¿Por qué estudiar Bellas Artes?

ÂżPor quĂŠ estudiar Bellas artes?

ISBN - 10

84-697-0717-5

ISBN - 13

978-84-697-0717-3

No es suficiente enseñar a los hombres una especialidad. Con ello se convierten en algo así como máquinas utilizables pero no en individuos válidos. Para ser un individuo válido un hombre debe sentir intensamente aquello a lo que puede aspirar. Tiene que recibir un sentimiento vivo de lo bello y de lo moralmente bueno. La enseñanza debe ser tal que pueda recibirse como el mejor regalo y no como una amarga obligación.

Mi visión del mundo. Albert Einstein

Índice

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Presentación (Por María Jesús Abad Tejerina) ……………………………………………… 8 Capítulo I (Por Juan.Daniel Guerra Vallejo) …………………………………………………...10 Capítulo I.1 (Por Leticia Morallón Perea) …………………………………………………..... 16 Capítulo I.2 (Por Carmen López Ramírez) ……………………………………………………. 18 Capítulo II (Por Estefanía Navarro Aranda) ………………………………………………….. 22 Capítulo II .1 (Por Bárbara Patán Herranz) …………………………………………………… 24 Capítulo III ( Por Mar García– Mochales Ruiz) ………………………………………………. 28 Capítulo IV (Por Laura Rodríguez Sanz )……………………………………………………….32 Capítulo V (Por Pablo Velasco Bertolotto) ……………………………………………………38 Capítulo VI (Por Laura Ponce Moyano) ………………………………………………………..48 Capítulo VII (Por Carlos Rubio Manzano) ……………………………………………………..54 Capítulo VIII (Por Jana Domínguez San Segundo ) ……………………………………….. 60 Capítulo IX (Por David Prieto Ambrós) ………………………………………………………..64

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Presentación

Este libro es el resultado del análisis de contenidos de los estudios universitarios de Bellas Artes. Ha sido elaborado por los estudiantes en varias sesiones de trabajo. Para la realización de los textos se han respetado los criterios y el estilo de cada uno de los autores.

Está concebido para dejarlo libremente en Internet, con la única condición de que se cite a los autores.

Como profesora de la asignatura desde la que se ha redactado este libro me gusta descubrir algunos entresijos de la labor docente. El principio y el final de los cursos académicos son, como la vida, espinosos.

Particularmente siento una terrible inquietud al enfrentarme cada nuevo curso a un reto que no se si lograré superar. Me produce vértigo presentarme ante un nuevo grupo, abrir vías de entendimiento, fomentar el espíritu grupal para trabajar en común y ser capaces de resistir hasta el final dando lo mejor de nosotros mismos. Supongo que esto ocurre por la inseguridad derivada de los planteamientos experimentales con los que siempre inicio las clases. Sabiéndolo, parece fácil evitarlo pero una no puede renunciar a ser quien es. Cada curso y con cada asignatura construyo nuevas propuestas que nos lleven, a mis estudiantes y a mi, a construir conocimiento al tiempo que disfrutamos del hecho de aprender basándonos siempre en principios de incertidumbre (como corresponde a los tiempos que vivimos).

En la asignatura Artista, Sociedad y Educación nos pareció una buena forma de terminar los estudios, se trata de la última promoción de licenciatura, reflexionando sobre las experiencias docentes vividas a lo largo de cinco años en Bellas Artes. Este modus operandi obedece a dos objetivos;

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El primero de ellos sirve para tomar conciencia de lo que realmente se ha aprendido y el segundo para que los nuevos estudiantes tengan una idea general relatada por compañeros que les ayude a decidir si eso es lo que quieren aprender. Por otra parte podría ofrecer a la comunidad universitaria argumentos con los que repensar estos estudios.

En lugar de hacer el examen final nos propusimos elaborar una descripción de contenidos de bellas artes.

Se repartieron las materias y cada estudiante se encargó de una de ellas.

Al redactar un documento de este tipo aflora el pensamiento crítico, lo que fue y no debió de ser, lo que nos hubiera gustado, lo que falto y lo que sobró.

Ahora, viendo el libro, me parece que será el mejor recuerdo que se puede tener de un curso. En estas páginas quedan atrapados los días de formación, las reflexiones que se hacen durante el aprendizaje, los errores, las ambiciones, el espíritu de grupo, las decepciones… Todo lo que se suele aprender durante el primer periodo de la edad adulta hasta alcanzar un buen nivel de frustración y fortaleza.

Todos esperamos que este libro sea útil y ayude a tomar buenas decisiones a quienes lo consulten.

María Jesús Abad Tejerina

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Capítulo I

Inicios de la academia El origen de la academia se remonta a 1726, el pintor Antonio Meléndez realiza la primera propuesta para la fundación de una Real Academia de Bellas Artes en España.

Durante el reinado de Felipe V se propuso abrir una Academia privada que llegó funcionar desde 1741 hasta 1744, a partir de esta experiencia se fortaleció la idea de fundar finalmente una Real Academia (1742), pero que no llegó a materializarse hasta dos años más tarde bajo el provisional nombre de Junta Preparatoria, entre 1744 y 1752.

La primera sede de la Academia de Bellas Artes de San Fernando en 1745, se estableció en la Casa de la Panadería, ubicada en la Plaza Mayor en Madrid y años más tarde en 1747 se traslado al palacio de Goyeneche en Madrid. Allí se estableció la Academia y la Escuela.

Durante los primeros años del reinado de Fernando VI se discutió, la formación de unos Estatutos hasta llegar a la redacción definitiva aprobada por Real Decreto de 5 de abril de 1751. Sobre esta base se fundó la Real Academia de Bellas Artes, según Real Decreto de 12 de abril de 1752.

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Francois Salle, La clase de anatomĂ­a en la escuela de bellas artes.

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Sobre esta base se fundó la Real Academia de Bellas Artes, según Real Decreto de 12 de abril de 1752. Dos años más tarde el rey nombraba Protector de la Academia a Ricardo Wall y Devreux, Primer Secretario de Estado, siendo Tiburcio Aguirre el Vice-Protector.

En 1786 se crea la Comisión de Arquitectura, con un decisivo cometido fiscalizador y crítico sobre cuántos edificios y reformas se llevaban a cabo con cargo a los fondos públicos.

A la iniciativa de Felipe V y al esfuerzo de Fernando VI hay que sumar el empuje dado a la Academia por Carlos III, cuya inercia acompaña todo el reinado de Carlos IV. Carlos III vino a confirmar el carácter instrumental de la Academia como órgano de alcance dentro del reformismo ilustrado.

El 12 de diciembre de 1873 el Gobierno de la República aprobaba un proyecto de Estatutos para la que a partir de este momento se conocería como Academia de Bellas Artes de San Fernando (Gaceta de Madrid, 28 de mayo de 1874), es decir, desaparecía el título de real y, pasaba a denominarse Academia de Bellas Artes manteniendo el patronazgo del rey.

Después de la Guerra Civil la Academia reanudó sus actividades el 13 de junio de 1939Las sesiones se pudieron reanudar en 1982, abriendo sus colecciones al público en 1986.

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Durante el siglo XIX, la Academia sufre una segregación en la enseñanza y partir de allí se forma la Escuela de Bellas artes y la Academia.

Durante el Reinado de Isabel II en 1857, una reforma educativa separó definitivamente la Escuela de la Academia y elevó a categoría de enseñanza superior los estudios realizados en la Escuela de Bellas Artes, que constaban de: Anatomía pictórica, Perspectiva, Estudios del antiguo, Estudio del natural y ropajes, Colorido, Paisaje, Composición aplicada a la pintura y a la escultura, Modelado y Teoría e Historia de las Bellas Artes. La sede de la Escuela continuó en el Palacio de Goyeneche, compartido con la Academia, hasta octubre de 1967.

En la segunda mitad del siglo XX la Academia ha modificado en varias ocasiones los Estatutos, unas veces de forma directa y en otros casos por afectarle disposiciones generales que alcanzaban a las Reales Academias integradas en el Instituto de España.

Entre las novedades más importantes de las últimas reformas estatutarias se encuentra la incorporación de la fotografía, cinematografía y otras formas de expresión artística, inicialmente incluidas en la sección de Escultura, con sección propia desde los actuales Estatutos de 2004 bajo el nombre de "Nuevas Artes de la Imagen”.

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En 1970 la Ley General de educación convirtió las Escuelas Superiores de Bellas Artes en facultades. Las Escuelas de Barcelona, Bilbao, Madrid, Sevilla y Valencia se transformarán en Facultades universitarias, con la denominación de Facultades de Bellas Artes. En esa fecha la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando se incorporó a la Universidad Complutense.

Vista de la Casa de la Panadería en la Plaza Mayor de Madrid.

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Palacio de Goyeneche

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Capítulo I.1

¿Por qué se estudia BBAA? La persona que estudia BBAA, en parte lo hace porque tiene facilidad y destreza en lo referido a las cosas manuales. Puede estar más o menos motivado por otros factores, pero realmente siente cierto gusto, cierta atracción por lo plástico y visual.

Se puede afirmar que la carrera de BBAA, en su mayor parte es vocacional. Ya que hay técnicas que se pueden aprender, así como conceptos y demás conocimientos que desde BBAA se imparten, sin embargo, las personas que verdaderamente disfrutan son aquellas que de manera natural poseen cualidades innatas. Por lo general, la mayor parte de los estudiantes de BBAA lo hacen de manera vocacional.

En cualquier caso, vocacional o no, esta elección en cuanto a estudios artísticos engloba un conjunto de conocimientos de muy diversa índole, lo que puede resultar interesante y atractivo si lo que se pretende es no limitarse a elegir un único puesto profesional desde un inicio, y en cambio, según se van adquiriendo conocimientos artísticos, contemplar la posibilidad de una mayor oferta laboral.

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En lo relacionado a la oferta laboral de la que dispondremos cuando se finalizan los estudios, resulta ser muy variable, algo inesperada y no demasiado predecible desde su incursión en los estudios. Esto ocurre porque cada alumno presente intereses diferentes sobre diferentes materias, técnicas y ámbitos artísticos que desde la carrera se imparten, según su recorrido, especialización e interés, que año tras año irá desarrollando al final acabará interesándose por un final laboral relacionado con el mercado del arte, como artista en sí mismo, o bien tratara de hacerse hueco en un puesto laboral relacionado con aquellos conocimientos en los que resulta presentar mayor destreza.

Finalmente, aunque resulta algo complicado mencionar todas aquellas profesiones que un estudiante de BBAA podría abordar, está claro que el individuo al finalizar sus estudios acaba siendo una persona con conocimientos visuales de forma, espacio y color, con una creatividad bastante desarrollada, y que la mayor parte de su formación práctica se basa en el conocimiento de técnicas y maneras de volver plásticas y materializar sus ideas.

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Capítulo I.2

Motivos por los que los estudiantes deciden hacer BBAA Para conocer la realidad de los estudiantes de primer curso de Bellas Artes, desarrollaron una actividad que trata de una encuesta a los alumnos que realizaron a título personal, en uno de los primeros días de clase.

Fue de gran utilidad, como instrumento de recogida de información que permitió conocer algunos aspectos relativos al alumno, así como opiniones relativas a la enseñanza de Bellas Artes, la actividad artística y el arte en general.

En el curso 95-96, el 72% expresaba que había elegido Bellas Artes porque le gustaba todo lo relacionado con el Arte y para aprender técnicas artísticas. El 25% expresaba con más rotundidad su vocación. El 1.6% había elegido esta carrera porque le gustaría ser profesor de dibujo.

En el curso 96-97, el 56% señalaba que había elegido Bellas Artes por el mismo motivo que el primer grupo del curso anterior, porque le gustaba todo lo relacionado con el arte.

Alguno de este grupo señalaba que también “para poder ser más que un simple especta-

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dor”. El 26% expresaba su vocación, y su inclinación desde la infancia y su deseo de dedicarse profesionalmente en el futuro. Así, hay opiniones como: -El tema del dibujo y pintar me apasiona desde niño, amo el Arte y disfruto trabajando con él.- Es necesario para mí, para vivir, es mi iniciativa más importante, - El sueño de mi vida, - Es la carrera que más me ha impresionado desde siempre.

De estos alumnos, ocho expresan que quieren dedicarse a un área artística concreta: Tres a pintura, uno a restauración, uno a diseño y dos a escultura.

En el curso 97-98, un 54’3% señalaba que había decidido estudiar Bellas Artes porque le gustaba, igualmente, todo lo relacionado con el Arte. Un 31’5% afirmaba vocación desde temprana edad. Alguno de este grupo indicaba que estudiaba Bellas Artes para “realizarme como persona”.

Un 10’5% además de expresar esta vocación, señalaba la especialidad a la que le gustaría dedicarse: uno a la Imaginería, otro a la Restauración, y otro a la docencia en el campo del Dibujo o la Escultura.

Sobre la necesidad de poseer unas aptitudes para el estudio de Bellas Artes.

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Algunas de las aptitudes más relevantes para afrontar esta licenciatura pueden ser la capacidad de percepción espacial, la sensibilidad ante el color, la habilidad para representar y construir tanto en el plano como tridimensionalmente y un mínimo de conocimientos de las técnicas de dibujo, así como la madurez intelectual para el estudio y análisis científico.

A lo largo del estudio realizado, se observa que la gran mayoría de los alumnos de BBAA, entienden que es necesario poseer unas aptitudes para el estudio de Bellas Artes, las cuales hay que desarrollar, educar y perfeccionar con el aprendizaje y el trabajo diario.

Desde mi experiencia personal, mi paso por la carrera de Bellas Artes ha sido un hecho, que en un principio, simplemente era un sueño que no pensé que llegara a realizar, pero las vueltas de la vida me colocaron en la meta de salida para estudiar Bellas Artes.

El dibujo era lo que más me entretenía cuando era una niña, pasaba las tardes copiando cómic de Mortadelo o de Disney. En el colegio era la asignatura que más me gustaba. Desde que deje el colegio, no volví a dibujar hasta que me preparé para el examen de acceso a Bellas Artes.

La ilusión de alcanzar mi sueño a sido el motor que ha hecho posible esta realidad.

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A través del mundo del arte, tengo la intención de encontrarme conmigo misma.

De ser más humana, más sensible, más comprometida con mi entorno social y natural.

Intento ser un vehículo de transmisión de ideas y sentimientos, de sensaciones y emociones.

Pienso que es una carrera que la mayoría estudia por vocación, porque tiene una habilidad para el dibujo y porque les interesa la pintura o la escultura y el arte en general.

Bellas Artes tiene asignaturas como bases didácticas de las artes visuales, diseño e introducción a las técnicas digitales, grabado, anatomía, fotografía, audiovisuales, espacio, arte y acción, lenguaje escultórico, etc.

Es una carrera que requiere habilidades técnicas, así como una constante investigación sobre los diferentes movimientos artísticos, visitas a museos, galerías de arte, ferias de arte,etc...

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Capítulo II

¿Qué tipo de clases hay? ¿Qué saberes se dan?

Durante la licenciatura de Bellas Artes existe gran variedad de asignaturas para que los alumnos puedan escoger e irse decantando por lo que más les guste. Existen asignaturas obligatorias que todo alumno debe hacer y las optativas, las cuales varían según lo que le interese a cada persona.

La licenciatura son 5 años divididos en 2 bloques llamados ciclos.

El primer ciclo consta de los 3 primeros años los cuales son asignaturas más generales. En los primeros años enseñan diversas técnicas que existen y las clases constan de más práctica que teórica para que el alumno experimente y tenga un objetivo claro para más adelante.

El segundo ciclo consta de los dos últimos años; 4º y 5º, y las asignaturas son más específicas. El alumno se centra en lo que le interesa y les ayudan a potenciar ese campo. Las asignaturas son más concretas, las cuales compensar la teoría con la práctica.

Cada alumno va desarrollando sus propias obras y llega a entender conceptos y teorías que años atrás no comprendía.

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Los saberes que se dan durante la licenciatura se pueden dividir en los siguientes cuatro bloques: 1. Contextualización del arte Existen asignaturas de historia del arte repartidas entre los dos primeros años de licenciatura. Es una asignatura obligatoria y necesaria, ya que una persona interesada en realizar todo lo relacionado con el arte, debe saber el pasado de éste, todos los antecedentes y conceptos que se han desarrollado hasta la actualidad.

2. Conceptos plásticos A lo largo de la licenciatura todas las asignaturas constan de una parte teórica y otra práctica. No siempre está compensado, ya que muchas asignaturas realizan más práctica que teórica, y viceversa.

3. Prácticas artísticas En este apartado enunciaré las asignaturas que se llevan a cabo durante la licenciatura que serán explicadas con detalle más adelante:

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Capítulo II.1

Estructura de la carrera La licenciatura de Bellas Artes es una carrera que se compone de cinco años de formación con docencia mediante clases teóricas y en su mayoría, clases prácticas. A su vez, estos años se dividen en dos ciclos: el ciclo I (1º, 2º y 3º) y el ciclo II (4º y 5º).

La carrera se compone de un total de créditos. Un crédito es la medida de la dificultad de una asignatura, basado en el número de horas lectivas impartidas por el profesor.

Las asignaturas optativas son asignaturas que el estudiante elige por voluntad y constan de otro tipo de disciplinas aplicadas al arte como: fotografía, grabado, restauración, anatomía, etc. Se dividen en dos grupos: las asignaturas optativas de primer ciclo y las de segundo ciclo. Las asignaturas optativas del primer ciclo sólo las pueden elegir alumnos de 1º, 2º o 3º curso de Bellas Artes. Algunas de estas asignaturas están partidas en varios niveles, siendo por ejemplo; Fotografía I, Fotografía II y Fotografía III. Siendo así, no se puede elegir una asignatura de un nivel superior (Fotografía II) sin haber hecho la anterior (Fotografía I). Gran parte de las asignaturas optativas de segundo ciclo son la continuación de asignaturas del primer ciclo.

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Existen dos especialidades en la carrera: Artes de la imagen y Artes plásticas. Ésta última a su vez, tienes tres áreas: Área de dibujo, Área de escultura o Área de pintura. Para obtener una de ellas se deberá cursar un conjunto de asignaturas que la componen.

En el primer año de la carrera, el alumno es guiado de manera genérica. Se busca formarle en distintas disciplinas de manera igualitaria, dándole un conocimiento básico de cada una para que las controle con soltura. Consta de ocho asignaturas que son troncales y obligatorias, de 12 y 6 créditos respectivamente. Las básicas y más importantes son Dibujo del natural I, Introducción escultórica e Introducción al color, que son los equivalentes a Dibujo, pintura y escultura. Mientras que las asignaturas restantes son más complementarias y dan un conocimiento centrado sobre otro tipo de rama como son: Sistemas de Análisis Geométrico de la forma y la presentación I, Teoría e Historia del Arte I, Bases Didácticas de las artes visuales, etc.

En el segundo año, el alumno ya sabe desenvolverse en los distintos medios y en este curso se centran en continuar el aprendizaje básico con un nivel más elevado de dificultad. Se le añade la novedad de que contará con más asignaturas troncales, y un determinado número de asignaturas optativas o de libre configuración, permitiéndole que elija lo que es más afín para él.

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Todavía se sigue enseñando al alumno en varias disciplinas complementarias, creyendo que todavía no está lo suficientemente cualificado para decidir en qué disciplina quiere especializarse.

En el tercer año, la libertad para elegir asignaturas se amplía de manera considerable de tal manera que sólo existe una troncal; Dibujo Natural III. El resto se componen de asignaturas optativas y de libre configuración. Durante este curso, se busca que el alumno comience a pensar por si mismo desarrollando pequeños trabajos en los que van sobresaliendo sus pequeños gustos y especialidades. Las pautas del profesor se vuelven menos continuas pero siguen siendo académicas, de manera que les permite a los estudiantes desarrollar su parte más creativa sin perderse demasiado en el campo.

En el cuarto año, el paso del primer ciclo al segundo ciclo se hace más notorio. Este curso se compone de dos asignaturas troncales de 18 créditos cada una y el resto de asignaturas optativas.

El estudiante obtiene la libertad para poder utilizar su creatividad en sus propios proyectos personales.

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El profesor deja de un lado el seguimiento académico para ayudar al alumno a cómo utilizar esa libertad de manera continuada. El trabajo académico deja lugar a lo que comienza a llamarse obra o proyecto personal, mentalizando al alumno sobre el camino que quiere seguir después de la Universidad.

El quinto año está formado por una asignatura troncal de 18 créditos y en su mayoría, asignaturas optativas y de libre configuración. El alumno es dejado a su voluntad el desarrollo de sus proyectos, siendo guiado mediante tutorías por sus respectivos profesores.

Este curso es la continuación del anterior: el alumno conoce ya la dificultad del curso al que se va a enfrentar. Los proyectos que llevan a cabo se comienzan a evaluar de manera más exigente que el curso anterior, buscando una coherencia entre lo que dice el alumno y la obra de éste.

Se busca que el alumno se encuentre preparado para saber a lo que se enfrenta después de la universidad. Todo lo que ha aprendido es con el fin de que pueda desenvolverse en el mundo laboral o artístico en el que quiere trabajar.

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Capítulo III

Escultura Hay seis asignaturas progresivas de Escultura y otras tres asignaturas que complementan y amplían los conocimientos de la escultura. Los tres primeros años es una asignatura obligatoria que se puede combinar con las distinta optativas.

La primera asignatura a cursar es Introducción a la Escultura donde se empieza a conocer el mundo del modelado y las herramientas necesarias. Hay una primera parte que se trabaja con barro copiando un modelo dado, luego se experimenta con otros materiales con tratamientos y acabados diferentes como la cera o la escayola.

En segundo curso se imparte Escultura I donde se imparten conocimientos básicos para poder emplear los materiales, técnicas y herramientas adecuados para un proceso creativo. Se fomenta la percepción de la forma tridimensional mediante la copia de elementos en distintos materiales.

Escultura II es una asignatura optativa de tercer curso donde se profundiza todo lo que se dio en el curso anterior.

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Cuando llegamos a cuarto curso, hay dos asignaturas troncales obligatorias donde se pueden elegir tres ramas, una de ellas es escultura. Estas dos asignaturas son Idea, concepto y proceso de escultura y Proyectos I de escultura. En la primera se deja atrás el trabajo de artesano realizado en años anteriores y se comienza a tratar la escultura como modo de expresión y conocimiento de la realidad. Se estimula la creatividad del alumno tanto como el pensamiento crítico para que puedan llegar a desarrollar un proyecto artístico mediante los distintos materiales de escultura. En la asignatura de Proyectos I es complementaria a la anterior. Se imparten los conocimientos necesarios sobre escultura para poder hacer una crítica de arte, y así desarrollar un proyecto artístico.

Imagen tomada por Mar García-Mochales

Imagen tomada por Mar García-Mochales 29

Terminamos la licenciatura cursando Proyectos II, se prepara a los alumnos para que sean capaces de desarrollar un trabajo de investigación y documentación y para la realización de un proyecto artístico y su correspondiente materialización de la obra artística.

A parte de las asignaturas obligatorias, tenemos otras optativas que nos enriquecen el aprendizaje en la rama de la escultura.

En Procesos técnicos escultóricos se experimenta con las cualidades físicas, estéticas y simbólicas de los materiales y procesos. Se adquieren conocimientos que pueden enriquecer el discurso artístico.

Lenguaje escultórico es una asignatura teórica que plantea las posibilidades expresivas de la escultura sus soportes y medios de representación, desde las vanguardias hasta la actualidad.

Técnicas y materiales de moldeo y reproducción. En esta asignatura conocen nuevas técnicas y materiales de reproducción escultórica. Se conocen las técnicas idóneas para poder reproducir cada material y las herramientas y medios para la realización de moldes.

En la licenciatura de Bellas Artes en el CES hay una amplia oferta educativa enfocada a la escultura.

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Otros de los aspectos importantes que se tratan en todas ellas es la defensa de nuestros proyectos en público y exposición de estos en distintos espacios, tanto dentro como fuera de la facultad.

Se disponen de varios espacios dispositivos dentro de ella y muy buena relación y convenios con galerías y espacios expositivos fuera. Fomentar estas exposiciones es una gran oportunidad para saber enfrentarnos a la vida laboral e incorporarnos al mercado del arte.

Imagen tomada por Mar García-Mochales 31

Capítulo IV

Dibujo El dibujo es una modalidad que comprende muchas asignaturas. Es un pilar importante en esta carrera e incluye tanto asignaturas obligatorias como optativas y de libre configuración. El cambio de licenciatura a grado ha hecho que muchas asignaturas cambien, se dividan o desaparezcan. Por ello dentro de mi experiencia solo puedo hablar de las que entrarían dentro de la licenciatura.

Voy a explicar por encima lo que yo he hecho en ellas y como han sido. Porque aunque sean otras ahora, siguen siendo en su mayoría los mismos profesores y las mismas técnicas. Aunque lo que yo haya hecho no sea lo mismo que se haga en grado, sigue siendo una experiencia de lo que se hace o se ha hecho en Bellas Artes del CES Felipe II. Empezaremos con las asignaturas obligatorias.

En primero el encontrábamos las asignaturas de Dibujo natural I y Sistemas de análisis geométrico de la forma y la representación I. Ambas asignaturas son importantes y sentarán unas bases imprescindibles para el resto de asignaturas a lo largo de la carrera. En grado, estas asignaturas se han convertido en Fundamentos del dibujo y en Dibujo técnico.

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Dibujo natural I se centra en aprender el encaje y la comprensión del espacio y perspectiva. Se enseña a medir y a observar una figura para después plasmarla en el papel.

Esta asignatura principalmente trabaja con el carboncillo sobre papel con un formato de 50 x 70 cm, aparte de ejercicios que se trabajaran en casa donde se utilizarán otros materiales como plumilla o lápiz para acostumbrarse a analizar las formas y tratar de realizarlas igual.

Como modelo se tendrán estatuas clásicas de gran tamaño y cabezas del mismo estilo.

La asignatura de Sistemas de análisis geométrico de la forma y la representación I se podría dividir en dos partes, una más artística y otra más técnica. En la primera hacemos uso de la perspectiva en la imagen. En la segunda nos centramos más en lo técnico. En las formas y vistas de los objetos.

En el siguiente año se cursará la segunda parte del dibujo al natural, Dibujo natural II, que en grado pasa a convertirse en dos asignaturas: Procesos y Procedimientos del dibujo y Construcción y representación en el dibujo.

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Durante este curso la asignatura se centrará más en la anatomía humana, sin dejar de usar lo aprendido en el año anterior. Una parte de ella se dedica trabajar con modelo real, analizando la anatomía y repitiendo su pose en el papel.

Por otra parte se realizarán apuntes del natural en un formato menor para coger práctica y entrenar el encaje y la medición rápida.

Sistemas de análisis geométrico de la forma y la representación también tiene su segunda parte en el segundo curso. Que en grado vuelve a ser Dibujo técnico. En esta se centrará más en ejercicios más teóricos donde entra la figura tridimensional y su representación a partir de planos y vistas.

En tercero se volverá a repetir la misma asignatura, en este caso Dibujo natural III. En ella realizaremos diferentes ejercicios a lo largo del curso. En este caso, esta asignatura se convierte de nuevo en dos: Estrategias Artísticas del dibujo y Producción Artística del dibujo.

Por un lado se profundiza en los contrastes de la luz y la sombra, en la pose específica del modelo y en dibujar a éste en movimiento, captándolo del comienzo al fin. Continuando con el mismo material de los años anteriores pero de formato mayor, 100 x 80 cm.

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Por otro lado se continuará con la realización de apuntes rápidos. Esta vez el alumno tendrá que probar diferentes materiales y técnicas para ello.

Como tercera parte de la asignatura se deberá trabajar durante todo el curso en un trabajo más personal en paralelo, un libro de artista creado a partir de una idea sacada de un libro.

Uno de los ejercicios finales deja más de lado el lado técnico y deja desarrollar al alumno su lado más artístico. El ejercicio se realiza como el resto de ejercicios de modelo, pero eligiendo entre cuatro poses y dándoles un punto de vista más conceptual.

Las asignaturas consideradas obligatorias acaban aquí. Ahora se desarrollaré las optativas y de libre configuración.

Anatomía morfológica aplicada. Ésta conserva su nombre en el grado. Es una asignatura de libre configuración que como su propio nombre indica, se basa en la anatomía del cuerpo humano tanto exterior como interior. Ésta comprende tanto los músculos como los huesos. Cuenta con sus clases teóricas a la semana donde se darán los conocimientos básicos para el siguiente ejercicio. En ella se desarrollarán diferentes clases de ejercicios: dibujos del natural de un modelo basados en lo que se aprenda esa semana en una clase teórica; un atlas anatómico que irá creando el alumno según la teoría dada; exámenes 35

realizados solo con la ayuda del propio atlas del alumno. Todo esto llevado a cabo con un formato de DIN-A 3 y dibujado con grafito o lápices de colores.

Ilustración. Asignatura de libre configuración que desaparece en el grado. Cuenta con su parte digital y su parte tradicional. Se realizaban algunos trabajos básicos para conocer el programa de Adobe Illustrator. Además de llevarse a cabo ejercicios como ilustrar textos, crear una animación o diseñar personajes. Todo ello acompañado de sus correspondientes clases teóricas, video relacionados y pequeñas prácticas para familiarizarse con técnicas y estilos.

La carrera comienza con asignaturas base que darán pie a los siguientes años. Aportan la experiencia básica para poder continuar. En el caso del dibujo, se pasa de lo más técnico a la parte más artística. En tercero ya se empiezan a incluir proyectos más personales, donde salirse del dibujo puro y encontrar otros caminos de expresión partiendo de él.

También se empezarán poco a poco a hacer presentaciones de los trabajos en público para ir acostumbrando al alumno.

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Imagen tomada por Laura RodrĂ­guez 37

Capítulo V

Pintura En primero de la carrera tienes dos asignaturas obligatorias que te hacen entrar en contacto con la pintura. Una cuatrimestral y otra anual.

Color Esta es la primera vez que se va a tener contacto con la pintura, y el color. Se deduce que no todo el mundo proviene del ámbito artístico se empieza desde lo más básico. Lo primero suele ser contraponer fórmulas clásicas del tratamiento del color. Como hacer bodegones en colores cálidos y fríos. Durante el año se van realizando ejercicios que te acercan al realismo, ya que este realismo tiene una dificultad técnica y además es la mejor forma de aprender a manejar el color.

El material mas utilizado es la pintura acrílica. Al final del curso se realiza un cuadro de un retrato en un formato superior y un lienzo. (Los trabajos anteriores se hacían en papel) Creo que esta asignatura debería enfocarse no solo de manera práctica si no también de manera teórica, es mucho mejor saber sobre la teoría del color que hacer ejercicios

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parecidos a los que hacíamos en segundo de la ESO. Además las limitaciones de los bodegones o del material utilizado (Acrílico) no hacen mas que coartar el desarrollo propio del alumno. Esta desmotivación hace que el alumno en realidad no aprenda sobre color y esta asignatura al final sirve de primer contacto con la pintura. Pienso que el estudio de otros artistas expertos en manejar el color es fundamental.

Bodegón de colores cálidos y fríos, pastel sobre papel.

Técnicas pictóricas En este caso la asignatura en mi caso trató en probar diferentes técnicas relacionadas con la pintura y la realización de diferentes imitaciones de artistas para saber como trabajaban y conocer el medio en el que se desenvuelven. En esta asignatura se prueban materiales como el óleo o la acuarela. No vistas antes en ninguna otra rama de la carrera.

Los trabajos realizados van desde un retrato a pasteles, a una obra basada en Mondrian (usando pintura casera), pasando por la copia de un cuadro clásico con la técnica de la grisalla y las veladoras del óleo.

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Recuerdo como vivíamos esas clases y lo intensas que eran. Ahora eso si creo que faltaba como en la anterior mas carga teórica, y un estudio mas en profundidad de los artistas a los que se estaba imitando para entender su técnica. Óleo a la prima, técnica que combina el óleo en grandes cantidades sobre una superficie de madera.

En segundo de carrera, terminan las pruebas, se entiende que la toma de contacto con la pintura esta superada y comienza tanto la perfección técnica como el desarrollo del estío personal.

Pintura I El curso comienza con la proposición de diferentes conceptos, para a través de ellos realizar obras. Se trata de ir perfeccionando la técnica pictórica. Se busca ya cierta calidad.

Pero pensando también en que concepto quieres transmitir. Las mayoría de las obras se realizaban en un papel duro, en esta asignatura se empiezan ha hacer habituales los lienzos.

Tras un cuatrimestre basado en desarrollar imágenes extraídas de conceptos dados por el

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por el profesor (como puede ser viaje o silla) pasas a la realización de un proyecto personal. Se empieza a pensar en conceptos mas allá de la propia pintura. Los materiales permitidos son acrílico y óleo.

En otras clases se daba la técnica clásica basada en los planos de color, (muy útil para aprender a manejar el color en sí) También era obligatorio realizar un cuadro matérico como en técnicas pictóricas, esto te obliga a ti mismo a romper tus propios esquemas.

Me parece que en esta asignatura se debería ir directamente al proyecto sin ejercicios de desarrollo técnico. Me parece mucho mas importante que haya un número importante de clases teóricas en las cuales se hable de pintores clásico y modernos y que todo ello sirva para realizar un proyecto de pintura interesante y no un desarrollo de ejercicios mas técnicos y un pseudo proyecto.

En tercero de carrera termina el primer ciclo y las asignaturas de pintura son optativas.

Hay asignaturas mas especializadas en pintura sobre todo que siguen mejorando el desarrollo técnico. Aunque también hay avances conceptuales.

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Pintura II Te pasas la mitad del curso realizando un proyecto y la otra mitad copiando de modelo al natural. No se exige realismo en la copia de modelo, lo cual me pareció muy interesante ya que da lugar a resultados mucho mas pictóricos. Esa libertad que se da en este sentido hace que el desarrollo de un estilo propio sea tan básico como el desarrollo técnico propiamente dicho.

Después se ha de realizar el proyecto en superficies de gran formato. la carga conceptual (Aunque varia con el profesor) no es tan necesaria. Es decir al ser el primer ciclo no se le da tanta importancia al desarrollo conceptual de un proyector. Es una especie de introducción.

Me parece que toda la parte de copia de modelo debería estar relegado a asignaturas anteriores, creo que ya que estas acabando un ciclo, la importancia del proyecto debería ser absoluta y no estar obligados a realizar obras en tamaños determinados pues toda esta clase de ejercicios no hacen mas que coartar el desarrollo propio del artista. Se trabaja muy poco la parte teórica y estética de la pintura.

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Y ya que este es la ultima vez que se da pintura como tal debería dársele mas importancia a la carga teórica y al estudio de artistas. Así como al mundo del arte contemporáneo y del mercado del arte.

Trampantojo Esta clase es simplemente para el perfeccionamiento técnico del uso del color. La asignatura consiste en la copia de fotografías en un lienzo. Las técnicas permitidas son óleo y acrílico.

No tiene ninguna carga teórica de ningún tipo. Se aprende a realizar una correcta visualización de colores y su posterior aplicación.

No cambiaría nada de esta asignatura, es una asignatura cuatrimestral que tan solo sirve para el perfeccionamiento técnico, impartida por el gran profesor Juan Gallego, que también le da cierta carga conceptual mostrándonos otros artistas. Pero que en esencia es una asignatura para aprender a pintar correctamente y desde luego aprendes, y mucho y muy rápido.

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Segundo ciclo Proyectos e idea de Pintura Aquí ya todos los planteamientos cambian radicalmente. En proyectos de pintura se recomienda no usar pintura, y se le da una importancia total al desarrollo conceptual de la obra. En la asignatura de Idea de pintura si se usan procedimientos pictóricos mas tradicionales. Aunque también exige el desarrollo de un proyecto donde tu puedes utilizar las técnicas que te plazcan. La libertad se transforma en uno de los pilares para la realización de un proyecto. Aunque una parte del año hacen copia de modelo con gamas mas especializadas.

Técnicas y procedimientos pictóricos Asignatura basada en la realización de un gran numero de cuadros, probando diferentes técnicas y soportes en cada uno de ellos. Manteniendo en común un mismo tema a tratar. Al final la obra tiene en común el tema elegido, que ha ido variando a las diferentes técnicas utilizadas.

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Una de las cosas mas interesantes de esta asignatura es el taller impartido por Juan Perdiguero (traído por Juan Gallego) con el cual te pasas realizando un cuadro durante un mes con su técnica.

Esta asignatura me pareció muy interesante porque acabas teniendo un gran numero de obra y además te obliga aprobar cosas que de otra manera jamás probarías. Gallego da a parte clases teóricas para reforzar la asignatura. Yo daría mas carga teórica a diferentes artistas y no tanto a materiales y soportes pero es una buena asignatura. Aunque creo que mas talleres del tipo de Juan Perdiguero mejorarían la clase.

Paisaje En esta asignatura te especializas en la realización de paisaje del natural y paisaje basado en fotografías. Las proposiciones de ejercicios pasan por todas las posibilidades atmosféricas posibles como realizar un cuadro en el que aparezca la nieve, la lluvia, la noche, la niebla...

Al final acabas con la realización de un pequeño proyecto de tres cuadros con cierta carga conceptual.

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Para mi, en esta asignatura exige una sobre carga de lo que es el trabajo técnico, y hay una ausencia total del trabajo teórico. No se estudian los artistas especializados en paisaje, ni los clásicos ni los modernos.

Debería darse un buen repaso a lo que son las nuevas formas de entender el paisaje y a parte de estudiar a pintores que trabajan en este sentido, pienso que hoy en día en una asignatura de paisaje es fundamental estudiar también a fotógrafos.

“Madre” Acrílico sobre lienzo Pablo Velasco 50x70 cm

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“Luis I.” Acrílico sobre lienzo Pablo Velasco 100x70 cm

“Invierno” Acrílico sobre lienzo Pablo Velasco 100x70 cm

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Capítulo VI

Grabado -Grabado y Técnicas de estampación Esta es una asignatura de 12 créditos, optativa, destinada a los alumnos de segundo y tercero de Licenciatura. La asignatura es teórico- práctica, pues en las clases teóricas se dan a conocer todas esas técnicas que se llevarían a cabo en las clases prácticas. Aun así, el mayor peso de la asignatura es práctico, pues se realizan un gran número de grabados a lo largo de todo el curso.

En concreto, en esta primera asignatura que se imparte sobre la iniciación en el grabado, se hace un breve resumen donde se engloban la mayoría de las técnicas del grabado. Empezando a trabajar con grabado en relieve, utilizando linóleos, maderas…y terminando el curso con técnicas de grabado en hueco, utilizando planchas de cobre como material para realizar el grabado, y utilizando las técnicas más conocidas que son el aguafuerte y el aguatinta.

Los objetivos generales de esta primera asignatura de grabado son:

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-Proporcionar a los alumnos el conocimiento sobre las principales familias de técnicas de estampación de manera que puedan desenvolverse en el ámbito profesional.

-Colaborar en la comprensión de los mecanismos de creación contemporáneos, utilizarlos y reflexionar en torno a las ideas.

-Desarrollar la autocrítica sobre los propios trabajos.

-Despertar y alimentar en los alumnos una sensibilidad estética.

-Promover entre ellos una ética profesional.

En definitiva, con esta asignatura se dan a conocer todas las características y diferencias fundamentales de las distintas técnicas de estampación tradicionales, y se ejecutan las mismas a modo creativo en el taller de clase. Además de saber valorar y degustar una estampa en toda su complejidad y desde distintas perspectivas.

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Grabado en Relieve Esta asignatura, al igual que la anterior, es de 12 créditos, pero está destinada a los alumnos de cuarto y quinto, es decir para el segundo ciclo de Bellas Artes.

En grabado en relieve se trabaja de una manera más específica y en profundidad sobre esta técnica, pues ya se tienen los conocimientos básicos necesarios gracias a la asignatura anterior.

Los objetivos principales de la asignatura son: -Conocimiento del vocabulario utilizado en esta técnica.

-Conocimiento de los métodos de producción y técnicas artísticas.

-Conocimientos de los materiales y de sus procesos de creación -Habilidades para la creación artística y capacidad de construir obras de arte.

-Conocimiento de los instrumentos y métodos de experimentación en el arte.

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En cuanto a la metodología de la clase también es teórico-práctica. Realizando técnicas como: -Linograbado: Utilización de linóleo como matriz para la realización de un grabado en relieve. Utilizando como herramientas para crear surco, gubias con diferentes formas.

-Grabado en madera a fibra: En este caso se utilizan también gubias como herramientas, pero esta vez la matriz será una plancha de madera a fibra.

-Xiligrafia a contrafibra: En esta técnica las planchas de madera se cortan transversalmente al tronco del árbol con lo que se elimina la veta de la madera. En cuanto a las herramientas para el vaciado, el grabador sustituye las gubias por los buriles.

En definitiva, el desarrollo de la asignatura tiene un carácter fundamentalmente práctico, realizando dichas prácticas en el aula, llegando a tener una dinámica que posibilite el intercambio de experiencias y conocimientos entre el profesor y los alumnos.

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Grabado en Hueco Al igual que Grabado en relieve, esta asignatura es teórico-práctica, y se compone de créditos optativos, pero esta vez centrándose en la técnica del grabado en hueco.

Con esta asignatura se dan a conocer todas las metodologías y técnicas del grabado en hueco, trabajando principalmente: -Punta seca: es una técnica similar a la del grabado a buril. El artista dibuja la imagen sobre una lámina de zinc, cobre, sin tratar, o de acrílico o plástico utilizando un instrumento que parece un lápiz, con punta de diamante, o simplemente metal afilado.

-Aguafuerte: es una técnica que se efectúa usando una plancha de cobre. Ésta se recubre de barniz resistente a los ácidos para dibujar sobre ella llegando justo hasta el cobre sin penetrar en él. Posteriormente se sumerge en ácido nítrico, la cual corroe el cobre en las zonas en que éste no está protegido por el barniz, y deja los surcos del dibujo.

-Aguatinta: El aguatinta es similar al aguafuerte. Se exponen al ácido amplias zonas de la plancha, rociando con resina ciertas zonas de la lámina y calentando ésta para que la resina quede adherida. A continuación se sumerge en un ácido que disuelve la superfi52

cie en las zonas que no están protegidas.

En esta asignatura es necesaria la realización de varias estampas con distintos resultados, además de la realización de algunos trabajos teóricos sobre el grabado a lo largo de la historia o sus artistas.

En definitiva, en esta universidad disponemos de cuatro diferentes zonas de trabajo para la realización de las diversas técnicas de grabado, las cuales se pueden observar en las fotografías proporcionadas en este capítulo. Además se dispone de todos los materiales necesarios a la hora de trabajar y elaborar nuestra estampa.

Imagen tomada por Laura Ponce

Imagen tomada por Laura Ponce 53

Capítulo VII

Asignaturas relacionadas con la imagen FOTOGRAFIA I Fotografía I es una introducción a la fotografía desde los orígenes del medio. Los alumnos aprenden el origen y desarrollo de este lenguaje creando ellos mismo una cámara estenopeica, de este modo a lo largo del curso van comprendiendo los mecanismos de la fotografía y los entresijos tecnológicos que se han ido sucediendo hasta el presente. La asignatura es totalmente analógica. El proceso analógico acapara todo el curso, para familiarizar a los alumnos con los procesos de laboratorio y desarrollo de imagen y así crear una base para su salto al medio digital.

Los ejercicios son simples: Obtención de cromas, estudio de planos, juegos de luces, sombras, contacto con el positivado y laboratorio, comienzo de proyectos artísticos fotográficos…

Las clases se alternan entre laboratorio y teoría, donde se expone la historia de la fotografía y teoría técnica y de lenguaje.

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Los principales problemas que demuestra la disposición de la asignatura es el propio planteamiento de situar todo un año de trabajo en el analógico para un curso más tarde no permitir al alumno continuar sobre este medio. Para cursar la asignatura es necesario disponer de una cámara analógica que en la continuación de la asignatura no puede utilizarse, por lo que se cierran puertas a poder investigar sobre el medio de una manera más profunda. La asignatura se preocupa demasiado en los aspectos formales y técnicos y no deja lugar a crear pequeños proyectos más creativos o personales. A la vez, se hecha en falta ejercicios o demostraciones maestras en conjunto que puedan generar debates en clase.

Respecto a las clases teóricas se echa en falta más debates visuales que produzcan en el alumno un ojo crítico frente a la imagen. Se aprenden muchos autores y se exponen numerosos trabajos, pero falta construir en conjunto una mirada crítica hacia los trabajos.

Imagen tomada por David Prieto

Imagen tomada por David Prieto 55

FOTOGRAFIA II Fotografía II es la continuación de Fotografía I. En esta asignatura se produce el salto tecnológico del analógico al digital, por lo que es imprescindible disponer de una cámara réflex digital para cursar la asignatura.

La estructura de la asignatura es similar a la de Fotografía I, dejando más libertad al alumno para crear proyectos más personales.

Al tratarse de una asignatura digital se reemplazan las horas de laboratorio por horas en el aula de informática, donde se aprende el programa de retoque digital Adobe Photoshop.

Los problemas de los que disponía Fotografía I aquí se ven solventados en tanto que el alumno tiene más libertad para crear proyectos personales. Las clases teóricas son similares a las del curso pasado y se vuelve a echar de menos esos debates que en cierta manera tampoco el alumno ayuda a generarlos.

Se echa en falta en la asignatura la oportunidad de volver a trabajar en analógico, vetado totalmente hasta Fotografía III. El problema que sucede al no tener la opción de retomar el analógico es la perdida de interés en profundizar y en perder el hilo del medio. Sería interesante una autorización donde se pueda plantear entregar proyectos personales en digital y analógico.

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FOTOGRAFÍA III La asignatura se centra totalmente en la realización y culminación de los proyectos personales de los alumnos. El número de clases teóricas es el mismo prácticamente que el de tutorías y el seguimiento de la obra del alumno y su proceso es imprescindible para el desarrollo de la asignatura.

Este curso permite elegir entre trabajar en analógico y digital y configurar y trasladar las obras en diversos soportes más allá de la fotografía en papel, por lo que el alumno se siente libre de trabajar casi con cualquier cosa, pudiendo incluso realizar instalación y vídeo.

Fotografía III se suele realizar el último año de carrera, por lo que coincide con la plena madurez del alumno y cuando siente que es capaz de abordar proyectos más complejos que en anteriores cursos. Fotografía III es el paso natural del proceso que supone la primera y segunda parte de la asignatura.

Al final acaba quedándose corto, por lo que acaba resultando interesante plantear que la base propuesta en Foto III se hiciese más notorio en Foto II, esto es, tener casi la libertad que dispones en la tercera parte desde Foto II.

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IMAGEN DIGITAL Imagen digital es una asignatura donde el alumno aprende a utilizar programas de modelado en 3D e imagen virtual. La asignatura se comprende íntegramente en el aula de informática y las clases son seguimiento de ejercicios que dispone el profesor y en donde los alumnos le siguen para más tarde realizar elle un ejercicio similar a entregar.

La asignatura tiene muchos usos, y los conocimientos que se adquiere sobre imagen digital son muy amplios. Esto entra en conflicto con la duración del curso. La asignatura es de 6 créditos por lo que las horas de clase son demasiado pocas para que el alumno tenga tiempo de poder conocer bien la herramienta. Al final, el alumno acaba llevándose una base familiar con la herramienta demasiado superflua para realizar proyectos serios.

La duración de la asignatura es necesario ampliarlo para que el alumnado tenga más tiempo de invertir horas con los complicados programas de 3D.Incrementar la asignatura a 12 créditos podría solventar este problema.

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Imagen tomada por David Prieto 59

Capítulo VIII

Introducción a las técnicas pictóricas sobre muro Esta asignatura optativa pretende enseñarnos algunas técnicas antiguas, en concreto el fresco, el esgrafiado y el mosaico. Estas técnicas eran típicas de los antiguos maestros del arte, por lo que es realmente interesante conocerlas desde el punto de vista del artista actual, en esta clase aprendemos las técnicas, las complejidades y las ventajas que tienen estos procedimientos.

Pese a que las técnicas son muy antiguas y acostumbramos a ver imágenes obsoletas, en esta asignatura se goza de gran libertad, nosotros podemos aplicar el arte moderno a estas superficies, quedando unos resultados sorprendentes.

Las clases constan de una parte teórica y una práctica. La parte teórica es mínima pero indispensable y se imparte al principio de cada ejercicio para una buena comprensión de la técnica, de manera que una vez situados en el taller se pueda aprovechar el tiempo al máximo.

Es una clase mayoritariamente de taller, dónde el trabajo manual y artesanal son los protagonistas. Podríamos definir esta asignatura como “albañilería creativa” y pese alas apa-

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riencias, la paciencia y la delicadeza han de ser dos virtudes a cumplir; eso sí al terminar el trabajo, ves la recompensa.

El esgrafiado y el fresco, al ser trabajos de gran tamaño, se realizan por parejas, el mosaico en cambio, es un ejercicio individual.

Es una técnica decorativa, puede realizarse en distintas superficies, aunque en este caso se aplica sobre muro. Consta de varias capas, cada una realizada individualmente con distintos materiales como tipos de arena, o pigmentos. Lo interesante es que a través de dibujos inscritos, se van descubriendo las capas con distintos colores.

Lo más habitual en los esgrafiados es ver dibujos simétricos, para los que se utilizan plantillas. Gracias al uso de pigmentos pueden quedar unos ejercicios muy coloridos y novedosos.

Es el más complicado de los tres, es una técnica elaborada sobre una superficie, en distintas capas de mortero y pintada con los pigmentos incrustados cuando todavía está la última capa húmeda. La complejidad de este ejercicio la encontramos en las cantidades de los materiales a mezclar y en los tiempos de secado.

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El fresco más conocido es por supuesto el trabajo de Miguel Ángel en Capilla Sixtina, la cual, tras haber realizado nuestro propio fresco, apreciaremos aún más.

Esta técnica necesita paciencia y mimo. Se realiza a partir de un dibujo o boceto previo, y se intentará plasmar ese mismo dibujo hecho con teselas. El tamaño del mosaico es más pequeño que el usado para el fresco o el esgrafiado y se hace de manera individual. Visualmente es con la que estamos más familiarizados, y la que menos ha caído en desuso.

La asignatura de Introducción a las técnicas pictóricas sobre muro te da la oportunidad de aprender otras técnicas que de otra manera sería complicado aprender, pero todo es mejorable, como el espacio del taller, el cual debería ser más grande, ya que se trabajan grandes formatos, o la disponibilidad del material que fuese a cuenta de la facultad y no de los alumnos y profesores. Por lo demás todo son ventajas, el ambiente en clases insuperable y al ser un centro pequeño con un número relativamente reducido de alumnos, los profesores te conocen y conocen tu método de trabajo.

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Imagen tomada por Jana DomĂ­nguez 63

Capítulo IX

Conclusiones y posibles mejoras En casi todas las carreras lo más importante es la nota y aprobar. Se supedita casi todo a la calificación. Las becas, el expediente, el trabajo están íntimamente ligados a dicha calificación.

El Bellas Artes sucede lo mismo y en donde debería primarse la calidad técnica, la creatividad y el compromiso en realidad esto no sucede. Al ser una carrera eminentemente vocacional debería regirse por unos parámetros distintos a otras carreras.

Al estar las notas por encima de lo demás se genera un caldo de cultivo de gente competitiva donde prima el ir detrás del profesor buscando mejorar la nota y quedar por encima de los compañeros que lo que realmente sería importante en esta carrera. Esto es, ayudar a artistas en ciernes a desarrollarse como persona y artista, a crecer y a formar una opinión crítica y razonada que se transmita a través de su arte así como un conocimiento avanzado de las técnicas inherentes a la carrera.

Deberían crearse evaluadores externos que evaluasen el trabajo y la trayectoria anual del alumno sin tener en cuenta otros factores o excusas que son los que envenenan el sistema actual de evaluación.

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Esto tendría un doble beneficio. El profesor podría dedicarse a enseñar sin tener la presión de poner las notas y sin preocuparse de alumnos que fuesen detrás de ellos para lograr mejores calificaciones. El alumno podría centrarse en aprender y realizar su obra sabiendo que su trabajo va a ser evaluado en función de su esfuerzo y calidad de su obra dentro de la asignatura.

Otra mejora en vistas a facilitar el trabajo del alumno sería una mayor permisividad de horarios, siendo estos más amplios más allá del horario de clase. Crearía la figura de jefe de taller o de aula. Alguien que vigilase las instalaciones y ayudase mientras los artistas usasen el recinto permitiéndoles aprovecharse de los recursos e instalaciones del centro para poder crear.

Por último volvería a instaurar las pruebas de acceso a la carrera. Suponen una criba, que aunque pueda parecer injusta es necesaria, que mejoraría la calidad y la competencia sana entre alumnos dando lugar a unos alumnos más preparados y con mayor nivel artístico.

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Dirigido por María Jesús Abad Tejerina Maquetado por Jesús Del Castillo Rodríguez y Estefanía Navarro Aranda Aranjuez (Madrid) 2014

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