CELULOIDE DIGITAL - OCTUBRE 2012

TOP 5 #1 FRANKEN WEENIE + TIM BURTON + CIERTA FICCIÓN - Pág. 5 #2 DESPUÉS DE LUCÍA - Pág. 15 #3 THE LOVED ONES - Pág. 23 #4 BEL AMI - Pág. 27 #5 LA CHISPA DE LA VIDA - Pág. 31 LA CARTELERA OCTUBRE EN LA PANTALLA GRANDE - Pág. 37

¡EXTRA, EXTRA! - Pág. 49 ROLLIN’ CAMERA - Pág. 51 PREVIEWS - Pág. 53 SHOT: UN VISTAZO A | ‘THE WOLVERINE’ - Pág. 55 FLASH FORWARD | ‘SKYFALL’ - Pág. 57 RECO-MENDA | ‘EL NACIMIENTO DE UNA NACIÓN’ - Pág. 59 EL NIÑO QUE TODOS LLEVAMOS AL CINE | ‘MI VECINO TOTORO’ Pág. 63 REVIEW | ‘UN MÉTODO PELIGROSO’ - Pág. 67 MAURICINE | ‘EL SEÑOR DE LOS ANILLOS I” - Pág. 69 PANTALLA ALTERNA | FESTIVAL DE CINE Y VIDEO INDÍGENA - Pág. 73 CORTOMETRAJES | “EL ÚLTIMO DÍA” +ENTREVISTA CON ALDO GARCÍA - Pág. 75 OUT | ‘WEEKEND’ - Pág. 79 LATITUD 7 | ‘PLAY’ - Pág. 81 CINEMATOGRAFFITTI | ‘ALICE IN WONDERLAND’ - Pág. 83 CINE DEL FIN DEL MUNDO | PARTE III - Pág. 85

NOVEDADES DE CINE EN CASA - Pág. 89 PANTALLA CHICA - Pág. 91 TELEVISIÓN | ARROW: NUEVA SERIE - Pág. 93 MÚSICA | ‘BATTLE BORN’ DE THE KILLERS - Pág. 94

Así nos quedó este ejemplar del décimo mes del año en el que les tenemos un número completísimo lleno de información y reseñas sobre los estrenos más importantes del mes, comenzando claro está, con Frankenweenie y una revisión de toda la filmografía de su director: Tim Burton. Además, les decimos qué nos parecieron la mexicana Después de Lucía (nueva cinta de Michel Franco que busca una nominación al Oscar como Mejor Película Extranjera) y la española La Chispa de la Vida (la nueva cinta de Alex de la Iglesia) con un artículo escrito por nuestro colaborador Pablo Peñalver directamente desde la Madre Patria.

También desde España, nuestro colaborador Julio Nuñez nos habla de la película El Nacimiento de una Nación en un interesantísimo texto que expone que el cine, como hoy lo conocemos, no existiría sin el trabajo del director D.W. Griffith.

Geográficamente más cerca (desde Paraguay), Mauri nos habla sobre la primera parte de El Señor de los Anillos para prepararnos al estreno de El Hobbit en diciembre próximo.

Ya dentro de nuestro territorio nacional, Pedro Arzillier nos habla de la próxima cinta del agente 007: Skyfall e Imelda Aguilera nos habla de Un Método Peligroso, cinta de David Cronenberg que sigue rondando la cartelera nacional. Amaro también nos habla de Weekend en la sección Out y de Play en la sección Latitud 7.

Y ya adentrándonos aún más la provincia nacional, estuvimos presentes en el 8o Festival de Cine y Video Indígena en la sede de extensión en Uruapan y les traemos información sobre los ejercicios audiovisuales que se proyectaron. Además, nuestro esporádico colaborador KET, nos trae un entrevista con Aldo García, director del cortometraje El Último Día, que forma parte de la Sección Michoacana de la décima edición del Festival Internacional de Cine de Morelia que se celebrará del 3 al 11 de noviembre y en el cual estaremos presentes para traerles la cobertura completa en nuestras próximas ediciones.

Como ven, y como ya lo dijimos, este número está supercompleto, así que prepárense para empaparse de mucho cine en cuanto den clic para pasar a la siguiente página. ¡Bienvenidos!

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Editor: Finbar Flynn.

Colaboradores: Pedro Arzillier, Imelda Aguilera, Sweet Bloody Dreams, Mauri, J. Amaro Bautista, Rafael Mejía, Julio Nuñez Marquez, Pablo Peñalver, Cinevidente, Bent, Siniestro Sexual.

Fotografías: Distintas fuentes de internet y proporcionadas por algunas distribuidoras.

Fuente de información para las secciones de noticias: www.collider.com Celuloide Digital es una publicación mensual editada por amantes del séptimo arte sin ninguna finalidad de lucro. El contenido de los artículos es responsabilidad de sus autores. Las personas mencionadas, así como las marcas e imágenes utilizadas en la revista son utilizadas únicamente para fines editoriales, para ilustrar los artículos o noticias de los filmes, de los cuales sus derechos de autor pertenecen a las casas productoras de las cintas aquí mostradas y no se pretende infringir nungún derecho.

es una de las más conocidas popularmente y no precisamente porque la mayoría haya leído la novela que gira en torno al Dr. Frankenstein y su monstruosa creación, sino porque ha sido una de las mas adaptadas a otras áreas artísticas como la cinematografía. Tim Burton, se basó en esta novela para la realización de Frankenweenie allá por 1984 cuando Disney le permitió la realización de un cortometraje live action (en un principio sería un proyecto animado) sobre Victor, un pequeño que, tras la muerte de su amada mascota Sparky, comienza a experimentar científicamente para regresar al pequeño canino a la vida.

Filmado en blanco y negro, el cortometraje es protagonizado por Barret Oliver como el pequeño Vincent, a quien le encanta hacer cortos con su cámara y en los cuales su perro Sparky siempre tiene el rol estelar, hasta que un trágico día es arrollado por un auto; es entonces cuando el niño decide intentar revivir a su mascota con una técnica de impulsos eléctricos de los cuales ha aprendido varias cosas en las clases de la escuela. El pequeño logra su cometido pero los vecinos no aceptan a la mascota resucitada y se asustan ante su presencia. Con este breve relato, Burton expone su mensaje crítico a la sociedad y su intolerancia hacia lo nuevo y lo desconocido.

El cortometraje jamás fue estrenado en las salas comerciales (originalmente se exhibiría antes de las proyecciones del relanzamiento cinematográfico de Pinocho) pues a los altos mandos de Disney les pareció que el trabajo era demasiado oscuro, no apto para las audiencias infantiles que asistían a presenciar la historia de la marioneta viviente; el trabajo de Burton se enlató y una década después fue lanzado en formato VHS. Luego se adjuntó como 'material extra' en la edición en DVD de la cinta producida por Burton, El Extraño Mundo de Jack y se convirtió en una pequeña joya de culto.

Finalmente el trabajo tan querido de Burton había visto la luz (aunque fuera en los formatos caseros), pero el realizador siempre pensó que aún habían cosas por contar respecto a este homenaje a la obra de Shelley y en 2007 firmó con la casa de Mickey Mouse para realizar dos proyectos en tercera dimensión; el primero de ellos (Alicia en el País de las Maravillas) se convirtió en un suceso global; el segundo, está a tan sólo unos días de llegar a las pantallas nacionales: Frankenweenie, nuevamente, ¡Esta Vivo!

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Para la reelaboración del proyecto de Tim Burton (y que tal vez sea el más personal de su carrera desde El Gran Pez), este se rodeó de un equipo de producción (la mayoría ya había trabajado con Burton) que sobrepasó por poco los 150 trabajadores quienes, con el presupuesto otorgado de poco más de 80mdd, construyeron diversos sets a escala en los que interactuaron los diversos personajes, para los cuales tuvieron que fabricarse un aproximado de 200 marionetas con los distintos vestuarios que usaron dependiendo de las escenas o secuencias que se filmaron. Todo un equipo de producción para vestir, iluminar, fotografiar, animar, editar, etc.

Para las voces de los personajes, el director recurrió a algunas celebridades con las que ya había trabajado, como Catherine O'Hara y Martin Short quienes prestan su voz para los padres del protagonista Víctor (con la voz de Charlie Tahan). Winona Ryder, también se reencontró con Burton en este proyecto en el que dio voz a Elsa Van Helsing, la vecina de Víctor e interés amoroso. Los experimentados Christopher Lee y Martin Landau también participaron con sus voces en este proyecto al que Tim Burton ha dedicado años enteros para moldearlo y que el resultado sea perfecto en esa historia que siempre nos ha querido contar y que finalmente ha logrado materializar y en tercera dimensión.

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a figura de Tim Burton siempre se ha relacionado con lo oscuro, lo lúgubre; muchos se han identificado con sus personajes marginados, los diferentes, los raros, los freaks, los inadaptados.

En su cine abundan los personajes poco habituales y la normalidad es puesta a prueba a través de las mordaces críticas que de vez en cuando se atreve a realizar en sus proyectos en la gran pantalla. La figura paterna recurrentemente tiene cierta relevancia dentro de sus tramas (Willy Wonka o Ichabod Crane no han podido superar los traumas que la amenazante figura paterna ha dejado en ellos).

Comedia, drama, horror, fantasía, a veces por separado, a veces todo junto... Vaya, Burton ha incursionado hasta en el subgénero de superhéroes en un par de ocasiones y no le ha ido nada mal. Aquí les dejamos un recorrido a través de toda su filmografía hasta la fecha.

La Gran Aventura de Pee-Wee (Pee-Wee's Big Adventure, 1985) representa la fallida opera prima del director californiano y ésta no pudo ser más desastrosa; desde el insoportable personaje central hasta el guión incoherente sobre cómo el 'cómico' protagonista atraviesa los Estados Unidos para recuperar la bicicleta que ha extraviado. Sus más aguerridos defensores, la consideran de culto, pero son más las que la consideran un producto muy menor.

Tres años después, Burton regresa con otra caótica historia, El Super Fantasma (Beetle Juice, 1988) esta vez protagonizada por Michael Keaton (con quien a partir del siguiente año realizaría un par de cintas del Hombre Murciélago) y Winona Ryder (con quien también trabajaría en un futuro en la cinta más emblemática de su carrera); lo caótico del filme -que gira en torno a un matrimonio recién fallecido que contratan a un super fantasma (obviamente el Beetle Juice del título) para que los ayude a espantar a los nuevos inquilinos de su antigua casa que quieren remodelar por completo- se ve enmarcado por una extraordinaria dirección de arte y los artesanales trucos para los efectos especiales son dignos de ser señalados como uno de los puntos fuertes del filme.

Batman (Batman, 1989) representó un salto cuántico en su filmografía, entregando un trabajo muchísimo mejor que en sus dos proyectos anteriores; el filme se convirtió de manera inmediata en una de las mejores adaptaciones de un cómic a la pantalla grande, a pesar de grandes fallos en el argumento que los fans más aguerridos del Hombre Murciélago no han sabido perdonar (¿El Joker -un excelente Jack Nicholson-como el asesino de los padres de Batman?). Nuevamente, el punto más fuerte del filme es su magnífica dirección artística, un entorno gótico y tenebroso en el que Bruce Wayne -un estupendo Michael Keaton- decide convertirse en el nocturno vigilante de Gotham. Ah sí, también sale Kim Basinger como el interés amoroso de nuestro héroe, pero su participación queda como mero dato curioso de Wikipedia.

Al año siguiente, y para dar inicio a la década noventera, Burton se puso mordaz y nos ofreció su gran obra maestra El Joven Manos de Tijera (Edward Scissorhands, 1990) que bajo la tierna historia de un joven inconcluso (su creador no logró vivir lo suficiente para colocarle manos verdaderas y quedó con unas improvisadas tijeras en lugar de manos) que sale de su reclusión en su castillo para toparse con la hipocresía y el mundo de la sociedad estadounidense (aunque podría ser cualquier otra sociedad del mundo, tampoco hay que ensañarse con los gringos), el director disecciona aspectos de la naturaleza humana como la xenofobia en medio de un pintoresco pero escalofriante vecindario. Extraordinaria en todos sentidos: dirección artística, actuaciones convincentes, guión coherente -y crítico hacía la falsedad de la sociedad-; esta cinta representó la segunda colaboración del director con Winona Ryder y la primera con Johnny Depp, actor con el que desde entonces ha colaborado (muy) recurrentemente.

Batman Regresa (Batman Returns, 1992) representa no sólo la primera y única secuela que Burton ha realizado, sino también se ha colocado como una de las pocas secuelas que han sido superiores a la cinta original, esto gracias a que corrigió varios de los errores cometidos en Batman un par de años antes y ofreció una historia redonda con villanos verdaderamente entrañables: Danny DeVito encarna a un Oswald Cobblepot (aka Pinguino) que busca sus verdaderos orígenes y Michelle Pfeiffeer da vida a una vejada Selina Kyle (aka Gatúbela/Catwoman) que busca claramente la liberación femenina del yugo varonil representado por su nefasto jefe Max Shreck -el siempre estupendo Christopher Walken-.

Irónicamente, uno de los mejores trabajos de Burton gira en torno a uno de los peores directores del mundo; Ed Wood (Ed Wood, 1994) es una satírica fake biopic sobre el que es considerado el peor realizador en la historia de la cinematografía. La propuesta en blanco y negro es utilizada por Burton para, a través del personaje central interpretado por Johnny Depp, exponer su deseo de generar expresiones artísticas sin importar absolutamente nada más: Burton desea ser un artista genuino.

Respaldado por un elenco envidiable, y recurriendo nuevamente a la mordaz crítica social, el cineasta presentó ¡Marcianos al Ataque! (Mars Attacks!, 1996), una hilarante invasión alienígena que evidencia la ineptitud de las instituciones gubernamentales y la hipocresía de las privadas. Así, Burton no deja títere con cabeza y arremete en contra de presidentes, generales y personalidades de la televisión en un claro homenaje al cine de serie B. La manera de acabar con los marcianos de la materia gris expuesta es sencillamente gloriosa.

La Leyenda del Jinete sin Cabeza (Sleepy Hollow, 1999) es una destacable adaptación del relato original de Washington Irving sobre un fantasmal jinete decapitado que tiene bajo su terror al pueblo Sleepy Hollow, al que llega el detective Ichabod Crane para investigar la serie de asesinatos y terminar con la idea de que se trata de paranormales homicidios. Sangrienta y oscura como ninguna otra cinta de Burton, el director supo construir una historia redonda y sacar provecho de todos los elementos de producción: las interpretaciones, la dirección de arte y la magnífica fotografía (a cargo de ni más ni menos que del mexicano Emmanuel 'El Chivo' Lubezki).

El gran tropiezo en la carrera del director californiano llegó con el primer remake dentro de su filmografía: El Planeta de los Simios (Planet of the Apes, 2001). Esta reelaboración del clásico sesentero estuvo desprovista de toda la visión ‘Burtoniana’ que caracteriza sus propuestas cinematográficas. Si ni siquiera sus más fieles seguidores quedaron complacidos con esta reinterpretación, la respuesta de la crítica era más que obvia: no tuvieron piedad y acabaron con ella.

Con El Gran Pez (Big Fish, 2003) Burton ofrece uno de sus trabajos más personales, pues previo a la realización de este proyecto, el realizador sufrió la muerte de su padre, por lo que el homenaje a la figura paterna era de esperarse (aunque, por si no lo habían notado, la figura paterna ha jugado un papel importante en algunas de sus cintas anteriores como Edward Scissorhands o Sleepy Hollow). La historia gira en torno a cómo un hombre agonizante (estupendo Ed Bloom) busca la manera de reencontrarse con su distanciado hijo (un destacable Billy Crudup) al tiempo que relata su vida (y nosotros la vemos en pantalla con un maravilloso Ewan McGreggor). Un relato que, en su narrativa, sabe manejar de manera extraordinaria los aspectos reales con los fantásticos. En la cinta participa también Jessica Lange, aunque su participación no se queda en un mero dato curioso de Wikipedia como la de Basinger en Batman; la experimentada actriz resulta entrañable en las breves escenas en las que podemos verla.

El reencuentro de Burton con Depp se dio en Charlie y la Fábrica de Chocolate (Charlie and the Chocolate Factory, 2005) y desde entonces no han parado de hacer trabajos juntos. En este remake (el segundo en su filmografía), la reelaboración de la historia original de Roald Dahl expone directamente diversos aspectos de la naturaleza humana a través de cada uno de los afortunados infantes que han ganado una invitación a la fábrica de Willy Wonka, considerado el mejor chocolatero del mundo. Con una apariencia del protagonista perturbadoramente similar a la de Michael Jackson, Burton nuevamente inserta una subtrama conectada a la pérdida/reencuentro con la figura paterna. El resultado final de la cinta es bueno, pero las comparaciones con Willy Wonka & the Chocolate Factory, la versión de 1971, son inevitables y la versión de Mel Stuart, protagonizada por Gene Wilder, sale ganando.

El primer largometraje animado de Burton vio la luz el mismo año que Charlie and the Chocolate Factory; El Cadáver de la Novia (Corpse Bride, 2005) se convirtió al instante en una referencia obligada cuando se habla del particular cineasta. La técnica stop-motion y la destacada estética expresionista elevan aún más este entrañable relato sobre la novia que se levanta de la tumba en busca del amor que le ha sido prometido. Una maravilla de historia visualmente impactante y auditivamente sorprendente gracias a la banda sonora de Danny Elfman.

Dos años después, Burton se pone tenebroso con Sweeney Todd - El barbero demoníaco de la calle Fleet (Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street, 2007), un sangriento musical sobre un barbero (Johnny Depp ¿quién más?) que busca vengarse de quienes le arrebataron al amor de su vida. Burton demuestra sus dotes de puesta en escena con este teatral y oscuro proyecto cinematográfico en el que también participa su actriz fetiche Helena Bonham Carter como la aliada del protagonista en su búsqueda de venganza. Depp, por cierto, recibió una nominación al Oscar por su desempeño histriónico como Sweeney Todd.

Después, Burton realizó su propia versión de Alicia en el País de las Maravillas (Alice in Wonderland, 2009) con la participación de la entonces desconocida Mia Wasikowska como la protagonista que cae por la madriguera del Conejo hacia un desquiciado mundo donde las reglas de la lógica no existen. El filme se convirtió en un suceso mundial con millonarias cifras en taquilla al rededor de todo el globo; lamentablemente a muchos de los fans del cuento original de Lewis Carroll y a otros del trabajo de Burton, esta versión no los dejó completamente satisfechos. Al final, Burton había hecho una versión mucho más 'Disney' (entiendase ‘infantil’ y ‘ñoña’) que la que realizó la misma casa del ratón en 1951 bajo la técnica de animación tradicional, la cual se mantiene hasta la fecha como la adaptación definitiva del cuento de Carroll.

Apenas en mayo pasado, el director entregó la irregular adaptación de la serie/novela sesentera Dark Shadows. Artísticamente atractiva y correctamente modernizada (ahora la trama tiene lugar en la actualidad), Sombras Tenebrosas (Dark Shadows, 2011) resultó divertida pero perdió el encanto de la original televisiva; ni siquiera Depp (y el re-to del envidiable elenco) pudo sacarla a flote y lograr un poco más del moderado éxito que obtuvo.

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arles una mascota a los niños parece una buena idea: les enseña a ser responsables y, como recompensa, les da el cariño y la compañía de un animal. Uno asumiría que ese fue el motivo principal detrás de obsequiar una mascota a mi sobrino, el más pequeño, pero no. Mi hermana odia los animales (no lo pensarías al conocer a su esposo), cualquiera, y si se lo preguntas, te dirá: “No, yo amo todos los animales menos los caninos, felinos, animales de granja, acuáticos, aves y lagartos”. A menos que tenga por mascota alguna especie alienígena, dudo que un animal terrestre (ignoremos a su esposo) pueda sobrevivir más de dos semanas en su casa.

Y bueno, considerando eso, que la quiero fastidiar a la primera oportunidad, y que su hijo con nombre de niña era mi sobrino favorito, era bastante predecible el hecho que le regalara una mascota en cuando pudo pedir un gatito.

—Hola enano— Lo saludé, aprovecharía esos pocos años que tendría de infancia para llamarlo así seguro crecería para ser un gorila como su padre.

—¿Qué traes en la caja?—Preguntó intentando quitármela.

—¿Qué caja?

—Ésta —Señaló e intentó agarrarla.

—Una pizza —Respondí. El niño rió y volvió a preguntar— Un pastel, ¿No? Un kilo de galletas ¿No? Un gatito.

—Ya en serio Rosie— Dijo molesto y comenzó a hacer pucheros que nadie creería. Después de haber pintado la pared de su casa con aerosol y negarlo nadie creería sus pucheros.

—En serio es un gatito— Afirmé y no me creyó.

Dejé la caja en el piso y la abrí, el pequeño siamés que había comprado saltó y comenzó a olfatear y rasguñar todo cuanto pudo, decidimos llamarlo Chester sí como el chita de los Cheetos.

Mi hermana discutió conmigo sobre el gato, no lo quería cerca de sus cortinas caras, pero la convencí después de

asegurarle que se iba a comportar inclusive mejor que su hijo (que no es difícil); el gato se quedó en la casa.

—¡Hey enano! —Le llamé al salir de la escuela— Vamos, te invito al cine.

Como la tía permisiva y ansiosa por que al crecer fuera un tipo genial, ustedes saben cómo Burton, había llevado a mi sobrino a ver cada una de sus películas y Frankenweenie no sería la excepción. Amé la película, nos divertimos mucho, casi explotamos al comer una tonelada de palomitas y lo dejé en su casa con la dosis exacta de azúcar para mantener a su madre despierta por muchas horas y yo me fui directo a la cama.

—Toma tu gato— Dijo mi hermana y dejo al pequeño Chester sobre la cama, tenía el pelaje quemado y estaba dejando huellas de aceite de carro en las sabanas.

—Es de tu hijo— Respondí y le rasqué las orejas al minino, se lo entregué.

—O lo adoptas o Karol lo mata— Dijo y volvió a ponerlo en mi cama, dejando más marcas.

—No lo matará, es un poco brusco pero no tan salvaje— Argumenté haciendo énfasis en 'tan' —Lo encontré intentando conectar al gato con un pasa corriente a la batería del auto, al parecer tus viajes 'educativos' le enseñaron algo sobre un perro frankenstein y quería un gato más genial.

Reí y le quité el hollín al gato, estaba orgullosa seguro sería un tipo genial. Misión cumplida, ¡siguiente sobrino!

en un taller mecánico para recoger su automóvil, ahí le explican todo lo que han tenido que repararle/sustituirle para dejarlo en perfecto funcionamiento (prácticamente han tenido que reconstruirlo); el hombre firma, le dan las llaves de su coche, se sube en este y comienza a manejar por las calles de Puerto Vallarta; avanza unos cuantos cientos de metros de la avenida y, en un semáforo en rojo, el hombre apaga el motor, avienta las llaves al tablero, deja su vehículo a media calle y se va caminando.

La secuencia anterior, excelentemente filmada con cámara fija desde el asiento trasero del auto (ojo con el estupendo manejo de los reflejos del retrovisor), marca el inicio de Después de Lucía, la nueva cinta del director mexicano Michel Franco, quien hace un par de años llamó la atención cuando presentó en Cannes su ópera prima, Daniel & Ana, y que este año, volvió a presentarse en el festival francés y consiguió con Después de Lucía la presea a Mejor Película en la sección Un Certain Regard (Una Cierta Mirada), la segunda sección más importante dentro del evento cinematográfico anual.

El nuevo filme de Franco, aborda el tema del bullying, una cuestión de gran complejidad que ha ido empeorando a través de los años. Y es que las 'bromitas' de las que son víctimas los niños y adolescentes 'bulleados' de hoy día no son tan ligeras como lo eran, por ejemplo, hace una década; en el transcurso de estos diez años, la comunidad estudiantil de nivel básico y medio ha ido incrementando el nivel de acoso (tanto en número como en intensidad) hacia sus compañeros. Además, el avance de la tecnología y el acceso que los jóvenes tienen a esta, les han brindado herramientas que han aprendido a manejar para llegar a un punto de acoso incluso fuera de la escuela y a larga distancia, esto es, a través de las redes sociales (cyberbullying), por lo que las víctimas ya no están seguras ni en su propia casa.

Es en un entorno hostil, como el que se vive en casi todas las escuelas del país (el casi es un eufemismo), en el que se desarrolla la historia de Alejandra, una carismática jovencita que, tras la muerte de su madre (la Lucía del título) en un accidente automovilístico, se muda junto con su padre Roberto (el hombre que abandona el coche al principio del filme) al Distrito Federal, para comenzar una nueva vida, lejos de Puerto Vallarta, lejos del dolor.

En la capital del país, las cosas pintan muy bien para padre e hija; él comienza con los preparativos para abrir un restaurante y ella se hace de varios amigos desde el primer día de escuela. Pero no todo está bien, de hecho no está nada bien, el dolor no se ha ido y cada uno ha ido afrontando de manera distinta la pérdida de su pareja y madre, la comunicación que establecen en realidad no funciona, sus palabras solo esconden el dolor con el que no han sabido lidiar. Así, mientras Roberto atraviesa por una profunda depresión que casi le hace tirar la toalla con su proyecto del nuevo restaurante, los nuevos 'amigos' de Alejandra comienzan a acosarla una vez que se difunde un video de ella teniendo relaciones con uno de sus compañeros en casa de una de sus amigas en Valle de Bravo durante un viaje de fin de semana; las agresiones comienzan desde los señalamientos y acusaciones de 'puta' hasta el punto de orinarla encima mientras ella duerme en la playa.

Siempre se ha dicho que la verdad no peca pero incomoda y esta cinta incomodará a todos, pues expone la vergonzosa situación que se vive en el ambiente educativo nacional y a la que no se le ha dado la importancia que merece. A través de una excelente fotografía y las magníficas actuaciones de Tessa Ia como Alejandra y Hernán Mendoza como Roberto, Después de Lucía te aprisiona en la sala de cine y no te deja ir, te habla de manera directa sobre el tema de la pérdida, del dolor, el duelo y la dificultad de seguir adelante tras la pérdida de alguien importante en la vida; casi dos horas después, con una poderosa secuencia final (tanto visual como emocionalmente) los créditos finales te liberan para que digieras todo el dolor y la humillación por la que han atravesado los protagonistas.

Tal ha sido el alcance de esta cinta, que su director está buscando que se proyecte no únicamente en las salas cinematográficas, sino también en las escuelas; mientras se lucha por esas proyecciones en las instituciones educativas, este mes llega a las salas nacionales la cinta Después de Lucía, y de verdad, sumamente recomendable.

del Baile de Graduación es el sueño de cualquier adolescente norteamericana, no en vano hemos visto como hasta la mismísima Carrie se ha emocionado cuando la han nombrado Reina del Baile; aunque claro, todo era parte de una broma cruel y de mal gusto por parte de sus compañeros, quienes obviamente pagaron el precio por sus reprobables acciones.

Y es que si bien la cinta de culto de Brian de Palma (con Sissy Spacek en el rol principal) ha sido la principal referencia cuando se habla de sangrientos bailes de graduación, la cinta The Loved Ones (Cita de Sangre en México) se va por otro camino muy diferente. Para empezar, la película es australiana y el personaje central, en este caso, se le podría considerar como la villana de la historia y no como la pobre víctima que al final reclama su venganza.

En The Loved Ones, vemos al joven Brent, un chico atormentado por la culpa tras la muerte de su padre en un accidente de auto y que lo ha mantenido en una profunda depresión, llevándolo incluso a pensar en terminar con su vida, cosa que no ha hecho pues su novia Holly representa una excelente razón para continuar. Un día, se cruza en su camino con Lola, una chica tímida que ha reunido el valor suficiente para invitar a Brent al baile de graduación, y a pesar de que el chico declina amablemente la invitación, Lola jamás acepta un 'no' por respuesta y organiza su propio baile en el que ella será la Reina y Brent el Rey del baile, un baile al que deberá asistir aunque no lo quiera.

Es bajo esta premisa que se presenta la ópera prima del director Sean Byrnes y con la participación de Xavier Samuel y Robin McLeavy interpretando al depresivo Brent y la desquiciada Lola respectivamente; The Loved Ones es una retorcida reinvención de los bailes de graduación en la cinematografía, un juego cruel del amor que envuelve en sangre a todos sus personajes. Hay quienes se han aventurado a decir que es una mezcla entre Carrie y Saw, pero la cinta va mucho más allá, no es una combinación de las cintas referidas, es una obra que se gana su lugar por sus propios méritos (una cínica visión al mundo de los bailes escolares) dentro del cine indie de shock-horror, como lo hizo alguna vez Peter Jackson con su Dead Alive.

La figura del seductor ha sido presentada hasta el cansancio en la gran pantalla durante casi toda la historia de la cinematografía. Y es que sólo basta recordar la figura mítica y seductora del Dracula de Bela Lugosi y desde ahí hacer un recorrido por la avalancha de películas que tienen como protagonista a un hombre tan bien parecido que tiene vueltas locas a todas las mujeres (y uno que otro varón); tenemos desde las múltiples encarnaciones del seductor por antonomasia Giacomo Casanova (la última estuvo a cargo del ya finado Heath Ledger en la muy ligera Casanova) hasta el muy moderno seductor Hitch (2005) de Will Smith, claro sin olvidar a Mel Gibson en Lo que ellas quieren (What Women Want, 2000) y por supuesto a Alfie en sus dos versiones, ya sea con el siempre excepcional Michael Caine en la de 1966 o con el muy atractivo Jude Law en la del 2004.

La figura del extraordinario manipulador del sexo opuesto nuevamente se presentará este mes en la pantalla grande y esta ocasión toca a Robert Pattinson dar vida al atractivo personaje que volverá locas a diversas féminas, entre las que se encuentran Uma Thurman y Cristina Ricci.

En la cinta, Pattinson interpreta al apuesto Georges Duroy, un joven sin escrúpulos que recién ha llegado a París procedente de Argelia, en donde ha pasado el último par de años movilizado con el ejército. Su encanto personal, y obvio atractivo físico, comienzan a abrirle puertas en la sociedad parisina, tras tomar conciencia de lo que esto significa, sus aspiraciones comienzan a elevarse de manera exponencial, pero su vertiginoso ascenso es inversamente proporcional a su nueva actitud moral, la cual se degrada cada vez más en su camino por lograr ocupar el lugar que ha decidido le es propio en las altas esferas sociales de París.

Con base en la novela homónima de Guy de Maupassant (publicada en 1885), la trama se enfoca en el personaje interpretado por el otrora vampiro vegetariano, quien esta se rige bajo sus propias normas y cuya determinación se ve alimentada, en primera instancia, por la codicia y, después, por el miedo de regresar a su vida de pobreza, una carente situación que se muestra al inicio del filme y por la que hará cualquier cosa para evitarla nuevamente.

Bel Ami es un nuevo intento de Robert Pattinson por desprenderse de su imagen de vampiro andrógino en la ¿saga?

Crepúsculo y ser tomado como un actor serio, cosa que ya ha intentado en cintas como Agua para Elefantes, aunque no lo ha logrado. Además de la cinta que hoy nos ocupa, Pattinson aún tiene pendiente el estreno de Cosmopolis, la nueva cinta del director de culto David Cronenberg y en la que dicen que entrega una actuación bastante buena; pero mientras esa cinta llega, este mes lo podremos ver como el seductor y escalador social Georges Duroy.

Esta frase introductoria fue extraída de un programa real de la televisión Española, y el personaje que la pronuncia, Lidia Lozano, es uno de los máximos exponentes de lo que se ha venido a llamar telebasura. Así, la película conecta en primer lugar con la contemporaneidad más absoluta haciendo de la realidad española uno de los ejes sobre los que se traza el film.

La Chispa de la Vida narra la historia de Roberto, un publicista venido a menos, un parado como los casi 5 millones que hay ahora en España, que, tras fracasar en su búsqueda de empleo, sufre un accidente en el Circo Romano de Mérida. Un hierro se le incrusta en el cráneo. Inmovilizado, este paria que en su día ideó la campaña de Coca-Cola “la chispa de la vida”, tratará de sacarle todo el partido posible, en términos económicos, a su situación. Por ese circo comenzará a desfilar toda una troupe de personajes: políticos, científicos, médicos, publicistas, periodistas, que tratarán de sacar tajada.

El director eligió para el papel principal al cómico televisivo José Mota, archiconocido en España, que denuesta una buena planta en su debut cinematográfico a pesar de ese tic jimcarreyano en muchos de sus gestos. Su mujer está interpretado por una Irregular Salma Hayek que comienza su actuación muy floja, rozando el ridículo, pero que, sorprendente, mejora notablemente su actuación en las últimas escenas del film. Cabe destacar también a Eduardo Casanova, actor de televisión que interpreta al hijo gótico-siniestro del protagonista y se destapa como un joven actor cargado de posibilidades.

El guión, firmado por Randy Feldman, es uno de los puntos flojos del filme. El interesante planteamiento pierde fuerza a medida que avanza el metraje comenzando a visitar lugares comunes mientras pierde fuerza y gana azúcar. No obstante, la destreza con la cámara del realizador, logra mantener la atención del espectador al no perder su estilo dinámico y brutalmente directo.

Podemos entender el film como una crítica brutal al circo mediático en el que se ha convertido la televisión en España, y me temo en el resto del mundo.

Asusta pensar en la verosimilitud de la historia. La película funciona como un fiel retrato de este sórdido mundillo cuyos potentes motores retroalimentados son únicamente la fama y el dinero, del que ya nos daban pista películas como Network, y que por desgracia no deja de sorprendernos.

Pero no deja de ser interesante entender el film como un fiel reflejo de la situación de España, un país que se creía en la cima y despierta descubriéndose pobre. A quien nadie le echa ya un cable y al que el voraz capitalismo que alimenta sus fantasías le ha llevado a caer en picado. Todos los españoles nos sentimos como un hombre con un hierro clavado en el cerebro, agonizamos, pero a cada segundo nos repiten: no te muevas que es peor. Así, políticos, empresarios, y demás entes chupópteros tratan de utilizarnos, para ganar unas elecciones, subir la audiencia o vender refrescos, y luego nos dejan abandonados en mitad de la pista, apagan las luces y ponen rumbo a otro pueblo al que entretener. Cómo no sentirse ridículo cuando el circo se va y uno comprende que siempre ha sido, y lo que es peor, sigue siendo, un payaso en lugar de un ciudadano.

Ese beso a los payasos, al que hacíamos referencia, nos remite también irremediablemente a la anterior película de Alex de la Iglesia: Balada Triste de Trompeta. En ella, de la Iglesia, llevaba a cabo el ingeniosísimo, a la par que aterrador, trabajo de hacer del circo una metáfora sobre la España del siglo XX. Una recomendable y macabra representación en la que dos payasos, como dos Españas enfrentadas en una Guerra Civil, peleaban a muerte por el amor de una trapecista España, sembrando el horror a su paso.

Así pues, la película puede ser entendida como la segunda pate de un díptico en el que el pasado nacional, la filmografía de Alex e incluso la tradición cinematográfica española encuentran una nueva carpa bajo la que actuar.

Pero si la analizamos con detenimiento comprenderemos que el Estilo visual y narrativo de La chispa nos remite mucho más atrás.

Encaja perfectamente con otros títulos del director. Comparte el personaje agobiado de Crimen Ferpecto, los personajes enloquecidos de La comunidad, o los ambientes estrambóticos de El Día de la Bestia.

Y en todas ellas encontramos un nexo común, el retrato delirante de la España más auténtica, la que te ve con un hierro en la cabeza y se ofrece para bajarte la tortilla que ha sobrado de la cena.

Esta visión del mundo, como visto en la concavidad aberrante de una cuchara, no es ninguna novedad y tiene su origen en el esperpento, una tradición literaria iniciada por el escritor Ramón del Valle-Inclán a finales del siglo pasado.

Muchos autores han señalado a esta corriente como una de las vetas del cine Español desde sus orígenes, de Buñuel a Berlanga pasando por Azcona y tantos otros. De la Iglesia se ha destapado como el perfecto continuista de esta tradición, sabiendo caricaturizar de forma aterradora la sociedad que le rodea.

Una divertida y conmovedora aventura basada en la novela best-seller de Stephen Chbosky que ha vendido más de un millón de copias en EU. Es un clásico moderno que capta los vetiginosos altibajos del tormento de crecer. Una historia de pérdida, amor, miedo y esperanza – y los amigos inolvidables que nos ayudan en la vida.

En el thriller futurista “Asesino del futuro”, viajar por el tiempo es una realidad – pero es una práctica ilegal y sólo se puede hacer clandestinamente. Cuando la mafia quiere eliminar a alguien, lo envían 30 años atrás al pasado, donde un “looper” – un asesino a sueldo, como Joe – lo espera para matarlo. Joe tiene muy buena paga y su vida es buena… hasta el día que la mafia decide “terminar relaciones”, y manda al Joe del futuro para eliminarlo.

En la película “Sinister”, Ellison es un novelista de éxito que por casualidad encuentra unos fragmentos de película de cine en su casa. Tras analizarla, cree que con ella podría desvelar cómo y por qué murió una familia años atrás en aquel mismo lugar. Poco a poco irá descubriendo pistas horribles de lo que pudo haber causado la tragedia, poniendo al mismo tiempo a toda su familia en peligro.

Aunque ya está retirado, Bryan Mills se ve obligado a utilizar todos sus recursos y habilidades de agente de la CIA para salvar tanto la vida de su mujer y de su hija como la suya propia. El padre de uno de los secuestradores albaneses que lo tuvieron en jaque en el primer film jura vengarse y aprovecha las vacaciones de la familia Mills en Estambul para llevar a cabo su plan. Una vez más parece que subestiman al ex agente de la CIA.

Cinco amigos deciden pasar unos días de descanso fuera de la ciudad en una apartada cabaña en el bosque, sin imaginar que lo están a punto de vivir pondrá en riesgo sus vidas. Juntos, deberán descubrir la verdad que se oculta detrás de la cabaña del terror… si es que logran mantenerse a salvo.

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Es la historia de un viejo periodista apodado "El Sabio" que decide festejar sus noventa años a lo grande, dándose un regalo que le hará sentir que todavía está vivo: una jovencita virgen y con ella el principio de una vida nueva a una edad en que la mayoría de los mortales están muertos.

En el prostíbulo llega el momento en que ve a la mujer de espaldas, completamente desnuda. Ese acontecimiento cambia su vida radicalmente. Ahora que conoce a esta jovencita se encuentra a punto de morir, pero no por viejo, sino por amor.

En 1824 John Mcgee, un aventurero inglés, y su joven esposa llegan al Soconusco Chiapaneco. Ahí buscan cumplir su sueño de prosperidad y convertirse en los primeros productores de café en el lugar. Al llegar a Chiapas se percatan que el estado se ha separado de la Capitanía de Guatemala adentrándose en un "gobierno" transitorio y anárquico que durará 18 años. Durante este tiempo John verá su sueño frustrado y se tendrá que refugiar en su propia finca bajo la protección del clero. La entrega en dote de su hija Isabel, como última opción para cumplir su sueño lo llevarán a negociar con Gerónimo y Julian, vendedores de cafetos y esclavos respectivamente. En medio de la belleza y la hostilidad de la selva surge una historia de amor y traición que enmarcó la llegada del café a Chiapas.

Cuando el congresista veterano Cam Brady (Will Ferrell) comete un error garrafal antes de la próxima elección, un par de cabilderos sin escrúpulos planean imponer a un candidato rival para gozar de influencias en su distrito de Carolina del Norte. Su hombre: el ingenuo Marty Huggins (Zach Galifianakis), director del centro turístico local. Al principio, Marty parece ser una opción inverosímil, pero con la ayuda de sus nuevos benefactores y un feroz asesor de campaña, se convierte rápidamente en un contendiente que le da al carismático Cam algo de qué preocuparse. A medida de que se acerca el día de la elección, los dos rivales están prácticamente empatados y los insultos se convierten en injurias, hasta que lo único que les preocupa es enterrar al otro.

A veces en unos días se vive la vida entera… Un viaje de graduación de preparatoria, en donde el amor, la amistad, el deseo, las ilusiones, la inocencia y lo prohibido forman parte de esta aventura. El encanto y desencanto sale a relucir en la amistad de unos adolescentes. Ellos quieren entender qué es lo que les está pasando y qué van hacer con su futuro.

Merce y Raúl se conocen después de varios fracasos amorosos, se enamoran e inevitablemente se ven de nuevo condenados a repetir la historia tantas veces vivida, tras la primera fase romántica se da paso al miedo, al control, la dependencia, el intento de cambiar al otro y adaptarlo a mí…, algo enfermizo, algo que nada tiene que ver con el amor, es justo lo contrario al amor.

La cuarta parte de la saga continua la historia regresando al presente para retratar acontecimientos posteriores a los primeros dos filmes, en los que las hermanas Katie y Kristi eran perseguidas por un malévolo espíritu. En esta ocasión la protagonista será una adolescente llamada Alice, cuya familia comienza a experimentar acontecimientos extraños en coincidencia con la llegada de nuevos vecinos, entre los que se hallan un misterioso niño pequeño.

Un grupo de mujeres de dos religiones opuestas (musulmanas y cristianas) demuestran un gran ingenio para distraer a sus hombres y con ello lograr que olviden sus diferencias religiosas, las cuales los podrían llevar a una guerra interminable llena de tragedias.

En “Silent Hill: Revelation 3D”, Heather Mason (Adelaide Clemens) y su padre llevan casi toda la vida huyendo de unas misteriosas fuerzas que los persiguen. Ahora, justo cuando la joven está a punto de cumplir los dieciocho años, su progenitor ha desaparecido, momento en el que ella descubre que no es quien creía ser. Dicha revelación le lleva a adentrarse en un mundo demoníaco que amenaza con encerrarla para siempre en el misterioso pueblo de Silent Hill.

Documental sobre una familia de chimpancés que vive en Costa de Marfil.

Sin tener a dónde más ir, Justine se refugia en casa de su media hermana y su novio. Lleva una vida emocional inestable y cambia de pareja constantemente. Como si su vida no fuera un caos, Eli, su padre de casi 60 años, espera un bebé con su nueva esposa, suceso que altera a las dos hermanas. Eli no sabe cómo acercarse a Justine, y lo hace a través de sus ex novios, sin embargo, su torpeza sólo le ocasiona más problemas a su hija, incluyendo a su nuevo amor. Como radióloga, Justine encuentra la manera de conocer mejor a la gente que la rodea, incluso a su padre. Explora su creatividad retratando personas y objetos para reconstruirlos con su propia visión.

La Academia Mexicana de Ciencias y Artes Cinematográficas ha dado a conocer que la cinta 'Después de Lucía' (del director Michel Franco) será la que represente a México en la competencia para las nominaciones como Mejor Película Extranjera en la ceremonia del Oscar y como Mejor Película Iberoamericana en la entrega de los Premios Goya en España.

'Después de Lucía' ganó el premio "Un Certain Regard" en la pasada edición del Festival de Cannes, convirtiéndose así en la primera cinta mexicana en ganar tan prestigiado reconocimiento (la segunda sección más importante del evento en la costa francesa) y será estrenada en México este mes.

El director Marc Foster (Quantum of Solace y Finding Neverland) está en negociaciones con Disney para hacerce cargo de un filme que se centra en un niño que, a la edad de seis años, se refugia en su mundo imaginario una vez que sus padres son asesinados, la trama avanza treinta años y muestra a su hermana tratando de ayudarlo a escapar de sus demonios tras haber sido diagnosticado con una raro desorden psicológico que le provoca el imaginarse viviendo en un mundo parecido a las caricaturas.

Natalie Portman podría encarnar a Jackie Kennedy en la película que se centrará en la parte inmediata de la vida de la primera dama tras el asesinato de su esposo John F. Kennedy; orioginalmente la cinta sería dirigida por Darren Aronofsky y protagonizada por su esposa (en ese entonces) Rachel Weisz, pero ambos abandonaron el proyecto tras su divorcio, ahora se busca que Natalie Portman acepte el papel principal mientras buscan a un director que reemplace a Aronofsky en esta especie de biopic.

A STAR IS BORN Beyonce Knowles ha abandonado el proyecto dirigido por Clint Eastwood en el que también participan Leonardo DiCaprio, Tom Cruise, Christian Bale y Bradley Cooper. Ahora, el experimentado director busca reemplazo para la cantante, algunos dicen que Esperanza Spalding podría ser la sustituta. HAPPY RZA ya planea su siguiente cinta (su debut como director -The Man with the Iron Fists- está próximo a estrenarse en los Estados Unidos) y se trata de una adaptación del cómic de Grant Morrison, quien al parecer también escribirá el guión del traslado del papel a la pantalla grande. PEANUTS Al parecer Charlie Brown y Snoopy tendrán una nueva cinta que será estrenada en las navidades del 2015; los encargados del proyecto son Charles M. Schulz Creative Associates en conjunto con los estudios de Twentieth Century Fox Animation y Blue Sky Studios. THE BRIDGE El mexicano Demián Bichir será el protagonista una nueva serie policiaca del Canal FX que gira en torno a un asesino serial, aunque por el momento sólo se realizará el episodio piloto dirigido por el también mexicano Gerardo Naranjo (Miss Bala).

Imagenes de “Catching Fire” tomadas de: http://www.celebuzz.com

Recientemente salieron a la luz las primeras imágenes captadas desde el set de la secuela de The Hunger Games, en ellas podemos ver a Jenniffer Lawrence y Josh Hutcherson dando vida nuevamente a Katniss Everdeen y Peeta Mellark respectivamente; también en las imágenes podemos ver a Sam Claflin encarnando a Finnick Odair, un nuevo personaje de vital importancia en esta continuación en la pantalla grande de la trilogía literaria de Suzanne Collins. La cinta llegará a las pantallas el 22 de noviembre de 2013.

Otra secuela más se encuentra en filmación, esta vez se trata de la continuación de la exitosa Kick-Ass; en esta nueva entrega de la franquicia basada en el cómic homónimo, están de regreso Aaron Taylor-Johnson, Nicolas Cage, Chloe Moretz y Christopher Mintz-Plasse, a quienes se unen Jim Carrey y John Leguizamo.

En las primeras imágenes filtradas de la filmación podemos ver a Carrey dando vida al Coronel Stars, además de la incursión de Carrey, actores como Robert Emms y Lindy Booth (como Insect Man y Night Bitch respectivamente) también se han sumado al elenco y hay que tenerlos en la mira. La película llegará a los cines el 28 de junio de 2013.

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Imagen: http://www.comingsoon.net

Un nuevo reboot está en pleno desarrollo y ahora le ha tocado al ochentero ciberpolicía de Delta City (antes Detroit) explorar la pantalla grande tras su nuevo 'rediseño' tanto interior (ahora interpretado por Joel Kinnaman) como exterior (una armadura orgánicamente futurista).

En las imágenes que han aparecido por toda la red, se aprecia casi a detalle (aunque suponemos que en postproducción se añadirán/modificarán más elementos) la nueva armadura que porta Alex Murphy tras su transformación en el guardian RoboCop. La cinta dirigida por José Padilha verá la luz el 9 de agosto de 2013.

Imagen: www.comingsoon.net

No todas las noticias que nos llegan de las filmaciones nos llegan filtradas en la red, en este caso, ha sido el mismo Matthew Libatique quien compartió un pequeño vistazo del interior del Arca de Noé en la bíblica cinta de Darren Aronofsky que se encuentra actualmente en filmación.

La cinta protagonizada por Russell Crowe llegará a las pantallas en marzo de 2014

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http://youtu.be/xbjz5uBToTQ

Anthony Hopkins será quien dé vida al maestro del suspenso en esta especie de biopic que pretende centrarse en la relación del legendario director con su esposa Alma Reville (interpretada en la cinta por Helen Mirren) durante la problemática producción de Psycho.

El estreno mundial de la cinta se llevará a cabo el próximo 1° de noviembre en el AFI Fest. En la cinta también participan at Scarlett Johansson como Janet Leigh, Jessica Biel dando vida a Vera Miles y James D'Arcy como Tony Perkins, actor que dio vida al mítico Norman Bates.

http://youtu.be/MXaanQkzrXU

Gran expectativa ha generado la primera cinta de habla inglesa del director Park Chan-Wook (responsable de la trilogía de la violencia conformada por Oldboy, Lady Vengeance y Sympathy for Mr. Vengeance...) conformada por un elenco que incluye a Nicole Kidman, Mia Wasikowska y Matthew Goode.

Primer trailer de un interesante ejercicio fílmico que consta de 17 estilos de animación realizados por 15 distintos animadores para una historia centrada en Graham Chapman, uno de los seis miembros de Monty Python que falleció de cáncer en 1989. http://youtu.be/dbW842eMNtI

http://youtu.be/QbiAwNbhoRw

Primer avance de la adaptación de la trilogía literaria de Kami Garcia y Margaret Stohl bajo la dirección de Richard LaGrevenese; el filme es protagonizado por Alice Englert, Emmy Rossum, Jeremy Irons, Emma Thompson y Viola Davis.

S

i alguna vez quise se gran héroe de acción, fue ser James Bond. Su presencia, su galanura, la suerte con las chicas en cada película, sus habilidades para luchar y siempre casi salir ileso, sus autos, su porte, y su humor inglés que lo caracterizaban, fueron siempre mi admiración por este agente inglés; bueno, con decirles que si me hubieran invitado a ser una chica bond, con todo gusto lo haría (jajaja, es broma). Muy aparte de esto, mi admiración por el cine hizo que tenga dentro de mi colección todas las películas. Ya sé que muchos podrán decir de que estas son unas “jaladotas de los pelos”, que ni se despeina, que hace cosas imposibles, pero esto es lo que hace un héroe a un espía con licencia para matar al servicio de la corona inglesa. Podría escribir muchas páginas acerca de James Bond, desde todos sus protagonistas, quien ha sido el más querido, el menos recordado, el más simplón, el más carismático, el más galán, pero me concretaré a hablar de esta muy esperada película numero veintitrés , no sólo por mí, sino por admiradores que tiene este agente doble cero alrededor del mundo.

Para empezar, podemos decir que Daniel Creig, sigue siendo James Bond (y ya tiene contrato firmado por dos películas más), que “M” también es interpretada en esta secuela por Judi Dench.

En esta nueva película, podemos ver que hubo un pequeño problemita con una misión y quedan al descubierto los nombres de todos los agentes del MI6, también se piensa que Bond ha muerto. Pero cuál es la sorpresa,

que reaparece el para salvar la vida de algunos de los agentes y sobre todo la reputación de “M” por unas cosas turbias son reveladas.

Se habló de que en esta película, su director Sam Mendes, se enfocaría mas en las actuaciones y la historia eliminando las escenas de acción para así tener una oportunidad de aparecer entre las elegidas para aspirar un Oscar, pero esto, de la misma voz de su director, lo desmintió en varias entrevistas en las que dijo que las escenas de acción son una parte muy importante dentro de la trama. ¿Qué podemos esperar de esta nueva entrega?, pues yo diría que una historia bien hecha, muchas escenas de acción, chicas guapas nueva tecnología en armamento y un excelente villano interpretado por Javier Bardem.

Ya ansioso para su estreno me encuentro. El tráiler lo he visto más de cien veces, el tema principal interpretado por Adele, también ya lo he escuchado otras tantas veces, me encuentro festejando el cumpleaños número cincuenta de 007, ya tengo el wallpaper de la película en mi computadora y estoy que me como las uñas porque ya sea el día del estreno. Y para variar no olvidaré comprarme mis palomitas acompañadas de mi refresco de cola Jumbo y “pueque” hasta unos chocolates me compre para calmar los nervios durante la función. Para los que no han visto el tráiler se los recomiendo, visiten la página oficial y venlo ahí, aparte de que encontrarán muchas cosas más. .

http://www.skyfall-movie.com/site/

L

a película sobre la que versa este artículo cambió, en 1915, toda la historia del cine. Quizá no sea la mejor película de la historia; pero es, sin duda, la más importante y la más necesaria. De obligatorio visionado y análisis para todo amante del cine. Así mismo, su director posiblemente no sea el mejor director de la historia; pero es, al menos para un servidor, el más importante.

Sencillamente porque Griffith es el padre del lenguaje cinematográfico.

Vale, es cierto, los hermanos Lumière son los padres del cine. O mejor dicho, son los padres del cinematógrafo; pero no vieron en el invento más que eso: un simple invento. Fueron los estadounidenses de la costa este (ojo, no Hollywood) quienes, bajo la tutela de Thomas Alva Edison, supieron ver en el cinematógrafo algo más: la posibilidad de un negocio y una industria que, cien años después, sigue moviendo miles de millones de dólares en todo el mundo.

Y todo ello fue posible gracias al primer gran director de cine de la historia, D. W. Griffith, y a la primera gran película de la historia, El nacimiento de una nación. Antes de esta película, pocas cosas se podían considerar cine como lo conocemos hoy en día: el metraje apenas solía durar más de 10 minutos, la cámara estaba estática, no había angulaciones, solían rodarse en los mínimos planos posibles, la composición en el encuadre era mínima…

Pero llegó Griffith y lo cambió todo. Arriesgó el dinero de su propia productora para realizar la primera gran producción de la historia del cine: una película de ¡más de tres horas! en la que nos cuenta, a través de la relación de una familia de sureños y otra de norteños, algunos de los acontecimientos más importantes de la historia de Estados Unidos como lo son la guerra civil o el asesinato de Abraham Lincoln.

La película ha sido descalificada por gran parte de la crítica por ser racista y es cierto. Es un filme abiertamente racista en la que los personajes negros están interpretados por actores y actrices blancos con la cara pintada, se enaltece la figura del Ku Klux Klan como liberador de los males de Estados Unidos y se menciona expresamente el carácter “ario” de la raza blanca. Pero si nos abstraemos de todo mensaje racista y vemos el filme desde un punto de vista más teórico, nos encontramos ante una película visual y narrativamente maravillosa: un guión complejo, que narra una historia perfectamente hilada y que resume el antes, el durante y el después de un conflicto tan duro como sólo puede serlo una guerra civil.

Pero, ¿qué cambió exactamente El Nacimiento de una Nación?

No quisiera entrar en tecnicismos, pero sería alta traición hablar de Griffith y la creación del lenguaje cinematográfico sin mencionar brevemente a Noël Burch. Éste crítico estadounidense definió dos etapas claras en la historia del cine: una conocida como Modo de Representación Primitivo (MRP) y otra como Modo de Representación Institucional (MRI). Griffith representa a la perfección el paso de la primera etapa (la etapa primitiva) a la segunda (cine como hoy lo conocemos).

En El Nacimiento de una Nación Griffith se desvió por primera vez del plano general y se atrevió con el obsceno primer plano (se le consideraba obsceno porque en la vida real sólo ves un primer plano en los momentos íntimos). Esto motivó una menor exageración en los gestos de los actores y un mayor reconocimiento del rostro del mismo lo que desembocó, inevitablemente, en una mayor identificación del espectador con el personaje. El espectador sufre con el personaje y se alegra con él, consiguiendo que las emociones estén a flor de piel.

La película en sí misma es un experimento y resulta divertido ver cómo Griffith intenta utilizar determinados recursos donde no debe. Por ejemplo, es común durante el metraje que en una misma escena se cambie de un plano a otro cerrando el iris. Como dice el gran director y profesor de cine, Enrique Urbizu, «se lo estaban inventando».

Sin embargo, con otros muchos recursos acierta ¡y vaya que si acierta! En El Nacimiento de una Nación encontramos montajes paralelos o flashbacks (ya antes utilizados en el cortometraje Vida de un bombero americano, de George Fleming y Edwin Porter), utilización de la iluminación de manera dramática, fundido a negro como punto y aparte que separa grandes bloques temáticos, composiciones bien articuladas en los grandes planos generales, utilización de la luz artificial para crear contrastes y contraluces, desenfoque como recurso artístico, variedades en el emplazamiento de la cámara… e incluso Griffith se atreve con algún torpe movimiento de cámara (travellings y panorámicas) que no consigue el efecto deseado debido a la pesadez de la cámara. ¿Quién no ha visto ninguno de estos recursos en el cine actual?

Pero, sin duda, lo que más me fascina de Griffith y de El Nacimiento de una Nación es cómo el director es perfectamente consciente del tiempo diegético y cómo juega con él, estirando y contrayéndolo como si de un chicle se tratase para crear en el espectador una determinada sensación. ¿Acaso no hemos visto en ninguna película actual un suspenso prolongado de tiempo que termina con la salvación in extremis del protagonista? Pues bien, eso es Griffith.

En resumen, ¿por qué recomiendo El Nacimiento de una Nación?

Porque, a pesar de ser una película difícil de ver (hay que reconocer que 3 horas y 10 minutos de cine mudo al final llegan a cansar), me parece la película más importante de la historia del cine y la más necesaria de ver. Sencillamente porque a Griffith le debemos todo, ya que todo el cine posterior le tomó como referencia e imitó sus filmes. Porque a nivel de lenguaje, aunque parezca mentira, el cine no ha cambiado tanto desde este filme de 1915. Griffith es el primer director que es consciente del cine, que es consciente de lo que tiene entre manos cuando se coloca detrás de una cámara.

Posiblemente el dichoso invento de los Lumière después de El Nacimiento de una Nación aún fuese un bebé al que le quedaba (y queda) aún un largo camino que recorrer; pero, señores, David Wark Griffith había inventado el CINE.

E

n 1986, dos años antes de morir, el Uruguayo emigrado a Francia, Isidore Lucien, más conocido como Conde de Lautréamont, publicó sus Cantos de Maldoror. Despreciada en su época, la obra se convirtió años más tarde en uno de los textos sobre los que Bretón y compañía sentaran las bases del movimiento surrealista.

Sin duda, la frase que más cautivó a los surrealistas fue aquella que decía: “bello como el encuentro fortuito, sobre una mesa de disección, de una máquina de coser y un paraguas”. Os propongo, amigos cinéfilos, que tomemos asiento alrededor de esta reseña convertida en mesa de disección, sobre la que pongo la que, para mí, es la mejor escena del cine infantil de todos los tiempos. Hablo de la escena del autobús del film de Hayao Miyazaki Mi vecino Totoro. Tras abrirla en canal y pasar por el escalpelo sus elementos formales, quizá entendamos mejor cuánto hay en ella de cine.

Mi vecino Totoro cuenta la historia de Mei, una niña de 4 años, y su hermana Satsuki de 11. Cuando su madre cae gravemente enferma, el padre de las niñas decide llevarlas a pasar una temporada en una pequeña casa en mitad de un frondoso monte. Con la incertidumbre causada por el estado de salud de la madre, las niñas exploran su nuevo hábitat, cuando Mei, en solitario, encuentra un Totoro, el descomunal y peludo espíritu del bosque que da nombre a la película.

Justo antes de que nuestra escena comience, las niñas, a pesar de que hay tormenta, deciden ir a esperar a su padre, que vuelve del trabajo, a la estación de autobuses.

La secuencia se desarrolla por completo en la parada del autobús, compuesta por un simple poste clavado en un camino de tierra en el corazón de un frondoso bosque. Provistas de sendos paraguas, Mei y Satasuki, descubren que su padre no llega con el primer autobús y deciden quedarse a esperarle.

La paleta cromática está compuesta, en los primeros compases del fragmento, por colores grises y asépticos, que nos evocan más una ciudad que un bosque y anticipan la llegada del autobús sin el padre. A partir de ahí, Miyazaki comienza uno operación de ralentización del tempo narrativo, con planos contemplativos, muy cuidados compositivamente, en los que nos invita a detenernos a contemplar la belleza de las texturas del agua como ya hiciera Joris Ivens en su cortometraje Reagen, allá por 1929.

El escenario cambia momentáneamente para acompañar a Mei en su interés por la sencilla belleza de las gotas de agua hasta un pequeño templo. Miyazaki nos presenta los tres elementos que articularán el resto de la escena: la curiosidad infantil, el interés por la naturaleza y cierto concepto de trascendencia.

Se plantea entonces la escenografía principal de la escena. La luz cálida de la farola alumbra a las niñas, solas en la parada de autobús en mitad del inmenso bosque. Se crea así un espacio casi metafísico, un remanso de luz en la fría y tempestuosa noche. Un espacio que nos habla de dos niñas que viven su propia aventura encendida mientras la sombra de la muerte de su madre las rodea. Nos habla de un país, el Japón de los 50, que ha sufrido la oscuridad de la Segunda Guerra Mundial y busca la luz. Y nos habla por último, del sueño, de la pesadilla, de lo imposible, lo abstracto y lo mágico.

Y Miyazaki ralentiza aun más la narración, con el sonido hipnótico de la lluvia al caer, y el tranquilo andar de un sapo. Se trata de uno de esos planos aleatorios y carentes, en apariencia, de sentido que inundan su cine. Planos que nos invitan a contemplar, que nos dan tiempo para pensar, para rellenar el contenido del film con nuestra propia experiencia, que nos hipnotizan.

Entonces, con un excelente manejo del fuera de campo, que quizá nos recuerda al maestro japonés Yasujirô Ozu, acudimos al primer encuentro entre Satsuki y Totoro. En un plano subjetivo de Satsuki, oímos unos pasos que se acercan. Y así, con la visión parcialmente tapada por el paraguas, vemos que una pata gigantesca entra en escena. Pero la niña no sale despavorida, sino que sube el paraguas para descubrir una garra que, en vez de amenazar, se rasca con soltura el costado.

No hay diálogo, sólo la sorprendida mirada de Satsuki y de todos notros ante la intromisión inesperada de un gigantesco Totoro. La conexión entre lo infantil y lo natural es fluida, sencilla. El plano de conjunto de las niñas y el espíritu es conmovedor. No hay que analizarlo, no hay que entenderlo. Sencillamente, un Totoro espera con desgana el autobús. Es normal. Como lo sería en la mente de un niño. Y con insospechada y mágica cotidianeidad Satsusuki le ofrece al Totoro su paraguas y le enseña a utilizarlo ante la atónita mirada de un sapo. Sencillamente genial.

Entonces, Totoro, que representa tanto la naturaleza como lo espiritual, descubrirá el maravilloso sonido que produce una gota de agua al caer sobre un paraguas.

Una de esas cosas simples pero maravillosas, que sólo los niños son capaces de apreciar, y que los adultos obviamos con frecuencia.

El Gatobús, quintaesencia de los personajes de Miyazaki, mezcla de máquina animal y espíritu, entra en escena. El Gatobus tiene el sonido del viento. Aunque no dé tiempo en esta disección para analizarlo, os invito a que rastréis la presencia del viento como metáfora de esperanza a lo largo del film. Nuestra escena se cierra pau-

sadamente, como la carne del Gatobús, con la marcha de Totoro, mientras una brisa nos saca de nuestra ensoñación. Llega el autobús real, el padre, y la palta de colores nos regresa al mundo terrenal.

Antes de cerrar el sujeto de la autopsia, me gustaría volver a recordar aquellos tres conceptos. La naturaleza como un ente vivo, como algo mágico y cercano. La infancia como el hogar de los sueños, el lugar donde las cosas más insospechadas tienen cabida, donde los surrealistas buscaron su inspiración, donde los prejuicios no tienen sentido y un paraguas es tan mágico como un Totoro. Y finalmente el concepto de trascendencia, la idea de lo espiritual. En el polo opuesto del dogmatismo judeocristiano, Miyazaki, inspirado por la riqueza cultural de la tradición nipona, representa la infancia, la naturaleza, la lluvia, lo efímero, lo eterno, la luz, la oscuridad, la vida y la muerte como partes de un todo. Y nos habla de este devenir lleno de ambigüedades, inexplicable y maravilloso, que es la vida y es el cine. Extraño sin duda, pero bello, como el encuentro fortuito, es esta mesa de disección que abandonamos, de un Totoro y un paraguas.

P

arece ya una fórmula muy bien probada y a veces hasta predecible la que utilizan ciertos directores y guionistas con respecto a trastornos psicológicos de fuerte talante en sus protagonistas, o mejor aún, en sus antagonistas y la lucha que hay entre ambos para generar una historia interesante o llanamente estresante. De ahí que hemos entendido conceptos “light” de la psicología aplicada gracias a dichos filmes (Shutter Island, 2010; Hide and seek, 2005; Don´t say a Word, 2001, por mencionar sólo algunos) y con ellos hemos aprendido a etiquetar a los personajes e incluso las situaciones reales que nos toca vivir.

Es por eso que “a Dangerous Method” del director David Cronenberg, propone una perspectiva distinta para abordar las obsesiones y las fobias, reuniendo a la crema y nata del psicoanálisis, con actores de igual nivel: Viggo Mortensen (Sigmund Freud), Michael Fassbender (Carl Gustav Jung) y Keira Knightley (Sabina Spielrein), en una bien cuidada pero no por ello menos difícil de digerir producción, en la cual podemos adentrarnos en la psiquis de una enferma, cuyas experiencias le llevan a una casa de descanso donde será sometida a un tratamiento distinto, en pos de aliviar su neurosis.

Resulta verdaderamente ingeniosa y sutil la manera en que las palabras van desenredando los nudos mentales de cada personaje, un guión inteligente que permite realizar chistes intelectuales con la jerga propia de los psicoanalistas, pero que además, busca que el espectador se adentre en las marañas del pensamiento subconsciente, de manera que termine pensando en sus propios sueños, delirios y asociaciones.

Podría pasar por una película de escuela en la cual la actuación debe merecer, pero aún más el mensaje, que en este caso plantea la verdadera confrontación entre el análisis encaminado al deseo sexual y aquél que busca plantearlo como un método que logre profundizar en dichos delirios pero en busca de una oportunidad de recuperación, no sólo la observación del padecimiento per se.

Por supuesto sorprenden las situaciones creadas por los mismos personajes, no dejan de ser impactantes y estresantes, al grado de que hace consideraciones de la doble moral que se maneja en las sociedades civilizadas de principios del siglo XX y al mismo tiempo, lo absurdo que parece estar en contra de ellas por todo el peso social que se remueve, sobre todo tratándose de una persona pública. De hecho, las cartas redactadas con perfecta diplomacia entre los médicos y la paciente, muestran aquella postura de alta escuela, el tratamiento semántico del buen comportamiento, aun cuando los temas tratados eran realmente álgidos, en medio de una batalla de egos y posiciones de honor.

Seguramente es más impactante por tratarse de una película de época, en la cual va implícito el hecho de que la palabra tenía un peso considerable entre las personas: eso lo tuvo claro el guionista Christopher Hampton, pues en todo momento era identificable la lectura entre líneas. El plus lo encontramos en la estética de la composición, realmente los personajes lucieron bellos (incluso Vincent Cassel como el desprolijo y liberal Otto Gross) ya que hasta despeinados o enardecidos por las pasiones bajas, se veían casi perfectos.

A Dangerous Method fue estrenada en España en el 2011 y en el Reino Unido apenas en febrero de este año, lo cual puede darnos un parámetro de lo difícil que debió resultar para las distribuidoras ofrecer una temática tan complicada y comprometedora, que si bien es ficticia, está basada en una realidad innegable que el Freud de esta cinta deja muy clara: los deseos frustrados tarde que temprano afloran en los sueños y a poco estos van distorsionando la realidad de un individuo hasta que no le queda otra que lidiar con la situación y enfrentar el hecho de su frustración, destapando la primaria necesidad humana de la cópula instintiva. Volvemos a la doble moral y lo difícil que es abordar los temas relacionados con el sexo, no sólo en una cinta sino a nivel masivo.

En otro ángulo, encontramos la humana visión de los psicoanalistas: aquellos profesionistas que también requieren descargar su mente de cuantas experiencias les puedan resultar adversas o complicadas y, a juzgar del Jung de la historia, en el descontrol de sus propias tentaciones, la complicación de la ética que implica el conocer demasiado a sus pacientes y la lógica del instinto desatado ante la oportunidad que se hace evidente con alguien del sexo opuesto: incluso se cuestiona por qué una mujer toma la iniciativa de robar un beso al hombre, si a este le corresponde dicha acción. No se trata de una guerra por identificar al sexo dominante, sino precisamente de un equilibrio entre una mujer que entiende perfectamente su condición y sus emociones, mientras el hombre considera entenderlas pero no las encuentra especialmente personales hacia sí. Lo dicho, es una condición humana que no respeta mentes preparadas.

Así pues, esta película nos obliga a enterarnos más de lo que trata, será inevitable buscar referencias al psicoanálisis para intentar, quizá no entender el filme, que si bien sacude las telarañas cerebrales, no pasará de ser un recordatorio de lo que tratamos de discernir en nuestro diario ir y venir, cuestionándonos qué nos pasa, o si nos pasa porque no dejamos que pase, e incluso porque sin darnos cuenta lo dejamos pasar…ay de nosotros y nuestras neurosis.

P

ara los que no estén tan familiarizados con la franquicia, The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring nos cuenta el comienzo de la aventura de Frodo Baggins y su compañero Sam Gamgee para destruir el Anillo del poder. Un anillo con la capacidad de cambiar el destino de toda Tierra Media si cae en las manos equivocadas.

Con intenciones de proteger a nuestro protagonista Frodo, se forma la "Comunidad del Anillo" (de ahí el nombre de la película). Conformada por un mago, un enano, un elfo, dos humanos y cuatro hobbits. A medida que la aventura avanza, vamos viendo como poco a poco la comunidad va quebrándose, dejando cada vez más en la incertidumbre el destino del anillo y de toda Tierra Media.

En realidad, la trama es mucho más complicada de lo que parece, así que no me detendré en detalles y les diré nada más que tienen que verla para comprenderla bien (o leer los libros). El guión de la cinta es una de las cosas más sorprendentes que posee. Si bien es cierto que es un guión adaptado, no puedo negar fascinarme por la elocuencia y sencillez con la que cuentan la historia al comienzo. No sólo esta parte es la que sobresale, sino en toda la narrativa en general. La historia fluye de forma con la máxima naturalidad posible.

Otro de los puntos fuertes de este film es la dirección.

La imaginativa de Peter Jackson ya se dio a relucir en su primera cinta, Heavenly Creatures, pero esta vez vemos cómo sus posibilidades no conocen límites con la gran producción que existe detrás de todo. La forma en que logra entrelazar todo lo sucedido en la Tierra Media es genial. Sin mencionar el hecho de que uno logra empatizar con varios de los personajes de la historia, todo, gracias al increíble trabajo de Peter Jackson como director.

Un elemento que no se puede pasar por alto cuando se habla de El Señor de los Anillos es lo técnico. El diseño de producción, dirección de arte, maquillaje, efectos especiales (en ese entonces), son para dejarnos sin palabras. Aunque tampoco debemos de olvidarnos de la correcta edición y la majestuosa fotografía que nos presenta.

Algo que no puedo dejar en el olvido es la sublime banda sonora de mano de Howard Shore. Los motivs que consigue en la primera entrega de esta trilogía son realmente muy buenos, haciendo que permanezcan en nuestra cabeza por mucho tiempo. Pero no sólo eso, los cues (las pistas del disco) funcionan perfectamente extraídos del disco, dándonos buenos temas "esperanzadores" y claro, no pueden faltar los escalofriantes temas de "los malos" de la historia.

No voy a entrar en la discusión de si The Fellowship of the Ring es la mejor de las tres, porque creo que todas mantienen un nivel buenísimo. Mucho menos en la discusión de si The Lord of the Rings es la mejor trilogía de la historia. Pero lo cierto es que nadie debería perderse de la increíble aventura que preparó Jackson para nosotros.

D

el 22 al 28 de septiembre se realizó en las ciudades de Morelia y Uruapan, el 8° Festival de Cine y Video Indígena, un esfuerzo realizado por la Comisión Interinstitucional para la Cultura de los Pueblos Indígenas de Michoacán (CICPIM) en el que se convocaron a realizadores indígenas y no indígenas a presentar sus trabajos de cortos y mediometrajes de ficción, documental, animación y experimental en formatos de cine y video para compartir sus historias con toda la comunidad.

Estuvimos presentes en el primer día de actividades del 8° Festival De Cine y Video Indígena (en la foto, la postal que nos compartieron en el evento*) que se celebró en la sede del Museo de los Cuatro Pueblos Indígenas "La Huatapera" en Uruapan, Michoacán (extensión de la sede principal de Morelia).

Los documentales proyectados en la primera sesión fueron los realizados durante el taller de video documental en la comunidad de Cherán, Michoacán. El principal, titulado "Tsinarini" (Despertar), fue el primer documental realizado de manera colectiva y aborda el tema de la lucha de los habitantes de Cherán en defensa de su territorio en contra de los tala montes que no sólo han ido acabado con los recursos naturales de la comunidad indígena, sino también han asesinado a personas que han intentado defender su entidad. El documental, además de ofrecer una perspectiva distinta del problema en la comunidad de Cherán, también ofrece brevemente una mirada a la cosmovisión de los habitantes de la entidad en cuanto a su relación con el entorno que tanto han luchado por proteger.

También se proyectaron otros trabajos como "Nuestro Traje" y "Terekua" (Hongo), los cuales abordan el tema del traje tradicional de la comunidad indígena y sobre la cocina tradicional de la región, enfocándose de manera muy particular al platillo de los hongos comestibles que se encuentran en los bosques de Cherán durante la época de lluvias.

Las actividades del Festival continuaron durante toda la semana a partir de las 6:00 p.m.; durante esos días se proyectaron otros trabajos audiovisuales dentro y fuera de competencia, entre los que destacaron "Nikaj ni'hio'óo" (Nuestra Tierra Sagrada) de Emilia López y José Antonio Arteaga y el que finalmente resultó ganador del Festival, "Lalaxtsopelik" (Naranja Dulce) de Omar Flores Sarabia y Sabdyel Almazán, a quienes además se les otorgó el Premio Universitario que les fue otorgado por estudiantes de diversas instituciones, tanto públicas como privadas del estado de Michoacán.

"Tsinarini" (Despertar)

1.- Palo de la interna de Magdalena Cacari y Dante Cerano 2.- Los fareros del Coíre, de la tierra naces de Omar González 3.- Alma Mixe... Nuestra Música de Gehovany E. Robles 4.- Nuestra Tierra Sagrada de Emilia López y José A. Arteaga 5.- Nana Tsiri de Juan José Estrada Serafín 6.- Escapulario, Ritual de Sanación en Coatetelco del Grupo Cultural Jóvenes por Coatetelco.

7.- Vamos a Cantar de Raúl Máximo Cortés 8.- Eleuterio el Héroe de Jaime Sifuentes 9.- Respondan a esta Videocarta de Chicahuaxtla de Guillermo Monteforte 10.- Naranja Dulce de Omar Flores Sarabia 11.- El mineral o la vida de José Luis Matías Alonso 12.- Paal de Christoph Müller y Víctor Vargas 13.- Sones Mixes de Yovegami Ascona Mora 14.- Hoy Está Nublado de Misael Alva Alva 15.- Justicia Sin Palabras de Sergio Julián Caballero

A

compañado por Dashiell Hamett en manos, pero con la mente clara, lejos de las penumbras y los claroscuros pasajes del Halcón Maltés, Aldo García Caballero; director del cortometraje "El último día" (producción seleccionada dentro de la categoría Sección Michoacana en la décima edición del Festival Internacional de Cine de Morelia), nos regaló unos minutos de su domingo para conocer más sobre él y su producción a presentar entre el 3 y el 11 de noviembre en Morelia dentro del marco del Festival.

Aldo García proviene del Instituto Mexicano de Investigaciones Cinematográficas y Humanísticas con sede en Morelia, es un director audaz , pero sobre todo comprometido, lo cual, trasciende más allá de su trabajo como cineasta en acciones relacionadas al trabajo social, dentro de lo que su desarrollo en el séptimo arte le solicita, específicamente en el área del guionismo, la cual es su predilecta, debido a la valiosa oportunidad que ésta le permite para contar historias; de ahí, su interés por desarrollarse en esa área en un futuro, tarea que realiza en el presente con colaboraciones como consultor en guiones de otras producciones.

Escritor asiduo y cinéfago voraz, cualidades que le han permitido captar la esencia de atmósferas relacionadas con su pasado y el imaginario sobre visiones de vida alternas, fieles retratos de mundos ajenos, plasmados desde su particular enfoque.

“Quemarlo todo buscando liberarse, o perderse en el intento por encontrarse" podría definir la narrativa de "La Haine" (El odio), obra de Mathieu Kassovitz, inspiración para la realización de "El último día".

¿Por qué tenías la 'necesidad' de contar la historia de 'El Último Día'?

Como guionista disfruto de contar historias y era importante para mí contar esta en particular . Fue a su vez una especie de homenaje para algunos amigos de la infancia con los que crecí y formaron parte de mi vida, y que por diversos motivos ya no están, porque que la escuela no los preparó para la vida. ¿Cuál es la médula de la historia del cortometraje?

El cortometraje trata sobre la amistad y como está define en gran parte las circunstancias que se presentan en la vida de cada personaje, la marihuana pudo haber sido un café, un cigarro, ó un partido de futbol, el motivo que los une no es el pretexto para reunirlos.

Platícanos algo de tus protagonistas ¿Quiénes son y por qué los elegiste?

Hiram Cabrera y Guimbel Rosas se desarrollan en teatro y había trabajado con ellos en ocasiones anteriores. Los elegí porque los conocía y sabía que me podían brindar la fuerza y personalidad que necesitaban los personajes. Son actores muy capaces y comprometidos, con una gran capacidad de autodominio y una fértil imaginación, además de ser muy buenos observadores lo que les facilitó la labor de autocorregirse y sobreponerse de complicaciones que se presentaron durante la filmación . ¿Cómo fue el rodaje?

El rodaje se hizo en una sola locación, lo cual me permitía en mayor medida controlar los imprevistos que se presentan al grabar en varias locaciones, sobre todo en exteriores. La única escena en exterior es al inicio, cuando se sitúa la llegada de Rodolfo a casa de Hiram. ¿Hubo alguna toma que te presentó dificultades?

Hubo una toma que se complicó por las posturas de los personajes a las que debió adaptar el equipo de grabación, sobre todo por el peso de la cámara ya que la toma fue grabada a pulso.

¿Tienes alguna toma preferida?

Una toma de Hiram en el suelo y Rodolfo sobre el colchón fue muy bien lograda y evoca fielmente la personalidad de los protagonistas , además de que en mi particular gusto estético por los claroscuros, me simula una pintura muy expresiva y llena de vigor.

Además del FICM ¿Se planea enviarla a otras muestras o Festivales?

Se planea hacer lo que se conoce como 'festivaleada' para la difusión del cortometraje, aunque desconozco del todo, de eso se encarga la producción, sin embargo sé que se busca presentar en San Sebastián. ¿Qué opinión tienes del Cine en México actualmente?

Más allá de la falta de recursos o de oportunidades para realizadores incipientes e independientes, consideró que el panorama para las producciones en México y de mexicanos es bastante bueno, debido a que si consigues escalonar en cualquier área del cine en la que te desempeñes, mediante la dedicación y otros factores, en ocasiones ajenos a ti, pero que pueden ser controlados y canalizados para bien, existe la gran posibilidad de que tengas éxito en cualquier lugar donde te desarrolles.

Sobre el cortometraje en México, hay mucha gente joven trabajando, eso impulsa la constante creación de ideas nuevas y materiales frescos. En lo particular me gustaría que los realizadores nos uniéramos más, eso nos brindaría la oportunidad de obtener mejores producciones.

En cuanto al cine documental, consideró que mientras se desarrollen las buenas temáticas y estando conscientes de lo que se va a mostrar , buscando crear un impacto para ampliar la visión de vida de las personas en general y con la mira en realizar documentales con compromiso, y no documentales contemplativos, el panorama pinta bastante bien, además de que repercutiría de manera positiva más allá del cine.

Al margen de la cinematografía ¿Qué aficiones tienes?

Al final todo está relacionado con el cine, porque el cine es mi vida y lo disfruto mucho, por tal motivo mis aficiones son la foto, escribir, ver películas, aunque en mis ratos libres aprovecho para dormir y descansar. ¿Tienes ya otros proyectos en puerta?

Por ahora tengo contemplado dedicar mi tiempo a un cortometraje en febrero del año siguiente y continuar con mi labor como consultor de guiones, pero el tiempo lo dirá, porque todo el tiempo surgen proyectos de cine nuevos.

http://vimeo.com/49415047

D

os hombres comunes, de unos treinta años, se encuentran en un antro gay de Nottingham; el encuentro es casual y fugaz como los que suelen darse en los antros: seducción, noche de sexo y despedida. Algo cotidiano para muchos, pero que se transforma y cambia de dirección cuando la pareja de desconocidos deciden mostrar las huellas que llevan marcadas por la vida y el amor, situación peligrosa si lo que pretenden no es una relación humana perdurable, sin embargo, una vez mostradas la huellas, sombras y cicatrices, el otro se ha vinculado indudablemente con el, antes, desconocido.

Rusell (Tom Cullen) y Glen (Chris New) se conocen y deciden no enamorarse, la razón es que no hay tiempo, uno de ellos partirá en las próximas 48 horas y si al menos se reconocen será un logró, pero ellos ignoran, como muchos, que los sentimientos no tienen limites de tiempo ni de razón, simplemente se dan. Preconcebir un ‘no enamoramiento’ hace que éste surja con más fuerza, y por lo tanto el desencuentro sea más difícil.

Weekend es un filme que retrata un pasaje fugaz, un fin de semana, un enamoramiento sencillo pero profundo; la sencillez de la película es la autenticidad de la misma, contar algo cotidiano pero con profundidad dramática, de bajo presupuesto pero puntual en lo que decide contar, un ritmo pausado y de momento contemplativo, elíptico. Da la sensación de no querer llegar al final, como le pasa a los protagonistas una vez que se descubren enamorados.

Andrew Haigh escribe y dirige esta historia, la cual ha recibido críticas entusiastas por parte de periódicos como The New York Times, The New Yorker, Los Angeles Times y The Guardian.

Ganadora del premio del público a mejor filme en el Toronto Inside Out LGBT Film Festival.

Actualmente la cinta es considerada como una de las más importantes de la última década con temática homosexual. Es un lástima que no se haya exhibido en México, esperemos que llegue pronto ya sea en cines o en formato casero.

L

a violencia, manipulación y poder que un grupo de cinco niños negros de clase baja ejercen sobre tres niños suecos de clase media por medio de la intimidación y el miedo son los temas y situación que expone el cineasta Ruben Östlund en su tercer largometraje, en el cual muestra la discriminación racial ejercida desde ambos polos, poniendo en sus personajes la imagen clásica del estereotipo, pero extrapolando la agresión racial en un sentido poco común, dejando que el espectador decida y se postule a favor de un grupo u otro, o en el mejor de los casos, comprendiendo y aceptando las circunstancias sociales que los llevan a realizar actos de violencia en una sociedad inmersa y dañada por el capitalismo.

En la actualidad, Suecia es destino migratorio para miles de extranjeros, de sus 9,4 millones de habitantes 170mil provienen de Finlandia, y en años recientes la migración llega de países como Irak, Somalia y Polonia. Desde que entró en vigor la Ley de Ciudadanía, en 2001, los ciudadanos de la Unión Europea tienen el derecho de vivir y trabajar en Suecia sin necesidad de permiso de trabajo ni residenca. Esta situación ha propiciado que el nivel de migración de Suecia sea relativamente alto.1 Es en este contexto en el que el cineasta sueco narra una historia basada en una serie de historias similares que ocurrieron en la vida real.

Un grupo de cinco niños y adolescentes migrantes negros, de entre 12 y 14 años, acuden a un centro comercial en Gotemburgo, se acercan e intimidan a un grupo de tres niños, dos suecos y un asiático, argumentando que ellos son los que le han robado el celular a un familiar suyo, bajo este engaño conducen a los niños nativos a las afueras de la ciudad con el objetivo de despojarlos de las cosas de valor que llevan consigo, ejerciendo violencia verbal y física sobre ellos, conocida actualmente como bullying, pero la situación se traspola cuando el cineasta nos muestra la situción social y económica que viven los niños migrantes, y lo vulnerables que son ante una sociedad con mayores oportunidades y privilegios que ellos.

El filme no muestra ninguna postura específica ante la violencia que sufren los niños suecos, ni por el contrario el que sufren los migrantes negros; la postura visual y narrativa es neutra, visualmente la cámara se sitúa constantemente en encuadres abiertos que solo dejan ver una parte de la violencia que sufren los niños, dando la sensación de estar ante un filme documental, el cineasta no enfatiza a favor de uno u otro sector social, simplemente o acertadamente solo muestra los hechos de una realidad inminente.

La “neutralidad” que manifiesta Ruben Östlund deja que sea el espectador el que decida y analice la situación de ambos grupos sociales, el daño que se hacen desde sus trincheras, la vulnerabilidad de ambos y los privilegios, quizá, sólo de uno de ellos. Es la ausencia de una postura lo que provoca afloren los prejuicios y/o simpatía por algún grupo en específico, baticinando el enojo o agrado por está pelicula, o en el mejor de los casos el breve o profundo análisis antropológico que pudiera hacer el espectador.

1 Sweden.se, es administrado por el Instituto Sueco, es una cooperación realizada entre las organizaciones siguientes: Secretaría General del Gobierno Sueco, Swedish Trade Council, Invest Sweden, VisitSweden / www.sweden.se

www.cinetecanacional.net

N

n un fenómeno un tanto parecido al que ocurrió con las cintas Deep Impact y Armageddon en 1998 (y de las que se hablaron en el número anterior), otro par de cintas se enfocaron, de manera muy similar, en el final de nuestros días; estas no se estrenaron con pocos meses de distancia como las cintas ya referidas, pero el artífice de ambas fue el mismo hombre: Roland Emmerich.

Primero, con The Day After Tomorrow (2004) ofreció un trabajo que resultó entretenido hasta la primera mitad del filme; después, éste se desplomó en medio de situaciones exageradas, llevadas a un grado de completa inverosimilitud y casi al punto de la ridiculez. Un lustro más tarde, el director de origen alemán entregó 2012, un filme con una trama basada presuntamente en las ya muy manoseadas profecías de nuestros antepasados precolombinos, y en el que durante casi todo su metraje por lo menos pudo mantener una constante: la de la ridiculez, aunque para la tercera parte de la cinta, dio el salto hacia lo absurdo. Es tan mala, que si el fin del mundo fuera a causa del mal cine, esta sería la que le daría el tiro de gracia.

The Happening (2008) es otra cinta que nos presenta nuestro exterminio a raíz de la venganza de la Madre Naturaleza; en este filme dirigido por M. Night Shyamalan, las plantas comienzan a desprender una sustancia que es transportada por el aire y que se apodera de las conciencias humanas obligando a las personas a cometer brutales actos suicidas. A pesar de las influencias/homenajes/plagios a las obras cinematográficas de Hitchcock y George A. Romero, la cinta es un completo caos donde el tratamiento de la historia resulta por demás risible.

Con un reparto encabezado por Julianne Moore, Mark Ruffalo y Gael García Bernal, el director Fernando Meirelles (Ciudad de Dios, 2002) presentó en 2007 la muy apenas aceptable adaptación de la novela de José Saramago 'Ensayo sobre la Ceguera' bajo el título Blindness. La cinta, en la que se planteó un mundo caótico al borde de la (auto)destrucción a partir de que una misteriosa epidemia, retrata cómo a partir de despojar a la humanidad del sentido de la vista, ésta saca a relucir su verdadera naturaleza humana, la cual no está muy apartada de la naturaleza animal.

Con una premisa similar, el año pasado el director David Mackenzie presentó Perfect Sense, en donde un chef y una científica (interpretados por Ewan McGregor y Eva Green respectivamente) comienzan un romance a la par que una misteriosa epidemia global comienza a privar de los sentidos a toda la raza humana. Olfato, gusto, vista, oído... tacto; uno a uno y en ese orden, las capacidades sensoriales se van evaporando sin siquiera dar tiempo de ponerle un nombre a la recién nacida 'enfermedad'. En un mundo oscuro y colapsado sin sensaciones, sólo queda recurrir a los brillantes momentos que pueden ser provistos por las emociones y los recuerdos.

Pero si la naturaleza decide que no basta con arrasarnos de su faz con catástrofes meteorológicas, obligándonos a quitarnos nuestra propia vida o con arrancarnos nuestras capacidades sensoriales para prohibirnos 'vivir la vida', entonces nos quitará también nuestra capacidad de concebirla, o por lo menos así lo plantea la cinta Children of Men (2006), la extraordinaria película de Alfonso Cuarón basada muy ligeramente en la novela de P. D. James, en donde una epidemia global de infertilidad ha acabado con el orden mundial hasta quedar al borde del colapso. En la Inglaterra del 2027, se vive un régimen totalitario que persigue a los inmigrantes que pretenden adentrarse en su territorio; en esta sociedad apocalíptica vive Theo (interpretado por Clive Owen), un exactivista que es contactado por su ex esposa Julian (la extraordinaria Julianne Moore) quien le pide ayuda para proteger a Kee (una Claire Hope Ashitey que transpira inocencia y ternura por cada poro), una mujer que podría ser la última esperanza de la humanidad y a la que desean entregar al grupo conocido como ‘Proyecto Humano’, una mítica organización que dedica todos su esfuerzos a tratar de preservar la existencia de nuestra especie. Con una realización estupenda (atención a los excelentes planos secuencia que maneja a lo largo del film y la sombría fotografía de Emanuel 'Chivo' Lubezki) y un final esperanzador, la cinta resulta un maravilloso trabajo cinematográfico por parte de nuestro compatriota.

Si la posibilidad de un apocalipsis próximo fuera real, y si algún final de estos es el que nos espera dentro de poco más de dos meses, un servidor preferiría vivir la historia de Perfect Sense, o si no, ante el inminente final de la raza humana, aplicaría la técnica de los mal logrados personajes de The Happening, pero claro, por mi propia decisión y sin esperar a que las plantas me vengan a controlar con sus esporas hipnóticas/homicidas; aunque claro, siempre queda la esperanza de que el final abramos los ojos hacia una imagen de esperanza y podamos seguir adelante con la concepción de un bebé al que llamaremos Dylan.

Sin duda alguna, la superagrupación de Marvel se llevó el verano fílmico, ni siquiera el Caballero de la Noche pudo 'ascender' tanto como lo hicieron los héroes del equipo liderado por el Capitán América. Acción bien dosificada durante todo el filme (resaltando la explosión de secuencias sorprendentes en la última media hora de la cinta), humor bien manejado (aunque a veces se les salía de las manos como con Loki y su caricaturización) y actuaciones correctas de casi todo el elenco (el 'casi' es por el soso Chris Evans y su Capitán América) lograron arrasar en taquilla y complacer a fanáticos a nivel mundial.

Imperdible para todo amante de los superhéroes. http://issuu.com/celuloidedigital/docs/celuloide_digital_-_abril_2012

Sí, al término de la película muchos nos llevamos las manos a la cabeza y exigíamos saber qué le había pasado a Ridley Scott y el por qué había entregado una cinta tan irregular como Prometheus, pero a pesar de los múltiples fallos en la historia (que no responde nada y, al contrario, nos deja con más dudas) y en las actuaciones (una Noomi Rapace tremendamente desangelada y un Guy Pierce risible), resulta recomendable para todo aquel fanático de la saga que el mismo director creó en 1979 y cuyo origen será relatado en dos entregas más para conformar una nueva trilogía precuela muy al estilo de la próxima The Hobbit.

Si la precuela de la saga Alien los dejó con más preguntas que respuestas, entonces la edición en Blu-Ray de la más reciente cinta de Ridley Scott resonderá (o por lo menos eso es lo que promete) todas sus dudas con más de 7 horas de material adicional que incluyen, entre otras cosas, entrevistas reveladoras exclusivas con todo el equipo de producción y 15 minutos de escenas eliminadas o extendidas, así como un final y comienzo alternativos.

Una obra tan sarcástica y punzante como pocos directores pueden ser capaces de crear; con base en la obra teatral de Yasmina Reza, la sencilla trama que gira en torno a un par de matrimonios que se reúnen para resolver un conflicto surgido entre sus hijos en el parque, termina por convertirse en una reveladora contienda oral, después de un rato de hipócrita cordialidad. Tan ácida que los leds de tu pantalla se derretirán.

Divertida (a secas) cinta vampírica con toques de humor negro -y sexual- sobre un hombre condenado a vivir para siempre como chupasangre y sin el amor de su vida; la mancuerna BurtonDepp vuelve a hacer de las suyas en la pantalla grande (y este mes en la de tu televisión también) para entregarnos una entretenida historia basada en la clásica serie sesentera pero cambiando la historia del personaje central al transportándolo al presente; a pesar del guión sin ritmo constante y un muy desafortunado enfrentamiento final del protagonista con la villana, los fans deben tenerla en su colección junto a otras películas de Tim Burton que han salido mejor libradas.

La vida de Shaun (Sion Pegg) no estรก pasando por uno de sus momentos mรกs brillantes. Pasa gran parte del tiempo en el pub local con su amigo Ed (Nick Frost), discute con su madre y descuida a su novia Liz (Kate Ashfield). Cuando Liz lo abandona, Shaun decide poner su vida en orden: Tiene que reconquistar a su ahora ex novia, mejorar sus relaciones con su madre y enfrentarse a las responsabilidades de todo adulto.

Por desgracia los muertos estรกn volviendo a la vida y muestran una pasiรณn desmedida por la carne de los humanos vivos.

Consulta la programaciรณn del mes en:

http://space.la.amoelcine.com/schedule

Consulta la programaci贸n del mes en: http://oncetv-ipn.net/cine/

Consulta la programaci贸n del mes en: http://www.canal22.org.mx/cinema22/index.html http://www.youtube.com/watch?v=bgg7TYviH5I

Consulta la programaci贸n del mes en: http://www.canal22.org.mx/cinema22/index.html

Consulta la programaci贸n del mes en:

http://oncetv-ipn.net/cine/mensual.htm

Smallville dejó un gran espacio en los seriales televisivos de superhéroes, y tras el fallido intento de la Mujer Maravilla por vivir sus aventuras en la pantalla chica (pero antes del presunto desarrollo de un nuevo serial televisivo de Hulk), este mes llega a México un superhéroe que ha logrado su incursión en la televisión, se trata de Green Arrow, el alter ego de Oliver Queen, un multimillonario al que todos daban por muerto tras un naufragio, pero que en realidad se encontraba (sobre)viviendo en una isla desierta. Tras su regreso, el acaudalado hombre comienza su doble vida como vigilante nocturno de Starling City.

Ya veremos si esta nueva serie resiste tantas temporadas al aire como Smallville, pues detrás del proyecto están los mismos productores del serial sobre Último Hijo de Kryptón, así que podría ser una gran sorpresa.

http://www.youtube.com/watch?v=xaq6S_Hcwn4

El nuevo álbum del cuarteto de Las Vegas comienza con una Flesh and Bone con discretos tonos electrónicos que muy pronto dan paso a una explosión coral (caracte-rística de ellos), continúa con poderosos riffs en Run-aways (el primer sencillo que se desprendió de esta nue-va placa) que enseguida da pie a una melancólica The Way It Was; con Here With Me, la banda se aventura en el peligrosísimo terreno de las baladas y apenas salen bien librados para activarse (y activarnos) con Matter of Time.

Con la limpia Deadlines and Commitements nos des-piertan recuerdos del sonido expuesto en su mejor disco: Sawdust (que irónicamente es de covers, lados b y otras rarezas) y dan pie a una Miss Atomic Bomb que tiene la particularidad de -presuntamente- ser una canción 'pre-cuela' de la más famosa canción de The Killers: Mr. Brightside y la frase "I was knew? in town as 'the boy with the eager eyes'" da fe de ello.

El mood ochentero se apodera del track The Rising Ti-de mientras el siguiente tema, Heart of Girl, muestra una dulzura (que no cursilería) nunca vista en la discografía de estos matones estadounidenses. El folk, country y rock se mezclan (como ya lo han hecho en Sam's Town y Sawdust) en From Here on Out y abren camino para una contenida Be

Still que nos mantiene quietos (still) para el gran final con épicos coros y poderío guitarrero que constituye el último track del disco y que le da nombre al nuevo material de la banda: Battle Born.

Con un nombre que toma prestado de la leyenda que porta la bandera del Estado de Nevada, el álbum Battle Born resultará más que disfrutable para todos los fans del cuarteto, pues el sonido de The Killers es ya inconfundible y dejará complacidos a sus seguidores a pesar de que se aventuran musicalmente muy poco hacia nuevos sonidos; tiene varios momentos en los que nos muestran que tienen la capacidad de hacer algo como lo que lograron con Sawdust hace ya algunos ayeres, cosa que desearíamos ofrecieran mucho más a menudo.