Yuka Tsuboi, violine Sarah Kilchenmann, violine Hugo Bollschweiler, viola Julien Kilchenmann, violoncello
Darius Milhaud - Quatuor à cordes No.1 op.5 (1892-1974) 01 Rythmique (5.00) 02 Intime, contenu (5.15) 03 Grave, soutenu (6.21) 04 Vif, très rythmé (4.53) Claude Debussy - Quatuor à cordes op.10 (1862-1918) 05 Animé et très décidé (6.03) 06 Assez vif et bien rythmé (3.42) 07 Andantino, doucement expressif (6.27) 08 Très modéré (6.40) Pierre Menu - Sonatine pour Quatuorà cordes (1896-1919) 09 Modéré (6.26) 10 Très calme (3.21) 11 Très vif (3.58) Biography translation: Christina Merblum Recorded: November 4-6, 2013, Radiostudio Zürich, Switzerland Recording producer and editing: Andreas Werner, Silencium Musikproduktion Executive producer: Martin Korn Publisher: Durand, Paris Photo: ©MolinaVisuals / JosepMolina - www.molinavisuals.com (Galatea Quartet) Dokumentationsbibliothek Walter Labhart, CH 5304 Endingen (Historical images) Design & booklet editing: MolinaVisuals / Francesc Farré Total time: 58.12
String Quartets of Milhaud, Debussy and Menu The tradition of the modern French string quartet, which reached its climax in the 18 works of Darius Milhaud produced between 1912 and 1951, began in 1893 with Claude Debussy’s sole and unique Quartet in G minor op. 10. Important stations along this long route are the quartets of Maurice Ravel (1903), Charles Koechlin (1913 onwards), Arthur Honneger (1917 onwards), Germaine Tailleferre (1919), Gabriel Fauré (1924), Albert Roussel (1932) and Jacques Ibert (1942). Most of these works reflect the prevailing trend of neoclassicism, which was particularly distinct in France, and which culminated in the outstanding contribution of Jean Françaix (1934). After starting it three times, Claude Debussy completed his string quartet, the only work to which he gave an opus number, in February 1893. In the same year it was launched at a concert of the Société Nationale de Musique by the Ysaÿe Quartet, to whom it is dedicated. The public was irritated by the full orchestral sound, the flowing harmonies and by the lack of the expected thematic contrasts. Those few critics who were present reacted with disapproval, with the sole exception of Paul Dukas. A former fellow student of Debussy, he recognized its novelty, and stressed the monothematic concept of the four movements as a special quality. In addition he remarked that the melodic lines moved along on consonance “as though on a magnificent carpet, which has been artistically decorated in unusual colours”. This extraordinarily bold work begins with a melodic cell in G minor, which consists of just two rhythmically structured bars. Debussy uses this
unusually short but memorable theme, in varying rhythmic forms, as a basis for all the movements. In the second movement, a pizzicato scherzo in G major, it returns in augmentation, including in the middle section. It is transformed by chromaticism in the slow third movement, where the use of mutes intensifies the atmosphere. In the fourth movement the thematic motif adopts quite a different profile with its predominance of triplets. Although he was perceived by his contemporaries as a conspicuous talent, Pierre Menu is virtually unknown today. His name is neither mentioned in the encyclopaedia “Musik in Geschichte und Gegenwart” (Kassel 1949-1986), nor in the authoritative French sources. Born in 1896 in Paris, where he was taught composition by Roger-Ducasse, Menu died on 16th October 1919 in Paris from the effects of poisoning, contracted during the First World War after a gas attack on the Seine capital by German troops. With his death, the French modern age lost – as it had once before with the Rome prize-winner Lili Boulanger – one of its greatest hopes. Pierre Menu left behind a much smaller body of work than Boulanger, who now receives worldwide attention. Among his few preserved works are a “Fantasie dans l’ambience espagnole” for piano and orchestra, a Fantasia for Chromatic Harp, a Piano Quartet, the Baudelaire settings “Les Fleurs du Mal” for voice and piano, the Sonatine for String Quartet recorded here, and one other work for the same instrumentation. This Spanish-inspired work was so highly rated by Lili Boulanger’s sister Nadia, who herself became famous as a composition teacher, that she brought out a version for two pianos and four hands in 1922. This was published by Durand in Paris, who was also the main publisher of Saint-Saëns, Debussy and Ravel, as well as of Roger-Ducasse and Roussel. According to Honegger’s “Ecrits” (publ. Paris 1992), if Pierre Menu and Ra-
Claude Debussy
vel’s pupil Roland-Manuel had been present at the decisive concert, the Parisian circle of friends “Les Six” (Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger, Darius Milhaud, Francis Poulenc and Germaine Tailleferre) might have become “Les Huits”. Honegger noted: “In 1917 a few of the young musicians gathered around Erik Satie gave concerts of their music at an atelier in the rue Huyghens. The group, christened ‘Les Nouveaux Jeunes’ by Satie, consisted of Auric, Durey, Mademoiselle Germaine Tailleferre, Roland Manuel, Pierre Menu (now deceased) and me. Later we were joined by Darius Milhaud, on his return from Brazil, and Francis Poulenc. The critic Henri Collet of ‘Comoedia’ came one day to see Milhaud, in order to make the young musician’s acquaintance. That day he met Auric, Durey, Milhaud, Poulenc, Germaine Tailleferre and me. In an article which appeared a few days later he compared us with the ‘Five’ Russians [Balakirev, Borodin, Cui, Mussorgsky and Rimsky-Korsakov - author’s note] and called us the ‘Six’ Frenchmen.” Pierre Menu’s “Sonatine pour Quatuor à cordes” is unusual for its title, and for its limitation to three rather than four movements, but also for its key scheme. The two outer movements in D minor frame a long movement in G major sub-divided into three sections, whose modal main theme is related to that of the first movement. The same theme finally also dominates the third movement. Menu’s original Sonatine shares its essentially monothematic nature with Debussy’s quartet, and its masterful transparency with Ravel’s. This 1916 work is dedicated “en affection profonde” to teacher Roger-Ducasse, who published it in 1921 in a piano version for four hands with Durand, in order to encourage its distribution. Jean Jules Aimable Roger-Ducasse (18731954) was a composition pupil of Gabriel Fauré, and he took up the position of Professor of Composition at the Paris Conservatoire in 1935, as Paul Dukas’
successor. His first String Quartet in D minor (1900-1909) is dedicated to his teacher Fauré, but it follows seamlessly on from Debussy’s pioneering quartet. While Louis Durey of the avant-garde group ‘Les Six’ was content with two string quartets, and Arthur Honegger with three, Darius Milhaud made it his ambition to equal Beethoven in this respect. His 18 string quartets were so dear to his heart that in one of his last conversations with the author of these lines shortly before his death, he named the recording of his complete quartets as one of his greatest wishes. Milhaud dedicated his first quartet op. 5, produced in 1912, “à la mémoire de Paul Cézanne”, who shared his birth place Aix-en-Provence with him and with Emile Zola. This work, premiered in Autumn 1913 at the Société Musicale Indépendante in Paris, is evidence that the 20-year old composer strove for that typically French clarity, which, since becoming familiar with Debussy’s and Ravel’s contributions to the genre, he had held as an ideal. A dotted theme in a rare nine-quaver rhythm opens the calmly flowing first movement. Following its continual repetition is a series of fortissimo notes, which with their descending whole tones are reminiscent of the main theme of Debussy’s quartet. A powerful contrasting theme over stereotypical fifths (cello) follows on from a short lento interjection. This reiterates the first theme without the dotted rhythm, and with augmented note values, before being taken up in its original form by the first violin in a high register. Block chords separated by pauses provide further reminders of the opening movement of Debussy’s quartet. The gradually decelerated repetition of the lyric lento intermezzo forms the restrained epilogue. In the second movement the song-like theme, with a hint of the sacred, reminds us of the beginning of Ravel’s quartet, and mutes help to further refine the overall sound.
When he revised the work in 1950 Milhaud suggested that the original third movement (Grave, soutenu) be left out, but published it in the score anyway. What might have prompted the composer to remove this central and particularly expressive movement? Did he want to distance himself from the chromaticism, which contradicted his later musical language? Milhaud’s passion finds explosive expression in the piercing ostinati of the second violins and the viola in a cascading chromatic scale in triple forte. It creates the impression of a biblical scene in which a curtain is rent in two. The more muted yet still painful F minor final chords of this broadly sweeping, elegiac song contrast sharply with the folk-dance like rondo finale. Instructions such as “brutal” or “violent” underline the somewhat rough and ready nature of the music, which for a few bars is unexpectedly softened by a chorale-like lento interlude. Walter Labhart Translated from German by Jo Spearing
Streichquartette von Milhaud, Debussy und Menu Die Tradition der modernen französischen Streichquartette, die ihren Höhepunkt in den von 1912 bis 1951 entstandenen 18 Gattungsbeiträgen von Darius Milhaud erreichte, begann 1893 mit Claude Debussys einzigem und einzigartigem Quartett g-Moll op.10. Wichtige Stationen auf diesem langen Weg bildeten die Quartette von Maurice Ravel (1903), Charles Koechlin (ab 1913), Arthur Honegger (ab 1917), Germaine Tailleferre (1919), Gabriel Fauré (1924), Albert Roussel (1932) und Jacques Ibert (1942). Die meisten dieser Werke widerspiegeln die in Frankreich besonders ausgeprägte Grundströmung des Neoklassizismus, der innerhalb der Quartettliteratur im besonders brillanten Beitrag von Jean Françaix (1934) gipfelt. Sein dreimal begonnenes Streichquartett, die einzige Komposition mit einer Opuszahl, beendete Claude Debussy im Februar 1893. Noch im selben Jahr wurde das Werk in einem Konzert der Société Nationale de Musique vom belgischen Ysaÿe-Quartett, dem es auch zugeeignet ist, aus der Taufe gehoben. Das Publikum wurde von der orchestralen Klangfülle, den fliessenden Harmonien und vom Fehlen der üblichen Themendualität irritiert. Die wenigen anwesenden Kritiker reagierten mit einer Ausnahme ablehnend. Nur Paul Dukas, ein ehemaliger Studienkollege von Debussy, erkannte die neuartigen Qualitäten und strich als Besonderheit das monothematische Konzept der vier Sätze heraus. Er stellte überdies fest, die Melodik bewege sich auf Konsonanzen “wie auf einem prunkvollen und kunstverständig geschmückten Teppich in ungewohnten Farben.” Das aussergewöhnlich kühne Werk beginnt mit einer melodischen Keimzelle in g-Moll, die aus nur zwei rhythmisch strukturierten Takten besteht. Dieses ungewohnt kurze, aber einprägsame Thema legt Debussy in rhythmisch veränderter
Gestalt allen Sätzen zugrunde. Im 2.Satz, einem pizzicato zu spielenden Scherzo in G-Dur, kehrt es als Thema in vergrösserten Notenwerten sogar im Mittelteil wieder. Mit Chromatismen umspielt wird es im langsamen 3.Satz, wo Dämpfer die Stimmung erhöhen. Im 4.Satz nimmt die thematische Keimzelle durch die Vorherrschaft von Triolen wieder ein ganz anderes Profil an. Obschon er von seinen Zeitgenossen als auffallende Begabung wahrgenommen wurde, ist Pierre Menu heute ein Unbekannter. Sein Name wird weder in der Enzyklopädie “Die Musik in Geschichte und Gegenwart” (Kassel 1949-1986) noch in den massgeblichen französischen Quellenwerken erwähnt. Menu kam 1896 in Paris zur Welt, wo er von Roger-Ducasse kompositorisch ausgebildet wurde. Als er am 16.Oktober 1919 in Paris an den Folgen einer Vergiftung starb, die er sich während des Ersten Weltkriegs nach einem Gasangriff deutscher Truppen auf die Seinestadt zugezogen hatte, verlor die französische Moderne wieschon mit der Rom-Preisträgerin Lili Boulanger (1893- 1918) - eine ihrer grossen Hoffnungen. Pierre Menu hinterliess ein wesentlich schmaleres Oeuvre als seine heute weltweit beachtete Kollegin. Unter seinen wenigen erhaltenen Werken befinden sich eine “Fantaisie dans l’ambiance espagnole” für Klavier und Orchester, eine Fantasie für chromatische Harfe, ein Klavierquartett, die Baudelaire-Vertonungen “Les Fleurs du Mal” für Gesang und Klavier, die hier eingespielte Sonatine für Streichquartett und ein weiteres Werk in dieser Besetzung. Wie sehr Nadia Boulanger, Lili Boulangers als Kompositionslehrerin berühmt gewordene Schwester, die spanisch inspirierte Fantasie schätzte, geht daraus hervor, dass sie 1922 eine Bearbeitung für zwei Klaviere zu vier Händen herausgab. Sie erschien bei Durand
Darius Milhaud
in Paris, dem Hauptverleger sowohl von Saint-Saëns, Debussy und Ravel als auch von Roger-Ducasse und Roussel. Wie aus den “Ecrits” (Paris 1992) von Arthur Honegger hervorgeht, hätten Pierre Menu und der Ravel-Schüler Roland-Manuel, wären sie im entscheidenden Konzert anwesend gewesen, dazu geführt, dass aus der Pariser Freundesgruppe “Les Six” (Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger, Darius Milhaud, Francis Poulenc, Germaine Tailleferre) beinah “Les Huits” geworden wären. Honegger hielt dazu fest: “1917 gaben ein paar junge Musiker, die sich um Erik Satie geschart hatten, Konzerte mit ihrer Musik in einem Atelier der Rue Huyghens. Die von Satie ‘Les Nouveaux Jeunes’ getaufte Gruppe setzte sich zusammen aus Auric, Durey, Mademoiselle Germaine Tailleferre, Roland Manuel, Pierre Menu (seither gestorben) und mir. Später schloss sich, aus Brasilien zurück, Darius Milhaud an und Francis Poulenc. Der Kritiker Henri Collet von ‘Comoedia’ kam eines Tages zu Milhaud, um die Bekanntschaft der jungen Musiker zu machen. An jenem Tag traf er Auric, Durey, Milhaud, Poulenc, Germaine Tailleferre und mich. In einem Artikel, der ein paar Tage später erschien, verglich er uns mit den ‘Fünf Russen’ (Balakirew, Borodin, Cui, Mussorgsky, Rimsky-Korskow. Annmerkung des Autors) und nannte uns die ‘Sechs’ Franzosen.” Ungewohnt an Pierre Menus “Sonatine pour Quator à cordes” sind sowohl der Werktitel und die Beschränkung auf drei statt vier Sätze als auch der Tonartenplan. Die beiden in d-Moll stehenden Ecksätze umrahmen einen dreiteilig gegliederten langsamen Satz in G-Dur, dessen modales Hauptthema mit demjenigen des Kopfsatzes verwandt ist. Auch im 3. Satz dominiert schliesslich jenes Thema. Mit Debussys Quartett teilt Menus originelle Sonatine den monothematischen Grundzug, mit Ravels Quartett die meisterhafte Transparenz. Gewidmet ist das 1916 entstandene Werk “en affection profonde” dem Leh-
rer Roger-Ducasse, der es 1921 in einer vierhändigen Klaviertranskription bei Durand veröffentlichte, um die Verbreitung anzuregen. Jean Jules Aimable Roger-Ducasse (1873-1954) war ein Kompositionsschüler von Gabriel Fauré und trat 1935 als Nachfolger von Paul Dukas die Stelle eines Professors für Komposition am Pariser Konservatorium an. Sein 1.Streichquartett d-Moll (1900-1909) ist dem Lehrer Fauré zugeeignet, lehnt sich aber unüberhörbar an Debussys weg weisendes Quartett an. Während sich von der avantgardistischen Sechsergruppe Louis Durey mit zwei und Arthur Honegger mit drei Streichquartetten zufrieden gaben, hatte Darius Milhaud den Ehrgeiz, es auf diesem Gebiet Beethoven gleichzutun. Seine 18 Streichquartette lagen ihm so sehr am Herzen, dass er in einem der letzten Gespräche, das er kurz vor seinem Tod mit dem Autor dieser Zeilen führte, als einen der grössten Wünsche eine Gesamteinspielung seiner Quartette nannte. Den 1912 hervorgebrachten Quartetterstling op.5 widmete Milhaud “à la mémoire de Paul Cézanne”, der mit ihm und Émile Zola den Geburtsort Aix-en-Provence teilte. Das im Herbst 1913 in der Société Musicale Indépendante in Paris uraufgeführte Werk zeugt davon, dass der zwanzigjährige Komponist um jene typisch französische Klarheit rang, welche ihm seit der Bekanntschaft mit den Gattungsbeiträgen von Debussy und Ravel als Ideal vorschwebte. Den entspannt fliessenden Kopfsatz eröffnet ein punktiertes Thema im seltenen Neunachteltakt. Auf seine mehrmalige Wiederholung folgt eine Fortissimo intonierte Tonfolge, die mit ihrem abfallenden Ganztonschritt an das Hauptthema von Debussys Quartett erinnert. Ein kraftvolles Gegenthema über stereotypen Quinten (Violoncello) setzt nach einem kurzen Lento-Einschub ein. Dieser zitiert das 1.Thema ohne Punktierung und in grösseren Notenwerten, bevor es in seiner ursprünglichen Gestalt von der 1.Violine in hoher Lage aufgegriffen wird.
Durch Pausen getrennte Akkordblöcke stellen weitere Reminiszenzen an den Kopfsatz von Debussys Quartett dar. Den verhaltenen Epilog bildet die immer langsamer werdende Wiederholung des lyrischen Lento-Intermezzos. Im 2.Satz, dessen kirchentonartlich gefärbtes Liedthema an den Beginn von Ravels Quartett gemahnt, tragen die Dämpfer zur Verfeinerung des Klangbildes bei. Anlässlich seiner Revision des Werkes im Jahr 1950 schlug Milhaud vor, den ursprünglichen 3.Satz (Grave, soutenu) wegzulassen, um ihn trotzdem in der Partitur zu veröffentlichen.Was mag den Komponisten bewogen haben, ausgerechnet diesen zentralen, besonders expressiven Satz zu annullieren? Wollte er sich von der Chromatik distanzieren, die seinem späteren Klangempfinden widersprach? Milhauds ungestüme Ausdruckskraft explodiert nach den bohrenden Ostinati der 2.Violine und der Viola in der herabstürzenden chromatischen Skala in dreifachem Forte. Sie erweckt den Eindruck einer biblischen Szene, in der ein Vorhang zerrissen wird. Zu den gedämpfteren, immer noch schmerzvollen Schlussakkorden in f-Moll dieses weitgespannten elegischen Gesanges bildet das volkstanzartige Rondo-Finale einen scharfen Kontrast. Spielanweisungen wie “brutal” oder “violent” unterstreichen den etwas derben, musikantischen Grundzug der Musik, die für ein paar Takte überraschend von einer choralartigen Lento-Einlage aufgelockert wird. Walter Labhart
Quatuors à cordes de Milhaud, Debussy et Menu La tradition des quatuors à cordes modernes français – qui a atteint son apogée avec les 18 œuvres du genre composées entre 1912 et 1951 par Darius Milhaud – a commencé en 1893 avec l’unique et extraordinaire Quatuor en sol mineur op. 10 de Claude Debussy. Les quatuors de Maurice Ravel (1903), Charles Koechlin (dès 1913), Arthur Honegger (dès 1917), Germaine Tailleferre (1919), Gabriel Fauré (1924), Albert Roussel (1932) et Jacques Ibert (1942) constituent d’autres étapes importantes de ce long cheminement. La plupart de ces ouvrages reflètent le courant fondamental du néoclassicisme, spécialement marqué en France, qui a culminé dans le répertoire pour quatuor avec une contribution particulièrement brillante de Jean Françaix (1934). Claude Debussy a achevé en février 1893 son Quatuor à cordes, œuvre commencée à trois reprises et la seule de ses compositions à porter un numéro d’opus. L’ouvrage a été créé cette même année par son dédicataire, le quatuor belge Ysaÿe, dans le cadre d’un concert de la Société Nationale de Musique. Le public s’est montré agacé par la sonorité orchestrale, les harmonies fluides et l’absence du bithématisme habituel. Les rares critiques présents ont réagi négativement, à une exception près. Seul Paul Dukas, ancien camarade d’études de Debussy, a su reconnaître les qualités novatrices de l’œuvre et a souligné la particularité d’une conception monothématique des quatre mouvements. Il a en outre constaté que la mélodie se mouvait sur des consonances “comme sur un tapis somptueux et artistiquement décoré avec des couleurs inhabituelles”. Cet ouvrage exceptionnellement audacieux débute avec un noyau mélodique en sol mineur qui n’est constitué que de deux mesures structurées par le rythme. En variant les tournures rythmiques, Debussy a utilisé ce thème inhabituellement
bref et facile à retenir comme base de tous les mouvements. Dans le deuxième d’entre eux – un Scherzo en sol majeur joué en pizzicato – le motif refait même une apparition comme thème dans la partie centrale, dans des valeurs de notes plus longues. Il est ensuite enrobé de chromatismes dans le mouvement lent, où les sourdines font monter d’un cran la tension. Dans le quatrième mouvement, le noyau thématique adopte à nouveau un tout autre profil par le biais d’une prédominance de triolets. Bien que les contemporains de Pierre Menu aient détecté son don remarquable, ce compositeur est aujourd’hui un inconnu. Son nom n’apparaît ni dans l’encyclopédie allemande “Musik in Geschichte und Gegenwart” (Kassel, 19491986), ni dans les sources françaises les plus significatives. Menu est né en 1896 à Paris, où il a été formé à la composition par Roger-Ducasse, et y est décédé le 16 octobre 1919, des suites d’un empoisonnement dont il a été victime durant la Première guerre mondiale après une attaque au gaz des troupes allemandes sur sa ville natale. La musique moderne française a alors perdu l’un de ses plus grands espoirs, comme cela avait déjà été le cas avec Lili Boulanger (1893-1918), lauréate du Prix de Rome. Pierre Menu a laissé une œuvre nettement plus restreinte que cette collègue, aujourd’hui universellement respectée. Parmi les rares compositions préservées du musicien parisien figurent une “Fantaisie dans l’ambiance espagnole” pour piano et orchestre, une fantaisie pour harpe chromatique, un quatuor avec piano, une mise en musique des “Fleurs du mal” de Baudelaire pour voix et piano, la présente Sonatine pour quatuor à cordes et un autre ouvrage destiné à cette même formation. Nadia Boulanger (sœur de Lili), qui a accédé à la célébrité comme professeur
de composition, a montré à quel point elle appréciait la Fantaisie d’inspiration espagnole en signant en 1922 un arrangement de l’œuvre pour deux pianos à quatre mains. Cette version a paru chez Durand, qui était l’éditeur principal tant de Saint-Saëns, Debussy et Ravel que de Roger-Ducasse et Roussel. Selon les « Ecrits » de Arthur Honegger (Paris, 1992), il apparaît que Pierre Menu et Roland Manuel – un élève de Ravel – auraient fait du groupe d’amis parisiens « Les Six » (Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger, Darius Milhaud, Francis Poulenc, Germaine Tailleferre) le groupe des « Huit » s’ils avaient été présents lors du concert décisif. « En 1917, quelques jeunes musiciens rassemblés autour d’Erik Satie ont fait entendre leur musique dans le cadre de concerts donnés dans un atelier de la rue Huyghens. Baptisé « Les Nouveaux Jeunes » par Satie, le groupe réunissait Auric, Durey, Mademoiselle Germaine Tailleferre, Roland Manuel, Pierre Menu (décédé depuis lors) et moi-même. S’y sont rajoutés par la suite Darius Milhaud, de retour du Brésil, et Francis Poulenc. Henri Collet, critique au journal « Comœdia », est arrivé un jour chez Milhaud pour faire la connaissance de ce jeune musicien. Ce jour-là, il a rencontré Auric, Durey, Milhaud, Poulenc, Germaine Tailleferre et moi-même. Dans un article paru trois jours plus tard, il nous a comparés au « Groupe des Cinq » (soit les Russes Balakirev, Borodine, Cui, Moussorgski et Rimski-Korsakov, note de l’auteur) et nous a nommés « Les Six » français. Tant le titre de l’ouvrage que le nombre de mouvements, réduits à trois au lieu de quatre, et le plan tonal font de la « Sonatine pour quatuor à cordes » de Pierre Menu une œuvre inhabituelle. Les deux mouvements extérieurs, en ré mineur, encadrent un mouvement lent tripartite en sol majeur, dont le thème principal, d’écriture modale, présente des liens de parentés avec le thème du premier mouvement. Ce thème domine également dans le troisième mouvement. Cette sonate originale de Menu partage avec le Quatuor de Debussy son monothématisme
caractéristique et avec le Quatuor de Ravel sa transparence admirable. Composée en 1916, l’ouvrage a été dédié par Menu « en affection profonde » à son maître Roger-Ducasse. Celui-ci a publié cette Sonatine en 1921 dans une transcription pour piano à quatre mains, afin d’accélérer sa diffusion. Jean Jules Aimable Roger-Ducasse (1873-1954) était un élève de composition de Gabriel Fauré. En 1935, il a pris la succession de Paul Dukas comme professeur de composition au Conservatoire de Paris. Son Premier Quatuor à cordes en ré mineur (1900-1909) est dédié à son maître Fauré, mais s’inspire clairement du quatuor modèle de Debussy. Alors que deux des membres du groupe avant-gardiste des « Six » se sont contentés d’écrire deux (Louis Durey) ou trois quatuors (Arthur Honegger), Darius Milhaud avait l’ambition d’égaler Beethoven sur ce terrain. Ses 18 quatuors à cordes lui tenaient particulièrement à cœur : lors de l’un de ses derniers entretiens précédant sa mort, il a confié à l’auteur de ces lignes que l’un de ses plus grands souhaits serait un enregistrement intégral de ses quatuors. Le premier quatuor de la série (op. 5), composé en 1912, a été dédié par Milhaud « à la mémoire de Paul Cézanne », né comme lui (et Emile Zola) à Aix-en-Provence. Créée à l’automne 1913 à la Société Musicale Indépendante de Paris, l’œuvre témoigne de la lutte pour cette clarté typiquement française que ce jeune compositeur de vingt ans s’était forgé comme idéal après avoir eu connaissance des quatuors de Debussy et Ravel. Un thème pointé dans une mesure à 9/8, rarement employée, ouvre un premier mouvement détendu et fluide. Après plusieurs répétitions du motif, une séquence de tons entiers descendants, entonnée Fortissimo, fait penser au thème principal du Quatuor de Debussy. Un puissant thème secondaire bâti sur des quintes stéréotypées (au violoncelle) fait son entrée après une courte parenthèse Lento. Celui-ci cite le premier thème, sans rythme pointé et dans des valeurs plus
longues, avant d’être repris dans sa forme originale par le premier violon jouant dans le registre aigu. Des blocs d’accords ponctués de pauses offrent d’autres réminiscences du mouvement initial du Quatuor de Debussy. La répétition toujours plus lente de l’intermezzo lyrique (Lento) constitue un épilogue retenu. Dans le deuxième mouvement, dont le thème chantant aux intonations proches des modes liturgiques rappelle le début du Quatuor de Ravel, l’emploi des sourdines contribue au raffinement sonore. Après sa révision de l’ouvrage en 1950, Milhaud a proposé de supprimer le troisième mouvement initialement conçu (Grave, soutenu), tout en le gardant dans la partition publiée. Qu’est-ce que qui a bien pu pousser le compositeur à annuler précisément ce mouvement central, particulièrement expressif ? Voulait-il se distancer du chromatisme, en contradiction avec sa sensibilité sonore plus tardive ? Après les lancinants ostinatos du deuxième violon et de l’alto, la fougueuse puissance expressive de Milhaud explose fortississimo dans une gamme chromatique descendante. Elle suscite l’impression d’une scène biblique dans laquelle un rideau est déchiré. Le Rondo final, aux allures de danse populaire, contraste fortement avec ce large chant élégiaque, qui prend fin sur des accords en fa mineur atténués et toujours douloureux. Dans le dernier mouvement, des indications comme « brutal » ou « violent » soulignent le caractère quelque peu rude et plein d’entrain de cette musique interrompue de façon surprenante quelques mesures durant par un intermède Lento aux allures de choral. Walter Labhart Traduction: Michelle Bulloch - MUSITEXT
1912年から1951年までに書かれたミヨーの18作で頂点に至る近代フラン ス弦楽四重奏の伝統は、ドビュッシーの唯一にして独特なト短調作品10に 始まった。その長き道程には、モーリス・ラヴェル(1903)、シャルル・ケックラン (1913~)、アルトゥール・オネゲル(1917~)、ジェルメール・タイユフェール(1919) 、ガブリエル・フォーレ(1924)、アルベール・ルーセル(1932)、ジャック・イベー ル(1942)などの重要な作品が存在している。これらの作品の多くには、1934 年にジャン・フランセが成した雄弁な宣言に示された新古典主義が色濃く反 映している。このディスクに収められた３曲は、世紀転換期から第１次大戦中 までのフランス近代弦楽四重奏伝統初期、開祖ドビュッシーとその影響が濃 厚な若者の作品ばかりである。 弦楽四重奏創作に３度着手したドビュッシー(1862-1918)だが、作品番号 を有する楽譜となったのは1893年２月に完成した一作のみだった。同じ年に ベルギーのイザイ・クァルテットによって国民音楽協会演奏会で初演された。 オーケストラを喚起させる響き、浮遊する和声、通常と異質の主題変容は聴 衆を驚かせ、会場にいた数少ない評論家も批判的だった。単一の主題で４楽 章を統一する創造性に着目したのは同級生のポール・デュカスのみで、「尋 常ならざる色彩で彩られた素晴らしく芸術的なカーペット」と賞賛している。極 めて大胆なこの音楽は、わずか２小節のト短調の音細胞に始まる。短いが印 象的なこのテーマに、ドビュッシーは全楽章の基礎となる動機を変容させて いくのだ。第２楽章のピチカートによるト長調のスケルツォでは、このテーマは 中間部で拡大され再登場する。ゆっくりした第３楽章でも、半音階を纏い空気 を包むように出現する。第４楽章でも、様々に異なる姿でこの動機は音楽の 中心にあり続ける。 作曲家オネゲルは、ことによれば「フランス６人組」はピエール・ムニュとラ ヴェル門下のロラン＝マニュエルを加えた「８人組」となっていた、と述懐す る。「1917年にエリック・サティの周囲に集まった若い作曲家は、ユグノー街の
スタジオで自作の演奏会を行っていた。このサティの「新しき若者」には、デュ レ、オーリック、タイユフェール、ロラン＝マニュエル、ピエール・メニュと私が 集まった。その後、ミヨーがブラジルから戻ったミヨーと、プーランクが加わっ た。ある日、『コメディア』誌の批評家アンリ・コレがミヨーを訪れ、若い作曲家 と知り合いになった。たまたまその日に彼が会ったのが、オーリック、デュレ、ミ ヨー、プーランク、タイユフェール、それに私の６人だった。その数日後に発表 された文章で、コレは私たちを「ロシア５人組」に喩して「フランス６人組」と称し たのである。」（オネゲル、『著作集』1992年出版） 現在ではピエール・ムニュ(1896-1919)はほぼ無名の存在である。1896年 にパリに生まれたムニュは、ジャン・ロジェ＝デュカスに作曲を学び、同世代 の友人だったオネゲルらに早熟の才能を評価されていた。第1次大戦中のド イツ軍による毒ガス攻撃の後遺症で1919年10月16日に23歳にしてパリに没。 ローマ賞受賞者リリー・ブーランジェ(1893-1919)の死と共に、フランス近代芸 術には大きな損失となった。わずか５年の作曲家活動だったムニュの作品で 現在に遺るものとして、ピアノと管弦楽のための《スペイン風幻想曲》、クロマ ティック・ハープのための幻想曲、ピアノ四重奏曲、声楽とピアノのためのボー ドレールのに拠る《悪の花》、《弦楽四重奏のためのソナチネ》などが挙げられ る。 1916年にパリで完成され、1920年に出版された３楽章から成る《弦楽四重 奏のためのソナチネ》は、ト長調三部形式の素朴な緩徐楽章トレ・カルムを、 モデレ及びトレ・ヴィフのニ短調両端楽章が挟む。ドビュッシーの弦楽四重奏 と同様に単一主題形式が用いられ、冒頭主題が両端楽章を支配する。ラヴェ ルの弦楽四重奏曲同様に技巧的な透明感に溢れ、終楽章のリズムと音色の 変化はストラヴィンスキー流の新古典主義も連想させよう。 ６人組のデュレは２曲、オネゲルは３曲の弦楽四重奏で満足したが、ひとり ダリウス・ミヨー(1892-1974)はこのジャンルでベートーヴェンに迫らんとする野
心を抱いた。その18曲の弦楽四重奏はミヨーにとって極めて愛しい作品で、 これら全てが録音されることを望んでやまぬ、と死の直前にも語った程であ る。 1912年に作品５として書いた弦楽四重奏曲を、ミヨーは同じエクス＝アン ＝プロヴァンス生まれのパウル・セザンヌの想い出に捧げた。1913年秋にパリ の独立音楽協会で初演され、この20歳の作曲家はドビュッシーやラヴェルと 同じ類のフランス風な透明さを備えていることを世に知らしめた。第１楽章リズ ミック、緩やかに流れドビュッシー冒頭を想起させる８分の９拍子のドリア旋法 の冒頭主題に始まり、抒情的でゆったりしたテンポに推移。３拍子の行進曲 風のリズムから、結尾で小節線すら不確かなゆったりと漂う抒情的レントを回 想する。優雅な第２楽章インティメは、教会旋法で彩られた主題がラヴェルの 弦楽四重奏曲冒頭のようだ。1950年にこの作品の改訂を提案された際、半音 階的な音楽や過剰な叙情性が後の主義主張と相容れないと考えたか、ミヨー は第３楽章グラーヴェを削除している。第２ヴァイオリンとヴィオラの強烈な半 音階的下降から、まるで聖書で天幕が裂ける場面を観るようなオスティナート が炸裂する。ヘ短調和音で静まる悲歌は、対照的な民俗舞踏風ロンド・フィ ナーレの第４楽章ヴィフに続く。「野蛮に」と特記される激しいリズムが、ときに 賛美歌のように歌われるレントで緩められる。 なお、当録音ではガラテア・クァルテットはオリジナル楽章を復活させ演奏 している。総譜が出版されておらず、パート譜から総譜を復元するなど苦労も 多かったとのことだ。 （ヴァルター・ラブハート解説原稿を渡辺和に拠り補筆改訂）
Claude Debussy
The Zurich based Galatea Quartet, comprised of siblings Sarah and Julien Kilchenmann, Yuka Tsuboi and Hugo Bollschweiler, was founded in 2005. The ensemble studied under the tutelage of both Stephan Görner of the Carmina Quartet in Zurich and the Artemis Quartet in Berlin. A recipient of the European Chamber Music Academy (ECMA) fellowship, the quartet began a fruitful collaboration with the academy’s director Hatto Beyerle that continues to this day. Recognition came early on with competition prizes in Geneva (2006), Osaka (2008), Bordeaux (2010) and Florence (2010).The quartet has toured throughout Europe and some of its finest halls, most notably in Wigmore Hall London, Concertgebouw Amsterdam and Tonhalle Zurich. Their performances have also taken them beyond the borders of Europe to Japan, Canada, Argentina, and India. The Galatea Quartet has made appearances at prominent festivals such as the Societa del Quartetto Milano, Festival de Sion, EuroArt Prague, Festival Pablo Casals, the Zürcher Festspiele and the “Tage für Neue Musik” Zurich. ‘Landscapes’, their debut CD for Sony Classical, featuring works by Ernest Bloch, was awarded the „ECHO KLASSIK PRIZE 2012“ in the category Best Chamber Music Recording of the Year (20th/21th century). In 2013, the quartet was the recipient of the prestigious ‘Kulturförderpreis des Kantons Zürich’. The Galatea Quartet has embraced the opportunity to work with composers. Two such collaborations are with Isabel Mundry and Helmut Lachenmann. They have
also premiered works by Martin Derungs, Hans Ulrich Lehmann, Heinz Marti, Martin Schlumpf and Rodolphe Schacher in their continuing commitment to contemporary Swiss music. The ensemble is equally comfortable with projects outside of the classical realm. This flexibility has led to collaborations with Jon Lord (Deep Purple), Chamber Soul,Tina Turner and the author Urs Faes in addition to a performance series of the Pink Floyd adaptation, �To the Dark Side of the Moon.� From Haydn to Pink Floyd, this diverse range in repertoire continues to inspire the quartet in their ongoing musical journey. Even within the classical lexicon of quartet repertoire, the quartet continues its quest to unearth hidden gems and bring them to the stage. Such curiousity and risk taking has made the Galatea Quartet a favorite among musical lovers and critics alike.
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