Sonja Mosick-Lewin • Geschmack am Unsichtbaren

Geschmack am Unsichtbaren

Sonja Mosick-Lewin The Liking of the Invisible

Skulpturen 2005–2010

Geschmack am Unsichtbaren

Sonja Mosick-Lewin The Liking of the Invisible

Sculptures 2005–2010

The LIKING of THE Invisible

In the 20th century artists like Mondrian and Calder tried to solve problems of form to reflect the laws of the universe. Other artists wanted to create “real” things. These real objects shouldn’t be decorative or an image of the object, but something more esssential and permanent. Unlike the ordinary items of everyday life.

To understand this longing for real phenomenon we change into children who, in turn, are able to give meaning to simple objects such as small sticks and stones. We also let ourselves be fascinated by the creations of primitive art which have an aura of supernatural power.

The undisturbed emotions of children always fascinated Romantic artists such as Runge and Novalis: “We have to become children when we want to reach the top.”1 The Romantic Era redefined the human being in a new way, as a single being radiating an individual magnetism.

A debate about how to define Romanticism lasted for decades. In Clemens Brentano’s novel Godwi (1801) the author wrote: “Everything that is an intermediary between our eyes and the furthest object, what makes it appear closer, and simultaneously gives us something, is Romanticism.”2

by Birte Abel

In this Romantic tradition we find the work of Sonja Mosick-Lewin. Basic subconscious structures are made visible through curved forms.

For Sonja Mosick-Lewin it isn’t about visible reality, eventhough the forms look naturally grown and we see some similarities with people and objects. The form’s content, in and of itself, results in an abstraction of invisible forces, that we all see likewise. The form’s language, reminding us of Arp and Moore (neither build a picture, but create a second nature, like nature begets fruit), is steering the message.

Novalis wishes to be “elastic”, to become free of the shackles of his own thinking, to experience completeness. Especially Sonja MosickLewin’s Spirit-stones give us reason to get in contact with our inner life: In these stone portraits the artist’s interest lies in “the quality surrounding someone, that makes somebody visible eventhough you can’t see him clearly.”3 This is a way of manifestating someone’s hidden but perceptible qualities.

This shows the reference to The Liking of the Invisible the artist and the spectator to feel oneness with nature, the essence of things, happiness, and perhaps even paradise.

von Birte Abel

Versuchten im 20. Jahrhundert Künstler wie Mondrian und Calder Formprobleme zu lösen und damit Gesetze des Universums zu spiegeln, gab es andere, die „wirkliche“ Dinge schaffen wollten. Diese wirklichen Dinge sollten nicht bloßes Abbild von Dingen, auch nicht dekorativ sein, sondern etwas, was wesentlicher und bleibender ist als die schäbigen Dinge des Alltags.

Um diese Sehnsucht nach den wirklichen Dingen zu verstehen, versetzen wir uns in Kinder hinein, die imstande sind, unscheinbaren Dingen wie Stöckchen und Steinchen Bedeutung zu verleihen. Oder wir lassen uns faszinieren von Schöpfungen primitiver Kunst, die magische Kraft ausstrahlen. Die ungestörten Empfindungen der Kinder faszinierten romantische Künstler wie Runge und Novalis: „Kinder müssen wir werden, wenn wir das Beste erreichen wollen.“1 Die Romantik bestimmt den Menschen neu als einzelnes Wesen, von dem ein individueller Zauber ausgeht.

Eine lange Debatte darüber, was romantisch zu nennen sei, bestimmte die Jahrhunderte. In Clemens Brentanos Roman Godwi (1801) steht: „Alles, was zwischen unserm Auge und einem entfernten zu Sehenden als Mittler steht, uns den entfernten Gegenstand nähert, ihm aber zugleich etwas von dem Seinigen mitgibt, ist romantisch.”2

GESCHMACK AM UNSICHTBAREN

Die Arbeit von Sonja Mosick-Lewin steht in dieser romantischen Tradition: Elementare unbewusste Strukturen werden durch geschwungene Formen zum Vorschein gebracht. Trotzdem sie wie gewachsen wirken und wir Übereinstimmungen mit Menschen und Gegenständen feststellen, geht es der Künstlerin nicht um sichtbare Wirklichkeit. Der Inhalt der Form ergibt die Abstraktion unsichtbarer Kräfte, die wir alle auf ähnliche Weise wahrnehmen. Die Formensprache, die an Arp und Moore erinnert – beide bilden nicht ab, sondern bilden eine zweite Natur, so wie die Natur Früchte bildet – lenkt die inhaltliche Aussage.

Novalis hatte sich gewünscht „elastisch“ zu sein, um frei zu werden von den Fesseln des eigenen Denkens, um Ganzheit zu erfassen. Besonders die Seelensteine von Sonja Mosick-Lewin geben Anstoß, Kontakt aufzunehmen mit der Innerlichkeit: Bei diesen Stein-Porträts interessiert die Künstlerin „die Qualität, die jemanden umgibt, die jemanden erkennbar sein lässt, auch wenn man ihn nicht deutlich sieht“3. So manifestieren sich hier ganz konkret verborgene ab er dennoch wahrnehmbare Eigenschaften eines Menschen.

Hier zeigt sich der Bezug zum Titel Geschmack am Unsichtbaren: durch den offenen ungetrübten Blick ergibt sich für die Künstlerin und den Betrachter die Nähe zur Natur, zum Wesen der Dinge, zum Glück, vielleicht auch zum Paradies.

LEBENSFREUDE JOY OF LIFE

2009 Steatit steatite 35 cm h

2006 Sandstein sandstone 40 cm h

STRÖMUNGEN CURRENTS

EBENBÜRTIGKEIT EQUALITY

2008 Serpentin serpentine 26 cm h

2008 Steatit steatite 20 cm h

PAAR PAIR

THE SPIRAL

“For the majority of molluscs the visible form of the organs does not carry much weight in the life (…), because they cannot see one another or at best have a blurred perception of other individuals and their environment. Which by no means precludes that stripes in lively colours and shapes, which appear to be brilliant in our eyes (as in the case of many snails’ shells), exist independently of any relationship to sight.”4 The words paint a story: they tell of evolution and how eyes came into being in a fantastic, poetic and unfathomable way. In Italo Calvino’s short story entitled The Spiral, scientific theory and cosmogenic myth combine to create a humorous monologue. The story of the earth is laid out before us in time lapse from the perspective of a mollusc.

The mollusc, Calvino’s main character and first-person narrator, evolves a shell around him, a wonderful, perfectly formed, brightly striped shell that as quick as thought was done, ultimately prompting all the other “amorphous, colourless beings” to develop the faculty of sight, i.e. eyes, in the first place. “While we did the lion’s share of the work toiling by the sweat of our brows, making sure that there was something to see in the first place, they, quietly adopted the easy part: adapting their lazy, embryonic organs of perception to what there was to perceive, to our paintings” (…) “in short they made eyes for themselves at our expense.” 5

by Katja Behrens

What a metaphor for art and its capacity to open eyes, indeed to create eyes! What an explanation for the artistic object that is not born of calculation, but rather of love!

Almost every culture knows the spiral as a symbol of reincarnation and as an expression of the growing and the unlimited. It is symbol of the moon and the sun, a metaphor for creation and evolution of life, of dynamic movement, the unstationary shifts of ages, both forward and backward and the changes in between them. Mathematicians, architects and scientists, philosophers and technicians have always explored the spiral, artists have used its shape as an important source of inspiration. As of the Neolithic age the spiral’s form has been a magic symbol and appears in close context with places of worship. So microand macrocosm are coexisting in the image of the spiral, subjective experiences and evolution are connected.

No surprise that Sonja Mosick-Lewin, after working completely independent as a sculptress, chose the spiral as one of her central motifs. In her stonework she works with this form, both pointing towards the outside world and simultaneously representing the complexity of the entire world by concentrating on the center. The spiral as an elementary form, “the source of all life”, touched a deep nerve in the artist, and remained her most important motif for years.

von Katja Behrens

„Für die Mehrzahl der Mollusken hat die sichtbare Form der Organe nicht viel Bedeutung im Leben (...), da sie einander nicht sehen können oder nur eine verschwommene Wahrnehmung der anderen Individuen und der Umwelt haben.

Was nicht ausschließt, dass Streifen in lebhaften Farben und Formen, die unseren Augen wunderschön vorkommen (wie bei vielen Schneckengehäusen), unabhängig von jeder Beziehung zur Sichtbarkeit existieren.“4 Die Worte malen eine Geschichte; phantastisch, poetisch und unergründlich erzählen sie von der Evolution und davon, wie und warum die Augen entstanden sind. In Italo Calvinos Fiktion Die Spirale mischen sich Wissenschaftstheorie und kosmogonische Mythen zu einem humorvollen Monolog: aus der Perspektive einer Molluskel wird die Erdgeschichte im Zeitraffer vor uns ausgebreitet.

Die Molluskel, Hauptperson und Ich-Erzähler bei Calvino, lässt aus Liebe eine spiralförmige Schale um sich herum wachsen, ein wunderschönes formvollendetes und bunt-gestreiftes Muschelgehäuse, das getan und gedacht werden musste und das letztendlich all die anderen „unförmige(n), farblose(n) Wesen“ veranlasste, einen Gesichtssinn, also Augen, überhaupt erst auszubilden. „Während wir im Schweiße unseres Angesichts den Hauptteil der Arbeit verrichteten, nämlich dafür zu sorgen, dass es überhaupt etwas zu sehen gab, übernahmen sie stillschweigend den bequemsten Teil: ihre trägen, embryonalen Wahrnehmungsorgane anzupassen an das, was es wahrzunehmen gab, also an unsere Bilder.“ (...) „Kurzum, sie machten sich Augen auf unsere Kosten.“5

DIE SPIRALE

Was für eine Metapher für die Kunst und ihre augenöffnenden, ja augenschaffenden Fähigkeiten. Welch eine Erklärung für das kunstvolle spiralförmige Objekt, das nicht aus Kalkül, sondern aus Liebe entstanden ist!

Nahezu jede Kultur kennt die Spirale als Symbole der Wiedergeburt und als Ausdruck des Wachsenden und Unendlichen. Sie ist Mond- und Sonnensymbol, Sinnbild der Entstehung und Entfaltung von Leben, von dynamischer Bewegung, den großen, vorwärts wie rückwärts wendbaren Zeitläufen und der in ihnen erfolgten Veränderungen. Und immer schon haben Mathematiker, Architekten, Naturforscher und Philosophen die Spirale erforscht, haben Künstler sich von ihrer Form zu großartigen Kunstwerken inspirieren lassen. Seit dem Jungpaläolithikum erscheinen Spiralformen, erscheint das magische Symbol der Spirale in engem Zusammenhang mit Kultstätten. Und so werden im Bild der Spirale Mikro- und Makrokosmos in eins gesetzt, werden subjektive Erfahrungen und Evolution zusammengebracht.

Kein Wunder also, dass Sonja Mosick-Lewin, nachdem sie als Bildhauerin eine zeitlang gänzlich frei gearbeitet hatte, die Spirale zu einem ihrer zentralen Motive wählte. Seither befasste sie sich in ihren Steinarbeiten mit ebenjenen Formen, die über sich selbst hinausweisen und zugleich die ganze Welt in ihrem Zentrum bündeln. Die Spirale als elementare Grundform „aus der alles Leben entstammt“ hatte einen tiefen Nerv in der Künstlerin berührt, so blieb dieses über Jahre hinweg ihr wichtigstes Motiv.

THE SPIRAL

2007 Sandstein sandstone 35 cm h

DIE SPIRALE

THE SPIRAL

2007 Steatit steatite 30 cm h

2007 Steatit steatite 30 cm h

DIE SPIRALE

THE SPIRAL

2006 Serpentin serpentine 25 cm h

2005 Steatit steatite 25 cm h

DIE SPIRALE

EAGLES’ ASCENT

“When the earth was created, a great thundercloud appeared on the horizon. Flashing lightening and thundering it descended toward the treetops.

As the mist cleared, there was an eagle perched on the highest branch. He took flight and flew slowly down to the ground. As he approached the earth, he put forward his foot, and as he stepped upon the ground, he became a man.” 6 The flying eagle is a motif inspired by indigenous mythological traditions that especially challenged Sonja Mosick-Lewin as a stone-sculptress. The works are suspended between material and motif, playing with different forms of gravitas: weight and lightness. The flying eagle is looking for its form between the terrestrial and airiness.

The energetic shapes of the sculptures define

by Katja Behrens

area, thereby visualizing massiveness and emptiness at the same time. These works deal with the relationship between body and space, the laws of material and proportions. Clearly cut shapes overlap, complex areas and empty spaces finally build a perfect unity.

What you can feel in the artworks is the strengh of the withheld motion, the tamed mass and reaching into space and concurrent the discourse of emptiness. This and the visible traces of handcraft and material qualities make the artwork seem like an almost living organism.

“It is humbling, as human beings, to realize the limits of our own perception. Perhaps that is why, in mythology, the symbolism of birds and animals is incorporated into the gods and goddesses.”7

von Katja Behrens

„Als die Erde erschaffen wurde erschien eine große Gewitterwolke am Horizont. Mit zuckenden Blitzen und Donner kam sie herab bis zu den Baumwipfeln und als die Nebel sich lichteten, saß da ein Adler auf den höchsten Ästen. Er flog los und segelte langsam zum Boden. Als er die Erde erreichte streckte er einen Fuß aus und als er auf den Boden trat wurde er ein Mensch.“6 Der fliegende Adler ist ein von indianischer mythischer Tradition inspiriertes Motiv, das Sonja Mosick-Lewin als Stein-Bildhauerin besonders herausfordert. Die Arbeiten bewegen sich im Spannungsfeld von Material und Motiv, finden den Ausgleich zwischen Schwere und Leichtigkeit. So sucht der fliegende Adler seine Gestalt zwischen Erdverbundenheit und In-die-Luft-aufsteigen.

Mit den energischen Formulierungen ihrer Skulpturen geht es der Künstlerin nun darum, Raum zu definieren, Fülle und Leere als räumli-

ADLERFLUG

che Qualitäten anschaulich erlebbar zu machen.

Sie formuliert in ihren Arbeiten die Beziehung zwischen Körper und Raum, die Gesetze des Materials und der Proportionen. Klar geschnittene Formen greifen ineinander, dicht gefügte Blöcke und Leerräume bilden eine Einheit.

Die Vehemenz einer gebändigten Bewegtheit, die zusammengehaltene Körperlichkeit und das dialogische Ausgreifen in den Raum, sogar die gleichzeitige Thematisierung der Leere lassen sich angesichts der neueren Arbeiten spüren.

Dieses und die lebhaften Spuren der Arbeit und des Materials machen das Werk zu einem beinah lebendigen Organismus.

“Es macht uns als Menschen bescheiden, wenn wir die Begrenzungen unserer eigenen Wahrnehmung bemerken. Vielleicht verkörpern deshalb Vögel und Tiere in der Mythologie Götter und Göttinnen.”7

EAGLES’ ASCENT

2009 Serpentin serpentine 60 cm h

ADLERFLUG

EAGLES’ ASCENT

2008 Steatit steatite 35 cm h

2009 Steatit steatite 20 cm h

ADLERFLUG

EAGLES’ ASCENT

2008 Steatit steatite 15 cm h

2009 Steatit steatite 20 cm h

ADLERFLUG

EAGLES’ ASCENT

2009 Serpentin serpentine 35 cm h

2009 Serpentin serpentine 38 cm h

ADLERFLUG

BLOOM

Bloom is the name of my new series of stone sculptures, which depicts life’s inherent, ever-unfolding beauty. Vital and resplendent, it’s a beauty we perceive only in rare moments.

Some people resemble a flower coming into bloom. A flower – from the bud to the blossom to the wilted petals – represents an entire lifecycle. From one to the next, a flower’s phases reflect how people develop and the different qualities they thereby exhibit.

Photosynthesis – the process that transforms light into life-giving energy – symbolizes the vitality that we all have inside. It represents our natural state.

For example, as a friend of mine was dying, I could see the strength emanating from within her. Courage and love radiated from her mortally weakened body. Ultimately, her soul shone more brightly than her dying frame.

This new series thus expresses a very human aspect of being: the emergence of beauty’s perfection.

BLÜTENPRACHTEN

Blütenprachten heißt meine neue Serie von Steinskulpturen. Ausdruck findet darin die Entfaltung der inneren Schönheit, eine Erscheinung, die wir in seltenen Momenten wahrnehmen können. Sie strahlt Fülle und Vitalität aus.

Das Wesen mancher Menschen ähnelt einer blühenden Pflanze. Die Blüte – von der Knospe über das Erblühen bis hin zum Verwelken – beschreibt einen vollen Lebenszyklus. Die auf einander folgenden Phasen sind mit der Entwicklung eines Menschen und seiner Qualitäten vergleichbar.

Die Photosynthese, mit der Licht in Leben spendende Energie umgewandelt wird, symbolisiert die von innen kommende Kraft. Sie beschreibt in diesem Vergleich das Naturell eines Menschen.

So konnte ich eine von innen herrührende Kraft im Sterbeprozess einer Freundin erkennen. Ihre Anmut und Liebe schimmerte durch ihren vom Tod gekennzeichneten Körper. Ihre Seele strahlte heller als ihre sterbender Hülle.

Die Serie Blütenprachten bringt diesen einen Aspekt der Menschwerdung - die Entfaltung der vollkommenen Schönheit - zum Ausdruck.

BLOOM

2010 Steatit / steatite 18 x 33 x 12 cm

BLÜTENPRACHTEN

BLOOM

2010 Steatit steatite 37 cm h

2010 Alabaster alabaster 30 cm h

BLĂœTENPRACHTEN

SPIRIT-STONES

“This had to lead to an exaggeration of the symbolic image and a perception of reality that had nothing to do with the perceivable real world any more.”8 Like Giacometti, Sonja Mosick-Lewin is looking for perception instead of the concrete. Her goal is the conjuration of a transitory moment. Her Spirit-stones crisscross perception and reality: “Only after a long period of painful suffering was I ready to give up my idea of reality and give the ethereal space in my life. Step by step I learnt to accept and pay attention to these voices, signs, moments. In regards to my artistic work this was a long and sometimes slow-moving process of finding and creating,” said the artist.

by Katja Behrens

And further: The certainty that “the visible reality of life is only a tiny bit of what really is”, is underlying all the artistic work. This is especially true for the artist’s portraits of people called Spiritstones. The aura of a person, like the energy of a site, are embodied in stone. The artist explains that the gift of human beings flows into the lines and forms ideas that are the basis of the Spiritstones.

For the artist, the direct contact with people is the inspiration and often the reason for her questions about closeness and distance. In addition it’s about understanding and the “contemplation about the sublime”3 as well as the “energetic cosmic order”3. Moreover, her artistic coping.

von Katja Behrens

„Dies musste zu einer Überbetonung symbolhafter Darstellung führen und eine Wahrnehmung der Realität fördern, die nicht mehr allein von der erfahrbaren Wirklichkeit ausging.“8 Ähnlich wie Giacometti sucht Sonja MosickLewin statt der greifbaren Körperlichkeit die Erscheinung, mit dem Ziel, einen vergänglichen Augenblick plastisch heraufzubeschwören. Um ebenjene Schnittstelle von Wahrnehmung und Wirklichkeit bewegen sich auch ihre Seelensteine genannten Arbeiten: „Erst durch eine lange Periode schmerzlicher Verluste war ich bereit, meinen Begriff von Realität aufzugeben und dem Unsichtbaren einen Raum in meinem Leben zu geben. Ich lernte nach und nach, dieser Stimme, diesen Zeichen, diesen Momenten, Raum und Aufmerksamkeit zu geben. In Bezug auf mein künstlerisches Schaffen, waren es lange und teilweise zähe Prozesse des Findens und Schöpfens,“ so die Künstlerin.

SEELENSTEINE

Und weiter: Die Gewissheit, dass „die sichtbare Wirklichkeit des uns umgebenden Lebens, nur ein Bruchteil dessen ist, was ist“, unterliegt allem künstlerischen Arbeiten. In besonderem Maße gilt dies für die Seelensteine, wie die Porträts heißen, die Sonja Mosick-Lewin von Menschen macht. Die Ausstrahlung der Person, ebenso wie die Energie des Standortes, werden in Stein gebannt. Die Gaben des Menschen, so erläutert es die Künstlerin, fließen ein in die Linie und die Formidee, die für sie den Ausgangspunkt des Seelensteins bilden.

Der direkte Kontakt mit den Menschen ist der Künstlerin Inspiration und oft genug Anlass ihrer Fragen nach Nähe und Distanz, nach der Wahrnehmung und „Betrachtung des Unsichtbaren“3 sowie „der energetischen Ordnung des Kosmos“3 und deren künstlerischer Bewältigung.

SPIRIT-STONES

2008 Steatit steatite 35 cm h

SEELENSTEINE

SPIRIT-STONES

2007 Sandstein sandstone 47 cm h

2007 Sandstein sandstone 60 cm Ă˜

SEELENSTEINE

SPIRIT-STONES

2008 Sandstein sandstone 100 cm h

2009 Sandstein sandstone 100 cm h

SEELENSTEINE

SPIRIT-STONES

Entwurfskizzen design sketches

2009 Kalkstein limestone 40 cm h

SEELENSTEINE

SPIRIT-STONES

Maquette aus Ton clay model

Entwurfskizze design sketch

2009 Serpentin serpentine 50 cm h

SEELENSTEINE

SPIRIT-STONES Entwurfskizze design sketch

Maquette aus Ton clay model

2010 Alabaster alabaster 50 cm h

SEELENSTEINE

Blow by blow

Blow by blow Approaching the form Blow by blow Revealing the truth Blow by blow Alive with the stone Blow by blow Feeling feelings Blow by blow Overcoming fear Blow by blow Creating freely Blow by blow Form harboring life Blow by blow Blow by blow

Schlag um Schlag

Schlag um Schlag Der Form n채her Schlag um Schlag Die Wahrheit lichten Schlag um Schlag Am Stein lebendig Schlag um Schlag Gef체hle f체hlen Schlag um Schlag Angst ertr채glich Schlag um Schlag Freier schaffen Schlag um Schlag Die Form birgt Leben Schlag um Schlag Schlag um Schlag

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ZEICHNUNGEN

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2006 Mischtechnik auf Papier mixed media on paper 48 x 36 cm

ZEICHNUNGEN

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2006 Mischtechnik auf Papier mixed media on paper 48 x 36 cm

2006 Mischtechnik auf Papier mixed media on paper 48 x 36 cm

ZEICHNUNGEN

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2006 Mischtechnik auf Papier mixed media on paper 48 x 36 cm

2006 Mischtechnik auf Papier mixed media on paper 48 x 36 cm

ZEICHNUNGEN

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2009, Mischtechnik auf Papier, 36 x 48 cm, mixed media on paper

ZEICHNUNGEN

2009, Mischtechnik auf Papier, 36 x 48 cm, mixed media on paper

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2009, Mischtechnik auf Papier, 36 x 48 cm, mixed media on paper

ZEICHNUNGEN

2009, Mischtechnik auf Papier, 36 x 48 cm, mixed media on paper

CURRICULUM VITAE 1966

born in Mainz

1982-87

A-Levels, Pädagogium, Baden-Baden

1989-92

Apprentice for dressmaking, fashion studio Nesweda, Heidelberg

1992-96

Cultural Pedagogics, Fine Art major, with Prof. R. Günzel University of Hildesheim

seit 1997

freelance sculptress und seminar facilitator in Hamburg with commissions worldwide

EXHIBITIONS 1995

Nature, Concept, Signs: group exhibition in the University Library, Hildesheim

1996

Marble: group exhibition Volksbank Hildesheim Sculptures and Others: final degree exhibition, University Library, Hildesheim

2004

Die Wohndiele, Hamburg

2004-2009

annual shows in the Künstlerhaus Ohlendorffturm, Hamburg

2008

Emotional Intelligence, Mönchengladbach, seminar with Jeff Allen 4 x 9, EKZ Volksdorf, Hamburg Rahlstedter Kulturwochen, Parkresidenz, Hamburg

2009

The Golden Life, Burg Rothenfels, seminar with Chuck Spezzano Kunstwerk-Werkkunst, Schloß Reinbek, Reinbek The Eagles‘ Ascent, Künstlerhaus Ohlendorffturm, Hamburg Geschmack des Unsichtbaren, Rathaus Galerie, Rellingen

2010 Happy Relationships, Hamburg, seminar with Chuck Spezzano

In the Depth of the Heart, Burg Rothenfels, seminar with Chuck Spezzano

In Transit, Festival KulturWerk Rahlstedt, Hamburg

Sculpture Park, Rantzauer See, Barmstedt

LEBENSLAUF 1966

geboren in Mainz

1982-87

Abitur Pädagogium Baden-Baden

1989-92

Ausbildung zur Damenschneiderin Modestudio Nesweda, Heidelberg

1992-96

Kulturpädagogik, Schwerpunkt Bildende Kunst, Bildhauerei, bei Prof. R. Günzel, Universität Hildesheim

seit 1997

freischaffende Bildhauerin und Seminarleiterin in Hamburg mit Aufträgen im In- und Ausland

AUSSTELLUNGEN 1995 Natur, Konzept, Zeichen: Gemeinschaftsausstellung in der Universitätsbibliothek Hildesheim 1996

Marmor: Gemeinschaftsausstellung Volksbank Hildesheim Skulpturen und andere Arbeiten: Diplomabschlussausstellung in der Universitätsbibliothek Hildesheim

2004

Die Wohndiele, Hamburg

2004-2009

Jahresausstellungen im Künstlerhaus Ohlendorffturm, Hamburg

2008

Emotionale Intelligenz, Mönchengladbach, Seminar mit Jeff Allen 4 x 9, EKZ Volksdorf, Hamburg Rahlstedter Kulturwochen, Parkresidenz, Hamburg

2009

Das Goldene Leben, Burg Rothenfels, Seminar mit Chuck Spezzano Kunstwerk-Werkkunst, Schloß Reinbek, Reinbek Adlerflug, Künstlerhaus Ohlendorffturm, Hamburg Geschmack des Unsichtbaren, Rathaus Galerie, Rellingen

2010

Glückliche Beziehungen, Hamburg, Seminar mit Chuck Spezzano In der Tiefe des Herzens, Burg Rothenfels, Seminar mit Chuck Spezzano Unterwegs, Festival KulturWerk Rahlstedt, Hamburg Skulpturenpark Rantzauer See, Barmstedt

Mein Dank gilt Gerrit Groteloh, der diesen Katalog mit mir konzipiert hat und in vielen Stunden der sorgfältigen Arbeit entstehen ließ. Ebenso danken möchte ich Barbara Koch und Hans Heller für mein künstlerisches Zuhause und die Freundschaft am Künstlerhaus Ohlendorffturm.

Von Herzen ein Dankeschön an meine Freundinnen Alexandra und Angelika, die immer an meine Arbeit geglaubt haben.

Besonders dankbar bin ich für die Liebe meines Mannes Magnus, der die Idee zu diesem Katalog hatte und mir die Welt zu Füßen legt.

KONTAKT / CONTACT Sonja Mosick-Lewin K端nstlerhaus Ohlendorffturm Am Ohlendorffturm 36 22149 Hamburg Germany sonja@bildhauern.de www.bildhauern.de 040 - 696 40 454

FOTOS / PHOTOS Henning Retzlaff foto@h-retzlaff.de www.h-retzlaff.de

GESTALTUNG / LAYOUT Gerrit Groteloh grafix@go4mo.com www.go4mo.com

QUELLEN / SOURCES 1

Ph.O.Runge, Hinterlassene Schriften Göttingen 1965, Bd.I, S.7

2

Clemens Brentano, Werke Bd.II München 1956, S.322f

3

Sonja Mosick-Lewin

4

Italo Calvino, Die Spirale in: Cosmicomics, München, Wien 1989 (Mailand 1984) S. 289-306, 289

5

Calvino, ebd., S. 304

6

aus dem Gedicht Eagle von Eric Phelps in: The Sacred Animals Of Native Americans, Part 3

7

Swami Lalitananda, The Eagle : Garudasana in: Ascent Magazine, issue 34, Canada, Summer 2007

8

Alberto Giacometti in: James Lord, Alberto Giacometti - Die Biographie Fischer Taschenbuch Verlag, Mai 2009, S. 44

URHEBERRECHTSCHUTZ / COPYRIGHT © Sonja Mosick-Lewin, 2010 • Alle Rechte vorbehalten. / All rights reserved.

umschlag / cover ADLERFLUG / EAGLES‘ ASCENT, 2008, Sandstein / sandstone, 25 cm h