piezas protagonistas en piel y jersey de algodón. Asimismo, la colección otorga una mirada futurista representada por una mezcla de distintos colores de piel, al igual que estampados y zapatos de plataforma. Otra de las particularidades de la colección, es que cada una de las prendas lleva el nombre una obra de Friedeberg. Por ejemplo, la blusa “Mil casas para mil pendejos”; el vestido “Canción de las momias alegres”, y los pantalones “Entrada a un parque odioso”, entre muchas piezas más que conceptualizan lo ridículo, bizarro y extravagante para cambiar un poco el sentido decorativo de los tiempos modernos. Con este segundo reencuentro entre el arte y la moda, Alejandra Quesada retoma el ritmo de geometrías que aspiran a conformar la compleja composición de la visión del artista italiano. www.alejandraquesada.com
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traducciones
Design as a business model: Kartell and Salone del Mobile
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Next stop: Salone Internazionale del Mobile 2013. Two stories. The fascinating history of Kartell, the company that managed to position the plastic as a premium material; Jean Nouvel and his project within SaloneUfficio. BY GRETA ARCILA IMAGES COURTESY COSMIT, KARTELL, JEAN NOUVEL STUDIO AND GRETA ARCILA
WE TRAVELED to Milan to know what is organizing its management committee for the next edition of the Salone Internazionale del Mobile 2013. The first pleasant experience was the reception that gave us their new President, Claudio Luti, who who also heads Kartell since the mid-eighties, giving a invaluable refresh to the firm and place the plastic, through new technologies, as a material premium. We already tell you what happened in our website, now, we talk about Kartell latest book, published by Taschen: The Culture of Plastics, a journey written by the great museum of this firm, located just a 45 minutes from Milan. In the 400-page book it tells the story of the company absorption with “two lives”: the first under Giulio Castelli, who founded it in 1949, and the second under Claudio Luti, who leads the firm since 1988. “Doing a book about Kartell is much more than creating a design-book” explains Claudio Luti, President of Kartell- “speak about this brand, is talking about a family, a city and the pioneering idea that, thanks to a new material, it discovered plastics culture”. The Silvana Annicchiarico introductory essay, curator of the Museum of the Triennale, analyzes the plastic-epic of the postwar era to the present day, as well as the changes incorporated into society and, in parallel, the two phases of the company in the different managements of Castelli and Luti, who knew how to interpret correctly the needs of everyday life and match them to the wishes of the collective imagination. From his early ventures, just after the war in Milan, Giulio Castelli, as a young chemical engineer, opted for the plastic, a material with innovative potential, and made available to the chemical and pharmaceutical industry as a noble material. “I wanted to do something with the new materials that appeared on the market, i was trying to create something beautiful with my products, i was looking for innovation and, above all, i wanted surprise.” This is how the founder expressed the concept when he created Kartell. In his time, Castelli was one of the first to base his corporate structure within the design, and also supported the entire industrial design process, so that made him a role model for many other italian design companies. The systematic use of plastic, as a material in continuous experimentation, allowed to consider standard products as accessible to all, to be easily stacked, piled and well made. In parallel, he worked with characters like Gino Colombini, the brothers Castiglioni, Gae Aulenti, Joe Colombo and Stoppino Giotto; then ushered new talent as Michele De Lucchi, Paola Navone, Franco Raggi and Alberto Meda. In the 80s, the glamor of plastic was beginning to lose its luster when Claudio Luti, former managing director and partner of Gianni Versace, took over the company and practically gave it a new vision. The great intuition of Luti lies in understand the urgency of change perceptions about plastic products. Immediately began to convert the visual appearance of the elements, trying to redefine chromatically, while recovering its versatility and, above all, working on his “social reputation”. Luti called international profile designers to work with, such as Philippe Starck, Vico Magistretti, Antonio Citterio and Ron Arad. With them, and with designers gradually joined the team in recent years, as Piero Lissoni, Ferruccio Laviani, Patricia Urquiola, Marcel Wanders and Tokujin Yoshioka, the firm has led to constant innovation and experimentation with new plastic processing techniques and other materials, textures, transparencies and finishes.
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Interview with Odile Fillion, Director General of Jean Nouvel Design P. 45 WITH GUESTS such as Ron Arad, Michele De Lucchi, Marc Newson and Philippe Starck, this year, the architect Jean Nouvel, together with his team led by Odile Fillion –who talked with Glocal Design, conceptually try to rethink the way we think about interiors offices. Where and when? In the next edition of SaloneUfficio within the framework of the Salone Internazionale del Mobile. Greta Arcila: When did the invitation come from the Salone and what was their first request? Odile Fillion: Cosmit team asked us last August to create a theatrical event that focus the attention on the office space, and give new dynamism to the sector and its industrial partners. GA: What is your position about the future of the corporate offices, and how it will be reflected in your project within the Salone? OF: It’s a very big question and there’s no single answer, but a multiplicity of answers. We are busy in inventing differences: specific buildings for specific spaces. The real and most important problem is what is called in France “White Office”, which are spaces built without initial customers, even less, without users. There are millions of people around the world living among the same facades, windows, hallways, policy spaces in ceiling heights and lighting. Clones without identity that create empty worlds. That’s why we often prefer to work on the proposal of reuse buildings, such as the one we developed for the Salone: work in a classic old apartment, home or in a corrugated store in the neighborhood. All these places were not originally designed to be offices, have no rules, no height limits, etc., because is too big, too tall or too small, it has an unusual geometry that is not normative, but eventually can give solutions to work in a pleasant space. GA: What do you expected from the public who visit the Salone? OF: We expect to stop the outrageous production of workspaces that are cloned worldwide. I really hope people can understand that an office has the ability to be a very pleasant place to live and that the furniture can be friendly; the office can become a “home”. GA: We need freedom in our workplaces. How can this be possible with the current culture of interior design? OF: In the exhibition, there will be a proposal to change the regulatory system in a combinatorial office, where everyone can edit and organize their own space. The purpose is to understand that each workspace can be appropriated or modification through personal ítems or antique furniture. I believe that in the present sample is more important to invite transform attitudes that the design itself. GA: We are in the market of “sensations and spaces”. How the contemporary architect can develop these concepts in a very peculiar project? OF: Along with the furniture instalations that we will present, because is a major constraint in an office; we try to approach the issue of lighting. There will be a light laboratory where we will test different ways to change attitudes in the office lighting.
eos méxico The form is the message
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BY YOLANDA BRAVO SALDAÑA IMAGES COURTESY STUDIO EOS MÉXICO
THE FIRM eos –“Aurora” in greek- was created in 1998 by Mauricio Lara and Edith Brabata. “Originally we were a company
that designed, manufactured and marketed the products we made, which we sold in gift fairs, various shops and galleries in the country, and also in international fairs. Since then we started a greater national presence, especially with products that over time, became the firm’s classics”, says Mauricio Lara. From 2004/2005, Sebastian Lara, who worked for an office furniture manufacturer began working at the firm with his brother Mauricio. However, there was a time when the workload was such that they decided to join to together, transform the project into a design studio led by both. “Today –they comment- is like a design service bureau, and not as we originally started, it was a firm that manufactured and marketed its own objects. In addition, we also design comprehensive services”. About the design process that takes place in the studio of Mauricio and Sebastian Lara explain how the transition occurs between the creative idea and realization. They expressed: “Something that has characterized eos méxico is based on the work concepts. We always have a guiding thread. For example, in a hotel project, if the governing axis is the sea, we are inspired by corals, stingrays or in the waves. That poured in a uniform design and it does not necessarily have to be the representation of the inspiration it can only be the shapes, colors and sizes. In this sense, our vision has a background, an idea behind it. It always represent Mexico in the colors, traditions or design”. For Mauricio and Sebastian Lara, the pieces shapes are to develop integrated projects, but also for collaborations with other groups, always starting from a concept that sets the tone for everything: materials, shapes, colors, uses, etcetera. What is space for you? “It is what leads us to propose design. The concept to be developed is given to us by the space. We are enemies of putting ornaments on things. For us, what is placed on objects and in the same form, have a rationale for their use and function. “For this reason, in eos méxico respected natural materials not only for fun, but because the concept must be justified. For them, the form gives the message. “From each project and materials we learn and experience. Sometimes the client gives open letter and can involve different processes. For example, right now we are doing volcanic stone sinks for a restaurant, where we work with a craftsman. We believe that each project has its DNA, and is telling us what materials to use. “In general, materials handled by eos are mexican even though some raw materials that are not mexican, finishes are. “We try to give them work to craftsmen. Work, for example, a weaver working Jalisco plastic, chuspata (a reed of Michoacán) and palm. Depending on the project is the material”. About their participation in the design world from the capital of Jalisco, they have bid to decentralize, not just for the same people or groups, but for objects. “This has worked very well. People are seeing Guadalajara as a reference design. Being in this city does not stop us, on the contrary, also with the rapport we guild. For us, competition is not a problem, it is an incentive to improve our projects. They also commented that living in a city like Guadalajara, allows them to make several appointments in one day, action that in Mexico City, for its monstrous dimensions, it is almost impossible: “Here we have more time to get many things done”. We asked them to inform us about the concept they created for the cover of this issue of Glocal Design. At the time of the interview, Mauricio and Sebastian Lara were still working on the design, something with lots of color, they seek to create, a cover that catches the eye and prominently on the point of sale. Colors, geometry and other topics, at the time of the talk, were finishing their set. We also asked how they envisioned themselves in ten years as a firm, to which they responded: “With the very successful firm, we will be including more designers, we want to be a hotbed of young designers”, and as they said, just happy to be doing now what they love to do. “We did not think much about having stores overseas, but remain a competitive form, more consolidated. Every day we learn and grow, we are eager to learn things and do them. Maybe in ten years we will create international projects, perhaps collaborating with designers from other countries. We want to make the Mexican design a clearer answer to the public. Not so much for those who like the design, but something that can permeate society and availability of better designed products, much better suited to our culture and the idiosyncrasies of the country”. www.glocal.mx
FROM THE BEGINNING TO THE MOST RECENT That first piece they did in the beginning of the firm and what they are doing now, what would be the similarities and differences: “One of the first pieces to be sold in galleries and shops and is part of the collection of the classics design would be “La Gallina” lamp. It won a Quorum Award, a mention of silver art object category, and was nominated for the collection of the Chicago Athenaeum Good Design Museum of Architecture and Design. It was a highly publicized piece, it is an emblem of the firm. The vase “Mike”, is also an important piece, it was designed by Sebastián Lara. It has been used in some movie sets and shows like the MTV Movie Awards, thanks to this, people know it’s from eos méxico”. For Mauricio and Sebastian Lara, is difficult to say how their products can have similarities. “Perhaps, says Mauricio, regarding similarities, our pieces are still responding to an exercise in creativity, we think through Mexican’s taste on our idea of fun and originality. It is an object that is well supported in terms of quality and performance, but with a relaxed sense of design. During the past 15 years we have continued to design projects on that line. “Meanwhile, Sebastian complements, “we are not looking to be a pretentious design, but that’s simple, you see that if you provoke a smile, with that paid and we are more than satisfied. That is something that has kept us”. The latest project is an organic food restaurant. What we presented there is the result of a lot of work abstraction but the simple objects in the space became key. “For example, we designed a wall with only leaves. We abstracted them and could put them as coating. When the guest sees them will surely remember the look of dry leaves and its gnashing”. In that restaurant we are also working with recycling. “We want change, but to rescue and renew a beautiful piece”. Since the restaurant sells organic food, it is a very complex issue to reflect in design. We decided to show natural materials, do not use lacquers. “We specifically utilized Comex paints with low lead index and we did not used lacquer for furniture but wax. We reused scrap doors and wooden stools and turned them into railings”. www.eosmexico.com
Beyond the numerous awards, Mauricio and Sebastian Lara state that: “The fact that a customer will recommend us is a recognition. That someone from another country wants to come and work in our office fills us with pride. Being seedlings is what we like. All this goes beyond any award”.
The new architectures and colors: A Comprehensive View P. 70 BY EDITORIAL PHOTOGRAPHY: KUGGEN BUILDING BY TORD-RIKARD SODERSTROM Y ÈKEESON LINDMAN; AIRPORT HOTEL IN BERLIN BY JAN BITTER; HARMONIC CONVERGENCE BY ROBIN HILL; SPAIN PAVILION FLORIADE 2012 COURTESY OF PULGÓN DISEÑO
THE MODERN and contemporary buildings are transformed, fragmented and acquire movement and novelty thanks to the versatility of the colors. There has been much discussion about color use in modern architecture. While some people say that the pure materials are what determine the buildings color, other propose to expose predominantly white, however, studies have shown that the application of color is part of modern life and some architects paint the facades of the world. Researchers within Color Research Group, headed by Angela García Codoñer from the Polytechnic University of Valencia (UPV) made a careful study which examined the work of renowned architects from the twentieth and twenty-first century. Among the findings, published in the journal Color Research & Application in March 2012 -in the article “The Versatility of Color in Contemporary ArchitecFEBRERO • MARZO 2013
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ture”- ensures that in recent years the color has been used significantly in architecture. The analysis suggests four concepts that generate color versatility through the conversion, fragmentation, movement and novelty. These concepts reaffirm the importance of color in architectural design and the diversity of it. While the use of color in this discipline is in debate, we can postulate that it has functioned as a means of expressing ideas and produce psychic reactions and a valuable historical resource. Therefore, in our special color are some current projects that apply the color for versatility. Wingårdh Arkitektkontor, office committed to artistic and poetic dimension of architecture, the building ended Kuggen located in Lindholmsplatsen, Gothenburg, Sweden, in late 2011. This project, led by Jonas Edblad Gert Wingårdh consists of five cylindrical plants that increase radio with each level. The hub of Chalmers university, campus Lindholmen; its form not only helps with the operation. In addition, a screen shades the top floors and follows the sun’s path around the building. Colorful leaves give life and dynamism to the design, with triangular sections forming windows that let in the light required. Using two primary colors: red and green, the building captures our attention and plays with ranges that rise and fall in pitch. Conceptually, the red paint reference industrial docks and ports, the green is a reference to the leaves of the trees. These give a piecemeal nature and a sense of rhythm and harmony, while changing colors during the day. With plans to develop a business park, a year later (2012), the architectural firm Petersenarchitekten take the first step by designing the hotel that accompanies the new airport Berlin Brandenburg Willy Brandt. Using simple geometry to create a long envelope tied with overlapping rectangles. The horizontal arrangement is accentuated by modular panels drawn steel color bands. The systematic assembly is carried out with these blind guides allowing free forms a clear setting, and more importantly, a clean surface. It takes a ventilated and long façade with a smooth texture, thanks to the self-cleaning surface that keeps the dominant lines with bold colors in all weather conditions, unifying the building in a striped and robust volume. Speaking of visual configurations, parallel lines can be found frequently as one of the most popular composition patterns is based on the repetition of lines. Horizontal lines express harmony and depth, so the building becomes saturated these properties using strips of cold and warm colors that highlight the horizon. Another example of the use of color in airports is the intervention that the artist Christopher Janney and signature Phenomen Arts at Miami International Airport. This arrangement, called “Harmonic Convergence”, is located in a transition zone that serves as the input connector and terminal new hire, where the flow of people is very high. Designed to create certain impressions in users, structural elements took advantage of the space, creating a luminous and sensory changes in an art which integrates melodiously light, geometry and color. Reading announces the environment and / or to the airport is opening a fun space with a diagonal pattern of colored glass to generate different thermal sensations by using the most advanced system of laminated glass on the market today. Archetypes harmonic and geometric patterns, as well as light and chromaticism, are employed and considered by the artist as active ingredients of the installation to create a mosaic of diamonds. Finally, we find a plural soul pavilion, designed by Pulgón Diseño in 2012 and submitted to the sixth edition of the International Horticultural Exhibition Floriade, which is conducted every ten years in Holland. Using the slogan “naturally different”, Spain demonstrates, through its flag, the diversity of ecosystems in their territory and agricultural use multiple models. Following this premise, the study conceptualizes, both aesthetically and constructively an organic body that adheres to the morphology of the continuity, staging cycles within these agricultural processes. The construction rises gently of the ground creating mounds that generate indoor exposure unified maintaining the interior and exterior. These elevations include biodiversity using tubular supports in a wide range of colors that reinforce the idea of multiple ecosystems and products
available in the country. They imitate the tones of the natural environment, these ranging from bright green to deep orange fruit vegetable. The color creates its own language to be one of the leading voices in architecture and materializes as focal space between concept and user perception. www.wingardhs.se www.petersenarchitekten.de www.phenomenarts.blogspot.mx www.janneysound.com www.pulgon.com
Social 01 Colored Islands
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BY EDITORIAL PHOTOGRAPHY COURTESY OF I29 ARCHITECTS
THE STUDIO Design interior i29 Architects, founded by Jaspar Jansen and Jeroen Dellensen, presented his latest project “Social 01”, which consist in create the interior of Combiwerk company, located in Delft, Netherlands. Combiwerk Delft is a company that offers custom work people who due to physical, mental or psychological limitations, and cannot find a regular job. The building, designed by VMX Architects, houses an office area, restaurant, lobby and meeting rooms. Its exterior is color gray, so the Dutch firm was given the task of remodeling the entire interior space with a design that reflects, through a sober approach, the premise of the company. The design reinvigorates the common core areas through small “islands” of colors to create a more living spaces designated for those who have psychologicals disabilities. The studio concieve a new environment for people who usually do not like changes, so the transformation includes a collection of over 250 different wooden chairs reused for users to select their favorite seat, in order to follow up the new space. All the furniture designed to be personalized; the desks, the cupboards and drawers were restored and adapted to new tone colors. The color shades are striking and different; in each rug the colors explode in the midst of this great internal structure that holds greater vitality. Although limited resources were used, 01 Social promotes social participation through interior design, aimed at encouraging workers who receive special attention. www.i29.nl
Privé Hospital Villeneuve d’Ascq Chromotherapy
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BY EDITORIAL BOEGLY LUC PHOTOGRAPHY
IN 2007, the architectural firm Jean-Philippe Pargade won the contest, organized by the Générale de Santé, to develop the new hospital Privé Villeneuve d’Ascq in northern France ˗ opened in September 2012. In order to achieve harmony with both the context and patients, they designed a simple volume based on a rectangular plane, providing a nice transition between the commercial area and adjacent houses in the surrounding suburban housing. This simple geometry provides a significant organizational flexibility and ensures that the building is able to adapt to any architectural program change in the future. It also opens the possibility for playing with other elements, such as paint. Colors can affect the way we experience space emotionally, therefore, in this project we contribute to the humanization of the various spaces and create a warm and welcoming atmosphere for users.
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Because the goal was to create a well-being feeling in all aspects, the use of color selection translates to the interior. Using pure fresh ranges, generate clean and spacious rooms. Alternating pink, blue and green in the surfaces contrast with the effects generated by the white. These light colors are bright and vital, so they invite you to relax and have an immediate connotation serenity. The colors also affect the perception of sound. The nuances and cold spaces give the impression that the noise level is lower, so in a poetic room with soft colors people made less noise. The entrance resembles a hotel lobby, opening into a monumental double-height space that creates a pleasant and generous space with lots of natural light. In this space it reinforces the perception of silence due to a perforated ceiling that absorbs vibration and eliminates acoustic re verb and lowers the decibels in space. Overall, the project creates an interplay of graphic forms that break with the traditional image of the hospital, providing a new contemporary impression while remaining recognizable within a contextual vocabulary. www.pargade.com
Yandex Office II Intervention in 3D
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BY EDITORIAL PHOTOS COURTESY OF ZA BOR ARCHITECTS
AFTER FOUR years, the studio Za Bor Architects and Yandex, a technology company, decided to get together again to create its new offices in St. Petersburg, Russia. The space is two times bigger than the previous one. It houses the entire fourth floor of a building, has a corridor of 200 meters long and a total area of 3310 meters square. The main challenge for the architects, Peter Zaytsev and Arseniy Borisenko, was to break the symmetry of the main hall and plant-fully dividing work areas. They used the function symbols that look similar to the company’s web 3D objects transformed into gigantic proportions to zone spaces creating mostly a pixelated appearance. The architects intervened with lighting and bright colors all the spaces, based on different genres of cinema. For example, the orange spiral takes its inspiration from the movie Vertigo by Alfred Hitchcock. Also the red curtains that surround the chairs complex remind us the red room in the series Twin Peaks by David Lynch. The long hallways have a bright interior and an exorbitant atmosphere with furnishings made from the 60’s that recreate an atmosphere inspired by a scene from 2001: A Space Odyssey by Kubrick. In terms of function, many of the most important elements appear to be decorative only at first glance. However, the spiral components separate the informal communication area from the hallway, they also isolate work areas, conference rooms and meeting rooms. Several unusual objects can be seen from all spaces sprouting from the walls and floor. If you look carefully, you will see icons of technology that are well known to the web user. For example, the reception desk welcomes you with a search button and a huge arrow pointing the way. Undoubtedly, the colors yellow, orange, red and blue play an important role in this space transformation. www.za-bor.net
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Prismatic Colors
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BY EDITORIAL PHOTOGRAPHY COURTESY OF JEAN VERVILLE ARCHITECTE
IN THE heart of Montreal, Canada, a loft, designed by architect Jean Verville, encourages creativity using color and achieving full interior unusual for a home. In order to stimulate the creative mind of the customer, Verville, contemporary artist who collects art and design pieces, offers a crashing environment where the base is a palette of five colors that represent the user’s favorites, expanding in every room. More than a style with its own unusual characteristics, this loft is a heterogeneous composition of color, an attitude and a way of understanding the needs of an area that combines architecture, art and design. Specifying every detail and using simple materials and smooth surfaces, the architect awakens the eye and imagination in a playful environment. Through open and free spaces and creating niches, followed by large closets and storage areas, we are allowed to appreciate and surround collected works without other elements being on the way. In the public areas and the floor has a glossy epoxy coated and colored vinyl inserts. These reproduce in the floor by a linear pattern of the five colors; stripes and spots form arranged color. The combination of these is friendly because the selection is within the warm colors: red, wine, orange, yellow and purple, keeping a close relationship with each other. It also plays with spatial perception by using mirrors that magnifying the view and double spaces. This same effect is achieved by using white as background floor and walls, generating relaxation and achieving to highlight other elements and colors. The visual explosion is complemented by parts and objects filled with bright colors and dynamic shapes. To generate smooth transitions, cabinets and storage areas from floor to ceiling are painted in solid colors, black or mirror covers define spaces and circulations. This loft offers an opportunity to explore the experience of the housing through the exaltation of color, and although some people it may seem harsh and excessive, we cannot deny that these environments put us in a new and unfamiliar setting that stimulates our sensory part. www.jeanverville.com www.v2com.biz
Fai Fah Design diverted into social
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BY EDITORIAL PHOTOS COURTESY SPARK ARCHITECTS
FAI FAH Social Center provides the stage for conducting various workshops programs and classes that encourage children and youth to participate in creative activities. On Behalf of the Thai TMB Bank, the Spark architecture studio transformed an old building located in Bangkok’s city center into Fai Fah (that means light energy) center. This project was designed to become the meeting point for children and youth in the city. During the construction process of the building, the architects worked hand in hand with the neighborhood youth, who brought the idea to develop a facade that resembles a piece of Swiss cheese. For interior design, the architects created workshops with children, who chose the color palette to mark each of the five floors of the building, including the bright yellow showcased in several areas like the space specially designed for events and at mezzanine gallery at the base of the complex. The classrooms were installed so that the classes were open in order to avoid boredom and confinement. The colors bring dynamism and the combination breaks with the seriousness commonly found in most educational centers. Even within this space, there are other areas that employ asymmetrical shapes to break with typical linear
designs like the library, the art studio, the ceramics classroom and the dance studio. The Fai Fah project acts as a catalyst for change in Thai society through work with disadvantaged children and young people, using the arts as a vehicle for personal development and creative thinking in communities. www.sparkarchitects.com
BU Lounge Assimilating the new educational trends P. 100 BY EDITORIAL PHOTOGRAPHY WISON TUNGTHUNYA
SUPERMACHINE STUDIO uses color as one of the resources to break old educational schemes. In our eleventh edition, we published an article entitled: “Design for Education”, in this we talked about developments in the world of education to a more dynamic and flexible scheme, where the teacher-student relationship is reinvented by horizontal, participatory and autodidacts systems. This new educational approach allows the design work as an interface between the students and their educational development. In this edition, we find a 2012 project that sails for these models: BU Lounge (Lounge Imagine). This space, which is part of Landmark Bangkok University, Rangsit Campus, use design and color to structure new pedagogical concepts. Supermachine Studio understands the vital influence of color to break schemes and exchanges muted colors in traditional classrooms, which can be boring and tired, by striking provocative ranges and textures that stimulate and mobilize students. The space is divided into two floors; the bottom has a flexible design and furnishings to suit different needs ranging from small groups to large gatherings. It has a “reading cave” formed by ribs OSB (Oriented Strand Board) and an armchair composed by movable modules in the form of pixels. The upper level is more recreational and applies bright and shiny colors; offers students two structures: a home karaoke, significant activity in Eastern culture, decorated in pink with white polka dots, and a music room in wooden slats for trials or demonstrations. To join both floors, it settled a network of holes that facilitates communication between students, and two staircases, one of which is a giant panda, a character who will be changed each semester by the students. Setting the standards and the future strategies that stimulate learning, this proposal creates a new experimental university experience of undeniable importance with games, bold shapes, colors and active informal áreas, in a clear expression of the current needs. www.supermachine.wordpress.com
25hours Hotel Zürich West Flashy Shades
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BY EDITORIAL PHOTOGRAPHY STEPHAN LEMKE
THE 25HOURS Hotel Zürich West opened its doors in late 2012, projecting radiant colors in every room. Located in the west of the city of Zurich, Switzerland, is situated the 25hours Hotel. This area has become an urban and trendy core because of its cultural concentration cultural: various artistic and design and the prestigious Academy of Art. ADP Architekten developed the architectural design, while the interior was made by Alfredo Häberli, internationally recognized for its creative concepts for brands such as Camper, Kvadrat, Moroso and Vitra, among others. Under www.glocal.mx
the premise “the smile of my hometown”, Häberli hotel design connects with its urban context to make it a reflection of the city. The hotel introduces surprise as part of the factors that lead magic to the design. The spaces are designed so that customers can find anywhere details of color, some intervention graphic art or design furniture as Vitra chairs, beds and accessories Alias Origo, among others. According to Stefanie Häberli-Bachmann, responsible for the complete graph of the project, “everything is based on the original sketches and signing of Alfredo Häberli”. To complement the aesthetic language, described by Häberli as “a fancy way of humor”, more than 60 products were developed and designed by him exclusively for the hotel. The color, a vital element in the proposal, is a unique blend of striking colors. The extravagant selection results in different environments within the 126 rooms. Different carpets with abstract patterns matching wallpaper and curtains lush colors, “here are large mural paintings lying on the floor, and even still under the bed”. With textured bars and hanging light scribbles on them, the lobby and restaurant spaces become in animated ornaments plated with the designer used in wall installations and objects. Bright and sharp colors blend into a contemporary and attractive aesthetics and harmony revealed only after a second look, go beyond conventional field. These properties are also reflected in the conference room, lobby bar, kitchen and sauna, where elegant textiles and endless visual stimuli create a livable environment, comfort and sophistication, and a fun and playful atmosphere. www.alfredo-haeberli.com www.zurich @ 25hours-hotels.com
NHow Hotel Berlin
Abwehr Exhibition
21 Cake Headquarters
A World in Green
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BY EDITORIAL PHOTOS COURTESY OF ELA / EDI, KARIM RASHID
FROM THE entrance the guest is involved in color and sound. The guests can choose pink, blue or gray floors rooms, all designed with an aesthetic known as “Digipop” developed by Karim Rashid. This consists in exploring graphics using digital technology. Both the lobby and the hotel bar highlight by the use of ceramic Morphscape Porcelanatto and TAU-colored porcelain tiles mass and ground enamelled with a three-dimensional texture. Karim Rashid designed the interior of the hotel as a dynamic space where the use of color becomes a key part in creating sensations for the guests, the same way as with music vibrations. The rooms are painted within a color palette based on the sunrise and sunset, full of warm and bold golds. Also, you can find the freshest combinations of gray, blue and pink. On the eighth floor is a silver cube suspended 36 meters above the river Spree, where the Music Sound Floor is located, consisting of two sound studios with professional technology. It also has guitars that can be borrowed by customers who request them. The two bright and friendly restaurants also bear the Rashid stamp provocative, flamboyant, cheerful and eclectic. NHow Hotel combines architecture, music and colors to create a dynamic experience that is enjoyed with all five senses. www.karimrashid.com www.nhow-hotels.com
Transparent Atmospheres
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BY EDITORIAL PHOTOGRAPHY BY JAN BITTER
BY EDITORIAL PHOTOS COURTESY OF PAO DESIGN
TO THE HUMAN eye, green is one of the psychological primary colors. It is easily perceived by the active sensory system in a potential manner. The eye cells that detect light wavelength and perceive colors are called rods and cones. They are in the back of our eyes and are responsible for color vision. At the end of 2012 the exhibition Abwehr in the Vögele Cultural Center, located in Zürich, Switzerland, green is used as the main curatorial color, creating a theatrical environment that enhances the sensations. The theatrical concept proposed by the multidisciplinary design firm NAU, is based on the metaphor that color can be utilized as warning and alludes to the world of flora and fauna. This hallucinogenic atmosphere transports the viewer into a “green and poisonous world “, which explores, over a hazy way, the different methods and defense mechanisms, ranging from bunkers themselves to camouflage suits. This project was curated by the WIRE creative team and built by Nüssli. Fabric panels function as filters, overlapping one another in the depth of the space. Translucent sheets hint what happens behind them adding mystery at the scene, while the color adds a visual filter increasing the illusory game. They mark out the space and accentuate the movement marked by a green carpet that goes to seven thematic areas. The space is designed in such a way as to create islands that isolate the viewer and generate introspection, giving each item its own space while maintaining a curatorial continuity. The call room of the future lies in a dramatic scene, where visual effects were used on the walls, the intention is accentuated by lighting created by Lichtgestaltung Mati. www.nau.coop
PEOPLE’S ARCHITECTURE Office proposes a project with a lot of color without using paint. Transparency is a quality that has had great appreciation in the different fields of design. First appeared as a painting technique that moved to graphic design. Later in architecture was introduced as one of the modernist dreams. Fashion and industrial design has always been an enigmatic property. It is a condition of transparent color with varying degrees and features. For example, a material is considered to be transparent when light readily passes. This time, People’s Architecture Office (PAO), a comprehensive firm founded in Beijing by Zhe He, James Shen and Zhang Feng in 2010, proposed the idea of filling a bold color space without using paint. The company ended last year 21 Cake Headquarters project, a gourmet bakery located in Beijing. PAO achieves and bring transparency to its limits in the interior of this project and it incorporates colors that transport us to an innovative atmosphere. This is achieved by the colored glass laminates which functions as partition walls located along the circulation zones. This will create corridors with different color combinations. The glass panels of red, yellow and blue serve as layers to create a full spectrum of colors changing, given them by their translucent attributes. Thus, as the user moves and walks, positioned at different points, combinations and mixtures with different shades are generated. This mixture is accented with natural and artificial light to produce illusory effects. A double height central atrium covered by a skylight brings light colored layers along the staircase and a glass bridge on the second floor. To create color through stratified sections which suggest that covered by the same and are inking spaces when you look through them, is an interior innovation. More than just an optical characteristic, it contains a much more
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complex spatial order, it is explained by the English critic Gyorgy Kepes: “it is no longer clear what is perfectly clear to become what clearly ambiguous”. www.peoples-architecture.com
HIT Gallery A surreal scene
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BY EDITORIAL IMAGES COURTESY FABIO NOVEMBRE
JUST OPENED HIT Gallery is a concept store that expresses the Italian spirit and style of life in a new commercial area. HIT Gallery is a chain of boutiques, directed by Alessandro Bianchi, bringing together renowned brands like Balmain, Gianfranco Ferre and Karl Lagerfeld. The chain’s headquarters are located in Milan and is present in more than thirty cities that spread throughout Asia. The chain recently opened in Hong Kong a new concept store designed by the Italian architect and designer Fabio Novembre, also responsible for Anna Molinari boutiques in London, Singapore and Taipei. One of the inspirations of Fabio Novembre for the design was the surreal art by Giorgio de Chirico: symmetrical structures, one row of arches and dominant blue color that contrasts with the white and black, converge in an environment that remind us of one of the Italian painter paintings. It is also similarly large houses shelves with human forms. These elements make the boutique an ideal atmosphere for all brands displayed in it. The space story unfolds in bold geometric dizzying and surreal. The pattern of black and white floor integrates with pale blue walls, fixtures and furniture, this forms a neutral background in order to show the marks without distraction. We also could see the version performed Novembre iconic Panton chair, call Him & Her. The context in which it develops the space is a modern interpretation of the classic Italian architecture coupled with a perfect symmetry in the curves of the walls covered with elegant arches. The bust shaped brackets refer to the faceless figures that often appear in paintings of Giorgio de Chirico. Moreover, the attractive design zigzag floor adds a new perspective to the interior. www.novembre.it
Salon Urbain A hymn to the art
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BY: EDITORIAL PHOTO COURTESY SID LEE ARCHITECTURE
THE PARKING at the Palais des Arts in Montreal, Canada, a lugubrious and underground space, became a versatile and fresh meeting room. The Salon Urbain, located inside the Palace of the Arts, home of the Montreal Symphony Orchestra, has been transformed into a new ideal meeting room before or after a concert, visit a gallery or a lecture. The renovation of the space, conducted by Sid Lee Architecture, fully captures the artistic charm of the Palace. Martin Leblanc, architect and partner at Sid Lee Architecture, explains that space is a destination in itself, a welcome introduction to the musical and social experiences that preceded it. The main color used for its interior design is red, characterized for being strong and vibrant, and meet the project purpose: to awaken the senses of the user. Red is also associated with the performing arts and opening nights, and has become a symbol for urban culture that goes in hand with music rhythm and the arts. The roof’s parametric design attempts to represent physically sound waves generated by the music. However, the
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architects point the bar as a main element, whose shape is inspired by sound waves. Salon Urbain is a versatile space, equipped with the latest technology and perfect for any event. It’s an art space that keeps the feeling of attending a concert or exhibition. www.sidleearchitecture.com
Hi-Lo Store
a boardroom table, sofa for meetings, and an area for photo shoots. It was decided to reflect the black and yellow lines to a lesser extent to prevent an overloaded finished project. For furniture Spanish brands were primarily chosen. Among them are: the Zodiac sofa, designed by Javier Mariscal for Uno Design firm, the green stool made by Eiffel recycled paper RS Barcelona, and chairs by the Italian firm Kartell designed by Philippe Starck. In addition to create the urban and sophisticated touch a corner lamp was used combined with white office furniture and a white floor. www.masquespacio.com
Colors, materials and sensations P. 124 BY EDITORIAL IMAGES COURTESY DAVID GUERRA ARCHITECTURE AND INTERIORS
A GLAMOR and sophistication scenario lies within store Hi-Lo Store, located in Belo Horizonte, Minas Gerais, Brazil. With the variety of products that saturate the market, the companies’ task is to capture the consumer’s attention at a glance, using a variety of colors. In the case of Belo Horizonte the clothing stores should be governed in the same way. Powered by Brazilian architect David Guerra, the design concept that governs Hi-Lo Store is based on a blend of high and low fashion youth brands and basic clothing. These elements are reflected in the contrast of colors, materials and sensations. Within the exhibition area, the project explores lightness and romanticism by using white, silver and gold colors, contrasting themselves with the French designs found in the screens and the buttoned fabric of the service area. Within the area of the locker room, the red and pink assume the role of seduction and sensuality. Red curtains, buttoned panels, indirect lighting, multiple mirrors, satin sofa and chandeliers create a scenario of vintage glamor. Similarly, the work of lace-trimmed on the wall, made of Tetra Pack boxes by the artist Leo Piló, contribute to a kind climate to choose accessories. The project deals with neutral colors that highlight the different variations of red, creating a simple environment yet sophisticated. The diversity of clothes together with these sensations are ideal to sell clothing, and being surrounded by this atmosphere, Guerra unconsciously influence buyers in the most effective manner exposing the power of color in the consumer’s minds. www.davidguerra.com.br
Lexington Avenue Agency The essence of New York brought to Valencia P. 128 BY EDITORIAL IMAGES COURTESY + QUESPACIO
THE NEW YORK lights, colors and skyscrapers served as inspiration to create the interior of the Lexington Avenue Models Agency in Valencia, Spain. Designed by interior design studio + Quespacio, the agency’s interior includes yellow and black stripes that highlight the walls and ceilings, representing New York’s taxis and buildings. We chose an industrial curtain combined with the corporate image vinyl to give the office a first touch of identity and urban style. Likewise various details were included to generate an industrial environment, instead of using a classic screen, a curtain was used to keep the natural light together with a lamp in a cascade formed with typical installation. Within the space we can find two environments: the reception, where they joined black and yellow lines from floor to ceiling and the desk and wardrobe in white of the Valencian company BM 2000. In the second space we find
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Roberto Cantoral Cultural Center Multifunctional Architecture
P. 130
BY DANIEL HERRANZ IMAGES COURTESY BROISSIN ARCHITECTS
IN MID-JUNE 2012 opened one of the most innovative cultural venues in Latin America: The Cultural Center Roberto Cantoral, combining color and art in all its design. In many cultures, the color red stands for passion in all its possibilities. The ambivalence in its meaning lies in the subjectivity of the viewer, who can feel love, anger, courage or vitality. When this color is involved in an architectural space the chances of passing different psychic reactions in the subject are multiplied and enhanced overall by the responsiveness to external stimuli. For this reason, the Mexican architect Gerardo Broissin -considered by the New York Architectural Record as one of the ten most innovative architects worldwide- decided to impregnate in red the Telefónica Hall Cultural Center Roberto Cantoral. An important fact is that every June 7 at 12 h, a beam of light will enter through the roof and shine the name of Roberto Cantoral. The purpose of Broissin, when creating this effect, was to remember each year at the same time one of the most important presidents of the Society of Authors and Composers of Mexico (SACM). The CCRC is an extended space in 8900 square meters that functions as a concert hall designed to be the cradle of Mexican music. Also, its main function is to promote the work of authors and composers through exhibitions, concerts and festivals of different genres. Of course, there will be activities other artistic disciplines such as literature, visual arts, dance, film and photography. The intention of the project was to build an enclosure that would articulate the idea of show from different perspectives, this in order to reflect on the Mexican musical culture, its icons and dynamic. Broissin also paid tribute to the composer that names the center, Chairman of the Board of the SACM from 1982 to 2010. The CCRC auditorium offers a variable acoustic -designed by Eduardo Saad, head of the acoustics laboratory at UNAM- which is distributed throughout the room, which has a capacity for 850 people. Another feature is that this space has the warmth quality that distinguishes Mexican society in foreign countries, and that was achieved by allowing natural light filtering into the auditorium, which, combined with one of the colors of the flag (red), denotes a patriotic feeling. The CCRC also has other spaces: a studio with a space of 26 m and a control room of 27 m, a green room, dressing rooms, as well as specific points with devices that provide information on the design of the place and the biography of Roberto Cantoral via QR code reading system. This information can only be read on mobile devices running the program to decrypt the content. The structure of the building that houses the Telefónica Room was inspired by the movements of the baton of a conductor: the five white concrete slabs that make up the exhibition represent a pentagram and is broken at the time that the composer intervenes. One of the innovations of the CCRC is the convergence of technology and the environment, because the design includes energy savings and water treatment. www.broissin.net www.ccrc.com.mx
Alejandra Quesada Spring / Summer 2013 Optical matching game
P. 142
BY EDITORIAL PHOTOGRAPHS TONY SOLÍS
FOR SPRING / Summer 2013, the mexican designer Alejandra Quesada presented her colorful new collection based on the work of painter and sculptor Peter Friedeberg-inspired by his complex and eccentric Italian artist’s vision. Lines that escape into a fantasy and mystery dimension, multiplication and variation of forms and a symbolic narrative that is inserted into a dreamlike backdrop, are some of the features of Peter Friedeberg’s work. After visiting in 2009 the retrospective show by Pedro Friedeberg, architect of confusion impeccable in Bellas Artes, Alejandra Quesada got the inspiration from the Italian artist’s work to create a collection that reflects sarcasm, fun spirit, the love of nonsense and a paradox that what is excessive is not enough. Like her previous collection –Fall/Winter 2012–, prints and sequins application were designed based on Friedeberg works. We can find classic cuts highlighted in cotton voile skirt, gabardine pants, shorts, jumpsuit shorts, chiffon blouses, silk dresses and other protagonist pieces in leather and cotton jersey. Also, the collection gives a futuristic look represented by a mixture of different leather colors, like prints and platform shoes. Another feature of the collection is that each garment is named after Friedeberg’s work. For example, the blouse “A Thousand homes for a thousand assholes”, the dress “Song of the cheerful mummies” and the pants “Entrance to a heinous park”, among many pieces that conceptualize the ridiculousness, bizarre and extravagant for a change the decorative sense of modern times. With this second encounter between art and fashion, Alejandra Quesada takes geometric pieces aspiring to form the complex composition of the Italian artist’s vision. www.alejandraquesada.com/blog
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croquis
Bluform Prima
El proyecto Bluform Prima nace de la colaboración entre las firmas italianas Bluform y Pininfarina para crear un nuevo concepto de baño, donde la armonía de las formas y la belleza de los elementos buscan una dimensión única e inconfundible. Líneas mórbidas y envolventes, acabados de calidad, vuelven los elementos fundamentales que enfatizan las características estéticas y funcionales de una realización de alto nivel.
Croquis de la bañera Bluform Prima por Pininfarina www.bluform.eu www.pininfarina.com
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notas
objeto glocal
Amantoli La creación de un nuevo mundo
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Redacción Imágenes cortesía By Alire
L
os huicholes es uno de los grupos indígenas que mejor ha conservado sus características culturales y tradiciones debido al aislamiento en el que han vivido. El arte y el diseño de sus piezas artesanales se caracterizan por la carga de colores vivos, diseños místicos y ancestrales. En esta ocasión, el taller By Alire, a cargo de la Arq. Alicia Rivera, en conjunto con la comunidad huichol, crearon Amantoli, una mesa de centro con incrustaciones huicholes. Este mobiliario es una fusión de mano de obra, arte y diseño mexicanos: se crearon dos módulos un sólo objeto, dos niveles, dos materiales y dos creaciones artísticas huicholes. El diseño juega con planos superpuestos creando diferentes niveles, profundidades y orientaciones, haciendo con líneas rectas un diseño dinámico. Con un simple detalle se genera una intención expresiva; por ejemplo, el verde de las chaquiras resaltan al ser contrastadas con la madera, este rasgo que le da fuerza y carácter a la pieza. “La creación de un nuevo mundo” es el tema de la obra de arte huichol, creada en chaquira insertada en cera. El título va de la mano con la idea de este nuevo proyecto de diseño, donde se explotan nuevas formas de diseños de mobiliario y arte. Asimismo, une el diseño contemporáneo con la herencia artesanal nacional; reivindica las artesanías y realiza un trabajo importante de colaboración. www.byalire.com
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