100grados fanzine número6 "cada maestrillo tiene su librillo"

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gradosfanzine

Número 06 Fran Parreño

Arte para Glen Coco Paris est une fetê El mundo de Chris Ware Cada maestrillo tiene su librillo

2014

Portada: Fran Parre単o franparrenyo.com

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gradosfanzine Número 06 Fran Parreño

Arte para Glen Coco Paris est une fetê El mundo de Chris Ware Cada maestrillo tiene su librillo

2014

Fanzine Nº 6/Febrero 2014 Dirección Cristian Fish Director de contenidos Xavi Barrachina Jefe de redacción Paco Ortuño Redacción Daniel Bartual Estela Sanchis Colaboran en este número Fran Parreño (Portada), Andrea Savall, Jotaká, Zanart, Cere, Lisbel Gavara, Dida, Estrella Arribas, Cristian Fish, Tere Cab, Sergio Massó, Javier Moreno, Alejandra Morenilla, Jota6six, Daniel Bartual, Victoria Vidal, Headhache y Blanca Santamaría.

Agradecimientos A Fran, por esta gran portada.

A toda esa gente que tiene la misma ilusión que nosotros en este proyecto.

A TODOS los colaboradores.

A todos los lectores y seguidores de 100grados fanzine. © de los proyectos de sus autores.

Recepción de proyectos / normas de Publicación. colabora@100grados.es Contacto 100grados.es holaquetal@100grados.es 100gradosfanzine.blogspot.com facebook.com/100gradosfanzine @100gradosfz

editorial

Índice Entrevista a Fran Parreño. p 10

Arte para Glen Coco. p 15

Paris est une fetê. p 20

Cada maestrillo tiene su librillo, 14 creativos que solo siguen sus propias reglas. p 50

El mundo de Chris Ware. p 30

Entrevista a Fran Parre単o de Xavi Barrachina

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Poco puedo contar sobre quién es y como van creciendo la vena creativa de Fran que no nos cuente ya en la entrevista.

Fran es un tipo muy agradable y muy profesional que, pese a estar absorbido por su trabajo consigue sacar tiempo e interés por colaborar en 100grados, algo que cuanto menos cabe agradecer.

Nos acoge en su estudio, situado en Ruzafa y compartido con otros dos artistas, uno de ellos Javier Palacios, portada del anterior número de 100grados (al salir tuve la suerte de ver sus últimos trabajos en directo, de los cuales nos habló, así que os toca aguantar la envidia y si queréis ver alguna exclusiva solo tenéis que llorar un poco, seguro que no le importa que nos pasemos por allí…je,je,je).

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Realmente curioso y destacable, Fran cuenta lo muy afortunado que se siente por el hecho de que NUNCA ha mandado un portfolio en busca de trabajo (él dice que es suerte, para mí son horas de estudio y una buena resolución de proyectos).

El espacio de trabajo de Parreño dice mucho de él y contrasta con lo que uno acostumbra a ver: ORDEN. Todo tiene su sitio.Todo está en su sitio. Todo impoluto (una huella de carácter apreciable en sus proyectos y que además explica que sea de las pocas personas en el mundo que no olvida un lápiz en su oreja mientras dibuja).

No quiero contar más, os dejo con la entrevista donde nos habla sobre su trayectoria, técnicas, influencias y algo más. Al final os dejo links e imágenes de su trabajo en orden cronológico. Solo me queda añadir una cosa: OS INVITO A PREGUNTAR, no nos gusta dejar a nadie con las ganas, así que si tenéis dudas o sugerencias pasaros por el blog y haremos que Fran nos las resuelva, es un chico muy enrollao!.

Pincha aquí para ver galerías sobre su trabajo: inicio, rutinas y proyectos personales.

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Parte 1: Formaci贸n y primeros encargos

Parte 2: T茅cnica e influencias

Parte 3: Trabajo actual y consagraci贸n 13

Arte para Glen Coco de Paco Ortu単o

Stairway to Heaven, Eugenio Merino, Cortesia del Artista

Se acerca ARCO y cuando digo que se acerca ARCO quiero decir que nos enseñarán en todas las noticias alguna de la piezas “top”, puede que otra vez lo último de Eugenio Merino, quizás en TVE2 pongan un pequeño reportaje y algún periódico incluirá un pequeño dominical dedicado al tema, tras lo cual muchos hablarán sobre el papel del artista, lo irrelevante de algunas piezas, lo absurdo del Arte y lo estúpido de algunos creadores, luego oiremos los ya consagrados “Vaya tomadura de pelo”, “ Eso lo hace mi hijo de 3 años” o mi favorito “Vaya mierda”.

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Hace poco pensando en esto recordé un artículo que leí rebuscando en los archivos de la archiconocida VICE escrito por Glen Coco, en “Estoy harto de fingir: No entiendo el Arte” (original en inglés aquí) Glen confesaba que después de años involucrado en mundo del arte ni entendía, ni entendería de qué iba todo eso y afirmaba estar seguro (al 99%) de que nadie lo haría.

Estas afirmaciones, hechas en 2011 tras visitar la retrospectiva que Tracey Emin tenía por aquel entonces en la Hayward Gallery del Southbank Center londinense, son totalmente comprensibles, yo al fin y al cabo no comprendo a muchos de los “grandes” artistas de este siglo y a más de uno del pasado y por supuesto no entiendo el boato montado alrededor de la obra de algunos, pero lo que me sorprendió es que la escribiese alguien que es capaz de escribir una disertación titulada “La elevación del arte a través del comercio: un análisis del acercamiento de Charles Saachi a la producción de la maquinaria del arte a partir de las teorías de la distinción de Pierre Bordieu” Yo nunca había oído hablar de Glen Coco y googleando descubrí que el tal Glen es un personaje de ficción interpretado por David Reale en la película Mean Girls (Chicas malas), Glen Coco va a clase con Cady Heron (Lindsay Lohan) y su única aparición en la película es esta: Tras lo que parece un autoenvío de caramelos, este personaje, probablemente solitario, se convirtió en uno de esos virales que tanto nos gustan, con miles de memes “Live everyday like you’re Glen Coco” “you Go Glen Coco”, un tmblr y su propia definición en urbandictionary.com.

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Extracto de la pelĂ­cula Mean Girls (Chicas Malas)

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The Bed, Tracey Emin.

Premios Turner 1999 Satchi Gallery

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Asumí entonces que el autor de este artículo eligió este pseudónimo porque se identificaba con él a su manera y asumí también que Glen Coco (el autor de nuestro texto) es alguien, como tú y como yo que un día tras entrar a una exposición de Tracey Emin se dió cuenta de que muchos en el arte llevan décadas enviandose caramelos a sí mismos. Y tenía razón; el Arte contemporáneo está lleno de aduladores y pelotas, de gente regalandose caramelos a sí mismos, lleno de emperadores desnudos y crédulos que admiran las magníficas e inexistentes telas de sus trajes. Pero Glen se equivocó al afirmar que no entendía el arte y sobre todo al entender eso como un punto y final.

Lo que Glen Coco aprendió en aquella exposición mirando las obras de Tracey Emin (finalista del premio turner en 1999) es algo que podría haberle ahorrado un montón de tiempo de haberlo sabido desde primer día de carrera.

Eso que nos ahorrará un montón de tiempo a nosotros, tomándolo como punto de partida podremos ir a los eventos que nos interesan y del mismo modo que no se nos ocurriría encender telecinco por las tardes, dejaremos de visitar exposiciones grandilocuentes que no nos enseñan nada, con el tiempo empezaremos a centrarnos en los artistas y trabajos que realmente nos importan y acabaremos por ir solo a las galerías y festivales que sabemos que realmente merecen la pena.

Aprenderemos a entender el Arte incluso en ARCO. Comenta y comparte este artículo 19

Fotografía: Andrea Savall Estilismo: Carmen Errando Maquillaje y peluquería: Sara Olcina Modelos: Sara Castañer e Irene Sánchez 20

Paris est une fĂŞte

de Andrea Savall

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“Paris est une fête” es una editorial ambientada en París. En ese París donde la moda y el café están en en un mismo ambiente.

El parís de Brigitte Bardot, donde lo infantil y lo erótico andan de la mano.

Es una editorial en la que se ha puesto mucho cariño y mucha pasión y donde todos los miembros del equipo han puesto sus ganas al 100 %. Las fotos están hechas en la crepería Bretone en Valencia. Carmen Errando se encargó del estilismo, Sara Olcina de la peluquería y maquillaje. Las modelos han sido Sara Castañer e Irene Sánchez. La idea, dirección artística y fotografia son de Andrea Savall.

La ropa es de Zara y de Tráfico de modas (vintage).

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El mundo de Chris Ware Por Daniel Bartual

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Chris Ware es sin duda un autor de comics fascinante. Lo és porque nos encontramos con uno de los pocos autores que ha conseguido aglutinar el cómic, la ilustración y el diseño dentro de un estilo y una manera de hacer las cosas que le funciona para crear sus comics. Y por ello resulta indudable que el culpable de tal hazaña posea una mente singular y una manera de trabajar muy concreta. Este creador es sin lugar a dudas uno de los autores de cómic contemporáneos más importantes de los últimos tiempos debido a su meticulosidad, su afán de experimentación y la temática y contenido de sus obras.

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UNA PEQUEÑA BIOGRAFÍA DEL AUTOR Franklin Christenson Ware nació el 28 de Diciembre de 1967 en la ciudad de Omaha, Nebraska. Crece con la ausencia de una figura paterna, su padre biológico abandonó su familia cuando el pequeño Chris cumple un año y hasta no haber alcanzado la edad adulta no volvería a tener contacto alguno con él. Este hecho marcó profundamente su vida y su obra futura.

Debido a que su madre trabajaba como reportera y redactora en el periódico Omaha World-Herald y que su abuelo también trabajó como periodista deportivo, el pequeño Ware pudo entrar en contacto con el mundo de la prensa. De hecho, su abuelo fue de los pioneros en introducir las tiras de Peanuts en los periódicos y debido a esto le enviaban gratuitamente los libros recopilatorios de muchas tiras. De esta manera, desde muy pequeño Chris comenzó a leer tiras cómicas de autores como Charles Schulz, Windsor McCay, Richard F. Outcault, George Herriman y Frank King además de personajes del cómic de superhéroes como Superman o Batman.

A los 16 años se traslada a la ciudad tejana de Austin en donde estudia Bellas Artes. Es allí donde entra en contacto con la cultura hippie, el consumo de marihuana y el cómic underground de autores como Robert Crumb o Gilbert Shelton. Al cabo de un tiempo corta su relación con todo este mundo y se interesa por el género de la ciencia ficción. Es entonces cuando crea a su personaje Floyd Farland.

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Durante esta época (1986-1991) publica tiras de prensa en el periódico universitario Daily Texan. A raíz de una aparición en el tabloide de una reseña a la novela gráfica Maus su autor Art Spiegelman ve el trabajo de Ware y le invita a colaborar en su revista de cómic alternativo RAW. En el año 87 hace un recopilatorio de sus trabajos en la RAW y en la prensa bajo el título de Floyd Farland, Citizen of the Future.

En el año 1991 se muda a la ciudad de Chicago donde comienza a colaborar en el periódico alternativo New City y el Chicago Reader. También aprovecha para tomar clases en el Chicago Art Institute además de interesarse mucho por la historia de la ciudad, otro de los temas recurrentes en sus posteriores trabajos.

En 1994 Keith Thompson le ofrece a Ware la oportunidad de publicar sus trabajos bajo el sello de la prestigiosa editorial de comics estadounidense Fantagraphics. Desde entonces comienza su serie The Acme Novelty Library la cual le proporcionaría la fama a nivel mundial de la que goza actualmente. Es entre estas páginas en donde nacen personajes como Jimmy Corrigan el cual tuvo su propio recopilatorio en el año 2000 por Pantheon Books, publicado más tarde en España en el año 2004 por Planeta DeAgostini.

Gracias a su trayectoria y a sus trabajos Chris Ware ha ganado varios premios como el First Book del periódico The Guardian por su obra Jimmy Corrigan: The Smartest Kid on Earth (la primera vez que una novela gráfica gana en la mencionada categoría del periódico), el galardón al Mejor Libro 33

por la misma obra concedido por el Festival de Cómic de Angulema, varios premios Eisner en los años 1995, 1996, 1998, 2000, 2001, 2002 y 2006 además de también varios premios Harvey. Su obra fue expuesta en la bienal Whitney en el año 2002 junto a otros artistas como Will Eisner, Jack Kirby, Harvey Kurtzman, Robert Crumb y Gary Panter, como parte de una exposición individual en 2006 en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y en 2007 en el Museo de Arte Sheldon de la Universidad de Nebraska.

Actualmente Chris reside en Oak Park, Illinois junto con su mujer Marnie. Sigue produciendo su serie Acme Novelty Library la cual a partir del número 16 comenzó a autoeditarse y en el número 19 pasó a editarla Drawn & Quaterly. Sigue con su labor de colaborar con periódicos y otros medios impresos mediante sus tiras cómicas al mismo tiempo que también realiza trabajos de ilustración y diseño editorial. Claros ejemplos de ello son los recopilatorios que Fantagraphics está editando de la serie Krazy & Ignatz de su adorado George Herriman, diversas portadas para la revista de cultura neoyorquina The New Yorker, sus ilustraciones para la revista Granta o su trabajo como editor y diseñador del Volumen 3 de The Rag-Time Ephemeralist debido a su gran interés por la música rag-time. Además, gracias a su figura como autor y a su actitud analítica ha podido ejercer como divulgador del arte secuencial escribiendo artículos, editando antologías y comisariando exposiciones.

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ANTECEDENTES E INFLUENCIAS EN LA OBRA DE WARE Como ya hemos mencionado en su biografía, Chris Ware ha sido influenciado por una gran cantidad de autores pertenecientes al mundo de la historieta.

Los primeros de ellos fueron Windsor McCay con su tira cómica Little Nemo in Slumberland, George Herriman con su tira Krazy & Ignatz, Richard F. Outcault con su tira The Yellow Kid, Frank King autor de Gasolline Alley (entre otros) y Charles Schulz, autor de Peanuts. Fueron todos estos autores los que dejaron una fuerte impronta en un pequeño Chris Ware y que le demostraron que en una página de cómic el texto y la imagen se funden y que la composición de las viñetas en la página puede ser manipulada por el autor a placer con tal de conseguir el efecto deseado.

Hay que tener en cuenta que Chris Ware tuvo la suerte, por así decirlo, de nacer a finales de los años 60, una época que en América a nivel 35

cultural estuvo marcada por el movimiento contracultural hippie, la oposición a la guerra de Vietnam, las protestas estudiantiles, la experimentación con las drogas alucinógenas, la influencia de las filosofías orientales y la música como expresión vital entre otras muchas cosas. Y este fue el caldo de cultivo en donde nació el cómic underground, un movimiento que también supuso para él una gran influencia.

El cómic underground o comix es un tipo de historieta que surgió de la mano de artistas como Robert Crumb, Gilbert Shelton, Víctor Moscoso, Spain Rodríguez o Aline Komisnky entre muchos otros. Todos ellos publicaban sus tebeos autoeditándolos y vendiéndolos entre sus amigos, conocidos y en tiendas.

Quizás el tipo de historietas de los autores del underground no solo le descubrieron a Ware el mundo de la contracultura hippie sino que además le permitió ver la capacidad que puede llegar a tener un autor de crear varios personajes que, de alguna manera, compartan ciertas características con sus creadores y con el mundo en el que viven.

Chicago

Pero además hemos de recordar que Ware fue también influenciado por los autores de tiras cómicas de la prensa americana finisecular o de el cómic de superhéroes americanos al estilo de Superman o Batman que ejercerían una gran influencia a nivel gráfico y icónico en este autor, aparte de que el propio Ware ha podido perpetuar esa tradición de publicar tiras cómicas en periódicos al ver publicados 36

sus propios trabajos en diversos tabloides.

Además, durante su etapa como colaborador en la revista RAW de Spiegelman también se sintió fuertemente influenciado por otros autores del cómic alternativo de los 80 como Charles Burns, Gary Panter, Kaz, Mark Newgarden o Jerry Moriarty.

No debemos olvidar tampoco la influencia de Chicago como escenario en una persona como Ware. A raíz de un accidente que sufrió el autor en un momento de su vida, durante su recuperación pudo investigar acerca de esta ciudad. La investigación le hizo llegar a la conclusión de que Chicago es un lugar que en sí mismo no tiene razón de existir ya que la ganadería y la industria, las bases en donde cimentó su economía, ya no existen y que su única razón de existir actual es que la ciudad ya existe. Sin embargo, toda esa labor investigadora le sirvió para tomar este entorno como un tema recurrente en sus páginas.

Portada de la revista “RAW” de Spiegelman 37

METODOLOGÍA DE TRABAJO Y CARACTERÍSTICAS DE SU OBRA En lo que se refiere a las planchas que realiza para los distintos periódicos, el proceso de trabajo de Chris Ware se podría resumir de la siguiente forma.

Trabaja semanalmente de lunes a jueves en dos planchas que tarda unas 20 horas en realizar en lo que se refiere a dibujarlas, entre 8 y 10 horas para entintarlas y otras 4 horas para ponerles color. En una entrevista con Keith Philipps para The Onion Ware comentaba amargamente que se sometía a todo este esfuerzo para acabar creando un producto que iba a ser leído en tan solo 12 segundos.

Por otro lado, todas sus obras comparten las siguientes características: •La unión perfecta de cómic, diseño e ilustración en cada uno de sus trabajos. Ware no solo se preocupa por “rellenar” cualquiera de sus libros de páginas sino de darle una coherencia al diseño del libro junto con el material que alberga en su interior y de dotarlo en su conjunto de una gran profundidad que dignifique el medio. De esta forma nos encontramos ante un autor que trata a sus libros y todas las publicaciones en las que participa como si fueran objetos de arte, involucrándose por completo en el proceso de diseño y edición.

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•La utilización de una gran variedad de personajes: Jimmy Corrigan, Big Tex, Rocket Sam, Floyd Farland, Quimby the Mouse, Rusty Brown, The Potato-man, etc. Y todos ellos compartiendo toda una serie de características como el abandono de la figura paterna, el desaliento, la soledad, la falta de comunicación, la incomprensión, la inseguridad y la carencia de afectividad además de servir al autor como catalizador de traumas personales mediante el uso de datos semi-biográficos.

•La ciudad de Chicago como escenario de muchas de sus historietas.

•El respeto hacia el trabajo manual y artesanal del cómic. Limita el uso del ordenador únicamente para el coloreado y lo deshecha en lo que se refiere al uso de tipografías. Ware prefiere elaborar sus propias tipos a mano convirtiéndose de esta forma en un gran artista del lettering.

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•Trabajar sin el uso de un guión previo ya que opina que en caso contrario las posibilidades de sus trabajos se reducirían a la mitad. Prefiere comenzar dibujando por la primera viñeta y ver por qué derroteros le ha ido llevando el proceso al llegar a la última.

•La ruptura con las convenciones del cómic en cuanto a que esté jerarquizado por la secuencia lógica de las viñetas. En vez de eso, Ware en muchas de sus páginas diversifica las líneas temporales y los acontecimientos que puede sufrir tanto un personaje como todos los que le rodean.

•La delineación perfecta en cuanto a perspectiva se refiere de espacios urbanos arquitectónicos como si de un arquitecto se tratara.

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SUS PROYECTOS DE CÓMIC Es interesante que nos detengamos en algunos de sus proyectos más importantes y los analicemos con cierta profundidad ya que ello nos puede desvelar mucho más sobre la manera de hacer comics de Ware.

The ACME Novelty Library: Este es sin duda el buque insignia, la joya de la corona de toda la obra de Chris Ware. The ACME Novelty Library comenzó a ser publicada por la prestigiosa editorial americana Fantagraphics. Desde el primer número hasta el nº15, el último que publicó con la editorial, el formato de cada entrega del ACME mutaba por completo en relación con su predecesor o sucesor, yendo desde cuadernos apaisados hasta libros de gran tamaño.

The ACME Novelty Library son básicamente recopilatorios de las tiras cómicas que Chris Ware publica en los distintos periódicos en los que participa.

Debido a su afán de superación, cada recopilatorio goza de su propio diseño y, en ocasiones, de ciertos contenidos inéditos. Esos contenidos son del estilo de textos desmesuradamente largos y de una maquetación bastante peculiar (muy al estilo de los tabloides finiseculares), anuncios absurdos en los que se ofertan desde teléfonos inalámbricos hasta juegos de herramientas para malgastar el tiempo o pequeñas construcciones de papel para probar la habilidad y destreza del lector a la hora de enfrentarse a trabajos artesanales.

Debido a desavenencias con Fantagraphics, del número 16 al 18.5 los autoeditó el propio Ware para que ya en el número 19 volvieran a ser publicados esta vez con la editorial Drawn & Quaterly. En estos últimos 41

números el autor ha pasado a dedicar cada número de manera autoconclusiva a un solo personaje, haciendo especial mención al nº20 y, de momento, último número de la colección que recibe el nombre de “LINT” en la que se desarrolla en un solo volumen la vida de un personaje desde el momento de su nacimiento hasta su muerte.

Jimmy Corrigan, the Smartest Kid on Earth: Jimmy Corrigan es quizás el personaje más significativo dentro de la obra de Ware. De todos ellos es donde más se pueden ver volcados sus sueños, sus miedos, sus traumas, sus anhelos y muchos otros sentimientos que vienen a cuento de un pasado marcado por el abandono de la figura paterna. De esta forma, Jimmy Corrigan se convierte en una especie de alter-ego de Chris Ware.

Jimmy Corrigan fue un personaje que apareció en los primeros tiempos del ACME Novelty y que acabó gozando de su propio recopilatorio en el año 2000 gracias a la editorial Pantheon Books. De esta forma, Chris Ware se justifica como un autor que con pequeñas entregas regulares puede acabar recopilándolas para crear novelas gráficas de dimensiones colosales.

El personaje en sí se nos presenta como miembro de una familia de ascensión irlandesa y sirve como transmisor para contarnos la historia de cuatro generaciones de dicha familia.

La temática principal de estas historias es el abandono y la carencia afectiva.

The ACME Novelty Date-Book: No es más que una serie de recopilatorios en formato fascímil de bocetos, apuntes y otros materiales que el autor ha ido generando a lo largo de sus años de creación gráfica. De momento han visto a la luz dos volúmenes de esta serie de sketcbooks, uno el cual se centra en sus trabajos en el período de 1986-1995 y el otro en el período 1995-2002.

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The ACME Novelty Date-Book

En ambos libros el tema principal en cuanto a diseño es la obsesión por parte de Chris Ware de el tiempo y la memoria. En la cubierta y contraportada vemos como el autor no solo nos muestra un diagrama circular del período en el que se centra cada libro sino que además también hace un análisis de su vida pasada y vaticina con cierta mezcla de ironía y amargura el como será su vida futura.

De esta forma Ware no solo se autoparodia sino que se autocritica tanto por fuera del libro como también por dentro.

Building Stories: Sin lugar a dudas en este proyecto Ware volcó gran parte de su creatividad y de su afán por reinventar el formato de un libro de cómic y la manera de leerse. Building Stories es una novela gráfica del año 2012 la cual nos cuenta la historia de una mujer sin nombre la cual ha sufrido la pérdida de su pierna izquierda en un accidente que tuvo en su niñez. Esta mujer vive en la tercera planta de un edificio de tres pisos, estando el segundo ocupado por una pareja que no para de discutir y el primero por una mujer de edad avanzada.

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Sin embargo, aparte de por la historia que nos cuenta, si Building Stories destaca por algo es por la forma en la que se nos presenta. La historia se encuentra contenida en el interior de una caja, la cual a su vez tiene una serie de comics impresos en su superficie, y distribuida en los siguientes ítems: un folleto de 52 páginas de paisajes sin diálogos, una lámina doblada a modo de acordeón de la protagonista en la nieve, otra lámina doblada de la misma forma de la protagonista con su hija, un cómic de 24 páginas titulado “Brandford: La Mejor Abeja del Mundo”, una edición de 32 páginas en tapa dura de la colección “Little Golden Books” titulado “23 de Septiembre, 2000”, un cómic de 16 páginas protagonizado por la pareja del segundo piso, un cómic de 16 páginas protagonizado por la anciana del primer piso, un cómic de 20 páginas titulado “Desconectar”, una replica del Acme Novelty Library #18 de 52 páginas encuadernada en tela, un periódico titulado “The Daily Bee”, un poster doblado por la mitad, una pantalla de 4 viñetas doblada en acordeón, un periódico de gran formato de 20 páginas y un periódico de gran formato de 4 páginas. Por tanto, con esta obra Ware pretende plantear al lector un juego en el que debe literalmente construir la historia que está leyendo, jugando con los distintos elementos que la conforman, analizándolos y averiguando las conexiones que guardan unos con otros.

Sobra decir que por este trabajo entre los años 2012 y 2013 Ware fue galardonado con varios premios, entre ellos un Harvey por la Excelencia en la Presentación y varios Eisner al Mejor Album Gráfico, Mejor Escritor/Artista, Mejor Letrista y Mejor Diseño de Publicación.

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uno con el otro. Precisamente el título de la obra no solo alude a este aspecto de la historia sino al uso del lector de la tecnología táctil para ir revelando poco a poco contenidos de la historia, empatizando de esta manera de una forma sinestésica con los protagonistas. Posteriormente esta historia fue trasvasada al papel para Building Stories aunque, como resulta lógico, todas las cualidades interactivas que poseía en el terreno digital se perdieron en el proceso de adaptación al medio impreso.

INFLUENCIAS EN OTROS ARTISTAS DEL CÓMIC

Touch Sensitive: En el año 2011, gracias a la editorial McSweeney’s, salió al mercado de las tablets y los smartphones el cómic Touch Sensitive, un cómic que se puede leer en la aplicación de esta editorial y que diseñó conjuntamente con Chris Ware. En ella nos cuenta la historia de una pareja la cual está atravesando un período de crisis. En este momento personal es cuando usan el sentido del tacto para volver a intimar el 45

Es lógico que un autor como Chris Ware no haya pasado desapercibido para nadie. Son muchos los autores que se han nutrido de su manera de hacer y entender el cómic y algunos de ellos los podemos encontrar en nuestro propio país.

Uno de ellos sería el caso de Francesc Capdevila, mejor conocido por su pseudónimo “Max”. Tras una primera etapa en la que estuvo fuertemente influenciado por Robert Crumb, una segunda en la que Yves

Bardín el Superrealista de MAX

Chaland fue su principal fuente de inspiración, este dibujante de comics catalán se encuentra en estos momentos en una etapa en la que Ware es quien ha definido su actual estilo de dibujo, mezclándolo un poco con la estética de la Escuela Bruguera. Claros ejemplos de ello los encontramos en obras como “Bardín el Superrealista” o “Vapor” en los que se puede observar la influencia que ha ejercido sobre él el genio de Omaha.

Otro dibujante que también es posible que haya sido influenciado por Ware es el gallego José Domingo el cual en su trabajo “Aventuras de un Oficinista Japonés” encontramos una estética que desde un punto de vista compositivo nos recuerda a la manera que tiene Ware de plasmar esos paisajes urbanitas.

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La influencia de Ware también podemos encontrarla en los trabajos de Álex Fito, concretamente en su obra Raspa Kids en la que no solo encontramos un dibujo muy limpio y simpático pero contrastado con un argumento un tanto tétrico, sino que también el lector puede realizar una serie de curiosos pasatiempos.

De manera paralela a Ware y alejándonos un tanto de España, podemos ver que el artista del cómic canadiense Seth también sigue una estética y una manera de hacer las cosas muy similar a la del primero. De hecho su preocupación por el diseño de libros la encontramos también en los libros recopilatorios de la tira cómica Peanuts de Charles M. Schulz.

Así pues, podemos ver que Chris Ware es un artista cuyos recursos han sido de gran utilidad para que muchos dibujantes puedan encontrar su estética personal y su propia metodología a la hora de enfrentarse a la tarea de dibujar un cómic.

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CONCLUSIONES A la vista de lo expuesto, queda claro que el trabajo de Ware resulta de gran interés por varias cuestiones. La primordial sería que resulta curioso que un autor con una técnica de dibujo tan perfecta haga unas historias con un contenido emocional tan fuerte.

También es destacable y loable que un autor de cómic se preocupe tanto por el libro que va a contener su obra hasta tal punto que lo plantee de cara al lector como un reto en su experiencia lectora a la vez que un juego.

Pero sobre todo lo que es importante a tener en cuenta de Chris Ware es que es alguien que, pese a aferrarse a las técnicas tradicionales a la hora de enfrentarse a la página en blanco, se atreve a experimentar con las nuevas tecnologías con tal de encontrar nuevas formas de contar una historia.

Dicho lo cual queda a disposición del lector que esté leyendo estas líneas que se atreva a sumergirse en el mundo de Chris Ware. Le aseguro que no se va a arrepentir en absoluto.

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BIBLIOGRAFÍA -MERINO, Ana: Chris Ware (La Secuencia Circular). Sins Entido, Madrid, 2005.

-GARCÍA, Santiago: La Novela Gráfica. Astiberri, Madrid, 2010.

-RAEBURN, Daniel: Chris Ware. Yale University Press, USA, 2004.

-SAMSON, Jacques; PEETERS, Benoît: Chris Ware, le bande dessinée réinventée, Les Impressions Nouvelles, Francia, 2010.

-EDINBURGH INTERNATIONAL BOOK FESTIVAL Ltd.: Chris Ware interviewed at the Edinburgh International Book Festival (entrevista en Youtube), Edinburgh International Book Festival, UK, 2013. Vista en: http://youtu. be/4CVyVvR1YEM -TUSSEY, Ethan: What makes a comic digital? (artículo), Critical Commons. Visto en: http://www.criticalcommons.org/ Members/MCIMR/clips/video-feb-18-9-48-09-am.mov/view Comenta y comparte este artículo 49

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