Fernando Villena 2009 - 11 by Fernando Villena

Fernando Villena 2009-11

Esperientzia, eta bizipenak eta sentipenak oihal batean islatzea. Bizitza baten eragile eta leit motiv-a bilakatu da pintura. Gerhard Richterrek bere lanari buruz esaten zuenez, ez zen motibo baten ondorioa, motibazio baten emaitza baizik. Fernando Villenaren lanean, oinarri sortzaile horixe bera aurkitzen dut. Ez da objektua nabarmentzen, ezta interpretatutakoa ere; sormena da azpimarratzen dena, lanean, margotzen jarraitzeko motibazio pertsonala, norberaren existentziari zentzua eta bultzada ematen dizkion lotura bizi gisa. Ezinezkoa izango litzateke hori egiteari uztea. Esperientzia pinturan, jarrera eta motibazioa; horiexek dira, izan ere, Villenaren margolaritza eratzen duten osagai nagusiak. Orain dela gutxi, beraren jatorrietan aztarrika egiteko posta-mezuak trukatu genituenean, artistak erantzuten zuen nola hasi zen pintura abstraktua lantzen, eta, ildo horretan, gogora ekartzen zuen istripu bat izan zuela, eta, horren ondorioz, ezinezkoa izan zitzaiola kaltetutako eskuak berez zituen keinu ikasiak erabiltzea. Horrek, eta, aldi berean, margotzen jarraitzeko bulkadak eta beharrak, haren pintura aldatu zuten, eta kode abstraktu geometriko batera igaro zen. Jakina, ordurako prozesu intelektual oso bat egina zuen, eta, horri esker, aurrera atera ahal izan zuen ekimen hori; baina, hala ere, istripu batek, arazo fisiko batek eraman zuen ildo hori lantzera. Dena dela, non aurki dezakegu motibazio horren sorrera? Zein prozesu abiarazten da artearen, sormenaren, margolaritzaren aurrean, margotzeari uztea errazagoa izan dadin, ezinduta egonik edo itsu izanik egitea baino? Erantzun horien bila arituz gero aurkituko ditugu zenbait gako, Villenaren lanarekin hizketan jarduteko gakoak. Guggenheim museoaren aurreneko urteetan egin genuen topo, biak baikinen erakusketak muntatzeko teknikariak. Artisten eta lanen zerrenda handia eta ikaragarria igarotzen zen gure eskuetatik, eta abantaila bitxi horrek modu estu-estuan batzen gintuen egileekin. Hala, prozesu artistikoaren partaide bilakatzen ginen, kate-maila bat bagina bazela, prozesua oihala muntatzean abiarazten baitzen, eta gero grapak jarri, eta zalantzak agerian utzi, edo trazuaren segurtasuna, zuzenketak eta bestelakoak nabarmentzen baitziren. Piezei bilgarria kentzen eta piezak jartzen emandako orduek aukera zabala eskaintzen ziguten gogoeta egiteko eta hainbat kontuz hausnarketa egiteko: artearen zereginaz, zer-nolakoa zen gure egoera bertan, merkatuaren, mintzaira artistikoaren, eta gutako askok urratutako eta ibilitako bidearen garrantziaz. Denboraldi hartan, Fernando Villenaren obra aldi berean zen erraiak ateratzeko modukoa eta kontrolpekoa. Pintura enpastatua zen, inolako lotutasunik gabe ezarria, eta teknikan oinarritua, hori baitzen beraren aztergai nagusia. Sortzeko prozesuak beti hartuko du parte ezezaguna denaren eta agerian utzitakoaren arteko elkartze horretan. Bestalde, museoaren ingurunea akuilu bat izan zen hausnarketak pizteko, eta, Villenak aitortzen duenez, hausnarketa horiek marka utzi dute haren geroko lanean. Pintura mintzaira bat baldin bada, mintzaira hori bitarteko bat ezagutzeko, aztertzeko eta definitzeko baliatzen zen. Margolaritzari buruzko ikuspegi autonomoen alde egitea zen errotikako komunikazioko ekintza. Gaur egun, beraren lan oparoak zerikusi handiagoa du barne-barneko ezagutza-prozesu batekin, beraren burua moldatzeko sormenezko gune pertsonalaren bilaketarekin. Beraren metodoan argi suma ditzakegu zientzialariaren jarraikitasuna eta barne-azterketa. Eta nik esango nuke, emaitzak, sail luzeetan bat egina dagoenak, halaxe islatzen duela. Hala ere, ikerlariaren irudiak itxuraz duen hoztasunaren aurrez aurre jarririk, lehen aipatu dugun motibazioa agertzen 3

da, sormenezko prozesua abiarazten duen zirrararen ondorioz. Sorburua emoziozkoa da, zalantzarik gabe, baina berehala bilakatzen da elkarrizketa, askatasun osokoa den margolaritzako esperientziaren barruan; esperientzia horrek bera sorrarazi zuten sentipenetako batzuk harrapatu, eraldatu eta oihalean ezartzen ditu: bakardadea, hobetzeko nahia, ingurunera/sistemara egokitzeaâ&#x20AC;Ś Beraren bizitzako esperientziak goitik behera markatzen du haren obra. Hasierako lanetan, landa-gune batetik Bilbo hirira egindako urratsa islatu zuen; baina, gaur egun, akuilu hori nahita bilatzen du bidaien bidez eta ohi ez bezalako ingurune naturaletan argi baten bila izandako bizipenen bidez, edota espazio batean esperimentazioa eginez. 2002. urtean New Yorkeko School of Visual Arts-en egon zen, eta, bertatik, hainbat aldiz joan zen Karibeko oihanera. Horrek kontraste handiko sentipen gogorrak eragin zizkion Villenari, eta sentipen horiek eratu dituzte sortzeko eta ekoizteko dituen estrategiak gaur egun arte. Hareazko edo izotzezko desertuetan edota hondamenezko paisaietan, aldean zeramatzan kamerarekin eta ohar-kaierarekin, muturreko baldintzetan sorrarazitako egoerek oroimen zentzumenezko, argizko eta kromatiko aberatsa izan dute urte hauetan, eta horiek dira gaur egun beraren lanen abiaburua eta emoziozko edukia. Baldintza horietan, gorputzak ikasten du baliabideak kontrolatzen, keinuak muturrera eramaten, begirada zorrozten, eta benetan garrantzitsua den hori jasotzen eta funtsezkoa ez dena alde batera uzten. Zalantzarik gabe, egileak paralelotasun bat eratzen du hobetze fisiko eta nahimenezkoaren eta beraren sormenezko eta ezagutzazko proposamenen artean. Emaitza isila da. Era bereko koloreak dira nagusi; forma organikoek zeharkatzen dituzte, eta jariakinak, gorputz zelularrak, eta berain mugak aldatzen eta moldatzen dituzten mintzak iradokitzen dizkigute, hau da, kontraste kromatiko gogorren bidez zatikatutako guneak. Hasierako zuria esperientziak hausten du, baina marrazkiarekin eta kolorearekin duen solasak sorrarazten ditu piezaren amaierako egitura eta erritmoa. Akzio-erreakzioaren oinarria da, maila desberdinetan eratua, hala ingurunearekin, eta jolas formazko, argizko eta kromatikoekin, nola betearazpen artistikoarekin berarekin. Ohikoa izaten da aurreko lan bat hartzea lan berri baten abiaburu gisa, argazki bateko irudia baliatzea, edota egin gabe dagoen diskurtso bat bestela. Behin prozesua abiarazi ondoren, joan-etorriko bidaia bat izaten da, obraren eta egilearen artean, eta, bertan, beti uzten zaio leiho bat zabalik egiturari, eta lan egiteko prozesuari. Margolaritza da gehien erabiltzen duen bitartekoa, baina batez ere argazkilaritza eta, neurri txikiagoan, bideoa ere baliatzen ditu; teknika horiek kateatzen ditu, eta aukera ematen diote beraren laneko plano garrantzitsu batzuk nabarmentzeko. Margolaritzat hartzen du bere burua, margolaritza ikertzen du, eta garrantzi berezia ematen dio koloreari, enpatia sortzeko gaitasun handia baitu. Kolorea lantzeko aukera desberdinak daude, pinturaren bilbeen eta beloen bidez, inprimatze digitalek sorrarazten duten saturazioaren bidez, edota mugimendu geldiak, likidoak haren lan bideografikoan eragiten dituen modulazioen eta distiren bidez. Era berean, modu naturalean erabiltzen ditu marrazkia eta monotipoak; eta, orain dela gutxi, serigrafia makulutzat hartuta, esperimentazioa egiten hasi da, argazkiak eta ehundurak gainjarriz. Era horretan, irudien esparru berri batean sartu da, oraindik ikertzeko dagoen erreferentzia-puntu ikoniko garrantzitsu batean. Merezi du geldialdi bat egitea hemen, prozedura hori zeri dagokion aztertzeko. Hasteko, jauzi egingo dugu azken urteetako pinturan etengabe azaldu

s/t. FotografĂa. 70 x 120 cm. 2009

den kontu baten gainetik: figurazioaren eta abstrakzioaren arteko harremanaren gainetik, hain zuzen ere. Portzentaje sistematiko handi batean, beraren lanak gonbidapena egiten digu, batetik, irakurketa formal edo estetiko bat egiteko, eta, bestetik, irakurketa narratiboa egiteko. Irudia eta atzealdea txandaka agertzen dira, estrategia gisa, eta horrela bazter uzten dira hierarkiak. Artearen autonomiak sorrarazten duen kezkatik harantz joz, itxaropenaren irudi poetikoaren eta espazio osoa antzemateko asmoaren artean, Villenaren irudiak beraren lana eratzen duten osotasun baten zatien irudikapena dira. Irudi horiek ezin zabalagotzat hartzen den zerbaiten aipu mikroskopikoak izan daitezke, edo mailatan metatzen diren eta, aldi berean, muga gainditzen duten errizomaizaerako irudiak, naturaren batasunaz, eta gizonak bere ingurune organiko, mineral eta geologikoarekin duen batasunaz sinetsirik egonik. Zalantzarik gabe, badago haren lanean gune piktorikoaren ulermen eta estetikarekiko erakarpen bat, baina garrantzizkoa izateko asmorik gabe; eta, aldi berean, estrategiak garatzen ditu gizakiak planetan betetzen duen tokia berriz interpretatzeko. Beraren testuetan, oso ohikoak dira horrelako aipamenak, gizakia osotasun baten zati gisa hartzen dutenak, naturan era iraunkorrean barneratzeko beharra aipatzen dutenak; eta, berez irudikatua agertzen ez bada ere, nonahi sumatzen da beraren pieza guztietan.

ENRIQUE MARTINEZ GOIKOETXEA 5

Experiencia y traslado de vivencias y sensaciones a un lienzo. La pintura se ha convertido en el motor y leiv motiv de una vida. Comentaba Gerhard Richter de su trabajo que no respondía a un motivo, sino a una motivación. Encuentro en el trabajo de Fernando Villena este mismo principio generador. El acento no está en el objeto, ni en lo interpretado, sino en la creación, en la motivación personal de mantenerse trabajando, pintando, como aquel vínculo vital que impulsa y da sentido a su propia existencia. Sería imposible dejar de hacerlo. Experiencia en la pintura, actitud y motivación, estos son los principales elementos constitutivos de la pintura de Villena. Recientemente, en el intercambio de correos para escarbar en sus orígenes, el artista respondía a cómo se inició en la pintura abstracta recordando un accidente que le impidió utilizar los gestos aprendidos propios de su mano dañada. Fue este hecho, junto a la pulsión y la necesidad de seguir pintando, el que modificó su pintura a un código abstracto geométrico. Naturalmente ya se había recorrido un proceso intelectual que permitía esta iniciativa pero fue un accidente, un problema físico lo que le derivó a trabajar en esta línea. Bueno, pero ¿dónde encontramos el origen de esa motivación? ¿qué procesos se inician frente al arte, la creación, la pintura para que sea más difícil dejar de pintar que hacerlo impedido, ciego, o …? Buscando estas respuestas es donde encontraremos algunas de las claves con las que dialogar con su trabajo. Coincidimos como técnicos de montaje de exposiciones en los primeros años del Guggenheim. Una ingente y fantástica relación de artistas y obras pasaba por nuestras manos, en un extraño privilegio que te unía íntimamente a los autores haciéndote parte del proceso artístico, como un eslabón que se iniciaba con el montaje de la tela, la colocación de las grapas y evidenciaba las dudas o la seguridad del trazo, sus correcciones, etc. Las horas pasadas desembalando e instalando piezas daban mucho espacio a pensar y plantearte la función del arte, tu situación en él, la importancia del mercado, del lenguaje artístico, del camino abierto y emprendido por muchos de nosotros. En ese periodo la obra de Fernando Villena se desarrollaba a partes iguales eviscerada y controlada. Pintura empastada, aplicada de una manera desinhibida, que tenía en su propia naturaleza, en la técnica, su principal campo de estudio. El proceso creativo siempre va a participar de este encuentro de lo desconocido con lo revelado, y el contexto museístico actuaba como catalizador de reflexiones que, reconoce hoy, han marcado posteriormente su trabajo. Si la pintura es un lenguaje, éste era utilizado para el conocimiento de un medio, para su análisis y definición. El acto de comunicación, radical, residía en el hecho de optar por planteamientos pictóricos autónomos. Hoy su obra, enormemente prolífica, responde más a un proceso de conocimiento íntimo, de búsqueda del espacio tanto creativo como personal donde desenvolverse. En su método identificamos la perseverancia e introspección del científico. Y diría que el resultado, unificado en largas series, así lo reflejan. Sin embargo, frente a la apariencia fría de la imagen del investigador, la motivación a la que hemos aludido se ve originada por la emoción como iniciador de este proceso creativo. Un origen sin duda emocional que se transforma en diálogo en el interior de la experiencia pictórica, de pura libertad, que atrapa, modifica y transcribe al lienzo algunas de aquellas sensaciones que las originó: la soledad, la superación, la adaptación al medio/sistema… 7

Su obra queda marcada de manera definitiva por su experiencia vital. Y así como el paso de un entorno rural a la ciudad de Bilbao se reflejó en sus trabajos más tempranos, hoy este estímulo es buscado deliberadamente a través de los viajes y la vivencia de contextos naturales insólitos, en busca de una luz o la experimentación de un espacio. Su estancia en School of Visual Arts en Nueva York durante el año 2002, y las visitas que desde allí realizara a la selva caribeña produjeron en FV una serie de sensaciones de fuertes contrastes que han conformado las estrategias de creación y producción hasta estos días. La provocación de situaciones bajo condiciones extremas en desiertos de arena, de hielo o a través de los paisajes desolados con la cámara y su cuaderno de notas a cuestas vienen cargando durante estos años una rica memoria sensorial, cromática y lumínica que son hoy el punto de partida y contenido emocional de sus obras. Bajo estas condiciones el cuerpo aprende a controlar recursos y a extremar gestos, radicalizar la mirada sobre aquello que es significante y eliminar lo anecdótico. Sin duda el autor establece un paralelismo entre la superación física y volitiva con sus propuestas creativas y de conocimiento. El resultado es silencioso. Dominan campos de color uniformes, atravesados por formas orgánicas que nos sugieren fluidos, cuerpos celulares y membranas que modifican y modulan sus límites, espacios fragmentados por fuertes contrastes cromáticos. Si es la experiencia la que rompe el blanco inicial, su conversación con el dibujo y el color son los que producen el ritmo y la estructura final de la pieza. Principio de acción – reacción a distintos niveles, tanto con el entorno y los juegos formales, lumínicos, cromáticos, etc como con la ejecución artística en sí misma. Resulta habitual partir de una obra anterior como inicio de un nuevo trabajo, el uso de una imagen fotográfica, de un discurso pendiente. Una vez iniciado el proceso se produce un camino de ida y vuelta entre la obra y el autor, en el que siempre deja abierta una ventana a su propia estructura y al proceso de trabajo. Aunque la pintura es su medio más habitual, la fotografía principalmente y el vídeo en menor medida, son técnicas que encadena y que le permiten subrayar planos significantes de su trabajo. Se considera pintor, investigando dentro del medio pictórico como tal, tomando con especial relevancia el color con su capacidad de empatizar. Color con distintas posibilidades de acceso a través de las tramas y velos de la pintura, la saturación que le proporciona el acabado de las impresiones digitales o de las modulaciones y brillos producidas por el movimiento lento, líquido, en su obra videográfica. De igual manera utiliza de forma natural el dibujo o los monotipos, y recientemente, apoyándose en la serigrafía, ha comenzado a experimentar a través de la superposición de imágenes fotográficas y texturas, accediendo a un nuevo campo de imágines con un importante referente icónico, todavía por explorar. Conviene aquí pararse a analizar a qué responde este procedimiento. De entrada vamos a saltar por encima de una constante en la pintura de los últimos cien años, la relación entre la figuración y la abstracción. Su trabajo en alto porcentaje sistemático, nos invita a realizar no solo una lectura formal o estética, sino también narrativa. La alternancia de figura y fondo, como estrategia, evita crear jerarquías. Más allá de una preocupación por la autonomía del arte, entre la imagen poética de la esperanza y la intención de aprehender la totalidad del espacio, FV convierte sus imágenes en la representación de partes de un todo integrante de su obra. Estas imágenes pueden ser citas microscópicas de algo que se intuye inmenso, o imágenes de naturaleza rizo-

s/t. Acrílico sobre lienzo. 92 x 73 cm. 2009

mática que se acumulan en estratos al tiempo que desbordan el límite en la convicción de la unidad de la naturaleza, del hombre con su entorno orgánico, mineral y geológico. Existe sin duda en su obra una atracción por la comprensión y estética del espacio pictórico, pero sin querer ser trascendente, al tiempo desarrolla estrategias de reinterpretación del lugar del hombre en el planeta. En sus textos son habituales estas referencias al ser humano como parte de un todo, de la necesidad de integración dentro de la naturaleza de un modo sostenible, y aunque éste no aparezca representado, se mantiene omnipresente en cada una de sus piezas.

ENRIQUE MARTINEZ GOIKOETXEA

Experiences and sensations interpreted on canvas. Painting becomes motivation and motif for living. Gerhard Richter comments that his work does not spring from motives, but rather from motivation. I find the same principle in the work of Fernando Villena. The emphasis is not on the object, nor its interpretation, but in creation itself. The personal motivation to keep working and painting is a vital link which lends motivation and meaning to his existence. Stopping is not an option. Experience in painting, attitude and motivation are the essential principles which give body to Villenaâ&#x20AC;&#x2DC;s work. In a recent exchange of emails, to delve into his origins, the author explained how he got started in abstract painting when he suffered an accident which impeded certain gestures with his injured hand. This, along with the drive and need to keep painting, led him to change his painting to an abstract geometric code. Naturally, he had already completed the intellectual processes necessary for the change, but it was the accident, a physical limitation, that led him to this work. But, where do we find the source of this motivation? What processes push one to art, to creation, to painting, in such a way that it is more difficult to abandon painting than it is to do it with physical limitations, such as blindness, etc? In a search for answers to this question we can find clues to an understanding of his work. We worked together as setup technicians in the early years at the Guggenheim. We handled a prodigious and fantastic number of artists and works, a strange privilege that connected us intimately with the authors. We were part of the artistic process, like a link in a chain that begins at the stretching and stapling of the canvas, and bears witness to the wavering or confidence in the strokes, corrections, etc. The hours spent unpacking or installing pieces provided a lot of time for thinking and contemplating the purpose of art, your own place in art, the role of the market, artistic language, and the path that many of us had set out on. At that time, the development of Fernando Villenaâ&#x20AC;&#x2DC;s work was as much visceral as it was controlled. Thick paint, applied without inhibitions, was by its very nature, as technique, his main field of study. The creative process always takes part in the meeting of the unknown with what is revealed, and his time at the museum was a catalyst for reflections that he now realizes have marked his work. If painting is a language, this language was used to know a medium, to analyze and define. The act of communication, a radical act, is found in the choice of free pictorial approaches. Today his work, tremendously prolific, is more a process of self-knowledge, of a search for a creative but also personal space in which to develop. We find both perseverance and scientific introspection in his methods. And I believe that this is revealed in his resulting work, taken together as long series. Nevertheless, in contrast with the colder image of an investigator, the motivation weâ&#x20AC;&#x2122;ve mentioned springs from emotion which gives origin to the creative process. It has an undoubtedly emotional origin that becomes dialog within the pictorial experience of pure freedom and traps, modifies and transcribes on the canvas the very sensations with which the dialog began: loneliness, survival, adapting to the medium or the system... 11

His work is indelibly marked by his life experience. And just as the move from his rural background to the city of Bilbao can be seen in his early work, now he deliberately seeks this motivation through travel and the experience of striking natural settings, in the search for light or experimentation with a space. His time at the School of Visual Arts in New York in 2002, as well as the trips he made from there to the Caribbean jungle provided Fernando Villena with a series of striking contrasts that have led to his current creative and productive strategies. The creation of situations in extreme conditions, in deserts of sand or ice, or in desolate landscapes with his camera and his notebook, have built up a rich memory of senses, colors and light that are now the starting point and emotional content of his work. In these conditions, the body learns to control the use of resources and limit movement, providing a radical view of what is important, and eliminating the superfluous. Without a doubt, the author uses his creative offerings and knowledge to create a parallel between overcoming physical limitations and willpower. The result is silence. Fields of uniform color dominate, crossed by organic forms that suggest fluids, cellular bodies and membranes that modify and modulate their boundaries, spaces broken by strong color contrasts. If it is experience that breaks first upon the white, his conversation with the sketch and color produce that rhythm and final structure of the piece. The principle of action-reaction is seen at different levels, to the environment and to the interplay of forms, light of colors, etc. as well as to the actual artistic act. Often an earlier work leads to a newer one, like the use of a photographic image or something left unsaid. Once the process has begun, there is a coming and going between the work and the author, in which a window is always left open for structure and process. Although he most often paints, he also employs photography and to a lesser extent, video to highlight significant areas of his work. He considers himself a painter, and studies the pictorial medium, giving a special relevance to the empathetic quality of color. He accesses color though various means: the use of the weft and veils of the paint, the saturation of the finish in digital printing or of the modulations and shine created by the slow, liquid movement in his video work. At the same time, he makes a natural use of sketches or monotypes. Recently, he has begun experimenting, by means of silk screens, with the layering of photographic images and textures, achieving a new range of images with an important iconic reference with still much to explore. This process begs a look at its origins. To begin with, we are going to take a brief look at a feature of painting during the last one hundred years: the relationship between figuration and abstraction. His work is highly systematic, and allows us to make not only a formal or aesthetic analysis, but also to make a narrative reading. Alternating between figure and background, as a strategy, prevents the creation of hierarchies. Beyond a concern for the autonomy of art, between the poetic image of hope and the attempt to capture the totality of space, Fernando Villena converts his images into the representation of parts of a much larger all-encompassing whole. These images might be microscopic looks at something intuitively immense, or rhizomatic images that accumulate in strata and at the same time overflow the limits of the belief in the unity of na-

s/t. AcrĂlico sobre lienzo. 86 x 86 cm. 2009

ture, the unity of man with his organic, mineral and geological surroundings. Unmistakably, his work demonstrates an attraction to the understanding and aesthetic of pictorial space, but at the same, and while not intentionally transcendental, it develops strategies for the reinterpretation of manâ&#x20AC;&#x2122;s place in the world. His texts often include these references to human beings as part of a whole, the need for sustainable integration with the natural world, and although this is not immediately obvious, it is omnipresent in each and every one of his pieces.

ENRIQUE MARTINEZ GOIKOETXEA

s/t. Fotografía. 52 x 69 cm. 2009 s/t. Fotografía. 52 x 69 cm. 2009 s/t. Fotografía. 52 x 69 cm. 2009

s/t. Fotografía. 67 x 61 cm. 2009 15

s/t. Técnica mixta sobre aluminio. 50 x 50 cm. 2009 s/t. Técnica mixta sobre aluminio. 50 x 50 cm. 2009 s/t. Fotografía. 50 x 50 cm. 2009

s/t. FotografĂa. 100 x 75 cm. 2009 17

s/t. Acrilico sobre lienzo. 175 x 200 cm. 2009

s/t. Fotografía. 50 x 50 cm. 2009 s/t. Acrílico sobre lienzo. 100 x 150 cm. 2010 s/t. Fotografía. 2010

s/t. Acrílico sobre lienzo. 100 x 100 cm. 2009 s/t. Fotografía. 2010

s/t. Acrílico sobre papel. 67,5 x 47,5 cm. 2010 s/t. Acrílico sobre papel. 68 x 48,5 cm. 2010 s/t. Acrílico sobre papel. 47,5 x 67,5 cm. 2010

s/t. s/t. s/t. s/t.

Fotografía. 50,7 x 38 cm. 2010 Fotografía. 50,7 x 38 cm. 2010 Acrílico sobre lienzo. 46 x 38 cm. 2010 Acrílico sobre lienzo. 51 x 41 cm. 2011

s/t. s/t. s/t. s/t.

Monotipo sobre papel. 40 x 30 cm. 2011 Monotipo sobre papel. 40 x 30 cm. 2011 Monotipo sobre papel. 40 x 30 cm. 2011 FotografĂa. 2011

Fernando Villen a [Bilbao (Bizkaia), 1974] Info@fernandovillena.es · www.fernandovillena.es

DATOS ACADÉMICOS:

EXPOSICIONES INDIVIDUALES (selección):

2002

2011

Central Utah Art Center, Utah. USA.

2010

Galería Windsor Kulturgintza, Bilbao.

2009

Galería Ysabel Pinyol, Barcelona.

2008

Museo de San Juan, Puerto Rico.

Summer Studio Residency Program. School of Visual Arts, Nueva York. Exploring multimedia. School of Visual Arts, Nueva York. Painting workshop. School of Visual Arts, Nueva York.

2001

“Pabellón de Mixtos” La Ciudadela, Pamplona.

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco – E.H.U. 2007

Galería Windsor Kulturgintza, Bilbao.

2005

Galería Windsor Kulturgintza, Bilbao.

2002

Exposición en la sala de la Delegación Provincial de Educación y Cultura de Albacete.

TALLERES: 2011

Serigrafía expandida: del papel a la intervención serigráfica. Pilar Valdivieso y Christian Walker. Fundación Bilbao Arte.

2009

Imanol Marrodán. Fundación Bilbao Arte.

2008

Fernando Castro Florez. Fundación Bilbao Arte.

2007

Andoni Euba. Fundación Bilbao Arte.

EXPOSICIONES COLECTIVAS (selección): 2010

XII Bienal de artes plásticas “Ciudad de Pamplona”.

2009

“The Hispanic Heritage” International Immigrants Foundation. Nueva York. Museo de San Pedro, Puebla, México.

Bruce Mclean. Fundación Bilbao Arte. 2005

Soledad Sevilla. Fundación Bilbao Arte.

Arco 2009, Madrid Galería Windsor Kulturgintza. 2008

“Hermosas Miniaturas” Fundación ARWI, San Juan, Puerto Rico. XI Bienal de Artes Plásticas “Ciudad de Pamplona”. “Bilbao Pasarela del Mundo”, Museo de Arte Sacro, Bilbao. Arco 2008, Madrid Galería Windsor Kulturgintza.

2007

“Residentes 2007 Egoileak” Fundación Bilbao Arte.

BECAS Y PREMIOS (selección): 2011

“Referencias” Monasterio de Veruela, Vera de Moncayo, Zaragoza. Arco 2007. Madrid Galería Windsor Kulturgintza.

Residencia en Birch Creek Residency, Utah. USA. Beca Residente Fundación Bilbao Arte.

2010

Congreso Internacional y Exposición sobre narración Visual, Universidad de Puerto Rico, Mayagüez.

Beca de Artes Visuales Diputación Foral de Bizkaia. Seleccionado XII Bienal de Artes Plásticas Ciudad de Pamplona.

“Color, line and form”. Gallery 31 North, Glen Gardner, Nueva Jersey.

2009

Beca de Artes Visuales Diputación Foral de Bizkaia.

Ertibil 2006. Sala Rekalde, Bilbao.

2008

Summer Invitational. Walter Wickiser Gallery, Chelsea, Nueva York.

Beca de ayuda a la movilidad Internacional de artistas y científicos. Ministerio de Asuntos Exteriores y Cooperación de España.

Arco 2006, Madrid Galería Windsor Kulturgintza.

Seleccionado XI Bienal de Artes Plásticas Ciudad de Pamplona.

2005

Arco 2005, Madrid Galería Windsor Kulturgintza.

Beca de Artes Visuales Diputación Foral de Bizkaia.

2004

Exposición colectiva en la galería Windsor Kulturgintza, Bilbao.

2003

Bike Art 2003, Courthouse Gallery, Anthology Film Archives, Nueva York.

2002

Open Studio Summer Residency Program, School of Visual Arts, Nueva York.

2006

2000

“Entreplantas, Arte en niveles” Instituto Andaluz de la Juventud, Málaga.

OBRA EN COLECCIONES:

2006

2007

Residencia en el Rogaland Kunstsenter, Stavanger, Noruega. Beca Residente Fundación Bilbao Arte. Seleccionado premio Ertibil.

Fundación Coca – Cola. Diputación Foral de Bizkaia. Fundación Bilbao Arte. Diversas colecciones privadas.

Rampas de Uribitarte, 3. 48001

BILBAO

Tfn. 94 435 62 00 · www.icasv-bilbao.com 2011ko urtarrilaren 27tik abenduaren 9ra Del 27 de octubre al 9 de diciembre de 2011 © babeslea patrocina FUNDACIÓN BILBAO BIZKAIA KUTXA FUNDAZIOA

www.bbk.es Lanaren produkzioa producción de obra Diputación Foral de Bizkaia Fundación Bilbao Arte © testuak textos Enrique Martinez Goikoetxea © irudiak imágenes Fernando Villena diseinua diseño Ikeder, S.L. Argazkiak Fotografía Fernando Villena Aitor Arakistain moldiztegia imprenta Baster talleres gráficos, S.L.L. G.L. D.L.

BI-2842-2011

ISBN: 978-84-96649-44-6 azalan en cubierta s/t. (detalle). Fotografía, 2011

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BAZKUN OHORETSUA

ILUSTRE COLEGIO DE ABOGADOS

DEL SE OR˝O DE BIZKAIA