LaCarne Magazine N59 by LaCarne Magazine

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europa y latinoamérica

Nº59 - MAR 2017 - AÑO 6

nos despedimos de

canteca de macao

EXPERIENCIAS

mundo dj - yossi sassi - the xx - soen - la naturaleza de la improvisación - el disco raro de tam tam go! - omnia transit - the rolling stones en cuba - obelipsis - ¿El rock ha muerto? - zona zero

ENTREVISTAS

fifteen years old - jaime cortez - juan carlos castillo - amparanoia - sweet lizzy project leopoldo rojas - chimó psicodélico - guadaña - litus - onechot - ronald el killa mateo braga

SUMARIO experiencias

N59 aÑo 6 MAR 2017 entrevistas

06 mundo dj 50 canteca de macao 10 yossi sassi 12 the xx 14 soen 16 la naturaleza de la improvisación

20 el disco raro de tam tam go! 24 omnia transit 26 the rolling stones en cuba 30 obelipsis 32 ¿El rock ha muerto? 34 zona zero investigación

38 la música de tradición oral en badajoz

44 historia de los instrumentos electrónicos

Directora y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

http://lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

54 fifteeen years old 58 jaime cortez 62 juan carlos castillo 66 amparonoia 70 sweet lizzy project 76 leopoldo rojas 78 chimó psicodélico 82 guadaña 86 litus 90 onechot 92 ronald el killa 96 mateo braga Colaboradores

J. G. Entonado, Enrique Falcó, króniko, jpalomo, maribel pérez, Sebastián díaz, yolanda jiménez, jorge ares, luis lama, ceci beltrán, santos garcía, alfonseka, julie marín, alejandro pérez, juan a. jiménez, julio abella, dario irazoqui Foto portada por ismael rodriguez * No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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MUNDO DJ LEER MÁS

+ NUEVO PROYECTO EN LAS ISLAS LLAMADO HÏ IBIZA

días disfrutarás de la música electrónica con los mejores DJ´s. Estarán Dj Nuke, Raúl Ortiz, Toni Varga, Javi Barreda, entre otros, y cada noche habrá fiestas de diferente temática como la “Masquerada Party”, “Love Party”, “Fabrik Party”, etc. Para más información os dejo el enlace aquí. + TIME WARP 2017

Este nuevo club se ubicará en el antiguo Space, y las intenciones que tiene es atraer a todo el que ame la electrónica, mezclando imágenes idílicas de Ibiza con una estética futurista. Estará gestionado por Ushuaïa en Playa d´en Bossa, y por ahora es una incógnita cómo será arquitectónicamente el edificio, y la programación es todo un secreto. Os adelantamos un vídeo donde se resume lo que será el nuevo club. https://youtu.be/k6K6xaRwe8Q + UN CRUCERO CLUBBING LLAMADO WATERLAND

¿Quieres vivir un festival electrónico en alta mar? Pues ahora tienes una oportunidad para poder disfrutarlo, ya que “Viajes Pullmantur” organiza un crucero en el cual durante ocho

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Se ha anunciado ya el cartel definitivo del festival alemán que se desarrollará el 1 de Abril en Mannheim. Contará con los artistas de siempre como Carl Cox, Richie Hawtin, Ricardo Villalobos, Marco Carola, Dubfire, Tale of Us, Nina Kravir o Luciano entre otros. Este festival internacional se lleva celebrando en Alemania desde 1994, y se celebra tres veces al año en diferentes ciudades germanas contando con grandes como Laurent Garnier y Sven Väth, donde la gente ha disfrutado de Techno y Hard Techno, acompañado de jue-

gos de luces y un gran sonido. Hay una descarga gratis en Soundcloud de Adam Beyer para que podáis disfrutar de la sesión que hizo en el festival en 2012. Os lo dejo aquí. + UN MONJE BUDISTA PONE TECHNO EN SUS LITURGIAS

Un antiguo Dj que actualmente es un monje budista, llamado Gyosen Asakura, se dedica a pinchar Techno para atraer a los fieles al templo. Por ahora solo ha ofrecido dos servicios, y para poder realizar más, el monje ha realizado una campaña en la red para conseguir fondos para incorporar en sus liturgias efectos visuales y sonoros. Se pretendía recaudar 2.684 dólares, pero sus expectativas han sido superadas. He aquí un vídeo donde podemos ver al monje. + RETORNO AL PASADO EN LA RIVIERA (MADRID)

canciones de esa época y artistas. Lo pondrá en práctica en diferentes clubs de Europa, y en España actuará en la sala La Riviera de Madrid el 9 de Junio. Para ir abriendo boca, os dejo un mixtape de los tres que tiene, y que lo podéis escuchar en Soundcloud. + CREAN EL PRIMER TOCADISCO INTELIGENTE Se controla a través del móvil, y se llama “Love”, y es un pseudotocadiscos hecho en California que asegura que tendrá la intimidad del vinilo con la modernidad de tu día a día. El vinilo va girando sobre un eje central, y el sonido se envía por bluetooth a los altavoces funcionando con una batería de litio cargado vía USB. Se lee con un lápiz óptico que se conecta a través de bluetooth, WI-FI, y lo controlas con una aplicación que te tienes que descargar en tu móvil. Si quieres saber más, os pongo la página oficial aquí.

AGENDA DE CONCIERTOS MARULA CAFE Marzo MÁS INFO - FACEBOOK SIROCO (MADRID) Marzo WEB - FACEBOOK RAZZMATAZZ (BARCELONA) Marzo WEB - FACEBOOK FESTIVAL MUTEKES (BARCELONA) 9 Marzo WEB

Paul Kalkbrenner pretende recrear todas esas fiestas que se hacían a finales de los noventa, y, tanto los flyers como la decoración de los locales, se ambientarán con esa temática. Se realizarán en locales íntimos para tener un contacto más directo con la gente y experimentar con la trilogía de los “mixtapes”. Estos mixtapes los ha llamado Back to the Future, y se componen de tres mixes con temas antiguos donde podrás escuchar más de 5.000

EBROFEST (MIRANDA DE EBRO) 24 Marzo WEB FABRIK (MADRID) Marzo VAGABUNDOS - LA RESISTENCIA

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DISPONIBLE EN VINYLO Y DESCARGA DIGITAL

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DOMENICO CRISCI - “Our Love” JEFF MILLS - “Sleepy Time” DEEJAY XANAX - “Somewhere Home”

COLLIN STRANGE - “Private Room”

MR BEATNICK - “Church Street Blues”

CARLOS SANCHEZ - “Shift That Rule”

ONSRA - “Funky Town”

8 9 10

SAKRO - “No Time To Explain” ALEX KADDOUR - “Satori” THE BLACK MADONNA - “He Is The Voice I Hear”

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

yossi sassi

simplemente espectacular

ste mes analizamos el disco Desert Butterflies de Yossi Sassi, y es simplemente espectacular.

LEER MĂ S

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Yossi Sassi vuelve a sorprender tras su primer disco en solitario titulado Melting Clocks,

y la gran labor de la banda de la que fue cofundador, Orphaned Land, la banda israelita de Metal progresivo que aboga por la unión y el respeto entre las religiones, y promover la mejor cura para las “enfermedades del mundo”, la música. En el grupo colaboran Mariangela Dermutas (Tristania), Marty Friedman (ex-Megadeth, Cacophony) y Ron Bumblefoot Thal (exGuns and Roses). Hay que resaltar que Yossi es el creador de un instrumento de cuerda llamado Bouzoukitara, resultado de unir el instrumento tradicional griego, el bozouki, con la guitarra eléctrica, con la ayuda del maestro de la luthería Benjamin Millar. El disco es el resultado de fusionar culturas y sonidos, se le considera, junto a su grupo Orphaned Land, el pionero del Progresive Metal Oriental, al realizar una música muy influída por los sonidos árabes y sonidos del folklore internacional. Este disco se compone de once temas y de una duración de casi 3 cuartos de hora. Es un disco que disfrutarás en casa, pero verlo en directo será excepcional. En cada tema demuestra el dominio total de los instrumentos, el corazón que le pone a cada melodía y su profesionalidad. Se trata de un disco conceptual, donde se narra la fuerza del espíritu humano y la alegría de vivir, prácticamente melódico, e influenciado, como he dicho antes, por sonidos árabes, pero también hebreas y otras culturas. El primer tema “Orient Sun” te deja entrever el nivel del disco, y nos permite admirar el sonido de la Bouzoukitara, y la guitarra de Morty Friedman. Un poco más rápido es el siguiente tema, “Fata Morgana” con Ron Bubblefoot Thal, donde la fusión de Folklore oriental y el Rock es más que evidente. El tercer tema es “Neo Quest”, donde a través del piano te teletransporta a las tierras lejanas de Oriente, al igual que hace con el siguiente tema, ”Azadi” (Libertad), donde con el piano, y la voz casi susurrada de Yosefa Zaoush, te atrae hacia dentro de la canción.

“Believe” el cuarto tema, cantando Mariangela Dermutas de Tristania, comenzando a cantar en Italiano para posteriormente hacerlo en inglés, y marcarse un buen dueto con la voz masculina que intuyo que es de Yossi Sassi. Es uno de los mejores temas del disco, donde se pueden escuchar guitarras españolas acompañando el tema. Ahora es turno del tema que da nombre al disco, “Desert Butterfly”, con un comienzo con toques Rockabilly y lleno de punteos eléctricos y cambios de ritmos, llegando a terminar con una fusión de Rock y Jazz. “Inner Oasis” es otro de los grandes temas para mí del disco, comenzando con un ritmo lento árabe, y donde poco a poco los punteos y el Metal toman más fuerza en algunas partes de la canción, alternando ritmos, velocidad y música oriental. Pasamos a “Shedding Soul”, una melodía dulce, lenta y tranquilizadora, realizada con guitarras acústicas, como si la idea de Yossi fuera que recuperáramos el aliento tras “Inner Oasis”. En todo el disco se puede oir la Bouzoukitara, pero donde hace realmente gala de su sonido es con la preciosa melodía “Jason Butterflies”. Volvemos al Rock clásico con “Azul”, con riffs, velocidad con la bouzoukitara de fondo sonando, para terminar con “Cocoon”, una buena letra y mejor canción, que habla de los sueños, la vida, el respeto a los demás, puesto que todos sólo somos un grano de arena de un gran desierto. El disco es espectacular, sólo le echo en falta más voz en las canciones, pero el dominio de los instrumentos es espectacular, y el sonido de la bouzukitara es simplemente asombroso. Es como si juntaras los toques del Rock andaluz, como Medina Azahara, con Mike Oldfield, Sierpe o Dream Theather, y cómo no, Steve Vai, del que reconoce ser admirador y haberle influido mucho. ¶

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the xx

análisis de i see you

ercer álbum del trio londinense The XX publicado con Young Turks, con quien ya sacaron su primer disco. La evolución del grupo se nota en este tercer sencillo, la oscuridad tan característica de sus 2 primeros LP’s, que hicieron llevarles a lo alto de la cima tanto de la crítica como de público, se ha transformado en un sonido más luminoso que en los discos anteriores. Se transmite en las canciones como Romy y Oliver han superado algunos de sus problemas personales, y sin duda, la mano en la composición musical de Jamie XX, que es fundamental en el grupo. Diez temas donde sigue habiendo esos arreglos nostálgicos y minimalistas de

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las guitarras y bajos, acompañado por elementos electrónicos, tanto en los beats como en las atmósferas y samples (fruto de la evolución del grupo y la gran labor de producción de Jamie), y esas voces de Oliver y Romy que se entienden a la perfección como buenos amigos de la infancia que son.

THE XX - ANÁLISIS DE I SEE YOU

DANGEROUS No lo voy a negar, es el tema que más me gusta por su ritmo bailable pero cercano al IDM, el intercambio de las voces, y esos samples propios del House y del sonido club. Sin duda el mejor tema del disco

SAY SOMETHING LOVING Tema tranquilito con beats Trip Hop, pero acercándose al Dream Pop con buenas at-

la banda sin dejar ese punto nostálgico que siempre les ha caracterizado.

REPLICA Oliver nos canta cómo superar sus problemas (tuvo alguno con el alcóhol). Es un track que recoge un poco los XX de los 2 primeros discos y los actuales. Indietrónica en toda regla.

BRAVE FOR YOU Es un tema triste, cantado por Romy y dedicado a sus padres. Nuevamente la guitarra y bajo se apoderan de la canción, dando ese toque tan característico de la banda.

ON HOLD La clave de este tema es el rollo House retro que tiene este tema, con sample de Hall & Oates que acompaña la mayor parte del tiempo a Oliver y Romy. Sin duda, uno de los temas más bailables y pegadizos del disco.

I DARE YOU Me encanta esta canción. Diría que es la más popera y optimista del disco. Mantenemos el esquema con guitarras y bajo, pero esta vez una electrónica más organica. Las voces se complementan como nunca con un estribillo pegadizo de principio a fin. mósferas y esas guitarras y bajo indiscutibles, con la incorporación de samples de los Alessi Brothers.

LIPS Los arreglos de voces y cuerda que acompañan a Romy, el ritmo étnico junto con la guitarra, y las pequeñas melodías atmosféricas que introduce Jamie XX, y, por último, samples de Just de David Lang, hacen que sea un tema muy completo.

A VIOLENT NOISE Voz y guitarra a la par, es la voz de Oliver expresándose acompañado por una melodía pegadiza, sin apenas ritmo, para luego seguir con Romy y entrar de golpe con ritmos, melodía y voces de nuevo.

PERFORMANCE Un buen ejemplo de la evolución del grupo con arreglos de cuerda. Se comprueba la innovación de

TEST ME Es un tema atmosférico, se nota que es la despedida del álbum. Te hace viajar, trasladarte al fondo del mar como si estuvieras nadando entre ballenas y delfines. Un viaje íntegro causado por esa melodía que parece sacada de un theremin. Un relax total! Un disco notable que ha cumplido la expectativa de la crítica y del público. Esto desencadena expectación ante la gira internacional de conciertos que realizarán durante este año. ¶

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lykaia

lo nuevo de soen tituyendo a Joakim Platbarzdis, guitarrista que ha participado en otras conocidas bandas como Evergrey o Pain, entre otras.

o cabe duda de que Soen es la banda del momento. Ya hablamos de sus virtudes con el anterior disco Tellurian (ver aquí), al igual que sus influencias, con las que todo el mundo compara: Opeth y Tool. En este disco, Markus Jidell se presenta como nueva incorporación a la banda, sus-

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Antes de meternos a detallar las características de este guitarrista o de las nuevas innovaciones de la banda, tanto musical, como técnicamente, me gustaría hacer un breve recorrido general del disco. Muchas veces consideramos la etiquetas necesarias para encasillar un grupo dentro de un estilo u otro, o asemejarlos a otras bandas

para hacernos una idea de lo que nos vamos a encontrar. Otras veces más que nada es puro marketing, que se aleja de la realidad musical de un banda.

“No decepciona, han mejorado en todos los aspectos: sonido, composición y madurez.”

Ahora mismo, la única excusa comparativa existente entre Opeth y Soen es el batería, Martin Lopez, nada más. Musicalmente hay un mundo muy distinto entre ellos y escuchar a Soen te creará sensaciones distintas. El otro punto a mencionar es la relación con Tool, más que nada debido, en mi opinión, al primer disco y a la voz de Joel Ekelöf. Las comparaciones son en ocasiones inevitables, pero muchas veces innecesarias.

Un medio tiempo muy dulce, de aire modal en algunas partes. Preciosos arreglos vocales y grandes estribillos, marca de la casa.

Soen va marcando las diferencias en cada disco, y se va consagrando como un grupo con carácter y estilo propio, claramente identificable, haga lo que haga. Quizá por eso, para mí la única similitud que hay con las otras dos bandas es su talento. El disco abre con “Sectarian”, la seña de identidad de Soen. Una pieza con mayúsculas que comienza sólida y contundente. Unos riffs muy progresivos cargados de pequeñas disonancias en los agudos, que le dan un toque agresivo. Algo que será muy característico en todo el disco. Las partes intermedias de percusión y el estribillo, melódico y perfectamente encajado, nos llevan a una parte instrumental, con un nuevo riff de guitarra de esos que te quitan el habla, para volver a cerrar con el estribillo y acabar con una parte más calmada, típica del grupo desde los inicios. Señores, esto es Soen, ni Tool ni Opeth… “Orison” y “Opal” siguen la línea del primer corte. El primero algo más ambiental y el segundo, de los más progresivos del disco. De espectaculares riffs, destacando la progresión que hacen desde el segundo estribillo, variado, hasta el riff disonante con doble bombo final. De lo mejor del disco. Ambos con buen trabajo vocal, y aunque vemos que Ekelöf no es un virtuoso de la voz, sabe perfectamente cautivarnos con sus arreglos y su sensibilidad. “Jinn” es quizá el más atmosférico de todos.

Le siguen “Sister” y “Stray”. Temas que entran muy potentes, de doble bombo, riff complejos y estribillos muy melódicos, que se alternan con algunas partes lentas y percusivas, sello también indiscutible de la banda. “Lucidity” y “Paragon”, tercer y último tema, los he querido dejar para el final porque son los dos temas lentos del disco. Dos obras maestras. “Lucidity” tiene calma y delicadeza. De ritmo “swingado” y sutiles melodías que van y vienen, como esfumándose entre el entramado armónico. En crescendo, entra el solo de guitarra, una genialidad que dice mucho de este nuevo guitarrista. Creativo, contundente y manejando perfectamente las dinámicas. No se necesitan muchas notas para decir tanto. “Paragon” es del mismo estilo, casi parece una nana. Una voz susurrada da paso a unas guitarras distorsionadas, creando una atmósfera armónica perfecta. Y, de nuevo, Joakim Platbarzdis nos hace muestras de su arte, llevándonos a los años 70 en su solo. El tema va subiendo poco a poco y cierra el disco con un medio tiempo contundente, para dejarnos con la miel en los labios. ¿Ya? Sí, el disco se nos hace corto. No decepciona, han mejorado en todos los aspectos: sonido, composición y madurez. Pero sobre todo, y en mi opinión, un trabajo espectacular en las guitarras. El anterior disco, Tellurian, era difícil de superar, pero a veces no se trata de mirar atrás, sino de hacer algo que se sienta de verdad. Siempre funciona. ¶

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la naturaleza de la improvisación E

n estos momentos estoy leyendo un libro del guitarrista e improvisador Derek Bailey (uno de los grandes) llamado La Improvisación. Su naturaleza y su práctica en la música. En el libro se aborda el tema de la improvisación desde el punto de vista idiomático (en el jazz, flamenco, rock, música india, etc…) y desde el punto de vista no idiomático (o sea, improvisación libre). En uno de sus capítulos, en el dedicado a la improvisación con el órgano, aparece este fragmento durante una entrevista a Jean Langlais, organista improvisador de la Escuela de París: Pregunta Derek Bailey: “¿Una improvisación larga suele darse sobre una forma establecida o es más habitual que sea libre?”

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Responde Jean Langlais: “No creo que exista la improvisación libre porque para improvisar es necesario saber armonía, contrapunto y fuga, además de improvisación. Yo he dado 274 conciertos en EEUU improvisando sinfonías y sonatas en cinco movimientos, pero eso es como un ejercicio que uno ha estado practicando durante años. Es improvisación, pero usando muchas cosas que uno ha practicado mucho tiempo. Lo más importante para un improvisador es que sea capaz de pensar con rapidez.” Después de leer esto se me ocurrió preguntar a varios de mis compañeros de Raras Músicas (improvisadores libres que tienen distinta formación musical; académica o no; unos vienen del jazz, otros del rock, incluso del flamenco… Algunos de ellos ya han sido entrevistados en LaCarne Magazine, y la entrevista de los demás estará al caer) para contrastar

opiniones, y así poder abordar el concepto de “improvisación” desde distintos ángulos. Los improvisadores que expresan su opinión en esta ocasión son Gregorio Kazaroff (conocido ya en esta sección. Ver aquí), Ricardo Rodero (músico con formación académica que viene del jazz), Pepe Pereira (bajista que trabajó con Paco de Lucía, entre muchos otros, y que participó muy activamente en la fusión del Jazz con el Flamenco desde el principio de su carrera), y César Delgado (flautista autodidacta muy interesado por el jazz, y además, un artista plástico de mucha calidad). Creo que es una buena manera de enfocar la cuestión y quizá pueda ayudar a entender lo que es esta práctica musical:

incluyen cosas intuidas, pensadas o practicadas con anterioridad al momento de la actuación. Y por supuesto, la improvisación también se practica. La rapidez es esencial.

Ricardo Rodero

Gregorio Kazaroff

En realidad no hay mucho que comentar sobre los dichos de Jean Langlais porque son claros, concisos y coherentes con su quehacer como músico, compositor e improvisador. Organista titular de la Basílica de Santa Clotilde en París durante 42 años, sus composiciones e improvisaciones son absolutamente tonales, y dentro de lo que se conoce como música clásica contemporánea o del siglo XX. Sin embargo, algunos de sus conceptos pueden aplicarse al tipo de improvisación libre que practicamos nosotros en general. Creo que, efectivamente, la improvisación libre (y la idiomática también) inevitablemente

Creo que el extracto de esa entrevista parece una conversación de dos personas hablado diferentes idiomas. Derek Bailey fue uno de los principales representantes de la improvisación libre, concepto que no tiene mucho en común con un improvisador de piezas en forma clásica. La improvisación ha estado presente en todo momento a lo largo de la historia de la música, siempre dentro del contexto de formas y lenguajes habituales en la composición. Improvisar una fuga supone conocer profundamente su lenguaje y una práctica muy extensa para ser capaz de construir espontáneamente siguiendo tales pautas. Sin embargo, la improvisación libre parte de un concepto mucho más amplio, en el que la técnica y el conocimiento de un estilo determinado desaparece como objetivo. Definir la improvisación libre se convierte así en una experiencia de límites indefinidos, dónde la experimentación y la confianza en uno mismo, la capacidad de escucha y la eliminación de prejuicios se convierten en elementos clave. Nada que ver, por tanto, entre lo que uno y otro entienden por improvisación. Aunque usen la misma palabra para hablar de sus respectivas experienLaCarne Magazine

cias, supongo que nunca se podrían poner de acuerdo.

Pepe Pereira

Yo le diría a Langlais que se lo haga mirar. Por establecer una analogía: de pequeños se nos enseña para qué sirve la cuchara, el cuchillo y el tenedor. Básicamente estos utensilios sirven para comer, pero la experiencia en nuestras vidas nos dice que con una cuchara se puede calentar también una dosis de heroína, con un tenedor tirar una miga de pan usándolo como catapulta, y con respecto al cuchillo, pues para qué hablar de sus infinitos usos. Las herramientas están ahí creadas, solamente hay que decidir cómo y cuándo utilizarlas con códigos de aprendizaje o no, y es que modificando la última frase de Langlais creo que quedará contestado el dilema: “Lo más importante para un improvisador es que SEA CAPAZ DE PENSAR CON LUCIDEZ“ no con rapidez.

César Delgado

Da la impresión de que Langlais hablara de un tipo concreto de improvisación en el que, no me cabe duda, sin los conocimientos de armonía contrapunto y fuga no es posible improvisar. ¿Improvisar sinfonías y sonatas en cinco movimientos? ¿Qué tiene eso que ver con la improvisación libre? Obvio que si para él ese es el único recorrido que puede hacer la improvisación, la que practicaba Bailey debía considerarla un juego infantil sin interés, porque desde mi punto de vista no puede haber nada (musicalmente hablando) que requiera menos de esos conocimientos, “imprescindibles” según él para improvisar, que las sesiones de improvisación libre de Bailey y sus adláteres, al menos desde los setenta. En mi opinión, uno de los principales focos de interés de esta práctica reside precisamente en lo que supone de transgresión de la tradición musical occidental, y en la exigencia que se hace del oyente para que cambie radicalmente de punto de vista como receptor, del que se exige que no espere virtuosismo técnico (aunque cabe), melodía cantable (aunque cabe), ciclos de patrones rítmicos (aunque caben), armonía

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convencional (aunque cabe) , ni mucho menos contrapunto o fuga (que en mi opinión en la improvisación libre no caben)!! Langlais improvisa pero no lo hace en libertad. En la libertad cabe todo, menos las cárceles. Aquí van también las opiniones de Ricardo Tejero (ver aquí), y Jorge Cabadas (ver aquí), dos músicos que ya han aparecido con anterioridad en esta sección y en sus entrevistas respectivas a improvisadores libres. Creo que con todo este material hay suficiente para poder pensar acerca de lo que es el género de la Improvisación Libre Musical, y hacerse una idea general de esta práctica.

Ricardo tejero

Hay algunas cosas en esa respuesta con las que estoy de acuerdo: un improvisador tiene que pensar rápido, uno práctica y crea con los años un repertorio de recursos y herramientas que al final le llevan a crear un lenguaje propio. Sin embargo, en la respuesta la palabra “necesaria” no es necesaria. Un improvisador puede saber de armonía, de contrapunto, de fuga, y todo ello hará más rica su expresión, pero son otros los elementos que creo que se hacen más necesarios: capacidad de escuchar de una manera creativa, capacidad de síntesis, originalidad, creatividad, determinada capacidad de estar abierto a lo imprevisto, y un sentido del sonido colectivo que construya.

Jorge Cabadas

Creo que la opinión de Langlais forma parte de lo que un grupo de músicos “cultos” (por llamarlos de alguna manera) piensan de la música en general, no solo de la libre improvisación: solo se es músico si se tiene ese tipo de formación que ellos consideran “completa”. Yo creo que se es músico o no se es, independientemente de la formación. Igualmente, creo que se es improvisador o no se es, independientemente de que se quiera ser improvisador o no. Todo esto se puede matizar enormemente pero habría que disponer de espacio para ello. ¶ Atentamente, J.G. Entonado & Arín Dodó

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o existe grupo o solista que se precie y que ostente larga y exitosa trayectoria, sin que figure en su discografía un trabajo catalogado en forma de anécdota o rareza. Ese disco raro que siempre aparece cuando la concurrencia menos lo espera, y casi siempre después de un éxito más que discreto. Me reconozco como gran simpatizante de esta clase de trabajos, pues muestran sin duda las ganas de cambiar, mejorar y evolucionar de la que hacemos gala los seres humanos. Lo fácil es continuar como siempre y repetir un éxito, que no deja de ser algo muy respetable por aquello de que a todos nos gusta comer y vivir bien, pero cuanto menos reprochable para de quien se espera algo más. El caso es que después, el tiempo, ese fiscal implacable e impasible, suele colocarlo en su sitio, y en numerosas ocasiones aquel disco incomprendido se convierte en el favorito de los artistas, e incluso de sus fans más adeptos. Nuestros amigos, los 4 de Liverpool, quizás nunca pasaron por trámite semejante, por aquello de que cada disco era de lo más excelente, diferente e innovador, pero me vienen a la cabeza algunos ejemplos que a este insigne carnicero les gustaría compartir con sus clientes en el mostrador de esta particular carnicería. Los extremeños Tam Tam Go! (algunos a día de hoy siguen desconociendo que los Her-

el disco raro de

tam tam go! 20 LaCarne Magazine

manos Campillo y Rafa Callejo son naturales de Badajoz) alcanzaron un considerable éxito en el año 1988. Una canción, “Manuel Raquel”, con letra del director cinematográfico Ricardo Franco, les catapultó a las primeras posiciones del Pop español. Lo curioso era que aquel tema era una adaptación del primer corte de su album, Spanish Suffle (1988) titulado “Lawrence heart is weak”, que contenía un total de nueve canciones, todas ellas en inglés. Hubo que reeditar el disco incluyendo el tema en español, y aún a día de hoy, a pesar de llegar ser Disco de oro, sigue siendo muy desconocido por el gran público.

Dos años después, el éxito se extendió más allá de nuestras fronteras, con aquel inolvidable Espaldas Mojadas (1990) y temas clásicos del grupo como la canción homónima. ¿Pero qué ocurrió con el anterior disco del trío extremeño editado en 1989? De título parecido a su primer disco, Spanish Romance (1989) era un disco formidable, editado además ya en formato cd, y con unas canciones que rozaban cotas de genialidad y exquisitez sonora, y un buen gusto que alabaron la mayoría de críticos. A pesar de llegar a ser disco de oro en muy poco tiempo, aquel trabajo pasó completamente desapercibido sin entender muy bien el por qué. Hace algunos años, al coincidir en un prograLaCarne Magazine

pañoles interpretada en castellano. Algo muy lamentable, y bastante inútil por cierto, con la que se avecinaba en pocos años con aquella avalancha de grupos Indies que iban a hacer del inglés su bandera. Hoy en día, sigue siendo un álbum poco conocido, diferente en lo que se refiere al estilo que tomaría el grupo en sus siguientes trabajos, pero sin duda una maravillosa joya musical que no ha perdido un ápice de frescura, calidad y una interpretación más que notable.

ma de la televisión pública extremeña como colaboradores, el propio Javier Campillo me confesó el quid de la cuestión. Avalados por el enorme éxito de ventas de su primer disco, la discográfica no impuso ninguna condición y les permitió grabar el disco sin restricciones de ningún tipo. La mayoría de canciones, y especialmente aquellas que debían conducir el álbum a los primeros puestos, estaban escritas e interpretadas en inglés. La producción fue soberbia, y además contaron con la inestimable colaboración del baterista John Knox, quien aportó gran calidad y pistas realmente imaginativas. De repente, se produjo un veto a todo lo que no fuera música de grupos es-

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Recomiendo a todos mis clientes que se molesten en proferirle un par de escuchas. Temas como “Granada Eyes” (que inexplicablemente fue una de las que se incluía en el cd y no en el album en vinilo), “Life’s So Good Here And Now”, “Balas de cristal” (también con letra de Ricardo Franco) “Gipsy Queen”, o “Recuerda”, merecen algo más que ser condenadas al ostracismo del Pop español por haber tenido la mala suerte de ir a caer en uno de esos discos raros. Discos raros, diferentes, anécdóticos, de los que en las siguientes entregas trataremos de otorgarles un merecido homenaje para que sean rescatados del abismo de nuestra memoria. ¶ Enrique Falcó

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omnia transit

la nueva generación del metal

La duración aproximada del concierto fue casi de 3 horas repletas de rock y gran ambiente. LEER MÁS

espués de mucho tiempo queriendo asistir a un concierto del grupo pacense Omnia Transit, pudimos al fin asistir mi novia y yo el pasado 10 de Diciembre, gracias al bar “La Bodega” de Los Santos de Maimona (Badajoz), que apuesta por la música en directo. El inconveniente del evento fue el poco aforo que hubo en un principio, debido a que coincidieron cuatro conciertos en la misma hora, aunque a medida que fueron terminando, y gracias al boca a boca del público, fue aumentando el aforo de forma considerable.

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Comenzaron con una pequeña intro para proceder a tocar las canciones de su nuevo disco Las Vueltas de la Vida, estrenado en este 2016. Tras la pequeña intro comenzaron a tocar “Cuenta la historia “ y “En otro lugar”, para mostrarnos una excelente versión de “Maldito sea tu nombre” de Angeles del Infierno, que si ellos hubieran estado allí les habrían felicitado por marcarse esa versión tan perfectamente ejecutada en todos los sentidos. Siguieron con “Pasa el tiempo” y “La unión es la fuerza”, para marcarse otro increible cover, esta vez de Europe, “The Final Countdown” donde gracias al boca a boca de los asistentes el aforo aumentó de forma considerable.

Tras un breve descanso comenzaron con “Muerte Colateral” y “Gana la banca”, llegando el ecuador del concierto, y qué mejor forma de celebrarlo que con “Fear of the dark” de Iron Maiden. Y cuando nos estábamos recuperando un poco de la energía y fuerza que demostraron tener con este tema, soltaron otro trallazo llamado “Fusilados”, donde denuncian la tristemente famosa Matanza de Badajoz. Tras “Amanece Oscuridad” tocaron “Sweet Child O Mine” de Guns and Roses, quedando patente el nivel de Omnia Transit. Poco a poco nos vamos acercando al final, con el público siendo cada vez más numeroso y totalmente entregado al trabajo del grupo. Tras “En mis sueños” tocaron “Necesito Respirar” de Medina Azahara, “El Torito” y un medley de Metallica tocando “For Whom Bells theTolls”, “Sad But True”, y “Enter Sandman”.

Como broche final pidieron la colaboración del público en su tema para que nos aprendieramos el estribillo de su canción (era ”Gracias por estar ahí”), cosa que se logró con bastante éxito. Tocaba la despedida, pero lejos de bajar del escenario siguieron dando caña con cuatro temas de Barricada: “Todos Mirando”, “Noches de Rock and Roll”, “No hay tregua”, tocaron la instrumental de “El Mohicano”, “Dolores se Llama Lola “ de Los Suaves, y “Abre la Puerta” de Triana. Ahora sí se puso punto y final a una gran noche de Rock y denuncia social, y recomiendo encarecidamente asistir a los conciertos de Omnia Transit porque son grandes profesionales, cercanos y grandísimas personas. Agradecer de nuevo a La Bodega por traerlos y a mi compañera de equipo y de vida, mi novia. Y a Omnia Transit sólo queda decirles: “Gracias por haber venido, gracias por estar ahí” ¶

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the rolling stones e

cuando los cubanos tocaron el cielo con

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en cuba

n las manos

a noche del 25 de marzo del 2016, los cubanos y personas de otros países vivimos una experiencia única e inolvidable al ser testigos del mega concierto ofrecido por The Rolling Stones en La Habana. Este artículo es un recuento de todo lo que hubo que hacerse para tener en Cuba a sus Majestades Satánicas, y de lo vivido aquella noche en el inolvidable concierto. Concierto catalogado por muchos como “la noche que los cubanos tocamos el cielo con la manos”. Cuando en noviembre del 2015 Mick Jagger, vocalista de The Rolling Stones, aterrizó en La Habana, Cuba, muchos vaticinaron que pronto seriamos testigos de un concierto de esta ya icónica banda en nuestro país. Y no se equivocaron, uno de los objetivos de la visita de Jagger a nuestro país era ultimar detalles para una posible presentación de la banda en nuestro país. Luego de meses de espera y de preparativos, de escoger una fecha exacta y del lugar indicado con la capacidad suficiente para una presentación de tal magnitud, la hora finalmente llegó. El concierto seria el 25 de marzo a las 8:30 de la noche en los terrenos de la Ciudad Deportiva, lugar éste escogido por poseer los requerimientos técnicos para esta presentación: capacidad para más de un millón de personas y localización bastante céntrica. El concierto tendría lugar una semana después de que culminara en Mexico una gira por Latinoamérica, y que incluyó países como Argentina, Chile y México entre otros. Hacia 10 años que The Rolling Stones no se presentaban en este lado del mundo. Pero para que el concierto quedara como The Rolling Stones mandan, muchos fueron los preparativos a realizar. En un Boeing 708 llegaron a La Habana 76 contenedores para montar el mega escenario, caracterizado por descomunales dimensiones: 80 metros de alto, 20 de largo y 50 de ancho. Junto con los contenedores, llegó también una brigada integrada por más de 100 hombres, entre los LaCarne Magazine

que se encontraban: mexicanos, británicos, americanos, suizos y hasta cubanos escogidos previamente. Durante 15 días estuvieron trabajando estos hombres durante 10 horas diarias para montar el mega escenario para la gran noche. Algo que merece destacar es que, para el concierto, The Rolling Stones trajeron a Cuba un equipo tecnológico de primer nivel en el mundo, nunca antes usado por banda de rock alguna. Los días y las horas pasaban, y todos los que transitábamos por la Ciudad Deportiva éramos testigos del incansable trabajo de la brigada por terminar a tiempo el cometido encargado. A muchos nos entraba una emoción indescriptible cada vez que pasábamos por la Ciudad Deportiva y veíamos el imponente escenario, y nos imaginábamos la noche del concierto. Los días y las horas pasaban, y cada vez quedaba menos tiempo para ser testigos de un acontecimiento nunca antes vivido por los rockeros de esta pequeña pero a la vez grande isla del Caribe. Finalmente, el dia esperado llegó: 25 de marzo. El dia en que los cubanos y The Rolling Stones saldaríamos una deuda pendiente por mas de 50 años, cuando nadie jamás imagino vivir para ser testigos de un acontecimiento único en el mundo: ver en vivo a una de las bandas más legendarias del Rock and Roll.

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Pero ya desde la noche y la madrugada del jueves, 24 miles eran los fanáticos que decidieron acampar para agenciarse una posición privilegiada durante el concierto. Cuando los primeros rayos del alba despuntaban la mañana del 25, millones era las personas congregadas en los alrededores de la Ciudad Deportiva. Pero no era hasta las 2:00 de la tarde que las puertas de la Ciudad Deportiva abrirían para que la avalancha humana más grande de la historia se acomodara. Algo que, sin lugar a dudas, este redactor y muchas personas jamás olvidaran. Más de 6 horas de espera valieron la pena para que cuando el astro rey empezó a descender las primeras luces del escenario, dejara ciegos a todos los allí presentes. Para amenizar más el tiempo, el staff de The Rolling Stones decidió poner por los altavoces aquellos temas legendarios con los que crecieron los rockeros que hoy peinan canas. Cuando a las 8:30 de la noche, hora escogida para empezar el concierto, se apagaron las luces del escenario, y corría en pantalla el video de presentación del concierto, un tsunami de algarabía, gritos, llantos y vítores se hacían sentir en aquella silenciosa noche. En aquel momento se respiraba en el aire pura adrenalina, y muchas cosas más a causa de

presenciar un evento nunca antes vivido por la comunidad rockera cubana, y por los miles de extranjeros allí presentes, quienes semanas y meses antes habían reservado en diversos hoteles y casas de alojamiento esperando disfrutar de los inconfundibles The Rolling Stones. De más esta decir que este concierto fue al aire libre y totalmente gratuito. Cuando, a las 8:31 minutos de la noche, una voz anunciaba en inglés “Ladies and Gentlemans, The Rolling Stones”, aparecieron ante nosotros Charlie Watts, Keith Richards, Mick Jagger y Ronnie Wood. En ese momento todos sentimos cómo tocamos el cielo, y las emociones salían a millones: llantos, lágrimas, gritos, alaridos y miles de cosas más. En mi caso, no pare de gritar y las lágrimas se me salían a montones, pues jamás en mi vida pensé ser testigo de tan grandioso e inolvidable concierto. Era impresionante ver cómo esos cuatro dioses del Rock and Roll - pues no cabe duda de que lo son - eran poseedores de una energía y un talento que no es comparado con nada en este pequeño mundo. Durante las dos horas y quince minutos que duró el concierto, no hubo ningún tipo de evento inesperado que llevara a la suspensión del mismo, ni hubo personas desmayadas pues nadie quería perderse esa noche, que ya es legendaria e inolvidable.

Pero lo más sorprendente era escuchar cómo los allí presentes tarareaban, sin olvidar ningún fragmento, todas las canciones escogidas para aquel inolvidable concierto. Empezando con “Jumpin’ jack flash”, pasando por “Out of Control”, “Pain it Black”, “Miss You”, “Gimme Shelter”, y el legendario “Satisfaction”, todos cantábamos al unísono los temas que tanto habíamos escuchado por la televisión, y ahora los podíamos escuchar de la voz de sus creadores. Para no seguirme extendiendo, solo les digo que aunque próximamente se cumple un año de la “noche que tocamos el cielo con las manos”, todavía no se olvida todo lo vivido aquel 25 de marzo del 2016. De vez en cuando miro los videos que grabé, y las fotos que hice aquella noche (algunas de las cuales acompañan este artículo), y si desean ver más sobre aquel concierto los invito a que busquen por las redes sociales, por Google y sobre todo en Youtube, donde está disponible “Havana Moon: The Rolling Stones Live in Cuba” concierto - documental realizado por el cineasta británico Paul Dugdale, y solo decirles que si alguien no ha visto todavía a sus Majestades Satánicas en vivo, que no pierda más el tiempo y que se agencie un lugar para vivir una experiencia parecida a la vivida por todos los rockeros cubanos y de otros países aquel 25 de marzo del 2016, al que asistieron 1.300.000 personas. ¡Algo asombroso! ¶ LaCarne Magazine

obelipsis

buscando en sus raíces

belipsis tiene que ser una de las bandas más seguras que haya podido entrevistar a la hora de hablar del trabajo que han hecho, y que pronto presentarán su primer disco, llamado Introspección. Una banda que hace fusión de distintos géneros es lo que, en mi opinión, necesita la escena musical boliviana. Experimentar y romper restricciones de géneros de arte hace de este disco un viaje al realismo mágico de la Literatura, a la esencia americana de los instrumentos nativos, y la mirada hacia uno mismo a través de los ojos del mestizaje. Supe de Obelipsis a través de Flamma Lucis, una amiga que conocí hace varios años en un concierto under de Metal cerca de la terminal de la ciudad de La Paz. En este tipo de salidas, sueles encontrar a los amigos de los amigos que beben y hacen mosh sin dirección alguna, y en esta oportunidad fue algo similar, en un pequeño patio de tierra del entonces llamado Bunker. Excepto por Flamma. No sé

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quién nos presentó ni cómo mantuvimos el contacto después de tanto tiempo, aunque, después de todo, no existen muchas mujeres músicos en nuestra sociedad. Lo que sí recuerdo es que ella tenía aspiraciones musicales y artísticas con las que coincidimos de inmediato. Hoy, como la voz principal de Obelipsis, creo que las ha logrado. Mientras ella y yo escuchábamos alguna banda de Heavy metal que sacaba covers de Iron Maiden no muy bien logrados, Alan Buendía probablemente repensaba las bases etnomusicales, literarias y documentales de un proyecto que iniciaría el año 2010. Alan, guitarra, segunda voz, composición y arreglos, estaba en una fase de consolidación que tuvo a varios músicos como Freddy Dorado, Fabricio Terán, Ricardo Mena, e incluso Diego Reguerín, guitarrista de Atajo. De esta primera etapa quedaron tres composiciones empapadas del realismo mágico de Borges, García Márquez, e incluso la obra de Galeano y Rulfo. La banda se presentó en la Casa de la Cultura, en Palacio Chico, pero a partir del 2015 ya podemos hablar de una etapa de proyección, con una fusión de sonidos que evocan una esencia americana que también, en

Mientras el tema va ganando más seguidores, Obelipsis ya tiene en mente el lanzamiento de Introspección y su forma de hacerlo. Una conjunción de artes, una presentación audiovisual (música, teatro, danza, etc). Una obra de arte, me dice Flamma, feliz de saber que ahora sólo quedan los toques finales. Y es que la banda ya lleva un año de trabajo con Mayo Ávila, productor del disco que fue grabado en Submarine Productions. Antes de despedirme, les pregunto con quiénes quisieran tocar, y cada uno me dice sus gustos. Many me dice que Paul McCartney, Flamma responde que Café Tacvba… Reformulo mi pregunta y me enfoco en músicos nacionales, específicamente. Ellos lo piensan de nuevo y mencionan a los grandes músicos con los que compartieron la grabación de su disco. Reformulo una vez más y les pregunto con qué otras bandas compartirían un festival, y se quedan pensando. la espontaneidad del proceso de composición, se sumergió en la música australiana, el rock, los sonidos africanos y el tango. Hoy la alineación consiste en: Flamma Lucis, Alan Buendía, Many Marañón (guitarra), Nano Altuzarra (bajo), Max Larrea (batería/ percusión) y Gonzalo Ríos (batería/percusión), todos ellos músicos con diferentes influencias que aportaron al concepto y a su riqueza sonora. Por otro lado, la gama de invitados en este primer disco que -me han prometido- se lanzará este año también da mucho de qué hablar. Diego Reguerín (Atajo), Diego Ballón (Efecto Mandarina), Nicolás Suárez (Nikopol), Makoto Shishido (Los Kjarkas y Wayra Japonandes) son músicos reconocidos que prueban, con su aporte, el nivel de compromiso de Obelipsis por aportar, desde su género de world fusión, una propuesta fresca pero también sólida y, a la vez, experimentada. Por ahora, podemos escuchar un primer corte en la radio y en sus cuentas de Youtube y Soundcloud, llamado Difunto Corazón. Éste incluye un videoclip que saldrá dentro de poco.

Parece que sí, que Obelipsis es de los primeros en experimentar un world fusion de norte a sur. Pienso en Timpana, de Cochabamba. Y creo que lo que falta con estos venturosos géneros musicales es más visibilidad y más interacción interdepartamental. El Rock puede mutar en tantas manifestaciones, y creo que Obelipsis es de las mutaciones más coquetas y transversales. No hay mucho de esto, me cuentan ellos, especialmente Alan, que me reprocha que hay experimentación con géneros europeos, sobretodo. Introspección evoca los paisajes del épico Llano en llamas, la familiaridad de lo extraordinario en Cien Años de Soledad, hasta Metal del Diablo y el reflejo de un contexto social clave en nuestra historia. No es fácil sumergirse en estos mundos, en tantas artes, para buscar, finalmente, a uno mismo. Un cover, sólo uno, repite Alan, al explicar su política de solamente composiciones. Es una búsqueda muy intensa, de muchos años, reitera, y termina diciendo: “Cuántos se aventuran a buscar en sus raíces…” ¶

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ada tanto me escribe algún músico incipiente y me pregunta cómo veo la movida de la música. Me cuenta que está empezando con su banda de rock y me instiga por algunos consejos. En él reconozco la pasión, la misma con la que yo empecé en este género con mi banda Ciudad Líquida, hace 14 años, y con la que pretendía conquistar Bolivia y el mundo a través de mis canciones. Pero mi respuesta solía ser diferente: los incitaba a que se lancen al vacío, porque de alguna manera las cosas se iban a acomodar. Hoy, la realidad es distinta. Los países que nos prodigaron toneladas de Rock como Inglaterra y Estados Unidos tienen en sus listas de singles más vendidos a géneros como el Hip-Hop, R&B contemporáneo y Pop. El Rock aún congrega masas, pero gracias a sus ban-

das ícono en conciertos en vivo. Se asume una falta de nuevas figuras como en décadas pasadas fueran Bob Dylan, John Lennon o Kurt Cobain. Sin embargo, en una era en que prima lo inmediato, no creo que realmente se las busque o tengan el espacio para crecer. Peter Doggett, el musicólogo británico escritor del libro sobre la revolución del Rock’n’Roll There’s a riot going on, afirma que “Su impacto es muy pequeño en estos días”. Después de reinar al menos medio siglo, hoy es un estilo más entre muchos otros. Las masas ya no están interesadas en oír el rugido de las desgarradas guitarras del Rock, ni leer el mensaje que buscaba liberarte del sistema. Hoy, el sonido de la guitarra se cuela domesticada entre la tecnología de los ordenadores y las bases pregrabadas, en donde el ritmo lo es todo. Desde la aparición de Elvis Presley, muchos

¿el rock ha muerto?

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han anunciado “la muerte del rock”. Y así lo afirma “Flea”, bajista y fundador de la afamada banda Red Hot Chili Peppers. Hace unas semanas, el diario británico The Guardian deshaució al género cuando publicó que la venta de sencillos cayó a un nivel histórico desde su nacimiento en el Reino Unido. Y todo esto ocurre en la peor época de la historia para la industria discográfica. Cada año se venden menos álbumes y sencillos, aunque expertos y profesionales del sector aseguran que se escucha más música que nunca, debido a las descargas de YouTube, Spotify y otras plataformas. La facilidad de llegar a todo, ha abierto muchas ventanas pero también ha cerrado muchas puertas. ¿Cuáles podrían ser las causas? La sociedad actual tiene mucho que ver con usar y tirar, la mayoría de lo que consumimos está en un recipiente o envuelto en plástico. El sistema te quita prácticamente todo tu tiempo y

al Rock hay que dedicarle bastante, y además permitirle que te vuele la cabeza, todos esos conceptos que aprendiste obligatoriamente. Hoy en día el Rock ha perdido la batalla ante productos de consumo rápidos y accesibles, fáciles de desechar. Estos productos cuentan con un respaldo económico estratosférico, y los únicos que pueden competir con Lady Gaga o Shakira son las vacas sagradas del Rock. Pero cada día es más difícil. El Hip Hop tomó la posta como género denunciante de las injusticias de los gobiernos, del sistema económico imperante, de la discriminación y desigualdades sociales. Gracias a Internet, la gente ha podido acceder más fácilmente al Rock, pero no parece que haya un incremento de público. Peter Dogget declara: “Hay estrellas, pero no sé cuál es el impacto real que tienen sobre la vida de sus fans. La gente de hoy está fascinada con las celebridades, pero las estrellas de Rock de los sesenta y setenta cambiaron la forma de pensar de las personas. Y no creo que eso lo hagan Selena Gómez o Lindsay Lohan. El Rock fue un vehículo para distribuir ideas radicales de una forma directa. Esos jóvenes escuchaban a los músicos y no a los políticos”. Tal vez eso explique la polémica elección de un presidente en un país de realities y peligrosos niveles de obesidad. En los países latinoamericanos, los amantes del Rock sufrimos con la supremacía de géneros como el Reggaetón, que mantiene a las personas en el mero desahogo pero no apunta a un cambio. La intención de este artículo es simplemente mostrar las condiciones del campo de batalla en el que lucha el género Rock actualmente para aquellos que quieran integrarse a sus filas. Tomen sus medidas. Hoy más que nunca, dedicarse al Rock es puro amor o la nostalgia de un grito que no se sabe si se quema o apaga. En su nota de suicidio, Kurt Cobain escribió: “Es mejor quemarse que apagarse”. Yo creo que puede haber un punto medio. ¶

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zona zero

arrasa con “La ira de los mansos” LEER MÁS

a veterana banda Zona Zero (formada por David R. a la batería, David L. a la guitarra, César a la voz, Nando al bajo, y Conxo a los teclados), publicaron su primer álbum de estudio al finalizar 2015, tras varios EP´s. La ira de los mansos fue grabado en Zoilo Unreal Studios, y de la mano de Maldito Records.

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Para quien no los conozca, es una banda de Vigo (Galicia) de Metal con toques Punk y oscuros, muy buenos y con muchas tablas en el escenario. Comienzan el disco con “2112”, una melodía suave y tranquila al piano para empezar con el tema “La Ira de los Mansos”, un auténtico trallazo lleno de velocidad y una voz grandiosa, casi gutural, contra el maltrato con un estribillo potente “¿Dónde está el hombre del que te enamoraste? ¿Cuándo se convirtió en alimaña?”.

guturales acompañadas de una melodía al piano, los riffs y la potencia de la batería. Es un tema imprescindible en el disco, y seguro que también en los directos. Buen Metal con toques de Rapcore o Nu metal. “Al Limite”, con un ritmo un poco más lento que “Míralo” pero con la misma contundencia, insta a aprovechar cada minuto que vivimos. “Otra Vuelta“ comienza con toques árabes, y termina siendo cada vez más oscuro y lleno de fuerza. “Trago a trago” seguro que es de los más bailados y demandados en directo, Trash Metal en mayusculas. Seguro que se forman buenos moshpit o pogos, o como queraís llamarlo, pero seguro que se montarán bien gordas. El último tema, “Volando”, es un tema para terminar el disco en plan tranqui. Buena voz y melodía para terminar esta obra tan ansiada por sus seguidores como por los amantes del metal. A este grupo, aparte de tener su estilo propio, me recuerdan a grupos como Fear factory, Malfucktion, Rottin Christ, Napalm Death, Asesino, y en ocasiones al grupo argentino de Black Metal Neverchrist, Animal, un poco a Narco, o incluso, por los toques góticos, a grupos como Lacrimosa.

“Contracorriente” es el siguiente tema. Metal puro y duro con una buena melodía, y gran acompañamiento de guitarras llamando a la revuelta contra los poderosos. Con “Pesadilla” muestran su parte mas íntima y melancólica. Musicalmente recuerda un poco al anterior tema, como si entre ellos hubiera un nexo de unión, y el sentimiento con el que la cantan y la velocidad del final es como si se quisieran despertar de la pesadilla, nos hace partícipes a todos los oyentes de su malestar. Con “Míralo” sacan la artillería pesada. Voces

Absolutamente brutal! A mí me enganchó desde el primer tema este primer disco de Zona Zero después de esperar 15 años por diversos problemas acontecidos en el grupo. La madurez, la contundencia y el saber hacer de Zona Zero han hecho que la espera mereciera la pena, demostrando que el resultado del disco es el fruto de años y años de trabajo, queriéndose superar en cada concierto. Una nueva demostración de que el Metal vive un gran momento en España y no tiene nada que envidiar a otros paises del resto del mundo. Disfrutadlo! ¶

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LACARNE

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europa y latinoamĂŠrica

investigaciรณn

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la mĂşsica de tradiciĂł

en la comarca sierra suroeste de badajoz

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ón oral

Situación de la comarca en Extremadura, pueblos, claves identitarias

a Sierra Suroeste es una comarca que, como su nombre indica, está situada al suroeste de la provincia de Badajoz. Linda con otras comarcas pacenses como Tierra de Badajoz, Tierra de Barros, Zafra-Río Bodión, Llanos de Olivenza y Tentudía, y con tierras portuguesas y onubenses. Con más de 1500 km² y unos 33000 habitantes, los pueblos que conforman esta comarca son: Fregenal de la Sierra, Higuera la Real, Oliva de la Frontera, Salvaleón, Salvatierra de los Barros, Valencia de Mombuey, Valle de Matamoros, Valle de Santa Ana y Zahínos, a los que habría que añadir el cabeza de comarca Jerez de los Caballeros, con sus pedanías La Bazana, Brovales y Valuengo. Estamos ante una comarca con fuertes influencias de norte de Huelva y de Portugal, lo que, unido a su paisaje de sierra (la Sierra Morena extremeña) y a los varios ríos que la riegan, con la encina y la dehesa como elemento distintivo, la confieren una peculiaridades que, sin duda, han influido de manera decisiva en la gran riqueza y diversidad de su folklore. Una de las claves identitarias de esta comarca tiene que ver con el gran arraigo que en ella se da de las tradiciones. De hecho, es una de las pocas comarcas con una Fiesta de Interés Turístico Nacional, la Semana Santa de Jerez de los Caballeros, y tres de carácter Regional: la Pasión Viviente de Oliva de la Frontera, el Festival Templario de Jerez de LaCarne Magazine

los Caballeros y el Festival Internacional de la Sierra de Fregenal de la Sierra, al margen de muchas otras manifestaciones de cultura popular con una importante presencia etnomusicológica: las Fiestas de la Virgen de la Salud de Fregenal de la Sierra (recientemente declaradas como bien de interés cultural de carácter inmaterial), el Corpus Christi de Fuentes de León, la Quema del Demonio en Higuera la Real, la Feria de Muestras en Salvaleón, la Feria del Barro en Salvatierra, la Lumbre de Navidad en Valencia del Mombuey, la Romería de El Palancar en Valle de Santa Ana y Valle de Matamoros, La Cruz en Zahínos, la Romería de los Gitanos en Fregenal de la Sierra, etc.

CANTOS Y TONADAS El folklore musical de la Sierra Suroeste es, como hemos dicho, rico y variado, con canciones y tonadas de bailes y danzas muy interesantes y bastante difundidas, sobre todo por la labor ingente que desde su fundación, en 1965, está llevando a cabo el Grupo Folklórico Los Jateros. Entre las canciones más conocidas de esta comarca tenemos el Fandango de la Virgen de los Remedios, Los Pinitos de la Virgen, La Jacha o La Hijuela. Dentro del folklore religioso tienen un gran valor etnomusicológico el Canto de la Salve en diferentes localidades, canto estudiado por varios folkloristas como Bonifacio Gil, Tejada Vizuete, etc. Muy importantes son también los Auroros o cantos asociados a la Virgen del Rosario, en localidades como Higuera la Real, Fuentes de León y Segura de León. Si hablamos del folklore de Semana Santa señalamos el Pange Lingua de Segura de León, el Jueves Santo.

DANZAS Y BAILES Las danzas constituyen uno de las principales manifestaciones de folklore musical en la comarca de la Sierra Suroeste.

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El 8 de septiembre, vinculada a la Virgen de la Salud, hay que mencionar la Danza de los Lanzaores de Fregenal de la Sierra, una auténtica joya etnomusical. El 14 y 15 de agosto, muy conocida y estudiada, tenemos la danza en honor a Ntra. Sra. del Socorro en Higuera la Real, con la participación de las Danzantas de la Virgen. Destacamos también las fiestas del Corpus Christi de Fuentes de León, en la que juegan un papel destacado sus siete danzantes varones con claveles en la boca. En todos estos casos la música corre a cargo de un tamborilero, al que habría que añadir el toque de castañuelas que realizan los danzarines en el caso de la Virgen de la Salud (danzaores o Lanzaores), las danzarinas en el caso de la Danza de la Virgen del Socorro (Danzantas) y los danzantes de Fuentes de León. Una fusión muy interesante y especialmente bella entre baile y danza la tenemos en el Fandango de la Virgen de los Remedios interpretado por el Grupo Los Jateros, un baile muy vistoso cuya estructura se ve alterada al incorporarse en medio una danza que, como tal, es sólo instrumental frente a las voces que aparecen en la parte bailada.

INSTRUMENTOS TRADICIONALES Como en todas las comarcas extremeñas, los instrumentos tradicionales esenciales de la Sierra Suroeste han sido los útiles de cocina y de trabajo, además de los de cuerda como la guitarra, laúd y bandurria; el tamboril y la tambora como principales membranófonos; la gaita o flauta de tres agujeros y el acordeón como aerófonos habituales. A todos ellos aún habría que añadir idiófonos como las castañuelas, tan habituales en las danzas. Muy interesantes es la conocida Tamborada de Bodonal de la Sierra, con la tambora como instrumento esencial entre el Viernes de Pasión y el Viernes de Dolores.

Lanzaores de Fregenal de la Sierra

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Los Jateros

GRUPOS DE FOLKLORE Dentro de esta comarca hay varios grupos dedicados a promover el folklore extremeño. - Grupo de Coros y Danzas Hojarasca, de Oliva de la Frontera - Grupo de Danzantas de la Virgen del Socorro, de Higuera la Real - Grupo El Palancar, de Valle de Santa Ana. - Grupo de Folklore El Jaral, de Valencia del Mombuey. - Grupo de Coros y Danzas de La Bazana (actualmente inactivo). - Grupo Folklórico Infantil Jara y Jerez, de Jerez de los Caballeros (recientemente creado). - Grupo Folklórico Los Jateros de Fregenal de la Sierra (1965). Con cinco grabaciones discográficas, la organización del Festival Internacional de la Sierra y actuaciones por toda España, la totalidad de Europa y Argentina, Los Jateros son uno de los más longevos grupos de folklore en Extremadura y, sin duda, un referente en la investigación y difusión de la música extremeña de tradición oral (http:// www.losjateros.com/).

FESTIVAL INTERNACIONAL DE LA SIERRA Fiesta de Interés Turístico en Extremadura, el FESTISIERRA es un festival internacional de folklore que cada año, desde finales del mes de julio y hasta mediados del mes de agosto, organiza el grupo folklórico Los Jateros, en Fregenal de la Sierra.

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Estamos hablando de manifestaciones de folk, exposiciones, conferencias, teatro, concursos, mercado artesanal, juegos populares, exhibición de oficios tradicionales, danza, folklore infantil, folklore nacional, folklore internacional – con grupos venidos de los cinco continentes-, etc., que llenan Fregenal de música y cultura popular cada año, desde 1980, de finales de julio a mediados de agosto. Como se recoge en la web del festival (http:// www.festisierra.com): “El Festival Internacional de la Sierra es una gran muestra de alegría, colorido, respeto, tolerancia y solidaridad, en el que conviven personas de diferentes razas, religiones, ideas y procedencias, en medio de un gran ambiente festivo, que tiene como contexto físico las calles y plazas de Fregenal de la Sierra, conjunto históricoartístico declarado “Bien de Interés Cultural”, utilizándose, además de sus calles, cinco escenarios diferentes”. Asimismo, este festival se encuentra inmerso en el proceso para que sea declarado con Fiesta de Interés Turístico Nacional por parte de la Secretaria de Estado de Turismo. Recomendamos a todos los lectores de LaCarne Magazine, que no dejen de ir a este festival. Seguro que no les defrauda.

REVISTA EL FOLK-LORE FREXNENSE Aprovechamos este artículo para hacer mención y poner en valor a una de las revistas más importantes y más determinantes en la difu-

sión del folklore a finales del siglo XIX, época en la que, entre otras cosas, se construyó el término folklore con la unión de dos vocablos anglosajones: folk (pueblo) y lore (saber), pudiéndose definir folklore como saber popular. Hablamos de la revista El Folk-Lore Frexnense, dirigida en sus inicios por Luis Romero y Espinosa. Este artículo no hubiera sido posible sin la inestimable ayuda y la asesoría que hemos recibido de Tomás Durán Rodríguez, director del Grupo de Folklórico Los Jateros.

Bibliografía sobre el folklore de la Sierra Suroeste Caso Amador, Rafael (1997). “Las Danzantas del Socorro de Higuera la Real. Notas para un estudio histórico”, en Revista de Cultos y fiestas de Ntra. Sra. Del Socorro de Higuera la Real. p. 13. _________ (1994). “Sobre la historia de los “Lanzaores” de Fregenal de la Sierra”, en Revista de la Virgen de la Salud, pp. 2-5. _________ (1996). “Fiestas y danzas rituales en Fregenal de la Sierra en los siglos XVI y XVII” en Revista de la Virgen de la Salud, pp. 5-11. _________ (1997). “La Fiesta de la Virgen de la Salud en 1925. Nuevos datos para la historia de Los Lanzaores” en Revista de la Virgen de la Salud, pp. 7-9. _________ (1999). “Fiestas y danzas rituales en Fregenal de la Sierra en el siglo XVIII” en Revista de la Virgen de la Salud, pp. 7-10 . Caso Amador R. - Serrano Blanco, J.A. y Tejada Vizuete, F. (2000). “Datos para la historia de la Hermandad de la Virgen de la Salud de Fregenal de la Sierra” en Revista de la Virgen de la Salud, pp. 4-5. Gil, Bonifacio (1947). “Hallazgos de veintiocho canciones populares de Extremadura, recogidas en los años 1884-1885” Revista de Estudios Extremeños, pp. 429-447. _________ (1956). Cancionero popular de Extremadura. Vol. II, Diputación Provincial. Badajoz. Oyola Fabián, Andrés (1994). “Tiempos de

Lanza”, en Revista de la Virgen de la Salud, pp.20¬-21. ¬¬_________ (1995). “La devoción del Rosario en la Sierra de Fregenal: el canto de la Salve” en Revista de la Fiestas patronales en honor de Nuestra señora Santa María de los Remedios. Fregenal de la Sierra, pp. 74- 78. Salguero Marín, Aurelio (1992). “Las Danzantas de la Virgen del Socorro. Una tradición perdida” en Revista de Cultos y fiestas de Ntra. Sra. Del Socorro de Higuera la Real. _________ (1997). “EI rescate de una danza: Las niñas danzantas”,en Revista de Cultos y fiestas de Ntra. Sra. Del Socorro de Higuera la Real, p. 5 Sánchez Expósito, Ismael y Nogales Bravo, José Luis (2014). Los Jateros: Historia, identidad e invención de la tradición. Diputacion Provincial de Badajoz. Serrano Blanco Juan Andrés (1986). “Las danzas de Fregenal de la Sierra y Fuentes de León”. en Actas de las I Jornadas de investigación de danzas guerreras, agrarias de fertilidad, de paloteo y similares, Fregenal de la Sierra, pp.71¬-78. Tejada Vizuete, Francisco (1986). “Danzas paralitúrgicas: notas históricas” en Actas de las 1 Jornadas de investigación de danzas guerreras, agrarias de fertilidad, de paloteo y similares, Fregenal de la Sierra, p. 70. _________ (1987). “Procedencia y clasificación musicológica del presente “corpus” de Villancicos (presentación y consideraciones)” en Saber Popular, n° 7 p. 11. _________ (1989). “Danzas religiosas en la Baja Extremadura: Cuestiones hermeneúticas”, y “Riqueza modal y rítmica de la música folk1órica extremeña. Algunas sugerencias didácticas” en Folklore y Escuela. CEP de Badajoz, pp. 17-19, y 32-35. _________ (1997). “Danzas eucarísticas y marianas en la Sierra bajoextremeña y onubense”, en Demófilo, n° 21. Sevilla, pp. 119129 _________ (Coord.) (1995). Raíces. El folklore extremeño. Coleccionable Diario Regional Hoy. Badajoz 1995.

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historia de los instr electrónicos parte 2 LEER MÁS

ola a todos! Continuamos con la segunda parte de la historia de los instrumentos electrónicos, y para ello, me voy a centrar en la etapa que comprende de 1960 a 1980 dividiéndola en dos partes. Ya os comenté que la definición de música electrónica era la compuesta por un ordenador, un sampleador y un sintetizador. También se puede crear a través de un software insertado en el ordenador que digitaliza y procesa los sonidos. Espero deleitaros con ello.

1. - 1960-1970

La década de los 60 fue muy buena para la música electrónica, y es debido a que varios artistas iban experimentando con los sintetizadores. El compositor Luening creó el tema “Gargoyle” para violín, y Stockhausen compuso “Kontakte” con elementos de piano, percusión y todo ello mezclado con sonidos electrónicos, donde se abandonó la música tradicional de siempre y le dio un toque que recordaba al cine de principios de siglo veinte. Uno de los primeros sintetizadores fue el BUCHLA en 1963, el cual fue un producto del compositor Morton Subotnick.

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rumentos Otro instrumento que apareció en estos años fue el THEREMIN, el cual fue creado en 1919 por Lev Termen, pero que en la década de los sesenta se popularizó.

En Reino Unido, uno de los compositores electrónicos más importantes fue Delia Derbyshire, y gracias al tema principal de la serie Doctor Who, pieza indiscutible del mundo de la electrónica. En 1964, Robert Moog ideó el SINTETIZADOR MOOG, que fue el primer sintetizador analógico que se controlaba por un sistema integrado modular de control de voltaje.

media para teatro, como los llamados ONCE y John Cage realizó una de las primeras piezas de electrónica en directo llamada Cartridge Music. También los músicos de jazz empezaron a dar conciertos empleando sintetizadores Moog, como Paul Bley y Annette Peacock.

Sintetizadores

En 1964 se presentó el Sintetizador Modular Moog en una demostración en la Convención de la Sociedad de Ingeniería de Audio, y a raíz de ahí empezó a tener éxito. La compañía Moog Music empezó a despegar en el mundo musical, y sobre todo cuando Wendy Carlos editó el álbum “Switched on Bach”. A raíz de ahí, se empezaron a comercializar los Minimoog, el Moog Taurus, el Polymoog, el Memorymoog, etc. También se presentaron los órganos programables producidos por Keio, y construyeron teclados que iban destinados al mercado de los sintetizadores.

Música realizada por ordenador

En 1962, la emisora de radio NBC y para el programa Monitor, emitió a nivel nacional una emisión pregrabada y en París, IRCAM se hace referente como centro de investigación con todo relacionado a la música electrónica que se crea con ordenador.

Electrónica in live

En Estados Unidos se hizo por primera vez electrónica en vivo a inicios de los años sesenta por los componentes del “Milton Cohen´s Space Theater”, donde uno de los miembros más destacados era Robert Ashley. Se realizaban festivales donde se veía música multi-

2. - 1970-1980

En 1970 el tema “Time´s Encomium”, de Charles Wuorinen, ganó el Premio Pulitzer por un tema totalmente electrónico. Veremos también LaCarne Magazine

el nacimiento de la música electrónica popular.

Música electrónica popular

En los años setenta se empezaron a ver diferentes estilos de música y todos relacionados con la electrónica, como el Rock Progresivo, la Escuela de Berlín, el Space Rock y el Synthpop. Grupos como Can y The Residents fueron los pioneros en realizar música experimental que añadían elementos electrónicos. También hubo bandas de rock, como Genesis, que empezaron a introducir sintetizadores en los arreglos que hacían en sus composiciones. En 1979, el artista Gary Numan, con su tema “Cars”, llevó la electrónica a un público más amplio, y cabe mencionar a artistas que hicieron que la música electrónica ganara adeptos a nivel mundial como Kraftwerk, Depeche Mode, Jean Michel Jarre, Michael Olfield o Vangelis. Os dejo aquí un enlace para que veáis una muestra de los inicios de la electrónica popular.

Nace el MIDI

En 1980 se estandarizó un interfaz para que los diferentes instrumentos pudieran relacionarse entre ellos y el ordenador principal, y se denominó MIDI. Esto permitió que con solo presionar una tecla, mover un pedal, controlar una rueda o dar una orden a un ordenador, se pudieran conectar entre sí de manera sincronizada. Miller Puckette creó un software llamado “Max”, el cual se incorporaría Macintosh para controlar el MIDI en tiempo real. Esta tecnología permitió que se crearan infinidades de temas que fueran más creativos, y coincidió con la llegada al mercado de los ordenadores personales.

Sampler

Se generaliza con el nacimiento del Hip Hop en los años setenta, y es un aparato analógico o un software que coge datos digitales de secuencias sonoras para después reproducirlas o transformarlas con efectos. También se pueden coger muestras de vinilos o de cintas. Es decir, graba sonidos y los transforma en digital a través de ordenadores. Estos ordenadores se empezaron a llamar sampler, y con su evolución se insertaron en teclados y sintetizadores. Os dejo aquí un vídeo donde se muestra la utilización de los primeros sampler. ¶

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LACARNE

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europa y latinoamĂŠrica

entrevistas

LaCarne Magazine

l último trago será la última gira de Canteca de Macao. Tras 14 años de recorrido, la banda se despide con una gira que será inolvidable para todos sus seguidores. ¿Qué les ha llevado a poner fin a una carrera llena de éxitos? ¿Continuarán en solitario? ¿Cómo se sienten? ¿Por qué ahora? Éstas y otras muchas preguntas son las que nos hacemos nosotros y muchos de sus fans. Por supuesto, sus motivos tendrán, pero eso no quita que sintamos que el panorama musical pierda a una gran banda como Canteca de Macao. Nos han hecho bailar con su música y hemos disfrutado de sus conciertos, que siempre han sido divertidos. Canteca de Macao forma ya parte de la historia de la música en nuestro país y, hagan lo que hagan a posteriori, serán siempre un referente para otras bandas. Nos quedan sus discos, sus canciones, los recuerdos de sus conciertos, y todavía podemos disfrutar de El Último Trago, que seguro nos tomaremos con ellos. Quizás esto sea un punto y final para Canteca de Macao, pero, por qué no, puede ser un punto y a parte para dar comienzo a nuevos proyectos. Muchos de vuestros seguidores, y nosotros también, nos preguntamos qué es lo que lleva a una banda a poner punto y final a una larga trayectoria. Es un conjunto de muchas cosas y ninguna en concreto. Sentimos de alguna forma que ha terminado un ciclo. Nos apetece probar con otras cosas. Tener perspectiva de todo lo vivido. Renovar la ilusión. Durante estos 14 años de existencia de Canteca de Macao, ¿con qué os quedáis? ¿Cuál ha sido para vosotros el mejor momento como banda? Yo diría que los mejores momentos han sido

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nos desped

can

dimos de

nteca de macao LaCarne Magazine

el principio y esta última temporada. Los comienzos porque los recuerdo llenos de muchísima energía, cargados de ilusión e inocencia. Vivíamos lo que nos ocurría con unas ganas y una naturalidad que son propias de la inexperiencia. Fueron años maravillosos. De conocer, de explorar, de aprender. Y esta última etapa porque, después de años de aprendizaje, hemos desarrollado una fórmula de trabajo muy ordenada que nos ha permitido disfrutar muchísimo de las giras. Hemos aprendido a canalizar la energía para aprovecharla al máximo, y hemos conseguido el mejor de los ambientes posibles. La verdad es que el 50% de las veces nos da mucha pena dejarlo. Supongo que se trata de aplicar todo lo que hemos aprendido en otros proyectos. Además de buenos ratos, imaginamos que no habrá sido todo un camino de rosas. ¿Recordáis algún momento en el que hayáis querido tirar la toalla? Pufff, sí! Yo misma he tenido un par de momentos en los que he estado al límite. Coordinar una banda grande es muy difícil y, en ese periodo comprendido entre los comienzos y esta última etapa, hemos estado siempre en la búsqueda de fórmulas de trabajo que nos mantuvieran motivados a todos. En ese camino de ensayo y error hay momentos duros, pero también los hay en las etapas más felices. No es nada el ying sin el yang. De todo eso hemos aprendido. Os habéis dedicado a la banda en cuerpo y alma, lo cual a veces conlleva no tener otra vida que la de la banda. ¿Habéis compaginado bien vuestro trabajo en Canteca de Macao con vuestra vida privada (familiar)? ¿Cómo desconectáis del trabajo? Desconectar de tu proyecto personal es casi imposible. La música es arte y el arte forma parte de ti. Le ponemos el corazón a lo que hacemos. Eso significa que va siempre con nosotros. Además de lo poético, siempre hay cosas que hacer. Componer, grabar disco, promocionar disco, girar..., y vuelta a empezar. La única forma es irte muy lejos a un sitio donde no tengas cobertura en el móvil. Pero, sinceramente, a mí eso es lo que más me motiva de este trabajo: que es una forma de vivir. En

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mi caso, mi vida familiar ha de conciliar con mi trabajo y no al revés. Mi trabajo es mi pasión. De momento, es lo que más me llena y para mí es lo primero. Me hace feliz. En marzo comienza la gira de El último trago. ¿Cómo afrontáis la que será vuestra última gira como Canteca de Macao? Aún no lo sabemos. Son muchas emociones encontradas. A mí me da miedo no ser consciente a tiempo real de lo que estoy viviendo. Es como si quisiera llevarme todo lo que va a pasar con todos los detalles posibles. Quiero estar muy presente, vivirlo todo intensamente y cerrar por todo lo alto lo más bonito que me ha pasado en la vida que, sin lugar a dudas, es Canteca de Macao.

¿Qué hará que El último trago sea una gira inolvidable para vuestros seguidores? ¿Habéis preparado algo especial? Lo especial es que es real. La energía que se va a vivir va a ser única. Única e irrepetible, literalmente. ¿Qué pasará después del último concierto? ¿Os tomaréis unas vacaciones, comenzaréis nuevos proyectos…? Chiki está ya presentando lo que es su primer disco en solitario. Lo ha sacado bajo el nombre de Chiki Lora y se llama Sumando. Ojo que lo ha sacado hace poquito y está teniendo muy buena aceptación. Es un disco muy sincero y muy musical. Es decir, como el propio Chiki :) Yo, por mi parte, aún ando en fase creativa y no puedo adelantar nada. Tengo ideas a la es-

pera de materializarse y, de momento, lo llevo con calma. Este año es para centrarme en la despedida de Canteca de Macao. La ocasión lo merece. Pero espero poder daros noticias pronto de lo que tengo entre manos. Hagáis lo que hagáis os deseamos mucha suerte. Gracias por atendernos y por estos 14 años de Canteca de Macao ;-) Muchísimas gracias a vosotros. Salud y trabajo para tod@s. ¶

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Foto por Felipe Chirinos

fifteen years old demostrando la fragilidad del arte

Antes que nada, muchas gracias por acceder a la entrevista con LaCarne Magazine, nos complace que visites Bolivia. LEER MÁS

l miércoles 1 de febrero la peruana Solange Jacobs tuvo una presentación en el local Magick en Sopocachi con su proyecto Fifteen Years Old. Luego de su impactante performance, acudimos a entrevistarla como lo hacemos comunmente, sin embargo, la entrevista la pudimos realizar online donde Fifteen Years Old nos contó los aspectos de la creación en el escenario, sus proyectos y motivaciones.

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¿Hace cuánto y cómo empezaste con el proyecto Fifteen Years Old? ¿Qué significado tiene el nombre Fifteen Years Old actualmente? Empecé formalmente con Fifteen Years Old en el 2011. Tomé finalmente la decisión de hacer las cosas sola. Antes estaba en una banda con tres chicos más que eran como mi familia, pero en la parte creativa para mí había bastantes limitaciones. El nombre Fifteen Years Old apareció porque me encontraba en ese momento con los pies en aquella edad emocional, y sentía que todo debía de partir desde ese lugar. Buscaba además un nombre vulne-

rable, pues sabía que lo que iba a salir eran cosas que se habían estado acumulando por mucho tiempo y que me iba a quebrar. Entonces tenía 32 años. Ahora el nombre tiene una identidad mas allá de su significado. Pocas veces recuerdo como se llama lo que hago. En cuanto a tu formación musical ¿tus familiares te apoyaron en esa decisión?¿Qué influyó para convertirte en la artista que eres? Siempre estuve vinculada a la música, para mí nunca existió algún tipo de frontera con respecto a ella, ninguna inculcada, ni asumida. Digo frontera en el sentido de respeto –y la distancia que ello puede implicar–, por esto nunca sentí la necesidad de validar lo que hacía a través de la academia. En Lima, la música está en el transporte público, en la bodega, en la misa, en el carro que pasa por tu lado mientras caminas: Invade el espacio de lo público y, desde lo cotidiano, te atraviesa. Me formé así, con la música en la punta de la lengua, en una época además en que la radio tenía una presencia distinta, y en donde las voces que se oían eran siempre voces sin rostro, una analogía muy pertinente a la realidad limeña. Esta cosa análoga me ayudó mucho a conectar conmigo misma dentro de esa realidad. Mi familia influyó en el sentido de que es una familia muy típica dentro de su contexto. No recibí educación –felizmente–, a pesar de que mi madre cantaba. En ese sentido prefiero hablar de referentes más que de influencias. Mi madre, de hecho, es una de ellas, pero también lo han sido mujeres como Victoria Santa Cruz, Silvia Rivera Cusicanqui, Hanna Arendt, Jeannette, y varias amigas mías que son maravillosas creadoras. Más bien mi trabajo ha consistido siempre en desaprender muchas cosas de mi contexto, en desvestirme. El no haber sido formada en la academia me ha permitido usar aquello como principio de libertad. ¿Cómo defines el performance que realizas en escenario? Cada vez en el escenario es distinta porque hay dependencia con la gente que está ahí, que son quienes completan el círculo. En ese sentido no son agentes pasivos. Hay dependencia con el espacio físico, geográfico, po-

Foto por Felipe Chirinos lítico. Por todo esto, cada performance, cada compartir, es distinto. Yo trato de ser muy consciente y respetuosa con ello, respetuosa conmigo porque es mi cuerpo el que está en mesa en ese momento, y con los demás porque son otros quienes comparten esa mesa conmigo. Respeto además en el sentido de ser fiel a lo que allí ocurre, y facilitar a que ello suceda. Para mí, la “perfo” tiene menos que ver con el disco de lo que se piensa. El disco es cuidado en el sonido, es un trabajo en sí, pero la “perfo” ocurre, y en ese sentido hay cosas que no puedes controlar. En términos de tiempo, espacio, y de colectividad, implica verse afectada por otras lógicas, por una dimensión de lo colectivo bastante particular. No hay comunidad ahí, sólo acaso comunión como potencia y posibilidad. Las últimas veces en Lima, por ejemplo, sentía que subía a un ring de box, y era hermoso convertir toda esa furia en piel hasta quedar cansada, exhausta y feliz, feliz porque nadie sabía, o nadie manifestaba saberlo al menos, que había sido cómplice de esa violencia, que había sido parte de ella. En una ciudad tan conservadora como Lima, para mí eso era un LaCarne Magazine

Foto por Hector Delgado

triunfo, y una garantía para seguir estando. En tus propias palabras ¿Qué es el arte para ti? Es una pregunta difícil porque hay demasiadas respuestas, y se tiende a asumir como verdades absolutas. Para mí, el arte no tiene nada de absoluto, y si lo tiene más bien es algo que favorece en este momento al fascismo. Para mí es importante que el arte demuestre, también como estrategia de sobrevivencia, su fragilidad, su lado roto, su mierda, y su capacidad para habitar el margen. No me refiero al margen en la figura acomodada del “outsider”, sino al margen en el que jodidamente siento que vivimos: al margen del otro, al margen muchas veces de nosotros mismos, en un contexto en el que las relaciones de grupo se configuran continuamente a través de dinámicas violentas de poder. A mí me interesa revisar a profundidad ese lugar, porque es el lugar desde el cual se construye mi voz. Si para algo me es útil el arte es para vivir, para dar existencia a aquello que queda fuera de la palabra hegemónica, aquella que nombra, crea, legitima y excluye.

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Eres activista feminista, ¿cuál es tu experiencia en estas prácticas junto con tu arte? No asumo mi trabajo como activismo, tampoco necesariamente como feminista. Para mí son identidades con las que comulgo de manera constante, sobre todo porque tengo muchos amigos y colegas que trabajan desde ahí y con ellos comparto. Hay trabajo en común. Me identifico en varios puntos con esas identidades, pero no pienso que sea lo que hago. Sobre el feminismo, creo que es una categoría que está produciendo un sentido de identidad que es necesario cuestionar, revisar, analizar, “actualizar” constantemente, más aún en este momento. Sobre el activismo, alguna vez leí un repost de una mujer mexicana cuyo trabajo admiro. Decía algo así como que le costaba asumirse activista en un contexto como el mexicano, donde lo urgente e inmediato están por delante de cualquier definición. Me identifico más con esa posición. ¿Cómo se puede ser activista en un contexto como el peruano? El término en sí ya tiene muchas connotaciones que me parecen problemáticas. Connota que aquello sea un trabajo, y eso es algo que deja a mucha gente por fuera, gente que realmente hace, lucha, construye desde sus espacios,

teniendo veinte trabajos a la vez. Con respecto a ambos términos, me interesa más qué es lo que queda fuera de ellos que no está legitimado como verdaderas luchas, siendo que genuinamente lo son. El ámbito de lo doméstico, por ejemplo, que es donde se materializan y naturalizan las opresiones del Estado, quiénes son y cómo construyen aquellos que resisten desde esos espacios. Lo mismo con lo que se categoriza como enfermo (particularmente los catalogados como enfermos mentales), los espacios estigmatizados bajo la noción de pobreza. Hay ahí conocimiento que escapa al discurso, y pienso que el arte tiene la posibilidad de acercarse a esos espacios de manera distinta, de captar otras cosas, y, por ello, de aportar desde la diferencia. Experimentas mucho con la música, además que tienes un estilo un poco poético ¿Qué tipo de influencias tienes en música y en letras? ¿Cuál es el proceso creativo que tienes para componer? ¿Por dónde empiezas? Las influencias o referentes son las que comentábamos antes. Son más de tipo biográfico que de tipo estrictamente musical. Gente que quiero y con la cual me siento acompañada, gente de la que aprendo mucho. No tengo un proceso creativo constante. Lo único, creo, es que empecé a componer ambos discos a partir de la voz, y la voz es cuerpo, por eso creo que mi cuerpo ha sido mi instrumento principal, los instrumentos musicales son secundarios y funcionales a él. Eso ha sido súper bueno para mí en tantos sentidos: me ayuda a hablar, a elaborar lo que pienso, a reconocer mi deseo, a reconocer que tu propio cuerpo depende de otros para funcionar, y a no depender o a no relacionarse con la técnica como un mero oficio, sino a condicionarla según tu necesidad. Y necesidad, como carencia y al mismo tiempo como deseo, es algo que nunca falta. La mediación es distinta cuando compones con tu cuerpo. Participaste en “Contemplaciones, el homenaje iberoamericano a Jeanette”. ¿Cuál ha sido tu experiencia con ese compilado? De puta madre! Jeanette es un referente importante, sobre todo de mi infancia, y poder hacer una relectura de su trabajo fue genial.

Foto por Felipe Chirinos La versión de ¿Por qué te vas?, que es como la he bautizado yo, tuvo bastante eco. En algunos casos la gente llego a Abecedario a través de ella, y también recibí comentarios muy bellos por parte de Jeanette. De otro lado, aprendí bastante sobre el manejo del poder en la industria de la música, de cómo se construyen esas relaciones entre creadores y negociantes. Y en ese sentido también ha sido útil como experiencia visibilizar aquellas distancias y poder discernir para elegir dónde ubicarme. Tienes en mente algún nuevo proyecto o videoclip para promocionar Abecedario, ¿qué se viene en el futuro para Fifteen Years Old? Se viene el videoclip de Abecedario este semestre, varias versiones para compilados, y en el segundo semestre espero comenzar con el siguiente disco. ¶

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jaime cortez

la comunidad de la música hecha en bolivia

n entrevista exclusiva para LaCarne Magazine, Jaime Antonio Cortez Maldonado, fundador de Comunidad, nos entrega sabrosas palabras que trascienden los océanos. Cuéntanos de tus comienzos Un grupo llamado Yerba (1982), con una única presentación en el año 84. Como invitado especial en la guitarra estaba Renato Careaga. Tocábamos temas de los Jaivas, Jairas y Wara. Luego de esa experiencia formé el grupo Cactus con Renato, y fueron las primeras visiones de crear y componer. En 1985, R. Careaga se

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fue a la Argentina con un grupo de folk llamado Oasis. Yo me voy a Europa (España), e integro un grupo casual de batalla en las calles, se llamaba Karumanta. Al regresar a Bolivia a fines del ’86, casualmente nos volvemos a reunir con Renato Careaga, y por febrero de 1987 empezamos a trabajar en pura composición, y en abril nace Comunidad, con el propósito de aportar con nuevas ideas y conceptos para una época difícil en el contexto socio-político. Ahí empieza la odisea, verdad? Carambas… Luego se integra Nelson Peñaranda, aparece Markus Fuss con su charango y lo invitamos junto a José Antonio Vichi Oliveira, Antonio Ochoa y German Jung. Con algún repertorio de los anteriores grupos y los de creación, empezamos en los sábados culturales en “La Casa del Marqués de Villa

Después de varios intentos de producir con empresas del país, decido producir independientemente a Comunidad. Así sale el álbum Acracia, con el ingreso de Marcelo Palacios, R. Peñaranda, Ximena Martínez y Javier Mollinedo. Luego viene otra etapa con el ingreso de Puka Reyes Villa. Se produce el álbum Horadar, entrando con más fuerza al Rock fusión, y con invitados de lujo como Javier Saldías. Luego, grabaciones con Donato Espinoza y Rodrigo “Grillo” Villegas marcaron un punto alto en la propuesta de Comunidad. Plantean en Comunidad factores de una visión objetiva como un ARTE LIBRE y APOYO MUTUO. La banda fue la base para compartir con diferentes tendencias en géneros musicales, dadas las propuestas de composiciones de los integrantes en diferentes etapas que le tocó vivir al grupo. Luego se graba el álbum Eclipse Mental, integrando a Edwin Centellas (Moicano) al staff de la banda.

Verde” (hoy MUSEF), y varias presentaciones en plazas y otros lugares. La muerte repentina de un gran amigo (Mario Ibáñez), guitarrista eximio de Trueno Azul, hace que, para un homenaje en el auditorio de la “Radio Fides”, sea nuestra primera integración con el bajo y batería (Yayo y José Luis Morales). Esa experiencia marcó definitivamente la línea de fusión Rock con instrumentos del mundo y amplió el horizonte a la propuesta de Comunidad. Una gira por Bolivia, auspiciada por la Alianza Francesa, generó una producción conjunta donde se edita Intoxicación (en vivo), un cassette memorable para la banda. Nuestra música no fue digerida por la masa, siempre quedó en la marginalidad, y fue respetada por los entendidos hasta la fecha.

Fueron tiempos de recitales y memorables conciertos, no? Posteriormente, se reeditan para los 20 años de aniversario varios aportes y producciones sueltas en el BOX SET – “Commedia dell’arteCurriculum vitae” (solo para coleccionistas), donde se refleja todo la propuesta y legado de Comunidad. El aporte de Jaime A. Cortez M. Junto con Renato Careaga, Markus Fuss y Edmundo Mercado como un legado de punto de partida. Luego seguirían Marcelo Palacios, Ronald Peñaranda y Walter Puka Reyes Villa, cada quien con su energía e influencias, y las voces de Ximena Martinez y Lilik Peñaranda dando el sentido de la música en Comunidad en estas tres décadas de aporte artístico musical. Especificar la gran cantidad de músicos, poetas, artistas plásticos, diseñadores, periodistas, amigos y otros que aportaron desinteresadamente al manifiesto POR UN ARTE LIBRE, pensamiento que mantenemos hasta el día de hoy, sería muy complicado.

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Lo nuevo de COMUNIDAD 2017 Nuevamente aportes de Edwin Centellas (Mohicano), Jaime A. Cortez M. y Marcelo Palacios, con algunas reediciones que ven necesarias extraerlas de las calles y traducir en música para comunicar, en un nuevo y una nueva etapa de Comunidad, el apoyo profesional de Gabriel Galo Cortez y Sergio Mezcal Gamez. El álbum Ojo loco será presentado en Junio de este año aproximadamente, y tendrá un par de tributos al grupo de más influencia en el folklore de los años 70 (un par de covers que también fueron incluidos), sumados a las nuevas composiciones de los integrantes de la banda. El BOX SET contiene “La Revuelta” (temas de 1987 a 1992, conciertos en vivo y aportes varios), e “INTOXICACION” (álbum doble de conciertos en vivo de 1987 a 1992). Se viene una joya discográfica para los coleccionistas de música. ¿Cómo se sienten en Comunidad? Mirar nuestra realidad, expresar lo que sentimos, lo que pensamos, a partir de la libertad de creación y el apoyo mutuo, en eso estamos. Lo que caracteriza a un artista en Comu-

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nidad es una expresión vital del ser interior en libertad comunal, que permite a los hombres alimentar su deseo de crear y eliminar a los genios onánica pasión individualizada. El arte en comunidad está en conflicto permanente con la cultura existente. ¿Cuál sería el mensaje final? Gracias por la entrevista concedida en exclusiva para LaCarne Magazine. Larga vida hermano! El mundo en que vivimos nos ahoga y agobia, sufrimos su presión en toda su falaz hipocresía, su renegada reacción al subestimarnos, como a niños que están al margen de la ideología de la producción: esclavitud moderna, vieja moral enferma. “En este universo lleno de sonidos, poesía y arte, se dio el encuentro casual de nómadas incoherentes. Compartir, experimentar son los elementos necesarios para elaborar una alquimia de timbres, sonidos y ritmos que se generan en cada etapa que le toca vibrar, como metamorfosis ambulante para descubrir algo nuevo, esta fusión llena nuestro ser y es hasta el día de hoy símbolo de libertad creativa.” Bienvenidos a esta mágica y añorada comarca, llamada Comunidad. ¶

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Juan carlos Castillo

entrevistas a improvisadores libres

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¿Cuál es tu procedencia musical? En la música empecé escuchando más que tocando. Desde los 12 años hasta los 18 escuchaba todo lo que caía en mis manos,

principalmente las cassetes que grabábamos y nos pasábamos entre los amigos del colegio. Anhelaba tener un tocadiscos, llegué a comprarme algún vinilo cuando todavía no tenía donde ponerlo. Mi primera experiencia musical fue un programa de radio propio en el que reseñaba a partes iguales novedades del comic de entonces (era 1983, época dorada de muchas publicaciones), y discos que me dejaban los amigos. Con quince años, era la persona más joven de la radio (radio bigarda libre, una de las pioneras en Cuenca, la ciudad donde nací), lo que me colocaba instantáneamente en la posición de aprender de todo lo que escuchaban y ponían mis compañeros de más edad. Así conocí a Cream, Free, Manfred Mann, Fairport Convention, Shakti, Van der Graaf Generator y muchas otras cosas que me fueron “abriendo la oreja”. Llegó un momento en que la curiosidad por el lenguaje musical era tal, que empecé a interesarme en el hecho de tocar, crear, y hacer música. Pasé del teclado Casiotone de aquella época, el VL-1, que todavía conservo, a la típica guitarra española, en mi caso prestada por un amigo que cedió a mi entusiasmo, hasta que conseguí mi primera guitarra acústica. En esta época no tenía ningún conocimiento musical, así que improvisaba pequeñas frases, “inventaba” acordes, o intentaba sacar de oído “Solsbury hill” de Peter Gabriel, o algún tema de los Beatles, o de John Mayall. Al poco tiempo estaba componiendo mini-piezas con la guitarra. Esto en particular me encantaba. Casi todo lo que hacía era muy rítmico, me podía pasar horas tocando una progresión que me gustara. De pronto, me empezó a interesar el Blues, sacaba pequeñas frases de aquí y allá. Después vino la batería, importante para mí porque me dio la posibilidad de tocar en grupos. Tiempos de rock and roll. Tras algunos años de tocar con gente, grabé un disco con un grupo semi-profesional, pero en ese momento no me gustó nada escucharme tocando: ahí me dí cuenta de que necesitaba organizar lo que sabía, y aprender mucho más. Empecé a dedicar tiempo más en serio a los dos instrumentos. Durante un tiempo recibí clases de dos guitarristas y músicos extraordinarios: Eugenio Ibarz y Andrés Olaegui, con los que pude aprender, aparte de ciertos

conceptos muy útiles sobre el instrumento, los conocimientos de armonía que necesitaba para componer e improvisar un poco en condiciones. Por entonces ya escuchaba Jazz, y me empecé a plantear conocer más a fondo el lenguaje. Continué unos años más tocando con bandas, y entonces me crucé con la improvisación libre. ¿Cuáles son las influencias que te han ayudado al aprendizaje de tu lenguaje improvisatorio? En cuanto a influencias, me cuesta localizar cuáles son o en qué medida han pesado más unas sobre otras (esto quizás lo podría decir mejor alguien que me escuche en distintas situaciones musicales). Por otra parte, pienso que para ser capaz de asimilar ciertas influencias, tiene que darse sí o sí un conocimiento más exhaustivo sobre el instrumento del que yo poseo. Dicho esto, sí tengo claro lo que me ha ido marcando: siempre me han atraído los músicos que van más allá, en el sentido de experimentar y ofrecer algo “distinto”, o que desarrollaron un lenguaje muy personal: Zappa, Wayne Shorter, Sonny Sharrock, agrupaciones como el Spontaneus music ensemble, o King Crimson…, mentes abiertas con un sentido de aventura en todo lo que hacen. Recuerdo un concierto de Agustí Fernández con su trío, que incluía a Ramón López y Barry Guy. Disfrutamos, las pocas personas que habíamos acudido ese día al desaparecido colegio mayor San Juan Evangelista, de todo un despliegue de virtuosismo en libertad musical, y de comunicación casi telepática entre los músicos. Ese día entendí lo que quiere decir “composición en el momento” como sinónimo de improvisación. Más que una influencia, lo recuerdo como el momento en el que decidí trabajar más a fondo en la improvisación libre. ¿Cuándo y cómo llegaste a la improvisación libre? Por casualidad. En 2004 asistí a un taller de varios días que impartía Chefa Alonso. La verdad es que lo disfruté mucho, era un enfoque totalmente distinto a cualquier cosa que hubiera hecho antes en música. Vi que improvisar libremente implicaba una actitud de escucha que era justo lo que necesitaba en ese LaCarne Magazine

mí es haber tenido la oportunidad de tocar con la orquesta FOCO dirigida por Fred Frith, Terry Day, Maggie Nicols, Agustí Fernández, Llorenc Barber, o Ilan Volkov. ¿Qué actividades desarrollas como improvisador? Estoy intentando centrarme de nuevo en el solo, algo que cultivé durante un tiempo, y que acabé dejando de lado, sobre todo por la dificultad para encontrar sitios donde poder tocar. En este momento suelo improvisar en solitario todo lo que puedo, y espero en breve poder compartir los resultados. También, y cada cierto tiempo, me reúno con Jorge Cabadas, músico excepcional con el que comparto un dúo guitarrístico, actividad ésta que ya tiene un fruto en forma de disco, que hemos presentado hace un par de meses. Os animo a que lo escuchéis y nos deis feedback. Además, colaboro con la Orquesta Raras músicas, con los que me lo paso muy bien tocando, y también aprendiendo. momento. Aunque no tenía ninguna experiencia en este tipo de situación musical, no sentí ningún bloqueo por ello, más bien me lancé directo a la cuestión. Algún tiempo después, Paloma Carrasco, con la que había coincidido en este mismo taller, me habló de unas sesiones de improvisación que comenzaban en La casa de los jacintos, empecé a pasarme por allí y conocí a muchos músicos que luego serían compañeros en la asociación musicalibre y la orquesta FOCO, a la que pertenecí durante algunos años. Como te decía, estaba Paloma, también Erica Zisa, Graciela López, Ebba Rohweder, Gregorio Kazaroff, Ricardo Tejero, Marcos Monge, Pedro Rato, Javier Carmona, Juan Jaren, Javier Paxariño… Ellos fueron la influencia más directa a la hora de tocar improvisación libre. A improvisar se aprende improvisando, y si puedes hacerlo junto a músicos experimentados, mejor. Por esa época dediqué tiempo a escuchar con atención sobre todo a los improvisadores ingleses de finales de los 60 y 70, como Evan Parker, Derek Bailey, John Rusell, AMM, Globe Unity Orchestra, Keith Tippett, etc. Otra experiencia de mucho valor musical para

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¿Cuál crees que es tu papel en la escena de improvisación? Creo que algo periférico a pesar de mantener actividad en la escena. Por otro lado, me siento afortunado de poder compartir mi experiencia y ofrecer un cierto color, tanto en las situaciones colectivas como en otros formatos improvisatorios. ¿Podrías explicar brevemente tu concepto musical? Escucha, decide y toca. Hazlo con todas las consecuencias. Este sería el horizonte, por decirlo de alguna manera. A veces esta actitud se materializa, y uno consigue aportar algo que tiene valor musical. Cuando esto ocurre, te das cuenta de que ha merecido la pena el esfuerzo. Indicar links, webs personales, grabaciones.... - Sesión de improlibre en raras musicas, con Tejero, Kazaroff, The Geordie Approach y Pedro Rato (vídeo resumen). - Solo acústica (extracto). - Soundbites/ con Jorge Cabadas y Juan Carlos Castillo (ver). ¶

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amparanoia

celebran los 20 años de el poder de machín

mparanoia, una de las bandas con más repercusión de nuestro país, vuelve para celebrar 20 años de carrera musical. Vuelven para hacer felices a muchos seguidores con una gira que les llevará por gran parte de la geografía española y Latinoamérica. Amparanoia rescatan El Poder de Machín, disco que publicaron en 1997, y que ha hecho resucitar a esta gran banda encabezada por Amparo Sánchez, compositora y cantante, que a pesar de su carrera en solitario, siempre la hemos identificamos con Amparanoia. Tras la separación del grupo en 2008, y las diferentes trayectorias que siguieron sus com-

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ponentes, hoy en día han hecho que, los que ya los escuchábamos en sus comienzos, rememoremos aquellos buenos tiempos. El Poder de Machín es mucho poder, y han hecho que queramos seguir disfrutando de Amparanoia otros 20 años más si cabe. En primer lugar, queremos felicitarte por toda tu trayectoria musical que marcó un antes y un después en la fusión musical de nuestro país. Dinos, ¿has conseguido todos tus propósitos a lo largo de estos años? Muchas gracias! Pues ahora, mirando los 20 años que han pasado y volviendo a cantar y mezclar los temas del pasado, siento que son muy actuales en la tematica feminista y reivindicativa, y con el número de colaboradores que se vuelcan en la interpretación y en la fusión que propuse con Amparanoia, pienso que alguna huella he dejado ya, pero aún sien-

to que tengo mucho que aprender y ofrecer al público que con tanto cariño me sigue y me motiva. Quería viajar por el mundo, tocar con otros artistas y vivir de la música, y puedo decir a día de hoy que son objetivos conseguidos, y además con muchas otras sorpresas y enseñanzas que el camino de la música me ha regalado y que jamás imaginé! Amparanoia regresa para celebrar los 20 años del disco El Poder de Machín. ¿Cómo ha sido volver a reunir a toda la banda? Vamos a estar en la banda 5 de los antiguos miembros y 3 nuevos. Para mí fue una alegría empezar a contactar uno a uno a los miembros que pasaron por las diferentes formaciones de la banda, y todos querían venir! sólo que algunos ya estaban comprometidos con otros proyectos

Así que finalmente me acompañan Jose Alberto Varona a la trompeta, Carmencita Niño al bajo, Vesco Kountchev a la viola, Daniel Tejedor a la banda, y las nuevas incorporaciones son Willy Fuego a la guitarra electrica, Flor Inza en la percusión, Angie Lofer al piano y yo. 4 chicas y 4 chicos! Hemos empezado a mandarnos mails con audios, ideas de arreglos nuevos... Estamos excitados! La mitad viven en Madrid y los otros vivimos en Barcelona, pero ya empezamos en unos días los ensayos, y en poco los ensayos generales, un ensayo con publico, y listos para la gira! Amparo, cuéntanos qué tiene de especial este disco tanto para ti como para el resto de los componentes de Amparanoia. Para el resto de los componentes, hablando en nombre de ellos y por lo que los conozco LaCarne Magazine

y por lo que me han transmitido, creo que están viviendo como una sorpresa que no esperabamos. Nunca planeamos volver a montar estos temas. Pensábamos que forman parte del pasado, y que estemos dispuestos y con tantas ganas de celebrar el aniversario ya lo hace especial. Personalmente, estoy en estado de alegría y agradecimiento, pero también en una montaña rusa emocional. Es la banda sonora de mi vida. Todas las colaboraciones del álbum me llevan a una ciudad, una epoca concreta, a unos amigos que llevan toda la vida en mi camino, a tantos países que me acogieron con tanto amor y respeto, a muchas experiencias especiales que vienen en forma de canción. Hemos leído en las redes sociales que Manu Chao jugó un papel importante en este disco. Háblanos de él. Claro! El poder de Machin esta lleno de aportaciones y sugerencias de Manu Chao. Él estuvo a mi lado en toda la parte final del estudio, y fueron unos días de mucha ilusión y música compartida. Él había visto los temas desde que nacieron a guitarra y voz, y ahí estábamos materializándolos, poniendoles traje musical para compartirlos con un público que no se imaginaba la paranoia que estábamos cocinando! En este álbum que publicaremos en 2017, Manu vuelve a estar en uno de los temas más míticos junto a la voz de mi hijo Yeyo. Ellos dos grabaron el 80 por ciento de los coros de El Poder de Machin. Además de celebrar estos 20 años de El Poder de Machín, ¿podremos disfrutar de nuevo de Amparanoia o sólo lo haremos durante el aniversario? La idea es salir este 2017 a celebrar los 20 años. Hay ganas de ver la reacción del público, si vibra de nuevo con el repertorio, si lo pasamos bien todos, y más adelante decidiré si se queda en una celebración o hay una continuación. Es pronto para saberlo! Por tu experiencia imaginamos que estar tanto tiempo al frente de Amparanoia habrá requerido gran parte de tu tiempo. ¿Compaginas bien la vida del músico con la vida familiar? ¿Qué

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haces para desconectar un poco? Mi vida es la música, no hay horario ni calendario. En este mismo momento que contesto la entrevista en la oficina, mi hijo pequeño está grabando un tema con una cantante, y el mayor cerrando las room listas para la gira (él trabaja conmigo). En un rato me voy a la presentacion del documental de mi amigo Jairo (De Pedro), siempre hay conciertos, Djs interesantes, fiestas de dub…, así que en general es más bien una manera de vivir. Pasamos el día haciendo cosas relacionadas con la música, tanto mi familia como yo. Pero sí, también busco mis tiempos. Desconecto paseando, viendo series, me gusta también mucho el cine y la lectura, cuando puedo voy a algún taller de danza o me apunto a algún curso de sanación, de bioneuroemocion... Ya tenéis muchas fechas cerradas y estamos muy contentos de poder veros en directo después de todo este tiempo. ¿Cuánto durará esta gira? ¿Tenéis pensado hacerla también en Latinoamérica? Quizás se alargue hasta 2018 porque estamos recibiendo muchas invitaciones de países, entre ellos varios en Latinoamérica, y creemos que en 2017 no dará tiempo a todo, pero si, Welcome Tour será una gran gira internacional! ¿Y qué pasará después? ¿Seguirás tu carrera en solitario? Pues como te comentaba más arriba, no sé si habrá continuación. Sí sé que seguiré grabando mis discos como Amparo Sanchez, colaboraciones con otros artistas, y en proyectos que me apasionen. No descarto embarcarme en un nuevo libro, pero veremos que pasa después! Para nosotros ha sido un placer poder hablar contigo. Muchísimas gracias por atendernos, Amparo. Muchas gracias! Ha sido un placer! Gracias por las preguntas y por el cariño!! Abrazos!! ¶

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

róximos a cumplir 4 años de creada, esta joven agrupación, integrada por talentosos músicos empíricos, son dignos poseedores de una corta pero prolifera carrera dentro del panorama alternativo musical cubano. Varios premios y nominaciones obtenidas, un disco que goza de gran aceptación, así como diversas presentaciones en diversos clubes nocturnos y en la televisión resumen de manera breve la trayectoria de Sweet Lizzy Project. Sobre estos aspectos y muchos otros más conoceremos en esta entrevista. Para empezar. ¿Cuándo y dónde surge la agrupación? La agrupación surge el 18 de mayo de 2013. Yo lo cuento a partir de ahí por ser la primera vez que ensayamos en el garaje de mi casa, e incluso donde nos vimos por primera vez algunos de nosotros. Llámame romántica si quieres jeje. Surge a raíz de las dos nominaciones del disco en solitario de Lizzy “The Beginning” en el Cubadisco de ese año, en las categorías Pop-fusión y Opera Prima producido por Miguel Comas. Cuando se lanza este disco, en ese momento comenzaron a surgir ofertas de trabajo y presentaciones en vivo y no teníamos banda, así que llamamos a unos cuantos músicos jóvenes no conocidos, y parece que elegimos bien porque son los mismos que están aquí todavía. ¿Quiénes son sus miembros actuales? ¿Poseen los mismos algún tipo de preparación o son empíricos? Actualmente somos: Miguel Comas (guitarra líder, compositor, productor y director), Leonardo Delgado (guitarra acompañante y compositor), Ángel Luis Millet (percusionista), Yanet Moreira (cellista), Alejandro González (bajista) y yo, Lisset Díaz (vocalista, guitarra acústica y compositora). Excepto Yane, todos somos empíricos, y excepto yo, que estudié Bioquimica y Biologia Molecular en la UH, todos se han dedicado desde siempre a la música. Yanet está a punto de graduarse del

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sweet lizz project

la verdad de hacer mús

sica en cuba

Instituto Superior de Arte, y, además, forma parte de la Sinfónica Nacional. Sin ánimos de nada raro, tengo que decir que todos son un ejemplo del talento musical que hay en este país sin haber pisado una escuela de música. Y en virtud de ejemplos como éste, creo que hace mucho rato es hora de que se le den más oportunidades a los excelentes músicos “no graduados” que hay por ahí, y que se eliminen algunas de las restricciones y trámites burocráticos innecesarios y ridículos a los que tienen que someterse tales artistas por el simple hecho no haber pertenecido a una academia. Es nuestra opinión. ¿Qué artistas o bandas han influenciado a la agrupación? Bueno, creo que las influencias son muchas puesto que somos 6 músicos. Cada uno hace su aporte al proceso creativo cuando estamos componiendo y grabando, y cada uno tiene sus influencias y sus gustos personales, así que de todo eso habrá un poco en cada canción de Sweet Lizzy Project. Yo pienso, sin embargo, que en consenso tenemos influencia de una banda islandesa, que yo adoro, que se llama Of Monsters and Men, con un marcado estilo Indie-folk. Además, está The Luminiers, una banda americana también de Indie-folk, cuya influencia se evidencia sobre todo en el disco Heaven. El Technicolor es un poco más variado, y diríamos que bandas como Black Mountain y Pink Floyd han sido fuente de inspiración. Es difícil encontrarlas todas, sobre todo porque creo que ya hay algo que es parte de nuestro sello como banda. Por lo menos eso quiero pensar jeje. En el 2015 salió a la luz su primer álbum Heaven, con el que lograron varias nominaciones y premios importantes. Coméntennos un poco sobre el mismo. ¿Se sienten orgullosos una vez que terminaron el disco? ¿Cómo fue recibido por el público? Sí, realmente nos sentimos muy orgullosos. Primero, porque era nuestro primer disco como banda, tocado de arriba abajo por cada uno de nosotros (característica de la que no presumen muchos de los fonogramas que se producen aquí en Cuba). Segundo, porque tuvimos la suerte de contar con mucha ayuda, la cual LaCarne Magazine

permitió que el disco fuera mezclado y masterizado en Estados Unidos por ingenieros que han trabajado con artistas como Foo Fighters o Paul McCartney, y han sido ganadores de varios Grammy. De modo que, te gusten o no te gusten los temas, el disco suena muy bien y muy por encima de nuestras posibilidades técnicas. Nunca hubiese sonado así si hubiésemos mezclado y masterizado aquí en Cuba. Además, contamos con ejemplares físicos del disco con un acabado de calidad y un hermoso diseño gracias a los artistas amigos que trabajaron en él, Alejandro Menéndez y Dela. Y tercero, justamente por lo bien que ha sido recibido por el público. Desde las nominaciones y el premio Cubadisco, hasta la reacción del público tanto cubano como extranjero, todas las críticas que ha recibido Heaven han sido positivas. No ha sido el disco más difundido en nuestro país (de hecho, no lo ha sido en lo absoluto) probablemente porque Sweet Lizzy Project es muy joven, o porque las canciones son en inglés, o porque no defendemos la “música tradicional cubana”, o porque…, en fin. Pero tenemos un producto que se vende en más de 140 tiendas digitales en Internet, y, sobre todo, un álbum de diez canciones para ofrecer a nuestro público en los conciertos, que agradecen mucho estas otras variantes de la música cubana, porque somos cubanos y hacemos música en Cuba. Ahora se encuentran enfrascados en la terminación de su segundo álbum Technicolor, del cual ya he escuchado varios temas y me encanta por la frescura y originalidad que poseen. ¿Qué nos pueden decir del mismo? ¿Cuántas canciones trae? ¿Algún video promocional? ¿Planes para promocionarlo? ¿Cómo esperan que sea recibido por el público? Este nuevo disco es un poco más intenso que el anterior, quizás por el contexto en el que lo hicimos. No tiene solo canciones de amor (como Heaven) sino también temas de alcance un poco más social. Creo que es más diverso también en cuanto a género. Debe tener 12 o 13 temas, aunque aún no está del todo decidido, de los cuales 3 o 4 son en español, uno de ellos a dúo con Israel Rojas de Buena Fe. Próximamente, haremos un concierto promocional a modo de lanzamiento del dis-

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co, y éste sería un primer material audiovisual para mostrar al público. Además, tenemos dos propuestas de videos clip para principios de este año. Ya tocamos algunos de los temas en nuestros conciertos habituales, y la gente lo ha recibido muy bien, pero, bueno, para más críticas necesitamos tener ya el disco terminado en la mano. Trabajamos de buena fe esperando que a la gente le guste, pero hay que esperar. Ellos tienen la última palabra.

¿Dónde se pueden obtener ambos trabajos? Para el público cubano, fundamentalmente en nuestros conciertos. Ahí los comercializamos, a veces los regalamos. Está disponible en Internet, pero todos no tienen acceso a realizar compras por Internet. En nuestra página de Facebook y nuestro canal de youtube también colocamos videos tocando nuestros temas originales. ¿Cuántos videos tiene hasta ahora la agrupa-

ción? Oficial, la banda tiene un video del disco Heaven, que se llama Nothing Lasts. Esperamos para este año poder batir este difícil record de cantidad de material audiovisual. ¿Aparte de sus presentaciones habituales en el Submarino Amarillo, en que otros lugares se presenta Sweet Lizzy Project? Las presentaciones habituales en el Submarino Amarillo nos gustan mucho porque el púLaCarne Magazine

blico es maravilloso. Un público sano, amante de la buena música y muy agradecido. Sin embargo, en este lugar no podemos tocar nuestros temas originales a plenitud. Disfrutamos mucho entonces los espacios de los sábados alternos en el Bertolt Brecht, donde ya la afluencia de público es notable, y donde sí podemos ofrecer a la audiencia nuestra obra. También nos pueden encontrar en Fábrica de Arte como parte de la programación habitual del lugar. Nos presentamos en el Lobby Bar el Pórtico del Hotel Parque Central todos los martes. Un espacio que disfrutamos mucho porque lo hacemos en formato acústico, y hacemos versiones tanto de los covers que interpretamos como de nuestros temas originales. Otros eventos y presentaciones son más específicas de cada mes en particular. ¿Qué significó para Sweet Lizzy Project el haber sido invitados a la celebración de dos eventos tan importantes como el cumpleaños de la reina Victoria, y el Aniversario de los Marines, realizados en las residencias de los embajadores de ambos países aquí en La Habana? Ambos eventos han sido maravillosos, aunque también un poco estresante para nosotros por diversas razones. Primero, porque han sido celebraciones muy importantes para cada una de las respectivas embajadas, por lo cual la perfección en los detalles organizativos, la atención al artista y la belleza de la decoración y las ceremonias crean un espacio de trabajo muy cómodo y agradable. Segundo, porque el público agradece mucho el tipo de música y la interpretación de versiones de temas que ya conocen, y que representan parte importante de sus vidas, probablemente porque crecieron con esos temas en su país. Sin embargo, y ahí la parte estresante, esto impone un reto adicional que es cantar en inglés para nativos cuando yo no lo soy. El esfuerzo es doble, y realmente es muy muy gratificante cuando al final del concierto el público aplaude, se acerca, y además nos invitan a participar en otros eventos. En general, han sido momentos muy bonitos para nosotros. En mayo de este año, Sweet Lizzy Project cumplirá 4 años de creada con toda una des-

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tacada trayectoria dentro de la escena cubana actual. ¿Cómo valorarían brevemente todo este tiempo? ¿Qué podremos esperar de Sweet Lizzy Project para este año y para posteriores? Sinceramente, creo que en cuatro años, y dentro del panorama de la escena cubana actual, hemos hecho mucho con mucho trabajo y con muchas cosas en contra. Nos falta muchísimo por hacer pero, por suerte, tenemos unas fuerzas y unas ganas de trabajar inmensas. Así que para este año pueden esperarlo todo, más música, más videos, más conciertos. Queremos dar algunos conciertos fuera de La Habana, donde también hay personas que nos escuchan y se interesan por nuestra música. Y eso es algo que no puedo dejar de agradecer infinitamente: las personas que nos siguen a los conciertos, en las redes sociales, que dan su feedback después de cada presentación, que nos elogian y también nos sugieren, el público que agradece que se haga una propuesta musical diferente en Cuba y nos apoyan todos los días. A todos ellos mil gracias, por ellos seguimos haciendo música aquí. Una ultima pregunta. ¿Qué opinión les merecen los conciertos ofrecidos aquí en La Habana por The Dead Daisies y The Rolling Stones? Yo nunca había visto un concierto como el de The Rolling Stones: era increíble, era muy grande. Había toda una mezcla de emociones en la gente: euforia por la energía, las luces, el sonido petrificantemente impecable y potente, alegría por la aparición de semejantes personajes en el escenario después de siete horas de espera en el césped, tristeza por aquellos que pasaron su juventud sin poder escuchar si quiera esa música y ahora de repente verlos en vivo. En general, ambos fueron inspiradores y alimentaron el espíritu del Rock and Roll en Cuba y el de los cubanos amantes del género. ¶

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

la electrónica y la humildad de

leopoldo rojas venezolano nos explica que debe haber una conexión entre el público, la música y todo su entorno para el máximo disfrute de su música.

eopoldo Rojas es un Dj venezolano que en su afán por querer hacer que la gente disfrute de las fiestas, terminó siendo un Dj reconocido en su país, demostrando toda su calidad como Dj en fiestas privadas y after parties en Venezuela. Trabajando en su ultimo track, Leopoldo Rojas buscará asombrar a todos los que siguen de cerca su música, tanto en Venezuela como a nivel internacional. Con mucha ambición y mucha entrega personal y profesional, este Dj

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En una interesante y breve entrevista esto fue lo que compartió con nosotros ¿Cómo iniciaste en el mundo de la música? Empecé asistiendo a las fiestas y calificando Djs que a veces no daban lo mejor de ellos, y pensé ¿por qué yo no puedo ser quien escoja la música? ¿Qué buscas expresar con tu música? Busco expresar humildad, pero profesionalismo y que el público se sienta identificado con mi música.

donde estoy. A la hora de una presentación ¿llevas todo preparado o solo improvisas? Nunca improviso. Siempre antes de una nueva presentación trato de tener entre 10 a 15 tracks totalmente nuevos, y que sean de reciente fabricación. ¿Qué es lo mas extraño que te ha pasado en una presentación? Que haya amanecido durante mi presentación, y el cielo haya demostrado su belleza natural permitiéndome la conexión total con el público. ¿Qué es lo mejor que te ha pasado en una presentación? En el primer House Músic Department, en Maturín, logré que más de 100 personas que pertenecían al after party brincaran y corrieran alrededor del discplay a felicitarme. ¿Prefieres tener al público cerca o te gusta tener tu espacio? Prefiero tener al público cerca o que el productor diagrame el espacio del Dj booth cerca de los VIP - PALCO O BOX. ¿Qué haces en tu tiempo libre? En mi tiempo libre produzco música en el programa Ableton Live para firmar con un sello discográfico. ¿Con que Dj te identificas? Me identifico con un Dj llamado Midas 104, productor internacional y mi Dj favorito. ¿Qué es lo más difícil para ti de ser Dj? Adaptar la música y tener un equilibrio perfecto al momento de satisfacer a todo el público. ¿Tienes algún protocolo antes o después de presentarte? No, por lo general solo me gusta 15 minutos antes de tocar ordenar en el Dj booth mis equipos a mi agrado. ¿Cómo te sientes cuando estás frente al público? Me siento responsable del ambiente musical de ese momento, e identificado con el sitio

¿Qué te inspira a la hora de hacer música? Mi elemento inspirador se llama Luciano, que es mi hijo y es mi inspiración total ante cualquier producción musical o fiesta a la que asista. ¿Tienes algún plan o proyecto próximo en mente? Actualmente trabajo en mi más reciente track, que pronto compartiré a nivel internacional. ¶

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chimó psicodélico una experiencia musical sorprendente LEER MÁS

Fotos por Will Sánchez - Agu2 Audiovisual

úsica llanera, Jazz, Rock, Folklore, Fusión y Post punk es la seña de identidad de Chimó Psicodélico. Tienen una trayectoria de tan sólo cuatro años a sus espaldas, pero ya han conseguido destacar dentro del panorama musical de su país, Colombia. Una experiencia musical sorprendente que en LaCarne Magazine desconocíamos y que nos ha sorprendido enormemente por esa mezcla de sonidos. Teníamos ganas de conocerlos un poco más y hablar con ellos para que nos contaran qué es la música llanera y cómo han compactado estilos musicales tan diferentes. Hemos leído que el nombre de la banda, Chimó Psicodélico, define claramente cuál es vuestro sonido, pero nos gustaría que explica-

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rais a los lectores el concepto “chimó”. El nombre de la banda deriva de la palabra Chimó, que es una sustancia que se fabrica a base de tabaco, la cual tiene altas cantidades de cafeína y es consumida por los vaqueros (llaneros) de la región de la Orinoquia Colombiana, más específicamente en el estado de Arauca, para resistir las largas jornadas de trabajo que van desde tempranas horas en la mañana hasta llegar la noche. Es algo muy representativo de esta zona del país, y en Arauca es donde se fabrica el chimo más potente llamado chimó Toro Loco, empresa de la que hace parte nuestro Bajista Yensy Trujillo, él mismo lo aliña y fabrica a la manera tradicional, como se hacía en los tiempos de antaño, y su receta es un gran secreto familiar que muchos han querido imitar. Así mismo, el Chimó, que es un elemento muy tradicional, es lo que representa nuestras raíces y música, y lo psicodélico, lo occidental, y todos los elementos atípicos que nosotros le añadimos como la guitarra eléctrica, la batería, la armónica y de más. En Chimó Psicodélico, el folklore fusionado

con otros estilos musicales nos ha llamado mucho la atención. ¿Qué importancia tiene para vosotros el folklore musical? ¿Cómo se fue desarrollando el estilo de Chimó Psicodélico? Aquí la gente crece con su propia música, sin que los ritmos de moda afecten. ‘’El Joropo’’ (música local tradicional) está en nuestras venas, y esto se manifiesta de varias maneras, como por medio del baile, o por medio de las coplas que son puro sentimiento dicharachero y jocosidad que tiene el llanero. Así que cualquier elemento cultural externo que llegue a nuestro ser será mezclado e impuesto por el Joropo en un porcentaje mínimo del 50 por ciento. Así mismo nos pasó a nosotros. Todos tenemos en común que somos de una misma tierra, pero cada uno tiene sus inclinaciones musicales diversas. Hay quienes son reconocidos músicos en el ámbito del folklore. Como Camilo Guerrero, nuestro arpista, quién tiene una carrera ya hecha como cantante y compositor de música llanera. Yensi Trujillo, nuestro bajista, quien es un ocupado músico de sesión y, como dicen aquí, músico festivalero y ganador de varios concursos de Bandola llanera, y quien también se dedica, como dijimos anteriormente, a la fabricación del chimó. Daniel Gutiérrez, nuestro cantante, quien es el principal compositor y creador de la mayoría de nuestras letras, un acérrimo amante de la cultura musical brasilera, la música de Simón Díaz y la onda del Post Punk de Manchester, un coplero en su máxima expresión. Carlos Gutiérrez (hermano de Daniel), quien viene de academias de música llanera, donde se formó como Bandolista y cuatrista acompañante. Rafael Fontecha es un gran amante del Blues tradicional, quien interpreta la guitarra acústica y la armónica. Anderson Sánchez, un inquieto baterista que nos encontramos en el camino, a quien le gusta navegar por varios estilos musicales que van desde el Góspel, la Cumbia, Jazz, Funky, y ahora, algo extraño por estas tierras, que es tocar la música llanera en batería remplazando así los capachos (maracas), que es la percusión habitual de esta música. Y yo, Amín Castellanos Herrera, que vengo de una familia de músicos llaneros, como mi Padre, que es el gran Cantante ‘’El Catire’’ Amín Castellanos, quien a

principios de los años 80’s creó una nueva ola de música llanera con su primer álbum, Soy el llano, álbum que para mí parte en dos la historia del Joropo en Colombia, y pronto lanzará su nuevo disco. La canción “Hatos del Viejo Arauca” es parte de este nuevo trabajo que pueden encontrar en YouTube. Luego de haber experimentado con varios géneros musicales, como el New Wave con mi antigua banda (Peinadosnuevos), también con la música tradicional colombiana, el Noise, y la música electroacústica, etc., yo me encargo de añadir todos estos colores a la música de Chimó. Para nosotros, el folklore también es muy importante, y creemos que bandas que incluyen este estilo en su música están haciendo una gran labor por conservar ese patrimonio que, en nuestra región al menos, se está perdiendo. En Colombia ¿se está dando esa situación? En Colombia pasa un fenómeno bien interesante. Aquí tenemos muchas regiones, y cada una con su propio y marcado estilo musical. Podemos viajar desde San Andrés Islas, donde se toca mucho Calipso, música creole y Reggae. Ya adentrándonos al territorio nacional, tenemos la región caribe, de donde viene el Vallenato y La Cumbia. La Región Pacifico, que es la zona afrocolombiana, tiene ritmos como el Currulao y su instrumento representativo que es la Marimba (el piano de la selva). La Zona Andina de Bogotá D.C. y sus alrededores tienen ritmos como el Bambuco, el pasillo, la región de la Orinoquia en donde prima la música llanera, y sin contar la cantidad de música que tienen los pueblos indígenas de la región amazónica, músicas muchas veces vírgenes que nadie ha escuchado, así que la riqueza musical es muy basta y diversa. En Bogotá D.C. (capital de Colombia) ya hace unos 25 años se viene dando una peregrinación de músicos de todo el país. Al mismo tiempo se ha creado una movida muy fuerte de música folklórica y fusión de la misma. Podemos decir que Colombia ya es un destino musical obligado para cualquier músico del mundo que busca nuevas experiencias y sensaciones. Bandas y artistas como el Bloque de búsqueda (banda de donde nace Carlos Vives), Edson Velandia, Bomba Stereo, AtercipeLaCarne Magazine

lados, Toto La Momposina, Sistema Solar, Side Stepper, La mojarra Eléctrica, Andrés Gualdron, nosotros, y muchos más que no recuerdo en estos momentos, conforman esta nueva ola de música colombiana hoy en día. Hemos visto el vídeo de “Conmoción Interior”, en el que habláis del conflicto armado y también el vídeo de “Señorita”. Son dos temas muy diferentes. Habladnos de esta variedad en las temáticas de vuestras canciones. ¿Qué es lo que os inspira a la hora de componer? Exacto! Son dos temáticas muy diferentes. ‘’Conmoción interior’’ habla de la problemática del conflicto armado y toda una serie de injusticias y situaciones desagradables en las que han estado inmersos nuestros campesinos, situaciones que han venido de todos los bandos, desde el lado del Gobierno Nacional y de las guerrillas de izquierda y derecha. Habla también de la pérdida de nuestras costumbres a costa del mal manejo cultural que tienen los medios de comunicación, que nos obligan a adoptar músicas y prototipos vacíos y sin ningún tipo de contenido que pueda enriquecer el intelecto de nuestros jóvenes, habla de la situación de nuestros indígenas, que cada vez se ven más desplazados por la cultura occidental, por el petróleo, la minería y demás pestes que trae la globalización a estas tierras que en esencia son pura naturaleza y tradición, habla también de la corrupción política, de la falta de inversión del gobierno en aspectos tan relevantes como la educación y la salud, y de las cortinas de humo que ponen a nuestra gente para que todo esto siga pasando. Aún así, en estos momentos se respiran tiempos de cambio, y hay al parecer un nuevo respiro y esperanza con todo lo que ha traído el proceso de paz con las FARC y el Gobierno. Hace falta que se sienten a dialogar los otros actores armados, como el ELN, para que todo siga su rumbo obligado y natural que es la paz que tanto hemos esperado los Colombianos, y sobre todo nosotros, los Araucanos. No es un proceso fácil porque es unir dos mundos con diferentes formas vida e ideologías. Va a ser un proceso largo y complicado pero lo más importante es que ya está pasando. En ‘’Señorita’’ podemos experimentar la poesía y mística que tiene el llanero con el amor,

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un amor que está rodeado de mitos y leyendas, que son acompañados de naturaleza y atardeceres mágicos que embrujan a cualquiera. Si escuchas todo el disco de Chimó Psicodélico, hay diferentes temáticas en donde haces un pequeño viaje por las llanuras Araucanas, en donde encuentras ánimas y espíritus que nos guían o nos pierden por estos largos caminos que tienen nuestras sabanas. Todo esto es lo que inspira nuestra música. A nosotros nos ha gustado mucho Chimó Psicodélico, pero ¿qué le diríais a los que aún no os conocen para que se interesen por lo que hacéis? Bueno, puedes ir a las distintas plataformas de streaming y escuchar nuestro disco completo, o seguirnos en nuestra página oficial de Facebook, allí compartimos información de nuestros conciertos, noticias de la banda, y también contenido de otros artistas y personajes que están relacionados con nuestros gustos y estilo musical.

Para que un grupo de música salga adelante hay que dedicarle, entre otras muchas cosas, tiempo. ¿Cómo compagináis la vida del músico con la vida familiar? ¿Qué hacéis para desconectar? Creo que para eso es la música en cierta forma, para desconectarse a veces de toda la rutina que tiene la vida. Es un punto de escape donde sólo estás en la dimisión que quieres estar. Para nosotros, eso es Chimó Psicodélico, un escape, y a nuestras familias les encanta eso, les encanta que tengamos una banda como Chimó Psicodélico. Estamos imaginando cómo sería uno de vuestros conciertos y de lo que estamos seguros es de que bailaríamos, jejeje ¿Cómo es vuestro público? ¿Cómo reaccionan cuando os ven en directo? Siempre tratamos de conectarnos mucho con la gente, sobre todo con la gente de acá con la que es más natural interactuar, ya que ma-

nejamos la misma jerga y lenguaje. Las veces que hemos estado en otras ciudades como Bogotá, que es una ciudad gigante y de clima frío, la gente ha tenido una muy buena conexión y respuesta, siempre están expectantes desde la primera nota que suena. Esperamos pronto poder ir a España y poder bailar juntos al ritmo del Arpa del cuatro y la bandola, y así mismo aprovechar para mandar un gran saludo y abrazo fraternal desde Colombia a todos nuestros hermanos españoles. Chimó Psicodélico ha sido un gran descubrimiento para nosotros, y seguro que lo será para mucha más gente. Queremos agradeceros que hayáis hablado con nosotros y esperamos que algún día podamos veros en directo. Un fuerte abrazo a toda la banda! ¶

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guadaña

rock, metal y heavy incalificable

recedidos por dos trabajos anteriores con los que consiguieron gran éxito y popularidad, Guadaña decidió apostar

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en grande, y no se equivocaron, pues con Karma lograron su objetivo. Considerado su mejor trabajo gracias a la amalgama de mezclas y sonidos conjugados en este potente Karma, no cabe duda de que Guadaña ha sabido ganarse un espacio dentro de la escena rockera de España. En esta exclusiva conoceremos todo sobre esta nueva producción discográ-

desde 1997 hasta 2009. Ahí fue donde nació Guadaña con la misma “columna vertebral” de Huma, pero con fuerzas e ideas renovadas y más fuerza, por lo que llevamos rodando ya con Guadaña desde ese 2009. ¿Quiénes son sus miembros actuales y de dónde proceden? Pues Pablo, Salva y yo, aunque con proyectos anteriores, venimos de militar en las filas de Huma para que en 2009 nos reencarnáramos en lo que somos ahora. Luego, y tras varios cambios en la formación, llegaron Nael, un reconocido bajista en donde vivimos, y más tarde se nos incorporó una inyección de energía llamada Juanma Patrón.

fica, así como otros elementos relacionados con la banda en palabras de Glory Romero (vocalista). Para empezar. ¿Cuándo y dónde surge la banda? Guadaña surge tras la disolución de Huma, una banda en la que estábamos inmersos

¿Cuáles han sido las principales influencias de la banda? Aquí hay un poco de todo, y quizá eso es lo que nos hace diferentes al resto, jejeje. Somos muy raros, jajaja. ¿Cómo definirían su música? Rock, Metal y Heavy incalificable. Precisamente es esto lo que os decía antes en la anterior pregunta, somos una banda que hemos madurado a base de trabajo, y una de las cosas que nos diferencian al resto, incluso de nuestros anteriores álbumes, es que hemos eliminados todas las barreras, hemos dado rienda suelta a nuestras inquietudes musicales, y sin complejos nos pusimos a hacer canciones. Ya LaCarne Magazine

luego ellas hablan solas y van evolucionando conforme van creciendo. Concentrémonos en su más reciente disco Karma. ¿Cómo fue el proceso de edición y grabación? Pablo asumió el rol de productor de este disco, y se empleó en cuerpo y alma en él. Luego la grabación la hicimos en unos estudios llamados “Audiorama”, bajo la batuta de Javi Rondan, un técnico que es habitual de Guadaña y que es un genio que nos conoce muy bien después de tantos años trabajando juntos. ¿Cuántas canciones trae? 13 temas de lo más variado. No te vas a aburrir escuchando Karma, jejeje, porque hay de todo, dentro del Heavy Metal y sus variantes, claro está. ¿Qué temáticas abordan en cada uno de las canciones? Las leyes del Karma dicen que todo lo que nos ocurre es el reflejo de lo que hemos hecho, si has hecho el bien el reflejo será bueno, y si has sido malo, pues el reflejo de tus actos te harán pagar. Pues básicamente esa es la idea principal del disco, y sobre ese concepto he-

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mos expuesto una serie de actos, situaciones, vivencias e incluso protestas ante las cuales la acción del hombre, del ser humano, puede cambiar el devenir suyo o de incluso otras personas. ¿Artistas invitados? Los cantantes Alfred Romero del grupo DarkMoor, Tete Novoa de Saratoga, Alberto Díaz de Overdry, José Broseta de Opera Magna, los guitarras Justi Bala de Snakeyes, Nando Perfumo de Electric Alley, el percusionista Chiqui Garcia de Samarcanda ha puesto el toque exótico, y hasta el escritor y biógrafo Enrique Montiel. En fin, todo un elenco de artistas que son más que nada amigos de la banda, y por eso están ahí. ¿Videos promocionales? Pues acabamos de lanzar el tercero antes de que saliese el disco, y eso creo que ha causado un impacto positivo en nuestros seguidores, y a la vez hay mucha gente que gracias a esos videoclips nos conocieron. Comenzamos con “Nuestra revolución”, un videoclip de estribillos pegadizos que corearon hasta la saciedad ya el otro día en Miranda. El otro video fue “Némesis”, al que invitamos a Alberto

Díaz, cantante de una de las bandas más potentes y extremas del mercado español, para que pusiese su puntito de dureza, y hace días estrenábamos “Ser uno mismo”, un videoclip grabado por Dani López, habitual en todo el tema audiovisual y de estética de Saurom y por supuesto un gran amigo, al igual que la propia banda al completo. Ya tenemos pensado en sacar a la luz algún que otro videoclip más de este mismo disco. ¿Dónde se puede adquirir el disco? Nuestra discográfica se llama TFF, y ellos son los encargados de la fabricación y distribución del disco. En España se puede adquirir en todas las tiendas de música y grandes almacenes, luego creo que ellos hacen distribución en tiendas de México, Rumania e incluso Japón, y luego en plataformas digitales, etc… El disco salió al mercado el pasado 10 de febrero, y al dia siguiente presentaron varios temas en Miranda como parte del Alma de Fuego Fest. ¿Cómo fue la acogida por parte del público? Simplemente genial, el público nos arropó desde la primera nota. La asistencia fue genial y todo salió de lujo, nos lo pasamos muy bien arriba en el escenario y abajo, tras el concierto, con un buen puñado de amigos más que nos llevamos en el corazón. ¿Qué planes, aparte de esta presentación, tienen para promocionar el disco? La gira arranca con este festival itinerante, Alma de Fuego Fest, con el que recorreremos varias ciudades como Madrid el próximo 17 de Marzo, Bilbao el 8 de Abril o Barcelona a finales de Abril. Ya luego iremos anunciando fechas de Guadaña aparte de esas cuatro que hacemos junto a Zenobia y Regresión, Nuestro plan es no parar de tocar hasta próximo disco. Tengo entendido que éste es uno de sus mejores trabajos musicales realizados hasta ahora. ¿Se sienten satisfechos una vez que escucharon el disco terminado? Totalmente, estamos como locos, jejeje, más viendo que las criticas nos acompañan y a todos les están gustando el trabajo, y es que

hemos puesto mucho trabajo en él, y cuando te sientes recompensado el círculo se cierra y la comunión es perfecta. Estamos orgullosos de este trabajo al 100%. ¿Creen que este álbum tenga gran aceptación tanto por el público como por la prensa como ha sucedido con sus discos anteriores? Espero que sí, aunque aquí sí que la última palabra la tiene el respetable. En la primera prueba de fuego, en Miranda, parece que hemos superado el reto, y ahí estamos. ¿Qué próximas presentaciones tiene la banda para estos meses? ¡Será por conciertos! Tenemos La Coruña, Málaga, Ourense, Granada, Murcia, y un montón de conciertos que iremos revelando en nuestras redes y medios a medida que nuestros managers nos den los permisos para hacerlo. ¿Qué podremos esperar de Guadaña para este 2017? A nivel de directo, un espectáculo cuidado en el que cuidamos imagen, aspecto del escenario, profesionalidad y un show dinámico e incluso interactivo con nuestros seguidores y amigos Bien, antes de terminar les deseo muchas felicidades por este nuevo trabajo y muchos éxitos en su carrera. Les cedo espacio para que trasmitan un mensaje a todos los amantes del buen Rock. Bueno, animaros a venir a nuestros conciertos, que no se van a arrepentir y que entre todos, vosotros y nosotros y, por supuesto, el resto de buenas bandas que hay haciendo una labor increíble, y vosotros (los medios). Somos el Rock, es nuestra cultura, y tenemos que cuidarla para que no muera nunca. ¶

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litus

el soul rock mรกs desgarrado

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itus lleva haciendo música casi dos décadas, y formó parte de la banda barcelonesa Mutis. Hace ya once años de aquella época en la que, tras la disolución del grupo, decidió emprender su carrera en solitario. Su quinto trabajo lleva por nombre Miércoles 14, con el que aún sigue de gira, en la que le acompaña su inseparable banda de músicos. Desde la primera escucha no cabe duda de que Litus es un gran músico, cantante y compositor. No ha parado de trabajar, hemos podido verle en la banda del programa de televisión Late Motiv, de Buenafuente, y ha acompañado a muchos y grandes músicos de nuestro país. Teníamos muchas ganas de hablar con él desde hace tiempo, y por fin ha llegado el momento. Desde tus comienzos hasta la actualidad, ¿cómo dirías que ha sido tu evolución? ¿Cómo describirías el momento musical en el que te encuentras actualmente? Con los años he ido afinando la puntería con el sonido, con el vestido que envuelve las canciones. La parte más artesana de composición estaba ya en el primer disco y, por supuesto, ha evolucionado con los años, pero hay un ‘algo’ que se ha mantenido intacto. Me gusta que así sea. Miércoles 14 es el último trabajo publicado de Litus, el quinto si no me equivoco, en el que el piano está siempre presente. Es una de las señas de identidad en Litus, pero en este disco hay una evolución con respecto a tus anteriores trabajos. ¿Puedes hablarnos de ello? El piano es un instrumento muy importante en mi proyecto. La mayoría de las canciones las escribo con este instrumento, por eso tiene un papel protagonista en la producción musical de mis discos. Con Miércoles 14 quise conseguir dos cosas: por una parte continuar ese

estilo Soul-pop que tan bien nos ha funcionado estos años, donde el papel de los metales es crucial y, por otra parte, abrir una ventana hacia un tipo de canciones diferentes, un pelín oscuras, con una armonía más arriesgada donde el cuarteto de cuerda brillara y aportara unos arreglos que nunca había utilizado en mis álbums. Nos ha sonado a Blues, a Rock, a Soul… El piano y los vientos nos han gustado mucho, muy buenas melodías y letras, distintos ritmos en las canciones, etc. A veces los músicos que acompañan a los artistas pasan un poco más desapercibidos, así que nos gustaría que nos hablaras de la superbanda de músicos que te acompaña. Cuando llegué a Madrid tuve la suerte de conocer a la banda que me acompaña desde hace ya más de 5 años. Estos músicos han sido cruciales en mi carrera. Le dieron a mi proyecto un empaque que nunca había tenido con tanta fuerza. Pude desarrollar mi faceta soul-rock más desgarrada, y me dieron mucha seguridad en los directos. Goiko Martínez (batería) y Pepe Curioni (bajo) son una base rítmica arrolladora, muy contundente. Alejandro Serrano (trompeta) y Ernesto Millán (saxo) aportaron una fuerza armónica con los metales que ha sido marca de la casa durante estos años. Jordi Belza (guitarra y voz) es el músico que me acompaña desde siempre. Me encanta que siga a mi lado. Nuestras voces suenan muy bien juntas. Los adoro! Contar con tantos y tan buenos músicos conlleva bastante trabajo en el proceso de composición y grabación. ¿Ha sido muy complejo? ¿Duró mucho todo el proceso? Como nos conocemos tanto, el proceso fue muy agradable. Nos entendemos muy bien musicalmente. Fue más largo poner en orden todas mis ideas y conseguir una buena mezcla. Miércoles 14 salió en 2015 y aún seguís con la gira. Hasta el momento, ¿cuál es el balance? ¿Ha cumplido Litus las expectativas y objetivos marcados? Somos máquinas de desear, como un arco en tensión continua. Queremos más y más.... LaCarne Magazine

Pero estoy muy feliz con la acogida del disco. Nunca había tenido tan buenas críticas. Los conciertos van cada vez mejor y quiero darle más vida a este disco. Se está alargando tanto porque en medio de la gira empecé a trabajar en una obra de teatro (La puerta de al lado) con Sergio Peris-Mencheta. Esta obra me exigió mucho tiempo y esfuerzo, que estoy recuperando ahora para dárselo a mi disco. Ser músico requiere esfuerzos y sacrificios, y compaginar esta vida con la familiar no siempre resulta sencillo. En tu caso, ¿puedes compaginar los dos cosas? ¿Qué haces para desconectar?

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En épocas de mucho curro hay que mentalizarse y lanzarse a bocajarro. Cuando hay que trabajar, hay que trabajar, y vivirlo con felicidad y no como un peso. Me siento muy afortunado de todo lo que ha ocurrido estos últimos años. No puedo más que dar las GRACIAS. Tengo un rinconcito en Galicia donde me escapo cuando puedo a relajarme. Como ya hemos comentado, seguís con la gira y la última fecha (hasta el momento) es el 3 de Junio. ¿Habrá más o ahora toca descansar? La gira se alargará hasta diciembre. En verano haré una pequeña pausa pero no muy larga.

Creo que este disco tiene muchas cosas que decir todavía. La idea cuando lo saqué era la de hacer una gira larga que me permitiera presentar el disco con diferentes formatos. Y en eso estamos... Entonces, ¿cuándo podremos hablar del sexto disco de Litus? ¿Hay ya alguna canción escrita? Danos una previa de lo que puedas. Tengo un nuevo disco en la cabeza. Mi intención es grabarlo en Diciembre. Pero necesito una pausa para ordenar mis ideas. Hasta que no tenga esa pausa no puedo hablar de fechas concretas. Llevo unos años con muchísimo curro y estoy muy feliz por ello, pero para

hacer un disco como a mí me gusta me hace falta tiempo. Lo encontraré! Para nosotros es un placer poder disfrutar de tu música. Sólo me queda agradecerte que nos hayas dedicado tu tiempo y decirte que esperamos volver a hablar contigo en más ocasiones. Ha sido un placer charlar con vosotros! Muchísimas gracias por contar conmigo. Si queréis saber más, en mi web podéis consultarlo ¶

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onechot

fuerza y paz en el reggae era lo que me decían, me comenzaron a llamar One Shot. Esto me agradó y sustituí la S por una C, y de ahí deriva el nombre OneChot

úsico, compositor y cantante. Hablamos de OneChot, uno de los artistas más influyentes en el mundo del Reggae en Venezuela. Con su música expresa la realidad que se presenta día a día en un país como Venezuela, tratando de que todo el que lo escuche tome conciencia, y que en momentos tan difíciles que se viven en el país siempre predomine la paz. OneChot ¿Cuál es el significado de tu nombre? Mi sobrenombre en español es Juancho, y en el año 1996 fui a Jamaica por primera vez con dos compañeros. Ellos me llamaban Juancho, y los jamaiquinos, tratando de descifrar qué

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¿Cómo fueron tus inicios en el mundo de la música? A muy temprana edad, junto con dos amigos en 5to grado de primaria, hicimos una agrupación que se llamaba Caos, tipo Rock. Luego en bachillerato, hicimos Catalepsia, una banda de Power Metal. Y en el 96 conocí el Dancehall y el Reggae, y comenzamos a tocar ese estilo musical. Hace unos años fuiste atacado por la delincuencia del país. Cuéntame un poco sobre eso. Sí, en el 2012 estaba buscando unos Cds para emprender un viaje de promoción hacia el centro del país. Eran la 1 de la madrugada. Estando abajo del edificio de la productora que trabajaba conmigo en esa época, la llamo,

De tus canciones ¿cuál es tu favorita? ¿Por qué? Tengo varias. De hecho, todas me gustan porque si no, no las sacaría. Pero si me pones a escoger por una te diría que The River es un tema muy especial para mí. Lo compuse en el río de mi casa en Choroni, mientras lavaba mis Dread Locks. También está Rotten Town, que describe muy bien la realidad de la vida en Caracas. ¿Cómo ves el mundo de la música en Venezuela, con tanta gente emigrando del país? Yo lo veo muy bien, porque las bandas que se van siempre vuelven. Y afuera se foguean y dejan nuestra bandera en alto. Mientras los que estamos acá necesitamos hacer un producto de calidad para poder competir con el nivel mundial. A mi parecer, los mejores momentos artísticos de un país surgen de las crisis. Y en las dictaduras nacen las mejores letras.

y le digo que baje con el material. En realidad poco recuerdo de ese día porque el cerebro bloquea sucesos drásticos, pero, según las investigaciones de los organismos policiales, me iban a secuestrar. Ahí fue cuando unos antisociales me metieron un disparo en la cabeza. Pasé casi un mes en coma inducido, y luego me reintegré en un show que me invitó Desorden Público a cantar Rotten Town en la Sala de conciertos de la Universidad Metropolitana, en un evento de la gente de Sin Mordaza. ¿Crees que esa experiencia te motivó aún más a seguir cantándole a la paz? Claro! Definitivamente. Siempre le he cantado a la paz, a las injusticias, mi música lleva una alta carga de protesta, pero luego de recibir un tiro en la frente, cada día siento más compromiso por ser vocero de un cambio en la realidad del país. Ahora mi nombre sí tiene el significado exacto.

¿En qué proyecto estás trabajando en este momento? Actualmente estoy trabajando en mi cuarto álbum, que saldrá este diciembre y se llamará Social. Viene con una alta dosis de protesta, para hablarle al mundo lo que se vive en el país. Natural, que es el álbum anterior, tenía una alta dosis de romanticismo, pero siento que es hora de despertar conciencias. Desde pequeño logró sacar adelante su sueño que era ser cantante, y haciendo música de distintos géneros encontró el ideal para el, el Reggae. Reggae para dar conciencia a un país que pasa por momentos tan difíciles. Fue atacado por la delincuencia en Caracas, Venezuela, pero siempre mantuvo su ideología, que es expresar con su música la realidad que se vive día a día en Venezuela. ¶

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ronald el killa cada vez mรกs cerca de la cima

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veces nace la pregunta de cómo seguir subiendo, y, más importante aún, cómo superarte a ti mismo día tras día. Sin embargo, hay personas que parecen haber conseguido el secreto y lo traducen a “debes dedicarte a trabajar frecuentemente”. Esto lo tiene muy claro Ronald Hernández Toro, mejor conocido como Ronald El Killa. Veamos lo que tiene para contarnos: Ronald, ¿cómo son tus inicios, cómo empiezas a incursionar en el mundo urbano? Bueno, yo soy amante a la música desde niño, siempre me ha interesado la música. Quizás, la primera vez en que empecé a ver esto de una manera profesional fue cuando entre por primera vez a un estudio en el año 99. Ahí conocí por primera vez a un productor, Junior Ruiz, quien me apoyó mucho, creyó mucho en mi talento, y me dejó grabar en su estudio. Desde allí empecé a desarrollarme como artista, vocalmente, y como compositor también porque siempre he escrito todos mis temas. Entonces dado todo esto, empiezo a ver el género como algo más profesional, a enfocarme más en querer sobresalir, en buscar mostrar mi talento, y, bueno, empiezo a trabajar diferentes canciones, y con diferentes artistas. Empiezo en un dúo con un amigo que se llama Notsound Reggae, que me enseñó mucho del genero urbano, y empiezo a mostrarme como artista y empiezo a tener mis primeras oportunidades. A eso del 2001 o 2002, empiezo a trabajar y a hacer dinero de la música con otros artistas, componiendo, produciendo y cantando con otros artistas en sus shows. A partir de ahí ya se empieza a interesar mucha gente en mi carrera, y la primera vez que consigo un patrocinio como artista fue por parte de Digital Records. Fue la primera disquera que creyó en mí y donde empecé a trabajar mi proyecto de los “Mortal Kombat”, donde nació la primera canción que pude pautar en radio, que se llamaba “Tu cuerpo me llama”, y ahí se desarrolla ya un éxito que me pone en el foco, en

la luz pública. Era la primera vez que tenía la oportunidad de exponer mi talento a nivel comercial. Desde allí ya se empieza a desarrollar mi nombre a nivel comercial, a pesar que venía de un dúo. Ya Ronald El Killa empieza a aparecer como un nombre, y, cuando ya el proyecto como dúo terminó en el 2012, empecé a trabajar de lleno en el proyecto de Ronald El Killa. Muchas personas estigmatizan el principio de la carrera de un artista con preguntas como ¿qué haces cantando?, o juicios como “tú no puedes vivir de la música”. ¿Qué le dices a esas personas que dicen que la música no es una manera de vivir? Yo pienso que alguien que no ve la música como un ingreso o algo profesional, es simplemente porque no tiene la credibilidad o la confianza en su trabajo, o no cree en su proyecto como debería ser. Cada artista que se aboca a su carrera siempre ha tenido eso como elemento principal, que ha sido creer en sí mismo. Eso no se puede perder. Si tú crees en tu proyecto, y que será tu forma de vivir, lo puedes lograr. Sin embargo, también pienso que si te pones a creer en la gente que habla desde afuera, es difícil que lo logres, porque quizás ésa sea gente que no lo lograron, no lo hicieron, o se enfocaron en otros proyectos. Nadie tiene el derecho de pensar qué le puede hacer bien a una persona si no está en su mismo mundo. En lo personal nunca me he dejado afectar por nadie de afuera, simplemente creo en mí. Para un artista que ha tenido la oportunidad de sonar en otros países, ¿qué crees que es lo principal para mantenerte en la memoria de los fanáticos? Yo pienso que a raíz de crear un éxito, y que ese éxito le dé la vuelta al mundo, eso genera recordación, y es allí justamente donde debes dedicarte a trabajar frecuentemente, porque la memoria del público es de muy corto plazo. Si tú haces un éxito y lo dejas ahí, la gente poco a poco te va a olvidar indiferentemente del éxito que haya tenido la canción. Más que todo es eso. Se trata de seguir trabajando, seguir haciendo buena música, seguir produciendo éxitos para que la gente tenga tu nombre preLaCarne Magazine

sente, porque si tu música y tu producto gusta, hay que seguirlos alimentando con tus temas y así lograr que siga creciendo tu nombre. ¿Qué o cuál es tu motivación? Primero que nada el amor que le tengo a la música. Segundo, las personas que han creído en mí, mi familia, y obviamente la gente de afuera que ha creído en Ronald El Killa. Me motiva mucho ayudar a la gente, tener la manera de poder ayudar a mucha gente que han aportado algo en mi vida, o esas personas que tienen sueños, que aunque no los conozca, sé qué es tener sueños, y me gustaría mucho poder ayudarlos. Todo eso me motiva mucho, y me motiva más aún la aceptación que tiene el público hacia mi producto, música…, cuando yo veo que la gente consume lo que yo hago, la música que creo, que causo sentimientos con mi música y estoy en una tarima y la gente me transmite eso, pues pienso que no hay mejor motivación para seguir. Háblame un poco de tu nuevo hit “Déjame amarte”. Bueno, “Déjame Amarte” es un tema que está muy bien trabajado. Fue hecha en Kapital Music con Dayme y el High. Tiene una letra muy bonita. Las letras del Ronald El Killa siempre se identifican por ser muy finas, y mayormente por el respeto hacia la mujer. Obviamente yo tengo canciones que son un poco más explícitas, porque también soy de la calle y me gusta referirme a muchos temas de manera callejera, pero en general siempre trato de conservar mucho una buena letra, y éste es uno de esos casos. “Dejame amarte” es un featuring con mi parcero Kevin Roldan. Las expectativas de este tema se generan más que nada por el éxito que ya tuve por el junte con Kevin Roldan ,que fue “Quien te va a amar como yo”, sin duda alguna uno de los éxitos más grandes que he tenido en mi carrera, y que le ha dado la vuelta al mundo. Una canción que ya tiene más o menos 150 millones de visitas en Youtube. Entonces es una canción que ha sido muy bien aceptada, y a partir de este éxito que ha tenido esta canción, ya se sabe que el junte es explosivo y que causa muy buena aceptación. Entonces ha generado muy buenas expectati-

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vas el tema. ¿Cuáles son tus planes para 2017? Bueno, después de este gran comienzo con “Déjame Amarte”, también el desarrollo de muchos proyectos. Tengo juntes con muchos artistas como Ñejo, Juanka, con Farruko se está trabajando algo... Se vienen cosas muy grandes, estamos desarrollando la carrera muy bien. Ahorita mismo estamos en negociaciones con Universal Music, que ya nos enviaron su propuesta y, bueno, estamos muy contentos por eso. Entonces estamos trabajando muy fuerte para poder hacer nuestra contrapropuesta, para que esto se vuelva un hecho que sin duda alguna sería un paso muy grande para la carrera de Ronald El Killa. Entonces lo que se viene principalmente es mucha música nueva, mucho junte, muchos videos, mucho crecimiento, así que los espero ahí bien pendientes de todo lo que viene. ¿Cuáles son tus redes sociales? Mis redes son @Ronaldelkilla en Instagram y Twitter, en Facebook como Ronald El Killa Oficial, y mi canal de Youtube como Ronald el Killa. Ahí pueden estar atentos de toda mi carrera, y los invito a que me sigan. ¶

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Foto por Natalia López

mateo braga

compartiendo música con el mundo entero LEER MÁS

¿Cómo inicia Mateo Braga este proyecto? Escribo canciones desde que tengo memoria. Ya de adolescente componía y grababa de forma muy precaria en mi casa. Hacía “conciertos” para la familia. Pero diría que mi proyecto musical comenzó formalmente en el año 2010. En ese año registré mis primeras canciones en AGADU, y di mis primeros conciertos en público. Comencé con una banda de Rock que no duró mucho, y al poco tiempo decidí presentarme como solista. A veces solo, a veces acompañado, pero con un proyecto propio. ¿Cuáles son los objetivos? Diría que mis objetivos son hacer llegar mi música a la mayor cantidad posible de gente. Creo que la música es una hermosa herramienta para conocer nuevas personas, tanto en el público como sobre el escenario. Por ese motivo también es que no me encierro en una formación fija. Me encanta conocer a nuevos músicos e invitarlos a acompañarme en mi proyecto, o acompañarlos en los suyos.

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¿Dónde situarías tu música? ¿En qué género? Ha ido variando. Mis primeras canciones eran claramente rockeras, después me fui “ablandando”, y hoy me defino como “acústico”. Así, sin más. Porque el género varía. Algunos temas tienen un ritmo rockero, otros milonguero, pero la esencia es el formato acústico, sencillo. Sin distorsiones, autotune ni decorados. Un sonido crudo, natural. También cabe destacar que el estilo de mis canciones ha ido variando a medida que fui cambiando mis influencias. Por ejemplo, descubrir la música de Sui Generis y Silvio Rodríguez me cambió completamente la cabeza, los gustos, la manera de componer. ¿Se te hace fácil a la hora de componer? ¿Cómo es el proceso? Tengo etapas. A veces me salen canciones todos los días, o dos por día, y a veces paso meses sin escribir un verso. También hay canciones que me salieron en cinco minutos, y otras que me llevaron todo un proceso de dejarlas reposar, pulirlas, cambiarles algún verso, alguna palabra. El hecho de no tener integrantes fijos, ¿es una

ventaja a la hora de componer? Sin dudas. Puedo componer lo que me salga y después veo qué hago con eso. Por ejemplo, hace poco compuse una milonga instrumental y la grabé yo solo, en cuatro líneas de guitarra. Pero de pronto compongo otro tema y quiero hacerlo en formato trío, entonces convoco a una bajista y un percusionista. El hecho de no tener una formación fija me permite componer con total libertad, y después ver qué formato le quiero dar a una u otra canción. Y, a la vez, me permite hacer cosas variadas, sin repetirme. ¿Qué proyectos se presentan este 2017? Comencé el año grabando “El destructor de sueños”, un tema nuevo que compuse a fines del año pasado en conjunto con un amigo, y que teníamos pendiente grabarlo. Recientemente lo lanzamos en las redes, y uno de mis objetivos para este año es presentar ese tema en vivo, porque me encanta la formación que tiene y la fuerza que transmite. Después, la idea es seguir grabando canciones nuevas a medida que vayan surgiendo, seguir tocando en nuevos lugares, para gente nueva y, por supuesto, seguir encontrando nuevos amigos con los que compartir la música.

¿Qué significado tiene “El destructor de sueños”? La letra de “El destructor de sueños” la escribí a partir de una prosa de Facundo Vila, un músico amigo. Es decir, la esencia y significado son mérito suyo. Lo que yo hice fue adaptarla a letra de canción, y luego musicalizarla. Tomé la prosa de Facundo como punto de partida y empecé a escribir los versos. Algunos, tomando frases textuales del original, otros, parafraseando ideas que planteaba, y también sumando algunas mías. El título formaba parte de la prosa original, y lo elegí porque me pareció una metáfora fantástica. Por un lado, obviamente, del despertador que suena cada mañana y nos interrumpe el sueño, pero también encontré que era una síntesis perfecta de todo lo que quiere transmitir la canción. De alguna manera, habla de la rutina como destructora de sueños: apagando las ilusiones, anestesiando. Entonces, en cierto sentido, ese título cerraba perfectamente. ¶

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