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EBEL R E D N

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E R R A DN E U G LA GIBSO MEL NA M OA D E L EL MO E P ROM OR Y G E R G OS 60 I N MC E WA LUCIONAR E VO LOS R

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A C IO R PE M I L E PRINTED IN MEXICO

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No. 267 | MEX $60.00 | USA $5.50

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INDICE DICIEMBRE 2016 NO. 267

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Carta editorial

6

@cinepremiere

8

Cácaro

Qué clase de año ha sido

La fiebre por Baby Groot

Drogas, música y cine negro

11 INSIDER

16 Perfil: Millie Bobby Brown, nuestra querida Eleven. 20 Set visit: Desde Praga, la nueva entrega de Inframundo. 22 Pasajeros: Jennifer Lawrence y Chris Pratt se enamoran en el espacio.

30

Estrenos

32

Rogue One:

44

Moana:

Refúgiate en el cálido abrazo de los sillones de la sala de cine.

Los rebeldes valientes que salvarán a la galaxia de las garras del Imperio.

FOTO: CORTESÍA UNIVERSAL PICTURES

La aventura de no ser princesa.

54 ANIMALES NOCTURNOS

El pasado acecha a Amy Adams.


ÍNDICE

58

Hasta el último hombre: La película

66

Sully: Clint Eastwood y Tom Hanks surcan

68

Los rostros del Festival Internacional de Cine de los Cabos 2016.

72

MÁS NEGRO QUE EL CINE

que resucitó a Mel Gibson.

los aires.

Las últimas horas de Joaquín Pardavé.

77 MARTINI SHOT

94

FOTO: CORTESÍA DISNEY

82 Música: 55 años de Amor sin barreras, el musical perfecto. 88 Hollywood Boulevard: El hiperrealismo de Ang Lee con Billy Lynn. 90 Cine en casa: Revive la furia de Mad Max en blanco y negro.

Trivias

Disfruta la Megapantalla IMAX del Papalote.

96

Churros inolvidables

Hesper quiere de vuelta a Han Solo.

En una competencia de canto, ¿qué tema intepretarías? EDITORIAL DIRECTOR EDITORIAL: J. IVÁN MORALES ("Superstition" de Stevie Wonder) EDITORA EN JEFE: JESSICA OLIVA ("On My Own" de Los Miserables) EDITOR WEB EN JEFE: SERGIO LÓPEZ AGUIRRE ("Suena Tremendo" de Magneto) EDITOR: ARTURO MAGAÑA ARCE ("Mirrors" de Justin Timberlake) EDITORA WEB: DIANA SÁNCHEZ URANGA ("Whistle Down the Wind" de Andrew Lloyd W.)

ARTE Y DISEÑO DIRECTORA DE ARTE: XOCHITL A. RODRÍGUEZ ("Somebody To Love" de Queen) EDITORA GRÁFICA: CINDY WHITEHOUSE ("Is This How You Feel?" de The Preatures) DISEÑO GRÁFICO: ABIGAIL DE LA MEWATRI ("Chandelier" de Sia)

C OL ABOR ADORE S E X TERNOS LOS ANGELES BUREAU CHIEF: VERA ANDERSON CORRESPONSALES HOLLYWOOD: PAUL DURAN Y LIZ HAYWORTH. COLECCIONABLES: VÍCTOR RECINOS TEXTOS: AMANDA ADAME, ROCÍO CAMARENA, JESÚS CHAVARRÍA, LUIS GAMBOA, LEONARDO GARCÍA TSAO, BELÉN GÓMEZ, CARLOS JESÚS GONZÁLEZ, CLAUDIA LLACA, JORGE NEGRETE CAMACHO, JAVIER PÉREZ, CHARBELÍ RAMOS, ALBERTO ROJAS, ANA PAULA SAUCEDO, MABEL SALINAS, EDUARDO SCHEFFLER. ILUSTRACIÓN: CARLOS BADILLO, OLDEMAR GONZÁLEZ, JESÚS DOMÍNGUEZ, LUIS SAN VICENTE, ISRAEL BRIONES. VIDEO: DANIEL TREJO PEÑA. APOYO DISEÑO GRÁFICO: NANCY MONROY.

C ONSEJO EDITORIAL FRANCISCO GONZÁLEZ COMPEÁN, JAVIER SOLÓRZANO, CARLOS GÓMEZ INIESTA.

Moana y Maui, los nuevos héroes de Disney.

DIRECTOR GENERAL ADJUNTO, RB MEDIOS PUBLICITARIOS S.A. DE C.V. JOSÉ LUIS CACHAFEIRO REY

DIRECCIÓN DE EVENTOS, ESTEFANONI COMERCIAL S.A. DE C.V. JUAN CARLOS PÉREZ-CABALLERO MENDOZA / JCPCM@G21.COM.MX DIRECCIÓN DE RECURSOS HUMANOS, SAMER ABC, S.C. ARNULFO AHUMADA SÁNCHEZ / AAHUMADA@G21.COM.MX DIRECCIÓN FINANCIERA, SAMER ABC, S.C. FEDERICO DÉCIGA NAVARRO / FDECIGA@IASANET.COM.MX PUBLISHER PRINT, PUBLICACIONES WINNER, S.A. DE C.V. ULISES NAVARRO LÓPEZ / UNAVARRO@IASANET.COM.MX PUBLISHER ON-LINE, E.S. ZAWADSKY Y ASOCIADOS, S.C. EDUARDO SCHEFFLER ZAWADZKI / ESCHEFFLER@IASANET.COM.MX DIRECCIÓN DE ADMINISTRACIÓN DE VENTAS, SAMER ABC, S.C. ROBERTO LEMUS ECHEVARRÍA / RLEMUS@IASANET.COM.MX DIRECCIÓN DE MARKETING COMERCIAL, SAMER ABC, S.C. GIANELLA CARVAJAL SOTO / GCARVAJAL@IASANET.COM.MX GERENTE DE PRODUCCIÓN, SAMER ABC, S.C. MIGUEL ÁNGEL TRUJILLO RAMÍREZ SAMER ABC, S.C. /MTRUJILLO@IASANET.COM.MX GERENTE JURÍDICO JORGE VILLASEÑOR MAGALLÓN / JVILLASEÑOR@IASANET.COM.MX COLOR MANAGEMENT: EDGAR AZCARY ANDINO OLIVÉ CINEPREMIERE.COM.MX • IASACOMUNICACION.COM NOS GUSTARÍA CONOCER TU OPINIÓN, CONTÁCTANOS EN: BUZONCP@IASANET.COM.MX

DIRECTOR DEL CONSEJO EDITORIAL, FMMB Y ASOCIADOS, S.C. FRANCISCO MARTÍN MORENO

DIRECTORE S DE GRUPO DE CUENTAS ERIKA DEL CARMEN MAGAÑA GIL SAMER ABC, S.C. / EMAGANA@IASANET.COM.MX MANUEL MONTES DE OCA BARRERA SAMER ABC, S.C. / MMONTES@IASANET.COM.MX

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EJECUTIVOS C OMERCIALE S MORAYMA ALVARADO ALFONSO SAMER ABC, S.C. / MALVARADO@IASANET.COM.MX MAURICIO ARMENDÁRIZ SEGURA ALDCAN, S.C. / MARMENDARIZ@IASANET.COM.MX LANDY YOATZIN LÓPEZ BUSTAMANTE SAMER ABC, S.C. / IBUSTAMANTE@IASANET.COM.MX ROGELIO LEÓN COLORADO SAMER ABC, S.C. / RLEON@IASANET.COM.MX NANCY MANZANO LEMUS SAMER ABC, S.C. / NMANZANO@IASANET.COM.MX SALVADOR MEJÍA VARGAS MEJIA 360 GRADOS CONSULTORES, S.C. / SMEJIA@IASANET.COM.MX GERARDO ROA GARCÍA IDEAS SCARGER, S.C.. / GROA@IASANET.COM.MX REGINA SÁNCHEZ BELMONT GARCÍA JURADO BELMONT AMPUDIA ASOCIADOS, S.C. / RSANCHEZ@IASANET.COM.MX EDER ARMANDO ÁVILA FERNÁNDEZ SAMER ABC, S.C. / EAVILA@IASANET.COM.MX JENNIFER MARLENE TREJO VERDIGUEL SAMER ABC, S.C. / JTREJO@IASANET.COM.MX CONMUTADOR: 01 55 5267-0544 SUSCRIPCIONES Y ATENCIÓN A CLIENTES: LORENA VÁZQUEZ HERNÁNDEZ 0155 5267-0500, 01800 9012900 / SUSCRIPCIONES@IASANET.COM.MX WWW.SUSCRIBIENDOME.COM.MX

Salvo las personas que se indetifican como colaboradores externos (presentación de servicios), o bien bajo el amparo de una sociedad (prestación de servicios); las demás personas integrantes del directorio editorial o corporativo constante en esta publicación, son empleados de IMPRESIONES AÉREAS, S.A. de C.V. CINE PREMIERE, es una revista mensual, editada por Impresiones Aéreas, S.A. de C.V., Rosaleda No. 34, Lomas Altas, 11950, CDMX, bajo licencia de Hachette Filipacchi Presse, S.A.; Año 21, No. 267. Edición: DICIEMBRE 2016. Editor responsable: Jorge Ivan Morales Barreda. Reserva de Derechos expedida por el Instituto Nacional del Derecho de Autor No. 04-2011-091913471200-102. Certificado de Licitud de Título y Contenido expedido por la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas: 15336. ISSN: En trámite. Autorización SEPOMEX No. PP-09-1826. Impresa en: INFAGON WEB S.A. DE C.V. Alcaicería # 8 Col. Zona Norte, Central de Abastos, C.P. 09040, Del Iztapalapa, CDMX. Distribución: A cargo de DISTRIBUIDORA Intermex S.A. de C.V., Lucio Blanco No. 435, Col. San Juan Tlihuaca, Azcapotzalco, CDMX C.P. 02400. ALFESA S.A., Calle Corona No. 23, Col. Cervecera Modelo, C.P. 53330, Naucalpan de Juarez, Estado de México. Este número se terminó de imprimir el 22 de noviembre de 2016. Las opiniones expresadas por los autores y/o colaboradores de esta publicación, no necesariamente reflejan la postura de la casa editorial, por lo que los primeros asumen la responsabilidad que llegare a repercutir al respecto. Esta revista considera sus fuentes como confiables y verifica los datos que aparecen en su contenido en medida de lo posible; sin embargo, puede haber errores o variantes en la exactitud de los mismos, por lo que los lectores utilizan esta información bajo su propia responsabilidad. Los espacios publicitarios constantes en esta revista, son responsabilidad única y exclusiva de los anunciantes que oferten sus servicios o productos, razón por la cual, los editores, casa editorial, empleados, colaboradores o asesores de esta publicación periódica no asumen responsabilidad alguna al respecto. Derechos reservados. Prohibida la reproducción parcial o total, sin el previo consentimiento de los editores y/o titulares de los derechos patrimoniales. ©Impresiones Aéreas, S.A. de C.V. 2016 Iasa Comunicación®. Impresiones Aéreas, S.A. de C.V. Cine Premiere®. Hachette Filipacchi Presse, S.A. G21® Grupo Inversor Intelectiva, S.A.P.I. de C.V.


ÍNDICE WEB

cinepremiere.com.mx FEATURES

Los éxitos y fracasos en taquilla del 2016

Edgar Apanco, nuestro analista experto en el box office, nos da un recuento de las películas que llenaron las salas de cine… y las que no.

Las mejores películas del año

Conoce el Top 10 del año de los colaboradores y miembros del staff que conforman el equipo Cine PREMIERE.

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VIDEOS Mash-up 2016

Desde acción hasta baile, todas las películas que llegaron a las salas en nuestro recuento anual.

Las mejores y peores adaptaciones del año

En Página 42 te decimos aquellos libros que fueron grandes películas y otros que dejaron mucho que desear.

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COLABORADORES DE ESTE MES Eduardo Scheffler

Eduardo Islas

Charbelí Ramos

Escritor, editor y voraz lector. Amante extremo del baseball. Pasa sus días entre juntas imaginando que en algún momento tendrá tiempo para escribir todas las ideas que rondan por su cabeza. Ha estado ligado a Cine PREMIERE por más tiempo del que alguien pudiera creer cierto. En esta edición vuelve a escribir tras más de un lustro de ausencia y lo hace sobre el regreso a la silla de director de Mel Gibson. @escheffler

Estudió fotografía en la Escuela Activa de Fotografía y considera al cine su verdadera escuela. Colaborador de proyectos de Editorial Santillana, las revistas Mercedes Benz y Valor, entre otros. Actualmente se dedica al retrato, forma parte de UNO DOS (foto documental de boxeo), crea joyería fotográfica, viaja y ve mucho cine. En esta edición presenta las imágenes del Festival Internacional de Cine de Los Cabos. @e_islas_f

Comunicóloga mexicana sin aduana mental, a quien le apasionan la literatura, la música, el cine y el espacio exterior. Disfruta de todo aquello que le provoque sensaciones estéticas. Le gustan el café, las madrugadas y las ideas. Su vida profesional es un péndulo que ha pasado por la comunicación interna, la evaluación educativa, la televisión, la música banda y ahora, por nuestra sección Más negro que el cine. @Clotildona CINEPREMIERE.COM.MX DICIEMBRE 2016

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CARTA EDITORIAL

QUÉ CLASE DE AÑO HA SIDO os lectores más astutos (y fans de Veronica Mars) ya se habrán dado cuenta de que el título de esta carta no es como el de las demás. Y es que cada una de las cartas editoriales que he publicado ha sido nombrada, en parte, por lo que sucedió en el mes, y en parte haciendo referencia al nombre de algún capítulo de Veronica Mars. ¿Por qué? Pues... porque sí. Ésta, sin embargo, hace referencia al título del último capítulo de todas las series de Aaron Sorkin, mi guionista favorito. Y es que... ¡qué clase de año ha sido! Deadpool, Civil War, Dory bebé, el regreso de J.K. Rowling y la controversia de ¡Martha! Perdimos a Bowie, a Prince, a Alan Rickman, a Kiarostami, a Juan Gabriel, a Anton Yelchin, a Gene Wilder, George Martin y a Gonzalo Vega... Iñárritu se llevó varios Oscares, Dylan un Nobel, Gael un Globo de Oro, Diego Luna está en Star Wars y Trump es presidente. Altas y bajas, como todos los años (como todos los días): hemos pasado por mucho. Espero que este 2016 que termina les haya tratado bien a todos. Y a quienes no, tomemos esta fecha algo arbitraria con la que celebramos una vuelta más al sol para comenzar un nuevo año con el metafórico pie derecho. Dentro y fuera de las pantallas, cada historia se merece un “borrón y cuenta nueva”. No arrastremos nuestras expectativas, bagaje y decepciones a lo que se asoma dando la vuelta a la esquina. El año que viene pinta bien y los rebeldes que llenan esta edición son prueba de ello. Y no sólo aquellos que comenzarán la revolución en contra del Imperio, también están Ewan McGregor reviviendo la contracultura sesentera, la rebelde Moana que liderará a su pueblo hacia el mar y la redención de Mel Gibson en su bélica puesta en escena sobre un objetor de conciencia. Este año termina rogando por cambios, y el próximo promete traerlos. Mientras tanto, luchen por lo que quieren, sean buenos con sus vecinos y pasen un feliz fin de año. –J. Iván Morales [@ivanmorales]

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@CINEPREMIERE by Groot La fiebre por Ba

seguro pero estoy casi Llámenme loco Vol. 2 ia lax Ga la nes de de que Guardia taen icia Liga de la Just superará a La de es ad amplias posibilid quilla y tiene . DD M 00 ,0 $1 ra de los pasar la barre mo co o nt ta er a vend Baby Groot va uel Escobar an –M . -8 BB y Olaf Ravager. n un minitraje Baby Groot co genial el ve Se ! da más lin ¡Pero qué cosa er Delgado chamaquito. –F e harán rar a ver lo qu ¡No puedo espe el ng Ra s sú Je é de estos dos! –Jos

El Cácaro al servicio de la comunidad cinéfila

Los artículos del Cácaro siempre han sido mis preferidos. Me ha sacado de apuros y gracias a él he visto películas que me han encantado como, por ejemplo, Mi obsesión  por Helena, Otesánek y Hercules Returns, cintas que, de otra forma, no hubiera visto nunca. –Karla Amor Ochoa García

Nada como comprar una peli y recordar su portada de @CinePREMIERE –Diego Armando Rivera

Un siglo de magia

Me encantó el artículo sobre los 100 años de Roald Dahl, ya que soy su admiradora desde pequeña. Ahora que ya soy adulta sigo disfrutando sus historias y comparto con mi hijo la magia de todas ellas. –Karla Cortés

Buenísimo éste artículo de #MásNegroQueElCine. Desde hace rato, mi sección favorita de @CinePREMIERE –Rafael Rivera

¡Norteño Power! ¡El charro Manuel García-Rulfo y un servidor en @CinePREMIERE de octubre! #LaVidaInmoral –@ManoloCaroS

iratería Ingeniosa p están?

¿como Hola chicos, t #48 hablaas En el Podc y la piratería ron sobre tas os ul tít n r unas cuan s crea para genera e cómo a vece nt ge ás la em de contró (y ad la atención i hermano en que llaman m s e le qu o nt lo n ta Pues mire tedes que ventas más. s presto, a us la am se lla o eg sa lu ru quieren a película compró). Si disco trae un parte de Al parecer el . en ado, que es oz nt Fr ca a en jo gust pe es tian El : r Hans Chris de las nieves ro escrito po da La reina lib un en da  Está basa una trilogía. los Lepe aludos! –Car  ¡S n. Anderse

Envía tus comentarios y fotos a buzoncp@iasanet.com.mx. También puedes usar el hashtag #CinePREMIERE en las diversas redes sociales.

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¡#LosParecidos invaden @CinePREMIERE! –@IsaacEzban


EL CÁCARO Maestro de la memoria fílmica, un día encontré en el famoso canal De Película una cinta con Dolores del Río dando vida a dos mujeres que discutían acaloradamente. La escena terminaba con una asesinando a la otra. Por azares de la vida tuve que apagar el televisor ¡y ya no supe qué más pasó! Por favor, dígame de qué filme se trata. –Juan Manuel García

ILUSTRACIÓN: ISRO BRIONES

Querido y admirado Cácaro, acudo a usted para resolver una incógnita cinematográfica que me ronda la cabeza. Un día encontré una película sobre una mujer –creo que drogadicta– que va buscando drogas con su hijo por toda la ciudad antes de que él haga un examen importante de piano. Aunque esto le parezca muy extraño, la verdad es que la película me hizo reír mucho. ¿Sabe de cuál hablo? –Olga Elena Ruelas Mi querida Olguita, usted me ha preguntado por una historia muy interesante, y sí, también divertida y entrañable. Se trata de Why Stop Now?, cinta independiente de EE.UU. – sin título en español– dirigida por Phil Dorling y Ron Nyswaner en 2012 (éste último nominado al Oscar en 1993 a Mejor guion por Filadelfia) y protagonizada por Melissa Leo, Jesse Eisenberg y Tracy Morgan. La historia nos presenta a Eli Smith (Eisenberg), un joven pianista promesa que ha lidiado toda su vida con su madre (Leo) y la fuerte adicción a las drogas de ésta. El día en que él tiene una audición para un importante conservatorio musical, su madre acepta ingresar a rehabilitación para que esté tranquilo en su prueba. Sin embargo, en la clínica le dicen que no pueden

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recibirla, ya que lleva semanas “limpia”. La mejor sugerencia que le dan ahí es que regrese a su casa y consuma algo de droga para que puedan admitirla. Aunque irónica, tanto Eli como su madre concuerdan en que esta propuesta es lo más conveniente. Como usted apunta, a partir de ahí, ambos recorren la ciudad en busca de sustancias tóxicas, pero lejos de lo que cualquiera pueda pensar, la cinta se convierte en una divertida y entrañable comedia; un road trip por la ciudad que, al mismo tiempo, se transforma en una especie de coming of age, en la que todos los personajes se enfrentan a sus errores y tratan de que su futuro sea un poco menos depresivo de lo que parece. Algo que llama mucho la atención es el personaje de Tracy Morgan, quien da vida a un vendedor de drogas con algunos problemas de salud y que usa un bastón para caminar. Y es interesante porque este actor ha tenido un historial médico bastante complicado a lo largo de su vida. Es diabético, recibió un trasplante de riñón y en 2014 resultó gravemente herido en un accidente automovilístico que lo obligó a usar bastón por mucho tiempo. Pero, regresando a este enredo condensado en una película de hora y media (a la venta en BD en Amazon), usted encontrará a personajes tan honestos y… pues sí, fracasados, que hacen de esta cinta una comedia entrañable que le recomiendo mucho ver. Le va a encantar.

Mi buen amigo, usted vio apenas una probadita de uno de los mejores thrillers del cine mexicano. Se trata de La otra, dirigida por Roberto Gavaldón en 1946, protagonizada por Dolores del Río, escrita por José Revueltas y fotografiada por Alex Phillips. Puro talento reunido en una misma película. La historia gira en torno a María (Del Río), una mujer infeliz por la vida que le ha tocado: su trabajo de manicurista apenas le alcanza para sus necesidades. A veces incluso debe elegir entre comer o pagar la renta del viejo cuarto de azotea donde vive. Su amargura se incrementa al saber que no muy lejos de ella está la mansión de su hermana gemela, quien recién enviudó y heredó la fortuna de su esposo. En una noche en la que ambas se encuentran, María –motivada por la envidia y seducida por los placeres del dinero– asesina a su hermana y se hace pasar por ella. La felicidad que ahora le provoca vivir entre pieles costosas y joyas brillantes será eclipsada por una cruel sorpresa que la vida le tiene preparada. Nominada a siete premios Ariel en 1947 –ganó Mejor guion para el maestro Revueltas–, la cinta tuvo tanto éxito que llegó hasta los estudios Warner, quienes compraron los derechos para producir un remake. Pero, al darse cuenta de la similitud que el argumento tenía con la cinta A Stolen Life –realizada el mismo año y protagonizada por Bette Davis–, decidieron no filmarlo. ¡Como si eso de tener dos películas de trama parecida y estrenadas casi juntas no hubiera pasado ya tantas veces! A pesar de ello, La otra es un gran ejemplo del cine de Roberto Gavaldón –oscuro y tormentoso–, quien nos entregó un sinfín de historias por demás emocionantes. Si le gustó ésta, le recomiendo que se dé la oportunidad de conocerlas todas.

No olviden mandar sus preguntas a elcacaro@iasanet.com.mx


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INSIDER

ENTREVISTA 22

PASAJEROS

Jennifer y Chris, solos en el espacio


IN SIDER

A

islinn Derbez no quería encasillarse en el mismo personaje, así que luchó por quedarse con el papel de Andrea en la comedia Qué pena tu vida, la mejor amiga de Javier (José María de Tavira), una chica que no tiene suerte en el amor y que a todos les parece un poco rara. “Siempre me veía igual, con el mismo cabello, siempre catalogada como 'la guapa'. Eso me daba un poco de flojera. Quería un cambio radical”, nos confesó. Y ese cambio radical incluyó un corte de pelo. Por eso decidió actuar en este remake de la cinta chilena de 2010, basada en las experiencias del escritor (y director de aquella versión) Nicolás López. –Javier Pérez

Me he tenido que fabricar una personalidad distinta para avanzar en este medio: mis managers me decían que la mía no concordaba con mi físico y que tenía que cambiarla. Entonces me hice una máscara de mujer guapa, segura, fuerte, cuando en realidad yo era bastante diferente. Entonces, hacer a Andrea fue un respiro. Se me dificulta más hacer los otros personajes, como el de Macho, o como el de A la mala. ¿Qué te gusta de trabajar en cine? Me siento como pez en el agua. Tengo un amor muy grande tanto por el cine como por la actuación, por el proceso de lograr una película. También me encanta la parte de producir y contar historias que entretengan, muevan, que toquen corazones y te hagan reflexionar.

al Derbez y o h c e r e d l a , isma Ahora sí, ella m

¿Cómo construiste el personaje de Andrea? Lo basé 100% en mí, porque es mi personalidad oculta y que nunca muestro al exterior.

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Sin embargo, la coincidencia es que son comedias... Sí, ahorita estoy muy contenta con esta película porque me había tocado hacer drama y comedias románticas, que es distinto, pues no tienes que hacer comedia con tu personaje. Pero tenía muchas ganas de entrarle a la comedia de fondo, con personajes cómicos de verdad. No me habían dado la oportunidad, hasta ahora. Quiero más. ¿Qué te motiva a seguir actuando? Conocer mis límites y vivir mis extremos, lo que no me atrevería a vivir en la vida diaria. Todos deberíamos actuar por eso: para conocer nuestras limitaciones y posibilidades, lo que la sociedad no nos permite hacer.

FOTO: CORTESÍA VIDEOCINE

¿Cuál fue el reto de hacer ese cambio de personaje? Fue muy padre porque tenía ganas de explorar más a fondo la comedia, y este personaje toca cosas muy divertidas y distintas. Además, me encantó cambiar de look. Yo lo propuse. Al principio les asustó, pero los convencí de que era buena idea. Significó cambiar los estereotipos, porque en principio íbamos a hacer los papeles invertidos: yo el de Ilse [Salas, quien hace a Sofía, la novia a la que deja Javier y quien después ya no quiere regresar con él] e Ilse el mío, pero era lo mismo de siempre.


IN SIDER

CO N A R F S E M A J . S V BRYAN CRANSTON él? en la comedia ¿Por qué

Últimamente, circula en Internet un video en el que un adolescente le pregunta a Bryan Cranston si disfrutó su estancia en Albuquerque durante las grabaciones de Breaking Bad. La respuesta del actor es que sí, mucho, “sobre todo cuando visitaba a tu mamá”, le dice al muchacho. Ése es el Bryan Cranston, políticamente incorrecto, que nos encontramos hace unas semanas en Los Ángeles, mientras el actor promocionaba ¿Por qué él?: una comedia loca, sí, pero con vínculos emocionales identificables. Un padre de familia (Cranston) ve como su hija, prometedora, inteligente y hermosa, se hace novia de un genio de Silicon Valley ruidoso (Franco), tatuado e incapaz de decir nada adecuado. Esta premisa, que puede parecer convencional, resulta no sólo en una comedia muy divertida, sino, sobre todo, en un curioso choque generacional. Bryan Cranston –el increíble Walter White, recién nominado al Oscar por su trabajo en Trumbo–, protagoniza esta locura al lado de James Franco, el disparatado protagonista de la extravagante y polémica Una loca entrevista, y tantos proyec-

tos con Seth Rogen y Judd Apatow, además de artista plástico, escritor, director y agitador de las redes sociales. Ambos actores, aunque de diferentes escuelas, mantienen en común el ansia por hacer proyectos distintos, por arriesgar. Bryan es conocido, en los últimos años, por sus personajes dramáticos, pero la comedia le es bastante familiar, desde mucho antes de su participación en la serie Malcolm el de en medio. “Aunque a uno le guste mucho una comida, no le gusta comer lo mismo a diario, pero la comedia, además de risas y pastelazos, debe tener una vinculación emocional. Yo me identifiqué con Ned, con su sufrimiento, con su integridad”, nos platicó. Además, la película promueve la idea de confiar en el amor. “La clave es que, aunque el novio de su hija pueda parecer un pendejo, es un tipo genuinamente amoroso y que ama a su hija. Confiar en el amor: ése es el mensaje”. La realización de esta comedia también parece ser el inicio de una colaboración más duradera entre Cranston y Franco. Pronto los volveremos a ver juntos en la cinta The Masterpiece –dirigida y protagonizada por Franco–, que narra los pormenores de producción de la que es considerada la “peor película de todos los tiempos”, The Room, dirigida por Tommy Wiseau. –Luis Gamboa/ Enviado a Los Ángeles

HABLA COMO UN EXPERTO STEADICAM

Aunque es una marca, ya es también el nombre genérico con el que se le conoce a los estabilizadores de cámara. Su función es darle mayor movilidad y libertad al fotógrafo sin que se sientan los movimientos bruscos de llevarla en mano. Crea la ilusión de que se desliza por el aire.

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DOLLY

Se trata de una plataforma colocada en rieles, sobre la que se ajusta la cámara para lograr movimientos precisos y suaves. La ventaja de usar dolly es que, justamente, esas restricciones de movimiento facilitan la repetición de movimientos para las diferentes tomas de una misma escena.

TONINA

Cumple las funciones de un dolly, aunque, en lugar de rieles, tiene ruedas y es, por lo mismo, más inestable. Es una opción más económica para producciones más pequeñas o para quien no requiera mucha precisión (o no tenga tiempo de estar fijando y nivelando rieles).

FOTO: CORTESÍA 20TH CENTURY FOX

Los actores se unen


CIUDADANO ROSEBUD

H

FOTO: NEWSCOM

ay una silenciosa guerra entre los que opinan que el mejor cineasta norteamericano de su generación es Wes Anderson y los que, por el contrario, dan su voto al otro Anderson, de nombre Paul Thomas (P. T., para los cuates). Estos últimos acusan al director de El gran Hotel Budapest de ser fabulador y efectista, mientras que los primeros juzgan al responsable de Petróleo sangriento de denso y pretencioso. Mi consejo: dejaos de haceros bolas y miren hacia los contornos de ese cuadrilátero imaginario. Allí, en los primeros asientos, se halla un montón de gente cuya trayectoria es tan impecable, que merecen, en idéntica medida que los Andersons, el respetado título de auteur. Uno de ellos es Noah Baumbach. Aunque estilísticamente se halla más próximo a su amigo Wes, con quien coescribió La vida acuática con

IN SIDER

NOAH BAUMBACH El tercero en discordia

Steve Zissou –y con el que, por demás, parece competir en cuál de los dos rescatará las mejores canciones del pasado para ilustrar los soundtracks–, Baumbach es bastante menos lúdico. Digamos que le resta un par de rayitas a la farsa e invierte más en la psicología de sus personajes, cuestión que, aunada a sus obsesiones geográficas –prácticamente todas sus películas se adentran en la psique de la misma clase social neoyorquina–, lo convierte en una especie de alumno dedicado de Woody Allen: uno que, eso sí, ha estudiado a detalle la filmografía francesa, desde Chabrol hasta Ozon. A diferencia de Allen, sin embargo, las películas de Baumbach se centran no en los conflictos que surgen desde dentro del individuo y que poseen cierto cariz atemporal y perpetuo, sino en los que son generados circunstancialmente, es decir, a partir del efecto que el contexto tiene en la persona. Lo suyo es retratar la manera en la que la edad, el hipsterismo, la soledad, la hipercomunicación o el uso de las redes sociales influyen en la conducta del hombre actual. O más bien de la mujer, porque si hay algo destacable en Baumbach –y que lo distancia aún más de Allen– es su efectividad a la hora de explicar el mundo a través de la feminidad contemporánea. De ahí que, más allá de actriz fetiche y, claro, su pareja en la vida real, Greta Gerwig debe concebirse como su alter ego, aquello que el cineasta sería o le tocaría ser de haber nacido con ovarios y habitar en la Gran Manzana: una chica insegura y dulce, deseosa de querer y ser querida, pero, a la vez, amante de su libertad. Como la Brooke de Mistress America; como la Frances de, ja, Frances Ha. Pero: ¿es el cine de Baumbach pretencioso, incluso un poco impostado? Quizá, pero ese toque intelectualoide es parte de su impronta y una característica elemental de títulos como Historias de familia, una película que cualquiera que se precie de ser director de cine hubiese querido rodar, Andersons incluidos. –Carlos Jesús González CINEPREMIERE.COM.MX DICIEMBRE 2016

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…O cómo robarse el 2016

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ay niñas, como Millie Bobby Brown, que simplemente tienen poderes inusuales. La pequeña actriz apenas si tiene diálogos en el éxito de Netflix, Stranger Things –en la que interpreta a una niña en fuga que puede mover objetos con su mente–, pero, no obstante, su personaje se robó la atención de quienes vieron la historia sobrenatural y de ciencia ficción. Su segunda ola de éxito llegó fuera del programa y se consolidó a través del carisma que Millie ha esparcido como pólvora en diferentes shows de televisión y redes sociales. En el programa de Jimmy Fallon, por ejemplo, compartió con el mundo su talento oculto para rapear a la perfección el tema “Monster” de Nicki Minaj, volviendo loco al público del estudio y a Internet. En otra de sus aventuras se mostró toda una fan de Matthew Lewis (Neville Longbottom en Harry Potter); se dejó entrevistar por su ídolo y amiga Maddie Ziegler, bailarina en So You Think You Can Dance; se apoderó de la portada de Interview Magazine; y, también, resulta que es la hija que Aaron Paul quisiera tener. Además, ha demostrado ser multifacética. Para algunos es un ícono bastante joven de la moda por su estilo al vestir –ya apareció en la portada de la revista So It Goes y entre las páginas de Vogue de Reino Unido– e incluso se sabe que tiene un proyecto secreto con Nicolas Ghesquière, director creativo de Louis Vuitton. Y eso que sólo tiene 12. En tres años de carrera, esta chica nacida en España y de padres ingleses ya apareció en la serie de la BBC, Intruders, así como en algunos episodios de Once Upon a Time in Wonderland –donde interpretó a una joven Alicia, la cual constituyó su debut en la actuación–, NCIS, Grey’s Anatomy y Modern Family. Sin embargo, fue hasta que se convirtió en Eleven en 2016 que su popularidad se disparó a la estratósfera, por las cualidades del personaje, que

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la hacían la mezcla perfecta entre la ternura de ET y una superheroína. “Creo que si pudiéramos conocerla realmente, veríamos que es un tipo de persona muy protectora y que se preocupa por los demás”, le dijo la actriz a la revista W. “Ésa es la única característica con la que me identifico. Bueno, probablemente añadiría que soy muy fuerte. Si alguien dice algo horrible, pienso ‘ok, que digan lo que quieran’. A Eleven la gente le dice que es extraña y a ella no le importa, es badass y creo que cuando deba serlo, yo también lo seré”. Y es que, pese a ser menuda y pequeña en estatura, diariamente practica boxeo y jujitsu cuando se encuentra en Londres. Sin dejarse llevar por su estatus de celebridad de televisión, Millie ha dicho que a los 16 años quiere dedicarse profesionalmente a la música, pues es cuando se lo permitirán sus padres. Por lo pronto, la pequeña con más de 1.6 millones de seguidores en Instagram –y quien tuvo que raparse para encarnar a su personaje insignia–, sigue robándose el corazón de la gente a través de sensatas declaraciones menos mediáticas que su seguridad al rapear. “No estaba preocupada por mi cabello. No me importa cómo me veo, sino lo que la gente piensa de mí. Quiero que digan ‘oh, es buena y linda’, en lugar de ‘oh, ella es muy bonita’. Y sí, pasar por algo como eso es difícil, pero es más difícil para alguien que está enfermo de alopecia o de cáncer y que no tiene elección al respecto”, comentó en la misma entrevista, al hablar de la niña que la volvió un fenómeno y que no ha hecho más que evidenciar el nivel de introspección que guarda su aparentemente frágil cuerpo. Vaya que tiene poderes muy inusuales. –Mabel Salinas


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FOTO: NEWSCOM

FOTO: JAMES DIMMOCK/NETFLIX


IN SIDER

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n el corazón de los bosques del Pacífico noroeste hay un bienintencionado padre. Interpretado por Viggo Mortensen, se dedica a criar a sus seis hijos lejos de la civilización, totalmente desconectados de lo urbano. Les enseña todo: desde tácticas de supervivencia, hasta su propio punto de vista anticapitalista. De pronto, una tragedia lo obliga a regresar al mundo y pone en riesgo todo lo que ha tratado de enseñarles. ¿Acaso sólo ha sido un hippie egoísta y radical? ¿O es un héroe? Escrita y dirigida por Matt Ross, Capitán fantástico detona cuestionamientos provocadores sobre la paternidad, en un filme que ha recibido ovaciones de pie en los festivales de Cannes y Sundance. Un padre tan en contacto con la naturaleza y la forma pura del hombre sólo podía ser interpretado por alguien como Viggo Mortensen, con quien platicamos. –Vera Anderson

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Viggo

Mortensen El padre que se convirtió en Capitán Fantástico

FOTOS: CORTESÍA UNIVERSAL PICTURES

Conociéndote, mi descalzo amigo, puedo imaginarte yéndote a vivir al bosque... Sí, hubo algunos aspectos con los que me familiaricé. Solía vivir al norte de Idaho, en una casa que literalmente estaba en medio del bosque. Pero era una casa, no estaba viviendo en un tipi [una tienda con forma de cono] y sí tenía electricidad, incluso un teléfono. ¿Qué fue lo primero que te vino a la mente cuando leíste el guion?  Al principio pensé que era un concepto interesante y parecía ser una fantasía liberal utópica. Es un tipo de historia con inclinaciones ideológicas, pero se leía graciosa. Después se convirtió en algo más, pasé de pensar que este hombre era increíble por la manera en que cría a sus hijos a creer que estas personas estaban locas. Es muy peligroso y, de hecho, está practicando la rigidez y el autoritarismo a los que se opone. Al final me di cuenta de que no es una película ideológica y no condena a los personajes. No condona lo que hacen tampoco: en cierta forma, es sobre la autorreflexión, su valor y necesidad. Cuando terminé de leer este proyecto me quedé pensando: “Wow”. Me urgía conocer al director. Conocí a Matt, nos tomamos una taza de café en Venecia y hablamos durante casi cuatro horas acerca de todo. Comenzamos con el hecho de ser padres, fue una gran conversación.  Como padre de un hijo, ¿cuál fue tu acercamiento a la paternidad y cómo se reflejó en tu personaje?  Bueno, no vivimos en un tipi, pero regularmente pasamos tiempo en el bosque y tratamos de aprender los nombres de los árboles, los cambios de las estaciones y los animales, tal como mi padre hizo conmigo. Sí fuimos de campamento, pesca y cosas del estilo. Puedo ver que Ben, el personaje que interpreto, a veces se deja llevar por el extremo. Un periodista dijo una vez que se ve bienintencionado, pero está loco. Bueno, eso es una exageración, pero entiendo el punto. Hay momentos en los que piensas: “Oh, por Dios, ¿qué le está haciendo a esos niños? ¿Qué está haciendo?”. Pero lo único que es incuestionable es que los ama y que se ha entregado por completo de una manera que la mayoría de los padres sólo sueñan. 

¿Y cuando quieres desconectarte de los placeres diarios, los negocios y la vida urbana..? Me gusta estar en el bosque o el desierto, disfruto los lugares naturales por encima de todo y nunca siento que estoy perdiendo mi tiempo. No importa cómo esté el clima o si me pierdo, para mí es fácil estar presente. Dar un paseo caminando es lo que me ayuda. También me gusta la jardinería. Plantar y podar árboles, regresar un año después para ver qué ha pasado con ese árbol. Lo hago por todos lados. Planto cosas para que, cuando vaya a visitar a familiares o amigos, también visite a su planta. Tomo semillas de algunos lugares y las pongo en vasijas en mi casa, y tal vez me doy cuenta de dónde son esos árboles, lo que puede ser ilegal. Pienso: "Ups, se me olvidó que tenía estas semillas en mi bolsa" (ríe).

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Amarás a Noam Chomsk y por sobre todas las cosa s.

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Ignorarás cualquier man ifestación capitalista. (¿Qué es McDonald's?)

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Las noches son para toca r un instrumento alrededor de una fogata.

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Para qué necesitas la Nav idad si está el cumpleaños de Noam Cho msky.

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Para ser un adulto deberá s mostrar que sabes cazar.

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Entrenarás cada mañana (alpinismo, senderismo, acondiciona miento físico).

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Leerás de todo: desde polí tica y física cuántica, hasta Lolita.

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Nada de mentiras piadosa s.

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Aprenderás más de cua tro idiomas.

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Cantarás y bailarás en los funerales.

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SET VISIT

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INFRAMUNDO Protegiendo el linaje en el corazón de Europa

Soy fan de la saga, especialmente de las primeras dos… pero, siendo honesta, la cuarta no me gustó tanto”, nos confesó la directora Anna Foerster durante nuestra visita al set de la continuación de una batalla entre vampiros y licántropos: Inframundo: Guerras de sangre. Nos encontramos en los estudios Barrandov, en Praga, y un pensamiento nos asalta: la franquicia vuelve a ser enmarcada por imponentes escenarios góticos, mismos que sólo podrían encontrarse en esta hermosa ciudad. A donde mires hay un castillo, edificio o puente que nos roba el aliento.

Foerster ha destacado como directora de fotografía en cintas de acción como La caída de la Casa Blanca y ahora hace de esta quinta entrega su ópera prima. “No se trata de un reboot”, nos dicen varios miembros de la producción en repetidas ocasiones. La historia, nos cuentan, trae de vuelta a los personajes que conocemos y continuará con la historia ya planteada en entregas anteriores. “Hay cosas que los fans aman y que esperan volver a ver. Es difícil cuando tienes que ser fiel a eso”, confiesa Foerster. “Yo quiero aportarle a la saga un concepto visual en los movimientos de cámara, en el tipo de tomas, en cómo introduzco a los personajes y en la importancia que les doy”. “¿Cuál es tu película favorita de vampiros?”, le pregunta un reportero italiano. Foerster analiza su respuesta y una periodista rusa dice en voz baja: “Di Nosferatu…”. Todos ríen. Anna sonríe y nos cuenta que la elegida es Déjame entrar (Dir. Tomas Alfredson). “Y es justo por lo que hablaba del estilo que quiero

imprimirle a Guerras de sangre. En aquella película sueca, lo más importante son sus personajes. Y creo que la ventaja que tengo en esta ocasión es que puedo trabajar con grandes actores y sus interesantes roles, que forman parte de esta gran mitología de Inframundo”.

Una nueva oportunidad

Tras nuestra plática con la directora nos dirigimos al set. Para llegar debemos cruzar macabros pasillos que han sido construidos para poder filmar escenas de acción. Nuestro trayecto es acompañado por el gélido invierno de Europa del Este. El termómetro marca 4ºC pero la sensación es de estar a 20 bajo cero.

“QUIERO APORTARLE A LA SAGA UN CONCEPTO VISUAL EN LOS MOVIMIENTOS DE CÁMARA, EN EL TIPO DE TOMAS, EN CÓMO INTRODUZCO A LOS PERSONAJES Y EN LA IMPORTANCIA QUE LES DOY”. –ANNA FOERSTER, DIRECTORA. →

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LOCACIÓN: Praga, República Checa DIRECTOR: Anna Foerster (ópera prima) ACTÚAN: Kate Beckinsale, Theo James, Daisy Head FECHA DE ESTRENO: 2 de diciembre, 2016

Luego de Inframundo: El despertar, Theo James vuelve como David, líder del ejército que Selene entrena en esta película.

FOTOS: CORTESÍA SONY

GUERRAS DE SANGRE

Al cruzar una puerta vemos a la poderosa y valiente Selene, el icónico rol de Kate Beckinsale. La actriz se ve concentrada. Recibe instrucciones de Foerster y se coloca en su posición. En la escena se encuentran muchos jóvenes –hombres y mujeres– vestidos con ajustados trajes negros de algo que, dicen los expertos en moda, se llama fake leather. El grito de acción se escucha y Selene cruza la habitación mientras le explica a sus alumnos vampiros que los licántropos son más vulnerables en su fase animal. Toma un arma y la revisa para disparar. Alguien le pregunta: “¿A cuántos lobos has matado?”. Selene no quita la mirada de la pistola y contesta: “No llevo la cuenta”. Jala el gatillo y dispara hacia un objetivo en la pared. Parece ser que la batalla por sobrevivir se recrudecerá y no sólo en lo que respecta a vampiros y licántropos. Del resultado de esta entrega dependerá el futuro de la saga. Ésta es su oportunidad de oro para reconciliarse con su público y poder seguir explorando una milenaria rivalidad. El linaje debe ser protegido. –Arturo Magaña Arce / Enviado a Praga

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IN SIDER

Dos Pasajeros estrella, una sola nave espacial.

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JENNIFER LAWRENCE: LA BELLA DURMIENTE Esta película no estaba programada en tu agenda y se supo que no tenías mucho tiempo para hacerla… Después de Los juegos del hambre no quería una película grande y estuve a punto de no leer el guion, pero mi manager me insistió tanto que lo leí y lo amé. No podía dejar de pensar en él porque es una historia de amor hermosa y única. Ni Chris ni yo teníamos tiempo para hacerla y ¡no sé cómo lo logramos! ¿Te atrajo la pregunta sobre cómo lidiamos con la soledad y cuánto necesitamos la interacción humana? Es un elemento muy interesante, pero en realidad yo comencé a emocionarme cuando leí la parte del guion donde…¡él me despierta! Es una historia muy honesta, donde la cuestión está en las decisiones que tomamos. Nos hace preguntarnos qué haríamos en una situación así.

FOTOS: CORTESÍA SONY

No es difícil imaginarlo. Desde el momento en que ingresas a la nave Avalon, cuyo objetivo es transportar a 5 mil pasajeros en estado de hibernación, la magnitud y soledad en el ambiente es palpable. Nuestra mente sabe que estamos en Atlanta, dentro de un set cinematográfico; pero, al recorrer esos pasillos, el ponernos en los zapatos del único pasajero despierto –y a 90 años de que sus compañeros recobren la conciencia–, resulta no sólo fácil, sino aterrador. ¿Qué haríamos si nuestra única compañía mientras cruzamos el espacio fuera un robot bartender? Imágenes de un Jack Torrance futurista vienen a la mente. Escrita por John Spaihts (guionista de Prometeo), la historia de Pasajeros estuvo en la “blacklist” (una lista de los mejores guiones no producidos) desde 2007. Contra todo pronóstico, llega ahora a las pantallas con un equipo envidiable: es protagonizada por las dos estrellas más grandes de Hollywood en este momento, Jennifer Lawrence y Chris Pratt; la dirige Morten Tyldum (El código enigma) y cuenta con la fotografía del mexicano (y posible próximo ganador del Oscar por su trabajo en Silence, de este año también), Rodrigo Prieto. Platicamos con sus dos estrellas sobre lo que se siente ser parte de un proyecto así y la soledad de ser un actor de su calibre. –Ana Paula Saucedo / Enviada a Atlanta


Hace un tiempo comentaste que aquí hiciste tu primera escena de sexo… Si, así es. Hablaba sobre la vulnerabilidad, y es que hacer una escena de amor es, y vuelvo a decirlo literalmente, lo más vulnerable que puedes hacer frente a una cámara.

Antes de filmar, Chris no dejaba de bailar. ¿Siempre es así? Tiene mucha energía y actitud positiva. Un día antes pudimos grabar durante 16 horas seguidas y estar muertos de cansancio, y Chris pone música para inspirarnos, hacernos bailar y contagiarnos de su buena actitud. ¡Es increíble trabajar con él!

¿Consideraste retador, divertido o incluso aterrador el haber estado la mayor parte del tiempo filmando únicamente con Chris? Es muy íntimo, ¿sabes? Es una película épica y todo lo que la rodea es a gran escala, pero la historia es muy íntima. Nunca había hecho algo así en mi vida, trabajar tan cerca de alguien.

¿Por qué crees que tardaron tanto en realizar Pasajeros? Tenía que ser perfecta. Es un guion increíble. Es como una casa hermosa a la venta en Hollywood Hills: todos la quieren, pero no todos pueden pagarla. Creo que necesitaban un gran presupuesto, pues aunque hubiera quedado bien con menos dinero, no sería ni remotamente lo que es ahora.

CHRIS PRATT: EL GUARDIÁN DE LOS SUEÑOS Estabas terminando de filmar Los siete magníficos y comenzando con Guardianes de la Galaxia 2, ¿por qué involucrarte en este proyecto con tan poco tiempo disponible? Mis próximos años ya están planeados y, por un lado, quería tomarme tiempo para estar con mi familia, pero leí el guion y no podía dejar de pensar en lo perfecta que sería la película. Cuando supe que Jennifer había aceptado el papel no lo pude creer, así que decidí hacerlo. Filmaron la escena de amor durante los primeros días de rodaje, ¿eso ayudó a romper el hielo entre tu y Jennifer? No creo que haberla filmado al principio tenga un valor estratégico. El 27 de octubre, que era la fecha en que íbamos a filmarla, no salía de mi cabeza porque al estar tan expuesto a la cámara tienes que hacer mucho ejercicio y dieta, pero si tienes un ambiente donde te sientes seguro y protegido por la gente que está a tu alrededor, sabes que todo va a salir bien. ¿Qué significó para ti haber trabajado con Morten Tyldum? Honestamente me reservo mi opinión hacia los directores hasta ver lo que filmaron, porque me ha pasado que a veces pienso ‘esto será genial’, y luego cuando lo veo digo ‘¿qué diablos?’. Y a veces me pasa todo lo contrario y pienso ‘¡wow, es brillante!’. Entonces, no puedes juzgar hasta que no veas lo que en realidad están haciendo y editando. Obviamente, han habido situaciones difíciles, pero Morten es muy exigente y no

se detiene hasta que todo salga perfecto, lo cual en el momento puede ser muy frustrante, pero cuando ves el resultado quedas muy agradecido por haberlo hecho. ¿Qué opinas sobre la soledad que experimenta tu personaje y por qué crees que necesita despertar a otro? Pasajeros habla sobre muchos sentimientos en específico, pero sin duda el primer acto habla de mi soledad, la falta de contacto con algo vivo y de cómo esto puede convertirse en locura. A lo mejor por eso decide despertarla, pero no puedo decirte la razón específica por la cual la escoge a ella. Eso ya lo verás en la película. ¿Te identificas con alguno de estos sentimientos? Creo que me identifico con la soledad que mi trabajo puede traer cuando estás filmando una película. Al igual que mi personaje, tomé la decisión de vivir una vida en la que paso mucho tiempo lejos de mis seres queridos. Es un reparto muy pequeño, ¿cómo te sentiste al estar filmando tantas horas? Ahora entiendo lo que el staff siente, porque los actores a veces llegamos a trabajar tres horas al día y tenemos días libres entre semana. Ahora digo: ¡¿tengo que estar aquí todo el santo día, todo el tiempo y estar involucrado en todas las escenas?! ¡Al diablo con eso! (Ríe) CINEPREMIERE.COM.MX DICIEMBRE 2016

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Liam Neeson en sesiones de motion capture. Es la tercera vez que da su voz a un personaje de CGI: la primera fue para Aslan en Las crónicas de Narnia, y la segunda para Policía Bueno/Policía Malo en La gran aventura Lego. Cuando él no estaba, Tom Holland tomaba el lugar del monstruo durante la filmación.

FOTOS: CORTESÍA DIAMOND FILMS

cabe duda de que Groot, el más noble de los Guardianes de la Galaxia, abrió un espacio especial en el corazón de los espectadores para los gentiles monstruos con forma de árbol. Aun así, pocos serían los niños que no quedarían traumatizados de por vida al ser interpelados por un monstruo vegetal gigante, que, además, tiene la voz imponente de Liam Neeson. Y, sin embargo, ése no es el caso de Conor (Lewis MacDougall), un niño de 13 años que simplemente no tiene el espacio emocional suficiente para asustarse cuando una criatura-tronco enorme lo visita y le habla cada noche. Se encuentra viviendo otro tipo de pesadillas: su madre (Felicity Jones) está muriendo a manos del cáncer. Y así es como la fábula de Un monstruo viene a verme –dirigida por J. A. Bayona (Lo imposible) y basada en la novela de Patrick Ness– se aleja de las fantasías infantiles para convertirse en una parábola sobre el dolor. He aquí un vistazo a sus secretos.

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Tras interpretar a Nibs en Peter Pan, Lewis MacDougall fue elegido por Bayona para el papel de Conor de entre miles de aspirantes. Su forma de dirigirlo a él y a los demás actores incluyó poner música en el set para definir el tono de las escenas.


El director J. A. Bayona construyó una versión real de la cabeza y los brazos de su monstruo creado en CGI, a fin de no entorpecer con demasiados efectos especiales las escenas más íntimas. Se hicieron cerca de 200 diseños de la criatura, pero al final se decidió que lo mejor sería lo más simple: un árbol antropomorfo.

El detrás de cámaras de una visita descomunal CINEPREMIERE.COM.MX DICIEMBRE 2016

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a directora mexicana María José Cuevas tenía una fascinación por las vedettes del cine mexicano desde niña. Visitaban su casa, pues su papá, el pintor José Luis Cuevas, era muy amigo de Ninón Sevilla y Rosa Carmina. Y cuando ella tenía diez años, el artista la llevó al Teatro Blanquita a ver un show de Lyn May, la despampanante bailarina exótica de ascendencia asiática que figuró en las sexycomedias de los años 80, y que dominaron el cine mexicano. “Terminando el show pasamos al camerino. Entonces vi a Lyn May ahí. Obviamente, no hay manera de olvidarlo. Para mí, la memoria de las vedettes era muy familiar, realmente sentía que formaban parte de mi historia”, nos dice María José, quien además tenía muy presente a Olga Breeskin, una mujer con su propio show de televisión y quien salía a cuadro tocando el violín y con boas, panteras y changos. Ése fue el detonante para que todo esto resurgiera en su documental Bellas de noche, cuyo título hace referencia a la película de 1974 de Miguel M. Delgado, con la que oficialmente se consideró inaugurado el cine de ficheras. “Conocí a la Princesa Yamal por otras cosas. Un día me invita a su casa y me dice: te tengo una sorpresa”. La sorpresa fue que la diva bailó para Cuevas, vestida de vedette, en la sala de su casa. María José registró esto con una cámara de video que llevaba en su bolso. “Cuando vi lo que había grabado, me di cuenta de la necesidad de Yamal de compartirme lo que fue, pero todavía es”. El paso siguiente fue seguir su curiosidad y homenajear sus propios recuerdos: “En vez de a la Princesa Leia y R2-D2, yo tenía a Olga Breeskin”. La directora trabajó su documental a lo largo de ocho años, conforme sus protagonistas –Breeskin, May, Yamal, Rossy Mendoza y Wanda Soux– fueron conviviendo con ella. “En un documental nadie te puede decir si vas a hacer clic o no con tus personajes, y ésa es la magia de las relaciones humanas. Muy al principio se mostraron muy inseguras. Olga Breeskin de plano decía que ya no quería volver a hablar de su pasado. Lyn May me daba largas y largas. Una vez que se dieron cuenta de que mi acercamiento no era desde el lado del morbo, empezó a existir otro tipo de relación”. Al final, Cuevas logró capturarlas desde otra perspectiva, ya que la cinta –ganadora a Mejor documental en el FICM 2016– se centra en sus deseos de reinventarse y muestra quiénes son ahora, lejos del sensacionalismo. De hecho, se volvieron amigas. “Si era el cumpleaños de alguna, me hablaban, llevaba la cámara y nos íbamos a comer. Se empezó a convertir en algo cotidiano. Nunca les dije qué hacer, jamás les dije ‘baila, ponte estas plumas, di esto’. Mi juego con ellas desde el día uno fue: ‘ustedes invítenme a su mundo; interpreten lo que quieran’. Era la única manera para mí de conocerlas”. –Javier Pérez

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FOTO: JESÚS MAGAÑA. ARCHIVO MIL NUBES (ROBERTO FIESCO)

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TELEVISIÓN

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FOTOS: CORTESÍA NETFLIX

on nuevas locaciones, nuevos directores y el mismo sentido del humor, Club de Cuervos, la primera producción de Netflix en México, regresa para dominar la cancha. En la primera temporada de la serie, los hermanos Iglesias lidiaron con la muerte de su padre y se enfrentaron para sacar adelante al equipo del pueblo de Nuevo Toledo. Tras el final del último capítulo, la incertidumbre sobre el futuro del equipo se apoderó de los espectadores y tuvimos que esperar más de 14 meses para saber si los blanquinegros se mantendrían en primera división o no. Ha llegado el momento de conocer la verdad (el 9 de diciembre, para ser exactos). “¡Cuervos! ¡Cuervos!”, así rugía el ambiente en las tribunas de la nueva casa del equipo de Nuevo Toledo en el momento en el que llegamos al set, ubicado en el Estadio Universidad Tecnológica de Nezahualcóyotl. Tras presenciar la filmación de una escena en la que Isabel (Mariana Treviño) llega al estadio y es recibida por la afición, Luis Gerardo Méndez (quien da vida a Chava Iglesias y ahora también es productor ejecutivo de la serie) se libera un poco para contarnos que en la nueva temporada “los personajes se encontrarán en un entorno más complicado, principalmente Isabel, quien estará viviendo su propio infierno. Chava tendrá un momento en el que tocará fondo, algo que no sucedió en la primera parte”. “Ha sido muy bueno regresar”, agrega Mariana Treviño, quien vuelve al rol que mostró que sus talentos van más allá de la comedia. “Es muy padre continuar la historia con los personajes que siguen en el camino del fútbol. La historia genera nuevas circunstancias alrededor”. Ahora, al proyecto se sumaron también nuevas cabezas que lo dirigen: Mariana Chenillo (Paraíso) y Carlos Armella (En la estancia). Parece ser que el segundo tiempo de Club de Cuervos promete más acción y conflictos entre los hermanos, así como una mejora entre el compañerismo que se vive en el equipo de Nuevo Toledo. El balón gira de nuevo en la cancha. –Rocío Camarena CINEPREMIERE.COM.MX DICIEMBRE 2016

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CREADA PARA LA CIUDAD, SEA CUAL SEA TU CIUDAD.


ESTRENOS

S E L A I C N E S E S E M DEL nes para uenas razo b s o m a d e de !T lido abrazo llegó el frío á y c l o e ñ n a l e e e ó ¡Se acab y refugiart intemperie la a e rt ra aventu ine. la sala de c e d s e n lo il los s

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ROGUE ONE: UNA HISTORIA DE STAR WARS Una banda de rebeldes formula un plan para robarse los planos de la Estrella de la Muerte. El frío te lo quita… ¡Esa escena en la playa!

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MOANA: UN MAR DE AVENTURAS Una adolescente temeraria se embarca en una odisea para salvar a su pueblo. El frío te lo quita… No existe el frío en las costas polinesias.

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Dos miembros de una expedición al espacio salen del sueño inducido mucho antes de lo planeado… El frío te lo quita… Jennifer Lawrence y Chris Pratt. Ya con leer esos dos nombres te debió de haber dado calor.

EL FIN DEL SUEÑO AMERICANO

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Un hombre y su esposa presencian la lenta separación de su familia debido a las nuevas afiliaciones políticas de su hija. El frío te lo quita… Nada, ¿para qué te mentimos? Ésta sí luce bastante desoladora. Pero valdrá la pena.

SULLY La historia del milagroso acuatizaje en el Hudson y de la investigación a la que fue sujeto el piloto Chesley Sullenberger (Tom Hanks). El frío te lo quita… El estrés de aquella secuencia del avión descendiendo sobre el agua.

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SING: VEN Y CANTA Un koala emprendedor organiza un concurso de canto que se le sale de las garras. El frío te lo quita… Lo adorable de todo lo que está en pantalla. Todo.

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HASTA EL ÚLTIMO HOMBRE

La historia de Desmond T. Doss, el primer objetor de conciencia en convertirse en héroe de guerra. El frío te lo quita… La adrenalina que sabemos Mel Gibson le inyecta a sus películas.

Will Smith recupera el interés por vivir luego de sostener conversaciones con tres personajes misteriosos. El frío te lo quita… El mensaje inspirador que ya desde el trailer nos llena los ojos de lágrimas.

QUÉ PENA TU VIDA Un joven con el corazón roto hace lo que puede por intentar recuperar a su amor perdido en este remake del éxito chileno. El frío te lo quita… Aislinn Derbez y su excelente timing cómico con el que le hace honor a su apellido.

16 ANIMALES NOCTURNOS

BELLEZA INESPERADA

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DECIDE QUÉ VER DE ACUERDO A TU ESTADO DE ÁNIMO CON EL MOOD TRACKER, BÚSCALO EN cinepremiere.com.mx

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UN PADRE NO TAN PADRE

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Revisa nuestras críticas de todos los estrenos cada semana en cinepremiere.com.mx

Amy Adams se siente amenazada y asustada por la novela que le dedicó su exesposo, Jake Gyllenhaal. El frío te lo quita… La intriga, el suspenso y la estética de Tom Ford.

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CAPITÁN FANTÁSTICO

Héctor Bonilla es un “pez fuera del agua” cuando tiene que pasar tiempo con sus jóvenes familiares… El frío te lo quita… Las risas del choque generacional, que te recordarán cuando tus tíos te piden que les mandes un tuit por feis, pero a su Whatsapp.

Un hombre que ha criado a sus hijos lejos de la civilización debe luchar por mantener a su familia unida. El frío te lo quita… Las situaciones particulares en las que se mete alguien ajeno a la sociedad.

FIESTA DE NAVIDAD EN LA OFICINA

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Esta vez nos salvamos de que le pusieran la palabra “alocada” en el título, pero eso no evitará que la fiesta sea precisamente eso. El frío te lo quita… La tranquilidad de saber que a pesar de lo que hiciste en tu fiesta de oficina, no hiciste lo que ellos.

CONOCE EL TERROR

Algo tiene este género que ha llenado nuestra memoria cinéfila de frases terroríficas, personajes y temas musicales. Si eres fan, visita la nueva sección de terror en nuestro sitio web con las noticias, trailers, entrevistas, eventos y festivales dedicados al género, así como todas las historias de nuestra sección MÁS NEGRO QUE EL CINE. Te esperamos...

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S A LVA N D O A L A

REBELIÓN UNA ÚNICA ESPERANZA PROTAGONIZADA POR FELICITY JONES Y DIEGO LUNA, ROGUE ONE: UNA HISTORIA DE STAR WARS ES EL PRIMER SPIN-OFF DE LO QUE PROMETE SER EL UNIVERSO CINEMATOGRÁFICO MÁS GRANDE JAMÁS IMAGINADO. LA MISIÓN PARA RESCATAR A LA GALAXIA HA LLEGADO. POR ARTURO MAGAÑA ARCE @ARTURHD

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FOTOS: CORTESÍA DISNEY

n grupo de soldados corre con sus armas entre las manos, esquivando los disparos enemigos que se clavan en el suelo. Mientras los impactos golpean la arena y levantan polvaredas como si de bombas se trataran, ellos saltan para evitar tropezar con los caídos. Pero no están huyendo; se dirigen hacia los enormes AT-ACT Walkers para tratar de detenerlos. Aunque es poco probable que sobrevivan, nada impide que el equipo Rogue One se enfrente con uñas y dientes al Imperio en las playas del planeta Scarif… Cada elemento de esta secuencia anuncia que estamos a punto de ver la cinta más emocionante del universo Star Wars. Napoleón decía que “hace falta más valor para sufrir que para morir”. ¿Y qué mayor valentía que la de aventurarse en una misión de la que probablemente no se regrese con vida, pero que, sin embargo, logrará derrotar al lado oscuro de la Fuerza? En 1977, aquellas icónicas letras amarillas que se perdían entre las estrellas al ritmo de la música de John Williams hablaban sobre los tiempos de guerra que vivía la Galaxia. La Rebelión se enfrentaba contra el Imperio y durante una importante batalla, un grupo de espías rebeldes robó los planos secretos de la Estrella de la Muerte. ¿Quiénes fueron? ¿Cómo lo lograron? ¿Qué fue de ellos? Ahora, a cuatro décadas del estreno de Una nueva esperanza –y cronológicamente 34 años antes de El despertar de la Fuerza–, el canon de Star Wars se expande para presentarnos un eslabón perdido de su historia; uno que incluye a sus personajes más valientes, aquellos que se aventuraron en una misión suicida para salvar al universo.


ALMAS REBELDES

Aunque Rogue One es una clave militar usada por los pilotos de la Alianza Rebelde en la trilogía original de Star Wars, la elección para el título de esta nueva historia se basa más en su significado. Carente de una traducción precisa al español, el término “rogue” se utiliza en inglés para referirse a algo que opera al margen de las filas oficiales. En este sentido, la película dirigida por Gareth Edwards (Godzilla, 2014) –la primera de las historias de antología planeadas por Lucasfilm– es una rebelde en sí misma, pues existe fuera de la saga y de la secuencia episódica a la que estamos acostumbrados. Y para comandar tan importante misión, se requería a alguien con una visión fresca y diferente, pero al mismo tiempo, fiel al universo creado por George Lucas. Edwards nació en Nuneaton, Reino Unido, en 1975, casi a la par de la saga creada por George Lucas. Desde entonces, la Fuerza ha estado presente en su vida. “Genuinamente veía Una nueva esperanza cada mañana cuando tenía seis años”, le dijo el director a Empire. “No completa, porque tenía que ir a la escue-

Rogue One es una rebelde en sí misma, pues existe fuera de la saga y de la secuencia episódica a la que estamos acostumbrados.

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la, pero sí por unos minutos”. Los suficientes para adentrarse en este fantástico universo con millones de fans alrededor del mundo. “Quería subirme a esa nave de alguna manera. Quería ser parte de ese grupo. Realmente quería hacerlo”. El director veía diariamente el momento en el que la Princesa Leia es interrogada por Darth Vader sobre unos planos robados, mientras unos famosos droides exploran las áridas tierras de Tatooine. Ahí, el Betamax que tenía en su casa se detenía y, al día siguiente, era rebobinado para ver, de nueva cuenta, aquella emocionante secuencia inicial; una que, años más tarde, lo embarcaría en el proyecto más ambicioso de su carrera. Tras debutar en 2010 con la cinta Monstruos – Zona infectada, Gareth llamó la atención de Kathleen Kennedy –CEO de Lucasfilm y productora de Rogue One– cuando realizó el remake de Godzilla. “Vi lo que había hecho y creí que ese estilo de filmar era realmente interesante. Podría darle a Star Wars un look único”, le confesó a Empire. “Él hace sus películas de una forma en que, literalmente, pone la cámara en su hombro y mira absolutamente todo desde esa perspectiva”. Bajo este esquema de filmación –conocido en la industria como cinéma vérité o cine de realidad– se realizó la secuencia que describimos al inicio de este texto, en las paradisiacas islas Maldivas del océano Índico: aquella que determinaría el tono realista, visceral y “a quema-


rropa” de toda la cinta. “El paraíso tropical que es el planeta Scarif, inconscientemente, nos redirige a las imágenes de la Segunda Guerra Mundial”, le dijo Edwards a Entertainment Weekly. Cuando el primer trailer de Rogue One fue lanzado en mayo pasado, los warsies del mundo comenzaron a definir a la cinta como una versión espacial de Rescatando al soldado Ryan (Dir. Steven Spielberg, 1998). La escena mencionada recordaba mucho a su impactante secuencia del desembarco de Normandía. En esencia, son tan parecidas que lo único que cambia es que una tuvo lugar en Francia y la otra en una galaxia muy, muy lejana. Además, esta cinta, junto a La caída del Halcón Negro (Dir. Ridley Scott, 2001), fueron las que inspiraron principalmente a Edwards al momento de desarrollar esta nueva aventura. También ayudó que, en su equipo de efectos especiales, el director tenía a Neil Corbould, ganador del Oscar por Gravedad (Dir. Alfonso Cuarón, 2013) y responsable del mismo departamento en el mencionado filme de Spielberg. “Rogue One es una visión muy inmersiva, a nivel del terreno, dentro del universo Star Wars”, le contó Felicity Jones a Empire. “La idea es que sientas que estás realmente ahí, entre la acción. Siempre tratamos de encontrar la manera de que todo fuera muy natural. Si de repente algo explotaba, realmente explotaba. Y todo el tiempo estuvimos reaccionando a efectos reales que sucedían alrededor de nosotros”. Sin embargo, la emoción por ser testigos de una cinta de Star Wars 100% bélica fue abruptamente frenada: de pronto, parecía que el proyecto se dirigía hacia el lado oscuro de la Fuerza. The New York Post dio a conocer que, tras una proyección de Rogue One a los ejecutivos de Disney, éstos ordenaron de

Ben Mendelsohn (Orson Krennic)

inmediato una serie de costosos reshoots. “El propósito de realizarlos sería aligerar el tono de la historia y restaurar un sentido del humor a la aventura”, publicaba The Hollywood Reporter, al mismo tiempo que los rumores inundaban Internet. Se hablaba, incluso, de que se filmaría de nuevo el 50% de la película, o de que se eliminarían muchas de las secuencias que ya conocíamos en los trailers lanzados.

TENGO UN MAL PRESENTIMIENTO SOBRE ESTO

“Las grandes películas tienen reshoots. De hecho, hasta las pequeñas también”, nos dijo Riz Ahmed (quien interpreta a Bodhi Rook) durante la presentación de la miniserie de HBO The Night Of, que protagonizó. “No es tan anormal. Creo que la gente se fija en estos detalles porque es Star Wars, pero cualquiera que esté familiarizado con la producción cinematográfica sabe que son parte de la industria, sobre todo en los blockbusters. Incluso, siempre hay un presupuesto destinado para hacerlos”. Aquella entrevista tranquilizadora con Ahmed tuvo lugar en Londres, a 34 km de los estudios Pinewood, donde el equipo de Rogue One había regresado a trabajar en las nuevas escenas. La fecha era el 30 de junio; seis meses antes del estreno en cines de la cinta. “Los reshoots siempre fueron parte del plan. Sabíamos que regresaríamos a algún lugar CINEPREMIERE.COM.MX DICIEMBRE 2016

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para hacer más cosas”, le dijo después Edwards a Entertainment Weekly. “Obviamente, tienes que trabajar conforme a la agenda de todos, y todos tienen diferentes películas alrededor del mundo, así que es un poco como una pesadilla logística”, apuntó.  La presión aumentó al anunciarse que John Williams no estaría a cargo del score de la cinta. Aunque no hubo una razón oficial sobre su ausencia, es probable que su edad avanzada ya no le permita tomar tantos proyectos como antes. Recordemos que musicalizó El despertar de la Fuerza y que participará en los Episodios VIII (2017) y IX (2019), dirigidos por Rian Johnson y Colin Trevorrow, respectivamente. Sin embargo, la producción dio a conocer que otro destacado músico tomaría su importante lugar. Se trataba del ganador del Oscar Alexandre Desplat –colaborador de Edwards en Godzilla– y quien es responsable de la emocionante música que acompañó al detrás de cámaras presentado en Star Wars Celebration en julio pasado. Con este anuncio, la rebelión recuperó el buen camino a ojos del público… hasta que, en septiembre pasado –a sólo tres meses del estreno– se dio a conocer que Desplat abandonaba el proyecto, debido a los constantes retrasos de la cinta por los reshoots, que se creía ya habían terminado. La responsabilidad de musicalizar esta odisea galáctica cayó entonces en manos del también ganador del Oscar –y compositor de cabecera de JJ Abrams– Michael Giacchino. Tanta incertidumbre y poca esperanza alrededor de Rogue One fueron suavizadas por un nuevo y revelador avance que mostraba a Jyn Erso (Felicity Jones) y al capitán Cassian Andor (Diego Luna) motivando a los rebeldes para seguir adelante en la batalla. Este mensaje, irónicamente, era dirigido también a la audiencia para que no perdiera la fe en la cinta. “No hay nada de la historia que haya cambiado. Queremos reafirmarle a los fans que será la película que teníamos intenciones de hacer desde un inicio”, afirmó Kathleen Kennedy a Entertainment Weekly.

Kathleen Kennedy

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EN EL CAMPO DE BATALLA

Motivados por devolver la paz a la galaxia, un grupo de conspiradores inicia un plan de ataque para derrocar al Imperio. Liderada por Mon Mothma (Genevieve O’Reilly), antigua Senadora Galáctica, y Bail Organa (Jimmy Smits), Virrey de Alderaan y padre adoptivo de Leia, se gesta así la Alianza Rebelde, movimiento que logra interceptar una transmisión imperial que habla sobre una próxima prueba de un arma mortal. En la cinta de 1977, los pilotos de los caza estelar T-65 Ala-X conocieron el punto débil de la Estrella de la Muerte resguardados en el Gran Templo de Yavin IV. Dicha secuencia fue filmada en Bedfordshire, Inglaterra. Para ser fiel a la estética de George Lucas, la producción de Rogue One regresó a la misma locación para filmar no sólo los exteriores, sino para recrear la base rebelde. “Así como aprendes palabras cuando eres un niño, aprendes a filmar con las películas. Y luego te descubres a ti mismo emulándolas cuando haces tus propias historias”, le contó Edwards a Empire. “Realmente disfruté tratando de imitar el estilo de Una nueva esperanza en esas escenas”. Para lograrlo, Gareth tuvo una oportunidad única por la que cualquier warsie mataría: se adentró en los archivos de Lucasfilm.


De acuerdo con lo publicado por Empire, Edwards tuvo acceso a lo que él calificó como “los Manuscritos del Mar Muerto”: los bocetos originales del artista ganador del Oscar Ralph McQuarrie, responsable del look de cada uno de los elementos de la trilogía original de Star Wars. Después de probarse antiguos cascos y de ver a detalle un modelo a escala del Halcón Milenario, el cineasta utilizó este arte único para crear su propia estética, pero que fuera fiel al universo del que él forma parte ahora. En este sentido, Rogue One se convierte en esa gran oportunidad de ver al Imperio en su máximo esplendor, gracias a una Estrella de la Muerte en su fase más poderosa. Conoceremos al temido director Orson Krennic (Ben Mendelsohn) y seremos testigos del regreso del más grande villano del cine: Darth Vader, en voz de James Earl Jones. Sin contar el episodio navideño de televisión en 1978 –ni el telefilme The Ewok Adventure, de 1984–, Rogue One es la primera entrega de la saga antológica de spin-offs de Star Wars y, además, es el eslabón desconocido sobre lo ocurrido entre la ejecución de la Orden 66 y el asalto a la nave de la Princesa Leia. “Tenemos esperanza. Las rebeliones se basan en eso”,

Mads Mikkelsen (Galen Erso)

le dijo Jyn Erso al pequeño pero poderoso grupo que busca derrotar al Imperio. “Hagamos que diez hombres se sientan como cien”, agregó el Capitán Cassian Andor. Ambas frases llegan en un momento crucial: en el mundo, distintos movimientos sociales se están gestando contra la tiranía en sus distintas formas. Y conocer a estos héroes, y a la valentía de cada uno de ellos, será inspiradora para enfrentar lo que venga. Que la Fuerza esté con ellos... y con nosotros. CINEPREMIERE.COM.MX DICIEMBRE 2016

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DIEGO LUNA E l héroe d e l a re b e l i ó n

L

o hemos visto en infinidad de personajes, bajo la dirección de directores como Alfonso Cuarón o Steven Spielberg. Hemos sido testigos de su evolución actoral y de su salto exitoso a la dirección. Nadie duda del talento de Diego Luna, que lo ha llevado hasta las filas de los rebeldes de Star Wars. “Ni la vi venir. Me tomó tiempo relajarme”, le confesó el actor a Vanity Fair. “Llegaba al set y me quería tomar foto con todo”. Sin embargo, “el rodaje fue una putiza. Me di una cantidad de madrazos increíbles. Hay accidentes filmados como parte de la película. En una escena en la que íbamos corriendo me rasgué la córnea porque me entró algo y me lo traté de quitar, y anduve ahí con un parche en los últimos días de llamado”. El poder de la unión Rogue One es una épica historia sobre la valentía y el trabajo en equipo. A pesar de ser la producción más costosa en la que ha trabajado, Diego declaró a The Red Bulletin que “cuando el corazón de la gente que trabaja está en el lugar correcto, el tamaño realmente no importa. Al final, es sobre el trabajo en equipo y cómo cada uno puede complementar al otro en el set”. Basta mirar la filmografía del charolastra y escuchar cualquiera de sus discursos para entender su relación con el personaje, un hombre comprometido con la Alianza y con las causas por las que lucha. “Creo que, de todas las películas que se han hecho de Star Wars hasta ahora, la nuestra es la más real, la que trata de la gente, sobre el pueblo”, dijo en su entrevista con Vanity Fair. “Los personajes son muy parecidos a nosotros y los héroes no tienen poderes. Lo que tienen es una convicción y ganas de cambiar su realidad. En ese sentido, Rogue One es un movimiento social”. Vaya moraleja que nos deja la cinta. Ya sea en una galaxia muy, muy lejana o en el planeta Tierra, un grupo, del tamaño que sea, puede revolucionar absolutamente todo. -ARTURO MAGAÑA ARCE

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LA ANTOLOGÍA S

i algo bueno ha resultado de que la franquicia de Hollywood más influyente de la historia pasara a manos de la todopoderosa Disney, es que además de buscar hacerla aún más rentable de lo que ya era, se han preocupado por darle a los fans aquello que esperaban desde que se estrenó la trilogía original, algo que el mismísimo George Lucas decidió ignorar en los Episodios I, II y III. Aunque se enfocó en narrar los orígenes del que se convirtió en uno de los villanos más representativos de la historia del cine (salvo en el caso de Yoda y Obi–Wan), la segunda trilogía decepcionó a muchos por estar enfocada mucho más en presentar personajes nuevos, que en darle continuidad a aquellos viejos conocidos con los que el público estaba más que familiarizado y enganchado. Es a esto que obedece la existencia no sólo de Star Wars Episodio VII: El despertar de la Fuerza –que de manera un tanto tardía trajo de regreso a los queridos Luke, Han, Leia, Chewbacca y compañía–, sino de los spin-offs de antología. Estas historias alternas son las que se encargarán de satisfacer esas añoranzas. La polémica pero acertada decisión de establecer un nuevo canon, si bien dejó fuera una enorme cantidad de historias, no ignoró del todo esas otras líneas argumentales pertenecientes a las animaciones, videojuegos y demás producciones. Tal es el caso de las de los cómics publicados por Dark Horse –entre ellos, Rebel Heist y Cry of Shadows–, en donde se exploran los matices de la instauración del Imperio y se cuestiona el estatus de héroes de los protagonistas. Estos cómics mantienen vigencia en una especie de mitología alterna, al ser catalogados bajo la denominación Legends, antes conocido como universo expandido. Esta decisión de Lucasfilm fue un movimiento arriesgado, pero dio una claridad necesaria al canon, para que pudieran desarrollarse series que, manteniendo la esencia del concepto original, han abierto nuevos horizontes. Tal es el caso de producciones que han conquistado nuevas generaciones, como Star Wars Rebels y su respectiva precuela en papel, Kanan: el último Padawan. Estas producciones consolidaron personajes como la Jedi Ahsoka Tano, y aportaron un sustento fuerte y congruente a la llegada de piezas como el cómic Shattered Empire, que narra la historia de

los padres de Poe Dameron: guerreros que combatieron hombro a hombro con Leia y Han. Esta definición del canon oficial también permitió la llegada de los spin-offs que formarán la Star Wars Anthology, y que prometen ser el platillo fuerte: a diferencia de las que pertenecen a la línea fílmica principal, cuentan con una mayor libertad creativa para que los directores en turno no sólo puedan explorar y enriquecer la franquicia, sino ofrecerle a los fans esas historias que llevaban más de 30 años esperando. Tal es el caso de la segunda aventura, ya anunciada: la de Han Solo, que se estrenará en 2018. Por lo pronto, Rogue One seguirá esta consigna, pues es liderada por un director que pertenece a esa generación de creadores que, en vez de negar los conceptos del entretenimiento que les marcaron de jóvenes, eligen reivindicarlos. Gareth Edwards entiende estos códigos y sabe que Star Wars es para los fans. -JESÚS CHAVARRÍA @JCHAVARRIA_CINE

FOTO: NEWSCOM

ES PARA LOS FANS

OTROS ÁNGULOS DE LA GALAXIA Rogue One es la primera de varias antologías que veremos próximamente. Hasta ahora, estos son los detalles revelados: ANTOLOGÍA DE HAN SOLO (Dir. Phil Lord & Christopher Miller) Actores: Alden Ehrenreich, Donald Glover El contrabandista podría encabezar una trilogía que explore su amistad con un joven Chewbacca, sus encuentros con Lando Calrissian, su obtención del Halcón Milenario, la rivalidad con Boba Fett y su –ahora no canónico– pasado imperial. ANTOLOGÍA POR CONFIRMAR Sin director ni actores confirmados. Mientras que los fans anhelan explorar la juventud de Yoda y aunque Ewan McGregor está muy interesado en el pasado de Obi-Wan Kenobi, los rumores más fuertes hablan de un filme que develará los misterios de Boba Fett.

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LA GALAXI A L EJAN A T I ENE

NUEVOS HÉROES POR LUIS MIGUEL CRUZ

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odos nos emocionamos cuando El despertar de la Fuerza confirmó los regresos de leyendas como Luke Skywalker, Leia Organa y Han Solo, pero la naturaleza de Rogue One: Una historia de Star Wars le obliga a explorar personajes completamente nuevos. Conoce a algunos de los integrantes de la Rebelión.

La galaxia lejana está dotada de grandes personajes femeninos y Rogue One pretende continuar la tradición con Jyn Erso: delincuente empeñada en destruir al Imperio desde el secuestro de su padre. Felicity Jones la describe como “una heroína improbable. Es más pequeña que los demás, pero cuando alguien cree en algo, ese algo le concede un gran poder, le motiva y puede darle una enorme fuerza”. El personaje ha generado altísimas expectativas entre los aficionados, pues se dice que su posible relación sentimental con Cassian Andor engendrará a Rey de El despertar de la Fuerza.

Jyn Erso (Felicity Jones)

Valeroso oficial de inteligencia rebelde, tiene la misión especial de vigilar a Jyn Erso para controlar su naturaleza impulsiva durante la misión. Sin embargo, Diego Luna –tercer mexicano en la saga tras Verónica Segura (si contamos a Lupita Nyong’o)– cree que su labor va más allá. “Como en cualquier equipo, hay fricciones y Cassian será quien deberá mantenerlo unido”, dijo en SW Celebration.

Capitán Cassian Andor (Diego Luna)

Es el primer villano principal de la franquicia que no tiene conocimientos de la Fuerza. Quizá por ello, Ben Mendelsohn lo considere “una parte pequeña de todo este mundo”. Aún así, Orson Krennic, el director de Investigación de Armamento Avanzado del Imperio, tiene potencial para ubicarse entre las grandes leyendas imperiales: es el responsable directo de la creación de la Estrella de la Muerte y un fiero protector de su obra ante la amenaza rebelde.

Orson Krennic (Ben Mendelsohn)

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Se dice que Star Wars: La guerra de los clones nunca encajó en la franquicia, pero esto podría cambiar con el salto de Saw Gerrera al live action. La trama de aquella serie animada trata de un guerrero feroz, cuyas tácticas pusieron en graves aprietos a las fuerzas separatistas/imperiales y generaron severos dolores de cabeza entre republicanos. A esto agreguemos que el rebelde luchó al lado de Anakin Skywalker, por lo que no sorprende que Forest Whitaker lo describa como alguien con “algunas similitudes” con Darth Vader.

Saw Gerrera (Forest Whitaker)

Galen Erso (Mads Mikkelsen)

Por mucho tiempo pensamos que el danés encarnaría al villano de la cinta, hasta que desmintió los rumores al declarar que su personaje “no es un mal hombre”. Hoy sabemos que su rol es todavía más complejo: padre de nuestra heroína, prisionero imperial y mente maestra tras la Estrella de la Muerte. Pero antes de juzgarlo, el propio actor le recordó a IGN que hay que ser tolerante: “No tuvo opción, pero creo que es el hombre con mayor culpa en todo el mundo”.

Sabemos que los Jedi serán una especie en extinción durante Rogue One, pero esto no significa que la historia carezca de seguidores de la Fuerza. Chirrut Îmwe es un claro ejemplo de ello: un monje-guerrero ciego, que combina sus habilidades en el combate físico con una elevada disciplina espiritual aprendida en Jedha.

Chirrut Îmwe (Donnie Yen) Es el elemento más mortífero del equipo rebelde: especialista en armas y fiero asesino a sueldo, se incorpora a la misión con el único objetivo de resguardar a su amigo Chirrut Îmwe. Sin embargo, como ha dicho anteriormente Jiang Wen, su mayor diferencia con el resto del grupo radicaría en que su personaje no cree en la Fuerza. Baze Malbus (Jiang Wen)

Toda misión requiere de un piloto experimentado para escapar de situaciones peligrosas y, en este caso, Bodhi Rook es el elegido por la Alianza Rebelde. El problema radica en que, tomando en cuenta lo que ha revelado Riz Ahmed, podría ser demasiado “intenso y volátil” como para no meterse en problemas constantemente, por lo que el guerrero deberá “cuestionar su lealtad conforme progresa la historia”. Bodhi Rook (Riz Ahmed)

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Ninguna película de Star Wars estaría completa sin un robot. Ahora, Rogue One continúa la tradición con K-2SO: androide imperial reprogramado por Cassian Andor y cuyo mayor encanto radica en su honestidad. Así lo cree Alan Tudyk, tras asegurarle a Entertainment Weekly que “no tiene filtros. Puede decir cosas insultantes en tono casual si cree que son ciertas”.

VI EJOS CO NO CIDOS K-2SO (Alan Tudyk)

Pensábamos que la leyenda de Darth Vader terminaría con las precuelas, pero nuestro Sith favorito regresa para ultimar detalles sobre la Estrella de la Muerte, analizar los progresos en la destrucción rebelde y provocar severos dolores guturales al Director Krennic. La encarnación física del personaje no será realizada por Hayden Christensen, sino por el menos conocido Spencer Wilding. Y para deleite geek, ¡James Earl Jones dará voz al personaje por octava ocasión en su carrera! “Tiene una línea en la que dice la palabra poder”, aseguró Gareth Edwards en SW Celebration. “Y todos tuvimos un nerdgasmo”.

Darth Vader (voz de James Earl Jones)

ILUSTRACIONES: ISRO BRIONES

La presencia de esta nativa de Chandrila en La venganza de los Sith, El regreso del Jedi e incluso en La guerra de los clones le convirtieron en un símbolo contra el Imperio, por lo que su omisión en Rogue One habría sido imperdonable. Fue una de las fundadoras de la Alianza Rebelde y se convierte en la primera jefa de Estado de la Nueva República.

Mon Mothma (Genevieve O’Reilly)

Aunque el padre adoptivo de Leia jugó un papel fundamental en nuestra historia, la saga nunca le hizo justicia y por eso apreciamos que Rogue One lo retome en una etapa clave de la rebelión. Disfruten su heroísmo, ya que, como sabemos, terminará inevitablemente con la destrucción de Alderaan poco después.

Bail Organa (Jimmy Smits)

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La aventura polinesia de Disney Animation Studios rompe los moldes y cumple la transición prometida desde Frozen: de princesas enamoradas a heroínas apasionadas ¿Quién necesita a un príncipe? POR ALBERTO ROJAS EGUILUZ

n Moana, la protagonista no es una delicada princesa en busca del amor de su vida, sino una guerrera que tiene que salvar al mundo y cuyo hogar dista mucho de un lujoso reino: las islas del sur del océano Pacífico, tal y como eran hace 2,000 años. Con esta cinta, Disney sigue rompiendo los moldes que tan buenos frutos le rindieron por tantas décadas, y aunque no es la primera vez

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ENVIADO A BURBANK, CALIFORNIA

que lo hace [Frozen: Una aventura congelada resucitó a las princesas, pero se rehusó a usar la fórmula clásica al centrarse en el amor fraternal], parece ser que la nueva protagonista completará la transición: de las princesas Disney a las heroínas Disney. “No soy una princesa”, ella misma le dice a su cómplice, un semidios llamado Maui, en medio de sus aventuras. Y luego se voltea y sigue navegando el océano.


Los padres de Moana (Tui y Sina) deberán lidiar con el espíritu aventurero de su hija.

de que debía ser al revés, pues tenía que ser alguien de la tribu quien los hiciera navegar de nuevo”. Musker admitió que la ausencia de romance fue una apuesta arriesgada, pero lógica. “Nuestra protagonista no tiene tiempo de un romance por todas las aventuras por las que pasa. Creo que ese debe ser el corazón de cualquier película. Las emociones más allá de los romances”. Otro riesgo, pero que obedeció a ser leales a la cultura y abrir espacios para talento polinesio, fue la selección de la voz de Moana, quien es interpretada por la novata Auli’i Cravalho, una desconocida salida de un proceso de casting por el que desfilaron miles de participantes.

FOTOS: CORTESÍA DISNEY

Agua profunda La riqueza de la cultura polinesia ha despertado curiosidad desde los inicios del cine. El mismo Robert Flaherty, pionero del documental, realizó en 1926 un filme también titulado Moana (el primero para el que se usó el término “documental”, de hecho), en el que retrató la vida de los habitantes de Samoa, a través de los ojos de uno de ellos. Dicho héroe llevaba el nombre de Moana, que en lenguaje samoano significa “Agua profunda”. En este sentido, se trata de un nombre que ahora es más que adecuado para esta heroína de 16 años, quien, aunque vive en una isla polinesia ficticia llamada Motonui, protagonizará una aventura bien fundamentada en las investigaciones que los creadores John Musker y Ron Clements [Aladdin, La sirenita] hicieron sobre estas civilizaciones durante sus viajes a la región. Moana proviene de una raza de antiguos navegantes que justo hace 2,000 años dejaron súbitamente de hacerse a la mar, por una razón que los historiadores no han podido descubrir. Después de un milenio de no tocar las aguas, finalmente volvieron a cruzar el Océano y fundaron Hawái y Nueva Zelanda. Es en esa pausa de navegación en la que se ubica esta historia, que, en realidad, era muy distinta al inicio. “John Musker comenzó a leer sobre Oceanía y se maravilló con sus historias”, nos contó Osnat Shurer, productora de la película, al reunirnos con ella en Burbank, California. “Vio que la figura de Maui, un semidiós de la región, era muy interesante, así que junto con Ron Clements pensaron que sería el protagonista perfecto para una película épica”. Musker y Clements, por su parte, coincidieron en que fue hasta que comenzaron con los viajes a las islas del sur del Pacífico –para llevar a cabo la investigación de campo– que se dieron cuenta de que Moana debía ser su protagonista. “En la historia original que teníamos, Maui era el personaje central y queríamos que hiciera equipo con una joven aventurera”, explicó Clements. “Pero después del primer viaje de investigación nos dimos cuenta

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Gramma Tala le hereda a su nieta Moana la pasión por la exploración del mar.

Viaje al fondo de Moana Sentados en el teatro Frank G. Wells, dentro de los Walt Disney Studios de Burbank, California, fuimos testigos de algunas escenas que nos adentraron fácilmente en el universo de la nueva guerrera de Disney. Vemos a una pequeña Moana ser llamada por el mar para que navegue. Corte a: se encuentra con Maui quien, por cierto, tiene una divertida relación con sus propios tatuajes. Posteriormente nos guiaron a una bodega acondicionada, donde trabajó parte del equipo de animación. Se trataba de un sitio provisional al que le llamaban Moana Tujunga Office. En los diferentes cuartos había maquetas de Motonui, basadas en los viajes a las islas del sur del Pacífico, y monitores que mostraban cómo fueron creados cada uno de los personajes. Jessica Julius, directora creativa ejecutiva, nos explicó que el primer paso para hacer esta película lo dieron hace cinco años, cuando contactaron a expertos en el tema para comenzar con la investigación que nutriría a los diversos departamentos de producción. Sin embargo, fue hasta que viajaron por primera vez a las islas del Pacífico que todo tomó forma. “No hay nada como ir al lugar y experimentarlo: viendo directamente entiendes mejor lo que investigas”, nos comentó. “El primer viaje fue en octubre de 2011. Primero nos enfocamos en las islas de Samoa, Fiji y Tahití. El objetivo era conocer a locales que nos orientaran. Al principio fue todo tipo de gente, luego buscamos lingüistas, antropólogos, artistas, pescadores, tatuadores, gente que ha estado en contacto con las raíces de su cultura, eso le da mucha autenticidad a lo que eventualmente sale en el filme”.

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El siguiente viaje fue en mayo de 2014, pero el destino cambió a Nueva Zelanda, con un equipo más grande, enfocado a la investigación de la cultura musical: a final de cuentas, Moana es un musical. Ese viaje coincidió con el Pacific Island Fest, un encuentro que festeja las raíces culturales de la zona y que se hace cada cuatro años: además de música típica de la región, hay bailes, disfraces y gastronomía polinesia. Todo esto se conjuntó para terminar de definir el rumbo que tomaría Moana a nivel técnico, pero el cambio radical en el argumento sucedió cuando el equipo supo acerca de ese lapso de 1,000 años en que los polinesios dejaron de viajar. “Los habitantes de las islas nunca le han temido al mar, lo ven como una forma de conectarse, no como algo que divide”, nos dijo Jared Bush, uno de los guionistas de la cinta. “Cuando vimos que habían sido navegantes y que lo dejaron por tanto tiempo sin explicación alguna supimos que ahí había espacio para nuestra historia”. Quizás había sido una niña de 16 años la que los había regresado al mar…

Música de lujo. Lin-Manuel Miranda, la sensación de Broadway por su trabajo en musicales como In the Heights y Hamilton, es el encargado de musicalizar Moana y, de paso, de hacer cantar a “The Rock” en la película. Novata al ataque. John Musker contó que Auli’i Cravalho fue la última persona en hacer la audición para la voz de Moana y que, de hecho, ni siquiera lo iba a hacer originalmente, sino que una directora de casting vio un video suyo para otro proyecto y contactó a su mamá para que lo hiciera. Éste es el primer trabajo profesional de Cravalho, quien está por cumplir 16 años. Innovación. Para lograr que tanto el efecto del agua como las cabelleras de Moana y Maui se vieran naturales, los expertos de Disney crearon un nuevo software para alcanzar el realismo que buscaban.


Entre la gama de personajes de Moana, uno de los que más ha llamado la atención antes de la llegada de la película a los cines es Maui, cuya voz en inglés está a cargo de Dwayne “The Rock” Johnson (de ascendencia polinesia, por cierto). Este personaje tiene la habilidad de cambiar de forma –puede ser desde un tiburón o un halcón, hasta una lagartija–, es musculoso y su cuerpo está lleno de tatuajes. Sin embargo, este semidiós no es ningún invento de Disney, sino una verdadera deidad, aunque el equipo de animadores se tomó ciertas libertades al crearlo, como basar su físico en atletas o bien, hacer un tatuaje muy particular. “Maui está cubierto de tatuajes y muchos de ellos hablan de su pasado, pero hay uno que representa una versión de él que se llama Mini Maui”, explica la leyenda de la animación Eric Goldberg, quien, a lo largo de su destacada y extensa trayectoria ha sido responsable de las maravillas de Aladdín, Hércules, Fantasía 2000, La princesa y el sapo, entre otras, además de darle vida a Mini Maui. “Tiene su propia personalidad, es su alter ego, su porrista, pero sobre todo, su conciencia. A Maui le gusta sacar ventaja en ocasiones y Mini Maui está ahí para regresarlo al camino correcto”. Una de las diferencias en Moana con respecto a los personajes de Disney en el pasado es su origen étnico, cuya representación debe ser respetuosa y empática. Según lo reportó Variety, hace unos meses, por ejemplo, el disfraz para Halloween de Maui tuvo que ser retirado de las tiendas porque muchas personas encontraron insultante que se utilizara el color de la piel de los nativos de las islas como disfraz. Se trataba de una prenda de cuerpo completo (al estilo de un buzo), que cubría a quien lo usara con una suerte de piel oscura llena de tatuajes. Disney se disculpó y retiró el disfraz de las tiendas. Controversias como ésta son parte de los riesgos asumidos para hacer Moana, una cinta en la que la protagonista no busca el amor eterno, sino saber quién es y el lugar que ocupa en su mundo, algo muy distinto a lo que Disney nos tenía acostumbrados. Así, lo que comenzó hace cinco años con un viaje para desarrollar un proyecto animado acerca de un semidiós de la cultura polinesia, se transformó en una aventura épica comandada por una guerrera de 16 años. Moana, rodeada de espectaculares innovaciones y un toque de controversia, manda un mensaje claro a la audiencia de hoy: no se necesita ser una princesa para tener el mundo a tus pies. CINEPREMIERE.COM.MX DICIEMBRE 2016

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ation n i m u l Il a de r principal t s e u ap ugado egadera j unda n g u e s la r la omo , n c a e t o i r n d a t u ca al est n que can en y n V a : d i G a l N conso nos enseñ de SI , 6 s 1 e 0 o y ér a2 ación Los h nment par AME m i n DA AD a i a a l AMAN t R r e O e P d . Ent ustria nde frutos d n i a i en l ente r m l a u t even

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FOTOS: CORTESÍA UNIVERSAL PICTURES

E

l año pasado fueron minions. Hace unos meses fueron mascotas, y ahora, Illumination Entertainment nos trae a protagonistas pertenecientes al reino animal, cuyo atractivo no se desprende del carisma de ser un mamífero, reptil o anfibio que habita una ciudad (como en el caso de Zootopia). Más bien, se trata de personajes que tienen una ambición, el sueño de convertirse en los divos de la canción. El que sean animales viviendo en una ciudad no puede importar menos. Pensemos entonces en Zootopia, Robin Hood (de Disney) combinada con American Idol, y tenemos a SING: Ven y canta, la nueva apuesta de este estudio de animación, que promete divertirnos, conmovernos y rendir homenaje a la industria de la música. La premisa es simple y nos recuerda de forma alegre el poder de los reality shows de canto. Cuando Buster Moon está a punto de perder el teatro que su padre le dejó como legado, este carismático y emprendedor koala idea un plan para recaudar dinero, el cual podría salvarlo de la ruina: una competencia de canto. Pero un error en el panfleto del concurso anuncia un recompensa de $100 mil dólares para el ganador, lo cual ocasiona una conmoción en la ciudad y que miles de aspirantes se enlisten en la audición. De todos los participantes, Buster se decide por un puñado de ellos, cuyas voces prometen convertirlos en la próxima gran estrella. ¿Quiénes serán? ¡Conócelos a todos!

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Rosita

Reese Witherspoon/ Hanna Pérez de Ha*Ash Rosita es una fiel esposa y devota madre de 25 lechoncitos (¡sí, 25!), quien abandonó su sueño de convertirse en una estrella pop durante la adolescencia. Su voz maravillosa ha pasado desapercibida todos estos años y sólo la usa de pronto mientras lava los trastes, por ejemplo. Sin embargo, esta puerquita tendrá una segunda oportunidad de mostrarle al mundo su talento, ¡y esos increíbles pasos de baile!

Johnny

Taron Egerton/ Roger González De voz expresiva y con gusto por el soul, el sueño de este gorila adolescente de acento británico es cantar. Pero, claro, le sucede lo que a tantos: su padre tiene otros planes para él… y quiere que siga sus pasos criminales y se una a su banda de ladrones. La competencia es la oportunidad perfecta para mostrarle a su padre que la música es una forma de vida viable (y que no involucra el riesgo de irse a prisión, además) y para, a través de las canciones, expresar lo que siente y que no puede decir con simples palabras.

Mike

Seth MacFarlane/Leonardo Sbaraglia No se dejen engañar por su tamaño. Este ratón tiene unos pulmones que te pondrán la piel de gallina. Con una voz que nos recuerda al gran Frank Sinatra, este arrogante de personalidad arrolladora siempre está buscando cómo aprovecharse de los demás y de cualquier situación… pero cuando se trata de cantar, se rinde al poder de su verdadera pasión: la música.

Ash

Scarlett Johansson/ Ashley Pérez de Ha*Ash Pelo parado, minifalda escocesa, tenis Converse y guitarra en mano: Ash es una puercoespina líder de una banda de punk-rock cuyo sello es la originalidad. Su poderosa voz le otorga un lugar dentro de los finalistas, pero su novio, quien también hace la audición, no tuvo suerte y se queda fuera. Esto ocasiona un gran problema entre ambos y sacará a la luz los conflictos de la relación. Sin embargo, ella deberá tomar una decisión. ¿Se quedará dentro de la competencia?

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ALL YOU NEED IS LOVE MUSIC

Meena

Tori Kelly/ María Eugenia Suárez “La China” Cuando de cantar en la regadera se trata, todos somos unas estrellas. Pero cantar en un escenario con un público en vivo paralizaría hasta a la criatura más imponente. Esto es justo lo que le pasa a Meena, una elefanta con voz exquisita, pero con un caso gravísimo de pánico escénico. Pero gracias al apoyo de su familia, esta tímida adolescente se aventura a salir de su cascarón y a participar en la competencia. Ahora sólo falta pasar la prueba final: cantar enfrente de miles de personas en el show de cierre. ¡Ay, nanita!

Sin duda alguna, el gran protagonista de esta cinta es la música. La primera duda que nos surge ya desde el trailer es: ¿cómo le hizo el departamento legal para conseguir derechos de tal cantidad de canciones? ¿De dónde vino esta propuesta casi imposible? Todo surgió de una idea del fundador de Illumination Entertainment, Chris Meledandri, quien se inspiró en el rol que todo productor tiene cuando se embarca en un proyecto nuevo: crear de la nada, o con muy pocos recursos, algo extraordinario. Pero fue Garth Jennings (Guía del viajero intergaláctico), quien desarrolló el proyecto y se embarcó en el reto de escribir y dirigir su primera película animada y su primer musical, que además funge como una oda a la música. Fue entonces que los productores y equipo legal de la cinta se dedicaron a la labor titánica de conseguir los derechos de más de 85 canciones clásicas (empezando en los años 40) y contemporáneas para formar el impresionante soundtrack de la cinta. Desde Frank Sinatra, los Beatles y Leonard Cohen, pasando por “YMCA” de The Village People y “Bamboleo” de los Gipsy Kings, hasta Nicki Minaj y Lady Gaga. Éstas son algunas de las melodías dentro del extenso abanico, que evidencian una labor enorme en términos de supervisión musical, a cargo de Jojo Villanueva (Letras explícitas). Y más allá de los covers, la gran sorpresa es la música original, la cual incluye la canción “Faith”, una colaboración entre Stevie Wonder (su primera participación en el séptimo arte en 20 años) y Ariana Grande.

UNA PLAY CONVERTIRSELIST PARA EN ESTRELLA

Buster Moon

Matthew McConaughey/ Benny Ibarra Este koala es todo un emprendedor, pues no se deja vencer ante la adversidad. Cuando era niño se enamoró del teatro musical y decidió abandonar su sueño de convertirse en el primer koala en pisar la luna, para hacerse cargo del teatro de su padre. Y él no lo sabe aún, pero su concurso ayudará a un sin fin de personas a descubrir su esencia y encontrar sus voces… literalmente.

“Golden Slumbe rs” - The Beatles “Kiss From a Ro se” - Seal “Don’t You Wor ry ‘Bout a Thing” - Stevie Wonder “Ride Like the W ind” - Christopher Cross “Butterfly” - Craz y Town “Call Me Maybe” - Carly Rae Jepsen “Hallelujah” - Le onard Cohen “Anaconda” – Ni cki Minaj “New York, New York” – Frank Sina tra “Bad Romance” - Lady Gaga

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EL FIN DEL

SUEÑO

AMERICANO POR VERA ANDERSON / CORRESPONSAL EN LOS ÁNGELES

E Ewan McGregor debuta como director y mete la angustia social al lugar más vulnerable: nuestra casa.

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l fin del sueño americano es el salto temerario al cine de la novela ganadora del Pulitzer Pastoral americana, escrita en 1997 por Philip Roth y considerada por la crítica como una obra maestra. Sus páginas, así como la adaptación que Ewan McGregor protagoniza y dirige, capturan el sentimiento de una época compleja en la cultura estadounidense: la de los revolucionarios 60, llena de desencanto social. Es un viaje que, por lo mismo, no todos los espectadores de otras latitudes del mundo encontrarán accesible en primera instancia, hecho que debe de ser desconcertante para el escocés McGregor, quien entrega una cinta que se ha ganado calificativos como “bellísima” y la cual llegó a dirigir casi por desesperación. “Lakeshore estuvo buscando varios directores sin éxito. Yo iba a protagonizar y se suponía que filmaríamos en 2014, pero no sucedió. No pude soportar la idea de que la película no se hiciera, así que decidí que quizá podría proponerme para dirigirla”, nos platicó en entrevista. El héroe de McGregor (interpretado por él mismo) es un legendario atleta de la preparatoria apodado Swede, quien regresa de la Segunda Guerra Mundial para casarse con Dawn (Jennifer Connelly), una reina de belleza. Al heredar la exitosa empresa de guantes de su padre, a Seymour “Swede” Levov le toca madurar en el Estados Unidos de la posguerra, cuando el país está al borde de la transformación y de otro conflicto bélico, ahora en Vietnam. De esta forma, la película desentraña lo que raramente vemos en los libros de historia, lo que se queda invisible a la hora de analizar los eventos a nivel macro: ¿cómo afecta el devenir político, social y cultural a la unidad más pequeña de una sociedad? ¿Qué huella deja en una familia? La de Swede no estará inmune a estas modificaciones, las cuales atentarán contra su vida aparentemente idílica: su hija adolescente Merry (Dakota Fanning) desarrolla afiliaciones radicales que la hacen vulnerable a las organizaciones de violencia revolucionaria. Una explosión en el pueblo detonará lo que Swede nunca hubiera predicho: el desmoronamiento de su familia.


“¡Estamos en contra de todo lo que es bueno y decente en la América blancucha! Saquearemos, quemaremos y destruiremos. Somos la incubación de las pesadillas de tu madre”, decía el slogan de Weatherman, un grupo radical en contra de la guerra de Vietnam que asoló con sus actos violentos las calles a finales de los 60 y principios de los 70. Era la época del Watergate, de la liberación sexual, de los Black Panthers, de las bombas colocadas dentro de edificios como actos contestatarios antiimperialistas. Nacido en Escocia en 1971, McGregor es muy joven para haber experimentado esta era de convulsión sociopolítica, pero eso le da una perspectiva única sobre este fragmento de la historia moderna. “El libro es brillante”, nos dijo. “Usa la historia para analizar diversos temas del momento: asimilación, religión, lo que era ser un judío en la América blanca. Te pregunta si las cosas de este estilo que les pasaron a varias familias fueron porque dejaron su clase social, o su religión, o porque se casaron fuera de la fe. Roth nos dice que no fue por nada de esto”. El fin del sueño americano apela a las experiencias personales e íntimas de los norteamericanos, pero, también, a aquellos que en su juventud estaban deseosos de pertenecer. Esta es la mía: al crecer como estadounidense de la costa este, mi hermana mayor fue invitada por un conocido de la escuela a una reunión en Oakland a finales de los 60. Resultó ser la reunión de un grupo nuevo autonombra-

do Estudiantes por una Sociedad Democrática (Students for a Democratic Society, SDS), que más tarde sería Weatherman. Afortunadamente, mi hermana se aburrió con la retórica política y no se interesó en aquellas ideas revolucionarias. Más tarde, una de sus compañeras de clase fue arrestada y pasó tiempo encerrada por estar involucrada en el bombardeo del Capitolio de 1971, para el cual se lanzó un comunicado que sostenía: “En protesta de la invasión estadounidense a Laos”. Tal como la Merry de Pastoral americana, ella fue una chica ordinaria que estaba tan enojada con sus padres por apoyar la guerra, que la convirtió en un blanco fácil. Después habría más bombas y eventos noticiosos, como el famoso secuestro de la heredera Patty Hearst. No fue una época fácil para nosotros. En todo el país había jóvenes con sentimientos inquietantes y aislamiento familiar, que sólo buscaban una causa en la cual creer. Llevada al extremo, se trata de una inclinación que podría incluso explicar lo atractiva que resultó para algunos la familia Manson. Quizá los detalles de contexto son locales, “americanos”, foráneos para otras latitudes, pero los sentimientos los compartimos todos. Sobre todo, cuando se trata del peso de la historia destruyendo a una familia.

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Ecos de realidad

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ANIM NOCTURNOS Suspenso, violencia, sexo y la nostalgia por un amor que se ha convertido en una sombra de venganza… Protagonizada por Amy Adams y Jake Gyllenhaal, la más reciente película de Tom Ford promete ser el thriller del año. POR VERA ANDERSON / CORRESPONSAL EN LOS ÁNGELES

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MALES L

a muy esperada segunda película de Tom Ford, Animales nocturnos, se estrenó en el Festival de Cine de Venecia de este año y la audiencia de esa noche quedó en shock. Ya desde la secuencia de créditos iniciales de este thriller estilizado –durante los cuales mujeres mayores y obesas giran desnudas y en cámara lenta en un número burlesque– todos quedaron congelados. Algunos críticos lo denunciaron como un truco grotesco y vergonzoso, pero el ícono de la moda convertido en cineasta lo defendió al decir: “Las encuentro alegres, desinhibidas y muy felices de estar ahí. Fue una celebración en torno a la belleza de sus cuerpos y un reto a aquello que consideramos ‘belleza’. Ellas debían dejar ir lo que nuestra cultura dice que debe ser, y por ese motivo fueron completamente libres”. Ésta no es la primera vez en su carrera que Ford, quien desde hace 30 años ha sido una fuerza reconocida en el mundo de la alta costura, utiliza cuerpos desnudos para provocar una reacción emocional. Después de todo, utilizar el sexo (apoyado por la presencia de una figura como Madonna) como herramienta trasgresora fue lo que le ayudó a salvar a Gucci cuando fue director creativo de la marca a mediados de los 90. Si esta sobresexualización tiene o no que ver con el resto de la película es un tema de interpretación; sin embargo, la secuencia se sostiene por sí misma como una irónica pieza de arte conceptual, una llamada de advertencia a los espectadores que podrían esperar un pulcro viaje de moda, lleno del tipo de personas hermosas que normalmente se asocian con el mundo de las pasarelas. Pero eso sería un error, pues, como bien lo indicó Ford cuando nos reunimos con él en Venecia, “la moda se encuentra separada del cine, pero me parece que soy un buen contador de historias. Aun así, mi experiencia en aquella industria sí me enseñó a contar una historia a través del encuadre. Entiendo de iluminación y las partes técnicas de todo eso. En procesos, el cine y la moda son muy similares”. CINEPREMIERE.COM.MX DICIEMBRE 2016

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EL PASADO QUE ACECHA

novela, Laura Hastings (Isla Fisher), es en realidad Susan o el parecido es accidental? ¿Qué le está intentando decir su exesposo a través de su prosa? Después de todo, mientras observamos cómo se desenvuelve el asunto, las dos mujeres lucen inquietantemente parecidas. “Creo que sí me atraen las pelirrojas”, nos dijo Ford riendo, cuando le preguntamos sobre su elección de mujeres para poblar su universo mitad real, mitad de ensueño. “Sin embargo, si hubiera elegido a alguien que no fuera Amy Adams, todos los demás personajes habrían tenido que parecerse a ella. Si hubiera elegido a una morena, todas habrían sido morenas, porque esa es una parte importante de la historia. Estamos leyendo una novela interna en la que el personaje de Jake está diciendo: ‘Esto es lo que me hiciste’ y, sin revelar ningún spoiler, imagina detalles de esa vida que nunca tuvieron”.

FOTOS: CORTESÍA UNIVERSAL PICTURES

A primera vista, Susan (interpretada por Amy Adams), parecería extraída de un anuncio de ropa de Tom Ford. Es la hermosa dueña de una galería de arte que lleva un estilo de vida sofisticado, acompañada de su guapo, exitoso –y emocionalmente alejado– esposo. Un vistazo más profundo revela la palpable soledad de aquella mujer. De pronto llega un paquete: una novela escrita por su exesposo Edward (Jake Gyllenhaal), que aún no ha sido publicada. Ellos no se han visto en 20 años. Sola, durante un fin de semana, se pone sus lentes y comienza a leer. Mientras lo hace, entramos a otra narrativa a través de las páginas del manuscrito: la tensa y oscura crónica de Animales nocturnos, el libro dentro de la película. La yuxtaposición entre los dos mundos que forman este filme semi-noir no puede dejarse de lado. ¿La protagonista de la

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Adaptado de la novela de Austin Wright, Tony and Susan, el filme explora los peligros del materialismo y el consumismo, los mismos elementos que han consolidado la fama y la fortuna de Ford. Él es el primero en admitir que está consciente de la ironía, aunque, para el director, el meollo está en otro lado. “La historia que extraje de este libro fue que cuando en la vida encuentras personas que de verdad te importan, debes aferrarte a ellas. Este es un cuento que advierte sobre lo que podría pasar si no lo haces”. Sin embargo, el tiempo también es un factor importante. Hace 20 años, la Susan de Amy Adams seguía casada con esta persona que hoy puede estar acechándola, y el mismo Ford todavía luchaba por rescatar a Gucci con su estrategia sobresexualizada. Su marca personal y su triunfante entrada al cine (su ópera prima, A Single Man, consiguió el BAFTA a Mejor actor para Colin Firth) estaba todavía muy lejos. “Desde niño, he estado muy consciente del paso del tiempo y del hecho de que nuestro tiempo en este mundo y en nuestra forma actual es finito. Eso es lo que hace que todo sea bello”, dijo.

Al momento, Animales nocturnos ha generado críticas brillantes que la comparan con thrillers del maestro del suspenso, Alfred Hitchcock; se llevó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia, y no es descabellado pensar en un par de nominaciones al premio de la Academia. Mientras tanto, el realizador está contento con disfrutar de cada momento. “Si ves una rosa, te quita el aliento con su belleza. Si se viera igual por siempre, no la veríamos de la misma manera. Sabemos que se va a marchitar, que no va a durar. Sentimos que debemos experimentarla, olerla, mirarla. Estoy muy pero muy consciente del paso del tiempo y de que todos vamos a morir, lo que implica que aprovechemos los momentos, saboreemos todo en nuestra vida. Estoy al pendiente del tic, tic, tic, tic, tic...”.

ANIMALES NOCTURNOS HA OBTENIDO RESEÑAS BRILLANTES, QUE LA COMPARAN CON LOS THRILLERS DEL MAESTRO DEL SUSPENSO, ALFRED HITCHCOCK.

La compañía Focus Features pagó en Cannes $20 MDD por la distribución global de Animales nocturnos tras una agresiva subasta. Esta es la cantidad más alta que se ha pagado por una película en ese festival. CINEPREMIERE.COM.MX DICIEMBRE 2016

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HACKSAW RIDGE FOTOS: CORTESÍA DIAMOND FILMS

LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE GIBSON

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TRAS CASI UNA DÉCADA SIN DIRIGIR, MEL GIBSON REGRESA PARA NARRAR LA HISTORIA DE UN HOMBRE QUE SE NEGÓ A TOMAR UNA SOLA ARMA DURANTE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL. HASTA EL ÚLTIMO HOMBRE PROMETE NO SÓLO CAUTIVAR, SINO REINTEGRAR A GIBSON A HOLLYWOOD Y CONSEGUIR SU PERDÓN. ¿BASTARÁ ESTA HISTORIA PARA REDIMIRLO? POR EDUARDO SCHEFFLER @ESCHEFFLER

Andrew Garfield es una de las causas de esa ovación de pie de 10 minutos que la cinta recibió en Venecia.

H

ay imágenes que marcan nuestra niñez. Pinturas o figuras religiosas impactantes. Escenas tatuadas en la memoria, indelebles, definiendo aspectos de nuestra personalidad por siempre. Para el pequeño Desmond T. Doss esa imagen estaba en su habitación: la ilustración de los Diez Mandamientos adornaba aquella pared y su mirada infantil se fijaba una y otra vez en el sexto decreto: No matarás. Caín, imponente, golpeando a su hermano con un mazo. La furia en sus ojos. Los músculos tensos y la determinación de acabar con él. Con su presencia. Con sus ideas. Con aquella ofrenda preferida por Dios. Con su existencia. Alrededor, nadie para ayudarle a Abel. Herido en el suelo, incapaz de defenderse. Desvaneciéndose. Y los labios de Desmond murmurando, casi en silencio, una y otra vez, aquello que definiría su vida y que le daría su mayor gloria : “No mataré”.

En busca de lo correcto “Tendrías que ser de piedra para no reaccionar a la historia de este hombre y a lo que hizo,” le dijo Mel Gibson (Corazón valiente, 1995) a The New York Times durante el estreno de Hacksaw Ridge (título original que hace referencia al lugar geográfico donde está situada), cinta que marca su regreso como director luego de casi diez años de ausencia. La película se centra en la vida de Desmond T. Doss (Andrew Garfield), el hombre que decidió hacer lo correcto basado en sus principios religiosos: se alistó en el ejército como médico y peleó por su país en la Segunda Guerra Mundial, pero sin tocar jamás un arma. Para comprender los motivos de Desmond, es necesario mirar a su infancia: su padre era un hombre estricto, algo violento y con problemas CINEPREMIERE.COM.MX DICIEMBRE 2016

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de alcoholismo derivados de la Gran Depresión de los años 30. Su madre era una mujer espiritual que lo educó siempre bajo los preceptos de la Iglesia Adventista del Séptimo Día y con la idea de cumplir, pasara lo que pasara, con los Diez Mandamientos que dicta la Biblia. En el documental El objetor de conciencia (Terry Benedict, 2004), el mismo Doss narra uno de los momentos que definieron su vida: “Mi padre y mi tío estaban bebiendo mientras yo jugaba frente a ellos. Empezaron a discutir y mi papá sacó una pistola. De un momento al otro mi madre estaba entre ellos, tratando de evitar una tragedia. Ella le pidió a mi padre que le diera el arma antes de que llegara la policía. Él le quitó las balas a la pistola y se la entregó a mamá; ella me la dio a mí y me pidió que la escondiera. Corrí un par de cuadras y me deshice de ella. Al volver, vi que la policía se llevaba a mi padre. Jamás olvidaré esa experiencia. Si no hubiera sido por mi mamá, mi papá hubiera acabado con la vida de su cuñado”. Ese día, Desmond juró que sería la última vez que tendría un arma en las manos. Y cumplió con su juramento. Desafortunadamente, como era de esperarse, el mundo no tardó en entrar en conflicto con los ideales del joven Doss y ésos son los momentos que Gibson narra en la primera mitad de su cinta.

El objetor de conciencia Convencido de su deber patriótico, Doss se enroló en el ejército tras los ataques de Japón a Pearl Harbor. Pelearía por su país, pero sin armas. El joven se declaró como un objetor de conciencia: una persona que se niega a acatar órdenes o a realizar actos que vayan en contra de sus creencias religiosas. A lo largo de la historia de EE.UU., los objetores de conciencia generalmente eran asignados lejos del frente, para desempeñar otro tipo de servicios: algunos pagaban un impuesto especial. El caso de Doss fue distinto. Inicialmente sucedió lo que era usual en este tipo de casos desde la Guerra Civil de Estados Unidos: fue visto como un cobarde. Fue enviado a un campamento especial para quienes se negaban a luchar por su país: individuos que no saludaban a su bandera, que se negaban a vestir un uniforme o a servir a la nación. Ahí, Doss libró otra batalla: explicar que él sí quería servir y luchar por su país, pero sin disparar armas. El ejército comprendió y avaló su posición, permitiéndole formar parte de la batalla en la 77 División de Infantería. Desmond había ganado una batalla sin saber que, a partir de ese momento, la humillación se convertiría en una constante durante los días de entrenamiento. Que durante mucho tiempo tendría que seguir luchando por mantenerse fiel a su verdad.

DESMOND T. DOSS FUE EL PRIMERO DE SÓLO TRES OBJETORES DE CONCIENCIA QUE HAN RECIBIDO LA MEDALLA DE HONOR EN LA HISTORIA DE ESTADOS UNIDOS.

Sam Worthington es el Capitán Glover, quien en un inicio pidió que Doss fuera sacado de su batallón.

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¿El regreso del hijo pródigo? Mel Gibson se cubrió de gloria en 1995 cuando dirigió Corazón valiente. La cinta basada en la vida del libertador escocés William Wallace le valió el Oscar a Mejor director y a Mejor película. Luego se aventuró a realizar La pasión de Cristo (2004), cautivando al mundo con un filme hablado totalmente en arameo. Con Apocalypto (2006) demostró su versatilidad y nos otorgó una cinta profunda, pero cargada de adrenalina. Su carrera como director iba en claro ascenso. Nada parecía detenerlo. Sin embargo, justo en la cima, la vida del australiano se desplomó: en julio de 2006 fue detenido por manejar en estado de ebriedad. Luego vinieron las poco afortunadas declaraciones en torno a los judíos, la confesión abierta de su problema de alcoholismo, su divorcio, una tormentosa relación con una pianista rusa y un veto por parte de Hollywood que se extendió por casi una década. Con Hasta el último hombre, Gibson regresa y se dice que la cinta –que ha sido llamada la mejor de guerra desde Salvando al soldado Ryan– le traerá la esperada redención. Durante el Festival de Cine de Venecia, un periodista le pidió al director que describiera a Hollywood con una sola palabra. Mel respondió contundente: “Sobrevivencia”. Y esto es lo que el director ha hecho: sobrevivir y resurgir cuando todos lo daban por muerto.

Honor a quien honor merece El clímax de la historia de Desmond tuvo lugar en Okinawa, durante la primavera de 1945. Su tropa subió por una barranca para tratar de avanzar hacia territorio enemigo. Una vez arriba fueron emboscados por el ejército japonés. Las bajas fueron numerosas. Algunos soldados lograron escapar, pero la mayoría de sus compañeros yacían heridos. Desmond decidió permanecer ahí, en el ojo de la batalla y en solitario, sacando a cuanto soldado pudiera ayudar. En su mente, el Sexto Mandamiento se extendió. Ya no era sólo el “no matarás”: ahora imperaba algo más profundo. Algo más puro: “los salvarás”. Desmond T. Doss fue el primero de sólo tres objetores de conciencia que han recibido la Medalla de Honor en toda la historia del ejército de Estados Unidos. Y Mel Gibson vuelve para narrar y cautivar con esa historia. Para hacernos ver que en medio de la peor guerra, en medio de detonaciones, amputaciones y muerte, puede haber también redención. Y, al final, algo de calma.

¿QUIÉN RECIBE LA MEDALLA DE HONOR? Es la máxima condecoración que el Ejército de Estados Unidos le puede hacer a un soldado. Se otorga por actos de valor que ponen en riesgo la vida, yendo más allá del llamado del deber. Suele ser entregada por el presidente en turno. Doss –fallecido en 2006 a la edad de 87 años– la recibió el 12 de octubre de 1945 de manos de Harry Truman. Años después, otros dos médicos la obtuvieron de forma póstuma por su labor en Vietnam. La hazaña de Doss fue narrada en un especial de la serie de cómics Medal of Honor Special, publicado por Dark Horse Comics en 1994.

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POR JESSICA OLIVA @PENNYOLIVA

Belleza inesperada es el cuento que nos recordará lo que necesitamos oír cada Navidad: que vivir es bello.

a Navidad no sería la misma sin Charles Dickens. Desde que escribió Cuento de Navidad (A Christmas Carol) en 1843, su legendario Ebenezer Scrooge nos ha enseñado año con año a apreciar lo verdaderamente bueno de la vida, en un relato que sigue tocando nuestras fibras sensibles a pesar de haber sido escrito en la época de la Revolución Industrial, tan lejana, supuestamente, a la modernidad. Se podría asumir –y, en parte, estar en lo correcto al hacerlo– que esta atemporalidad del cuento se debe a que, evidentemente, no hemos superado las desigualdades sociales ni las cegueras éticas que lo inspiraron. La pobreza sigue siendo la pobreza, la avaricia sigue siendo la avaricia, el egoísmo sigue siendo el egoísmo. Las personas siguen siendo simples “medios” para conseguir otros fines en el crudo capitalismo.

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Sin embargo, la verdadera razón por la que estamos dispuestos a ver una y otra vez la transformación de Scrooge es porque su historia tiene un ingrediente irresistible, favorito del cine y del arte en general: la redención. Y hay muchas formas de redimirse, así como hay muchos tipos de pobreza. Uno de ellos, y más acorde con los problemas de nuestros tiempos, es el que sufre el protagonista de Belleza inesperada, película que promete ser la opción 2016 para elevar el espíritu navideño, y que se trata de una reinvención moderna del cuento de Dickens. Interpretado por Will Smith, Howard Inlet es un ejecutivo publicitario que comparte con Scrooge los demonios de la amargura: tras una tragedia familiar, el antes alegre padre de familia comienza a vivir por inercia, como un ente que no es capaz de conectar con nada ni con nadie. Aunque muy diferente a la miseria que inspiró a Dickens (las condiciones de los desfavorecidos, la explotación la-


Lo hemos visto muchas veces: para obtener una segunda oportunidad en la vida, es necesaria una alteración o anomalía temporal.

boral infantil, en una sociedad en la que se consideraba al pobre como una plaga que había que evitar), su vida necesita de la misma cura; es decir, de una segunda oportunidad. La aparición de los espíritus de la Navidad pasada, presente y futura, así como sus revelaciones a Scrooge, impactaron a la sociedad del siglo XIX cuando se publicó el texto original, poco antes de la Noche Buena de 1843. La posibilidad de que la crueldad y el egoísmo tuviera consecuencias, o de que la generosidad y el renacimiento fuera plausible en la era fría de la industrialización, dejó huella en los lectores de ese entonces y, de hecho, inventó el “espíritu navideño” tal y como lo conocemos ahora. Howard, sin embargo, necesita de otro tipo de maestros.


Despertar a alguien como el personaje de Will Smith resulta más complicado, ya que se trata de una especie de Scrooge que no es cruel, ni despiadado, ni arrogante. Su problema, de hecho, es que no es nada ni quiere serlo. En este sentido, el guionista Allan Loeb (21: Blackjack) y el director David Frankel (El diablo viste a la moda) dejaron su odisea emocional en manos de otras tres figuras milenarias, las más implacables: el Amor (Keira Knightley), la Muerte (Helen Mirren) y el Tiempo (Jacob Latimore), a quienes Howard conocerá en persona. Esta vez, es la felicidad la que irá en busca de Will Smith. “Tiene un poquito de ¡Qué bello es vivir! y también de El mago de Oz”, le dijo el actor a EW. “Es una historia sobre cómo recuperar tu vida y el amor”. Y que, de paso, reunió a un elenco estelar que también incluye a Edward Norton y Kate Winslet.


FOTOS: CORTESÍA WARNER BROS.

FOTOS: CORTESÍA WARNER BROS.

SEGUNDAS OPORTUNIDADES

Lo hemos visto muchas veces: para obtener una segunda oportunidad en la vida, es necesaria una alteración o anomalía temporal. Bien se dice por ahí que el tiempo es el mejor maestro, y es claro que no podría haber ningún tipo de regeneración ni redención sin él. Al menos así sucede en Cuento de Navidad y en todas esas cintas que se han inspirado en esta obra o retomado sus elementos, pero que no necesariamente son adaptaciones literales. Las películas del llamado “do-over” (volver a hacer) –que comparten la esencia redentora del relato de Dickens– generalmente se caracterizan por sacar a sus imperfectos héroes del correr lineal del tiempo, a través de viajes al pasado, vistazos al futuro, paréntesis temporales, días que se repiten infinitamente o encuentros con seres fantásticos, que cambian su forma de ver el mundo, a sí mismos y, sobre todo, a los demás. En la mencionada ¡Qué bello es vivir! (1946), por ejemplo, el director Frank Capra narra la historia de un hombre (James Stewart) con intenciones suicidas, quien, gracias a la ayuda de un ángel, es capaz de ver lo que hubiera pasado si no hubiera nacido. Algo parecido sucede en Hombre de familia (Brett Ratner, 2000), en la que el personaje de Nicolas Cage –un ambicioso y exitoso adicto al trabajo– tiene la oportunidad de experimentar una vida familiar paralela: lo que hubiera pasado si no hubiera abandonado a su amor por irse a un trabajo en el extranjero. Ambas cintas suceden en Noche Buena y reflexionan sobre el impacto que tienen nuestra existencia y decisiones en la vida de los demás. A este grupo también se unen –aunque de forma mucho menos navideña– Mi encuentro conmigo, en el que el personaje de Bruce Willis es enfrentado a su pasado de la forma más tierna posible; así como la comedia Si yo tuviera 30, cuya protagonista (Jennifer Garner) tiene la oportunidad de vivir un tiempo en su futuro, después de haber traicionado a su mejor amigo en los 80 para ser “una chica popular”. Otros ejemplos de esto son Hechizo del tiempo, Click, e incluso aquellas comedias que incluyen intercambios de cuerpos: Un viernes alocado (Gary Nelson, 1976) y su remake con Lindsay Lohan y Jamie Lee Curtis, Un viernes de locos (Mark Waters, 2003); Este cuerpo no es mío (Tom Brady, 2002); 17 otra vez (Burr Steers, 2009), etc. Películas cuyas tramas desafían el tiempo-espacio y que, de formas distintas, advierten contra los peligros de ese Scrooge que todas comparten: el ensimismamiento extremo. En un tono más espiritual y sentimental, Will Smith se suma ahora a la estirpe de Ebenezers que han poblado el imaginario colectivo, y lo hace desde ese lado reflexivo y melodramático que le hemos visto en películas como Siete almas y En busca de la felicidad. (El nombre completo del actor, Willard Carroll Smith Jr., incluso recuerda al título en inglés del cuento). Sin embargo, Belleza inesperada aporta un granito de frescura al mito y a su mensaje: la historia de Howard mostrará que hay belleza hasta en el dolor y que, incluso, puede que sólo la veamos gracias a los momentos difíciles. Una idea que parece imposible en nuestra época de comodidad, placer y selfies eufóricas, en la que el dolor se ha convertido en el contrario a vivir: en esa plaga que hay que evitar a toda costa. Imposible, como lo parecía la generosidad a los pobres en la época de Charles Dickens. Bienvenido, nuestro Scrooge del siglo XXI. CINEPREMIERE.COM.MX DICIEMBRE 2016

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VUELO DE

TITANES POR BELÉN GÓMEZ PEREIRA / ENVIADA A LOS ÁNGELES

Con Sully, dos leyendas hollywoodenses surcan los aires de nuevo.

L

as últimas tres cintas dirigidas por Clint Eastwood han sido muy estadounidenses, muy “americanas”. De J. Edgar, a Jersey Boys: Persiguiendo la música y, claro, Francotirador, sus películas han sido una oda al patriotismo republicano del exvaquero. De forma mucho menos esperada, pero no menos sutil, Sully –la historia del famoso capitán que acuatizó sobre el río Hudson en enero de 2009– retoma esos temas y reúne a Eastwood con otro ícono norteamericano: Tom Hanks. Platicamos con ambos sobre lo que les atrajo al proyecto y lo que significó para el inconsciente colectivo neoyorquino evitar otra tragedia aérea.

CLINT EASTWOOD DESDE LA TORRE DE CONTROL

¿Por qué te llamó la atención el proyecto? Ya todos habíamos escuchado sobre “el milagro en el Hudson”. Pero fue el conflicto, el cual no conocía, lo que me cautivó. Nunca se me había ocurrido que Chesley Sullenberger hubiera hecho algo mal. Eso me hizo querer dirigirla: el conflicto de la investigación. Todo lo que le llevó a pensar: “¿Pude haber hecho algo distinto?”. Podría haber sido uno de los peores accidentes en la memoria de la ciudad, pero tomó la decisión correcta. Es una historia real. Así que debíamos hacerla lo más apegada a la realidad que se pudiera.

SI TUVIERA QUE ELEGIR ENTRE SER ACTOR O DIRECTOR, PREFERIRÍA SER DIRECTOR. –CLINT EASTWOOD 66

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Toda la cinta fue rodada con cámaras IMAX, ¿por qué tomaste esta decisión? Es lo más novedoso en cuanto a filmación. Trabajar con esas enormes cámaras, que son del tamaño de esta habitación, es bastante abrumador. Pero el resultado es muy bueno, ¡luce grandioso el filme! ¿Y harías una película en tercera dimensión? ¡No me gusta la experiencia! No me atrae usar lentes ajenos (ríe). Pero, sobre todo, siento que esta técnica distrae de la trama de la película.


¿Qué te motiva a seguir en el mundo cinematográfico? El hecho de que cada película te enseña algo nuevo acerca del cine, de la historia, del storytelling, de ti mismo y de la gente que contrataste para participar en ella. Es un negocio muy emocionante justo por esa razón. No es como un trabajo de oficina de 9 a 5, del que ya te quieres retirar. Yo no quiero retirarme nunca. Sigo disfrutando todo el proceso, al igual que siempre lo he hecho. Haces proyectos diferentes y consigues resultados diferentes. Además, la gente de tu crew se convierte en parte de tu familia. ¿Quieres regresar a la actuación? Si hubiera un gran papel, lo tomaría. Mi última actuación fue en Gran Torino [2008], algo que disfruté mucho. Llevo 40 años dirigiendo y 60 actuando, pero si tuviera que elegir entre ambas facetas, preferiría ser director.

TOM HANKS LES HABLA SU CAPITÁN

no. La investigación de la NTSB duró 18 meses y para él fue un infierno. Aunque había logrado salvar 155 vidas, sabía que los fiscales investigarían todo lo que sucedió y que cualquier error podría significar el final de su carrera. Un año y medio es demasiado tiempo para que otras personas decidan cuál será tu destino. Durante este periodo padeció insomnio y otros problemas relacionados con la presión que sentía. Cuando escuchaste la noticia de “la hazaña en el Hudson”, ¿qué pensaste? Simplemente pensé que Nueva York no podría haber superado otro desastre aéreo de esa magnitud y que gracias a este piloto eso no sucedió. Recuerdo que cuando vi la noticia en la televisión me dije: “Quiero conocer a ese hombre”.

©ROBERT ASCROFT/CORTESÍA WARNER BROS. PICTURES MÉXICO

¿Por qué aceptaste el papel de Sully? En un principio no sabía si iba a tener tiempo para realizar este proyecto, porque en ese momento estaba trabajando con Ron Howard en Inferno. Pero en cuanto leí el guion me convencí. El autor es Todd Komarnicki [Seduciendo a un extraño] y es uno de los mejores y más limpios que he leído en mi vida. Me gustan las historias no ficticias sobre procedimientos, motivaciones y conflictos internos. Así que me dije, “¡tengo que ser parte de esa película!”. El verdadero Chesley Sullenberger participó en la producción, ¿cómo fue tu relación con él? Lo contacté personalmente. Yo ya había leído su libro [Sully: Hazaña en el Hudson], así que entendía cuál había sido su experiencia como figura pública y lo difícil que fue para él y su familia la investigación que le hizo la Junta Nacional de Seguridad del Transporte [NTSB, por sus siglas en inglés]. Sully fue muy específico acerca de lo que quería que se incluyera en la película y lo que no. Queríamos ser auténticos y no incluir escenas ficticias sólo por hacer la película más dramática. No quería que su historia se alterara o se convirtiera en algo que no era. Todos lo entendimos y esa fue la manera en que lo hicimos. ¿Cuáles consideras que fueron los conflictos internos que tuvo Sully? Ese fue uno de los temas que hablé con él. Había conocido la historia y leído el libro, pero aún no entendía bien cuál había sido su conflicto inter-

QUERÍAMOS SER AUTÉNTICOS Y NO INCLUIR ESCENAS FICTICIAS SÓLO POR HACER LA PELÍCULA MÁS DRAMÁTICA. –TOM HANKS CINEPREMIERE.COM.MX DICIEMBRE 2016

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Los rostros de los Cabos Del 9 al 12 de noviembre, las playas de Los Cabos, Baja California, se llenaron de cine y glamur para recibir la quinta edición del Los Cabos International Film Festival. Durante cuatro días convivimos y platicamos con sus invitados estrella y homenajeados. Aquí los rostros que engalanaron el paraíso. Fotos: Eduardo Islas

“No me interesa ser una estrella de cine, quiero ser actriz”, declaró la italiana Monica Bellucci, quien recibió un premio a su trayectoria y presentó su más reciente filme, On The Milky Road, de Emir Kusturica.

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“Conozco la vulnerabilidad por la que pasa un actor”, nos dijo el cinefotógrafo mexicano –homenajeado con un tributo– Rodrigo Prieto. “Para mí es muy importante que haya un espacio cómodo para ellos, pues un set puede ser un lugar muy estorboso”.

“Shakespeare creó los personajes más complejos que existen. Ningún escritor contemporáneo le puede competir”, dijo la directora homenajeada por su trayectoria, Julie Taymor, sobre su pasión por adaptar las obras del dramaturgo. Oliver Stone presentó Snowden y habló apasionadamente sobre su esperanza para un mundo sin guerra, donde los intereses corporativos no afecten la libertad de expresión. CINEPREMIERE.COM.MX DICIEMBRE 2016

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“Es una historia muy conmovedora y entrañable que no podía dejar pasar, creo que es una progresión natural de mi carrera”, nos reveló Craig Robinson sobre Morris From America y su transición hacia el drama.

Dennis Quaid presentó la serie The Art of More y estuvo de acuerdo con su coestrella Cary Elwes: “Al mundo le gustan las historias sobre gente rica que sufre“.

Al platicar con Jacob Tremblay, protagonista de Burn Your Maps (presentada en el festival), constatamos que está muy emocionado por ver a Brie Larson (quien fue su mamá en La habitación), como la próxima Ms. Marvel. Aunque su superhéroe favorito... “¡es Iron Man!”.

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MÁS NEGRO QUE EL CINE

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PESADILLA

EN UN ATAÚD LAS ÚLTIMAS HORAS DE JOAQUÍN PARDAVÉ POR: CHARBELÍ RAMOS CHÁVEZ

ILUSTRACIONES: CARLOS BADILLO

Un mito, difundido por un periódico, rodeó los últimos momentos del actor mexicano: la escalofriante posibilidad de que hubiera sido enterrado vivo.

A

quí estoy. Vivo. ¿Vivo? Despierto. Éste es un lugar muy oscuro, pero mi conciencia nunca ha estado tan lúcida. ¿O no? Hiperventilo. Necesito tranquilizarme. Me palpo el cuerpo. Sí, sí, todavía lo siento. Intento cambiar de posición, pero este espacio es tan estrecho y yo soy tan grande, que no puedo. Debí bajar la panza, sin embargo ésta es la complexión que le gusta a la gente, que me hace ver más simpático en la pantalla. Éste es Susanito Peñafiel. Éste es el baisano Jalil. Sin bigote, claro, porque nunca me ha gustado. Aun así, Cholita tenía razón: debí bajar de peso. ¿Qué pasa? ¿Dónde está Cholita? Definitivamente, ésta jamás podría ser mi cama porque, aunque me siento encerrado, huele a tierra mojada. ¿Qué día es hoy? Esta oscuridad absoluta y este silencio no me permiten recordar nada. “Haz un esfuerzo”, me digo. “Aférrate a la vida a través de la memoria”. Hoy es 20 de julio de 1955. Miércoles 20 de julio. Verano. ¿Qué hice hoy? “Aférrate a la vida a través de la memoria”… ¿Qué hiciste hoy, Joaquín, qué hiciste? No puedo evocar ningún momento de mi día. Me distraigo de mis pensamientos. No veo nada, pero siento. Tengo la cabeza bien puesta en una almohada, y mi cuerpo descansa sobre algo acolchonado. Aunque mis movimientos están muy limitados a causa del espacio, puedo mover un poco las manos: la tela se siente tersa. La acaricio con la intención de aminorar el golpe de la ola de pánico que está por arrastrarme mar adentro: me encuentro en un ataúd. El estómago se me pega a la espalda y, sin

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más ni más, la piel se me eriza. Cierro los ojos y aprieto los párpados. Esto es una pesadilla. Ya, inconsciente, ya, hazme esta mala jugada y luego despiértame. Quiero sentir mis sábanas y el cuerpo cálido de Cholita a mi lado, tal como lo he sentido por treinta años, desde que nos casamos en 1925. ¿Me habré muerto? No me siento muerto en lo absoluto, pero evidentemente moriré si sigo aquí acostado. Ay, Dios mío, qué fea muerte es ésta. Ya sea que ya me haya petateado y no esté contigo, Señor, en el Cielo, o que con cada segundo vaya acercándose la asfixia. ¿Me merezco este deceso límbico y agónico? Tengo que pensar que es un mal sueño. Quizá no estoy haciendo ruido y, por eso, Cholita no se ha dado cuenta de que necesito unas sacudidas para despertar. ¿Quizá caí en un sueño tan pesado que, en consecuencia, occiso? No, no, mi Chole tendría que saber que estoy dormido. Ella siempre supo todo: desde que la vi por primera vez en la carpa de teatro entendí que nadie me conocería mejor, que no querría que alguien más me descifrara como ella. No puedo creer que haya decidido casarse conmigo, este regordete que se vio siempre viejo, aun cuando era joven. “Para mí eres el hombre más apuesto”, me susurró siempre que me sentí inseguro. Para mí siempre fue la mujer más bella.


ILUSTRACIÓN: CARLOS BADILLO


MÁS NEGRO QUE EL CINE

¿Qué hubiera sido de mí, me pregunto ahora en esta pesadilla, si mi tío Carlos y El Panzón Soto no me hubieran incluido en los repartos del teatro lírico? Parece que fue hace mucho, pero treinta y siete años no saben a nada. Quizás esta conciencia de que devoré al tiempo es también una evidencia de que estoy entrando en la vejez, si no es que ya soy un anciano a quien las ideas de muerte lo persiguen en sueños o, peor todavía, en la negación del propio deceso. Porque, ya me siento más tranquilo de decirlo, quizás estoy muerto o –¡qué angustia! – en el proceso de morir porque me enterraron vivo. En todo caso, prefiero pensar que fue lo segundo y no que mi comportamiento, ante los ojos del Creador, fue tan deplorable que no me merezco que San Pedro me deje pasar a disfrutar de la vida eterna. No culpo a Cholita: seguramente caí en uno de esos sueños tan, pero tan profundos, que incluso dejé de roncar, hasta de respirar, y ella creyó que había estirado la pata. No, no la culpo, sino que me pregunto cómo estará mi varita de nardo. Desconsolada, seguramente, aunque pronto encontrará sosiego en las misas, en las homilías de los sacerdotes que dirán que la muerte es la única vía de acceso hacia la vida eterna en el Paraíso. Ahora, si se enterara de que hubo un error garrafal y supiera que me encuentro aquí, muriendo lentamente, le daría un infarto fulminante. Prefiero, mil veces, mil vidas, quedarme sin aliento en este féretro, solo e intentando recordar qué hice hoy, que saber que ella sufre más de lo que debe de estar sufriendo. Es más, si estoy dormido y me levanto en un rato a hacer lo que ayer dejé para continuar mañana, no le contaría que, por un momento, dudé en que me conociera lo suficiente como para distinguir el sueño con mi descanso eterno. ¡Ya recordé qué hice el 20 de julio! Ay, ¡qué bueno! Ni fantasma ni viejo decrépito. Miércoles 20 de julio de 1955: me desperté temprano, naturalmente. Desayuné. ¿Huevos tibios? Vamos, Joaco, no te desvíes, ¿qué más da si fueron suelas de zapato? Mejor sigue recordando. Me fui para los estudios. Ahí seguí con la filmación de La virtud desnuda con Gilberto Martínez Solares… no, no, ay, Joaquín, estás muy atolondrado, ésa la está dirigiendo José Díaz Morales. Gil dirige Club de señoritas. ¡Claro! Ojalá que esto sea una pesadilla y mañana siga filmando, como si nada. Bueno, ¿en qué estaba? Ah sí, re-

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gresé a casa. Me sentía cansado, pero de todas formas vi a mi Soledad, mi señora Pardavé y le canté poquito: “Mi novia parece varita de nardo como flor o cual mujer, por eso te quiero, varita de nardo, porque eres cual mi querer”. No pude demostrarle más cariño que ése, porque ya mi sobrino Gustavo estaba esperándome. Ay, mi Soledad. Si hubiera sabido que hoy me iba a morir te habría agradecido más por ser mi musa. Quizá “Cholita” fue un bolero muy insípido para lo que me haces sentir, aunque fuera el primero que te escribí; quizá “Varita de nardo” hubiera quedado mejor. Si me muero, quiero cantarle a mi Cholita: “Si preguntas por mí, no maldigas mi amor, que duró solamente lo que dura una flor”. Ni la vida más longeva es suficiente para dedicarle mi cariño. Ahora que lo pienso, parece que “Aburrido me voy” fue un vaticinio en forma de canción, que compuse para el momento en que estuviera en mi fosa y, aguardando a mi esposa, se me fuera la vida. Ay, ay, ay, ¿cómo no tengo un papel para escribir ese verso y componer una nueva canción? Tun tun tun, “Estoy en mi fosa/ aguardando a mi esposa/ se me va la vida/ sin mi Cholita”. Cada momento que transcurre me siento más certero de que sigo existiendo en el plano terrenal, pero encerrado en mi guarida final antes de tiempo. Me azota el recuerdo del 20 de julio e interrumpe mi tren de pensamiento: una vez que le canté a mi mujer, me fui con Gustavo al boliche, porque ya habíamos quedado con los muchachos del staff y yo siempre cumplo lo que prometo. Ya me acordé que estaba yo haciendo mis chanfles acostumbrados para las chuzas y… ay no, Joaquín, aquí no está Chole, no tienes que presumir… Va de nuevo: estaba yo ahí, intentando derribar unos pinos, cuando me asaltó una jaqueca. Uno es macho, bien mexicano, de Pénjamo, Guanajuato, y si sobreviví a la Revolución actuando en el teatro, que no fuera yo a sobrevivir a un dolorcito… ¿Y si morí de dolor de cabeza? Lo último que recuerdo es que regresé a casa, vi a mi florecita de rancho, le hablé de la cefalea y caí en cama. Quizá solamente me sentía exhausto y, mañana jueves 21 de julio, regresaré al trabajo y a la vida cotidiana. Otra vez viene a mi mente “Aburrido me voy”: “Me voy lejos de aquí, donde nadie pregunte de lo que perdí”. ¿Por qué, si compuse tantas canciones es justamente ésa la que no dejo de cantar en mi mente? También me acuerdo de Sara. Siempre tan difícil, siempre grande como actriz. ¿Qué habría sido de La familia Pérez sin ella? ¿Qué habría sido de mí sin ella? Mi Cholita, el amor de mi vida; Sara, mi pareja más divertida en el cine. ¿Será que voy a irme sin volver a ver a Sara tampoco? En estos momentos no puedo dejar de pensar qué sentirá el público, no solamente el actual sino el que viene, cuando vea nuestras películas. ¿Les gustará? ¿Reirán? ¿Seremos capaces de arrancar carcajadas como lo hicimos antes? Estas preguntas me abruman. Siento alivio de morirme sin conocer estas respuestas. Dicen que cuando uno va a morirse se pone a repasar su vida. Como si la Calaca (¿quién más?) me hiciera una entrevista, de pronto me recuerdo en muchísimas películas. Ya no


me acuerdo del número exacto. Más de cien, seguro, entre director, actor y guionista. Si pudiera pedir un recibimiento en el Cielo, le diría a San Pedro que, con la apertura de puertas, me recibiera Lucha Reyes con su maravillosa interpretación de “La Panchita”, porque no importa que yo la haya compuesto, una voz como la de ella me pone la piel chinita… No puedo evitar cuestionarme si trascenderé o si esta duda que de pronto me acecha me llevará a quedarme aquí, inerte, sin haber batallado por vivir. ¿Será que yo, como Lucha, también me estoy suicidando? ¡No! ¿Cómo salgo de aquí? ¿Qué hago? ¿Cómo lo intento? Se me ocurre rasgar la tela de la tapa del féretro, a ver si después puedo golpear la madera. Como puedo, me empujo un poco hacia abajo y pateo la tela, esperando que, con un poco de suerte, mi cuerpo pueda romper el cofre. Pero la suerte se me ha acabado. Ya no sé si estoy pensando o si hablo en voz alta, porque empiezo a cansarme, a sentir que me falta aire. Inhalar me duele cada vez más. Necesito hacer algo. Rasgar el ataúd es inútil y me cansa muy rápido, porque la posición de las manos resulta muy engorrosa. Grito, con todos mis pulmones. Apelo a todos los que me conocen y a todos los desconocidos. Si estoy moribundo y me enterraron, le pido auxilio a los espíritus, por si hay alguno, además del mío, rondando por aquí. El sonido retumba en estas cuatro paredes y termino por lastimarme los oídos. Que los santos intercedan ante Dios, nuestro Señor, por el espíritu de este cincuentón que se vio siempre cincuentón y que hubiera preferido cualquier cosa antes que este final largo y doloroso. Gritar me ha dejado exhausto. Quiero dormir. Me cuesta trabajo mantenerme despierto, pero me da la impresión de que, si cierro los ojos, no volveré a abrirlos. Quizá debería rendirme ya. ¿Qué tal que me despierto entre mis cobijas cálidas, tras experimentar la noche más alucinante de mis veranos? A pesar de construir estas ilusiones, parece que ya todos mis sentidos se hicieron a la idea de que vivo los últimos momentos en un ataúd. Embiezo a hablar como usté, árabe, que ha buesto una tienda de ropa a brecios muy bajos, como cuando interpreté al barchante Neguib. Después me acuerdo, no sé por qué, de la escena que interpreté en Pompeyo el Conquistador, en la persecución del hotel, en que me quiero camuflar en el ensayo de las bailarinas para el show nocturno. Suelto una carcajada cuando recuerdo que René Cardona bromeó conmigo y me dijo que danzaba mejor que todas ellas.

“De cerca, tu cuerpo se ve más torneado que el de la más hermosa de las bailarinas”. Espero al menos haber dejado la huellita del dedo pulgar en la vida de mi hermoso país. ¿Trascenderé? ¿Será que alguien se acordará de mí en unos años como un artista y no únicamente como el gordito bonachón que aderezaba sus tardes? Ojalá que sí. Empiezo a reírme. ¿Es eso lo que me importa? ¿Pompeyo y mis curvas definidas, o la trascendencia? Vuelvo a reírme con fuerza ante las sandeces que, ya a estas alturas, me atrevo a pensar. Y luego no puedo dejar de reírme. “Me falta el aire de tanto reír”, pienso primero, pero me doy cuenta de que es una ironía. Me falta el aire, en realidad, porque aquí ya no hay oxígeno que respirar. ¿Cuánto tiempo llevo aquí? Solamente Dios sabe. “En el nombre del Padre, del Hijo y del Espíritu Santo”. Rezo. “En la vida y en la muerte, ampáralo, gran Señora”. Un rosario doloroso y estoy listo para tomar la última bocanada antes de expirar. Cholita, te dedico mi último pensamiento, ya sea de esta pesadilla o de esta existencia. No quiero irme, mi Soledad Rebollo, la mera verdad no quiero. Me haces falta y apenas hace un tiempito que nos separamos. Ése es el mayor infierno. Quizá deba dar paso a lo que sigue: te espero del otro lado, ya sea para levantarme a cantarte por nuestro amor en un día veraniego de julio de 1955, o para recibirte con un bolero celestial en la atemporalidad del Paraíso. *LA FAMILIA DE JOAQUÍN PARDAVÉ DESMINTIÓ EL MITO QUE SE GENERÓ ALREDEDOR DE SU MUERTE: EL HISTRIÓN MURIÓ A CAUSA DE UNA EMBOLIA Y SU CADÁVER NO FUE JAMÁS EXHUMADO. LA FOSA ÚNICAMENTE SE ABRIÓ, AÑOS DESPUÉS, PARA ENTERRAR A SU ESPOSA, SOLEDAD REBOLLO. SUS RESTOS DESCANSAN UNO AL LADO DEL OTRO.

ILUSTRACIÓN: CARLOS BADILLO

Quizás estoy muerto o –¡qué angustia!– en el proceso de morir, porque me enterraron vivo. CINEPREMIERE.COM.MX DICIEMBRE 2016

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MARTINI L A G U Í A PA R A V I V I R E L C I N E

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HOLLYWOOD BOULEVARD 88

BILLY LYNN

Ang Lee y su cine hiperrealista


LOS IMPRESCINDIBLES

PREMIOS FÉNIX 2016

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FOTO: CORTESÍA PREMIOS FÉNIX

En la antesala de la temporada de premios, celebremos al cine iberoamericano este 7 de diciembre en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. Además, la fiesta iniciará diez días antes con la Semana Fénix, durante la cual habrá proyecciones y conferencias con los nominados a esta importante premiación. En cinepremiere.com.mx, y nuestras redes sigue toda nuestra cobertura y no te pierdas ningún detalle. los días 3 Todos son nuestros

El hombre de La Mancha

Es momento de volver a ese lugar de la Mancha de cuyo nombre no querías acordarte. El gran clásico de Cervantes ha conquistado al público mexicano en esta nueva adaptación teatral, protagonizada por Benny Ibarra y Carlos Corona. Cada detalle ha sido cuidado al máximo para montar un musical a la altura de Broadway. Emociónate con Don Quijote y Sancho Panza en el Teatro Insurgentes durante todo diciembre.

Catalina Aguilar Mastretta, directora de Las horas contigo, se aventura a escribir su primera novela. Hija de los reconocidos Héctor Aguilar Camín y Ángeles Mastretta, Catalina narra la historia de una mujer que se divorcia tras diez años de matrimonio. ¿Cómo lidiar con la tristeza? ¿Cómo superar el duelo? Con divertidas referencias a la vida moderna y a una que otra película, la autora trata de dar respuesta a esas difíciles preguntas.

FOTO: CORTESÍA MEJOR TEATRO

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Del 1 al 4 de diciembre, se realizarán cuatro eventos culturales imperdibles en la CDMX que incluyen una proyección en la Cineteca Nacional de El hombre de la cámara –icónico documental de 1929 de Dziga Vértov–, y la musicalización en vivo de cortometrajes del legendario George Méliès, en el Auditorio Blackberry. Consulta la programación completa en bestiafestival.com


5 Memes cinéfilos

9Trainspotting

Hace 20 años, Danny Boyle estrenó una cinta que marcó a una generación. Sabemos que has visto este clásico más de una vez y que mueres por que llegue la segunda parte. Mientras, vale la pena conocer una visión distinta de la novela de Irvine Welsh. Disfruta de la versión teatral todo diciembre en el Teatro Rodolfo Usigli, en Coyoacán. FOTO: CORTESÍA DILEMMA

¿Cuántas veces has hecho un chiste con alguna referencia cinematográfica y la gente te observa con extrañeza? Entendemos ese sentimiento, y justo por eso, te recomendamos visitar esta página de Facebook con más de 600 mil likes, en la que podrás encontrar memes, efemérides, escenas icónicas y recomendaciones fílmicas del cine mundial. Sólo advertimos que es probable que inviertas mucho tiempo mirando todo el contenido de esta fanpage.

to Black 6Back 10 años

10WWE Live 2016

En 2006, Amy Winehouse tomó por sorpresa a la industria musical con este disco. Su poderosa voz y desgarradoras letras la llevaron a la cima del éxito. Sin embargo, su adicción a las drogas y una fuerte depresión se la llevaron muy pronto. Afortunadamente, nos queda su legado musical que incluye dos discos, varios más lanzados de manera póstuma y un dueto junto a Tony Bennett que estremece a cualquiera.

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Joe Satriani en México

FOTO: CORTESÍA INBA

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El Cascanueces

El gran clásico de la temporada está de vuelta. Del 16 al 23 de diciembre en el Auditorio Nacional podrás escuchar la tradicional música de Tchaikovsky a cargo de la Orquesta de Bellas Artes mientras el ballet de la Escuela Nacional de Danza da vida a la pequeña Clara y al Príncipe Cascanueces, en esta historia que, aunque ya conocemos, nos emociona de principio a fin.

Si buscamos la definición de “guitarrista” en el diccionario, seguro encontramos la foto de Joe Satriani. Se dice que es capaz de tocar ese instrumento en todas sus formas y técnicas conocidas. Basta con escuchar cualquiera de sus temas o, mejor aun, verlo en vivo para corroborarlo. Asiste este 1 de diciembre al Teatro Metropólitan y disfruta de sus más grandes temas.

Un espectáculo de lucha libre siempre se convierte en un desborde de pasiones. Si estando frente a la televisión, los espectadores gritan, saltan y maldicen, imaginen lo que pasa en un evento en vivo de la WWE. Descúbrelo este 3 de diciembre en la Arena Ciudad de México… y después, si caes en la cuenta de que lo tuyo es la lucha libre, te recomendamos visitar algún día la Arena México.

11 Applicando a México

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MÚSICA

55 años de la película musical perfecta

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icen que es imposible asegurar que no te gustan las películas musicales si nunca has visto Amor sin barreras. Es decir, que de nada vale que hayas pasado revista una o más veces a La novicia rebelde, Cantando bajo la lluvia o Mi bella dama para considerarte enemigo del cine cantado, y mucho menos si te has limitado a mirar híbridos nacidos en este milenio como Moulin Rouge! o Los miserables, filmes que lo único que son capaces de provocar en un purista es un batallón de dolorosos retortijones. Lo más curioso es que una aseveración de este tipo, aunque radical, no es necesariamente incorrecta. Ahora, a 55 años de su gestación, Amor sin barreras es todavía un producto impecable, tan necesario y elemental para el género como, por ejemplo, podría ser El exorcista dentro del espectro cinematográfico de las posesiones diabólicas. Incluso, quien prefiere una tortura de ahogamiento en Guantánamo –que los hay– a mirar 15 minutos de Anita la huerfanita tendría difícil el hallar motivos precisos para encauzar su odio en un objeto tan milimétricamente cuidado. Tienen razón los que clasifican a este clásico como la mejor reinterpretación de Romeo y Julieta que se ha hecho para el cine. Las actuaciones, los diálogos, el momento histórico y geográfico donde se ubica, todo ello es llevado por el director Robert Wise y el codirector y coreógrafo Jerome Robbins a un nivel de perfección que entumece. Si bien, no hay un solo momento en el que uno olvide que tanta armonía es posible gracias a que lo dispuesto en escena orbita alrededor de una sola cosa: el trabajo de Leonard Bernstein (música) y Stephen Sondheim (letras).

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Unas cuantas notas

Bernstein era ya un compositor y director de orquesta reconocido cuando aceptó la empresa de musicalizar una nueva versión del drama shakespeariano. El proyecto se gestó para Broadway y nadie dudó en que su trabajo sería fuera de serie. Sin embargo, Bernstein se encontró con que escribir las letras que revestirían a sus notas era aun más complicado que dirigir la tercera sinfonía de Gustav Mahler. Después de darle rondas al círculo se contrató para ello a Sondheim, quien todavía no había cumplido la treintena ni mucho menos había creado esas piezas que en los años posteriores revolucionarían al género musical, como lo fueron Sweeney Todd o Into the Woods. Es así que esta insólita e irrepetible mancuerna de neoyorquinos creó la obra cumbre –al menos hasta ese momento– del universo broadwayiano. Y aunque a Bernstein no le gustó demasiado la orquestación que se hizo de su música para la adaptación cinematográfica, y varias letras de Sondheim fueron recortadas por la tijera de la censura, la virtuosa esencia del conjunto permaneció intocable a la hora de transmitirse a la pantalla. Así lo probarían los diez premios Oscar de la cinta, los dos premios Grammy que el soundtrack recibió –y que permaneció durante 54 semanas en el número uno de Billboard–, pero, sobre todo, un hecho bastante más elemental: la increíble facilidad con la que canciones como “Maria”, “Tonight”, “Somewhere“ o la exquisita “America” se quedan impregnadas en ciertas áreas del cerebro humano. Incluso sin haber observado nunca el filme, son temas que uno está seguro de haber escuchado en alguna ocasión, como si formasen parte de una suerte de inconsciente colectivo musical que flota permanentemente en la atmósfera. Dicen que Paul McCartney soñó la melodía de “Yesterday” y lo primero que hizo al despertar fue ir al piano a tocarla para comprobar que no la hubiese escuchado antes. Yo que él, habría revisado el catálogo de Amor sin barreras… por si acaso. –Carlos Jesús González


FOTO: NEWSCOM


LIBROS

El universo expandido de

Antes de la Batalla de Yavin y la destrucción de la primera Estrella de la Muerte.

a cronología de nuestra saga favorita abarca más de 27,000 años. ¡Imaginen la cantidad de historias que se han creado dentro de ella! Sin embargo, tras la compra de Lucasfilm por parte de Disney, mucho del universo expandido ha sido excluído del canon. Pero en la literatura podemos encontrar algunas que continúan vigentes y que complementan este gran cosmos creado por George Lucas. ¿Dónde se ubican estas historias con respecto a las películas? Descúbrelo.

Batalla de Yavin (año cero).

Después de la Batalla de Yavin y la destrucción de la primera Estrella de la Muerte.

La amenaza fantasma

El ataque de los clones

de Claudia Gray. Gracias a la historia de las viejas amigas y ahora enemigas Ciena y Thane, del planeta Jelucan, conocemos los eventos de la trilogía clásica desde los ojos del Imperio.

El Imperio contraataca

de Cecil Castellucci y Jason Fry.

La venganza de los Sith

Una historia de Star Wars

Una nueva esperanza

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de Greg Rucka. Han y Chewie, nuestros héroes favoritos, aún tienen grandes deudas que saldar. Aquí se enfrentarán a la escoria más temida de la galaxia.

de Jason Fry.

El regreso del Jedi

de Chuck Wendig. Tras la Batalla de Endor, los sobrevivientes del Imperio huyen al lejano planeta Akiva para recuperar fuerzas y planear su venganza contra la Nueva República.

de Greg Rucka. Rey, Poe y Finn, tenían vidas muy distintas. Aquí conocerás más de su historia, motivaciones y aventuras,OBY mucho antes de luchar contra la Primera Orden.

de Elizabeth Schaefer.

El despertar de la Fuerza


MINIPÓSTER


FICHA TÉCNICA

2015 DIR. JJ Abrams PRODUCCIÓN: JJ Abrams, Bryan Burk, Kathleen Kennedy GUION: Lawrence Kasdan, JJ Abrams y Michael Arndt SCORE: John Williams FOTOGRAFÍA: Dan Mindel

ELENCO: Daisy Ridley – Rey John Boyega – Finn Oscar Isaac – Poe Dameron Adam Driver – Kylo Ren Harrison Ford – Han Solo Carrie Fisher – Princesa Leia

Ganadora del BAFTA a Mejores efectos visuales y del American Film Institute Award a la Película del año. Nominada a cinco premios Oscar en 2016: Mejor edición; Banda sonora; Mezcla de sonido; Edición de sonido y Efectos visuales. Una de las frases más memorables de El despertar de la Fuerza ocurre cuando Han Solo y Chewbacca regresan al Halcón Milenario y el contrabadista dice: “Chewie, estamos en casa”. De acuerdo con la presidenta de Lucasfilm, Kathleen Kennedy, cuando Harrison Ford y Peter Mayhew llegaron al set a filmar esa escena, la producción conformada por 200 personas se quedó en silencio al ver a los icónicos personajes de la saga, que regresaban a la nave más de 30 años después de El regreso del Jedi. Harrison Ford se rompió una pierna a bordo del Halcón Milenario cuando una puerta de metal se cerró sobre ella y lo dejó incapacitado varias semanas. Tiempo después del lanzamiento de la cinta, JJ Abrams dijo que el accidente fue una “bendición disfrazada”, pues le permitió tomarse una pausa y ajustar algunos elementos del guion.


HOLLYWOOD BOULEVARD

EL HIPERREALISMO DE

ANG LEE

¿Qué tanto ves películas?

¿Siempre lo haces con un ojo crítico-analítico? ¿O acaso simplemente te pierdes en lo que se proyecta en la pantalla sin importar qué tan ridículo sea? ¿O qué tan granulado? Personalmente, yo tengo una apreciación esquizofrénica de las películas: por un lado, soy una cinéfila sofisticada (después de todo, mi trabajo es ver filmes), pero, por otro, soy capaz de disfrutar sin vergüenza de una atrevida comedia adolescente que no tenga cualidades cinematográficas redentoras. Otros amantes del cine, como mi esposo, no aceptan ver una película en la televisión si no es en un prístino canal en HD. En todo esto me hizo pensar la nueva y revolucionaria película de Ang Lee, Billy Lynn: Honor y sentimiento, estrenada en octubre en el Festival Internacional de Cine de Nueva York. Es la primera película filmada en 3D a 120 cuadros por segundo; es decir, cinco veces más rápido que una película ordinaria y, además, con una resolución en 4K. No estamos hablando de una película con simples efectos especiales, sino de una nueva manera de filmación y otro tipo de experiencia. Definitivamente fue diferente, más inmediato e inmersivo. Sin embargo, la tecnología para proyectar un filme como éste sólo está disponible en unos cuantos cines en EE.UU.

FOTOS: CORTESÍA SONY

¿120 cuadros por segundo? ¿Lo necesitamos? ¿Lo queremos?

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El equipo de Billy Lynn: Honor y sentimiento en el estreno en el Festival Internacional de Cine de Nueva York.

Billy Lynn: Honor y sentimiento es la primera cinta filmada en 3D a 120 cuadros por segundo; es decir, cinco veces más rápido que una película ordinaria. ¿Qué pasará cuando la veamos en una sala normal, en una televisión… o en un teléfono? Me pregunto cómo se verá esta tecnología al ser reducida a un formato tan pequeño. Y es que, proyectada en la pantalla grande, la cinta lucía completamente diferente a lo que estamos acostumbrados: daba la sensación de un hiperrealismo que parecía estar en tu cara. La pregunta que surge es: ¿realmente queremos estar así de cerca de una película? El drama antibélico de Lee yuxtapone los flashbacks de Billy en la guerra de Irak con imágenes de algunos soldados recién llegados a EE.UU., quienes tuvieron una extraña participación en el medio tiempo de un partido de los Vaqueros de Dallas. Cuenta con el novel Joe Alwyn como un reacio héroe y un elenco que incluye a Garrett Hedlund, Vin Diesel, Steve Martin y Chris Tucker. Kristen Stewart, quien interpreta a la hermana de Billy, dijo al respecto: “A todos nos dio miedo hacer esta película, no sólo por las implicaciones tecnológicas, sino también porque nos iban a ver de una manera en que nunca nos han visto. Creo que cruzar ese puente, el estar más cerca de los sujetos y bajar las barreras, es algo que todos tratamos de lograr. Ang sostiene que en las cintas normales él es capaz de ver fragmentos negros entre cada cuadro. A mí no me pasa eso cuando veo una película, amo los filmes en 35 mm. Me encantan. Amo lo que la imaginación hace para llenar esos cuadros, pero en este caso se obtiene una experiencia completamente diferente. Creo que Ang es uno de los mejores directores

en la actualidad y ser parte de sus primeros pasos en esta dirección es realmente cool. Tengo que admitir que todos estábamos algo aterrados, pero no en un mal sentido, sino en una gran, gran manera”. Durante décadas, la experiencia de ser audiencia ha sido descrita como un lugar donde uno puede dejarse llevar e ir a lugares que nunca ha pisado, a fin de permitirse ser tocado emocionalmente. ¿Esta nueva tecnología cambiará eso? “Tal vez, no lo sé”, dice Lee. “Tengo que ver cómo resulta. No di pequeños pasos. Hay dos razones por las que no me fui poco a poco a 48, 62, 96 y después 120 [cuadros por segundo]. Creo que se necesita distancia para dejar claro lo que quieres. Debo hacerlo obvio si quiero dar el salto, y ese salto es más útil que dar pasitos. Quién sabe, una vez que te acostumbres a esto, tal vez querrás ver algo más emocionante. Puede que quieras ver 480 cuadros o algo más se habrá inventado. Creo que nuestra relación con las películas puede cambiar también”. Algunos críticos dijeron que el innovador proyecto fue innecesario y un fallido ejercicio tecnológico, pero, después, el veterano director Douglas Trumbull –cuyo trabajo inspiró a Lee– lo defendió al decir que la presentación en Nueva York proyectó el filme con demasiada luz y sin que el proyector tuviera los ajustes necesarios. ¿Mi veredicto? Una vez que me acostumbré a cómo se veía, mi parte menos crítica superó la extremadamente inmersiva tecnología y disfrutó la película. ¿No es eso lo importante? –Vera Anderson / Corresponsal Hollywood

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CINE EN CASA

MAD MAX HIGH-OCTANE COLLECTION Santos inocentes Un inesperado giro en el guion puede lograr que una película nos sorprenda como un balde de agua helada. No todas las cintas, sin embargo, son capaces de lograr un “Keyser Söze” (ver la cinta Sospechosos comunes) con precisión de relojería de la manera en la que lo hacen los cinco títulos siguientes. Feliz día de los Santos Inocentes. Nota: evitamos spoilers. –Carlos Jesús González

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REBECCA (1940)

¿Una persona muerta puede seguir influyendo en la vida de los otros? La suma de talentos de Daphne Du Maurier (novela), Alfred Hitchcock (dirección) y Laurence Olivier y Joan Fontaine (actuación) gestó una película perfecta que se da el lujo de incluir no una sino dos vueltas de tuerca impecables. En una entrevista, Scorsese confesó haberla visto al menos 14 veces. Por algo será.

EL JUEGO (1997)

David Fincher es un contador de historias tan condenadamente bueno que uno a veces se le olvida que Seven, El club de la pelea o Perdida tienen su ADN saturado de elementos sorpresa. Aquí literalmente se la jugó con un quiebre que, en manos de otro, habría arruinado por completo al filme. Pero, repitámoslo, es David Fincher.


Videómetro

Escuadrón Suicida

El gigante de hierro

Revive la furia en el camino… en blanco y negro

E

l color de una carretera árida en medio del desierto es sumamente distintivo de día o de noche, pero quizás esos colores nunca se han visto tan saturados y crudamente bellos como en Mad Max: Furia en el camino, el vertiginoso filme de acción del cineasta australiano George Miller, que apenas el año pasado causó enorme furor entre la audiencia y la crítica por sus sofisticadamente viriles escenas de acción y sus potentes protagonistas: Tom Hardy y Charlize Theron. Por su silencio y su apoyo en frenéticas persecuciones, no pocos imaginaron que la cinta nominada a diez Oscares (incluida Mejor película) y ganadora de seis preseas, podría verse como un filme mudo e incluso en un prístino blanco y negro: una especie de El maquinista de La General (1926), de Buster Keaton y Clyde Bruckman, pero en esteroides y con aire feminista. Sin embargo, ¿qué no eran esos fortísimos y vívidos colores parte importante del atractivo de Mad Max? Esperen a verlos en la versión Black & Chrome. Disponible en la High-Octane Collection –box set de ocho discos con la saga de Mad Max en HD–, Miller comparte una versión de su distópica visión futurista en blancos y negros de alto contraste, que enriquece la experiencia de revisitar esos áridos caminos y admirar ciertos detalles de la película con mayor atención. También cuenta con una jugosa cantidad de extras que los fanáticos de esta saga recibirán como un enorme brote de agua en medio de una desértica sequía. –Jorge Negrete Mad Max: HighOctane Collection Lanzamiento: DIC 6 $74.99 USD amazon.com

EL PROTEGIDO (2000)

¿Cómo no incluir en la lista al mismísimo rey del twist (narrativo)? Después de El sexto sentido y el famoso “Bruce Willis está muerto”, ésta es, en definitiva, la película más rescatable del malogrado M. Night Shyamalan. Mirada hoy día, con los superhéroes situados en la cumbre de la cultura popular, se antoja más contemporánea que nunca.

EL ORFANATO (2007)

Un monstruo viene a verme reconfirmará a J.A. Bayona como el cineasta español más sólido. Aunque todo inició con esta insuperable ópera prima. Acostumbrada a los típicos volantazos del género, nadie en la audiencia esperaba que en las cintas de horror también hubiera sitio para la más triste de las tristezas. Es una de esas películas que te obligan a picarle al botón de rebobinado varias veces.

Lanzamiento: DIC 16 En 1999 llegó esta hermosa cinta animada y se convirtió en un clásico instantáneo. El debut cinematográfico de Brad Bird conquistó a la crítica mundial y le abrió paso en el mundo de la animación. Revive esta entrañable amistad entre un robot y un joven rebelde en esta edición de lujo con horas de material adicional, un libro de 32 páginas, una figura coleccionable del gigante y una carta del director de Los increíbles y Ratatouille. Lo más destacado: • Versión original y edición definitiva • Escenas inéditas • Detrás de cámaras

Lanzamiento: DIC 16 Vaya polémica y debate que provocó esta cinta: desde la emoción causada por los trailers, hasta la molestia por no haber visto más al Joker de Jared Leto, pasando por su repentina ausencia en las salas de Cinemex. Si estaban a la expectativa de esas escenas que se quedaron fuera del corte final, ésta es su oportunidad de conocerlas. ¿Cómo le irá al DCEU el próximo año? La Mujer Maravilla y La Liga de la Justicia están por llegar.

Jason Bourne Lanzamiento: DIC 11

Star Trek: Sin límites Lanzamiento: NOV 25

El buen amigo gigante Lanzamiento: DIC 09

Amigos de armas Lanzamiento: DIC 16

THE PERFECT HOST (2010)

Coquetea con la serie B y el conjunto en general está bastante cargado, pero es un filme que nunca se olvida. La mitad de ello se debe a la genial actuación de David Hyde Pierce (el Dr. Niles Crane en Frasier) y, el resto, a unos manotazos argumentales que llevan a la cinta del thriller psicológico a la farsa absoluta. John Carpenter dirige un capítulo de How I Met Your Mother. Algo así.

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COLECCIONABLES

COLECCIONABLES No importa, ponte el casco imperial de Hasbro y con el modificador de voz electrónico podrás decir “Pueden irse a hacer sus asuntos; ¡muévanse!”. Únete al Imperio y elimina a la basura rebelde. Si lo prefieres, rescata a alguna princesa de la celda 2187 y escapa del tiroteo a través de un basurero. Recuerda tener cuidado con las puertas mal abiertas. ¿Por qué nadie le dijo a ese Stormtrooper que era demasiado alto? $1,799 MXN / walmart.com.mx

Escucha el tema principal de Star Wars compuesto por John Williams mientras la nave de la Princesa Leia es perseguida por una bocina de Destructor Estelar de 29 cm de largo. Reproduce la “Marcha imperial” vía Bluetooth con las bocinas iHome, cuyo alcance es de hasta 9 metros. ¡Mira el tamaño de esa cosa! La Estrella de la Muerte, de 21 cm, es completamente operacional: se enciende al usarla utilizando cristales Kyber recargables. Destructor Estelar $1,999 MXN Estrella de la Muerte $1,999 MXN mixup.com.mx

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Interceptamos una transmisión imperial codificada. Indica que es inminente la llegada de tu pedido de Hasbro Black Series. El mensaje fue enviado por las figuras de los personajes de Jyn Erso, el capitán Cassian Andor, K-2SO, Death Trooper y Kylo Ren. Todas miden 6” y poseen varios puntos de articulación. $20.99 USD (cada una) Set de seis: $134.99 USD (incluye la figura de Rey y BB-8) entertainmentearth.com

La figura de Darth Vader versión Rogue One incluye luces LED en su cinturón y en la empuñadura de su sable de luz. Las tropas imperiales están bien equipadas con rifles y pistolas láser: el Death Trooper Specialist puede encender las luces de su casco; el Shoretrooper carga accesorios en su cinturón y los Stormtroopers de Jedha traen sus mochilas con todo lo necesario para la batalla estelar. Las figuras de Hot Toys miden aprox. 30 cm, incluyen manos intercambiables, una base y un alto nivel de calidad y precisión en sus detalles. sideshowtoy.com Darth Vader $249.99 USD Death Trooper Specialist $234.99 USD Shoretrooper $204.99. USD Stormtroopers Jedha $354.99 USD

La línea de Star Wars de Nixon ofrece una gran variedad de diseños: Light Side y Dark Side Collection. Elige el Sentry C-3PO –inspirado en el disco del abdomen del androide de protocolo– o el reloj Super Unit Darth Vader, cuya función de calendario te ayudará a que la construcción de la segunda Estrella de la Muerte vaya de acuerdo a lo programado. Aun en el Lado Oscuro, Moff Tarkin siempre sabe cuál es la hora con los indicadores luminiscentes del reloj Nixon 51-30 Death Star. Es tiempo de demostrar el poder completo de esta estación. 51-30 Death Star $11,329 MXN Super Unit Darth Vader $7,079 MXN Sentry C-3PO $5,923 MXN elpalaciodehierro.com

El tostador de 20 cm de alto en forma del casco de Vader le pondrá a todo tu pan el logo de Star Wars. Posee un termostato para ajustar el poder de su Fuerza a la temperatura deseada y una charola para migajas removible para facilitar su limpieza. La rebelión será inmortalizada en un pan tostado con mermelada. $559 MXN / sears.com.mx

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EDITORIAL PLANETA Tras el éxito de Frozen, Grandes héroes y Zootopia, llega en diciembre la nueva película de Walt Disney Animation Studios, Moana: Un mar de aventuras. ¿Te gustaría llevarte la novela y otros cuentos? Para ganar sólo dinos el nombre de tres personajes de la película.

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CHURROS INOLVIDABLES

¡ HAN SOLO ! C

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on gran nostalgia recuerdo el año pasado cuando Michu, Luisito y yo derramamos lágrimas de emoción al escuchar a Han Solo decir: “Chewie, we’re home” en el trailer de El despertar de la Fuerza. Estábamos convencidos de que ahora sí había una nueva esperanza, sobre todo después de que Lucas jurara en 2005 que jamás de los jamases existiría otra película después de La venganza de los Sith. Tristemente resultó que el Episodio VII estuvo– por lo menos para mí y para muchos que conozco– muy lejos de lo que esperábamos. Y probablemente ése fue el problema: que las expectativas eran muy altas y que cada quien tenía su visión sobre cómo debió ser la siguiente entrega. Aun así, creo que muchos coincidimos en que la trama de El despertar de la Fuerza falla en ser demasiado parecida a la de Una nueva esperanza. Una heroína y un Stormtrooper bueno y afroamericano (no perdamos ni un segundo lo políticamente correctos) no son suficientes para hacer la diferencia. Y menos cuando desde el minuto dos adivinamos que Rey es hija de Luke, y eso que ni siquiera es algo oficial. Dirán los warsies de la nueva era que tengo esta opinión porque ya estoy ruca y probablemente tengan razón, pero sólo les recuerdo que eso quiere decir que soy una warsie original y, por lo tanto, llevo 33 años esperando saber qué diantres pasó con Luke, Han, Leia y Chewbacca. Digo, me merecía algo más, ¿no creen? Admito que me encantó que Leia se haya convertido en la mera mera de la Rebelión y, por lo pronto, en la única princesa de la tercera edad de Disney, pero yo lo que quiero saber es: ¿por qué se divorció de Han? ¿Chewbacca vivía con ellos? ¿Se habrá emocionado Luke cuando se convirtió en tío? ¿Por qué tuvieron ese hijo tan feo que no se parece a ninguno de los dos? ¿Con qué derecho el sádico de JJ Abrams remató de un empujón a Han Solo? ¿Será que Harrison Ford ya casi no puede caminar por la artritis? ¿Resucitará entonces en el episodio ocho pero en silla de ruedas? Quien sabe, y desde que Disney compró Lucasfilm, menos esperanzas tengo de encontrar las respuestas. Dicen que desecharon todas las ideas de George para los Episodios VIII, IX y X. Lo entiendo hasta cierto punto si entre ellas estaba convertir a Jar Jar Binks (que tiene más detractores que Peña Nieto) en el verdadero villano de la saga. Pero de eso a convertir a Star Wars en una franquicia más de superhéroes,

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ILUSTRACIÓN: LUIS SAN VICENTE

DEVUÉLVANME A

Resultó que el Episodio VII fue –por lo menos para mí– algo muy lejos de lo que esperábamos. Y probablemente ése fue el problema: que las expectativas eran muy altas. con películas cada dos años y spin-offs complementarios, estoy que me revuelco como tlaconete en sal. Llámenme romántica, pero me parece una herejía el que le arrebaten la mística de esa manera. Ni modo, me ha tocado vivir en un mundo donde lo único constante es el cambio y bien sé que o te aclimatas o te aclimueres. Y tengo que admitir que Rogue One no se ve nada mal, aunque el objetivo sea (otra vez) que una chavita intente destruir la Estrella de la Muerte. Si bien me parece un gran acierto que el director Gareth Edwards haya decidido integrar efectos, locaciones y vestuario de los 80 para darle el mismo look & feel, me preocupa que al mismo tiempo afirme que no va a ser demasiado ortodoxo, porque quiere brindar algo nuevo… que no será musicalizado por John Williams. Ante esto, no puedo evitar que venga a mi mente la segunda frase más repetida en todas las películas de Star Wars: “Tengo un mal presentimiento sobre esto”. Por el bien de la Fuerza, espero estar equivocada. –Hespergencia P. de Pento


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1. Vigencia del 1 de mayo al 31 de diciembre de 2016. Válido de lunes a viernes en salas tradicionales, 3D, Platino, Palco, Premium y CinemeXtremo. No aplica en alimentos y bebidas. Limitado a 4 boletos al mes. Para obtener el descuento, es necesario mencionar el beneficio al momento de pagar. Válido en todos los complejos Cinemex de la república mexicana. No aplica ni es acumulable con otras promociones, premieres, eventos especiales ni días festivos. El descuento aplicará sobre el precio del boleto del día domingo del cine correspondiente, incluyendo los miércoles.


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