Un paseo por con la
ropa
Camerata Bariloche Dirección: Héctor Presa
Funciones: Martes 21 y 28, Miércoles 22 y 29, Jueves 23 y 30, Viernes 24 y 31 de julio a las 15 hs.
TEMPORADA 2015
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Ciclo Vamos a la MĂşsica
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25 años - Más de 500 funciones - Más de 1.100 artistas - 400.000 espectadores
Un Paseo por el Mundo obtuvo el Premio Atina en el rubro Espectáculo de Música para Niños y fue nominada al Premio Ace en el rubro Infantil.
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Premios Konex LOS KONEX DE BRILLANTE
Juan Manuel Fangio 1980
Alfredo Alcón Luisa Vehil 1981
Horacio Butler 1982
Luis Federico Leloir 1983
Jorge Luis Borges 1984
Atahualpa Yupanqui 1985
Gregorio Weinberg 1986
Félix Hipólito Laíño 1987
Fund. Fortabat y Amalia Lacroze de Fortabat Guillermo E. Alchouron 1988
Ljerko Spiller 1989
Diego Armando Maradona 1990
María Rosa Gallo 1991
Juan Carlos Distéfano 1992
René Favaloro César Milstein 1993
Adolfo Bioy Casares 1994
Mercedes Sosa 1995
Gregorio Klimovsky 1996
Mariano Grondona 1997
Carlos Manuel Muñiz - Cáritas Argentina Roberto Rocca 1998
Martha Argerich 1999
Gabriela Beatriz Sabatini 2000
Norma Aleandro 2001
Víctor Grippo Luis Felipe Noé 2002
Luis Caffarelli Mirta Roses 2003
Héctor Tizón 2004
Horacio Salgán 2005
Juio H. G. Olivera 2006
Magdalena Ruiz Guiñazú 2007
Carlos S. Fayt 2008
Daniel Barenboim 2009
Emanuel Ginóbili 2010
Ricardo Darín 2011
CRONOLOGÍA DE LOS PREMIOS KONEX
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León Ferrari César Pelli 2012
LOS KONEX DE HONOR
Alberto R. Kornblihtt - Abelardo Castillo Juan Martín Maldacena Ricardo Piglia 2013 2014
Hola chicas y chicos Ya hace 25 años que venimos brindando funciones culturales especiales para ustedes por medio de nuestro ciclo Vamos a la Música. Hoy verán y escucharán un concierto. Un concierto es música interpretada por muchos instrumentos. Para algunos será la primera vez, para otros no. Les gustará mucho. A ustedes les encanta la música. Conocen canciones, el rock, el tango y eso que se llama música clásica. Se toca música clásica en los conciertos, en el ballet y en la ópera. Y hoy también escucharán canciones de la música popular, conocidas en todo el mundo. El concierto que verán y escucharán hoy lo interpreta un conjunto de músicos argentinos muy importantes, la Camerata Bariloche. Durante la función, tocarán melodías famosas para que ustedes disfruten. La obra trata sobre una pareja de abuelos, Carlos y Mercedes, que cumplen 50 años de casados y rememoran momentos felices vividos en viaje por Europa, cuando se conocieron y cuando regresaron a festejar sus 25 años juntos. Este paseo musical tiene una escala en Buenos Aires y también incluye a la simpática Tortuga Manuelita, que tendrá un lugar protagónico en la historia. Será un recorrido muy entretenido. Así, se encontrarán con las melodías típicas de cada lugar. Y también aprenderán algo de Música, Geografía e Historia. Todo es hermoso, una verdadera fiesta para los oídos y la vista. Me gustaría que presten mucha atención. Espero que después de ver y escuchar este concierto, pidan a sus papis que los lleven a ver otros conciertos, óperas y ballets, y tal vez algún día descubran que quieran tocar algún instrumento, cantar ópera, bailar o escribir música. Si esto sucediera me sentiría muy contento y espero que me lo hagan saber. Los abraza. Dr. Luis Ovsejevich Presidente de la Fundación Konex
Autoridades
FUNDACIÓN KONEX Presidente: Dr. Luis Ovsejevich Vicepresidente: Dr. Aldo Ferrer Secretario General: Dr. Ernesto Luis Orlando Prosecretario General: Dr. Juan Javier Negri Tesorero: Dr. Carlos Alberto Haehnel Protesorero: Dr. Enrique Braun Estrugamou Secretario Ejecutivo: Lic. Eugenio Giusto
Av. Córdoba 1233, Piso 5º, Buenos Aires, Argentina Tel: (54 11) 4816 0500 - Mail: info@fundacionkonex.org www.fundacionkonex.org
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TEMPORADA 2015
VENÍ A VER LOS INFANTILES EN
CIUDAD CULTURAL KONEX EL Lago de los Cisnes
y las Princesas Encantadas
Rossin Rossinii
ÓPERA EN VERSIÓN PARA NIÑOS SÁBADOS A LAS 15.30 HORAS
Tchaikovsky
BALLET EN VERSIÓN PARA NIÑOS DOMINGOS A LAS 11 HS HORAS
Autógrafos
Al finalizar la función los artistas saludarán al público y firmarán autógrafos a los niños en esta página.
Aquí guardo el recuerdo de haber presenciado el concierto “Un paseo por Europa con la Camerata Bariloche” en la Ciudad Cultural Konex el día ......... de ...................................... de 2015.
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Los Instrumentos Musicales Familia de las cuerdas ARPA
GUITARRA VIOLÍN VIOLA VIOLONCHELO CONTRABAJO
Familia de teclados y de soplo PIANO
CELESTA
ÓRGANO
Familia de la percusión TRIÁNGULO TAMBOR
PLATOS TIMBAL
BOMBO GLOCKENSPIEL / XILOFÓN
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GONG
Familia de las maderas FLAUTA OBOE
CLARINETE
CORNO INGLÉS
FLAUTÍN
CLARINETE BAJO FAGOT
Familia de los metales TUBA
TROMPETA CORNO / TROMPA
TROMBÓN
SAXOFÓN TENOR SAXOFÓN CONTRALTO SAXOFÓN SOPRANO
SAXOFÓN BARÍTONO
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Premios Konex 2015: Música Popular Diplomas al Mérito a las 100 mejores figuras de la última década (2005-2014) 1-Cantante Masculino de Tango Ariel Ardit Guillermo Fernández Walter "Chino" Laborde Daniel Melingo Omar Mollo
2-Cantante Femenina de Tango Amelita Baltar Lidia Borda María Graña Sandra Luna Adriana Varela
3-Conjunto de Tango Diego Schissi Quinteto Orquesta El Arranque Orquesta Juan de Dios _Filiberto Orquesta Típica Fernández _Fierro Ramiro Gallo y la Orquesta _Arquetípica Leopoldo Federico (P.M.)*
4-Cantante Masculino de Folklore Alfredo Ábalos Bruno Arias Ramón Ayala Raly Barrionuevo Peteco Carabajal Raúl Carnota (P.M.)*
5-Cantante Femenina de Folklore Lorena Astudillo Verónica Condomí Liliana Herrero Luciana Jury La Bruja Salguero
6-Conjunto de Folklore Aca Seca Carlos Aguirre Grupo Los Amigos del Chango Orozco-Barrientos Rudi y Nini Flores
7-Solista de Jazz Gustavo Bergalli Juan Cruz de Urquiza Adrián Iaies Javier Malosetti Paula Shocron Sergio Mihanovich (P.M.)*
8-Conjunto de Jazz Brazo Fuerte All Stars Escalandrum Jorge Anders Jazz _Orchestra Jorge Lopez Ruiz _Cuarteto Mariano Loiácono _Quinteto
9-Tropical / Cuarteto Chébere Damas Gratis Carlos "La Mona" Jiménez Karina "La Princesita" Los Palmeras
10-Solista Masculino de Rock Skay Beilinson Andrés Ciro Richard Coleman David Lebón Indio Solari Gustavo Cerati (P.M.)*
11-Solista Femenina de Rock Andrea Álvarez Fabiana Cantilo Celeste Carballo Cristina Dall Flopa Lestani
12-Grupo de Rock Catupecu Machu Divididos La Renga Las Pelotas Pez
13-Solista Masculino de Pop Pedro Aznar Leo García Fito Páez Abel Pintos Vicentico Sandro (P.M.)*
14-Solista Femenina de Pop Hilda Lizarazu Sandra Mihanovich Juana Molina Patricia Sosa Julia Zenko
15-Grupo de Pop Babasónicos Bajofondo Illya Kuryaki and The _Valderramas Los Auténticos Decadentes Miranda
16-Instrumentista Raúl Barboza Claudio Gabis Franco Luciani Marcelo Moguilevsky Dino Saluzzi Eduardo Falú (P.M.)*
17-Instrumental / Fusión Cuarto Elemento Dancing Mood Axel Krygier La Bomba de Tiempo Juan "Pollo" Raffo
18-Canción de Autor Lisandro Aristimuño Miguel Cantilo Alejandro Del Prado Gabo Ferro Kevin Johansen
19-Autor / Compositor Andrés Calamaro Jorge Fandermole León Gieco Litto Nebbia Teresa Parodi Ariel Ramírez (P.M.)*
20-Productor Artístico Mariano "Manza" Esaín Fabián "Tweety" González Cachorro López Gustavo Santaolalla Toth-Guyot
21-Arreglador Juan Carlos Cirigliano Gerardo Gardelín Juan Alberto Pugliano Alejandro Terán Lito Vitale Chango Farías Gómez (P.M.)*
Menciones Especiales Konex de Honor Luis Alberto Spinetta por Trayectoria Vitillo Ábalos Donvi Vitale y Esther Soto Estudios ION MORIS Jaime Torres
Konex Mercosur Hugo Fattoruso (Uruguay)
* (P.M.) Post Mortem
Los Premios Konex se entregarán el miércoles 16 de septiembre de 2015, en la Ciudad Cultural Konex. Figuran por orden alfabético y fueron limitadas a personas vivientes al 31 de diciembre de 2014.
Gran Jurado
Presidente / Raúl Lavié Secretaria General / Marián Farías Gómez
1 / Laura Albarracín 2 / Donna Caroll 3 / Mariano del Mazo 4 / Marián Farías Gómez 5 / Marcelo Fernández Bitar
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16 / Bobby Flores 17 / Rodolfo Garcí́a 18 / Martín E. Graziano 19 / Carlos Inzillo 10 / Claudio Kleiman
11 / Raúl Lavié 12 / Hugo Marcel 13 / Sergio Marchi 14 / Néstor Marconi 15 / Marcelo Pavazza
16 / Sergio Pujol 17 / Claudia Puyó 18 / Alfredo Rosso 19 / Ricardo Salton 20 / Juan Carlos Saravia
Camerata Bariloche Integrantes Director Musical Freddy Varela Montero
Director Invitado Demir Lulja
Violines
Violas
Concertino: Demir Lulja
Solista: Silvina Álvarez
Concertino adjunto: David Bellisomi
Javier Portero
Martín Fava
Juan Manuel Castellanos
Gustavo Mule
Violonchelos
Roberto Calomarde
Solista: José Araujo
Solista: Grace Medina
Sviatoslav Poloudine
Daniel Robuschi
André Mouroux
Marta Roca Alonso
Contrabajo
Pablo Sangiorgio
Solista: Oscar Carnero
Oboe Solista: Andrés Spiller
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Camerata Bariloche: Historia Premio Konex de Platino 1989 y 2009, y Premio Konex 1999: Música Clásica - Conjunto de Cámara Creada en 1967 por iniciativa del Camping Musical de Bariloche, la Fundación Bariloche y la Academia Interamericana de Música de Cámara, la Camerata Bariloche es la primera orquesta de cámara de la Argentina en alcanzar el reconocimiento internacional. Ello se logró a través de sus numerosas actuaciones en relevantes escenarios de América, Europa y Oriente. Más de 1500 conciertos se ofrecieron a lo largo de los años a los más variados públicos y en importantes salas del mundo: el Kennedy Center de Washington, la Salle Gaveau y la Salle Pleyel de París, la Beethovenhalle de Bonn, la sala Tchaikovsky de Moscú, la Brahms Saal y la Musikverein de Viena, la Herkules Saal de Munich, la sala Ritirsky del Palacio Wallenstein de Praga, el Palau de la Música de Barcelona, el Auditorio Nacional de Música de Madrid, el Olimpia de Atenas, el Auditorium de la Academia Musical de Osaka, Japón, y el Bangkok Music Group Auditorium, de Tailandia, entre otros ámbitos. En 1991 participó del concierto de homenaje a los 100 años del Carnegie Hall, como única agrupación latinoamericana. Asimismo, se presentó en el Teatro Colón y en diversos canales de televisión y emisoras de radio, como la NHK de Tokio, la ORF de Austria, la RAI de Italia y la Radio y Televisión Española. Además del repertorio de cámara, una de las características de la Camerata es la inclusión en su repertorio de folklore argentino y de tango. A lo largo de su trayectoria la Camerata Bariloche ha recibido una infinidad de distinciones, entre las que se destaca el emblemático Premio Konex de Platino en 1989 al mejor conjunto de cámara en la historia de la música en la Argentina. Luego recibió el Premio Konex 1999 y el Konex de Platino 2009. Para el ciclo Vamos a la Música de la Fundación Konex, la Camerata Bariloche participó en 1998, con el espectáculo Vamos al Colón, en el Teatro Colón. También lo hizo en 2014 para el Vamos al Concierto con la obra Un Paseo por el Mundo con la Camerata Bariloche, en el Teatro Coliseo y en la Ciudad Cultural Konex. La obra obtuvo el Premio Atina en el rubro Espectáculo de Música para Niños y fue nominada al Premio Ace en el rubro Infantil.
Historia de sus Directores Alberto Lysy, Rubén González, Elías Khayat, Fernando Hasaj y Freddy Varela Montero.
Héctor Juan Presa - Director y actor Premio Konex 2001 y 2011: Espectáculos - Infantil y Juvenil Nació en Buenos Aires en 1954. Su maestro fue Rubens Correa. Realizó seminarios con Alberto Mediza (dramaturgia), Diana Machado y Anahí Allué (tap). Dicta clases de teatro y de comedia musical desde 1983. En 1978 creó junto a Dora Stermann el grupo “La Galera Encantada” con el objetivo de generar un grupo de trabajo dedicado a la investigación y desarrollo de espectáculos para chicos y jóvenes. Es autor de más de 70 obras para niños y jóvenes. Recibe el primer premio por Callejeando (1980) y por Romance de Trovadores (1981) en el Concurso Nacional de espectáculos para niños, Feria del Libro (1980) como autor, director y actor. Obtiene el primer premio por Los vestidos nuevos del emperador (pantomima) y el segundo premio por Lo que hace el padre bien hecho está (teatro) en el Festival Hans Christian Andersen Odense de Dinamarca (1984) como adaptador, director y actor. Recibe el premio Estrella de Mar (1986) al mejor espectáculo infantil como director de la obra Aprendijuegos y (1999) como mejor actor de reparto por Inodoro Pereyra. Su grupo La Galera Encantada recibe el premio “Ollantay” (1988), galardón que entrega el CELCIT al mejor elenco de teatro infantil de Latinoamérica. La Feria del Libro Infantil le otorga el Premio Pregonero (1999) por la difusión de la literatura infantil en el teatro para chicos. Durante el casting realizado en Buenos Aires en el año 2000 es elegido por el Cirque du Soleil como clown conductor para futuros espectáculos de esa compañía. Para el ciclo Vamos a la Música de la Fundación Konex dirigió en 2005 y 2006 el espectáculo Odisea, la comedia infantil, en los Teatros Lorange y del Globo y en la Ciudad Cultural Konex. Fueron 81 funciones. En 2014 dirigió Un Paseo por el Mundo con la Camerata Bariloche, en el Teatro Coliseo y en la Ciudad Cultural Konex. Fueron 9 funciones. La obra obtuvo el Premio Atina en el rubro Espectáculo de Música para Niños y fue nominada al Premio Ace en el rubro Infantil.
Actores/Cantantes: Abuelo Carlos: WALTER CANELLA / Abuela Mercedes: ANDREA MANGO 14
Programa
Ciclo Vamos a la Música – 25 Temporada Idea de Luis Ovsejevich - Libro de Luis Ovsejevich y Héctor Presa Dirección y puesta en escena: Héctor Presa
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País
Compositor
Tema
Austria
Johann Strauss II
Danubio azul
Rusia
Piotr Ilitch Tchaikovsky
El lago de los cisnes
Argentina
María Elena Walsh
Manuelita la tortuga
Italia
Gioacchino Rossini
Obertura de El barbero de Sevilla
Francia
Jacques Offenbach
Can-can de Orfeo en los infiernos
Italia
Ennio Morricone
Cinema Paradiso
Alemania
Johann Sebastian Bach
Aria de la Suite Nº 3
Argentina
Ángel Villoldo
El choclo
Alemania
Felix Mendelssohn-Bartholdy
Marcha nupcial
Alemania
Ludwig van Beethoven
Himno a la alegría de la Novena Sinfonía
Francia
Georges Bizet
Habanera de Carmen
España
Joan Manuel Serrat
Mediterráneo
Inglaterra
Freddie Mercury - Queen
Rapsodia bohemia
Austria
Wolfgang Amadeus Mozart
Dúo de Papageno y Papagena de La flauta mágica
15 Italia
Giuseppe Verdi
Brindis de La Traviata 15
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17
Argumento
Mercedes y Carlos Camerata cumplen 50 años de casados. Y lo festejan recordando los momentos más importantes de su vida. Empiezan rememorando el lugar donde se conocieron, un barco que unía Buenos Aires con Italia. Allí ellos se vieron por primera vez. Y el amor nació. El sorpresivo encuentro con una amiga, la Tortuga Manuelita, que viajaba hacia París, fue lo que ayudó a que estuvieran juntos. Ellos, a su vez, la ayudaron a cumplir con su objetivo. En Europa visitaron Francia, recorrieron Italia, se enamoraron y, en viaje de regreso a Buenos Aires, se comprometieron para casarse. Ni bien tocaron suelo argentino lo hicieron. Cuando cumplieron 25 años de casados decidieron regresar a Europa, esta vez en avión, y llegaron a Berlín para ver el Muro recién derribado; pasaron por Sevilla, hicieron un crucero por el Mediterráneo y visitaron Londres. Tuvieron hijos, tuvieron nietos y hoy nos cuentan su historia . Una historia de amor, viajes y música.
Ficha técnica Arreglos musicales: Fabio Zurita - Asistente de Dirección: Tamara Ferreyra Producción y Stage Manager: Emiliano Caffarelli Producción Audiovisual: Pigmalion.tv - Arte y Diseño gráfico: Roxana Wechsler Prensa: Simkin & Franco Estrategias de Prensa y Comunicación 18
Comentarios... por Daniel Varacalli Costas Austria... Johann Strauss II: Danubio azul Johann Strauss II (1825-1899). Nuestro paseo por Europa para estas vacaciones musicales 2015 comienza por un lugar de ensueño: Viena. La Viena mágica de la Belle Époque, de la elegancia y los placeres de la vida que transcurría en el majestuoso Imperio Austro-Húngaro, que desapareció con la Primera Guerra Mundial. Allí, mucho antes, durante el siglo XIX, reinaba, antes que el Emperador, una familia de músicos llamada Strauss. Un apellido muy común en Austria, que sin embargo se hizo famoso con Johann Strauss padre (el autor de la Marcha Radetzky, que todos acompañan con las palmas) y sus tres hijos: Johann, Josef y Eduard. El primero de ellos, Johann II (así llamado, como si fuera un Rey), fue el más famoso, porque compuso los valses más populares y pegadizos de todos los tiempos. Y, entre ellos (¡que son más de 500!), reina indiscutido el Danubio azul, cuyo nombre completo es A orillas del hermoso Danubio azul. Ese vals, que hoy se sigue bailando en todos los casamientos, recuerda el nombre de un importante río europeo que también pasa por Viena y por Budapest. Strauss hijo lo compuso en 1866. Primero acompañó a una canción, pero poco después se tocó en París y desde entonces, más que cantarlo, todo el mundo quiso bailarlo.
Rusia... Vivaldi: Piotr Ilitch Tchaikovsky: El lago de los cisnes Piotr Ilitch Tchaikovsky (1840-1893). Hablando de imperios, si hubo un imperio grande fue el ruso. Desde la época de Pedro el Grande y posteriormente de Catalina ll, también la Grande, Rusia siempre estuvo muy preocupada por llevar las mejores formas de arte de Europa occidental a su pueblo, y en especial a su capital, San Petersburgo. Allí nació el gusto ruso por la danza y la música, que sigue hasta hoy. Los músicos rusos del siglo XIX, ante tanto ballet francés, tanta ópera italiana y tantas sinfonías alemanas, decidieron componer música rusa. El “Grupo de los Cinco”, que integraron, entre otros, Mussorgsky y Rimsky-Korsakov, era defensor del nacionalismo, y veían a su colega Piotr Ilitch Tchaikovsky como un “afrancesado”. En realidad, no les gustaba que fuera el compositor oficial de la corte de los Zares, porque Tchaikovsky era tan ruso como ellos, y su conmovedora música es un reflejo del alma rusa. Además de sus sinfonías y óperas, Tchaikovsky es amado por los bailarines: sus tres ballets, además de contener la mejor música para el género, dieron pie a las coreografías deslumbrantes de Marius Petipa. Son El lago de los cisnes, La bella durmiente del bosque y El cascanueces. El primero de ellos es el “rey” de los ballets en todo el mundo. La historia del príncipe Sigfrido que se enamora de Odette, quien se convierte en cisne al amanecer, y que es engañado por el malvado hechicero Von Rothbart, tiene dos finales: en uno, los amantes se suicidan; en otro, triunfan sobre el mal y alcanzan el amor eterno.
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Argentina... María Elena Walsh: Manuelita la tortuga María Elena Walsh (1930-2011). Nuestra próxima parada es Ramos Mejía. En esa localidad del Oeste del Gran Buenos Aires nació una de las artistas más originales que dio nuestro país, la hija de un inglés que era el jefe de la estación de trenes. La fantasía quiso que esas vías llevaran directo a París, y que la audaz viajera fuera alguien que, como su creadora, desdeñara el apuro. Ya lo saben: Manuelita, que vivía en Pehuajó, es una tortuga, y quien la imaginó por primera vez es María Elena Walsh. Escritora para grandes y chicos, poeta sensible y consumada, dramaturga, compositora y cantante, creó muchas canciones que marcaron la infancia de varias generaciones y escribió libros que todos deberían leer, como El reino del revés, El monoliso, Tutú marambá o Dailan Kifki. Aun hoy, no estando ya entre nosotros, sus personajes y sus melodías siguen viviendo. Manuelita es una de sus creaciones más entrañables. Nació en 1962, como parte de un álbum discográfico llamado Doña Disparate y Bambuco. Las canciones eran interpretadas por María Elena y su compañera, la folklorista Leda Valladares. Manuelita habla del amor de una tortuga por un tortugo, de la distancia y del paso del tiempo. Y aunque María Elena hizo muchas cosas después de Manuelita, entre ellas, defender siempre la democracia de nuestro país, esa tortuga fue la herramienta más formidable que se le ocurrió para hacer más felices y sensibles a los argentinos.
Manuelita la tortuga Manuelita vivía en Pehuajó, pero un día se marchó. Nadie supo bien por qué a París ella se fue, un poquito caminando y otro poquitito a pie.
En la tintorería de París, la pintaron con barniz. La plancharon en francés, del derecho y del revés. Le pusieron peluquita y botines en los pies.
Manuelita, Manuelita, Manuelita ¿dónde vas, con tu traje de malaquita y tu paso tan audaz?
Manuelita, Manuelita…
Manuelita una vez se enamoró, de un tortugo que pasó. Dijo ¿qué podré yo hacer? Vieja no me va a querer. En Europa y con paciencia me podrán embellecer. Manuelita, Manuelita…
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Tantos años tardó en cruzar el mar, que allí se volvió a arrugar. Y por eso regresó, vieja como se marchó, a buscar a su tortugo que la espera en Pehuajó. Manuelita, Manuelita…
María Elena Walsh
Italia... ,, ,, Gioacchino Rossini: Obertura de El barbero de Sevilla Gioacchino Rossini (1792-1868). Aunque vivió muchos años en las afueras de París, Gioacchino Rossini seguramente nunca vio pasar a Manuelita, pero sí extrañaba Italia, y en particular la pequeña ciudad de Pesaro que lo vio nacer. Para entonces Rossini ya era muy famoso gracias a sus 40 óperas que se interpretaban en todo el mundo, desde Rusia hasta Buenos Aires. Y justamente la primera ópera completa que se dio en nuestra ciudad, en 1827, fue la ópera más conocida de Rossini: El barbero de Sevilla. Se había estrenado, curiosamente, en 1816 (el año de nuestra independencia) en el Teatro Argentina, de Roma (cuyo nombre no tiene que ver con nuestro país, aunque se escriba igual, sino con el lugar de Roma donde se construyó). Dejando de lado las simetrías, El barbero es una ópera bufa (o sea, cómica) basada en la primera parte de la trilogía de un escritor francés muy crítico de la aristocracia: Pierre Beaumarchais. Es la historia de don Bartolo, que tiene cautiva a Rosina, una bella muchacha mucho más joven que él. El barbero no es otro que Fígaro, quien teje la trama para que Rosina pueda casarse finalmente con Lindoro, que es el Conde de Almaviva disfrazado. La historia continúa en otra ópera -Las bodas de Fígaro- compuesta mucho antes por otro compositor: Mozart. La obertura que hoy escucharemos es un fragmento de música solamente instrumental, sin canto, que precede a la ópera y a veces anticipa algunas de sus melodías o los temas de sus personajes. En este caso, su música es muy famosa pero no aparece durante la ópera. Rossini, que siempre trabajaba con mucha prisa para cumplir con los encargos de los teatros, tomó una música que ya tenía compuesta para otra ópera: Elisabetta, reina de Inglaterra. Como para seguir viajando.
Francia... ,, ,, Jacques Offenbach: Can-can de Orfeo en los infiernos Jacques Offenbach (1819-1880). Para la época en que Rossini vivía en las afueras de París y ya no componía, otro gran compositor hacía delirar a la Ciudad Luz con la comicidad y la aguda sátira política de sus operetas. Se llamaba Jacques Offenbach, aunque era alemán y de origen judío. Se había ganado la vida como violonchelista y director, hasta que decidió dar el salto: alquilar una sala en París (dado que la Ópera Garnier rechazaba sus obras) e intentar atrapar al público. Era la época del Segundo Imperio, bajo el gobierno de Napoleón III, que era caricaturizado en muchas de las obras de Offenbach. Sin embargo, el músico era tan famoso y sus obras derrochaban tanta simpatía que el mismo emperador tuvo que otorgarle la ciudadanía francesa y la Legión de Honor. El can-can que hoy se interpreta pertenece a su opereta Orfeo en los infiernos, estrenada en 1858. Desde entonces, Offenbach compuso alrededor de 20 operetas más, pero el Orfeo fue su salto a la fama. En esta partitura, el compositor desafió a las leyes francesas, que imponían una muy breve duración a las obras satíricas, y a su vez utilizó la mitología griega para encubrir bajo la máscara de sus personajes a muchas personalidades de la época que tenían mucho de criticables. Siguiendo la clásica historia de Orfeo y Euridice, que fue utilizada en una de las primeras óperas (Euridice, 1600) y luego por decenas de compositores posteriores (el más famoso, Gluck), Offenbach consigue ser original con un tema tan remanido, revistiéndolo de humor y mordacidad. En su opereta, el mito culmina en el segundo acto en un desenfrenado Galop infernal, que no es otro que el celebérrimo can-can que simboliza la buena vida parisiense.
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Italia... Ennio Morricone: Cinema Paradiso Ennio Morricone (1928). Qué argentino no se emocionó hasta las lágrimas con la que, para muchos, sigue siendo su película favorita: Cinema Paradiso. Y quién puede negar que buena parte de esa emoción le debe mucho a la banda de sonido del film, compuesta por Ennio Morricone. El músico italiano nació en 1928 y se dedicó a la composición intensamente. Tiene en su haber más de 100 obras de música instrumental, arregló más de 500 canciones y compuso bandas de sonido para Hollywood. Muchos destacados directores se vieron beneficiados por su mano maestra: Brian de Palma (Los intocables), Roland Joffé (La misión), Barry Levinson (Bugsy), Oliver Stone, John Carpenter, entre otros. Fue nominado a cinco premios Oscar y recibió un premio honorario, además de haber ganado varios premios Grammy. Junto a la música de La misión, su colaboración para el film de Giuseppe Tornatore es una de sus bandas de sonido más logradas. Con la ayuda de su hijo Andrea, Ennio concibió una serie de temas de corte nostálgico y hechura romántica, ideales para acompañar la historia de Totò, el niño de pueblo amante del cine que ayudaba al proyectorista Alfredo, cuya muerte, anunciada al comienzo de la película, desencadena los fervientes recuerdos del protagonista adulto (Salvatore). Cinema Paradiso, que ganó el Oscar a la mejor película extranjera en 1989, arranca las lágrimas gracias a una música que sabe calar profundo en la sensibilidad del espectador, y que acompaña cada gesto de nostalgia con una idea musical que está a la altura del conmovedor relato.
Alemania... Johann Sebastian Bach: Aria de la Suite No. 3 Johann Sebastian Bach (1685-1750). Para conocer todos los lugares que habitó Bach en Alemania bastaría recorrer algunos kilómetros. Como su compatriota, el filósofo Immanuel Kant, Johann Sebastian Bach, uno de los músicos más universales de toda la historia, con una visión cósmica sobre la condición humana, nunca salió de su país y apenas conoció algunas ciudades. Nació en Eisenach, estudió en un par de pueblos cercanos, luego trabajó en Arnstadt, Weimar, Köthen y Leipzig, donde murió tras un largo periodo como maestro de capilla. Tan limitadas eran sus posibilidades que, cuando quiso conocer al máximo organista de la época -Dietrich Buxtehude- tuvo que caminar 400 kilómetros hasta Lübeck (y otros tantos de vuelta) y sólo le valió tener problemas en su trabajo. Cuando quiso conocer a Händel, que estaba en Halle, apenas a 30 kilómetros, se demoró tanto que su ilustre colega ya se había marchado. Así y todo, Händel y Bach son hoy los mayores músicos que coronan el largo periodo barroco, más profano el primero, con muchas óperas en su haber; muy religioso el segundo, que no escribió ninguna ópera pero sí algunas de las mejores obras sacras que existen. Sin embargo, Bach también compuso numerosas obras profanas para que los músicos de la época pudieran animar la vida de las cortes y los encuentros sociales. Entre ellas, están las cuatro Suites para orquesta que compuso alrededor de 1720 durante el período en que vivió en Cöthen y trabajó para su príncipe Leopold. Las “suites” son seguidillas de danzas folklóricas de la época. En la tercera de Bach hay algunas líneas instrumentales que fueron escritas por otros músicos; la instrumentación es para cuerdas, oboe, timbales y trompetas. Tiene cinco movimientos: el segundo es la conmovedora Aria (Air), un movimiento lento con una melodía cantabile que se hizo famosa cuando un violinista alemán del siglo XIX llamado August Wilhelmj la arregló para ser ejecutada por una sola cuerda (la de su violín) en la tonalidad de Sol mayor (Sol es la afinación de la cuerda más grave del violín), transportándola del original en Re mayor. Y así, esta Aria comenzó a ejecutarse desde entonces como pieza separada del resto.
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Argentina... Ángel Villoldo: El choclo Ángel Villoldo (1861-1919). Si el tango nació en el Río de la Plata, todos saben que lo hicieron famoso los franceses. En París, un hombre fue capaz de tocar e imponer uno de los tangos más famosos de todo el repertorio: El choclo. Por eso a Ángel Villoldo muchos lo recuerdan como el “padre del tango”, lo cual, más allá de la imprecisión de tal título, tampoco le queda grande. Fue la pluma capaz de juntar muchos elementos dispersos por el aire: cuadrillas, cuplés, habaneras y candombes, y volverlos “tango” como por arte de magia. Tocaba la guitarra con una armónica adosada, y pintaba el inquilinato y los cafetines con genuino arte. Contratado por Gath y Chaves fue a Francia a grabar sus temas, como El porteñito, Soy tremendo o El choclo, capaz de competir con La cumparsita como tango emblema. Villoldo lo había estrenado en 1903 en un restaurante de Buenos Aires como “danza criolla”, porque parece que al dueño del lugar no le gustaban los tangos, que no estaban bien vistos. Hay muchas teorías sobre su nombre: para algunos se refiere a un malevo que tenía los pelos como la barba del choclo; para otros, el compositor tenía una frase favorita que decía: “Pa´mí el choclo es lo más rico del puchero.” Para otros, finalmente, era una manera indirecta de decir que le gustaban la rubias, ya que su primera letra rezaba: “Hay choclos que tienen / las espigas de oro,/ que son las que adoro / con tierna pasión.” En 1947, el gran Enrique Santos Discepolo le puso la letra definitiva, que estrenó Libertad Lamarque y popularizó Tita Merello; la misma que empieza con los versos: “Con este tango que es burlón y compadrito/ se ató dos alas la ambición de mi suburbio…”
Alemania... Felix Mendelssohn-Bartholdy: Marcha nupcial Felix Mendelssohn-Bartholdy (1809-1947). Mendelssohn nació, como Brahms, en Hamburgo y murió, como Bach, en Leipzig. Vio la luz cuando despuntaba el Romanticismo, y su música refleja el entusiasmo, la vivacidad y la transparencia de esa primera etapa. De familia acaudalada, nuestro compositor tuvo una infancia muy feliz junto a su hermana Fanny. En su casa era frecuente que se organizaran representaciones teatrales, y es en ese jardín, que nuestro músico atesoraría de por vida donde, junto a su hermana y otros familiares y amigos, descubriría el mundo mitológico de Sueño de una noche de verano de Shakespeare. Una obra que se lleva muy bien con el mundo de la infancia. El disparador fue tan intenso que Mendelssohn, con sólo diecisiete años, logró componer la Obertura de lo que más tarde sería la música incidental para el Sueño… Diecisiete años después, cuando vivía en Berlín, el compositor fue requerido para escribir música incidental a varias obras teatrales. No se trataba de óperas o teatro cantado, sino de agregar a la representación de la obra teatral fragmentos musicales como interludios o “separadores”, y algunas intervenciones corales o solistas. Mendelssohn aprovechó estos encargos para concluir su proyecto de adolescencia y escribir un notable marco sonoro para la comedia de Shakespeare. La partitura finaliza con la famosa Marcha nupcial (entre los actos IV y V), la misma que se sigue utilizando en la mayoría de las bodas en Occidente, que en su original describe las pomposas bodas de Teseo e Hipólita, reina de las Amazonas. El estreno tuvo lugar en el Palacio Nuevo de Potsdam, en 1843. Mendelssohn dirigió y, como no podía ser de otra manera, su hermana Fanny lo siguió desde un lugar privilegiado: el del recuerdo de la niñez compartida.
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Alemania... ,, ,, Ludwig van Beethoven: Himno a la alegría de la Novena Sinfonía Ludwig van Beethoven (1770-1827). Con Beethoven, otra escala de nuestro viaje, llegamos a Berlín, la capital del país donde nació este gran compositor que llevó el Romanticismo a la música. Beethoven había nacido en Bonn. Berlín era la capital de Prusia, una de las ciudades donde un músico podía vivir todavía al servicio de la corte. Siguiendo a otros colegas, sin embargo, Beethoven decidió luego vivir en Viena, donde en 1824 estrenó su Novena Sinfonía, la coronación de un largo camino y de su monumento de nueve sinfonías que son, cada una, un monumento en sí mismas. Los inicios de Beethoven son clásicos, y le deben mucho a Haydn y Mozart; su periodo medio o “heroico” nos legó las obras fundamentales del Romanticismo, y se asocian a la imagen del Beethoven ceñudo e imbatible, capaz de oponerse al destino mismo. Su último periodo, en el que el músico de Bonn ya es víctima de la más implacable sordera, nos muestra, a través de sus últimos cuartetos y sonatas y especialmente de la Novena Sinfonía, a un músico que trasciende su época, enigmático y profundo. Tan original y potente quiso ser Beethoven en su Novena, que hizo algo que nadie había hecho hasta entonces: agregar cantantes y un coro en el último movimiento de la obra. Después de 50 minutos de una música tremendamente dramática, Beethoven hace cantar a toda la orquesta la melodía inolvidable de la Oda a la alegría, y luego, con todo el coro y los solistas en escena, le pone letra a la misma música, con el poema de Schiller que dice: “¡Alegría, bella chispa divina, hija del Elíseo, entramos, ardiendo de gozo, en tu santuario!” Desde entonces, la Novena sinfonía, además de ser actualmente el himno de la Unión Europea, es símbolo de la libertad y de fraternidad entre todos los hombres.
Francia... ,, ,, Georges Bizet: Habanera de Carmen Georges Bizet (1838-1875). Los franceses siempre admiraron mucho a España. Apenas elevaban la vista por encima de los Pirineos y veían todo el colorido y el gracejo de sus vecinos, con su folklore tan llamativo. En Francia existía un gran amor por la danza y la ópera y en su capital, París, residía un compositor, Georges Bizet, que buscaba el tema que lo haría finalmente famoso. Lo encontró en Carmen, una gitana fatal que protagoniza una novela del escritor Próspero Merimée. Ella trabaja en una fábrica de cigarrillos, agrede a una compañera de trabajo, la detienen y enamora al militar que debe custodiarla. Carmen no tiene buenas costumbres, pero es una mujer poderosa y libre que no negociará su libertad. Muy al principio de la ópera, luego de que vemos en la plaza de Sevilla mezclarse a los soldados con las cigarreras, Carmen hace su entrada seductora y cautiva a Don José. Lo que canta es una habanera, cuya música original no es de Bizet, sino del músico español Sebastián Iradier. Su letra es un poco inquietante. Ella dice: “El amor es un pájaro rebelde, que nadie puede enjaular, y es vano llamarlo, si él prefiere rehusarse. [...] El amor es un niño gitano, jamás, jamás ha conocido ley. Si tú no me amas, yo te amo; y si te amo, ¡ponte en guardia!...” La habanera es una danza proveniente de Cuba, con un ritmo irregular. La de Bizet está en compás de dos por cuatro, como algunos tangos. Por eso algunos dicen que la habanera influyó sobre el tango. Es fácil reconocer y enamorarse de esta melodía que va y viene como el amor de la gitana. Bizet se hizo famoso con esta ópera, pero no tuvo suerte. En su estreno, no fue valorada, y él murió unos días después. Tenía 36 años. Casi como Mozart.
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España... Joan Manuel Serrat: Mediterráneo Joan Manuel Serrat (1943). Recorrer Europa de Norte a Sur es ir de las latitudes más frías al sol franco de los países latinos, recostados sobre el Mediterráneo. Toda la obra de Joan Manuel Serrat respira ese clima de libertad y gozo que inspira ese gran estanque que los romanos llamaban, simplemente, Mare Nostrum, “nuestro mar”. Y de los poetas que inspiraron esas latitudes Serrat tomó a los mejores: Federico García Lorca, Antonio Machado, León Felipe, Miguel Hernández y Rafael Alberti, cuyos versos que no paran de navegar mientras su marinero está en tierra. El cantautor catalán, barcelonés para más datos, adaptó para sus canciones el castellano que le llega por vía de su madre aragonesa; también nos adoptó a los latinoamericanos, a nuestros poetas, como Pablo Neruda, y hasta a nuestros músicos, como a Carlos Guastavino. Y nosotros lo adoptamos con un cariñoso apodo: el “Nano”, como fue bautizado en la Argentina, país que visita desde su combativa juventud. En 1970 Joan Manuel hizo de sus ideales un motivo de lucha. Se dice que fue entonces, encerrado en el Monasterio de Montserrat junto con otros artistas en protesta contra la pena de muerte, cuando compuso Mediterráneo, la canción que integra el disco homónimo que fue terminado en diversos puntos de la costa europea, como Mallorca o la Costa Brava. Pese a la censura el álbum fue un éxito increíble que hoy es considerado uno de los mejores y más importantes discos de canciones en lengua española. La Televisión Española y la revista Rolling Stone eligieron, respectivamente, a Mediterráneo como uno de los mejores temas de la música popular de todos los tiempos. Si recorremos su letra y la cantamos, entenderemos por qué.
Inglaterra... Freddie Mercury / Queen: Rapsodia bohemia Freddie Mercury (1946-1991). Pasamos ahora a la neblinosa Londres, ciudad que ama la música como pocas. Y no sólo por la enorme cantidad de orquestas sinfónicas y de cámara que allí funcionan, sino también por ser una de las capitales del rock mundial. Hacia 1970, cuando Serrat se prodigaba con su Mediterráneo, Freddie Mercury formaba en la capital inglesa, junto al guitarrista Brian May, el bajista John Deacon y el baterista Roger Taylor, una de las bandas más famosas de toda su historia: Queen. Su primer gran éxito mundial vino cinco años después, de la mano de un álbum llamado A Night at the Opera (Una noche en la Ópera), en homenaje al desopilante film de los hermanos Marx que los músicos vieron durante una de las sesiones de grabación. Esas sesiones eran de por sí agotadoras: grabar Rapsodia bohemia, una de las canciones que integran el álbum, fue una operación de alta complejidad, al necesitar registrar varias veces la voz de Mercury para conformar coros y superponer diversas líneas instrumentales en un sistema que todavía era analógico. El desafío demandó casi un mes. Por otro lado, Rapsodia bohemia es una canción compleja, extensa, que toma estilos diversos a lo largo de seis secciones: el canto a capella inicial, la balada acompañada de guitarra (vieja tradición renacentista inglesa), la ópera y el rock hasta recapitular todo en una coda. No es una canción convencional: carece de estribillos y se desenvuelve en un clima más bien conceptual, con interesantes desarrollos temáticos y modulaciones, técnicas tomadas del sinfonismo. Rapsodia bohemia se editó en un disco simple en octubre de 1975 y encabezó los rankings ingleses y estadounidenses. Después vino el videoclip, uno de los primeros en utilizar efectos especiales para promocionar una canción. Rapsodia bohemia tiene humor y melancolía, ligereza y profundidad filosófica, rebeldía adolescente y disciplina artística: un combo de lo mejor de la ópera de todos los tiempos.
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Austria... Wolfgang Amadeus Mozart: ,, ,, Dúo de Papageno y Papagena de La flauta mágica Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791). Fue, junto con Joseph Haydn, uno de los genios del clasicismo musical. Como todos saben, fue un niño prodigio. Ya a los cuatro años tocaba el clave, componía y deslumbraba a las cortes de Europa acompañado de su padre Leopold -que también era compositor y fue su maestroy de su hermana Nannerl, que cantaba. Mozart había nacido en Salzburgo, un hermoso pueblo austríaco rodeado de los Alpes, pero ya de grande, tras pelearse con el obispo del lugar, decidió irse a vivir a Viena. Amadeus era un espíritu muy libre, al que no le gustaba componer sólo para satisfacer caprichos de los príncipes. Aunque no le fue muy bien en lo económico, y murió a los 35 años, legó a la humanidad 626 obras catalogadas que dan cuenta de su genialidad. Cultivó todos los géneros: la ópera, el concierto, la sonata, la música sacra, la sinfonía. También le interesaban obras menos serias, como los divertimentos o las serenatas, pensadas para varios músicos -en general instrumentistas de cuerdas o de vientos- para ser tocadas en reuniones sociales, fiestas o al aire libre. La flauta mágica es prácticamente su última ópera (la compuso al mismo tiempo que La clemencia de Tito). El libreto lo escribió el empresario, actor y cantante masón Emanuel Schikaneder, con quien estrenó el espectáculo con gran éxito en Viena. La flauta mágica es un singspiel, palabra alemana que alude a una obra con partes cantadas y otras solamente dialogadas. Sus imaginativos personajes, como Tamino y Pamina, deben alcanzar la verdad y la belleza luego de superar enormes dificultades y pruebas que les pone en el camino La Reina de la Noche y sus secuaces. Entre esos personajes están Papageno, el cazador de pájaros, y la que finamente será su novia, Papagena. En el segundo acto ambos se encuentran finalmente, luego de que Papageno casi se ahorque por considerarla perdida. Pero los buenos espíritus le aconsejan llamarla con sus campanas mágicas y Papagena aparece para hacerlo feliz de por vida. Mientras planean su futuro y los niños que tendrán, comienzan su simpático dúo repitiendo las sílabas con que comienzan de sus nombres: ¡Pa… pa… pa!
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Italia... Giuseppe Verdi: Brindis de La Traviata
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Giuseppe Verdi (1813-1901). Verdi es el gran compositor de ópera italiano de la segunda mitad del siglo XIX. Aunque nacido en 1813, sus primeras obras siguen el estilo del bel canto, que crearon Rossini, Donizetti y Bellini y está centrado en el lucimiento de la voz a través de adornos y ágiles escalas llamadas coloraturas. Pero el sello personal de Verdi aparece desde su primer título. Su intuición dramática y su fogosidad expresiva trascienden todo lo que se había hecho hasta entonces en el campo de la lírica. En 1851 comienza a componer su trilogía central (Rigoletto, Il trovatore y La Traviata) que marca un punto superador en su obra y revela la genialidad en estado puro de este hijo de la campiña italiana. La Traviata es la última ópera de esta trilogía. Fue estrenada en 1853 y aquí Verdi hace algo que no había hecho hasta entonces. En lugar de acudir a historias muy antiguas –generalmente de la Edad Media- para transmitir un mensaje sobre su época (y evitar así la censura), el compositor desarrolla un relato que sucede en su propia época. Tomado de La dama de las camelias, la novela de Alejandro Dumas hijo, bautiza a la protagonista, la cortesana Margarita Gautier, como Violetta Valery y muestra la hipocresía y las penurias de la vida en la París frívola del momento. El cándido Alfredo se enamora de ella en la misma fiesta que abre la ópera, en la que sucede el inolvidable Brindis en el que se conocen. Todo es alegría aquí: todavía están lejos la tristeza y luego la indignación de Alfredo por tener que alejarse de Violetta ante la intervención moralista de su padre, y más lejos aun del trágico final de la cortesana, enferma de tuberculosis. El Brindis es una de los fragmentos de ópera más famosos y pegadizos de todos los tiempos; invita a la alegría y al gozo de vivir y contiene una de las mejores músicas imaginadas por el gran Giuseppe Verdi.
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Términos Musicales Adagio (del italiano: lento). Canto o sonido orquestal. Es una indicación para el tempo. Allegro (del italiano: rápido). Tempo rápido, o vivaz, para la voz, o la orquesta, o ambos. Andante (del italiano: lento). Notación para la voz, la orquesta o ambas. Señala tempo moderado. Aria (del italiano: aire). Es el trozo que canta una sola persona, siempre para manifestar sus emociones o propósitos. Las arias son una especie de retrato sonoro de cada personaje. También se llama Romanza o Cavatina, el aria breve y menos importante. Bullo (del italiano: cómico). Papel cómico. Cantata (del italiano: lo que se canta). Pieza escrita para cantantes con pequeña orquesta. Coro. Cuando un gran número de personas interviene en un trozo de ópera y siente emociones similares de alegría o temor, se lo trata con un coro; entonces cantan todos juntos las mismas palabras, pero también pueden expresar sentimientos diferentes y hasta opuestos. En esos casos los coros son más complicados para cantar y oír. Hay coros de hombres, de mujeres, mixtos o infantiles. Coloratura. El más florido y técnicamente difícil modo de cantar. Crescendo (del italiano: creciendo). Gradual aumento de volumen. Para cantantes u orquesta. Cuadro. Se llaman así las divisiones de los acontecimientos de una ópera. Por ejemplo, en un cuadro cantan sólo dos personajes, en otro intervienen varios. Cuando uno se retira de la escena se dice que cambia el cuadro. Varios cuadros componen un acto. La mayor parte de las óperas tienen tres actos, con este esquema: en el primero se presenta a los personajes y sus problemas, en el segundo asistimos al conflicto o lucha de cada uno frente a los demás; en el tercero y último se llega a la solución o desenlace (por lo menos para justificar el final, trágico o bien placentero). Es frecuente que cada final de cuadro muestre música y acciones más aceleradas y nerviosas. Dúo, trío, cuarteto, quinteto, sexteto. Cuando en una ópera varios personajes están en conflicto, o bien atraviesan situaciones diferentes, cada uno de ellos lo explica al público cantando lo que le ocurre, y si están juntos en escena lo hacen todos al mismo tiempo. En nuestra vida de todos los días, no se concibe que tres o cuatro personas hablen a la vez y se entiendan, pero en la ópera se acepta que lo hagan para expresar cada uno su situación. Ensayo. Preparación previa al espectáculo. Escalas. Disposición de las notas en patrones. Los cantantes las usan para practicar. Libreto (del italiano: librito). Texto de una ópera. Las palabras que se cantan en el escenario. Obertura. Sirve para preparar al público y despertar su interés. Por eso la mayoría de los autores anticipan las melodías que se habrán de oír después. También se puede llamar Preludio. Ópera buffa (del italiano: ópera cómica). Una ópera que intenta hacer reír. Ópera de cámara. Opera corta, que utiliza una pequeña orquesta y sólo pocos solistas. Ópera seria. Opuesta a la ópera buffa, sin concesiones cómicas. Opereta (del italiano: pequeña ópera). Por lo general de música más ligera que la ópera buffa y de un compositor no italiano. Opus (del latín: obra). Es el número atribuido a una composición determinada de un compositor particular. Así, el número de opus representa el número secuencial de los trabajos de un compositor por orden de composición. A veces estos números son atribuidos por un musicólogo, y el sistema utilizado recibe el nombre de ese estudioso en particular. El ejemplo más famoso de esto es Kóchel, el musicólogo alemán responsable de la numeración de las obras de Mozart. Oratorio. Composición religiosa para solistas, coro y orquesta; se caracteriza por ser música amplia y solemne. Partitura. Música escrita, generalmente impresa. Para la ópera hay varios tipos: partitura para la orquesta, partitura vocal y partitura para el piano. Piano, pianissimo (del italiano: suave, muy suave, respectivamente). Notación del compositor en relación al volumen con que se desea se ejecute. Preludio. Introducción orquestal a una ópera en su conjunto o a un acto de ella; es muy similar a una obertura, excepto porque puede presentarse antes de un acto además de antes del comienzo de la totalidad de la ópera. El preludio es generalmente más serio que una obertura y trata de establecer la modalidad y el tema de una ópera con más precisión. Registro. Clasificación por partes de la voz; los más comunes son el “registro de cabeza” y el “registro de pecho”. Estas palabras son metáforas que describen el lugar de donde parece provenir la voz. En realidad, el registro describe el uso que un cantante hace de los diferentes conjuntos de músculos de su aparato vocal. Solo. Sección de una ópera escrita para un solo cantante o instrumento. Staccato (del italiano: separado). Notación musical que indica que cada nota debe sonar rápida y separadamente; opuesto a legato (del italiano ligado). Tempo (del italiano: tiempo). Indicación de la partitura sobre la velocidad de un pasaje en particular. Tesitura (del italiano: textura). Exigencias vocales (o textura) de un papel particular, ya sea que el registro vocal del papel sea más alto o más bajo que una categoría vocal intermedia. Por ejemplo, la tesitura de Elsa en Lohengrin es más alta que la de Ortrud. Por extensión, tesitura ha llegado también a significar la extensión de una voz en particular o el lugar donde se encuentran la mayoría de sus tonos. Timbre. Es el sonido vocal distintivo de una voz en particular; en el canto operístico, el timbre es la cualidad de la resonancia distintiva y el tipo de tono que cada cantante puede producir. Trémolo (del italiano: temblor). Falta de firmeza, irregular e incontrolable o temblor equivocado de tono.
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Índice UN PASEO POR EUROPA CON LA CAMERATA BARILOCHE – PORTADA
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CICLO “VAMOS A LA MÚSICA” DE LA FUNDACIÓN KONEX
4
PREMIOS KONEX
6
PALABRAS INTRODUCTORIAS DEL PRESIDENTE DE LA FUNDACIÓN KONEX Y AUTORIDADES
7
EL BARBERO DE SEVILLA – EL LAGO DE LOS CISNES Y LAS PRINCESAS ENCANTADAS
8
AUTÓGRAFOS
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LOS INSTRUMENTOS MUSICALES
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PREMIOS KONEX 2015: MÚSICA POPULAR
12
CAMERATA BARILOCHE: INTEGRANTES
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CAMERATA BARILOCHE: HISTORIA. DIRECTOR: H. J. PRESA. ACTORES/CANTANTES: W.CANELLA Y A.MANGO
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PROGRAMA
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MAPA DEL VIAJE
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ARGUMENTO Y FICHA TÉCNICA
18
RESEÑAS - STRAUSS Y TCHAIKOVSKY
19
RESEÑAS - WALSH Y LETRA DE MANUELITA LA TORTUGA
20
RESEÑAS - ROSSINI Y OFFENBACH
21
RESEÑAS - MORRICONE Y BACH
22
RESEÑAS - VILLOLDO Y MENDELSSOHN-BARTHOLDY
23
RESEÑAS - BEETHOVEN Y BIZET
24
RESEÑAS - SERRAT Y MERCURY
25
RESEÑAS - MOZART Y VERDI
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TÉRMINOS MUSICALES
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ÍNDICE E ÍNDICE DE ANUNCIANTES
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Índice de Anunciantes CIUDAD CULTURAL KONEX RADIO MTRE
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BANCO CIUDAD
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LA SEGUNDA
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NO SE PERMITE EL INGRESO A LA SALA UNA VEZ QUE LA FUNCIÓN HAYA COMENZADO. SE RUEGA MANTENER APAGADOS LOS CELULARES DURANTE LA TOTALIDAD DE LA FUNCIÓN. ESTA EDICIÓN HA SIDO REALIZADA POR LA FUNDACIÓN KONEX Ejemplar gratuito Producción: Fundación Konex - Tel: (54 11) 4816 0500 - Fax (54 11) 4816 1800 / 0500 int. 330 Producción gráfica e impresión: Sacerdoti S.A. - Mario Bravo 933 - CABA - Tel: (54 11) 4865-3675 - www.sacerdoti.com.ar
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