[b]racket December 2014
[ ] FREE 무료
Editor’s Letter For three guys who had no idea what they were doing I think we did pretty well. I guess that is what happens when desire meets ambition. Though the road wasn’t shown to us, we moved in a particular direction with a purpose and a mission: to give artists a platform to share their work, and to centralize the art scene here. Did we meet our goals? Through 24 issues, we shared the work of 144 artists. Was the art scene “centralized?” I’m not sure about this one, as many of our goals were difficult to quantify. We did plenty wrong, but at the end of each month for two years we had a copy of [b]racket out on the streets. We distributed the first issue, a mere 200 copies, on foot. Somehow I assumed there would be a ticker-tape parade for us. I overestimated that, but the magazine was met with some intrigue, as well as confusion. We were most commonly asked “why are you doing this for free?” Our answer was, and remains, that art is important. An artcentric community is a better community. Before we knew it we’d prepared the next month’s issue and increased our output to 500 copies. We vowed that as long as we had enough advertising capital to print we would continue on. We hit a few ruts along the way. Everything about making the magazine was fun, but the money part of it proved to be our biggest weakness. We were struggling to find advertisers. Our collective inability to effectively communicate with the majority of potential clients rendered us powerless to grow the way we wanted. Even though we’d significantly improved with a new Words Editor to edit articles and a Designer who was coming into his own, we couldn’t print without funds. Just when we thought we would have to pull the plug we found a generous sponsorship from an art entity within the city. With their support and our continued ambition, we pushed forward and doubled our output to 1,000 issues per month. We expanded distribution into Seoul and Busan. We did interviews with TV channels, newspapers, blogs, and magazines. We created a bonafide website. We started a gallery for artists, free of charge to them. We organized two massive group exhibitions with a major university in town. We built an app from scratch, which now has over 1,000 downloads. We expanded our distribution even further, adding Daejeon and Gwangju to the list of cities where people could find a copy of [b]racket. Our team of writers and contributors expanded, making every month that much more possible. We even partnered with local artists and gained nonprofit status. We really felt like we achieved a lot. My wife has never agreed with this phrase, but in this case it is true: All good things must come to an end. Unfortunately there are not enough hours in the day for us to work full time jobs, make art, and publish an art magazine. Of course, this would have ended long ago without the tireless efforts from our 100% volunteer staff. Some have done more than others, but all efforts were generous and appreciated. You may have noticed that I haven’t mentioned any names here. This is an attempt to avoid forgetting anyone, and to keep from spotlighting a few (though you know who you are). All of the contributions from our volunteers, regardless of their magnitude, have been important. I know I’ll miss this magazine. I already do. Though the decision wasn’t easy to make, I feel peace in knowing that there are others who are carrying the torch. There are other trailblazers out there. They are fighting the good fight, to make art a part of everyone’s lives. People need it, whether they know it or not. Jess Hinshaw Editor in Chief
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LONG DISTANCE DIALOGUE
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mobile. 010 2879 7936 e-mail. ksykmh1@naver.com www.handiyoon.com facebook.com/atelieryoon
meshprint.blogspot.com
Issue 24 December 2014
[b]racket Jess Hinshaw [editor in chief] Christopher Cote [design editor] Sybille Cavasin [words editor] Lisa Highfill [digital editor]
Chung Se Yong [advocacy director] Jacob Morris [digital developer] Lee Ji In [translation] Lee Hae Eun [translation]
artists Kim Nam Jin ~ nklingkk@gmail.com Whit Altizer ~ wpaltizer@gmail.com Seo Hee Joo, PhD ~ artnphil@hanmail.net Meryl Booth ~ boothmeryl@gmail.com
contact Support for [b]racket magazine is provided by B Communication
staff Long Distance Dialogue ~ longdistance. dialogue@gmail.com Greg Maclaughlin ~ gmaglaughlin@gmail.com Kelsey Hong ~ hongkwangsung@gmail.com Lee Junghwa ~ junghwa-lee.com Lilith ~ facebook.com/jooa.lilith Lee Da Bin ~ facebook.com/dabinleedabin
writers bracketmagazinekorea.com bracket.magazine@gmail.com facebook.com/bracketMagazine
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Jeng iy Since 1994
Live performances Local rock musicians Relaxing atmosphere
Jeng Iy
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LONG DISTANCE DIALOGUE Long Distance Dialogue (LDD) puts life into perspective. It reminds us, with beautiful photographs, that among the rush and frenetic pace of our lives there are moments and art happening around us. There is beauty within and on our walls. The ordinary can be significant. Created by three Korean women who met abroad, LDD is a digital conversation among friends on which we are allowed to eavesdrop. “With different styles and methods,” LDD says, “we make one big picture-like stained glass.” Yun Hye Kyong in Youngju, Jung Hyo Jung in Daegu, and Hyun Ji Sung in Rennes, France have kept a digital conversation going for several years. Hye Kyong and Hyo Jung met in 2011 during an artist residency program in Helsinki. Bound by their shared nationality, ideas, interests and experiences, the two quickly became friends. When their paths diverged, they came up with the idea of an image dialogue as a way to keep in touch. Soon after, Ji Sung (a Korean friend of Hyo Jung’s from Avignon Fine Art School in France) joined the project. In the beginning, LDD started their conversations around a proposed theme. On Saturdays they would venture out and take photos that they thought would best tackle their idea. Since last year, LDD has settled into their conversation as old friends do. There isn’t a set topic, just random daily utterances on which the others comment. On their blog, they have also moved
from strictly posting still images to expanding into video, drawings and words. Their conversation seems increasingly comfortable and bold. In January 2014, (right) LDD mirrored each other’s photographs. The three posed in front of their walls with their backs to the camera. It doesn’t sound exciting—but if you look at this as a conversation, it is much more complex. A lot can be inferred from the wallpaper, the lighting and the postures of the subjects. An environment can say a lot about a time, a place and a person. Postures can be a window into a moment or a personality. These simple photographs are incredibly revealing and yet we never even see a face. In another piece, Missing You, (page 10) the images are very different. We are presented with a cinnamon roll, carefully arranged objects from a box and a railroad crossing. The only common thread is the theme. The subjects are disparate, yet, the colors and arrangements connect them. Their randomness also makes us wonder what exactly is going on in the minds of each photographer. And isn’t that what art should do? Isn’t the aim to pose questions and encourage us to think? LDD has a tendency to draw you into the conversation and ask you: what would your frame look like? The members of LDD are no doubt talented photographers. Their images are taken with careful thought and the artists are
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thoughtful about composition. But what sets them apart from the everyday photographer is how they choose to perceive a theme and how they bring those different perceptions together. LDD illustrates how we all are living in the same time, but experience life in such different ways. For inspiration, Ji Sung often asks herself the question, “How can we use time as the material of art?” It’s something all the members of LDD do consciously or subconsciously and that is what makes their work so compelling. The artists of LDD slow time down and pay close attention to their environment. They cap-
ture life between one moment and the next and creatively juxtapose those moments with their friends’. In that way, time is a material. Each day LDD must take a moment to reflect on what their friends are experiencing and filter it through their own lens. Time becomes as important as the camera. The thought put into this long distance friendship imparts a feeling of authenticity and makes us feel fortunate to be part of the conversation. [b] Whit Altizer
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GREG MACLAUGHLIN
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inimalism is not a genre of art many are comfortable confronting. Most viewers are puzzled by the extreme simplicity of the images, and tend to gravitate towards the more sensual shapes and the visceral nature of other art styles. However, exploring minimalism beyond noticing its simplicity may show you that there is much more than meets the eye.
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My own process in approaching and appreciating Maclaughlinâ&#x20AC;&#x2122;s work was a laborious one. I can compare it to peeling an onion; as layers are removed one comes closer to what makes it strong. Adopting this analogy, the first layer was merely my attempt to understand what I was seeing. What are these pieces but bright, solid colors in bold shapes placed haphazardly on the picture plane?
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Digging deeper into the work, I was met with a feeling of unease. Not with the art style, but in the deliberate challenge of certain aesthetic conventions it was making. Composition choices like separate objects sharing an edge can leave one slightly jarred. Through this effect, however, I noticed a vague theme. The pieces I saw seemed to gravitate toward a centralized mundane with an overlaying eccentric. Regular shapes in regular patterns create a larger implied regular shape, which is itself obscured by a quadrilateral of some sort. A narrative of conformity and rebellion started to jump out at me from the aesthetic process. Continuing to shed layers, the work began to present itself more clearly. I looked at the titles of the works closely and attempted to describe each pic-
ture in detail. My two favorites have become Divine Agnosticism (page 13) and Handy Aye (above), due to the fun I had deconstructing their potential meanings and narratives. Handy Aye’s ambiguous title puzzles me. Is it a pun on ‘eye’ like a magic eye, or a more pragmatic ‘useful yes’? The bars appear to be a gradation from slightly darker reddish orange to a true orange, all but one of which is overlaid by an orange quadrilateral. Three of the points of this quadrilateral touch edges or points of these bars, and the fourth juts up as if to remind the viewer that the margins are more a suggestion than a rule. The magic eye thought jumps back to mind. It’s not a gradation. Those bars are all the same reddish orange. Then I find myself back to regarding the ‘useful yes’. A minor optical illusion illustrates the
idea that one prominent voice may color the impression of a total group. Divine Agnosticism on the other hand begs me to contemplate, even if briefly, epistemology. The piece appears to us as a set of black diamonds laid in a grid on a blue background. An orange trapezoid hugs this formation like an ancient Egyptian or Mesopotamian skirt; reminiscent of Thoth or Enki perhaps. But how do we take the oxymoronic title? Is it the unknowingness of God? Is it a kind of spiritual deism? Is it suggesting that perhaps not knowing is, like being clean, divine? As I question the title, I also question how I know what those objects are. I assume the diamond pattern continues, creating a rectangular grid that is merely obscured. But the truth is I donâ&#x20AC;&#x2122;t know if the diamonds continue as predicted. The diamond shapes might be elongated or have irregular patterns under
the trapezoid, or there might be nothing at all. Just like the ponderance of what the title suggests, the question of whether the diamond pattern continues is initially unknown, could be unknowable, and might even be ultimately meaningless. Attempting to understand each shape, color and possible illusion of these paintings could take one on a never ending quest. And if there was a clear explanation, it might not be what we had expected. Minimalism challenges the representative art forms we are so familiar with, and therefore it challenges us. This is an art that criticizes itself, while ironically being as nonreferential as possible. [b] John Shrader
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KELSEY HONG
삶
을 살아가면서 생각이란걸 시작하게되고 그 사작 된
를 들려 주었다. 과거의 자신은 사랑이란 불필요한 감정이라고 느
생각이 삶을 지배할때까지 우리는 어떤 생각을 제일
꼈었다고 말이다. 사랑이란 감정에 대한 믿음감도 없었거니와 현
많이 하게 되는 것일까에대한 생각을 해본다. 아마
실과 이상에 대한 괴리감이 컸기에 사랑의 감정을 알려고도 받아
도 그 생각들 중에 가장 큰 부분을 차지하는게 ‘사랑’이 아닐까 한
들이려고도 하지 않았다고 한다. 하지만 차차 시간이 흐르고 만남
다. 사랑사랑사랑… 수많은 사랑들을 접하면서 우리가 얼마나 많
과 이별이 몇차례 반복되면서 그녀는 변해 갔고 그 변해간 감정
은 시간을 투자해 사랑에 대해 생각하고 연구하고 표현하고 상처
안에서 느꼈던 것들이 소중했다는걸 깨달았고 한다. 사람과 사람
받고 또 빠져드는지 알 수 있다. 그런 반면에 어떠한 정답이란것
의 관계가 얼마나 아름답고 소중하고 많은 것을 내포하고 있는지
도 존재 하지 않으니 오히려 더 개미지옥처럼 생각을 점령해 버리
30대에 접어든 그녀는 말하고 있었다. 연결고리에 대한 질문을 던
는게 아닌가 한다. 수많은 세기를 사랑은 그렇게 존재하면서도 존
지고 그 안에서 해답을 찾아낸다. 그것은 혼자만의 공간에서 고뇌
재 하지 않은것 처럼 여기저기에 흩날려져 있다. 이런 사랑을 풀
의 시간을 보내다가 그 공간 안으로 타인이 들어오고 상대방을 알
어가는 방식은 사람마다 다를텐데 그 중에서도 예술을 한다고 하
게되면서 공간이 넓어짐을 느끼는 무한대의 감정에 대한 이야기
는 사람들에게서는 더욱 더 특별하게 풀려질지도 모른다. 이번
이다. 그녀는 그 감정이 아름답다고 이야기 한다.
에 만난 작가 Kelsey Hong도 그녀만의 표현방식을 가지고 있었
작가의 20대는 영국에서 시작되었다. 대학생활이란 새로움을
다. 짧은 그녀와의 대화에서도 이 작가가 얼마나 많은 생각을 가
접함과 동시에 주위의 모든것이 바뀌게 된 것이다. 문화도 사회도
지고 자신의 내면을 혹은 생각을 화폭에 표현하려고 하는지 느낄
사람들도 그리고 공부하는 것까지도 말이다. 그 삶의 시작은 녹록
수 있었다.
하지 않았지만 천천히 적응해 나갔고 문화도 사람들도 받아들이
지금은 사랑의 대한 작업을 하고 있는 그녀가 재미있는 이야기
면서 서서히 익숙해져 갔다. 사실 다른 문화에서 살아간다는건 쉬
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운 일이 아니기에 싸우기도 하고 비교하기도 하고 받아들이기도
지만 그 열정에 대한 목마름은 끝이 없다. 초반 그녀의 작업은 자
하지만 어린나이의 그녀에겐 그저 적응해 나가기에 급급했다. 하
연에 대한 작업들이 더 많았고 거대하고 방대함에 대해서 그리고
지만 타지에서 자신을 지키고 자신의 색을 뿜기 위해서는 고뇌의
그 안에 내면의 자신을 녹일 수 있는 그림을 그리고 싶어 했었다.
시간이 오기마련이다. 가족도 없는 그 곳에서의 시간은 오로지 자
그래서 한번은 숲속 깊은 곳으로 들어가 방갈로를 하나 빌리고 거
신만을 위한 시간이었기에 그녀는 기쁨도 슬픔도 아픔도 고스란
기에서 알몸으로 자연을 느끼면서 오로지 페인팅만을 했던 적도
히 혼자 견뎌내면서 작업들을 점점 발전시켜 갔다. 이런 조금은
있다고 한다. 이처럼 열정안에서 열정적이었다. 하지만 그 열정이
다른 20대의 고뇌들이 한국에 돌아오고 난 후 그녀를 또 다르게
그녀를 태우기도 한 것 같다. 자신을 가두기도 하고 밖으로 끝없
변화 시켰다고 한다. 한국에서의 여성은 그리고 여성작가라는 삶
이 내놓기도 하는것들이 아마도 작가의 숙명이 아닐까 한다. 자연
은 유럽에서의 것과 차이가 있었다. 여성이기에 해야하고 해선 안
에서 사람으로 사람에서 사랑으로 점점 시점이 디테일해지고 그
되는 것들이 한국 시장에서는 난무했으며 그런 점은 작가로의 삶
녀의 우주는 점점 커지고 있다. 아마 10년후의 그녀는 더욱더 섬
도 고민하게 만들었었다. 하지만 고뇌의 시간끝에 그녀의 선택은
세한 사람으로 작가로 활동하고 있지 않을까라는 기대를 해 본다.
사랑하는 그림을 버릴 수 없었기에 더욱더 자신을 표현하고자 결
앞으로 한국 여성 작가로서 대범한 활동을 할 Kelsey Hong에게
심한다. 논란의 여지가 있더라도 한국에서 여성작가로 본인의 생
응원과 기대를 보낸다.
[b]
각과 감성을 표현하겠다고 말이다. 그리고 그 안에서 그녀만의 사 랑이 완성되었다. 하나만 보고 돌진하는 힘을 작가는 그녀만의 장점이라고 말한 다. 열정을 가지고 열정안에서 살아가고 열정적으로 그림을 그렸
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LEE JUNGHWA
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ost people have experienced both the bustling streets of a city and the quiet trails of a mountain side. These very different yet equally normal places often encourage us to reflect on our surroundings. In the case of installation and sculpture, however, presenting people with a space that is abstract and unfamiliar can force us inwards to reflect on ourselves. This is what I have experienced through Lee Junghwa’s art. With found objects and altered materials, Lee leads us into places where reality meets the imagination. Some of his pieces materialistically modify and fill an entire room, while others stand alone to be experienced from all angles. These two methods are presented with the viewer in mind, for us to explore. When someone encounters this kind of art their presence and experience complete the work. Lee’s installation titled Missing Part (above) consists of pinewood blocks of various sizes that reach
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into the room from all directions, occupying the space. Speakers project Korean and Japanese voices adding a further dimension to the work. The scale and placement of the blocks create an extra illusion of depth, resembling a surreal landscape. To see this installation is not only to observe it, but also be a part of it. It interests us while it puzzles us. With no clear reference to reality the viewer might be inclined to look inside themselves and ponder the possibilities of what they see to fill the void of the unknown. Through this response, Missing Part becomes a place where imaginary things can be acknowledged. Without a response, the work is incomplete. Lee, a Seoul based artist, currently resides in Gunsan as a part of the Yeoinsuk artist residency program. Although every place he finds himself in influences his work, he says his interest in sculpture and installation was sparked during his time spent in the UK. “It changed my life,” he says. While studying
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at Goldsmiths University of London as an exchange student, he began collecting found objects to make art with. “My work begins with my surroundings,” says Lee. Once he arrived back in Korea, the materials he was accustomed to using in the UK were not as readily available, and with that his work changed. Much of his recent work is comprised of reclaimed wood or cement bricks. He says a lot of what he finds here is plastic, an undesirable material for his work. He prefers natural or vintage objects because of the simplicity and history that they project. “I am interested in the world.” says the artist. Lee considers everything and anything as inspiration. An ordinary moment, a person, a feeling, a place, a memory, a song. As impossible as it is to understand what someone else is thinking, it is just as illogical to try and pinpoint exactly where creativity comes
from. Information accumulated over time shapes who we are while also determining what we do and how we create. As for Lee, what he’s left with is a product of his own curiosity. “All of the information I absorb [from the world] percolates in my mind and comes out suddenly,” he says. When encountered with the unexplainable we search for answers. When we cannot make a new environment familiar we’re left with nowhere to look to but ourselves. Lee Junghwa shows us how to use the outside world as a tool; a starting point. His work sends us back into ourselves, to discover the conjured landscapes and mysterious thresholds we are capable of imagining. [b] Sybille Cavasin
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LILITH
행
위예술(퍼포먼스, Performance)은 예술가의 신체를
는 기회가 마련되었던 것이다. 한국 최초의 행위예술은 1967년
이용하여 표현하는 예술로 1960년대 해프닝, 70년대
서울 북창동 중앙 공보관에서 비닐우산과 촛불이 있는 해프닝이
이벤트 등으로 불리기도 했다. 행위예술은 예술가들
라는 제목으로 펼쳐졌다. 1968년에는 정강자의 투명풍선과 누드
이 미술, 음악, 연극 등의 전통적인 매체나 표현방식을 벗어나 신
라는 행위예술이 발표되면서 퇴폐적이라는 비난이 쏟아지기도 했
체를 이용한다는 부분에서 여타의 예술과 다르다. 관객 앞에서 어
다. 세시봉이라는 음악감상실에서 발표된 이 작품은 작가의 누드
떤 행위를 한다는 점에서는 무용이나 연극과의 유사성을 가지고
에 관객이 투명풍선을 불어 붙인 후 참여자들이 작가의 몸에 붙어
있다. 그러나 이러한 퍼포밍 아트(Performing Art,) 공연예술)와
있는 풍성을 다 터뜨리고 나면 작가가 퇴장하는 시놉시스(synop-
는 달리 관객은 퍼포머(performer)가 행하는 인체의 움직임에 주
sis)였다. 이후, 행위예술은 수많은 논란과 해석을 낳았고 동시대
목하고 퍼포머의 몸짓을 통해서 주제가 전달된다. 그리고 그 표현
로 오면서 행위예술은 여타의 예술과 다르지 않게 이해되고 감상
형식이나 방식이 자유롭다는 점과 모든 장소에서 행위예술이 가
되고 있다. 특히, 지난 55회 베니스비엔날레(Venice Biennale)에
능하다는 점이 일정한 형식이 필요한 퍼포밍 아트와 구별될 수 있
서 행위예술 작품을 발표했던 티노 세갈(Tino Sehgal)이 최고의
는지점이다.
작가에게 주는 황금사자상을 받았다는 점은 주목할 만한 일이다.
이러한 행위예술은 그 특성상 사진과 영상 기록, 언론보도, 작
이것은 미술의 경계가 무너지고 미술의 환경이 이미 변화했음을
가들의 개인적 기록 등을 통해서 남겨지므로 시대를 거슬러 올라
단편적으로 보여주는 예이다. 그러나 우리 예술적 상황에서는 다
갈수록 행위예술 작품과 관련된 기록을 찾기가 힘들어지기 마련
수의 작가들이 행위예술을 발표하고 있지만 우리가 빈번히 감상
이다. 그런 점에서 2007년 국립현대미술관에서 개최되었던 국내
할 수 있을 정도는 아닌 것 같다.
행위미술 40년을 회고하는 한국의 행위예술 1967-2007展은 한
행위예술이라는 쉽지 않은 예술 영역에서 이제 막 자신의 열정
국 행위예술의 역사를 조망할 수 있는 의미 있는 전시였다. 이 전
을 작업으로 표출하고 있는 젊은 예술가 박세영을 만났다. 그녀는
시에서 한국 최초의 행위예술로 알려지고 있는 작품을 엿볼 수 있
무용을 공부하고 있는 학생이지만 행위예술가로서 활발한 활동을
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26â&#x20AC;&#x201A; [b]racket December 2014
하고 행위예술가이기도 하다. 그녀는 현대인의 일상에 묻어있는
이 되는 것이다.
삶의 고독을 강렬한 몸짓으로 풀어내고 있다. 그녀의 작품은 열정
그녀의 작품을 관통하는 주제가 현대인의 삶과 고독이라는 측
으로 가득해서 관객을 쉽게 사로잡는다. 작품이 가지고 있는 주제
면에서 그녀의 몸짓은 서로의 따뜻함을 느끼고 나누는 행위이다.
에 몰입하기 힘들 정도로 그녀의 열정은 뜨겁다. 그녀가 작품에서
우리는 동일한 시간을 공유하며 동일한 공간에 동료나 가족 등과
제시하고 있는 주제는 일관된다. 그녀는 우리의 일상에 주목하고
같이 있으나 외롭고 깊은 공허함을 느낄 때가 많다. 인간은 본래
현대인의 삶을 젊은 시각으로 바라보고 온 몸으로 표현하고 있다.
고독하다고 하지만 오늘의 삶이 우리에게 주어진 무게가 그 고독
하루하루가 바쁘고 팍팍한 우리는 고독을 느낄 여유가 없다.
함의 나락으로 끌고 가고 있는 셈이다. 그녀의 반복된 몸짓, 일상
그래서 어쩌다가 불현듯 느끼는 고독은 큰 파도처럼 밀려온다. 이
적 행위와 예술적 행위의 어우러짐을 통해서 우리 자신의 온기를
것은 우리의 삶을 더욱 고단하게 만든다. 그녀는 그러한 우리의
느끼고 타인의 온기를 느끼도록 한다. 현대인이 가지고 있는 고독
모습을 36.5℃, Circumstantial Identity 등 다수의 작품을 통해서
에 대한 수많은 물음을 때로는 격렬한 몸짓으로 표현하기도 한다.
이야기하고 있다. 그녀는 현대인의 내면 깊숙이 자리잡고 있는 고
그러한 그녀의 몸짓들은 관객으로 하여금 작품 안에서 자신을 발
독을 이야기하면서 여러 작가들과의 협업을 통해서 자신이 고독
견하게 한다. 그녀의 작품은 삶의 방식들을 투영할 뿐만이 아니라
도 극복하려는 태도를 간접적으로 드러내기도 한다. 다시 말하자
행위예술이 펼쳐지는 장을 소통의 장으로 구현해낸다. 이렇게 박
면, 여러 작가들과 작업을 교류하고 작품을 공유하면서 작품이 완
세영은 몸짓이라는 예술언어를 통해서 현대인의 삶을 풀어내고
성되어가는 과정을 통해서 그녀 역시 현대인으로서 자신이 가지
있는 것이다. 그녀의 표현방식은 직접적이고 강렬하지만 젊은 작
고 있는 고독을 치유하고 있는 것이다. 이러한 협업은 그녀의 작
가의 보편적 표현 방식을 벗어나고 있지는 않다. 다만 그녀가 선
품에서 상징적이고 시적인 방식으로 시각화되어 나타난다. 즉, 다
택한 화법이 우리의 주목을 받는 것이다. 우리 사회에서 행위예술
양한 예술가들과 같이 예술작업을 구성하고 작품을 발표하는 현
이 보편적 예술 언어가 될 수 있는 것은 바로 이런 작가들의 노력
장에서는 관객들의 참여를 유도하여 같이 호흡하고 관객을 통해
때문일 것이다. 그리고 박세영의 무모한 도전이 계속 될 것이라고
서 이끌어지는 몸짓은 다양한 상황을 야기하면서 작품의 치밀한
생각된다. 그리고 계속되어야만 한다.
[b]
내용 전개를 토대로 다채로운 모습을 보여준다. 이러한 예술적 과 정은 관객들을 작품에 몰입하게 만든다. 그리고 이와 같은 몰입은
Seo Hee Joo (Ph.D)
작품과의 소통과 이해로 나아간다. 관객에게 이러한 경험은 작품 을 감상하는 것과 다른 감상의 가치를 부여한다. 행위예술의 현장 에서 직접 작품을 체험하고 직접 개입하는 것이 작품 감상의 방식
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LEE DA BIN
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orean artist Lee Da Bin uses the human body as her canvas. Her work comes to life in the form of a stranger, breathing and moving with the artwork and thus presenting a new dimension to the viewer. Lee decorates the skin with paint as a way to communicate the elaborate human emotions that reside within. During her studies as a fine art student at Hongik University, Lee began exploring different ideas concerning emotion. Her past struggles with depression are what have lead the artist to be especially curious about feelings, the human body and death. She began investigating these ideas through art using primarily pen, ink and graphite. New ideas and questions inspired her to branch out to other mediums, as painting and photography became more suitable channels to explore her subject matter. Lee presents themes of darkness and mortality, but not overtly. The work doesn’t initially overwhelm viewers with gloom -- that’s not what draws us in. Dark undertones only become apparent after more time is spent with her work. Once the emotional aspect of her art is discovered, spectators are able to relate to Lee. This necessary excavation by the viewer is a conscious attempt by Lee to engage individuals instead of alienating them. Lee feels that emotion reveals more than anything in the quest to discover the essence of humanity. If emotions were more tangible they would certainly spill out of every individual. In her piece titled reveal
Me (page 28) the subject emerges from a flat surface, almost indistinguishable from it, and leads one to question the effects that emotions have outside of the body. Intense feelings are visualised in Rolling Down (above), a piece that reminds viewers of the human need to restrain disturbing thoughts. Unsettling ideas and emotions are often the loudest within an individual, and Lee’s work does well to depict this struggle visually. Although Lee is fascinated with disquieting themes she doesn’t neglect the lighter side of emotion, and her work illustrating album covers and film posters shows us that. She describes her style of body painting as dark and rough, and her drawings as bright and sensitive. Humans learn to balance their emotions in an attempt to find harmony. Lee does this with art. By utilizing various mediums and methods of creating she brings diversity to her practice. Lee uses body painting to create a symbolic relationship between the tangible and intangible; bringing forth human emotions that are otherwise silent. Her work seeks to be a booming visual proclamation where the human mind is reborn through intense colors. When faced with what is hidden inside, emotions we experience become more tangible and easier to accept. Lee expresses what we all feel or have felt before, unifying us all. [b] Meryl Booth
[b] Buy the Book
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