Arteria_Edicion22

1 Carmen María Jaramillo “Los relevos generacionales y los cambios de presupuestos artísticos no tuvieron en Colombia el carácter de lucha belicista que impusieron las vanguardias en Europa”.

Págs. 6 - 8.

Año 5 # 22. Enero - Marzo 2010 25.000 Ejemplares Impresos.

Distribución gratuita ISSN: 1794-9653 Versión descargable en PDF www.periodicoarteria.com

“El mundo está lleno de pequeñas alegrías: el arte consiste en saber distinguirlas”.

Li Tai-Po

Informaciones, opiniones y todo lo que necesita saber sobre el arte en Colombia.

MAMBarranquilla: La Metáfora del “Espacio Museo”

Cortesia: Museo de Arte Moderno de Barranquilla

Más allá de una visión institucional, el MAMB tiene que convertirse en el espacio de los nuevos artistas y generar un proceso crítico en la ciudad. En palabras de su curador, Álvaro Barrios: El Museo aspira a ser una meta, no un trampolín de los que empiezan. Pág. 14.

MAMBucaramanga: Tiempo de Proyectarlo en el Futuro Uno de los potenciales con que cuenta el Museo es que su entorno en general es agradable. Sin embargo las dos salas que posee y que corresponden a adecuaciones de habitaciones de una casa republicana, aunque son bellas, no son suficientes para exposiciones ambiciosas y sobre todo, para propuestas instalativas o performáticas de artistas que planteen sus obras con criterios espaciales y formatos más exigentes. Pág. 15.

Cortesía: Dominique Rodríguez

MAMBogotá: Mal Envejecido Cortesía: Germán Toloza

Los problemas del MAMBo no se limitan a una cuestión de falta de espacio o a una permanente urgencia económica, excusas siempre argüidas por sus directivas, sino que parece como si hubiera perdido, hace rato, su alma y su rumbo. Págs. 12 - 13.

Obra: Hair Leal. Cortesía: Tres Lugares Comunes

13 Salones Regionales de Artistas

Los ‘Salones Regionales de Artistas’ son un programa formativo de laboratorios de investigacióncreación, que hacen parte del proyecto ‘Salones de Artistas’ coordinados por la Dirección de Artes del Ministerio de Cultura. Pág. 4 - 5.

Cortesía: Johanna Arenas

Trueque Creativo

Creado como espacio de intercambio entre artistas, ‘Trueque Creativo’ promueve el arte, la arquitectura y el diseño con responsabilidad social. Actualmente ARTERIA prepara la versión 2010 a realizarse en Bogotá. Pág. 9.

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periodicoarteria.com

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EDITORIAL

Fortalecer la divulgación y promoción de las artes y generar estrategias que faciliten el accionar de los protagonistas del medio artístico han sido algunos de objetivos perseguidos por Arteria como publicación y a través de sus eventos como Fundación.

22 ediciones publicadas de nuestro periódico y cinco realizaciones consecutivas de Nuskool han sido parte fundamental del crecimiento de lo que sigue siendo un proyecto de construcción en equipo. Del trabajo y unión y de las coincidencias de intereses, hemos logrado incrementar la red de circulación además de continuar nuestra participación en eventos internacionales de las artes.

Llegamos a 2010 con la confirmación de la presencia de Arteria en las ferias MIA a desarrollarse en Miami y Art Palm Beach, también en la Florida, durante el mes de enero, eventos en los cuales además de presentar la publicación, Arteria exhibe y promociona las obras de los diferentes artistas vinculados a nuestra labor a través de Nuskool. El centro de documentación de la Fundación abrirá sus puertas al público durante la primera semana del mes de marzo, mientras que durante la segunda quincena de febrero, entrará en actividad la página web www.fundacionarteria.org la cual, junto a www.periodicoarteria.com, ya en funcionamiento, serán las encargadas de informar acerca de los eventos y proyectos de Arteria. Seguros de que nuestro crecimiento solo ha sido posible en la unión de esfuerzos y en la suma de intereses e intenciones de evolución del medio artístico, seguimos atentos a la recepción de sugerencias y opiniones de quienes como lectores y amigos nos ayudan a mantenernos en pie y en continuo desarrollo.

sus sugerencias y comentarios son importantes Opine en: www.periodicoarteria.com

Directora Nelly Peñaranda R. nelly.penaranda@periodicoarteria.com

Correo

Asistente Nathalia Leal.

Sin el ánimo de discrepar, quiero hacer una acotación al ameno artículo: “La franquicia del arte contemporáneo” del señor Lucas Ospina.

Escenilla cuatro.

Hay que admirar los ardides de algunos directores de galerías de “arte contemporáneo” que, con la colaboración de algún “iluminado” de la provincia, logran que los museos regionales de arte muestren a sus pupilos.

Desafortunadamente, si los tejemanejes de la gestión se parecen a la comedia, los resultados son trágicos por varias razones: Primero. Porque los escasos recursos económicos de los museos de provincia, en lugar de beneficiar a su comunidad, terminan, de forma indirecta, beneficiando a una empresa comercial.

Segundo. Porque dada la acreditación de los museos regionales y por la carencia de otros parámetros, las comunidades regionales asumen por paradigmas del arte contemporáneo a los balbuceos de personas que aún no han consolidado su trabajo.

Tercero. Porque el respaldo irrestricto a lo gestado en la “capital” frustra el desarrollo de los artistas en formación de la provincia.

Desafortunadamente, la “farzándula” continuará …

Atentamente.

Antonio Caro.

Coordinador Editorial Andrés Cabrera Higuita. andres.cabrera@periodicoarteria.com Consejo Editorial Jaime Cerón, Carlos Andrés Hurtado, Jose Roca, María Belén Sáez de Ibarra.

Colaboran en esta edición Johanna Arenas, Fernando Arias, María Sol Barón, Claudia Liliana Bueno Mendoza, Valeria Castillo, Jonathan Colin, Danny González Cueto, Humberto Junca, Mariangela Méndez, Juanita Monsalve, Rocío Polanía Farfán, Gloria Posada, Dominique Rodríguez, Fernando Toledo, Germán Toloza, Eduard Velasco, Grupo EsteLadoArriba.

Asesor financiero Enrique Narváez Castillo. kke@periodicoarteria.com Concepto Editorial Paulo Ramírez.

Diseño Gráfico Manuela Calle. manuela.calle@periodicoarteria.com Fotografía Óscar Monsalve.

Representante de ventas Margarita Castro. margarita.castro@periodicoarteria.com Suscripciones: $22.000 Bogotá. $34.000 resto del país.

1 año (4 ejemplares) Contactos: info@periodicoarteria.com periodicoarteria@gmail.com periodicoarteria@yahoo.com Las opiniones expresadas en los artículos y correos del Periódico Arteria son responsabilidad de cada uno de los autores.

Periódico Arteria es una publicación de Colombian Art Crafts Ltda.

Carrera 7 # 17 - 01 Ed. Colseguros Cra. 7 - Of. 927 Tel. 57 (1) 286 1605 Telefax. 57 (1) 342 2937 Bogotá - Colombia

Por: Nelly Peñaranda

Nicolás Castro joven de 23 años, estudiante de Bellas Artes de la Universidad Jorge Tadeo Lozano (Bogotá- Colombia) fue arrestado por la policía en su casa el día 2 de Diciembre de 2009, acusado de haber abierto un grupo en la red social de internet Facebook con el nombre “me comprometo a matar a Jerónimo Alberto Uribe hijo de Álvaro Uribe”. Se le acusó de Instigación para

delinquir con agravante en homicidio.

Por tal razón desde el día 3 de diciembre Nicolás está en la Cárcel La Picota de Bogotá esperando a ser Juzgado.

Quienes lo conocemos podemos decir que Nicolás no sería capaz de atentar contra la vida de un ser, o incitar a otros a hacerlo. Sus expresiones siempre han sido pacíficas cuando ha expresado su desacuerdo con diferentes situaciones, como en el caso del maltrato animal, la desprotección a la infancia o cuando ha manifestado su posición frente al consumo; razones por las cuales decidió ser vegetariano y no apoyar las corridas de toros, participar de proyectos sociales que van a favor de la niñez, organizar venta de frutas y alimentos saludables dentro de la Universidad Jorge Tadeo Lozano -como manera de generar opciones de consumo dentro del estudiantado-, entre muchas otras acciones que realiza en su diario vivir y dan cuenta de las cualidades humanas de Nicolás. Los Amigos de la Libertad de Nicolás Castro apoyamos las palabras que él pronunció durante su primera audiencia: “Yo solamente soy un estudiante, no soy un instigador ni un terrorista” “El Cartero” Es una acción artística desarrollada en conjunto por Los Amigos de la Libertad de Nicolás, un grupo de estudiantes de la Universidad Jorge Tadeo lozano, varios estudiantes de la ASAB y algunos artistas. Esta consiste en la escritura de una carta sobre Nicolás Castro, estudiante de artes, amigo y compañero de clase.

“El Cartero” espera liberar este mensaje escrito, distribuyéndolo e invitando a quien lo reciba, a replicar el mensaje y adherirse al grupo de carteros que empezarán su actividad el 26 de enero, durante la audiencia pública del juicio de Nicolás y de igual forma el día martes 2 de febrero, como parte del conversatorio sobre arte y libertad de

expresión propuesto por la ASAB a las facultades de arte de Bogotá, durante las actividades que la institución ha dispuesto para la muestra de proyectos de grado de los estudiantes. amigosdelalibertaddenicolas@gmail.com http://amigosdelalibertaddenicolascastro. wordpress.com/ Facebook: Amigos de la libertad de Nicolás Castro.

Convocatorias Nacionales IX Festival Internacional de la Imagen El Departamento de Diseño Visual de la Universidad de Caldas invita a todos los interesados a participar del IX Festival Internacional de la Imagen que se realizará entre el 13 y el 17 de abril de 2010 en la ciudad de Manizales.

Mayores Informes: Universidad de Caldas, Facultad de Artes y Humanidades, Departamento de Diseño Visual.

Tel (6) 8781500 ext. 12107 www.festivaldelaimagen.com, info@festivaldelaimagen.com.

Exposiciones virtuales 2010 La Fundación Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo abrió la convocatoria ‘Espacio Virtual’. Invitación exclusiva para artistas de la región Caribe que busca visibilizar los trabajos plásticos de nuevos lenguajes como el performance, videoarte, fotografía digital, animación digital y 3D, net art y arte para internet.

Fecha límite: 24 de febrero Mayores Informes: prensalab@espaciosalternativos.org www.espaciosalternativos.org, www.museobolivariano.org.co.

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NOTICIAS IV Premio Internacional Fundación María José Jove La Fundación María José Jove convoca al IV Premio Internacional de Artes Plásticas, dirigido a artistas menores de 35 años de cualquier nacionalidad o residencia. La temática y la técnica para participar en el Premio son libres.

Cada artista podrá presentar un máximo de dos obras originales y propias, en cualquiera de las siguientes disciplinas: pintura, escultura, fotografía, grabado y nuevas disciplinas con un formato límite de 200 x 200 centímetros.

Premio: 27.000 euros.

Fecha límite: Abril 30 Mayores informes: www.fundacionmariajosejove.org Artistas y creadores bogotanos serán afiliados a seguridad social El 18 de diciembre de 2009, el Gobierno Nacional promulgó el Decreto reglamentario N° 4947, que busca garantizar la cobertura de salud gratuita para creadores y gestores culturales en el país. El Decreto fue expedido por los ministerios de Cultura, Protección Social y Hacienda, a partir de la iniciativa y los estudios desarrollados por la Secretaría Distrital de Cultura, Recreación y Deporte y la Secretaría de Salud de Bogotá. La norma permitirá que 6500 artistas, creadores y gestores de bajos recursos gocen de los beneficios de salud que otorga el régimen contributivo,

mediante una serie de subsidios. Para el caso específico de Bogotá, la Alcaldía Mayor participará con un presupuesto anual de $2400 millones provenientes de recursos del sistema general de seguridad social en salud y del 10% de los recursos recaudados por concepto de la estampilla Procultura.

Diego Piñeros y Jaime Franco Ganadores del IV Salón de Arte Bidimensional Después de examinar las 57 obras que participan en el IV Salón de Arte Bidimensional y teniendo en cuenta los criterios de selección y premiación consignados en la convocatoria, el jurado decidió por unanimidad otorgar el primer premio a la obra “Escuchando a Páramo” de Diego Piñeros y el segundo premio a la obra “II Vestigio” de Jaime Franco.

Cátedra Francisco Antonio Cano La propuesta académica y cultural del Museo de Antioquia que acompañará la exposición “Ante tus ojos”, de Francisco Antonio Cano, estará acompañada por charlas, conferencias y conversatorios que conforman éste ciclo, se harán los jueves, a las 6:30 p.m. en la Sala del Concejo, Sede Principal del Museo de Antioquia. La primera de ellas sera: Visión panorámica de la vida y obra de Francisco A. Cano y estará a cargo del investigador Santiago Londoño. La entrada es libre.

Galería Espacio Alterno-Uniandes

Uniandinos, conciente de la importancia de la artes, reinagurará el en próximos días el nuevo espacio de Galería Espacio Alterno, y continuará con la agenda de exposiciones, que como siempre seguirán acompañadas de actividades culturales como talleres, conferencias y visitas guiadas. La Galería Espacio Alterno de la Asociación de Egresados de la Universidad de los Andes-Uniandinos, nació por iniciativa de un grupo de artistas y profesores del departamento de Artes Plásticas de la Universidad de los Andes hace más de 20 años. Desde entonces se ha encargado de la divulgación y el apoyo a las artes visuales en todas sus manifestaciones que van desde el dibujo y la pintura , hasta la instalación y las artes multimediales. La Galería ha albergado estudiantes, artistas consagrados, profesores y Maestros, que han demostrado una dedicación idónea a las Artes Plásticas, la mayoría con reconocimiento nacional y un buen número de ellos con consagración internacional.

Philagrafika 2010 Hasta el 11 de abril la ciudad de Filadelfia es sede de Philagrafika, el primer festival internacional que subraya el rol de las técnicas gráficas como una fuerza vital en el arte contemporáneo. Philagrafika 2010 presenta la obra de más de 300 artistas y grupos, reuniendo a 88

instituciones de arte de Filadelfia, entre otras, el Philadelphia Museum of Art, Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Moore College of Art & Design, The Print Center y Temple Gallery, Tyler School of Art, Temple University.

El festival se realizará en forma trienal, para ofrecer a un público regional, nacional, e internacional la oportunidad de ver arte contemporáneo que referencie al grabado en forma dinámica e inesperada. Philagrafika 2010 está bajo la dirección artística de Jose Roca, curador colombiano y miembro del comité editorial del Periódico ARTERIA. El equipo de curadores de Philagrafika 2010 incluye a: John Caperton, curador de grabado y fotografía del Print Center; Sheryl Conkelton, curadora independiente; Shelley Langdale, curadora asociada de grabado y dibujo en el Philadelphia Museum of Art; Lorie Mertes, directora/ curadora en jefe de las Galleries at Moore College of Art & Design; y Julien Robson, curador de arte contemporáneo de la Pennsylvania Academy of the Fine Arts.

El festival está divido en tres secciones: The “Graphic Unconscious”, constituirá el núcleo del festival y abordará la presencia del material gráfico en nuestra cultura visual; “Out of Print”, en la que cinco institutos históricos de Filadelfia mostrarán obras de destacados artistas, inspiradas en sus colecciones; e “Independent Projects”, con exposiciones de diversas temáticas.

Mayores informes: www.philagrafika.org

Espacio de INTERCAMBIO A partir de esta edición, el Periódico ARTERIA pone a servicio de sus lectores y seguidores la sección Espacio de Intercambio, un lugar que facilita la realización de transacciones de obras, objetos, materiales y demás elementos artísticos. Los interesados en conocer los valores de las piezas ofrecidas en este Espacio, o de ubicar en él objetos que deseen comercializar favor contactar directamente las oficinas de ARTERIA.

Bernardo Salcedo.

“Media pata”, 1999.

Ensamblaje, 31.5 x 12 x 11 cm.

Santiago Cárdenas.

Litografía, Ed. 3/19. 49 x 70 cm

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13 Salones Regionales Los ‘Salones Regionales de Artistas’ son un programa formativo de laboratorios de investigación-creación, que hacen parte del proyecto ‘Salones de Artistas’ coordinados por la Dirección de Artes del Ministerio de Cultura.

Los distintos propósitos y acciones tienen un doble énfasis: movilizar procesos (formativos e investigativos), y alcanzar productos que sinteticen y materialicen el pensamiento y la creación (obras, exposiciones, Salones). Estos proyectos curatoríales, tradicionalmente se focalizan en un plano regional y departamental.

Los ‘Salones Regionales’, como el nombre lo sugiere, intentan construir región, entendiendose como un sistema territorializado abierto y que construye su propia identidad económica, cultural, social y política.

ARTERIA invitó a los curadores de los distintos proyectos a presentar, en esta edición, los trabajos curatoriales que hacen parte de los 13 Salónes Regionales de Artistas de las regiones: Caribe, Centro, Centro-Occidente, Oriente, Orinoquía, Pacífico y Sur.

Región del Pacífico ‘Para verte mejor yo soy el otro’ Curaduría: Jim Fannkugen y Guillermo Marín.

Desde el año 2005, se viene realizando en la Facultad de Artes de la Universidad del Cauca, una muestra anual de video arte, donde los estudiantes de los talleres de video y multimedia, presentan resultados de sus procesos creativos, al interior de la misma facultad.

Cortesia: Jim Fannkugen y Guillermo Marín

En el año 2007 se le denominó ‘Para Verte Mejor’, y en su segunda versión incluyó otros espacios expositivos, artistas invitados y se reflexionó en torno al video y a la producción audiovisual en la región suroccidente.

Como parte de este proceso esperamos involucrar otros mecanismos de visibilización sobre la producción de video arte en los departamentos de Cauca, Chocó y Valle utilizando como metodología una convocatoria pública, talleres de formación y visita a artistas y realizadores en diferentes lugares de estos tres departamentos.

Debido a las particularidades de nuestra región, la tecnología se ha abordado desde la precariedad, y este ha sido un argumento, no una limitación, desde el video, su apropiación o manipulación. En esta ocasión, volvemos la mirada con el subtítulo ‘yo soy el otro’ y pretendemos reflexionar sobre la identificación del individuo en el otro, pues através del video nuestros artistas registran una variedad de vivencias que permean el lenguaje audiovisual tanto en la animación como en el documental, señalando subjetividades sociales, raciales, climáticas y por que no, económicas.

En esta ocasión como parte del Salón Regional Zona Pacífico la muestra incluye más de 20 artistas y estudiantes de las diferentes escuelas de arte de la región, se realizó entre el 16 y 18 de diciembre en la sala de Arte Contemporánea de la Universidad del Cauca, y en espacios publicos del centro histórico de Popayán.

Región Centro-Occidente - ‘MICROmacro’ Curaduría: Fernando Arias y Jonathan Colin ‘MICROmacro’ tiene que ver con la tendencia humana a relacionar las cosas del mundo con el propio tiempo biográfico y tamaño físico. En otras épocas, muy probablemente fue nuestra inhabilidad para comprender aquello ubicado más allá -o más acá- de esa escala humana lo que llevó a visiones de mundo y creencias limitadas, reflejo de nuestra propia incapacidad de imaginar. A 150 años de la publicación de ‘El Origen de las Especies’, los avances teóricos y experimentales en la biología molecular han confirmado las teorías de Darwin y, sin embargo, la mayor parte de la sociedad se esconde de estas realidades bajo un manto de fe, sostenido por ideas producidas hace siglos, incluso milenios.

Partiendo de esta realidad, ‘MICROmacro’ propuso a los artistas hablar sobre cuestiones que no vemos o “no queremos ver”. Se realizaron una serie de presentaciones en donde un bacteriólogo exponía aspectos del mundo micro. Con base en esta experiencia de observación se invitó a los participantes a presentar proyectos que abordaran la forma en que funcionan, o dejan de funcionar, la vida y la sociedad. En ese orden de ideas se incentivó para recibir posibles colaboraciones desde diferentes disciplinas sociales y científicas, ello con el fin de indagar por cuestiones significativas y que tuvieran que ver con los problemas que afectan al mundo. Algunos de estos procesos se llevaron a cabo en la región y son documentados en la exposición.

Once proyectos fueron seleccionados. Seis artistas fueron invitados sobre la base de su interés en procesos científicos y sociales. Seis escritores de diferentes áreas y disciplinas exploraron estas ideas y fueron registradas en el catálogo. ‘MICROmacro’ somete ciertas verdades a un cuidadoso escrutinio, las pone bajo el microscopio. Quienes quieran abrir los ojos y detenerse a mirar y a reflexionar sobre estas obras encontrarán que algunas problematizan verdades o creencias y otras nos ofrecen nuevas relaciones y puntos de vista.

Región Oriente - ‘De aquí y del otro lado’ Curaduría: Germán Toloza y Eduard Velasco La curaduría propuso cuatro aristas temáticas: cuerpo, paisaje, espiritualidad y política; que permiten pensarse, escenificar, generar procesos de sensibilización y documentar dinámicas de la práctica artística de la región.

Se preveía la importancia inter-relacional. ¿Cómo evadir la presencia de lo político y lo espiritual en el paisaje, o cómo ser indiferente a las conexiones espirituales que se desbordan desde el cuerpo frente a realidades del consumo globalizado?

Algunos artistas fueron directos al estructurar sus propuestas desde la ironía mediante la manipulación de imágenes representativas de la “patria heráldica”, o del mercado de productos en la frontera. En otras ocasiones la idea de frontera es abordada desde una mecánica relacional, generando dinámicas de movilidad social.

Otros vieron el tema de la violencia interna desde la participación militar en episodios de degradación y masacre en regiones rurales y urbanas en el conflicto armado, o a intervenciones militares en espacios académicos; lo político desde lo ecológico; el paisaje representativo de una región como asunto manipulado políticamente mediante la implantación de estereotipos externos o el paisaje desde el desplazamiento.

El cuerpo abordado a partir del empaque de productos como dilema entre la exaltación lúdica y el mar de desechos; el cuerpo no idealizado que se levanta específico en las economías marginales a partir de la técnica de la terracota. También se alude a su condición transitoria, su volatilidad en la metáfora del globo festivo lleno de helio, con rostros pintados que se reducen como sedimentos de experiencias pasadas.

Aunque todo acto creativo es espiritual, si lo abordamos como temática puntual en las obras, la espiritualidad sólo se hace muy evidente en una propuesta que muestra una actitud transformadora del paisaje mediante el juego con las piedras del río y el agua misma, en una acción que evoca misteriosos rituales ancestrales.

Región Orinoquía ‘Tres Lugares Comunes’ Curaduría: Claudia Bueno La investigación curatorial buscó promover la exploración de procesos creativos por medio de la experimentación y estudio de las diferentes dinámicas de migración, colonización y transculturización que estructuran el tejido social y las identidades de los habitantes, basados en una reflexión acerca del significado de la colonización histórica y contemporánea y su relación y ubicación dentro de este contexto.

En un periodo inicial, se planteó una subdivisión del territorio centrándose en tres grupos poblacionales, establecidos de Obra: Ruby Rodriguez. Cortesia: Tres Lugares Comunes acuerdo a las dinámicas de colonización y origen de los habitantes; sangre, híbridos y encuentros. Se recibieron 51 propuestas de artistas de toda la región entre las cuales se seleccionaron 22.

Adicionalmente, se seleccionaron tres semilleros de exploración artística, involucrando a aquellos artistas interesados en trabajar en lugares apartados del territorio asumiendo un proceso activo en la investigación curatorial. Fueron seleccionados los semilleros: ‘Cazabe’ en Casanare, ‘Jumeniwu mãrã tamu’ en Vaupés y el Semillero ‘Ecos y voces de la Memoria’ en Meta y Guaviare.

La constante pregunta sobre las nociones de región y territorio de lo autóctono y lo foráneo se encuentran de forma continua en varias de las propuestas curatoriales de anteriores Salones. Esta propuesta sólo abre nuevos caminos y nuevas lecturas a esta pregunta, busca abrir nuevos interrogantes para enfrentar de manera crítica la historia y las diferentes micro-historias que se tejen en el territorio.

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Cortesia: EsteLadoArriba

Región Caribe – ‘Proyecto Hacer del Cuerpo’ Curaduría: Grupo EsteLadoArriba El concepto de cuerpo es uno de los temas más recurrentes en el arte. No sería pertinente abordarlo si no fuera necesario sentar un esquema que ayude a visibilizar sus mecanismos de inserción dentro de la sociedad contemporánea. El cuerpo rebasa actualmente el aspecto de lo biológico para desintegrarse como imagen social, libre de límites anatómicos, donde factores como la memoria y las emociones toman un lugar preponderante.

Específicamente, el Cuerpo Caribe es un cuerpo -o muchos cuerpos- producto del sincretismo, del mestizaje, de la diáspora, de la sutura, de la otredad, de la fragmentación, de la violencia. Es este Cuerpo Caribe actual, que se vislumbra a través de la propuesta de 24 artistas y colectivos -así como de procesos pedagógicos y de activación como laboratorios-, el que nos habla de la identidad -desde la pérdida de la animalidad del ser humano para convertirnos en cuerpos sofisticados, donde lo que no es nombrado es inquietante, subversivo y peligroso-, de su contexto actual -del Caribe del siglo XXI, que sobrepasa la mirada colonialista de la historia oficial o el romántico origen africano, proponiendo un origen más cercano y que encuentra sus raíces en el raspado de kola, en los fantasmas de infancia que renacen cada año en el Carnaval o en el misterio de las sanaciones chamánicas-. Un ser Caribe preocupado por recordarnos las deudas olvidadas gracias a un presente mediático que nos deja sin memoria, y que encuentra en su confrontación con el mundo global la excusa para diluir su definición.

Región Centro - ‘Con la Oreja Roja’ Curaduría: Mariangela Méndez y Verónica Wiman El proyecto 13 Salones Regionales de Artistas, como está propuesto por el Ministerio de Cultura, tiene dos partes: 1. La investigación para hacer una curaduría. 2. La exhibición de esa curaduría. En la región centro, que en su mayoría desconoce profesionalmente la práctica curatorial, me pareció sensato que el proyecto ‘La Oreja Roja’ se concentrara en mostrar, a manera de gran taller, cómo se puede hacer una curaduría. Es decir, cómo hacer visible un método de trabajo para que sea replicado, si acaso en futuras convocatorias, o para que sea severamente criticado por aquellos con la experiencia.

En búsqueda de visibilidad se invitó a seis artistas que llamamos “colinchados”, para que fueran los responsables de hacer atractivo en términos plásticos, la exposición de nuestro proceso de investigación. Se conformó un archivo para darle visibilidad a los portafolios de artistas y así incrementar su radio de acción, buscando que alguien con el tiempo y las ganas de curar, los ponga a circular en otros contextos. También fue posible que durante el viaje, algunos artistas hablaran en público sobre su trabajo; así un grupo encontró coincidencias en sus prácticas, otros se fueron indignados, pero se generaron ideas, contactos y hasta se dejaron trazados nuevos proyectos.

En Sogamoso se pretendió mostrar obras que coincidencialmente, cuentan la historia de Yolanda o Magdalena cuando se organizan bajo una trama literaria, es decir, iniciación, nudo y desenlace. Pero no se logró la visibilidad mediática, ni las polémicas criticas de otros Salones, no se nos puso la oreja tan roja, ni tuvimos tanto raiting como el concurso nacional de belleza. Esto sólo muestra que aún quedan espacios de visibilidad por conquistar para el Salón Nacional de Artistas.

Cortesia: Rocio Polania Farfan

Región Sur - ‘Sonidos, Ecos y Silencios’ Curaduría: Rocío Polanía ‘Sonidos, Ecos y Silencios’ es una propuesta de investigación curatorial que precisa evaluar la coherencia entre el proceso artístico, el trasfondo histórico y las necesidades del medio; igualmente, se encamina a crear las condiciones propicias para que la producción artística sea legitimada como parte de una experiencia cultural individual y colectiva en la Región.

De acuerdo con el montaje realizado, la producción artística de la Región Surcolombiana da lugar a pensar que el arte descansa exclusivamente en los valores sociales y culturales construidos. En cuanto a su manifestación visual, introdujo una nueva forma de pensar las imágenes en el arte contemporáneo; el artista a través de formas más dinámicas de interrelación entre valores plásticos, claves conceptuales, marcas de contexto o referencias de la realidad, alcanza un nivel cada vez más relevante en la región nacional; con algunas proyecciones en el ámbito internacional.

Una rápida mirada a la producción artística de los últimos años en la Región, señala claramente cómo numerosos artistas han reemplazado las preocupaciones formales por otras arraigadas en el contexto sociocultural. La representación surge como el resultado de un proceso, de una construcción o de un cruce particular con el contexto, lo que permite liberar la obra de su designio representativo y de los valores objetivos de la forma, para pasar a una obra que reclama una captación perceptual pero también intelectual, incorporando al espectador como pieza clave de un desarrollo que se completa más allá de la imagen.

En este sentido, la obra adquiere un carácter procesual, no sólo por su apertura a múltiples interpretaciones, sino principalmente, por su tendencia a rechazar toda fundamentación de lo artístico basada en modelos y patrones previos, y proponer, en cambio, una negociación de la experiencia estética, en la que el artista y el espectador trabajan en conjunto.

Los artistas seleccionados con sus proyectos exploran el entorno político, social, económico y cultural, en un intento por reflexionar sobre la realidad reciente de la Región, trascendiendo las imposiciones y limitaciones temporales, disciplinarias o estéticas, buceando en los lugares de diferentes enunciaciones y signos de diversidad, para encontrar respuestas locales que se expresen en combinaciones y tejidos particulares y complejos.

En este panorama, que de ninguna manera es absoluto, ha sido organizada la investigación curatorial, la cual fue sintetizada en torno a tres ejes temáticos. De una parte, una serie de obras que abordan las transformaciones socioculturales que desembocan en una lectura del desarrollo y transformación de los entornos sociales, políticos, geográficos (sonidos). Desde otro lugar, un conjunto de obras que reflexionan sobre la instauración o la intensificación de la memoria individual y colectiva, a través de las artes plásticas para configurar el sentido de Región (ecos) y por último, un grupo de obras dan paso a la reflexión de un pasado común y las problemáticas que perviven (silencios).

Región Centro-Occidente ‘Inversiones: [arte, intercambios y transacciones]’ Curaduría: Femke Lutgerink, Adriana Ríos, Análida Cruz y Carlos Uribe ‘Inversiones: [arte, intercambios y transacciones]’ es un proyecto de investigación curatorial interdisciplinario que plantea diversas plataformas de revisión y reflexión sobre la economía por parte de los agentes del campo artístico (artistas, curadores, investigadores, gestores, administradores, periodistas, docentes, espectadores, ciudadanía, etc.), así como de especialistas de diversas disciplinas como economistas, sociólogos, comunicadores sociales, entre otros, provenientes de la zona Centro Occidente de Colombia, departamentos de Antioquia, Caldas, Risaralda y Quindío.

Cortesia: Mariangela Méndez

‘Inversiones: [arte, intercambios y transacciones]’ Busca ampliar los circuitos de conexión de las prácticas artísticas de nuestras regiones con los planteamientos y desarrollos de agentes externos que pueden aportar con otras miradas a esta discusión sobre un tema (problema) de interés global. El intercambio, en consecuencia, es el eje medular de este proyecto de investigación, el techo (sombrilla) que cobija los procesos, discursos y relaciones que serán proyectadas para el desarrollo de la investigación, el acompañamiento de los proyectos, la puesta en escena e itinerancia del Salón por las ciudades de Armenia y Medellín entre febrero y marzo de 2010.

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La

confrontación enriquece

Fotografías: Oscar Monsalve

Carmen María Jaramillo tiene una extensa trayectoria en el campo de las artes plásticas. Estudió Filosofía y tiene un magíster en Historia y Teoría del Arte y la Arquitectura en la Universidad Nacional de Colombia.

¿Qué le ha aportado cada una de estas situaciones para una relación holística con el arte del país?

La presente entrevista fue realizada especialmente para ARTERIA.

Carmen María Jaramillo: Durante los últimos años, salvo cortos periodos, la investigación se ha convertido en el eje fundamental de mi trabajo y los resultados han sido socializados de diversas formas: escritos académicos, textos de divulgación, exposiciones o proyectos colectivos realizados con estudiantes y otros colegas. En las investigaciones y curadurías he tratado de mantener un balance entre la exploración en diferentes aspectos del arte del siglo XX y la indagación en la producción reciente, aunque en el último tiempo me he concentrado más en el aspecto histórico. El trabajo en el ámbito de la gestión me ha permitido participar de la concepción y ejecución de algunas políticas y eventos y también ha hecho posible que tome contacto con artistas y colegas no sólo de Bogotá, sino de diversas regiones del país mostrándome una visión más profunda y compleja de la escena local. Cada una de las labores a que alude, demanda un tipo de actividades, posturas y conocimientos específicos que al entrecruzarse se enriquecen y amplían las perspectivas de nuestro contexto.

Gloria Posada: Usted ha asumido relaciones plurales con el arte colombiano desde hace tres décadas, como investigadora con análisis de distintos procesos y épocas materializados en múltiples publicaciones, como profesora de artes plásticas en Universidades de Bogotá donde no sólo ha realizado una amplia labor pedagógica sino que también ha consolidado con estudiantes y otras instituciones grupos de investigación, como directora de Artes Plásticas de Colcultura, curadora del Museo de Arte Moderno de Bogotá y Directora de la Unidad de Artes del Banco de la República, instituciones que cumplen funciones culturales para la sociedad. Y atravesando todo lo anterior, podría decirse que el eje fundamental de su trabajo ha sido la curaduría e investigación independiente de exposiciones nacionales e internacionales.

Podría pensar que aquello que ha conectado los distintos tipos de actividad y que quizás ha sido la experiencia más enriquecedora es, por una parte, el contacto con los artistas y por otra la interlocución con los colegas y estudiantes. He tratado -no siempre con éxito- de aprender de la mirada sin prejuicios de los artistas, y de su desinterés por las posturas maniqueas. Encontrar esta actitud me ha llevado a tratar de liberarme de los preconceptos y buscar que las teorías sean un apoyo para la reflexión y no una camisa de fuerza o una ideología. Así como he interactuado con diversos profesionales del medio, también he podido tener un contacto de primera mano con ciertas obras y fuentes documentales. De igual manera, la investigación en grupo ha sido un motor muy importante pues las diferentes formaciones y posturas

Ha realizado la curaduría de exposiciones como ‘Alejandro Obregón, pinturas 19471968’ (Museo Nacional, Bogotá, 2001), y ‘A través del espejo’ (Museo de Arte Moderno de Bogotá, 1998), entre otras. Es autora del libro ‘Alejandro Obregón el mago del Caribe’ (Asociación de Amigos del Museo Nacional, 2001) y ‘Carlos Rojas’ (Ediciones Galería El Museo, 1995). En el año 2000 llevó a cabo la investigación ‘Arte moderno y contemporáneo en Colombia’, para el Instituto Distrital de Cultura y Turismo y el Museo de Arte Moderno de Bogotá. Entre 1997 y 1998 adelantó la investigación ‘El papel de la crítica en la consolidación del Arte Moderno en Colombia’, producto de una Beca del Ministerio de Cultura. Participó en el grupo curatorial y editorial de la muestra: ‘Judith Márquez, en un lugar de la plástica’, entre otras.

universos

de el propio

historiográficas y vitales permiten que se renueven las propuestas y se busquen nuevos horizontes. Ha sido muy grato trabajar con distintas generaciones de historiadores del arte: desde los pioneros -que elaboraron significativas cartografías y abordaron problemas reveladores- hasta las nuevas generaciones que renuevan los presupuestos historiográficos y profundizan en asuntos puntuales.

Este tipo de relaciones plurales, de las que habla en su pregunta, también me han incentivado la curiosidad por el desarrollo y las dinámicas del medio y quizás esa es una de las razones por las que en las investigaciones históricas exploro los puntos de cruce de distintas profesiones relacionadas con el arte.

GP: En varias de sus investigaciones hay análisis de los procesos de la modernidad en el arte colombiano. En ellas, estudia el desarrollo de la profesionalización educativa, la crítica de arte, la curaduría y las obras de artistas de un periodo comprendido entre las primeras décadas del siglo XX y la década del setenta, con énfasis en el trabajo de Alejandro Obregón, Carlos Rojas y Judith Márquez, entre otros. ¿Cómo caracteriza usted ese periodo y qué aportes históricos hizo?

CMJ: Cada vez encuentro una mayor diversidad de connotaciones para la idea de modernidad y por lo tanto, mayor dificultad para generar definiciones amplias sobre el tipo de características, obras y actitudes que se señalan cuando se utiliza este término. En este momento preferiría hablar de modernidades, ya que en un mismo periodo han convivido grupos y posturas frente al mundo que se reivindican como modernas y que son divergentes e incluso antagónicas entre sí. Considero indispensable aclarar de qué se está hablando cuando se alude a una determinada acepción de modernidad. Este término admite todo tipo de contenidos, valores o posturas ideológicas, de manera que al definir unos parámetros también se están dejando claros los criterios con los que trabaja el historiador.

Como anota en su pregunta, los procesos de modernización en distintos terrenos (crítica, producción artística o formación) han estado interrelacionados y al mismo tiempo han seguido desarrollos singulares, ires y venires que particularizan los problemas y permiten matizar las lecturas que se hacen de ellos. Esta diversidad de condiciones de las distintas modalidades de modernidad o modernidades se acentúa en Colombia, donde los artistas y críticos no se caracterizaron por sus posturas fundamentalistas como ocurrió en otros lugares, sobre todo en Europa y Estados Unidos.

Buena parte de los teóricos coincide en señalar el principio de contradicción que encierra la idea de modernidad, principio que en el caso local se acentúa, si se tiene en cuenta que buena parte de los procesos de modernización, generalmente asociados a los conceptos de liberación o ruptura, se dieron bajo ideologías conservadoras, durante el lapso que se mantuvo la única dictadura militar del siglo pasado o en el contexto de una sociedad que buscaba el orden y la preservación de valores asociados con la tradición.

No resulta fácil caracterizar cada periodo, pues como comentábamos, cada momento es complejo y pleno de contradicciones y pliegues. Sin embargo podríamos hablar de algunos intereses comunes en algunos artistas que trabajan en las décadas del treinta como Ignacio Gómez Jaramillo, Luis Alberto Acuña, Hena Rodríguez, Pedro Nel Gómez, Ramón Barba o Josefina Albarracín quienes, en mayor o menor medida repudiaron el academicismo, y buscaron renovar su producción explorando en la historia local, los mitos precolombinos, los personajes populares y la exaltación de valores vernáculos, entre otros. Así mismo, coincidieron en repudiar la hispanofilia cultural predominante en la década precedente, al tiempo que manifestaron interés en las creencias, valores, estructura social y cultura material de distintas comunidades locales y de América Latina.

Estos artistas compartirían con otros que comienzan su producción más significativa en los años cuarenta, como Carlos Correa, Débora Arango y Darío Jiménez, un interés en el entorno, y las propuestas estéticas y plásticas del subcontinente, especialmente aquellas que se fraguaron en México en la década del veinte, sin desconocer aportes de vanguardias europeas como el expresionismo, el surrealismo o la pintura metafísica, entre otras. Así mismo, buena parte de ellos expresaron una actitud eminentemente crítica y en algunos casos revolucionaria en los terrenos social y político, acorde con sus presupuestos de ruptura frente a una sociedad tradicionalista y a unos gobiernos tímidos cuando no reaccionarios en lo que se refiere a reformas sociales y políticas.

Los relevos generacionales y los cambios de presupuestos artísticos no tuvieron en Colombia el carácter de lucha belicista que impusieron las vanguardias en Europa. Así, los artistas que hicieron aportes importantes en los treinta y los cuarenta, y que mencioné con anterioridad, no mantuvieron relaciones de choque con la generación que los habría de relevar (Judith Márquez, Guillermo Wiedemann, Alejandro Obregón, Édgar Negret, Cecilia Porras, Eduardo Ramírez Villamizar, Lucy Tejada o Leopoldo Richter, entre otros) pese a que tuvieron conciencia de los cambios rotundos que

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Foto: Jesús Abad Colorado

Por: Gloria Posada propiciaban en el terreno plástico. Puede decirse que buena parte de la confrontación estuvo incentivada por la actitud y los argumentos críticos de un personaje tan contradictorio como Martha Traba, quien tuvo posturas muy radicales y se enfrentó violentamente con la generación americanista, devaluando sus aportes y sumiéndola en el ostracismo. Al mismo tiempo que negaba los aportes del grupo americanista, generó un diálogo enriquecedor con los artistas que consolidaron su producción en los cincuenta y los sesenta, aportó una lectura aguda sobre sus trabajos a partir de presupuestos teóricos sólidos, y generó espacios (crítica, eventos, lugares de exhibición) que contribuyeron a la difusión de los aportes de las generaciones de relevo.

Si la obra de los americanistas se fraguó en el intercambio de valores plásticos provenientes del muralismo, de las vanguardias europeas y de las diferentes propuestas figurativas de la década del treinta, en los cincuenta, los artistas incrementaron el interés por el intercambio con otras culturas visuales. Así, retomaron géneros y temas usuales en la historia del arte como el bodegón, el paisaje o el desnudo y los cruzaron con formatos visuales tomados de la luz, el paisaje y la cultura de los Andes y el Caribe. En forma simultánea incorporaron aportes propios de las vanguardias, tanto latinoamericanas como europeas y estadinenses, así como de algunas culturas antiguas y precolombinas. Pintores y escultores buscaron la confluencia de patrones estéticos y culturales propios de diversas épocas. Los asuntos a tratar así como el lenguaje se relacionaron de una manera más abstracta que la de sus predecesores con elementos de la geografía, la sociedad y la cultura que los rodeaba, para nombrar el contexto con una propuesta visual renovadora.

Si la fragmentación de las formas -cercana a distintos momentos del cubismo- fue una de las características de las obras de algunos artistas de los tempranos cincuenta, en los sesenta esa fragmentación adoptó un realismo más visceral que correspondía también a la erosión de la idea de realidad que circundaba el ámbito internacional y que es ostensible en los collages, ensamblajes y objetos de artistas como Feliza Bursztyn, Beatriz González, Bernardo Salcedo, Carlos Rojas, Álvaro Barrios, Beatriz Daza, Miguel Cárdenas y Alberto Gutiérrez, entre otros.

Alguna parte de las obras de estos artistas opera por los principios de fragmentación y recontextualización. El procedimiento implícito en el hecho de aislar un fragmento de su contexto transforma las relaciones tiempo-espacio e incrementa el interés en la memoria, dado que los materiales que utilizan comportan significados provenientes de su entorno original y al insertarlas en un nuevo campo de sentido, coexisten las nociones de pasado y presente. Las obras de estos artistas también incentivaron la incorporación de elementos provenientes de la vida cotidiana y de expresiones culturales no elitistas en las obras de arte haciendo más vulnerables las fronteras entre arte y vida o arte culto y arte popular. Así mismo, sus trabajos también fisuran las ideas de arte moderno, de por si lejanas al purismo y al esencialismo, en nuestro medio, al cuestionar las nociones de progreso, estilo o autonomía del arte, entre otras.

Para caracterizar determinados aspectos del trabajo que he realizado, podría decir que en algunos escritos he buscado delinear el entramado de mapas relacionales (eventos, actividades, personajes, obras e ideas) y he insistido en señalar cómo en la interacción se construye el contexto. Es el caso de textos como ‘Una mirada a los orígenes del campo de la crítica de arte en Colombia’, ‘Una aproximación a la consolidación del arte moderno en Colombia’, y ‘Fisuras en el arte moderno en Colombia’, de próxima publicación. En otras ocasiones me he enfocado en un caso o periodo y a partir de ese punto comienzo a tratar de generar una cartografía que permita enriquecer la lectura del tema elegido, como ocurre con las curadurías de las muestras ‘Otras Miradas’, ‘Alejandro Obregón/pinturas 1947-1968’ y la participación en el proyecto grupal ‘Judith Márquez - En un lugar de la Plástica’.

GP: En sus libros y artículos sobre la modernidad en las artes plásticas colombianas, hay una profundización en el proceso de definición del campo específico de las artes y en su autonomía respecto a otras disciplinas. A pesar de que usted presenta a esa modernidad como un campo heterogéneo ¿esos podrían ser dos ejes fundamentales de desarrollo?

CMJ: Estos son asuntos que me interesan bastante. El interés en la definición y autonomía del campo surgió al contrastar algunas teorizaciones emitidas en Europa -e incluso en América Latina- con distintos casos en el terreno local. Si se revisan aquéllos procesos que, pese a sus particularidades, en otros lugares siguieron un orden y una causalidad visibles, y se contrastan con ejemplos locales, puede encontrarse que nuestros procesos tienen muchos pliegues y obedecen a una lógica que no es igual a la que se ha aplicado en otros casos. Me interesan esas dinámicas y la forma puntual que toma cada caso.

Los procesos de conformación de un campo de las artes tuvieron un desarrollo que podríamos llamar evolutivo, en Europa, donde se fundaron algunas academias que luego abrieron sus puertas para mostrar los trabajos que allí se producían y que, con el tiempo, fueron dando pie a la apertura de salones de arte que generaron una diná-

8 mica particular y comenzaron a convocar al público, a generar debates críticos y, de forma paulatina, a atraer coleccionistas. Me ha causado curiosidad cómo en Colombia estos procesos ocurren de forma asincrónica con Europa, dado que se dinamizaron en forma casi simultánea, a finales del siglo XIX, cuando se fundó la escuela de Bellas Artes y se inauguró la exposición de 1886. En ese momento se inició un proceso, que aún a mediados del siglo XX continuaba vigente -sin poder afirmar que haya concluido-, en el cual se generó una lucha por el resFotografía: Oscar Monsalve peto a la profesionalización y la creación de unas leyes y unos criterios que permitieran una autorregulación del sistema artístico, con independencia de los poderes económicos y políticos.

El interés por precisar algunos aspectos de la definición del campo local me ha llevado también a explorar en los procesos de autonomía de las distintas prácticas artísticas -sobre todo la crítica- y de la dignidad y profesionalización de los artistas frente a la sociedad. No encuentro en nuestro medio unos perfiles tan radicales como pueden encontrarse en otros lugares, sobre todo en la crítica de los Estados Unidos, a mediados de siglo. En este periodo los artistas locales no militaban en credos que llevaran al límite valores como neutralidad, ruptura, novedad o pureza, eso sí, sin desinteresarse por discutir algunas de sus posibles aplicaciones en contexto. Para darle un ejemplo, muchos de los artistas que incursionaron en la abstracción trabajaron también obras figurativas. Sus posturas no fueron dogmáticas y más que convertir la abstracción en una nueva fe, con sus trabajos pretendían transformar la percepción del arte y por lo tanto, modificar la relación con el entorno.

GP: Desde esa época se han dado muchas confrontaciones y debates en torno a lo “local” y lo “foráneo”. Sus nexos, colonialismos, hibridaciones, interacciones, aportes y antagonismos, han definido la búsqueda de un arte “nacional”. Esa discusión es aún vigente y sus ciclos se renuevan desde distintos conceptos en constante construcción. ¿Cómo ve usted históricamente esas relaciones y cómo las analiza en la contemporaneidad?

CMJ: Considero que en Colombia no se dieron posturas nacionalistas tan acentuadas como en otros países -sobre todo México-, pese a que en algunos momentos, como en la década del treinta, la actitud americanista tuvo un fuerte acento. Aunque en otros lugares como Uruguay, Argentina o Venezuela hubo una apertura mucho mayor que la nuestra hacia los inmigrantes en virtud de condiciones geográficas y culturales, en Colombia los extranjeros –tanto artistas como críticos- tuvieron bastante incidencia en los terrenos del arte y esto es algo que se ha ido estudiando en los últimos tiempos.

En la década del cincuenta el diálogo con propuestas internacionales es visible, y la obra y la actitud de artistas como Picasso, Torres García o Tamayo fue decisiva para la consolidación de las propuestas locales. En el caso de los sesenta, podría destacarse el diálogo con propuestas internacionales, haciendo énfasis en problemas locales; esta última modalidad de intercambio fue sistematizado por teorías que hacían énfasis en la resistencia a la dominación colonialista. En la actualidad, y en virtud de los diversos fenómenos que propicia la globalización -la posibilidad de desplazarse, la Red, la circulación de las ideas y de la información, las transformaciones económicas y geográficas, y en fin, los cambios que han propiciado las comunicaciones- no creo que exista una división tan marcada como antes entre nociones como “adentro” y “afuera”, y se percibe una conciencia más clara de las mutuas interacciones entre las propuestas que emanan de distintos lugares. De esta manera, ya no se impone el mandato de crear un lenguaje que evidencie una identidad esencialista y en consecuencia tampoco se percibe una sensación de que el arte que no cumpla estos requisitos sea derivativo o deba defenderse de influencias externas. En los diferentes países se generan propuestas que son asimiladas o tienen eco en diversos lugares; en este momento los artistas no necesariamente son encasillados como representantes de su país, ni el lugar de procedencia es necesariamente un sello que los distingue y rotula, aunque pueda ser un dato significativo para la aproximación a algunas de sus obras. Preocupados sin duda por las particularidades de su contexto, buena parte de los artistas se refieren también a problemas que atañen a distintas comunidades o simplemente aluden a asuntos inherentes a su condición personal, que de todas maneras está influenciada por el entorno. Más que representaciones geográficas o culturales, que en algunos casos pueden resultar excluyentes, algunas obras –y por lo tanto sus autores- hacen parte de muestras y de grupos que se consolidan en virtud de ideas, actitudes o propuestas, sin que por ello dejen de aludir a su entorno.

Sin embargo, y es muy importante aclararlo, esto no quiere decir que pueda hablarse de una equidad entre la visibilidad de los artistas que trabajan en Colombia con la producción de artistas que trabajan en otros países y que muchas veces con menores méritos, cuentan con mayores dispositivos para difundir su trabajo y con unas instituciones culturales más consolidadas que las nuestras, que les permiten legitimar la producción que difunden. En el último tiempo han surgido significativas propuestas independientes que contribuyen a difundir el trabajo local, y se ha incrementado visiblemente la profesionalización en determinados proyectos auspiciadas por las instituciones y por el gobierno. Sin embargo, consideraría que se hace necesario un fortalecimiento de políticas que permita impulsar la difusión hacia el exterior del trabajo de los artistas, curadores, críticos, historiadores y museólogos.

GP: Complementando su estudio del contexto general de los procesos de la historia del arte en Colombia, está lo que podría denominarse su interés por la investigación de género que se inicia con la curaduría ‘Otras miradas’ realizada para el Ministerio de Relaciones Exteriores (2005), donde aborda la obra de 10 artistas mujeres de distintas generaciones y lugares del país que trabajan sobre las problemáticas del conflicto de violencia y guerra que atraviesa la sociedad y la historia de Colombia desde hace varias décadas.

En otro sentido, usted también asume el análisis de la condición artista-mujer en la investigación realizada con estudiantes y egresados de la Universidad de los Andes y la Fundación Gilberto Alzate Avendaño (2007) sobre Judith Márquez, una de las pioneras de la abstracción en Colombia y directora de la primera revista especializada sobre arte del país: ‘Plástica’. Asimismo, en el artículo: ‘¿Pintura femenina?’ publicado en el libro ‘Salón de Arte Moderno 1957’ usted evidencia la importancia de diferentes artistas colombianas que de manera paralela a la reivindicación de los derechos civiles de las mujeres, toman posiciones autónomas y críticas en la sociedad.

Mirando transversalmente estas tres investigaciones ¿Qué le ha aportado estudiar a estas artistas cuya producción plástica abarca casi un siglo?

CMJ: Entrecruzar el papel que juegan las mujeres en la sociedad con sus historias personales y sus obras, me resulta fascinante. Haciendo un poco de genealogía, el interés por el tema quizás viene de haber sido hija de una mujer que perteneció a la generación que defendió el derecho al voto –tuvo una columna en la prensa por muchos años- y que por lo tanto formó parte de la primera “ola” del feminismo, tal vez sin saberlo. Por otro lado, en los años setenta, mi hermana participó en distintos grupos de mujeres, buena parte de ellas escritoras. Al escuchar las conversaciones que sostenían se me despertó el interés por los testimonios de vida y por las vicisitudes con que abordaban la producción artística. Recuerdo también que me influyó mucho el ensayo clásico de Virginia Woolf: ‘Una habitación propia’, que hablaba de la relación entre las transformaciones en las condiciones de vida de las mujeres y la consecuente posibilidad de asumir la producción en la literatura y para el caso que nos atañe, en las artes.

En el terreno histórico, el interés por la producción de las artistas me ha permitido explorar en personajes que abrieron caminos y que no han sido suficientemente estudiadas ni reconocidas. Es un reto mirar artistas que el olvido o determinadas formas de escribir la historia han borrado de la memoria. Si revisa por ejemplo la que se ha llamado ‘generación trabista’, en buena parte de los casos se la asocia con artistas de la década del cincuenta como Obregón, Grau, Negret, Ramírez o Wiedemann, pero se deja de lado el valioso aporte de Cecilia Porras, Lucy Tejada o Judith Márquez, entre otras. Fue en esa época cuando se dio la que se ha llamado la primera ola del feminismo y cuando comenzó a reconocerse la profesionalización de las mujeres en el arte.

Creo que el gusto por explorar el trabajo de las mujeres artistas ha afinado mis preguntas sobre el contexto, el género y la historiografía. Más que respuestas; la exploración en el tema ha enriquecido los interrogantes y sigue incrementando la curiosidad y el asombro, sobre todo cuando encuentro trabajos prácticamente desconocidos, rescatados por otros curadores, como ocurre con algunas muestras que se han llevado en forma reciente. En los últimos años, Jorge Jaramillo ha propiciado en la Fundación Gilberto Alzate Avendaño un ciclo de exposiciones históricas sobre artistas mujeres: Lucy Tejada, Beatriz Daza, Cecilia Porras y Judith Márquez, donde han participado diversos investigadores como John Castles en el caso de Cecilia Porras y Beatriz Daza; Nicolás Gómez en la muestra de Lucy Tejada, y Felipe González, Natalia Paillié, Julián Serna, Nicolás Gómez, Luz Eliana Márquez, Guillermo Vanegas, Jorge Jaramillo y yo en la muestra sobre Judith Márquez. Por su parte, el Banco de la República hizo la exposición ‘Salón de Arte Moderno 1957’ donde su curadora, Sylvia Suárez exploró en la obra y testimonios de artistas como Gisela Ballesteros, Alicia Tafur y Lucy Tejada. Así mismo, el Museo Nacional presentó una muestra sobre Feliza Bursztyn curada por Camilo Leyva, Manuela Ochoa y Juan Carlos Osorio. En poco tiempo, el interés de algunas instituciones y el profesionalismo de investigadores, en buena parte muy jóvenes, está contribuyendo a la reescritura de la historia del arte. Estas investigaciones implican no sólo un reconocimiento a las mujeres, sino a artistas que permiten entender las dinámicas de producción de una manera diferente a las que se han narrado; se están iluminando rincones oscuros de la historia, que permiten reconfigurar las distintas escenas incluyendo personajes y eventos que habían pasado desapercibidos por razones diversas. Se puede tomar el caso de Judith Márquez, pionera en el lenguaje abstracto y directora de la primera revista dedicada a las artes plásticas que se mantuvo ininterrumpidamente durante un lapso considerable, en cuyas páginas se generaron discusiones y se publicaron ensayos fundamentales sobre preocupaciones de avanzada para la época. Estos textos se han convertido en documentos clave para aproximarse a la consolidación de la modernidad en el periodo.

Otro incentivo importante que ha tenido esta indagación ha sido el de una interlocución enriquecedora, como en el caso de la curaduría de la muestra ‘Otras miradas’, cuyo proceso me permitió tener largas conversaciones con artistas lúcidas que hicieron una introspección sobre algunos de sus trabajos. Las entrevistas surgieron de un interés genuino en su obra y en su sensibilidad. Salvo el caso de Débora Arango a quien no pude acceder directamente y cuya vida y obra responden a condiciones diferentes a las del resto del grupo, en esta ocasión no exploré en las dificultades del reconocimiento a su trabajo de artistas, pues se trata de mujeres contemporáneas para quienes su condición sexual no ha sido obstáculo para iniciar la producción.

Sin militar en posturas feministas, las apreciaciones que hicieron sobre sus procesos me permitieron encontrar miradas complejas llenas de sutileza y refinamiento, donde percibí un cuidado en el detalle, en lo primordial, en lo que no es evidente. A la par encontré agudas consideraciones sobre asuntos abstractos y una reflexión clara sobre los roles asignados socialmente a las mujeres. Este interés en escuchar otras voces y en tomar contacto con otras visiones opera también a manera de espejo: la confrontación de universos enriquece el propio.

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Trueque

Creativo Por: Juanita Monsalve

Cortesía: Johanna Arenas

Entre el 19 y el 24 de octubre y en el

marco de la X Bienal de Arte, la ciudad de Cuenca, Ecuador, fue anfitriona del llamado Truque Creativo Cuenca 2009 (TCC 2009); un espacio abierto que por medio de programas educativos, teóricos y de difusión permitió a los asistentes alternar con las disciplinas del diseño, el arte y la arquitectura.

Trueque Creativo fue creado por los ecuatorianos Paulina Malo y Arsenio García como un espacio de responsabilidad social, en el que importantes profesionales pertenecientes a estos campos, tuvieran la posibilidad de retribuirle a su ciudad y al mundo los beneficios que han recibido a lo largo de su trabajo. Y aunque las tres disciplinas (arte, arquitectura y diseño), manejan códigos diferentes, encontraron puntos de comunión para trabajar, especialmente aquellos relativos al interés por dejar su legado a través de la educación. Trueque Creativo 2009 se llevó a cabo en las sedes del Centro Interamericano de Artesanías y Artes Populares Cidap (OEA), la Universidad de Azuay y los principales museos de la ciudad. El evento, que reunió más

Cortesía: Johanna Arenas

de un centenar de personas permitió el intercambio de ideas y la unión de personas para su ejecución, siempre con un enfoque social y comunitario.

la calidad de vida de niños con labio leporino y paladar hendido, que recibió como apoyo los fondos recaudados en TTC 2009.

Trueque Creativo nació como un espacio pensado para generar redes y acercamientos que promoviera la discusión y los nuevos conocimientos alrededor del diseño, el arte y la arquitectura, permitiendo también la vinculación de estudiantes interesados en el evento sin medios económicos a través de patrocinios empresariales. El programa fue estructurado para que los asistentes participaran en espacios de aprendizaje y de aplicación; en la mañana fueron acompañados por los profesores que, por medio de conferencias, talleres y charlas, fomentaron el aprendizaje por medio del intercambio; y en las tardes, tuvieron un espacio de trabajo libre para desarrollar proyectos.

Importante tema de discusión en el marco de la actividad fue el de la educación y la promoción de las artes, punto tratado por Johanna Arenas, única docente colombiana que hizo parte del grupo organizador. Durante su charla presentó a la Fundación ARTERIA, explicando su interés en acercar el arte a todo tipo de público. Así, el viernes 23 de octubre en el Museo de las Conceptas, ARTERIA cerró Trueque Creativo con lleno total y excelente aceptación del auditorio. Los asistentes recibieron ejemplares del periódico y evaluaron la importancia de un medio especializado y de distribución gratuita en la promoción de las artes.

Además de promover la educación y la responsabilidad social, Trueque Creativo también fue diseñado para apoyar causas diferentes a las disciplinas reunidas alrededor del evento como el programa Operación Sonrisa, que busca mejorar

A partir de marzo visite nuestro centro de documentación

Trueque Creativo es un importante proyecto que planea consolidarse como un evento anual, recorrer tantos países como sea posible y continuar realizando talleres y conferencias con catedráticos de alta calidad. La intención es que Trueque Creativo deje un legado en cada participante, comprometiéndolo con su comunidad a través del arte, el diseño y la arquitectura.

La buena noticia es que actualmente ARTERIA con la colaboración de Johanna Arenas trabajan para realizar la versión 2010 de Trueque Creativo que en esta ocasión se desarrollará en Colombia. Trueque Creativo Bogotá 2010 (TCB2010) promete traer muchos avances para este importante espacio como la participación de más artistas y asistentes, manteniendo el objetivo de generar emprendimiento siempre con una visión social.

www.fundacionarteria.org

10 IBAGUÉ Diego Céspedes, Luís Felipe Cifuentes y Luís Fernando Bautista: ‘Tres Caminos’ Museo de Arte del Tolima Hasta febrero 12 La exposición colectiva aborda la figura humana como excusa para desarrollar su propuesta. En la muestra se podrá apreciar la recreación crítica del mundo y la ironía desplegada donde se juega con un antropozoomorfismo que alude a culturas primigenias.

Cortesía: Museo de Arte Moderno de Barranquilla

BARRANQUILLA ‘Vamos’ Museo de Arte Moderno de Barranquilla Hasta marzo 12 Sonia Becce, curadora argentina, articula la exhibición grupal ‘Vamos’, en la cual diferentes relatos e intenciones se sintonizan para generar un diálogo dinámico, mutable y perfectible.

‘Vamos’ intenta dar cuenta del acontecer de la plástica contemporánea latinoamericana, no sólo porque utilizan variados soportes explorados en la actualidad como el video, la instalación, la escultura, la pintura, el dibujo y la fotografía, sino también porque sus interrogantes son propios de la labor artística en el presente. En este sentido, pretende borrar las fronteras entre los dos países y desarrollar conversaciones que trasciendan los nacionalismos.

Algunos artistas invitados son: Flavia Da Rin, Jaime Tarazona, Matías Dubilla, Nicolás Consuegra, entre otros.

Cortesía: Casa Tres Patios

MEDELLÍN Alexandra Deutsch: ‘Metamorfósis de lo Orgánico’ Casa Tres Patios Hasta febrero 26

Cortesía: Fundación Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo

SANTA MARTA Juan Carlos Dávila Vera: ‘El Dibujo y la huella del tiempo’ Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo Hasta febrero 8 La muestra está compuesta por cuatro series de dibujos que abordan distintas técnicas a través de un mismo enfoque conceptual: La huella. El tema se aborda en algunos casos a partir de lo que representa el vestigio o la semejanza perdida de algo y en otros, intenta captar la realidad inmediata. El tiempo y su duración es un aspecto que pretende mantener una relación con el cuerpo y así aproximarse a su representación.

Obra: Diego Cespedes. Cortesía: Museo de Arte del Tolima

MEDELLÍN Francisco Antonio Cano: ‘Ante tus ojos’ Museo de Antioquia Hasta abril 4 La exposición se estructura a partir de dos grandes ejes: el periodo de formación del artista entre Yarumal y París y, tras su regreso, el ejercicio profesional de Cano. En cada uno de dichos núcleos, aparece una diversidad de temas que fueron transversales a su producción, como los retratos, la pintura religiosa e histórica, la figura humana, los paisajes y las flores.

Alexandra Deutsch realiza una residencia en Casa Tres Patios durante los meses de enero y febrero de 2010. Deutsch, se interesa en materiales típicos y sus texturas. Desde hace dos años, la artista empezó a trabajar con bailarines, quienes reaccionan al movimiento y la expresión de los objetos que cuelgan del techo y que se mueven en el aire, incorporándose como nuevos seres entre el objeto de arte y el ser humano. La exposición incluye además de los objetos, dibujos del proceso de coser. Durante y en el primer mes de trabajo, el público podrá ver su obra en proceso.

BOGOTÁ ‘Exposición Trabajos de Grado’ ASAB-Universidad Distrital Francisco José de Caldas Desde enero 27

Cortesía: Museo de Antioquia

En esta exposición, se articulan las propuestas de los graduandos en torno a una idea general, motivada por una inquietud sobre la libertad de expresión en el arte. Tomando el título de la película del cineasta español Luis Buñuel, ‘Ensayo de un Crimen’, se planteó la tesis: la imaginación no delinque, el pensamiento artístico nunca realiza en la realidad sus crímenes, así esté obsesionado con ellos en su afán de transgredir lo real.

Cortesía: Museo de Antioquia

CIRCU Obra: Leonardo Pineda. Cortesía: LaLocalidad Centro Cultural

BOGOTÁ ‘Abordar’ LaLocalidad Centro Cultural Hasta marzo 4

Obras de pequeño y gran formato, óleos sobre lienzo, acrílicos sobre lienzo, dibujo sobre papel y fotografía, entre otras técnicas, se encontrarán en esta muestra integrada por trabajos que intentan reflejar los intereses que “abordan” los artistas de las nuevas generaciones.

Mónica Albarracín, Yenifer Cano, Diana Drews, Ana Maria Londoño, Guillermo Londoño, Boris Pérez, Leonardo Pineda y Michel Rothfuss pretenden con esta exposición acercar al espectador a sus nuevas propuestas y creaciones.

11 MEDELLÍN ‘Heartists in the Market Place. Feria de arte’ Centro Colombo Americano, Sede San Fernando Plaza Hasta enero 31

Cortesía: Museo Histórico del Palacio de la Inquisición

Esta feria de arte tiene como objetivo crear una vitrina para los nuevos artistas, y apoyar, a través de la venta, el programa Arte e Infancia. Además de crear un espacio para que los artistas den a conocer su trabajo, el evento le brinda a los asistentes la oportunidad de adquirir obras de arte a un bajo costo. Se podrán encontrar obras de artistas como Julián Orrego, Juan Fernando Vélez, Libia Posada y Ana María Mejía McMaster, entre otros, en técnicas como fotografía, pintura y escultura.

CARTAGENA Rafael Dussan: ‘Hairesis’ Museo Histórico del Palacio de la Inquisición Hasta febrero 13 Cortesía: Museo de Arte de Pereira

‘Hairesis’ es la raíz griega de la palabra herejía, que en su acepción original se refería a elección o preferencia por una opinión o escuela filosófica, teológica o política. Así, Rafael Dussan se refiere al hereje del siglo XVII y al del siglo XIX, usando la analogía, en un contexto como el colombiano, la violencia azota los cuerpos, donde pensar diferente aún puede ser visto como herejía.

PEREIRA Julián Burgos Museo de Arte de Pereira Hasta enero 17

Dentro de las obras que expone Julián Burgos en el Museo de Arte de Pereira, se encuentran cuadros sobre corridas de toros, la sexualidad humana, la individualidad del hombre y las concepciones religiosas. El artista trabaja técnicas como: óleo, acrílico, acuarela, carboncillo y plastilina, siempre buscando experimentar con los materiales y el movimiento.

ULAR

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BOGOTÁ Gervasio Sánchez: ‘Vidas Minadas: Diez Años’ Biblioteca Pública Virgilio Barco Desde enero 13 La exhibición del fotoperiodista español retrata el impacto de las minas antipersonas sobre la población civil en distintos países del mundo, muestra historias de numerosos conflictos armados en América Latina, Yugoslavia, África y Asia. Sánchez inició este proyecto en 1995 en los países más minados del mundo, entre ellos Afganistán, Angola y Camboya. La muestra incluye esas y nuevas historias provenientes de países como Colombia, Irak y Sudán, que sufren en su territorio el flagelo de las minas antipersona.

Cortesía:Lugar a Dudas

CALI ‘Máquina de Banana y los Bananeros’ La Vitrina de Lugar a Dudas Hasta febrero 19 A través de la yuxtaposición de dos videos que muestran dos situaciones específicas, este grupo de artistas expone y busca crear una discusión en torno al banano y al consumo global, el banano y la economía, el banano y el territorio colombiano.

Cortesía: Biblioteca Virgilio Barco

Obra: Catalina Sanint. Cortesía: Museo de Arte. Universidad Nacional

Bogotá Museo de Arte de la Universidad Nacional ‘Ciclo de exposiciones’ Desde febrero 4

Cortesía: Centro Cultural Comfandi

CALI ’Jardín de Libros’ Centro Cultural Comfandi Hasta marzo 30

El bicentenario de la independencia será una de las temáticas más importantes para la sección de Cultura y Bibliotecas durante el 2010, razón por la cual el Centro Cultural Comfandi inicia su programación de exposiciones con la colección ‘Flora de la Real Expedición Botánica del Nuevo Reino de Granada (1783 – 1816) a partir de la cual se revivirá el recorrido de José Celestino Mutis en el proceso de descubrimiento de la naturaleza latinoamericana.

‘Río Abajo’ de Erika Diettes y curada por Carlos Alberto Gonzáles, es una serie de fotografías que cuestionan la realidad del país y la historia de los ríos, en donde los cuerpos de las víctimas son arrojados por los victimarios. ‘Fototopías’, de Marcelo Mejía y Ana Adarve, curada por Ricardo Arcos-Palma, es una muestra fotográfica, cuya particularidad es revelar nuevos espacios de reflexión. Marcelo Mejía presenta ‘Heterotopías’ el artista define su obra como “contra-espacios, espacios reales fuera de todo lugar o incluso utopías situadas”. Ana Adarve presenta ‘Fobototopías’, una obra que revela una serie de espacios elaborados a partir de lugares reales. ‘Materialismos’ de María Fernanda Zuluaga y Catalina Sanint, curada por Arcos-Palma. Las dos artistas, de manera diferente abordan el problema del materialismo.

La primera de ellas con la pintura objetual e instalada y la segunda con acciones y objetos instalados

BOGOTÁ Tony Matayu, Campo de refugiados mozambiqueños, Fazal Malaui, 1994 © Fazal Sheikh 2010 Sheikh: Cortesía: Banco de la República ‘Exposición Fotográfica’ Casa de la Moneda Febrero 27 - Marzo 26 El fotógrafo norteamericano Fazal Sheikh presenta un testimonio de las geografías recorridas por su cámara y reúne por primera vez el conjunto de su obra, la cual busca reflejar la realidad que viven y sufren las comunidades más desfavorecidas del Tercer Mundo. Su trabajo se ha focalizado en el retrato de los refugiados, la discriminación de las mujeres, los conflictos y la violencia en general.

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MAMBo

Mal Envej con la que muchos concuerdan, una sensación que se percibe al recorrerlo: “lo siento desangelado”. Y eso siendo, supuestamente, el Museo rector del género en el país, por estar en la capital, por haber sostenido la batuta con firmeza durante al menos una década, es mal síntoma.

Los problemas del MAMBo no se limitan a un problema de falta de espacio o a una permanente urgencia económica, excusas siempre argüidas por sus directivas, sino que parece como si hubiera perdido, hace rato, su alma y su rumbo. Un letrero, impúdicamente puesto en plotter sobre una de sus paredes con motivo de la exposición de dos pisos de Ofelia Rodríguez, decía: “Las obras de esta exposición están en venta”. La tarea de una galería legitimada en el espacio museo es peligrosa, desdibuja totalmente su función, además de violar flagrantemente con su noción de ser “una institución permanente, sin fines lucrativos, al servicio de la sociedad y de su desarrollo”, como se lee en el Código de ética del ICOM sobre la definición de museo.

Cortesía: Dominique Rodríguez

El Museo de Arte Moderno de Bogotá, MAMBo, no actúa como la institución que supone su nombre pues perdió su norte, pero le cuesta reconocerlo.

Ser un museo de arte hoy en día es un reto de marca mayor. Debe competir con los centros culturales, las salas de arte, las galerías y las megaexposiciones en ferias y claustros que llegan como platillos voladores con exposiciones que han “itinerado por el mundo”. Hoy tiene que haber expuesto algo lo suficientemente interesante-atractivocurioso-extraño-conmovedor para que la gente se tome el tiempo de trancón que le supone llegar al museo, o incluso si solo debe cruzar la calle, pues la entrada de los visitantes no está garantizada.

Y eso sólo se logra con profesionales en el campo museal, capaces de cruzar sus experticias con otras disciplinas, algo que ya han entendido algunos museos en el país. Esos tiempos en los que “todo lo que se expone ahí es bueno” y “basta con tener sensibilidad” son cosa del pasado. El museo hoy tiene que volverse a ganar la confianza de sus visitantes.

Ser museo de arte moderno (MAM), además, es un reto todavía más grande. Nacido como un espacio de exposición del arte de su tiempo, es decir que debería estar al tanto de su contemporaneidad, al mismo tiempo posee una colección histórica de arte moderno. Esto ha producido una ambigüedad sobre sus funciones que no todos los museos de este tipo han podido asumir, envejeciendo junto con los artistas y mecenas que un día les dieron renombre.

Por eso, hoy más que nunca, es imperativo que estas instituciones encuentren su razón de ser, perdida en los anaqueles del recuerdo. Frente a la competencia ¿Qué hace que la experiencia dentro del museo sea única? ¿Ver un original?, ¿es suficiente?

En nuestros países que no cuentan con las obras maestras que la gente se rasga las vestiduras por ver, ¿basta con traer exposiciones internacionales tipo “Blockbuster” que arrastren público? ¿Y qué pasa con las colecciones permanentes?, ¿cómo se activan?, ¿cómo relacionarlas?, ¿cómo hacer para que la gente regrese?, ¿cómo crear gusto… o disgusto?, ¿es de su interés enseñar a mirar o al menos señalar puntos de vista más elaborados?, ¿detonar memorias?, ¿permitir elaborar duelos?

La crisis de los MAM, no sólo en Colombia, sino en el mundo, ha sido motivo de grandes revisiones. Tales, que el propio fundador del género en 1929, el MoMA de Nueva York, con el paso del tiempo dejó de ser referente al hablar de arte contemporáneo, si bien esa era la idea que le perfiló fundacionalmente Alfred Barr Jr. Tuvo que redefinirse y, pese a tener exposiciones temporales, hoy sabe muy bien que su rol es exhibir una colección que es histórica. Que la gente paga pasaje por ir a ver ‘Las señoritas de Avignon’ de Picasso y que si quiere estar al día con lo que está pasando con el arte contemporáneo se va a la sede PS1 del propio MoMA, en Queens, o visita otros museos como el New Museum así como las galerías.

Según el curador Jose Roca, un museo de arte moderno en nuestro medio hoy tiene la tarea de “mirar lo que está pasando en la actualidad y crearle genealogías con su colección”. Para él, una muestra ideal dentro de una institución de estas en el país es una exposición histórica, junto con una provocadora muestra de arte contemporáneo que vincule artistas nacionales y extranjeros que estén haciendo algo similar en otra latitud.

Aunque acá contamos con recursos limitados, hay, por ejemplo, gran expectativa con el nuevo MAMM en Medellín, con su nueva sede, una sugestiva bodega industrial en los antiguos talleres Robledo. Es evidente que está intentando definir una agenda, que en un primer momento busca reactivar su nombre con exposiciones de grandes nombres (Jan Fabre, Carlos Garaicoa, David LaChapelle), para acercarse a lo que puede ser un buen camino, como es el coctel explosivo de su muestra de noviembre de 2009: ‘Débora Arango+Beatriz González+Doris Salcedo’.

Sin ángel ¿Y qué tiene que ver esto con el Museo de Arte Moderno de Bogotá? Todo. Porque muchas de las preguntas y dilemas arriba planteados no parecen ser parte de sus propias inquietudes, al menos no de manera visible. El mismo Jose Roca le imponía un adjetivo que describe bien el estado de alma de dicha institución, una valoración

Cortesía: Dominique Rodríguez

Que existan razones para que eso haya sucedido, seguramente como siempre las hay, un favor, una amistad (¿?), pero que la curadora María Elvira Ardila haya permitido que eso sucediera sin expresar públicamente su molestia es grave, pues es un irrespeto con el público. En 2003, Ana María Lozano decidió cazar pelea con la directora Gloria Zea cuando el Museo se prestó para hacerle vitrina a Mattel con sus Barbies, que ni ampliaron ni renovaron el público. Desde allí se abrió una puerta de suspicacias que sigue abierta. “(…) Ninguna actividad relacionada con el museo, practicada por una persona individual en forma particular, puede reflejarse sobre la institución o ser atribuida a ésta. El profesional debe entonces preocuparse no solamente por las verdaderas motivaciones e intereses personales, sino también por la manera en que tales acciones puedan ser interpretadas por el observador externo” (artículo 5.3 del Código).

El problema es que demasiados eventos realizados en el MAMBo parecen desconectados de su ser. Parece como si se hubiera convertido en un salón comunal que se le alquila al mejor postor, pues no se ve el trabajo ni de curaduría ni de educación ni de museografía detrás. Y como carga todavía con renombre, quien ofrece su producto al estar expuesto allí lo dignifica, a pesar de que eso no redunde en la institución.

Aunque deprimente, vaya y venga que expongan 300 sillas, lámparas y afiches españoles –una muestra a la que le sobraba la mitad–, que exhiban la graciosa foto de un caballo corriendo por la plaza de Bolívar o dos pisos de gigantescos óleos decorativos. Si bien ninguna exposición emociona ni tiene que ver la una con la otra para decir que hacen parte de un plan museológico, son inofensivas. Otra cosa es la exposición descolgada hace poco, de 89 pinturas de excombatientes, impulsada por el artista Juan Manuel Echavarría y que llamó ‘La guerra que no hemos visto’. Las miradas de las víctimas tampoco las hemos visto, y no había ni una colgada.

Exponer los desastres de la guerra es uno de los temas de mayor discusión en el campo de los museos en el mundo actualmente. Quién se arroga la posibilidad de construir memoria y desde dónde se para es una decisión del todo política, por lo cual el museo tiene que saber qué quiere decir al exponer este tema. La investigadora Claudia Feld, que estuvo recientemente invitada al país por la maestría de museología de la Universidad Nacional, en entrevista para El Tiempo, el domingo 22 de noviembre, decía que del “debate acerca de la representación de experiencias límites se desprenden, al menos, tres dilemas principales. Uno de orden expresivo, acerca del lenguaje adecuado para narrar lo que sucedió. Un segundo, de orden ético, de cómo no profanar la memoria de lo acontecido, cómo no trivializar, cómo no prolongar el horror a través de su transmisión y, finalmente, un dilema político, que se centra en las oportunidades, momentos y consecuencias políticas de determinadas representaciones que acceden al espacio público. (…)”.

Puede que la exposición tuviera buenas intenciones –como es poner en la agenda este tema–, pero me pregunto qué le queda a un adolescente después de oír lo que yo oí en una visita guiada realizada por un ex combatiente: “Esa muchacha que ven en el centro se metió donde nadie la había llamado –decía en tono marcial y agresivo–.

Y se buscó su suerte. Todos la violaron y su virginidad nadie se la devuelve. Y en cuanto al compañero, que ajusticiaron, ella también tendrá que cargar con eso en su conciencia”. Otros, más mesurados, decían que la guerra no pagaba y que allí el error se pagaba con la muerte, no con un castigo tenue de los padres. Los niños solo se miraban. El ritmo en que los tenían era tan rápido que ni siquiera preguntaban.

ejecido

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Actualidad de los Museos

Por: Dominique Rodríguez

Cortesía: Dominique Rodríguez

Los guías no tienen la culpa, claro está. Ellos son guerreros, no especialistas en pedagogía. No se les puede pedir que tengan la mesura de intentar interpretar el conflicto y sus mil caras. Tienen el valor de dar testimonio y tal vez hacer visitas les resulte una terapia. Pero, ¿dónde está el museo para mediar con un asunto tan delicado?

Mitos que se vuelven verdades Muchos se preguntan si vale la pena que el Distrito y la Nación ayuden a pagar los 22 millones de dólares que cuesta la ampliación del Museo, una entidad privada, si no hay detrás un cambio filosófico y, claro, de profesionalización de sus actividades.

Mariangela Méndez, curadora y profesora de la Universidad de los Andes, asegura que “el nombre de la institución Museo de Arte Moderno está tomado por espacios que no funcionan y eso tiene un efecto en las nuevas generaciones: Los estudiantes de arte hoy no tienen un solo museo como referente, ninguno sueña con llegar a exponer en el Museo de Arte Moderno o el día en que lo incluyan en la colección”.

Este malestar lleva años cocinándose en bajo. Empieza con las anécdotas personales de su directora Gloria Zea, imposibles de desligar del manejo de la institución, como que llevaba a secar sus tapetes persa al Museo, que sacaba cuadros de la colección para decorar sus cenas privadas, que ha puesto el museo al servicio de aquellos con los que ha tenido relaciones (la creación del Centro de Estudios Teatrales siendo Giorgio Antei director de la Escuela Nacional de Arte Dramático; la revista Quehacer teatral editada por el MAMBo; retrospectiva de Jorge Elías Triana en 1986), entre otras muchas. Sigue con el mal estado de una colección que no se muestra al público, con una programación dispersa y a una pregunta permanente de dónde se va todo el dinero que levanta en subastas de maquetas, ediciones limitadas de computadores, cenas de beneficencia, además de los recursos públicos que recibe imparablemente desde hace años, si los montajes realizados son realmente precarios y sus colecciones están en malas condiciones.

las cajas de Álvaro Barrios de los setenta tiene una grave mancha de humedad; una cama de Beatriz González estaba abollada y torcida al ser exhibida no hace tanto; Santiago Cárdenas prefirió dejar en préstamo permanente al Banco de la República su ‘Enchufe en la pared’ de 1970 luego de ver que durante 20 años permaneció enrollado en el depósito del MAMBo; unos dibujos de Lucas Ospina simplemente desaparecieron… ¿Acaso los propios artistas no deberían empezar a exigir que el Museo cumpla su función de manera responsable?

Además, en la muestra del año 2008 ‘Rodin y otros escultores modernos’, el ‘cupido de la Venus desarmando a Cupido’ de 1871, escultura en mármol de Albert Ernst Carrier-Belleuse, tenía el dedo índice pegado prácticamente con pegante casero. ¿Un accidente? Eso dicen.

Acá los rumores no se caen por su propio peso. La presunción de que la colección ha estado pignorada a los bancos por sus muchas deudas y la certeza de que Gloria Zea ha ofrecido cuadros fundacionales del museo, como ‘La virgen de Fátima’ de Fernando Botero, para la venta o para subasta, hacen que aquí los mitos puedan creerse como realidades. Y eso es dramático. El MAMBo no es un lugar que dé nostalgia por lo que fue. No es romántico. “Ni siquiera como ruina me gustaría intervenirlo”, dice una artista. Y eso, en lugar de enfadar a los funcionarios del museo, debería alertarlos.

De nuevo, en las normas mínimas del Código de ética del ICOM en el artículo 2.1, dice “(…) Por sobre todo, es responsabilidad de cada cuerpo directivo garantizar que todas las colecciones bajo su cuidado estén adecuadamente albergadas, conservadas y documentadas”.

Sin embargo, si alguien quisiera conocer hoy ‘La corona para una princesa chibcha’, premio de la segunda Bienal de Bogotá de María Fernanda Cardoso (1990), ya no es posible. La artista debió declarar su inexistencia, al percatarse de que estaba completamente destruida, su estructura de metal oxidada y torcida y las lagartijas –previamente disecadas– sin patas.

Podría decirse que la obra corrió con mala suerte, si no fuera una constatación permanente de los artistas del estado de conservación de sus trabajos en el depósito del Museo. A un ‘Narciso’ de Oscar Muñoz le dibujaron con lápiz encima; una de

Cortesía: Dominique Rodríguez

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metáfora del “Espacio Museo”

Actualidad de los Museos

La Por: Danny González Cueto*

MAMBarranquilla

Barrios concedió una entrevista a este medio, justamente en 2006, al conmemorarse diez años de funcionamiento del MAMB, ratificando la importancia del papel desempeñado por la institución en Barranquilla: “[…] Después de la clausura del Salón Cultural de Avianca, que desarrolló una acertada actividad cultural entre nosotros, el MAMB es el sitio de mayor prestigio actualmente. La prioridad del MAM de Barranquilla es difundir las obras maduras, paradigmáticas, del arte colombiano en particular y del arte universal, en lo posible. Con ese criterio estamos ampliando el horizonte intelectual de los artistas jóvenes, especialmente de aquellos que no tienen acceso a las piezas originales del arte moderno y contemporáneo. En este sentido 3 el MAMB […] ha desarrollado un excelente trabajo.” Así, se han expuesto grandes nombres del arte internacional (Javacheff, Miró, Archipenko, Tobey, Oldenburg, Rauschenberg, Warhol, entre otros), como obras de artistas nacionales (Botero, Dolmetsch, Olga de Amaral, Peláez, Ramírez Villamizar), y también exaltado la obra de artistas del Caribe, con nivel internacional (Obregón, Noé León, etc.). La contribución de estos pocos años supera con creces sus expectativas. Además, el MAMB invita a curadores visitantes que a lo largo del año, con base en el plan de exposiciones presentado por Barrios, presentan sus curadurías y dialogan con el público, gracias a la labor articulada que se establece con el Departamento de Educación, dirigido por Eduardo Vides Celis, curador, gestor y profesor de arte, dedicado en cuerpo y alma a desarrollar un calendario de actividades que le ha valido el reconocimiento de quienes frecuentan el MAMB. Cortesía: Museo de Arte Moderno de Barranquilla

Como preludio al nuevo milenio, a finales del pasado siglo, Gustavo Bell Lemus

propuso la idea de un complejo cultural que recuperara un deprimido sector del centro histórico de Barranquilla, ubicado muy próximo al Edificio de la Aduana -restaurado también para tal fin en 1994-: el Parque Cultural del Caribe, que recién ha inaugurado su Museo del Caribe. Junto a este proyecto, se espera la construcción de dos componentes importantes: la Cinemateca del Caribe y el Museo de Arte Moderno de Barranquilla. Este último espera abrir allí, en poco tiempo, su nueva sede. De ser así las cosas, esta sería la primera sede del MAMB, en la que expondría en forma simultánea su colección permanente y las exposiciones temporales.

Se sabe que el MAMB se encuentra en su segunda sede, desde 2004, ubicada en el barrio El Prado. Su evolución ha ido garantizando la ampliación de espacios y la cobertura de nuevos servicios. De ser una sala de exposiciones en el Edificio de La Aduana, pasó a tener hoy dos salas de exhibición, un centro de documentación, un aula polivalente para conferencias y talleres, una oficina administrativa y una tienda de souvenirs. La carencia de espacio suficiente para sus actividades, es precisamente una de las mayores preocupaciones sobre el MAMB, como lo aseguró en una entrevista, María Eugenia Castro, directora de la institución: “Es un espacio que no cumple con todas las exigencias para observar los estándares museísticos contemporáneos. Por ejemplo, no hay acceso para público con discapacidad física”.1

Pese a esa carencia, el MAMB dispone de un ambicioso plan de exposiciones y una programación educativa que se lleva a cabo anualmente. El curador del MAMB, el artista Álvaro Barrios, diseña el plan de exposiciones, discutiéndolo con la directora y los jefes de área de la institución, e informando a la comunidad de la programación.

No es algo nuevo, desde 1974 tanto Castro como Barrios trabajaron juntos en la realización de un proyecto que ya se había concebido en 1962, por los miembros del Centro Artístico,2 pero que no se concretó sino hasta 1996. Antecedentes importantes del MAMB fueron las tres versiones del Salón Interamericano de Pintura (1961, 1962 y 1963) y el primer Festival de Arte de Vanguardia, realizado en 1979.

Pero, ¿qué ha pasado con las nuevas generaciones? ¿Cuál ha sido el aporte del MAMB para promover su talento? Barrios explica: […] La promoción del arte local ocupa un lugar secundario, puesto que la impecable calidad de lo que se exhibe requiere al mismo tiempo ser estrictamente riguroso. El Museo aspira a ser una meta, no un trampolín de los que empiezan”4. Sin embargo, el MAMB debería trabajar también en la promoción de aquellos talentos que, siendo locales, pueden alcanzar con su apoyo nivel internacional. El caso de Marco Mojica, por ejemplo, egresado del Programa de Artes Plásticas de la Universidad del Atlántico, es el único de un artista joven cuya obra fue reconocida por el MAMB para exponer individualmente en 2004,5 luego de que curadores como Jaime Cerón y eventos de envergadura internacional como la VIII Bienal de Bogotá, fijaran su atención en su trabajo.

Más allá de una visión institucional, el MAMB tiene que convertirse en el espacio de los nuevos artistas y generar un proceso crítico en Barranquilla. Esos son los desafíos más grandes del MAMB, y no sólo en el sentido expositivo, sino también investigativo.

Sólo lo logrará abriendo sus puertas con una visión más inclusivista, trabajando de la mano con el único programa de pregrado en artes plásticas que existe en la ciudad, el más importante de la región Caribe, a través de la metáfora del espacio museo, cuya contribución ha sido relevante en la historia cultural del norte del país.

1. Entrevista a María Eugenia Castro, directora del Museo de Arte Moderno de Barranquilla, el 24 de diciembre de 2009, en la sede del mismo, en Barranquilla.

2. 100 años del Centro Artístico 1905-2005. Museo de Arte Moderno de Barranquilla. Agosto de 2005.

Curador: Álvaro Barrios.

3. José Roca. ”¿Quién determina si alguien tiene talento?”. Entrevista a Álvaro Barrios en ARTERIA, Año 1, n° 5, marzo – mayo, 2006, pp. 8-9.

4. Idem.

5. Marco Mojica / Pinturas+Dibujos. Museo de Arte Moderno de Barranquilla. Octubre de 2004. Curador: Álvaro Barrios.

* Comunicador Social. Candidato a Magister en Estudios del Caribe de la Universidad Nacional de Colombia. Director del Programa de Artes Plásticas de la Universidad del Atlántico.

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MAMBucaramanga

Actualidad de los Museos

Tiempo de proyectarlo

en el futuro

Por: Germán Toloza

A raíz de la recientemente divulgada noticia de la expansión del Museo de Arte Moderno de Medellín, mediante la asignación de los antiguos Talleres Robledo, me surgió la inquietud de pensar el estado del Museo de Arte Moderno de Bucaramanga, MAMB. Pensar, por ejemplo, si los espacios físicos con que cuenta son suficientes, la pertinencia de sus dinámicas museísticas en el contexto contemporáneo, si estas mismas dinámicas están en concordancia con la realidad artística y cultural de la ciudad y por supuesto, en relación con la proyección misma del arte y del circuito artístico de la región a futuro.

Bien, a pesar de reconocer que el MAMB sí realiza exposiciones importantes, sobre todo en lo relativo a pintura y fotografía, su planta física, sus salas de exposición y la interactividad artística no responden suficientemente al movimiento creciente de la región. Uno de los potenciales con que cuenta el Museo es que su entorno en general es agradable, ya que cuenta con un patio abierto y la sala didáctica Terpel, dentro de un jardín que forma parte del terreno que tiene para potencial construcción.

Sin embargo las dos salas que posee y que corresponden a adecuaciones de habitaciones de una casa republicana, Cortesía: Germán Toloza aunque son bellas, gozan de buena altura y se prestan para exponer pinturas -con ciertas limitaciones para el ojo y condicionando bastante el guión curatorial- no son suficientes para exposiciones ambiciosas y sobre todo, para propuestas instalativas o performáticas de artistas que planteen sus obras con criterios espaciales y formatos más exigentes.

Pese a las limitaciones de su planta física, es innegable que la labor del Museo, como aparato divulgativo, ha sido muy buena, en la medida en que le ha permitido a la ciudad ver obras que rompen el estatismo expositivo en que estaba cayendo el circuito local. Entre las más destacadas del último año están ‘Débora en plural’ de la pintora antioqueña Débora Arango, ‘Wayúu’ del fotógrafo Santiago Harker, y ‘Obra experimental’ de la artista santandereana Beatriz González. Actualmente el Museo alberga parte de las obras seleccionadas en el 13 Salón Regional de Artistas zona oriente, con participantes del estado Táchira de Venezuela, Norte de Santander y Santander.

Esta nueva dinámica del arte en la ciudad, se ve también enriquecida con las exposiciones que ha traído el Banco de la República y la labor de apoyo a nuevos talentos que realizan la Cámara de Comercio, la sala del Colombo Americano, la Alianza Francesa con su galería Sènghor y la sala de exposiciones Macaregua de la Universidad Industrial de Santander.

No obstante se extrañan otras estrategias en la exploración de nuevos públicos y promoción de nuevas experiencias curatoriales. Siento que el MAMB todavía se comporta como el “museo cubo que recibe y muestra” pero no apuesta por sus propias aventu-

ras.

Pero imaginemos un Museo que empieza a cambiar, desde su planta física, desde espacios nuevos que reten a los artistas o les instiguen a proponer soluciones plásticas más dinámicas, y también imaginemos que no sólo crece en espacios contenedores acordes a las necesidades del arte contemporáneo, sino también en espacios abiertos diseñados desde la integración de los jardines y patios, que permitan habitar arte y naturaleza desde la interdisciplinariedad de las artes.

Además estamos en una época en que las cosas cambian atrevidamente, se movilizan sugestivamente, incluso es interesante cuando son ingeniosamente escurridizas.

Bucaramanga pide otro museo, con un diseño que surja nuevo, de acuerdo al comportamiento de las propuestas artísticas actuales, más dinámico y con amplitud manejable.

Algunos elementos que podrían ser tomados en consideración a la hora de gestar un nuevo MAMB para la ciudad, podrían ser, entre otros: que haya una interacción armónica del espacio arquitectónico y su habitabilidad con la naturaleza; que integre a los arquitectos como parte fundamental para que el espacio galerístico se transforme constantemente; que interactúe con el espacio público (la calle); que cuente con espacios suficientemente amplios que permitan nuevas dinámicas en los guiones expositivos; que en sus políticas de programación contemple la interacción con otras áreas artísticas y que sea abierto a la experimentación para los artistas de nueva generación.

Nuestro Museo ha cumplido una misión importante para acercar la región a obras significativas; a las viejas y nuevas generaciones nos ha permitido reunirnos en el ritual de ver y confrontar en el arte, pero hoy las necesidades de nuevos espacios y formas de hacer arte implican transformaciones de los espacios tradicionales. Incluso, es importante señalar los pasos que ha dado la doctora Lucila González Aranda en cuanto a investigación sobre Historia del Arte en Santander.

La reflexión apunta a una necesidad de revisar el Museo y proyectarlo, de apoyar la gestión que la doctora González Aranda ha venido adelantando, muy sola por demás. Se requiere gestionar los recursos necesarios para aprovechar el terreno y los jardines que tiene para integrarlos en un gran proyecto, con las nuevas dinámicas pedagógicas, expositivas y experimentales que el nororiente necesita. Es imperativo integrar la labor de arquitectos visionarios que propongan una arquitectura interactiva, futurista, que mezcle la casa vieja con nuevas estructuras como se ha hecho magistralmente en otros lugares.

Creo que el Ministerio de Cultura, el Banco de la República, Ecopetrol, la empresa privada y por supuesto, el Gobernador de Santander y el Alcalde de Bucaramanga, deben patrocinar un proyecto tan importante para la región y acompañar el sueño que abandera su directora, Lucila González, y darle a Bucaramanga el Museo que se merece.

16 Cortesía: Galería Mundo

BOGOTÁ Galería Mundo Fernando Pareja y Leidy Chavez: ‘Alicia en el País de las Maravillas’ Marzo 17- 28 Fernando Pareja y Leidy Chávez exponen una serie de escenas a manera de reportaje, construidas en medios digitales como el modelado en 3 dimensiones. Mediante un juego de imágenes, esta serie pretende resonar entre la realidad y la ficción propia de ‘Alicia en el país de las maravillas’. La exhibición que cuenta a manera de historia la mirada hacia “Alicia” y sus demás personajes, intenta involucrarse con la memoria colectiva. Igualmente, se exhibirán pequeñas esculturas, así como en la serie original de ‘Alicia en el país de las maravillas’.

Cortesía: La Central

BOGOTÁ La Central Miltos Manetas: ‘7 Resoluciones’ Desde febrero 12

Cortesía: Galería El Museo

Cortesía: Galería Casa Cuadrada

BOGOTÁ Galería Casa Cuadrada Piedad Tarazona: ‘Homenaje a La Mujer’ Desde marzo 4 Piedad Tarazona presenta un homenaje a la mujer en su mes. Inspirada por un poema llamado ‘Y Dios me hizo mujer’, Tarazona intenta crear una reflexión acerca de la manera cómo la mujer ha sido vista en otras sociedades a través de la historia. La exposición trata temas como el aborto, la opresión femenina en el medio oriente, su papel el la guerra santa, la mujer indígena, el comportamiento de las sociedades con respecto a la mujer, el desprecio por las niñas en China, el maltrato promovido por el Islamismo y el papel de la mujer en la iglesia, además de la prostitución, la igualdad y la desigualdad alrededor del género femenino.

BOGOTÁ Galería El Museo ’Lenguajes de Papel’ Hasta marzo 6 Partiendo de la consideración del papel como el soporte más cercano a la creación y sobre el cual los artistas han aprendido a dibujar y han esbozado sus ideas. Se reune la muestra colectiva ‘Lenguajes de papel’ que hace un homenaje a este soporte a través de una mirada contemporánea a la forma más clásica de creación artística que, a través de diversos lenguajes, busca rescatar al papel como medio fundamental de expresión y no como simple soporte o herramienta de trabajo.

BOGOTÁ Galería Nueveochenta Aldo Chaparro: ‘Here we are now, entertain us’ Desde enero 27 Las “palabras-objeto” tienen siempre una historia, preceden a quien las crea y a quien las observa. El contexto cambia y en este nuevo territorio, se hace explicito que los usos de las palabras han sido muchos y diferentes; que el significado de las mismas ha pasado el filtro de perspectivas heterogéneas y que sin embargo, podemos identificar pues están contenidas en un referente común: la Música. Aldo Chaparro explora la resonancia que tienen para la sociedad, el uso y los diferentes significados de las palabras utilizadas en las canciones. Sus obras buscan descontextualizar algunas frases convirtiéndolas en objetos multimediales

Miltos Manetas escogió el tamaño de las 7 resoluciones de las pantallas de un computador para realizar su obra. Este trabajo que pretende emparentar los humanos y sus máquinas, trabaja con dos extremos en el arte: la pintura y los web sites. Para él “la pintura es una expresión plástica hierática que existe solamente en un lugar, mientras las paginas web se anidan en cualquier sitio y se regeneran constantemente”.

GALErías Cortesía: Galería Casas Riegner

BOGOTÁ Johanna Calle: ‘Variaciones’ Galería Casas Riegner Hasta marzo 27

Cortesía: Galería Nueveochenta

La exposición de Johanna Calle busca representar la taquigrafía, los manuscritos, los pentagramas, las cartas y rescatar las cualidades estéticas del gesto escrito. Se intenta plantear el dibujo como un campo abierto a la experimentación de materiales como el metal o las sedas quirúrgicas. La muestra brindará al espectador la posibilidad de codificar un signo poético que, en el contexto, permite que un elemento metálico pueda ser leído como una nota musical.

17 CALI Galería Jenny Vilá Ana María Rueda: ‘yo también soy el otro’ Hasta enero 15

BOGOTÁ Galería Valenzuela Klenner Víctor Escobar: ‘Tráquira, siguiendo la estética del “narc-decó”’ Desde enero 28

Esta serie de fotografías que registran aguas de diferentes lugares como el Río de la Plata, el Ganges, el Coello, el Sena, el Magdalena, el Orinoco, el Mar Caribe y el Océano Atlántico, no pretenden ilustrar lugares geográficos: sino capturar acontecimientos.

Piezas de artesanía tradicional cubiertas con cristales sobre terciopelo y esculturas en barro instrumentalizadas como joyas, son algunos de los objetos que podrán apreciarse en ‘Tráquira’. Abordando el tema del narcotráfico desde otra perspectiva e intentando mostrar el sufrimiento y la transformación del campo como un lugar donde según Escobar “la riqueza y el brillo pueden transformarse rápidamente en causales de masacres, muerte, desangre y la desolación. Evocando un mundo de glamour en la llamada cultura ‘traqueta’”.

Así las marcas que se forman en el agua, la estela, la onda que se expande y el viento son tomados como escenarios metafóricos.

Cortesía: Galería Valenzuela Klenner

BOGOTÀ EC-arte Galería Fabiana Peña Pacheco: ‘Parvularios’ Febrero 17 - Marzo 5 ‘Parvularios’, pretende dar una mirada a los recuerdos de la infancia en el adulto, donde la memoria juega un papel importante en su descubrimiento. Las pinturas se caracterizan por una integración de colores unidos a cuerpos de infantes. La exposición busca relacionar situaciones que evocan sentimientos de afecto, de ternura, y felicidad en atmósferas donde la fantasía es la prioridad.

Cortesía: Galería Mundo

Cortesía: Galería Jenny Vilá

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BOGOTÁ Galería Mundo Claudia Hakim: ‘Resplandor’ Hasta febrero 20 Por: Fernando Toledo “Se trata, en síntesis, de una obra que destila una extraordinaria libertad formal y que plantea derroteros de muy largo aliento. No hay duda de que, a partir de lo que podría definirse como una provocación visual establecida por una serie de elementos en apariencia insólitos, Claudia Hakim acaba por dar un testimonio de las infinitas posibilidades que tiene la materia cuando se la relaciona con el arte y, en particular, con una plasticidad que, sin duda, se debate entre la abstracción y la figuración, sin perder de vista, de ninguna manera, una dimensión lúdica que arroba al espectador”.

Cortesía: Galería Arte Consultores

BOGOTÁ Galería Arte Consultores Hermann Camargo: Pinturas Hasta febrero 18 La exposición pretende rescatar la imagen de los frutos más tradicionales, algunos de ellos al borde de la extinción. La muestra surge como respuesta a la preocupación del artista que intenta rescatar aquella Colombia que según él, está perdiéndose en la mutación de la naturaleza, los paisajes y las costumbres.

Situación que llevo a Camargo a recorrer en los últimos años, algunas zonas del país en busca de esos frutos tradicionales y cotidianos, que ahora se encuentran casi perdidos u olvidados.

Las 27 pinturas de pequeño formato q componen la muestra se titulan con los nombres científicos de cada fruta, haciendo referencia a la “Expedición Botánica”.

MÉXICO Cortesía: Galería de Gustavo Arroniz Galería de Gustavo Arroniz Saúl Sánchez: ’Regla de Tres’ Desde enero 28 Regla de tres cuestiona la experiencia tradicional de enfrentarse a una exposición. En ella tanto el artista como el público se arriesgan, el primero por crear una obra que no se va a mostrar, y el segundo por comprar algo que no conoce. En este proyecto, Sánchez pretende plantear interrogantes alrededor de la pintura como medio y sobre los esquemas de comercialización de las obras de arte en el mercado.

BOGOTÁ LA galeria Pablo Licona: ‘Tizódromo’ Hasta febrero 13 Por: Humberto Junca “El tablero es el lugar donde uno prueba su individualidad, un moderno coliseo que templa nuestro espíritu. De niños debemos aprender uno a uno a ser adultos, eficientes, competitivos; debemos aprender a encajar en la sociedad.

Y nuestro sitio de encaje es el tablero. Ahí, demuestra uno lo que sabe y hacia dónde va. […...].

El ‘Tizódromo’ es un ejercicio de rebelión del artista que en sudadera, y delante de toda la clase, arranca el tablero, lo tira al piso y lo pisa. Lo hace área de juego lo obliga a contener objetos o lo convierte en uno” Tizódromo presenta esculturas y performances como reflexiones en torno al tablero.

Cortesía: LA Galería

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Latinoamérica en la I Trienal de Chile

Por: María Sol Barón

El 5 de octubre de 2009 se inauguró la

Afiche de difusión de uno de los "Montajes de Momentos Plásticos" del NO-GRUPO (Maris Bustamante, Rubén Valencia, Melquiades Herrera y Alfredo Núñez). Cortesía: María Sol Barón

I Trienal de Chile, evento que hace parte de las actividades de celebración del Bicentenario de Independencia del país austral. En este enorme evento constituido por varias actividades y exposiciones, Latinoamérica tuvo un lugar representativo a través de la curaduría de Gabriel Peluffo titulada ‘Arte/Latinoamérica: Estados de Sitio’. El curador general, Ticio Escobar, propuso “el límite” como categoría central de la Trienal, desde la cual se desglosaron tres ejes principales de reflexión: pensar en las definiciones o límites del arte contemporáneo; examinar la institucionalidad de las prácticas artísticas, y por último atender otras formas de agenciamiento del campo artístico, en particular las prácticas que desbordan el ámbito de lo estético para generar nuevos espacios de acción y configurar nuevos públicos.

En el contexto latinoamericano esta Trienal se configura como un nuevo espacio para estrechar lazos culturales en la región, así como para cuestionar críticamente los límites o bordes entre el arte contemporáneo y las múltiples expresiones tradicionales que complejizan las realidades culturales de los países latinoamericanos. El objetivo de esta versión fue proyectar diferentes agentes del arte local hacia el escenario regional y, en particular, establecer paralelos y diálogos entre las prácticas artísticas que se han desarrollado en este territorio. Dentro de esta propuesta la exposición ‘Arte/Latinoamérica: Estados de Sitio’ contribuyó a visibilizar una lectura inédita sobre unas experiencias artísticas que ocurrieron en un periodo caracterizado por la efervescencia política y social. En cabeza del uruguayo Gabriel Peluffo -en colaboración con Alberto Madrid y otros investigadores de Argentina, Colombia, Chile, México y Perú- esta curaduría reunió los archivos, documentos y piezas de cinco grupos artísticos activos entre 1968 y 1985. Peluffo situó al Grupo de Artistas de Vanguardia de Rosario, conocido por la acción llamada ‘Tucumán Arde’ de 1968, como punto inaugural de una serie de acciones que desbordaron los espacios institucionales y las concepciones disciplinadas del arte, para intervenir las complejas realidades sociales y culturales locales e involucrar a nuevos públicos. La apuesta del curador consistió en poner en diálogo y en tensión obras, documentos y piezas fronterizas de estos colectivos con obras de artistas contemporáneos que funcionan, en palabras del curador, a manera de contrapunto o metástasis de las primeras.

Detalle Agenda 83 del NO-GRUPO. Cortesía: María Sol Barón

De Colombia se exhibieron trabajos y documentos inéditos

Cortesía: María Sol Barón

de Clemencia Lucena y del Taller 4 Rojo (Diego Arango, Nirma Zárate, Jorge Mora, Umberto Giangrandi, Carlos Ganada y Fabio Rodríguez), un grupo que desde las artes gráficas desarrolló una actividad de apoyo a movimientos políticos y sociales entre 1971 y 1976. De México participó el No-Grupo (Maris Bustamante, Rubén Valencia, Melquiades Herrera y Alfredo Núñez), un colectivo activo entre 1977 y 1983 que se apropió de estrategias visuales y comunicativas de la cultura popular, así como de gestos irreverentes y salpicados de humor que recuerdan al movimiento estridentista mexicano. De Chile se expusieron algunos documentos del Colectivo de Acciones Colectivas de Arte (CADA) cuyas intervenciones efímeras transcurrieron entre 1979 y 1985 en plena censura y persecución de la dictadura contra las manifestaciones culturales y artísticas independientes. De Perú participaron imágenes y piezas del Colectivo EPS Huayco, un colectivo de artistas (María Luy, Francesco Mariotti, Charo Noriega, Javier Salazar, Armando Williams, entre otros) que sacaron el arte de los salones encopetados e incorporaron referentes de la cultura visual popular. En cada uno de estos cinco núcleos expositivos el curador integró piezas de artistas contemporáneos que reactivan la lectura de estas propuestas. La curaduría se completa con la exposición ‘Travesías 1970 – 2009’, a cargo de Alberto Madrid, en la que el poema ‘Amereida’ sirvió como enlace para la idea de travesía geográfica, implícita en las experiencias antes mencionadas. En coherencia se reunieron allí registros fotográficos de las travesías de Claudio Girola, de Juan Downey, del Grupo de Vanguardia de Rosario, de EPS Huayco, de las acciones de CADA, junto con el vídeo de Francis Alÿs ‘Colectores’, filmado en 2006.

Instalada en Valparaíso ‘Arte/Latinoamérica: Estados de Sitio’ tuvo poca difusión: Santiago de Chile, a pesar de los objetivos trazados, y en contravía de su propia nominación, terminó siendo el epicentro de la Trienal. Sin embargo, este texto expositivo, que reunió por primera vez a una serie de colectivos que de diferente manera traspasaron los límites y espacios institucionales del arte, permitirá a los investigadores de la región seguir revisando críticamente las formas de estudiar y exponer los archivos y documentos del arte en Latinoamérica.

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Guía Nacional Barranquilla MUSEO DE ARTE MODERNO DE BARRANQUILLA Carrera 56 # 74 – 22 Tel. (5) 3690101 Fax. (5) 3609952 mambq@yahoo.com www.mambq.org.co - Hasta marzo 12 . ‘Vamos’. Exposición colectiva de artistas colombianos y argentinos.

Bogotá ALONSO ARTE GALERÍA Calle 85 # 11 – 53, Int. 2 Tel. (1) 6180072 Fax. (1) 2363519 alonsoarte@gmail.com www.alonsoarte.com FACULTAD DE ARTES ASAB Carrera 7 con Av. Jiménez Sótanos.

Cel. (300) 2730852 salaexposasab@gmail.com - Desde enero 27. ‘Exposición Trabajos de Grado’.

GALERÍA NUEVEOCHENTA Calle 70 # 9 - 80 Tel. 3466987 / 3476071 info@nueveochenta.com www.nueveochenta.com - Hasta marzo 6. ‘Here we are now, entertain us’: Aldo Chaparro.

GALERÍA CASA CUADRADA Carrera 7 # 83 – 20, Edificio Saturno.

Tel. (1) 2576541, 2186987 casa_cuadrada@yahoo.com www.casacuadrada.com CENTRO COLOMBO AMERICANO Sede centro. Avenida 19 # 2 – 49 Tel. (1) 3447640 ext. 235 cblanco@colombobogota.edu.co www.colombobogota.edu.co GALERÍA EL MUSEO Carrera 11 # 93A – 43 Tel. (1) 6107301, 6107451 Fax. (1) 2570329 info@galeriaelmuseo.com www.galeriaelmuseo.com - Hasta marzo 6. ’Lenguajes de Papel’.

FUNDACIÓN GILBERTO ALZATE AVENDAÑO Calle 10 # 3 – 16 Tel. (1) 2829491 artesplasticas.fgaa@gmail.com www.fgaa.gov.co - Febrero 17 - Marzo 17. ‘Juegos de Video’: Pipilotti Rist, Force Field, Rsg (Radical Software Group), Paper Rad. Curaduría: Santiago Rueda y Carolina Chacón.

Cali

LA GALERÍA Calle 77 # 12 - 03 Tel. (1) 6009795 info@la-galeria.com.co www.la-galeria.com.co - Hasta febrero 13. ‘Tizódromo’: Paulo Licona.

LUGAR A DUDAS Calle 15N # 8N – 41 Tel. (2) 6882335 Cel. (310) 3970010 lugaradudas@lugaradudas.org prensa@lugaradudas.org ceto86@msn.com

MONTEALEGRE GALERÍA DE ARTE E.U Carrera 17A # 100 – 15 Tel. (1) 6917007 Fax. (1) 6917006 montealegregaleriadearte@yahoo.com www.montealegregaleriadearte.com.co

Manizales

GALERÍA MUNDO Carrera 5 # 26A - 19, Torres del Parque Tel. (1) 2 32 24 08 / 67 www.galeria-mundo.com - Hasta febrero 20. ‘Resplandor’:

CENTRO CULTURAL COMFANDI Calle 8 # 6 – 23.

Tel. (2) 3340000, ext. 1302, 1303 Fax. (2) 3340000, ext. 1326 centro_cultural@comfandi.com.co www.comfandi.com.co - Hasta febrero 26. Archivo del Patrimonio Fotográfico y Fílmico del Valle del Cauca.

UNIVERSIDAD DE CALDAS, FACULTAD DE ARTES Y HUMANIDADES, DEPARTAMENTO DE DISEÑO VISUAL Calle 65 # 26-10 Tel. (6) 8781500 ext. 12107 Fax: 3340000 Ext. 1326 info@festivaldelaimagen.com www.festivaldelaimagen.com - Abril 13 - 17. Convocatoria del IX Festival Internacional de la Imagen.

Claudia Hakim

GALERÍA CASAS RIEGNER Calle 70A # 7 – 41 Tels. (1) 3132508 - 2499194 casasriegner@cable.net.co GALERÍA SEXTANTE Carrera 14 # 75 - 29 Tel. (1) 2 49 47 55 sextante@artedos.com, sonia@artedos. com, luisangelparra@artedos.com Bucaramanga RAMÍREZ SÁNCHEZ GALERÍA Calle 54 # 36 – 07 Tel. (7) 6437021 Fax. (7) 6475296 Cel. (317) 4021535 ramonr77@msn.com www.ramirezsanchezgaleria.com

Medellín CENTRO COLOMBO AMERICANO Sede San Fernando Plaza Carrera 45 (El Palo) # 53-24 Tel. (4) 134444 Ext. 226 gallery@colomboworld.com www.colomboworld.com/colombo - Hasta enero 31. ‘Heartists in the Market Place. Feria de arte’: Julián Urrego, Juan Fernando Vélez, Libia Posada y Ana María Mejía McMaster.

CASA TRES PATIOS Carrera 50A # 63 - 31 Barrio Prado Centro Tel. (4) 57177 98 casatrespatios1@gmail.com www.casatrespatios.org

MUSEO DE ANTIOQUIA Carrera 52 # 52-43 Tel. (4) 2513636 comunicaciones@museodeantioquia. org.co www.museodeantioquia.org.co - Hasta abril 4. ´Ante tus Ojos’: Francisco Antonio Cano.

Curaduría: Museo de Antioquia.

TALLER 7 Carrera 41 # 46 – 67 (Villa con Bomboná) Tel: (4) 2395508 taller7@gmail.com Santa Marta MUSEO BOLIVARIANO DE ARTE CONTEMPORÁNEO Quinta de San Pedro Alejandrino Tels. (5) 4332994, 4331021 Fax. (5) 4332994 prensalab@espaciosalternativos.org www.espaciosalternativos.org - Febrero 25 - Marzo 31. ‘Grabado y Estampas’: María Angélica Navas.

Exposición virtual a través de la página web del colectivo de artistas regional.

Curaduría: Stefannia Doria Rincón.

OTROS PAÍSES Madrid – España GALERÍA FERNANDO PRADILLA C/. Claudio Coello 20.

Madrid, 28001 Tel. 34 (91) 5754804 Fax. 34 (91) 5776907 gfp@galeriafernandopradilla.es www.galeriafernandopradilla.com - Hasta febrero 20. ‘Foreignaffairs’: Juan Francisco Casas.

México - Ciudad de México GALERÍA DE GUSTAVO ARRONIZ

Plaza Río de Janeiro # 53, pb Colonia Roma Tels. 52 (55) 55 11 79 65 / 55 11 67 23 www.arroniz-arte.com - Desde enero 28. ’Regla de Tres’: Saúl Sánchez.

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Raúl Álvarez Escultor