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Nº 16. Año 2

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La revista

ENTREVISTAS KEN RALSTON y KEN HAHN

nos cuentan todos los secretos que esconden los FX en MIB 3

CARLOS EZQUERRA CREADOR DE JUEZ DREDD

ESPECIALES ¡Descubre nuestro súper concurso! CLÁSICOS DE LOS 80 Blade Runner

ANIMAZINE SALÓN DEL CÓMIC DE BARCELONA TIM BURTON y JOHNNY DEPP, AMERICAN PIE PANG BROTHERS EDWARD JAMES OLMOS

Especial series

Smallville / Juego de Tronos

Orient Express Especial

cinemascomics la revista EDITA: CINEMASCOMICS.COM c/ Lugo nº66, 3. 50007 Zaragoza DIRECTOR Carlos Gallego DIRECTOR DE ARTE Y MAQUETACIÓN Carlos Gallego RESPONSABLE Carlos Gallego REDACCIÓN Carlos Gallego Christian Arza: moonfilms.es David Larrad Diego Sánchez Eduardo Quintana: cineralia.com Enrique Abenia: benditacinefilia.wordpress.com Gerard Fossas: butacapreferente.com Gustavo Martín Francisco Nieto Sánchez: cinedeaqui.es Javier Calvo José Joaquín González: defanafan.com Manuel Moros María Laura Gutiérrez Sergio Reina: critico-de-cine-aficionado.blogspot.com Teresa Garza: checalamovie.net Vicente de los Santos xtraidos.sentinelstudio.com COMICS Diego Burdio: diegoburdio.blogspot.com Moratha: moratha.blogspot.com PUBLICIDAD Carlos Gallego Telf. 637 52 01 28 publicidad@cinemascomics.com Las opiniones expresadas por los colaboradores no son necesariamente compartidas por el equipo de Cinemascomics.Todos los derechos reservados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1, párrafo segundo de la ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohíbida la reproducción,la distribución y la comunicación pública, incluida su puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de Cinemascomics. A si mismo el copyright de los pósters, fotografías e imagenes que se incluyen en esta publicación pertenece a sus respectivos autores.

EDITORIAL Hola a todos y bienvenidos una vez más a Cinemascomics: La revista. No, no hemos dejado de publicarla y como podéis ver seguimos aquí para traeros los mejores reportajes. El motivo de este largo retraso no es otro que los muchos compromisos que a un servidor le han mantenido ocupado en otras cosas y me han restado el poco tiempo libre disponible para la maquetación de la revista, ya que desgraciadamente para todos los que invertimos tiempo aquí no recibimos ingresos por publicidad y tampoco podemos decir que es nuestro modo de vida, ya que cada uno de nosotros se encuentra en otras ocupaciones.También dar la bienvenida a Eduardo Quintana habitual colaborador de nuestros amigos de cineralia.com que ha comenzado a colaborar con nosotros compartiendo sus críticas de los último estrenos que han llegado o están por llegar. Bueno dicho esto empezamos con el repaso de lo que os vais a encontrar en este número; Gerard Fossas nos trae la crónica del pasado Salón del cómic de Barcelona que se celebró el pasado mes de mayo y un especial acerca de la saga American Pie. Diego Sánchez entrevistó a Ken Ralston y Ken Hahn, dos de los responsables de FX de MIB III que le contaron todos los secretos que escode la película. Enrique Abenia, viajó al Festival de cine español de Málaga y nos hace un resumen de lo vivido esos días en ANIMAZINE. Aprovechando el treinta aniversario de Blade Runner, Sergio Reina nos recordará el film de Ridley Scott, mientras que Christian Arza, nos hablará de uno de sus protagonistas el actor Edward James Olmos y de la continuidad de la serie Smallville en el cómic. Francisco Nieto nos trae una sección Orient Express de lo más cargada con un repaso de las películas orientales que han pasado por distintos festivales internacionales y un especial dedicado a los hermanos Pang, realizadores de la cinta “The Eye” original. María Laura nos trae un especial dedicado al tandem Burton/ Depp, que nos hará un repaso de esta fructifera asociación entre el realizador y su actor fetiche. Por otro lado con motivo de la finalización de la segunda temporada Juego de Tronos, volvemos a dedicar un interesante artículo de la mano de Vicente de los Santos. Y como no! volveremos a contar con las tiras cómicas de nuestros artistas favoritos, Diego Burdio y Moratha. Y sin más espero que disfrutéis de este número tan especial, esperando que sea el relanzamiento de una publicación sin más altibajos y daros las gracias a todos por vuestra paciencia y comprensión. Carlos Gallego Director de Cinemascomics

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Número 16 2012

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comics

TIM BURTON Y JOHNNY DEPP: INSEPARABLE PAREJA DE CHIFALD

7│ La página de Diego Burdio 142 │ Salón del cómic de Barcelona

82 88

147│Gordos con Mochila

Actualidad 8│Primeras imágenes de ¡Rompe Ralph!

criticas 70│Los mercenarios 2

PANG BROTHERS: GEMELOS CON BUEN OJO

72│ Cazador de Vampiros 74│¡Piratas! 75│TED 76│Dredd 78│Las Aventuras de Tadeo Jones 80│The Possession

4 │

Cinemascomics

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114 ENTREVISTA: KEN RALSTON y KEN HAHN LOS FX DE MIB III

CINE ASIÁTICO Y FESTIVA

120

ESPECIAL BLADE RUNNER

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contenido

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ENTREVISTA: CARLOS EZQUERRA

(Creador Del Juez Dredd)

20 │ Los Mercenarios 2 24 de Agosto 22 │ Cazador de vampiros 31 de Agosto

54

DOS

32 │ Las Aventuras de Tadeo Jones 31 de Agosto 36 │ Dredd 7 de septiembre 58 │ The Possession 7 de septiembre 60 │ Desafío Total 14 de septiembre

HISTORIA DEL PASTEL DE MANZA: UN REPASO A LA COMEDIA JUVENIL AMERICANA

100

ALES

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estrenos

128 JUEGO DE TRONOS www.cinemascomics.com

SMALLVILLE: UN VIAJE DESDE LA PEQUEÑA PANTALLA AL PAPEL

66 │ Atrapados en Chernóbil 14 de septiembre

que leer 134 │Thurrakos 148 │ Zona Cómic

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Málaga animada por Enrique Abenia La animación española, después de permanecer años en un segundo plano, empieza a contar más para la industria, y eso tiene su reflejo en la difusión de las obras. Ahora es relativamente frecuente encontrar en la cartelera filmes del género de producción nacional, algo raro hasta hace poco. Ante esta tendencia, no es casual que el Festival de Málaga, dedicado por completo al cine patrio, apostara en su decimoquinta edición, celebrada el pasado abril, por incluir una nueva sección dedicada a largometrajes y cortos animados. Un guiño que agradecerán en el sector pero que deberá consolidarse, puesto que, dentro del escaparate del festival, tuvo una repercusión limitada al ser una iniciativa en fase embrionaria. No obstante, se trata de un primer paso y una propuesta complementaria a otras existentes y más especializadas.

‘O apóstolo’ destaca por su potente factura visual y una atmósfera plagada de homenajes al terror clásico. Narra la historia de Ramón, un preso que se fuga de la cárcel y termina en un pueblo gallego del Camino de Santiago. Una aldea gobernada por un siniestro sacerdote y sobre la que pesa una maldición que pondrá en aprietos al protagonista. Es una pena que el guión, correcto pero predecible, no esté a la altura del envoltorio. Le falta chispa.

El principal acontecimiento en lo que a animación se refiere fue la presentación del filme de misterio ‘O apóstolo’. Lo curioso del caso es que no se proyectó en Animazine, sino en la sección oficial a concurso, hecho que evidencia el interés que ha despertado el largometraje, el primero rodado en España con la técnica del ‘stopmotion’. Por sus características y el tipo de festival, era difícil que triunfara en el palmarés, si bien, como indicó su director, el debutante Fernando Cortizo, estar en Málaga ya constituía un premio.

Otro de los filmes destacados fue ‘30 años de oscuridad’, pieza que combina recursos del documental y la animación (de ahí que se exhibiera en las respectivas secciones) para denunciar los horrores de la posguerra española. Lo hace a través de la figura de los denominados ‘topos’, hombres que vivieron décadas escondidos por miedo a la cruel represión franquista. La película de Manuel H. Martín, nominada a un Goya, recuerda lo que le ocurrió a Manuel Cortés, alcalde de Mijas (Málaga) durante la II República, quien pasó tres décadas oculto en un

Como anécdota, hay que mencionar que ‘O apóstolo’ supuso el último trabajo del fallecido Paul Naschy, el mito ibérico de la serie B. En la obra también participaron Jorge Sanz, Geraldine Chaplin y, en un ‘cameo’, Luis Tosar. Primero se rodaron las escenas con los intérpretes para que sirvieran de orientación a los animadores y transmitir un mayor realismo.

hueco de la pared de su vivienda. En la animación, Cortés tiene las facciones de Juan Diego, quien se encarga de la narración con su poderosa voz. El atrevimiento estético llegó a Animazine de la mano de ‘Gartxot’, obra inspirada en un icono del folclore vasco y navarro, un bardo de la época medieval. La cinta, rodada con diálogos en euskera y en latín, muestra cómo Gartxot se convierte en un símbolo de la lucha contra la opresión de su pueblo. El origen del proyecto, dirigido por Juanjo Elordi y Asisko Urmeneta (y que no oculta su mensaje político), fue un cortometraje previo. Asimismo, en el marco de Animazine se programaron largometrajes abiertamente dirigidos al público infantil, no en vano principal consumidor del género. Es el caso de ‘The wish fish’, ‘Los cachorros y el código de Marco Polo’ y ‘Holy night!’, proyectada en 3D. Las dos últimas tienen como elemento promocional la colaboración de Carlos Latre y Anabel Alonso en el doblaje, respectivamente. La lección divulgativa, no reñida con el entretenimiento, estuvo presente con ‘Carthago Nova’, película nominada a un Goya que recrea la vida en la urbe romana.

Primeras imรกgenes

ยกROMPE RALPH!

En “¡Rompe Ralph!”, Walt Disney Animation Studios y el director Rich Moore, ganador de un Emmy® (serie de televisión “Los Simpson”, “Futurama”) embarcan a los espectadores en un divertidísimo recorrido por el mundo de los videojuegos. Ralph (voz de John C. Reilly, “Talladega Nights: The Ballad of Ricky Bobby” [Pasado de vueltas], “Step Brothers” [Hermanos por pelotas]) está harto de ser la sombra de Fix-It Felix (voz de Jack McBrayer, “30 Rock” [Rockefeller Plaza]), el perfecto “chico bueno” de su videojuego. Así que después de 10 años haciendo lo mismo y viendo cómo Felix se lleva todo el mérito, Ralph decide dejar atrás el papel de chico malo. Se pone manos a la obra y emprende un viaje por todas las generaciones de videojuegos. Quiere demostrar que tiene madera de héroe. Y así es como conoce a la implacable Sargento Calhoun (voz de Jane Lynch, serie de televisión “Glee”) en un videojuego de disparos en primera persona llamado Hero’s Duty. También aparece Vanellope von Schweetz (voz de Sarah Silverman, “The Sarah Silverman Program”), un rebelde “fallo” de Sugar Rush, un videojuego de flamantes coches de carreras. Ralph lo pone accidentalmente en peligro al liberar a un enemigo letal que amenaza a toda la galería de juegos. ¿Podrá Ralph convertirse en héroe y evitar el desastre antes de que sea demasiado tarde? “¡Rompe Ralph!” aterriza en la gran pantalla el 30 de noviembre de 2012, en formato Disney Digital 3D™

TIM BURTON Y JOHNNY DEPP INSEPARABLE PAREJA DE CHIFLADOS Por María Laura Gutiérrez Jiménez Repasamos uno de los tándem de lujo más excepcionales y talentosos de todos los tiempos: el formado por Johnny Depp, genio estrambótico y esperpéntico de la interpretación, y Tim Burton, alocado narrador de historias. Es cierto que Burton siempre se ha decantado por fábulas de corte fantástico, cuya historia base bien podría estar dirigida al más pequeño de los espectadores. Pero lo cierto es que el planteamiento oscuro, lúgubre y a menudo siniestro del que dota a sus filmes acaba resultando mucho más atractivo para los espectadores adultos. Estos, como niños, encuentran la oportunidad irrepetible de perderse en mundos sin igual, donde la estética de los personajes y los escenarios resultan ser un derroche de imaginación y gusto por la fantasía más siniestra y melancólica. No es fácil definir el estilo de Burton, ya que aunque a menudo es gótico el adjetivo que más se repite cuando del estridente maestro de la dirección se trata, lo cierto es que no hay calificativo menos acertado para las obras del cineasta. Innegablemente, todas ellas se nutren de cierto espíritu nefasto, y todas encuentran en la muerte el tema principal (ya se refiera ésta a la ausencia de vida o de inocencia). Pero si se fijan con detenimiento descubrirán que, detrás de esa primera www.cinemascomics.com

impresión tétrica, se esconde un claro deseo de contar un cuento por todo lo alto. Porque, ¿acaso no es Burton otra cosa que un niño grande con un profundo afán por evitar la madurez? Y, ¿hay algo que guste más a un niño que una fábula llena de personajes asombrosos y universos inimaginables? Por todo ello, es fácil comprender los motivos por los que el chiflado cineasta consigue hacer sentir al público como un imberbe espectador a través de sus obras. Éstas, de manera casi inexplicable, despiertan la imaginación y la capacidad de dejarse llevar por los hechos más inverosímiles y absurdos que el cine haya reflejado jamás, y lo hace con tal maestría que, a día de hoy, y pese a los intentos, no ha habido nadie que pueda igualarle en estilo y creatividad. Tal vez por todo ello el cineasta se haga siempre acompañar por Johnny Depp, ya que no hay hasta la fecha un actor con mayor entusiasmo por todos y cada uno de los roles que éste decide llevar a escena: desde sobreexplotados piratas hasta escritores con afición al maíz. De hecho, es tal su capacidad interpretativa que parece que el propio actor desaparezca para dar lugar a los diversos personajes que encarna. Y del mismo modo que su amigo Burton, parece hacerlo por el mero divertimento de llevar a cabo el mayor

número de papeles posibles, intentando siempre ofrecer el más difícil todavía en cada actuación. Por todo ello, parece lógico que Depp acceda a cualquier petición que Burton le realice, porque por extraña que ésta suene siempre, supone, sin excepción, la oportunidad única e irrepetible de contar una historia de un personaje como nunca antes nadie lo ha hecho (ni podrá).

DEPP Y BURTON, UNIDOS POR LO ESTRAMBÓTICO Esta creativa unión lleva ya veintidós años regalándonos un sinfín de obras maestras, entre las que cabe destacar la primera de ellas, aquélla que revolucionó la manera de contar historias: “Eduardo Manostijeras”, un hermoso y trágico cuento de amor, y la más sincera y directa declaración de principios de lo que los amigos Burton-Depp nos ofrecerían en el futuro. En el filme, director y actor hicieron lo imposible: tornar en bello lo monstruoso, convirtiendo la obra en un clásico inmortal desde el momento mismo del estreno. ¿El gran encanto de la cinta?: narrar de una manera casi hipnótica el amor imposible de un personaje sin igual, que si bien comparte la inocencia de Frankenstein, y el deseo de Pinocho por ser tratado como un humano, se ve injustamente rechazado por la sociedad como si de una bestia se tratara, quedando finalmente recluido en Cinemascomics │septiembre 2012 │

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Fotograma de Eduardo Manostijeras

su torre cual Quasimodo, cuyo único delito era ser distinto a los demás. Además, y como mera curiosidad, la cinta muestra el inicio del empeño del director en teñir de rubia a cualquier actriz morena que se interponga en su camino. Caso aparte es el placer inconmensurable que debe reportarle situar a su mujer, Helena Bonham Carter, como una regia pero monstruosa cabezona, un simio, o una cruel cocinera que acaba ardiendo viva en un horno. Pero como ya he dicho, esto es tema aparte, y es en la perfecta pareja formada por Depp y Burton en la que me centro ahora.

BLANCO Y NEGRO, LOS COLORES DE LA NOSTALGIA En 1994, estos dos chiflados volvían a unirse en “Ed Wood”, obra imprescindible en blanco y negro,

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en la que la pasión de un atormentado hombre con tendencia al travestismo y la dirección de películas desemboca en la surrealista historia de Ed Wood, un director dispuesto a todo con tal de contar su historia. El sutil toque cómico de la comedia puede llegar a pasar desapercibido si optamos por observar simplemente la locura insuflada en la mirada de Depp, que como pocas veces antes, dota de gran carisma y personalidad a un cineasta despreciado por ser distinto al resto. La narración, además, se mueve por las sombras y tinieblas de la atolondrada personalidad del protagonista, que vuelve a poner de manifiesto un tema recurrente en el cine de Burton: la incomprensión de quienes se consideran diferentes al resto. No obstante, lo cierto es que ni siquiera el constante tono casi trágico de los

hechos acontecidos puede evitar que el espectador sienta unas renovadas ganas e ilusión por llevar a cabo cualquier sueño, por loco, imposible y surrealista que éste sea. Cuatro años después, en 1999, Depp volvía a ponerse a las órdenes del director de pelo indómito para, en esta ocasión, investigar un extraño caso de cabezas cortadas en “Sleepy Hollow”. El resultado es una cinta llena de emoción, en la que el misterio y lo fantástico se unen a fin de hacer perder la cabeza al espectador. Depp luce con más libertad que nunca en escena, y se deja invadir por el personaje, a quien lejos de interpretar parece haber decidido dar vida. No obstante, el resultado de la obra no parecía estar la altura del actor, ya que, sin demasiadas pretensiones, la película no hacía sino recoger alguwww.cinemascomics.com

nos elementos básicos del género para, a continuación, integrarlos en el siempre sorprendente escenario que acaban siendo las obras de Burton.

BURTON Y LA FÁBRICA DE ÉXITOS PARA TODA LA FAMILIA Seis años después, en 2005, los seguidores del dúo Depp-Burton encontraron un doble motivo por el que festejar la unión de estos inclasificables artistas en la pantalla grande, pues ese mismo año podíamos disfrutar de “Charlie y la fábrica de chocolate” y “La novia cadáver”, que si bien son muy distintas, comparten un mismo reparto. La primera de ellas, extremadamente siniestra y muy inquietante, opta por transmutar un dulce cuento para niños en una casi amarga pesadilla para cualquier infante amante de las golosinas que tenga el atrevimiento de acompañar al misterioso Willy Wonka por su fábrica de chocolate. Las moralejas, tan presentes siempre en el trabajo de Burton, son una constante en la obra, que mediante chistes de cierto humor tétrico intentan demostrar

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que, a veces, ser diferente puede ser tan bueno como malo, y que lo importante es saber ser cómo quiere ser uno mismo. Depp, por su parte, se centró en tomar a Michael Jackson como ejemplo a imitar a fin de regalarnos el más excéntrico Willy Wonka jamás conocido. El sinfín de colores, canciones, escenarios de ensueño, y locos cachibaches entrando y saliendo en escena eran toda una invitación a perderse en la más absurda y loca fantasía. Y, evidentemente, todo un cambio de imagen para Burton, que edulcoraba su obra con toneladas de litros de colores tan vibrantes como vivos. ¿Nos encontrábamos ante un Burton sediento de atraer a toda la familia a las salas? Posiblemente sí. Sin embargo, a día de hoy, cuesta imaginar a un Burton apto para todos los públicos. No obstante, la cuestión más inquietante era saber si Burton estaba dispuesto a vender su genio irreverente a cambio de complacer al populacho. Por eso, para apartar toda sombra de sospecha, el director se daba ese mismo año el gustazo de estrenar “La novia

cadáver”, una película de animación donde Depp volvía ser el protagonista, esta vez poniendo la voz al endeble pero valiente Victor Van Dort. La cinta servía para que Burton dejara fluir su imaginación por los mundos más oscuros y tenebrosos, marcando así su sello de identidad ante el inmerso arcoíris ofrecido en “Charlie y la fábrica de chocolate”.

BURTON EN EL PAÍS DE LAS DECEPCIONES No obstante, y tras cintas como la prescindible “El planeta de los simios”, y la soporífera “Big Fish”, la duda de si Burton había abandonado su estilo cuidadosamente impopular pero sutilmente comercial se cernía sobre todos. Tal vez por eso mismo, y sólo dos años después, en 2007, Burton convertía a Depp en “Sweeney Todd, el barbero diabólico de la calle Fleet”. La obra, demasiado oscura incluso para Burton, era toda una declaración de principios: ni todo el chocolate de la fábrica Wonka iba a cambiar su personal estilo trágico. Y como prueba de ello decidió servir a medio mun-

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do un peculiar festín a base de empanadas, todo ello acompañado de una serie de canciones que asustan más que entretienen. La demencial versión de Sweeney Todd servía, además, para reflejar cómo el hecho de mirar a una persona sin intentar conocerla, entenderla e incluso reconocerla, acaba siempre en tragedia. Y es que el rechazo y la discriminación es hasta la fecha la característica más frecuente en los roles que tanto Depp como Burton deciden crear. Y, ¿puede haber unos personajes más marginados que los que habitan en la sangrienta calle Fleet?

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Los protagonistas de la obra, un par de desdichados y marginados seres corrompidos por el dolor, hicieron las delicias de los más incondicionales de sus seguidores, pero despertaron cierto rechazo entre otros tantos que encontrábamos un filme sobrecargado de artificios. Claro que poco o nada podíamos sospechar los seguidores de Burton que la mayor de las decepciones estaba aún por llegar: “Alicia en el país de las maravillas”. Burton nos prometió un mundo lleno de maravillas, y no obstante, un mundo sumido en la decadencia fue lo que tuvimos. Puede

parecer lógico pensar que si ni siquiera la versión animada de Disney pudo crear una versión del famoso cuento de Lewis Carroll sin cierto tono oscuro, mucho menos iba a hacerlo el rey de las sombras tenebrosas en escena, Tim Burton. Pero era inevitable esperar que Burton hubiera dejado volar su loco imaginario en esta ocasión, en la que además jugaba con toda la tecnología del momento. Siendo el único límite su creatividad, el estridente genio optó por lo hueco y vacío de lo ya usado anteriormente por otros. Puede que a través de sus siempre oscuras gafas él creyera que el sutil (y siempre innecesario) 3D www.cinemascomics.com

unido al poder de la historia de Carroll bastasen para sorprender, pero se equivocaba.

que un sombrero para tapar los innumerables agujeros que la película ofrecía.

La historia, descafeinada, excesivamente pausada e incomprensible en ocasiones, no ofrecía conejo blanco que seguir, ni sensación de emoción y fantasía. Estábamos más bien en lo que parecía ser un prototipo de lo que podría haber sido la mejor película de la historia del celuloide si Burton se hubiera esforzado en ello. Muchas más ganas puso Depp, que, convertido en Sombrerero Loco, transmitió toda la nostalgia y dulce tristeza de su personaje. Claro que hace falta algo más grande

DEPP, LA LUZ DE BURTON

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Ahora, dos años después, Burton y Depp vuelven a unir fuerzas, y lo hacen sin arriesgar demasiado, con una comedia llena de color destinada a toda la familia, construida para demostrar que Burton, si quiere, puede ser apto para todos los públicos. Y sin duda serán estos, los más pequeños, los que más disfruten del filme. No obstante sería una patraña decir que cualquier admirador del cineasta no lleva tiempo iniciando la cuen-

ta atrás para este filme de toque gris (que no oscuro) y con un alto contenido en risas. Porque, al fin y al cabo, si la comedia no resulta ser la obra que todos esperamos, si los chistes no tienen gracia, si resulta que los niños salen de la sala asustados y traumatizados, o si resulta ser un filme excesivamente comercial, siempre quedará el consuelo de que, al menos, Depp nunca decepciona. Después de todo, él es el eterno comodín de Burton, y el único capaz de ofrecer luz en esta extraña filmografía inundada de sombras tenebrosas.

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LOS MERCENARIOS 2 24 DE AGOSTO

Los mercenarios están de vuelta y esta vez es personal... Barney Ross (Sylvester Stallone), Lee Christmas (Jason Statham), Yin Yang (Jet Li), Gunner Jensen (Dolph Lundgren), Toll Road (Randy Couture) y Hale Caesar (Terry Crews), con las nuevas incorporaciones de Billy, el Niño (Liam Hemsworth), y Maggie (Yu Nan), se vuelven a unir cuando el señor Church (Bruce Willis) los recluta para encargarse de un trabajo aparentemente sencillo. Sin embargo, pese a parecer dinero fácil para Barney y su grupo de mercenarios de la vieja escuela, las cosas se tuercen y uno de sus miembros es brutalmente asesinado, lo que impulsa al resto de sus compañeros a buscar venganza en territorio hostil, donde lo tienen todo en su contra. El equipo, empeñado en desquitarse, va dejando un rastro de destrucción a su paso entre las fuerzas enemigas, sembrando el caos, para acabar encontrando una amenaza inesperada: cinco toneladas de plutonio apto para uso militar, una cantidad más que suficiente para cambiar el equilibrio de poder en el mundo. Aunque eso no es nada comparado con

la justicia que van a imponer al vil adversario que asesinó despiadadamente a su camarada. Y todo ello hecho al inimitable estilo de los mercenarios... LOS MERCENARIOS 2, una producción de Nu Image, una película de Simon West, es la esperadísima continuación del gran éxito de taquilla mundial del verano de 2010 (274 millones de dólares recaudados en todo el planeta). El filme está protagonizado por Sylvester Stallone, Jason Statham, Jet Li, Dolph Lundgren, Terry Crews, Randy Couture, con Bruce Willis y Arnold Schwarzenegger, con la incorporación de los nuevos miembros Liam Hemsworth, Scott Adkins, la leyenda de las artes marciales Chuck Norris y Jean Claude Van Damme, así como la actriz china Yu Nan, como la primera mercenaria del grupo. La película está dirigida por Simon West, a partir de un guión de Richard Wenk y Sylvester Stallone. Historia de Ken Kaufman & David Agosto y Richard Wenk. Basada en los personajes creados por David Callaham.

ABRAHAM LINCOLN

CAZADOR DE VAMPIROS 31 DE AGOSTO

ABRAHAM LINCOLN: CAZADOR DE VAMPIROS indaga en la vida secreta del décimo sexto presidente de Estados Unidos, así como en la historia oculta que conformó esa nación. Los visionarios realizadores Tim Burton y Timur Bekmambetov (director de “Wanted: Se busca”) proporcionan un nuevo enfoque a la sanguinolenta leyenda de los vampiros, concibiendo a Lincoln como el mayor cazador de los no-muertos de la Historia. Abraham Lincoln. Cazador de vampiros. El simple enunciado de estas palabras sugiere una combinación sorprendente, si no definitivamente extravagante. No obstante, es una idea con la que los realizadores estaban absolutamente comprometidos. Su trabajo retrata al hombre y líder que todos hemos estudiado, así como los trascendentales sucesos que definieron a Lincoln y a nuestra nación; todo ello mezclado con la sugestiva y visceral acción de una historia de vampiros. Al mismo tiempo, ABRAHAM LINCOLN: CAZADOR DE VAMPIROS

presenta al Gran Emancipador como el primer superhéroe del país. El productor Tim Burton señala: “Toda la vida de Lincoln refleja fielmente la mitología de los clásicos superhéroes del cómic. Existe una dualidad: durante el día, Lincoln es el presidente de los Estados Unidos; por la noche, un cazador de vampiros”. Dicha dicotomía constituye el núcleo central del Lincoln que vemos en esta película. “Era un hombre ordinario y extraordinario a la vez”, dice el director Timur Bekmambetov. El guionista Seth Grahame-Smith, que adaptó su propia y exitosa novela de igual título, añade: “La biografía de Lincoln es una historia arquetípica sobre los orígenes de un superhéroe. Es lo más parecido a un superhéroe real que este país ha visto nunca. Olvidémonos de los vampiros. Lincoln no procedía de buena cuna ni tenía dinero. Su madre había fallecido cuando Lincoln era un adolescente. De hecho, todas las personas que había querido estaban muertas. Sin

apenas educación, y provisto únicamente de su capacidad intelectual, se convirtió en presidente y salvó a la nación”. Estos temas de fondo captaron la atención de Burton, de su socio en la producción Jim Lemley y de Timur Bekmambetov. Antes incluso de que Grahame-Smith acabara su novela, la sola mención de su título provocó que la mente de Burton se pusiera en marcha. “Sonaba como el tipo de película que a mí me gusta ver”, afirma Burton. “Daba la sensación de que podía tener la delirante energía de las películas de mi juventud, que eran principalmente

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un extraño amasijo del género de terror”. Lemley, que había producido junto a Burton y Bekmambetov la película de animación “9”, señala que la especial sensibilidad de Burton le venía muy bien a este material. “Lo que Tim hace magistralmente es coger la imaginería y las historias más convencionales y darles la vuelta por completo, analizándolo todo desde una inesperada perspectiva”. ABRAHAM LINCOLN: CAZADOR DE VAMPIROS también se ajusta perfectamente a la forma de dirigir de Bekmambetov, tanto a nivel

creativo como estético. Este realizador ruso había dirigido previamente el gran éxito de taquilla “Wanted: Se busca” y, anteriormente, “Guardianes de la noche” y “Guardianes del día”, ofreciendo en estas dos últimas un convincente retrato de los vampiros dentro de un mundo que era, simultáneamente, familiar y fantástico. Al igual que Burton, Bekmambetov se comporta como un pintor ante un gigantesco lienzo, aportando una deslumbrante imaginería visual. Fue la ingeniosa idea central del proyecto lo que atrajo al director ruso, que declara, www.cinemascomics.com

“cazador de vampiros” proporciona fuertes emociones, sustos y numerosos efectos especiales, pero los realizadores nunca perdieron de vista que también estaban haciendo el retrato de una figura muy querida, así como de los formidables acontecimientos que constituyeron nuestra nación y que siguen siendo la base de su actual discurso. “Todo tenía que mostrarse de forma muy honesta”, dice Grahame-Smith. “Nunca fue nuestra intención hacer un guiño al espectador; ni siquiera en un momento dado. En este sentido, Tim Burton nos respaldó totalmente y defendió dicho enfoque”.

“Reaccioné a la historia de inmediato porque era extraordinariamente diáfana, sencilla y potente”. En un principio, Bekmambetov iba a ser productor de la película, hasta que Burton le convenció de que asumiera las labores de dirección. “¡Deseaba ver la versión que podía hacer Timur de esta historia!”, dice Burton. “Un valor añadido lo constituyó el hecho de que Timur fuera de otro país, con lo cual su perspectiva de los personajes y de los hechos históricos es totalmente diferente”. La parte de la historia relativa al www.cinemascomics.com

Grahame-Smith dice que la idea de escribir Abraham Lincoln: Cazador de vampiros le surgió a raíz de lo que observó durante la gira que realizó en 2009 para promocionar su anterior libro, Orgullo y prejuicio y zombis, otra sorprendente conexión entre entidades culturales totalmente dispares. El escritor y guionista recuerda: “Ese año se celebraba el bicentenario del nacimiento de Lincoln, y muchas de las librerías de mi gira promocional tenían dos tipos de expositores: uno contenía libros sobre la vida de Lincoln; el otro, relatos de vampiros, como Crepúsculo y la colección de libros de Sookie Stackhouse [en los que se basó la serie de televisión “True Blood”]. Este hecho me condujo a pensar en combinar ambos temas”. Los vampiros de Grahame-Smith son el polo opuesto a las románticas figuras que reproducen las páginas de los libros que él había visto en aquellos expositores. Sus no-muertos se ajustan respetuosamente a los más clásicos cánones de vampiros reflejados por el cine. “Los vampiros de nuestra película no son románticos ni divertidos, y desde luego no resultan atractivos”, advierte Grahame-Smith. “Nuestros vampiros son sanguinarios y muy astutos; y, lo más aterrador de todo, se han convertido en parte del tejido

social que conforma la vida cotidiana, trabajando como herreros, farmacéuticos y banqueros”. El principal enemigo de los vampiros es una de las figuras más apreciadas de la Historia, considerado por muchos nuestro mejor presidente. Esta historia abarca 45 años de la vida de Abraham Lincoln, desde 1820 a 1865, y la acción se sitúa en Kentucky, Illinois, el Estado de Louisiana y, por supuesto, la capital de la nación. Entonces, ¿quién seguiría los pasos de uno de los más competentes actores de nuestra historia, e interpretaría al icónico líder e intrépido asesino de vampiros? El beneplácito lo obtuvo el actor de teatro Benjamin Walker, que, casualmente, ya contaba con alguna experiencia “presidencial” tras haber protagonizado “Bloody Bloody Andrew Jackson”, obra que se representó en Broadway durante 2010. “Ben aporta al personaje tanto humanidad como malicia, lo cual le proporciona mucha verosimilitud”, dice Tim Burton. Jim Lemley añade: “Ben ha captado la honestidad, integridad y coraje de Lincoln, así como su compromiso con el objetivo que perseguía”. Lo más importante para Walker era tener la oportunidad de interpretar no solo lo que hizo de Lincoln una gigantesca figura histórica, sino también un ser humano creíble. “El riesgo de interpretar a un icono es impedir que el personaje sea humano”, dice el actor. “Hay que aceptar que el personaje sea vulnerable o incluso estúpido. Afortunadamente, Tim y Timur estaban abiertos a permitir que Abraham fuera un hombre imperfecto, conflictivo y hasta gracioso”. “El lado humano siempre es lo más importante”, coincide Burton. “Y el personaje tiene que tener sentido del humor porque nadie podría sobrevivir sin él siendo cazador de vampiros”.

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Walker, formado actoralmente en la Escuela Juilliard, con su estatura de 1,90, desde luego, anatómicamente tenía la estatura suficiente como para interpretar al larguirucho Lincoln. Pero ¿podría este joven actor (de 29 años de edad, en aquel momento) representar físicamente a esta figura de la Guerra Civil cuyo icónico y maduro rostro aparece en nuestros libros de Historia y monedas? Bekmambetov, Burton y Lemley sometieron a Walker a una prueba –de cámara– durante la cual pusieron al actor unas prótesis que le envejecían hasta aparentar 55 años, y en la que pronunciaba una de las diatribas más célebres de la Historia: el Discurso de Gettysburg. Walker impresionó más que de sobra a los realizadores. “Mi reacción inmediata fue, ‘¡Dios mío, es Abraham Lincoln pronunciando el Discurso de Gettysburg!”, exclama Lemley. El siguiente ultimátum para Walker fue el imperativo de reducir su pensó en casi 15 kilos para conseguir la necesaria y distintiva delgadez de Lincoln, así como sufrir cientos de horas de entrenamiento con armas para convertir-

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se en el supremo cazador de los no-muertos. Antes de que Walker asuma el protagónico papel de Abraham, vemos al personaje en su infancia. Su aventura vital comienza cuando su madre, Nancy, resulta afectada por una enfermedad de origen desconocido; pero reconocible para el joven Abraham, pues es la consecuencia del mordisco de un vampiro. Nancy era una mujer inteligente y de gran corazón, que impartió a su hijo el principio de que “hasta que no sea libre todo el mundo, todos seremos esclavos”. Abraham nunca olvidó estas palabras, que llegaron a determinar su punto de vista en relación a la esclavitud. Tampoco olvidó nunca al inmortal y maligno ser responsable de la muerte de su madre: un vampiro (y empresario local) llamado Jack Barts, interpretado por Marton Csokas, del cual Abraham jura vengarse. Pero su primer ataque contra Barts fracasa estrepitosamente, y Abraham consigue a duras penas escapar con vida. Es salvado por el carismático Henry, un osten-

toso y refinado donjuán. Henry, interpretado por el actor británico Dominic Cooper, no está interesado en la venganza, que es lo Abraham busca simplemente. En vez de eso, Henry enseña a Abraham a controlar su rabia y a ser más fuerte, así como a luchar por un bien superior: el de la humanidad. “Tienes que elegir”, le dice Henry a Abraham, “entre hacer algo realmente extraordinario o sentirte satisfecho solo con la venganza”. “El ansia de venganza de ese joven no resulta interesante para Henry”, afirma Cooper. “Sin embargo, cree que Abraham es capaz de mucho más, y piensa que puede ayudarle a trascender de su egoísta pretensión”. Henry instruye a Abraham – física e intelectualmente– en el fino arte de la caza de vampiros, con un objetivo mucho más trascendente que el de la venganza. Pero el maestro está lejos de ser una persona íntegra. “Como cazador de vampiros, Henry da lo mejor de sí mismo, pero tambien es una persona muy excesiva”, dice Coowww.cinemascomics.com

per. “Le gusta vivir la vida a tope, y a menudo se excede al hacerlo”. Sin embargo, ciertas revelaciones provocan que Abraham empiece a cuestionarse el verdadero propósito de Henry. ¿Es un diligente cazador de malignos e indescriptibles seres? ¿O es un malvado manipulador con oscuras intenciones? Una figura intachable en la vida de Abraham es su amigo y guardaespaldas Will, interpretado por Anthony Mackie. Este personaje, que no aparecía en el libro, se convierte en un elemento catalizador en la vida de Abraham. Mackie señala que lo que le atrajo del proyecto fue la oportunidad de trabajar junto a Bekmambetov y Burton, ya que admiraba el trabajo de ambos desde hacía mucho tiempo. “Me encantó ‘Wanted: Se busca’, y me gustó que ABRAHAM LINCOLN: CAZADOR DE VAMPIROS fuera una película histórica que pone la Historia del revés”, afirma el actor. “Y Tim Burton siempre aporta un toque mágico a todo lo que hace, y en esta ocasión muestra un tipo de submundo que nunca antes se había visto”. La persona más cercana a Abraham es su esposa, interpretada por Mary Elizabeth Winstead. El momento en que ambos se conocen en una tienda de Springfield, Illinois, está repleto de chispa, ternura y buenos augurios, lo que proporciona un crudo contraste con el lado oscuro y secreto de Abraham como cazador de vampiros. “El inicio de la relación entre Abraham y Mary es como de comedia romántica”, señala Winstead. “Son jóvenes, y entre ellos surge una auténtica conexión. A ella le atrae de él su inteligencia, integridad y sentido del humor”. Los sentimientos que sienten el uno por el otro se acrecientan en el transcurso de un inolvidable picnic “solo para dos”, durante el cual Abraham le confiesa a Mary que tiene “otra vida”. Pero www.cinemascomics.com

el soleado, bucólico y romántico escenario, más el vacilante parlamento de Abraham y la evidente extravagancia de sus afirmaciones, provocan que Mary piense que todo es una broma monumental, y ambos romper a reír. Por supuesto, poco hay de humorístico en los letales secretos que Abraham oculta. Tras su “confesional” picnic, Abraham decide que es mejor mantener a Mary alejada de su vida como cazador de vampiros. “La relación de Mary y Abraham complica la misión de Lincoln porque debe decidir qué es más importante: su matrimonio o su compromiso con la destrucción de los no-muertos”, dice Walker. “Como todo el mundo sabe, Abraham es un hombre sumamente honesto, por lo tanto, se cuestiona hasta qué punto puede ser absolutamente sincero con Mary”. “Este tema es muy interesante porque es algo con lo que todas las parejas tienen que lidiar, tanto en el siglo XIX como en la actualidad”, prosigue Walker. “¿Cómo concilias tu relación amorosa con tu pasión vital?” La única salvedad es que, en el caso de Abraham, esa “pasión” es matar vampiros. Tal secreto provoca un velado distanciamiento en el seno del matrimonio. “Mary no está involucrada en esa parte de su vida, lo que da lugar a cierta tensión”, indica Winstead. “Ella sabe que Abraham le oculta algo, pero no es capaz de preguntarle qué es”. Sin embargo, pocos secretos hay entre Abraham y su archienemigo Adam, el líder de todos los vampiros. El primero de su especie que existió, Adam, interpretado por Rufus Sewell, es una criatura con poderes prácticamente ilimitados. Al escritor y guionista Seth Grahame-Smith, que creó este personaje especialmente para el filme, como su villano principal, le atrajo la idea de alguien cuya existencia se remonta a muchos milenios atrás. “Me preguntaba cómo sería vivir durante cientos de miles de años; estar en el mundo desde la construcción de

las pirámides”, dice GrahameSmith. “¿Qué tipo de personalidad podría emerger a partir de una existencia eterna?” Adam es un guerrero, un líder, un político y un ser pragmático. Con su aristocrático porte y la plantación sureña que posee, Adam es una especie de malévolo Rhett Butler: una mezcla de elegancia y peligro. Sus objetivos, dice Tim Burton, son en cierto modo bastante plausibles. “Despojado de toda clase de principios morales, lo único que Adam quiere es un lugar que él y los que son como él puedan llamar hogar. Pretende que los de su especie tengan libertad, pero, evidentemente, eso tiene un coste terrible para muchos”. Adam pretende que Abraham sea un formidable aliado, en vez de un mortífero adversario. “Adam, con todas sus facultades, es un político y un pragmático, muy similar al propio Abraham”, señala Sewell. “Y lo maravilloso es que tiene la oportunidad de tener un encuentro con Lincoln, de guerrero a guerrero y, en cierto modo, de presidente a presidente, porque Adam se ve a sí mismo como el líder de una especie de nación de vampiros. Adam no utiliza la fuerza contra Lincoln, no al principio, porque prefiere tener a Lincoln de su lado”. Abraham rechaza totalmente las pretensiones de alianza que Adam le insinúa, y entonces debe hacer frente a toda la furia del vampiro. “Adam puede transitar desde el ‘hombre’ erudito, sofisticado y culto hasta la criatura capaz de arrancarte la cabeza y succionarte los pulmones a través de un agujero en la garganta”, afirma Sewell. Adam dirige nada menos que un ejército de vampiros, y su primer lugarteniente y guardaespaldas es una vampiro guapísima llamada Vadoma, interpretada por Erin Wasson. Wasson califica a Vadoma como “una mujer de pocas palabras, y una asesina. Adam y ella Cinemascomics │septiembre 2012 │

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hacen un buen equipo”. Vadoma es una temible soldado pero su uniforme está lejos de ser el tradicional atuendo del Ejército Confederado. En vez de eso, esta vampiro tan sexy prefiere llevar un corsé de cuero –una especie de armadura– así como un largo chaquetón de cuello alto. “También ella es una más entre los vampiros [machos]”, añade la actriz. Vadoma, Adam y Abraham son los principales protagonistas de una de las secuencias más importantes del filme: un enfrentamiento en la plantación de Adam, donde Abraham lucha contra un montón de vampiros en un vertiginoso, intenso y coreográfico combate mano a mano (y hacha a cabeza). Bekmambetov lo llama “el vals de la muerte” porque la acción explota en medio de una fiesta cuyos invitados están… bailando lentamente. El contraste entre el refinado comienzo de la escena y su oscura, tensa y violenta conclusión pro-

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duce un efecto perturbador. “La batalla tiene una energía y una velocidad increíbles, y va mucho más allá de lo imaginable en cuanto a las grandes escenas de lucha del cine”, señala Lemley. “Empieza siendo algo parecido a ‘Lo que el viento se llevó’, y a continuación se ve gente volando alrededor de una sala, vampiros que saltan desde el techo y un montón de cabezas cortadas”. La refriega de la plantación es solo una de las varias escenas de extraordinaria acción, que incluyen también una batalla de la Guerra Civil en la que se muestra la derrota –en modos realmente horribles– de los soldados de la Unión por parte de su enemigo, el ejército Confederado, mucho más numeroso de lo que ellos esperaban. Asimismo, se produce una estampida distinta a cualquier otra que hayamos visto antes en el cine, en la que Abraham, por fin, se venga del vampiro, Jack Barts, que mató a su madre. Cruzando entre un millar de caballos de asalto y trepando por sus lomos, Abraham corre, salta y lu-

cha, en una frenética y violenta lucha contra su poderoso adversario. La secuencia es una maravilla de mágicos efectos visuales, dirigidos por el supervisor de efectos visuales Craig Lyn y por Weta Digital, compañía responsable de los innovadores efectos creados para “Avatar” y “El origen del planeta de los simios”, entre otras películas importantes. Abraham ya es más mayor y su presidencia bien avanzada cuando se enfrenta por última vez a sus enemigos vampiros dentro y encima de un veloz tren que se dirige a Gettysburg, Pensilvania, y a la batalla que determinará la Guerra Civil. Para esta secuencia de acción, que desafía la ley de gravedad, los realizadores construyeron, a tamaño real, una fiel reproducción de la locomotora y los vagones. Aquí, de nuevo, la magia del mundo digital proporcionó a Bekmambetov las herramientas necesarias para representar lo que su desenfrenada imaginación había concebido. Estas escenas de acción, lucha www.cinemascomics.com

y acrobacias no nacieron en Hollywood, ni siquiera en la sede de la producción en Nueva Orleans, sino a miles de kilómetros, en Kazajistán, hogar del coreógrafo de lucha Igor Tsay y donde se ubica su escuela especializada en interpretación de lucha: Kun-Do. Allí, Tsay y su equipo perfilaron las complicadas secuencias de acción, que posteriormente se previsualizaron y desarrollaron en Moscú. En las semanas previas a la producción, el famoso coordinador de especialistas Mic Rodgers (“Sr. y Sra. Smith”, “Wanted: Se busca”, “A todo gas”) y el coordinador de lucha Don Lee (“Piratas del Caribe: En mareas misteriosas”) trabajaron con Walker para transformarle en un curtido combatiente, especialmente diestro con el hacha, y cazador de nomuertos. El extenuante régimen al que Walker se sometió incluyó artes marciales como kicking y stretching, yoga, boxeo, así como innumerables horas de entrenamiento con el arma preferida por Lincoln para matar vampiros: un hacha “tuneada”. Walker causó algo más que impresión a sus entrenadores. “Ben es un auténtico machote y uno de los mejores actores con los que yo he trabajado nunca”, afirma Rodgers. “Combinamos universos tan distintos como las consolidadas artes marciales provenientes de Hong Kong y las peleas a puñetazo limpio, y Ben hizo verdaderos progresos en todos los sentidos”. El actor, modestamente, simplemente afirma que “Bueno, en realidad, me golpeé muchas veces con el hacha mi propia cabeza”. El hacha y gran parte de los demás objetos de atrezzo fueron responsabilidad del jefe de atrezzo Guillaume DeLouche, quien, recurriendo a sus propios recursos, aportó a la producción los últimos artesanos que quedan especializados en la fiel reproducción histórica de hachas, cuchillos, www.cinemascomics.com

pistolas y rifles. En la elaboración de absolutamente todas las armas se utilizaron los mismos métodos empleados en el siglo XIX. La propia hacha de Abraham es una maravilla de la ingeniería capaz de convertirse en una pistola. Estaba forjada a mano por un herrero y armero, hecha a medida, y su mango era de nogal. “Nos limitamos a coger objetos cotidianos de la época y darles una vuelta”, dice Tim Burton. “Todo el mundo está familiarizado con los mosquetes, las bayonetas y las hachas, pero nadie se había parado a pensar en transformar-

las en una simple arma”. La producción se llevó a cabo en la resistente y gran ciudad histórica de Nueva Orleans, algunos de cuyos edificios y casas, muy bien conservados, se remontan a 150 años atrás. Esta metrópolis del Estado de Louisiana es extraordinariamente rica en leyendas vampíricas; es el escenario donde se desarrolla el libro escrito por Anne Rice Entrevista con el vampiro (y sus muchas secuelas), y Jim Lemley señala que “en torno a Nueva Orleans hay algo que provoca fascinación y estremecimiento”. François Audouy diseñó Cinemascomics │septiembre 2012 │

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firiendo la imperfección más que la perfección”. El concienzudo método de trabajo de Deschanel produjo auténtica magia, aunque algunas veces demorara el resultado. Benjamin Walker recuerda, “Yo estaba sudando bajo el maquillaje y las prótesis [de envejecimiento], y Caleb se preocupaba porque una vela estaba apagada. Y yo pensaba, pero ¿a quién le importa la vela? Y luego, cuando veías las imágenes de rodaje, decías, ¡Dios mío, pero si es esa vela la que da sentido a la escena. Te transporta a otro mundo y a una época diferente. Que ahí existan vampiros solo es una casualidad”.

la producción del filme, basándose en la realidad histórica y proporcionando al mismo tiempo unos majestuosos sets de rica textura, incluyendo los ya mencionados de la plantación sureña y la vertiginosa locomotora a Gettysburg. Otra figura clave en la recreación del universo de Lincoln es el legendario director de fotografía Caleb Deschanel, ASC, nominado al Oscar en cinco ocasiones por su labor en películas tales como “El mejor” y “Elegidos para la gloria”, y entre cuyos numerosos y notables trabajos destacan tam-

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bién las luminosas “El corcel negro” y “Bienvenido Mr. Chance”. Utilizando lo “nuevo” para capturar lo “viejo”, Deschanel empleó la fotografía digital y la tecnológicamente avanzada cámara Arri Alexa para proporcionarle al filme el pertinente aspecto de época. “Timur y yo queríamos hacer una película sobre unos hechos históricos verídicos, por tanto, examinamos un montón de fotografías de aquel período”, señala Deschanel. “En la mayoría de esas fotos antiguas todo está perfectamente en su sitio, pero nosotros decidimos darle a la fotografía del filme cierta tosquedad, pre-

La combinación de una espléndida atmósfera de época, más una visión muy particular de nuestro décimo sexto presidente y el ejército de no-muertos que Lincoln hostiga, constituye una experiencia cinematográfica absolutamente excepcional. Para el escritor que dio origen a todo esto, Seth Grahame-Smith, la realización del filme corona una aventura que empezó cuando su libro se convirtió en superventas. Un elemento esencial para reflejar la personalidad de Lincoln fue garantizar que su sentido del humor estuviera presente. “Abraham podía ser perfectamente el alma de cualquier fiesta, y era un hombre fascinante y muy divertido”, resume Grahame-Smith. “Yo creo que le habría encantado nuestra película”. “Siempre me ha gustado explorar algo nuevo en cada película, algo que no haya visto con anterioridad”, añade Jim Lemley. “Aunque es un poco loco, el filme es absolutamente fiel con la esencia del hombre”. Ante todo, ABRAHAM LINCOLN: CAZADOR DE VAMPIROS es fruto del temperamento de dos realizadores –Tim Burton y Timur Bekmambetov– que son maestros en mirar las cosas de una forma que nunca antes se ha imaginado. www.cinemascomics.com

LAS AVENTURAS DE TADEO JONES 31 de agosto

Debido a una fortuita confusión, Tadeo, un albañil soñador, será tomado por un famoso arqueólogo y enviado a una expedición a Perú. Con la ayuda de su fiel perro Jeff, una intrépida profesora, un loro mudo y un buscavidas, intentarán salvar la mítica Ciudad Perdida de los Incas de una malvada corporación de cazatesoros. Tadeo siempre ha deseado conver tirse en un arqueólogo aventurero y famoso. Sin embargo pasa sus días soñando entre las grúas y el cemento de la obra donde trabaja. La opor tunidad de cumplir sus sueños se presenta cuando su amigo, un reputado arqueólogo, recibe una misteriosa tabla

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de piedra, la llave que conduce a la Ciudad Perdida de Paititi y a su legendario tesoro. A punto de emprender el viaje, el arqueólogo sufre un inopor tuno accidente y es Tadeo quien debe reemplazarle en la expedición. Nada más llegar a Perú, Tadeo descubre que Oddyseus, una impor tante corporación de cazatesoros, también va tras la pista de la Ciudad Perdida de Paititi… y están dispuestos a todo por encontrarla. Con la ayuda de Sara, una intrépida arqueóloga; Belzoni, un loro mudo con mucho carácter; Freddy, un peculiar guía con un

sorprendente abrigo mul tiusos y Jeff, el inseparable perro de Tadeo, emprenderá una aventura llena de peligros que les llevará a lo largo de todo el país para salvar la Ciudad Perdida y proteger el mister ioso tesoro de las garras de sus enemigos.

LA PRODUCCIÓN Tadeo Jones nació en 2004, con un cortometraje dirigido por Enrique Gato y producido por Nicolás Matji. Después de su debut en la dirección con BICHO (1999), Enrique Gato buscaba una historia más dinámica, con más acción. Apuntó hacia el género de aventuras, y así nació Tadeo Jones, un www.cinemascomics.com

personaje que pretendía parodiar las aventuras de Indiana Jones. El cortometraje fue un gran éxito; ganó 65 premios nacionales e internacionales, incluyendo el Goya 2006 y se exhibió en una veintena de países. Tras sumarse Jordi Gasull al equipo de Tadeo, juntos decidieron desarrollar un largometraje, al tiempo que hacían un segundo cortometraje que ayudase a despejar las dudas de su solvencia técnica y narrativa: TADEO JONES Y EL SÓTANO MALDITO, que repitió el éxito del primero volviendo a ganar el Premio Goya en el año 2008. Para entonces, Jordi Gasull había www.cinemascomics.com

establecido con el apoyo de Grupo Intereconomía una productora independiente, EL TORO PICTURES y contaba con el respaldo financiero necesario para poder arrancar la producción de la película. Se había unido en una alianza estratégica con Edmon Roch, creador de IKIRU FILMS, para emprender entre una y dos películas anuales. Ambos veían en el personaje de Tadeo una oportunidad para originar el largometraje, y todo indicaba que era el momento para hacerlo. Así, en Junio de 2008 comenzó TADEO JONES, LA PELÍCULA, a la que más adelante se incorporaron

TELECINCO CINEMA y T ELEFÓNICA PRODUCCIONES. Desde el año 2004 el personaje que inicialmente nació como una parodia de Indiana Jones ha evolucionado hasta adquirir una personalidad y universo propios. Nuestro obrero de la construcción, que trata de convertirse en un épico arqueólogo, no usa látigo ni pistola y tampoco chaqueta de cuero, pero cambia el resistente casco de obra por un sombrero. El talento de Enrique Gato y la simpatía que despierta el personaje son la combinación perfecta para hacer la película que todos buscamos. Cinemascomics │septiembre 2012 │

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LAS AVENTURAS DE TADEO JONES es la primera producción de animación de TELECINCO CINEMA (Lo Imposible, No habrá paz para los malvados, Agora, Celda 211, El laberinto del fauno, El orfanato), junto a EL TORO PICTURES (Lope), IKIRU FILMS (Promoción Fantasma, Biutiful, Bruc), LIGHTBOX ENT ERTAINMENT (ganadores de 3 premios Goya a Mejor Corto de Animación) y TELEFÓNICA PRODUCCIONES (En fuera de juego, Lope), con la participación de INTERECONOMÍA. Un equipo de más de 300 personas; 48 meses de producción; 50 localizaciones; 14.500.000 de ficheros informáticos generados; y el uso del formato 3D estereoscópico. Todo ello, hace de LAS AVENTURAS DE TADEO JONES, una de las superproducciones españolas más importantes del año que ya ha empezado a cosechar éxitos. La película fue seleccionada para participar en la Sección Oficial del Festival de cine de animación más importante del mundo, el Festival de Annecy, cosechando un gran éxito de público y atención mediática.

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Además la película ya ha sido vendida a todo el mundo excepto Japón y Estados Unidos, países que se encuentran en negociación. La película cuenta además con las voces de Oscar Barberán (Tadeo), José Mota (Freddy), Michelle Jenner (Sara) y José Corbacho (Freddy en la versión catalana); y una banda sonora que incluye el tema “Te voy a esperar” interpretado por Juan Magán y Belinda.

EL GUIÓN El referente más directo a la hora de desarrollar el guión de LAS AVENTURAS DE TADEO JONES ha sido EL SECRETO DE LOS INCAS, una película de 1954 dirigida por Jerry Hopper y protagonizada por Charlton Heston. Además de esa película, Las Aventuras de Tadeo Jones cuenta con la influencia de sagas míticas como Tintín y Allan Quatermain, la saga de Indiana Jones, el espíritu de films trepidantes como Tomb Raider o La Momia, así como la alocada forma de entender la acción de Jackie Chan.

sionantes a las que un arqueólogo podría enfrentarse: la búsqueda de la Ciudad Perdida de Paititi, una historia real a partir de la cual se generaron historias ficticias y se añadieron elementos mágicos, como en las grandes películas de aventuras. Y es que, la diferencia a la hora de escribir una historia de ficción convencional o una historia para animación, es que esta última debe tener una dosis añadida de fantasía. La animación ofrece gran libertad para imaginar y crear cualquier situación. Pero LAS AVENTURAS DE TADEO JONES ofrece mucho más que aventura. Es una comedia familiar para todos: los niños se quedarán con la trama y las experiencias visuales, mientras que los adultos podrán ir más allá e interpretar el subtexto de los mensajes con los que se encontrará. La intención de LAS AVENTURAS DE TADEO JONES es divertir al espectador, transportarle a lugares mágicos y recordarle que los verdaderos tesoros se encuentran en el interior de cada uno.

LAS AVENTURAS DE TADEO JONES narra una de las hazañas más apawww.cinemascomics.com

la 煤ltima batalla comienza

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pendiente de calificaci贸n por edades.

DREDD 3D

7 de septiembre

En un futuro cercano, Norteamérica es un páramo asolado por la radiación con una única y gran megalópolis que se extiende a lo largo de su costa este: Mega City 1. Esta inmensa y violenta urbe cuenta con una población de más de 400 millones de personas, cada uno de los cuales es un infractor en potencia. Los únicos que intentan imponer el orden entre semejante caos urbano son los jueces, a la vez agentes de la ley, jueces, jurados y verdugos. Y la perfecta personificación de estos jueces es Dredd (Karl Urban), una leyenda viva de justicia blindada dedicado por entero a hacer cumplir la ley. En una misión aparentemente rutinaria junto a Cassandra

Anderson (Olivia Thrilby), una juez novata dotada de grandes habilidades psíquicas, se disponen a investigar de homicidio en un peligroso mega-rascacielos de la ciudad, un suburbio vertical de 200 pisos de altura controlado por el clan de la despiadada Ma-Ma (Lena Headley). Pero al intentar arrestar a uno de los principales secuaces de Ma-Ma, ella decide cerrar a cal y canto todo el edificio y ordena a su clan que dé caza a los jueces. Atrapados en una brutal e implacable lucha por la supervivencia, Dredd y Cassandra se verán obligados a impartir una justicia extrema…

El mundo futuro del juez Dredd, creado por el guionista John Wagner y el dibujante español Carlos Ezquerra allá por 1977 para la publicación 2000 AD, ha crecido hasta cobrar vida propia. Con su infinidad de historias y personajes, fue elegido por votación Mejor cómic británico y Mejor cómic de la historia en los National Comics Awards. Ahora, la inagotable imaginación del escritor Alex Garland da vida a DREDD como una película de acción futurista de cine negro moderno, que recupera para el célebre personaje la oscura encarnación visceral del venerado cómic de John Wagner y Carlos Ezquerra. Alex Garland explica: “Me crié leyendo al juez Dredd. Los increíbles guionistas y dibujantes de la revista 2000 AD ejercieron una gran influencia formativa sobre mí. Andrew, Allon y yo hemos creado esta adaptación del juez Dredd poniendo especial énfasis en la adrenalina y el realismo, sin olvidarnos de la grandiosidad y el espectáculo que ofrece la ciudad de Mega City 1”. Además, cuentan con el respaldo de 2000 AD y John Wagner, cocreador del juez Dredd: “El guión de Alex Garland es fiel al concepto original que convirtió al juez Dredd en un héroe duro y popular. Es todo un viaje de alto octanaje por las oscuras entrañas de la inmensa ciudad del futuro. Hará las delicias de los fans”.

Acertar con la historia Juez Dredd, el venerado cómic del guionista John Wagner y el dibujante español Carlos Ezquerra sobre un inquebrantable agente del orden en un lejano futuro, hizo aparición hace más de tres décadas y, desde entonces, ha producido un legado propio. Se han dedicado novelas, revistas, juegos de mesa y de cartas,

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una superproducción fallida de Hollywood, juegos de rol y de ordenador, muñecos, fundas de edredón, máquinas del millón e incluso albornoces al icónico policía, juez, jurado y verdugo, que ha logrado convertirse en una leyenda a través del cómic. En su apogeo, a finales de la década de 1970, en pleno gobierno de Margaret Thatcher, la revista británica de cómics 2000 AD vendía 100.000 ejemplares a la semana, y el joven Alex Garland quedó cautivado por su violencia oscura, visceral e irónica. “Tenía unos 10 años cuando encontré un ejemplar de 2000 AD en el quiosco local de prensa y me puse a leerlo”, recuerda el célebre guionista y novelista, “me quedé obsesionado con todo el material que encontré allí, pero sobre todo con el juez Dredd. Esa historia sobre encontrar 2000 AD en una tienda y quedarse enganchado con el juez Dredd es muy común entre los hombres de mi edad... y en todos nosotros ha perdurado algo de ello cuando nos hemos hecho mayores, recuerdo que se debía en parte a que Dredd tenía un aspecto adulto, como si yo fuera quizá un poco más joven de lo debido para estar leyéndolo. Como

ver una película para mayores de 18 años cuando no tienes más que 12, esa clase de emoción”. El novelista y guionista, famoso por su mezcla de exploración psicológica, dilema moral y tramas llenas de suspense en sus novelas “La playa”, “The Tesseract” y “En coma”, así como sus intensos guiones para “28 días después”, “Sunshine” y “Nunca me abandones”, asegura que siempre pensó que acabaría contando historias a través del cómic: “Mi padre es dibujante, así que siempre pensé que acabaría haciendo historietas. Solía dibujar cómics constantemente y, gracias a eso, aprendí mucho sobre cómo construir una narración”. Cree que esa sensibilidad propia del cómic se puede apreciar en sus libros, que son muy cinematográficos, “y los cómics son muy cinematográficos, la extensión de los capítulos y el ritmo con el que avanza la trama. Así que, en cierto modo, es algo que está en mi formación, esa manera gráfica de ver la narración”. John Wagner, cocreador del cómic, comprende la reacción visceral de Garland a su obra y cree que el principal atractivo de Dredd www.cinemascomics.com

es que es una mezcla de bueno y malo: “Es un poli muy duro y, en ciertos aspectos, apoyas completamente lo que hace, pero, en otros, piensas: ‘menos mal que hoy día no existe nadie como él’”. Esa mezcla contradictoria de bien y mal es algo que cree que es lo que verdaderamente atrae sobre el legendario personaje: “Claro que Dredd jamás se vería a sí mismo como malvado, se cree íntegro y honrado, pero desde luego no es alguien que querrías tener en las calles, protegiéndote, porque seguramente acabarías sin atreverte a salir”. El productor Andrew Macdonald colaboró por primera vez con Garland cuando produjo la película de Danny Boyle “La playa”, hace diez años. En 2002, Garland escribió “28 días después” para Boyle y Macdonald, que para entonces ya estaba dirigiendo la productora independiente británica DNA Films, junto a Allon Reich. Garland escribiría después el guión del alabado ‘thriller’ de ciencia ficción de Danny Boyle “Sunshine” y adaptaría la magistral novela de Kazuo Ishiguro “Nunca me aban-

dones”, que acabaría convertida en un filme conmovedor y provocativo para DNA Films.

r��an, de modo que Alex se puso a trabajar en los primeros borradores de un posible guión.

El escritor se sintió inspirado cuando la productora decidió ampliar sus horizontes y aventurarse en el terreno de las grandes producciones de cine de género, con intención de crear franquicias, y dirigido a un público más general, con estrenos mucho más amplios. A los productores Allon Reich y Andrew Macdonald se les ocurrió que tal vez pudieran hacerse con los derechos del juez Dredd y que Garland sería, evidentemente, la persona perfecta para escribir el guión.

Lo irónico es que fue precisamente el fracaso de la versión de Stallone de 1995 lo que posibilitó que los cineastas pudieran poner en marcha este relanzamiento del personaje para la gran pantalla. “Curiosamente, fue lo que nos permitió hacernos con los derechos”, explica Garland. “Si ese primer intento hubiera sido un gran éxito, jamás habríamos conseguido los derechos. Nos abrió la puerta. También sabíamos que las expectativas de la gente estarían definidas por esa película, así que, desde el principio, buscábamos algo completamente distinto. Algo que fuera mucho más duro y atrevido”.

Sin embargo, seguir la pista de los derechos resultó algo complejo, reconoce Macdonald: “Fue complicado, porque los derechos cinematográficos habían pasado por muchas manos. En determinado momento, fueron propiedad de Disney, luego llegó la versión de Stallone. Pasamos dos años intentando aclarar la cuestión de los derechos”. Pero, en todo ese tiempo, el equipo no perdió la confianza en que los consegui-

Macdonald concuerda con lo dicho por Garland: “Los derechos eran propiedad de Rebellion, que está dirigida por dos hermanos, Jason y Chris Kingsley, que también son productores, y se mostraron muy protectores, sabían que era una propiedad con valor y querían sacarle provecho de la manera

Fotograma de la version protagonizada por Sylvester Stallone en 1995 www.cinemascomics.com

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apropiada. Nos llevó cierto tiempo convencerlos de que éramos la gente adecuada, pero acabábamos de hacer ‘28 días después’ y les dijimos que queríamos hacer algo así. Una película que no agradara a todo el mundo, que es lo que intentó hacer la primera, y acabó aguando el personaje de Dredd. Cambiaron el tono del cómic, lo que fue un craso error”. Hasta el propio Sylvester Stallone se muestra de acuerdo con esa crítica, y ha reconocido en declaraciones anteriores que fue “una oportunidad completamente desaprovechada... para mí fue más bien cuestión de desperdiciar las grandes posibilidades que ofrecía esa idea... no estuvo a la altura de lo que podría haber sido”. Esta

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vez, los cineastas querían mantenerse fieles a la visión de Wagner y Ezquerra, y tanto Reich como Macdonald han defendido siempre la importancia y la integridad del guionista y del contenido original. “Siempre hemos tenido claro la importancia que tiene mantener cerca al creador del material original y lo vital que es aprovechar sus vastos conocimientos e información sobre dicho material. En ‘Nunca me abandones’, colaboramos muy estrechamente con Ishiguro y participó en momentos estratégicos”, comenta Macdonald. “Cuando decidimos hacer DREDD, era esencial ir a ver si podíamos conseguir el apoyo de la persona de cuya imaginación surgió inicialmente, que en este caso es

John Wagner, así que quedamos con él. Ya ha visto otras obras suyas adaptadas al cine y se mostró básicamente escéptico, aunque fue muy amable”. Wagner recuerda recibir un mensaje por correo electrónico de Garland donde le solicitaba reunirse con él: “Pensé: ‘¡Agh, otro más no!’. Entonces me reuní con ellos y me dije: ‘¿Esta gente va realmente en serio?’”. Comenta que estaba “deseando que produjeran una segunda película del juez Dredd, porque quería que se hiciera como es debido y, tras nuestra reunión, quedé impresionado con su franqueza y creí de verdad que iban en serio. O sea, el hecho de que les importara lo suficiente para implicarme tan www.cinemascomics.com

poder hacerlo bien”. El productor Allon Reich considera que el consenso entre Garland y Wagner fue algo fortuito y permitió obtener una visión cinematográfica muy particular para DREDD: “Es su visión creativa. Alex es un gran aficionado al cómic, se crió con el juez Dredd y está sumido en el mundo de 2000 AD y Mega City 1, además de ser un guionista con experiencia”. Garland aprovechó mucho del material original, en opinión de Reich, pero también lo hizo independiente como película, con identidad propia. “Es completamente un producto de su imaginación y de su visión creativa, la película lleva totalmente su sello, sin duda alguna”.

pronto supuso mucho para mí. En 1995, hicieron la película equivocada, no se leyeron al juez Dredd y sencillamente rodaron otra historia. Esta vez, se estaban embarcando en lo que sabía que sería el auténtico juez Dredd que conozco”. Garland quedó encantado de poder contar con Wagner a la primera oportunidad: “Si en esa primera reunión John hubiera dicho: ‘No quiero otra película, la última fue demasiado dolorosa y no funciona en la pantalla, debería quedarse simplemente como personaje de cómic y ya está’, creo que nos habríamos marchado pensado ‘está bien’. Pero yo conocía a Dredd. Lo he leído toda la vida y estaba muy seguro de www.cinemascomics.com

Pero escribir el guión no resultó ser tarea fácil. “Empecé escribiendo una historia con otro personaje del universo de Dredd, el juez Muerte, némesis de Dredd, y trabajé en ella durante un año, a lo largo de varios borradores”, recuerda Garland. “De hecho, ese fue el primer borrador que vio John, pero me di cuenta de que no conseguía que me quedara bien, así que pasé a unos terroristas pro-democracia, que es otra de las historias escritas por John que me pareció especialmente interesante”. Pero Garland llegó a la conclusión de que esa historia tampoco servía para volver a presentar de manera eficaz al personaje en la gran pantalla. “De pronto, pensé: ‘No dejo de intentar ir a lo grande con esto’, necesitaba pensar de manera más sencilla y que se me ocurrieran otro tipo de historias de las que John solía contar. Que no fuera uno de esos relatos grandiosos de los que hay muchos a lo largo de la mitología de Dredd”. El guionista empezó a simplificar y a buscar “algunas de las historias con más garra, que son como relatos cortos”. Al final, decidió escribir una película sobre un día cualquiera en

la vida de Dredd, y Wagner quedó completamente encantado: “Ese era el problema de la primera película: era demasiado grandiosa. Intentaron abarcar demasiado. Alex lo ha reducido a un día cualquiera en la vida de Dredd, y creo que ha quedado mucho mejor así”. El largo proceso hasta tener finalmente un guión listo resultó fructífero y la reacción de todos al mismo fue sumamente entusiasta. Pete Travis recuerda: “Leí el guión de Alex y me dejó impresionado. Creo que Alex ha creado una historia que va más allá de la necesidad de ser un fan del cómic. Si vives en una ciudad, te da miedo la violencia, y DREDD está ambientado en un futuro que no dista tanto de nuestro presente. Creo que ha logrado crear un personaje con el que puedes conectar”. Andrew Macdonald lo resume en pocas palabras diciendo: “Lo que hizo DREDD posible fue que teníamos un gran personaje y un gran guión. Todo el que lo leía quería hacerlo”.

Acertar con los personajes “Preparamos un paquete muy atractivo, compuesto principalmente por derechos, productores, guión y un director con un sólido historial, y todos nuestros protagonistas principales se mostraron entusiasmados y encantados de participar”, asegura Macdonald, “pero queríamos hacer una película que fuera dura y adulta, la violencia que precisábamos suponía que la película fuera para mayores de 18 años, tanto en Estados Unidos como en Europa, así que sabíamos que no podíamos gastarnos más que unos 40 millones. No iba a contar con un gran presupuesto y, además, sabíamos que teníamos a un personaje que no podía quitarse el casco, que era lo que queríamos, pero es que, además, estaba estipulado Cinemascomics │septiembre 2012 │

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resaba mucho, por mi experiencia de leer los cómics, así que me reuní con Alex, Andrew, Allon y Pete, escuché su planteamiento y estaba claro que querían hacer algo radicalmente distinto de lo que se había hecho antes, pretendían hacer una película que fuera mucho más dura, cruda y realista. Una cinta de acción y aventura de alto octanaje, mucho más fiel al material original, lo que despertó inmediatamente mi interés”. Reich comenta sobre Urban: “Ha realizado trabajos interesantes, como “Star Trek” y “El Señor de los Anillos”, y adelantó un viaje que iba a hacer a Los Ángeles para reunirse con nosotros, nos gustó ver tanta pasión. Se crió con el cómic, así que tenía ya ciertas ideas con respecto a él, y le encantó el guión”.

en nuestro contrato con los hermanos Kingsley. Pero entonces no puedes tener a una gran estrella de cine cuyo rostro no vas a poder ver. Necesitábamos a un gran actor, en lugar de un nombre conocido como Will Smith”. Reich interviene con su versión del proceso de selección del actor que encarnaría al icónico personaje: “Dredd es un personaje muy extremo, es el juez definitivo, la ley lo es todo para él. Las normas son las normas y él se dedica a impartir justicia sin las más mínimas contemplaciones. Es el mejor en lo que hace y el más temido. No admite discusión y no hay na-

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die más duro que él. Se inspiró en Harry, el sucio, es el personaje del cómic británico más longevo y se mantiene como uno de los más queridos; es más, la expresión ‘tipo Dredd’ es de uso corriente incluso entre gente que ni siquiera ha leído nunca el cómic”. El equipo necesitaba un actor que entendiera bien y aceptara ese legado y no viera como un obstáculo la idea de interpretar a un icono monolítico. Por su parte, Karl Urban, la estrella de “Star Trek” y “El Señor de los Anillos”, se enteró de que iban a volver a adaptar el cómic a la gran pantalla y sintió curiosidad: “Me inte-

El actor señala que su primer contacto con el juez Dredd se produjo a través de los cómics: “Empecé a leerlos cuando tenía 16 años y trabajaba en una pizzería de Wellington, Nueva Zelanda. Ya era aficionado a la ciencia ficción, así que me entusiasmó el personaje y disfrutaba mucho con el mundo de Mega City 1 y el propio Dredd. Es ese agente del orden futurista, más duro que nadie, el agente del orden definitivo, en una sociedad donde el procedimiento normal de la justicia ha cambiado. Ya no hay jurados, abogados y un complejo sistema legal, sino que todo se ha condensado en un solo hombre. Desde esa edad, siempre me han encantado los personajes tipo justiciero y el juez Dredd es uno de los mejores”. Como fan devoto, el actor quedó doblemente entusiasmado por el hecho de que los cineastas no querían verle nunca jamás la cara a Dredd: “Uno de los mejores aspectos de Dredd es que nunca conoces totalmente su identidad. Desde su creación en 1977, ha sido la representación sin rostro de la ley, un enigma, y hacer cualquier www.cinemascomics.com

otra cosa no habría sido Dredd”. “No puedes cometer el error de interpretar al icono, tienes que interpretar al hombre, un hombre que tiene un trabajo increíblemente duro, en esta sociedad que se está desmoronando y descomponiendo”, explica Urban. “Su heroísmo se define por ser un hombre corriente. Para mí, se acerca más a esos heroicos bomberos que se metieron en las Torres Gemelas el 11 de septiembre, y no podría estar más lejos del estereotípico superhéroe, porque no es Superman, ni Batman. No tiene un alter ego, lo que ves es lo que hay, llama a las cosas por su nombre, pero el auténtico desafío para mí, como actor, fue tratar de imprimirle el mayor dinamismo posible. Es duro, cómo transmitir emociones sutiles como la duda o la preocupación cuando no puedes usar los ojos, así que ha sido un proceso muy estimulante”. Urban asegura que siempre le han atraído los papeles más oscuros: www.cinemascomics.com

“Cuando abordo un personaje, me interesan los fallos y las imperfecciones, lo que los hace humanos y tridimensionales. Dredd es harina de otro costal, es interesante porque sus emociones están completamente reprimidas, cualquier tipo de vida social normal que pudiera haber llevado ha quedado completamente purgada de su psique y, en cierta medida, me parece algo trágico, porque se le ha encomendado la labor de proteger a los ciudadanos de esa sociedad pero, al mismo tiempo, es incapaz de funcionar normalmente en esa misma sociedad”. Aparte de los retos psicológicos y emocionales que entrañaba el papel, interpretar a Dredd fue, naturalmente, una tarea sumamente agotadora. “Ha sido un papel muy físico. Desde que me incorporé al proyecto, y durante la preproducción, pasé mucho tiempo en el gimnasio para conseguir el estado físico y la disposición adecuados, y luego, cuando llegué para el rodaje, me metieron en un campamento de instrucción durante

dos semanas y media, donde me prepararon en el uso de armas, movimiento técnico, aprender a moverse en un tiroteo, aprender a detener a ‘chorizos’, atravesar puertas y arrestar a gente. Uno de los aspectos más descabellados de lo que hago es aprender constantemente nuevas habilidades que jamás podría aprender en la vida real”. Urban se sintió agradecido por hacer una versión más realista, el tono de DREDD supuso que utilizaran armas reales, “La ‘Lawgiver’ es un arma plenamente operativa, basada en un sistema de 9 mm, así que dispara de verdad y puedes cambiar a automática o semiautomática. Es una ventaja más como actor cuando no tienes que imaginar algo y lo tienes realmente delante. La ‘Lawmaster’ es la moto de Dredd, basada en una moto de 500 cc, con un enorme armazón por encima, con ametralladoras, una distancia entre ejes ampliada, los neumáticos más gruesos que pudieron encontrar, es una auténtica fiera de máquiCinemascomics │septiembre 2012 │ 43

na y fue muy divertido montar en ella”. El actor afirma que era una de las cosas que tenía muy claras: “Me pareció importante que los espectadores tuvieran ocasión de verme en esa moto, montado en ella, moviéndome entre el tráfico. Aquí no hay trucos de fondos verdes o azules. Cuando ves a Dredd en la moto, lo acompañas en su viaje”. Luego estaba la cuestión de los diálogos y de cómo hablaría realmente el juez, Urban tuvo que decidir qué voz habría surgido de

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las páginas del cómic: “En la labor de documentación que realicé, la voz de Dredd se describía como una sierra cortando hueso”, explica, “así que me pareció que tenía que intentar conseguir una resonancia que no se encontraba en mi registro normal. Era bastante más áspera y ronca en muchos aspectos, lo que puede ser difícil de mantener, además de que no puedes gritar con un tono áspero, así que se trata de algo que presenta sus propias dificultades”.

El actor sí que insistió, sin embargo, en recortar sus diálogos, y el guionista Garland se mostró totalmente colaborador: “Si se puede decir con una sola frase, mejor que con tres. Quería que fuera muy minimalista, que Dredd hablara lo mínimo imprescindible. Y no me cansaré de alabar a Alex y cómo me ayudó; ha sido una suerte contar aquí con él. Ha realizado una aportación increíble a toda esta película y para mí ha supuesto una baza magnífica tener al guionista presente en el rodaje. Si tengo alguna duda sobre www.cinemascomics.com

una escena o las intenciones de un determinado punto, no tengo más que preguntarle, y Alex no se muestra puntilloso al respecto. Está encantado de mejorar el material y es un colaborador maravilloso, a menudo acudes a él y te dice: ‘eso es genial, a ver qué te parece esto’, y te planteará otra cosa, lo llevará más allá, elevará el material a un nivel superior y lo mejorará”. Mantenerse fiel a los orígenes del fenómeno de Dredd era tan importante para Urban como reswww.cinemascomics.com

petar la coherencia con la visión de Garland, por lo que fue un auténtico honor para él conocer al creador del personaje: “Tuve la gran fortuna de conocer a John Wagner y se mostró sumamente encantador y elogioso. Yo estaba algo nervioso, Dredd es su creación y, cuando conoces al creador, esperas estar a la altura de sus expectativas, y me imagino que las expectativas están muy altas”, observa el actor. “He de decir que estuvo maravilloso y se mostró contento con lo que vio. Reconoció que estamos siendo

fieles a su creación y que, aunque no estamos trasladando al 100% un mundo completo de los cómics a un medio como el cine, creo que podía ver y reconocer que nuestras intenciones eran buenas”. Reich dice que siempre tuvieron intención de elegir al actor que encarnaría a Dredd antes de plantearse a quién escoger para su compañera novata, la psíquica Anderson. “Vimos a muchas chicas distintas; Olivia Thirlby estaba rodando una película en Moscú, se grabó en una cinta y realizó Cinemascomics │septiembre 2012 │

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una lectura estupenda. Después le hicimos una prueba ante la cámara con Karl en Londres y quedó perfecta”.

nas noticias, porque, de repente, me enteré de que les había gustado mucho mi cinta y a partir de ahí todo salió adelante”.

La actriz de formación clásica, que se hizo popular en la escena independiente y entró a formar parte de la nueva ola de estrellas de Hollywood cuando fue descubierta como mejor amiga de la protagonista en el gran éxito “Juno”, comenta que, como a todos, fue el guión lo que atrajo su interés: “Alex Garland ha escrito un guión estupendo y eso fue lo que llamó inicialmente mi atención. Desde el momento en que leí la primera línea de diálogo de Anderson, me llegó directamente al corazón y eso he de agradecérselo a Alex. Me sentí muy identificada con el personaje, así que preparé una cinta de audición, que es algo que hago, y que todos los actores hacen, cuando no puedes presentarte en persona a hacer las pruebas. Luego no supe nada de ellos durante unas tres semanas, así que me olvidé del tema y pensé: ‘en fin, supongo que habrán encontrado a otra’. Tomé la falta de noticias como malas noticias y luego resultó que la ausencia de noticias eran bue-

Thirlby posee lo que Reich califica de un aire de “actriz independiente de Nueva York”, algo que “va perfecto. John Wagner se basó mentalmente en Debbie Harry para crear a Anderson y Olivia tiene sobradamente ese aire. Dredd no se quita el casco, lo que es duro para un actor y para los espectadores, mientras que Anderson no puede llevar casco, por suerte, porque interfiere con sus habilidades psíquicas. Podemos verle los ojos, así que es nuestro punto de contacto humano con la película, por lo que era importante contar con una actriz que pudiera mostrar esa vulnerabilidad, así como la fuerza para ser un juez”.

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Thirlby ve a Anderson como la persona que tiene todas las de perder en esta historia: “Lo tiene todo en contra, en todos los aspectos imaginables. Como les pasa a muchas personas, tiene que perderse para poder encontrarse, y tiene que rendirse antes de poder hacer lo que es verdade-

ramente capaz y está dispuesta a hacer. Empieza la película esforzándose mucho por causar buena impresión, hacer lo correcto y seguir los procedimientos adecuados pero, a lo largo de la película, la situación se va haciendo cada vez más peligrosa, hasta convertirse en cuestión de vida o muerte, la trama se complica y se ve obligada a olvidarse de todo lo que intenta hacer y ser sencillamente ella misma”. Pete Travis agrega: “Creo que Olivia posee una gran fuerza, que ha logrado transmitir a su personaje. Tiene una forma de mirarte que consigue que te dé mucha pena pero, al mismo tiempo, es muy dura cuando tiene que serlo”. “Dredd es en blanco y negro”, explica la actriz, “mientras que ella existe en una zona gris, donde todo está realzado o empañado, según cómo lo veas, gracias al hecho de que ella sabe realmente qué es lo que las personas guardan en lo más profundo de su ser, quizá incluso mejor que ellos mismos. Es única, porque posee un profundo entendimiento del alcance de la experiencia humawww.cinemascomics.com

na. Conoce las mayores alegrías y las más profundas tristezas, porque puede sentirlas en otras personas”. La capacidad psíquica de Anderson conduce a situaciones intensas en la historia, que Thirlby reconoce que fueron emocionalmente agotadoras: “Suelen estar relacionadas con lecturas muy concretas del dolor de alguien, sobre todo en un tugurio como este, donde ocurren tantas cosas funestas, y hay varias ocasiones a lo largo de la película en las que no tiene más opción que asimilar todo el dolor que está sufriendo la gente. Eso es algo que le resulta siempre muy duro, su don es una maldición, no tiene más elección que sentir el dolor”. Pero la actriz disfrutó con la preparación para las escenas de acción, el uso de armas y la formación táctica necesarias para su papel: “Me siento orgullosa de saber recargar y retraer la corredera, es genial llegar a un decorado con pasillos y saber la manera correcta de avanzar tácticamente por un sitio así. Tuve que aprender a dar patadas giratorias, que son muy difíciles,

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y otros movimientos básicos de lucha, pero todo se hizo de tal modo que resultara creíble que Anderson pudiera tener capacidad física suficiente para matar a alguien a mano limpia”. La actriz británica Lena Headey, más conocida por interpretar a ‘Cersei’ en la serie de gran éxito del canal HBO “Juego de tronos”, además de ser la protagonista femenina de la visionaria y taquillera adaptación del cómic “300”, fue la última en incorporarse al reparto principal, para encarnar a Ma-Ma, la villana responsable del imperio de la droga de SloMo, en torno al cual gira la historia. “Uno de nuestros arquetipos era Pattie Smith”, explica Reich, “y ese tipo de autocontrol tan increíble, así como la capacidad para sentir que no le importa lo más mínimo lo que opine nadie, ya que ella piensa comportarse como le venga en gana. A eso hay que añadirle luego una brutal faceta criminal. Lena tiene una capacidad asombrosa para eso y lo interpretó de una manera que no esperarías”. Cuando creó el guión para DREDD, lo que hizo Alex Garland fue jun-

tar a dos polos opuestos que tendrán que sobrevivir a una jornada de formación; como apunta John Wagner: “Tenemos a Dredd (que es a la vez tu mayor héroe y tu peor pesadilla) y a Anderson (frágil, interesante, inteligente, cualquiera diría que jamás podría convertirse en juez, porque tiene demasiado corazón). Es una pareja con un contraste sumamente interesante, sobre todo tal como los ha juntado Alex. Ambos están sacados del cómic original, pero la antagonista, Ma-Ma, y su banda están creados para la película, aunque están inspirados en ese mismo universo y encajan perfectamente en ese mundo”. Garland observa: “Ma-Ma ha tenido una vida muy dura y, en determinado momento, decidió devolvérsela al mundo. Hace cosas que son irremediablemente brutales. Pero también quieres buscarle algo de dimensión a su personaje y saber que la propia Ma-Ma se pregunta: ‘¿por qué no me alcanza ninguno de esos disparos?’. Tiene una vena puramente animal y su vida ha tomado un rumbo que la lleva inevitablemente a chocar con Dredd, de forma un tanto curiosa”.

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Headey se metió de lleno en el papel, pese a no gustarle demasiado todo ese violento arsenal del que hace uso su personaje: “No me emocionan especialmente las armas. Tendrán muy buena pinta, pero me dan miedo y se me dan de pena”. A la hora de elegir al actor que encarnaría a Kay, el secuaz de Ma-Ma, los cineastas querían poner énfasis en el duro realismo de la película: “Pretendíamos hacer algo más real con nuestro tratamiento 3D que la típica adaptación cinematográfica de un cómic”, asegura Reich, “y contar con alguien de “The Wire (Bajo escucha)”, como Wood Harris, era como una declaración de intenciones de la película. Un villano de ese calibre, con el realismo que aporta su trabajo, es clave para el tono que buscábamos, y está fantástico”. La estrella, que saltó a la fama como el irascible capo de la droga ‘Avon Barksdale’ en la alabada serie de HBO, y también dejó buena impresión como el jugador de fútbol americano de instituto ‘Julius Campbell’ en la película del año 2000 “Titanes, hicieron historia”, tiene un punto de vista muy complejo sobre interpretar a villanos en la pantalla: “Son gente que hace cosas malas y son malos tipos, pero a menudo tienen muchas buenas razones por las que hacen lo que hacen. Kay es sin duda alguna un villano, pero lo veo como un villano justificado, en ese sentido. No se considera peor que los jueces. El juez Dredd va por ahí literalmente juzgando y matando a quien hace cosas malas, y el sistema es el que dicta lo que está mal y lo que está bien. A lo largo de la historia, todo el que se enfrenta al sistema es el malo. Pero a veces echamos la vista atrás y nos damos cuenta de que no estaban muy equivocados. Desde mi punto de vista, como actor, puedo hacer lo que hace él sin problema porque me

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doy cuenta de cómo se lo ha justificado a sí mismo mentalmente. No se ve como un villano... Está atrapado en esa vida. Muchos malvados son así. Cuando los conoces, son inteligentes y brillantes, pero no dejan de ser villanos en nuestro mundo, aunque, en su mundo, están jugando una compleja partida de ajedrez”.

El rodaje de DREDD Rodar DREDD en 3D fue una decisión comercial, pese a que ninguno de los miembros clave del equipo creativo había trabajado nunca en ese medio. “Es una tecnología nueva, que ninguno de los nuestros había usado”, señala Andrew Macdonald. DNA Films se dio cuenta de que el 3D estaba dominando el cine infantil, familiar y fantástico. Parecía el camino más evidente y natural a seguir pero, por la naturaleza de la película, querían hacer algo distinto. Macdonald sabía que, si iban a hacer su primera película en 3D, más les valía tener un enfoque singular del medio, así que la primera persona en quién pensó para rodar la cinta fue el legendario e inconformista director de fotografía Anthony Dod Mantle, con quien había ya trabajado anteriormente en “El último rey de Escocia” y “28 días después”. Dod Mantle recibió un Oscar® y prácticamente todos los galardones profesionales existentes por su trabajo con Danny Boyle en “Slumdog Millionaire”, donde captó la vida en los suburbios llenos de gente y actividad de Bombay con la energía y vitalidad del realismo espontáneo y natural. “Observas la tecnología del 3D y piensas: ‘me gustaría usarla para hacer algo interesante con ella”, plantea Macdonald, “y sabía que, si lograba convencer a Anthony, que filma con todo tipo de equipos, desde cámaras digitales domésticas a 35 mm, para que trabajara en esta película, haría algo muy interesante y atrevido”.

El instinto de Macdonald y la relación de Dod Mantle con DNA Films resultaron ser bazas fundamentales para DREDD. Su estrella, Karl Urban, reconoce con admiración: “Ha sido un privilegio contar con Anthony Dod Mantle como director de fotografía. Es sumamente insólito que una película de este tipo pueda disfrutar de un director de fotografía de su calibre; ha tomado decisiones realmente interesantes, que no asociarías necesariamente con una película de estilo acción y aventura. Eso nos da una cierta ventaja, que hace que esté deseando ver el producto final, porque el compowww.cinemascomics.com

nente 3D va a ser un complemento estupendo para la película”. “Pensé que sería interesante hacer algo diferente, que trascendiera un poco los límites de lo establecido”, prosigue Macdonald. “Para ello, tuve que buscar a la gente adecuada con la que poder hacer algo así, puesto que no lo había hecho nunca. Y la persona más importante es el cámara. Anthony había trabajado antes conmigo en “28 días después”, con cámaras de vídeo domésticas, y en 16 mm en “El último rey de Escocia”, es una persona a la que le gusta probar nuevas ideas www.cinemascomics.com

y tecnologías, y es así como consigue algunos de sus resultados más fascinantes. Se incorporó al proyecto y quiso hacer algo distinto con el 3D. Quería sentirlo de verdad y ‘envolver’ la historia en las tres dimensiones, para que resultara ultrarrealista. Anthony es uno de los mejores del mundo manejando la cámara en mano y aquí le interesaba especialmente hacer primeros planos en 3D, que es algo que la verdad es que no se había hecho nunca”.

de acción en 3D: “Puede que consigamos un gran impacto, pero lo cierto es que no estamos haciendo ‘Avatar’, ‘Resident Evil’, ‘Tron’ o ‘Alicia en el País de las Maravillas’. Nuestra película trata sobre la violencia”, asegura, desviando con modestia todos los elogios que ha recibido en este rodaje. “La gente que se mueve en torno a este proyecto serán los que definan en última instancia si estamos creando un nuevo cine en 3D o no”.

El director de fotografía se muestra modesto sobre si la película cambiará los parámetros del cine

Dod Mantle observa que rodar en 3D obliga a plantearse todo teniendo en cuenta la profundidad: Cinemascomics │septiembre 2012 │

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“Ahora pienso más en el espacio 3D y, en esta película, creo que se me permite pensar más en la profundidad que en la longitud o en líneas horizontales. Te obliga a pensar más en la profundidad que en la línea horizontal del plano. No creo que la gente piense en 3D, es muy difícil, porque estamos acostumbrados al 2D”. El productor Allon Reich ofrece una estupenda indicación sobre el estilo que tendrá la película, al decir que se inspiraron en el cine policiaco clásico para crear su visión de DREDD: “Sentíamos que no había más remedio que hacerla en 3D, se trataba de una decisión comercial que teníamos necesariamente que tomar. Pero queríamos hacerla emocionante y, además, el guión es muy real

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y visceral, que era precisamente lo que queríamos conseguir con la película. Tomamos como modelos títulos como “Harry el sucio”, “Tarde de perros” y “Uno de los nuestros”. Era filmes muy centrados en un mundo muy específico, aunque el nuestro estuviera ambientado en realidad en el futuro. Pero, del mismo modo, puedes sentir que nuestras paredes están hechas de hormigón y funciona con nuestra visión de Mega City 1, al intentar utilizar nuestro 3D para conseguir un resultado muy real, no algo como ‘Alicia en el País de las Maravillas’”. Dod Mantle explica que el propio guión de Garland influyó mucho en las decisiones que tomaron en materia visual: “Estudiamos referencias cinematográficas y

cómo se ha representado la violencia en los últimos años en el cine y cómo funciona el miedo en el cine. Así que nos fijamos en los primeros tiempos de Coppola y los primeros tiempos de Clint Eastwood. La idea de un villano de Harry el sucio como la encarnación del mal. En DREDD, la forma de mover la cámara se basa fundamentalmente en la realidad a la vuelta de la esquina, es casi tangible, pero justo a la vuelta de la esquina. Estamos moviéndonos en un terreno más o menos a medio camino entre la acción, el drama y una película política artística. Aunque estamos tratando con personajes y elementos espectaculares, estamos intentando enclavarnos dentro de nuestro propio género, en algún lugar entre el arte, el entretenimiento y www.cinemascomics.com

la política”. Insiste en que el elemento 3D no será algo gratuito y asegura que está estrechamente vinculado con la visión de Garland del cómic: “El 3D puede ser muy efectista, llamativo y tentador, además de muy entretenido y visual. Pero, como se trata de una historia seria sobre controlar la violencia, evitar la violencia o hacer uso de la violencia, camuflada en la historia de un héroe legendario, no deberíamos caer en eso”. Afirma que su exploración del medio fue emocionante: “Intento definir un espacio no definido, que no se había explorado antes en el 3D. De hecho, estoy descubriendo mi propio alfabeto en 3D y puede enredar la percepción, en esta historia, la cámara lenta y las secuencias con múltiwww.cinemascomics.com

ples capas serán extraordinarias. Hay imágenes muy complejas, en las que sientes que no sabes muy bien dónde mirar, pero es extraña e irresistiblemente hermoso”. El mundo de Mega City 1 era fundamental para la visión de DREDD: “La historia trata tanto sobre el juez Dredd como sobre la gente que vive allí y cómo es la vida en ese mundo”, observa Urban. “Alex ha hecho un gran trabajo mostrando la vida que lleva esta gente a través de minúsculos detalles que sirven más o menos para humanizar la película. Las condiciones son terribles, con pobres y ricos, y sientes que la vida es muy difícil para esta gente. Es una sociedad en decadencia”. Macdonald dice que pensaban en ciudades reales mientras ima-

ginaban Mega City 1: “DREDD es un historia policiaca futurista y quería hacer que resultara realista. La primera película intentó recrearlo todo, algo que es muy difícil de hacer, mientras que ‘Blade Runner’ o ‘District 9’ utilizan un lugar real y lo combinan con el futuro. Así que tienes la sensación de estar rodeado de edificios nuevos y antiguos”. Ya existen en la actualidad grandes megalópolis con elementos en común con Mega City 1, algo alocadas y descontroladas, como São Paulo, Ciudad de México, Yakarta o Johannesburgo, y la producción de DREDD dio un importante paso adelante cuando Macdonald conoció a la estrella de “District 9”, Sharlto Copley, que lo invitó a Sudáfrica, donde se asociaron con Michael Murphey, de Kalahari PicCinemascomics │septiembre 2012 │

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tures, los productores sudafricanos de “District 9”. La disponibilidad de los estudios de cine recién creados de Ciudad del Cabo les proporcionó el lugar ideal donde recrear Mega City 1 en Sudáfrica. “La ciudad, para los que no lo sepan, es ridículamente grande y caótica, y uno de los aspectos clave sobre ella es la sensación de tamaño”, explica Alex Garland, “Los bloques de apartamentos donde vive la gente son desco-

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munales. Son como ciudades en sí mismas, porque albergan muchas cosas en su interior. No solo zonas comerciales, sino centros médicos, colegios... puedes nacer, vivir y morir allí sin poner un pie fuera, si quisieras, y conseguir transmitir esa sensación era uno de los elementos clave de la película. La ciudad es un personaje y, en este caso, el bloque también es un personaje”. Las escenas de acción y violencia de la película requerían montar

enormes tinglados para rodarlas, pero los estudios de Ciudad del Cabo estaban perfectamente equipados para proporcionar todo el material necesario, pese a tratarse de la primera película que se rodaba en las flamantes instalaciones. Macdonald afirma que rodaron allí el 70% de la película: “Una o dos secuencias de las más importantes, como cuando Ma-Ma y su banda montan su ametralladora y masacran a cientos de personas en su intento de matar www.cinemascomics.com

a Dredd. Esa era una secuencia enorme, que precisó diez días de rodaje, gran cantidad de dobles, ocho sets distintos, algunos exteriores y otros interiores, y todo ello mezclado con efectos visuales, que harán que quede extraordinaria”. La producción de DREDD ha tenido la suerte de gozar de una sinergia de posibilidades que se han conseguido hacer realidad y, como punto de partida de esta www.cinemascomics.com

nueva adaptación del legendario cómic, todos los implicados creen que podría servir como trampolín de una nueva franquicia cinematográfica. Como comenta Karl Urban: “Nuestra pequeña pero ambiciosa película posee cierta envergadura y magnitud. Estamos intentando trascender los límites y, sí, es la historia de presentación, donde tienes ocasión de conocer a Dredd, Anderson, el mundo de Mega City 1 y sus habitantes, y supongo que nuestra

esperanza es que, si tiene éxito y consigue llegar al público, podamos hacer más entregas, en las que ampliar y explorar estos personajes y el mundo en el que viven”. Llegados a este punto, DREDD tiene todo un mundo de posibilidades por delante.

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ENTREVISTA

CARLOS EZQUERRA CREADOR JUNTO A JOHN WAGNER DE DREDD Por Carlos Gallego

Carlos Ezquerra nació en 1947 en Zaragoza y ha destacado en el mundo del cómic por sus influencias en el cómic británico donde destacó su trabajo en la revista 2000 AD. Es co-creador junto al guionista John Wagner de la serie “El perro de Estroncio” y de nuestro protagonista de este mes, el Juez Dredd. Hola Carlos, cuéntanos un poco sobre tus inicios y como llega alguien de Zaragoza a crear a un personaje mítico de la historia del cómic. Escuchando jotas (Risas). No, en serio el mundo del comic para mi comenzó cuando estaba realizando el servicio militar en Zaragoza y alli conocí a un dibujante de Christmas, él me contó que si quería dedicarme al dibujo ese era el momento, en aquel entonces había un boom en esto del cómic, así que cuando termine el servicio militar, cogí mis trastos y me fui a Barcelona, comencé dibujando tebeos del oeste, de estos pequeñitos de bolsillo, mal pagados pero excelentes como aprendizaje, al cabo de un tiempo conseguí trabajo de tebeo romántico para Inglaterra con Bardon Press. Por casualidad un día me dieron un guión de aventuras (creo que se confundieron de diwww.cinemascomics.com

bujante!) y a raíz de eso comencé a dibujar comics de aventuras para D.C. Thomson, una editorial escocesa. Mientras dibujaba la primera serie, marché a Inglaterra, la idea era estar unos pocos meses ahí para conocer el país para el cual trabajaba, y al final esos meses se convirtieron en casi diez años. Una vez allí continué con DC Thompson durante un año o año y medio y después pasé a Fleetway, donde empezaban hacer material más moderno y diferente del resto del mercado británico. Comencé en una revista basada principalmente en la segunda guerra mundial, Battle, para la cual cree los personajes de Rat Pack y después Major Eazy que se convirtieron en los mas populares del mercado, mientras estaba con este último Fleetway decidió crear una revista de ciencia ficción y me llamaron para visualizar a un juez-policía en moto, vestido de negro, llamado Juez Dredd. A pesar de esa descripción deje volar mi imaginación y salió prácticamente el personaje que conocemos hoy. Al guionista, mi gran amigo John Wagner no le gustó, dijo que parecía un “jodido pirata español”, sin embargo al editor Pat Mills le encantó e hizo adaptar los guiones al personaje y ciudad que yo había diseñado.

Como fue el proceso creativo de Dredd hasta que dijiste este me gusta, él es Dredd. Lo que pensé fue: está en el futuro, va vestido de negro y siendo una ciudad violenta donde se desarrollaba la historia, lo normal es que llevara los hombros protegidos, rodillas , coderas, prácticamente puede decirse que fue un adelanto de los guardias antidisturbios que todos conocemos hoy en día. Si te fijas en la película de Pete Travis, no se diferencia mucho de un policía antidisturbios, pero claro estamos hablando de hace treinta y cinco años, entonces lo hice con esa protección pero para que se distinguiera de la gente normal, y los lectores lo reconocieran enseguida en los hombros llevaba un águila, que podía simbolizar al águila americana, como también el águila franquista ( la saqué de las monedas de 25 pesetas), la de la Alemania nazi, los romanos, o sea tenía un doble sentido eso. La moto estaba basada en la Harley y aunque en la serie los vehículos se deslizan sobre el suelo como un hovercraft, la moto tenia ruedas ya que le daba un aspecto mas poderoso. El casco, al ser juez, jurado y verdugo, era un casco negro y quería que recordara a la capucha de los verdugos de la Cinemascomics │septiembre 2012 │

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guionistas se marchó a otra productora y de ahí salió Robocop, y como esta película era mas Dredd que la propia del juez Dredd, se pospuso por tres o cuatro años la versión de Stallone. ¿Han contado contigo para darle forma al diseño la nueva película? No, normalmente los del cine nunca cuentan con la gente del cómic, se cuenta solo para las ideas, pero para nada más. Al menos en esta, hablaron con John Wagner, cosa que no sucedió en la primera. Pero esto es algo poco habitual. De ahí se explica que haya algunas adaptaciones que no tienen nada que ver con el comic del que han cogido las ideas. Conozco muy pocos creadores de comic, tanto guionistas como dibujantes que estén satisfechos con las versiones de cine. Que te pareció la adaptación que se hizo en 1995 con Sylvester Stallone de protagonista.

edad media. Las cadenas podrían ser un recordatorio del movimiento Punk que estaba empezando a nacer en aquel Londres.

diez minutos que es lo que tarda Stallone en quitarse el casco y el traje, y de ahí ya se convierte en una más de Sylvester Stallone.

El próximo 7 de septiembre se estrena la segunda adaptación de tu personaje en la gran pantalla. ¿Qué se siente al verlo en carne y hueso?

Hablando de Stallone si tuvieras que elegir, lo harías entre Sylvester Stallone, Karl Urban o por el contrario habrías elegido a otro actor para encarnar a Dredd.

En esta segunda ya no se siente tanta ilusión, me impactó más la primera, las primeras partes son las que más impactan, es como cuando te compras un coche, el primero te hace siempre mucha más ilusión que los siguientes, y me paso lo mismo con la película, fui con mucha ilusión por ver a Sylvester Stallone pero me duro

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En realidad el que mejor le habría ido al personaje es Arnold Schwarzenegger, que además en la primera versión de la película que se iba a hacer, se había llegado a anunciar que el la protagonizaría, esto fue tres o cuatro años antes de la versión con Stallone, lo que ocurrió es que uno de los

Como te decía antes, los diez primeros minutos era Dredd, pero después dejó de serlo para convertirse en un film de Stallone, como si en una película de Superman solo aparece los diez primeros minutos con su traje y el resto de la película solo lo ves de Clark Kent. Esto fué lo que pasó con la versión de Stallone. Con el agravante de que incluso hacia un año o dos, que Stallone había protagonizado junto a Wesley Snipes, “Demolition Man”. Ya has visto algo y puedes adelantarnos que nos vamos a encontrar. Sólo he visto el trailer que ha visto todo el mundo, parece bastante fiel, aunque el traje se aleje un poco del comic, pero no es demasiado importante, se sigue identiwww.cinemascomics.com

ficando al juez. La gran ventaja es que no se quita el casco en toda la película, y parece ser más fiel a los guiones originales del comic de Juez Dredd. ¿Se han basado en alguna historia ya publicada de Juez Dredd? No está basado en ningún episodio en concreto, se podría decir que es como un episodio de un día de trabajo del juez Dredd. Como cosa curiosa te diré que el edificio donde transcurre la acción se llama Peach Trees como homenaje al restaurante donde se encontraron los dos guionistas, el del comic y el de la película, John Wagner y www.cinemascomics.com

Pete Travis para hablar sobre el guión de la película . ¿Hay planes para llevar a algún otro de tus personajes al cine? Se habló de “El Perro de Estroncio” para una serie de televisión pero al final no llego a salir adelante el proyecto, y últimamente se está hablando de “Blody Mary”, la historia que hice con Garth Ennis, pero realmente no llegas a saberlo hasta que empiezan a filmar, porque la mayoria de las veces todo queda en nada. No puedes contar algo de tus futuros proyectos.

Sigo haciendo el Perro de Estroncio, una historia bastante larga que son varias series de diez capítulos, ahora voy por la tercera, que es la vida y la muerte de Johnny Alpha, Strontium Dog, y a la vez estoy haciendo una historia de guerra para el mercado americano con Garth Ennis, del que ya se han publicado dos episodios, que se llama “The Tankies”, los dos primeros fueron en la 2ª Guerra Mundial y el tercero es en Corea. Pues hasta aquí la entrevista muchas gracias Carlos. Gracias a vosotros y un saludo a todos los lectores de Cinemascomics. Cinemascomics │septiembre 2012 │

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THE POSSESSION

7 de septiembre

The Possession, basada en hechos reales, es la terrorífica historia de una familia que debe unirse para sobrevivir a la ira de una fuerza maligna desatada. Clyde (Jeffrey Dean Morgan) y Stephanie Brenek (Kyra Sedgwick) no ven motivo de alarma en la extraña obsesión de su hija, Em, por una caja antigua de madera que ha comprado de segunda mano. Pero cuando su comportamiento se vuelve agresivo, la pareja empieza a temerse que haya una presencia maléfica entre ellos, sobre todo al descubrir que la caja en cuestión fue creada para

albergar a un dibbuk, un espíritu desencarnado que toma posesión del cuerpo de un ser humano y acaba por consumirlo. The Possession, con Jeffrey Dean Morgan (Watchmen) y Kyra Sedgwick («The Closer») en los papeles protagonistas, ha sido dirigida por Ole Bornedal (La sombra de la noche), escrita por Juliet Snowden y Stiles White y producida por el maestro del terror Sam Raimi junto a Robert Tapert y J. R. Young. La película lleva el sello de Lionsgate y Ghost House Pictures.

TOTAL RECALL

14 de septiembre

TOTAL RECALL (DESAFÍO TOTAL) es un thriller de acción sobre la realidad y la memoria, inspirado nuevamente en el relato corto de Philip K. Dick “Podemos recordarlo todo por usted” (We Can Remember It For You Wholesale). Bienvenidos a Rekall, la empresa que puede transformar vuestros sueños en memoria real. Para Douglas Quaid (Colin Farrell), que trabaja en una fábrica, a pesar de tener una esposa bellísima (Kate Beckinsale) a quien ama, un viaje mental parecen ser las vacaciones perfectas para escapar de su frustrante vida; el recuerdo real de una vida como superespía puede ser exactamente lo que necesita. Cuando el procedimiento al que es sometido fracasa, Quaid se convierte en el hombre más buscado. Obligado a escapar de la policía –controlada por el canciller Cohaagen (Bryan Cranston)– Quaid no puede confiar en nadie salvo, posiblemente, en un miembro de los rebeldes (Jessica Biel) que trabaja para el jefe de la resistencia (Bill Nighy). La línea

entre la fantasía y la realidad se desdibuja y el destino de su mundo pende de un hilo cuando Quaid descubre su verdadera identidad, su verdadero amor y su verdadero destino. La película está dirigida por Len Wiseman. El guión ha sido escrito por Kurt Wimmer y Mark Bomback y el argumento para la pantalla es de Ronald Shusett y Dan O’Bannon, y Jon Povill y Kurt Wimmer. Los productores son Neal H. Moritz y Toby Jaffe. Columbia Pictures presenta una producción de Original Film, la película de Len Wiseman, TOTAL RECALL (DESAFÍO TOTAL). Protagonizada por Colin Farrell, Kate Beckinsale, Jessica Biel, Bryan Cranston, John Cho y Bill Nighy. Dirigida por Len Wiseman. Producida por Neal H. Moritz y Toby Jaffe. Con guión de Kurt Wimmer y Mark Bomback. Argumento para el cine de Ronald Shusett y Dan O’Bannon, y Jon Povill y Kurt Wimmer. Inspirada en el relato corto “Podemos recordarlo todo por usted” (We Can Remember

It for You Wholesale) de Philip K. Dick. Los productores ejecutivos son Ric Kidney y Len Wiseman. El director de fotografía es Paul Cameron, ASC. La dirección artística es de Patrick Tatopoulos. El montaje es de Christian Wagner. El diseño de vestuario corre a cargo de Sanja Milković Hays. La música está compuesta por Harry Gregson-Williams. El supervisor de efectos visuales es Peter Chiang.

ACERCA DE LA PELICULA El viaje re-imaginado de TOTAL RECALL (DESAFÍO TOTAL) a la gran

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pantalla comenzó en el año 2008 cuando el productor Toby Jaffe se detuvo en una librería y se puso a curiosear en la sección de ciencia ficción. “Estaba mirando todos los libros que leí de jovencito y cogí una antología de Philip K. Dick y leí el relato corto “Podemos recordarlo todo por usted” (We Can Remember It for You Wholesale)”, rememora el productor. “Y recordé que se trataba de algo así como una fantasía hecha realidad”. Claro que la historia de Dick ya había sido adaptada a la gran pantalla anteriormente, en 1990, con el título Desafío total (Total

Recall). Jaffe pensó entonces que sería un buen momento para retomar la historia de Dick y volver a adaptarla al cine y se lo planteó a Moritz, quien leyó el relato y vio la película de 1990. “Pensamos entonces que podríamos hacer una versión nueva de la historia original”, asegura Moritz. “Reimaginando la historia, pensamos que había muchos más personajes en el relato en los que podríamos investigar. Esto nos pareció nuevo”. La razón principal es que la ficción de Dick sigue siendo tan rompedora hoy como cuando se puwww.cinemascomics.com

gla 4.0 (Live Free and Die Hard). Wiseman también tiene experiencia en dirección de arte, ya que trabajó en grandes producciones de ciencia ficción como Independence Day y Stargate. El enfoque de Wiseman para esta película fue la de bucear más profundamente en el personaje principal y crear un híbrido entre thriller psicológico y acción que transcurre, en este caso, en el futuro. “Tuvimos suerte de que quisiera hacerlo porque con él los obstáculos se desvanecieron rápidamente”, afirma Moritz. En lugar de que los eventos ocurran en Marte, Wiseman pone la acción en una tierra que en un futuro lejano está dominada por dos estados-naciones: la Federación Británica y La Colonia. Como en la historia de Dick, asegura Wiseman: “Hay toda una experiencia diferente en la Tierra para este personaje”.

blicó por primera vez en los años 60. “Lo genial de la historia es la idea de que se puede implantar una memoria en el cerebro de alguien y que cuando despierte sienta como si lo hubiera vivido”, explica Jaffe. El argumento abre interrogantes sobre un tema fascinante: ¿qué es la memoria? ¿Cómo sabemos qué fue lo que realmente ocurrió en el pasado? “Este concepto de Rekall, tal como Philip K. Dick lo creó en su historia, es lo que hizo que quisiera dirigir esta película”, afirma Len Wiseman, conocido por ser el director de las primeras dos películas de Underworld y de La Junwww.cinemascomics.com

“Cuando recordamos que Philip K. Dick no envió a sus personajes a Marte, realmente nos abrió todo un mundo de posibilidades”, explica Jaffe. “Una vez que tuvimos la oportunidad de mantener al personaje aquí en la Tierra, tal y como lo hace Dick, ya no estuvimos sujetos al paisaje, la época o los comos y porqués de sacarlo de este planeta”. Para dar vida a Quaid, el personaje principal, Wiseman eligió a Colin Farrell. “Era muy importante que Quaid fuera un tipo corriente”, afirma Jaffe. “Colin como actor le da verdadero genio al personaje. Crea una conexión con el espectador a través de la pantalla y te crees de verdad que es un tipo que trabaja en una fábrica”. “Es una historia muy común, un hombre que siente que no vive la vida que debería estar viviendo, un hombre que se siente descontento con lo que le rodea”, des-

cribe Farrell. “Pero tiene un brutal despertar, porque en realidad no está viviendo su vida. Quaid no tiene idea de quién es más allá de a un profundo nivel celular o emocional. Durante toda la película trata de descubrir quién es el verdadero Quaid”. “Quería involucrarme más en la experiencia de Quaid”, se explaya Wiseman. “Lo que quiero decir es que… imaginad que un día te despiertas -y vas por la vida como si nada y sientes que eres una buena persona-, y sin venir a cuento, todo el mundo alrededor tuyo empieza a decirte que eres uno de los malos. ¿Qué harías?” Con esta idea en mente, Farrell afrontó el papel desde el punto de vista de batalla entre razón y emoción y trató de mantener ese equilibrio. “Saca a la luz conflictos de identidad, el yo y el superyó; y es divertido bucear un poco en esas aguas”, asegura el actor. Como parte de la creación del personaje, Farrell hizo algunas cosas poco usuales, entre las que se incluyen dormir por la noche en el decorado del apartamento de Quaid. “Quería ver cómo era pasar la noche y despertarme por la mañana en ese espacio”, aclara. “Y, por cierto, fue fantástico”. “Colin realmente se entregó a su personaje”, alaba Moritz. “No solo aparece en casi todas las escenas. Sino que hubo muchos días en los que estuvo bajo la lluvia, completamente empapado y todos los días después del rodaje hacía yoga o levantaba pesas”. Los realizadores entonces se enfrentaron al siguiente reto, elegir a las dos actrices para los papeles femeninos decisivos: Lori y Melina. Para retratar a la mujer de Quaid, Lori, quien parece ser una amante esposa y se convierte en una Cinemascomics │septiembre 2012 │

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despiadada asesina, los realizadores eligieron a Kate Beckinsale, desde hace siete años mujer en la vida real de Wiseman. Ambos trabajaron juntos previamente en las entregas de la saga de Underworld. Beckinsale cuenta que se sintió especialmente atraída por el proyecto debido a la dualidad de su papel. “Nunca hice el papel de mala hasta ahora. Siempre he estado en el lado de la verdad y la justicia”, confiesa. “Pero lo cierto es que mi personaje cree que está con los buenos luchando por la verdad y la justicia. Esto es lo genial de esta película: nunca sabes cuál es el lado de los buenos. Además, hay un cierto punto maníaco en ella, está ligeramente fuera de control, y para un actor eso es siempre muy divertido”. El guión original tenía en mente un personaje rubio, pero Wiseman pensó que tenía más sentido elegir a alguien que tuviera un ligero parecido con Melina, el verdadero amor de Quaid. “Mi idea fue en-

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gañarlo con una mujer falsa que tuviera ciertas familiaridades con su amor verdadero”, explica. “Si la memoria aflora, tiene sentido que tuviera una vaga sensación de familiaridad con ella”. Para el papel de Melina, los realizadores necesitaban a una actriz que pudiera estar a la altura de la dificultad física del papel. Melina primero aparece en las pesadillas de Quaid, pero más tarde, en carne y hueso le ayuda a redescubrir su anterior vida. “Ella es su GPS; le ayuda a encontrar el camino a casa”, resume Farrell. Wiseman eligió para el papel a Jessica Biel. Biel se sintió atraída a su personaje por los temas de la historia. “Entramos de lleno en el elemento del que realmente habla el relato de Philip K. Dick: cuestiones de identidad, relaciones humanas”, asegura Biel. “Él no la recuerda… No recuerda que se amaban y que están apasionadamente conectados. Eso me interesó”.

Farrell recuerda varias ocasiones en las que se quedaron hasta tarde hablando de los personajes con Biel y Wiseman. “Había un mar de preguntas que hacer en cuanto a los personajes”, recuerda el actor. “Con Jessica fue estupendo poder tener charlas entre tomas y, con frecuencia, ella, Len y yo nos juntábamos después del trabajo. Una noche, fuimos los tres al hotel de Len y nos quedamos bromeando y debatiendo durante horas ideas y diálogos, avanzábamos y retrocedíamos sin parar”, cuenta Farrell. Biel disfrutó especialmente la química que compartía en pantalla con Farrell. “Colin ha sido una de las razones por la cual esta experiencia ha sido tan fantástica”, reconoce la actriz. “Es inspirador verlo. Para mí sus interpretaciones tienen una gran complejidad y poseen muchas capas de lectura”. “Los personajes femeninos requerían de mujeres que no solo fuesen atractivas y agradables www.cinemascomics.com

sino que también fueran muy físicas”, explica Moritz. “Y Jessica Biel puede pelear como un demonio y Kate Beckinsale probablemente pueda vencer al diablo. Por lo que ambas, en todas esas secuencias de lucha que tiene la película, fueron increíbles”. Para interpretar al despiadado Cohaagen, presidente de la Federación Británica, los realizadores contaron con Bryan Cranston, ganador de tres premios Emmy® seguidos y nominado a tres Globos de Oro® por su papel protagonista en la serie de televisión Breaking Bad. “Bryan tiene una intensidad, elocuencia y fuerza de carácter que se transmite a través de la pantalla” admira Jaffe. “Por eso es tan solicitado como actor”. Cranston explica que jamás vio a su personaje como un “villano de grandes bigotes”. “El papel de Cohaagen fue muy interesante de interpretar porque quería presentar a un tipo con una acuciante necesidad, deseo y sed por tener el control”, describe. “Al mismo tiempo, tiene una gran predilección por el papel de Colin Farrell, y quería interpretarlo como a una figura paterna, que lo tratase como un adolescente rebelde que solo necesita unos límites”. El premiado actor Bill Nighy se una al reparto como Matthias, el jefe de la resistencia de FB. Nighy, quien ya ha trabajado con Wiseman en las cuatro películas de Underworld, afirma que fue el director quien inicialmente lo convenció para que participara en TOTAL RECALL (DESAFÍO TOTAL). “Me gusta muchísimo”, reconoce Nighy. “Siempre hace grandes películas. Me encantó su La Jungla 4.0 (Live Free or Die Hard). Pero luego leí el guión y es buenísimo., Leo mucha ciencia ficción y me gustaron las ideas que había detrás de este proyecto”. www.cinemascomics.com

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ATRAPADOS EN CHERNÓBIL 28 de septiembre

“Atrapados en Chernóbil” es una historia original de Oren Peli, que anteriormente había aterrorizado al público con su innovador thriller, “Paranormal Activity”. La película sigue a un grupo de seis jóvenes de vacaciones que, en busca de emociones nuevas, contratan a un guía “extremo”. Ignorando las advertencias, les lleva a la ciudad de Pripyat, en donde vivían los trabajadores del reactor nuclear, pero que ahora es una ciudad desierta desde el

desastre, hace más de 25 años. Sin embargo, después de una breve exploración de la ciudad abandonada, los miembros del grupo se encuentran en apuros y descubren que no están solos... Brad Parker debuta en la dirección de largometrajes con “Atrapados en Chernóbil”. El guión ha sido escrito por Oren Peli y Carey Van Dyke, y Shane Van Dyke, en base a una narración de Peli. Peli es, además, el productor junto

con Brian Witten. Richard Sharkey, Rob Cowan, Andrew A. Kosove, Broderick Johnson, Allison Silver, Milan Popelka y Alison Cohen son los productores ejecutivos. En el reparto de la película están Devin Kelley, Jonathan Sadowski, Ingrid Bolsø Berdal, Olivia Taylor Dudley, Jesse McCartney, Nathan Philips y Dimitri Diatchenko.

criticas

Los Mercenarios 2

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Por Eduardo Quintana

Acción / EEUU / 2012 / 112 minutos / Millennium Films / Nu Image Films. Director: Simon West. Actores: Sylvester Stallone, Jason Statham, Bruce Willis, Arnold Schwarzenegger, Jean Claude Van Damme, Chuck Norris, Jet Li, Dolph Lundgren, Terry Crews, Randy Couture, Liam Hemsworth, Scott Adkins, Charisma Carpenter, Yu Nan, Amanda Ooms. Guión: David Agosto, Ken Kaufman. Música: Brian Tyler.

Para esta secuela, Sylvester Stallone deja la dirección a Simon West, director de películas de acción interesantes como Con air (1997) y aberraciones como Lara Croft: Tomb Raider (2001); y productos de cuestionable calidad como la reciente The mechanic (2011), con Jason Statham como protagonista. En esta continuación de la película de 2010, Barney Ross (Sta-

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llone) y su equipo de mercenarios vuelven a la acción cuando el señor Iglesia (Bruce Willis) los recluta para encargarse de un trabajo sencillo que les redimirá de la carnicería que perpetraron en Vilena. Sin embargo, las cosas se tuercen y uno de los miembros del grupo es brutalmente asesinado, lo que impulsa a los demás a buscar venganza. De esta forma, deberán detener a un mercenario (Van Damme) que ha conseguido

cinco toneladas de plutonio para vendérselas al mejor postor. Con esta premisa arranca una película cuyo atractivo no es ver una historia más sobre cómo los buenos intentar detener a los malos que quieren destruir el mundo (o ayudar a destruirlo), sino contemplar con regocijo la reunión de estrellas de acción más increíble de la historia (aunque ésta se haya producido cuando la mayoría roza o supera los 60 años). www.cinemascomics.com

El atractivo del film reside en ver las incorporaciones que aporta la secuela, con un Van Damme como villano, un Chuck Norris como lobo solitario o las apariciones más extensas que en la primera de estrellas como Willis o Arnold Schwarzenegger. La acción no se hace de rogar, arrancando la película con nuestros mercenarios favoritos arrasando con todo a base de tiros, decayendo después la película hasta su explosivo final con todos los héroes en acción. Sin duda, la película atraviesa un declive en su parte intermedia, donde cada vez que están en apuros aparece alguien a sacarles las castañas del fuego. www.cinemascomics.com

En cuanto a la dirección, se aprecia más nivel y oficio que el ofrecido por Stallone en la primera parte, siendo la acción más realista y con más casquería. Posee grandes dosis de acción y humor autoparódica de todos los actores respecto a sus anteriores trabajos o leyendas urbanas que giran a su alrededor (inolvidables las escenas y frases de Chuck Norris). Las interpretaciones son las de siempre, caras de tipos duros, frases tópicas y manidas y una escena para que se luzca cada personaje. Al verla en versión original subtitulada pude contemplar cómo vocaliza Stallone, extrañándome cómo no le subtitulan en EE.UU para entenderle.

En resumen, la película le encantará a los fans de estas estrellas y del cine de acción de los años 80, aportando momentos divertidos y escenas de violencia totalmente gratuita.

Lo peor: A quien no le gustaran las películas de acción de los 80 no debería verla, porque no sólo las imita, sino que las magnifica y grandifica a sus veteranos protagonistas. Lo mejor: Chuck Norris y todos los chistes autoparódicos, así como las escenas de acción y tiroteos que encabezan y cierran la cinta.

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Cazador de Vampiros

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Por Eduardo Quintana

Terror / Fantástico / EEUU / 2012 / 105 minutos / Abraham Productions / Bazelevs Production / Tim Burton Productions. Director: Timur Bekmambetov. Actores: Benjamin Walker, Mary Elizabeth Winstead, Dominic Cooper, Rufus Sewell, Alan Tudyk, Anthony Mackie, Robin McLeavy, Jimmi Simpson, Jaqueline Fleming, Marton Csokas. Guión: Seth Grahame-Smith, Simon Kinberg (Novela: Seth Grahame-Smith) Música: Henry Jackman.

Estoy convencido de que si Abraham Lincoln hubiera podido contemplar CAZADOR DE VAMPIROS, se echaría a reír por no llorar. El director de este experimento es Timur Bekmambetov, el mismo que sorprendió con la película rusa Guardianes de la noche (2004) y torturó deliberadamente con la horrorosa Wanted (se busca) en 2008. Ahora, se atreve a jugar con la figura de uno de los presidentes más queridos de la historia de Estados Unidos, convirtiéndolo en un cazavampiros sediento de venganza. La película empieza con él de

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niño, contando cómo forjó amistad con un niño negro no esclavo y cómo un esclavista decide saldar la deuda que la familia Lincoln tiene con él matando a su madre. Abraham lo contempla todo, presenciado cómo la muerde el vampiro y poco después fallece. Años más tarde, cuando decide ejecutar su venganza, es salvado por un misterioso hombre, el cual le enseñará a enfrentarse y sobrevivir ante los vampiros. La película es tan rocambolesca, innecesaria y absurda que llegas a pensar que en realidad se lo están tomando en broma, que en la úl-

tima escena aparecerá el director y nos dirá que nos ha tomado el pelo a todos, que ahora empieza la película real. Pero no es así, por lo que acabas contemplando cómo un Lincoln cuarentón se dedica a brincar encima de un tren en marcha mientras mata a vampiros a hachazos… Pero ése no es el único exceso, puesto que somos testigos de algunas escenas, cuando menos, bastante surrealistas e incomprensibles; como es el hecho de que nuestro cazador posee un hacha con el filo cubierto de plata… ¡La cual se transforma en una eswww.cinemascomics.com

copeta cuando quiere! (He intentado ver dónde estaba el gatillo, pero no lo he conseguido…). Es imprescindible también comentar lo absurda que es la escena donde Abraham persigue a un vampiro saltando de un lomo de un caballo a otro durante una estampida de caballos salvajes… ¡Mientras el vampiro le lanza caballos para detenerle! (Juro que no me lo he inventado…). En cuanto a la dirección, Timur se excede con bastantes barrabasadas, algunas secuencias adrenalíticas y demasiada reescritura de la historia real como para que encaje con la existencia de vampiros y la caza de éstos. Eso sí, el tema de los vampiros ya empieza a ser mosqueante y cansino, puesto que ya en cada historia tienen poderes, aspectos y debilidades diferentes… Ahora www.cinemascomics.com

está de moda que la luz del sol no les mate (aquí sólo deben llevar gafas de sol), se les deforma la cara hasta parecerse a El Fary chupando limones y pueden hacerse invisibles (pero tampoco les acaba resultando muy útil ante el hacha del “presi”). En cuanto a las actuaciones, dentro de lo que cabe, son bastante correctas, no sobresaliendo ninguno, ni para bien ni para mal. Eso sí, se nota en exceso la nariz falsa del actor para parecerse a Lincoln (que vistos lo que han acabado haciendo con su figura, tampoco era necesario que se pareciera…) En resumen, si queremos contemplar una buena película de Lincoln, habrá que esperar a la que está realizando Steven Spielberg y Daniel Day Lewis. Puesto que aquí da lo mismo ser o no fiel a su

figura, contemplando una vuelta más de tuerca respecto a los vampiros, usando de excusa a Lincoln y su lucha por los derechos de los esclavos. Lo peor: Durante la película es tomada demasiado en serio como para ser tomada en broma (intentan encajar al milímetro la existencia y caza de vampiros, desbordándose la jugada por todos los lados). Posee demasiadas escenas absurdas como para aceptar el desconectar e intentar disfrutarla, donde acaba resultando un falso biopic con vampiros y nada útil que aportar. Lo mejor: Una vez desconectas, posee algún que otro momento entretenido y alguna muerte lo suficientemente escatológica y sangrienta como para arrancarte una sonrisa o mueca de la cara. Cinemascomics │septiembre 2012 │73

¡Piratas!

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Por Enrique Abenia

Animación / Aventuras marinas / EEUU / Inglaterra / 2012 / 87 minutos / Aardman Animation. Director: Peter Lord, Jeff Newitt. Actores: Hugh Grant, David Tennant, Imelda Staunton, Martin Freeman y Jeremy Piven. Guión: Gideon Defoe (Libros: Gideon Defoe). Música: Theodore Shapiro.

La animación en ‘stop-motion’ desprende una magia especial, quizá debido a su factura artesanal. Los estudios Aardman han conquistado a los aficionados al género por medio de sus diseños de plastilina e historias rebosantes de creatividad, como corroboraron en ‘Chicken Run. Evasión en la granja’ o en ‘Wallace y Gromit. La maldición de las verduras’. Meses después de estrenar con éxito de crítica ‘Arthur Christmas. Operación regalo’, enmarcada en el estilo de animación preponderante en la industria, la compañía británica regresa a sus orígenes con ‘¡Piratas!’, una gozosa aventura de corsarios que destaca por su ritmo narrativo, las sonrisas que despiertan sus bromas y el

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brillante apartado técnico, con una cuidadísima atención al detalle. Desde hace años, el Capitán Pirata (voz de José Coronado en la versión española) sueña con ganar el premio al pirata del año, galardón que se le resiste porque el gremio no le tiene demasiado respeto. Solo le queda el apoyo de su fiel (y peculiar) tripulacion. Sin embargo, tras conocer al naturalista Charles Darwin, se le ocurre una delirante estrategia con la que confía en alcanzar el reconocimiento que tanto anhela. El plan pasa por ir a Londres, ciudad en la que los piratas no son precisamente bien recibidos.

Al margen de su estética, ‘¡Piratas!’ brilla por las sorpresas de la historia, cuya estructura cambia de forma constante. El sentido del humor británico es palpable en cada fotograma y en el retrato paródico de personajes de la relevancia del citado Darwin (con la imagen de un científico perdedor y enamoradizo) y la reina Victoria, quien rezuma odio hacia los piratas. El filme, dirigido por Peter Lord (uno de los hombres clave de Aardman), tiene una clara vocación de entretenimiento familiar. Los pequeños se quedarán con las peripecias de los corsarios y el colorido del conjunto, mientras que los adultos apreciarán mejor la ironía detrás de algunos chistes y guiños. www.cinemascomics.com

TED

Por Gustavo Martín

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Comedia / Fantástico / EEUU / 2012 / 106 minutos / Universal Pictures / Media Rights Capital. Director: Seth MacFarlane. Actores: Mark Wahlberg, Mila Kunis, Seth MacFarlane, Giovanni Ribisi, Laura Vandervoort, Joel McHale, Patrick Warburton, Jessica Stroup. Guión: Seth MacFarlane, Alec Sulkin, Wellesley Wild. Música: Walter Murphy.

El creador de “Padre de Familia” Seth MacFarlane nos trae su primera película como director y escritor. “Ted” es del genero comedia y cuenta con la interpretación de Mark Wahlberg que ha participado en películas como “The Fighter” o “Max Paine”, y Mila Kunis a la que hemos visto protagonizando recientemente “Con derecho a roce”, y actuando en “El cisne negro”. La música es de Walter Murphy, la fotografía es de Michael Barrett y la distribuidora en España es Universal Pictures International Spain. La historia comienza cuando un niño pide como deseo que su osito de peluche cobre vida para poder hablar con él y entablar una autentica amistad. A la mañana siwww.cinemascomics.com

guiente comprueba que su deseo se ha hecho realidad y desde ese instante se convierte en su amigo inseparable. El tiempo pasa y John Bennett es una persona adulta que junto a su novia Lori Collins planifica un futuro en común, aunque este continúa muy unido a su osito Ted. Los problemas comienzan cuando a ojos de Lori el osito Ted parece una mala influencia para John, que no parece madurar por causa de el. La vida de Ted es una continua fiesta, y arrastra a John a continuos líos que ponen en peligro la relación de la pareja. Es una buena película de comedia en el que rápidamente se aprecia el sello de Seth MacFarlane, con un humor no recomendado para

niños muy pequeños. Las aficiones de Ted son sobre todo ver películas de serie B, fumar porros y rondar prostitutas, aunque estos son elementos de humor y no son el eje principal de la película. El osito Ted está muy logrado y no se distingue si es un muñeco real o animado digitalmente. Este se convierte en un personaje más y casi hace olvidar que es un oso de peluche, ya que su comportamiento es completamente humano. Aunque en un principio pueda sorprender que se haya elegido para una comedia a Mark Wahlberg y Mila Kunis interpretan su papel de manera perfecta, y más pensando que actúan con un oso de peluche. La película es bastante divertida y tiene momentos muy buenos. Cinemascomics │septiembre 2012 │ 75

DREDD

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Por Eduardo Quintana

Fantástico / Acción / Ciencia ficción / Aventuras / Cómic/ EEUU / 2012 / 95 minutos /DNA Films / IM Global / Reliance Big Entertainment. Director: Pete Travis. Actores: Karl Urban, Olivia Thirlby, Lena Headey, Domhnall Gleeson, Santi Scinelli, Jason Cope, Deobia Oparei, Langley Kirkwood, Brandon Livanos, Rakie Ayola, Allen Irwin, Joe Vaz, Scott Sparrow. Guión: Alex Garland. Música: Paul Leonard-Morgan.

Comenzar diciendo que tal y Nos encontramos ante una nueva adaptación (en 3D) del cómic “Juez Dredd” a manos de Pete Travis (‘Endgame’), después de la realizada por Danny Cannon con Sylvester Stallone como protagonista en 1995. La película inglesa Dredd está basada en la serie de historietas británica Juez Dredd (donde su título original es Judge Dredd), perteneciente al género de la ciencia ficción. Fue creada por el guionista John Wagner y el dibu-

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jante Zaragozano Carlos Ezquerra para la revista “2000 AD” en 1977. Su protagonista, el Juez Joseph Dredd, es un agente de la ley de la ciudad Megacity 1 (la cual engloba el terrero que ocupaba antaño las ciudades de Boston hasta Washington DC) en un futuro distópico en el cual los jueces son al mismo tiempo policía, juez, jurado y verdugo. Dredd y sus compañeros están facultados para detener, condenar e incluso ejecutar a los criminales que violen la Ley.

En esta ocasión, es Karl Urban (‘Red’) quien interpreta a Dredd, acompañándole la novata Cassanda Anderson, interpretada por Olivia Thirlby (‘Juno’), la cual está en evaluación para ver si sirve o no para ser Juez, poseyendo habilidades psíquicas debido a su mutación genética. Ambos investigarán un triple homicidio, entrando de lleno en el edificio controlado por la traficante de drogas Ma-Ma, interpretada por Lena Headey (’300′). Ante todo, hay que felicitar a los www.cinemascomics.com

creadores de esta nueva adaptación, realizada con sólo 45 millones de presupuesto, puesto que recrea de forma espectacular el caótico y claustrofóbico mundo que nos presenta el cómic original. Esta nueva película está realizada con más respeto al cómic, notándose esto en muchos aspectos, como que El Juez Dredd no se quita el casco en toda la película (aunque esto ya lo sabíamos porque Carlos Ezquerra ya nos lo había chivado), y no como Stallone, que sólo lo llevaba en el cartel promocional; también es un mundo más realista y sucio, con menos tecnología y más violento. Si en 1995, se cortaban con la violencia para evitar el corte de edad en las salas, aquí no lo hacen, otorgando un gran despliegue de escenas www.cinemascomics.com

adrenalíticas y derramamiento de litros y litros de sangre. Si bien es verdad que Karl Urban me parece un actor bastante limitado, aquí lo hace correctamente, siendo frío, inexpresivo y calculador (y no se le cae el labio como a “Sly”). La que falla en el duelo es Lena Headey, quedándole grande el papel de villana principal, debiendo limitarse a papeles secundarios como el de Cersei Lannister en Juego de tronos. El director lo hace mucho mejor que en la repetitiva y confusa “En el punto de mira”, pero acaba mareando tanta cámara lenta y “bullet-time” (en qué momento lo inventarían los hermanos Wachowsky…) y cansando tanta bala seguida al milímetro.

En cuanto al 3D, no sé cómo será finalmente, pero el previo de 10 minutos que nos han mostrado no parece ofrecer nada nuevo… Vamos, que a este paso, el siguiente 3D que merecerá la pena será el de Avatar 2, se estrene cuando se estrene. En resumen, podemos disfrutar de una película mucho mejor que la de Stallone (tampoco era difícil), con nada de comedia y payasadas, habiendo mucha más acción y violencia; dejándose de tramas enrevesadas de familiares y entregándonos un argumento más realista y sencillo, donde nos muestra qué pasaría si dos jueces se quedan atrapados en un edificio de 200 plantas infestado de delincuentes en cada una de ellas. Cinemascomics │septiembre 2012 │ 77

Las aventuras de Tadeo Jones «««««

Por Eduardo Quintana

Comedia /Animación / Aventuras / España / 2012 / 90 minutos / LightBox Entertainment, Toro Pictures, IkiruFilms, StudioCanal. Director: Enrique Gato. Actores: José Mota, Michelle Jenner, Oscar Barberán. Guión: Neil Landau (Personaje Enrique Gato). Música: Zacarías M. de la Riva.

Nos encontramos ante la adaptación del corto que ganó el Goya de animación en 2004, del cual sólo queda el personaje principal, cambiando todo lo demás. La historia se centra en Tadeo Jones, un albañil soñador que debido a un malentendido lo confunden con un famoso arqueólogo, debe acudir a una expedición en

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Perú. Con la ayuda de su fiel y despistado perro Jeff, una intrépida e inocente profesora llamada Sara (la voz la pone Michelle Jenner), un loro mudo y un buscavidas (José Mota), intentará proteger la mítica ciudad perdida de los Incas de una malvada empresa que se dedica a encontrar tesoros y venderlos en el mercado negro.

La cinta está rebosante de aventuras y buenas intenciones, disfrutando de paisajes inolvidables muy bien recreados (y potenciados gracias al 3D) y unos personajes secundarios muy divertidos y entrañables. Tadeo Jones nos transporta a un mundo de aventuras donde los sueños pueden hacerse realidad, www.cinemascomics.com

donde los pequeños gozarán con las travesuras del loro mudo y el perro despistado, y los mayores disfrutarán con sus múltiples guiños a películas como Indiana Jones. Resulta obligado resaltar la gran labor realizada en esta cinta de animación española, la cual nada tiene que envidiar a productos extranjeros como Dreamworks (Pixar juega en otra Liga). No sólo está bien hecha, sino que es sumamente entretenida (lo segundo es en lo que fallaba Planet 51). Se agradece ver un plantel de personajes secundarios sumamente divertidos, con un trotamunwww.cinemascomics.com

dos capaz de venderte cualquier cosa, al cual le pone hábilmente la voz José Mota; y un loro mudo que se ayuda de gestos y carteles para informar de los peligros a la pareja protagonista, el cual no para de incordiar al inocente perro de Tadeo. Sin olvidarnos de los malos, con un jefe que posee un brazo mecánico que se modifica a su voluntad (igualito que el que podemos ver en el reciente videojuego Deus Ex Human Revolution). En resumen, disfrutamos de una cinta llena de aventuras, comedia y valores que inculcar a los pequeños de la casa; los cuáles no sólo se divertirán, sino que tam-

bién aprenderán valores necesarios y útiles para la vida, como la lealtad, la amistad, decir la verdad porque siempre te acaban pillando… Pero, sobretodo, a no dejar de soñar, a creer en ti mismo, porque si tú crees en ti mismo también lo harán los demás.

Lo peor: Una pareja protagonista algo sosa, sobre todo el personaje de la intrépida Sara. Lo mejor: La momia, con momentos inolvidables y muy divertidos.

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The Possession

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Por Eduardo Quintana

Terror / Posesiones y exorcismos / EEUU / 2012 / 92 minutos / Lionsgate / Ghost House Pictures / North Box Productions. Director: Ole Bornedal. Actores: Jeffrey Dean Morgan, Kyra Sedgwick, Grant Show, Madison Davenport. Guión: E.L. Katz, Kevin Mannis, Juliet Snowden, Stephen Susco, Stiles White. Música: Anton Sanko.

“THE POSSESSION (El origen del mal)” es la nueva película estadounidense de terror basada en posesiones y exorcismos. En esta ocasión el director es Ole Bornedal, danés cuyo único trabajo anterior en Hollywood fue La sombra de la noche, en 1997, con Ewan McGregor y Nick Nolte.

hijas. La menor es la que será poseída, creyendo al principio que su comportamiento se debe al divorcio y debe ir al psicólogo (los americanos lo arreglan todo con mandar a sus hijos al psicólogo en vez de hablar ellos mismos con sus hijos).

La historia se centra en una misteriosa caja que habla a una señora mayor, la cual al querer deshacerse de ella sufre un horrible accidente. Su hijo pone en venta la mayoría de sus bienes para pagar las facturas, y entre ellas está la Caja. Una niña de padres divorciados la encuentra y se la lleva a casa, empezando a oír ella las voces y actuar de forma extraña.

La película no aporta nada nuevo ni bueno; manteniendo, al menos, mejor la tensión que otras cintas del género, así como evitando asustar a golpe de muertes y sangre, donde se decanta más por la oscuridad. Las películas de terror cometen todas el mismo error, puesto que da más miedo lo que uno se imagina que lo que realmente ve. Las películas de terror son demasiado explícitas, evitando que uno mismo alimente su propio miedo con lo que desconoce. En esta ocasión, el director intenta limar un poco ese error, consiguiéndolo a medias; de esta forma, no se ve quién la posee y qué hace en la mayoría de las ocasiones.

El padre, sospechando que la caja está relacionada con la extraña actitud de su hija, visita a un rabino que le dice que la Caja contiene un espíritu demoníaco que consumirá a su hija a menos que consigan devolverlo a la caja mediante un exorcismo.

La película adolece de demasiados errores e incoherencias como para salvarse de la quema, teniendo errores de montaje y de reparto, así como una historia demasiado floja y estirada, con un final tan previsible y trillado que se palpa a kilómetros.

Con este argumento comienza una vuelta de tuerca más sobre el tema de las posesiones y exorcismos, claramente influenciada por el exorcista, pero cambiando a El Demonio por un demonio judío que posee almas puras.

Si algo se salva de la película es la niña poseída, Emily, interpretada por Natasha Calis, actriz con poco recorrido aún, pero con mucho futuro por delante. Más allá del maquillaje y efectos especiales, consigue transmitir miedo e inquietud en cada una de sus escenas como poseída.

En esta ocasión, se inspira en una historia basada en hechos reales (de la historia, diferenciar cuáles son los reales y cuáles los inventados es fácil, puesto que la inspiración empieza nada más encontrar la caja…)

El matrimonio divorciado lo componen Jeffrey Dean Morgan (The watchmen) y Kyra Sedgwick (de la serie The closer), teniendo dos www.cinemascomics.com

ejerce de exorcista, Tzadok, interpretado por un desconocido Matisyahu, donde su papel es breve pero fundamental. En resumen, nos encontramos ante la enésima película de posesiones, esta vez con demonio judío; la cual, aunque intenta diferenciarse del resto y no cometer los mismos errores, acaba cayendo irremediablemente en los tópicos del género. Puede que a algunos les dé miedo, a mí me dejó indiferente (salvo algún que otro susto sin grito). Lo peor: Demasiadas cosas como para enumerarlas todas; pero, por remarcar algo, me quedo con el montaje y la historia en sí, demasiado previsible. Lo mejor: La interpretación de la niña poseída y el rabino exorcista.

También cabe destacar la labor realizada por el joven rabino que Cinemascomics │septiembre 2012 │ 81

Especial Orient Express

Pang Brothers: Gemelos con buen ojo Por Francisco Nieto

En 1965 nacieron en Hong Kong dos hermanos gemelos que años más tarde darían que hablar, y de qué manera, cuando estrenaron The Eye, una peliculilla sin importancia que les catapultó hacia lo más alto de sus carreras gracias a un éxito local sin precedentes. Cuando los estudiosos se refieren a aquéllos films que consiguieron acaparar el interés de las plateas internacionales en cuanto a cine fantástico asiático se refiere siempre coinciden en nombrar tanto a The Ring, del japonés Hideo Nakata como The Eye, de los Hermanos Pang. Ambas triunfaron en multitud de festivales genéricos que aplaudían a raudar unas propuestas tan terroríficas como originales y frescas. A partir de estos y otros títulos posteriores, entre los que se incluyen una segunda y tercera parte de The Eye, el terror oriental pasó del ostracismo más absoluto a convertirse

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en referencia obligada para todos aquellos cinéfilos amantes de los sustos y la hemoglobina. Su reinado se consolidó sobre todo a principios de siglo, aunque después, el afán por repetir la misma fórmula hasta la extenuación de los preceptos y el poco talento demostrado por los herederos de la tendencia llevaron a un progresivo interés por un tipo de películas que vale la pena reivindicar. De todas maneras, tanto Oxide como Danny Pang gozan de un prestigio considerable dentro de la industria, tanto hongkonesa como tailandesa, donde se ha llevado a cabo el grueso de su producción. Estos hermanos revolucionaron el cine asiático en todos los aspectos, no sólamente desde el punto de vista de las transformaciones morfológicas que sufren los seres humanos, sino también desde el punto de vista comercial. The Eye fue una

auténtica bomba de relojería (sobre todo en sus brutales primeros cuarenta y cinco minutos de metraje iniciales y los intentísimos e inolvidables minutos finales) que había bebido directamente de films de factura hollywoodiense como El sexto sentido. En cierto modo era un producto destinado a seducir a productores foráneos, y prueba de ello fue el inmediato interés que la película suscitó en el bueno de Tom Cruise, quien se apresuró a adquirir los derechos del film de cara a un futuro remake estadounidense, el cual se llevó a cabo en 2008, con el título de Visiones, bajo la dirección de los franceses David Moreau y Xavier Palud. El film fue un fracaso de éxito y taquilla, aunque sirvió para ver en pantalla a actrices de la talla de Jessica Alba o una incipiente Chloe Moretz. Anteriormente, ya se había realizado otro remake de la cinta que se trató www.cinemascomics.com

de una coproducción india-británica de 2005 titulada Naina (y en la que los gemelos Pang, aunque sin acreditar, fueron los genuinos guionistas). Para quien no haya tenido la oportunidad de visionar el film original, vale la pena recordar que la trama giraba entorno a una mujer quien, tras años de sufrir ceguera, recuperaba la vista tras una arriesgada operación de trasplante de córnea. A partir de entonces, una serie de sucesos inexplicables, consistentes en misteriosas figuras vestidas de negro y horribles personajes desfigurados que anunciaban inminentes muertes, la llevaban a plantearse que había algo más de lo que simplemente podía ver. El film se gestó tras la lectura de un informe en el que se explicaba la historia de una muchacha que había sido operada de la córnea y años después se suicidó. Enfocar un proyecto para que termine convirtiéndose en una pequeña saga no es fácil, y los indistinguibles gemelos lo lograron. The Eye generó envidiables beneficios como para poder llegarse a filmar The Eye 2. Sin retomar la historia de la original, la película se nutría de la incuestionable belleza de Shu Qi (Confession of Pain, My Wife is a Gangster), la pobre protagonista que debía sufrir el aco-

so de presencias ectoplásmicas, en un relato cargado de referencias a producciones occidentales, como La Semilla del Diablo de Roman Polanski. A estas alturas resulta encomiable alabar el talento de los dos hermanos, no exclusivamente por su trabajo como realizadores, sino como empresarios que han sabido colocar sus productos de forma muy rentable. Pero detrás de este marketing (semi) corporativo se esconden dos carreras paralelas de más de diez años, cuyos frutos han germinado gracias al esfuerzo y dedicación de ambos. Y es que los dos han seguido caminos ascendientes por separado, y de hecho, siguen haciéndolo en la actualidad. Por un lado Danny Pang entraba a finales de los ochenta en la TVB de Hong Kong, formando parte del departamento de promociones de la Star Tv al cabo de dos años. Acto seguido se trasladaba a Bangkok trabajando como montador en el Matching Studio, hasta que consigue afrontar la producción de su primer largometraje (previa asociación con su media naranja para realizar Bangkok Dangerous, film que conocería un remake yanqui en 2008 dirigido por los mismos hermanos e interpretado por el

inigualable Nicholas Cage) por sí solo: Nothing 2 Lose, una película que seguía la vida desesperada de un jugador endeudado que pretende suicidarse desde lo alto de un edificio y, justo cuando va a tirarse, ve, a pocos metros de él, a una joven que intenta cometer la misma acción. Este film representa un buen desembarco para Danny en el terreno de la dirección, tal vez su mejor trabajo, lleno de frescura, dinamismo y una estética de videoclip que fractura la narración a cada instante. Esta ópera prima pudo verse en el Festival de Cine Asiático de Barcelona (BAFF) en 2003, y denotaba un cierto regusto por el cine de Tarantino o el Tony Scott de Amor a quemarropa. Pero Danny no se limitó a seguir su carrera en Tailandia, y vuelve a sus raíces que lo vieron crecer, es decir, la industria de cine de Hong Kong, pero ahora en su faceta de montador (destacan sus trabajos en la trilogía Infernal affairs y Cat and Mouse, trabajos de temática opuesta). Y aprovechando su paso por la excolonia, en 2004 se puso a rodar Leave Me Alone, una comedia de acción que no llegaba a las expectativas deseadas. En 2006 estrenó Forest of Death, un thriller muy gore, coproducido

Imagen de Bangkok Dangerous (2008) www.cinemascomics.com

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Fotograma de Fairy Tale Killer (2012)

con su hermano, protagonizado otra vez por Shu Qi y el actor de moda Ekin Cheng. Una de sus últimas películas dirigidas en solitario hasta la fecha es In Love with the Dead, de 2007, la historia de una pareja que tienen todo para ser felices, pero por esos malos golpes del destino a la mujer le diagnostican un càncer pancreàtico. Se trata de un film con buena trama, buenas actuaciones y que se ve beneficiado de un excelente desenlace. En 2009 se pasa al thriller dramático con Seven 2 One, una historia de venganzas donde dos empleadas de una tienda de artículos varios están decididas a vengarse del despreciable encargado del lugar. Actualmente tiene a punto de estrenar en China, concretamente el próximo diez de mayo, su última producción realizada en solitario, bajo el título de Fairy Tale Killer, un thriller con elementos terroríficos

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protagonizado por Lau Ching Wan, quien da vida a un experto policía que investiga una serie de asesinatos desconcertantes que se asemejan a los cuentos de hadas. Por otro lado, Oxide Pang empezó como operador de VTR y telecine en el Center Digital Pictures de Hong Kong. Tres años más tarde decide seguir los pasos de su hermano y emigra a Tailandia durante un tiempo para seguir con sus labores de operador: primero en la empresa Kantana Films, y luego en Oriental Post. Su primera producción independiente data de 1997: Who is Running?, un éxito entre la crítica local, en un momento en el que el cine tailandés pasaba por una de sus mayores crisis. Si bien, su mejor año fue el 2001, ya que presenta dos trabajos diametralmente distintos en su concepción temática: One Take Only (La última entrega) y

Bangkok Haunted. La primera es la típica película de ladrón que quiere escalar posiciones que se enamora de una prostituta y ambos intentan salir de la miseria fracasando estrepitosamente... pero con la variante de que durante una buena parte del film sí consiguen triunfar. Pero como buen film de cine negro de los noventa, el “happy end” queda diluido por un final corrosivo, frío y violento. La segunda de las propuestas que presentó se trata de un film estructurado en tres episodios, de los cuales, sólo se encargó del tercer segmento: Venganza, historia teñida de sangre en la que un policía investiga el misterioso ahorcamiento de una mujer. El cineasta focaliza más la parte intrigante del relato que no el plano sobrenatural. Con la longeva promoción de The Eye en 2002, Oxide se toma un año sabático hasta que regresa con dos nuevos www.cinemascomics.com

proyectos, The Teseract, un thriller coproducido por Inglaterra en la que el estilo de los hermanos permanece intacto, y a continuación rodó la que para muchos es su mejor película : la perturbadora Ab-Normal Beauty (Anomalía), su mejor contribución al género del terror psicológico y cuyo argumento guarda ciertas similitudes con Tesis, pero con una parte final mucho más dramàtica y morbosa. En 2006 rueda Diary, donde nos explica la historia de Winnie y su diario, un libreto que relata acontecimientos futuros. En 2007 estrena The Detective, la historia de un detective privado que un día recibe un encargo de un tipo enigmático que quiere localizar a una mujer que años atrás intentó asesinarle, una jugadora habitual de mahjong. Este film conoció una segunda parte en 2011, con el título de The detective 2 (B+Jing taam). En el 2009 su proyecto en solitario nos presenta Basic Love, una insólita propuesta romàntica protagonizada por un triángulo amoroso. Hasta la fecha, su último proyecto independiente ha sido Sleepwalker 3D, recibido con cierta frialdad por público y crítica, y en donde regresa al género del terror para contarnos cómo algunas pesadillas pueden convertirse en realidad, cuando una mujer ve como el hombre de sus sueños se convierte en el presunto asesino de su marido. Estas han sido sus carreras en solitario, pero donde la gente ha podido disfrutar en toda su intensidad de su talento es cuando ambos han unido fuerzas en un buen número de proyectos. Dejando aparte la fructífera saga de The Eye, su film más popular fue Bangkok Dangerous, una espléndida muestra de cine de acción alabada por su extremismo “cool” y su homenaje al polar hongkonés. En 2007 dan el salto a Hollywood y su carta de presentación es The Messengers, protagonizada por una todavía desconocida Kristen Stewart en una trama de casas www.cinemascomics.com

fantasmas donde ocurren extraños poltergeists. Su flirteo con la industria americana continuaría un año más tarde, cuando filmaron el remake de la ya mencionada Bangkok Dangerous, con Nicolas Cage en cabeza de cartel. En 2009 regresan a su país de origen para regalarnos la adrenalítica Storm Warriors 2, mientras que

en 2011 entregan el que es su último trabajo conjunto hasta la fecha, The Child´s Eye, un film tipo Viernes 13 donde unos amigos que deben alojarse en un desamparado hotel al no poder coger el avión en Tailandia, comenzarán a ir desapareciendo sin saber cómo y porqué.

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CINE ASIÁTICO EN LA 65º EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE CANNES Por Francisco Nieto La cosecha asiática en esta pasada edición del Festival de Cine de Cannes (y van 65) que se celebró del 16 al 27 de mayo no se puede decir que haya sido descomunal, pero si vamos rascando en las numerosas secciones que integraron el Certamen, hayamos algunas pequeñas joyas a descubrir que no pasaron inadvertidas a los ojos de aquellos suertudos que tuvieron la oportunidad de acudir y disfrutar de esta verdadera fiesta del cine. El único país asiático que tuvo representación en la sección oficial a concurso fue Corea del Sur, que participó en la competición a través de dos directores contrastados: Hong Sang-Soo, que presentó In Another Country (Dareun Narayeseo, 2012) e Im Sang-soo, que hace lo propio con The Taste of Money (Donui Mat, 2012). En el caso del primero, estamos hablando de uno de los realizadores más queridos y mimados del Festival. Ésta ha sido la octava ocasión en la que Hong se dejó ver por la localidad costera con una película bajo el brazo, habiendo conseguido ya el reconocimiento máximo cuando se alzó con el Premio de la sección Un Certain Regard en 2010 con Hahaha. Presentando un film que, de entrada, ya tiene el atractivo añadido de que está protagonizado por la actriz fran-

cesa Isabelle Huppert, quien parece haberle cogido el gustillo a trabajar con cineastas orientales, ya que tiene aún pendiente de estreno Captive, donde se puso a las órdenes del realizador filipino Brillante Mendoza. Cuando la veterana intérprete acudió a Corea para presentar uno de sus últimos films, concretamente Copacabana, no reparó en dejarse querer cuando afimó que le encantaría trabajar con directores como Lee Chang-Dong, Park Chan-wook, Bong Joon-ho o Hong Sang-soo. Este último recogió el guante lanzado y se dispuso a contratarla, y en agosto de 2011 se pusieron manos a la obra. Another Country suposo la tercera participación del director coreano en la Sección Oficial del Festival, tras La mujer es el futuro del hombre (Yeojaneun namjaui miraeda, 2004) y Un cuento de cine (Geuk jang jeong, 2005). En esta ocasión nos acerca, de nuevo, al concepto de la soledad y el cine, con la playa de trasfondo. Junto a Huppert, destaca en el reparto la presencia de Yu Jung-Sang (The Day He Arrives, 2010). En cuanto a The Taste of Money, Im Sang-soo nos introduce en el mundo de las empresas conocidas como Chaebul, que suelen ser grandes organizaciones empresariales coreanas regentadas por los miembros de una misma familia (algo así como lo

que ocurría con la familia Ewing en Dallas). Esto le da pie para presentar una historia repleta de chantajes, odios, competencia e incluso asesinato. Moviéndonos ya por las secciones paralelas del Festival observamos como en la quincena de realizadores sí que la presencia de proyectos provenientes del lejano oriente se hace más presente: Corea volvió a estar representada con The King of Pigs, de Yeun Sang-ho, un film de animación que cuenta la historia de un hombre que asesina a su esposa tras fracasar en sus negocios y que, entonces, vuelve su mirada al pasado y visita a sus amigos de la escuela. Esta película de suspense ha atraído a más de veinte mil espectadores en Corea tras su estreno el pasado diciembre. Desde China, en coproducción con Corea, nos llegó Dangerous Liaisons, de Hur Jinho (Navidades en agosto, 1998), un nuevo vehículo de lucimiento para la guapísima Zhang Ziyi junto a la no menos atrayente Cecilia Cheung, en lo que promete ser un duelo de grandes actrices. Se trata de una nueva versión de la famosa novela del mismo título escrita por Pierre Choderlos de Laclos en 1782, aunque ambientada en el Shangai de los años 30. La trama se centra en el triángulo amoroso formado por Mo Jieyu,

Zhang Ziyi protagoniza Dangerous Liaison de Hur Jin-ho

una mujer sofisticada y calculadora que siempre toma el control en las relaciones, Mo, un playboy, y su ex amante Yifan Xie. La India no tampoco faltó a la cita con Gangs of Wasseypur, un largometraje con un metraje más largo que un día sin pan. Nada menos que cinco horas y veinte de duración para este macrofilm dirigido por Anurag Kashyap, conocido por Black Friday (2004), donde se narraban los atentados de Bombay de 1993 y por ser guionista de Agua (2005), de Deepa Mehta. El film trata sobre la mafia del carbón en Dhanbad, Jharkhand, y está inspirado en la figura de Suryadev Singh, quien fue condenado por asesinato. Ha trascendido que durante el rodaje el ayudante del director Sohil Shah murió en un accidente de coche. Por último, el último trabajo asiático que se vio en la quincena será el iraní A Respectable Family, de Massoud Bakhshi (Tehran anar nadarad,2007), donde un académico iraní regresa a su tierra natal para dar una conferencia y se ve obligado a tomar una serie de decisiones que tienen que ver con su

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pasado y el de su familia. Los amantes de la nocturnidad y la alevosía cinematogràfica tuvieron una cita ineludible en la sección de Medianoche con el ¿último? trabajo de Takashi Miike, For Love´s Sake (Ai To Makoto, 2012), live action del manga romántico de 1970 de Ikki Kajiwara, creador de clásicos como Ashita no Joe y Tiger Mask. Aquí se nos narra la historia de amor entre una joven e inocente estudiante de instituto y un delincuente juvenil. Las sesiones especiales del Festival incluyeron la nueva propuesta del ganador de la Palma de Oro de 2010 Apichatpong Weerasethakul, titulada Mekong Hotel. Este es un proyecto de larga gestación que tiene al agua del río Mekong como centro del desarrollo del film, en el que por cierto participa Tilda Swinton, ávida, como ocurre con nuestra Pilar López de Ayala, de participar en cualquier trabajo de carácter experimental que se ponga a su alcance. Por último, el apartado Un Certain

Regard, paralelo a la competición oficial, programó Mistery, de Lou Ye (Suzhou River, 2000), una cinta de intriga en la que una mujer descubre que su marido la está engañando con una chica mucho más joven que ella y que, casualmente, aparece asesinada unos días después. Un inspector de policía no se fía de la inocencia de la esposa y comienza a investigar. También se pudieron ver el film japonés de Koji Wakama Tsu 11/25, The Day Mishima Chose His Own Fate, biografía de Yukio Mishima, uno de los escritores y dramaturgos más importantes en la historia de Japón y la película india de Ashim Ahluwalia Miss Lovely, ambientada en la década de los 80, y que sigue la devastadora historia de dos hermanos que ruedan películas de muy bajo presupuesto. Como se puede apreciar, un abanico de propuestas bastante variopinto, que no incluye todas aquéllas que se pudieron descubrir en el vasto mercado del Festival. Para finalizar este artículo, vamos ofreer una pequeña cata www.cinemascomics.com

de títulos que algunos privilegiados tuvieron la oportunidad de ver y en algunos casos hasta comprar en Le Marché du Film de Cannes 2012. Películas que, aun no habiendo tenido cabida en la sección oficial, fueron pasto de productores y programadores de Festivales de todo el mundo: China: Conspirators, de Oxide Pang: El detective privado Tam sigue las pistas para reiniciar la investigación de un caso de drogas en Malasia. Para ello cuenta con la ayuda de un agente encubierto con la esperanza de averiguar las causas del asesinato de sus padres treinta años atrás. A Cherry on a Pomegranate Three, de Li Chen: No es fácil que una mujer llegue a ganar unas elecciones en China, pero Kong Fanhua no se detendrá ante nada para mantener su posición como alcaldesa de Guanzhuang, controlando a su marido y a todos los posibles rivales que pudieran hacerle sombras durante su reelección, bien por las buenas o por las malas. Pero cuando una aldeana rompe la política de planificación familiar y queda embarazada de su tercer hijo, un nuevo candidato emerge para ponerle las cosas muy difíciles. An Inaccurate Memoir, de Shupeng Yang: Este film trata sobre una serie de héroes legendarios que lucharon contra los japoneses www.cinemascomics.com

a base de una efectiva guerra de guerrillas. En su última misión tratan de secuestrar vivo al hermano del emperador y pedir rescate por él. Pero no todo saldrá como estaba previsto en un principio. Back To The Sea, de Thom Lu: Esta vuelta al mar es un conmovedor relato animado de aventuras acerca de un joven pez volador, Kenny, que es capturado por un basco de pesca y trasladado a la pecera de un restaurante chino del Chinatown de Nueva York, donde conocerá a un chico chino tranquilo que anhela la emoción y la aventura. Japón: Jazz G Men, de Yuimi Yatake: Para promover la pequeña ciudad de Saitama, el director y gerente de un centro comercial decide organizar una banda de jazz, por lo que empieza a reclutar a viejas glorias de la música jazzística del lugar. 009 Re:Cyborg, de Kenji Kamiyama: nuevo film del aclamadísimo director de Ghost in the Shell: Stand Alone Complex. El film, en animación estereostópica de 3D, se estrenará en Japón en otoño de 2012. A Chorus of Angels, de Junji Sakamoto: Haru, un profesor de instituto, visita a seis de sus exalumnos que están a punto de cumplir treinta años, para contarles la verdad sobre el accidente fatal

que se produjo en la escuela hace veinte años. After School Midnighters, de Hitoshi Takekiyo: Aventura en forma de slapstick que tiene lugar en un colegio durante la llamada noche de los museos. Un original film de animación dirigido a toda la familia. An Assassin, de Go Ohara: Ryo Hanaki fue educado para llegar a ser un asesino profesional. Pero un día sufrió una derrota inesperada por un percance en una de sus misiones encomendadas. Su vida cambia después de que decide ayudar a Rio, a la que debe proteger después de convertirse en un auténtico blanco humano. Corea del Sur: 90 minutes, de Park Sun-wook: Una persecución sin respiro durante noventa minutos en tiempo real. Pieta, de Kim Ki-duk: Un hombre solitario que creció como huérfano funciona como un cruel usurero. Una misteriosa mujer que dice ser su madre se apiada de él e intenta llenar sus carencias afectivas. Ojalá que algunas de estas interesantísimas propuestas las podamos disfrutar en un futuro cercano en Festivales de género como el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya 2012. Cinemascomics │septiembre 2012 │91

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Por F

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Ni sco i c n a

La ciudad más poblada de la República de China celebró la edición número catorce de su Festival de Cine Internacional. Desde el 29 de junio y hasta el 21 de julio se pudieron degustar un sinfín de apetecibles propuestas que abarcan desde los estrenos autóctonos más rutilantes, pasando por una selección de los mejores films internacionales y llegando hasta las retrospectivas más completas. Casi un mes repleto de proyecciones que pusieron los dientes largos a más de uno, sobre todo porque muchas de las películas orientales que podrán verse en estos días quedarán en el tintero del cinéfilo foráneo, o lo que es lo mismo, tendremos cero posibilidades de que desembarquen en nuestras carteleras, salvo que algún Festival se apiade y tenga a bien acercarnos, aunque se de alguno de los títulos que ahora nos

proponemos a comentar: Dejaremos a un lado aquellas cintas que no son orientales, aunque no está de más citar algunos de estos títulos para que nos vayamos haciendo una idea del alto nivel del Festival. La sueca Play, de Ruben Ostlund; la francesa A World Without Women, de Guillaume Brac; la alemana Bliss, de Doris Dörrie o la italiana Summer of Giacomo, de Alessandro Comodin sirven como ejemplo de esta amplio abanico multicultural. De cine español, nada de nada, y es que no está precisamente nuestra cinematografía pasando por sus mejores momentos, y eso se traduce en quedarnos fuera de las parrillas de programación de un montón de Festivales de Cine. Pero centrémosnos en lo nuestro, que hay materia para rato.

El film elegido para el día de la inauguración es el taiwanés de extraño título GF-BF (Yang Ya-Che, 2012). Situada en la década de 1980, cuando taiwán todavía se encontraba bajo la Ley Marcial, nos cuenta como el pueblo paulatinamente comienza a sublevarse ante el poder establecido, y para ello se centra en la figura de tres estudiantes que se lanzan a la lucha por la libertad pintando consignas en las paredes de su escuela y planificando protestas en las reuniones clandestinas a las que acuden. Por lo que respecta a la Gala de Clausura, se proyectaron por un lado del film japonés The Woodsman and the Rain (Okita Shuichi, 2011), una rocambolesca propuesta en la que un equipo de cine se desplaza a un pueblo de montaña para rodar una película de zombies, reclutando a parte de sus habitantes y en especial

a un leñador con el que el joven director del film entabla amistad, y por otro lado el resultado de la restauración del film taiwanés In Our Time (Jim Tao, Edward Yang, Ko Yi-Cheng y Chang Yi), cuatro cortometrajes tragicómicos, donde se exploran las vidas cambiantes de las gentes de Taiwan desde los años 50 a los 80. Este film tiene la particularidad de suponer el debut en la gran pantalla del aclamado realizador Edward Yang (Yi Yi, 2000). En cuanto a las Galas se refieren, también los afortunados que acudieron a Taipei pudieron disfrutar de un buen puñado de films asiáticos, algunos de ellos premiados ya en otros prestigiosos Festivales, como es el caso de Egg and Stone (Ji Huang, 2012), mención especial del Jurado en la pasada edición del Festival de Cine de Rotterdam y que también tuvo ocasión de verse en el Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria. Este polémico trabajo se atreve con temas como el abuso sexual infantil o el embarazo adolescente que suelen ser tabús en la cinematografía china. La historia está ambientada en el mismo pueblo de la provincia de Hunan donde nació la directora y trata de manera valiente la desigualdad que sufre la mujer china frente al hombre desde su mismo nacimiento. Stilt (Tsai Yin-Chuan, 2012) también tendrá su propia gala. Estamos ante un trabajo en donde la ornitología tendrá un rol importante para definir las relaciones humanas, sobre todo en lo que respecta a dos hermanos que hace un montón de tiempo que no se hablan. Los últimos dos títulos considerados especiales por la organización son el japonés Helter Skelter (Ninagawa Mika, 2012) y el taiwanés Touch of the Light (Chang Jung-Chi, 2012) La primera una película que destaca sobremanera por su increíble derroche visual. La trama gira entorno a una top model que ha conseguido su belleza a través de innumerables operaciones de

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cirugía estética. Cuando su perfección se empieza a evaporar, no puede permitir que nadie conozca su secreto. En cuanto a la segunda, nos hallamos ante un drama de superación en el que una aspirante a bailarina y un pianista ciego unirán fuerzas para poder alcanzar sus sueños. Para finalizar, el Festival de Cine de Taipei se guardó un as en la manga en la sección Taipei Awards para mostrarnos los trabajos más rutilantes que verán la luz en las pantallas chinas durante los próximos meses. Este año se podrán ver films como The Golden Child (Chou She-Wei, 2012); Love (Niu Chen Zer, 2012); Din Tao: Leader of the Parade (Fung Kaii, 2012) y Cha-Cha for Twins (Jim Wang, 2012).

Y aún podríamos escribir algunas líneas más hablando sobre otras secciones realmente golosas, como la sección Panorama, donde se rinde homenaje al director coreano Kim Kyung-Mook y al realizador japonés Iseya Yusuke; algunas proyecciones nocturnas donde los asistentes alucinarán con “specials screenings” como Dragon Inn; The Yellow Handkerchief o Bugis Streets redux e incluso ver una colección de muy buenas películas en el apartado llamado “Winds on Asian Films”, con títulos tan recomendables como The Woman in the Septic Tank; Mitsuko Delivers, Chronicle of my mother o 11 Flowers.

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Por Francisco Nieto

Echando un vistazo a las infinitas posibilidades de disfrutar de buen cine durante los nueve días que duró el Festival (del 16 al 24 de junio) no podemos más que aplaudir y embelesarnos ante la cantidad de nuevas e interesantes producciones asiáticas que se nos vienen encima. Considerado como uno de los aparadores más importantes para tomar el pulso a las distintas cinematografías asiáticas (mercado aparte), Shangai se supera a sí misma con un abanico interminable de secciones y homenajes que harán las delicias del cinéfilo más exigente. Y si no sólo basta con echarle un vistazo a la parrilla de programación para perdernos en una multitud ingente de títulos interesantes. Vamos a ello: La sección oficial, donde se pudieron ver tanto films orientales como occidentales que lucharón por hacerse con el preciado Golden Globet Award, es simplemente espectacular. Si entre las apuestas foráneas destacan títulos como la rusa The Conductor, de Pavel Lungin; la mexicana The Dream of Lu, de Hari Sama; la danesa Excuse me, de Henrik Ruben Genz o la española De tu ventana a la mía, de Paula Ortiz, entre lo autóctono vale la pena destacar las cinco películas asiáticas que han sido escogidas para ilustrar esta sección oficial: -Bear, del iraní Khosrow Masoumi, la historia de Noureddin, quien llega después de ocho años de haber estado luchando en la guerra y se encuentra con que su mujer se ha casado con otro hombre con el que ha tenido dos hijos. A partir de entonces, debe luchar contra una realidad que le aparta de tener una vida familiar normal. Color of Sky, del indio Biju Damodaran, nos cuenta la vida de un hombre de sesenta años que vive en una isla aislada, y que visita un cercano puerto una vez al mes para comprar artesanía. Un día, un polizón se cuela en la barca y a partir de entonces de-

berá convivir con el anciano y su familia, aprendiendo el verdadero sentido de la vida. Detective Hunter Zhang, del chino Qunshu Gao, un film que intenta acercarnos al lado más humano de la policía de Braised; participamos de sus reuniones familiares a la par que asistimos a sus peligrosas misiones. Falling Flowers, del chino Huo Juanqi, un relato de amor con enfermedad terminal de por medio, que tiene a unos escritores famosos como protagonistas de la acción, en el marco del ataque de las tropas japonesas a China en 1942. Key of life, del japonés Kenji Uchida, un film disparatado sobre un aspirante a actor frustrado con su vida, quien antes de suicidarse decide ir por última vez a un baño público, donde por un extraño accidente podrá cambiar de personalidad conviertiéndose en un hombre rico y poderoso. El Jurado Internacional estuvo formado este año por el prestigioso realizador francés Jean Jacques Annaud; la cineasta iraní Rakshan Banietemad; el productor chinoamericano Terence Chang; la actriz que no necesita presentación Heather Graham; la actriz china Lee Bingbing; el realizador húngaro Bela Tarr y el director chino Zhang Yang. En cuanto a la sección Asian New Talent Award Film Competition se refiere, lugar donde se intenta potenciar el mercado asiático presentando las propuestas nacionales más apetecibles para productores y distribuïdores venidos de todo el mundo, presentó en esta ocasión la friolera de diez películas nominadas, la coproducción chino-hongkonesa Big Blue Like, de Jessey Tsang, una historia sobre el amor, la familia, y los cambios que acontecen en las personas y lugares, en la figura de una actriz que regresa a su pueblo natal y se da cuenta de que muchas cosas han cambiado desde que se fue; el film indonesio Boy´s Diary, de Pu-

trama Tuta, que gira entorno a una trama en la que un círculo de amigos arriesgan su amistad, confianza, amor y esperanza en busca de una leyenda; la coreana The Client, de Young-sung Sohn, una intriga en la que un abogado defensor debe hacerse cargo de un caso muy conocido en el que un marido celoso ha asesinado su esposa. El acusado es un personaje enigmático que no puede expresarse claramente, y como suele ocurrir en estos casos, nada es lo que parece en un principio; las indias Corrode, de Karan Gour, que nos explica como una mujer adinerada que parece tenerlo todo en la vida, desea con todo fervor poseer una escultura de la Diosa hindú Lakshmi. El realizador nos ofrece una mirada implacable a la obsesión, como puede llegar a infectar la fragilidad de nuestras mentes, corroyendo el razonamiento, la realidad y la satisfacción emocional, y Michael, de Ribhu Dasgupta, localizada en Calcuta, nos cuenta la progresiva caída en espiral de los ideales y valores emocionales de un hombre; la china Follow Follow, de Lei Peng, donde se nos habla de las tendencias más actuales de la música moderna japonesa a través de un cineasta que también ejerce de pionera de la cultura pop china. Todos los actores que participan en este film-rave han sido escogidos de la escena actual de la música de Beijing; la coproducción entre Malasia y Singapur I have loved, de Elizaveth Wijaya, una película con un singular planteamiento: una mujer joven, atormentada por la pérdida, el duelo, la melancolía y las imperfecciones de la memoria, baila con dos hombres; uno está casado, y el otro está comprometido para casarse; la vietnamita Pearls of the Far East, de Cuong Ngo, en la que siete mujeres vietnamitas nos confiesan ante la cámara sus más intimos secretos y sus amores prohibidos; la coproducción chino-taiwanesa Pick The Youth, de Tai Wan, donde un joven mú-

sico debe abandonar su pasión debido a la opresión recibida por su padre y su abuelo, que quieren que dediques us esfuerzos al noble arte de la medicina; y por último, la china Sweet Eighteen, de Wenchao He, un film dramático con transfondo generacional en la que una hija no entiende la actitud de amor de su madre para con un hombre que la maltrata hasta que ella misma cae perdidamente enamorada. El Jurado Internacional de esta sección estuvo compuesto por el director iraní Amir Naderi, el realizador chino Shangiun Cai, el crítico y director coreano Sung-il Chung; el multipremiado cineasta japonés Sabú, y la actriz china Fan Xu.

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Otras secciones dignas de destacar son las completas retrospectivas dedicadas en esta quinceava edición a Wu Yigong; a Chang Cheh y las películas chinas de kung-fu; al recientemente desparecido Theo Angelopoulos y la celebración del ochenta aniversario del nacimiento de François Truffaut. Y por si fuera poco también también se incluyeron proyecciones de films en tres dimensiones: Dark Flight 3D (Indonesia); Thor 3D (Islandia-Noruega); TT3D: Closer to the Edge (Gran Bretaña); un Focus China donde se podrán ver un buen puñado de films autóctonos de nueva factura; una selección de películas brasileñas, otras cubanas y otras de nuevos directores franceses...

en estos casos, felicitar a quienes hayan tenido la oportunidad de acudir a tan colosal acontecmiento ciematográfico, y los demás a esperar que vayan cayendo en nuestras manos a cuentagotas algunos de estos apetitosos trabajos.

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A veces la realidad supera la ficción y en ocasiones la ficción sobrepasa la realidad, pero lo que para mí es más fascinante es cuando la ficción consigue hilvanar en un discurso la vorágine que es la vida y convertirla en relato. En este sentido, American Graffiti (George Lucas, 1973) sienta un precedente imprescindible y canónico de cinematografía del New Hollywood en la que directores jóvenes pedían paso junto a sus inquietudes y a su nueva forma de entender el cine que combinaba la herencia del clasicismo norteamericano con influencias de las vanguardias europeas y el hecho de ser la primera generación de cineastas que habían tenido una formación cultural cimentada sobre el propio arte cinematográfico.

American Graffiti es una obra paradigmática del cine de adolescentes y para adolescentes en la que George Lucas dispone una panorámica del paso simbólico a la edad adulta sobre un telón de fondo también simbólico: la noche de la graduación en el instituto, esta frontera abstracta en la que confluyen los sueños y las posibilidades de futuro con las responsabilidades y las decepciones. La película constituye un relato coral en el que se integra todo un trasfondo cultural (rock ‘n’ roll, coches, fiesta, sexo, etc.) a merced de un presente concebido para disfrutar sin concesiones, pero con la sombra de un futuro incierto acechando en el alba. El director radiografía como nadie

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más ha hecho las inquietudes y motivaciones de la edad adolescente (en este caso de los años 60) pero, por encima de todo, el gran logro de American Graffiti, con la perspectiva de los años, es que descubre un espacio con muchas posibilidades narrativas, con elementos identificables y una temática atractiva para un público todavía inexplorado. Desde la obsesión de la juventud con el sexo hasta la inmersión en la cultura popular, pasando por una estructura social dentro del instituto y subrayando situaciones recurrentes de gran potencial narrativo como son los primeros escarceos en el asiento trasero de un coche o el acto protocolario-ritual del baile de graduación.

Desde American Graffiti ha habido numerosas producciones norteamericanas que reivindican o se acogen a la irreverencia juvenil para vertebrar diferentes formas de entretenimiento que abarcan una gran disparidad de géneros, principalmente el terror en películas como Carrie (Brian de Palma, 1976) o Prom Night (Nelson McCormick, 1980) y la comedia juvenil de Grease (Randal Kleiser, 1978), Desmadre a la americana (John Landis, 1978) o Porky’s (Bob Clark, 1982). Las dos tendencias cuentan con un recorrido histórico igual de prolífico y reivindicable porque, a pesar de moverse en términos distintos, las historias se generan en un momento muy concreto de la vida (el paso de la juventud a la madurez) y en un espacio característico (el instituto), para luego convertir cada película en una celebración (la comedia) o una puesta en crisis (el terror) del limbo naif de las posibilidades en el que vive el adolescente medio. El género de terror (principalmente el slasher) tuvo su auge en los años 70 y 80 porque las circunstancias invitaban a ello: eran tiempos convulsos debido a la Guerra Fría, a la herencia de la crisis económica durante la presidencia de Jimmy Carter y a la política exterior de Reagan en los 80. Había la presencia de una amenaza invisible aunque la situación social fuera plácida, las generaciones jóvenes convivían tanto con el bienestar como con la incertidumbre, de modo que encontraron en el cine de terror, con protagonistas adolescentes, un refugio dentro de un miedo seguro donde verse reflejados y canalizar sus emociones. En los 90, en cambio, la Guerra Fría quedaba relegada al pasado, había un bienestar socioeconómico general e incluso amenazas más directas como el SIDA (muy extendida en los 80) empezaba a estar controlada sobre todo gracias a la concienciación de la juventud respecto a su educación sexual. Durante www.cinemascomics.com

Matthew Broderick y Reese Witherspoon en “Election” de Alexander Payne, 1999

estos años y especialmente hacia el final de la década, se recuperó la pasión desenfrenada por el momento presente, la irreverencia macarra y la volubilidad de las perspectivas de futuro en una ola de optimismo que dieron paso a una nueva hornada de comedias juveniles que convirtieron la idiosincrasia del instituto prácticamente en un lenguaje con el que construir cualquier tipo de discurso. En Election (Alexander Payne, 1999), por ejemplo, Alexander Payne se encorseta en los términos de la comedia de instituto para formular una inteligente parábola para criticar el sistema democrático y los valores preponderantes en la sociedad, para suwww.cinemascomics.com

brayar con acidez la estupidez que el ser humano, como animal social, demuestra repetidas veces. Por otro lado, de un modo menos sofisticado pero igualmente divertido y efectivo, Mark Waters vampirizó el género en Chicas Malas (2004) para diseccionar desde un punto de vista primatológico la estructura estamental del instituto, comparándolo sin pudor alguno con una jungla salvaje. Ambas películas son resultado tanto de la base de la comedia setentera como de la pátina acumulada en series como Parker Lewis Nunca Pierde (1990-1993), Dawson Crece (1998-2003) o eventualmente Los Simpsons (1989-actualidad), que consolidaron este lenguaje así como un nicho de público que asimilaba los enredos del institu-

to no sólo como reflejo, sino como generador de suculenta ficción, cuya confirmación definitiva es el hecho que pudiera darse una más que digna parodia spoof en No es otra estúpida comedia americana (Joel Gallen, 2001), puesto que por definición no puede existir un spoof si no hay unos códigos rutilantes con los que jugar. Sin embargo, el arquetipo de la comedia de instituto del nuevo siglo y el detonante de que todas las mencionadas anteriormente fueran posibles es, sin duda alguna, American Pie (Paul Weitz, 1999). La película toma prestado el título de la popular canción escrita y grabada por Don McLean en 1971, considerado uno de los temas más importantes del paCinemascomics │septiembre 2012 │ 103

para ir a la Universidad o ponerse a trabajar) de liberación y, lo que es más importante, de una liberación que viene acompañada de responsabilidades.

trimonio musical estadounidense del siglo XX por su metafórico discurso y su repaso minucioso de la época dorada del música rock ‘n’ roll de los años 50 y 60, así como del vínculo entre esta música y la sociedad juvenil del momento. Don McLean escribió la letra en homenaje y pésame por la muerte de tres mitos como Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper en 1959 en un accidente aéreo. American Pie es una oda nostálgica a la cultura inherente al rock cuyo significado todavía son un cúmulo de suposiciones, pero hay cierto consenso en que básicamente McLean habla de la pérdida de la inocencia – de un público, de unos artistas y de una forma de entender la vida y la música, en definitiva – a partir del día “en que la música murió” y lo hace con un optimismo amargo, rememorando nuevos ilustres de la música (Elvis Presley, Bob Dylan, David Bowie, The Rolling Stones, The Beattles, etc.) pero acordonando el vacío dejado trágicamente por sus predecesores.

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American Pie, la película, se desenvuelve en un discurso similar aunque en un tono absolutamente cafre. La apuesta temática del film se centra exclusivamente en el sexo, rompiendo el molde de cualquiera de sus predecesoras, y propone por primera vez un discurso abiertamente liberado entorno a la eterna cuestión, partiendo de un punto recatado y conservador propio del pasado que va resquebrajando hasta estallar en pedazos en la catarsis del final. Al igual que la canción, la película refleja una nueva generación juvenil con perspectivas esperanzadoras que sabe romper con las limitaciones con las que se educaron porque así se las transmitieron sus padres. El concepto de la virginidad en American Pie es esta última barrera entre la adolescencia y la madurez y el ritual de perderla antes de acabar el instituto se convierte más en una obsesión que en un rito porque, metafóricamente, es el acto culminante (además de separarse de los amigos y de los padres

El momento mítico de la fornicación del pastel de manzana, aparte de ser un gag risible y bizarro, tiene una dimensión simbólica importante porque ilustra una sana pérdida de respeto a una tradición conservadora (el pastel de manzana es el postre norteamericano por excelencia, e incluso era el postre reglamentario del ejército de EEUU durante la Segunda Guerra Mundial) en este momento de inocencia interrumpida que es la adolescencia. De esta forma, si American Pie, la canción, es una vista atrás hasta el día de la “muerte de la música”, American Pie, la película, es totalmente lo contrario: una desacomplejada – en oposición a la circunspección que envuelve American Graffiti – vista al frente a partir del día de la muerte de la represión, representada puntualmente en la virginidad. La profunda vitalidad del mensaje subtextual de Amerian Pie es lo que le ha dado a esta comedia juvenil la relevancia para ser la única en convertirse en una franquicia cinematográfica con cuatro estrenos en cine hasta la fecha, a los que hay que sumar una explotation de cuatro subproductos más lanzados directamente al mercado de DVD en EEUU. De todas formas, American Pie 2 y American Pie 3: ¡Menuda Boda! no alcanzan el nivel cualitativo de la primera parte porque son, respectivamente, una repetición macarra de la fórmula y un cierre de trilogía con voluntad únicamente comercial en las que el sentido que tenía la primera parte se desdibuja a favor de un humor escatológico gratuito. No obstante, el legado significativo de American Pie no está en sus dos secuelas inmediatas, sino en www.cinemascomics.com

Christopher Mintz-Plasse interpretando a Mc Lovin en “Supersalidos” (Greg Mottola, 2007)

el hecho de que, como Election, supone un punto de inflexión en la comedia de instituto porque demuestra que, una vez consolidado el género como tal, se pueden construir discursos más elaborados utilizando las mismas texturas y mecanismos. Películas como Supersalidos (Greg Mottola, 2007) o Rumores y Mentiras (Will Gluck, 2010) son un ejercicio de psicoanálisis sobre este género a priori superficial, porque profundizan en los subterfugios del mismo y consiguen ir un paso más allá. Ambas películas cogen el testigo de la comedia juvenil pura y dura a la vez que se impregnan del manierismo de la nueva comedia impulsada por series como The Office, Padre de Familia o incluso House, apostando fuerte por las historias de perdedores sin edulcorarlas con la imposición del final feliz más estricto y permitiéndose el lujo de desplazar el humor a un plano más incómodo, más ácido y más realista.

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Supersalidos alcanza un punto al que American Pie no llegaba. El leitmotiv sigue siendo la totemización del sexo a través del humor testosterónico, pero sin embargo tiene una carga emotiva mucho mayor al mantener a los personajes en una dinámica patética que encuentra su catarsis en el fracaso y la épica en la rendición, rompiendo así los esquemas de la ficción para acercarse un poco más a la realidad y arrojar una dosis de melancolía a un espectador que ya tiene su esquema prediseñado en la cabeza. Por su parte, Rumores y Mentiras también utiliza la glorificación mítica del sexo en las comedias de instituto para disertar sobre un tema muy diferente: la cultura de la fama dentro de una sociedad tecnológica en la que la información ha adoptado una naturaleza vírica y el bulo se ha convertido en la peor de las infecciones. Llegados a este punto, coincidiremos en que la comedia juvenil

y de instituto norteamericana ha alcanzado una edad adulta como género, pero todavía se puede rizar más el rizo y ver qué ocurre cuando no sólo es el género el que ha alcanzado la madurez, sino que también lo han hecho los protagonistas. En esta situación nos movemos en un plano diferente no de estilo sino de discurso, ya que hablamos de una regresión de la edad adulta a la adolescencia. De este modo, la narración adopta aires reflexivos y altas cotas de nostalgia, abunda el desencanto vital, el humor se vuelve un tanto más áspero y la trama se focaliza en un viaje al pasado en busca de una catarsis que reconduzca las vidas de los protagonistas. El ejemplo más gráfico de este viaje al pasado lo encontramos, porque se materializa físicamente, en Jacuzzi al Pasado (Steve Pink, 2010), cuando los tres protagonistas se reúnen para revivir un día inolvidable de su juventud y sólo consiguen ver en lo miserables que se han convertido sus vidas. Cinemascomics │septiembre 2012 │ 105

Fotograma de Jacuzzi al pasado (Steve Pink, 2010)

Su periplo de reencuentro con su adolescencia después de retroceder veinte años con un jacuzzi/ máquina del tiempo se convierte en un choque irresistible, paradójico e idiota para una película más bien llanera, pero más sofisticada de lo que aparenta. Más interesante es la propuesta de A Good Old Fashioned Orgy (Alex Gregory y Peter Huyck, 2011), cuyo grupo de amigos treintañeros vive, literalmente, anclado en su edad adolescente porque lo único que le da sentido a sus

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vidas es su encuentro semanal en una casa de campo para celebrar grandes fiestas temáticas. Ante el peligro inminente de perder la casa (que es del padre de uno de ellos y quiere venderla) deciden hacer una última gran fiesta montando una orgía. Sin embargo, esta orgía no es únicamente una excusa para tener sexo, ya que se convierte en un ejercicio de liberación personal en el que los personajes, al desnudarse, muestran también sus debilidades y sus fracasos. El sexo en la película adquiere una propiedad purificadora

porque sirve para zanjar deudas con el pasado y dar un nuevo enfoque a las vidas de cada uno a partir del grado de redención que cada uno se concede a sí mismo. De todas formas, a pesar de lo revulsivo de Jacuzzi al Pasado y A Good Old Fashioned Orgy, la mejor manera de ver el grado de madurez que ha alcanzado este tipo de comedia es mirar directamente a su fuente, ya que con American Pie: El Reencuentro (Jon Hurwitz y Hayden Scholssberg, 2012) la franquicia encuentra un colofón que le da sentido incluso www.cinemascomics.com

el lado de los adultos. Lo mejor de esta cuarta entrega es que la nostalgia de los tiempos pasados jamás se traduce en un anhelo de estos y va hasta las últimas consecuencias con la dificultad que supone no caer en la trampa de repetir la fórmula. La locura festiva y el humor pajillero están presentes, pero siempre cubiertos por el velo de la responsabilidad y la conciencia de que se puede volver la mirada, pero el pasado, pasado está. A partir de ahí, American Pie: El Reencuentro es una celebración reflexiva que rompe con algunos elementos estructurales de la comedia de instituto que ya no es (por ejemplo, la fiesta final es horriblemente protocolaria y formal), se nutre de los elementos autorreferenciales para revitalizar la reunión de amigos y, en cierto modo, se acaba convirtiendo en algo más que una artimaña comercial o un cierre de franquicia, se convierte en una placentera (y a veces desbocada) reunión de viejos amigos como la que podemos tener cualquiera de nosotros en la vida real, que si son muy asiduas pueden dar pereza pero que valen la pena siempre que haya algo que contarse, y el caso es que con nueve años de por medio había bastante que decir.

a sus dos anteriores secuelas porque no sólo recuperamos a todos los personajes de American Pie trece años después de la primera entrega, sino que los recuperamos después de seguir la evolución de sus vidas en la Universidad y en el momento del matrimonio. American Pie: El Reencuentro recupera la inteligencia de la primera parte (¡qué gran declaración de intenciones es mimetizar con matices el póster de la primera entrega!) en su discurso y somete a los personajes a un choque intergeneracional en el que, esta vez, ocupan www.cinemascomics.com

Películas como Kaboom (Greg Araki, 2010) y Detention (Joseph Kahn, 2011) – premiada en el Festival de Sitges 2011 como Mejor Película de la sección Midnight X-Treme – son auténticas perlas del sinsentido, cuyo irresistible atractivo es su descontrol y su obsesión para convertir cada segundo en un instante de diversión absoluta, ya que lo que ocurre al minuto siguiente rompe con cualquier esquema lógico. Ambas centran el escenario en la Universidad y el instituto respectivamente, pero el espacio conocido es sólo el campamento base para luego moverse por el terror, la ciencia-ficción, el humor absurdo, la comedia slapstick, las artes marciales, el mundo de las sectas, los videojuegos, los viajes en el tiempo e incluso el apocalipsis. Ejemplos limítrofes como estos, además de la evolución que ha seguido la comedia juvenil americana, demuestran la maleabilidad de un género aparentemente rígido y lineal. Además, la buena salud de la que goza actualmente la comedia permite aventurar que American Pie: El Reencuentro no es el último trozo de tarta, sino la confirmación de que todavía queda mucho pastel que cortar.

A modo de epílogo, creo que es interesante comentar, aunque sea por encima, lo que apuntaba líneas más arriba sobre que la idiosincrasia de las comedias de instituto había adquirido suficiente entidad como para convertirse en la base de cualquier tipo de relato. El grado de locura que suele emanar de las películas con el instituto como escenario principal hace que este subgénero de la comedia se haya convertido en el eje central de películas pulp posmodernas completamente exacerbadas en todos los sentidos, desde el trazo de un arco dramático irracionalmente desdibujado a la desmesurada combinación de géneros. Cinemascomics │septiembre 2012 │ 107

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JOHN CARTER El pasado 29 de junio The Walt Disney Company salió a la venta en 3D COMBO, Blu-ray y DVD JOHN CARTER, el largometraje de ciencia ficción dirigido por el oscarizado Andrew Stanton, director de “Wall-E” o “Buscando a Nemo”. Y desde CINEMASCOMICS, queremos daros la oportunidad queridos lectores de ganar uno de los Blu-ray de la película que sorteamos. Para particiar tan solo tienes que contestar a la siguiente pregunta. Edgar Rice Burroughs también es famoso por haber creado a otro famoso personaje de la literatura. ¿Podrías decirnos el nombre de ese personaje? Envía tu respuesta antes del 30 de septiembre a: concursoscinemascomics@gmail.com

El pasado 29 de junio The Walt Disney Company salió a la venta en 3D COMBO, Blu-ray y DVD JOHN CARTER, el largometraje de ciencia ficción dirigido por el oscarizado Andrew Stanton, director de “Wall-E” o “Buscando a Nemo”. La película, que traslada al espectador al planeta Marte, ofrece en sus ediciones 3D COMBO, Blu-ray y DVD una nueva dosis de diversión, aventura y romanticismo para disfrutar en casa con las hazañas del héroe John Carter, interpretado por el actor canadiense Taylor Kitsch. El film JOHN CARTER da vida al genial personaje homónimo surgido de la rica mitología creada por el novelista Edgar Rice Burroughs. El año 2012 coincide con la celebración del centenario de la creación de John Carter, que se ha convertido en un paradigma del héroe en la cultura popular. El personaje ha servido de inspiración para libros, cómics, ilustración y animación, además de televisión y cine en la actualidad.

John Carter es un veterano capitán del ejército de La Confederación que una vez trasladado misteriosamente al planeta rojo deberá tomar parte en el conflicto de sus pobladores al descubrir que la perduración de sus habitantes está en sus manos. Junto a Tras Tarkas (Willem Dafoe) y la cautivadora Princesa Dejah Thoris (Lynn Collins), John Carter vivirá una espectacular aventura de acción y grandes efectos especiales. El contenido que sólo podrá encontrarse en el pack 3D COMBO y la edición en Blu-ray son las fascinantes escenas eliminadas, así como la pieza “360 grados de John Carter” y las tomas falsas rodadas en Barsoom, nombre con el que los nativos conocen el planeta Marte. En los tres formatos se incluyen los comentarios en audio del director Andrew Stanton y de los productores Jim Morris y Lindsey Collins sobre las hazañas que protagoniza John Carter, así como el extra titulado “100 años de producción”.

EL LEGADO El año 2012 marca el centésimo aniversario de John Carter, el legendario personaje creado por Edgar Rice Burroughs en 1912. Considerado por muchos el primer héroe espacial del mundo, John Carter apareció por primera vez en el relato de Burroughs Under the Moons of Mars, que se publicó por entregas en la revista AllStory, hasta que en 1917 cambió su nombre y se publicó en forma de novela bajo el título de A Princess of Mars. Burroughs escribiría diez novelas más que conformarían la llamada “Serie Barsoom”, Barsoom es el nombre que Burroughs da al planeta Marte. Desde su publicación, algunas de las figuras más brillantes del arte, la literatura y la ciencia del siglo XX señalaron al libro como fuente de inspiración de sus obras. Burroughs comenzó a escribir la historia cuando tenía 35 años. En aquel entonces trabajaba para su hermano en una compañía de artículos de papelería y utilizaba unos bloc de notas que

fabricaba la compañía para crear minuciosas hojas de trabajo que lo ayudaban a llevar un registro de sus argumentos, personajes y cronología de eventos. Antes de finalizar, Burroughs se dio cuenta de que no tenía ni idea cómo publicar una novela, y le envió un fragmento de 43.000 palabras al editor de la revista All-Star bajo el título: Dejah Thoris, Martian Princess. El director editorial Thomas Newell Metcalf le cambió el título a la serie y le ofreció US$ 400 por los derechos de serialización de la obra. Autores de ciencia ficción de la talla de Robert A. Heinlein, Arthur C. Clarke y Ray Bradbury han señalado la saga de John Carter como fuente de inspiración de sus obras. James Cameron declaró que las novelas de John Carter influenciaron su película épica de ciencia ficción Avatar, George Lucas señala que Carter inspiró su saga de películas Star Wars y el escritor Michael Crichton se valió del nombre de John Carter para denominar a uno de sus personajes. El científico Carl Sagan leyó las novelas de niño y durante dos décadas tuvo un mapa del planeta Barsoom —tal como fuera concebido por Burroughs— colgado fuera de su oficina en la Cornell University. En la actualidad, aún puede visitarse la casa de Burroughs, que él llamó Tarzana Ranch, en la ciudad de Tarzana, California. Hoy en día es una próspera comunidad bendecida por el frondoso bosque de árboles que Burroughs plantó cerca de la casa que tanto amó. CONTENIDOS ESPECIALES BLU-RAY 3D - Disco 1: Película en 3D - Disco 2: Película en 2D + Contenido extra: 100 años en la producción Escenas Eliminadas 360 grados de John Carter

Tomas Falsas de Barsoom Comentarios en audio del Director Andrew Stanton y los Productores Jim Morris y Lindsey Collins

CONTENIDOS ESPECIALES DVD 100 años en la producción Comentarios en audio del Director Andrew Stanton y los Productores Jim Morris y Lindsey Collins

CONTENIDOS ESPECIALES BLU-RAY CARACTERÍSTICAS ESPECIALES DVD 100 años en la producción Escenas Eliminadas: Un tipo con suerte Viaje a la ciudad de Thark Enfrentamiento entre Soja y Dejah Hoguera Thoat Ride La respuesta de Dejah El paseo de Matai Asesinos 360 grados de John Carter Tomas Falsas de Barsoom Comentarios en audio del Director Andrew Stanton y los Productores Jim Morris y Lindsey Collins

Características técnicas: Tipo de formato 16x9 Aspecto ratio 2.40:1 Duración: Color. 132 min. aprox. Idiomas: 2.0 Dolby: inglés Audio Descriptivo 5.1 Dolby: castellano e inglés Subtítulos: castellano, inglés, sueco, noruego, danés, finlandés, portugués e inglés codificado para sordos

Lanzamiento DVD/Blu-ray

MEN IN BLACK III

Sony Pictures ha anunciado el lanzamiento a la venta de Men in Black 3 en Blu-ray, Blu-ray 3D, además de un pack con la trilogía en alta definición, para el próximo 16 de octubre y desde el 25 de septiembre estará disponible en exclusiva en los videoclubs. En Men in Black™ 3, los agentes J (Will Smith) y K (Tommy Lee Jones) han regresado… en el tiempo. En sus 15 años con los Hombres de Negro J ha presenciado cosas inexplicables pero nada, ni siquiera los propios alienígenas, lo han desconcertado tanto como su irónico y reservado compañero. Pero cuando la vida de K y el destino del planeta peligran, el agente J deberá viajar en el tiempo para arreglar las cosas. J descubre que hay secretos del universo que K nunca le mencionó –secretos que se irán desvelando al formar equipo con un joven agente K (Josh Brolin) para rescatar a su compañero, la agencia y el futuro de la humanidad.

KEN RALSTON y KEN HAHN NOS CUENTAN TODOS LOS SECRETOS QUE ESCONDEN LOS FX EN MIB 3 Por Diego Sánchez

Un pez alienígena gigante, hacer saltar a Will Smith del edificio Chrysler de Nueva York o corretear por la lanzadera de la NASA durante el lanzamiento del Apolo XI. Los hombres de negro han vuelto para seguir limpiando las calles de la escoria del universo. Cinemascomics viaja en el tiempo con los artistas de efectos visuales para descubrir los principales retos que Sony Imageworks se ha encontrado durante la producción Men in Black III.

particular,” dice Ralston. “Es muy gráfico, muy propio de sus películas. Nuestro diseño debía ser estilizado, debían existir dentro de su mundo pero, al mismo tiempo, debían ser creíbles –aun cuando algo increíble estuviera sucediendo.”

La leyenda de efectos visuales, Ken Ralston, ganador de cinco Oscars® por su trabajo, asume el papel de director de efectos visuales con Jay Redd, cuya experiencia previa incluye la supervisión de efectos visuales en la película de animación generada por ordenador Monster House, de Imageworks.

Salto al pasado

Ralston explica que aunque varias secuencias del filme representaron emocionantes retos de efectos visuales, el mayor fue conseguir una apariencia que encajara con el film dirigido por Sonnenfeld. “Barry tiene un estilo muy www.cinemascomics.com

“La sensibilidad de Barry y su caprichosa aproximación al material nos permitió jugar un poco más con lo que se esperaría fuera real,” dice Redd.

Un buen ejemplo de esa mezcla de lo fantástico con lo real es el salto en el tiempo. Para regresar a 1969, el agente J salta desde el piso 61 del Edificio Chrysler. “Ken y yo estuvimos de pie en lo alto del edificio para tomar fotos de referencia,” dice Redd. Al mirar desde la planta 61 hasta la calle, empezaron a preguntarse, ¿Cuánto tardaría el agente J en caer en la vida real? Resulta que son sólo unos segundos. Para alargar la caída del agente J a una secuencia de dos minutos, Ralston

no sólo tendría que jugar con la física sino también transmitir la idea de que J está viajando en el tiempo. “Es un gran reto mostrar a los espectadores cómo se ve el viaje en el tiempo,” dice Redd. “Los dinosaurios de seguro significan prehistoria, pero ¿cómo mostrar la Gran Depresión en la segunda Guerra Mundial? Buscamos íconos, y empezamos a planear en qué punto de la caída, en qué punto sobre el edificio deberíamos ubicarnos para cada sección. Creo que nuestro edificio es de alrededor de 800 plantas, pero nadie se dará cuenta –es nuestra labor como artistas y cineastas crear la ilusión de que lo que sucede podría realmente ocurrir en la vida real.” Este salto en el tiempo se plantea como uno de los momentos más divertidos y espectaculares para ver en los cines y desde luego, el equipo artístico y técnico tras la secuencia lo tiene claro: “Es una locura”, asegura entusiasmado Spencer Cook, Supervisor de Efectos Visuales . “En 3D va a ser increíble. Se trata de una combinación de todo tipo de técCinemascomics │septiembre 2012 │

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hacer real, con animatronics o el maquillaje de Rick Baker”.

nicas: desde rodaje real hasta la postproducción, todo el trabajo de animación para representar el paso del tiempo… Una de las cosas complicadas del plano fue que la cámara tenía que moverse alrededor de del personaje de Will Smith, así que tuvimos que digitalizarlo entero, con especial atención a su rostro, para luego animar el personaje digital completo durante la caída y poder hacer todas las locuras que la secuencia requería. Cuando la veáis en pantalla, entenderéis la locura que pudo suponer para nosotros crear todo eso”. Spencer llegó a esto de los efectos digitales a través de sus tra-

bajos iniciales con la Stop Motion. “La primera parte de mi carrera la dediqué a eso en anuncios de televisión y algunos cortos. Mi sueño de trabajar en cine me hizo aprender a utilizar ordenador y programas informáticos. La verdad es que lo que aprendí con stop motion me ayuda mucho ahora para trabajar en animación digital”, asegura. En su puesto como supervisor de animación se ve obligado a trabajar menos delante de ordenador y organizar el trabajo de los técnicos, para que todo el equipo trabaje enfocado al mismo objetivo: “Que los aliens cobren vida en todo aquello que no se pueda

Uno de los personajes que ejemplifica esta combinación de técnicas es Boris, el antagonista: “Es una combinación de actuación, maquillaje de tres horas y animación” , asegura Spencer. “Nosotros le añadimos partes para hacerle más expresivo, más amenazador y convertirle en algo mas animal. También creamos los planos mas largos para las escenas de acción e incluso dos versiones debido al viaje temporal de la película…. Tenia que ser diferente y creo que hemos logrado los dos aspectos de un mismo personaje”. Y para crear este (y otros personajes) suelen buscar referencias siempre en el mundo real. “Buscamos formas naturales y realistas de animar a estas criaturas que aun siendo fantásticas deben resultar familiares a la audiencia”. De aquí que los alienígenas puedan tener retazos animales, o directamente parecer uno gigante, como es el caso del gran pez que puede verse en el tráiler, para el que utilizaron imágenes de referencia de documentales y visitaron varios acuarios como documentación.

VFX lanzamiento del Apollo XI.

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Relanzando el Apolo XI Otra de las mentes más visuales en Sony Imageworks es Ken Hahn, quien tras trabajar en Spider-man 3 o la versión de Alicia en el País de las maravillas de Tim Burton, se enfrentó a varios retos principales en Men in black III, pero sobretodo, a la secuencia final de la película, el clímax de la trama. “La secuencia del Apolo XI fue sin duda la que mas tiempo y trabajo nos ha costado realizar”, asegura orgulloso. “Ocupa mucho tiempo en pantalla y no se podía hacer en rodaje real, así que todos los planos de esa secuencia llevan algo digital”. Si crear un elemento digital que quede bien en pantalla es una tarea ya complicada, donde realmente tienen que esforzarse para que el truco no se note y arruine la magia de la película es en los planos de transición, en los que se pasa de imagen real a digital sin cortes, por lo que es necesario pasar de la forma más limpia posible de la imagen real recogida en el rodaje a la imagen digital creada en los ordenadores de la compañía. El trabajo requiere realmente una destreza increíble, puesto que para que el efecto sea válido el espectador no puede notar la diferencia ni el paso de una imagen a otra y, a día de hoy, los espectadores están ya

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bastante acostumbrados a todo tipo de imágenes digitales. “Animamos a la gente a buscar el punto exacto de la transición”, desafía Ken, “porque es desde luego de estos planos de transición de los que estamos mas orgullosos en el equipo”. Se trata, sin duda, del plató digital más elaborado de la película, cuando J y el joven K persiguen no a uno, sino a dos Borises a través de la estructura que sostenía los cohetes que lanzarían la misión del Apollo 11 a la luna. El truco para esta secuencia fue hacer una fiel recreación digital de un evento icónico que todos han visto cientos de veces, a la vez que se creó todo lo que el director necesitaba para contar la historia. “La realidad es grandiosa pero, a veces, la realidad puede ser aburrida. Las películas de Men in Black van de la creación de una realidad amplificada, una realidad fantasiosa. Hemos empezado con la realidad, luego intentamos ir más allá pero aún manteniendo la sensación de estar en el mundo real,” dice Redd. “Tuvimos que mantener la imagen icónica del lanzamiento del Apollo 11 pero, por motivos dramáticos o por el ritmo, puede que hayamos cambiado cosas –el número de plantas que hay en una torre, la cantidad

de humo que hay en un momento dado, a qué distancia está la playa del cohete.”

Persecuciones en el 69 Por su parte, la persecución de los monociclos promete ser una de las grandes secuencias de acción de esta tercera entrega. Se trata de vehículos de una sola rueda con un asiento central giroscópico. Es la única manera de mantenerse a la par de Boris, quien tiene su propio vehículo amenazador. La idea era buscar una moto que combinara con la cultura motorista de 1969 y que a la vez se acoplara al diseño de Boris, incorporando piezas orgánicas e inorgánicas. La moto de 2,9 metros pesaría 362 kilogramos y alcanzaría 118 km/hora. Es un vehículo mitad criatura, mitad motor de avión, tal y como se describe en las notas de producción de la película. “Fue un reto mezclar todo tipo de tecnologías”, asegura Ken Hahn, “Para empezar, rodábamos de noche y cada vez que intentas colocar acción durante la noche la composición y puesta en escena se complica”. Así que hubo que trabajar, por ese motivo, en cooperación con múltiples departamentos para que

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todo saliera bien, para que todo encajara y el resultado tuviera algo de personalidad, no fuera algo simple. “Consideramos la persecución de los monociclos de la que se ven imágenes en los trailers como si fuera un personaje”, nos contaba Spencer. “Hay muchos planos y momentos que no podíamos hacer de forma real en rodaje. Para empezar, nunca existió una moto que pudiera funcionar y conducirse, así que tuvimos que animar y realizar en nuestros ordenadores todos los movimientos que se ven en pantalla”. El éxito de la secuencia radicaba en la integración de todos esos movimientos del monociclo con lo rodado por el director en los sets. Para que resultara creíble, los integrantes del equipo responsables de la secuencia estudiaron carreras y persecuciones de monociclos reales, la forma en que el conductor se mueve para girar la moto con su cuerpo y la convierte en una prolongación de su cuerpo. El segundo de los grandes retos a los que Ken Hahn se enfrentó con

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la película fue trabajar en muchos planos en los que se han construido digitalmente decorados que aparecen uno o dos segundos en pantalla, pero son realmente necesarios para que todo funcione: “Estos detalles son los que terminan dando el toque real al filme”, comenta Ken Hahn. “Son esos efectos que no están premeditados para llamar la atención. Lo que pretendes es que la audiencia esté metida en la historia y no piense en cómo esta hecha la película. Para nosotros el trabajo es crear esa realidad sin distraer al espectador”.

ción, posters, infraestructuras, coches, ropa… Todo”.

Si lo han conseguido habrán superado el reto de recrear el año 1969, con edificios enteros reconstruidos de forma digital para el largometraje, como el New York’s Shea Stadium. Para los decorados y ambientes de Nueva York se reunieron repetidas veces con el departamento de diseño y arte, con el objetivo de no crear en los ordenadores algo que no cuadrara con el estilo de la época: “Tuvimos que replicar desde señales de trafico hasta ilumina-

Gracias a la magia de Sony Imageworks ese “lugar desconocido” tiene un aspecto fantástico, espectacular y setentero. Un aire clásico gracias a la espectacularidad de las nuevas tecnologías y al trabajo de todo el equipo implicado en la película que hacen de Men in black III un espectáculo plagado de emoción, humor y acción digno de disfrutar en pantalla grande.

Diez años han transcurrido desde que los Hombres de Negro fueron vistos por última vez protegiendo a la Tierra de la escoria del universo y, desde entonces, se ha producido una especulación continua sobre la existencia de una tercera entrega. “Llegamos a un punto en el que todos sentimos que teníamos una historia nueva y convincente que llevaría a la gente a un lugar desconocido en esta franquicia,” asegura Will Smith.

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Cine de los 80 Por Sergio Reina

Lo primero que tengo que decir, es que es una de las películas sobre las que me da miedo escribir. No solo porque es una película que me gusta mucho, y en la que cada vez que la veo, descubro algo nuevo y diferente (y no solo debido a los innumerables montajes que existen de ella, y de los que me ha visto casi todos, pues poseo la versión en VHS, el primer DVD que salió con montaje del director, y sin doblar al castellano, y el definitivo Director´s Cut de 2008), sino también porque sé que es una película de culto, con muchísimos fans en todo el mundo que, sin duda, podrían ser muy críticos con lo que se escribiera sobre ella. Pero ante el encargo del director de esta revista, y el cumplirse este mes los 30 años de su estreno en salas de cine, no me ha quedado más remedio que arriesgarme a escribir sobre ella. Por favor, sed indulgentes... Tras volver a ver el documental que acompaña a la última edición

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en DVD, y que dura la friolera de 3 horas y media, lo que me queda, sin duda, es la cantidad de dificultades por las que atravesó la película. Pero hablaremos más adelante sobre ello. La película está basada de refilón en una de las novelas del maestro de la ciencia ficción Philip K. Dick, ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? Con un guión de Hampton Fancher y David Peoples, narra como si una película de cine negro se tratara (y lo es también), un episodio en la vida del detective y Blade Runner, Rick Deckard. Los Blade Runners son los encargados de “retirar” a los replicantes que se escapan de las colonias y llegan a la Tierra. En el año 2019, han llegado cuatro, y se encarga a Deckard que los retire. Estos cuatro son del último modelo de la Tyrrell Corporation, Nexus 6, muy inteligentes por estar creados por el dueño y genio de la empresa, lo que hará muy difícil el encargo a Deckard. Para ayudar a su localización, se le proporciona una entrevista con uno de los

replicantes que Tyrrell guarda en su empresa sin que este sepa realmente lo que es. Se trata de un modelo femenino, que busca la ayuda del detective al darse cuenta de su propia condición. Ambos comienzan una accidentada relación, en medio de la busca y retiro de los otros replicantes. Una película pausada (que no lenta), y que abordó en el guión Hampton. Este quedó agotado de los continuos cambios que Ridley Scott le proponía, y ante su negativa, Scott, buscó ayuda en otro guionista, David Peoples. Los problemas no acabaron en el guión, ya que el proyecto tenía una gran envergadura y hacía falta buscar más financiación, pues se doblaba el presupuesto inicial. Cuando por fin se consiguió, se hizo rápidamente, y sin mucha posibilidad de negociación, lo que dio un excesivo control en el montaje a los que habían puesto la pasta. Para la elección del elenco de actores, se llegó a proponer como protagonista a Dustin Hoffman,

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tras haber desechado la primera opción que era Robert Mitchum. Hoffman se implicó mucho en el proyecto, pero la duración de la preproducción se alargó tanto, que al final quedó completamente desvinculado y se tuvo que buscar a otro protagonista. Scott había oído hablar muy bien a Steven Spielberg de Harrison Ford, que buscaba un papel más dramático que los dos que había interpretado recientemente (Star Wars e Indiana Jones), y aceptó el papel. Un papel, que bien puede decirse que ha sido el mejor de su carrera. Para el personaje de la replicante femenina y pareja de Deckart, y tras un largo casting y un montón

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de pruebas, Scott quedó prendado de la frescura de una joven Sean Young, que tan solo contaba con 22 años. Uno de los mayores problemas de Young era su inexperiencia, lo que le valió la dependencia de Scott y la exasperación de su compañero Ford, con el que mantuvo más de una discusión, en la que ella acababa llorando. Esto sin duda benefició a la actuación de ambos, y se puede apreciar en al película toda esa tensión sostenida a lo largo de casi todas las escenas que comparten. Algo que como digo, vino muy bien para el desarrollo de esta extraña relación. Rutger Hauer fue el líder de los replicantes. También con una ac-

tuación soberbia, llena de improvisación y aportes por su parte, lo que le dio ese carácter de juguetón, ambiguo, y asilvestrado que tan bien la sienta al personaje. De hecho, el monologo final de su muerte es prácticamente invención suya, y ha quedado grabado a fuego en la mente de los muchos que, como yo, son fans de la película: esos “recuerdos, que se perderán como lágrimas en la lluvia” aún me pone los pelos de punta. En el cast tenemos también a una atlética Daryl Hannah, como replicante acompañante de Hauer. Brillante también. Y podemos nombrar a otros grandes secundarios con grandes papeles, como www.cinemascomics.com

La recepción por parte del público y la crítica, tampoco ayudó mucho, pues el estreno coincidió con otro de los grandes de la ciencia ficción, ET. Y parte de la crítica la tachó de compleja y lenta. Sin duda, lo que fue es adelantada a su tiempo, lo que jugó mucho en su contra a la hora de ganarse al público, aunque el tiempo la ha puesto en su sitio, siendo considerada hoy en día como un gran clásico del cine de ciencia ficción, una obra de culto para muchos, y perfecta para otros. Solo me queda una cosa por añadir (bueno, muchas, pero no quiero aburriros con un exceso de detalles), os recomiendo que tras su visionado, le deis una oportunidad al documental rodado que va en la última edición en Blu Ray y DVD, pues a pesar de contar con una extensa duración, en el podréis ver desde detalles de la filmación, anécdotas, declaraciones de los actores, productores, guionistas, director,... escenas eliminadas, pruebas de escenas, multitud de diferentes puntos de vista, e incluso diversas pruebas de casting para los actores fichados y eliminados. En fin, una gozada de reportaje. Eduard James Olmos con esa Interlingua basada en numerosos idiomas que él mismo se inventó, Joanna Cassidy, M. Emmet Walsh,... Tras un rodaje tumultuoso, lleno de humedad, lluvia, suciedad, con Scott llenándolo todo de humo procedente de carbón quemado para aún dar más la impresión de un futuro sin mucho futuro (valga la redundancia), donde todo es oscuro y triste, se llegó al montaje. Aquí vinieron los grandes problemas, pues los productores querían una película que el gran público entendiera, algo que no parecía muy claro tras unos primeros visionados de prueba. Empezaron con los recortes de escenas para www.cinemascomics.com

ellos innecesarias, metieron una voz en off, para que todo quedara mucho más claro,....

Espero haberos animado a volver a ver esta magnífica película, y si nunca la habías visto a que la descubras. Imprescindible para cualquier buen cinéfilo y aficionado.

Es algo que entiendo, pues yo he visto el montaje doméstico, que es el que hicieron los productores con voz en off, y la última versión, con lo que supuestamente de verdad quería hacer Scott, y sin duda, para mucha parte de público, y sin haber visto el montaje “fácil”, puede ser difícil de ver, o incluso aburrida por esos momentos, en los que no hay dialogo, pero las imágenes hablan por si solas. Algo muy parecido ha pasado recientemente con Drive, alabada por muchos (entre los que me encuentro) y ninguneada por otros, por su “lentitud”. Cinemascomics │septiembre 2012 │

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EDWARD J. OLMOS DIARIOS DE VIAJE ESTELAR Por Christian Arza Blade Runner es ya todo un clásico dentro de la ciencia ficción. ¿El culpable? El señor Ridley Scott, el visionario director que adaptó ligeramente el relato corto de Philip K. Dick “¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?”. Ahora se cumplen 30 años del estreno de esta gran película que protagonizó Harrisond Ford, junto a Rutger Hauer, Sean Young y Edward James Olmos. Precisamente de este último hombre es del que quiero hablaros un momento. Hace un año pude asistir a una convención de ciencia ficción que se celebró en la ciudad de Basauri , la “BasauriCon”. La estrella principal del grupo de actores que venía era, sin duda, Olmos, que venía por segunda vez consecutiva. Todo un fin de semana donde en un ambiente íntimo y alejado de las macro convenciones que normalmente se hacen para este tipo de eventos, el señor Olmos demostró por qué es la estrella que es hoy en día. Y reconoció que gran parte de esa suerte le provino de la película Blade Runner, a la que, según dijo, tiene un especial cariño. Empecemos por decir que para desarrollar toda su carrera o prácticamente toda en América, el señor Olmos habla un castellano perfecto, bueno casi perfecto, porque no es de aquí. Pero era una cosa curiosa ver como él mismo hablaba castellano en las respuestas a las preguntas que le hacían y además luego, las traducía al inglés para sus compañeros que estaban con él en la convención. www.cinemascomics.com

Todo un lujo y un detalle que pocos se pueden permitir. Olmos se ha ganado el cariño de los fans gracias a “Miami Vice” y recientemente a la gran serie “Battlestar Galáctica” en donde en la piel del valiente capitán Adama, recorría el Universo en su lucha contra los Cylons. Curiosamente, o quizá parte de la vida, una serie de ciencia ficción al igual que Blade Runner es la que le trajo de nuevo a la pequeña pantalla y gracias a la cual “resurgió”. Habló muy bien y con mucho conocimiento sobre el futuro que le espera al ser humano en cuestiones médicas. Abordó el tema de la biología y la tecnología, dos ciencias que fusionadas, permitirán al hombre descubrir el gen del envejecimiento para poder “moldearlo”. En pocas palabras, no envejecer. Y además, demostró estar bastante al día sobre los adelantos que se habían dado en universidades como Harvard o los estudios con ratones que habían salido a la luz. Y yo me decía a mí mismo: “Tengo delante al mítico Edward James Olmos y el tío se me pone a hablar sobre envejecimiento, células y demás… A este tengo que llevármelo de fiesta.” Pero es que habla y habla y no puedes dejar de escuchar todo lo que dice, con interés. Y encima no es descabellado, pero no diréis que no choca un poco. Sabemos que las estrellas no son tontas, pero preocuparse por cuestiones de salud, tecnología y demás, es un poco extraño. Una de las primeras preguntas en la charla fue bastante…difícil, di-

ría yo. ¿Cuál ha sido el papel más difícil que ha interpretado? Aunque se lo pensó unos segundos, yo creo que lo tenía bastante claro. Selena. Por lo complejo de la historia y lo intenso que le pareció todo el rodaje. Tuvo la suerte de poder conocer al padre de Selena, el cual estuvo todos los días con ellos en el set, y el cual no paraba de emocionarse ante la historia de su hija, que murió a los 24 años. Recordó que en las escenas de alegría, al decir corten, él miraba al hombre, que siempre estaba en una esquina, atento a todo, con lágrimas en los ojos. También contó que las figuritas de Blade Runner fueron una idea suya que posteriormente se incluyó en la película. Los asistentes le preguntaron cuál es la forma de hacer el pollo que hizo en la película, y contestó ante el asombro de los presentes que fue una idea original de él. Que no hay manera ni instrucción de hacerla. “Si te lo digo, tendría que matarte…”, fue su comentario final entre las risas de toda la audiencia. En cuanto a la mejor escena que recuerda de Battlestar Galactica lo tiene claro: es “toda la serie”. Luego enseguida recondujo el recuerdo hacia la última escena que grabó con Mary McDonald, cuando ella muere y Olmos está al lado de ella llorando. Sus lágrimas caían sobre las manos de Mary, y entonces el director dijo “corten”. Ella se levantó tranquila, serenamente y se dirigió a las escaleras para bajar. Por un momento, se “desvaneció”, en lo que recuerda Cinemascomics │septiembre 2012 │

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Edward James Olmos junto a Harrison Ford en una escena de Blade Runner. Ridley Scott (1982).

como algo tan intenso y precioso que le acompañará toda la vida. En cuanto a la peor escena sobre la serie, tiene dos. Cuando le dicen que su hijo ha muerto por culpa de Starbuck. Y la otra cuando el coronel Tigh le dijo que era un Cylon. “Eso dolió mucho, mucho, era parte de mi vida durante cerca de 40 años y luego me di cuenta que dolió esa noticia”. Se acuerda además, volviendo a Blade Runner, de cuando Ridley Scott estaba en el set dirigiendo la película, alguna escena en la que él no participaba, así que decidió sentarse en la silla que encontró en una parte del decorado que no se estaba utilizando. Ante la previsión de que iba a estar un buen rato, cogió papel y empezó a moldearlo poco a poco haciendo un origami (papiroflexia) con la forma del famoso unicornio. Entonces, recuerda que Ridley se acercó en una pausa donde estaba él y le dijo “¿Quién ha hecho eso?”,

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a lo que él respondió sorprendido: “He sido yo. ¿Por qué?” Ridley le miró serio y llamo al cámara que tenía cerca. “Quiero que grabes esto. Es perfecto para la película. ¿Puedes repetirlo?”. Allí estaba él, en un descanso, con uno de los directores más influyentes del mundo que se había fijado en una pequeña figura creada sin ninguna pretensión, a la que el tiempo ha acabado convertiendo en una seña de identidad. Identidad perfectamente definida en los personajes de Gaff (Blade Runner), de Adama (Battlestar Galáctica), del teniente Martin Castillo (Miami Vice). Personajes iconos que pasarán a la historia junto a este hombre y la película que cumple ahora el aniversario, Blade Runner. Un hombre sencillo, trabajador, concienciado con la etnia latina e hispana que cada vez más, va buscando trabajo a los Estados Unidos con la intención de abrirse un hueco, por lo que él se considera un privilegia-

do al poder dedicarse a algo que le apasiona. Podría transcribiros todo lo que se vivió allí pero es difícil, y más con un hombre como él, al que muchas veces le sobran las palabras. Sus actos lo dicen todo. Acabó su exposición y salió al escenario con una cámara de fotos dispuesto a inmortalizar ese momento que estaba viviendo. Firmó autógrafos y dedicó todo el tiempo que pudo a cada persona que se acercaba a él. Siempre cercano, siempre amable, siempre atento. Y como diría Roy Batty: “Yo he visto cosas que vosotros no creeríais, atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto Rayos-C brillar en la oscuridad, cerca de la puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo, como lágrimas en la lluvia.” Blade Runner siempre estará con nosotros, y usted señor Olmos, con ella. Gracias.

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Siete Reinos, cinco reyes, un solo trono. Cuando los reyes estรกn en guerra la tierra tiembla. Por: Vicente de los santos

La acertada decisión por parte de la HBO de adaptar la obra de George R.R. Martin, continúa con una nueva temporada que lleva emitidos unos cuantos capítulos aquí en España (En E.E.U.U. está a poco de concluir). Los hechos adaptan la segunda novela, Choque de Reyes, donde se continúan hilando los destinos de todos los personajes que fueron presentados en la primera temporada, con un argumento central bastante sólido: La guerra por el trono. Continuando con la mecánica que se utilizó en la primera parte de la serie, Juego de Tronos es un cuento épico de enfrentamiento entre casas nobles, con un mon-

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tón de personajes, hechos e historias que no se aparecen en la serie únicamente como elemento de relleno. El buen espectador ha de guardar toda esa información porque, tarde o temprano, le servirá para comprender, e incluso intentar adivinar, los hechos que acontecerán. La subida al trono de Joffrey Baratheon, las muertes emponzoñadas de Robert Baratheon y de Khal Drogo y la ejecución de Ned Stark, son los pilares del desarrollo de esta segunda entrega, que avanza levemente en cuanto a madurez gracias a la mezcla de intriga, sangre y a la propia evolución de los protagonistas. Si ante-

riormente nos sirvió para presentar a cada uno de los personajes, familiarizarnos con los lugares, e incluso las historias entre las casas, ahora la serie, se vuelve más activa y estructura los hechos que sucederán. De manera que se hace evidente para el espectador que todo va de manera exponencial. Se deja bastante claro que cada nueva temporada será aún más frenética, e incluso letal. Los Siete Reinos contemplan como el joven príncipe Joffrey se alza como rey absoluto, destacando por su crueldad y sangre fría. La casa Baratheon reclama el trono de manera dividida por los hermanos del fallecido Rowww.cinemascomics.com

pretenden tomar parte en la búsqueda de poder y protagonismo. Ante todo esto, la casa Lannister intentará resistir tanto ante los enemigos, como a las disputas internas. Jaime Lannister sigue siendo prisionero de las fuerzas del norte a las que Tywin intenta derrotar.Tyrion marchará a desembarco del Rey como Mano del Rey para controlar tanto los actos despiadados del joven Joffrey como a su propia hermana Cersei. El gnomo vuelve a destacar de entre el elenco de personajes, ahora con el cargo que supuso la muerte de Ned Stark, cosa que tiene muy en cuenta a la hora de formar parte del turbio mundo de secretos y corrupción de palacio. Paralelamente a la trama principal, el bastardo Jon Nieve continuará con su periplo dentro de la Guardia de la Noche, siguiendo con el entrenamiento a manos del Lord Comandante y tomando partido en una expedición en busca de su tío desaparecido, más allá de los confines de El Muro.

bert, que crearán una enemistad por tal de hacerse con la corona. Desde el norte se clama el alzamiento de Robb Stark como Rey del Norte, cuyo objetivo apunta a llegar hasta Desembarco del Rey para tomarlo, recuperar a sus hermanas cautivas y vengar la muerte de su padre. Mientras tanto Daenerys resurge de las cenizas como Madre de los dragones. Junto a su fiel Ser Jorah, los restos de los hombres leales a Drogo y sus crías de dragón, la joven Khaleesi se suma también a la causa de recuperar el Trono de Hierro a cualquier precio. Incluso a lo largo de la temporada encontramos contendientes menos ambiciosos, como los Greyjoy que también www.cinemascomics.com

Por otro lado la joven Arya se verá envuelta en otra trama vinculada levemente con todo el asunto de los reyes. Tras su huída de Desembarco del Rey con destino a formar parte de la Guardia de la Noche, Arya viajará con el hijo bastardo de Robert Baratheon así como con un puñado de personajes que tendrán más o menos importancia en la aventura de la joven. Es imposible no destacar de entre esos nuevos personajes a Jaquen H´Gar, que formará una inusual alianza con la chica.

NUEVOS PERSONAJES George R.R. Martin es conocido por no dejar títere con cabeza. Si la historia requiere que alguien muera, ese alguien morirá sin pudor alguno o sin conocer un capítulo después que no había muerto, o cualquier otra excusa común que podamos encontrar en comics, novelas e incluso películas.

Dado que la segunda temporada va de un enfrentamiento masivo y desde diversos puntos, es de esperar que más de un personaje de la primera temporada vea su final en estos nuevos capítulos. Sin embargo, un buen número de nuevos personajes hacen escena para bien o para mal. Matrimonios de conveniencia para impulsar la guerra, familiares que obligan a traicionar toda una vida a cambio de la venganza de la propia sangre, alquimistas de fuego valirio, maestres, hombres de confianza del ejercito Lannister, magos y comerciantes de Quarth, banderizos de uno u otro bando, o incluso una salvaje de los yermos más allá del muro son algunos ejemplos de, evitando el spoiler en todo momento, nuevos personajes que podremos contemplar en esta nueva temporada. Si realmente no puedes esperar a conocerles (si es que no sigues la obra de Martin) es bastante fácil encontrar verdaderos dosieres de los nuevos personajes en internet.

SE ACERCA EL INVIERNO La primera temporada comenzaba con una amenaza en Invernalia a causa de los extraños seres no-muertos que pueblan el yermo helado. En esta nueva temporada la historia continua. Se sigue temiendo a la llegada del invierno, y la señal de un cometa sobre el cielo sirve para que la superstición y el miedo lleguen a los corazones de todos. A modo de una aventura épica digna de Tolkien, Jon Nieve se convierte en el protagonista de una historia paralela que se aleja de los intereses por el Trono de Hierro. Como Guardia de la Noche marchará en una expedición más allá de El Muro para buscar a su tío desaparecido y averiguar de qué huyen los salvajes. Pero lo sobrenatural no quedará marcado únicamente en dicha expedición y en los muertos Cinemascomics │septiembre 2012 │

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vivientes de las zonas heladas. En esta segunda temporada hay magia oculta, marcada por una sacerdotisa vinculada a Stannis Baratheon, que al más puro estilo de Excalibur promete la corona e incluso la estirpe. Bran Stark continuará con sueños premonitorios donde parece ver a través de los ojos de un lobo, y que reflejarán

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su destino inevitable. Con todo ello, y junto a la existencia de las propias crías de dragón, se crea con una leve pincelada el mundo de fantasía de Juego de Tronos. En definitiva, Juego de Tronos destaca como ser una de las mejores series del momento, una gran aventura épica que sirve

para introducir el género de espada y brujería en un público general, y para el deleite de aquellos seguidores de las obras de George R.R. Martin u otras de similar corte. El sello de calidad de la HBO sigue activo y esperemos que lo siga estando durante mucho tiempo junto a Juego de Tronos.

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QUÉ LEER Thurrakos es una historia de luchas, traiciones, deseos, ambiciones, … todo ello ambientado en época celtíbera, en pleno proceso de transformación social motivado por la colonización romana. Debemos aclarar que “no” es una historia de los celtíberos sino una historia situada en época de celtíberos. Se podrían extrapolar perfectamente los acontecimientos a otras épocas. Ante los grandes cambios siempre ha habido resistencias, muchas de ellas heroicas. Y también mártires, filibusteros, advenedizos, trepas, héroes, … Y la historia siempre los ha valorado según se tratasen de vencedores o vencidos. PERSONAJES En las casi 80 páginas que tiene el tebeo son muchísimos los personajes que aparecen, así que os presentamos a los más destacados : El principal protagonista es THURRAKOS, que da título al cómic y en torno a él se desarrolla toda la historia. Es un joven celtíbero que abandona su aldea buscando un futuro mejor y que se verá envuelto en una trama en la que estarán implicados de un modo u otro el resto de personajes. También destacar a KARA, joven celtíbera , amiga y ex-pareja de THURRAKOS; PIRRESO, gran amigo de THURRAKOS mientras vive en la aldea; BITURES, cacique de la ciudad de SAMÓBRIGA y algunos otros que darán forma a la historia como son; Sizakos el herrero de la ciudad, el anciano jefe del consejo de ancianos de la aldea, el amigo de Thurrakos en Samóbriga, etc,etc.

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THURRAKOS Guión: L. Majarena Dibujos: Moratha Editorial Cornoque Nº Edición:1ª Año de edición:2012 80 Páginas

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SMALLVILLE:

Un viaje desde la pequeña pantalla al papel Por Christian Arza

Smallville dejó un pequeño hueco en nuestros corazones cuando se despidió de la pequeña pantalla hace casi un año. Las aventuras de Clark Kent en la pequeña localidad donde se crió, Smallville, nos hicieron partícipes de su camino para convertirse en el mayor héroe de todos los tiempos: Superman. A lo largo de diez temporadas y unos 217 episodios vemos como Clark va adquiriendo sus poderes, enfrentándose a problemas propios de la vida como adolescente y luchando por mantener su secreto a salvo. Por hacer un breve repaso, diremos que en las primeras temporadas Clark es un adolescente que suspira por el amor de Lana Lang mientras comparte sus problemas con sus mejores amigos, Chloe y Pete. También entran en escena los padres adoptivos de Clark, Jonathan y Martha Kent, figuras clave en el desarrollo del “Hombre de Acero”. Y también hacen aparición Lionel y Lex Luthor. padre e hijo respectivamente, que llegan a Smallville con intenciones de quedarse y sacar provecho de la ciudad. Toda la primera temporada, junto con el arco argumental de la segunda y la tercera, dan como resultado la toma de contacto con el personaje y su mitowww.cinemascomics.com

logía más básica. A saber, la nave espacial, la superfuerza, la kryptonita roja, la aparición de Perry White (futuro editor del Daily Planet) o de Christopher Reeve. A partir de la cuarta temporada, ya al inicio descubrimos que Lois Lane venía a Smallville para quedarse entre nosotros. Por suerte para todos. Erica Durance ha sido toda una gran Lois para la serie. A partir de aquí asistimos a la creación de la Fortaleza de la Soledad, la aparición de algunos de los miembros de la Liga de la Justicia (Flash, Aquaman o Cyborg), Krypto el perro o Brainiac. Mientras, sigue con su tensa relación con Lex, del que se va distanciando poco a poco, y empiezan los problemas con Lana, que se va dando cuenta de que poco tiene que hacer con Clark. Además, fuimos testigos del episodio 100, en el que muere Jonathan en brazos de Clark y en el que al final, Zod posee el cuerpo de Lex, dotándole de todos los poderes de los kryptonianos. Una temporada sensacional. Sexta temporada y se complican las cosas. Asistimos al descubrimiento de la “Zona Fantasma”, la prisión creada por Jor-El, el superaliento, la aparición de Green

Arrow, o la boda de entre Lex y Lana, coaccionada esta por Lionel Luthor, que al conocer el secreto de Clark, la chantajea para que se case con su hijo a cambio de no revelar nada. Una temporada que prácticamente su totalidad se dedicó a los prisioneros que escapan de la “Zona Fantasma” y que siembran el caos por todo el mundo. La séptima temporada nos trajo a la madre de Clark, la biológica, Lara , a su prima Kara, con igual poder, la suplantación de identidad que realiza Bizarro, la kryptonita azul y la última aparición de Lex, en la fortaleza de la Soledad, conociendo el secreto de Clark y portando un Orbe que destruye todo, sepultando a ambos bajo del hielo Ártico, además de conocer por fin al verdadero Lex, el villano de una historia en la que no duda en matar a su propio padre tirándolo por la ventana. Y llegaron en las últimas temporadas los villanos más representativos. Así, en la octava conocimos a Davis Bloome, destinado a convertirse en Doomsday, una bestia enorme y poderosa que le hará a Clark cuestionarse a sí mismo y el poder que tiene; aparece Jimmy Olsen con un peso más importante en las tramas, Tess Mercer Cinemascomics │septiembre 2012 │

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importantes en su vida: sus padres, Lois, Chloe, Oliver Queen, Jor-el y Lara, Brainiac, Kara e incluso Lex Luthor, el cual había muerto y que ha sido clonado, regalándonos en el último episodio una tremenda conversación entre superhéroe y supervillano. Al fin y al cabo, ambos abrazan su destino, pero en lados opuestos. Y por fin, ante el advenimiento de Darkseid (villano principal de esta temporada) y la destrucción de la Tierra, nace Superman. Y ese es el fin del comienzo del “Hombre de Acero” en Smallville. Cuando la serie acabó, muchos nos dijimos que lo habían dejado en el momento más importante, en el mejor. Con Clark ya abrazando su destino y convertido en el símbolo que tenía que ser, los productores decidieron dar carpetazo a la serie (a pesar de tener buena audiencia) y dejar que lo que era el viaje de Clark para convertirse en héroe terminara justo en el momento en que ya lo es.

(hermana de…), y el nuevo rumbo de la relación entre Clark y Lois. La Legión de Superhéroes proveniente del futuro o el adiós de Lana Lang son algunas de las cosas que aparecen en el camino de Clark, que deberá sobreponerse a todas ellas si quiere completar su destino. Y sin tiempo para respirar, Zod hace acto de presencia en Smallville complicando la vida a Clark, pues trae consigo a todos los kandorianos que pudo salvar con él, que no solo no tienen poderes, sino que veneran a Clark, al cual llaman “La mancha” y consideran un salvador. Los celos de Zod le empujan a traicionar a

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Clark para conseguir sus habilidades y liderar la Tierra como el nuevo Krypton. Una temporada en la que Metallo, la Sociedad de la Justicia o el regreso como estrellas de personajes que se habían ido (Martha Kent o Perry White) son el aliciente perfecto para lo que nos quedaba por venir. La décima y último viaje para Clark. La última temporada es la cuestan abajo del largo camino recorrido por Clark y por nosotros, testigos de su vida y su destino. Clark abraza su sino en cada capítulo que pasa, alentado por todas aquellas personas que han sido

Circularon rumores de que igual podría haber una undécima temporada para contarnos lo que pasa después de todo aquello el último episodio empieza siete años en el futuro y que la gente no dejaba de preguntarse (¿Cómo ha sucedido todo, qué ha pasado?). Ante la negativa de seguir con la serie se barajó otra posibilidad, que ya se había llevado a cabo antes con otra serie insignia como es “Buffy”, la cual tras despedirse en su séptima temporada, continuó para alegría de sus seguidores en formato cómic. Y ese es el futuro de Smallville, el cómic. Así, vamos a disfrutar de las aventuras de Clark como Superman, retomándose el hilo argumental justo donde la serie lo dejó, 6 meses después del último episodio. Allí veremos aparecer caras de sobra conocidas para todos, además de incluir a www.cinemascomics.com

todos aquellos personajes que no pudimos ver en la serie (no habría estado mal que saliera Bruce Wayne por ejemplo). Escrita por Bryan Q. Miller, su emisión ha sido el 13 de abril en formato digital. La versión impresa sale el 16 de mayo.

preocupados por que haya un tipo por ahí, un alienígena con una fuerza descomunal, que puede mover planetas.”

Miller ha dado detalles sobre esta nueva andadura de las aventuras del “Hombre de Acero”. “Es el primer año de Clark como Superman”, dice el escritor, también guionista de la serie de televisión. “Él está viajando con la expectativa de que todo funcione bien como hasta ahora. Disfruta pudiendo ayudar y luego estrechar la mano de la gente”.

La temporada 11 va sobre todos nuestros protagonistas en la transición hacia las próximas etapas de sus vidas. Trabajo, amor, heroísmo y villanía, juegan un papel importante. El estreno de la temporada establece no sólo la trama de emprender el viaje para el año, sino también las luchas personales de cada uno. Esto no quiere decir que haya toneladas de angustia. Sólo hay un poco de angustia, aquí y allá. El objetivo es hacerlo lo más entretenido de leer como sea posible, y Clark es nuestro centro para ello. Él es cómo vamos a procesar esa infor-

“La mayoría de la gente está encantada de que Superman salvara al mundo moviendo un planeta fuera del camino”, dice Miller, “pero Lex y otras personas están www.cinemascomics.com

Sobre la dirección que Smallville: Temporada 11 tomará en el cómic y qué veremos:

mación. Él es Superman ahora. No te ocultes más en las sombras en un abrigo negro y una chaqueta roja. Además, le encanta volar y ve sus habilidades como un trabajo, no como una carga. Sobre si podremos ver a otros personajes, buenos y villanos, de la vasta mitología de DC: Sí, claro. A lo grande. Vamos a tener una versión ligeramente nueva de un villano de Superman bastante importante en el estreno de los cómics (que va de los 12 primeros capítulos semanales). Más allá de eso, algunos viejos aliados regresan y aparecen algunos nuevos enemigos. Sobre lo que diferencia de esta serie de comics a los otros comics de Superman: Está en el título: se trata de “Smallville”. Es un conjunto de Cinemascomics │septiembre 2012 │

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piezas con Clark Kent como núcleo. Se trata de una continuación de los personajes alrededor de dos millones de personas a la semana, la mitad de un año cada año, durante una década en sintonía para ver. Si eres alguien que dejó de ver la serie en los primeros años, vamos hacia atrás. No están en la escuela secundaria más. Lleva el traje. Vas a tener acción de Superman. Vas a tener hazañas de Green Arrow. Lois y Clark están juntos y felices. Así que hay un poco de romance. Y Chloe está aquí. Sobre el papel que juega Lois Lane (Erica Durance) en la serie y qué rumbo tomará: La carrera de Lois está en aumento gracias a su exclusiva con el Presidente durante el evento Apokolips (o “Contacto”, como los lugareños lo llaman). Ellos son una pareja en la gran ciudad que están tratando de encontrar tiempo para estar juntos a medida que sus “carreras” comienzan. A esto se añade que la población conoce que los extraterrestres existen. No se pierdan algo que dijo (ya que es una página de una revelación), y es que alguien vio los esclavos en la superficie de Apokolips cuando se encontraba en una órbita baja, en el final. Finalmente estamos muy bien con los superhéroes que patrullan nuestras calles y nuestros cielos, pero Lois no puede evitar sentirse preocupada por Clark y por lo que la gente pensará de los extraterrestres. Sobre el papel de Lex Luthor (Michael Rosembaum) en la serie y qué rumbo tomará: Lex no tiene memoria de su vida antes del capítulo final, pero todavía tiene sus instintos y algo le dice que no puede confiar en Superman, independientemente de lo mucho y bueno que está haciendo. Vio cómo Superman em-

pujaba un planeta fuera de nuestra órbita, lo que significa que hay alguien entre nosotros con el poder para empujar un planeta fuera de su órbita. Eso no se sienta bien a Lex, que ve a Superman como una amenaza potencial para los terrestres.

na televisiva y que nos traigan momentos tan memorables como los de la serie. Quién sabe, dentro de unos años, igual hacemos un resumen de su paso por el cómic con motivo de su vuelta a televisión o, siendo más ambiciosos, a la gran pantalla. Pero eso amigos, será otra historia…

Smallville ya tiene un sitio en nuestros corazones, aunque haya dejado un pequeño hueco su fin televisivo. Ahora tenemos la oportunidad de llenarlo parcialmente con sus aventuras en los comics, unas aventuras que esperemos duren tanto o más que su herma-

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Los robots copan el protagonismo el 30 Salón del Cómic de Barcelona Por Gerard Fossas

El Salón Internacional del Cómic de Barcelona cerró con un multitudinario concierto de Lax ‘n’ Busto su 30ª edición, celebrada entre el 3 y el 6 de mayo de 2012, con una asistencia de público de hasta 108.000 visitantes que fidelizaron, un año más, el matrimonio entre el público catalán y español con el universo de la viñeta, consolidando el evento de Barcelona como uno de los más importantes a nivel internacional en materia de promoción y difusión del noveno arte. Carles Santamaría, director del certamen, se mostró muy satisfecho porque “el Salón ha conseguido su objetivo de ser un gran evento de promoción del cómic con una masiva presencia de público, expositores y actividades” y recuerda

que “nuestro objetivo es acercar el cómic al gran público y crear nuevos lectores de historietas”. El protagonismo de este año, al igual que en el Festival de Sitges 2011, ha sido para los robots y para la inteligencia artificial, ya que la principal atracción del certamen ha sido la completísima exposición de “Robots en su tinta” coordinada por Jordi Ojeda, ingeniero industrial y profesor de la UPC, que dedica parte de su vida profesional al proyecto CCT – Cómic, Ciencia, Tecnología a través del cual recurre al cómic y al cine como herramientas pedagógicas. En la susodicha exposición hemos podido ver una exhibición de robótica, actividades pedagógicas

para escuelas y una colección de viñetas y originales de gran valor cultural y económico. Reafirmando la longeva relación entre el certamen y Star Wars, una de las secciones más relevantes era la de “los Droides de las Galaxias”, en la que se exponían reproducciones a escala de los míticos robots de la saga creada por George Lucas, entre las cuales destacaron los prototipos teledirigidos de R2D2 fabricados por el R2D2 Builders Club de España. No obstante, el principal aliciente ha sido el espacio dedicado al 40 aniversario del mítico Mazinger Z que el Salón ha celebrado con la presencia de su creador, Go Nagai, quién aparte de firmar autógrafos a los fans realizó una multitudinaria charla sobre la popular manga (y

posterior anime) de los años 70. El otro foco de atención principal del Salón del Cómic 2012 fue la presencia de China como país invitado, con un magnífico espacio en el que se pudieron ver algunas de las obras más destacadas del cómic chino en compañía de sus autores y demás profesionales del sector. La comunión fue tal que incluso, desde FICOMIC, se planteó una asociación comercial con China visto el interés que ellos mostraron por el cómic que se hacía en España, con el objetivo de poder editar y difundir comics españoles en el país asiático. Para redondear la cita, no faltaron eventos como la firma de comics por parte de una gran cantidad de autores, la presencia masiva de estantes de topo tipo de librerías y editoriales, espectaculares expositories de futuros estrenos cinematográficos y una gran variedad de exposiciones, muchas de

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ellas muy interesantes, como las dedicadas a los 50 años de Spiderman, los cuadros de Juan y Rómulo Royo bajo el título “Malefic Time”, la del 50 aniversario de la revista catalana Cavall Fort o la fantástica muestra de originales, esbozos y viñetas de Blacksad, el mítico cómic de Juanjo Guarnido (quién seguramente es uno de los mejores ilustradores de nuestro país) que ya ha sido premiado repetidas veces en distintas ediciones del Salón. En materia de premios, el historietista José Ortiz, conocido especialmente por sus colaboraciones con Antonio Segura para el mercado británico y por su serie Hombre, ganó el Gran Premio del Salón del Cómic de Barcelona. Por otra parte, José Domingo se hizo con el premio a Mejor Obra de Autor Español por sus Aventuras de un oficinista japonés (Bang Ediciones) y el desaparecido Moebius –quién,

como no podía ser de otra forma, también tenía una exposición dedicada a su obra– fue distinguido por su último trabajo, Arzak el vigilante, en la categoría de Mejor Obra de Autor Extranjero. A estos nombres hay que sumarles los de Lola Lorente y su obra Sangre de mi sangre (Astiberri), premiada como Autora Revelación, el fanzine Usted que fue considerado el mejor de su categoría y el cómic Lágrimas en la lluvia de Damián Campanario y Assandro Valdrighi (basado en el libro homónimo de Rosa Montero), que fue elegido el mejor por votación popular. También tuvieron una mención honorífica los autores chinos Benjamin Lotulist y Chen Weidong, mientras que Go Nagai obtuvo el reconocimiento del Salón del Cómic de Barcelona por los 40 años de Mazinger Z.

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DIABLO: LA ORDEN Contiene Diablo III: The ORDER HC USA Escrita por Nate Kenyon Novela. 400 páginas PVP: 17,95 € Editorial Panini

La estación espacial Omega es el centro de la anarquía en la galaxia, un antro de vicio gobernado por la mortífera Aria. También es un punto de apoyo estratégico en una lucha de poder a escala galáctica. Después de que la estación sufra el ataque de una nueva amenaza desatada por Cerberus, Aria se verá obligada a ser más cruel que nunca para proteger su casa. ¡Mac Walters, el guionista de Mass Effect 2 y 3, te ofrece esta saga esencial para entender los acontecimientos de la tercera entrega del videojuego de Bioware!

100 % CULT. LOCKE & KEY 3 Contiene Locke & Key vol. 3: Crown Of Shadows TPB USA Guión de Joe Hill Dibujo de Gabriel Rodriguez Libro con solapas. 152 páginas. PVP: 16,50 € Editorial Panini

Los muertos conspiran contra los vivos en el tercer volumen del cómic creado por el genial Joe Hill, el autor de Fantasmas e hijo de Stephen King. Dogde continúa con su búsqueda sin descanso de la llave que abre la puerta negra. Para luchar contra todas las fuerzas que tratan de detenerle, ha invocado un verdadero ejército. Mientras tanto, los chicos de la familia Locke deben luchar una batalla desesperada, en un mundo donde la noche misma se ha convertido en el enemigo.

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WITCH DOCTOR, A GOLPE DE BISTURÍ Edición original:Witch Doctor # 0-4 USA Guión/dibujo: Brandon Seifert, Lukas Ketner Formato: Libro rústica, 128 págs. color. Precio:12,95 € Editorial Planeta DeAgostini Cómics La editorial de Robert Kirkman (Los Muertos Vivientes, The Walking Dead) presenta este relato protagonizado por el Dr. Vincent Morrow, o sea Witch Doctor. El Dr. Morrow está buscando vacuna para el Apocalipsis. En su búsqueda para intentar comprender la biología de lo sobrenatural,se enfrenta a vampiros, posesiones demoníacas, hadas y mucho más.

STAR WARS: CABALLERO ANDANTE Nº 1 Edición original:Star Wars: Knight Errant TPB USA Guión/dibujo: VVAA Formato: Libro rústica, 120 págs., color. Precio: 12,95 € Editorial Planeta DeAgostini Cómics Kerra Holt es un nuevo tipo de jedi, para una nueva era Star Wars! Más de mil años antes de Luke Skywalker, la galaxia expermienta una época oscura, ya que la inefi caz República abandona a todos los sistemas en manos de los pérfi dos Sith. En su primera misión, la joven Jedi Kerra Holt se une (con solo 18 años) a una banda de caballeros voluntarios para desplazarse a territorio enemigo. Kerra cree que está preparada para todo, pero cuando la cosa se recrudece y la dejan sola en zona Sith, se dará cuenta de lo errada que estaba. Sin embargo, no está dispuesta a abandonar.

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CINEMASCOMICS: LA REVISTA. Nº 16