EMPIRE MAGAZINE #19

MAYO 2012 Nº 19

OPETH . ALCEST / LES DISCRETS . INSOMNIUM . HAMFERD NEUROTIC DEATHFEST’12 . SALVA RUBIO . TUSKA OPEN AIR’11 TERDOR . GOD IS AN ASTRONAUT . DREAM THEATER DREAMSTATE . ORPHANED LAND. EARTH

LA RAZÓN SE COMPONE DE VERDADES QUE HAY QUE DECIR Y VERDADES QUE HAY QUE CALLAR

Entrails

29

Dream Theater

33

Opeth

44

God is an Astronaut

55

Hamferd

59

Dreamstate

64

Alcest / Les Discrets

72

Earth

90

Terdor

94

Insomnium

114

septiembre

…es que se le quitan a uno las ganas de seguir adelante con esta revista. Le matan a uno la ilusión, las ganas de hacer cosas, de cubrir conciertos, festivales, hacer reseñas o entrevistas. Entre discográficas y sobretodo promotoras intentan lastrar el trabajo de medios de comunicación pequeños y medianos, es decir las Pymes del Metal. Ya está bien de mentiras encubiertas, de aprovecharse del pequeño, de ser egoísta y de perder las formas a las primeras de cambio.

Varias son las promotoras que te envían publicidad para que les ayudes a publicitar sus eventos… gratis, por supuesto. Y tú lo haces porque tienes ilusión en poder cubrir ese concierto… que aunque vas a disfrutar tienes que hacer un trabajo de lo que ves. Muchas veces cuando pides la acreditación te dicen que está denegada y aducen motivos como que tienes que cubrir todos sus conciertos, que hay que pedirlo con 15 días de antelación, como que los medios digitales están en un segundo plano y prefieren darlo a prensa escrita nacional como El Mundo, ABC o El Periódico…

Dicen que prefieren medios escritos y prensa de tirada nacional como los periódicos mencionados son prioritarios para ellos… claro, te dedican un recuadrito por ahí en medio o te ponen la fecha en la agenda y se supone que eso lo ve un público potencial importante… es que mola más decir que te han anunciado en El Periódico que en cualquier web o zine ¿entonces cada vez va menos gente a los conciertos además de por la crisis? ¿No será que los promotores hacen cosas mal como la orientación de su campaña de publicidad? Por de pronto la cantidad de conciertos internacionales ha disminuido drásticamente esta temporada… me alegro porque hay más gente por concierto, porque hay menos competencia y así algún promotor que ha surgido con el boom desaparecerá y todo volverá un poco a la normalidad.

La realidad es que los promotores entre ellos se llevan a matar en la mayoría de casos y sino que me expliquen porque entre ellos se quitan las giras pagando un coste más alto del que tienen… una inversión que luego no recuperan… con todos mis respetos, que se jodan y se maten entre ellos. Lo mismo que hacen con la prensa es lo que les deseo desde estas páginas. Apreciarán nuestros lectores que desde este mes hay promotoras a las que no anunciamos sus conciertos ni ponemos sus flyers ¿quieren publicidad? Que la paguen que los regalos se han acabado, que ya está bien de pedir pases y que parezca que te perdonan la vida como si ellos fueran los reyes del mambo. Algunas personas de Empire ya llevamos más de 10 años en esto y sabemos de qué va este circo y si quieren un payaso aquí no lo van a encontrar. Alguien dijo que África empieza en los Pirineos y fuera nos están dando redactor y Photo a todo lo que pedimos. Ya se sabe que uno no es profeta en su tierra pero una cosa es eso y otra que te traten con desprecio.

Quizá por no mamarla nunca lleguemos a ser un medio importante pero ¿saben qué? Prefiero permanecer en el anonimato y hacer lo que quiero y me gusta como yo quiero que vender mi revista a una serie de impresentables, chupópteros y desalmados.

Desde aquí mi más profundo agradecimiento a promotoras como Stigia, TBC, Eclipse Group, RRS Promo.

Los promotores quieren todo gratis y hemos llegado al punto que muchas veces las bandas paguen por tocar y así ellos financian una gira sin perder dinero… que le pregunten a las dos bandas locales que van a abrir una de las giras más esperadas en el mes de octubre… claro, ellos no lo venden así sino como una oportunidad… ¿Quién va a ver a una banda local un día, aunque sea sábado a las 19h30 de la tarde? Cuatro gatos… pero eso no se lo dicen a las bandas a las que engañan y timan porque pagar 3000 euros por hacer de teloneros…

Y ahora disfruta de Empire y como siempre no dudes en hacernos llegar tu feedback.

CONTACTA CON EMPIRE EN: empirezonemagazine@gmail.com Dirección y coordinación: Marc Gutiérrez Subdirección: Alex López Dirección “Rock desde el fin del mundo”: Paulina Pérez G. Redacción: Marc Gutiérrez Diseño gráfico: Marc Gutiérrez Diseño de portada: Irene Serrano (www.misomisico.com) Fotografía: Marc Gutiérrez

www.myspace.com/empire_magazine

Colaboradores: Alex López, Viking, Jero García, Rider G. Omega, Rubén Pérez, Borja Guijarro, Carlos Azcárraga, Fernando Galicia Poblet, Lady_Death, Eduard Tuset, David Aresté (www.metalsymphony.com); Javier Rojo (www.metaltrip.com); Isaac Uncommon, Oswaldo Martín (Fuerzas Imaginarias), Darkana, Xell, Beatriz García, Leticia Ballester Corresponsal en Chile: Paulina Pérez G. Corresponsal en Suecia: Annika Argerica

EMPIRE NO SE HACE RESPONSABLE DE LA OPINIÓN DE SUS COLABORADORES

ANEKDOTARIO METÁLICO

Curiosidades y hechos insólitos de la historia del Metal.

POR OSWALDO MS ("Fuerzas Imaginarias". Radio Guiniguada 105.9 FM y www.radioguiniguada.com Jueves 23.00 hs.)

*** Pide una pizza y encontrarás baterista….uno de los mejores Como cualquier hijo de vecino, Dave Lombardo se buscó la vida trabajando en lo que salía mientras esperaba su oportunidad. Pero ésta llegó precisamente en su jornada laboral. Estaba empleado como repartidor de pizzas y en una entrega, al llegar a casa del cliente, escuchó a éste hablando por teléfono sobre dos tíos llamados Jeff Hanneman y Kerry King que buscaban un baterista para formar un grupo.

*** Pon inyecciones y financia tu primera obra Brian Slagel apadrinó el debut de la banda: “Show no mercy”, y entre sus tareas estaba ocuparse de la administración del dinero que los componentes de Slayer habían reunido para financiar dicho trabajo. Si la venta de pizzas permitió a Dave Lombardo poner su parte, y unos padres generosos a Kerry King y Jeff Hanneman aportar las suyas, las inyecciones a domicilio hicieron el resto. Tom Araya había hecho un cursillo de Auxiliar de Enfermería por recomendación de su hermana y ahorró dinero acribillando culos a diestro y siniestro en su barrio.

*** Incidentes en la carretera En la Gira “Combat Tour”, con Exodus y Venom, Tom Araya entraba una noche tan borracho en el autocar de gira que no daba con el baño, ante lo que Cronos, con intención de burlarse de él, le invitó a utilizar su boca como mingitorio. El problema fue que Araya creyó que iba en serio y procedió….obteniendo un derechazo del fundador de Venom, que le sirvió de inductor al sueño, ya que cayó al suelo del autocar, y ahí durmió la mona hasta el día siguiente.

*** Mensajes ocultos…de verdad Los “Back tracks” son partes de un tema que al escucharse hacia atrás revelan mensajes vocales ocultos. Slayer reconocen que hay “back tracks” esparcidos por toda su discografía. Ignoramos la intención real de este hecho, pero si haces la prueba con el inicio de “Hell awaits” podrás llevarte una sorpresa y escuchar “…

Join us!” (“Únete a nosotros”)

*** Velocidad físicamente imposible “Reign in blood” registra una velocidad media de 210 revoluciones por minuto, prácticamente imposible de grabar con los medios técnicos de la época (1986).

Solo dura 29 minutos.

*** ¿Tolerantes y filonazys?

Mucho se ha hablado de la posible adscripción del grupo (especialmente Hanneman y King) a la ideología Nazy, a raiz de las preferencias manifiestas por dicho tema en sus letras, imaginería, estética, alguna que otra declaración política. Sin embargo, algo no encaja, porque hay otros hechos que indican su mentalidad abierta, respetuosa por la diversidad y tolerancia: Dave Lombardo (Italia) y Tom Araya (Chile) son de origen emigrante, Rick Rubin produjo el “Reign in blood” y es judio, la banda al completo admira a Rob Halford, abiertamente gay, y su descubridor fue Brian Slagel, que entró en contacto con el grupo cuando estaba totalmente integrado en la escena del Hip Hop Afroamericana.

POR PAULINA PEREZ

EQZ Biografía EQZ banda de metal nacional formada a comienzos del 2002 por los hermanos Tulio Rosales y Damián Burton, nace con la idea de mostrar lo más extremo del metal con melodías oscuras y riffs devastadores todo esto acompañados por una percusión demoledora.

La banda se encuentra formada por músicos con una amplia trayectoria, donde Tulio y Damián a mediados del 2006 reclutan a Pablo “fast finger” Trejo.

Destacado bajista nacional el cual ha participado en bandas como “TONGAS y 2X”. Con este trío se dedicaron a componer gran parte de los temas, buscando y audicionando a vocalistas pero el resultado nunca fue lo esperado. Sin querer el destino hizo que un amigo de toda la vida partiera cantando covers con el resto de la agrupación a base de juego, es así, como la banda le propone a Daniel Tobar ex baterista de 2X-BBS PARANOICOS y DEVIL PRESLEY que se haga cargo de las voces de EQZ. Con esta formación ya llevan casi 2 años y han tomado nuevos aires. Actualmente el cuarteto se encuentra a punto de lanzar su primer EP que consta de cinco canciones y en el cual se pueden encontrar los siguientes temas “ depravación y poder” basada en la película de passolini “saló 120 días de Sodoma”; “adicto”; “alma negra” ; “sangrientos rituales” y “ delirio”.

Con este trabajo la banda espera abrirse paso dentro de la escena nacional y con esfuerzo, trabajo y talento posicionarse dentro de las mejores bandas de Sudamérica y del mundo.

Miembros Daniel Tobar - voz Tulio rosales - guitarra Damian Burton - bateria Pablo Trejo – bajo Discografia EP - EQZ Sitio web http://mundoeqz.blogspot.com/ http://www.myspace.com/eqzmetal Contacto de Prensa

DESGOBIERNO La banda se inicia en el año 2001, con la formación de Iván, teresa y Negro Toño. con la idea expresar la desigualdad, la represión y la falta de oportunidades que se vive día a día en las poblaciones, de la cual seguimos siendo parte. En ese Momento la banda se empieza a mover en distintos lugares de la escena punk local, compartiendo escenario con bandas de ese entonces como; Vomito social (de Cerro Navia), Cimeria ( de Peñalolén) y Neurosis d.d.r.(de la Florida),entre otras. Bandas que por una u otra situación fueron desapareciendo con los años. A comienzo del año 2003 llega a la banda Cristián, un muchacho que en ese entonces estudiaba en el liceo Julio Verne de Macul, pero su paso fue breve ya que por problema liceanos y otros líos tubo que dejar la banda, en el mismo año Negro Toño deja la banda por problemas de tiempo y estudios, en su lugar llega Yerko de peñaskazo y Cesar (chico de san Luis de Macul que vagaba con un evidente estado etiliko por las calles) en 2da guitarra, pero su paso por la banda también fue breve, por una u otra razón también abandonaron la banda para seguir otros rumbos. En el mismo año llega Juan (de Neurosis ddr) a parchar batería por poco tiempo tomando después la 2da guitarra, y a mediados del año 2004 llega Lucho (de cimeria) en batería. A comienzo del año 2005 se logra plasmar los temas en un disco de 12 canciones grabadas en diferentes salas llamado; "SIN NADA KE PERDER", el cuál anda dando vueltas por la calles.

Entre el año 2008 y 2009, se graba y difunde el segundo trabajo de la banda titulado “Bajo la cultura de la peligrosidad”. Disco que recopila 12 temas que reflejan situaciones y grupos de personas que son visualizados por el Estado como peligrosos.

La banda sigue tocando en los escenarios de Santiago, ya sea en una plaza, sede vecinal, bar o donde la gente nos invite a tocar.

La formación actual de la banda es: IVAN:(VOZ Y GUITARRA) TERESA:(BAJO Y KOROS) JUANIN:(GUITARRA,KOROS) LUCHIN:(BATERIA) Discografía: Sin nada que perder (2005) Bajo la cultura de la peligrosidad (2010) Sitios en la web: https://www.facebook.com/desgobierno http://www.myspace.com/desgobiernopunkrock http://caldoecaezas.blogspot.com/2007/09/desgobierno-sin-nada-ke-perder-2005.html http://www.youtube.com/watch?v=QbTEby4OdQQ http://xikoanarko.blogspot.com/2011/07/desgobierno-bajo-la-cultura-de-la.html http://www.nme.com/nme-video/youtube/id/yYlm-8MMdXY/search/desgobierno http://cl.fotolog.com/diskos_punk/50730307/ http://www.fotolog.com/desgobierno KUALKIER INVITACION A: desgobierno12@gmail.com Principio del formulario

BARBARA Y LOS ROTOS DEL ROCK Stoner Punk garaje Pachanga BIOGRAFÍA BÁRBARA es el nombre de una carnívora y descorazonada mujer cuyos ególatras caprichos, la encausaron a formar una banda de ROCK, con nada más que la intención de inmortalizar su incontenible carácter e irreverente biografía en estridentes manifiestos de 44,100Hz. Su pandilla está compuesta por sus tres malvivientes secuaces, públicamente conocidos como LOS ROTOS DEL ROCK, quienes sirven a sus retorcidos propósitos sin importar su discutible ética o moral.

SITIOS WEB Descarga de EP http://www.barbaraylosrotosdelrock.bandcamp.com Página de Facebook: http://www.facebook.com/barbaraylosrotosdelrock Cuenta de Twitter: http://www.twitter.com/LosRotosDelRock CORREO DE CONTACTO barbaraylosrotosdelrock@gmail.com

DISCOGRAFÍA Debut EP (13 Febrero del 2012) http://www.barbaraylosrotosdelrock.bandcamp.com Reproducción y descarga gratuita INTEGRANTES Bárbara González - Voz Christian Spencer - Guitarra Cesar Garcés - Bajo Cristóbal Pacheco - Batería

LANUDOSIS BIOGRAFÍA: Lanudosis nace durante el año 2001 cuando los hermanos Beto y Mike Astorga se juntan con su amigo de la infancia Germán Carpenter para tocar covers de sus bandas favoritas, ya el año 2003 deciden grabar algunos demos de composiciones originales pero no es hasta el año 2007 con la inclusión de Joaquín Jauregui en las voces que lanzan su primer disco demo titulado "2003-2007" que compila los mejores 9 temas que la banda había registrado hasta ese entonces.

Luego el año 2010 sale editado su primer trabajo discográfico, su disco homónimo, el cual presentaron durante casi 2 años por diversos lugares y lo llevo a ganar una invitación desde Argentina a formar parte del disco "Salmones Distintos" tributo a la carrera de Andrés Calamaro, luego la banda lanzaría el disco "Un Nuevo Amanecer" tributo a las víctimas del terremoto, donde incluyeron la canción "Ningún Lugar" un brutal tema instrumental donde demuestran toda su capacidad en la composición y ejecución.

Hoy se encuentran registrando su segundo disco, esta vez junto a un nuevo vocalista, el cual aún no es revelada su identidad, el disco está pronosticado para finales del año 2012 y dará un giro en el estilo musical de la banda orientándolo 100% al Rock con influencias del metal y el progresivo.

ESTILO MUSICAL: Rock, Metal, Progressive.

DISCOGRAFÍA: Un Nuevo Amanecer (Ep) 2010 Dulce Condena (Single) 2010 Lanudosis (LP) 2010 Lo Que Siempre Odiaste Ser (Single) 2009 2003-2007 (Demo) 2007 INTEGRANTES: Beto Astoraga: Guitarras - Voz. Germán Carpenter: Bajos - Voz. Mike Astorga: Batería - Percusión - Didjeridoo - Teclados.

SITIOS WEB: http://www.lanudosis.cl TWITTER: @lanudosis CORREO DE CONTACTO: lanudosis@gmail.com

Nuevo blog de Empire, para dar cancha a la actualidad, con la esencia de Empire, con la misma línea editorial y con la independencia de siempre: WWW EMPIREZONEMAGAZINE WORDPRESS COM

HORREGIAS Punk Rock Pop Indie BIOGRAFÍA: Tan regia que es horrenda.

No hay pareja de baile para Horridia, Feocia y Atrocia. Y desde la esquina del salón, con la boca llena de maní salado y suflito, se preguntan nuevamente, “¿Pero... y por qué no?”.

Tres muchachas que en su monstruosidad llegan a ser hermosas, se han recluido por años en la ratonera para realizar estudios de música a partir de la más tierna derrota. Y ahí, a los pies del hermoso cerro de Renca, surgen las HORREGIAS, una escuela de música dónde convergen la princesa más bella y su horrible bestia del pantano.

Hoy aún se encuentran regalando y vendiendo su primer disco, Pasarela Fracaso, el cual tenía fecha de lanzamiento para el verano del 98.

DISCOGRAFIA: Lo Violador Inédito Pasarela Fracaso 2011, Coraje Records INTEGRANTES: Horridia: guitarra y coros Feocia: bajo y voz Atrocia: batería e inteligencia SITIOS WEB WEB: http://horregias.net84.net/ (PAGINA OFICIAL) http://soundcloud.com/HORREGIAS http://horregias.tumblr.com/ http://flavors.me/horregias http://www.myspace.com/horregias http://facebook.com/horregias CORREO DE CONTACTO: horregias@gmail.com

MANUEL GARCIA, El Héroe del Rock y el Comandante del Folk Nacional.

Escribir sobre Manuel García es un privilegio para mi.

Hoy, es uno de los intérpretes nacionales con mayor proyección, un hombre cuya humildad, compromiso y fortaleza lo han llevado a los lugares mas altos del ideario colectivo.

Cuando pienso en él, me es imposible no llegar hasta “Mecánica Popular” (Proyecto conformado por Mario Villalobos (Voz y Bajo), Diego Álvarez (Guitarra), Marcos Chávez (Batería) y Manuel García (Voz y Guitarra) en el año 1999 y que más tarde contó con la participación de Ronnie Gutiérrez (Batería) desde 2003 y Christián Bravo (Bajo) desde 2004) tocando en lugares pequeños, muchas veces ni siquiera vinculados con el ámbito musical, público escaso, sacrificio llevado hasta en la sangre pero con y por amor a la música.

Hoy lo vemos triunfar y es imposible no sentir que se infla el pecho, la garganta se aprieta y la sonrisa se escapa. Cada aplauso que cosecha se siente casi propio, ganado a pulso por el hombre que tomó con fuerza su guitarra libélula poniéndole alas a su canto puro, honesto y frontal.

Mientras yo pienso que él es un ejemplo, Uds. Podrán decir que ha corrido con suerte. Y sí, es posible que tenga una buena estrella inconmensurable, pero esa estrella sin trabajo no serviría de mucho pues desarrollar una carrera exitosa en un medio como el nuestro es encontrar una aguja en un pajar.

Manuel García parte su periplo musical en 1995 como integrante de la agrupación de Mario Rojas y fundador de “Coré”, banda con marcada orientación folclórica y de la cual varios de sus integrantes emigraron a Inti Illimani.

En 1998 decide, de la mano de Mario Villalobos, formar “Mecánica Popular”. Esta agrupación le permitió experimentar con una gran variedad de sonidos que van desde el rock, pasando por el folk y el pop. Tres discos hacen parte de esta aventura: “Mecánica Popular” (1999-Alerce), “La Casa de Asterión” (2000-Alerce) y “Fatamorgana” (2003-Alerce).

El primero, es la perfecta mixtura entre la pasión del rock, la fuerza de la poética y las armonías vocales, del que se desprenden canciones como: “Los Perros de La Sangre”, “Las Meninas” y “Hablar de ti” (versionado posteriormente en su disco solista “Pánico”).

“La Casa de Asterión” es un trabajo conceptual y adelantado para la época, concebido como la banda sonora del primer “reality” virtual de Chile (vivoonline.cl), el cual consistió en seguir, durante tres meses, la vida de un estudiante universitario cuyo único metodo de comunicación con el mundo exterior era vía Internet, llega como una forma de reconocimiento perfecto a los distintos estados de conciencia y ánimo. De la mano de temas como “El Templo de las Hachas” (Instrumental), “El Oro de los Tigres”, “Imaginario Corazón” y “Nombro Tu Nombre”, entre otros, Mecánica Popular se adentra en un terreno difícilmente explorado por las bandas chilenas que se manejaban con mayor libertad en el circuito. Sin embargo, pese a los esfuerzos por conservar un toque de instrospección, originalidad y una nominación al Premio “Altazor”, la recepción del público no fue de las mejores, y con esto empezaba un difícil camino, tránsito que nos llevaría a tener que esperar por tres largos años para una nueva entrega.

Esta llega con “Fatamorgana”, trabajo que caminó conjuntamente con los medios de difusión masiva. Las radios extrapolaron singles como “La Flor Del Viejo Hotel”y “El sol a veces se equivoca”, mientras que “La Pena Vuela” fue elegido por Unicef para musicalizar la campaña publicitaria de conmemoración de sus 50 años. Simultáneamente, Manuel García colabora en documentales sobre la vida de ”Atahualpa Yupanqui”, “La Cueca Brava de Nano Núñez” (trabajo de Mario Rojas sobre “Los Chileneros”) y también musicaliza la obra de teatro “Las Condenadas”.

Hasta aquí, las voces de Villalobos y García compartían la titularidad de la banda, pero en el año 2004 por asuntos profesionales, Mario decide alejarse, lo cual propicia la llegada de Christián Bravo al bajo de la banda. En 2005 Manuel debuta como solista, sin desvincularse del trabajo con Mecánica.

“Pánico” (2005-Alerce) es el disco que abre la carrera de Manuel García en solitario y lo devuelve a sus orígenes enraizados en la trova y la nueva canción chilena. Es un disco inmejorable, en el cual hace gala de sus cualidades como músico, letrista e intérprete. Lo componen 13 canciones, de las cuales dos son del reper-

sus cualidades como músico, letrista e intérprete. Lo componen 13 canciones, de las cuales dos son del repertorio estable de Mecánica Popular: “La Pena Vuela” y “Hablar de Ti”. Hacen parte de esta entrega el colectivo denominado por el cantante como “Dithelo Tumba” conformado por él mismo y sus inseparables Diego Alvarez y Christián Bravo.

La personalidad con que siempre ha destacado, queda de manifiesto en este trabajo. Es imposible no percatarse de la transparencia con que se adentra en la temática de sus canciones rebasando, con profunda honestidad, la barrera del sentimiento humano. La melancolía de “El Viejo Comunista”, el anhelo en “Azucar al Café” y la magia de “Bufón” desembarcan en el corazón del oyente de la mano de la simpleza de una guitarra.

Debido a su innegable calidad, el disco se hace acreedor de una multitud de buenos comentarios y su trabajo como cantautor por parte de los medios masivos es comparado incesantemente con el del trovador cubano Silvio Rodríguez. Sin embargo no se encandila y manifiesta constantemente la voluntad de continuar con su banda estable.

Es en esta doble labor donde a mediados del 2006, lo sorprende la invitación para ser el único solista en el proyecto de la Orquesta y Coro Sinfónico de la Universidad de Concepción: “Victor Jara Sinfónico”, el cual con arreglos de Carlos Zamora y bajo la dirección de José Luis Domínguez, se presenta en noviembre del mismo año con dos funciones repletas, que más tarde son replicadas en Santiago y Valparaíso.

Así, sin tregua posible y mientras se encontraba en pleno proceso creativo de su segundo disco, presenta durante un mes en Barcelona, junto al catalán Guillamino, el espectáculo de musicalización de poesía conocido como “Exile”. Entre tanto, en Chile es nominado por el disco “Pánico” a los“Altazor” y se estrena el documental “Catalejo” de Ronnie Radonich que se basa en su trayectoria creativa y es premiado por el público en el festival “In-Edit 2007”.

El 2008 se pinta con “Témpera” (Alerce), disco para cuya producción es asesorado por la Contrabajista de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Concepción, María Teresa Molina, ajena totalmente al medio popular, razón por la cual su proceso creativo está inundado de matices que van desde el folclor nacional, con claras influencias de Violeta Parra, incluyendo también sonidos doctos que inducen a pensar que la maduración ha entrado a todo galope en su quehacer musical.

Junto con este álbum, vienen los reconocimientos. Si bien es cierto que en Chile los premios se otorgan con bastante retraso, Manuel García corre con colores propios. De manos de la Presidenta Michelle Bachelet recibe el “Premio a la Música” entregado por el Consejo de La Cultura y Las Artes, mientras comienza la internacionalización de su carrera agendando varios conciertos en México.

Desde este momento y en adelante, comienza la “Avanzada del Folk”. Manuel García empieza a cosechar lo sembrado en una escalada sin precedentes. Han transcurrido ya 10 años de lucha y trabajo incesante, siendo las palabras que mejor lo definen: “Carisma y Perseverancia”.

El 23 de enero de 2010 se presenta en el “Festival del Huaso de Olmué” junto a Nano Stern y Camila Moreno en una recordada y polémica participación, debido a la interpelación de Moreno al recién electo Presidente Sebastián Piñera, presentación que ellos mismos denominaron como “Juntos y Revueltos”.

Un mes más tarde, nuestro país atravieza una de las crisis más significativas de los últimos tiempos: El terremoto del 27 de Febrero. No obstante, 2 días más tarde este Ariqueño, hijo del rigor, entra al estudio a grabar su tercer disco “S/T [Sin Título]” (2010-Oveja Negra), el cual sale a la luz en el mes de Mayo.

Sin abandonar sus temáticas cotidianas, acompaña esta entrega con líricas alusivas al tema social y político del país. Con temas como “Alfil” y “Piedra Negra”, nos queda de manifiesto que Manuel García no sólo alza la voz para cantar sino que también es capaz de hacerse partícipe del acontecer del nacional.

En cuanto a su proyección internacional durante el año 2010, participa en La “Carpa Itinerante” del festival “Vive Latino” en México y es invitado a China para formar parte de la “Expo Shangai”, donde realiza 27 presentaciones en 10 días.

Para terminar un año redondo, es invitado en exclusiva por la agrupación nacional “Los Bunkers” a formar parte de la placa titulada “Música Libre”. El disco está constituido por covers de canciones pertenecientes al trovador cubano Silvio Rodríguez. Manuel se hace parte en la versión de “La era está pariendo un corazón” y “Al final de este viaje ”, la cual interpreta como solista. Finalmente acompaña a la banda a lo largo de la gira de presentación de este trabajo.

Mientras todo esto sucede, no pierde contacto con la realidad de nuestro país, participando activamente en variados actos culturales, acompañando así a los estudiantes que protestan por una educación gratuita y de calidad.

El 22 de Julio de 2011, Chile y la escena se rinden definitivamente al encanto de Manuel, quien ante un Teatro Caupolicán repleto, graba su primer DVD. Deleita al público con un setlist de 40 canciones que repasan toda su carrera musical y de las cuales sólo 25 quedan inmortalizadas en material audiovisual. Se da el gusto de presen-

tar nuevos arreglos, material inédito y contar con invitados de la talla de Fernando Ubiergo, junto al que interpreta “Yo pienso en ti”, “Los Bipolares” (“Papel Picado”) y Gepe (“Angel de la Cuadra” y“Alfabeto”).

Después de este concierto, la consolidación es total. En Octubre se estrena el documental “El Mar, Mi Alma” donde es parte de la banda sonora interpretando la canción “Farewell”, versión musicalizada del poema de Pablo Neruda en la que comparte créditos con el músico norteamericano Jack Johnson. Es convocado al line up del Festival del Huaso de Olmué, ya no como parte de un grupo sino que en solitario. Acto seguido, es invitado a formar parte del Jurado del Festival Internacional de la canción de Viña del Mar 2012, donde también se presenta con gran éxito conquistando al público y llevándose a casa todos los galardones.

Actualmente, la canción “Sueños” es parte de la serie “Vida Por Vida” que se encuentra en emisión por parte de un canal nacional.

Una vez que hemos leído todo esto ¿podríamos decir que el camino ha sido fácil? Ciertamente no. Tengo la certeza y la convicción de que si algo se ha ganado Manuel, es el respeto y la fidelidad de sus seguidores por no claudicar jamás, por poner todo su empeño en el trabajo bien realizado que es el único que finalmente rinde frutos, por amar su patria y tomar partido.

Y ahora veo en el “Reloj” que el tiempo pasa demasiado rápido frente a “Tu Ventana” mientras el invierno amenaza con llegar a “La Gran Capital”. El amor se escapa, “La Pena Vuela” y “Queda lo que quema”, y sin quererlo, llega “El Reproche”. Los estudiantes siguen “Marchando junto a ti”, los políticos continúan pensando “que todas las piedras son del color de ellos”, al tiempo que Manuel García, evocando a “Los Héroes del Rock”, escoge “Los Colores” para pintar con “Témpera” su camino, haciendo funcionar la incansable máquina creativa, proyectando el futuro y sintiendo: “Soy una persona con suerte por estar aquí, soy alguien a quien los “Sueños” se le cumplen...”

Redacción: Carolina Beltrán C. Fotografía: Wanda Acosta Facebook: http://www.facebook.com/manugarpez Fuentes: www.musicapopular.cl Twitter: @manugarpez www.latercera.cl

NANO STERN La Piedra Rodante Cantaurores de Folk hay muchos, pero pocos que recorren el mundo.

Nano Stern es chileno y muy reconocido músico multi instrumentista, sus influencias musicales le brotan por los poros: El folclore latinoamericano y el rock.

A los 19 años deja su carrera de composición en la U de Chile, emigró a Europa para conectar y consolidar nuevos proyectos. En el frio continente se anotó en Holanda y se presentó en muchos festivales de folk y en el transcurso del viaje componía las canciones para su álbum debut.

En el 2006, lanza su primera placa de estudio llamada simplemente “Nano Stern” la que posee nueve canciones, dos de ellas instrumentales. Bastó que el álbum se masificara para que Nano encandilara a Europa por su versatilidad y voz.

En 2007 el músico grabó el segundo trabajo discográfico “Voy y Vuelvo”. Disco conceptual que refleja el contraste de vida o muerte. Contiene trece canciones que fusionan el folk, la psicodélica, el jazz, y por supuesto el rock. Con dicha placa de estudio Stern se presentó en festivales de folk y jazz, y trajo nuevamente a Latinoamérica.

Para el 2008, emprendió rumbo a Australia en un tour musical. En mayo volvió a Chile, para realizar una serie de conciertos hasta comienzos de junio, en compañía de diversos músicos y mientras transcurría la segunda mitad del 2008, Nano se realizó una gira que lo llevó desde Rusia a China. En 2009 graba su placa “Los Espejos” la que lo consolida como cantautor, pues este trabajo termina de confirmarlo como uno de los artistas de más proyección en Chile y es elegido por la revista Rolling Stones como uno de los 10 mejores discos del año 2009.

El 2010 graba su primer DVD documental "En casa", que muestra las imágenes del concierto lanzamiento de "Los espejos" que llevó a cabo en el Teatro Oriente. y se presenta a lo largo de todo el país con gran éxito alcanzando la masividad. Durante el 2011 presenta su disco Torres de Sal, y señala que este disco es "implosivo en su relación con la gente" por tanto, consolida sus cinco años de carrera.

Ese es Nano Stern, más que un músico, un trotamundos…

Amon Amarth en Chile 01 de Abril de 2012 / Teatro Teletón Por Juan Carrasco Torres Gentileza: www.necrosystem.cl Foto: Sebastián Dominguez Antes que todo, por problemas logísticos no podremos hacer un comentario de la banda soporte, ya que se suponía que Amon Amarth tocaría a las 21.00 hrs y llegamos al recinto a las 20.00 hrs. A esa hora la banda Hedenskrig ya estaba tocando su último tema sobre el escenario, junto al grupo de luchadores Varmesjord. Dentro de lo que se pudo apreciar fue una buena puesta en escena para preparar el desembarco por segunda vez del quinteto sueco que viene en la gira de promoción de su última producción Sutur Rising.

A las 20.40 se apagan las luces del teatro Teletón y comienza la intro para que uno a uno fueran entrando al escenario los escandinavos liderados por el barbón Johan Hegg en lo que sería una noche de poderosos sonidos vikingos. El telón de fondo, con la portada de su último trabajo, fue preciso para generar dicha atmósfera y comenzar a escuchar los primeros acordes de ”War of the Gods” que logró encender rápidamente al público.

Junto con saludar al respetable Hegg anuncia el siguiente tema perteneciente al álbum del 2006 "With Oden on our Side, “Runes to my Memory”, el cual fue recibido con mucha energía y alentado desde el escenario por las guitarras de Mikkonen y Söderberg.

Es en aquel momento que Hegg se toma un par de minutos para saludar en español y recordar lo que fue su visita del 2009 y preparar lo que sería una buena dosis de la nueva placa Supur Rising con ”Are you ready for Metal?!!, obteniendo una gran respuesta para tocar los temas ”Destroyer of the Universe” y ”Live without Regrets”. A estas alturas el centro de la cancha era un caldero y que se estaba disfrutando de una excelente dosis de "Viking (Death) Metal".

Con poca pausa se viene ”Thousand Years of Oppression”, tema de su cuarto disco, saltos y brazos en alto emulando al vocalista, para luego ya de 30 minutos de show presenciar uno de los puntos altos de la noche con los primeros sonidos de ”Persuit of Vikings”, a estas alturas un himno clásico de Amon Amarth y que fue coreado en todo momento por los centenares asistentes que no pararon de aplaudir al finalizar dicho tema del Fate of Norns.

La fiesta nórdica sigue, no sin antes los agradecimientos de la banda por la energía entregada por los fanáticos, con material de Supur Rising, ”For Victory or Death”; la cual fue muy bien recibido, ya que recuerda musicalmente lo mejor de la agrupación sueca, una pequeña pausa y los sonidos regresan con ”The Hero” donde Johan nos recuerda con esta poderosa, pero a medio tiempo, canción "que hay quienes llevan la maldad dentro de ellos".

Una invitación de ritmos más épicos y sangrientos fue con el tema ”Valhall Awaits Me” del álbum With Oden on Our Side que tuvo un excelente sonido por parte de todos los instrumentos, mientras la voz de Hegg se mostraba aún mejor. Siguiendo con el nuevo tema "Slave of Fear" hizo de puente para otro punto fuerte de la jornada con otro himno ”The Fate or Norns” tema homónimo de la placa del 2004 que hizo saltar y aplaudir a toda la audiencia.

Johan pregunta si están listos para sangrar...se viene ”Bleed for Ancient Gods!” que deja preguntando al público si los acompañarán gritando "hey! hey!" con su siguiente tema ”Under the Northern Star”, permitiendo bajar un poco el ritmo de las agitadas canciones anteriores, juego de luces más lentas de por medio.

Otra vez los agradecimientos del líder de Amon Amarth para continuar con Free will Sacrifice”, ya se sentía que lo mejor del recital estaba por venir, ”Cry of the Black Birds” hizo nuevamente saltar gran parte de la fanaticada siendo saludada continuamente por Hegg. La energia seguía en alto para cantar "Death in Fire”, otro gran momento que fue agradecido con gritos y aplausos sin parar. Cabe mencionar los minutos de "fama" de Mikkonen y Söderberg, donde cada uno mostró su capacidad en las seis cuerdas.

Se sentía que faltaba poco para el final y ”Victorious March” fue la canción elegida para la retirada de la banda del escenario dejando los ánimos suficientemente altos para pedir la vuelta de los músicos suecos, tras los conocidos cánticos "Olé ole ole, Amon Amarth!".

Una espera de un par de minutos y nuevamente llegan a tomar posición para dedicar 2 temas de su anterior álbum Twilight of the Thunder God, con la canción homónima recibiendo el comentario por parte de Johan "You guys kick ass!!" (uds patean traseros!) para hacer la invitación al tema ”Guardians of Asgaard”, el cual cerró los más de 100 minutos de sonidos de una banda que aún tiene mucho material para entregar a sus fanáticos.

A modo de resumen, destacamos la calidad del sonido que fue notablemente mejor al de su presentación del 2009, un juegos de luces preciso, pero a veces un poco monótono, lo mismo sobre el uso del humo que en ocasiones hizo desaparecer a los suecos sobre el escenario.

Mención a parte, Fredrik uso durante el show la camiseta de la selección chilena dándole un toque cercano al público desde la batería. Quizás Amon Amarth a estas alturas tiene una fórmula probada en sus álbumes y eso hace pensar que sus producciones se han convertido en algo repetitivo, pero todo cambia cuando Hegg Mikkonen, Söderberg, Lundstöm y Andersson interpretan sus notas transportándonos a sus batallas sobre sus Drakkar e invocando el poder de Odin para vencer a sus enemigos y nos recuerdan que el sonido del metal escandinavo tiene para rato.

Brujeria en Chile + Electrozoombie + Audiopsicópata + Rajavana + Squad 14 de Abril de 2012 / Teatro Teletón Por Rodrigo Bustamante Gentileza: www.necrosystem.cl Fotos: Sebastián Domínguez El evento bautizado como “Machetazo Fest”, estaba pactado para dar inicio a las 17:00 Hrs, pero eso no ocurrió jamás. Una falta de respeto fichar a ocho bandas nacionales a partir de la media tarde, para que de los originales 30 minutos asignados se rebajaran a sólo veinte, para que sólo les diera tiempo a y ocasión a utilizar solos sus ‘hits’.

Gente que puntualmente, y quizás de antes, se hizo presente al espacio exclusivo para la caridad, no pudo sino hasta recién dos horas y fracción de lo acordado en lo informado por la misma productora para el público general. Fanáticos que viajaron desde Copiapó -por solo citar un ejemplo- y por respeto a ellos y de los que de cuantos lugares más viajaron a ver a los chicanos y a los diferentes soportes del show, por mero respeto a ellos que este Fest tenia que cumplir su hora de pacto.

Porque a las 19:05 de la tarde, los liderados por el multifacético Comegato (Yajaira, Bicéfalo), Electrozombies, da el tardío vamos con un sonido que en casi toda su jornada bordeó los parámetros de un excelente sonido, al menos desde los diferentes puntos del Teletón. El notorio enojo de su frontman por el grosero atraso y la bajísima asistencia, no le hizo bajar en ningún momento su vocación e ímpetu de morir con las botas puestas. Se oye gutural en sus variados matices arrastrantes que concluyen solo dieciocho minutos después, así no se puede.

Tan solo siete minutos de separación del trio Sludge, Audiopsicótica y con poquísima gente, los chicos de túnicas previos a Ghost, al menos, prendieron con aires de nostalgia el primer mosh de la jornada a amplia gama su show que a base de un seven strings suena potente. Hora de termino 19:50.

Rajavana, el tercero de esta vigilia, realmente me sorprendió. Al ser la primera vez que los presenciaba en vivo, el quinteto posee una puesta en escena necesaria para complacer la sed de Rock de la creciente asistencia. Un vocalista que da todo por su publico y con un estilo muy particular cargado a los solos que sacan humo desde las capsulas, saca polvo desde el alfombrado suelo a base de pogos. Para que hablar de su bajista, que con su onomatopéyica imagen tappea a dedos desnudos con gran técnica y virtuosismo. Diecinueve minutos de adrenalina al tope.

Squad que restando solo diez minutos para las veintiuna horas, lanza sus veinticinco años de carrera en exacta media hora. ‘Cum a Agression’ con mensajes panfletarios y descargos irrisorios de su firma más que aplicar su cuarto de siglo musical continúan con ‘Genocide Down’. Lo peor de aquello no vino por parte de la banda sino de la producción que al dar una breve reseña histórica de ‘Inmigrantes Ilegales’ se le da un corte grosero dando termino violentamente a eso de las 21:20 con el bajo lanzado a la buena de Dios. ¿Y qué pasó con el resto de las bandas teloneras?. Bueno, DORSO publicó en su facebook el siguiente mensaje: "Lamentablemente ayer al igual que Torturer, Atomic Aggressor, Dorso y otras bandas, no tocaron con Brujeria, por lo chanta y pésima organización, para nosotros desde el momento que no se cumplen los términos pactados es Estafa! El organizador es un Rastafari Al Peo de nombre Cristian Gonzales, Brujeria sufrió robos y varios malos ratos, disculpas a los fans”.

Luego de eso, una larga espera sigue y en el aire se respira un a sensación de incertidumbre, suena de principio a fin el disco ‘Organic Hallucinosis’ de los reformulados Decapitated (2006) y como león en su jaula cientos de presentes recorren sin dirección alguna los espacios vacíos del Teatro.

La olla comienza a ebullir y la gente comienza a manifestarse. Las primeras manifestaciones ya con cuatro bandas abajo por parte de una producción anónima dan las ecuaciones de un panorama que hasta esa hora era desolador. Las primeras peleas y el lanzamientos de objetos al entarimado (desde palos hasta botellas de vidrio) el publico revienta las vallas papales laterales y se toma el escenario con la horda enardecida.

Se nos iba de desmadre el show. Un ambiente tenso y de cancelación rondaba a los que con fe seguían en pie mientras otros marchaban con una burla a cuestas por la hora de inicio de los mexicanos que aun no comenzaba. Efectivo policial in situ coloca orden, mientras que improvisadamente y de forma anónima un anunciador pide ‘calma’ ya que ‘en 15 minutos más, llegará la banda’ siendo píldora para evitar una babilonia del Rock made in Chile.

Finalmente a las 23:15 y con cuarenta y cinco minutos de retraso oficial, Brujería y su line up de envidiar se toma las reglas y las bota al tacho con el clásico ‘Raza Odiada (Pito Wilson)’. ‘El Desmadre’ que viene a dar nitidez a la voz de Juan Brujo sube volumen pero no aclara las estrofas de los encapuchados. ‘Cuiden A Los Niños’ deja la un vistoso circulo asesino para continuar con la formación militante al son de ‘Marcha De Odio’, llegando tarde la iconoclasta cabeza de Coco Loco ya que según el Pinche Peach ‘se quedo pegado en los rayos X’.

‘Cola De Ratas’ a tres voces con gesto del jale, prosiguen con ‘Cruza La Frontera’ y ‘Ángel De La Frontera’ (una de las nuevas de su catalogo). ‘Mecosario’ nuevamente con Pinche Peach, El Fantasma y Juan Brujo al paso de un baile bastante peculiar entregan sus convicciones con ‘No Acepte Imitaciones’. ‘Vayan Sin Miedo’, el intachable ‘Brujerizmo’ y ‘la Migra’ da en el gusto a los fieles seguidores de los de la frontera.

Otra gema ‘Anti-Castro’ con bailecito incluido salta a ‘Hechando Chingazos’ con las locuras esquizoides del bajito Peach. ‘División Del Norte’ y la esperada por muchos ‘La Ley Del Plomo’ y ‘Concejos Narcos’ son el preludio del final.

Ya con mucho cansancio en el cuerpo, El Pinche presenta a Hongo Jr. (Nick Baker, Cradle Of Filth, Dimmu Borgir, Lock Up), al ‘Vaquero de Inglaterra’ El Cínico (Jeff Walker, Carcass) donde improvisadamente Nick toca la intro de ‘Corporeal Jigsore Quandary’ dejando con el corazón en mano a varios fanáticos de Carcass. Sin embargo, el machete intimidador de Juan Brujo significa solo una cosa: ‘Matando Güeros’. Lo que pudo ser el punto positivo de esta maratónicamente absurda jornada de Metal fue el final de postal con ‘Marijuana’. Más de la mitad del reducto se subió al escenario y con un total respeto por la banda, cantan la versión enrarecida de ‘La Macarena’ a eso de las 00:20.

Finalmente y luego de horas y horas de espera, cancelacio nes, dil ucid acio nes de último minuto entre detalles que ya no valen recordar, me preguntan cual ha sido el show más mal organizado y bizarro a los que he presenciado, definitivamente y sin titubear es, sin lugar a dudas, Brujería en Chile 2012.

Opeth + Mar de Grises en Chile 28 de Marzo de 2012 / Teatro Caupolicán Gentileza: www.necrosystem.cl Foto: Sebastián Dominguez Lo demostrado ayer fue la confirmación definitiva de lo que hace muchos años atrás Mikael quería rectificar: Opeth es una banda de Metal progresivo, porque para lo demás tienen a Bloodbath. Prácticamente un sold out en las gradas del recinto clásico de San Diego, denotaba las ansias de un publico por ver, luego de tres años, al quinteto sueco con alabanzas pre show que hacían temblar las murallas del Caupolicán con una placa en promoción que fue tema de debate por las dicotomías entre sus antecesores muestras influenciadas por los guturales que en ‘Heritage’ no tuvieron tribuna, siendo caldo de cultivo para halagos y descartes.

Mar de Grises: Los reformulados Mar De Grises presentaban de manera masiva a su nueva voz, Germán Toledo, tomando el puesto del retirado Juan Escobar, quien además cumplía el rol de tecladista.

Lamentablemente el acceso a prensa sólo se dispuso para el show principal, por lo que sólo logramos –por suerte- escuchar un tema. Tampoco habrá fotografías. Sin embargo, al momento de ingresar tenían al publico con toda atención en la agrupación con la densidad lúgubre característica de estos pioneros en la escena, vocalizando de sobre manera los registros dejados por su antecesor frontman desde las entrañas con el cuerpo dejado en el escenario, que para sorpresa, la asistencia los acompaño con aplausos espontáneos. El repertorio fue: ‘Starmaker’, ‘The Bell And The Solar Gust’, ‘Sleep Just One Dawn’, ‘Recklessness’ y, finalmente, ‘To See Saturn Fall’ justo a las ocho y cuarto de la tarde. Al menos la elección en la difícil tarea de sustituir obligadamente a un frontman, se dilucidó con un buen final, en vez de evitar el receso. Vocación puesta a prueba.

Opeth: Retomando el tema, los replanteamientos de su líder por dejar de gritar un rato, provocando encuentro mediáticos, no solo en Chile, sino a nivel global del ‘qué época de Opeth es la mejor’, realmente ni se noto, ya que la impaciencia de este rencuentro se dejó sentir desde las 21:02 cuando en un black out empieza el alarido ensordecedor de la fanaticada por la figura tranquila del señor Åkerfeldt comenzando con el primer track del disco en cuestión, ‘The Devil's Orchard’ y la bien barroca en su comienzo, ‘I Feel The Dark’.

Primer corte e inmediatamente hace mención a su bajista más estable a la fecha, el uruguayo Martín Méndez, que no lo bajo de pelota en todo el show mencionando ‘sentirse bien por volver’ regalando, de pasada, la primera uñeta y que esta seria ‘una tarde con Opeth’.

‘Vamos con una canción old school…’ la elegida en esta ocasión ‘Face Of Melina’. Al relevo de las baquetas, entran las plumillas generando los matices característicos del extracto de hace trece años. Suena sublime y acogedor en una primera instancia al son de palmas al aire ya que dejando su atril, su frontman comienza a recorrer el entarimado al son del movimiento de melenas en la sección media de puro Rock. ‘¿How do you feel guys?’, pregunta su líder, mientras que la respuesta no se dejó estar… Con especial dedicación a DIO, ‘Slither’ sigue el hilo conductor de sus anteriores tracks; calma corrompida por secciones pesadas. Una de las mas improvisadas del set, lleva a la practica teclados en programación Mellotron tomando presencia y más garra que en su versión original. Adquiere carácter e improvisación con un salto en un final que su mismo protagonista toma broma de aquello; ‘intentaba hacer algo como David Lee Roth’.

Dos seguidas del Deliverance; ‘Windowpane’ y ‘To Rid The Disease’, poseen esa mezcla de sonar denso y afable a su vez, gracias a las melodías cortantes por uno que otro brillo punzante que, aparte de la música, la ambientación con el juego de luces se lleva otro punto a favor junto con el carisma del sueco gritando a un fan ‘i love you to…’

También recuerda que cuando llego a Chile bebió unos‘tragos muy locos, cervezas y pisco sour y si llegase a pasar cualquier cosa durante el show, es culpa de Méndez’ sueltan in situ las carcajadas por parte del publico siguiendo con un clásico ‘Burden’. Los teclados que te hacen trasladarte a los 70’ extasían por tal virtuosismo. Raya para la suma les hace compañía los coros guitarreados hechos por el respetable.

Prosiguen la dupleta del ‘Heritage’, ‘The Line In My Hand’ con cierta influencia flamenca al escuchar los primeros minutos y con el bajo de Méndez sonando ostentoso junto a ‘Folklore’. Inesperadamente se suelta por error la correa de la guitarra de Mikael justo en el lapso entre las secciones solitarias frente al mic. Al menos salvo jabonado.

Desde el track diez en adelante se puede decir que el apogeo de Opeth en esta ocasión tuvo ribetes que complacieron a todos. ‘The Grand Conjuration’ con esos demoniacos gritos que se echaron mucho de menos, siendo uno de los puntos mas altos de la jornada cayendo de frentón el arraigado ‘Ole, ole, ole oleee Opeth, Opeth’ sintiendo la banda el bálsamo al ego, pidiendo que ‘si lo pueden hacer de nuevo…’. espectacular.

‘The Drapery Falls’ voceada en las partes correspondientes con las mismas ganas que su proyecto paralelo más aplaudido por el mundo del Death Metal, marchan al más que predecible encore con ‘Deliverance’, la canción. Ovación para una postal, dando catedra en la batería cedida para la ocasión por Cote Fonce (Dracma, Lucybell) a Martin Axenrot que ni corto ni perezoso, Åkerfeldt lo inmortaliza con su cámara sumando 34 minutos en solo tres pasadas ¡Wow! Fueron casi dos horas de un show con altas expectativas, ni tan eufórico como en un comienzo, pero al menos, paso la prueba de la tan segunda parte. Se notó el cambio de público.

Auditivamente hablando, si te encontrabas desde la mitad hacia atrás, se hacia una conjunción total de la instrumentación como un todo, muy por el contrario e inclinándose hacia la reja, se saturaban los bombos y el bajo. No obstante, su líder no escatima recursos en audio, es sabido su faceta de productor y en su lenguaje no existe ‘casa de herrero…’.Las influencias demarcadas de su partner Steve Wilson se vieron a desazón en el entorno de su segunda presentación en vivo por estos lados, siendo un colaborador especial en su vida tanto en su banda madre, como además en su quehacer cotidiano. Se sabe que ya esta listo su contribución en Storm Of Corrosion, ahora a cambiar el switch auditivo de Opeth, la caja de pandora del Metal.

Sodom + After Life + Alavena en Chile 10 de Abril de 2012 / Teatro Caupolicán Gentileza: Necrosystem.cl Fotografía: Sebastián Domínguez ¡Olé, olé, olé, olé, Sodom, Sodom!

Recuerdo el otoño del ’97 cuando escuché un rumor de la posible venida de Sodom a Chile. No le di mayor importancia, en esa época sólo algunas bandas extranjeras habían venido; pero meses después se confirmó, y ahí estuvimos, viendo a las leyendas del thrash metal alemán, y aún recuerdo la emoción indescriptible cuando partieron con Masquerade in Blood, en el infame Gimnasio Nataniel. Pasaron más de 10 años para su segunda venida una noche de septiembre en La Cúpula con mucho mejor sonido, pero la misma intensidad si no más, justo al momento del triste deceso de Witch Hunter.

Y aquí estamos de nuevo, incluidos afortunadamente en el tour de su muy buen disco 2010 “In War and Pieces”, y reponiéndonos tras una increíble noche de potencia y energía, de sodomía y lujuria.

Pero antes de la llegada del excelso trío teutónico pudimos ver un par de actos de apertura de bandas nacionales, los jóvenes de AFTER LIFE y ALAVENA. Los primeros daban la impresión de estar en una tocata escolar, debido a su corta edad, no obstante, tenían la personalidad y el desplante de una banda algo más experimentada. Ciertamente les faltaba más ensayo y puesta en escena, pero sus falencias las suplían con un entusiasmo y euforia bien contagiosa, que llevó a más de algún presente a azotar cabezas, y hubo algunos humildes atisbos de mosh también. Su música tenía interesantes diálogos de solos afilados, coros, pero un estilo medio indefinido que no alcanzaba a cuajar. Estuvieron desde las 20:00 alas 20:20. Bien por ellos y la oportunidad que tuvieron.

Diez minutos después vino Alavena. Estos chicos tenían mucho más oficio, un mejor sonido y una interesante propuesta. Con 5 temas mostraron un gran abanico de recursos, como ritmos sincopados, muy buenos solos con harto tapping, hammer, y armónicos; una base rítmica de bajo y batería muy precisa y potente, melodías envolventes y excelentes atmósferas de teclado. El estilo era bien crossover, con momentos inspirados, explosiones de death metal apabullantes, y algunos arranques hardcore/punk. El cantante principal manejaba hartos matices vocales, con brutales guturales, pero necesita trabajar un poco más la voz limpia que a momentos se salía de los tonos. La música era relativamente seria para unas letras más bien punk, lo que no me cuadraba. Entusiasmaron al público e interesaron a más de alguien, seguramente.

Ya con la cancha a un 90-95% de su capacidad, a las 21:30, comienza nuestra cita con la leyenda de Gelsenkirchen, con Bernemann en primer lugar, luego Markus "Makka" Freiwald, quien remplazó a nuestro conocido Bobby Schottkowski, y por supuesto, el ídolo, Tom Angelripper, y la masacre comienza como su más reciente disco ”In War and Pieces”.

Como siempre con bandas de este calibre, la respuesta del público no se hizo esperar y estalló de inmediato, ni que decir tiene lo que sucedió cuando anunciaron ”Sodomy and Lust”. El sonido estaba a un volumen adecuado en general, relativamente nítido, pero la guitarra se distinguía poco, y lo solos no se apreciaban. Luego siguió ”M-16”, y aquí Bernemann tuvo problemas con su cable, lo que dejó parte del tema sin guitarras, pero luego de solucionar el drama, el sonido mejoró ostensiblemente, salvo una que otra saturación.

Ante las muestras de cariño del respetable y los ya famosos cánticos, Tom se regodeaba, y grababa aquellos momentos, buenos momentos. Seguido vino un momento álgido donde el moshpit que se produjo fue antológico con ”Outbreak of Evil”. Y así prosiguió el show, clásico tras clásico, ”Surfin´ Bird” (donde apareció la primera bengala) pegado con ”The Saw is the Law”. Mención aparte para ”Iron Fist” y la inclusión de la arcaica ”Proselytism Real”. Después, seguimos el recorrido por la generosa discografía de Sodom con el nuevo ”The Art of Killing Poetry”, y el combo de su etapa intermedia: ”Eat Me”, ”City of God”, ”Among the Weirdcong”, y ”The Vice of Killing”. Y en ese momento me percaté de algo muy desagradable y que yo creía erradicado: los escupos. Al principio fue a Bernemann, y traté de explicarme semejante conducta por alguna preferencia por Grave Violator, Frank Blackfire, Michael Hoffman, etc., (lo que no justificaría en ningún caso tal acto) pero sin embargo, luego vi que a Tom también le llegaban gargajos, y justo al momento de besar una bandera chilena. Por más que trato de entender simplemente no puedo, ¿cómo puedes ir a un recital de una leyenda como Sodom, y escupir a un héroe de la talla de Tom Angelripper? ¿Qué pasa por la mente de esas bestias (sin ofender a las mismas)?

Seguidamente, vino otro clásico del ”In the Sign of Evil: Blasphemer”, donde nuevamente pareció venirse abajo el Caupolicán. Después vino tremenda dupla con los inmortales ”Agent Orange” (con bengala incluida) y ”Ausgebombt”. En ”Napalm in the Morning” ocurrió algo que en 15 años de recitales no había visto; hubo una descoordinación durante el tema que hizo que tuvieran que parar. Supongo que son humanos también, pero después de tanta alegría se les podía perdonar un error. Y terminaron la primera parte del show a las 22:55 con la violenta ”Sodomized”.

No mucho después, y tras el cántico fuck the police por parte de la audiencia, aparecen nuevamente sobre el escenario el eterno Angelripper con la camiseta de Chile más sus socios, y a pedido del público y sin ensayo previo se despacharon ”Fuck the Police”, una completa sorpresa. Para terminar esta tercera visita tocaron las clásicas ”Remember the Fallen” y ”Bombenhagel”, tras un espeluznante acople de bajo.

Y así, con más temas que en ningún otro país de Sudamérica, se despiden estos colosos del thrash metal de Chile por tercera vez. Esperemos que Nuclear Winter” sí la toquen una cuarta vez, pero sin algunos animales en el público.

Machetazo: Lamb of God + Hatebreed + Lacuna Coil en Chile 04 de Abril de 2012 / Teatro Caupolicán Gentileza: www.necrosystem.cl Fotos: Sebastián Domínguez Puntual, como debe ser, se dio inicio a los que esperaban desde su anuncio hace uno meses atrás, el imperdible cartel del Sonic Metal Fest.

Lacuna Coil, Hatebreed y por último los amos y señores del New Wave Of American Heavy Metal, Lamb Of God. Unos con más carrete que otro en Chile, desfilaron sus catálogos correspondientes en la siempre vistosa planicie del Teatro Caupolicán, con un público respetuoso y sin desvirtuar a ninguno de los que aparece con fuentes grandes en los afiches, tuvieron la tolerancia y diversidad para apreciar a los referentes a nivel mundial de la movida metalera.

Lacuna Coil: Con un tercio de asistencia copando los palcos, peldaños y las diferentes entradas al recinto a excepción de los que realmente querían presenciar a Scabbia y compañía aleonados en las vallas papales, presenciaron un show redondo, con carisma y entrega que es rescatable, sobre todo por no ser un público tan favorable para los italianos.

Doce tracks cargado a los hits, fue lo utilizado como arma sonora tanto para los escucha habituales, como para los que con resignación querían quizás por mero morbo solo presenciar la escultural figura de la esposa de James Root de Slipknot. Sorpresas y encantos hubieron al por mayor; ‘I Won't Tell You’, ‘Upside Down’ o la imposible de tararear, ‘Swamped’, dio en acertar con pinzas las canciones para darles como caballito de batalla en un show que merece tribuna mediática, no por nada son actos de clausura en los festivales más importantes del primer mundo, aunque agachar el moño por una buena estrategia, es ser consientes de lo que pueden llegar a poseer en un futuro en lugares no tan populares fuera de Europa.

‘Heaven's A Lie’ prosigue con el fervor mas delirante entre los que llegaron temprano, mientras que bajo la angelical voz de Cristina, agradece a los fans presentes la versión italiana de ‘Senzafine’. ‘Esto es la prueba de que somos todos una gran familia’, palabras acogidas con un buen feedback convenciendo a los presentes con una excelente entrega quienes además le dedican por motivo de cumpleaños a su guitarrista Marco Biazzi la espectacular ‘Our Truth’ que a la cuenta de tres pide a todo el mundo que salte al son de su voz que no pierde tono en cada brinco.

El encore llego con uno de los singles de ‘Dark Adrenaline’, ‘Trip The Darkness’, y finalmente con la imprescindible ‘Spellbound’ concluyendo un show que pasa los estándares básicos con iniciativa propia de por medio, cumpliendo las expectativas esperadas para una jornada de ‘nuevo’ Metal restando cerca de diez minutos para las veinte horas. Lacuna Coil, en esta ocasión, aprueba el examen.

Hatebreed: Es sabido de la potencia en los registros audiovisuales de Hatebreed, además de sus visitas tanto el 2005, como la de hace 3 años. Ahora, la situación podría ejercer como única. No solo siendo constantes dentro de su estilo con letras y toda la actitud que llevan a cuestas, en resumen, lo vivido ayer en lo que cada vez se están haciendo más cortas las visitas del quinteto de Connecticut, es el lazo irrompible de los liderados por Jasta y compañía con nuestro país. Aquí se entremezclan todas las tendencias, el rockero casual, el metalero purista y el Xcore por excelencia, en una comunión como pocas veces visto y eso se le vio en el brillo que reflejaban los ojos de su frontman en cada alentada salida desde su forjada garganta.

Casi una veintena de temas que desde que puso el pie al acelerador, no bajo de revoluciones en menos de una hora de show de pura esencia CBGB's como tal. Si ver en llamas el pogo con ‘Straight To Your Face’ recordando la escena junto a sus coterráneos de género, Madball o Agnostic Front, como su mismo líder lo comenta, daba las riendas a una imparable performance.

Con los puños en alto, Jamey vomita ‘Last Breath’ de su clásico ‘Satisfaction Is The Death Of Desire’ (1997). Simplemente para dejar el cuello en las gradas. Sin embargo, la sorpresa de la tarde fue el acompañamiento de Randy Blythe en conjunto al maestro de ceremonias cantando a dúo una de las mejores versiones que he podido ver de ‘Doomsayer’. Postal inolvidable de aquí a muchos años más. Siguen ‘Never Let It Die’ con la clásica orden ‘When i say 'never leit it die', you say '¡¡¡NEVER!!!'’, locura adjunta en cada grito al unisón. Hermoso.

A continuación desde el ‘Rise Of Brutality’, ‘This Is Now’. Adelantamos el set list hacia una de sus mejores placas ‘Perseverance’, la canción. Que bandera de lucha de estos tipos, las letras con carga metalera y actitud que no tranzan por nada. ‘Defeatist’ con un mosh pit solo para valientes lo avivan con ‘To The Threshold’ o para perder las cuerdas vocales con la intro de ‘I Will Be Heard’ ya te dabas por pagado y Jamey Jasta también.

Pero no era todo, quedaba una en carpeta, con casa llena ‘Destroy Everything’ genera un epicentro sísmico en la calle San Diego con todo el ex Monumental saltando al son del bajo de Chris Beattie en cada compás dejando hasta desmayados y heridos en el body surfing a ceja abierta.

Finalmente me quedo con las palabras sabias de un hard fan de la agrupación: ‘Es la diferencia entre bandas de escuela metalera. Las bandas Hardcore siempre poseen más actitud y se entregan al cien porciento en el escenario... más cojones, menos virtuosismo!’ No es para menos… amigos, esto es Hatebreed en su máxima expresión. Reverencias de pie.

Lamb Of God: A la par del tanque de energía que solo lanzó hit tras hits bajo el nombre remachado de Hatebreed, Lamb Of God como cabeza de cartel ¿cumpliría con tamaña responsabilidad?, pues veamos…

El dimer comienza su bajada hacia la izquierda y dejando el telón promocional de su último álbum ‘Resolution’ (2012) como atracción visual, comienza en orden Chris Adler machacando con anticipación los paños, el mesiánico John Campbell, Mark y Willie en las guitarras para que un reformulado en apariencia Randy Blythe (¡con dreadlocks!) salga con su locura característica arrancando con ‘Desoltaion’ y ‘Ghost Walking’ de su más reciente placa. Suena fuertísimo, pero no con la misma nitidez que su anterior relevo.

Como es de costumbre su desquiciado vocalista se presenta como ‘We are Lamb Of God from Richmond motherfucking Virginia’ estallando el primer rugido de la agresiva gallada. Sobre la misma pregunta: ‘¿Recuerdan el show de la última vez?, pues yo no, porque estaba completamente borracho.’, con esto, previo a las risas de por medio, el ambiente para lo que se venia, ya estaba listo. El primer hit de la noche a eso de las 22:20, ‘Walk With Me In Hell’.

‘Set To Fail’ que mientras más la escuchas, más gusta y la intocable de ser omitida ‘Now You Got Something To Die For’ son el punto de encuentro para el tornado de cuerpos a contra reloj. En cuanto a Randy, deja el alma en el saltando desde el gabinete más alto del escenario agarrando buenos metros por sobre el baterista en el quiebre de la canción… este tipo vive en otro planeta. Siguen con un mosh destripador la apoteósica ‘Ruin’ del disco regalón de los headbangers, ‘As The Palaces Burn’ (2003). Acá es fijo que te llevas un recuerdo por tres días de bombeo cervical. Espectacular.

Un punto no menor fue el audio, sigue ese sonido sórdido en el micrófono de Randy, molestia que de apoco le infla la rabia contenida y, por desgracia, paso la cuenta en uno los mejores temas del repertorio ‘Hourglass’, hasta que llego el momento en que, en palabras simples, exploto. Lanza con furia, no una, sino dos veces sus mic al suelo y en un acto intrépido, toma vuelo y stage diving a la horda de fanáticos que querían un trozo del famélico frontman. Tesoro visual recordado solo por lo hecho por Corpsgrinder en el desaparecido Teatro Novedades el 2010. Increíble.

Ya arriba del escenario recita las ‘reglas de honor’ con la partida a ‘Omerta’ para pasar inmediatamente a ‘The Undertow’ de su último registro en promoción. ‘Contractor’ continua con buena acogida del álbum ‘Wrath’, dando mas leña al fuego con su comienzo ostentoso.

Luego invitan al señor Biazzi (Lacuna Coil) para cantarle en el día de su cumpleaños dedicandole ‘The Number Six’. Otra de las buenas de ‘Resolution’, el disco. Ya con un poco de descanso, Blythe pide un alza de middle fingers y a la cuenta de tres retoma el timón con el hit del estrellato, ‘Laid To Rest’. Como canta el rebaño de corderos pastoreado por este escuálido líder.

Ya con la gente pidiendo cada vez más, les continua ‘The Passing’ e ‘In Your Words’ las que dan comienzo a su última placa en vivo ‘Wrath Tour 2009-2010’ (2012) y las siempre prolíferas de ovación, ‘Redneck’, de su mas vendedor disco a al fecha, súmele un tercer guitarrista, el cumpleañero para, finalmente, interpretar el primer tema de toda su carrera, ‘Black Label’, agregando un detalle no menor el coro de ‘Heaven's a Lie’ en el final a eso de las 23:35. Maratónico.

Pues así, con toda esta parafernalia, de mosh, pogos, fosos, circle pits, body surfings, headbanging (y un improvisado wall of death) y cuanto concepto forjado durante la última época, vistos en los tres shows que sin peleas y aplicando cada vez más el sentido de la tolerancia y la diversidad, toma nota siete para los que apoyan este tipo de encuentros. Y si la cosa sigue como lo visto en la extensa jornada del 4 de Abril de este año, seremos privilegiados nuevamente con quizás que otro festival, acá todos se pasan el dato y Chile ya se esta ganando el podio que por años hemos peleado, el de ser al fin un referente internacional. Vamos por buen camino.

The Metal Fest en Chile / Internacional 28 de de Abril de 2012 / Movistar Arena Por Rodrigo Bustamante Gentileza: www.necrosystem.cl Fotos: Sebastián Domínguez La primera jornada tenía muchas preguntas que a medida de que iban pasando las horas, se fueron dilucidando poco a poco. El peso de sobre llevar en las espaldas de la producción en ser con todas las de la ley 'El primer festival cien por ciento Metal en el continente', generaba presión extra en las mentes detrás de este The Metal Fest en su primera edición (ojalá de muchas más).

Las cerca de diez horas de Metal en sus variadas corrientes (cargadas mas hacia el Thrash), verían ante los ojos de los que se atrevieron e invirtieron en la tarde del 28 de Abril, el como debe hacerse una maratón de bandas a tiempos de nulos desfases -en la media de lo posible- con un backline digno de envidiar en gran parte de las agrupaciones.

Obituary, de lo bueno poco: Como se dice popularmente, la producción se ‘aseguró el chancho’ y tiro de una toda la carne a la parrilla. Obituary, tenía la labor de lograr a las 15:00 hrs. copar el Movistar Arena a punta de clásicos forjados por el conjunto de Tampa. A dos quinto de capacidad (notable para ser la primera banda), fue la decisión correcta en que los Deathers colocaran la primera piedra al festival en un comprimido set list. Los primeros gritos y la maquina de moshs prende motores, da su primer signo de grandeza con ‘Turned Inside Out’. El apoyo considerable por parte de la no menospreciativa asistencia, se arrodillaba frente al clásico 'Threatening Skies' o, por consiguiente, 'By The Light’. Con la voz oscilante del melenudo John Tardy nos ordena gritándonos ‘move this fucking place’ con la dupleta de ‘Evil Ways’ y ‘Slow We Rot’. Finalmente lanzan las primeras baquetas y uñetas a granel para el souvenir histórico de algún suertudo. En pocas palabras: de lo bueno, poco.

U.D.O., Chile es tu casa, enano: La primera preocupación por la visual fue la del hombre tras ‘Russian Roulette’, ‘Metal Heart’ y la indudable de elogios ‘Balls To The Wall’, Udo Dirkschneider y su banda U.D.O.. Tras la disolución del Accept original en el 87’, continuó con su legado volviendo nuevamente a nuestro pais partiendo justo a la hora, con un sonido más bajo que su antecesor colega. El alemán da rienda suelta a su catalogo con ‘Rev-Raptor’. Con ‘Thunderball’, el enano ya tenia comiendo de su mano a los metaleros mas escépticos. ‘Leatherhead’ anima con la experiencia que lleva por más de 30 años a base de formulas teutónicas de hacer Metal que inspiran respeto con su aguardentosa voz que los años les hace quite. Digno de respetar.

‘Princess Of The Dawn’ prende con bencina las cervicales y las gargantas de los presentes, súmele aquello la primera bengala que hizo omisión a cualquier norma de seguridad. ‘Mean Machine’ y ‘Metal Heart’ logran la categoría de inolvidable dejándose querer con los coros y la interacción con la fanaticada. ¿Más que agregar?, pues claro. ‘Balls To The Wall’ y ‘Up The Limit’ cierran, a eso de las 16:50, la impecable actuación. Udo, recuerda que Chile también es tu casa.

Fear Factory, a la maquina le falta aceite: Personalmente, mi carta favorita. Luego de dos históricas presentaciones, la tercera debía ser mucho mejor. Por ser parte del line up de peso en este primer fest.

Sin embargo, no era para estresarse, carrete poseen y canciones también, pero hasta ahora no me explico la patética presentación de los liderados por C. Bell y Cazares. Será el cambio de Hoglan por el anónimo Mike Heller en plena marcha blanca, o la gastada voz de Burton, pero lo que si estamos de acuerdo fue el mal set list escogido. Esfuerzo sobre humano por sacar voz, su frontman hace su saludos de cortesía: ‘Como están mis hermanos y hermanas’ que luego de dos temas faltos de astucia, apagaron los ánimos de las dos actuaciones anteriores. Recae el mejor tema de la tarde por parte de la maquina del miedo,‘Edgecrusher’. De inmediato, ‘Powershifter’, excesivo de ganancia en las percusiones, amagan los brillos del monstruoso drum kit.

‘Demanofacture’ (la canción) y el clásico industrial de ‘Self-Bias Resistor’, soslayan en parte la irregular presentación, concluyendo con ‘Replica’. Si es por el hecho de solo cumplir, mejor dar el paso al lado.

Varios defraudados y pocos tracks de la retina auditiva, quedaron ahí guardados en el iPod, la gracia era sentirlo en vivo y a todo volumen. A esta maquina, definitivamente, le falta aceite.

Volbeat, que buena sorpresa: Con cuatro álbumes a su haber, los de Copenhague, eran la apuesta arriesgada por parte de la organización en completar el expectante cartel. La asistencia pasaba la prueba frente a la expectación. De todas formas, el cansancio y el toque de break para seguir con la fiesta, también jugó en contra para llenar espacios del recinto. ‘A Warrior Calls’ intenta convencer a los duros de tímpano, mientras que los hard fans se aleonaban en las vallas y disfrutaban a destajo.

‘I want to thank you for the great time. Well, ¿you like Johnny Cash?’ que con un rotundo ¡SÍ! retumba las paredes del Arena con la excelente versión de ‘Sad Man's Tongue’ y por un tubo ‘Hallellujah Goat’, ‘Mr & Mrs Ness’ y ‘Who They Are’ más un mix de temas que pasaba clásicos de Motorhead, Napalm Death y

Slayer, digno para el caso. Sin duda el Rock & Roll con diferentes especias y el increíble ángel de Michael Paulsen logran con este show la medalla al merito y de paso cientos de fans que se fueron comentando este inclasificable Rock.

Testament, ¡¡¡INTO THE PIT!!!: Ufff!, Testament compadre. Si de algo hay que temer en la vida es un mosh de los del Bay Area. Esta claro que ya son profetas en nuestro país a base de pits, pogos, headbangings, body surfing y una euforia pocas veces visto, hace a los liderados por Eric Peterson (guitarra), por el momento, la mejor carta frente a este The Metal Fest 2012.

‘The Preacher’ es la ideal con una preocupación e importancia especial por el entorno adornando con un infartarte telón tanto en las espaldas del ‘The Atomic Clock’ como en las paredes de amplificadores. Extras de un show que quedara en la historia con el duo de ‘The New Order’ y ‘The Persecuted Won't Forget’.

Desde el ‘The Legacy’ (1987), ‘Over The Wall’, hace la partida a la fuerza centrifuga del tornado que se formaba en el centro de la inmensa cúpula. Desbordándose el mosh, duetos de guitarra abusando de la ganancia en los monitores, simplemente, (no hay oídos que no aguanten), hace a la vista panorámica desde el box fuera realmente impresionante.

Para que hablar de ‘Into The Pit’, oda al baile Thrash, deja marcando ocupado al mismísimo mastodonte de Chuck Billy felicitándonos con un ‘¡WOW! That's fucking pit, men’. Increible. Al gutural de ‘Make some noise!’ Chuck nos da un segundo aire con el doble empujón de ‘Alone In The Dark’ y ‘Electric Crown’ 150 decibeles sonando a todo cañón.

Junto a la tamaña composición de ‘More Than Meets The Eye’ cualquier banda vuelve a tocar, que pedazo de tema. Finalmente el triunvirato de elogios ‘D.N.R.’, ‘Three Days In Dakness’ y ‘Disciples Of The Watch’. Hace sacar solo una conclusión: Testamente sacó muchos cuerpos de ventaja. Sin embargo, veremos si gana la carrera.

Annihilator, gracias Canadá: Desde las tierras de Rush, los canadienses se presentan siendo el difícil sustituto de los Black metaleros a última hora. Con más tranquilidad y expectación, hacen su debut frente a un público atento y respetuoso, pero con no mucho jolgorio, frente al rebote obligado desde el patético Metal Open Air. 'King Of The Kill' y 'Ultra Motion', saca aplausos de cortesía, al menos, sonando más agradable, luego de escuchar la bomba acústica de los estadounidenses.

Luego de un breve descanso, una de las mejores de su set list, 'Welcome To Your Dead' dejará a más de algún fanático googlendo 'Annihilator' en la web.

Desde el 85' hasta la primera edición del Fest metalero, 'Phantasmagoria' hacen llegar las muestras de cariño por parte de un público que al fin siente el peso de tener a Annihilator por primera y exclusiva vez en uno de los mejores reductos del país. El conclave de como se hace un buen show, lo estampan de la mano con 'Allison Hell'. La obra prima, en perfecta alienación de cuerdas, entrega una de las tantas postales para la memoria vividas el prima día.

Inesperadamente llegan los primeros halagos, oyéndose de manera nítida en las dos murallas de amplificadores desde la tierra del norte. La cima en su show de menos a más, logra cautivar, pero nunca suplantar la figura de Venom como cabeza de cartel. Para el caso no hay que ser tan regodeones. Se les dio la oportunidad y respondieron a la altura de su trayectoria sin bajar el peak de sus mejores creaciones.

Todas las fichas puestas en un número nunca antes probado, fijan a Annihilator como una visita obligada para una próxima vez con una producción qué se seca el sudor de la frente. Los aplausos son más que merecido.

Anthrax, virus de mosh: Siendo las 23:19, no hay espacio para respirar en cancha, ni butacas para sentirse. El quinteto liderato por el calvo Scott Ian, pisan por segunda vez comandados con el iconoclasta Joey Belladona. Parte del ‘Workship Music’ reafirman lo que Frank Bello describa como 'si no tocas en Chile, no conoces nada'. Palabras que en la práctica, toman real sentido. Ánimos quedan y el circle pit se traza de costa a costa, observado desde el box del ex Arena Santiago.

Clásico de frentón, ‘Caugh In The Mosh’, nítido y sin saturación hace exclamar a su frontman ‘Oh my god, you are fucking insane’, con bengala incluida también en ‘Antisocial’. ‘Indians’, inmortaliza una de las mejores escenas de shows vividos en el país con toda la cancha en un círculo que enlataría el ego de cualquier agrupación ‘Got The Time’ dedicadas a los caídos DIO y Dimebag, produce un nuevo momento histórico visual con el bailecito de Scott y el publico danzarín con el tema más influenciado por el Hardcore en el catálogo de los New Yorkinos.

Una nunca antes tocada,‘Deathrider’, es el afectuoso cariño a mano de la primera canción del primer álbum, como regalo por tamaños recuerdos que contarán a sus nietos. ‘Sé que ha sido un largo día. Sin embargo, aún están acá, por ello tocaremos una de mis favoritas…’, ‘Medusa’ hace escala Richter a dos voces desde las gargantas de Bello/Belladona.

‘Among The Living’, pasando por ‘Madhouse’ y sin decepción ‘Metal Thrashing Mad’ a raíz de la entrega de los chilenos, Scott nos dice: ‘Pensábamos que en Yakarta (Asia) era el número uno en hacer moshs, pero no, Chile es el número uno’. Finalmente con la intro rapeada de ‘I Am The Men’ Belladona pregunta cual sigue y pausada, pero energéticamente deletrea ‘I Am The Law’ terminando así a las 00:53 dictan los papiros de Ronnie James con ‘Long Live Rock And Roll’, el tipo sabe.

Epilogo positivo: La astucia del VTR dirigiendo las pantallas laterales captando detalles que solo los hombres del lente tallaron en las cintas, hace más dinámico la presencia de cada espectáculo Y, como detalle extra, el cambio de hora. Realmente, dentro de los colegas, nadie sabe realmente si lo tenían contemplado, pero de ser así se agradece enormemente tamaña estrategia, ya que al terminar el show nos dimos cuentas que salimos a la hora que comenzaba, en una primera instancia, la presentación de Anthrax ¿se entiende?, en fin. Así, con muchas anécdotas y momentos para la memoria colectiva, concluye la primera jornada con un balance positivo. Los cálculos generales en la segunda parte y final.

DIA 2 Ya listo y con la noción de saber como se nos venia la segunda patita de este The Metal Fest 2012 hecho en Chile, la mirada sería más critica y mas exigente, tanto en horarios, servicios, orden y ornato. La asistencia era más reducida, más joven y menos farandulizada. Se notó las cortesías por parte de la producción en invitar jet set para dar pelo al festival, al menos, en su primera jornada. Aun así, las bandas darían su presente a medida que pasaban las horas, ocurriendo muchas modificaciones y alargues innecesarios. Nada del otro mundo.

Caso aparte de los stands de mucho merchandasing que, insisto, se debió enviar un comunicado de prensa enviando los precios de los diferentes ítems a comercializar para no llegar con la sorpresa in situ, fueron dos casos que al menos no presencie (si me corrigen, se agradecería): Primero, el stand de tatuajes y, por ultimo, la tan vilipendiada ‘Miss The Metal Fest’, o algo parecido. Punto aparte de la info de bandas tanto en el interior como en su exterior, debía existir la labor de informar los casos extras del Festival y posiciones de las mismas en un mapa detallado full color por los proyectores y gigantografias. Pues así, se entrega dinamismo y mayor flujo. Ahora, vayamos a la música.

Forbidden, el fantasma del ‘334’: Existen shows con mal sonido y el de Forbidden. Por más que traté de evitar los petardos dentro de un tarro de leche Nido que vomitaban los monitores, no pude. Nunca se llegó a un equilibrio, saturado, chicharreado, con frecuencia y agudos que entraban cómo agujas directo a los tímpanos. Olvídense de la nitidez, agréguele los 30 minutos de atraso. Media hora era mal presagio para empezar.

A pesar de los asquerosos inconvenientes de los de San Francisco, entregan buenos ánimos en promoción de su bien aplaudido quinto elepé de estudio, ‘Omega Wave’ (2010). Caballitos de batalla como ‘Step By Step’ u ‘Off The Edge’, logran buena cantidad de gente en el último día de la maratón extrema.

Forbidden sigue bailando con la fea, el audio empeora y con ganas de colgar al que está detrás del mixer siguen las notas de ‘Through Eyes Of Glass’ y ‘Chalice Of Blood’. Muy por el contrario el mosh pit fue puro instinto más que por la claridad auditiva. Mal. Forbidden 406: Not Acceptable.

Destruction, como se los digo, ¿en inglés o alemán?: Al fin, se apiadaron con las perillas y se percibe ad hoc el tanque germano de este triunvirato que comanda Kreator (también fichados para esta jornada) y Sodom que nos visitó tan solo 19 días antes del Metal Fest. Claridad que llega a nuestros oídos con la majestuosa y dulce arranque de la motosierra con ‘The Butcher Strikes Back’. Madre santa como esos tipos se golpeaban en el público.

Experiencia pura en este enroque por logística de no atrasar más los horarios pactados. Siguen las clases de como debe oírse el Metal con ‘Hate Is My Fuel’ y ‘Satan’s Vengeance’. Las majaderías de rigor llegan con piropos como ‘Santiago is the best place to play’. ‘Thrash Till Death’ y ‘The Antichrist’ toma a los cerca de 6 mil almas y se las hecha al bolsillo denostando su sorpresa reiterándonos lo que por dos jornadas ha sido la tónica ‘I LIKE YOUR MOSH PITS’.

‘Nailed To The Cross’ (insértele el fucking), ‘Tears Of Blood’ entre otras, deja hiperventilado a Marcel "Schmier" Schirmer entregado solo cariño a la fanaticada gritando a los cuatro vientos ‘¡Destruction ama a Chileeee!’, pues ahí muchos pensaban que la cosa terminaba, pero no, siguieron por cerca de quince minutos más, extraño, pero en ese momento daba lo mismo (repercusiones hubieron después). ‘Bestial Invasion’, ‘Curse Of The Gods’ y ‘Invisible Force’ saciaron a los que por lista de importancia tenían al trio como show obligado, Exportación con años de guarda, se degustó con dosis extras de Pure fucking Thrash Metal. Aplausos de pie por favor.

Exodus, Shovel Headed Tour Machine vr. Chile: A las 18:42 fue la hora de la verdad. Un atraso considerable por los vuelos, no hizo que Exodus nos dejara con la cuenta en la mesa y hacernos ‘perro muerto’, sino que aporto imágenes que quedaran en la retina metalera por décadas. Si mal no recuerdan, hace unos años cuando Exodus junto a Kreator tocaron en el Espacio Broadway, la entrada en aquella ocasión, costaba unos pesos menos que todo este Fest por día. Entonces, la cita no era excusa por el tema de costo por ticket.

Faltar a tamaño evento era de replantarse.

Previamente en las pantallas salía que tocarían a la 01:00 am, ¡UNA LOCURA! Sin embargo, todo se despejó cuando se confirmo la presencia de Gary Holt y su pandilla de temer, cuando en los gabinetes suena ‘The Ballad Of Leonard And Charles’ pulsando el botón de la hecatombe en el Movistar Arena. Sigue ‘Pirahna’ y la espectacular ‘Blacklist’. ¡Wow!, era la expresión para aquello. Tratando de hacer uso de un buen español, Lee Altus nos anima con su versión de ‘Chi chi chi, chi chi chi… ¡viva Chile MIERDES!’ estallando las risas del publico que hasta ahora solo la pasaba bien. Haciendo un salto llegamos al himno del Metal de la década pasada, ‘War Is My Shepherd’ más la joya de ‘Bonded By Blood’.

‘Toxic Waltz’ moldea un pit descrito como el verdadero Triangulo de las Bermudas, pero en los minutos transcurridos eso no era nada. Haciendo justicia al sonido ‘Strike Of The Beast’ crea por fin el primer Wall of Death de la historia en conceptos metaleros en nuestro país. Exactamente calcado a lo visto en el impecable DVD, ‘Shovel Headed Tour Machine’ en versión Chile, dejó con quijada en el suelo a muchos escépticos de presenciar tal cariño por el Thrash. No gastemos más tinta virtual, Exodus, es de otro planeta.

Kyuss Lives!, que mal tributo: La vez pasada en el Stoner Fest, fue un cañón, ahora no valen nada. Sin el satánico Nick Oliveri en su plantel, olvídenlo. Kyuss Lives! fue el error de contratación a última hora (habiendo tanta opción de fichaje desde el Metal Open Air; Orphaned Land, Legion Of The Damned, Otep, etc.)

Desde Exodus a éxodo y medio, poca gente –no es para menos con la bomba atómica de energía liberada- gano algo de fama con una tripleta que para los que no lo conocían dejo con mano en la barbilla viendo a la nihilista presencia de John García con ‘One Inch Man’, ‘Gardenia’ y ‘Green Machine’.

Lo siento, pero no se puede seguir con una reseña si no existe improvisación escénica, mal sonido y un rostro que demanda solo aburrimiento, prefiero no pecar de mentiroso. Permiso, me retiro a adquirir algún snack…

Blind Guardian, la crema y nata de cómo hacer buenos temas: El punto aparte del festival eran los teutónicos de Blind Guardian, gozadores de una popularidad solo para entendidos y con parte de su comunidad presente con lienzos hechos a mano. Una carta interesante y más curiosidad que fanatismo, salen a escena con ‘Sacred World’. La entrega de pasajes medievales, llena de colores en sus notas y esquemas inquietos sin casarse con la monotonía de otros géneros. Derrochan Power Metal de la mejor elaboración.

Siguen las épicas narraciones medievales fluyendo decibeles pulcros, sin saturaciones ni frecuencias molestas. Al caso, el trazo de variopinto colores, solo para agradecidos ‘Nightfall’. De dulces melodías instrumentales mas la garganta trabajada de su iconoclasta frontman, Hansi Kürsch, reafirman sus credenciales con un feedback solo por agradecidos.

Siguiendo con la bandera en alto por la progresión musical, ‘Time Stand Still (And The Iron Hill)’, a base de toques célticos que a varios los convenció prestando sus sentidos en el sexteto, hasta ahora, no han escuchado nada.

‘Tanelorn (Into The Void)’ se concentra en dar a la nota simétrica y metódica sin perder la improvisación creativa, cosecha solo ovación.

El lingote de oro puro directo desde el 89’, ‘Valhalla’, con su solo final y el cañón detrás de las baquetas, más los aplausos coreados sincronizadamente al son de ‘Valhalla/Deliverance/¿Why've you ever forgotten me?’ emociona y sobrecoge esta dosis de buen Metal.

‘Imaginations From The Other Side’, ‘And The Story Ends…’, ‘Bard’s Song’ y, cerrando, la inoxidable oda medieval, ‘Mirror, Mirror’, da rienda suelta al primer y ultimo mosh dedicado a los ‘guardianes ciegos’ quedando estupefacto solo atinando a decir ‘Chile, sois los mejores’. Los juglares volvieron y con esto demuestran que ningún escenario les queda pequeño.

Kreator, que 20 años no es nada: Kreator ha sido pionero en muchos aspectos. Por citar alguno de ellos es ser la primera banda en tocar al lado Este del muro de Berlín en el 90’. Ser la primera banda de Metal en presentarse en Chile post dictadura , que con nula cultura de espectáculos, se arriesgaron a palos, botellas y hasta balazos de Carabineros aquel 11 de Abril del 92’, ahora aportan otro más: el ser parte del cartel y banda principal cerrando (entre comillas) la segunda y ultima jornada del The Metal Fest en su primer tiraje.

23:13. A esa hora al cansancio había que solo hacerle quite. Motivos para darse ánimos habían y muchos. Black out y los riffs de la cabeza principal del segundo Big Four (rótulos que ni les interesa) parten certero con la amigable ‘Violent Revolution’. En alusión del impactante telón de fondo con toda la ilustración, ‘Hordes Of Chaos (A Necrologue For The Elite)’ y ‘Warcurse’, una tras otra, son neo-clásicos que nuestros nietos también disfrutarán. ¿Quieren sumar más hitos?, Petrozza nos hace recordar uno: Solo días antes se conmemoran los 20 años de su primera presentación en el actual Estadio Víctor Jara ‘… y lo celebraremos como se debe. ¿Se acuerdan? Pues lo recuerdo con… ¡¡¡EXTREME AGGRESSIOOOOOON!!!’. Uff, sigue sin piedad con ‘Phobia’, para ordenar, a continuación, abrir el pit ‘from the back, at the front. To the left, at the right’ en ‘Enemy Of God’ y como si fuera un tornado, con categoría cinco circulan el pogo solo para valientes.

Otro hito para Kreator: Dedicar un video clip cien por ciento a Chile, con imágenes de sus shows, luego del fatídico 27/F en ‘Destroy Whats Destroys You’. Sin embargo lo que quedara en la memoria colectiva de los asistentes es el circle pit, más grande jamás presenciado. No es otra que con el trio de ‘Endless Pain’, ‘Pleasure To Kill’ y ‘Betrayer’ a toda, si, toda la cancha en la circulación a contra reloj. IMPACTANTE. Estrena single con ‘Phantom Antichrist’, excelentemente bien recibida y cantada por más de algún adelantado. Cierran las persianas con la dupla a punta de riffs con ‘The Flag Of Hate/Tormentor’. Kreator siempre apuesta por Chile y en ninguna ocasión se ha ido decepcionado, en los momentos mas históricos ha estado presente y la empatía es compartida. Kreator, Chile es tu segundo hogar.

Misfits, en presencia, no en esencia: Misfits posee oscilaciones bastantes disimiles; o lo odias o lo amas, pero ojo, la actual generación de Misfits, esa de ‘Static Age’, ‘Earth A.D.’, ‘Famous Monsters’ o ‘American Psycho’ que no se toque. Previamente dos shows en nuestro país con repercusiones posteriores, hacen de Misfits (actual) solo la presencia pero no la esencia de, por ejemplo, las épocas gloriosas con Glenn Danzig y más aun con Michael Graves.

Pese a que la gran actuación la llevaba en un cien por ciento Kreator, el esfuerzo de seguir con la banda tras la ambición de Jerry Only (u ‘Only Business’ como se le apoda), congregó a una asistencia que restaba, más que sumando espectadores. De todas formas, tenían fieles seguidores y gente con hambre de conocer a los Punks.

Casi todo el ‘The Devil’s Rain’ (2012) interpretado, más las canciones tradicionales inalterables de su set list como lo son ‘Scream’ (con increíbles fuerzas de flaqueza para el pogo), ‘Come In Hell’, ‘American Psycho’, ‘Thirsty And Miserable’ de los Black Flag, o ‘Die, Die My Darling’ fueron la punta del iceberg entre las dos decenas de pistas que se despacharon. La consigna era ‘o tocabas, o tocabas’ y adivinen… tocaron. Eso simplemente, ni frio ni calor restando diez minutos para las dos de la mañana.

Final aceptable: Lo que podríamos denostar como negativo, fueron los pocos stands de comida con larguísimas colas a precios ABC 1. El evitar rencillas producidas por el efecto del alcohol fue solucionado con la venta de cerveza SIN ALCOHOL a un costo inverosímil, que en la práctica, solo seria mermas de perdida. Finalmente y lo más negativo sucedido en ambos días, fue el tope de horarios entre las bandas nacionales con las principales.

Perjuicio que se vio reflejado en la bajísima presencia de público en real apoyo a nuestros compatriotas que más de algún país lo quisiera tener dentro de los destacados con fuente mayúscula en los plotters en promoción de algún show internacional.

Varias asperezas que limar, estrategias que replantear y lugares que escoger, hacen a este festival, en un amplio espectro, una carta de presentación indudable para el extranjero. Las agrupaciones ya están haciendo eco de aquello en sus redes social y de apoco el virus metalero germinado en Chile se está expandiendo por todo el globo. Así que atentos, porque la idea de un The Metal Fest 2013 ya es una realidad.

Para los Rockeros, ‘Maquinaria’, para los alternativos gustosos de sonidos nuevos ‘Lollapalooza’ y para nosotros ‘Metalero, chico bueno’, ‘The Metal Fest’. Felicitaciones, tenemos festival.

El Swedish Death Metal renace. Entrails a la cabeza. Desgraciadamente esta banda va 20 años tarde. O no, porque empezaron en 1990 pero no llegaron a editar nada. Ahora están a la cabeza del movimiento con su obra maestra “The tomb awaits” que para colmo ha mezclado y masterizado su majestad Dan Swanö.

De aquella génesis tan solo queda Jimmy Lundquist, nuestro interlocutor y por el camino quedan dos demos, “Reborn” y “Human decay”, un contrato con Nihilistic Holocaust y más recientemente con FDA Rekotz.

Actualmente están preparando su tercer disco y mientras confirman fecha en Party.San y Summer Breeze. Haced lo que os de la gana pero Entrails están destinados a convertirse en clásicos del género. Apoyad la escena y comprad discos y quizá en una de esas visitas a una tienda de discos descubráis a bandas como ésta, como me pasó a mí hace unas semanas. Ahora os los presentamos para que os revienten la cabeza.

POR MARC GUTIÉRREZ

EMPIRE MAGAZINE (EM): “The tomb awaits” fue elegido disco del mes en nuestra revista pero pese a todo me gustaría que empezaras presentando a tu banda para aquellos que aún no os conozcan...

JIMMY LUNDQVIST (JL): Es genial escuchar eso! Como no pretendo aburrir a tus lectores mejor te dejo el link de nuestro myspace donde todos podrán leer nuestra biografía y escuchar nuestra música, www.myspace.com/entrailsreborn EM: Creo que actualmente estáis en el estudio o al menos preparando nuevos temas ¿es así? ¿Puedes adelantarme algo de vuestro próximo trabajo?

JL: Well.. Aún no hemos empezado a grabar pero lo haremos pronto... Ahora mismo estamos metidos en el local de ensayo arreglando las nuevas canciones into top notch. El título del Nuevo disco aún no es oficial y las letras las estamos escribiendo justo ahora por lo que no puedo decirte gran cosa en estos momentos.

EM: Creo que para “The tomb awaits” solo utilizasteis viejos riffs que tenías compuestos de los años noventa... ¿qué contendrá el nuevo disco? ¿será material nuevo o serán también viejas ideas llevada a los tiempos que corren?

JL: Para “The tomb awaits” el 80% eran viejos riffs y para el siguiente trabajo también habrán viejos riffs pero menos... Quería tomar nuevas ideas y mezclarlas con las antiguas y creo que el resultado será bueno.

EM: ¿Como entrasteis en contacto con Dan Swanö para la producción de “The tomb awaits”?

JL: Conocí a Dan cuando tenía su estudio “Unisound” y estaba mezclando a otras bandas y le envié un mail preguntándole si quería hacer algunas mezclas para nosotros y desde entonces que nos está ayudando con la mezcla y masterización y te diré que, sin duda, es la persona adecuada para este trabajo...

EM: ¿Qué hay de la colaboración de Dan Swanö en “The tomb awaits” además de la producción del disco? Creo que vuestro sonido en este disco está influenciado por Edge of Sanity y quizá por el “Resurrection through carnage” y me pregunto si puede ser porque Dan estuvo ahí...

JL: Dan hizo algunas voces en una canción y solo mezcló / masterizó el disco, eso es todo! El resto es cosa nuestra.

No estoy del todo de acuerdo contigo... no buscábamos esa dirección sino nuestro sonido y que tuviera que ver con esas bandas que fueron una gran influencia para nosotros durante todos estos años. Solo queríamos que nuestro sonido de guitarras tuviera que ver con el de “Left hand path” y con un toque más moderno en las baterías...

EM: Vuestro logo y la portada de “The tomb awaits” es muy similar a la del disco “Left hand path” de Entombed ¿algún motivo en particular para ello?

JL: Yepp... Totalmente de acuerdo con las similitudes...

Pero usando la misma fuente que otras viejas bandas como Carnage, Nihilist, God Macabre, Bathory y Entombed... Para nosotros esa tipografía representa lo “antiguo”...

Desgraciadamente nuestras tres primeras tipografías eran como las de Entombed pero no era nuestra intención que fueran iguales ni similares ni la escogimos porque fueran una influencia para nosotros.

Sobre la portada... Queríamos un oscuro mar de tumbas / entrañas con una temática azul y fría y nuestro artista Daniel Devilish ha hecho un gran trabajo. No queríamos hacer algo similar a “Left hand path” pero parece que hay gente que lo ve parecido...

EM: Este verano estaréis tocando en los festivales Summer Breeze y Party San ¿hay posibilidades que giréis por Europa?

JL: Yeah. Será genial hacer esos show por Europa.... Espero que la audiencia aprecie nuestra música. Sobre una posible gira... No hay nada previsto para 2012. Tal vez, si las cosas van bien, sea para 2013.

EM: “The tomb awaits” lo editasteis con un sello underground como FDA Rekotz pero creo que tenéis calidad para aspirar a algo más grande ¿así lo creéis vosotros también o preferís estar en un sello pequeño?

JL: Nuestro acuerdo con ellos era solo por un disco por lo que ahora estamos sin contrato por lo que estamos estudiando varias opciones de sellos que se han interesado en nosotros... Aún es muy pronto para saber y para explicar por qué sello firmaremos.

EM: ¿Puedes imaginar como hubiera sido tu carrera musical si hubieras editado tus discos hace 15 o 20 años?

JL: Hmm.. Es grande y respetada versiones de las bandas nos toca vivir... Espero

imposible saberlo pero creo que seríamos una banda más y la gente no nos vería como un clon o una banda de suecas de los noventa... Pero eso es algo con lo que que aquellos que lo piensan crezcan y tiren su pañal..

EM: ¿Crees que el Swedish Death Metal está renaciendo? ¿Que jóvenes bandas, en tu opinion, están manteniendo viva la llama?

JL: Well.. Hay un cierto renacer del género con buenas bandas pero no tan buenas como las de los viejos días. Son bandas que lo hacen pero son más técnicas y sin la pasión de los riffs simples y de hacer buenas canciones con esos parámetros. Algunas bandas tocan old school muy bien como Morbus Chron y Blood Mortized.

EM: ¿Qué puedes explicarme de la escena metálica en vuestra ciudad, Växjö? Creo que inclu so tenéis un festival llamado Växjö MetalFest y algunas bandas conocidas como Bullet, Antichrist o Jigsore Terror...

JL: Creo que la escena está creciendo y hay buenas bandas que vienen de nuestra ciu dad, Carnage tenían el 75% de sus miembros de aquí cuando empezaron, Furbowl hicieron buenas cosas en los noventa y hoy, The maniacs Birdflesh (dos de ellos tocan en Entrails) que aún están creciendo... Witchgrave también son una Buena banda, Bu llet y Antichrist lo están hacenda bien... Jigsore Terror no están en active ahora y su bacteria toca con nosotros.

El festival al que te refieres se llama ahora Musclerock. La gente aquí tiene una enorme pasión por el True Metal antiguo.

EM: ¿Has leído el libro de Daniel Ekeroth “Swedish Death Metal”? Si es así ¿qué opinión te merece?

JL: No, no he tenido la oportunidad de hacerlo pero espero hacerlo pronto, cuan do caiga en mis manos.

EM: ¿Quieres añadir algo más?

JL: Seguid apoyándonos y hacedlo también con otras bandas comprando nuestra música y nuestro merchandising. Espero que nos veamos pronto en algún sitio.

ENTRAILS SON:

DISCOGRAFÍA:

JOAKIM VENSSON – Voz y bajo BLOODSPILL– Guitarra ADDE MITROULIS– Batería MATHIAS NILSSON– Guitarra

REBORN—Demo—2009 HUMAN DECAY—Demo—2009 TALES FROM THE MORGUE—Cd—2010 THE TOMB AWAITS—Cd—2011

LOS MEJORES DISCOS DE LA HISTORIA DEL SWEDISH DEATH METAL POR JIMMY LUNDQUIST

DISMEMBER ENTOMBED LIKE AND EVER FLOWING STREAM LEFT HAN PATH

ENTOMBED CLANDESTINE

CEMETARY AN EVIL SHADE OF GREY

GRAVE INTO THE GRAVE

Desde que empezamos esta aventura llamada Empire nunca tuvimos más pretensiones que disfrutar haciéndola y escribir de las bandas que nos gustan. Los que nos seguís sabéis que no tenemos por costumbre incluir a bandas grandes, por inaccesibles, porque muchas veces no nos interesan ni para reseñar un cd, y porque no suelen tener nada que decir.

Sin embargo, el pasado 24 de Febrero, tuvimos la oportunidad de entrevistar a Jordan Rudess, extraordinario teclista y multi-instrumentista de Dream Theater, antes de su actuación en la sala Sant Jordi Club de Barcelona en una de las más agradables charlas que hemos podido tener. A fecha de hoy Dream Theater es la banda más grande que ha pasado por Empire y eso es algo que nos enorgullece.

Sin más dilación os dejamos con Jordan Rudess...

POR DARKANA KAT

EM: Hola Jordan. En primer lugar decirte que es un placer para nosotros poder realizar esta entrevista contigo. Para empezar, nos gustaría saber qué edad tenías cuándo empezaste a tocar.

JR: Empecé a tocar cuando tenía 7 años.

Estaba estudiando 2º grado y desde entonces nunca he parado de tocar.

EM: A esa edad, ¿te imaginabas que llegarías a tocar en una famosa banda de Rock?

JR: No, no, no. De pequeño quería dedicarme a ser un pia nista de música clásica. Cuando tenía alrededor de 17 o 18 años empecé a escuchar música Rock y fue entonces cuan do todo cambió. Siempre he improvisado pero he sido un estudiante serio de música clásica.

EM: ¿Y te imaginaste alguna vez haciendo giras por todo el mundo y vendiendo millones de discos?

JR: No me lo imaginaba, era un niño y quería ser un pianista de música clásica. Todo el mundo pensaba que tendría éxito. Pero cuando escuché música Rock, decidí utilizar mis aptitudes como pianista y entonces redirigí mi carrera a aquello en lo que más me interesaba, como lo era la música progresiva.

EM: Adivino que debes estudiar y practicar mucho con tu instrumento para ser un teclista virtuoso y con tanto talento. ¿Cuántas horas dedicas a tocar al día?

JR: Cuando era más joven practicaba 4 o 5 horas al día cada día. Actualmente, entre estar con la familia y estar de gira, no me es posible ser tan constante. Pero siempre practico antes de un concierto. Hago ejercicios para que los dedos estén “en buena forma” y mi mente esté clara. No es tanto las horas de dedicación sino la constancia. Mi tiempo lo enfoco, sé exactamente lo que quiero hacer, tengo claro mis objetivos y en una hora puedo componer y practicar mucho.

EM: Además de tocar el teclado y el piano, ¿Tocas algún otro instrumento?

JR: Sí, toco un poco la guitarra, controladores e instrumentos de Ipad que desarrollo yo mismo.

EM: Es conocido de que existen algunas lesiones comunes entre los músicos, producidas por el hecho de tocar tantas horas, por la postura, etc. Durante todos estos años, ¿Has sufrido alguna lesión por este tema?

JR: No, he tenido alguna lesión por otras cosas pero no por tocar. Intento cuidarme. Tengo una muy buena educación pianística. Mi profesor siempre decía cosas interesantes de como usar mis dedos, mis brazos, de como estar relajado. Siempre tengo en cuenta estos aspectos y mantengo mis dedos fuertes, sin forzarlos mucho.

EM: En Septiembre del 2010, Mike Portnoy anunció que dejaba Dream Theater después de 25 años. Él ha sido por mucho tiempo el batería, coproductor y el portavoz no oficial de la banda. Mike Portnoy ha sido remplazado por Mike Mangini. ¿Qué ha representado este cambio a la banda?

JR: Estábamos muy tristes al ver que Mike Portnoy dejaba el grupo ya que era uno de los fundadores. Pero Mike Mangini se unió a la banda y ha sido una cosa muy buena para la organización, porque es muy buen chico, es un magnífico batería y a todo el mundo le gusta. Es increíble. El equipo de Dream theater es afortunado de haber encontrado un chico tan genial, positivo y con tanta energía a la hora de tocar. Toca la batería como nadie más. Estamos muy tristes porque Mike Portnoy se ha ido pero estoy seguro de que tendrá mucho éxito en cualquier cosa que haga.

Además, Dream theater ha sobrevivido muy bien. Hemos tenido un gran año haciendo este álbum, haciendo este fantástico tour y además tenemos una nominación a los premios Grammy. Así que todo el equipo estamos muy contentos.

EM: ¿Cómo es tocar en directo con el nuevo batería?

JR: Con Mike Mangini el set list es diferente y creo que es importante que lo sea. A partir de que Mike Portnoy se fue todo el mundo de nuestra organización (la banda y el equipo) pensamos seriamente en cambiar el set list. De todas las decisiones, queríamos encontrar una que funcionara, estabamos pensando en cambiarlo todo o hacer algo más consistente. Teníamos realmente un gran deseo de hacer un show en común con todos los miembros de la organiza ción: el chico del vídeo, el chico de la iluminación... Todas las decisiones nuevas se llevaron a cabo y la presentación marchaba. Casualmente estuvimos hablando de esto la otra noche y puedo decir que estamos contentos con el resultado. Ahora te estoy diciendo esto pero hay mucha gente que piensa: “Oh, es genial eso de tocar diferentes canciones cada noche y cambiar el set list”. Ok. El video es la parte positiva de esto pero lo más positivo de todo el equipo de Dream Theater es que ahora lo estamos haciendo mucho mejor, tenemos una gran producción y el público lo sabe.

EM: ¿Quizás ahora estás más relajado tocando en el escenario?

JR: Sí, más relajado. El nuevo batería es muy fuerte y estable, realmente es muy exigente, es como un gran edificio que está firme en el suelo. Así, la pulsación es constante, no se adelanta, no cambia el tempo de los temas.

De esta manera, como toca con el tempo adecuado, cuando toco las partes más difíciles de las canciones puedo estar tranquilo. Toco el teclado sabiendo que está tocando con el tempo adecuado y no más rápido. Entonces no me tengo que preocupar y puedo tocar de manera más relajada, puedo respirar, y puedo poner toda mi energía. Es algo muy interesante lo que está sucediendo en el grupo ahora.

EM: A pesar de esto, hay fans que no están contentos con el cambio de batería...

JR: Eso es porque ellos no han visto a Mike Mangini tocando. (risas) Aseguran que Dream Theater sin Mike Portnoy no es Dream Theater. ¿Qué le podrías decir a estos fans?

JR: Si dicen esto será porque ellos realmente no han escuchado o visto lo que se está haciendo ahora. Honestamente considero que Mike Portnoy es un excelente batería y muy carismático. Pero si ves a Mike Mangini tocar, si vienes a ver un concierto y escuchas su música, percibirás otras cosas porque verás a la banda que estamos muy felices tocando en el escenario, que nos sentimos fuertes... Absolutamente entiendo que haya gente que adore a Mike Portnoy y que les guste y eso está bien. Pero la gente no puede estar atada a una personalidad, es como son los negocios, somos una banda de rock. Sin embargo, en realidad es un hecho que Dream Theater está tocando música mejor que nunca y estamos muy felices, cosa que es difícil ignorar.

Hay gente que está contenta y otros que echan de menos a Portnoy, cosa que puedo entender ya que es muy carismático.

EM: Ahora estáis de gira presentando vuestro nuevo álbum llamado “A dramatic turn of events” (2011). ¿Cómo describirías el sonido de este álbum? ¿Crees que es más Heavy que los anteriores?

JR: No , creo que tiene elementos Heavies pero el sonido es más melódico, con más bonitas armonías. Más bien es una vuelta a la parte más Rock y al sonido más clásico del Rock progresivo. No tiene elementos Metal tan agresivos que hemos experimentado en anteriores álbumes. Es un poco Heavy, tiene partes fuertes, pero es más Rock y tiene el espíritu de otros cd's de Dream Theater.

EM: ¿Se trata de un álbum de transición o es un álbum que define la música de DREAM THEATER? JR: Definitivamente es un álbum de transición. Creo que lo que sucedió con este álbum es que nos dimos cuenta de que todas las miradas estaban puestas sobre nosotros: ¿Qué vamos a hacer ahora sin Mike Portnoy? Todo el mundo cree que todo lo que es Dream Theater gira entorno a Mike Portnoy y que él era el compositor principal, pero no es verdad. La gente se preguntaba: ¿Qué música van a escribir sin Mike Portnoy?. Pero la realidad es que los principales compositores no han cambiado, porque los que principalmente escribimos la música somos John Petrucci y yo. Y este álbum lo demuestra.

Cuando hicimos este álbum nos dimos cuenta de que no habían cambiado tanto las cosas. Esto no quiere decir que Mike Portnoy no estuviera involucrado, porque sí lo estaba, siendo el director, pero no sólo detrás de la batería sino decidiendo acordes, riffs, tomando decisiones, involucrado en la creación de melodías vocales…

EM: ¿Tenéis algunas composiciones nuevas para el próximo álbum?

JR: No, todavía no, ya que estamos de gira. A veces probamos algunos riffs cuando no hay nadie, pero no mucho. Preferimos ir al estudio y centrarnos en la composición. Es diferente.

EM: ¿Cómo ha sido el proceso de composición de este álbum? ¿Escribís las canciones juntos o por separado?

JR: Componemos la mayoría de canciones juntos en la misma habitación. Es

como un ir y venir entre John petrucci y yo. Por ejemplo, yo toco algo y John dice: “Oh, eso me hace pensar en esto...”. O John toca una linea en su guitarra y yo digo: “Oh, puedo poner estos acordes que quedarán bien”. Y entonces el batería y John Myung: “Chicos, chicos, tengo una idea, escuchad esto”. Y es genial. Entonces después de esto, van las líneas vocales y las letras.

EM: ¿Y escribes la música en una partitura?

JR: Sí, yo escribo mucho, soy realmente el único. Escribo en la notación musical estándar. Pero no escribo detalladamente, escribo realmente rápido. Le doy a John la idea y él se pone a tocar y en un momento saca una página entera “tururururu tururururururulá”. Y él lo memoriza todo, es alucinante (risas), tiene una gran memoria. Al día siguiente cuando viene y vamos a tocar dice: “Que es eso?” y yo tengo mi partitura (risas). Voy tocando pero voy mirando (risas). Son diferentes maneras de pensar. La música clásica va siempre con notación, es diferente en el rock y en el jazz . John Myung hace su propia notación, su propio estilo: escribe líneas, letras, hace su propia partitura, tiene su propia manera de aprender.

Básicamente, antes de escribir tenemos una idea pero también estamos abiertos a los cambios: “Oh, es genial, está bien”. Somos flexibles.

EM: ¿Crees que un músico debe saber teoría musical para ser un buen músico?

JR: No, realmente no. Creo que debe haber una gran conexión entre lo que él oye en su mente y lo que puede transmitir con sus manos o lo que puede llegar a hacer con un ordenador. Un músico puede ser también un músico electrónico sin saber tocar ningún instrumento de la manera tradicional. Un buen músico debe saber cómo expresar lo que tiene en la cabeza.

EM: Jordan, las letras de vuestro nuevo álbum hablan de cambios, ¿verdad?. ¿Lo habéis titulado así porque la banda se ha encontrado en un periodo de cambios?

JR: El título del álbum tiene un contenido más lírico. Todas las canciones hablan sobre algún tipo de cambio: cambio espiritual, cambio religioso...

Cada canción conlleva un tipo de transición. Puedes ver el título desde la perspectiva más simple y decir: “Oh, claro, como Dream Theater está experimentando cambios, por eso lo han llamado así”. Pero no es por esto. El título vino así... Este título funciona ya que las letras hablan sobre la transición.

EM: ¿Cuáles son los ingredientes para una buena canción de rock progresivo: Tempo rápido, muchos cambios rítmicos, canciones cuanto más largas mejor...?

JR: Para escribir un buen tema es muy interesante tener una base clásica aunque yo no pienso tanto en la forma de la canción, sino que me siento y compongo. La forma musical no es mi primera consideración, no pienso en su estructura: “Tendría que ser: estrofa-chorus-estrofa-chorus-puente...”. Me gusta escribir cosas que pueda desarrollar. Compongo la melodía y entonces cojo esa melodía y: “Ok, es bonita, funciona, vamos a ver cómo suena añadiendo elementos en mi mano izquierda, poniendo algunos acordes...”. Me gusta desarrollar ideas, darle vueltas, cambiarlas, como en un viaje. Creo que la música progresiva viene más de la perspectiva de la música clásica donde la música te lleva a una experiencia única, aunque es una manera muy diferente de pensar. Un tema con éxito de Rock progresivo debería incluir: armonías complejas, desarrollo, motivos que puedas escuchar en diferentes partes de la canción, giros, ritmos interesantes, etc.

EM: Las composiciones de Rock progresivo exploran amplias estructuras musicales que implican intrincadas partes instrumentales y texturas.

Además, los arreglos a menuda incorporan elementos de la música clásica y del Jazz. ¿Crees que se podría decir que el Rock progresivo es la “música culta” dentro de la música urbana? ¿Crees que el Rock progresivo es “apto para todos los públicos”?

JR: Creo que el Rock progresivo es alucinante. Dream Theater está haciendo una increíble carrera en este tipo de música. Mucha música es muy intensa y quizás sale un poco de lo habitual de lo que espera la gente. Pero si miras alrededor del mundo, ves a mucha gente que le gusta DREAM THEATER. Creo que sí, el Rock progresivo muchas veces puede ser muy difícil de absorber por el público y por eso quizás la audiencia es más especializada. Pero creo que en el caso de Dream Theater la gente dice: ¿Cuál es la diferencia entre Dream Theater y otras bandas de rock progresivo o metal? Dream theater no tiene miedo a hacer bonitas melodías, cosas realmente simples, realmente bonitas. John Petrucci, es un gran guitarra virtuoso, un guitar hero, pero a veces puede tocar las más bonitas lentas melodías y “Wow....eso te llega...te toca”. Creo que ésta es la diferencia de porqué llevamos tantos años en el mundillo.

EM: Normalmente todos los miembros en una banda de Heavy o de Rock son hombres. ¿Crees que las mujeres no tiene lugar como miembro de una banda de Rock?

JR: Adivino que a veces la música Heavy Rock es más para chicos pero hay chicas que les gusta el Rock también. Así que no hay una razón por la cuál no podrían tocar en una banda de Rock, si les gusta.

DREAM THEATER SON: JAMES LABRIE – Voz JOHN PETRUCCI– Guitarra JOHN MYUNG– Bajo MIKE MANGINI– Batería JORDAN RUDESS– Teclado

DISCOGRAFÍA (de estudio): WHEN DREAM AND DAY UNITE—Cd—1989 IMAGES AND WORDS– Cd—1992 AWAKE—Cd—1994 FALLING INTO INFINITY—Cd—1997 METROPOLIS PT. 2: SCENES FROM A MEMORY—Cd—1999 SIX DEGREES OF INNER TURBULENCE—Cd—2002 TRAIN OF THOUGHTS—Cd—2003 OCTAVARIUM—Cd—2005 SYSTEMATIC CHAOS—Cd—2007 BLACK CLOUDS & SILVER LININGS—Cd—2009 A DRAMATIC TURN OF EVENTS—Cd—2011

DRE AM THE ATE R + P ER IPH ERY 24/02/2012, SANT JORDI CLUB, BARCELONA PERIPHERY setlist: New Groove Letter Experiment Jetpacks Was Yes! Buttersnips Icarus Lives!

Racecar

Los encargados de dar inicio a una noche llena de técnica musical y cambios de tempo fueron Periphery, una de las bandas de metal progresivo más frescas de la escena actual y además, compañeros de sello de Dream Theater.

Esta banda americana de metal, que se formó en 2005 por Misha Mansoor (quien se ha convertido en un reconocido guitarrista), actualmente está formada por Misha “Bulb” Mansoor, Jake Bowen y Mark Holcomb a las guitarras, Halpern a la batería, y Spencer Sotelo a la voz.

Iniciaron su actuación con el tema “New Groove”, una breve pieza instrumental encargada de abrir su EP llamado Icarus. A excepción del tema que acabamos de mencionar, el resto de su actuación se centró en su álbum debut llamado “Periphery”, que salió al mercado en abril del 2010.

De su propuesta musical, cabe destacar la presencia de tres guitarristas en el escenario, que se iban turnando a la hora de tocar los solos, y también destacar a su peculiar cantante, capaz de cantar tanto registros agudos como también registros guturales.

Podemos decir que su repertorio fue breve, ya que tocaron tan sólo 6 temas, aunque normalmente fueron extensos, sobre todo la canción Racecar, tema que dura más de 15 minutos, que además incluyó un pequeño solo de batería y que dio final a su concierto.

A pesar de que su actuación no llegó a una hora, Periphery tuvieron suficiente tiempo para poner todas sus cartas sobre la mesa y demostrar todo lo que saben hacer. De esta manera, el público asistente pudo apreciar que se encontraba delante de una banda bastante original y con una notable calidad técnica por parte de sus componentes.

Decir que sus canciones están llenas de polirítmias, ritmos sincopados, estructuras devastadoras, diferentes texturas y sintetizadores, melodía, brutalidad y excentricidades técnicas.

En su concierto en Barcelona sonaron bastante contundentes y con fuerza, donde destacó la gran entrega por parte de los músicos, en especial, por parte de su cantante.

Hay que decir que se trató de una apuesta interesante y singular pero también un tanto arriesgada. El cantante con su amplio registro vocal, tonos más agudos y registro gutural, a veces parecía no encajar dentro del entramado musical, como si la línea vocal y la instrumental no fueran juntas en la misma dirección. Además, en ocasiones, sus extensos temas podían llegar a generar poco interés por parte del público, como fue en el caso de su última canción. Pero, a pesar de esto, podemos decir que se trató una buena actuación y que PERIPHERY se ganó el reconocimiento del público.

Después de la actuación de Periphery, llegaba el momento más esperado de la noche puesto que era la hora de ver a Dream Theater sobre el escenario. Se trataba de un concierto muy especial, ya que la banda presentaba nuevo disco y nueva formación. Se trataba del primer concierto que Dream Theater realizaba en Barcelona desde que, en 2010, Mike Portnoy abandonara la formación, después de 25 años juntos siendo el carismático y gran batería, co-productor y el portavoz no oficial de la banda. Así, como sucedió con su nuevo álbum “A dramatic turn of Events”, muchos de los asistentes se preguntaban: ¿Qué van a hacer ahora sin Mike Portnoy? ¿Cómo van a sonar los temas con el nuevo batería?.

De esta manera, todas las miradas estaban especialmente puestas en Mike Mangini, batería encargado de ocupar el lugar de Mike Portnoy y respetado músico de sesión que ha tocado con una gran variedad de músicos y bandas, incluyendo, entre otros, Annihilator, Extreme, James LaBrie, Steve Perry, Godsmack, Steven Tyler, Dale Bozzio, Skunk Baxter y Steve Vai. Si bien mucha gente pensaba que todo lo que era Dream Theater giraba entorno a Mike Portnoy, esa noche la banda, con su nuevo batería, se encargó de demostrar que eso no es del todo cierto. Mike Mangini, a pesar de no ser tan carismático como Portnoy, demostró que es un magnífico batería y que encaja perfectamente con el resto de la banda. Así, Dream Theater, con su nuevo álbum y su actuación demostraron que no han cambiado tanto las cosas.

Antes de que los músicos aparecieran, tres pantallas en forma de cubo colocadas en el escenario empezaron a proyectar imágenes donde los miembros del grupo, caracterizados cada uno por un divertido personaje de dibujos animados, protagonizaban una aventura, como ya habían hecho en un par de giras anteriores. Las imágenes iban acompañadas del tema “Dream Is Collapsing” de Hans Zimmer, como si de la banda sonora de una película se tratara. Se podía ver a los protagonistas subiendo a un avión simulando el inicio de su gira/concierto. Al aterrizar y seguir la indicación de una flecha para encontrar el escenario, Dream Theater iniciaba su espectacular actuación en el St. Jordi Club.

DREAM THEATER setlist: Bridges in the Sky 6:00 Build Me Up, Break Me Down Surrounded The Dark Eternal Night Drum Solo A Fortune in Lies Outcry Wait for Sleep Far from Heaven On the Backs of Angels War Inside My Head The Test that Stumped Them All The Spirit Carries On (Petrucci / Ruddess Solo Intro) Breaking All Illusions Bis: As I Am

El concierto empezó con el tema “Bridges in The Sky”, tema que fue acompañado también por imágenes en el que el personaje de la portada de su último disco se veía pedaleando con su monociclo por diferentes lugares.

Como bien anunció su frontman James Labrie el concierto iba a durar más de 2 horas, hecho que ocasionó una gran ovación por parte del público.

Como hemos dicho anteriormente, Dream Theater presentaba en Barcelona su último disco “A dramatic turn of Events”, un álbum de rock progresivo con toques heavies , pero con un sonido más melódico y menos agresivo que álbumes anteriores. Además de tocar temas de su nuevo álbum, hicieron también un repaso a su discografía, tocando temas de sus discos anteriores: “When Dream and Day Unite”, “Images and Words”, “Awake”, “Metropolis Pt. 2: Scenes from a Memory”, “Six Degrees of Inner Turbulence”, “Train of Thought” y “Systematic Chaos”.

Así, se dejaron en el tintero discos como “A Change of Seasons”, “Falling into Infinity”, “Black Clouds & Silver Linings” y “Octavarium”.

En cuanto al repertorio, tocaron, entre otros, temas como “6:00”, “Surrounded”, “A Fortune in Lies” que causaron una gran expectación. A pesar de que se trató de un gran concierto, quizás algunos asistentes echaron a faltar algunos temas clásicos de la banda, pero hay que decir que nunca llueve a gusto de todos.

Como es de costumbre, los músicos dieron lo mejor de sí mismos, como fue el caso de James Labrie, uno de les más reconocidos cantantes del Rock Progresivo. Si bien en los últimos años su voz en directo no es tan brillante como lo era en el pasado a la hora de cantar las notas más agudas (cosa totalmente comprensible, ya que los años no pasan en balde), en esta ocasión, LaBrie llegaba a los tonos agudos con naturalidad y sin esfuerzo, demostrando que su técnica vocal es excelente.

Es impresionante ver tocar a John Myung al bajo, John Petrucci a la guitarra y a Jordan Rudess a los teclados. Se trata de grandes instrumentistas, unos de los mejores, más influyentes y reconocidos músicos del mundo. Es sorprendente presenciar la perfecta actuación de virtuosismo de estos músicos, que tocan de manera increíble haciendo su actividad como si pareciera lo más sencillo del mundo, regalando a los asistentes momentos espectaculares y mágicos.

Momentos espectaculares como cuando Petrucci y Ruddess tocaban a dúo, como si de un duelo de músicos se tratara.

Dream Theater interpretaron 14 temas que fueron intercalados con solos por parte del batería, del guitarra y del teclista. En su actuación, hubo ocasión para pasajes mágicos capaz de transportarte al país de los sueños y hacerte volar. También hubo ocasión para momentos más cañeros y para otros más tranquilos, como lo fue en la interpretación de “Wait for Sleep”, seguida por “Far from heaven”.

Después del que iba a ser el último tema de su actuación “Breaking All Illusions”, hubo tiempo para un único bis. La proyección de las imágenes en las 3 pantallas de un tren saliendo de un túnel hasta llegar a un ojo sirvieron para introducir el que fue la última canción de la noche: As I Am. Sin duda, fue una gran noche. Dream Theater demostraron que están en plena forma, que son unos grandes músicos, que su último disco es un disco genial y que todavía tienen mucha música por ofrecer.

Texto y fotos por Darkana Kat http://www.flickr.com/photos/darkana666

POR XELL

Sin duda noviembre ha sido un gran mes plagado de conciertos, y uno de los más esperados era el de Opeth presentando su obra más polémica, Heritage. Unas horas antes de su show, Mikael Âkerfeldt, alma mater del grupo, se sentó con nosotros a respondernos unas preguntas.

EMPIRE MAGAZINE (EM): Antes de empezar con la entrevista que tenía planeada, me gustaría preguntarte sobre lo sucedido en el concierto de Madrid.

MIKAEL ÄKERFELDT (MA): Oh, dios. ¿Estuviste allí? ¡Fue horrible!

EM: No no, estaba en mis planes pero finalmente me quedé en Barcelona, eso sí, tengo varios amigos que fueron y bueno, me contaron el desastre. ¿Estabais al corriente de que la promotora había vendido más entradas de la cuenta?

MA: Sí, nos comentaron que habían vendido por error como unas 100 entradas de más. Luego salimos al escenario y todos nos quedamos como “Wow! Aquí hay mucha más gente” (NDR: Según personal de la Sala Penélope, se vendieron 358 entradas de más…). Fue realmente horrible ver a toda la gente apretujada, desde el escenario podías verles las caras. Además, había solo una salida de emergencia, realmente muy peligroso. Y lo sentimos mucho por nuestros fans, fue un mal concierto, yo estuve toda la actuación cabreado y pasándolo mal, apenas podíamos estar en el escenario. Y la PA… era una mierda. El sonido fue pésimo. Uno de los peores sitios donde hemos estado y no vamos a volver ahí jamás. Y sobre la promotora… no estoy muy seguro de que volvamos a trabajar con ellos.

EM: Gracias por responder, solo quería saber tu opinión sobre este asunto.

Hay muchas quejas y reclamaciones por parte de los fans, y estoy segura que saber cómo te sentías los tranquilizará.

MA: Nuevamente, lo siento mucho por ellos. No volverá a ocurrir.

EM: Bueno, dejando de lado ese mal trago, vamos a pasar a hablar sobre tu último disco, “Heritage”. Supongo qué sabrás que hay pocos fans que estén en un término medio, la mayoría lo odian y los otros lo aman. ¿Cómo estás viendo todas estas reacciones?

MA: Bueno, he estado mirando en internet y bueno, ahí es donde la mayoría de los que lo odian están. La gente que en cambio vienen a los conciertos y hablan conmigo, ellos están realmente contentos. Y cuando tocamos estas canciones en vivo vemos que reaccionan muy bien. Por supuesto, he visto que hay gente que claramente lo odian. ¿En qué posición te encuentras tú?

EM: Bueno, si debo ser honesta, no es que me encante el disco, pero de ahí a odiarlo… tampoco. Hay canciones que me gustan, y otras que me aburren un poco. Bueno, solo hay una canción que realmente no consigo entenderla y odie, Nepenthe.

MA: ¿Cómo es posible que puedas odiar ese tema?

EM: Oh, por favor, no me mires así. Lo siento, lo siento. Pero mira, por otro

lado me encanta Haxprocess. La encuentro una gran composición.

MA: Oh, esa es mi canción favorita del disco.

EM: ¿Puedes decirme qué hay detrás de ese tema?

MA: Bueno, hay una historia detrás de cada canción, pero ya sabes, es todo personal. Hablar sobre las letras es algo que no me gusta hacer a menudo.

EM: Hubo unas declaraciones que hiciste antes de que el álbum saliera, donde decías que estabas cansado del death metal desde los 90. ¿Cómo es posible entonces que estés en una banda como Bloodbath? ¿O como es que has sacado discos como Deliverance? Es decir, ¿por qué has realizado el cambio en Opeth ahora y no antes?

MA: Bueno, nunca hemos sido una banda de death metal propiamente dicho. Y no me refería a que estuviera cansado del death metal, me refería a que odio el nuevo death metal, no que no tenga nada que ver conmigo. Es más, el último gran disco de death metal fue “Domination” de Morbid Angel.

EM: Hablando de Morbid Angel… También he leído que te gusta su nuevo álbum y no acabo de creerme lo que dices (risas) MA: Bueno, me gustan las canciones más heavys, más que nada porque profeso un gran amor por David Vincent (risas) Pero no, no odio el death metal.

EM: Dijiste “cansado”…

MA: Bueno, simplemente he acabado con él. No tengo nada nuevo que aportar a ese género. Ya no es excitante para mí, ¿sabes? Todas las bandas que están saliendo ahora, honestamente, son la misma mierda. Y bueno, todos los discos que antes hemos hecho estaban influenciados por el death metal.

Pero nunca tuvimos un disco de death metal puro, ni un disco de puro rock progresivo. Siempre hemos sido una mezcla de estilos.

EM: Debo entender que es este el camino que vais a seguir ahora, ¿o podemos considerar “Heritage” como otro “Damnation” en vuestra discografía?

MA: No estoy seguro. El “Damnation” fue un experimento, fue algo que hacía tiempo que se me pasaba por la cabeza y sabía que podría gustar, además tuvimos la contrapartida en el “Deliverance” ya que es un disco bastante agresivo. Pero “Heritage” es realmente el nuevo comienzo, no es ningún experimento. No puedo decirme a mí mismo ahora “Esto ha sido un fracaso” (risas) Porque realmente me encanta este disco. Pero es difícil para mí decirte hacia dónde vamos a ir ahora. Hemos acabado de hacer este disco, estamos en medio de la promoción y de los tours… Cada nuevo disco es el último hasta que se realice el siguiente.

EM: Sobre el setlist que estáis tocando últimamente, además del material relacionado con Heritage, estáis tocando los temas más tranquilitos que tenéis en vuestra discografía. ¿Va a ser igual en los festivales? Porque, sinceramente, se me hace raros imaginaros, no sé, tocando este material en el Wacken.

MA: Precisamente hoy hemos sido confirmados para el Wacken (risas). No sé, digamos que me gusta ser un poco la oveja negra, ¿sabes? Da igual qué ambiente haya, yo quiero sobresalir de él (risas). Todas esas bandas de metal nos mirarán y dirán “¿Qué demonios hacen estos?” (risas) Pero bueno, seguramente para los festivales de este verano no vayamos a hacer las canciones más experimentales que tenemos, quizás vamos a ir más agresivos.

EM: ¿Entonces podemos esperar, no sé, “Demon of the Fall” o “Deliverance”?

MA: Oh no, hemos tocado “Deliverance” siempre, cada nuevo álbum que salía, nosotros tocábamos “Deliverance”. No me digas que es tu canción favorita, porque vale, es una gran canción, pero estoy cansado de ella.

EM: En realidad mi canción favorita es un poco fuera de lo normal. “Patterns in the Ivy II” MA: ¿En serio? (risas) Vaya sorpresa. Es un muy buen tema. Me alegro. Y como te he dicho, nos gusta salirnos de lo normal, y aunque quizás no hagamos un setlist como el de hoy, no vamos a tocar solo temas agresivos porque estamos tocando en un sitio llamado Wacken. No vamos a tocar todo nuestro repertorio heavy porque estamos en un sitio con bandas de heavy metal.

Adoro las reacciones de “¿Qué demonios es esto?” (risas) Y puede ser que les guste o no les guste, pero estoy seguro de que lo recordarán.

EM: Últimamente se suele decir que tu habilidad para hacer guturales ya no es lo que solía ser antes. ¿Esto te ha influenciado a la hora de hacer Heritage?

MA: Oh, no no no. Es simplemente algo que ha pasado. Aún puedo hacerlo, no soy tan bueno como antes, es verdad, pero todo eso es debido a una pequeña falta de técnica. Todo mi aprendizaje de cómo gritar, fue basándome en que no podía escuchar lo que realmente estaba haciendo. En el local de ensayo hay mucho ruido y es imposible oírme con claridad. Pero nada de esto ha afectado al cambio de estilo. Si dentro de un tiempo me apetece hacer algo más heavy y volver a cantar con guturales, es lo que voy a hacer.

EM: Me alegra escuchar esto. Sobre la portada, fue Travis Smith quién tuvo la idea o fuiste tú quién vino a Travis con todo eso del árbol, las cabezas de Opeth cayendo…

MA: Fue todo mi idea. Básicamente quería un árbol en medio muy bonito y luego algo que rompiera totalmente con lo que habíamos ido haciendo hasta ahora. El concepto es básicamente la banda, el pasado, presente y futuro. El

árbol en sí es la banda, las cabezas van cayendo hacía el infierno, que es nuestro pasado. En el cielo está nuestro presente, con una estrella por cada disco que hemos sacado. Y como habrás deducido hay una calavera por cada miembro que ya no está en el grupo. (risas) EM: Ahora que nombras el cambio de miembros, ¿qué puedes decirme de vuestro nuevo teclista?

MA: Bueno, a Joakim lo conocía desde hacía muchos años Fredrik. Y tras la marcha de Per, necesitábamos a alguien en los teclados y Fredrik me dijo que conocía a este chico. Así que fuimos a tomar una cerveza con él, me gustó, estuvimos hablando de música y tuve que hacerle un par de preguntas. “¿Cuál es tu sentido del ritmo? ¿Cuál es tu sentido del tempo?” “Oh, es perfecto” “Genial, guay” Así que le dije si podía tocar para nosotros, una prueba. De hecho su prueba fue la pieza de piano que tenemos para abrir el disco. Per ya la había grabado anteriormente, pero no acababa de convencerme, así que le pregunté si no le importaba volver a grabarla él, Joakin dijo que sí, y así fue su audición. Volver a grabar ese tema. Algo que es interesante, para ambas partes. Vamos, lo estábamos intimidando haciendo que grabara ese tema para nosotros (risas) Y eso que prácticamente no conocía ni su nombre. Pero ahí estaba, grabando para nosotros.

EM: ¿Cuál es la mayor diferencia entre él y Per Wiberg?

MA: La mayor diferencia es que Joakim es un verdadero teclista que ama tocar el teclado.

EM: ¿Estás queriendo decir qué Per no le gusta tocar el teclado?

MA: Bueno, para Per era lo que hacía siempre y en lo que más invertía su tiempo, tocar para su propia banda, y disfrutaba más con eso que tocando con nosotros. Él nunca mostró la pasión que está mostrando Joakim, es decir, él está loco por esos teclados (risas) Además es un gran cantante y nuestras voces conjuntan mucho mejor de lo que mi voz lo ha hecho con otra antes. Y hay muchas más diferencias. Per es un gran músico y fue una pieza muy importante en la historia de Opeth, pero también se desanima mucho y trajo mucha negatividad a la banda en los últimos años. Es algo que no necesitábamos y por eso ya no está con nosotros.

EM: Volviendo a tiempos más antiguos, hay algo que leí en el librito que te daban en la gira del XX Aniversario de Katatonia, creo que fue Blakkheim quién lo dijo, que antes de que Opeth sacara el Orchid, tú estabas con poca fe y estuviste pensando en formar para de Katatonia como miembro a tiempo completo.

MA: Eso no es del todo cierto.

EM: (risas) Vaya, pues juraría haber leído eso. De todas formas, puedes imaginarte, 20 años atrás, que realmente dejas Opeth y te unes a Katatonia?

MA: No, a ver, la cosa fue que en esos tiempos ellos necesitaban un segundo guitarrista, y siendo como éramos amigos y que salíamos siempre, les ayudé.

Por mi parte yo me encontraba en medio de la grabación del primer disco de Opeth, pero yo no tenía ningún contacto, ningún concierto planeado, nada.

En cambio Katatonia tenían algunos conciertos, alguna demo… y yo estaba muy ansioso por entrar dentro de la escena. Y es por eso pues que estuve tocando con ellos y luego hice un par de grabaciones cantando para ellos.

Pero jamás estuve pensando en renunciar Opeth, vamos, es mi propia creación.

EM: Bueno, dicen algo así como que habías perdido tu fe… Ahora mismo no recuerdo la frase exacta, y es posible que me esté confundiendo.

MA: No, jamás perdí la fe, debe haber habido un pequeño malentendido (risas). Pero nunca pierdo la fe en lo que estoy haciendo. Fueron tiempos difíciles, sí, porque incluso una vez grabado el disco, tardó año y medio en ser publicado. Fue grabado en marzo del 94 y no salió hasta el 95. Y yo estaba como “Joder, ¿qué demonios pasa? ¡Estoy listo para la dominación mundial! (risas) Así que sí, estuve encantando de trabajar con ellos pero nunca pensé en dejar mi trabajo para estar con ellos. (NDR: Al volver a casa lo primero que hice fue leer el librito y cito textualmente a Blakkheim: “Él me contó años después, que durante el tiempo que estuvo tocando con nosotros, el pensamiento de formar parte de Katatonia permanentemente había pasado por su cabeza, pero que su fe en lo que hacía era muy grande y que realmente quería conseguir sus metas. Él no se equivocó. Opeth llegó a convertirse en una de las mejores bandas suecas dentro del metal” Asi que, me equivocaba en la parte de la fe, pero sí que realmente estuvo pensándose lo de unirse a la banda.)

EM: Ahora que estamos hablando de tiempos pasados. ¿Hay algo que eches de menos de los principios de Opeth?

MA: Sí, por supuesto, fueron grandes tiempos. Había menos trabajo. Quiero decir, menos negocios, sabes. Estaba la inocencia de ser un adolescente y descubrir un mundo nuevo, vamos, descubrías algo cada día. Y realmente no tengo ningún mal recuerdo de esas épocas, a pesar de que no teníamos un nombre, no teníamos dinero, no teníamos nada. Así que solo podíamos ir a mejor. Y cada vez que conseguíamos algo, estábamos como “Oh, adoro esto, lo adoro”. Ahora ya tenemos una carrera formada, unas obligaciones y responsabilidades, y bueno, cuando estás arriba del todo realmente llegas a apreciar lo que tienes (risas).

EM: Leí hace un tiempo también, qué estabas planeando hacer un proyecto en solitario, pero que aún no habías decidido si lo ibas a guardar para ti como algo personal, o ibas a sacarlo a la luz.

MA: Bueno, fue algo que mencioné, pero realmente no tengo una idea específica sobre ello. Es algo que tampoco necesito porque ya lo hago prácticamente todo para Opeth.

EM: Bueno, como veo que ya nos estamos quedando sin tiempo, quiero preguntarte sobre Storm Corrosion, tu proyecto con Steven Wilson. He leído

que el álbum ya está hecho. ¿Cuándo va a salir? ¿Qué podemos esperar de él?

MA: Eh… creo que sale en Abril, no sé qué va a hacer la discográfica, realmente no estoy tratando con este asunto. Musicalmente, pues otra vez no tendrá nada que ver con lo que se ha hecho anteriormente en Opeth, ni Porcupine Tree, ni ninguno de nuestros trabajos. Me gusta creer que estamos hablando de un nuevo estilo, a pesar de que las influencias son las de siempre. Es bastante como una banda sonora para una película. Es algo precioso.

EM: Bueno, esta fue la última pregunta. Muchas gracias por tu tiempo. ¿Quieres añadir unas últimas palabras para tus fans?

MA: Sí, claro. Muchas gracias por el apoyo que le dais a Opeth, y por favor, seguida apoyándonos.

EM: Gracias de nuevo Mikael, espero que el concierto de hoy sea espectacular.

MA: Espero que me pueda quitar el mal trago que tuvimos en Madrid.

EM: Volviendo a tiempos más antiguos, hay algo que leí en el librito que te daban en la gira del XX Aniversario de Katatonia, creo que fue Blakkheim quién lo dijo, que antes de que Opeth sacara el Orchid, tú estabas con poca fe y estuviste pensando en formar para de Katatonia como miembro a tiempo completo.

MA: Eso no es del todo cierto.

EM: (risas) Vaya, pues juraría haber leído eso. De todas formas, puedes imaginarte, 20 años atrás, que realmente dejas Opeth y te unes a Katatonia?

MA: No, a ver, la cosa fue que en esos tiempos ellos necesitaban un segundo guitarrista, y siendo como éramos amigos y que salíamos siempre, les ayudé.

Por mi parte yo me encontraba en medio de la grabación del primer disco de Opeth, pero yo no tenía ningún contacto, ningún concierto planeado, nada.

En cambio Katatonia tenían algunos conciertos, alguna demo… y yo estaba muy ansioso por entrar dentro de la escena. Y es por eso pues que estuve tocando con ellos y luego hice un par de grabaciones cantando para ellos.

Pero jamás estuve pensando en renunciar Opeth, vamos, es mi propia creación.

EM: Bueno, dicen algo así como que habías perdido tu fe… Ahora mismo no recuerdo la frase exacta, y es posible que me esté confundiendo.

MA: No, jamás perdí la fe, debe haber habido un pequeño malentendido (risas). Pero nunca pierdo la fe en lo que estoy haciendo. Fueron tiempos difíciles, sí, porque incluso una vez grabado el disco, tardó año y medio en ser publicado. Fue grabado en marzo del 94 y no salió hasta el 95. Y yo estaba como “Joder, ¿qué demonios pasa? ¡Estoy listo para la dominación mundial! (risas) Así que sí, estuve encantando de trabajar con ellos pero nunca

pensé en dejar mi trabajo para estar con ellos. (NDR: Al volver a casa lo primero que hice fue leer el librito y cito textualmente a Blakkheim: “Él me contó años después, que durante el tiempo que estuvo tocando con nosotros, el pensamiento de formar parte de Katatonia permanentemente había pasado por su cabeza, pero que su fe en lo que hacía era muy grande y que realmente quería conseguir sus metas. Él no se equivocó. Opeth llegó a convertirse en una de las mejores bandas suecas dentro del metal” Asi que, me equivocaba en la parte de la fe, pero sí que realmente estuvo pensándose lo de unirse a la banda.)

EM: Ahora que estamos hablando de tiempos pasados. ¿Hay algo que eches de menos de los principios de Opeth?

MA: Sí, por supuesto, fueron grandes tiempos. Había menos trabajo. Quiero decir, menos negocios, sabes. Estaba la inocencia de ser un adolescente y descubrir un mundo nuevo, vamos, descubrías algo cada día. Y realmente no tengo ningún mal recuerdo de esas épocas, a pesar de que no teníamos un nombre, no teníamos dinero, no teníamos nada. Así que solo podíamos ir a mejor. Y cada vez que conseguíamos algo, estábamos como “Oh, adoro esto, lo adoro”. Ahora ya tenemos una carrera formada, unas obligaciones y responsabilidades, y bueno, cuando estás arriba del todo realmente llegas a apreciar lo que tienes (risas).

EM: Leí hace un tiempo también, qué estabas planeando hacer un proyecto en solitario, pero que aún no habías decidido si lo ibas a guardar para ti como algo personal, o ibas a sacarlo a la luz.

MA: Bueno, fue algo que mencioné, pero realmente no tengo una idea específica sobre ello. Es algo que tampoco necesito porque ya lo hago prácticamente todo para Opeth.

EM: Bueno, como veo que ya nos estamos quedando sin tiempo, quiero preguntarte sobre Storm Corrosion, tu proyecto con Steven Wilson. He leído que el álbum ya está hecho. ¿Cuándo va a salir? ¿Qué podemos esperar de él?

MA: Eh… creo que sale en Abril, no sé qué va a hacer la discográfica, realmente no estoy tratando con este asunto. Musicalmente, pues otra vez no tendrá nada que ver con lo que se ha hecho anteriormente en Opeth, ni Porcupine Tree, ni ninguno de nuestros trabajos. Me gusta creer que estamos hablando de un nuevo estilo, a pesar de que las influencias son las de siempre. Es bastante como una banda sonora para una película. Es algo precioso.

EM: Bueno, esta fue la última pregunta. Muchas gracias por tu tiempo. ¿Quieres añadir unas últimas palabras para tus fans?

MA: Sí, claro. Muchas gracias por el apoyo que le dais a Opeth, y por favor, seguida apoyándonos.

EM: Gracias de nuevo Mikael, espero que el concierto de hoy sea espectacular.

MA: Espero que me pueda quitar el mal trago que tuvimos en Madrid.

OPETH SON: MIKAEL AKERFELDT– Voz y guitarra FREDRIK AKESSON– Guitarra MARTIN MENDEZ– Bajo MARTIN AXENROT– Batería JOAKIM SVALBERG– Teclados JENUS Í TRODINI– Bajo DISCOGRAFÍA: ORCHID—Cd—1995 MORNINGRISE—Cd—1996 MY ARMS YOUR HEARSE—Cd—1998 STILL LIFE—Cd—1999 BLACKWATER PARK—Cd—2001 DELIVERANCE—Cd—2002 DAMNATION—Cd—2003 GHOST REVERIES—Cd—2005 WATERSHED—Cd—2008 THE ROUNDHOUSE TAPES—Cd—2008 IN LIVE CONCERT AT THE ROYAL ALBERT HALL—Cd—2010 HERITAGE—Cd—201

O P E T H + PA I N O F S A L V A T I O N 22/11/2011, SALA APOLO, BARCELONA

Opeth es un grupo que, si bien había visto millones de veces, era la primera vez que iba a verlos en una posición tan diferente. Y es que después de haber sacado un disco como Heritage, te puedes esperar cualquier cosa. Por una parte te alegras, porque cuando ves un grupo tantas veces, acabas viendo el mismo repertorio una y otra vez, y un poco de frescura y cambio, ayuda. Pero por otro lado, llegas a echar de menos esa agresividad que desprendían los suecos en todos sus conciertos. Otro añadido por el que hacía la velada tan interesante, eran el grupo que abría la noche. Nada más y nada menos que sus compatriotas, Pain of Salvation. Pese a que no soy nada fan de sus dos últimos trabajos (de indudable calidad, pero no es mi estilo), Daniel Gildenlow tiene una de las mejores voces de Europa y es un gran músico, por lo que verle en directo es todo un espectáculo digno de presenciar. Así que me importaba poco el setlist, sabía que no me iban a decepcionar.

Todos estábamos en conocimiento del desastre que había habido en Madrid, por lo que me apresuré a llegar bien pronto a la Apolo y no llevarme ninguna sorpresa. La sala abrió media hora antes de lo estipulado en la entrada… espero que nadie se perdiera parte del concierto por culpa de esto. Pain of Salvation no tardaron en salir a escena, mientras sonaba, a modo de intro, el tema de Road Salt, para luego empezar con “Softly She Cries” seguida del que es para mí uno de sus mejores temas, “Ashes”. Me parece sencillamente brillante con una letra brutal. Esta gira resultaba ser la última para el guitarrista Johan Hallgrem y el teclista Fredrik Hermansson, ya que ambos habían decidido abandonar el grupo ese año. Esto había resultado ser un duro golpe para Daniel, pero él hizo todo lo posible para que no fuéramos capaces de notarlo durante su actuación y yo me pasé todo el rato ensimismada mirándoles. No fue hasta “Diffidentia” del que es, nuevamente desde mi punto de vista, su gran obra, BE, que volví a despertar. Ese tema fue una gran sorpresa para mí, ya que no la habían ido tocando en las fechas anteriores y sin duda fue de los mejores temas de la noche. Me hubiese encantado que hubiera terminado con un “Used + The Perfect Element”, pero no fue posible y me tuve que “conformar” con “Linoleum + No Way”. Todo hay que decirlo, son los dos únicos temas que me gustan del Road Salt, así que menos da una piedra. Pero como bien había anticipado antes, qué tocaran daba igual, porque cuando se trata de ver a Pain of Salvation, lo que importa es cómo lo tocan, y en este aspecto, es imposible que nadie saliera contento con su espectáculo.

Llegaba el turno de los grandes de la noche y yo tenía mucho miedo preguntándome que me iba a encontrar en el escenario esta noche. Opeth es sin duda uno de los mejores grupos que hay actualmente en la escena, y personalmente uno de los que más aprecio le tengo. Nunca me habían decepcionado, nunca había habido un disco que no me gustara, ni siquiera cuando habían experimentado sacando el Damnation. Siempre los había admirado, siempre me habían dejado contenta, hasta el día que sacaron Heritage. He intentado varias veces comprender ese disco, pero no ha habido manera. Si bien reconozco que es un gran disco, se sale de los esquemas que suelen gustarme y aún así, considero que es muy pretencioso. Así que, me esperaba un concierto de presentación de algo que, ya de entrada, no acaba de gustarme. Y a eso debíamos sumarle, el resto del setlist elegido, algo acorde al repertorio del Heritage. Por lo que sí, tenía miedo de presenciar, por primera vez, un concierto de Opeth que no llegara a gustarme. Lo que me encontré fue algo totalmente distinto y tuve que tragarme mis palabras. Heritage no me convence en estudio, pero debo reconocer que en directo funciona y muy bien. Los suecos salieron a escena con el tema presentación de Heritage, “The Devil’s Orchard”. Canción pegadiza y movida, perfecta para abrir un concierto.

Con “I Feel the Dark” y “Face of Melinda” lograron crear un ambiente muy íntimo, donde en esta última pieza, llegué a ver como a alguno se le caía la lagrimilla. Ambiente que rompieron al tocar “Porcelain Heart”. ¿En qué demonios estaban pensando en hacer un solo de batería en el cuarto tema del concierto? No solo eso, en medio de la canción, cuando no iba ni venía. Tenía muchísimas ganas de ver este tema en directo, pues es mi favorito del Watershed, y hasta esta gira, no la habían tocado jamás. Pero la arruinaron completamente con el solo de batería de las narices. Totalmente innecesario. Tras este pequeño desastre, Akerfeldt haría uso de sus bromas pesadas, mofándose de alguien, solo que esta vez la víctima fui yo. Había cometido el error de comentarle previamente en la entrevista, que odiaba el tema Nepenthe, así que Mikael pensó que sería una bonita forma de introducir el tema comentando que había una chica que lo había entrevistado antes, que odiaba este tema, y que esperaba que alguien del público supiera apreciarlo. Pese a que, evidentemente, este fue el único tema en todo el concierto que no disfruté, tuvo muy buena acogida entre el público. Mikael lo siguió con un “Ahora voy a seguir con un tema que tampoco tiene muy buena acogida entre el público, pero esto es lo que hago yo cuando alguien me dice que lo que hago es una mierda, lo toco”. Y con “The Throat of Winter” empezaría la parte acústica del concierto. Seguidamente “Credence” y para finalizar “Closure”. Se me hace difícil expresar con palabras lo que fue presenciar esa pieza en directo, ya que fueron demasiadas las sensaciones e impresiones que tuve. Seguramente, uno de los temas más bonitos que tienen los suecos y aquella noche supieron interpretarlo con todo el sentimiento necesario, ya que mientras los guturales de Mikael habían decaído (véase como prueba el DVD de Bloodbath en el Bloodstock), su voz limpia estaba en su mejor momento. Proseguirían con su pequeño homenaje a Dio, “Slither” y con otro de los puntos fuertes del presente concierto, “A Fair Judgement”. No recuerdo en qué momento del concierto, Mendez se acercó al micro y soltó “Visca la terra i visca Catalunya”, y aunque no soy muy de nacionalismos, lo consideré un bonito detalle, pues Mendez es bastante tímido y no es muy de hablar encima de los escenarios. El concierto llegaría a su fin con “Hex Omega” y, tras una breve pausa, “Folklore”. Éste resultó ser una gran sorpresa para mí, pues en estudio es un tema del que he pasado bastante y no le encontraba su qué, pero en directo me pareció una brillante forma de terminar una actuación que, parafraseando al mismo Mikael, te podrá haber gustado o no, pero que sin duda recordaremos. Y yo no la recordaré por que hayan tocado aquello o lo otro, sino por la maestría y profesionalidad en que fue interpretada todas y cada una de las canciones de esa noche. Sin duda, una noche cargada de emotividad y por la que no se me caerán los anillos al decir, que yo también fui una de esas personas a las que se le cayó la lagrimilla en algún momento.

Texto: Xell Fotos: Darkana

POR XELL

Si hay un festival en toda Finlandia que sea capaz de movilizar gente de fuera del país, no es otro que el Tuska Open Air. La edición de 2011 se presentaba un tanto diferente a las anteriores, pues era la primera vez que se realizaba en Suvilahti, a unas pocas paradas de metro del centro de Helsinki. Esto había desconcertado bastante a los fineses, pues el festival solía realizarse en pleno centro de Helsinki, en el parque de Kaisaniemi. Los motivos parecían ser el ruido y que el parque se había quedado pequeño para lo que es el festival hoy en día, aunque la presente edición no ha sido la que más gente ha atraído. La anterior localización tenía la ventaja que fuera del recinto había un parque donde la gente se reunía y podías beber y charlar con amigos que no iban al festival. No obstante, la zona de Suvilahti dio la talla para el festival. Antes de empezar a relataros los tres días de conciertos sin parar que disfruté, me gustaría hablaros de las diferencias más notables que encontré entre el Tuska Open Air y el resto de festivales europeos. La primera, es la organización. Por ejemplo, mientras en festivales como Hellfest tienes que recoger tu acreditación esperando que una señorita encuentre tu nombre en una interminable lista impresa, en el festival finés solo necesitabas tres minutos: la señorita en cuestión tecleaba tu nombre en su ordenador, verificaba con tu dni que fueras la persona correcta y te daba tu pulsera –de tela, no de papel cutre que cada vez que te metes en la ducha temes por su integridad— y una cinta de la que cuelga tu acreditación. Otra diferencia más que destacable, es la zona VIP. Volviendo a comparar con el Hellfest –que no es ninguna sorpresa para nadie que tiene una organización bastante mediocre en cuanto a instalaciones—mientras que en Clisson la zona VIP es una especie de recinto ambulante, con una zona de relax con hamacas y un bus con acceso a internet, y unos lavabos más que lamentables, en Helsinki se trata de un edificio donde en la planta baja dispones de un restaurante con un menú más que apetecible, y unos lavabos de verdad. No sé cómo serían los lavabos del resto del festival, pero a mí me supo gloria disponer de un lavabo de verdad en un festival. Además, en el recinto había un supermercado donde podías comprar lo básico por si no te apetecía comer nada de los puestos ambulantes. Pero no todo fueron ventajas, y es que no podías beber tu cerveza mientras disfrutabas de un concierto. ¿La razón? Para comprar bebida –a excepción de la zona VIP—debías ir a unas zonas específicas donde para entrar debías enseñar tu DNI (y ser mayor de 21 años) y debías beber allí dentro, estaba prohibido sacar tu bebida. Otra desventaja es sin duda, el precio. El Tuska Open Air es un festival caro. El precio de la entrada son aproximadamente 120€ y el festival no dispone de zona de camping, por lo que implica reservar habitación en un hotel. Y por supuesto, el precio de las bebidas alcohólicas se disparaba bastante, 6€ la cerveza. Pese a todo esto, fue un gran festival, donde a diferencia de otros, se respiró durante los tres días mucho respeto y no hubo ningún incidente.

ARCH ENEMY

El festival estaba dividido en varias zonas. Habían dos escenarios al aire libre, que eran los grandes. Luego había una carpa mediana y por último un escenario dentro de una pequeña sala. El sonido de ésta última dejó bastante que desear, pero no llegó a ser un gran problema. Por otro lado teníamos dos áreas designadas para beber, una zona de lavabos junto a unas fuentes, varios puestos de comida –con poca variedad, todo sea dicho de paso—y la zona de merchadising oficial, además de los ya típicos metal markets. Y como añadido, la zona del meet and greet con unas azafatas que repartían de forma gratuita, mini latas de coca-cola zero.

Y ahora sí, al trapo.

VIERNES

AT THE GATES

MORBID ANGEL

El primer día del festival empezaban con las actuaciones de Black Breath y Omnium Gatherum.

Desafortunadamente, y debido a la resaca que me había dejado el concierto de Barren Earth la noche anterior, y que debíamos recoger nuestras acreditaciones, no pude ver dichas actuaciones. A la que sí llegamos a tiempo fue al concierto que daban Hell en el Inferno Stage. Con la carpa bastante llena, los ingleses del NWOBHM dieron uno de los mejores recitales de todo el festival, y lo dice una que no es una aficionada al género ni mucho menos. Con “On Earth as it is in Hell” conquistaron al público fines, y es que parece que la banda ha vuelto más enérgica que nunca. Prueba de ello es el vocalista David Bower, que provisto de un micrófono inalámbrico no dejó de moverse por todo el escenario.

Una actuación brillante de la cual nos perdimos el final para poder disfrutar de las últimas canciones de los italianos Bulldozer –otros que han vuelto con fuerza— que estaban tocando a la vez. Lo poco que pude ver de la actuación, no fue ni la mitad de grande de lo que sería, unos meses más tarde, en la pasada edición del Martohell –podéis encontrar la crónica en el número anterior de la revista--. No obstante, para el público finés fue una muy buena actuación, a destacar su puesta en escena, donde A.C Wild, el cantante, cantaba imponente encima de su atril manchado de sangre.

Los siguientes en mi lista eran Arch Enemy, de los qué, honestamente, pasé un poco. Ando bastante desconectada de Angela Gossow y los suyos, y tras la lamentable actuación que vi de ellos en el Hellfest 2010, no estaba muy predispuesta a ver su

actuación entera. Pese a ello, me quedé durante los 6 primeros temas, destacando la labor de Angela, pues es muy buen frontman, aunque su voz se haya resentido estos últimos años. Básicamente toda la atención recaía sobre ella y Michael Amott. Empezaron con temas de su último disco, el cual no he escuchado, y no fue hasta “Ravenous” que no reconocí algún tema. Con “Dead Eyes See No Future” volvieron a emocionarme, ya que siempre ha sido una de mis canciones favoritas. Lamentablemente tras este tema volvieron a tocar repertorio nuevo, así que decidí ir a refrescarme un poco –quién me iba a decir a mí que era tan caluroso y pegajoso el verano finlandés—y a tomar un par de cervezas.

A lo lejos llegué a escuchar el tintineo del principio de “We Will Rise”, que me hicieron arrepentirme un poquito de mi marcha y por eso volví a acercarme al escenario, justo a tiempo para presenciar también “Nemesis”. No creo que fuera ni su mejor actuación, ni una actuación a destacar del festival, pero me hizo quitarme esa espinita clavada de la primera vez que los vi.

El próximo caso sería justo al contrario. Si bien la primera vez que vi a Electric Wizard (Salamandra 1, l’Hospitalet de Llobregat) me dejaron encantada, la actuación del Tuska me dejó un poco fría. No sé si fue el hecho de verlos bajo un sol abrasador, que el ambiente del concierto era pésimo o que estaban tocando exactamente el mismo setlist que en Barcelona, salvo “Black Mass“, y debo decir que es un tema que me faltó muchísimo. Siempre es de agradecer que nos toquen algo del “Come my Fanatics”, ¿pero tiene que ser siempre “Return Trip”? Ah, y ya puede ser Liz toda una señora mujer a la guitarra, pero es más seca que la mojama. Bueno, todos son bastante secos, salvo Tas, el cual me parece un gran bajista. Toda una lección de maestría musical, una gran interpretación, pero les sigue faltando chispa en directo. Eso, y un buen cambio de repertorio. Tal vez debería haberme decantado por ver a Grave…

Menos mal que a continuación presenciaría una de las mejores actuaciones de los legendarios suecos At the Gates –y eso que no hacía ni dos meses que había dicho lo mismo sobre su actuación en el Neurotic Deathfest—así como una de sus actuaciones más largas. Ni más ni menos que 18 temas de puro death metal melódico –y no lo que se hace ahora…-- y empezando con la mítica “Slaughter of the Soul” tras “The flames of the End” a modo de intro (por mucho que me encante esta pieza, me gustaría que algún día utilizaran “Into the Dead Sky”). Si algo me gustó realmente de Tomas Lindberg, fue la energía que desprendió por todo el escenario, que llegó a contagiar al público, donde vislumbré los primeros circle pits del Tuska –bastante diferentes a los circle pits franceses--. Clásico tras clásico, repasando toda su discografía, “Under a Serpent Sun”, “Cold”, “The Swarm”, “Raped by the Light of Christ”, “Unto Others”, “Nausea”… Me gustó especialmente “Suicide Nation” dónde Anders y Martin lucieron sus guitarras (¿Jonas dejará algún día de ser la alegría de la huerta?). Dieron fin a un concierto de prácticamente una hora y media con dos de los temas más pedidos por el público, la brillante “Blinded by Fear”, poniéndote los pelos de punta nada más oír el “We are blind to the world within us, waiting to be born” y el broche de oro perfecto, “Kingdom Gone”. En definitiva, una gran actuación de uno de los grandes, y siento repetirme, pero me da igual el motivo económico que pueda haber tras sus reuniones, porque están dando al público lo que quieren: una actuación entregada y comprometida, con unos músicos que disfrutan como nadie encima del escenario.

Ya quisieran otros de los grandes seguir dando conciertos así después de tantos años. ¡Larga vida a At the Gates!

Tras la gran descarga sueca, me dispuse a dar un paseo entre dos actuaciones que no fueron para nada de mi agrado. Por un lado teníamos a Killing Joke y sin querer parecer poco respetuosa con la banda y abusar de mi sentido del humor nefasto, debo decir que son una maldita broma que pueden llegar a matarte del mal gusto. No obstante, parecía que el público finlandés estaba más que contento con ellos. Para gustos colores, y como no eran de mi agrado, fui hacia la carpa para prestarle un poco de atención a un grupo difícil de ver, Spiritual Beggars. ¿Mi opinión? Sobrevalorados. Me atrevo a decir que si no tuvieran a Amott entre sus filas, otro gallo cantaría. Eso sí, me alegró ver a Per Wiberg (ex-Opeth) en directo nuevamente. Presencié unos 10 minutos de actuación como mucho, así que tras ambos fallos decidí reposar un poco en la zona VIP y observar la fauna finesa. Ya solo restaba la última actuación del día, y no eran otros que los míticos Morbid Angel, eje central de una de las mayores polémicas que haya tenido un disco estos últimos años. Y no es para menos, pues “Illud Divinum Insanus” me parece el peor disco de 2011 y uno de los peores de los últimos 20 años (sin exagerar). Poco puedo decir de David Vincent y Trey, porque por muy buenos que sigan siendo en directo y muchos grandes temas que puedan tocar, a la primera nota de “I am Morbid” salí corriendo a por un litro de cerveza y decidí perderme en la fiesta montada en la zona vip antes que aguantar esos refritos. Y eso que empezaron bien con temas como “Immortal Rites”, “Fall from Grace”, “Maze of Torment” pero nada, fue escuchar “Existo Vulgore” y ya saber lo que iba a continuar. “I am morbid, so sorbid”, qué decir, horrible. Sé que me perdí una buena actuación y virtuosismo varios, pero hay cosas que una no puede (o no quiere) aguantar.

El primer día del Tuska finalizaba a eso de las diez de la noche --¡qué pronto!—pero los conciertos aún no habían terminado para mí, pues me

disponía a ver uno de los últimos tres conciertos del grupo Charon, que formaba parte de las Tuska’s Afterparties. Podéis encontrar la crónica en este mismo número de la revista.

SABADO Un nuevo día empezaba y otra nueva resaca que tocaba arrastrar. Y sí, volví a perderme un grupo que ansiaba ver, ni más ni menos que a Witchery. Me duele y mucho, pero solo llegué a tiempo de ver la última canción. Otra vez será, y espero que pronto, pues me pareció que tenían una actuación muy prometedora. Hasta que empezaron Moonsorrow, me dediqué a dar vueltas por el área del festival, aprovechando para comer en frente de la actuación de Epica. “Qué mona va esta chica siempre”, citando al personaje de Aquí no hay quien viva, Marisa. Siempre que veo actuar a estos chicos lo primero que se me pasa por la cabeza es que la voz de Mark está totalmente desaprovechada.

Poco más que decir de ellos. Uno de esos tantos grupos por el que perdí mi interés hace años. Una vez ya en el Inferno Stage, bastante lleno, pudimos ver a los locales Moonsorrow. Un buen directo, como siempre, con un público muy entregado. Presentaron temas de su último disco sin olvidar algún que otro clásico. Me faltó “Kyllan Paasa” y la archiconocida “Pakanahjula”, que por muy trillada que esté, es un gran tema para caldear el ambiente y es muy divertida.

Pero fue un concierto muy corto y más teniendo en cuenta la duración de las canciones de los finlandeses.

Lo que venía después, era lo mejor del día. La actuación de los suecos Katatonia, mi grupo favorito. Y estaba de suerte, pues estos dos últimos años han girado como nunca, haciendo muchos conciertos y varios festivales. Partiendo desde el punto en que los he visto muchísimas veces y que la anterior vez había sido ni más ni menos que el concierto de su XX aniversario, muchos pueden pensar que poco más pueden ofrecerme Jonas Renkse y compañía.

Pues estáis equivocados, porque ahora es cuando en mejor forma están y cuando más disfrutas de sus conciertos. Renkse tiene una voz mucho más trabajada, y la salida de los hermanos Norrman, en mi opinión, les ha beneficiado. Sodomizer y Niklas son dos personas mucho más activas en el escenario y más carismáticos. Además de que Sodomizer tiene buena voz y es un gran refuerzo para Renkse a la hora de los coros. Salieron a escena con un tema de su último disco “Forsaker”, canción que creo más que idónea para empezar un concierto, seguida de “Liberation”, también del “Night is the New Day”. Renkse se mostró muy abierto con el público, pero no es de extrañar ya que la banda le tiene un especial cariño a Finlandia. Incluso se atrevió a hacer alguna que otra broma al presentar “My Twin”, señalando a Sodomizer e indicando que esta canción iba sobre ellos dos, ya que podíamos apreciar que eran iguales. Hicieron una pequeña variación del setlist, aportando canciones más inusuales como “Right into the Bliss”, “Sweet Nurse” o “I Break”, sin desperdiciar un hit como es “Ghost of the Sun”. Tal vez hubiese dejado de tocar un tema como “Nephilim”, el cual encuentro muy aburrido y lo hubiese substituido por algo más antiguo. Entiendo que las bandas no puedan tocar de todos sus álbumes, y más cuando tienes un extenso repertorio, pero creo que en festivales deberían centrarse más en la diversidad del repertorio que no en tocar temas de su último disco. Terminaría con la aclamada “Leaders”, tema que sigue sin convencerme en directo. Blakkheim debería dedicarse a berrear y no a hacer coros, y Renkse a limitarse a cantar la canción y no a hacer esos extraños “aaaaaaaaaah” qué hace en vez de gritar, antes que eso, mejor un silencio…

Tras el buen concierto de los suecos, le tocaría el turno a uno de los grupos que más esperaba ver y uno de los grandes motivos para moverme hasta Finlandia. Si os digo que la mayor parte de la comunidad metalera lleva más de

MOONSORROW

KATATONIA

cinco años esperando su disco, ¿qué nombre os viene a la cabeza? Sí, exacto. Por fin iba a poder disfrutar del directo de Wintersun. Y la verdad es que fue uno de los mejores espectáculos que viví en todo 2011. Jari Maempaa es sen-cillamente un genio, pero sin duda lo mejor de Wintersun es la batería de Kai Hahto, el que considero uno de los mejores baterías dentro del metal. Prácticamente nos tocaron casi todo el primer disco, empezando con la archiconocida “Beyond the Dark Sun”, siguiendo con “Battle Against Time” y “Sleeping Stars”, momento en el cual llegué a emocionarme. Poco puedo decir de la comunicación del grupo entre el público, pues fue realizada totalmente en finlandés, pero debo decir que fue una de las actuaciones que más audiencia recibió. Hubo tiempo para presentarnos un nuevo tema, “The Way of the Fire”, canción que está muy en la onda del primer disco. También hubo un toque de humor a la hora de tocar “Winter Madness”, donde Jari le cambió el nombre por “Summer Madness”.

Hooded Menace estaban tocando en el Club Stage y pese a que tenía muchísimas ganas de verles, no aguanté más que tres temas. Estaban sonando fatal, y realmente no es una banda que se mereciera un sonido tan pobre, ya que los considero uno de los grupos con mejor sonido dentro de la escena doom/death. Una cosa a su favor fue la iluminación, tenue y de tonalidad lila que acompañaba bastante a la presencia que tenían sobre el escenario, muy de estar por casa con la capucha de sus sudaderas puesta. Cuando salí de la sala, a lo lejos estaban tocando Blind Guardian la repetidísima “Valhalla”, que es junto a “Mirror Mirror” prácticamente la única canción que conozco de los bardos. Pese a que parecía estar encantando a la muchachada que había allí reunida, me puse a descansar un poco hasta el inicio de la actuación de Ghost. Qué decir de ellos, si en Hellfest ya me encantaron, aquí me enamoraron. Soy consciente de que es una banda creada para hacer dinero, que todo el ocultismo y satanismo que promueven, es puro marketing, que ocultar su identidad no es más que un juego para llamar la atención… pero me da igual. Su disco debut fue de lo mejor que salió en 2010, un gran disco que es llevado de manera más que sobresaliente al directo. Vestuario, escenificación y una gran voz. Prácticamente interpretaron todo el “Opus Eponymous”, donde destaco el tema instrumental “Genesis” en el cual Papa Emeritus I se encargó de presentar, en silencio, a cada uno de los miembros de la banda. Otro de los highlights de la actuación, fue el cover de los Beatles “Here Comes the Sun”. Es increíble como puede cambiar el significado de una canción, tan solo siendo interpretada por otro grupo…

La única diferencia de su concierto en el Hellfest, fue que aquí si interpretaron mi tema favorito, “Stand by Him”. Cerraron su ritual, como no, con “Ritual”. Pese a que Ghost tenían previsto una hora de actuación, su repertorio no daba para tanto y además, como Enslaved habían empezado tarde, pude pasarme a disfrutar de los dos últimos temas de los noruegos.

Siendo honesta, no soy fan del último disco de Enslaved, pese a que sí me gustó el “Vertebrae”, por lo que fui a verlos sin esperarme nada. Pero no fue así, ¡estaban tocando “Allfáðr Oðinn” del antiquísimo EP “Hordanes Land”. Pero cuál fue mi sorpresa, que al creer que la actuación de los noruegos ya había finalizado, supieron sorprenderme una vez más.

Acabaron su actuación con “The Voices” del álbum “Monumension”, una canción bastante rara de ver en directo. Como apunte final, los componentes de Enslaved llevaban alrededor una cinta negra en memoria del desastre ocurrido en Oslo.

Y el segundo día del Tuska llegaba a su fin con uno de los artistas más pintorescos y carismáticos del metal. Devin Townsend aterrizaba por segunda vez consecutiva en el festival finlandés, nuevamente acompa-

WINTERSUN

ñado de Ziltoid, que si bien nos comentó que había intentado convencer a Devin de que volviera a interpretar en su totalidad su álbum “Ziltoid” (¡ojalá!), nos contó que él este año quería realizar algo distinto, pero también especial. Se trataba ni más ni menos que venir acompañado de una de las mejores voces femeninas, la ex-The Gathering, Anneke van Giersbergen. Hay que ver lo bien que suenan sus voces juntas en temas como “Addicted!”, “Truth” o “Color your World”. Pero sobretodo me emocioné al escuchar por fin “Hyperdrive” en directo. Tuve la oportunidad de ver a Devin en el Hellfest 2010 y el único pero que le puse a su actuación, fue la ausencia de ese tema en el repertorio, por lo que me alegré muchísimo de escuchar mi tema favorito en Helsinki. Fue una de esos conciertos que te hace abandonar el recinto con una sonrisa en los labios, satisfecho de ver a un músico como es Devin Townsend, que no solo sus expresiones faciales cautivan al espectador, sino que demuestra ser uno de los músicos más consolidados del mundo.

DOMINGO El domingo era un día que si bien me interesaban pocos grupos, estaba todo tan mal montado –para mis gustos, claro—que coincidían todas las bandas…

Así pues, nada tiempo. Pero aunque hubiese llegado a tiempo, hubiese tenido que elegir entre ver su show entero, o ver empezar Kveletark, que a su vez coincidía la segunda mitad de su actuación con el principio de Totalselfhatred.

La actuación de estos, coincidía su segunda mitad con la de Meshuggah, y la mitad de Meshuggah coincidía con el principio de Shining. Es decir, los quiero ver a todos… ¿qué hago? Lo más fácil fue elegir ver en su totalidad a Totalselfhatred, al fin y al cabo fueron mi motivo principal para desplazarme a Helsinki. Tocaron tan solo 45 min. y encima en el club stage, pero sin duda fue, para mí, el mejor concierto del festival. Claro está que es una banda que me encanta, de mis favoritas dentro del DSBM, y además supieron transportarme de lleno hacia su desesperado mundo. Si bien su segundo disco, no me ha gustado tanto como su debut, estuve de suerte ya que se centraron más en interpretar temas de su primer disco (¿Será para ellos también mejor su álbum homónimo?), empezando por la que da nombre al grupo y al disco en sí, “Totalselfhatred”. Fue una grata sorpresa ver como tanta gente encima de ese escenario (tres guitarras y tres voces, ni más ni menos, un bajista, la teclista y el batería) llegaron a sonar tan bien. Siguieron con un tema del nuevo disco que no supe reconocer para luego encandilarme con mi tema favorito “Enlightment”. ¿Habéis escuchado una intro más bonita que la que tiene ese tema? Sí, seguramente las habrá mejores, pero ninguna me ha transmitido tanto como esa parte, muy sencilla, interpretada con el piano. El trío de voces quedaba niquelado, donde destacaban sobretodo las voces de A. y C. (por el momento se desconoce el nombre real de los componentes), pero que sabían intercalarlas bien con las de J. Algo que me gustaría destacar de este último guitarrista, es su puesta en escena y sus expresiones faciales, parecía que en cualquier momento le iba a dar un ataque epiléptico e incluso llegó a poner sus ojos completamente en blanco en algún momento. ¿Teatro? ¿El chico realmente es así? Sea lo que fuere, realmente encajaba con la música que estaban tocando y llegaron a conectar con el público. “Ruoska” y “Sledge Hammered Heart” fueron otras de las elegidas del álbum debut. Como ya he dicho, una muy buena actuación y pese a que me estaba encantado como tocaban “Spirituelle Equilibrium”, tema en el que el batería se luce totalmente, tuve que abandonar los últimos 8 minutos de actuación para poder llegar a tiempo al pit del Radio Rock Stage para poder fotografiar a Meshuggah.

Tras el bolazo que en toda regla que dieron en el Hellfest de este año, habían dejado el listón muy alto por lo que difícilmente podrían superarlo. Y así fue, y no porque los suecos no estuvieran al nivel, porque teniendo a un batería como

TOTALSELFHATRED

MESSHUGAH

Tomas Haake, pocas cosas pueden ir mal, pero el ambiente finlandés no tuvo nada que ver con el francés. Porque por mucho que en Helsinki los metaleros intentaran hacer mosh y circle pits, como bien he comentado antes, eran muy pacíficos y respetuosos, tanto, que llegaban a ser aburridos (perdonadme, pero a mí es que me gusta la acción). Jens Kidman estuvo espectacular, siendo un frontman de lujo como ya nos tiene acostumbrados y haciendo constantemente esa expresión con su cara tan particular suya (¿Dormirá con esa expresión también?). “Rational Gaze”, “Pavus” o “Combustion” fueron algunos de los temas que tocaron ese domingo, aunque fue con “Bleed” cuando reaccioné y conseguí animarme con el concierto. Me hubiese encantado acabar la actuación, sobretodo porque sabía que iban a terminar con “Future Breed Machine” pero tenía otra cita a la que acudir, también con unos suecos. Shining ya habían empezado cuando llegué a la sala, y estaban interpretando “Besvikelsens Dystra Monotoni” del que es mi disco favorito, “Halmstad”.

Siguieron con “Förtvivlan, Min Ardendel” y el cover noruego “Ohm – Sommar Med Siv”, una de las mejores covers que he visto en mucho tiempo.

Debo decir que Niklas Kvarforth estuvo bastante calmado durante toda la actuación, donde la única infracción que cometió fue la de fumar en un recinto cerrado. Tal fue la cosa que, en medio de la actuación alguien chilló “¡Córtate tío!” a lo que Niklas contestó “¡Córtate tú! Esto es lo que me gusta de ser así, consigues que imbéciles como tú acaben cortándose”. La canción más antigua que llegaron a tocar fue “Claws of Perdition” para luego terminar con el que, para mí, es el mejor tema de Shining, “Låt Oss Ta Allt Från Varandra” donde el público finlandés lo dio todo.

Tras esta racha de buenos conciertos, llegó el punto de inflexión del festival. Amorphis salían a la escena del escenario principal, y un agente de seguridad nos comunicaba que no podíamos entrar a hacer fotos hasta la cuarta canción debido a que habría pirotecnia. Y sí, la verdad es que un espectáculo con fuego y petardos, da mucho juego y es muy resultón… pero no a las cinco de la tarde, con pleno sol abrasador. El setlist tampoco ayudó mucho, demasiado repertorio nuevo, siendo “Into Hiding” el único tema pre-Joutsen que fue tocado. Agradecí que tocaran “Towards and Against” ya que el “Silent Waters” suele pasar bastante desapercibido para Amorphis, pero aún así no fue suficiente. La interpretación fue correcta, tanto Koivusaari como Esa estuvieron sublimes a las guitarras, pero no consiguieron transmitirme nada. Me pareció una actuación muy fría que llegó a su fin con “House of Sleep”, probablemente uno de los mejores temas melódicos de Amorphis.

Para mí el Tuska Open Air llegaba a su fin. Tras Amorphis podíamos ver a los locales Turisas, de los que yo, sinceramente, pasé olímpicamente.

Me cansan y probablemente fueran el grupo que más público reunió en frente del EMP Stage, incluso haciendo difícil el paso de una zona a otra del festival. Los cabezas de cartel del domingo eran Amon Amarth. Grupo que tiempo atrás llegaron a entusiasmarme, pero que se me han hecho repetitivos hasta la saciedad. Probablemente, uno de los grupos que más vende en el panorama del metal actual, y no me refiero a discos, sino a merchandising, que hay prácticamente de todo de los suecos.

Así que por mi parte decidí verlos en la lejanía, mientras disfrutaba de mis últimas cervezas en paradero finlandés de las que apenas reconocí cuatro o cinco canciones. ¿Realmente Amon Amarth es un grupo que debe de estar por encima de, por ejemplo, At the Gates? Nefasto. Pese a este pequeño detalle, el Tuska Open Air ha resultado ser un festival muy bien organizado, con un cartel variado que ha sabido darme mucha diversión. Si el cartel del próximo año me interesa, tened por seguro que intentaré repetir.

AMORPHIS

GHOST

HELL

HOODED MENACE

DEVIN TOWNSEND CON ANNEKE VAN GIERSBERGEN

DEVIN TOWNSEND PROJECT

POR RIDER G OMEGA Diez minutos son todo lo que tengo para intercambiar impresiones con Torsten y Jamie, guitarra y teclista de God is an Astronaut, momentos antes de su actuación en Barcelona, a propósito de la gira conmemorativa de su décimo aniversario. Dos locuaces irlandeses que aprovechan la ocasión para ponerme al día del estado de la banda, manifestar su descontento respecto del trato que reciben en su país natal, revelar algunos detalles del que será su próximo trabajo y hacer gala de una asombrosa ambición profesional. Un grupo que sabe lo que quiere y que, después de diez años de carrera, sabe cómo conseguirlo.

EMPIRE MAGAZINE Si diez años atrás alguien os hubiera dicho que God is an Astronaut iba a convertirse en la banda que es hoy, ¿qué habríais pensado?

TORSTEN KINSELLA: Es difícil de decir porque siempre tuvimos fe en nuestra música, pero creo que estábamos un poco desilusionados después de la experiencia con nuestro grupo de rock en los noventa, con el que nunca llegamos a nada, así que nunca hubiéramos esperado algo así. Estábamos desesperados porque pasara algo, pero creo que desde que empezó a rodar, la bola de nieve se ha hecho mucho más grande de lo que hubiéramos esperado. Ahora mismo tenemos un enfoque mucho más claro, de manera que estamos en una posición mucho más favorable para decidir qué es lo que más nos conviene hacer a continuación. En todo caso; no, nunca esperamos nada parecido. Supongo que nos hubiéramos conformado con tener un razonable grupo de seguidores en Irlanda, pero nunca soñamos con nada como esto. El auge del post-rock ciertamente ayudó, aunque ahora esté empezando a decaer. Creo que fuimos la última banda que se subió con éxito al carro antes de que el gran público empezara a cansarse del estilo. Somos algo así como la segunda generación, ha habido un largo camino desde Godspeed (You! Black Emperor), Explosions (in the Sky) o 65daysofstatic. Creo que emergimos en el último momento adecuado.

EM A pesar de vuestras previsiones iniciales, resulta que habéis tenido un gran éxito en el extranjero y no tanto en Irlanda, según he oído.

JAMIE DEAN: Creo que el funcionamiento de la industria europea ha cambiado bastante últimamente, y el modelo tiende a ser bastante imitativo. La industria está dirigida por un reducidísimo grupo de individuos que deciden lo que tienes que hacer, y esperan que cualquier grupo empiece por financiar su propio proyecto, pagando por su propia publicidad, etc.

TK: Al principio valoramos la idea de acudir a los medios locales, gastar dinero en anuncios, etc., pero creo que nunca nos interesó demasiado ese sector del negocio y pensamos “No tenemos mucho dinero, así que mejor vamos a ampliar nuestras miras y a apostar fuerte”, lo que significa dejar que la gente del mundo entero decida, y no sólo la de un país. Aunque teníamos nuestra propia base de seguidores en Irlanda, la industria mediática irlandesa no se interesó – ni todavía hoy lo hace – por nosotros, así que en ese sentido, nada ha cambiado. Pensaba que, llegados a este punto, su interés habría aumentado, pero no ha sido así. En todo caso, creo que tomamos la decisión correcta: en vez de pagar por publicidad en los medios locales, decidimos invertir nuestro dinero en enviar canciones a las radios universitarias de EEUU y cosas como ésa, y creo que fue la mejor manera de empezar. Si hubiéramos apostado por el caballo que nos aconsejaban, seguramente no estaríamos sentados aquí ahora mismo.

JD: Creo que estamos en un momento muy afortunado, tocando para un gran público como el de hoy, o ayer en Madrid. Nos encanta hacer esto y lamentablemente no puedo decir lo mismo de la situación en casa.

TK: Llegamos a un punto en el que la asistencia a nuestros conciertos en Irlanda era de aproximadamente unas setecientas personas, y entonces empezó a disminuir. Las condiciones de los locales y las salas han empeora-

do en los últimos dos años. Quizá sólo soy yo, que no me siento cómodo con ello, pero en todo caso prefiero esperar al momento adecuado. Creo que uno puede sentirlo fácilmente, cuando a la gente le apetece volver a ver a tu grupo en directo. Bueno, seguro que a algunos no les apetece, pero… Quiero subir el listón. No quiero mantenerme en el mismo sitio; si vuelvo a tocar a Barcelona, quiero que sea en una sala más grande. No tiene sentido permanecer igual o retroceder. Quizá sólo soy yo, necesito progresar. Y ése es el problema en Irlanda; queremos subir al siguiente peldaño en vez de seguir tocando en el mismo circuito de salas. Ya hemos estado allí y ya hemos hecho todo eso y no queremos que la gente se canse de nosotros, que es algo que podría pasar. No tenemos demasiadas oportunidades de tocar en festivales en Irlanda. Deberíamos estar tocando en festivales, agotando las entradas en salas pero desgraciadamente no es así. Se nos han hecho muchas promesas al respecto pero no se han cumplido, así que simplemente decimos “Lo sentimos pero no nos interesa”. Voy a cumplir treinta y seis este año y ya no soporto las condiciones de las salas pequeñas de la periferia. Ya no puedo hacerlo. Si en cualquier momento nos viéramos obligados a volver atrás y tocar en peores condiciones, lo dejaríamos, porque así no hay manera de ganar dinero. En el resto del mundo, la asistencia media a nuestros conciertos ha aumentado de quinientas a dos mil personas, ésa es la manera de hacer carrera. Después de diez años tocando, hubiera esperado que pasara lo mismo en Irlanda, ya que bandas de mucho menor calado están tocando en el tipo de salas que nosotros querríamos y apareciendo en las portadas de las revistas; pero no es así. Creo que estamos siendo ligeramente castigados por querer hacer las cosas a nuestra manera y seguir nuestro propio camino. Pero así está bien y no me arrepiento de nada, creo que seremos nosotros los que riamos los últimos; estamos disfrutando mucho del sol en Barcelona (Torsten y Jaime ríen sardónicamente).

EM Vaya, con eso ya habéis respondido a varias de mis preguntas.

TK: Lo siento…

EM No, ¡ya va bien! ¿Cómo va el décimo aniversario? ¿Qué tal funcionan las versiones remasterizadas, se venden bien? ¿Estáis contentos con el resultado?

TK: Sí, trabajamos con Tim Young, que también ha remasterizado a los Beatles y a…

JD: Massive Attack.

TK: …Massive Attack. Su CV es excelente. Le considero un genio y en cualquier sitio de Europa te dirán que es uno de los mejores en lo suyo. Nosotros nunca masterizamos nuestro material adecuadamente, siempre lo hacíamos nosotros mismos y supongo que nunca le dimos mayor importancia. Pero esta vez, pensamos “Vamos a probarlo con estas canciones” y realmente la diferencia es enorme, una vez puedes oírlo con buena calidad y bien equilibrado. Cuando lo masterizábamos nosotros mismos, cambiaba toda la mezcla, quedaba comprimida, sonaba casi distinto. En cambio, con Tim suena exactamente igual, sólo que mucho mejor; ha mantenido las mezclas tal y

como eran. La versión remasterizada suena igual que las mezclas originales en un 99.99%, mientras que la versión del CD suena extremadamente comprimida y diferente. Creo que las nuevas versiones van a aguantar el embate del tiempo. Decidimos que, después de diez años, era algo que debíamos hacer, ahora que tenemos nuevos seguidores y le gustamos a gente que no necesariamente escucha post-rock, amén de que las versiones previas sonaban un poco a “demo”. Mi novia tiene un hijo joven y cuando se las puse, no le gustaron del todo, dijo que “bueno, sí, no estaban mal”; pero cuando le puse las versiones remasterizadas, le encantaron. Así que esto es algo que hemos hecho para las nuevas generaciones, algo así como lo que pasó con “La Guerra de las Galaxias”. Habrá quién prefiera las versiones sin remasterizar porque lleva muchos años escuchándolas y se decanta por ellas, pero yo me decanto por las mezclas originales y te aseguro que son magníficas.

EM Es curioso que comparéis vuestra situación con la de “La Guerra de las Galaxias”, teniendo en cuenta que ha habido un gran debate entre los seguidores de la primera y de la segunda trilogía.

TK: Creo que las nuevas generaciones no tienen en cuenta muchas cosas.

Cuando editamos nuestros álbumes en el año dos mil, creo que hicimos un buen trabajo. No obstante, para gustarle a las nuevas generaciones necesitas tener un sonido más apropiado y remasterizar tu trabajo. Creo que lo mejor de todo ello es que nuestros seguidores de toda la vida todavía pueden disfrutar de las versiones viejas; siguen ahí y nunca dejarán de estarlo, así que todos contentos.

EM Sin duda, el décimo aniversario ha supuesto una excusa inmejorable para acometer tal empresa.

TK: Exacto, era el momento adecuado para hacer algo así. Es algo que siempre había querido hacer y se me presentó el dilema de sacar un nuevo disco o concentrarnos en el décimo aniversario, y optamos por esto último. Muchas bandas no lo celebran, pero yo creo que es la opción más lógica para nosotros.

EM Y ahora que lo dices, ¿puedes avanzarme algo de vuestro próximo disco?

TK: Es hmm, diferente. Para el tema de las remasterizaciones, tuve que recopilar todo el material que habíamos generado en estos últimos años y entonces tuve una especie de revelación. Siempre he creído que grupos como Explosions in the Sky suenan siempre igual. Al principio no nos veía así a nosotros mismos, pero entonces empecé a percibirlo de esta manera, a detectar cierta homogeneidad en nuestra obra, si bien es cierto que algunos de nuestros discos suenan más electrónicos y otros pueden tener más loops de guitarra. Sea como fuere, suenan bastante parecidos aunque presenten diferencias sutiles, y ya sé que utilizamos un montón de sonidos diferentes, digi-tablets, lo que sea. En todo caso, me dio una nueva perspectiva sobre nuestro nuevo disco y decidí que no quería que sonara igual. Quiero que tenga una nueva orientación y emocionalmente estoy en el mejor momento para que sea así, ya que eso es lo que he tenido en mente durante este último año y medio. El nuevo álbum está resultando sumamente experimental y muy comercial al mismo tiempo.

JD: Creo que necesitamos dar un paso adelante.

TK: Es un concepto que tenía. Quería escribir algo que fuera altamente experimental por naturaleza, así que compré un montón de pedales de guitarra raros como Digitech Space Station, pedales de efectos Snazzy… los pedales más extraños que puedas imaginar y que te hacen sonar tan raro. Empecé a escribir material con todo eso, y mi idea era empezar componiendo material muy experimental y después convertirlo en algo muy comercial. Antes de eso, solía escribir algo normal y luego trataba de convertirlo en algo experimental, así que de esta manera consigo algo que es más experimental por naturaleza. Ya tengo unas siete canciones y creo que son muy diferentes.

Quizá no sean tan diferentes como me lo parecen a mí, claro, pero en todo caso, el disco va a ser muy fresco, como mínimo. Estamos tratando de hacerlo lo más diferente posible. Hay muchas más voces de acompañamiento, gran cantidad de sintetizadores e incluso las guitarras suenan como sintetizadores, no suenan para nada como guitarras, son muy experimentales.

Ninguna de las canciones dura más de cuatro minutos para hacer del disco algo realmente accesible. Quiero que lo pongan en la radio. Y cuando la

GOD IS AN ASTRONAUT SON: THORSTEN KINSELLA—Voz, guitarra, teclados NIELS KINSELLA—Bajo, guitarra LLOYD HANNEY—Batería JAMIE DEAN—Teclado, sintetizadores

gente lo oiga, nunca habrán oído nada parecido antes. No tiene sentido ser experimental y underground, porque es algo que ya se ha hecho y es aburrido. Quiero llevarle al público mayoritario algo tan extraño que, cuando lo escuchen, digan: “¿Qué coño es esto? Nunca he oído nada así en mi vida”.

Eso es lo que me resulta excitante. Mantenerlo estrafalario y underground… eso es aburrido. No quiero hacer eso.

EM Bueno, eso sólo es una opción para aquellos que pueden escoger no ser underground porque ya tienen suficientes seguidores, que es vuestro caso.

TK: Bueno, creo que tendremos una gran audiencia para ser escuchado.

Lloyd ha vuelto al grupo y tocará la batería en el nuevo álbum. Antes lo hacíamos casi todo con máquinas y cajas de ritmos, pero ahora tenemos a Lloyd y a las máquinas al mismo tiempo, así que va a sonar muy extraño. Creo que va a ser un bombazo.

JD: No tenemos palabras para expresar la gratitud que sentimos por estar donde estamos, pero creo que realmente nos merecemos pasar al siguiente nivel. Creemos que, con suerte, este álbum nos dará el empujoncito que necesitamos para llegar ahí. Creo que tiene que ver con esto que acabamos de hablar de las versiones antiguas frente a las nuevas, las viejas generaciones frente a las nuevas; Creo que estamos trabajando en un álbum que será accesible a ambas audiencias. Así que ojalá ambas nos lleven al siguiente nivel.

TK: Ya sabes, probablemente perderemos algunos seguidores y probablemente ganaremos algunos. Me preocupa que este álbum pueda ser concebido como un intento de innovación dentro de la escena post-rock, porque nosotros no hacemos post-rock, nunca he creído que hiciéramos post -rock. Será fresco, eso es todo. Creo que si no avanzamos, estamos acabados. Estamos ahí para aportar algo nuevo. Realmente quiero que la gente sepa que no somos uno de esos clones de Mogwai, nunca lo fuimos y ni siquiera nos consideramos seguidores de ese tipo de música. Quiero que este mensaje se transmita de forma muy evidente en este disco. Cuando compongo un disco, normalmente trabajo mucho más en el contenido que en el estilo pero creo que esta vez he trabajado en ambos campos por igual.

Creo que lo más emocionante de hacer música es, y casi lo había olvidado, experimentar con sonidos; y ése es el motivo por el cual empezamos a trabajar con sintetizadores y loops trip-hop en “The End of the Beginning”, así que lo que estamos haciendo ahora es sencillamente volver a nuestros orígenes en cuanto a planteamiento. Seguirá sonando como nosotros pero, a la vez, será muy diferente. Ya veremos lo que pasa.

EM Me muero de ganas de escucharlo…

TK: Vamos a colgar unos teasers en youtube y va a tener unas diez u once canciones… Seguramente estará disponible alrededor de Marzo del 2013.

EM He leído que mencionarais a Autechre y a Aphex Twin en varias de vuestras entrevistas. ¿Alguna vez habéis considerado la posibilidad de enfatizar vuestra faceta electrónica?

TK: Nuestro nuevo álbum va a ser mucho más electrónico, seguro. Más máquinas de percusión, ese tipo de programación. Claro que no va a ser tan experimental como Aphex Twin, pero definitivamente va a tener ese tipo de percusión, va en esa dirección. Teniendo a Jamie en la tripulación, puedes estar seguro de que va a ser mucho más electrónico.

EM Durante las pruebas de sonido he comprobado que tenéis el proyector encendido. ¿Significa eso que va a haber espectáculo de proyecciones esta noche?

TK: Sí, tendremos más o menos un sesenta por ciento de visuales y el proyector apagado el resto del tiempo. Hace algunos años, decidimos que las proyecciones nos hacían un flaco favor porque distraían al público de la música y dejamos de usarlas. Pero ahora las hemos madurado lo suficiente y las usamos con moderación, de manera que obtenemos lo mejor de ambos mundos. Creo que ahora hacen la pareja perfecta.

EM Lo comprobaremos en un rato, ¡muchas gracias!

GIAA: ¡Muchas gracias a vosotros!

DISCOGRAFÍA: THE END OF THE BEGINNING—Cd—2002 ALL IS VIOLENT, ALL IS BRIGHT—Cd—2005 A MOMENT OF STILLNES—Ep—2006 FAR FORM REFUGE—Cd—2007 GOD IS AN ASTRONAUT—Cd—2008 AGE OF THE FIFTH SUN—Cd—2010

GOD IS AN ASTRONAUT 02/03/2012, SALA APOLO, BARCELONA

GOD IS AN ASTRONAUT setlist: When everything dies Fragile From Dust to the Beyond Age of the fifth Sun Echoes Remembrance Day Shadows Worlds in Collision Zodiac Snowfall Suicide by Star Forever Lost Route 666 All is violent, all is bright Fireflies and empty Skies Diez años hace ya que God is an Astronaut vienen regalándonos los oídos con sus emotivas y coloristas melodías. Alguno afirmará que son una de las bandas más populares y prolijas de la escena post-rock contemporánea, sin saber, quizá, lo mucho que ellos odian la etiqueta. En todo caso, diez años haciendo música instrumental sin aburrir a nadie son muchos años. Veremos qué tal les funciona en directo.

Esta noche voy a poder comprobar qué tal suena la barcelonesa Music Hall, que está empezando a convertirse en una sala de referencia desde su reciente renovación. Por lo pronto, las entradas van a agotarse a pocos minutos de la apertura de puertas, convirtiendo el evento en un llenazo total. El público que abarrota el espacio es del más diverso pelaje, en consonancia con la música de los astronautas. Hace pocos días se anunció que Tides from Nebula no iban a poder participar finalmente en la gira, por lo que esta noche no va a haber teloneros. Y yo que me alegro, porque ver dos veces seguidas a God is an Astronaut quizá fuera demasiado para mí – sin ánimo de desmerecer, conste que el directo de los polacos me dejó boquiabierto en su momento –. Las luces se apagan y los hermanos Kinsella aparecen entre aplausos, mientras Jamie comienza a arpegiar los primeros acordes de “When everything dies”.

Uno nunca sabe cómo va a sonar un concierto hasta que oye la mezcla de la base rítmica. Bien, pues tengo que decir que al escuchar el primer golpe de bajo, acompañando al bombo, no puedo evitar que se me caigan los planetas al suelo. Tenía la corazonada de que God is an Astronaut son un grupo que cuida muchísimo su sonido en directo, e incluso el ojo profano adivinará que los muchos cacharritos que traen los irlandeses no sirven únicamente para hacer lucecitas, pero lo cierto es que esta noche vamos a poder disfrutar de un sonidazo de tres pares de asteroides. Incluso algunas canciones que en estudio pueden sonar ligeramente prosaicas tienen ahora un gancho incontestable, quizá también gracias a la brillante ejecución de los músicos. Así, da gusto.

El repertorio es fantásticamente variado y entretenido, tal como corresponde a todo buen concierto de música instrumental. Instrumental del todo no, ya que en algunas ocasiones Torsten se arrancará con unas líneas vocales filtradas por sintetizadores, que a mí me traen al recuerdo a los islandeses Sigur Rós. Sea como fuere, la dinámica del concierto es impecable. Contrastes, fluidez, armonías emotivas y vivos punteos hacen imposible que nadie se aburra ni un segundo. Cabe mencionar que, si bien la oportuna presencia de samples de tintes electrónicos o interludios atmosféricos se hace notar, el recital es de corte fundamentalmente roquero. Los instrumentos de cuerda tienen un protagonismo absoluto esta noche y es que así son God is an Astronaut. Y así es como nos gustan.

Aunque más bien parcos en palabras, los irlandeses son todo energía y entusiasmo, e incluso en ocasiones prorrumpen en unos divertidos saltitos que hacen las delicias del respetable. Los momentos más épicos se han reservado para el final, y casi da la sensación de que el cielo va a caer sobre nuestras cabezas durante “Suicide by Star”, acompañada de unas inquietantes proyecciones que a buen seguro aportan un nuevo punto de vista sobre el título de la canción. Respecto de este último punto, me manifiesto a favor de la decisión del grupo de usar las proyecciones con moderación. En su disposición actual, consiguen enfatizar algunos de los momentos más emocionantes del directo sin distraer la atención del público, al mismo tiempo que dan una ligera idea de la imaginería del conjunto. Las luces, sin embargo, obtienen una aprobado justito, y es que la sala, aunque muy destacable en otros aspectos, en este campo no da para más.

Sea como fuere, el recital se desarrolla impecablemente hasta su apoteósico final con “Route 666”, seguido de un encomiable encore después del cual el grupo reaparecerá en escena para inmortalizarnos a todos con los brazos en alto. Podéis echarle un ojo al resultado de esta nada desdeñable campaña de marketing en el perfil de facebook de la banda, y digo esto porque voy a dedicar mis últimas líneas a la notable ambición profesional del conjunto.

Vaya por delante que el de hoy me ha parecido un concierto impresionante, bien pulido y muy digno de mención y no obstante, al acabar el mismo me queda una vaga sensación anodina, nada acorde con la potencia del espectáculo. God is an Astronaut son un grupo más que profesional y metódico, que ofrece unos conciertos milimétricamente estudiados y de una pulcritud mayúscula. Quizá demasiada pulcritud. Hay algo en su forma de comunicarse, de moverse, de saltar, de retirarse; que provoca la sensación de que el conjunto está siguiendo fríamente un guión muy específico, que aún se incluye dentro un guión mayor. Tocan porque es en directo donde un músico gana dinero, saltan porque tiene que haber movimiento sobre el escenario para que sea un buen concierto de rock, hablan para recordarnos dónde está situado el puesto de merchandising y cuándo podremos volver a verles actuar, y hacen una foto al final del espectáculo para así poder demostrar a sus futuros promotores que son capaces de llenar salas de conciertos. No es que esto sea malo en modo alguno, y en realidad, mal que nos pese, esto es así en el noventa y nueve por ciento de los casos, pero precisamente ahí está la gracia; en que no se note. O en que el componente artístico sea tan evidente que nos haga olvidar la triste realidad: que el mundo de la música de hoy en día se rige por las más agresivas leyes de mercado.

Tal vez esté exagerando un poco o quizá el hecho de intercambiar impresiones con ellos antes del concierto haya nublado mi punto de vista, pero en todo caso me gustaría que quede clara una cosa: negocio o no, id a ver a God is an Astronaut en directo. Valen más de lo que cobran por su entrada.

Texto y fotos: Rider G Omega

Este pasado noviembre tuvimos en nuestro país el Dead Tyrants Tour, donde Hamferð acompañaban a Moonsorrow, Týr y Crimfall. Como era la primera vez que los faroenses del doom nos visitaban, vimos oportuno hablar con ellos y que nos dieran a conocer su música.

POR XELL

EMPIRE MAGAZINE (EM): Muchas gracias por vuestro tiempo. Antes de nada, ¿por qué no aparecéis en el cartel de la gira?

HAMFERD: Bueno, se suponía que al principio nosotros no éramos los que íbamos a abrir para el tour. Fuimos contratados más tarde cuando el poster promocional ya había salido. Además solo hacemos una pequeña parte de la gira.

EM: ¿Cómo habéis conseguido la oportunidad de participar en este tour? Sois un grupo poco conocido, con un solo EP. ¿Fue gracias a la discográfica? Quizás el hecho de que sois del mismo país que Týr…

H: Týr no ha tenido nada que ver en esto. En el verano hicimos un mini tour por Islandia y tuvimos la oportunidad de ponernos en contacto con la agencia que lleva Moonsorrow. Se habló la posibilidad de girar con ellos, pero resultaba demasiado caro. Pero aún así nos mantuvimos en contacto y al final pudimos realizar unas cuantas fechas.

EM: El año pasado salió vuestro EP: Vilst er Síðsta Fet. ¿Cómo os está yendo?

H: Bastante bien, la verdad. Hemos tenido reseñas del EP por todo el mundo. Colombia y algún país de europa del este… Creo que fue Checoslovaquia.

EM: ¿Alguna reseña española?

H: Sí, creo que alguna… No, espera. Fue brasileña. Lo siento. (risas) Todo te suena igual si no hablas el idioma (risas). También es nuestra primera entrevista en España. Bueno, es nuestra primera vez en todo en España (risas) EM: Hablando de primeras veces, os estrenasteis ayer. ¿Qué tal estuvo el concierto en Madrid?

H: Genial. En realidad, el público español ha sido el mejor que hemos tenido de momento. Espero que la audiencia catalana (risas) esté a la altura.

EM: ¿Te ha dicho alguien que tengas que decir catalanes en vez de españoles o te ha salido así de natural? (risas) H: Es algo que tenía entendido desde hace tiempo, pero alguien me lo recordó ayer. (risas) EM: Supongo que tendréis planes para realizar un cd de larga duración. ¿Está al llegar?

H: Sí, al volver del tour nos vamos a poner manos a la obra. Con suerte en los próximos meses verá la luz, o quizás para el próximo verano.

EM: ¿Qué me puedes decir de la escena de las Islas Faroe? Apenas conozco dos bandas de allí…

H: Bueno, somos unas cuantas. Y somos bastantes en relación al tamaño de nues-

tro país, abarcando varios estilos, desde heavy metal, doom, thrash. METALCORE! (muchas risas) Lo de metalcore es una broma. Nuestro conductor tiene un grupo, tocan death metal melódico, o así lo hacen llamar. Nosotros nos reímos de él y le decimos que tocan metalcore (risas) Pól (NDR: el conductor): Tenemos un disco y el segundo está al llegar, el mes que viene concretamente. (NDR: la banda en cuestión es Synarchy, nada innovador, pero vale la pena escucharlos) EM: ¿Qué esperáis de la actuación de hoy? Poca gente, mucha…

H: Nos han dicho que se habían vendido 115 entradas, por lo que esperemos que haya 115 personas viéndonos! (risas) Ha habido algún concierto en Alemania, y también en Bélgica que han estado bastante llenos, pero también hemos tenido alguno con menos suerte y muy poca gente llegó a vernos. Pero sin duda el público de ayer estará en lo más alto. Y por lo que a nosotros respecta, mientras haya una sola persona disfrutando del concierto, ya estaremos satisfechos.

EM: ¿Alguno de los asistentes de ayer os conocía de antes?

H: Probablemente alguno había, pero no muchos, ya sabes, no estamos ni siquiera en el cartel. Es más, cada noche tenemos que anunciar qué grupo somos, mucha gente está esperando a que salgan Crymfall, y de repente ve a un montón de chicos trajeados con una música bastante depresiva y algunos deben quedarse en plan: ¿Cómo? (risas) EM: Siendo una banda tan joven como sois, formada en 2008, podemos decir que este tour ha sido vuestro primer gran suceso? O tal vez lo fue vuestro mini tour por Islandia. ¿Fue con Sólstafir? En su facebook os están promocionando para que la gente venga a veros a los conciertos.

H: No, no fue con Sólstafir. Hicimos un festival con ellos, una gente genial, muy divertidos. Si tienes la oportunidad, tienes que llegar a conocerlos.

EM: Bueno, en realidad conozco a Gummi.

H: ¡Todo el mundo conoce a Gummi! (risas) EM: ¿Puedes hablarme un poco de los inicios?

H: Bueno, como puedes deducir tenemos una escena pequeña, no hay muchos músicos, algunos ya nos conocíamos de antes de otras bandas. Lo que pasó fue que teníamos ganas de hacer algo distinto a lo que veníamos haciendo, así que dije “eh chicos, queréis hacer un grupo de doom metal?” y ellos dijeron “sí” y así empezó todo (risas). Participamos dos veces en un concurso de metal battles en las Islas, la primera vez llegamos a la final.

Hemos ganado un par de premios, como a la mejor banda revelación y el

HAMFERD SON: JÓN HANSEN – Voz JOHN EGHOLM– Guitarra THEODOR KAPNAS– Guitarra REMI JOHANSSEN– Batería ESMAR JOENSEN– Teclados JENUS Í TRODINI– Bajo

DISCOGRAFÍA: VILST ER SIDSTA FET—Ep—2010

mismo año a mejor banda de las Islas Faroe (risas). Así que decidimos continuar y entramos al estudio a grabar nuestro EP. EM: ¿Qué fue todo ese drama qué hubo con vuestra anterior bajista? Humo acusaciones por facebook, mensajes borrados, censura…

H: (silencio). No hubo ningún drama. (silencio) Eh… simplemente decidimos separar nuestros caminos. Ahora tenemos un nuevo bajista y estamos muy contentos con él. (NDR: bajista que no dijo absolutamente nada en toda la entrevista, todo hay que decirlo…)

EM: ¿Puedes recordar cuál fue el primer álbum de metal que escuchaste?

H: Fue un disco de Iron Maiden, seguro. Creo que podemos estar todos de acuerdo en esto. Seguro que el tuyo también fue Iron Maiden.

EM: (silencio) Lo siento. Tengo que admitir que no me gustan Iron Maiden.

H: ¿Cómo? ¡Entonces a ti no te gusta el metal! (risas) Lo siento, pero no podemos continuar con esta entrevista si no te gusta Iron Maiden (risas) ¿Cúal fue tu primer disco? ¿Un disco de Korn? (risas) EM: Bueno… es que a mí el heavy clásico no me va mucho salvo contadas exepciones…

H: Tranquila, sólo estamos bromeando (risas) EM: Ya sé que el 2011 está prácticamente acabado, pero toda entrevista que he hecho este año ha tenido problemas para decirme cuál ha sido el mejor disco de 2010, así que voy a seguir preguntando esto, hasta qué alguien sea capaz de contestarlo.

H: Ouch, eh… ¿Paradise Lost?

EM: 2009 H: Quizás el ultimo de Swallow the Sun EM: No. También de 2009 (risas) H: Creo que uno en qué podamos estar de acuerdo todos podría ser el de Accept. El nuevo de Soilwork también nos gusta.

EM: ¿Y de 2011?

H: El nuevo de The Haunted. ¿Por qué pones esa cara? ¿Tampoco te gusta The Haunted? Hay algo mal contigo… (risas) Vamos a probar otra vez. ¿El nuevo de Septicflesh?

EM: Mira, ese sí me gusta.

H: Bueno, al menos hemos conseguido ponernos de acuerdo en algo (risas) EM: Una pregunta un tanto extraña. Conociendo como está la industria musical hoy día, sabiendo que ibais a convertiros en músicos, qué país hubierais elegido para nacer?

H: Las Islas Faroe, sin duda. Nos da igual, no las cambiamos por nada del mundo (risas) Pero estás esperando que dijéramos España, verdad? (risas) Ah no, la respuesta correcta es ¡Cataluña! (risas) EM: En realidad esperaba Finlandia o el Reino Unido (risas) Una última pregunta. Todo el mundo en la escena ha hablado sobre los nuevos discos de In Flames y Opeth, el último sobretodo ha levantado mucha polémica. ¿Cuál es vuestra opinión?

H: El último de In Flames nos gusta, es mejor que el anterior.

EM: ¿Cómo? ¿En serio?

H: Los dos anteriores no me gustaron nada, el último es mucho mejor. Por otro lado, no me gusta el de Opeth.

EM: En mi humilde opinión, es mucho más extraño que te guste el nuevo de In Flames, que no que te guste el último de Opeth… Vamos a dejar nuestras diferencias musicales aquí (risas) Unas últimas palabras para vuestros fans de por aquí?

H: Sí. ¡Hala Madrid! (risas) Lo siento, fue una broma de mal gusto. (risas) Muchas gracias por vuestro interés, sin duda Barcelona nos ha gustado mucho más que Madrid.

EM: Gracias a vosotros por vuestro tiempo. No me odiéis mucho por todo lo relacionado con Iron Maiden (risas) H: Llevas una sudadera de Swallow the Sun, es imposible odiarte. (risas) Probablemente la única banda en la que todos estamos de acuerdo.

T Y R + M O O N S O R R O W + C R I M FA L L + H A M F E R D 1 7 / 1 1 / 2 0 1 1 , S A L A R A Z Z M A TA Z Z 2 , B A R C E L O N A

El auge del Viking / Folk Metal cada vez se hace sentir más en las giras que llegan a España. Si bien hasta hace por no eran muchas las bandas que se dejaban caer por aquí lo cierto es que en los últimos meses la situación ha cambiado con Equilibrium, Eluveitie + Korpiklaani, Turisas, Amon Amarth y este pack que resulta de lo más interesante del circuito actual.

Desgraciadamente giras tan interesantes como esta deberían tener una mayor respuesta del público. Unas doscientas personas nos dimos cita en Razz2. De acuerdo que la sala es bastante grande para este tipo de eventos pero el poder de convocatoria de las dos bandas cabeceras es bastante superior a la entrada obtenida. La maldita crisis y la sobresaturación de conciertos comportan estas entradas. De todas formas me gustaría ofrecer otro punto de vista menos cansino y repetitivo a estos manidos argumentos de baja afluencia de público en los conciertos… si las bandas giran tanto y algunas de ellas sabiendo que no van a llenar ningún concierto porque necesitan recuperar el dinero que ya no ganan con la venta de discos ¿Por qué no bajan sus cachés? Si los bajaran los promotores podrían bajar el precio de las entradas, iría más gente a los conciertos y probablemente se vendería más merchandising. Es algo cíclico pero creo que el primer paso lo deben dar las bandas ¡, el segundo los promotores y el tercero el público.

Sea como fuere esta gira era lo suficientemente interesante como para darle cobertura, máxime después que Hamferd confirmaran que estarían presentes en Barcelona. Este quinteto de las Islas Feroe toca Doom Metal de una calidad sobresaliente y lo hacen con una elegancia desbordante. Aunque solo tienen un EP editado que data del año pasado, “Vilst er sidsta fet”. En apenas media hora mostraros sus cualidades y Jón Hansen se reveló con una voz inconmensurable. Buen sonido, grandes temas como “Harra gud tittdyra navn og aera“ o “Aldan revsar eitt vargahjarta“, una puesta en escena sobria y sorprendente con los músicos uniformados de traje y una propuesta que no pegaba en este cartel pero que supo a gloria.

Acto seguido llegaron los fineses Crimfall. Apenas había escuchado nada de ellos, acaso vi algún vídeo en youtube antes de salir de casa y lo cierto es que me dejaron tirando a indiferente.

En directo la banda gana enteros, es especial por la voz de Helena Haaparanta, guapísima y que impone en escena justo a su partenaire Mikko Häkkinen. La pena de esta banda es que no aporta nada nuevo; lo que hacen lo hacen bien pero ¿Cuándo tienes al original para que quieres una copia? Arrancaron muchos aplausos, lo dieron todo sobre el escenario y acabaron siendo vitoreados. Fue un buen concierto el suyo, efectivo y sin grandes aspavientos, temas con mucho punch y pegadizos pero que tenías el hándicap de llevar las orquestaciones y coros pregrabados. Ejercieron su papel de supporter a la perfección.

En este “Dead tryrants tour” los cabezas de cartel iban rotando, un día Tyr, otro Moonsorrow. En Barcelona le tocó a Tyr por lo que Moonsorrow fueron los siguientes en aparecer en escena. Siendo sincero soy fan de Moonsorrow desde que comenzaron y aunque es en estos últimos años que están cosechando un mayor éxito creo que sus primeros discos, como “Suden Uni” o “Kivenkantanja” son mucho mejores que lo que vienen haciendo en los últimos años aunque sin desmerecer ninguno de sus discos, claro.

Sea como fue, los fineses nunca fallan y su concierto fue una muestra de ello. Pese a no estar al 100% la banda sonó potente y estuvieron muy centrados en lo que estaban haciendo pero hizo que por momentos pareciese que se olvidaban del público. Quizá sea el carácter finés, quizá el cansancio, quizá… la cuestión es que por un motivo u otro pareció que a la banda le faltaba un puntito de feeling. “Sankarihauta” o “Jotunheim” hicieron vibrar al público. Otro de los inconvenientes que tuvieron (tanto ellos como Tyr) es la falta de escenografía pues se veía un escenario grande y vacío con pocos juegos de luces para una banda que no llevaba ni telón de fondo con el logo del grupo.

Mantuvieron el tipo, hicieron un gran concierto, dieron una lección en lo musical, destacaron las segundas voces y los coros de Henri Sorvali y ofrecieron un set list equilibrado, sobrio y sin fisuras. Esperemos que vuelvan pronto y lo hagan en un ambiente más íntimo donde se les pueda disfrutar más.

Y la guinda al pastel la ponían Tyr. El cuarteto de Islas Feroe, que saca discos como churros, con denominación de origen y estilo propio ofreció un concierto sensacional, con mucho ritmo, muy bien ejecutado y haciendo partícipe al público de sus melodías festivas. El bajista Gunnar Thomsen fue todo un maestro de ceremonias, un animador en toda regla… que manera de moverse, sin parar de sonreír, de animar al respetable, de hacer coros y todo ello tocando el bajo. Sensacional.

La suya era una actuación que iba a ritmo de vértigo y los 75 minutos que estuvieron en escena se pasaron volando y la culpa de ello la tiene un repertorio muy bien escogido que no permite que el ritmo decaiga en ningún momento. Acaso un solo de guitarra deja descansar la voz de Heri Joensen. Dos momentos soberbios, “Hail to the hammer” y “Hold the Heather Hammer Hold” en los que se desató la locura. Esperemos que carteles como este vuelvan a repetirse y que el público responda en mayor medida. Antes nos quejábamos que no venían bandas más underground, que siempre venían los mismos. Ahora que vienen bandas “pequeñas” o difíciles de ver por aquí el público no responde… misterios sin resolver Texto y fotos: Marc Gutiérrez

La inagotable cantera sueca sigue dando sus frutos y en esta ocasión lo hace con una banda de excelente músicos que ha reclutado a dos vocalistas extraordinarios. Chris Rehn, Tomas Wallin, Elize Ryd y Tommy Levin forman un combo destinado a hacer las delicias de todos los amantes del Metal melódico.

De momento han editado el video clip del tema “Evolution” y su acogida tanto en youtube como en plataformas de difusión como Itunes o Spotify está siendo muy positiva.

Como en Empire nos gusta presentaros a las bandas antes que tengan éxito aquí os traemos a nuestro nuevo descubrimiento aún sin debut discográfico.

POR MARC GUTIÉRREZ

EM: Para empezar me gustaría que presentaras Dreamstate a nuestros lectores puesto que sois una banda nueva…

Tomas: Dreamstate es un proyecto del que llevábamos hablando hace un tiempo.

Los dos teníamos Buenos riffs que quizá no encajaban en nuestras respectivas bandas (Takida, Angtoria etc) y como siempre estamos muy ocupados no habíamos tenido tiempo de trabajar juntos en estas canciones den este nuevo proyecto hasta ahora. Finalmente empezamos a trabajar juntos y a escribir canciones y formamos Dreamstate el 11.11.2011.

Queríamos escribir canciones que no tuvieran que ajustarse a un estilo concreto de música y por supuesto que nos divirtiéramos mientras componíamos!

EM: La canción “Evolution” la grabasteis para ser el himno oficial de la piloto de rallys de vuestro país Ramona Karlsson en su intento por conseguir el Campeonato del Mundo de Rallys de 2012 ¿Cómo entró en contacto con vosotros? ¿Cómo conocían a Dreamstate teniendo en cuenta que sois una banda nueva sin material editado?

Tomas: Ramona es una vieja amiga mía y no conocía a mucha gente dentro de la música por lo que me preguntó si yo podía hacerlo. Le hablé del proyecto de Dreamstate y la música que estábamos creando y resultó que era justo el estilo de música en el que ella estaba interesada para su canción oficial para el campeonato del mundo.

EM: ¿Es Dreamstate una banda real con formación estable o un proyecto de Tomas y tuyo?

Chris: Dreamstate lo formamos Tomas y yo y siempre será nuestro proyecto. No teníamos planes de invitar a ningún otro miembro permanente simplemente porque no tenemos la necesidad de hacerlo puesto que nosotros podemos llevar a cabo todas las funciones, tocar todos los instrumentos componer, grabar y producir por nosotros mismos. Solo tenemos la intención de empezar este proyecto con músicos de sesión cuando haya que hacer interpretaciones vocales y posibles shows en vivo en el futuro.

Sin embargo, el resultado de trabajar con Tommy y Elize ha sido muy satisfactorio para nosotros y su calidad vocal es ahora una parte del sonido de Dreamstate y por ello les hemos preguntado para participar en el resto de canciones de Dreamstate.

Tomas y yo siempre seremos los encargados de la música y no habrá más miembros permanentes salvo los vocalistas que se unan bajo esta tesitura.

EM: “Evolution” es una canción fantástica ¿puedes explicarme sobre la letra y su composición? ¿Será “Evolution” parte de vuestro primer disco?

Tomas: Gracias! Escribimos una letra que puede ser interpretada de varias formas.

Con el Campeonato del Mundo de Ramona en mente fue una canción de “espíritu de lucha” para superar a sus oponentes pero también que ver con la superación de los contratiempos y la evolución individual. Ya sabes si no sigues tu camino… lucha duro!

El título “Evolution” va sobre crecimiento y evolución tanto en el aspecto humano como en el caso del coche que conduce Ramona (Mitsubishi Evolution X).

Y sí, “Evolution” formará parte de nuestro disco debut.

EM: ¿Qué puedes explicarme de lo que será vuestro primer disco? ¿Qué podemos esperar? ¿Tenéis compuestas ya todas las canciones? Puesto que Chris es el propietario de los Boxroom Studios supongo que él será el productor…

Chris: Cuando empezamos con Dreamstate (que no hace tanto) no teníamos planes de cuando tendríamos disponible un disco complete ni cuando vería la luz. Pero tan pronto como empezamos a componer, y especialmente desde que tuvimos la oportunidad de escribir la canción para Ramona Karlsson, las cosas empezaron a ir muy deprisa para Dreamstate y vimos que hacíamos lo que queríamos hacer y en el momento en que teníamos tiempo y empezamos a pensar en acabar un disco y editarlo.

Ahora mismo tenemos unas quince canciones compuestas y en este momento estamos trabajando en las letras y las melodías vocales.

Todas las grabaciones se están llevando a cabo en mi estudio, los Boxroom Studios, y Tomas y yo estamos escribiendo y produciendo conjuntamente.

EM: ¿Son Tommy Levin y Elize Ryd miembros de Dreamstate al 100% o esto es solo una colaboración para ellos?

Chris: Definitivamente queremos que estén con nosotros! Como te expliqué antes no teníamos planes de tener a más miembros permanentes en Dreamstate y nuestro plan era tener otros vocalistas invitados para participar en diferentes canciones del disco.

Pero después de trabajar con Tommy y Elize en el tema “Evolution” sus cualidades vocales y sus interpretaciones se han convertido en una parte importante de Dreamstate y queremos que ambos formen parte permanente de Dreamstate.

Elize está muy ocupada con sus otras dos bandas, Amaranthe y Kamelot, pero cuando le preguntamos si estaría interesada en participar en más canciones en el futuro su respuesta fue simple: Hell Yeah!!

Y Tommy también estaba igualmente entusiasmado en participar en más canciones.

EM: Vuestra calidad musical está fuera de toda duda y estoy seguro que varias discográficas han contactado con vosotros para un contrato. En este momento ¿tenéis algo firmado ya?

Tomas: Ja, ja, ja... gracias. Aún no tenemos nada firmado. Hay varios sellos interesados pero queremos tener más canciones acabadas antes de entrar en ese carrusel.

EM: “Evolution” ¿será un EP? ¿Vendéis este trabajo?

Tomas: Yeah, puedes descargar este tema en formato digital en iTunes, Spotify, emusic, amazon mp3 etc.. Estamos hablando de editar un single físico también pero aún no está claro.

Tarde o temprano habrá un disco complete.

EM: “Evolution” está teniendo una respuesta fantástica en Itunes y Spotify…

Tomas: Sí! He visto que hemos pasado de 34.000 visitas en youtube también! Es fantástico! Estamos teniendo un feedback muy positivo y eso nos anima a editar más canciones.

Chris: Yeah, estamos teniendo una gran respuesta y muy rápida para esta canción. Hemos llegado al tercer puesto en la categoría Rock en Itunes y al décimo puesto de los charts en suecia y eso está muy bien y es muy divertido de ver.

EM: ¿Podemos esperar que hagáis algunas fechas durante este año?

Tomas: En este momento no puedo contestarte. Los dos tenemos cosas que hacer con nuestras otras bandas y tenemos otros trabajos y queremos completar la grabación del disco de Dreamstate antes de pensar en tocar en vivo aunque nos encantaría visitar España cuando estemos listos!

EM: ¿Puedes hablarme de vuestros estudios, los Boxroom Studios? ¿Qué bandas han grabado allí?

Chris: Los Boxroom Studios (www.boxroom.se) son de mi propiedad y soy yo mismo el que los opera. Después de tocar en varias bandas y girar por todo el mundo cuando era joven decidí, después de tener una con mi mujer a una temprana edad, que no podía mezclar la vida en una banda que gira continuamente con mi vida personal y privada siendo padre y viendo crecer a mi hija. Por eso decidí dejar de girar y empezar a trabajar en mezclar como productor, compositor, músico e ingeniero de sonido.

Durante diez años estuve trabajando como productor / ingeniero de sonido/ compositor para otros estudios y para varios artistas suecos de todos los estilos, desde Metal hasta Pop y producciones para televisión.

Empecé con mi propio estudio, los Boxroom Studios, hace unos cinco años y esto me permite trabajar en más proyectos y con más bandas / artistas. También empecé la parte de productora dentro de Boxroom llamada Boxroom Productions en la que trabajo con televisiones comerciales, animaciones 3D y efectos visuales para televisión y producciones cinematográficas, radios comerciales y producción de video clips para bandas.

Takida, la otra banda de Tomas, y con la que he trabajado en cosas varias desde 2006 grabó su ultimo disco, "The Burning Heart", en Boxroom Studios y lo produjimos entre la banda y yo.

EM: ¿Estáis (Chris y Tomas) involucrados en otras bandas?

Tomas: Yo estoy en Takida (www.takidamusic.com) y tengo una banda de Skatepunk llamada Blowball (http:// se.myspace.com/blowballband/music) junto a otros miembros de Takida y Corroded.

Chris: Yo estaba en un proyecto con la vocalista Sarah Jezebel Deva (Cradle Of Filth, Therion etc) que se llamaba Angtoria (angtoria.com). Angtoria funcionó durante un tiempo pero la falta de tiempo de algunos de sus componentes hizo que lo dejáramos. Ahora Sarah y yo seguimos trabajando juntos en otro proyecto que será editado bajo otro nombre.

También ejerzo de productor de otras bandas entre las que está Takida, la otra banda de Tomas.

EM: ¿Os gustaría añadir algo más?

Chris: Seguid informados de todo lo que acontece en Dreamstate en www.dreamstate.se Allí lo encontrareis todo sobre Dreamstate. Gracias por apoyarnos!

DREAMSTATE SON: CHRIS REHN – Guitarra, bajo, teclados y programación TOMAS WALLIN– Guitarra, bajo TOMMY LEVIN– Voz ELYZE RYD– Voz DISCOGRAFÍA: EVOLUTION—Ep—2012

Salva Rubio (Madrid, 1978) se inicia en el Metal Extremo en 1992, al descubrir la música de Celtic Frost, y once años después realiza un trabajo académico titulado “Breve Historia del Metal Extremo”, para el reputado musicólogo Luis Gracia Iberni. Tras otra década de música, investigación y documentación, lo que iba a ser su tesis doctoral se convierte en Metal Extremo: 30 años de oscuridad (1981-2011). Salva es blogger en www.librometalextremo.com, cofundador de MetalExtremeShop (www.metalextremeshop.com) y vocalista de The YTriple Corporation (www.ytriple.com). Es licenciado en Historia del Arte, y trabaja como guionista. (www.salvarubio.info).

POR HELENA BOGUNYÀ

Y

DARKANA KAT

El pasado 27 de Enero del 2012, Salva Rubio estuvo en el Museo del Rock presentando su libro Metal Extremo: 30 años de oscuridad (1981-2011). Tuvimos la oportunidad de hablar con él y poder realizar una muy interesante entrevista, que podéis leer a continuación.

EMPIRE MAGAZINE (EM): ¿Que te impulsó a escribir un libro sobre el Metal Extremo? ¿La idea surgió de un trabajo académico que realizaste en la Universidad?

SALVA RUBIO (SR): Sí, efectivamente. Esto sería el año 2003. Si no recuerdo mal, yo estaba haciendo 5º de carrera en Historia del Arte. Tenía un profesor que se llamaba Luis Gracia Iberni, era un musicólogo bastante prestigiado y tenía una manera muy subgeneris de enseñar. La anécdota que recuerdo ahora es que en el examen de fin de curso nos puso una canción de Anastasia. Después de ver durante todo el año música clásica, al final nos pone un tema pop, no para identificar ni nada, sino para desarrollar un poco qué hay de musical en ello. Entonces, hablando con él, viendo que era así, fui a vacilarle un poco: SR: - Bueno, Luis, esto del metal extremo ¿Sabes lo qué es?

Luis Gracia (LG): No, ni idea.

SR: Pero si eres musicólogo...

LG: Pues no tengo ni idea.

SR: Pues te voy a hacer un trabajo y me subes nota , ¿Qué te parece?

LG: Pues bueno, tú házmelo, a ver qué tal lo haces.

SR: Fue un trabajo breve, una cosita que tengo por casa, muy poca cosa, pero me lo pasé muy bien haciéndolo y a partir de ahí pensé que se podría hacer algo más grande. Entonces, los años fueron pasando y Luis me propuso ampliar ese trabajo y editarlo. Incluso se habló de que podría ser una tesis doctoral. Pero él murió poco después... entonces, ahí se quedó la cosa... Yo me olvidé un poco del proyecto.

Seguí recopilando información y documentación y pensando en ello ,pero nunca como algo de: “¡Voy a hacerlo ya!”. Fue hace no mucho (creo que fue al final del 2009) cuando dije: “Mira, o lo hago ahora, o no lo hago”. En esa época estaba volviendo un poco todo el rollo éste del metal, que yo diría que desde finales de los 90 no estaba tan fuerte como estaba siendo ahora otra vez, y poco a poco fui viendo que era el momento, así que tuve la oportunidad y dije: “Voy a escribirlo”. Y nada, me lié, me lié y ya está.

EM: Como historiador, guionista y cantante, ¿Qué tipo de enfoque te interesaba tratar en el libro? ¿Cuáles son los principales objetivos de tu libro?

SR: Lo tenía muy claro: formalista, porque eso no se ha estudiado. Es decir,

abundan los libros que normalmente están escritos por periodistas sobre historia del Rock en general, historia del metal o anécdotas. Son periodistas que, con todo el respeto hacia su profesión, han estado muchos años siguiendo a bandas, siguiendo discos y como críticos-periodistas saben contar una historia. Pero hablamos de música. Ellos normalmente te cuentan la historia de los grupos, de sus anécdotas, sobre las cosas que les han pasado, pero no se especializan, como puede hacer un historiador, en la forma musical: de dónde viene todo esto, cómo evoluciona, cómo se dividen las ramas... Entonces yo me ceñí expresamente a ese enfoque. Es decir, voy a coger sólo la forma: cómo suena el Metal Extremo en un principio y porqué va adquiriendo esta variedad de influencias, porqué va cogiendo diferentes sonidos y, especialmente, cómo se ramifican. Hasta que llegamos a la actualidad con una variedad de grupos impresionantes de lo que era en principio. Si escuchas Venom, nadie diría que Arcturus podrían llegar a partir de Venom y, sin embargo, hay una línea casi recta.

Así, lo que no había era un estudio metodológico. Hay muchos estilos y, una de las cosas del Metal Extremo, es que la gente se pierde con los estilos: que si funeral Doom, Death Metal... Los grupos inventan sus propios estilos, los periodistas inventan otros, la gente se inventa otros... A mí, como historiador, me parecía que hacía falta más. Por ejemplo, el Renacimiento, el Barroco, etc. siempre has sabido más o menos que hay ciertos elementos que unifican todo y así es más fácil que la gente lo aprenda (aunque luego siempre hay otras escuelas que puedan decir: “Pues yo lo veo de otra manera”). Pero hay que buscar una escuela de la que partir. Entonces a mí lo que se me ocurrió que podía ser interesante era partir de lo mínimo e ir buscando el número mínimo de variedades, porque todo el mundo puede poner las mil etiquetas a todo, pero quería ver si realmente todos los grupos podían encajar en un número muy reducido de etiquetas. Así, por ejemplo, el Black Metal, que es una de las cosas mas variadas que hay, al final quedó en: Black Metal Clásico, Death Black, Black Noruego, Black Sinfónico y Black Melódico. Y conseguí, sin forzar, que todos los grupos, de manera natural, cayeran en un estilo u otro. Bien es verdad que todos los grupos evolucionan a lo largo de su existencia, por eso mi intento fue: “Vamos a ver qué comporta o qué otorga un grupo en un primer momento”. Después su evolución ya es una cosa distinta. Es decir, Arcturus empiezan como un grupo de Black realmente Sinfónico, empiezan así, aunque luego se meten en la

vanguardia, pero si empiezan así, los metemos en lo Sinfónico porque es el inicio, de donde parten.

EM: ¿A quién va dirigido este libro? ¿Sólo a seguidores de Metal Extremo? ¿O esperas que alguien que escuche otro estilo de música (jazz o música clásica, por ejemplo) lo pueda llegar a comprar?

SR: Todos los autores quieren que su libro lo lea todo el mundo posible, cuanta más gente mejor, pero soy consciente de que este libro tiene dos públicos principales. Uno muy obvio es el público Metal. Es decir, no existía un libro de este tipo antes de que yo lo escribiera y por eso hay un interés: qué tiene que contar esta persona, qué aporta, en qué nos va a ayudar a entender, a clasificar. Pero por otra parte, también me gustaría que hubiese (llegado el momento, porque estas cosas no son directas) un cierto interés por el mundo académico. Es decir, ayer contesté una entrevista en la revista alemana LEGACY, donde una de las preguntas era: ¿En España, tal y como en el Reino Unido, Irlanda, Suecia, Suiza, Alemania y Austria, hay congresos académicos de musicología relacionados con el Metal? Esa era la pregunta. La respuesta obvia era: en España hay un cierto prejuicio cultural de lo que llamamos el mundo académico contra este tipo de música. Yo puedo entender hasta porqué, es decir, nadie se lo ha explicado. Hay muchos expertos en Rock, muchos expertos en Pop, hasta algún periodista que trata de estos temas y que se atreve con el Heavy Metal más clásico, pero no hay ningún periodista, o vamos a decir, ningún académico en este caso, que se atreva a meterse en este huerto. Yo entiendo que es muy difícil ya que son 30 años de historia y si digamos que, de repente, un musicólogo aprende o se entera que existe un grupo llamado Gorefest, o que hay un grupo llamado Venom, que son buenos grupos porque tienen una música interesante, el problema es que se perderían: es un bosque muy oscuro, por decirlo así. Una de mis ambiciones u objetivos de este libro, es que una persona del mundo académico, más lista que yo, más inteligente que yo o con más experiencia que yo en lo que es hablar de música, se interese y vea que esta música pueden tomársela de dos maneras: o tal y como es, que es como nos la tomamos nosotros; o bien pueden quitar la parte que a ellos les interese menos (la estética, la temática...) y quedarse con la música pura. Cuando escuchas ciertos grupos o ciertos compositores de música contemporánea, ves una serie de texturas sonoras, ves una serie de ambiciones musicales, de minimalismos, de ruidismos, que en el Metal Extremo existen. Si bien no con la intención de ser académicos y tocarlo con una pajarita, existen porque son formas parecidas y a mí eso me parece una coincidencia suficientemente interesante como para explicar porqué ni la música Clásica Contemporánea ni el Metal Extremo son populares (a la gente normal no llega).

Terminando de contestar a tu pregunta, no creo que el público normal y corriente coja este libro y se lo lea, pero sí que espero que de aquí unos años esto sea un estilo de música que, igual que en países como en Finlandia, Suecia o incluso Alemania, sea una música mejor vista y entendida como algo con calidad.

EM: En tu libro comentas que éste está más centrado en la música que en los músicos y que en este libro se habla de música y no de hechos extramusicales. Consideramos que la música puede ser considerada como objeto de estudio desde perspectivas muy diversas pero que es difícil comprender una música tan sólo a través de sus sonidos. Creemos que para entender una realidad musical debemos tener en cuenta el producto musical y también el contexto y todos aquellos mecanismos socioculturales (circunstancias) que hacen posible la creación y realización de ese producto. ¿Qué opinas sobre este aspecto?

SR: Estoy totalmente de acuerdo. Como historiador del arte yo sé que el contexto económico, social, religioso, político, influyen de manera necesaria en cualquier movimiento artístico y por eso hay diferentes escuelas como la historia social del arte, la historia de la estética del arte, la historia de la forma artística... Hay muchos tipos de enfoque y yo tenía que elegir uno. Yo no soy sociólogo, yo soy historiador del arte y bueno, en mi caso, manejo temas de estética, por eso también en el libro hay un capítulo sobre estética. En la estética también entran ciertos temas éticos, pero no soy sociólogo. Pero, por supuesto, pienso que es importante. En Estados Unidos han publicado creo que son dos estudios sobre el Death Metal a nivel sociológico. Sería muy interesante ver cuál es la sociología del Metal o bien en España o bien a nivel mundial. Además es uno de los temas donde más cambia: la forma musical afecta a todo el mundo por igual pero no es la misma sociología de Estados Unidos que la de Singapur (y hay muy buenos grupos de metal en Singapur) ni tampoco la religión. En Irán hay gente que toca metal pero tiene que esconderse para que no les oigan, porque sino les matan o les encarcelan o les torturan. Sería muy interesante que hubiera un sociólogo, como hizo en su día un antropólogo, no recuerdo su nombre, el que hizo el documental Metal: A Headbanger's Journey [NOTA de EM: Se refiere al documental del año 2005, dirigido por Sam Dunn, un antropólogo canadiense de 31 años de edad, quien ha sido un fanático del Heavy Metal desde los 12 años de edad]. SR: Él iba a varios países donde en teoría no esperas que haya metal y te explica cómo es la escena metal de allí. Sería interesante poder hacer eso, pero un poquito más académico.

EM: Hay bandas que no han entrado en tu libro. ¿Qué criterio has seguido a la hora de seleccionar o descartar las bandas?

SR: El criterio ha querido ser científico, pero también ha sido realista. Es decir, es un libro de 612 páginas. A mí me hubiera encantado hacer un tomo de 300 con toda la teoría y otro tomo de 5000 con todos los grupos del mundo, me hubiera encantado, de verdad. Pero teníamos un problema que es que si pasábamos de 600 y pico páginas, el libro iba a subir mucho de precio y es un problema para la gente, y más en esta época. También mi criterio ha sido qué grupos han marcado tendencia cuando han empezado a funcionar. Es decir, es lógico que metas un grupo tipo Darkthrone o tipo Enslaved porque son los que empezaron a crear un sonido. En cuanto a los grupos más actuales, cuanto más venimos en el tiempo, más dificultad hay en saber qué grupos merecen estar o no. Pero no quiero reducirlo a una cuestión de merecer, ya que cualquier grupo que se lo curre y que tenga varios discos en la calle se merece ser recordado, pero no todos los grupos han influido igual en otros. En ese sentido, hay grupos muy buenos, de países perdidos, que son discos maravillosos pero que no han tenido difusión. Por ejemplo, el Metal Extremo Japonés ha tenido muy poca difusión y cuando tú escuchas un grupo japonés como Abigail puedes encontrarte que hay grupos similares que tienen cientos de lanzamientos (miras la lista de lanzamientos y de verdad superan la centena) y dices: “¿Por qué este grupo con más de 100 lanzamientos no lo conoce nadie en Europa?”. No hay distribución suficiente y ni siquiera con Internet hoy en día se hace oír a esos grupos. Entonces hay que tener siempre cuidado. Sí, este grupo es muy bueno, pero aquí lo que estamos siguiendo es una serie de líneas que unen puntos y en un momento dado estos puntos se cortan. Por ejemplo, hay una banda que a mí me gusta mucho y que se llama Molested. Era una banda noruega en la que tocaba Øystein Brun, fundador de Borknagar (eso ya dice que tenían que ser buenos). Molested eran muy buenos, lo que hacían era Brutal Death con sonido de Black Noruego. Eso podría haber creado una nueva escuela, pero nadie lo ha continuado. Ellos sacaron un disco y un mini que tuvieron muy poca distribución y se quedaron ahí. Molested tenían la calidad y tenían la innovación como para hacer una nueva rama, pero nadie la ha seguido. Así que hay grupos que se quedan ahí y cuanto más nos venimos en el tiempo, exponencialmente, más grupos hay y al haber más grupos, más difícil es elegir. Por eso, yo digo también en el libro en algún momento, que es testimonial.

EM: ¿Has tenido dificultad a la hora de clasificar un grupo en un estilo?

Teniendo en cuenta que los grupos evolucionan y sus diferentes discos pueden calificarse bajo estilos diferentes, ¿qué criterio has utilizado para la clasificación de los grupos? ¿Hay bandas que podrían encajar en más de un estilo?

SR: Terminaron cayendo por su propio peso, es decir, sobre todo si nos ciñéramos a toda la carrera de un grupo sería muy complejo porque hay grupos que cambian mucho, pero mucho, de un disco a otro, y de principios de su carrera. Basta con ver a Amorphis: empiezan haciendo Brutal Death y hoy en día se puede decir que hacen Gothic Metal, pero han pasado por varios puntos. ¿Cómo los he definido yo?. Pues por un lado cogiendo su primer lanzamiento con peso, que en mi caso he elegido el primer lanzamiento en LP. Por ejemplo, Anathema o My Dying Bride empiezan haciendo un Death Metal, un Doom Death bastante rapidillo, pero no los vas a meter en Death Metal porque su aporte real no está ahí. Cuando sacan su primer disco ya se han posicionado. Es decir, un grupo puede cambiar de demo a demo, de maqueta a maqueta, sin ningún problema, nadie tiene un problema con eso, pero de disco a disco ya es otro cantar. Entonces yo les he

dejado caer aproximadamente donde cae su primer disco, a no ser que de manera excepcional, ya que esto no es 100% matemático, hayan sido un hito en más de un estilo. Por ejemplo, Carcass o Death, los he procurado meter donde caía su primer disco porque también es el que refleja tanto sus influencias como su madurez. Es decir, un grupo no graba su primer disco hasta que no está convencido de que tiene algo que decir. Las demos son demos, son maquetas, son: “Bueno, vamos a crear nuestro sonido”. Cuando grabas un disco, ya sabes que tienes algo que decir.

Ese es mi criterio.

EM: ¿A qué crees que se debe la poca bibliografía sobre el Metal, y más sobre el Metal Extremo, que se ha escrito en nuestro país?

SR: La respuesta no la sé. Habría que preguntar a los editores que son los que seleccionan el material. El Metal Extremo en España existe aproximadamente desde el año 90 (cuando aparecen las primeras discográficas y empieza a surgir es en el año 90). La escena no tiene fuerza hasta que no pasan unos años. Yo recuerdo el año 98, por ejemplo, por la cantidad de conciertos que había y por el movimiento Underground. Hasta qué punto la gente que vive estos movimientos tiene interés, capacidad o posibilidades de escribir sobre el tema, es difícil de decir porque estamos hablando de escenas muy pequeñas. Hoy en día creo que estamos en un buen momento, el Metal es popular, está hasta bien visto. Por ejemplo, van a tocar Napalm Death en el Primavera Sound. Estamos en un momento que dices: “Algo está pasando, vamos a aprovecharlo”. Si bien en otras épocas no se ha podido, en esta sí. En el pasado, en España, también ha pasado una cosa que me parece curiosa, hablando de Metal Extremo. En España hay dos escenas, una es la del Heavy Metal y el Rock. Los grupos están ahí, grupos que son más populares o que ves en revistas de Heavy Metal y tienen unos seguidores. Pero luego, en el Metal Extremo, esas revistas, esas discográficas, ese público, no lo comparten, son como subescenas que hasta ahora han estado separadas. Y estas escenas, en cierta manera, se empezaron a unir alrededor del año 96-98, cuando hubo grupos que empezaron a interesar a las dos escenas. Por ejemplo, Children of Bodom empezaron a gustar tanto a los que les gustaba el Thrash y el Black Metal como a los que les gustaba el Heavy Metal Clásico o el Power Metal. Ahí se han creado, con el tiempo, una serie de puntos en común donde estos dos mundos se empezaban a unir. Pero han estado muy separados. Entonces, en los medios de comunicación, el Metal Extremo si ha estado, ha sido en secciones muy muy breves de revistas muy especializadas. Yo, como digo, espero que la cosa cambie. Hoy, por ejemplo, este libro se está vendiendo bien, está gustando, a la gente le gusta y esto es un ejemplo para que otros editores se atrevan. Porque mi libro no sé si ha sido el primero de un autor español, seguro que si nos ponemos a buscar, algo habrá por ahí. Pero digamos que con esta distribución tan buena de la editorial y con este interés por parte de la escena, sí que es un poco el rompehielos. Vamos a ver si la gente que venga detrás, ya cubierto el tema formal, veremos a ver qué pasa. Yo ya he hablado con gente que me dice que está haciendo su tesis sobre la historia del Heavy Metal en España, otro que está haciendo un documental sobre historia del Metal español.

Pues bien, vamos a crear un rollo que las editoriales vean que pueden ganar algo con esto, porque no lo hacen gratis, tienen que ver que va a haber una venta. Y hasta ahora el Metal Extremo ha estado tan escondido que esta gente no se creía mucho qué era esto : “¿Esto qué es? ¿Qué música es ésta o dónde está? ¿Quiénes son?”. Y cuando les enseñas portadas de grupos o logos, vagamente les suenan, dicen: “Sí, me suena, pero no tengo constancia de que eso existe”. Y bueno, si no lo hacen ellos por nosotros, lo tendremos que hacer nosotros por nosotros mismos.

EM: Se ha escrito sobre Metal Extremo pero a menudo de forma polémica y dispersa. ¿Ha sido difícil la recolección del material?

SR: Yo lo he tenido fácil en el sentido de que como es un criterio formalista y no hay libros sobre el tema, he estado aquí haciendo otra vez de rompehielos, es decir: “¿Le hago caso a un periodista o a un crítico sobre qué estilo hace una banda?¿O no?; ¿Hago caso a la propia banda cuando dice: “Nosotros hacemos Unholy Death Black Metal”, o lo que sea?. Si visitas Wikipedia, hay una serie de estilos, pero, ¿Quién ha dicho que eso es así? ¿Quién ha dicho que esto es, entre comillas, científico? ¿Quién ha pasado una prueba de que todo encaja ahí, que es una clasificación válida?. La mía es una propuesta, yo no digo que la mía sea la única válida, ni la más válida del universo. Yo lo que quiero decir es que es una y ahora tiene que pasar la prueba del tiempo. Cuando pase el tiempo se verá si se salen los grupos de estas clasificaciones o si sirven para entendernos. Porque mi criterio he querido que fuera científico, en un sentido botánico, es decir: “Vamos a hacer como hacen los naturalistas, que crean una rama como de Homo Sapiens, Neandertal, etc, y van sacando una serie de ramificaciones”. Unas llegan muy lejos, otras no, y bueno, eso es lo que he intentado hacer yo. Pero en este sentido, por supuesto, he tirado de datos de bibliografía, de la que hay publicada. También me he encontrado libros

que no valían mucho pero, por lo general, si uno se interesa por ciertos aspectos, como las biografías... Por ejemplo, The Choosing Death es un libro que está muy bien. Es un buen libro sobre un momento muy concreto, como periodista lo narra muy bien. Es el momento en que las discográficas majors pensaron en el Grunge, que a todo el mundo le parecía un ruido infernal, pues... ¡Mira cómo lo han petado! Pues, a lo mejor, el Metal Extremo es el siguiente. Querían fichar a Carcass, etc. En su momento murió enseguida porque dijeron: “Esto no va a ninguna parte, esto no le va a gustar a nadie...”. Pero lo narra muy bien, es un gran libro.

EM: ¿Qué tipos de fuentes has utilizado para escribir tu libro? ¿Has hecho trabajo etnográfico?

SR: Sí, en cuanto a entrevistas y demás me lo cargo a la espalda. Si este libro está bien o está mal es por mi criterio. Cada uno aguanta su vela y yo me he tenido que fiar de mí mismo. También hay una tradición oral, no escrita, que es la que yo he tratado poner por escrito. Es decir, toda la vida las cosas no han sido lo mismo. Recuerdo que uno de los primeros discos de Bathory, un fanzinero de esa época lo consideraban puro Death Metal.

En aquella época, sobre todo en los 80, había una serie de términos que la gente intercambiaba porque no estaba muy claro, no había una separación clara entre Death Metal, Black Metal, Doom Metal, etc. Digamos que cada periodista o cada medio quería que se impusiera la suya. Con el tiempo, de manera natural y, digamos que como una especie de lenguaje social, se han ido cerrando ciertas delimitaciones. Todos entendemos por Black Metal Noruego un cierto tipo de sonido. No necesariamente todas las bandas noruegas hacen Black Metal Noruego, pero cuando hablamos de una cierta cantidad de estilos, no sé, habrá grupos o gente que dirán: “Pues este grupo está en Black Metal Melódico, pero podría ser Sinfónico”. Pues bueno, ahí están las fronteras que dan la riqueza. Es decir, no todo tiene porqué entrar en compartimentos estancos, pero si tienes suficientes elementos comunes, nos sirve para hacer un estudio, y luego ya con el tiempo veremos a ver qué pasa.

EM: Tenemos entendido que para la portada del libro habías pensado utilizar alguna imagen del trabajo del fotógrafo Peter Beste, pero finalmente el libro cuenta con la portada del Transilvanian Hunger de Darkthrone. ¿A qué se debe?

SR: Hay dos cosas, una que me parece una portada increíble, eso es cierto.

Es una de las portadas que mejor define este tipo de oscuridad a la que nos referimos. Como emerge Fenriz entre la oscuridad iluminado apenas por unas velas. Este mito desgarrado que tiene es en gran parte lo que nosotros escuchamos, lo que nosotros sentimos. También es cierto que como portada, era una portada de esas que llevas mirando como chaval toda tu vida y dices: “Buf, esta portada me atrae muchísimo”. Pero aparte también por una razón: yo soy, aparte de escritor, guionista (ahora publico una novela) y tengo que saber algunas cosas de marketing. Me preocupan mucho estas cosas porque me gusta que una portada o que una sinopsis de una novela tenga o comunique muy claramente de lo que trata el libro. Entonces, si le quieres decir a alguien que no está dentro de la escena qué es el Metal Extremo, normalmente esta portada habla muy claro (el Black Metal es una estética). Es decir, puedes poner a Darren White de Anathema, puedes poner a Chris Barners en la portada, puedes poner a una serie de personas que la gente conoce mucho, pero es un metalero. Poner una escena de Black Metal sugiere inmediatamente de qué universo estamos hablando.

Esto es así y, hombre, algo tenía que elegir. Estamos hablando de diez estilos, puedo elegir a muchos personajes, pero pudiendo elegir esta portada, que además tiene esta estética tan negra y tan oscura, ésta fue mi apuesta.

Tenía varias opciones. Peter Beste me gustaba porque su trabajo es suficientemente conocido y tiene algunas imágenes icónicas. Lo que pasa es que él podía ceder imágenes para el interior, pero él quería que sus fotos fueran para sus portadas. Yo lo respeté, pero entonces para el interior tampoco, o te mojas o no te mojas. Mi segunda opción era esta portada. Hablé con Paul G. de Peaceville y le expliqué. En principio no sabía muy bien y hablé con él claramente y le dije: “Mira, mi intención es hacer un libro que haga homenaje al Undeground. Yo creo que Darkthrone es una de las bandas que mejor representa este sentido Underground, es el orgullo de estar en la oscuridad”. Y me dijo: “Déjame que hable con la banda”. Habló con la banda y me dijo: “Ok“. O sea que, tan orgulloso y muy agradecido.

EM: En tu libro también aparecen grupos del Metal Extremo españoles

¿Crees que sigue habiendo una cierta mitificación con los grupos de fuera?

SR: No, yo no diría eso. Yo creo que fuera tienen unos medios que aquí no tenemos, es decir, hay varios elementos que han impedido que el Metal español, y el Metal Extremo sobre todo, llegue a donde nosotros quisiéramos que hubiese llegado. Por ejemplo, uno es ageográfico, yo vivo en Madrid. Recuerdo con mucha envidia los años 90 (envidia sana, pero envidia al fin y al cabo) como en Barcelona los grupos venían a tocar: Marduk, Enslaved o Gehenna...una serie de grupos que en los 90 venían a tocar, aunque tocaran en salas pequeñas como Garatge, pero venían. Eran grupos que iban en furgonetas todos pegados y venían en unas condiciones en las que no podían hacerse la distancia Barcelona-Madrid y volver. Entonces, por ejemplo, la escena de Barcelona tiene unas características que las de Madrid le ha costado llegar, y no por la distancia necesariamente, sino por ejemplo, los primeros grupos de Thrash, como los Fuck Off, vienen de Barcelona. Por otro lado, en este país ha habido una dictadura. Hay ciertos elementos y ciertas músicas un poco más malditas, y el Metal parece que ha sido una de ellas. Este es un país católico, todo el tema demoníaco y el tema blasfemo no cae muy bien. Y por otro lado, no ha habido ningún grupo español que nos sirva, digamos, de embajador fuera. Es decir, ningún grupo español ha llegado al mismo nivel que está ahora mismo Gojira en Francia o Tyr en las Islas Feroe Tyr, o Evile que ahora son la gran esperanza del Thrash en el Reino Unido, o Orphaned Land de Israel, o Sepultura en Brasil.

Hay una serie de países que todo el mundo coincide. En Israel hay grupos de Metal, pero no es un país de Metal. Finlandia, Alemania, Suecia sí son países de Metal. Italia esta ahí en el medio, incluso Portugal tienen a Moonspell, que es un grupo totalmente internacional. Pero en España ha faltado ese grupo embajador que hace que la gente diga: “Ostias, en España hay Metal. Vamos a seguir investigando: ¿Qué más hay ahí? ¿Qué nos estamos perdiendo?”. Porque a raíz de Gojira, por ejemplo, en Francia ha salido Dagoba o han salido otros grupos que han interesado internacionalmente por eso. Un grupo más internacional quizás ahora es Angelus Apatrida, tienen mucha carrera por delante, veremos a ver si consiguen ser nuestros embajadores. Ya han fichado por una compañía extranjera, que eso ya es muy muy revelador. Ahora hay que verles ser cabezas de cartel de algún sitio, a ellos o a los siguientes que vengan. Pero, contestando a tu pregunta, hay gente que no se cree que Hellfest un día pueda tener de cabeza de cartel a un grupo español. Hay otros que pensamos que sí, pero hay que trabajar mucho.

EM: La gran mayoría de bandas de Metal Extremo tienen componentes masculinos. ¿A qué crees que es debido? ¿Crees que no hay lugar para la mujer dentro del Metal Extremo?

SR: Por supuesto que hay lugar para la mujer. Aquí también me tengo que ir a mis tiempos mozos cuando la escena era mucho más pequeña y había poquísimas chicas, poquísimas, poquísimas. Pero, sin embargo, todos veíamos con curiosidad a Jo Bench, la bajista de Bolt Thrower, vamos, la gran dama del Death Metal para todos. Esa era la prueba de que efectivamente claro que podían haber chicas, pero no sabíamos porqué no venían a los conciertos, no estaban ahí, no estaban con nosotros y no sé porqué. Sinceramente lo desconozco y no quiero meterme en razones socio-ecónomicopolítico-religiosas. No lo sé, pero sí que es cierto que yo como persona que ha vivido unos años de esto he notado una grandísima diferencia cuando Angela Gossow empezó a cantar en Arch Enemy. No era una chica que estuviera detrás. En España teníamos a Sonia, ahora mismo es la batería de Fermento y en su día era la batería de Unnatural, una banda gallega de

hace muchos años. Sonia era la prueba viviente de que podía haber una chica en España tocando metal y nada menos que a la batería en un grupo de Death Metal. Pero yo recuerdo el cambio que fue ver a Angela Gossow, una mujer que, como vocalista que además soy, admiro muchísimo, ver con qué fuerza y con qué carisma está en un escenario y puede cantar. Eso inspira. El Metal inspira a la gente, por lo general, inspira valentía, inspira la sensación de que no estás solo, inspira muchas cosas buenas relacionadas con el poder, el poder que uno tiene, y esta mujer yo creo que inspira a muchísimas chicas a ello. Luego hay grupos (los quiero separar) grupos de Metal Sinfónico donde hay chicas, como Simone Simons en Epica, que cantan muy bien, pero estas chicas lo que tienen es una formación clásica.

Parte de lo que tiene el Metal es que son gente y son músicos autodidactas.

Los berridos que pega Angela Gossow son completamente autodidactas y si escucháis los 2 grupos donde ella tocó previamente (uno era Mistress y el otro no lo recuerdo muy bien) era más bestia todavía. Y esto es algo que inspira porque, una cosa que tiene el Metal, es que cualquiera puede hacerlo, no por fácil sino porque otros lo han hecho y en esta sociedad lo puedes conseguir. ¿Y las chicas pueden? ¡Por supuesto que pueden! ¡Ojalá que hayan, cuanto más pase el tiempo, más! Y os invito a vosotras a que seáis las siguientes.

EM: (risas) Salva, muchísimas gracias por tu tiempo y por la entrevista. Que vaya muy bien la presentación del libro de esta tarde.

SR: Está aquí Javier de Castro (JdC), es el editor del libro, si le queréis preguntar alguna cosa... Javier, me preguntaban si creo que saldrán más libros de Metal Extremo en España. Javier, ¿Qué les decimos?

JdC: A ver esto es un negocio así que, normalmente, cuando un tema tiene potencial comercial, hay que apoyarlo. En España no hay mucha cosa, es un terreno bastante virgen, entonces hay que aprovechar. Nosotros con el libro de Salva hemos hecho una apuesta. Yo era un territorio que desconocía completamente. Entonces he creído un poco en que era una oportunidad de sacar un primer libro español muy bueno y en eso estamos.

EM: Por el momento parece que la cosa va muy bien con las ventas, las presentaciones...

SR: Que os lo diga Javier, que tiene datos...

JdC: Lo desconozco, la verdad es que yo tengo la buena o mala costumbre de no meterme en el tema de ventas, yo soy el editor del libro.

EM: Pero con la difusión que está habiendo, como responde la gente...

JdC: Bueno, un dato bueno ha sido, por ejemplo, la venta on-line, directamente a la editorial. El libro está funcionando bien. La venta on-line es significativa relativamente. También lo que es importante luego es que, cuando ya pase unos meses, que te hayan llegado encargos. Por ejemplo, de latinoamérica nos llegaron bastantes peticiones, entonces hemos mandado bastantes libros. Hay que ver si eso se convierte luego en ventas, pero bueno, estamos ilusionados.

SR: Aquí tienes dos posibles futuras autoras, son las dos musicólogas y por el momento ya están haciendo un par de trabajos relacionados con el Metal.

EM: Uy, no corras tanto (risas) JdC: Una de las características de mi colección es que trabajo básicamente con autores nacionales y hemos descubierto muchos autores de primer libro.

SR: Pedirle la tarjeta.

EM: (risas) ¡¡Muchas gracias!!

POR XELL

No siempre resulta fácil entrevistar a las bandas el mismo día del concierto pero si además le añades que puedes entrevistar a dos de golpe del calibre de Alcest y Les Discrets la empresa se torna faraónica aunque en este caso los astros estuvieron de nuestra aparte. Esto fue lo que nos contaron a su paso por Barcelona el pasado mes de febrero...

EMPIRE MAGAZINE (EM): Muchas gracias a ambos por sentaros a contestar mis preguntas. Primero iré a por Neige y luego a por Fursy (risas). Bueno, antes de nada, felicidades por “Les Voyages de l’Âme”. En conjunto es un disco que me ha gustado mucho más que “Ecailles de Lune”.

NEIGE (N): Vaya, muchas gracias.

EM: En “Souvenirs d’un Autre Monde” nos hablas de las experiencias que tuviste cuando eras un niño sobre otro mundo. Luego en “Ecailles de Lune”, el disco es mucho más agresivo y oscuro porque decías estar pasando un mal momento. Siguiendo esta evolución, ¿qué hay detrás de “Les Voyages de l’Âme”?

N: Bueno, todos los discos, a excepción quizás del Ecailles, tratan sobre lo mismo, este otro mundo.

Pero en este último disco es un poco distinto, lo he querido hacer de otra forma. Sabes, me gusta usar la imagen de los singles para explicar el concepto, pero esta vez es en otro formato de canciones. Aunque sigue siendo lo mismo. Se trata de moverse, evolucionar, al mismo tiempo que yo evoluciono como ser humano.

Y creo que en este disco he llegado al tope y lo he hecho lo mejor que puedo en este tipo de música. Las letras son más precisas que nunca, directas al grato, no estoy intentando buscar una forma de decir algo. Y en cuanto a la música, he extraído todo lo que he hecho en los anteriores discos y… bueno no es que haya hecho un “best of”, pero algo así. Y no tengo nada más qué decir.

EM: ¿El hecho de que hayas llegado al tope es lo que te hará cambiar el estilo en el próximo disco?

N: Sí, un poco.

EM: ¿Puedes adelantarme algo sobre esos cambios?

N: Que será mucho menos “metal”, segurísimo. Quizás trabajaré con instrumentos de música clásica… Bueno, siempre tengo los mismos hábitos a la hora de componer pero quizás para el disco nuevo… en fin, simplemente buscaré otro camino, nuevos instrumentos, alguna colaboración con otro músico.

EM: ¿Tienes alguien en mente?

N: Sí.

EM: Pero no lo vas a decir…

N: No. (risas) FURSY (F): ¡Yo lo sé! ¡Yo lo sé! (risas) EM: ¿Podemos decir entonces que “Les Voyages de l’Âme” ha cumplido tus expectativas?

N: Sí. Sí. Claro. Habría algunas cosas que cambiaría y las volvería a hacer, pero es como con todos los discos. Por ejemplo estoy muy orgulloso de la composición del Souvenirs, porque dediqué mucho tiempo a la escritura y a la música, pero la producción es muy pobre. Así que cambiaría la producción sin dudarlo. Cuando le cuento esto a la gente ellos me dicen “No no, no puedes cambiar la producción, es algo que forma parte del proceso y tu evolución”… Yo no estoy muy de acuerdo.

EM: Bueno, la producción del Souvenirs no me impide disfrutarlo al 100%, así que no le veo necesidad de cambiarle nada… (silencio) Vale. No nos vamos a poner de acuerdo. Tengo entendido que tu propósito tras Alcest es hacer que los que escuchamos tu música seamos capaces de sentir lo que tú experimentaste hace años, ¿no es así?

N: Sí, y es muy difícil, porque es algo que me cuesta explicar y describir, tan solo con algunas letras… Y es por eso que considero que tanto el artwork, como las letras, como la música, deben ir al mismo nivel, porque quiero dar a la gente pistas para que lo puedan entender lo mejor que puedan. Porque si te quedas solo con la música o las imágenes… Está bien, pero algunos pueden pensar que se trata de black metal mezclado con algo de post rock bla bla bla o lo que sea. (Fursy se destornilla de risa) EM: Una de mis preguntas era sobre el hecho de que la gente diga que

Alcest es shoegaze. Intuyo que no estás muy feliz con ello (risas).

N: ¡Sí, joder! Estoy harto. Cuando compuse el primer disco no tenía ni idea sobre este tipo de música. Y más tarde, cuando descubrí grupos de shoegaze, gracias a Fursy, como Slowdive, la que creo que es la mejor banda del mundo (risas) pude entender a que se refería la gente. Pero al principio yo no conocía este género por lo que difícilmente podía inspirarme en él.

EM: ¿Por qué decidiste que Alcest fuera tu proyecto personal después de sacar la demo, en vez de crear un proyecto nuevo para tus inquietudes y seguir haciendo lo que hacías en la demo?

N: La demo fue un completo desastre. Es horrible. Prácticamente un accidente (risas).

Era un crío de quince años al que solo le gustaba el black metal y quería hacer nada más que black metal. Pero luego me di cuenta que quería hacer algo más así que lo cambié absolutamente todo. Dejé el nombre porque Alcest suena bien.

F: Esto es muy gracioso para la gente que se pregunta el significado de “Alcest”.

N: Sí. Seguramente si se hubiese llamado “Dark Forest, Frozen” o algo así lo hubiese cambiado (risas). Realmente “Alcest” es un nombre que es perfecto para el grupo.

EM: ¿Qué le dirías a alguien que va a escuchar Alcest por primera vez en su vida?

N: Uffff… Que es como los elfos del Señor de los Anillos haciendo un grupo de rock.

EM: ¿Perdón? (risas) N: Sí, esta es la mejor manera de explicarlo.

Cuando salen elfos en la película, si tuvieran una guitarra, y tocaran música, sonaría Alcest. (NDR: aquí servidora no supo qué replicarle a Neige. Nunca volveré a ver El Señor de los Anillos de la misma forma…)

EM: Antes has dicho que para disfrutar al completo de Alcest tienes que fijarte tanto en las letras, como en la música, como en el artwork. Pero también has dicho que no puedes explicarlo ni describirlo, ¿cómo haces para que Fursy te entienda y sepa plasmarlo en sus diseños?

N: Porque nos conocemos desde hace muchísimos años, él me conoce perfectamente.

F: Cada pequeño detalle… (risas) N: Y cuando decidimos ponernos a trabajar en el nuevo artwork de Alcest hablamos muchísimo, bebemos, fumamos, es una gran tormenta de ideas. Tratamos de conseguir buenas ideas, luego Fursy empieza a hacer algunos bocetos.

F: Los cuales están en el libro que he publicado.

N: Y cuando él tiene finalizados los bocetos, le digo que lo haga, y él lo hace solo por su cuenta, mientras yo lo observo y le digo “Sí sí, eso está perfecto.

Me encanta. Sigue así.” (risas) F: Pero esto no es ninguna regla, puede cambiar en el futuro. Para algunas bandas es posible que no esté siempre inspirado, pero para Alcest siempre lo estoy. Pero habrá algún día que no lo esté y no sé qué pasará entonces.

De momento estamos sacando unos diseños muy bonitos, pero no siempre será así. Por ejemplo, las fotografías promocionales que ha sacado Alcest las ha hecho Andy, el cantante de Soror Dolorosa.

EM: Tengo entendido que prefieres crear música que no tocarla en directo.

N: Totalmente cierto.

EM: ¿Qué te hizo decidirte a transformar Alcest en una banda de directo?

N: Porque creo que toda música debería ser tocada en directo. Por la forma de ver del ser humano, para ver a los músicos tocando lo que han creado, como lo hacen, y la pasión en el escenario. Para mí no hay música “sólo en directo” o “sólo en estudio”, hay que mostrar ambos lados.

EM: ¿Y cómo consigues mantenerte estable durante el tour?

N: Porque soy una persona muy organizada. Me voy a la cama temprano…

Qué estoy diciendo. (risas) En Alcest cada uno tiene su propia forma de vivir una gira, pero para mí esto es lo más importante en mi vida y no quiero fastidiarla, así que no me importan cosas como el Rock’n’roll y toda esa mierda.

EM: Ahora que ya has hecho tantos conciertos y que ya ha pasado un tiempo, ¿cuáles son tus recuerdos y como viviste esa primera experiencia de tocar en directo? Me gustaría saberlo dado que estuve allí presente.

N: Vaya, eso es genial.

F: ¿Qué? ¿En serio? ¿Viniste desde España?

tos, la forma en la que veo al mundo, sobre la marcha, mis miedos, mis ansiedades…

EM: Sí, si no recuerdo mal éramos como 11 personas de Barcelona, y allí conocí a algunos que habían venido desde Madrid.

F: ¿Tanta gente? A veces me cuesta creer la repercusión que tuvo ese evento. Recuerdo que hubo gente hasta de los Estados Unidos.

N: Por supuesto es un bonito recuerdo que jamás podré olvidar. Fue nuestro primer concierto, y recuerdo que hice alguna que otra metida de pata (risas). Por suerte las cosas han ido mejorando.

EM: ¿Y cuáles fueron tus últimos pensamientos de Septiembre?

F: ¿Cómo?

N: Está haciendo una broma sobre el título de vuestro primer disco.

EM: Moviéndome a algo más personal. ¿Puedes escoger el mejor y peor disco de 2011?

F: ¿Preguntas también por el peor?

EM: Sí. Luego te lo preguntaré a ti también, pero tú lo tienes fácil, estuviste envuelto en el peor…

F: ¿Qué?

EM: Me refiero al último de Morbid Angel.

F: Ufff, vaya susto me habías dado. (risas) N: El mejor para mí fue el nuevo de Sólstafir. Y el peor… no lo sé. He escuchado miles de barbaridades sobre el nuevo de Morbid Angel, pero he preferido no escucharlo, así que no puedo ofrecer una opinión propia.

EM: Bueno, ahora vamos a dejarte a ti un rato y vamos a pasar al turno de Fursy. Hoy va de felicitaciones, porque realmente me ha gustado mucho el nuevo disco de Les Discrets. No hace ni una semana que ha salido, ¿has leído ya alguna impresión o reseña?

F: Se filtró un par de días antes de la salida oficial, y durante esos días estuve leyendo comentarios, pero desde la salida oficial no he podido leer mucha cosas, ya que o bien estaba ensayando, preparando el tour o ya había empezado la gira. Pero todo lo que he ido leyendo han sido buenos comentarios, creo que de momento no he leído ninguna opinión nefasta. Bueno, admito que una (risas).

EM: ¿Qué se encuentra tras “Ariettes Oubliées”?

F: Trata sobre la pérdida, la pérdida de uno mismo, la muerte… y sobretodo del luto, cuando estás de luto por alguien. Habla sobre el momento de la muerte… en verdad este álbum es un poco la respuesta al primero. Bueno, no es que responda, es que es el siguiente paso. El primer disco trataba sobre alguien que se estaba yendo y sobre quién temía a la muerte, y el nuevo álbum es la misma persona que ya está muerta y por lo tanto ya no es miedo a la muerte, si no que ya sabemos realmente lo que es.

EM: Casi todas las letras hablan sobre la muerte, básicamente sobre el miedo a morir. ¿Está esto basado en tus propias experiencias?

F: Sí, totalmente. En Les Discrets estoy hablando solo sobre mis sentimien-

EM: Gracias por la explicación.

F: Oh! (risas) La verdad es que después de ese disco, le tenía menos miedo a la muerte. Va a sonar un poco a cliché que lo diga, pero haciendo mis pinturas, mi música, estoy hablando sobre mis sentimientos, y esto tiene alguna influencia en mi persona y hace que borre algún mal recuerdo.

N: Es algo catártico.

F: Sí, exacto. Por lo que podría decirse que estos fueron mis últimos pensamientos en Septiembre (risas).

EM: Este va a ser tu primer tour con Les Discrets, ya que anteriormente solo habíais hecho un par de conciertos durante el verano. ¿Cómo te sientes estar encima del escenario con tu propia banda?

F: Me siento genial. Incluso hoy, que fue realmente horrible para mí. Cuando estoy tocando con Les Discrets me gusta poner a todo el mundo y sobre todo a mí a dar lo mejor de cada uno. Pero todos estos problemas son debido a la puta tecnología, fue un maldito problema con la electricidad y esas cosas. Por lo que normalmente me siento muy cómodo en el escenario, muy contento de conectar con la gente, ver sus reacciones, llegar a hablar con ellos… Creo que esta música realmente es la forma de expresarse de un artista, lamentablemente no en días como hoy.

EM: ¿Por qué Audrey Hadorn no está girando con vosotros?

F: Por culpa del trabajo. No puede tomarse 16, 17 días de vacaciones así como así. Es una pena, pero bueno…

EM: Sé que Neige está bastante cansado de que le pregunten esto, y es por eso que no le pregunté nada a él, pero no sé tu opinión sobre el fin de Amesoeurs. Sé que él opina que es fácil hacer sentir a la gente triste, y es por eso que prefiere Alcest, y la nostalgia a la melancolía. ¿Cuál es tu opinión sobre todo esto?

F: Ehm… En algunas cosas estoy de acuerdo, pero creo que depende del enfoque.

N: En el caso de Alcest es muy especial.

F: Sí, porque creo que Alcest fue algo conocido por una especie de necesidad de melancolía, igual que Amesoeurs. Pero Les Discrets tiene mucho de ello, por lo que no puedo decir que es fácil hacer música melancólica. Mi música es mucho más desesperada.

N: Me gustaría aclarar que en la entrevista que traté este tema, me estaba refiriendo a Alcest solamente. Cuando creamos Amesoeurs precisamente lo único que buscábamos era melancolía. Hacer algo realmente oscuro y melancólico, por lo que por supuesto me gusta.

EM: ¿Y no echas de menos hacer este tipo de música?

N: Ahora mismo no.

F: Yo sí (risas).

N: Ah, te refieres a Amesoeurs? Claro, era un buen grupo.

F: Hemos estado hablando de esto mucho últimamente. Sobre volver a hacer todo esto.

N: Pero no. No va a pasar.

EM: ¿Ni siquiera para un par o tres conciertos exclusivos?

F: Uhm… para unos pocos, bueno, se podría, pero siendo honestos… hay un 1% de posibilidades de que pase (risas).

EM: Bueno, quizás nos podamos conformar, no sé, que la próxima vez, ¿en vez de tocar una canción de Amesoeurs tocaras dos?

F: Eso es más probable (risas).

N: Sí, pero luego en la siguiente entrevista nos dirás, ¿Y por qué no tocas tres en vez de dos? ¿Y por qué no cuatro? (risas) EM: Aquí me has pillado… (risas) Volviendo más a tu faceta como artista. ¿Qué es más fácil para ti? ¿Transformar tú música en una imagen, o transformar una imagen en música?

F: Creo que transformar las imágenes en música es mucho más difícil, porque no soy un buen músico, técnicamente hablando.

Porque no entiendo de acordes, teoría, solo estoy tocando por instinto y sentimiento.

Transformar la música en imágenes es… prffff es lo que hago cada día, por lo que no puedo decir que no sea fácil (risas).

EM: ¿Puedes explicarme un poco qué hay detrás de tu corto animado “Tir Nan Og”?

F: Va sobre el luto, otra vez.

N: Y otra vez, y otra, y otra… (risas) F: Va básicamente sobre aceptar el hecho de que alguien ha muerto.

EM: ¿Entonces el ser que viene a buscar la abuela es realmente la muerte?

F: Sí.

EM: Y si es la muerte, ¿cómo es posible que la niña lo esté abrazando?

N: Porque se trata de su abuelo.

F: Sí, exacto. Para mí en el momento en que se quita la máscara, es su abuelo que había muerto. Pero es una historia bastante abierta, no me gusta hacer cosas muy concisas.

Me gusta que la gente imagine e interprete lo que hago todo el rato. Es mi manera de hacer y no me gusta… eh… cómo lo explico.

No me gusta hacer las cosas claras.

EM: Vamos, qué cada uno interprete lo que quiera.

F: Efectivamente.

EM: ¿Y sobre el vídeo de la canción “Clawmaster” de Ghost Brigade?

F: Fue el primer vídeo musical que hice nunca. En verdad ellos habían contactado conmigo por primera vez unos dos o tres años antes de que se hiciese este vídeo, pero era un poco complicado debido a mi tiempo y que estaba muy ocupado. Además de que hacer un vídeo de esas características era algo caro por lo que se descartó la idea. Pero luego volví a ellos otra vez, que estaría muy feliz de hacer el proyecto si aún era posible. Se hizo en seis semanas, por lo que fue algo muy intenso y difícil, porque aunque tuviera un par de personas conmigo haciendo los dibujos de soporte, toda la animación y en definitiva todo el trabajo, caía sobre mí y bufff, fue muy duro. Pero estoy muy orgulloso de él y creo que ha quedado realmente bien.

EM: Ahora que estamos hablando sobre tus

trabajos visuales. Esta pregunta va a ser un poco fan, pero debo hacerla (risas). Tengo entendido que tu estudio de vídeo se llama “Viva Emptiness”. ¿Tiene esto algo que ver con el disco de Katatonia?

F: ¡Por supuesto! Se trata de una banda que me encanta y admiro mucho, y ponerle Viva Emptiness a mi estudio es una especie de dedicatoria, hasta se le podría considerar una declaración de amor (risas).

F: Aaaah, ¡no lo sé! (Fursy mira hacia atrás, donde ve al cantante de Sopor Dolorosa recogiendo unas cosas). Oh, claro, por supuesto. ¡Me encantó el disco de Soror Dolorosa! Es un poco raro que lo diga porque estamos tocando con ellos, pero es un gran disco. Definitivamente me quedo con “Blind Scenes”. Y el peor…

N: Va a decir “Les Voyages de l’Âme”, lo sé.

EM: ¿Necesitas estar en un estado de ánimo particular o sitio concreto para poder crear tu arte? ¿Quizás tienes alguna musa que te inspire?

F: Eh… creo que básicamente todos mis mejores trabajos han sido hechos de noche. Por ejemplo siempre que estoy trabajando con Stephan (NDR: Nombre real de Neige) prácticamente siempre es de noche. Así que creo que las mejores ideas y conceptos me vienen de noche, la portada de “Ariettes Oubliées…” fue hecha muy muy muy de noche. Yo estaba intentando hacer algunas portadas y me fui a la cama con el pensamiento de “Has fallado en lo que estabas intentando hacer” y me estaba quedando dormido y de golpe me desperté y necesitaba dibujar, aunque no sabía muy bien qué. Y me puse a hacer la portada a eso de las 5 de la mañana. No pasa muy a menudo, pero a veces me llega la inspiración así, como con la portada del disco de Amesoeurs, fue muy especial también, cuando la hice estábamos completamente borrachos (risas).

EM: No se lo daré por válido, es de 2012 (risas).

F: No lo sé, de verdad.

N: No escuchamos discos malos.

EM: ¿Podrías nombrarme alguno de tus artistas favoritos y que más te han inspirado?

F: ¡Por supuesto! ¡Tengo muchísimos! Me gusta Jean Bauer, Toulouse Lautrec, Klimt…

EM: Oh! Klimt es de mis favoritos también. Adoro “El beso”.

F: Me alegro. Y bufff… tengo muchos muchos pintores más que decirte.

Básicamente victorianos, ilustradores suecos, eh… el tardío siglo XIX y el principio del siglo XX. EM: De acuerdo, y ahora, tal como le pregunté a Neige. ¿Puedes escogerme el mejor y peor disco de 2011?

F: Bueno, creo que el mejor fue…

N: No digas el de Morbid Angel solo porque estuviste envuelto, eh? (risas) F: No no... eh… de todas formas nunca llegué a escucharlo. Ah… Es una pregunta difícil.

N: Yo la contesté. A ver, ¿qué has escuchado este año?

EM: Vaya qué suerte tenéis, yo no sé si es malo un disco hasta que lo he escuchado. Y este año pasado escuché varios que no me gustaron nada.

N: ¿Ah sí? ¿Cómo qué?

EM: Creo que ya ha quedado claro que el de Morbid Angel (risas). Eh, el de Blackfield fue realmente decepcionante. No sé, el de Forgotten Tomb tampoco me gustó nada.

N: Pero, a ver, Forgotten Tomb es música para adolescentes. ¿Cómo es posible que alguien como tú esté escuchando eso?

EM: ¿Perdona?

F: Mira que cara se le ha quedado. (risas) N: Por favor, es música en plan “Oh, estoy tan triste, soy tan miserable” (Neige pone voz ridícula mientras hace ver que se corta la muñeca).

EM: Vale. Mejor que no veas entonces la camiseta que llevo…

N: Mejor que no.

F: ¿Qué llevas?

N: Una de Lifelover. ¿Te lo puedes creer?

F: ¡Uf! Eso es un claro ejemplo de una banda que no me gusta para nada.

Para mí es solo mierda, no música.

N: Es peor que Forgotten Tomb.

F: Es que no es música, es alguien gritando y haciendo “eeeeeerg”.

EM: No creo que esté muy de acuerdo contigo en esto…

WINTERHALTER (W): ¿Tampoco te gustan Shining?

F: No, no. Los respeto, pero es un tipo de música que no me atrae.

N: Se puede hablar sobre miseria y tristeza de una forma mucho mejor.

Hacerlo de la forma en la que lo hacen Lifelover, por ejemplo, es algo muy

fácil.

F: Realmente todo esto de cortarse y oh sí, la gente ve tu sangre caer y … bla bla bla. No es música.

EM: Bueno, ahora no se corta en los escenarios, muchas veces usa sangre falsa, de animal y esas cosas.

F: ¿Le has visto sus brazos? Sí, claro, en su intimidad puede hacer lo que quiera, pero ya no hace de eso un espectáculo.

N: En su defensa debo decir que hizo muy buenos discos. Seguramente te referirás al Halmstad o el The Eerie Cold.

W: Y el EP. No te olvides de Submit to Self Destruction.

F: Eh. Un momento. Shining me gusta. ¿No estábamos hablando de Lifelover? Sí, pero aquí tu batería te preguntó sobre Shining, y tú contestaste que no… (risas).

F: Oh, pues vaya. Shining me gusta, sí sí. No me gusta fasforf o fasfras o como se llame, no recuerdo su nombre, pero me gusta su música (risas).

EM: Kvarforth, se llama Kvarforth (risas).

F: Lo siento, no soy un gran fan del black metal (risas).

EM: Bueno, las últimas líneas son para vosotros. Podéis añadir lo que queráis.

F: ¡Oh! Lo siento, siento mucho lo de esta noche.

N: Es lo único que él quiere decir. Siento lo de esta noche (risas).

Chica Random: Al principio de la noche estuviste hablando en español. ¿Por qué?

N: Porque solía hacer español en el coliego. Pero solo sé un poquito.

EM: Creo que la has entendido mal… Te está preguntando esto porque, bueno, por razones políticas, hay gente que no está muy contenta con el gobierno español, ella es una de esas personas…

N: Ah, sí, lo sé. ¿Pero estamos en España no? Pensé entonces que debía intentar hablar un poco el idioma. No lo estás arreglando… (risas) CR: No no, tendrías que haber hablando en catalán.

N: De acuerdo, de acuerdo. Olvida esto. Mira, ya no sé hablar español, ni una sola palabra. (risas) EM: Perdona su reacción eh, no todos somos así, pero bueno, la próxima vez podrías decir “bona nit” en vez de “buenas noches” (risas) N: Ahora entiendo porque nadie reaccionaba cada vez que decía algo en español… Y yo que pensaba que os iba a impresionar. Realmente es extraño para mí, yo no puedo diferenciar una persona de Madrid que una de aquí solo porque no hablan catalán, no sé…

F: Yo estuve mucho mejor, y pese a que mi actuación tuvo fallos técnicos, yo dije “Hola Barcelona” (risas) N: Pero a ver, todos somos humanos. Tú no desprecias a alguien solo por no hablar catalán… ¿Entiendes lo que digo, verdad?

EM: Claro, eres tú que no la has entendido a ella (risas) F: Pero yo saludé bien, ¿verdad? Pues yo hablaba en el nombre de los dos (risas).

N: No obstante, disfruté mucho esta actuación, vi al público muy contento y entregado a mi música.

EM: Me alegro. Muchas gracias a ambos por vuestro tiempo. Sé que tenéis que estar cansados después de vuestra actuación.

N: Gracias a ti.

F: Gracias a vosotros por vuestra paciencia durante mi actuación.

EM: Espero que mañana puedas dar un buen concierto en Madrid. Y no olvides tocar “Après l’Ombre” la próxima vez que vengas.

N: ¿Es tu canción favorita? Mira que no tocar su canción favorita… (risas) EM: Tú tampoco tocaste mi canción favorita del último disco.

N: ¿Cuál es? Por favor, no digas Faiseurs du Monde… ¡Es la peor del disco! Todo el mundo me dice esta canción. No lo entiendo. Es un tema muy sencillo de hacer. Realmente la debería haber quitado del disco. ¿Por qué la dejaste entonces? No lo entiendo.

N: Cuando hago música no puedo decidir si es bueno o es malo, simplemente lo hago.

F: ¿Es por qué es una canción que compusiste hace tiempo?

N: No no, qué va. Pero bueno, digamos que prefiero canciones como “Autre Temps”.

EM: Bueno, ahora sí, muchas gracias.

N: A ti, recordaré saludaros propiamente la próxima vez.

ALCEST + LES DISCRETS + SOPOR DOLOROSA 12/02/2012, SALA APOLO 2, BARCELONA

De todos los conciertos ya anunciados para 2012, sin duda el que más esperaba era el de la tríada francesa formada por Alcest, Les Discrets y Soror Dolorosa. La cita tenía lugar en la [2] de Apolo, cosa que ponía muy feliz a servidora, ya que solía tener muy buen sonido. Entré en la sala pasada la hora de apertura de puertas y pude observar como las primeras filas ya estaban llenas. Conseguí hacerme un hueco hasta segunda fila y resté impacientemente a que Soror Dolorosa dieran el pistoletazo de salida. No tardó en salir un grupo con aires a lo Bauhaus, que me recordaban más a Alemania que a Francia, y si se me permite la comparación, el cantante Andy Julia me recordaba a una mezcla entre Mario Vaquerizo y un conocido dj de una discoteca gótica de la ciudad. Empezaron con “Crystal Lane”, uno de los pocos temas que conocía de la banda, y sorprendentemente lo interpretaron con un buen registro vocal y una muy buena puesta en escena. Pero pese a esta entrega por parte del grupo, pocos entre el público responderían de la misma manera –sin embargo pude llegar a ver a un par que era evidente que solo habían venido por ellos y lo daban todo sin importarles el resto—y a lo largo de la actuación a mí se me hicieron muy pesados. No es que no me guste el género, ni que el concierto no estuviera siendo correcto, es que creo que, por muy fan que fuera Neige de Soror Dolorosa, no era un cartel para ellos. Ellos se merecen tocar ante un público fan de Fields of the Nephilim o Joy Division, no de alguien que estaba pensando continuamente en “Necesito ver a Les Discrets de una vez” –sí, hablo de mis pensamientos—.

Tras unos 40 minutos de actuación, minuto arriba, minuto abajo, Les Discrets empezaron a montar su material y a preparar su concierto. La formación era más que curiosa, porque el segundo guitarra y el bajista para los directos, no eran otros que Zero y Neige de Alcest respectivamente. Todos salvo Winterhalter, iban vestidos elegantemente y más o menos conjuntados, con un chaleco y una camisa, muy acorde al ambiente de su reciente estrenado “Ariettes Oubliees…”. Ansiosa estaba por oír las primeras notas de la guitarra de Fursy, cuál fue mi sorpresa al empezar a sonar “L’échapée” y descubrir que el sonido estaba siendo pésimo, con acoples y arreglos que iban y venían constantemente. Una canción preciosa viéndose empañada por la mala suerte del principiante –estamos hablando de una banda que realizaba su primer tour y que anteriormente tan solo había realizado dos conciertos el pasado verano—y es que a Fursy le falta mucho rodaje sobre el escenario. Él, ante todo, muy amable y cercano, pidiendo disculpas y atribuyendo a su persona los errores del concierto. Parecía que habían solventado el error, pero cuando continuaron con “Les Feuilles de l’Olivier” los problemas con el micrófono y la guitarra continuaban. Tras una pausa en la que tuvieron que usar hasta música de fondo para no enfriar el ambiente, por fin resolvieron el dichoso problema técnico mientras que Fursy volvía a darnos las gracias y a disculparse por todo ello. Realmente se le notaba en la cara lo mal que lo estaba pasando. Menos mal que consiguieron retomar el vuelo con “La Traversée” seguida de “Le Movement Perpetuel” y “La Nuit Muerte”, temas más que correctamente elegidos de su segundo álbum. Cabe decir que toda la atención caía sobre Fursy y Zero, ya que Neige se mantenía en un segundo plano y debo decir que Winterhalter sabe lucirse mucho mejor en Alcest –yo creo que este chico necesita un grupo donde meter mucha tralla, porque manco precisamente no es—. Debido a que los problemas de sonido se habían comido bastante tiempo, Fursy nos comenta apenado que no hay tiempo más que para un solo tema, y que por haber sido tan pacientes con él, nos da a elegir el tema para cerrar, “Song for Mountains” del disco debut o “Gas in Veins” de la desaparecida banda Amesoeurs. La respuesta del público fue clara y Fursy se alegró mucho de haber escogido “Gas in Veins” para tocarla. No es mi canción favorita de Amesoeurs ni mucho menos, pero que tocaran otra canción sin la voz de Audrey Sylvain era impensable. Que hablando de Audrey’s, es una pena que la propia Audrey de Les Discrets no pudiera realizar la gira debido a incompatibilidades laborales, aunque cabe decir que Zero fue un buen substituto a la voz femenina. Así daba finalizada una actuación más que agridulce, en la que eché en falta “Après l’Ombre” y sobretodo que Les Discrets hubieran sido capaces de dar su actuación en unas condiciones mejores. Una verdadera pena, pues era el grupo que más ganas tenía de ver. Fursy nos dio nuevamente las gracias por haber sido un público tan paciente y nos volvía a pedir disculpas por el desastre, prometiendo que volverían y darían un concierto como se merece. Espero que no tarden mucho.

Sin hacer prácticamente cambios, Alcest salieron al escenario, esta vez con un Zero y Neige mucho más de estar por casa, aunque Neige llevaba un collar –con una pluma de… ¿pavo real?—muy acorde a las fotos promocionales de “Les Voyages de l’Âme”. Al haber podido asistir al primer concierto que dieron Alcest por allá el 2010 en Rumanía, pude apreciar lo bien que le ha sentado el gran ritmo de conciertos que tuvieron los franceses este pasado 2011. Cuando los vi en el Madrid is the Dark del 2010, no noté apenas cambio entre una actuación y otra. Neige seguía siendo frío y distante, no estaba cómodo encima del escenario y apenas articulaba palabra. Sin embargo aquí presentó el concierto, introducía los temas y ¡hasta sonreía! A algunos os puede parecer una chorrada, pero una actitud más positiva de Neige hizo que el ambiente del concierto fuese mucho más próximo y cálido, haciendo que el viaje a las experiencias a ese otro mundo del que nos habla Neige, fuese mucho más preciso. “Autre Temps” fue la elegida para empezar, aunque con un sonido no muy acorde a la calidad del tema. Seguirían con otra canción de su tercer álbum, “Là oú Naissent les Couleurs Novelles”, donde Neige haría amago de las primeras voces rasgadas de toda la noche. Pero sin duda el concierto empezó a tomar buen color cuando decidieron tocar “Les Iris” seguida del tema homónimo de su último disco. Dos de los mejores temas de sus respectivos discos. Los fans del “Souvenirs d’un Autre Monde” podíamos estar contentos esta noche, ya que interpretarían la mayoría de temas del disco, tales como “Printemps Emeraude”, donde Winterhalter, ahora sí, podía lucirse tanto como quisiera, o la inesperada y tranquila “Ciel Errant”, donde Neige podía deleitarnos con sus voces limpias más nostálgicas. Mi momento favorito de la noche fue cuando decidieron tocar “Ecailles de Lune (part I)” y “Percées de Lumiere”. Pese a que su segundo álbum es el disco que menos me gusta, estos dos temas en concreto creo que es de lo mejor que han hecho Alcest jamás, además de que son temas muy adecuados para el directo. Tras la única canción orientada al black metal de todo el repertorio, los franceses harían el amago de irse y dar por finalizado el concierto, pero eso era imposible. La homónima del debut aún no había llegado y todos la estábamos esperando.

Y como agua de mayo, volvieron interpretando “Souvenirs d’un Autre Monde”, tema perfecto para cerrar los ojos y dejarse llevar por todas y cada una de las emociones que te transmite la música. Ahora sí, con “Summer’s Glory” terminaría el concierto, dejando en el tintero muchos temas por tocar, como podría haber sido alguna de su ep “Le Secret” –que bien en los anteriores conciertos que había asistido de la banda sí habían tocado—“Ecailles de Lune (part II)” y sobretodo, “Faiseurs du Monde”, tema favorito del último disco y que creo que jamás tocarán en directo.

Sobre las once de la noche, la sala se iba vaciando –sala que pese a estar bastante llena, me sorprendió que no estuviera más abarrotada—mientras algunos se acercaban a los componentes de Les Discrets o Alcest, que se mostraron muy amables a la hora de firmar discos o hacerse fotos. Una noche para recordar, que pese a todos los inconvenientes, me dejaron una sonrisa en los labios.

Texto y fotos: Xell

POR XELL

Orphaned Land es sin duda un grupo fuera de lo común. No todo el mundo es capaz de mezclar varios estilos de metal con el folklore del Oriente Medio, y mucho menos, hacerlo con el éxito con el que lo han hecho estos chicos. Más de 20 años de carrera, cuatro álbumes editados y un sinfín de conciertos y festivales a sus espaldas… ¿vale la pena hablar con ellos, no? Y eso hicimos, con motivo de su segunda visita a España como cabezas de cartel, Yossi, guitarrista del grupo, fue tan amable de responder a todas nuestras preguntas, y debo decir que lo hizo, con una simpatía impagable. Originalmente teníamos prevista la entrevista con Kobi, cantante de la banda, pero al parecer prefirió quedarse bailando (sí, sí, bailando) en las pruebas de sonido de sus compañeros de cartel.

Empire Magazine: Muchísimas gracias por tomarte tu tiempo y contestarnos la entrevista.

Yossi: ¡De nada! (NDR: Contestando en español con una sonrisa de oreja a oreja) EM: Tengo entendido que hoy es la tercera fecha del tour.

Y: Sí, es la tercera.

EM: ¿Qué tal está yendo de momento?

Y: Bueno, bastante bien. El primer día tuvimos unos cuántos problemas técnicos (NDR: Concretamente se quedaron sin luz y Orphaned Land interpretó algunos temas a capella o en acústico fuera de la sala para sus fans, todo un detalle, la verdad) pero internamente en el grupo las cosas están genial. El cartel de la gira es simplemente perfecto, de hecho es la primera vez en todo el mundo donde se hace un cartel con solo bandas de metal del Oriente Medio. Esto para nosotros es un gran triunfo.

EM: Sí, claro, por todo lo que comporta hacer esta música en estos paísos. Como gran triunfo también podríamos añadir vuestro último DVD, ¿no? ¿Cómo fue volver a trabajar con alguien como Steven Wilson?

Y: Bueno, el trabajo con él siempre va genial. En el caso del cd nos hizo la mezcla y para el DVD además de algunos arreglos incluso participó en el escenario. Para nosotros esto es una gran experiencia porque tras 20 años hemos conseguido realizar un DVD. Y además está muy bien producido. Algunos incluso nos han dicho que el sonido es mejor que el del disco. (risas) EM: ¿En serio?

Y: Sí, bueno, es que nos ha quedado muy bien. Teníamos 17 cámaras grabando, incluso una cámara en la guitarra para grabar los solos. Muy guay, la verdad.

EM: ¿Qué más podemos encontrar en él?

Y: Bueno, en la edición especial vienen dos cds, uno en el cual viene un documental extenso sobre la banda y sus 20 años de historia. Muy recomendable de ver.

EM: Intentaré conseguir una copia después (risas). Hace ya más de un año desde vuestro “The Neverending Way of ORwarriOR”, ¿es éste el disco del que os sentís más orgullosos?

Y: Bueno, probablemente “ORwarriOR” haya sido nuestro álbum más exitoso. En aproximadamente año y medio hemos recibido miles de reseñas de todo el mundo, Europa, Estados Unidos, América del Sud, Japón, Turquía… Las giras han sido geniales y mucha gente venía a hablar con nosotros y a decirnos que les encantaba el disco, por lo que estoy seguro que podemos decir que el disco ha sido un gran éxito.

EM: Si me permites ser un poco la oveja negra aquí, pese a que me gusta muchísimo “ORwarriOR”, creo que me sigue gustando más “Mabool”, fue el primer disco que escuché de Orphaned Land y lo encuentro muy especial. Tiene un toque mágico que no he sabido verle a “ORwarriOR”.

Y: Bueno, para muchos sigue siendo así (risas). En lo que a mí respecta, llevo desde los inicios en la banda, soy uno de los principales compositores, quien hace los arreglos y siempre que voy a componer algo, intento no pensar en lo qué he hecho antes, sino en lo que es correcto de hacer ahora. Sabes, mucha gente aún viene y nos dice que nuestro mejor disco es “Sahara” del año 94 (risas). Hemos mejorado mucho desde entonces, no me digas que el mejor disco es de ese año (risas). Pero claro, el primer disco que escuchas de una banda, siempre se te queda más marcado en tu alma, es algo muy distinto y no se puede luchar contra ello.

EM: ¿Y quiénes son esos “Warriors of Light” que tanto se nombran en el disco?

Y: ¡Por supuesto eres tú! (risas) Son nuestros amigos, familiares, cualquiera, todo el mundo. Una buena persona. Quién cada mañana se levanta y va al trabajo. Alguien que no ha herido ni se ha dejado herir por otra persona. Básicamente, alguien de corazón y honesto.

EM: ¿Qué relación hay con el libro de Paulo Coelho, “The Manual of the Warrior of Light”? ¿Fue vuestra inspiración?

Y: En realidad la inspiración no vino del libro de Paulo. Todo empezó cuando empezamos a interesarnos por el concepto de luz, que en hebreo tiene un significado muy espiritual y mitológico, y más unido a la palabra guerrero, así que cuando empezamos a investigar sobre ello, dimos con este libro de Paulo. Así que lo descubrimos después, nosotros no sabíamos de su existencia (risas). Este concepto lo encontramos en el judaísmo, y realmente siempre hemos usado el concepto de un guerrero de la luz luchando contra la oscuridad. Si te fijas en el título de nuestro álbum del 96, “El Norra Alila”, “eln or” significa la luz y “rra alila” el guerrero luchando contra la noche. Así que podemos decir que este disco trata también sobre el guerrero de la luz. Pero el concepto de libro de Paulo se ajusta a la perfección. Un guerrero que siempre revisa sus experiencias que le ayudan a conocerse mejor y tratar con la vida en mejor manera.

EM: Recuerdo con mucho cariño vuestro último concierto aquí en Barcelona, fue un gran concierto y muy largo. ¿Qué podemos esperar esta noche diferente a aquél concierto?

Y: Antes de nada, el de hoy es también un concierto como cabezas, así que espera como mínimo hora y media de concierto también. Pero lo más especial, y como ya he dicho antes, son nuestros invitados en este tour. Arkhan, que son grandes amigos nuestros y con los que habíamos girado anteriormente, y Myrkan, que pese a ser la primera vez que giramos juntos, son unos grandes chicos. Personalmente, me alegra mucho ver como este tipo de música por fin se está haciendo un hueco y

abriendo camino hacia la gente. La verdad es que tenemos la suerte de que siempre hemos girado con grandes bandas.

EM: Ahora que nombras eso, en concreto hubo una gira por la que hubiese matado para que se hubiera hecho en Europa (risas) donde girasteis con dos de mis bandas favoritas, Swallow the Sun y Katatonia. He visto un montón de fotos y videos sobre esa gira, y en concreto hay uno que me encanta donde estáis actuando vosotros y los chicos de Swallow the Sun salen disfrazados de camello, otro con un turbante y encantando una serpiente (risas). Me moría de la risa viendo ese vídeo, de verdad.

Y: Oh, realmente esa fue una gira muy divertida y la que recuerdo con gran cariño.

Vale, esta aún no ha terminado, pero hasta el día de hoy, esa ha sido la mejor gira que hemos hecho nunca. ¡Nos lo pasamos genial! Recuerdo que durante la canción de Katatonia, nos pusimos a coger las baquetas del batería, y a tocarla nosotros. Y uno de los chicos de Swallow the Sun salió todo empapelado con papel de wáter, y un cartel que ponía “Ikea”. Brillante (muchas risas) EM: Este año habéis cumplido 20 años como banda, creo que viniendo de donde venís es algo grande, por lo que, felicidades. ¿Qué puedes contarme de la escena, hace 20 años, en el Oriente Medio?

Y: Bueno, la escena hace 20 años era, obviamente, muchísimo más pequeña, creo que ha sido el boom del internet la que la ha ayudado más, también creo que Orphaned Land ha contribuido mucho a la escena ya que fuimos la primera banda en conseguir el éxito en Europa, tocar en grandes festivales, hacer muchos conciertos… y esto es algo que aún sigue hoy día. Ahora hay nuevos artistas e incluso yo estoy empezando una carrera en solitario, y entre los artistas invitados se encuentra Marty Friedman. Es más un álbum de rock, bueno, también hay algo de metal, es una mezcla de estilos, también folk del Oriente Medio. No se parece a Orphaned Land, pero definitivamente reconocerás mi guitarra, aunque en mi proyecto en solitario no estoy limitado al metal y puedo hacer de todo, así que suena muy diferente.

EM: Volviendo al tema de vuestro carrera, ¿cómo ves la evolución desde los inicios de la banda, hasta ahora?

Y: Bueno, el principio no fue nada pero nada fácil. Pero en general, estar en una banda es como estar en una relación, incluso si estás con una persona que está de bajón, bueno, si habéis visto la película “Metallica: Some Kind of Monster” diréis “Wow, pasan estas cosas en un grupo de música?” Y sí, pasan (risas) Por suerte nosotros no somos así, pero puedo entender y relacionar las cosas que pasan ahí, 20 años juntos pasando mucho estrés juntos, muchas semanas de gira… llegas a la conclusión de que no es nada fácil… pero en mi opinión, estar en una banda es lo mejor que se puede hacer en el mundo. Creo que es la lengua número uno para unir a la gente.

EM: ¿Qué grupo te hizo decidirte a ser músico? Vamos, que estuvieras escuchando un grupo y dijeras “¡Oh dios, quiero hacer esto!”

Y: Prácticamente lo decía al segundo que escuchaba una banda nueva (risas).

Bueno, al tocar muchos estilos de música diferente, básicamente, todo, jazz, blues, góspel, rock, metal, música progresiva… Quería hacer de todo, pero básicamente por diversión, porque amo la música. Por decirte unos nombres, desde Dead Can Dance a Joe Satriani o At the Gates.

EM: Volviendo otra vez a la escena en el Oriente Medio, ¿cómo están las cosas ahora mismo? Te pregunto esto porque he leído sobre casos de gente que ha ido a prisión por escuchar vuestra música, o por ejemplo Melechesh, que tuvieron que salir de su país para poder ser músicos.

Y: Sí, evidentemente ahora la escena es mucho más grande y son capaces de afrontar desafíos. En el pasado, hubo bandas en el Oriente Medio en general, y Israel en particular, pero hoy hay muchas más bandas, sobre todo gracias a que internet ayuda a llegar a mucha más gente, pero los desafíos son totalmente nuevos y diferentes. Por lo que una vez que empieza la gira, tienes que tratar con temas como visados, y no es fácil para una banda de Oriente Medio, por ejemplo Orphaned Land querría tocar en muchos sitios, pero no podemos… Solo podemos ir a Turquía y países musulmanes, nos gustaría ir por ejemplo a Sudai, Kuwait, sitios que sabemos que hay gente a la que les gustamos, pero no podemos hacer nada.

Personalmente colaboro con la escena underground, recientemente he grabado las guitarras principales y solos para una banda de Kuwait, y por ejemplo en mi proyecto en solitario he incorporado músicos de Japón o Grecia, para dar a conocer la música a todas partes, porque creo que ahora es un mundo pequeño. Y todo el mundo está contribuyendo unos con otros y es algo que encuentro muy bonito.

EM: ¿Cómo es un concierto de Orphaned Land en vuestro pueblo natal?

Y: Es una celebración (risas). Gente saltando, riendo, cantando todas las canciones, siempre hay sold out… Mirar nuestro último DVD es la mejor forma de entender como es un concierto en nuestro país.

EM: ¿Por qué os tomó tanto tiempo sacar ORwarriOR después de Mabool?

Y: Básicamente fue mi culpa (risas). Hasta hace dos años estaba trabajando en una empresa dedicada a los ordenadores, y bueno, aunque la mayoría de nosotros estábamos ocupados, si bien es que yo solía hacer la mayoría de las composiciones. Y claro, toma mucho tiempo crear música, conceptos… Pero renuncié al trabajo y en estos dos últimos años hemos hecho más que en 18 años (risas). Ahora mismo ya estamos trabajando en lo que será el nuevo disco de Orphaned Land y supongo que saldrá en un año o así.

EM: Menos mal, porque la siguiente pregunta era si íbamos a tener que esperar otros 6 años para un nuevo disco (risas).

Y: Ahora las cosas son más sencillas, además creo en mi música y en lo que soy capaz de hacer con ella, porque tengo una mujer y dos hijas a las que criar y alimentar.

EM: ¿Y ahora mismo puedes sustentarlas solo con la música?

Y: Antes era muy difícil, pero hoy en día, sí, puedo. Estaré produciendo algunas bandas pequeñas, también estará mi proyecto en solitario… Vamos, haré lo mejor que pueda.

EM: Permíteme que te felicite, porque creo que eso es sueño de muchos y no todo el mundo es capaz de poder sobrevivir solo de la música.

Y: ¡Gracias! Voy a dar lo mejor de mí.

EM: Ya sé que hace muchos años del Mabool, pero no tuve la oportunidad de preguntaros entonces y es algo por lo que tengo curiosidad. ¿Por qué elegisteis el concepto del Arca de Noe para ese álbum?

Y: El concepto de Mabool empezó cuando vimos al mundo tal y como está ahora y vimos exactamente lo que vio Noe en aquel tiempo. Nuestra tierra se estaba viniendo abajo, separándose, con guerras y gente haciendo lo que no es correcto. Ahora mismo abres los diarios, ves las noticias, y lo primero que ves es odio, desgracias, gente haciendo daño a otras… Y así empezó ese concepto, cuando llegamos al punto que vimos los hechos de la Biblia reflejados en nuestro mundo actual. Y cuando hicimos nuestra investigación, vimos partes de la Biblia en muchas culturas, frases que encajaban perfectamente con el Naufragio Bíblico y eso nos resultó muy interesante. Fue un gran trabajo el Mabool y estamos muy orgullosos de él.

EM: Bueno, esta es una pregunta que he hecho a toda banda y todas han tenido dificultad para respondérmela…

Y: ¡Yo no! (risas) Aún no sé la pregunta, pero estoy seguro que yo no (risas).

EM: Iba a preguntarte, ¿Qué disco de 2010 consideras que fue el mejor?

Y: Vaya, es una pregunta realmente difícil. Pero voy a decir… “Black Swans and Wormhole Wizards” de Joe Satriani. Es una persona a la que admire mucho, ya que yo también soy un guitarrista y estoy empezando con mi proyecto en solitario. Como anécdota tengo que decirte que cuando estuve trabajando con Marty Friedman, me dijo “¿En serio es la primera vez que haces esto? ¡Deberías haber hecho un disco así hace 20 años!” (risas) Y sí, para mí también es raro haber empezado ahora, pero creo que ha valido la pena la espera, realmente es música distinta a la que he ido haciendo y si te gusta la música de cualidad, te va a gustar. Va a ser algo grande e interesante de escuchar.

EM: Debo decir que has estado genial, porque hasta hoy todo el mundo solía contestarme discos de 2008 o 2009 (risas).

Y: Soy una persona que está escuchando música continuamente. He estado escuchando los últimos discos de las bandas con las que estamos girando, de los grupos que me mandan por internet o de los cds que los fans me dan en los conciertos. Escucho todo lo que me llega. También voy una vez al mes a una tienda de discos que hay en Israel y me llevo todas las novedades de muchos géneros distintos.

EM: La última pregunta que tenía preparada iba para Kobi, pero espero que tú también puedas responderla. ¿Por qué va siempre vestido como Jesucristo?

Y: Ooooh porque le encantan los vestidos (risas). Eso es lo que él diría, porque lo conozco mejor que su madre (risas). En serio, la mayor parte de su vida la ha pasado conmigo. Bromas a parte, Kobi y yo somos compañeros, amigos, y nos conocemos mucho el uno al otro. Pero el concepto del disfraz viene debido a la “trireligion” que llevamos y queremos enseñar a la gente que no importa si tú crees en Jesucristo, Dios, Alá, el judaísmo o en ti mismo, porque es lo mismo. Todos cogemos nuestra inspiración de algo que está en lo profundo de nuestro interior. Solo cambia el nombre, todos creemos en ser buenas personas y en tener cuidado de nuestras personas queridas.

EM: Muchísimas gracias por tu tiempo Yossi, créeme que he disfrutado mucho con esta entrevista y he descubierto cosas muy interesantes.

Y: (risas) Me alegro. Muchas gracias a ti. Un saludo muy fuerte a toda la gente que nos leerá.

ORPHANED LAND SON: KOBI FARHI – Voz URI ZELCHA– Bajo MATTI SVATIZKY– Guitarra YOSSI SA’ARON– Multiinstrumentista SHLOMIT LEVI– Voz femenina

DISCOGRAFÍA: THE BELOVED’S CRY—Demo—1993 SAHARA—Cd—1994 EL NORRA ALILA—Cd—1996 THE CALM BEFORE THE FLOOD—Ep— 2004 MABOOL—cd—2004 SENTENCED / ORPHANED LAND—Split— 2005 ARARAT—Ep—2005 THE NEVER ENDING WAY OF ORWARRIOR—Cd—2010 THE ROAD TO OR-SHALEM—Dvd—2011

POR LADY_DETH De nuevo el Neurotic Death Fest en la 013 de Tilburg, Holanda. Una nueva edición con algunos cambios respecto a 2011, en lugar de 2 días y 2 recintos diferentes pasaba a ser un festival de 3 días y en una única localización. Lo cierto es que en septiembre de 2011, aún sin saber qué bandas iban a formar el cartel del evento, ya tenía entradas, vuelos, hotel y hasta taxista. Volvía a repetir cita pero en esta ocasión no nos desplazábamos el mismo grupo de gente. En cualquier caso, sabía perfectamente que coincidiría tanto con gente de por aquí como con unos colegas alemanes, así que esperaba un intenso y largo fin de semana…

El porqué de repetir a ciegas un festival, sin ser el típico Wacken, es fácil de adivinar: “Death entre amigos” y Poppodium 013, sala única donde las haya. Es perfecta, casi indescriptible, una sala para conciertos, no se trata de una discoteca que se aprovecha para directos como la gran mayoría de las que conocemos, sino a la inversa. Pensada para lo que es y de ahí que el sonido sea espectacular, su estructura permite que hasta una liliputiense como yo pueda disfrutar al 100% de los directos aún siendo una sala con capacidad para 3.000 personas. Principalmente porque el escenario, y quién está en el escenario, se ve perfectamente desde cualquier ángulo aunque delante se disponga de un regimiento de holandeses de dos metros, y este festival estaba prácticamente agotado. A todo ello, tanto el Second y el Third stage con unas capacidades para 200300 personas, no tienen nada que envidiar al Main stage en cuanto a sonido se refiere. En definitiva, un 10 de sala para la audiencia.

Por lo que respecta a servicios, tampoco hay peros. Wi-fi abierta para todo el público, barras por todos los rincones (tomarse una birra hasta sale barato, a 1 munten o, lo que es lo mismo, 2,30 Eur). Sorprende que la sala cuente con un puesto de fast-food a precios populares y que, con la cantidad de público asistente, los servicios estén muy limpios y no sean malolientes, ello se agradece, y más durando el festival tres días.

Además, para los fumadores, dispone de una sala bastante grande para poder fumar y tomar tranquilamente una cerveza mientras por una serie de monitores se puede ir escuchando, con muy buena calidad, quién está tocando ya sea en el Main stage o en el Second stage. Y lo mejor para no perderse nada, pantallas por toda la sala anunciando, en inglés, quién está tocando y quién va a tocar… Gracias a ello nos pudimos enterar el mismo sábado que habían caído Hour of Penace y que eran reemplazados por Centurian! Eso hasta el domingo que inoportunamente dejaron de funcionar a media tarde…

La organización del festival es prácticamente perfecta, buen cartel, precios nada abusivos, mercadillos ubicados por los amplios pasillos de la sala pero, bajo mi punto de vista, hubieron tres puntos negativos. El primero por Fleshgod Apocalypse que merecían tocar en el Main stage al menos 40 minutos y no en el Second stage donde presentaron un set que no llegó a los 30 minutos. El segundo por el adelanto de horarios de Behemoth, desde hacía días estaban publicados los horarios, los programas oficiales repartidos en la entrada del festival, también en inglés, no presentaban modificaciones: a las 9 en punto y les habían asignado 50 minutos. Cuál fue la sorpresa que 15 minutos antes de la hora prevista estaba todo a oscuras y comenzaba a sonar la Intro. Quizás los organizadores, en algún momento de la tarde, repartiesen en la puerta algún folleto anunciando este cambio pero los que ya estábamos dentro no estuvimos informados… Malditas pantallas, justo habían dejado de funcionar a media tarde!!! El tercero por la repetición de innumerables bandas de 2011 en esta edición.

VIERNES 2 DE MARZO Puntualmente, a las 6, comenzaban a sonar los franceses Benighted en el Main stage. Ya habían participado en la edición del año anterior aunque entonces lo hiciesen en una de las salas pequeñas. Buen Brutal Death/ Grind para dar inicio al festival con la difícil tarea de calentar a un buen número de público, media entrada, pero sin demasiada dificultad con temas como Slut o Let The Blood Spill Between My Broken Teeth.

Nada más acabar Benighted comenzaban su actuación Suffering Quota en el Second stage, primera de las bandas holandesas en hacer acto de presencia. Para ser la primera banda en actuar en este escenario ya era difícil acceder al mismo así que dada la dificultad era momento para pasear por la sala y visitar los diferentes stands que, a diferencia del año anterior, estaban todos dentro de la sala, repartidos por cada una de las plantas, incluido el sótano.

A continuación, personalmente, la gran revelación personal del festival, Cerebral Bore, quienes también repetían en esta edición al igual que Benighted, y es por ello que valía la pena aprovechar para verles en el escenario principal puesto que en la edición previa los había pasado por alto.

Ver a una adolescente muy mona con un chorro de voz que más de uno quisiera tener no tiene el menor desperdicio, lo cierto es que la muchacha impacta. Som Pluijmers, junto al resto de la banda, se ganaron al público desde el principio y fuimos unos cuantos quienes aprovechamos para adquirir su único CD, Maniacal Discreation, en su puesto del merchan, de manos de la propia Som. Entre Cerebral Bore y Vomitory pudimos ver a Blasphemer, primero de los grupos italianos en hacer su aparición en el festival, puro brutal death y en cierta manera grupo un tanto curioso. No es muy común ver en escena a todos los miembros de una banda de este estilo compartir, pie de micro delante, parte de la letra en sus temas.

Ya se acercaba el momento de uno de los platos fuertes del viernes, los suecos Vomitory. Al igual que un sinfín de giras que ya no pisan terreno nacional, como la de 2.011 en la que presentaban Opus Mortis VIII, había ganas de Vomitory y qué mejor lugar que en la 013. No disfrutaron del mejor de los sonidos comparados con otros de los muchos conciertos habidos durante todo el fin de semana pero fue un gustazo escuchar temas como Hate In A Time Of War, Blood Rapture, Terrorize, Brutalize, Sodomize, Chaos Fury o Carnage Rages On. La próxima banda en el Main stage era Asphyx pero mientras, en el Second stage sonaban Gorod y, aprovechando para comer algo rápido en el puesto de Fast-food de la sala pudimos escuchar un buen death metal técnico, segundo gran descubrimiento después de Cerebral Bore. Ya no quedaba casi nada y era momento de Asphyx, aún habiéndoles visto hacía poco tiempo en Madrid Is The Dark, sólo por el sonido ya era un buen aliciente repetir concierto en poco tiempo, además el setlist en ningún momento podría ser idéntico al disponer tanto de 50 minutos para su actuación como nuevo disco. Y valió mucho la pena. Los comentarios entre tema y tema de Martin Van Drunen más en flamenco que en inglés pudieron ocasionar que no se disfrutase tanto como en el MITD pero pudimos escuchar Wasteland of Terror, MS Bismarck, Vermin, Scorbutics o Death the Brutal Way y también temas del último trabajo como We Doom You To Death o el propio Deathhammer. Asphyx habían dejado muy alto el listón para los headliners, Napalm Death. Ya sólo quedaban los autodenominados Kings of Grindcore, Napalm Death, cerrando el primer día de festival del Main stage. Ya hace 25 años de su ópera prima Scum y están

CEREBRAL BORE

de 30 aniversario como banda así que en un principio las expectativas eran las de un show centrado en Scum pero se diluyeron nada más comenzar. Estuvimos ante un show diferente, tocando temas del nuevo trabajo que justamente, no hacía ni dos días, acababan de lanzar “Utilitarian” y que no había tenido oportunidad de escuchar previamente.

Independientemente de los nuevos temas, entre ellos Analysis Paralysis, pudimos ver un buen concierto de Napalm Death, quizás no el mejor de los últimos tiempos, la lógica se impone cuando hay nuevo disco y algunos temas antiguos se quedan en el tintero. No fue el caso de Scum/ Human Garbage, Can’t Play Won’t Play, Suffer The Children/Breed to Bleed, Instinct of Survival, y menos aún de la archiconocida versión de los Dead Kennedys y estandarte, Nazi Punks Fuck Off. Al igual que en la edición anterior, después de los cabezas de cartel, tuvimos ocasión de ver un último grupo en el Second stage y el viernes era turno de Sonne Adam pero el día había sido demasiado largo, en pie desde las 5 de la madrugada, el cansancio era patente así que la decisión fue abandonar la sala para dormir un rato, esperaba un nuevo día con muchas más bandas y horarios mucho más adelantados.

SABADO 3 DE MARZO Pasadas las 2 del mediodía habían abierto puertas aunque el primero de los grupos no comenzaría hasta la 3. Empezaba a haber muchísimo movimiento por la sala y al igual de puntual que el día anterior comenzaban los conciertos y salían a escena Psycroptic en el Main stage, otras de las bandas soporte, junto a Leng Tch’e y Dictated, de los norteamericanos Origin quienes aprovechaban el Neurotic Deathfest como final de su gira europea. En los 40 minutos que pudimos disfrutar de su directo, nos presentaron su último álbum The Inherited Repression del que pudimos escuchar el tema de apertura Carriers of the Plague.

Nada más finalizar Psycroptic, en el Second stage, comenzaba la actuación de los belgas Leng Tch’e, segunda de las bandas de soporte de la gira de Origin, y otra de las bandas revelación ya que practican un grindcore con algunos toques melódicos que les da una cierta originalidad, al menos los dos temas que pudimos ver ya que a continuación era el momento de Acheron en el Main stage, uno de los platos fuertes del día, había ganas de ver a Vincent Crowley pues venía exclusivamente para este festival! Lo cierto es que Acheron siguen practicando un buen Black/Death, de hecho tocaron un nuevo tema en la misma línea llamado, por lo que creo pude entender, Satan’s Dominion (o algo similar). En cualquier caso, no decepcionaron, al menos personalmente, pues con Ave Satanas, Godless o, el tema con el que cerraron su actuación, Fuck the Ways of Christ dejaron muy buen sabor de boca a los que estábamos presentes aunque debo decir que el aforo era prácticamente el mismo que el que había habido previamente en Psycroptic.

Después de Acheron, comenzaban en el Second stage los Centurian quienes reemplazaban a Hour of Penace que habían caído el mismo día, nos pudimos enterar de ello por las fantásticas pantallas de la sala pero como no sabíamos de este cambio con antelación y teníamos previsto ver a Origin, aprovechamos que aún era media tarde para picar algo sin tener que salir de la sala mientras Centurian descargaban en la segunda sala, justo al lado del pequeño puesto de Fast-Food, de manera que algo pudimos escuchar. Con esta decisión ciertamente nos equivocamos, deberíamos haber sacrificado a Origin en lugar de Centurian, que también nos

BENIGHTED

ACHERON

los habíamos perdido en la edición anterior del festival, pero es lo que ocurre siempre en los festivales, nunca se sabe. Después del pequeño piscolabis y de nuevo en el Main stage llegaba el momento de los estadounidenses Origin, quienes cerraban gira en el Neurotic. Con todos mis respetos a los seguidores de esta banda, de los cuales me encuentro entre ellos, no puedo decir nada más que aburrimiento y decepción por tres motivos: en primer lugar porque el setlist era previsible ya que iban a tocar bastante del Entity, trabajo que no me acaba de convencer por haberlo grabado sin el cantante de siempre, básicamente, y además ya les había visto en la edición anterior y estaban repitiendo setlist casi al 100%, (Swarn, Saligia, Evolution of Extinction,…), en segundo lugar porque para el tema Staring from the Abyss el nuevo cantante, Jason Keyser, invitó a Som de Cerebral Bore a compartir escenario con él quién textualmente “se lo comió con patatas” y, tercero, porque vimos a la reencarnación de Manowar en la escena Death Metal: entre cantar el cumpleaños feliz a un miembro del crew o perder el tiempo haciendo que la gente se ponga a correr en círculo antes de tocar Swarn, en medio del silencio, sin música, sin luces, sin nada, fue de lo más ridículo. Sólo les faltó pedir a alguien del público que saliese a tocar los primeros acordes del Seek and Destroy con la guitarra y hubiesen hecho triplete del cutrerismo salchichero…

Por suerte en el Second stage comenzaban Beneath the Massacre, otros repetidores de la edición anterior, con la sala a reventar pero con bastante dificultad tuvimos suerte de adentrarnos y escuchar algunos temas como Society's Disposable Son o Our Common Grave antes de dirigirnos de nuevo hacia la sala principal para ver a Morgoth, otro de los grupos que no hacía demasiado que habíamos visto en el MITD. Old School, no hay nada más que decir. 40 minutos sin descanso pero aún dejándose varios temas en el tintero por el escaso tiempo de su actuación disfrutamos inmensamente de los alemanes escuchando Body Count, Pits of Utumno, Isolated o Burnt Identity!

Llegados a este punto la sala principal estaba casi a plena capacidad y poco nos movimos de ella en todo lo que quedaba de festival, sólo quedaban tres de los principales del día: Anaal Nathrakh(!?), Gorguts y Suffocation.

Lo de Anaal Nathrakh aún sigo sin entender demasiado su presencia en este festival. Hasta donde yo llego es una banda de Black Metal que lo último que ha sacado tiene bastantes guiños Grindcore pero no por ello considero que sea un grupo para formar parte de este tipo de festival, de hecho todo el concierto que ofrecieron fue puramente Black y además con un sonido bastante malo para ser la sala que es, aún sonaron más Black en temas como Between Shit and Piss We are Born o Submission is for the Weak y acabando justamente con The Final Absolution.

Después de este momento extraño, el festival retomaba su dirección y estábamos ante Gorguts, quienes venían exclusivamente de Canadá al Neurotic y a quienes había realmente ganas de ver después de haber cancelado el año anterior su actuación en el Hellfest y otros festivales veraniegos. Excelente actuación, corta pero intensa, de unos 50 minutos donde escuchamos temas del álbum Obscura como Nostalgia, The Carnal State o el propio Obscura, sin olvidar sus otros trabajos From Wisdom to Hate o The Erosion of Sanity, tocando dichos temas homónimos así como Orphans of Sickness o Inverted. Lo cierto es que se esperaba que el batería de Origin, John Longstreth, fuese el batería en directo para Gorguts y más habiendo pasado unas horas desde la finalización del concierto de Origin pero no fue así, la realidad es que no pude identificar al batería de sesión pero de todas maneras tampoco fue un hándicap para que la banda ofreciese un gran concierto.

ABORTED

DECAPITATED

A las 10 y media en punto salían a escena los headliners del día, Suffocation, y aunque son una de mis bandas preferidas volvieron a aburrir como llevan haciendo últimamente. Con un sonido tremendamente espectacular y aún haciendo una selección de temas impecable (tenían justo una hora para tocar) donde escuchamos Jesus Wept, Infecting the Crypts, Liege of Inveractivity o el propio Elegy of the Forgotten de su primer trabajo así como algunos temas del tercero de sus largas duraciones, Pierced from Within, tocando también Thrones of Blood o Suspended in Tribulation, Frank Mullen es un peñazo de frontman, no sé decirlo de otra forma. No se puede ser más pesado con sus interminables monólogos, quienes hemos seguido a los “Suffo” sabemos que empezaron muy jóvenes, que han sido fieles a sus inicios, etc., y no hace falta explicarlo en todos y cada uno de los conciertos que dan. Este tipo de intermedios enfrían demasiado la atmósfera y al público, ello convierte un buen bolo en un mal bolo, queremos escuchar su música, sin más, lo demás no es necesario. Y si encima, por sorpresa, esperas ver a Mike Smith que le da ese feeling indescriptible a la batería y está otro, en concreto Dave Culross de los Malevolent Creation que está también muy bien pero no es lo mismo, pues lo que podía haber sido no lo llega a ser, y así acaba.

Después del “mega rallazo” de Suffocation, como siempre después de la última banda del Main stage, en el Second stage había tiempo para un último concierto, en este caso los Abysmal Torment, pero sabiendo que nos quedaba aún un tercer día de festival por delante y viendo que era imposible acceder a la pequeña sala, dimos por concluido el festival y nos movimos para el Little Devil, un pub cerca de la 013, donde también había opciones de ver alguna banda local de Death Metal, así que para allí que nos fuimos y además de seguir escuchando Death Metal pudimos encontrar a miembros de las bandas que habían tocado durante el día, como a Marc Grewe de Morgoth, tipo bastante simpático y algo curioso.

DOMINGO 4 DE MARZO Último día de festival y otra vez puntuales en la 013, como un clavo a las 3 de la tarde, volvíamos a estar en el Main stage, en esta ocasión abrían la sesión Cattle Decapitation, banda norteamericana que desconocía por completo y que me sorprendieron profundamente por practicar un Brutal Death muy técnico, algo progresivo, buena forma de comenzar el epílogo del festival…

Y a partir de ahí iba a ser un no parar y quizás el más intenso de los tres días… Empezando por una de las bandas que me había perdido en su momento en su paso por Barcelona a finales del año pasado, los belgas Aborted. Como casi todas las bandas del Main stage, 40 minutos no es demasiado tiempo para dar un buen repaso a toda su discografía, así que no queda más que conformarse con temas, entre otros, como Global Flatline de su último disco, The Holocaust Incarnate, Sanguine Verses o The Saw and the Carnage Done, canción que puso punto y final a su actuación.

Justo al acabar Aborted, en el Second stage hacían su aparición Nexus Inferis, primera de las bandas en hacer acto de presencia en el NDF como integrantes del Full of Hate Tour, junto a Behemoth, Cannibal Corpse, Legion of the Damned, Misery Index y Suicidal Angels, todos ellos aprovechando el festival para poner punto final a casi un mes de gira por Europa, gira que desafortunadamente ha pasado de largo la Península Ibérica, al igual que otras tantas que no han atravesado los Pirineos… En cuanto a

ORIGIN

Nexus Inferis lo cierto es que es una banda propiamente Black, en ningún caso es Black/Death como puedan ser Behemoth, y se entiende que al formar parte del Full of Hate participasen en el festival pero, en cierta manera, estaban bastante fuera de lugar, como había ocurrido con Anaal Nathrakh el día anterior… De todas maneras Nexus Inferis es una banda prometedora con un buen álbum debut, A Vision Of the Final Earth, y los 30 minutos en el escenario no les fueron suficientes para tocar íntegramente su opera prima.

De nuevo en el Main stage era ocasión de ver, también repitiendo edición, a Decapitated. El año anterior habían actuado en este mismo escenario pero sin bajista, por un problema de salud, y esta vez la banda estaba al completo pero esto no fue excusa para que realizasen un concierto con igual o mayor intensidad al del pasado año. Lo cierto es que su concierto fue, en mi opinión, bastante mediocre y hasta quizás peor del que ofreciesen en 2011. Además Vogg, el guitarrista de la banda, tuvo problemas continuamente con su guitarra y ello afectó en gran medida al resto de miembros que no dejaron de estar pendientes de él durante todo el concierto, no sólo porque sea su líder sino porque transmitían que estaban bastante incómodos con la situación. Algunos de los temas que ofrecieron fueron Winds of Creation, Pest o United y acabaron con Spheres of Madness.

Una vez finalizado Decapitated en el Second stage llegaba el turno de los italianos Fleshgod Apocalypse, y por extraño que pueda parecer en este festival, pasados unos minutos de las 6 de la tarde aparecían los romanos a escena mientras iba sonando la Intro Temptation de su último disco, Agony. Todos ellos siguiendo fieles a la imagen que les caracteriza, vistiendo su atuendo típico, es decir el frac. Sorprende que hasta el batería, Francesco Paoli, quién no tiene un solo respiro durante toda la actuación pueda tocar con dicha indumentaria! Con un setlist centrado en su último trabajo ofrecieron una magnífica actuación durante los 30 minutos que tenían, llevando además a un teclista de sesión para, de esta manera, ser lo más fiel posible al sonido de estudio. A todo ello las voces limpias del bajista, Paolo Rossi, sonaron perfectas. No se merecieron tocar en este escenario tan pequeño y con tan poco aforo, difícil tarea respirar con tantísimo público y otro tanto en la puerta que no podía acceder, y por supuesto porque esta sala secundaria no tiene el mismo sonido que la sala principal, ni tampoco el mismo tiempo en escena. Fleshgod Apocalypse hubiesen podido alargar el concierto hasta los 40 minutos o, lo que es lo mismo, un par de temas más. Particularmente considero que los organizadores no fueron demasiado acertados con la asignación de esta banda al Second stage en detrimento de otras bandas quizás algo menos conocidas que sí lo pudieron dar todo en el escenario principal y hasta con menos trayectoria…

Una vez finalizado Fleshgod Apocalypse todo lo demás empezó a parecer algo así como “soft” metal. Tal fue la impresión de ver a esta banda italiana de altísimo nivel que el resto de bandas no llegaron a superar las expectativas de lo que se suponía era el día “D” del festival. Empezando por Misery Index que volvían a repetir edición al formar parte del cartel del Full of Hate Tour y que además volvían a no repetir Ghost of Catalonia, algo que considero incomprensible ya que siempre la han tocado y ya se la dejaron en 2011. Mientras esperaba escuchar tan esperada canción para finalizar se dio otra situación incómoda, al menos para el cantante Mark Kloeppel, era el día de su cumpleaños, y antes de empezar a tocar el que ya era el último tema, Traitors, le lanzaron una tarta en la cara. Al menos este cumpleaños feliz fue más divertido que el que celebró Origin en la sesión del viernes.

Ya sólo quedaban Legion of The Damned, Behemoth y Cannibal Corpse, y otras bandas en el Second stage, como Blood Red Throne que también repetían esta edición pero después de la decepción personal con Misery Index y sabiendo que podría ver a Legion of The Damned en otro festival veraniego había llegado el momento de reponer fuerzas y aprovechar que tocaban tanto Legion of the Damned como Blood Red Throne para cenar algo en condiciones previo al esperado show de Behemoth. Justo 15 minutos antes de la hora prevista para Behemoth cuál fue la sorpresa/ decepción/cabreo/etc. Al ver que ya estaban Behemoth en el escenario y comenzaba a sonar la Intro!!! Era extraño que Behemoth sólo fuesen a

VOMITORY

GORGUTS

a actuar 50 minutos según lo previsto y por ello no fue extraño que comenzasen antes para poder ofrecer una hora de espectáculo. Ser previsor permitió que pudiésemos ver el set entero pues las pantallas de la sala ya no funcionaban desde unas horas antes y no había habido aviso alguno de este cambio… Tenía muchas ganas de ver a un Nergal totalmente recuperado después de pasar por tan horrible enfermedad pues es digno que aún no estando recuperado al 100% haya podido realizar una gira de casi un mes. Después de haber visto su actuación en el festival sea dicho que da la impresión que esta gira ha sido realizada a medio gas puesto que la mayoría de los temas que ofrecieron fueron de los más lentos y pesados que puedan tener Behemoth. Esto no significa que hiciesen un mal concierto, de ninguna de las maneras, pero estamos acostumbrados a conciertos muy intensos y con mucha “mala leche” por parte de esta gran banda. Al menos pudimos volver a ver a un Inferno haciendo “headbanging” casi todo el concierto, algo lógico al tocar los temas más lentos de su discografía como el tema con el que abrieron Ov Fire and the Void u MORGOTH otros como Conquer All, At the Left Hand of God o Alas, Lord is Upon Me. Algo extraño en su actuación fue que no finalizasen, como de costumbre, con Chant for Eschaton aunque sí es cierto que fue de los últimos temas. En definitiva, la opinión generalizada del grupo de amigos que nos habíamos dado cita en Behemoth es que buen concierto pero MUY lento…

Después de la mi particular decepción con Behemoth sólo quedaban por salir a escena Cannibal Corpse y puntualmente, según el horario previsto, empezaba a sonar Evisceration Plague. En una hora pudimos disfrutar de un buen repertorio con temas como I Will Kill You, Hammer Smashed Face, Demented Aggression, Priests of Sodom, Unleashing The Bloodthirsty, I Cum Blood o Fucked With a Knife. Cannibal Corpse, en una hora escasa, dieron al FLESHGOD APOCALYPSE público la intensidad y la rabia que se habían dejado en casa Behemoth.

Como es habitual, una vez finalizados Cannibal Corpse, en el Second stage aún quedaba una última banda por tocar, Prostitute Disfigurement, quienes también repetían edición… El cansancio ya era muy acusado después de tres intensos días de festival así que no quedaba otra opción que intentar descansar un poco antes de la vuelta a Barcelona…

A las puertas de los cincuenta, Dylan Carlson es ya una figura mítica del rock contemporáneo. Músico de culto y referencia, siempre persiguiendo sus propios fantasmas, el padre del drone doom ha dejado atrás su oscuro pasado para sumergirse de pleno en una gloriosa segunda juventud. La serenidad que confiere la experiencia brilla detrás de los ojos de este peculiar personaje, aunque su constante gesticulación transmite un talante vivaracho. Luciendo una barba digna de concurso prusiano y combinando con entereza traje y tatuajes, Dylan nos recibe muy educadamente en su camerino, unas horas antes de su concierto en Barcelona, para hablarnos del pasado, presente y futuro de Earth.

POR RIDER G OMEGA

EMPIRE MAGAZINE He leído en tu blog que hace poco has estado en Escocia, preparando tu próximo álbum en solitario.

DYLAN CARLSON: Sí, acabaremos la gira el 6 de Abril en Helsinki y entonces volaré de vuelta a Inglaterra. Allí estaré un mes y medio trabajando en mi próximo álbum en solitario. Estaré haciendo grabaciones de campo durante ese tiempo y cuando vuelva a EEUU tendré unos cuantos meses más para componer la música.

EM ¿Dónde harás las grabaciones de campo?

DC: Iré a diferentes sitios donde se han notificado encuentros entre hadas y seres humanos, como círculos dolomíticos y cosas así. Serán una especie de grabaciones ambientales que luego añadiré a la música.

EM Esto de las hadas suena a actividad paranormal.

DC: Sí, son una especie de grabaciones paranormales. Hay un grupo en Devonshire que hace algo similar, lo llaman “grabaciones espectrales”. Consisten en grabar sonidos paisajísticos y luego añadirlos a la música.

EM ¿Colaborarás con ellos o son solo una referencia?

DC: Sí, las canciones del álbum en solitario son viejas canciones folk sobre encuentros con hadas, así que iremos a sitios de Escocia donde supuestamente ha habido algunos, para grabar sonidos ambientales. Todo vendrá incluido en un libro que contendrá información adicional sobre cada canción, y por supuesto todo ese contenido se verá reflejado también en el artwork y en las letras. El pack incluirá también un DVD del viaje.

EM Supongo que para vender un disco hoy en día hay que ofrecer algo más que música.

DC: Sí, claro. Es un proyecto especial. Acabo de editar una cinta a través de la discográfica tapeworm y también voy a hacer una edición en 7 pulgadas para pantalla táctil. Va a ser un proyecto en solitario muy completo.

EM ¿Todas las canciones tendrán que ver con el folklore británico?

DC: Sí, serán unas trece canciones populares sobre el folklore británico.

EM Ya que no se trata de Earth, ¿podemos esperar que haya algunas voces?

DC: Sí, trabajaré con algunas cantantes, sobre todo mujeres. Va a ser un disco muy acústico, pero no te creas que va a ser algo así como “Lord of the Dance” (ambos nos reímos).

EM No estaría mal, para variar.

DC: Sí, probar algo nuevo.

EM No, en serio, tenemos muchas ganas de escucharlo.

DC: Gracias.

EM Volvamos a Earth. Me gustaría que nos dijeras algo sobre la estética de “Angels of Darkness, Demons of Light”. Teniendo en cuenta que hacéis música instrumental, creo que la estética es muy importante a la hora de orientar al oyente.

DC: Siempre tratamos de componer los álbumes de forma coherente; después encontramos un artista que nos guste y le damos la música para que pueda escucharla mientras trabaja en la portada. También le damos los títulos de las canciones para que se inspire; preferimos este método a darle unas directrices muy específicas. Antes, solía tener un buen montón de títulos de canciones escritos de antemano; cuando escribía una canción nueva, sencillamente iba a esa lista y escogía uno. Ahora que somos un grupo, la música llega antes que los títulos, así que nos juntamos en cuanto una canción está acabada, la escuchamos e ideamos el título.

EM ¿Cual es el origen de la inspiración oriental de la portada?

DC: Hmm, es de una artista que me gusta mucho porque es muy folk (la ilustradora norteamericana Stacey Rozich). Usa unas referencias muy extrañas que van desde la tradición finlandesa a la oriental, y es muy buena combinando estas influencias folklóricas. Siempre me han gustado los artistas un poco obsesionados con una sola idea; a todas las ilustraciones que crea, las llama demonios. Creo que me gustó el hecho de que este tema transpirara a lo largo de toda su obra.

EM ¿Así que el artwork y la música siguieron procesos estéticos distintos?

DC: Bueno, ella estuvo estudiando nuestra música mientras hacía la portada.

EM Pero la música del álbum no tiene nada que ver con Finlandia u Oriente.

DC: No. Yo tenía más bien música folk y cosas por el estilo en la cabeza, ya sabes, ese tipo de coyuntura musical. En todos los diferentes países, la música folk tiene el mismo origen, hay un continuum en la música a través de la tradición.

EM Lo digo porque en vuestros álbumes anteriores siempre subyace una estética propia del Oeste norteamericano: cráneos, establos, polvo…; y en cierto modo puedes escuchar todo eso en la música. Así que, después de ver la portada de “Angels…” por primera vez, esperaba encontrar algo de inspiración oriental en las canciones, quizá a través del uso de instrumentos tradicionales japoneses como el gong o el shakuhachi; pero no hallé nada de eso. De modo que empecé a elucubrar todo tipo de extrañas teorías: he leído que hace poco has padecido una rara variedad de hepatitis cuya cepa proviene de…

DC: ¡de Asia, sí! (se descojona) Quizá el virus trataba de expresarse a través del disco.

EM Pero ahora me doy cuenta de que se me fue la mano con el análisis.

DC: Bueno, nunca se sabe… Quizá era una expresión subconsciente de mi material genético.

EM Ahora que tenéis una formación estable, ¿podemos esperar un ritmo constante de lanzamientos?

DC: Bueno, este año ya está todo ocupado entre la gira con Earth, la grabación de mi proyecto en solitario y quizá también haga una gira en solitario en Octubre. El lanzamiento de mi álbum en solitario será el año que viene, así que o bien antes o después de eso, empezaré a pensar en el próximo disco de Earth. Entre “Angels…” y “Bees…” pasaron tres años, esta vez vamos a tratar de tardar menos.

EM En realidad ya habéis tenido un año de ventaja, ya que la segunda parte de “Angels…” ha salido un año más tarde que la primera, aunque ambas se grabaron al mismo tiempo.

DC: Sí, eso me ha dado tiempo suficiente para preparar mi proyecto en solitario y viajar a Inglaterra.

EM Creo que se nota la diferencia entre la parte compuesta de antemano (Angels of Darkness… I) y la improvisada (Angels of Darkness… II). Este hecho me hace pensar en dos cosas: la primera es que, ahora que habéis descubierto que sois capaces de grabar un disco entero sin apenas preparación, ¿supone esto algún cambio de planteamiento?

DC: Hmm… De algún modo, creo ahora que nuestros conciertos se aproximan a nuestros discos más que nunca. “Bees…” tuvo una producción extremadamente suntuosa y, sin embargo, en directo sonaba bastante diferente. Ahora que la industria musical está desapareciendo, los conciertos han ido convirtiéndose en algo cada vez más importante, así que está bien que podamos mantener el sonido de ambos campos tan cerca como nos sea posible.

EM Y la segunda: ¿cómo os las apañáis para tocar en directo algo que en su momento improvisasteis?

DC: Bueno, cambia cada noche. Hay un par de canciones que se mantienen bastante estables, luego están las dos canciones nuevas que hemos compuesto durante la gira, pero las canciones que improvisamos cambian cada noche. Tocamos las canciones del “Angels of Darkness… II” de una forma distinta en cada concierto y suenan muy bien. Bueno, al menos eso es lo que he leído en la prensa, espero que

EARTH SON: DYLAN CARLSON – Guitarra KARL BLAU– Bajo ADRIENNE DAVIES– Batería LORI GOLDSTON– Cello

realmente esté funcionando… (ríe) No, en serio, parece que nos salen bastante bien.

EM Ahora que lo dices, ¿cómo va la gira?

DC: Todo va tan bien que estoy esperando a que en cualquier momento pase algo realmente malo… (mira hacia el cielo, con temor de que en cualquier momento vaya a desplomarse sobre su cabeza). Parece que nuestros espectáculos son bastante populares, de momento todo lo que nos llega son buenas impresiones.

EM Para alguien que ha declarado en repetidas ocasiones haber abandonado el sueño de convertirse en una estrella de rock, ¿cómo te sientes al haberte convertido en una finalmente?

DC: (ríe) Ha sido un largo camino. Me considero a mí mismo tan sólo un músico y me siento realmente afortunado por a) haber tenido una segunda oportunidad, b) que a alguien le haya importado el hecho de que haya vuelto y c) que durante mi ausencia, de pronto la gente ha empezado a escuchar mi música y a decir “oh, esto mola, quiero saber algo más de ello”.

Centrarte en lo que realmente haces y dejar de tratar de hacer lo que está de moda, lleva su tiempo. Pero ahora todo va bien, muy bien, y me siento afortunado por todo eso, por la gente que nos apoya, por el hecho de que pueda ofrecerles algo que les guste… Tan solo trato de sentirme humilde al respecto, en vez de comportarme como un gilipollas.

EM Parece que las abejas hicieron algo de trabajo por el león durante tu ausencia.

DC: Sí! En los conciertos, siempre trato de salir a la sala y hablar con la gente, resultar próximo. Claro que algunos días puedes tener un mal día, pero… Prefiero estar presente que escondiéndome detrás de los guardas.

EM Es bueno saberlo porque, escuchando tu música, uno podría pensar que en realidad eres el eremita que acabas de describir.

DC: Bueno, ¡también tengo días eremíticos! (ríe) EM Ha sido un placer charlar contigo, Dylan. ¡Muchas gracias!

DC: Gracias por la entrevista, ¡disfrutad del espectáculo!

DISCOGRAFÍA DE ESTUDIO: DEMO 1990—Demo—1990 EXTRA-CAPSULAR EXTRACTION—Ep—1991 EARTH 2: SPECIAL LOW FREQUENCY VERSION—Cd—1993 PHASE 3: THRONES AND DOMINIONS—Cd—1995 PENTASTAR: IN THE STYLE OF DEMONS—Cd—1996 HEX; OR PRINTING IN THE INFERNAL METHOD—Cd—2005 THE BEES MADE HONEY IN THE LION’S SKULL—Cd—2008 ANGELS OF DARKNESS, DEMONS OF LIGHT I—Cd—2011 ANGELS OF DARKNESS, DEMONS OF LIGHT II—Cd—2012

E A R T H + Ô PA O N + M O U N T E E R I E 19/03/2012, SALA APOLO, BARCELONA

EARTH setlist: Blackwaterside Star dappled green A Multiplicity of Doors His Teeth did brightly shine The Corascene Dog Harvey The Rakehell The Bees made in the Lion’s Skull Badger Descent to the Zenith Tenemos suerte de que Earth sigan en activo. En estos tiempos atropellados e inciertos, el equipo de Dylan Carlson recala en Barcelona para darnos a todos una lección de paciencia y buen hacer, dentro de su peculiar discurso que aúna y trasciende los límites del rock, el blues y la música folklórica.

Lamento que no podré dedicar ni un triste párrafo a los teloneros, Ô Paon y Mount Eerie. A la primera, porque resultaría injusto juzgar su música únicamente por los gorgoritos que se filtran a través de los muros del backstage; y al segundo, porque pulular por la sala y saludar a viejos amigos me impide prestar la debida atención a su propuesta.

Baste decir que el estilo de ambos parece bastante adecuado al de los cabezas de cartel. Antes de que acabe el recital de Mount Eerie, eso sí, atravieso una sala razonablemente llena para conseguir un buen sitio en primera fila; allí podré apreciar mejor los sub-graves, caso de haberlos.

Un silencio solemne precede la aparición del cuarteto de Seattle. Sobre un escenario prácticamente desnudo, Earth salen a escena de forma calmada y ceremoniosa. Dylan pide educadamente a los fotógrafos que prescindan del uso del flash por motivos de salud y el concierto arranca. El sonido es fantástico desde el primer momento; el timbre tan característico de la guitarra de Dylan está reproducido con tal exactitud, que un servidor siente al instante la alegría de saberse frente a uno de sus grupos predilectos.

Este hecho, junto a la imponente presencia sonora y escénica del violonchelo – a cargo de las habilidosas manos de Lori Goldston (a quien algunos recordarán, casualidades de la vida, por su aparición en el “Unplugged in New York” de los desaparecidos Nirvana) –, nos transporta a todos al fascinante universo de “Angels of Darkness, Demons of Light”. Sub-graves, eso sí, pocos. Pero la mesura y la sensibilidad van a compensar con creces su ausencia.

El acento apocado del señor Carlson, la reinterpretación constante que Earth hacen de sus propios temas en directo, el espacio para la improvisación y algunas decisiones sorprendentes van a dificultar seriamente la tarea de desentrañar el repertorio – no obstante centrado, como era de esperar, en la presentación de ambas partes su último álbum –. El primer tema, sin embargo, supone toda una declaración de intenciones: se trata de una versión de “Blackwaterside”, una popular y tradicional tonada británica; que junto a la pegatina con la bandera de Inglaterra que luce en la guitarra de Dylan, supone un evidente manifiesto de la reciente anglofilia de éste. La versión no va a desentonar en absoluto con el resto de temas, hasta tal punto ha llegado a ser consistente el lenguaje estilístico de la banda.

El segundo entrante también tiene un sabor inusual, ya que viene presentado como una nueva composición del grupo, que ha tenido lugar durante la gira. Tras introducir Dylan la nueva creación, un espontáneo manifiesta su esperanza de que “la canción sea buena”; a lo que aquél responde, sabia y parsimoniosamente, que la bondad “está en el ojo del que mira” – o en el oído del que escucha, en este caso –. Y el teclado del que escribe dice que sí, que la canción es buena; así que deseoso me hallo de escuchar el próximo lanzamiento del conjunto. Nuevamente el ritmo pausado, la profundidad sonora y la profusión de matices hermanan esta canción con todas las demás.

Y llega por fin el momento de sumergirnos de lleno en la envolvente atmósfera del último álbum. La ejecución sentida del chelo – ora cargado de efectos, ora rasgueado cual guitarra –, la cadenciosa y casi litúrgica caída de los golpes de batería y, sobre todo, la lánguida y extremadamente expresiva forma de tañer la guitarra de Dylan, convierten este viaje en un trance extático que hace que oleadas de energía y placer recorran mi columna vertebral. Durante “His Teeth did brightly shine”, Adrienne Davies hace sonar un largo shaker de madera que produce un sonido parecido al de una serpiente de cascabel, transportándonos al universo propio de un western opiáceo, tan característico de las composiciones de Earth. El dominio de la dinámica, del que la señora Carlson hace gala esta noche, cuenta con toda mi admiración.

Después de este bloque compacto, la banda se permite un breve inciso para la nostalgia con una versión actualizada de “Harvey” – en palabras de Dylan, “la canción más rápida que jamás tocaremos” –; debilidad que aquél espontáneo aprovecha para requerir – infructuosamente – la audición del “Coda Maestoso”. En vez de eso, el cuarteto se arranca de nuevo con sus Ángeles y Demonios, atestiguando que aquella ruidosa y más gamberra primera etapa del grupo ha quedado muy atrás. Los fantasmas que se dedican a perseguir ahora son de una naturaleza más pausada y contemplativa, como suele corresponder al paso de los años. Y está bien que así sea.

Apenas dos o tres canciones más van a caber en el espacio de esta velada, y es que la duración de las composiciones de Earth no es corta. Una de ellas, “Badger” – ejecutada después de un falso encore o una divertida confusión respecto del momento óptimo de abandonar el escenario, nunca lo sabremos con seguridad –, es también una novedad en el repertorio y suena de maravilla. Y ahora sí, los de Seattle desaparecen para una última y gloriosa reaparición, apropiadamente titulada “Descent to the Zenith”; tras la cual abandonan la escena arropados por el clamor del respetable, dejando tras de sí un escenario más oscuro que el lomo de un buey en una noche sin luna.

Magistral recital de una banda única, en soberbio estado de madurez, cuyo rico lenguaje propio huye de los fastos de la técnica o de la grandilocuencia de los grandes montajes escénicos y que, como Jeff Lebowski, nos recuerda que, a veces, es mejor “tomárselo con calma”.

Texto: Rider G Omega Foto: Edu Tuset (http://www.flickr.com/photos/27222044@N05)

POR MARC GUTIÉRREZ

Holanda es un punto estratégico dentro del Metal. Su ingente oferta de conciertos y una muy reputada escena Death Metal, entre otras cosas, con vierten al país de los tulipanes en centro neurálgico del Metal. Sin embargo, el Black Metal nunca ha sido un referente allí y Terdor se ofrecen para terminar con esa situación y ofrece “Levi”, un disco de crudo Black Metal que incorpora otros elementos para sellar a fuego sus historias.

Lafawijn introduce a la banda y nos pone al corriente de todo lo concerniente a Terdor…

EMPIRE MAGAZINE (EM): ¿que hay de nuevo en Terdor desde la edición de “Levi”?

LAFAWIJN (L): Desde que editamos Levi hemos estado trabajando muy duro en su sucesor llamado, como el original, “Levi II” y será la continuación de “Levi”, con cuatros canciones y unos cuarenta minutos. Las canciones son más técnicas, inspiradas y pegadizas que en “Levi I”. Para este nuevo trabajo, las atmósferas de guitarra se alternarán con otros instrumentos como el piano, el cello, la guitarra española, el trombón y la flauta. Pero en mi opinión “Levi II” será un poco más fácil de escuchar que la primera parte, especialmente en lo concerniente a la batería y la voz que están mejor interpretadas.

EM: “Levi” contiene los temas más largos de vuestra carrera ¿quizá os interesa escribir canciones más densas?

L: Nuestra primera intención fue hacer una única canción larga pero al final quedó en un tema de 18 minutos por lo que decidimos añadir tres temas más.

Yo prefiero componer temas largos porque tienes más tiempo para explicarle al oyente una historia completa, con partes, emociones y sentimientos diferentes a lo largo del disco. También es una buena forma de añadir partes experimentales sin que suene nada raro como puede suceder en un tema corto. Cuando añades esas experimentaciones puedes conseguir que la historia sorprenda y sea reconocible. Para “Levi II” los temas volverán a ser largos, entre 15 y 20 minutos, habrá una de unos 10 minutos y dos cortas. Nos gusta tanto escribir temas largos con una larga historia como otros cortos y pegadizos sin compromiso y por eso el nuevo disco contendrá ambas cosas.

EM: ¿Como contactasteis en contacto con Negra Nit para lanzar “Levi”?

L: Estamos trabajando con Negra Nit desde hace unos años. En 2010 Negra Nit editó el 7” EP “No Peace For Our Time!” que aún está a la venta. “No Peace For Our Time!” fue el ultimo lanzamiento de Terdor con temática bélica. Los primeros cinco años de Terdor versaron entorno a esa temática pero todo acabó con este 7”. Fue un buen cierre a una etapa en la historia de Terdor. Como nos gustó la forma en que trabajamos con Negra Nit les preguntamos si estaban interesados en editar “Levi I” y tanto para ellos como para nosotros lo mejor era hacer un colanzamiento con otro sello, Stunde Des Ideals Protuktionen de Alemania. Juntos editaron “Levi I”.

EM: Incluís cello, piano y guitarra clásica en vuestras canciones ¿porqué? ¿Quizá puedes describir vuestro sonido como algo cercano al Depressive Black Metal?

L: Nos gusta experimentar con nuestra música y hacer cosas diferentes pero al mismo tiempo queremos seguir siendo audibles. Al mismo tiempo también nos gusta añadir otros instrumentos que no tienen nada que ver con el Black Metal y seguiremos utilizándolos para reforzar la historia que contemos. Para el próximo disco volverá a haber piano, cello y guitarra española además de otros nuevos como la flauta y el trombón. Queremos explicar una historia de principio a fin en una canción y para conseguirlo tenemos que utilizar instrumentos que puedan ex

presar cada parte de la canción.

Por otra parte, no creo que tengamos la imagen de banda de Depressive Black Metal. A veces la música puede ser depresiva porque la historia es triste o depresiva pero en otras partes hay tempos altos y expresas emociones como la ira, el orgullo o la alegría.

EM: Tocáis un Black Metal muy crudo pero al mismo tiempo dais importancia a las partes melódicas y eso beneficia a vuestra música porque la hace más diversa ¿cual es vuestra intención a la hora de combinar estos elementos?

L: Como te explicaba antes queríamos crear un disco de Black Metal experimental en el que cada canción explicara una historia completa y para ello hemos mezclado diferentes estilos de música que nos ayuden a describir todo lo que queremos decir pero siempre partiendo del Black Metal y de que sus elementos predominen. Eso es lo que sucederá también en “Levi II”.

EM: Vosotros mezcláis la música con contenidos ideológicos ¿crees que la música es una buena plataforma para difundir la guerra contra otras culturas o religiones?

L: Terdor es y siempre será una banda no política. No tengo problemas con las bandas que expresan puntos de vista políticos pero no es el caso de Terdor. Terdor tratamos de explicar una historia y hacerlo con música que exprese diferentes sentimientos. Los primeros cinco años estuvimos hablando de la guerra pues muchas buenas historias pueden ser explicadas a través de ello. Sí es cierto que dentro de algunas canciones hay mensajes anti cristianos.

EM: Creo que Elshsch es vuestro estudio casero y allí es donde grabáis vuestros discos…

L: Sí, Elschschappij Tovenaere construyó su propio estudio, que va mejorando con cada disco. Nos gusta hacerlo todo por nosotros mismos, desde escribir las canciones y grabarlas hasta masterizarlas… esa es la forma en que podemos hacer exactamente lo que queremos.

EM: ¿Qué bandas son las más respetadas por tí dentro de vuestro estilo y porqué (música, contenidos ideológicos, atmósferas…)?

L: Hay muchas buenas bandas de Black Metal. Por supuesto que me gustan las bandas old school como Darkthrone, Mayhem, Burzum e Immortal, a las que respetamos mucho. Pero también hay otras bandas como Cirith Gorgor, Nargaroth, Bilskinir, Marduk, Nokturnal Mortum, Cradle Of Filth, Dimmu Borgir y Xasthur que nos han influenciado mucho.

EM: ¿Qué posibilidades hay de verso sobre un escenario?

L: Somos una banda de dos componentes por lo que así es imposible

tocar en vivo. Tampoco tenemos la intención de tocar en directo. Es muy difícil encontrar a la gente adecuada para tocar las canciones de Terdor, tener las mismas ideologías y estar dispuesto a aprenderse las canciones sin ser un miembro real de la banda. Por todo ello decidimos que nunca tocaríamos en directo.

EM: ¿En qué estado se encuentran vuestros otros proyectos (JSD18, Tarrels , Menstruating Cunt)?

L: La mayoría de ellos no están activos ya. Tarrels, :JSD18:, Menstruating Cunt y Pitbull Pleasures están parados pero quien sabe lo que sucederá en el futuro, quizá algún día los reactive.

EM: ¿Como es la escena Black Metal en vuestra ciudad?

L: Creo que no nos podemos quejar de la escena metálica en Holanda. Hay muchos conciertos (yo voy a conciertos bastantes veces al mes) y hay muchas bandas que prometen. La escena Death Metal siempre ha sido más grande que la Black Metal pero aún así tenemos algunas bandas muy interesantes de Black Metal como Cirith Gorgor, Fluisterwoud, Sauron, Serenade Of Darkness, Liar Of Golgotha, Carach Angren, Gheestenland, Walpurgisnacht y Galgeras.

EM: ¿Qué tipo de Metal y bandas escuchas actualmente? ¿Algún otro estilo de música?

L: La mayor parte del tiempo escucho Black Metal pero también escucho otros tipos de Metal como Death Metal, Gore-Grind, Grind-Core, Heavy Metal, Thrash Metal y Power Metal. No escucho otra música que no sea Metal. El Metal es algo importante para mí y disfruto escuchándolo por lo que no tengo necesidad de escuchar otras cosas.

EM: ¿Quieres añadir algo más?

L: Gracias por la entrevista y tu interés en Terdor.

REVIEW Terdor “Levi I” Negra Nit Holanda nunca ha tenido una gran tradición en lo que a Black Metal se refiere y aunque esa tendencia se mantiene Terdor asoman la cabeza.

Su propuesta se centra en un Black Metal se pasa de la tradición noruega al progresismo más absoluto en décimas de segundo sin perder la intensidad.

Terdor llevan funcionando desde 2005 y desde entonces su propuesta y su contenido lírico han ido madurando y han dejado a un lado la temática de guerra para adentrarse en contar historias reales que si bien pueden concernir a aspectos históricos reflejan también hechos actuales como las religiones, y no solo el cristianismo.

Temas largos, densos y excelentemente estructurados. Si bien “Levi” pasa de los 18 minutos es “The end of mankind” la joya de la corona pues en 11 minutos logran crear una cantidad de atmósferas y emociones difíciles de describir. La guitarra española y el cello dan una aura muy melancólica que si bien puede acercarles al Depressive Black Metal no es más que para aumentar la tensión musical de su propuesta.

El sonido de “Levi I” es muy crudo pero da el juego justo para que los instrumentos más ortodoxos para este estilo ejerzan una presión sobre el oyente difícil de recrear.

Negra Nit tiene en su roster a una banda de excelsa calidad, que tiene las ideas muy claras y que ejecuta su música con precisión, elegancia y fuerza. Terdor deberían ser una de las grandes bandas de Black Metal ya y dentro de poco con “Levi II” volverán a patearnos y a poner esto patas arriba.

8 Marc Gutiérrez

TERDOR SON: ELSHCCHAPPIJ TOVANAERE – Guitarra, bajo, batería, piano, cello lafawijn– Voz y letras

DISCOGRAFÍA: THE COMBAT ACTION OF 5 OCTOBER 1944—Ep—2005 TERDOR / GHEESTENLAND—Split—2008 AXIS PANZERZUG ANNO NOVEMBER 1942—Cd—2008 NO PEACE FOR FOR OUR TIME—Ep—2010 LEVI I—Cd—2011

DISCO DEL MES DRUDKH “ETERNAL TURN OF THE WHEEL” Season of Mist

Desde Kharkiv, Ucrania, regresan Drudkh con “Eternal turn of the Wheel”. Sin rodeos, y estamos en mayo, Drudkh han grabado el mejor disco del año 2012. Descomunal. Sin fisuras.

Se trata de un disco corto de apenas 37 minutos pero en el que concentran todos los elementos de su música, desde el Black Metal más rabioso a las experimentaciones. Puede ser osado otorgar la máxima puntuación a un disco y quizá en algún caso, visto con perspectiva, sea exagerado pero en cinco canciones esta gente ha concentrado el ABC del Metal Extremo, de la caña y contundencia y de las emociones que genera la música oscura.

Mucho se habló de “Microcosmos” o de “Blood in our Wells” por ejemplo pero con este nuevo trabajo consiguen volver a sus raíces aunque teniendo presente la evolución musical de la banda en los últimos años.

“Farewell to autumn’s sorrowful birds” es la gota que colma el baso. La hipnosis musical llevada a su máxima expresión con guitarras contundentes y secas, una voz rasgada y unos teclados que desde la retaguardia generan la épica que requiere la canción.

Nunca nadie los vio y ese misticismo les lleva a un estatus de banda de culto. Continuamente han sido comparados con todas las grandes bandas de Black Metal de la historia pero siempre han contado con un estilo propio, una esencia que les sitúa en un peldaño superior al que se han subido con este “Eternal turn of the Wheel” Si eres capaz de escuchar este disco y no abstraerte de la realidad y situarte en un bosque gélido y oscuro, rodeado de árboles milenarios escuchando el sonido del viento golpeando las hojas es que no has llegado a entender este trabajo. OBRA MAESTRA!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

10

Marc Gutiérrez SWALLOW THE SUN

LES DISCRETS

“EMERALD FOREST AND THE BLACKBIRD”

Prophecy Records

“ARIETTES OUBLIÉES”

Spinefarm Records

XIV DARK CENTURIES “Gizit dar faida ” Einheit Produktionen

Los guerreros protectores del (como ellos definen su estilo) “Heathen Thuringian Metal” vuelven a la batalla, después de 5 años de duro y arduo entrenamiento. “Gizit Dar Faida” es tan solo el tercer álbum de los germanos XIV Dark Centuries pero viendo que en el currículum de sus miembros figuran nombres como: Odroerir, Helritt o Menhir, no es de extrañar que a simple vista transmitan cierta confianza.

Llegados al minuto 3:05 de “Ausklang” (ultimo tema) el sabor de boca no puede ser mejor, 11 cortes de Pagan Metal proclamado en alemán, de fácil escucha y donde todas las señas de identidad de este estilo se dan cita en el momento exacto. “Westwaerts” épica instrumental que parece lanzarnos consignas antes del primer enviste contra el enemigo. Con “Zeit Der Rache” desenvainamos sin temor, pues el Valhalla nos aguarda. ”Hinauf zum Gold'nen Tor” alienta cual trago de hidromiel. ¿Victoria o derrota? Decídelo tu cuando reproduzcas “Gizit Dar Faida” en tu casa

8.5

Alex López

Definitivamente el nuevo disco de los finlandeses está lleno de cambios. Los que esperen encontrarse algo rollo “Hope” o “New Moon”, no lo harán. Y es por eso que si eres un asiduo a Swallow the Sun, como es mi caso, la primera escucha del disco te descoloca totalmente. Al principio me decepcionó, poco quedaba de la belleza, penumbra y desesperación a la que nos tenían bien acostumbrados. Decidí darle un segunda escucha y me dije: ¿Estamos delante de un mal disco?

En absoluto. Las voces limpias de Mikko están más trabajadas que nunca y han encontrado la armonía perfecta con sus guturales. El problema del disco es que está descompensado. Mientras tiene temas increíbles como “Night Will Forgive Us”, tiene otros que directamente paso de escuchar, no tienen su característica esencia, véase “Hearts Wide Shut” o “Silent Towers”. En “Labyrinth of London (Horror pt.IV) encontramos posiblemente el mejor tema del disco (junto “Of Death and Corruption”, posiblemente de las más clásicas) y es donde las voces de Aleah y Mikko conjuntan mejor, eso sí creo que se ha abusado de voces femeninas en este disco (cabe decir que “Cathedral Walls” sería un gran tema si no fuera por la colaboración con Anete Olzon). Otra cosa de la que han abusado son los teclados. Swallow the Sun era un grupo que había encontrado el equilibrio para que una canción no sonara saturada de teclados, pero en este disco lo han roto, haciendo que temas como “Hate, Lead the Way”, que parece la típica canción deblack metal s sinfónico. Otra cosa a destacar es “April 14th”, su tributo personal a Peter Steele.

Pese a todos los p untos negativos que he podido sacarle, realmente es un disco muy conseguido y trabajado, y cada día que pasa me gusta más y más.

9

Xell

“Septembre et ses Dernieres Pensees”, el debut de los franceses Les Discrets, dejó el listón muy alto. Viniendo de la mano del esperado segundo trabajo de Alcest, en mi opinión “Septembre…” superó con creces el de Alcest. Les Discrets tan solo habían sacado un disco y habían dejado el listón muy alto.

Esto era un arma de doble fila, porque mientras por un lado se los respeta por haber creado semejante obra de arte, por otro lado vamos exigirle demasiado al siguiente disco. Y esto es lo que me ha pasado a mí. “Ariettes Oubliées” es un gran disco, pero no supera el debut. Tal y como h a pasado con el nuevo e Alcest, no encontramos una gran evolución en este disco, quizás Fursy se ha arriesgado un poco más con algún punto más de agresividad. El disco está plagado de acordes lentos que te conducen a una ráfaga de explosiones, como bien podemos ver en “La Traversée”. “Ariettes Oubliées I” es sin duda la mejor composición de todo el disco, de la que recomiendo disfrutar junto al video que han realizado Audrey y Fursy. Mi favorita del disco será siempre “Après l’Ombre”, sacada originalmente en el split con Alcest, fue lo primero que escuché de Les Discrets junto a “l’Echapée”. Me pareció una composición muy sencilla y a la vez tan impresionante, capaz de transportar tu mente bien lejos. Como impresión personal, no hubo nada más bonito que pasear por Versalles con esta canción de fondo. Para Fursy es también su canción favorita, y es por eso que han decidido re-grabarla con una mejor producción. Lamentablemente, soy de las que opinan que la producción no siempre es importante, y en el caso de “Après l’Ombre” no era necesario, pues el encanto de tocarl en B le daba un toque macabro que me encantaba. Aún así, ambas versiones me encantan.

Como último apunte indicar que para disfrutar en su totalidad de “Ariettes Oubliées” hay que entender las letras y observar el artwork (realizado también por Fursy), dejarte llevar por la música atmosférica que te evocará un sinfín de imágenes y te transportará a otro mundo.

9

Xell

THEOCRACY

ESCLAVITUD

“AS THE WORLD BLEEDS”

“CONDENADOS AL PARAISO” Roadrunner Records

Roadrunner Records

Desde que hace ya unos años una banda llamada Dream Theater impulsó el metal progresivo a un salto evolutivo similar al protagonizado por grupos como Sepultura con el "Beneath the remains" (con respecto al Thrash Metal de la época); o los Iron Maiden del "Powerslave" (con respecto al Hard Rock del momento); desde que Dream Theater puso el listón tan alto que solo combos como Symphony X o Pain of Salvation podían emularles; mil bandas se han enfangado en el lodo de la mediocridad, resbalado repetidamente en los charcos de la redundancia musical. Hoy nos alegramos porque Theocracy han publicado su segundo trabajo tras el anterior "Mirror of souls" del 2003. ¿9 años para dar continuidad a su obra? Vale la pena. Escucha el inicio de "Nailed" para que degustes su técnica instrumental que sirve de excusa a todo un guiño a los "Stratovarius" de otros años. La mención anterior a la banda del "Flight of the Icarus" no fue gratuita, detén tus orejas en "The master storyteller" para que descubras al Ícaro sobrevolando uno de los cortes más melódicos del disco. Alucina con los pasajes instrumentales del imponente "30 Pieces of silver", metiendo a los mejores Saxon en una habitación a improvisar con Marty Friedman. Cuando el minutaje del disco sobrepasa su ecuador ya te han convencido con sus toques power bien colocados en unos temas, en su mayoría, fantásticos. Pueden igualmente, estos Theocracy resultar imprevisibles, como en el corte que cierra el disco y de título homónimo, en el que de inicio simulan una balada, para arrancar con un homenaje a los viejos Helloween y salpicar los casi 8 minutos de transiciones instrumentales magníficamente ejecutadas, guitarras dobladas como hace tiempo no se escuchan y solos aplastantes. Apostamos por esta banda de metal progresivo como un soplo de aire fresco, estupendamente dirigida por su fundador Matt Smith que además pone las voces y la mayor parte de la composición.

8

Oswaldo MS

Estamos ante una de las obras más comentadas en los últimos meses en los medios de ámbito nacional (y europeos) dedicados al heavy metal. También podría presentar a Esclavitud como la banda que ha conseguido, seguramente de modo imprevisto, colar su segundo disco en casi todas las selecciones con lo mejor del reciente fenecido 2011. Y en un arrebato nacionalista podría sacar el estandarte de Patria Canaria para decir que son hermanos de esta tierra de gran tradición rockera y metaleros con pedigrí...Baste añadir como introducción que "Condenados al paraíso" es jodidamente bueno y a quien suscribe le ha arrancado a fuerza de guitarrazos los restos de los prejuicios que le quedaban hacia el metal en castellano. Este es un disco que apreciarán mejor los que ya superen la cuarentena, y esto, que parece una contradicción anti-promocional, en realidad es un monumental elogio: en las primeras escuchas sentí lo mismo que cuando iba al instituto y los compañeros me pasaron copias en casete (snif, qué tiempos) de "Holy Diver", "Somewhere in time" o "Heading for tomorrow". A quienes en este momento están poniendo las manos en su cabeza de asombro, les pido que ahoguen el grito y se acerquen a temas como "Mi decisión". A ver si hay huevos para reprimir el arrebato en su parte central. Escucha el tema homónimo al disco y dime si puedes controlar la rabia que te sube del estómago durante su estribillo. Avísame si la demostración de poder en una sola dosis de 9 minutos del corte "La noche de los héroes perdidos" no te pone los pelos de punta. Si cuando estalla "La última estación" no levantas el puño es que estás muerto (lo siento) Y para quien no les ha escuchado aún: Esclavitud practican un heavy metal clásico y moderno a partes iguales, con mucha fuerza creativa, al servicio de músicos excelentes; melodías sabiamente construidas, desarrollos instrumentales sobresalientes, letras trabajadas y todo bien empaquetado por Andi Deris en una producción impecable, que da como resultado un sonido épico, sólido y compacto. ¡Compren este puto disco!

9

Oswaldo MS

CANNIBAL CORPSE

HIGH ON FIRE

GOATWHORE

SPAWN OF POSSESSION

“TORTURE”

“DE VERMIS MYSTERIIS”

“BLOOD FOR THE MASTER”

“INCURSO”

Metal Blade

Century Media

Metal Blade

Metal Blade Records

A Cannibal Corpse no los vamos a descubrir a estas alturas y con su historial se les acepta casi todo.

Obviamente, aunque su estilo es el mismo, es muy difícil pedirles un nuevo “Tomb of the mutilated” o un “Eaten back to life” pero “Torture” cumple con los requisitos que se le exigen a un disco suyo.

Desde la inicial “Demented agression” la banda deja claras sus credenciales. Es cierto que no es un disco que a primera escucha puedas considerar como un clásico. Quizá al cabo de más escuchas tampoco pero tiene ese algo que te engancha.

“The strangulation chair” o “Encased in concrete” son dos muestras que hay que confiar en Webster & cia. Sus señas de identidad están ahí y no van a decepcionar a sus fans aunque tampoco conseguirán otros nuevos. George Corpsgrinder raya a un nivel altísimo y la experiencia y la veteranía de todos ellos y el hecho que lleven juntos desde 1997 (Rob ha tenido dos etapas) ofrece una conjunción a la altura de pocos en su estilo.

Posiblemente su mejor disco desde “The bleeding”. Gran disco que gana con cada escucha.

El trío de Oakland liderado por Matt Pike ha vuelto a sacar disco y después de la primera escucha puedo decir felizmente que ha superado a su antecesor “Snakes to the divine” volviendo a la esencia más sucia y grasienta que desprendía “Blessed Black Wings”.

Seguro que la vuelta de Matt Pike con Sleep ha hecho que en HOF vuelva a tener esa sensación más desgarradora con temas como “Spiritual Rights” o bien la más típica “Serums of liao” con la que abren el disco. El título del disco aunque suene a Mayhem poco tiene que ver en la temática, ya que el mismo Matt Pike lo define como un paseo entre la locura de Lovecraft y los viajes en el tiempo al estilo de la serie “Quantum Leap” (El Salt en Catalunya o A través del tiempo en España). Los temas “Kings of Days” y “Samsara” continúan la vena más cercana al doom mugriento épico de sus anteriores discos, pero esta última volviendo a ser totalmente instrumental destacando la labor a la batería de Des Kensel, el cual es imprescindible para una banda como High on Fire. Si existiera la justicia divina, ahora High on Fire serian igual de populares que Mastodon tal como era en el año 2003.

Aviso a navegantes, Goatwhore editan su mejor disco hasta la fecha y se trata de un disco muy recomendable.

Blackened Death Metal con elementos de Thrash y todo combinado de manera muy brillante y compacta. “Collapse in eternal worth” es una gran muestra de ello. Mientras “In deathless tradition” muestra la versatilidad de la banda a la hora de navegar entre aguas más tranquilas.

Quizá uno de los motivos para este sonido es que la banda se muestra muy conjuntada y es que salvo James Harvey, el resto llevan trabajando juntos desde 2004 y a la hora de componer se nota.

Por si fuera poco han conseguido un sonido muy compacto y homogéneo como en “Judgement of the bleeding crown” que resulta uno de los mayores petardazos de este “Blood for the master”.

La mayor virtud de este trabajo es su alto nivel de adicción y es que antes que acabe ya quieres que vuelva a empezar.

Calidad a raudales, música brutal y pegadiza, producción excelente y temas con mucho gancho hacen de este disco uno de los grandes trabajos de este año.

Este quinteto de Kalmar, Suecia acaba de editar su tercer larga duración, “Incurso”.

La propuesta de Spawn of Possession, kejos de asemejarse a bandas escandinavas está plenamente orientada a la escuela americana de Death Metal técnico y brutal.

Hacía seis años que no editaban disco con lo cual sus fans estarán contentos, por el disco en sí y ciertamente por el contenido pues han logrado un disco de calidad desbordante con cambios de ritmo frenéticos que dejan a los Nile actuales en sus perseguidores.

Temas como “Bodiless sleeper” o “Apparition” que dura más de ocho minutos o “The evangelist” de otros diez minutos son buena muestra de lo que es capaz de dar la banda de Jonas Bryssling y una constatación que se encuentran en su mejor momento y en Metal Blade lo saben.

A todo esto cabe añadirle una producción espectacular, sin fisuras, nítida y que no resta un ápice de potencia ni tapa los arreglos en ningún momento.

Ahora solo resta esperar que lo presenten en vivo y que no vuelvan a pasar otros seis años hasta tener nuevas noticias de Spawn of Possession.

8

9

8

9

Marc Gutiérrez

Eduard Tuset

Marc Gutiérrez

Marc Gutiérrez

SOUFLY

MALEÏT

“ENSLAVED”

“MALEÏNT EL MÓN” Autoeditado

Roadrunner Records

Max Cavalera abandonó hace tiempo el epíteto de músico o vocalista, para convertirse en un verdadero ARTISTA. Siete discos con Sepultura, dos con Nailbomb, otros tantos con Cavalera Conspiracy, más un extenso listado de colaboraciones con otros genios del metal; en todos los casos desempeñando multitareas: composición, arreglos, letras, voces, guitarras... sumamos ahora ocho obras con Soulfly (por lo que ya no es el ex-Sepultura) Su nueva apuesta de paradójico título nos deja en lo musical un puñado de buenos temas, mucha energía y contundencia bien regulada; y en lo letrístico, más odas a la libertad individual. Se aprecia sin embargo cierto alejamiento del thrash metal de los anteriores "Omen" o "Conquer" para derivar hacia el metalcore, especialmente en la potenciación de las bases rítmicas, no en cuanto a la producción, sino en presencia y protagonismo en las canciones, en detrimento de las partes de guitarra y voz. Contiene varios detalles innovadores este "Enslaved": guitarra flamenca en medio de un bosque de riffs eléctricos en "Pata o plomo", las demoledoras partes de guitarra en "World scum", temas en portugués o empleo de instrumentos ajenos al metal; o un corte de cierre enteramente sinfónico. Hay momentos brillantes como las atmósferas apocalípticas en varios cortes (herencia de Nailbomb) y el sentido homenaje, quizá involuntario, a Pantera en el tema "American steel", una verdadera joya. Sin embargo, las luces de alarma se me han encendido en alguna parte de mi cabeza, porque este disco también ofrece signos de deterioro en la propuesta musical de Soulfy.

Existe el riesgo de la redundancia, de reconocer en este trabajo senderos que la banda o el propio Max ya nos han invitado a recorrer cientos de veces: voces redundantes, cambios de ritmo, arranque veloz cuando el corte lleva minuto y medio...la previsibilidad mata el interés, y quizá solo sea un espejismo; quizá exagere, pero el riesgo de unidireccionalidad parece presente y que todos los proyectos del Sr Cavalera sean muy parecidos entre si: ¿y si Soulfly de repente suena igual que Sepultura en "Roots"? ¿Si "Inflikted" de Cavalera Conpiracy y "Enlaved" tienen temas con estructuras idénticas? ¿Hacia dónde vamos? Piénsalo, Max.

Tras un EP más que interesante y que despertaba tu atención, Maleït volvieron en 2011 con un larga duración auto producido. Se trata de un trabajo más elaborado y personal, muy ambicioso, quizás demasiado. Y ese es quizás el punto negativo que tiene "Maleint el Món", ya que algunos temas parecen estar tan elaborados que llegan a parecer muy pretenciosos y haces que finalmente pierdas el hilo, creano una sensación de inestabilidad. Quitando esto, el disco de los egarenses es un muy buen álbum, el que considero de lo mejor del año en el panorama nacional (junto a esa obra de arte que sacaron Evadne y el grandioso disco de los Looking for an Answer). Quizás el EP pudo llegar a confusiones y esperarnos que Maleït fuese un grupo puramente extremo y por ello esperáramos algo mucho más potente que el EP, pero personalmente, las partes melódicas del disco son mis favoritas.

Partiendo dese este punto de vista, el highlight del disco es sin duda "La Negació". Me encanta la forma en la que mezclan la voz limpia y melódica con ese redoble continuo de la batería. Otro de los grandes momentos del disco es "Jo no sóc d'aquest Món" que cuenta con la colaboración de su amigo y paisano Eloi Boucherie (Vidres a la Sang). En definitiva es un disco que tiene much agresividad, donde todas las melodías están muy cuidadas. Es difícil etiquetar un disco que bebe tanto del death metal como del black metal, aunque tiene temas que són más una cosa que otra, como por ejemplo "Insectes" (curioso outro, todo sea dicho) o "La Quietud dels Inferns", que son las que predominan más en los territorios el black metal.

Mientras algunos pierden el tiempo comparándolos con los desaparecidos Vidres a la Sang, yo me quedo con la esencia y humildad que desprenden Maleït. Solo me resta recomendaros que escuchéis el disco sin pensar en sí se parecen o no en sus compatriotas, Maleït tienen seña de identidad propia y merecen ser escuchados sin prejuicios por delante.

7

8.5

Oswaldo MS

Xell

SIX FEET UNDER

DAWN OV HATE

THE EYES

HALESTORM

“UNDEAD”

“DEATH D’HIVERN”

“SEVEN BELLS”

“THE STRANGE CASE OF...”

Metal Blade

Negra Nit

Kaiowas Records

Roadrunner Records

Los americanos Six Feet Under es una de las más reputadas bandas de Death Metal en Alemania. Desde sus inicios con su obra maestra “Haunted” han ido creciendo y su estatus lo ha hecho al mismo nivel. Pese a todo debo reconocer que no acabo de entender su status de banda grande puesto que con “Haunted” sus discos más reconocidos son los de la saga “Graveyard classics” de versiones.

Su Death Metal áspero con la voz de ultratumba de Chris Barnes se encuentra por el camino el Rock de AC/DC para matizar y suavizar su propuesta aunque siempre bajo un prisma Death Metal.

Así las cosas “Frozen at the moment of death” y “18 days” se erigen en los puntales sobre los que se sustenta “Undead”.

Aunque “Undead” les hace escalar posiciones en el ranking lo cierto es que Six Feet Under sigue sin alcanzar su máximo nivel y creo que pueden dar mucho más de sí a nivel compositivo.

Han dado un paso, han evolucionado pero aún se les ve margen de maniobra y si de algo no hay duda es la capacidad de Chris Barnes para lograr su cometido.

Pese a que hace año y medio que vio la luz este “Death d’hivern” no podíamos pasar por alto la oportunidad de comentarlo.

Formados por ilustres de la escena extrema catalana como Bastard (Graveyard, Of Darkness o Lux Divina), Fiar (Foscor, Lux Divina) y Katu-Marus (Asgaroth, Sign of Katumarus) se decantan en esta ocasión por un trabajo de Black Metal en toda su esencia, nada de teclados ni épicas melódicas, más bien épica a base de blasfemias.

La experiencia es un grado y a estos tres músicos les sobra y eso se nota en la forma de tocar y componer canciones pues consiguen una contundencia y un sonido como si de un muro de hormigón se tratase.

Fiar vocifera como nunca y sino fuera porque conoces a sus miembros dirías de ellos que son escandinavos pues con “Apokalypse 666” y, especialmente, con “Shades of the dead” alcanzan el súmmum.

Espectacular y sin duda uno de los mejores trabajos de Black Metal puro editados jamás por estos lares. 26 minutos de éxtasis.

Después del pelotazo que supuso “Insignis” en 2009, los barceloneses The Eyes regresan a primera fila de batalla luciendo como nuevo estandarte “Hold your Axes · Rip Their Guns”. Forjado en Baltimore bajo los brasas de Paul Leavitt, este tercer álbum nos presenta a unos The Eyes mucho mas maduros, que siguen puliendo ese sonido híbrido entre Metalcore americano y Death Melódico.

En “Hold your Axes · Rip Their Guns” brillan con luz propia unas tremendamente adictivas líneas melódicas, que junto al tándem vocal formado por Jordi y Wero dotan a temas como “Chants from The Axes”, “Redemption” o la enorme “Wake Up Steel “de un equilibrio digno de un guerrero que espera paciente el momento donde descargar toda su ira. Una muy agradable sorpresa llega de la mano de “Marea Negra” tema cantado en castellano a dueto con Juan de S.A, donde la combinación de voces es brutal. Para ir cerrando “Jail Invaders”, corte de aires, me atrevería a decir, épicos donde Jordi demuestra una vez más el grandísimo potencial de su voz que le pone a uno los pelos de punta. See You In the Pit!

Quienes me leen de manera más o menos habitual saben que de tanto en tanto necesito un disco nuevo, fresco y que rompa con lo que escucho actualmente. Halestorm lo han conseguido y “The strange case of…” es una verdadera maravilla, una oda sónica al buen gusto, al Hard Rock y al Metal macarra de bandas como Skid Row o Guns N’ Roses.

Se trata de un disco pegadizo que se inicia con el single “Love bites (so do I)” donde ya dejan claras sus intenciones y que remarcan con “Mz. Hyde” o “I miss the misery”. Para la parte central dejan un elenco de ternura de alto calado emocional como “Beautiful with you”, “In your room” y “Break in”. El disco no pierde un ápice de intensidad y la maravillosa voz de Lzzy Hale te embauca desde el primer momento.

Una banda compacta y homogénea que tira de frescura y buen saber hacer para poner cada nota en su sitio junto a una producción excelente.

Un disco espectacular y que posiblemente no podrán superar ni ellos mismos. Espectacular, maravilloso y candidato a disco del año.

Gran disco, fresco, duro y cavernoso.

7.5 Marc Gutiérrez

9

9

10

Marc Gutiérrez

Alex López

Marc Gutiérrez

DESASTER

GUADAÑA

FACE THE MAYBE

ADRENALINE MOB

“THE ARTS OF DESTRUCTION”

“EL GRITO DEL SILENCIO”

“INSIGHT”

“OMERTÁ”

Metal Blade Records

The fish factory

Autoeditado

Century Media

Los germanos Desaster están de vuelta.

Después de celebrar su vigésimo aniversario en 2009 regresan con su primer disco en estudio en cinco años. Su predecesor “Satan’s soldiers Syndicate” fue un pelotazo y con “The arts of destruction” mantienen su esencia y su mala leche.

Surgir tras la estela de Venom, Hellhammer y Destruction y deberle su nombre al “Total desaster” de los germanos ya es algo...

Su Thrash / Black satisface a todos los paladares con bombazos como “Troops of heatens– graves of saints” o “The arts of destruction”. Ya solo con los títulos uno se hace una idea de por donde van los tiros.

No tiene desperdicio, caña por un tubo, retazos melódicos dentro de su mala leche, buena producción y capaces de resucitar a un muerto.

Sin duda, el de Desaster es uno de los regresos más esperados.

Desde Cádiz llegan Guadaña. De la escisión de Huma, Glory y Salva decidieron formar unas nueva banda y “El grito del silencio” es su carta de presentación.

Heavy Metal clásico con mucha fuerza, rabia y contundencia es lo que contiene este trabajo y siendo honesto Guadaña demuestra ser una de las bandas más en forma de este país. Envidiable.

“El grito del silencio” se trata de un disco muy homogéneo, sin grandes sobresaltos y donde destaca el dueto vocal continuo de Glory y Salva aunque creo que de cantar solo Glory el disco ganaría en mayor dinamismo.

Mención aparte merece “Ya no son los mismos”, un tema de casi 15 minutos y en los que la banda ofrece su mejor cara y un compendio de todo su potencial.

Al final grabar un buen disco es cuestión de tener buenas ideas, destreza, ilusión e inteligencia. El resto viene solo. Para muestra Face the maybe.

Espectacular primer trabajo ¿de verdad que es el primero? A veces cuesta de creer.

La agresividad mezclada con la técnica individual, una gran producción musical unida a una armonía musical abrumadora.

Temas que salvo en un caso navegan entre los 5 y los 8 minutos y en los que este sexteto se da un festín de melodías, improvisación y desarrollos brillantes como en “Eaten smells” o “Hierarchies”.

Face the maybe o lo que es lo mismo el perfecto encuentro entre la agresividad, la técnica, la melodía y la experimentación.

Resulta complicado que servidor se acerque a una banda de Metal Progresivo salvo casos contados aunque al oír hablar de Adrenaline Mob me picó la curiosidad. Más por sus componentes que por lo que podía esperar. Error y discazo.

Será que es un disco muy enérgico, muy cañero, poco prog y que parece desprender mucha rabia, tal vez el affaire Dream Theater haya tenido algo que ver.

Y para estos menesteres nada mejor que la voz de Russell Allen.

Mis favoritas las menos prog, “Indifferent”, “All on the line”, “Angel sky” o la versión de Duran Duran “Come undone” con la colaboración de Lzzy Halle de Halestorm.

Excelente debut que sorprenderá.

8.5

8

8.5

8.5

Marc Gutiérrez

EN

Marc Gutiérrez

Marc Gutiérrez

Marc Gutiérrez

EMPIRE SABEMOS QUE LOS INICIOS NO SON FÁCILES

TIENES UN GRUPO, LOS MEDIOS MÁS POPULARES NO OS Dan BOLA Y QUEREIS APARECER EN LAS PÁGINAS DE EMPIRE PONEROS EN CONTACTO CON NOSOTROS: EMPIREZONEMAGAZINE@GMAIL.COM Queremos que nos hagáis llegar vuestra demo / CD, queremos escucharos, queremos escribir de vosotros, QUEREMOS APOYAROS MOONSPELL “ALPHA NOIR, OMEGA WHITE” Napalm Records

KRISIUN

BERRI TXARRAK

“THE GREAT EXECUTION”

“HARIA”

Century Media

Kaiowas Records

“The great execution” es el nuevo trabajo de los brasileños Krisiun, otros a los que no les hace falta presentación. Aunque no tengo claro que gocen de todo el reconocimiento que merecen lo cierto es que su trayectoria es intachable.

Sin ser un nuevo “Black force domain” lo cierto es que este trabajo rebosa calidad y fiereza por los cuatro costados. No son la típica tanqueta de destrucción masiva en que se convierten algunas bandas sino que optan por la brutalidad controlada, por la técnica y los riffs asesinos una vez más.

A destacar la duración de los temas que en la mayoría de casos pasa de los cinco minutos llegando en “Shadows of betrayal” casi a los nueve.

No decepcionará a sus seguidores de siempre.

Berri Txarrak vuelven a hacer de las suyas. Tres años después de “Payola” regresan con un compendio de canciones que siguen la senda ya marcada con bases duras mezclado con melodías y estribillos pop. Su fórmula del éxito funciona y no se agota y el trío lo vuelve a demostrar con unas composiciones brillantes y un sonido espectacular fruto de su colaboración con Ross Robinson (Slipknot, The Cure…).

“Haria” y “Soilik agur” son dos buenos ejemplo de todo ello y “Lehortzen” muestra la vena más experimental de la banda en un corte un tanto extraño y que no tiene nada que ver con lo que hacen.

“Haria” les hará mantener su posición de privilegio después de 17 años de carrera, ahí es nada.

7.5

7.5

Marc Gutiérrez

Marc Gutiérrez

Lo han vuelto a hacer. Tras su marcha después de muchos años de contrato de Century Media y su reciente fichaje en la flamante Napalm records, Moonspell han facturado un disco que dará mucho que hablar.

No entienden de casillas ni de estancamientos, así que ellos como nadie hacen lo que quieren cuando quieren.

Tras un increíble “Night Eternal” Moonspell vuelven a dar una vuelta de rosca a su sonido y vuelven a encandilarnos con su estilo único. Un servidor se niega actualmente a etiquetarles ya que considero que están por encima de cualquier etiqueta que se les pueda asignar.

“Alpha Noir” lo componen temas con temática, como siempre, vampírica, licantrópica, misteriosa apoyados en melodías de las más trabajadas que hemos podido oír de los portugueses en muchos años. Al igual que la voz de Fernando Ribeiro la banda está en un estado inmejorable y buena muestra de ello son los 9 cortes de este oscuro lanzamiento.

A destacar el increíble trabajo de Ricardo Amorim y Ricardo Paixao a las guitarras. Jamás habido con tantísima vida como ahora.

En definitiva, si eres amante del Gothic / Dark Metal no puedes dejar pasar el que será uno de los discos de este 2012.

Un consejo. Si aún estáis a tiempo, haceos con la edición limitada que incluye el bonus cd “Omega White”. Un regalo para los fans en forma de otro disco, pero este más orientado al gótico de los noventa. Te acuerdas de The Sisters of Mercy, Tiamat o Type O Negative?

Púes pásalo por la batidora portuguesa y te saldrá un bonus cd que a muchos grupos que se etiquetan como góticos les gustaría facturar. Una delicia para los oídos tanto Apha Noir como Omega White.

9

Jero García

EXHUMED + ROTTEN SOUND + MAGRUDERGRIND 2 4/ 12 /2 012 , S ALA ES TRA PERLO, BADALONA

ROTTEN SOUND Mis andanzas en el terreno de los directos terminaba en febrero con un cartel más que apetitoso. Se trataban ni más ni menos que del retorno de Exhumed a tierras nacionales tras mucho tiempo. Partiendo de que su actuación en el Neurotic Death Fest fue de las mejores que presencié, merecía la pena el tedioso camino hasta la Sala Estraperlo.

Los acompañantes no se quedaban cortos, Rotten Sound y Magrudergrind --otros que pude ver en el Neurotic Death Fest--. Es curioso, pero la primera vez que pisé la Sala Estraperlo fue para un concierto de Magrudergrind (acompañados de Looking for an Answer) los cuales fueron los encargados de abrir la noche. La sala, para mi sorpresa, estaba más llena de lo que esperaba (aunque sé que otros se esperaban más asistentes, yo he visto la Estraperlo más vacía en ocasiones anteriores) y ya desde el primer tema de los americanos, el público estuvo muy animado. Y pese a que ellos estuvieron muy bien, descargando violencia por doquier, la actuación duró muy poco. Bueno, no sé si duró muy poco o se me hizo muy rápida, es posible que fuera una mezcla de ambas. El caso es que me supo a poco. Eso sí, se comportaron mucho mejor que la última vez en Badalona, los cuales se preocuparon más de beber calimocho que de rendir encima del escenario.

Rotten Sound eran los siguientes, y los únicos que no había visto de todo el cartel, por lo que estaba muy entusiasmada. Esta actuación ya fue más larga, aunque también me supo a poco. Eso sí, el público estuvo aún mucho más entregado, formándose grandes pogos en la sala. Los finlandeses empezaron con el combo de "Effects", "Corponation" y "Blind". Sorprendentemente el sonido les estaba acompañando y la voz de Keijo Niinimaa estaba sonando muy bien. Me gustó mucho su actitud como frontman, muy Dieron un buen repaso a su discografía tocando temas como "Green", "Machinery" y "Power" de su último trabajo, "GDP" del EP "The Rotten Sound" o "Void", "Insects" y "Targets" de su aclamado "Murderworks". Una actuación con actitud y profesionalidad, con un Keijo muy simpático, y con un gran batería (pese a que creo que Kai Hahto era mucho mejor). En resumen, fueron los mejores de la noche.

Tras la actuación que dieron Rotten Sound el listón estaba muy alto, y no sé si era debido a que ya eran más de la doce de la noche, pero vi mucho más espacio en la sala. Así que para cundo salieron Exhumed había menos público. Y de los que quedaban, pocos animaban el cotarro, haciendo que a veces Matt Harvey se esforzara en vano en animar a los asistentes. Pese a todo, no fue una mala actuación ni mucho menos, pero comparada con la que vi en el Neurotic Death Fest, esta fue algo mediocre e incluso se me llegó a hacer pesada. Como he dicho antes, los esfuerzos de Matt fueron inútiles, pese a su simpatía y las ganas de caldear el ambiente, la gente no reaccionaba, el público se había como enfriado tras Rotten Sound. Leon hizo un gran papel al bajo y a las voces guturales y lo que sí me gusto es ver como de bien compaginados estaban él y Matt.

Tocaron bastante tiempo, temas de todas las épocas, desde "All Guts No Glory" hasta "Necromaniac" pasando por "Slaughtercult" o "This Axe Was Made to Grind". Al final del concierto parece ser que los astros se alinearon para Exhumed y hubo mucha compenetración entre ellos y el público, haciendo que todos corearan "Gore Metal! Gore Metal" para introducir "Open the Abscess" justo después de "The Matter of Splatter".

En definitiva, un concierto que no brillará en lo más alto de este año, pero que te hace volver a tu casa sabiendo que ha merecido la pena desplazarse (lo siento, pero es que me a mucha pereza siempre ir a la Estraperlo, está mal comunicada y la acústica suele dejar que desear, pero tal y como está el panorama musical hoy día, prefiero que se hagan conciertos allí, a que los promotores pasen de traer al grupo en cuestión) y con otro concierto más a tus espaldas.

Texto y fotos: Xell

S VA RTS IN N + BA D S E C TO R + A PO PTO S E 2 5 / 0 2 / 2 0 1 2 , S A L A D E M O N I X , L ’ H O S P I TA L E T

APOPTOSE Que se celebre un pequeño festival de dark ambient (y/o derivados) en nuestro malogrado país es, cuanto menos, un acontecimiento a celebrar. Después de la triste desaparición del entrañable Ethereal Fest de Molins de Rei, los aficionados a este minoritario estilo pocas veces tenemos la oportunidad de disfrutarlo en directo. Si bien esta demanda ha quedado en parte cubierta por el interés de la obra social de grandes cajas de ahorros en publicitarse a través de la divulgación de eventos de música electrónica de vanguardia, iniciativas como el festival Drowned in Darkness de La Esencia – perseverante promotora fiel al estilo – son siempre muy bienvenidas.

Acudo a las puertas de Demonix cavilando, precisamente, acerca de la conveniencia de este tipo de celebraciones. A menudo asistimos a conciertos para gozar de la interpretación de los músicos, pero en una disciplina donde abundan los proyectos individuales, a lo más que aspira uno es a admirar a un fulano que dispara música pregrabada desde su ordenador. Tratándose de un estilo de corte intimista e introspectivo – y hasta me atrevería a decir que fuertemente misantrópico, además de contar con una audiencia bastante reducida –, resulta difícil justificar un evento así con el pretexto de una reunión social de sus asistentes. Algún desaprensivo incluso afirmará que el género consigue dormir hasta a las piedras, de modo que huelga decir que el baile y el jolgorio tampoco son uno de los atractivos de estos espectáculos. Todo parece apuntar a que este tipo de música se disfruta mejor en casa, con la luz apagada y apoltronado en una superficie bien mullidita y entonces, ¿qué sentido tiene un festival de dark ambient? Tal vez las actuaciones de esta noche consigan disipar alguna de mis dudas.

Esperando en la puerta de la sala encuentro a la parroquia habitual, o como me dice una amiga, “los de siempre”. Apenas unas veinte personas – que se convertirán en unas cincuenta – matan el rato durante los minutos de retraso – que se convertirán en casi dos horas – hasta que se abren las puertas del inframundo. La sala Demonix quizá no tenga una distribución muy afortunada, pero mientras bajo las escaleras, se me ocurre que pocas cosas hay más adecuadas para ahogarse en la oscuridad que un subterráneo. Abajo, en la negrura más sofocante, el DJ está pinchando Inade a toda pastilla – o quizá Brighter Death Now, tampoco negaremos que cuesta distinguir entre según qué artistas y canciones –, cuando de repente me viene a la cabeza cuál es el auténtico protagonista de la música en directo: el volumen. Quizá el sofá de mi casa presente algunas ventajas, pero allí los graves no me retumban en medio del pecho. Y es una de las sensaciones más agradables que conozco.

Muchas cervezas más tarde, se hace el silencio y empieza Apoptose. Situado a un lado del escenario, detrás de su portátil y sumido en la penumbra, un delgado teutón empieza a practicar una música oscura y melancólica aunque razonablemente agradable al oído. En la pantalla de proyecciones brillan unas imágenes igualmente crípticas e inquietantes, distrayendo la atención del público mientras Rüdiger – que así se llama el señor de Apoptose – ejecuta algunas melodías con el teclado. La función prosigue con una sucesión de pasajes en los que el intérprete opta por hacer notar su presencia – ora recitando en su lengua materna, ora blandiendo un ruidoso tubo de goma – y otros en los que las imágenes cobran un mayor protagonismo – sobrecogedor fragmento de un individuo semidesnudo enterrando a su perro muerto entre lágrimas, en un desierto de nieve –. Esta alternancia entre quietud y dinamismo, sumada al carácter variado de la música – sin olvidar los estándares del género –, aporta a la representación un tono de lo más variado y ameno, lo cual es de agradecer. Y lo más interesante está todavía por llegar.

Cuando empieza a intuirse que el concierto está a punto de entrar en su recta final, Rüdiger se sitúa al frente para hacer sonar unos curiosos objetos de metal mientras cuatro músicos nuevos aparecen al fondo del escenario; se trata de algunos rostros conocidos de la escena apocalíptico-folklórica local, miembros de Àrnica, l’Horrible Passion y La Esencia. Luciendo semblante adusto y tambores de diferentes diámetros, se cuadran al más puro estilo marcial e inician una poderosa e hipnótica marcha que se prolonga durante varios minutos, sumiendo al respetable en un agradable trance ritual. Cuando el hechizo concluye, la improvisada escuadra desaparece ordenadamente de la tarima, mientras el germano se despide de todos nosotros con suma amabilidad. Un digno recital que, sin suponer ninguna gran novedad dentro de su categoría, se ha resuelto con eficacia y cierto gusto. Esto empieza bien.

Jan Roger Pettersen es un noruego gigantesco con el cráneo afeitado y los brazos profusamente tatuados, que produce música a través de su alter ego Svartsinn. Si lo que pretendía cuando decidió dar conciertos era instigar una sensación de temor y amenaza en sus espectadores, me parece que nunca le ha hecho falta tañer una sola nota.

Una vez hechas las presentaciones, el escandinavo se hunde en las sombras detrás de su portátil y el concierto da comienzo. Una frecuencia de onda a la vez grave e ingrávida invade por completo la atmósfera del local como un gas venenoso. Mientras tanto, en la pantalla empiezan a desarrollase unas turbadoras imágenes. Un curioso monigote despierta en lo que parece ser un bosque brumoso y monocromo y, después de ponerse en pie, empieza a explorar un universo de pesadilla al son de una música totalmente atonal y arrítmica. La elegancia de las imágenes es incuestionable y se me antojarían una sensacional obra de arte del cortometraje de animación, si no es por que empiezo a sospechar que, en realidad, se trata de otra cosa.

Un momento, es un videojuego. El monigote avanza por la pantalla, salta, corre, sortea abismos con la ayuda de cuerdas y eventualmente pisa un cepo para osos que le proporciona una aparatosa y violenta muerte. Después del desagradable percance, reaparece en el mismo punto para eludir la trampa, esta vez, con éxito. Vuelvo la mirada a Pettersen, atento a cualquier señal que me indique si está interactuando de alguna manera con las imágenes en pantalla. A pesar de que su nula expresividad me impide adivinar si lee el correo o juega al solitario, parece evidente que no está jugando. Ni interactuando con la música, tampoco. Entonces, se trata de un tipo sentado en una silla mientras se reproduce una pista de audio digital y la filmación de un videojuego. Estupefacto ante el descubrimiento, me debato entre calificar la propuesta escénica como una genialidad o como una patochada, mientras trato inútilmente de despegar la vista de las desventuras del personajillo. Sea como fuere, el hecho de que ocasionalmente aparezcan en pantalla unas frases de angustia existencial – de baratillo –, me hace pensar que el monstruoso escandinavo trata de transmitirnos con su representación un mensaje sobre la brutalidad de la vida y el absurdo de la existencia cotidiana. O al menos, las arañas gigantes homicidas me hacen pensar en ello.

BAD SECTOR

SVARTSINN

En cualquier caso, la sintonía es muy de mi agrado. Interminables frecuencias de onda, de textura plomiza y enloquecedora monotonía que, todo sea dicho, combinan a la perfección con las imágenes de la pantalla. Y no soy el único que se ha quedado enganchado a ella. Después de aproximadamente una hora de tan extravagante propuesta, unos títulos de crédito me dan la pista que más tarde habré de seguir para desentrañar el meollo del asunto. El videojuego en cuestión existe y su autoría o diseño nada tienen que ver con Svartsinn, hecho que, en hacerse evidente, me causará una terrible decepción respecto de la calidad de los directos de Pettersen. En justicia, empero, tendré que reconocer que he pasado un rato de lo más entretenido y además he descubierto un nuevo y fantástico videojuego – a aquél que pueda interesar, se trata del galardonado Limbo, de la empresa danesa PlayDead, que desde estas líneas recomiendo muy efusivamente –. Confuso aún por el curso de los acontecimientos, me preparo para el plato fuerte de la noche.

El artífice de Bad Sector, Massimo Magrini, podría ser descrito, en apariencia, como un cruce entre Vladimir Lenin y el profesor Charles Xavier, sólo que muy cabreado. No tardaré en descubrir que su aspecto conviene fantásticamente a su música. Después de dos puestas en escena de lo más diverso, me pregunto con qué nos sorprenderá este personaje de semblante tan severo. Cuando las luces se apagan de nuevo, unos motivos con cronómetros y texturas industriales empiezan a fragmentarse y reconstruirse con una cadencia obsesiva en la pantalla, mientras los aparatos de Magrini comienzan a orquestar una ruidosa propuesta de corte electrónico, con tintes glitch e idm en su vertiente más oscura y una rítmica aplastante. Resulta evidente que interactúa sin parar con las diferentes tablas y teclados para producir los sonidos, así que en esta ocasión podemos hablar, sin temor a equivocarnos, de una interpretación en riguroso directo, si bien los instrumentos son más bien poco ortodoxos.

A partir de aquí, devenimos los afortunados testigos de un incomparable espectáculo de música de auténtica vanguardia, constituido fundamentalmente por sonidos articulados a través de una perfecta compenetración entre hombre y máquina. La actuación de Bad Sector roza cotas de virtuosismo experimental cuando Magrini empieza a manipular unos asombrosos adminículos; un extraño capacete del que el músico se vale para modificar la frecuencia de vibración de una onda de sonido empleando, al parecer, únicamente ondas cerebrales; haces de luz sensibles al movimiento que alteran los sonidos pregrabados con distinta calidad, en función de la proximidad de las manos de su intérprete, como si de un theremin personalizado se tratase; sorprendentes artilugios de la más puntera tecnología aplicados al campo de la creación musical, con los que el italiano genera una interesantísima e incomparable música. Los estupefactos rostros de los espectadores, velados por las tinieblas de la sala, confirman que estamos asistiendo a un concierto que no pertenece a esta época, como si acabáramos de entrar en un mundo de ciencia ficción.

Cabe mencionar que Massimo Magrini es nada menos que doctor en Informática por la Universidad de Pisa y que ha colaborado durante muchos años con el CNR italiano, desarrollando y construyendo algunos de los aparatos que hoy tenemos el privilegio de ver en funcionamiento; todo lo cual no resta ni un ápice de maravilla a la actuación de Bad Sector, pues si bien sus instrumentos parecen salidos de otro planeta, Magrini los emplea con total maestría para crear una música vibrante, compleja y apasionante. El recital se desarrolla ante la más absoluta expectación en un continuo fluir de inquietantes texturas, desconcertantes samples vocales, ritmos sincopados y oscurantismo electrónico, para terminar de forma apoteósica con una merecidísima ovación del respetable. Sin duda alguna, lo mejor de la noche y un concierto memorable de sabor muy personal, no apto, claro está, para todos los paladares.

Ignoro si la recaudación del festival ha satisfecho o no las expectativas económicas de sus promotores pero, desde estas líneas, espero y deseo que este haya sido sólo el primero de una larga serie de capítulos; si es así, seguro que no dudaré en volver a sumergirme en la oscuridad de nuevo.

Texto y fotos: Rider G Omega

FOSCOR + SHEMHAMPHORASH + LUX DIVINA 28/01/2012, SALA KGB, BARCELONA

FOSCOR La última vez que Foscor habían tocado en la KGB había resultado una noche nefasta, tanto para ellos, como para los desaparecidos Vidres a la Sang. Lo que tendría que haber sido una velada en hermandad acabó viéndose frustrada por un sinfín de problemas técnicos, idas y venidas de la electricidad, que empañó la grabación del dvd.

Pese a ello, Foscor ponían a la venta ese esperado DVD –que puedo decir que ha quedado bastante bien—y habían puesto todo de su parte para que no volviera a repetirse una noche como la de antaño, para que podamos disfrutar en plenitud del décimo aniversario de la banda. Para esta especial velada, la banda compartiría escenario con dos bandas muy unidas a la historia de Foscor, Lux Divina y Shemhamphorash. Y como añadido a todo esto, ponían a la venta merchandising con cara nueva y un cartel protagonizado por la lápida del arquitecto modernista Puig i Cadafalch –cartel que estaba plasmado por todo el escenario—traído de la mano de Ideophony (Ihsahn, Leprous).

Lux Divina fueron los encargados de caldear el ambiente con la propuesta más experimental de la noche. Presentando temas de lo que sería su nuevo disco, vimos como la voz limpia estaba mucho más presente y habían perdido velocidad y agresividad, todo dicho desde un punto de vista para nada negativo. Muchos son los detractores de la peculiar manera que tiene Norax de cantar, pero debo decir que durante esa noche estuvo muy correcto y para nada desafinó tanto como sus “mayores” fans dicen.

Seguramente influiría que tuvieron mejor sonido que otras veces que los he visto, aunque no fue hasta la mitad del concierto que empezaron a sonar bien. Sencillamente Norax tiene un timbre de voz, que a mi modo de ver, no va muy acorde a este género y es por eso que a mucha gente no le cuadra. También hubo tiempo para realizar una versión de una de las grandes del black metal, “Loke” del Frost de Enslaved. No fue una actuación sublime, pero sí agradable, y por trayectoria y familiaridad con Foscor, eran más que merecedores de estar tocando esa noche para nosotros.

Otros que no podían faltar era el grupo de black metal del que hasta hace pocos meses, era el guitarra de Foscor, Wilkhiem. En esta formación era el encargado de las voces y el bajo e interpretan un black metal mucho más tradicional que el que hacía en Foscor. Lamentablemente poco puedo decir de su actuación, pues solo presencié el último tema. En algún momento de la noche tenía que cenar y por supuesto no iba a perderme la actuación de los grandes Foscor.

Después del anticipo que habían dado en Tarragona, el final de la noche prometía mucho. Para la mayoría de los asistentes, Albert seguía siendo una sorpresa en primicia, siendo la primera vez que tocaba en la ciudad condal. Pese a que a algunos les choca el cambio –cosa normal, después de tantos años con Wilkhiem en la formación—yo ya venía acostumbrada después del anterior concierto, así que no supuso ningún cambio brusco. La actuación empezarían tocando los temas más recientes como “Raids of Punishment” o “In Case the Seasons Break”. El sonido no estaba acompañando, tal y como había pasado durante toda la noche, pero no impidió que pudiéramos disfrutar de un evento como pocos se ven hoy día. Rara vez podrás disfrutar de un concierto donde van y vuelven al escenario antiguos miembros de la banda, pero esa noche era especial, así que para tocar el tema “Old Wind’s Revenge” subieron al escenario Norax para cantar, Wilkhiem recuperó su posición a la guitarra y Sergio a la batería. Wilkhiem se quedó además para tocar los temas “Al Cor de la Boscúria” y “I tornà de les Cendres”, dos de los mejores temas de toda la noche. Y este fue el único momento en el que quizás me di cuenta de que la combinación Wilkhiem-Fiar encima de un escenario, se iba a echar de menos, porque la compenetración y complicidad que desprendían era contagiosa. Nuevamente ya con Guillem a la guitarra, acabaron con “Groans to the Guilty” y “Melangia”. El público estuvo en todo momento animando al grupo, demostrando la gran complicidad que llega a crear Fiar con la audiencia.

La noche acabó antes de lo esperado, pues el concierto se me hizo muy corto –y además se dejaron en el tintero una de las versiones que tenían previsto hacer, “Gateways of Bereavement” de Katatonia—. Eso sí, pese a la duración o el sonido, fue una noche digna de recordar, no solo para Foscor, sino para todos los que estuvimos allí presentes. El metal extremo catalán no tiene nada que envidiarle a los alemanes o los suecos –por poner un par de ejemplos—eso quedó demostrado en este sábado de hermandad.

Texto y fotos: Xell

MALEÏT

FOSCOR + AS LIGHT DIES + MALEÏT 2 5 / 0 2 / 2 0 1 2 , S A L A Z E R O , TA R R A G O N A

AS LIGHT DIES Muchas veces se tiende a menospreciar o bien dejar de lado lo que ha sido nacido en tu tierra. Por un motivo u otro, siempre se suele venerar y valorar más los grupos de la escena extranjera. Por suerte, la escena que tenemos en Catalunya, es una escena que bien sabe cuidar de lo nuestro y eso se nota cuando te desplazas a un concierto en Tarragona, para ver un cartel plenamente nacional, y hay más gente de fuera que de la ciudad en sí. Y no solo es que había gente de toda Catalunya en la sala Zero, es que los madrileños As Light Dies se habían traído compañía.

Los encargados de abrir la velada eran los egarenses Maleït, formación que ha sacado el que considero uno de los mejores discos de ámbito nacional de 2011. Presentándose ahora como un cuarteto –y como ya pudimos ver en el Martohell--, empezaron su repertorio con un tema de su “Maleïnt el Món”, “…I tot serà principi de nou”.

Durante su actuación, nos presentarían temas de su larga duración, como “Insectes” (del que me gusta especialmente como introducen la canción) donde Marc Tébar hizo demostración del gran talento vocal del que dispone. Pero sin duda algo que deja maravillado de este grupo, es el bajista Alex Romeu, que parece haber nacido con un bajo debajo del brazo. Como bien dije en la pasada crónica del Martohell, la incursión de Guillem en sus filas ha sido un gran acierto, ya que aporta muchos años de experiencia a la banda y es todo un espectáculo en el escenario, que combate muy bien lo estático que es Alex. A mitad de la actuación, a Guillem se le rompió una cuerda de la guitarra, pero eso no impidió que los demás prosiguieran con “Titans” para finalmente acabar con uno de mis cortes favoritos del disco “Jo no sóc d’aquest món” y la canción “Efímer” del anterior EP “Escorça”. Una actuación que pese a lo corta que fue y a los problemas técnicos que hubo, dejó un buen sabor de boca. Espero que la repercusión de ésta banda vaya creciendo, porque realmente se lo merecen.

Tras ello le tocaría el turno a los forasteros de la noche, los ecléticos As Light Dies, que traerían la propuesta más original y arriesgada de la noche. Antes de empezar su actuación, alguien fue repartiendo bengalas entre el público y nos pidieron que al inicio de su concierto, las encendiéramos. Curioso cuanto menos. Pese a que conozco el grupo desde hace años, ésta era la primera vez que les veía en directo y debo reconocer que no reconocí más que un tema en todo el concierto, puesto prácticamente todo el repertorio eran temas del disco que aún está por llegar. La que sí reconocí, y debo decir que me encantó, fue “The Disinherited” de su trabajo “Ars Subtilior from Within the Cage”. Los temas nuevos me parecieron algo más complejos y retorcidos, quizás algo más difíciles de digerir, pero que sin duda captaron mi atención y espero poder escuchar pronto la versión en estudio. Entre canción y canción, se iban proyectando imágenes no aptas para mentes sensibles, pero que les daba un toque personal a la escenificación del grupo. Lo que me sorprendió fue lo activos que estaban los componentes sobre el escenario, sobretodo el violinista, que iba y venía del escenario constantemente, algo que hacía también su cantante y guitarrista Oscar. Lamentablemente, los madrileños sonaron algo peor que Maleït y la mayoría del público no les hizo el caso que debieran haberles hecho, por lo que el ambiente escaseaba un poco. Ojalá hubiesen tocado algo del primer disco, personalmente me gusta mucho y ya que era la primera vez que tocaban en tierras catalanas, no hubiese estado demás… Aunque si de algo pueden estar orgullosos los madrileños, es de haber conseguido crear su propio sonido y esto es algo de lo que estaba falto esta escena.

La velada terminaba con uno de los veteranos del extremo catalán. Los geniales Foscor, que estaban próximos a celebrar su décimo aniversario, y que utilizaron este concierto para anunciar que dicha celebración se iba a realizar a finales de enero, en la sala KGB. Este concierto servía también como presentación “oficial” en tierras catalanas del nuevo guitarrista de la banda, Albert, guitarrista de la desaparecida y mítica banda Vidres a la Sang (el estreno había sido en el Aurora Infernalis, festival por el que hubiera dado los dos riñones por asistir…). Los barceloneses sí que disfrutarían de un buen sonido, y pudimos gozar en su máximo esplendor de temas como “The Smile of the Sad Ones”, “In Case the Seasons Break” o “Raids to Punishment”. Las voces limpias de Fiar mostrarían su mejor faceta cuando llegaron a interpretar la maravillosa “Searching a Seal of Pain (The Beauty)”. Los riffs iban y venían en un concierto donde el hecho de que Albert llevara dos conciertos tocando con ellos, no se notaba en absoluto y se les veía bien avenidos y compactos. Finalizarían el concierto con tres de los temas que más me gustan, “Groans to the Guilty”, “The Other’s Voice” y la épica “Melangia”, la que por un momento llegué a pensar que ya no tocarían, tras hacer el amago de “nos vamos y ahora volvemos”.

En definitiva, una gran noche con tres grandes del metal extremo que solo se vio empañada por la poca asistencia al concierto. Una lástima que no todos sepan apreciar que a veces no hay que irse muy lejos para ver un concierto de calidad.

Texto y fotos. Xell

WO LVES IN THE THRONE ROO M 2 1 / 1 0 / 2 0 1 1 , S A L A XOYO, L O N D R E S

Con la mano en el fuego, me atrevo a decir que Wolves in the Throne Room han sacado el mejor disco de todo 2011. Si a este dato le sumamos que a mí me cuesta muy poco moverme fuera de España por un concierto, era obvio que tenía que ir a ver a esta gente. Por fechas, Londres fue la ciudad elegida, y allí me planté este pasado octubre.

Lamentablemente y debido a que mi sentido de la orientación es pésimo, me perdí al intentar llegar a la XOYO, sala que estaba bastante escondida y lejos del centro, por lo que llegué con Wolvserpent más que empezados. Una verdadera pena, los desconocía y lo poco que vi me encantó. Un buen dúo de drone/doom con una interesante propuesta. Los lobos no tardaron en aparecer, con las luces apagadas, solo un par de lámparas a los pies de ellos, haciendo una escenificación perfecta y acorde con la música. La única pega que le veo a esto, es que no le veo sentido alguno que otorguen pases de foto a la gente. Sin poder usar flash y sin focas ¿qué es lo que voy a fotografiar? Pues el cartel, que la ilustración era más que bonita. Bromas aparte, Wolves in the Throne Room no es un grupo para ver a plena luz del día o con unos focos brillantes, por lo que apoyo totalmente la escenificación lograda. Salvo el 12Diadem of Stars, estuvieron todos sus larga duración presentes en el setlist, abriendo con “Thuja Magus Imperium”, tema que también abre su majestuoso disco “Celestial Lineage”. Pasarían luego al Black Cascade con “Ahrimanic Trance”. El mejor momento de la noche fue cuando decidieron tocar el combo “Cleansing” + “I Will Lay Down My Bones Among the Rocks and Roots”, tema que adoro profundamente. Pese que son canciones considerablemente largas, el concierto se me hizo muy, pero que muy corto, y sin darme cuenta, estaba ya presenciando lo que iba a ser la despedida del concierto, “Prayer of Transformation”. Con este mix de canciones, pude comprobar que las del último disco se adaptan mejor en directo. Sinceramente, el concierto me supo a poco, me faltaron muchos temas, pero es imposible que los toquen todos dada la duración que suelen tener, aunque un tema más podría haber caído, que el concierto acabó muy pronto. Sin saludos, sin muchas gracias, sin que bonito es Londres ni nada de estas cosas que suelen decir todos los músicos (muchos desgraciadamente para quedar bien), tan solo su música, a la que le sobra calidad por todos los costados, pese a lo que los más conservadores del black metal puedan decir sobre ellos, pues la actuación de Wolves in the Throne Room evocó mucho más que las actuaciones de algunas respetadas y tradicionales bandas del género. Oscuro, introspectivo y atmosférico.

Texto y fotos: Xell

PAIN OF SALVATION 21/02/2012, SALA APOLO, BARCELONA

PAIN OF SALVATION Setlist: Road Salt Theme Softly She Cries Ashes Linoleum The Deeper Cut 1979 To the Shoreline Chain Sling Ending Theme The Perfect Element Healing Now Stress Kingdom of Loss No Way Enter Rain The Physics of Gridlock Sisters

Esta tarde tengo una cita con Pain of Salvation. Sus dos últimos trabajos han sido muy de mi agrado, así que será un placer poder charlar con ellos al respecto. Lamentablemente, la responsable de prensa anuncia a mi llegada que Daniel Gildenlöw padece de la garganta y prefiere posponer la entrevista. Cuando estoy apunto de marcharme, la oigo decir por lo bajo que está pensando en llevar a Daniel al hospital tan pronto como lleguen a Montpellier. Así que me voy a matar el rato hasta la hora del concierto, no sin una leve inquietud.

A mi regreso, la sala está ya razonablemente atestada – aunque en ningún caso llena – y los teloneros ya han actuado. Me acerco al foso de fotografía, donde pasearé durante las tres primeras canciones. Desde allí compruebo la curiosa disposición escénica: la batería en un lateral, dos tarimas al fondo del escenario y micrófonos listos para ser usados por todas partes. No en vano son Pain of Salvation conocidos por sus elaborados recursos vocales. Se apagan las luces y por los altavoces empieza a sonar la introducción del último trabajo del grupo. Enciendo la cámara y me dispongo a disfrutar.

Los suecos hacen aparición ante el clamor del respetable, especialmente notable tras la llegada del carismático Gildenlöw. Al igual que éste, todos lucen un atuendo de lo más informal y confortable, aunque no por ello dejan de resultar relativamente elegantes. El líder del conjunto complementa su aspecto con una absurda coleta en el pelo y un vendaje en la mano derecha. Esperemos que sea lo único que tiene lastimado. “Softly she cries”, de regusto marcadamente setentero, sigue a la introducción tanto en el álbum como en directo. El sonido es magnífico desde la primera nota. Rico en graves, potentes y definidos, y muy bien equilibrado. Contra todo pronóstico, Daniel está cantando de maravilla. Con entonación, intención y sensibilidad mayúsculas. Antes de proseguir con la actuación, regala al público un sonriente saludo en el que se hace evidente su encanto arrollador, contra el que es absolutamente imposible resistirse.

Y por si todavía hay algún asistente al que no se hayan metido en el bolsillo, la banda juega rápidamente una de sus mejores cartas. El single “Linoleum” suena aplastante, incontestable. Porque más allá de intrigas técnicas o valoraciones sobre la ejecución – excelente, por otra parte – Pain of Salvation transmiten suficiente energía como para iluminar por sí solos una ciudad pequeña. Es éste un fenómeno de difícil análisis, pero puede sentirse con la mayor facilidad. Y a fe mía que esta noche se siente, y de qué manera. La magistral “The Deeper Cut” se presenta como la oportunidad perfecta para comprobar las habilidades corales del recién fichado Ragnar Zolberg, un aniñado islandés con un remoto parecido al desaparecido líder de Nirvana. El público tendrá también ocasión de desgañitarse a gusto con los siguientes temas, por lo menos todos aquellos que hayan tenido tiempo de aprenderse las letras del “Road Salt Two”. Y parece que no son pocos. Tampoco es que fuera a notarse, con todos los músicos apoyando en sus respectivos micrófonos. Sea como fuere, da gusto comprobar hasta qué punto están cuidadas las voces en directo.

Y qué más puedo añadir, excepto que presenciaré un tremendo concierto de unos fantásticos artistas, entregados a un público totalmente entregado a ellos. Emoción, pasión, energía y rock’n’roll. Gildenlöw consigue caerme bien incluso cuando abunda en los manidos clichés del rock star – pedir al respetable que grite para su deleite, preguntar a los asistentes por el título de la siguiente canción, presentar a la banda y todas esas cosas – y mira que acostumbran a caerme mal estos tipos. Qué más da si habla de economía internacional, del fin del mundo o de las chocolatinas de los calendarios de adviento, este tío es adorable y punto. El resto de componentes, dignamente resignados a su papel secundario en esta obra, no dejan de dar lo mejor de sí mismos en ningún momento, sudando la camiseta a lo largo y ancho del escenario. Y eso sin tener en cuenta la reciente (re-)incorporación al conjunto de la mayoría de ellos. Incluso el tímido Léo Margarit resulta entrañable cuando declina improvisar un solo de batería a petición expresa del público. A la lumbre de unas sencillas pero magníficamente escogidas luces, cuesta poco percibir que Pain of Salvation están viviendo una gloriosa etapa.

La segunda parte del espectáculo se centra en recuperar parte del repertorio antiguo de la banda. Lo confieso, soy un admirador relativamente reciente del conjunto sueco, de manera que disfrutaré algo menos con esta segunda mitad, lo cual no es en ningún modo culpa del grupo, sino mía. En todo caso, tendré oportunidad de presenciar el interminable desfile de guitarras a manos de Gildenlöw, hecho que mantiene muy atareados a los pipas. Desde los modelos exclusivos fabricados por Mayones para Daniel hasta las mandolinas de “Healing Now”, el despliegue de instrumentos parece no tener fin. Idéntica variedad puede percibirse en los efectos de sonido usados por la mayoría de los componentes. Y es que el afán de Daniel por llevar al directo hasta el más pequeño matiz de las composiciones, sin perder por ello una pizca de intensidad, es poco menos que heroico. Bravo.

Y antes de que nos hayamos dado cuenta – y en ningún caso a causa de la razonable duración del concierto – la velada se precipita hacia su final con la pesada “Enter Rain”.

Un conjunto de carácter tan marcadamente roquero no podría irse tranquilo a dormir sin el consabido encore, así que pronto disfrutaremos de la variada “The Physics of Gridlock”, seguida de la guinda del pastel. “Sisters” es una canción que podría hacer llorar a las piedras, y su compositor la interpreta de tal manera que sólo me queda quitarme el sombrero, bajar respetuosamente la cabeza e irme a casa. Bueno, antes pasaré por el bar de la esquina a comer un bocadillo, que con tantas emociones me ha entrado hambre.

Esta noche he tenido el placer de asistir al concierto honesto, vibrante y emocionante de una banda en total estado de gracia. Pain of Salvation ostentan con propiedad el título de “la banda más valiente con vida”. Y una de las más sobresalientes del panorama contemporáneo, añadiría.

Texto y fotos: Rider G Omega

ÓLAFUR ARNALDS setlist: Tomorrow’s Song Þú ert jörðin Poland Lynn’s Theme Allt varð hljótt Gleypa Okkur Near Light Endalaus II Tunglið 3326 Undan hulu Erla’s Waltz Ágúst Ljósið

ÓLAFUR ARNALDS 11/03/2012, SALA APOLO, BARCELONA

Lag fyrir Ömmu

Para hacer justicia a la música de Ólafur Arnalds, la crónica de un concierto suyo debería poder resolverse en unas pocas y sentidas palabras. Y con mucho silencio. Para el que suscribe estas líneas, que le encanta andarse por las ramas, no va a ser tarea fácil. Pero por intentarlo…

La sala Apolo se pone el traje de los domingos – prestado; con sillas de baratillo – para recibir calurosamente al compositor islandés, con todas las localidades agotadas. La disposición de las “butacas” en platea propicia un ambiente de solemne expectación, muy en consonancia con la música de nuestro queridísimo invitado. Ólafur Arnalds es todo delicadeza y circunspección: semblante tímido, palabra calmada, acento académico, jersey de punto de la abuela y corte de pelo de niño bien; parapetado detrás de sus imponentes teclados, Ólafur encarna a la perfección el estereotipo del joven talentoso y frágil que vive refugiado en su mundo interior. Y tal vez esta imagen no ande muy alejada de la realidad; sea como fuere, esta noche vamos a tener el inmenso placer de visitar dicho mundo.

El recital no empieza con acordes, sino con palabras: Arnalds invita amabilísimamente al respetable a cantar a coro, un Do y luego un La; lo graba, lo samplea y lo reproduce en bucle para usarlo como base para una introducción a “Tomorrow’s Song”. Zas. El público en el bolsillo en menos de un minuto.

A partir de aquí, sólo hay que dejarse llevar por la emoción. Torrentes de inigualable melancolía y belleza, en forma de minimalismo neoclásico de corte escandinavo, ejecutados con grandísima sensibilidad. Canciones tristes para contemplar un paisaje desierto a través de un cristal lluvioso; para una instantánea en blanco y negro de una despedida en una estación ferroviaria; para recordar la sonrisa de un amigo muerto; música para hacer llorar a las piedras.

Incluso al amparo del violín y el violonchelo – Viktor y Paul –, y más tarde de sutiles bases electrónicas, la textura general mantiene su carácter pulcro y delicado; con el silencio como verdadero protagonista de la composición. El silencio y, por supuesto, el propio Arnalds. Cada nota nos trae una parte de él, de su forma de comprender la realidad; a la vez que nos acompaña discretamente en nuestra introspección.

Lánguido pulsar y rasgar de teclas y cuerdas; movimientos parsimoniosos y sobrias ondulaciones; penumbras lumínicas y brumas electrónicas; todo en el espectáculo induce a la amable reflexión y tranquilo paladeo de la estupenda música, preñada de encanto y nostalgia.

La progresión del recital es muy conveniente al tono del mismo: pausadas y matizadas transiciones de acordes y luces para enmarcar una estructura general ternaria – en la que se va dando progresivamente más protagonismo al acompañamiento, hasta el punto de sendos solos instrumentales en “3329” y “Undan Hulu”, para volver lentamente a la soledad del piano – construidas con la mayor dignidad y coherencia.

Las simpáticas y apocadas presentaciones de los temas, a cargo del enternecedor “Oli” – como Arnalds tiene a bien explicarnos que le llamaban sus amigos –, se me antojan espontáneas y acertadas. Incluso me resulta atrevido y romántico el sutil matiz de rabia contenida en el alegato final en contra del criterio musical de las empresas fabricantes de bañeras – pero, ay de mí, qué ingenuo soy a veces; dentro de unos días descubriré que todo estaba en el guión –.

Especialmente lacrimógena es la presentación del encore, “Lag fyrir Ömmu” (canción para la abuela) – dedicada a quién ya os imagináis –, que pone punto y final a la velada.

Acto seguido, la congregación prorrumpe en una merecida y sonada ovación, con gente levantándose de las sillas y bravos incluidos. Y es que no es para menos.

Brillante actuación de este jovencísimo compositor, que ha demostrado con creces saber cómo trasladar a escena la atmósfera que transpiran sus composiciones, obsequiándonos con una interpretación que supone toda una lección de sensibilidad y sutileza, además de un agradable remanso de paz. Que buena falta nos hace a algunos.

Texto y fotos: Rider G Omega

SANTELMO set list Ana y el Verdugo Juicio a la muerte La tempestad Los creyentes Ángel o Demonio La vida a sangre fría Un soldado herido La culpa y la locura Pídeselo a Dios Si tú quisieras Alas rotas Daría lo que fuera Hasta el fin del mundo Uclés Roma a las puertas Hijos de la madre tierra En el bosque de hojas muertas

SANTELMO 10/03/2012, SALA CARACOL, MADRID

Él Junio del 44 I want out

Aterrizó Santelmo en la capital en su gira de presentación de su nuevo trabajo “El alma del verdugo”, con la presencia de nuevos miembros en la banda: Nacho Ruiz, vocalista que se incorporó tras la salida de Ronald Romero e Iván Ramírez a la batería, que ha venido a ocupar el vacío dejado por Jaime Olivares.

Había expectación, a pesar de que semanas antes ya pudimos ver un adelanto en la Sala Ritmo y Compás. Y ese buen ambiente se mascaba horas antes en los bares de la zona, inundados de repente por el color negro de camisetas y chupas de cuero.

La apertura de puertas se realizó en el horario previsto (20,00 h), no así la salida de la banda a escena, que aún se demoraría un poco más.

Con la sala con su aforo ya casi completo y rondando las 21:50 h, por fin Santelmo abre el concierto con la introducción del nuevo disco seguido de un potente Ana y el Verdugo, basado en la ejecución de Ana Bolena. Al término del siguiente, Juicio a la muerte, Nacho Ruiz, el nuevo vocalista, hace la presentación para continuar seguidamente con temas como La tempestad, y los ya clásicos, Los creyentes y Ángel o Demonio, ejecutados con gran potencia y energía y bastante celebrados por el respetable.

Continuaron con La vida a sangre fría y Un soldado herido. Especialmente en este último tema (algo flojo) se hizo más evidente lo ya observado desde el principio del concierto: el sonido instrumental, especialmente la guitarra de Jero, estaban un poco saturados, lo que impedía percibir con más nitidez la voz de Nacho, que especialmente en las notas graves perdía potencia.

Pese a ello, el ritmo del concierto iba en aumento, llegándole el turno a La culpa y la locura y seguidamente un Pídeselo a Dios magistral en potencia y ejecución, que nos hizo poner los pelos como escarpias.

El primer momento emotivo de la noche vino de la mano de Jaime Olivares (algunos le echamos mucho de menos), que fue invitado a salir al escenario para interpretar con el resto de sus ex-compañeros Si tú quisieras. Además de elevar la temperatura de la fiesta, pudo comprobarse las diferencias entre ambos bateristas. Partiendo de la base de que las comparaciones siempre son odiosas y a menudo injustas, Iván Ramírez es un gran músico, un metrónomo perfecto (que quizá también podría echar mano a más recursos de percusión), pero le falta transmitir con sus baquetas. Y ese es el punto fuerte de Jaime: trasmite, conecta con el público (y esto es muy difícil para el músico que siempre está en retaguardia).

Tras una clamorosa ovación y reconocimiento a Jaime, la banda continuó con Alas Rotas, a cuyo término José Paz (que pedazo de músico), nos mostró parte de su potencial como instrumentista ejecutando la obertura a la ya clásica balada Daría lo que fuera, que en esta ocasión fue ligada al tema del nuevo disco Hasta el fin del mundo. La idea fue original, pero la duración en conjunto de ambos temas supuso un bajón en el ritmo y el ambiente del concierto. Creo que es un asunto a replantear en futuros set-list.

Llegados a este punto, Nacho Ruiz se tomó un descanso (a mi juicio necesario, pues ya estaba forzando bastante su voz) y un Jero cada vez más cómodo y feliz sobre el escenario (yo nunca le había visto sonreír tanto) se arrancó con un tema instrumental, Uclés, que hasta la fecha nunca había visto interpretar en directo. Fue una grata sorpresa por la calidad y fuerza del mismo, un tema magistral que bien pudiera haber sido incluido en alguno de los dos discos editados hasta el momento por la banda.

Volvía a tomar velocidad el ritmo del concierto y en esta ocasión le llegaba el turno a uno de los nuevos temas más votados por los seguidores en los foros de Internet: Roma a las puertas. Pero la gran sorpresa vino cuando el gran José Carlos Molina, armado con su inseparable flauta, saltó al escenario para compartir con Jero, su compañero en la etapa de Ñu, los compases de este pegadizo tema. Fue un momento inolvidable y muy celebrado por los asistentes, aún más si cabe esperando que también cayera algún tema clásico de Ñu, cosa que desgraciadamente no ocurrió.

Ya afrontando la recta final del concierto, Nacho Ruiz inicia el consabido juego vocal con el público que sirve de preámbulo a uno de mis preferidos, Hijos de la madre tierra, temazo que consiguió la participación en bloque toda la abarrotada sala. No contentos con ello, vuelve la complicidad y el diálogo entre la guitarra de Jero y la voz de Nacho para rematar el bloque central del concierto con En un bosque de hojas muertas, con el que nos hicieron vibrar al máximo.

Tras una breve despedida, la banda volvió a salir a escena y Jero comenzó a interpretar un solo presentación de Él, quizá el tema más potente del nuevo disco y que en directo suena increíblemente bien.

Es ahora Nacho el que toma la batuta para presentar a la banda al completo y dar paso al siguiente tema, Junio del 44, que contó esta vez con la colaboración en las voces de Gaby Boente, compañero de Jero en su etapa de Saratoga. Para dar fin al espectáculo, eligieron un clásico de Hellowen, I want out, con el que sorprendieron por su gran ejecución en conjunto y en particular por la gran interpretación vocal de Nacho Ruiz, ya que no es un tema fácil por el rango de agudos que requiere.

Tras casi dos horas de espectáculo y de derroche de calidad, podríamos concluir que Santelmo ofreció un gran concierto en conjunto, con muy buena puesta en escena y muy buena respuesta de los seguidores en cuanto a aforo, participación, y rango de edades (afortunadamente muy amplio). La banda se mostró con mucha conexión y complicidad; especialmente vi disfrutar a Jero como no le había visto en anteriores ocasiones. Sin embargo, y partiendo de la crítica constructiva, habría que reseñar que Iván debería trasmitir y participar más en la fiesta del directo, no limitarse a ser un metrónomo perfecto, y Nacho, todavía en adaptación a los rangos tonales de los temas que interpretaba Manuel Escudero, debería trabajar más la puesta en escena, pues aún siendo correcto, quizá le falte aún un poco de actitud y le sobre sobreactuación en algunos momentos.

Mucho se ha comentado también si este nuevo trabajo era de inferior calidad al primero. Para gustos, los colores. Cierto es que sus temas ganan mucho más en directo, pero mi impresión personal es que la gente disfrutó más lo temas antiguos. Particularmente pienso que debían haber seguido la línea del anterior trabajo, que supuso una oleada de aire fresco y novedad a lo que ya había en el panorama nacional, pues el enfoque y temática que se le ha dado a este nuevo ya lo vienen haciendo otras bandas desde hace tiempo. De lo que no cabe la menor duda es que estamos ante una gran banda, con unos músicos increíbles, que seguro seguirán dando grandes sorpresas y satisfacciones en el futuro.

Texto y fotos: Salva Jiménez

OBSIDIAN KINGDOM + COPROLITH—NOCTEM 16/02/2012, SALA ROCKSOUND, BARCELONA

Resulta extraño asistir a un concierto de bandas nacionales, con telonero extranjero y un jueves… el plan no suena mal. Supongo que Noctem le debían una gira por España a Coprolith con quienes giraron por Finlandia hace unos meses. Ahora tocaba repetir cartel por estos lares pero con un añadido especial, Obsidian Kingdom como apertura.

Desgraciadamente el ser un día entresemana lastró la afluencia de público pero eso no fue un condicionante para que Obsidian Kingdom dieran una LECCIÓN con mayúsculas de cómo tocar Post Black Metal. Quizá resulte osado por mi parte etiquetar a una banda que se mueve con una soltura abrumadora en cualquier estilo que fluye de sus instrumentos. A la espera de la edición de su nuevo larga duración nos presentaron su nuevo Ep “3/11” y pese a que la acústica tenía sus limitaciones la banda suplía estas carencias con entrega y dedicación. Tuve la suerte de verlos con su anterior formación y eso me permite comparar. Aunque entonces eran una buena banda el resultado actual no tiene parangón aunque huelga decir en su favor que de momento no se les avista su techo. El concierto transcurrió en un visto y no visto y donde intercalaron temas de su primigenio “Mater” con los de su nuevo Ep para incluir además un tema nuevo. No soy yo muy ducho a esto del Post Black Metal por lo que celebré especialmente los retazos más cañeros aunque debo admitir que las secciones más experimentales resultaron ser incluso más atractivas y quizá la puesta en escena tuvo mucho que ver pues ver a Zero Aemeour Íggdrasil plantar el teclado en el frontal del escenario ya choca por mucho que también sea el cantante. A su izquierda un excelso Fleast Race O’Uden al bajo que se movía al ritmo de su instrumento. Todo muy compacto, homogéneo y una banda muy compenetrada que sabe a lo que juega y que esta noche de jueves fueron, en lo musical, los grandes triunfadores de la noche.

Acto seguido aparecían Coprolith. A los fineses se les vieron otras hechuras y tanto su vocalista Ben Pakarinen como su música guardan un parecido razonable con los germanos Belphegor. Muy sobrios en vivo hasta el punto que parecía que la cosa no iba con Jouni Karhonen. Su set list se centro en repasar su discografía, especialmente su disco de 2010 “Cold grief relief”. Poco a poco el público se fue volcando con ellos y su sonido fue mejorando al tiempo que lo hacía su actuación. Caña y contundencia de una calidad aceptable, que no destacable.

He oído decir de todo sobre los directos de Noctem y casi nada de ello bonito. Sea como fuere, esa colección de poco halagüeños comentarios no ha hecho sino acrecentar mi curiosidad por comprobar su veracidad en primera persona. Y es que ya se sabe que no existe la mala prensa.

En el límite de un escenario todavía vacío, reposa amenazadora una suerte de barricada cubierta de alambre de espino. Empaladas en dos de sus estacas, unas cabezas de cordero todavía sangrantes vigilan a la reducida congregación con mirada ausente. Los músicos no tardarán en aparecer, convenientemente pintados y ataviados con armaduras de cuero hechas a medida, ornamentos que cualquiera que haya visto sus fotografías y vídeos reconocerá con facilidad. Por si no había quedado claro, a los de Valencia les va el teatro, elemento imprescindible para entender su propuesta. Y en contra de lo que había oído, su aspecto no resulta esperpéntico a pesar de su evidente pretensión.

Pantomima o no, el quinteto suena como una apisonadora. Me consta que no llevan técnico y que apenas han tenido tiempo para probar y aún así su sonido es claro y arrollador. De modo que ya puedo empezar a tachar su supuesto mal sonido de la lista de acusaciones. Además, es fácil comprobar que les sobra técnica para ejecutar su música de forma nítida y contundente, especialmente a su batería Darko, una auténtica ametralladora. Así que malos instrumentistas, tampoco son. En cuanto al estilo, podríamos definirlo como un Blackened Death Metal melódico y muy acelerado, hábilmente combinado con secciones a medio tiempo que invitan a ejercitar la musculatura cervical.

Etiquetas aparte, lo cierto es que el despliegue de medios ha conseguido que los escasos asistentes, bastante hieráticos durante las anteriores actuaciones, se vuelquen a animar al grupo en primerísimo fila, aún a riesgo de quedar ensartados en algún saliente de la barricada. Luego, tampoco es verdad que no gocen del favor del respetable.

Durante los próximos cuarenta y cinco minutos, la banda proseguirá su recital de manera impecable, desmontando todas mis dudas respecto de su profesionalidad y haciendo gala de una actitud escénica envidiable. Mención especial en cuanto a este último punto merece el frontman Beleth, que sabe aprovechar bien el hecho de no tener que cargar con su instrumento. Aunque sea para ajustarse puntualmente la capucha o para ponerse perdido de sangre de cordero. El caso es que a pesar de todo lo que se dice sobre ellos, en esta ocasión Noctem han defendido sin ningún problema su estandarte en el campo de batalla, por emplear una jerga adecuada a su imaginería. Y eso que esta noche el terreno no era especialmente favorable. Y hasta aquí los hechos. Recomiendo a aquél que no quiera leer mi opinión subjetiva de todo este asunto que pase la página y siga con otra crónica.

Después de esta actuación, no me cabe la menor duda de que Noctem es un grupo serio y competente cuyos directos están a la altura de las circunstancias. Ahora bien, ¿dónde radica su interés? Sus fornidos atuendos son vistosos y quizá consigan epatar a un puñado de quinceañeros, pero están incluidos dentro de una trilladísima tradición que abarca desde KISS hasta Lordy, pasando por GWAR, Dimmu Borgir o Behemoth. Los cadáveres de ganado en picas ya son algo más específico aunque nada ni por asomo novedoso en la escena extrema. El discurso de minoría elitista con tintes fantástico-belicosos ya ha sido (y sigue siendo) explotada hasta la saciedad. ¿Su propuesta musical, quizá? Si bien compuesta con gracia y ejecutada con maestría, su música se adscribe a la corriente del Black-Death Metal melódico más ortodoxo y en mi modesta opinión, no aporta nada nuevo al género. ¿Que qué tienen de malo las bandas que se limitan a ahondar los surcos que otros ya han trazado? Absolutamente nada. Pero a mí no me apasionan. Y a quién pueda molestar mi opinión, recuerde que “sobre gustos no hay disputas y con…”… Qué diablos, ya sabéis cómo acaba la frase.

Texto: Marc Gutiérrez y Rider G Omega Fotos: Ideophony

MOONSPELL + HELEVORN + OBSIDIAN KINGDOM 07/12/2011, SALA SALAMANDRA 1, BARCELONA Setlist HELEVORN: From Our Glorious Days Descent Two Voices Surrounding Yellow Nobody Is Waiting Revelations

Setlist MOONSPELL: Intro Wolfshade (A Werewolf Masquerade) Love Crimes …Of Dream And Drama Trebaruna Ataegina Vampiria An Erotic Alchemy Alma Mater Perverse… Almost Religious Opium Awake Raven Claws Mephisto Full Moon Madness —————— Finisterra Night Eternal Nocturna Scorpion Flower

Después de unos meses agotadores en los que las salas catalanas, han sido un ir y venir casi constante de bandas, rodies, equipos de sonido y un largo etc. la visita de los lusos Moonspell servía para poner la guinda perfecta a un pastel que un servidor empezó a devorar a mediados de noviembre con el directo de In Extremo, casualmente en la misma sala Salamandra. Y menuda guinda (todo sea dicho de paso), nada más y nada menos que la gira especial donde los chicos de Moonspell, repasan casi al completo las que posiblemente sean las obras cumbres de su carrera, “Wolfhearth” e “Irreligious” dos de los mejores discos que se han parido en el viejo continente. Por si eso no fuera poco, para redondear la faena, contaban con 2 escuderos de lujo, los barceloneses Obsidian Kingdom, que presentaban los temas de su nuevo Ep “3:11” y un line-up casi renovado en su totalidad, y una de las bandas revelación de estos últimos años tanto a nivel nacional como internacional, los mallorquines Helevorn que volvían a Barcelona después de dejar a más de uno (a mi incluido) K.O en el festival Kanya a Sant Climent 2011. La siempre difícil tarea de calentar al personal recaló en Obsidian Kingdom.

Lo primero que me llamó la atención es la que en esta nueva etapa es el guitarra Rider G Omega quien se encarga de la voz principal. La segunda es la incursión de teclados a su música que refuerza su estilo, un hibrido de Black Metal aderezado con algunos pasajes más sicodélicos y melódicos. Cabe destacar la gran solidez que presentan los nuevos temas tanto en álbum como en directo, el salto cualitativo a la hora de definir su sonido y la compactación de lo que iniciaron con “The birth of mater” en 2007 ¡No los pierdas de vista!

Con una entrada bastante más razonable llega el turno de Helevorn, que desgraciadamente no gozaron de mucho espacio debido al gran set de batería de Mike Gaspar, que se comía gran parte del escenario. A pesar de esto saltaron directos a la yugular con los primeros acordes de “From our glorious days”. La voz de Josep sonaba devastadora, destrozándonos a todos mientras los cálidos riffs de guitarra nos arropaban en nuestro dolor y los toques de teclado nos invitaban a recrearnos en él. Solucionado algún pequeño ajuste en el sonido de guitarras volvieron a incidir con “Descent” de tintes algo más oscuros que su antecesor. Fue el momento de acabar de cerrar los ojos y dejarse llevar por sus embrujos. Para rematar un inicio de infarto, “Two Voices Surrounding” simplemente sublimes las líneas melódicas, con un estribillo meloso que te lleva al éxtasis mental. Bajo este clima se acabó de desarrollar su tiempo en que sonaron: “Yellow”, “Nobody Is Waiting” y para terminar una de las “gordas”, “Revalations”. Los problemas de sonido con las guitarras duraron casi todo el tiempo pero supieron sobre llevarlo con profesionalidad. Después de aquello solo quedaba esperar al cambio de backline y disfrutar las 2 horas de show de la mano de uno de los combos más honestos que hay en este negocio.

Se levanta el telón de Salamandra; al aullar de los lobos, dando inicio a (palabras textuales de Fernando Ribeiro) “una noche mágica con los Moonspell”; los aullidos habían dado paso a las primeras notas de “Wolfshade (A Werewolf Masquerade)” con los que los 500 o 600 asistentes estuvimos totalmente entregados desde el primer tema. Un sonido jodidamente brutal, potente a la par que nítido y una escenografía simple que se reducía a un gran proyector que reflejaba imágenes, eso sí, escogidas a conciencia, algunas de ellas, como la mirada de un lobo de ojos naranjas que ponían los pelos de punta. Las ovaciones se seguían a la misma vez que los grandes clásicos como “Trebaruna”, “Vampiria” o la inconmensurable “Alma Mater”. La gente completamente hipnotizada ante las artes del maestro Ribeiro, que demostró durante toda la noche ser una persona afable, humilde y profundamente honesta, llegando al punto de decir que esta noche iba a hablar completamente en castellano para que la comunicación fuera mejor. Inmensos, sonaron “Opium”, “Mephisto” o “Full Moon Madness” que sirvió para llevarnos en volandas hasta el “intermedio” y encarar la recta final. Para terminar con “Finisterra” o la recién llegada “Night Eternal”. Una noche memorable merece un final acorde y “Scorpion Flower” con la vocalista Carmen Simoes como invitada de lujo sirvió para ello. Quiero destacar el hecho que Fernando Ribeiro agradeció a Obsidian Kingdom y Helevorn el haber tocado junto a ellos (gran detalle por su parte). Debido a mi juventud, no sé cómo serian los shows de bandas como Moonspell en la dorada década de los 90 pero con giras como ésta las nuevas generaciones nos podemos hacer una pequeña idea.

Texto: Alex Lopez Fotos: Xell

KAIOWAS TOUR: THE EYES CRISIX + BUSTIN’ OUT 17/11/2011, LA 2 APOLO, BARCELONA

Setlist The Eyes: Redemption Commitment Grey Light Jail Invaders Above the Real Pain Chants From the Ashes Marea Negra The Sight of Weakness Wake Up Steel Die to Rise Crucified Lie Setlist Crisix: A.S.F.H. Ultra Thrash Internal Pollution Spawn Holy Punishment Dead by the Fistful of Violence Hit the Lighths / Antisocial Brutal Gadget The Last Monkey Electric Possession

Mucho se ha hablado estos últimos meses de la agotadora agenda de conciertos que se nos venía en encima. A nivel nacional una de esas fechas para no perderse era el bautizado como Kaiowas tour 2011 que se ha recorrido buena parte de la península presentando a dos de los estandartes (y últimos fichajes del sello) de la armada catalana formada por The Eyes y Crisix. Solo con leer el nombre de los implicados en el asunto, uno ya se imagina la que se pudo armar en la pequeña de las Apolo y además hay que sumarle que ambas bandas llegaban “a casa” presentando material nuevo (“Hold your axes, rip their guns”, The eyes y “The Menage”, Crisix). Se entiende que lo iban a dar todo, hasta lo que no tenían. Los encargados de abrir la velada fueron los también locales Bustin‘Out. Practicantes de un Heavy/ Speed/Thrash de aires old school, supieron calentar los equipos presentando los temas de su primer lp “Shining Blood”. Los chicos supieron aprovechar su tiempo y se dejaron el alma en el escenario hasta el punto que el vocalista Gerard Rigau se lanzase, a pecho descubierto, desde las tablas y acabara volteando en el suelo al sonido de su “Gibson Explorer”.

Con “la 2” llena hasta la bandera llegaba la hora de Crisix, se notaba que la ciudad condal tenía ganas de volverse loca al estilo “Ultra Thrash” y para que la fiesta fuera a mas, la banda había organizado un vieja en autocar para todos sus vecinos de Òdena (Igualada, menudo detallazo) . Este hecho provoco que la sala fuera un autentico polvorín y que estallara con “A.S.F.H”, si la explosión se produjo con el tema que abre “The Menace”, el delirio colectivo llego con “Ultra Thrash” cabiendo destacar la cara de alucinados que tenían los propios Crisix. El “Mosh”, los “circles pits” y hasta incluso el “Crow surfing” se repetían sin descanso al unisonó de “Internal polution”, “Spawn” o “Holy Punishement.” Personalmente el clímax llego cuando los 5 muchachos, decidieron cambiarse los instrumentos, la cuestión era que ninguno se quedara con el “suyo”. Quedando de la siguiente manera: Juli al bajo, Busi voces, Javi a la solista, Requena batería y Marc a la rítmica, así dispuestos hicieron sonar el medly “Hit the lights” y “Antisocial” de Metallica y Anthrax respectivamente. Para ir terminando sonaron “Electric possession” donde Juli acabo frito en la silla eléctrica y “Brutal Gadget” donde “La Máscara” estuvo armándola.

Después de la sorprendente actuación de los thrashers todavía quedaba, para un servidor, el peso pesado de la velada, The Eyes. Es digno de admirar como con tan solo tres discos y un par de maquetas estos barceloneses se han hecho un hueco en el difícil (y cargado de tópicos absurdos) panorama nacional. Su receta es, sin duda alguna, la del trabajo bien hecho, el esfuerzo continuo y sobretodo unos directos que son una rotunda patada en la boca. Haciendo honor a su fama de animales de directo empezaron la descarga con un Wall of death (sí, señor) con Jordi, Wero y Edgar encima de las ya clásicas tarimas incitando al personal a que se sumara.“Redemption” hizo reventar el wall y el coche de trenes abrió la veda de la locura. Incomprensiblemente con algo menos de gente The Eyes nos mostraban los rasgos de sus nuevos temas. Musicalmente han perdido algo de esa constante agresividad que desprendía “Insignis” pero han ganado con melodías más accesibles, cambios de voz por parte de Wero (desgraciadamente en algunos temas perdieron volumen y no se escuchaban) que les dota de más dinamismo y frescura y en el pogo de vez en cuando se agradece algo de calma. Bajo esta línea sonaron también “Commitment” y la pareja perfecta que han unido con las dos apisonadoras “Grey Light” y uno de los estandartes del nuevo álbum “Jail invaders”, que en directo suena simplemente devastadora (lo que The Eyes a unido, que ni la muerte lo separe). Casi sin darnos cuenta llegamos al epicentro del show, con un Jordi pletórico en su condición de frontman moviéndose constantemente e incluso haciendo algún que otro “crow surfirng”. Uno de los momentos a enmarcar fue al presentar “The Sight of weakness” con su correspondiente Wall of death. El hecho es que situados cada uno en los dos extremos del escenario, Edgar y Wero estaban armando al personal con Espadas y hachas hechas de cartón (viva la imaginación!!!) perfectamente pintadas y decoradas con “sangre” para que el personal repartiera cera en el wall emulando a buen seguro el nuevo artwork. Con este subidón enlazaron con “Week Up Steel”,otra de las gordas. Después de aquello la banda necesitaba un descanso más que merecido y con todo el mundo a sus pies volvieron a salir, para cerrar con “Die To Rise” y “Crucified Lie”. Una noche para el recuerdo y para enmarcar. ¡Gracies nois!!

Texto: Alex López Fotos: Esteban Portero (http://lagazzetadirock.blogspot.com)

Entre los discos más destacados de 2011 se encontraba “One for sorrow” de los fineses Insomnium. Aunque de un tiempo a esta parte es cuando se están abriendo hueco llevan casi 15 años en la brecha con obras tan reseñables como “Since the day it all came dawn”. Así las cosas, decidimos contactar con Ville Friman, su líder para que nos pusiera al corriente de cómo está la banda en este momento.

POR XELL

EMPIRE MAGAZINE (EM): Antes de nada enhorabuena por vuestro Nuevo disco, creo que va a ser uno de los mejores de este año ¿qué tal está siendo la reacción de los fans?

VILLE FRIMAN (VF): Muchas gracias. Estamos teniendo una gran respuesta tanto de la crítica como de los fans. We have had really good response from both critics and fans. Creo que nos hemos puesto un tope muy alto para nuestro próximo disco, je, je, je EM: ¿Por qué habéis decidido incluir más voces limpias en este disco? En “Across the Dark” solo lo hicisteis en una canción y si no estoy equivocada en directo estaba sampleada ¿qué ha sido diferente ahora?

VF: No, nunca sampleamos las voces en directo sino que utilizamos pistas de fondo para teclados la mayoría del tiempo. Hace dos años que hago voces limpias en directo. En esta ocasión hice las voces limpias en el estudio y las llevaré al directo también. No había ningún plan más allá y solo las hemos añadido a las partes y las canciones que se beneficiaban de ello.

EM: ¿Qué historia esconde “One for Sorrow”? ¿Tienen las letras alguna conexión entre ellas?

VF: “One for sorrow” viene de un viejo título, el vivero inglés rima de acuerdo al número de cuervos que se ven sentado en la rama de un árbol determina tu fortuna en el futuro. Realmente no hay ninguna conexión o un tema mayor entre las canciones sino que cada una es un ente individual. La única conexión que hay son diez escenarios en un poema como las diez historias en nuestro álbum.

EM: Actualmente tenéis contrato con Century Media ¿que diferencias hay entre ellos y Candelight Records?

VF: Para ser honesto todo funciona mejor con Century Media. Al mismo tiempo te digo que no tenemos malos sentimientos hacia Candelight. Creo que ellos hicieron muchas cosas buenas por nosotros pero Century Media es mejor y tiene mejor conexión y más poder para hacernos llegar a un nuevo nivel. La promoción funciona muy bien con Century Media y estamos encantados. Además tenemos una conexión muy buena con la gente y estamos en contacto con ellos semanalmente.

EM: ¿Qué piensas de Spotify? No entiendo que Century Media esté en contra por lo que me gustaría conocer tu opinión al respecto.

VF: Definitivamente estoy en contra. Prefiero que la gente se descargue nuestra música gratis antes que una gran empresa gane dinero con nuestra música sin darnos la compensación apropiada. Me gusta la idea de Spotify pero en su forma actual no es buena ni para el artista ni para la discográfica.

EM: Habéis hecho una gira europea muy corta y solo por algunos países ¿por qué no habéis incluido sitios como Francia o España?

VF: Sí, acabamos de acabar la gira y, desgraciadamente, como era nuestra primera gira como cabezas de cartel queríamos que fuera pequeña y con menos riesgo.

INSOMNIUM SON: VILLE FRIMAN – Voz y guitarra MARKUS VANHALA– Guitarra MARKUS HIRVONEN– Batería NIILO SEVÄNEN– Bajo y voz

Estamos planeando ir a Francia, España y UK para el próximo año. Pedimos disculpas por no habéis ido a esos sitios con esta última gira.

EM: ¿Tenéis planes de volver a España como cabezas de cartel?

VF: Esperamos que sea el próximo año, estamos trabando en ello justo ahora mismo.

EM: Tuvimos la oportunidad de verso el año pasado con Dark Tranquillity ¿qué recuerdos tienes de aquella gira? ¿Alguna anécdota memorable con estos suecos?

VF: Definitivamente fue una de las mejores giras que hemos hecho nunca.

Tanto los chicos de Dark Tranquillity como su equipo fueron muy agradables. Éramos una familia dentro de la propia gira. Muchas fiestas y cientos de litros de vodka consumidos pero eso es lo que pasa cuando juntas a un puñado de escandinavos durante cinco semanas. J EM: ¿Puedes describirme la música de Insomnium en tres palabras?

VF: Potente, oscura y melancólica.

EM: Desde el momento que supiste que serías músico… sino hubieras nacido en Finlandia ¿en que país te hubiera gustado haber nacido?

VF: Creo que en norte América o Inglaterra.

EM: Siempre hago esta pregunta a las bandas ¿cual fue para ti el mejor disco del año pasado?

VF: Déjame pensar… Aún sin haberlo escuchado probablemente lo Nuevo de Alcest. Al menos el single prometía mucho.

EM: Si tuvieras que escoger dos bandas con las que girar (en activo) ¿cuales serian?

VF: Sería genial compartir escenario con Killswitch Engage y Opeth.

EM: ¿Conoces algo de la escena metalera española? Aquí las cosas son muy diferentes pues no tenemos el mismo apoyo que en Finlandia ¿Conoces a alguna banda de aquí (no google, por favor, je, je, je)?

VF: Tengo algunos amigos españoles y me explican que la escena allí es bastante más pequeña o que la música Metal no es tan popular comparada con otros estilos. Personalmente conozco una banda, Nahemah, que tocó con nosotros cuando estuvimos por allá con Ghost Brigade hace un año y medio. Por lo demás, desgraciadamente, no tengo conocimiento.

EM: Gracias por tu tiempo. Las últimas palabras son tuyas…

VF: Gracias por la entrevista. Si no nos has escuchado antes encuéntranos en myspace o Facebook y esperamos volver a España el próximo año!

DISCOGRAFÍA: DEMO 1999—Demo—1999 UNDERNEATH THE MONOLIT WAVES—Demo—2000 IN THE HALLS OF AWAITING—Cd—2002 SINCE THE DAY IT ALL CAME DAWN—Cd—2004 ABOVE THE WEEPING WORLD—Cd—2006 ACROSS THE DARK—Cd—2009 ONE FOR SORROW—Cd—2011