Lee Ufan by Gary Tatintsian Gallery

gary tatintsian gallery, Moscow

Ли Уфан

lee ufan

Gary Tatintsian Gallery, Moscow

«Если ударить в колокол, звук отдается на расстоянии. То же случится, если нанести на холст точку, наполненную ментальной энергией − она пошлет вибрации в окружающее ее бесцветное пространство... Произведение искусства − объект, в котором обработанные и необработанные, покрытые краской и нетронутые участки связаны между собой так, что отражают друг друга». Ли Уфан

Л 5

и Уфан − ключевая фигура в интенсивном диалоге, происходящем с середины ХХ века между языком европейского модернизма и дальневосточной философской и эстетической традицией. Художник, скульптор, писатель и философ Ли Уфан родился в 1936 году в Южной Корее. В 1956 году он начал изучать традиционную дальневосточную живопись в Сеульском национальном университете, а в 1958 году переехал в Японию, где продолжил свое университетское образование в области уже не искусства, но философии − как дальневосточной, так и западной. «Я жил в Японии на протяжении сорока лет. Последние тридцать лет я провел, путешествуя по миру, преимущественно по Европе. Таким образом, корейцы видят во мне японца, японцы однозначно считают меня корейцем, когда же приезжаю в Европу − называют азиатом. Я словно шарик для пинг-понга − человек посередине, которого постоянно толкают туда-сюда и которого никто не хочет принять за своего». В 1968 году Ли Уфан становится одним из основателей и теоретиков движения «Моно-ха» («Школа вещей») − оригинального направления современного искусства, появившегося в Японии. Моно-ха стало первым получившим международное признание современным японским художественным течением, отвергавшим западные идеи репрезентации − уделяя особое внимание не экспрессии и интервенции, а отношениям между материей и чувственным восприятием. Работы этого периода отличает противопоставление различных промышленных и природных материалов, оставленых художником в более или менее в неизменном состоянии, что при помощи расставленных контрастов усиливает акцент на их исключительных свойствах. С раннего периода творчества в рамках течения Моно-ха, Ли ограничил выбор скульптурного материала стальными пластинами и камнями, сосредоточившись на точности их концептуального и пространственного взаиморасположения, усиливая их отличительные свойства и заставляя сосредоточиться на каждом из них в отдельности. Стальная пластина − прочная и тяжелая − строительный материал современного мира; камень, в своем естественном, нетронутом состоянии «принадлежит неизвестному миру» за пределами своего «я» и внешней современности, напоминая об «ином» или «существующем независимо от умственного восприятия». Но они не являются антагонистами − «Сталь происходит от камня − они сродни друг другу». В программных трудах художник исполь-

зовал термин «encounter» (встреча) для описания того, что интересовало его больше всего. Именно «встреча» является главной темой его работ. Диалектическая взаимосвязь мазка и холста, контраст камня и железной пластины, отношения между заполненным/пустым пространством − составляют основу творчества Ли Уфана. Среди современников Ли многие художники использовали схожие материалы аналогичным способом. В своих «опорных работах» Ричард Серра, например, совместил обычные прямоугольные стальные листы со свинцовыми, подперев их друг о друга напротив стены или угла комнаты. Тем самым он убедительно демонстрировал работу основных физических законов и состояний − силы тяжести, равновесия, веса и противовеса. Серра фокусировал внимание зрителя на законах и условиях физического существования, а не на листах стали. Ли же обращает нас к другим законам − «Я выбирал камни не за их чистоту, а потому, что понимал, какое безграничное чувственное восприятие они предлагают. Я представил нерукотворные предметы из внешнего мира, обладающие недвусмысленным значением, и объединил их для художественного выражения. Другими словами, я обратился к камням из-за их непохожести и связи с внешним миром, который так отличается от внутреннего». Хозяйственные материалы и повседневные объекты использовались в искусстве со второго десятилетия XX века в коллажах итальянских футуристов и русских конструктивистов. «Комбинированная живопись» Роберта Раушенберга, появившаяся в 1955 году, является примером одного из многочисленных направлений, где художники творили из материалов, ранее не использовавшихся в искусстве. Раушенберг говорил, что его методы − это «всегда скорее взаимодействие с материалами, чем любой вид сознательного подчинения и контроля». Как и скульптуры Ли, компоненты «комбинаций» Раушенберга не объединяются в единое целое, а комбинируются в свободные композиции с открытым концом. Можно сказать, что Ли тоже «сотрудничает с материалом», имея ввиду, что он может использовать разнообразные элементы как равные с учетом их индивидуальности. Тем не менее, он исключает все отсылки к традиционным видам оснований, связанным с Раушенбергом. Например, скульптуры Ли не имеют основы. Наоборот, художник распределяет компоненты прямо в пространстве, тем самым

«If a bell is struck, the sound reverberates into the distance. Similarly, if a point filled with mental energy is painted on a canvas, it sends vibrations into the surrounding unpainted space... A work of art is a site where places of making and not making, painting and not painting, are linked so that they reverberate with each other». Lee Ufan.

ee Ufan is a key figure in the intensive dialogue that has lasted since the middle of the twentieth century between the language of European Modernism and the Far Eastern philosophical and aesthetic tradition. Painter, sculptor,writer and philosopher Lee Ufan was born in 1936 in South Korea. In 1956 he began studying traditional Asian art at the Seoul National University, and in 1958 he moved to Japan where he continued his education not in the field of art, but in the field of philosophy − studying Eastern and Western philosophy. «I lived in Japan for 40 years and during the last 30 years, I have spent a lot of time traveling around the world, mostly in Europe. Because of his background, Koreans see me as being Japanized, the Japanese see me as being fundamentally Korean, and when I go to Europe, people set me aside as an Oriental. I see myself as a ping-pong ball, the man in the middle, always being pushed back and forth with no one willing to accept me as an insider». In 1968 Lee Ufan became one of the founders and theorists of the «Mono-ha» («School of things») movement − the direction of modern art originated in Japan. Mono-ha became the first contemporary Japanese art movement that gained international recognition, it denied Western ideas of representation, particularly focusing not on the expression and intervention but on the relationship between materials and sensory perception. The works of this period are distinguished by opposition of various industrial and natural materials left by the artist in a more or less unchanged state which, due to highlighted contrasts, accentuates their exceptional properties. Since his early «Mono-ha» period, Lee has limited the choice of sculptural materials to steel plates and stones, focusing on their precise conceptual and spatial relationships, enhancing their distinctive features and focusing on each of them separately. The steel plate − solid and heavy − is the building material used in the present-day world − the stone in its natural, pristine state, «belongs to the unknown world» going beyond its «self» and modernity, evoking «the other» or «something that exists independently of mental perception». However, they are not antagonists − «Steel comes from the stone − they are akin to each other». In his project works, the artist used the term «encounter» in order to describe the things that he was interested in most. «Encounter» is the main theme of his works. Dialectical interrelation between a brush stroke and canvas, the contrast between stone and iron plates, the relationship between filled space and empty space − this is what lies at the heart of Lee Ufan`s creative works.

Among Lee`s contemporaries, many artists used similar materials in a similar manner. For instance, Richard Serra in his «support works» combined usual rectangular steel plates with lead plates propping them up against each other, against a wall or a corner of the room. By doing so, he convincingly demonstrated the basic physical laws and conditions in action − gravity, balance, weight and counterweight. Serra focused the viewer`s attention on the laws and conditions of physical existence but not on steel plates. As for Lee, he draws our attention to other laws − «I discovered natural stones not for their purity but because I felt that they strongly suggested unlimited externality. I visualized miraculous things from the outer world that are not fabricated or given transparent meaning and brought them into the realm of artistic expression. In other words, I turned to stones because of their otherness and connection with the outer world that is so different from the inner one». Household materials and everyday objects have been used in the arts since the second decade of the 20th century in collages of Italian Futurists and Russian Constructivists. «Combine paintings» by Robert Rauschenberg, that came into being in 1955, serve as an example of one of the numerous fields where the artists created their works using the materials that had not been used before. Rauschenberg said that his methods were «rather the interaction with materials than conscious subordination and control of any kind». Similar to Lee`s sculptures, components of Rauschenberg`s «combinations» form together not into a single unit but free openended compositions. We can say that Lee also «cooperates with the material» meaning, that he is able to use various elements as equal, taking into account their individuality. However, he excludes all references to traditional types of foundation related to Rauschenberg. For instance, Lee`s sculptures have no bases. On the contrary, the artist arranges the components in the space, thereby making it clear that his limited intervention is the result of deliberate actions. By giving up on changes in basic materials in most of his works, Lee creates not separate objects, but integrated situations, a number of interactions and specific, often experimental, invitations to viewers. Along with Mono-ha followers, Lee criticized the idea of Western modernism, because it gave the absolute status of the artist`s subjectivity − in particular, Lee considers it incorrect to reflect only the author`s ideas in a work, subjecting the material exclusively to the creator`s conception. In his criticism he compares this artistic approach to colonization of one country by another country. His response to modernism is a call to respect primordial qualities of the material and to minimize the impact − only by treating the objects not as obedient instruments but as subjects that resist his will, by leaving them virtually «as they are», Lee is able to open up a new vision and new horizons of experience. As explained by the artist himself, «The highest level of expression is not to create something from nothing, but rather to draw attention to something that already exists, so that the world reveals itself more vividly».

Relatum - Phenomena and Perception B 1968-69

Things and Words 1969

Relatum - Phenomena and Perception A 1969

давая понять, что его ограниченная интервенция есть результат осознанного действия. Отказываясь в большинстве произведений от изменения исходных материалов, он создает не отдельные объекты, а единые ситуации, ряд взаимодействий и особые, зачастую экспериментальные, приглашения зрителям. Наряду с представителями Моно-ха, Ли критиковал идеи западного модернизма за то, что тот придает абсолютный статус субъективности художника, − в частности, Ли видит ошибочным стремление отразить в работе только идеи автора, подчиняя материал исключительно замыслу создателя. В своей критике он сравнивает такой художественный подход с феноменом колонизации одной страны другой. Его ответ модернизму − призыв к уважению исконных качеств материала и минимальное воздействие − только обращаясь с объектами не как с послушными инструментами, а как с предметами, противящимися его воле, оставляя их фактически «как они есть», он способен открыть новое видение и новые горизонты опыта. Как пояснил сам художник, «Высочайший уровень экспрессии − это не создание чего бы то ни было из ничего, но, скорее, привлечение внимания к уже существующему так, чтобы мир раскрылся более ярко». Минимализм Ли Уфана отличается от западного тем, что его работы, хоть и образуют циклы, не являются репетитивными, в них нет промышленной, производственной «серийности». Пространство созданных им инсталляций выглядит нетронутым и, в то же время, заполненным, это всегда граница между деланием и не-деланием, где частные случаи гармонии кажутся не столько продуманными, сколько закономерными. Работы художника часто кажутся эфемерными − как, например, инсталляция «Слова и вещи» 1969 года, состоящая из разложенных на полу чистых листов бумаги, и даже отвергающими общеизвестные единицы измерения − «Relatum» (Phenomena and Perception) 1969 года. Но эфемерность здесь не синоним обреченности − напротив, работы отражают возможность существования множества подобных гармоний, образованных встречей обыденных предметов, а пустота чудесным образом преобразуется в цельность, неделимую полноту одушевленного пространства. Интерес к взаимодействию между объектом и смотрящим связывает работы Ли с другим минималистом, Робертом Моррисом, стремившимся к «унитарной форме», которая способствовала бы осознанию зрителями своих собственных перцептивных процессов, а не предоставляла нечто узнаваемое и, следовательно, поддающееся классификации. Под «унитарной формой» он понимал объект, воспринимаемый не как сумма взаимосвязанных частей, а как полноценная сущность − идеальная форма, обладавшая только одним качеством, − подобный непостижимый идеал лег в основу работы Морриса «Серый многогранник». Это настолько простой предмет, что долго не удерживает на себе внимание зрителя, но вместо этого побуждает сосредоточиться на своем самосознании и восприятии работы. Ли отклонил понятие отдельных единиц, изначально направленных на развитие самосознания зрителя. В этой связи он часто цитировал термин Иммануила Канта «вещь в себе», в качестве точного описания фундаментальной странности и несговорчиво-

Richard Serra at Guggenheim Bilbao

Minimalism by Lee Ufan is different from Western Minimalism − Lee Ufan`s works are not repetitive though they form cycles, they have no commercial, industrial «seriation». The space of his installations seems intact and at the same time filled in, it is always a boundary between action and inaction, where particular cases of harmony seem to be not so much well-thought-out but rather natural. The artist`s works often seem ephemeral − for example, the installation «Things and Words» (1969) that consists of a pile of blank sheets of paper spread on the floor − they even seem to deny the well-known units of measurement − «Relatum» (Phenomena and Perception, 1969). However, ephemerality is not synonymous with fatality − on the contrary, the works reflect the possibility of the existence of a variety of similar harmonies formed by an encounter of everyday objects − emptiness miraculously turns into wholeness, the indivisible completeness of animate space. Interest in the interaction between the subject and the viewer relates Lee`s works to the works of another minimalist, Robert Morris who worked toward the «unitary form» that would contribute to the audience`s awareness of their own perceptual processes and would not provide something recognizable and therefore classifiable. By «unitary form» he meant the object conceived not as a number of interrelated parts but as a complete unit − an ideal form that possessed only one quality − such incomprehensible ideal was the basis of «Grey polyhedron» by Morris. This object is so simple that it does not hold a viewer`s attention for long, but instead it induces a viewer to focus on his self-awareness and perception of the work.

Lee rejected the notion of individual units originally aimed at the development of a viewer`s self-consciousness. In this regard he often referred to Immanuel Kant`s term «a thing in itself» as an accurate description of the fundamental oddity and intractability of things. Like Donald Judd, Lee opposes the perception of things in terms of the already established categories and systems, often requiring a more open approach to their specific features − «We must learn to see all things as they are, without objectifying the works by means of representation which is imposed by human beings». In the works that consist of many parts, Judd used rows and Morris used the structures of similar elements. Thus, they avoid composition − one of the most important principles of traditional arts where all the components refer to each other and create an ensemble. Judd, Morris, Frank Stella and others rejected that and criticized the works that belonged to European arts as «relative», while referring to their own works as «irrelative». On the contrary, for Lee`s arts, dissimilar things are essential elements. He does not isolate the individual objects − in a single or manifold way in the same form − instead, he opposes diverse things and materials. The artist`s dedication to connections of the objects was reflected in the fact that since 1973 he has called its sculptures «Relatum» − this term refers not so much to the connection in general, but to its component. «Relatum» indicates the connection with something external, avoiding the formation of a fixed system of interconnections. «If a heavy stone happens to hit glass, the glass breaks. That happens as a matter of course... Something has to come out of the relationship of tension represented by the artist, the glass, the stone. It is only when a fissure results from the cross-permeation of the three elements in this triangular relationship that, for the first time, the glass becomes an object of art». Lee Ufan. For the first time the artist used this technique in 1968 in Tokyo gallery. Leaning forward, he stood motionless on the glass with a stone in his hands. At some point, he relinquished his hold and let the stone fall. Relatum. Phenomena and perception − the cracked glass and the stone resting on it − remained in the exhibition space as installation. It is impossible to drop the stone skillfully and forecast the results of your actions precisely − the term «controlled chance» is applicable here − you let the unpredictable things happen within the arranged improvement. By limiting his active physical interaction with the materials to a minimal, though carefully thought-out action, Lee demonstrated an act of involvement with an open final − his intentions were influenced by unintentionality. Thus, as an artist Lee sees his challenge not only in the invention or creation of something new, but also in the establishment of a relationship between the already existing things and the improvement of the quality of the things − the stone or the glass − by opposing them to each other. Paintings by Lee Ufan are not images or signs, but the traces left on the canvas, the record of physical action and the stream of time. The artist himself drew analogies between the picture plane and a human body− «Chinese medicine affects a human body through

сти вещей. Подобно Дональду Джадду, Ли противопоставляет восприятие вещей с точки зрения уже устоявшихся категорий и систем, неоднократно требуя более открытого подхода к их специфическим особенностям − «Мы должны научиться видеть вещи, как они есть на самом деле, без помощи средств выражения, которые навязываются людям». В работах, состоящих из многих частей, Джадд использовал ряды, а Моррис − структуры одинаковых элементов. Благодаря этому они избегают композиции, одного из важнейших принципов традиционного искусства, когда все компоненты должны относиться друг к другу и создавать единое целое. Джадд, Моррис, Франк Стелла и другие отвергали это, критикуя произведения

Впервые художник использовал этот прием в 1968 в галерее Токио. Наклонившись вперед, он неподвижно стоял на стекле, с опущенными вниз руками, в которых держал камень. В какой-то момент он разжал руки и выпустил камень. Relatum. Phenomena and perception − растрескавшееся стекло и покоящийся на нем камень − оставались в выставочном пространстве как инсталляция. Невозможно искусно уронить камень и тщательно просчитать результат своего действия − здесь скорее применим термин «управляемая случайность» − вы позволяете непредсказуемости произойти в заранее установленных рамках. Ограничив свое активное физическое взаимодействие с материалами до мини-

Donald Judd - Minimal Myth

европейского искусства как «относительные», и называли свои собственные работы «безотносительными». Для искусства Ли, напротив, разнородные вещи являются основными элементами. Он не изолирует отдельные объекты − единично или размноженно в одинаковой форме − вместо этого он противопоставляет разнообразные вещи и материалы. Увлеченность художника связями объектов выразилась в том, что с 1973 он называет свои скульптуры «Relatum» − термином, относящимся не столько к самой связи в целом, сколько к ее компоненту. «Relatum» указывает на связь работы с чем-то сторонним, избегая формирования фиксированной системы взаимосвязей. «Если тяжелый камень ударить о стекло, стекло расколется. Это случится, как нечто, само собой разумеющееся... Состояние напряжения, воплощенное взаимосвязью художника, стекла и камня, должно получить свое проявление. И лишь когда трещина становится результатом взаимопроникновения всех трех элементов этого треугольника, тогда стекло, наконец, становится предметом искусства». - Ли Уфан.

Robert Rauschenberg - ORACLE

the points of indirect impact. The same principles are applicable to pictorial art. You need to look for the correct acupuncture points on the vast empty surface and as soon as they are found − to make a stimulating brush stroke that would give strength to the canvas and add vibrancy to the painting». The artist`s membership in Nihonga (school of Japanese painting) from 1962 till 1964 explains his interest to experiment with traditional materials where special attention should be paid to the selection of techniques. The combination of the Western canvas stretched on a frame and traditional paints and brushes of the Eastern tradition embodies a desire to connect the materials and practice of the cultures that have existed side by side for a long time but still remain separated for the majority of people. Lee rates canvas highly for its neutrality − «Its appeal and raison d´etre lie in the incomplete, intermediate quality of the space it contains. Clear areas coupled with painted areas create a picturesque image of the work, allowing the fullness and emptiness interact and intensify each other». By using the means of abstract minimalism − interconnected repeats and mono-chromatics − the artist creates strokes that are cleared of needless and minor things and represent the ethics of modesty and self-restraint, in a paradoxical manner transforming the empty area around itself in a complete idea of integrity. Lee chose a soft wide brush as the only instrument for covering the canvas with paint for its peculiar «partial obedience» even to the artist`s skillful hand. In Lee`s paintings, lines and strokes become thinner and more transparent as the paint runs dry on the brush − thus, the works by Lee Ufan are sometimes compared to the works by Roman Opalka who covered a canvas with rows of figures «faded» from one to infinity. However, in contrast with the works by Opalka, the stream of time in the works by Lee does not entail the perception of evanescence. On the contrary, abstracting from the subjective perception, the artist goes beyond his own final «self» initiating an endless dialogue between a viewer, an object and their environment. In the Dialogue series, the artist creates his works by putting a solitary, thick brush stroke on the canvas generating the rhythm, highlighting and animating the emptiness of space, creating an «open field of energy where things and space distinctively interact». Limited to one, two or three rectangular brush strokes on a white canvas, the artist uses tonal qualities in order to show

«elusive, ephemeral and variable world», making physically tangible strokes vibrate, getting out of sight one moment, then coming back again. Thick brush strokes on the Dialogue canvases, presented at the Moscow exhibition, through their monumentality refer the viewers to the neighboring Relatum stone sculpture − once a viewer becomes an acting participant of this dialogue, he inevitably focuses on the harmonious balance of all the elements − from the minimally colored intervention and contrast of the sculptural details to deliberate non-interference with the plane of the canvas. Exhibited in the integrated space of the halls, the works complement each other in a quality manner, embodying the author`s concept of the technique and harmony of objective perception. Lee Ufan`s biography includes participation in the most significant exhibitions of contemporary art − the Documenta in Kassel, Biennials in Sao Paulo and Venice, many solo expositions worldwide. In 2010, on the island of Naoshima in Japan, the Lee Ufan Museum was opened − a kind of a total installation created by the celebrated architect Tadao Ando. In 2011, a retrospective of Lee Ufan`s works «Creating infinity» was held at the Guggenheim Museum in New York. In autumn 2014, at the Chateau de Versailles, the artist presented a major installation of 10 site conditional works as a solo exhibition. The exhibition of Lee Ufan`s works at Gary Tatintsian Gallery presents the artist`s stone installations from the Relatum series and his latest watercolors and paintings from the Dialogue series.

Relatum - Dialogue X

мального, хотя и тщательно продуманного действия, Ли продемонстрировал акт участия с открытым финалом− его намерения охвачены непреднамеренным. Таким образом, Ли видит свою задачу как художника не только в изобретении или создании нового, но и в установлении отношений между существующими вещами и повышении качества самих вещей − камня или стекла − через их противопоставление. Живопись Ли Уфана − не изображения или знаки, но следы, оставленные на холсте, запись физического действия и течения времени. Сам художник провел параллель между плоскостью картины и человеческим телом − «Китайская медицина влияет на органы человека через точки опосредованного воздействия. Те же принципы − в живописи. Нужно искать верные точки для иглоукалывания на обширной пустой поверхности и, когда они найдены, сделать стимулирующий мазок, который даст силу холсту и резонанс картине». Членство художника в Нихонгафу (школа японской живописи) с 1962 по 1964 гг., объясняет его стремление к экспериментам с традиционными материалами, где особое внимание следует уделить выбору техники для работ «From Point» и «From Line». Сочетание западного холста на подрамнике и традиционных красок и кистей Востока воплощает желание связать материалы и практику культур, долгое время существовавших бок о бок, но для большинства людей по-прежнему остающихся разобщенными. Холст Ли ценит за его нейтральность − «Привлекательность и raison d`etre его состоят в незавершенности заключенного в нем пространства. Чистые участки в сочетании с окрашенными зонами формируют живописный образ работы, позволяя заполненности и пустоте взаимодействовать и усиливать друг друга». При помощи средств абстрактного минимализма − взаимосвязанных повторов и монохромности − художник создает штрихи, очищенные от лишнего и второстепенного, олицетворяющие этику сдержанности и самоограничения, парадоксальным образом преобразующие пустое поле вокруг себя в единую законченную идею целостности. Единственным инструментом для нанесения краски на холст Ли выбрал мягкую широкую кисть за свойственное ей «неполное повиновение» даже опытной руке художника. Линии и мазки на его полотнах становятся тоньше и прозрачнее по мере того, как иссякает краска на кисти − за это работы Ли Уфана порой сравнивают с произведениями Романа Опалки, покрывавшего холсты рядами цифр, «выцветавших» от единицы до бесконечности. Но в отличии от Опалки, в работах Ли течение времени не приводит к осознанию собственной недолговечности. Напротив − абстрагируясь от субъективного восприятия, художник выходит за пределы собственного конечного «я», зарождая бесконечный диалог между зрителем, объектом и окружающим их пространством. В своей серии Dialogue художник создает работы, накладывая на холст одиночный, широкий, густой мазок, порождающий ритм, высвечивающий и оживляющий пустоту пространства, создавая «открытое поле энергии, в которой отчетливо взаимодействуют вещи и пространство».

Roman Opalka - OPALKA1965/1 - ! Carte de voyage

Ограничиваясь одним, двумя, тремя прямоугольными мазками на белом холсте, художник использует серый цвет, чтобы показать «неуловимый, эфемерный и изменчивый мир», заставляя физически осязаемые штрихи вибрировать, то исчезая из поля зрения, то вновь возвращаясь в него. Плотные мазки на полотнах Dialogue, представленных на московской выставке, своей монументальностью отсылают к соседствующим с ними каменным скульптурам Relatum, − оказавшись действующим участником этого диалога, зритель неизбежно фокусируется на гармоничном балансе всех присутствующих элементов − от минимально окрашенной интервенции и контраста скульптурных деталей − до осознанного невмешательства на плоскости холста. Собранные в едином пространстве залов, работы качественно дополняют друг друга, воплощая идею автора о технике и гармонии объективного восприятия. В биографии Ли Уфана значится участие в самых значительных выставках современного искусства − кассельская Документа, биеннале в Сан-Паулу и Венеции, множество персональных экспозиций по всему миру. В 2010 году в Японии на острове Наосима открылся уникальный музей Ли Уфана − своего рода тотальная инсталляция, созданная прославленным архитектором Тадао Андо. В 2011 году ретроспектива Ли Уфана «Создавая бесконечность» прошла в нью-йоркском Музее Гуггенхайма. Осенью 2014 года программная выставка, продолжающая классическую серию Relatum, состоялась в Версале. На персональной выставке Ли Уфана в галерее Гари Татинцяна представлены каменные инсталляции художника из серии Relatum-silence, его последние акварельные работы и картины из серии Dialogue.

Dialogue

Detail â&#x2020;&#x2019;

Dialogue 2014 Oil on canvas 162 cm x 130 cm

Dialogue 2010 Oil on canvas 162 cm x 130 cm

Dialogue 2006 Oil on canvas 130 cm x 97 cm

Dialogue 2010 Watercolor on paper 75 cm x 105 cm

Dialogue 2014 Watercolor on paper 75 cm x 105 cm

â&#x2020;? Detail

Dialogue 2008 Oil on canvas 227 cm x 182 cm

Dialogue 2008-2014 Oil on canvas 227 cm x 182 cm

Detail â&#x2020;&#x2019;

Dialogue 2008-2014 Oil on canvas 227 cm x 182 cm

Dialogue 2008 Oil on canvas 218 cm x 291 cm

Dialogue 2007-2014 Oil on canvas 194 cm x 260 cm

Detail â&#x2020;&#x2019;

Relatum

Relatum â&#x2C6;&#x2019; Existence 2014 steel, stone and glass 260 cm x 230 cm x 2 cm, steel plate 70 cm x 60 cm, stone 260 cm x 230 cm x 2 cm, glass

Relatum − Silence 2014 steel, stone 280 cm x 220 cm x 1,5 cm, steel plate 80 см x 70 см, stone

Selected Solo Exhibitions

1967 Sato Gallery, Tokyo

1996 Galerie J. Moussion, Paris

1970, 74 Tamura Gallery, Tokyo

1997 Gallery Bhak, Seoul

1971 Pinar Gallery, Tokyo

1997 Space Shimoda, Tokyo

1972 Myong-Dong Gallery, Seoul

1997 Galeire Nationale du Jeu de Paume, Paris

1973, 77, 80, 83, 86, 89, 91, 93, 95, 96, 99, 08 Tokyo Gallery, Tokyo

1998 Städtisches Museum im STÄDEL, Frankfurt

1975, 77, 80 Galerie Eric Fabre, Paris

1998 Mitaka City Gallery of Art, Nigata City Art Museum, Japan

1976 Gallery Spectrum, Antwerp

1998, 01 Sigong Gallery, Taegoo, Korea

1976, 78, 89, 95, 00, 06 Galerie m, Bochum, Germany

1999 Liliane & Michel Durand-Dessert, Paris

1978, 84, 87, 90, 97, 2003, 2011 Gallery Hyundai, Seoul

2001 Kunstmuseum Bonn, Germany

1978 Düsseldorf Kunsthalle, Düsseldorf

2002 SCAI The Bathhouse, Tokyo

1978 Louisiana Museum of Modern Art, Denmark

2003 Samsung Museum of Contemporary Art, Seoul

1978 The Antwerp Gallery, Antwerp

2004 Musée St.Louis Fernet Branca, Alsace

1978, 81, 84, 86, 89, 93, 98, 01, 06 Shirota Gallery, Tokyo

2005 Yokohama Museum of Art, Yokohama

1979 Gallery Takagi, Nagoya

2005 Musée d`Art Moderne, Saint-Etienne

1979, 06 Gallery Muramatsu, Tokyo

2006 Galerie Micheline Szwajcer, Antwerp

1979 Jin Gallery, Seoul

2006 IBU Gallery, Paris

1979 Marl Sculpture Museum, Germany

2007 Galerie Nächst St. Stephan, Wien

1980, 83, 86, 89, 91 Gallery Ueda, Tokyo

2007 52nd La Biennale di Venezia, palazzo Palumbo Fossati,

1982 Studio Marconi, Milano

Venice

1984, 86, 89, 92, 95 Galerie de Paris, Paris

2008 The Royal Museum of Fine Arts of Belgium, Brussels

1985, 90, 99 Kamakura Gallery, Tokyo

2008 Dahlem Museum, Berlin

1988 The Museum of Fine Arts, Gifu, Japan

2008 Pace Wildenstein, New York

1988 Galerie Anselm Dreher, Berlin

2009 Kukje Gallery, Seoul

1988 Padiglione D`Arte Contemporanea, Milano

2009 Galerie Thaddaeus Ropac, Paris

1990, 91, 94 Inkong Gallery, Seoul

2010 Blum & Poe, Los Angeles

1991, 97 Lorenzelli Arte, Milano

2010 Galeria Elvira Gonzàlez, Madrid

1991 Hara Museum ARC, Japan

2011 Galerie Thaddaeus Ropac, Salzburg

1992, 96, 00, 01, 06 Konggan Gallery, Busan, Korea

2011 Guggenheim Museum, New York

1993 The Museum of Modern Art Kamakura, Japan

2011 SCAI The Bathhouse, Tokyo

1994 Fondazione Mudima, Milano

2012 Asia Society, Houston

1994 The National Museum of Contemporary Art, Seoul

2013 Le Capitole, Arles, France

1995 Städtisches Museum Leverkusen, Germany

2013 Galerie Kamel Mennour, Paris, France

1996, 04, 08 Lisson Gallery, London

2014 Versailles, France

Selected Group Exhibitions 1968 Contemporary Art of Korea, The National Museum

1980 Skulptur im 20 Jahrhundert, Basel

of Modern Art, Tokyo

1969 5th International Young Artists Exhibition, Awarded Prize of Japan Cultural Forum, Tokyo

Superlative Prize, Kanagawa, Japan

1980 Contemporary Art in Japan, The Museum of Modern Art, Stockholm

1969 9th Contemporary Art Exhibition of Japan, Tokyo

1982 Meister der Zeichnung, Kunsthalle Nürnberg, Germany

1982 Material Gets Art, Berlin National Galerie, Berlin

Metropolitan Art Museum, Tokyo

1969, 73 São Paulo Biennale, São Paulo

1982 Japanese Contemporary Art Exhibition, Camden Arts

1969 Trends in Contemporary Art, The National Museum

1983 ARS 83 Helsinki, Finland

of Modern Art, Kyoto

Center, London

1970 Aspects of New Japanese Art, The National Museum

1983 M. Kawabata, Lee Ufan and Y.Saito

of Modern Art, Tokyo

Exhibition, Juda Rowan Gallery, London

1970, 72 7th, 8th International Prints Biennale in Tokyo, Tokyo

1984 Wiesbaderner Skulpturentage, Germany

1971 7th Paris Biennale, Paris

1984 Trends of Contemporary Japanese Art, Tokyo Metropolitan

1972 2nd Seoul Prints Biennale, Seoul

1972 Napoli International Exhibition, Napoli

1985 40 Years of Japanese Contemporary Art, Tokyo

1973 11th Contemporary Art Exhibition −

˝A Retrospective 20 Years of Contemporary Japanese Art˝,

1986 Seoul-Paris, Centre National des Arts

Tokyo and Kyoto

Art Museum, Tokyo Metropolitan Art Museum, Tokyo Plastiques, Paris

1974 Japan Traditional Gegenwart, Städtisches Kunsthalle,

1986 Mono-ha, Kamakura Gallery, Tokyo

Düsseldorf

1986 Contemporary Japanese Calligraphy and

1974 Japanese Art in Louisiana, Louisiana Museum of Modern

Art, Denmark

painting, Galerie Nationale de Prague, Czechoslovakia

1986 Le Japon des Avant-Gardes, Centre Georges Pompidou,

1975 3rd Triennale India, National Academy of Art,

Paris

1987 Mono-ha and Postmono-ha, The Seibu

New Delhi, India

1975 Contemporary Art of Japan, The Museum of Ietevorg,

Stockholm

1987 Painting 1977-87, The National Museum of Art, Osaka

1975 Contemporary Art of Japan, Sonja

1988 Monoha, Museo Labatorio di Arte

Henle-Niels Onstad Museum, Oslo

Museum of Art, Tokyo

Contemporanea, Rome

1976 Cagnes-Sur-Mer, International Painting Fair, France

1988 Symposium of Olympic Sculpture, Seoul

1976, 85 Ecole de Seoul, Seoul

1989 Croisement des Signes, Institut du Monde

1976 2nd Sydney Biennale, Australia

1977 13th Contemporary Art Exhibition of Japan, Awarded prize

1989 Biennale Middelheim Japan, Middelheim

of The National Museum of Modern Art, Tokyo

Arabe, Paris Open-Air Museum, Antwerp

1977 Kassel Documenta 6, Germany

1989 Japan 1989, Museum van Hedendaagse Kunst, Gent

1977 Drawing 5Artists, Minami Gallery, Tokyo

1989 Effets de Mirror, Bibliothèque Louis-Aragon,

1977 100 Prints Acquisitions 1973-1976,

1990 Blau, Heidelberger Kunstmuseum, Heidelberg

The Museum of Modern Art, New York

Choisy, France

1978 Z. B. Sculpture, Städtisches Museum im STÄDEL, Frankfurt

1990 Minimal Art, The National Museum of Art, Osaka

1978 Focus 78, Centre Culturel du Marais, Paris

1991 Aspects of Contemporary Japanese Art,

1979 1 1th International Prints Biennale in Tokyo, Awarded prize

The Santa Monica Museum of Art, California, Portland Art

Museum, Oregon Art Institute, Oregon, Museo Rufino

1979 1st Henry Moore Grand Prize Exhibition,

Tamayo, Mexico, Contemporary Art Center, New Orleans

1992 Contemporary Art from Korea, Tate Gallery, Liverpool

of National Museum of Modern Art, Kyoto Hakone Open-Air Museum, Awarded

1992 Seven artists of Japan, Nagoya City Art

2004 L`art au futur antérieur 1975-2004, Musée du Grenoble

Museum, Nagoya, Japan

1992 Avandguardie Giapponesi Degli Anni 70,

2005 Reconsidering Mono-ha, The National Museum of Art,

Osaka

Galleria D`Arte Moderna Comune di Bologna, Bologna

1993 Spiritual in Art, Fukuyama Museum of Art,

2006 La force de l`art, Grand Palais, Paris

2006 Kwangjoo Biennale, Korea

Fukuyama, Japan

1994 Scream against the sky, Guggenheims Soho Museum,

2006 Shelter, National Galerie, Berlin

2007 Elastic Taboos, Kunsthalle, Wien

New York

1994 Postwar Art in Japan, Yokohama Museum of Art,

2007 Living in the Material World − ˝Things˝in Art of the 20th

Yokohama

1995 ASIANA-monoha, Palazzo Vendramin, Venice

2007 L`art de Monet et sa Postérité, The National Art Center,

1995 Joongang Biennale, Hoam Art Gallery, Seoul

Museum of Modern Art, Tokyo

Century and Beyond, The National Art Center, Tokyo Tokyo

1995 70, Mono- ha, The Museum of Fine Art Gifu, Japan

2007 Micro-Narrative, Beograd

1996 Japon 1970 Mono-ha, Musée d´art Moderne,

2008 Sensitive Systems, Hakgojae Gallery, Seoul

Saint-Etienne, France

2008 The Thin Shadow Line, Fondazione Mudima, Milano

1996 Projet 8, Total Contemporary Art Museum, Seoul

2008 SOTTO VOCE, Yvon Lambert, New York

1996 Small Truths, John Hansard Gallery,

2008 1st Poznan Biennale, Poland

2009 Infinitum, Palazzo Fortuny, Venice

Southampton, England

1997 Made in France, Musée National d`Art

2009 Qui a peur des artistes ? François Pinault

Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris

Collection, Palais des Arts, Dinard, France

1998 SARAJEBO 2000, Museum Moderna Kunst Stiftung

2009 Essential Experience, RISO Galleria

Ludwig, Wien

Regionale della Sicilia, Sicilia

1998 Contemporary Art of Korea-Time, Hoam Art Gallery, Seoul

2011 54th Venice Biennale, ˝The World Belongs to You˝,

1998 Korean Monochromism, Busan Metropolitan Art Museum,

Korea

2011 54th Venice Biennale, ˝PERSONAL STRUCTURES˝,

1999 Kunstwelten im Dialog, Museum Ludwig, Köln

2000 Kwangjoo Biennale, Korea

2012 ˝Requiem for the Sun − The Art of Mono-ha˝, Blum & Poe,

2000 Shanghai Biennale, awarded prize UNESCO, China

2000 Bernard Frize, Katharina Grosse and

2012 ˝Requiem for the Sun − The Art of Mono-ha˝,

Lee Ufan, Galerie Monika Reitz, Frankfurt

Palazzo Grassi Palazzo Bembo Los Angeles Gladstone Gallery, New York

2001 Century City, Tate Modern, London

2012 ˝Tokyo 1955−1970 − A New Avant-Garde˝,

2001 Mono-ha − school of things, Museum of

Kettle`s Yard, Cambridge, Newlyn Art Gallery,

2013 Paradise, Pace Gallery, New York

Newlyn, England

2013 Takahashi Collection − Mindfulness!, Kirishima Open-Air

Museum of Modern Art, New York

2001 Le Tribú dell Arte, Galleria Comunale d`Arte

2013 Prima Materia, Punta della Dogana, Venice

Moderna e contemporanea, Roma

Museum, Kagoshima, Japan

2001 Ikiro-be alive, Kröller-Müller Museum, Otterlo

2014 From All Sides − Tansaekhwa on Abstraction, Blum & Poe,

2002 The Pacific Triennale, Queensland Art Gallery Brisbane,

Australia 2002 Les années 70 l`art en cause, CAPC Musée d`Art

Contemporain, Bordeaux, France

2003 Happiness, Mori Art Museum, Tokyo 2004 Limpa − Ecole de Limpa, The National

Los Angeles

Public Collections

Art Gallery of New South Wales, Sydney

The National Museum of Art, Osaka,

Asia Society Texas Center, Houston

National Museum of Contemporary Art, Seoul

Busan Municipal Museum of Art, Korea

National Museum of Modern Art, Kyoto

Brooklyn Museum, New York

National Museum of Modern Art, Seoul

Centre Georges Pompidou, Musée National d´Art Moderne, Paris

National Museum of Modern Art, Tokyo

Dallas Museum of Art, Dallas

Nationalgalerie, Berlin

FNAC, Paris

Niigata Prefectural Museum of Art, Japan

Fondazione Mudima, Milan

Ohara Museum of Art, Okayama, Japan

Fukuoka Museum of Art, Japan

Pinault Foundation, Venice

Galerie Nationale de Prague, Czech Republic

Queensland Art Gallery, Brisbane, Australia

Hokkaido Museum of Modern Art, Sapporo, Japan

Seoul Municipal Museum of Art, Korea

Hakone Open-Air Museum, Kanagawa, Japan

Setagaya Art Museum, Tokyo

Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo

Sezon Museum of Modern Art, Nagano, Japan

Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Japan

São Paulo Art Library, Brazil

Solomon R. Guggenheim Museum, New York

Situation Kunst, Bochum, Germany

Iwaki City Art Museum, Fukushima, Japan

Sonja Henle-Niels Onstad Museum, Oslo, Norway

Kröller-Müller Rijksmuseum, Otterloo, The Netherlands.

Staatliche Kunstsammlungen Dresden, Germany

Kunsthalle Nürnberg, Germany

Städtisches Museum Leverkusen, Germany

Kunsthaus Zurich, Switzerland

Städtisches Museum im Städel, Frankfurt

Kunstmuseum Bonn, Germany

Stuttgart Staatsgalerie, Germany

Kunstsammlungen der Ruhr-Universität Bochum, Germany

Sundheim Collection, New York

Leeum Samsung Museum of Art, Seoul

Sunjae Museum of Art, Korea

Lee Ufan Museum, Naoshima, Japan

Takamatsu City Museum of Art, Kagawa, Japan

Le Musée de Sculpture en Plein Air, Paris

Tate Modern Gallery, London

Miyagi Museum of Art, Sendai, Japan

Tochigi Prefectural Museum of Fine Arts, Utsunomiya, Japan

Museum of Fine Arts, Gifu, Japan

Tokyo Metropolitan Museum of Contemporary Art, Japan

Museum of Modern Art, Kamakura & Hayama, Japan

Toyota Municipal Museum of Art, Aichi, Japan

The Museum of Modern Art, New York

Utsunomiya City Museum of Art, Tochigi, Japan

Lee ufan one man show november 14, 2014 - march 23, 2015

© All visual material by the artist; Gary Tatintsian Gallery, Moscow & pace gallery, NY текст: Ольга бакеева Дизайн: юрий Яценко Все права защищены. Text: olga bakeeva Design: Yuriy yatsenko All rights reserved.

Special thanks to SergeY TetruashWili for generous support of the project

Media partner:

supported by:

gary tatintsian gallery, Moscow

Ли Уфан

lee ufan