Semblanzas Arte Vivo 2019

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Conoce a las y los artistas que dan vida a la ediciรณn XXV de Arte Vivo

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Abraham Cruzvillegas / Adrián Guerrero / Adrián S. Bará / Alan Campbell Stanley Aldo

Chaparro

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Alejandro

Pintado

/

Alejandro

Santiago

Alexander

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Zuleta

Alexis de Chaunac / Andreas Von Gehr / Andrés Basurto / Andrés Felipe Castaño Armando de la Garza / Beatriz Morales / Betsabée Romero / Boris Viskin / Carlos Agustín Carlos Cruz-Diez / Cecilia Barreto / Christian Becerra / Ciler / Cisco Jiménez Cynthia Gutiérrez / Damián Suárez / Daniel Lezama / Daniel Samper / David Troice Dennis Miranda / Diego Rodarte / Eduardo Sarabia / Emilia Sandoval / Emilio Rangel Emmanuel García / Endy Hupperich / Ernesto Solana / Escoto + Carrara / Fabian Ugalde Fernando Carbajal / Fernando Pizarro / Flor Minor / Francisco Esnayra / Francisco Larios Francisco Ortiz Trejo / Francisco

Ugarte / Gabriel Macotela / Gerardo

Gilberto Aceves Navarro / Grace Coddington para Louis Vuitton

Noriega

/ Graciela Iturbide

Guillermo Kahlo Alcalá / Gustavo Argüello Peñaloza / Gustavo Salmones / Gustavo Villegas Héctor Bitar / Héctor de Anda / Horacio Quiroz / Hugo Robledo / Inés Cusi / Javier Arean Javier Peláez / Jesús Galván / Jorge Marín / Jorge Obregón / José Luis Cuevas José Luis Ramírez / Juan Pablo Vidal Goudet / Juan Soriano / Kanako Namura / Lao Gabrielli Laura Ortíz / Leo Matiz / Leonor Hochschild / Lucía Valencia / Luis Hampshire Manuel Felguérez / Manuel H. Márquez / Marc Breslin / Marcos Castro / María Conejo Marianna Dellekamp / Mario Navarro / Mario Núñez / Mathias Goeritz / Mauricio Limón Máximo González / Miguel Castro Leñero / Nando Pradho / Olivia Steele / Omar Zurita Oswaldo Vigas / Paola Pineda / Paul Muguet / Pedro Coronel / Pedro Friedeberg Pedro Magaña / Pilar Goutas / Pim Schalkwijk / Rafael Cauduro / Raúl Anguiano / Ray Smith Ricardo Garduño / Ricardo Guzmán / Ricardo Pinto / Roberto Cortázar / Robyn Ward Rodrigo de la Sierra / Sabino Guisu / Sergio Hernández / Simón Vega / Sr. Lasso Tatiana Camacho / Valeria Contreras Gómez / Vera André / Vicente Rojo / Víctor Rodríguez |3| Victoria

Ezquerra

/

Werner

Segarra

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Yvonne

Domenge

/

Zamia

Fandiño

MÁS SOBRE LAS Y LOS ARTISTAS PARTICIPANTES

ABRAHAM CRUZVILLEGAS (México, n. 1968) Egresado de la Universidad Nacional Autónoma de México con licenciatura en Pedagogía, participó en el “Taller de los viernes” con Gabriel Orozco. Su trabajo se caracteriza por la utilización de materiales encontrados y la reutilización de objetos, en particular para su proyecto más importante llamado Autoconstrucción. Su obra incluye escultura, pintura, dibujo, instalación y video; por medio de esta revela un compromiso constante y cercano con el mundo material y con la construcción y transformación continua de identidades personales y colectivas. Entre sus exposiciones y proyectos más importantes se encuentran: Autorreconstrucción: Social Tissue, Kunsthaus Zürich (2018); Sensory Spaces 12: Abraham Cruzvillegas, Museum Boijmans Van Beuningen, Róterdam (2017); The Water Trilogy 2: Autodefensión Microtonal Obrera Campesina Estudiantil Metabolista Descalza, Ginza Maison Hermès: Le Forum, Tokio (2017); Autoconstruction approximante vibrante rétroflexe, Carré d’Art - Musée d’art Contemporain de Nîmes (2016); Empty Lot, Tate Modern, Londres (2015); Abraham Cruzvillegas: Autoconstrucción, Museo Jumex, Ciudad de México y Museo Amparo, Puebla (2014). Además, su trabajo ha formado parte de varias exposiciones como: Artaud 1936, Museo Tamayo, Ciudad de México (2018); Dwelling Poetically: Mexico City, a case study, Australian Centre for Contemporary Art, Melbourne (2018); WE DREAM UNDER THE SAME SKY, Palais de Tokyo, París (2017); The Revolution Will Not Be Gray, Aspen Art Museum (2016); Unmonumental, New Museum, Nueva York (2007). Su obra también ha sido incluida en las siguientes bienales: 21st Biennale of Sydney, Australia (2018); X Bienal de Nicaragua, Fundación Ortíz Gurdián, Managua (2016); Sharjah Biennial 12, Sharjah (2015); 12a Bienal de la Habana, Cuba (2015); 9th Shanghai Biennale, Shangai (2012); DOCUMENTA (2013),

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Kassel (2012); 12 İstanbul Bienali, Estambul (2011); 6th SeMA Biennale, Mediacity, Seúl (2010); 10a Bienal de la Habana, Cuba (2009); 54a Bienal de Venecia, Italia (2003). Entre sus reconocimientos, ha recibido el Prix Altadis d’Arts Plastiques (2006), además de ser el quinto laureado con el Yanghyun Prize (2012).

ADRIÁN GUERRERO. (México, n. 1975) Arquitecto por la Universidad ITESO de Guadalajara con Maestría en Filosofía y Ciencias Sociales por la misma Universidad. Sobresalen entre sus muestras: Alles Kann Etwas Sein y Perceptio, Museo Casa Taller José Clemente Orozco; Disertaciones del punto, Galería Atelier, San Miguel de Allende; Altar de muertos contemporáneo, Museo de Arte, Zapopan. Algunas exposiciones colectivas de las cuales ha formado parte son: Shaped in Mexico, Oxo Tower, Londres; Arte Careyes, Careyes; Construcciones Primeras, Palazzo Bembo, Bienale di Venezia; Contemporary Alternatives II, Kavachnina Gallery, Miami; Concurso Internacional de Cerámica de Arte contemporáneo, convocado por el Museo MIC, Faenza; Gyeonggi International Biennale (2011), Corea y en la IX Bienal Internacional de Cerámica de Manises, Valencia. Ha sido merecedor de la Mención de Honor en la Bienal Internacional de Cerámica Gyeonggi, Corea (2011); seleccionado de CERCO, (2011); Premio Internacional de Cerámica Contemporánea de Zaragoza; seleccionado en el 57 Faenza Prize; seleccionado de la IV Bienal de Cerámica Utilitaria, Museo Franz Mayer de la Ciudad de México, entre otros.

ADRIÁN S. BARÁ (México, n. 1982) La práctica artística combina su educación y ejercicio como cineasta, su interés por las narrativas visuales y sus enfoques empíricos de las situaciones cotidianas. Su trabajo se

genera a través de la apropiación de elementos visuales y materiales tomados de su entorno inmediato, que se presentan como las huellas de una historia de la realidad contemporánea y se organizan como fragmentos para componer nuevas narrativas. Bará ha realizado exposiciones individuales, entre las que destacan: Estructuras de la Razón, Páramo, Guadalajara, México (2019) y ArtCenter / South Florida en Miami, EUA (2017); Adrián S. Bará y Florian Schmidt, Johannes Vogt, Nueva York, EUA (2017); Aesthetics of a Collapsed System, Casa Pedregal, Ciudad de México (2016); Le Palais, Páramo, Guadalajara, México (2015).

Entre las exposiciones colectivas seleccionadas se incluyen Almost Solid Light: New Work from Mexico, Paul Kasmin, Nueva York, EUA (2018); Tinnitus y Fosfenos, Museo de Arte Zapopan, Zapopan, México (2014); y Everything Must Go, Galería Casey Kaplan, Nueva York, EUA (2011).

En 2019, Bará fue un artista en residencia en PIVÔ Research, São Paulo, Brasil, y en 2016 en el International Studio & Curatorial Program (ISCP) en Nueva York, Estados Unidos. El trabajo del artista como director de fotografía cinematográfica incluye The Weekend Sailor (2016), premio del Festival Internacional de Cine de Madrid a la mejor cinematografía, y The Solitude of Memory (2014), incluido en Le Festival de Cannes 2015, y ganador del Premio del Jurado por cortometraje documental en el festival de cine Slamdance. El trabajo de Bará forma parte de diversas colecciones privadas alrededor del mundo, como lo son la Space Collection, Irvine, California, EUA; Luciano Benetton Collection, Italia; Colección Isabel y Agustín Coppel, México; y Colección Diéresis, Guadalajara, México.

ALAN CAMPBELL STANLEY (Escocia, n. 1969) Egresado de la Universidad de Londres con licenciatura en Historia y reconocido por la Real Sociedad de Fotografía de la Gran Bretaña. En Gran Bretaña, su trabajo ha sido publicado por medios como The Daily Telegraph, The Guardian y The Mail, además de tener colaboraciones ocasionales en Time Out y publicaciones especializadas. Ha destacado también como

fotógrafo de la cotidianeidad humana, lo que ha reflejado tanto en retratos, como en escenas del diario devenir de las personas en las grandes urbes y el campo. La producción teatral es otro campo en el que Alan Campbell ha colaborado en su calidad de artista de la lente. Actualmente colabora también en diferentes carteras del Fine Art fotográfico de México y diferentes países de América Latina, con lo que prepara material para futuras exposiciones que se llevaron a cabo en el la Ciudad de México y Londres. También ha tenido impresiones que se han mostrado en las exposiciones anuales de la Real Sociedad de Fotógrafos.

ALDO CHAPARRO (Perú, n. 1965) Es un artista contemporáneo originario de Perú cuyo trabajo se centra principalmente alrededor de la escultura, el diseño y la arquitectura, conocido especialmente por sus esculturas hechas con acero inoxidable. Actualmente vive y trabaja entre la Ciudad de México, Los Ángeles, Madrid y Lima. Mucho del trabajo de Aldo Chaparro está basado en procesos rápidos, lo cual le obliga a tener una relación estrecha con sus materiales. Sus esculturas en acero inoxidable doblado remiten por un lado al error, teniendo un parecido con hojas de papel desechadas, así como a una de las maneras más primitivas de darle volumen a un plano. Por otro lado la superficie de los mismos funciona como espejos distorsionados que sirven como un visor del espacio alternativo que construyen.

Las láminas de acero, dobladas con el cuerpo y la fuerza de Chaparro, tienen su origen en su interés por el reflejo. Una de las premisas de la obra de Chaparro es el tiempo y la relación que éste tiene con el material. Sus esculturas con acero son el resultado de la interacción de su propio peso, fuerza y estado de ánimo, con las hojas de acero inoxidable o latón, de modo que la producción de las mismas funciona como un diario de su cuerpo. Chaparro es representado por la Galería de Pierre Huber en Suiza, la Galería Casado Santapau en España, Ginsberg Galería en Lima, y OMR en México. Además de su trabajo como artista, Aldo Chaparro también ha sido editor y director de arte. Como director

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del Grupo Editorial Celeste produjo más de 40 publicaciones de arte contemporáneo y moda del año 2000 al 2012, incluyendo Celeste y Baby baby baby, dos de las publicaciones de arte y cultura contemporánea más influyentes a nivel mundial. Su trabajo se encuentra en colecciones como: Fundación/Colección Jumex, México; Colección Coppel, México; The CIFO – Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, Estados Unidos; The Helga de Alvear Foundation, España; Simon de Pury, Londres, Reino Unido; Douglas Baxter’s Collection, Nueva York, Estados Unidos; Collection Domenico de Sole, Hilton Head, Estados Unidos; Collection Guler Sabanci, Estambul, Turquía; Pierre Huber Collection, Ginebra, Suiza; Museo de Arte Contemporáneo Lima, Lima, Perú; Perez Art Museum Miami, Miami, Estados Unidos.

ALEJANDRO PINTADO (México, n. 1973) Cursó la licenciatura de Pintura en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” en la Ciudad de México, la Maestría en Bellas Artes en Goldsmiths College de la Universidad de Londres y realizó estudios en Skowhegan School of Painting en Maine.

Destacan entre algunas de sus exposiciones relevantes: Material/Ethereal, Hamiltonian Gallery, Washington, DC; The Clearest Skies, Post Box Gallery, Londres; Trayectoria del conocimiento. Diálogo con José María Velasco, Museo Nacional de Arte, Ciudad de México. Ha participado también con Planos convergentes, en la Galería Ethra de Ciudad de México; Crosslines, en el Arts and Industries Museum Smithsonian de Washington DC.; Pabellón de México en la Feria Mundial Expo 2015 de Milán; Messico circa 2000, en la Scuderia del Castello Miramare de Turín; Escape, en la Sumarria Lunn Gallery, Londres; Landscape interventions, en la Fundación Arte sin límites, La Haya y Berlín.

Ha sido distinguido con galardones como el premio Bienal Miradas, de Tijuana; la beca del Sistema Nacional de Creadores del FONCA, México; el Premio Especial en Venecia, Italia; la Beca Pollock-Krasner, de la Fundación Pollock-Krasner, de Nueva York; y el Premio de Adquisición del XVIII Encuentro Nacional de Arte Joven, en Aguascalientes.

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ALEJANDRO SANTIAGO. (México, n. 1964, m. 2013) Este artista zapoteco emigró de su pequeño pueblo natal a los 9 años, cuando su familia se mudó a la ciudad capital en busca de mejores oportunidades educativas. Después de estudiar Arte en el Estado de Oaxaca, su talento lo condujo a ejercer la plástica nativa como profesión en los Estados Unidos y Europa durante diez años. Sus obras han sido seleccionadas para exhibiciones en grandes capitales como París, Bruselas y San Francisco.

Una de sus obras más reconocidas es 2051 migrantes (2007), que consiste en la elaboración física de la cifra “2051” en figuras de barro que evocan a su comunidad natal de Oaxaca, a sus habitantes que, como él, han emigrado a otras ciudades de México y de Estados Unidos.

Murió a los 49 años en Oaxaca, de un ataque al corazón.

ALEXANDER ZULETA (Guatemala, n. 1984) Trabaja la geometría, estudiando en profundidad el arte cinético y el op-art. Artista visual, diseñador gráfico, pintor, escultor, grabador, fotógrafo y dibujante. Desde la edad de cinco años empieza su interés y afición por la pintura, prácticamente su formación es autodidacta. Luego de obtener varios reconocimientos y primeros lugares en los concursos de la región, a partir de los 17 años estudia Diseño Gráfico en la Universidad del Istmo de Guatemala. Posteriormente obtiene un intercambio de estudios basados en Filosofía del Arte y Diseño y Arte Práctico en CODARTS, Hogeschool Voor de Kunsten en Holanda. Además ha realizado estudios con maestros reconocidos. Su obra ha participado en varias exhibiciones colectivas nacionales e internacionales de manera colectiva en España, Holanda, México, Brasil, Argentina, Costa Rica, El Salvador, Guatemala, Estados Unidos y Cuba. Ha participado en la realización de la joven estampa en la Casa de las Américas Cuba, dentro de sus exhibiciones en Guatemala y en el extranjero destacan la Tercera Muestra Centroamericana de Arte Emergente en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica; la Joven Estampa en el Museo de las Américas Palacio

de Bellas Artes, México (2005); exhibición de dibujos en la sala Clemente Orozco; Exhibición CODARTS, Holanda (2003); Bienal de arte Paiz, Guatemala (2004); Juannio (2005 a 2007); Arte Subasta Rotarios, Fundación Rozas Botrán.

Palacio Nacional de Cultura, Alianza Francesa, Museo de la Cervecería, Sala Marco Augusto Quiroa, La Antigua, Galerías Carlos Woods, El Ático, El Túnel; Caos, El Sitio, La Antigua.

ALEXIS DE CHAUNAC (Estados Unidos, n. 1981) Vive y trabaja entre Nueva York, París y México.

Estudió en Sarah Lawrence College en Nueva York antes de inscribirse en la Universidad de Oxford en Inglaterra, en la carrera de Historia del Arte. Sus principales exposiciones individuales: Alexis de Chaunac: Botánica, Sargent’s Daughters, Nueva York, Estados Unidos (2019); Alexis de Chaunac: Botánica Magnífica, ChaShaMa, Nueva York, Estados Unidos (2018); Alexis de Chaunac: Rebelde con Causa, XLV Festival Internacional Cervantino, Universidad de Guanajuato, México (2017); Alexis de Chaunac: A Dance with Life and Death, ART 3 Gallery, Brooklyn, Estados Unidos (2015); Alexis de Chaunac: Mala Sangre / Bestiario, Pinacoteca Diego Rivera, Xalapa, México (2015); Alexis de Chaunac: Mala Sangre, Instituto Cultural de León, Guanajuato, México (2014); Alexis de Chaunac: Mala Sangre, Museo Iconográfico del Quijote, Guanajuato, México (2014). Principales exposiciones colectivas: 7102 Fantasma Semiótico (S)Cituacionista, Museo de Arte Carrillo Gil, México (2017); Inaugural Exhibition, ART 3 Gallery, Brooklyn, Estados Unidos (2014); DRAW, the largest contemporary drawing exhibition, curada por Erik Foss y Miguel Calderón, Museo de la Ciudad de México, México (2010). Sus obras forman partes de colecciones privadas de Nueva York, Los Ángeles, Dallas, París y México.

ANDREAS VON GEHR (Chile, n. 1972) Egresado de la Universidad Arcis ubicada en la Ciudad de Santiago, Chile con licenciatura en Bellas Artes. Entre sus principales exposiciones individuales se encuentran:

Muestra ON - Diálogos entre figuración, abstracción y geometrÍa, Espacio o Gallery.

Santiago, Chile (2019); Representación de paisaje, AJG Gallery. Sevilla, España (2013); FOR SALE, Sala Joaquín Edwards Bello. Estación Mapocho (2012); Artefacto Explosivo, Galería Cecilia Palma. Santiago, Chile (2010); Barras Paralelas, Centro de Arte Cecilia Palma. Santiago, Chile (2007).

MAJA_DERA. Centro de Arte Cecilia Palma.

Santiago, Chile (2004); Exquisitos Emigrantes, Galería Maus Habitos. Oporto, Portugal (2003). ‘RE- BIO- GEHR’ Galería BECH. Santiago, Chile (2002). Ha participado en diversas exposiciones colectivas como: MARS, Galería Alfa Gallery. Miami. Estados Unidos (2017); Ausencias, Galería Mr. PINK. Valencia, España (2017); Próximamente: ART WARNING THE WORLD. Exposición Comisariada por el artista francés Klaus Guingand (2014); entre otras. Desde el inicio de su carrera destacó con reconocimientos como el premio Philips de Arte para Jóvenes Talentos (2000), o con su presencia como único representante de Chile en la Trienal de Osaka de Japón (2000).

Recientemente ha sido reconocido con el Premio Internacional Showartists GZ-ArtBasel Art Fair, y el Premio Internacional Artists Wanted.

ANDRÉS BASURTO (México, n. 1973) Es un pintor y escultor conocido por utilizar fragmentos de vidrio de botellas de cerveza y vino para crear esculturas en mosaico de diversas formas y colores. Sus mosaicos se mantienen unidos con resina epóxica y exponen la creencia de Basurto en la fragilidad de ser humano. Crea formas específicas que evocan el esqueleto y el cráneo humano como un contenedor del alma. Su trabajo se ha exhibido extensamente en todo México y ha sido presentado en una serie de ferias de arte y galerías en Nueva York, Miami, Inglaterra y Escocia. Las esculturas de Basurto representan el deseo humano primordial y esencial de preservar y mantener la vida junto con la necesidad inútil de controlar la muerte, haciendo evidente la fragilidad de nuestra existencia.

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ANDRÉS FELIPE CASTAÑO (Colombia, n. 1986) Egresado de la Academia Superior de Artes de Bogotá, Maestro en Artes Visuales por la Universidad Nacional Autónoma de México, integrante del programa educativo SOMA (2014), y del programa de estudios CAPACETE (2016), en Río de Janeiro. Ha realizado residencias artísticas en Colombia, Costa Rica y Noruega (2009-2013). Entre sus exposiciones colectivas sobresalen Imago Mundi, Fundación Giorgio Cini, Venecia; Salón de Arte Joven, Fundación Gilberto Álzate Avendaño; Bienal de las Fronteras, Museo de Arte Contemporáneo de Tamaulipas (2015); I Bienal de Arte Contemporáneo, Cartagena (2014); VI Salón de Arte Bidimensional, Fundación Gilberto Álzate Avendaño (2013); Melgart/ Arte de paseo, Museo de Arte Moderno de Bogotá, MAMBO (2013); 41 Salón Nacional de Artistas en Cali, Colombia.

ARMANDO DE LA GARZA (México, n. 1973) Estudió Arquitectura en la Universidad Autónoma de Nuevo León y tomó cursos y talleres de artes. Cuenta con alrededor de 40 exposiciones colectivas en Estados Unidos, República Checa, Austria, Argentina, Chile, Hong Kong, Australia y México. Individualmente ha expuesto en más de 25 ocasiones destacando En cualquier lugar que esto pueda hallarse en Ginocchio Galería en la Ciudad de México; Érase una vez en el Centro de las artes de la Ciudad de Monterrey; ID en Emma Molina Galería, San Pedro Garza García; Los Infortunios de la Virtud en Galería Oblyon, Barcelona, España; Horror Vacui, en Galería Isabel Croxatto, Santiago de Chile; Retratos de la corte, Galería Alternativa Once; Biotá en el espacio de Área Creativa 42 en Rivarolo Italia; entre otras. Ha sido acreedor a diversos reconocimientos como el premio de adquisición en la XVIII Reseña de la plástica Nuevoleonesa y primer lugar en la Primer Bienal del Centro Cultural Alemán, así como selecciones en la IX Bienal FEMSA y en diferentes emisiones de la Reseña de la plástica Nuevoleonesa, y el Encuentro Nacional de Arte Joven, entre otros.

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BEATRIZ MORALES (México, n. 1981) Actualmente vive y trabaja en Berlín. Nació en la Ciudad de México, donde empieza a desarrollar su técnica pictórica de manera autodidacta.

La artista dejó su país natal en 2001 para emprender estudios formales en pintura, cerámica y diseño de moda. En su trabajo, Morales combina un enfoque expresionista abstracto con componentes figurativos e ilustrativos, así como una fuerte dimensión de la investigación en las relaciones de color. Ha expuesto su trabajo en México, Estados Unidos, Líbano y en varios países de Europa a lo largo de los diez últimos años, ha participado en la XVII Bienal de Pintura Rufino Tamayo, Zona Maco, Dallas Art Fair, Gallery Weekend México y Gallery Weekend Berlin. Actualmente se prepara para exposiciones individuales de gran escala en el Museo de la Cancillería en la Ciudad de México, Drexel Galería en Monterrey y en el Expo Foro del Museo de Arte Contemporáneo MACAY en Mérida.

BETSABÉE ROMERO (México, n. 1963) Artista visual mexicana que mezcla el arte contemporáneo con el arte popular. Su lenguaje artístico, que va desde intervenciones al uso de variadas técnicas plásticas, le han convertido una de las artistas visuales mexicanas más destacadas del momento; sobre todo, en temas de importancia social como la migración, la tradiciones y el mestizaje. Su trabajo se ha caracterizado por el predominio de la temática urbana y la exploración que hay detrás de objetos como el auto o las llantas, de esta manera, ha ido rescatando tradiciones y elementos culturales enfocándose en problemas sociales de la realidad mexicana contemporánea. Muchos de los cuales son la herencia de su complejo proceso histórico, por ejemplo, el tema de la industria textil de México y el mestizaje.

Betsabeé Romero ha participado en más de 20 bienales y ha llevado a cabo más de 40 exposiciones individuales en México y en el extranjero, entre las que destacan las del Museo Británico, el Colegio de San Ildefonso,

Museo de Arte Carrillo Gil, la Universidad UNISA de Sudáfrica y la Recoleta en Buenos Aires. Cuenta con una gran trayectoria que la ha convertido en una de las principales representantes del arte latinoamericano del siglo XXI. BORIS VISKIN (México, n. 1960) Nació en la Ciudad de México, su juventud transcurrió en Israel, en ciudades como Jerusalén, Tel Aviv y Kibutz Galed, y posteriormente vivió tres años en Florencia, Italia, donde arrancó su trayectoria pictórica.

En 1985 regresa a la Ciudad de México y forma parte de los talleres de grabado y litografía de la Academia de San Carlos. Fue uno de los fundadores de ZONA, en la década los noventa, una iniciativa comercial conformada por artistas que buscaban impulsar el coleccionismo de pintores y artistas marginados del naciente circuito comercial.Ha expuesto individualmente desde 1984 en la Ciudad de México, Monterrey, Guadalajara, Zacatecas; así como en el extranjero: Los Ángeles, Zurich, Buenos Aires, Florencia, Jerusalén y La Paz, Bolivia; entre sus exhibiciones recientes destacan las individuales La belleza llegará después, Museo de Arte Moderno (2016) y Deus Ex Machina, Galería LeLaboratoire (2015). En sus series, el pintor ha utilizado juegos de palabras y realizado trabajos de carácter narrativo, así como pinturas y ensamblajes de objetos cotidianos. El trabajo de Viskin es un ejemplo claro de cómo la pintura puede ser entendida desde la perspectiva del arte posconceptual. El artista ha incursionado en piezas también tridimensionales que aluden a la tradición del arte conceptual, como es el caso de Silla mirando sus partes entre Platón y Heidegger (2011).

CARLOS AGUSTÍN (Venezuela, n. 1923, m. 2019) Estudió en la Escuela de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” del INBA, y en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de San Carlos de la Universidad Nacional Autónoma de México. Artista visual multidisciplinario de amplia trayectoria: pintor, grabador, editor

de libros de arte y fotógrafo. Se ha hecho acreedor a diferentes premios y menciones honoríficas en salones de artes plásticas. Entre sus exposiciones individuales más relevantes se encuentran: Sculptures: Carlos Agustín, Hoffman Gallery, San Diego (1987); Carlos Agustín, Esculturas, Centro Asturiano, Ciudad de México (1989); Homenaje a Juan Rulfo, Donde Retorna el Viento, Instalación, Instituto Politécnico Nacional, Escuela Superior de Ingeniería y Arquitectura, Ciudad de México (2006). Es el creador de esculturas monumentales para el Hotel Presidente Intercontinental de Polanco, Ciudad de México (2011); en el Jardín Zaragoza, Toluca (2010); autor de obras para el 70 aniversario del Instituto Politécnico Nacional (2006) y para el Instituto Nacional de Cancerología (2003); entre otras. Su obra es parte de colecciones y museos como el Museo de Arte de Aguascalientes, el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, el Museo de Arte de Querétaro y el Kochi de Osaka.

CARLOS CRUZ-DIEZ (Venezuela, n. 1923, m. 2019) El artista franco-venezolano Carlos CruzDiez vivió y trabajó en Francia desde 1960.

Fue uno de los protagonistas más relevantes del arte óptico y cinético, corriente artística que reivindica la toma de conciencia de la inestabilidad en lo real. Sus investigaciones lo revelan como uno de los mayores pensadores del color del siglo XX. Nacido en Caracas, viajó a París donde se interesó por los colores del campo europeo que diferían mucho a los de su país natal. A su regreso a Venezuela fundó su estudio e inició una investigación sobre formas artísticas cinéticas y ópticas basada en el efecto Moiré, mejor ejemplificado en su serie Fisicromías, en el que las líneas de colores contrastantes dan la impresión de movimiento. Dio clases de Técnica Cinética en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, París para después ser Director de Artes para el Instituto de Estudios Avanzados, Caracas.

En 1997, su ciudad natal lo honró al fundar el Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez. En 2002 se le condecoró con la Ordre des Arts et des Lettres por el Ministerio de Cultura de Francia. Desde 1967 Cruz-Diez

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creó increíbles hazañas arquitectónicas alrededor del mundo. En el lobby principal del aeropuerto de Caracas te recibe una impresión de su serie Couleur Additive.

Ambientación Cromática se encuentra en los muros de la Planta Hidroeléctrica Simón Bolívar dentro de la selva venezolana. En Francia, sobre la plataforma de la estación de tren Saint-Quentin-en-Yvelines, puede verse Plafond Physichromie; y en España su Fisicromía para Madrid habita el Parque Juan Carlos I. En Asia se encuentran Physichromie Double Face y Spirale Virtuelle, la primera en el Parque Olímpico de Seúl y la segunda en una villa de Corea del Sur. Entre sus exposiciones individuales más recientes se encuentran: Cruz-Diez. El Color Haciéndose, MAC Panamá, Panamá (2019); In the Studio, Tate Modern, Londres (2016-2019); Carlos Cruz-Diez. Color Morion, Museum fur Konkrete Kunst, Ingolstadt, Alemania (2019); Spatial Chromointerference, Buffalo Bayou Park Cistern, Houston (2018); Chroma; SCAD Museum of Art, Savannah, Estados Unidos (2017); Carlos Cruz-Diez: Mastering Colour, Puerta Roja, Hong Kong, China (2017); Carlos Cruz-Diez. Autonomía del color, Sicardi Gallery, Houston, Estados Unidos (2017); Dialogues concrets, Espace de l’Art Concret, Mouans-Sartoux, Francia (2017); Carlos Cruz-Diez. La autonomía del color, Galería RGR+ART, Ciudad de México, México (2017); Carlos Cruz-Diez. Didaktik und Dialektik der Farbe, Das Kleine Museum, Weissenstadt, Alemania (2015); Cruz-Diez. Color espacial, Centro Niemeyer, Avilés, España (2014); Carlos Cruz-Diez. Circumstance and Ambiguity of Color, CAFA - Academy of Fine Arts, Pekín, China (2013); Carlos Cruz-Diez. El color en el espacio y en el tiempo, MUAC - Museo Universitario Arte Contemporáneo, Ciudad de México, México (2012), entre otras. A la fecha, Carlos Cruz-Diez participó en más de 1180 exposiciones colectivas, 286 exposiciones individuales, construyó 142 obras arquitectónicas, recibió 70 premios, creó 65 eventos efímeros y tiene obra exhibiéndose en 62 colecciones permanentes de diferentes museos; todo esto en más de 18 países.

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CECILIA BARRETO (México, n. 1985) Vive y trabaja en la ciudad de México, cursó los estudios de licenciatura en Artes Visuales en la ENAP, formó parte del Taller Interdisciplinario La Colmena, bajo las tutorías de Luis Argudín, José Miguel González Casanova, Francisco Castro Leñero, Eloy Tarcisio, Carlos Mier y Terán. Fue becaria en el Programa Jóvenes Creadores, Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, en la categoría de Pintura. Cuenta con diversas exposiciones tanto individuales como colectivas, de las cuales destacan: Diagrama de la interferencia, Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, Instituto Nacional de Bellas Artes (2012); Visualidad Simultánea, Galería José María Velasco, Instituto Nacional de Bellas Artes. Su trabajo ha sido reconocido en múltiples ocasiones, como: Selección en la crítica de portafolios del Museo Universitario de Arte Contemporáneo (2013), Beca AdidasBorder, programa de estímulos para artistas emergentes, México (2013); Selección para la 3a Edición de Art Room Talent, plataforma de artistas emergentes (2013); Mención Honorífica en la 8a Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce, Michoacán México (2011); Tercer Lugar en el concurso “Caminos a la libertad”, en la categoría de plástica (2010); Selección en la II Bienal de Pintura, «Pedro Coronel» (2010); Becario del programa Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, FONCA, en la categoría de Pintura (2009); Segundo Lugar en la categoría de Pintura, IV Festival Culto Joven, Circo Volador (2009); Mención Honorífica, en el concurso Radiografías de la Radio, IMER (2008).

CHRISTIAN BECERRA (México, n. 1985) Licenciado en Artes Plásticas y Visuales por Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, “La Esmeralda” del INBA. Su trabajo ha sido mostrado en varias exposiciones individuales y en más de cincuenta exposiciones colectivas en México, Estados Unidos, Colombia, Ecuador, Venezuela, Argentina, Inglaterra, Alemania, Italia y España. En diferentes

recintos como Galería Luis Adelantado, Museo de Arte Carrillo Gil, Museo de Arte de Sonora, Museo de Arte de Sinaloa, Museo de la Ciudad de México, Museo Universitario del Chopo, Centro de las Artes de San Agustín, Centro de la Imagen, Museo Leopoldo Flores, San Pedro Museo de Arte, Museo de Arte Moderno, Oxxo Tower Londres, Galería Ariana Paffrath, Institute and Museum Bitola, Galería Concha Pedrosa, Facultad de Bellas Artes de Sevilla, Claustro de Sor Juana, Galería CAF, Galería de Arte de la SHCP, Museo de Artes Gráficas, Museo Franz Mayer, Centro Nacional de las Artes, Centro Cultural Universitario Tlatelolco, Centro Cultural España. Y en Bienales como, Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur, BIENALSUR; Segunda Bienal del Paisaje; Tercera Bienal de Arte Lumen; Bienal Nacional de Monterrey, ARTE EMERGENTE; XVI Bienal de Fotografía; VI Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán; VI Bienal Internacional de Arte Universitario, UAEMEX; VI Trienal International Graphics Bitola; 9a Bienal Nacional de Diseño, EDINBA, y en ferias internacionales de arte contemporáneo como Zona MACO Y ARTBO. Ha sido beneficiario de la beca Jóvenes Creadores del FONCA; Beca Adidas del Centro Cultural Border; Primer lugar en el Festival Internacional de la Imagen en la categoría profesional; Primer lugar en la 9a Bienal Nacional de Diseño en la categoría profesional; Diseño Socialmente Responsable con Contenido Social o Participativo; Beca de Producción Domicilio Conocido del Centro Cultural Universitario Tlatelolco y el Primer lugar en el concurso Internacional de Fotografía, Instituto Mexicano de la Juventud, categoría profesional, entre otros.

CILER (México, n. 1981) La práctica de Ciler implica la desfiguración y la manipulación de imágenes existentes con una oscura intención arqueológica, con el fin de desenterrar un sustrato emocional.

A través del collage, el dibujo, la pintura e instalaciones, retuerce las imágenes halladas para posicionarlas como glosas viscerales sobre la muerte, la violencia, la belleza y el

entorno construido. Su obra más reciente se enfoca en los sistemas de representación en el arte y los medios, a través de estructuras no figurativas y ejercicios de deconstrucción de la imagen, generando un cúmulo de formas plásticas que buscan respuestas. Entre sus exposiciones individuales se encuentran: Deliciosa Monstera, MAIA Contemporary, Ciudad de México (2018); Pintura Reactiva, Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México (2018); Ponzoña, Galería FU, Miami (2015); Error, Soze Gallery, Los Ángeles (2014); Pensamientos Vagos, Tijuana Cultural Center, Tijuana (2009), entre otras. Dentro de sus exposiciones colectivas podemos encontrar: Platinum Blend 2, Modern Eden Gallery, San Francisco (2016); The Soze Collection, Soze Gallery, Los Angeles (2014); 1000 Amsterdam Drawing, Brakke Grond Vlaams Cultuurhuis, NL. (2013); Distorting views, Brick Lane Gallery, E1 6SA, Londres (2012); Honesty, Eye Level Gallery, NY. International. Nueva York (2009).

CISCO JIMÉNEZ (México, n. 1969) Estudió Diseño Industrial en el Instituto Nacional de Bellas Artes, en su natal Cuernavaca, y en 1991 cursó disciplinas artísticas en Nueva York, en la Art Students League. Ha expuesto en México, Canadá, Estados Unidos, Europa y participado en las bienales más importantes como la de Venecia y Montreal, así como en ferias de arte como ARCO, en Madrid, España. Sus obras forman parte de colecciones tan importantes como la del Houston Museum of Fine Arts; la colección Jacques y Natasha Gelman; Pace Roberts Foundation, San Antonio, Texas; Claude Bernard Gallery, Nueva York; Coca Cola, México; Jimmie Durham, Bruselas, Bélgica; Annette Bischof, Frankfurt, Alemania, entre otras muchas más. En 2001, fue invitado para colaborar con Jimmie Durham en la 49a Bienal de Venecia, Italia. En la tradición del arte popular mexicano, Jiménez utiliza la palabra como elemento educacional, político, religioso o comercial en sus obras, creando sus propios íconos y nombrando sus creaciones con neologismos plenos de humor.

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CYNTHIA GUTIÉRREZ (México, n. 1978) Su obra denota una búsqueda constante por analizar la memoria en distintos niveles, generando tensiones o fisuras en los esquemas establecidos. Sus reflexiones y procesos parten de situaciones de conflicto; de terrenos inestables, indefinidos, cuya vulnerabilidad permite el desplazamiento en múltiples direcciones. A partir de fragmentos, reconfigura imágenes que alteran trayectos habituales y desestabilizan estructuras ofreciendo alternativas que operan simultáneamente entre realidad y ficción.

Articula elementos históricos desde una nueva postura con cronologías distorsionadas que evidencian la imposibilidad de generar recuerdos precisos y revelan la fugacidad de la historia. Con formación en Artes Visuales en la Universidad de Guadalajara ha realizado diversas exposiciones individuales como Todos los siglos son un solo instante, La Tallera, México (2019); No para siempre en la tierra, Proyecto Paralelo, México (2019); Persisting Monuments, SCAD Museum of Art, Estados Unidos (2017); Paráfrasis del estrago, Museo de Arte Raúl Anguiano, México (2016); Coreografía del colapso, Proyecto Paralelo, México (2014); Notas de Carnaval, Museo de Arte de Zapopan, México (2011); Escuela para cadáveres, Museo de las Artes, México (2008).

Ha participado en muestras colectivas como Nunca fuimos contemporáneos, XIII Bienal Femsa, México (2018); Viva Arte Viva, 57a Exposición Internacional, Biennale Di Venezia, Italia (2017); Social Contract, Izolyatsia Platform for Cultural Initiatives, Ucrania (2016); Overburden, CCS Bard Hessel Museum, Estados Unidos (2016); A Certain Urge (Towards Turmoil), EFA Project Space, Estados Unidos (2016); Reconstrucción, Museo de Arte de Zapopan, México (2016); Como fantasmas que vienen de las sombras… y en las sombras, se van, ESPAC, México (2015); Objects Food Rooms, Proyecto Paralelo, México (2015); Celemania, Frac des Pays de la Loire, Francia (2014); Bienal de Berlín 8, KW Institute for Contemporary Art, Alemania (2014); Algunas Lagunas, Proyecto Paralelo, México (2013);

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Crossing Boundaries, II Bienal Internacional de Arte Joven de Moscú, Rusia (2010); y Hecho en casa, Museo de Arte Moderno, México (2009).

Fue invitada a las Residencias MCA Denver, Estados Unidos (2018); Frac des Pays de la Loire, Francia (2014) y A+D Arte y Desarrollo en Laboral Centro de Arte, España (2009). Ha sido becaria del programa Jóvenes Creadores del FONCA (2013-2014) y miembro del SNCA (2016-2019).

DAMIÁN SUÁREZ (Venezuela, n. 1988) Su obra es una propuesta de lenguaje pictórico desprovisto de pigmentos visibles. En contraste, explora las posibilidades pictóricas que ofrece el relieve textil, sin que éste determine el carácter de la obra e incluso sin hacer del mismo arte textil un protagonista, sino una fuente de unidades individuales que, en la sumatoria, constituyen volúmenes masivos en los que cada hebra conforma una línea que, a su vez, deriva en un concepto mayor, como los llamados fenómenos emergentes propuestos por la cuántica. Así, cada una de las cientos de miles de hebras conserva su heterogeneidad y el espectador llega a percibir las propuestas ópticas geométricas-simétricas. Se establece un proceso de diálogo entre el espectador y el discurso estético. En cada hebra de hilo se encuentra al propio artista, vía los residuos orgánicos transferidos al hilo en el proceso de elaboración manual. De sus exposiciones colectivas destacan Artistas Andinos, Embajada de Colombia, Madrid (2016); Exit, Museo de Arte de Sinaloa, (2015). Recibió el Premio Nacional de Pintura Julio Castillo (2014); y de sus exposiciones individuales sobresale Fenotipo de la Luz en la Ciudad de México (2015).

DANIEL LEZAMA (México, n .1986) Egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México. A la fecha ha participado en más de un centenar de exhibiciones individuales y colectivas, entre las que destacan, la retrospectiva La Madre Pródiga en el Museo de la Ciudad de México, con motivo de la

cual se publica una monografía a gran escala de su trabajo en Hilario Galguera Ediciones (2008); Cartas de Viaje en la Galería Hilario Galguera, acompañado de la publicación del libro Travelers por parte de la editorial Jovis Art de Alemania (2011); Grandes Maestros del Siglo XX, en el Museo MARCO; la Segunda Bienal de Beijing; El Mito de Dos Volcanes, en el Palacio de Bellas Artes; Imperium en el Spinnerei de Leipzig, e Imágenes de la Patria, en el MUNAL y el MUNE; el Pabellón de México en la Exposición Universal de Milán y la X Bienal de Mercosur. Su obra forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas en México y el mundo, entre las que destacan el acervo del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México; La Murderme Collection; El Museo del Barrio, en Nueva York; el Dallas Museum of Art; la Essl Sammlung, y Black Coffee Foundation. Asimismo, ha incursionado en el medio artístico mexicano como líder de opinión, jurado, curador y tutor de jóvenes generaciones de artistas plásticos.

En 2001, gana el Premio de Adquisición de la X Bienal Tamayo. Ha sido acreedor de apoyos del Fonca y del Conaculta en múltiples ocasiones.

Actualmente, ostenta la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA) por tercera ocasión.

DANIEL SAMPER (Colombia, n. 1980) Se crió a orillas del río Magdalena donde disfrutó del calor de hogar y de la cercanía con el campo. Al describir su infancia se identifica con Tom Sawyer, viviendo aventuras a orillas del río o como Gabriel García Márquez narra sus historias en un pueblo de tierra caliente al lado de un río. A los cinco años, a raíz de la tragedia natural de Armero, su familia se trasladó a vivir a Ibagué y en esta ciudad vivió su adolescencia. A los 17 años junto con su familia se trasladó a vivir a Santiago de Chile buscando nuevos rumbos.

Comenzó estudiando Diseño y se graduó en Mercadeo y Publicidad, vivió un año en Australia y desde el 2009 regresó al país que lo vio crecer y se radicó en Bogotá. En noviembre del 2011, después de explorar y crear, presenta su primera exposición individual Espacios Develados en la galería Alcorriente Arte.

DAVID TROICE (Estados Unidos, n. 1990) Es un artista plástico y diseñador egresado de la Universidad Iberoamericana de la Ciudad de México, que actualmente radica en México.

Hace obras y murales escultóricos, compuestos de piezas intrínsecas de origami, que empiezan con un papel doblado en patrones geométricos y moldeado con barro, y vaciadas en resina con grafito, dando como resultado texturas complejas que juegan con la luz y el espacio.

Ha sido invitado a montar su obra en grandes eventos como en Design Week México, en donde montó un mural en uno de sus principales espacios, la Design House. Ha expuesto en LMNT, una de las galerías más reconocidas de Miami, durante el prestigioso Art Basel Miami.

Además su trabajo ha sido expuesto en la Venta Anual de Arte Contemporáneo del Grupo de los 16 (2016-2017); Límites Expandidos: Art Cage (2017); Sincretismos: Art Cage (2017); Paralelas Contemporáneas: Galería Oscar Román, durante Zona MACO (2018); entre otras. Su obra ha sido montada en varios lugares de la República Mexicana, incluyendo Valle de Bravo, Acapulco, Veracruz, Cancún y la Ciudad de México.

DENNIS MIRANDA (México, n. 1993) Artista autodidacta, ha participado en múltiples muestras a nivel internacional en espacios alternativos como For here or to go?, en Los Ángeles. De manera colectiva ha expuesto en Gallery Weekend y Motor de impulso, en la Galería Terreno Baldío y en el proyecto 1/2 Estudio Galería con la muestra Magdalena Contreras, una exposición de pintura. Es miembro y fundador del proyecto Absurda’s, así como de Librería Informal, una librería pública de consulta gratuita e interacción social, y del proyecto 1/2 Estudio Galería, proyecto provisional y sin sitio, que responde a necesidades de exhibición efímeras e inmediatas.

DIEGO RODARTE (México, n. 1984) Artista mexicano autodidacta, instruido por el Maestro Enrique Monraz en la ciudad de Guadalajara. Cuenta con 15 años de

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trayectoria donde ha expuesto en diversas ciudades del país y en el extranjero. Algunas de sus exposiciones individuales son: Cuerpos geométricos, Galería Ajolote Arte Contemporáneo, Guadalajara, Jalisco (2006); Ausencia, presencia, distancia y tiempo, Ex Convento del Carmen, Guadalajara, Jalisco (2009); Reminiscencias, Museo La Moreña, La Barca, Jalisco (2009); Transiciones, Galería Goya, Ciudad de México (2015); Retractvs, Museo López Portillo, Guadalajara, Jalisco (2015); Horror Vacui, Galería Traeger & Pinto Arte Contemporáneo, Ciudad de México (2016). Ha participado en varias exposiciones colectivas entre las que destacan: Noches de arte, Casa de campaña del Partido Convergencia, Guadalajara, Jalisco (2003); Nuevos talentos, Galería Ajolote Arte Contemporáneo, Guadalajara, Jalisco (2005); Inauguración del Claustro de la Merced, Claustro de la Merced, Guadalajara, Jalisco (2006); Eclipse Añil, Galería Casa Rombo, Guadalajara, Jalisco (2007); Troisiéme Mexique Peinture Contemporaine, Centre Culturel du Mexique, París, Francia, misma que fue expuesta en las oficinas de Air France en París (2008); Tzompantli, memoria y tradición, Galería Casa Lamm. Ciudad de México (2015); entre otras. Ha sido seleccionado por el Ex Convento del Carmen en el Salón de Octubre en 2007 y 2012, y ha sido ganador de la Primera Muestra de Arte Club llevada a cabo por el Grupo Reforma (2007).

EDUARDO SARABIA (Estados Unidos, n. 1976) El trabajo de Eduardo Sarabia se ha inspirado en el norte de México. Con frecuencia trabaja con los materiales preferidos por los artesanos locales, utilizando cerámica, textiles tejidos a mano y vidrio para crear esculturas e instalaciones que abordan los complejos intercambios que ocurren cuando esta región y su historia se encuentran con extraños. Sin limitarse a una crítica de la “exotización” de la cultura mexicana, Sarabia examina la brecha que separa las definiciones del gusto (y, más sin rodeos, de la legalidad).

Mezclando narrativas visuales románticas con respecto a la materia ilegal, las bellas artes y el comercio, creando un ambiente que se desliza

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entre lo onírico y lo abiertamente materialista, el trabajo de Sarabia adquiere una exploración importante para comprender las consecuencias físicas y humanas de las fuerzas económicas.

Su obra ha sido expuesta en numerosos museos como el Museo Tamayo en la Ciudad de México (2016); Centro Cultural Cabañas en Guadalajara y Museo de Arte Contemporáneo Oaxaca, México (2014), ASU Art Museum, Arizona (2014); tuvo una exposición individual para sus pinturas en el Museo de Arte Contemporáneo de Denver (2013); y lugares como el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, participó en la Bienal de Whitney y el Museo Nuevo de Nueva York (2008). Ha recibido 2 becas para la Fundación Durfee Grant (2004 y 2008) y ha sido invitado a ser un artista residente en el sitio de las maravillas de Tokio en Tokio, Japón, donde completó un gran mural público de cerámica.

EMILIA SANDOVAL (México, n. 1975) Cursó la licenciatura en Artes Visuales en el Instituto Allende, de San Miguel de Allende.

Algunas de sus exposiciones individuales son Polinización cruzada, Biblioteca Henestrosa, Oaxaca; Botánica: nuevas especies, timbres postales intervenidos, Centro Universitario Quinta Gameros, Chihuahua; Ecos de una flor en el desierto, Museo del Palacio de Oaxaca, Oaxaca (2015), Proyecto Vitrina, Arte Tal Cual, Ciudad de México (2008); Kitchen Gallery, Barcelona. De sus exposiciones colectivas destacan: Simulacros, Galería Ethra, Ciudad de México (2016); Mensajes de una Nueva América, Antropofagia Neobarroca, X Bienal de Mercosur, Santander Cultural, Porto Alegre; y Maletas migrantes, New Americans Museum, San Diego.

Ha recibido distintos reconocimientos, entre los que destacan su participación en la X Bienal de Mercosur, también en Porto Alegre, curada por Gaudencio Fidelis.

EMILIO RANGEL (México, n. 1984) Nace en Toluca, Estado de México y trabaja en la Ciudad de México. Estudió la licenciatura de Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado “La Esmeralda”,

posteriormente se convirtió en beneficiario del Sistema Nacional de Jóvenes Creadores del FONCA entre 2013 y 2014. Con una producción constituida mayormente por esculturas, Emilio centra su trabajo técnico en el contacto directo con el material. Generalmente utiliza como medio la plastilina epóxica, entre otros soportes. Este elemento permite que su práctica sea siempre lúdica, evocando a la noción de juego que se desprende naturalmente al experimentar con un material maleable, como todos lo hicimos desde la infancia con la plastilina. Como resultado final se produce un objeto de carácter cercano a la manualidad, pero con la herencia de una sólida escuela de arte contemporáneo que hace guiños a la cultura comercial y popular.

Su obra es accesible para cualquier público, ya que tiene una notable referencia al humor en la sociedad contemporánea a partir del reciclaje y consumo de imágenes de la cultura, utilizando la caricatura como recurso visual. Ha participado en muestras nacionales e internacionales en donde ha mostrado algunos elementos que conforman el amplio cuerpo de obra que ha producido. Ha exhibido su trabajo en más de quince muestras colectivas en instituciones públicas y privadas como el Antiguo Colegio de San Ildefonso en la Ciudad de México; Colab en Copenhagen, Dinamarca; Queens Nails Annex de San Francisco, California, Estados Unidos; el Centro Nacional de las Artes de la Ciudad de México, México y el Centro Cultural Tijuana en Tijuana, Baja California, México.

EMMANUEL GARCÍA (México, n. 1973) Comenzó su formación artística en Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México con la licenciatura de Diseño Gráfico (1991 a 1995), continuando su formación en Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” del INBA con la licenciatura en Artes Plásticas (1995 a 2000).

Cuenta con 16 exposiciones individuales, entre las que destacan: Pasaremos un día maravilloso en EME Espacio de Arte, Ciudad de México (2016); Hechuras finas en Pinacoteca Municipal durante el primer Encuentro de Gráfica en Huajuapan de León, Oaxaca (2015); Yo deseaba

jugar con fuego en Polyforum Cultural Siqueiros, Ciudad de México (2015); Figurama en Galería Medellín 174, Ciudad de México (2013); Mercado de curiosidades mexicanas en Garash Galería, Ciudad de México (2012); Se hacen hechuras finas en Galería Medellín 174. Ciudad de México (2011); Caballero de fina estampa en Galería El Carmen, Antigua, Guatemala (2010); Registro en Galería Nishizawa, Escuela Nacional de Artes Plásticas. Ciudad de México (2010). Ha recibido diversos premios y reconocimientos como la Residencia en producción en Xu Yuan Centre. Proyecto Nao Now. Beijing, China (2014); Selección en la I Bienal Internacional José Guadalupe Posada. Museo José Guadalupe Posada.

Aguascalientes, Aguascalientes (2014); Creador Artístico. Sistema Nacional de Creadores de Arte. Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (2010 a 2013); Becario del Programa Jóvenes Creadores. Disciplina de Gráfica. Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (2008 a 2009).

ENDY HUPPERICH (Alemania, n. 1967) Vive y trabaja en Cuernavaca, Morelos. Su enfoque artístico parte de un realismo artificial y una abstracción accidental, sus obras intentan mostrar la simbiosis que existe entre una pintura y los contextos visuales cotidianos a los que se enfrenta al momento de ser generada y existir.

Estudió en la Academia de Artes Plásticas de Múnich donde fue asistente de Karl Imhof y pupilo de Helmut Strum. En 1992 llegó a México y desde entonces ha estado trabajando y viviendo entre Alemania y distintas partes de la República Mexicana. En el 2000 recibió una beca del DAAD (Servicio Alemán de Intercambio Académico).

En 2003 formó parte de la exposición colectiva Gotas para los ojos en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO), abriéndose paso dentro de la escena nacional. Entre 2002 y 2004 fue profesor invitado en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”.

Posteriormente, en 2007 junto con otros artistas alemanes forma parte de la exposición Vistazo en el Museo de Arte Carrillo Gil. Desde entonces ha participado en diversas exposiciones en galerías y museos en Alemania, México, España

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y Serbia. Entre sus exposiciones más recientes destacan, Un litro y dos en la esquina en Galeria Karen Huber, Ciudad de México (2018) y Pintura Reactiva curada por Carlos Palacios en el Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México (2018).

ERNESTO SOLANA (México, n. 1985) Artista mexicano radicado entre Savannah, Estados Unidos y Guadalajara, México, que trabaja en diferentes medios como fotografía, escultura e instalación. Su práctica artística es paralela a sus investigaciones y exploraciones alrededor de los cinturones suburbanos de diferentes ciudades en los Estados Unidos, México, África del Norte y los Países Bajos. En sus obras, Solana discute las tensiones entre los reinos naturales y artificiales y la forma en que la urbanización y el colonialismo han enfrentado ambas categorías. Salta desde depósitos de fósiles prehistóricos; a las primeras nociones de nomenclatura y exhibición biológica a la normalización de los residuos industrializados dentro de paisajes urbanos marginados.

Solana recientemente presentó su exposición individual Primal Reflex en la Galería PEANA en Monterrey, y ha formado parte de exhibiciones grupales como As to Be Inaudible en C/O Berlin, Berlín, Alemania, curada por Jörg Colberg; Salón ACME, en la Ciudad de México, y Prima Materia en Nueva York. Recientemente publicó su libro llamado Systema Artificialis donde explora las consecuencias del antropoceno y las nuevas formas de relación entre las nociones de humanidad y naturaleza. Solana estudió en el International Center of Photography en Nueva York y obtuvo su Maestría en Bellas Artes en Fotografía en la Universidad de Hartford, Connecticut.

ESCOTO + CARRARA (México, n. 1981 ) (México, n. 1982) La fotografía y la pintura se fusionan en una sola cuando Roberto Carrara y su compañero Federico Escoto unen su espíritu creativo.

Roberto es fotógrafo mientras que Federico incorpora su experiencia en pintura al óleo.

Juntos, crean composiciones vibrantes y abstractas de la figura femenina. Sus obras

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combinan pintura y fotografía, juegan con las nociones clásicas de composición y retrato. El uso excepcional del color se entiende como un elemento perturbador de la narrativa tradicional. Su rebeldía se muestra mediante el uso de colores poco utilizados en el retrato convencional, dando a las obras un sentimiento etéreo, onírico, atemporal y casi inquietante. Escoto+Carrara han participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en México, Estados Unidos y recientemente, en Portugal. En mayo de 2018, presentaron por primera vez su trabajo en Portugal participando en la primera edición de JustLX Contemporary Art Fair, que se celebró en el Museu da Carris de Lisboa.

FABIÁN UGALDE (México, n. 1967) Comenzó a exhibir su obra pictórica en diversos museos y espacios universitarios tanto en México como en Europa, Asia y Sudamérica.

Entre sus exposiciones destacan Art vs Art, en el Museo de la Ciudad de Querétaro; Comic Release: Negotiating Identity for a New Generation, en el Pittsburgh Center for the Arts; El Placer de lo Parecido: Signos y Metáforas, para el Instituto de Cultura de México, en Washington, DC; Pintura Latinoamericana Contemporánea, en el Museo de Arte Contemporáneo de Guayaquil, Ecuador; Mesoamérica: Oscilaciones y Artificios, en el Centro Atlántico de Arte Moderno, en España; Mexican Report, Blue Star Art Space, en Texas.

Entre algunas de sus exposiciones colectivas destacan El Punto y la Línea, en la Galería de la Secretaría de Economía, Ciudad de México; la XI Bienal FEMSA 2012; la X Bienal FEMSA, y Museo de Arte Contemporáneo MARCO, de Monterrey. En 2011, participó en la Chic Art Fair, de la Camac Gallery y en la Cité de la Mode et du Design, de París. Su obra ha merecido reconocimientos entre ellos, el primer lugar de adquisición en la X bienal de Pintura Rufino Tamayo (2000); un primer premio de adquisición en el 3er. Salón de Octubre, Gran Premio Omnilife (2001); y el segundo lugar en el 3er Concurso de Instalación Ex Teresa Arte Actual. En dos ocasiones ha recibido apoyo

para proyectos de residencia y producción por parte de la Secretaría de Relaciones Exteriores y el Ministerio de Cultura Francés.

En 2001 recibió la beca de la Pollock-Krasner Foundation en Nueva York.

FERNANDO CARABAJAL (Estados Unidos, n. 1973) Estudió Bellas Artes en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” y Diseño Industrial en la Universidad Nacional Autónoma de México, ha sido becario del Sistema Nacional de Creadores (2011) y Jóvenes Creadores (2005). Es autor del libro Cuadernos y Márgenes, Ediciones Acapulco (2010) y Fragmentos de Circo, U.A.M. (1999), así mismo es fundador del Colectivo Viernes (2005). Carabajal ha participado en numerosas exhibiciones colectivas e individuales entre las cuales destacan: Tunnel open, NUBE Gallery, Bolivia; Túnel a cielo abierto, NUBE Gallery, Bolivia; Tintenfish aber ohne Worte, Michael Sturm Galerie, Stuttgart, Alemania (2016); Tristes Trópicos, Manzana 1 Sta. Cruz,Bolivia (2016); Think Tanks (im-producción reciente), Arróniz Arte Contemporáneo, (2013); Poule!

Colección Jumex, Ciudad de México; NOW, Instituto Cultural Cabañas (2011); Speranza, Colectivo Viernes; El 52, Galería OMR, Ciudad de México; Cannibal Fantasy (reciprocidad), Galería KBK, Ciudad de México (2009); Les Enfants Terribles, Fundación / Colección Jumex, Ciudad de México (2009); Escultura Social: A new generation of art from Mexico City, MCA Chicago, Estados Unidos (2007); Panorámica descentro, X-Teresa Arte Actual, Ciudad de México, (2005); Elephant Island Workshop, Galería Nina Menocal, Ciudad de México (2004); entre otras. Del 2010 al 2011 creó el seminario Arte Contemporáneo y posibles correspondencias con la Arquitectura y el Diseño en la Facultad de Arquitectura de la U.N.A.M. Obtuvo la beca Fundación / Colección Jumex en 2011 y la beca del programa Arts-in-Residence, Ministerio de Cultura de Hamburgo, Alemania (2012 a 2014).

Su trabajo forma parte de colecciones en México, Estados Unidos, Sudamérica y Europa.

Vive y trabaja en la Ciudad de México.

FERNANDO PIZARRO (México, n. 1984) Estudió diseño interactivo en la Universidad Iberoamericana (2005 a 2009), realizando un intercambio en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Posteriormente cursa el programa educativo SOMA (2013 a 2015) en la Ciudad de México. Ha expuesto individualmente en la Galería Traeger & Pinto en tres ocasiones (2011, 2013 y 2017) y se ha presentado en los cuartos de proyectos de Galería Vice (2012) y SOMA (2014). Colectivamente ha expuesto en varias ocasiones nacional e internacionalmente, entre las que destacan Salón ACME (2017); Capítulo Cero, Galería de Arte Mexicano (2016); El fuego y el borrego, Ex Teresa Arte Actual (2015); y Messico Circa (2000), en Trieste, Copenhague, París y Berlín (2014). También participó en las residencias [prora.all inclusive], Alemania (2003); Puntos de Tensión, Zacatecas (2011) y Sólo Quiero el Universo, Tokio (2013).

FLOR MINOR (México, n. 1961) Escultora y artista gráfica mexicana, conocida por sus esculturas de bronce y su trabajo gráfico que representa generalmente la forma masculina. Sus trabajos a menudo están basados en el concepto del equilibrio o la falta de él. Ha participado en importantes bienales y trienales como La Primera Bienal de Pintura Pedro Coronel, Zacatecas; The International Print Trienal Kanagawa Prefectoral Gallery, Kanagawa Arts Foundation, Yokohama; XI Trienal Internacional de Grabado, Museum of Contemporary Art, Oslo y la XIV Bienal de Gráfica, Art Modern, Galería Ljubljana, Yugoslavia. Ha exhibido de manera individual en diferentes lugares como el Museo Dolores Olmedo (2014); la Galería Arte Contemporáneo en San Miguel de Allende (2013 a 2014); la Universidad de Guanajuato (2013); la Bolsa Mexicana de Valores, Ciudad de México (2013); el Museo de la SCHP (2006 y 2011); el Museo de Arte Moderno, Ciudad de México (2011); la Universidad Autónoma Metropolitana (2009); el Museo Universitario del Chopo (2002 a 2009); el Museo de la Ciudad de México (2001); el Museo de la Ciudad de Querétaro (2001) y el Museo de

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Arte Contemporáneo de Aguascalientes (1997).

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas: Universidad Nacional Autónoma de México, Museo de Arte de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, Museo de Arte Moderno, Ciudad de México, así como el Museo de la Estampa, el Centro Wilfredo Lam, La Habana y Museo de Arte Moderno de Ceará, Brasil.

FRANCISCO ESNAYRA (México, n. 1985) Es Licenciado en Artes Plásticas por la Universidad Autónoma de Chihuahua. En el 2013 asistió al Rome Sculpture Workshop de la Washington University Rome Center en Roma, Italia. La obra de Francisco Esnayra consiste principalmente en esculturas que buscan externar, por medio de la creación plástica, los sentimientos contenidos en las personas. Esnayra ha desarrollado a lo largo de su producción, múltiples autorretratos que exploran las emociones evidenciadas en la gesticulación anatómica del rostro; asimismo, ha producido distintas metáforas visuales con la representación de objetos cotidianos que buscan formular nuevas estrategias de reflexión introspectiva desde el formato tridimensional. Francisco Esnayra explora la figuración a través de la escultura, moldeando la resina, el barro y el bronce para dar origen a sus creaciones; experimentado además en el ámbito de la cromática y los diversos formatos que son posibles en el mundo del arte y la imaginación del creador. En el año 2010 fue ganador del primer lugar en la categoría Escultura Contemporánea del Premio Nacional de Cerámica. Obtuvo Mención Honorífica en el Premio Chihuahua (2008); beneficiario de la Beca PIFI del Programa Institucional de Formación de Investigadores (2009).

FRANCISCO LARIOS (México, n. 1960) Es un artista multidisciplinario cuyo trabajo despuntó en la década de los noventa. Larios ha practicado la pintura, el dibujo de concepto abierto, el uso de “software” para crear entornos visuales bidimensionales y tridimensionales. En su imaginario se cumple la condición postmoderna,

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en la que la cultura contemporánea es el punto de arranque para la elaboración de escenas que manifiestan un retorno a referentes sacros, temáticas filosóficas y fabulaciones inmemoriales.

Sorprendentemente, la producción de Larios no es una cita acrítica o una mera apropiación de los temas que le interesan, sino más bien una exploración poética, irónica y reflexiva del estado en que se encuentran nuestras relaciones con la fe, la voluntad y el destino. En su trayectoria cuenta con 26 exposiciones individuales y más de 98 exposiciones colectivas. Dentro de sus últimos premios y distinciones, fue Becario del Sistema Nacional de Creadores, CONACULTA (2009 a 2012); Premio de las Artes, Universidad Autónoma de Nuevo León; y obtuvo Primer Premio XII Bienal Rufino Tamayo, México. D.F y Bienal FEMSA. Ha participado en subastas de Arte Latinoamericano en Sothebys, Nueva York, una de las casas de subastas, más importantes en el mundo, mayoritariamente de obras de arte y demás objetos coleccionables FRANCISCO ORTIZ TREJO (México, n. 1994) Realizó sus estudios en la Facultad de Artes y Diseño en la Universidad Nacional Autónoma de México, especializándose en las disciplinas de pintura y gráfica, complementado su formación con diversos seminarios y cursos en Instituciones como la Academia de San Carlos, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo, la unidad de Posgrado de Artes y Diseño y la Fundación Javier Marín. Su obra ha sido acreedora de múltiples distinciones y exhibida en importantes recintos dedicados al arte dentro de México y Europa, como el Museo Soumaya, Casa de Cultura de Aguascalientes, Estación Central Haupbahnhop Promenaden Leipzig, entre otros. Fue beneficiado por el programa Jóvenes Creadores del FONCA (2017).

FRANCISCO UGARTE (México, n. 1973) Vive y trabaja en Guadalajara, es egresado del Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente, ITESO con la licenciatura en Arquitectura. El trabajo de Francisco Ugarte se apoya en los terrenos de la arquitectura, sobre

todo durante el proceso creativo: la propuesta se genera a partir de una atención profunda en el entorno, y es una respuesta a éste. Con la utilización de distintos medios como video, instalación, escultura, dibujo e intervenciones específicas, su trabajo puede entenderse como un ejercicio fenomenológico en el que la realidad es aprehendida a través de la contemplación, la percepción y la esencia de las cosas. Ha participado en varias residencias para Artistas como, Braziers en Braziers Park Inglaterra; Arte Careyes en Careyes México, y Casa Wabi, Oaxaca México. Su trabajo ha sido expuesto en diferentes recintos nacionales e internacionales desde 1997, y es parte de colecciones tales como Coppel, México; Jorge M. Pérez, Miami; Orange County Museum of Art, California; Mattatuck Museum, Connecticut; Jumex, México; Petitgas, Londres; entre otras.

GABRIEL MACOTELA (México, n. 1954) Pintor, escultor, grabador, dibujante, escenógrafo, editor y músico mexicano. Realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, y completa su formación en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México, en el taller del maestro Gilberto Aceves Navarro. En 1977 funda Cocina Ediciones y en 1985 la librería El Archivero. A partir de 1976 realiza exposiciones individuales en la Ciudad de México y Monterrey. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en México y en el extranjero, tanto de pintura, escultura y libros de artistas en Francia, India, Cuba, Brasil, Estados Unidos, Alemania y España. Macotela recibió el reconocimiento del FONCA y se convierte en miembro del Sistema Nacional de Creadores (SNCA) durante el periodo 1993 a 1996.

En 2014 en el marco de la celebración de sus 60 años de vida y cuatro décadas de trayectoria como pintor, escultor, grabador, dibujante y escenógrafo realizó el mural de la Facultad de Medicina en la Universidad Nacional Autónoma de México; la obra de teatro en el Museo León Trotsky titulada Marcha silenciosa y la exposición retrospectiva De la Vida en la Galeria Machado Arte Espacio.

GERARDO NORIEGA (México , n. 1967) Estudió Diseño y Comunicación en la Universidad Autónoma Metropolitana y Diseño en el Golden West College de Los Ángeles, California. A lo largo de su vida, ha tenido una relación cercana con el tema ambientalista, después de conocer la zona de Bahía de Banderas y Puerto Vallarta se interesó en el rescate de los mares y ríos; fue así como nació su proyecto artístico actual. Noriega viene de una familia de arquitectos y escultores que sin duda influyeron en su pasión por las artes. Es un descendiente directo de Manuel Tolsá, arquitecto y escultor neoclásico prolífico; bisnieto de Carlos Noriega Blanco, arquitecto mexicano y diseñador, cuya famosa obra histórica se muestra de manera significativa en la Ciudad de México y Querétaro; y es bisnieto del arquitecto mexicano y diseñador Leonardo Noriega Stavoli quien también tuvo una ilustre carrera en México y fue la inspiración más cercana de Noriega. Desde la definición de la línea como la unión de puntos, hasta el concepto ready made, de la primera mitad del siglo pasado, en el que se creaban cosas simples a partir de objetos reciclados, así como la Bauhaus, la escuela precursora del diseño en Alemania, han influido a Gerardo Noriega para dar origen a sus estructuras. Ha tenido la oportunidad de presentar sus obras en México, donde han sido reconocidas con elogios, así como también en Art Basel Miami, Florida (2013) y en Red Dot, Miami, con Marías Gallery Fine Art. GILBERTO ACEVES NAVARRO (México, n. 1931) Gilberto Aceves estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” en 1950, bajo la dirección de Enrique Assad, Ignacio Aguirre y Carlos Orozco Romero. En 1952 trabajó como asistente con el maestro David Alfaro Siqueiros en los murales de Rectoría en la Universidad Autónoma de México. Aceves continuó sus estudios en “La Esmeralda” en 1953 con el maestro Isidro Ocampo en el área de grabado y, posteriormente fue expulsado de la escuela. Su mural Canto triste por Biafra, parte del acervo del Museo de Arte Moderno es

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considerado una pieza clave para el desarrollo de La Ruptura. Entre su obra mural también destacan Canto a la raza y Danzas de la vida y la muerte. En 1989 recibió mención honorífica en la Bienal de Cannes Sur Mer en Francia, así como el Premio Universidad Nacional de la Universidad Nacional Autónoma de México. Aceves Navarro es miembro de la Academia de Artes desde 2003, mismo año en que ganó el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes, además de haber realizado en el 2009 una exposición retrospectiva que ocupó por completo el Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México.

GRACE CODDINGTON (Inglaterra, n. 1941) Ha sido modelo y directora creativa de la revista Vogue en Estados Unidos. Nacida en Inglaterra, ganó en 1959 un concurso que lanzó su carrera de modelo en Londres y París. Consiguió su primer trabajo como editora junior de moda en la revista Vogue UK (1968), a las órdenes de la legendaria Beatrix Miller, tras diecinueve años como editora, se mudó a la ciudad de Nueva York, Estados Unidos para dirigir la famosa marca Calvin Klein. En julio 1988 se unió al equipo de Anna Wintour como directora creativa para la revista Vogue USA. Es autora de Grace: a Memoir, su autobiografía (2012); y de Grace: Thirty Years of Fashion at Vogue, una monografía (2012). En el 2018, Grace Coddington es invitada por Nicholas Ghesquiére, director creativo de la marca Louis Vuitton, para crear una colección de bolsos, accesorios y prendas de ropa que fue nombrada Cats on Leathers , inspirada por el amor que siente Coddington por los animales, especialmente, por los gatos.

GRACIELA ITURBIDE (México, n. 1942) Comenzó su incursión en la fotografía a principios de la década de los setenta y durante su paso por el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la Universidad Nacional Autónoma de México, fue alumna y asistente de Manuel Álvarez Bravo.

Perteneció al Salón de la Plástica Mexicana, al Foro de Arte Contemporáneo y al Consejo Mexicano de Fotografía; fue becaria de la Fundación Guggenheim y del Sistema Nacional

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de Creadores de Arte FONCA (2011). Es una de las figuras más importantes y prolíficas de la escena fotográfica mexicana. Ha participado en más de sesenta exposiciones colectivas e individuales en distintos países, entre los que destacan México, Estados Unidos, Francia, Ecuador, Cuba, Austria, Suiza, Italia, España, Alemania, Suecia, Polonia, Nicaragua y Japón. Fue premiada en la I Bienal de Fotografía del Instituto Nacional de Bellas Artes (1980). Entre 1987 y 1991 recibió los siguientes premios: W. Eugene Smith; Gran Premio del Mes de la Fotografía, París, Francia; Hugo-Erfurth, Leverkusen, Alemania; Gran Premio de Hokaido, Japón, y el premio Rencontres Photographiques, Arles, Francia. También ha recibido el Premio a la Mujer Montblanc (2005); el Premio Assegnato ad una Donna Fotografa alla Carriera, Benevento, Italia (2005); el Premio Hasselblad, Gotemburgo, Suecia (2008); el Premio Nacional de Ciencias y Artes, México (2008), y el Premio PHotoEspaña Baume & Mercier, Madrid, España (2009). Ha sido artista en residencia de Beaux-Arts, París, Francia (1995); Kleberg Foundation, San Antonio, Texas, Estados Unidos; Civitella Ranieri, Italia (2001); Atlantic Center for the Arts, Florida, Estados Unidos (2002), así como miembro del jurado de Czech Press Photo (2005) y del Premio Nuevo Periodismo CEMEX+FNPI (2006). Recibió el Legacy Award, The Smithsonian Latino Center, Washington, Estados Unidos (2007) y el Honorary Doctorate of Arts, San Francisco Art Institute, Estados Unidos (2009). Entre sus exposiciones más recientes se encuentran Frida Kahlo, Public Image, Private Life, National Museum of Women in the Arts, Washington, D.C., Estados Unidos; ROMA, Templo de Adriano, Festival de Fotografía, Roma, Italia; Ojos para volar, Centro de la Imagen, México; The Goat’s Dance, Paul Getty Museum, Los Ángeles, California, Estados Unidos; Graciela Iturbide, Fundación MAPFRE, Madrid, España; El baño de Frida, Teatro Fueddu E Gestu, Villasor, Italia / Museo Frida Kahlo, México / Centro de Exposiciones del Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México; y recientemente Graciela Iturbide, Museo Amparo, México / Barbican Gallery, Londres. Actualmente el museo Tate Modern, Londres, Reino Unido, presenta una retrospectiva de su obra. Su trabajo se encuentra en gran cantidad de publicaciones y colecciones de todo el mundo.

GUILLERMO KAHLO ALCALÁ (México, n. 1961) Con más de 30 años como fotógrafo profesional, Guillermo Kahlo ha consolidado una trayectoria que lo posiciona como uno de los mejores retratistas en la historia de la fotografía de México. Sus retratos tienen un sello inconfundible que trasciende el origen de su creación, para quedarse con nosotros e instalarse en nuestros imaginarios. Cada pieza guarda la individualidad y la universalidad de cada persona fotografiada y cada retrato invita al espectador a establecer un diálogo íntimo, a replantear los nexos de la mirada humana con el mundo. Entre sus principales exposiciones individuales destacan: Eternidad Fragmentada, Bolsa mexicana de Valores con La mirada de Guillermo Kahlo. Su trabajo ha sido galardonado con premios, reconocimientos y publicaciones, destacando Paris Photo Prix y el International Photography Awards, Revista Quien con “El Filósofo de la Cámara”.

GUSTAVO ARGÜELLO PEÑALOZA (México, n. 1991) Durante su estancia en la carrera; en la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado “La Esmeralda” (2010 a 2014). Tuvo diversas experiencias que lo han ido formando como artista, cómo el haber sido discípulo y ayudante del artista Shinpei Takeda en 2011. Su obra es víctima de la influencia del expresionismo abstracto, que ha tomado una línea de trabajo constante con respecto a la interpretación pictórica del color en la pintura y su manera tan efímera de tener una reacción con ella.

Ha obtenido diversos reconocimientos, en los que destaca su participación en la exposición y subasta Arte Vivo (2017 y 2018), que tiene como sede en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Además su trabajo ha sido exhibido de forma individual: Anagnórisis, El Quinto Piso, Venustiano Carranza, Centro, Ciudad de México (2017); Advenedizo, Galeria Noox, Ciudad de México (2017); Criptomnesia, Galería 665, Manuel María Contreras, Ciudad de México (2015); Atmósferas espontáneas, El Quinto Piso, Venustiano Carranza, Centro, Ciudad de México (2015).

GUSTAVO SALMONES (México, n. 1962) Estudió Arquitectura en la Universidad La Salle y Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y en la Esucela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”.

Ha participado en más de 60 exposiciones colectivas en diferentes recintos como, Museo José Luis Cuevas, Museo Universitario del Chopo, Museo Carrillo Gil; y 4 individuales en recintos como, Galería Rudic de Acapulco, Centro Asturiano de México y Galería Dante, en Puerto Vallarta.

GUSTAVO VILLEGAS (México, n. 1976) Estudió Diseño Gráfico en la Universidad del Valle de México y Pintura en la Universidad Autónoma de Querétaro. Ha recibido diversos estímulos como el Sistema Nacional de Creadores de Arte (2013 a 2015); el Programa Jóvenes Creadores (2010 a 2011) y el Programa Creadores con Trayectoria (PECDA), Instituto Queretano para la Cultura y las Artes, (2012 a 2013); asimismo ha sido artista residente en Artists in Residence Air-Montreux, Montreux, Suiza (2018); Millay Colony for the Arts Residency Program, Nueva York, Estados Unidos (2014); The Why Not Place, Religare Arts Residency Program, Nueva Delhi, India 2(011); Djerassi Resident Artists Program, California, Estados Unidos (2010); y Centro Banff para las Artes y la Creatividad, Alberta, Canadá (2008). Entre los reconocimientos que ha obtenido destacan el Primer lugar Bienal Nacional de Pintura Julio Castillo, Querétaro (2019); Primer lugar Premio Centro-Occidente de Pintura José y Tomás Chávez Morado, Guanajuato (2016), el Premio del Público en la XI Bienal Monterrey FEMSA, Monterrey (2014), Mención Honorífica en la Sexta Bienal Nacional de Artes Visuales Miradas, Tijuana (2014), el Premio de Adquisición Artemergente en la Bienal Nacional Monterrey, Monterrey (2008); y el Primer Lugar en la Bienal Nacional de Pintura Julio Castillo, Querétaro (2008). Su obra ha participado en las exposiciones individuales recientes Récits sur l’impermanence, Maison Visinad, Montreux, Suiza (2018); Relatos de una destrucción, Galería Libertad, Querétaro (2018);

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Omega, Galería Heart Ego, Monterrey (2017), así como en las exposiciones colectivas, Exposición Inaugural MACQ, Museo de Arte Contemporáneo Querétaro (2018); XVII Bienal de Pintura Rufino Tamayo, Museo Tamayo Arte Contemporáneo y Museo de Arte Contemporáneo Oaxaca, Ciudad de México y Oaxaca (2016); The Future is Unwritten. Contemporary Artists from Mexico, Colección Luciano Benetton, Venecia, Italia, (2015); CUADRO. Guía y Salón de Artistas Emergentes, Ciudad de México (2009 y 2010) y se ha publicado en mART. Artistas Emergentes para Nuevos Coleccionistas, Editorial Cuarta Pared, Ciudad de México (2007). En 2017 se editó la primer antología de su obra, Sobre la pérdida, Secretaría de Cultura, Querétaro.

HÉCTOR BITAR (México, n. 1970) Egresado con la licenciatura en Administración de Empresas en la Universidad Iberoamericana (1995) y de Arquitectura en la Universidad Anáhuac del Norte (2002). En el mismo año fundó la firma Bitar Arquitectos y de 2011 a 2013 combinó la práctica arquitectónica con su trabajo como artista; hoy en día se dedica exclusivamente a esta última práctica. Bitar ha exhibido sus obras en múltiples espacios, entre ellos: Centro de Arquitectura y Diseño, Ciudad de México; Consejo Estatal para la Cultura y las Artes de Hidalgo; Galería Pilar Cubillo, Madrid; Centro de Arte y Cultura Pippal, Ciudad de México; Galería Casa Lamm, Ciudad de México; Senado de la República Mexicana; Casita Maria Center of Art and Education, Nueva York; The Cultivist Global Arts Club, Nueva York; Galería Longhouse Projects, Nueva York; Watermill Summer, Long Island. Sus obras están incluidas en colecciones públicas y privadas en México, América del Norte, Europa y el Medio Oriente.

HÉCTOR DE ANDA (México, n. 1950) Se considera un artista autodidacta que ha completado su formación como artista de diferentes formas, estudió Teatro en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México (1970 - 1971); Historia del Arte y Fotografía en la Academia Lorenzo di Medici,

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Florencia, Italia (1975 - 1976); Taller de serigrafía en la Academia de San Carlos, y Taller de Fotografía con la maestra Yolanda Andrade en la Academia de San Carlos, México (2007). Cuenta con diversas exposiciones, dentro de las individuales destacan: El Conocimiento Silencioso, Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, Zacatecas (2016); Futuro próximo /Pasado remoto, Museo de Arte Fernando García Ponce / MACAY, Mérida (2016); Diáspora/El Exilio, Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México; Acumulaciones, Centro Cultural Eje, Ciudad de México (2014); Futuro próximo / Pasado remoto, Museo de la Ciudad de Querétaro, Querétaro (2013); Ovillos y Orígenes Paralelos en el Palacio de Gobierno de la Ciudad de Aguascalientes (2012); Hipótesis de la Conversación Galería Maresa Arévalo Ciudad de México (2012); Orígenes Paralelos, Museo Universitario del Chopo, Ciudad de México (2011 - 2012); Orígenes Paralelos, Instituto Cervantes, Hamburgo, Alemania (2011 - 2012); Construcción– Deconstrucción, Museo de la Ciudad, Querétaro (2010); Deconstrucción, Galería Pecanins Ciudad de México; Metáfora en Transición, Museo Experimental El Eco, Ciudad de México; Un Río de Plástico, Museo Universitario del Chopo, Ciudad de México (2009).

HORACIO QUIROZ (México, n. 1987) Se graduó de la carrera de Diseño Gráfico en la Universidad Iberoamericana y se desarrolló en el área de publicidad, pero su aprendizaje en el arte jamás se detuvo. Doce años después, decide dedicarse a su gran pasión: el arte, fue a partir del 2013 que ha estado trabajando con diferentes técnicas para desarrollar su arte de forma autodidacta. Ha expuesto su trabajo de forma individual destacando por estos últimos años con: Salón Acme no.4, Ciudad de México (2016); Pintura y Fotografía Contemporánea, Parque Lincoln, Design Week, Ciudad de México (2016); Secret Nights 03, Museo Británico Americano, Ciudad de México (2016); Ser sensible, La quiñonera, Ciudad de México (2016); XVII Bienal de Pintura Rufino Tamayo, Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (2016); 2016 Solsticio, Galería K2, San Pedro Garza García, Nuevo León (2016); Salón ACME no.5, bodega

ACME, Proyecto Público Prim, Ciudad de México (2017); La Mostra, Polyforum Siqueiros, Ciudad de México (2017); Forbidden Thinking, Last Rites Gallery, Nueva York (2017); Muerte Lenta Centro Cultural Del México Contemporáneo, Ciudad de México (2017); Justmad X Heartbeats, Art Gallery, Palacio Neptuno, Madrid, España (2019); Art Vancouver, Ovalo Galería, Vancouver Convention Centre East, Vancouver Canadá (2019); entre muchas otras.

HUGO ROBLEDO (México, n. 1990) Cursó la licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de 2009 a 2013. Fue seleccionado para participar en el Programa de Movilidad Académica Internacional de la Universidad Nacional Autónoma de México para cursar un semestre en el Instituto de Artes de la Universidad Estadual Paulista en la ciudad de São Paulo, Brasil. Ha participado en algunas exposiciones colectivas como: Cuarta Muestra de Arte, Grupo Reforma, Polyforum Siqueiros (2011); Documentos Inestables, Colectiva de alumnos del taller de videoarte, La Pajarera Espacio, Puebla (2012); L.O.T.E. – Lugar, Ocupação, Tempo, Espaço, Instituto de Artes UNESP, São Paulo (2012); Underdogs, Diagrama, Ciudad de México (2014). En 2012 realizó una residencia de producción en Fazenda Serrinha, Bragança Paulista, São Paulo, Brasil.

INÉS CUSI DE ITURBIDE. (México, n. 1974) Realizó estudios en Arquitectura por la Universidad Iberoamericana y licenciatura en Economía por el Tecnológico de Monterrey, cuenta con un Diplomado en fotografía y laboratorio blanco y negro y uno sobre técnica en acuarela en París, Francia. Ha participado en múltiples exposiciones individuales y colectivas, entre las que destacan: Pintura en acuarela.

Mariposas. Tash Valle de Bravo, (1995); Escultura Ojo de Ballena . World Exposition, Aichi, Japón (2005); Nature’s Wisdom. Exposición de escultura dentro del Pabellón de México en la exposición mundial en Aichi Japón. (2005); Proyecto Puerta Escultórica, Fisher Island, Miami Florida (2007); Muestra escultórica Centro Platero, Guadalupe,

Zacatecas (2007); XIII BIENAL FEMSA, Siempre fuimos contemporáneos. Antiguo Templo de San Agustín, Zacatecas, (2018). Su obra ha sido reconocida con su montaje en espacios de arquitectos como López Guerra, Legorreta, Ogarrio Zapata, así como ser parte de la colección FEMSA. JAVIER AREÁN (México, n. 1969) Estudió en New School for Social Research de Nueva York, cursó una especialización en pintura y dibujo en la New York Studio School en la Universität der Künste, en Berlín. De manera complementaria ha estudiado litografía y serigrafía. Se le reconoce la fundación en 2013 del proyecto Diagrama, una plataforma dedicada al diálogo, la crítica y la reflexión de la pintura contemporánea en México. Fue Rosehill State Speaker en la Universidad Lewis Clark en Idaho. Ha sido docente en la Universidad Iberoamericana de la Ciudad de México y actualmente en CENTRO de diseño, cine y televisión. En 2012 fue invitado a formar parte del Consejo Editorial de Cultura del periódico Reforma. En 2016 fue uno de los diez artistas seleccionados en Batidores, una iniciativa privada para difundir la pintura contemporánea en México. En 2016 fue comisionado por el sello editorial Mirlo para realizar 31 ilustraciones sobre la novela de F. S. Fitzgerald, El gran Gatsby, para su publicación en una edición de lujo. Su obra forma parte de colecciones públicas en el Museo de la Estampa de la Ciudad de México, el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca y el Museo de Cancillería de la Ciudad de México. De manera individual se ha presentado en México, Barcelona, España y Camboya. Ha participado colectivamente en ferias de arte como Zona Maco, Houston Fine Art Fair, y Chic Dessin, así como en bienales nacionales e internacionales.

JAVIER PELÁEZ (México, n. 1976) Artista visual enfocado en la pintura y el dibujo. Su primera obra es conocida por su acercamiento realista hacia la pintura. A lo largo de los años ha desarrollado un lenguaje que explora los límites de la realidad y nuestra percepción de ella. El

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trabajo de Peláez forma parte de importantes colecciones y ha sido mostrado en numerosas exposiciones, subastas y ferias de arte tanto en México como en el extranjero, entre las que cabe destacar la Embajada de México en Berlín, la XVI Bienal Tamayo, la Arcadia Gallery de Nueva York y Miami, la subasta de Sotheby’s Latin American Art (2011), entre otras.

JESÚS GALVÁN (México, n. 1973) Es Licenciado en Artes Visuales por Facultad de Artes Visuales, de la Universidad Autónoma de Nuevo León. Cuenta con un Diplomado en fotografía en el Gimnasio De Arte. Tiene estudios en Técnicas de Pintura con Luz Ordoñez; Dibujo, pintura y esmalte sobre metal en la Escuela de San Carlos; Electrografía: espacios electrónicos alternativos con Jesús Flores; Retablos mexicanos con Fernando Quiroz; Transgresión del método creativo con la Dra. Graciela Fernández; entre otros. Entre sus exposiciones individuales se encuentran: Deseo y Memoria, Arte Actual Mexicano, Nuevo León (2017); Bridges, Avis Frank Gallery, Galveston, Texas (2012); A kit to Whooping Ass, Arte Espacio Dulce Dallas, Texas (2011). Ha participado en múltiples exposiciones colectivas, tales como: El Arte detrás del Muro, Galería Emilia Cohen y Plaza de la Raza. Los Angeles, California (2019); Southern Exposure: Shining Lights in Contemporary Art from México Galería Emilia Cohen y Castelli Art Space, Los Ángeles California, EUA (2019); Subasta Horno Pan y Vida, Galería Emilia Cohen y Fundación PROVIVAH (2018); El Arte en la Vida, colectivo colección de Guillermo Sepúlveda (2017); Identidad y nación en el arte mexicano, Centro Cultural plaza Fátima, Nuevo León (2017); Winter Group Show, Avis Frank Gallery, Galveston, Texas (2011); Colectivo, Hans Payan Gallery, Houston, Texas (2010).

JORGE MARÍN (México, n. 1963) Es uno de los mayores exponentes del arte contemporáneo figurativo en México. Su carrera ha sido multifacética, lo que le ha permitido abarcar distintas disciplinas y trabajar con diversos materiales como la

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cerámica y la resina. Sin embargo tras una larga y minuciosa búsqueda, optó por usar el bronce como signo distintivo, lo que resultó ideal para que las manos y los pies de sus personajes, así como las texturas de plumas, venas y telas, adquirieran la perfección de la materia viva. Durante su trayectoria que suma 25 años de labor, ha participado en más de 260 exposiciones colectivas e individuales. Su trabajo ha sido expuesto en museos y galerías de Europa, en países como Alemania, Bélgica, Dinamarca, España, Francia, Hungría, Inglaterra, Portugal, Turquía y Rumania; de América como en Canadá, Costa Rica, Estados Unidos, El Salvador, Guatemala y Panamá; así como de Asia donde ha estado en China, Singapur e Indonesia. La obra plástica de Jorge Marín ha obtenido un amplio reconocimiento a nivel nacional e internacional. Ha incursionado en diferentes dimensiones escultóricas desde la miniatura hasta la escultura monumental. En el espacio público ha generado un diálogo inédito entre la obra de arte y el espectador, que haciéndose cómplice de un juego espontáneo y lúdico, se apropia de un par de alas y convive con sus personajes fantásticos.

JORGE OBREGÓN (México, n. 1972, m. 2017) Cursó la licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México, donde fue distinguido con la Medalla Gabino Barreda al mérito universitario. Años después colaboró con el Maestro Luis Nishizawa en diversos cursos técnicos en el Centro Nacional de las Artes. Su participación en exposiciones dentro y fuera de México ha sido extensa. De manera colectiva ha presentado su trabajo en más de cincuenta muestras en importantes foros como el Museo de Arte Moderno (1999), el Museo Nacional del Palacio de Bellas Artes (2005) y el Museo Estudio Diego Rivera (2010), todos en la Ciudad de México. Jorge Obregón ha recorrido el vasto territorio de la República mexicana pintando sus paisajes. Su fascinación por los volcanes, el alpinismo y la pintura al aire libre, lo han llevado a la cima de los picos más notables de México, desde donde ha vertido

en lienzos toda su capacidad. Cuando no pinta desde el volcán, lo sobrevuela o lo ve de lejos, buscando siempre perspectivas que le permitan llevar a sus lienzos la majestuosidad de nuestro paisaje.

JOSÉ LUIS CUEVAS (México, n. 1934) Pintor, dibujante, escritor, grabador, escultor e ilustrador mexicano. Retó al movimiento muralista mexicano que dominaba la vida artística nacional y fue un prominente miembro de la Generación de la Ruptura. Fue un artista autodidacta, con muchos estilos e influencias muy marcados en el lado oscuro de su vida, frecuentemente distorsionando figuras y debatiéndolas en su humanidad. Recibió el Premio de Excelencia en Arte y Diseño (1964); el Madeco en la II Bienal Iberoamericana de Grabado (1965); Medalla de Oro en la I Trienal de Grabado de Nueva Delhi (1968); y en 1970 el poeta mexicano Octavio Paz, Premio Nobel de Literatura, le dedicó el poema Totalidad y fragmento. Para el año 1976 llevó su exposición José Luis Cuevas. Su infierno terrenal a Francia, donde se autoexilió. Tres años después volvió a México con la exposición José Luis Cuevas. El regreso de otro hijo pródigo, llevada a cabo en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México.

JOSÉ LUIS RAMÍREZ (México, n. 1981) Egresado de la Escuela de Pintura, Escultura y Artesanías de la Universidad Juárez del Estado de Durango (EPEA-UJED). Su obra ha sido expuesta en diversos países: México, Estados Unidos, Canadá, Argentina, Colombia, Italia, Finlandia, Austria y Egipto, contando con 12 exposiciones individuales y más de 60 exposiciones colectivas.

Ha realizado cuatro murales en Durango, su tierra natal: Paisaje Histórico Mexicano, en la Biblioteca Central Pública José Ignacio Caballero, Durango (2010); Tierra Nueva, en la Biblioteca Central Pública, Durango (2014); El Tiempo, la Sombra y el Cobijo, en el Edificio Central de la Universidad Juárez del Estado de Durango (2016). Su obra se caracteriza por elementos simbólicos y define “códigos que son pequeños homenajes al recuerdo instantáneo”.

JUAN PABLO VIDAL (México, n. 1989) Estudió ingeniería industrial en la Universidad Iberoamericana en donde se tituló con honores.

Es escultor de tiempo completo, dedicado a la producción independiente. Ha cursado diplomados en Arte Contemporáneo, curaduría del arte, moldes vaciados, modelado figurativo, cerámica y art marketing. El verdadero enigma en su obra es cómo un objeto “cotidiano” logra ocultar su cotidianeidad con el fin de negociar un equilibrio frágil entre la imagen de obra de arte y su origen, evitando el destino predeterminado que los había convertido en desechos. Ha participado en muestras individuales y colectivas en la Ciudad de México, entre las que destacan: What is old may one day be new again, Ciudad de México (2015); Public Art Projects, Ciudad de México, DH y Public Art Projects, Ciudad de México, SET (2016).

JUAN SORIANO (México, n. 1920, m. 2006) Estudió pintura con los ya consagrados Roberto Montenegro, y Chucho Reyes Ferreira. A los dieciséis años presenta su primera exposición individual. Viaja a la capital en 1935 donde su pintura no tarda en obtener reconocimiento. En 1936 ingresa a la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios y 1950 hace su primer viaje a Europa, instalándose en Roma hasta 1952.

Durante su estancia en Roma surge el interés de Soriano por la escultura: trabaja entonces terracotas y cerámicas. De regreso en México su lenguaje pictórico busca y encuentra nuevos caminos expresivos. Es asimismo el tiempo de la colaboración como diseñador de diversos ballets y obras teatrales. En 1956 viaja otra vez a Europa y visita Grecia, experiencia que enriquece su pintura tanto en tema como en procedimiento. En 1962 presenta catorce retratos de Lupe Marín; Octavio Paz escribe un texto alusivo. En 1983 se organiza una gran retrospectiva en homenaje al pintor. Expuso en importantes Museo del mundo, entre ellos el Museo Reina Sofía de España. Si bien todos estos elementos tuvieron parte en el desarrollo del trabajo único de Juan Soriano durante estas dos décadas, no es posible conectarlo con

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alguna corriente específica, más bien, Juan Soriano creó un lenguaje particular de realismo romántico. Soriano también estuvo en contacto con Inés Amor, de la Galería de Arte Mexicano, quien fue una pieza clave en la distribución del trabajo de Juan Soriano en las colecciones de arte más importantes a nivel nacional e internacional. Inés Amor fue también pieza pivotal en la adquisición de cuatro pinturas de Soriano por el museo de Arte de Filadelfia, en lo que sería su colección más extensa en los Estados Unidos. Después de 1950, Soriano vivió largo tiempo fuera de México. Experimentó con diversos métodos de abstracción tanto en pintura como escultura, y expandió su repertorio de referencia artística. Hizo numerosos diseños de escenografía y vestuario para la compañía teatral mexicana Poesía en Voz Alta. Los años que pasó en Roma y posteriormente en París cambiaron completamente su arte en lo que su amigo Rufino Tamayo llamaba “tendencias universales”.

KANAKO NAMURA (Japón, n. 1976) Vive y trabaja en la Ciudad de México. Comenzó sus estudios de diseño gráfico en la Universidad de Artes de Osaka. En 1991 cursó una segunda licenciatura en Fiber Arts en el Instituto de Artes de Kansas y finalmente realizó la Maestría en Artes en la Universidad de San Francisco, en 2012. Entre sus exposiciones individuales destacan Acumulación, Galería Karen Huber, Ciudad de México (2015) y Sendas, Yebisu Art Labo Gallery, Nagoya (2005, 2006, 2007, 2008 y 2015). Colectivamente ha expuesto en la Ciudad de México, en los Estados Unidos y en Japón.

LAO GABRIELLI (Argentina, n. 1971) Artista visual y diseñadora gráfica. Estudió la carrera de Diseño Gráfico en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires. También en Argentina estudió restauración en el taller de Mónica Tezanos Pinto y pintura con el Maestro Guillermo Roux. Asistió a seminarios con la pintora Anna Rank y con el Maestro Julio Alpuy de la escuela del Constructivismo de Torres

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García en la Ciudad de Nueva York. Asistió al Seminario de Museos y Patrimonio impartido en la lengua italiana con la Dra. en Arte y Museografía Mercedes Auteri en la Ciudad de México. Algunas de sus principales exposiciones individuales son: Más allá del cinetismo, Alianza Francesa, Ciudad de México (2017); Miami Limited Edition, Wynwood Art District, Miami (2017); Espressioni, Dante Alighieri, Ciudad de México (2016); La muerte tiene permiso, Galería Aguafuerte, Ciudad de México (2012).

Ha expuesto, además en importantes recintos como: el Centro Cultural Mizrahi, Ciudad de México (2017); el Centro Cultural Periodista, Ciudad de México (2016); la Casa de la Primera Imprenta de América, Universidad Autónoma Metropolitana, Ciudad de México (2016); Gallery of the Modern Art. Ciudad de México (2016); Contempo, Arte Contemporáneo, Ciudad de México; Arte Laguna Prize 13.14, Painting, Sculpture and Installation. Venecia (2016); Arte Visual México, Corporativo Antara Polanco 1, Ciudad de México (2014); 5ta Exhibición Internacional de Señaladores de Artista, Galería Vuelvo al Sur. Ministerio de Cultura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires (2014); Arte Laguna Prize, Arsenale de Venecia (2013); Florence Shanghai Prize 2013, Present Contemporary Art, Italia y China (2013); México Actual, Galería Aguafuerte, Ciudad de México (2013); Umbrellas for Peace. Instalación colectiva. Central Park Bandshell, Nueva York (2010); Muestra Anual Taller Guillermo Roux, Buenos Aires (2008). Reconocida por la Bienal de Arte del Centro Mexicano Universitario de Ciencias y Humanidades de Puebla, la XI Bienal de Pintura Joaquín Clausell, Universidad Autónoma de Campeche y la Boston Biennial 3, Atlantic Works Gallery, Boston.

LAURA ORTÍZ (México, n. 1975) Tapatía de nacimiento y ciudadana del mundo; gracias a la influencia de la cultura británica en su obra, Laura se aventura en el mundo sin límites del arte abstracto, para llevar al máximo la intensidad de sus sentimientos, exorcizando sus propios demonios y mostrándose a sí misma fuerte, apasionada y atrevida. Como

parte de su formación artística cuenta entre otros estudios, con una maestría en Didáctica de las Artes en la Universidad de Guadalajara, así como un Diplomado en Cerámica y Barro en la Universidad de Guadalajara, cursos de arte tradicional y arte moderno europeo en la Universidad de Viena entre otros, que la llevan a una parte muy importante de su vida, la docencia, la cual ejerce con la misma pasión que su producción artística.

LEO MATIZ (Colombia, n. 1917, m. 1998) Leo Matiz creó un rico lenguaje estético gracias a los múltiples oficios que desarrolló a lo largo de su trayectoria. En sus obras, conjunta sus criterios pictóricos con la percepción, la poética, la sensibilidad y la imaginación del fotógrafo.

Le atrajeron los enigmas de las sombras y los secretos que revelan las formas cuando la luz apenas la roza; la profundidad de campo, el juego del claroscuro, los matices y las siluetas que dibujan mapas de grises que se disuelven en la imagen. Fue fotógrafo, dibujante, pintor, caricaturista, publicista, galerista, conocedor de las reglas clásicas de composición y enterado de la actualidad por su ejercicio como reportero gráfico ligado a la prensa y a organismos internacionales, Leo Matiz fue un trotamundos que con su cámara capturó la diversidad de los momentos decisivos de la historia del siglo XX. Leo Matiz registró sin compasión lo que ante él transcurría. Su ojo escrutador y su infalible velocidad lograron captar momentos irrepetibles llenos de fuerza y una gran verdad. Enfocó su lente en México para registrar los sucesos y fragmentos de la vida cotidiana de los campesinos, el desencanto de la vida rural y los oficios humildes. Encontró en la historia, el paisaje y la cultura popular mexicana la inspiración necesaria que le dio sentido a su propia búsqueda artística. Después del desencuentro intelectual entre Leo Matiz y David Alfaro Siqueiros, el fotógrafo colombiano dejó México en 1947. Se vinculó profesionalmente con la revista Selecciones de Reader’s Digest y viajó por varios países de Centro y Suramérica, registrando fotografías a color para las portadas de esa publicación, en su edición en español.

LEONOR HOCHSCHILD (México, n. 1962) Leonor cuenta con estudios especializados en pintura en la Escuela de Artes Aplicadas Llotja en Barcelona y en técnicas mixtas con el artista Víctor Ceprián Cortés en Madrid. Ha realizado estudios en dibujo con el maestro Gilberto Aceves Navarro en la Ciudad de México y en la Escuela de Artes y Oficios de la diputación en Barcelona. Además tiene formación en Diseño Publicitario y un diplomado en Ilustración Artística en el Claustro de Sor Juana. Entre sus principales exposiciones se encuentran: Leonor Hochschild, Utopia Arte Contemporáneo, Ciudad de México, México (2018); Amistad México-Israel, Embajada de Israel, Centro cultural MéxicoIsrael; Las monarcas, Museo J. Arcadio Pagaza, Valle de Bravo, México (2018); Rutas Alternas, Galería Veracruzana, Ciudad de México, México (2017); Tiempos de Regeneración, Museo Gustavo de Maeztu, Navarra, España (2017); Reacciones, AC. Gallery, Arte y Ciencia, Madrid, España (2013); Sismografía, AC. Gallery, Arte y Ciencia, Madrid, España (2011); entre otras.

LUCÍA VALENCIA (México, n. 1966) Artista autodidacta mexicana es conocida por sus dibujos y pintura monocromática. Después de su trabajo como ilustradora comienza una etapa de pintura en acuarela que aún tiene gran influencia en su trabajo. Recientemente experimenta con diferentes medios y técnicas e incorpora en la obra accidentes para crear un inquietante concepto de imperfección. Su trabajo tiene la intención de evocar emociones y memorias en el espectador. Sus obras han sido expuestas en la Galería Terreno Baldío Arte (2014); en el Museo Nacional de Arte (2013) y en el Salón de la Acuarela (2002); entre otros espacios.

LUIS HAMPSHIRE (México, n. 1975) Vive y trabaja en Oaxaca. Su producción artística, que incluye dibujos, collages, objetos encontrados y ensamblajes, es una investigación visual en torno a las diversas maneras de pensar la pintura.

La composición de sus obras, siempre pensadas

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desde un lugar pictórico, está a medio camino entre lo abstracto y lo figurativo, pues finalmente son resultado de su propia aprehensión del mundo. Esta ambigüedad obliga al espectador a descifrar la obra, a utilizar el cuerpo, en su transitar; a generar una memoria corporal que detone imágenes. Estudió la licenciatura en Arte en la Universidad del Claustro de Sor Juana en la Ciudad de México. Artista Visual, hacedor de exhibiciones y Cofundador del espacio de arte no lucrativo Ediciones Plan B junto con Jessica Wozny. Ganador de la XVIII Bienal de Pintura Rufino Tamayo (2018). Su obra ha sido exhibida de forma individual y colectiva en México y el extranjero.

Entre sus exposiciones más recientes destacan El cordón umbilical retiniano, curada por Willy Kautz en ESPAC (2018); Pintura Reactiva, curada por Carlos Palacios en el Museo de Arte Carrillo Gil (2018) y Color Mundo y Carne en la Galería Karen Huber (2017). Ha sido acreedor a diversos estímulos y galardones como Sistema Nacional de Creadores (2012 y 2016); Mención honorífica en la XV Bienal de Pintura Rufino Tamayo; Mención Honorífica en la VII Bienal de Monterrey, Femsa; Beca Jóvenes creadores, (2005-2006 y 2000-2001); Mención Honorífica en el XXIV Encuentro Nacional de Arte Joven, Fondo Estatal para la Cultura y las Artes; Mención Honorífica en la III Bienal del Pacífico de Pintura y Grabado; y Mención Honorífica en la II Bienal de Pintura del Sureste Joaquín Clausell.

MANUEL FELGUÉREZ (México, n. 1928).

Pintor, escultor, muralista, profesor e investigador.

Estudió en la Academia de San Carlos de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (1948) y en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” INBA (1951). Becario del Gobierno Francés en la Academia de la Grande Chaumier, París (1944 y 1959) y en la Academia Colarossi, París (1954-1955). Trabajó en los talleres escultóricos de Brancusi y Sadkine. A su regreso de Europa forma parte de la primera generación de artistas abstractos nacionales, abiertamente confrontados con la tradición de la Escuela Mexicana de Pintura encabezada por Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco, la llamada Generación de la Ruptura. Su obra ha

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sido objeto de múltiples exposiciones individuales y colectivas, entre ellas, la retrospectiva de su obra en el homenaje al cumplir 80 años, en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México; obra pública de gran formato como: La Fuente y escultura frente a la Lotería Nacional; obra mural en el Museo Nacional de Antropología entre otras.

Se ha hecho acreedor a múltiples distinciones como el Premio Nacional de Ciencias y Artes del Gobierno de México, en el área de Bellas Artes (1988); la Beca de la Fundación Guggenheim (1975); el Gran Premio de Honor en la XIII Bienal de Sao Paulo, Brasil (1975), por las obras producto de El Espacio Múltiple (1973), y el Segundo Premio de Pintura en la Primera Trienal de Nueva Delhi, India (1968). Maestro invitado en la Universidad de Cornell, Estados Unidos; investigador huésped en la Universidad de Harvard (1975); imparte la clase de Composición de la Estructura del Cuadro en la Escuela Nacional de Artes Plásticas; a partir de 1977 es miembro como investigador del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universidad Nacional Autónoma de México.

MANUEL H. MÁRQUEZ (México, n. 1981) Estudió la maestría en Artes de la Imagen en el Rochester Institute of Technology de Nueva York, es artista y profesor de fotografía y arte en las universidades Centro y American School Foundation. Ha exhibido de forma individual y colectivamente en Estados Unidos y México, destacando muestras en el Centro de la Imagen; Maxon Mills Exhibition Space, Wassaic, Nueva York, Estados Unidos; Segunda Bienal de Arte de Veracruz, Xalapa, México (2014). Fue finalista del LatinAmerican Photobook Award organizado por el Fotomuseo 4 Caminos de la Ciudad de México y becario de la residencia Visual Studies Workshop, Rochester, Nueva York, Estados Unidos.

Su obra se encuentra en varias colecciones como los archivos del Centro de la Imagen y la Richard and Ronay Menschel Library, George Eastman Museum, Rochester, Nueva York, Estados Unidos.

En 2017 publicó el libro Eres un fantasma, realizó una residencia artística en Visual Studies Workshop en Nueva York y publicó un ensayo para Blog de crítica, proyecto coordinado por SOMA y Alumnos 47, México.

MARC BRESLIN (Estados Unidos, n. 1983) Vive y trabaja en Nueva York. A partir de planos de color sus obras cuestionan las bases de la representación mimética de la realidad en el arte. En sus pinturas aparecen figuras esquemáticas que rozan la abstracción y lugares que bien podrían ser un paisaje natural o un producto de su imaginación. Las imágenes creadas por Breslin generan sus propias narrativas, funcionan como estudios sobre la comunicación, o incluso la falta de comunicación entre ellas mismas, y en un espectro más general en relación con la historia del arte. Temáticas como la ubicación y el tiempo, así como la pérdida y reconstrucción son recurrentes en su trabajo. Contempla su práctica como una oportunidad para crear encuentros compartidos de una manera tanto histórica como personal. Entre sus exposiciones más importantes destaca Cindy, Carmine, George, Pierre and Others en Galería Karen Huber, Ciudad de México (2017); Piano Piano en Umberto Di Marino, Nápoles, Italia; Casual curses are the most effective en Scaramouche, Nueva York, Estados Unidos; entre otras. Participó en el Festival of Ideas del New Museum, Nueva York.

Su trabajo se incluyó en la exhibición Gerhard Richter and the Disappearance of the Image en Contemporary Art, en el Centro de Cultura Contemporánea Strozzina en el Palazzo Strozzi, Florencia, Italia e instalaciones específicas en la Fondazione Rivoli Due, Milán, Italia y la Galleria Umberto Di Marino, Nápoles, Italia.

MARCOS CASTRO (México, n. 1981) Estudió la licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Ha realizado diversas exposiciones individuales tanto en México como internacionalmente, entre las cuales se encuentran: La decadencia de la Mentira, Proyectos Monclova, Ciudad de México (2005); Mi futuro está en tus manos, proyecto con María Isabel Rueda, Galería Jenny Vilà, Bogotá (2012); The Phantom of Liberty, Chalton Gallery, Londres (2015); Tira Líneas, Centro Cultural Británico, Lima (2016); El color del sur, Machete,

Ciudad de México (2017); entre otras. Entre sus exposiciones colectivas destacan: Estudio de Trazo, Museo de Arte Moderno, Ciudad de México; Panorámica, Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México; Ruta Mística, MARCO Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey e Historia de A, Museo Amparo, Puebla. Ha sido dos veces acreedor de la beca Jóvenes Creadores del FONCA (2007 y 2014). En el 2014 fue elegido para formar parte de la residencia OMI en Nueva York; en el 2008 participó en 18th street Art Center en Los Ángeles, así como la residencia Skowhegan (2016).

MARÍA CONEJO (México, n. 1988) Artista visual egresada de la Escuela de Diseño del Instituto Nacional de Bellas Artes. Desde 2010 se ha dedicado a la producción de proyectos y publicaciones de arte para otros artistas, galerías y museos. Su medio principal es el dibujo, hace representaciones del cuerpo femenino con la intención de mostrarlo como un signo, el cual, busca generar una manera distinta de percibir los cuerpos. Parte esencial de su proceso creativo es la exploración y experimentación con diversos materiales y técnicas. Su trabajo ha sido expuesto en el Art Basel Miami (2018); Salón Acme no. 6 con Machete Art; fue parte de la exposición colectiva Los hijos del lago perdido en Galerie LJ, París, curada por Hellion Gallery; formó parte de la exposición Capítulo Cero en la Galería de Arte Mexicano curada por Jan Hendrix; fue finalista en la categoría física de la Primera Bienal de Ilustración en México organizada por Pictoline y el New York Times.

Ha sido becaria del FONCA en dos ocasiones dentro del programa Jóvenes Creadores en la categoría de Gráfica en (2014-2015) y (2016-2017). Es co-fundadora de Pussypedia, una enciclopedia en línea bilingüe, gratuita e inclusiva que busca volver más accesible la información sobre las pussies y la diversidad sexual. Su trabajo ha sido publicado en la Revista de la Universidad, Revista Tierra Adentro, Vice, Ambulante, P Magazine, Chilango, Picnic, Indie Rocks, Vogue México, Cream, Grupo Expansión, Princeton University, Ediciones Quimera y Random Penguin House.

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MARIANNA DELLEKAMP (México, n. 1968) Actualmente vive y trabaja en la Ciudad de México. Su obra se desarrolla a partir de distintos fenómenos sociales, los cuales utiliza como materia prima. Estudió fotografía en la Escuela Activa de Fotografía, México y también en el International Center of Photography, Nueva York. Entre sus últimas exposiciones individuales destacan: Coleccionar Pensar, Galería Patricia Conde, Ciudad de México (2015); Procesos abiertos, Museo de Arte Moderno, Ciudad de México (2013); Procesos, Galería Nina Menocal, Ciudad de México (2010); Se Renta, Instituto de México en Madrid, Zaragoza (2007); Antropología del Cuerpo Moderno, Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce, Morelia (2002). Dentro de los apoyos y reconocimientos que ha obtenido se encuentran varias becas del Sistema Nacional de Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes FONCA, un premio de adquisición en Nuevo León, una Mención Honorífica en la Primera Bienal Internacional de Fotografía de Puerto Rico, el primer premio en el XVI Encuentro de Arte Joven, convocado por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, Aguascalientes y una Mención Honorífica en el primer Salón Internacional de Guadalajara.

MARIO NAVARRO (Estados Unidos, n. 1984) Estudió la licenciatura en Arquitectura en el Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Occidente (ITESO), Guadalajara, México.

Entre sus exposiciones individuales, destacan: A Landscape of Events, SCAD Museum of Art, Savannah, Estados Unidos (2017); Obra en obra, Tonalá 148, Ciudad de México, México (2017); Aesthetic Irregularities, Komagome Soko, Tokyo, Japan (2016); Aesthetical Irregularities, Proyecto Paralelo, Ciudad de México, México (2015); y Forms of otherness, International Studio and Curatorial Program, Brooklyn, Estados Unidos (2015), entre otras. Ha expuesto de manera colectiva en países como Canadá, Colombia, Estados Unidos, Italia y México.

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MARIO NÚÑEZ (México, n. 1963) Egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México y del Taller de Experimentación Gráfica del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA). Ha presentado su trabajo en recintos como el Museo de la Cancillería; Celda Contemporánea de la Universidad del Claustro de Sor Juana; Pasagüero, Instituto Cultural Mexicano y en Iturralde Gallery. Ha sido reconocido en diversas ocasiones con el Premio de adquisición del Salón Nacional de Artes Plásticas (1988), Premio de Estímulo de los Jóvenes, CREA en el Museo Carrillo Gil (1992), ganó el primer lugar en el Primer Concurso Nacional de Pintura, INDART (1992-1993), obtuvo la Beca de Producción para Jóvenes Creadores de la CONACULTA (1998) y la Beca de Sistema Nacional de Creadores, FONCA (2010-2012).

MATHIAS GOERITZ (Polonia, n. 1915, m. 1990) Nació en Dánzig (actual Gdansk, Polonia) y pasó su infancia y juventud en Berlín, donde realizó estudios de Pintura, Historia del Arte y Filosofía. Cursó estudios de Medicina en la Universidad de Berlín durante un año, pero sus inquietudes eran de índole estética, por lo que estudió Arte en la Escuela de Artes y Oficios de Berlín-Charlottensburg y cuenta con un doctorado en Filosofía e Historia del Arte en la Universidad de Berlín.Tras la implantación del nacionalsocialismo, en 1936 abandona Alemania, e inicia un viaje por Europa y el norte de África.

La pintura de su primera etapa está marcada por la guerra y en ella se acusa la influencia de los grupos expresionistas alemanes Die Brücke y Der Blaue Reiter. Viajó a México gracias a la recomendación que el artista Alejandro Rangel Hidalgo hizo al Arquitecto Ignacio Díaz Morales, quien trabajaba en la construcción del programa de estudios de la entonces recién inaugurada Escuela de Arquitectura de Guadalajara, lugar en el que da inicio a su renombrado Taller de Educación Visual, en el que difundió las enseñanzas de la Bauhaus. Es en ese contexto donde conoció al ingeniero Luis Barragán y al pintor Jesús Reyes Ferreira, con quienes en años

siguientes realizó varios proyectos de relevancia para la historia del arte y la arquitectura mexicanas. Fue un escultor, poeta, historiador del arte, arquitecto y pintor asociado a la tendencia de la abstracción constructiva e impulsor de la arquitectura emocional.

MAURICIO LIMÓN (México, n. 1979) Es un artista mexicano autodidacta, actualmente vive y trabaja en Ámsterdam, Países Bajos.

Entre sus exposiciones individuales y colectivas, destacan: Justos Desconocidos, Cuarto de Maquinas, Ciudad de México (2015); XVI Biennal Tamayo, Museo Tamayo, Ciudad de México, (2014); 21 Artist Shortlisted for the Future Generation Art Prize, PinchukArtCentre, Kiev (2014); Buscando la sombra del árbol, Galería Hilario Galguera, Ciudad de México (2014); Videonale 14, Kunst Museum Bonn, Alemania (2013); Batiente.01 Un momento, DESACUERDO, Un principio, Casa del Lago Juan José Arreola, Ciudad de México (2012); Disponible: A Kind of Mexican Show, Museum of Fine Arts, Boston (2011) y San Francisco Art Institute (2010); An Exchange with Sol LeWitt, Massachusetts Museum of Contemporary Art, North Adams (2011); Versus, Projex-Mtl. Montreal (2011); Fetiches Críticos, colaboración con Xavier Rodríguez, CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid (2010); Hecho en Casa, Museo de Arte Moderno, Ciudad de México (2009). Limón fue seleccionado recientemente para la residencia Rijksakademie Van Beeldende Kunsten (20162017). En 2014 fue nominado para el Premio de Arte de Futura Generación por la Fundación Victor Pinchuk y participó en la XIV Bienal Museo Tamayo, Ciudad de México. Limón también recibió la Beca de la Fundación Pollock-Krasner (2010) y la Beca Jóvenes Creadores otorgada por el FONCA (2011-2012).

MÁXIMO GONZÁLEZ (Argentina, n. 1971) Egresado del Instituto de Artes e Idiomas Josefina Contte en Argentina, donde obtiene el grado de Maestro en Artes Visuales. En 1996 realiza su primera exposición individual. Crea junto con otros artistas el Centro de investigación y experimentación escénico-plástica (1998).

Vive y trabaja desde hace 14 años en la Ciudad de México. Cuenta con 41 exposiciones individuales entre las que destacan: POGO, Hospicio Cabañas, Guadalajara, México; Magnificent Warning, Stanlee & Rubin Center for the Visual Arts, El Paso Texas, Estados Unidos; Playful, CAFAM, Los Angeles, California, Estados Unidos; Camino entre Mundos, Casa de América, Madrid, España y Fowler Museum, Los Ángeles, California, Estados Unidos; Algo como respuesta a Algo, Artane, Estambul, Turquía; Proyecto para la reutilización de vehículos obsoletos después de la extinción del petróleo, Travesía Cuatro, Madrid, España; Project B, Milán, Italia; PISAR, Ruth Benzacar, Buenos Aires, Argentina; Efecto Invernadero, Art&Idea, Ciudad de México, México. Ha participado en 140 exposiciones colectivas, de las cuales, destacan: The possibility of everything, Scotiabank Nuit Blanche, Toronto, Canadá; ¿Adónde se han ido las flores?, Poetics of the handmade, MOCA LA, Estados Unidos; The tree: from the sublime to the social, Vancouver Art Gallery, Canadá; Las líneas de la mano, MUAC Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Ciudad de México, México; 2a Trienal Poligráfica de San Juan, Puerto Rico; México: Política/Poética, San Francisco, Estados Unidos; Nordic Watercolor Museum, Gothenburg, Suecia; y Tiempo de Sospecha, Museo de Arte Moderno, Ciudad de México, México.

MIGUEL CASTRO LEÑERO (México, n. 1956) Realizó sus estudios de pintura en Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, posteriormente ingresa al taller de grabado del Centro de Investigación y Experimentación Plástica del INBA. En 1980 realiza su primera exposición individual en la Casa de la Cultura de Oaxaca. Un año después recibe el premio de adquisición del Salón Nacional de Artes Plásticas, Sección Bienal de Gráfica. En 1982 presenta la exposición individual La respiración de la noche en el Museo Carrillo Gil. Ese mismo año recibe el premio de adquisición de la Primera Bienal de Pintura Rufino Tamayo en Oaxaca y el primer premio de adquisición en el II Encuentro de Arte Joven de Aguascalientes. En 1986 el Museo de

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Arte Moderno organiza la exposición individual Paisaje dividido. En 1992 participa en la exposición México Hoy en la Casa de América en Madrid, año en el cual recibe el premio de adquisición en el Eco Art International en Río de Janeiro, Brasil. En 1994 exhibe Pinturas y dibujos en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca. Al año siguiente, el Hypo-Bank en Erfurt, Alemania organiza una exposición de su obra sobre papel. La Galería López Quiroga ha organizado cinco exposiciones individuales de su obra: Misterios cotidianos (1990); La utopía de Miguel Castro Leñero (1993); Obra reciente (1995); La flor de papel (2000) y Formas esenciales (2003).

NANDO PRADHO (Brasil, n. 1978) Artista autodidacta que se destaca en la publicación del libro Who’s Who - Brazilian Artists, Decor Book Editions (2017). Entre sus exposiciones destacan las individuales como: Central das Artes, São Paulo, Brasil (2001); Piola Jardins & Moema, São Paulo, Brasil (2004, 2007, 2011 y 2013) y Perspectivas, Hotel Cartesiano, Puebla, México (2019). Participó de forma colectiva en la reapertura de la Galería Art Lab, São Paulo, Brasil (2017).

OLIVIA STEELE (Estados Unidos, n. 1985) La artista de luz Olivia Steele se ha ganado una reputación internacional por sus instalaciones en neón. Sus frases iluminadas se suspenden en tiempo y movimiento en paisajes de Berlín, Bombai, Roma, Miami, Tulúm, Nueva York y Los Ángeles, utilizando el poder de la luz para crear enunciados simbólicos que impactan y provocan.

Las piezas de Steel cargan emociones ocultas y fuerzas invisibles, formando parte de su marco de exploración temas como la conciencia, lo femenino y lo divino. Las frases contenidas en su obra habitan espacios de significados a veces contradictorios, confrontativos o conciliatorios. Ha expuesto de manera individual y colectiva en diferentes partes del mundo, entre las que destacan: Deliciosa Monstera, MAIA Contemporary, Ciudad de México (2018); Looking Forward, Galleria Torbandena Projects, Trieste

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(2017); Urban Intervention, Zona Maco, Ciudad de México (2017); Faux Real, Circle Culture, Berlín (2016); Hello Darkness and Viva La Muerte, Día de muertos, Oaxaca (2015); Nothing is what it seems, Circle Culture Gallery, Hamburgo (2014); Exhibition of Neon Artworks, Circle Culture Gallery at Corner Store, Berlín (2012); Welcome to Cashville, Private Collection, Nashville (2011); entre muchas otras.

OMAR ZURITA (México, n. 1975) Artista visual que deja que su obra hable por él, pues considera fielmente que la labor del arte es comunicar, producir en el espectador cuestionamientos y reflexiones, hacerle ver lo que no se quiere ver. Su obra manifiesta descripciones y conceptos de lo que ha visto y sentido; está cargada de símbolos y metáforas que intentan expresar pensamientos oníricos, descontentos; su obra muestra la imperfección perfecta del humano; le da forma y color a su presencia sarcástica y enuncia su esencia lúdica.Su arte evoca la posibilidad de renovar y de pensar de manera diferente las estructuras que rigen y normalizan a una sociedad. Se presenta sin miedo a expresar las cosas tal cual son; sin temor a criticar ni a ser criticado. Explora cuestiones de temporalidad, marginalidad y decadencia; y se inspira con los objetos que parecían perdidos. En un mundo donde las cosas parecían perdidas y desechadas cayeron, como desaparecidas, para reaparecer acumuladas; para empezar a enunciar sus nuevas identidades, revelar nuevos significados, manifestar que sus usos fueron renovados.

OSWALDO VIGAS (Venezuela, n. 1923, m. 2014) Fue uno de los más destacados artistas latinoamericanos de vanguardia que ayudó activamente a dar forma a la vida cultural de su país, y que a la vez jugó un papel clave en la escena artística parisina entre 1952 y 1964.

Profusamente inspirado en el origen de la vida, en el paisaje venezolano, su historia y su mitología, y sobre todo en las personas que lo rodeaban, Oswaldo Vigas escoge la vocación de pintor, basando su trabajo en una serie de estilos, como el cubismo, el surrealismo, el constructivismo,

el informalismo y la neofiguración, todos ellos aplicados de una manera muy personal.

Impulsado por la búsqueda de su identidad mestiza, Vigas se mantuvo siempre fiel a sus propias convicciones, lo cual finalmente, lo condujo a desarrollar una auténtica y propia imagen artística. Entre las referencias artísticas de Vigas están los grandes maestros como Pablo Picasso, Paul Gauguin y Paul Cézanne, junto con los artesanos indígenas y africanos.

Vigas es el primer artista venezolano que se nutre del herencia cultural precolombina y africana del país, una herencia que hace tiempo había sido olvidada, y la entrelaza con el modernismo europeo y norteamericano, lo cual termina colocando su trabajo al mismo nivel de artistas latinoamericanos destacados como Roberto Matta, Wifredo Lam, Rufino Tamayo y Fernando de Szyszlo, quienes también estuvieron fuertemente comprometidos con el legado indígena de sus respectivos países. La obra de Vigas es considerada además como una contraparte importante al prevaleciente arte geométrico, cinético y óptico en Venezuela.

El trabajo de Vigas abarca la pintura, la escultura, el grabado, la cerámica y la tapicería.

Ha sido presentado en más de un centenar de exposiciones individuales y su obra está presente en numerosas instituciones, tales como Museum of Fine Arts, Houston, Texas, Estados Unidos; San Francisco Museum of Modern Art, California, Estados Unidos; Michigan State University Art Museum, Michigan, Estados Unidos; Museo de Arte de Las Américas, OEA, Washington, Estados Unidos; Musée Jean Lurçat et de la Tapisserie Contemporaine, Angers, Francia; Musée Des Beaux Arts D´Angers, Francia; Musée Des Beaux Arts. Reims; Museo de Arte Moderno de Bogotá, Colombia; Museo de Arte Contemporáneo El Minuto de Dios, Bogotá, Colombia; Museo de Arte Contemporáneo, Lima, Perú; Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile, Chile; Museo Ralli, Punta del Este, Uruguay; Avon Collection, New York, Estados Unidos.; así como en colecciones públicas y privadas de todo el mundo. Oswaldo Vigas asumió un compromiso con el arte y con una vida transcurrida en su taller, en países diferentes y en familia. Fallece en Caracas el 22 de abril de 2014.

PAOLA PINEDA (México, n. 1975) Inspirada en el retrato y en las constantes batallas internas de la experiencia tan compleja del “ser”, Paola Pineda utiliza el color para improvisar sobre eso que sucede en lo más profundo, en el conflicto o en el gozo y en todas sus posibilidades. Toma el rostro como punto de partida por ser la ventana de nuestro interior, buscando resonancias y espejos que expresen universos ocultos. Su proceso creativo es una constante búsqueda para mirar de manera distinta el aliento íntimo de cada ser humano.

Utiliza todo tipo de técnicas: temple, óleo, acrílico, prismacolor, pluma, carbón; eludiendo así a la alucinación instintiva, de manera que se pueda identificar a ese personaje común que se vuelve el protagonista de una hoja en blanco. El resultado son piezas provocativas que despierten la curiosidad en el uso de la línea y sus tonos, en algunas ocasiones poética y cuidada, y en otras, fluida y exagerada; buscando la armonía en el sinsentido. Pineda trabaja en series, esto le permite profundizar todas las aristas relacionadas con el rostro, agotando todos los medios de expresión.

PAUL MUGUET (México, n. 1975) Interviene objetos cotidianos y emplea la palabra escrita para redefinir la relación con las cosas que nos rodean así como nuestra manera de nombrarlas. Paralelamente, su trabajo pictórico busca activar nuestra lectura de las obras exponiendo el poder expresivo del color y empleando deliberadamente una pureza formal para cuestionar la relación entre objeto y pintura. Ha expuesto de forma individual y colectiva en diferentes museos y galerías como Museo Jumex, Ciudad de México; Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México; Museo Tamayo, Ciudad de México; Galería RGR+Art, Ciudad de México; Freijo Gallery, Madrid; Carré d’Art Musée d’Art Contemporain, Francia; Espace Escaut, Bruselas; Museo de la Cancillería, Ciudad de México; Association Étant-Donné, Francia; Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO); Polyforum Siqueiros, Ciudad de México; Celda Contemporánea de la Universidad del Claustro

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de Sor Juana, Ciudad de México; Galerie SAIDA Contemporary, Marruecos; Museo Franz Mayer, Ciudad de México; Galería Karen Huber, Ciudad de México; Museo de Pintores Oaxaqueños (MUPO); Galería TalCual, Ciudad de México; FrontGround, Galería Manolo Rivera, Mérida, Yucatán.

PEDRO CORONEL (México, n. 1923, m. 1985) Estudió pintura y escultura en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (1940-1945). Durante su estancia en París frecuentó los talleres del pintor Victor Brauner y del escultor Constantin Brâncuşi que influyeron en gran medida su proceso artístico (1946). Su primera exposición individual fue en la Galería Proteo, Ciudad de México (1954), donde su exposición llamó la atención al Premio Nobel mexicano, Octavio Paz. Más tarde exhibió en Francia, Italia, Japón, Estados Unidos y Brasil. En su último periodo que vivió en París su arte mostró diferentes facetas de dibujos subyugando en el erotismo de las formas naturales, de una apreciable madurez estética y artística. Recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes (1984). El día 23 de mayo de 1985 a las 18:00 horas murió a causa de un derrame cerebral a la edad de 62 años. En la nave mayor del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México se le rindió homenaje póstumo donde le hicieron la primera guardia de honor: el Licenciado Miguel de la Madrid, presidente de la República Mexicana (1982-1988), Miguel González Avelar, secretario de Educación Pública y Javier Barros, Director General de Bellas Artes. A su cuerpo se le dio cristiana sepultura en el Panteón Francés de San Joaquín. Un año más tarde sus restos son trasladados a la ciudad de Zacatecas que le vio nacer, para ser depositados en el patio del museo que lleva su nombre (1986). Pedro Coronel fue un entusiasta coleccionista de arte precolombino, primitivo, oriental, greco romano y medieval así como de arte gráfico. Donó su colección al pueblo de México en el museo que lleva su nombre. Algunos autores han dividido su carrera en las siguientes etapas: naturalista, estructuralista, lírica, cromática y la recuperación de la pintura nativa.

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PEDRO FRIEDEBERG (Italia, n. 1936) Pintor surrealista, grabador, diseñador, ilustrador, muralista y escultor. Estudió tres años de Arquitectura en la Universidad Iberoamericana (1957). Sus mentores fueron Mathías Goeritz, José González Camarena y Gerry Morris. Entre sus exposiciones individuales recientes se encuentran: Gran retrospectiva, Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México (1953-2009); Galería Drexel, Monterrey; Galerie im Gassla, Nuremberg (2001); Festival del Desierto, La Paz, San Luis Potosí (2002); Museo de Historia, Monterrey (2002); Antiguo Palacio del Arzobispado, Ciudad de México (2003); Studio DVO, Bruselas (2004); Galería Pecannins, Ciudad de México (2004); Instituto Cultural Aguascalientes (2004).

Entre sus exposiciones colectivas recientes destacan: Escuela mexicana, de la Ruptura al Geometrismo, Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México (2000); De mi colección, exposición itinerante de CONACULTA (2000); Cajas, Casa de la Primera Imprenta, Ciudad de México (2001); Aparentemente Sublime, Museo de Arte Moderno, Ciudad de México (2003). Su obra forma parte de colecciones particulares y públicas, entre ellas: Museo de Arte Moderno, Museo José Luis Cuevas, Museo de Arte Moderno de Nueva York, Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, Museo de Arte Contemporáneo de Nueva Orleans, Biblioteca del Congreso de Estados Unidos en Washington D.C., Consejo Nacional de Investigación de Canadá en Ottawa, Museo de Louvre de París, Museo de Israel en Jerusalén, el Museo Nacional de Arte Moderno en Bagdad, el Museo de Arte de Ponce en Puerto Rico, el Museo Franklin Rawson en Argentina, el Museo Omar Rayo en Colombia y el Museo Nacional de Historia Natural del Instituto Smithsoniano en Washington, D.C. Su obra mural se encuentra en diversas instituciones de México y el extranjero. Ha ilustrado publicaciones, diseñado portadas de libros de texto y proyectado escenografías y vestuarios. Se ha hecho acreedor a diferentes premios, entre ellos: el 2° lugar de la Bienal de Córdoba, Argentina (1966); 1er lugar en la Exhibición Solar en la Ciudad de México (1967); en la Trienal de Grabado, Buenos Aires (1979); Premio especial en la XI Bienal de Artes Gráficos en Tokio (1984); nombrado Artista Creador por el Sistema

Nacional de Creadores Mexicanos y Extranjeros (1993). Su trabajo y vida han sido presentados en ocho libros desde 1972. Su autobiografía De vacaciones por la vida, Memorias no autorizadas, fue editada por Trilce y CONACULTA. PEDRO MAGAÑA (México, n. 1984) Es un artista radicado en la ciudad de Monterrey, Nuevo León, egresado de la carrera de Licenciado en Diseño Gráfico por la Universidad de Monterrey. Interesado y fascinado desde pequeño por la música, su trabajo está íntimamente relacionado a ella. Partiendo desde la intersección generada entre lo matemático y lo intuitivo que brinda el lenguaje musical, busca explorar distintas ramificaciones y formas de la comunicación no verbal, y la poética generada en ellas. Entres sus exposiciones individuales, destacan: Consonancia, Galería Heart Ego, Monterrey (2019); Corpo Ellipsis, Espacio La Cresta, Monterrey (2018). Entre sus exposiciones colectivas se encuentran: Subasta Museo Tamayo, Anónimo, Ciudad de México (2018); Efecto Rashomon, Galería Heart Ego, Monterrey (2018) y Pop-up Gallery Show Efecto Rashomon, Galería Heart Ego, Ciudad de México (2019).

PILAR GOUTAS (México, n. 1963) Estudió Diseño Gráfico en la Universidad Iberoamericana y Diseño de Modas en el Instituto Marangoni en Milano, Italia. Vivió y trabajó en Europa. Ha trabajado y colaborado en proyectos artísticos, cinematográficos y producción junto con otros artistas y colegas. Ha participado en exposiciones individuales en el Sunshine International Art Museum, en el Beijing China Open, en el Zone Chelsea Center of Arts de Nueva York y en el Sans Filtre de México. Ha participado en la Subasta Arte Vivo desde el año 2004.

PIM SCHALKWIJK (México, n. 1971) Trabajó como ayudante y asistente en el estudio fotográfico de su papá, Bob Schalkwijk, e inició su carrera profesional como fotógrafo en 1995 utilizando cámaras de gran formato, formato medio y película de 35mm. Su archivo, con más

de 400,000 fotografías, abarca diversos temas de la cultura mexicana. Destaca su trabajo etnográfico, retratos, de fiestas tradicionales y populares, su trabajo de arquitectura así como el paisaje. Su trabajo ha sido publicado en varias revistas e ilustrado múltiples libros. Asimismo, ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales, entre las que destacan Escenas de Cantina/Foto Instalaciones presentada en la Fundación Sebastián (2011); Detrás de las fachadas en el Centro Cultural Olimpo (2013); To’on: mayas contemporáneos en el Museo Regional de Antropología Palacio Cantón (2013); Paisajes Marinos en Ancora MT (2016); Territorios en la Fundación de Artistas Mérida (2017); QF Instalación Fotográfica presentada desde el 2013 a la fecha en varias sedes como el Museo Nacional de Antropología y el Palacio Nacional; Leandro Soto revisita Ancestros 40 años después: 1979-2019, Galería del Boulevard, Cienfuegos; Xlll Bienal de La Habana Colateral, con la participación de Leandro Soto, Pim Schalkwijk y Francisco Ruiz; Sacbé: Camino de Intercambio en colaboración con Leandro Soto, Casa México, La Habana, Cuba (2019). Actualmente trabaja en formatos digitales y radica en Mérida, Yucatán.

RAFAEL CAUDURO (México, n. 1950) Egresado de la Universidad Iberoamericana con las licenciaturas en Arquitectura y Diseño Industrial. Su obra ha logrado trascender a nivel nacional e internacional ya que en ella engloba la controversia y la paradoja, así como la multiplicidad de técnicas que, él mismo revela, ha sido una búsqueda para innovar su trabajo, entre los que destaca su pintura de caballete y murales. La obra de Rafael se ha caracterizado por la apropiación de elementos, inclusive de desecho para su producción, así como la aparición de elementos cotidianos que se trastocan con elementos que ya se han fijado en el imaginario mítico y prehispánico. Cauduro ha logrado transformar los diferentes hitos culturales y combinarlos con las representaciones religiosas y míticas de diferentes contextos ya que lo que le interesa es precisamente hacer una crítica de lo banal

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y efímero que resulta lo material y lujoso de la cotidianeidad, contrapuesta con lo histórico y lo simbólico. Su proyecto monumental más reciente titulado Siete Crímenes Mayores se ubica en la Suprema Corte de Justicia de la Nación y se ha vuelto una obra paradigmática en la factura de murales de nuestro país. Su obra ha sido expuesta en la Ciudad de México, Cuernavaca, Guanajuato, Aguascalientes, Chihuahua, Veracruz y Puebla, por mencionar algunos estados de la República Mexicana, pero también ha logrado destacarse en Estados Unidos como California, Nueva York, Michigan, Georgia y Los Ángeles así como en otras naciones como Venezuela, Canadá, España, Francia y China, entre otros.

RAÚL ANGUIANO (México, n. 1915, m. 2006) Pintor, muralista y grabador. A los 12 años se incorpora a la Escuela Libre de Pintura en Guadalajara y a los 19 llega a Ciudad de México, donde estudia en la Escuela Nacional de Escultura, Pintura y Grabado “La Esmeralda” del INBA. Fundador del Taller de la Gráfica Popular (1938), donde principalmente realizó grabados y litografías con la idea básica de solidaridad con los trabajadores y campesinos.

El mismo año, presentó su primera exhibición individual en el Palacio de Bellas Artes. En 1941 fue a Estados Unidos donde estudió y enseñó pintura. Ejerció, junto con Guadalupe Posada, Leopoldo Méndez y los artistas del Taller de Gráfica Popular, una gran influencia sobre otros movimientos artísticos. Fue fundador del Salón de la Plástica Mexicana. Perteneció a la segunda generación de muralistas, integrada también por Jorge González Camarena, Federico Cantú Garza, Juan O’Gorman, entre otros. A lo largo de su vida pintó cerca de 50 murales entre los que destacan los de la Ciudad de México en el Museo de Antropología y el de la Secretaría de Educación Pública; y en Estados Unidos el del Museo Bowers en Santa Ana, California. Su obra como ilustrador incluye libros de la Expedición a Bonampak (1959) y Mawarirra. Un viaje al mundo mágico de los huicholes (1972). Raúl Anguiano enfocó su obra en el México rural e indígena.

Por su continuo viajar, también pintó varios

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países, le gustaba también dibujar desnudos.

Merecedor del Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes (2000); la primera distinción de Invierno del Salón de la Plástica Mexicana (1954), y la Condecoración José Clemente Orozco otorgada por el Congreso de Jalisco (1956). Otros reconocimientos son la Medalla de Oro del Salón Panamericana de Porto Alegre, Brasil (1958) y el Premio Jalisco (1988). Desde 1993 fue parte del Sistema Nacional de Creadores. Algunas de las obras del reconocido artista integran colecciones en Estados Unidos, Bélgica, Polonia, China, Suecia, Francia, Argentina, Italia y México.

RAY SMITH (Estados Unidos, n. 1959) Es pintor y escultor. Nacido en Brownsville, Texas, creció en el centro de México. Después de estudiar pintura al fresco con artesanos tradicionales en México, Smith asistió a academias de arte en México y los Estados Unidos. Más tarde, se instaló en la ciudad de México. A menudo relacionado con el surrealismo en sus yuxtaposiciones irreales, el trabajo de Smith también se caracteriza por un tipo único de realismo mágico. Crea escenarios ilógicos, que están llenos de sorpresas y efectos especiales, utilizando perros y animales como seres antropomorfos. Smith considera que un animal es una “entidad de la figura humana”. El artista ha realizado más de 50 exposiciones en todo el mundo durante las últimas dos décadas, principalmente en los Estados Unidos y México, pero también en Japón, Europa y América del Sur. Participó en la Exposición Bienal en el Whitney Museum of American Art en la ciudad de Nueva York (1989); expuso en la Primera Trienal de Dibujos de la Fundación Joan Miró en Barcelona, España, ​​ y participó en la exposición colectiva Artistas latinoamericanos del siglo XX, que viajó desde Sevilla, España, hasta el Museo Nacional de Arte Moderno en el Centro Pompidou en París, el Kunsthalle en Colonia, Alemania, y el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York. Las pinturas de Smith se encuentran entre las colecciones de muchas instituciones del Museo Whitney de Arte Americano, el Museo de Arte de Brooklyn, y el

Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, el Museo Würth en Kunzelman, Alemania, el Centro Cultural de Arte Contemporáneo de México y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, entre otros. Actualmente divide su tiempo entre Nueva York y Cuernavaca en México.

RICARDO GARDUÑO (México, n. 1988) Egresado de la carrera de Arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México. En 2009 presentó su primera exposición colectiva titulada 14 individuales, en GB GALLERY; también en ese mismo año realizó su primera exposición individual en una casona sobre la calle de Reforma, en la cual se expusieron más de 40 de sus obras, inspiradas en las distintas personalidades del gremio artístico.

Dentro de sus exposiciones más importantes resaltan: Gigantes, que constó de siete retratos arrugados presentados en Barcelona (2012); Agua y emociones, espacio galería de El Dorado on the Beach, Puerto Vallarta (2012) y Centro Libanés (2013), y un trabajo colaborativo con Pedro Friedeberg en la obra Silla-mano para una subasta en la exposición Manos por México en el museo Franz Mayer para la Fundación V. Ferrara. En 2015 presentó para Max Mara la nueva colección de primavera con el diseño de un aparador en la boutique Masaryk en Polanco, además de la realización de obras hiperrealistas y un piano invertido con la textura de dicha temporada. Ese mismo año participó como conferencista para TEDx, presentado por la Universidad Nacional Autónoma de México y realizó una obra inspirada en la Whitney Bag, misma que fue subastada para la Fundación Rebecca de Alba. En 2016 Trabajó para Calvin Klein con la intervención de un piano, una instalación y el arte musical de temporada.

RICARDO GUZMÁN (México, n. 1979) Estudió Artes Audiovisuales en el Centro de Medios Audiovisuales y Artes Visuales especializadas en Fotografía en la Universidad de Guadalajara, obtuvo la Residencia para Artistas Internacionales de la Academia de Artes Visuales y la School of Visual Arts. En

2012 participó en el programa de residencias de la American Foundation For The Cuban Development. Fue seleccionado del Premio Mexicano de Fotografía Contemporánea de la Fundación Mexicana de Cine y Artes FUMCA. Estuvo a cargo de los proyectos relacionados a la gestión, producción, difusión y exhibición de las Artes Visuales de Cultura UDG, dirigiendo por más de 5 años los espacios de Casa Escorza y Casa Vallarta, y gestionando exhibiciones fuera de México para la Universidad de Guadalajara entre las que destaca una curaduría de la obra de José Hernández-Claire realizada especialmente para el Instituto Cultural de la Embajada de México en Los Ángeles y para la Universidad de Texas en Austin. Recientemente fue curador de la muestra Slipping Glimpsers, primera exhibición pública del trabajo actual del fotógrafo y actor ganador del Oscar Gary Oldman, también trabajó en la curaduría de una exhibición del artista inglés George Blacklock en el marco de la FIL Guadalajara, también curó y produjo la exhibición de Sergio Arau para el MUSA de la Universidad de Guadalajara. Su trabajo artístico es representado por Galería Quetzalli, su obra ha sido expuesta en galerías, museos y festivales dentro y fuera del país entre los que destacan: El Palacio Centro Cibeles de Madrid en el marco de PhotoEspaña 15 donde participó dentro de la muestra Develar y Detonar, una selección de fotografía mexicana contemporánea, misma que resulta en un libro del mismo título editado por RM y Fundación Televisa; la muestra TRASLUCIR en el Museo de Arte Contemporáneo de San Luis Potosí, que derribó en la publicación del libro con el mismo Traslucir, la obra de Ricardo Guzmán.

Ha publicado en las revistas Picnic, Tragaluz, La Manzana, Elemento, México Desconocido y Cuartoscuro, entre otras; su obra fotográfica forma parte de colecciones que incluyen varios estados de México, Cuba, Argentina, Italia, España, y los Estados Unidos.

RICARDO PINTO (México, n. 1973) Estudió arquitectura en la Universidad de Guadalajara Jalisco, complementando su educación artística con un Taller de Dibujo

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con el Maestro Gilberto Aceves Navarro en Oaxaca, un Taller de Fresco con el Maestro José Galindo, un Taller de Cerámica en el ITESO en Guadalajara y un Taller de Grabado y otro de Dibujo y Acuarela en el Instituto Cultural Cabañas. Ha participado en más de 60 exposiciones colectivas en México, Canadá, Colombia, Estados Unidos, Marruecos, Egipto, Argelia, Sudáfrica y Brasil. De sus exposiciones individuales destacan: Cultura maya, Museo de Arte Contemporáneo de Yucatán (MACAY) (2011); Open Studio, Leighton Artist Colony, Banff Centre, Canadá (2009); Filo Profundo, Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, Zacatecas (2006) y Branched Path, The Other Gallery, Canadá (2009). En proyectos colaborativos participó en: Lost Horizon Naonow, Centro Xu Yuan, Beijing (2014); CIMBRA, Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México (2011) y Things to watch, Turner & Carroll Gallery, Santa Fe (2008). Su trabajo ha sido acreedor de distintos reconocimientos tales como la Beca Creador con trayectoria del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Oaxaca (2010 y 2013), residencia en el Xu Yuan Center en Beijing y la Residencia en el Centro Banff Canadá a través del programa de intercambio para residencias artísticas del FONCA (2006 y 2011).

ROBERTO CORTÁZAR (México, n. 1962) En 1976 comenzó sus estudios en la Escuela Nacional de Iniciación Artística no. 2, INBA-SEP; en 1977 ingresó a la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” del INBA, y en 1980 obtuvo su primera beca en producción, participando en diversos concursos, subrayando su presencia en el Segundo Salón Anual de Artes Plásticas del Museo del Palacio Nacional de Bellas Artes (1980), como finalista en la sección de Nueva figuración y Neoexpresionismo. Así mismo, se presentó en el Segundo Encuentro Nacional de Arte Joven (1981), y obtuvo el premio especial en la Primera Bienal de Dibujo del Salón Nacional de Arte Plásticas del INBA (1982), llamando la atención de la crítica especializada, particularmente la de la Maestra Raquel Tibol, y el legendario museógrafo mexicano Fernando Gamboa. Realiza entonces

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su primera exposición individual en la Galería Sloanne Racotta, en la Ciudad de México (1983); presenta una exhibición individual en la Galería Reynold Kerr Soho, Nueva York (29184) y en la Galería Misrachi, México. Participa en un sinfín de exposiciones colectivas en diversos museos y galerías, principalmente en México, Centroamérica y Estados Unidos.

En 1988 presenta una exposición individual en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México titulada Anatomías, misma que se presentó posteriormente en otros recintos como el Museo de Monterrey y en el Museo Regional de Guadalajara.

ROBYN WARD (Dublin, n. 1983) Nacido en Dublín, Irlanda, criado en Belfast, Irlanda del Norte, donde encontró su amor por el arte a través del graffiti; perfeccionando sus habilidades en estudios y colectivos en ciudades que van desde Londres y Ámsterdam, a Bangkok y Shanghai; Actualmente vive y pinta en la Ciudad de México y expone en proyectos en todo el mundo. Ha trabajado bajo muchos seudónimos y diferentes colectivos a lo largo de los años, el artista rompió la portada del anonimato en 2017. Esto rápidamente agarró el atención de los medios internacionales y ha estado trabajando con su nombre de nacimiento desde entonces. Inspirándose en el mundo que lo rodea, pinta cada serie en diferentes ubicaciones de estudio en todo el mundo, con temática en torno al panorama político social y económico actual. Su pintura el estilo es un proceso introspectivo autodidacta informado por personas como Bosch y Banksy, manifestándose en tomas puntiagudas de nuestros matices sociales menos que perfectos.

Sus medios de las opciones son ilimitadas, combinando acrílicos, tintas, acuarelas, óleos y pintura en aerosol sobre lienzo. Mientras que las exposiciones individuales anteriores han abordado cuestiones de racismo e intolerancia, la más reciente ese estilo se ha aplicado a la gira de Plastic Nation, forzando audiencias para enfrentar el daño ecológico al enfrentarlos a gran escala pinturas de los animales que ponen en peligro nuestras acciones. Con un

historial de exitosas exhibiciones individuales y exposiciones grupales internacionales, Ward captó la atención de galerías y coleccionistas de todo el mundo. En 2018 expuso en siete exposiciones que incluyen ArtAttack en la Royal Monceau Gallery de París con artistas como Banksy, Jeff Koons, Space Invader y Mr. Brainwash entre otros grandes.

RODRIGO DE LA SIERRA (México, n. 1971) Al finalizar la licenciatura en Arquitectura y un Diplomado de Creatividad en la Universidad del Valle de México y desarrollar durante 12 años su profesión como arquitecto, el artista participó en los talleres Técnica de materiales y patinas y Taller de Escultura en Círculo de Arte y Escultura Pippal. Realizó cursos de modelado, talla en madera, moldes y vaciado y escultura figurativa en la Universidad Iberoamericana.

Continuó su desarrollo de forma autodidacta.

Con 10 años de trayectoria como escultor, De la Sierra ha logrado exponer en países como Italia, China, Corea del Sur, Estados Unidos y México. Ha sido seleccionado para participar en diferentes prestigiosas bienales en España y Japón. Ha tenido exposiciones en el Museo de la Ciudad Santiago de Querétaro, el Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, el Centro Cultural Isidro Fabela Museo Casa del Risco en la Ciudad de México, el Museo Nacional de Antropología de la Ciudad de México, el Centro Médico Nacional Siglo XXI, Centro Cultural Mexiquense, Museo de Arte Moderno del Estado de México, el Museo Jumex, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, el Museo Soumaya, la Universidad Autónoma del Estado de México, entre otros.

Ha expuesto en recintos importantes del país como, la Secretaría de Gobernación, la Cámara de Diputados, el Senado de la República, entre otros.

SABINO GUISU (México, n. 1986) Es un artista originario de Juchitán de Zaragoza, cerca de la costa del Pacífico de Oaxaca. En su juventud estudió y trabajó en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca – I.A.G.O., inspirándose

del trabajo de los artistas consagrados y de la colección en su biblioteca. Recibió la mentoría del maestro Francisco Toledo, con el que ha colaborado y exhibido en numerosas ocasiones.

Desde sus primeros retratos y cráneos creados con humo, hasta sus trabajos más recientes, textiles de lana en relieve y esculturas en madera al horno, Sabino mantiene el uso de materiales orgánicos en su trabajo. Descendiente de una familia ligada a la tradición del arte y la alfarería, Guisu (que en Zapoteco significa Alfarero), es conocido por el uso de humo en su obra. El artista utiliza la humareda que desprende el fuego para plasmar imágenes que resultan en capas que traslucen vislumbrando retratos, escenas y paisajes. Además, Sabino experimenta con numerosos materiales como miel de abeja, hongos, lana, madera, plata, piedra e incluso neón. Su obra es un camino que recorre la historia del hombre, desde los primeros vestigios impresos con cenizas sobre las cavernas, hasta el uso de los materiales antiguos en la exploración actual de nuevas técnicas para la producción de un objeto artístico. El trabajo de Sabino Guisu, ofrece una visión de transculturación y ruptura espiritual que existe entre el individuo y su entorno, logrando una profunda reflexión personal. Los patrones geométricos encontrados en las ruinas de pirámides mexicanas, aparecen con regularidad en su trabajo, la muerte y el azar son temas a los que siempre regresa.

SERGIO HERNÁNDEZ (México, n. 1957) Es un artista multidisciplinario que ha transitado por la pintura, grabado, dibujo y cerámica, caracterizado por despliegue de técnicas, formas y texturas. Realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” de la Ciudad de México. Posteriormente, hacia 1987 se trasladó a Europa en donde se inició en la gráfica dentro del taller parisino de Peter Bramsen. Ha participado en varias exposiciones individuales y colectivas en la Ciudad de México, Alemania, Suecia, Bruselas y Japón, entre otros. Su obra es encuentra en las Colecciones del Museo de Arte Moderno, Fundación Cultural Televisa,

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Secretaría de Hacienda y Crédito Público, Museo Soumaya, Museum of Art en San Antonio, Texas y en el Museum Würth, Alemania.

Entre sus múltiples distinciones y premios se encuentran la Mención Honorífica obtenida en la III Bienal Iberoamericana, Museo de Arte Carrillo Gil, Instituto Nacional de Bellas Artes, Ciudad de México (1982); la Beca Creador Artístico del Sistema Nacional de Creadores de Arte (1994 - 1997) y la Cruz de Oficial de la Orden de Isabel la Católica, otorgada por la Embajada de España, Ciudad de México (2006).

SIMÓN VEGA (El Salvador, n. 1972) Obtuvo una licenciatura en Artes Plásticas por la Universidad Veracruzana, México (2000) y un Máster en Arte Contemporáneo por la Universidad Complutense de Madrid (2006).

Sus series Ciudades Perdidas y Subtropical Marginalia fusionan edificios legendarios y las utopías arquitectónicas modernistas del siglo XX con la arquitectura informal y la estética de las zonas marginales tercermundistas; mientras que en su serie Tropical Space Capsule Proyectos elabora cápsulas espaciales basadas en los modelos desarrollados por la NASA y el Programa Espacial Soviético, pero realizadas con métodos y materiales propios de la vivienda informal tercermundista, fusionando alta y baja tecnología y comentando en la situación actual de El Salvador y Centroamérica como consecuencia de fenómenos globales como la Guerra Fría. Ha expuesto su obra de manera individual en Austria, Portugal, España, México, Estados Unidos, Canadá y El Salvador; participó en las Bienales Centroamericanas del 2002, 2004 y 2010; en la 55a Bienal de Venecia en Italia; en la IX Bienal de La Habana en Cuba (2006), en la bienal de El Museo del Barrio The S-Files (2011), así como en la exposición Bartered States en el Bronx River Art Center, ambas en Nueva York (2011 y 2009 respectivamente) y en la muestra Coca-Colonized en el Hilger BROT Kunsthalle, en Viena, Austria (2010), entre otras. Recientemente presentó una escultura monumental en el festival Coachella, 2018 en Indio, California. En 2019 como parte de Zona Maco Sur solo booth con el Tropical Space Hostel en la Ciudad de México.

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SR. LASSO (Colombia, n. 1988) Felipe Echeverry, conocido por el nombre de Sr. Lasso, comenzó su carrera como arquitecto en su ciudad natal de Cali en Colombia. En 2015, eligió pasar de una exitosa carrera en diseño arquitectónico a su verdadera pasión: la pintura. Echeverry se mudó a Nueva York y se sumergió en la escena artística de renombre mundial de la ciudad. En sus obras, Sr. Lasso re-invisibiliza motivos, metáforas e imágenes experimentadas a través de diferentes períodos de la vida del artista, combinadas con flores y plantas tropicales para crear una extraña integración entre estas fuentes aparentemente dispares. En 2018, Sr. Lasso se asoció con Saks Fifth Avenue y Good Luck Dry Cleaners para exhibir las obras de arte durante la Semana de la Moda de Nueva York. También se exhibió una selección de las obras de Sr. Lasso en los escaparates de Valentino e Issey Miyake.

TATIANA CAMACHO (Colombia, n. 1987) Fotógrafa colombiana autodidacta que nos habla a través de la luz y la piel, sus cuadros nos seducen en profundos reflejos sobre lo femenino con su suave belleza. Camacho dejó el Fashion Institute of Technology en Nueva York, en conflicto por las formas en que las mujeres estaban representadas en la moda. Como fotógrafa, ha tratado de captar las muchas formas en que habla lo femenino para agregar más capas a una conversación monótona en Arte y Moda. Para acceder a algunos de estos momentos más sutiles, Camacho realiza un ritual nacido de la intuición para sus retratos desnudos de mujeres: ella también se deshace de su ropa. Esta desnudez compartida entre el fotógrafo y el sujeto (s) activa una atmósfera fértil de empatía y conexión. El sujeto ya no es un objeto. Aunque Camacho no cree en el feminismo radical, su trabajo expresa nuestra necesidad de estar en contacto con el poder de lo femenino como contrapunto al poder de lo masculino. Camacho tiene su sede en la Ciudad de México y explora la naturaleza en diversos contextos: desde covens y círculos ceremoniales en California, hasta momentos

de desnudez sincera con amigos en Colombia, retiros en la costa del Pacífico mexicano y estudios de iluminación controlada en la ciudad.

Su manejo de la luz se inspira en James Turrell y sus estudios de desnudos de Ryan McGinley.

también las más inmensas e infinitas formas.

Construye entornos oníricos, ubicaciones particulares, composiciones de aquello que no es perceptible a través de la vista, pero que de manera determinante está presente.

VALERIA CONTRERAS (México, n. 1977) Cursó talleres de fotoperiodismo con Ignacio Urquiza. Ha participado en exposiciones colectivas en la Galería Ethra, Seminario de la Cultura Mexicana, Azul Condesa y Art Basel. Se profesionalizó en fotografía en el 2010, cuando pudo conectar su mundo interior con el exterior a través de este arte. Lo suyo es la calle, la gente, las paredes y los detalles no tan perfectos.

Juega con lo conceptual y lo cotidiano. Con lo simple y no tan simple.

VICENTE ROJO (España, n. 1932) Pintor, diseñador y editor cuyo trabajo explora la visión moderna en México. La trayectoria de su producción ha girado siempre en torno al servicio social y utilitario del diseño editorial y la defensa de la autonomía, opacidad y dificultad de la pintura. Escrito/Pintado demuestra una red de habilidades que Rojo ha desarrollado como pintor y diseñador, que a su vez podría entenderse como una visión modernista desde la creatividad y el arte. Vicente Rojo ha vuelto a utilizar objetos que son herramientas hasta convertirlos en obra, combinándola con lo estético, lo social y lo personal, lo comunicativo y lo enigmático, el gesto y la letra. Sin embargo, el resultado de un estudio profundo y riguroso de la forma, el signo y el color, ha dado cabida a un concepto digno de conocerse y aplicarse a través de técnicas de diseño. Vicente comprende un vínculo entre imagen y letra, además de respetar cierta autonomía y coherencia con determinado tema o enunciación.

VERA ANDRÉ (Brasil, n. 1963) Artista plástica que proviene de la disciplina del diseño. Diversas instituciones y personajes dedicados a las artes han sido los anfitriones de lo que hoy es su desempeño en distintas expresiones artísticas. Desde 1994 ha dedicado su vida a la pintura, escultura y grabado. Ha realizado diversas exposiciones a nivel nacional e internacional, presentando su trabajo en la embajada de México en Colombia, Centro Cultural de México en Miami, Centro Cultural Ollin Yoliztli, Museo de Arte del INBA, Casa Lamm, entre otros. Tanto en la escultura como en la pintura, su planteamiento plástico constituye un modo de observación donde la manipulación hacia lo figurativo no contempla un protagonismo. Materia, energía, tiempo y espacio que en su autonomía, convergen en el origen de instantes que dan pie a la creación.

Apasionada de la vida y de su origen místico, en un lenguaje abstracto, la obra de Vera es una cartografía del micro y macro cosmos. Un viaje a través del inconsciente del ser. Su trabajo constituye una forma primordial de procesar y abundar la experiencia humana en el espacio, en un todo, donde todos somos unidad, somos universo. Vera representa lo que no puede verse pero existe en cada uno de nosotros y nos rodea; células, átomos, las más pequeñas partes, pero

VÍCTOR RODRÍGUEZ (México, n. 1970) Es un artista nacido en la Ciudad de México que actualmente vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York; egresado de la Universidad Iberoamericana con la licenciatura en Historia del Arte. El trabajo de Rodríguez está cuidadosamente compuesto y deliberadamente detallado, evocando el hiperrealismo americano.

Al unificar las formas opuestas en que las cámaras y el cerebro humano reproducen la realidad, crea un trabajo abrumadoramente vívido e inquietantemente honesto. Su obra más reciente se inspira en la iconografía de “vanitas”, sobre todo en las pinturas de naturaleza muerta Flamenca de los siglos XVI y XVII, donde se exploraron intensamente los temas del cambio, la temporalidad y la inevitabilidad de la decadencia. Comparativamente, las vanitas

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de Rodríguez se componen a través de la yuxtaposición de cráneos, cartas de póker, gafas de sol, cigarrillos, pájaros de plástico y donuts.

En este trabajo cuestiona sus propias y otras, a veces paradójicas relaciones, entre la realidad y la ficción, la madurez y la decadencia, la sumisión y la autoridad. Rodríguez ha expuesto en distintas exposiciones y museos durante las últimas décadas, llegando a salas del Museo de Arte Contemporáneo de San Diego, el Instituto Flint de Artes Contemporáneas, el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, en el que hizo una retrospectiva de su trabajo, y cientos más de muestras. Ha recibido distintos galardones alrededor del mundo, siendo el más notable el primer lugar en la novena bienal Rufino Tamayo en la Ciudad de México.

VICTORIA EZQUERRA (México, n. 1963) Nacida en la Ciudad de México, es hija del arquitecto mexicano José Luis Ezquerra, quien fue premio nacional de arquitectura en 1993. Ezquerra es Licenciada en Diseño de Interiores e Historia del Arte por la Universidad Motolinía del Pedregal.

Desde muy temprana edad, incursionó en dibujo y pintura, realizando diversos estudios en México, Japón, España y Estados Unidos. En donde asimiló, el conocimiento que la lleva a realizar su obra artística. Su formación incluye trabajar a lado de maestros como Roger Von Gunten, Luz García Ordoñez y el pintor Fernando Calderón, entre otros. Su pintura, inicialmente figurativa, fue abandonando la anécdota para quedarse en una abstracción donde el ritmo, la composición, la transparencia y el color, se convierten en los protagonistas de sus obras. Con la línea, el color y la composición, reflexiona sobre la naturaleza, el espíritu y el movimiento constante, creando formas aparentemente arbitrarias y a su vez, armoniosas. El espectador se ve envuelto en un universo de sombra, luz y color, donde la artista nos invita a conocernos a nosotros mismos. Sus obras nos hacen reflexionar, interiorizar, pensar y sumergirnos en una meditación intensa, profunda y casi interminable. La obra de Victoria Ezquerra, es resultado de un gran trabajo interior, una exploración personal y un agudísimo sentido de la observación.

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WERNER SEGARRA (Puerto Rico, n. 1966) Segarra, de ascendencia puertorriqueña y alemana, completó sus estudios formales en fotografía en el Instituto de Arte de Filadelfia en 1995. Durante su juventud, vivió en diferentes países de Europa y Arabia Saudita, una experiencia que le proporcionó una sensibilidad multicultural que puede ser apreciado en su trabajo. Regresó a Puerto Rico donde comenzó a trabajar como fotógrafo comercial a tiempo completo y al mismo tiempo redescubrió sus raíces. Actualmente vive en Phoenix, Arizona, y tiene una carrera muy exitosa con un extenso tostador de clientes de alto perfil.

También tiene una segunda casa en la remota ciudad de Huasabas, México, ubicación que le proporcionó la inspiración para su primera exposición formal de fotografía de arte Vaqueros de la Cruz del Diablo. Su buen ojo para el detalle y la composición, su dominio de la luz y la técnica, más su excelente gusto y respeto por la idiosincrasia cultural, lo ha ayudado a desarrollar un vocabulario visual único. Extremadamente orgulloso de sus raíces puertorriqueñas, su último trabajo, Mi Herencia es una celebración de la riqueza de la tradición de la industria del café de la isla, los valores familiares, el luto y la religión. Segarra ha expuesto individualmente en la Galería Contemporánea Gebert, Scottsdale, Arizona; PhotoLA, Los Angeles, California, y Petrus Gallery, Puerto Rico. También ha participado en exposiciones colectivas en Chiaroscuro Contemporary Gallery, Santa Fe, Nuevo México; Phoenix Art Museum INFOCUS, Phoenix, Arizona, y Phoenix Art Museum Contemporary Forum, Phoenix, Arizona. Su trabajo ha sido revisado por importantes publicaciones de arte como Be-Art y Art Premium.

YVONNE DOMENGE (México n. 1946) Realizó estudios de Artes Plásticas en Outremont School, Montreal, Canadá; Corcoran School of Art, Washington D.C., Estados Unidos, y en México. Ha participado en talleres de pintura, escultura y técnicas de materiales así como impartido cursos de apreciación estética

y terapia de arte. En el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes ha sido miembro de la Comisión Consultiva en Escultura y fue miembro de la Comisión de Artes y Letras de París, Francia; miembro de la Academia de Ciencias y Artes de Bélgica. Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Desarrolló el proyecto Esculturas Realizadas por la Comunidad de la Col. Buenos Aires (1999 a 2002), con el apoyo de esta institución. Obtuvo la Beca de Residencia Discovery en el programa de intercambio México-Canadá FONCA, Centro Banff paras las Artes, Alberta, Canadá. Ha participado en más de 50 exposiciones individuales y 165 colectivas en México, Estados Unidos, Canadá, Europa y Asia, incluyendo el Museo de Louvre en París y una retrospectiva de su trayectoria en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Realizó la exposición Interconnected que exhibió 6 piezas monumentales en las galerías Boeing de Millennium Park, Chicago, Estados Unidos. Dichas piezas monumentales están dentro de los Estados Unidos, como son el McNichols Building, Denver, Colorado; Nathan Manilow Sculpture Park, Chicago, Illinois, Freedom Park, Atlanta, Georgia. Ha obtenido reconocimientos en México y en el extranjero, como el reciente premio Phoenix en Freedom Park de Atlanta (2013) y el premio Sorel Etrog de por su trayectoria en escultura y arte público en Vancouver, Canadá (2012). Galardonada por la Academia de Medicina en México, por la pieza VIRUS AH1N1, en la Facultad de Ciencias Biomédicas, Universidad Nacional Autónoma de México, Ciudad de México, México (2010).

Es miembro honorario y medalla dorada de las Academias de Ciencias, Letras y Artes de Francia y de Bélgica y miembro de la Academia de Artes de México. Recibió la medalla de oro por el Concurso de escultura para paisaje olímpico, Beijing, China (2008); fue seleccionada en la Segunda Bienal de Arte de Beijing, China (2006); y ganadora de la Bienal de Escultura Toyomura, Hokkaido, Japón (1997); Primer lugar de Artes Plásticas de CNN, Nueva York, Estados Unidos (1994); Premio de adquisición en Euro Escultura en Bardonecchia, Italia (1993); Premio de adquisición Camille, La Bresse, Francia (1991).

ZAMIA FANDIÑO (México, n. 1978) Egresada del Centro Nacional de las Artes con la licenciatura en Actuación, cuenta con una trayectoria de 19 años como actriz, obteniendo papeles importantes dentro de series de televisión. Además de la actuación, Fandiño posee muchas más habilidades artísticas como en la escritura, diseño y la fotografía. Como fotógrafa, ha visitado 26 países buscando generar emociones y consciencia en el espectador, su gran pasión por retratar la belleza la han llevado a poner bajo su lente, la vida cotidiana y esos pequeños momentos mágicos que suceden dentro de las grandes urbes.

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