INDICE DE CONTENIDOS Recortable…………………………………pág. 3
XXXIV Salón del Cómic de Gijón………pág. 68
El Arte de Volar…………………………..pág. 4 Blanco y el TBO…………………………pág. 72 Mathias Malzieu y su Corazón de Alphonse Mucha y la Belleza hecha Cuco………………………………………pág. 12 Ilustración………………………………..pág. 74 Cocina con Riesgo……………………….pág. 14 Pasatiempos……………………………...pág. 80 Fantasía S.A……………………….págs. 16 y 38 Novedades Expocómic 2010…………….pág. 81 Entrevista a Edmond……………………pág. 31 Purita en la Mostra de Valencia………..pág. 83 Manualidades a todo Riesgo……………pág. 36 Desde el taburete del Wimpy…………...pág. 84 Rosa: Nueva Colaboración…………...…pág. 53 Fiesta de Halloween………………...…...pág. 85 75 Aniversario de DC……………………pág. 56 La Biblioteca….…………………..……..pág. 87 Japón vive el Manga…………………….pág. 59
EL ARTE DE VOLAR o la muerte como elección voluntaria escribiese el prólogo de éste, lo que acepté con entusiasmo. La realidad en la ficción. Cuando conocí El Arte de Volar, Kim llevaba dibujada aproximadamente la mitad del libro, con lo que entré de rondón en la historia sin saber lo que venía después, fuera del final ya sabido desde las primeras páginas. Escribí y hablé mucho con Altarriba mientras Kim seguía dibujando, y con éste solo un par de veces y solo por teléfono. Es así como he vivido el crecimiento de El arte de volar
a
golpes
de
páginas
de
historieta
fotocopiadas, que Altarriba me hacía llegar. Posiblemente con ello haya perdido distancia respecto a la obra pero he ganado en conocimiento
Por Antonio Martín
de la profundidad de la misma.
La primera noticia de este libro la tuve en
El libro parte de un hecho real: el suicidio de
Noviembre
en
Antonio Altarriba Lope, que el día 4 de mayo de
Literatura,
2001 se arrojó al vacío desde el cuarto piso de la
organizado por la Universidad de Valencia, y una
Residencia de Lardero. Una elección que hizo
de aquellas noches, durante la cena, Altarriba me
voluntariamente, más allá de temores o angustias
contó que había escrito una historia centrada en la
de cualquier tipo. Un salto que hizo para por fin
muerte de su padre, que el dibujante Kim estaba
volar libre. Su hijo, Antonio Altarriba -a quien a
realizando desde hacía más de un año. En las
partir de ahora llamaré tan solo Altarriba para
horas siguientes me contó a grandes rasgos el
evitar solapar los dos nombres-, recogió en su
impacto que para él había supuesto su muerte,
habitación de la residencia un mazo de cuartillas
fragmentos de la vida de su padre y cómo su
en las que su padre escribió durante años sus
editor le propuso que llevase sus sentimientos al
recuerdos y también el día a día de sus vivencias.
papel y le diese forma de guión de historieta. Fue
Hasta aquí los hechos reales.
un
de
Congreso
2007. sobre
Participábamos Cómic
y
así como nació este libro. No recuerdo si fue esa misma noche cuando Altarriba me pidió que
El arte de volar surge del dolor compartido de los
su vida y carga con ella. El resultado es este libro,
dos Altarriba, padre e hijo, y en ella se unen los
que muestra sus vergüenzas bajo una fórmula
sentimientos de ambos. Mientras que su padre
narrativa que viste de ficción lo que en buena
descargaba su depresión en las cuartillas en las
parte fueron hechos reales.
que
escribía
sobre
su
vida
y
sobre
el
encadenamiento de carencias y frustraciones que le habían marcado a lo largo de los años, el hijo ha escrito para superar su muerte sin pretender olvidarla. Así, la obra, que se origina en el dolor, debe mucho más a la frustración, ya que Altarriba vivió año tras año la muerte en vida de su padre, su destrucción psicológica y finalmente su muerte física.
Pero no hemos de leer El arte de volar a partir de los sentimientos de Altarriba, puesto que no se trata de una biografía sino de una novela que escribe con todas las licencias necesarias, mezclando sabiamente ficción con realidad, en un guión
desgarrado
en
el
que
se
implica
profundamente, y que Kim dibuja en un estilo que entronca con la gran tradición de los dibujantes españoles capaces de sumar el realismo con el dibujo satírico. El trabajo de ambos construye una historia apasionante, trágica y costumbrista a veces, en la que el dolor y las atrocidades no impiden que el amor y el humor ocupen un lugar importante, todo ello superpuesto sobre el fondo de los hechos que constituyen el decorado en el que transcurrió la vida de Antonio Altarriba Lope. Y es así como hay que leer este libro, como una obra dramática que se estructura orgánicamente en
Si bien puede atribuírsele una función catártica, la
torno a la memoria de un hombre.
importancia de este libro va mucho más lejos. Altarriba se plantea los hechos y el reflujo de sentimientos que provocan en él mismo, y lo hace
Una historia de perdedores
con plena coherencia, documentándose. Extrae de su memoria los recuerdos fragmentarios de la vida
Antonio Altarriba Lope nació y creció en
de su padre, recoge hechos, momentos, palabras y
Peñaflor, pueblo muy cercano a Zaragoza, como
con todo ello elabora una historia. Y lo hace con
último hijo de una familia labradora, con una
la frialdad que en ocasiones procura el dolor,
constante inquietud por conocer y aprender que le
cuando es mayor su componente intelectual que el
singularizaba respecto a sus familiares, a la
sentimental. Al escribir,
Altarriba recrea lo
mayoría de los chicos de su edad y en general a
ocurrido, no quiere dejarlo atrás, no puede. Así, en
todos los vecinos del pueblo. Pronto, su máxima
las primeras páginas del libro su identificación
aspiración es salir de aquellas tierras ásperas, a las
con su padre se resume en un “yo soy él”. Asume
que no se siente vinculado por lazo alguno y a las
que solo le une el cordón umbilical que es el amor
Las páginas de El arte de volar se estructuran en
a la madre, para marchar a la ciudad donde espera
torno a dos alianzas sobre las que Antonio
medrar y ser y vivir libre de las ataduras del grupo
Altarriba Lope construyó lo mejor de su vida, una
familiar y de la asfixia que le provoca la pequeña
“alianza de plomo” y una “alianza de sangre”. Y
sociedad de su pueblo.
entre una y otra toda una vida de esperanza, lucha,
La vida del protagonista es la de los humillados, la de los muchos españoles sin tierra, si trabajo, sin pan y sin techo, la de los perdedores, de los derrotados. Su vida no tiene nada de excepcional y por ello es más interesante, ya que él sólo es uno más entre los millones de españoles que vivieron cuanto la Historia les trajo desde los años veinte del siglo pasado: la caída de la Dictadura de Primo de Rivera, la caída de la Monarquía, la II República, la Guerra Civil, el régimen de Franco, La nueva Monarquía y la Transición... hasta llegar casi a los días presentes. Con dos tiempos muy marcados, antes y después de la guerra civil española.
violencia, esfuerzo y miseria. Alianza de plomo con sus compañeros anarquistas en la guerra civil, cuatro mosqueteros que intentan sobrevivir a la tormenta desencadenada sobre España por la sublevación militar y de derechas, combatientes en diversas batallas, perdedores de la guerra, fugitivos por las carreteras de Cataluña en la retirada de enero de 1939 y exiliados en la Francia del Pacto de No Intervención, a cinco meses del estallido de la segunda guerra mundial. Con ellos, uno más de ellos, Antonio Altarriba conocerá el pan amargo de los sin tierra, rodará por la Francia vencida, luchará con la Resistencia contra los alemanes, y acabará por volver a la España del general Franco sumándose así al exilio interior de tantos españoles. Alianza de sangre que Antonio Altarriba Lope establece con su hijo Antonio cuando este es niño. Una alianza que sustituirá a la de plomo y será su único motivo real para seguir vivo a través de los años, en un país en el que no encuentra acomodo, en una sociedad de la que no se reconoce parte, en una familia de conveniencia. Con la única esperanza puesta en su hijo, ese que desde siempre estaba en él y que un día será él mismo, unidos por la alianza de sangre que será, junto con la memoria de sus compañeros muertos, su único bagaje cuando su voluntad hace crisis.
Una obra, dos autores He seguido la carrera tebeística de Antonio Altarriba desde los años ochenta, cuando en Zaragoza publicaba los que debían ser sus primeros guiones con el Colectivo Z en la revista Bustrófedon. Después le he seguido durante años en sus publicaciones teóricas, en la revista Neuróptica que creó y dirigió, en sus guiones con Luis Royo, cuando éste era un desconocido, y prácticamente en todos sus trabajos como guionista y como teórico del cómic hasta hoy. A Kim (Joaquim Aubert Puigarnau)
le conocí
cuando a mediados de los años 70 publicó sus primeras historietas en la revista Vibraciones, que me sorprendieron por su calidad y que hoy son Altarriba hace la crónica de toda una generación a través de los sentimientos de un hombre corriente, su propio padre, un hombre del pueblo, que intenta una y otra vez dirigir su propia vida para acabar siempre arrastrado por las mareas de la Historia, víctima de la mentira y la traición, en las que naufraga su lucha por la libertad individual, hasta perder su integridad. Es así como Antonio Altarriba Lope, protagonista involuntario, cae en
solo conocidas por pocos aficionados y menos teóricos, pero que ya eran magníficas y una clara pista de la importancia que había de alcanzar como dibujante de cómics en el panorama editorial español. Dibujó también humor para las revistas Por Favor, Mata Ratos, Play Boy, El Víbora, Makoki y desde 1977 es autor fundador de la revista El Jueves, donde realiza su serie Martínez el Facha.
el pozo de la incomunicación. Al igual que otros muchos hombres y mujeres de su tiempo, intentó
En El arte de volar, el trabajo en equipo de
construir un mundo más justo y la Historia le dio
Altarriba y Kim se muestra como una de las
la espalda, quiso volar con las alas de la esperanza
síntesis más afortunadas de la historieta española
y
vida,
de los últimos años. Nos encontramos ante uno de
espléndidamente narrada en esta novela, forma
los libros más importantes que se han escrito en
parte de la gran crónica del siglo XX y nos ofrece
España en los últimos años, y yendo al campo del
un despiadado retrato de la condición humana. Su
cómic ante una obra que marca radicalmente un
historia es, parafraseando al poeta, la de uno de
antes y un después en el desarrollo de este medio
los muchos españolitos al que una de las dos
en nuestro país. La he leído cuatro veces y
España había de helarle el corazón.
siempre he descubierto algo más, a cada lectura,
acabó
estrellándose.
Por
ello
su
que me confirma en su calidad. Más aún, mientras
El arte de volar es uno de los libros más
leía he sido consciente de que mi vocabulario no
substanciales de la historieta española. Por una
era suficiente para argumentar lo mucho que me
parte está la propia materia de la obra, la vida de
afecta este libro y solo he podido sentir el dolor
Antonio Altarriba Lope, desde la dictadura del
resultante de lo que Altarriba y Kim narran.
general Primo de Rivera hasta los años del
Altarriba estructura en tres niveles la narración. Uno primero, en el que el hijo de Antonio Altarriba Lope nos introduce al relato en los textos de apoyo de las primeras páginas, las del proemio y las iniciales del primer capítulo, para llevarnos en un magnífico ejercicio escrito, desde el narrador externo a la figura de un narrador interno a la obra, mediante la identificación de su propio yo en el yo de su padre. Qué brillante el juego verbal: “Soy el único que puede saber cómo lo hizo... porque aunque no estaba allí, estaba en él” para referirse al suicido de su padre o, para describir la caída, “Puedo igualmente asegurar que, aunque parecieran unos pocos segundos... mi padre tardó noventa años en caer de la cuarta planta...”. O, en el segundo, el perfecto escalado por el que nos lleva a identificarse y a que nos identifiquemos con el narrador de la historia: “Mi padre, que ahora soy yo (...) Mi abuelo, que ahora es mi padre (...) Mis tíos, que ahora son mis
aznarato. Era fundamental contarlo con la sabiduría con que lo ha hecho Altarriba. Sobre todo porque ha sabido salvaguardar la dimensión humana de la azarosa vida de su padre, mostrarnos sus ideales y la quiebra que se produce en su personalidad
cuando
arrastrado
por
las
circunstancias transgrede su propio código moral, para finalmente describirnos en dos planos, el de la realidad y el onírico, esas tremendas pesadillas y delirios del protagonista en la que están muchas de las claves de su derrumbe sicológico y social. Hasta su muerte como elección voluntaria. Importa también la construcción del relato, ese guión aparentemente lineal que se extiende en el tiempo, año tras año, en una narración directa de la vida de su padre, mientras que esa linealidad se quiebra constantemente gracias a las numerosas líneas de fuga que le autor deja abiertas para que los lectores elijan seguirlas o no, libremente, para llegar a sus propias y personales conclusiones.
hermanos (...) Yo, que ya soy un solo yo (...)” para
Por otro lado, el dibujo de Kim es espléndido, no
a partir de ahí seguir ya en primera persona, uno
merece una palabra menor. Una mayoría de
solo con lo narrado, y atraparnos en el relato. El
lectores le han reducido mentalmente a la
tercer nivel narrativo se cifra en los textos de los
condición de autor de la serie Martínez el Facha,
diálogos mediante los bocadillos, directos y en
sin ver más allá, sin ser capaces de valorar su
tiempo presente. De la fusión entre los textos de
trabajo y las inmensas capacidades expresivas de
apoyo y la acción, desarrollada mediante los
este. Ahora Kim se toma la revancha y con El arte
dibujos y los textos de los bocadillos, en una
de volar demuestra que es uno de los dibujantes
perfecta interdependencia, surge uno de los más
españoles con mayor categoría de autor, capaz de
deslumbrantes usos del lenguaje de la historieta
expresar desde los sentimientos trágicos hasta los
que nos ha sido dado ver en los autores españoles.
risibles, desde la muerte al orgasmo. Y lo más
difícil aún: la grisácea mediocridad de la vida
esconde bajo la falsa apariencia de un estilo que
cotidiana, allí donde España bostezaba mientras
aparentemente
los poderosos se repartían sus despojos.
aparentemente, ya que Kim ha escogido el más
liga
con
el
humor.
Solo
difícil todavía de contarnos los hechos más tremendos con la inocencia gráfica de quien no necesita reforzar las expresiones ni recurrir a litros de sangre, tampoco a grandes retablos trágicos ni ninguno de los trucos posibles y honrados con los que el dibujante puede subrayar lo que cuenta para mejor destacar lo terrible. Kim no necesita nada de eso y no recurre a ello, le basta con narrar, interpretando gráficamente los textos de Altarriba, para mostrarnos la realidad que El arte de volar nos presenta. Con su trabajo, Kim está a la altura de los más grandes y mejores historietistas españoles. La madurez de la historieta española Y no es solo la perfección o los detalles del dibujo lo importante, Si Kim no fuese el dibujante la obra final sería otra, sus páginas dirían lo mismo pero Su
expresado en forma muy diferente. Y es que Kim
dominio de la figura humana es absoluto, su
lleva al dibujo con tal perfección la novela de
dominio de la anatomía total, su registro expresivo
Altarriba que aumenta y potencia sus palabras,
completo. A todo ello se une su perfecto dominio
enriquece la descripción literaria y la expresión
de la composición, la perspectiva y los planos. En
verbal. Altarriba nos cuenta y Kim nos muestra a
ningún momento rehúye las escenas difíciles de
los españoles del primer tercio del siglo XX,
dibujar, ni los problemas narrativos, al contrario,
debatiéndose entre la miseria económica y la
allí donde se encuentra sujeto a unos abundantes
miseria
textos de apoyo y a unos diálogos constantes que
problemas del país a golpe de tertulia en el café o
podrían limitar su dibujo, parece que se creciera
alrededor de la mesa camilla. Mientras España se
en buscar las mejores soluciones gráficas.
desgarraba en facciones y banderías que acabaron
Técnicamente,
Kim
está
impresionante.
intelectual, resolviendo los grandes
por resolverse en una guerra incivil. O, tomando Así, el lector se encontrará con que Kim le ha facilitado, con su lenguaje gráfico, la más perfecta representación posible de la vida y el mundo de Antonio Altarriba Lope. Su dominio del dibujo se
otro ejemplo, si bien apenas es necesario puesto que todo el libro es ejemplar, la claridad y justeza con que ambos autores nos muestran el trapicheo,
el estraperlo, el mercado negro y todos los
Kim se ha traducido en una obra coherente, que
negocios sucios a los que los españoles hubieron
comunica perfectamente, que nos cuenta una
de recurrir en la postguerra franquista, unos para
historia adulta, que se articula mediante un
poder comer y otros para enriquecerse e integrarse
conjunto
en la nueva clase dirigente del país. Y es Kim
información previa por parte del lector, en tanto
quien pone cara a los españoles de antes y de
que se incardina profundamente en el hecho
después de la guerra, y siguiendo el texto de
cultural.
Altarriba
se
recrea
en
diseccionar
de
referencias
que
exigen
una
sus
comportamientos, sus actitudes y los hechos resultantes de la mediocridad de aquella sociedad. Es así como a través del dibujo vemos y podemos comprender cómo la guerra acentuó lo peor del “genio de la raza”, haciendo retroceder varias décadas la vida de los españoles, a los que convirtió de ciudadanos en súbditos, cuando no en esclavos de los vencedores. Hasta el punto de que es posible que sin Kim no llegaríamos a visualizar con tal justeza el terrible descarnamiento moral de la España eterna que Altarriba retrata en su libro. En suma, la importancia de El arte de volar se
Ahí radica la última clave del porqué esta obra
deriva de todo lo anterior y de cómo, por vez
marca un hito en el desarrollo de nuestra historieta
primera, según mi conocimiento de la historia del
como una narrativa adulta, en que El arte de volar
cómic español, esta obra se dirige deliberada y
es cultura. Y si no fuera por sus otros muchos
definitivamente, de forma exclusiva, a un público
merecimientos, ya solo por esto habría que
maduro mentalmente, a unos lectores que no leen
destacarla del conjunto y del total de la historieta
por simple entretenimiento, con una historia que
española. Su categoría argumental y gráfica, la
tiene la dimensión y la textura de una novela. Y
calidad y complejidad del relato en su conjunto,
que no importa si se encuentra escrita según un
hacen que este libro se inscriba por derecho
código literario hecho de signos escritos o, como
propio entre las grandes relatos de los últimos
es el caso, se ha escrito mediante el código
años. Estamos ante una obra magistral que
expresivo propio de la historieta. Porque lo que
recupera la historia de los españoles y que hará
cuenta es que el trabajo conjunto de Altarriba y
Historia.
MATHIAS MALZIEU Y SU CORAZÓN DE CUCO
Por Blas Si hablo de Mathias Malzieu, puedo estar
Cuando se habla de este libro, tampoco se le
refiriéndome a dos personajes distintos reunidos
define como novela, ya que realmente no lo es,
en una misma persona. Puedo estar hablando del
más bien se trata de un cuento, pero un cuento
cantante del grupo de rock francés Dionysos, cuya
para adultos. Lo mismo puede decirse del último
trayectoria en Francia es ampliamente reconocida,
libro del mismo autor, recién publicado: La
o del escritor de una de las novelas más conocidas
Alargada Sombra del Amor. Ambos son unos
en todo el mundo desde el mismo momento de su
cuentos maravillosos, repletos de fantasía y
publicación: La Mecánica del Corazón.
sentimientos, donde sumergidos en un mundo irreal, nos conduce por la realidad de la existencia. Sin duda, lo primero que nos llama de estos libros, es su increíble portada, principalmente porque han sido ilustradas por Benjamin Lacombe, un artista reconocido cuyos dibujos son dignos de ser expuestos en cualquier museo. Su particular estética elegante, romántica y fantástica, nos sumerge en el ambiente casi Burtoniano (término escogido por mí para referirme a la estética empleada en sus películas por Tim Burton), antes de abrir las tapas. Desde ese momento, ya estamos preparados para introducirnos en el mundo creado por Malzieu y sus inolvidables personajes.
En lo que se refiere al argumento de ambos libros, La Mecánica del Corazón podría ser la clásica historia de chico quiere a chica, se enamoran y buscan juntos el amor. Pero no es tan simple. Fundamentalmente, porque el protagonista, Jack, nace con un problema de corazón y para que viva le implantan un reloj de cuco que haga sus funciones. Pero para que no le falle, el reloj de cuco necesita de unos cuidados específicos, fundamentalmente, que domine sus emociones, y entre las grandes prohibiciones se encuentra la de no enamorarse jamás, puesto que los sentimientos que el amor puede provocar pueden llegar a matarlo.
Por
supuesto, Jack se enamorará de una joven andaluza de ojos negros miope y la seguirá durante años hasta encontrarla. Lo que ocurre tras el encuentro de los amantes es mejor leerlo en este precioso libro. En
La
Alargada
Sombra
del
Amor,
los
protagonistas son Mathias, que pierde a su madre con gran dolor, y Jack, el protagonista del cuento anterior. En este nuevo libro, Jack es un gigante con ciento treinta años a sus espaldas, doctor en sombrología, y se dedica a prestar trozos de su sombra a quien lo necesite, para que pueda refugiarse en ella y así no se sienta desprotegido y solo, hasta que con el tiempo pueda superar la pérdida del ser querido y poder seguir adelante con su vida. En este caso el necesitado será Mathias. Aunque por lo comentado lo parezca, no es un libro triste, al contrario, es un libro lleno de esperanza y tan bello como el primero.
COCINA CON RIESGO Por Remi Riesgo
Pastel de requesón
Ingredientes para 4 personas
200 grs. de requesón 50 grs. azúcar 25 grs. harina 25 grs. de nata liquida 1 huevo Limón
Elaboración:
Mezclamos todos los ingredientes menos el limón en un bol y batimos con las varillas hasta tener una masa homogénea y sin grumos. Agregamos unas gotas de limón y seguimos batiendo suave durante 5 minutos. Untamos un molde para horno con mantequilla y echamos la mezcla en él. En el horno precalentado a 170º metemos el pastel durante 30-35 minutos. Esperamos a que esté templado para desmoldar y servimos bañado en nuestra mermelada favorita.
Tiempo de elaboración: 5 minutos Tiempo de cocción: 30-35 minutos Dificultad: fácil Calorías por persona: 165 Kcal
Sugerencias: Para aquellos que quieran hacer el pastel más ligero, se recomienda sustituir el azúcar por edulcorante y la nata por yogur.
FANTASIA S.A., un C贸mic de EDMOND
CONTINÚA EN LA PÁG. 38
EDMOND: EN AQUELLA EPOCA NO ERA POSIBLE REALIZAR EN NUESTRO PAIS UN PERSONAJE EUROPEISTA, DEMOCRATA, PACIFISTA Y NACIDO EN MI TIERRA… tales como dibujar en cómic series televisivas de la época. Es el caso de Bonanza, Bronco o Rin Tin Tín.
Pasaría luego a revistas de la talla de
Pulgarcito, DDT, Mortadelo o TBO. También en España, ha trabajado para las llamadas “revistas femeninas” de la época, como Sissi, Celia, o años más tarde, Sindy. En el extranjero es conocido por haber llevado su trabajo a publicaciones británicas como Adares Anglians o Tyler the Tamer; publicaciones holandesas, en el caso de Meta de Bokesprong o Mimi. Edmond sucedió a Purita Campos en su serie Tina en la revista del mismo nombre. Ha trabajado para el mercado francés, con Brigade Temporelle; en el danés, ilustrando libros de la serie Egmont y en America, en el caso de Goleen Books.
Una entrevista de Javier Mesón con
Además de dibujar cómics e ilustrar cuentos,
introducción de Blas.
también ha trabajado como pintor de carteles de películas, así como dibujante de los fondos de
Edmundo Fernández Ripoll (Barcelona 1938),
algunos dibujos animados.
mundialmente conocido como Edmond, es uno de los autores de comic más relevantes de los años
En la siguiente entrevista, realizada por Javier
sesenta y setenta, aunque ahora tenemos la suerte
Mesón, responsable del blog especializado en
de ver de nuevo reeditada su obra más
cómics
emblemática gracias a Glénat, Jan Europa, de la
(http://coleccionistatebeos.blogspot.com) y que
que es tanto escritor como ilustrador.
quizá muchos de nuestros lectores conozcan por
El
Coleccionista
de
Tebeos
su Prólogo para el tomo 7 de la reedición de Sin embargo, desde que entrara en la Editorial Bruguera en 1959, primero como publicista y luego, tras dejar constancia de su habilidad para la ilustración, como creador, llevó a cabo trabajos
Esther y su Mundo, Edmond se afianza en su idea de dibujar lo que le gusta y más le apetece…
Siempre he sido un admirador de la obra de
-¿Qué autores del Noveno Arte le han
Edmond (Edmundo Fernández Ripoll, 1938,
influenciado más en su carrera?
Barcelona), un autor con un estilo gráfico maravilloso, con obras en su haber como
De niño era un lector voraz de todo lo que caía en
Supernova (con guión de Víctor Mora), Dr.
mis manos, hasta que un día, en una tienda de
Impossible, Tela Visión, Fede y su colegas o Jan
lance, encontré una revista que me abrió un
Europa, esta última una de sus mejores obras
mundo
(publicada
revista
“Aventurero” en la que vi., por primera vez,
Mortadelo), que recientemente ha reeditado
dibujos de Alex Raymond, Milton Canif, John
Ediciones Glénat.
Cullen Murphy, etc. Y quedé asombrado por su
inicialmente
en
la
nuevo.
Se
trataba
de
la
revista
enorme calidad. -¿Cómo definiría su estilo gráfico?
Después, al hacerme mayor y profesional, he tenido la suerte de convivir con grandes
Naturalmente, a mi edad, mi estilo es clásico,
dibujantes que me marcaron: Antonio Bosch
aunque siempre he dibujado con un estilo distinto
Peñalva, Manfred Sommer, Alfonso Font,… y la
si se trata de fantasía y aventuras, historias para
lista sería interminable.
colegialas o de humor. En las primeras podemos incluir Jan Europa o Dr. Impossible. En las
-Dentro del apartado gráfico, ¿cómo plantea el
segundas Sindy o Tina; y por último, en las de
concepto de cada página?
humor, “Telavisión”, “Fede y sus colegas”, “Cinemateca”, etc.
Si el guión es mío procuro centrarme en una viñeta que tenga impacto y mover las otras a su alrededor,
como
si
fuera
una
escena
cinematográfica, de planos y contraplanos. Si el guión no es mío naturalmente he de seguir la historia del guionista, pero de un modo parecido. El Cómic es lo más parecido al cine. -¿Cómo recuerda su etapa en Editorial Bruguera? Hay varios motivos para decir que fue una de las mejores de mi vida. En primer lugar éramos jóvenes y compensábamos la falta de experiencia con la ilusión. Yo empecé mi colaboración con la editorial llevando el estudio de Publicidad, lo que me dio un contacto directo y humano con la mayoría de redactores
y
empleados
de
distintos
departamentos. Entre todos ellos, y los dibujantes
personajes, el escocés David Mcintyre, me lo
y guionistas, se estableció un tipo de amistad más
inspiro un amigo de mis padres que, en realidad
parecido a una familia. Editorial Bruguera me
era alemán y visitaba asiduamente nuestra casa.
dio dos de las cosas más importantes de mi vida:
Casi todo el mundo piensa que los alemanes eran
un trabajo apasionante que ha llenado mi vida y
todos Nazis, pero no era así. Nuestro amigo, se
algo más importante
llamaba Luis Yute, era antinazi y el jefe del
aún, que
no puede
comprarse con dinero; mis mejores amigos.
contraespionaje aliado en Barcelona. Yo tenía entonces seis años, me sentaba en sus rodillas y le oía contarme aventuras como si fueran cuentos. Años después, en un programa de Radio Barcelona, narraban historias de espionaje de la 2ª Guerra Mundial, muchas de las cuales yo ya conocía pues me las había contado Luis. -Ha estado trabajando para el mercado holandés durante 36 años en la revista Tina ¿Cómo definirías esta etapa gráfica en su vida? ¿Qué personajes ha desarrollado? Cuando empecé a trabajar para Bruguera lo hice dibujando historias para colegialas. Después, a través de “Creaciones Editoriales”, la Agencia de Bruguera para el extranjero, seguí dibujando este tipo de historietas para revistas inglesas, escocesas y más tarde la holandesa Tina para la que he trabajado hasta el día de hoy.
-Jan Europa es uno de tus personajes más queridos por sus aficionados ¿cómo surgió el personaje? ¿En qué se inspiró?
Aparte de mi amistad con los redactores de Bruguera, algo parecido sucedió con los distintos editores de Tina que conocí, y para los que
De niño leí las novelas de Karl May sobre Old Shaterhand. Novelas del Oeste cuyo protagonista nunca mataba a sus enemigos. Supongo que esto influyo en mi personaje. Durante el famoso Mayo del 68, con la revuelta estudiantil, yo estaba haciendo las primeras sinopsis de Jan Europa. Debía ser un pacifista, europeísta y demócrata, naturalmente, en una época en que, en nuestro país, aún mandaba la dictadura. Otro de los
trabajé durante tantos años. Con la mayoría de ellos mantengo una buena amistad a pesar de que dejaron este trabajo, en algunos casos, hace ya un montón de años. Para ellos he realizados todo tipo de series de colegialas: “Mimi”, “Elsje de Windt”, “Sas en Lies”, “Tina en Debbie”, y muchas más.
-De entre todos sus trabajos ¿cuál definiría
Tal vez estas últimas que he nombrado. “Fede y
cómo el más conseguido?
sus colegas” se publicó en El TBO, y empezó con guiones de Jaume Ribera pero que continué yo en
Sin duda el que más me gusto hacer fue “Jan
más de la mitad de cuantos se publicaron.
Europa”, pues además de la fantasía, pude añadir
“Cinemateca” y “Telavisión”, también con
muchas de las cosas que, en aquella época, no era
guiones míos tenían un estilo muy diferente a lo
posible realizar en nuestro país: un personaje
que hacía de fantasía y aventura.
europeísta, demócrata, pacifista y nacido en mi tierra, en Cadaqués. En cuanto a historietas para colegialas, la serie “Sindy” la realicé con mucho humor (me reí mucho mientras la escribía), y cuidé mucho tanto el dibujo como el color. Tuve la suerte de que se editó con muy buen papel y mejor impresión.
-Hay tres historias de Jan Europa sin finalizar, ¿qué nos podría avanzar de esas historias? ¿Hay planes para su publicación? La otra historia de fantasía que dibujé con guión propio fue “Dr. Impossible”; un personaje mezcla de fantasía y serie negra. En estas tres historias En cuanto a series de humor me gustó mucho hacer “FEDE y sus colegas”,”Cinemateca” y “Telavisión”.
que no llegué a dibujar, junté a los dos personajes para vivir unas aventuras que transcurrían en Barcelona y, en el pasado, en la 2ª Guerra Mundial, donde vemos como Jan conoció a la
-¿Qué material de su obra te gustaría ver reeditado en la actualidad?
famosa aviadora Amelia Earhart, la primera mujer piloto que dio la vuelta al mundo en
aeroplano y que desapareció en pleno océano.
-Y para acabar, ¿por qué recomendaría a los
Naturalmente en mi historia no es así, sino que
lectores la compra de Jan Europa?
junto a Jan Europa intentan evitar la entrada del Japón en la Guerra. Naturalmente la única
A mí me gustaría que si pasan por una librería y
posibilidad de que lleguen a publicarse es que las
ven los álbumes de Jan Europa les den una
ventas de los tres álbumes sean tan buenas que el
ojeada. Si les gusta ya es cosa suya si les interesa
editor quiera repetir con un cuarto.
lo suficiente para comprarlo o no. Si lo hacen, ya les doy mi agradecimiento de antemano. Vivimos en un mundo en que por desgracia quien manda es el dinero: a mí me gustaría poder hacer una enorme edición y regalarlo.
Dr. Impossible
-¿Qué nuevos proyectos tiene actualmente? Estoy esperando hace algún tiempo el guión de una historia de futbol para realizar un álbum de “Juanito”, el novio de Esther, pero parece que han surgido problemas que lo están retrasando. Pero si no hago historietas, pintaré retratos, desnudos
femeninos,
fondos
para
dibujos
animados; en fin, cualquier cosa que me guste hacer, como he hecho toda mi vida.
Daños Colaterales
MANUALIDADES A TODO RIESGO Por Susana Riesgo
FIGURAS PARA EL ÁRBOL DE NAVIDAD
Adelantándonos a las fiestas navideñas y con tiempo de preparar todos los detalles para decorar de manera original y creativa nuestro hogar, este mes os propongo una forma fácil y rápida de hacer vistosas figuritas para nuestro árbol. Los materiales a utilizar son: una pistola de cola caliente, barras de cola transparente o translúcida, folios de papel, film transparente de cocina y cordón fino. Para hacer el ángel, haremos un cono de papel, y cubriremos el exterior del mismo con film transparente. Con la pistola caliente, empezaremos a cubrir el cono, haciendo líneas y curvas que se entrelacen. A los pocos minutos, y una vez seca la cola, sacaremos el cono hecho de cola, Eliminando con cuidado el film que se pudiera haber quedado pegado. Ya tenemos el cuerpo del ángel.
Sobre una superficie lisa (preferiblemente de cristal o mármol) ponemos los motivos dibujados: un ala, la cabeza y el aro. Lo cubrimos de una capa de film y empezamos con el ala: cubriendo todo el contorno con la cola caliente, y rellenando el interior de la misma forma que el cuerpo (Repetimos la operación para hacer la 2ª ala). Para la cabeza cubrimos por completo un pequeño círculo y para el aro trazamos solo el contorno de otro.
Una vez frías, separamos cuidadosamente todas las piezas y las unimos al cuerpo (cono) aplicando pequeños puntos de cola caliente donde van a ir situadas las alas, la cabeza (en la cúspide) y el aro (sobre la parte posterior de la cabeza). Por último le colocamos en la zona alta de la espalda un pequeño cordel para poder colgarlo. Siguiendo el mismo sistema de las alas, podemos crear motivos con diversas formas: estrellas, copos de nieve, corazones y todo lo que se nos pueda ocurrir. SUGERENCIAS: Se pueden utilizar barras de cola de distinto colores para hacer diferentes motivos. Podemos dejar que los niños colaboren decorando las figuras con purpurina de colores, que quedará pegada si aplican antes un poco de pegamento de barra por la superficie de las figuras.
ROSA: NUEVA COLABORACION EN NUESTRA REVISTA Muchos conoceréis la web Rosaspage.com. A
desde el mes de octubre de 1987, fecha en que la
partir de este mes, su responsable y autor del
dibujé por primera vez.
cómic Rosa publicará desde estas páginas este cómic que surgió en 1987 y que desde 2001 acompaña dicha web de contenidos de diversa índole: allí podréis encontrar desde historia de conocidas marcas de juguetes a libros, autores, grupos musicales… Su autor, además, ha editado algunos libros, entre ellos Exin, Fábrica de Sueños,
Clicks
de
Playmobil:
Historia
y
evolución o Nuestros Amigos de Parchís. Según su autor “Rosa continuaría muy presente en cómics, relatos e incluso en forma de Pin Up. Sus contenidos aparecían esparcidos por las diversas secciones en las que se fue dividiendo la web”.
Si en aquella época me hubiesen asegurado que Rosa llegaría a ser leída en cualquier parte del mundo, lo más seguro es que me hubiera echado a reír. No obstante, precisamente ese mismo mes de octubre de 1987 empecé a estudiar programación de ordenadores, sentando unas sólidas bases que me
permitieron
primero
crear
y
después
evolucionar a Rosaspage.com. Considero que Rosa es un personaje que todavía tiene mucho que decir y que probablemente todavía no ha llegado a la madurez. Por el momento
sus
historias
pretenden
hacer
reflexionar aunque sin forzar a nadie a ello. Ni en
Rosa ha sido en muchas ocasiones una excusa
su día Rosa fue una niña listilla como Mafalda ni
perfecta para investigar nuevas soluciones en
actualmente pretende dar consejos a nadie.
Rosaspage.com o probar nuevos productos: el
Tampoco es un personaje humorístico aunque el
primer título de Biblioteca Rosaspage fue un
humor es un excelente vehículo para comunicar
álbum recopilatorio de cómics titulado Los
historias, siendo utilizado asiduamente en sus
avatares de Rosa.
aventuras.
Con
una
Rosaspage.com
cada
vez
más
consolidada e incrementándose el número de visitas
diarias,
una
sección
dedicada
exclusivamente a Rosa se hacía cada vez más sugerente para este modesto servidor, pues en cierta forma sería un regreso a los orígenes de la web, aparte que ayudaría a potenciar la imagen
Rosa es el reflejo de un pedazo de sociedad actual, de aquella que siempre dice que antes se vivía mejor aunque se deja sorprender por los avances
técnicos
en
ocasiones
totalmente
prescindibles. Es un carácter con defectos aunque con muchas virtudes, exactamente igual que usted o yo.
de Rosa tanto en la web como fuera de ella.
Espero sinceramente que esta ilusión y pasión por
Como padre de la criatura evidentemente solo
el personaje se refleje en sus aventuras.
tengo elogios hacia este personaje, un ser de tinta y papel con quien llevo conviviendo diariamente
ROSASPAGE
75 ANIVERSARIO DE DC COMICS Por Mª Elena Rodríguez Hdez. Siempre es bienvenida cualquier tipo de actividad involucrada con el mundo del cómic, aunque ésta sea de escasa envergadura.
Este mismo mes la FNAC ha contribuido con la organización (en su edificio de la madrileña plaza Y es que cualquier excusa es buena para contribuir
de Callao) de una pequeña exposición dedicada a
al despegue del género, que para alegría de sus
una de las principales editoriales del sector: DC
seguidores está cada vez más en boga.
Cómics. El gigante estadounidense, fundado en 1937, se ha convertido en una de las compañías más importantes a nivel mundial. Su nombre (DC) obedece a la abreviatura de Detective Comics, uno de los primeros títulos publicados y que aún hoy, 800 números después, continúa apareciendo mensualmente en el mercado, convirtiéndose así en una de las publicaciones más largas de la historia.
En 1938 se arriesgaron con la publicación de
Como colofón, el próximo sábado 30 de octubre
historias de superhéroes; todo un acierto porque el
se ha convocado a las 18:00 un concurso de
éxito obtenido fue rotundo. Del proyecto surgirían
disfraces. El ganador de cada ciudad recibirá un
personajes como Superman, Batman, La Mujer
lote de productos DC y el ganador nacional
Maravilla,… que pronto dieron paso a nuevos
conseguirá un viaje a Nueva York para 2
géneros como la ciencia ficción o el western.
personas.
La cuna de los superhéroes más famosos del
Más información a través de su página web:
mundo ha servido también de inspiración para el
www.fnac.es
7º
arte,
series
televisivas,
videojuegos…
convirtiéndose en un auténtico filón.
Entre las láminas expuestas, se encontraban ejemplares de numerosos títulos: Titans (1999), Teen Titans (1985), Batman (1992), Superman vs Aliens (1995), Green Lantern (2006), Our Army Hoy, 75 años después, llega hasta nosotros una
at
selección de 20 originales: páginas, portadas y
(1997)… hasta completar un total de 20
dibujos dedicados que han sido expuestos entre el
originales.
1 y el 10 de octubre.
War (1952),
Kamandi
(1974), Legends
Al detenerse a contemplarlas con detalle, se puede
El día de la inauguración se contó con la presencia
observar el cambio experimentado en el tipo de
del ilustrador BIT, que ofreció una sesión de
dibujo, advirtiendo la evolución desde aquellos de
dibujo. Y conjuntamente se
están realizando
los años 50 y 60 (generalmente con trazos más
actividades paralelas a lo largo de todo el mes,
sencillos y menos profundidad) a los más
como la proyección de películas animadas y
recientes (más ricos en detalles y por lo general,
reales.
más elaborados y con un colorido que abarca más matices).
Otra cosa que llama la atención es que, si bien en los años 50 los bocadillos o globos se dibujaban directamente en la viñeta, con el tiempo éstos son recortados y pegados sobre ella, de modo que permita una mayor versatilidad a la hora de decidir en qué lugar colocarlo, permitiendo incluso cambios de última hora.
Y resulta curioso poder apreciar de cerca el desarrollo y montaje de los bocetos, incluyendo las correcciones: en unos casos se recurre directamente al Tippex, mientras que en otros se cubren los errores con cinta blanca, para después sobrescribir o dibujar encima. En resumen, una forma estupenda de conocer un poquito mejor los entresijos de la creación de un cómic.
Japón vive el manga Por Elphaba
El vocablo japonés manga significa literalmente
Dado que el manga se ha hecho un pequeño hueco
“garabatos”, y su uso comenzó a popularizarse
en números anteriores de esta revista, y que desde
para designar este tipo de viñetas a partir del siglo
aquí siempre intentaremos dar a conocer cómo se
XVIII, siendo un siglo más tarde cuando el autor
vive la pasión del Noveno Arte en cualquier
Rakuten Kitazawa empezaría a emplear el término
rincón del mundo, creo que conviene hacer parada
con su significado moderno para referirse
y un repaso a fondo para dar a conocer algunas
genéricamente a la historieta, aunque en la
peculiaridades de la cultura del manga en Japón,
actualidad
que no en vano es la industria del cómic que más
específicamente japonés.
es
como
se
conoce
al
cómic
vende y más éxito tiene a nivel mundial. El grabado japonés y los “garabatos”.
Inesperadamente, los orígenes más primarios del manga se encuentran ligados a la conocidísima imagen del grabado “La gran ola de Kanagawa”, de Katsushika Hokusai. Y es que en este tipo de arte gráfico japonés tradicional, llamado ukiyo-e, evolucionado e influido posteriormente por la
Página del primer manga de la historia, de Rakuten Kitazawa
historieta occidental de la primera mitad del siglo XIX, aun en periodo Edo, se encuentran los cimientos de lo que conocemos hoy día. Sin embargo, ya en el siglo XI encontramos dibujos satíricos con ciertas características propias de la viñeta japonesa.
Las temáticas eran de lo más variadas, pero es en la década de los 20 del siglo XX cuando surge con fuerza el kodomo manga o cómic infantil, que resultó ser uno de los filones más populares y rentables. En las primeras historietas el texto era escaso o nulo, y la narración se cimentaba básicamente en
el poder evocador del dibujo, hasta que fue en los
inherente a una buena parte del cómic japonés. El
años 30 cuando se introdujo el uso del bocadillo.
grandísimo éxito cosechado daría pie a la primera
El germen del manga actual. Pero el manga moderno tal y como lo conocemos
revista infantil dedicada íntegramente al manga, donde surgiría el clásico personaje de Atom, o Astroboy, como lo conocemos en occidente.
hoy día surgió a partir de 1945, tras la Segunda Guerra Mundial. Como en la mayoría de las grandes guerras, la tremenda destrucción viene seguida de la gran necesidad de divertimentos y medios de evasión de la población, y se produce un boom de artistas en el género. Asimismo, la precaria situación económica del país propició que surgieran formas baratas de difundir este arte, surgiendo más de treinta mil centros de préstamo similares a bibliotecas que producían sus propias publicaciones, además de los conocidos libros rojos, que eran volúmenes de muy bajo precio y calidad de edición, y que sirvió de trampolín para los nuevos creadores renovadores del género. Paralelamente
a
este
fenómeno
dirigido
mayoritariamente al público infantil, se desarrolló otro estilo de manga más realista, estética y argumentalmente
hablando,
introduciendo
temáticas muy diversas con contenido enfocado al lector adulto, tales como el terror, el crimen, la política, la historia o el erotismo.
Portada de un “libro rojo” para niños de Osamu Tezuka, y tira de Sazaesan
Es en esta época en la que se da a conocer gente como Machiko Hasegawa, autora de la tira clásica Sazae-san, y Osamu Tezuka, también conocido como el padre o el dios del manga moderno, pionero en el estilo gráfico y narrativo
A finales de los cincuenta, Yoshihiro Tatsumi bautizaría a este estilo de cómic como gekiga, literalmente imagen dramática, en un intento de
desmarcarse de los creadores de “garabatos”, considerados poco serios por algunos sectores. Este término suponía una diferencia similar a la que solemos apuntar entre cómic y novela gráfica, y fue adoptado posteriormente por otros autores de manga o mangakas.
A cada lector, su tipo de manga. De esta forma los géneros y subgéneros se multiplican y se puede decir que cada tipo de público potencial encuentra un estilo de manga adecuado a su edad y/o a sus intereses, aunque como en ocurre con los géneros literarios o cinematográficos,
todo
es
una
mera
generalización, ya que más que géneros, algunas etiquetas se refieren más a sectores de público potencial que a otra cosa, y la realidad es que hombres y mujeres leen manga masculino y También entra pisando fuerte el manga destinado
femenino indistintamente.
al público femenino, ante la necesidad del mismo de encontrar historias con las que identificarse
Dentro
plenamente. Así, a finales de los años sesenta
básicamente dos grupos por edades: shōnen y
surgió el Nijūyo-nen Gumi o grupo del año 24,
seinen.
compuesto por una serie de autoras denominadas
El shōnen manga es posiblemente el más popular
así dada la coincidencia de que muchas de ellas nacieron en el año 24 del periodo Shōwa, 1949 en nuestra cronología. Estas mujeres marcaron la consolidación como género del shōjo manga, o manga para chicas.
del
manga
masculino
encontramos
dentro y fuera de las fronteras niponas. Está dirigido fundamentalmente a chicos adolescentes, y en sus tramas abunda la fantasía, la aventura o la acción con protagonistas masculinos como el joven boxeador de Ashita no Joe, u otros éxitos
que nos sonarán como Dragon Ball o Naruto,
Algo similar sucede con el manga para mujeres.
convertidos
En el shōjo manga encontramos el equivalente
en
clásicos
de
las
últimas
generaciones.
para chicas del shōnen, con heroínas femeninas, frecuentes tramas románticas (¿quién no recuerda a Candy Candy?) y, en ocasiones, también elementos mágicos, como en Sailor Moon o Card Captor Sakura, mientras que en el josei manga son las lectoras adultas las que tienen a sus propias
heroínas
viviendo
situaciones
más
realistas de la vida cotidiana o convirtiéndose en sus álter ego en títulos como Nana, Nodame Cantabile o Kimi Wa Petto.
Las temáticas seinen se tornan más serias y más maduras, como en la celebrada obra de Jirō Taniguchi, El almanaque de mi Padre, pudiendo mostrar más crudeza en cuanto a violencia explícita o sexualidad, lo cual no implica que la violencia o el erotismo sean el elemento definitorio de este subgénero. Dentro del seinen es donde se puede englobar actualmente el gekiga. Por supuesto esta división es una tremenda simplificación, puesto que los subgéneros a menudo se solapan, guardando unos elementos de otros,
incluyendo
comedia
o
drama
indistintamente. Las temáticas versan de asuntos tan variados como pueda hacerlo la literatura universal y a cada obra pueden aplicársele un buen abanico de etiquetas. El yaoi y el yuri tocan la homosexualidad
masculina
y
femenina
respectivamente, el hentai es el puramente pornográfico mientras que el ecchi define a las historias humorísticas con contenido erótico menos explícito, el jidaimono versa sobre materias o trasfondos históricos, mientras que el
género mecha nos ha aproximado siempre a las
pueden ser alrededor de veinte en uno de sus
populares aventuras sobre robots que recordamos
números, alguna de las cuales pueden continuarse
de nuestra infancia, como Mazinger Z. Eso solo
durante varias décadas. El record en antigüedad lo
por mencionar algunas de las decenas de formas
tiene la comedia policiaca Kochikame, que lleva
de clasificar una de estas obras gráficas.
editándose desde 1976, con más de 1600 capítulos publicados.
La aparición de las grandes revistas. El comienzo de esta gran diversificación coincidió a partir de los años sesenta con el comienzo del apogeo de las grandes editoriales como Kodansha o Shueisha en el mercado de las revistas. La demanda creciente hace que se multiplique vertiginosamente el número y la variedad de publicaciones dedicadas íntegramente a manga, y la periodicidad pasa en muchos casos de mensual a semanal. Estas revistas son gruesas publicaciones de cuatrocientas o quinientas páginas, parecidas a una guía de teléfonos, tanto por su tamaño como por la baja calidad de papel y de impresión, sacrificadas al igual que el color debido a la elevadísima velocidad de producción y los escasos tiempos de entrega, ya que están al fin y al cabo destinadas a ser desechables, como un periódico.
Viñetas de Kochikame, el manga más longevo de la historia
Posteriormente, las series que tienen más éxito se editan en tomos recopilatorios coleccionables de unas doscientas páginas cada uno. Este formato llamado tankōbon, encuadernado en rústica, con diseños de portada más cuidados, de menor tamaño y mejor calidad de papel, es el que suele exportarse internacionalmente y el que vemos por lo general en nuestras librerías especializadas.
Revistas Shōnen Jump listas para reciclar
En cada número incluyen varias páginas con nuevos
capítulos
de
las
series
que
estén
publicando simultáneamente en ese momento, que
Portada de un tankōbondel manga Slum Dunk
De este modo, por el módico precio de 240 yenes
Pero frente al liderazgo de las revistas destinadas
(aproximadamente unos dos euros, según el
a chicos jóvenes, éstas también tienen su versión
cambio de moneda) los lectores pueden seguir
seinen, josei o shōjo, como la revista Ribon o
semanalmente muchas historias al mismo tiempo,
Margaret, cuna de Hana Yori Dango, Raqueta de
pudiendo tener posteriormente la opción de reunir
Oro, La Rosa de Versalles, o Marmalade Boy.
y conservar la colección de su serie favorita si así lo desean. Actualmente el volumen de dinero que mueve el manga,
y
dentro
de
él
las
revistas
de
especializadas (alrededor de doscientas cincuenta diferentes en Japón), es una parte más que destacable de la economía del país. La gran estrella de todas ellas es sin duda la Shōnen Jump semanal, de la editorial Shueisha, que vende tiradas semanales que alcanzan los 3 millones, rebasando cifras que verdaderamente quitan el hipo con números como el especial de Año Nuevo de 1995, que superó los 6.5 millones vendidos. A la Shōnen Jump pertenecen varias de las series de más éxito comercial de la historia, como Dragon Ball y One Piece, publicadas en España por Planeta deAgostini, Slum Dunk, editada en nuestro país por Ivrea, o Capitán Tsubasa (cuyos protagonistas fueron rebautizados aquí como Oliver y Benji) publicado por Glénat, siendo este
El manga como fuente de inspiración.
semanario el más fiero competidor de la Shōnen
Un ejemplo de la trascendencia que tiene el manga
Magazine de la editorial Kodansha, origen de otro
en la sociedad japonesa es su utilización como
buen puñado de cómics clásicos.
fuente inagotable de material adaptable a otros medios tales como la literatura, videojuegos, cine o televisión, especialmente estos dos últimos. Los directores se frotan las manos si pueden hacerse con un guión basado en alguno de los manga más aclamados, y los actores más populares aspiran a hacerse con alguno de los personajes.
Ambas artes, el manga y el anime, son medios No obstante fue la adaptación animada del manga
diferentes e independientes, aunque unidos por un
la que supuso la dispersión del cómic nipón por
estrecho lazo. Ambas logran una gran notoriedad
todo el mundo. Aunque las primeras películas de
entre la población.
animación japonesa datan de 1917, en los años 60 es cuando el anime forja su estilo particular,
Manga en las calles.
creciendo de la mano del cómic, hasta llegar al
Pero aunque el manga es de consumo cotidiano
gran salto internacional en la década de los 80,
por públicos de todo tipo, los más aficionados
cuando empezaron a arribar a nuestras pantallas
tienen sus propias mecas, e incluso algunos
decenas de series de televisión como la mítica
distritos en los que se “respira” su influencia.
Mazinger Z, probablemente el primer éxito en nuestro país venido de aquellas tierras, o la distribución en cines de todo el mundo de la película Akira, basada en el manga homónimo de Katsuhiro
Otomo.
Prácticamente
toda
esa
generación de niños hemos crecido con series de animación o anime japonés, y eso sin duda sembró una semilla que ha contribuido a la expansión del manga.
Entrada de una de las tiendas Mandarake
Grandes establecimientos como los de la cadena Mandarake, con una decena de tiendas repartidas por el país, con varias plantas cada una, y largos pasillos llenos de vitrinas y estanterías, se convierten en punto de encuentro para gente desde el simple aficionado hasta el coleccionista más fanático.
Asimismo, la huella que deja el manga queda patente en la moda, el mobiliario urbano, e incluso en monumentos conmemorativos, haciendo gala del orgullo y el cariño que los ciudadanos vierten hacia muchos personajes. Estanterías al aire libre de Mandarake en Osaka
Sin
duda
un
éxito
tan
arrollador
debe
aprovecharse y potenciarse en beneficio de la sociedad. Y para muestra un botón. En 2008 el Ministerio de Asuntos Exteriores de Japón nombró a Doraemon embajador cultural. Este personaje, cuyas historietas y serie animada de televisión cumplieron cuarenta y treinta años en activo respectivamente, y cuyas nuevas películas se estrenan
anualmente
desde
1980,
“recibió”
solemnemente dicho nombramiento asegurando que esperaba ser un vehículo para transmitir a todo el mundo lo que los japoneses piensan, su estilo de vida y qué clase de futuro quieren construir.
Estatua de Lady Oscar y André en Takarazuka
Arriba y abajo, estatuas del poli Ryotsu en la estación de Kameari Figura del robot Gundam en Shizuoka, de dieciocho metros de altura
Siendo El joven boxeador de Ashita no Joe en un banco de las calles de Okinawa
Japón
tradiciones,
los
un
país
“garabatos”
de
arraigadas
indudablemente
forman parte de la idiosincrasia de esta cultura como demuestran multitud de manifestaciones diferentes en la vida cotidiana. La cuestión es, ¿es la sociedad japonesa la que ha influido en el manga o el manga en la sociedad japonesa?
Fotos: Elphaba,
Alepepino (www.pepinismo.net),
shunthebiker, Agencia EFE, y escaneos de sus respectivos autores. Incripción de homenaje a la amistad y al policía Ryotsu del manga Kochikame, frente a un templo de Asakusa, Tokio
XXXIV SALON INTERNACIONAL DEL COMIC DEL PRINCIPADO DE ASTURIAS Wendigo, que aprovecha este evento para hacer entrega de los Premios Haxtur. A lo largo de sus muchos años de vida, el Salón del
Principado
aproximadamente
ha
recibido
doscientos
la
visita
invitados
de tanto
nacionales como internacionales, alrededor de los cuales se han ido realizando diferentes charlas, mesas
redondas
y presentaciones.
Se
han
organizado más de cuarenta exposiciones muchas de ellas inéditas y algunas solicitadas por otras ciudades y certámenes de este tipo. Además de otros nombres ilustres en el mundo del tebeo español como pueden ser los de Ibáñez y Vázquez, también han visitado este Salón nuestras queridas Purita Campos (en tres ocasiones: 2002, 2004 y 2010) y Trini Tinturé (2003). Es en aquel año 2002 cuando la primera de ellas se da cuenta Por Geno Mesa
de que aún conserva un gran número de fans que
En 1972 nace en Gijón la primera edición del
disfrutaban
Salón del Cómic
personajes, que ella creía olvidados.
de Asturias con tanta
repercusión que en el año siguiente ya tiene relevancia internacional. Es el segundo más antiguo de Europa tras el de Lucca, en Italia. A pesar de haber cambiado de ubicación en diferentes ocasiones, celebrándose en Gijón, Sama de
Langreo
y
Oviedo,
y
con
diferentes
denominaciones, se ha llevado a cabo ya treinta y tres veces, puesto que no lo hubo ni en 1977, ni entre los años 80 y 83. También han sido varios los organizadores, ocupándose de él en las últimas ediciones la revista asturiana de cómic El
y
siguen
haciéndolo
con
sus
Suele celebrarse a mediados del mes de octubre y todas sus actividades, repartidas entre el Teatro Jovellanos y el Centro Cultural Antiguo Instituto de Gijón desde hace ya varios años, son gratuitas. Entre los días 12 y 16 del pasado mes se llevó a cabo la XXXIV edición que, aun disponiendo de un presupuesto un tanto inferior al de otros años, contó con un amplio número de invitados a la par que actividades como “Cómic en vivo” o la exposición “Blanco y el TBO”.
A lo largo de esos cinco días autores como José
mezclar técnicas al dibujar y que uno de los
María Blanco, Violeta Suárez o Gaspar Meana
artistas a quien más admira es a Hugo Pratt.
participaron en las distintas actividades que se
También que aún no hay fecha para el cuarto tomo
organizaban en el Centro Cultural Antiguo
de
Instituto.
compromisos televisivos de Carlos Portela.
las
Nuevas
Aventuras
debido
a
los
La nota discordante la puso una señora que, malinterpretando a Pura, la increpó por “meterse con los ingleses” cuando lo único que estaba comentando era que la editorial de aquel país para la que trabajaba no le había devuelto sus originales cuando los pidió. También es verdad que la señora en cuestión no tenía pinta de estar en condiciones de entender nada de lo que le explicaron hasta que la “invitaron” a abandonar el salón de actos. Y para cerrar el Salón, la entrega de los Premios Haxtur que recibieron entre otros el asturiano Gil Parrondo que no pudo recogerlo por una gripe, Jose María Blanco o Bryan Talbot, que ya va por el sexto. Tras ello, varios de los autores asistentes Y en su última jornada, charla-coloquio con Pura Campos, con la que volvimos a repasar su afición por la moda, su entrada en Bruguera y el nacimiento de su personaje estrella: Esther y su mundo. Pero también nos habló de sus otras chicas: Gina, cuyo guión salió de la mano y mente de su marido Paco Ortega, asistente también al Salón, y Jana, creada para Holanda, donde recibió el nombre de Tina y que estuvo publicándose hasta hace apenas dos años. En cuanto a su trabajo comentó que está restaurando al año unas 600 páginas para la reedición de las historias de Esther, que le gusta
dedicaron dibujos y cómics a los fans allí presentes hasta que las luces empezaron a apagarse, el Centro Cultural se cerraba y con él, el Salón del Cómic 2010.
Blanco y el TBO elegante Rolls Royce aparca delante del Banco
Por Geno Mesa El catalán José María Blanco Ibarz es un dibujante nacido en 1926 y que dedicó más de treinta años de su vida, desde la década de los 50 hasta bien entrados los 80 en que deja de publicarse, a
realizar ilustraciones para
el
semanario TBO, del cual se acaba adoptando el nombre como término para denominar a los cómics en España. Llegó a esto de la historieta buscando un segundo empleo que compaginar con el que tenía en la Banca, tras regresar de la mili. Como le gustaba el dibujo probó a llevar alguna creación a Bruguera y a la revista Garabatos de la editorial Toray. Es el dibujante Coll el que le sugiere que se pase por TBO donde es aceptado tras presentar unos guiones humorísticos, y de la cual ya no saldría.
donde trabaja el artista. El director de la entidad sale apresurado a recibir al que él creía sería un distinguido cliente que iba a realizar una gran inversión pero, para su asombro, el chófer le pregunta por Blanco. Venían de la editorial a pedirle que terminara urgentemente una página de Túnez que había caído enfermo y no la había podido terminar. Pero la afición al dibujo y su calidad al llevarlo a cabo le vienen de niño. Ya en el año 1938 una comisión rusa de cultura que pasó por el colegio donde José María estudiaba vio en él a un gran artista tras observar sus trabajos en una exposición que la escuela había montado con motivo de esa visita. Aunque intentaron llevárselo con ellos, su padre se opuso.
En todos esos años fue acumulando una
Tras el cierre del TBO, Blanco, a pesar de
producción de más de 3.000 historietas y casi
dirigirse a Bruguera, acaba por dejar la historieta
40.000 viñetas casi todas ellas para la revista antes
pero no el dibujo al que se sigue dedicando bajo la
mencionada. En los años ’70 se hizo cargo de la
forma de estampas populares a gran tamaño.
“Familia Ulises” sustituyendo a Marino Benejam, cuando éste cae enfermo.
En esta pasada edición del Salón del Cómic de Asturias este artista ha podido ver expuesta y el
Puede decirse que Blanco fue el dibujante
público ha podido disfrutar de una parte de su
comodín en TBO, puesto que gozaba de gran
obra original en forma de historietas, incluso una
adaptación al estilo de sus compañeros y no era
censurada que nunca llegó a publicarse, y grandes
raro que su director le pidiera que completara
ilustraciones como alguna de su Barcelona natal.
alguna historieta que a su autor original le era
También recibió el Premio Haxtur al “Autor que
imposible terminar. Una anécdota que tiene que
amamos”.
ver con esto es aquella en la que un buen día un
Fotos: CortesĂa de Remi y Susana riesgo y Geno Mesa.
ALPHONSE MUCHA Y LA BELLEZA HECHA ILUSTRACIÓN Por Ruth Bernárdez
de sus diseños: el monograma de sus iniciales en uno de los bancos de madera. Y uno de sus dibujos
más
antiguos,
Crucifixión,
fue
probablemente realizado cuando tan solo tenía ocho años. A pesar de su talento, a Mucha no le fue posible acceder a una plaza en la Academia de Bellas Artes de Praga, y por ello decidió ponerse a trabajar como ujier en el juzgado de su lugar de nacimiento, trabajo conseguido por su padre. Allí su reputación se iría al traste (junto a su puesto) cuando fue descubierto haciendo caricaturas de demandantes y acusados. La suerte llamaría a su puerta a través de un anuncio para trabajar como aprendiz de pintor en los escenarios de un teatro en Viena. Con tan solo diecinueve años, Mucha conseguiría su primer Hay artistas de los que se dicen “han nacido con un lápiz o un pincel bajo el brazo, y tan calificativo no podías ser más cierto cuando se habla de Alphonse Mucha, el artista checo nacido en 1860 en un pueblecito de Moravia, y cuyas ilustraciones han dado la vuelta al mundo y han servido para mucho más que adornar paredes de museos o anunciar óperas y obras teatrales.
trabajo como artista profesional. Había pasado un año escaso en Viena cuando el Teatro Ring, los clientes más importantes de sus jefes, se quemó hasta los cimientos, y antes que tener que regresar a casa,
decidió dejar su futuro en manos del
destino y cogió un tren rumbo a Moravia, encontrando “puerto” cuando se le acabó el dinero para un nuevo ticket. La suerte estaba de su parte, decididamente, cuando se apeó en Mikulov. Para
Ya desde bien pequeño demostró sus habilidades
ganarse el alojamiento y la comida, Mucha se
como dibujante: su biografía asegura que podía
dedicó a hacer retratos. Uno de ellos llamó la
dibujar ya antes de aprender a caminar, y de hecho
atención del Conde Khuen Belasi, el terrateniente
su madre solía atarle un lápiz alrededor del cuello
local, que le encargó algunos murales para él y
para que pudiera dibujar mientras gateaba por el
para su hermano, el Conde Egon, que quedó tan
suelo. Sin embargo muy pocos ejemplos de este
impresionado que accedió a ser su patrocinador, y
temprano arte han sobrevivido, aunque en la
así Mucha pudo estudiar dos años en la Academia
iglesia de su pueblecito natal aún puede verse uno
de Arte de Munich y otros tres en la Academia Julien y en la Academia Colarossi de Paris. Y es en Paris donde su carrera despega casi de manera meteórica, y de donde proceden la mayoría de sus más conocidos trabajos, creados como respuesta a la demanda de trabajos de bajo coste que podían decorar hasta la casa más modesta. Como artista, Mucha creía que era su deber promocionar el arte entre la gente más ordinaria. Y precisamente estaba Mucha inmerso en el proceso de llegar a ser un exitoso ilustrador de libros
y revistas cuando ese destino al que
siempre había encomendado su futuro le encontró de sopetón un 26 de Septiembre de 1894. Mientras le hacía un favor a un amigo, corrigiendo pruebas para trabajos de imprenta de Lemercier, la gran Sarah Bernard llamó al impresor de manera urgente: necesitaba un poster para su producción de Gismonda. Siendo las fechas tan críticas, en medio de las Navidades, todos los artistas estaban de vacaciones, por lo que se puede decir que recurrir a Mucha fue un acto de desesperación: era el único al que pudieron encontrar, porque las exigencias de la “divina Sarah” no podían ser ignoradas. El poster de Gismonda, que actualmente puede verse en el museo del pintor en Praga, le abriría las puertas a un nuevo mundo. Sarah Bernard quedaría impresionada con los innovadores colores y el diseño. Tanto que le ofreció un contrato de seis años para producir los diseños de escena y vestuarios además de la cartelería.
Al mismo tiempo, Alphonse Mucha firmaría un contrato exclusivo con la imprenta Champenois para producir posters decorativos y de publicidad, convirtiendo al autor en el principal exponente del Art Nouveau parisino.
El nuevo siglo traería consigo nuevas tecnologías y producción en masa que Alphonse sabría utilizar a su favor, abaratando costes y permitiéndole, también, crear objetos de belleza estética, baratos y prácticos. Es en esta época que comienza a tener más y más pedidos para diseñar joyas, vajillas, cuberterías, telas… Hoy en día sus diseños pueden encontrarse aún más allá de cajitas metálicas de bombones, imanes de nevera, chapas o posters.
A pesar de que su futuro artístico se había forjado lejos de su país, Mucha deseaba fervientemente volver a casa, a pesar de que tuvo siempre amigos checos a su alrededor. En la cumbre de la fama, mientras trabajaba en la decoración del Pabellón Bosnio para la Feria Mundial de París de 1900, concibió la idea de un proyecto que dominaría el resto de su vida: crear toda una épica Eslava, un monumento artístico a las luchas y los logros del pueblo Eslavo. Consiguió un patrocinador, Charles Crane, un millonario americano cuya hija iba a casarse con el primer presidente de Checoslovaquia. Con este proyecto en mente, Mucha regresa a Bohemia en 1910 y el resto de su vida lo dedicaría a crear veinte pinturas para su Épica Eslava, al mismo tiempo que trabajando en otros proyectos como la decoración del Hall del Alcalde Mayor de Obecni, posters teatrales, sellos e incluso los billetes de la nueva república.
O fotografías de corte personal, como la sombrosa e inexplicable instantánea que muestra a su amigo y artista Paul Gauguin sentado ante su armonio en paños menores y con chaqueta… ¡artistas!
A Winter Night
A pesar del monumental trabajo en lienzo realizado en su gran proyecto, sus pinturas al óleo no son tan conocidas como el resto. Mucha perfeccionó su técnica el óleo durante su visita a América donde pintó numerosos retratos y también un pedido para decorar el Teatro Alemán de Nueva York. Cuando Mucha realizó aquel poster para Sarah Las ideas expresadas en sus pinturas son
Bernardt, apenas acababa de pasar la treintena, y
simbólicas a menudo, y universales. Su museo en
ya por entonces llevaba unos quince años
Praga tiene una buena selección de estas pinturas,
ganándose la vida con su arte, su éxito en parte
recreando el ambiente de fin de siglo de París con
debido a sus habilidades de dibujante que supo
objetos pertenecientes al estudio del artista en la
adaptar su estilo para ajustarse al gusto popular.
rue Val-de-Grace así como fotografías de sus modelos posando para sus pinturas.
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NOVEDADES DEL PRÓXIMO EXPOCOMIC DE MADRID andadura en el mundo de la historieta con su icónica Ambigú. Desde hace años trabaja en prensa con ilustraciones de impronta fácilmente reconocible. Para el cartel del Expocómic, el dibujante ha recreado los monstruos del sueño de la razón de Goya desde la melancólica mirada de un cíclope urbano acomodado en la barra de un bar. También ha sido confirmada la presencia de Klaus Janson (Alemania, 1952), artista del entintado cuyo trabajo más prestigioso ha sido dar color a los trazos de Frank Miller en El Regreso del Caballero Oscuro (1986). Janson acaba de recibir en Toronto el Premio Harvey al Mejor Entintador. Michel Gordon (Nebraska, USA, 1955) es otro de los nombres en la lista, autor de algunos iconos Ya tenemos adelanto de lo que nos espera en el
del cómic de Marvel como Los Micronautas, que
próximo Expocómic de Madrid, que se celebrará
ha trabajado también en Doctor Extraño, Star
por primera vez en el Pabellón de Cristal de la
Wars, Batman, Los Vengadores, Bucky O’Hare o
Casa de Campo del 9 al 12 de Diciembre en esta
Nam.
su decimotercera edición.
Por otro lado, este año se rinde homenaje con una
En su nueva ubicación, tan solo a unos metros de
exposición a Emilio y Carlos Freixas, nombres
distancia de su anterior sede en el Pabellón de
base de la historieta española, en la cual se
Convenciones, dispone de cuatro mil metros
recorrerá su obra, su evolución, el legado dejado
cuadrados de superficie para disfrutar de lo mejor
por padre e hijo, autores de un sistema pedagógico
del noveno arte.
aún vigente hoy en día, el llamado Método Freixas.
El cartel de este año ya ha sido presentado y es el que abre este artículo, obra del genial Santiago
Emilio
Freixas
Aranguren
(1899-1976)
es
Sequeiros, que estará presente entre el plantel de
considerado uno de los mejores historietistas
autores que la organización presenta en esta nueva
españoles, mientras su hijo, Carlos Freixas Baleitó
etapa. Santiago Sequiros, nacido en Argentina en
(1923-2003), fiel heredero del talento de su padre,
1971 pero gallego de adopción, comenzó su
trabajó para Bruguera en su época dorada.
PURITA EN LA MOSTRA DEL COMIC DE VALENCIA Posteriormente a España, de su famosa entrada en Bruguera gracias a un encuentro afortunado con el genial Vázquez, y sus duros comienzos en la industria por el simple hecho de ser mujer. Una nueva aparición en la apretada agenda de la autora que el próximo 4 de Noviembre recibirá de manos del Rey la Medalla de Oro de las Bellas Artes. La totalidad de la intervención de Pura en la Viajera incansable, Purita Campos no tuvo inconveniente
en
“saltar”
desde
el
Salón
Internacional del Cómic de Gijón hasta la Mostra del cómic de Valencia, donde junto a su editor, el historiador y colaborador habitual de esta Revista, Antonio Martín, dio una charla para sus fans el pasado 19 de Octubre en la sede del FNAC de dicha ciudad. En dicha charla, además de repasar la carrera de Purita, a la que Antonio describe como una mujer de “exagerada modestia”, se comentó el cariño que siente Pura por la tierra Valenciana, de la que procedían sus padres.
Una vez más se habló del proceso de creación del personaje de Patty en Inglaterra para pasar
charla en el FNAC puede verse aquí:
http://www.youtube.com/watch?v=5R7eubbtDPg
DESDE EL TABURETE DEL WIMPY
Por Doreen Snyder Hello my darlings! Antes de nada, agradecer de todo corazón la
con su hermana del alma (otra afortunada en premios), y así acabó la cosa, oigan: vean, vean a las susodichas con el cuerpo del delito, arriba Susana, abajo Remi, si es que…
participación de aquellos que enviaron sus relatos de Halloween en este nuestro Primer Certamen en la Revista y que he tenido el grato gusto de poder organizar. Ya tenemos ganador, claro que sí, y cómo no, es que no podía ser de otra manera… el relato ganador fue el presentado por Susana Riesgo, que si no gana el Euromillón será porque no quiera, porque la muy sátrapa gana de todo… Precisamente la referenciada Susana sin ir más lejos se pasearon por el Salón Internacional del Cómic de Gijón, donde estaba mi mami Purita Campos (que mala baba compartir madre creativa con Esther, ajjjjj), y no contenta con el “premio” de ver a su “ídola”, se dedicó a rellenar quinielitas
Pues nada más, os dejo el relato ganador, ya que estamos… pero volveré el mes que viene, con muchos más cotilleos… Ta dá!
RELATO GANADOR DEL CERTAMEN DE HALLOWEEN: FIESTA DE HALLOWEEN Por Susana Riesgo Eran las 8 de la tarde. En una hora empezarían a llegar
acera, le grito: “Tranquila mami, que en caso de apuro
a casa todos los amigos de su hija. No sabía cómo se
sé marcar el 112”. Esther le devolvió una forzada
había dejado convencer para acoger en casa a toda una
sonrisa como respuesta.
veintena de adolescentes enardecidos. Quizás ayudó que Patty le recordase todas las veces que a ella, de niña, se le habían truncado sus fiestas. ¡Un chantaje emocional en toda regla! Se notaba que Patty no había salido a Esther y en vez de ser condenadamente tímida e insegura, era una chica desenvuelta capaz de llevar a
En menos de 10 minutos se encontraba sentada en la sala 2 de los multicines cercanos. El maratón estaba a punto de comenzar y ella tenía el pack completo para pasar una cinéfila velada: palomitas y un refresco de cola.
cualquiera a su terreno. ¡Era lo más parecido a su
En las últimas dos horas había mirado dos o tres veces
padre!
el reloj y se había sorprendido pensando en varias
Esther estaba aún metida en la cocina, dando los retoques a los últimos platos con los que Patty agasajaría a sus invitados, mientras que esta última estaba en su habitación con una amiga, rematando con un fantástico maquillaje su disfraz de bruja. Cuánto le recordaban esos momentos a todas las tardes que Rita y ella se vestían una y otra vez, hasta dar con el look perfecto… Vuelta al presente.
ocasiones qué tal irían las cosas por casa. Intentaba meterse en la trama de la película, pero la curiosidad por saber cómo lo estaría pasando Patty podía con ella. Sí salía ahora, iba a llegar antes de lo previsto, pero bueno, así podría observar si todo iba bien desde fuera y sin que la vieran.
Aprovecharía que hacían un
pequeño descanso para no tener que levantar a nadie en medio de la película. Fuera llovía. Parecía que se avecinaba una buena tormenta. A lo lejos se divisaban los primeros
Esther sube a su dormitorio, se cambia y se prepara
relámpagos. Aceleró el paso, mientras se maldecía a si
para irse a pasar tres horas fuera de casa. Su hija le ha
misma por ser tan impaciente. Estando tan cerca de
pedido que la dejase celebrar a solas la fiesta de
casa, no sabía dónde se iba a resguardar durante los
Halloween con sus amigos. Verdaderamente Patty
casi 60 minutos que aún tenía por delante. A unos
podía parecer un poco alocada, pero nunca le había
metros de la entrada de su casa, vio a alguien parado.
dado motivos para desconfiar de ella, así que tenía por
Quizás los invitados estaban empezando a irse… pero
delante un maratón de cine de terror en una sala no
no, la persona no se estaba alejando, sino que se
muy lejos de casa.
aproximó sigilosamente a la entrada. Los truenos cada vez sonaban más cerca y el último relámpago iluminó
Era hora de irse, los invitados llegarían de un momento a otro. Patty se despidió de su madre en la puerta. Le recordó que no se preocupase, que todo iría bien y en tono jocoso, cuando Esther ya estaba alcanzando la
tanto que se dio cuenta que el extraño iba vestido con un traje de agua y llevaba en la mano un cuchillo.
Parecía que uno de los amigos de Patty se había
Bruxter estaría seguro bajo los efectos de los
rezagado bastante.
somníferos y no la oiría aunque le quemara el timbre.
Decidió seguir con su plan y acercarse a las ventanas.
Intento acceder a su casa por la puerta delantera, pero
Quería ver qué pasaba dentro, ver si los chicos estaban
parecía haber sido atrancada por dentro. Volvió
portándose bien y las cosas iban como Patty había
corriendo para asomarse de nuevo a la cocina, pero al
asegurado. Se asomó al ventanal del salón y vio que
pasar por delante del salón, vio que Patty estaba
ya no quedaba nadie. Los invitados parecían haberse
enzarzada con su atacante. Ella no parecía estar herida,
esfumado. Cambió de ventana y se asomó por la de la
sin embargo el hombre tenía un tremendo chichón en
cocina. Allí estaba Patty, colocando y vaciando platos,
la cabeza. Seguro que su hija le había propinado un
tarareando y caminando al ritmo de una canción.
buen golpe. De repente, el asaltante sacó un cuchillo y
Estaba claro que estaba sola. Justo cuando iba a
cuando parecía que iba a ocurrir lo peor, Patty con
retirarse y entrar en casa, vio cómo un hombre se
absoluta agilidad, le hizo una llave y le tiró al suelo.
aproximaba por la espalda a Patty. Iba con las manos
¡Por fin había amortizado las clases de defensa
extendidas como para asirla por el cuello. Esther, del
personal!
terror, se quedó paralizada. Intentó llamar su atención, aporreo la ventana, gritó a Patty para que se girara y huyera, pero ella seguía bailando al ritmo de la música y no escuchaba nada de lo que ocurría afuera...
Al ver al atacante en el suelo, por la cabeza de Esther solo rondaba una idea: “Remátale Patty, remátale”. Le parecía increíble que su hija no le atizara de nuevo. Con la de películas de terror que habían visto juntas, ella sabía que en cualquier momento, justo cuando fuese a pasar a su lado, el malo volvería en sí para agarrar a la protagonista por el tobillo. Patty caminaba en dirección a la puerta y en el preciso momento en que pasaba al lado del extraño… un relámpago lo volvió a iluminar todo de manera cegadora. A Esther le costaba ver con esa luz tan intensa. Casi a la vez, oyó que alguien la agitaba y le decía: “Señora, señora... Siento molestarla pero se ha quedado dormida”. Una mirada rápida a su alrededor, le sirvió para ver que aún estaba en el cine. La luz cegadora no era otra cosa que la linterna del acomodador. Miró el reloj y vio que llevaba 4 horas en el cine. Todo había
Echó la mano al bolso para sacar su móvil y entonces cayó en la cuenta de que con las prisas de salir rápido del cine para no molestar, se había dejado el bolso en la butaca. Las ideas parecían agolparse en su cabeza: los vecinos no estaban y la huraña de la señorita
sido una pesadilla y estaba segura de que Patty estaba en casa disfrutando de su fiesta y del tiempo “extra” que había conseguido gracias a terrorífico como inoportuno.
ese sueño tan
LA BIBLIOTECA María Dueñas no defrauda, para nada. A pesar de ser su ópera prima, El Tiempo entre Costuras es una preciosa novela, que ella misma no sabe cómo describir. El Tiempo entre Costuras es una novela de amor porque todo comienza cuando nuestra protagonista, Sira Quiroga, abandona todo en su vida para seguir al hombre del que se ha enamorado. Pero El Tiempo entre Costuras es también una novela histórica que nos cuenta uno de los grandes momentos de la historia reciente de España, el fin de la Segunda República y la Guerra Civil. Todo bajo el prisma de los expatriados en el Marruecos colonial. Y además, El Tiempo entre Costuras es una aventura de espías en la que tanto alemanes como ingleses mantienen su particular y peligrosa guerra fría previa a la Segunda Guerra Mundial. Por Cloti Montes Hace varios años decidí que no volvería a comprar libros. Las razones para quien conoce mi casa son evidentes, tengo muchísimos. Hubo un momento en que eran más que los que poseía la biblioteca de mi pueblo. Afortunadamente eso ya no es así y puedo seguir con mi pasión por la lectura gracias a los fondos municipales. Es evidente que el título tiene para mí suficiente atractivo como para no necesitar ni siquiera críticas positivas, y la portada es absolutamente atractiva, una imagen del pintor escocés Jack Vettriano cuya página web os recomiendo encarecidamente a los amantes del dibujo y la ilustración. Imaginaos las sensaciones que se tienen al tener un libro en las manos con esa envoltura tan atrayente.
Añado que El Tiempo entre Costuras es también una novela costumbrista porque en ella, las amantes de la aguja, descubrimos curiosidades sobre las técnicas, los diseños y la moda en general. Podríamos decir que además El Tiempo entre Costuras es un gran libro de aventuras en las que Sira no deja de entrar, disfrutar o sufrir, y salir. Pero por encima de todo, El Tiempo entre Costuras es una novela que se desliza por casi setecientas páginas sin permitirte levantar la vista. Bueno, sí, para suspirar y coger aire porque a veces te deja sin aliento. La narración está dividida en cuatro partes que coinciden con los giros que la fortuna da a la vida de Sira Quiroga. Ella misma, en primera persona va contando su historia y a pesar de que el personaje puede parecer demasiado perfecto, María Dueñas nos presenta a una protagonista
cercana y creíble, y aunque las situaciones en las que se ve envuelta rozan peligrosamente la frontera de lo increíble, la autora te muestra magistralmente que todo es posible y lógico para nuestra modista. Igual de convincentes son el resto de los personajes, desde el amante seductor Ramiro hasta el periodista inglés Marcus Logan pasando por la buena y avispada Candelaria. Todos los participantes en la trama y en la vida de Sira parecen tan reales como los propios Serrano Súñer, Rosalinda Fox o Juan Luis Beigbeder que también intervienen en el desarrollo de la historia perfectamente retratados por María Dueñas.
El trabajo de documentación es asimismo exhaustivo y particularmente entrañable para mí. Mi madre nació y se crío en el Tánger internacional de la postguerra española, así que toda mi vida he oído sus historias sobre la vida y las costumbres de los españoles expatriados en Marruecos. Y aunque la mayor parte de la novela tiene lugar en Tetuán, ciudad vecina, las frecuentes visitas de Sira Quiroga a Tánger me han hecho pensar mucho en mi madre y en su infancia y juventud allí. Así que he decidido que El Tiempo entre Costuras no va a tener que buscarse sitio apretado entre mis libros porque se marchará en breve a empujar los suyos. En cuanto mi marido se lo termine.
SOLUCIONES A LOS PASATIEMPOS DEL NÚMERO ANTERIOR