doscerounotres mayo
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sumario Intrigante salto a Hollywood 4 Stoker de Park Chan-wook Mañana se funde con ahora 6 Ayer no termina nunca de Isabel Coixet Robots & Robos: Alzheimer futurista 7 Robot & Frank de Jake Schreier Otro cine 8 Películas no distribuidas Otra obra maestra 10 Modern Vampires of the City de Vampire Weekend Reflexiones desde la madurez 12 Trouble Will Find Me de The National Otra música 14 Críticas de discos Dos outsiders 16 Bradford Cox vs. Morrissey Listas 19 Top cine y música 2013
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mayo
Los meses avanzan y comienzan, por fin, a aparecer los primeros candidatos serios a mejor disco del año. Ese preciado puesto guardado para los discos impecables y perfectos. Mayo nos deja, curiosamente, tres discos que en la tabla final van acompañados de un 10. Y son tres álbumes muy esperados de tres bandas que crecen en cada nuevo lanzamiento y que mantienen una solidez envidiable. En primer lugar, Vampire Weekend cierran su primera trilogía con un disco mucho más maduro y serio que los dos anteriores, pero manteniendo intactas las señas de su música. Celebración y intimismo se intercambian en un grupo que ya se olvidó hace tiempo de aquella moda pasajera del afroindie. Otro grupo ajeno a modas y más cercano a un camino a la perfección son The National, que no se sabe muy bien cómo, han conseguido superarse a sí mismos otra vez con Trouble Will Find Me, y lo han hecho a pesar de que su disco anterior, High Violet podría parecer imbatible para los oídos de cualquier oyente. Por último, ilustrando nuestra portada, Deerhunter han conseguido hacer nuestra apuesta más clara a mejor disco del año. Una vuelta a los orígenes ruidistas del grupo, pero manteniendo una complejidad pura que los aleja de absurdos revivals. La reseña de Monomania en este caso no va acompañada de una revisión del grupo, sino de un artículo que vincula a Morrissey y Bradford Cox, dos auténticos outsiders que comparten más de lo que creen. Todo ello a partir de una entrevista en la que Bradford Cox explicaba por qué odia al cantante de The Smiths. Como siempre, se incluyen también las dos páginas de nuestra sección OTRA MÚSICA, que empieza con la destacada vuelta de Daft Punk y su hortera Random Access Memories, repleto de posibles éxitos como la genial “Get Lucky”. Pero más allá del dúo francés, no podemos olvidar el nuevo trabajo de Sam Amidon, que sigue empeñado en dotar al folk de un sentimiento rejuvenecido. También Los Evangeslistas sacan un nuevo EP cantado por Soleá Morente que mira a los ojos a aquel fantástico debut del pasado año. Por supuesto más discos interesantes como los trabajos de Pure X, Dean Blunt o Lee Noble.
Deerhunter en portada
En cuanto al cine, han empezado a llegar a las carteleras algunos títulos especialmente potentes como Stoker, el salto a Hollywood de Park Chan-wook. Un oscuro cuento de paso de la infancia a la edad adulta con ecos al Hitchcock de Psicosis y una pátina gótica difícil de olvidar. En cuanto a cine nacional, destaca la vuelta de Isabel Coixet con su drama futurista y muy político Ayer no termina nunca. Un buen trabajo intimista y convincente gracias sobre todo a sus dos actores protagonistas, Javier Cámara y la magnífica Candela Peña. Otro título menos interesante es la ciencia ficción buenrollista de Robot & Frank. El filme de Jake Schreie fracasa por intentar contentar demasiado con una historia absurda desde el comienzo. No es la manera más inteligente de llegar a tratar el alzheimer. En OTRO CINE se aglutinan como cada mes numerosas películas que no llegan a las pantallas. Destaca especialmente la última película de Alain Resnais, presentada el año pasado en el festival de Cannes en el que se fue con las manos vacías. Vous n'avez encore rien vu se trata de una obra compleja y llena de recovecos, pero sin duda, absolutamente original y única como el resto del cine de Resnais. Igual de amplia y abierta resulta Room 237, un extraño intento de recoger todas las distintas teorías que existen acerca de las claves de The Shining de Stanley Kubrick que van desde el delirio más absoluto, hasta los apuntes medidos. Completan la selección otros títulos menos completos pero muy aplaudidos como el filme brasileño O Som Ao Redor o Upstream Color, una locura un poco inaguantable especialmente celebrada en la pasada edición del festival de Sundance.
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CRÍTICA CINE
Stoker Park Chan-wook
Intrigante salto a Hollywood l salto a Hollywood de reputados directores extranE jeros debe ser siempre puesto
en duda, o al menos guardar ciertas reservas sobre el resultado final. Se han visto tantos fracasos con anterioridad de directores muy respetados, que daba miedo acercarse a Stoker. La mayor parte de las veces se trata de historias que podrían haberse rodado en sus países de origen y habrían tenido una mayor fuerza de haber contado con un equipo más sólido y sin el problema del idioma. Nada de esto sucede en la película del director de Old Boy. Park Chan-wook se apoya en un reparto sólido y cuenta con un guión del que puede sacar todo lo que acaba mostrando en la pantalla. Stoker es una película sobre los secretos en el seno de la familia y las relaciones entre sus miembros. Como un thriller tenebroso, el guión va mostrándose poco a poco, embaucando al espectador en lo que cree cierto para luego darle la vuelta.
La película cuenta con un personaje protagonista deslumbrante en muchos sentidos. Interpretado de manera brillante por esa impresionante actriz que es Mia Wasikowska, con una trayectoria en ascenso gracias a su encanto y credibilidad. ¿Y quién es exactamente su personaje? No lo sabemos del todo. Es esquiva, como demasiado perdida en sí misma.
De hecho, una comparación más que acertada es con la hija de La Familia Adams, Miércoles. Esto no es casual ya que todo el filme mantiene una atmósfera gótica, cargado de estilismos muy pensados y de ambientes repletos de presencia. Basta con mirar el personaje interpretado por Nicole Kidman, que aunque de vida a un maniquí, lleva unos estilismos extremos. La
Una película sobre los secretos en el seno de una familia acomodada Es lógico pensar que sus compañeros de instituto la vean como una víctima fácil de sus burlas. Y de hecho, hay ciertas conexiones con los casos de asesinos de instituto. El espectador, sin embargo, se siente fascinado por la otra historia que ellos no ven, quién es realmente y cuál es su historia familiar. Un turbio relato sobre la relación padre hija.
película está muy cuidada en ese aspecto, así como en unas imágenes movidas por una potencia impresionante. Algunas imágenes recuerdan a la última película de Tarantino, como las flores manchadas de sangre. Ambas películas están guiadas por una búsqueda de la violencia, pero mientras en el cine de Tarantino sirve más como gag, Stoker la
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CRÍTICA CINE
presenta como algo mucho más real. La violencia es un elemento básico en el cine de Park Chanwook, basta echar un vistazo a Old Boy para dase cuenta. En Stoker no queda al margen y hay algunos momentos de explícita brutalidad. Pero sin duda, hay cosas más importantes que la violencia por la violencia. Hay un interesante
Son estas secuencias magníficas las que van llevando el ritmo algo pausado, pero nunca lento, de la película. Planos secuencia envolventes, y movimientos de cámara que resultan sorprendentes (atención al momento cinturón)... la parte técnica de la película no podría resultar más convincente. Otra comparación pertinente es Psicosis de Hitchcock. No ya
La parte técnica de la película no podría resultar más convincente trabajo de estudio de la personalidad de los personajes a partir de planos que recuerdan cosas del pasado. Una cosa que consigue hacer a la perfección es la descripción de un trauma en apenas unos cuantos planos. Con la inserción de mensajes que se repiten y que recuerdan los personajes, según va repitiéndose el sonido de abrir un cofre.
sólo por los guiños directos que presenta, como las escenas en la ducha, la propia casa, o la escena en el motel... Tampoco por el personaje masculino que incluso recuerda físicamente a Norman Bates. Sino por una intriga siempre ascendente. Una relación tortuosa con la madre... Secretos guardados pero que cuando se cuentan sorprenden por la fuerza de unas imágenes
precisas y poderosas... Hay mucho de Psicosis en este notable salto de Park Chan-wook a Hollywood. Hay mucho que comentar de las pequeñas escenas que parecen no tener importancia aparente, pero que sin duda marcan el tono particular que tiene la cinta. A partir del guión de Wentworth Miller, el protagonista de la serie Prison Break, Park Chan-wook consigue hacer suya la película. No es un guión impuesto, ya que su marca aparece constantemente imprimiendo un sello de autor en una película de un tamaño medio, pero indudablemente unida al mundo de los estudios cinematográficos. Sorprendente, tenebrosa y muy muy potente. Stoker Director: Park Chan-wook Intérpretes: Mia Wasikowska, Nicole Kidman, Matthew Goode, Alden Ehrenreich Año: 2013
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CRÍTICA CINE
Ayer no termina nunca Isabel Coixet
Mañana se funde con ahora l cine de Isabel Coixet es un cine muy personal que E tiende al exceso, y así sucede en
Ayer no termina nunca, aunque sólo haya dos personajes y todo esté basado en el diálogo. Lo que propone Coixet en su nueva película es un drama lento sobre un trasfondo de denuncia política. Porque aunque se trate de un filme crítico con la situación de España, pero también de Europa, esa parte política no es más que el telón de fondo donde se colocan dos personajes que van a contar su historia. Ayer no termina nunca no es otra cosa que dos personas hablando mientras esperan algo que no nunca llega. Una excusa para exponer su relación pasada a partir de un guión que va hilándose poco a poco, mostrándose a medida que van pasando las frases lapidarias y se va ahondando en los temas de su ruptura.
Dos personajes que parecen estar en cierta desventaja. El interpretado por Candela Peña, absolutamente impresionante durante toda la película, está mucho más definido y marcado. No puede decirse lo mismo del masculino, con un
Volviendo al tema político con el que se ha identificado erróneamente el filme, Coixet no llega a inventar nada nuevo. Se limita a plasmar las ideas que pululan últimamente en una conversación que es consecuencia de la situación actual.
Coixet apuesta por adelantarse en el tiempo para contar el presente Javier Cámara sólido pero sin más, tratado con menos cariño y cercanía. Uno de los recursos que utiliza para mostrar los pensamientos de los personajes, planos en blanco y negro que parecen decir exactamente lo que piensan en cada momento, van mejorando a medida que avanza la cinta. Es una forma de escapar a un escenario que invariable y asfixiante.
La apuesta es adelantarse en el tiempo para contar el presente. Un motor para la película que resulta un tanto extraño y siempre muy aventurado, ¿podría haberse utilizado esto mejor? Ayer no termina nunca Director: Isabel Coixet Intérpretes: Javier Cámara, Candela Peña Año: 2013
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CRÍTICA CINE
Robot & Frank Jake Schreier
Robots & Robos: Alzheimer futurista obot & Frank es una película de ciencia ficción con R pretensiones huecas sobre el
Alzheimer que de forma repentina se convierte en una Oceans Eleven robótica. Estamos ante una comedia simple repleta de guiños al gran público (de
grandes alardes en este sentido, pero que nos presenta un futuro donde la tecnología suplanta las relaciones personales y crea barreras en lugar de acercar a la gente. Se muestra bastante engorrosa. El punto positivo de la cinta
Una comedia simple repleta de guiños al gran público hecho, ganó el premio del público en Sitges), sin ningún tipo de valor más allá del simple entretenimiento. Ambientada en el futuro cercano, donde las bibliotecas son la nueva moda retro y los robots de plástico duro son el nova más de la tecnología. Sin
es el modo en que retrata el tema del Alzheimer desde una visión original y simple. De haber seguido por este camino, a pesar del final sensiblero, estaríamos hablando de otra película con más cuerpo. Sin embargo, no se entiende por qué la historia gira hacía un te-
rreno de robos absurdos y prescindibles. Robos y asaltos para introducir cuestiones innecesarias en torno a la figura del robot. El problema de la cinta es la robótica que da cuerpo a toda la historia y que no lleva a nada, enturbiando un reparto de lujo como la siempre correcta Susan Sarandon, o Frank Langella que hace un papel impecable como protagonista, eficaz y convincente. Incluso la desaparecida Liv Tyler también puede destacarse. Robot & Frank Director: Jake Schreier Intérpretes: Frank Langella, Susan Sarandon, Peter Sarsgaard, Liv Tyler Año: 2012
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OTRO CINE
Vous n'avez encore rien vu Alain Resnais
La última película del genial Alain Resnais comienza con una invitación por teléfono a todos los actores. Un director de teatro con el que interpretaron Eurydice ha muerto y su último deseo es reunirlos a todos en su casa. Allí, el mayordomo les pone un video de una nueva compañía que quiere representar Eurydice. Los distintos actores acaban recordando sus propias frases y acaban actuando alterando los papeles de los protagonistas, demasiado viejos para los originales.
Mucho más avanzado que el simple teatro filmado, pero una constante reflexión sobre el teatro en sí. Con numerosos planos del relato que escapan a la simpleza de un único escenario, pero también la intervención de distintos personajes que interpretan un mismo papel, hacen que Vous n'avez encore rien vu sea una obra totalmente libre, pero también valiente por su originalidad e intención de buscar caminos nuevos. Esto es lo mejor y lo peor de una película que resulta demasiado com-
pleja en un primer vistazo, pero que a medida que avanza en la trama termina por convencer junto con los míticos actores de los que Resnais se rodea. Tres años después de Les Herbes Folles, una película arrebatadora, la fotografía hipnótica sigue intacta al mismo tiempo que la capacidad del cineasta para resultar puramente ensoñador e inagotable. Más de cincuenta años de un clásico como Hiroshima, Mon Amour, el cine de Resnais sigue reinventándose.
For Ellen Kim So-yong
Wrong Quentin Dupieux
O Som Ao Redor Kléber Mendonça Filho
El filme de Kim So-yong triunfa a la vez que fracasa, exactamente igual que la interpretación de Paul Dano en un papel que no termina de sentarle bien. Entre el camino de lo poco creíble y lo original, For Ellen está entorpecida por su ritmo excesivamente lento. Puestos a resaltar los logros del filme, la escena del rencuentro entre padre e hija está realmente conseguida, llegando a transmitir la inseguridad y el bloqueo de quiénes no se han visto jamás.
Resulta casi tarea imposible escapar al bostezo al que induce Wrong desde el principio. Un plano largo de un bombero defecando en mitad de la calle. Al fondo se ve como sus compañeros esperan, y al otro lado, un coche ardiendo. Wrong mantiene el nivel de absurdez que pretende ser cómico cada vez más, hasta el punto de preguntarnos ¿por qué estamos viendo esto? Aclamada en Sundance, la cinta de Quentin Dupieux es una aburrida historia sobre la nada.
O Som Ao Redor nos traslada a un barrio rico brasileño con problemas muy distintos a los que se viven en las favelas pero donde se notan las diferencias de clase y otro tipo de inseguridad. A partir de distintos personajes y un uso del sonido que hace que en ocasiones acabe siendo protagonista, Kléber Mendonça Filho monta una película en tres actos que atrae y aburre según los momentos. Su excesiva duración hace que se diluya la consistencia final del filme.
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OTRO CINE
Thérèse Desqueyroux Claude Miller
Room 237 Rodney Ascher
El último trabajo del desaparecido Claude Miller, estrenado póstumamente en la clausura del pasado festival de Cannes, es un drama de época, calmado y distante. La adaptación de Thérèse Desqueyroux se centra en el ahogo que Thérèse siente en el seno de la familia, que aprieta en todo momento frente a la lucha de la protagonista por demostrar su individualidad. La última película de Miller opta por hablar de la emancipación de la mujer, no sólo del hombre, sino de la familia.
Hay numerosas teorías acerca de una de las películas clave de la filmografía de Stanley Kubrick. The Shining ha alimentado su halo de película de culto gracias a ciertas conspiraciones que se recogen en este documental. Por un lado, atrapante y divertido, lleno de reflexiones más que probables, que parten de la obsesión de Kubrick por cuidar hasta el último detalle. Por otro, Room 237 parece una reunión de locos conspiradores que ven en las etiquetas de co-
mida, mensajes subliminales. Dar credibilidad a los desvaríos más absurdos lo que hace que Room 237 se diluya. Aún así, ciertas teorías como que Kubrick dejó pistas para dar a conocer que el aterrizaje en la luna fue filmado por él acaban convenciendo, aunque de nuevo se recurra a exprimir hasta el máximo simples fotogramas que no parecen decir nada. ¿Hasta qué punto se le da credibilidad a los posibles fallos de raccord?
Future Weather Lili Taylor
A Glimpse Inside the Mind of...
Roman Coppola
Upstream Color Shane Carruth
La protagonista de Future Weather escapa de su situación familiar volcándose en un proyecto científico que pretende parar el cambio climático. Aparentemente, la película de Lili Taylor pasa demasiado tiempo intentando concienciar sobre el medio ambiente, siempre con palabras de niña que suenan a veces demasiado grandilocuentes. No es lo que más llama la atención de una película que sobre todo habla de la estabilidad o la falta de ella.
El hijo de Francis Ford Coppola y coguionista de algunas de las mejores películas de Wes Anderson (como Moonrise Kingdom), dirige esta lamentable película que guarda ciertos ecos estéticos con el cine de Anderson, como la elaboración de personajes particulares, pero que carece de la profundidad que Anderson otorga a sus películas. Roman Coppola se queda en la superficie de una historia plana y poco especial en la que Charlie Sheen interpreta a Charlie Sheen.
Upstream Color, la nueva película de Shane Carruth comienza con cápsulas que no contienen droga, sino lombrices. De ahí se va llegando a una especie de body horror ya que los gusanos van creciendo por el cuerpo hasta que finalmente es necesaria una transfusión de lombriz con un cerdo. De ahí se pasa a una diluida y críptica especie de interpretación de los problemas mentales. Para terminar en una conspiración paranoica de la falta de libertad. Simplemente intragable.
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CRÍTICA MÚSICA
Otra obra maestra Modern Vampires of the City Vampire Weekend
Es posible que Vampire We¿ ekend hayan vuelto a entregar un disco perfecto de
principio a fin? ¿Tres obras maestras seguidas? ¿Un nuevo salto estilístico radical que sigue sonando a la esencia del grupo? ¿Cómo es posible? Todas estas preguntas surgen cuando se escucha por primera vez Modern Vampires of the City. Y la respuesta a todas ellas aparece una vez que se llega al final. Sí, lo han vuelto a hacer. Si en Contra ya daban un paso adelante con respecto a lo mos-
trado en su debut, mucho más repleto de arreglos y variado, al lado de Modern Vampires of the City, parece un disco absolutamente tradicional y estándar. Han avanzado hasta unos límites insospechados y sorprendentes. Lo primero que destaca es la riqueza estilística y una producción deslumbrante que en este caso no ha estado única-
haberse olvidado de las guitarras, para potenciar aún más la parte de teclados y arreglos. Hay tan pocas guitarras que de hecho, sorprende cuando se
La riqueza estilística e instrumental se mantiene intacta mente en las manos de Rostam Batmanglij como sucedía en Contra. Las canciones del álbum pasan de ritmos lentos a los ya tradicionales temas píldora de dos minutos, sin que se note como algo extraño. En el plano de la instrumentación parecen
cuela alguna en mitad de alguna canción. Se mantienen en todo caso los sonidos habituales del grupo, y también las estructuras. Es absolutamente diferente a los anteriores, pero por otra parte, sigue siendo lo mismo.
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Rostam de nuevo aparece como vocalista en la última canción del disco, delicada y pequeña al piano. Es junto con “Hudson” el final calmado e incluso tenebroso de un disco mucho más maduro que los anteriores que efectivamente suena a cierre de una trilogía tal y como han ido promocionando. El tono general del álbum se mueve por un territorio melancólico y algo tristón, aunque canciones como “Diane Young” o “Finger Back” parezcan en un primer momento una celebración alegre. Pero lo mejor del álbum aparece en “Step” y “Ya Hey”. La primera es una reinterpretación de un tema hip hop, dominada por el piano y un ritmo que no termina, invita a entrar a uno de esos bucles que atrapan. La segunda continúa esta misma función y tal vez la incremente en una dimensión aún mayor. En ella la tristeza o incluso la desesperación se marca en cada frase que dice Ezra Koenig. Pero destaca especialmente por unos arreglos vocales que aunque en un primer momento puedan espantar, forman parte
CRÍTICA MÚSICA
de los grandes éxitos que se incluyen en este disco. “Obvious Bycycle”, “Unbelievers” y “Everlasting Arms” son tres canciones algo más tradicionales que recuerdan al sonido más clásico del principio del grupo. Más orgánicas también, pero sin perder un ápice de magia. “Obviouse Bicycle”
un último grupo formado por “Don’t Lie” y “Hannah Hunt”. Temas que comienzan más callados para ir sumando elementos. Muy calmada comienza “Hannah Hunt” para estallar en uno de los temas más celebrados de todo el disco. Vampire Weekend siguen muy fieles a sí mismos.
Lo mejor de Vampire Weekend aparece en “Step” y “Ya Hey” ejemplifica perfectamente la búsqueda del ritmo lo más original posible, al mismo tiempo que mantiene intacta la melodía. Por último, para cerrar este repaso canción a canción, existe
Concluyendo, no hay nada en Modern Vampires of the City que chirríe. No se echa en falta a los Vampire Weekend del llamado afroindie, ni tampoco el pop de Contra porque siguen muy presentes también aquí. Un disco sorprendente y muy elegante con el que Vampire Weekend han llegado a la madurez y dicen haber cerrado un ciclo. Han demostrado una solvencia envidiable, aún así, es inevitable preguntarse cuál será el próximo camino.
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CRÍTICA MÚSICA
Reflexiones desde la madurez n 2010, Tha National deslumbraban con el que era E su álbum más completo hasta el
momento. Un disco aún hoy inagotable que les hacía avanzar más a una madurez reposada y muy reflexiva. Tanto Alligator como Boxer, son también de ese tipo de discos a los que no se les puede poner pega alguna, repletos de canciones engrasadas al milímetro, pero, eso sí, estaban mucho más orientados a un sonido que trataba de recoger elementos del post-punk. Aún no habían terminado de delinear el que ya es un estilo propio y absolutamente reconocible. Marcados por una instrumentación deslumbrante, pero también
por un saber medir en todo momento la dosis necesaria para no llegar a colmar su propuesta con florituras innecesarias. Pues bien, ¿qué es Trouble Will Find Me? Venciendo la incógnita de si llegarían a estancarse sin remedio tras haber perfec-
Y es que Trouble Will Find Me es, sin duda posible, el mejor disco que ha presentado el grupo. The National parece estar en estado de gracia con unas composiciones mucho más complejas, al mismo tiempo que muy directas.
Trouble Will Find Me es, sin duda posible, el mejor disco que ha presentado el grupo cionado su estilo personal en el álbum anterior, los hermanos Dessner y compañía optan por mantenerse fieles a ese sonido auténtico, pero forzando aún más la máquina.
Trouble Will Find Me The National
No supone una novedad. El apartado musical es dirigido a la perfección por los hermanos Dessner, aquí incrementando las canciones que se construyen poco a poco. Resulta curioso
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CRÍTICA MÚSICA
como el peso de los temas explosivos, o que al menos eran recordables a la primera escucha, hablamos por ejemplo de “Secret Meeting”, “Mr. November”, “Abel” o “Mistaken For Strangers”, han ido dando paso a una aparente calma. Canciones con estructuras menos inmediatas y en ascenso, donde el grupo sabe explotar perfectamente su potencial. Por supuesto, una de las marcas fundamentales del grupo es la profunda voz de Matt Berninger. Lejos de ir perdiendo potencial, en estas nuevas trece canciones, llega a emocionar como nunca lo había hecho. Sabe como brillar como nadie de una forma que sorprende. Pasando a analizar algunas de las canciones más impactantes del disco comenzamos, cómo no, por “I Should Live In Salt”, dirigida por un ritmo inusual que domina el tono y la forma. Muestra a una banda que ha crecido hasta límites insospechados gracias a un buen hacer y una profundidad que no se llega a ver demasiado en las últimas propuestas. Esto se debe a una trayectoria amplia aunque parezca un grupo relativamente reciente. Desde que en 2001 se estrenaran con un disco menor homónimo, luego seguido también por Sad Songs For Dirty Lovers, también demasiado primerizo para poder contemplarlo como un esfuerzo auténticamente característico del grupo. En realidad podríamos hablar detenidamente de cada canción ya que al igual que en High Violet cada canción introduce alguna faceta interesante y diferente que hace que el álbum sea una pieza única e irrompible. De todas formas, una de las canciones merece ser tratada de
trata de “Pink Rabbits”, ya en la recta final del disco, dominada por un ritmo lento dirigido por un piano perezoso. Arrastrando al oyente mientras muestran
“Pink Rabbits” es una canción única que no deja indiferente modo diferente. No se trata sólo de algo que destaque por encima de este disco, ni tampoco de la discografía del grupo. Sino que ha de entenderse como una canción única. Se
una ambición desbordante. Tanto música como letra se alían para crear una pieza que llega hondo en tan sólo una escucha. “I didn't understand then, I don't understand now”, “I didn't
ask for this pain, it just came over me” o “I'm so surprised you want to dance with me now, I was just getting used to living life without you around”... son algunas de las múltiples citas que pueden sacarse de una letra de Berninger que no parece terminar nunca de mostrar nuevas aristas. Concluyendo, la sorpresa de Trouble Will Find Me no es tanto que el grupo sea capaz de hacer un disco perfecto, ya que lo había hecho hace tan sólo tres años, pero sí que hayan podido superarse a ellos mismos. Un disco desesperado, complejo, maduro... Perfecto.
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OTRA MÚSICA
Random Access Memories Daft Punk
Existe una sensación de que este disco de Daft Punk es la vuelta del dúo, como si no hubieran hecho nada en los últimos años, cuando en realidad no han estado quietos, como con la banda sonora de Tron. Sin embargo, es cierto que es su primer álbum desde el ya lejano Human After All, así que sí es justificable que se entienda Random Access Memories como el esperado retorno del dúo. Más cuando iba precedido por esa enorme canción que es “Get Lucky”.
Dando pistas de lo que encontraríamos en el disco, pero al mismo tiempo desenfocando la realidad de un disco que se evade constantemente en su aire de homenaje a la música disco. Lejos de mirar hacía el futuro como antes, todos los elementos del dúo están tratados con la intención de volver atrás, de recrear un estilo que podríamos decir está más que superado e incluso olvidado. Random Access Memories es, por tanto, un disco algo hortera por su intención de mirar atrás.
Contando con colaboradores de la talla de Giorgio Moroder hasta outsiders como Panda Bear, el disco no puede entenderse como algo compacto. Alterna joyas como “Doin’ It Right”, una canción que destaca por estar precisamente al margen del resto, con otras canciones mucho más olvidables y casposas, como “Within”. Resumiendo el nuevo disco de Daft Punk no llega al nivel de obras anteriores, pero sí funciona como contenedor de éxitos instantáneos.
The Redeemer Dean Blunt
Ruiner Lee Noble
Behind the Green Door Laurel Halo
La mitad de Hype Williams, Dean Blunt, se atreve con un auténtico largo después de lanzar algunos EPs muy bien recibidos. Al igual que la música de Dean Blunt & Inga Copeland, The Redeemer suena como llegado de una zona que parece imposible descomprimir y atreverse a comprender. Con un tono intimista, los diecinueve bocetos de The Redeemer son al mismo tiempo inabarcables y sorprendentes, cambiando radicalmente de una pieza a la siguiente.
Cálido y callado disco de Lee Noble, en un ambiente turbulento que a veces recuerda a la Laurel Halo de su fantástico Quarentine. Ruiner no es, sin embargo, un disco de ambient pop, sino que transita los caminos drone que hacen que el trabajo de Noble se haga excesivamente denso. Pese a ello, hay momentos llenos de luminosidad en esa extraña mezcla de voz lejana (con un cierto aire a Thom Yorke), guitarras ocasionales y los teclados que dominan el conjunto.
Laurel Halo vuelve con un EP tras su aclamado álbum de debut. Lejos del sonido pop, vuelve a desaparecer su voz para entregar cuatro cortes que suenan más cercanos a Hour Logic, material anterior al magnífico Quarentine. Desarrollos amplios, sonidos movidos por el ritmo y la repetición y una constante sensación de echar en falta la incómoda voz que dirigía su largo. Entre ambas facetas de la artista, nos quedamos sin duda, con la vertiente más pop, pero más atrevida.
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OTRA MÚSICA
Encuentro Los Evangelistas Bright Sunny South Sam Amidon
El grupo en honor de Morente que montaron Los Planetas con Antonio Arias regresa tras el sólido disco de debut que publicaron el año pasado. Menos rock y fomentando una faceta que sigue un camino de pop diluido. La incorporación de Soleá Morente como cantante ayuda a la hora de imaginar este flamenco pop pero también crea una diferencia clara con respecto al sonido anterior de Los Evangelistas, demasiado similar a los últimos Planetas, ahora suena más único.
Fiel a su cita cada tres años, Sam Amidon vuelve, pero esta vez sin Bedroom Community, el sello que publicó sus dos discos anteriores. Aún se mantiene la imagen de quietud y folk avanzado de I See The Sign, un disco enorme que confirmaba la voz y el buen hacer de Amidon como alguien a quien seguir. En Bright Sunny South hay una intención de parquedad y moderación frente a la riqueza instrumental y de arreglos de I See The Sign, lo que no quiere decir que sea un disco simple.
Como siempre, dominado por el precioso timbre de Amidon, y acompañado por la guitarra y también el banjo, vuelve a rodearse de canciones intimistas para un álbum en el que el folk calmado sigue intacto. Con algunas canciones con un aire casi jazzístico, y otras más cercanas al pop saltarín de “My Old Friend”, la mejor canción de todo el conjunto, Bright Sunny South es un disco con un aire triste y melancólico al mismo tiempo que suena cálido y reconfortante.
Crawling Up Th Stairs Pure X
Xiu Xiu & Eugene S. Robinson
Sal Mineo
Duga-3 Evian Christ
Entre los Slowdive tardíos y los pasajes más ambientales de Deerhunter se mueven Pure X. Después de su anterior Pleasure, esta continuación mantiene una estética sonora que apuesta por el minimalismo. Unas atmósferas envolventes con una producción muy particular que destaca los falsetes de Nate Grace. Destaca especialmente la candidez de “Someone Else”, una canción enorme que es el reverso delicado de “Dream Over” el gran tema del disco anterior Pleasure.
Sal Mineo es una colaboración entre Xiu Xiu, es decir Jamie Stewart, y Eugene S. Robinson para un aburrido álbum de spoken word que tiene como fondo los incómodos sonidos de Xiu Xiu. Los sketches de sonido no salvan para nada este experimento fallido y eterno, a pesar de que las piezas no tienen una duración importante. Descargas de sonido que no parecen seguir ninguna lógica, simplemente aparecen porque sí, así como la voz irritante de Robinson.
Después del interesante Kings And Them del año pasado, Evian Christ vuelve con una giro en su estilo y forma imposible de predecir. Sin rastros de la estela hip hop que dominaba aquel EP primerizo, la música de Duga-3 es un ambient denso y estirado durante veinte minutos. Más místico que violento y obsesivo, las atmósferas que envuelven la abstracción de esta nueva referencia de Tri Angle resultan algo tópicas en su dificultad. Esperemos a ver por dónde avanza Christ.
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RETROSPECTIVA MÚSICA
Dos outsiders ste artículo en principio iba a ser similar a las anteriores E retrospectivas musicales: Un re-
paso a sus discos para poder comprender el nuevo giro que han dado con Monomania. Sin embargo, las declaraciones de Bradford Cox en una entrevista para BuzzFeed criticando a Morrissey merecen un análisis en profundidad. Rescatamos y repensamos aquellas palabras para demostrar lo mucho que se parecen Cox y Mozz. La entrevista comenzaba de una forma normal, Matthew Perpetua preguntaba en primer lugar cómo se define el grupo. La respuesta, clara y lógica tras el último giro, como un grupo de rock’n’roll. La conversación seguía sacando a colación el disco Document de REM, para compararlo con el nuevo trabajo. Y de ahí, tras una defensa del americanismo de Deerhunter (del que hablaremos más en profundidad a continuación), la
está marcando esta etapa de Deerhunter. Uno de los grupos favoritos de Morrissey son New York Dolls, de los que fue el presidente de su club de fans y a los que resucitó en 2004. La relación entre New York Dolls y Ramones es evidente. Los primeros representan el protopunk que sirvió de modelo a los segundos, que tomaron prestados numerosos elementos de NYD. Bradford Cox es el equivalente en la actualidad a lo que fue Morrissey fue en los años en los que The Smiths estaban en activo. Obviamente, salvando las distancias que marcan que la sociedad de masas se ha desvanecido, todo está mucho más diluido, y la oferta cada vez más fracturada imposibilita que una figura que proviene de la marginalidad llegue a colocarse como un icono. Aún así, los dos cumplen la misma función, ambos representan exacta-
Ambos representan exactamente lo mismo y comparten demasiado pregunta que desató todo, ¿el componente americano os diferencia del sonido británico? Bradford Cox sentencia: “The Sex Pistols o The Smiths son dos grupos que no me importante. De hecho, odio apasionadamente a una de esas dos bandas por su cantante increíblemente arrogante”. Así comenzaba un pensado intento por desmarcarse de las conexiones que existen entre ambos vocalistas. Cox llegaba a decir que su odio por Morrissey comenzó al leer la descripción que hizo de los Ramones en sus inicios como colaborador de las revistas británicas. Los Ramones son uno de los grupos favoritos de Bradford, con los que también comparte muchas cosas, sobre todo, la última actitud descaradamente punk que
mente lo mismo y comparten mucho más de lo que ellos se creen. Las comparaciones en el terreno musical no tienen cabida. La música que hacían The Smiths en los ochenta no sintonizaba en absoluto con la música que sonaba en aquella década, alejados del resto, con un sonido particular y propio. Lo mismo sucede ahora con Deerhunter, quienes han ido construyendo un sonido que ha partido del noise hasta el rock, pero siempre manteniendo un tono lo-fi que los identifica. Ambos grupos optan por hacer una música personal y distinta a lo que suena alrededor. Muchas más semejanzas aparecen en las letras. En ambos casos, utilizadas para explicarse a sí mismos y hablar de lo que
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RETROSPECTIVA MÚSICA
les ocurre o no (“Nothing Ever Happened”). Bradford Cox se muestra completamente desnudo en sus letras y en ellas aparecen las distintas fobias que sin duda le marcan. Soledad y desesperación, exactamente igual que en cualquier canción escogida al azar de Morrissey. Ambos hablan de lo mismo y no exactamente de formas muy distintas. Por ejemplo, cojamos el mensaje de “This Charming Man” y comparémoslo con “Dream Captain”, una de las nuevas canciones de Monomania. Si en la primera Morrissey desea que aparezca un “hombre encantador” experimentado que lo saque de su inmovilismo. Un héroe salvador. El caso de “Dream Captain” es similar si cambiamos el coche por un barco: “I'm a boy and you're a man”. Se trata de un simple ejemplo de las coincidencias líricas de ambos, pero que sin duda se repite en muchas otras canciones al rondar siempre los mismos temas.
yectos, tanto sus grupos principales como su carrera en solitario. Que en los dos casos es muy extensa y no ha habido cortes bruscos. Los discos en solitario de Morrissey son como una continuación directa, incluso llegando a mantener a los mismos músicos en el grupo durante sus primeros años. El caso de Bradford Cox es muy similar, las diferencias entre Atlas Sound y Deerhunter muchas veces son mínimas, muchas de las canciones del proyecto en solitario podrían aparecer en uno de los discos del cazador de ciervos, y viceversa. Lo que sí es cierto es un sonido mucho más compacto y de banda que queda marcado en los álbumes de Deerhunter y que desaparece en Atlas Sound, mucho más deslavazado y diferente debido a que Bradford Cox se encarga de toda la instrumentación, como sucedió en la serie de discos que regaló bajo el nombre de Bedroom Databank.
Coinciden los mensajes que trasmiten al rondar en torno a los mismos temas Otro elemento común es el fuerte nacionalismo que los dos mantienen. El “England for the english” de Morrissey frente al americanismo extremo que defiende Cox. Si bien la conexión de los Smiths con Manchester es evidente y necesaria en muchas de las canciones del grupo, no sucede lo mismo con Deerhunter. Sí, son una banda americana, pero ¿qué significa la americanidad ahora? El grupo se caracteriza por tener un sonido muy marcado y una identidad fija al margen de los distintos cambios que proponen disco a disco, pero en cuanto a nivel de sonido y letras, podrían ser de cualquier otra parte. Tanto Cox como Morrissey son dos figuras únicas más allá de las semejanzas. Dos iconos de lo marginal. Dos outsiders que se esfuerzan siempre en parecer distintos e imprevisibles y que han triunfado gracias a la calidad de sus respectivos pro-
Concluyendo, podemos decir que el odio que Bradford Cox mantiene contra la figura de Morrissey parece más impostado que real. Sobre todo porque comparten demasiadas cosas y es evidente que una conexión tan directa va más allá del mero odio. Ambos son unos bocazas como Morrissey se ha encargado de hacernos saber en sus propias canciones, pero también en casi cada declaración pública que ha hecho. Bradford Cox va por el mismo camino de intentar conseguir que cada vez que un micrófono se le coloca delante acabar comentando cualquier cosa excepto su propia música. Así ha sucedido en la mayoría de entrevistas que ha concedido para promocionar el fantástico nuevo disco de Deerhunter, un disco que partiendo de unas coordenadas completamente distintas a las de los Smiths, esconde el mismo potencial en cada canción.
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Vuelta a la suciedad El avance de Monomania anticipaba una vuelta al sonido primitivo de Deerhunter, aquel de Turn It Up Faggot y Cryptograms. Más suciedad que la pulcritud de Halcyon Digest y la medida perfección de Microcastle. En definitiva, un sonido más de banda que de grupo de apoyo de Bradford Cox. Y aunque la personalidad de Cox quede muy marcada en todo momento, e incluso contenga una de esas canciones que bien podría estar incluida en cualquier disco de Atlas Sound como “Nitebike”, en general Monomania genera un entorno de banda compacta y una mirada evidente al rock’n’roll clásico. Numerosos riffs de guitarra y constantes guiños al rock’n’roll más tradicional, pasado por el molde de Deerhunter. Como una banda de garage con problemas mentales.
Monomania supone el enésimo cambio en el seno de Deerhunter. El bajista Joshua Fauver ha dejado la banda y han entrado dos nuevos miembros. Es también un nuevo cambio en el estilo del grupo sin perder la esencia, algo innato al propio Cox. Y sin duda, es otro disco perfecto para el grupo. Lo es porque no decepciona en ningún momento, Deerhunter tienen las claves para reinventarse en cada tema (hay cambios de canción a canción que no pueden ser más bipolares) y seguir manteniendo una imagen compacta y unida. Según las declaraciones y la estética general de Monomania, el grupo parece querer acercarse a la inmediatez más cruda. Como la canción con la que se cierra el disco, “Punk”, subyace en todo momento una actitud de fuerza constante, sin un segundo de respiro.
Buscan huir de los artificios y recurren a la radicalización de medios Una vuelta al origen unida a una radicalización de medios, como las voces saturadísimas y guitarras en primer plano para generar sensaciones que se mueven entre el falso revival y la reinvención propia. Tal vez buscando huir de los artificios del último material que habían publicado, recuperan el ruido literal en unas canciones enmarañadas. El papel de Lockett Pundt queda reducido a la enorme “The Missing”, con un sonido mucho más suave y en la órbita de Lotus Plaza, nunca ha llegado a tener un lugar protagonista en el seno del grupo, pero en Halcyon Digest canciones como “Desire Lines” o “Fountain Stairs” eran de lo más destacado.
Carece de sentido intentar hacer un ranking con los mejores discos de Deerhunter. Cada uno aporta una faceta nueva del grupo, centrándose en unos aspectos y olvidando otros. Es por ello que Monomania no es completamente fiel al grupo, pero también es cierto que representa la cara más desesperada, bruta y radical del grupo. Compacto y cerrado, parece llegar en un momento necesario. Una vuelta a los orígenes, a lo básico pero sonando aún avanzados e interesantes. “Neon Junkyard”, “Pensacola”, “Dream Captain” o “Monomania” son clásicos instantáneos en una discografía inquieta llena de aristas incompletas. Monomania no deja de ser una de ellas.
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LISTAS
música 1 Deerhunter - Monomania 2 Vampire Weekend - Modern Vampires of the City 3 The National - Trouble Will Find Me 4 Yeah Yeah Yeahs - Mosquito 5 Pure X - Crawling Up The Stairs 6 Los Evangelistas - Encuentro 7 Sam Amidon - Bright Sunny Day 8 Daft Punk - Random Access Memories 9 The Knife - Shaking The Habitual 10 James Blake - Overgrown
10 10 10 9 8 8 7 7 6 3
Deerhunter
cine 1 Spring Breakers - Harmony Korine 2 Stoker - Park Chan-wook 3 Django Unchained - Quentin Tarantino 4 No - Pablo Larraín 5 Promised Land - Gus Van Sant 6 Ayer no termina nunca - Isabel Coixet 7 Los Amantes Pasajeros - Pedro Almodóvar 8 Side Effects - Steven Soderbergh 9 The Master - Paul Thomas Anderson 10 Robot & Frank - Jake Schreier
9 8 8 8 7 7 7 6 5 3
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