BABEL-AFIAL Nº 20

COMITÉ EDITORIAL Cristina Larkin Galiñanes (Universidade de Vigo) Jorge Juan Figueroa Dorrego (Universidade de Vigo) Beatriz Figueroa Revilla (Universidade de Vigo) COMITÉ DE REDACCIÓN Antonio Ballesteros González (UNED Madrid) Alexander Bergs (Universidade de Osnabrück) Carlos Buján López (Universidade de Santiago de Compostela) Marta Cerezo Moreno (UNED Madrid) José Luis Chamoso González (Universidade de León) Juan Antonio Cutillas Espinosa (Universidade de Murcia) Mª Ángeles de la Concha Muñoz (UNED Madrid) Particia Fra López (Universidade de Santiago de Compostela) Francisco Garrudo Carabias (Universidade de Sevilla) Constante González Groba (Universidade de Santiago de Compostela) Manuel González Piñeiro (Universidade de Vigo) Pedro Guardia Masó (Universidade de Barcelona) Juan Manuel Hernández Campoy (Universidade de Murcia) Mª José López Couso (Universidade de Santiago de Compostela) Ramón López Ortega (Universidade de Extremadura) Félix Martín Gutiérrez (Universidade Complutense de Madrid) Manuel Míguez Ben (Universidade de Santiago de Compostela) Jacqueline Minett Wilkinson (Universidade Autónoma de Barcelona) Rafael Moroy Casas (Universidade de Murcia) Marita Nadal Blasco (Universidade de Zaragoza) Manuela Palacios González (Universidade de Santiago de Compostela) Javier Pérez Guerra (Universidade de Vigo) Margarete Rubik (Universidade de Viena) Veljka Ruzicka Kenfel (Universidade de Vigo) José Siles Artés (Universidad Complutense de Madrid) Eduardo Varela Bravo (Universidade de Vigo) BABEL-AFIAL Nº 20; Ano 2011 EDITA Servizo de Publicacións da Universidade de Vigo Campus de Vigo 36310 VIGO, España IMPRIME Oficode, S.L. ISSN 1132 - 7332 DEP. LEGAL PO - 603 - 02 © Servizo de Publicacións da Universidade de Vigo, 2011

Dedicamos este número a la memoria de la Profesora Catalina Montes Mozo, que durante los últimos 19 años ha sido una colaboradora esencial para la existencia de nuestra revista.

La recordaremos siempre con cariño y gratitud.

Índice Artículos Paloma Fresno Calleja Femenino y plural: sub/versiones del paraíso en la poesía de Tusiata Avia

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Carmen María Fernández Rodríguez Romanticising the Robinsonade: Sarah Harriet Burney s The Shipwreck (1820)

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Mª Carmen Gómez Galisteo For the Benefit of the Afflicted? : American Captivity Narratives from Mary Rowlandson to Jessica Lynch

41

María Teresa González Mínguez E. E. Cummings and the Modern Man: On How the Concept of Masculinity Evolves in his Poetry

57

Cristina Rodríguez Ravelo Oscar Wilde's Humorous Manipulation of Discourse with Elaborate Politeness in The Importance of Being Earnest

71

Silke Anne Martin El modelo de un comentario traslativo guiado como método de autorreflexión para la enseñanza de la traducción

87

Katerina Soumani Property Concepts in Contrast: The Translation of Adjectivals (Spanish-English)

103

Regina Gutiérrez Pérez Construcciones esquemáticas metafóricas en inglés y alemán actuales

121

Isabel Negro Alousque A Semantic and Pragmatic Analysis of English Colour Idioms

149

Mª José Corvo Sánchez Historia y tradición en la enseñanza y aprendizaje de lenguas extranjeras en Europa (VIII): Siglos XVII y XVIII La enseñanza moderna y las tradiciones nacionales

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FEMENINO Y PLURAL: SUB/VERSIONES DEL PARAÍSO EN LA POESÍA DE TUSIATA AVIA * Paloma Fresno Calleja Universitat de les Illes Balears paloma.fresno@uib.es This paper focuses on Wild Dogs Under My Skirt (2004), the first poetry collection by Tusiata Avia, a New Zealand poet of Samoan descent, and concentrates on how the author revises and subverts colonial and patriarchal notions of paradise associated with the Pacific Islands and its women. First of all, I concentrate on how Avia rejects idealised and sexualised images of Polynesian women as inhabitants of a carefree paradise and presents us instead with characters affected by social exclusion and strict moral norms. On the other hand, I explore the concept of paradise in connection to the experience of migration from Samoa to New Zealand, idealised as a promised land, although these female characters are still affected by similar moral and social constrains. Finally, I consider how Avia manages to overcome these notions allowing her women to recreate their own personal paradise, defined on female and plural terms.

Keywords: Tusiata Avia, Pacific poetry, colonial representations, postcolonial revisions, feminism.

Este artículo analiza Wild Dogs Under My Skirt (2004), la primera colección de poemas de la poeta neozelandesa de origen samoano Tusiata Avia y se centra en la revisión que la autora realiza de la noción colonial y patriarcal de paraíso asociado con las Islas del Pacífico y sus mujeres. En primer lugar, analizo cómo la autora rechaza visiones idealizadas y sexualizadas de la mujer polinesia como despreocupadas habitantes de este paraíso, mostrándonos personajes afectados por la *

Fecha de recepción: Marzo 2011

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exclusión social y estrictas normas morales. Por otro lado, exploro el concepto de paraíso en relación con la experiencia de la emigración de Samoa a Nueva Zelanda, idealizada como una tierra prometida a pesar de que estas mujeres siguen estando limitadas por las mismas normas morales y sociales. Finalmente, considero cómo Avia consigue superar estas limitaciones y permite a sus personajes recrear su propio paraíso personal, definido en femenino y en plural.

Palabras clave: Tusiata Avia, poesía del pacífico, representaciones coloniales, revisiones postcoloniales, feminismo.

1. INTRODUCCIÓN Este artículo se ocupa de la obra poética de Tusiata Avia (1966), una joven autora de origen samoano, nacida y criada en Nueva Zelanda, cuya producción comprende hasta el momento las colecciones Wild Dogs under my Skirt (2004) y Bloodclot (2009). Para enmarcar la obra de Avia tendríamos que referirnos en primer lugar al legado poético de la primera generación de escritoras del Pacífico, que comienzan a publicar en la década de los setenta, la etapa de creación literaria que surge tras el proceso de descolonización de estas naciones. Esta primera generación de poetas, integrada entre otras por Konai Helu Thaman de Tonga, Jully Maniki de Fiji, Grace Mere Molisa de Vanuatu o Momoe Malietoa de Samoa, encaminó su obra en dos direcciones: por un lado, participaron en la creación de una literatura nacional centrada en la superación del colonialismo, un proceso que hasta el momento había estado liderado principalmente por hombres. Por otro, comenzaron a trabajar para implantar una conciencia feminista en sociedades que se habían liberado del yugo colonial, pero que continuaban operando según normas patriarcales. Este proyecto las llevó, además, a cuestionar o modelar los planteamientos del feminismo occidental para ajustarlo a sus necesidades específicas. Se trataba, en definitiva, de dar forma a una literatura entendiendo que multiple oppressions occur concurrently [and] solutions and healing from these oppressions must be

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dealt with holistically, as opposed to subjecting women’s experiences of oppression to linear models which invariably prioritise issues of race (colonialism) over gender (patriarchy) and gender over race. (Marsh 1997: 96) La reconciliación de los proyectos postcolonial y feminista es también un elemento clave en la agenda de la que podríamos denominar la segunda generación de poetas del Pacífico, un grupo de autoras más jóvenes cuya producción literaria comenzó a adquirir relevancia desde finales de los noventa. Aunque estas poetas comparten planteamientos similares y muchas de sus reivindicaciones políticas y sociales coinciden, la obra de estas autoras (entre las que podemos destacar a Tusiata Avia, Sia Figiel, Karlo Mila, Selina Tusitala Marsh, Serie Barford o Teresia Teaiwa) está marcada principalmente por su condición de sujetos diaspóricos, al haber nacido o crecido fuera de sus islas de origen y vivir en contextos sociales marcados por la experiencia de la emigración. A pesar de que la obra de estas dos generaciones surge en momentos históricos distintos y en puntos geográficos distantes, su poesía puede entenderse como resultado de una labor comunal. Konai Helu Thaman, una de las voces más destacadas de la primera generación, resalta esta labor conjunta al definir a las literaturas del Pacífico como “the collective vehicle which Pacific peoples use to tell the world what Pacific peoples think and feel, in their own unique ways” (1997: 6).

Sin duda, una parte fundamental de ese esfuerzo literario colectivo se refleja en la preocupación de estas jóvenes poetas por revisar representaciones occidentales de la mujer del Pacífico como habitante de un paraíso colonial modelado como fantasía occidental y masculina. La percepción de estas mujeres como objetos eróticos/exóticos (Pearson 2005; Suaalii 1997; Tauoma 2004; Van Tright 1996) continúa determinando numerosos procesos de representación y queda de manifiesto en discursos populares más recientes, como el de la industria turística o el del cine. Estos discursos perpetúan patrones orientalistas impuestos en la época colonial y consolidados a lo largo de los siglos en textos literarios, representaciones artísticas, o teorías científicas y antropológicas. Mi objetivo en este artículo es analizar la subversión de estas

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representaciones realizada por Tusiata Avia en Wild Dogs under my Skirt.

Avia sustituye estas visiones patriarcales y orientalistas por una multiplicidad de experiencias y subjetividades femeninas que se resisten a estas representaciones idealizadas, reflejan una realidad social marcada por la violencia, la pobreza y la exclusión, y abren la puerta a procesos alternativos de autodefinición.

2. LAS RUINAS DEL PARAISO Desde los diarios de los primeros exploradores hasta las campañas comerciales más recientes, la imagen más persistente con la que se ha personalizado a este paraíso es sin duda la de la joven doncella de los Mares del Sur, la “dusky maiden”, la belleza polinesia de tez morena y largos cabellos, que adorna su cuerpo semidesnudo con flores exóticas y seduce al recién llegado con bailes sensuales o surgiendo del agua como una sirena. Los efectos dañinos de esta imagen se acrecientan si consideramos su persistencia en el tiempo, ya que, como afirma Lisa Taouma [w]hile images of palagi (European) men and women have differed and ranged radically in type and context […] many images of Pacific Islanders are still caught up in fantasies of an ancient untouched world full of semi-naked natives. […] A painting from the earliest travels to Polynesia can be held up next to a nineteenthcentury photograph and a contemporary tourist postcard and the image of the dusky Maiden remains the same, unchanged over time, dress and pose, with brown eyes that beckon. (2004: 35-36) Esta narrativa continuada sobre las mujeres del Pacífico se concreta, además, en lo que Elizabeth Deloughrey define como “islandism” (2007), un término que perfila el concepto de “Orientalismo” de Edward Said (1978), y que hace referencia al discurso que combina visiones contradictorias pero complementarias de la isla y extiende esas visiones a sus mujeres, estableciendo una interrelación entre el cuerpo femenino y el espacio a dominar. Por un lado, la isla atrae por su lejanía y exotismo y por su reducido tamaño se

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muestra manejable y apta para ser ocupada; el cuerpo de la isleña es la metonimia de esa invasión, al ser representada como una mujer dócil que complace los deseos sexuales masculinos, corroborando así la proverbial hospitalidad polinesia y legitimando la ocupación de la tierra. Pero, simultáneamente, la isla se proyecta como territorio inhóspito, desconocido y salvaje, que requiere ser controlado mediante la penetración forzosa, del mismo modo que se asume que el carácter potencialmente salvaje y libidinoso de estas mujeres ha de ser sometido por las fuerzas pacificadoras cristianas (Deloughrey 2007).

En estas dos lecturas contradictorias de la isla y sus mujeres, que combinan el erotismo y la sumisión, el salvajismo y la nobleza, se refleja la ambivalencia implícita en el discurso colonial; una ambivalencia que, como apunta Homi Bhabha (1994), nos permite encontrar resquicios y fisuras para probar su inestabilidad y para subvertirlo.

Muchos de los poemas de Avia parten de esas visiones ambivalentes y ahondan en dichas fisuras con la intención de desmitificar dichas nociones orientalistas. Así, en “After Paradise”, la autora condena los efectos nocivos de esa permanente colonización física y discursiva del cuerpo de la mujer, ocupándose concretamente del discurso fílmico del cine clásico de Hollywood, que en buena medida continúa informado hoy en día las visiones populares sobre estas culturas. El poema subvierte el mensaje de la película Regreso al Paraíso dirigida por Mark Robson en 1953 y protagonizada por Gary Cooper, que encarna el papel de un aventurero mujeriego que llega a una isla del Pacífico y se enamora de Maeva, con la que, siguiendo las normas cristianas impuestas por el pastor que controla el pueblo, accede a casarse. Con este matrimonio, la mujer nativa queda atrapada en el patrón de la domesticidad más típicamente occidental, se la libera de una sexualidad pecaminosa encauzándola hacia el matrimonio y la procreación, mientras a su vez ella libera al héroe de su pasado inmoral, dándole como herencia una hija, que tras la muerte de la madre, perpetúa su legado de salvadora del héroe y consigue que su padre abandone su vida desordenada y cuide de ella.

La obra de Avia refleja la influencia de esta película como parte de la mitología de su infancia, ya que varios habitantes de la aldea de Samoa de donde es originaria su familia, incluido su padre, actuaron como extras en el rodaje (Avia 2009b). Así, en “After Paradise” se nos

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ofrece una versión alternativa de la convencional narrativa de Hollywood, ya que el final feliz de la película queda truncado. El poema ofrece como alternativa un guión fragmentado de personajes anónimos que se desarrolla tras las cámaras y que termina de forma trágica: When the film crews left and he’d gone long before for Boum sur Paris one of the house-girls took to wearing her clothes loose and sleeping late fiapalagi they called her bad example the faletua said (18) La voz poética nos muestra en una breve pincelada los entresijos de un paraíso de cartón piedra que se desmorona tan pronto como el equipo de rodaje abandona la isla y Cooper, al que se refiere simplemente con el pronombre de tercera persona, se deshace de su máscara de héroe. El legado más amargo de esta ficción hollywoodiense permanece en forma de una mujer embarazada quien, por las mismas imposiciones morales que parecen redimir a los protagonistas en la película, se ve obligada a abandonar a su bebé: “One of the boys found it / lying in the forest / very small, very white / with strange blue eyes” (18). Avia ilustra así la paradoja de un legado occidental contradictorio y de efectos dañinos al mostrar una constante obsesión con la sexualidad femenina, que por un lado se explota y por otro se reprime de manera obsesiva, como se muestra en el poema mediante la voz acusadora de la mujer del pastor (faletua) que recrimina a la joven su relación con el actor y su deseo de querer comportarse como una mujer palagi o blanca (fiapalagi). Conviven aquí, por tanto, dos tipos de paraíso, el de Cook, Gauguin o Melville, alimentado por fantasías masculinas sobre la disponibilidad sexual de estas mujeres, y el paraíso cristiano de pureza e inocencia, en el que la práctica del amor libre se reprime y se castiga, limitando la supuesta libertad sexual de estas mujeres al cumplimiento de patrones morales importados de occidente.

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Varios de los poemas de la colección condenan esta doble moral con el que se ha juzgado el comportamiento y la identidad sexual de las jóvenes del Pacífico y que ha marcado de manera estricta la educación de niñas y adolescentes, dejando como legado unas estrictas normas morales que todavía determinan sus vidas. En “Fings da kirls should know” se les advierte: Don use da same towel as da boy.

Don comb your hair in da night-time.

Don wear your hair out.

Don show your shoulder.

Don wear da trouser except in da town.

Don swim on da Sunday.

Don play on da Sunday.

Better you don do nuffing on da Sunday just go to da church, stay home and go to sleep. […] Don make da frien wif da boy.

Don drink or smoke or go to da night club.

Ua e loa? I said, don you drink or smoke or go to da night club!

Remember, kirls, obey your parents, den you will live long in da land. (41) La constante repetición del “don’t” crea un efecto de acumulación casi asfixiante, con la enumeración de normas de conducta que afectan a su aspecto físico, a su sexualidad y a sus prácticas sociales y religiosas. Al equiparar sexualidad y culpabilidad, incidiendo en el respeto a la autoridad paterna y la pasividad, Avia desvirtúa fantasías occidentales sobre la supuesta libertad sexual de estas mujeres, criticando paradójicamente cómo estas fantasías derivaron en la necesidad de imponer el control sobre sus cuerpos, su manera de vestir y su comportamiento con normas cristianas que, como vemos en esta lista de “mandamientos”, claramente continúan determinando sus vidas. El poema puede, además, leerse a la luz de narrativas antropológicas sobre el Pacífico y, en particular, en relación con las ideas de Margaret Mead sobre la sexualidad y el comportamiento de las jóvenes de Samoa publicadas en Coming of Age in Samoa (1928), la obra en la que la antropóloga norteamericana definía la adolescencia de estas jóvenes como un periodo caracterizado

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por la despreocupación y la desinhibición sexual. Cuestionando estas visiones antropológicas, el poema muestra que las prohibiciones son la norma en lo que Mead concibió como un paraíso de libertad y permisividad.

En otros poemas de la colección, sin embargo, Avia abandona el tono de condena y abraza irónicamente la imagen de la mujer rebelde y sexualmente activa. En “Pa’u-stina”, por ejemplo, Avia elige a una prostituta (pa’amuku) como protagonista, y sustituye los imperativos del poema anterior por una narración en primera persona en la que se rechazan cada una de esas órdenes: I am da devil pa’umuku kirl I walk down da street shakeshake my susu I chew gum an smile wif my gold teef flashing I call out to da good womens sitting sitting in deir house Eh, ai kae! An make dem see my arse. (31) En el poema se combinan la mirada femenina de desaprobación con la mirada masculina de deseo (“all da good mens are looking for my arse”, 31), mientras la protagonista desafía la autoridad y llama la atención sobre la delgada línea que separa el rechazo y la atracción (“Da whole chief ’ council look for my arse / An make da special fine for da pa’umuku girl”, 31). El osado retrato de la protagonista con sus “gold teef ”, sus “red toenails” y sus “high-heel shoe like da spear flashingflashing” (31-32), contrasta con las tradicionales visiones románticas de estas mujeres. Avia subvierte así el canon de belleza occidental, pero irónicamente presenta a una mujer que se apropia de esos productos occidentales para crear una imagen exagerada y excéntrica, que le permite subvertir los límites de la feminidad marcados por esas representaciones. Pa’u-stina es uno de los múltiples personajes marginales que habitan la colección y que, desde su marginalidad, llaman la atención sobre la ambivalencia del paraíso, recalcando la artificialidad de unas representaciones que, sin embargo, continúan estando presentes.

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3. PARAISOS DE IDA Y VUELTA El mito del Pacífico habitado por exóticas mujeres no es el único que Avia cuestiona en su obra. La noción de paraíso puede entenderse también en relación con los procesos migratorios que han determinado de manera fundamental la historia de estos países desde los años sesenta, tanto que cualquier análisis de la literatura o cultura del Pacífico ha de realizarse considerando la variable diaspórica como uno de los pilares fundamentales de su identidad (Anae et al. 2001).

Australia y Nueva Zelanda, países con los que las naciones del Pacífico mantenían distintos vínculos históricos y políticos, se convirtieron en el principal destino de un proceso migratorio que desde el comienzo se idealizó y fue presentado como la llegada a un nuevo paraíso. Si en la sección anterior señalaba las contradicciones y ambivalencias que rigen las visiones del paraíso post/colonial, en esta sección estas contradicciones quedan de manifiesto en el retrato que Avia hace de la experiencia de la diáspora.

Varios de los poemas de la colección retratan las distintas fases del proceso migratorio, comenzando por las expectativas albergadas antes de llegar al país de destino, como ocurre en “Ode to da life”, un particular canto a Nueva Zelanda (Niu Sila), la nueva tierra prometida: Ia, da life is happy an perfek Everybodys smile, everybodys laugh Lot of food like Pisupo, Macfonal an Sapasui Even da dog dey fat You hear me, suga? Even da dog!

An all da Palagi dey very happy to us Dey say Hey come over here to Niu Sila Come an live wif us an eat da ice cream An watch TV2 evry day (25) La joven voz del poema nos presenta su particular “oda a la vida” y comienza por describir las tentaciones de un paraíso urbano y globalizado, en el que pueden disfrutar de productos y bienes de consumo ansiados en sus lugares de origen (helado, Chop Suey, McDonald’s o series de televisión). Pero el proceso de mitificación de Nueva Zelanda se presenta de manera irónica; en primer lugar porque

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mediante la enumeración de estos objetos se condena la dependencia económica y cultural que existe entre estas islas y los principales centros de recepción de emigrantes, una dependencia que reitera patrones históricos de dominación y nuevas manifestaciones globales de imperialismo cultural. Por otra parte, la escena nos recuerda a narraciones coloniales en las que los nativos reciben a los recién llegados con los brazos abiertos, prometiéndoles que no habrá represalias por disfrutar de los frutos del paraíso. Aunque en la escena se invierten los roles y son los neozelandeses (Palagi) quienes les reciben, las jerarquías de poder se refuerzan. Al utilizar la voz ingenua de la niña, Avia muestra una visión problemática de las narrativas triunfalistas sobre la emigración, ya que los isleños continúan siendo presentados mediante estereotipos, como si se tratasen de niños ingenuos, visiones asociadas con el primitivismo y la docilidad que, lejos de haber sido superadas en el periodo postcolonial, siguen determinando cómo se les percibe y se les define. El poema continúa enumerando las posibilidades del paraíso: Dat how I know my Ode to da life An also Jesus –I not forget Jesus He’s say to us Now you can Do anyfing you like Have da boyfriend, drink da beer Anyfing, even in front of your fadda An never ever get da hiding Jus happy and laughing evry time. (25) La influencia cristiana sigue siendo evidente en el poema, pero aquí la voz de Jesús, lejos de prohibir, aparece mediatizada por la interpretación ingenua que la niña hace del discurso oficial, el que promete la felicidad a través del consumismo y la subversión de la autoridad paterna.

Como contraste a esta visión idealizada del nuevo paraíso, poemas como “Girl’s Life” retratan de manera más cruda la dureza que caracterizó la vida de la primera generación de emigrantes del Pacífico: In ’73 she went to New Zealand worked at Kiwi Bacon

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spoke English but her sisters told her Go back look after our parents.

We have husbands, children here Go back.

You have da baby –you stay home.

Look after da kids pick up da coconuts feed da pigs da in-laws. (39) Para la protagonista del poema, la emigración es un proceso frustrado por las imposiciones familiares, que a su vez dependen de la rígida aplicación de estrictas normas de conducta heredadas de la tradición cristiana. La supuesta libertad que ofrece la vida urbana en el país de destino queda aquí coartada cuando sus hermanas, casadas y con hijos legítimos, la fuerzan a regresar a cuidar de sus padres y a criar a sus hijos ilegítimos en Samoa. El poema demuestra, por tanto, como el acceso al nuevo paraíso y la construcción de una identidad en la diáspora están claramente determinados por cuestiones de género.

Los conflictos que afectan a la primera generación de emigrantes, contrastan con los experimentados por la segunda generación. Varios poemas de la colección analizan los efectos del regreso temporal o permanente a Samoa, lo que permite a Avia reflejar las múltiples experiencias en relación con el proceso migratorio y diversificar visiones simplistas sobre la identidad de estas mujeres. En “My first time in Samoa” la voz poética reproduce las sensaciones de unas jóvenes que regresan por primera vez al lugar de nacimiento de sus padres y se dan de bruces con una cultura con la que ya no se sienten identificadas: The heat of course that was the first thing and the smell wet like semen.

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They picked us up from the airport in a truck. We sat, wind cooling our sweat and watched houses with no walls pass by.

We looked at pyramids of tinned corned beef stacked on shelves Hey, what are they?

Shops they said. (33) En “Samoans are known for their hospitality” la autora nos presenta una versión alternativa de la vuelta a casa, narrada esta vez desde la perspectiva de quienes reciben a los emigrantes: We go with my brother and his wife to McDonald’s Apia because it is cool and Samoa is far too hot for them, especially the wife who is not quite in a state of shock but probably will be soon. (48) El título del poema ironiza sobre la proverbial hospitalidad polinesia y la adapta al contexto globalizado contemporáneo; para gestionar el impacto de la llegada que experimentan las protagonistas del poema anterior, se elige como la puerta de entrada McDonald’s, un espacio reconocible y de características similares en cualquier contexto. Paradójicamente, los invitados protestan por lo caro que resulta el menú y lo inadecuado que les parece consumir comida basura: “[they] say it is usually against their ethics / to eat at McDonald’s” (48), mientras los anfitriones observan y escuchan “even though some of what they say is muffled by fries” (49). El poema muestra, en definitiva, la dificultad para situar el paraíso en un lugar concreto. Ni Nueva Zelanda ni Samoa responden plenamente a la noción de paraíso, y lejos de presentarse como espacios estáticos, se conciben y se articulan como lugares cambiantes.

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4. PARAISOS PERDIDOS Y ENCONTRADOS Junto a estas visiones irónicas y agridulces de las posibilidades implícitas en el proceso migratorio, otros poemas de la colección sirven a Avia para construir definiciones alternativas del paraíso, desvinculándolo no solo de construcciones patriarcales y coloniales sino también de limitaciones geográficas y espaciales. El paraíso se convierte así en un estado mental, más que en una ubicación concreta.

Aunque en varios poemas Avia condena la represión o la explotación del cuerpo, en otros celebra la sexualidad femenina, la capacidad de autoafirmación y las múltiples posibilidades de elección, una vez que sus protagonistas consiguen negociar los desajustes entre sus tradiciones culturales y las del mundo occidental, creando espacios vitales alternativos. Un ejemplo se encuentra en “Wild Dogs Under My Skirt”, el poema que da título a la colección y que la cierra con contundencia: I want to tattoo my legs.

Not blue or green but black.

I want to sit opposite the tufuga and know he means me pain.

I want him to bring out his chisel and hammer and strike my thighs the whole circumference of them like walking right round the world like paddling across the whole Pacific (65) El poema recupera la centralidad del cuerpo como punto de partida fundamental en el proceso de autoafirmación, un cuerpo que no está mediatizado por visiones estáticas y estereotipadas, sino que se muestra en proceso de transformación. Para dar cuenta de este proceso, Avia recurre a la práctica tradicional del tatuaje femenino (malu) como medio de expresión alternativo a las múltiples inscripciones occidentales. La repetición del “I want” le sirve para colocar en primer plano la expresión de los deseos de la hablante; las líneas del tatuaje van así dando sentido a las líneas del poema, de manera que la voz

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poética reivindica simultáneamente su derecho a definir su cuerpo y a recuperar la palabra. El poema retoma además el sentido original del tatuaje tradicional, que, lejos de servir como mero adorno, era el resultado de un proceso de evolución personal en el que cada dibujo se iba incorporando progresivamente para explicar la posición del individuo y su relación con su entorno y la comunidad. El tatuaje vestía, confería identidad y definía. El escritor samoano Albert Wendt reivindica la metáfora del tatuaje para “vestir” lo que denomina “el cuerpo postcolonial”, afirmando que se trata de un cuerpo ‘becoming’, defining itself, clearing a space for itself among and alongside other bodies […] it is a body coming out of the Pacific. Not a body being imposed on the Pacific. It is a blend, a new development […] in heart, spirit, and muscle, Pacific; a blend in which influences from outside […] have been indigenised, absorbed in the image of the local and national, and in turn have altered the national and local. (Wendt 1999: 26) En el poema, el tatuaje cobra vida propia bajo la falda, símbolo occidental, y los diseños sirven como recorrido histórico alternativo y en femenino: I want my legs as sharp as dogs’ teeth wild dogs wild Samoan dogs the mangy kind that bite strangers.

I want my legs like octopus black octopus that catch rats and eat them.

I even want my legs like centipedes the black ones that sting and swell for weeks. (65) El uso de imágenes de animales violentos le permite subvertir percepciones coloniales sobre la docilidad y sumisión de las mujeres,

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apropiándose paródicamente de su supuesto carácter primitivo y salvaje, y haciendo que su cuerpo se mimetice con su entorno natural, rebelándose contra toda norma de sumisión y represión. El poema termina por reconocer y afirmar la sexualidad femenina al hacer referencia a los amantes que contemplan atónitos los tatuajes, en un cuerpo que no está sometido a cánones de belleza occidentales ni depende de la mirada masculina para definirse: And when it is done I want the tufuga to sit back and know the’re not his they never were I want to frighten my lovers let them sit across from me and whistle through their teeth. (66) Además, Avia revisa también la identificación del cuerpo de la mujer con la tierra, mediante las referencias al dolor y la violencia implícitas en la acción de tatuar; al concretar este proceso en la imagen fálica del cincel del tatuador (tufuga) que penetra la piel tiñéndola de sangre, la autora condena el legado de violencia ejercido sobre el cuerpo de la mujer nativa y reconoce dicha herencia como parte imborrable de su pasado. El cuerpo tatuado es pues un cuerpo que se transforma en relación con su entorno y que, a su vez, consigue transformarlo, que está recorrido por múltiples intersecciones geográficas y culturales, que no aparece confinado en un paraíso suspendido en el tiempo, sino que habita el presente, que no está sometido al régimen de la mirada occidental sino que devuelve desafiante la mirada y la palabra. En la posibilidad de autoafirmación y redefinición que muestra este poema Avia ofrece algunas claves para encontrar un nuevo paraíso en femenino y en plural.

OBRAS CITADAS Anae, M., C. Macpherson, C. y P. Spoonley eds. 2001. Tangata, Te Moana Nui: The Evolving Identities of Pacific Peoples in Aotearoa/New Zealand, Palmerston North: Dunmore Press.

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ROMANTICISING THE ROBINSONADE: SARAH HARRIET BURNEY’S ThE ShIPWRECk (1820)* Carmen María Fernández Rodríguez EOI Santiago (A Coruña) cfernandezr@udc.es There are not many critical studies on Sarah Harriet Burney (1772-1844), the half-sister of the acclaimed English novelist Frances Burney (1752-1840).

Though in the first half of the nineteenth century she was widely read and translated into French and German, most Burney scholars have neglected her works which are worth analysing as representatives of pre-Victorian literature by women. The aim here is to rediscover a totally forgotten tale, The Shipwreck, which appeared in Tales of Fancy (1920) and shares many traits with Daniel Defoe’s Robinson Crusoe (1719). Sarah Harriet Burney feminises the genre by introducing a romantic plot and directing all her attention to social prejudice and female virtue.

Keywords: Sarah harriet Burney, women’s literature, nineteenth-century, English literature, Robinsonade.

No existen demasiados estudios sobre Sarah Harriet Burney (1772-1844), hermanastra de Frances Burney (1752-1840), la aclamada novelista inglesa. A pesar de que durante la primera mitad del siglo diecinueve sus obras fueron muy leídas y traducidas al francés y al alemán, la mayoría de los especialistas en Frances Burney han ignorado sus producciones, que merece la pena analizar como ejemplos de la literatura previctoriana de autoría femenina. Aquí se pretende redescubrir una obra totalmente olvidada, The Shipwreck, publicada en Tales of Fancy (1920), y que comparte muchos rasgos de Robinson Crusoe (1719) de Daniel Defoe. Sarah Harriet Burney feminiza el género *

Fecha de recepción: Abril 2011

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incorporando una trama romántica y dirigiendo su atención a los prejuicios sociales y la virtud femenina.

Palabras clave: Sarah harriet Burney, literatura femenina, literatura del siglo diecinueve, literatura inglesa, robinsonada.

1. INTRODUCTION Among the most celebrated artistic families in Britain at the end of the eighteenth century, the Burneys have a prominent place, not only because Charles Burney was a respected musicologist but because his half-daughter Frances Burney (1752-1840) became the most successful woman writer of her age. With Evelina she inaugurated the novel of manners, and this was followed by Cecilia (1782), Camilla (1786) and The Wanderer (1814), which made her a name in women’s literature. Frances was admired at a time when women struggled to be authoresses and, since the 1970s onwards, poststructuralist and feminist researchers have noticed her subversive dimension and critique of patriarchy as well as her satiric power (see Sparks, 1986; Doody, 1988 and Epstein, 1989). Scholars are now turning their attention to less popular members of the family, such as Sarah Harriet Burney (1772-1844), Dr. Charles Burney’s younger daughter. We are much indebted to Lorna Clark’s effort to rescue the youngest halfsister from oblivion by editing her letters (1997), her last production (The Romance of Private Life [1839]) and by writing numerous articles on her life and works (Burney, Sarah Harriet, 2008: xxxiii-xxxv). Still, the number of studies devoted to Frances Burney cannot be compared with the ones on Sarah Harriet.

Educated in Switzerland and an avid reader of Maria Edgeworth and Jane Austen, Frances Burney’s half-sister was mainly known for having an apparently incestuous relationship with her half-brother, Captain James Burney (1750-1821), who was married to the daughter of the bookseller Thomas Payne (Burney, Sarah Harriet, 2008: xiii; Clark, 2003: 124). Sarah Harriet earned her living as a companion. She looked after Charles Burney in his last years and suffered from what was possibly breast cancer, as did Frances. Thanks to her proficiency

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in French, she worked as a governess and had the opportunity to travel to Italy, where she lived for some years. In fact, Italian art always appealed to her and is a recurrent motif in her oeuvre.

Sarah Harriet’s fiction was known in her time. She even rivalled her half-sister with some readers, and some of her works were, indeed, attributed to Frances (Fernández, 2010a: 173-4). Similarities can be found, since the authoresses belonged to the same family and lived in a historical period marked by the consolidation of capitalism and the middle classes. On the other hand, Frances’s defence of women and of literature by women is more open and aggressive than her half-sister’s concern with female identity and the oppression of patriarchy1. Thus, Margaret Patterson stated that “contemporary reviews comment on the resemblance between Sarah Harriet’s characters and situations and those of Fanny Burney, but they note that Sarah Harriet lacks Fanny Burney’s raciness of humour and power of painting the varieties of the human species” (qtd. in Spender, 1986: 286). Sarah Harriet’s oeuvre is characterised by the contradictions and the complexity typical of the works produced in the Romantic period. Though the younger half-sister avoided sexual scenes, her writings frequently depicted dying women and domineering patriarchs, and also contained considerable doses of sensationalism. Art and the production of artistic objects occupy a privileged place too.

The aim here is to analyse Sarah Harriet’s The Shipwreck, the second story contained in Tales of Fancy (1820). If we follow Clark, Frances’s half-sister brought elements from earlier fiction (the Gothic novel, for example) to culmination, and, indeed, The hermitage can be seen as a detective novel in its infancy (2003: 177). It is now time to consider how she refashioned the Robinsonade by incorporating into it the ingredients of the novel of manners: social prejudice and the concern for female virtue.

2. TALES OF FANCY Sarah Harriet composed five works: Clarentine (1796), Geraldine Fauconberg (1808), Traits of Nature (1812), Tales of Fancy (1816-20) and The Romance of Private Life (1839). When she produced Tales of Fancy, the

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authoress had an economic aim in mind: exotic settings sold well and feminocentric novels were welcome. In her correspondence to Mrs. Charlotte Barrett, 3 October 1815, Sarah Harriet explained: I must scribble, or I cannot live; and being engaged with a bookseller I like, and who likes me, it is my interest to keep him in good humour. It was originally meant, that two volumes of Tales should appear at once; — I could only get one ready this year, having been lazy all the fine summer weather; and that gone, he [the editor Henry Colburn] engaged to print immediately, upon condition I would prepare the second for publication soon after Christmas. That second, I am consequently now at work upon, and it will destroy me to be taken off in the very midst of it, to go gallanting, and making merry, as if I were an independent woman (Clark, 1997: 197).

The two narratives comprising Tales of Fancy complement rather than contrast with each other (Fernández, 2011). As we will see, The Shipwreck (vol. 1) shows the continuing influence of Captain James Burney, and is based on a well-known literary form, the Robinsonade, with the added appeal of female castaways and a heroine significantly called Viola who dons male attire and succeeds in marrying the hero.

According to Clark, The Shipwreck was eagerly expected and extensively advertised. The translation into French (Le Naufrage, 1816) —with a second edition the same year— was followed by a German version (Der Schiffbruch, 1821) (Clark, 1997: 195, note 1). As regards Country Neighbours (vols. 2 and 3), it perfectly fits into the best tradition of the novel of manners in which Frances Burney excelled. Sarah Harriet scathingly criticises bigotry and the English gentry in a work which even inspired a sonnet by Charles Lamb and was rendered into French as Les Voisins de campagne, ou le Secret (1820) (Clark, 1997: 195, note 1).

In general, reviews were positive. New Monthly Magazine compared The Shipwreck with The Tempest and Paul and Virginie (1997: 198, note 5). The Augustan review appreciated “the marvellous in narrative blending with the natural in sentiment”, and for The British Lady’s Magazine, The Shipwreck was “a pretty little story […] well calculated to amuse, not to strike” (qtd. in Clark, 1997: 196). Monthly Review defined Country

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Neighbours as “a more natural genre” where “the relation of natural incidents [are] well put together” (Clark, 1997: 218, note 2).

The main text is preceded by a “Dedication” to Lady Crew and a quotation from Ariosto with the English translation. The aim of this paratext is clearly stated: the authoress insists on the verosimilitude of her story —events are not presented as authentic, they are just probable— and explains how she resorted to a naval officer for a description of a place where such a shipwreck could have happened.

Undoubtedly, she is referring to Captain James Burney, a great geographer of his day, who kept journals of his voyages with Captain Cook to the Pacific and edited A Voyage to the South Sea in hMS Bounty,

by William Bligh (1792) and A Chronological history of the Discoveries in the South Sea or Pacific Ocean, 5 vols (five volumes 1803-1817) (Hemlow, 1978: 179). Sarah Harriet reveals that, from the moment the story “caught [her] fancy” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: vii), she decided to produce a “fiction less romantic —a tale founded on contrasts of character, and delineations of living manners”, and confined herself to a track “where local description and mere adventure might supply the place of sense” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: vii-viii). The fantastic world in The Shipwreck is reinforced by a third-person narrator with an unlimited knowledge of events and characters’ feelings. However, the former are not anticipated, so the reader has the impression of being before a detective story.

3. AN UNCOMMON ROBINSONADE The Shipwreck is a hybrid narrative, a mélange of literary topics unified in a Robinsonade with a Shakespearean subplot. Sarah Harriet poses some questions typical of science fiction and utopic writing, and she chooses a setting very far from the ballrooms and domestic atmosphere in productions such as Clarentine. At the beginning, we are introduced to two English ladies who were travelling to Hindostan to join Sir William Earlingford and find themselves on an island in the Indian Ocean as the only survivors of a shipwreck. Provided with few tools, a chest, a volume by Shakespeare and man’s clothes, Lady Earlingford and her daughter Viola try to make a new life according to European standards and they meet more inhabitants: Felix, a four-

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year-old boy whose mother has perished in the shipwreck, and Fitz Aymer, regarded as an unprincipled man. Following her mother’s advice, Viola passes for her cousin Edmund and soon falls in love with Fitz Aymer who gradually reveals his worth. When Lady Earlingford dies the victim of an infectious fever, Viola and and Fitz Aymer have to rely on each other for support and eventually manage to leave the island. Back in England, Sir William, Viola’s father, gives his sanction, so Viola can marry Fitz Aymer.

In The Shipwreck, the nameless island means a new beginning, and, in such an environment, one’s qualities are important. There are some affinities between The Shipwreck and Frances Burney’s last and most ambitious work, The Wanderer. Though now it is admired in gender studies, The Wanderer was rejected by British reviewers, who could not appreciate its merits and thought that Burney would attack French politics while hers is a conciliatory position. The Wanderer mixes the sentimental novel, the Byzantine one and the travelogue, and it is indebted to Mary Wollstonecraft since Frances Burney engages in a feminist debate which had been very important in the 1790s. The Wanderer deals with a mysterious emigrée who arrives in Great Britain and faces social ostracism and incomprehension. After taking several jobs and enduring much suffering, Juliet Granville is recognised as an aristocrat and she marries Albert Harleigh. Towards the end of the novel, Great Britain is seen as a symbolic island isolated from the continent where Juliet struggled to make a living: “a being who had been cast upon herself; a female Robinson Crusoe, as unaided and unprotected, though in the mist of the world, as that imaginary hero in his unhabited island; and reduced either to sink, through inanition, to non-entity, or to be rescued from famine and death by such resources as she could find, independently, in herself ” (Burney, Frances, 1991: 873).

Though it directly refers to Daniel Defoe’s Robinson Crusoe (1719), The Shipwreck is a special Robinsonade for a number of reasons.

First, it means the feminisation of a genre which had developed very quickly and had been variously translated in European and American literatures, and which Lucy Ford (Female Robinson Crusoe: a Tale of the

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American Wilderness, 1837) and Miss Julia Dean (Female Robinson Crusoe, 1881) would refashion again. Second, The Shipwreck represents Sarah Harriet Burney’s contribution to an ideological debate about the role of Great Britain in the world which coincided with the consolidation of the Empire and the discovery of new lands and new markets.

Accounts of journeys and expeditions abounded during the eighteenth century —Captain Cook’s diaries, for instance, date from 1784—, and there was a tradition of women’s writing about exotic places represented by Aphra Behn (Oroonoko; or, the history of the Royal Slave [1688]), Lady Mary Montagu (The Turkish Embassy Letters [1763]), Frances Sheridan (The history of Nourjahad [1767]) and, years later, Emma Robertson (Scenes and Characteristics of hindostan, with Sketches of Anglo-Indian Society [1835]) in which Sarah Harriet has to be inserted and analysed. Third, despite the stress on the emotional sphere associated with women’s literature, The Shipwreck lacks the introspection and ideological depth achieved by Defoe with the protagonist’s journal: Lady Earlingford and Viola do not learn from their amazing experiences as much as Robinson does. Furthermore, the story does not attack any economic doctrine and it does not discuss the nature of wealth, mercantilism or human labour. The same happens if we examine nationalism in the story: a Eurocentric vision is appreciated in the possibility of political rivalry with other nations symbolised by the French Lamottes, who can be read as Others competing for the colonisation of the island, but this is not further developed.

However, religion has a remarkable role. The Puritan taste for signs, allegorical and figurative meanings is coupled with mystery in The Shipwreck. Secret and over-ruling decrees are everywhere in operation and human actions are judged and weighed. Though a rational explanation for events is provided, the discovery of a bird struck by an arrow shocks Viola and Lady Earlingford since it might indicate that the island is inhabited by unwelcoming natives (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 49-51). The death of the bird is regarded as a bad omen for their fate (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 53). Lady Earlingford tries to comfort her daughter, and soon afterwards Viola encounters Fitz Aymer with some books, arrows and a bow beside him (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 68), so uncertainty disappears.

Religion is appreciated differently by the mother and the daughter.

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The former does not want Viola to be the prey of savages or to die of famine (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 9-10), and she firmly believes that God will help them (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 12).

Therefore, Viola should control her impatience: “‘all immediate peril is past, and the merciful Protector who suffered us to outlive the dangers of the late awful night, will extend to us his guardianship, and provide for our existence here’” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 12).

The days on the island are only “a short time of probation” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 20) and Viola should be more optimistic now that they depend on each other: “Could I therefore see you more resigned, I might, even here, call myself happy; since, of all the feelings I have experienced during a life of nearly unclouded prosperity, none ever satisfied my heart, none ever appeared to me so delicious, as those which I am still blessed with the power of indulging — the feelings of a mother!” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 26).

In Viola’s case, there is a psychological evolution. Unable to cope with the situation, she feels ungrateful and anger leads to despair: “‘Oh, God of pity […] impute not to me as a crime these tears, these involuntary repinings! Weak, helpless, stricken as I am, I scarcely can be seemed responsible for any thing I say’” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 15). Yet, what she really fears is the lack of social life on the island: “The light of heaven is odious to me; and all the advantages which endear existence in a state of society, such as youth, health, security, and abundance, I now consider as subjects of the most bitter regret, since henceforward they can serve no other purpose than that of lengthening out the joyless and desolate career to which I seem condemned. Think me not impious — I presume not to prescribe to the Almighty; but, had it pleased Him to leave us one gleam of hope by which we might have been cheered — might have been encouraged to flatter ourselves that, at some future day, this fearful exile would terminate, I could have borne it,

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I am sure I could — with constancy and resolution. But, for ever! — banished for ever, and in the very morn of life, from father, country, friends! — To be dead to the world, yet still to maintain a miserable existence upon its surface! To wander, perhaps for years, amidst these rocks in solitude, in silence, in utter hopelessness!” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 24-5).

God is never seen in good terms, and Viola’s rhetoric is more archaic than Lady Earlingford’s one when she refers to God: “‘Thou are content, then, with the victims thou hast ingulfed [sic]; and smil’st, as in ruthless triumph, at thy mightiness to destroy’” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 29). However, after Lady Earlingford’s death and when she feels ill, Viola asks of Fitz Aymer exactly the same as her mother asked of her: “‘If you despair, how shall I gain resolution to struggle against this attack? Be composed, I entreat you; — the sight of your distress is more painful to me than the severest personal suffering!’” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 157).

Living on the island undermines everybody’s stamina. The immediate concern is to make sure that there are neither beasts nor uncivilized tribes around. Unlike her mother, Viola thinks that, if there are any natives, they are perhaps a benevolent race (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 65). The protagonists realise that their fate is the same: “‘On your life, Fitz Aymer, mine must henceforth depend; — and to know, to feel that I should be unable to survive you, is the only consolation now remaining to me’” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 222). A sense of warm fraternal regard is portrayed when the hero opens his heart to Viola. Fitz Aymer points the fact that they have lived the same experiences: they are “partners in calamity” and “participants of the same destiny” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 269). After watching Viola praying, the hero resolves to become a better man when he arrives in England (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 159), which resembles Robinson’s conversion and repentance for having left the paternal home: “Living,” said he, “as I do now, on a society of angels, the primitive simplicity of the habits to which I am becoming inured, their temperance, their tranquility,

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joined to the innocence and rectitude of character perpetually before my eyes, must, assuredly, contribute to influence in the most salutary manner the whole remaining term of my existence. If ever I am restored to society, I shall be restored to it a better man — and to you, Lady Earlingford, will the change, in a great degree, be owing” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 159).

Some symbols add a philosophical dimension to the narrative, which can be read as an allegory. As Viola and Fitz Aymer are digging a grave for Lady Earlingford in an idyllic spot, there is a storm and a European vessel approaches. Realising that her mother will never experience joy and freedom again, Viola interprets the roaring waves as symbols of the transience of life: “‘[They, too] will be dashed to pieces! — Oh, that I could warn them of their danger! Why, why do they linger near this fatal coast! Poor souls! —I shall see them amidst the billows, struggling against destruction, and have no powers to assist them’” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 232-3). As in most Romantic literature, the powers of nature are related to the psychological state.

Here death and destruction are in consonance with Viola’s convulsed state of mind, so, when she keeps on digging alone, a magnificent palmetto is struck by a flash of lightning and left “a blackened, bare, and sapeless [sic] trunk” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 247), a sight which only provokes misery. Viola’s desolation and emotional crisis reaches its highest point, since she becomes a woman who has been doubly abandoned, first by society epitomised by her partner Fitz Aymer, and then by God. The language acquires a highly poetic tone: “The arrows of destruction are still abroad,” cried she, “yet they touch not me! The fires of heaven consume all things around, yet they leave me to be the prey of gradual and slow-killing wretchedness! — Oh, Father of the desolate, take me to thy rest! — Whom have I in heaven or on earth but thee? — ‘The eye that hath seen me, shall see me no more. — he who was my companion, my guide, mine own familiar friend, hath he not forsaken me!

— I am utterly bereft! — I am without hope, — without support, — alone in creation, and the veriest wretch that ever sighed for death!”.

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Her head sunk again upon the earth as she pronounced these words, and a species of insensibility crept over her, the united effect of extreme fatigue and sorrow, which for a while relieved her from all consciousness of her forlorn and miserable fate. The rain beat upon her, — the thunder rolled above her, — the lightning glared around her; — she neither felt the one, nor heard or saw the others. Her faculties were totally suspended; her strength subdued; her pulse almost gone (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 248).

Unlike her half-sister Frances, who does not devote much attention to descriptions of nature, Sarah Harriet offers detailed accounts of the landscape, probably because she was a drawing teacher.

As a result, her narratives are coloured with a picturesque flavour as, for instance, when the location of their dwelling is portrayed: Between two masses of stone, richly overhung on either side by woods of every tint, form, and dimensions, flowed a limpid brook; whose course, after having been impeded by intervening crags, over which it dashed with turbulence and impetuosity, at length found a smoother channel, and ran calm, polished, and clear as the brightest crystal. The two wanderers could hear it, as they sat, falling from precipice to precipice with a sound at once vehement, refreshing, and monotonous. Thick clumps of odoriferous orange trees, mingled with tamarinds and palmettos, waved over their heads; and, full in front of their green and lofty retreat, appeared the ocean in boundless and now unruffled majesty, reflecting the beams of a cloudless sun (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 28-9) Specific information is provided by Fitz Aymer, who, Robinson Crusoe-like builds a passable hut (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 98); he explains how he has arrived on the island (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 73-4), how he obtained fire (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 108) or he informs them that the rainy season will come soon (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 110). However, there is no heroic taming of nature. Lady Earlingford and Viola try to subdue their new environment, to construct a standard of living equivalent to life in their

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native England, and daily routine in The Shipwreck is always seen in Western terms. This is perceptible when they decide to share meals and play chess in the cave: [Fitz Aymer] was equally surprised and rejoiced to find in her an adversary worth contending with. Lady Earlingford, whilst they played, sat by at work; and Felix, happy in the enjoyment of his own locomotive powers, ran about from place to place, from friend to friend, with all the gaiety and all the restlessness of capricious childhood (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 143-4).

4. SCRUTINISING WOMEN Another reason why The Shipwreck is not comparable to Defoe’s work is because in this particular work love counterbalances religion, and this is where the Shakespearean subplot is most remarkable. The tale incorporates many Shakespearean references and quotations, an invariable characteristic of Sarah Harriet’s writings, which testifies to her admiration for the English playwright. More specifically, the character of Viola refers to the heroine of Twelfth Night, who also dresses like a man. She inhabits a chimerical world, in which external identity and its trappings vanish into thin air, and she must, as a Female Robinson Crusoe, depend upon her own abilities. One may also trace some parallelisms between Caliban and Watson since the island is also full of magic creatures, spirits, and sounds like in The Tempest. Even the noises produced by Stefano, Trinculo and Caliban have a correspondence with the French Lamottes. Everybody who arrives on the island thinks that he is alone. Prospero and Miranda have books in their cave like the ladies in The Shipwreck. Undoubtedly, parallels are best observed when we turn to the young couples. Both Miranda and Viola are young, and Viola explains that there are some coincidences between what is happening to them and Shakespeare’s story. When Viola is asked by her mother if she feels like Ariel, the sixteen-year-old girl, who has not met Fitz Aymer yet, explains that “I should grieve now at the association to our banishment of any male companion. You have taught me

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to believe, that a man, thus exiled, would be so irremediably unhappy, so disgusted, and so unceasingly repining, that, not even, in my most visionary moments, do I ever admit one into my romance. No: we will have no murmuring Ferdinands here, ‘cooling the air with sight:’ we can, alas! Furnish sighs enough of our own!”

(Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 48).

The moment Viola meets Fitz Aymer, there is love at first sight.

Lady Earlingford witnesses Viola’s “speaking countenance” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 139) and “the interest which Fitz Aymer had awakened in her daughter’s bosom” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 157). She suggests that Viola should put on Edmund’s clothes to protect her virtue from Fitz Aymer, on whom there are only negative comments: “‘he is, of all others, the man least fitted to become the friend and protector of a young woman in your position’” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 83-4). Fitz Aymer himself admits that in his childhood he should have been better guided (“‘I have no action to reproach myself for (however appearances may be against me) which the most rigorous moralist could interpret into deliberate criminality’” [Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 161]). Debts and the suspicion that he has seduced a young lady are the charges against him, but he rejects the temptress Mrs. Matilda Melross: “‘few men, and myself at least of all, would, in a wife, desire to meet with such uncontrolled powers of imagination, such misdirected energy of sentiment as she often betrays’” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 301). Though passing for a man allows Viola to escape from the limitations of a gentlewoman, the disguise has its disadvantages because she pretends to be a man whose delicacy astonishes Fitz Aymer and she feels devoid of identity: “Under this odious garb, I have neither the dexterity, alertness and enterprise of a boy; the consequence and dignity of a man; nor the usual claim to deference and attention of a woman. I am a mere cypher; a poor, helpless insect, who, it is evident, will never awaken the slightest degree of consideration” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 117).

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In The Shipwreck, there are two moral advisors who add a didactic tone to the tale. The mother not only provides maternal wisdom and inspires respect, but she also exposes her view of women as more capable of enduring pain than men: “they know how to yield to circumstances with more grace, to submit to adversity with more composure than their turbulent coadjutors. Women are timid, yet they resist despair; they shun all active contest, but their fortitude, though passive, is steady. Sudden danger appals them; but sufferings, privations, disappointments, sorrows —women can bear all these, and even display greatness of mind in bearing them; whilst men sink under such tame calamities, and degenerate into helplessness and peevish repiners” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 39).

The father is not regarded as the oppressive despot depicted in other works like Traits of Nature, but as a sensible old man who loves his family (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 366). Nevertheless, women’s behaviour is scrutinised by Colonel Beauchamp, Félix’s father, and the voice of patriarchy in the tale. It is easy to assimilate Beauchamp to other woman watchers, such as Dr. Marchmont in Frances’s Camilla.

Fitz Aymer’s friend insists that Viola must pass a test: “the best pledge a woman can give of her intention to make a good wife, is that of performing the part of a good daughter […] applaud her [Viola], for paying due reverence to the father who now mourns her so bitterly as lost, and who will receive her with such rapture when restored […] If she neglects, or shews a want of proper consideration for such a parent, I shall think her as unworthy of being your wife, as of being the daughter of so excellent a man” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 330-1).

Othello-like, Fitz Aymer is a watcher who sees Mr. Melbourne’s eyes “frequently fixed upon the face of Viola with an expression so closely allied to tenderness, as well as admiration, that his whole soul

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took the alarm” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 339). A long conversation takes place between Beauchamp and Fitz Aymer on women’s constancy and their vulnerability to seduction (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 343-45), and the former does not disapprove of Mr. Melbourne talking to Viola because his affections have a different object. On the contrary, this will give Fitz Aymer the opportunity to appreciate her and forget his jealousy: “Indulgence and attachment will, undoubtedly, upon some dispositions, produce their merited effect: but it must be where there is virtue; where a sense of duty would almost superseded their necessity and stimulate to equal good conduct whether beloved or not” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 345).

Dead mothers’ words condition Sarah Harriet’s narratives (Fernández, 2010b) and confirm the increasingly matrilineal and matriarchal bent in Sarah Harriet’s later novels (Clark, 2003: 177). A constant element in her narratives is the presence of women at the verge of death who leave their children to the care of other people. In The Shipwreck, this is the case of Colonel Beauchamp’s wife, who is ill and prays Fitz Aymer to take care of Félix (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 74-5). Both Lady Earlingford and Viola are infected with a disease and the former dies (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 277). The heroine cannot forget her mother, and this circumstance is technically represented through internal focalisation. As a result, some paragraphs seem to be directly transcribed from Viola’s mind rather than coming from the omniscient narrator’s point of view, and they constitute the most brilliant moments in the story: Viola’s feeling were so complicated, her amazement at her own orphan state was so extreme — the recollection of Lady Earlingford in full vigour and animation was so freshly present to her memory, that her grief, her horror, were almost suspended by wonder how such a speedy reverse could be possible! Had she not, but a few hours before, felt the pressure of the hand now rigidly immoveable? Had she not seen the eye, now closed in death, then turned upon her with even an

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augmentation of its accustomed tenderness? Did not the impression of those livid lips still seem warm upon her cheek? And so suddenly, so dreadfully, was every function of vitality at end? (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 212-3).

Sensationalism and morbid scenes recur in Sarah Harriet’s oeuvre. In The hermitage (The Romance of Private Life), Ella discovers her brother Frederic’s corpse, and, in The Shipwreck, Viola observes how her mother’s dead body corrupts: “Rapid in its progress under the influence of so fervid an atmosphere, corruption now so imperiously possessed itself of its inevitable prey, that there remained no visible part of the body undeformed [sic] by livid spots, uncontaminated by the most hideous symptoms of mortality” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 244). Lady Earlingford’s death means the heroine’s traumatic coming of age, a rite de passage into adulthood. As Clark points out about Traits of Nature, the protagonist learns to accept limits and that “true feminine virtue consists in coming to terms with these and repressing all unavailable complaints” (2000: 130). Lady Earlingford observes Fitz Aymer’s behaviour and leaves a letter to her husband: he has shown himself a better man than the world reported and all her prejudices are done away (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 195). The irruption of forgotten texts written by dead mothers or female relatives is a recurrent feature in the stories of the Burney sisters and in Frances Burney’s Evelina and in Sarah Harriet Burney’s The Renunciation (1839) it is associated with the vindication of woman. Too weak to give details, Viola’s mother defends Viola and Fitz Aymer in her letter “the two inestimable beings now emulating each other in tenderness” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 348). Before Lady Earlingford dies, she consigns Viola to Fitz Aymer’s “solemnly-plighted honour” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 349) and insists to her husband: if he indeed presents her [Viola] to you, innocent and pure as when committed to his trust, what will you not owe him! Banish, in such a case, I adjure you, every vestige of resentment for past offences; take him to your heart, Earlingford — bless, respect, and love him; and should his feelings be responsive to our child, make him your son! (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 349).

Carmen María Fernández Rodríguez Romanticising the Robinsonade: Sarah harriet Burney’s ...

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At that moment Fitz Aymer becomes Viola’s “faithful and devoted brother” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 197). They depend upon each other if they want to survive. Thanks to Colonel Beauchamp’s praise of Fitz Aymer, Sir William not only receives him well, but calls the couple “my children” confirming the endogamy of the novel: “Fitz Aymer, admit me as a father — as a friend, to your generous heart! — I have learned, I hope not too late, to estimate its real worth, — to deplore, my past injustice! — You are now the son of my proudest choice; and had I, in testimony of my full approbation of your union, the whole wealth of that land I had so lately quitted, to accumulate upon your head, joyfully should it accompany the gift of this beloved creature’s hand!”

(Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 384-5).

Viola’s father reads Lady Earlingford’s letter after admitting Fitz Aymer as a son: “‘I have learned, I hope not too late, to estimate its [Fitz Aymer’s generous heart] worth — to deplore my past injustice!’” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 384). On the other hand, Viola is not at all a resentful daughter and acknowledges that Sir William does not fit in the idea of father she previously had: “‘How gentle, how re-assuring is every word he utters! — Oh, what arrears of gratitude must I not pay you, my loved father, to make reparation for my unnatural distrust!’” (Burney, Sarah Harriet, 1820, I: 386).

5. CONCLUSIONS In comparison with other works of the period, Sarah Harriet Burney’s production is poised between tradition and innovation.

Targeted at female readers, the story depicts a feminised world, which pivots around the heroine’s bildung, and an overt critique of patriarchal society never appears. Also, sentimentalism is preferred to comedy and the conventional ending does not depart much from nineteenthcentury domestic fiction. However, and despite its shortcomings, The Shipwreck is far from being simply a novel of manners in an exotic setting and can be interesting nowadays in many respects. Sarah

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Harriet deconstructs literary works, but she consciously assumes a gender-based perspective. Therefore, there are some similarities between what Viola undergoes and what Robinson himself underwent.

Though wearing a disguise, like the heroine in Shakespeare’s comedy, Viola learns that if she wants to be happy, she must modify her sense of self to fit her social environment. The Shipwreck is also a philosophical piece of writing about sociability, the inscription of female destiny and women’s strength against natural forces and suffering. Other points in the narrative deserve attention, such as development of the mother and daughter relationship, Sarah Harriet’s narrative technique and her unusual craft in portraying nature and woman’s psyche. On the other hand, the characters have different attitudes towards religion and woman’s role in society. Finally, in The Shipwreck, Sarah Harriet Burney reformulates our own idea of the East as an idealised space, since the tale deals with survival in symbolic landscapes and the acquisition of a new identity from a Eurocentric point of view. All these features pave the way for a postcolonial reading of the story and confirm a richness which remains to be explored by gender studies and studies on PreVictorian literature by women.

WORKS CITED Burney, Sarah Harriet. 1820. Tales of Fancy. London: Henry Colburn & Co. 2008. The Romance of Private Life [1839]. Ed. Lorna J. Clark.

Chawton House Library Series. London: Pickering and Chatto.

Clark, Lorna J. 1997. (ed.). The Letters of Sarah harriet Burney. Athens, Georgia: University of Georgia Press.

2000. “Sarah Harriet Burney : Traits of Nature and Families”.

Lumen 19: 121-34.

2003. “The hermitage: Late Gothic Fiction or Early Detective Fiction?” Lumen 22: 165-178.

Doody, Margaret A. 1988. Frances Burney: the Life in the Works.

Cambridge: Cambridge University Press, 1988.

Epstein, Julia. 1989. The Iron Pen: Frances Burney and the Politics of Women’s Writing. Bristol: Bristol Classical Press.

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Fernández Rodríguez, Carmen M. 2010a. Review of “The Romance of Private Life”. Atlantis 32.1: 173-7.

2010b. “The Words of the Dead in Sarah Harriet Burney’s The Renunciation”. The Burney Letter 16.2: 8-9.

Hemlow, Joyce. 1978. “Lamb Recreates a Burney Wedding” en The Evidence of the Imagination: Studies of Interaction between Life and Art in English Romantic Literature, Reiman, D.H., Jaye, M. C. and Bennet, B. T., eds., New York: New York University Press, 17894.

Newman, Hilary. 2010. “Sarah Harriet Burney and Henry Crabb Robinson”. The Burney Letter 16.2: 1-3.

Spacks, Patricia M. 1976. Imagining a Self: Autobiography and Novel in Eighteenth-Century England. Cambridge, Massachussets and London: Harvard UP. Spender, Dale. 1986. “Fanny Burney, Maria Edgeworth, and the Height of the Achievement” en Mothers of the Novel: a hundred Good Women Writers before Jane Austen. London: Pandora. 270-300.

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“FOR THE BENEFIT OF THE AFFLICTED?”: AMERICAN CAPTIVITY NARRATIVES FROM MARY ROWLANDSON TO JESSICA LYNCH* Mª Carmen Gómez Galisteo Universidad Camilo José Cela mcarmengomez@aol.com Since Mary Rowlandson’s book was published in 1682, captivity narratives have been extremely popular and successful, becoming a distinctively all-American genre. Over time, captivity narratives have fulfilled different goals, evolving and adapting themselves to the emergence of new formats and new media. Since the apparition of motion pictures, movies dealing with the topic of captivity are numerous, from The Searchers (1956) to the most recent, Captivity (2007). This essay examines the main characteristics of the genre and its evolution from colonial times to present-day America, in order to show how captivity narratives have changed to adjust to contemporary sensibilities. This essay also considers what uses captivity narratives have been put to and how they have changed and been modified to convey ends other than those envisaged by the authors of Puritan captivity narratives.

Keywords: Captivity narratives, Mary Rowlandson, horror movies, 9/11.

Desde la publicación del relato de Mary Rowlandson en 1682, las narrativas de cautiverio han gozado de una gran popularidad y ha llegado a considerárselas el género americano por antonomasia.

Con el paso del tiempo, las narrativas de cautiverio han sido escritas con distintos propósitos a la vez que han evolucionado para adaptarse a nuevos formatos y medios.

Son numerosas las películas que tratan el tema del cautiverio, desde Centauros del desierto (The Searchers, *

Fecha de recepción: Julio 2009

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1956) a la más reciente, Captivity, estrenada en España bajo el título de Captivity: Cautivos (2007). Este artículo examina las principales características del género desde el periodo colonial hasta la época actual con el objeto de mostrar como las narrativas de cautiverio han cambiado para adaptarse a la sensibilidad contemporánea.

Palabras clave: Narrativas de cautiverio, Mary Rowlandson, películas de terror, 11 de septiembre.

Since Mary Rowlandson published the famous record of her captivity experience in 1682, captivity narratives have become an extremely popular and successful genre. Maybe more than any other literary genre, captivity narratives have been considered a distinctively all-American genre. Over time, they have fulfilled different goals, evolving and adapting to the emergence of new formats and new media. Since the apparition of motion pictures, movies dealing with the topic of captivity are numerous, from The Searchers (1956) to the most recent, Captivity (2007). This essay examines the main characteristics of the genre and its evolution from colonial times to present-day America, in order to show how captivity narratives have changed to adjust to contemporary sensibilities. A number of captivity narratives are analyzed, ranging from Mary Rowlandson’s to the second The X-Files movie, The X-Files: I Want to Believe (2008), with the release of Captivity and stories about female American soldiers in Iraq in between. This essay also examines what uses captivity narratives have been put to and how they have changed and been modified to convey ends not envisaged by the authors of the first captivity narratives.

Mary Rowlandson was an Englishwoman who migrated to America with her family as a child. Married to a minister, her life seemed dull and unlikely to make it into historical records, were it not because she and her three children were taken captive in the course of a Native American attack to her home in Lancaster in February 1675. Rowlandson spent the following eleven weeks and five days among the Native Americans and underwent several removals, being separated from her children (one of whom died during captivity). Once “restored” to civilization after payment of a ransom, Rowlandson was encouraged to write an account recording her experience. Her

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captivity narrative had obvious propagandistic overtones – to call for the reform of the ways of New Englanders at a moment when ministers considered that they were going morally astray from the utopian vision of the “city upon a hill.”

Rowlandson’s reason for attempting publication was to testify to God’s sovereignty and goodness, as is stated in the original title of her account: The sovereignty and goodness of GOD, together with the faithfulness of his promises displayed, being a narrative of the captivity and restoration of Mrs. Mary Rowlandson, commended by her, to all that desires to know the Lord’s doings to, and dealings with her. Especially to her dear children and relations.

The Puritans endorsed universal literacy so that all believers could read the Bible, but, considering writing as a separate activity from reading, they deemed it unnecessary to teach women to write. That a woman should be able to write, and, moreover, should attempt entrance into the public sphere by getting published, was certainly a bold move. In the title of her account Rowlandson asserted that she had composed her work for her own private use and was later encouraged to make it available to a larger audience.

With this didactic and moral purpose in mind, Rowlandson’s narrative followed the conventions of the Jeremiad – a religiously inspired text calling forth people’s moral reform. The Jeremiad took its name from the biblical quotation in the book of Jeremiah – “for whom the Lord loveth he chasteneth, and scourgeth every son whom he receiveth.” The Puritans believed that divine punishment was a warning from God to indicate to His people that He was displeased with their behavior. Still, the fact that He chastised them meant that He still cared for their salvation and the state of their souls.

The success of Rowlandson’s captivity narrative, which went into several reprintings, prompted other former captives to follow her example and recount their experiences. Some of the most popular captivity narratives to follow Rowlandson’s were those of Hannah Dunston, or Eunice and John Williams, to give but two examples.1 In captivity narratives, “the details of the captivity itself are found to figure forth a larger, essentially religious experience; the captivity has symbolic value; and the record is made minute, direct, and concrete in order to squeeze the last bit of meaning out of the experience”

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(Pearce, 1947: 2). Ministers endorsed the didactic value of captivity narratives, like the Puritan divine Increase Mather, who commented in his Essay for the Recording of Illustrious Providences (1684) that “several of those that were taken Captive by the Indians are able to relate affecting Stories concerning the gracious Providence of God, in carrying them through many Dangers and Deaths, and at last setting their feet in a large place again” (quoted in Pearce, 1947: 2). Apart from this moral purpose, captivity narratives also had an equally important function – their readers found in them a source of knowledge on Native Americans’ behavior and ways (Derounian-Stodola and Levernier, 1993: 51-52); had they the misfortune of falling into Native Americans’ hands, at least they would know what was to be expected.

As more and more captivity narratives were published (some of them fraudulent, fictional stories), substantial changes took place in them – more emphasis was placed on the gory details (scenes of Native Americans scalping, burning alive and raping young women were particularly favored by writers and audiences alike) and references to Divine Providence disappeared or appeared for reasons of convention rather than religious conviction. Consequently, the lesson – and popularity – of the ‘Captivity Narratives’ did not escape the attention of novelists.

Sadistic tortures were as appealing to readers as the romantic musings of Noble Savages. That they learned this lesson well was amply demonstrated in the dozens of books circulated in the late eighteenth century. The red men who ravaged the frontiers in these lurid accounts were reincarnations of the Wild Men of medievalism: their faces hideously painted, their greasy hair flecked with red dust, their ears barbarously decorated with bits of tin or shell, their appetites gluttonous, their taste for drink insatiable. All were masters of the most sophisticated techniques for torturing their victims. These were described with obvious delight: the Indian woman who cut off a captive’s arm and gave her children the streaming blood to drink; the victim whose body was seared with a hundred charges of gunshot then made to walk on live

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coals until he collapsed, the captive whose open wounds were filled with gunpowder which was then exploded, blowing him to bits. The savages guilty of such tortures were far from noble. (Billington, 1981: 26-27) From being historical records and “simple, direct religious documents” (Pearce, 1947: 2), captivity narratives thus became strikingly similar to sensationalist literature. This was, in a way, the closest to Stephen King’s novels seventeenth-century Americans could find, since the “Puritans could not publicly relish stories of debauchery and sin unless they were clothed in a moral objective or a spiritual lesson” (Plourde, 2007). Thus, captivity narratives were no longer being written for the moral enlightenment of the community but for sheer entertainment.

In time, captivity tales became “used in the Euro-American world in diverse ways as vehicles for reflection on larger social, religious, and ideological issues” (Ebersole, 1995: 1-2). In some cases, they were also used to praise and glorify popular American heroes; in other instances, these narratives were written to denounce Native Americans’ savagery and thus counteract other, positive portrayals of Native Americans as “noble savages.” In turn, the religious content and the moral purpose (and also, frequently, the element of truth) disappeared and captivity narratives became more and more formulaic, repeating and reworking the conventions of the genre (sudden Indian attack, murders and kidnappings, scalping, rapes, torture…). The fact that, after King Philip’s War, the Native Americans were eventually subdued and no longer posed much of a real threat to the survival of New England colonists did not imply the end of the genre. The West, the new frontier for Americans after the Revolution, was still peopled by savage Native Americans, and thus became the new setting for captivity narratives. Captivity narratives did not disappear, they were just progressively located further westwards.

As time went by, instead of a genre with certain specific characteristics, the captivity narrative became rather a mode that could be explored by means of different genres such as eighteenth-century sentimental fiction, adventure stories, sermons, doctrinal texts… as well as different textual modes – fiction, autobiography, and, more

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recently, movies too. The first cinematographic captivity narratives were westerns posing the struggle between American colonists and savage Native Americans. One of the best known examples is The Searchers, directed by John Ford (1956). Starring John Wayne and Natalie Wood, the movie depicts how Comanche Native Americans kill a family and kidnap the two daughters, one of whom is killed whereas the other assimilates and eventually marries a Native American. Invariably, “from seventeenth-century Massachusetts to twentieth-century Hollywood, Indian captivity has been regarded as a fate worse than death” (Calloway, quoted in Derounian-Stodola and Levernier, 1993: 2), and so it is in The Searchers. Because of the affront constituted by the surviving girl’s assimilation to Native American life, the uncle who searches for her would rather she were dead.

Hollywood found a gold mine in the captivity narrative genre because contemporary audiences proved to be as fascinated by captivity narratives as seventeenth-century Puritan readers had been.

That westerns fell out of fashion was far from causing the end of cinematographic captivity narratives. Lately, the predominant film genre used to explore captivity narratives is the horror movie. Horror movies have also contributed their share towards reinterpreting and popularizing the captivity narrative, capitalizing on the conventions of the genre. Characteristics of captivity narratives such as isolation from society, captivity at the hands of an evil being, ritual mutilation, sexual abuse, helplessness and impotence, etc., can all be easily borrowed into a horror story. The horror movie Saw (2004) and its six sequels2 can be interpreted as a particular case of captivity narrative in which the captor puts his captives into a very peculiar game for their survival, in which they have to win if they want to be freed. The captives are impotent in the hands of an all-knowing and all-powerful captor (he knows what their deepest fears are, a circumstance he exploits for his own ends) who keeps them captive for unknown reasons. 3 Closer to conventional captivity narratives than Saw, the most recent movie dealing with the topic of captivity up to date was very appropriately titled Captivity. Captivity plays upon the same feelings Rowlandson experienced during her captivity – the instinct for selfpreservation, the impulse to run away, the thirst for freedom, the impotence of being subject to your captor, the threat to your beloved

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ones (although in this case it is the protagonist’s dog, not her children), etc. All these themes appear constantly in captivity narratives both then and now, be it in seventeenth-century Puritan captivity narratives or twenty-first-century Hollywood horror movies.

In traditional captivity narratives, “a single individual, usually a woman, stands passively under the strokes of evil, awaiting rescue by the grace of God” (Slotkin quoted in Castiglia, 1996: 23). Not awaiting rescue by the grace of God, but rather by the ineffectual New York Police Department, Captivity, as the tagline of the movie went, portrays the process of “abduction, confinement, torture, termination” of a young woman, supermodel Jennifer Tree. The aggressive publicity campaign used to advertise the movie included giant billboards featuring actress Eliza Cuthbert in these four instances of the process of captivity. The over explicit billboards caused a huge controversy, especially among pro-feminist groups. Especially outrageous in their eyes was the fact that, apparently, the whole campaign had been designed with the only aim of causing uproar and generating talk of the movie, which had received harsh reviews prior to its release (Soloway, 2007). The movie was accused of presenting “violence against women as appealing and titillating” (Cupaiuolo, 2007) and public protests managed to get the billboard campaign withdrawn.

The new billboard image, featuring Cuthbert behind bars, nevertheless, also generated complaints for “marketing both sex and violence against women” (Valenti, 2007).

All in all, despite its aggressive marketing campaign, Captivity is not so far away from eighteenth-century captivity narratives that revelled in young maidens being tortured, scalped, burned alive or raped by Native Americans. The New York society of supermodels and nightclubs of the protagonist of Captivity could not be more remote Puritan New England but, at the core, captivity remains largely the same experience. Rowlandson’s complacency with her own life is mirrored by Jennifer’s comfortable life: she is a top model, surrounded by luxury, vanity, nightclubs and with the suggestion of sexual promiscuity. Jennifer wakes up to find herself confined to an alien environment where she becomes both a victim of rituals she cannot fully understand and a witness to the torture of other captives.

Like a Puritan goodwife,4 she is totally in the hands of a stranger. Body

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mutilation, so pervasive in captivity narratives, features prominently in this horror movie, since it is a convention to be found in both genres.

Though Rowlandson put a special emphasis on the fact that she was not raped during her captivity, rape soon became a fixture in later captivity narratives in order to advance the idea that Native Americans were viciously cruel and a threat to white purity. The Puritans abhorred miscegenation and thought that having been sexually abused

by Native Americans was a most hideous crime. Rape victims were further criminalized by the conservative Puritan society as being tainted and rotten. As a consequence of this, female captives were careful to assert in their captivity narratives that they had not been raped, despite the Native Americans’ brutal behavior in almost all other aspects. At most, they admitted that other women had been raped, but never themselves. Fictional accounts, in particular, did relish rapes, which proved Native Americans’ savagery and justify their annihilation. In a reversal of the rape motif in captivity narratives, in Captivity Jennifer willingly engages in a sexual encounter with a “captive” who turns out to be another captor. Though it is consented (and seemignly pleasurable), the act reads as rape retrospectively once we realize that her captive lover is actually one of the captors, the brother of the other captor.

Captivity transforms and subverts the conventions of the captivity narrative genre in order to adapt it to yet another format – the serial killer story. “Other scholars hold that the captivity narrative includes not just the Indian captivity narrative but also the slave narrative, the spiritual autobiography, and many other cognate forms that provide its genealogy (for example, the hostage account and the UFO abduction story)” (Derounian-Stodola, 1999: 243) and in Captivity the serial killer genre is also a valid one. The serial killer addition is not so much a novelty as a coherent development of the genre. Captivity is a secular rewriting of the captivity narrative genre in which God’s hands are replaced by the serial killer’s. Consequently, the moral purpose and the religious message, as well as God’s hints about His being pleased or displeased with His chosen people, are no longer important for captivity is not intended as a warning that God’s chosen people should amend their ways. In Captivity There is no moral

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lesson to be obtained from Jennifer’s trials, as the only purpose of the movie seems to be just to entertain.

“In the discourse of martyrdom, the suffering Christian achieves moral status through physical trial” (Toulouse, 1992: 658) and Rowlandson found a larger meaning in her sufferings. Religious meanings that figured prominently in Rowlandson’s text are absent in Captivity, which lacks the religious background of Rowlandson’s captivity narrative. The experience of captivity here is a matter of survival, far away from the reassuring moral lesson provided by the Puritan Jeremiad genre. From the theocratic seventeenth-century Puritan society to the twenty-first-century American society, and with the death of God as reported by Nietzsche in between, values have greatly changed. God, His prominent role in everyday life lost, does not appear in Captivity at all. In Captivity, we have an all-knowing being controlling the captives’ fate and even their feelings and sentiments but it is not a supernatural being at all. The controller of all events is more in line with a bad imitator of the Orwellian Big Brother – a pervert with a video camera and a way of living his sexual fantasies in a surrogate manner through his younger brother. If the Native Americans sought the acculturation of captives into their society so as to replace dead family members, adopting them into Native American society and making them undergo a psychological transformation, in Captivity the idea is to make women fall in love with the male so as to get the control of both their minds and their bodies. This is an even more terrible form of kidnapping, for they become prisoners in both body and soul. Still, this is no Jeremiad; the “punishers” are sick, evil people, and there is no moral teaching to be extracted.

Rowlandson had no qualms about criticizing the ineffectual English army, which failed to prevent the attack of the Native Americans in the first place and then did not rescue her: “I cannot but remember how the Indians derided the slowness and dullness of the English army” (Rowlandson, 1997).5 Yet, Rowlandson, given the possibility of running away, chose to stay and not leave by her own means. Instead, she chose to leave the timing of her return to civilization entirely in God’s hands. For Rowlandson, “the Lord hereby would make us the more acknowledge His hand, and to see that our help is always in Him” (1997). Her passivity brought her closer to

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God’s designs, with which she dared not interfere. Rescue was to come by means of the army (soon proved ineffectual, however) or after the payment of rescue, but by God’s will, not by Rowlandson’s own willful actions. Similarly, twenty-first-century New York Police Department officers prove to be as ineffectual as their seventeenthcentury counterparts were. However, Jennifer, contrary to Rowlandson, takes her fate in her hands to free herself, and deliverance comes by her own means. After her captor kills two police officers who come asking questions, Jennifer manages to escape without any external help.

Another recent movie dealing with captive females whose bodies are tortured is the second movie based on the nineties TV show The X-Files. Released in the summer of 2008, The X-Files: I Want to Believe, departed from the alien/government conspiracy of world domination that had characterized the show’s run (1993-2002), and, instead, focused on a paranormal case involving the mysterious kidnappings of several women.6 The movie features scenes of women being tortured and kept in cages before revealing a pit full of dismembered body parts. Captivity and The X-Files: I Want to Believe can be seen as both the repository of captivity narratives’ tradition of having women’s bodies tortured and a current trend in Hollywood movies in the same direction. Whereas violent women are presented as monsters (for example, Charlize Theron’s role in Monster), the role appropriate to women is seemingly that of putting up with evil.

It is not only movies that exploit the conventions of captivity narratives, though. With its serial form and its almost infinitely potential storylines, the popular TV show Lost (2004-2010) may well be considered a captivity narrative, since its characters certainly are captive in an island. The way in which they got there is irrelevant, the important thing is that in their captivity, the protagonists cannot be themselves and have to learn to re-negotiate new identities in an environment where the parameters that usually define who we are (social status, profession, our possessions…) do not apply, just like in a captivity tale.

Apart from TV shows and movies, there still exist nowadays real life captivity narratives. Just recently, U.S. soldier Jessica Lynch’s

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experience in Iraq has been deemed a twenty-first-century rewriting of captivity narratives. That Lynch, following her release, denied the accuracy of official reports about her captivity and claimed that the U.S. government had spread them to promote their own agenda and make her a heroine for a cause she did not endorse, further illustrates that female captives are often denied a voice, even when they only want to tell their own story. Lynch, very much like many Puritan female captives, had her story written by a male author, a reputed voice apparently more qualified than herself to tell her own story. Lynch’s experience (though she recalled nothing between the moment when a grenade fell upon her until she woke up in an Iraqi hospital) was turned into a book, I am a Soldier, Too: The Jessica Lynch Story, by Rick Bragg, a Pulitzer Price winner and a former The New York Times journalist who resigned after a two-week suspension because one of his articles was largely based on the research carried out by a freelancer. Especially controversial was Bragg’s insistence upon stating that Lynch had been raped, though she herself had no recollection of such a thing and opposed it being included in the book.

It is remarkable and it tells us worlds about the U.S. media coverage that Lynch’s best friend, a Native American female soldier, Lori Piestewa, who was killed in the course of the attack, did not receive the same coverage by the media, or the same treatment.

Moreover, another female soldier captured in the same attack and rescued later than Lynch, Shoshana Johnson, the first AfricanAmerican prisoner of war, hardly made it to the news, her being African-American being considered by many analysts a decisive factor.

Although Johnson also got a book contract, it was later cancelled because it did not match the publishers’ expectations. Also largely ignored was the captivity experience of Patrick Miller, whom Lynch called the true hero of the mission. Lynch, female, tiny, blonde, blueeyed, engaged to an Army sergeant, from a middle-class family, born and raised in West Virginia, fitted the image of the all-American girl fighting for her country’s values at a time when America was in urgent need of heroes (Mulrine, 2008).

The intense media treatment of Lynch’s captivity, which bedazzled Lynch herself,7 shows that captivity per se does not count; it does not sell newspapers or make it to the headlines. The goals

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captivity is put to are as important (or even more) as the experience of captivity itself. No longer “for the benefit of the afflicted,” captivity narratives still continue to perform an important cultural and social role in the twenty-first century. In an article published in The New York Times, writer Susan Faludi highlighted the connections existing between seventeenth-century Puritan captivity narratives and the post-9/11 world. Faludi argued that Sept. 11 cracked the plaster on that master narrative of American prowess because it so exactly duplicated the terms of the early Indian wars, right down to the fecklessness of our leaders and the failures of our military strategies. … Also restored was the defense of helpless femininity. Witness the Bush administration’s much-trumpeted claims to be saving Afghan women from their burqas and Iraqi women from Saddam Hussein’s “rape rooms.” Or the military’s muchballyhooed “rescue” of Pvt. Jessica Lynch (albeit from a hospital whose caregivers had tried to return her to American forces, but had been driven back by American gunfire). (2007) Some went even further than Faludi and interpreted 9/11 as a Jeremiad; thus, “Jerry Falwell pronounced that September 11 was likely a punishment for Americans’ sins – particularly the sins of lesbians, gays, and the ACLU8” (Jones, 2009: 146).

Still, though captivity might happen to anyone, Hollywood and the media continue to give us the image of a female captive subject to a ruthless and cruel captor. Read by millions of women worldwide, “romance novels mass-marketed for women frequently feature captivity plots, while the dynamics of the captivity story, especially its exploration of the relationships between race and gender, confinement and community, inscription and collective action, continue to animate American feminist discourse” (Castiglia, 1996: 2). All in all, it seems that by and large, captivity continues to be a male business, even when suffered by women. Men are the captors and other men are also the ones who are entitled to convey in writing the females’ experiences during their captivity, feeling themselves entitled to make changes

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that fit their own agendas, even if these changes are in outright opposition to the females’ first-hand testimony.

Why do we continue to find captivity narratives appealing? In captivity narratives, be it in the seventeenth century or in the twentyfirst, we have normal people, people like us, with whom we can easily identify, put into unusual, strange contexts. The characters in Lost are in a sort of limbo where they cannot behave normally. Instead of living their normal lives, captives face extreme situations with no safety net, their psychological and physical integrity threatened, and their freedom suspended. As viewers, by identifying ourselves with captives, we live a surrogate experience that allows us to reflect on life, on what is really important, what one might do in such an extreme situation.

The fact that, contrary to more traditional captivity narratives, modern ones lack an identifiable captor, only contributes to enhance our angst.

Thousands of people disappear daily worldwide. Only in the United States, 850,000 people disappear every year, and many are never heard of again. Captivity narratives and statistics alike tell us that we might be one of them and force us to think about what we would do. The fear of captivity has not changed much from the time Rowlandson was a captive and though the captors are no longer savage Native Americans, the same dichotomy between the captive’s moral superiority and the captor’s evil that inspired Puritan captivity narratives is still very much present. Despite so many rewritings and rewordings, following more or less the same conventions and patterns, people continue to find captivity narratives appealing, as the high ratings of Lost testify. The popularity of Lost and the recent release of Captivity make us feel almost certain that more captivity narratives are to come. Those threatening the captives are not savage Native Americans anymore, but the fear of being taken captive still exists in the popular imagination.

NOTES 1

In this essay I will leave out captivity narratives written by nonAmericans in the U.S. because of space constraints. For instance Spanish conquistador Cabeza de Vaca’s Account could well be

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described as a captivity narrative. See Gomez-Galisteo, M. Carmen. “The Conquistador Who Wrote a Captivity Narrative: Cabeza de Vaca’s Naufragios as a Captivity Narrative.” Americana: E-Journal of American Studies in hungary. Vol. IV, no. 2 (2008).

Available at: http://americanaejournal.hu/vol4no2/gomezgalisteo. Date of access: 9 February 2009.

Saw II (2005), Saw III (2006), Saw IV (2007), Saw V (2008), Saw VI (2009) and Saw VII 3D (2010).

3 Captivity narratives can also be found in non-American settings – The hole (2001), about four British public school students who are held captive in an underground hole, is a captivity narrative too.

That the students willingly decide to get into the hole at first does not prevent the story from turning into a captivity narrative once they realize they have been locked inside and cannot possibly escape.

4 All in all, Rowlandson always played the role of a Puritan goodwife submitting to (Native American) male authority (Davis, 1992: 54).

5 “Logan states that Rowlandson’s ‘wonder’ at the incompetence of the English in pursuing their enemies is certainly a criticism” (MacNeil, 2005: 644).

6 The X-Files, portraying the adventures of FBI Special Agents Fox Mulder and Dana Scully, who try to combine the rigidity of official procedures with the bizarre cases they investigate, soon became a worldwide phenomenon. The development and increasing popularity of the Internet, which occurred simultaneously with the original running of this TV show, all favored that the show was well-liked by people all around the world, who baptized themselves as x-philes. It is unusual that movies based on TV shows should come out when the show is still on the air – Star Trek, The Avengers, Mission: Impossible… and many other movies based on TV shows were filmed decades after the original TV show was cancelled. Different from other movies based on TV shows, the first The X-Files movie, Fight the Future (1998), was not only filmed while the show was still airing, but, actually, serves as a unifying device between seasons five and six (Gómez Galisteo, 2009).

7 Lynch claimed that “I’m still confused as to why they chose to lie 2

Mª Carmen Gómez Galisteo “For the Benefit of the Afflicted?”: American Captivity Narratives...

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and try to make me a legend when the real heroics of my fellow soldiers that day were legendary” (quoted in Mulrine, 2008).

8 American Civil Liberties Union.

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E. E. CUMMINGS AND THE MODERN MAN: ON HOW THE CONCEPT OF MASCULINITY EVOLVES IN HIS POETRY* María Teresa González Mínguez UNED Madrid mtgonzalez@flog.uned.es Very little has been written about masculinity in the writings of E. E. Cummings, a poet whose work is heavily based on his concept of American manhood and the masculine. The purpose of this article is to share a few thoughts on the models of masculinity adopted by Cummings throughout his life while highlighting how he anticipates models that appeared in the last years of the twentieth and the beginning of the twentieth-first centuries. In order to demonstrate this, I will explore some of his poems from the perspective of gender. In them we can appreciate how, through his analysis of people and events, Cummings’ progressive ideas favour the elimination of old-fashioned masculine models, celebrating feelings and a connection with nature.

Keywords: Masculinity, conventional male roles, dynamic balance, nature, creative man.

Se ha escrito muy poco sobre masculinidad en las obras de E. E. Cummings, un poeta cuya trayectoria ha estado basada en su concepto del hombre americano y lo masculino. La finalidad de este artículo es exponer unas ideas básicas sobre los diferentes modelos de masculinidad que Cummings adoptó durante su vida y resaltar como anticipa modelos de masculinidad que aparecieron en los últimos años del siglo veinte y principios del siglo veintiuno. Para demostrarlo, analizaré algunos de sus poemas desde una perspectiva de género.

En ellos podemos apreciar como a través de personas y hechos, Cummings favorece la eliminación de anticuados modelos masculinos celebrando los sentimientos y la conexión con la naturaleza. *

Fecha de recepción: Octubre 2010

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Palabras clave: Masculinidad, papeles masculinos convencionales, equilibrio dinámico, naturaleza, hombre creativo.

Gender Studies are concerned with the representation, rights and status of women and men. Under the umbrella of “gender” we can place two subfields: Feminism and Masculinity Studies. “Gender” typically refers to the social process of dividing up people and social practices along the lines of sexed identities. As Christine Beasley notes, “The gendering of social practices may be found, for example, in contemporary Western societies, in a strong association between men and public life and women and domestic life, even though men and women occupy both spaces” (2005: 11).1 As many feminist writers have pointed out, Western thinking has been dominated by an unexamined focus on men. Masculinity Studies began in earnest in the 1970s with the rise of “Men’s Liberation”. As Robert Connell notes in Resources for Feminist Research (2001), only since the mid-1980s has there been an upsurge of interest in this subfield. Moreover, the first Australian National Men’s Health Conference was not held until August 1995, twenty years after the Australian Women’s movement launched its first national forum on Women’s Health. Masculinity issues are also only just beginning to find a place in international forums. For instance, in 1997 UNESCO sponsored a conference on masculinity, violence and peacemaking.

Masculinity Studies is a form of Gender Studies scholarship which focuses upon critical studies of masculinity. Most Masculinity Studies texts tend to describe gender as a hierarchical relationship that involves men’s dominance of both women and other men.2 The main goal of Masculinity Studies, which became popular in the 1980s, is to demonstrate that cultural conventions of gender have conditioned both women’s and men’s behaviour. This notion of gender symmetry enabled a view of both men and women as equally oppressed by sexist society, although Masculinity Studies appear to be rather more positive towards the socially privileged category of masculinity than towards thinking along the lines of Feminism and Sexuality. As the social roles of women have changed, so have the roles of men and this is reflected in literature. A gender-based class of literary criticism now demands a

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further exploration of masculinity not only in literature; although they are still emerging, in the last years of the twentieth century new specialized publications for men came out and some critics revitalized Masculinity Studies.

Perhaps because of the assumption that “Poetry is by no means gendered male” (Goodman 1996: 47), very little has been written about masculinity in the writings of E. E. Cummings, a poet whose work is heavily based on American manhood and the masculine as well as issues of changing male roles. He presents conventional male roles as obsolete and, throughout his works, he comes to a relatively balanced view of the male and female worlds of experience. The purpose of this paper is to share a few thoughts on Cummings’ constructs of masculinity and on how, in the course of his life, these change into those of a man concerned with nature and female sensibilities. In order to demonstrate how Cummings anticipates models of masculinity, I will analyse some of his poems from the perspective of gender, that is, with a concern for gender issues that affects the reading and writing of the texts.

In a 1955 letter to Norman Friedman, Cummings writes that the masculine is superficial and the feminine is profound. The poet explains that this is so, because the male lover merely thinks of flowers, while the female lover feels them. Cummings died in 1962 but through his poems we can appreciate how he has remained ahead of his time, since he persuasively provokes us to reconsider feminine values, those supposedly less important things. In the 1990s Barbara Ehrenreich points out that in much of our western culture masculinity has meant freedom, motion, and adventure, while women stood for entrapment, stasis, and “civilization” (1995: 268). As time went by, Cummings increasingly expressed a necessary balance between the male and the female by eliminating drastic distinctions between men’s and women’s issues.

In the twentieth-century men became progressively more unsure of their identities. Willis Whiteshell notes that many of these feelings of inadequacy and discontent can be attributed to the lack of male role models and mentors in twentieth-century industrial society (2003: 151). All began with the Industrial Revolution which, as Robert Bly observes, damaged the father-son bond as, in its need for office

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and factory workers, industrialization pulled fathers away from their sons and, moreover, placed the sons in schools where teachers were mostly women (1990: 19). Critics such as Peter Murphy (1994) argue that any traditional masculine roles are destructive. In the same vein, Neil Lyndon (1993) says that the father is effectively redundant and talks of his elimination. David Blenkenhorn (1995) coins the term “fatherless America” to refer to what he perceives as a nation of children growing up bereft of fathers around the home. However, Anne Phillips (1999) points to the negative psychological impact of absentee fathers and refers to the period of economic growth and material wellbeing after the First and Second World Wars that provoked fathers to sacrifice their sons to an image-based, shallow and commercial world.

Despite their wartime heroics, fathers often seemed spectral and strangely disconnected from the family body. Cummings rejects the commercial masculinity that invaded America in the 1950s, those male models with an excessive desire to earn and spend money. His hatred of businessmen with their power-look suits, ties and accessories is reflected in “yes but even” (95 Poems, 1958), a poem that disparages the image of those executives who waste their time discussing “parity” in a Paris hotel ignoring “God’s sunlight” that illuminates the city. No doubt, a father or a father-figure plays an essential role in combating feelings of isolation in young men and helps them to be confident in their manhood. As Susan Faludi writes, “[The father is] a human bridge connecting the boy to an adult life of public engagement and responsibility” (1999: 302). In fact, the new masculinists in the United States argue that boys “are more susceptible to adolescent criminality without a paternal role model to emulate” (Beynon 2002: 129).

The Jungian therapist James Hollis writes in his book Under Saturn’s Shadow: the Wounding and healing of Men that Cummings is one of the few sons of his era who is able to bless his father, Reverend Edward Cummings (1994: 99), a Harvard professor of Sociology and a Unitarian minister in Boston who acted as the head of one of those happy, patriarchal families typical of the nineteenth and twentieth centuries. Nevertheless, the recognition of the importance of his father in his life took him a long time. Most of his life Cummings was opposed to the tacit set of values that his father represented.

Whiteshell notes that his refusal to follow the normal patriarchal structure in the use of capital letters is one of the many reflections of

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“his own self-image and feelings about his father and traditional male roles” (2003: 150). In his biography of Cummings, Richard Kennedy describes Cummings’ father as “a sensitive intellectual, a striver, a leader, a fighter” who was “informal and kindly but forcefully masculine in manner” (1980: 9). A sensitive intellectual, Reverend Cummings possessed a physically imposing figure with an authoritative voice. Cummings did not inherit his father’s physical build and showed few tendencies towards aggression. Because of this basic difference in temperament, there was more conflict than usual when the boy reached his teens. Cummings felt he was different from his father and that “he needed to protect that difference” (Friedman 1984: 262) because it interfered with his individuality and growth as an artist. So he rebelled against his father’s rigid morals as he struggled to find his own independent identity. In fact, his early poetry follows a moralizing tradition, while his later teenage work echoes the themes of more modern writers such as Ezra Pound, thus defying his Unitarian upbringing. Nonetheless, Reverend Cummings proved an effective father and role model for Cummings as a boy being, as a minister, in contact with his children more than most fathers were. In a way, he was also a progressive intellectual, as he wrote and published articles on labour issues and social problems of the industrial revolution (a fashionable topic of masculinity today). He provided an example of power and success in the way he managed his household, his religious congregation and especially when, as the Secretary of the World Peace Foundation, he released Cummings from a French concentration camp during WWI. As an orator he loved to use wordplay in his sermons to such an extent that their titles seem similar to the themes of some of Cummings’ poems. When Cummings was a teenager, he was offended by his father’s continued use of the nickname “Chub” from cherub, making him develop a view of himself as smaller and less proud than his father, which contributed, as Kennedy puts it, to the choice of lower case “i” as his poetic identity (1980: 110). It is also said that Cummings took the small “i” from Sam Ward, the barely literate Yankee handy man at Joy Farm, the poet’s summer residence in New Hampshire, who never capitalized it in his letters.3 “He stood like a father to me”, Cummings says when he died in 1942 (Kennedy 1994: 116). In a twelve-stanza poem entitled “rain or hail” (1x1, 1944) he reveals how much of a model the old man had been for his own way of looking at life:

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rain or hail sam done the best he kin till they digged his hole :sam was a man stout as a bridge rugged as a bear slickerrn a weasel how be you (sun or snow) gone into what like all them kings you read about and on him sings In Stiffed: The Betrayal of the Modern Man (1999) Faludi explains that old style masculinity was rooted in the politics and community of a social system. Cummings attended Harvard University from 1911 to 1916 living in a largely male society in which his primary and deepest relationships were with other young men. This movement away from family life helped him find his own voice as a writer. His friends were his confidantes, companions and even his inspiration. There he met graduate assistant Dory Miller, who became one of his mentors and “would act as a father-surrogate during the next dozen years” (Kennedy 1980: 54). In Christopher Sawyer-Lauçanno’s words, he was an ideal older brother eager to teach his sibling (2004: 48). Miller changed his life by introducing him to Keats’ poetry. His lifelong friend Sibley Watson –Cummings’ future sponsor– made him acquainted with the French Symbolists and became “a substitute for his family during his middle and later years” (Friedman 1984: 263). Foster Damon –his teacher– showed Cummings the poetry of Ezra Pound. With this new model of masculinity –that of the creative man who partially abandons traditional masculine values– he moved away from his father and tried to find his own poetic place in Modernism, a literary movement often characterized by the exclusion of women from its project. In my view,

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this pattern of masculinity, frequently described as physically and mentally soft because men have been seduced into abandoning traditional masculine values, could be the precursor of the 1980s new man-as-narcissist, “cool, sophisticated and smart [who] also wants a well-dressed mind” (Wollaston 1997: 23) presented in men’s lifestyle magazines such as FhM, which was launched in 1995.4 At the same time this “new man” strongly echoes the tradition of physical culture and the ethics of self-improvement of the nineteenth century.

Cummings and Ezra Pound met in Paris in 1921 and Cummings worshipped him for almost the rest of his life, although he recognized in a 1923 letter to his mother that the author of Cantos gave him a “FatherComplex” (Sawyer 2004: 342). The influence of Pound’s “The Return” on Cummings’ configurations of masculinity appears in a modernist poem entitled “Buffalo Bill’s” (Tulips and Chimneys, 1925).

Cummings was twenty-one when he wrote it. At a time when he needed to reinforce his manhood, he settled down in New York, escaping from his father and imitating Pound’s modernist concerns with breaking with history and making the old new again.

Buffalo Bill’s defunct who used to ride a watersmooth-silver stallion and break onetwothreefourfive pigeonsjustlikethat Jesus he was a handsome man and what i want to know is how do you like your blueeyed boy Mister Death Buffalo Bill –a children’s idol– has become a fake in the eyes of adults. The poem voices the need for new American models of masculinity but, in Whitesell’s words, Cummings “offers no new role model[s]” (2003: 158). The writer only points out the ineffectiveness of conventional ones: Buffalo Bill is now dead and the new industrial world needs to redefine new male models away from the culture of the Wild West. Buffalo Bill represents the fraudulent image of

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Cummings’ father –his childhood idol– and the pre-war period, a world too violent and destructive for Cummings to live in.5 Cummings’ constructs of masculinity continued to evolve throughout his writing career. In “the boys I mean are not refined” (No Thanks, 1935) he parodies male behaviour in pre-war times by harshly criticizing the brutal and idiotic camaraderie of men who cannot face failure or humiliation in any shape or form. In this poem Cummings also seems to combat the assumption that “boys don’t cry” and denigrates the figure of the dangerous, antisocial young men operating outside civilized society and their macho values: one hangs a hat upon her tit one carves a cross in her behind they do not give a shit for wit they boys i mean are not refined Therefore, he is aware of the fact that these young men, presumably of a lower class, are the most vulnerable members of a society which uses them as scapegoats. In the final stanza Cummings clearly reveals a certain amount of admiration for the boys’ behaviour, for the assumption that “violence is fundamental to ‘being a real man’” (Beynon 2002: 133) as well as for the way in which this young, macho masculinity runs wild: they speak whatever’s on their mind they do whatever’s on their pants the boys i mean are not refined they shake the mountains when they dance “[T]he boys i mean are not refined” predicts the idea of the New American Macho, a popular general trend in post-war American men’s writing particularly visible in the “School of Virility” of Ernest Hemingway and Norman Mailer, both of whom perpetuated the glorification of an anachronistic show of traditional manliness. Berthold Schoene-Harwood comments that the figure of the New American Macho is also reflected in post-war Britain’s Angry Young Men, who appear unable to accommodate and adjust to historical change (2000: 85-86).

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Although the most dramatic shift in Cummings’ concept of masculinity occurs in Xaipe (1950), he had revealed earlier signs of this change in “my father moved through dooms of love” (50 Poems, 1940).

The poem eclipses his brief complimentary poem to his overindulgent mother, Rebecca, entitled “if there are any heavens my mother will(all by herself) have” (ViVa, 1931). “[M]y father moved” proves that Cummings did not actually succeed in freeing himself from Reverend Cummings’ influence. In the poem Cummings shows great respect, love and admiration for his father, humbling himself as a “forgetful” son who would “squirm” under his father’s stare. Its first stanzas represent “active reconciliation with his father” (Terblanche 2007: 42) and glorify the links to nature which his father instilled in him together with “a story of creation that parallels Genesis while overturning The Waste Land” (Kidder 1979: 149). Assembling a number of words echoing the first six lines of Eliot’s poem (“forgetful”, “stir”, “april”, “roots”, “unburied” and “sleeping”), Cummings reverses the thrust of Eliot’s despair and restores April to its more traditional place: my father moves through dooms of love through sames of am through haves of give, singing each morning out of each night my father moved through depths of height. this motionless forgetful where turned at his glance to shining here; that if(so timid air is firm) under his eyes would stir and squirm newly as from unburied which floats the first who,his april touch drove sleeping selves to swarm their fates woke dreamers to their ghostly roots According to Etienne Terblanche, the poem portrays a more positive construct of masculinity— a dynamic balance of superficial and profound aspects, or traditionally male and female qualities, that makes the father’s love a complete and active one (2007: 43):

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and nothing quite so least as truth –i say though hate were why men brea the– because my father lived his soul love is the whole and more than all Cummings’ early pacifism, exemplified by his decision to enlist in World War I as an ambulance driver rather than a soldier, prefigured, as Willis Whiteshell states, “some attitudes of American men of the sixties” (2003: 154). When Cummings toured several prominent American universities in the late fifties reading his later poems, he promoted a construction of masculinity in tune with nature, his feminine side, and pacifism. Like the Beatnicks, he called for a revolution in consciousness. As we can see in No Thanks and after, the philosophy of his poetry develops gradually through a spiritual experience of nature. “[C]onceive a man, should he have everything” (No Thanks, 1935) defines the ideal man, what he is not and what he is. He is attuned to nature’s stability (“mountains for friends”) and mutability (“bedfellows for moons”). This holistic acceptance allows the ideal man an insight into “nature’s chronic cycle that orders and unites time” (Rotella 1984: 289) letting him enter a transcendental world of timelessness and life renewed. In “this man’s heart” (95 Poems, 1958) Cummings identifies with a snowflake and its unpredictability. Composed a decade earlier, the writer prepares a male model for the late 1960s, that of the pantheistic man who finds peace through nature.

Natural surroundings are believed to be essential for men to find peace and serenity, allowing for self-examination. Cummings believes in the ability of man to change and to return to the peace of pre-industrial farm life through a spiritual link to nature. In 1x1 he writes “old mr ly” dedicated to his Joy Farm neighbour Mr Lyman, a healthy country man who exemplifies an extremely good-hearted philosophy that seems to take nature as the great teacher of morals.

But it is “i thank you God for most this amazing/day” (Xaipe, 1950) that represents a hymn to God as well as a new poetic voice which foreshadows the 1990s and the beginning of the twenty-first century with their ecologized white man so popular in eco-action films such as Steven Seagal’s On Deadly Ground (1994) or Fire Down Below (1997) or former US Vice-president Al Gore’s environmental discourse. With its

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outdoor setting, resonant of healthy, open air activity, this poem shows a nostalgia for the appeal of a lost gentlemanly masculinity which is all too willing to express emotions: i thank You God for most this amazing day:for the leaping greenly spirits of trees and a blue true drem of sky;and for everything which is natural which is infinite which is yes (i who have died am alive again today, and this is the sun’s birthday;this is the birth day of life and of love and wings:and of the gay great happening illimitable earth) how should tasting touching hearing seeing breathing any–lifted from the no of all nothing–human merely being doubt unimaginable You? (now the ears of my ears awake and now the eyes of my eyes are opened) Cummings’ third wife Marion Morehouse, a beautiful, energetic creative model and photographer, so different from his first and second wives, helped him to recover his self-confidence after his two previous divorces. His respect for her Catholic faith encouraged him to look back to his father and his own childhood faith, Unitarianism. Mysterious, patient, but also commanding and domineering, she inspired Cummings to eliminate the dysfunctional men of such poems as “between the breasts” (Tulips and Chimneys) and to portray men favouring new gender relationships by approximating the male individual to the earth and to the whole universe of the feminine. In the poem “but also dying” published in his posthumous book 73 Poems in 1963, Cummings explores a new construct of masculinity, that of a couple who find a sense of peace and equality and experience life and emotions together:

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but also dying (as well as to cry and sing, my love and wonder)is something you have and i ‘ve been doing as long as to (yes)forget Gender distinctions are not as drastic as in earlier poems such as “since feeling is first” or “some ask praise of their fellows” (is 5, 1926) in which women are just assertive presences whose beauty is highlighted by an infatuated lover. Now he concentrates on how men shape and care for loving and meaningful relationships: “you” and “i” become “we” in the last line.

Whiteshell affirms that “how men define themselves depends almost entirely on their roles” (2003: 166). Through his work, Cummings made great achievements in changing and to modernizing constructs of masculinity. In his poetry he shows his own psychological development from his childhood and teen years marked by his father’s dominance, through the rejection of masculine commercialism and brutality to a more modern connection with the natural world and the universe of the feminine. By bravely attacking conventional male roles as obsolete and criticizing the tough guys of his early poems, he evolves a positive construction of masculinity which forms and nurtures loving and meaningful relationships between men and women through a spiritual connection with nature. In the course of his life Cummings demolishes the obsolete structure that does not allow men and women to grow into a mutually supportive community. No doubt, he was an indispensable ally in the creation of a new order. By liberating his own masculinity, Cummings was able to find peace and confidence in himself.

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NOTES: Berthold Schoene-Harwood asserts that gender is marked by indeterminacy. Neither masculinity nor femininity exists naturally; both are created ex nihilo to meet and ironically to necessitate certain systemic requirements in connection with the societal distribution and organization of power (2000:10).

2 In Harry Brod’s The Making of Masculinities: The New Men’s Studies (1987) men are reinstated at the centre of the picture seeing men and women as separate identity groupings in a bipolar hierarchy.

3 Cummings often signed his name with capitals in letters and contracts.

4 Publications such as MhM, GQ and FhM encourage their male readers to mock traditional masculinity and propose more egalitarian and compassionate images of men in Western discourses.

5 As Charles Norman notes, “[in 1935] when Cummings went to Bennington College in Vermont to give a reading, the entire audience of girls rose as he mounted the platform and chanted ‘Buffalo Bill’s/defunct” in unison” (1964: 6).

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OSCAR WILDE’S HUMOROUS MANIPULATION OF DISCOURSE WITH “ELABORATE POLITENESS” IN ThE IMPORTANCE OF BEING EARNEST * Cristina Rodríguez Ravelo Universidad de Vigo crisrora@gmail.com In this article we intend to demonstrate that Oscar Wilde’s humorous discourse in The Importance of Being Earnest (1895) relies mainly on the combination of comicality and what the author calls “elaborate politeness,” which is a phrase used in a stage direction at the end of act II. The effectiveness of Wilde’s humour is significantly achieved through this type of discourse, which is also used as a formal strategy to convey ideological subversion. We will explore Wilde’s humorous strategy of “elaborate politeness” within the frame of discourse analysis, with the support of some theoretical approaches to humour both classical and contemporary, and bearing in mind Victorian theories of comedy.

Keywords: Humour, laughter, Victorian comedy, discourse, politeness, Oscar Wilde, The Importance of Being Earnest.

Este artículo tiene como objetivo demostrar que el discurso humorístico de Oscar Wilde en The Importance of Being Earnest (1895) se basa principalmente en la combinación de comicidad y lo que el autor denomina “elaborada cortesía,” que es una frase utilizada en una acotación al final del segundo acto. La eficacia del humor de Wilde es lograda significativamente a través de este tipo de discurso, el cual es utilizado igualmente como estrategia formal para trasmitir subversión ideológica.

Estudiaremos la estrategia humorística de Wilde de “elaborada cortesía” desde la perspectiva del análisis del discurso, apoyándonos en algunos enfoques teóricos del *

Fecha de recepción: Abril 2011

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humor, tanto clásicos como contemporáneos, y teniendo en cuenta teorías victorianas de la comedia.

Palabras clave: Humor, risa, comedia victoriana, discurso, cortesía, Oscar Wilde, The Importance of Being Earnest.

1. INTRODUCTION At the end of the second act of Oscar Wilde’s The Importance of Being Earnest (1895), Gwendolen and Cecily discover that they are both engaged to marry Ernest Worthing. Their witty repartee achieves a high level of comicality which raises laughter in the audience, because, although extremely angry, those two characters are forced to restrain themselves according to the Victorian code of politeness. When the tension between both women is almost unbearable, Gwendolen is forced by the stage direction to answer Cecily “with elaborate politeness.” In this article I aim to demonstrate that Wilde’s humorous discourse in the play relies particularly on this notion of elaborate politeness, and that the effectiveness of his humour is significantly achieved through this type of discourse, which also serves as a formal strategy to convey ideological subversion. This article explores Wilde’s humorous strategy of elaborate politeness within the frame of discourse analysis, with the support of some theoretical approaches to humour both classical and contemporary, and bearing in mind Victorian theories of comedy.

2. A DISCOURSE ANALYSIS APPROACH TO WILDE’S ThE IMPORTANCE OF BEING EARNEST 2.1. Preliminary considerations When Wilde wrote The Importance of Being Earnest his intention was to amuse his audience and provoke their laughter. However, he allows himself to criticize his audience through the manipulation of his characters’ discourse, which is firmly placed in the framework of condescending upper-class polite comments. In his study about comedy

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and farce, Jerry Palmer (1994: 126) points out that “polite manners dictate a certain decorum which excludes those forms of humour or mirth creation which come to be regarded as vulgar because excessive...” Wilde was conscious that a certain use of language was central to his comedy, since it was the usage of his polite audience, and that employing linguistic forms that derived from outside the group in question should be excluded. Wilde enjoyed playing with nonsense humour, using tricks which reverse the audience’s expectations.

Reversal of standards is a common strategy throughout the play and Wilde treated serious issues such as marriage and social position humorously. As Koestler (1989: 79) claims, Wilde is considered a master of a variety of nonsense humour called pseudo-proverb. As Koestler points out: “two logically incompatible statements have been telescoped into a line whose rhythm and syntax gives the impression of being a popular adage or golden rule of life”, “I can resist everything except temptation” is an example of Wilde’s comic device. Nonsense humour, as Max Eastman has pointed out, is only effective if it aims to “make sense” (qtd. in Koestler 1989: 79). And Wilde tried to “make sense” of nonsense as a humorous strategy to raise the audience’s laughter.

As will be observed, Wilde’s humorous discourse implies ideological subversion. Richard Allen (2000: 23) points out that by leading Victorian stereotypes towards absurdity, Wilde tried to subvert Victorian values. In this sense, we will explore Wilde’s political strategy and its effects on the Victorian audience with the help of an ideological and critical discourse analysis approach. According to Van Dijk (2008: 329), ideologies are both social systems and mental representations.

This means that they not only have a social function but also cognitive functions of belief organization. Ideologies are the mental representations that form the basis of social cognition and, by social cognition, Van Dijk means “the shared knowledge and attitudes of a group.” In order to analyse the effects produced by Wilde’s humorous discourse on the social cognition of the Victorian spectators and identify its ideological manipulation, we will explore some background information about their social context, beliefs and traditions.

The present analysis will discuss Wilde’s language of humor in context, how the inferences of meaning are provided to the audience

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not only by the conventional meanings that are linguistically encoded, but also by the operation of the cooperative principle -a kind of tacit agreement by speakers and listeners to cooperate in communicationin conjunction with background and situational knowledge. Many terms or expressions used in Wilde’s theatrical discourse have a referring function which depend on mutual knowledge; thus, the process of referring to an entity is not strictly semantic or truth conditional; it is also pragmatic. Many authors have defined pragmatics in different ways, but in most definitions it can be seen that elements such as context, meaning beyond literal meaning, speech acts or illocutionary acts, understatement, and implicature, are considered important components of a pragmatic analysis. A Gricean pragmatic approach to discourse analyses the way speaker meaning is dependent upon a cognitive context of shared beliefs and assumptions. In the analysis of the play I shall present a view of pragmatics as meaning in interaction, since this takes into account the different contributions to the making of meaning of both speaker and hearer as well as that of utterance and context. In this sense, I will also take an interactional socio-linguistic approach which incorporates situational analyses into its view of context. This approach provides a “richly textured view of social interaction and social situations, including the way participation frameworks and presuppositions arise from situated interaction” (Schiffrin 2006: 369). Some interactional elements to be analysed are such mimetic props and cues to humor as body language (as indicated by stage directions) and the use of an inappropriate discursive mode (e.g. excessive seriousness). According to Hymes, it is not only the code-like properties of language that allow people to “render experience intelligible” (qtd. in Clark 2008: 781). In this humorous text, it is not just the code per se that enables experience to be intelligible: it is interaction between the narrator and the audience that allows language a sense-making capacity, the capacity so central to culture itself. Larkin Galiñanes (2000: 101) maintains that in long humorous texts “there is a strong dependence [...] on the reader’s external, cultural context for the effect of the narrator’s illocutionary acts.” It may be observed that in Wilde’s play most of the jokes rely on this dependence, and that the effectiveness of his humorous discourse is based on the assumptions of presuppositions shared by Wilde and his Victorian audience. It is precisely the representation of Victorian society in Wilde’s play that amuses his audience; the spectators laugh

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at the characters’ witty conversation on the stage because they feel comically mirrored by them. Wilde identified comedy with wit and laughed at the ridiculous sentimentality of Victorian melodramas.

Curiously, in The Triumph of Wit, the critic Robert Bernard Martin (1974:31) explores how in an age of “considerable sentimentality, the Victorians believed that the highest form of sympathy and love consisted of shared tears (…) Amiability, sympathy, naturalness, pathos: these had become the identifying characteristics of humour.”

In this respect, George Meredith criticises Victorian comic writing and its sentimental humour in his Essay on Comedy (1877). He tacitly identifies comedy with wit, so he assumes that comedy is dependent upon incongruity, and that the elements necessary for the resolution of incongruity are intelligence and common sense. Later Bergson would agree with some of Meredith’s ideas mentioned above. Both thinkers find new “social” meanings in the comedy of manners and both see comedy as a game played in society (cf. Sypher 1980: 2), as Wilde also does in his plays. Bergson believed that one can only laugh in the presence of others, a remark which matches with his theory of laughter as an act of social correction: “You would hardly appreciate the comic if you felt yourself isolated from others. Laughter appears to stand in need of an echo.(...). Our laughter is always the laughter of a group” (2009: 576). Bergson’s interpretation of laughter as “the laughter of a group” is frequently present in current discussions on the matter. Likewise, Victor Raskin (1985:16) maintains that “[I]t is only people with the same social heritage who laugh easily at the same kind of jokes. That is why laughter so often balks at national frontier, and dies away with the passage of time.” That we laugh with others who share our values and world view is considered as being at the basis of current theories of humour, as we will see later in the analysis of Wilde’s play.

2.2. A Trivial Comedy for Serious People: Humour, politeness and Victorian society The Importance of Being Earnest, Oscar Wilde’s most successful play, was first produced by George Alexander at the St James’s Theatre on 14 February 1895. As Russell Jackson (2009: 162) observes “this was a theatre as well ordered as a drawing-room, with acting and

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staging whose quality was achieved with the expenditure of immense craft and care but which never drew attention to the effort it required.” That is to say, the setting of the play closely mirrors the class and social standing of the audiences who made up the spectators of the play’s original performance. John Sloan (2009: 6) notes that “Wilde’s lifelong performance was actually that of an Oxonian, which meant a distinct feeling of cultural superiority to the rest of society.”

Wilde’s knowledge of the classics is reflected in the play where he seems to follow Cicero’s theories in De Oratore on the appropriate use of humour (Figueroa-Dorrego 2009: 33-40) .Wilde associated his characters with a kind of speech which never goes beyond the limits of dignity or decorum, that is, Cicero’s gravitas. Likewise, the incisive one-liners and sarcastic shafts of wit he uses intermittently may have their source in Cicero’s dicacitas. Wilde’s witty associations of humour with weaponry and attack in his characters’ sharp-pointed comments, may be identified with Cicero’s aculeus as we can see at the end of the second act when Cecily and Gwendolin engage each other in a witty repartee: Gwendolin: Are there many interesting walks in the vicinity, Miss Cardew?

Cecily: Oh! Yes! A great many. From the top of one of the hills quite close one can see five counties.

Gwendolin: Five counties! I don’t think I should like that; I hate crowds.

Cecily [sweetly]: I suppose that is why you live in town?

[Gwendolin bites her lip, and beats her foot nervously with her parasol.]

In this sense, it seems that Wilde endowed his characters with innate elegance and wit and cultivated urbanitas, and obliged them to respect the limits that gravitas sets to the use of humour, as Cicero maintained.

The play opens in Algy’s London rooms in Half Moon Street.

The stage directions emphasise the room’s luxurious and artistic furnishings, and place the scene in the upper-class London of the 1890s. When the curtain rises, Lane, the butler, is alone on stage, arranging things for tea, and Algy is offstage playing the piano in

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another room. The comic “elaborate politeness” of the play is set in the opening exchanges between Algy and Lane. The response the butler gives to Algernon’s initial question, and which conforms a joke based on a reversal of expectations, presents a sort of challenge to make sense of nonsense: “Did you hear what I was playing, Lane?”

Lane, who plays the role of the loyal servant who sees and hears nothing of his master’s faults, answers: “I didn’t think it polite to listen, Sir ” ( 295) referring to Algy’s piano playing. Lane’s locutionary act flouts the Gricean Maxim of Quality which is concerned with truth-telling (Cruse 2004: 368). According to Grice’s theory, interlocutors operate on the assumption that, as a rule, the maxims will be observed. When this expectation is confounded and the listener is confronted with the blatant non-observance of a maxim once the possibility that the speaker may be trying to deceive, or is incapable of speaking more clearly has been discounted, he or she is again prompted to look for an implicature. Flouting which exploits the maxim of Quality occurs when the speaker says something which is blatantly untrue or for which he or she lacks adequate evidence. In the dialogue under analysis, an implicature is generated by the butler’s saying something which is patently false. Since the butler does not appear to be trying to deceive Algernon (and, therefore, the spectators) in any way, the listeners are forced to look for another plausible interpretation. Thus the spectators will draw on the conventional meaning of the word polite and recognize that Lane’s comment is incongruous and completely improper. In this context, and on an ideological basis, Wilde subverts the social system and the mental representations of the cultural norm of decorum among servants, by making the norm the butt of the joke. As a matter of fact, the social cognition of the audience interacts with the joke and it provokes the desired effect of laughter. Taking into account that by social cognition Van Dijk (2008: 357) means “the shared knowledge and attitudes of a group” (in this case on the proper/improper), the joke is immediately responded by the audience’s cooperation due to its common encyclopedic knowledge, which implies the recognition of the fact that listening to piano playing is by no means impolite behaviour in a servant.

In The Critique of Judgement (1790), Inmanuel Kant maintains that laughter follows from something absurd and “is an affection arising

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from sudden transformation of a strained expectation into nothing” (2009: 433, emphasis in original). Kant locates humour and laughter in incongruity and Kant’s idea of sudden transformation may be identified in the punch line of a joke (Raskin 2008: 308). Likewise, Hazlitt (1921: 7) considers that incongruity is no doubt the reason most commonly given to explain why we laugh: “The essence of the laughable”, says Hazlitt, “is the incongruous, the disconnecting of one idea from another, the jostling of one feeling against another.” Similarly, John Morreall (1983:73) maintains that: “Sometimes the witty comment achieves its effect by looking at a situation from an incongruous point of view.

To understand the comment we have to shift to that point of view from our ordinary one; doing so amuses us and we express our amusement in laughter.” Thus, it seems incongruous that a respectable young gentleman should ask his servant about his musical performance and that the servant, who was supposed to praise his master’s abilities properly, should answer with a comic and artificially polite answer which, therefore, would have taken the audience by surprise because it seemed to reverse their normal expectations.

Indeed, the incongruous and the comically elaborate politeness of the character provoke the audience’s laughter. Moreover, we may find in this joke a second interpretation which implies Lane’s critique of Algy’s musical performance. Algy says himself: “I don’t play accurately (…) but I play with wonderful expression.” Lane appears “arranging afternoon tea on the table” (as indicated by stage directions), he seems quite indifferent to the music he is listening to and he does not give any hint of emotion at all. However, he is extremely polite in his answer to avoid his master being offended. Thus, Lane uses an off-record strategy, characterized by the use of mitigating elements which convey certain meanings in an indirect way. By being vague and ambiguous, Lane flouts the Gricean maxim of manner (Cruse 2004: 369); he intentionally chooses an off record strategy to avoid losing face and leaves the interpretation of his utterance to Algernon’s own consideration. Significantly, the sociocultural context shapes the comic world in the play. The character’s speech and behaviour maintain the proper level of politeness required by the social conventions of the Victorians. We might say that Wilde’s use of politeness represents a comic device which provides the play with an essential element for the production of humour, as we have identified in the dialogue between Algy and Lane.

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2.3. Humorous irony as a politeness strategy Lady Bracknell’s speech is very proper, she carefully observes the norms of self-control and restraint in her language, as is reflected in her authoritarian control of the situation; the length of her speech and her deployment of power surprise the audience: Well, I must say, Algernon, that I think it is high time that Mr Bunbury made up his mind whether he was going to live or die. This shilly-shallying with the question is absurd. Nor do I in any way approve of the modern sympathy with invalids. I consider it morbid.

Illness of any kind is hardly a thing to be encouraged in others. Health is the primary duty of life. I am always telling that to your poor uncle, but he never seems to take much notice (…) as far as any improvement in his ailment goes. (Wilde 2000: 304) As we may observe, Lady Bracknell’s speech about Bunbury’s illness, exemplifies Bergson’s theory that says: “To express in reputable language some disreputable idea, to take some scandalous situation, some low-class calling or disgraceful behaviour, and describe them in terms of the utmost respectability, is generally comic. The English word is here purposely employed, as the practice itself is characteristically English.” (2009: 609, emphasis in original). Lady Bracknell’s concern about Bunbury relies entirely on the fact that his illness might disrupt her own social schedule because it takes Algy away from town. What underlies her speech, and has an evident satirical force, is her rage about Algy’s “selfishness”. Her suspicions about Algy’s lie provoke her disappointment, which she is not allowed to expose overtly, according to upper class manners, but to manifest it in her ironical speech. Her majestic presence on the stage (as indicated by stage directions) and her comic deployment of the reasons for which she does not “in any way approve of the modern sympathy with invalids”, convey a highly ludicrous scene of restrained politeness, at which eccentricity the spectators laugh. A parody of politeness in form and content seems to be constructed. In this respect, we will analyse how Wilde makes use of irony as a politeness strategy.

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Salvatore Attardo (2001: 118) has pointed out that in humorous texts “an irony marker alerts the reader to the fact that a sentence is ironical”. In Lady Braknell’s speech, we identify some clear markers which alert the spectator about the presence of irony. As Haiman (qtd. in Attardo 2001: 119) describes, at a morphological level, there are some expressions (for example such as the ones uttered by Lady Bracknell, “I must say” or “Nor do I in any way”), which may indicate irony. Haiman goes on to say that we may even identify typographical means such as dots (“...”) as indices of irony. In this way, at the end of the speech, I have found that Wilde strategically includes dots in Lady Bracknell’s line about her husband’s health: “I am always telling that to your poor uncle, but he never seems to take much notice... as far as any improvement in his ailment goes.” As we clearly recognise, dots mark a suspended utterance, thus alerting the audience to potential other meanings left unsaid, and which could be exploited in a stage version for humorous effect. When inferred, these other potential meanings implied by the dots, will enhance Lady Bracknell’s ironical intention and arouse the audience’s laughter at the recognition of Lord Bracknell’s reasons for being ill. Victorian fiction abounds in invalid women; Lord Bracknell’s ill health represents a comic reversal of the presumption of feminine invalidity. As a matter of fact, the spectators may suspect that Lord Bracknell is a henpecked husband who has gone off into retreat rather than have to face his wife. That Lord Bracknell is a comic invalid whose incapacity reverses gender stereotypes is something that the spectators perceive and identify within their own cultural background and social conventions. Therefore, at the end of the speech, and at the allusion of Lord Bracknell’s ailment, the male spectators would burst into laughter at having got a new joke. This joke speculates with the idea that Lady Bracknell suspects that her henpecked husband’s invalidity is the result of the modern epidemic of Bunburysm, which curiously wreaks havoc among gentlemen, and that this is the reason why she “in [no] way approves of the modern sympathy with invalids”, and “considers it morbid.” Thus, Lady Bracknell intentionally chooses irony to tell Algernon that he cannot fool her and, therefore, to express an evaluative judgment about the situation that she “in [no] way approves.” In this respect, in Brown and Levinson’s Theory of Politeness, politeness is interpreted as a strategy employed by a speaker to achieve a variety of goals, such as maintaining harmonious relations (Thomas 1995:157). By being ironic,

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Lady Bracknell uses an off-record strategy which allows her to criticise Algernon without causing undue offence and, at the same time, to avoid “losing face”. Goffman (1967:5) defines face as: “...the positive social value a person effectively claims for himself by the line others assume he has taken during a particular contact. Face is an image of self delineated in terms of approved social attributes, albeit an image that others may share, as when a person makes a good showing for his profession or religion by making a good showing for himself.” Wilde’s discursive humorous strategy forces Lady Bracknell to address two different audiences at the same time, one (the persons on stage, particularly Algernon) who is essentially the “butt” of the irony and another audience (the spectators) who is “in” on the ironical intent and appreciates the irony, and therefore, laughs at it. Indeed, Wilde’s use of irony in the construction of Lady Bracknell’s Victorian discourse is highly significant. Wilde created a parody of Victorian politeness through Lady Bracknell’s comic speech: by being ironic, Lady Bracknell maintains her “reputation” and behaves according to the conventional norms of Victorian society, by which she was not supposed to expose her feelings in public.

In terms of what is said, Lady Bracknell’s speech overturns conventional assumptions about illness, seeing it as something that the invalid wills on himself, and about which he can make up his mind.

She deploys in her speech her own logic of the absurd, which is the violation of a logical principle, and which provokes the audience’s surprise. Thus, the spectator feels Lady Bracknell’s speech as incongruous and needs to reinterpret her discourse according to his encyclopedic knowledge; therefore, it is a mixture of surprise, appreciation of the incongruity and satisfaction at having solved the problem that accounts for the pleasurable effects which give rise to laughter in the audience, as psychological theories of humour describe.

Curiously, in his Rhetoric, Aristotle argues that the orator should pepper his speech with humorous devices, by creating expectation in the listeners and then surprising them with something they did not expect, and in this way he hints for the first time at the Incongruity Theory of Humour (cf. Morreall 1983: 16, and Figueroa-Dorrego 2009: 28-30). As Morreall (1983: 72) observes while describing verbal humour and the kind of incongruity it employs, “we find another rich source of incongruity in the violation of logical principles. What seems

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to work best here is not a complete lack of logic in a piece of reasoning, but rather a violation of some logical principle in a piece of reasoning that is just logical enough to sound somewhat plausible.”

2.4. Humorous politeness in despair Wilde’s comic representation of the “foundling” becomes very funny on account of Lady Bracknell’s comments on the matter.

Because Jack is a foundling, then, Lady Bracknell assumes that he must be the result of “a social indiscretion.” The code in which the joke in act III is emitted is common to both Wilde and his audience.

In this scene, Jack wrongly identifies Miss Prism as his “Mother!”, and makes a sentimental and melodramatic speech about the sexual double standard that punishes women and their illegitimate children: “But after all, who has the right to cast a stone against one who has suffered?

Cannot repentance wipe out an act of folly? Why should there be one law for men, and another for woman? Mother, I forgive you. [Tries to embrace her again]” (355). As Richard Allen argues in his notes to the play: “The reference is to Christ’s defense of the woman taken in adultery, whom he saved from a public stoning by asking if there was anyone present among her accusers so totally guiltless that he could act with god-like impunity (John 8)” (Wilde 2000: 429 n.16). Thus, Jack’s assumption, in desperation, is a funny subversion of the trope of the woman with a past. As we may observe, Jack “echoes” the Bible by uttering a locution attributed by cultural norm to a specific context. In this sense Jack’s words “who has the right to cast a stone against one who has suffered?” are echoed in circumstances which render it incongruous in view of the audience’s encyclopaedic knowledge. Thus, two or more scripts are in this way brought into the spectator’s mind, and humour is created through the incongruity between the actual context of the echoed locution, and the original context suggested. In the context of a Victorian audience, those who laugh at Jack’s speech about the fallen woman share the stereotype, belong ideologically to the same social system and share the same values and world view.

Thus, the joke is closely related to the audience’s social cognition and encyclopedic knowledge which help them work out the “strong implicatures” (Larkin-Galiñanes 2005: 89) generated by Jack’s illocutionary acts, provoking, hence, interaction and the arousal of

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laughter. As Larkin-Galiñanes claims, “strong implicature..., limits the range of possible interpretations accessed by the reader through the accumulation of statements whose salient connotations reinforce each other and thus guide the reader’s search for relevance in a given context, eliminating secondary interpretations through the pressure of the implicatures previously generated.” Social-Behavioural approaches to humour, which rely on the “Superiority Theory”, consider that when the plots of the jokes are based on stereotypes that are culturally determined, laughter is aroused with a minimal mental effort; to use Sperber and Wilson’s terms of relevance theory, the maximum contextual effect is derived from the minimum processing effort. As has been observed, most jokes in the play are based on stereotypes, and as Larkin-Galiñanes (2005:107) maintains “[I]t is necessary for producer and receiver to share the stereotype and resulting attitudes concerned, so in funny novels the attainment of the desired perlocutionary effect depends in a fundamental way on whether or not the two parties share the same values and world view.”

As we have seen, this works similarly in plays.

At the end of the play, the tension of the plot grows comically while Jack tries to demonstrate his origins and rushes upstairs to fetch the hand-bag in which he had originally been found. Wilde invites the audience to track Jack’s moment-by-moment movements and perceptual experiences, intensifying their complicity. Tracking the protagonist requires following a deictic center (Clark 2008: 774), the I, here and now of Jack’s point of view. Thus, the spectators feel as if they were actually on the stage and interact with a mixture of amusement and suspense, until laughter is aroused at the expense of “the foundling”, who, in a state of desperation and “ [after a pause] ”as Wilde indicates in stage directions, is obliged to restrain himself and to construct an elaborately polite request: “Lady Bracknell, I hate to seem inquisitive, but would you kindly inform me who I am?” ( 356).

3. CONCLUSIONS In this article I have argued that Wilde’s use of elaborate politeness provides the play with an essential element for the production of humour. As we have seen, Wilde’s humorous discourse is largely based

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on form and stylistic effects. Thus, the characters we have analysed (Algernon, Lane, Lady Bracknell and Jack) are defined by the elaborate politeness of their speech, carefully manipulated by the author for humorous purposes: they are forced to keep up the level of politeness required by the social conventions of the Victorians so as to represent comically the proper manners and gravitas expected by the audience.

At the same time, and combined with the use of elaborate politeness, there are elements such as incongruity and irony which seem to be of essential importance to create humour in the play. In the pragmatic analysis of these elements I have tried to provide a reasoned explanation of their contextual meaning, force and perlocutionary effects. As we have seen, the desired perlocutionary effect is achieved when the spectators and the author share the same values and world view. This article analyses how meaning in language is highly contextsensitive, this means that words in Wilde’s discourse are shapes of potential meaning which alter in different meaning environments, and which are highly dependent on context, on tone, on placement. Finally, I might say that this is a play which takes a certain ideological position.

As I have argued in this article, Wilde’s humorous discourse implies a political strategy: it constructs a social critique and subverts Victorian conventions; systematic inversions of common values such as moral/immoral, proper/improper, serious/trivial, have been explored throughout this work. However, the ideological subversion of the play, I think, is always disguised behind a parody of decorum. Curiously enough, it was through the manipulation of a humorous discourse of elaborate politeness that Wilde, masterfully, addressed A Trivial Comedy for “Serious People” and raised their laughter.

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EL MODELO DE UN COMENTARIO TRASLATIVO GUIADO COMO MÉTODO DE AUTORREFLEXIÓN PARA LA ENSEÑANZA DE LA TRADUCCIÓN* Silke Anne Martin Universidad de Las Palmas de Gran Canaria amartin@dfm.ulpgc.es Based on the findings of translation process research, some teachers have adopted a strategy of introducing translation commentaries in translation classes, with a view to improving the quality of translation produced by their students. The present translation commentary model aims to encourage students to reflect on their performance during the translation process, by using a wide range of variables to describe the difficulties encountered while translating.

In order to make the structure of their commentaries more accessible, these parameters are regrouped into basic categories, which show an interdependent relation.

Similarly, the model offers teachers an insight into students’ mental processes and how they transform information.

Keywords: Translation, translation commentary, translation difficulties, translation strategies La investigación de los procesos traslativos con el objetivo final de mejorar la calidad de las traducciones de los estudiantes ha llevado a algunos profesores de traducción a introducir comentarios de traducción en su práctica traslativa en el aula. El modelo de comentario traslativo presentado a continuación pretende, a partir de un amplio abanico de variables para describir tanto las dificultades encontradas a la hora de traducir como las estrategias aplicadas para solucionar estas dudas, estimular la autorreflexión del alumnado durante el proceso traslativo. Con el fin de facilitar la estructuración *

Fecha de recepción: Abril 2011

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del comentario, estos parámetros están recogidos en categorías básicas guardando una relación interdependiente entre ellos. Asimismo, este modelo de comentario de traducción ofrece al profesor la posibilidad de entender y conocer el procesamiento mental y el proceso de transformación de información por parte de sus estudiantes.

Palabras clave: Traducción, comentario de traducción, dificultades traslativas, estrategias traslativas 1. INTRODUCCIÓN Ya se sabe que ser un buen traductor no es un don que una persona posee de nacimiento, sino que se adquiere a través de un largo proceso de aprendizaje basado en la experiencia acumulada durante los años de estudios y de la vida profesional. Se trata de los conocimientos específicamente traslativos y declarativos así como de los conocimientos generales. De esta manera se explica que nosotros, profesores en instituciones de enseñanza de la traducción, intentemos transmitir a nuestro alumnado en el periodo relativamente corto de estudios el máximo de nuestro saber y de nuestros conocimientos. En cuanto a la enseñanza de esta experiencia profesional, sabemos que los investigadores atribuyen mucha importancia a la concienciación de los procesos mentales que normalmente transcurren de manera automática al traducir, así como al control metódico de estos procesos.

Aunque la traslatología sea una ciencia relativamente joven, existen numerosos enfoques de traductólogos conocidos que han arrojado luz sobre una definición más adecuada de la traducción, sobre el análisis del proceso traslativo, sobre la aplicación de técnicas y estrategias traslatológicas a la enseñanza de la traducción, sobre la orientación y la evaluación de traducciones realizadas por los estudiantes, etc. En el fondo, la mayoría de los enfoques tienen un objetivo en común que es optimizar el proceso traslativo, concienciar a los futuros traductores acerca del proceso de traducción y tomar las decisiones traslativas según criterios predeterminados.

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2. ESTIMULO A LA AUTORREFLEXIÓN El objetivo de nuestra aportación no es discutir o criticar diferentes planteamientos y formas de enseñanza de la traducción ya existentes, sino más bien presentar un método relativamente amplio para estimular la sensibilización y autorreflexión durante el proceso traslativo. Partiendo de las teorías y ayudas prácticas elaboradas por determinados traductólogos (cf. PACTE 2001), pretendemos ofertar al alumnado un compendio bastante completo de pautas para que puedan guiar sus reflexiones y decidir con consciencia una determinada solución traslativa después de haber sopesado los pros y los contras. Visto que el profesor en la enseñanza de la traducción dispone de muy escasas posibilidades para conocer la toma de decisiones de los estudiantes, sobre todo en el caso del examen, decidimos introducir en su momento un comentario de traducción guiado a través de directrices preestablecidas, siendo conscientes de que tanto la elaboración de este tipo de comentario como los conocimientos declarativos necesarios para su realización tienen que ser transmitidos y aplicados de antemano y de manera exhaustiva en clase.

Es cierto que ya hay algunos profesores de universidades europeas y facultades de traducción e interpretación que aplican el comentario traslativo en sus clases de traducción. Sin embargo, este informe traslativo se realiza, por regla general, sin normas o directrices predeterminadas. Las pautas exhaustivas de García Álvarez (2003: 554ss.) para la justificación de las decisiones traslativas, las cuales utiliza la traductóloga como medio didáctico para la planificación y organización coherente de la búsqueda satisfactoria de soluciones traslativas, aún bajo restricciones de tiempo, representan una gran excepción en este campo. Aunque nuestras directrices se solapen en parte con las elaboradas por García Álvarez, nuestro punto de partida es distinto. Estas normas se han establecido en función de las dificultades diagnosticadas por los estudiantes de traducción – tanto a través de TAPs de audio como por medio de protocolos retrospectivos - y clasificadas a posteriori (cf. Martin 2006). De este modo se incluyen en nuestras directrices para la realización del comentario de traducción guiado, aparte de los criterios de análisis de texto de Nord (1988), variables pragmáticas, cognitivas y estratégicas así como criterios

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vinculados con el tipo de texto en cuestión. Cuanto más estímulos orientativos estén a disposición de los estudiantes para la percepción consciente del proceso traslativo, tanto más cabe la posibilidad de que se llegue a una solución traslativa adecuada o de que se pueda defender la decisión tomada sopesando de manera reflexiva los argumentos convincentes.

3. EL COMENTARIO DE TRADUCCIÓN Las variables destinadas al apoyo mental durante el proceso traslativo y a la redacción del comentario de traducción están recogidas en diferentes categorías. Los parámetros de las categorías básicas guardan cierta relación interdependiente, lo que puede causar posibles correlaciones entre las distintas categorías así como que la activación de una variable pueda coincidir con otra de la misma u otra categoría.

Esta guía orientativa para los estudiantes no sólo pretende servir como estímulo para la autorreflexión, sino también ofrecer al profesor la posibilidad de entender el procesamiento mental y el proceso de transformación de información por parte de los estudiantes. Para poder recaudar el máximo de datos sobre el procedimiento traslativo, estipulamos como imprescindible la realización paralela del comentario y de la redacción del texto meta, puesto que al posponer el comentario se perderían muchas ideas en el curso de la traducción, debido al impulso constante de descubrir y solucionar nuevos problemas traslativos.

3.1. La concepción del comentario de traducción Las cinco primeras categorías base que reúnen aspectos de la pragmática del emisor y del receptor, de la situacionalidad, de la cohesión, de la informatividad y de la coherencia sirven de apoyo para la exposición y la denominación de las respectivas dificultades de traducción. Los diferentes aspectos, que actúan como referencia para la descripción de los problemas detectados, están destinados a configurar el proceso de concienciación del estudiante con el fin de aclarar la problemática individual de cada alumno en el momento de

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traducir y de designar traductológicamente la dificultad. En un segundo paso se revelarán las estrategias aplicadas para solucionar estas dificultades y se expondrán las razones por las cuales se ha optado por las respectivas soluciones. En la exposición de los aspectos estratégicos se hará hincapié en los criterios de la intertextualidad, que adquiere una importancia significante, sobre todo en el ámbito de la traducción de textos especializados. Por eso se le ha asignado una categoría propia.

Por último habrá que averiguar cuáles son los factores cognitivos que influyen en el proceso traslativo de los estudiantes. Las variables cognitivas ayudarán a los estudiantes a describir a posteriori los parámetros externos y las emociones personales que han ejercido una influencia negativa o positiva sobre el proceso de traducción.

3.2. Las variables del comentario de traducción 3.2.1. Las variables para la descripción de las dificultades traslativas Como primer punto de orientación para la elaboración del comentario traslativo se aclararán las variables de la pragmática del emisor y del receptor, las cuales se apoyan en los criterios del análisis de texto de partida según Nord (1988). Se trata de comentar por un lado las dificultades pragmáticas que surgen a la hora de la interpretación del texto original, y por otro lado de describir los problemas referentes al emisor y receptor durante la producción del texto meta. En cuanto a las dificultades interpretativas de las intenciones del texto original hablamos de las intenciones primarias o secundarias del emisor que resultan difíciles de reconocer o interpretar.

Los problemas de captación o de interpretación errónea no se deben necesariamente a deficiencias lingüístico-gramaticales, sino que pueden tener su origen en los conocimientos insuficientes vinculados con la cultura del texto de partida. Algunas dificultades parecidas se pueden constatar en relación con la identificación del efecto intencionado sobre el receptor original del texto de partida. Dado que un texto no está generalmente limitado a provocar un solo efecto perlocutivo en un receptor, sino que a veces convergen varias perlocuciones jerárquicamente ordenadas, cabe la posibilidad de distinguir entre efectos primarios y secundarios de un texto. Otro aspecto pragmático a nivel de la comprensión del texto lo constituyen

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las presuposiciones del receptor requeridas por el emisor del texto original. La descodificación de estos conocimientos previos por el traductor puede ser de importancia en el caso de que haya que efectuar, en conformidad con el encargo traslativo, una adecuación de las presuposiciones del texto de llegada respecto de las del texto original.

Al igual que en el nivel de interpretación del TO, destacamos asimismo en el nivel de redacción la reproducción adecuada de las intenciones principales y secundarias en el TM según el encargo traslativo. No se debería descuidar el hecho de que los efectos perlocutivos no tienen por qué coincidir en la producción del TM con los del TO. Las dificultades detectadas en la producción de la perlocución intencionada, que se divide en efectos primarios y secundarios, deberían igualmente formar parte del comentario de traducción. La anticipación de las presuposiciones del receptor meta y la redacción adecuada de éstas pueden resultar muy complicadas y merecen ser comentadas.

Siguiendo a Beaugrande y Dressler (1981: 163), entendemos por situacionalidad aquellos factores que contribuyen a que, a través de la recepción acústica o visual de un texto, el destinatario vincule este texto con una situación comunicativa previa, comúnmente conocida o propiamente vivida. En el fondo, esta conexión se realiza por el reconocimiento de los factores extratextuales según Nord (1988: 43ss.). Pertenecen a los parámetros extratextuales, en el sentido de Nord, el emisor, el receptor, el lugar, el tiempo, el medio, el motivo de la comunicación y la función, factores que incluimos en nuestra categoría de situacionalidad, exceptuando las intenciones del emisor, que ya figuran en la categoría de la pragmática del emisor y del receptor.

Al igual que hicimos con la categoría de los criterios pragmáticos, distinguimos aquí entre los problemas traslativos de la fase interpretativa de la situación comunicativa del texto original y aquellos de la fase de producción de la situación comunicativa del texto de llegada. Las dificultades relativas a la situacionalidad de cada una de las fases de traducción deberían ser señaladas en el informe de traducción. Con respecto a la función del texto y a la descripción de la

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problemática traslativa, sería deseable hacer una distinción entre la función primaria y las funciones secundarias del TO y del TM. La tercera categoría base la constituyen los parámetros de la cohesión. A razón de las dificultades de disociación conceptual de los términos lingüísticos cohesión y coherencia, compartimos el concepto de cohesión de García Álvarez (2003: 157) en el sentido estructuralista y lo limitamos a la superficie textual. Aparte de la interpretación semántica del léxico y de la gramática en el nivel microestructural, la cohesión recoge asimismo la interacción de estos parámetros con los aspectos cognitivos-pragmáticos, factores que igualmente pertenecen al área de la coherencia (ibidem). Con el término de la microestructura nos referimos, en el sentido de la microlingüística, a los elementos microestructurales que contribuyen al establecimiento de una cohesión textual interna.

De esta manera se le revelan al profesor, a través del comentario sobre los factores de la cohesión, las dificultades de los estudiantes relacionadas con la cohesión textual interna. A la vez, los aspectos cohesivos comentados informan sobre la competencia lingüística del alumno en las lenguas de partida y de llegada. Por un lado se comentarán trabas interpretativas con respecto a las relaciones cohesivas en el texto original, y por otro lado, se discutirán dudas lingüísticas y gramaticales que afectan la producción de las relaciones de cohesión en el texto meta.

En el nivel de entendimiento y de producción de las relaciones cohesivas se establecen directrices que recogen aspectos como la interpretación semántica y la perspectiva estructuralista de la gramática, la puntuación, la ortografía, las relaciones tema-rema y los elementos deícticos, las colocaciones, los rasgos suprasegmentales, el léxico y las isotopías. En cuanto a las dificultades de interpretar las relaciones cohesivas en relación con la perspectiva estructuralista de la gramática, hemos realizado una subdivisión según la morfosintaxis, las preposiciones, las declinaciones y el caso gramatical. Las dificultades de las colocaciones, que adquieren una gran importancia, sobre todo en la fase de producción de la traducción inversa, se dividen, por razones prácticas, en sólo dos subcriterios. Por una parte se hace alusión a las dificultades relacionadas con la composición de palabras (sobre todo en

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el caso de la traducción inversa al alemán), por otra parte se recogen todos los demás problemas de colocación bajo el criterio “otras”, puesto que una división más detallada de las posibilidades combinatorias rebasaría los límites del comentario de traducción.

La categoría que recoge el mayor número de variables para denominar y describir las dificultades traslativas, remite a los conocimientos del traductor concernientes al contenido informativo de los textos original y meta o a las respectivas realias. Destacan en primer lugar el saber del traductor sobre ambas culturas e idiomas al tratar con textos y su pertenencia a una tipología determinada. Por lo tanto, el comentario en el marco del criterio de informatividad revela la capacidad sustancial del traductor como mediador lingüístico y cultural. Además se destacan parámetros específicos del tipo de texto.

En principio, los parámetros de informatividad se dividen en cuatro grandes subcategorías y en cada una de estas plantillas se contempla por un lado la comprensión del texto original y, por otro lado el saber acerca del texto de llegada. Cuentan como subcategoría las dificultades relativas a la realia de la cultura y de la lengua meta, las dificultades generales en cuanto a la interpretación semántica del léxico del texto original y meta, los problemas relativos al tipo de texto específico en la cultura del TO y del TM y, en el caso específico de un texto de partida jurídico, las dudas concernientes al sistema jurídico-legal de ambos textos.

Con respecto a las dificultades de las realias de ambas culturas figuran la percepción de la necesidad del grado de explicitud y de las informaciones implícitas del TO, el grado de explicitud adecuado y la comprensión del grado de implicitud para el receptor meta. Las dificultades con la interpretación semántica del léxico general y con la producción del léxico general meta implican aspectos como la falta de familiaridad con el sentido del vocabulario y con el registro lingüístico.

Teniendo en cuenta igualmente el tipo de texto específico, a estas variables se junta el criterio de la falta de familiaridad con las convenciones correspondientes, como la temática, el contenido, la estructura, los elementos no verbales, la sintaxis, los rasgos suprasegmentales y el léxico. Si además se trata de un texto jurídicolegal habrá que añadir parámetros como la falta de experiencia con los sistemas legales y el desconocimiento de las respectivas legislaciones.

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Como última categoría de parámetros para la descripción de las dificultades traslativas figura la coherencia. Tal y como se mencionó anteriormente, existen problemas de disociación entre los conceptos de cohesión y de coherencia, así que resultan inevitables ciertos solapamientos entre ambas definiciones. Con los aspectos de coherencia nos referimos a los criterios en el nivel macroestructural que son responsables de la coherencia textual externa, considerando la coherencia no sólo como característica inherente del texto sino también como resultado de algunos procesos cognitivos del receptor.

A través de las conexiones y relaciones entre conceptos se pretende garantizar al destinatario una continuidad de sentido (Lewandowski 1990: 546) que permanentemente se somete a actualizaciones, requiriendo para ello ciertos conocimientos previos por parte del receptor. En relación con la dicotomía de la interpretación del texto original y de la producción del texto meta, distinguimos entre las dificultades de percepción de las relaciones coherentes y los problemas de producción de las relaciones coherentes por parte del estudiante.

Constan en cada grupo, como posibles aspectos para la realización del comentario de traducción, variables como la estructura textual, el estilo, la sintaxis y las isotopías, que pueden perjudicar la comprensión de la coherencia global del texto.

3.2.2. Los parámetros para la aplicación de estrategias traslativas A través de los criterios de la siguiente categoría de directrices se le ofrece al estudiante una amplia gama de aspectos estratégicos para que se conciencie y se sensibilice en cuanto al uso de las herramientas estratégicas que estén a su disposición en el momento de la elaboración de la traducción. En el caso de la falta de correspondencias 1:1, los conceptos de exotización y domesticación cuentan entre las fuentes para resolver estratégicamente determinadas dificultades traductológicas, siempre y cuando se respete la función y el encargo de la traducción. Las posibilidades de parafrasear, de formar neologismos1 o de completar la traducción mediante explicaciones o notas del traductor figuran entre las variantes de exotización. Las generalizaciones representan otra alternativa estratégica para compensar los actos de habla “no traducibles”.

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Además se le recomienda al estudiante supervisar ciertas analogías para eludir infracciones como las interferencias y cuestionar críticamente las acepciones propuestas por los diccionarios bilingües.

Tomar en cuenta o ser consciente de la presencia del contexto se le atribuye la misma importancia traductológica que a la capacidad del traductor de entablar un cambio de perspectiva, es decir, la capacidad de desprenderse del texto original así como de asociaciones estereotipadas y personales. Esta indicación estratégica requiere sin embargo un duradero entrenamiento guiado para superar los mecanismos inconscientes de los procesos mentales, responsables de los automatismos, las fosilizaciones y las dominancias top-down.

Otro punto de referencia para la aplicación de las estrategias apropiadas lo representa el material de documentación. Aparte del uso de los diccionarios bilingües conviene recurrir a los diccionarios monolingües, los textos paralelos en lengua meta y los textos de documentación de fondo (Kautz 2000: 97ss.), informando estos dos últimos, en calidad de material intertextual, sobre ciertas convenciones de la situación comunicativa de la lengua meta en cuanto a la estructura textual, el uso lingüístico o el léxico correspondiente. Según la situación traslativa se presenta la posibilidad de recurrir igualmente a informantes apropiados comentando los motivos de elección.

De gran exigencia es también la comprobación crítica de la argumentación personal: ¿Se justifican las soluciones de traducción a través de argumentos descriptivos, concesivos o adversativos, aclarativos o de razonamiento? Con estos criterios nos referimos a las relaciones funcionales de los actos locutivos establecidas por Hulst (1995: 122ss. en García Álvarez 2003: 217ss.). Sin embargo, no aludimos a ellas en el sentido de Hulst, basado en el análisis de la coherencia del texto original, sino más bien a la estructura argumentativa de los estudiantes al descifrar las informaciones inherentes al texto de partida así como a la redacción de la informatividad en el texto meta (Martin 2006: 212s.).

Asimismo parece indispensable la comprobación y evaluación final de cada propuesta traslativa. El objetivo del criterio de la verificación y evaluación final es recordarle al estudiante la necesidad de supervisar las soluciones traslativas en su contexto lingüístico. A

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causa de la visión de conjunto que proporcionan las revisiones al concluir la traslación, la introducción de determinados cambios a posteriori se convierte en un requisito sensato. A pesar de que ya se ha mencionado el criterio de intertextualidad relacionado con las estrategias traslativas bajo la variable del material de documentación, justificamos el establecimiento de una categoría propia de la intertextualidad amplia debido a la gran importancia de sus parámetros. Por intertextualidad entendemos con Beaugrande y Dressler (1981: 182ss.) las relaciones entre textos así como la interdependencia de un texto de otros con rasgos y funciones parecidos o idénticos. Si aplicamos la intertextualidad al campo de la traducción, se nos abren nuevas posibilidades de analizar el material original, puesto que el contenido del texto que hay que traducir se puede captar con más facilidad conociendo ya el tipo de texto en cuestión. Pero no sólo a la hora del análisis del texto original sino también en la fase de producción se le aclara al traductor la relevancia de la intertextualidad.

No hay que olvidar que la forma y la estilística de la redacción del texto meta resulta muy útil si se compara con la información en este nivel que proporciona un texto paralelo.

Prescindiendo de los textos paralelos y del material de documentación de fondo, contamos en el marco de los textos de intertextualidad tanto con las informaciones procuradas a través de informantes especializados en la materia como con las expresiones procedentes del lenguaje común que están transferidas a un determinado contexto especializado. Es verdad que la transferencia de elementos del lenguaje común a un campo del lenguaje especializado puede tal vez ser útil en la fase de comprensión, sin embargo conducen a infracciones convencionales en la fase de producción en numerosas ocasiones.

Mientras que los textos paralelos son documentos en el idioma de llegada del mismo tipo de texto que el documento de partida, entendemos por texto de documentación de fondo (Kautz 2000: 97s.) aquellos textos que no se produjeron en situaciones comunicativas parecidas a las del texto original y que no son de la misma tipología textual, aunque se basan en los mismos fundamentos pertinentes que el texto original en cuestión.

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Haciendo uso del material de intertextualidad, las razones de elección son de interés para el profesor de traducción y deberían ser expuestas en el comentario traslativo. Aparte de los criterios de elección, se juzga relevante la diferenciación entre la presentación escrita de dicho material y el recuerdo mental del mismo al que recurre el estudiante durante la realización de la traducción. Tanto el uso de textos paralelos y de documentación de fondo como la renuncia al material de intertextualidad necesitan ser comentados en el informe de traducción exponiendo los respectivos motivos.

A través de la exposición de los parámetros de intertextualidad en nuestras directrices se intenta animar a los estudiantes de traducción a hacer uso del material de documentación y de ofrecerles una gama de posibilidades de investigación en la medida que las circunstancias externas – sea en situación de examen o en la realización de una traducción en casa o en clase – lo permitan.

3.2.3. Los factores de influencia en los procesos cognitivos Por último, se concluye el comentario de traducción con la descripción de las variables cognitivas. La finalidad de la exposición de los factores cognitivos es, aparte de la aclaración de las circunstancias externas y de las condiciones individuales de cada alumno a la hora de realizar de la traducción para el profesor, la sensibilización de los estudiantes con respecto a la observación del propio proceso traslativo y la influencia de las condiciones idiosincrásicas. Por medio de la concienciación de los factores cognitivos se abre la posibilidad de contrarrestar o paliar los efectos negativos de los mismos.

Entre los factores cognitivos no sólo cuentan los rasgos idiosincrásicos de los individuos como la memoria, el talento y la atención, etc., sino también todas las variables que influyen en la situación traslativa y, en caso negativo, perjudican la traducción. En este sentido señalamos por ejemplo ciertas emociones, la premura del tiempo – tanto externa como propia – y la forma física y mental del traductor en el momento del proceso traslativo. Influencias externas como la fecha, hora y el lugar de la traducción pueden ejercer

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indirectamente una influencia negativa sobre estos factores cognitivos.

Por este motivo incluimos estos factores en las variables de la categoría de la cognición aunque sólo actúan de manera mediática sobre el proceso de traducción. Aparte de estas variables cognitivas externas de la traducción contamos igualmente entre ellas el volumen y la duración de la traducción, así como la disponibilidad de diccionarios y material de intertextualidad, siendo éste último parámetro relevante para la situación de examen.

Tanto las emociones negativas (desinterés, aburrimiento, falta de motivación, etc.) como las emociones positivas (pasión, fascinación por el tema, etc.) merecen ser comentados en el informe de traducción. Se integran además bloqueos mentales eventuales y la descripción de la forma física y mental, como por ejemplo el aspecto de la creatividad momentánea, la fuerza energética, concentración, enfermedad, el cansancio, etc. Asimismo, los rasgos idiosincrásicos generales como la seguridad, la inseguridad, el nerviosismo y los conocimientos generales del mundo influyen de manera decisiva en el proceso de traducción. En el caso de que se realicen las traducciones en grupo se incluirá igualmente en el comentario de traducción la dominancia de algunos participantes.

4. CONCLUSIONES La aplicación del método del comentario traslativo guiado fomenta la concienciación de los procesos traslativos de los estudiantes que, por regla general, transcurren de manera automática, a través del reconocimiento y de la verbalización escrita de las dificultades de traducción. Este método de autorreflexión guiado por las directrices pertinentes y expuestas anteriormente constituye ya un primer paso hacia la solución traslativa e inicia a menudo la aplicación estratégica adecuada. Nuestro catálogo de criterios se concibe como ayuda para la búsqueda de los procesos mentales y sirve, por una parte, como apoyo para la localización de las dificultades, y, por otra parte, como estímulo para encontrar las estrategias adecuadas. Pero tal y como se mencionó al principio, no pretendemos reclamar la integridad de los criterios expuestos. El hecho de comentar adicionalmente los aspectos cognitivos ilustra, tanto al profesor como al mismo estudiante, el

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significado y la importancia de las influencias externas, así como de las circunstancias y condiciones individuales bajo las cuales se realiza la traducción. Finalmente, corroboramos que para obtener resultados satisfactorios con respecto a la descripción por escrito de los problemas traslativos y de las pertinentes estrategias aplicadas, son precisos unos conocimientos declarativos y traslatológicos avanzados. La enseñanza de estos conocimientos y su aplicación al comentario de traducción requiere un largo periodo de prácticas en el aula.

NOTAS 1

Apoyándonos en De Groot (1999: 45) nos referimos con el término neologismo – a falta de “equivalencia aceptable“ - a la utilización de una palabra en la lengua meta que no se usa o ya no se usa en la lengua de llegada. Por lo tanto, la “adaptación lingüística” de un término de la lengua de partida a la lengua del texto meta se considera neologismo.

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Silke Anne Martin El modelo de un comentario traslativo guiado como método de...

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PROPERT Y CONCEPTS IN CONTRAST: THE TRANSLATION OF ADJECTIVALS (SPANISH-ENGLISH)* Katerina Soumani Universidad Complutense de Madrid aikate@live.com The present study explores the relation between the form and function of adjectivals that encode inherent property concepts in English and Spanish, which, contrary to transitory states, are assumed to be expressed by morphologically basic, prototypical adjectives (Dixon 1982). For this purpose, a corpus of Spanish literary texts and their corresponding English translations was compiled and subjected to a qualitative contrastive analysis, focusing on the ways in which Spanish adjectives/participles ending in –do/a are rendered into English. The observed pervasiveness and semantic versatility of the Spanish participial suffix – do/a, as well as the different patterns of meaning-to-form correspondence in adjectivals in the two languages possibly point to a different conceptualization. In turn, this difference in conceptual hierarchy, as reflected on linguistic forms, should have observable implications for the translation of the examined forms into English.

Keywords: Adjectives, participles, property concepts, English-Spanish, contrastive analysis, translation.

El presente estudio se propone examinar la relación entre la forma y la función de los adjetivales que expresan conceptos de propiedades inherentes en inglés y en español, que, a diferencia de los estados transitorios, supuestamente suelen ser denotados por adjetivos prototípicos y morfológicamente básicos (Dixon 1982).

Con este objetivo, un corpus de textos literarios españoles y sus respectivas traducciones al inglés fue compilado y sometido a un análisis cualitativo y *

Fecha de recepción: Abril 2011

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contrastivo, que se centra en las distintas maneras de las que se traducen los adjetivos/participios en –do/a del español al inglés. La versatilidad del sufijo participial español –do/a, junto con los diferentes patrones de correspondencia entre la forma y el significado observados en los dos idiomas en cuestión posiblemente indican una conceptualización diferente. A su vez, esta diferencia en la jerarquía conceptual lógicamente tendría repercusiones en la traducción de dichos adjetivales al inglés.

Palabras clave: Adjetivos, participios, conceptos de propiedad, inglés-español, análisis contrastivo, traducción.

1. INTRODUCTION Under the influence of Cognitive Semantics, lexical categorization, a rather controversial issue, has been revisited in recent literature (see, for instance, Delbecque 2008). Adjectives have always been the apple of discord among scholars, both in intra-linguistic research and contrastive or typological studies (see Dixon 1982, 1994, 2004; Wetzer 1996, among others) and from various theoretical viewpoints. From the exhaustive typological accounts provided by these studies, it becomes clear that what is conventionally referred to as adjective class in grammars and encyclopedias is a quite exceptional case in linguistic categorization. Even in languages which are assumed to have a definable adjective class, its members exhibit such diverse features in morphological and semantic terms that it may rightly be characterized as hybrid.

Regarding the hybrid nature of Spanish adjectives in particular, it has been pointed out that the morphological and semantic traits of a specific type of adjectives, namely the deverbal, place them in an intermediate position, halfway between adjectives and verbs (Varela 1992, Di Tullio 2008). Especially with respect to the latter, there seems to be a fuzzy area between adjectives and participles – which are clearly verbal forms. Τhe great terminological inconsistency in the relevant literature add credence to this claim (see for instance Rainen

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1999, Di Tullio 2008, Felíu 2008, Bosque 1999, Bresnan 1995, Kibort 2005, for relevant discussions on the issue). Despite the various attempts to establish rigid formal criteria for distinguishing adjectives and participles, there always exist ambiguous cases that defy all classification. In Spanish, the suffix –do/a is prototypically related to participle derivation and present perfect constructions. However, its remarkable productivity and the semantic heterogeneity of the forms it gives rise to surely confer on it a special status among all other suffixes. This phenomenon is even more intriguing when compared with languages that do not allow for similar “incongruities” between form and meaning. If we consider, for instance, the relative proximity of Spanish and English in many respects, it would be interesting to examine whether the quasi-equivalent (at least in terms of form and function) English suffix –ed behaves in a similar way or not, and, in either case, what might be the reasons for this behavior.

The analysis presented here explores the semantic content and function of a particular kind of adjectival forms, regardless of the lexical category (i.e. adjectives or participles) they might be assigned to in each case. More specifically, the main focus is on the encoding of inherent property concepts, which, according to Dixon (1982), are typically described by morphologically basic, non-derived adjectives, as opposed to transitory states. Following Koontz-Garboden (2005), it is assumed that in English there is a tendency to match conceptually basic meanings (property concepts) to morphologically basic forms (prototypical adjectives) and that this meaning-to-form correspondence is usually rigid and rarely disrupted. On the contrary, Spanish does not seem to observe the same pattern, as the pervasiveness and semantic diversity of the participial suffix –do/a shows; the fact that lexical forms ending in –do/a frequently express both property concepts and resultative or transitory states without any morphological change may be evidence for a quite different perspective-taking. Expanding this hypothesis, it may be postulated that, in Spanish, even when there are morphologically basic adjectives available that encode a given property, there is a tendency to opt for the derived, participle-like form, thus adding a resultative nuance to the property in question. In English, however, this does not seem to be the case. Finally, it is predicted that this difference in conceptual hierarchy, as reflected in linguistic structures, has observable

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implications for the translation of the –do/a Spanish forms into English.

Before moving on to presenting the analysis, a few theoretical clarifications are in order. Firstly, and as regards the categorization of the lexical forms at hand, it has already been pointed out that, even in languages that have a distinct adjective class, its members tend to associate either with the nominal or the verbal system of the language.

This observation led Wetzer to talk about the continuum hypothesis, according to which “adjectival words occupy an intermediate position in a language-independent lexical continuum or category space Τ from Verb to Noun” (1996: 44). It is obvious that the traditional view of word classes as absolute and unrelated categories is incompatible with the continuum hypothesis, which provides a plausible, if not exhaustive, account of the overlap and the variation among word classes, particularly in the case of adjectives and participles.

Secondly, as far as the numerous attempts to formally distinguish adjectives and participles – and with respect to Spanish in particular – pose various problems related to the notoriously ambiguous position of participles and their two most conspicuous characteristics, which in Di Tullio’s words are “their hybrid nature between the verb and the adjective as well as their internal heterogeneity”¹ (2008: 99).

Since the main purpose of this study is not to provide a definite solution to the aforementioned problem, no attempt will be made to reformulate the existing criteria or to propose new models for either the distinction of participles and adjectives or for lexical categorization in general. What is of interest for our purposes, however, is the semantic content of the adjectival and participial forms in Spanish and how the choice of different forms for encoding the same meaning reflects a difference in perspective in the two languages. In this regard, there are three crucial semantic notions that have been taken into account during the analysis, namely aspect (Comrie 1976), state (Talmy 1987, Dixon 1982) and orientation (Kibort 2005). The most salient aspectual features of deverbal adjectives or participles in both English and Spanish might be described as perfectivity and resultativeness. With respect to state, in Dixon (1982) the distinction is made between property concepts and (result) states as encoded by adjectives. Dixon points out that, more often than not,

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property concepts – which may be regarded as stable, permanent or even inherent to the entity they are attributed to –are described by non-derived, morphologically basic adjectives, and as opposed to result states, no information is provided about their inception or termination. Last but not least, the notion of orientation may also contribute to the understanding of the adjectives/participles in question. Kibort’s (2005: 8) example of “dreadful” and “apprehensive” successfully clarifies the meaning of orientation: both adjectives involve the notion of fear and two (implicit or explicit) participants; however, “dreadful” is oriented towards the stimulus participant, whereas “apprehensive” is oriented towards the experiencing participant. According to Kibort, participles also display a clearly observable orientation towards one of the verb’s participants, and, generally speaking, a participle can be either agent-oriented or patient-oriented; but not both. When it comes to language in actual practice, however, the question remains: how do orientation, aspect and state relate to the issue of perspective or unmarked preference in the two languages, in order for the same meaning to be encoded?

2. THE STUDY The corpus consists of the following literary texts in print format, originally written in Spanish, and their corresponding translations into English: Cuando fui mortal (Javier Marías, 1998) When I was mortal (Margaret Jull Costa, 1999) El inquilino (Javier Cercas, 2000) The tenant (Anne Malean, 2005) El móvil (Javier Cercas, 2003) The motive (Anne McLean, 2005) Despite the potential shortcomings of using translation corpora in contrastive analyses, which have been widely discussed (see Altenberg and Granger 2002, Krzeszowski 1990, among others), the choice of such corpus was found suitable for the purposes of the study, which neither lends itself to a strictly typological approach nor aspires to an exhaustive account of the issue. In accordance with the aims of

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the study, the data gathering process was initially focused on the participial adjectival –do/a forms, as well as their irregular allomorphs, in the Spanish ST (source text), with no distinction regarding their position or syntactic function. The selection was made on the basis of the semantic content of the items: they would be most probably interpreted as assigning an inherent, relatively permanent property to the modified element. A sample of 74 instances was assembled, consisting of both highly frequent items and more marginal cases. The items of the sample were subsequently classified according to the ways in which they had been rendered in the English translations. On the basis of morphological criteria, it was possible to establish two broad groups, the first of which is in turn subdivided into six smaller categories. The analysis was essentially qualitative, complemented by a brief presentation of numerical results, which served to provide a clearer overall picture and support the points made in the study. The cases were also examined from an intra-linguistic point of view, which set the ground for the subsequent cross-linguistic comparisons and further comments on the respective choices and decisions made by the translators.

The first group (categories A-F) consists of instances of what may be called direct translation, which, roughly speaking, means that there is a one-to-one correspondence between the Spanish and English word forms (e.g. agraciada – attractive, adinerado – rich, etc.).

This group is the largest and most diverse of the two, and it may be further subdivided to 6 categories, which are listed below: –do/a forms à -ing forms (e.g. holgada – loose-fitting) –do/a forms à -ive forms (e.g. agraciada – attractive) –do/a forms à morphologically basic adjectives, not derived or whose formation is synchronically opaque (e.g. desmedida – enormous, alargado – long) –do/a forms à -ful/ -less forms (e.g. descolorida – colourless, dolidas – sorrowful) –do/a forms à miscellanea / very few instances (e.g. ondulados – wavy, pasmado – dimwit) –do/a forms à -ed forms (e.g. adecuado – suited, depravado – depraved)

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The second group is made up of cases in which there is clearly no one-to-one correspondence at word level. Instead, the translator is guided by the overall/ contextual meaning of the sentence the lexical item in question belongs to and therefore exploits a variety of resources available in the TL in order to encode the same meaning, as shown in example (1) below: (1) el ventanuco abocado al patio de las luces the little ventilation window that gave on to the courtyard Although these instances might at first seem misleading or even irrelevant for the purposes of a contrastive analysis, seeing them from a different perspective reveals that this is not necessarily so: for any given item — in a specific context— to be translated there is always more than one translation option. The final choice the translator makes, i.e. the translation technique she opts for, is undoubtedly crucially, conditioned conceptual/ linguistic repertoire available in the TL influenced by personalbyorthe subjective factors, along with contextual ones, butlanguage). it is also,Thus, mostthecrucially, by may the be conceptual/ (target selected conditioned translat ion techniques said to reflect the linguistic repertoire available in the TL (target language). Thus, the linguistic and conceptual patt erns, albeit indirectly. e 1 presents the number of selected translation techniques may be said toTabl reflect the linguistic andinstances conceptual patterns, albeit indirectly.

Table 1 presents the number corresponding to each of the 7 categories, as found in the sample under of instances corresponding to each of the 7 categories, as found in the discussion. sample under discussion.

Table 1 Categories and the number of instances corresponding to each oneCategories of themand the number of instances corresponding to each one of them Table 1

English t ra n s la t i o n

Example

Instances in the sample

%

-ing

holgada Æ loose-fitting

10

13.5

-ive

agraciada Æ attractive

5

6.7

basic

alargado Æ long

26

35.1

6

8.1

-ful/ -less various other TL resources -ed

descoloridaÆ colourless pasmado Æ dimwit abocado alÆ that gave on to adecuado Æ suited

5

6.7

9

12.1

13

17.5

TOTAL

74

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2.1 THE FIRST GROUP (CATEGORIES A-F)

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2.1 The first group (Categories A-F) 2.1.1 –do/a forms à -ing forms The –ing verbal suffix directly evokes specific aspectual traits, such as imperfectivity, progression and duration. Although the function of these adjectivals is to ascribe a property to the modified element, they do so from a dynamic perspective. The Spanish –do/a adjectivals, on the other hand, to which these –ing forms correspond, give a quite different picture. Here, the assigned property is presented as the result of some previous action, which the modified element has undergone – thus being more a patient than an agent. This resultative state, however, is no longer interpreted as such; it seems as if what was once seen as the immediate result of an action, ended up denoting a time-stable property, preserving its original form but adapting to a new semantic function.

Among the translated –do/a forms of this group, we find cases which are either ambiguous or ambivalent, in the sense that the same form may acquire a different semantic content, depending on the context in which it is found. Thus, in (2), aburrida, which modifies the noun gente, describes a rather stable quality and is obviously agent oriented. The exact same form, however, if combined with the verb estar, would refer to a transitory, patient-oriented state. In English, this semantic distinction would unavoidably be reflected in the form, too: boring and bored, respectively. This example is probably one of the most commonly cited in relevant discussions, and it is also a quite illustrative one.

(2) gente emprendedora y saludable, rebosante de optimismo; un poco anodina, y hasta aburrida: eso se lo concede. enterprising, healthy people, bursting with optimism, a little dull, perhaps boring, I´ll grant you that.

2.1.2. –do/a forms à -ive forms Probably one of the most common adjectival suffixes, the –ive suffix, whether attached to nouns or verbs, usually denotes a tendency, a disposition or even ability. According to the Longman Dictionary of

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Contemporary English (2003), for example, this suffix indicates that “someone/ something does or can do something”. This quite simple paraphrasing seems to suit well the instances that make up this group: attractive, excessive, talkative, fugitive, decisive. They all have a strongly active meaning; they may be characterized as agent- oriented and, even when they are derived from verbs, they do not exhibit any special aspectual properties. On the contrary, they are rather timeindependent, and express inherent, stable properties. All in all, they qualify for core membership in the adjective class. Interestingly enough, and in spite of the existence of the historically related suffix –ivo in Spanish, these adjectives function as the translation equivalents of –do/a adjectivals. In the ST, the same property is presented from a different perspective; it is the resultative character of the property that is foregrounded, and not the property as such.

(3) con la desaforada pasión del converso, enumeró una a una las ventajas indudables que tal triunfo comportaba. with the excessive passion of the convert, listed one after another the unquestionable benefits such a success brought with it.

Although desaforado and excessive refer to the same quality, their orientation is clearly distinct: patient-oriented and agent-oriented, respectively. Excessive involves acting “in excess”, whereas desaforado implies being in a particular state, as a consequence of a similar process. Yet, as example (3) shows, they both characterize the nouns passion / pasión, assigning them a property.

2.1.3. –do/a forms à morphologically basic/ synchronically opaque This category, which is the biggest and probably the most diverse of all, consists of adjectives considered morphologically basic, i.e. not derived. Their etymology reaches back into the history of the language, as they apparently have evolved directly from Latin, Old and Middle English, in most cases. Although the approach presented in this study is clearly synchronic, and therefore no exhaustive diachronic account is intended here, this distinction proves to be useful for the analysis, mainly because it helps us assess the degree to which certain affixes remain productive or not, as well as identify common patterns

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in the semantic evolution of the words, whenever this is possible.

The adjectives in question constitute a highly heterogeneous group; thus, some of them typically refer to physical properties, such as size or shape (e.g. long, enormous), or describe human qualities (e.g. impetuous, timid) and retain these meanings in the text. In other cases, however, adjectives from both categories are used metaphorically (e.g. vast repugnance) or characterize abstract entities and situations. What they all have in common is that, just as the –ive category examined above, they, too, may well be considered prototypical English adjectives. Synchronically speaking, their morphologically basic form carries a conceptually basic meaning. On the contrary, their counterparts in the Spanish ST are forms predominantly derived from verbs or nouns, all ending in –do/a, and whose formation is rather transparent synchronically. Most of them are codified in dictionaries as adjectives, although their degree of lexicalization varies greatly.

(4) habría quedado copado por su desmedida figura y descompensado, él a solas frente a cuatro comensales pasando aperturas. would have been filled to capacity by his enormous bulk and would have looked unbalanced, with him sitting alone opposite four guests all crammed together.

(5) El anciano comentó en tono neutro que su último movimiento había sido muy desafortunado The old man commented in a neutral tone of voice that his last move had been unfortunate Desmedido is labelled as an adjective in the dictionaries consulted; according to the DRAE in particular, it comes from the participle of the verb desmedirse and it means “disproportionately big, excessive in size”, like its translation equivalent. But, unlike enormous, its participial-like form adds a resultative nuance to its meaning. It is as if the currently excessive size of the modified element were the result of some extension or enlargement process it has previously been subjected to, as opposed to its morphologically more basic synonyms,

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such as enorme, gigantesco, inmenso, descomunal, etc. In fact, desmedido belongs to a wider semantic field, the components of which share two extremely productive morphological features: the suffix –do/ a and the prefix des- (which indicates, among other things, excess or lack of bounds). The long list of examples proves the pervasiveness of these features: desproporcionado, desaforado, deslenguado, desvergonzado, among others. A similar morphological and semantic pattern may be observed in the case of desafortunado, in (5). Although the latter does not derive from a verb, it exhibits the same characteristics as its deverbal counterparts mentioned above. The existence of such denominal adjectives probably reinforces the case for the pervasiveness and great productive potential of the suffix in question. Desafortunado is rendered by unfortunate, its English cognate. Despite their common origin, however, the suffix –ado/a, unlike –ate, remains semantically “active”.

2.1.4. –do/a forms à -ful/ -less forms The members of this category, although derived from nouns and thus not morphologically basic like the ones in the previous group, may well be considered as prototypical adjectives, which denote property concepts. The suffixes –ful and –less, assign the property of being “full of ” or “devoid of ” respectively to the bases they are attached to: (6) La voz de Ginger sonaba neutra, descolorida.

Ginger´s voice sounded neutral, colourless Although colourless is semantically close to the Spanish descolorida, it seems that part of the semantic content of the original is somehow lost. Interestingly enough, there is a participial adjective in English that is closer to descolorido², in terms of form and, possibly, meaning, i.e. discolored. Nevertheless, the translator’s choice shows that the resultative factor is not a priority in the English version. It is also possible that the overtly metaphorical use of the word has had an influence on this decision.

2.1.5. –do/a forms à miscellanea / very few instances As the name of the group reveals, the adjectives assigned to it do not actually make up a separate category as such. In a sense, they

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could form part of a rather wider group which would include all the prototypical, property-denoting adjectives examined so far, since they are no different in this respect.

(7) Narró anécdotas que creía divertidas, pero que sólo eran grotescas.

She told anecdotes she thought were funny but which were actually just grotesque.

Divertido is a typical example illustrating the absence of formal and semantic distinction which often characterizes these adjectival forms in Spanish. It is clearly an agent-oriented, property concept adjective of common use – and also classified as an adjective by dictionaries. Yet, it cannot be formally distinguished by the patient/ experiencer-oriented or passive use of the word³. In English, on the other hand, funny is invariable in terms of orientation and semantically more transparent; it simply assigns a property to the entity it modifies.

2.1.6. –do/a forms à -ed forms The last sub-category in the “direct translation” group includes the translation equivalents that are formally closer to the ST –do/ a forms, although it would be inaccurate to assume an exact correspondence between the suffixes in the two languages. These adjectives are, in a sense, related to those of the first category, since they usually receive the name of “participial adjectives”, as well as due to the fact that they derive from verbs. Despite the relatively limited size of the corpus, the frequency of occurrence of these forms (17.5%) seems significantly low, when compared to the frequency of the rest of the categories (82.2%) and, more specifically those consisting of typically property-denoting terms (categories B,C,D,E; 56%). In addition, the –ed forms in the translation seem to correspond to rather ambiguous or uncommon uses of the –do/ a forms in the ST; ambiguous, in the sense that it is not always clear whether they actually characterize the modified element in terms of an inherent property – although this interpretation is quite plausible.

(8) era muy joven y bastante agraciada, con un aire tímido y a la vez convencido, una voluntad afirmativa.

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she was very young and quite attractive, with an air about her that was at once shy and determined, an affirmative will.

In the example (8) presented above, it is not easy to tell with absolute certainty whether convencido/a refers to a property perceived as an inherent quality of the character in question; however, the context does not point to the opposite interpretation, either. We once more come across the metonymic motif (un aire […] convencido), as has already been identified in previous cases. The translator opts for a “safe”, literal choice, staying as close as possible to the ST. 2.2. EQUIVALENCE BY ALTERNATIVE MEANS: THE SECOND GROUP Contrary to all the categories in the first group, this group accommodates those in which the translation equivalence does not occur at word level. Put differently, there is no one-to-one formal correspondence between the compared items. It is logically assumed that, more often than not, there is a wide range of options available of which the translator selects the one that she considers most apt. This decision is always context-dependent and the translation technique employed in each case is determined not only by subjective factors – i.e. the translator’s personal style and competence – but, more crucially, by the specific constraints posed by the TL. The resulting translation equivalents are not to be seen merely as wonders of (linguistic) creativity– although in some cases they definitely deserve such an appraisal. A closer examination is likely to reveal a number of intriguing cross-linguistic asymmetries that might point to different perspectives across languages. Despite the problems that these asymmetries entail for translation, they can be levelled successfully by means of the right resources.

(9) era un quejido que venía del sueño, uno aprende a distinguir en seguida el sonido dormido de aquel con quien duerme. it was a moan made in her sleep, one quickly learns to distinguish the sounds the person one sleeps with makes in their sleep.

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An illustrative example of what can occur when an author uses her creativity to exploit the affordances of language. As a result of this perfect complicity, dormido is used to describe the kind of sound a sleeping person produces. Although dormido, under normal circumstances, refers to a transitory state rather than an inherent property, in this case it seems to have lost its usual meaning. Despite its literary nature, this metonymic reference is not difficult to grasp.

Instead of putting comprehensibility at stake, the translator goes for the simplest choice: dormido is substituted by a relative clause that leaves no room for misinterpretations.

3. CONCLUSION The analysis has departed from the hypothesis that, in Spanish, there is a tendency for adjectival forms ending in 窶電o/ a to express both property concepts and resultative/ transitory states, which, in turn may be interpreted as a preference for describing inherent properties as the result of some (implicit) previous action.

On the contrary, in English, the focus is on the property itself, as an independent characteristic of the modified element. In addition, there seems to be a more rigid correspondence between semantic features (aspect, state, orientation) and morphological features in English than in Spanish.

At a more general level, the present analysis may lead to some interesting conclusions, which are worth mentioning. First, although studying language as used in its specific real context instead of idealized, in vitro situations may be the only safe way to understand how it actually works, it nevertheless proves to be a frustrating task, since it often brings to light elusive cases that go beyond clear-cut definitions and categorizations. This fuzziness and versatility should be treated as intrinsic to language and therefore expected in advance.

Second, despite their considerable degree of vagueness or unpredictability, linguistic structures reflect underlying conceptualization patterns and general tendencies; contrastive studies therefore cannot be limited to the surface level of linguistic forms.

Third, if translation is taken to be a communicative event, albeit mediated, then the use of translated texts as corpora may yield

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valuable insights for both intra-linguistic and cross-linguistic studies, which may be fruitfully applied to the practice of translation.

Given the limited scope of the study, no strong claims can be made. Although the results of the analysis seem to corroborate the initial hypotheses, the replication of the study using a larger corpus would certainly contribute to the reliability of the results, and would potentially point to other aspects of the topic which have not been touched upon here. One of the most interesting directions for further investigation, for instance, would be a more detailed account of the different strategies employed during the translation process, always with respect to the conceptual and formal asymmetries of the languages in question, i.e. Spanish and English. A parallel examination of translations from and into both languages would also be beneficial.

Finally, there is a specific aspect of this complicated issue that, despite its major importance, has been only parenthetically mentioned. The present approach has focused mainly on morphosemantic considerations from a synchronic point of view. However, a more comprehensive account should definitely encompass a diachronic perspective, since the historical evolution of lexical items and linguistic structures, as reflected in etymology, often constitutes a key factor in their current use and provides a global picture which would otherwise remain concealed. From this point of view, many of the apparent morphological and semantic incongruities and irregularities in contemporary language may be explained and better comprehended. And in the case of the “hybrid adjectivals” discussed here, this aspect opens up new perspectives for further research.

NOTES “su naturaleza híbrida entre el verbo y el adjetivo, y su heterogeneidad interna”. ² According to the DRAE, the adjective comes from the participle of the verb descolorir, which is a defective verb that has almost fallen into disuse. ³ This may be accounted for by the fact that the verb divertir also appears in pronominal form, i.e. divertirse, which affects the ¹

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corresponding participles. The fact remains, however, that the resulting –do/ a forms, regardless of their meaning, are formally indistinguishable.

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CONSTRUCCIONES ESQUEMÁTICAS METAFÓRICAS EN INGLÉS Y ALEMÁN ACTUALES* Regina Gutiérrez Pérez Universidad Pablo de Olavide (Sevilla) rgutper@upo.es Embodiment is the key point in Cognitive Linguistics´ view of metaphor. With this term, meaning is understood as being grounded on the nature of our bodies and our perception, on our interaction with the physical, social, and cultural environment that surrounds us. The main experience of every human being is the perception of its body, since we are well-aware of its parts, of the functions they carry out, of its position in relation with the world, etc. The body constitutes the essential thing of our being and we communicate and interact with the world through it. According to Johnson (1987: xv), metaphors are grounded on our bodily experience with the world, experience that is translated into schemata.

In this article, the Cognitive Metaphor Theory is placed within the more general frame of Cognitive Linguistics and this one within the Cognitive Science in general, focusing on the main elements that constitute it. We will pay special attention to image schemas as the basic structures of cognition, followed by the more complex structures of Idealized Cognitive Models (ICM). For this purpose, we will take English and German examples whose metaphoric basis is formed by the noun heart/herz.

Keywords: Metaphor, image schema, embodiment.

La corporeidad es el punto central en la visión que la Lingüística Cognitiva tiene de la metáfora. Según este término, el significado se basa en la naturaleza de nuestros cuerpos y nuestra percepción, en nuestra *

Fecha de recepción: Septiembre 2010

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interacción con el entorno físico, social y cultural que nos rodea. La experiencia principal de todo ser humano es la percepción de su cuerpo, pues somos plenamente conscientes de sus partes, de las funciones que éstas desempeñan, de su posición respecto al mundo exterior, etc. El cuerpo constituye lo esencial de nuestro ser y a través de él nos comunicamos e interaccionamos con ese mundo. Para Johnson (1987: xv) las metáforas se fundamentan en nuestra experiencia corporal con el mundo, experiencia que traducimos en esquemas.

En este artículo situaremos la teoría cognitiva de la metáfora dentro del marco más amplio de la Lingüística Cognitiva y ésta, a su vez, en la Ciencia Cognitiva en general, prestando atención a los elementos esenciales que la constituyen. Trataremos especialmente los esquemas de imágenes como las estructuras básicas de la cognición, seguidos de los modelos cognitivos idealizados, que constituyen estructuras más complejas.

Para este propósito nos serviremos de ejemplos ingleses y alemanes cuya base metáforica está formada por el sustantivo heart/herz.

Palabras clave: Metáfora, esquema de imagen, corporeidad.

1. LA METÁFORA EN LA TEORÍA COGNITIVA La teoría cognitiva de la metáfora se inscribe dentro de la Ciencia Cognitiva, corriente emparentada con el Funcionalismo y la Semántica Generativa. Según Lakoff y Johnson (1999: 10), “Cognitive science is the scientific discipline that studies conceptual systems”.

Las principales disciplinas de estudio de esta ciencia son la filosofía, las ciencias informáticas (especialmente la inteligencia artificial), la psicología cognitiva, la neurobiología, la antropología y la lingüística. Ésta se ha ocupado especialmente de los problemas de categorización conceptual (teoría de los prototipos y categorías de nivel básico), de los modos de organizar y almacenar el conocimiento dentro de una

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concepción enciclopédica de la semántica (Haiman, 1980; Langacker, 1987), y de la conexión entre la conceptualización, el razonamiento y las categorías conceptuales enraizadas en nuestra experiencia sensorial y motora respecto al entorno (por ejemplo, la teoría de los esquemas de imágenes de Johnson, 1987), (Ruiz de Mendoza, 2001: 1). La Lingüística Cognitiva no constituye un paradigma homogéneo. Ante todo hay que destacar dos áreas de investigación. Una de ellas estaría constituida por la Semántica Cognitiva y la otra la integrarían los estudios cognitivos de diversos aspectos de la gramática. A su vez, estas dos grandes áreas se subdividen en una serie de ramas. Las principales teorías que figuran en la Semántica Cognitiva son: - La teoría de los Esquemas de Imagen (Johnson, 1987).

- La teoría sobre la Categorización (Rosch, 1975, 1977, 1978; Rosch et al., 1976) y los Modelos Cognitivos Idealizados (Lakoff, 1987).

- La teoría de la Metáfora Conceptual (Lakoff y Johnson, 1980, 1999; Lakoff, 1987, 1993; Lakoff y Turner, 1989; etc.) y de la metonimia (Lakoff y Johnson, 1980; Barcelona 2000; Panther y Radden 1999; etc.).

- La teoría de los Espacios Mentales (Fauconnier, 1994 [1985], 1997) y la de la Integración Conceptual (Fauconnier y Turner, 2002).

Dentro de los estudios de diversos aspectos de la gramática desde el punto de vista de su motivación cognitiva, cabe destacar: - La Gramática Cognitiva de Talmy (2000) y la más completa de Langacker (1987, 1991, 1999).

- La Gramática de Construcciones, que se divide a su vez en cuatro versiones: la de Kay y Fillmore (1999) y Fillmore et al.

(1988); la de Goldberg (1995, 2003); la de Croft (2002), denominada “Radical Constuction Grammar”; y la reciente “Embodied Construction Grammar” de Bergen y Chang (2005).

- Enfoques cognitivos sobre gramaticalización, tales como los de Heine et al. (1991), Sweetser (1990) y Traugott y Dasher (2002).

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Nuestro estudio se enmarca en una de las principales ramas de investigación de la Semántica Cognitiva. A raíz de la publicación de Metaphors We Live By, de Lakoff y Johnson (1980), la metáfora ha sido una de las cuestiones centrales de investigación en esta disciplina1.

Justo un año antes, Reddy había publicado su famoso artículo “The conduit metaphor”, en el que exponía que la mente es como un recipiente, los significados son objetos y la comunicación consiste en enviar objetos de un recipiente a otro a través de un conducto. El mensaje y las palabras en las que éste está “empaquetado” es un recipiente que el oyente “abre” y del que extrae su contenido, “el significado”. Sabemos que la comunicación no es proceso tan sencillo, si bien, a través de esta poderosa metáfora, Reddy fue el primero en mostrar que esta figura constituye una parte indispensable en nuestras vidas y una forma convencional de conceptualizar el mundo, pues resulta muy difícil hablar de comunicación sin utilizarla.

El paradigma cognitivista surge como consecuencia del rechazo que experimentan algunos lingüistas hacia el paradigma generativista a finales de los años setenta, pues éste sostiene que la gramática es un módulo autónomo e independiente del cerebro, mientras que la Gramática Cognitiva postula que la capacidad lingüística es indisociable de las capacidades cognitivas generales: Language, being at once both the creation of human cognition and an instrument in its service, is thus more likely than not to reflect, in its structure and functioning, more general cognitive abilities (Taylor, 1989).

La gramática generativa adopta otra perspectiva tradicional ante la metáfora, pues la considera un fenómeno desviado en el uso de la lengua que sólo puede estudiarse en el ámbito de la retórica o la estilística. Resultaba, por ende, evidente que el estudio de la metáfora no tenía futuro en este marco.

Chamizo Domínguez (1998: 46) propone llamar simplemente “cambio” a la sustitución de un significado de primer orden por otro de segundo (que es lo que tiene lugar en las metáforas), debido a las connotaciones peyorativas que conlleva el uso de otros términos como “desvío” (cf. Searle, 1993). Podemos afirmar que la metáfora no supone

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un uso desviado de la lengua o un fenómeno anómalo, si tenemos en cuenta su masiva presencia en la lengua cotidiana.

2. EXPERIENCIALISMO Y CORPOREIDAD (EMBODIMENT) El llamado experiencialismo o realismo experiencial es la denominación que se le ha dado a la teoría del significado que mantiene la Semántica Cognitiva. Como señalamos en la introducción, la corporeidad es el punto central en la visión que la Lingüística Cognitiva tiene de la metáfora. Según este término, el significado se fundamenta en la naturaleza de nuestros cuerpos y nuestra percepción, en nuestra interacción con el entorno físico, social y cultural que nos rodea. Los conceptos tienen, pues, su base en nuestra experiencia corporal y luego se elaboran en la imaginación, a través de la metáfora y la metonimia, principalmente.

La teoría cognitiva supone un avance frente al tradicional paradigma objetivista que postula que el significado global es una suma de los significados de sus partes, lo que comúnmente se denominó “compositionality of language”, que explica cómo podemos entender y crear frases que nunca hemos escuchado. Lakoff señala: Modern attempts to make objetivism work assume that rational thought consists of the manipulation of abstract symbols and that these symbols get their meaning via a correspondence with the world, objectively construed, that is, independent of the understanding of any organism. A collection of symbols placed in correspondence with an objectively structured world is viewed as a representation of reality. On the objetivist view, all rational thought involves the manipulation of abstract symbols which are given meaning only via correspondences with things in the external world (1987b: xii).

Este autor manifiesta, por tanto, que el enfoque tradicional es erróneo por una variedad de razones, entre las que destaca que las teorías objetivistas carecen del concepto de motivación.

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Para la teoría cognitiva las metáforas conceptuales se fundamentan y están motivadas por la experiencia humana.

Experimentamos la conexión entre dos dominios y esto justifica que los asociemos conceptualmente. Por ejemplo, si experimentamos el enfado con el calor corporal, justificaremos la existencia de la metáfora “EL ENFADO ES CALOR CORPORAL”2. Las experiencias en las que se fundamentan las metáforas no son sólo corporales, sino también biológicas, culturales, cognitivas y de percepción.

Podríamos decir que la motivación proporciona el estímulo para la creación de metáforas. Además de ésta, se necesitan otros recursos (como la riqueza de la experiencia o la amplitud de vocabulario) que dependen del hablante. Esto explica por qué unos tienen más facilidad que otros a la hora de crearlas, lo que en términos de Danesi (1993: 493) se conoce como “competencia metafórica”: the programming of discourse in metaphorical ways is a basic feature of native-speaker competence. It underlies what I have designated conceptual fluency. As a “competence”, it can be thought about pedagogically in ways that are parallel to the other competencies that SLT has traditionally focused on (grammatical and communicative).

Por ello, a veces, pueden darse diferentes interpretaciones de una metáfora según el hablante. Por ejemplo, si decimos “la vida es un juego”, una persona puede considerarse partícipe de ese juego, otra espectador, una tercera puede verlo como algo positivo, fácil de seguir, e incluso, alguna otra puede estimarlo negativo, reglas que hay que cumplir y tener en cuenta en la vida.

Retomando la crítica hacia los objetivistas, contra los que Lakoff y Johnson defienden continuamente su propio punto de vista, Johnson considera indispensable tener en cuenta que el significado es “para” las personas: “... linguistic meaning consists of the use of words by a person or a community to mean something for that community” (Johnson, 1987: 177). La estructuración de los conceptos que poseemos surge directamente de la estructura de nuestra experiencia preconceptual: “Conceptual structure takes its form in part from the nature of

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preconceptual structures” (Lakoff, 1987: 267). Johnson (1987: 267) asegura que existen, al menos, dos tipos de estructuras en nuestras experiencias preconceptuales: 1. Estructuras de nivel básico: se definen como resultado de nuestras capacidades perceptivas y de movimiento corporal y sirven para formar imágenes mentales.

2. Estructuras esquemáticas mentales: son estructuras relativamente simples recurrentes en nuestra experiencia corporal diaria (recipientes, trayectos, conexiones, fuerza, equilibrio) y estructuras que implican varios tipos de orientaciones y relaciones (arriba-abajo, delante-detrás, parte-todo, centro-periferia, etc.)

De estas dos estructuras – las de nivel básico y las de esquemas de imágenes– emerge el razonamiento abstracto que para Johnson (1987: 275) consta de dos aspectos: (a) razonamiento basado en la experiencia corporal, y (b) proyecciones metafóricas de dominios concretos a dominios abstractos.

Estas estructuras están presentes en nuestra experiencia corporal diaria, pues tenemos una orientación vertical, concebimos nuestro cuerpo como un todo con partes y como un recipiente, tenemos una capacidad cinética, etc.

A continuación nos detenemos en los esquemas de imagen, punto en el que centraremos nuestro estudio.

3. ESQUEMAS DE IMAGEN Johnson (1987: 79) los describe como estructuras recurrentes en nuestras interacciones perceptivas, experiencias corporales y operaciones cognitivas. Según este autor (1987: 41), los esquemas de imágenes forman gestalts3: “I shall emphasize their gestalt characteristics, that is, their nature as coherent, meaningful, unified wholes within our experience and cognition”.

Lakoff y Turner (1989: 99) indican que debemos distinguir las metáforas de imágenes de las metáforas de esquemas de imagen:

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It is important to distinguish image metaphors from image-schema metaphors. Image-metaphors map rich mental images onto other rich mental images. They are one-shot metaphors, relating one rich image with one other rich image. Image-schemas, as their names suggests, are not rich mental images; they are instead very general structures, like bounded regions, paths, centers (as opposed to peripheries), and so on. The spatial senses of prepositions tend to be defined in terms of image-schemas (e.g., in, out, to, from, along, and so on).

Cuando André Breton escribe en “Free Union”: “My wife…whose waist is an hourglass” (en Lakoff y Turner, 1989:93), en seguida nos viene a la mente la imagen suscitada por dicha expresión. Ésta es claramente una metáfora de imagen sencilla y convencional por la similitud de la forma existente entre la cintura de la mujer y el reloj de arena4.

Un ejemplo de metáfora de esquema de imagen es “FELIZ ES que da sentido a expresiones inglesas como “I´m feeling up/ down today”; “He´s in high/ low spirits” o españolas tales como “Tengo el ánimo por los suelos”; “Después de la muerte de su marido, no consiguió levantar cabeza”. Cuando uno está triste o deprimido tiende a estar tumbado, frente a la energía de una persona alegre que se manifiesta en actividad y, por tanto, en una postura erguida o con una proyección hacia arriba. Pongamos por ejemplo las expresiones inglesas “to be on cloud nine” y “to be in seventh heaven”, que traduciríamos como “estar en el séptimo cielo” y “estar en la gloria” respectivamente.

ARRIBA/ TRISTE ES ABAJO”,

Resulta curioso que en chino la felicidad se conceptualiza con la imagen de flores en el corazón. Según Ning Yu (1995), en su estudio contrastivo inglés americano-chino, tal conceptualización muestra el carácter más introvertido de la cultura china comparada con la americana, en la que estar feliz es estar en el aire (“BEING HAPPY IS BEING OFF THE GROUND”).

En la expresión inglesa “He is a bit down in the mouth”, que traduciríamos como “está un poquito alicaído”, también podemos observar que un estado emotivo triste se refleja en una orientación

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corporal hacia abajo. En este ejemplo la orientación corporal descendente se focaliza en “la boca” pues ésta se proyecta hacia abajo cuando estamos tristes frente a su orientación hacia arriba cuando estamos contentos, estado anímico reflejado en la sonrisa.

Para Johnson (1987: xv) las metáforas se fundamentan en nuestra experiencia corporal con el mundo, experiencia que traducimos en esquemas básicos. Él define un esquema como: A recurrent pattern, shape, and regularity in, or of, [our] ongoing ordering activities. These patterns emerge as meaningful structures for us chiefly at the level of our bodily movements through space, our manipulation of objects and our personal interactions (1987: 29).

Este autor ofrece una lista de los esquemas que estima dominantes (1987: 126): CONTAINER BLOCKAGE ENABLEMENT PATH CYCLE PART-WHOLE FULL-EMPTY ITERATION SURFACE

BALANCE COUNTERFORCE ATTRACTION LINK NEAR-FAR MERGING MATCHING CONTACT OBJECT

COMPULSION RESTRAIN REMOVAL MASS-COUNT CENTRE-PERIPHERY SCALE SPLITTING SUPERIMPOSITION PROCESS COLLECTION

Algunos de ellos son más sencillos que otros. Si consideramos el esquema “recipiente”, podemos constatar que es más complejo, debido a que implica contenidos, la posibilidad de cuantificarlos (lleno-vacío), orientación (fuera-dentro), elementos centrales y periféricos, en comparación con el esquema “contacto”, por ejemplo, más simple en su estructura.

Lakoff (1987: 273) afirma que el esquema “recipiente” adquiere significado gracias a la experiencia corporal con nuestro entorno y es significativo, pues estructura nuestra experiencia.

Experimentamos constantemente la sensación de estar rodeados,

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salimos y entramos de habitaciones, vehículos y toda clase de espacios limitados y también manipulamos objetos, metiéndolos y sacándolos de recipientes (Johnson, 1987: 21).

A veces puede darse la combinación de varios de ellos, es decir, una expresión metafórica puede recoger varias ideas, como ejemplificaremos más adelante.

Johnson (1987: 126) señala que esa lista no está cerrada: “As a matter of fact, the number of various image schemata may not be fixed”. Autores como Krzeszowski (1993), Pauwels y SimonVandenbergen (1993, 1995) y Peña (2002) proponen clasificaciones alternativas. Por ejemplo, Pauwels y Simon-Vandenbergen (1995: 67) piensan que es necesario incluir el esquema “control” que Johnson (1987: 126) no menciona. Su presencia o ausencia puede ser relevante a la hora de determinar juicios de valor. Para estos autores existen tres tipos de control en general (1995:55): 1. Control sobre uno mismo, considerado típicamente positivo.

2. Control sobre otros, considerado normalmente negativo.

3. Control sobre nuestro entorno, también valorado positivamente.

Según ellos, este esquema es básico, ya que opera tanto cuando está presente como cuando está ausente, como en “mouthpiece: portavoz”, donde no existe control por parte del hablante, dado que él es sólo el canal a través del que pasa la información.

No estamos completamente de acuerdo con la clasificación de estos autores, sobre todo en lo que concierne al punto 1. Citemos como ejemplo la expresión inglesa “To keep a stiff upper lip”, que traduciríamos como “guardar la compostura, no inmutarse”. Se centra en la idea de control sobre uno mismo, y pensamos que tiene una connotación negativa, ya que es el entorno social el que obliga a comportarse de una forma determinada, de ahí el uso del adjetivo “stiff”, que podríamos oponer a una forma más natural y relajada de comportamiento o actitud. Este ejemplo muestra la influencia que la cultura ejerce sobre el comportamiento humano.

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De este aspecto se deriva que la falta de control sobre uno mismo se considere negativa, como en la expresión “To shoot one´s mouth off: irse de la lengua”, en la que la boca se concibe como un arma, que constituye el dominio fuente. El dominio meta es el habla.

Una persona debe controlar los objetos y no disparar un arma cuando no es conveniente. De manera semejante, una persona debe controlar lo que dice. Así pues, la carencia de control se valora negativamente.

Este ejemplo es interesante pues se da una interacción entre metonimia y metáfora; concretamente, nos hallamos ante lo que Goossens (1995) ha denominado “metonimia dentro de una metáfora”.

Kövecses (2002: 160) explica: We can call this case “metonymy within metaphor.” A metaphor incorporates a metonymy within the same linguistic expression. (…) First, we have a metaphorical reading in which a source domain item, the gun, is mapped onto the target domain, speech, more precisely, onto the organ of speech, the mouth. In this way, the foolish use of a firearm is mapped onto the foolish talk.

“Buried” in this metaphor, so to speak, is a metonymy; namely, the mouth standing for the faculty of speech.

Thus, we have the case of metonymy within metaphor.

A su vez, Ruiz de Mendoza (1999: 15-16) ofrece una descripción detallada del modelo cognitivo de control, que consta de cuatro partes: (a)Una persona controla una entidad o un conjunto de entidades cuando dicha persona puede determinar la conducta de la mencionada entidad o entidades. (b)Una persona controla un estado de cosas cuando puede determinar la existencia de dicho estado de cosas. (c)El control que una persona tenga, sobre una entidad o conjunto de entidades, aumenta o disminuye de acuerdo con la ausencia o presencia respectivamente de barreras físicas entre la persona y dicha entidad o conjunto de entidades; en este sentido, la distancia se puede entender como un impedimento o barrera física. (d)El control máximo de una entidad, conjunto de entidades o

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estado de cosas es normalmente deseable. El control mínimo no es normalmente deseable.

La carencia de control se relaciona con la parte (c) del modelo.

Según Ruiz de Mendoza (1999:16), la parte (d): actúa como corolario del modelo evaluándolo sobre una base que podemos considerar experiencial y que tiene que ver con situaciones en que las personas sienten que la falta de control (por causas diversas como son la pérdida de equilibrio, la inconsciencia, la locura, la borrachera, y otras) las perjudica.

A continuación tratamos las estructuras más complejas, los modelos cognitivos idealizados.

4. MODELOS COGNITIVOS IDEALIZADOS El núcleo de la teoría cognitiva de Lakoff son sus “modelos cognitivos idealizados” (MCIs en lo sucesivo), estructuras a través de las cuales organizamos nuestro conocimiento. Éstos están corporeizados directamente respecto a su contenido y uso, estructuran nuestro pensamiento y se utilizan para formar categorías (1987: 13).

La noción de MCI no es completamente novedosa. Está relacionada con diferentes propuestas de representación del conocimiento provenientes del área de la Inteligencia Artificial. De hecho, términos tales como frame (“marco”) de Fillmore (1982, 1985), domain (“dominio”) de Langacker (1987), o script (“guión”) de Shank y Abelson (1977), se utilizan en Gramática Cognitiva y en Inteligencia Artificial para referirse a constructos de carácter similar.

Lakoff se sirve de un famoso ejemplo de Fillmore (1982) “bachelor” para ilustrar cómo puede funcionar un MCI: In other words, bachelor is defined with respect to an ICM in which there is a human society with (typically) monogamous marriage, and a typical marriageable age.

The idealized model says nothing about the existence

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of priests, “long term unmarried couplings”, homosexuality, Moslems who are permitted four wives and have only three, etc. With respect to this idealized cognitive model, a bachelor is simply an unmarried adult man (1987: 70).

Este autor (1987: 68, 113-114) propone cuatro tipos de MCIs: 1. Modelos proposicionales: Estos especifican elementos, sus propiedades y las relaciones entre ellos. Por ejemplo, un modelo proposicional que caracterice nuestro conocimiento sobre los tiburones incluye la información de que éstos son peligrosos. Para Lakoff estos modelos equivalen a los marcos de Fillmore (1985). La noción fillmoriana de frame es a su vez deudora de los métodos de representación del conocimiento de Minsky (1975) y Rumelhart (1975), en donde un marco o esquema es una red de conexiones entre nodos representativos de categorías conceptuales, y las propiedades de una cierta categoría dependen de factores tales como su rol en el esquema, su relación con otros nodos del esquema o la relación del esquema con otros esquemas.

2. Esquemas de imágenes: Son imágenes esquematizadas o conceptos espaciales (tales como la noción de trayectoria, la de forma o la de recipiente) y orientacionales (como dentrofuera, arriba-abajo, cerca-lejos, delante-detrás, etc.). La mayoría de éstos son bipolares y bivalentes. Si comparamos las expresiones: “hoy tengo la moral por los suelos” con “ha llegado muy alto”, podemos colegir que el término “arriba” tiene connotaciones positivas, mientras que “abajo” negativas (cf. Apartado 3).

3. Modelos metafóricos: Constituyen proyecciones entre un modelo proposicional o un esquema de imagen en un dominio y una estructura del mismo orden en otro dominio.

Por ejemplo, la expresión peyorativa “Javier es un perro” implica nuestro conocimiento sobre Javier y el significado que el vocablo “perro” tiene en nuestra cultura, sinónimo de perezoso. Este ejemplo resulta interesante si lo comparamos con el significado de esta palabra en otras lenguas. En inglés, si decimos “John is a dog”, significa que John es feo. En

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italiano, “Giovanni è un cane” significa que es cruel, o si Giovanni es un cantante significaría que es un cantante pésimo. Podemos comprobar cómo la cultura es fundamental a la hora de entender ciertas expresiones metafóricas. Todas tienen en común, no obstante, una connotación negativa que se extiende a otros ámbitos, como al tiempo: en inglés, “It is raining cats and dogs”; en italiano, “Fa un tempo da cane”; en español, “Hace un tiempo de perros”.

4. Modelos metonímicos: Se trata de proyecciones internas a un dominio dadas en modelos que representan una estructura de parte-todo, en los que se establece una proyección tal que la parte representa al todo. Así se puede observar en la expresión “Manos a la obra”, en la que el significado de “manos” hace referencia a “personas”.

En contraposición con las categorías clásicas abstractas, estos modelos cognitivos, que adquirimos principalmente a través de nuestra experiencia y a través de nuestra cultura, se derivan de nuestras interacciones diarias con el mundo.

Una vez vistos los cuatro tipos, nos centraremos en los esquemas de imágenes.

5. CORPUS Como señalamos en la introducción, la experiencia más básica de todo ser humano es probablemente la percepción de su cuerpo, pues somos plenamente conscientes de sus partes, de las funciones que éstas desempeñan, de su posición respecto al mundo exterior, etc.

El cuerpo constituye lo esencial de nuestro ser y a través de él nos comunicamos e interaccionamos con ese mundo. La experiencia corporal actúa como un modelo que nos sirve para conceptualizar fenómenos abstractos a partir de elementos concretos, lo que se denomina “correlación con la experiencia”. Este “cuerpo en la mente”, como ha denominado Johnson (1987) da lugar a una serie de esquemas de imagen tales como DENTRO, FUERA, ARRIBA o ABAJO. Los esquemas son estructuras generales, que surgen motivadas por nuestra experiencia corporal, esto es, por los movimientos corporales, por la

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manipulación de objetos y por las interacciones de percepción. A continuación analizaremos los más recurrentes en nuestro corpus de ejemplos, tomados de diccionarios y otras obras lexicográficas.

5.1. Esquema del recipiente Como señalamos en la sección 3, algunos esquemas de imagen son más complejos que otros. Concretamente el esquema “recipiente” implica contenidos, la posibilidad de cuantificarlos (lleno-vacío), orientación (fuera-dentro), elementos centrales y periféricos, etc.

El corazón como recipiente de emociones puede abrirse o cerrarse. Si ese recipiente está abierto, el hablante da rienda suelta a sus emociones; si está cerrado se produce el efecto contrario. Por tanto, podríamos incluir también el esquema “abierto-cerrado” que Johnson (1987: 126) no menciona en su lista. Ejemplos de este esquema son las expresiones alemana “Jemandem sein Herz öffnen” y la inglesa “To open one´s heart to somebody” que a su vez están relacionadas con el esquema orientacional “dentro-fuera”, pues al expresar sus sentimientos una persona abre su corazón y éstos salen de él. El corazón puede abrirse para expresar preocupación o culpa, sentimientos que desaparecen si uno se desahoga, contando o confesando algo, como en la expresiones inglesas “to get something off one´s chest” y “to make a clean breast of something” (en ambas “chest” y “breast” representan metonímicamente a “heart”). En la primera se combinan los esquemas “trayecto” y “fuerza”. El agente era víctima de una fuerza opresiva de la que logra deshacerse. Haciendo esto recupera su bienestar. Johnson la clasificaría como un ejemplo de “equilibrio” y, específicamente, como liberación de una presión. Para este lingüista el esquema “equilibrio” supone fuerzas simétricas que actúan respecto a un punto o eje (1987: 85). La falta de equilibrio se considera negativa y la presencia, en cambio, positiva (Krzeszowski 1993: 320). El esquema “fuerza” está presente en la interacción con nuestro entorno. En circunstancias normales, la conciencia de esa fuerza es muy débil, porque la damos por supuesta, y sólo la percibimos cuando es extraordinariamente fuerte o cuando no está equilibrada por otras fuerzas (Johnson, 1987: 42).

En la segunda, “to make a clean breast of something”, la idea tradicional de que los pecados, las mentiras, etc. contaminan nuestro

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espíritu, producen malestar, desequilibran a una persona y, como resultado, oprimen el pecho, puede explicar esa expresión, pues al decir la verdad “se limpia el pecho” y se recobra el equilibrio.

La presión interna dentro del recipiente puede provocar su ruptura y el desbordamiento del contenido. Del mismo modo, la intensidad emocional puede provocar la pérdida de control emocional.

Teniendo esto en cuenta, podemos entender la proyección existente en la metáfora “LA EMOCIÓN ES UN FLUIDO EN UN RECIPIENTE” (Clasificación de Ungerer y Schmid, 1996: 140). Es decir, cuando la presión interna dentro del recipiente es muy alta, ocasionada por el exceso de emoción, el recipiente puede explotar, como en “I thought my heart was going to burst: creí que iba a estallarme el corazón”, o derramarse su contenido, como en “to pour one´s heart out”, que traduciríamos como “desahogarse”. Aquí el estado emotivo de tristeza se conceptualiza como desbordamiento de un líquido, asociado a la abundancia de lágrimas. Ésta es similar a la expresión alemana “Seinem Herzen Luft machen”, en la que no se llega al extremo de desbordamiento, pues las emociones se liberan antes de que esto ocurra. En alemán también encontramos las expresiones “Sein Herz ausschütten” y “Sein Herz erleichtern”, que también significan “desahogarse”. En la primera ocurre lo mismo que con la mencionada justamente antes. “Ausschütten” significa “vaciar”, por tanto hay demasiada carga emotiva que la persona tiene que liberar. El recipiente se conceptualiza como si estuviera lleno hasta el tope y es necesario vaciarlo para evitar su derramamiento. La segunda está motivada por la metáfora “LA PENA ES UN PESO” (“BURDEN IS WEIGHT”). “Erleichtern” significa “aligerar o disminuir”, y a través de nuestra experiencia corporal deducimos que la carga o el peso es algo de lo que queremos desprendernos por el malestar que ocasiona. Otra expresión alemana, en este caso hiperbólica, es “Mir ist ein Stein vom Herzen gefallen!” (literalmente: “Se me ha caído una piedra del corazón”), que traduciríamos como “me he quitado un peso de encima”. Trataremos este aspecto con más detenimiento en el punto 5.4.

Retomando la metáfora que comentamos más arriba, “LA queremos añadir que el hecho de que ese recipiente esté lleno no tiene siempre connotaciones negativas. Prueba de ello es el esquema bipolar “lleno-vacío” en EMOCIÓN ES UN FLUIDO EN UN RECIPIENTE”,

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relación con el corazón, pues un corazón “lleno” se asocia con un corazón lleno de sentimientos positivos, como en “That filled my heart (with joy): me llenó el corazón de alegría”, mientras que “vacío” se considera negativo5, carente de esos sentimientos positivos: “Her heart is empty: su corazón está vacío”.

Existen otros esquemas bipolares, tales como los de “partetodo”, “arriba-abajo”, “centro-periferia”, etc. que están estructurados en base a una connotación positiva-negativa, como mostramos en los siguientes apartados.

5.2. Esquema “parte-todo” Este esquema está relacionado con la experiencia corporal del cuerpo como un todo que consta de partes. Entendemos “todo” como positivo, pues no carece de ninguna parte, como podemos constatar a continuación: Ing. With my whole heart I wish him well.

Al. Ich hoffe mit ganzem Herzen, dass es ihm gut geht.

Igualmente podemos observarlo en la expresión “Ser todo corazón”, con su equivalencia en inglés: “To be all heart”. En alemán se diría “grossherzig sein”. Mientras que el español y el inglés lo conceptualizan como “todo”, el alemán lo hace como “grande”. “Todo” se conceptualiza como algo positivo, mientras que “parte” como negativo o incompleto, como muestran las siguientes expresiones, en las que sólo la mitad del corazón está presente, por lo que se deduce la falta de interés o ilusión: Ing. “They seem very halfhearted about the plan: no parecen estar muy entusiasmados con el plan”.

Al. “Halbherzig/ mit halbem Herzen: sin gran entusiasmo”.

5.3. Esquema “centro-periferia” Este esquema se fundamenta igualmente en nuestra experiencia del cuerpo constituido por partes, de las cuales algunas

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son centrales y otras periféricas. Las centrales son el tronco y varios órganos internos; las periféricas son secundarias, pues no desempeñan una función tan relevante en el cuerpo, como los miembros, los dedos, las orejas, etc. Podríamos decir que éstas son partes de las que se podría prescindir. Las otras, en cambio, son vitales para la supervivencia.

En base a la connotación negativa-positiva, la metáfora “EL utilizada para conceptualizar la parte más importante o la que destaca por algún motivo, revela las connotaciones positivas que se derivan de “centro” frente a “periferia”. La situación del corazón en el pecho y, por tanto, en el centro del cuerpo, además de su función vital para la supervivencia humana, hace que nos refiramos a un lugar que consideramos céntrico como su “corazón”, sobre todo si ese lugar es muy importante o tiene mucha actividad. Encontramos una equivalencia exacta en inglés y alemán en lo que se refiere a la conceptualización del corazón como núcleo o centro, por ejemplo: CORAZÓN ES EL NúCLEO O CENTRO DE ALGO”,

Ing. The heart of the city Al. Das Herz der Stadt También se denomina corazón al centro o cogollo de determinados frutos, como los “corazones de alcachofas”: Ing. Artichoke hearts.

Al. Artischockenherzen.

5.4. Esquema de “peso” El esquema de “peso”, estructurado también en base a connotaciones positivas-negativas, no se incluye en la lista de Johnson (como ya apuntamos, Johnson (1987: 126) subraya que la lista no está cerrada). Este esquema está a su vez relacionado con la metáfora “LA PENA ES UNA CARGA”. Nuestra experiencia corporal nos dice que el peso es algo incómodo, que produce malestar y del que queremos liberarnos.

La sensación física de alivio producida por la descarga de un objeto pesado que ocasiona malestar está metafóricamente asociada al alivio emocional.

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A su vez, podemos relacionar el esquema de “peso” con la metáfora de esquema de imagen orientacional “FELIZ ES ARRIBA/ TRISTE ES ABAJO”, que señalamos en el apartado 3. Allí explicamos que cuando una persona está triste o deprimida tiende a estar tumbada. Esto se opone a una postura erguida, sinónimo de actividad, que corresponde a la energía de una persona alegre. De ahí que se asocie la ligereza o la pesadez con la felicidad o la tristeza, respectivamente. Esta metáfora da sentido a expresiones como la inglesa “downhearted: desanimado o desmoralizado”; o las españolas “estar de bajón o de bajona, “tener el ánimo por los suelos”, que podemos oponer a la coloquial “tener un subidón”, por citar algunos ejemplos.

La manifestación lingüística de esta metáfora con el esquema de “peso” se da tanto en inglés como en alemán. La experiencia corporal es la misma (algo pesado es algo molesto). Encontramos una equivalencia exacta en inglés y alemán en las siguientes expresiones: Ing. Heavyhearted/ with a heavy heart Al. Schweren Herzens/ mit schwerem Herzen En español las traduciríamos como “abatido, acongojado, triste, desanimado o descorazonado”. Lo contrario sería “estar contento, alegre, de buen humor”: Ing. Lighthearted/ with a light heart Al. Leichten Herzens En inglés puede usarse también de forma adverbial: “Lightheartedly/ with a light heart”.

Por tanto podemos establecer la metáfora “UNA PERSONA ALEGRE El fundamento experiencial es evidente, pues sabemos que lo ligero tiende hacia arriba, mientras que lo pesado tiende hacia abajo.

ES UNA PERSONA LIGERA DE PESO”.

6. CONCLUSIONES En este trabajo hemos constatado cómo conceptualizamos la realidad mediante una terminología corporal utilizando un conjunto

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de metáforas y esquemas de imagen (la tristeza como una proyección hacia abajo, la experiencia de soportar un peso, rellenar un recipiente, etc.), que se fundamentan en nuestra experiencia corporal y en nuestro conocimiento convencional y social.

Podríamos decir que la metáfora constituye estructuras de sistemas conceptuales convencionalizados. Esta figura permite la articulación de ideas nuevas y facilita la comprensión de conceptos.

No se trata de un mero recurso retórico, sino que, por el contrario, es una compleja proyección de nuestro conocimiento de un dominio de nuestra experiencia a otro diferente, y normalmente esta proyección se llevan a cabo de forma inconsciente y sin esfuerzo.

Muchos de los esquemas de imágenes derivan de los aspectos más básicos del propio cuerpo, tales como sus distintas partes que constituyen el todo del cuerpo humano, la parte frontal opuesta a la trasera en lo que respecta a la interacción con el mundo, la de arriba en contraposición a la de abajo, que fundamenta nuestro equilibrio en el campo gravitacional y la idea de recipiente que separa su interior del exterior. Por esta razón, se puede afirmar que estos esquemas constituyen estructuras cognitivas prelingüísticas universales. Las proyecciones esquemáticas más recurrentes de las metáforas analizadas son las siguientes: - El esquema del cuerpo como recipiente.

- El esquema orientacional arriba/ abajo.

- El esquema espacial dentro/ fuera.

- El esquema lleno/ vacío.

- El esquema parte/ todo - El esquema central/ periférico.

- El esquema de peso.

Una de las extensiones metafóricas de significado más comunes en lo que respecta al cuerpo humano es la orientación espacial. Si tenemos en cuenta sus características: la cabeza arriba de los hombros, los brazos a los lados del cuerpo, las piernas, extremidades inferiores, etc., podemos emplearlo como punto de referencia cuando hablamos acerca del mundo que nos rodea y podemos reflejar la estructura de un sistema abstracto complejo en la estructura física del cuerpo

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humano. Esta conceptualización está presidida por la idea de jerarquía y es común en todas las lenguas.

Hay además ciertos rasgos que podemos denominar universales, pues todos los cuerpos tienen la misma estructura. El significado está “corporeizado” en gran medida en todas las culturas y por ello existen una serie de conceptos espaciales básicos a través de los cuales nos comunicamos y damos sentido a lo que nos rodea: “arriba-abajo”, “delante-detrás”, “fuera-dentro”, etc. Todos éstos, en diferentes grados, constituyen la base de las estructuras semánticas de todas las lenguas (Lakoff, 1990, 1994). Las similitudes en las proyecciones interculturales podrían atribuirse a lo que Emanatian (1995: 165) denomina “pancultural metaphorical expression”, que en su opinión deriva de una “panhuman sharedness of basic experience”.

Otro dominio meta importante en el corpus analizado lo constituye el campo de las emociones, pues la metáfora se convierte un instrumento esencial a la hora de expresarlas. Una función importante del lenguaje metafórico es su utilidad para denominar lo que sería difícil si sólo hiciéramos uso de un lenguaje literal. Así pues, definimos lo abstracto (conceptos menos definidos y difusos) en términos de lo concreto (conceptos directamente perceptibles).

Conceptos como el amor, la ira o el enfado, la felicidad, el miedo, la vergüenza, etc. se entienden principalmente a través de metáforas conceptuales. Éstas se manifiestan a través de los signos lingüísticos, es decir, la lengua acuña o expresa sígnicamente los estados emocionales a través de las extensiones de significado de los sentidos figurados.

El cuerpo es un recipiente de las emociones. Por ello, dominios abstractos como las emociones normalmente se corresponden con cambios fisiológicos en el cuerpo. Por ejemplo, el enfado se corresponde con un aumento de la temperatura corporal, de la presión arterial y otros síntomas nerviosos. El cambio de ritmo cardiaco es igualmente sintomático de la intensidad de la emoción, pues a mayor intensidad, mayor ritmo cardiaco. El concepto de modelo cognitivo idealizado se entiende como una estructura compleja que puede componerse de varias metáforas que pueden estar relacionadas y

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pueden constituir teorías populares sobre determinados campos abstractos.

NOTAS Cf. Johnson (1981) sobre el interés que esta figura suscitó en la segunda mitad del siglo XX. 2 Ésta ha sido una de las emociones más estudiadas en la investigación cognitiva (Lakoff y Kövecses, 1987; Barcelona, 1989; King, 1989; Munro, 1991; Kövecses 1995, 1995b, 2000; Yu, 1995; Matsuki, 1995; Taylor y Mbense, 1998; Mikolajczuk, 1998; Soriano, 2003) e incluso ha inspirado experimentos psicolingüísticos (Gibbs, 1990, 1994).

3 Lakoff (1977); Lakoff y Johnson (1980) y Johnson (1987) se refieren continuamente al concepto de gestalt o gestalt experiencial.

4 El español emplea, en cambio, la imagen de la guitarra o el ánfora.

5 Lo mismo podemos observar en la metáfora “LA MENTE ES UN RECIPIENTE”. Si la está llena, por ejemplo de ideas, se considera algo positivo, mientras que si está vacía lo estimamos negativo.

No obstante, debemos mencionar que a veces esa connotación negativa o positiva puede variar, dependiendo de lo que esté llena, por ejemplo en “Tiene la cabeza llena de pajaritos” o “Tiene la cabeza llena de serrín”.

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Isabel Negro Alousque A Semantic and Pragmatic Analysis of English Colour Idioms

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A SEMANTIC AND PRAGMATIC ANALYSIS OF ENGLISH COLOUR IDIOMS* Isabel Negro Alousque Universidad Complutense inegro@ccee.ucm.es / isana@ono.com Idioms have been vastly researched in the last years from various perspectives (psychological, cognitive and linguistic). The present contribution sets out to explore the semantic and pragmatic dimensions of idiomatic expressions through the analysis of a small corpus of colour idioms in the English language. First, we will examine the motivation underlying idioms.

Colour words are frequently used to mean something other than a sensory property. They have developed figurative meanings grounded on conceptual structure or on culture. Secondly, we will discuss the usage of idioms with data drawn from The Times. Our ultimate aim is to demonstrate that the use of idioms in context shows their communicative purpose, as is shown through their occurrence in headlines and through idiom modification and creation. Our focus will be on the effect of idiomatic variation on the semantic motivation of idioms.

Keywords: Idiom, motivation, metaphor, metonymy, variation.

Las expresiones idiomáticas han sido objeto de estudio en los últimos años desde diversas perspectivas (psicológica, cognitiva y lingüística). El objetivo del presente artículo es analizar las dimensiones semántica y pragmática de los idiomatismos a través del estudio de un pequeño corpus de fraseologismos de color en inglés.

Analizaremos primeramente la motivación subyacente a las expresiones. En este sentido, los términos de color no poseen siempre un significado asociado a una propiedad *

Fecha de recepción: Marzo 2011

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sensorial, sino que tienen un sentido figurado basado en la estructura conceptual o culturalmente específico.

Posteriormente abordaremos el uso de las expresiones idiomáticas con ejemplos extraídos de The Times. El objetivo último es demostrar que el uso contextualizado de los idiomatismos revela su función comunicativa tal como se refleja en su presencia en titulares de prensa y en la variación y creación idiomáticas. Nos centraremos en los efectos de la variación idiomática en la motivación semántica de los idiomatismos.

Palabras clave: Expresión idiomática, motivación, metáfora, metonimia, variación.

1. INTRODUCTION Figurative language has been vastly researched in recent years (Gibbs 1989; Moon 1998; Dobrovol’skij and Piirainen 2005, among others). Among the various classes of figurative expressions, idioms have attracted much attention. Idioms are to be understood as syntactically and lexically fixed multi-word units whose meaning it is often difficult or impossible to retrieve from their components.

Research into idioms has addressed a wide range of issues, ranging from the metaphoric motivation of idioms (Lakoff 1987, 2006; Lakoff and Johnson, 1980; Gibbs and Steen 1999; Kövecses 2000, 2006; Langlotz 2006; Boers and Stengers 2008) to cross-linguistic idiom description (Awwad 1990; Dobrovol’skij 1992, 2000; Corpas 2000; Dobrovol’skij and Piirainen 2005).

Studies on colour idioms (Derrig 1978; Bennett 1988; Sweetser 1990; Wierzbicka 1990; Luque 2001; Trim 2007) have focused on the semantic expansion of colour terms. This article attempts to provide an explanation for this semantic extension by examining the different types of motivation underlying colour idioms in English.

The motivation of idioms has already been the subject of linguistic research (Tristá 1988; Corpas 2003; Dobrovol’skij and

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Piirainen 2005), the bulk of it being undertaken from a cognitivesemantics perspective (Lakoff and Johnson 1999; Langlotz 2006; Boers and Stengers 2008).

This paper provides a semantic and pragmatic account of English colour idioms through the analysis of a dictionary-based corpus containing 27 idioms drawn from two dictionaries, the Oxford Idioms Dictionary (2010) and the Cambridge International Dictionary of English Idioms (2007): · BLACK: give somebody a black look, in black and white, be in the black, black list, black spot, get a black mark, black humour, black day, black market, black sheep. · WHITE: be white with fear, be white with anger, white sale, white lie. · RED: see red, red with anger, red light district, red tape, roll out the red carpet, give someone a red carpet treatment, be in the red, red herring, red-letter day. · BLUE: have/take/fall into a blue fit, feel blue. · GREEN: have green fingers. · GREY: grey matter.

2. SEMANTIC ANALYSIS OF ENGLISH COLOUR IDIOMS The background of our analysis is the assumption that many idioms are motivated (or semantically transparent) in the sense that the conceptual links between the actual meaning and the image component are immediately comprehensible (Dobrovol’skij 2005).

This claim has led us to discard semantically-opaque colour idioms, e.g.‘talk a blue streak’, ‘white knight’, ‘once in a blue moon’, ‘white knight’, ‘be green around the gills’, ‘red-blooded man’.

As mentioned earlier, the motivation of idioms has been approached from a cognitive perspective. In this light, Lakoff (1987), Langlotz (1996) and Dobrovol’skij and Piirainen’s (2005) have put forward different models of idiom motivation. While Lakoff and Langlotz discuss the motivation of idioms on the basis of conceptual metaphor, Dobrovol’skij and Piirainen’s (2005: 87) suggest two types

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of motivation: iconic and symbolic. Iconically-motivated idioms can be described either on the level of the underlying conceptual metaphor/metonymy or on the basis of the imagery evoked by the lexical structure of the expression. In contrast, symbolically-motivated idioms are dependent on symbolic knowledge, i.e. cultural knowledge about the symbolic value of concepts. In this sense, the latter can be regarded as a category of culturally-based idioms. This leads us to postulate that the idiomatic character of many English colour idioms can be explained in terms of their metaphoric or cultural foundations.

As a matter of fact, the analysis of our corpus reveals that the idioms are either motivated by cognitive mechanisms such as metaphor and metonymy or draw on cultural knowledge.

The links between the literal reading and the actual meaning of several idioms are provided by a conceptual metaphor or metonymy.

Metaphor is a conceptual mapping (a set of correspondences) between two domains that involves understanding the elements and structure of one domain (the target) in terms of the elements and structure of another domain (the source). Metonymy is also defined as a conceptual mapping, but it differs from metaphor in two ways: first, the mapping takes place within a conceptual domain; second, in metonymy the source stands for the target.

Several studies have investigated the metaphoric basis of idioms. Sweetser (1990), for example, has explained the figurative meaning of colour idioms in terms of metaphorical extension.

Cognitive theory (Lakoff and Johnson 1980; Lakoff 1987; Gibbs 1989) has highlighted the role of conceptual metaphor in the construction of the idiomatic meaning of many expressions. As Langlotz (2006: 53) remarks, “conceptual metaphor is an important basis for the semantic structuring of idioms”.

The conceptual metaphors underlying colour idioms capture an emotion. In line with this, Trim (2007: 124) claims that the sensory properties of colours produce “emotion resonances”. Thus, Iñesta and Pamies (2002) postulate the metaphors FEAR IS A CHANGE OF COLOUR and ANGER IS A CHANGE OF COLOUR. The former would come into view in the idiom ‘be white with fear’, whereas the latter would be instantiated by various idioms: be white with anger,

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have/take/fall into a blue fit, see red, red with anger.

Nonetheless, the view of negative emotions as changes of colour does not account for the choice of colour terms to express those emotions. An alternative explanation has been provided by Kövecses (2000). He shows that the physiological reactions accompanying emotions are metonymically related to these emotions, the visible sign of the emotion standing for the emotion. Thus, when somebody is frightened, their veins constrict and they turn white. This explains the association between the white colour and fear.

The same kind of motivating link is found in the idioms for anger. When somebody is angry, their veins dilate and the person turns red (‘see red’) or blue (‘have/take/fall into a blue fit’).

A few idioms instantiate other conceptual metonymies. Thus ‘red light district’ (i.e. district where there are brothels) and ‘in black and white’ instantiate a PART-FOR-THE-WHOLE metonymy: in the former idiom, the red lights stand for the brothels; in the latter idiom the colours evoke ink and paper. Similarly, the idiom ‘white sale’ is based on an EFFECT-FOR-THE-CAUSE metonymy - the sale of household linen. A further example is provided by the idiom ‘grey matter’, which activates a CONTAINED-FOR- CONTENT metonymy (‘matter’ standing for the brain).

The semantic interpretation of another set of English colour idioms rests upon cultural knowledge. Dobrovol’skij and Piirainen (2005: 214) propose five types of cultural knowledge that provide a motivation for idioms: social interaction; material culture; intertextual phenomena; fictive conceptual domains (e.g. ancient folk theories) and cultural symbols. The relevant types for our analysis are material culture and cultural symbols.

The semantic reading of some idioms involves knowledge of old customs. Thus, the actual meaning of ‘red tape’ is linked to the custom of tying up official documents with red ribbon or tape.

Likewise, the meaning of respectful or deferential attention associated with red in ‘roll out the red carpet’ and ‘give somebody a red

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carpet treatment’ is based on the custom of laying a red strip of red carpet for important visitors to walk on.

In much the same way, the meanings of ‘be in the black’ and ‘be in the red’ are derived from the habit of recording profits and losses in bank accounts in black and red respectively.

The actual meaning of ‘red herring’ (a diversionary topic to deflect attention from the truth or main subject) results from the pickled herrings used in a drag hunt to destroy the scent and confuse the hounds.

Last but not least, the meaning of a red-letter day (a special occasion) is linked to the custom of painting saints’ days and holidays red on calendars.

Another set of culturally-based idioms draws on knowledge about the symbolic value of colours. The issue of colour symbolization has been explored by Portal (1989), Ferrer (1999), and Pastoureau & Simonnet (2005), among others. Pastoureau and Simonnet have studied the symbolic values of the basic colours, as shown in table 1: COLOUR

SYMBOLIC VALUE

blue

sobriety, conservatism, sadness

red

violence, passion, eroticism

white

pureness, virginity, truth

green

immaturity, freedom, changeability, ecology

black

austerity, elegance

yellow

deception, treachery

pink

Gentleness

grey

Intelligence

Table 1. Symbolic values of the basic colours (Pastoureau and Simonnet 2005).

Table 1. Symbolic values of the basic colours (Pastoureau and Simonnet 2005).

Black occurs in a symbolic function in the following idioms: Black occurs in a symbolic function in the following idioms:

Meaning ‘bad, evil’: black list, black spot, get a black mark, black humour, black ‘bad, sheep, give somebody a black • Meaning evil’: black list, black spot, get alook. black mark, black humour, Meaning ‘unhappy’: black day. sheep, give somebody a black look.

•

Meaning ‘unhappy’: black day.

black

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Meaning ‘wrong’: black market.

White is another culturally-relevant symbol for ‘good’, ‘correct’, as shown in the idiom ‘white lie’, where it attenuates the meaning of the kernel constituent.

The different types of motivation overlap in some idioms.

Thus, the idiom ‘in black and white’ has two meanings: the meaning ‘in print/writing’ obtains via a metonymy (see above), whereas the meaning ‘as good or bad, with no grades between them’ relies on the symbolic function of these colours (white=good, black=bad). A metaphoric and symbolic reading can also be suggested for ‘black sheep’ (undesirable person). On the one hand, the idiom instantiates the metaphor PEOPLE ARE ANIMALS. On the other hand, ‘black’ is a symbol for ‘bad’ in the expression.

The same holds for the idiom ‘have green fingers’, where the PART-FOR-THE-WHOLE metonymy (the fingers standing for the person) intermingles with the symbolic link between this colour and nature.

3. PRAGMATIC ANALYSIS OF ENGLISH COLOUR IDIOMS The communicative effect of idiomatic expressions has been highlighted by several authors (e.g. Herrera and White 2010). Our corpus-based research shows the high occurrence of colour idioms in the press. To give but one example, The Times has listed 1,272 tokens of ‘red carpet’ in the last eight years. The frequency of occurrence of colour idioms in British newspapers is evidenced in the following examples: (1) Service industries were in the black and capital flowed into Britain from abroad.

(2) This is not just a stain on the face of football, it is a black mark against society as a whole.

(3)The European Commission has produced its own black list of airlines it considers unsafe.

(4) But we can not yet quantify the impact of culture on grey

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matter.

(5) Many investors who followed the bellwether felt blue about a blue chip that seemed more institution than enterprise.

(6) Armstrong will not give an interview to The Times, and that is despite swearing that he no longer has a black list of the newspapers and journalists to whom he will and won’t speak.

Example (5) illustrates the use of a colour idiom to present a contrast with another colour idiom. Example (6) points to the ideological value of idioms since the expression ‘black list’ is used to assess Armstrong’s attitude to the press.

Interestingly enough, many colour idioms appear in headlines.

This fact supports the communicative impact of idiomatic constructions, since headlines aim to draw reader attention.

The following headlines exemplify the use of colour idioms in actual discourse: (7) Troublesome tourists blacklisted by hotels (8) Red-letter day for village that has won back its beloved phone box (9) Jim Cahill refuses to feel blue at Everton’s poor start to season (10) President rolls out the red carpet for rescued miners (11) Faster help for patients as red tape is cut (12) No black spot (13) Black day for Wales as they lose their way again (14) New Cambridge website makes Oxford feel blue (15) Green groups see red as BP plans the closure of its alternative energy office (16) Hamilton’s red-letter day (17) Why pink makes me feel blue (18) A black mark for senator White The communicative impact of the idiom in the last example is enhanced through contrast with the name of the politician involved in the event being discussed.

A point worth mentioning is the high degree of variation with

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which colour idioms occur in our sample. Such variation has a communicative potential deriving from two factors (Herrera and White 2010: 171): a) the modification makes the presence of the underlying canonical idiom more strongly felt; b) the variation calls reader attention, thus contributing extra communicative impact.

We found evidence in our corpus of two types of idiomatic variation which have a bearing on the semantic motivation of idioms earlier mentioned: Lexical variation (i.e. variation in lexical structure) Semantic variation (i.e. variation in meaning) Further, we encountered two forms of lexical variation: a) addition of elements to the canonical idioms; b) substitution of an element in the canonical form.

Some colour idioms deviate from the canonical form by introducing a new lexeme. Such addition is meant to intensify the idiomatic meaning, thus enhancing the idiom’s communicative effect, as illustrated by the following example: (19) During our conversation she tells an utterly harmless white lie.

The positive symbolic meaning of ‘white’ is highlighted by the addition of the modifying phrase ‘utterly harmeless’.

The addition of an embedded element may touch upon the semantic motivation of the colour idiom inasmuch as it operates a metaphorical/metonymical extension, as shown in the following instance: (20) He has green fingers with horses.

The addition of the element ‘with horses’ involves the expansion of the metaphorical meaning of the canonical form. Thus, the figurative meaning ‘be good at gardening’ has expanded in such a way that the idiom has come to denote skill in other fields, the

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symbolic meaning of ‘green’ being lost.

The following example illustrates idiomatic variation through substitution: (21) Opening soon: the huge pink elephant funded by the Arts Council The item ‘white’ in the canonical idiom (‘a white elephant’) has been substituted by ‘pink’ to evoke the colour of a new gallery in London which has had high funding. The substitution bears on the semantic motivation of the idiom in that the metaphor lying at the heart of the idiom combines with a PART-FOR-THE-WHOLE metonymy (the colour of the building standing for the building).

The substitution may have more relevant consequences on the semantic plane, as shown in the following extract: (22) Tempus: Sir Tom extends green fingers A battle royal is shaping between the two businessmen for control of Dobbies Garden Centres.

The substitution of the verbal constituent ‘have’ by ‘extend’ entails the modification of the idiomatic meaning. Although it is true that ‘green’ retains its symbolic value associated with nature, the modified idiom reflects the metaphorical link of the hand with control and power. It is worth noting that the context plays an important role in yielding this interpretation of the idiom.

A more interesting form of idiom modification is semantic variation. The meaning of colour idioms is modified in either of two ways: (i) through ambiguation (Langlotz 1996), i.e. by giving the expression a literal reading; (ii) by providing the idiom with a new meaning. In both cases the variation has the effect of eliminating the metaphorical or cultural motivation behind the colour idiom.

Ambiguation is exemplified by the following instance: (23) Look for the blood on the red carpet at this year’s Oscars.

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The phrase ‘the blood’ disactivates the cultural metaphor ‘red carpet’ and activates a metaphor where this element represents a person’s social status or rather an actor’s placement in the Hollywood hierarchy. Again, the context helps this reading of the idiom.

The idiom ‘black list’ has a different meaning in the headline Football’s emerging force on the Black List (notice capitalization), where it refers to the emergence of black footballers in the British League. It is clear that the semantic variation changes the type of motivation underlying the idiom. Thus, there is a shift from a culturally-motivated idiom (black being a powerful cultural symbol) to a metonymicallymotivated expression, the colour term reflecting a PART-FOR-THE-WHOLE metonymy.

Further examples of semantic variation involve the idiom ‘have green fingers’: (24) Green fingers (25) Little green fingers The former headline refers to the fingers of Robert Green, who committed a goalkeeping error in a match. In contrast, the latter headline suggests a reduction of the idiomatic meaning since ‘little’ refers to children, the article giving advice on how to help children build a garden.

What is most striking is the creation of new idioms on the basis of existing ones. This emphasizes the communicative function of idiomatic expressions. We found two instances of idioms built on the pattern of ‘white lie’: (26) […] a white lie (I say I am not going to vote Obama, but secretly I will) […] a black lie (I say I am going to vote Obama, but secretly I will not).

(27) […] launched his political party, Veritas, yet with a little white lie. Actually, that is not true. It was a little tanned lie.

The idioms ‘a black lie’ and ‘a tanned lie’ have been coined on

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the basis of the symbolic meaning of white and black. The use of ‘tanned’ has an attenuating effect as compared with ‘black’.

Another example of semantic variation is provided by the headline Wine: Time to see red. The idiom ‘see red’ loses its meaning and the link between the literal and the figurative meaning is closer, ‘see’ being a perception verb. The new semantic interpretation is grounded on a PART-FOR-THE-WHOLE metonymy, ‘red’ standing for red wine.

The same type of metonymy underlies the idiom in the following examples: (28) See red at the most famous local fiesta – the tomatothrowing La Tomatina (‘red’ stands for the colour of the tomatoes thrown at the fiesta) (29) Communists see red on Stalin birthday (‘red’ stands for the red carnations placed on Stalin’s grave on what would have been his 103rd birthday) 4. CONCLUSION The present contribution has focused on idioms. We have addressed two issues: the semantic motivation underlying idiomatic expressions and the use of idioms in actual discourse. The semantic analysis of a small corpus of English colour idioms has yielded two types of motivated idioms: metaphorically-motivated and culturallymotivated. The pragmatic analysis has shown the communicative impact of colour idioms in the British press, as evidenced in their high occurrence and degree of variation. At the same time, such variation bears on the semantic motivation of idioms by triggering a different type of motivation. The scope of this paper being limited, it appears that the interdependence between the semantic and pragmatic dimensions of idioms should be further investigated in corpus-based studies.

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Mª José Corvo Sánchez historia y tradición en la enseñanza y aprendizaje de lenguas...

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HISTORIA Y TRADICIÓN EN LA ENSEÑANZA Y APRENDIZAJE DE LENGUAS EXTRANJERAS EN EUROPA (VIII): SIGLOS XVII Y XVIII – LA ENSEÑANZA MODERNA Y LAS TRADICIONES NACIONALES* Mª José Corvo Sánchez Universidad de Vigo mcorvo@uvigo.es The current article, a sequel in the series on history of foreign language teaching in Western Europe which started in 2004, presents a historical analysis of the linguistic material conceived as textbooks for teaching and learning language in this part of Europe in the 17th and 18th centuries.

This period, in which Latin has lost its linguistic hegemony, is characterised by the dominance of the European languages. Such a situation, which will be consolidated in the second half of the 19th century, marks the development of the discipline Foreign Language Teaching after the Humanistic period. This period is distinguished by the fact that not only is there no one common way of teaching foreign languages in Western Europe, but also that there are different traditions.

Keywords: Teaching and learning, foreign languages, history and tradition, Modern Period.

Continuando la serie de trabajos iniciada en el año 2004 sobre la historia y enseñanza de lenguas extranjeras en el Occidente europeo, en este artículo nos ocupamos del análisis histórico del material lingüístico concebido como manuales para enseñar y aprender lenguas extranjeras en el Occidente europeo a lo largo de los siglos XVII y XVIII. Este periodo se caracteriza principalmente por el dominio de las lenguas europeas sobre el latín, la lengua extranjera dominante hasta el siglo XVI. Este dominio, si *

Fecha de recepción: Marzo 2011

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bien no se consolida hasta la segunda mitad del siglo XIX, marca el desarrollo de la historia de esta disciplina tras el periodo humanista, momento a partir del cual “la tradición” en la enseñanza de lenguas extranjeras en el Occidente europeo ya no puede contemplarse como la europea, común en todo el territorio, sino como diferentes tradiciones nacionales.

Palabras clave: Enseñanza y aprendizaje, lenguas extranjeras, historia y tradición, Edad Moderna.

1. INTRODUCCIÓN: LA ENSEÑANZA MODERNA A partir del siglo XVII, el latín comienza a dejar de ser la lengua dominante en el contexto de la enseñanza y aprendizaje de lenguas extranjeras, ante el dominio de las lenguas nacionales, la italiana, la española y la francesa en un primer momento, la francesa y la inglesa en el siglo XVIII y las restantes lenguas europeas después, a partir de la segunda mitad del siglo XIX. Sobre este hecho gira el desarrollo de la historia y tradición de la enseñanza y aprendizaje de lenguas extranjeras en Europa tras el periodo humanista –y hasta la actualidad– protagonizado en mayor o menor medida ya no por una tradición común europea, la latina, sino por las diferentes tradiciones de las principales lenguas europeas.

Recordemos que, comenzado el siglo XVII, en todos los países se impone la literatura escrita en la lengua propia y la mayoría de ellos cuenta ya con una gramática que recoge el estado y normaliza el uso de su lengua: en Italia y España la Grammatica della lingua toscana de Leon Battista Alberti escrita entre los años 1437 y 1441 y la Gramatica castellana de 1492 de Elio Antonio de Nebrija, respectivamente, ya habían sido redactadas en el siglo XV; en Portugal la Grammatica da lingoagem portuguesa (Lisboa, 1536) de Fernão de Oliveira y la Gramática da língua portuguesa (Lisboa, 1540) de João de Barros, en Francia el Traicté de la grammaire Françoise (París, 1557) de Robert Estienne y la Gramère de Pierre de la Ramée (París, 1562), en Inglaterra la Bref Grammar for English de William Bullokar (Londres, 1586) y en los Países Bajos Twespraack vande Nederduitsche letterkunst (Ámsterdam, 1584)1.

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En este trabajo, principalmente, nos ocuparemos de analizar la evolución de la naturaleza del material lingüístico concebido como manuales para enseñar y aprender lenguas extranjeras en el Occidente europeo a lo largo de los siglos XVII y XVIII y, persiguiendo el análisis histórico, en la misma línea metodológica que en todos los trabajos anteriores2, para una mejor comprensión del tema nos serviremos de algunas ejemplificaciones seleccionadas.

De forma más concreta en estas páginas, siguiendo el devenir de la historia política y cultural europea y el consecuente y simultáneo desarrollo del ‘carácter influyente’ de las lenguas, dividiremos nuestro desarrollo histórico en dos partes, correspondiéndose con los siglos XVII y XVIII; este periodo, importantísimo en la historia de la disciplina que nos ocupa, constituye el salto del Humanismo al Neohumanismo, pasando por la Ilustración, como continuación del primer periodo o periodo temprano –iniciado durante el Renacimiento humanista– de la enseñanza de las lenguas modernas como extranjeras.

2. SIGLO XVII: CONTINUACIÓN E INNOVACIÓN A diferencia de lo que sucedía en otros países, como Alemania, que queda destruida por la Guerra de los Treinta Años, el desarrollo sociocultural experimentado por Francia e Inglaterra ya en el siglo XVII les convierte en estados nacionales dirigentes en Europa, con estructuras centrales, unitarias y ejemplarizantes a partir de sus capitales, Londres y París. Y sus lenguas, en consecuencia, adquieren el rango de influyentes en una época caracterizada, desde el punto de vista lingüístico, por la consolidación de la defensa de las lenguas nacionales a través de la creación de las academias de las lenguas modernas y la materialización de los primeros diccionarios monolingües.

Efectivamente, en la mayoría de los países la defensa de las lenguas nacionales conduce a la creación de las academias de las lenguas modernas. La primera de ellas en este siglo es la alemana Fruchtbringende Gesellschaft, fundada el 24 de agosto de 1617, poco antes de que el poeta Martin Opitz (1597-1639) escribiera su Aristarchus (c.

1618) ensalzando la lengua alemana como medio poético y lo ilustrara

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con posterioridad en su Buch von der deutschen Poetery de 1624. A la cabeza de todas ellas, no obstante, se encuentra la italiana, la Accademia della Crusca, que ya se había creado en el siglo XVI y es ahora, en la segunda década del siglo, cuando sale a la luz su primer diccionario, el Vocabolario degli Accademici della Crusca (Florencia, 1612).

No es este el primer diccionario monolingüe de una lengua europea conocido, sin embargo, pues el primero de ellos es la obra Origen y etimología de todos los vocablos originales de la lengua castellana del español Francisco del Rosal, terminado –aunque no publicado– en 1601. Un año más tarde, además, fue cuando apareció en Italia el que conocemos como primer diccionario de definiciones de una lengua moderna europea: el Memoriale della lingua de Giacomo Pergamini.

Posteriores a ellos son el Tesoro de la lengua castellana o española (1611) de Sebastián de Covarrubias y Orozco y el Vocabulario degli Accademici della Crusca (1612), del que hablábamos más arriba.

Solo después de estos diccionarios españoles e italianos, y solo a partir de finales del siglo XVII, comienzan a aparecer los demás diccionarios monolingües de definiciones europeos. El primero es el Dictionnaire François (1680) de César-Pierre Richelet y a este le siguen, ya en el siglo XVIII, los de las lenguas no romances del norte de Europa, entre cuyas principales aportaciones se encuentran los siguientes: New English Dictionary (1702) y Dictionary of the English Language (1755) en Inglaterra; Versuch eines vollständigen grammatischkritischen Wörterbuches, de Adelung y publicado en cinco volúmenes entre los años 1774 y 1786, en Alemania; y Nederduitsch tallkundig woordenboek de Peter Weiland en los Países Bajos, comenzado en 1799 y completado con un total de once volúmenes en 1811.

El orden de aparición de estas obras, así como el seguido por la fundación de las diferentes academias de las lenguas, se halla en consonancia con el indiscutible dominio ejercido por el italiano, el español y el francés, las lenguas que habían sido las más influyentes en el siglo XVI y, por ello, también las más enseñadas y aprendidas como extranjeras3.

En este sentido, la situación en el siglo XVII sirve en cierto modo de continuación a la del siglo precedente. De tal modo que,

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junto a las nuevas obras, que reproducen los patrones anteriores, siguen apareciendo muchas otras copiadas o nuevamente editadas en diferentes lugares de Europa en ediciones multilingües, conteniendo un mayor o menor número de lenguas y con un contenido, por lo general, similar.

Así sucedió, por ejemplo, con los famosísimos Introito e porta (1477), Calepino (1502) y Berlaimont (1536)4. En el periodo que nos ocupa, los dos últimos resultan fundamentales para ilustrar este hecho.

Ambas obras llegaron a hacerse tan famosas que se las conocía según los nombres de sus autores, Ambrosius Calepino y Noël de Berlaimont, respectivamente, hecho que les sirvió para escapar del plagio, práctica muy extendida en estos siglos y, al mismo tiempo, permitió a sus autores que fueran reconocidos internacionalmente hasta mucho después.

Del Calepino sabemos que fue el diccionario más conocido internacionalmente en el Renacimiento y que se convirtió en el modelo que siguieron muchos otros hasta bien entrado el siglo XVIII. Fue la obra que experimentó mayor número de ampliaciones, en ediciones que llegaron a incluir de cuatro a once lenguas: “Insgesamt erfuhr der Calepinus neben den zahlreichen Ausgaben in Lat. (teilweise mit Altgr. und Ital.) 1 viersprachige, 24 fünfsprachige, 5 sechssprachige, 42 siebensprachige, 21 achtsprachige, 7 neunsprachige, 5 zehnsprachige und 9 elfsprachige Ausgaben bzw.

Auflagen“ (Haensch 1991: 2911).

Y en la misma línea se encuentra el Colloquia et dictionariolum o Vocabulaire flamenco-francés para el aprendizaje del francés en los Países Bajos de Noël de Berlaimont y las numerosas versiones plurilingües surgidas a partir de él y que igualmente continuaron apareciendo de manera constante también durante el siglo XVIII5; la obra experimentó un enorme éxito y en 1703 ya había sido publicada aproximadamente en cien ocasiones, en ediciones con desigual número de lenguas y hasta un total de ocho, incluida la latina6.

Este libro con diálogos y vocabulario concebido como manual didáctico constituye, sin lugar a dudas, un caso muy destacable, pues seguir el paso de la aparición de las diferentes lenguas en sus distintas

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ediciones nos lleva a un viaje por gran parte del Occidente europeo, que nos permite conocer a un mismo tiempo las lenguas y los lugares que sirvieron en estos siglos como principales referentes y centros de enseñanza y aprendizaje de lenguas extranjeras: “Neben dem Lateinischen sind die niederländischen Dialekte mit ihren direkten Nachbarn (Französisch, Englisch, Niederdeutsch) am häufigsten vertreten. Die Bedeutung des Spanischen für die Niederlande darf man nicht vergessen. Die Druckerorte bestätigen dies. Die meisten liegen in den heutigen Niederlanden und in Belgien […]. Nur einmal kommt London ins Spiel. Köln ist der herausragende Druckort für das Niederdeutsche, Basel für das Alemannische (Oberdeutsche).

Frankfurt und Genf liegen auΤerhalb dieser Regionen. Erst spät, d.h. zwischen 1646 und 1692, wurde der Berlaimont in Oberitalien, in Venedig und Bologna, gedruckt. Echte Ausnahmen sind zwei sechssprachige Versionen, eine mit Tschechisch aus Leipzig und eine mit Polnisch aus Warschau” (Hüller 2005: 57).

Como ya sucediera en el siglo XVI, junto a las reediciones de las obras también hay que hablar de los continuadores de otros maestros anteriores. Tal es el caso, por ejemplo, de los seguidores de la línea metodológica ofrecida por John Minsheu en su Spanish Grammar de 1599, en la que junto al contenido gramatical incluyó diálogos, frases y proverbios7, experimentando un enorme éxito y gracias especialmente a sus diálogos, de los cuales se hicieron numerosísimas ediciones hasta el siglo XVIII, además de ser copiados y reutilizados por figuras tan relevantes como Oudin o Franciosini, cuya obra conocida internacionalmente no podemos dejar de mencionar en este contexto.

Continuando con su actividad lingüística8, César Oudin publica en 1604 sus Diálogos muy apazibles, escritos en lengua española y traduzidos en frances, en 1605 sus Refranes o Proverbios españoles traduzidos en lengua Francesa y en 1607 su Tesoro de las dos lenguas Francesa y Española –deudor entre otros del Vocabulario de romance en latín de 1495 de Nebrija, en lo referente a su parte española-francesa fundamentalmente–, todas ellas obras de enorme éxito9.

Los Diálogos vuelven a la imprenta con posterioridad de la mano de su hijo e igualmente intérprete real Antonio Oudin, quien,

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añadiendo al texto español su traducción en italiano, alemán y francés, los publica en Roma en 1664 con el título: Dialogues fort recreatis composez en espagnol, et nouvellement mis en Italien, Allemand et Français […], reimprimiéndolos una vez más al año siguiente (cf. Mele 1914: 31).

También disfrutarían de gran acogida sus Refranes, “de discutible valor” pues “ni el corpus reunido es muy rico ni las traducciones de Oudin son siempre felices” (Lope 1990: 37); no obstante, alcanzaron un gran éxito, como decimos, y fueron editados en Bruselas en 1608 y en 1612, en París en 1609 y en Lyon en 161410. Y, en general, se cree que la obra de Oudin destaca por una marcada distinción dentro de este periodo tanto por su calidad, como por su cantidad (cf. Lépinette 1991: 29).

La obra de Lorenzo de Franciosini, compuesta por su Vocabolario español-italiano e italiano-español y por su Nomenclator se sitúa ya en la segunda década del siglo.

La primera parte del Vocabulario, compuesto alfabéticamente, contiene los vocablos en toscano con sus correspondencias en castellano y un conjunto de frases y de proverbios en ambas lenguas.

El vocabulario no comienza, no obstante, hasta la página 35, pues va precedido de unas Regole per leggere, e scrivere in lingua Castigliana y una Introduzione alla Lingua Spagnola, es decir, un breve tratado de pronunciación y una gramática muy escueta que contiene las reglas más básicas de la morfología de las palabras y de las conjugaciones de los verbos (cf. Gallina 1959: 267), las cuales, a su vez, se hallan precedidas por cuatro hojas con distinta numeración para la portada, el imprimatur, la dedicatoria al Cardenal Borghese y la carta a los lectores.

El segundo volumen, el Vocabolario Español, e Italiano, dedicado a Don Francisco Orsini, Abad de Farfa, comprende la parte españolaitaliana en un total de 784 páginas y está concebido siguiendo la misma sucesión que el anterior, si bien esta vez, lógicamente, con la intención de describir la lengua italiana en español para los españoles que quisieran aprenderla. Es muy completo y en él está presente la influencia de otros muchos de género diferente –entre otros Nebrija, Las Casas y Oudin–, de los que Franciosini se sirve y a los que complementa, presentando una serie de particularidades muy

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interesantes, tales como la de incluir en muchos casos locuciones y expresiones fraseológicas organizadas alfabéticamente y acompañadas por sus correspondencias italianas y dependientes de los nombres que, por lo general, constituyen las entradas. Esta obra se convirtió en el vocabulario bilingüe de las lenguas italiana y española más conocido en los años posteriores (cf. Gallina 1959: 268) y, de manera muy fiel al original, fue reeditada numerosísimas veces hasta los últimos años del siglo XVIII. Por su parte, el Nomenclator es una nomenclatura bilingüe española e italiana, organizada en capítulos y adjuntada por Franciosini en todas las ediciones de sus Diálogos, siendo publicados así, conjuntamente, por primera vez en Venecia en 1626 como Dialogos apazibles compuestos en Castellano y traduzidos en Toscano –y que son la réplica italiana de los de Juan de Luna, maestro español en Francia en la segunda década del siglo XVII, quien a su vez también copia los de Minsheu– con el título de Nomenclator, ò Registro de algunas cosas curiosas, y necessarias de saberse à los estudiosos de lengua Española. Nomenclatore, o Registro, d’alcune cose curiose, o necessarie à sapersi da gli studiosi, et amatori della lingua Spagnuola (cf. Gallina 1959: 264-5), incluyendo, por ejemplo, los siguientes capítulos temáticos: “Dignidades Temporales”, “Officiales de Justicia”, “Títulos que se han de dar en español à cada genero de personas”, “Las partes y miembros del cuerpo humano”, “Vestidos per hombres”, “Vestidos pàra mugeres”, “Nombre de Armas pàra la guerra y jùstas”, “Cavallo con sus jaères”, “Colores diversas”, “Piedras preciosas”, “Los Meses del Ano”, etc.

Como continuadores que, a su vez, son modelos de otros después, tanto Oudin como Franciosini son dos piezas claves en el siglo XVII. Menos conocida, sin embargo, es la labor de otros maestros que desempeñaron una función similiar en otras partes de Europa. Un caso muy ilustrativo es, por ejemplo, el de Juan Ángel de Zumaran, un español afincado en tierras alemanas, donde trabajó como intérprete y maestro de las lenguas francesa, italiana, española y alemana y cuya aportación a la historia de la enseñanza de las lenguas extranjeras es, si cabe, aún más original, pues sus manuales o libros de lenguas destacan, entre otros méritos, por contener los primeros tratados gramaticales español-alemán conocidos y que son, además, los primeros pasos de las gramáticas contrastivas actuales de ambas lenguas.

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La estancia de Zumaran en Alemania y Austria a partir de la segunda década del siglo se enmarca dentro de un contexto favorecido por un clima abierto a la influencia de los españoles y de su lengua y por la presencia de la burguesía en las grandes metrópolis comerciales, como Colonia, Fráncfort del Meno y Múnich, ciudades en las que los soldados, los estudiantes y los jóvenes nobles en edad de formación se convirtieron en los principales demandantes de las enseñanzas de español, junto a las otras lenguas.

Aparecidos en Múnich, Ingolstadt y Viena, sus cuatro libros de lenguas son: el Tyrocinium gallicvm, italicvm et germanicvm de 1617, Das Newe Sprachbuch de 1621, en el que además de las lenguas manejadas en el anterior incluye por primera vez la lengua española, y sus ediciones posteriores, en cinco y dos lenguas respectivamente, el Thesavrvs lingvarvm de 1626, con observaciones gramaticales y vocabulario también en lengua latina, y la Grammatica y pronunciacion Alemana y Española. Española y Alemana de 1634, el primer manual bilingüe español-alemán de la historia.

Estos manuales son testimonio del nuevo ideal de educación imperante en la época: ya no es solo el hombre culto el que junto a las lenguas clásicas aprende otras lenguas extranjeras, ahora –y en un contexto escolar en el que, recordemos, las enseñanzas de las lenguas modernas no constituían una parte regular del currículo– esta enseñanza se ha convertido en una necesidad para muchos otros, que constituyen un grupo muy amplio y diverso; así, entre los destinatarios de sus libros se incluyen nobles, cortesanos, doctores, letrados, comerciantes y viajeros en general, es decir, todo aquel interesado en aprender lenguas extranjeras como parte complementaria de su formación o de su actividad profesional (cf. Zumaran 1617: 6r).

De forma explícita, en su libro Das Newe Sprachbuch contempla la posibilidad de que todas las personas, independientemente de su estado y profesión, se valgan de su obra para aprender las lenguas que en ella enseña y así poder comunicarse en sus desplazamientos por Europa, a través de las siguientes palabras: “Amigo y beneuolo Lector, bien sabes quanto que el dia de oy sea necessario à todo genero estado y Condicion de personas saber diuersas lenguas, para poder tratar y praticar confiadamente con diuersas naciones sin la necessidad ny

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ayuda de algun Interprete. Lo qual verdaderamente los Flamencos, y la Nobleza Alemana tienen muy bien considerado, y por esso van y gastan en Italia, Francia, y Espanna su dinero, no solamente para aprender las lenguas pero tambien sus costumbres y vsanças, lo qual no hazen tanto las otras naciones, ny se les da nada de sabellas, ò no sabellas, y por esso veemos y hallamos entre ellos hombres muy praticos de lenguas y tierras estrangeras que entre otra nacion del mundo. Que ay cosa mas desdichada al mundo, que entrar en vna tierra y no saber hablar la lengua della mas que si fuera mudo, ny entender ninguno mas que vna muralla? ny tampoco poder ser entendido de otros que solo por señales?” (Zumaran 1621: b6r-v).

Todos ellos deben dominar las lenguas extranjeras y para ello Zumaran considera necesario que conozcan otros países como fuente de formación personal y lingüística: “Wann du in die Lánder kombst/ da man die sprach/ so du hast erlernet redet/ vnd da ein jahr verbleibest/ so wirstu so behend vnd geschwind reden/ als wañ du da 4. oder 6. jar werest gewesen/ mit sonder Fleiß zulernΤ. Solches wird allein die vrsach sein/ die 6. oder 7. Monat der vnderweisung/ so du in deinem Vatterland vñ behaufung hast gehabt/ da du dann weniger wirst spendieren/ als du sonsten spendirt vnd außgeben hettest.“ (Zumaran 1617: 6v-7v).

La concepción de los tratados gramaticales de este maestro responde a la división bipartita de ortografía y etimología, entendiéndose ambas, de acuerdo con la terminología de la época tras el periodo medieval, como la escritura y pronunciación y las partes de la oración, respectivamente11. Y el vocabulario es tanto básico o cotidiano, como específico, dependiendo de su inclusión bien en las nomenclaturas y los diálogos, o bien en las demás secciones, dedicadas a los refranes, tratados fraseológicos, etc.

Sin ahondar más en la descripción de estos libros12, interesa destacar que con ellos se abre una nueva vía para la enseñanza del español en los países de habla alemana, consistente en el empleo de la lengua autóctona como vehículo de transmisión de las enseñanzas. La labor de Zumaran se convierte, de este modo, en modelo para muchos otros, que comienzan a publicar sus obras a partir de la tercera década del siglo en diferentes zonas de habla alemana para uso de quienes

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enseñan y aprenden la lengua española y las redactaban en la misma línea, en la medida en que en ellas se combina el empleo de las lenguas española y alemana.

En esta relación de obras se incluyen, al menos, las siguientes: Ianua Linguarum Quadrilinguis, Latina, Germanica, Gallica, hispanica de Isaac Habrecht (Estrasburgo, 1624), Ianua linguarum silinguis, latina, germanica, gallica, italica, hispanica, anglica de William Bathe editados por Isaac Habrecht (Estrasburgo, 1629), Vnterweisung Der Spanischen Sprach de Esteban Bernabé (Viena, 1657), Dialogues en cinq langues Espagnolle, Italienne, Latine, Françoise, & Allemande de Philippe Garnier editados por Philemon Fabri (Estrasburgo, 1659), Discursos familiares con algunos Proverbios, historias y Fábulas de Esteban Bernabé (Viena, 1660), Thesaurus Qvinqve Germanicæ, Latinæ, hispanicæ, Gallicæ, et Italicæ Linguarum Fvndamentalis13 (anónimo, 1665), Gramatica, o instrucción española y alemana de Nicolás Mez de Braidenbach (Viena, 1666) y Diccionario muy copioso De la lengva Española, y Alemana de Nicolás Mez de Braidenbach (Viena, 1670).

Como decíamos al iniciar este apartado, el siglo XVII también simboliza el arranque de la influencia de la lengua inglesa en Europa, junto a la francesa. El interés por la filosofía y la literatura inglesa en otras partes de Europa comienza ahora y se intensifica a medida que avanza el siglo. Este interés, unido al promovido por las relaciones comerciales, tiene como resultado que paulatinamente se incremente la demanda de su aprendizaje, primero en Francia, Países Bajos, Dinamarca y Alemania –y después, ya en el siglo XVIII, en los restantes países–, en donde, en consecuencia, también comienzan a publicarse manuales destinados a este fin.

Algunos ejemplos representativos de estos manuales son: el anónimo English schoolmaster (Ámsterdam, 1646), Den Engelschen ende Ne´erduitschen Onderritchte […] The English and low-Dutch Instructor de François Hillenius (Rotterdam, 1646) o Een nieuwe en gemakkelijke Engelsche Spraak-konst […] a new and easy English grammar de J. G. van Heldoran (Ámsterdam, 1675), en los Países Bajos; los franceses contaron con dos obras muy exitosas, Nouvelle Grammaire Angloise, enrichié de Dialogues Curieux touchant l´Estat, & la Cour d´Angleterre (Londres, 1672) de P. Festeau y Nouvelle Méthode pour apprendre l`Anglois (Londres,

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1685) –traducida en 1688 como The English Grammar (cf. Howatt 1991: 323)– de Guy Miège; A Double Grammar for Germans to Learn English and for Englishmen to Lern the German Tongue (Londres, 1687) de Henry Offelen para los alemanes; o la Friderici Bollingi fuldkommen Engelske Grammatica (Copenhague, 1678) de Frideric Bolling en Dinamarca.

Además, junto a estas obras, en Gran Bretaña se publicaron las dos gramáticas siguientes que también disfrutaron de cierta aceptación entre el público extranjero: The Englisch Grammar. From the Workes (Londres, 1640) de Ben Jonson y Grammatica Linguae Anglicanae (Oxford, 1653) de John Wallis. En ellas la lengua latina sirve de auxilio lingüístico.

El empleo de la lengua latina junto a otras en los diferentes manuales para extranjeros en esta época responde a un uso arraigado en el siglo anterior. Y es un recurso habitual también en el siglo XVII en manos de muchos maestros en Europa, tal como hemos visto anteriormente, al hablar de los seguidores del Vocabulaire flamencofrancés de Noël de Berlaimont, o como fue en España, por ejemplo, el caso del catedrático de hebreo, caldeo y griego de la Universidad de Salamanca Gonzalo Correas, quien lo incluyó tanto en su Arte dela lengua española castellana de 1625, como en su Arte kastellana de 1627, publicada en su Trilingve de las tres lengvas Castellana, Latina, i Griega, todas en Romanze14. Y también se incluye en una de las dos obras metodológicamente más novedosas del siglo: el Ianua linguarum del jesuita irlandés William Bathe (1564-1614), publicada en Salamanca en 1611 y redactada por él y su grupo de colaboradores.

Bathe elabora su manual en torno a 1.200 frases latinas con sus correspondientes traducciones en español, agrupadas en torno a doce centurias o temas, relativos a las virtudes, la prudencia, la templanza, la justicia, la fortaleza, las acciones humanas, el ímpetu y el sosiego, etc. y cada una de estas centurias se completa con un apéndice de palabras equívocas y de vocablos que remiten numéricamente a la frase en la que aparecen empleados. Fue un libro que experimentó un enorme éxito internacional y fue plagiado y traducido a casi todas las lenguas europeas; a lo largo del siglo XVII se editó en más de treinta ocasiones, en ediciones bilingües y multilingües. Entre las más conocidas figuran: la de William Welde de 1615, en latín e inglés; la del francés Jean Barbier, publicada en Londres en 1617 en latín,

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español, inglés y francés; la del portugués Amaro de Roboredo de 1623, en latín y portugués; la de I. Habrecht, publicada en Estrasburgo en 1629 en seis lenguas: latín, alemán, francés, italiano, español e inglés; las versiones que sobre esta obra hizo G. Sciopio en sus Mercuris Bilinguis de 1629 y su Mercuris Quadrilinguis de 1637, presentándola en esta última en latín, hebreo, griego e italiano; o la obra de Comenio, uno de los didactas y profesores de lenguas más innovadores –con su Orbis sensualium Pictus inicia en 1658 el método gráfico visual en la enseñanza de idiomas, asociando los significados de las palabras con los dibujos– e importantes de todo el siglo, publicada en 1631 con el título Ianua linguarum reserata aurea y a partir de la cual la mención del Ianua es asociada directamente a él, dejando a Bathe muy olvidado15.

La segunda gran novedad metodológica del siglo la protagoniza la Nouvelle methode pour apprendre facilement et en peu de temps la langue latine, contenant les règles de genres, des declinaisons, des préterits, de la syntaxe, de la quantité & des accents Latins del gramático de Port-Royal Claude Lancelot, que vio la luz en París en 1644. En ella su autor declara importante el conocimiento de la gramática como primer paso del aprendizaje, pero el niño debe aprender y memorizar sus reglas de la forma más sencilla para él, es decir, en su lengua. Por ello, Lancelot las redacta en francés en su gramática, en la que recurre a la forma rimada en su exposición. Y junto a las reglas, debe aprenderse el vocabulario, para que, al pasar al estudio de la construcción de la oración, el niño solo tenga que hacer uso de lo memorizado para poder interpretar lo que le sea comunicado y, del mismo modo, para poder comunicar lo que sea necesario. Fue una obra muy difundida y su ‘nuevo método’ llegaría a ser muy conocido, pues Lancelot lo aplicaría también a otras lenguas: griego, francés, italiano y español, asegurando igualmente un aprendizaje fácil y rápido.

Unos años después, en 1660, publicaría conjuntamente con Antoine Arnauld su Grammaire générale et raisonnée. Contenant: Les fondements de l´art de parler; expliquez d´une manière claire et naturelle. Les raisons de ce qui est commun à toutes les langues et des principales differences qui s´y rencontrent. Et plusieurs remarques nouvelles sur la Langue Françoise. Es la gramática filosófica más conocida de las muchas que se escribieron en el siglo XVII como producto de la escuela de Port-Royal16. Su mayor

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repercusión, no obstante, se conoció en el siglo siguiente, razón por la que volveremos sobre ella en el próximo apartado.

3. SIGLO XVIII: NUEVOS MANUALES En los primeros años del siglo XVIII poco varía la situación respecto al siglo anterior y siguen apareciendo nuevas gramáticas y nuevos manuales similares a los ya conocidos. Y en algunos casos, como refiere Sánchez, la obra de algunos autores representa la “perpetuación” de la obra de otros anteriores en Europa. Tal fue el caso, por ejemplo, de la obra de Oudin en manos de Francisco Sobrino, quien con su Nouvelle Grammaire Espagnolle expliquée en François “no hace más que copiar la ya famosa gramática de Oudin” (Sánchez 1992: 156), con sus Dialogues nouveaux espagnols (Bruselas, 1708) hace suyos algunos de los diálogos de Oudin –quien, a su vez, había copiado los de Minsheu de 1599– y también reeditó como suyo el Tesoro de Oudin (cf.

Sánchez 1992: 186); publicada en Bruselas en 1697, la gramática de Sobrino conocería un notable éxito a lo largo de todo el siglo XVIII, llegándose a imprimir en muchas ocasiones con posterioridad hasta incluso en el siglo XX. Es avanzado el siglo cuando se aprecia una notable evolución de las obras didácticas y una desigual influencia de las lenguas francesa e inglesa en Europa, condicionada en gran medida por la recepción de sus respectivas literaturas –y su contenido moral y filosófico17– en las diferentes zonas de confesión católica y protestante, de forma particular, y por la fascinación de la cultura cortesana francesa y de lo francés, en general, que siguió perpetuando el dominio indiscutible de la lengua francesa como la más importante lengua extranjera en la Europa de la época, en la que de forma indiscutible ocupa ya un lugar preferente en el ámbito de la enseñanza de lenguas extranjeras: como lengua principal de comunicación y de difusión internacional, a la que se traducían los documentos y trabajos más importantes escritos originariamente en otras lenguas para conseguir así una mayor difusión, como lengua que se aprende y como lengua a través de la cual se aprenden otras lenguas modernas, incluso la inglesa: “Many learners of English acquired the language through the medium of French. It was the language of the Enlightenment, spoken by the largest and most

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powerful nation of the continent. Most important works originally written in English found their way into French translation and thus gained a wider audience” (Howatt 1991: 64).

El propósito del aprendizaje de una y otra difería sustancialmente: “Den Lernern des Französischen ging es primär um den Eintritt in die vorbildliche Hofgesellschaft mit all ihren modischen Ausprägungen. Den Lernern des Englischen ging es entweder um die Beschäftigung mit englischer Literatur und Philosophie, die beide nunmehr auf den Kontinent drängten; oder es ging ihnen um direkte Kontakte mit Engländern zumeist auf den Britischen Inseln selbst, und zwar im Interesse geschäftlicher Beziehungen.“ (Hüllen 2005: 66). Y, de acuerdo con la diferente finalidad perseguida, la metodología empleada para el aprendizaje de estas lenguas podía ser muy distinta, basándose principalmente en la práctica de dos tipos de ejercicios: la traducción y la conversación. Así, la clase de inglés podía limitarse a desarrollar la capacidad lectora, o bien podía dedicarse a la conversación comercial, mientras que la clase de francés se centraba más en la vertiente comunicativa, potenciando la conversación y el empleo de la lengua en el desarrollo de la vida social.

Avanzado el siglo, como decimos, las diferentes circunstancias históricas particulares de cada país europeo, además, sirven tanto para estrechar como para romper las relaciones entre unos países con otros, repercutiendo lógicamente en el mayor o menor –o incluso nulo– interés por aprender determinadas lenguas. Y estos hechos particulares condicionan igualmente la producción lingüística didáctica de estos años, muy llamativa en unos países y mucho menos interesante en otros.

De forma concreta en cuanto a la enseñanza del inglés, que ya cuenta con una cierta tradición en Europa, se ve favorecida con la publicación de nuevos manuales en este siglo, algunos de ellos destinados también para hablantes de lenguas de otros países del continente más alejados de las islas. Algunos ejemplos son: korte Wegwyzer der Engelsche Taale […] A Compendious Guide to the English Language (Ámsterdam, 1705) de William Sewel, Vollkommener Englischer Wegweiser für hoch-Teutsche (Londres, 1706) de Johann König con diálogos y modelos de cartas, además de una guía de la ciudad de

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Londres para viajeros, Gramatica Inglese per gl´Italiani (Livorno, 1728) de Ferdinando Altieri, Grammatica Lusitano-Anglica (Londres, 1731) de Jacob de Castro, Grammatica Anglicana Concentrata, oder kurz-gefasste englische Grammatica (Leipzig, 1736) de Theodor Arnold, Et kort och Tydeliget Begrep af en Engelsk Grammatica (Estocolmo, 1744) de Lorente Jul. Kullin, Elements of the English Language, explained in a new, easy, and concise manner, by way of dialoge (Londres, 1761) de V. J. Peyton, Prakticheskaya angliskaya grammatika (San Petersburgo, 1766) de Mikhail Permskii, Éléments de la lange Angloise, ou Méthode pratique pour apprendre facilement cette langue (París, 1773) de L. P. Siret, Nuova e facile Grammatica della lingua Inglese per gl´Italiani (Siena, 1766) de Eduardo Baker o Gramática que contiene reglas faciles para pronunciar y aprender metódicamente la lengua Inglesa (Madrid, 1784) de Thomas Connelly.

En este contexto, no obstante, resulta de interés la enorme aceptación internacional experimentada por una obra del siglo anterior y que años después sigue influyendo en la enseñanza de lenguas en toda Europa. Nos estamos refiriendo a la Grammaire générale et raisonnée de los monjes jansenistas Antoine Arnauld (1612-1694) y Claude Lancelot (1616-1695), aparecida en 1660, a la que ya nos hemos referido con anterioridad. En ella sus autores recogen las estructuras de la lengua francesa como expresión de determinados procesos mentales –concevoir, iuger y raisonner– y defienden la idea de que tales procesos, si bien son constitutivos de la gramática, se manifiestan de forma distinta en las diferentes estructuras lingüísticas de cada una de las diferentes lenguas nacionales. Condensando la idea de la coexistencia de unos principios universales y generales con otros históricos y específicos, como base de la relación entre el entendimiento y la estructura lingüística, esta gramática del francés impulsó la idea de la gramática general y experimentó una enorme aceptación en el ámbito internacional, sirviendo de modelo en su aplicación a otras lenguas europeas y repercutiendo también en los métodos de algunos maestros de lenguas extranjeras, empeñados en ofrecer el método general, basado en los principios comunes de las lenguas.

Tal fue el caso, por ejemplo, de Jean de Vayrac con sus dos obras siguientes, publicadas en París en 1714: El Arte Francés en que van puestas las reglas más acertadas sobre todas las partes de la oración, para aprender facilmente y con brevedad a leer; pronunciar; escribir y hablar la Lengua

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Francesa, el uso de la Corte y el dictamen de los mas célebres gramáticos, con un tratado de poesía (Suárez 2008: 152) y Nouvelle grammaire espagnole para los franceses, en la que sigue las pautas de los gramáticos de Port-Royal y además incorpora otros elementos: “La inclusión de ayudas complementarias, como formularios de cartas, ceremonial y otros usos, que sobrepasan el ámbito de lo que podría ser considerado como gramática, responde a una necesidad existente entre los estudiantes y comúnmente aceptada por los manualistas” (Sánchez 1992: 166).

O el caso de Christian Gottfried Hase, quien en 1750 publicó su método del francés, italiano e inglés, convencido además de la utilidad del estudio de la lengua para llegar a la verdad y al entendimiento: “Es wird vermuthlich alsdenn auch das Vorurtheil wegfallen, welches man hat, wenn man glaubt, daß bei der Untersuchung der Sprachen keine Ausbesserung des Verstandes statt finde, oder derselbe dadurch wol gar verdunkelt und unvollkommen werde, indem sich klar zeigen wirrd, daß die erste und leichteste anwendung der Grundwahrheiten auf Sprachen geschiehet, und daraus der Verstand am leichtesten gebildet werde, seine Kräfte alsdenn weiter mit Nutzen zu versuchen, da noch dieser besondere Vorteil alsdenn dazukommt, daß durch solche Erkenntniß der Sprachen einem schon der Weg geöfnet wird, mehr in die Wahnheiten einzudringen, die von andern bereits entdeckt worden“ (apud Hüllen 2005: 71).

Y también Pierre Nicolas Chantreau, autor del Arte de hablar bien Francés o Gramática completa del francés para uso de los españoles, publicada en Madrid en 1781: “[…] dividida en tres partes. Trata la primera de la pronunciación y de la ortografía, la segunda de la analogía y valor de las voces, y la tercera de la construcción y sintaxis: Con un suplemento que contiene una nomenclatura muy amplia, las frases más precisas para romper en una conversación, un tratado de la propiedad de las voces, y algunas observaciones sobre el arte de traducir, etc. etc. etc. sacado todo de los mejores maestros como: Wailly, Du Marsais, Port-Royal, Fromant, Condillac, y demás escritores citados en esta obra” (Suárez 2008: 138).

Al margen de estas gramáticas concebidas en la línea de la de Port-Royal, igualmente interesante resulta la influencia de la obra de

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otros autores particulares, quienes comienzan a firmar con sus nombres nuevos enfoques metodológicos, nuevas gramáticas de corte práctico basadas en el empleo de ejercicios y de gran aceptación en las escuelas de Europa. Tal fue el caso de la ya mencionada anteriormente Grammatica Anglicana concentrata de Theodor Arnold de 1736, por ejemplo: “El tratamiento de la gramática en cuanto tal no ofrecía otras novedades que la inclusión en el libro de prácticas sobre los temas gramaticales tratados. Los ejercicios no se presentaban en bloque, al final del manual, sino puntualmente, en cada lección, una vez que se habían expuestos las reglas y aquéllos consistían en traducciones de frases o temas relacionados con las partes de la oración” (Sánchez 1992: 203-304). O, ya más tardíamente, del manual de lengua francesa para alemanes de J. Valentin Meidinger, Praktische Französische Grammatik, wodurch man diese Sprache auf eine ganz neue und sehr leichte Art in kurzer Zeit gründlich erlernen kann (Fráncfort del Meno, 1783), el cual constituye uno de los primeros modelos del nuevo método seguido en los manuales en este siglo: “the sentence-based approach to language teaching” (Howatt 1991: 323), conocido como el método de gramática y traducción. Entre otros seguidores de este método se encuentra J. C. Fick con su Praktische englische Sprachlehre für Deutsche beyderley Geschlechts.

Nach der in Meidingers französischen Grammatik befolgten Methode (Erlangen, 1793).

Superada la primera mitad del siglo, no obstante, no siempre son acertadas determinadas generalizaciones a la hora de hablar de la historia de la disciplina de las lenguas extranjeras en Europa y, si bien las distintas corrientes se reflejan de forma similar en los materiales didácticos en unos países y otros, para poder ilustrar la evolución de estos de forma concisa, nos vemos en la obligación de singularizar. En este sentido, un caso especialmente representativo lo constituye el español en Alemania, como testimonio del interés de un país por otra lengua distinta a la francesa o a la inglesa. Nos serviremos de él para mostrar a continuación la aparición de los nuevos manuales que se comienzan a elaborar en este siglo, en los que se recurre a la traducción porque la tendencia es enseñar o bien en la lengua del alumno, o bien en francés.

Tras un relativo vacío de varios años, a partir de la segunda mitad de siglo una serie de factores y nuevas circunstancias facilitan y

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estimulan la elaboración de nuevas obras que testimonian el interés de los alemanes por aprender la lengua española –un interés renovado, pues no debemos olvidar la enorme influencia ejercida por esta lengua en toda Europa en los siglos anteriores–; entre otras cuestiones, recordamos el año 1782, momento en el que se iniciaron las relaciones diplomáticas entre Prusia y España.

De esta segunda mitad de siglo son las siguientes obras, que recogemos en orden cronológico: Grundsätze zur Erlernung der spanischen Sprache (Viena, 1777) de Fernando Navarro, kurz gefasste spanische Grammatik (Erfurt, 1778) de Friedrich Gottlieb Barth, Manual de la lengua española para principiantes o handbuch der spanischen Sprache für Anfänger (Leipzig, 1790) de Friedrich Justin Bertuch, Spanische Sprachlehre und Chrestomathie (Helmstedt, 1790) de Giovanni Battista Calvi, La excelente puerta de las lenguas, o introducción al estudio de ellas por muchísimas descripciones de cosas corporales y morales (Leipzig, 1794) de Luis Henrique Teucher, la parte español-alemán del Diccionario Español y Aleman oder handwörterbuch der spanischen Sprache für die Deutschen (Leipzig, 1975) de Ernst August Schmid, Spanisches Lesebuch für Anfänger (Hamburgo, 1793) y Spanische Sprachlehre, nebst Übungen zur Anwendung der Grundsätze, der Wortfügung und der Schreibart der spanischen Sprache, mit einer Einleitung in die Grundsätze der spanischen Sprache (Leipzig, 1795) de Johann Daniel Wagener, Manual para los Negociadores Españoles y Alemanes, oder Spanisches Lesebuch für den kaufmann (Leipzig, 1797) de Friedrich Benjamin Bucher y Spanisch-deutsche Gespräche über Gegenstände des gemeinen Lebens, der Politik, und der handlung (Dresde, 1799) de Christian August Fischer.

Sin extendernos en detalles18, para comprender la naturaleza y el alcance de algunas de estas obras, conviene conocer al menos las siguientes cuestiones: el manual de Bertuch no es una gramática, sino una colección de ejercicios elaborados a partir de textos literarios concebida para “que los alemanes tengan acceso a la literatura española” (Sánchez 1992: 163); La excelente puerta de las lenguas de Teucher incluye un índice de vocablos español y alemán, pensando en el lector alemán (cf. Niederehe 2005: 287); el handwörterbuch o diccionario manual de Schmidt está prologado por Bertuch, quien lo presenta como el primer diccionario español-alemán publicado hasta el momento; y las obras de Bucher y Fischer testimonian el reforzamiento

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de las relaciones entre España y Alemania hacia finales de siglo y la mayor fluidez del intercambio en el terreno comercial entre españoles y alemanes.

De todos ellos, el autor más representativo de estos años fue el teólogo, notario, traductor, lexicógrafo y profesor de español, además de portugués y de italiano, Johann Daniel Wagener. Con él comienza además la particular andadura de la enseñanza del español en Alemania en el siglo XIX, pues en el año 1800 ve la luz su Neues und vollständiges Spanisch-Deutsch und Deutsch-Spanisches Wörterbuch, el primer gran diccionario bilingüe conocido que contiene este par de lenguas19.

En definitiva, el seguimiento de la aparición de estas obras, además de la naturaleza concreta del interés de los alemanes por aprender español, nos sirve para entender la importante evolución que experimentan las obras didácticas ya a finales del siglo, como preámbulo de lo que está por llegar, un nuevo periodo que está a punto de comenzar en la historia de la enseñanza de lenguas extranjeras y que cuenta ya con algunos de sus principales maestros, como Arnold o Meidinger.

4. REFLEXIÓN COMPLEMENTARIA Y CONCLUYENTE SOBRE ESTE PERIODO La característica principal de este periodo en la historia de la enseñanza de lenguas extranjeras es, pues, el descenso del interés por las lenguas clásicas frente al auge de las lenguas modernas. Y en este sentido, es justo reconocer las ideas aportadas por determinadas figuras destacables, muchas de ellas provenientes del ámbito de la Filosofía, como el inglés John Locke (1632-1704), padre del Empirismo, quien destaca como precursor con su trabajo Some thoughts concerning education, en el que critica la enseñanza del latín, que no persigue fines prácticos –actividades comerciales, industriales, etc.– y propugna la enseñanza del francés. Locke pensaba que las reglas no existen y que la lengua se debe a la casualidad y al uso que se haga de ella, mostrándose así como defensor del método directo imitativo del habla corriente o, lo que es lo mismo, a favor de un aprendizaje natural de las lenguas extranjeras, que implica aprenderlas preferiblemente hablando y leyendo.

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Junto a él, entre otros pensadores destacables se encuentran Francis Bacon (1561-1626) con su libro The Advance of Learning, en el que resalta el valor de los métodos inductivos frente a los deductivos; el alemán Wolfgang Ratke (1571-1635), precursor del realismo pedagógico naturalista, defensor de una didáctica basada en el método natural y duro crítico de los métodos tradicionales de enseñanza de lenguas, artes y ciencias; René Descartes (1596-1650), fundador de la filosofía moderna y autor de varias obras20 en las que vertió interesantes reflexiones sobre la lengua que han tenido influencia en autores posteriores de enorme importancia, como Chomsky y los seguidores de la gramática transformacional; y en el ámbito no sólo teórico, sino también en el práctico, no debemos dejar de mencionar a otro importantísimo precursor: Jan Amos Komenski (1592-1670) –Juan Amós Comenio, en castellano–, defensor de que todas las lenguas debían ser aprendidas con la práctica, mejor que con las reglas, y principalmente leyendo, repitiendo y copiando, con ejercicios de imitación, tanto escritos como orales, y concediéndole prioridad a enseñar a hablar para después llegar a leer y a escribir. Dedicado a la enseñanza de la lengua latina, en sus obras teorizó y puso en práctica sus novedosas ideas pedagógicas; de ellas interesa destacar aquí principalmente su Orbis Sensualim Pictus (Núremberg, 1658), en la que acompaña las palabras con grabados, convirtiéndose así en pionero en el empleo del texto ilustrado.

Otra obra de referencia es la Grammaire générale et raisonnée, a la que nos hemos referido con anterioridad. Es un ejemplo sumamente interesante, porque pocas veces la gramática de una lengua particular ha experimentado una aceptación internacional tan grande como ella, pues se editó en dieciocho ocasiones entre los años 1660 y 1846. La aplicación de esta gramática al francés y a otras lenguas europeas condujo a pensar que la enseñanza y el aprendizaje de lenguas, además de para aprender una lengua determinada, también podía servir para conocer los procesos universales del espíritu humano (cf. Hüllen 2005: 70-71). Se la conoce como la gramática de Port-Royal, pues es la más famosa dentro del grupo de gramáticas filosóficas de la época, concebidas bajo la convicción de la existencia de una gramática universal basada en las leyes de la razón y subyacente a la estructura de todas las lenguas. Como advierte Parkinson: “Esta búsqueda había empezado mucho antes del siglo XVII pero fue en éste en el que

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aumentó en interés, formando parte del debate general entre el racionalismo y el empirismo que sostenía que todo conocimiento humano procede de la experiencia” (Parkinson 1980: 12)21.

Lancelot, uno de los gramáticos más conocidos de esta escuela, es artífice, además, de un nuevo método, tal como también mencionábamos anteriormente. En el prólogo a su Nouvelle Méthode para enseñar griego expresa los fundamentos de su metodología del siguiente modo: “Son tres los hechos que contribuyen al conocimiento de la lengua: la primera es un adecuado conocimiento de la gramática; la segunda el aprendizaje de las palabras. Y la tercera, estar familiarizado con la construcción de la oración; sin estos requisitos es imposible lograr un buen dominio de cualquier lengua” (apud Sánchez 1992: 111).

Y ya en el siglo XVIII, destaca el papel de los ilustrados interesados por el origen del lenguaje y de las lenguas, como los franceses Étienne Bonnot de Condillac (1714-1780) y Jean-Jacques Rousseau (1712-1778) o el de los alemanes Gottfried Wilhelm von Leibniz (1646-1716) y Johann Gottfried von Herder (1744-1803), con mayor repercusión en el siglo posterior. Leibniz es una de las figuras más influyentes en los trabajos lingüísticos de este siglo y precursor de muchos de los que continuarían apareciendo en el siglo XIX. Fue el primero en interesarse por la genealogía lingüística, anticipándose en esta línea de investigación a los trabajos sobre el indoeuropeo llevados a cabo en el siglo XIX, y fue también un gran defensor de todas las lenguas, además del latín o del francés, porque igualmente son válidas como lenguas literarias.

Herder, por su parte, en su ensayo Abhandlung über den Ursprung der Sprache o Sobre el origen de la lengua, publicado en 1772, niega el origen divino de la lengua y defiende que toda lengua está relacionada con el pensamiento y, de tal modo, que el estudio de una lengua posibilita la comprensión del pensamiento y de la literatura del pueblo que la emplea. Se trata, en definitiva, de la idea adoptada por los románticos a finales del siglo de que la lengua refleja el carácter de la nación que la habla; en palabras de Robins: “Estas ideas ya habían sido expresadas anteriormente, pero ahora, al iniciarse el Romanticismo europeo y en especial el alemán, las fuerzas nacionalistas europeas, que

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casi se convirtieron en el motivo dominante de la política del siglo XIX, reafirmaron el carácter individual de las lenguas de cada nación y sus íntimas relaciones con el pensamiento nacional, con la literatura nacional y con la solidaridad nacional, e iniciaron una línea continua dentro de las teorías lingüísticas” (apud Parkinson 1980: 16).

Otros casos más o menos conocidos son los protagonizados a lo largo de estos dos siglos por aquellos maestros que incorporaron en sus manuales sus propias teorías sobre cómo enseñar y aprender una lengua, como los de los también citados con anterioridad William Bathe o Juan Ángel de Zumaran, por ejemplo. O por quienes tan solo se limitaron a poner en práctica sus ideas metodológicas, como el jesuita Ignacio Weitenauer.

Bathe distingue entre los dos métodos siguientes dentro del proceso de enseñanza y aprendizaje de cualquier lengua: el regular y el irregular; el primero consiste en “el análisis de la gramática, en el aprendizaje y la memorización del vocabulario y en la construcción de oraciones mediante la aplicación de las reglas gramaticales explicitadas” y el segundo “es el seguido por quienes aprenden una lengua leyendo y hablando, prescindiendo del aprendizaje de la gramática y de sus reglas” (Sánchez 1997: 63). Y propone una “vía media” que los aúna en su Ianua y que puede definirse así: “Una vía de equilibrio entre los dos extremos apuntados. Bathe no pretende utilizar las explicaciones gramaticales por un lado y apoyarse en la lectura y diálogos por otro. Más bien intenta llegar al dominio de una lengua por vía inductiva, pero ordenando y seleccionando el material docente y guiándose por criterios propios de la vía deductiva” (Sánchez 1997: 64).

Zumaran, como hemos tenido ocasión de saber, es el iniciador de la tradición de la enseñanza de la lengua española en alemán. Pues bien, a través de sus libros podemos saber que para él la tarea del maestro es la de enseñar las lenguas para que quien las aprenda pueda “llegar a la perfección de las lenguas”. Para ello no es suficiente con un conocimiento derivado del uso y resulta imprescindible una enseñanza mediante reglas, que gira en torno al estudio de la gramática como eje principal. Su empleo como manuales, como el medio o la herramienta de trabajo con la que cuentan maestros y alumnos, presupone el enfoque de una enseñanza de las lenguas fuertemente dirigida por el

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profesor y centrada en el estudiante, a quien se le confiere un papel activo de gran importancia en el proceso de aprendizaje, haciéndole responsable de su resultado, y llevada a cabo en un entorno escolar donde, durante un periodo de medio año aproximadamente, es adquirida como extranjera (cf. Corvo 2007: 78). Todo ello para aprender a leer, pronunciar, comprender y hablar la lengua y construir frases o “hacer argumentos”. Según Zumaran, a leer se aprende conociendo las letras, sus combinaciones y su pronunciación; a pronunciar se aprende por imitación, escuchando al maestro; comprender la lengua implica comprender los fundamentos de la gramática, su vocabulario básico y sus formas verbales; y de ese modo se puede aprender a hablar y a “hacer argumentos” o, lo que es lo mismo, escribir correctamente.

Perfeccionar el conocimiento adquirido con la ayuda del maestro corresponde a un nivel más avanzado que corre por cuenta del alumno en el país extranjero, donde la lengua que es medio de comunicación desempeña un importantísimo papel como vehículo de instrucción.

El jesuita Ignacio Weitenauer es autor de la obra de 1762 titulada hexagloton sive modus addiscendi intra brevissimum tempus lenguas: gallicam, italicam, hispanicam, graecam, hebraicam, chaldaicam, anglicam, germanicam, belgicam, latinam, lusitaneam et syricam, en la que “se vale del método comparativo y de la traducción interlineal” (Sánchez 1992: 189).

En definintiva, en este periodo comienza un debate sobre la metodología, que llegará hasta nuestros días. En la práctica, no obstante, y a pesar de los ‘nuevos productos’, no podemos hablar de grandes innovaciones metodológicas en los siglos tratados, en los que básicamente se persigue un aprendizaje funcional de las lenguas y para ello los maestros siguen recurriendo a las gramáticas, los vocabularios o los diálogos en sus manuales, siguiendo la inercia de una costumbre asentada desde mucho antes en la que confluyen las dos grandes tradiciones metodológicas en la enseñanza de lenguas extranjeras, la gramatical y la conversacional. En palabras de Renzo Titone: “Si possono individuare due correnti opposte nell`insegnamento lingüístico tra il Rinascimento e l`Ottocento. La miglior pratica pedagogica in questi secoli seguiva il buon senso e non era ancora stata infetta dal virus del “grammaticalismo” formale: in altre parole, era ancora abitudine comune insegnare le lingue tramite il contatto dal

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vivo […]. La seconda tendenza nell`insegnamento lingüístico postrinascimentale aveva già incominciato ad essere formalizzata in un insegnamento sistematico della gramática basato su paradigma, tabelle, declinazioni e coniugazioni” (Titone 1980: 59).

Las novedades más destacables, en cualquier caso, se dan en el conjunto del material lingüístico que aparece a lo largo del siglo XVIII, momento en el que se empieza a conceder muchísimo valor a la traducción desde la lengua materna a la extranjera y se arraiga así el método gramatical traductivo en la enseñanza de las lenguas modernas, basado en el aprendizaje de las reglas gramaticales con ejemplos y en la traducción, a imitación de la enseñanza del latín y del griego.

NOTAS Más en detalle, consúltese Corvo 2010a: 152 y 174.

Publicados en esta revista a partir del año 2004.

3 Remitimos a los trabajos de Corvo 2010a y 2010b, que complementan este tema.

4 De estas obras ya tratamos con anterioridad: véase Corvo 2010a: 165 y ss.

5 Hüller ofrece una corta, pero precisa aclaración sobre la dificultad de distinguir entre las diferentes ediciones de esta obra: véase Hüller 2005: 54-55.

6 Sus ediciones bilingües y multilingües continuaron apareciendo de manera constante. La última edición bilingüe francesaflamenca, por ejemplo, es la impresión que de ella hace A. Hollander en Lilla en 1703 y de la docena de ediciones que contienen el alemán en lugar del flamenco, la última conocida es la del impresor J. P. Waalpot, aparecida en Delft en 1645 (cf.

Gallina 1959: 76). Remitimos a las páginas 87-91 del trabajo de esta autora, en las que puede consultarse una completa relación de las ediciones conocidas por combinación de lenguas.

7 Véase en Corvo 2010a: 168.

8 Véase en Corvo 2010a: 161.

9 Cf. Lope 1990: 37 y Alvar 1991: 10. Sobre cuestiones de originalidad y plagio en relación con este diccionario, consúltese Cooper 1960.

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Otras colecciones multilingües de refranes conocidas son: la de 1605 de Megiser, con un total de once lenguas; la obra en tres tomos sobre refranes en griego antiguo, alemán, neerlandés, italiano y español de Gruterus de 1610 o el Proverborum trilinguium collectanea latina, itala et hispanica publicado por Floriato en 1636 (cf. Haensch 1991: 2915).

11 De modo ilustrativo remitimos a los trabajos de Corvo 2003: 44-50 y 2006: 807-813, en los que se tratan los casos del español y del alemán.

12 Remitimos a los trabajos de Corvo 2005 y 2007 para una primera consulta y para una consulta más completa, respectivamente.

13 Aparecido posiblemente con motivo de la boda en 1667 del Emperador Leopoldo I con su sobrina la Infanta española Margarita Teresa, hija de Felipe IV y de la archiduquesa Mariana, hermana de Leopoldo I. Es una edición en cinco lenguas de Das Newe Sprachbuch de 1621 de Zumaran muy parecida a la de su Thesaurus de 1626 y en cuya anteportada se lee: “Thesaurus Quinque linguarum, aliarumque memorabilium, et Cuicunque Semper et ubique utilium annotationum”. Esta obra, en aparencia anónima (cf. Niederehe 1999: 202), es presentada al público en las hojas preliminares por Joannes à Schweitzeren como una edición preparada por encargo real, tal y como lo testimonian las últimas dos hojas del prólogo firmadas por el consejero J. Walderode, donde expresamente se recuerda el nombre del autor de la obra del original del que parte este trabajo: “IOANNE ANGELO SUMMERAN CANTABRO” y “Summerani Thesaurum.”(9r) (apud Corvo 2007: 53).

14 Como ya tuvimos ocasión de tratar al hablar, por ejemplo, de la Vtil y breve Institution para aprender los principios y fundamentos de la lengua española (Lovaina, 1555), redactada en castellano, francés y latín. Véase Corvo 2009a: 223.

15 De la obra de Bathe ya nos ocupamos al hablar de la enseñanza de la lengua latina: consúltese en Corvo 2009a: 224 y ss.

16 Instituciones religiosas y pedagógicas fundadas en 1637 y disueltas en 1661.

17 El Racionalismo francés y el Empirismo inglés constituyen la base filosófica de la Ilustración.

18 Más sobre todos ellos puede consultarse en Corvo 2009b.

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Más en detalle puede consultarse en Corvo 2008b: 126-127 y 133.

Entre otras, el Discurso del método (1637) y Meditaciones metafísicas (1641).

21 Por citar algún caso del siglo XVII, por ejemplo, el de Amaro de Roborado con su Méthodo gramatical para todas as linguas de 1619, en el que defendía la idea de poder dictar normas comunes para todas las lenguas.

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OBRAS CITADAS Alvar Ezquerra, M. 1991. “Antiguos diccionarios plurilingües del español” en Lépinette et al. (eds.) Actas del 1er Coloquio Internacional de Traductología. Valencia: Universidad. 7-14.

Cooper, L. 1960. “Girolamo Vittori y César Oudin: un caso de plagio mutuo”. Nueva Revista de Filología hispánica XIV. 3-20.

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2009a. “Historia y tradición en la enseñanza y aprendizaje de lenguas extranjeras en Europa (VI): Edad Moderna – La reforma humanística de la lengua latina y de su enseñanza”.

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2009b. “El foco alemán: gramáticas y otros libros para extranjeros” en José J. Gómez Asencio (dir.) La gramática española en el siglo XVIII (1700-1835). Burgos: Instituto de la Lengua castellano y leonés. En prensa.

2008a. “[…] (V): Edad Media – Las otras lenguas, vernáculas, sapienciales y religiosas”. Babel-AFIAL 17, 233-252.

2008b. “Breve Historia de la Lexicografía Bilingüe Española y Alemana hasta el siglo XIX” en Manuel Bruña Cuevas (coord.)

Lexicografía bilingüe y plurilingüe del español (siglos XV-XIX), vol.

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2007. “[…] (IV): Edad Media – La enseñanza del latín”. BabelAFIAL 16, 151-178.

2006. “[…] (III): Antigüedad clásica – Roma”. Babel-AFIAL 15, 43-64.

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Zumaran, J. A. de. 1617. Tyrocinivm gallicvm, italicvm et germanicvm: profitentibvs ac discentibvs hasce lingvas vitilissimvm et apprime necessarivm. Opus novvm, ex probatis avtoribvs collectvm, & ante hac in talem formam & ordinem nunquam redactum. adivnctis non minvs vtilibvs et ivcvndis dialogis, ac nomenclatura præfatarum linguarum.

Múnich. Imprenta: Anna Bergia Vidua.

1621. Das Newe Sprachbuch. Liure & instruction pour apprendre les langues. Libro fondamentale per le lingue. Libro muy prouechoso para aprêder las lenguas. Múnich. Imprenta: Bergia Vidua.

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Normas de redacción

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Cada resumen debe ir seguido de las palabras clave en las que se enmarca la investigación del artículo en los dos idiomas escogidos.

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Si el artículo resultase aceptado, se enviará por correo electrónico en un solo archivo a la dirección arriba indicada. Este archivo debe contener: el título del artículo, el nombre del autor, la institución a la que pertenece, el correo electrónico, el resumen en inglés, las palabras clave en inglés, el resumen en español/ gallego, las palabras clave en este idioma y finalmente el texto del artículo, seguido de las notas y las obras citadas.

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Normas de redacción

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Graham, J.W. 1975 “Point of view in The Waves: Some services of the style en S. Lewis, ed. Virginia Woolf. A Collection of Criticism. New York: McGraw-Hill Guiora, A., R. Brannon y C.Dull. 1972 “Empathy and second language learning”. Language Learning. 22:111-130

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