poses|01
cĂŠdrick eymenier
poses|01.1
cédrick eymenier texte| jeff rian
| ce volume poses|01.1 est également publié en coffret accompagné du volume poses|01.2 regroupant les textes inédits de michka assayas, isabelle blondie, jean-hubert gailliot, yannick haenel, damon krukowski et gaëlle obiégly, inspirés par les photographies reproduites ici (200 exemplaires numérotés) | il a été édité 3 ‘boîtiers luxe’ contenant 1 exemplaire de ce coffret (n° 1 à 3) accompagné de 2 tirages originaux au format 21 x 29,7 cm | ainsi que 12 ‘coffrets collection’ (n° 4 à 15) accompagnés d’un tirage original au format 18 x 24 cm |
éditions ordet
revelations |jeff rian
pictures. (For his third-year DNAP diploma, he projected a fairly impressive number of slides in a large room. Over the slide projector he hung a microphone, which was connected to a digital delay pedal and a guitar amp, so that each image ricocheted into view with a slightly pumped-up sound something like the audio effects that shake up our senses at the movies, which Cédrick mimicked more subtly. And of course the images were strong.) His pictures have always been shot around places where people live: tree-lined streets with houses, buildings, shops, cars, sometimes a shaded vacation bungalow, etc. There aren’t any historical monuments or urban icons. Nor are there people, or at least very few. And like the color photographs of William Eggleston, a master of the mundane vista, Cédrick found a way to enhance, aesthetically, the places we either ignore or find artistically uninspiring. Specifically, though, he looks for radiant, reflected light. Each picture I saw that day was carefully shot to enhance specific elements. Not I’d been living in France since early ’95 when, in 1997, I landed my first teaching job
one of them faded at the edges as a lot of snapshots do, because the picture taker doesn’t
— ever — at the École des Beaux-Arts in Nîmes. (My other occupation was in Paris, working
know enough about the process: the relationship between film stock, aperture, and speed.
with the magazine Purple Prose, as it was then called.) I’d been teaching about a year and
(Most photographs I see are badly framed, badly lit, or out of focus.) His pictures are always
had noticed Cédrick Eymenier in my art history class, but I hadn’t seen his work. Then one
sharp as a freshly washed window on a crisp clear day. And they have a style that might be
day toward the end of his second year, and mine, he asked me to take a look.
described as a personal reordering of urban light. This “reordering” is something he finds in
Second year students in Nîmes shared a spacious top-floor room of the main building. None of them had a studio per se. Cédrick, it seemed, didn’t need one. His work was portable. He showed me a few stacks of the snapshot-sized pictures he’d shot locally and on trips. His father, he told me, worked for the SNCF, so he took advantage of travel perks to expand his vista — he was also in the process of making short films, using video, which was a new venture for him. Looking at his photographs I recognized the kind of uncommonness art professors come across so rarely in students. The thing that makes teaching art so compelling is that all the studying in the world can’t really help anyone predict what becomes art. One thing is sure: like basketball or chess, art requires a lot of practice (at least 10,000 hours of it according to evolutionary biologists) and a good feeling for the process — a process that says as much about our ever-evolving and constantly compelling psychology as it does about our ever-evolving and constantly compelling inventions. Judging by the decks of pictures he’d set before me — conjured up in his wandering
the spatial relationship between flashes of color, ambient light, and the real-world forms that are bathed in that light. He doesn’t exaggerate the relationships between the highlighted details and the background forms; he simply reveals them. But to depict such things, they first have to be discovered. +++ Over 500 years ago Renaissance artists started the process of making accurate, window-like images of the visible world. Paintings were constructed using the new invention of one-point, linear perspective, which created the palpably realistic images that would define the Western Canon. But only three centuries later one-eyed perspective was co-opted by the mechanical technology of photography, and made commercially available, thus influencing everyone’s idea of pictorial representation. Generations on, Cédrick’s piles of pictures revealed a way of focusing an image, as opposed to making one, say, with paint. Styles are repeated and repeatable, and require practice. Redundancy, repetition,
and traveling — it was clear that he’d managed to concentrate his looking into a coherent
and pattern recognition are the requirements of all forms of communication, as well as of
search and the material of pattern recognition: a medium, subject, and vision.
the creation and recognition of styles. As noted earlier, I work for Purple magazine; and na-
The photographs were all the same format, like snapshots. Normally that format
turally the artists I see who take pictures want them to be published, and I was always open
alone irks me, because they’re just like the pictures we all get from commercial shops after
to prospective candidates. But the pictures have to be good as well as appropriate for the
vacation. But I try to be patient, so I look for some element of personality or originality,
magazine. To be honest, Cédrick was the only student I found whose sensibility fit in with
which has to be there if someone expects to show such things as art. Cédrick’s originality
ours. Which is to say that his accumulated body of photographs related aesthetically to the
was evident in the subject, the light, and his understanding of the process, which, as he
way Purple was trying to communicate something about photography its pages.
made clear to me, the commercial format was simply archival; he was still working out how
My background in writing about photography began with an interview I did with
he wanted to show them. Ergo, he expected something more from the process and from his
Richard Prince, published in Art in America in March 1987 — an artist who took pictures but
was not a trained photographer. A year later I wrote a monograph that accompanied the first
and the painting-scaled photographs of Europeans photographers like Andreas Gursky,
really big overview of his work at the Magasin, in Grenoble.
Thomas Ruff, and Thomas Struth. Xers belonged to a different world and favored a different
Prince is now associated with what is now called the “pictures generation”. That name
sensibility. They listened to indie rock, like Sonic Youth, Chan Marshall of Catpower, and Will
came from a 1977 exhibition called “Pictures”, held at Artists Space, a nonprofit organization
Oldham, or Palace Brothers in his first manifestation — not Talking Heads or The Cars. They
in Lower Manhattan, organized by its director, Helene Weiner, and Douglas Crimp, a young
made installation art and didn’t necessarily live and work in lofts where they made objects
art historian and theoretician. In his essay Crimp wrote about artists who had incorporated
for galleries. They were inspired by independent movies, especially those coming from Japan
mass media reproductions into their artworks and whose world was essentially dominated
and Taiwan — not Apocalypse Now or Blade Runner. Photographers like Tillmans, Edström,
by such images. There were five artists in the Artists Space show: Sherrie Levine, Robert
and Borthwick conveyed a look that was aesthetically and pictorially like those independent
Longo, Philip Smith, Troy Brauntuch, and Jack Goldstein. Neither Richard Prince nor Cindy
films. They made pictures for magazines. The indie look that appeared in Purple would
Sherman, who are now seen as the king and queen of the pictures generation, were in the
evolve a global style of fashion photography (which is another story).
Artists Space exhibition. (Nor were they known in the art community in 1977.) But those
In 1992 Cédrick was a teenager growing up in the South of France. Six years later
two artists, among many others, would raise photography to the status of painting, many of
it was the photographers who shot for Purple Prose, such as Anders Edström and Mark
them making photographs as big, colorful, and dramatic as paintings.
Borthwick that I matched up in my mind with Cédrick’s pictures, watching him shuffle
Pictures generation artists were, of course, well acquainted with the modern, forma-
through his stacks with the insouciant confidence and critical eye of an artist. I wanted to tell
list processes of painting, drawing, and sculpting. They were also wholly immersed in the
him about Anders, but Cédrick said he’d already seen his pictures in Purple. (His knowledge
prolific world of commercial and celebrity-based imagery, as everyone now is — and which
of contemporary art and photography was persuasive.)
many critics have come to associate, a bit too facilely I think, with spectacle. Pictures artists
Anders Edström, in my opinion, is a contemporary master at capturing light in its ra-
incorporated photographic images of every variety into the traditionally styled art objects
diant purity. His photographs of naturally lit subjects exhibited one of the striking differences
they made in their big, then-still-cheap loft studios in Lower Manhattan. They found inspi-
between pictures generation artists and the photographers of the computer age. Cédrick’s
ration in artists like Rauschenberg, Johns, and Warhol, who’d abandoned the angst-driven
pictures revealed a related perspective to Anders’ quiet scenes and their strong emphasis on
self-expression of abstract expressionist painters like Pollock and Newman, but who took to
ambient light. Cédrick lines up an image along the gradients of ambient light, which must
heart those Ab-Ex artists’ large scaled paintings, which echoed Picasso’s Guernica, but not
be coordinated with film speed and aperture. That lining up embodied the coherence I saw
the grand vistas of Cinemascope to which some pictures artists compared their images.
in his pictures.
Sherman shot herself as a movie actress in her own make-believe film stills. Prince
It’s difficult to say how one learns such things, as they are the accidents of personal
“re-photographed,” as he called it, magazine and billboard advertisements, many of them
evolution. This was 1998. Cédrick used a Nikon. Digital photography was in its formative
in black-and-white, cropping the textual blurbs and part of the image to highlight selected
stage. Computers were changing the world. Still, an artist needs a subject.
elements, such as hands holding cigarettes, women looking to their left, or cowboys. Prince used Kodachrome slide film (which can still be purchased by mail) to create a style of picture
+++
that looked old and new all at the same time, such as his rose-tinted, slide-based rephotographs of black-and-white images of wrists showing off wristwatches.
Eugène Atget (1857–1927) chose one great big subject, thinking that one day an
I’m a baby boomer like Prince, one of the hoarding millions born between 1946 and
encyclopedic accumulation of images would convey a sense of time, place, and history
'64. Our generation grew up on modernism and hand-made art. Magazine images were
— which his did about the city of Paris. Photographers like Weegee (née Arthur Fellig;
a common source for pictures generation artists. Then, in 1992, the new, user-friendly
1899–1968) and Henri Cartier-Bresson (1908–2004) captured startling events; the former
Macintosh computer, freshly on the market, empowered people like Elein Fleiss and Olivier
took pictures of violent deaths and the latter of current events. In their time photographs
Zahm, the founders of Purple Prose, to raise the bar on home-made representation and to
were black-and-white.
create artistic magazines using a Mac. This generation of amateur magazine-makers, who
Color photography evolved from black-and-white, pushed along by technical
were about ten years older than Cédrick, needed photographers to fill their pages. Purple
developments and a critical discourse about composition, from George Eastman (founder
(its name was simplified to that in 1998) worked with Wolfgang Tillmans, Terry Richardson,
of Eastman Kodak), Walker Evans, William Eggleston, to Photoshop-enhanced images like
Anders Edström, and Mark Borthwick, to name a few. These photographers depicted their
Gursky’s large-scale, highly detailed photographs, which he produces with a very large
generation and its life styles, the X generation as it’s been called, and which I associate with
format camera and which can be seen as gestalt images from several meters away or read
Purple’s style. Their photographs weren’t heavily processed, as were Sherman’s, Prince’s,
like texts from up close. The human eye cannot take in all that information at once. Our eyes
révélations |jeff rian
choses comme de l’art. L’originalité de Cédrick était évidente dans le sujet, la lumière et sa maîtrise du traitement, et ce format commercial n’était, comme il me l’expliqua, qu’un moyen d’archivage. Il réfléchissait encore à la façon dont il voulait les montrer. Et il espérait améliorer le traitement technique de ses images. (Pour son Diplôme National d’Arts Plastiques, en troisième année, il projeta un nombre assez impressionnant de diapositives dans une grande salle. Au-dessus du projecteur, il suspendit un microphone relié à une pédale delay et à un ampli de guitare, de sorte que chaque image surgissait à la vue avec un son légèrement amplifié, quelque chose comme ces effets sonores qui ébranlent nos sens au cinéma, que Cédrick imita, en plus subtil. Et bien sûr les images étaient fortes.) Ses photos sont toujours prises autour d’endroits où vivent des gens : des rues bordées d’arbres, avec des maisons, des bâtiments, des magasins, des voitures, parfois un bungalow ombragé, etc. Il n’y a pas de monuments historiques ou d’icônes urbaines. Il n’y Je vivais en France depuis 1995 quand, en 1997, j’ai décroché mon tout premier
a pas de gens non plus ou alors juste quelques-uns. Et comme dans les photographies en
poste d’enseignant à l’École des Beaux-Arts de Nîmes. (Mon autre emploi était à Paris, où
couleurs de William Eggleston, un maître de la photographie vernaculaire, Cédrick a trouvé
je travaillais pour le magazine qui, à l’époque, s’appelait Purple Prose). Cela faisait environ
une façon de mettre en valeur, esthétiquement, des endroits que nous ne regardons pas
un an que j’enseignais, et j’avais remarqué Cédrick Eymenier à mon cours d’histoire de l’art
ou que nous trouvons sans intérêt artistique. Il recherche néanmoins, expressément, une
mais je n’avais jamais vu son travail. C’est alors qu’un jour, vers la fin de sa deuxième an-
lumière qui irradie et qui se reflète.
née, et de la mienne, il me demanda d’y jeter un œil. À Nîmes, les étudiants de deuxième année partageaient une salle spacieuse au dernier étage du bâtiment principal. Aucun d’eux n’avait d’atelier personnel. Cédrick, semblait-il, n’en avait pas besoin. Son travail pouvait se transporter. Il me montra quelques piles de photos format instantané prises dans la région ou lors de voyages. Son père, me dit-il, travaillait à la SNCF, il profitait donc des voyages gratuits pour élargir sa vision. Il s’essayait aussi à la vidéo, ce qui était nouveau pour lui. En regardant ses photos, je reconnus cette originalité que les professeurs d’art rencontrent si rarement chez leurs étudiants. Ce qui rend l’enseignement de l’art si fascinant, c’est que toutes les études du monde ne peuvent vous aider à prévoir ce qui deviendra de l’art. Une chose est sûre : comme le basket ou les échecs, l’art nécessite beaucoup de pratique (au moins 10 000 heures selon les biologistes de l’évolution) et une bonne intuition de sa mise en œuvre : une mise en œuvre qui en dit autant sur notre psychologie toujours
Toutes les photos que j’ai vues ce jour-là avaient été soigneusement prises pour mettre en valeur des éléments précis. Aucune d’elles ne s’estompait sur les bords comme c’est le cas sur beaucoup d’instantanés amateurs parce que le photographe manque de maîtrise technique quant au rapport entre le type de pellicule, l’ouverture du diaphragme et la vitesse d’obturation — la plupart des photos que je vois sont mal cadrées, mal éclairées, ou floues quand les siennes sont toujours aussi nettes qu’une vitre fraîchement lavée lors d’une claire et belle journée. Et elles ont un style qu’on pourrait décrire comme un réarrangement personnel de la lumière urbaine. Ce « réarrangement », il le tire de la relation spatiale entre les éclats de couleur, la lumière ambiante, et les objets de la vie quotidienne qui baignent dans cette lumière. Il n’exagère pas les relations entre les détails mis en lumière et les formes de l’arrière-plan ; il les dévoile simplement. Mais pour représenter de telles choses, il faut d’abord les découvrir. +++
fascinante, en perpétuelle évolution, que sur nos inventions elles aussi toujours fascinantes, en perpétuelle évolution.
Il y a plus de cinq cents ans, les artistes de la Renaissance commencèrent à produire
À en juger par l’éventail d’images que j’avais devant moi — surgies de ses errances
des images fidèles du monde visible, comme à travers une fenêtre. Les peintures étaient
et voyages —, il était clair qu’il était parvenu à focaliser son regard sur une recherche co-
composées en utilisant l’invention récente de la perspective linéaire à un seul point de
hérente et à réunir le matériau nécessaire au processus de création : un médium, un sujet,
fuite, qui donna naissance aux images manifestement réalistes qui allaient définir le Canon
une vision.
Occidental. Mais à peine trois siècles plus tard, la technologie mécanique de la photographie
Les photographies avaient toutes le même format, comme des instantanés. D’habi-
s’appropria la perspective à un seul point de fuite et la rendit disponible dans le commerce,
tude, ce format suffit à m’irriter : c’est ce que nous récupérons tous chez le photographe
influençant ainsi l’idée que chacun se fait de la représentation picturale. Des générations
au retour des vacances. Mais j’essaie d’être patient, et je cherche toute manifestation d’une
plus tard, les piles de photos de Cédrick révélaient une façon de mettre au point une image,
singularité ou d’une originalité, ce qui est nécessaire si on a l’intention de présenter de telles
par opposition au fait d’en fabriquer une, disons, en peinture.
Les styles sont répétés et reproductibles, et nécessitent de la pratique. La redon-
partie de l’image pour mettre en lumière des éléments choisis, par exemple des mains qui
dance, la répétition et l’identification des motifs et des formes sont les pré-requis à toute
tiennent des cigarettes, des femmes qui regardent sur la gauche ou des cow-boys. Prince
forme de communication, ainsi qu’à la création et à la reconnaissance des styles. Comme je
utilisait de la pellicule diapositive Kodachrome (qui peut encore être achetée par correspon-
l’ai dit plus haut, je travaille pour le magazine Purple ; et bien sûr, les artistes que je vois qui
dance) pour créer un style d’image qui avait l’air à la fois ancienne et récente, comme ses
prennent des photos veulent qu’elles soient publiées : je suis toujours ouvert à de nouveaux
rephotographies teintées de rose réalisées en diapositives à partir d’images en noir et blanc
candidats mais il faut que les photos soient bonnes et dans l’esprit du magazine. Pour être
de poignets exhibant des montres.
honnête, Cédrick est le seul étudiant que j’aie rencontré dont la sensibilité correspondait à
Je suis un enfant du baby-boom comme Prince, l’une de ces millions de fourmis nées
la nôtre. C’est-à-dire que l’ensemble de ses photographies correspondaient esthétiquement
entre 1946 et 1964. Notre génération a grandi avec le modernisme et l’art « fait main ».
à ce que Purple essayait de transmettre, dans ses pages, sur la photographie.
Les images des magazines étaient une source d’inspiration courante pour les artistes de la
Mon expérience de critique a débuté par une interview que j’ai faite de Richard
pictures generation. Et puis, en 1992, le nouvel ordinateur convivial Macintosh, qui venait
Prince, publiée dans Art in America en mars 1987 — un artiste qui prenait des photos mais
d’être mis sur le marché, a permis à des gens comme Elein Fleiss et Olivier Zahm, les
qui n’était pas un photographe professionnel. Un an plus tard, j’ai écrit une monographie qui
fondateurs de Purple Prose, de relever le niveau des productions « fait maison » et de créer
accompagnait la première véritable rétrospective de son travail au Magasin, à Grenoble.
des revues artistiques à l’aide d’un Mac. Cette génération d’éditeurs de revues amateurs, qui
Prince est aujourd’hui associé à ce qu’on appelle la pictures generation. Ce nom
avaient à peu près dix ans de plus que Cédrick, avaient besoin de photographes pour remplir
vient d’une exposition intitulée Pictures qui s’est tenue en 1977 à l’Artists Space — une
leurs pages. Purple (le nom a été simplifié en 1998) travaillait avec Wolfgang Tillmans,
galerie non commerciale dans le Lower Manhattan —, organisée par sa directrice, Helene
Terry Richardson, Anders Edström et Mark Borthwick, pour n’en citer que quelques-uns.
Weiner, et Douglas Crimp, un jeune historien et théoricien de l’art. Dans ses essais, Crimp
Ces photographes dépeignaient leur génération, qu’on a appelée la génération X, et son
parlait d’artistes qui avaient intégré des icônes des mass média dans leurs œuvres et dont
mode de vie que j’associe au style Purple. Leurs photographies n’étaient pas tellement
l’univers était essentiellement dominé par ce genre d’images. Il y avait cinq artistes à
travaillées, comme l’étaient celles de Sherman ou de Prince, ou les photographies-tableaux
l’exposition de l’Artists Space : Sherrie Levine, Robert Longo, Philip Smith, Troy Brauntuch
des européens tels qu’Andreas Gursky, Thomas Ruff et Thomas Struth. Les membres de la
et Jack Goldstein. Ni Richard Prince, ni Cindy Sherman, aujourd’hui considérés comme le
génération X appartenaient à un monde différent et affichaient une sensibilité différente.
roi et la reine de la pictures generation, ne faisaient partie de cette exposition. (Cela dit,
Ils écoutaient du rock indépendant comme Sonic Youth, Chan Marshall alias Cat Power, ou
ils n’étaient pas non plus connus dans la communauté artistique en 1977.) Mais ces deux
Will Oldham, qui jouait à ses débuts sous le nom de Palace Brothers ; pas les Talking Heads
artistes, parmi de nombreux autres, allaient hisser la photographie au rang de la peinture,
ou The Cars. Ils réalisaient des installations et ne vivaient ni ne travaillaient forcément
car beaucoup d’entre eux faisaient des photos aussi grandes, aussi éclatantes de couleurs et
dans des lofts pour créer des objets pour les galeries. Ils puisaient leur inspiration dans le
aussi dramatiques que des tableaux.
cinéma indépendant, surtout japonais ou taïwanais : pas dans Apocalypse Now ou Blade
Les artistes de la pictures generation étaient très au fait, bien sûr, de la grammaire
Runner. Des photographes comme Tillmans, Edström et Borthwick véhiculaient un style dont
moderne et formaliste de la peinture, du dessin et de la sculpture. Ils étaient aussi
l’esthétique et les images collaient à ces films indépendants. Ils faisaient des photos pour
entièrement plongés dans le monde prolifique de la publicité et dans l’imagerie du star
les magazines. Le style indépendant qui apparut dans Purple allait développer un style plus
system, comme tout le monde l’est de nos jours, ce que beaucoup de critiques en sont
global de la photographie de mode (mais ceci est une autre histoire).
venus à associer, un peu trop facilement je pense, à du spectacle. Les artistes de la pictures
En 1992, Cédrick était un adolescent du Sud de la France. Six ans plus tard, c’était
generation ont intégré des images photographiques en tout genre dans les créations de style
aux photographes qui travaillaient pour Purple Prose, comme Anders Edström et Mark
traditionnel qu’ils réalisaient dans leurs grands lofts encore bon marché du Lower Manhattan.
Borthwick, que je pensais en regardant les photos de Cédrick, en le voyant battre sa pile
Ils puisaient leur inspiration chez des artistes comme Rauschenberg, Johns et Warhol, qui
d’images comme un jeu de cartes, avec la confiance insouciante et l’œil critique de l’artiste.
avaient abandonné l’arrière-fond d’angoisse des expressionnistes abstraits comme Pollock
J’ai voulu lui parler d’Anders, mais Cédrick m’a dit qu’il avait déjà vu ses photos dans Purple.
et Newmann, mais qui affectionnaient leurs peintures monumentales qui faisaient écho au
(Sa connaissance de l’art contemporain et de la photographie était approfondie.)
Guernica de Picasso, et non pas les immenses panoramas du Cinémascope auxquels certains artistes de la pictures generation comparaient leurs photos.
Pour moi, Anders Edström est un maître contemporain pour ce qui est de capter la lumière dans sa pureté rayonnante. Ses photographies de sujets éclairés naturellement
Sherman s’est mise en scène en actrice de cinéma, dans ses pseudo photographies
illustrent une des différences frappantes entre les artistes de la pictures generation et les
de plateau. Prince a « rephotographié », comme il disait, les publicités des magazines et des
photographes de l’ère numérique. Les photos de Cédrick révélaient une perspective appa-
affiches, dont beaucoup étaient en noir et blanc, en rognant les textes d’accroche et une
rentée aux paisibles scènes d’Anders qui mettent fortement l’accent sur la lumière ambiante.
les coïncidences n’existent pas there is no such thing as coincidence |cédrick eymenier