magazine SUR*15 by enriquehernandez_r GRAPHIGRUPO

CULTURAL

MAGAZINE

Periódico Magazine Cultural SUR

ISSN - 2145 - 1133

Lab. Producción Gráfica año III volumen II número 15

DICIEMBRE 2010

http://issuu.com/groups/ad8b9028-aabb-46d6-8acd-9e07b69c8898

Centro de Investigación Taller de laImagen

arte diseño

Laboratorio de Producción Gráfica

& muerte

El proyecto Monumetria, realizado en la Pinacoteca del Estado de São Paulo del 7 de marzo a 31 de mayo del 2009, se estructura a partir de LABORATORIO DE PRODUCCION GRAFICA una serie de intervenciones artísticas por DELENGUAAMANO y la puENRIQUE HERNANDEZ R. & MAYERLY ALBINO S. blicación de un libro que es asumido - www.revistadycg.com como lugar de obra. lab.producciongrafica@gmail.com El monumento a Ramos de Azevedo fue concebido vehicular entre el centro y la zona norte de la ciupor el artista Galileo Emendabili padad y la construcción de la línea de metro Santara ser erguido en las inmediaciones naJabaquara, las cuales por la antigua del Liceo de Artes y Oficios de São Romanos en pasan su arquitectura, escul-locación del monumento. La propuesta principal del Paulo (hoy en día la Pinacoteca de tura y los frescos rendían tributo de proyecto es la reactivación o repotencialización del Estado). El monumento conmemoigual de manera que dentro de su leEllaBosque II yarquitecto, lo que crece-Jacobo Libertad patrimonio histórico yOpinión. cultural más directamente lira figura del urbanista gado literario adetravés de las trageEsta es una exposición caricaturas presentada gado a la producción artística, sus desdoblamientos yBorges. profesor Ramos de Azevedo y sus por el Museo de Arte Moderno de Bogotá que va A partir del 23 detrabajos febrero hasta de marzo, el dias ydelas narraciones en la producción memoria, o sea,mitológicas los espacios innumerables en ella14ciudad desde 17 de febrero al 12 de marzo de 2010. “LiberMuseo de Arte de Bogotá expondrá “El Bosque creados para circulación y archivo. Reactivar, de São Paulo, los cuales son símbolo las sucuales ilustran poéticamente el té d'opinion” su nombre original muestra, medianII y lo que crece” del pintor venezolano Jacobo a través de la re-lectura del monumento a Ramos del progreso en la ciudad. Inaugurate caricaturas del mundo entero cómo este medio inaplazable trayecto. El cristianisBorges. La exhibición consta de 40 piezas origide Azevedo, documentos y obras relacionadas, vide expresión y de comunicación inmediata, sin bado el 25 Enero y ubicado nales a de través de de las 1934 cuales el artista remo en susse inicios, depositan enformilas rreras lingüística vuelve una herramienta vencias que posibiliten una nueva interacción del en frente del Liceo de Artes y Oficios, descubre el negro mezclando todos sus matices dable catacumbas a favor de la tolerancia y de la comprensión el el recuerdo indeleble de patrimonio histórico con público contemporáy materiales óleos, hasta llese mantuvo como hastaelelacrílico 25 de ynoviembre mutua entre los hombres. gar 1967 a las venas de las cerradas mostrar su oculto desarrollo ya en elnuevas auge neo. Estas re-lecturas pretenden yconstituir de cuando sehojas dio inicio a ytrawww.mambogota.com así unade visión cercana de El esemonumento bosque cuya búsobras, articulando elementos eterniza acerca de la especibajos desmontaje. y consolidación, el momenqueda inició hace más de 10 años. ficidad de las relación aysus fue desmembrado y abandonado en to obras de la en crucifixión losespacios martiriosde www.mambogota.com origen y de sus nuevos espacios de presentación un depósito aledaño del Liceo por 6 de sus seguidores, motivando a piny circulación. Las intervenciones en la Pinacoteca años y luego trasladado al campus escultores arquitectos por asumen un tores carácter parasitarioy dentro del espacio de la Universidad de São Paulo en medio deSe susubican pinceles martillos y expositivo tradicional. en lugares que gedonde se encuentra ubicado actualiempre y desde el momenneralmente son asumidos en untodo segundo plano, como mente. Esto ocurrió después de discinceles brinden tipo de piezas to mismo en que vemos por por ejemplo pletóricas una secuencia moldes utilizados para cusiones publicas comenzadas en la del dedramatismo y sentiprimera vez la luz de la vida, fines pedagógicos o una puerta automática que da a década de 50 en las cuales el monumiento con el que las generaciones los seres una terraza externa. La secuencia de moldes servimento fuetodos declarado como humanos un estor- indefecsucesivas aferrarán ade su reinvención fe. Cada como base para un se procedimiento bo. Las dos justificaciones principalesla rá tiblemente comezamos cuenta quien a su manera, desdedeFidias o de lasdeformas del monumento a Ramos Azevedo, fueron la regresiva descongestión tráfico final hacia del el destino que resultaráPraxiteles, en una nueva obra plástica. En cuanto o Leonardo, Miguel Annuestro periplo cualquiera que a la sea puerta automática, queoes parte de la gel o Rafael, o arquitecSurbaanual deMantegna logospantalla el momento o la circunstanciatura partideConcurso la Pinacoteca, servirá como para la rán, Francisco de Goya o el Greco, Esta convocatoria está dirigida a estudiantes, disecular en la que tomemos el viaje deñadores proyección de una imagen que se refiere a la antigua gráficos, clientes y agencias publicitarias, Imagina diseño 2010 o Picasso o Salvador Dali, o Frida ubicación del monumento. A diseños partir de retorno, y renovado son los artistas, premiando a los mejores deesas logos interveny de este Imaginna diseño viene y convoca plásticos, nueKahlo y cada uno de los trabajadociones hay desdoblamientos propuestos para sectomodo promoviendo el diseño y competencia entre vos sectores, se constituirá en la exhibiciónmúsicos, de dramaturgos, literatos, res museológicos que ejercen funciones las distintas personas que trabajan enposteriores el campo dela res del arte que con sus producciones tendencias e innovación del diseño arquitectópoetas, o diseñadores, quienes pordiseño gráfico. Los ganadores de esta convocatoria deldejan objeto de propio arte, como por ejemplo nico, interior, industrial, visual y de mobiliario la y producción nos su testimonio conel unaelgran publicidad puestoelque el anuncio medio de sus creaciones van dejandotaciones para oficina. Este evento se realiza sector recibirán educativo, sector de archivo, lugar de coqueproductos quizá asumamos conElmayor concursante ganadores se realizará en sitios en el Centro Negocios mercialización ypor elde los el do elInternacional testimoniodeenmarcado decomo culturales, etc. Ads proyecweb tales Brands ofpropia the World, of the Exposiciones de Bogotá, Corferias, en asocio claridad nuestra e inaplazato propone una red de colaboración con esos sectogesto, acciones o laselnotas con Prodiseño, se las llevará a cabo entre 11 y elmusi-World, Graphics.com, Graphic Design Forum entre Hay quede nacen y res para queyble participen de individuos la construcción la munobra. otros quecita. son visitados en todas partes del 17 de mayo de 2010 y, tiene como principales cales, cada una de sus experiencias do. Los ganadores se darán a conocer alrededor Comunicado de prensa brillan conPinacoteca. su luz propia, o aquellos expositores a las empresas nacionales e inter-

y estimulantes, de abril del 2010, a través del correo electrónacionalesenriquecedoras productoras, proveedoras, comer- lasdel 30que con su labor contribuyen a ennico personal. cuales se convierten en motivo ocacializadoras de bienes, productos y servicios http://logoawards.mediabistro.com/ marcar las realizaciones de otros, o del sector pero sobre destacará casos, los buenos DELENGUAAMANO sional o todo en muchos el tema oficios en diseño y resaltará los procesos creatiGilberto Mariotti, Néstor Gutiérrez y Santiago Reyes. quienes simplemente nacen sin decentral de su producción creativa. vos como eje fundamental para el desarrollo de jar huella alguna de su paso por la productos y servicios de vanguardia. www.imaginna.com vida, sin embargo todos y cada uno, http://extroversia.universia.net.co

Lab. Producción Gráfica

No en vano, desde la cultura rupestre sin distingos sociales o abolengos, y sus representaciones en Lascaux o llevan a cuesta el peso de sus reaen Altamira, ya los pictogramas y lizaciones llevando tan solo la salas representaciones petroglifas, hatisfacción o vergüenza de lo hecho, cen alusiones mágico-ceremoniales dejando atrás lo acumulado y eso si en las que muerte tenía su peculiar el recuerdo perpetuo de sus buenas manera de plasmarse. Los egipcios o malas acciones. Este número del y sus monumentales pirámides y magazine cultural un míniAbejario’, diseñado para los Sur, niños yes niñas. esfinges, saturadas de pinceladas y‘El El mercado infantil acada vez tiene másque alternatimo tributo algunos aristas con relieves daban el mayor de las aten-vas, tal es el caso de ‘El Abejario’, una agenda llena su obra dejan un legado para las ciones a este tema, preparando elde opciones divertidas para los más pequeños que nuevas y nos invitan ha sido editadageneraciones, por Intermedio Editores y creada último trayecto embalsamando a suspor Ivette Salom Safi. a reflexionar sobre nuestra cotidiadifuntos y acompañándolos de susEn esta divertida y novedosa agenda/diario caleny nuestros dario, neidad bellamente ilustrada, objetivos… los pequeños tendrán siervos y mejores viandas, testimo-todo el espacio para escribir pensamientos, gustos niando en crónicas en el Libro dey hacer dibujos, así como recordar las fechas imenrique hernández r. los Muertos cada uno de los pasajesportantes. magazine Cultural SUR que en vida realizaban. Griegos y

arte diseño

&muerte MONUMETRIA

4 8 12 16 22 26 30

proyecto Monumetria, realizado en la Pinacoteca del Estado de São Paulo

DEL ECODISEÑO AL DIEÑO CON ECO

Solo uno en 10.000 productos se diseña teniendo presente el medio ambiente

DIRECCIÓN GENERAL LABORATORIO DE PRODUCCIÓN GRÁFICA DIRECTOR DISEÑO Y PUBLICACIONES COLABORARON EN ESTE NÙMERO

ENRIQUE HERNÁNDEZ R. ehernandez@revistadycg.com ENRIQUE HERNÁNDEZ R. ehernandez@revistadycg.com

EQUIPO DE COMPILACIÓN LAB. JAVERIANA S.23

PRACTICANTES

LAB. PRODUCCIÒN GRÀFICA CAMPO / PUBLICIDAD DISEÑO DE MEDIOS EDITORIALES GRUPO 05 SERIGRAFÌA GRÀFICA CONTEMPORÀNEA TALLER II TRIDIMENSIONAL TEORIA COLOR

REVISTA

D&CG DISEÑO & COMUNICACIÓN GRÁFICA AÑO III NÚMERO 2 VOLUMEN I

DICIEMBRE2009

PVP $ 10.000

LABORATORIO DE PRODUCCION GRÀFICA GRAPHIGRUPO TELFAX 2838750 CEL. 3124271489 CRA. 4 Nº 23-59 TA - 1004 A.A. 34010 BOGOTÀ, COLOMBIA

Este Festival se realiza desde el año 1997 y es considerado un evento de relevancia internacional

MAYERLY ANDREA ALBINO S. malbino@revistadycg.com LAB.JAVERIANA lab.javeriana@yahoo.es TALLER CINCO Centro de Diseño

Centro de Investigación Taller de la Imagen COMPILADORES

9 FESTIVAL INTERNACIONAL DE LA IMAGEN

Noel González

Juan PabloMorales Carlos Felipe Leguizamón Catalina Rojas Vásquez. Victor De la Rosa Daniela Espinosa Martha Carolina Amortegui Henry Cruz Andrea Avila Diego Riaño Jennifer López Jorge Escobar Juan Diego Torres Maria José Leal Valentina Forero Maria Pairetty Juan Camilo Cadena HAYDEE ORJUELA BENITEZ Tatiana Rico haydee.diagramacion@revistadycg.com UNIVERSIDAD JAVERIANA lab.javeriana@yahoo.es UNIV. JORGE TADEO LOZANO revistaDYCG@yahoo.es UNIV. DE LOS ANDES enhernan@uniandes.edu.co POLIGRAN ehernan@poligran.edu.co TALLER CINCO enrique.hernandez@taller5.edu.co

STREET ART MÁS QUE SOLO GRAFFITI

Suele decirse que el graffiti es el mismo street art. Por parte esta afirmación es

correcta ya que el graffiti hace

parte del street art, juntoDE PIEZAS LA GUERRILA EN EL DISEÑO 28 Las piezas publicitarias con los stickers, engrudosque se veían a principio de los 50´s distan mucho de ser las mismas piezas que vemos en nuestra actualidad.

FIGURAS DE VINILO-JUGUETERIA

Fusionando las tendencias urbanas de la calle con la moda y el pop art para producir ediciones limitadas de juguetes coleccionables,

36 38 42 46

EL DISEÑO EN TIEMPOS DE CRISIS

Uguercilla feu facilis acipsum dolor ipisit, cons ea ad erit num ercil dolorperci tat ad etum

ANDRES SERRANO

VALENTINA DEL MAR FORERO CORTÉS VIII.B DISEÑO GRÁFICO

fotógrafo estadounidense

prematura o violenta- la Catedral de San Juan el Divino en Manmente. hattan, ha presentado Andrés Serrano ha diversas muestras suyas desarrollado su traba- con la correspondijo desde la década ente polémica. de los ochenta hasta hoy en día. Desde la Dentro de un mundo convulsionado salida de “Piss Christ” tan se convirtió en enemi- como el de las últimas go de las altas autori- dos décadas, Serrano dades cristianas y de ha presentado la relos políticos conserva- ligión, el sexo, los mitos del poder enmascaradores. dos detrás de sus uniSu base de opera- formes y símbolos. ciones es la ciudad de New York, con Serrano utiliza la fototodos los riesgos que grafía para presentar representa para los un mundo poblado de artistas quienes mues- contradicciones, “no tran trabajos religiosos de conflictos sino de dicotomías”. controversiales. A pesar de lo controversial de su trabajo,

ace en 1950 en New York. De 1967 a 1969 estudia en el Museo y Escuela de Arte de Brooklyn, Nueva York.

Andrés Serrano causa controversia en 1987 al presentar su trabajo “Piss Christ” (orina Cristo). Opiniones divididas surgen; es catalogado de blasfemo y ofensivo al sumergir en su orina el crucifijo, mientras otros alegaban una violación a la libre expresión si su trabajo era retirado de las galerías. De hecho Serrano fue criado en una devota familia católica y la religión fue muy importante durante su niñez. El artista enfrenta tabúes sobre la sexualidad en “Budapest” 1994, y “La Historia de Sexo”, sin embargo mucha gente ve su estilo y contenido como pornográfico. Pareciera determinado a evitar polémicas con su serie de 1992 “La Morgue”. Sin duda son hermosas fotografías que representan la muerte, las cuales nos enfrentan con la realidad de nuestra propia mortalidad al tratarse muchas de ellas de personas jóvenes muertas

Foto de: http://bajoelsignodelibra.blogspot.com/2008_01_01_archive.html

La obra de Serrano como fotógrafo suele ser en forma de ampliaciones de 0.5 por 0.8 m, producidas con técnicas fotográficas convencionales (sin manipulación digital). Ha tratado un vasto conjunto de temáticas incluyendo retratos de miembros del Ku Klux Klan, fotos de cadáveres, e imágenes de víctimas quemadas. Muchas de las fotografías de Serrano contienen fluidos corporales, tales como sangre (a veces del ciclo menstrual), semen (por ejemplo, “Blood and Semen II” (1990)) o leche materna. Dentro de esta serie hay numerosos trabajos de objetos sumergidos en estos fluidos. El más famoso de ellos es Piss Christ” (1987), un crucifijo de plástico inmerso de un vaso de orina. Esta fotografía causó una gran polémica la primera vez que fue expuesta. Serrano, como otros artistas como Robert Mapplethorpe, se convirtió en una figura atacada por producir arte ofensivo, mientras que otros lo defendieron en nombre de la libertad artística. La obra “Blood and Semen III” se usó como portada del disco Load de la banda de heavy metal Metallica, mientras que la obra “Piss and Blood” se usó en ReLoad.

Foto de: http://ambossiglos.blogspot.com/2008_02_01_archive.html

Andrés Serrano ha desarrollado su trabajo desde la década de los ochenta hasta hoy en día. Desde la salida de “Piss Christ” se convirtió en enemigo de las altas autoridades cristianas y de los políticos conservadores.

lugar a un juicio definitivo. Más bien tienden a dejar al público suspendido entre percepciones que alteran la cotidianeidad, para llevarlo a contemplar al mundo desde otro lugar. El mismo dice: “En mi trabajo siempre busco lo inusual, o al menos lo que no es considerado tradicionalmente bello. Trato de encontrar lo normal en lo extraño y vice-versa”.

A pesar de lo controversial de su trabajo, la Catedral de San Juan el Divino en Manhattan, ha presentado diversas muestras suyas con la correspondiEn sus trabajos exente polémica. puestos en la Catedral Dentro de un mundo de San Juan el Divitan convulsionado no (“Mundo sin Fin”), como el de las últimas parece haber dejado dos décadas, Serrano de lado la controversia para lograr ha prela contemsentado plación. la religión, el sexo, En la primlos mitos era parte del poder de la exenmashibición, carados “La Igledetrás de sia”, muessus unitra retratos formes y de curas, símbolos. monjas y Serrano objetos utiliza la eclesiástifotografía cos tradip a r a presentar un mundo cionales. Serrano tomó poblado de contra- las fotografías durante dicciones, “no de con- sus viajes a España, flictos sino de dicoto- Italia y Francia, y la exhibición se realizó mías”. dos años después de El suyo es un panora- la controversia surma donde conviven gida con “Piss Christ”. segunda parte símbolos y arquetipos, La de la muestra es “La fetiches de belleza y horror, personajes del Morgue”, la cual muespoder y sus uniformes tra seis fotografías de (las fotos de los Ku cadáveres. Klux Klan), la vida y la muerte (La Morgue). El aporte de Serrano son Tomado de: sus obras paradojales http://www.artstudiomagazine.com/fotografia/andres-serrano. html (presentadas en sehttp://es.wikipedia.org/wiki/Andres_Serrano ries), las cuales no dan

VALENTINA DEL MAR FORERO CORTÉS VIII.B DISEÑO GRÁFICO

JOEL-PETER WIKIN fotógrafo estadounidense

oel-Peter Witkin (nacido el 13 de septiembre de 1939 en Brooklyn, Nueva York) es un fotógrafo estadounidense. Nacido de padre judío y madre católica, sus padres se divorciaron cuando era joven debido a sus irreconcialiables diferencias religiosas. Trabajó como fotógrafo de guerra entre 1961 y 1964 en la Guerra de Vietnam. En 1967 decidió trabajar

como fotógrafo freelance y se convirtió en el fotógrafo oficial de City Walls Inc. Estudió después escultura en la Cooper School Of Fine Arts de Brooklyn donde consiguió un título en artes en 1974. Después de que la Universidad de Columbia le concediera una beca terminó sus estudios en la Universidad de Nuevo México en Albuquerque donde consiguió su Master en Bellas Artes.

Según el propio Witkin su particular visión y sensibilidad provienen de un episodio que presenció siendo pequeño, un accidente automovilístico en el que una niña resultó decapitada. También cita las dificultades en su familia como una influencia. Su artista favorito y gran influencia es el Giotto. Sus fotos suelen involucrar temas y cosas tales como muerte, sexo, cadáveres (o partes de ellos) y personas marginales como enanos, transexuales, hermafroditas o gente con deformaciones físicas. Sus complejos tableauxs a menudo evocan pasajes bíblicos o pinturas famosas. Esta naturaleza transgresora de su arte ha consternado a la opinión pública en repetidas ocasiones y ha provocado que lo acusen de explotador y que haya sido marginado como artista en diversas ocasiones.

Foto de: http://www.baudoin-lebon.com/fonds-fiche2.php?num=20935

Su acercamiento al proceso físico de la fotografía es altamente intuitivo que incluye manchar o rayar el negativo y una técnica de impresión con las manos en los químicos. Esta experimentación comenzó luego de ver un ambrotipo del siglo XIX de una mujer y su amante quien había sido arrancado. Foto de: http://metalonmetalblog.blogspot.com/2010/07/joel-peter-witkins-transgressive.html

Foto de: http://elisavafoto.wordpress.com/2008/11/14/de-mayor-quiero-ser-como-joel-peter-witkin/

Foto de: http://www.baudoin-lebon.com/fonds-fiche2.php?num=20935

Witkin alborotó la opinión pública en los años ochenta, con fotografías de personas deformes, partes de cadáveres y puestas en escena de acontecimientos de la historia eclesiástica que citan conocidas obras maestras. Muchos de

sus trabajos hacen pensar en escenas del pintor El Bosco. Desde una posición marginal, ha logrado con los años establecerse en el mundo del arte reconocido. Tomado de: http://www.cristinaarce.com/biografia_fotografo_witkin_joel. html http://es.wikipedia.org/wiki/Joel-Peter_Witkin

La Muerte en el arte Cultura Méxicana. En el mundo entero existen culturas que alrededor de la historia han marcado diferencia por sus costumbres y creencias en cuanto a la muerte, un ejemplo de esto es México. El 2 de noviembre celebran el día de los muertos, es un celebración en donde honran a los difuntos, en este ritual los familiares decoran sus tumbas con flores de diversos colores y preparan dulces en forma de calavera, estos últimos elementos en el transcurso de los años han hecho que la celebración tenga una identidad visual bastante interesante donde la imagen de la muerte toma un rol un poco folclórico. Es de las pocas culturas en donde la muerte no se ve como la palabra a la que muchas persona suelen temer, y no sólo tengo que recalcar esto si no que gráficamente México ha creado un estilo que le ha dado la vuelta al mundo influenciando a importantes artistas contemporáneos.

El hombre, el artista, el humano un ser tan confuso pues así como el mismo ha creado el hambre, la guerra y la agonía de la tierra, también ha sido el que ha dado luz a tan bellas creaciones y obras que son testigos y reflejos de su época, el hombre es el creador del arte y por consiguiente del diseño, quien ha tomado a la muerte muchas veces como un dispositivo para mover su entorno y crear vida en la muerte, crear un cadáver en cada trazo y en cada palabra que narra la historia de este mismo.

El Cadáver del Diseño el hombre vive la muerte para expresarse.

La muerte … definir con mis palabras la muerte es casi como querer definir las palabras vida y amor, que paradójicamente son términos que se contradicen, esto a primera vista, pues de hecho es el punto al que este texto se enfocará, para demostrar como a través del arte y del mismo diseño podemos hacer ver como la muerte es algo tan natural como nacer, amar, respirar y hasta vivir, como por medio de un poema o de una pintura podemos demostrar que no son palabras que afectan la una a la otra, por lo contrario, son un ciclo, un cadena, una cadena alimenticia … ¿por qué no? A continuación entonces, definiré no sólo esta exquisita palabra si no que también hablaré su efecto en el arte, en el diseño y el más importante: el hombre, quien vive la muerte para expresarse…¿o viceversa?...

Es la muerte el cese de las funciones vi- meras horas y cesa a los 3 o 4 días; protales, el término de la vida, o el estado o bablemente es consecuencia de un cambio condición carente de vida, animación o ac- químico caracterizado por la precipitación tividad. Es posible que muera una parte sin de las proteínas a medida que los músculos se que ello origine la muerte del individuo y tornan más ácidos. Como la sangre se detiene en ciertas formas de vida la muerte no es en ciertas partes, algunos tejidos adquieren un fenómeno regular. La muerte de un in- un color rojo, fenómeno denominado livor dividuo es muerte somática (de la palabra mortis. La sangre se coagula y la córnea de griega somátikos que significa corpóreo o los ojos se seca vitrifica y arruga. El último perteneciente al cuerpo)

cambio es la putrefacción proceso por el cual

Los signos de la muerte son apre- los tejidos del cuerpo se descomponen en eleciables, pero, como una persona sumida en mentos químicos simples. un sueño profundo puede parecer que está

Inmortalidad de las células. Aunque el

muerta, es necesario observar determina- hombre y la mayor parte de los animales de das señales antes de disponer de su cuer- organización superior sean mortales y estén po. Las principales son la suspensión de la sujetos por tanto a una muerte inevitable, actividad del corazón y de la respiración, ciertas formas de vida disfrutan de una inpérdida del tono muscular e insensibilidad mortalidad natural. Por ejemplo, la mayor a estímulos dolorosos. No se encuentra el parte de los animales unicelulares como el pulso ni se oyen los latidos del corazón con familiar paramecio, al envejecer se dividen ayuda de un estetoscopio. Cesa la respira- simplemente en dos nuevos individuos con ción, el pecho no se mueve. Se pierde el lo que se renueva su vida sin dejar tras de tono muscular en todo el cuerpo, los pár- si ningún cuerpo muerto. Este proceso conpados se abren, los músculos de las pupilas tinuará eternamente a menos que suceda un se relajan y éstas se dilatan extraordinaria- accidente que destruya el organismo. Un mente. Los músculos de las extremidades fenómeno similar se presenta en algunas se tornan lacios y, si los miembros no se plantas, circunstancias que aprovechan los sujetan, adoptan posturas contorsionadas. cultivadores para ganar tiempo en la propaHoy en día el rasgo determinante que anuncia gación de algunas especies. la muerte del individuo es la muerte cerebral que deberá ser ratificada por el médico.

En los complicados animales multicelulares la muerte es inevitable. Puede demos-

Poco después de la muerte se producen trarse fácilmente que la muerte no es neciertos cambios secundarios. El algor mor- cesariamente una propiedad de las células tis o enfriamiento del cuerpo se realiza en individuales ya que las de los seres humacondiciones ordinarias a razón de un gra- nos u otros mamíferos continúan desarrodo por hora. El rigor mortis o rigidez de llándose durante periodos indefinidos al los músculos se inicia generalmente en los separarse del cuerpo y ser colocadas en un músculos voluntarios dentro de las 12 pri- ambiente adecuado, por el procedimiento

llamado cultivo de tejidos. De manera semejante, frag- y aún se emplea la semblanza artística del Puente de la mentos de tejidos de un animal pueden ser trasplantados Vida. Durante la edad de Oro de la pintura y escultura repetidamente a otros de la misma especie, siempre que cristianas las muertes de los mártires, santos y religiosos se desee. Por consiguiente, lo que mata al organismo es eran tema frecuente y motivo de inspiración artística. un derrumbamiento de la organización interior de la eco- La muerte de Cristo en la Cruz ha inspirado un cuernomía del cuerpo y de las interrelaciones de los distintos po completo del arte único , ya que fue este aconteciórganos y tejidos, no es un proceso mortal inevitable de miento el que da sentido a la religión cristiana. Todas las las células.

religiones han dado alguna solución al problema de la

Los seres humanos llevan también dentro de su cuer- muerte. La mayor parte de ellas no se avienen a aceptar po ciertas células especiales sexuales que son potencial- la muerte como un simple proceso biológico o bien la mente inmortales en un sentido. La unión de las células cesación de todo proceso; debe explicarse su significado sexuales masculinas y femeninas originan la formación en la vida. Los artistas modernos se preocupan menos de un nuevo individuo cuyas células sexuales son capa- de la muerte como materia de representación, aunque ces de formar otros seres para continuar el proceso in- Goya, Picasso y otros han denunciado los horrores de la definidamente. De este modo se asegura la conservación guerra recurriendo al tema de la muerte. También en la de todas las especies con inclusión de la raza humana

música surge con frecuencia el tema de la muerte, algunas de las grandes sinfonías contienen magníficas mar-

La Muerte en el Arte y la Literatura. El fenómeno de la muerte ha influido enormemente no sólo en la ciencia sino también en la literatura, el arte, la filosofía y al religión. En la mitología griega, el sueño, Hynops, y la muerte, Thanatos, eran hermanos gemelos de la familia de la Noche, que comprende también los Hados Hespérides, Némesis y Momo, dios del ridículo y la crítica adversa. El sueño y la muerte habitan en las costas del mar occidental en la oscuridad subterránea, juntamente con sus otros hermanos, los Sueños. Los hermanos gemelos aparecen frecuentemente en la Iliada, la lucha de Hércules con la Muerte por Alcestes, hija de Pelias, se describe en el poema, de Robert Browninig, Balustion´s Adventure. Muchas estatuas y pinturas sobre vasos griegos representan a la muerte. La importancia de la muerte en el arte y la vida del antiguo Egipto es manifiesta. Durante la Edad Media, multitud de artistas abordaron el tema de la Danza de la Muerte

chas fúnebres.

enrique

hernàndez r www.lab-producciongrafica.es.tl enriquehernandez _ r@yahoo.es

obra gráfica seriada

MUERTE Seg煤n Neil Gaiman por Jennifer L贸pez L.

PSICOPOMPO The Sandman, es un comic creado por Neil Gaiman y publicado en primera instancia gracias a DC comics y más tarde en VERTIGO comics. El argumento principal se centra en “Sueño” quien gobierna las tierras oníricas. Sueño es uno de los 7 hermanos llamados “los eternos”. Ellos son: Destino, Muerte, Sueño, Destrucción, Deseo, Desesperación y Delirio (antes Delicia), pero esta vez nos vamos a centrar en uno de los personajes predilectos de aquellos lectores que ahondan el mundo onírico e irreal que construye the Sandman: Muerte.

Esta representación anamórfica de la muerte, en the sandman es completamnete diferente a lo acostumbrado, dejando en el olvido a aquel lúgubre esqueleto vestido con una túnica negra y una gran hoz, en estos relatos Muerte es una hermosa jóven de tez completamente blanca, vistiendo ropa informal (jeans, top y botas negras) una cruz de ank en su cuello y en su ojo derecho la representación de lo que podria ser un ojo de Horus o Udyat.

Una sonrisa amable y cálida acompaña a este personaje cuya misión así como los psicopompos, esos espíritus antiguos que guíaban a las almas al morir, es mostrarles el camino hacia su nueva existencia, pero también las visita al momento de nacer. Generalmente su representación física hace creer que tenga no menos de 20 años mortales y teniendo en cuenta que el trabajo de Muerte para cualquiera de nosotros no puede ser nada agradable, ella aprecia muchisimo a los seres humanos y cada vez que se le presenta una oportunidad, los pone a prueba o ella misma experimenta uno de los más grandes misterios según todos la familia de los “eternos”: ser un humano.

Muerte apareció por primera vez en las páginas de The Sandman, más precisamente en el último capítulo del primer arco argumental en ese cómic Preludes and Nocturnes. En el capítulo n°8 (Sounds of her Wings), Muerte le da dirección a Sueño y un grado de entendimiento. Muerte se volvió rápidamente popular para los lectores, por lo cual continuó apareciendo en los siguientes nueve arcos argumentales. Como sea, Gaiman trató de racionar el número de apariciones de la familia de Sueño, por lo que Muerte no apareció tan frecuentemente como se esperaba de un personaje tan popular. Al final del noveno arco de The Sandman, The Kindly Ones, hay una larga aparición de Muerte en la que finalmente trae paz para su hermano. Teniendo en cuenta la gran populiridad que adquirió el personaje de Muerte, Gaiman decició, hacer varios especiales como “Death: the high cost of living “ (1993) y “ Death: the time of your life” (1996). Ambas fueron escritas por Gaiman e ilustradas por Chris

Bachalo. En estas se cuenta dos historias entrelazadas en el

en el Universo onírico de The Sandman, Muerte es de los

tiempo sobre muerte y su experiencia como ser humano y hermanos el ser más poderoso ( y probablemente del Univercon los seres humanos respectivamente. Este comic se con-

so) que ha demostrado que es completamente omnisciente y

virtión en la primera publicación de Gaiman bajo el sello

una gran cantidad de seres poderosos, angeles, demonios,

de Vertigo comics. En 2003 se pulico también otra historia

brujas, hechiceros y las entidades más antiguas, temen de

sobre muerte pero esta vez no era Neil quien la escribiría supoder y se ha llegado a mencionar que es la única de los el responsable de esto fue Jill Thompson y se titulaba “ Dea- 7 hermanos que no se rige bajo ninguna regla ni restricción. th: At Death’s door” y tuvo tanto exito que se publico otra novela gráfica llamada “Dead Boys Detectives”. Por último,

NEIL GAIMAN Neil Gaiman nació el 10 de Noviembre de 1960 en la ciudad de Portchester, Inglaterra y se crió en Sussex. De niño cultivó una gran afición a la lectura, tanto de libros (G. K. Chesterton, C. S. Lewis, J. R. R. Tolkien) como de comics. Su mayor sueño era convertirse en escritor y por ello no acabó los estudios y se puso a trabajar colaborando en diversas publicaciones como crítico, articulista o entrevistador.

Una de esas entrevistas, con Alan Moore, le cambió la vida: despertó en él su antigua afición por los comics y empezó a plantearse la posibilidad de escribir historias para este medio, instruido por Alan Moore. Después de un par de trabajos de rodaje, en 1986 conoce a Dave McKean, joven dibujante de peculiar estilo y juntos crean su primera novela gráfica, “Casos Violentos”. Por aquella época, el éxito de Alan Moore con “La cosa del pantano”, lleva a los editores de DC Comics a buscar nuevos talentos en las islas británicas. Karen Berger, editora de DC, consigue llevar a los Estados Unidos a una generación de escritores que van a marcar un hito en la industria de Comic Book norteamericano; entre ellos se encuentra Gaiman. Gaiman comienza su recorrido por el mercado americano en 1988 con “Orquídea Negra”, y Karen Berger contenta con el resultado,

sugiere al guionista británico una serie mensual. Para ello, Neil decide crear un personaje nuevo, basado en el folklore anglosajón llamado Sandman, quien se desenvolvería en un ambiente sobrenatural y onírico, alejado del típico comic de superhéroes predominante en el mercado. En esta nueva historia, Gaiman recrea la vida de Morfeo, de sus hermanos, Los Eternos, sus amores, su carácter orgulloso, su fígura dramática y los cambios que le acontecen a su pesar, todo ello con las maravillosas portadas del amigo McKean.

Hablando sobre la muerte De acuerdo a Gaiman, el diseño visual inicial de Muerte está basado en una amiga de Dringeberg llamada Cinnamon: Muerte es el único personaje de importancia que cuyo diseño visual no fue hecho por mí; ese crédito va para Mike Dringeberg. En mi diseño original, sugerí que Muerte fuera como la estrella de rock Nico en la portada del álbum Chelsea Girl. Aunque Mike Drigenberg tenía sus propias ideas, así que me mandó un dibujo basado en una mujer que conocía como Cinnamon; el dibujo luego fue imprimido en Sandman #11. Lo miré y tuve la inmediata reacción de “Wow. Es realmente genial.” Luego, en ese mismo día, Dave McKean y yo fuimos a cenar a Chelsea (Inglaterra) en My Old Dutch Pancake House y la mujer que nos servía la comida nos sirvió como una especie de visión. Ella era estadounidense, tenía el pelo largo y negro, se vestía sólo de negro; jeans negros, camiseta, etc y vestía un gran ankh plateado en un collar plateado. Y se veía exactamente a el dibujo de Muerte de Mike Dringeberg McKean también usó una serie de modelos inglesas profesionales para representaciones de Muerte en portadas de Sandman. A pesar de algunos rumores, Muerte no está basada en la amiga de Gaiman, Tori Amos.

LA MUERTE Esta sola palabra nos asusta. Son solo cinco letras y por si mismas ya nos impresionan: Muerte, suena demasiado fuerte, demasiado grave e irremediable. Pero la muerte es algo tan natural como respirar, comer o dormir. Es necesaria, general y cotidiana. Sobre ella cualquiera podría elaborar una pila de pensamientos gruesos, profundos, trascendentales y llenos de sentimiento. La muerte en el arte y la literatura. El fenómeno de la muerte ha influido enormemente no sólo en la ciencia sino también en la literatura, el arte, la filosofía y la religión. En la mitología griega, el sueño, Hynops, y la muerte, Thanatos, eran hermanos gemelos de la familia de la Noche, que comprende también los Hados Hespérides, Némesis y Momo, dios del ridículo y la crítica adversa. El sueño y la muerte habitan en las costas del mar occidental en la oscuridad subterránea, juntamente con sus otros hermanos, los Sueños. Los hermanos gemelos aparecen frecuentemente en la Iliada, la lucha de Hércules con la Muerte por Alcestes, hija de Pelias, se describe en el poema, de Robert Browninig, Balustion´s Adventure. Muchas estatuas y pinturas sobre vasos griegos representan a la muerte. La importancia de la muerte en el arte y la vida del antiguo Egipto es manifiesta. Durante la Edad Media, multitud de artistas abordaron el tema de la Danza de la Muerte y aún se emplea la semblanza artística del Puente de la Vida. Durante la edad de Oro de la pintura y escultura cristianas las muertes de los mártires, santos y religiosos eran tema frecuente y motivo de inspiración artística. La muerte de Cristo en la Cruz ha inspirado un cuerpo completo del arte único, ya que fue este acontecimiento el que da sentido a la religión cristiana. Todas las religiones han dado alguna solución al problema de la muerte. La mayor parte de ellas no se avienen a aceptar la muerte como un simple proceso biológico o bien la cesación de todo proceso; debe explicarse su significado en la vida. Los artistas modernos se preocupan menos de la muerte como materia de representación, aunque Goya, Picasso y otros han denunciado los horrores de la guerra recurriendo al tema de la muerte. También en la música surge con frecuencia el tema de la muerte, algunas de las grandes sinfonías contienen magníficas marchas fúnebres.

Es pues la muerte inspiración u ocaso, esperanza para muchos desesperación para otros, es simplemente un hecho inevitable que no debemos olvidar y que podemos intentar asumir, recordando que nuestra muerte puede dar lugar a la vida siempre y cuando pongamos nuestros órganos a disposición de la Organización Nacional de Trasplantes. Si los casos en la literatura son múltiples, los que se pueden encontrar en el campo de las artes plásticas no les van a la zaga: desde los túmulos prehistóricos, pasando por las catacumbas paleocristianas y mementos morí barrocos o las grandes pirámides faraónicas, la muerte es un elemento que, como parte de la vida, ha sido entendido y “celebrado” de muy diversas maneras a lo largo de la Historia del Arte. Ningún otro momento mejor para revisarlos que estos días, en los que en medio mundo celebramos la festividad de Todos los Santos. La conmemoración de la muerte tendrá en los primeros tiempos de la existencia humana un fuerte carácter arquitectónico, derivado de la inevitable necesidad de hallar para los decesos que tengan lugar en el seno de estas comunidades ya sedentarias formas adecuadas de enterramiento. Así, junto con las primeras viviendas, aparecerán también los primeros espacios y rituales de culto asociados a la muerte. En el Neolítico podemos encontrar ya monumentos funerarios en la forma de grandes megalitos que reflejan la existencia de una sociedad organizada y jerárquica. Y, según hablemos de determinados poblados o regiones, las tipologías varían enormemente, desde el sencillo menhir hasta construcciones mucho más complejas, como los famosos crómlechs en círculo de Stonehenge o las sepulturas colectivas indicadas por los dólmenes.

Este primer nivel en la concepción de la muerte como una circunstancia rodeada de un significado supravital alcanzará una magnificencia, aún no superada, en las civilizaciones del antiguo Egipto, en las que el culto a los dioses y las teorías acerca de la vida más allá de la muerte serán una constante que impregne todos los estratos. Las pirámides faraónicas y las grandes mastabas de sus dignatarios más importantes se conciben y construyen en base a la creencia de una funcionalidad como espacios de transición a la vida de ultratumba: no suponen la materialización del punto final a una vida, sino la posibilidad de comenzar otra distinta. Todo en estas dos tipologías está pensado para que el difunto alcance un nuevo estadio en la manera prevista y sin dificultades: las pinturas son un recordatorio de lo vivido, las esculturas recipientes donde puede descansar el alma, y los objetos materiales -el ajuar- que acompañan al cuerpo monedas de cambio indispensables para poder pagar el costo del paso al más allá y llevar una vida sin estrecheces. La simbología que inunda estos espacios, por primera vez propiamente arquitectónicos dado que son transitables, es riquísima (como las calidades estéticas) y cada elemento posee un significado individual y otro grupal en relación a un conjunto cosmogónico de una gran complejidad.

Esta es la idea en la que se basarán todas las formas posteriores de rito funerario, desde persas, griegos, micénicos y romanos, hasta las sociedades actuales: la vida no finaliza con la muerte, de una manera u otra según las distintas creencias. Un concepto importante para poder comprender las manifestaciones artísticas asociadas a esta circunstancia, divisibles en dos grandes grupos, dados por la conmemoración y el recuerdo de la mortalidad humana. Existe sin embargo algo capaz de retrasar el olvido de lo que una persona fue, y es la historia (entendida como hechos o la consecución de una serie de actos). Así, y en la estela de los grandes faraones, multitud de personajes han

deseado dejar constancia de lo que fueron, de lo que hubieron deseado ser, o de lo que llegaron a obtener; un legado que hoy día conocemos principalmente a través de las manifestaciones asociadas al nombre de figuras de relevancia, ya que, por lo general, son éstas mucho más imperecederas que las de las clases inferiores (debido a la calidad de los materiales, más resistentes al paso del tiempo). De este modo, podemos encontrar en Persia las tumbas de Ciro y Darío, deudoras de dos tipologías tan diferentes como los iniciales ziggurat y el modelo de hipogeo, o la Tumba de Agamenón, buen ejemplo de tumba de corredor, en Micenas. Si bien en las manifestaciones asociadas a la arquitectura funeraria de estas civilizaciones– esculturas, pinturas- puede advertirse una cierta intención naturalista, la tónica dominante será el hieratismo, junto con la simplificación volumétrica y compositiva, debiéndose al arte etrusco el naturalismo asociado a la retratística funeraria que aún hoy se mantiene en todo el Mediterráneo. Deja de lado la idealización previa para centrarse en los rasgos del difunto y asume la constatación de la realidad de la muerte como un hecho individual. En los sarcófagos y en las tapas de los vasos canopes encontramos ya el precedente de representaciones posteriores, como los sepulcros góticos, renacentistas y barrocos (el Sepulcro de Don Alfonso de la Cartuja de Miraflores o el Sepulcro del Cardenal Richelieu, obra de Girardon, son buenos ejemplos), así como la prueba de un modelo que encontramos en la Roma antigua: la incineración. Una práctica que cesará con la llegada del estoicismo, a partir del cual prosperará nuevamente la inhumación, más tarde extendida por el cristianismo en el mundo entero. Esta circunstancia va a conllevar la consiguiente proliferación y desarrollo de la tipología de sarcófago, gran protagonista de los más famosos espacios de enterramiento del arte paleocristiano: las catacumbas.

Los temas evolucionarán y, junto con la representación del difunto, será habitual encontrar la presencia de alegorías, o una iconografía específica, que relacionen a la persona con su pasado o procedencia. Algo que será muy habitual a lo largo del barroco posterior en las grandes tumbas de papas y emperadores, como sucede en el caso de los panteones de la familia Médici o en El Escorial, un caso, este último, dedicado por completo a la gloria de un emperador y toda su saga, Felipe II y los Austria. Es en época barroca cuándo podremos encontrar también excepcionales ejemplos de algo que hasta el románico resultaba impracticable: la representación del dolor y la mortalidad de lo divino. Las crucifixiones y las piedades serán algo común en el arte, alcanzándose verdaderos niveles de maestría (algo que no es de extrañar dado el carácter teatral y expresivo del movimiento) y un increíble verismo dentro de la imaginería asociada al culto religioso.

El Neoclásico abrirá, extrañamente, el camino de la idealización dentro de las representaciones de la defunción, del que resultará icónica la obra La Muerte de Marat de David. A partir de aquí el paso quedará libre para románticos (La muerte de Sardanápalo, Delacroix), realistas (El testamento de Isabel la Católica, Rosales), prerrafaelitas (La muerte de Ofelia, Dante Rossetti) y un largo etcétera, que alcanzará desde Goya hasta Picasso (muy relacionados ambos, además, en lo que respecta a su cualidad de artífices de grandes obras que mostrarán el tema de la muerte debida a la guerra) y posteriores (como Salvador Dalí o Ignacio Zuloaga).

Y no es posible finalizar un recorrido por el arte funerario de toda la Historia del Arte sin detenernos en el monumento más famoso de todos: el Taj Mahal. Conjunto de tradición islámica, persa e india, erigido por el Sha Jahan en honor de su favorita, Mumtaz Mahal, cuyo fallecimiento provocará tanto dolor en el emperador mongol que decidirá edificar el mausoleo que consiga la permanencia del recuerdo de su esposa y su inmortalidad por los siglos venideros.

Damien Hirst La muerte es el tema central de su trabajo. Es conocido sobre todo por sus series de Historia natural, en las cuales, animales muertos (como tiburones, ovejas o vacas) son preservados, a veces diseccionados, en formol. Uno de sus trabajos más icónicos es La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo. Se trata de un tiburón tigre de 14 pies de largo inmerso en una vitrina con formol. Debido a la descomposición del tiburón tigre, fue reemplazado con un nuevo espécimen en 2006.

LA MUERTE EN LAS CULTURAS

Otras de sus obras son: Por el amor de Dios, una calavera humana auténtica, toda ella incrustada de 8.601 diamantes; El becerro de oro.

La muerte ha sido un evento que las culturas han tratado de conjurar para asegurar la continuidad de la vida. Los Moche concebían la muerte como un viaje marítimo, cuyo éxito dependía de los objetos y símbolos que acompañaban al difunto. Así, en las tumbas colocaban vasijas de cerámica modelada o pintada con representaciones alusivas al poder que tienen los hombres y animales para producir la muertes y alimentarse de ella, tal como la que infligen a los enemigos y prisioneros los guerreros, felinos y aves de rapiña.

Los difuntos más poderosos eran también acompañados con máscaras de metal, orejeras y otros ricos objetos que proclamaban el poder que habían tenido en vida y que debían ayudarle a emprender su viaje al más allá. Las vasijas de cerámica y objetos de metal eran confeccionados en talleres controlados por el estado, demostrando con ello que las autoridades Moche no sólo ejercían control sobre la vida de las personas, sino también sobre su muerte y el tránsito a la otra vida. También es conocido por sus pinturas girantes («spin paintings»), hechas en una superficie circular girante, y pintura de puntos, los cuales consisten en filas de círculos coloreados al azar; estas obras han sido muy imitadas en gráficos comerciales. Siendo la muerte el tema central en su obra, ésta siempre ha estado rodeada de gran polémica, más o menos premeditada, y por consiguiente de un gran seguimiento mediático. Por ejemplo, las autoridades de Nueva York le negaron en su día el permiso para exponer su Pareja muerta follando dos veces, dos cadáveres de un toro y una vaca flotando en formaldehído.

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tuarios La señora Selma Koch, que en paz descanse, fue memorable por la licencia que tenía para mirar los pechos de las mujeres. Días después de su muerte, The New York Times le dedicó un obituario. Su primer párrafo decía:

«Selma Koch, la dueña de una tienda de lencería en Manhattan, que ganó reputación nacional por ayudar a las mujeres a encontrar la talla correcta de brassier, la mayoría de veces por un vistazo y nunca con una cinta métrica, murió el jueves en el Centro Médico Mount Si nai. Tenía 95 años y un 34B». Los obituarios, un gran invento anglosajón, pueden sonreír ante la muerte. Son un higiénico ejercicio de memoria social y una ele gante posibilidad de juicio popular. Cuando Yasser Ara fat murió, The Times de Londres, cuyos especialistas en necrologías escriben desde el anonimato, dijo en la primera línea: «Un incansable político, administrador, y, en opinión de algunos, un exhibicionista y oportunis ta». De Juan Pablo II escribieron: «Fue, se decía, un social progresista pero un reaccionario eclesiástico». De la Madre Teresa de Calcuta: «Por su compasión, humildad, y también, hay que decirlo, su ojo perspicaz para la publicidad, provocó la inquietud pública para el indigente». De Lady Di: «No era una buena pasadora de exámenes ni una lectora notable, pero poseía una forma franca y astuta del sentido común». Nada más lejanos de un espíritu hagiográfico. Salvo, tal vez, con la Reina Madre.

Texto / Julio Villanueva Chang

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Contra lo que cree, los escritores de obitua rios no son necrófilos. Son amantes de la vida. «Los redactores de necrologías nunca mueren», decía Gay Talese en su perfil «El señor malas noticias», un re trato sobre Alden Whitman, el legendario escritor de obituarios del New York Times. Escribir una necrología trata sobre la vida y no sobre la muerte. Los devotos del género se las arreglan para conservarlo: cada año se reúnen en la Conferencia de Grandes Escritores de Obituarios. Allí, por ejemplo, se citan especialistas en necrologías con una variedad de eufemismos para el pretérito «murió», tales como: «fue presentado a los ángeles/ se graduó en la segunda fase del eterno plan de Dios/ fue escoltado hacia su hogar celestial/o se fue a pescar el viernes con Jesucristo». Uno de estos ánge les de la muerte más innovadores es Steve Miller, un ex empleado de un banco japonés en Wall Street quien creció siendo vecino de un cementerio y es uno de los sobrevivientes del atentado contra las Torres Gemelas. Con ese currículum, sus colegas deben pensar que ya merecería morir. Un invierno Miller fundó una revista de obituarios cuyo primer número tenía una sola cosa en común: que sus personajes fueran muertos frescos. Eran difuntos muy singulares en su anonimato, entre ellos el señor Nube Roja de Truenos, el último de los in dígenas hablantes de la lengua Catawba. El único credo de Miller es buscar a la mejor gente muerta que pueda encontrar. Su revista se llama Goodbye!

Mi primer muerte

Todo era angustia y dolor; y yo estaba ahí, lo veía todo, estaba como a siete metros del piso, suspendido en el aire. Había un gran camino blanco, tenía forma de túnel, pero de alguna manera me impedía entrar una especie de puerta. Junto a ella, unas personas vestidas de blanco señalaban mi cuerpo y me indicaban que yo debía regresar a él. Y de repente oí que uno de mis tíos gritaba que yo no estaba muerto, que me llevaran a la Fuerza Aérea en Melgar. Eso hicieron. Camino a las instalaciones de la FAC yo tenía conciencia de ir en el carro, pero de una forma diferente. Podía salirme, entrar, mirar las caras y, por supuesto, verme en los brazos de mi abuela que me repetía insistentemente lo mucho que me quería y lo importante que era que me despertara. Esta es la hora en que no sé cómo, pero los médicos me revivieron. La cosa no salió tan mal. Al día siguiente, y por primera vez, monté en helicóptero como premio. Me había salvado, pero veinte años después volví a ver el túnel cuando un imbécil decidió dispararme. Esa fue mi segunda vez y espero que si hay una tercera también pueda escribirla. Y hoy, no lo dudo, sé que el mejor escudo humano es una bendición celestial.

Texto / John Portela

Era viernes, abril de 1979. Pensé que era el día más largo de mi vida. Quería escuchar el timbre de las dos de la tarde, salir del colegio y coger carretera. A las tres de la tarde teníamos previsto viajar a un hotel a dos horas de Bogotá. El viaje pintaba bien: con primos, sin papás y con abuelos alcahuetes. Nos íbamos en el carro de moda, una camioneta Renault 12 verde limón. Yo iba en el baúl encima de las maletas, listo a quitarme la ropa apenas sintiera el olor a los jazmines de ese hotel al que viajábamos cada quince días. Mi primo Hernán Buitrago y yo, como de costumbre, llevábamos la pantaloneta debajo de la sudadera. Me acuerdo que la mía era una adidas azul que no me quitaba para nada; era la de la piscina, la bicicleta, el fútbol, el almuerzo, la comida, la de comer helado con la novia, la de todo. Y, claro, la que me iba a acompañar al momento de mi muerte. Pasadas las 6 de la tarde, llegamos en la renoleta al hotel. Hernán y yo estábamos listos, pues a las 7 de la noche cerraban la piscina por mantenimiento y yo tenía que demostrar mis dotes de nadador. Había hecho todos los cursos de natación, era un duro para el agua y ya no me tenían que cuidar en la piscina, mucho menos meterme en el horrible flotador que podía frustrar cualquier dote de galán en el agua. Al agua. Jugábamos a sacar monedas del fondo de la piscina. Una tras otra. Lo de siempre. En una de esas, sentí un calambre cuando toqué una de las monedas. Y ahí me quedé. Cuando el salvavidas me sacó ya habían pasado cinco minutos. Estaba muerto. Me dicen que me defequé, que es lo último que hace un ahogado, y que me taparon con una sábana blanca. La gente corría como loca; mi abuela lloraba y se preguntaba cómo les iba decir a mis papás que yo me había ahogado en la piscina. "Pero si él sabía nadar, ¿qué paso?", dijo alguien en medio de la confusión.

Es difícil quizá escribir de un tema como la muerte cuando se predispone hacerlo, pues al cerrar los ojos y querer visualizar con la palabra repitiéndola mentalmente una y otra vez en la cabeza, se trae el recuerdo de un funeral de un ser conocido, alguna muerte vista personalmente, o algo mas metafórico la impresión de ver un hoyo negro u oscuro que simbólicamente se ve como profundidad en la imaginación. Pero lo que a leve vista se ve tan perceptivo y sensorial a marcado, influenciado e inspirado a el hombre desde tiempos remotos hasta la contemporaneidad. En la historia se ve como miles de pintores, poetas, músicos, seres reconocidos por actos sociopolíticos, económicos, religiosos y muchos más han marcado con su muerte ya sea natural, por un suicidio o por que se han reconocido tanto por esta, que empiezan a ser reconocidos a partir de ese momento como si su vida de artista empezara a dar resultado en la muerte física de este. Actualmente un pintor e ilustrador de erotismo algo oscuro en su paleta de colores y significado, llamado Brian Viveros, un hombre de origen norteamericano que realizo dos pinturas de acrilico sobre madera que conforman una obra llamada “viva la muerte” se inspiro en la celebracion del dia de los muertos en Mexico, visualmnete solo en su estilo de colores y arreglos a los huesos de sus muertos pero desde un punto de vista algo diferente y personal, el cual trata de mostrar la normalidad entre la vida y la muerte como si fuera una faseta similar pero con la diferenencia de que la manera de pensar con la experiencia en la vida fisica, hace mas sabia el alma de la persona fallecida para afrontar sus vidas y reencarnaciobes siguientes.

Al existir un deseo por conocer de un tema prohibido para la mente humana no por el dolor de la ausencia de otros, si no por la intriga de saber que hay después de la que vida se crea quizá un placer por el conocimiento adquirido de un tema tentativo como la muerte, el cual permite dar a volar la imaginación y la lógica para suponer que pasa en ella con el alma volviendo la muerte un paralelo entre lo erótico y deseado que al conseguirlo da placer al que la conozca equilibrándolo con el lado oscuro, negro que simboliza la profundidad de un trayecto que sigue aun, pero que a muchos entumece por el no saber exactamente a que se atienen después de la vida. El erotismo y la muerte es el único camino de luz negra que muestra George Bataille escritor, antropólogo y pensador francés, para la continuidad de la vida en sí, escribiendo una equivalencia o congruencia entre la misma muerte y el erotismo que genera una apertura irrepresentable, Bataille se basaba en Hegel, Freud y Nietzsche para encontrar el paralelo exacto entre la vida y la muerte al igual que el equilibrio entre lo oscuro y lo bello (los sublime y lo bello en concepto de la obra Fausto de Goethe) puesto que la intima relación que contenía un sentido trágico como por ejemplo del momento más desgarrador a pasar a la risa mas incontrolable, explicándolo como un sendero para acercarse al erotismo con el estremecimiento que guarda íntima relación con otro estremecimiento, que sacude con la angustia de la misma muerte. Este estremecimiento del erotismo es por la indefinición del mismo, por la represión, sublimación y perversión que muestra el capricho servidor de la vida y de la muerte y la fascinación por esta como su doble faz por el placer que se siente. En conclusión el erotismo se muestra con el lado oscuro de la muerte como la sed de la otredad completa y lo que esto implica.

La Muerte La Mort The Death La Morte Der Tod A Morte la mort το θάνατο смерть död kematian a halál an bás смрт døden Fallecimiento, Defuncion, Obito, Deceso, Fin, Trance, Transito Estirar la pata, Pagar la cuenta, Fin del camino, Cerrar el libro, Saludar a la pelona, Ultima paradaz Velorio Cementerio Negro Aza Llanto Deceso Cruz Lapida Flores Asesinato Asesinato Homicidio Crimen Atentado Delito Violencia Ancianos Tierra Dolor Miseria Desaparicion Alegria Egoismo Infierno Hades Chiras Patas Paraiso Alegria Nacimiento Temor Suicidio

CXXI - La Mort des Amants

La muerte

Nous aurons des lits pleins d'odeurs légères, Des divans profonds comme des tombeaux, Et d'étranges fleurs sur des étagères, Ecloses pour nous sous des cieux plus beaux.

Usant à l'envi leurs chaleurs dernières, Nos deux coeurs seront deux vastes flambeaux, Qui réfléchiront leurs doubles lumières Dans nos deux esprits, ces miroirs jumeaux.

Un soir fait de rose et de bleu mystique, Nous échangerons un éclair unique, Comme un long sanglot, tout chargé d'adieux;

Et plus tard un Ange, entr'ouvrant les portes, Viendra ranimer, fidèle et joyeux, Les miroirs ternis et les flammes mortes.

LA MUERTE DE LOS ARTISTAS

BAUDELAIRE

¿Cuántas veces tendré que sacudir mis cascabeles Y besar tu frente ruin, triste caricatura? Para acertar en el blanco, de mística natura, ¿Cuántos? ¡Oh carcaj mío! ¿Cuántos venablos perderé?

Hans Baldung (Gren) las tres edades y la muerte 1510

¡Consumiremos nuestra alma en sutiles complots, Y derribaremos más de una pesada armadura, Antes de contemplar la gran Criatura De la cual el informal deseo nos llena de sollozos! Los hay que jamás han conocido su ídolo, Y estos escultores condenados y señalados por una afrenta, Que van martillándose el pecho y la frente, No tienen más que una esperanza ¡extraño y sombrío Capitolio! Y es que la Muerte cerniéndose como un nuevo sol ¡Hará desplegarse a las flores de su cerebro! BAUDELAIRE

Aleister Crowley. Tarot. Carta la Muerte

H.R Giger. Tarot. Carta La Muerte

LA MUERTE DE LOS POBRES Es la Muerte que consuela, ¡ah! y que hace vivir; Es el objeto de la vida, y es la sola esperanza Que, como un elixir, nos sostiene y nos embriaga, y nos da ánimos para avanzar hasta el final; A través de la borrasca, y la nieve y la escarcha, Es la claridad vibrante en nuestro horizonte negro, Es el albergue famoso inscripto sobre el libro, Donde se podrá comer, y dormir, y sentarse; Es un Ángel que sostiene entre sus dedos magnéticos El sueño y el don de los ensueños extáticos, Y que rehace el lecho de las gentes pobres y desnudas; Es la gloria de los Dioses, es el granero místico, Es la bolsa del pobre y su patria vieja, ¡Es el pórtico abierto sobre los Cielos desconocidos!

BAUDELAIRE

El triunfo de la Muerte Pieter Bruegel 1562. Oleo 117 x 162 cm. Museo del Prado, Madrid

Sólo Sólo la la muerte muerte

Hay Haycadáveres, cadáveres, hay haypies piesdedepegajosa pegajosalosa losafría, fría, hay haylalamuerte muerteenenlosloshuesos, huesos, como comoununsonido sonidopuro, puro, como comoununladrido ladridodedeperro, perro, saliendo saliendodedeciertas ciertascampanas, campanas,dedeciertas ciertastumbas, tumbas, creciendo creciendoenenlalahumedad humedadcomo comoel elllanto llantoo la o lalluvia. lluvia. YoYoveo, veo,solo, solo,a aveces, veces, ataúdes ataúdesa avela vela zarpar zarparcon condifuntos difuntospálidos, pálidos,con conmujeres mujeresdedetrenzas trenzas muertas, muertas, con conpanaderos panaderosblancos blancoscomo comoángeles, ángeles, con conniñas niñaspensativas pensativascasadas casadascon connotarios, notarios, ataúdes ataúdessubiendo subiendoel elríoríovertical verticaldedeloslosmuertos, muertos, elelríoríomorado, morado, hacia haciaarriba, arriba,con conlaslasvelas velashinchadas hinchadasporporel elsonido sonido dede la la muerte, muerte, hinchadas hinchadaspor porel elsonido sonidosilencioso silenciosodedela lamuerte. muerte. AAlolosonoro sonorollega llegalalamuerte muerte como comoununzapato zapatosinsinpie, pie,como comoununtraje trajesinsinhombre, hombre, llega llegaa agolpear golpearcon conununanillo anillosinsinpiedra piedray sin y sindedo, dedo, llega llegaa agritar gritarsinsinboca, boca,sinsinlengua, lengua,sinsingarganta. garganta. Sin Sinembargo embargosussuspasos pasossuenan suenan y ysusuvestido vestidosuena, suena,callado calladocomo comoununárbol. árbol. YoYononosé,sé,yoyoconozco conozcopoco, poco,yoyoapenas apenasveo, veo, pero perocreo creoque quesusucanto cantotiene tienecolor colordedevioletas violetashúmedas, húmedas, dedevioletas violetasacostumbradas acostumbradasa la a latierra, tierra, porque porquelalacara caradedelalamuerte muerteesesverde, verde, y ylalamirada miradadedelalamuerte muerteesesverde, verde, con conlalaaguda agudahumedad humedaddedeuna unahoja hojadedevioleta violeta y ysusugrave gravecolor colordedeinvierno inviernoexasperado. exasperado. Pero Perolalamuerte muertevavatambién tambiénporporel elmundo mundovestida vestida dede escoba, escoba, lame lameelelsuelo suelobuscando buscandodifuntos; difuntos; lalamuerte muerteestá estáenenlalaescoba, escoba, enenlalalengua lenguadedelalamuerte muertebuscando buscandomuertos, muertos, eseslalaaguja agujadedelalamuerte muertebuscando buscandohilo. hilo. LaLamuerte muerteestá estáenenlosloscatres: catres: enenlosloscolchones colchoneslentos, lentos,enenlaslasfrazadas frazadasnegras negras vive vivetendida, tendida,y de y derepente repentesopla: sopla: sopla soplaununsonido sonidooscuro oscuroque quehincha hinchasábanas, sábanas, y yhay haycamas camasnavegando navegandoa un a unpuerto puerto enendonde dondeestá estáesperando, esperando,vestida vestidadedealmirante. almirante. Pablo Pabloneruda neruda

EL ELANGEL ANGELDE DELALAMUERTE MUERTE

e t r e u m a L

Hay Haycementerios cementeriossolos, solos, tumbas tumbasllenas llenasdedehuesos huesossinsinsonido, sonido, elelcorazón corazónpasando pasandoununtúnel túnel oscuro, oscuro,oscuro, oscuro,oscuro, oscuro, como comoununnaufragio naufragiohacia haciaadentro adentronosnosmorimos, morimos, como comoahogarnos ahogarnosenenel elcorazón, corazón, como comoirnos irnoscayendo cayendodesde desdelalapiel pieldeldelalma. alma.

Azrael Azrael o Abou-Jaria o Abou-Jaria porpor loslos musulmanes musulmanes o Mordad o Mordad es elesángel el ángel de de la muerte. la muerte. Recibe Recibe las las almas almas de de loslos muertos muertos y las y las conduce conduce al juicio. al juicio. Dios Dios envió envió a cuatro a cuatro de sus de sus arcángeles arcángeles para para buscar buscar polvo polvo de de laslas cuatro cuatro esquinas esquinas de de la tierra la tierra y crear y crear a Adán a Adán a sua imagen su imagen y semejanza. y semejanza. DeDelosloscuatros cuatros arcángeles arcángeles enviados enviados –Michael, –Michael, Israfel, Israfel, Gabriel Gabriel y Azrael-, y Azrael-, solamente solamente Azrael Azrael cumplio cumplio y trajo y trajo ante ante Dios Dios el polvo el polvo deldel cual cual creócreó a Adán. a Adán. PorPor esto, esto, Dios Dios le dio le dio a a Azrael Azrael la la misión misión de de serser el ángel el ángel encargado encargado de de separar separar el alma el alma o espíritu o espíritu de de los los cuerpos cuerpos dede loslos seres seres humanos. humanos.

EL ELAMOR AMORDE DELA LAMENTIRA MENTIRA

Cuando Cuando te te veoveo pasar, pasar, ¡oh!, ¡oh!, mi mi querida, querida, indolente, indolente, AlAl cantar cantar de de loslos instrumentos instrumentos queque se rompe se rompe en en el cielo el cielo rasoraso Suspendiendo Suspendiendo tu tu andar andar armonioso armonioso y lento, y lento, Y paseando Y paseando el hastío el hastío de de tu tu mirar mirar profundo; profundo; Cuando Cuando contemplo contemplo bajo bajo la luz la luz deldel gasgas queque la colora, la colora, TuTu frente frente pálida, pálida, embellecida embellecida porpor morbosa morbosa atracción, atracción, Donde Donde laslas antorchas antorchas nocturnas nocturnas encienden encienden unauna aurora, aurora, Y tus Y tus ojosojos atraen atraen cual cual loslos de de unun retrato, retrato,

YoYo meme digo: digo: ¡Qué ¡Qué hermosa hermosa es!es! y ¡qué y ¡qué singularmente singularmente fresca! fresca! ElEl recuerdo recuerdo macizo, macizo, realreal e imponente e imponente torre, torre, LaLa corona, corona, y su y su corazón corazón cual cual unun melocotón melocotón magullado, magullado, Está Está maduro, maduro, como como su su cuerpo, cuerpo, para para el sabio el sabio amor. amor. ¿Eres ¿Eres el fruto el fruto otoñal otoñal de de sabores sabores soberanos? soberanos? ¿Eres ¿Eres la la urna urna fúnebre fúnebre aguardando aguardando algunas algunas lágrimas, lágrimas, Perfume Perfume queque hace hace soñar soñar concon oasis oasis lejanos, lejanos, Almohada Almohada acariciante, acariciante, o canastillo o canastillo de de flores? flores?

YoYo sé sé queque hayhay miradas, miradas, de de laslas másmás melancólicas, melancólicas, Que Que nono recelan recelan jamás jamás secretos secretos preciosos; preciosos; Hermosos Hermosos alhajeros alhajeros sinsin joyas, joyas, medallones medallones sinsin reliquias, reliquias, Más Más vacíos, vacíos, másmás profundos profundos queque vosotros vosotros mismos, mismos, ¡oh¡oh Cielos! Cielos!

LaLa lección lección dede anatomía anatomía deldel doctor doctor Tulp Tulp Rembrand. Rembrand. 1632 1632

¿Pero, ¿Pero, nono basta basta queque tú tú seas seas la apariencia, la apariencia, Para Para regocijar regocijar unun corazón corazón queque rehuye rehuye la verdad? la verdad? ¿Qué ¿Qué importa importa tu tu torpeza torpeza o tuo tu indiferencia? indiferencia? Máscara Máscara o adorno, o adorno, ¡salud! ¡salud! YoYo adoro adoro tu tu beldad. beldad. Charles Charles Baudelaire Baudelaire

Muerte La necrofilia es una parafilia caracterizada por una atracción sexual hacia los cadáveres. La palabra proviene del griego νεκρός (nekros “cadáver” o “muerto”) y φιλία (filia; "amor" o "atracción"). Víctor Ardisson Apodado el vampiro de Muy, cometió más de cien casos en Francia, entre fines del siglo XIX y principios del siglo XX. Fue procesado por vandalismo en 1886, con 26 años de edad. Su delito constó en introducirse a medianoche en el cementerio de Saint Ouen, desenterrar el cadáver de una joven de 18 años y realizar la cópula con el mismo. Luego de este acto se durmió, y huyó al despertarse. Meses más tarde realizó lo mismo, pero fue encontrado (se había quedado dormido nuevamente). Durante el juicio, en el que fue condenado.

Carl Tanzler Radiólogo de Florida que desarrolló una obsesión por Elena Milagro Hoyos (1910-1931), una de sus pacientes que murió de tuberculosis en 1937. Carl Tanzler mandó construir un mausoleo para evitar que ella se descompusiera bajo tierra. Visitó la tumba cada noche y antes de 1933 había llevado el cuerpo a su casa y lo había metido en su cama. Restauró su cuerpo como mejor pudo y tenía un guardarropa lleno para vestirla. La necrofilia también ha sido un motivo de algunos asesinos en serie, incluyendo los asesinos Ed Gein, Richard Chase, Luis Alfredo Garavito, Winston Moseley, John Reginald Halliday Christie, Jeffrey Dahmer y Ted Bundy. Muchos otros asesinos han descrito una excitación sexual http://lacomunidad.elpais.com/usuarios/necrofilia durante el asesinato, como por ejemplo Karla Faye Tucker, que declaró tener un orgasmo con cada golpe de hacha usado para provocar la muerte de Jerry Lynn Dean.

Escena pelicula Alemana Nekromatik

y Necrofilia Nekromantik película alemana dirigida por Jörg Buttgereit. En esta controvertida película, prohibida en muchos países se pueden apreciar actos muy fuertes de necrofilia.

Muerte

Y fotoperiodismo

En 1994, el fotógrafo documentalista sudanés Kevin Carter ganó el premio Pulitzer de fotoperiodismo con una fotografía tomada en la región de Ayod (una pequeña aldea en Sudán), que recorrió el mundo entero. En la imagen puede verse la figura esquelética de una pequeña niña, totalmente desnutrida, recostándose sobre la tierra, agotada por el hambre, y a punto de morir, mientras que en un segundo plano, la figura negra expectante de un buitre se encuentra acechando y esperando el momento preciso de la muerte de la niña. Cuatro meses después, abrumado por la culpa y conducido por una fuerte dependencia a las drogas, Kevin Carter se quitó la vida.

Omayra Sánchez fue una niña víctima del volcán Nevado del Ruiz durante la erupción que arrasó al pueblo de Armero, Colombia en 1985. Omayra estuvo 3 días atrapada en el fango, agua y restos de su propia casa. Tenía 13 años y durante el tiempo que se mantuvo atorada siempre estuvo encima de los cuerpos de sus familiares. Cuando los socorristas intentaron ayudarla, comprobaron que era imposible, ya que para sacarla necesitaban amputarle las piernas, sin embargo carecían de cirugía y podría fallecer. La otra opción era traer una motobomba que succionará el cada vez mayor fango en que estaba sumergida. La única motobomba disponible estaba lejos del sitio, por lo que sólo podían dejarla morir. Omayra se mostró fuerte hasta el último momento de su vida, según los socorristas y periodistas que la rodearon. Durante los tres días, estuvo pensando solamente en volver al colegio y en sus exámenes. El fotógrafo Frank Fournier, hizo una foto de Omayra que dio la vuelta al mundo y originó una controversia acerca de la indiferencia del Gobierno colombiano respecto a las víctimas. La fotografía se publicó meses después de que la chica falleciera. Muchos ven en esta imagen de 1985 el comienzo de lo que hoy llamamos Globalización, pues su agonía fue seguida en directo por las cámaras de televisión y retransmitida a todo el mundo.

“El coronel asesinó al preso; yo asesiné al coronel con mi cámara”. Eddie Adams, fotógrafo de guerra, fue el autor de esta instantánea que muestra el asesinato, el 1 de febrero de 1968, por parte del jefe de policía de Saigón, a sangre fría, de un guerrillero del Vietcong, que tenía las manos atadas a la espalda, justo en el mismo instante en que le dispara a quemarropa. Adams, que había sido corresponsal en 13 guerras, obtuvo por esta fotografía un premio Pulitzer, pero le afectó tanto emocionalmente que se reconvirtió en fotógrafo del mundo rosa.

la muerte

en la Edad Media y el Renacimiento

La elaboración de imágenes es un impulso propio de los seres humanos, que se acentúa ante situaciones desconcertantes: la imaginación intenta transformar lo ininteligible en una representación que pretende hacer accesible a la comprensión aquello que parece evadirla. En el caso de la muerte, ninguna imagen puede captarla en todo su significado, pese a los variados modelos provenientes de la mitología, folclore, religiones,giros idiomáticos, arte y literatura. En la Edad Media y en el Renacimiento se consideraba la muerte desde cinco puntos de vista principales, que sin duda influyeron en las representaciones artísticas. – La muerte puede sobrevenir en forma brusca e inesperada a personas de toda edad y condición. – La fama terrena es transitoria. – La belleza física, que decae con el envejecimiento, desaparece con la corrupción del cuerpo después de la Muerte. – Al fin de los tiempos habrá una liberación final desde la tumba para presentarse al Juicio Final, en el que se recibirá premio o castigo sin fin, según las obras de misericordia hechas u omitidas durante la vida. – Las oraciones, misas, buenas obras y donaciones obtienen indulgencias en sufragio de las penas del Purgatorio.

El esqueleto La iconografía de la Muerte como esqueleto no se desarrolló hasta el siglo XIII, y desde el siglo XIV cuando el esqueleto se estableció firmemente como la forma de la muerte personificada. En la Antigüedad el esqueleto había simbolizado más bien un espectro o fantasma de la persona muerta. La observación atenta de la mayoría de las imágenes esqueléticas de la Muerte en el Medioevo y Renacimiento revela que no reproducen solo la osamenta: se trata más bien de cadáveres, cuya cabeza está revestida por piel muy delgada sobre el cráneo óseo, con las órbitas vacías y sin nariz: esto da la impresión de que los otros segmentos del cuerpo corresponden a un esqueleto; lo que no es exacto. En el tórax las costillas aparecen muchas veces esbozadas bajo una piel apergaminada. Frecuentemente tienen una abertura en el abdomen, a través de la cual a veces se pueden reconocer asas intestinales. Las extremidades suelen tener piel y los huesos solo se insinúan; en otros casos aparecen los huesos bajo jirones de piel y partes blandas: están dibujados muy toscamente, dado que no existía un conocimiento detallado de la Anatomía: por ejemplo, el antebrazo y la pierna constan de un solo hueso, las articulaciones de cadera y rodilla están insinuadas en forma muy elemental, lo mismo los huesos de pies y manos. En síntesis, se suele denominar esqueleto a las figuras que mejor podemos considerar cadáveres esqueléticos.

“En el siglo XVI y siguientes se empieza a dibujar con mayor frecuencia el personaje de la Muerte como esqueleto puro”.

La cultura macabra Tal vez la manifestación más destacada respecto a la representación de la Muerte en la Edad Media y el Renacimiento es la denominada ‘cultura macabra’ o ‘sensibilidad macabra’, o simplemente ‘macabro’. El término macabro, cuyo origen se discute, designa a aquello que participa de lo feo y repulsivo de la Muerte. La cultura de lo macabro se desarrolló en la Edad Media tardía, especialmente en el norte de Europa. Entre los factores q u e la condicionaron se pueden enumerar los siguientes: – Costumbre de ver morir. La Muerte era un aspecto de la vida diaria

mucho más presente en el Medioevo que en los países modernos. La expectativa de vida era baja, con una alta tasa de mortalidad. Los funerales y las ejecuciones eran frecuentes y públicos. -Noción cristiana del cuerpo como un signo. El cristianismo destaca al cuerpo como objeto de veneración, tanto en su signo central, la crucifixión, como en la devoción a algunos santos. Aunque la mayoría de los conceptos de la religión son profundamente espirituales, su imaginería es paradójicamente somática. – Desmembramiento del cuerpo. Se produce una costumbre de considerar el cuerpo separado en partes: separación en trozos del cuerpo de los mártires para multiplicar las reliquias, división del cuerpo de Cristo, en la Misa, en el enfoque en sus llagas. Devoción hacia las partes, como representantes del todo, y atracción por lo cruento. – Dicotomía. En las manifestaciones de la cultura de lo macabro se representa al individuo vivo o con sus atributos de vida y relación social, enfrentado y contrastado con un “doble”, que es un cadáver, ya sea el de otra persona, o el suyo propio. Y este ‘doble’ ulteriormente pasa a ser considerado como la representación de la Muerte. – Repetición y cuantificación. Este rasgo está en consonancia con otros caracteres de los ritos religiosos: periodicidad del sacrificio de la Misa, del calendario litúrgico en las diversas épocas del año, el oficio de las Horas, la repetición de oraciones para ganar indulgencia de las almas del Purgatorio, las siete obras de misericordia, los siete pecados capitales, las cinco llagas de Cristo. – Decaimiento, conflicto y disolución de la sociedad. A medida que se empezó a considerar la imposibilidad de que el gran proyecto de la Filosofía, el intento de llegar a una síntesis de todo conocimiento y experiencia, tanto humanos como divinos, se experimentaba una declinación, el otoño de la Edad Media, que según Huizinga determinó una cultura de los extremos: violencia y sofisticación, amor por la vida (hedonismo) y temor de la muerte. – Esperanza de una muerte y una vida ultraterrena igualitarias. Ya enunciada por moralistas romanos y desarrollada en la Edad Media. A nivel del cuerpo se manifiesta en que todos tienen que morir, a todos se les descompondrá el cuerpo y serán reducidos a cenizas. – Cultura de culpa. Sentimiento de responsabilidad por los pecados, que dio origen a formas de automortificación a todos los niveles sociales. Como se verá, esta tendencia a la humillación se extendió incluso a las disposiciones acerca del propio cadáver después de la muerte. – La peste negra. Epidemia que en los años 1347 al 1351 exterminó entre uno y dos tercios de la población en las zonas afectadas. Fue considerada por muchos como un castigo de los pecados. – Énfasis en la preocupación por un Juicio Particular al que sería sometida el alma inmediatamente después de la muerte, que implicaba alternativas de premio (cielo), castigo (infierno) o una instancia de purificación (purgatorio).

El arte en ltalia

d a d i n I R T a L

Esta pintura realizada entre 1426 y 1428 por Masaccio es un fresco de la Trinidad y se encuentra en uno de los muros laterales de la iglesia florentina de Santa Maria Novella. En este mural se hace uso por primera vez de la teoría de la perspectiva y también se ve representado el símbolo de la muerte. La pintura representa el dogma de la Trinidad. En el centro se encuentra Cristo crucificado, sostenido por Dios Padre —única figura que escapa a las leyes de la perspectiva, en tanto que ser incomensurable—; bajo la cruz se encuentran la Virgen María y San Juan Evangelista. Más abajo están los dos comitentes, identificados recientemente como Berto di Bartolomeo del Banderaio y su esposa Sandra, quienes asisten arrodillados a la escena sacra. Por debajo de ellos, y funcionando como base de la composición, hay un altar de mármol bajo el cual se ve un esqueleto yacente al que acompaña la inscripción: «Ya fui antes lo que vosotros sois; y lo que soy ahora lo seréis vosotros mañana». La pintura puede leerse en sentido vertical ascendente, como la ascensión hacia la salvación eterna, desde

el esqueleto (símbolo de la muerte) hasta la Vida eterna (Dios Padre), pasando por la oración (los donantes), la intercesión de los santos (San Juan y la Virgen), y la redención (Cristo crucificado). El fresco se encuentra en el marco de una capilla inspirada en los arcos de triunfo romanos, con una bóveda de medio cañón dividida en casetones y sostenida por columnas jónicas, flanqueadas a su vez por pilastras que sostienen un entablamento. El gesto sencillo de la Virgen señalando al Hijo en la cruz es muy elocuente e impresionante porque es el único movimiento en el conjunto solemne de la pintura. Sus figuras, efectivamente, parecen estatuas, lo que se realza mediante la perspectiva del marco que las encuadra. Parece que las podamos tocar, y esta sensación es la que hace de ellas y de su mensaje algo. La policromía aparece en las terracotas y en los rosas y azules de los casetones de la bóveda; al unir estos colores con el rosa, el rojo y el azul oscuro de los vestidos, Masaccio establece un equilibrio, abstracto en su orden pero enraizado con las cosas materiales -la ropa, la piedra y la terracota.

La Batalla de San Romano La Batalla de San Romano es un tríptico del pintor italiano Paolo Uccello y una de sus obras más famosas y reconocidas. Se estima que se llevó a cabo entre 1456 y 1460 aproximadamente mediante la técnica pictórica del temple al huevo sobre tabla. Según expertos en arte, la Batalla de San Romano fue ejecutada poco después de la muerte de Micheletto de Cotignola. Para Uccello la perspectiva se convierte en un elemento primordial y junto con el movimiento, en toda una obsesión que es claramente visible en las escenas que componen la Batalla de San Romano. Paolo Uccelo identifica claramente la perspectiva con el volumen a diferencia de otros muchos artistas. En este tríptico, como en otras obras de Uccello, se presentan mezclados elementos medievales y renacentistas, junto a otros elementos de tradición gótica. Las figuras que representan a los hombres y a los animales son de forma geométrica y altamente precisas, aunque al mismo tiempo se puede destacar en ellas la irrealidad debido a los colores empleados. Los caballos y loa hombres están pintados con colores como el rojo, el blanco y el azul. El centro de la obra lo ocupa Micheletto da Cotignola que aparece montado en un caballo negro y dando la señal de ataque. Micheletto tiene una actitud de mando y una grave expresión en el rostro, que contrasta profundamente con el gesto embravecido que presenta el caballo. La descripción que Paolo hace de esta secuencia está considerada como un pretexto para conseguir una expresión totalmente detallada del movimiento surgido de la situación. Gracias al escorzo empleado en la representación de las figuras Uccello consigue crear sensación de profundidad en el espacio. En la parte derecha del cuadro se puede apreciar como los guerreros esperan el asalto mientras

que preparan sus armas. El ejército comienza a moverse, a situarse y a la izquierda, la caballería carga contra el enemigo, esto está representado mediante la posición de las lanzas que aparecen bajadas y simbolizan la posición de ataque. Estas lanzas y la caballería, van a otorgar la profundidad al cuadro además de un dinamismo magistral. Los caballos de Ucello plasma en esta obra, van a ser fuente de inspiración para la mayor parte de los maestros del Quattrocento. A través de ellos quieren mostrar su deseo de plasmar la monumentalidad de las ﬁguras y el volumen de las mismas. También es preciso destacar de esta obra la presencia de los mazzochi, los sombreros ﬂorentinos que Uccello pinta de forma detalla. Otro elemento que aparece

pintado de forma precisa y minuciosa, son las armaduras de los soldados. La luz y el objeto alcanzan un acentuado nivel de irrealidad, pero ello no supone entender la luz como fenómeno metafísico y simbólico a la manera medieval, sino como el efecto de luz escénica. Su función primordial es la de establecer una conﬁguración volumétrica y particular del objeto y la ﬁgura en el espacio. Los objetos aparecen aislados, delimitados en su propio valor lumínico, y cumplen una función estructural, porque sirven como elementos a través de los cuales se desarrolla toda la trama perspectiva del escenario. Los objetos que están distribuidos por el suelo constituyen las clave-memoria del problema perspectivo.

“El Triunfo de ”

La Muerte Pieter Brueghel

La Edad Media y los comienzos de la Edad Moderna sufrieron el azote de sucesivas plagas y epidemias, tan violentas que podían llegar a aniquilar poblaciones casi en su totalidad. A esto se añadía el dominio de las guerras continuas por motivos de religión o poder. No es de extrañar que el sentido de culpa, de estado continuo pecaminoso, y del terrible castigo que se aproxima sin remedio sobre la humanidad fueran los sentimientos dominantes. El autor Pieter Brueghel fue un artista que plasmó en numerosas obras una sátira. En esta obra vemos además el recuerdo de múltiples murales medievales en los que aparecía la llamada “Danza de la Muerte”, esta pintura, muy compleja por la gran cantidad de escenas, quiso representar el triunfo de la Muerte sobre todas las cosas terrenales. La muerte representada por los esqueletos destruye, asesina, ejecuta y arrebata vidas y posesiones. Nadie puede escapar a su acción, los ejércitos de esqueletos derrotan contundentemente a los vivos y los llevan a una muerte segura. Plasma un ﬁnal angustioso y sin ninguna esperanza con colores sombríos de la tierra pelada y de los incendios del fondo acentúan la inquietud ante su llegada. La Muerte cabalga sobre escuálido caballo, con una guadaña, empujando a la humanidad contra un ejército de esqueletos escudados en tapas de ataúdes. En esta época proliferaron manifestaciones culturales como la Danza de la Muerte, que generó música, escritos, representaciones teatrales. En este sentido podría entenderse este reino implacable de la muerte, la tortura, la penitencia eterna del hombre que Brueghel nos ofrece, en un estilo apocalíptico

que sólo El Bosco podría igualar. Esta obra puede quizás incluso recordar al espectador a los pasajes del Apocalipsis, cuando la Humanidad es diezmada por los cuatro jinetes, debido al paisaje desolado donde se presenta el lienzo. Se presentan momentos distintos que podría afrontar el ser humano ante la llegada de la muerte que le rodea, tanto por el frente como por su espalda, con las hordas de esqueletos cuyos escudos son tapas de ataúd. Por un lado se encuentra el juglar, que aterrorizado se intenta esconder debajo de la mesa, probablemente para evitar que la muerte le encuentre. Como oposición encontramos al caballero que se enfrente a la muerte en un feroz combate, que antes o después perderá, puesto que ese es el destino del ser humano. Amantes y juglares son presa de los soldados esqueletos que disfrutan interrumpiendo el juego y el amor y también la comida, burlándose macabramente de las damas y sus acompañantes. Este detalle del cuadro nos muestra a la muerte avanzando hacia la humanidad. En su carro se encuentran los huesos de los ya fallecidos, que probablemente formen en un futuro no muy próximo parte de sus ﬁlas y la ayuden a continuar con su

avance inexorable. Nadie se libra, ricos y pobres; viejos y jóvenes; guapos y feos. A la izquierda un rey con armadura, corona y cetro ya está en el suelo y contempla como el esqueleto coge monedas de oro de sus barriles repletos (las riquezas no nos acompañan al más allá), y otro le enseña el reloj de su ﬁnal. Inapreciable en este detalle, a excepción de la barca, pero si en la vista general, se encuentran en el paisaje multitud de cruces, siempre solitarias, dando una cierta idea de impotencia de lo divino ante el sufrimiento que tiene la Humanidad y por tanto, quizás, como se mencionó al principio de la entrada, de pesimismo y cierto ateísmo. Los espantados vivos, a los que poco les queda, son arrastrados a un gigantesco ataúd cuya tapa es izada mediante poleas por un ingenioso esqueleto mientras sus compinches con guadañas, lanzas y espadas conducen a la multitud hacia su interior. A la derecha de este ataúd la guardia esqueleto espera su turno parapetada en unos morbosos escudos: ¡tapas de ataúdes!. De nuevo a la izquierda una laguna muestra cuerpos de ahogados con el abdomen hinchado (eso pasa en la realidad) y personas que son arrojadas al agua y rematadas.

Algunos esqueletos cazan humanos con una red mientras otros, vestidos con túnicas blancas tocan las trompetas. Arriba a la izquierda, dos esqueletos completan esta “orquesta” tañendo una campana que toca a muerto para no desentonar. Los esqueletos se organizan magistralmente, en el fondo del cuadro aparece la caballería esqueleto por la izquierda y junto con la infantería esqueleto de la derecha, cercan fatalmente a las personas que intentan inútilmente huir de su destino. Entre las colinas arrasadas y quemadas se multiplican los ataques de esqueletos y la aplicación de horribles torturas a sus víctimas, como las ruedas colocadas en alto, donde la Inquisición colocaba a los condenados por herejes, una vez machacadas sus articulaciones a mazazos para que fueran devorados por los cuervos y buitres. También aparecen las ejecuciones inmediatas, bien

por ahorcamiento o decapitación. En lo que parece una necrópolis, se producen desentierros y los que salen, o son sacados de sus tumbas, se unen al ejército esqueleto. Esta obra probablemente fue inspirada por los diversos episodios de peste que asolaron toda Europa en el siglo XIV, aunque otros estudiosos lo ponen en relación con las consecuencias que tiene la guerra, siendo este cuadro entonces una clara alegoría de ello.

Pieter Brueghel Pieter Brueghel pintor renacentista del siglo XVI (1520 – 1569). Nació en Holanda, era gran imitador de El Bosco, plasma temas diferentes,

casi siempre en cuadros de gran formato, con variado colorido y acusado naturalismo. Retrata las miserias de su época pero con sentido del humor. Sus contemporáneos estaban sometidos a una fuerte mortalidad en casos de epidemias (peste, lepra, tifus) y guerras. La muerte estaba muy presente en las vidas de las personas. En general, sus escenas se inspiran en parábolas, moralejas y refranes populares. Sus obras se han interpretado de diferentes maneras, como referente de las ideas de diversos pensadores religiosos, de los conflictos entre catolicismo y protestantismo, de la dominación de los Países Bajos por parte de los españoles y como equivalentes visuales de alegorías dramáticas representadas en público por sociedades retóricas flamencas. Fue muy famoso en vida y su influencia sobre la pintura flamenca posterior fue inmensa.

El personaje

de la MUERTE

LamentaciOn sobre

el cristo muerto Lamentation sobre el Cristo muerto es una pintura creada por el italiano renacentista Andrea Mantegna realizada en las últimas décadas del XV, alrededor de 1480 al temple sobre lienzo. La pintura retrata a Cristo muerto, alrededor se encuentran la Virgen, San Juan, y Maria Magdalena, que están llorando por su muerte. La pintura exhibe una innovación del renacimiento en la representación de la figura humana, con respecto a conceptos del período medieval, que tendió hacia simbolismo y artifice. Mantegna manejó en lugar de otro pintar una representación muy específica del trauma físico y emocional, contrariamente al ideal espiritual. La perspectiva renacentista cobra todo su valor con este atrevido escorzo. Mantegna estuvo interesado por la perspectiva desde joven. Vemos a la figura de Cristo ya muerto sobre una mesa funeraria en un escorzo sorprendente y escandaloso. La línea del horizonte está muy alta por efecto de la perspectiva de rana (el pintor se sitúa muy bajo). El cuerpo de Cristo está perfectamente proporcionado a pesar de lo apariencia que pueda dar la perspectiva. Se observa simultáneamente las llagas abiertas de los pies, el vientre hundido, las llagas de las manos

y la cara de Cristo con los labios abiertos y la faz amoratada. El estilo de su pintura es duro, con una marcada línea del dibujo, con lo que se consigue un efecto casi escultórico. El sudario de Cristo, al que cubre parcialmente, es un magnífico estudio de los pliegues. Este carácter de frialdal de la muerte se acentúa con un escaso toque de color; la obra parece monocroma. A la izquierda de Cristo hay tres figuras, la primera podría ser san Juan, el discípulo amado, que está rezando, la Virgen, madre del crucificado, que está llorando, y al fondo, tal vez María Magdalena. A la derecha, al fondo de la cama funeraria, un vaso con ungüentos para el ambalsamamiento, y una puerta, por la que se entrará a la tumba; son signos de una sepultura inmnentei. El conjunto de la obra ofrece un carácter de dramatismo impresionante. Estamos ante una de las obras cumbres del Renacimiento italiano del Quattrocento. Mantegna terminó probablemente esta pintura para su capilla funeraria personal. Fue encontrado por sus hijos en su estudio después de su muerte y vendido para pagar deudas. La pintura está situada actualmente en Pinacoteca di Brera de Milano, Italia.

En la Edad Media y el Renacimiento la representación de la Muerte dominaba como personaje masculino. El contexto teológico en que se consideraba la Muerte se desarrolló a partir del relato bíblico de la caída de Adán y Eva y su expulsión del paraíso. San Pablo, en la Carta a los Romanos y en la primera epístola a los Corintios afirma que la muerte es el salario del pecado (Romanos 6, 23). El pecado original fue la desobediencia de Adán y Eva a Dios. Dios había advertido a Adán, antes de la creación de Eva, que el castigo de comer el fruto prohibido sería la Muerte. La enseñanza Paulina otorga la responsabilidad del pecado a Adán: ‘por un hombre entró el pecado en el mundo y por el pecado la muerte’ (Romanos 5, 12). Las pinturas medievales sobre la crucifixión de Jesús solían incluir al pie de la cruz el cadáver, el esqueleto o al menos el cráneo de Adán, para simbolizar que, al morir Cristo, vence a la muerte en este mundo, simbolizada por Adán. Desde el siglo VIII hasta el XIII hay imágenes de la Muerte como un hombre con barba, derrotado por la muerte de Jesús, ya sea ubicado al pie de la cruz o bajo el pie de Jesús. En algunas de esas obras, el carácter masculino de la Muerte –que posiblemente se refiere a Adán– contrasta con la representación de la Vida como una mujer.

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TALLER 5 CENTRO DE DISEÑO

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DIETA

PARA ARTISTA

VIERNES 15 DE OCTUBRE

11:15 am

SALóN 3 -101

TEORíA DEL COLOR

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e. hernàndez

2010 / II

CULTURAL

MAGAZINE

Periódico Magazine Cultural SUR

ISSN - 2145 - 1133

Lab. Producción Gráfica año III volumen II número 15

DICIEMBRE 2010

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